Artisti del Chianti

CATERINA PACENTI 

ARTISTI 

DEL 

Chi a nti

CATERINA PACENTI 

ARTISTI 

del 

Chi a nti

COLLANA 

Artisti in Toscana 

13 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Ha collaborato alla realizzazione di questo volume 

Lucia Raveggi 

Con il contributo di 

Villa 

Gisella 

FIRENZE 

Con il patrocinio 

COMUNE 

di Greve 

IN CHIANTI 

Il volume è realizzato da 

Iª edizione ottobre 2014 

ISBN 978-88-6039-330-2 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it 

Finito di stampare nel mese di ottobre 2014 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

www.novaartigrafiche.it 

In copertina: Il borgo di Montefioralle (foto Caterina Pacenti) 

Nel retro di copertina: Badia a Passignano

Artisti del Chianti 

PREFAZIONE 

Questo libro nasce dalla volontà di portare 

alla luce e far conoscere le personalità 

artistiche presenti nell’area 

geografica che si estende per molti 

chilometri attraverso alcune delle campagne più 

belle d’Italia: il Chianti. Territorio di antica memoria 

e ricco di storia, luogo di vacanza e di ritiro, ma 

soprattutto di duro lavoro, strettamente connesso 

con la terra e nel rispetto della natura che ne 

costituisce la più grande risorsa. 

Tra i filari di viti e gli oliveti è facile scorgere opere 

di estrema raffinatezza, qualità, significato, devozione; 

quasi che la natura rigogliosa circostante 

fornisca linfa all’uomo che si confronta con essa, 

più o meno consapevolmente, attraverso l’arte. 

Abbazie, ville, chiese, borghi, strade, tabernacoli 

costellano infatti queste terre dove a volte il tempo 

sembra essersi fermato; questo senso di sospensione 

fra il passato ed il futuro rende il presente 

di questi luoghi ricco di fascino e di bellezza. 

Le mani ed il genio dell’uomo si intersecano e si 

incontrano nella produzione artigianale e artistica, 

che nel silenzio e nella pace delle campagne, trova 

terreno fertile, raggiungendo in diversi campi 

risultati significativi e d’eccellenza. 

È così che in questo libro vengono ad essere illustrati, 

presentati, raccontati gli artisti, il loro legame 

con il territorio, le loro storie di vita e di arte, 

nella loro varietà ed eterogeneità che ne costituisce 

il tratto più interessante e significativo. C’è 

chi si rivolge alla grande tradizione italiana, fiorentina 

e locale, al glorioso passato, trovando in questo 

l’ispirazione, le forme, i significati, o recuperandone 

gli aspetti generali, chi invece si rivolge al 

presente, al contemporaneo, attraverso un linguaggio 

che possa essere riconosciuto a livello 

internazionale e globale, fatto dei valori, delle forme 

e dei significati della contemporaneità; ognuno 

tuttavia secondo un personalissimo e soggettivo 

percorso artistico e un proprio linguaggio 

definito o che si va definendo. 

Le personalità artistiche che emergono nel Chianti 

sono numerose e diversificate e dimostrano 

una certa volontà di estendere il proprio raggio di 

comunicazione, di sperimentare e conoscere 

nuove modalità, tecniche e forme di espressione. 

Una tendenza alla sperimentazione è infatti tratto 

caratteristico, ad oggi, degli artisti legati a questo 

territorio che con coraggio, nella Toscana della 

grande e gloriosa tradizione Rinascimentale e artistica 

in generale, apportano nuovi stimoli e offrono 

nuovi spunti in nome di un rinnovamento del 

presente, all’insegna dell’espressione e della comunicazione, 

attraverso l’arte. 

Caterina Pacenti

Ristorante 

Il BattibeccO 

Via Vittorio Veneto, 38 - 50023 Impruneta (FI) - Tel. 055 2313820 

www.ilbattibecco.it - info@ilbattibecco.it 

Dal giorno della sua inaugurazione, Il Battibecco ha proposto in maniera 

continuativa mostre d’arte ospitando importanti maestri contemporanei 

come Luca Alinari, Giovanni Maranghi, Giuliano Ghelli, Anna Di Volo, Silvestro 

Pistolesi, Romano Stefanelli, Danilo Fusi, Paolo Staccioli, Eugenio Riotto, 

Mariella Valori, Carlo Testi, Marco Boni, Alessandro Facchini, Francesco Nesi.

alessandro andreuccetti 


Big red tree in my countryard, 2013, acrilici e carta su forex, 

cm. 40x50 

Alessandro Andreuccetti nasce a San Gimignano, 

Italia, nel 1955. Studia arte e architettura 

a Firenze quindi inizia il suo lavoro nel 

1980. Attraverso i suoi lavori cerca di analizzare e 

rappresentare la vita che lo circonda o che passa lui 

vicino, sfiorandolo appena. I suoi soggetti preferiti 

sono le figure umane immerse nel loro mondo, colte, 

cioè, in pose e atteggiamenti che ne individuano 

lo stato d’animo e suggeriscono la loro personalità. 

Ciò che interessa lui maggiormente è scoprire le relazioni 

tra forme e colori che si evidenziano dall’osservazione 

attenta della realtà e tutto questo si 

estrinseca in una rappresentazione strettamente 

personale dell’oggetto. Mediante il filtro dei suoi lavori 

gli osservatori possono pertanto cogliere il punto 

di vista suo personale, ma sono anche liberi di interpretare 

il soggetto a loro piacimento, partecipando 

così alla ri-creazione ideale dell’opera. In definitiva 

con i suoi colori, i suoi disegni, le forme che dipinge 

suggerisce una possibile interpretazione della realtà, 

la sua, ma il caso rimane aperto alle infinite possibilità 

dell’esperienza personale di ciascuno. 

Cipressi nella luce calda del pomeriggio, 2013, acrilici su tela, 

cm. 50x50 

Le idee 

Ogni dipinto ha una sua storia e una sua personale 

gestazione. Tutto può contribuire alla scintilla iniziale, 

una foto, una frase, una musica. Prima di iniziare 

Alessandro passa molto tempo pensando al design 

generale della nuova tavola, agli schemi di colori da 

utilizzare, a cosa mettere in evidenza e cosa lasciare 

in secondo piano. Generalmente prende molti appunti, 

fa schizzi, prova dei colori, ombreggiature, 

scompone il soggetto in porzioni che poi ricompone 

diversamente, schematizza varie soluzioni compositive. 

Tutto questo processo può durare giorni oppure 

settimane però quando è il momento di dipingere 

il lavoro viene giù filato senza ripensamenti. 

I materiali 

Opere su carta. Utilizza gli acquarelli sulla carta fatta 

a mano con stracci di cotone, è una carta bellissima, 

importata dall’India, pesante e rugosa, con una sua 

forte personalità che richiede molta attenzione ed 

esperienza per padroneggiarla. 

Opere su tela. Gli acrilici permettono lui di lavorare 

in maniera analoga agli acquarelli su superfici diverse 

dalla carta e garantiscono lui grande libertà 

espressiva. 

ART STUDIO Compagnia degli Artisti - Via Piandornella, 1 - 53037 San Gimignano (SI) 

Cell. +39 345 0656198 - aandreuccetti@gmail.com - www.andreuccettiart.it - Cell. +39 392 7890328 

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alessandro andreuccetti 

Bosco e sottobosco, 2013, acrilici su carta, cm. 70x70 

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Art Studio - Compagnia degli Artisti 

L’Art Studio nasce per l’esigenza e la volontà di alcuni artisti di San Gimignano (SI) di condividere esperienze 

artistiche all’interno di un contenitore comune che sia in grado di funzionare sia da laboratorio d’arti 

varie che da vera e propria importante sala espositiva, aperta anche agli artisti che vogliono intraprendere 

un percorso espositivo in collaborazione con lo studio. 

Da queste premesse si è sviluppata l’attività dello Studio che, con la stretta collaborazione dell’Associazione 

“Il Cenacolo”, ha promosso numerose iniziative di carattere artistico, caratterizzandosi come un punto 

di riferimento per tutti coloro che vogliono fare Arte e anche per tutti coloro che, pur non essendo artisti, 

vogliono semplicemente tenersi aggiornati sulle tendenze artistiche nella nostra terra. 

L’Art Studio - Compagnia degli Artisti si trova in via di Piandornella n°1/d a pochi passi dalla via San Giovanni, 

arteria principale della città di San Gimignano lungo la quale sfilano giornalmente migliaia di persone 

provenienti da tutto il mondo, tutte curiose della nostra cultura e desiderose di approfondire la nostra arte. 

Aperto tutti i giorni, festivi compresi, sia la mattina che il pomeriggio, l’Art Studio ha un recapito telefonico 

per qualsiasi informazione (+39) 3450656198 e un gruppo su Facebook denominato proprio ART STUDIO 

COMPAGNIA DEGLI ARTISTI. 

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Arturo Badii 

Ho perso la testa, 2013, ferro (forgiatura), h cm. 20 

Artigiano e scultore, lavora il ferro dal 1966, 

ora in pensione coltiva la sua passione per la 

creazione di oggetti artistici. Partecipa ad alcune 

manifestazioni come il campionato del mondo 

di forgiatura a Stia. Ha esposto le sue opere, in occasione 

dell’anniversario della costituzione della Camera 

del Lavoro, nella sede CGIL di Borgo dei Greci 

e ha dato dimostrazioni di forgiatura presso il Museo 

di Levens (Nizza) in occasione della festa medioevale. 

Nel 2010 tiene una personale presso il Museo d’arte 

Sacra di San Francesco a Greve in Chianti, partecipa 

poi alla mostra del CNA di San Casciano Val di 

Pesa I frutti delle mani ed espone nel 2013 in occasione 

di una mostra organizzata dall’Associazione 

Art Art all’Impruneta. 

Le sue opere più significative sono: Dio Vulcano a 

forgiare, L’olivo, La Vite, Ramo di quercia, La colomba, 

L’airone, Pensieri e la copertura con foglie 

del Tempietto del giardino di una famosa villa nel 

Chianti. 

Spera in un futuro di poter collocare le sue opere in 

uno spazio espositivo dove possano essere ammirate. 

Dio Vulcano a forgiare, 2011, lamiera a sbalzo e 

ferro forgiato, h cm. 180 

Cestino ricci e castagne, 2008, ferro (sbalzo, forgiatura e fiamma ossidrica), 

h cm. 12 

Loc. Casole 15 - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Cell. +39 347 3913626 - arturobadii@alice.it - www.arturobadii.it 

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Martino Balestreri 


Martino Balestreri è nato a Cremona nel 

1963, vive e lavora come fotografo a Radda 

in Chianti. Le creazioni di Martino Balestreri 

sono sia emotive che tecnicamente ammirevoli 

e perfette. Sembra che la macchina 

fotografica nelle sue mani sia un set di pennelli usati 

con maestria per catturare la bellezza e lo spettacolare 

gioco di luci, ombre e colore. La sua percezione 

di ciò che ci circonda abbraccia diversi 

soggetti e tecniche fotografiche. Tutte le sue immagini, 

siano esse paesaggi, nature morte o astratti in 

natura, offrono una personalissima visione, catturando 

bellezza e mistero di ciò che lui vede. Le sue 

opere accentuano il tocco pittorico: con accuratezza 

ed eleganza nella composizione e lo studio della 

luce, riesce a dar vita e forma a soggetti altrimenti 

banali. Un altro aspetto che colpisce, guardando le 

sue fotografie, è inquietudine, quasi un disagio esistenziale. 

Paula Grenside 

Levitazione, 2011, fotografia stampa Fine Art, cm. 50x50 

Martino Balestreri Fotografo - Chiasso dei Portici, 8H - 53017 Radda in Chianti (SI) 

Tel. +39 0577 738914 - info@martinobalestreri.it - www.martinobalestreri.com 

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Martino Balestreri 

Giallo Mascagni, 2012, fotografia stampa Fine Art, cm. 60x40 

Cesto d’Autunno, 2012, fotografia stampa Fine Art, cm. 60x40 

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Gianni Bandinelli 


Luci e ombre, 2011, tecnica mista, cm. 100x100 

Gianni Bandinelli nasce a Greve in Chianti nel 

1959. 

Amante dell’arte fin da bambino, inizia la sua 

formazione artistica frequentando corsi per amatori. 

La formazione prosegue poi con Laura Ciaccheri, 

che lo avvicina alla pittura “steineriana”. Quindi la 

frequenza dello studio del maestro scultore Marcello 

Guasti; simultaneamente iniziata a studiare pittura 

alla Scuola d’arte di Firenze, da Grazia Carovani, con 

il metodo della scuola francese “Martenot”. Dopo 

alcuni anni prende un piccolo studio dove inizia ad 

esprimersi con tecniche a lui congeniali. 

La passione di Gianni per l’arte e per la scultura ha 

dato vita al suo “bosco d’arte”, nel quale le opere 

scultoree e le istallazioni - che da anni ormai vi entrano 

a far parte - si alternano e si manifestano contornate 

e celate da una bellissima e rigogliosa vegetazione. 

Queste dialogano con il paesaggio, con 

la natura circostante e fra loro in una eterogeneità 

che costituisce il tratto caratteristico dell’insieme e 

rappresenta la pluralità, la molteplicità di linguaggi 

espressivi possibili in arte. 

Orizzonte in blu, 2013, tecnica mista, cm. 80x80 

Orizzonti arcaici, 2012, tecnica mista, cm. 80x80 

Cell. +39 334 1562972 

giannibandinelli@libero.it - www.giannibandinelli.it 

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Gianni Bandinelli 

Riflesso, 2012, tecnica mista, cm. 80x80 

Pennellate continue ed irregolari tracciano orizzonti 

incerti sulla tela mentre il colore gocciolando divide, 

raccorda i piani e li interseca, creando forme 

inaspettate e superfici materiche. I colori sono 

quelli della terra e del fuoco, dell’aria, del vapore e 

dell’acqua. Protagonista delle opere di Gianni è l’universo, 

nella sua complessità ed essenzialità, ma 

soprattutto nel mistero che lo avvolge, come misteriosi 

sono i meteoriti che spesso percorrono le 

sue tele ed i crateri che sembrano squarciarle. Il 

gesto pittorico ferma e lascia sospese le emozioni, 

le paure, le tensioni, il fascino ed il mistero di un 

mondo sommerso e profondo nel quale l’artista ci 

vuole condurre. L’opera diventa così il racconto di 

un mondo instabile, mutevole, suscettibile ed in 

divenire, colmo di fascino, dove l’uomo si perde e 

diventa niente nel tentativo di abbracciarlo nella 

sua interezza. 

Caterina Pacenti, 2014 

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Francesco Battaglini 


Francesco Battaglini nasce a Firenze il 31 ottobre 

1981, comincia la sua carriera artistica nel 

1995, nel 2000 si diploma al Liceo Artistico 

Leon Battista Alberti di Firenze sezione Accademia, 

dove apprende le basi della pittura, del disegno e 

del modellato. 

Nel 2001 si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Firenze 

frequentando la prima scuola di Scultura 

presso la cattedra dei professori Vincenzo Bianchi e 

Antonio Di Tommaso. Dopo i quattro anni di studi 

accademici, di cui uno a Carrara, specifico per la 

tecnica della scultura, discute la tesi dal titolo “I Malesseri 

dell’uomo del Novecento” ottenendo il massimo 

dei voti e la lode. 

Negli anni successivi agli studi espone in diverse 

sedi fiorentine come il Museo Archeologico Nazionale 

ed il Palagio di Parte Guelfa. 

Ha preso parte alla Biennale d’arte di Firenze nel 

2008, ha esposto anche a Roma e Milano ed in Città 

del Vaticano, a San Michelle de Mourien in Francia 

dove ha svolto diversi simposi sul legno, e realizza, 

invitato in vari simposi internazionali di scultura, diverse 

opere monumentali tra le quali: “ADDIO” nel 

2001 ad Ari (CH), dedicata alla memoria di una amica 

scomparsa, “VENERE” nel 2008 ad Atessa (CH) 

e “RAPACE” nel 2011 a Travalle, Calenzano (FI), 

sempre nel 2011 colloca a Rufina (FI) la statua 

“TWO face” partecipando al progetto “Cantiere di 

Scultura” promosso dalla Val di Sieve e dalla Comunità 

Europea. Attualmente alcune opere sono esposte 

in Corea del Sud nelle più grandi manifestazioni 

dell’arte della nazione. 

Il lavoro di Battaglini è principalmente rivolto alla sintesi 

delle forme della natura, uomini ed animali, e 

pensieri, cercando di plasmare la materia con le ombre, 

che sono a suo avviso “l’inchiostro della materia”, 

lavora ogni tipo di materiale, dall’argilla “terra 

generatrice”, al marmo “freddo eccesso rinascimentale”, 

al legno “immortale elemento” ed il bronzo, 

“magica alchimia”, da cui nascono i suoi principali 

lavori, che affondano le radici per la sua natura 

onirica, nei miti e nelle leggende dell’Antica Grecia. 

Negli ultimi anni ha cominciato a lavorare anche con 

resine ipossidriche, realizzando oggetti di arredo 

per interni e complementi d’arredo per giardini o 

esterni, con la serie “POP-ANIMALS”. 

Nel 2013 partecipando all’evento ARTOUR-O il 

MUST vince il premio Ander 35 con una personale 

al Parco Nazionale Fondazione Collodi, con il quale 

si presenta preparando la mostra dal titolo “Un burattino 

tra vizi e virtù” che riscuote un buon riscontro 

tra critici e pubblico. 

Giustizia, 2014, fusione in alluminio, 

h cm. 40 

Avarizia, 2014, fusione in alluminio, 

h cm. 40. 

Cell. +39 340 5189663 - batt.francesco@gmail.com 

www.francescobattaglini.it - fb: Francesco Battaglini Fine Art 

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Riccardo Battigelli 

Riccardo Battigelli, nasce a Firenze nel 1933 

da famiglia di origini friulane. Studia all’Accademia 

di Belle Arti di Bologna e alla Facoltà 

di Architettura di Firenze, allievo di G. Morandi, P. 

Mandelli, P. Manaresi, G. Michelucci e altri. Negli 

anni Cinquanta e Sessanta si dedica con successo 

alla pittura, alla scenografia e al design. Espone in 

Italia, Africa, Europa e USA, riscuotendo consensi 

fra i quali un ‘’Segnalato’’ alla Galleria Numero di 

Firenze nel 1954 e il Premio ’’Only Music’’ alla Iolas 

Number One Gallery a New York con una delle opere 

astratte che ha dipinto in quegli anni Only Music 

in the wind. Nel 1955 a Milano riceve il Premio San 

Fedele, poi il Premio Comune di Casalecchio di 

Reno nel 1956 ed il Premio Montagnola a Bologna 

nel 1966. 

In quegli anni sposa Marisa Biolchini dalla quale ha 

tre figli: Alberto, scomparso dolorosamente il 25 

giugno 1995, Alessandro, valente medico veterinario 

e Andrea, guardia zoofila. Incresciose circostanze 

lo costringono a subire l’annullamento del matrimonio. 

Il doloroso evento e il distacco dai figli causano 

la triste interruzione dell’attività artistica; nel 

1967, chiude lo studio e lascia Bologna. 

Va in Libia dove compie alcuni lavori a Tripoli; poi 

tenta di accedere alla Scuola di Taliesin West di F. 

