f - Gaia Festival

1.Kammermusik
f estival
Hohenstaufen
29.9.–1.10.2006

Mit freundlicher
Unterstützung von
Ev. Kirchengemeinde
Hohenstaufen
Kreissparkasse
Göppingen
Lions Club Göppingen
Dr.med. Gerhard
Müller-Schwefe
Roland Schoetz
Fa. Leonhard Weiss
GmbH & Co KG
u2
1. Kammermusik
f estival
Hohenstaufen
29. 9. – 1. 10. 2006
INHALT
Grußworte Seite 1
Konzerteinführungen
Eröffnungskonzert 29. 9. 20 Uhr Seite 3
Matineekonzert 30. 9. 11 Uhr Seite 9
Benefizkonzert 30. 9. 20 Uhr Seite 15
Matineekonzert 1. 10. 11 Uhr Seite 21
Abschlusskonzert 1. 10. 20 Uhr Seite 27
Mitwirkende Seite 33
Impressum Seite 48
DER EINTRITT IST FREI –
Diesen Satz, liebe Besucherinnen und Besucher, haben Sie
sicherlich mit Freude zur Kenntnis genommen – er gilt für
alle 5 Konzerte unseres Festivals. Wir sind zuversichtlich,
diese Grundstimmung der Freude musikalisch befördern zu
können und wünschen uns von Herzen, nach den Konzerten
als Ausdruck Ihrer Freude reich gefüllte Schalen vorzufinden.
Denn erst mit Hilfe Ihrer finanziellen Unterstützung
wird dies ein gelungenes, freudvolles Festival!
Mit Dank und in Vorfreude auf das
nächste Festival im kommenden Jahr
Die 15 Musikerinnen und Musiker
und alle Festivalmitarbeiter
Sehr geehrte Damen und Herren,
liebe Freunde der Kammermusik,
Kammerkonzerte in der schönen Umgebung des Hohenstaufen
sind nicht alltäglich. Um so mehr Dank und Anerkennung
verdient die Initiative engagierter Bürgerinnen und Bürger,
die gemeinsam mit musikalischen Nachwuchskünstlern die
erste Konzertreihe ins Leben gerufen haben. Gerne übernehme
ich dafür die Schirmherrschaft.
Das musikalisch anspruchsvolle Programm, das hier
dargeboten wird, ist ein weiterer kultureller Höhepunkt im
Kreis Göppingen mit Ausstrahlung in die gesamte Region.
Dafür spreche ich den Initiatoren Gwendolyn Masin, Rahel
Maria Rilling und Dr. Ulrich Grill meine Anerkennung aus.
Den beteiligten Musikerinnen und Musikern danke ich für
Ihre engagierte Mitwirkung.
Dem kleinen aber feinen Festival an diesem geschichts trächtigen
Ort, das sich nicht zuletzt durch eine ganz besondere
Atmosphäre auszeichnet, wünsche ich einen guten Start und
würde mich gemeinsam mit hoffentlich vielen begeisterten
Konzertbesuchern über eine erfolgreiche Fortsetzung in der
Zukunft freuen.
Dr. Dietrich Birk MdL
Staatssekretär im Ministerium für Wissenschaft,
Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg
1

Danke an:
Martina und
Helmuth Rilling
Maria Kelemen Masin und
Ronald Masin
Barbara und Ulrich Grill
Holger Schneider
Benjamin Fay
Jürgen Hennig
Renate Ziegler
Familie Schiessl-Maier
Autohaus Ratzel Zell
Kelsang Wangmo
Kasia Ozmin
Caroline Scholz
Martin Wagner
Franziska Friederich
2
An einem Winterabend sitzen zwei gute
Freundinnen am Küchentisch, trinken
zusammen Tee und sprechen darüber,
was sie an ihrer ganz persönlichen Welt
des Musizierens am meisten fasziniert:
„Stell’ dir ein Festival vor, das von jungen
Musikern organisiert wird und bei dem
Freunde zusammen spielen – die Konzerte
würden allen die Freude vermitteln, in einer
schönen Landschaft von guter Laune und
wundervoller Musik umgeben zu sein.“
Elf Monate nach dem Entstehen unserer
Vision freuen wir uns außerordentlich,
Ihnen unseren wahr gewordenen Traum
präsentieren zu können.
Herzlich willkommen zum ersten Kammer -
musikfestival Hohenstaufen. Wir wünschen
Ihnen ein anregendes und genussreiches
Hörerlebnis!
Gwendolyn und Rahel
Eröffnungskonzert
Freitag 29. September, 20 Uhr Evangelische Kirche
Johannes Brahms (1833–1897)
2. Streichsextett G-Dur op. 36
Allegro non troppo
Scherzo. Allegro non troppo – Presto giocoso
Adagio
Poco Allegro
PAUSE
Rahel Maria Rilling, Violine
Daniel Garlitsky, Violine
Isabel Charisius, Viola
Sara Maria Rilling, Viola
Antoaneta Emanuilova, Violoncello
Christopher Jepson, Violoncello
Pjotr Iljitsch Tschaikowsky (1840–1893)
„Souvenir de Florence” Streichsextett op. 70
Allegro con spirito
Adagio cantabile e con moto
Allegretto moderato
Allegro vivace
Gwendolyn Masin, Violine
Hovhannes Baghdasaryan, Violine
Aline Saniter, Viola
Jan Grüning, Viola
Christopher Franzius, Violoncello
Pavel Gomziakov, Violoncello
3

4
„das ist’s,
was so warm
macht“
Johannes Brahms
1864
Brahms’ 2. Streichsextett
Dabei hatte doch alles so schön begonnen! Als es dann
allerdings ums Heiraten ging, machte Brahms einen Rückzieher.
Die Angebetete, Professorentochter Agathe von
Siebold, hatte er als 25jähriger in Göttingen kennengelernt,
war alsbald in Liebe entfacht und schrieb Briefe an seine
„Gathe“, die diese als „Quellen des tiefsten, reinsten
Glücks“ empfand. Sein Freund Julius Otto Grimm drängte
ihn zur offiziellen Erklärung, geriet jedoch damit bei Brahms
an den Falschen. Unmissverständlich seine Worte im Brief
an Agathe: „Ich liebe Dich, ich muß Dich wiedersehen! Aber
Fesseln tragen kann ich nicht! Schreibe mir, ob ich wieder -
kommen soll, Dich in meine Arme schließen, Dich zu küssen,
Dir zu sagen, daß ich Dich liebe.“ – Johannes sah
Agathe niemals wieder.
Sechs Jahre später, in Lichtenthal bei Baden-Baden, muss
eine Reminiszenz dieser Liebe Brahms’ Innerstes bewegt
haben. Er schrieb an seinem zweiten Streichsextett in
G-Dur, nach dem Opus 18 in B-Dur eine weitere Auseinandersetzung
mit einer Gattung, die – von wenigen
Ausnahmen (bei Luigi Boccherini und Louis
Spohr) abgesehen – vor Brahms noch gar
nicht existierte. Interessant ist auch, dass
sich die beiden Sextette zu einer ganzen
Reihe von Geschwister-Stücken in
Brahms’ Schaffen gesellen: die Serenaden-Schwestern,
die zwei Klavierquartette
op. 25 und 26, der Quartett-
Doppelpack op. 51 und die beiden
Sammlungen der Liebeslieder-Walzer gehören
dazu. Dabei ist das neue Sextett
durchaus ein Zwilling des früheren, ist es
doch von „demselben heiteren Charakter“,
wie Brahms es einmal geschildert hat.
Anfang 1865 waren die ersten drei Sätze vollendet;
Clara Schumann bedankt sich für deren
Über sendung und rühmt ganz besonders die Durchführungen:
„ ... sie sind nicht wie bei anderen das Resultat geistreicher
Kombinationen, bei denen mehr oder weniger das
eigentliche Empfinden in den Hintergrund gedrängt wird,
sondern es ist immer, als ob erst da bei Dir alle Motive zur
innersten wärmsten Aussprache kämen, und das ist dann
so ganz entzückend.“
Hören wir auf die erste Geige im ersten Satz. Da erklingt,
klar und vernehmlich, die Tonfolge A-G-A-(D)-H-E mit dem D
statt T in der zweiten Violine: AGATHE. Es sei dahingestellt,
ob und inwieweit die Aussage gegenüber dem Sänger
Joseph Gänsbacher: „Da habe ich mich von meiner letzten
Liebe frei gemacht“ als wahr gelten darf. Mit diesem schönen
„soggeto cavato“ aber hat Brahms seine Beziehung zu
Agathe von Siebold auf immer verewigt. Und auch sie hat
sich 50 Jahre später mit den Worten verabschiedet: „Besser,
weit besser ist Verlieren als nie besessen zu haben!“
Echte Verlierer waren die Herren Verleger: Sein damaliger
Partner Rieter-Biedermann reagierte nicht einmal auf die
Ankündigung, deshalb bot Brahms das Manuskript Fritz
Simrock an, der bereits das erste Sextett verlegt hatte. Der
wiederum gab zu verstehen, dass er sich jederzeit über
neue Werke von Brahms freue, die Herausgabe eines weiteren
Sextetts aber nicht riskieren wolle, da dergleichen wohl
nicht gefragt sei. Brahms fühlte sich vor den Kopf gestoßen:
„Mag ich doch gestehen, daß es mir einigermaßen befremdend,
ja empfindlich war, von Ihnen ein neues Sextett nicht
angenommen zu sehen, hat sich doch das erste recht gut
aufgeführt, und konnten Sie denken, ich werde Ihnen kein
schwächeres nachschicken.“ Brahms wandte sich an Breitkopf
& Härtel in Leipzig, die erfreut, wenngleich mit ähnlichen
Bedenken, annahmen und die Hoffnung äußerten,
recht bald auch ein Klavierstück veröffentlichen zu dürfen.
Eine Woche später, als Folge einer kleinen Intrige, baten die
Verlagsherrn um Entbindung von der Verlagsübernahme und
Lösung des Vertrages – mit der Konsequenz, dass Brahms
5

