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10 Dicembre 20<strong>05</strong> Cultura e Spettacolo Una Storia tra verità, menzogna e desiderio Pasoliniade: passato-presente-imperfetto. L’intellettuale sempre presente Poeta, regista, romanziere e saggista, Pasolini è un uomo che non soltanto esprime il reale che lo circonda e se stesso, ma in qualche modo interviene nella società, nel vivere comune, nella comunità di ieri come in quella di oggi, a trent’anni dalla sua morte avvenuta il 2 novembre del ’75. Trent’anni di misteri e supposizioni intorno a una fine tragica, per alcuni dipendente dal ruolo scomodo del poeta nella cultura e nel costume italiano, evidenziato ancor di più dallo stesso assassino, che dopo aver scontato sedici anni di prigione, afferma di non essere stato lui ad uccidere Pasolini all’idroscalo di Ostia. Questo mistero si lega alla strategia della tensione di quegli anni, alle stragi di Stato, alla mafia e al terrorismo; motivazioni che filtrano dalle immagini dell’ultimo suo film Salò o le 120 giornate di Sadoma e dalle pagine del romanzo pubblicato postumo, Petrolio. Ho usato il presente, perché Pasolini attraverso i suoi testi, letterari e filmici, continua a vivere; per cui leggerlo, sia come scrittore sia come cineasta, significa ritrovarlo sempre fra i vivi. “Credo di poter dire adesso che scrivere poesie o romanzi è stato per me il mezzo di esprimere il rifiuto di una certa realtà italiana, o personale, in un momento preciso della mia esistenza. Ma queste mediazioni poetiche o romanzesche frapponevano tra me e la vita una sorta di muro simbolico, uno schermo di parole… Esprimendomi con il cinema non esco mai dalla realtà, sono sempre in mezzo alle cose, agli uomini, ciò che mi interessa di più della vita, cioè la vita stessa”. Da queste parole dell’Intellettuale friulano una concezione della realtà come linguaggio, della letteratura e del cinema come tecniche che traducono ora per evocazione (letteratura) ora per riproduzione (cinema) il linguaggio primario e fondante della realtà. Ma quale realtà? La realtà crudele che ci ricorda l’orrore del mondo in cui viviamo e moriamo, in cui abitiamo; la disperazione della vita, ma anche la disperata vitalità, la cognizione del dolore ma anche la violenta felicità di vivere. Pasolini ci ricorda l’orrore ma anche la nostalgia della liberazione, la degradazione della nostra società ma anche il diritto a sognare. La sua crudeltà è in realtà dolcezza per la vita, grande ed umanissima apertura d’animo, che lo porta dall’impressione alla rappresentazione, dall’amore alla furia ostile. Il modo con cui Pasolini guarda il reale e il modo con il quale si mette in rapporto con il mondo è religioso e sacrale. Afferma a ragione lo scrittore: “Vorrei che le mie esigenze espressive, la mia ispirazione poetica, non contraddicessero mai la vostra sensibilità di credenti. Perché altrimenti non raggiungerei il mio scopo di riproporre a tutti una vita che è modello -sia pure irraggiungibile per tutti”. Pertanto Pier Paolo cercherà una lingua tendente ad identificare parola ed essere, religiosamente, Verbo divino e Carne umana; biblicamente: “In principio era il Verbo”- “Verbum caro factum est et habitavit in nobis”. Un linguaggio meditato e mediato dalla cultura, il più possibile vicino all’autenticità immediata della parola orale. È il linguaggio del popolo, dei lavoratori e dei ragazzi di vita, del proletariato e del sottoproletariato urbano. È la rappresentazione corale della gioia popolare contro il capitalismo e il palazzo dei potenti. L’amore per la cultura popolare è presente in tutta la sua opera: dai romanzi alle poesie, dai saggi sulla poesia popolare e dialettale al cinema, che regala a Pasolini la possibilità di giungere ad una descrizione più “naturale” della realtà. Pier Paolo Pasolini scandalizzò (alla pari di Fellini) il mondo dei benpensanti proponendo sullo schermo (come aveva già fatto nei romanzi Ragazzi di vita, 1955, e Una vita violenta, 1959) storie di vita e malavita che dai custodi della pubblica moralità in quegli anni (tra i decenni Cinquanta e i Sessanta) venivano definite squallide e indecenti, mentre