LL. Wright in Arizona ma, nell’impossibilità di sostenerne 

i costi, trova lavoro in un ranch di amici nel 

New Mexico. Vive intense esperienze e apprende 

saperi diversamente acquisibili altrove che l’aiutano 

a compensare il dolore del distacco familiare. Dagli 

inizi degli anni Settanta risiede in una fattoria in Toscana, 

si dedica a studi ecologici, allevamento e 

addestramento di cavalli finalizzati all’escursionismo 

didattico per attività conoscitive della natura e 

dei valori del paesaggio. Sposa Wanda Falorni dalla 

quale nel 1974 ha il figlio Daniele che lo coadiuverà 

con amorosa passione, insieme alla mamma, nella 

gestione dell’azienda. Nel 2003, andato in pensione, 

cede l’intera azienda e l’attività al figlio Daniele 

che sposa Daniela Federici nel 2005. 

Dopo anni di assenza dall’attività tangibile nell’arte, 

rincuorato dall’affetto dei figli e dei nipoti ad onta del 

dramma sofferto nel passato, torna a dedicarsi alla 

pittura riscuotendo importanti riconoscimenti, fra i 

Crocifissione, 1964, 

dipinto sul retro di 

una lastra di cristallo, 

collezione privata, 

cm. 50x70 

Crocifissione, 2005, 

ferro, Montaione, 

Chiesa di S.Pietro 

(Loc. La Sughera), 

h cm. 320 

quali: La Palma d’Oro per l’arte, il Premio Ambiente 

Italia nel 150° dell’Unità d’Italia e il conferimento della 

Medaglia alla carriera nel 2011. In Svezia riceve 

nel 2010 il Premio Sentimenti e Sensazioni dall’Italia 

alla Maecenas Sverige Accademy e nel 2011 il Premio 

Città di Stoccolma alla Bellange Art Galerj. 

Nel 2012 partecipa alla Biennale di Palermo, l’anno 

successivo riceve il Premio Lorenzo dè Medici Il 

Magnifico a Firenze e vince il 1° Premio MusicArte 

alle Giubbe Rosse di Firenze con l’opera Music Sense 

del 1954. È presente alla Galleria Simultanea - 

Spazi d’Arte di Firenze e partecipa alla Prima Biennale 

2014 della Creatività a Verona. 

Abitazione e Studio: Loc. Santo Stefano, 389 - 50050 Montaione (FI) 

Cell. +39 333 8743610 - riccardo.battigelli@tiscali.it - www.riccardobattigelli.it 

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Riccardo Battigelli 

Crocifissione, 2005, ferro, Montaione, Chiesa di S.Pietro (Loc. La Sughera), h cm. 320 

L’uomo anatomicamente perfetto, raccontato in 

pittura da pochi graffianti segni, diviene nella Crocifissione 

della Sughera ridotto ad uno straordinario 

groviglio di filo di ferro. È lo stesso artista parlando 

dell’opera a descriverla come “composta dall’umiltà 

dell’impiego di un semplice materiale di scarto (il 

filo di ferro utilizzato nelle balle di fieno)”. È questa 

l’espressione che ci dà la misura della sensibilità e 

della capacità dell’uomo e dell’artista che fa di un 

materiale assolutamente povero, come preso da 

quel fienile dove il Bambin Gesù nacque, un’opera 

assolutamente suggestiva e profondamente legata 

alla luce che in ogni istante modifica la percezione 

che della stessa si ha. 

È infatti il materiale, dove più si attorciglia e si contorce, 

a creare le ombre, che segnano il corpo inconsistente 

ed immateriale del Cristo che appare 

come svuotato di tutto ma così forte e persistente 

nella sua essenzialità, nella sua essenza; quasi da 

non necessitare più, nella mente dell’artista, di un 

corpo fatto di una massa piena, di muscoli e carni, 

ma fatto di linee come fosse un disegno, uno schizzo 

tridimensionale, una sorta di apparizione; come 

costituito di solo spirito. 

L’essenziale, il ritorno alle origini, la povertà dei materiali, 

si fondono così in una poetica dei sentimenti 

e dell’uomo che trova nella semplicità e nel profondo 

dell’anima l’essenza. Straordinario e palpabile il 

coinvolgimento profondo, fino all’immedesimazione, 

che Battigelli racconta di aver provato realizzando 

l’opera; il dolore e la fatica nel torcere il materiale, 

piegarlo e lavorarlo, fa rivivere dentro di lui i 

tormenti, i dolori e le lacerazioni della sua stessa 

anima. Il dramma, personale, dell’uomo e dell’umanità 

giunge a guidare la mano dell’artista nel rappresentare 

il dramma della Crocifissione. 

La presenza di Dio, del Divino, la si avverte nelle sue 

opere, non solo di soggetto sacro, ma la si avverte 

nella natura che è Creato prima di essere materia, 

nella rappresentazione dell’uomo e della sua sofferenza, 

negli oggetti e nei luoghi che vengono interpretati 

secondo quel “senso spirituale delle cose” 

che è proprio di Battigelli. 


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Renzo Becucci 

Renzo a lavoro su cassapanca con intarsio 

Fin da bambino sono stato attratto da questo 

materiale fascinoso che è il legno, costruendo, 

quando potevo, giochi come carrettini e 

altro. Già a quattordici anni ho iniziato a lavorare da 

un artigiano falegname, raggiunta l’età di quindici 

anni mi ha messo in regola, quindi ho potuto usare i 

pochi macchinari che aveva e che prima di allora, 

giustamente, non mi faceva usare. A questo punto 

in casa mia c’era bisogno di un mobile ad angolo 

così decisi di costruirmelo da solo, la sera a fine lavoro 

ed il sabato. Non vi dico Mario, il mio datore di 

lavoro, i miei genitori, mi dicevano: «Ma cosa vuoi 

fare! Prima devi imparare, non puoi ancora fare un 

mobile da solo». Invitarono la lepre a correre, da un 

contadino comprai un tronco di noce già stagionato, 

ci feci le tavole con la sega a nastro e costruii questo 

mobile in stile XVII secolo da solo; venne perfetto 

e non volli aiuto da nessuno, era un progetto ed 

una questione mia, avevo quindici anni. L’anno successivo 

feci una credenzina sempre stile antico in 

noce a due ante con la parte anteriore bombata. E 

qui capirono come stavano le cose… A diciassette 

anni costruii un go-cart col motore di una vecchia 

Vespa 125. 

Dopo la credenzina realizzai un tavolo asso di coppe 

di olivo, in stile seicentesco e feci quattro spade intarsiate 

sul piano. Fui conosciuto, così mi ordinavano 

mobili in stile, iniziai anche a fare qualche lavo- 

Cell. +39 338 7397144 

mrsdon@libero.it 

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Renzo Becucci 

retto di restauro per conto mio. 

Fatto il militare, mi misi in proprio, circa un anno e 

mezzo dopo, come restauratore con successo e 

grandi soddisfazioni. Feci un primo corso di aggiornamento 

per restauro ligneo all’Istituto d’Arte a 

Porta Romana (FI), mi detti molto da fare per approfondire 

e specializzarmi in questo, conobbi altri restauratori 

e a volte costruivo su ordinazione delle 

riproduzioni in stile antico e mobili moderni particolari. 

Dopo tre anni mi fu proposto da una persona 

che aveva visto i miei restauri, ritenendoli buoni 

come tecnica e qualità, di lavorare per conto della 

Soprintendenza di Firenze; naturalmente accettai e 

ci rimasi per molti anni. Lavorai al restauro del soffitto 

della chiesa di San Zeno a Verona. Nel frattempo 

seguii un altro corso di aggiornamento per restauro, 

lavorai per la Soprintendenza Archeologica 

di Firenze per circa due anni alternando a questo il 

lavoro di restauro. 

Dopo qualche anno decisi poi di ritornare definitivamente 

nella mia bottega di San Casciano Val di 

Pesa (FI) lavorando su pezzi di alto antiquariato provenienti 

da diverse città, anche fuori dalla Toscana; 

fra i tanti ne ricordo in particolare due: una bella 

cassapanca in noce fiorentina della seconda metà 

del XV secolo con tarsie certosine che in parte ho 

ricostruito e un troumeau della prima metà del XVIII 

secolo con formelle di commesso fiorentino da restaurare 

anch’esse. Progettai e costruii in alluminio 

e acciaio inox una macchina per la lavorazione del 

commesso fiorentino. 

Nel corso della mia carriera di restauratore ho eseguito 

alcuni lavori anche fuori dal mio campo specifico; 

lavori di grande importanza e difficoltà, fra i 

quali uno a livello nazionale, realizzati con sistemi 

miei che, per serietà e correttezza, non posso qui 

Intarsio a toppo comunemente chiamato “certosino” 

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Renzo Becucci 

Commesso fiorentino, 1995, cm. 18x14 

descrivere. Ho tenuto poi una conferenza in un museo 

su tarsie certosine. 

Essendo un’ottima forchetta negli anni mi sono appassionato 

molto alla cucina, specializzandomi in 

cucina antica, in particolare medievale, rinascimentale 

e tradizionale, sulla base di ricerche e studi storici 

e approfonditi. Ho cucinato in occasione di cene 

medievali in piazza, ho progettato e costruito girarrosto 

e griglia molto particolari, che fanno la differenza 

in cottura. Dispongo di tegami e griglia di 

pietra. Faccio anche cucina a domicilio, agriturismo, 

feste, corsi e spiegazioni sulla storia della cucina. 

Renzo Becucci 

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Laura Bertuzzi 


I Quattro Elementi (particolare), 2006, colori ad olio e filati in lana su tela, cm. 25x25 

Laura Bertuzzi nasce a Piacenza nel 1971. 

Dopo aver frequentato il Liceo Artistico Sperimentale 

della sua città, si laurea presso l’Accademia 

di Belle Arti di Urbino nella sezione di pittura 

con il maestro Omar Galliani. 

Al suo attivo ci sono mostre personali e collettive, 

tra cui nel 1994 la 6° edizione europea “Arte Viva: 

pittura, scultura e stampa d’arte” svoltasi a Senigallia 

(AN), esposizione e performance riservata ai migliori 

giovani artisti provenienti dalle Accademie di 

Belle Arti italiane ed europee. 

Nel 1997 si specializza nel restauro delle opere d’arte, 

con particolare attenzione al restauro del tessile 

antico e contemporaneo, e per un quindicennio collabora 

come restauratrice ed assistente alla Scuola 

di Alta Formazione presso il Laboratorio di Restauro 

Arazzi dell’Opificio delle Pietre Dure, con sede in 

Palazzo Vecchio a Firenze. 

Al lavoro di restauratrice unisce da sempre l’attività 

artistico-pittorica che si esprime in opere realizzate 

su tela, carta e legno con soggetti naturalistici ed 

astratti, decorazioni murali e design d’interni. 

Dal 1997 vive e lavora a Greve in Chianti (FI). 

Nel percorso artistico di Laura la formazione figurativa 

classica incentrata sullo studio della figura umana, 

si è evoluta negli anni divenendo poi un pretesto 

per lo studio dei segni e del movimento astratto. La 

grande passione per la sua professione di restauratrice 

è stata la chiave di volta che ha indirizzato la 

sua ricerca artistica verso un ambito inesplorato, 

con l’utilizzo di materiali recuperati durante le fasi di 

restauro, materia fortemente caratterizzata e segnata 

dal tempo: filati intrappolati per secoli tra arazzi 

e fodere, sciamiti e tessuti tra i più vari passati tra 

le mani di tessitori, restauratori, artisti e rimasti invisibili 

nei secoli, ora diventano protagonisti con le 

loro sembianze intrise d’umanità. 

(A.A.’09) 

Cell. +39 348 6956507 - bertuzzilaura@gmail.com - laurabertuzziarte.it 

fb: LAURA BERTUZZI ARTISTA 

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Laura Bertuzzi 

Single-Walled Carbon Nano Tube, 2013, Rosia (SI) 

Single-Walled Carbon Nano Tube, 2013, Rosia (SI): 

pittura murale in cui le linee tracciate sulle pareti richiamano 

la forma dell’esagono e fanno riferimento 

al concetto matematico di tassellatura di una 

superficie riconducibile al nano tubo di carbonio 

(grafene). Per la realizzazione sono stati usati colori 

all’acqua nelle sfumature del blu, giallo e verde alternati 

in modo diverso dalla sequenza elettromagnetica, 

ma in funzione della luminosità degli spazi 

e della luminosità ambientale. 

Single-Walled Carbon Nano Tube, 2013, Rosia (SI) 

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Maurizio Biagi 


Trittico, 2014, pigmenti su cotto, cm. 53x30 

Maurizio Biagi nasce a Uzzano. Inizia a dipingere 

negli anni Settanta e partecipa al 

2° Premio Nazionale di Pittura Scultura 

Grafica Il Cenacolo (Pittori Italiani in Toscana) nel 

1975. 

Negli anni Ottanta frequenta il pittore Gianfranco 

Mello; gli insegnamenti tecnici e filosofici di 

quest’ultimo saranno importanti nella determinazione 

e nella ricerca da parte di Maurizio di un proprio 

linguaggio. Negli anni Ottanta e Novanta espone insieme 

ad alcuni degli artisti fiorentini più in vista al 

tempo. È infatti nel 1990 che, con Enzo Faraoni, 

Giuseppe Gavazzi, Renzo Grazzini, Silvio Loffredo, 

Andrea Martinelli e Franco Messina, partecipa alla 

mostra di affreschi su cotto presso la Sala d’Armi 

Buondelmonti di Impruneta. Nello stesso anno partecipa 

alla 17ª Rassegna Sestese di Pittori - Grafici 

Scultori, dove fra i partecipanti si ricordano Luca Alinari, 

Vinicio Berti, Gualtiero Nativi, Antonio Possenti, 

Sergio Scatizzi, Rolando Sforzi, Nino Tirinnanzi. 

In questi anni il linguaggio è quello della pittura en 

plein air, su tele di grandi dimensioni, tuttavia già si 

lasciano scorgere: una propensione verso l’informale 

e, insito nell’artista, l’amore per il colore. Saranno 

proprio queste due linee che andranno a convergere 

dando vita negli anni ad un linguaggio che 

trova la sua estremizzazione nelle opere monocrome 

più recenti. 

mauriziobiagi2009@libero.it 

21


L 

a Galleria si propone come vetrina capace di promuovere, attraverso il sito web www.artebianciardi.com, 

gli artisti e le loro opere, le location selezionate per eventi programmati e mostre permanenti presso i nostri 

partners. 

Gli artisti, una volta scelti secondo logiche qualitative, hanno contatti diretti con i clienti e non devono versare 

alcuna percentuale. Questo permette prezzi vantaggiosi ed un rapporto preferenziale. La consulenza del curatore 

e del gallerista e di tutto lo staff è naturalmente a disposizione dell’acquirente che si interessa agli artisti ed 

alle opere esposte. 

Lo scopo della Galleria è anche quello di proporre in luoghi espositivi specifici, eventi programmati nei quali la 

musica, la letteratura, le performance teatrali e le contaminazioni enogastronomiche creano momenti piacevoli, 

capaci di stupire e veicolare messaggi. 

Ulteriore sperimentazione il coinvolgimento di partners: strutture del luogo, hotel, ristoranti e cantine, che si 

fanno notare per la loro bellezza e per la ricercatezza del servizio che offrono. Dotate di buon gusto, raro nel 

tempo in cui viviamo, sono quindi luoghi d’elezione per la Galleria e le opere d’arte. 

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Francesco Bruni 


On the table, tecnica mista, cementificazione, cm. 110x170x90h (l’opera è esposta alla Fondazione Rocca di Staggia a Staggia 

Senese (SI) - www.laroccadistaggia.com). 

francescobruni.eu 

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Matteo Camiciotti-Farkas-MikumazArt 

Urano, 2014, ferro saldato, h cm. 110 

Matteo Camiciotti-Farkas nasce a Firenze 

nel 1985 da una famiglia che da generazioni 

si dedica alla ricerca e sperimentazione 

nel campo della pittura, della scultura e del 

disegno tessile. 

Il capostipite fu il suo bisnonno Istvàn Farkas, grande 

e stimato pittore dell’École de Paris che dette 

inizio alla dinastia artistica insieme a sua moglie Ida 

Kohner, anch’ ella pittrice. 

Poi suo nonno Paolo Farkas, scultore, pittore e pioniere 

del disegno per tessuti in Italia. 

La madre Sofia Farkas, che seguendo le orme del 

padre e della madre Maria Ortenzi, anche lei disegnatrice 

tessile e figlia del pittore naif Luigi Ortenzi, 

si dedicò per anni al disegno tessile insieme al marito 

Franco Camiciotti. 

Suo zio Giorgio Farkas, artista di enorme talento, 

sganciatosi dall’impresa di famiglia, liberò il suo potenziale 

nella scultura. 

Il piccolo Matteo cresce insomma circondato da 

pennelli, colori, tele e laboratori di pittura. 

Le opere 

Matteo Camiciotti-Farkas porta avanti la sua personale 

ricerca artistica soprattutto nel campo della 

scultura. I temi da lui trattati in opere quali: Mr. 

Brainwash, Barabba, Brain Engine, Eroinomane digitale 

e molti altri si rivolgono al progresso tecnologico 

nell’era di internet e ai cambiamenti sociali, 

psicologici e relazionali che ne derivano nell’essere 

umano, sempre più alienato e solo di fronte alla vita 

stessa. 

L’artista nutre una particolare attenzione verso la figura 

umana, rivisitata in chiave post-asimoviana. 

L’uomo macchina, gli umanoidi, la robotica, la bellezza 

artificiale. Oramai, in un futuro non molto lontano, 

l’uomo e la macchina saranno destinati a essere 

una cosa sola. In questa società tecnologica le 

“connessioni” sono sempre più sofisticate e diffuse, 

a discapito delle individualità e delle libertà personali 

e collettive. 

matteo.c.farkas@hotmail.it - http://matteocamiciottifarkas.jimdo.com/ 

fb: https://www.facebook.com/MikumazMatteoCamiciottiFarkas 

Linkedin: https://www.linkedin.com/pub/matteo-camiciotti-farkas-mikumaz/71/7a1/69a 

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Matteo Camiciotti-Farkas-MikumazArt 

Attraverso lavori come: Mano asimoviana, I was 

Camera e molti altri pezzi appartenenti alla collezione 

“ Androids Industries”, Camiciotti-Farkas cerca 

di evidenziare questi inarrestabili cambiamenti che 

minacciano la sopravvivenza stessa dell’essere 

umano, cui l’artista offre però una “via d’uscita”. Le 

sue opere si ribellano alla staticità, che da sempre 

imprigiona la scultura, e “scendono” dal piedistallo 

per relazionarsi con lo spettatore, che può interagire 

con esse e muoverle a suo piacimento, liberandole 

così dalle loro catene. 

“Le mie sculture provano emozioni, frustrazioni e 

dolore”, teorizza Camiciotti-Farkas, convinto che, 

“fino a quando gli uomini e le donne sapranno ancora 

abbandonare la solitudine alienante di uno schermo 

fisso per incontrarsi, toccarsi, amarsi e anche 

odiarsi, la società umana sarà salva”. 

The Unbeliever, 2013, ferro saldato, h cm. 130 

ND, 2013, ferro saldato, h cm. 170. 

Revolver, 2014, ferro saldato, cm. 39x30 

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Luca Cappelli 

Neve in piazza, 2011, Nikon D200, zoom Nikkor 18-200 f3,5-5,6 

Luca Cappelli si dedica alla fotografia da più di 

trenta anni. 

