Musiker Magazin 2/2019

C 10973 F | N o 2/19 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

OCHMONEKS 

Die Hymnen-Experten 

aus Düsseldorf 

Axel Nagel 

Sänger, Gitarrist, 

Performer 

Just Duty Free 

»Gute Live-Musik 

ist keine Einzelleistung« 

37. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

Konzept 

und Anmeldung 

TICKET TO 

Lee’Oh 

Eine Stimme wie 

schwarzer, 

frischer Espresso 

HAPPINESS 

Mitreis(s)en lassen

Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur Verfügung 

– hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© Kzenon/Fotolia 

* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden). 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

EDITORIAL 03 

am 14. Dezember 2019, 

im Kongresszentrum Siegerlandhalle, Siegen 

LIEBE BEWERBER DES DIESJÄHRIGEN 37. DEUTSCHEN ROCK & POP PREISES 2019 

Die Festivalreihe des seit nunmehr 37 Jahren durchgeführten kulturellen 

Musikwettbewerbes „Deutscher Rock & Pop Preis“ und dessen Preis - 

träger konnten im Verlauf dieser fast vier Jahrzehnte eine sich von Jahr zu 

Jahr größere und umfangreichere Presseresonanz in den seriösen tages - 

zeitungen in ganz Deutschland generieren. Allein in 2018/19 berichteten 

bundesweit über 680 Tageszeitungen über die Preisträger aus 2018 und 

den 36. Deutschen Rock & Pop Preis 2018 (www.musiker-online.com/ 

wp-content/uploads/2019/03/DRPP18_Presseveroeffentlichungen.pdf). 

Nach einer Jahresanalyse/-statistik unseres beauftragten Zeitungsaus schnitt - 

dienstes gibt es in Deutschland seit Jahrzehnten kein Einzelkonzert und 

kein Einzelfestival, das über eine derartig umfangreiche Presseresonanz 

verfügt. Das allein ist das Ergebnis unserer aller gemeinsamen 37-jährigen 

kontinuierlichen, und zumeist ehrenamtlichen Kulturarbeit für die uns alle 

verbindenden ideale der Rock & Popmusik aller musikstilistischen Be reiche. 

Die Pressemedien in Deutschland schenken uns mit diesen kontinuierlichen 

umfangreichen Berichterstattungen ein großes Maß an Anerkennung! 

Darüber dürfen und können wir alle gemeinsam glücklich und auch stolz 

sein! Wenn ihr jetzt aufgrund des Entscheides der Bundesjury eine Ein - 

ladung zum diesjährigen 37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019 für den 

14. Dezember in der Siegerlandhalle in Siegen erhaltet, könnt ihr zuversichtlich 

zu den Zeitungsredaktionen eurer Stadt gehen und um eine Bericht - 

erstattung zu dieser Einladung/ Vorauszeichnung bitten. Werdet ihr am 14. 

Dezember in Siegen seitens der dortigen Jury mit einem Deutschen Rock 

& Pop Preis 2019 ausgezeichnet, könnt ihr danach wieder die Re dak - 

tionen aufsuchen. Die Chancen für eine Berichterstattung über euch und 

den „37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019“ waren nie besser als in 

diesem 37 Festivaljahr! 

GEWINNER DER DEUTSCHEN ROCK & POP PREISE: 

PUR (1986), Lars Niedereichholz (MUNDStUhL / thE AUtoMANiC – 

1994), Juli (SUNNygLADE – 2000), KLiMA (2004), Pasquale Aleardi (Big 

gEE – 2005), LUxUSLäRM (2008), Carlotta truman (2011 – gewinnerin 

der deutschen Vorentscheidung zum Eurovision Song Contest mit dem 

Duo „S!Sters“). 

BEWERBUNgSFRiSt: 15. JULI 2019 

ANMELDUNg: 

WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/FESTIVAL-KONZEPT/ANMELDUNG 

PRESSEDoKUMENtAtioN 2018: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/WP- 

CONTENT/UPLOADS/2019/06/DRPP18_PRESSEDOKUMENTATION.PDF 

2/2019 musiker Magazin

04 PRODUKT-NEWS 

FESTIVAL 

09 Deutscher Rock & Pop Preis 2019 – 

Konzept und Anmeldung 

BEHRINGER MS-101 – WAS LANGE WÄHRT, 

WIRD ENDLICH GUT! 

STORIES 

15 AxEL NAGEL – 

Sänger, Gitarrist, Performer 

18 TICKET TO HAPPINESS – 

»Mitreis(s)en lassen« 

22 FRIEDRICH CHILLER – »So alltäglich 

und so dada wie das Leben« 

24 jUST DUTy FREE – »Gute Live-Musik 

ist keine Einzelleistung« 

27 ÖTTE –»Es ist nie zu spät, noch mal 

durchzustarten« 

28 Conny Conrad – Über 40 jahre führte 

er ein spannendes Doppelleben 

32 Die Historie der Rock- & Popmusik: 

Teil 13: john Mayall – The Godfather 

of British Blues (Teil 2) 

38 Lee’Oh – Eine Stimme wie 

schwarzer, frischer Espresso 

42 EDDy & THE BACKFIRES – 

Seit zwei jahrzehnten erfolgreich 

on the road! 

44 OCHMONEKS – Die Hymnen- 

Experten aus Düsseldorf 

46 Moonshine Records – 

The 1950’s Recording Studio 

MUSIK & RECHT 

50 Die Urheberrechtsreform – 

Welche Auswirkungen hat sie 

auf die kreativen Musikurheber und 

Musiker/-innen in Europa? 

MUSIKBUSINESS 

52 Mit Musik auf youTube Music 

Einnahmen erzielen 

RUBRIKEN 

04 Produkt-News 

53 Produkt-News 

61 CD-Rezensionen 

64 Titelschutzanzeigen 

65 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

TiTelfoTo: Sophie STeinebach 

Der wohl beliebteste Spross aus Rolands SH- 

Reihe, die SH-101, erblickte 1983 das Licht der 

Welt. Vor allem der markante Klang, die fast 

selbsterklärende Bedienoberfläche und natürlich 

die Kombination aus Keyboard, Sequenzer und 

Ar peg giator verhalfen der SH-101 zu einer guten 

Verbreitung. Als 1990 auf Warp Records „LFO“ 

von LFO erschien, war es die mächtige Bass Line 

einer „101“ in diesem Track, die etliche Laut spre - 

cher systeme deutlich in ihre Schranken wies. 

Lange musste die Synthesizer-Gemeinde auf 

den Nachbau einer analogen(!) 101 warten, 

Behringer hat sich dieses Wunsches angenommen 

und auf den ersten Blick alles richtig ge - 

macht. 

In drei Farbvarianten liegt die MS-101 nun vor: 

rot, königsblau und schwarz. Sie wird ihrem 

Ahnen absolut gerecht und ist ebenso ein monophoner 

Analog-Synthesizer mit einer 32-Tasten- 

Klaviatur und gleichem Aufbau der Funktions - 

gruppen. Vergleicht man die Bedienelemente der 

MS-101 mit der SH-101 findet sich in Anzahl 

und Vielfalt alles wieder. Bei genauerer Betrach - 

tung fällt allerdings auf, dass Behringer ein paar 

Extras hinzugefügt hat: 

So hat es Behringer sich nicht nehmen lassen, 

den bekannten Curtis IC CEM3340 neu aufzulegen, 

um den charismatischen Grundsound des 

Oszillators originalgetreu nachbilden zu können. 

In der 101 ist der „Source Mixer“ nahezu gleichbedeutend 

wichtig wie der Oszillator selbst; in 

der Neuauflage findet sich neben Rechteck, Säge - 

zahn, Suboszillator und Noise sogar Dreieck unter 

den Oszillator-Wellenformen und auch der Audio - 

eingang hat seinen eigenen Schieberegler be - 

kommen. Dem Mixer folgt zum Bearbeiten des 

SYN0006878-000 (RD) 

Klangspektrums das wuchtige 24dB-Low pass- 

Filter; ehe das Signal den Weg über den VCA in 

ein Mischpult oder die DAW findet. Zu den 

klanglichen Merkmalen der 101 gehört selbstredend 

auch die sehr schnelle ADSR-Hüll kurve, 

welche in dieser Perkussivität wohl auch weiterhin 

ein Unikum darstellt. Mehr Wellen formen hat 

der LFO übrigens nicht dazubekommen, dafür 

gibt es nun drei per Kippschalter wählbare Ge - 

schwindigkeitsbereiche, die von gemächlich bis 

Metall-FM reichen. 

Puristen darf man an dieser Stelle beruhigen: 

Die Erweiterungen findet man in Details, die man 

gerne mitnimmt, ganz Hartgesottene durch können 

Sie durch Nichtbenutzen einfach ignorieren. 

So haben Arpeggiator und Sequenzer gemeinsam 

einen eigenen Tempo-Regler erhalten und 

sind somit nicht mehr an das Tempo des LFO 

gekoppelt. Auch wurden die Bedienelemente für 

diese beiden Spielhilfen erweitert, das vereinfacht 

die Bedienung und ermöglicht den Zugriff 

auf 64 Pattern, die jeweils bis zu 32 Schritte lang 

sein können. Da nun das MIDI-Trio und USB 

installiert sind, versteht sich das Instrument jetzt 

auch wunderbar mit einer Studioumgebung jenseits 

des CV/Gate-Standards. Audioübertragung 

via USB ist allerdings nicht vorgesehen. Eine 

besondere Erweiterung kommt dem Filter zugute: 

sechs Wellenformen von Oszillator und Sub - 

oszillator einschließlich Noise stehen bereit, um 

den Cutoff zusätzlich stufenlos zu modulieren. 

Dieses Feature gab es beim SH-101 nur durch 

nachträgliche Veränderung der Platine und einbauen 

zusätzlicher Regler. 

Moderne Schnittstellen zu haben ist zum 

Glück nicht gleichbedeutend damit, dass man 

die alten gar nicht mehr brauchen würde. CV/Gate 

musiker Magazin 2/2019

PRODUKT-NEWS 05 

In & Out befinden sich ebenso auf der Rückseite 

wie Velocity Out, Cutoff CV In und der analoge 

Clock-Eingang. Da es keine feste Ver bindung von 

der Anschlagdynamik der Klaviatur zu einer 

Funktionsgruppe des MS-101 gibt, kann man 

sich eines Tricks behelfen um den Cutoff mittels 

Velocity zu steuern: einfach ein Mono-Klinken - 

kabel (3,5mm) von Velocity Out zu VCF CV In patchen, 

und sich fortan über eine Klang nuance 

mehr freuen. Deftige Feedback or gien mit dem 

Filter erzielt man durch Verbinden des externen 

Eingangs mit dem Kopfhöreraus gang (alias: Feed - 

back Schleife). 

Man kann auch kurzerhand den Modulations - 

griff an den MS-101 montieren und den zusätzlich 

ebenso im Lieferumgang enthaltenen Gurt 

anlegen, schon steht man mit seinem liebsten 

Bass/Lead Synth neben dem Sänger auf der 

Bühne und spielt dem geneigten Publikum 

unglaubliche Lines vor. 

Tatsächlich, es ist alles da, was das Original 

schon hatte und viel mehr darüber hinaus: mit 

nur wenig Übung gelingen auch Anfängern mitreißende 

Bass- und Lead-Sounds, die sich deutlich 

von Hubschrauberflug und Science-Fiction 

Effekten absetzen; welche für das Instrument 

ebenso zum Repertoire gehören. 

Dass ein Clone, der 36 jahre nach seinem 

Vorbild erscheint in Farbe und Form nur geringfügig 

vom Original abweicht, fällt sicherlich unter 

die künstlerische Freiheit. Am schwersten wiegt 

die klangliche Einschätzung, wie viel Ur-101 

steckt denn nun im MS? Nun, 95 % sind es auf 

jeden Fall, muss man bei Originalgeräten immer 

wieder von „bauteilbedingten Toleranzen“ sprechen, 

fällt das hier weniger ins Gewicht. Nicht nur 

angesichts des günstigen Anschaffungs wider - 

standes erhält man mit der MS-101 ein Instru - 

ment, für das man guten Gewissens sein betagtes 

1983er Schätzchen in die Vitrine legen kann. Die 

Verarbeitungsqualität geht absolut in Ordnung und 

kann sich durchaus mit Anderen messen lassen. 

Einziger Wermutstropfen ist ein leichtes Grund rau - 

schen, dass erst dann in Er scheinung tritt, wenn 

die Mixer-Pegel alle unten sind, das Filter komplett 

offen ist und der VCA via Gate oder Hüllkurve 

geöffnet wird. Ansonsten schweigt der Nachfahre, 

wenn er zu schweigen hat. 

Juli 2019, Jürgen Stiemert, Music Store Köln 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

SYN0006946-000 (BU) 

SYN0006945-000 (BK)


DENON DJ PRIME 4 

All-in-One 4-Kanal Standalone DJ-System mit 10-Zoll Multi-Touch Display 

und dediziertem Zone-Ausgang 

Der Denon Dj – Prime 4 ist ein hochklassiges 

All-in-One 4-Deck Standalone Dj-System mit 

einem 10-Zoll Multi-Touch-Display, unabhängigem 

Zone-Ausgang, Pro-Mixer Sektion, leistungsstarken 

Performance Pads, dualen Mikro - 

fonkanälen, voller Kontrolle über Audio- & visuelle 

Effekte, jog Wheels mit exzellenter An sprache, 

vier USB-Eingängen, einem SD-Ein gang und 

einem integrierten 2.5”SATA Laufwerks schacht. 

Mit Prime 4 beweist Denon über 25 jahre 

Erfahrung in der Tontechnik und Produktion, 

unter anderem durch das robuste, hochwertige 

Metallgehäuse und den detailreichen, kristallklaren 

Denon Dj-Sound. In Bezug auf Sound, Optik 

und Performance gibt es nichts Vergleichbares 

wie das Denon Dj – Prime 4 Standalone 4-Kanal 

Dj-System. 

10-ZOLL MULTI-TOUCH-DISPLAY 

MIT ANPASSBAREM WINKEL 

Prime 4 besitzt ein großartiges 10” Multi- 

Touch Display und bietet das derzeit fortschrittlichste 

und interaktivste Dj-Erlebnis. Wähle 

Tracks aus, rufe Wellenformen auf, durchstöbere 

deine Musiksammlung und schaue dir die wichtigsten 

Dj-Parameter an – mit dem Multi-Gesten 

Touchscreen steuerst du alles mit einer Finger - 

bewegung. 

UNABHÄNGIGER ZONE-AUSGANG 

Der unabhängige Zone-Ausgang von Prime 4 

ermöglicht es Djs eine dedizierte, vollständige 

Playlist an einen separaten Ort zu senden, während 

man die Tanzfläche des Hauptevents im 

Auge behält. 

■ 

■ 

■ 

■ 

Dedizierter xLR Zone-Ausgang mit Gainund 

EQ-Kontrolle 

Streame Musik gleichzeitig und automatisch 

in einen zweiten Raum 

jeder der 4 Kanäle kann einfach auf Zone 

zugewiesen werden 

Party in einem Raum, Chill-Out in dem anderen 

VIER USB-EINGÄNGE, 

EIN SD-EINGANG 

UND EININTEGRIERTER 

2.5”SATA-LAUFWERKSSCHACHT 

Mit vier USB-Eingängen, einem SD-Eingang 

sowie einem integrierten 2.5-Zoll SATA Laufwerks - 

schacht auf der Unterseite greifst du auf deine 

komplette Musikbibliothek zu. Du kannst auch 

einen der Eingänge nutzen, um deine ganze Dj- 

Performance aufzunehmen! Mit der Fähigkeit, 

USB-Keyboards anzuschließen für noch besseres 

Track-Browsing sowie unkomprimierte Audio - 

formate abzuspielen (FLAC, ALAC, WAV), ist 

Prime 4 für deine gesamte Musik samm lung geeignet 

und lässt dich mühelos darauf zugreifen. 

PRO-MIXER SEKTION 

Dieser professionelle Club-Mixer enthält vier 

Kanal Line Fader, jeweils mit 3-Band EQ und 

Gain; alle vier Eingänge können den schaltbaren 

Line / Phono Eingängen zugewiesen werden. Ein 

austauschbarer Denon Dj Crossfader rundet 

dieses Performance-taugliche Gesamtpaket ab. 

LEISTUNGSSTARKE 

PERFORMANCE PADS 

Dank den 8 Performance Pads pro Deck des 

Prime 4 können Djs ihrer kreativen Energie freien 

Lauf lassen und auf modernste und benutzerfreundlichste 

Art Remixes von ganzen Tracks 

erstellen, Hot Cues beim Beatjuggling setzen, 

Takte und Beats mit quantisierten Rolls, Slices 

und Loops splitten. 



ZWEI UNABHÄNGIGE 

MIKROFONEINGÄNGE 

Prime 4 bietet zwei unabhängige Mikrofon - 

eingänge für zwei Performer, beide Eingänge mit 

dediziertem EQ, eigener Lautstärkeregelung und 

Effekten sowie Off/On und Talkover-Funktion. 

JOG WHEELS MIT EXZELLENTER 

ANSPRACHE 

Prime 4 bietet jog Wheels mit exzellenter 

Ansprache und einem zentralen HD-Bildschirm, 

auf dem Performance-Informationen angezeigt 

werden können, sowie ein Dj-Logo oder die 

Coverabbildung des gerade gespielten Songs. 

Mit dem anpassbaren RGB-Lichtring stellst du 

den Look ganz nach deinem Geschmack ein. 

MUSIKVERWALTUNG MIT 

ENGINE PRIME 

DJE0007056-000 

Importiere mühelos deine digitale Musik aus 

iTunes, Serato Dj Pro, Native Instruments 

Traktor Pro und Rekordbox mit der kostenlosen 

Engine Prime Musikmanagement Software von 

Denon Dj und dem Prime 4. 

■ 

■ 

■ 

Importiere Playlists, Ordner, Hot Cues und 

Loop-Daten 

Integrierter Support für Native Instruments 

Traktor 

Prime 4 analysiert Musikdaten intern, ein 

Lap top ist nicht erforderlich 

VOLLE KONTROLLE ÜBER 

AUDIO- & VISUELLE EFFEKTE 

Außerdem hat jetzt jeder Dj für jeden Auftritt 

die volle Kontrolle über eindrucksvolle visuelle 

Elemente, wie Beleuchtung und Video, dank der 

Denon Dj StagelinQ-Verbindung und den Apps 

von den Dj Partnern Soundswitch, Timecode 

und Resolume. 

Außerdem ermöglicht Prime 4, 14 integrierte, 

Club-taugliche Soundeffekte nach Herzenslust 

zu manipulieren, indem auf drei Schnellzugriff- 

Parameter direkt während des Mixes zugegriffen 

werden kann. Djs können blitzschnell auf Encoder 

zugreifen, eine Doppelfunktion-Steuerung für 

Sweep Fx und Filter ist ebenfalls dabei, und das 

über alle 4 Kanäle. 

DENON DJ – PRIME 4 FACTS 

• 4-Deck Standalone-lauffähiges, hochklassiges 

Dj System 

• 10” HD Multi-Touch Display mit Gesten 

• Dedizierter xLR Zone Ausgang sendet Musik 

in einen zweiten Raum 

• Eingebauter 2.5” SATA Laufwerksschacht 

• Robustes 6-Zoll jog Wheel aus Metall mit 

zentralem HD-Display 

• (4) zuweisbare Eingangskanäle für externe 

Medienquellen 

• (2) dedizierte xLR -Eingänge für Mikrofone 

mit eigener Steuerung 

• StagelinQ Verbindung für Event/Pro Dj- 

Beleuchtung und Video-Steuerung 

• Spielt unkomprimierte Audioformate ab 

(FLAC, ALAC, WAV) 

• Präzises 24-Bit Denon Dj Legacy Audio 

• (4) USB- und (1) SD-Eingang für Musik 

Playback 

• Unterstützt USB Keyboards 

• Demnächst verfügbar | umfassende Serato 

Dj Pro Steuerung 




RELOOP ELITE 

Professioneller DVS Performance DJ-Battle-Mixer für Serato DJ Pro 

DJE0007041-000 

Bei dem Reloop ELITE handelt es sich um 

einen professionellen DVS Performance Dj- 

Battle-Mixer für Serato Dj Pro. 16 extra große, 

anschlagsdynamische RGB Performance Pads, 

3 Innofader Pro Fader der neuesten Generation, 

zwei unabhängige Effekteinheiten, farbkodierte 

stand-alone Effekte mit bipolarer Steuerung 

(Tweak Fx), 2 kontrastreiche OLED Displays & 

dedizierte Loop-Sektionen, ein DUAL 10 In/Out 

USB 2.0 Audio Interface, 3-Band Isolator EQs 

und ein komfortables Pre Mix-System, Smart 

Link USB Ports mit automatischer RP-8000 MK2 

Deckerkennung und eine robuste Metall kon struk - 

tion mit unempfindlichen Finish in Tiefschwarz- 

Metallic verwandeln den Reloop Elite zu einem 

performance-orientierten Serato Battle Style Dj- 

Mixer. 

Die Vollversion von Serato Dj Pro inklusive 

des DVS Expansion Packs, welche nach 

Anschluss plug ’n‘ play freigeschaltet wird, sowie 

zwei mitgelieferte Serato Control Vinyls mit 

NoiseMap Technologie runden das Angebot 

des Reloop Elite ab. 

RELOOP – ELITE FACTS 

• Professioneller DVS Performance Mixer für 

Serato Dj Pro 

• Kontrolliere bis zu 12 Performance-Modi pro 

Deck 

• 3x mini Innofader Pro (neueste Generation) 

• 2 kontrastreiche OLED Displays zeigen 

Echtzeit-Informationen zu Effekten, BPM, 

Beat-Parameter und Setup-Menü an 

• Farbkodierte Tweak Fx: Stand-alone Effekte 

mit bipolarer Steuerung 

• Schalte über den Mode-Taster mit RGB- 

Anzeige zwischen Filter, Crush, Flanger, 

White Noise und anpassbarem User Fx um 

• DUAL 10 In/Out USB 2.0 Audio Interface mit 

überragender Klangqualität in 24-Bit 

• Zwei unabhängige Effekteinheiten zur Steue - 

rung von Serato Dj Pro Effekten 

• 3 zuweisbare Effekt-Slots mit separaten 

Akti vierungs-Tastern 

• Flexible Effekt-Steuerungsmöglichkeiten für 

jeden Kanal 

• Minifader für Fx Level/Depth-Steuerung 

• 2 Aktivierungs-Modi für Effekte: Hold/Toggle 

On/Off 

• 16 Große, anschlagsdynamische RGB Per - 

formance Pads 

• 4 Modi-Taster, drei Ebenen mit 12 Perfor - 

mance-Modi (Hot Cue, Loop Roll, Slicer, 

Sampler, Pitch Play, Saved Loop, Slicer Loop, 

Saved Flips, Platter Play, Transport, 2 User- 

Modi) und Dual Layer Parameter-Taster pro 

Seite 

• Unabhängige Steuerung der Performance 

Pad-Modi auf beiden Decks 

• Erweiterte Performance mit RP-8000 MK2 

Plattenspielern: Zum ersten Mal können 

Pad-Modi individuell auf jedem der Geräte 

gleichzeitig kontrolliert werden 

• Individuell regulierbare Faderkurven und 

Reverse-Funktion (Hamster Switch) 

• Digitale Bearbeitung der Cut In/Out-Punkte 

im Setup-Menü 

• Dedidizerte Loop-Sektionen mit Push-En - 

coder, Loop Length LED Bar & manueller 

Loop-Funktion 

• Ergonomisch gestaltete Browse-Sektion für 

effiziente einhändige Bedienung 

• Komfortables Pre Mix-System mit separater 

Regelung für Lautstärke und Mix 

• Einfaches Umschalten zwischen 2 Com pu - 

tern mit Hilfe der Focus PC-Steuerung 

• Umfangreiche USB Routing-Möglichkeiten: 

Individuelles Routing des Sampler- und AUx- 

Kanals durch die Serato-Effektein heiten 

(Send/Return) 

• 3-Band Isolator EQ mit Full Kill-Charak te ristik 

• Smart Link USB Ports: Automatische RP- 

8000 MK2 Deckerkennung 

• Kann auch als aktiver USB Hub für externe 

Geräte verwendet werden 

• Mic/Line-Eingang mit 2-Band EQ, unabhängigem 

Echo-Effekt und Talkover Ein/Aus- 

Umschalter 

• 2 Kopfhörer-Ausgänge via 6,3/3,5 mm 

Stereo-Klinke 

• Booth-Ausgang in Stereo oder Mono 

• MIDI-kompatible Bedienelemente 

• High-Retention USB Ports 

• Robuste Konstruktion aus stabilem Metall 

• Hochwertiges und unempfindliches Finish in 

Tiefschwarz-Metallic 

• Kesington Lock zum Sichern des Gerätes 

Lieferumfang: Software: Serato Dj 



DEuTSCHER RoCK & PoP MuSIKERVERBAND E.V. 