i film che le narravano erano indicati come improponibili e inaccettabili. La battaglia per la difesa dei va- lori morali era combattuta, ancora un volta, sul terreno delle apparenze evitando accuratamente di scendere su quello della sostanza. Dal canto suo, Pasolini, che Gianfranco Contini, definiva «componente in umiltà», non esitava a indicare come religioso il suo modo di percepire e rappresentare la povertà. In Accattone (1961) si ispirava allo stile ieratico di Dreyer ( La passione di Giovanna d’Arco) per rappresentare un piccolo magnaccio del Pigneto come se fosse un santo. Mette in scena casi di malavita che hanno come protagonisti personaggi appartenenti al sottoproletariato. Privi di coscienza, in quanto non sono né borghesi, né proletari, essi conservano, anche nel compiere atti fuori della norma, una sorta di innocenza che, secondo il regista, si avvicina alla santità. In Mamma Roma (1962) e La ricotta (1963) faceva appello in maniera sempre più esplicita a composizioni figurative tratte dall’iconografia classica (Masaccio, Pontorno…) per accompagnare i «poveri cristi» della periferia romana nelle tappe (o stazioni) di un’autentica Via Crucis, che non poteva non concludersi con la Crocifissione e con la Pietà e che, di lì a poco, avrebbe combaciato con la Passione e con la Morte di Gesù ne Il Vangelo secondo Matteo (1964). Pasolini approda al Vangelo spinto da una sorta di necessità interiore. Era come se, giunto a quel punto, non potesse astenersi dal sottoporre a una reciproca verifica il testo di uno dei quattro Vangeli, preso alla lettera, e la realtà umana che in quel momento sentiva più vicina: i volti dei sottoproletari, già incontrati nei film precedenti. Qui la Basilicata si trasforma idealmen- Monte Carlo film festival L’unico festival del cinema interamente dedicato alla Commedia L’invito ufficiale arriva il giorno precedente l’apertura del festival. Perfetto! … da “Tapiro d’oro”, penso ridacchiando. Decido di partire comunque –si tratta del Monte Carlo film festival della commedia, sotto patrocinio del principe Alberto II . Come dire di “no”… L’unico festival del cinema interamente dedicato alla Commedia, diretto da Ezio Greggio e Mario Monicelli, che fa scoprire i diversi volti di questo difficile genere: sofisticato, morale, poliziesco, sociale, sentimentale, politico, leggero, satirico, ironico o semplicemente umoristico. D’altronde si tratta della Regina Commedia. Due registe e sceneggiatrici donne, la spagnola Chus Gutièrrez e la tedesca (di origine turca) Buket Alakus, hanno trionfato alla quinta edizione del festival. Hanno vinto il film spagnolo “El Calentito”, che si è aggiudicato il Platinum Award come miglior film, e il tedesco “Offside”. Tra gli ospiti d’onore Omar Sharif, Annie Girardot, Bud Spencer, Giuliano Gemma e l’equipe di “Striscia la notizia” guidata da Antonio Ricci. Non mancavano di certo ospiti dal sangue blu. Ad uno dei rinfreschi organizzati dal principato mi viene presentata una ragazza giovane e raggiante. Trasmette simpatia. Quando ha capito che sono bulgara, lei subito attacca a parlare in russo in modo disinvolto e sicuro. Si allontana per poco e qualcuno mi passa un comunicato stampa: “La principessa Natalia Strozzi ospite della 5ª edizione del Montecarlo film festival de la commedie…” Ok, è lei, una principessa. Nata a Firenze il 5 febbraio 1977 dal principe Girolamo e dalla Principessa Irina Reine, proprietari dell’antica villa di Cusona a San Gimignano (Siena), dove il primo ministro inglese Tony Blair passa l’estate. E’ stata invitata al festival in quanto sta per girare un film del quale però, per scaramanzia “reale”, non vuole parlare. Quindi, anche attrice. Il suo curriculum è impressionante. Ancora giovane, ma ricca di esperienze vissute intensamente, completamente dedicate alla danza ed alla musica e, soprattutto, in grande confidenza e familiarità con alcuni dei più grandi artisti del mondo: Rudolf Nurejev, Mstislav Rostropovich, Maja Plissetskaya, Andrea Bocelli, Gregory Peck, Alberto Sordi… Dopo aver vissuto alcuni anni in Russia per frequentare la prestigiosa e selettiva Accademia di danza “Kirov-Marinsky”, inizia una carriera internazionale come ballerina classica nei principali teatri europei e russi quali il Teatro del Cremlino. Poi il Festival di Spoleto, tournée in Giappone e Stati Uniti, il London Coliseum Opera. Recentemente è uscito il suo libro autobiografico “Facile da ricordare, album di ricordi di una giovane artista” corredato da più di 200 fotografie con i principali artisti internazionali dove viene raccontato l’esordio nel mondo della danza a fianco del grande maestro Rudolf Nureyev. Il libro autobiografico della giovane discendente del “filosofo” del particulare, Francesco Giucciardini e (per parte di madre) di San Stanislao, il Santo polacco venerato da Giovanni Paolo II, è per ora scritto solo in russo e presentato nei giorni scorsi a Mosca. INTERVISTA ALLA PRINCIPESSA STROZZI Come è la vita da principessa, Natalia? “Ma guarda, nel nostro secolo, nei nostri giorni avere un titolo nobiliare non vuol dire niente. Sicuramente quei mille anni di storia della mia famiglia li devo rispettare e portare avanti. Ma come vita e come persona non mi cambia assolutamente niente. Perchè in famiglia ci hanno sempre insegnato che la regola della vera nobiltà è l’umiltà e il rispetto per le persone. A 5 anni già sapevo che avrei ballato. Già a 14 anni ho detto “ciao” a mamma e papà, e sono andata in Russia, a studiare danza. Tutta mia la scelta. Ero lì nel 1991 durante la crisi economica del postcomunismo. Dormivo per terra, non avevo l’armadio, la vasca da bagno era arrugginita, riscaldavo l’acqua e la versavo… ho vissuto così, e lo farei fare anche ai miei figli, perché sono esperienze di vita, si deve provare di tutto. La mia giornata… sai che un artista vive di notte. Dopo lo spettacolo si va a cena, si chiacchiera. E quindi si dorme un po’ di più la mattina. E poi, tranquilla, inizio la mia giornata, mi preparo se devo fare un altro spettacolo. Invece se è un periodo nel quale non recito, mi occupo della mia azienda dei vini. Faccio il manager, vado all’estero per promuovere i nostri vini. Ho fatto anche il corso di sommelier… mi alterno tra il recitare e il mio business di famiglia”. Sei attenta alla moda, visto che gli occhi di tutti sono puntati su di te? “Odio fare shopping. E gli uomini mi dicono “sei da sposare”… perchè ho quello di cui ho bisogno. Passo da quella vetrina, vedo una cosa, dico “mi sta”, la prendo e vado via. Non mi piace passare ore e ore nei negozi. Ovvio che con la moda ho qualche “familiarità”, perché Laura Biaggiotti mi fece un vestito per “Romeo e Giulietta”, Givanshi mi ha regalato un vestito che aveva fatto per Oddie Happburn, per “Guerra e pace”… ma decisamente non seguo la moda, se una cosa mi sta bene la metto, tutto qua”. A parte la danza, quale altra “passione” hai? “Amo dipingere. Nuotare, stare con gli amici, rilassarmi. Sono molto “campagnola” se posso dire così…” So che a nessuno piace rispondere a que- te e fisicamente nella Palestina, i Sassi si tramutano nella magnifica, popolare, contadina Gerusalemme, ecc… Anche quando sembra allontanarsi dalla realtà per rifugiarsi nella narrazione mitica e favolistica (Edipo re, Medea, “trilogia della vita”: Il fiore delle mille e una notte, i racconti di Canterbury, Il Decameron), in verità, il suo, non è un disimpegno, ma un guardare ancor meglio ciò che accade nel nostro paese. Questi sono anche gli anni degli Scritti Corsari sulla polemica linguistica e sulle crude analisi della società fatta di violenza, di criminalità, di corruzione, di disgregazione civile e sociale: “Poi quando la realtà ha preso a sfuggirti e tu la inseguivi come un aereo che vuol spostarsi con la velocità della terra per rimaner sempre nel sole, hai preso a cercare il proletariato, anzi i poveri e la loro bellezza, fuori d’Europa, in Asia e Africa, e anche in America, purché inorganica negativa floreale”. Di fronte all’orrore di una comunicazione devastante e devastata Pasolini decide di indirizzare al cuore l’orrore e l’inferno della contemporaneità con il film Salò o le 120 giornate di Sodoma che sarà il primo ed ultimo capitolo della “Trilogia della morte”. Quindi il film è un amarissimo bilancio, è il non