Ha iniziato come fotografo naturalista, e già 

nel 1991 ha realizzato la prima mostra fotografica e 

un audiovisivo per il WWF sugli aspetti naturalistici 

del Chianti. Nel 1994 ha presentato nel corso dell’allora 

Rassegna del Chianti Classico l’audiovisivo 

“Parchi e Riserve Naturali d’Italia e d’Europa”. Nel 

corso degli anni Novanta ha partecipato con successo 

a concorsi nazionali ed internazionali, e ha 

collaborato con l’agenzia Panda Photo. Nel 2001 ha 

realizzato una mostra fotografico-naturalistica dal 

titolo “Il Monte S. Michele e le colline del Chianti” 

(che è stata esposta a Villa S. Michele e alla Limonaia 

di Panzano), più di cento immagini per raccontare 

gli aspetti più preziosi e meno noti di questa terra. 

Nel 2002 è iniziata la collaborazione con la casa editrice 

Editori dell’Acero. In particolare ricordiamo il 

contributo alla realizzazione dei libri: Abbazie Monasteri 

ed Eremi nel paesaggio di Toscana, Piazze di 

Toscana, Viaggio in Toscana, Capolavori nascosti. 

Nel 2007 inaugura, con la mostra “Il Chianti di lunedì”, 

la nuova sala delle esposizioni del Comune di 

Greve in Chianti “Il Fiorino”. 

Nello stesso anno da vita, con altri amici appassionati 

di fotografia, al circolo fotografico “FotoClub 

Chianti”, tuttora in piena attività. 

Tramonto in Camargue, 1995, Canon EOS1, Zoom Canon 80- 200 f4, pellicola Velvia 

Luca Cappelli fotografia - Via Ugo La Malfa, 31 - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Tel. +39 055 853935 - Cell. +39 334 8469223 - l.cappelli@alice.it 

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silvano carri 


Paesaggio toscano, 2010, olio su tavola, cm. 104x30 

Silvano Carri nasce a Greve in Chianti nel 1943, 

attualmente risiede a Strada in Chianti. 

Pittore di formazione autodidatta. Oltre alle 

numerose mostre personali, partecipa con successo 

a rassegne e mostre collettive d’arte a carattere 

nazionale ed internazionale, ottenendo numerosi 

premi e riconoscimenti tra i quali: 1° classificato al 

concorso Natale a Firenze 1982; 2° classificato al 

concorso Conca d’oro Palermo 1982; 1° premio al 

concorso Sarzana Arte 1983; 1° premio al gran trofeo 

Brunellesco Firenze 1983; 1° classificato assoluto 

alla prima biennale di Traviano 1986; 1°premio 

al concorso Il Passignano. 

Le sue opere sono presenti in numerose collezioni 

in Italia e all’estero (Francia, Austria, Svizzera, Germania, 

Inghilterra, USA, California, Australia, Canada, 

Israele e Spagna). 

Hanno scritto di lui i critici Umberto Pasquini, Paola 

Giorgi, Remo Picariello, Luca Cerutti, Giorgio Tuti, 

Giancarlo Testi, Giovanni Mazzetti, Pietro Chegoi, 

Carlo Caurotto e Lorella Rotondi. 

Le sue quotazioni sono presenti nei seguenti cataloghi: 

il Quadrato, Arte Oggi, Mercati e Arte e Top 

Arte. 

Una pittura tutta particolare quella di Silvano Carri, 

sia per l’impostazione compositiva, ma particolarmente 

per quel suo usare oggetti non comuni per 

supporti alla composizione, come ante di piccoli 

mobili od altre strutture sorrette da telai i quali, diventando 

le cornici dell’opera stessa, riescono a 

costruire un tutto particolarmente suggestivo e diverso, 

mentre il pannello interno ospita il dipinto. 

I soggetti del Carri si rifanno preferibilmente in analogia 

a quelli dei macchiaioli, esplorando quel mondo 

contadino che fu tra i prediletti di quella pittura, 

innovatrice e porta di ingresso di tutte le tendenze 

del modernismo. La tematica del Carri esamina le 

varie situazioni di quell’ambiente disponendo i protagonisti 

in una posizione oserei dire di simbologia 

nella quale l’essenzialità assume la funzione narrativa 

predominante. Il paesaggio fa da sottofondo e in 

esso i protagonisti dell’azione si presentano in atteggiamenti 

non casuali, ma disposti sapientemente 

a rappresentare la mansione operativa svolta. 

Sotto questo punto di vista, la cronaca, che nelle 

opere dei macchiaioli assume una importanza descrittiva 

e narrativa essenziale, viene sublimata e 

concentrata, quasi come in un proverbio la saggezza 

del tempo. Questa categoria di pittori tende a rinnovare 

alcune peculiarità descrittive e narrative senza 

disperdere i valori innovativi che furono acquisiti nella 

prima metà del secolo scorso, ma senza abbandonare 

quella tradizione comunicativa, sorretta dal realismo 

popolare che mantiene tuttora la propria 

vitalità nel regionalismo dei valori umanistici. 

Bruno Chiarini 

Borgo Baldassarre Paoli 17 - 50027 Strada in Chianti (FI) 

Tel. +39 055 8586101 - Cell. +39 335 5413744 

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Silvano Carri 

Vendemmia nel Chianti, 2014, olio su tela, cm. 50x40 

Natura morta, 2008, olio su tela, cm. 40x50 

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Marino Cassandro 


Oltre le avversità, 2009, tecnica mista su tela, cm. 24x30 

Caro Giancarlo, nell’articolo che è stato pubblicato 

sulla rivista “Il Focolare” del 2011, 

scritto con il cuore ed estrema attenzione, 

hai centrato alcuni aspetti della mia arte. È pertanto, 

con piacere, che riprendo una parte del tuo scritto: 

La precisione, la cura di Marino, l’amore, l’ispirazione 

istintiva e pensata, i riferimenti alla realtà, all’uomo, 

a tutti gli esseri viventi capaci di vivere e sopravvivere, 

di gioire, di soffrire, di amare. 

La bellezza e l’abbondanza dei tuoi colori, Marino, 

mi attira come una calamita; entro nel quadro per 

essere contento di me, della mia vita e mi intrappolo 

come nella bellissima composizione intitolata 

“Oltre le avversità” in cui, disperatamente, cerco di 

districarmi per vedermi nello specchio e oltre lo 

specchio per essere finalmente sereno e libero. 

Un ringraziamento affettuoso a Giancarlo e a coloro 

che sostengono la mia espressione artistica. 

Marino Cassandro 

Direzioni opposte, 2014, tecnica mista su legno, cm. 100x50 

Via San G. Gualberto, 22 - 50028 Tavarnelle Val di Pesa (FI) 

Tel. +39 055 8071855 - Cell. +39 333 4348141 

29



Sedie, 1964, olio su tela, cm. 60x70 

Via Morandi, 1 - 50023 Tavarnuzze (FI) 

Tel. +39 055 2022659 

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Non ricordo un momento, della mia vita, nel 

quale la pittura abbia iniziato il suo corso di 

interesse a prevalere sugli altri, che pure 

mi hanno, da sempre, stimolato l’aspirazione alla 

più profonda conoscenza. 

Il dipingere è stato per me il mezzo per costruire 

visivamente una idea, un modo definitivo di comunicazione 

ad un livello di suprema definizione. In 

parallelo alle prime opere figurative, non seppi esimermi 

dal dedicarmi pure a particolari esperienze 

non figurative, sorrette dall’astrazione geometrica 

e da uno strutturalismo costruttivo, che ho sempre 

stimato di estrema comunicatività. 

Dopodiché si susseguirono esperienze diverse, 

dall’espressionismo al surrealismo, che seppero 

aprire sempre nuove strade all’espressione figurativa 

delle idee. In sindrome assiomatica, le esperienze 

tesero a dominare ogni scelta tematica, legata 

spesso ad una interpretazione evolutiva dei valori 

tradizionali, il che mi ha orientato a costanti superamenti 

senza abbandoni definitivi delle tematiche e 

dei valori formali. 

Miei maestri, dai primi impegni costruttivi, Picasso 

e Klee e, dai futuristi fino a Sironi e Rosai, legami 

essenziali di ogni espressione artistica. 

Percorso esente dalle esigenze di una committenza, 

ma impostato sui valori costruttivi della ragione. 

Il mio percorso operativo si è orientato nella ricerca 

costante di soddisfare esigenze di creatività in una 

coerenza operativa recuperata ai massimi livelli delle 

possibilità espressive e costruttive. 

Trattandosi di ricerca, la mia strada è stata attraversata 

da percorsi talvolta in contraddizione, ma ritenuti, 

da me, soddisfacenti e utilmente percorribili, 

anche se molto spesso mi sono lasciato trascinare 

o frenare dalla soddisfazione di operare fine a se 

stessa, non dovendo sottostare a leggi di mercato 

o doveri di rispetto ad una tradizione. 

La libertà di operare in un’epoca nella quale la storicità 

delle esperienze ha dominato la molteplicità 

delle espressioni, in tutte le arti della figurazione, 

rende non facile l’azione delle scelte operative, facilitando 

il moltiplicarsi delle esperienze per soddisfare 

la creatività nel rinnovamento dei mezzi e dei 

modi. 


Gatta 

Autoritratto, 1946, olio su tela, cm. 27,5x20,5 

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Giovanni Chilleri 

Da sempre Giovanni Chilleri avverte la necessità 

di semplificare le forme e liberare la 

scultura dall’esteriore per farla essere pura 

creazione. Una necessità che lo porta ad estrarre 

l’intima essenza della figura umana, condensandola 

in una forma astratta che si ripete, con minime varianti, 

di opera in opera. La sua Femmina ha un corpo 

dai volumi pieni e arrotondati, la testa come un’asola, 

le gambe solide e agili; pur essendo di piccole dimensioni, 

esprime una corporeità monumentale 

nello slancio carico e potente della massa. L’alternanza 

dei pieni e dei vuoti comunica invece l’intensità 

del sentimento. Aspetto, quest’ultimo, che ritroviamo 

anche nelle sculture in cui si oggettiva 

un’emozione o una condizione interiore: percorrendone 

le superfici con lo sguardo, sentiamo vibrare 

l’energia che le anima e al contempo le blocca in una 

sostanziale purezza. Spesso è la realtà di tutti i giorni 

ad offrirgli lo spunto ispirativo: le sue “case - urna” 

sono contenitori in cui custodire le paure e le speranze 

che scandiscono il quotidiano, ma anche scatole 

magiche che invitano a riscoprire il gioco come una 

delle possibili chiavi di lettura della vita. Gli ultimi sviluppi 

della sua ricerca si muovono su di un doppio 

binario: quello dell’opera che nasce dalla combinazione 

di materiali di scarto e oggetti d’uso comune, 

e quello dell’installazione che ridefinisce il rapporto 

dell’opera con lo spazio e con l’osservatore. Nel primo 

caso, il risultato è una scultura che, evocando 

una dimensione asfittica e senza via di uscita, ci 

spinge a riflettere sui pregiudizi che ancora oggi 

ostacolano la legittimazione dei linguaggi artistici 

contemporanei. Nel caso dell’installazione, invece, il 

suo interesse si concentra sul tema della presenza 

dei bambini in carcere accanto alle madri detenute. 

Un problema di stringente attualità che lo scultore 

imprunetino interpreta riassumendo, in pochi elementi, 

le ragioni di un dramma che troppo spesso 

affoga nell’indifferenza della società. 

Daniela Pronestì 

Uomo ferito, 2014, legno di recupero, h cm. 250 Uomo contemporaneo, 2013, legno di recupero, h cm. 220 

Cell. +39 328 6976920 - giov2949@libero.it 

giov2949@giovannichilleri.com - www.giovannichilleri.com 

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Giovanni Chilleri 

MOSTRE dal 2011: 

2011 - Incrocio di percorsi, Sala d’armi Basilica S. 

Maria Impruneta (FI), Giovanni Chilleri, Giuseppe 

Ciccia, Antonio Ciccone e Roberto Greco. 

2012 - Linguaggi dell’Arte, Palazzo Zenobio VENE- 

ZIA. 

- Armonie Informali, Società delle Belle Arti Circolo 

degli Artisti Casa di Dante Firenze, Giovanni Chilleri 

e Roberto Greco. 

- Inaugurazione scultura in terracotta “Dea della 

Forza”, via Giuseppe Di Vittorio, San Casciano Val di 

Pesa (FI). 

- ARS GRATIA ARTIS, settembre-ottobre, Momigno 

Pistoia, La Corte Arte Contemporanea, Firenze. 

- “Amaci” Studio Aperto, Giornata del Contemporaneo, 

Selezionato per l’ottava edizione. 

2014 - “Dialoghi”, Pontassieve, Palazzo Comunale, 

Sala delle Eroine. 

Inaugurazione della mostra di Giovanni Chilleri 

a Pontassieve, 2014. 

Donna, 2000, terracotta dell’Impruneta, h cm. 85 Particolare di due sculture in terracotta bianca, 2000 

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Giuditta Cianfanelli 

Giuditta Cianfanelli, fornita di studi filosofici 

e di letteratura, comincia a praticare la pittura, 

ed il disegno, poco più di dieci anni fa. 

(…) Nel suo “muoversi” Cianfanelli può contare su 

alcuni punti fermi, quali un’immagine ricorrente e 

una disinvoltura pittorica che può tras-correre tra 

superficie e profondità in modo assai agevole. 

Al primo approccio, ma anche nell’approfondimento, 

l’opera di Giuditta appare come “decorazione”. 

Questo concetto non sempre ha goduto di fortuna, 

soprattutto in certi periodi storici e se consideriamo 

la decorazione come “sovrapposizione di elementi 

ornamentali ed inessenziali” di un’opera, ma in altri 

periodi la “decorazione” è stata intesa come modalità 

fondamentale per l’opera stessa, dalla quale 

emergono direttamente quegli elementi come parti 

fondanti. (…) 

Ma Giuditta fa pittura, così i suoi colori assecondano, 

passo dopo passo, le sue immagini, i suoi segni. 

Sono sempre colori tenui, mai aggressivi o violenti, 

a volte sono di tonalità più “forte”, altre meno, ma 

sempre “luminosi”: le forme, molecolari o altre, 

emanano una marcata luminosità, che, da un lato, 

costituisce una sorta di alone attorno alle figure, ma, 

da un altro, pare che fuoriesca dalle stesse immagini 

con un’irradiazione vettoriale verso l’osservatore. 

Allora tra le cellule, ma potrebbero anche essere 

atomi, che si equilibrano nelle loro forze contrapposte, 

tra le luminosità che emergono e si impongono 

fuoriuscendo dal quadro, tra quei colori misurati e 

“calmi” - celesti, rosa, gialli, rossastri, cioè colori 

che, anch’essi, trovano un equilibrio cromatico - si 

libra quella figura che pare possedere due ampie ali 

e che si offre come chiave di volta del discorso di 

Cianfanelli, essendo infatti simbolo di “libertà”. 

È libertà sul dato, sulla realtà, sulla complessità, tutte 

forze che vorrebbero ancorarci sulla terra, mentre 

il pensiero e l’arte vogliono andare lontano, anche 

verso l’ignoto, forse senza una direzione 

precisa, ma comunque vogliono andare, ed è proprio 

questo poter procedere sempre “oltre” che 

rende la vita più apprezzabile, se non del tutto paga. 

Giorgio Bonomi 

Indecisione, 2013, acrilico su tela, cm. 100x100 

giudi_cianfa@hotmail.com 

fb: Giuditta Cianfanelli 

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Mario Cianferoni 


Sebbene il suo mestiere, da tanti anni, sia quello 

di orafo, formatosi con l’apprendistato nelle 

botteghe degli ultimi grandi maestri fiorentini, 

Mario Cianferoni (Pontedera 1971) frequenta giovanissimo 

l’Istituto d’Arte di Firenze. Per andare incontro 

alla sua passione per la pittura, ha da poco 

scoperto la potenzialità dell’arte digitale. Al posto di 

tavolozza tempere e pennelli, computer tablet e 

immaginazione; i pannelli di plexiglas al posto delle 

tele: il risultato è lo stesso, quadri con ritratti, figure 

simboliche, impressioni proiettate sui pannelli dopo 

lunga gestazione hi-tech. È la pittura digitale, arte 

d’avanguardia, che lo sta facendo conoscere su 

scala nazionale. Ha esposto alla prestigiosa casa 

d’arte Orler, vicino a Venezia: la perla della Laguna è 

abituata all’avanguardia nell’arte e qui c’è stata una 

prima consacrazione. 

Le sue opere sono paesaggi astratti, luoghi fantastici 

ma anche ambienti familiari, descrivono situazioni 

surreali ma propongono anche sentimenti 

fortemente terreni, sensazioni ed emozioni legate 

alla vita di ogni giorno, alla realtà che ci circonda. 

Partendo dalle mille sfaccettature dei cristalli, Mario 

Cianferoni racconta la fragilità dell’essere umano, 

la coscienza, il desiderio di libertà, di evasione 

dalla frenesia del quotidiano. Le sue opere sono rigorosamente 

digitali, il disegno è spontaneo, non 

copiato ma, sfruttando il potere della tecnologia, 

elaborato e modificato. Mario Cianferoni applica 

all’arte le proprie conoscenze nel campo dell’oreficeria: 

i suoi disegni sono gemme preziose, gioielli 

dalle linee pulite, essenziali nelle forme. Alla semplicità 

ed al rigore, la contemporaneità dello schema, 

l’artista contrappone a volte la complessità del 

tema trattato, giocando con le forme, sfruttando la 

versatilità del materiale, riesce a creare composizioni 

di dimensioni diverse, dall’estremamente 

grande all’infinitamente piccolo. Nelle diverse immagini 

l’osservatore può vedere ciò che sente personalmente, 

vi si riconosce vi si identifica ma può 

anche rimanerne estraneo, cogliere quell’atmosfera 

surreale e fantastica che l’opera a volte nasconde 

tra le sue linee di colore. 

Il capo di gabinetto, 2014, pittura digitale, sotto plexiglas, 

cm. 30x30 

Il mondo è una palla gonfiata, 2014, pittura digitale, 

sotto plexiglas, cm. 30x30 

mario.cianferoni@gmail.com 

fb: GARULPH /indirizzo - Twitter: @GARULPH 

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Mario Cianferoni 

Il bel paese va a puttane, 2014, pittura digitale, sotto plexiglas, 

cm. 30x50 

La doppia faccia delle persone, 2013 pittura digitale, sotto plexiglas, 

cm. 50x50 

Le mille sfaccettature dei cristalli, 2012, pittura digitale, su tela, cm. 80x80 

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Marina Corbinelli 


Marina Corbinelli vive e lavora a Strada in 

Chianti. 

I suoi dipinti si trvano in Polonia, presso la 

Chiesa di Santa Margherita a Cortona, la Chiesa di 

Quarate, la Biblioteca Comunale di Impruneta, a 

Massa Carrara ed in collezioni private. Hanno scritto 

di lei: Edo Tavellini, Sonia Salsi, Franco Busignani. 

Cerca la sua ragione d’essere attraverso la pittura. 