DEuTSCHE PoPSTIFTuNG uND MuSIKER MAGAzIN 

PRäSENTIEREN 

Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise 

werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

118 Sonderkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager 

Filmmusik, Kinderlieder, Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, 

Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella 

Tonstudio, Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), CD-Album (englischsprachig), 

Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, Instrumentalband, Instrumentalsolist, 

Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger/-innen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 150,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Tel: 0 41 31/ 23 30 30 • Fax: 0 41 31/2 33 03 15 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

ANMELDEFORMuLAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

14. Dezember 2019 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle

10 FESTIVAL 

37. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2019 

am 14. Dezember 2019 

Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

ZIEL/KONZEPT 

2019 werden zum 37. Mal insgesamt über 

In 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an herausragende 

Nachwuchsmusikgruppen, Nach - 

wuch seinzelkünstler/-innen sowie durch eine 

Fachjury ausgewählte professionelle Musik - 

grup pen und Einzelkünstler/-innen mit Ton träger - 

ver trag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr 

Künstler so unterschiedlicher musikstilistischer 

Bereiche wie Rock, Pop, Country, Hard & Heavy, 

Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul 

u.v.a.m. geehrt werden. Einziges Kriterium ist 

dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer kulturellen 

und künstlerischen Ausrichtung steht 

diese Kulturveranstaltung damit im be wussten 

Gegensatz zu bisherigen Veranstal tungs ze re - 

mo nien von Industriepreisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiede- 

nen Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll er reicht werden, 

dass sich möglichst viele Musik gruppen, 

Einzelkünstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik 

wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Plattform des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler/ 

-innen und Persönlichkeiten des musikalischwirtschaftlichen 

Umfeldes dienen.

11 

FINANZIERUNG 

Kulturveranstaltung wird im Wesent - 

Diese 

lichen – wie in den vergangenen Jahren 

auch – durch die Deutsche Popstiftung, den 

Deutschen Rock & Pop Musikerverband e. V. und 

die am Wettbewerb beteiligten Musikgruppen 

und Künstler/-innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Finalteil - 

neh mer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonder kate go - 

rien zahlen außerdem einen Teilnahmebetrag pro 

Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische Ge - 

meinschaftsfinanzierung ist in Deutschland ein - 

malig: Damit wird auch der 37. Deutsche Rock 

& Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbandsträger, die 

ca. 3 000 Musikgruppen, Musikerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musikerver - 

band e.V. sowie durch die über 1 000 Teilnehmer 

dieses Festivals. 

KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2019 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

grup pen, Musikerinnen und Musiker sowie in 

den Sonderkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben. 

Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE 

EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

8 Hauptkategorien 

118 Sonderkategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonder - 

kategorien wird gewährleistet, dass eine große 

Anzahl vielversprechender Mu sikgruppen, In ter - 

preten und Künstler/-innen in musikhistorisch 

bedeutenden, aber bisher bei Preisverlei hungen 

vernachlässigten Musikrich tungen ebenfalls 

gewürdigt werden können. In den acht Haupt - 

ka tegorien werden die Final aus scheidungen 

(und/oder Halbfinal vorent scheide) tagsüber live 

am Festivalort auf der Bühne er folgen. In den 

übrigen Kategorien entscheidet die Bundesjury 

allein aufgrund des eingeschickten Materials 

über eine Nominierung bzw. Aus zeichnung bei 

der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Umfeld 

einer CD-Produktion und des Musik mana - 

gements auseinandersetzen (Studio produktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese ansonsten 

im Schatten von künstlerischen Auszeich - 

nungen stehenden Firmen und Personen ge - 

ehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/ einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stif tung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

8

ANMELDEGEBÜHR 

20, – Euro 

drMV-Mitglieder 

30, – Euro 

drMV-nicHtMitglieder 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige 

Expertenjuroren, die von der Deutschen 

Popstiftung eingesetzt werden, die Teilnehmer am 

Finale und die Preisträger der Neben- und 

Sonder kategorien des 37. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2019. Mithilfe eines detaillierten 

Bewertungsbogens (Arran ge ment, Instrumen tie - 

rung, Gesang, Text, Kom po sition, Originalität, 

Kreativität etc.) ermittelt die Festivaljury die live 

im Finale des 37. Deutschen Rock & Pop 

Preises 2019 auftretenden Musik gruppen und 

Einzelinterpreten der Haupt kate gorien. Um eine 

gerechte Preisverleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den 

Juroren passend erscheint, Preise auch in 

anderen als den durch die Künstler ursprünglich 

beworbenen Kategorien zuerkennen. 

TEILNAHME 

Teilnehmer am Finale des 37. Deut - 

Die 

schen Rock & Pop Preises 2019 erhalten 

durch die Deutsche Popstiftung eine Einladung 

nebst Teil nahmeformular. Die in allen Sparten 

und Be reichen nominierten Bands und Künst ler/ 

-innen werden persönlich eingeladen. Erst die 

Rück sen dung des ausgefüllten Teilnahme for - 

mu lars und die Entrichtung der Teilnahmegebühr 

in Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie und je 

erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro) 

garantieren die Teilnahme am 37. Deutschen 

Rock & Pop Preis 2019. 

Die Fina listen (Einzelkünstler/-innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien und die ausgezeichneten 

Preisträger der Sonderkategorien 

erhalten im Ge genzug je 50 Eintrittskarten (mit 

Publikums ab stim mung) im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis. 

Mit der Nichtrücksendung des Anmelde for mu - 

lars und der Nichtentrichtung der Teilnah me - 

ge bühr verfallen die Teilnahme und Preiszuer - 

ken nung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Website 

des DRMV www.musiker-online.tv und durch 

die Kulturzeitschrift MusikerMagazin nach dem 

Festival veröffentlicht. 

PREISVERLEIHUNG 

Die umfassende Preisverleihung aller Preis - 

träger findet am 14. Dezember 2019 zum 

Schluss des 37. Deutschen Rock & Pop Preises 

2019 in der Siegerlandhalle in Siegen statt. Dafür 

werden zuerst alle Preisträger der Sonder kate - 

gorien auf die Bühne ge rufen und dann der Reihe 

nach ausgezeichnet. Dann werden alle Preis - 

träger der Haupt ka te gorien auf die Bühne ge - 

rufen und ebenfalls feierlich ausgezeichnet. 

Zum Schluss beider Preis verleih un gen werden 

alle Preisträger für die anwesenden Journa listen, 

Fotografen und Video ka meras unter Ein spie lung 

der Festivalhymne im Halb kreis gruppiert, um für 

die zahlreichen Bericht erstattungen der bundesweiten 

Tages zeitungen geeignete Medien - 

fotos zur Ver fü gung zu haben. (s. Dokumen tation 

Presseberichter stat tung 2018/2019). 

Web: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV 

TexT: OLE SEELENMEYER 

FoTos: LUDWIG CZAPLA

ANMELDUNG 

37. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2019 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2019 an. 

Band/Künstler/-in: ......................................................... 

Ansprechpartner/-in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: q nein q ja: 

q angeschl. q außerord. q ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Anmeldegebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder 

Die Anmeldegebühren in Höhe von Euro ............ q in bar beigelegt q als Scheck beigelegt q per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 1. August 2019 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2019, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Hauptkategorie und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,-Euro) bei Auswahl 

durch die Bundesjury.(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von 1.000,– Euro für eigene Gäste/Fans) 

37. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2019: HAuPTKATEgoRiEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

FESTIVAL 13 

q 1 

q 2 

q 3 

q 4 

q 5 

q 6 

q 7 

q 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

Die durch die Jury ausgewählten Teilnehmer der Hauptkategorien präsentieren sich am 14. Dezember 2019 

im Finale auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen mit jeweils einem Song (maximale Länge: 4 Minuten). 

37. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2019: SoNDERKATEgoRiEN 

q 9 

Beste Filmmusik 

q 18 

Bestes Trancealbum 

q 26 

Beste A-Capella-Band 

q 10 Bestes Kinderlieder-Album 

q 11 Beste Experimentalband 

q 12 Beste Crossoverband 

q 13 Beste Hardcoreband 

q 14 Beste Industrialband 

q 15 Beste Progressiveband 

q 16 Beste Skaband 

q 19 

q 20 

q 21 

q 22 

q 23 

q 24 

Beste(r) Mundart-Interpret(in) 

Beste(r) Electronic-Interpret(in) 

Bestes Dancehall-Album 

Beste Elektropopband 

Bestes traditionelles Blues-Album 

Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

q 27 

q 28 

q 29 

q 30 

q 31 

q 32 

Bestes Chanson-Album 

Beste Punkband 

Beste Gothic/Wave-Band 

Beste(r) Gospel-Interpret(in) 

Beste Gospelgruppe 

Bestes Weltmusikalbum 

q 17 

Beste Nu-Metal-Band 

q 25 

Beste Cover/Revivalband 

q 33 

Bestes Hip-Hop-Album 

8 

✁ 

2/2019 musiker MAgAziN

14 FESTIVAL 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH RoCK: 

q 34 Beste Rocksängerin 

q 35 Bester Rocksänger 

q 36 Bester Rocksong 

q 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH PoP: 

q 38 Beste Popsängerin 

q 39 Bester Popsänger 

q 40 Bester Popsong 

q 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FuNK: 

q 42 Beste Funk-Sängerin 

q 43 Bester Funk-Sänger 

q 44 Bester Funk-Song 

q 45 Bestes Funk-Album 

BEREICH HARD RoCK: 

q 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

q 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

q 48 Bester Hard-Rock-Song 

q 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAl: 

q 50 Beste Metal-Sängerin 

q 51 Bester Metal-Sänger 

q 52 Beste Metal-Band 

q 53 Bester Metal-Song 

q 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH FuSIoN-JAzz-RoCK: 

q 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin 

q 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger 

q 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band 

q 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song 

q 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album 

BEREICH AlTERNATIvE: 

q 60 Beste Alternative-Sängerin 

q 61 Bester Alternative-Sänger 

q 62 Bester Alternative-Song 

q 63 Bestes Alternative-Album 

BEREICH NEW AGE: 

q 64 Beste New-Age-Band 

q 65 Bester New-Age-Song 

q 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH R’N’B/Soul: 

q 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin 

q 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger 

q 69 Beste R’n’B/Soul-Band 

q 70 Bester R’n’B/Soul-Song 

q 71 Bestes R’n’B/Soul-Album 

BEREICH REGGAE: 

q 72 Beste Reggae-Sängerin 

q 73 Bester Reggae-Sänger 

q 74 Beste Reggae-Band 

q 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH lATIN-PoP: 

q 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

q 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

q 78 Beste Latin-Pop-Band 

q 79 Bester Latin-Pop-Song 

q 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FolKRoCK: 

q 81 Beste Folkrocksängerin 

q 82 Bester Folkrocksänger 

q 83 Beste Folkrockband 

q 84 Bester Folkrocksong 

q 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH CouNTRy: 

q 86 Beste Country-Sängerin 

q 87 Bester Country-Sänger 

q 88 Bester Country-Song 

q 89 Bestes Country-Album 

BEREICH SCHlAGER: 

q 90 Beste Schlager-Sängerin 

q 91 Bester Schlager-Sänger 

q 92 Beste Schlager-Band 

q 93 Bester Schlager-Song 

q 94 Bestes Schlager-Album 

BEREICH MuSICAl: 

q 95 Beste Musicalsängerin 

q 96 Bester Musicalsänger 

q 97 Bestes Musicalalbum 

Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 14. Dezember 2019 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen bekanntgegeben. 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

MuSIKBuSINESS: 

q 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc. 

q 99 Bestes kreatives Independent-label (Rock & Pop) 

Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc. 

q 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc. 

q 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht 

q 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen 

q 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD 

q 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik 

in Deutschland 

Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig! 

MuSIKPRoDuKTIoN: 

q 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres 

q 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

q 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

q 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

q 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

q 110 Beste Studioaufnahme des Jahres 

q 111 Beste Single des Jahres 

q 112 Bestes Musikvideo 

q 113 Beste Komposition 

q 114 Bester deutscher Text 

q 115 Bestes Booklet und Inlaycard 

q 116 Beste Instrumentalband 

q 117 Bestes Instrumentalalbum 

q 118 Beste(r) Barpiano-Interpret(in) 

INSTRuMENTAlISTEN: 

q 119 Beste(r) Instrumentalsolist(in) 

q 120 Beste(r) Gitarrist(in) 

q 121 Beste(r) Keyboarder(in) 

q 122 Beste(r) Schlagzeuger(in) 

q 123 Beste(r) Bassist(in) 

q 124 Beste(r) Percussionist(in) 

q 125 Bestes Arrangement 

q 126 Bestes Blasinstrument 

musiker MAgAziN 2/2019 

EINSENDESCHLUSS: 1. AUGUST 2019 

✁

STORIES 15 

AXEL NAGEL 

Sänger, Gitarrist, Performer 

MM: Im September ist dein Album „Außer- 

halb von Fahrzeugen“ erschienen. Wie lief die 

Produktion? 

AXEL NAGEL: Ich habe das Album mit meinem 

mobilen Studio in mehreren Städten aufgenommen. 

Zum Schreiben und Aufnehmen der Songs 

reise ich gerne in andere Städte. Oft an den 

Bodensee, dessen Weite mich inspiriert. Ich bin 

dort immer in der ersten Januarwoche anzutreffen. 

Entweder in Meersburg, Konstanz oder in 

Lindau. Dort miete ich mir eine Ferienwohnung 

und baue mein kleines Studio auf. Alle Instru - 

men te, die evtl. aufgenommen werden sollen, 

habe ich dabei. So entstehen die ersten wichtigen 

Spuren der Songs. Die Feinheiten im Bereich 

In strumentierung und Gesang mache ich dann 

meistens zu Hause in Schwäbisch Gmünd, wo ich 

vor allem den Gesang klanglich optimaler auf neh - 

men kann. So entstand das Album in einem Zeit - 

raum von vier Jahren an sieben Standorten. 

MM: Warum hast du dich für deutsche Texte 

entschieden? 

AXEL NAGEL: Das war ein Prozess des Hinkom - 

mens. Früher habe ich nur in Englisch getextet, 

da meine damaligen Musikerkollegen und ich das 

Abseits des kommerziellen Mainstreams 

musiziert er seit 20 Jahren im verschiedenen 

Bands – und das mit Erfolg: Vor Kurzem 

wurde er in der Kategorie Singer-Songwriter 

mit dem Deutscher Rock & Pop Preis 2018 

ausgezeichnet. 

einfach cooler fanden. Wir alle waren es ge wöhnt, 

fast ausschließlich englischsprachige Songs zu 

hören, die immer gut in unseren Ohren klangen. 

Also lag es auf der Hand, auch in Englisch zu 

schreiben. Doch vor ca. zehn Jahren fand bei mir 

ein Umdenken statt. Ich wollte, dass meine Texte 

und das, was ich damit ausdrücken wollte, eine 

neue Qualität bekommen. Ich fing an, eigene 

Songs aus dem Englischen zu übersetzen, und 

nach einiger Übung war klar, dass ich deutlich 

kreativer und freier an Inhalt und Ausdruck ar bei - 

ten konnte. Somit machen die Texte jetzt 50 % der 

Songs aus. So soll es sein! 

MM: Du spielst das Theremin, ein ungewöhnliches 

elektronisches Musikinstru ment, das 

ohne Berührung gespielt wird. Wie funktioniert 

das? 

AXEL NAGEL: In der Tat ist das Theremin jetzt 

auch immer bei Solokonzerten mit auf der Bühne. 

Dabei stört deine Hand ein elektromagnetisches 

Feld, das um zwei Antennen generiert wird. Bei 

An nähe rung an die erste Antenne wird die Ton - 

höhe verändert. Mit der zweiten Antenne be stimmt 

man die Lautstärke des Tones, wiederum durch 

den Abstand der Hand zum Instru ment. Dabei 

entsteht ein Sound, der an eine singende Säge 

erinnert und doch auch klingt wie from outer 

space. 

Für meine Songs teilweise ein zusätzlicher 

Klang teppich, den ich dann live einsetze. 

8 


16 STORIES 

»Ich bin fest davon überzeugt, 

dass mich alle Songs und Musiker 

beeinflussen die ich je 

bewusst in meinem Leben ge hört hab.«

17 

MM: Welche Instrumente sind noch auf dem Album zu finden? 

AXEL NAGEL: Die Idee des Albums ist, die akustische Gitarre in 

den Vordergrund zu stellen. Dann kommen einige Percussion- 

Instrumente wie Shaker, diverse Trommeln und Becken dazu, also 

eher kein klassisches Drumset. Um dem Album im Sound Tiefe 

und Raum zu geben, habe ich E-Gitarren in den Hintergrund gelegt, 

die oft sphärisch klingen. Dazu hier und da elektrische Piano-Chords 

und bei einigen Songs meine Querflöte, die nach vielen Jahren 

unterm Sofa nun für mein Soloprogramm wieder zum Einsatz 

kommt. Das alles verzahnt sich dann zu einem Sound, der sich 

durch das ganze Album zieht. 

MM: Was sind deine größten Einflüsse beim komponieren? 

AXEL NAGEL: Diese Frage ist einfach zu beantworten und beinhaltet 

doch so vieles. Ich bin fest davon überzeugt, dass mich alle Songs 

und Musiker beeinflussen, die ich je bewusst in meinem Leben ge - 

hört hab. Angefangen hat das tatsächlich bei akustischen Songs 

von Simon and Garfunkel und endet bei Freigeistern wie z. B. 

Markus Berges, dem Sänger und Songschreiber der Band Erdmöbel 

oder Jan Frisch, der absolut in keine Schublade passt. Dazu kommen 

Lebensphasen, in denen ich mich auf Genres wie Blues, Jazz 

oder Bluegrass-Musik gestürzt habe. All diese Musik schwingt als 

Idee in meinen Songs mit. Von daher gibt es da, und das finde ich 

sehr befreiend, keinen wichtigsten Einfluss. 

MM: Warum arbeitest du mit Loops? 

AXEL NAGEL: Am reizvollsten war der Gedanke , dass ich mir mit 

einem Soloprogramm zuallererst die Chance gebe, all meine Ideen 

und Visionen zu 100 Prozent umzusetzen. Also ich bestimme 

allein, wo es musikalisch hingehen soll. Schnell war mir klar, dass 

ich außer Gitarre und Gesang mehr wollte. Eine andere Art der Per - 

for mance. Neue, frische Klänge und damit auch neue Arran - 

gements für die Melodien und Grooves, die aus mir kommen. Und 

ich wollte forschen. Und diese Recherche wollte ich mithilfe von 

Loopern betreiben, die mir helfen sollten, meine Songs zu unterstützen. 

Nicht zum Selbstzweck, sondern als kreativer Assistent, 

der mich zu spontanen kreativen Handlungen beim Proben und 

auf der Bühne zwingt. Und das hat sich erfüllt. Und die Forschung 

geht mit großer Freude immer weiter, wie ich jetzt nach ca. vier 

Jahren Erfahrung sagen kann. 

MM: Wenn man ein Wohnzimmer hat, das groß genug ist, 

um etwa 25 Freunde zu beherbergen, kann man dich für 

Wohnzimmer-Konzerte buchen. Was ist das Besondere an 

diesen Konzerten? 

AXEL NAGEL: Es ist definitiv ein ganz besonderes Erlebnis, wenn 

du 25 Leuten quasi in die Augen schauen kannst, während du dein 

Konzert spielst. Ich hab die Erfahrung gemacht, dass das Publi - 

kum sich fast mit dem Künstler verbindet, der da zu Besuch kommt. 

Also ein sehr intensives, fast intimes Erlebnis, das dann alle gemein- 

sam genießen. Und allein schon die Gespräche nach dem Konzert 

sind es wert, ein Wohnzimmer als Konzertsaal aufzusuchen. Die 

Leute trauen sich, auf den Musiker zuzugehen und zu fragen, was 

hinter den Texten und der Musik steckt. Und das finde ich fast so 

schön wie das Konzert selber. 

MM: Du spielst außerdem in verschiedenen Bandprojekten 

– welche sind das? 

AXEL NAGEL: Meine Hauptband ist schon seit langer Zeit eine 

Formation, die sich OPPORTUNITy nennt und ausgesuchte Songs 

neu interpretiert, in dem Fall in Englisch. Dabei legen wir als Trio 

das Hauptaugenmerk auf dreistimmigen Gesang, was beim Pu - 

blikum direkt ins Herz trifft. Außerdem bin ich seit drei Jahren als 

Sänger bei einer Soulband zu sehen, die fast ausschließlich Musik 

der 60er- und 50er-Jahre spielt. Darüber hinaus gibt es so einige 

Projekte, die zwar nicht regelmäßig laufen, aber bei denen ich immer 

wieder versuche, Neuland zu betreten, wie bei einem Duo mit 

einem Freund, der dann Piano spielt und ich nur das Theremin 

bediene. Ich liebe die Vielfalt in meinem Musikerleben und die Vielfalt 

der Stilistiken, die ich auf Bühnen präsentieren darf. Ich empfinde eine 

tiefe Dankbarkeit, dass ich das alles umsetzen kann und sich immer 

wieder Musikfans finden, die dies auch zu schätzen wissen. 

AXEL NAGEL 

„Ausserhalb von Fahrzeugen“ 

VÖ: 27. NOVEMBER 2018 

WWW.AXELNAGEL.COM 

MM: Seit 2004 bist du am Theater in Aalen als freier Musiker 

für Musical-Produktionen und Kinderstücke tätig. Was be - 

geistert dich bei dieser Arbeit? 

AXEL NAGEL: Was mich reizt an der Musik fürs Theater, ist der 

Auftrag, den man bekommt: Nach einem vorgegebenen Text oder 

Inhalt, einen passenden Song zu komponieren. Ich habe am Theater 

sehr viel über Musik gelernt, die eine bestimmte Stimmung ausdrücken 

soll. Dabei spielt auch Background-Musik eine große 

Rolle. Ich bekomme die Vorgaben vom Regisseur und in diesem 

Rahmen kann ich mich austoben. Dann kommt die Arbeit mit den 

Schauspielern, um die Songs ins Stück einzufügen, was wiederum 

auch sehr spannend ist. Wenn nach sechs Wochen Arbeit dann 

die Premiere ist und die Kinder große Augen machen, ist das ein 

ganz besonderes Erlebnis das ich nicht mehr missen möchte. Und 

da ich ja als Livemusiker immer dabei bin und teilweise im Stück 

auch als Schauspieler agiere, ist das bei jeder Vorstellung ein Fest 

für mich … und für mein inneres Kind genauso! 

WEB: WWW.AXELNAGEL.COM 

INTERVIEW: RONJA RABE | FOTOQUELLE: AXEL NAGEL 


18 STORIES 

MM: Wie habt ihr euch 2016 zusammengefunden? 

TICKET TO HAPPINESS: Musikalischer Aus - 

gangs punkt für TICKET TO HAPPINESS war 

interessanterweise die Musik AG eines Berufs - 

kollegs in Siegen, die von unserem Banjo- und 

Mandolinenspieler Patrick geleitet wird und in der 

JP als Sänger sein Talent bei vielen Auftritten innerhalb 

und außerhalb der Schule unter Beweis 

stellte. Nach der Beendigung von JP’s Schulzeit 

begannen die beiden zunächst als Duo, dann als 

Trio mit Patricks Sohn Yannick an der Gitarre, ein 

vielseitiges Repertoire an eigenen und gecoverten 

Songs aufzubauen. Wir hatten schon von 

Beginn an bei unseren kleineren Auftritten sehr 

positive Rückmeldungen vom Publikum erhalten 

und haben uns dann mit Mona an der Violine 

Verstärkung geholt. Nach der Veröffentlichung 

unseres erfolgreichen Debütalbums „All Aboard“ 

im Frühjahr 2018 haben wir uns dann entschlossen, 

einen Kontrabassisten dazu zu holen, um 

der Musik den Druck und musikalischen Teppich 

zu verleihen, den sie in der CD-Produktion erhalten 

hat. In dieser 5-köpfigen Besetzung spielen 

wir momentan fast alle Konzerte. 

»Wir möchten uns 

langfristig in der ersten 

Liga der deutschen 

(Folk-)Musikszene 

etablieren 

und das Publikum 

mit unserer 

Musik begeistern.« 

MM: Warum TickeT To Happiness? 

