TRAKS MAGAZINE 12

Zibba
TC&I
John Malcovitch!
Joshua Hyslop
Felloni
No. 12 - FEBBRAIO 2018
www.musictraks.com

indice
editoriale
4
Zibba
10
12
TC&I
Tour in Italy
TRAKS MAGAZINE cambia faccia.
Arrivati al dodicesimo numero
ci siamo fatti due conti e abbiamo
confini di nessun tipo, nemmeno
di lingua. Quindi un disco italiano
è un disco italiano in qualunque
13
Audio hi tech
deciso di svoltare. Perché l’intuizione
di pubblicare un magazine dedi-
lingua sia cantato. Ma vogliamo
abbattere altri steccati e dedica-
14
18
Joshua Hyslop
John Malcovitch!
cato alla musica indipendente italiana
in inglese poteva anche sembrare
buffa, sulle prime, ma ha funzio-
re attenzione anche ai dischi stranieri
più interessanti del periodo,
sempre con interviste, recensioni,
22
Perina
nato. I contatti e le visualizzazioni,
registrate distribuendo la rivista sui
news. E lo faremo in due edizioni
“gemelle”, una in inglese, una
24
26
Insects Theory
Krishna
social, via mail e attraverso sistemi
di pubblicazione come Issuu,
Yumpu, Joomag, hanno sempre
in italiano, per aumentare la fruibilità
a 360°. Già che c’eravamo,
abbiamo dato anche una lucidata
28
Video
raggiunto numeri più che lusinghieri.
Ma non ci basta più. E forse
agli ottoni, rinfrescando la grafica.
E accogliendo personaggi per noi
30
32
Turin Brakes
Eradius
anche le etichette non ci bastano
più: che cos’è oggi la musica indipendente?
E che cos’è la musica
“nuovi”, come Zibba, intervistato
per la storia di copertina da Chiara
Orsetti. O come Colin Moulding
34
Felloni
TRAKS MAGAZINE
www.musictraks.com
italiana? Noi l’abbiamo sempre intesa
come “musica suonata da mu-
e i suoi TC&I, Joshua Hyslop.
Ma anche con molto indie, come
38
40
Serpe in Seno
Babel Fish
info@musictraks.com
sicisti italiani”, ovviamente senza
al solito. Buona lettura!
Fabio Alcini

intervista
Zibba
la musica mi
salva da tutto
Il cantautore ligure Zibba presenta
il suo nuovo album, Le Cose, fresco
di uscita per la neonata etichetta
Platonica, frutto di un intenso
lavoro di ricerca sonora, condiviso
con molti artisti che sono ospiti di
diverse tracce che compongono il
disco.
Quando un artista arriva al suo
ottavo album può permettersi il
lusso di scegliere di pubblicare
ciò che gli piace abbandonando,
almeno in parte, la paura di
compiere scelte sbagliate. Nei
tuoi primi dischi c’è qualcosa
che, con il senno di poi, non
avresti fatto allo stesso modo?
Non posso saperlo. Credo di aver
sempre seguito quello che avevo
voglia di fare, magari forzando un
po’ la forma in alcune occasioni.
Quello non lo faccio più, ma non
cambierei quello che ho fatto. Mi è
servito molto.
“Le Cose”, il tuo nuovo album,
contiene duetti con artisti più o
meno noti al grande pubblico.

intervista
Hai qualche aneddoto da raccontare
su come sono nate queste
collaborazioni?
Di certo non le ho pensate. Non
per come si potrebbe immaginare.
Sono tutte arrivate da una magia,
da una cosa successa magari studio
che ha portato all’idea. Ci sono
molti aneddoti legati alle canzoni
e a come gli ospiti sono arrivati a
partecipare al disco, ma il migliore
direi che è il fatto che fossi partito
dicendo a tutti che non avrei voluto
featurings in questo disco.
L’atmosfera che si respira in
questo album è costante, nonostante
la varietà dei pezzi che
lo compongono: fotografie del
quotidiano nei testi e sonorità
black. Ci sono artisti a cui fai
riferimento?
Gli ascolti di questi ultimi due anni
sono stati molti e rivolti alla ricerca
e soprattutto a ciò che di internazionale
sta cambiando e continua a
cambiare. Mi piace questo momento,
ci sono tantissime belle canzoni
se le cerchi. E se ti lasci ispirare i
mondi possibili sono davvero tanti.
In “Un altro modo”, viene spesso
ripetuta la frase “la musica ci
salverà”. Da cosa ti ha salvato?
Da tutto, sempre. E continua a farlo.
Mi tiene alla larga.
“Quando stiamo bene” è il nuovo
singolo, che canti insieme a
Elodie in “una camera non fumatori”.
Sempre di fumo, e di
portacenere nelle stanze degli
alberghi, si parla nella prima
traccia del disco, “Quello che si
sente”. Una tematica ricorrente
e... un po’ strana, se ci pensi,
visto che la sigaretta non è più
così trasgressiva.
Il fumo è un vizio di merda. Non
ci vedevo trasgressione.
Fra i traguardi raggiunti nel corso
della tua carriera, c’è anche
una Targa Tenco per “Come il
suono dei passi sulla neve”. Un
premio di grande
prestigio, ma che
ancora non riesce ad
arrivare al grande pubblico.
Che valore ha avuto per
te un riconoscimento di questo
tipo?
Al contrario il Tenco forse ora
non porta al grande pubblico ma
lo ha fatto in passato, ha avuto un
peso importante per la musica nel
suo momento. Per me è stato importante
e gratificante nonché un
immenso piacere il fatto di averlo
condiviso con gli Afterhours.
Hai presentato un brano per
partecipare a Sanremo di
quest’anno, ma non sei stato tra
i cantanti in gara. Che pensi delle
scelte del direttore artistico?
Che doveva prendermi. Ma che
avrà avuto i suoi buoni motivi. Felice
di un paio di nomi come Lo
Stato Sociale o il mio amico Diodato
per esempio, e meno di altri
che non muovono nemmeno nulla
né sul mercato né al mio bisogno
emotivamente.