Potremmo, per il suo linguaggio, darle con facilità 

una definizione precisa, ma proprio perché questo 

suo linguaggio unisce la logica del pensiero con la 

traduzione sulla tela, rimane per noi difficile tradurre 

le strutture dei suoi dipinti. Questi hanno una vita 

sua particolare, rivelano la continuità che non disdice 

la volontà di superare e vincere certe difficoltà. In 

una parola si potrebbe dire che la sua è la forza del 

cuore e dello spirito sulla materia. 

Walter Campani 

Le maschere della vita 

Metterò una maschera 

da pagliaccio per 

non soffrire 

per le tante crudeltà 

inflitte alla donna, 

per l’incomprensione 

non accetta, 

per la sua sensibilità, 

per la bellezza 

tante volte sfruttata 

per i propri piaceri, 

per la tanta violenza. 

Le maschere della vita, 2013, acrilico e tecnica mista, cm. 70x50 


da guerriero per 

difenderti dal dolore 

e da questo gelo. 


per provare gioia 

per capire i tuoi desideri, 

per provare amore. 

Marina Corbinelli 

Cell. +39 333 3232135 - Tel. +39 055 8588792 

marinaperla@libero.it 

37


Alfredo Correani 

Alfredo Correani, nato a Scandicci nel 1947, 

vive e lavora a Greve in Chianti e dipinge dagli 

anni Sessanta quando studia all’Istituto 

d’Arte di Porta Romana a Firenze, allievo e amico 

del prof. Renzo Grazzini dal quale acquisisce, oltre 

la magia dei colori (viola, verde e ocra), anche la tecnica 

dell’affresco. 

Frequenta la Scuola Libera del Nudo all’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze dove approfondisce, con il 

disegno, il rapporto con la figura. 

Altro momento di crescita per Correani sono i due 

anni passati alla scuola di pittura dello Sprone di Firenze 

dove incontra il prof. Franco Messina che lo 

stimola non poco nel percorso pittorico futuro. 

Molti i riconoscimenti e premi ricevuti. Nel 1981 riceve 

il 1° Premio regionale estemporanea Comune 

di Impruneta, nel 1982 e 1983, rispettivamente, il 

2° e 3° Premio regionale Breda Pistoia, nel 1985 il 

1° Premio provinciale il Pignone a Firenze. 

Nel 2010 riceve il 1° Premio delle Contrade Bagno a 

Ripoli e nel 2012 il 1° Premio estemporanea Riflessi 

sul fiume Florence Dragon Lady. 

… ecco perché le sue opere sono così piene di significato 

umano e artistico, insieme dense di soggettivo 

intimismo che si traducono in una sorta di 

diario aperto le cui pagine, appunto, ci raccontano 

della sua vita interiore, come la rappresentazione 

delle amate viti nelle quali i fusti contorti, tormentati, 

piegati, incurvati alla fine sfociano in foglie rigogliose 

e in frutti saporiti. Come quando, in ogni giorno 

della nostra vita, ci imbattiamo in quei drammi 

che, puntualmente, siamo in grado di contrastare 

con la forza che ci traghetta fino a sbarcare in quella 

serenità regalataci dal coraggio, come succede per 

quei fusti contorti che troviamo nei suoi dipinti … 

Roberto Lasciarrea 

Vite d’inverno, 2006, olio su tavola, cm. 50x100 

Via San Cresci, 34 - Loc. Mezzuola - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Cell. +39 348 9110584 - info@poderesomigli.it 

38


Alfredo Correani 

Fiori di carciofo, 2008, olio su tavola, cm. 70×100 

Neve a Montefioralle, 2010, olio su tavola, cm. 70x100 

… i soggetti ritratti assumono quasi il sapore di una 

metafora, quella della sofferenza, polverosa ed 

eroica, anonima eppure protagonista e la vite nel 

suo corpo contorto assume una conformazione 

anatomica. Se i borghi sono ritratti ordinati dal tempo, 

la vite appare sofferta nel lavoro dell’uomo e 

nella prevedibile imprevedibilità della sua natura. 

Qui, nella pittura di Alfredo Correani, si innesta la 

ben calibrata serie delle quattro stagioni, che scandiscono 

con il loro ritmo sempre uguale i momenti 

della fatica e dell’amore … 

Federico Napoli 

… È pittura intrinsecamente attraente in quanto 

spontanea, questa di Alfredo Correani, tutta svolta 

nell’idealizzazione della realtà, affidata all’eternità 

dell’umano quale riflesso di una ideale bellezza e 

sempre in una logica di dialogo con la natura e i suoi 

cicli ed i sui eventi temporali. L’artista, infatti, sa 

ben riprodurre non solo la realtà, ma anche il prototipo 

di essa dal punto di vista ideale, cui la realtà 

stessa sembra ispirarsi, nella riaffermazione della 

sua fenomenologia e, come dice Oscar Wilde: 

“L’arte vince la natura stessa”, così Correani, con la 

sua fantasia ed intrinseca poesia, abbraccia un 

campo molto più ampio di quello offerto dalla sua 

stessa vita, facendo così del linguaggio dell’arte 

un’espressione personale della visione del mondo, 

più lirica e bucolica, con messaggio estetico e sociale 

di comunicazione ecologica … 

Lia Bronzi 

39


Giuliano Corti 

Giuliano Corti nasce nel 1949, fotografo dal 

1967. Professionista free-lance, si dedica 

prevalentemente alla documentazione 

giornalistica e artistica del territorio e dei beni culturali. 

Collabora con quotidiani nazionali e con riviste 

illustrate, in particolare di viaggi, turismo, architettura. 

Partecipa ad alcune mostre, è in Francia nella 

cittadina di Angers, al Centro Culturale San Fedele 

di Milano, a Montespertoli. 

Ricercare l’essenza e la complessità della natura, 

viaggiare per conoscere altre culture, inseguire il 

proprio nirvana, rappresentare il genius loci con l’obiettivo, 

raccontare una storia, fissarla nel tempo; 

ecco cosa spinge Giuliano ad avere una valigia e uno 

zaino fotografico, sempre pronto a partire. Ama la 

fotografia, i viaggi, gli amici e gli piace far sì che queste 

tre cose possano rivivere nelle sue immagini. 

Ho vissuto la rivoluzione che il digitale ha portato 

nella società e nella mia professione. Le ho seguite 

con passione, consapevole di vivere una rivoluzione 

pari a quella della macchina a vapore e dell’era 

industriale: la rivoluzione digitale. Ho lavorato con la 

fotografia ma per me è soprattutto passione sin da 

quando la prima volta ho avuto tra le mani la macchina 

fotografica: un modo per ricordare la vita con 

un “click”. Mi sono accorto che guardando attraverso 

il mirino fotografico potevo vedere cose che 

solo io potevo dire, fissandole su una carta bianca 

fino ad allora muta e senza vita. La realtà è lì ma non 

esiste per tutti. Esiste solo per chi la sa vedere e 

per chi, vedendola, la sa descrivere, con una poesia, 

con un quadro, con una scultura ed anche io 

spero sempre, con uno… scatto fotografico. Ed allora, 

se questo è vero, con la fotografia si può vivere, 

sempre, dentro il respiro profumato di una vita 

che scorre attraverso le immagini che ho creato, 

immaginandole appena un attimo prima di fissarle 

con un click, non soltanto per me ma anche per 

coloro che quelle stesse immagini guardano, partecipando 

alle mie sensazioni. 


Aratura a Montespertoli, 2014, fotografia digitale, cm. 36x24 

Cell. +39 335 8374607 

giuliano@giulianocorti.it - www.giulianocorti.it 

40



Cava dei Fantiscritti a Carrara, 2013, 

fotografia digitale, cm. 24x36 

Anghiari dai tetti, 2013, fotografia digitale, cm. 36x24 

Castelluccio di Norcia, 2013, fotografia digitale, cm. 36x24 

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Angela De Nozza 

SAngela vive nella splendida campagna fiorentina 

della Certosa, in un luogo solitario, 

silenzioso e perfettamente ordinato. Lavora 

nella “casina” tra gli alberi, sorvegliata dal 

mastino napoletano Elia. È proprio l’albero, elemento 

caratteristico e inesorabile del paesaggio, 

a svolgere un ruolo speciale nei suoi dipinti 

divenendo prezioso punto di riferimento per 

rinsaldare il legame tra il suo animo e l’animo 

della natura. 

I paesaggi e la figura umana immersa in una atmosfera 

naturale divengono protagonisti misteriosi 

del suo simbolico contenitore di spazi 

muti e incontaminati e gli alberi si offrono come 

un riposo dei sensi attraverso la presentazione 

di una vista gradevole. Talvolta si sostituiscono 

all’uomo e assumono l’aspetto di rifugio; anche 

se privi di fronde continuano ad essere un sostegno 

in quanto elementi del ciclo naturale di 

vita. Altre volte è la stessa natura che si impossessa 

delle sembianze umane prendendone 

l’aspetto: non più una rappresentazione dell’oggetto 

reale dunque in “Fra qualche giorno partirò 

da qui” dove le pieghe delle rocce e il trattamento 

del modellato, combinato con un senso 

di mistero, pur in una visione improntata al realismo, 

descrivono un sensuale corpo di donna 

che gli anni hanno maturato. La sua sensualità 

è compressa tra le mura e vuole liberarsi dalla 

stretta 

Waiting for a sign, 2014, olio su tela, cm. 135x100 

Via di Colle Ramole, 4/b - 50023 Impruneta (FI) 

Tel. +39 055 2326030 - Cell. +39 338 4312270 - angeladenozza@gmail.com 

42


Angela De Nozza 

Strano incontro, 2014, olio su tela, cm. 120x100 

Sarebbe pronta per un viaggio di ritorno nella memoria, 

per raggiungere luoghi lontani della realtà, 

indefiniti e come sospesi in un’attesa silenziosa, 

Angela non parte, crea piuttosto un mondo che non 

esiste, ma che è presente nella sua mente quando 

medita su memorie di gusto surreale e metafisico. 

Non teme il trascorrere del tempo. Anche il presente 

è astrazione dallo spazio fisico e incanto di luoghi 

incommensurabilmente ampi che desiderano e 

promettono il mare. 

A conoscenza della storia dell’arte, della letteratura, 

delle scelte iconografiche degli altri artisti (ama in 

particolar modo la personalità di Georgia O’Keeffe 

e i suoi oli degli anni Trenta e Quaranta) mantiene la 

sua individualità con assoluta determinazione, provando 

continuamente a piegare la natura ai suoi 

voleri, a dominarla, a modificare la realtà non facendosi 

influenzare neppure dai luoghi in cui ha vissuto. 

Impone la sua visione spirituale e si avventura 

con passione in atmosfere solitarie e intime e quel 

paesaggio presentato con quell’ordine immutabile, 

in qualche modo davvero le assomiglia. 

Si esprime con un forte senso di autocontrollo e 

con fiducia in se stessa, proponendosi come l’antitesi 

di creatura vulnerabile. È capace di scegliere la 

memoria e il presente per creare nuove e penetranti 

immagini. Per cogliere l’essenza della realtà ha 

creato un nuovo universo e un’altra luce affiora sulla 

scena, il tempo si fa più lento e la solitudine 

meno grande. 

Ornella Casazza 

43


Giacomo Del Giudice 

Ho iniziato a lavorare a 14 anni e mezzo presso 

la fonderia del nonno paterno, che da 

buon artigiano vecchio stampo ha cercato 

di tramandare un’arte nobile come quella del bronzo. 

Credo che non sarò mai al suo livello comunque 

questo lavoro lo faccio con passione. 

Nel 2002 ho tenuto un corso di fonderia presso l’Università 

di Munster in Germania. Alcune mie sculture 

si trovano in collezioni private. 

Non mi illudo di essere uno scultore, ma faccio 

quello che mi piace. Cerco la semplicità e la poesia, 

perché penso che purtroppo vadano piano piano 

sparendo. 

Grazie alla mia esperienza di fonditore ho avuto 

molte soddisfazioni realizzando opere per artisti che 

sono esposte in importantissime location tra cui gli 

Uffizi o il Corridoio Vasariano a Firenze, Villa Adriana 

a Roma, le Cappelle Medicee a Firenze, il Duomo di 

Firenze, l’Arsenale di Venezia, ecc… 

Da qualche anno, dopo tanto tempo che frequento 

tanti artisti, ho maturato una forma mia di scultura. 

Sono convinto che ogni uomo debba contribuire 

con la propria testimonianza alla memoria collettiva. 

Le opere che realizzo sono espressione del mio 

pensiero. 

Attraverso una lunga esperienza personale sui materiali 

e le tecniche, acquisite nel laboratorio di famiglia, 

giungo là dove fantasia e poesia si uniscono 

alle mie personalissime sensazioni, ispirate da 

un’attenta osservazione della natura e del mondo. 


Le ali della fantasia, 2013, fusione e tecnica mista, h cm. 230 

MOSTRE 

Dieci, 2010, fusione e tecnica mista, h cm. 45 

2000 - Galleria Senso - Panzano in Chianti 

2002 - Corso di Fonderia - Università di Munster 

2003 - Palazzo del Comune di Casole d’Elsa (SI) 

2004 - Amici nell’arte - Grassina (FI) 

2005 - Pub BART- Casole d’Elsa (SI) 

Tel. +39 055 8588893 - Cell. +39 333 7462057 

info@fonderiadelgiudice.it - eliartech@libero.it 

44



2005 - Stabilimento balneare Il Delfino - San Vincenzo 

(LI) 

2006 - Palazzo del Podestà - Galluzzo (FI) 

2006 - Festa dell’Arte - Panzano in Chianti (FI) 

2006 - “PENSIERI COLATI” - Museo di San Francesco 

- Greve in Chianti (FI) 

2007 - “INAUGURAZIONE MEDAGLIONE BRON- 

ZEO” - Panzano in Chianti (FI) 

2008 - “IL BRONZO CHE VIVE” - Palazzo del Fiorino 

- Greve in Chianti (FI) 

2009 - Partecipazione al concorso del Movimento 

Arcaista - Tarquinia (7° su 1800 partecipanti) 

2009 - “FUSIONE DI PENSIERI” Ampliamento del 

Museo di S. Francesco - Greve in Chianti (FI) 

2010 - “SCULTURE di Sarah e Giacomo Del Giudice” 

Centro l’Incontro in Campansi (SI) 

2011 - “Galleria del Buon Gusto” - Panzano in 

Chianti (SI) 

2012 - Biblioteca Comunale San Casciano 

2012 - MOSTRALAROCCA - Roccatederighi (GR) 

2012 - Galleria d’arte moderna Bianciardi, in occasione 

della manifestazione “L’Eroica” Gaiole in Chianti 

2013 - Enoteca “Galleria del Buon Gusto” Panzano 

in Chianti 


2013 - Galleria d’arte moderna Bianciardi - Gaiole in 

Chianti 

2013 - “PROGETTARTE” - Gaiole in Chianti 

2013 - Piazza Mino da Fiesole in occasione dei 

Mondiali di Ciclismo (FI) 


2014 - Galleria d’arte moderna Bianciardi - Gaiole in 

Chianti 

2014 - “PROGETTARTE” - Gaiole in Chianti 

2014 - Esposizione Locanda OCEANOMARE - San 

Vincenzo (LI) 

Il battello di Achab, 2012, fusione e tecnica mista, h cm. 45 

Il sogno di Achab, 2012, fusione e tecnica mista, h cm. 75 

Studio di San Polo 

45


Sarah Del Giudice 

lavoro della fonderia e sulla tecnica della cera persa. 

Ha esposto in diverse mostre personali e collettive: 

le sue opere si trovano presso importanti gallerie e 

collezioni private italiane ed estere. Come artista è 

presente in varie pubblicazioni. 

“…Sarah dimostra, da subito, di non smarrirsi nel 

dedalo di tante vie percorribili, perseguendo un progetto 

di figurazione ideale, pur con l’uso di materiali 

diversi: legno, gesso, cemento. Di frequente si sofferma 

sulla rappresentazione non tanto dell’esteriore 

quanto dei caratteri più intimi della figura…” 

Giuseppe Ciani, 2004 

Contemplatore di stelle, 2004, bronzo, h cm. 44 

Sarah Del Giudice è nata a Firenze l’11 settembre 

1978. Vive e lavora a Firenze tra le colline 

chiantigiane. Diplomata al Liceo Artistico Leon 

Battista Alberti di Firenze nel 1996, continua gli studi 

artistici frequentando la scuola di Scultura all’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze diplomandosi nel 

2002 con il voto di 110 e lode, presentando una tesi 

sulla fusione a cera persa, mestiere che nella sua 

famiglia si tramanda da tre generazioni e che l’appassiona 

e l’avvicina all’arte da sempre. Una volta 

conclusi gli studi artistici si dedica al lavoro nella fonderia 

artistica del padre a Strada in Chianti. Presso i 

locali della fonderia si dedica alla creazione delle sue 

opere che esegue nella maggior parte dei casi in 

bronzo, materia che sente propria più delle altre, ma 

esegue le sue sculture anche in legno, gesso, resine, 

cemento e terracotta. Dal febbraio 2010 gestisce 

con il fratello Giacomo la fonderia di famiglia 

dove conosce molti artisti per i quali realizza, con il 

fratello e con l’immancabile consiglio del padre, opere 

di grandi e piccole dimensioni in fusione. 

Collabora nell’organizzazione di mostre riguardanti il 

La valigia e il viaggiatore, 2009, bronzo, h cm. 70 

Via dei Bagni, 11 - 50022 Greve in Chianti (FI) - Cell. +39 339 1157838 - info@fonderiadelgiudice.it 

sarahdelgiu@libero.it - www.sarahdelgiudice.it - www.fonderiadelgiudice.com 

46


Sarah Del Giudice 

poi le dolcissime maternità e le creazioni legate al 

viaggio, dove cappelli scarpe e valigie in chiave simbolica 

e un po’ ironica rimandano al percorso più 

ampio della vita, intesa come inevitabile evoluzione 

e come necessità che il cuore e la mente serbino 

sempre la speranza di un viaggio nuovo in un qualche 

futuro. 

Tutte le sculture di Sarah sono un atto di amore per 

questo che è il suo mondo condiviso. Un mondo che 

sembra un microcosmo galleggiante giunto da lontano, 

sopravvissuto al cambiamento dei tempi, sincero 

e solido, dove la tradizione del passato non viene 

rinnegata ma rivisitata con la spregiudicata e consapevole 

leggerezza di chi è in possesso di una chiave 

di lettura della realtà intrisa di autentica poesia.” 

Claudio Nicoli, 2013 

Primo Bacio, 2009, bronzo, h cm. 38 

“La sua vera scuola, come del resto lo è stata anche 

per me, è la fonderia; un luogo dove si apprende per 

esperienza, attraverso la pratica, la conoscenza del 

mestiere […] Le sculture di Sarah parlano dei suoi 

desideri, delle sue aspettative, dell’idea che ha del 

mondo, e di come lo vorrebbe. Un mondo in bilico 

tra il gioco e le assurdità della vita. Tra dubbi e certezze 

è andata avanti, come si conviene a chi sa che 

ad ogni passo ne segue sempre un altro, non necessariamente 

nella direzione voluta, ma si procede”. 