TTH: Der Bandname resultiert aus dem gleichnamigen 

selbst komponierten Song. Die Vor stel lung, 

unser Publikum durch unsere Musik in einen Gute- 

Laune-Modus zu versetzen, erschien uns von Be - 

ginn an ein reizvoller Ansporn zu sein. Wir wollen 

unseren eigenen Spaß und unsere eigene Be - 

geisterung für unsere Musik an die Zuhörer weitergeben 

und mit ihnen zusammen diese Musik 

feiern. Die positiven Rückmeldungen des Pu bli - 

kums zeigen uns, dass uns das bisher auch gut 

gelingt. 

MM: Wie würdet ihr eure Musik stilistisch 

einordnen und was ist das Besondere an 

eurer Musik? 

TTH: Unsere Musik stilistisch einzuordnen ist gar 

nicht so einfach und wir wollen uns da auch 

bewusst nicht von vornherein festlegen und einschränken. 

Sicherlich liegt der Schwerpunkt in der 

modernen akustischen Folkmusik (New Folk), 

aber Einflüsse aus der amerikanischen Country/ 

Bluegrass-Musik, Indie Pop oder Irish Folk sind 

ebenfalls unverkennbar. Mitunter finden sich auch 

französisch- und spanischsprachige Stücke in 

unserem Programm. Wenn man uns fragt, was 

das Besondere an unserer Musik ist, so würden 

wir gerne auf Rezensenten unserer CD verweisen, 

die immer wieder besonders die Frische, die 

Offenheit und die sympathische Fröhlichkeit herausstellen, 

die unsere Musik ausmacht, oder wie 

es der Redakteur des Irish Music Magazine formuliert: 

„The band presents music in the style of 


STORIES 19 

TICKET TO 

HAPPINESS 

Mitreis(s)en lassen 

Angetrieben von den Beats 

des Cajóns und coolen 

Gitarren- und Banjo-Riffs nimmt 

die Indie-Folkband TICKET 

TO HAPPINESS ihre Zuhörer 

seit 2016 mit auf eine 

musikalische Reise ins Glück. 

DEAD SOUTH, MIGHTY OAKS oder LES YEUx 

D´LA TETE. Wir mögen auch traditionelle und 

moderne irische Musik wie etwa von den Bands 

WE BANJO 3 oder FLOGGING MOLLY. In gewisser 

Weise ist sicherlich auch Ed Sheeran ein Vor - 

bild für uns, insbesondere wenn man da an seine 

irisch beeinflussten Songs „Galway Girl“ oder 

„Nancy Mulligan“ denkt, oder auch der amerikanische 

Countrysänger Johnny Cash. 

MM: Wie entstehen bei euch die songs? 

TTH: Zu Beginn unseres gemeinsamen Musi zie - 

rens wurden die meisten Stücke von Patrick ge - 

schrieben, wobei unser Sänger JP schon frühzeitig 

Texte zu den Songs geschrieben hat. Mittler weile 

sind alle Bandmitglieder sehr aktiv im Song writing 

engagiert. Meistens bilden kleine Melo dien oder 

musikalische Pattern den Ausgangspunkt für einen 

neuen Song. Die Ideen werden aufgenommen und 

an die Bandmitglieder verschickt, jeder kann sich 

einbringen, schließlich kommt der Song text dazu. 

In Probewochenenden, die wir regelmäßig durchführen, 

wird dann ganz intensiv an diesem Roh - 

material gearbeitet und so lange an den Songs 

gefeilt und arrangiert, bis wir zufrieden sind. Somit 

kann jedes Bandmitglied seine Ideen und Vor stel - 

lungen kreativ in die Musik einfließen lassen. 

vibrant New Folk, captivating their listeners and 

encouraging them to dance, sing and let loose“ 

(IMM, August 2018) 

MM: Letztes Jahr habt ihr euer album „all 

aboard“ mit zwölf eigenkompositionen veröffentlicht. 

Wie waren die Reaktionen? 

TTH: Unser Debütalbum ist bei Zuhörern und in 

der Fachpresse sehr gut angekommen und wir 

sind wirklich stolz darauf. Die Rezensionen in 

verschiedenen nationalen und internationalen 

Musikpublikationen sind außerordentlich positiv 

ausgefallen und Songs der CD laufen in vielen 

deutschen, aber auch ausländischen Radio sta - 

tionen und sind in zahlreichen Playlisten auf 

Onlineportalen wie Spotify vertreten. Mit unserer 

Single „Icarus“ konnten wir sogar einen Wett - 

bewerb der Radiosendung WDR 2 Pop gewinnen 

und der Song wird in Kürze auch auf einer 

irischen Compilation-CD erscheinen. Gewürdigt 

werden in den Reaktionen immer wieder die 

Frische und die hohe musikalische Qualität der 

Songs, auch der Sound der CD kommt gut an. 

Hierfür ist der Erfolgsproduzent Pomez di Lorenzo 

verantwortlich, der in der Vergangenheit u. a. mit 

Musikgrößen wie Sasha, Dick Brave oder Addys 

Mercedes zusammengearbeitet hat. 

MM: Wie kam es dazu, dass im „irish Music 

Magazine“ über euch berichtet wurde und 

„icarus“ nun sogar auf einem irischen 

sampler gelandet ist? 

TTH: Wir hatten ein Exemplar unseres Debüt - 

albums „All Aboard“ zum Irish Music Magazine, 

dem weltweit führenden Magazin für irische Musik, 

geschickt und um eine Rezension gebeten. Die 

CD hat den Redakteuren des Magazins dann so 

gut gefallen, dass neben einer ausführlichen sehr 

positiven Rezension zu unserer eigenen Über ra - 

schung mehrere z. T. ganzseitige Berichte und 

Interviews über uns dort erschienen sind. In Kürze 

erscheint ein Sampler des IMM, auf dem unser 

Song „Icarus“ zu hören ist – eine tolle Sache, über 

die wir uns sehr freuen. 

MM: Habt ihr musikalische Vorbilder? 

TTH: Bands, die wir gerne hören und die auch 

Einfluss auf unser eigenes musikalisches Schaffen 

haben, sind etwa MUMFORD & SONS, THE 

MM: ihr habt eine Vater-sohn-konstellation 

in der Band. patrick (Banjo, Mandoline) ist 

Vater von Yannick (Gitarre) und ihr verbringt 

allesamt viel Zeit miteinander. Wie versteht 

ihr euch privat? 

TTH: Unser Teamspirit ist wirklich sehr gut. Wir verstehen 

uns blendend und der Umgang untereinander 

ist entspannt und stressfrei. Wir agieren alle auf 

Augenhöhe, jeder kann sich beim Song writing 

kreativ einbringen. Auch nach den Kon zer ten verbringen 

wir sehr gerne noch Zeit miteinander und 

tauschen uns bei einem Glas Bier aus oder feiern 

zusammen. Auch die Vater-Sohn-Konstellation in 

der Band ist für uns überhaupt kein Problem, 

generell spielen Altersunter schiede weder beim 

Musizieren noch beim anschließenden Feiern eine 

Rolle. Das Bandgefüge und die Stimmung untereinander 

könnten nicht besser sein. 

MM: Beim Deutschen Rock & pop preis 

habt ihr den zweiten preis in der kategorie 

country belegt. Wie war das Finale für euch? 

TTH: Der 8. Dezember 2018 bleibt sehr positiv in 

unserer Erinnerung. Wir hatten ja beim Finale des 

DRPP quasi ein Heimspiel, da mehrere Band mit - 

glieder ihre Wurzeln in Siegen haben. Entsprechend 

waren auch viele Freunde und Familien an ge hö - 

rige unter den Zuhörern in der Sieger landhalle. 

8 


20 STORIES 

Was sich dann beim Auf tritt und bei der nachfolgenden Sieger - 

ehrung ab gespielt hat, war schon bemerkenswert. Wir konnten ja 

neben dem 2. Preis in der Kategorie Country viele weitere Preise 

gewinnen, so haben wir in der Kate gorie Folkrock in allen fünf 

Unter kate go rien die ersten Preise gewinnen können, u. a. als 

beste Folk rock band mit der besten Folkrock-CD des Jahres. 

Weitere erste und zweite Preise gab es in der Kategorie Country, 

u.a. als bester Country-Sänger. Mit diesem riesigen Erfolg haben 

wir absolut nicht gerechnet und uns dementsprechend mega ge - 

freut. Natürlich hat uns dieser große Erfolg in der deutschen 

Folkszene viel Aufmerksamkeit eingebracht und wird uns auf 

unserem weiteren musikalischen Weg sicherlich helfen. 

MM: Wie viele konzerte spielt ihr so pro Jahr und wo kann 

man euch 2019 live erleben? 

TTH: Wir kommen im Jahr auf etwa 35 – 40 Konzerte und spielen 

dabei auf Festivals, in Musikclubs, auf Stadtfesten oder auch 

auf Straßenmusikfestivals in ganz Deutschland. Highlights in diesem 

Jahr sind etwa der Venner Folkfrühling am 10.5., das 

Festival „Kultur Pur“ in Hilchenbach am 10.6., das F60 European 

Celtic Music Festival in Lichterfeld am 14.6., das internationale 

Straßen musik festival in Münster am 29./30.6. oder das größte 

deutsche Folk-Roots-Weltmusikfestival in Rudolstadt, wo wir 

am 7. Juli gleich zwei Auftritte haben werden. 

MM: Was sind eure weiteren musikalischen Ziele? 

TTH: Wir möchten uns musikalisch noch weiter entwickeln, 

weitere Songs schreiben und möglichst im nächsten Jahr ein 

weiteres Album mit eigenen Songs veröffentlichen. Durch unsere 

CD-Produktionen, aber auch durch unsere Liveperformance 

möchten wir uns langfristig in der ersten Liga der deutschen 

(Folk-)Musikszene etablieren und das Publikum mit unserer 

Musik begeistern. Nicht zuletzt wollen wir aber vor allem unseren 

Spaß und die Begeisterung für unser gemeinsames Musi - 

zieren behalten und an unsere Zuhörer und Konzertbesucher 

weitergeben. Das ist letztlich für unsere eigene Zufriedenheit 

und für unseren Erfolg entscheidend. 

WEB: TICKET2HAPPINESS.DE 

INTERVIEW: RONJA RABE 

FOTOQUELLE: TICKET TO HAPPINESS 

»Im Mittelunkt des musikalischen Fahrplans stehen Originalsongs von 

Mandolinen- und Banjospieler Patrick Helle. Gemeinsam mit dem Sänger 

Jan Philipp Bäumer (JP) etablierte sich hier ein kongeniales Songwriting- 

Team. Das virtuose Violinenspiel von Mona Kaczmarczyk bietet begeis - 

ternde Melodieverläufe und Klangfarben, die den Zuhörer emotional 

berühren. Ihre beeindruckende Gesangsstimme ergänzt sich perfekt 

mit der Stimme von JP. Der preisgekrönte Akustikgitarrist Yannick Helle, 

Patricks Sohn, bereichert den Bandsound mit seinem dynamischen 

Gitarrenspiel und treibt die Musik mit seinem druckvollen Cajón-Spiel an.« 

TICKET TO HAPPINESS 

„All Aboard“ 

VÖ: APRIL 2018 

TICKET2HAPPINESS.DE 

FACEBOOK.COM/TICKET.TO.HAPPINESS 


STORIES 21 


22 STORIES 

So alltäglich und so dada 

wie das Leben 

FRIEDRICH 

CHILLER 

VALENTIN SCHULZ • Vocals, E-Bass 

PHILIPP SCHENDERA • E-GitarrE 

MARKUS LÄMMEL • Drums 

FRIEDRICH CHILLER 

„Cloud Pop“ 

VÖ: 29. MÄRZ 2019 

FRIEDRICH-CHILLER.DE 

Ein leicht verstrahltes 

Samstagmorgenblinzeln. 

Den Club-Beat noch 

in den Beinen, ertappst du 

deine Synapsen, wie sie 

sich verselbstständigen 

und buntestes Kopfkino 

anwerfen … Genau diesen 

Moment verkörpert die 

Newcomer-Band 

FRIEDRICH CHILLER aus 

Dresden. Der junge 

Sound und die bildreichen, 

deutschsprachigen 

Rap-Lyrics der Band 

scheinen am Trommelfell 

zu fluoreszieren. 

MM: Euer aktuelles Album „cloudpop“ klingt 

anders als die EP „Wunschinsel“ von 2017. 

Warum der Stilwechsel? 

ValEntin: ich wollte mich beim schreiben durch 

nichts einschränken und hab einfach musik produziert, 

die ich in dem moment cool fand und 

ge spürt hab. Dadurch gab es keine tabus, was 

dazu geführt hat, dass sich unser stil stetig weiterentwickelt. 

MM: Wie entstehen eure Songs? 

ValEntin: meistens habe ich eine idee, die mir 

beim Bahnfahren, im Fahrstuhl oder im Kino einfällt. 

Das schreib ich mir auf und schmücke das 

bei mir zu Haus im „G-street studio“ zu einem 

vorproduzierten song aus. Das dauert machmal 

zwei Wochen und manchmal nur drei tage. 

meistens bin ich in dieser Zeit komplett im tunnel 

und mache nichts anderes. Wir checken an - 

schließend zu dritt Details aus oder verändern 

noch ganze songstrukturen. Bei dem song „tieZ“ 

zum Beispiel hat markus den Drum-Beat kreiert. 

Der hat sich dann bewährt! 

MM: Worauf achtet ihr beim Texten? Welche 

Messages sind euch wichtig? 

ValEntin: ich finde Plakativität gut, liebe aber 

auch Wortspiele, metaphern und anspielungen. 

„masel tov“ ist zum Beispiel voll davon. mitunter 

tauchen in unseren texten Konsumkritik und linkes 

ideengut auf. ich hoffe aber auch, mit unserer 

musik das thema Drogen, insbesondere cannabis, 

gesellschaftsfähiger zu machen. 

MM: Euer Album habt ihr mit dem österreichischen 

Produzenten Adam Zebo (u. a. 

Bilderbuch) aufgenommen. Wie kam der 

Kon takt zustande? 

ValEntin: Wir sind krasse „Bilderbuch“-Fans 

und haben gewusst, dass Zebo adam und alex 

tomann diese produziert haben. Daraufhin hab 

ich Zebo auf Facebook angeschrieben, zwei 

Demos angehangen und er war sofort am start. 

alex hat dann auch das mixing gemacht. 

MM: Was habt ihr mit Falco gemein? 

ValEntin: Für uns ist es immer wichtig, einen 

modernen Bandsound zu zelebrieren und die 


23 

musik durch verschiedene Verschmelzungen 

weiterzutreiben. Für uns war Falco ein re vo lu - 

tionär in der Popmusik. Da kann man sich schon 

mal eine scheibe abschneiden und den Vibe, der 

von ihm ausging, weiterleben. sein rap ist funky 

und einzigartig. Bei „Blauer Honig“ wird mir hin 

und wieder gesagt, dass der rap nach Falco 

klingt. ich freu mich dann immer, weil das harte 

Pumpen seiner songs in dieser Zeit wohl etwas 

abgefärbt hat. 

MM: Wer kümmert sich bei euch um das 

Booking? 

ValEntin: Das macht „soundsgood“. Ein junges 

Booking-Duo aus Karlsruhe. Früher haben wir 

das selbst gemacht. Da die Jungs aber sowieso 

viel bessere connections haben, kann man sich 

so besser aufs musikmachen konzentrieren. 

MM: Ihr tretet live mit Auto-Tune auf. Warum? 

MM: Mit was für Leuten umgebt ihr euch in 

eurer Freizeit? Welche Charakter eigen schaf - 

ten sind euch wichtig? 

ValEntin: Ein witziger, entspannter umgangs ton 

ist uns wichtig, dass es flache Hierarchien gibt 

und dass man sich selbst nicht so ernst nimmt. 

MM: Was sind eure weiteren musikalischen 

Ziele? 

MM: Wie ist es, als deutsche Band in Öster - 

reich zu spielen? 

ValEntin: Echt entspannt. ich glaube dahingehend 

nicht wirklich an Grenzen. man wird herzlich 

behandelt und dann geht es eigentlich auch 

nur noch um die musik. Woher die ist, ist egal. 

Wie achim Funk – Produzent von sHacKE onE 

mal meinte: „Hauptsache der Beat zeckt.“ 

ValEntin: auto-tune ist ein einzigartiger Effekt. 

ob es einem gefällt oder nicht ist eine andere 

Frage. ich verstehe nicht, wieso man sich davor 

aus Prinzip verschließen sollte. als leo Fender 

die erste E-Gitarre auf den markt gebracht hat, 

gab es sicher auch Gegner, die gemeint haben, 

dass das nicht mehr real ist. „solidarität“ ist ein 

song, da ist auto-tune die ganze Zeit an. Funk - 

tio niert nicht ohne, haha! 

ValEntin: Wir wollen immer unsere eigenen 

songs feiern können. Das heißt: sich bloß nicht 

einer musikindustrie unterjochen. ob das nun be - 

deutet, dass wir arm und unbekannt sterben oder 

Festivalsaisons spielen und groß rauskommen, 

wissen wir nicht. letzteres wäre aber schon cooler. 

intErViEW: RONJA RABE 

Fotos: FABIAN CATONI 


24 

»Gute Live-Musik ist keine 

Einzelleistung, es ist vielmehr 

das Produkt von 

perfekter Zusammenarbeit« 

Von der Hobbyband 

zum Nebenjob-Musiker 

und nun auch noch 

Gewinner des Deutschen 

Rock Preises 2018. 

Im Interview erzählt 

Pianist und Keyboarder 

Tobias Keser, 

wie JUST DUTY FREE 

es so weit 

geschafft haben. 

JUST DUTY FREE 

MM: Vor 10 Jahren habt ihr gemeinsam an - 

gefangen, hobbymäßig in einer Coverband zu 

spielen. Das lief dann so gut, dass ihr die 

Band seit 2015 als richtigen Nebenjob be - 

treibt und auch eine GbR gegründet habt. 

Wie kam es dazu? 

JUST DUTY FREE: Genau, wir machen seit mittlerweile 

über zehn Jahren zusammen Musik und 

wissen deshalb auch genau, wie sich der andere 

auf der Bühne verhält. Wir fühlen uns zusammen 

auf der Bühne sicher und wohl. Das merken die 

Zuschauer und es gefällt ihnen. Wir hören immer 

wieder, dass man sieht, dass uns das Spaß 

macht, was wir machen. Es sei toll, uns dabei 

zuzuschauen. 

Ein anderer Grund, warum wir erfolgreich sind, 

ist, dass wir Wert auf Qualität legen. Klar muss 

jeder für sich seine Parts üben, aber ein Solo zu 

einem Playback dazuzuspielen oder es ge konnt 

mit vier anderen Musikern zu einem Ganzen verschmelzen 

zu lassen, sind zwei verschiedene 

Welten. Gute Live-Musik ist keine Einzelleistung, 

es ist vielmehr das Produkt von perfekter Zusam - 

men arbeit. Und genau das machen wir. 

MM: Ihr habt dann auch angefangen, eigene 

Songs zu schreiben. Warum? 

JDF: Ich glaube, jeder richtige Musiker verspürt 

irgendwann den Drang, seinen eigenen Song zu 

schreiben, seine eigene Geschichte und Gefühle 

über Melodien und Akkorde anderen Menschen 

zu erzählen. Das hat bei uns eigentlich schon 

recht früh angefangen, aber wir wussten damals 

noch nicht richtig damit umzugehen. Erst mit der 

Zeit und dem Covern von berühmten Stücken 

entdeckten wir, welche Möglichkeiten es in der 

Welt der Musik gibt. Das können wir jetzt gezielt 

in unseren eigenen Songs verwenden, um genau 

das auszudrücken, was wir wollen. 

MM: Wie entstehen eure Songs? Habt ihr 

dabei eine fixe Rollenverteilung? 

JDF: Unsere eigenen Songs entstehen nach dem - 

selben Prinzip, wie wir auf der Bühne Musik 

machen: zusammen. Natürlich kennt jeder für 

sich sein Instrument am besten, aber es gibt bei 

uns nicht wirklich eine Rollenverteilung beim Song - 

schreiben. Am Anfang kommt jemand mit einer 

Idee: Einem Gitarrenlauf, einer Akkordabfolge 

oder einer Textzeile. Und darauf bauen wir dann 

alles auf. Eine Idee folgt der nächsten, bis irgendwann 

ein grobes Gerüst steht, und dann kommen 

die Details. Das dauert natürlich lange, und 


STORIES 25 

Versicherungen für 

alle Eventualitäten ® 

JUST DUTY FREE 

„For Now, It’s An EP“ 

VÖ: 2017 

JUSTDUTYFREE.DE 

FACEBOOK.COM/JUSTDUTYFREE 

es wird oft wieder etwas geändert, was einem vorher gut gefallen hat. 

Das kann manchmal auch ganz schön frustrierend sein. Aber am 

Ende ist es umso schöner, wenn man dann mit dem Applaus vom 

Publikum belohnt wird. 

MM: Wie habt ihr euren eigenen Stil gefunden? 

JDF: Ich würde nicht sagen, dass wir einen eigenen Stil gefunden haben. 

Wir haben vielmehr fünf verschiedene Stilrichtungen. Dadurch, dass 

wir alle zusammen an den Songs arbeiten, und der eine bei dem einen 

Song vielleicht etwas weniger dazu beiträgt als der andere, dafür aber 

bei einem anderen Lied wieder mehr, wird jeder Song etwas anders. 

MM: Warum singt ihr auf Englisch? 

JDF: Wir haben lange diskutiert, ob wir Englisch, Deutsch oder sogar 

beides beim Texteschreiben verwenden. Aber letztendlich haben wir 

uns für englische Texte entschieden, weil wir finden, dass die deutsche 

Sprache so hart klingt und weil wir letztendlich mit englischsprachigen 

Songs aufgewachsen sind, wodurch sich das Englisch in Liedern 

einfach richtiger anfühlt. 

Ganz gleich, gegen was Sie sich schützen möchten: 

Wir sind seit über 30 Jahren Ihr kompetenter Versicherungspartner 

rund um das Thema Entertainment 

und Events. Und sogar freundlicher Besuch 

aus dem All ist bei uns mitversichert. 

MM: Ihr habt das Glück, einen eigenen Proberaum zu haben. 

Wie oft probt ihr? 

8

26 STORIES 

»Wir fühlen uns 

zusammen auf der Bühne 

sicher und wohl. 

Das merken die Zuschauer 

und es gefällt ihnen.« 

JDF: Das stimmt! Wir sind überaus froh, einen 

eigenen Proberaum zu haben. Dadurch ist man 

einfach unabhängiger und flexibler. Es stört zum 

Beispiel niemanden, wenn wir bis spät in die Nacht 

hinein proben, und wir können so laut spielen, 

wie wir wollen bzw. wie es uns unsere Ohren erlauben. 

Es fühlt sich auch einfach mehr nach einem 

Arbeitsplatz an, als wenn man bei irgendwem 

privat proben muss. 

Am Anfang haben wir uns fast jede Woche 

getroffen und geprobt. Als wir jedoch immer 

mehr Anfragen und somit auch mehr Auftritte 

bekommen haben, sind aus den Probe wochen - 

enden zunehmend Auftrittswochenenden geworden, 

bis irgendwann gar keine Zeit mehr für 

Proben war. Jetzt hat sich das bei uns so eingependelt, 

dass wir in der auftrittsschwachen Zeit – 

meist über den Winter – versuchen, einmal im 

Monat zu proben. Dadurch, dass nämlich mittlerweile 

über die Hälfte der Band einen festen Job 

neben dem Musikerdasein hat, ist es oft gar 

nicht so leicht, einen gemeinsamen Termin zu 

finden. 

MM: Wie bewältigt ihr den ganzen Organi - 

sa tionsaufwand für die Band neben Beruf 

und Studium? 

JDF: Anfangs haben wir die Band alle zusammen 

gemanagt. Bald aber hat sich herauskristallisiert, 

dass unser Sologitarrist, der Marius, mittlerweile 

eigentlich die meisten Aufgaben übernommen 

hatte, als dem Rest der Band fast schon gleichgültig 

war, ob wir noch Auftritte bekommen oder 

wie es mit der Band überhaupt weitergehen soll. 

In der Zeit haben wir viel diskutiert und herumprobiert, 

um unser Projekt JUST DUTY FREE zu 

retten und wieder auf Kurs zu bringen. Die Lösung 

war letztendlich, den Marius offiziell zu unserem 

Manager zu machen und ihn auch als solchen zu 

entlohnen. Natürlich hat jeder noch seine kleinen 

Aufgabenbereiche wie Werbung zu machen oder 

die Finanzen zu verwalten, aber was das ganze 

Organisatorische angeht, so macht das alles der 

Marius und wir sind sehr froh darüber. Denn er 

macht das richtig gut und wir brauchen uns 

keine Sorgen zu machen, dass es bei einem 

Auftritt irgendwelche Probleme gibt. 