Chiara Orsetti
6 7

intervista
TC&I
Quattro canzoni in un ep, Great
Aspirations: questo è il (primo?)
lavoro di TC&I, dove TC è il batterista
Terry Chambers, e “I” è
Colin Moulding: i due hanno suonato
insieme in una delle band più
brillanti di sempre, gli XTC.
Prima di tutto, come hai di nuovo
iniziato a lavorare con Terry?
E cosa ne pensi di tutte le voci
suscitate da questa collaborazione
( tipo: “gli XTC stanno tornando!”)?
Per puro caso, era venuto in Inghilterra
per un matrimonio e ci siamo
incontrati per un drink: era stato
in Australia per 34 anni. Quindi
da tanto tempo non ci si vedeva...
Mi ha spiegato che aveva problemi
personali e che sarebbe tornato
in Inghilterra... All’improvviso gli
ho detto che avevo qualche canzone
e se gli sarebbe piaciuto fare un
tentativo... Stanno tornando? Be’
direi di no... dicono che non dovresti
mai costruire un’estensione
più grande della casa ... quindi non
penso.
Le canzoni dell’ep sono il risultato
di un lungo lavoro svolto
negli anni passati o sono basate
su idee e registrazioni recenti?
No, la maggior parte di loro erano
recenti, tutti eccetto Comrades...
Scatter me è stata scritto una settimana
prima della sua registrazione,
così decisamente up to date direi.
Perché hai scelto di presentare il
tuo ep con una canzone dall’umore
fatalista ma felice come
Scatter me?
Perché pensavo che fosse la canzone
migliore... e non dovresti
mai nascondere le
tue gemme sotto un
moggio (scusami per le
metafore miste) - il miglior
passo avanti e tutto il resto
... inoltre dovevamo avere un video
per la promozione e altro, e questo
sembrava il miglior candidato.
Churchill, Hitchcock, Spielberg,
Gershwin e McCartney. Le persone
che hai citato in Greatness
sono tutte indiscutibilmente
grandiose, ma con una certa
dose di follia dentro. Cosa ami
in loro? E perché Paul e non
John?
Avrei potuto usare centinaia di
8

intervista
persone, ma è diventato principalmente
un problema di quale nome
si sarebbe adattato alla scansione
della canzone. Volevo usare David
Lean, il produttore cinematografico,
ma era difficile farlo stare ...
Idem, per John Lennon... McCartney
ha tre sillabe. Quindi... mi dispiace
essere così banale.
Penso che “Kenny” sia il pezzo
che farà sentire i fan degli XTC
più nostalgici. Puoi dirmi qualcosa
sull’idea che ti ha ispirato a
scrivere questa canzone?
È nata dal riff di chitarra. Ho pensato
che somigliasse molto al movimento
di un treno... e poi ho
pensato alla poesia di Philip Larkin,
The Whitsun weddings, e come descrive
ciò che vede dal finestrino
di un treno... “Qualcuno che va
allo stadio”, come il cricket su un
campo da gioco. E lì è nata l’idea ...
si vedono i campi da gioco da un
treno... e poi ho pensato a come
stanno scomparendo... Ci stanno
costruendo sopra in tutta l’Inghilterra.
E’ una grande vergogna ...
perché questi sono i posti che nutrono
l’immaginazione dei bambini.
Comrades in Pop suona come un
avvertimento per i giovani musicisti.
Qual è il principale pericolo
che potrebbero incontrare?
Le persone che sembrano essere
dalla tua parte non lo sono necessariamente...
Ho pensato che sarebbe
stata una buona idea passare
il testimone ai giovani che entravano
nel settore incapsulando in una
breve poesia cosa succede quando
sei in una pop band... Di solito
quando la gente ascolta la parola
“poesia” nel pop, corre verso l’uscita...
Volevo rendere davvero facile
entrare nel brano... Soltanto
una semplice spiegazione del fatto
che probabilmente tutte queste
cose ti succederanno, ma quello
che non devi fare è rimanere incasinato
con i soldi.
Come il Moulding degli anni
‘80 e ‘90 avrebbe scritto canzoni
in questa ondata di “political
correctness”?
Non lo so... Si sarebbe raggomitolato
come tutti gli altri,
suppongo.
La tua pagina
di Wikipedia
termina
con qualcosa
del tipo: “Anche
se meno
prolifico del
suo compagno
di band
Andy Partridge
...” Questo
problema di
essere meno
prolifico ti
ha infastidito
in qualche modo?
Non proprio... Siamo
ciò che siamo e scrivo
quello che scrivo...
Tutti sanno che Internet è il più
grande palude di disinformazione
che sia mai esistita. Ma almeno
l’uomo piccolo può far conoscere
anche le sue opinioni. Sto
ancora scrivendo, così forse non
sono così poco prolifico come la
gente aveva pensato.
10

live
audio hi tech
Musica da Las Vegas
Tour in Italy
Febbraio caldino per gli appassionati
di metal: ci sono in giro i Sepultura
(nella foto, Ciampino il 27,
Milano il 28). E anche Glen Matlock,
che il 14 febbraio suonerà a
Padova. Belle & Sebastian saranno
all’Estragon di Bologna sempre
il 14. Ci sono poi i Vök a Bologna
il 19 e a Milano il 20. Venendo agli
italiani, c’è Dente in tour (il 15 a
Roma, il 22 a Bologna, il 23 a Siena),
così come Bianco (15 a Bologna,
17 a Sulmona, 23 a Santa
Maria a Vico, 24 a Roma, 28 a Milano).
I Calibro 35 saranno a Milano
l’11, a Santa Maria a Vico il 16,
a Catania il 17, a Catanzaro Lido
il 18, a Roma il 23, a Firenze il 24,
mentre Frah Quintale sarà il 23 a
Pavia e il 24 a Modena. Gli ELEM
saranno a Pomigliano d’Arco il 24
febbraio. Da notare anche gli Stella
Maris il 17 a Torino, allo sPAZIO
211 e i Julie’s Haircut al Serraglio
di Milano il 24. Sempre il 24, Colapesce
sarà a Taneto di Gattatico.