Adriano Bimbi, 2013 

“Tutti i soggetti cari a Sarah sono legati alla sua sfera 

privata, appartengono alla sua dimensione affettiva 

profonda e sono fotografati in un contesto amico, 

rassicurante e protettivo. Nell’esecuzione 

l’alternanza di forza e fragilità sottolinea e rivela la 

sottile essenza che impregna la sensibilità di un’artista 

in evoluzione. Come nella vita così nell’arte. I 

suoi temi portanti e prediletti sono la donna e l’uomo, 

considerati come elementi indivisi della coppia 

come fusione di due esseri che vivono all’unisono i 

momenti coinvolgenti della loro vita e i ripercorrono 

filtrandoli attraverso il ricordo. Di Sarah ci seducono 

Il seminatore, 2012, bronzo, h cm. 240 

47


Marco Ermini 

L’arte di Marco Ermini è legata alla storia 

dell’arte italiana e fiorentina, dal Rinascimento 

ai nostri giorni. Nella sua ricerca pittorica 

Ermini intende riflettere l’immagine in un percorso 

che vuol essere sia mentale che emozionale, di segno 

e colore, materia e gesto, recuperando il segno 

nelle sua massima esemplificazione. 

La seduzione della terra del Chianti, con la morbidezza 

del suo paesaggio collinare, emerge nella ricerca 

della rotondità e della essenzialità del tratto, 

nell’equilibrio tra forma e luce, nella suggestione 

dinamica che le opere di Ermini evocano. 

L’ossessione per la materia ed il godimento che deriva 

da essa emerge nel suo utilizzo, accompagna 

l’immagine creata una tensione dirompente, acquistando 

una dimensione pittorica nel chiaroscuro 

creatosi nei tagli inondati di luce. 

Uno degli intenti del pittore è quello di dare una lettura 

universale dell’immagine attraverso la rappresentazione 

di moduli ancestrali primari di intuizione 

e di pensiero che emergono nelle suggestioni create 

dai tagli di luce. Ed è la poetica degli archetipi, 

chiavi immaginifiche per entrare nel mondo dei simboli, 

che, rappresentando esperienze comuni a tutti 

gli uomini, rendono l’opera di Ermini allo stesso 

tempo semplice, per l’accessibilità della visione, e 

complessa, per la profondità delle sensazioni che è 

in grado di provocare. 

Madre, lastra di ferro ossidata tagliata a plasma, retroilluminata, cm. 100x200 

Via IV Novembre, 11 - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Cell. +39 339 7578539 - www.marcoermini.it - info@marcoermini.it 

48

Fabrizio Ferrari 


Ho immaginato un essere che ci sta guardando 

da un altro pianeta; è leggermente 

diverso da noi, dico leggermente perché 

vive nel nostro stesso universo. Sta guardando noi. 

Da un altro punto di vista perché un giorno, mentre 

ero ad un meeting, mi resi conto che non stavo 

ascoltando la persona che parlava, non stavo cercando 

di comprenderlo, ma stavo solo pensando 

alla risposta. Era la negazione dell’ascolto. Molto 

spesso entrare nel cuore delle persone vuol dire 

averne compassione, non pietà ma compassione 

nel senso di comprensione profonda. Questo è 

molto difficile; mi sono esercitato tanto nell’ascolto. 

Fabrizio Ferrari 

Da un altro punto di vista, 2014, olio su tavola, cm. 50x65 

Cell. +39 328 3183425 - f.f.painter@hotmail.it 

fb: fabrizio.ferrari.7927 

49


Maria Florea 

Maria Florea, artista toscana di origine rumena, 

si muove con perizia ed eclettismo 

tra arti e materiali. Sullo sfondo delle colline 

del Chianti, le sue capacità espressive si estendono 

dall’incorporeo al fisico; dalla poesia alla scultura; 

dalla pittura al tessile. Ama sperimentare, 

senza paura di spingersi lungo un territorio artigianale; 

per poi sublimare in arte il suo rapporto carnale, 

materno, elegante, minimale, potente verso il 

mondo. 

La sua formazione ha origine in Romania, ma si 

completa in Italia. 

Il suo istinto è la sua guida; la natura una delle sue 

muse ispiratrici. 

Love and destiny, 2012, ceramica, h cm. 24 

Aspettative, 2013, acrilico su cartone, cm. 100x70 

Cell. +39 348 2844249 - mariaflorea70@yahoo.it 

https://www.facebook.com/maria.florea.351 

50

Alberto Forconi 


Carta zucchero, 2013, acrilico su faesite, cm. 95,5x67 

Alberto Forconi è nativo di Greve in Chianti 

dove vive e lavora. La sua bottega d’arte, in 

un angolo della storica piazza, è anche suo 

studio pittorico. 

Nel 1977 inizia a lavorare come disegnatore tessile, 

si iscrive poi al Liceo Artistico di Firenze. 

Negli anni giovanili la sua vasta produzione ha come 

generi privilegiati i paesaggi ed in particolar modo la 

campagna toscana, le nature morte ed i ritratti fra i 

quali si segnalano Mio babbo, Tiziano di Panzano e 

Mario di Casole. Dipinge a volte in compagnia del 

maestro pittore Claudio Sacchi. 

La sua prima personale si tiene nel 1990 presso la 

chiesa del Corpus Domini a Firenze con introduzione 

alla mostra di Nino Tirinnanzi. Nel 1992 partecipa 

alla collettiva “Omaggio a Masaccio” - Arte Sacra, 

presso la sala espositiva attigua alla chiesa del Carmine 

di Firenze e nel 1995 alla rassegna di pittura e 

scultura “Miglior figura” presso il Forte Magnaguti. 

Alberto ha inoltre partecipato a numerose mostre, 

collettive e personali, in Italia e all’estero, ottenendo 

diversi riconoscimenti. È infatti vincitore nel 

1996 del Premio Nazionale di pittura contemporanea 

“Pietro Generali”, l’anno successivo espone, in 

veste di finalista, alla “Maratona di Pittura” presso 

la galleria L’occhio in Arte a Roma. 

L’importante incarico di realizzare il tabernacolo in 

via Giorgio La Pira nel suo paese natio gli viene affidato 

nel 1996 dal Comune di Greve in Chianti e 

dall’Arcivescovado di Fiesole. È allora che dipinge la 

Madonna della Speranza ritraendovi l’ex moglie e le 

figlie. Nello stesso anno espone, insieme agli artisti 

Roberto Tortoli e Sileno Roggi, presso la sala espositiva 

di via dell’Anguillara a Firenze. 

È poi finalista del I° concorso “Ottone Rosai” nel 

1998 e l’anno successivo ottiene un riconoscimento 

personale nella XVI edizione del Premio Firenze. 

Viene segnalato nel 1998 in occasione del Premio 

Italia per le Arti Visive XIII edizione e nello stesso 

anno espone nel Chiostro Grande del Convento di 

Santa Maria Novella durante la prima edizione della 

Festa dell’Iris. 

In occasione del Giubileo partecipa alla manifestazione 

artistica dal titolo “In Anno Domini 2000” con 

un dittico di soggetto religioso. Nel 2001, nell’ambito 

della Rievocazione Storica della Passione di Cristo, 

viene inaugurata la sua mostra personale presso 

il circolo Arci di Grassina. Negli anni successivi 

tiene una personale presso il chiostro della Chiesa 

di San Leolino a Panzano ed espone presso la Galerie 

& Vinothek arteMedia Birsfelden a Basilea. 

Negli ultimi anni le sue opere nascono invece sul 

banco di lavoro; così casualmente vengono tracciate 

la prime linee, macchie, schizzi e talvolta tagli sui 

quali Alberto costruisce composizioni astratte 

come Libertà celeste e Carta Zucchero. 

Piazza Matteotti, 47 - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Tel. +39 055 853905 - Cell. +39 348 8100452 - albertoforconi17@gmail.com 

51


Giovanna Fortini 

Nata a Firenze si trasferisce a San Polo in 

Chianti dopo il matrimonio. Dove abita ha 

un piccolo laboratorio d’arte. 

Il disegno e la grafica fanno parte da sempre della 

vita di questa pittrice. Ha cominciato a dipingere negli 

anni Settanta, frequentando sia l’Accademia della 

Belle Arti di Firenze sia botteghe di artisti ad Impruneta. 

Negli anni Ottanta entra a far parte del 

Gruppo di Pittori e Scultori Imprunetini. Attualmente 

è membro dell’Associazione ART-ART di Impruneta. 

Il suo spirito creativo la spinge a realizzare opere 

utilizzando tecniche diverse quali incisione, acquerello, 

tempera, collage, olio, apprese con la frequentazione 

dei vari laboratori d’arte. La disciplina che le 

è più congeniale è la pittura ad olio con tecnica mista: 

pennello e spatola. Negli ultimi tempi è interessata 

dalla pittura astratta, ed esegue lavori a tecnica 

mista con l’impiego di materiali poveri come carta, 

pietre, sabbie e colle. La possibilità di impastare e 

modellare materie le consentono di trasformare 

una opera a due dimensioni, come la pittura, in qualcosa 

di tridimensionale, avvicinandosi alla scultura. 

Ha partecipato a numerose mostre sia personali 

che collettive; quest’ultime con l’Associazione ART- 

ART e con i pittori del Gruppo Donatello. 

Sue opere sono presenti in collezioni private in Italia, 

Spagna, Belgio ed Inghilterra. 

Il fulcro della vita, 2008, olio su tela e materiali vari, cm. 50x70 

Luminosità, 2006, olio su tela e materiali vari, cm. 50x70 

Cell. +39 346 3658163 

giovabett@gmail.com 

52

Luigi Ghezzi 


Scopre la pittura ad olio a cinquant’anni, dopo 

una formazione tecnica (Pr Chimico), si specializza 

come tecnico di laboratorio biomedico, 

professione che svolge attualmente presso l’A- 

OU di Siena. Inizia da autodidatta (pittura su vetro, 

tra cui oggettistica di laboratorio chimico). Nel 2001 

incontra il maestro Renzo Regoli, del quale diventa 

allievo. 

Ghezzi è un pittore ironico che trasforma il paesaggio 

toscano in qualcosa di sognante. 

I suoi quadri rappresentano vedute della campagna 

toscana in modo raffinato, con una pennellata decisa 

e molto minuziosa; a tutto questo si aggiunge 

l’utilizzo di colori accesi, poco sfumati e un po’ irreali. 

Un’elevata tecnica, unita ad una spiccata fantasia, 

lo avvicinano al surrealismo e alla metafisica. 

Grande ammiratore di Renè Magritte, è affascinato 

dagli accostamenti irreali e dai suoi contenuti enigmatici. 

Molto legato ai suoi luoghi di origine (Monteriggioni 

e Siena) non può non raffigurare le contrade del Palio, 

ovviamente interpretandole con una sua rivisitazione 

in chiave ironica. 

Oltre al mondo circostante, trae ispirazione anche 

dal proprio vissuto, creando opere autobiografiche; 

così Luigi Ghezzi, ci trasporta verso luoghi sognanti 

spesso popolati da enigmatiche figure. 

Alice Ciappi 

Il peso della cultura, 2014, olio su tela, cm. 30x60 

Competizione, 2012, olio su tela, cm. 60x80 

Via IV Novembre, 2 - 53035 Castellina Scalo (SI) 

Cell. +39 333 6880643 - giovanni.ghezzi@alice.it 

53


Marcello Guasti 

Marcello Guasti nasce a Firenze nel 1924. 

Cresce fra il profumo del pane del forno, 

che stimola in lui l’amore per la manipolazione, 

ed il legno dello zio falegname, che presto 

inizierà a lavorare, intagliandolo per le sue xilografie 

e scolpendolo poi. Si diploma in Arti Grafiche presso 

l’Istituto Statale d’Arte di Firenze; in questi anni 

si dedica alla xilografia, all’illustrazione e al disegno 

che non abbandonerà mai. I primi riconoscimenti 

ricevuti sono proprio nell’ambito della grafica. Nel 

1948 viene ammesso con due xilografie alla XXIV 

Biennale di Venezia. 

Stabilitosi nello studio al Vecchio Conventino, l’artista 

negli anni Cinquanta è rapito dal fascino dei renaioli 

che, insieme ai forgiatori, divengono protagonisti 

per tutto il decennio di centinaia di suoi disegni 

e di xilografie, sulla base dei primi schizzi fatti sempre 

dal vero lungo l’Arno, dando vita ad immagini, 

come Marcello racconta, «del lavoro come fatto rituale 

più che come condanna». È sempre negli anni 

Cinquanta che nasce la scultura il Renaiolo che si 

asciuga ed è da una rielaborazione di questa che 

all’inizio degli anni Sessanta, nasce la prima scultura 

aniconica, Scultura n. 1. 

La sua prima importante opera pubblica, il Monumento 

in memoria dei tre Carabinieri Medaglia d’Oro, 

viene eretta nel 1964 sul Colle di San Francesco 

a Fiesole mentre l’artista è docente dello stesso 

Istituto d’Arte dove si era diplomato. A questo primo 

ne seguiranno numerosi, fra questi ricordiamo: 

il monumento in pietra boema a Horice (Praga) del 

1967; il Monumento in memoria dei 38 partigiani 

caduti a Pian d’Albero, sistemato in piazza Elia della 

Costa nel 1970; il monumento Terra Aria Acqua 

Fuoco inaugurato nel 1995; il Monumento alla Pace 

di Bagno a Ripoli il cui progetto risale al 2003 ed il 

monumento di Figline in memoria dei caduti della 

Prima Guerra Mondiale, L’albero dell’Universo del 

2011. Numerose sono le mostre personali e collettive 

alle quali Marcello partecipa in Italia e all’estero, 

le celebrazioni e occasioni che lo vedono presente 

con le sue opere e la sua esperienza. Riceve il Premio 

delle Arti Fiorentini nel Mondo 2011. 

Come recita il titolo della monografia dedicata a 

Marcello Guasti, “Tra natura e geometria”, l’artista 

vive l’arte oscillando e facendo convivere e dialogare 

questi due elementi. La natura è quella costituita 

dai quattro elementi che spesso tornano protagonisti 

dei suoi monumenti e delle sue opere e la geometria 

sembra rappresentare “l’approdo” di una ricerca 

dell’essenziale e del significato. 

Ricche infatti di simbologie, richiami, allegorie sono 

le sue opere, soprattutto quelle destinate ai luoghi 

pubblici, alle piazze, i monumenti a celebrare il sacrificio 

della morte, il lavoro dell’uomo, la pace, la 

natura che ci dà la vita ed altri valori e spunti di riflessione, 

moniti per l’uomo e per la società. 


Il cipresso e la Cipressa, 2013, disegno inchiostro 

su carta, cm. 35x72 

Via di Terzano, 61 - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. +39 055 631919 - artemisia.viscoli@gmail.com 

54


Nicole Guillon 

Nicole Giullon nasce in Francia, passa la sua 

infanzia in Africa, dove è profondamente 

segnata dai colori e dalle forme essenziali 

dei paesaggi che la circondano. 

Si laurea in letteratura comparata a Parigi. Vive in 

diversi paesi d’Europa finché non approda in Italia 

con la sua famiglia. 

Inizia la sua attività artistica in Toscana frequentando 

l’atelier artistico d’Impruneta e seguendo corsi 

presso la Scuola Internazionale d’Arte Grafica Il Bisonte 

di Firenze. Dal 1989 espone in numerose collettive 

e personali in Toscana, in Francia, in diversi 

paesi d’Europa ed in Giappone, con opere di pittura 

e di incisione, ottenendo vari riconoscimenti tra i 

quali il Fiorino d’argento. 

Da qualche anno, la sua passione per i viaggi a piedi, 

particolarmente in Asia e Africa, le ha permesso di 

scoprire nella fotografia una forma d’espressione 

che completa il suo linguaggio pittorico astratto. 

Dalle terre visitate riporta elementi minerali ma soprattutto 

emozioni da trasferire sulla tela o sul legno: 

“dipingo e fotografo per non parlare”; spesso 

lascia le sue opere senza titoli, con l’intenzione di 

offrire all’osservatore la libertà delle proprie sensazioni, 

convinta che l’artista altro non è che l’interprete 

di una coscienza universale. 

“...Sullo schermo quadrato si aprono squarci di colore 

, mescolato a sabbia, a brandelli di stoffa, alla poltiglia 

di conchiglie, e guscio d’uova e rena: si condensano 

delle forme che sembrano scolpite, 

asperità, rughe da accarezzare colla mano. Si aprono 

varchi improvvisi, ferite sensuali e inopportune....” 

G. Uzzani 

“...Possiamo certamente definire le opere di Nicole 

Guillon secondo la modalità della pittura e della fotografia, 

ma le sue tele cosi materiche. racchiudono 

un presagio di scultura, i suoi scatti declinano le immagini 

quasi in forma di incisione grafica”. 

S. Sassi 

Zakhor, gennaio 2014, Villa Vogel Firenze, installazione, fotografia e pittura, cm. 400x250 

Cell. +39 338 2811430 - poggiougolino@gmail.com 

www.nicoleguillon.com 

55



Mirage, 2005, tecnica mista su tela, collezione privata, 

cm. 100x100 

Skyscrapers, 2013, tecnica mista su tela, cm. 70x70 

Porta, 2005, Tibet, fotografia digitale 

56



Riflessi, 2007, Birmania, fotografia digitale 

O nuit, 2007, Birmania, fotografia digitale 

57


Bryan Holt Moore 

Jules Maidoff Gallery Florence: Contrast between contemporary and classical, 2013 

bryanholtmoore.wordpress.com 

b.moore@tin.it 

58

Patrizio Landolfi 


Opera ottava, 2013, tecnica mista, cm. 200x110 

Dopo avere trascorso l’infanzia tra Calabria e 

Campania, si trasferisce a Genova, poi a 

Roma e Milano e quindi, nel 1980 a Firenze. 

Il linguaggio artistico di Patrizio Landolfi - commenta 

Sabino Formica - si realizza su temi coloristici 

di estrema purezza, nell’esercizio di una personale 

tecnica e in un largo respiro poetico che investe tutta 

l’opera. I dipinti, che si snodano davanti al nostro 

sguardo, sono come una serie di apparizioni luminose 

ed impreviste. Colpisce subito la sua franchezza. 

La simbologia e le emozioni interne del maestro 

Landolfi riescono a modellarsi con l’essenzialità dei 

significati, in una sintesi figurativa che va oltre le 

barriere e si imprime in suo logico e coerente ritmo 

costruttivo. 

Landolfi introduce un nuovo elemento anzi un nuovo 

gesto: disfa manualmente le sue costruzioni, le 

figure e gli elementi che dipinge. Frantuma, per poi 

sovrapporre nuovi elementi fino a dividere le composizioni 

in piccole particelle di materia. Gli artisti 

sono sempre consapevoli che l’esperienza creativa 

è senza limiti, ma l’autore decide quando il quadro è 

finito. È infine da questa frammentazione che nascono 

le teorie visive delle opere del Landolfi, così 

come nella scienza, dal lavoro della natura, dal caos 

primordiale il mondo prende forma e getta davanti 

ai nostri occhi possibilità di apparizioni infinite. 

Giampaolo Tomassetti 

Via Palazzuolo. 51 - 50028 Tavarnelle Val di Pesa (FI) 

Cell. +39 388 9228021 - landolfipatrizio@gmail.com - http://www.facebook.com/Pandu 

59


Patrizio Landolfi 

Opera sesta, 2013, tecnica mista, cm. 100x124 

60

Maria Pace Latella 


Maria Pace Latella è nata a Siena, dove ha 

compiuto gli studi presso l’Istituto d’Arte 

Duccio di Boninsegna ed ha maturato la 

sua formazione artistica di pittrice; vive e lavora a Castellina 

in Chianti. La sua è una pittura della luce che 

di quadro in quadro si materializza in forme di forte 

spiritualità e tensione. 