violento, che vuole a tutti i costi seguire, investigare, rispecchiare le modalità della violenza che include l’erotizzazione della pulsione di morte. È un quadro apocalittico che congiunge borghesia e popolo. Ora le due storie si sono unite e tale unificazione è avvenuta sotto il segno e per volontà della civiltà dei consumi e dello sviluppo. La morte tragica di Pasolini svela un eroe che ha avuto il coraggio; il de- sta domanda, ma la vita sentimentale? Il “principe azzurro” c’è? “Oh, Dio… Cerco sempre di non parlarne, perché ogni volta che ne parlo poi va male… però diciamo che si, in questo momento qualcuno c’è, ma fin ora non ho pensato a un passo più serio. Non voglio mai pensare al futuro. Il passato è storia, il futuro è immaginazione, e il presente è un regalo. Quindi io voglio vivere il momento. Se adesso mi dicono “carriera o famiglia”, non ci penso tanto. Certo che vorrei una famiglia, ma ci penserò domani. In questo momento vorrei pensare a me stessa e a quello che mi piace nella vita. Sono cocciuta, testona, voglio arrivare in fondo a quello che ho iniziato. Ma anche fragile, tante cose mi possono ferire. Ho imparato però di non farlo vedere, sono un muro perché se no piango…sono un po’ tra le nuvole ma allo stesso tempo molto pignola. Acquario, un contrasto”. Con chi della tua famiglia hai un legame più forte? “E’ una domanda cattiva questa. Ero molto legata alla nonna, ma lei non c’è più. Se devo dire proprio un segreto, prima era mia mamma, ma poi le cose sono cambiate… adesso la persona che sento più vicina a me è mia sorella”. Di tutti i personaggi che hai conosciuto, chi t’ha lasciato il segno più profondo? “Senza ombra di dubbio, Nurejev. Lui è unico, senza togliere niente agli altri grandi geni del cinema, della danza, della musica e della politica…”. Sei ancora troppo giovane per scrivere un libro autobiografico. Perché lo hai fatto? “Secondo me non si dovrebbero giudicare le persone dall’età, ma dalle proprie esperienze. Credo di aver vissuto tanti momenti unici con grandi personalità e avuto un’ intensa carriera di ballerina, che ho lasciato per il cinema e il teatro, e per questo ho scritto questo libro, cosicché tutti questi ricordi non andassero perduti. Questo libro è per me “Una consolazione del rimpianto della carriera passata”. Hai detto che già a 5 anni sapevi che avresti ballato. Perché hai scelto la danza? “A volte non c’è risposta al perché: a 5 anni sentivo e sapevo che la danza era la mia vocazione”. Un tuo ricordo forte dell’infanzia? “Ricordi ne ho tanti, ma quello che mi rimar- siderio disperato, mortale di combattere sempre tra la dolcezza più tenera e la più tragica rappresentazione della violenza in sé e nel mondo attorno a sé. È ancora un mistero la sua morte; ma più misteriosa la sua arte: raccontare la crudeltà, l’osceno con lo sguardo del miracoloso. In una città, Trieste o Udine, per un viale di tigli, quando di primavera le foglie mutano colore, io cadrò morto sotto il sole che arde, biondo e alto, e chiuderò le ciglia lasciando il cielo al suo splendore. Sotto un tiglio tiepido di verde, cadrò nel nero della mia morte che disperde i tigli e il sole. I bei giovinetti Correranno in quella luce Che ho appena perduto, volando fuori dalle scuole, coi ricci sulla fronte. Io sarò ancora giovane, con una camicia chiara, e coi dolci capelli che piovono sull’amara polvere. Sarò ancora caldo, e un fanciullo correndo per l’asfalto tiepido del viale, mi poserà una mano sul grembo di cristallo. Pier Paolo continua a vivere in ogni intellettuale che continua ad esortare e provocare. Rocco Roberto Cacciatore Silvia Ivanova con la principessa Natalia Strozzi (in rosso) rà sempre nel cuore sono tutti i momenti passati insieme al grande Rudolf Nureyev, specialmente le lezioni che mi dava sulla spiaggia in costume da bagno!” Il tuo piatto preferito preparato da te stessa? Ti piace fare la “casalinga”? “A me non piace cucinare, ma se proprio devo, posso essere molto creativa. Quando abito da sola, per forza devo occuparmi della casa e quindi di tutte le faccende “da casalinga”, che faccio abbastanza volentieri”. Conosci tanti principi, immagino. Chi ti