„Schrecklich, wie
zufrieden ich
über mich bin“
6
den „Feiglingen“ nie wieder ein Werk anbot. Sie hatten sich
vom damaligen Gewandhauskapellmeister Carl Reinecke
(der zeitlebens ausschließlich vom „Herrn Brahms“ sprach)
und Selmar Bagge, Herausgeber der von B&H verlegten Allgemeinen
musikalischen Zeitung, einreden lassen, dass
das Werk für eine Ausgabe nicht tauglich sei. Schließlich
erklärte Simrock sich doch noch bereit, das Sextett herauszugeben
und bezahlte Brahms das von ihm geforderte
Honorar in Höhe von 20 Friedrichsdor (nach heutiger Kaufkraft
etwa 4.000 €).
Die Uraufführung des vollständigen Werkes fand am 11.
Oktober 1866 in Boston statt, bevor es am 3. Februar 1867
von Joseph Hellmesbergers erweitertem Quartett im Wiener
Musikvereinssaal und am 25. Februar desselben Jahres von
Joseph Joachim und dessen Musikerkollegen in London gespielt
wurde. Der Rezensent Carl Grädener bewunderte die
„Fülle und Mannigfaltigkeit der Instrumentalwirkung“, wobei
nicht die einzelnen Momente, sondern „alles dieses zusammengenommen,
wie es im steten Wechsel, bald
kontrastirend, bald Bezug nehmend auf einander, sich manifestirt,
das ist’s, was so warm macht und so einnimmt, ja
fast gefangen hält.“
Tschaikowskys „Souvenir de Florence“
Dachten Sie nicht auch für einen Moment an die Grand
Dame des falschen Tons, an jene verwegene alte Tante, deren
wunderbar dreiste Auffassung von der Käuflichkeit der
Kunst eine skurrile Kostbarkeit, ja eine Jahrhundert-Aufnahme
bewahrt hat? Gemeint ist Miss Florence Foster Jenkins
mit ihren ebenso vergeblichen wie frenetisch gefeierten
Bemühungen, so etwas wie Gesang hervorzubringen, die,
von ihrer betörenden Stimme gleichwohl überzeugt, kurzerhand
die Wochen vorher restlos ausverkaufte Carnegie Hall
mietete, um daselbst unter etlichen aufwendigen Umkostü-
mierungen ihre rasenden Fans zu verzaubern. Auf einem der
zahlreichen Höhepunkte des Abends schwebte (oder
schwob) die Fregatte als „Engel der Inspiration“ mit Schwingen,
in Flitter und Tüll gepackt, durch die riesigen Topfpalmen
auf den wehrlosen Flügel zu…
Bei Tschaikowskys „Souvenir de Florence“ handelt es
sich allerdings um seriöse Kunst, dabei geht es nicht einmal
um eine Frau, sondern um „ein Herz der Welt“ (José Saramago),
die Schöne, die Blühende, Wiege der Renaissance,
Perle der Toskana, es geht um Florenz: „Da liegt es vor uns
in dem sonnendurchfluteten Tal, durchflossen von dem sich
dahinwindenden leuchtenden Band des Arno und eingeschlossen
von schwellenden Hügeln. Seine Kuppeln, Türme
und Paläste erheben sich aus der üppigen
Landschaft als eine riesige schimmernde
Masse und glänzen in der
Sonne wie Gold.“ (Charles Dickens,
1845)
Zweimal hielt sich Tschaikowski in
der Stadt auf: „Mir scheint, in Rom
könnte ich nicht für längere Zeit leben.
Dort [...] gibt es keine Zeit zum Träumen,
sich zu versenken. Wenn ich die
Wahl hätte, ich würde Florenz bevorzugen
[...] Florenz ist netter, graziöser.“
1878 erlebte er hier – wie es die Biographen
apostrophierten – sein „Florentiner Idyll“ als Gast seiner
reichen Mäzenin und Brieffreundin Nadeshda von Meck.
Der zweite Aufenthalt in Florenz im Winter und Frühling
1890 sollte vor allem dazu dienen, die Komposition der
„Pique Dame“ ungestört und in angenehmerem Klima voranzubringen.
Dieser Aufenthalt gilt als Auslöser für Tschaikowskys
Streichsextett, das im Juni in St. Petersburg
begonnen wurde, und so heißt es denn etwa: „Da scheint er
einmal glücklich gewesen zu sein, im sonnigen Italien“ –
was angesichts einiger recht derber Tagebucheintragungen
7
Florenz 2005,
Ausblick vom
Giardino di Boboli

8
vom Januar/Februar 1890 bezweifelt werden darf: „Ein Fettwanst.
Zigarren. [...] Hundsfott von Dirigent. Grauenhafte
Chöre. Überhaupt alles provinziell. [...] Chansonsängerinnen.
Langeweile. [...] Die abscheuliche Kälte dauert an.
Noch nie ist mir Florenz während dieses Aufenthaltes so zuwider
gewesen wie heute. [...] Wie mir die hiesige Küche
zum Halse heraushängt!“
Er erscheint als folgerichtig, Tschaikowskys „Souvenir“
nicht auf den Aufenthalt von 1890 festzulegen, sondern im
mehrfachen Sinne zu verstehen: als Souvenir an den hübschen
Sänger, dem er in Florenz wieder und wieder lauschte
oder als Erinnerung an die schönen Tage von 1878, als Frau
von Meck in seiner Nähe war. So gehört, klingt der zweite
Satz mit seiner mandolinenartigen pizzicato-Begleitung wie
eine Opernszene mit Ständchen unterm Balkon, das in ein
Liebesduett mündet. Aber „Souvenir“ heißt auch, dass der
Komponist in Florenz zuallererst an seine russische Heimat
dachte; mit dem dritten Satz und einem Hauch Melancholie
entführt er uns dorthin, bevor Tschaikowsky im Finale alle
Erinnerungen in einen Rundtanz von Toskanern, Russen und
sonstigem Volk zusammenzaubert.
Zu Beginn der Niederschrift schrieb er noch an seinen
Lieblingsbruder Modest: „Schreibe unter ungewöhnlichem
Druck. Bin in Verlegenheit nicht wegen eines Mangels an
Ideen, sondern infolge der mir neuen Form. Ich brauche
sechs unabhängige und gleichzeitig ähnliche Stimmen. Das
ist unglaublich schwierig.“ – Als das Sextett fertig war, bekannte
er, die Komposition sei ihm so leicht gefallen, dass
er sich gar keiner Anstrengung bewusst gewesen sei:
„Schrecklich, wie zufrieden ich über mich bin ... Ich werde
immer mehr davon gefesselt und bin ziemlich abgekühlt gegen
Pique Dame.“ Doch erst im Dezember 1892, wenige
Monate vor seinem Tod, wurde Tschaikowskys „Souvenir de
Florence“ nach erheblicher Umarbeitung durch die Gesellschaft
für Kammermusik St. Petersburg erstmals zum Besten
gegeben.
Matineekonzert
Samstag 30. September, 11 Uhr Barbarossa-Kirche
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Duo für Violine und Viola G-Dur KV 423
Allegro
Adagio
Rondeau. Allegro
Rahel Maria Rilling, Violine
Sara Maria Rilling, Viola
Johann Halvorsen (1864–1935)
Passacaglia nach Georg Friedrich Händel
für Violine und Viola
Largamente – Con agilità
Gwendolyn Masin, Violine
Isabel Charisius, Viola
Wolfgang Amadeus Mozart
Divertimento für Violine,
Viola und Violoncello Es-Dur KV 563
Allegro
Adagio
Menuetto. Allegro – Trio
Andante
Menuetto. Allegretto – Trio I – Trio II
Allegro
Anke Dill, Violine
Isabel Charisius, Viola
Christopher Franzius, Violoncello
9

10
„vortrefflich
gerathenes
Liebeswerk“
Mozarts Duo für Violine und Viola
Noch galten Streicherduette für Kenner und Liebhaber als
Rarität oder wurden eher mit didaktischem Hintergrund geschrieben,
üblicherweise in der Besetzung für 2 Violinen
bzw. Violine und Cello. Schon Vater Leopold hatte der französischen
Ausgabe seiner Violinschule 12 Geigenduette
beigefügt. Mit einer Bratsche als Zweitstimme wurden die
Duette der Haydn-Brüder bekannt, 6 von Joseph und 4 von
Michael. Die Kompositionen Michael Haydns gelten auch
als Auslöser für Mozarts Duette, wobei die Geschichte
darum verdächtig nach „Verrührseligung“ klingt: Der böse
Fürsterzbischof Colloredo hatte von Haydn sechs Duette verlangt,
die jener aber krankheitshalber nicht abschließen
konnte. Damit nun dem armen Michael nicht das Gehalt gekürzt
würde, schrieb unser Wolferl in wenigen Tagen die
noch fehlenden Teile und wars zufrieden, dass das „vortrefflich
gerathene Liebeswerk“ (laut Constanzes späterem
Mann Georg Nikolaus Nissen) unter Haydns Namen abgeliefert
werden konnte.
Abgesehen davon, dass Colloredo musikalischen Spürsinn
genug hatte, um die stilistischen Brüche erkennen und
nachfragen zu müssen, abgesehen auch davon, dass
Mozart durchaus auf sein „Urheberrecht“ verzichten konnte
(etwa als Ghostwriter galanter Lieder wie „Als Luise die
Briefe ihres ungetreuen Liebhabers verbrannte“ KV 520
oder „Traumbild“ KV 530, auch mit dem Duett „Nun, liebes
Weibchen, ziehst mit mir“ KV 625, bei dem das Weibchen
mit „Miau“ antwortet), bleiben die Fakten: Im Dezember
1783 bat Mozart seinen Vater dringend um Zusendung
seiner „2 Violin Duetten – und Seb: Bachs fugen“, die als
Manuskripte wohl in Salzburg lagen und somit im Sommer
1783 dort geschrieben wurden. Die Ankündigung des
Kopien-Grossisten Traeg „Die 4 ersten sind von M. Haydn,
das 5te und 6te von Mozart“ deutet tatsächlich auf eine
Fortsetzungs-Arbeit hin, die beiden autographen Faszikeln
Mozarts sind unbezeichnet.
In Mozarts G-Dur-Duo ist somit ein schönes Zeugnis
seiner schöpferischen Arbeit in jener Salzburger Zeit überliefert,
in der bis auf einige Harmoniesätze zur Missa in c
nichts vollendet wurde. Mit der Ausarbeitung der Duette
reflektiert Mozart die beiden fertigen Haydn-Quartette und
wirft gleichzeitig einen „chirurgischen“ Vorausblick auf die
noch kommenden. Dieser äußert sich in hohen technischen
Anforderungen an die Spieler, insbesondere dann, wenn ein
Instrument die Linie des anderen nahtlos aufnehmen soll.
Die Rilling-Schwestern werden beweisen, dass die Operation
nicht weh tut...
Johan Halvorsens Passacaglia
Warum schreibt eigentlich heutzutage
niemand mehr eine Follia,
Foglia, Passacaglia? Wolle man der
neu-ernsten Kammermusik eine
Chance auf sicheren Erfolg einräumen,
so läge sie doch hier – denn
allesamt sind sie Ohrwürmer, Bravourstücke,
je älter umso besser!
Man muss nur eine schöne Bass-
Skala in acht Takten sauber abkadenzieren
und darüber unter
Verwendung von mehr oder weniger Noten möglichst abwechslungsreiches
Beiwerk aufs Papier werfen. Nein? Dann
hören Sie zu und staunen Sie, wie wunderbar skrupellos
man sich der alten Meister vor gut 100 Jahren anzunehmen
wusste!
Johan Halvorsen, im norwegischen Drammen als Sohn
eines Polizeibeamten geboren, ließ sich in Oslo als Militärmusiker
ausbilden und studierte später in Stockholm Geige.
Nach Tingeltangel als Violinist in Café- und Theaterkapellen
11
„fritt etter
Händel“
Johan Halvorsen,
Foto von Nyblin,
Bergen