Voglia di party? O vuoi solo fare il
figo con gli amici? Sony, sempre al
CES di Vegas, ha presentato nuovi
sistemi High Power Audio
(MHC-V41D, MHC-V71D, MHC-
V81D, MHC-M60D) in grado di
farti fare un figurone e far finta di
essere un dj vero. Da 500 euro.
In cerca di cuffie? Potrebbe interessarti
la proposta che Sennheiser
ha portato al CES 2018: le HD
820, perfette per gli audiofili: queste
cuffie dinamiche “chiuse” vantano
trasduttori ricoperti di vetro
che riflettono le onde sonore verso
due camere assorbenti. Il costo?
Altino: quasi 2400 dollari, più tasse.
Costa invece 299 dollari il Mytek
Clef, convertitore da digitale ad
analogico ad alta risoluzione, nonché
amplificatore per cuffie di precisione.
In pratica il tuo streaming
suonerà come il vinile, trasformando
anche i dispositivi con cavo in
wireless senza fatica. clefmusic
12
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intervista
Joshua Hyslop
“Un album sull’empatia”: così, in
sintesi, Joshua Hyslop parla del
suo nuovo Echoes. Il cantautore
originario del Saskatchewan, parte
molto verde e poco “urbana” del
Canada, prosegue con il terzo episodio
di una carriera basata su canzoni
di nascita folk ma spesso con
qualche retrogusto soul.
Sono passati tre anni tra “In Deepest
Blue” ed “Echos” e il tuo
successo è diventato davvero
globale. Che cosa hai imparato,
da te e dalle persone intorno a
te, negli ultimi tre anni?
Ho imparato che sono capace di
più di quanto avessi immaginato
in precedenza, specialmente
quando si tratta
di tour e performance
da solista. Questo è
stato allo stesso tempo
molto difficile e molto
gratificante. Ma soprattutto,
ho imparato che
nessuno ha successo da
solo. Sono davvero in
grado di farlo solo grazie
alla squadra che mi
circonda: mia moglie, il
mio manager, la mia etichetta.
È molto importante avere
un forte gruppo di supporto intorno
a te.
Perché hai scelto “Fall” e “Say
it Again” per presentare il tuo
album e come sono nate queste
canzoni?
Non sono sicuro del motivo per
cui questi due sono quelli con cui
abbiamo iniziato. Abbiamo anche
appena rilasciato un’altra nuova
canzone, Home. Penso che la speranza
sia di pubblicare una canzone,
o canzoni, che diano una
14 15

intervista
piccola istantanea di come sarà il
prossimo album. Ma penso che
questo album sia piuttosto vario.
Ogni canzone proviene da un posto
diverso. Say It Again viene dalla
mia esperienza di vita, mentre Fall
e Home sono racconti, o “echi” di
esperienze di amici.
Molte delle canzoni dell’album
sono nate da storie vere che
sono successe a te o alle persone
vicino a te. Non hai problemi
nel dare accesso a storie intime?
Non è sicuramente facile. Di solito
sono molto nervoso prima di uno
spettacolo e penso che gran parte
della ragione di ciò è la mia paura
di essere così aperto e vulnerabile
di fronte a un gruppo di persone.
Ma anche se può essere spaventoso,
penso
che sia
una cosa
preziosa
essere
aperti e
vulnerabili
l’uno
con l’altro
a volte.
Permettere
agli altri
di sapere
che non
sono soli nelle loro storie ne vale la
pena, credo. Tutti hanno le proprie
storie.
Uno dei punti chiave delle tue
canzoni è ricordare alle persone
di trattarsi con gentilezza.
E’ ancora possibile, in tempi di
odio e haters a ogni livello della
nostra vita?
Lo spero di sicuro. Non siamo responsabili
per l’odio altrui. Tutto
ciò che possiamo fare è scegliere
come vivere le nostre vite. Più persone
scelgono la gentilezza, più
gentili saremo tutti. Continuo a
pensare che il mondo sia pieno di
più brave persone che cattive. Le
cattive notizie fanno soltanto più
pressione.
Suonerai in Europa,
e in Italia,
nel 2018?
Sì! Abbiamo appe-
na
annunciato alcuni spet- tacoli
in Europa a febbraio. Ho il privilegio
di aprire per SYML per un
breve periodo di date e mi esibirò
in un concerto da solo al Paradise
di Amsterdam il 17. Spero di fare
un altro tour più lungo attraverso
l’Europa anche nel 2018, speriamo
che l’Italia sia in quella lista!
16 17

intervista
John Malcovitch!
Nato a fine 2016, John Malkovitch!
è un progetto strumentale in
cui ogni componente della band
ha parte attiva nella creazione del
sound dell’album d’esordio: The
Irresistible New Cult of Selenium.
Come siete arrivati all’esordio?
Il gruppo nasce alla fine del 2016
dalle ceneri di una band alternative-rock
di cui facevano parte tre
dei quattro attuali membri. La de-
cisione di fare musica strumentale
è stata banalmente determinata
dall’assenza della figura del cantante,
permettendoci così di trovare la
nostra dimensione artistica. Conseguentemente
i quattro pezzi che
compongono il disco sono nati in
modo naturale e in breve tempo.
Sono stati registrati in presa diretta
nell’Agosto 2017 ai Busthard Studios
di Terni, con l’aiuto di Giorgio
Speranza (UTO) e Mattia Laureti
(124C41+), per poi essere rilasciati
il 12 Gennaio per Dingleberry Records,
I Dischi del Minollo, Edison
Box e Mehr Licht Records & False
Hopes.
“The Irresistible New Cult Of
Selenium” è una sorta di viaggio
interiore. Quali sono i punti
di partenza del viaggio? E potete
spiegare il titolo dell’album?