MM: Was war bisher euer bester Auftritt? 

JDF: Das ist eine sehr schwierige Frage! Prinzipiell 

ist nämlich jeder Auftritt, bei dem wir das Publi - 

kum mitreißen können, ein guter Auftritt für uns. 

Natürlich gibt es da dann Auftritte, die besonders 

herausstechen, weil die Location eine besondere 

ist, wie zum Beispiel das Tollwood Festival in 

München oder das Sommerfestival in Rosenheim. 

Wir spielen aber auch in Festzelten vor mehreren 

hunderten Feierwütigen, was wiederum eine 

ganz andere Art von Auftritt ist. Und dann gibt es 

noch die Art von Auftritten, bei denen wir einfach 

wissen, dass es großartig wird, weil all unsere 

Fans dabei sind. Hierzu zählt zum Beispiel die 

After Wiesn Party vom Frühlingsfest in Wasserburg 

am Inn. 

MM: Gerade wurdet ihr mit dem Deutschen 

Rock Preis 2018 ausgezeichnet. Wie war die 

Veranstaltung für euch und was macht ihr 

jetzt mit dem Preis? 

JDF: Die veranstaltung war wirklich außergewöhnlich 

und wir können es ehrlich gesagt immer noch 

nicht so ganz fassen, dass wir am Schluss den 

1. Platz belegt haben. Es waren so viele gute 

Musiker an einem Ort versammelt und wir durften 

den ganzen Tag lang unterschiedlichste Musik 

und Künstler auf der Bühne bestaunen. Da waren 

von Funk über Pop bis zu Alternative alle Musik - 

richtungen dabei, die man sich nur vorstellen kann. 

Jede Band hatte insgesamt fünf Minuten Zeit, um 

ihre Instrumente aufzubauen und den Song, mit 

dem man sich beworben hat, zu performen. Als 

wir schließlich an der Reihe waren, ging alles so 

schnell, dass wir gar nicht wirklich mitbekommen 

haben, was passiert. Mir persönlich kam das fast 

so vor wie in einem Traum. Der Pokal steht jetzt 

natürlich bei uns im Proberaum an einem ganz 

besonderen Platz. Die Auszeichnung „Beste 

Rock Band“ des Deutschen Rock & Pop Preises 

zaubert einem dann doch ein stolzes Lächeln ins 

Gesicht. 

MM: Was sind eure nächsten Ziele? 

JDF: Unsere Ziele sind auf jeden Fall, die Band 

trotz zeitaufwendigen Berufs- und Privatlebens 

aufrecht zu erhalten und weiterhin viele tolle Mo - 

mente auf der Bühne zu erleben. 

Derzeit sind wir nebenbei auch dabei, ein Album 

mit unseren eigenen Songs aufzunehmen, was 

sicherlich noch viel Zeit und Herzblut in An spruch 

nehmen wird. Im Großen und Ganzen kann man 

also sagen: Wir werden bestimmt in ferner Zu - 

kunft noch zusammen Musik machen, egal ob 

eigene oder gecoverte Songs, denn wie man so 

schön sagt. „The show must go on!“ 

WEB: WWW.JUSTDUTYFREE.DE 

INTERvIEW: RONJA RABE 

FOTOQUELLE: JUST DUTY FREE 

GRAFIK: © PAKHNYUSHCHYY / FOTOLIA 


STORIES 27 

ÖTTE 

Nicht gecastet und 

nicht auf Rosen gebettet, 

keine fremden 

Songschreiber und kein 

Musikstudium. 

Es gibt genug zu erzählen 

und es ist nie zu spät, 

noch mal durchzustarten. 

ÖTTE 

„gare du noise“ 

VÖ: 25. JANUAR 2019 

OETTE.JIMDO.COM 

WWW.OETTESOLO.NET 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

OETTEDERERSTE 

MM: Gerade ist euer Album „Gare du Noise“ 

er schienen. Bist du zufrieden mit dem Album? 

ÖTTE: Ja, in dem Album stecken sehr viel Spaß, 

Freude und Euphorie. Bis auf wenige Kleinig kei - 

ten bin ich überaus happy mit der CD. Sie ist 

abwechslungsreich und packend, wie ich finde. 

Ich habe ein wirklich gutes und zufriedenes Ge - 

fühl. 

MM: Wie sind die Songs entstanden? 

ÖTTE: Die meisten Songs haben der Key boarder 

Alex und ich daheim im Proberaumkeller vorkomponiert 

und dann so als rohe Fetzen aufgenommen. 

Darauf habe ich getextet und dann 

sind wir ab ins Studio. Unser Gitarrist Amadeus 

betreibt in Kaarst ein eigenes Studio. Er hat dann 

die Songs ausproduziert. 

Die anderen Bandmitglieder hatten dabei alle 

Freiheiten, sich einzubringen. Und so ist es am 

Ende ein richtiges Bandalbum geworden. Manch 

eine Nummer ist wirklich ganz anders geworden, 

als ich es zuerst gedacht hatte. 

MM: In dem Song „Flaschenpost“ singst du 

über Sophie Scholl. Warum war es dir wichtig, 

einen Song über sie zu schreiben? 

ÖTTE: Auf dem Rockliner von Udo Lindenberg 

habe ich den Buchautor Tim Pröse kennengelernt. 

Der lud er mich später ein, bei einer seiner 

Lesungen zu lesen. 

Das Buch „Jahrhundertzeugen“ hat mich sehr 

gefesselt und inspiriert. Als ich das Kapitel über 

Sophie Scholl gelesen hatte, kam mir die Idee 

zu diesem Song. 

Dass sich damals Menschen wie z. B. Sophie 

und Hans Scholl ihren Werten und ihren Moral - 

vorstellungen verpflichtet fühlten, ungeachtet 

aller Konsequenzen bis hin zu ihrem Tod, ist ein 

bewegendes Thema. Diese Geschichten müssen 

einfach weitererzählt werden und weitertreiben, 

eben mit dieser Flaschenpost. 

MM: Wenn Du eine Sache auf der Welt verändern 

dürftest: Was wäre das? 

ÖTTE: Puh – da reicht das Interview jetzt aber 

nicht aus :). Ich würde die Gelder dieser Welt 

einfach gerechter verteilen – eigentlich ist genug 

für alle da! Und ich würde alle Kriegstreiber 

ent waffnen, denn wir haben nur diesen einen 

Planeten. 

MM: Für das aktuelle Album hat sich die Band 

noch einmal umbesetzt. Wo ist der Unter - 

schied zur ÖttEBAND früher? 

ÖTTE: Was heißt umbesetzt? (lacht) Die ÖTTE- 

BAND hat sich definitiv nach dem schwarzen 

Album aufgelöst. Ich habe dann solo weitergemacht 

mit meinem ruhigen „In Stillen Mo men - 

ten“-Album, das ich inzwischen als das für mich 

bisher wichtigste bezeichne. 

Das ist jetzt eine neue, frische, motivierte 

Band. Der Unterschied ist wohl der, dass jeder 

seine eigenen Projekte hat oder noch in anderen 

Bands mitwirkt. Wir hängen uns nicht ständig 

auf der Pelle und freuen uns, wenn wir 

zusammen Musik machen. Ich glaube, mit dieser 

Situation sind alle glücklich und auch sehr 

zufrieden mit der neuen Platte. 

MM: Sind Live-Auftritte geplant? 

ÖTTE: Na klar, das Booking startet jetzt so lang - 

sam. Die Termine trudeln ein. Ich bin immer noch 

auf der Suche nach einem Booker, der mit uns 

arbeiten möchte. Es ist ja alles am Start. Platten - 

firma, Promofirma, eine echt bockstarke Band, 

Programm – wir können eigene Sachen zocken, 

haben aber auch Coversongs im Gepäck, wenn 

es z.B. für Stadtfeste sein muss. Also Anfragen 

gerne zu mir. 

MM: Was mögt ihr lieber, die leisen oder die 

lauten töne? 

ÖTTE: Ach – ich liebe einfach beides. Ich mag 

sowieso keine Schubladen. Der richtige Song 

zum richtigen Zeitpunkt – das ist doch geil … 

Ich rocke total gerne ab, so als Rampensau, wie 

ja viele sagen, aber dann durchschütteln, Trän - 

chen im Auge und eine Ballade singen … Ich 

liebe das! 

MM: Was wird dein nächstes Projekt? 

ÖTTE: Derzeit ist natürlich viel Arbeit angesagt 

wegen Promo und so, aber tatsächlich plane ich 

jetzt schon die nächste Platte. Die soll sehr ruhig 

werden, klavierlastig, das fehlt mir noch in meiner 

Sammlung, und dann werden wir vermutlich 

Songs von dem ein oder anderen Song poeten 

covern und eigens interpretieren. Da freue ich 

mich schon drauf, so alte Songs von Wolf Mahn 

bis Udo Lindenberg zu durchforsten und geheime 

Schätze zu bergen. In erster Linie suche ich 

hier die unbekannteren Songs. Und zur Jahres - 

mitte möchte ich meine erste Kinder-CD aufnehmen. 

Meine Tochter ist jetzt 10 und ich habe da 

eine Riesenfreude dran, mit ihr da jetzt was zu 

starten – soll dann so in die Kinder gartenecke 

abzielen. Ich bin ja auch manchmal noch ein 

kleines Kind … :D 

WEB: WWW.OETTESOLO.NET 

INTERvIEW: RONJA RABE 

FOTO: CHRISTIAN GABEL 


28 STORIES 

CONNY CONRAD 

Über 40 Jahre führte er ein spannendes Doppelleben 

MM: Während du als Musiker auf 121 veröffentlichten 

Tonträgern zu hören bist, hast du 

parallel als erster Kriminalhaupt kommis sar 

gearbeitet. Wie konnte sich dieser Kriminal - 

tango der völlig verschiedenen Berufswelten 

entwickeln? 

CONNY CONRAD: Für Schubladendenker ist das 

natürlich eine Nummer zu viel, aber für mich 

wurde dieser Lebensweg seit 1978 Jahr für Jahr 

normaler. Als Polizistensohn hatte ich automatisch 

schon als Kleinkind einen anderen Zugang 

zum Thema Polizei als andere. Das war ebenso 

normal für mich wie die Erkenntnis, mit einem 

außer gewöhnlichen musikalischen Talent, insbesondere 

an der Gitarre und beim Komponieren, 

ausgestattet worden zu sein. Diese Symbiose 

führte dann letztendlich zu 40 Jahren „Kriminal- 

tango“. 

MM: Was denkst du, wie hat sich die Be deu - 

tung von Musik in der Gesellschaft über die 

letzten Jahrzehnte gewandelt? 

CC: Die Entwicklung sehe ich zweigeteilt. Zum 

einen existiert noch die ältere Generation, die das 

Können eines guten Musikers noch zu schätzen 

weiß und bereit ist, für dieses Hörerlebnis zu 

bezahlen (Tonträger, digital, live), und zum anderen 

die jüngere Generation, die mit dem Selbst - 

verständnis aufwächst, Musik sei kosten los und 


STORIES 29 

eher im Bereich Wellness-/Relaxation-Instru - 

mentalmusik, außerdem komponierst und 

produzierst du Musicals und Popmusik bis 

hin zu Schlager. Woher kommt diese vielfältige 

Musikbegeisterung? 

CC: Anscheinend gibt es diese Schubladen, die ja 

nicht ich erfunden habe, bei mir nicht so ausgeprägt, 

wie es uns die selbsternannten „Format- 

apostel“, allen voran im Radio, vorkauen. Musik ist 

und bleibt Geschmacksache, die man nicht diskutieren 

sollte. Ich drücke niemandem meinen Ge - 

schmack auf und spiele einfach, was mir gefällt. 

Als Profi kann ich da natürlich emotional trennen. 

Während ich heute noch bei manchen Prog - 

passagen Tränen vor Freude und Gänsehaut beim 

Spielen und/oder beim Hören bekomme, produziere 

ich Schlager oder Auftragsproduktionen einfach 

deshalb, weil ich’s kann. Diese Flexibilität 

wünsche ich mir bei manch anderen, insbesondere 

bei denen, die Musik vermarkten. 

MM: Du bist einer der schnellsten Gitar ris ten 

(messbar in Anzahl Töne/Sekunde). Ist das 

noch virtuose Musik oder eher Sport? 

CC: Das ist sicher beides. In meinen Anfangs - 

jahren in den 70ern, als ich die Soli meiner 

Helden (allen voran Toni lommi, aber auch Jimmy 

Page, Ritchie Blackmore oder Alvin Lee) so lange 

übte, bis ich schneller war, unterlag ich dem 

Irrglauben, umso erfolgreicher zu werden, je virtuoser 

man spielt. Heute weiß ich, dass da kein 

Zusam menhang zwischen Können und kommerziellem 

Erfolg besteht. Erfolg hat nicht der bessere 

Musiker, sondern der, der besser vermarktet wird. 

Heute hören wir ja so gut wie gar kein Gitar ren - 

solo mehr im Formatradio. An der alten Machart 

(Intro, Vers, Ref, Vers, Re., Gitarren solo, Ref, usw.) 

habe auch ich mich zugegebenermaßen sattgehört. 

Ich lasse bewusst an anderen Stellen bei 

Studioproduktionen kurz im Song die Sau raus 

oder wie früher live, wenn ich spüre, dass das 

bei den Leuten ankommt. Ganz ehrlich, dieses 

Malmsteen-Gedudel kann sich ja kein normaler 

Mensch lange anhören, abgesehen von den Gi - 

tarristen, die auch gerne so spielen würden. Mir 

macht die Speedguitar einfach nur Spaß und ist 

zudem auch eine sehr gute Konzen tra tions übung 

für Kopf und Hände. 

MM: Woher hast du dein Talent als Musiker? 

CC: Ich vermute mal, von meinen Eltern. Nein, 

Spaß beiseite, wahrscheinlich hat es mich schon 

mitgeprägt, dass mein Vater Akkordeon spielte 

und mit meiner Mutter zweistimmig die Schlager 

der 50er und 60er in der Küche sang. Daher vieljederzeit 

beliebig abgreifbar vorhanden, ähnlich 

wie die Luft zum Atmen. Unterstützung findet 

diese fatale Einschätzung durch Strea ming - 

dienste, Torrentpages oder Converter (YouTube 

to mp3). 

»Auch ich verwende 

sehr gerne neue Sounds, 

aber ich spiele 

alles selbst an der Gitarre 

und am Keyboard ein, 

bis hin zum kleinsten 

Arpeggio. 

Handmade, so leiste ich 

meinen bescheidenen 

Beitrag dazu, 

dass Musikmachen 

etwas Besonderes ist und 

bleibt.« 

Auf der musikalischen Seite sieht es ähnlich 

düster aus. Da ist heute der Sound wichtiger als 

die Harmonie/Melodie. Endlos viele Program - 

mier fabriken veröffentlichen Samples, die noch 

von echten Musikern eingespielt wurden, ge - 

paart mit vorgefertigten Loops und „Cinematic 

Ambient Sounds“ versehen, um diese dann mit 

digitalen Adaptionen längst existierender Vintage - 

sounds zu verbinden. 

Dadurch haben wir heute einen belanglosen 

Brei von unzählig gleichklingenden (und gleichlauten) 

Tracks im „Loudness War“ irgendwelcher 

talentfreier „Musiker“, deren Namen sich mittlerweile 

gar niemand mehr merken kann und auch 

nicht mehr merken will. 

Auch ich verwende sehr gerne neue Sounds, 

aber – und das ist wohl der gravierende Unter - 

schied – ich spiele alles selbst an der Gitarre und 

am Keyboard ein, bis hin zum kleinsten Arpeggio. 

Handmade, auch wenn es die große Masse aus 

genannten Gründen nicht mehr interessiert. So 

leiste ich meinen bescheidenen Beitrag dazu, dass 

Musikmachen etwas Besonderes ist und bleibt. 

MM: Prog-Rock ist dein Lieblings-Genre, die 

kommerziellen Erfolge verzeichnest du aber 

leicht auch meine Liebe zur Mehrstimmigkeit in 

den Gitarrensoli und im Chorgesang. Meine Ge - 

sangsstimme klingt nicht sehr schön, aber be - 

züglich Tonsicherheit und Harmoniegesang wurde 

ich reichlich ausgestattet – zum Leidwesen mancher 

Sänger mit gut klingender Stimme, aber deutlichen 

Schwächen, in Tune zu singen, ge schweige 

denn im Satzgesang :-)) 

Ansonsten fand ich niemand, trotz Ahnenfor - 

schung, der in der Verwandtschaft über ein solch 

ausgeprägtes Talent verfügte. Für dieses Talent bin 

ich der Natur und meinen Eltern ewig dankbar! 

MM: Von 1999 bis 2009 warst du Bandleader 

der deutsch-britischen Band „Dark Ocean“. 

Wie und wo habt ihr euch damals zusammengefunden? 

CC: Eine schöne und gleichzeitig traurige Ge - 

schichte. Ich war 1998/1999 mit meiner Frau in 

Australien. Wir haben dort geheiratet, und ich 

schrieb die neue Australienhymne „Welcome to 

Australia“, die dort in Brisbane uraufgeführt und 

von der Deutschen Sporthilfe für die deutsche 

Olympiamannschaft Sydney 2000 nominiert 

wurde. Den Drummer Mark Coughlan aus London 

lernte ich dort kennen und gründete mit ihm die 

Band DARK OCEAN. Wir schrieben mit fünf Alben 

und einer großartigen Tour mit Barclay James 

Harvest Prog-Rock-Geschichte. R.I.P. my dear 

Mark. Ich werde nie seine glänzenden Augen 

vergessen, wenn wir mit „Higher Grounds“ die 

Konzerte er öffneten und gemeinsam richtig eingezählt 

hatten, voll im Beat auf dem Punkt waren 

und bis zur Ekstase improvisierten. Wir werden 

uns wiedersehen … 

MM: Was meinst du bedeuten Bands heute 

noch? Ist das Modell zukunftsfähig? 

CC: Schwierig … Wie ich vorhin schon sagte, 

haben sich die Hörgewohnheiten der jungen Ge - 

neration gewaltig geändert. Da feiern 10 oder gar 

100 000 Menschen irgendwelche DJs mit nicht 

angeschlossenen Kopfhörern ab, die ganz verloren 

auf der Bühne an irgendwelchen Ge räten 

herumschrauben, die auch nicht verkabelt sind. 

Dann haben viele Bands live mittlerweile so viel 

Playbacks/Konserven im Gepäck, dass wir uns 

nicht wundern müssen, wenn auch die tatsächliche 

Leistung des Musikers auf der Bühne zunehmend 

nur noch ein Randpublikum interessiert. 

Abgerundet wird diese Entwicklung noch von 

den ganz großen Acts, deren Fans mehr Wert auf 

ihre Smartphoneaufzeichnung legen als auf das 

Zuhören. 8 


30 STORIES 

Das gemeinsame Musizieren wird den Men - 

schen allerdings nach wie vor weiter Freude be - 

reiten, ob in der örtlichen Blaskapelle, im Kirchen - 

chor oder in einer Rockband. 

Voraussetzung für einen größeren oder 

schnelleren Erfolg ist das Modell Band jedoch 

nicht mehr. Früher wollte man die Zauberer (z. B. 

Keith Emerson an der Orgel) direkt sehen. Heute 

muss es eine 3D-5.0-Lasershow sein, fast schon 

egal, wer da auf der Bühne steht. Damit meine 

ich jetzt nicht Leute wie Helene Fischer, sondern 

eher deren Bassisten. Wen aus der Masse interessiert 

schon, wie er spielt oder wer er ist? 

Nachdem ja nun auch kleinere Live-Clubs ums 

Überleben kämpfen, weißt du Bescheid. 

arbeit im Büro, aber da sind wir beide organisatorisch 

bestens aufgestellt. Die meisten Musiker sind 

eben nur Musiker, und da wird Labelarbeit oftmals 

zur Qual oder gar unmöglich. Neben meinen eigenen 

Produktionen (z.B. mein aktuelles preisgekröntes 

Album „The World Anthem“) veröffentlichen wir 

nach wie vor viele Nachwuchs künstler, denen ich 

für eine wirklich geringe Be teiligung an den 

Produktionskosten ein hoch attrak tives, vernünftiges 

Newcomerpaket anbiete. Ich liefere damit im 

absolut finanzierbaren Bereich die Kom position, 

den Text, spiele alle Instrumente ein, recorde die 

Vocals, gefolgt von Mix, Mastering, Cover ge stal - 

tung, Label veröffent lichung und Pro motion nach 

Absprache. Hinzu kommt eine satte Beteiligung 

an den Verkaufserlösen für den Künstler. 

CC: Im Grunde sind solche Aktionen für den 

Initiator, was ich in diesem Fall ja bin, eine sehr 

undankbare Sache. Ich investiere da nun schon 

im neunten Jahr Zeit, Geld, Energie und Nerven, 

um nicht selten zu hören, dass man sich damit ja 

nur „wichtig machen möchte“. Falsch – ich bin 

schon wichtig (Achtung: Spaß), deshalb bräuchte 

ich das nicht. 

Nein, es ist wirklich so, dass ich etwas von 

meinem Erreichten abgeben möchte. Wer die 

Seite www.rockforyourchildren.de etwas genauer 

durchschaut, wird unschwer erkennen, dass 

da ein riesengroßer Berg an Arbeit dahinter 

steckt, der es aber Wert ist, weiter dran zu bleiben. 

Wer mit RFYC arbeiten möchte, der schickt 

mir einfach den Veranstaltungs-Antrag (siehe 

Website) ausgefüllt zu. Benefiz/Charity ist zwar 

ein un dankbares Geschäft und manchmal auch 

kritisch zu betrachten, vor allem, wenn z. B. Mil - 

liar däre bei einer Charity-Gala 1.200€ zusammenbringen 

… oder wenn 70% von Spenden - 

geldern in irgendwelchen Verwaltungen oder 

Ma nager gehältern versinken. Schlimm genug, 

dass sämtliche Regierungsformen dieser Welt 

überhaupt Benefiz/Charity nötig machen. Ich 

bleibe da am Ball! 

MM: Nach Plattenverträgen bei den großen 

Majorlabels hast du mittlerweile deine eigene 

Plattenfirma „CoCo Records Inter na tio nal“ 

gegründet. Welche Chancen birgt das und 

was machst du derzeit damit? 

CC: Die Musikproduktionsfirma „CoCo Produc - 

tions“ wurde 1998 und das Label 2003 gegründet, 

beide unter der Geschäftsführung der In - 

haberin, meiner Frau. Wir haben damals festgestellt, 

dass ein Künstler, verglichen mit den be - 

scheidenen Beteiligungsprozenten der Majors, 

dort etwa zehnmal so viele Stückzahlen absetzen 

muss, um auf den gleichen Endbetrag zu 

kommen, der durch das eigene Label erwirtschaftet 

wird. Das ist natürlich erhebliche Mehr - 

»Musiker sind 

wie Zirkusartisten 

ideale Beispiele 

als Vertreter 

der brotlosen 

Kunst.« 

Erfolgsgarantien gibt es logischerweise nicht, 

aber jeder Act weiß nach einer Zusam men arbeit 

mit mir, wo er steht und ob er eine Chance am 

Markt hat. Abgesehen von „ich bin die/der größte 

Traumtänzer/-in“ darf sich jeder bei mir melden, 

auch wenn er/sie noch nicht selbst an sich glaubt. 

MM: Mit den Erlösen deines Songprojekts 

„Rock for your Children“ unterstützt du 

regel mäßig Kinderprojekte an verschiedenen 

Orten sowie die Stiftung „Hänsel und Gretel“ 

oder das Projekt „Herzenssache“, der 

Kinderhilfsorganisation von SWR, SR und 

Sparda Bank. Was sind deine Erfah rungen 

damit und wie stehst du allgemein zu Be - 

nefiz und Charity? 

MM: Die Musikbranche hat sich von Platten - 

verkäufen zu Streaming ziemlich gewandelt. 

Wie gehst du für dich mit diesen Ver än de - 

rungen um? 

CC: Ich nutze im Grunde diese digitalen Portale 

mehr als Promotionplattformen als für den Ver kauf. 

Da kommen ja entspannt bescheidene Cent- 

Beträge rüber, die dann Monate später durch 

noch bescheidenere GEMA- oder GVL-Rück - 

flüsse getoppt werden. Nein, für einen Musiker 

ist das kommerzielle Gesamtsystem kaputt. 