12
„Mein
Teuerster
schreibt ohne
Unterlaß“
ging er ans Leipziger Konservatorium bei
Adolph Brodsky in die Lehre und arbeitete
nach Beendigung seiner Laufbahn als Geigenvirtuose
als Kapellmeister in Bergen
und Kristiana. Neben dem Reißer „Einzugsmarsch
der Bojaren“ bekannt geworden ist
seine 1894 entstandene Bearbeitung der
Passacaglia („frei nach Händel“) aus der siebenten Cembalosuite
in g-Moll – ein herrliches Virtuosenstück, das vor
Pizzicato, Ricochet, Spiccato, Martelé und sonstigen
Finessen nur so überschäumt und dem dicken Sachsen mit
Sicherheit gefallen hätte.
Mozarts Divertimento
Vor kurzer Zeit erst fanden die Mozartforscher heraus, dass
sich all die schönen Briefstellen, in denen von einem für
den Logenbruder Puchberg geschriebenen Trio die Rede ist,
nicht – wie weiterhin hartnäckig behauptet – auf unser Trio
KV 563 beziehen, sondern auf ein Klaviertrio (vermutlich KV
542). Auch bei der „kleinen Musik“ am 13. April 1789 bei
seinem Aufenthalt in Dresden im dortigen Hotel de Pologne
hat Mozart nicht etwa Bratsche gespielt, sondern mit Anton
Teyber an der Geige und Anton Kraft am Cello den Klavierpart
übernommen. Leider sieht es nun so aus, dass lediglich
der Eintrag in Mozarts Werkkatalog vom 27. September
1788: „Ein Divertimento à 1 violino, 1 viola, e violoncello; di
sei pezzi“, nicht aber der kleinste Hinweis auf einen Entstehungsanlass
oder eine Aufführung existiert. Dabei hätten
wir gar zu gern gewusst, welcher Cellist damals die aberwitzig
hohen Passagen in Imitation der Geige zu spielen imstande
gewesen ist. Das Autograf bleibt verschwunden, die
einzige Quelle ist ein posthum erschienener Stich Artarias,
der das Werk 1792 als „Gran Trio“ herausgab und als notorisch
unzuverlässige Quelle gilt.
Aber das Entstehungsjahr 1788! Wir lesen in Constanzes
Tagebuch vom Frühjahr: „Wer will noch über unsere
Schwelle treten [...] Ja, doch, ein paar Freimaurerbrüder. Die
meiden unsere Wohnung nicht. Aber ihr anderen alle, die
ihr Mozarts Musik so liebtet, wo seid ihr jetzt“ — „Wir haben
tausend Gulden vom Bruder Puchberg geliehen. Gott segne
diesen heiligen Mann, der sich unseres Unglücks anzunehmen
weiß!“ — „Ich bete jeden Tag darum, daß meinen Mann
niemals die Inspiration verlassen möge, daß die Subskribenten
in Scharen herbeiströmen mögen und daß die Zeit
der Zunge in Soße, des Maronenkonfekts und der bitteren
Schokolade, der Seidenstoffe und der Kerzenleuchter im
Garten wiederkehren möge...“ — Töchterchen Theresia stirbt
am 29. Juni 1788: „Trauern wir, mein Liebster, aber hoffen
13
Erstdruck zu
KV 563

14
wir auch.“ — Sommer 1788: „Mein Teuerster schreibt ohne
Unterlaß, aber was nützt es, wenn niemand mehr die Notenblätter
kauft und auch nicht die Subskriptionsbillets?“
Es ist eine schwer nachvollziehbare Tatsache, dass
Mozart in dieser Situation Musik schreiben konnte, die nach
unserem Ermessen gänzlich losgelöst scheint von all den
Schicksalsschlägen und alltäglichen Sorgen. Nun ist das Trio
kein Gelegenheitsstück unterhaltender Gesellschaftskunst,
wie man aus der Wahl des Namens Divertimento hätte
schließen können, sondern eine exzellente Studie des dreistimmigen
Satzes mit seiner glasklaren Durchhörbarkeit,
gleichzeitig an die Grenzen des Machbaren gehend – eine
gute Dreiviertelstunde, bei der sich keines der drei Instrumente
auch nur für einen Augenblick ausruhen darf!
Das hat mit „Zerstreuung“ nichts mehr zu tun, aber es ist
wunderbar.
Abendständchen
im Freien, Anfang
des 19. Jahrhunderts.Grafitzeichnung
von Franz
Gerhard von
Kügelgen
(Kupferstichkabinett
Dresden)
Benefizkonzert
Samstag 30. September, 20 Uhr Evangelische Kirche
Zugunsten von
Maurice Ravel (1875–1937)
Streichquartett F-Dur
Allegro moderato – Très doux
Assez vif. Très rythmé
Très lent
Vif et agité
PAUSE
Hovhannes Baghdasaryan, Violine
Yun-Jin Cho, Violine
Jan Grüning, Viola
Christopher Jepson, Violoncello
Franz Schubert (1797–1828)
Streichquintett C-Dur D 956 op. post. 163
Allegro ma non troppo
Adagio
Presto – Trio. Andante sostenuto
Allegretto
Daniel Garlitsky, Violine
Barbara Gruszczynska, Violine
Aline Saniter, Viola
Pavel Gomziakov, Violoncello
Antoaneta Emanuilova, Violoncello
15

16
„Tasten Sie
keine
einzige Note
mehr an!“
Ravels Streichquartett
Längst hatte sich Maurice Ravel einen Namen als Komponist
gemacht, da ging er im Oktober 1896 nochmals als Schüler
ans Conservatoire de Paris. Gabriel Fauré war dem aus
Altersgründen zurückgetretenen Massenet als Kompositionslehrer
gefolgt. Doch war es letztlich nicht Fauré, sondern
André Gédalge, bei dem Ravel wirklich etwas dazulernen
konnte. „In diesen Tagen hatten wir Fortschritte gemacht“,
so resümierte Ravels Freund Georges Enescu die Zeit bei
Fauré einigermaßen sarkastisch; Gédalge aber galt unser
seinen Schülern als Koryphäe in Sachen Kontrapunkt und
Orchestrierung (Enescu widmete ihm sein Oktett – vgl. Text
zum Abschlusskonzert). Ravel schrieb 1928 in seiner Esquisse
biographique: „Ich bin glücklich zu sagen, daß ich
die kostbarsten Elemente meines Metiers André Gédalge
verdanke.“ – und Fauré?: „Er erschien in der Klasse mit Dreiviertelstunden
Verspätung, und er wußte nicht recht, was er
seinen Jüngern erzählen sollte“, so überliefert es uns eine
mündliche Äußerung eines einstigen Schülers.
Maurice Ravel am
Ufer der Nivelle in
den Pyrenäen,
Fotografie um 1901
(Paris, Bibliothèque
Nationale)
Nichtsdestotrotz: Ravel widmete seinem Lehrer neben
seinem berühmten Klavierstück „Jeu d’eau“ auch sein einziges
Streichquartett („à mon cher maître Gabriel Fauré“) – er
selbst empfand das Werk als Abschluss seiner Studienzeit.
Die ersten beiden Sätze waren im Dezember 1902, die beiden
anderen im April 1903 vollendet. Roland-Manuel, belgischer
Musikwissenschaftler, Schüler und enger Freund
Ravels, beschreibt das Werk auch im Bezug auf Äußerungen
Ravels, nach denen dieser daran zweifelte, dass ihm das
Experiment wirklich geglückt sei, folgendermaßen scharfsinnig:
„Diese ernste und zugleich jugendliche Musik erscheint
in ihrer eindringlichen Lieblichkeit als die spontanste,
die Ravel je geschaffen hat. Die mächtigen lyrischen
Aufwallungen durchbrechen aber den unverrückbar klassizistischen
Rahmen nicht; sie bewegen sich dennoch mit
einer so großen Freiheit, daß der Komponist mitunter an
dem Gelingen des Werkes zweifelte. Je stärker ihn diese verborgenen
Kräfte, die ihn unbewußt beherrschten, anzogen,
desto mehr mißtraute er ihnen.“
Die Uraufführung durch das Heyman-Quartett (Heyman,
De Bruyne, Marchet, De Bruyn) fand in einem Konzert der
Pariser Societé Nationale im Saal der Schola Cantorum am
5. März 1904 statt. Die Klassizisten, die den Rom-Preis zu
vergeben hatten (Ravel hatte sich mehrfach vergeblich um
die attraktive Auszeichnung bemüht), konnten gar nichts
damit anfangen, der Widmungsträger Fauré „sparte nicht
mit Kritik. Er hielt den vierten Satz für verkümmert, unausgewogen
– kurz, für mißlungen. Schließlich wurde Debussy
um seine Meinung gebeten. Er beruhigte und beglückwünschte
den Jüngeren und schrieb ihm feierlich beschwörend:
»Im Namen der Götter der Musik und in dem
meinigen, tasten Sie keine einzige Note, die Sie in diesem
Quartett geschrieben haben, mehr an!«“ (Roland-Manuel)
17

„Es ist rätselhaft,
und es ist
vollendet“
18
Ganz im Sinne Debussys schrieb der Musikwissenschaftler
Armand Machabey zu Ravels Quartett: „Was an diesem
Werk besticht, ist nicht die Originalität der Form, sondern
die vollendete Ausführung: da stört keine Banalität, da gibt
es keinen Leerlauf; vielmehr herrscht überall Phantasie und
Ideenreichtum, vollendete Ausgewogenheit der Proportionen
und dazu eine solche reine und transparente Klanglichkeit,
die Ravel nur mehr in seinem Klavierwerk Jeux d’eau
erreicht hat.“
Schuberts Streichquintett
Es ist sein einziges Streichquintett und sein letztes Kammermusikwerk...
Was haben wir bei Franz Schubert nicht alles
schon gehört und gelesen von „Reife“ und „Vollendung“ unter
den Rubriken „Spätwerk“ und „Todesahnung“ – was bei
einem gerade Dreißigjährigen ohnehin fragwürdig erscheint.
Hätte er denn danach nichts mehr geschrieben, aber vor
allem: mit welchen Begriffen würden wir sein Werk neu zu
kategorisieren suchen? Letztlich sind wir es, die diese
ebenso bedeutungsschweren wie selten der Musik selbst
innewohnenden Stigmata offenbar benötigen, um halbwegs
sicher durch die Musik aus längst vergangenen Zeiten zu
navigieren. Schuberts Quintett ist ein Solitär insofern, als
man ihm beinahe die Rolle eines ästhetischen Experiments
zuschreiben möchte, bei dem Schubert die Entwicklungslinien
seiner Kammermusik gebündelt und weitergeführt hat.
Besonders auffällig erscheint der bereits im Kopfsatz auftretende
„Schlüsselakkord“, ein aus der Tonika hervortretender
und wieder in sie „zusammenfallender“ verminderter
Septakkord, dem man auch im Streichquartett d-Moll und in
zwei Heine-Vertonungen Schuberts etwa aus derselben Zeit
wiederbegegnet.
Die vier Sätze des Quintetts „verjüngen“ sich nach hinten
in ihrer Dauer; das abschließende Allegretto ist der
kürzeste Satz und wirkt – etwa im Vergleich zum erschüttern
den Ausbruch des halbtönig verschobenen Adagio-Mittelteils
– zunächst unproblematisch und heiter. Doch in
diesem Satz, der in einer „leeren“ Oktave ausklingt, wird
nochmals die ganze Fülle der zuvor verwendeten Ausdrucksmöglichkeiten
konzentriert und reflektiert, zwar im Gewand
eines „normalen“ Rondos, aber nicht als unbekümmertfröhlicher
Kehraus. Andererseits können wir uns aber getrost
an der heiteren Anmutung des Werkes, am Tänzeri -
schen, an den Melodien erfreuen, ohne sogleich an die
posthum verliehene Etikette „Todesahnungen“ erinnert werden
zu müssen – oder doch nicht?
Mit nicht geringer Wahrscheinlichkeit entstand das Werk
im September 1828 in Wien. Dem Kunsthändler „Probst
Wohlgeboren in Leipzig“ kündigt er das Quintett neben an-
19
Schubert als
Zuhörer bei einer
Quartettaufführung
im Musiksalon
von Johann
Steiger von
Arnstein,
Bleistiftskizze
von Friedrich
Gauermann
(Linz, Oberösterr.
Landesmusem)