All’interno del disco non vi sono
concetti o messaggi prestabiliti. Il
punto di partenza fondamentale
del viaggio è l’ascoltatore stesso, la
musica si pone l’obiettivo di essere
solamente il tramite attraverso
il quale il fruitore può essere sospinto
in un viaggio emotivo del
tutto personale. Nel nostro piccolo
l’album richiama atmosfere prettamente
notturne, perciò volevamo
che il titolo richiamasse questo tipo
di sensazioni. Da qui il riferimento
al selenio, materiale che quando
bruciato emette una luce simile a
quella lunare.
La vostra musica finisce sotto
l’etichetta onnicomprensiva
di “post-rock”, che
di solito non piace a
nessuno...
Sicuramente l’influenza
del cosiddetto “post-rock” è palese
all’interno del disco vista la sua
presenza tra gli ascolti dei membri
del gruppo, ciò non nega la presenza
di altre influenze quali metal,
stoner e rock psichedelico, tutte influenze
presenti fra le migliaia che
compongono il “post-rock”, termine
di vaga appartenenza visto i
centinaia di diversi stili delle band
catalogate come tali: dall’etereo
jazz sussurrato dei Bark Psychosis
al metal strumentale dei Russian
Circles, passando per i tempi dispari
dei Toe e l’alternative-rock sperimentale
dei Mogwai e si potrebbeandare
avanti per ore. Se dobbiamo
dire chi per noi è veramente “postrock”,
ovvero che è andato al di là
del rock come il termine letteralmente
suggerisce, indichiamo due
gruppi che ci sono riusciti, dando
una nuova voce ai strumenti classici
del genere: Godspeed You! Black
18
19

intervista
Emperor e Sigur Ròs.
Quanto c’è di progettuale e
quanto di improvvisato nei vostri
brani?
Tutto parte da un input che può
provenire da ognuno dei quattro
membri, questo viene poi sviluppato
tramite jam sessions da cui
poi vengono estrapolati i momenti
salienti, da cui poi elaboriamo una
struttura seguendo una logica sonora
e dinamica, analizzando nel
dettaglio le singole parti. Il tutto
viene cementificato dall’organicità
data della registrazione in diretta.
Potete descrivere i vostri live?
Da membri interni ci riesce difficile
rispondere a questa domanda, riportiamo
dunque una testimonianza
di una persona che vide il nostro
ultimo live, tanto breve quanto
intensa: “Intensi e trascinanti. Sicuramente
e giustamente musica
che trova nel live la sua dimensione
perfetta”. Detto ciò, tra poco ci saranno
i primi concerti per promuovere
l’album, speriamo vivamente
che i lettori di questa intervista
vengano a sentire cosa abbiamo da
offrire. Pagina Facebook
recensione
Registrato e mixato da Giorgio
Speranza e Matath Yah ai Busthard
Studios di Terni in presa diretta,
The Irresistible New
Cult of Selenium è l’album
d’esordio dei John
Malcovitch! Il disco sembra
prendere suoni che
partono da molto lontano:
Darker Underneath
the Surface cresce
a piccoli passi, anche se l’ingresso
dei “bassi” è piuttosto consistente,
improvviso e precipitato dall’alto.
Poi, non inaspettatamente, arrivano
le esplosioni di suono. Si può
pensare ai Mogwai e ad altri giganti
del post rock, per una certa qualità
itinerante e narrativa dei suoni
scelti. Un potente senso di spaesamento
si diffonde anche all’interno
di Twice in a Moment Once in a
Lifetime, con chitarra e drumming
che si fanno intensi e insistenti.
L’insistenza viene un po’ a mancare
in una seconda parte che sembra
voler riposare un attimo. Ma non è
così che deve finire: i colpi di coda
all’interno del brano sono violentissimi.
Anche la lunghissima
Zenit cresce
piano piano, tra drumming
e risonan- ze
scintillanti. L’andamento
del brano è molto articolato,
la narrazione si
spezza, si frammenta, si
ricompone, si ferma, riparte
e disegna ambienti
immaginifici. Da notare
le code elettriche che si sviluppano
con particolare abilità visionaria a
metà brano. La conclusiva Nadir
decide per panorami desolati, tra
desert rock e psichedelia, che consentono
alla mente di spaziare, ma
armati di carichi di inquietudine.
Poi il pezzo decolla verso lidi lontani,
con forti carichi di potenza e
velocità. Un disco ambizioso (in
senso positivo) e di vedute molto
ampie quello dei John Malcovitch!,
che estremizzano le proprie posizioni
e mettono sul piatto le proprie
qualità. Ciò che piace di più
del disco è la capacità di tenere alta
la tensione dal primo all’ultimo secondo.
Dischi del Minollo
20
21

intervista
Perina
Pop curato e “d’autore” per l’esordio
di Michele Perina, Seieventisette,
ricco di versatilità e colori.
Vuoi raccontare la tua storia?
Da quando avevo 16/17 anni ho
sempre suonato in ambito di band,
prima con i Just Another Illusion
e poi per diversi anni con i Camp
Lion (un album e un ep a referto).
Diciamo che lo stile è stato sempre
più o meno quello, ovvero punk
dalle influenze pop e alternative.
Un paio d’anni fa circa ho passato
un periodo di astinenza completa
dalla musica e poi ripreso a scrivere
e ora eccomi con il debutto solista.
Che cosa significa il titolo del
tuo disco?
Durante la produzione del cd spesso
andavo da Glauco Gabrielli, il
produttore artistico, a registrare
dopo il turno di lavoro della mattina,
a volte ne avevo talmente le
palle piene di dovermi svegliare
presto che per un periodo iniziai a
posticipare la sveglia fino all’inverosimile,
alle sei e ventisette appunto
(invece che alle sei) fu l’apice di
questo... Ci mancava poco che andassi
al lavoro in pigiama. Un giorno
dissi a Glauco di questa cosa
e decidemmo che il titolo doveva
essere Seieventisette. Questo disco
è nato e finito in un periodo della
mia vita abbastanza delicato, bello
e anche “stronzo” per certi versi, il
post adolescenza, essermi sposato,
avere delle responsabilità, compiere
trent’anni e tutto un insieme di
dubbi, paure e speranze che l’hanno
segnato particolarmente e che
penso un po’ tutti dobbiamo passare.