affascina particolarmente e perché? (non intendo chi avresti sposato) “Io ho conoscenze un po’ dappertutto e di tutti i “generi”. Di Principi ne conosco ma nessuno mi affascina particolarmente; in ognuno trovo qualcosa di positivo e qualcosa di negativo, perché ogni individuo ha la sua personalità”. Come deve essere il tuo uomo ideale? “Innanzitutto deve essere una bella persona dentro, che mi rispetti, deve ispirare fiducia, sincerità e deve essere dolce e allo stesso tempo virile e protettivo”. Un progetto non realizzato che ti sta a cuore e che prima o poi pensi di realizzare? “A 19 anni mi avevano proposto di danzare “Giselle” al teatro Kirov Marinsky di San Pietroburgo (dove ho lavorato per 4 anni) e allo stesso tempo avevo gli esami di maturità in Italia. Ballare “Giselle” era il mio sogno, ma ho scelto di dare gli esami! Ormai non credo che ballerò più “Giselle” dato che ho smesso di danzare, ma spero di realizzarmi come attrice, soprattutto di cinema o di televisione”. Silvia Ivanova
“La tigre e la neve” La storia di un amore non ricambiato. Attorno: la guerra in Iraq Cinema e Spettacolo Dicembre 20<strong>05</strong> L’ultimo gioiello di Roberto Benigni: “La tigre e la neve”, un film sull’amore e sulla poesia che ha sullo sfondo la guerra irachena. Attilio (Roberto Benigni) è un poeta italiano, padre di due adolescenti ed innamorato di una donna Vittoria (Nicoletta Braschi), che, però, non lo ricambia. Per lei, ferita a Baghdad, il caro Attilio si muoverà in situazioni esilaranti e superlativi per aiutarla a trovare una medicina in grado di ridurre l’edera cerebrale che la sta uccidendo. Così, anche lui si recherà a Baghdad e qui incontrerà l’amico poeta arabo Jean Reno, che dall’Europa torna in Iraq durante la guerra. Siamo nella primavera del 2003, in Iraq, all’inizio del conflitto. E qui il povero Attilio che non conosce una parola di arabo, combatterà la sua guerra personale in una terra dilaniata dall’orrore, armato solo della sua poesia. Nonostante il film possa sembrare ripetitivo e troppo dolciastro nella sua struttura narrativa e nella messinscena, non si può nascondere il talento di Benigni attore che tra una sventura e l’altra ci regala momenti di una comicità sublime che rimarranno nell’immaginario collettivo: come, quando saltella su di un campo minato come se fosse un canguro per inseguire la sua amata, o quando dialoga col dromedario. Non si può definire La tigre e la neve un film sulla guerra irachena, anche se è ambientato in questo contesto, ma sulla poesia e sull’amore che tutto vince, anche ciò che può sembrare impossibile, come la malattia di Vittoria. Pensiamo alla scena sulla lezione tenuta dal professore Attilio e alle diverse citazioni letterarie o al sogno dei quattro poeti: Borges, Montale, Ungaretti, Yourcenar. Qui la guerra è solo evocata, è proprio l’amore che spinge e prende il sopravvento, la voglia di vivere, nonostante la vita sia disperata. È Benigni stesso che sottolinea che la forza del suo film è nel sentimento e gli iracheni e gli americani sono solo sullo sfondo. I posti di blocco in cui si imbatte Attilio sono di marines americani, visti con gli occhi di un poeta: “Sono ragazzi, verso di loro non esprimo giudizi, ma mostro la mia pietas”. Sulla scia di questo amore universale, Benigni si muove tra i sogni di Fellini e la comicità di Chaplin. In sogno con mutandoni, calzini e canottiera, Attilio porterà la sua amata Vittoria all’altare sulle struggenti note di You can never hold back spring cantata live da Tom Waits; in un prato circondato da antiche mura romane davanti a una platea in cui si riconoscono i quattro poeti. “Il sublime –afferma Benigni- deve sempre essere sorvegliato dal comico. Se dovessi vergognosamente indicare un modello a cui mi sono ispirato inopinatamente per questo film è il maestro Chaplin di Luci della città. Qui il protagonista fa la sua guerra per una donna in coma, lì Chaplin la fa per una ragazza cieca. E sulla scena finale ho quasi copiato l’inquadratura. È un tributo pagato al Maestro La stagione autunnale consacra le sue migliori fiction, quando ci propone storie e fatti importanti per le generazioni