Anonyme Karikatur
in den Münchener
Neuesten Nachrichten
1928,
angeblich nach
einer Skizze von
Moritz von Schwind
20
deren Werken am 2. Oktober an und
ergänzt: „das Quintett aber wird dieser
Tage erst probirt. Wenn Ihnen vielleicht
etwas von diesen Compositionen conveniert,
so lassen es wissen“. Die Erst -
augabe erschien erst 25 Jahre später
bei C. A. Spina in Wien als „Grand
Quintour (en Ut) pour Deux Violons,
Alto et 2 Violoncelles par François
Schubert Oeuvre 163.“ Autograf: verschollen...
Eine Aufführung auch nur im privaten
Kreise ist zu Schuberts Lebzeiten
nicht nachzuweisen. Die erste öffent -
liche Aufführung fand am 17. November
1850 im Wiener Musikverein statt,
„Vor Franz Schuberts
Streichquintett in C-
Dur verneigen sich
alle Menschen, denen
Musik, Kammermusik
gar, etwas bedeutet,
glücklich bewundernd
– oder sie
schwärmen. [...]
Es ist rätselhaft, und
es ist vollendet [...]
Mit Worten kann kein
Mensch das tönende
Mysterium dieses
Werkes völlig enträtseln
oder auf Begriffe
bringen.“
(Joachim Kaiser)
es spielte das Quartett Josef Hellmesbergers mit Josef Stransky
am Cello. Die Musikerinnen und Musiker des Kammermusikfestivals
mögen es mir nicht verübeln, wenn ich eine
Aufnahme aus dem mittlerweile vergangenen Jahrhundert
erwähne: 1952 spielten Isaac Stern, Alexander Schneider,
Milton Katims, Paul Tortelier und Pablo Casals das Quintett
in Prades ein – eine Jahrhundertinterpretation!
Matineekonzert
Sonntag 1. Oktober, 11 Uhr Barbarossa-Kirche
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Trio für Violine, Viola und Violoncello c-Moll op. 9 Nr. 3
Allegro con spirito
Adagio con espressione
Scherzo. Allegro molto e vivace
Finale. Presto
Yun-Jin Cho, Violine
Jan Grüning, Viola
Christopher Jepson, Violoncello
Zoltán Kodály (1882–1967)
Duo für Violine und Violoncello op. 7
Allegro serioso, non troppo
Adagio
Maestoso e largamente, ma non troppo lento
Daniel Garlitsky, Violine
Pavel Gomziakov, Violoncello
Antonín Dvorˇák (1841–1904)
„Amerikanisches” Streichquartett F-Dur op. 96 (B 179)
Allegro ma non troppo
Lento
Molto vivace
Finale. Vivace ma non troppo
Anke Dill, Violine
Barbara Gruszczynska, Violine
Sara Maria Rilling, Viola
Christopher Franzius, Violoncello
21

„Ich
Endesgefertigter
bekenne
hiermit...“
* Der Autor ist der
Meinung, dass sie
a) meist zu kompliziert
ausfällt, um sich
alles merken zu können
und beim Hören
das Gelesene bestenfallswohlwollend
zu bestätigen;
b) zu klein abgedruckt
ist, um während
des Hörens das
Geschriebene im
Dunkeln mitzuverfolgen,
welches wiederum
c) zu trocken verfasst
ist, um daraus direkt
Töne entnehmen zu
können.
22
Beethovens Trio c-Moll
Das ist erstaunlich: Bereits Ende der 1790er Jahre schien
Beethovens Ruf als Komponist so gefestigt, dass sein Verleger
Traeg ihm schon vor Beginn der Komposition der Trios
Opus 9 die stolze Summe von 50 Dukaten als Honorar zusicherte.
Die heute lächerlich dünkende Summe als „bedungenes
Honorarium“ entsprach immerhin dem Wert eines
anständigen Flügels! Der Verlagsvertrag wurde am 16. März
1798 unterzeichnet: „Ich Endesgefertigter bekenne hiermit,
dass ich Herrn Johann Traeg, privilegirten Kunst- und Musikalien-Händler,
die von mir verfertigten und Herrn Grafen
Browne, Brigadier im Dienste seiner Kays. Mays. aller Reussen
decidirten 3 Trios für eine Violin, Alto und Violonzello
[...] zu dem Ende verhandelt und gänzlich als sein Eigenthum
überlassen habe, dass er sie für seine Rechnung und
Vortheil stechen lassen und auf was sonst immer für eine
ihm beliebige Weise benutzen möge [...]“ Auf einem Zusatz
unterschrieb er: „Mit grossen Vergnügen Ludwig van Beethoven“
– die Dukaten klingelten schon erreichbar nah...
Widmungsträger war Reichsgraf Johann Georg von
Browne-Camus, bei dem Beethoven in dieser Zeit regelmäßig
als Pianist auftrat. Der Graf hatte zwar den Rang eines
hohen russischen Offiziers, lebte aber in Wien und war
mehr an schönen Künsten denn militärischem Gehabe interessiert.
Ein Zeitgenosse beschreibt ihn als einen „der sonderbarsten
Menschen, voll trefflicher Anlagen und schöner
Eigenschaften auf der einen, voll Schwächen und Verderbtheit
auf der anderen Seite.“ Seine Großzügigkeit, die Beethoven
in der Widmung blumig hervorhebt, hatte sich
allerdings bald in einer Verschwendungssucht forciert, die
ihm 1805 für einige Tage „Sicherheitsverwahrung“ einbrachte.
Erste Aufführungen der Trios fanden bei Privatsoireen
des Wiener Adels mit Mitgliedern des Lichnowsky-Quartetts
statt, dessen Mitglied damals auch Beethovens Freund
Ignaz Schuppanzigh war. Dass sich die Stücke anhaltend
großer Beliebtheit erfreuten, zeigt beispielsweise die Stati-
stik der Londoner „Mondy Popular Concerts“
1859 bis 1896, wonach 16 Aufführungen des
Trios op. 9 Nr. 3 (Nr. 2 erklang nur einmal, Nr. 1
hingegen 20mal) verzeichnet wurden. Bis
heute und wohl noch für eine weitere geraume
Weile zählen sie – gemeinsam mit Mozarts Divertimento
– zum Kernbestand des Repertoires
für Streichtrio.
Anstelle einer Werk-Beschreibung* sei auf
eine Eigenart des markanten Viertonmotivs des
ersten Satzes hingewiesen, das versteckt am
Ende des Werks zurückkehrt. Dieses Motiv hat Beethoven in
einem seiner komplexesten späten Quartette zitiert, was
erst dann als bemerkenswert erscheint, wenn wir es als Indiz
dafür werten können, dass er die Komposition dieses
Trios als wertvoll genug erachtete, im Finale des berühmten
Opus 131 in cis-Moll als Erinnerung an das Frühwerk zu erscheinen.
Kodálys Duo für Violine und Violoncello
„Ich bin überzeugt, dass ich nicht so weit in der Musik gekommen
wäre, wie ich es bin, wenn nicht mein Vater gerade
die neun Monate vor meiner Geburt regelmäßig Quartett gespielt
hätte in seinem Haus in Kecskemét und meine Mutter
das also täglich gehört hat.“ – Wo gibt es das noch? Ein
Bahnhofsvorsteher (Frigyes Kodály), der sich täglich Zeit
nimmt, nicht zum Karten- sondern zum Quartettspiel, während
seine schwangere Frau (Paulina Jaloveczky) zuhört...
Und der dankbare Sohn schreibt später alles auf, so dass
man ihm gern auch weiterhin das Wort überlässt: „Nun, und
dann haben wir aus den Noten meines Vaters Quartette gespielt.
Ich hatte zwar vom zehnten Jahr an etwas Violine gelernt,
musste dann aber zum Cello greifen, weil kein anderer
für das Cello da war, und zum Quartett gehört doch ein
Cello. Von den Quartettstimmen, die noch mein Vater be-
23
Quittung Beethovens
über den Erhalt von 50
Dukaten für die Übertragung
des Verlagsrechts
der 3 Streichtrios op. 9
an den Wiener Verleger
Jean Træg (Kungl. Musikaliska
Akademiens Bibliotek
Stockholm)
„Da kam mir
urplötzlich die
Vision“