Credo che le sei e ventisette sulla
sveglia sia emblematico di come
io abbia vissuto in parte quella
fase... (“Vaffanculo i doveri, voglio
solo dormire cazzo!!!”).
Com’è andato il processo di realizzazione
del disco?
Sostanzialmente la formula
a me più amica è più o
meno stata sempre la stessa,
voce chitarra strofe e
ritornello, ma questo disco
è nato e cresciuto in maniera
diversa da come mi aspettavo.
Succedeva che tra il materiale selezionato
per comporre l’album ci
fossero anche soltanto 30 secondi
di una melodia che suggeriva qualcosa
di buono, o una canzone più
completa che poi diventava tutt’altra
cosa... Poi quello stesso materiale
veniva preso e sviluppato al pc.
Diciamo che il processo è stato un
po’ questo, e per chi lo conosce si
sente appunto l’influenza del produttore
e amico musicista Glauco
Gabrielli, passato nel
tempo da una scena
rock alternativa a una
più elettronica e hip hop.
Puoi raccontare qualcosa della
genesi di “Innegabile bravura”?
“Innegabile bravura” è una canzone
di cui vado particolarmente
fiero, è venuta fuori di getto in 5
minuti e rimasta sempre
più o meno quella. In fase
di produzione Glauco è
riuscito a migliorarla notevolmente
con l’aggiunta
del piano e della drum machine...
Una volta conclusa
non vedevo l’ora di farci un video.
È una canzone che si manifesta
come un confessionale per me,
parla di paure e tormenti.
Se dovessi scegliere tre e soltanto
tre dischi che ti hanno influenzato
particolarmente, quali
indicheresti?
Enema of the state dei Blink 182,
Siamese Dream degli Smashing Pumpkins
e Morning Glory degli Oasis.
Ma ne metterei dentro molti e molti
di più!
22 23

intervista
Insects Theory
Piuttosto allergici alle foto ma non
alle immagini simboliche, gli Insects
Theory hanno pubblicato
l’ep Selftitled, da Nick Cave al trip
hop e ritorno.
Potete raccontare il vostro percorso
fino a “Selftitled”?
Selftitled è una selezione di brani del
nostro repertorio che al momento
della stesura dell’ep si accostavano
meglio nel nostro immaginario
musicale. Inizialmente avevamo
in programma di fare un intero
full-lenght ma poi abbiamo scelto
di fare questo “esperimento”. Condensare
in 5 canzoni i quasi 4 anni
di attività del progetto.
C’è un’aura di malinconia nel
vostro ep. Con quali umori avete
affrontato le lavorazioni?
La malinconia e la continua presenza
di qualcosa di negativo è un
elemento caratteriale molto presente
per noi. Ciò non significa
che ci vogliamo fermare al primo
ostacolo o farci scoraggiare. Per
noi scavare dentro l’essere umano
fino a toccare l’abisso è normale.
È l’unica maniera che abbiamo di
conoscerci veramente come esseri
umani. Giovanni: Sono molto contento
che la gente si stia accorgendo
di questa peculiarità della nostra
musica, mi fa capire che riesco a
trasmettere ciò che sento dentro di
me. La cosa divertente è che nonostante
la musica non sia di un
umore così rassicurante e tranquillo
, suoniamo sempre molto tranquillamente,
ci prendiamo i nostri spazi
e i nostri tempi, al fine di elaborare
al meglio le nostre canzoni.
Vorrei sapere qualcosa sulla nascita
di “4”
“4” è una canzone metaforica dei
fallimenti nella vita. “4” simboleggia
il quarto posto sul podio, cioè
non rientrare nemmeno nella classifica.
La sensazione di sconforto
che si prova in certe occasioni è
comune ma non bisogna lasciarsi
scoraggiare e continuare a lottare
per i propri obiettivi. È stata scelta
come singolo perché ci piaceva il
suo suono tenue accostato a un significato
così pesante.
Perché la fabbrica
della cover?
La copertina e la grafica
del cd sono state realizzate
da me (Giovanni); ho attra- zione
verso ciò che è post-industriale o
post-umano in generale. La fabbrica
è una metafora visiva del
mondo, dove gli uomini vengono
assemblati, forgiati per compiere il
loro destino.
“Selftitled” si può considerare
già come l’anticipazione di un
lp futuro, oppure la scansione
del vostro lavoro prevedrà per
ora soltanto dischi brevi?
Abbiamo un full-lenght già scritto
ma preferiamo concentrarci per ora
sulla stesura di un ulteriore ep che
parlerà della paura nelle sue forme
più disparate. Inoltre abbiamo anche
in mente un cd soltanto di pianoforte
e voce,
e con il tempo
vedremo
cosa decidere
di mettere per
primo.
24 25

intervista
Krishna
Quali sono le ispirazioni e le
idee su cui è nato “Panir”?
Le motivazioni, le idee e le ispirazioni
sono legati al desiderio
di aderenza a me stesso. Sia negli
ascolti sia nella proposta personale
musicale la selezione musicale è tarata
su parametri di accettazione di
territori più o meno vicini a quelli
che sento essere i più familiari o
stimolanti. La ricerca di uno stile
musicale personale lo sento come
un dovere verso la parte che credo
migliore di me, tributo e celebrazione
del mondo interiore che
è motore di tutto ciò che avviene
all’esterno. Panir nel dettaglio è un
lavoro che ho concepito con un ordine
tale da permettere anche a chi
non fosse pronto a un ascolto im-
pegnativo di avere comunque una
possibilità di ingresso misurata su
brani brevi e cesellati in modo tale
da non perdere di spessore e peso
specifico.
Il lavoro è articolato su differenze
di accordature e di “colori”.
Quali criteri hai seguito?