future. Come nel il caso di Mediaset che ci ha raccontato la storia di Nicola Sacco e Bartolomeo Vanzetti: l’ingiusta condanna di due immigrati italiani giustiziati innocenti sulla sedia elettrica americana. Fiction per la regia di Fabrizio Costa, con Sergio Rubini nel ruolo di Sacco, Ennio Fantastichini in quello di Vanzetti ed Anita Caprioli in quello di Rosina, moglie di Sacco. Mai come oggi, raccontare quella vicenda è così di attualità: illegalità, sopraffazione, sfruttamento dei più deboli, libertà d’espressione sono temi più che mai attuali perché viviamo in un secolo di ingiustizie. Siamo ai primi del Novecento, l’arrivo in America (terra di libertà, democrazia e lavoro) della povera gente pronta ad abbandonare le proprie radici e i propri affetti, per rimettersi in gioco e ripartire da zero; come Nicola Sacco, ciabattino che credeva nella famiglia e Bartolomeo Vanzetti idealista anarchico. Ad accoglierli nel quartiere italiano don Mario, la sua bontà e la sua saggezza, la casa del suo Signore aperta a tutti, anche agli anarchici, perché cambiare il mondo è giusto se esso è ingiusto. Lo sguardo di Sacco è intimidito, ma anche affascinato; così il regista lo mostra e lo segue con la sua macchina da presa (mdp), mentre percorre il suo cammino e stanza dopo stanza scoprirà il bel volto della sua Rosina, che danza sulle tristi note di Giselle, amore disperato ma intenso come sarà il suo. Se l’amore e la solidarietà traspaiono dal quartiere italiano, dall’altra parte, il regista analizza la corruzione del potere razzista e sopraffattore, che ha il solo compito di denigrare e soggiogare la povera gente che emigra in cerca di fortuna. Pertanto il potere della stampa, cioè l’informazione venduta, serve il potere, occultando la verità; mentre il Vanzetti sottolinea come solo la cultura, intesa come istruzione, può sconfiggere quei padroni dei cantieri che hanno un solo compito: quello di sfruttare i poveri immigrati. Da qui parte la rivoluzione, quella fatta di parole, che annuncia: libertà e democrazia. “Se l’America è un paese libero, dov’è la libertà e la democrazia quando manca la dignità umana?” E’ questa la dignità che don Mario predica nell’omelia per la morte del padre di Rosina, avvenuta durante il lavoro; dove in alto il regista illumina il Cristo in croce, metafora dello sfruttamento di questa gente, costretta a lavorare in condizioni disastrose e massacranti. ”. R. R. C. Vanzetti invoca lo sciopero, la lotta per cambiare il sistema: una lotta pacifica fatta solo di parole e non di azioni violente: “Pianterò un albero e renderò universali le città… Per te democrazia, mia donna, per te faccio vibrare questi canti”. Ma al cantiere non c’è posto per gli anarchici e il sindacato: Saccho è licenziato. Si è licenziati e messi a morte se si è contro il potere del governatore e delle sue idee, non importa se nel corteo ci sono donne e bambini; bisogna fermarli e se è necessario ammazzarli tutti. Si vuole impedire un futuro migliore alle nuove generazioni; infatti Rosina, durante la manifestazione contro la guerra, perderà la sua seconda gravidanza. Tre maggio 1920, Sacco e Vanzetti vengono arrestati per rapina e duplice omicidio; inizia la loro discesa. Il regista nella seconda parte del film, la più intensa, evidenzia ancor più il contrasto tra bene e male, tra verità e menzogna e il processo, col suo tragico finale, diventa simbolo di libertà e giustizia. Il merito di Fabrizio Costa è di averci regalato una vicenda umana filmata nei minimi dettagli, dove l’aula del processo diventa luogo di razzismo e malvagità; mentre il posto degli imputati, il più pulito e sincero. Sacco e Vanzetti sono due animecristo e la loro integrità e purezza non sarà scalfita neanche quando il potere, sopraffatto dalla verità di mezzo mondo, proporrà la grazia solo al Vanzetti, il quale risponderà: «Io Nicola non lo lascio». La solidarietà tra i compagni di cella, il suono dei cucchiai sui cancelli, è una delle scene più emozionanti del film, e da qui in poi il film è un climax ascendente di rabbia, tristezza e amarezza, che ci porterà fino a quel 23 agosto del 1927 su una sedia elettrica. E che tono