Die letzten
Friedenstage 1914
im schweizerischen
Gland
„Beethoven… Es gibt
wohl kaum einen anderen
Komponisten,
in dessen gesamtem
Lebenswerk der Protest
gegen die Tyrannei,
die Sehnsucht
nach der Weltfreiheit
und der Brüderlichkeit
so gewaltig zum
Ausdruck kommt.“
(Zoltán Kodály,
An Beethovens
Todestag, Eröffnungsrede
zum Festkonzert
an der
Budapester Musikakademie,
1952)
24
nutzte, waren aber eben die Cellostimmen
bei den vielen Umzügen verloren gegangen.
Und das waren nun meine ersten Versuche,
diese Cellostimmen zu ersetzen.
Ich legte die drei anderen Stimmen vor
mich hin und versuchte, dazu eine Cellostimme
zu schreiben. Es ging eine Weile,
aber dann habe ich doch das Original erwerben
können, und ich habe durch den
Vergleich viel gelernt.“
Schweiz, im Juli 1914. Auf die Nachricht
von der Kriegserklärung unterbricht das Ehepaar Kodály
seine Schweizer Wanderschaft und begibt sich auf den
Heimweg. Über die Reise und die Entstehung seines Duos
für Violine und Violoncello schreibt Kodály später (um 1922)
an Jen Léner, den Primgeiger des berühmten Streichquartetts,
und seine Frau: „Den letzten Abschnitt unseres Weges
bis zur Grenze hier mussten wir per Lastkraftwagen zurücklegen,
denn auch in der Schweiz wurde bereits mobilgemacht.
Tagelang saßen wir in einem entlegenen Tiroler
Grenzort. Da kam mir urplötzlich die Vision dieses Duos.
Es war mir zuvor nie eingefallen, für eine solche Besetzung
schreiben zu wollen... Notenpapier gab es in Feldkirch keines
zu kaufen, somit brachte ich den ersten Satz, den ich
gleich an Ort und Stelle schrieb, fast vom Anfang
bis zum Ende auf den Seiten eines Notenschulheftes
heim. So war der Boden, dem
dieses Duo entwuchs, bestellt. Ob mir nun jemand
einst aus diesem Stück etwas von den
unheimlichen Dimensionen jener wunderbaren
Bergriesen oder den düsteren Ahnungen eines
so jäh über uns hereingebrochenen Krieges
nachempfinden wird, diese gewaltige Frage
bleibt wohl offen.“
Feldkirch 1914, mit der kleinen Adelheid aus dem Dorf
Dvorˇáks ‚Amerikanisches’ Streichquartett
Ein Ausruf der Erleichterung, notiert nach der letzten Seite
der Skizze zu seinem zwölften Streichquartett: Nur drei Tage
brauchte Dvorˇák für den Entwurf aller 4 Sätze (8.-10. Juni
1893). Und es ging rekordverdächtig weiter, die fertige Partitur
entstand ohne Unterbrechung bis zum 23. Juni. Ursprünglich
hatten die Dvorˇáks vor, ihre Sommerferien 1893
im Familienkreis in Böhmen zu verbringen, entschieden sich
dann allerdings für die „Neue Welt“ und ließen die vier Kinder
aus Prag nachkommen. Sie reisten ins 1300 Meilen von
New York entfernte Dorf Spillville im Staat Iowa, in dem
tschechische Einwanderer lebten. „Lehrer und Pfarrer, alles
ist tschechisch und so werde ich unter den Meinen sein [...]
Ich werde dort sogar Tauben haben und vielleicht werden
wir auch Darda [tschech. Kartenspiel] spielen. Welch ein Vergnügen
wird das sein!“ (Dvorˇák an Emil Kozánek, 12. April
1893)
Tatsächlich herrschte in der kleinen tschechischen Enklave
eine Unbeschwertheit, die die Familie wie das „Erwachen
heiterer Gefühle bei der Ankunft auf dem Lande“ in
Beethovens „Pastorale“ aufsog. Der Jubel in Dvorˇáks Quartett
beginnt nicht zufällig mit seinem eigenen Instrument,
der Bratsche; bei den ersten Aufführungen in Spillville
führte der Komponist hingegen das Dorfquartett als Primarius
an. „Als ich dieses Quartett [...] schrieb, wollte ich einmal
etwas ganz Melodisches und Einfaches niederschreiben,
und immerfort hatte ich Väterchen Haydn vor Augen, und
deshalb ist es im Geist so einheitlich, wie aus einer Seele
ausgefallen.“ (Brief vom März 1895) Ist also das ‚Amerikanische’
Streichquartett ein Werk für den Hausgebrauch, quasi
zur Entspannung? Es sieht ganz danach aus – und auch der
Höreindruck spricht nicht dagegen.
Aber wie ‚amerikanisch’ ist nun die Musik (eine Frage
übrigens, die nicht unbedingt unter den Nägeln brennt)?
Dvorˇáks Sohn Otakar erzählte später, sein Vater sei mit Indianern
in Kontakt gekommen, die im Dorf Kräuter verkauften
und auf seine Bitte hin gemäß ihrer Stammesbräuche
25
„Gott sei Dank.
Ich bin
zufrieden. Es
ging schnell...“
Antonin Dvorˇák
1901, Kohle-/Kreidezeichnung
von Max
Svabinský, Maler und
Grafiker in Prag

Dvorˇák spielt in
der Dorfkirche von
Spillville Orgel,
Abbildung im New
York Herald,
19.11.1893
scarlet tanager
26
musizierten und tanzten. Aber bei allen Bemühungen um
das Aufdecken verborgener multikultureller Einflüsse hören
wir etwas spezifisch ‚Indianisches’ aus dem F-Dur-Quartett
nicht wirklich heraus. Freilich: die Pentatonik als Gouvernante
für jedwede Art von Folklore spielt eine zentrale Rolle,
aber die Pastoral-Tonart F-Dur und die bukolische Stimmung
des Sommers deuten vielmehr auf die Natur als Quelle der
Themen.
„Früh stand er um vier auf [!] und ging spazieren – zum
Bach oder zum Fluß – und um fünf kehrte er zurück. Nach
dem Spaziergang arbeitete er, um sieben saß
er in der Kirche bei der Orgel, dann plauderte
er ein wenig, kehrte heim, arbeitete [...],
dann ging er wieder spazieren.“ Auf die Frage
seiner Hauswirtin, was geschehen sei, dass
er so zeitig schon aus den Federn kam, antwortete
er: „Aber nichts ist geschehen – und
doch recht viel. Stellen Sie sich vor, ich ging
dort im Wald den Bach entlang und habe
nach acht Monaten die Vögel wieder singen
gehört! Und hier gibt es andere Vögel als bei
uns, sie haben viel bunteres Gefieder und singen auch anders!“
(Josef Jan Kovarˇík, Erinnerungen)
Tatsächlich: Ein Motiv im Scherzo, das Dvorˇák „auf seinem
Spaziergang durch die Umgebung von Spillville dem Zwitschern
eines ganz merkwürdigen Vögleins“ ablauschte, entspricht
ziemlich genau demjenigen, das von Kovarˇík aus der
Original-Vogelmelodie, die Dvorˇák ihm vorsang oder –pfiff,
transkribiert wurde. Daraus wiederum konnte der Dvorˇák-
Forscher John Clapham mittels ornithologischen Seitensprungs
eindeutig die Scharlachrote Prachtmeise (scarlet
tanager) identifizieren, die just in Nordost-Iowa heimisch
ist! – Musikwissenschaft kann richtig Spaß machen. Drum
sei nur noch die Uraufführung vor großem Publikum erwähnt:
Neujahr 1894 in Boston mit dem Kneisel-Quartett
(Frank Kneisel, Otto Roth, Louis Svěcenski, Alwin Schroeder),
in derselben Besetzung am 12. Januar in der New Yorker
Carnegie Hall.
Abschlusskonzert
Sonntag 1. Oktober, 20 Uhr Evangelische Kirche
George Enescu (1881–1955)
Oktett C-Dur op. 7
Très modéré
Très fougoueux
Lentement
Mouvement de valse bien rhythmée
PAUSE
Gwendolyn Masin, Violine
Yun-Jin Cho, Violine
Daniel Garlitsky, Violine
Hovhannes Baghdasaryan, Violine
Isabel Charisius, Viola
Jan Grüning, Viola
Pavel Gomziakov, Violoncello
Christopher Jepson, Violoncello
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
Oktett Es-Dur op. 20
Allegro moderato ma con fuoco
Andante
Scherzo. Allegro leggierissimo
Presto
Rahel Maria Rilling, Violine
Anke Dill, Violine
Barbara Gruszczynska, Violine
Hovhannes Baghdasaryan, Violine
Aline Saniter, Viola
Sara Maria Rilling, Viola
Christopher Franzius, Violoncello
Antoaneta Emanuilova, Violoncello
27

„gemacht aus
Himmel und
Unendlichkeit“
28
George Enescus Oktett C-Dur
Um eine mitunter aufkommende kleine Verwirrung zu beseitigen:
auch „Enesco“ wäre richtig, denn der im rumänischen
Liveni (heute Enescu!) geborene George nannte sich aus
phonetisch naheliegenden Gründen in Paris nicht mehr original
„Enescu“ („Enescü“), ein Name, der „Sohn des Enea“
bedeutete (ein Vorfahre Enescus hieß so), sondern änderte
ihn durch Austausch des Endbuchstabens.
Erste musikalische Eindrücke erhielt er im Elternhaus;
der Vater spielte Geige, die Mutter Gitarre. Abends lauschte
er den Gesängen der Dorfmusikanten, die ihn so aufregten,
dass er sich aus einem Holzstück und einem Faden eine
Geige baute. George war damals 3 Jahre alt. Die Geige, die
man ihm daraufhin schenkte, hatte nur drei Saiten – er warf
sie beleidigt ins Feuer. Als Vierjähriger, mittlerweile im Besitz
einer „richtigen“ Geige, konnte er die Melodien bereits
erstaunlich genau nachspielen. 1888 spielte er einem Professor
vor, der dem Vater riet, den Jungen zur Ausbildung
nach Wien zu schicken. Beim ersten Auftritt vor Bukarester
Publikum spielte er unter anderem Mendelssohns Violinkonzert...
Es folgten Studien in Paris. Als Virtuose, mit Beethovens
Violinkonzert 1900 in Paris berühmt geworden, ist er bald
darauf in allen europäischen Konzertsälen zu hören. 1902
Gründung eines Trios (mit Alfredo Casella und Louis Fournier),
zwei Jahre später des „Enescu-Quartetts“ (mit Henri
Casadesus, Louis Fournier, Fritz Schneider), Erfolge als Komponist,
Tourneen... Schließlich wird George Enescu als Komponist,
als Dirigent und große musikalische Persönlichkeit
in ganz Europa, besonders aber in seinem Heimatland verehrt.
Bei allem Erfolg verließ ihn nie die etwas wehmütige
Erinnerung an glückliche Kindertage „im Norden der Moldau,
dort, wo sich die endlosen Auen des Siret bis zu den
sanften Anhöhen am Fuße der Karpaten erstrecken, mit ihren
wogenden Gerste- und Maisfeldern, ihren alten Wäldern
am Horizont und den zwischen Weiden
und Birken verlorenen alten Dörfern“.
(Enescu in einem Interview)
Nach einem Fragment gebliebenen
Versuch in D-Dur von 1898 entstand
1899/1900 in Paris und Moldavien sein
Oktett, von dem er erklärte, er habe damit
weniger die Persönlichkeit des Stils,
als mehr das „Gleichgewicht der Architektur“
im Blick gehabt, für die er eine
durchaus neuartige Lösung fand: „Vier
miteinander verbundene Sätze, die einen
einzigen großen, extrem ausgeweiteten Sonatensatz bilden,
aber gleichzeitig die Autonomie jedes Teiles respektieren.“
Damit wird das Oktett zum Urbild für spätere Formgebungen
Enescus, wo sich aus kleinen Intervall-Zellen durch Variation
und Kombination größere bilden und daraus die Thematik
des ganzen Werkes erwächst. Die Chromatik jener Zeit
scheint im Oktett vorzuherrschen, aber sie wird nicht „per
se“ als stilistisches Mittel verwendet, sondern bildet sich
aus mobilen Stufen diatonischer Skalen, bei denen sich einige
Töne „statisch-konform“ verhalten, während andere
den melodischen Ausweg suchen. Manch eine harmonische
Wendungen erinnert an Schönbergs „Verklärte Nacht“, ein
„Gewisse Personen haben sich beun ruhigt und
gelangweilt gezeigt, weil sie mich nicht in gewöhnlicher
Art katalogisieren und klassifizieren
konnten.
Das wäre keine französische Musik in der Art
Debussys, das wäre auch keine deutsche Musik,
die ich schriebe, erklärten sie. Kurz, ohne
fremd zu erscheinen, ähnelte sie kaum einer
bekannten Sache, aber gerade das langweilt
die Leute, wenn sie einen nicht klassifizieren
können.“
29
Georg Enescu,
1903
(Musica, Januar
1904)