Un elemento caratteristico di Panir
è la presenza di tre suite che comprendono
quattro brani ciascuna,
due più di movimento e due più
riflessivi. Questa logica d’insieme
è legittimata da una tematica narrativa
comune, da una accordatura
peculiare che differenzia le suite tra
di loro e da un colore. Le tematiche
narrative di cui un indizio emerge
dai titoli dei pezzi sono per la verde
persone influenti nel mio mondo
interiore, esistenti o di fantasia, per
la rossa gruppi musicali o esperienze
legate alla composizione di brani
mentre per la nera delle ricette culinarie
indiane.
Per incidere hai scelto di lavorare
in presa diretta. Da dove nasce
questa scelta?
Ho scelto di registrare
in presa diretta e senza
cosmesi del suono per
un desiderio di vicinanza
alla realtà dell’esecuzione dal vivo
e ai suoni esistenti in natura. Tutta
la poetica musicale che presento
ha come perno la timbrica schietta
e bronzea delle corde di metallo
che vibrano nel legno, staffetta leale
della cura e dell’amore speso
per tradurre i mondi presenti nella
mente in suono. Non è la prima
esperienza con questa formula; ho
alle spalle altri due dischi registrati
così, ovvero Resilienza e aRnonauta.
Vorrei sapere di più sulla nascita
di “Atreyu” e sul suo titolo
Un brano per celebrare la parte che
alberga nell’uomo e che lo rende
pronto a spendersi con generosità
in azioni rischiose, indipendentemente
dall’esito. Un eroe come
Atreyu si presta bene a questo
ruolo così delicato che richiede sia
forza sia una spregiudicata distanza
dall’attaccamento ai benefici del
successo.
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video
Vox Kernel, “L’assalto al domani può portare illusione”
Wemen, “Contagious kiss”
Firebase Project, “Norjak”
Le madri degli orfani, “Largo alla retroguardia”
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ecensione
Turin Brakes
Il vostro anziano redattore non è
abituato all’attitudine da blogger,
cioè usare le recensioni per infilarci
ricordi personali. Tuttavia ogni
tanto si fa un’eccezione: i Turin
Brakes evocano memorie personali
di un concerto a Milano, al
Tunnel, nel lontano 2001, di spalla
ai Kings Of Convenience, dopo
l’esordio con The Optimist LP. All’epoca
i ragazzi erano due, l’aria un
po’ spersa, ma già un buon carico
di canzoni pop ben fatte, eseguite
in acustico, per lo più semplici
ma di ottimo impatto. È perciò
con una piccola fitta di nostalgia
che ci si mette a recensire questo
nuovo Invisible Storm, che vede
la band (ormai di band vera si tratta,
un quartetto ben oliato), ottavo
disco di una carriera che ha visto
anche successi “da classifica” tipo
Painkiller, nonché tour mondiali
e riconoscimenti internazionali.
Partono forte con Would You Be
Mine appiccicano a un titolo stile
Guns’n’Roses una sezione ritmica
che tira il gruppo con potenza e
“tiro” insospettabile per una band
famosa per essere soft. Incisi di
fiati fanno pensare a band indie coetanee,
tipo i Gomez. Il discorso
ritmico prosegue intenso ma i toni
si ammorbidiscono con Wait, il
primo singolo, che parte come Hey
Ya degli OutKast ma poi cambia.
Always sceglie un registro giocoso
ma morbido, più vicino alle canzoni
da pomeriggi assolati a cui ci
avevano abituato. Anche Lost in
the Wood sembra non aver voglia
di litigare, ma rivela aspetti più incisivi,
con qualche ricciolo aggiuntivo
di chitarra. Ci si tuffa in profondità
con Deep Sea Diver, ballad
con risonanze country che riporta
a galla tutto il romanticismo pop
che la band sa esprimere, coretti
compresi. Life Forms si risolleva
in fretta, rimettendo al centro voce
e chitarra. Ma con Invisible Storm
si torna all’oscuro, anche se l’incipit
è molto più tetro di
quanto poi la canzone
riveli di essere. Giro
cattivo e acido, nonché
“echeggiato” elettronica- mente,
con un beat quasi dance: tutto
questo arriva con Everything All
At Once, canzone più di risentimento
che di sentimento. Tomorrow
gira intorno alla ripetizione del
concetto, rafforzato da strutture
sonore rock. Smoke & Mirrors
invece la prende alla larga, poi sussurrae
chiude in modo morbido. E
ancor più sul morbido si va verso
il finale, con Don’t Know Much.
Tolta qualche accelerazione, Knight
e Paridjanian sembrano, nella
sostanza, essere ancora quelli di
quella sera al Tunnel: capaci di dare
il meglio soprattutto quando le luci
sono un po’ soffuse, le idee confuse
e la bottiglia sembra voler finire
troppo in fretta. E in più, la maestria
nel costruire canzoni-canzoni,
che niente chiedono ma molto riescono
a dare, soprattutto se sei in
cerca di qualche consolazione pop.
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intervista
Eradius
Basso e batteria e uno spirito affine
allo stoner: ecco gli Eradius e il
loro disco in uscita, Democrazy.
Potete raccontare la storia degli
Eradius fin qui?
Il progetto Eradius nasce due anni
fa, quando a Edoardo e Richard
(batterista e bassista della Triple
Rock band) viene voglia di scrivere
e suonare musica originale, un po’
per fuggire dal circolo vizioso delle
cover band, un po’ per nostalgia
di quella musica che faceva da padrona
negli anni ‘90 ma allo stesso
tempo con l’intenzione di creare
qualcosa di nuovo. Inizialmente la
band doveva essere un quartetto,
ma si vedono subito le divergenze
di pensiero, e incoraggiati dalla
ascesa imponente dei Royal Blood,
decidiamo di provare in due. Senza
grosse aspettative ma pieni di entusiasmo
ci chiudiamo in sala prove a
sperimentare, capiamo quasi subito
la strada da prendere avvantaggiati
da gusti musicali molto simili. A
settembre 2016 ci si presenta l’occasione
di suonare per la prima
volta sul palco di un festival per le
vittime del terremoto ad Amatrice,
e da lì in poi abbiamo colto ogni
occasione, partecipando a diversi
contest e cominciando addirittura a
vincerli! Anche il disco nasce senza
pretese: ci siamo trovati sotto
l’occhio del produttore Tommaso
Canazza e grazie a questo incontro
decidiamo di incidere tutte le dodici
tracce che avevamo in cantiere.