Gegen argumente sind Augenwischerei. Das 

sieht man an meiner Discografie. Ich schrieb 

mehr als 1 300 Songs, die sich noch bis vor zehn 

Jahren weltweit millionenfach verkauften. Heute 

habe ich noch eine vierstellige Zahl an echten 

Fans, die (wohl generationsbedingt) hauptsächlich 

immer noch CDs kaufen. Musiker sind wie 

Zirkusartisten ideale Beispiele als Vertreter der 

brotlosen Kunst. Das ist seit Jahrhunderten 

schon so. Denken wir an die weltberühmten 

Komponisten, die bettelarm gestorben sind. Wir 

haben acht Milliarden Menschen auf der Erde. 

Ein Viertel davon sind musikalisch begabt. Die 

paar tausend Superstars, die nur mit Musik 

Millionen verdient haben, sind keinesfalls die 

besseren Musiker, sondern nur die, die besser 

vermarktet wurden oder werden. Ein Beispiel: 

Mein Song „Sadness in your eyes“ verkaufte sich 

1994 auf überschaubaren 1 500 CDs, ein paar 

Jahre später als Titel „Gestern zählt nicht mehr“ 


STORIES 31 

im Starclub-Musical auf über 80 000 Exemplaren. 

Ist deshalb die Komposition mehr wert? Nein. Da 

das Geldverdienen mit Musik heute kaum noch 

etwas mit musikalischem Können, sondern vor 

allem mit gutem Marketing zu tun hat, rate ich 

jedem Musiker mit musikalisch-kreativen Ambi tio - 

nen, einen Beruf zu wählen, der ihn auch zufrieden 

und stressfrei satt macht. 

MM: Was sind deine weiteren musikalischen 

Pläne? 

CC: Nun, ich war 40 Jahre lang Musiker und Kri - 

minalbeamter im 24/7-Modus. Seit 01. November 

2018 bin ich im sogenannten Ruhestand (?), 

sodass ich als Pensionär nun ohne Ende noch 

viel mehr Musik machen kann. Eine große Palette 

an Projektideen wartet auf meine Umsetzung. 

Ich war schon immer jemand, der nicht nur Ideen 

hat, sondern sie auch konsequent umsetzt. 

Im Moment habe ich zwölf Produktionen gleichzeitig 

am Start. Da sind auch Einzeltracks dabei, 

also nicht nur Alben. Das Jahr ist somit eigentlich 

schon voll, denn wir müssen ja auch die gerade 

schon fertigen Produktionen betreuen. Da merken 

wir uns am besten die Namen Andrea Beth, 

Andrea Weil, Michaela Kuti, Bernd Busam und 

Thomas Gerst. 

Und – endlich kommt mal wieder ein Instru - 

mental-Entspannungsalbum von mir mit dem 

Schweizer Starklarinettist Fritz Dünner – „Dream- 

dome“ – auf den Markt. 

Zum Thema live reizt es mich, entweder un - 

plugged „The World Anthem“ mit Freunden auf 

die Bühne zu bringen oder doch noch „die beste 

Rockband der Welt“ zu gründen, vielleicht auch 

beides. In Australien habe ich auch noch freundschaftliche 

Kontakte, die ich derzeit reaktiviere. 

Auch dort warten noch schöne Musikaktionen 

auf mich. 

Zudem freue ich mich auf den nächsten 

Deutschen Rock & Pop Preis 2019, wo ich schon 

2016 und 2018 Preise mit nach Hause nehmen 

durfte. 

WEB: WWW.CONNYCONRAD.NET 

INTERVIEW: RONJA RABE 

FOTOS: ANDREA WEIL 

CONNY CONRAD 

„The World Anthem“ 

VÖ: 7. SEPTEMBER 2018 

WWW.CONNYCONRAD.NET

32 STORIES 

JOHN MAYALL 

The Godfather of British Blues (Teil 2) 


STORIES 33 

»Mayall kam nun bei dem 

Label ABM–One Way 

unter Vertrag. 

Dort veröffentlichte er bis 

1978 sechs LPs, die unter 

dem zunehmenden 

Einfluss von Funk standen 

und weniger an 

Mayalls klassischer und 

erfolgreicher Blues musik 

orientiert waren.« 

Gute Musiker hatte er nach wie vor um sich. 

Auf vier dieser Alben wirkte der Gitarrist Rick 

Vito mit, der danach eine bemerkenswerte 

Karriere als Begleit-Gitarrist hatte. Unter anderem 

begleitete er Ende Juli 1977 beim Rockpalast- 

Auftritt von Roger McGuinn’s Thunderbyrd den 

Ex-Byrds-Frontmann, außerdem die Bee Gees, 

Fleetwood Mac, Jackson Browne, Bonnie Raitt 

und Bob Seger. Be son ders gelungen sind seine 

dem Blues gewidmeten Auftritte mit Mick 

Fleetwood im Jahr 2008. Fast symptomatisch 

klingt der Titel von Mayalls letzter LP für ABM– 

One Way: „The Last of the British Blues“. Aber 

gerade diese LP gehört wiederum zu den besseren 

Mayall-Veröffentli chungen dieser Phase. 

Mayalls Lead-Gitarrist war, wie auch schon 

auf dem Album „A Hard Core Package“ von 

1977, James Quill Smith, der live ziemlich viel 

Vergnügen bereitete. Mayall schätzte den Ende 

April 2018 im Alter von 75 Jahren verstorbenen 

Quill Smith, der unter anderem Three Dog 

Night und Billy Joel be gleitet hatte, und nannte 

ihn einmal sogar den „besten Gitarristen“, den er 

„seit Eric Clapton“ gehabt habe. Mayalls Platten - 

verkäufe waren gleichwohl weiter zurück ge - 

gan gen. Dazu hatte nicht nur die sehr zurück - 

haltende Werbung des Labels für die Alben 

bei getragen, sondern auch Verrisse von Kriti - 

kern, die Mayall nur noch als Schatten seiner 

selbst ansahen. 

Mit seinen drei nächsten Alben für das noch 

kleinere Label DJM, das genauso wenig Wer - 

bung betrieb, machte Mayall Konzessionen an 

den Mainstream. Der Titel des Albums „The 

Bottom Line“ von 1979, die bisher einzige nicht 

als CD veröffentlichte Mayall-LP, beschreibt 

unfreiwillig Mayalls Situation und markiert seinen 

Tiefpunkt. Es hat mit Mayalls Stärken wenig 

gemein. „No More Interviews“ aus dem Jahr 

1980 ist deutlich besser geraten. Hörenswert ist 

auch die Nachfolge-LP „Road Show Blues“ von 

1982 (beide mit dem Lead-Gitarristen Quill 

Smith), das 2003 zusammen mit zuweilen wirklich 

starken Live-Aufnahmen aus den 1970er- 

Jahren neu herausgebracht worden ist. Dort 

spielte Freddy Robinson aus Jazz-Blues-Fusion- 

Zeiten die Lead-Gitarre. Die leichte Stei gerung 

zu Ende des DJM-Vertrages wurde dadurch entwertet, 

dass der Disco-Boom die Blues musik 

weiter an den Rand gedrängt hatte, sodass 

kaum jemand noch Platten dieses Genres produzieren 

mochte. 

Solcherlei Abwärtsentwicklungen blieben 

nicht ohne Folgen für den Menschen Mayall. 

Hatte er sich früher strikt vom Alkohol ferngehalten 

und sich über seine Mitmusiker geärgert, 

wenn sie diesem reichlich zugesprochen hatten, 

wurde er in den 1970er-Jahren zum Trinker. Von 

sich selbst sagt er, in dieser Zeit bei den meisten 

Auftritten in jenem Jahrzehnt betrunken 

gewesen zu sein. Mayall erkannte aber zu seinem 

Glück, dass der Alkohol seine Probleme 

nicht löste, sondern im Gegenteil nur verschärfte. 

Mayall musste davon freikommen, wenn er 

seine Reputation nicht gänzlich verlieren und 

sich auf seine Stärken als Bluesmusiker besinnen 

wollte. Nach etwa zehn Jahren hatte Mayall 

seinen Alkoholismus überwunden und ging 

gemäß dem Titel seines Polydor-Albums von 

1972 „back to the roots“. Auf diese Weise 

wurde aus dem Auslaufen des DJM-Vertrages 

ein Neubeginn. 1982 kam in Australien „The 

Return Of The Bluesbreakers“ beim Label AIM 

auf den Markt, für das Mick Taylor nach Jahren 

wieder zu Mayall gestoßen war. Fortan nannte 

Mayall seine Band wie früher John Mayall’s 

Bluesbreakers; erst ab 2009 verwendete er nur 

noch seinen eigenen Namen für Veröffent - 

lichungen und Auftritte. Ebenfalls 1982 gingen 

Mayall und Taylor auf eine Reunion- 

Tournee, mit den ehemaligen Bluesbreakers 

John McVie als Fleetwoc-Mac-müde gewordener 

Bassist und dem Drummer von Blues From 

Laurel Canyon Colin Allen. Der Mitschnitt „The 

1982 Reunion Concert“ wurde erst 1994 von 

Repertoire als CD herausgebracht. Er zeigt 

eine spielfreudige Band mit Taylors vorzüglichen 

Soli. Im Rahmen der Tournee wurde im Juni 1982 

ein Konzert der reformierten Bluesbreakers mit 8 


34 STORIES 

eigenen Stü cken sowie mit Albert King, Buddy 

Guy, Junior Wells, Etta James und Sippie Wallace 

als Gästen im New Jerseyer Capitol Theatre 

quasi als Huldigung an diese Blues-Größen fürs 

Fern sehen aufgezeichnet. Jahrelang war ein 

kleinerer Teil davon, der Ton-Mitschnitt, nur als 

Bootleg-LP „Blues Alive“ erhältlich. 2004 gab es 

schließlich die vollständige TV-Auf zeich nung als 

DVD bei Hybrid Recordings als „Jammin’ With 

The Blues Greats“, während 2011 dies alles als 

Doppel-CD und als DVD bei Blues Boulevard 

Records, die den Auftritt nun „In The Shadow Of 

The Legends“ nannte – beide in sehr guter Bildund 

Ton qualität. Die Blues breakers waren endgültig 

zurück und lieferten dem Publikum ein 

Blues-Fest! Taylors Soli, mit und ohne Slide, 

sind schlicht wunderbar und geradezu elektrisierend 

im Wechselspiel mit dem Virtuosen der 

Blues gitarre Albert King bei dessen Klassikern 

„Born Under A Bad Sign“ und „Stormy Monday“. 

Zum Abschluss des Konzerts wechselte Taylor 

dann auch vorübergehend ans Keyboard, als 

Mayall mit seinem Mund har monika-Solo und 

seiner Vokal-Percussion bei „Room to Move“ 

brillierte. Taylor begleitete Mayall später hin und 

wieder bei Konzerten. Mittlerweile sind noch 

andere lohnende Live-Auf zeich nun gen aus der 

Zeit der Reunion-Tournee 2006 beim Label 

Secret Music auf der Doppel-CD „The Private 

Collection“ er schienen, die außerdem Mit schnitte 

aus den Jahren 1972/73 mit Freddy Robinson 

und 1980 mit James Quill Smith erhalten. Secret 

Music hat dies 2010 und 2011 auch als einzelne 

CDs herausgebracht und umgetitelt: „Howlin’ At 

The Moon“ und „Smokin’ Blues“. 

»Nach der 

Reunion-Tournee von 1982 

gelang es Mayall, 

seine Stärken dauerhaft 

zu bewahren. 1984 tourte 

er mit dem brillanten 

Lead-Gitarristen Coco 

Montoya, der während der 

folgenden Jahre 

Stamm-Mitglied der 

Bluesbreakers war.« 

Montoya schien elektrisierende Soli nur so 

aus dem Arm zu schütteln. Eine erste Kost - 

probe von 1984 enthielt die 1994 bei One Way 

veröffentlichte CD „Cross Country Blues“, 

neben Live-Aufnahmen derjenigen Besetzung, 

mit der Mayall die australische CD „The Return 

Of The Bluesbreakers“ eingespielt hatte. Mayall 

mit Montoya waren erstmals 1985 mit einem 

Live-Mitschnitt in Ungarn aus demselben Jahr 

auf der LP „Behind The Iron Curtain“ (GNP 

Crescendo) zu hören. Zu dieser Zeit gehörten 

den Bluesbreakers Mayall, Montoya, Bobby 

Haines (Bass) und Joe Yuele (der Drummer, der 

von 1985 bis 2008 und damit am längsten bei 

Mayall blieb) an und außerdem als zweiter Lead- 

Gitarrist der heutige Bluesrock-Star Walter 

Trout, der zuvor sein Engagement bei Canned 

Heat beendet hatte und Montoya absolut nicht 

nachstand. Dies war eine Band der Extra - 

klasse. Vor allem Montoya und Trout spielten 

sich wie entfesselt die Bälle zu. Auf diese beiden 

Ausnahme-Gitarristen hätte Mayalls früherer 

Album-Titel „A Hard Core Package“ 

exakt gepasst. Beim ungarischen Auftritt konzentrierten 

sich die Bluesbreakers auf Mayalls 

Repertoire aus den 1960er-Jahren und punkteten 

mit hoher Spielfreude. Diese bewiesen sie 

auch in mehreren Live-Aufnah men von 1987 

und 1988, wovon die CDs „The Power Of The 

Blues“ (Entente, 1987) und „Live In Germany“ 

1988 (Immortal, 2011) sowie die DVDs „Live At 

Iowa State University“ (Quantum Leap, 2004), 

„Rollin’ With The Blues“ (Planet Song, 2004), 

„Rollin’ With The Blues“ (Planet Song, 2006) 

und „Room To Move“ (All Stars, 2006) zeugen; 

das Konzert auf „Rollin’ With The Blues“ wird 

leider mehrfach durch Interviews unterbrochen. 

Danach nahm Mayall 1988 mit dieser 

formidablen Besetzung leider nur noch die CD 

„Chicago Line“ für Entente auf, denn als Erster 

verabschiedete sich Trout für seine – bis heute 

erfolgreiche – Solokarriere. 

Rockmusik aus dem Westen war dem DDR- 

Regime lange nicht genehm, weil sie als vorgeblich 

dekadent nicht ins sozialistische 

Denkschema passte. Schon den Rock ‘n’ Roll 

hatten die DDR-Gewaltigen als „raffiniertes 

Mittel der psychologischen Kriegsführung der 

USA“ und als „Krankheit“ eingestuft, der den 


STORIES 35 

Werten der „sozialistischen Menschen ge mein - 

schaft“ à la Walter Ulbricht widersprach. Das 

sogenannte Kahlschlagplenum, die von Erich 

Honecker anti-westlich eingefädelte „ideologische 

Wende“ 11. Tagung des Zentral komitees 

der SED im Dezember 1965, bereitete der Rock - 

musik als „zersetzenden imperialitschen de - 

kadenten Dreck“ in der DDR ein offizielles Ende. 

Die junge DDR-Generation hungerte indessen 

nach dieser Musik, und in den 1980er-Jahren 

ließ sich auch in der DDR die Rockmusik „aus 

dem imperialistischen Westen“ nicht länger 

unterdrücken. So war Mayalls Blues breakers- 

Formation mit Montoya und Trout (dieser im 

Canned-Heat-T-Shirt) im April 1987 aus Anlass 

der Feier „750 Jahre Berlin“ im DDR-Palast der 

Republik „Zu Gast in Berlin“ und stand damit 

ziemlich am Anfang von Bands, die aus den 

USA anreisten. Das DDR-Fernsehen strahlte 

das bemerkenswerte Konzert mit Montoyas 

und Trouts hinreißenden Soli aus. Wer vor der 

deutschen Wende im bundesdeutschen Zonen - 

randgebiet lebte, konnte das Ereignis im Palast 

der Republik damals mitschneiden. Mitte Januar 

2019 ist dieser Auftritt bei EuroVideo die DVD 

„Im Konzert. Live in Berlin 1987“ aus dem DDR 

TV-Archiv Unterhaltung erschienen – unbedingt 

zugreifen! Ein ähnlicher Genuss ist der clubartige 

Auftritt der Bluesbreakers vom Frühjahr 1988 

für die SWF-Reihe Ohne Filter, der bislang nicht 

als Kauf-DVD herausgekommen ist. 

Nach dem Bluesbreakers-Auftritt in Ost-Berlin 

fand vom 6. bis zum 8. Juni 1987 das dreitägige 

„Concert For Berlin“ mit David Bowie und Phil 

Collins’ Genesis an der Spitze im Westteil der 

Stadt unweit des Brandenburger Tores und 

damit in Hörweite von DDR-Rockfans statt. 

»Der Auftritt sorgte unter 

der jungen Bevölkerung 

der DDR derart für Unmut 

über das SED-Regime, 

dass es zunehmend 

Auftritte von 

US-Rockmusikern in der 

DDR gestattete, 

vor allem im Jahr 1988, um 

im eigenen Land 

nicht weiter ins Abseits 

zu geraten.« 

Montoya blieb Mayall noch bis 1993 als 

ständiges Mitglied der Bluesbreakers treu. 

Mittlerweile brachte Mayall wie in früheren 

Zeiten ein ausgezeichnetes Album nach dem 

anderen heraus. Besondere Beachtung fand 

1990 seine CD „A Sense Of Place“ für das 

bekannte Label Island. Dieses Mal wurden die 

Bluesbreakers durch den Slide-Gitarristen 

Sonny Landreth verstärkt, den Clapton auf einem 

seiner Crossroads Guitar Festivals „my hero“ 

nannte. „A Sense Of Place“ gehört zu Mayalls 

besten Alben. Landreth wandte sich danach seiner 

Solokarriere zu, so dass auf dem Silvertone- 

Album „Wake Up Call“ von 1993 Montoya wieder 

der einzige Bluesbreakers-Gitarrist ist. Als 

Gastmusiker ist der Blues-Veteran Albert „Ice 

Man“ Collins mit seiner Telecaster als Gast mit 

von der Partie. Nach „Wake Up Call“ schied 

Montoyas als reguläres Bluesbreakers-Mitglied 

aus und beschritt künftig Solopfade. Auf den 

DVDs „Live From The Bottom Line, New York“ 

(Masterplan, 2004) und „Live From Austin TX“ 

(New West Records, 2007; zugleich als CD 

erschienen) kann man sich an den Blues - 

breakers mit Montoya sowohl akustisch als auch 

optisch einmal mehr erfreuen. 

Der Weggang von solch hervorragenden Mu - 

sikern wie Montoya und Trout ließ die Blues - 

breakers jedoch wie in vergangenen Tagen 

nicht ausbluten. Mayalls Auge für gute Musiker 

blieb ungetrübt. Montoyas Nachfolger wurde 

1993 der 1956 geborene Buddy Whittington, 

erneut eine vorzügliche Wahl! Whittington war 

1991 bei einem Auftritt der Bluesbreakers in 

Dallas – Fort Worth mit der Band The Sidemen 

als Vorgruppe aufgetreten und hatte Mayall 

begeistert. Als die Position des Lead-Gitar - 

risten vakant war, kontaktierte er umgehend 

Whittington, der sofort zusagte. Whittington 

blieb bis 2008 bei den Bluesbreakers, länger 

als jeder andere der bisherigen Lead-Gitar risten. 

Gemeinsam mit Mayall und Yuele war er damit 

8 


36 STORIES 

Garant für die dauerhafte Hochklassig keit der 

Band. Das erste gemeinsame Album für 

Silvertone mit Whittington war „Spinning Coin“ 

von 1995, dem beim selben Label 1997 „Blues 

For The Lost Days“ folgte. Mayall war wieder derart 

erfolgreich geworden, dass er ab 1999 beim 

bekannten Rock-Label Eagle Records unter 

Vertrag stand. Das erste Bluesbreakers-Album 

dort war im selben Jahr „Padlock Of The Blues“, 

erneut mit illustren Gästen: Montoya und kein 

Geringerer als John Lee Hooker. Die dauerhafte 

qualitative Kon so lidierung der Bluesbreakers 

brachte es mit sich, dass Mayall ab 2000 auf seinem 

Label Private Stash in Eigenregie CDs am 

Rande seiner Konzerte vertrieb. Auf „Time 

Capsule“ folgte 2001 die Live-CD „UK Tour 2K“ 

mit Auf nahmen von der britischen Blues breakers- 

Tour im Mai 2000 und als reines Mayall-Key - 

board-Soloalbum „Boogie Woogie Man“. 2003 

schloss sich auf CD und DVD das weitere, sehr 

empfehlenswerte Live-Album „No Days Off“ mit 

Auf nahmen aus dem Vorjahr an. Bis dahin war 

2001 bei Eagle Records die CD „John Mayall 

and Friends – Along For the Ride“ mit vielen 

hochkarätigen Gästen erschienen, darunter 

Steve Cropper, Mick Fleetwood, Billy Gibbons, 

Peter Green, Jeff Healey, John McVie, Steve 

Miller, Gary Moore, Billy Preston, Chris Rea, 

Mick Taylor – und natürlich mit Whittington und 

Yuele. Schon 1992 wurde das nächste gelungene 

Bluesbreakers-Album „Stories“ veröffentlicht. 

Barber war damit zu seinen Wurzeln als 

Förderer des britischen Blues zurückgekehrt. 

Clapton war Mayalls Einladung gern gefolgt, 

denn rückblickend fühlte er sich nach all den 

Jahren nicht wohl damit, Mayall im Juli 1966 

als Bandmitglied verlassen zu haben. Claptons 

und Taylors Soli sind wahrer Genuss, und 

Barbers Blues-Posaune zu Claptons Gitarre 

lässt einen ebenfalls schwärmen. Insgesamt 

ein singuläres Ereignis, das die Anschaffung 

sowohl als CD als auch als DVD lohnt, selbst 

wenn man sonst nichts von Mayall im Regal 

stehen hat. Wie schon erwähnt, brachte Eagle 

Vision parallel dazu die DVD „The Godfather Of 

The British Blues/The Turning Point“ heraus. 

Bis 2007 entstanden in Mayalls beständigster 

Bandbesetzung noch drei Alben. Für „Private 

Stash“ gab Mayall 2003 die Live-DVD „Cookin’ 

Down Under“ heraus und unterstützte seine 

zweite Ehefrau Maggie Mayall, von der er mittlerweile 

ebenfalls geschieden ist, auf einigen 

Stücken ihrer Private-Stash-CD „Dig This“ von 

2006. Eagle Records veröffentlichte 2005 

„Road Dogs“, und im selben Jahr wurde Mayall 

für seine musikalischen Verdienste zum Order 

of the British Empire (OBE) ernannt. Mit Siche r - 

heit war er zu dem Zeitpunkt einer der wenigen 

Musiker, die zu Lebzeiten ungewöhnlich viele 

Tonträger veröffentlicht hatten. Die letzte CD 

Eagle Records mit Whittington und Yuele wurde 

„In The Palace Of The King“ (2007), eine gelungene 

und würdige Hommage an den früh verstorbenen 

Blues-Gitarristen Freddie King mit ausgezeichneten 

Gitarren-Parts von Whittington und 

dem renommierten Blues-Gitarristen Robben Ford 

als Gast auf dem Stück „Cannonball Shuffle“. 

Dann löste Mayall die Bluesbreakers 2008 auf, 

nachdem Whittington 2007 sein erstes, formidables 

Soloalbum „Buddy Whittington“ aufgenommen 

hatte. Whittington, den Mayall rückblickend 

als „vielleicht größten aller Blues breaker“ würdigte, 

widmete sich seiner Solo karriere und ließ bisher 

zwei weitere lohnende Alben folgen. 

Mayall wollte nach eigenen Angaben mit der 

Auflösung der Bluesbreakers ein neues Kapitel 

aufschlagen. Abrupt vor vollendete Tatsachen 

gestellt reagierte sein langjähriger Drummer 

Yuele tief enttäuscht. Die neue Band setzte 

sich aus Mayall, dem Bassisten Gregg Rzab, 

der sich Mayall in der Vergangenheit mehrfach 

angeschlossen hatte, dem Drummer Jay 

Davenport und dem Lead-Gitarristen Rocky 

Athas zusammen, ein erfahrener Gitarrist, der 

zum Freundeskreis des 1990 tödlich verunglückten 

Top-Gitarristen Stevie Ray Vaughan 

zählte und 2000 mit dessen Band Double 

Trouble aufgetreten war. Das erste gemeinsame 

Album „Tough“ wurde 2009 Mayalls letztes 

Album für Eagle Records. Auch „Tough“ machte 

deutlich: „Mayall kann es immer noch!“ 2011 

verkaufte Mayall bei seinen Auftritten „Live In 

London“ als CD und DVD. Diese Aufnahmen 

zeigen Mayall und seine Band als vitale Musiker. 