30
Werk, das Enescu nicht gekannt haben kann, da es zur selben
Zeit anderswo entstand. Die Liste der Techniken, die
der junge Komponist in diesem für ihn wegweisenden Frühwerk
anwendet, ließe sich fortsetzen. Dabei ist Enescu weniger
Dramatiker als Epiker, er liebt, wie er selbst sagte,
„weit ausgedehnte Werke, in denen der Geist sich ein fernes
Ziel steckt, [...] Werke im Ausmaß der Landschaften »von da
unten« [Moldavien], gemacht aus Himmel und Unendlichkeit.“
Das Oktett ist Enescus Lehrer André Gédalge gewidmet
(Gédalge wiederum veröffentlichte einige Monate später
eine Violinsonate mit Widmung an Enescu!), der „seine
Schüler auf ihre geheimsten Tendenzen [stieß]. Aber vor allem
lehrte er sie die Musik“ (Darius Milhaud, Revue Musicale,
1926). In den Gesprächen mit Bernard Gavoty
bekannte Enescu, dass er Gédalges Schüler war, ist und immer
bleiben werde; er habe ihn auf den Weg gebracht, seine
eigenen musikalischen Bestrebungen zu erkennen und zu
entwickeln. Bereits 1905 gedruckt, fand die Premiere erst
am 18. Dezember 1909 in Paris in der Reihe „Soirées d’art“
der Concerts-Barrau in der Salle des Agriculteurs statt. Es
musizierten die Quartette Geloso (mit dessen Leiter Pierre
Monteux) und Marcel Chailley (mit Louis Gavrand, Philippe
Jurgensen und René Schidenhelm).
Felix Mendelssohn Bartholdys Oktett Es-Dur
Am 6. November 1825 schreibt Carl Friedrich Zelter, der seinen
Kompositionsschüler im Jahr zuvor „im Namen Mozarts,
im Namen Haydns und im Namen des alten Bach“ zum Gesellen
ernannt hatte, an Johann Wolfgang von Goethe, dass
der junge Mendelssohn, an dessen Entwicklung der Geheime
Rat in Weimar seit dessen erstem Besuch 1821 regen
Anteil nimmt, gerade ein Oktett vollendet habe, „das Hand
und Fuß hat.“ Bei diesem außergewöhnlichen Werk (bereits
in seiner Besetzung: kein antiphonal angelegtes Doppelquartett
wie etwa zur gleichen Zeit bei Louis Spohr, sondern
mit der Achtstimmigkeit als Ausgangspunkt für immer neue
Klangkonstellationen), noch vor der Ouvertüre zum „Sommernachtstraum“
abgeschlossen, können wir getrost von
der ersten Genietat des 16jährigen Mendelssohn sprechen;
selbst Mozart komponierte in diesem Alter nichts Vergleichbares.
Komponiert zum 23. Geburtstag seines Freundes Eduard
Rietz, Geiger und Bruder des später berühmten Dirigenten
Julius Rietz, laut Manuskript beendet am
15. Oktober 1825, wurde das Oktett erstmals
im privaten Kreise im Oktober 1825 in Mendelssohns
Elternhaus aufgeführt; weitere Konzerte
vor geladenen Gästen folgten 1832 in
Paris (u.a. während einer Gedenkfeier für
Beethoven); erste öffentliche Aufführung am
30. Januar 1836 im Leipziger Gewandhaus
(mit Mendelssohn an der zweiten Viola), am
selben Ort am 18. November 1843 in folgen -
der Besetzung: Ferdinand David, Moritz Gotthold
Klengel, Thomaskantor Moritz Hauptmann,
Theater-Musikdirektor Carl Bach (Violine);
Mendelssohn und Niels Wilhelm Gade (Viola);
Friedrich Wilhelm Grenser, Carl Wittmann
(Violoncello).
31
„alles ist neu,
fremd und doch
so ansprechend“
Ölgemälde 1829,
verschollen
(Foto: Courtauld
Institute London)

32
Zum Scherzo des Oktetts – als „kleinem Bruder“ der
Mendelssohnschen Elfenmusik – hatte die große Schwester
Fanny eine besonders enge Beziehung. Sie berichtet, Felix
seien dabei die Schlussverse aus Goethes Walpurgisnacht
durch den Kopf geschossen: „Wolkenflug und Nebelflor / Erhellen
sich von oben. Luft im Laub und Wind im Rohr / Und
Alles ist zerstoben.“
Fanny an Felix, Berlin, 4. Juni 1829: „Ja, Du bist der
Klügste, ich setzte mich nämlich ans Klavier, u. spielte das
Ottettscherzo durch, u. ver-
suchte mir vorzustellen, wo wol
die luftigen u. Trompeten kommen
möchten, oh erzähle uns
noch etwas vom lieben Scherzo,
u. wie Du’s ausgeputzt hast?“
Und in ihr Tagebuch notiert sie
liebevoll: „Mir allein sagt er, was
ihm vorgeschwebt. Das ganze
Stück wird in staccato und pianissimo
vorgetragen, die einzel-
„Dieses Oktett muß von allen
Instrumenten im Style eines
symphonischen Orchesterwerkes
gespielt werden. Pianos
und Fortes müssen genau eingehalten
und schärfer betont
werden, als gewöhnlich in Werken
dieses Charakters.“ (Anweisung
Mendelssohns im
Manuskript)
nen Tremolando-Schauer, die leicht aufblitzenden Prall triller;
alles ist neu, fremd und doch so ansprechend, so befreundet,
man fühlt sich so nahe der Geisterwelt, so leicht in die
Lüfte gehoben, ja man möchte selbst einen Besenstiel zur
Hand nehmen, der luftigen Schar besser zu folgen. Am
Schlusse flattert die erste Geige federleicht auf – und alles
ist zerstoben.“
Hovhannes Baghdasaryan
ist 1980 in Eriwan (Armenien) geboren.
Von 1996 bis 2001 studierte er
Violine in der Klasse von S. Hacknasaryan
am Komitas-Staatskonservatorium
in Eriwan. Seit 2001 studiert er
an der Musikhochschule Lübeck in der
Klasse von Prof. Maria Egelhof.
Hovhannes Baghdasaryan hat zahl reiche Konzerte mit verschiedenen
Orchestern und Kammer orchestern, aber auch Solokonzerte gespielt.
Von 2000 bis 2003 war er Mitglied des internationalen Festspiel orchesters
von Verbier (Schweiz).
Hovhannes hat an verschiedenen Meisterkursen teilgenommen,
darunter bei Tibor Varga (Schweiz), dem Oberlin Trio (USA), Vladimir
Spivakov (Russland) und anderen.
Seit Oktober 2004 hat er einen Lehrauftrag in der Klasse von Prof.
Egelhof an der Musikhochschule Lübeck. In der Saison 2004/05 war er
Praktikant im Orchester der Deutschen Oper Berlin. Seit 2005 ist er
Praktikant im Orchester des NDR Hamburg.
Seit 2006 studiert Hovhannes als Mitglied des Bonnard Trios
Kammermusik beim Alban-Berg-Quartett in Köln. Er ist Stipendiat der
Vladimir Spivakov-Stiftung, der Marie-Luise Imbusch-Stiftung sowie
des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) und Preisträger
nationaler und internationaler Wettbewerbe, darunter der
3. Preis des 8. Internationalen Yfrah-Neaman-Wettbewerbs in Mainz
2001 sowie die Sonderauszeichnung beim Internationalen Georg-
Kulenkampff-Wettbewerb in Köln 2003.
33