alto, dignitoso e sublime le sue ultime parole davanti al giudice, la corte, i presenti in aula: “Sono colpevole di essere un radicale, un italiano, un anarchico, un socialista, uno vicino agli uomini. Mi avete tolto l’amore e la voglia di sognare. Grido la mia protesta contro l’ingiustizia; insegno agli uomini di avere dignità, a far capire loro i doveri ed anche i diritti. Ci rivedremo in un’altra vita, migliore di questa”. Ancora oggi, purtroppo, la cronaca si ripete: il regista ha voluto raccontare questa storia anche per far capire meglio il tema dell’immigrazione, in un paese come il nostro in cui c’è un alto numero di immigrati. Adesso stiamo diventando sempre meno tolleranti davanti a questa povera gente che è vista come il nemico che vuole toglierci il lavoro, ma che è solo un gruppo disperato in cerca di fortuna, come lo erano Sacca e Vanzetti. Forse se si racconta una storia di due italiani immigrati e disprezzati riusciremo a capire meglio quello stato di cose e ad immedesimarci di più per riuscire a non disprezzare ma ad aiutare chi è meno sfortunato di noi. Questo è il messaggio positivo della fiction: nel mondo c’è posto per tutti. Nel 1977 Nike (Nicola Sacco) e Bart (Bartolomeo Vanzetti) sono stati riabilitati da quell’accusa ingiusta. Rocco Roberto Cacciatore Ogni volta che si parla di Torino, mi dicono che è una città fredda e grigia, provinciale. Che non ha tanto da proporre ai suoi cittadini, figuriamoci ad un ospite. Rispondo sempre che non è proprio come si dice. Certo oggi Torino è tutto un cantiere che si prepara alle Olimpiadi del 2006, ma la capitale italiana dell’arte contemporanea esprime una realtà tutt’altra che grigia. Anzi, è una città dove regna il verde; dove principalmente regna -insieme alla Fiat- il Cinema con il suo Museo, la strepitosa ambientazione della Mole Antonelliana, dove si è svolta la serata di chiusura del 23° Film festival. Al “Torino Film Festival” manca però la mondanità. Mancano i nomi famosi del grande schermo hollywoodiano e non si sfoggiano i vestiti di gala come a Cannes, Venezia, Los Angeles… I riflettori abbaglianti non vengono puntati su vincitori e conduttori di fama mondiale. La sala del vecchio cinema “Lux”, il più vecchio di Torino, è rimasta uguale nella serata di consegna dei premi. Durante i giorni del festival potevi avvicinarti liberamente al personaggio che ti interessava e discutere con lui del suo lavoro, dei suoi progetti e scambiare tutte le idee… È tutto cosi compatto e normale. Motivo per il quale amo i festival di questo genere: non sono dispersivi e frenetici; sono fatti su misura “Sacco e Vanzetti” di Fabrizio Costa Una storia di ieri per capire tante storie di oggi 23esimo Film Festival A Torino, niente riflettori su vincitori e conduttori di fama mondiale per gente comune. Ovvio per gente che ama il cinema. Certo che i cinefili hanno avuto chi incontrare: Claude Chabrol, Walter Hill, Alfred Green, Amir Naderi, i “nuovi” Lav Diaz e Lodge Kerrigan, il siciliano Vittorio de Seta al quale è andato il premio Cipputi alla carriera. E, infine, Isabella Rossellini che ha presentato il film “Mio Padre ha 100 anni”. Tutto suo dalla sceneggiatura alla ripresa, al montaggio. Una “lettera d’amore” di 15 minuti dedicata al Padre come lo ricorda lei. Su come è nata l’idea e sulla sua famiglia, Isabella ne parla volentieri in un in- Via Molinari, 4 - C.da Pezzamandra - Misterbianco (CT) contro stampa durante il suo soggiorno torinese. Lei, donna immagine della eleganza femminile, si presenta vestita con un abito maschile “perché è più comodo”, risponde. INCONTRO CON ISABELLA ROSSELLINI My Dad is 100 Years Old Genesi del film. - Nel 2006 mio padre compirebbe 100 anni. Ho pensato molto a cosa fare: restrospettive, articoli, libri. Poi mi sono detta: «e se non succede nulla?» Allora ho deciso per il film, una cosa mia, che posso fare solo io, non il solito documentario con le immagini di repertorio, ma un film interno, basato sulle cose che avevo in testa. I personaggi. - Ho cercato di dialogare con persone che avevano idee sul cinema diverse da mio padre. Alfred Hitchcock; il produttore David O. Selznick, che aveva