Bevor ein neues reguläres Album erschien, förderte 

Mayall aus seinem Archiv Material gleich 

für drei CDs bei Private Stash hervor. Unter der 

Überschrift „Historic Live Shows. Never Before 

Released“ erhält man einen ausgezeichneten 

»Zu einem einzigartigen 

Bluesrock-Fest wurde 

allerdings Mayalls 

Liverpooler 70th Birthday 

Concert. Nicht nur die 

bewährten und bestens 

aufgelegten Bluesbreakers 

standen auf der Bühne, 

sondern auch Eric Clapton, 

Mick Taylor und 

Chris Barber, die Stars des 

Abends. « 


STORIES 37 

Konzert-Querschnitt mit den be sonderen For mationen aus der 

Zeit von The Turning Point und USA Union. Der Schwerpunkt 

liegt aber auf Auftritten mit den Spitzen gitarristen Montoya und 

Whittington von 1990 bis 1998. 

Nach „Tough“ wechselte Mayall 2014 zum Label Forty Below 

Records. Die CDs „A Special Life“ (2014) mit dem Zydeco- 

Musiker Clifton Chenier, der Live-Mitschnitt „Find A Way To 

Care“ von 2015 und Talk About That (2016) mit dem Gitarristen 

Joe Walsh als Gast setzen Mayalls solide, kompetente Musik 

fort, wovon man sich auch auf der CD „Recorded Live At The 

2016 New Orleans Jazz & Heritage Festival“ des Labels jazzfest 

live überzeugen kann. Der nächste Umbruch ließ allerdings 

Mayall-typisch nicht lange auf sich warten. Athas wollte 

künftig mit seiner eigenen Band touren. Dieses Mal fand 

Mayall nicht umgehend Ersatz, sodass die 2018 erschienene 

CD „Three For The Road“ Live-Aufnahmen mit Mayall, Rzab und 

Davenport enthält, mit Mayalls Keyboard im Zentrum. Eine 

Dauerlösung war dies nicht, und auf dem von Ende Januar bis 

Anfang Februar 2018 aufgenommenen und im Februar 2019 

erschienenen neuen Album „Nobody Told Me“ sind gleich mehrere 

ausgezeichnete Lead-Gitarristen mit von der Partie. Zu 

den illustren Gästen gehören unter anderem der Star-Gitarrist 

Joe Bonamassa (mit hervorragenden Soli auf zwei Stücken), 

der kanadische Gitarrist Alex Lifeson (vom Magazin Rolling 

Stone zu den 100 besten Gitarristen aller Zeiten gezählt), der 

vielfach ausgezeichnete Blues-Gitarrist Larry McCray, der 

unverwüstliche Steven van Zandt und der Multi-Instrumentalist 

und Produzent Todd Rundgren sowie die Blueserin Carolyn 

Wonderland. Mit Wonderland ist Mayall auf seiner im Herbst 

2018 begonnenen Tournee im März 2019 auch in der Hamburg 

Fabrik aufgetreten. Dass das Spiel der Blueserin zuweilen mit 

der unglaublich flüssigen Gitarre von Stevie Ray Vaughan verglichen 

wird, ist wirklich nicht weit hergeholt. Mayalls Blick für 

Könner ist also ungetrübt. 

Standhaft in 

Heim & Studio 

„Nobody Told Me“ ist ein weiteres qualitätsvolles Bluesalbum 

geworden. Im Studio wie auch live ist Mayall als Instrumentalist 

und Sänger nach wie vor kraftvoll. Verständlicherweise hört 

man hin und wieder seiner Stimme an, dass er gealtert ist. 

Dem Vergnügen tut das aber keinen Abbruch, denn über die 

Vitalität des mittlerweile 85-jährigen Mayall, der sich das 

Etikett „Godfather of the British Blues“ schon lange redlich 

verdient hat, kann man nur staunen. 

Nächste FolGe: THE ROLLING STONES – GREATEST 

GROUP ON EARTH 

WeB: WWW.JOHNMAYALL.COM 

text: NORBERT APING 

Fotoquelle: JOHN MAYALL 

GrAFik: © KISHIVAN / FOTOLIA.COM 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor und Direktor 

des Amtsgerichts a. D. in Buxtehude. 

Der König & Meyer 

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38 STORIES 

Eine Stimme 

wie schwarzer, frischer 

Espresso 

ee’Oh ist Sängerin. Sie gibt Konzerte, die Bühne ist ihre Welt. Ihr 

Zuhause ein Wohnwagen im Allgäu. 

Schon immer ist Musik ihr Traum. 2001 entscheidet sie sich, ihren bürgerlichen 

Beruf hinter sich zu lassen und als Leadsängerin und Studio musikerin 

ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Durch die intensive Arbeit im Studio- und 

Live-Bereich sammelt Lee’Oh von Jahr zu Jahr unschätzbare Erfahrungen in 

verschiedensten Musikgenres. Und doch verfolgt sie immer nur ein Ziel: ihren 

eigenen Musikstil finden – sich selbst finden – ankommen! 


STORIES 39 

Alles umgekrempelt und die 

Flexibilität Als künstlerin 

2001 machte ich mich nach der Diagnose 

Multiple Sklerose selbstständig als Sängerin. Ich 

habe keinen Moment überlegt. Im Gegenteil: Die 

Diagnose gab mir den letzten Tritt, um meinen 

größten Traum zu realisieren. Alle gut gemeinten 

Ratschläge ließ ich hinter mir und setzte alles auf 

eine Karte. Es folgten Coverbands, Studiojobs, 

Straßenmusik und alles, was irgendwie nach 

Musik schmeckte. Die harten Zeiten überbrückte 

ich mit Nebenjobs, die sich gerade anboten – 

ohne Flexibilität hätte ich das nicht geschafft. Ich 

probierte mich jahrelang mit Songwritern aus 

den wohl unterschiedlichsten Genres. Durch die 

Covermusik war ich stimmlich zwar flexibel und 

konnte alles singen – das machte aber meinen 

Weg zu einem eigenen, unverkennbaren Stil nicht 

einfacher. 

Als sich das musikalische Rad 2014 in meiner 

damaligen Heimat für mich nicht mehr ausreichend 

zu drehen schien, beschloss ich kurzerhand, 

in die Münchner Richtung zu ziehen. Mit 

14 Umzügen auf dem Buckel schien mir ein 

Wohn wagen die beste Lösung – und wieder mal 

musste ich flexibel sein und loslassen können. 

Ohne einen blassen Schimmer vom Leben im 

Wohn wagen habe ich den nächstbesten gekauft 

und mir einen privaten Stellplatz in der Nähe 

von Buchloe gesucht. Von Haustür zu Haustür 

klingelte ich und feuerte seriös meinen Spruch 

ab: Hallo, ich bin Sängerin und suche einen Stell - 

platz für meinen Wohnwagen. Gesagt, getan. 

Das Trailer-Bootcamp konnte in der Hofeinfahrt 

einer freundlichen Familie beginnen. Ein ganz 

neuer Weg entgegen aller Erwartungen meines 

Umfelds. Ich begann, die erstaunten Blicke zu 

genießen, und fand mit jedem Tag mehr zu mir 

selbst und zu der Erkenntnis, was wirklich wichtig 

ist für mich. 

eine löWin unterWegs 

im Wohnmobil durch d, A & ch 

Ich kämpfte mich durch den Neuanfang und 

ein Jahr später suchte ich mir einen neuen Stell - 

platz in der Umgebung: mitten im Grünen und 

näher an der Natur, als ich es je zuvor war. Musi - 

kalisch baute ich mir ein neues Netzwerk. Wieder 

arbeitete ich neben der Covermusik mit zahlreichen 

Song writern an meiner eigenen Musik. Ich 

schrieb neue Texte, zerrte alte aus der Ver sen - 

kung und schrieb und schrieb. Die Zusam - 

menarbeit mit sogenannten Pro duzenten ging 

mal besser und schlechter. Schwierig wurde es 

für mich, als immer mehr Leute 

ent scheiden wollten, wie meine 

Texte auszusehen hatten. Nein, 

ich wollte authentisch bleiben. 

Ich wollte meinen Weg 

gehen, mich ausleben, 

meine Worte für meine 

Texte nutzen und nicht 

mehr das erfüllen, was 

mein musikalisches Um - 

feld von mir erwartete. Ich 

war ständig on the road und auf 

der Suche nach mir. Die Nächte in 

meinem Kombi wurden mir langsam zu 

viel, so legte ich mir 2015 ein kleines Wohn - 

mobil zu: Ich wollte noch ungebundener sein. 

Von nun an war ich völlig frei und konnte meine 

Auftritte und mein Leben perfekt koordinieren. 

Alles, was ich und meine Hunde dame Jamie 

brauchten, hatte ich ja immer dabei. 

AlltAg und musik im 

WohnWAgen 

Mittlerweile habe ich mich an das Leben im 

Wohnwagen gewöhnt. So sehr sogar, dass ich 

einen Campingplatz und seine Annehmlichkeiten 

überhaupt nicht vermisse. Was ich an meinem 

Leben schätze, ist die Freiheit. Zu keinem Zeit - 

punkt habe ich das Gefühl, etwas zu vermissen. 

Egal ob Sommer oder Winter – mein Wohnwagen 

bietet mir neben der Bühne das glückliche Ge - 

fühl, endlich angekommen zu sein. Ich kann singen, 

wann immer ich Ideen habe; heimkommen, 

ohne jemanden morgens um 4 Uhr zu stören. 

Heute sitze ich oft mitten in der Nacht an 

meinem Schreibtisch vor meinem 

Mikrofon und lasse meinen Ideen 

freien Lauf. 

8 

LEE’OH 

„Imma jetzt.“ 

VÖ: 26. JULI 2016 

WWW.LEEOH.DE 


BINEONSTAGE.DE 


40 STORIES 

contest-rodeo AuF dem Weg 

Zur selbstFindung 

cover-pArtyproJekt sichert 

den lebensunterhAlt 

und die lust AuF mehr 

Klar gab es jede Menge an wilden Contest-Er - 

lebnissen, die ich unter dem Oberbegriff Er fah - 

rung verbuchte. Vor allem, wenn gerade mal wieder 

so gar nichts vorwärtsging, legte ich meine 

ganze Hoffnung in diese 30 Sekunden, die mir 

blieben, um die Menschen auf der anderen Seite 

des Tisches zu überzeugen. Was im 15-seitigen 

Vertrag stand, habe ich naiv ausgeblendet. Auf 

ganz großen Bühnen stehen – das war es … 

davon träumte ich im Warte zimmer. Nach den 30 

Sekunden hieß es dann, ich sei stimmlich zu 

dominant, für Pop aber doch etwas zu samtig. 

Ich hatte das Gefühl, dass ich nie zum richtigen 

Zeitpunkt am richtigen Ort war. Gott sei Dank, 

sagte ich mir beim Rausgehen, wenn mein Hirn 

wieder auf normalem Stand war: „Du wolltest 

doch aufhören, die Visionen anderer zu er füllen. 

Du wolltest doch dein eigenes Ding durchziehen 

…“ So kehrte ich trotz des Miss erfolges dankbar 

in mein Domizil auf vier Rädern zurück. 

»Was ich an meinem Leben schätze, 

ist die Freiheit. Zu keinem 

Zeit punkt habe ich das Gefühl, 

etwas zu vermissen.« 

Die letzten Jahre war ich hauptsächlich alleine 

als Cover-Act zu buchen. Hier und da holte ich 

mir einen zweiten Musikerkollegen hinzu. Es war 

für mich auf Dauer eine Herausforderung, spontan 

an gute Duo-Kollegen zu kommen, die am ge - 

wünschten Tag auch noch Zeit hatten. Seit einem 

Jahr habe ich nun endlich mein Gegen stück, 

meinem festen Kollegen Joe Smith mit an Bord. 

Unser Duo hat den Namen SCHMIDT REISSEND 

bekommen und ist der In begriff von dem, was ich 

mir im Bereich Cover vorgenommen habe. Hier 

kann ich all meine Er fahrungen, die ich in den 

letzten 20 Jahren sammeln durfte, einbringen 

und ausleben. Am Ende eines jeden Abends stehen 

zufriedene und glückliche Auf traggeber. Mit 

Herzblut und Flexi bilität – das ist meine Über zeu - 

gung – können wir hier unseren Facetten reichtum 

ausleben. 

INFOS UND BUCHUNGSANFRAGE UNTER: 

WWW.BINEONSTAGE.DE 

Der Tag X kam, an dem ich kapierte, dass ich 

mich bei der eigenen Musik gar nicht verstellen 

muss! Den Zwang, es musikalisch allen recht zu 

machen, konnte ich endlich entkommen. Nun 

standen meine Gefühle, meine Worte im Vorder - 

grund: Es entstand mein erstes Album „IMMA 

JETZT“. Produziert wurde es im Miditon Studio in 

Dirlewang. Weil ich alles selbst finanzieren musste, 

hatte ich nur ein sehr, sehr geringes Budget, 

doch die Lee’Oh Liveband unterstützte mich und 

wir konnten mit gemeinsamer Energie das Un - 

plugged-Album tatsächlich an einem Tag live einspielen. 

Wow, Gänsehaut, wenn ich an die Stim - 

mung im Studio zurückdenke – es war absolut 

abgefahren. Mit diesem First-Take-Erfolg konnte 

ich einen meiner allergrößten Kindheitsträume 

erfüllen: der Traum von der eigenen CD. Ich war 

so stolz und bin es immer noch. Ich bin allen 

dankbar, die mir das ermöglicht haben. Zum 

ersten Mal im Leben arbeitete ich mit Freunden 

und Kollegen an meinen Visionen. Vogelfrei konnte 

ich das realisieren, was ich für das Album fühlte. 

Diesmal war es richtig! Jetzt bin ich wieder fleißig 

am Sparen – Fortsetzung folgt natürlich! 

Authentische mutmAchende 

Abende – immA JetZt 

Hinfallen und wieder aufstehen. Die Musik war 

immer mein größtes Ventil. Die Erlebnisse und 

Themen, die ich in meine Texte packte, brachte ich 

auf die Bühne. Ich sang das Album bei Kon - 

zerten mit meiner Band, alleine zu meinen Halb - 

playbacks und mit Joe an der Gitarre bei Floh - 


STORIES 41 

bAck to bAsic und 

Worum es im leben geht 

Nachdem ich für mein Leben im Wohnwagen 

meine Wohnung auflöste, war es schon damals 

ein großartiges Gefühl, auszusortieren und mich 

von altem Ballast zu befreien. Ich erkannte schnell, 

was ich zum Leben benötige und was mich wirklich 

glücklich macht. Seither halte ich mich an 

den Frühjahrsputz in meinem Leben. Oft bleibe 

ich einfach stehen und sortiere mein Leben und 

mein Umfeld ganz neu – dankbar auf der Jagd 

nach den Schmetterlingen im Bauch. Das Glücks - 

gefühl steht an erster Stelle! 

mikroFon oder kAmerA? 

Comedy liebte ich ja schon immer und brauche 

auch dringend diese Momente, wo ich Kind 

sein darf. Als Statistin in verschiedenen Formaten 

und Comedyvideos konnte ich hier und da ein 

klein wenig Filmluft schnuppern. Das machte mir 

Spaß und mein Duopartner Joe Smith und ich 

leben derzeit unsere verrückte Seite oft auf unseren 

nächtlichen Heimfahrten aus und teilen unsere 

Videos aus Spaß auf Instagram. Irgendwo muss 

die ganze Energie ja hin ;-). Lachen und Lustig 

sein: Tagesprogramm! 

du gibst den ton An – 

Wie geht’s Weiter? 

märkten, vor Supermärkten, auf der Straße, und 

ich bekam die Möglichkeit, meine Erfah run gen in 

sogenannten „Mutmacher-Abenden“ für MS- 

Betroffene und -Interessierte, organisiert von 

einer Agentur aus Düsseldorf, in verschiedenen 

Städten weiterzugeben. Wie kann sich Musik 

po sitiv auf eine chronische Erkrankung auswirken? 

Bei mir vor allem, weil sie ein tolles Ventil dar stellt. 

Neben informativen Vor trägen von Musik the ra - 

peuten berichtete ich von meinem Leben, sang 

meine Lieder und am Ende waren wir uns alle einig: 

Wir wollen das Leben ge nießen … Imma jetzt! 

Als Nächstes steht erst mal ein neuer Wohn - 

wagen auf dem Programm. Mein jetziger hat so 

langsam das Zeitliche gesegnet. Musikalisch bleibe 

ich nach wie vor weiter auf meinem Weg, entwickle 

mich und bin gespannt, was die Zukunft 

für mich bereithalten wird - sicher wird es spannend 

bleiben. Und ja, ich bleibe auch weiterhin 

getunt vom Glücksgefühl auf meinem Weg mit 

allen Höhen und Tiefen: Imma jetzt! 

FOTOS: ALEXANDRA WIND PHOTODESIGN; 

NADJA ZIEGLER; THERESA WINKLER 

BACKGROUND: 

© MARIA_LH / FOTOLIA 


42 STORIES 

SEIT ZWEI JAHRZEHNTEN 

ERFOLGREICH ON THE ROAD! 

MM: Ihr feiert dieses Jahr euer 20-jähriges Bühnen ju bi - 

läum – wie fühlt sich das an? 

EDDY AND THE BACKFIRES: Ein sehr gutes Gefühl, nicht mehr 

jede Band schafft diese Zeitspanne heutzutage. Je näher das 

Bühnenjubiläum rückt, umso mehr wird einem auch bewusst, 

was 20 Jahre bedeuten, aber auch, wie schnell diese Zeit rumging, 

und vor allem, was man alles erlebt hat. 

MM: Mit eurem Rockabilly seid ihr auch international ge - 

fragt. Wo spielt ihr am liebsten? 

E.A.T.B.: Im Endeffekt spielen wir überall gerne. Es ist natürlich 

interessant, wie das Szenengefüge sich in anderen Ländern 

zusam mensetzt wie z. B. in Frankreich, Spanien oder auch in 

Moskau, wo wir bereits schon gespielt haben. Trotz der unterschiedlichen 

Sprachbarrieren und Lebensarten der einzelnen 

Länder stellt man eigentlich immer wieder fest, dass die Unter - 

schiede zwischen den verschiedenen Regionen Europas durch 

die Musik ausgehebelt werden und man eine Einheit bildet. 

Daher haben wir keinen konkreten Favoriten, auf den wir uns 

festlegen können, da jede Region ihren positiven Reiz hat. 

MM: Wie funktioniert Rock’n’Roll/Rockabilly heutzutage? 

E.A.T.B.: Rock´n´Roll/Rockabilly ist ja bisher immer sehr subkulturell 

gewesen, mal ausgenommen die 50er-Jahre. Wenn 

man sich mal die letzten 30 Jahre anschaut, geht es natürlich 

erst mal um die Musik, die gepaart mit einer Portion Lebens - 

einstellung ist. Wir denken, es kann nur funktionieren, wenn 

man die Anfangswurzeln und den ursprünglichen Wert des 

Rock’n’Roll nicht aus den Augen verliert, sich selbst aber treu 

bleibt und sich nicht verbiegen lässt. Es mag sein, dass in der 

heutigen Zeit noch ein paar mehr Faktoren mit reinspielen, wie 

z. B. Modeerscheinungen, die immer salonfähiger werden etc. 

Aber das sollte jeder für sich selbst entscheiden. 

»Eddy & The Backfires 

(Backfire Records) 

sind der wildeste Act der 

deutschen 

Rockabilly-Szene!« 

MM: Wie ist euer Stand in der Szene? 

E.A.T.B.: Wir selber würden uns, ohne arrogant zu klingen, als 

gute Bundesligamannschaft einordnen, die auch ab und zu mal 

an der Euro-League teilnimmt, wenn man es mit Fußball vergleichen 

will. Im Endeffekt ist es sehr schwierig, uns diesbezüglich 

selbst einzuschätzen. Wir denken, der Hörer und Konzert be - 

sucher kann das am besten einschätzen. 

MM: Eine eigene Stillinie sei Fluch und Segen zugleich, 

meint ihr. Warum? 

E.A.T.B.: Die Frage ist einfach zu beantworten. Die Leute aus der 

Szene, die eine authentische Stilistik von einer Band erwarten, 

werden vermutlich eher auf andere Künstler zurückgreifen, da 

wir uns selber und unserer Linie treu bleiben und unseren eigenen 

Stil in unsere Musik mit einfließen lassen. Für uns ist es 

wichtig, so zu sein, wie man ist. Denn es ist nicht unser Ding, 

Ge we se nes stumpf nachzueifern, sondern eher die eigene 

Kreati vität in Kom bination mit dem Gewesenen zu paaren. 

MM: Ihr schwört auf Selbstmanagement und habt 2017 

euer eigenes Plattenlabel Backfire Records gegründet. 

Was sind die größten Vorteile hierbei und wie bekommt 

ihr die ganze Organisation und das Musikmachen unter 

einen Hut? 

E.A.T.B.: Das Management der Band obliegt uns schon seit 

Gründungstagen der Band selbst. Eddy ist im Prinzip derjenige, 

der die Koordination der Bookings sowie die Reiseplanung 

und das Zeitmanagement regelt. Der Vorteil hierbei ist natürlich 


STORIES 43 

der direkte Kontakt mit den Veranstaltern und Promotern, das 

spart Zeit und Wege. Ein großer Vorteil ist natürlich auch die 

hundertprozentige alleinige Geschäftsverhandlung mit allen 

Part nern. Das Label Backfire Records ist in erster Linie an unserer 

Stammkneipentheke entstanden. Unser Bassist Christian 

und unser damaliger Gitarrist Jared haben über eine Label - 

gründung rumphilosophiert. Da Christian beruflich bei einer 

größeren Platten firma arbeitet, war die Gründung keine große 

Hürde. Ge sagt, getan. Trotz des Ausstieges von Jared ist uns 

dieser hinter den Kulissen erhalten geblieben. Es ist ein Segen, 

dass er sich um die Betreuung des Labels mit kümmert und 

uns weiterhin als Co-Producer zur Seite steht. Das hält uns 

natürlich viel den Rücken frei, sodass die musikalische Arbeit 

nicht beeinträchtigt wird. Jedoch ist die Arbeit auf dem eigenen 

Label eigentlich auch sehr entspannt, stressfrei und ehrlich, 

denn wir entscheiden selbst, wann wir was veröffentlichen 

und wie wir es haben wollen – und kein anderer! Das Label 

wächst zwar langsam, aber dafür stetig. Wir arbeiten bereits 

mit vier Bands auf dem Label, was sich zu einer Familyaffair 

untereinander entwickelt hat. 

MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis habt ihr nicht nur 

den zweiten Preis als Beste Rock’n’Roll / Rockabillyband 

gewonnen, sondern seid mit eurer Live-Darbietung von 

„Dreaming Of You“ als beste Countryband 2018 ausgezeichnet 

worden. Wie war das für euch? 

EDDY & THE BACKFIRES 

„Dead Man Stare“ 

VÖ: 30. JUNI 2017 

EDDYANDTHEBACKFIRES.DE 


EDDYANDTHEBACKFIRES 

E.A.T.B.: Wenn wir ehrlich sind, haben wir den Countrypreis 

gar nicht auf dem Zettel gehabt. Bereits die Nominierungen 

waren schon sehr überraschend für uns. Umso größer die 

Freude, die Auszeichnung gewonnen zu haben, da wir mit 

sehr großer Konkurrenz gerechnet haben, was ja auch so war. 

Wir waren auch mehr auf die Sonderkategorie „Rock’n’Roll/ 

Rockabilly-Band“ fixiert, weil wir schon wussten, dass wir dafür 

ausgezeichnet werden und die Freude darauf schon groß war. 

Wir sind mit dem olympischen Gedanken nach Siegen gefahren 

und es hat sich mehr als gelohnt. 

MM: Was erwartet den Hörer auf eurem aktuellen Album 

„Dead Man Stare“? 

E.A.T.B.: EDDY & THE BACKFIRES in ihrer kontinuierlichen Best - 

form. Überzeugt euch am besten selbst. ;) 

MM: Welche Pläne habt ihr für 2019? 

E.A.T.B.: Hauptfokus wird natürlich unser 20-jähriges Bühnen - 

jubiläum sein. In diesem Rahmen wird es eine neue Platte geben, 

die es im physischen Bereich nur limitiert auf Vinyl geben wird. 

Selbstverständlich werden wir zu dem Anlass auch ein Jubi - 

läums konzert auf die Beine stellen, für das wir auch den ein oder 

anderen Überraschungsgast anheuern werden. Ansonsten 

haben wir natürlich einen gut gefüllten Livekalender mit interessanten 

Gigs und Festivals zwischen Hamburg und Zürich. Wer 

sich gerne informieren möchte, schaut einfach auf unsere Seite 

www.backfires.de oder auf Facebook. 

INTERVIEW: RONJA RABE | FoTo: MAIK WOELL 

BACKGRoUND: © KARAMBA2106 / FOTOLIA.COM 


44 STORIES 

»Fortuna Düsseldorf 

widmete die Band 

die Rockhymne 

„Fortuna“. 