Negli ultimi anni, Maria Pace ha felicemente sperimentato 

la pittura su pietra - marmo, porfido, galestro 

e perfino lastre di quarzo - ricavandone effetti 

straordinari, sia formali sia cromatici, approfondendo 

una nuova e pressoché inusitata forma espressiva, 

che ha subito raccolto interesse e consensi, sia della 

critica che del mercato dell’arte. 

Towards Blue. La nostra realtà spazio-temporale ha i 

suoi limiti, le sue Colonne d’Ercole che non è concesso 

oltrepassare, pena la distruzione, la morte o la 

follia. Ma qualche volta per casi strani e fortuiti, poco 

e male spiegabili, qualcuno li supera e poi ritorna indenne 

nelle dimensioni usuali del reale. I racconti di 

queste esperienze sono sempre faticosi e deludenti, 

criptici, inintelligibili. “Vidi arcana Dei” affermano lapidari 

i Santi e gli asceti, frustrati dal dover usare le 

“nostre parole difettose”, inadeguate a descrivere 

l’esperienza fatta in altri mondi. Eppure talvolta qualcosa 

dell’altro mondo si coglie, si intravede, si indovina 

nei loro sofferti rendiconti. Così è per queste 

tele di Maria Pace Latella, reduce da un fortuito viaggio 

in un’altra dimensione. 

“Fu nel 1981. Mi fecero una normale anestesia. Qui 

iniziò il viaggio, viaggio di andata e fortunatamente ritorno... 

Il mio spirito si staccò dal corpo. Ero in una dimensione 

diversa, dove il tempo e lo spazio non hanno 

confini. Ciò che ho visto, provato, sentito in questo 

mio viaggio non riuscirò mai né a dimenticarlo né a 

tradurlo su tela; ad eccezione del colore, quello sì...” 

Nacque così la pittura surreale, metafisica ed esoterica 

di Maria Pace Latella, già da tempo segnalata 

pittrice. Da allora le sue tele riverberano quella luce 

nuova e inedita della quale si ignora la provenienza. È 

luce pura, boreale, senza origine né confini, dalla 

quale emergono, in una sorta di siderale archeologia 

alla rovescia, segni e frammenti di storia e di realtà: 

di volta in volta un fiore o una stella, un orizzonte o 

una città turrita. È proprio questa luce ineffabile a 

dare senso e forza ai pochi oggetti che risparmia, 

quasi li creasse senza l’intermediazione di linea e colore, 

di peso e volume, di radici e fondamenta. Anche 

le figure umane vi si muovono come le anime di una 

città celeste annunciata ma non descritta, vicina ma 

invisibile. 

Alessandro Falassi 

Un viaggio a dir poco inusuale quello di Maria Pace: 

un mistero che traspare fra i veli dei suoi colori, negli 

spazi infiniti suggeriti. Spazi astrali, metafisici, talvolta 

pacificatori, talvolta carichi di mistero: sempre 

densi d’amore. 

Bona Baraldi, 1996 

Serenità, 2000, olio su tela, cm. 70x40 

Via della Rocca, 6 - 53011 Castellina in Chianti (SI) - Tel. +39 0577 740389 - Cell. +39 339 5974554 

latellamariapace@libero.it - www.mariapacelatella.it 

61


Maria Pace Latella 

Nello spazio, nel tempo, 1998, olio su tela, 

cm. 50x100 

Eternamente blu, 2005, olio su tela, cm. 40x80 

Nel sogno, 2003, acrilico su tela, cm. 40x40 

Fra le rocce, 2013, acrilico su pietra, cm. 33x33 

62

Antonella Lomonaco 


L’onda, 2010, olio su tela, cm. 80x40 

“ Ho iniziato il mio percorso artistico con la 

pittura informale, con tinte forti e calde, i 

gialli, i rossi, gli arancio nelle mille tonalità 

dei tramonti che ti lasciano senza fiato, in quella dimensione 

di stupore che ti fa sentire una bambina 

davanti al miracolo della natura. Poi è venuto il mare, 

e lo stupore ha cambiato colore, dando spazio ai verdi, 

agli azzurri, l’indaco e l’oltremare, al bianco spumeggiante 

delle onde. Ma quel mare, che da quarant’anni 

mi accoglie nel periodo estivo, ha, alle sue 

spalle, una pineta che per anni non avevo visto con 

occhi da artista e poi d’un tratto si è rivelata in tutta 

la sua magia. Le luci, le ombre, le chiome dei pini 

battute dal Maestrale, i rami contorti”. 

“I miei soggetti preferiti per anni sono stati i paesaggi, 

le marine e la natura in genere. 

Colori e scenografie di vita, piccoli frammenti di realtà 

per mezzo dei quali cerco di dare forma alle mie 

emozioni più profonde. Attualmente è la figura femminile 

la protagonista delle mie tele che parlano del 

mondo della donna fatto di quei sentimenti che 

vanno oltre l’immediatezza dell’immagine. 

A dire il vero non ho mai pensato di voler diventare 

un’artista. Il mio approccio con le arti visive è avvenuto 

per necessità. La necessità era quella di trovare 

una forma d’espressione che mi permettesse di 

comunicare in maniera naturale ed immediata. Sentivo 

l’esigenza di dare forma ai miei pensieri, ai sentimenti, 

alle sensazioni che altrimenti sarebbero rimasti 

imprigionati dentro di me per la difficoltà di 

esprimerli a parole, per la difficoltà di trovare qualcuno 

disposto ad ascoltarli”. 

Antonella Lomonaco 

La Pineta, 2012, olio su tela, cm. 80x40 

a-lomonaco@libero.it 

63


Luigi Mariani 

Luigi Mariani nasce nel 1954 a Impruneta dove ancora 

oggi vive e lavora. 

Nelle sue opere, fatte proprio plasmando la 

terra, Luigi Mariani infonde un’anima che 

le rende vive in modo impressionante. In 

esse è la vita stessa che prende forma e si narra… 

La donna raffigurata nelle sculture di Luigi Mariani è 

priva di vesti, priva, quindi, di artificiose sovrastrutture, 

priva di condizionamenti, libera dal pensiero e 

dalle ideologie restrittive degli uomini. 

È la donna nella sua essenzialità, espressa dal suo 

bellissimo corpo nudo. Donna nella sua essenzialità 

di madre, generatrice di vita e naturalmente custode 

della vita. In un corpo che diventa rifugio dalle 

paure e dagli attacchi del mondo, culla di pace e 

serenità. 

Rita D’Angelo Grifoni 

Dalle abili mani dello scultore escono forme articolate 

e complesse, dalle quali traspare rigore, coerenza 

ed armonia formale: forme esaltate da un’estrema 

“politezza” delle superfici, levigate e quasi 

“accarezzate” dall’artista. 

Nudità non ostentate e provocanti, ma silenziose e 

distaccate; gli sguardi sono trasognati e lontani, rivolti 

indietro ad altre epoche: alla prima metà del 

Novecento, ad esempio, oppure, come suggeriscono 

i gruppi con la donna ed il bambino tra le braccia, 

alla superba tradizione scultorea del Rinascimento 

fiorentino. 

Anche nelle opere di piccolo formato rimane, pur 

nelle limitate proporzioni, una certa solennità bozzettistica, 

a conferire alle figure di Luigi una sorta di 

“moderna classicità”. 

Giovanna Sparapani 

Nonno Anselmo, 2006, terracotta, h cm. 80 Bellezza e purezza, 2009, terracotta, h cm. 70 

Ricorrendo il centenario dell’inizio dell’attività di famiglia da parte di mio nonno, Anselmo Mariani, in ricordo 

di lui, questo ritratto regalato da me a mio padre. 

Luigi Mariani 

Cell. +39 329 4180696 

luigimariani54@gmail.com 

64

Maria Rosa Mazzantini 


Maria Rosa Mazzantini, ha frequentato la 

Scuola Libera del Nudo e si è diplomata in 

Scultura all’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Ha esposto in diverse personali e collettive in 

Italia e all’estero. Vive e lavora a Greve in Chianti. 

La mia esperienza artistica, abbandonati i modelli 

figurativi della prima formazione, si muove ormai 

con insistenza nella vasta area della libera sperimentazione 

creativa. 

Con interventi di CONTAMINATIO, pittura e scultura 

diventano segni di una struttura soggiacente: 

INSTALLAZIONE. 

La “Metafora del cerchio” che domina le mie opere 

indica la ricerca di una matrice archetipa che nell’inconscio 

corrisponde al ciclo cosmologico, al mito 

della vita. 

I colori, simboli di emozioni, lasciano tracce nello 

spazio a mezzo di piccole pietre colorate, pianeti 

scintillanti. 

L’inserimento di fibre ottiche che “perforano” lo 

spazio, sono mimesi dell’opera umana sulla Terra: è 

una luce che non illumina, ma fa “punto luce” per 

non smarrire l’orientamento. 


Monumento ai caduti, 1994, bronzo, Loc. La Panca, Greve in 

Chianti, h cm. 160 

Madonna dell’Accoglienza, 2000, bronzo, chiesa di Santa 

Maria a Chiocchio, Greve in Chianti, h cm. 180 

Cell. +39 335 6466666 

mazzantini_mariarosa@yahoo.it 

65



Le installazioni di Maria Rosa Mazzantini sono, dal 

punto di vista iconografico, pittosculture informali. I 

suoi colori semplici, primari, sono quasi sempre 

speculari, come i positivi e i negativi di una fotografia, 

testimoniano la sua visione dell’universo intergalattico, 

dove il positivo dei pianeti vivi si mescola 

al negativo di quelli morti. 

Roberto Cellini 

Alla forma globulare - dall’ovulo in cui si sviluppa la 

vita umana all’astro che vaga nell’infinità dell’universo 

secondo imperscrutabili progetti che attraversano 

il tempo - Maria Rosa Mazzantini rivolge 

ora le sue energie e contro l’indistinto del fondo 

avviene una genesi geometrica che si rivolge al mistero 

della Creazione… 

Alvaro Spagnesi 

Approdo, 1998, tecnica mista su legno, diametro cm. 100 Totem 2, 1995, tecnica mista, h cm. 180 

66

Irene Meniconi 


Irene Meniconi nasce a Firenze nel 1986, per poi trasferirsi, 

ancora bambina, nel Chianti. Consegue il diploma 

presso il Liceo Artistico Leon Battista Alberti, 

prosegue con entusiasmo e passione i suoi studi presso 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Fin da piccola è attratta da tutto ciò che ha a che fare con 

la materia, la fantasia e la creatività; libera di sperimentare 

il mondo circostante a stretto contatto con la natura che è 

per lei fonte costante d’ispirazione, luogo fascinoso e di 

mistero. Negli anni sviluppa un rapporto speciale, quasi 

empatico, con il cavallo che spesso ritorna nella sua ispirazione 

e nelle sue opere. 

Alla base della sua espressione artistica è la linea, il disegno, 

che riproduce insieme l’aspetto esteriore e allo stesso 

tempo quello interiore di ogni cosa che viene così ad 

essere composta come di tanti “piccoli mondi”, nella costante 

ricerca di un’armonia ed un equilibrio riflesso di 

quello universale. L’equilibrio è quello raggiunto attraverso 

il bilanciamento degli opposti, come le sue creazioni nascono 

dall’inconscio e prendono forma attraverso un’azione 

consapevole. È così che Irene lascia emergere il lato 

oscuro di tutte le cose ed insieme quello luminoso, il mondo 

del sogno ed il primordiale. 

Osservando le sue opere ci accorgiamo di essere scrutati 

dall’occhio giudice e testimone silenzioso dalla natura che 

induce all’introspezione e alla riflessione che può condurre 

negli abissi dell’anima e negli spazi infiniti dell’universo. 

Essere pavone, 2014, acquerello, acrilico, china, 

cm. 100x160 

Ero costantemente alla ricerca di 

qualcosa di misterioso, mi 

immergevo nella natura, quasi mi 

confondevo nella sua stessa essenza, 

fuori dal mondo degli uomini. 

C.G. Jung 

Ti porto via, 2014, collage, acrilico, penna e 

china, cm. 100x70 

Cell. +39 338 3687396 

irenemeniconi@yahoo.it 

67


Anna Napoli 

Conosco Anna Napoli da più di dieci anni. 

La peculiarità che ho sempre apprezzato in 

lei è la ricerca dell’armonia in tutti gli aspetti 

dell’esistenza, esigenza che esprime nella pittura. 

Nella sua creazione artistica percepisco il desiderio 

di segnare un equilibrio tra gli opposti: istinto e ragione, 

passionalità e riflessione, corpo e anima. I 

dipinti dedicati agli ombrelloni ritraggono, pur senza 

mostrarla, la presenza dell’essere umano nella pienezza 

del proprio corpo; osservando sento l’odore 

del mare, ascolto le grida dei bambini, godo del caldo 

del sole sulla mia pelle. E gli occhi volano nel 

cielo dove il blu e i celesti si contrappongono privi di 

conflitti ai colori caldi: la narrativa del quadro mi sollecita 

domande metafisiche. 

La linea dell’orizzonte supera e unifica terra e cielo, 

umano e sovra-umano priva di tensioni; si percepisce 

la serenità di chi trova pace al conflitto, protetto 

in luogo sicuro. 

Anna Napoli è nata e ha trascorso i primi anni della 

sua infanzia a Castel di Lucio, in Sicilia. Ha studiato 

lingue e culture straniere a Firenze, Milano, 

Stamford e Zurigo. Ha sempre coltivato la passione 

per l’arte e la pittura; è stata allieva della scultrice 

Mary Ann Lucchetti per il disegno. Ha iniziato la sua 

attività artistica a livello professionale negli anni Novanta. 

Ha partecipato a concorsi di pittura nazionali ed internazionali, 

ottenendo premi e segnalazioni della 

critica. Le sue due ultime mostre personali importanti 

sono state fatte presso l’Istituto di Cultura Italiana 

di Colonia (Germania) nel 2013 e nel 2011 

sempre presso l’Istituto di Cultura Italiana di Bruxelles 

(Belgio). Anna Napoli dipinge presso il suo studio 

di pittura nel Comune di Montespertoli presso la 

sua casa di campagna, in via Mandorli 52. Utilizza 

mezzi tradizionali quali olio e acrilico su tela e il pastello 

su carta. 

Un ombrellone rosso, 2013, olio su tela, cm. 50x70 

Pallone in spiaggia, 2013, olio su tela, cm. 50x70 

Anna Napoli, Studio d’arte e di pittura - Via Mandorli, 50-52 - 50025 Montespertoli (FI) 

Cell. +39 335 393889 - Tel. studio +39 0571 609555 - www.annanapoli.com 

68


Anna Napoli 

Anna Napoli riflette nella sua pittura l’esperienza 

del vissuto: la lontananza e la vicinanza, la memoria; 

i suoi ombrelloni mi attraggono nella dimensione 

del ricordo sia esso l’estate appena finita o l’estate 

sbiadita dell’infanzia lontana. La memoria venata da 

leggera malinconia non è rimpianto e la solitudine 

degli ombrelloni non è tristezza ma consapevolezza 

dei confini dell’essere umano. 

Anna Napoli offre a chi guarda la sua pittura un percorso 

emotivo che integra e unisce cuore e mente, 

presente e passato, il bambino dentro di noi con il 

vissuto dell’adulto, in un’armoniosa sintesi che nutre 

gli occhi e fa bene all’anima. 

Melania Continanza 

Psicologa, psicoterapeuta 

Due ombrelloni, 2013, olio su tela, cm. 70x50 

Tre ombrelloni con tenda, 2013, olio su tela, cm. 70x50 

69


Sergio Nardoni 

Passion, 2014, olio su tela, cm. 120x200 

La scuola dei sogni, 2005, olio su tela, cm. 120x120 

Fiorentino, di antica famiglia toscana, Sergio 

Nardoni vive e lavora nel Chianti, a Sambuca 

Val di Pesa e a Pechino (Beijing, China). 

Allievo all’Accademia di Belle Arti di Firenze di Loffredo 

e Manfredi, risente inizialmente del clima 

concettuale che comincia a diffondersi in Italia alla 

fine degli anni Settanta, ma è subito attratto da altre 

esperienze. Conosce Bueno, frequenta Annigoni, 

mentre l’incontro e l’amicizia con Mariuccia Carena, 

la vedova del grande Felice Carena, lo immette 

nell’ambiente artistico toscano e versiliese (Treccani, 

Faraoni, De Grada). La Facoltà di Lettere che frequenta 

con maestri come Del Bravo e Mina Gregori 

completa la sua sete di conoscenza e la sua assidua 

riflessione sulla storia della pittura. Infine si dedica 

all’insegnamento, prima nella Scuola Media Statale 

e poi nella sede fiorentina della Rutgers University, 

the State University of New Jersey. 

Lasciata anche la scuola, si dedica esclusivamente 

alla pittura. Per l’attività più recente, si segnala nel 

2011 la grande Mostra Antologica per i suoi 40 anni 

di pittura intitolata “Il genio ingenuo” e curata da 

Giovanni Faccenda al Museo Archeologico di Fiesole 

(FI), seguita dalla mostra personale per le celebrazioni 

dei 150 anni dell’Unità d’Italia nella Sala delle 

Colonne di Pontassieve (FI), curata da Pier Francesco 

Listri e presentata dalla Soprintendente del 

Polo Museale Fiorentino Cristina Acidini. 

Nel 2011 ha tenuto una serie di conferenze sul suo 

lavoro presso la Sichuan University of China a 

Chengdu (Sichuan Province, China) e nel 2013 ha 

aperto uno studio a Pechino (Beijing, China) dove 

risiede alcuni mesi l’anno e dove è in preparazione 

una sua grande mostra personale. Nella capitale cinese 

ha anche eseguito una lunga serie di ritratti, 

tra i quali quello del popolare regista cinese Zhang Ji 

Zhong. 

Nel 2012, dopo la sua fortunata mostra sui 150 anni 

dell’Unità d’Italia, viene insignito dal Presidente 

della Repubblica dell’Alta Onorificenza di “Ufficiale 

dell’Ordine al merito della Repubblica Italiana” per i 

suoi meriti artistici. 

www.sergionardoni.com 

studiosergionardoni@gmail.com 

70

Alessandro Nutini 


Paesaggi immaginari (serie), 2011, olio su tela, cm. 40x50 Intreccio, 2009, legno di mandorlo, h cm. 70 

Alessandro Nutini nasce a Firenze nel 1958. 