34
Isabel Charisius
studierte Violine in Karlsruhe und Tel Aviv. Durch ein DAAD-Stipendium
kam sie nach Wien. Dort entdeckte sie durch ihren Meister, Thomas
Kakuska, die Liebe zur Viola.
Als Solobratschistin war sie engagiert beim Wiener Kammerorchester,
dem Radiosinfonieorchester Wien und bei den Münchner Philharmonikern.
Nachdem sie in verschiedenen Ensembles kammermusikalisch
tätig war, ist sie nun Mitglied des Alban Berg Quartetts.
Isabel Charisius unterrichtet Kammermusik an der Musikhochschule
Köln und gibt Meisterkurse an Hochschulen sowie bei Festivals.
Yun-Jin Cho
geboren 1983 in Seoul, Korea, erhielt ab dem 6. Lebensjahr Geigen unterricht.
Von 1998 bis 2001 studierte sie bei Lee Mi-Kyung, Professor an der
Münchner Musikhochschule. Seit 2001 wird sie an der Hanns Eisler
Hochschule für Musik von Prof. Ulf Wallin unterrichtet, wo sie ab 2006
ein Zusatzstudium zum Konzertexamen absolviert.
Von ihrem 9. Lebensjahr an gewann Yun-Jin Cho in Korea und
Europa zahlreiche 1. Preise und Sonderpreise, darunter Preise der Seoul
Monthly Magazin Competition, Seoul Sae Kye Ilbo Music Competition,
Seoul Junior Chamber Music Competition und der Rodolfo Lipizer Competition
in Italien. Ab Herbst 2006 ist sie Ferenc-Friscay-Stipendiatin
beim Deutschen Symphonie-Orchester Berlin. Sie konzertiert als
Solistin mit verschiedenen Orches tern wie New Seoul Philharmonie
Orchester, Seoul National Orchester, Seoul Art Orchester, Seoul Yewon
Junior Orchester, Neubrandenburger Philharmonie, Brandenburger
Symphoniker und Echo Ensemble für Neue Musik Berlin unter der Leitung
von Prof. Konstantia Gourzi.
Von 2000 bis 2006 trat Yun-Jin Cho als Kammermusikpartnerin von
Alexander Baillie, Robert Cohen und Friedemann Weigle (Petersen Quartett)
auf. Cho spielt als Solistin und Kammermusikerin u.a. in der
Sommerakademie Mozarteum Salzburg, beim Schleswig-Holstein Musik
Festival, beim Kuhmo Kammermusik Festival in Finnland, beim Hadanger
Music Festival in Norwegen, beim Gotland Kammermusik Festival in
Schweden und an der Komischen Oper Berlin.
Sie war als Konzertmeisterin und Stimmführerin im Yewon Junior
Orchester in Korea sowie im Hochschulorchester Hanns Eisler Berlin
unter der Leitung von Nikolaus Harnoncourt, Seiji Ozawa und Christian
Thielemann aktiv.
Yun-Jin Cho belegte Meisterkurse bei Raphael Oleg, Pavel Vernikov,
Igor Oistrakh, Ana Chumachenko, András Schiff und Gidon Kremer.
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Anke Dill
in Stuttgart geboren, studierte bei Nora Chastain,
Shmuel Ashkenasi, Yair Kless und Donald Weilerstein.
Als Mitglied des Barrault Quartetts erhielt sie Kammermusikunterricht
von Walter Levin (LaSalle Quartett),
Mitgliedern des Alban Berg-Quartetts und anderen und
nahm am Center for Advanced Quartet Studies des
Aspen Music Festivals teil.
Die Geigerin konzertiert als Solistin und Kammermusikerin
in ganz Europa, Japan und Amerika. So ist sie auf
Festivals wie dem Schleswig-Holstein Festival, dem
Brahms Festival, den Salzburger Festspielen und in den
USA z. B. beim Aspen Music Festival in Colorado sowie in
großen Konzertsälen wie der Hamburger Musikhalle
oder der Liederhalle Stuttgart zu Gast.
Konzerte mit namhaften Solisten wie Shmuel Ashkenasi, Nora
Chastain, Adrian Cox und Barbara Westphal, um nur einige zu nennen,
Auftritte mit dem Stuttgarter Kammerorchester oder den Winterthur-
Solisten sowie CD-Produktionen mit den Violinkonzerten von Beethoven
und Brahms, den Kontrasten von Bartók, Mozarts Sinfonia Concertante
u.a. dokumentieren ihre künstlerische Vielseitigkeit.
Mit Jacob Leuschner spielte Anke Dill die Zyklen sämtlicher Mozartund
Beethovensonaten für Klavier und Violine und gewann den Wettbewerb
um den Possehl-Musikpreis 2000. Zudem erhielt sie Preise von der
Hermann-Ehlers-Akademie (Kiel) und dem Lions Club Lübeck Liubice.
Nach ihrer ersten Japanreise 2005 folgen 2006 Auftritte mit dem
Stuttgarter Kammerorchester sowie Einspielungen für arte/ZDF, SWR
und eine Konzertreise nach Taiwan und Hongkong, wo sie auch Meisterkurse
geben wird.
Ihre Lehrtätigkeit begann Anke Dill 2001 an der Musikhochschule
Lübeck. Seitdem unterrichtet sie auch als Dozentin bei den Meisterkursen
der Internationalen Sommerakademie in Lenk (Schweiz) und seit
2004 bei Meisterkursen in Murrhardt.
2004 wurde sie auf eine Professur für Violine an die Staatliche Hochschule
für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart berufen. 2006 wird
sie erstmals in Belgien an den Internationalen Meisterkursen von Brügge
unterrichten.
Antoaneta Emanuilova
wurde 1980 in Sofia in Bulgarien
geboren und begann im Alter von
fünf Jahren mit dem Klavierspiel.
1987 zog sie nach Stuttgart um,
wo sie mit zehn Jahren ihren ersten
Cellounterricht bei Pilvi
Heinonen erhielt.
1992 bis 1996 war Antoaneta
Emanuilova Vorstudentin an der
Musikhochschule Stuttgart bei
Prof. Peter Buck und wurde in
dieser Zeit dreifache erste Bundespreisträgerin
bei „Jugend
musiziert“.
Von 1996 bis zu ihrem Abitur 1999 war sie Schülerin von Wen-Sinn
Yang. Sie besuchte zahlreiche Meisterkurse (u. a. bei Frans Helmerson,
Boris Pergamenschikow, Martin Ostertag und Hans-Christian Schweiker).
Außerdem trat Antoaneta Emanuilova oft solistisch auf, u. a. mit
den Baden-Badener Philharmonikern, den Sofioter Solisten und der
Sinfonietta Sofia.
1999 begann sie ihr Studium bei Prof. Wolfgang Boettcher an der
UdK Berlin, wo sie 2001 einen ersten Preis beim Domenico-Gabrielli-
Cellowettbewerb gewann. Seit 2002 ist Antoaneta Emanuilova Stipendiatin
der „Villa Musica“.
2003/2004 studierte sie für ein Jahr an der Juilliard School in New
York bei Prof. Joel Krosnick und Prof. Bonnie Hampton, dort erhielt sie
das Graduate Diploma. In Verbindung mit diesem Auslandsstudium
wurde sie Stipendiatin der ZEIT-Stiftung in der Deutschen Stiftung
Musikleben und der Selbach-Stiftung.
Seit Herbst 2004 studierte Antoaneta Emanuilova bei Prof. Jens
Peter Maintz an der UdK Berlin, wo sie im Februar 2006 ihr Diplom
erhielt. Seitdem studiert sie dort im Konzertexamen.
Im April 2005 gewann sie den Grand Prix des internationalen Wettbewerbs
„Musik und Erde“ in Sofia, Bulgarien. Im Januar 2007 wird
Antoaneta Emanuilova die Stelle als Solocellistin im Gürzenich-Orchester
Köln antreten.
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Christopher Franzius
begann seine musikalische Ausbildung mit fünf Jahren, studierte an der
Hochschule für Musik und Theater in Hannover bei Prof. Klaus Storck
sowie beim russischen Cellisten Daniel Chafran, Moskau. In internationalen
Meisterkursen lernte er großartige Solisten wie Radu Aldulescu,
Heinrich Schiff und David Geringas kennen.
Christopher Franzius gewann zahlreiche Preise bei renommierten
Wettbewerben und erhielt sein erstes Engagement als Solocellist an der
Deutschen Oper am Rhein. Später spielte er beim Radiosinfonieorchester
des WDR (Westdeutscher Rundfunk) in Köln und war Mitglied des
Bayreuther Festspielorchesters.
Er konzertierte unter berühmten Dirigenten wie Daniel Barenboim,
Giuseppe Sinopoli, James Levine, Christoph Eschenbach, Esa Pekka
Salonen und Christoph von Dohnányi.
Neben seiner Tätigkeit als Kammer- und Solomusiker ist Franzius
als Komponist aktiv. Seine Diskografie umfasst, unter anderem, 5 Werke
für Solocello und wurde bei Wega veröffentlicht. Seit 2005 ist er Solocellist
des international bekannten Radiosinfonieorchesters des NDR
(Norddeutscher Rundfunk) in Hamburg.
Er spielt auf einem 1701 in Mailand gebauten Instrument des alten
italienischen Meisters Giovanni Grancino.
Daniel Garlitsky
wurde 1982 in Moskau geboren und steht in dritter Generation einer bekannten
Familie von Geigern und Musikpädagogen.
Seinen ersten Geigenunterricht erhielt er an der Moskauer Gnessin-
Musikakademie in der Klasse seines Vaters Boris Garlitsky. Nach seinem
Umzug nach Frankreich setzte er seine Ausbildung am Konservatorium in
Lyon sowie in verschiedenen Musikakademien und Meisterkursen fort.
Am Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris studierte
Daniel Garlitsky Violine bei Boris Garlitsky und Igor Volochine sowie Kammermusik
bei Pierre Laurent Aimard. Nach drei Jahren Studium erhielt er einen
ersten Preis sowie einen Sonderpreis.
Daniel Garlitsky absolvierte Solo- und Kammermusikauftritte in Europa
und Asien. Als Gast bei zahlreichen renommierten Festivals (Radio France –
Montpellier, Folle Journée de Nantes, Estate Musicale a Portogruaro) trat er
zusammen mit bekannten Künstlern wie Augustin Dumay, Bruno Giuranna,
Charles Neidich und Oleg Maisenberg auf.
2003 wurde er von Gidon Kremer zum 22. Lockenhaus-Festival (Österreich)
eingeladen. Daniel Garlitsky ist als Solist mit bekannten Orchestern in
Europa und Japan, u.a. unter der Leitung von Michiyoshi Inoue und Vladimir
Jurowski aktiv. Kürzlich debütierte er in London mit dem Orchestra of the Age
of Enlightenment.
Zusammen mit dem Pianisten Jong Hwa Park bereitet Daniel Garlitsky
derzeit die Aufnahme von französischer Musik aus dem 20. Jahrhundert vor.
Dafür möchte er unter anderem die Originalfassung von Ravels Tzigane für
Violine und Luthéal auf dem einzigen Exemplar dieses Instrumententyps aufnehmen.
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Pavel Gomziakov
wurde 1975 in Tschaikowsky (Russland) geboren. Seine musikalische
Laufbahn begann, als er im Alter von neun Jahren von Elena Kopilova unterrichtet
wurde. Mit dreizehn Jahren gewann er den großen Preis des
russischen Nationalwettbewerbes für musikalisch begabte Kinder. 1990
trat er in die Gnessin Musikschule in Moskau ein, wo er bei Prof. David
Grigoryan studierte. Ab 1995 studierte er am Moskauer Staatskonservatorium
bei Prof. Dmitry Miller, wo er 2000 den Abschluss seines Cello-
Masterstudiums mit Auszeichnung feierte. Derzeit setzt er sein Studium
am Conservatoire National de Paris bei Prof. Phillipe Muller fort.
Darüber hinaus hat er Meisterklassen bei David Geringas, Boris
Pergamenschikov, Lynn Harrell, Frans Helmerson and Natalia Gutman
besucht.
Pavel konzertiert regelmäßig als Solist und als Kammermusiker.
Als Solist hat er mit dem Orchester des Staatskonservatoriums Moskau
und dem Reina Sofia Kammerorchester unter Dirigenten wie Leonid
Nikolajew, Jesús Lópes Cobos und Antoni Ros Marba gespielt. Mit dem
Reina Sofia Kammerorchester hat er Einspielungen des Cellokonzerts
von Schumann sowie Beethovens Tripelkonzert vorgenommen. Seine
Kammermusikpartner sind neben anderen bekannten Künstlern Zakhar
Bron, Gérard Caussé, José Luis García-Asensio and Eldar Nebolsin.
Pavel Gomziakov ist bei verschiedenen internationalen Cello-Wettbewerben
mit Preisen ausgezeichnet worden. 2001 gewann er den
Jean-Nicola-Fermenich Preis des renommierten internationalen Festivals
in Verbier (Schweiz). Im darauf folgenden Jahr erhielt er den Sonderpreis
beim internationalen Tschaikowsky Wettbewerb in Moskau. Im Jahre