Da cosa traete spunto per i vostri
testi?
Il tema principale della maggior
parte dei testi è di protesta verso
qualsiasi cosa che ci sembra sbagliata
all’interno della nostra società.
Un paio di canzoni invece
(Black Queen e Medusa) parlano di
due donne in due relazioni diverse,
una positiva, l’altra un po’ meno.
Infine abbiamo dedicato un pezzo
(Desert) agli artisti che ci hanno aiutato
nel nostro progetto.
Vorrei saperne di più sulla genesi
di “Democrazy” e “Medusa”
Democrazy è stato il primo brano
che è nato in sala prove, abbiamo
costruito il brano attorno
al riff, il quale
nasce molti anni prima
dal primo gruppo di Edoardo
(gli Arenanera), ripescato da
vecchi file audio e poi riadattato
fino a quello che sentite oggi. Nel
testo prendiamo di mira l’ipocrisia
che a volte fa da padrona nella
democrazia odierna, invitando l’ascoltatore
ad abbracciare la nostra
“pazza” democrazia. Medusa parla
di una relazione finita male con una
donna, in generale descrive quando
la femmina si prende gioco del maschio,
ingannandolo e usandolo per
i propri interessi per poi abbandonarlo
come se niente fosse.
Il vostro 2017 è stato costellato
di concerti: come andrà il 2018?
Lo scorso anno ci siamo dati da
fare allargando i gomiti cercando di
farci spazio su qualsiasi palco fosse
disponibile, anche quando un vero
palco non c’era. Per il 2018 puntiamo
al salto di qualità. Il 24 febbraio
ci sarà il release party con la successiva
uscita dell’album.
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intervista
Felloni
Il punto di non ritorno è l’esordio
discografico come cantautore per
Felloni. L’album racchiude la contaminazione,
tra scuola cantautorale
italiana e il sapore folk/rock di
matrice anglosassone.
Partiamo dalla cover: che cosa
rappresenta la poltrona vuota?
Quella poltrona vuota rappresenta
per me il luogo in cui l’album ha
preso vita, il luogo dove ho concepito
questo lavoro e da dove proseguire
verso nuove destinazioni. La
poltrona vuota quindi in un certo
senso rappresenta la staticità, l’immobilismo
vissuto negli anni precedenti
e durante la realizzazione di
questo mio primo lavoro ufficiale;
l’inizio del viaggio, il punto di partenza,
il luogo dove non fare più
ritorno.
“Il punto di non ritorno” è il tuo
esordio come cantautore: che
cosa rappresenta per te e con
quali ispirazioni ti sei accostato
al lavoro sul disco?
Credo che ogni uomo abbia l’esigenza
di esprimere se stesso, i propri
sentimenti e il proprio
vissuto, nel mio caso ho
trovato in questo album
e soprattutto nella scrittura
il modo migliore per
farlo. Senza dubbio l’ispirazione
maggiore che ha
contribuito alla realizzazione
dei brani sono state
le mie tempeste interiori;
Le notti insonni dove
le parole tappezzavano
le pareti della mia mente
fino a uscire e prendere forma
davanti a me, il non sapere cosa
fare della propria vita. Un lavoro di
introspezione alla ricerca di una via
di uscita dall’ombra di me stesso.
Nei miei brani parlo dei sentimenti
che ogni essere umano deve affrontare
ogni giorno della sua vita,
sentimenti che possono unire tanto
quanto dividere.
Le atmosfere del disco sono
piuttosto morbide: costruzione
spontanea delle canzoni oppure
modo per fare emergere meglio
i contenuti dei testi?
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intervista
Durante tutto l’arco evolutivo della
scrittura dei brani, le parole hanno
sempre avuto un peso di primaria
importanza, sia nel momento
iniziale quando nascono nella mia
stanza,con la chitarra acustica, sia
nella fase successiva dell’arrangiamento
finale.Nel primo caso si tratta
di una costruzione spontanea,
perché le parole e musica nascono
ispirandosi a vicenda, mentre la
fase successiva di arrangiamento,
è un lavoro più di ricerca stilistica
ed estetica, ma che non perde mai
di vista l’importanza del significato
narrativo, anzi cerca oltremodo di
enfatizzare il contenuto dei miei
testi.
Qual è stata la fase più difficile
nella costruzione
del disco?
La fase sicuramente
più
difficile è stata
quella di trovare
musicisti
adatti a comprendere
il
mio mondo;
Questo ha portato
via molto
tempo alla realizzazione
del
progetto. Ma
il tempo speso non è stato invano
perché mentre stavamo ancora cercando,
alcuni professionisti si sono
avvicinati spontaneamente appoggiando
e comprendendo il mio
progetto. I musicisti in questione
sono Ronny Aglietti, Daniele
Cerofolini, Andrea Neri, Alessandro
De Crescenzo, Cosimo Zannelli,
Manuel Schicchi, Alessandro
Ciciliani, Alessandro Spadini. Credo
inoltre che l’aspetto più importante
durante la creazione dell’album
sia stato il legame che si è
creato tra di noi.
Come nasce “Mare d’incanto”?
Mare d’incanto nasce da un amore
talmente profondo da far sembrare
tutto quello che avevamo intorno
una totale desolazione. La sensazione
che si sia fermato il tempo, il
silenzio di un paesaggio innevato,
il sentirsi sospesi sopra un mare
sconfinato, nel momento in cui due
amanti si uniscono e consumano
il loro amore. Lo stesso amore che
rimane intatto nel gelo. Come due
stelle cadute in un mare profondo.
In questa storia d’amore non esiste
abisso che scalfisca il calore di
quell’attimo, lo stesso attimo che
può incantare quel mare.
tre brani di artisti che ti hanno
“segnato”?