Frequenta come apprendista alcuni studi di 

pittori e restauratori fiorentini imparando i segreti 

della pittura antica. Dal 1985 si dedica totalmente 

alla pittura. La mitologia etrusca è la sua principale 

fonte di ispirazione in questo periodo. Viaggia e studia 

arte; nel 1986 è a New York e nei Caraibi dove apprende 

le colorate tecniche della pittura indigena. Nel 

1992 frequenta il corso di Nudo all’Accademia delle 

Belle Arti di Firenze, nel 1995 compie il primo viaggio 

in Giappone dove ritorna spesso. Da questo momento 

i suoi lavori subiscono una notevole trasformazione 

grazie alla sempre maggiore conoscenza di questo 

paese. Dal 1988 ad oggi tante sono le mostre personali 

e collettive alle quali partecipa in Italia, Giappone, 

USA e Francia. Fra queste ricordiamo: nel 1995 una 

personale a Greve in Chianti, nel 1996 la sua prima 

personale in Giappone a Tokyo, nel 2002 una personale 

presso la FYR di Firenze. In questi anni è inoltre 

autore di scenografie. A Kyoto: nel 2001 tiene una 

mostra personale dal titolo ‘Frammenti d’infinito’ 

presso il Hônen-in, nel 2005 partecipa a “Terra e Aria” 

presso l’Istituto Italiano di Cultura e tiene poi una personale 

dal titolo “Terre di Toscana” presso la House 

of Art; con lo stesso titolo esporrà presso Mitochu 

Koeki Gallery di Tokyo. L’anno successivo, presso il 

Consolato Generale del Giappone a Milano, tiene la 

personale “Ispirazioni” e nel 2007 è di nuovo in Giappone 

con le personali: ‘Terra Mater’, presso House of 

Art di Kyoto, e “Metamorfosi del Vas”, presso la Arton 

Art Gallery del Museo di Kyoto e con la collettiva 

7th Ecology Earth Art 21 presso il Museum of Modern 

Art di Saitama. 

Nel 2008 partecipa all’EcoArtFestival con “Madre 

matrigna, Amante tradita” nella Villa Palagione di Volterra, 

è poi a Parigi con la personale dal titolo “Papiers 

Paille 1998-2008” e a Firenze dove partecipa alla mostra 

collettiva “Borse Nere come nidi” presso l’Istituto 

degli Innocenti. Nel 2011 in Giappone tiene una 

personale presso la Galerie Petit Bois di Osaka, dal 

titolo “Paesaggi Immaginari - Tutto Scorre Nulla È”. 

L’anno successivo torna ad esporre a Firenze con una 

personale nello Spazio Arti Mestieri, Ex-Conventino. 

Nel 2013 è ancora una volta in Giappone dove tiene: 

ad Osaka la personale “Leonardeschi - Ombre sfuggenti” 

presso la Galerie Petit Bois e a Kôbe presso 

Goshonobô. 

Vive e lavora a Montefioralle. 

Tel. +39 055 8544915 - info@alessandro-nutini.com 

http://alessandro-nutini.it 

71


Anna Pasquini 

Anna Pasquini, nata nel 1956 a Castellina in 

Chianti (SI) dove risiede, ha conseguito il diploma 

di Maestro d’Arte in Ceramica all’Istituto 

d’Arte di Siena Duccio di Buoninsegna, la maturità 

d’Arte Applicata in Tessitura all’Istituto d’Arte 

di Firenze, il diploma all’Accademia delle Belle Arti 

di Firenze in Scenografia e l’abilitazione all’insegnamento 

di Educazione Artistica. 

Si è specializzata con grande passione nel Batik, antica 

tecnica orientale di decorazione dei tessuti, realizzata 

tramite passaggi di cera e bagni di colore. 

Le sue opere fondono la tradizione artigianale con la 

ricerca artistica; spesso rievocano l’atmosfera del 

paesaggio toscano del passato, con toni poetici e 

musicali. Dolci colline dalle morbide linee sono 

come uno spartito su cui i profili tondeggianti, antichi 

casolari spiccano con i loro muri bianchi carichi 

di storia. Pochi cipressi punteggiano, con ritmi musicali, 

le terre assolate. 

Altri soggetti prediletti sono giaggioli, girasoli e animali, 

dove la sensibilità dell’artista, con rara poesia, 

coglie, con macchie di colore racchiuse da una linea 

grafica, l’essenzialità del tema trattato. 

Peasaggio toscano, 2014, tecnica Batik, cm. 29x52 

Casa in Toscana, 2014, tecnica Batik, cm. 29x52 

Esposizione permanente presso: 

LA BOTTEGA Art Gallery - Via Ferruccio, 34-36 - 53011 Castellina in Chianti (SI) 

Tel. +39 0577 740980 - Cell. +39 335 6481111 - www.tuscanantiques.com - mario@tuscanantiques.com 

72

Pina Pettè 


Pina Pettè nasce a Essen, in Germania, nel 

1968. Approda in Italia a dodici anni, fermandosi 

a Bergamo per un lungo periodo fino a 

quando elegge la Toscana a sua nuova patria, ma 

non si tratta di un qualsiasi angolo di Toscana. Pina 

mette le sue radici in un posto magico, a Badia a 

Passignano nel cuore del Chianti. Il suo percorso 

artistico inizia con dei corsi di sabbiatura su vetro, e 

proprio su questo materiale esegue i suoi primi lavori, 

passando solo più tardi ad altri materiali e all’uso 

di colori acrilici e a olio. La sua aspirazione è quella 

di unire l’amore per la moda, settore in cui 

attualmente lavora come responsabile di un importante 

show room, a quello per l’arte cercando nel 

connubio di questi due elementi un indirizzo definitivo 

che la realizzi come artista e come donna. 

Amore musica arte e moda, 2012, olio invecchiato su tela, cm. 80x60 

Cell. +39 334 8199544 

info@pettepina.it - www.pettepina.it 

73


Pina Pettè 

Profumo della vita, 2014, olio su tela, cm. 60x80 

74

Felice Pezzano 


Felice Pezzano nasce a Catania nel 1958, frequenta 

l’Istituto d’Arte ma decide di diventare 

geometra. Ultimati gli studi lascia i palazzi barocchi 

di una Sicilia troppo “arsa“, si trasferisce a 

Firenze e da lì comincia a crederci, “stiamo lavorando 

per voi” ... 

Felice da sempre si rincorre s’inventa fra gli asfalti 

di una vita a volte difficile ma il suo nome è inesorabile!!... 

Oggi vive e lavora in Toscana ma spesso raggiunge 

le rosse lingue di un vulcano per molti amico. 

Le sue mostre più importanti presso: Le Giubbe 

Rosse caffè storico letterario di Firenze, Le Logge a 

Prato, Over Design a Prato, Villa c.e.s.i. “Centro 

studi Impruneta” Firenze, Parco d’arte Oleum Gualdo 

Cattaneo a Perugia, la Basilica di San Marco a 

Firenze, il Palace Art Hotel Borghese a Firenze e poi 

a casa sua in Sicilia “Costa Saracena” Siracusa. 

Si apre un nuovo capitolo, nell’opera di Felice Pezzano, 

egli che nel periodo precedente, era apparso 

maggiormente come scultore, ora riesce in maniera 

molto originale a creare un unicum con l’opera scultorea, 

traslando da essa, concetti estetico formali e 

portandoli nei suoi dipinti. Le rappresentazioni 

sono, cariche di trasognata intensità che pongono 

l’attenzione dell’osservatore, ad una meditazione 

non tanto basata sull’aspetto dei soggetti ma soprattutto 

sulla loro introspezione psicologica, di 

menti tese con tutte le loro energie ad uscire dalla 

banalità e mediocrità dell’esistenza. 

Direi che appare per Felice Pezzano un approccio 

stilistico di natura “Espressionista-Informale“ con 

aspetti psicologici e materici, infatti negli ultimi dipinti, 

egli applica una notevole ricerca ricca di lati 

tridimensionali. 

I colori sono pieni di tonalità intermedie e molto luminosi, 

infatti la luce nella sua scomposizione , sprigiona 

quella energia che è tanto significativa per il 

“Dinamismo Futurista“. Felice Pezzano ha una forza 

cinetica frammentata di matrice Cubista, Espressionista 

e Surreale; ne è un esempio Willem De 

Kooning. 

L’opera pittorica e scultorea di Felice Pezzano si integra 

e si avvicenda perfettamente, facendone un 

artista completo, dalle grandi capacità espressive 

che può portare nella tridimensionalità fisica tutte le 

immagini create su tela. 

Alessandro Marini 

Il solista, 2010, tecnica mista, h cm. 70 

Phatos, 2014, tecnica mista, cm. 50x50 

Cell. +39 328 5545365 

fepezzano@hotmail.com 

75


Felice Pezzano 

La Sindone, 2001, ceramica, h cm. 40 

Il tuffo mentale, 2008, ceramica, smalti a freddo, cm. 1000x40h 

76

Silvano Porcinai 


Firenze presso il Gruppo Donatello dove è tornato 

ad esporre nel 1992 ed in diverse collettive. Ha 

esposto a Venezia, Firenze, Parigi, Padova, Milano, 

Miami, New York, Ginevra, Bologna, Londra, Impruneta, 

Greve in Chianti. 

Nel 1988 esegue il Caprone in bronzo per la Esso di 

Firenze e, nello stesso anno, realizza il Monumento 

alle religioni monoteiste in bronzo, per l’Appia Antica 

(Roma) che fu tuttavia rubato prima dell’inaugurazione. 

Del 2008 è il Monumento alla Lavandaia di 

Grassina (FI) e del 2009 il bassorilievo Omaggio a 

Manolete, realizzato in cotto dell’Impruneta e collocato 

presso il Credito Cooperativo di Impruneta (FI). 

Annualmente esegue, per conto del Club Taurino di 

Milano, del quale è socio, il Premio alla emocion, 

che viene consegnato ai trionfatori di Ferie del grande 

giro taurico, tra i quali ricordiamo: Martinez Enrique 

Ponce, Julio Cesar Rincon, Juilio Escobar Lopez 

El Juli, Morante de La Puebla, Jose Tomas, 

Luois Francisco Esplà, El Califa e Salvador Vega. 

Torera, 2004, terracotta, h cm. 70 

Silvano Porcinai nasce a Grassina nel 1950. Si 

diploma all’Istituto Statale d’Arte di Firenze, 

sezione Oreficeria. Ha svolto la sua attività di 

docente di Scultura e Modellato presso diversi licei 

artistici e istituti d’arte della Toscana (Firenze, Pistoia, 

Grosseto e Siena). Socio del Gruppo Donatello e 

dell’Antica Compagnia del Paiolo, è Accademico 

delle Arti del Disegno, classe Scultura. 

La sua prima mostra personale fu tenuta nel 1977 a 

Ancora una volta, dalla campagna toscana dai profili 

asciutti e precisi, esce un artista che sa fermare 

nella luce la forma più profonda del suo sentire. Figlio 

di uno scultore, con un’esperienza di orafo nella 

quale ha sperimentato ingigantita, per ossimoro, la 

difficile arte del modellare, ha collocato i suoi temi 

nello spazio eterno dei miti, ponendo al centro la figura 

del toro. 

È passione non transitoria di Silvano Porcinai, quella 

che lo trascina nelle arene di Spagna a ricercare 

la rappresentazione attuale dello scontro tragico 

dell’uomo con le profondità buie della natura. Da 

questo spettacolo una linfa non esaurita gonfia di 

vita i fantasmi della Creta di Psife e del Minotauro 

con tutto il corteo delle divinità pronte alla metamorfosi: 

dal grembo dell’antica civiltà mediterranea 

ricompaiono famigliari rivestiti di bronzo incorruttibile. 

Maria Nardone 

Via Calamandrei 14 - 50012 Grassina (FI) 

Cell. +39 389 0351428 

77


Silvano Porcinai 

Capoteador, 1998, terracotta, cm. 40x37 

Verano Sangriento, 1985, bronzo, h cm. 65 

78

Carlo Sain 


Apaches, 1991, installazione di dipinti nell’oliveto 

L’intrecciarsi di natura e artificio è la costante 

nella vita dell’uomo e il leitmotiv nel mondo 

dell’arte. Nel lungo cammino del Tardo Rinascimento 

il tempo dell’artificio più raffinato, all’epoca 

nostra, quella dei media e delle tecnologie avanzate, 

l’artificio si è reso indipendente dalla natura, è 

ora autonomo replicante di immagini che si sostituiscono 

all’oggetto, al manufatto. Carlo Sain è un 

genere di artista che ha mantenuto il rapporto difficile 

e l’equilibrio delicato tra naturale e artificiale. 

Quando crea e quindi avvia il processo mentale che 

dalla natura porta all’opera, riesce a interpretare la 

rappresentazione della natura e della realtà attraverso 

i reperti e i colori di questa in forme e segni essenziali. 

Sain ha trovato il linguaggio e l’armonia per 

interpretare la natura, che non è quella di contestualizzare 

i fenomeni, come fecero gli artisti della Land 

Art, ma è la sensibilità di far coesistere i due aspetti, 

immergendo l’artefatto nella natura e caricandolo di 

una efficace se pur minimale valenza estetica. 

Le pietre assemblate per terra diventano forme e 

colori, le carte arrotondate che sbucano tra l’erba 

evocano animali. Lo spazio della rappresentazione 

per Sain viene evocato all’aperto nel rapporto con 

l’architettura del paesaggio. Se si deve cedere 

nell’imprigionare i quadri in una stanza, si può coinvolgere 

il muro esterno, trovando una motivazione 

etica nell’appropriazione degli spazi che gli sono 

propri e naturali, interpretando la realtà vivibile. 

Carlo Sain nell’era della realtà virtuale ci indica una 

realtà diversa come un ritorno al primitivo attraverso 

un proprio linguaggio, di una sorta di nuova visione 

all’alba di una nuovo mondo, dove l’artificio non 

è segno prevaricante, ma armonioso e consapevole 

della presenza dell’uomo e della natura. 

Paola Bortolotti 

Studio: via Antonio d’Orso 3 - 50135 Firenze 

Cell. +39 368 7793738 - Cell. +39 333 4788756 - carlosain@libero.it 

79


Carlo Sain 

Ants olives, 1992, rotoli di carta e installazione 

The rock man, 1993, colore spray su pietre e installazione 

80

Stefano Sardelli 


Dai cicli pittorici puri alla proposta di opere 

polimateriche, il motore dell’universo artistico 

di Stefano Sardelli risiede nella voglia 

di creare forme, colori, materie, che siano la base di 

un’arte per tutti. E’ proprio la ricerca di comunicatività 

che nel suo caso diventa un’esigenza imperante 

e palese. Ogni centimetro della tela è sfruttato, 

spremuto, così da poter essere tutta l’opera, millimetro 

per millimetro, veicolo di informazioni, di 

aneddoti ed esperimenti materici, nella insaziabile 

voglia di sperimentare sta tutta la spinta di contemporaneità 

dell’artista, che sfrutta questi mezzi per 

affrontare tematiche attuali, biografiche, estetiche, 

come sfogo dei propri impulsi. 

Niccolò Alescio 

Critico e storico d’arte contemporanea 

un entusiasmo di fondo nello stendere i colori che 

ha un enorme e immediato impatto visivo. 

Stefano ha inoltre una profonda passione per la sperimentazione 

materica: e anche qua ci da prova di 

tutte le sue sfaccettature di artista, dimostrando 

grande abilità e padronanza delle tecniche. Oltre al 

colore, forte, quasi urlante, aggiunge delle note più 

leggere, soavi, come gli specchietti sul manto della 

Madonna, sul sole che sorge sul Palazzo Comunale 

e sul profilo di Siena. Altri accenni materici si trovano 

nella composizione della Madonna e del cavallo, 

protagonisti indiscussi della nostra festa. Imposta 

anche un piccolo gioco tra il figurativo, la natura 

morta sintetizzata nel rigoglioso grappolo d’uva e il 

paesaggio di Siena. 

Gemma Stecchi 

Storico dell’arte, presentazione del Palio 

Plastic Bull, 2014, plasticromia su telaio in 

legno, cm. 110x150 

Conosco Stefano Sardelli poco, ma sono entrata 

subito in sintonia con il suo mondo visionario, i suoi 

lampi geniali e la forza del suo cromatismo fanciullesco 

ma potente. 

In questa opera Stefano ha voluto fondere le sue 

visioni colorate e naïf con la tradizione del nostro 

Palio, dedicando l’opera alle contrade soppresse. Il 

disegno è giocoso, direi quasi onirico, con rimandi 

all’arte POP per la scelta della palette cromatica, c’è 

Il mio Palio, 2014, acrilico su tela, 

cm. 80x250 

“Il Palio è una metafora, è lo specchio della vita e 

della morte” (P. Frajese). Questa opera è il drappellone 

per il Palio di Siena dedicato alle contrade soppresse, 

in uno spettacolo teatrale “Il Settimo Capitano” 

messo in scena dalla compagnia teatrale Il 

Grappolo di Siena. Battuta all’asta a fine spettacolo, 

il cui ricavato è stato devoluto alla chirurgia pediatrica 

dell’ospedale Santa Maria alle Scotte di Siena. 

Stefano Sardelli “Artista” 

Via Elsa, 25 - 53036 Poggibonsi (SI) - Tel. +39 339 8974736 

81


Silvano Silvani 

“Lacerazione” dolore nell’anima, 2002, stoffa, 

cenere, tempera e pietre, cm. 100x70 

“ L’arte moderna e contemporanea si sviluppa 

nell’interpretazione di situazioni e cose, divenendo 

una manipolazione della forma artistica”. 

Una manipolazione originale e provocatoria, un’interpretazione 

personale e coraggiosa quella di Silvano 

Silvani e di una mente ospitale con gli stimoli esterni 

e così avversa ad ogni forma di omologazione. 

Sangimignanese di nascita, resta legato a questo 

piccolo e grande “museo” medievale tra Siena e 

Firenze, che fa da sfondo alla sua giovinezza e da 

fertile terreno per radici più mature. La sua fantasia 

e l’indole artistica, però, restano nomadi viaggiatori, 

per anni galeotti tentatori di quella sua innata passione 

per l’arte che nel 2009 convincono a seguirli 

nei misteriosi sentieri del coraggio e della sperimentazione. 

Da qui le prime opere, nate nei ritagli di tempo dal 

lavoro di fisioterapista, e la scoperta di un mondo 

che lo affascina e lo travolge, e che si presta da piacevole 

e sorprendente trait d’union tra la semplicità 

dei piccoli fatti quotidiani e l’originalità con cui l’occhio 

di questo artista riesce a leggerli e ad interpretarli, 

dando forma ai pensieri più nascosti per mezzo 

Yuppy Du, 2009, tempera e legno, 

h cm. 180 

di una materia naturale, altrettanto libera e varia. Il 

tempo e l’esperienza sono i pazienti compagni di un 

viaggio alla scoperta di se stesso e di una consapevolezza 

artistica che trova stabile asilo nei confini 

metamorfici ed innovativi dell’arte minimale, nelle 

creazioni ibride e in uno stile fresco e tagliente, deciso 

nell’intento provocatorio, ma serenamente digeribile 

per quel leggero carico di humor, astuto 

mediatore che rende il realismo di fondo una pietanza 

mai gustata nel ciclico menù della vita. 

La creatività guida le capacità artistiche di Silvano Silvani 

dall’idea all’opera finita, un’opera che si fa incubatrice 

e portatrice di espressività, visioni e riflessioni 

personali, forti del linguaggio universale dell’arte. 

Così la figura della mente proiettata in materia insinua 

nell’osservatore un piccolo seme della discordia, 

complesso e dubbioso, che si nutre di quel 

pensiero primordiale dell’artista e che germoglia 

nella riflessione del pubblico. 

Un seme a lungo coltivato che ha portato i primi 

frutti e riconoscimenti con esposizioni e concorsi 

che hanno visto un crescente interesse attorno 

all’eclettismo di questo artista. 

Enrica Pulcinelli 

ART STUDIO Compagnia degli Artisti - via Piandornella 3 - 53037 San Gimignano (SI) 

Cell. +39 345 0656198 - s.silvani52@hotmail.it - Cell. +39 347 6688046 

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Boris Stampfli 


Lavori in corso durante la creazione de Il Monolite, incontro-scontro, 

2011. 