Der Song läuft nicht 

nur im lokalen Radio, 

sondern stimmt 

die Fortuna-Fans 

regelmäßig 

im Stadion auf die 

Heimspiele ein.« 

OCHMONEKS 

„Da Capo“ 

VÖ: 3. MAI 2019 

WWW.FACEBOOK.COM/OCHMONEKS 

Die Hymnen-Experten aus Düsseldorf sind 

durch zahlreiche Live-Auftritte bereits weit über Düsseldorfs 

Grenzen hinaus bekannt.

OCHMONEKS 

„Fortuna Erste Liga“ – Single 

VÖ: 3. MAI 2018 

OCHMONEKS.DE 

MM: Am 3. Mai ist euer neues Album „Da 

Capo“ erschienen. Was kann der Hörer er - 

warten? 

OCHMONEKS: „Da Capo“ ist ein abwechslungs - 

reiches, deutsches Rock-Album mit hörbaren 

Punk- und Hardrock-Anleihen. Im Gegensatz 

zu unserem Debüt-Album „In Dur“ (2017) ist 

„Da Capo“ eine deutliche Spur härter und gerad - 

liniger. Außerdem enthält „Da Capo“ im Gegen - 

satz zur „In Dur“ ausschließlich deutschsprachige 

Songs. Unserem Ruf als Hymnen-Experten 

dürften wir mit dem neuen Album aber durchaus 

gerecht werden. 

MM: Wie würdet ihr euren Musikstil be zeich - 

nen? 

OCHMONEKS: Wir selber? Ganz klar: Deutscher 

Schlager! Im Ernst: Die Frage ist schwer zu be - 

antworten. Wahrscheinlich irgendwas zwischen 

Punkrock, Hardrock und deutschem Rock. 

MM: Wofür stehen die Ochmoneks? 

OCHMONEKS: Die Ochmoneks sind eine 

lebens bejahende Band. Klar gibt es Ecken, 

Kanten und Positionen. Insgesamt ist das Glas 

bei uns aber immer halbvoll, auch wenn wir 

durchaus in der Lage sind, in kurzer Zeit viele 

Gläser zu leeren. 

Außerdem spielt das Thema Freundschaft 

eine zentrale Rolle bei uns. Wir sind fest davon 

überzeugt, dass ein paar wenige gute Freunde 

die beste Altersvorsorge sind. Natürlich läuft 

nicht immer alles rund. Dann kommt es darauf 

an, mit welcher Haltung man sich da wieder 

rauszieht. 

MM: Habt ihr musikalische Vorbilder? 

STORIES 45 

wir natürlich alle rauf und runter gehört. Darüber - 

hinaus feiern wir ein sehr breites Spektrum an 

Bands, das von Dritte Wahl über Guns ’n’ Roses 

und Kärbholz bis Kettcar reicht. Und natürlich 

Wolfgang Petry (lacht). 

MM: Warum habt ihr einen Totenkopf als 

Logo? 

OCHMONEKS: Wir stehen wie viele anderen 

Bands auf Totenköpfe. Allerdings ist unser 

Toten kopf ein ziemlich freundliches Exemplar 

und erinnert an den mexikanischen Dia de 

Muertos, den berühmten Feiertag, an dem die 

Toten gefeiert statt betrauert werden. Damit 

wären wir wieder beim halbvollen Glas. 

Insofern passt das Ding ganz gut zu uns. 

MM: Was bedeutet „Ochmoneks“? 

OCHMONEKS: Die Ochmoneks sind die Nach - 

barn der Tanners aus der 80er-Jahre-Serie „Alf“. 

Bei einer unserer ersten Proben in Stefans 

Wohn zimmer lief „Alf“ nebenan. Seitdem sind 

wir die Ochmoneks. Bandnamen kann man sich 

nicht immer aussuchen, manchmal sind sie ganz 

plötzlich da. 

MM: Welche Rolle hat der Deutsche Rock & 

Pop Preis für euch gespielt? 

OCHMONEKS: Der Deutsche Rock & Pop Preis 

war für uns einer der Höhepunkte im letzten 

Jahr. Wir haben nicht damit gerechnet, gleich 

in fünf Kategorien abzuräumen. An den Tag der 

Veranstaltung denken wir gerne zurück. Die 

Siegerlandhalle ist ein großartiger Ort. Be ein - 

druckt waren wir auch von der Bandbreite der 

anwesenden Künstler. So einen bunten Haufen 

muss man erst mal unter einem Dach versammeln. 

MM: Wo werdet ihr 2019 überall live zu sehen 

sein? Und freut ihr euch schon auf die Tour 

mit J.B.O.? 

OCHMONEKS: Wir werden 2019 in ganz 

Deutschland zu sehen sein. Unsere gemeinsame 

Tour mit J.B.O. führt uns von Görlitz bis Münster 

und von Kiel bis Lindau. Dazu kommen noch ein 

paar Festivals und weitere Auswärtsspiele. 

Momentan stecken wir voll in den Tour-Vor be - 

reitungen und können es kaum erwarten, dass 

es endlich losgeht. 

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ISBN 978-3-943638-29-5 

OCHMONEKS: Vorbilder haben wir eigentlich 

keine. Sehr wohl aber Einflüsse, die man auch 

hören kann. Die üblichen Verdächtigen haben 

Web: OCHMONEKS.DE 

IntervIeW: RONJA RABE 

Foto: ANNE ORTHEN 

alfredverlag.de | alfredmusic.de

46 STORIES 

Moonshine Records 

The 1950’s Recording Studio 

MM: Warum wolltest du ausgerechnet ein 

Vintage-Studio? 

CHRISTIAN KRÜGER: Im Alter von acht Jahren 

habe ich die Schallplatten u.a. von Johnny Cash, 

Hank Williams und Elvis Presley rauf und runter 

gehört und die Liebe zur alten Musik entdeckt. 

Mich haben damals die Musik und der Sound 

begeistert und bis heute nicht losgelassen. Mit 

fünfzehn Jahren hat mir dann mein Vater eine 

Western-Gitarre gekauft, und ich lernte schnell, 

meine Idole nachzuspielen. Später dann versuchte 

ich, meine ersten Aufnahmen mit einem 

Fostex-Mehrspur-Kassetten-Rekorder zu 

machen. Die Ergebnisse waren aber vom Ori - 

ginal weit entfernt … Über die Jahre dann habe 

ich viele Techniken des Home-Recordings ausprobiert, 

ohne wirklich erfolgreich meinen 

Sound zu finden, sodass ich feststellte, dass 

ohne die entsprechenden Instrumente, Ver - 

stär ker, Mikrofone und originale Tontechnik der 

50er-Jahre alles nur ein Pro viso rium bleiben 

würde ... 

MM: Wie ist aus dem Traum dann Realität 

geworden? 

In der Nähe des Starnberger Sees 

hat Christian Krüger ein 

altes amerikanisches Tonstudio nachgebaut 

CHRISTIAN KRÜGER: Als ich im Erwachsenen - 

alter schließlich beruflich erfolgreich war und 

auch das nötige Kleingeld vorhanden war, habe 

ich angefangen, in den USA über Tontechnik und 

Equipment zu recherchieren und die ersten Ge - 

räte einzukaufen. So kam über einen Zeit raum 

von rund zehn Jahren intensiver Recherchen 

ein heute nahezu komplettes 1950s Recording 

Studio zusammen. 

MM: Wie bist du an das nötige Equipment 

herangekommen? 

CHRISTIAN KRÜGER: Über die Jahre habe ich 

mir ein Netzwerk von Gleichgesinnten und 

Samm lern aufgebaut und angebotenes Equip - 

ment eingekauft. Auch ebay USA war oftmals 

sehr hilfreich, um vor allem Ersatzteile für die 

teilweise über 70 Jahre alten Geräte zu finden. 

Angemerkt sei, dass sich die Geräte sehr oft in 

sehr schlechtem Zustand befanden und nahezu 

keines direkt funktionierte. Oftmals waren 

seltene Transformer defekt und so musste ich 

lange die Nadel im Heuhaufen suchen und finden. 

Ein großes Lob gilt hier auch meinem 

Freund und Moonshine-Records-Techniker 

Thomas Klees – ohne seine endlose Geduld 

und Liebe zu den alten Schätzen würde das 

Studio heute nicht existieren. 

MM: Woher wusstest du, was man braucht 

und wie das Ganze aussehen soll, um authen - 

tisch zu sein? 

CHRISTIAN KRÜGER: Dank des Internets sind 

heute tausende alte Fotografien im Netz zu finden, 

die die Studioproduktionen und Auf - 

nahmeräume wunderbar abbilden. Ich wollte 

ein Studio so, wie es die Musiker in der damaligen 

Zeit während ihrer Aufnahmen vorgefun- 


STORIES 47 

den haben, ohne kitschige Coca-Cola-Schilder 

und bunte Replika von 50er-Jahre-Utensilien. 

Als schlichtes Industriedesign … Jedoch wollte 

ich bei der Wandgestaltung auf Autogramm - 

karten meiner Idole nicht verzichten. Natürlich 

mussten diese auch original sein und keine 

Foto kopien. 

MM: Dein Studio dient auch als Foto- und 

Film kulisse. Wer mietet sich da ein? 

CHRISTIAN KRÜGER: Das Studio eignet sich 

sehr gut für Fotoaufnahmen und theoretisch 

auch als Filmkulisse. Hin und wieder bekomme 

ich Anfragen von Fotografen, die das Studio für 

Modeaufnahmen etc. nutzen möchten. Im 

Übrigen bekommen alle Musiker generell nach 

einer Studioproduktion kostenlos authentische 

Foto aufnahmen, die sie für ihre Werbezwecke 

auf Face book, Instagram oder für die eigene 

Home page nutzen können. 

MM: Wie kann ich mir als Musiker einen 

Studio tag bei Moonshine Records vorstellen? 

CHRISTIAN KRÜGER: Nachdem sich die Mu - 

siker im Studio eingefunden haben und In stru - 

mente und Verstärker im Raum platziert sind, 

beginnen wir mit der Wahl der entsprechenden 

Mikrofone für Instrumente und Gesang. Über 

die Mikrofonie im Raum können wir dann den 

Sound entsprechend variieren und verändern. 

Anschließend beginnen wir, jeden Musiker und 

sein Instrument über einen unserer Röhrenmixer 

einzupegeln und verändern hier und dort noch 

einmal die Position der Mikrofone, um später 

ein perfektes Ergebnis zu erreichen. Wenn der 

Mix steht und der erste Testlauf er folgreich allen 

An sprüchen genügt, beginnen wir mit dem 

MM: Für welche Art von Musik ist euer Studio 

am besten geeignet? 

CHRISTIAN KRÜGER: Natürlich klingt Rock’n’ 

Roll mit originalem Slapback-Echo absolut 

Spitzenklasse, aber auch Jazz, Swing, Country 

oder Soul à la Motown oder Chess Records. Wir 

sind aber auch gerade dabei, das Studio mit 

moderner Studiotechnik zu verknüpfen, um 

einen neuen und unverwechselbaren Sound zu 

kreieren. Also warum nicht auch mal Pop oder 

Hip-Hop?! 

MM: Wie unterscheiden sich die Auf nahmen 

im Sound von aktuellen digitalen Auf nah - 

men? 

CHRISTIAN KRÜGER: Bei Moonshine Records 

spielen die Musiker in der Regel, so wie damals 

üblich, live ein. Dies setzt natürlich voraus, dass 

die Musiker entsprechend eingespielt und vorbereitet 

sind, wenn sie ins Studio kommen. Der 

Sound ist durch die nahezu 120 Röhren, die 

während einer Produktion am Start sind, sehr 

warm und voll. Durch die Live-Performance hört 

man auch die Dynamik des Zusammenspiels 

und das Feeling für die Musik. Es wird nichts 

geschönt. Auch ein Fehler sei erlaubt und macht 

eine Aufnahme im Studio menschlich und 

emo tional. Back to the Roots. Es muss nicht 

immer alles 100 % perfekt sein wie im digitalen 

Studio, wo bis zum letzten Takt alles weggebügelt 

wird und oftmals auch die Emotionen des 

Musikers nicht wirklich spürbar sind. Warum 

Recording. In der Regel spielen die Musiker 

jeden Song zwei- bis dreimal Mal ein und wir 

wählen später die besten Tracks hieraus aus. 

Im Übrigen hören wir nach jeder Aufnahme 

gemeinsam mit der Band die Aufnahme noch 

einmal an und erarbeiten uns zusammen das 

perfekte Er gebnis. Haben die Musiker alle Songs 

eingespielt, werden alle Bänder digitalisiert 

und die Musiker erhalten die Songs in dem von 

ihnen ge wünschten Format. Das Besondere an 

den Auf nahmen ist, dass ein Mastering der 

Tracks oder eine Nachbearbeitung meist nicht 

notwendig ist. Der Sound wird praktisch vor 

der eigentlichen Produktion gemacht, während 

im digitalen Studio das meiste nach der 

Produktion aufwendig verändert und gemixt 

wird. 

begeistern heute noch Millionen Menschen alte 

Schallplatten von Miles Davis, Frank Sinatra MM: Auf welchen Medien könnt ihr aufnehmen? 

oder Billie Holliday? 8 


48 STORIES 

MOONSHINE RECORDS 

www.moonshinerecords.de 

info@moonshinerecords.de 

CHRISTIAN KRÜGER: Im Moment werden alle 

Aufnahmen auf 1/4-Zoll-Tonbändern (mono) 

auf gezeichnet. In naher Zukunft ist auch Schall - 

plattenschnitt mit einem unserer Platten - 

schneider (Presto 6N oder Radiotone RA116) 

möglich. Natürlich alles mono und auf original 

New Old Stock Acetat aus den 40er-/50er- 

Jahren. Für den Musikenthusiasten, der es 

komplett authentisch möchte, haben wir auch 

noch originale New Old Stock Presto-Ton - 

bänder aus dem Jahr 1958 im Angebot … 

MM: Wie ist bisher das Feedback der Mu - 

siker, die bei euch aufgenommen haben? 

CHRISTIAN KRÜGER: Zuerst einmal sind die 

Musiker natürlich beeindruckt von der Äs thetik 

und dem Gesamteindruck des Studios. Viele 

kannten die wertvollen Geräte, die seltenen 

RCA-Mikrofone und Instrumente nur von 

Fotografien oder von Platten- und CD-Covern. 

Dann kommt die Sprachlosigkeit, dass diese 

uralten Geräte auch noch funktionieren, und 

letztendlich der unglaublich warme, fette 

Sound nach der ersten Abhöre der ersten Test - 

aufnahme … und das besonders Schöne: Alle 

Musiker wollen für weitere Aufnahmen wiederkommen 

:-) 

IntervIew: RONJA RABE 

Fotoquelle: MOONSHINE RECORDS 

Background: © INGO FRIEDRICH/ 

FOTOLIA.COM 


50 MUSIK & RECHT 

DIE URHEBERRECHTSREFORM 

Welche Auswirkungen hat sie 

auf die kreativen Musikurheber und Musiker/-innen in Europa? 

Netz aktivis ten der Kam pagne zur Ret tung 

des Internets haben Justiz ministerin 

Katarina Barley (SPD) inzwischen eine Petition 

zum EU-Urheberrecht überreicht. Man übergab ihr 

eine Unterschriftenliste mit 4,7 Mil lionen Unter - 

schriften, darunter 1,3 Millionen aus Deutschland. 

Im Koalitionsvertrag zwischen SPD und CDU 

wurde übrigens ausdrücklich festgehalten, dass 

eine derartige Zwangs beein träch ti gung der 

Kommunikationsplattformen unter der euphemis - 

tischen Bezeichnung „Reform des Ur he ber rechts“ 

nicht stattfinden soll. 

Das Europäische Parlament, die Kommission 

und der Rat der Mitgliedsstaaten verhandelten 

und stritten sich bis zuletzt, da es in den Be völ - 

kerungen vieler einzelner EU-Länder außergewöhnlich 

umfangreiche Proteste gab und die 

Kritiker durch diese Reform das Ende des freien 

Internets befürchten. 

Einige Politiker hingegen loben diese Re for m 

und sehen darin eine Chance für Kultur schaf - 

fende, angemessen für ihre Arbeit entlohnt zu 

werden. (Wenn diese „Entlohnung“ via Einzel - 

registrierungen aller Nutzungen denn je bei ihnen 

landet, s. GEMA.) 

Tatsache aber ist, dass insbesondere die Art. 

11 und 13, die zu einem überzogenen europäischen 

Leistungsschutzrechtsanspruch sowie zu 

sogenannten umfassenden Zensurmaschinen, 

d. h. automatisierte „Upload-Filter“, führen könnten, 

den Streit zwischen Befürwortern und 

Geg nern massiv befeuert. Die Absurdität der in 

Diktaturen üblichen „Upload-Filter“ für das Internet 

wird allein darin sichtbar, dass mit Ihnen ver- 


MUSIK & RECHT 51 

»Diese Reform 

richtet sich 

vor allen Dingen 

gegen Google, 

Facebook 

und Twitter.« 

Die Europäische Union 

(EU) hat lange 

ge braucht, um sich 

bei der Reform 

des Urheber rechts auf 

einen Kompromiss 

zu einigen. 

Das liegt zum Teil 

darin begründet, 

dass Millionen 

von Netz aktivisten 

und YouTuber 

in fast allen 

europäischen Ländern 

gegen diese 

Urheberrechts re form 

in zahl losen Ein gaben, 

Petitionen und 

De mon strationen 

zu Recht 

protestierten. 

meintliches urheberrechtsgeschütztes Material 

schon vor dem Hochladen identifiziert und blo - 

ckiert wird. „Upload-Filter“ sind aber nicht in der 

Lage, Parodien zu erkennen oder legitime Zitate 

von unerlaubten Textnutzungen zu unterscheiden. 

Interpretierende Musikgruppen, Musiker in nen und 

Musiker, die covern, werden zudem durch diese 

Zensurmaschinen möglicherweise ebenfalls daran 

gehindert, ihre musikalischen In ter pre tationen in 

Bild und/oder Ton zu veröffentlichen. 

Dagegen ist klar, dass Millionen von kreativen 

Musikerinnen und Musikern, Komponisten und 

Textern, Journalisten und Fotografen von den 

positiven Möglichkeiten der digitalen Kom mu ni - 

kationsplattformen wie YouTube, Facebook, 

Twitter, Vimeo usw. täglich (auch ohne Bezah - 

lung) millionenfach kreativen Gebrauch machen, 

um ihre musikalischen, künstlerischen, journalis - 

tischen und kreativen Arbeiten weltweit bekannt zu 

machen und zu kommunizieren. Dazu gehören 

natürlich auch zehntausende kleine und große 

Musikgruppen und orchester, die mit ihren Kon - 

zerten und Studioaufnahmen ganz legal dafür 

sorgen, dass die Songs/Werke fremder populärer 

Komponisten und Texter aus dem Gesamt - 

bereich der populären Musik, d. h. der Rock-, 

Pop-, Folk-, Blues- und Jazzmusik, niemals vergessen 

werden … 

Diese Urheberrechtsreform richtet sich vor 

allen Dingen gegen Google, Facebook und Twitter. 

Es sind diese Plattformen, die Fotos, Texte, Bilder 

und Musikstücke teilen, die in der Regel urheberrechtlich 

geschützt sind. Ein legaler Vorgang: 

Fotografen, Autoren und Musikerkomponisten werden 

in den meisten Fällen über Lizenz geschäfte mit 

Verwertungsgesellschaften (z. B. GEMA, VG Wort 

etc.) vergütet. Wenn also in Zukunft Urheber - 

rechte verletzt werden, dann sollen zukünftig diese 

Plattformen dafür verantwortlich gemacht werden 

und nicht mehr die Nutzer. Ausdrücklich soll 

sich diese Reform des Urheberrechts nicht gegen 

junge und sehr kleine Unternehmen richten, die 

am Markt noch nicht erfolgreich sind. Auch private 

und nichtkommerzielle Projekte gehören 

dazu. Theoretisch schöne Einschränkungen! 

Was allerdings bleibt, ist die Gefahr, dass zu - 

künftige radikal eingestellte „Upload-Filter“ im 

Internet die gesamte gewachsene Kommuni ka - 

tion mit ihren millionenfachen Usern negativ be - 

einflussen. 

TExT: OLE SEELENMEYER 

FoTo: © BAKHTIARZEIN/FOTOLIA.COM 


52 MUSIKBUSINESS 

Mit Musik 

auf 

Einnahmen erzielen 

LEKTION 1: 

DEINEN 

YOUTUBE-MUSIKKANAL 

MONETARISIEREN 

INTERPRETEN IM 

YOUTUBE-PARTNERPROGRAMM 

Als unabhängiger Interpret kannst du auf 

Partnerprogramm teilnimmst und mit Werbean- 

zeigenUmsätzegenerierst.Währenddudich 

darauf konzentrierst, Musik zu machen, stimmt 

YouTubeAnzeigenaufdeinenKanalundaufdie 

Fansab,diesichdeineVideosansehen.YouTube 

erhältGeldvonWerbetreibendenundnimmtAus- 

❢ Hinweis: Kanäle können sich erst für das 

YouTube-Partnerprogramm bewerben, wenn 

sie1 000AbonnentenundeineWiedergabe- 

zeit von 4 000 Stunden in den vergangenen 

12Monatenerreichthaben. 

EsgibteinigeDingezubeachten.DamitAn- 

zeigenpräsentiertwerdenkönnen,müssendeine 

Inhalte werbefreundlich sein. Außerdem musst 

dudiekommerziellenRechtefüralleAudio-und 

Videoinhaltebesitzen. 

Du kannst auch mit YouTube-Premium-Abos 

Geld verdienen. Abonnenten von YouTube Pre- 

miumzahleneinemonatlicheGebührfürexklusive 

Vorteile,darunterwerbefreieVideossowiehinter- 

grundwiedergabe und offlinezugriff mit der 

YouTubeMusicApp.DuerhältsteinenAnteilder 

gesamtenAboeinnahmen,derdaraufbasiert,wie 

oftYouTube-Premium-AbonnentendeineInhalte 

ansehen. 

WenndumiteinemMusikvertrieboderLabel 

zusammenarbeitest, können diese eventuell 

deineMusikinhaltefürdichhochladenundmo- 

netarisieren.WennduaucheinigeInhaltedirekt 

veröffentlichst,solltestduübereineTeilnahmeam 

YouTube-Partnerprogrammnachdenken,umdiese 

Videoszumonetarisieren. 

❢ Hinweis: DukannstdieMonetarisierungerst 

dannnutzen,wenndeinKanalinsgesamt 

mindestens10 000Aufrufeerzielthatunddie 

EinhaltungderProgrammrichtlinienüberprüft 

wurde. 

INTERPRETEN, DIE MIT EINEM 

MUSIKVERTRIEB 

ZUSAMMENARBEITEN 

YouTube Geldverdienen,wennduamYouTube- 

zahlungenaufdeinAdSense-Kontovor. 

DeineMusikkannauchdurcheinenMusikvertrieb 

veröffentlicht werden, der deine Musik bei 

YouTubeeinreichtunddanndurchAnzeigenund 

YouTubePremiumEinnahmenfürdicherzielt. 

NormalerweisewerdendabeieineEinrichtungsgebühr 

und ein prozentualer Anteil am Umsatz 

berechnet.Geschäftsmodellekönnenabervariieren. 

Neben YouTube arbeiten Musikvertriebe 

unterUmständenauchmitdigitalenPlattformen 

wieAppleiTunes,AmazonMusicundGooglePlay 

zusammen, damit du dort Downloads deiner 

MusiktiteloderAlbenverkaufenkannst. 

NebenderMonetarisierungdeinerVideoskann 

dicheinMusikvertrieb,derunsercontent-ID- 

System verwendet,beimErzielenvonUmsätzen 

unterstützen,wennandereYouTube-Videoswie 

FanuploadsdeineTonaufnahmenenthalten. 

INTERPRETEN 

MIT PLATTENVERTRAG 

❢ Hinweis: EinMusikvertriebkannvondirverlangen,dassdudieRechteanalldeinenInhaltenbesitztoderkontrollierst.Wenndudirnicht 

sicherbist,überprüfediesbittezuerst. 

Wasist,wenndualsInterpretunterVertrag 

stehst?YouTubehatLizenzverträgemitvielengrößerenLabelsundIndie-Labels,dieUmsatzausAnzeigenundYouTubePremiumerzielen.DieLabels 

erhaltendiesenUmsatzbasierendaufdenEigen- 

»YouTube hat in den 

letzten zwölf Monaten 

allein aus Werbung 

über eine 

Milliarde US-Dollar an 

die Musikindustrie 

ausgezahlt.« 

tumsrechten an oder der Kontrolle über Master- 

Aufnahmen, bei denen es sich um die originalen 

oderoffiziellenAufnahmendesMusiktitelshandelt. 