Suzanne Vega -
Luka; Tom Petty -
Learning to fly; Grant
Lee Buffalo - Honey
don’t think Mi hanno sempre
trasmesso fin dal primo
ascolto la sensazione di camminare
staccato da terra, un senso
di leggerezza, di libertà e voglia di
essere parte di tutto ciò che mi circonda;
le stesse emozioni che vorrei
trasmettere con le mie canzoni.
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intervista
Serpe in seno
Arrivate dalla periferia di Treviso
e amate molto i suoni pesanti,
sporchi e cattivi. Potete
raccontare qualcos’altro a proposito
dei Serpe in Seno?
Non abbiamo tatuaggi. Non siamo
contrari, forse, non abbiamo bisogno
di tatuaggi. Siamo persone più
o meno semplici, piuttosto opposti
fra di noi in tutto. Non ascoltiamo
la stessa musica e quando non suoniamo
facciamo cose diverse. Ridiamo.
Capita sia difficile trovarsi
d’accordo, si scende a compromessi.
Parliamo. Tre è un numero che
permette una maggioranza veloce,
vige la democrazia, così è più facile
scrollarsi delle responsabilità. Cospiriamo.
La maggioranza non raggiunge
mai l’unanimità, voto unanime?
Scelta sbagliata. Fine del gioco.
Inserire una moneta. Non abbiamo
tatuaggi.
Leggo dalla presentazione del
vostro disco: “l’attività live comincia
dopo diversi mesi di
lisergica sperimentazione sui
suoni sui ritmi e sulle vibrazioni,
e sul loro effetto sul fisico
umano”. Che effetti ha sul fisico
la vostra musica?
Stiamo facendo dei test su alcune
persone, cavie per esperimenti, ma
è ancora presto per parlare di risultati
certi. Alcune prove sono state
eseguite invano su degli scimpanzè
provenienti da Camerun e Nigeria,
dove la musica già ce l’avevano,
ma qui preferiscono Netflix. Per
migliori risultati, forse la domanda
andrebbe fatta a chi ha ascoltato il
disco, tuttavia, su di noi che la facciamo,
be’, ci lascia piacevolmente
stanchi. Espelliamo tossine. Il fischio
nelle orecchie sfuma nell’arco
della notte. La voce e le vesciche
si rimarginano. E’ un allenamento
come un altro. Mantiene un filo di
elettricità nel corpo.
Vorrei sapere qualcosa di più
della genesi de “La Ballata del
Vile”
La ballata del vile,
dapprima “la ballata
dell’oste e del vile” e da
bozza “canzone dell’ubriacone”,
è un pezzo intriso
di vino fino ai vari significati. E’
un percorso sfocato nell’eccesso di
alcool. Spalla a spalla con il muro.
E’ vagare senza meta né orologio
da un’insegna accesa a un’altra,
scherzando con chi ti piace, urlando
contro a chi non ti piace. Nella
maggior parte di entrambi i casi, le
stesse persone. La ballata è ridere
di qualcuno che vomita. E’ pisciare
in un vicolo o pisciarsi addosso.
E’ la consapevolezza del maledirsi
il mattino che segue, e il conforto
di ritrovare lo stesso sgabello, sedercisi,
e ordinare il primo giro col
sorriso sfacciato. La ballata è rollìo
e residuo d’equilibrio. E’ l’attimo di
lucidità alle quattro del mattino. La
ballata, è il tempo che ti serve. Viviamo
in un paese coltivato a nebbie
e vigneti dove la tradizione è
cultura. Ti aspettavi qualcos’altro?
Chi io? No.
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intervista
Babel Fish
Qual è la storia dei Babel Fish
fino a oggi?
Ci siamo formati nel novembre
del 2015 ed esattamente un anno
dopo abbiamo registrato il nostro
primo ep, uscito nel febbraio 2017.
In seguito abbiamo iniziato a suonare
live, anche partecipando ad
alcuni concorsi. La vittoria al concorso
“let’s rumble”, organizzato
dal Centro musica di Modena, ci ha
permesso di registrare, a settembre
2017, “Follow Me When I Leave”,
che uscirà il 2 marzo. Nell’ultimo
periodo abbiamo avuto l’occasione
di suonare in situazioni molto interessanti,
come l’apertura al concerto
dei Totorro alla Tenda a Modena
l’11 dicembre scorso.
Il vostro ep contiene quattro
brani ricchi di influenze internazionali,
vicini alle atmosfere del
post rock nordeuropeo. Avete
qualche modello di riferimento
oppure l’ispirazione è tutta vostra?
Di influenze ce ne sono parecchie,
sia per quanto riguarda il post rock
che altri generi. Per esempio, i Tides
From Nebula e i Mogwai, ma
anche Radiohead e i Motorpsycho.
Poi ovviamente in sala prove si crea
un’alchimia molto personale.
Potete raccontare in breve qualcosa
sulla genesi dei quattro
brani?
I 4 brani sono stati composti in
momenti differenti nell’arco di due
anni. Abbiamo scritto
“Veins” e “Morning
Birds” prima di registrare
il primo ep, ma li pubblichiamo
assieme a “Follow
Me When I Leave” e “TGD” a distanza
di quasi due anni. Il motivo
è che sono tutti brani che si concentrano
sul concetto di assenza e
di vuoto apparente, sia nelle atmosfere
che si creano con la musica,
sia nei testi.
Avete già sviluppato una consistente
esperienza dal vivo. Che
cosa si deve aspettare chi vi viene
a vedere dal vivo?
Nei nostri live a noi piace creare
uno spettacolo che non coinvolga
soltanto la musica. I brani sono accompagnati
da video che proiettiamo
sul palco. Alcuni astratti, altri
sono spezzoni di film muti in bianco
e nero. In generale, ogni video
è costruito sullo specifico brano,
come se fosse una colonna sonora
al contrario. In questo modo si
genera uno spettacolo audiovisivo,
non più un semplice concerto.
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