un contratto con mia madre, pur non avendo mai lavorato con mio padre co- nosceva tutti i suoi film; Federico Fellini, grande amico di papà per cui ha scritto molto; Charlie Chaplin di cui papà aveva una foto sul comodino e che nel film appare come un angelo. Mettersi in gioco come attrice. - All’inizio avevo disegnato il copione per far capire a Maddin cosa volevo. È stato lui a darmi l’idea di interpretare tutti i personaggi perchè solo io sapevo quello che volevo, solo io sapevo cosa avevo in testa. Così ho provato e direi che ha funzionato: in particolare mi è piaciuto il mio Selznick, molto virile. Mio padre non voleva che facessimo gli attori, per questo l’ho fatto solo dopo la sua morte. Il primo film che ho interpretato, dopo Il Papocchio in cui facevo me stessa, è stato Il prato (1979) dei fratelli Taviani: mi ricordo un grande conflitto interiore perchè papà aveva molta stima di loro e aveva premiato a Cannes il loro Padre, padrone. Quindi da una parte io volevo fare il film con i Taviani, ma dall’altra era come andare contro i voleri di mio padre. Fu mia madre che un giorno mi disse: «Tuo padre faceva i film con i non-attori, quindi anche tu puoi fare la non-attrice». La scelta di Guy Maddin. - Tre anni fa abbiamo fatto insieme il film The Saddest Music in the World, che presto uscirà in Italia. Guy vive in un piccolo paesino sperduto ma ricco di arte. Quando mi ha mandato il suo film The Heart of the World sono rimasta letteralmente incantata: i suoi film sono “rovinati”, sembrano disintegrarsi, la sua è un’estetica della fragilità alla Méliès. Il Sundance Film Festival ha comprato My Dad is 100 Years Old e volevano proiettare anche Roma città aperta perchè da 18 anni non si vede in America. Originariamente il mio film era pensato per l’America e avevo in mente di fare una retrospettiva nelle Università per far conoscere agli americani l’opera di mio padre. Maddin è molto popolare tra i giovanissimi per cui l’ho usato un po’ come esca e lui si è prestato molto volentieri. La grande pancia. - Papà diceva sempre che invidiava le donne, che avrebbe voluto vivere la gravidanza e allattare i suoi figli. Io da bambina era convinta che fosse incinto perchè credevo potesse fare tutto. Papà stava sempre a letto, lo vedevamo spesso in pigiama e io abbracciavo il suo grande pancione: per questo nel film ho usato questa immagine buffa. I film di papà sono dei grandi drammi, strappano le lacrime: io ho voluto fare dell’umorismo per ritrovare la mia voce. Ingrid Bergman. - La frase secondo cui la carriera di mia madre sarebbe stata rovinata da Rossellini compare in un libro di Hitchcock. In realtà mia madre diceva di essere stata lei a rovinare la carriera di papà. I film che hanno fatto 11 insieme all’epoca non avevano avuto grande successo, solo ora cominciano a essere rivalutati. Roberto Rossellini e la sua famiglia. - Pur abitando quasi tutti in posti diversi siamo molto in contatto. Siamo 6 fratelli: Renzo, si occupa di cinema, Roberto è un pittore, mia sorella gemella insegna all’Università, Raffaella si è convertita all’Islam ed è sposata con un musulmano: Gill che è paraplegico. Ho adottato un figlio, Roberto, che è nero con gli occhi blu: mio padre sarebbe stato felicissimo di lui. È difficile dire cosa mio padre mi abbia insegnato, papà era unico. Anche quando ero in terapia mi chiedevano di raccontare il rapporto con mio padre ma io non potevo spiegarlo e dicevo che se avessero conosciuto Rossellini avrebbero avuto anche loro il complesso di Elettra. La cosa più sorprendente è stata imparare tutto ciò che mio papà non mi aveva insegnato: ad esempio, ho sposato Martin Scorsese e poi David Lynch ed entrambi parlavano continuamente di cinema. Io pensavo avessero sempre dei problemi di lavoro e invece ho scoperto che i cineasti parlano di cinema. Mio padre invece ne parlava raramente. Stromboli, terra di Dio. - L’ho scelta perchè è da lì che sono nata. Se non ci fosse stata Stromboli, terra di Dio non sarei mai venuta al mondo. Silvia Ivanova
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alba settembre 05 - CRIEA

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