2003 gewann er den ersten Preis beim internationalen Wettbewerb Julia
Cardona in Portugal.
In der Saison 2003/04 hatte er Gastverträge als Solocellist im
Teatro Real in Madrid und am Theater La Monnaie Brüssel.
Jan Grüning
wurde 1984 in München geboren und erhielt seinen ersten Geigenunterricht
im Alter von 6 Jahren bei Gerd Michael Herbig an der örtlichen
Musikschule. 1997 wechselte er zur Viola.
Er ist mehrfacher erster Preisträger des Jugendwettbewerbes
„Jugend musiziert“ in den Kategorien Violine solo, Viola solo und
Streichquartett.
2001 wurde er Mitglied im Bundesjugendorchester und nahm an
Arbeitsphasen bis 2003 teil. Ebenfalls 2001 wechselte er zu Prof. Jürgen
Weber von der Hochschule für Musik in München.
2003 folgte eine Einladung zum Bowdoin Summer Musical Festival,
außerdem war er Teilnehmer an Meisterkursen von Prof. Conrad von der
Goltz, Prof. Friedemann Berger, Helena Bondarenko, Prof. Emile Cantor,
Prof. Jean Sulem und Prof. Barbara Westphal, bei der er seit September
2003 an der Musikhochschule Lübeck studiert. Mit ihr trat er auch als
Duo beim Oberstdorfer Musiksommer und beim Bratschenfest in Lübeck
auf.
Die Teilnahme an Projekten des „Klangforum Mitte Europa” führte
ihn unter anderem auf eine ausführliche Japan-Tournee mit Konzerten in
allen wichtigen Konzerthäusern wie z. B. der Suntory Hall in Tokyo. 2005
wurde Jan Grüning ein Förderpreis der Marie-Luise-Imbusch- Stiftung zuerkannt.
Er spielt auf dem Original-Nachbau eines Gasparo-da-Salo-
Instruments aus dem Ende des sechzehnten Jahrhunderts.
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Barbara Grusczcynska
wurde 1978 in Bydgoszcz in Polen geboren. Ihren ersten Geigenunterricht
erhielt sie im Alter von 6 Jahren.
Nach ihrer Ausbildung an der Musikhochschule in Bydgoszcz
beendete sie ihr Studium an der Hochschule für Musik „Carl Maria von
Weber“ in Dresden bei Prof. Heinz Rudolf und Jörg Fassmann.
Sie war Mitglied der Jungen Österreichischen Philharmonie und
des Gustav-Mahler-Jugendorchesters. Weitere Orchestererfahrung
gewann sie in der Sächsischen Staatskapelle Dresden und der Dresdner
Philharmonie.
Sie war Stipendiatin der Gustav-Mahler-Akadmie in Bozen (Italien)
und nahm an diversen Meisterkursen bei Antje Weithaas, Tomasz
Tomaszewski, Andrzej Grudzien und Antonello Manacorda teil.
Barbara Grusczcynska ist Preisträgerin verschiedener Kammermusikwettbewerbe
in Polen und gab einen Meisterkurs in Havanna in
Kuba.
Solo- und Kammermusikkonzerte führten sie nach Polen, Frankreich,
Israel, Libanon und nach Kuba. Seit August 2005 spielt Barbara
erste Violine im Symphonieorchester des NDR in Hamburg.
Christopher Jepson
wurde 1982 in Guildford, England, geboren und begann im Alter von
zehn Jahren mit dem Cellounterricht. Innerhalb von vier Jahren nach
Beginn seines Unterrichts erhielt er ein Stipendium für ein Studium bei
Leonid Gorokhov am Royal College of Music in London. Später setzte er
seine Studien als Student des Royal College of Music bei Alexander
Boyarsky fort, wo er seine Ausbildung mit Auszeichnung abschloss.
Christopher setzte anschließend sein Studium bei Hans-Jakob Eschen -
burg an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin fort.
Er spielte nicht nur als Solocellist in den Orchestern des Royal
College of Music, sondern auch als Stellvertretender Solocellist im
Festivalensemble der Bachakademie Stuttgart der Jahre 2002/03, beim
Europäischen Musikfestival und in Konzerten in ganz Deutschland. Derzeit
spielt er für das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin. Er hat an
Meisterklassen von Yfrah Neaman, Yehudi Menuhin, David Geringas und
Natalia Gutman teilgenommen.
Christopher ist mit dem Moskauer Virtuosi Ensemble aufgetreten
und hat Konzerte in Spanien, Kroatien und Großbritannien gegeben.
Zusammen mit dem Guildford Symphony Orchestra spielte er vor kurzem
das Cellokonzert von Dvorˇák, mit dem Woking Symphony Orchestra
das Doppelkonzert von Brahms.
Christopher ist derzeit sowohl im London Symphony Orchestra im
Probejahr als auch im Londoner Philharmonia Orchestra, hier allerdings
als Stellvertretender Solocellist.
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Gwendolyn Masin
wurde vor 27 Jahren in Amsterdam geboren und erhielt ihren ersten
Geigenunterricht mit fünf Jahren. Bereits ein Jahr später gab sie ihr
erstes Konzert an der Ferenc-Liszt-Akademie in Budapest. Im Alter von
11 Jahren trat sie in der Late Late Show in Irland auf und ist seitdem
regelmäßig in Fernseh- und Radiosendungen in verschiedenen Ländern
zu Gast.
Gwendolyn Masin erhielt ihre Ausbildung in den Klassen ihrer Mutter
Maria Kelemen, ihres Vaters Ronald Masin, sowie bei Herman Krebbers,
Igor Ozim, Ana Chumachenco, Zakhar Bron und Shmuel Ashkenasi.
Sie gewann bei zahlreichen Wettbewerben in Südafrika, den Niederlanden,
Irland und der Schweiz erste Preise, sowohl als Solistin wie auch
als Kammermusikerin und wurde für Auszeichnungen wie den TOYP
(The Outstanding Young Persons Award) der Schweiz nominiert.
Gwendolyn Masin ist in Europa und Südafrika künstlerisch sehr
aktiv und trat als Solistin unter anderm mit Orchestern wie dem Berner
Symphonieorchester, dem National Symphony Orchestra of Ireland,
dem Sankt-Petersburg-Akademie-Symphonieorchester, dem Musica
Viva Kammerorchester Moskau oder dem ungarischen Savaria-Orchester
auf.
Sie war auf Festivals wie z. B. dem West Cork International Chamber
Music Festival in Irland, dem Prussia Cove Festival in England oder dem
Schiermonnikoog-Festival in den Niederlanden zu Gast.
Gwendolyn Masin hat sich der Darbietung zeitgenössischer Musik
verschrieben und mehrere Werke uraufgeführt. 2007 wird sie ein Violinkonzert
von John Buckley erstmals zu Gehör bringen.
Darüber hinaus ist sie Initiatorin und künstlerische Leiterin des interdisziplinären
Festivals „In Search of Lost Time“ sowie Mitbegründerin
und künstlerische Leiterin des Kammermusikfestivals Hohenstaufen bei
Stuttgart.
Das erste Buch von Gwendolyn Masin trägt den Titel „Michaela’s
Music House“ und wird von Müller und Schade und der European String
Teachers Association mit herausgegeben. Ab 2007 wird es in Europa
und den USA erhältlich sein.
Rahel Maria Rilling
wurde in Stuttgart geboren und erhielt ihren ersten
Unterricht mit 4 Jahren. Eine Unterrichtsmöglichkeit
bei Yair Kless führte sie für einige Monate nach Tel Aviv.
Sie studierte in Berlin und Zürich bei Michael Mücke
und Nora Chastain. Zusätzliche musikalische Impulse
erhielt sie bei Meisterkursen u. a. von Zakhar Bron,
Joseph Silverstein, Mauritio Fuks und Christoph
Poppen.
Stipendien führten sie zu Kammermusikfestivals in die USA und
quer durch Europa, wo sie u.a. zusammen mit Radovan Vlatkovic, Nora
Chastain, Peter Frankl und Allan Vogel konzertierte. Darüber hinaus gibt
sie regelmäßig Meisterklassen in Venezuela.
Sie spielte im Gustav Mahler Jugendorchester, im Festivalensemble
der Inter nationalen Bachakademie Stuttgart und war Konzertmeisterin
beim RIAS-Jugendorchester Berlin. Als Konzertmeisterin ist sie ebenfalls
beim Oregon Bach Festival sowie im Bach-Collegium Stuttgart tätig.
Sie wird regelmäßig eingeladen, bei den Berliner Philharmonikern zu
spielen, und ist stellvertretende Stimmführerin der 2. Violinen beim NDR
Hamburg.
Solistische wie kammermusikalische Auftritte führen sie ins In- und
Ausland. Rahel ist Mitbegründerin und künstlerische Leiterin des Kammermusikfestivals
Hohenstaufen bei Stuttgart.
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Sara Maria Rilling
wurde in Stuttgart geboren. Ihre erste
musikalische Ausbildung erhielt sie
auf dem Klavier. Während der Schulzeit
bekam sie Bratschenunterricht
bei Friedrich Rüstig und Enrique San -
tiago an der Hochschule in Stuttgart.
Sara studierte in Salzburg bei
Jürgen Geise, später in Berlin bei Erich Krüger und Stefan
Fehlandt. Ihr Studium schloss sie mit Diplom in der Klasse von
Erich Krüger in Weimar ab.
Weitere musikalische Impulse erhielt sie in Meisterklassen
mit Hariolf Schlichtig, Jürgen Kussmaul, Paul Coletti und Thomas
Kakuska.
Seit vielen Jahren ist sie Mitglied im Bach-Collegium Stuttgart
unter Helmuth Rilling, gründete das Robert Kahn Trio und musiziert
mit dem Orpheus Chamber Ensemble.
Sie konzertierte im Israel Philharmonic Orchestra und spielte
unter Dirigenten wie Claudio Abbado, Krzysztof Penderecki,
Gustavo Dudamel und Zubin Mehta.
Seit ein paar Jahren ist sie vermehrt im Ausland tätig, unterrichtet
Kinder aus den Slums in Venezuela und spielt dort im
Orchester, als Kammermusikerin und als Solistin. Solistische Auftritte
führten sie auch nach Kolumbien, Israel und die Vereinigten
Staaten.
Aline Saniter
1978 geboren, studierte Viola an der Robert-Schumann-Hochschule
Düsseldorf bei Prof. Jürgen Kussmaul.
Zwischen 2000–2004 war sie Solobratschistin beim Gustav-Mahler-
Jugendorchester, mit dem sie unter Leitung von Claudio Abbado, Seiji
Ozawa, Pierre Boulez, Mariss Jansons und Franz Welser-Möst konzertierte.
Zu ihren Auszeichnungen gehören der 1.Preis beim „Internationalen
Wettbewerb junger Bratschisten“ in Slowenien, der Förderpreis beim
Felix-Mendelssohn Bartholdy Wettbewerb in Berlin sowie ein Preis beim
Wettbewerb der Deutschen Violagesellschaft Trossingen.
Aline Saniter erhielt ein Stipendium für das Sarasota Music Festival
in Florida, USA, und für die Gustav-Mahler Akademie in Bolzano, Italien.
Außerdem ist sie seit Februar 2003 Stipendiatin der Stiftung Villa Musica.
Neben ihrer Tätigkeit als Bratschistin im NDR-Sinfonieorchester
Hamburg, dem sie seit August 2004 angehört, konzertiert Aline Saniter
als Solistin und Kammermusikerin im In- und Ausland.
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IMPRESSUM
Programmheft zum
1. Kammermusikfestival
Hohenstaufen
Leitung: Gwendolyn Masin, Rahel Maria Rilling
Inhalt, Gestaltung, Redaktion
Holger Schneider, Gwendolyn Masin,
Rahel Maria Rilling
Textnachweis
Einführungstexte: Holger Schneider
(Originalbeiträge, © beim Autor)
Biografien: redaktionell überarbeitet
von Gwendolyn Masin
Layout, Herstellung
Werner Böttler – Grafik Satz Bild Druck

2.Kammermusik
f estival
Hohenstaufen
27.–30. 9. 2007
Wir freuen uns,
Ihnen schon einen kleinen Ausblick auf
das kommende Jahr geben zu dürfen.
Als Erweiterung werden neben den Streichern
dann auch Pianisten vertreten sein.
Geplanter Termin ist
Donnerstag 27. bis Sonntag 30. September 2007
Sehr gerne würden wir Sie wieder
als Zuhörer begrüßen!
www.hohenstaufen-festival.com

2.Kammermusik
f estival
Hohenstaufen
27.–30. 9. 2007
Wir freuen uns,
Ihnen schon einen kleinen Ausblick auf
das kommende Jahr geben zu dürfen.
Als Erweiterung werden neben den Streichern
dann auch Pianisten vertreten sein.
Geplanter Termin ist
Donnerstag 27. bis Sonntag 30. September 2007
Sehr gerne würden wir Sie wieder
als Zuhörer begrüßen!
www.hohenstaufen-festival.com