La mia vita è stata un vortice di passioni, dove 

la colonna portante era la voglia di creare facce, 

espressioni, corpi ed esseri di fantasia. 

Tutto frutto del mio inconscio, probabilmente. 

Il Silenzio, 2013, bulloni di ferro assemblati con resina 

poliestere, cm. 20x30 

l riflesso nell’arte della mia vita vissuta, piena di successi, 

insuccessi, bellezza, tristezza, felicità e alla 

fine una rinascita… come sempre accade. 


Timidezza, 2010, resina poliestere, gesso, base di legno, cm. 195x50 

boris_stampfli@live.com 

83



Il Monolite, incontro-scontro, 2011 cemento, ferro, legno, resine, h cm. 250 

Equilibrio, 2014 resina poliestere, legno, base 

in cemento, h cm. 200 

Illusionista, 2013, resina, misto polvere di marmo, 

cm. 40x45 

White Noise, 2014, resina, 

poliestere, legno e acrilico, 

cm. 50x210h 

84

Giuliano Tacconi 


Giuliano Tacconi è nato nel 1939 a Grassina 

dove vive. La sua esistenza è stata frutto di 

tante esperienze; fin da giovane ha avuto la 

fiducia dei suoi maestri; in età matura la sua scelta 

dirottò sul mosaico fiorentino cominciando a materializzare 

le proprie idee. Le qualità tecnico-creative 

ed esecutive si sono confermate grazie ad una costante 

ricerca di miglioramento del profilo artistico. 

Dopo aver frequentato per anni la Scuola Libera di 

Nudo di Firenze, si iscrive al corso di Pittura dell’Accademia 

di Belle Arti di Firenze e consegue con il 

prof. Fernando Farulli il diploma di laurea nell’anno 

1991 con la votazione di 110/110. 

Fa parte del Gruppo Donatello ed ha partecipato a 

varie mostre collettive e personali, sia come mosaicista 

che come grafico, riscuotendo ampi successi 

critici. Sue opere si trovano in collezioni pubbliche e 

private in Italia e all’estero. 

Tacconi da sempre inventa e realizza i suoi “commessi”, 

più comunemente conosciuti come intarsi 

policromi di pietre dure e tenere. In origine l’invenzione 

dei “commessi” era affidata ai pittori che fornivano 

i modelli su carta o tela e all’artigiano era affidata 

la realizzazione delle magnifiche opere 

ritagliando ed accostando le varie pietre dove la 

forma e il colore creavano composizioni esteticamente 

raffinate e tecnicamente perfette. 

Tacconi riunisce in sé questi due momenti, prima 

artigiano ha sentito negli anni passati la necessità di 

arricchire il proprio bagaglio culturale e professionale 

frequentando in un primo momento la Scuola Libera 

di Nudo e successivamente iscrivendosi 

all’Accademia delle Belle Arti di Firenze. […] 

Tacconi realizza composizioni complesse e ricche 

per fattura e colore prediligendo il paesaggio toscano 

che conosce molto bene e che vive dall’interno. 

In molte opere si percepisce sottile la volontà di superare 

l’illustrazione paesaggistica nel tentativo 

spesso riuscito di fare dell’opera un elaborato d’arte. 

Tacconi ha sensibilità e creatività sincera, lavora moltissimo 

su ogni “commesso” e non cerca mai soluzioni 

semplicistiche o facili. All’uomo Tacconi, all’artigiano 

e all’artista auguro un lungo e felice percorso 

creativo, all’amico, invece, stringo la mano, grande e 

forte e guardandolo negli occhi dolci, sempre però 

pervasi da un leggero velo di melanconia, dico un 

sincero grazie per continuare una attività artistica 

che ha dato alla città di Firenze onori e meriti. 

Domenico Viggiano 

Insenatura con barca, 2013, mosaico fiorentino in pietre 

naturali, cm. 23x27 

Paesaggio toscano, 2014, mosaico fiorentino in pietre naturali, 

cm. 25x19 

Via Botticelli, 2 - 50012 Grassina (FI) 

Tel. +39 055 643129 - ugo_silvia@alice.it 

85


Giuliano Tacconi 

Cascinale sul mare, 2012, mosaico fiorentino in pietre naturali, cm. 27x17 

Veduta sul golfo, 2013, mosaico fiorentino in pietre naturali, cm. 21x18 

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Andrea Tani 


Andrea Tani nasce nel 1961 in un piccolo borgo 

del Chianti fiorentino, Vico d’Elsa (FI). 

Qui, crescendo, matura la passione per l’arte, 

in particolare per la pittura; studia al Liceo Artistico 

di Firenze dove nel 1980 consegue il diploma. 

Questa sua vocazione lo porta molto presto a partecipare 

a collettive, personali e concorsi di pittura. 

Fa parte dell’associazione culturale “Artisti del presente” 

di Poggibonsi dove espone alcune opere; un 

suo dipinto è stato inserito nel libro Pinocchio in 

vernacolo poggibonsese realizzato nel 2010 in occasione 

della Festa della Toscana. 

Partecipa al concorso “Natale nel cuore” a Civita 

Castellana, dove il suo quadro è scelto come vincitore 

di questa prima edizione 2014. Realizza il Drappellone 

per 27° Palio dei Ciuchi a Cerbaia, partecipa 

a varie mostre di arte contemporanea organizzate 

dal Centro d’arte Modigliani di Scandicci, esposizioni 

personali presso Hotel Athena, Casole d’Elsa, 

Borgo la Bagnaia, Barberino Val d’Elsa, Schliersee 

(Germania), partecipa all’evento “Incontro Moda e 

Arte” presso Chiastrini Moda Maglia (FI) e si interessa 

di restauro. 

Le varie tematiche dei dipinti trasmettono la sua 

vera personalità, attenta e rispettosa verso la campagna 

toscana e le sue tradizioni. 

Trae ispirazione da tutto ciò che lo circonda. È dalla 

percezione della realtà che scaturiscono molti spunti 

che poi sviluppa, a volte modificandoli in corso 

d’opera. 

La continua ricerca ha fatto sì che egli abbia acquisito 

negli anni un patrimonio tecnico indispensabile 

per realizzare il suo pensiero pittorico. 

La caduta, 2009, olio su tela, cm. 50x70 

Ritorno dai campi, 2008, olio su tavola, cm. 40x38 

andreatani61@alice.it 

www.andreatanipittore.it 

87


Roberto Tortoli 

Grevigiano dal 26 settembre 1951. 

Disegno da sempre con allegria e tristezza. 

Roberto Tortoli 

Clown (serie), 2013, tempera su cartone, cm. 29,5x98 (ciascuno) 

Cell. +39 339 4834224 

Tel. +39 055 853624 

88

Elena Trissino 


Elena Trissino dal Vello d’Oro è nata a Milano, 

dove per anni ha lavorato per lo più nel settore 

fotografico. In diversi paesi ha fatto viaggi 

di studio e ricerca musicale e visiva. Insieme a Gabin 

Dabire ha fondato, a Milano, il “Centro per la 

Il suono dei bambù, 2005, bronzo, h cm. 30 

divulgazione delle culture africane” organizzando 

con il Comune e altri Enti diverse manifestazioni 

come concerti, mostre d’arte, seminari. 

Si trasferisce in Toscana con la famiglia dedicandosi 

a creare le sue opere. 

Il suo percorso artistico si articola tra performances, 

ma soprattutto, pittura e scultura, usando materiali 

prevalentemente naturali come terra (quella di campo), 

sabbia, polvere di marmo o di altri minerali, legno, 

pietra, ferro, bronzo e metalli vari per le sculture. 

Inoltre crea anche candele particolari e arredi 

d’arte. Lavora con gli elementi ed il tempo, non solo 

nel senso di ore, mesi o anni, ma anche considerando 

le sue variazioni durante l’anno vivendo perciò 

in sintonia con la natura. Solo l’inverno con il 

suo freddo gelido può lasciare un’impronta così sottile, 

leggera, raffinata e solo l’estate può crepare la 

terra con forza e disidratarla, spaccarla e quando 

l’acqua arriva e scorrendo trascina, corrode, trasporta 

ed erode ecco tracce trasparenti che lasciano 

intravedere nuovi disegni, nuove trame. 

Per il vento ha creato diverse sculture che interagendo 

con esso le fanno suonare. 

Autunno, 2009, terre su tela, cm. 66x100 

Primavera, 2009, terre su tela, cm. 66x100 

Cell. +39 338 7676634 - www.elenatrissino.com - etrissino@gmail.com 

www.namir.it/webart/webart.htm (Comune di Roma sez. scultura) - BLOG: artechianti.wordpress.com 

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Elisa Verniani 

Particolare floreale, pittura su porcellana 

Elisa Verniani è una delle più giovani Decoratrici 

a mano che lavorano all’interno di una delle 

più rinomate e prestigiose aziende nel mondo 

per la produzione della porcellana ovvero la Richard 

Ginori; o per meglio dire Gucci Richard Ginori 

dopo gli ultimi, ma fortemente positivi, sviluppi nei 

confronti della fabbrica. 

Classe 1986, lavora all’interno della manifattura di 

Sesto Fiorentino ormai da più di quattro anni; si è 

laureata all’Accademia di Belle Arti di Firenze nel 

2011 con il massimo dei voti specializzandosi proprio 

nella amata Decorazione anche se la sua abilità 

in campo artistico spazia dalla pittura, al disegno 

artistico, alla scultura, alla fotografia fino ad arrivare 

alla nobile arte dell’affresco. 

Artista se non altro poliedrica, realizza soggetti di 

vario genere, anche se principalmente fa riferimento 

alla natura che la circonda o alle emozioni nei confronti 

di essa. 

Per lei il luogo dove vive è fondamentale, la sua filosofia 

è infatti la seguente: “Il Chianti è linfa vitale... 

dona l’ispirazione e la forza di esprimersi e realizzare 

lavori in maniera sempre nuova e creativa, senza 

però lasciare da parte la tradizione e i forti valori che 

ci vengono insegnati e che si acquisiscono ogni 

giorno sia a lavoro che durante la routine della vita”. 

L’artista Elisa Verniani nonostante la giovane età 

vanta già numerose partecipazioni a concorsi e mostre 

d’arte a livello locale e nazionale. 

La sua prima, ma più prestigiosa, mostra personale 

dal titolo “Chianti... tra la realtà e i sogni” si è tenuta 

nel 2013 presso la sala espositiva del Museo di Arte 

Sacra di San Francesco a Greve in Chianti. 

Il tema centrale della suddetta mostra è stato quello 

di riuscire a concretizzare il proprio impegno sapendo 

unire, con la tenacia che la contraddistingue, la 

precisione del suo lavoro di Decoratrice all’estro 

delle sue passioni, senza mai abbandonare la propria 

natura e soprattutto i propri sogni. 

Nell’anno 2013 ha partecipato con successo al concorso 

fotografico “Chianti è lavoro”, organizzato 

dal quotidiano on-line Gazzettino del Chianti, svoltosi 

nella splendida cornice del Castello di Bibbione a 

San Casciano Val di Pesa. 

Via Montefioralle, 25 - 50022 Greve in Chianti (FI) 

Cell. +39 380 3237580 - vernians@hotmail.it 

90


Elisa Verniani 

Sullo sfondo la fotografia La stanchezza di mio padre 

Questi occhi parlano, 2012, matita su carta, cm. 30x40 

Coppia di tazze nominali in porcellana, pittura su porcellana 

Nell’occasione la grevigiana Elisa Verniani ha trionfato 

con la sua foto dal titolo “La stanchezza di mio 

padre”, che per merito è stata stampata su di uno 

striscione di 3 metri per 1,5 allestito proprio all’ingresso 

del Castello. 

Nell’anno 2012 prende parte al concorso d’arte “Artemisia 

Gentileschi”, organizzato dalla Provincia di 

Firenze, presso Florence Multimedia, realizzando 

un’installazione composta da una combinazione 

di illustrazioni e fotografie ispirate allo stretto 

rapporto tra arte e femminilità che non a caso riportano 

l’attenzione alla figura della storica Artemisia 

Gentileschi. 

Nell’anno 2011 ha avuto l’importante opportunità di 

esporre per un mese la propria tesi di laurea presso 

i locali del Museo Richard Ginori di Sesto Fiorentino; 

tale occasione ha portato un grande riconoscimento 

personale e un forte apprezzamento da parte 

del pubblico. 

Nell’anno 2010 partecipa e viene premiata (1ª classificata) 

al Concorso Manifactory organizzato da 

Legambiente e Richard Ginori. 

Un concorso di idee per la produzione di oggettistica 

in porcellana di varia natura, un’occasione unica 

per unire le nuove proposte giovanili con le solide 

basi dell’artigianato del territorio. 

L’appoggio di Legambiente inoltre ha permesso di 

“salvaguardare l’arte” contribuendo ad attivare restauri 

e restituire alla cittadinanza il proprio patrimonio 

culturale. 

Ad oggi Elisa Verniani continua con passione e dedizione 

a svolgere la sua minuziosa attività di Decorazione 

presso la rinomata Gucci-Richard Ginori, 

ma allo stesso tempo tiene costanti le sue numerose 

passioni artistiche allo scopo di sviluppare ancor 

più le proprie capacità manuali e accrescere la propria 

conoscenza. 

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Daniela Vinattieri 

Il contatto costante con la vita degli ultimi, con 

le gioie e le disperazioni dell’esistenza, spingono 

Daniela alla composizione artistica in tutte le 

sue forme. 

Il rapporto diretto con la natura le rende possibile 

una riflessione a tutto tondo, un approfondimento 

culturale e metafisico quotidiano. Il distacco dalla 

società globalizzata le offre una visuale più chiara e 

critica dell’appiattimento culturale e sociale. 

La poltrona del potere, in contrapposizione la poltrona dei desideri, 

2014, lamiera modellata su legno e tecnica mista, cm. h 77 

Deinòs è una parola greca con un duplice significato: 

tremendo, spaventoso, ma anche meraviglioso 

e straordinario. Nella tragedia greca il termine si riferisce 

all’uomo e alla sua capacità di superare gli 

ostacoli grazie al proprio genio. 

L’uomo che cade e si rialza. L’uomo la cui grandezza 

è in grado di civilizzare il mondo e di distruggerlo 

nella sofferenza. 

Portati per natura alla ricerca di un contatto, ancorché 

difficile, viviamo compressi in una società che 

ci rende ardua ogni forma di dialogo veramente 

franco. Spesso incapaci di confrontarci con gli altri, 

abbiamo in noi e intorno a noi gioia e disperazione, 

solitudine e compagnia, fame e sazietà, povertà e 

ricchezza. 

Daniela analizza e ci racconta le dualità più profonde 

dell’essere umano, facendole emergere in ogni sua 

produzione. Le composizioni chiare e definite richiamano 

di mondi lontani e fantastici, i tagli sempre 

netti non lasciano mai un dettaglio inesplorato. I 

colori si fondono gradualmente nella comunicazione 

della cangiante natura umana. 

TV, distorsione e appiattimento culturale, lamiera modellata, cm. 210x140 

Cell. +39 333 6801400 

danielavinattieri@hotmail.it - daniela-vinattieri.blogspot.it 

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Artemisia Viscoli 


Omphalos, 1996, xilografia a tre colori, cm. 60x100, carta giapponese 

avorio, cm. 70x110 

Artemisia Viscoli nasce a Camerino, nelle Marche, 

nel 1937. Vive in Toscana dai primi anni 

Cinquanta, quando con la famiglia lascia il 

paese natale per trasferirsi a Pienza. Finito il liceo, 

dopo qualche anno a Firenze, torna a vivere nelle 

campagne dell’Impruneta. Si iscrive alla Facoltà di 

Chimica, che presto abbandona in favore di Scienze 

Naturali, per poi dedicarsi all’insegnamento. Si sposa 

con Pietro Schiavone dal quale ha due figli. Lascia 

l’insegnamento, inizia a disegnare poi a dipingere 

e, nei primi anni Ottanta, si iscrive al corso di 

scultura dell’Istituto d’Arte a Firenze dove incontra 

come docente Marcello Guasti, più tardi suo compagno, 

che la aiutò moltissimo a tirare fuori le proprie 

possibilità creative. Inizia inoltre a scrivere pubblicando 

alcuni libri, il primo di questi è presentato al 

Caffè Giubbe Rosse. 

Dalla fine degli anni Ottanta è per Artemisia importantissimo 

uno studio presso il Conventino, luogo 

nel quale è libera di esprimersi e confrontarsi con 

altri artisti. In questi anni partecipa a diverse mostre 

ed iniziative culturali e, dalla metà degli anni Novanta, 

spesso in collaborazione con Marcello Guasti, a 

numerosi progetti pubblici che la portano a confrontarsi 

con dimensioni più grandi. 

Vive e lavora a Terzano con Marcello Guasti. 

La sua creatività ed il suo mondo interiore trovano 

sfogo sulla carta, scoprendo le mani quali strumenti 

inaspettati ed inusitati di creazione e rielaborazione 

del suo mondo interiore, delle ferite, delusioni e 

contraddizioni che la vita riserva. 

Alcune nuove scoperte si susseguono: prima il colore 

e quindi la pittura, poi la forma e la materia, per 

approdare alla scultura. Artemisia si muove liberamente, 

sperimentando nuovi linguaggi e modalità 

espressive e servendosi delle tecniche più diverse. 

Questa sua ecletticità e questa costante ricerca è 

quella di una persona che concepisce l’arte fondamentalmente 

come qualcosa di intimo, come mezzo 

espressivo ed emozionale. 

Le sue opere sono spesso caratterizzate da un insistente 

simbolismo, richiami alle scienze naturali, 

all’astronomia, al magico e al rituale, al mondo segreto 

e oscuro dell’inconscio, del sogno e della 

paura, alla poesia e alle figure del mito. 

I colori, le linee, le forme si accostano in modo libero 

e personale, a volte stridono in contrasti che 

sembrano segnare il confine tra il mondo esterno e 

l’anima, tra la natura e l’artificio, tra l’istinto e la razionalità. 


Via di Terzano, 61 - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. +39 055 631919 - artemisia.viscoli@gmail.com 

93


Marco Zoli 

Questa è la pagina in cui di solito si trova un 

lungo discorso su chi siamo e cosa facciamo. 

In realtà il concetto che vorrei comunicare 

è che sono una persona che ama e crede nel 

suo lavoro. Sono appassionato per tutto ciò che è 

legato alla progettazione grafica, all’editoria digitale 

e ai simboli ed è per questo che oltre il lavoro sono 

propenso alla ricerca. 

Marco Zoli 

Percorsi, 2013, fotografia digitale, cm. 70x50 

Profumo, 2009, fotografia digitale, cm. 70x50 

È possibile visionare i miei lavori sul sito: www.marcozoli.it 

Cell. +39 335 495021 - info@marcozoli.it 

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Marco Zoli 

Phantomas, 2012, fotografia digitale, cm. 70x50 

Segni, 2012, fotografia digitale, cm. 70x50 

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COLLANA 

Artisti in Toscana

Questo libro nasce dalla volontà di 

portare alla luce e far conoscere 

le personalità artistiche presenti 

nell’area geografica che si estende 

per molti chilometri attraverso alcune delle 

campagne più belle d’Italia: il Chianti. 

ISBN 978-88-6039-330-2 

E 15,00 (IVA inclusa)

Artisti del Chianti

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