NachdemLabelsGeldvonYouTubeerhalten, 

sinddiesedafürverantwortlich,einenTeilandie 

entsprechendenInterpretenzuzahlen.DieserBetragvariiertjenachVertragzwischenInterpretund 

Label.Eskannauchsein,dassgeleisteteVorauszahlungenandenInterpretenverrechnetwerden. 

FürMusikverträgegibteskeineallgemeingültige 

Formel.Ambestenwendestdudichandeinen 

ManageroderandenVertreterdeinesLabels. 

Siekönnendirmehrdazusagen,wievielGeldsie 

ausverschiedenendigitalenMusikdienstenfürdich 

eingenommenhaben. 

RechteanMusikkompositionenwerdenseparatbehandelt.DeshalbhatYouTubeauchVerein- 

barungenmitMusikverlegernundVerwertungs- 

gesellschaften.ImRahmendieserVereinbarungen 

zahltYouTubeGebührenanverbundeneVerleger 

undSongwriter. 

❢ Hinweis: Eskannsein,dassdieseInformationennichtaufalleSituationenoderLänder 

zutreffen. Du solltest unter Umständen eine 

professionelle bzw. rechtliche Beratung einholen. 

NächSTEFoLGE:DEINE MUSIKKARRIERE 

ÜBER YOUTUBE VORANTREIBEN 

qUELLE:CREATORACADEMY.YOUTUBE.COM 

Foto: © bluedesign / Fotolia.com 



Die Kapitel 5 bis 13 widmen sich – über die eigentliche 

Gesangspraxis hinaus – den Aspekten, die eine bewusste 

Auseinandersetzung mit sich selbst und dem Musik business 

erfordern: Bühnenperformance und Equipment, Ansprache 

des Publikums, aber auch Imagebildung, Zeit-, Selbst - 

mana gement und Marketing. Dazu gehören eben auch u.a. 

Themen wie die Versicherung bei der Künstlersozialkasse 

oder die Inanspruchnahme der Verwertungsgesellschaften 

GEMA und GVL sowie die Gesunderhaltung von Körper, Geist 

und Seele, um auch etwaige Krisenzeiten zu bestehen. 

LEEZA NAIL 

THE SINGER’S COACH 

Der Karriere-Ratgeber 

Alles, was ambitionierte Sänger/-innen 

wissen sollten! 

Im vorliegenden Buch „The Singer’s Coach“ gibt LeeZa Nail 

ihre Erfahrungen an alle weiter, die es ebenfalls ernst meinen 

mit der eigenen Gesangskarriere. Darin beantwortet 

LeeZa – neben den üblichen Fragen zu Stimme und Ge - 

sangs technik – auch solche wie: „Wie kann ich das Singen 

zum Beruf machen? Geht das überhaupt? Muss ich dazu 

berühmt sein? Wie kann man davon leben? Was ist neben 

dem Singen noch wichtig für den Beruf? Muss ich Noten 

lesen können oder geht es auch ohne? Und was ist mit 

Ansagen auf der Bühne? Kann ich das üben?“ 

In den ersten drei Kapiteln beschäftigt sich LeeZa Nail mit 

der Gesangspraxis und deren handwerklichen Grundlagen 

(Atemtechnik, Stimmbildung, Interpretation). 

In Kapitel 4 folgen Inhalte zu den Basics der allgemeinen 

Musiklehre (Harmonik, Rhythmik, Gehörbildung, Vom-Blatt- 

Singen), die jede/r Sänger/-in kennen sollte. 

Ebenso spannend die Interviews mit Berufsmusiker/-innen, 

von denen jede/r angehende Sänger/-in profitieren kann: 

• Lauren Hearnden-Mayer (Musicalgesang und -tanz) 

• Susanne Thomas (Operngesang) 

• Gaby Goldberg (Backgroundgesang) 

• Jeff Cascaro (Jazz- und Soulgesang) 

• Pepe Lienhard (Bandleader, u.a. für Udo Jürgens) 

ÜBER DIE AUTORIN 

LeeZa Nail ist freiberufliche Musikerin (Vocals, Gitarre, Conga; 

Bereich: Jazz, Pop, Rock), arbeitet als Vocal Coach und ist 

regelmäßig als Frontsängerin der Mike Nail Band und mit 

ihrem Solo-Projekt „LeeZa Nail” unterwegs. 

Von ihrem Vater, selbst Sänger und Schlagzeuger, lernte 

sie, Chorstimmen zur Hauptstimme zu finden – und durchzuhalten. 

Mit elf Jahren nahm LeeZa Gitarrenunterricht und konnte 

sich fortan selbst zum Gesang begleiten. Bereits als Teenager 

war sie an den Wochenenden als Hobby-Sängerin unterwegs, 

nahm privaten Gesangsunterricht und träumte von 

der beruflichen Karriere als Sängerin. 

So begann sie, Jazz- und Populargesang in Frankfurt zu 

studieren, wo sie ihren Mann, den Schlagzeuger Mike Nail, 

kennenlernte. Mit ihm gründete sie die Mike Nail Band, die 

inzwischen seit über 20 Jahren besteht und mit der LeeZa 

als Leadsängerin in ganz Deutschland, der Schweiz, 

Österreich, aber auch England, Türkei und Zypern unterwegs 

war und ist. Ebenso gehören das Schreiben und 

Komponieren zu ihren Leidenschaften. 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

ISBN13: 9783947998081; DIN A4, 160 Seiten; 18,95 Euro 

ANDRÉ BAUER 

VON SISYPHUS BIS VAMP 

Geschichten einer DDR-Amateurrockband 

aus Thüringen 

Einfach genial – die Story über eine unbekannte Band aus 

der Provinz der ehemaligen DDR. Anleitung für Band gründer. 

Eine junge Coverband im Schatten der DDR-Rockmusik - 

szene, mit 80 Profibands und 5000 Amateurbands, made 

in GDR. Spannender Bandalltag aus den 80er-Jahren einer 

ganz normalen Amateurrockband aus Thüringen 

Keine Erfolgsstory der großen Stars der Musikgeschichte, 

sondern die fantastische Geschichte des Provinzstars, zwischen 

Grou pies, versifften Toiletten, starrsinnigen Funktionä - 

ren, Wün schen, Träumen, Hoffnungen. Abseits des eintönigen 

DDR-Alltags pulsierte das Leben der Jugend. 

ÜBER ANDRÉ BAUER 

Geboren am 10.11.1968 in Apolda/Thüringen/DDR, Kinder - 

krippe, Kindergarten, 10 Jahre POS, 2 Jahre EOS, 2,5 Jahre 

NVA, 4 Jahre Hotelfachmann-Ausbildung, 5 Jahre Beruf, 

11 Jahre arbeitssuchend mit Praktika, 6 Jahre EU-Rentner. 

ISBN: 978-3-7380-3102-7 

WEB: www.amazon.de/Von-Sisyphus-bis-VAMP-DDR- 

Amateurrockband-ebook/ dp/B010CFWU82 



Gesangsunterricht von zu Hause aus 

ORTSUNABHÄNGIGES ONLINE STIMM- & PERFORMANCE-COACHING 

HRSG. WOLFGANG HERING 

DAS KINDERLIED FESTIVAL 

Das Kinderlied Festival ist ein buntes und reichhaltiges 

Lieder buch mit insgesamt 64 besonderen Songs aktueller 

Kinderliedermacher/-innen zum Feiern und Spaß haben. 

Es ist eine aktuelle Bestandsaufnahme des neuen Kinder - 

liedes mit abwechslungsreicher Musik, fantasievollen Spiel - 

ideen und munteren Bewegungsanregungen. 

Da Kinder vielfältig angesprochen werden möchten und in 

verschiedenen Entwicklungsstadien unterschiedliche Interes - 

sen haben, bietet dieses Liederbuch ein musikalisch und 

textlich breites Spektrum: So finden kleine und größere Kinder 

in den sieben thematisch aufgebauten Kapiteln immer etwas, 

was sie anspricht und einen Bezug zu ihrer Lebenswelt herstellt. 

Damit ist „Das Kinderlied Festival“ für Konzepte der 

musikalischen Früherziehung, den Musikunterricht an 

Grund- und Förderschulen und in der Kinderchorarbeit ebenso 

gut geeignet wie für musikalische Aktivitäten zu Hause 

oder in der Kita. 

Das einheitliche Layout aller Lieder mit Akkordsymbolen 

und der Satz in Stimmlagen, die für Kinder und Erwachsene 

gut zu bewältigen sind, schaffen einen leichten Zugang und 

bilden optimale Voraussetzungen für das musikalische 

Gelingen. Sollte trotzdem einmal eine Tonart angepasst werden 

müssen, so helfen die Transponiertabellen im An hang. 

Dieser enthält auch Grifftabellen für Gitarre und Ukulele. 

Alle Stücke sind auf der beiliegenden CD als Sing-Alongs 

mit Melodie und Begleitung enthalten. 

Zusammengestellt und herausgegeben von Wolfgang 

Hering, mit der freundlichen Unterstützung durch kindermusik.de, 

bildet „Das Kinderlied Festival“ die vielseitige 

deutschsprachige Kinderliedszene ab und soll vor allem 

eines machen: Spaß! 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

Artikelnummer: 20275G | 21,95 Euro 

ISBN: 9783947998074 

Der Vorteil der Ortsunabhängigkeit und lokalen Freiheit, Fahr - 

zeit einzusparen plus nervige Anfahrtswege mit Stau, Park - 

platz suche etc. pp, ist besonders für mobile Menschen 

interessant oder die gern einfach ganz unkompliziert und 

effektiv Dinge von zu Hause aus erledigen – bzw. auch mal 

schnell ohne lange Vorplanung und ohne sich gleich langfristig 

zu binden Support brauchen. Ich selbst nehme das 

jetzt auch immer mehr in Anspruch und habe inzwischen 

tolle Online-Unterstützer, die ich zum Teil gar nicht persönlich 

kenne, z. B. für Hilfe bei meinen Geschäftsunterlagen (Indesign 

1:1 Coaching). Manchmal hat man ja auch nur ein paar 

kleine Fragen und braucht mal professionelles Feed back, um 

weiterzukommen, und man findet dort so viel mehr tolle 

professionelle Leute, wenn man nicht lokal suchen muss. 

Das von überall mögliche Online-Gesangscoaching möchte 

ich heute nochmal kundtun bzw. euch anbieten, auch denen, 

die ggf. auch immer schon etwas weiter weg von mir waren. 

Das spielt jetzt keine Rolle mehr, meine Schüler verteilen 

sich deutschlandweit, es ist superbequem und angenehm, 

und wir können das tun, was wir auch tun, wenn wir uns 

gegenüberstehen: Gehörbildung, Gesangs- und Stimm übun - 

gen, Performance, Songinterpretation, Atemtypen-Analyse, 

Demonstration von Körper- und Atemübungen am Boden 

etc. pp. Sogar am Klavier begleite ich die Übungen bzw. den 

Schüler am anderen Ende der Leitung. Ich finde es selbst 

wirklich faszinierend in dem heutigen, immer unbegrenzteren 

Zeitalter, wo ich doch eher Dinosaurier bin und immer 

etwas altmodisch war mit solch „neumodschem Kram“ ;)). 

Die Sache selbst hat mich nach anfänglicher Skepsis tatsächlich 

überzeugt, und ich sage immer: Das einzige, was 

ich einschränkenderweise nicht machen kann, ist, euch einen 

Kaffee kochen und anfassen ;). 

Wer Lust hat, das auszuprobieren, braucht lediglich einen 

stabilen Internetanschluss und Skype oder Facetime (Face- 

book), Termin, und dann geht es los! :-D Meldet euch gern, 

wenn das interessant sein sollte und ihr Unter stüt zung mit 

der Stimme braucht, auch für einzelne Stunden, ggf. ein 

Feedback oder Training für einen bestimmten Auftritt etc. 

Für Kurse pendle ich immer noch ab und an zwischen 

München und Hamburg hin und her und organisiere gern 

einen Performance-Workshop-Termin, wenn ihr mir rückmeldet, 

wer daran Interesse hat, mich noch mal „körperlich“ 

und im Gruppenkontext zu erleben. Ich liebe diese 

Arbeit so sehr, das ist mir aufgefallen, als ich meine Website 

mit den Erlebnissen der letzten Jahre zum Thema Bühnen - 

präsenz gefüllt habe – schaut gern mal rein: 

www.bianca-harrison.com/workshops 

ROB COLLOMB 

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Der ultimative Einstieg für Rockgitarristen! 

Du träumst davon, E-Gitarre in einer Rockband zu spielen? 

Dann ist Garantiert Rockgitarre lernen genau richtig für dich. 

Es ist Lehrgang und Songbook in einem. Schritt für Schritt 

lernst du, wie die E-Gitarre als Rhythmus- und Leadgitarre 

in der Rockmusikpraxis eingesetzt wird. Am Ende bist du in 

der Lage, insgesamt 16 spannende populäre Rockklassiker 

wie „Boulevard Of Broken Dreams“ von Green Day, „Run To 

The Hills“ von Iron Maiden oder „Honky Tonk Women“ von 

den Rolling Stones zu spielen. Du lernst die speziellen 

Spieltechniken, die typischen Rockakkorde, Riffs und Licks, 

die Songstrukturen und Sounds, die im Rock zum Tragen 

kommen. Die beiliegende Audio-CD enthält die Übungen und 

Songs als Play-Alongs sowie Drum Tracks zum Mitspielen. 

Abgerundet wird das Gesamtpaket durch attraktive Illustra - 

tionen von James Asher. 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de | Artikelnummer: 20211G | ISBN 13: 9783943638431 | 21,95 Euro 



SEIT EINIGEN JAHREN GILT DER 

»SPIDER PRO« VON KÖNIG & MEYER ALS MASS DER DINGE FÜR KEYBOARDSPIELER 

Jetzt präsentiert der Zubehör-Spezialist aus Wertheim das Stativ als Special Edition in knallroter Optik. 

Der erste spektakuläre Tour-Einsatz ließ nicht lange auf sich warten: Christian Besch sorgt mit dem roten »Spider Pro« bei der aktuellen 

Rea-Garvey-Tour für einen Hingucker im Bühnen-Setup. 

Eine Vielzahl von Features, makellose Standfestigkeit, op - 

tio nale Erweiterungsmöglichkeiten und dazu ein außergewöhnliches 

Design – mit dem »Spider Pro« setzte der 

Zubehör-Spezialist König & Meyer schon vor einigen Jahren 

den Maßstab bei Keyboardständern. Jetzt legt das in Wertheim 

ansässige Unternehmen den Bestseller neu auf. Die knallrote 

Optik trifft bei Musikern einen Nerv, denn ein attraktiver 

Bühnenauftritt ist im Live-Entertainment nahezu genauso 

wichtig wie Funktionalität. Das bestätigt auch Christian 

Besch, der gerade mit Superstar Rea Garvey in den größten 

deutschen Hallen gastiert – mit einem roten »Spider Pro« 

im Tour-Gepäck. 

„Die Optik ist für mich elementar“, sagt Besch, „dazu gehört, 

dass der Keyboarder nicht durch seine Geräte zugebaut 

wird und Kabel sauber verlegt werden können.“ Im Vorfeld 

der Tour hat Besch den »Spider Pro« auf Herz und Nieren 

getestet. Er war auf Anhieb von dem Produkt überzeugt: 

„Mir gefallen die hohe Funktionalität, das geringe Gewicht, 

der einfache und unkomplizierte Aufbau sowie die 

Robustheit. Auch die Option, die Höhe der einzelnen Arme 

nach Bedarf passgenau einstellen zu können, ist ein großer 

Vorteil. Zusammen mit den optionalen Anbauteilen ist der 

»Spider Pro« für Keyboarder, die wie ich im Stehen spielen 

wollen, einfach perfekt.“ Der Rea Garvey Side- und Spider - 

man mag live ein „cleanes Setup“, das ihm einen „direkten 

Kontakt zum Publikum“ ermöglicht. Alles Kriterien, die der 

»Spider Pro« erfüllt. 

ENTSTANDEN IM ENGEN DIALOG 

MIT PROFIMUSIKERN 

Entstanden ist der kompakte, für seine vielen Möglichkeiten 

dennoch nur 11 Kilogramm wiegende Keyboardständer im 

engen Dialog mit Profimusikern. „Wir haben uns bei tourenden 

Musikern umgehört. Die Wünsche der Profis sind 

bei der Entwicklung des »Spider Pro«-Ständers eingeflossen“, 

sagt André Scherzer, bei König & Meyer für das Mar - 

ke ting zuständig. 

Der Tour-Alltag schreibt seine eigenen Gesetze. Zuverlässigkeit 

und Robustheit gehören genauso zu den Anforderungen an 

das Live-Equipment wie Handling-Komfort und die Möglich - 

keit individuell angepasster Erweiterungen. Vor diesem 

Hinter grund stellt der »Spider Pro« das ultimative Tool für den 

Live- und Studio-Einsatz dar. 

Zu den Features des mit zwei Paar ausziehbaren und stufenlos 

höhenverstellbaren Auflagearmen ausgestatteten 

»Spider Pro« gehören: die optionale Aufrüstung mit einem 

dritten Paar Auflagearme (und damit die Option für ein weiteres 

Keyboard), ein am oberen Ende der Säule angebrachter 

Gewindeanschluss zur Montage eines Mikrofonarms 

sowie die die Schräge der Säule, um ein bequemeres Spielen 

und die bessere Sicht auf das untere Keyboard zu gewährleisten. 

Maximale Beinfreiheit für den/die Musiker/-in sowie 

genügend Platz für Pedale verstehen sich beim »Spider Pro« 

von selbst. 

»SPIDER PRO« – DIE FEATURES IM ÜBERBLICK: 

• mit 3/8 bzw. 5/8 Gewindeanschluss für 

Mikrofonschwenkarm 

• Hohe Stabilität dank Fertigung aus Aluminium 

• Vier Füße garantieren optimale Standfestigkeit 

• Zwei Auflageebenen 

• Je zwei ausziehbare und stufenlos höhenverstellbare 

Auflagearme pro Ebene 

• Obere Auflagearme sind um 15 Grad geneigt 

• Schrägstellung des Ständers für eine komfortable 

Haltung während des Spielens 

• Beinfreiheit und Raum für Pedale 

• Erweiterungsmöglichkeiten 

durch Aufsätze 

• Ständer kann für den 

Transport zusammengeklappt 

werden 

• Erhältlich in Schwarz, Silber 

und nun auch in Rot 

• Abmessungen: Höhe 1310 mm, 

Auflagetiefe: 

300 mm – 470 mm 

• Gewicht: 10,5 kg 

Artikelnummer: 

18860-000-36 – rot 

Weitere Informationen: 

www.k-m.de 



SHURE PRÄSENTIERT TWINPLEX: 

PERFEKTE PERFORMANCE AUF JEDER BÜHNE 

Subminiatur-Lavaliermikrofone und -Headsets mit Kugelcharakteristik 

bieten herausragende Klangqualität und Strapazierfähigkeit 

Auf der NAB 2019 stellt Shure TwinPlex vor, eine neue 

Serie hochwertiger Subminiatur- (5 mm) Lavaliermikrofone 

und Headsets mit Kugelcharakteristik. TwinPlex bildet hohe 

und tiefe Frequenzen naturgetreu ab und wurde speziell für 

Einsatzbereiche mit anspruchsvollen Bedingungen konstruiert, 

in denen eine präzise Stimmwiedergabe unabdingbar 

ist. Die zum Patent angemeldete, innovative Kapseltechnologie 

mit Doppelmembran ermöglicht einen facettenreichen 

Klang in einem leicht zu kaschierenden Gehäuse. Das kompakte 

Design eignet sich auch für schnelle Kostümwechsel 

und lässt sich unauffällig unter der Kleidung platzieren, 

ohne dass die Klangqualität leidet. TwinPlex wurde in 

Zusammenarbeit mit führenden Audio-Experten entwickelt 

und entspricht den hohen Anforderungen von Theatern, 

Broad cast, Film und Fernsehen sowie Unternehmens veran - 

stal tungen, die hochwertige Audiowiedergabe und maximale 

Zuverlässigkeit erfordern. 

Die TwinPlex-Serie beinhaltet vier Lavaliermikrofone (TL45, 

TL46, TL47, TL48) sowie ein leichtes, anpassbares Headset 

(TH53) in verschiedenen Farben mit umfangreichem Zubehör 

und vielfältigen Optionen. Die Konstruktion mit Doppel - 

mem bran und Kugelcharakteristik sorgt für eine natürliche, 

transparente und warme Stimmwiedergabe und bietet eine 

außergewöhnliche Off-Axis-Klangtreue sowie ein beispiellos 

geringes Eigenrauschen. 

„Wir haben diese Mikrofone mit vielen verschiedenen Men - 

schen getestet, und der Sound ist einfach umwerfend. Das 

Grundrauschen ist sehr gering, und erfreulicherweise hört 

man keinen Körperschall – nicht einmal Kleiderrascheln, 

wenn das Kabel bewegt wird“, kommentiert Peter Schneider, 

Mitinhaber von Gotham Sound. 

Um Jahre intensiver Nutzung zu simulieren, wurde das 

extrem dünne TwinPlex-Kabel in internen Tests bis zum ab - 

soluten Limit geknickt, gedehnt und gezogen. Die überschminkbaren 

Kabel – in Ausführungen von 1,1 mm und 

1,6 mm erhältlich – sind dank einer innovativen Spiral kon - 

struktion mit zusätzlicher Abschirmung resistent gegen 

Knicken und dauerhafte Verformung und bieten herausragende 

Eigenschaften. 

„Die Mikros liegen flach an, und zwar jedes Mal und während 

der gesamten Show. Egal ob wir die Mikros in einer 

Perücke platziert haben oder an einer anderen Stelle des 

Kostüms, es gab nie Knicke. Sie haben genau das getan, 

was wir wollten, das war fantastisch“, so Theater-Tontech - 

nikerin Zoe Milton. 

Die TwinPlex-Mikrofone wurden während der Entwicklungsund 

Testphase extremen Bedingungen unterzogen, um 

sicherzustellen, dass sie unter allen Voraussetzungen einwandfreie 

Audioqualität liefern. Daher eignen sie sich auch 

für unvorhersehbare, anspruchsvolle Anwendungsbereiche 

wie Theater oder Reality TV. Die wasserabweisende Be - 

schichtung und die austauschbaren schweißresistenten 

Filterkappen sorgen dafür, dass Transpiration und Feuchtig - 

keit den Klang nicht beeinflussen, während sich das Kabel 

dem Kostüm und auch den häufig hektischen Abläufen solcher 

Einsätze anpasst. 

„Die Gewissheit, dass mich ein Produkt bei einer Live-Show 

nicht im Stich lässt, gibt mir bei der Arbeit viel Sicherheit. 

Dieses Mikrofon ist für unseren Bereich bahnbrechend“, 

betont Michael Abbott, Broadcast Production Mixer. 

„Wir haben während der gesamten Entwicklungsphase von 

TwinPlex wertvolles Feedback von führenden Branchen - 

profis eingeholt und intensive Tests mit Prototypen durchgeführt, 

um sicherzustellen, dass das Produkt wirklich ausgereift 

war“, erklärte John Born, Senior Global Product Ma - 

na ger bei Shure. „Das führte zu einem umfassenden Portfolio 

mit über 60 Versionen mit verschiedenen Farben, An - 

schlüssen, Kabelausführungen, Frequenzgängen und An - 

sprechempfindlichkeiten, um auch wirklich jeder Anwendung 

gerecht zu werden, die perfekte Klangqualität und extreme 

Strapazierfähigkeit erfordert.“ 

Shure TwinPlex Accessories 

Ausgewählte Modelle der TwinPlex-Serie sind ab sofort verfügbar. 

Umfassende Informationen zu TwinPlex gibt es auf 

www.shure.de 



Single-Stroke, dem Double-Stroke und dem Para diddle. 

Zusammen ergeben diese Bausteine die Grundlage für ein 

klares und geordnetes Spiel am Drumset. 

Manche Anfänger überfordert die Arbeit am Drumset. Zu 

viele Instrumente gleichzeitig, alle vier Gliedmaßen sollen 

agieren. Dabei hat man vor allem am Anfang mit den 

Händen schon alle Hände voll zu tun. Und dann auch noch 

die Füße? Da ist es eine echte Erleichterung, wenn der Focus 

phasenweise mal nur auf einem Instrument liegt. Die Snare 

ist das Zentrum unseres Spiels! 

Oli Rubow 

DAS MODERNE 

SCHLAGZEUGQUARTETT 

Eine spielerische Lehrmethode 

zur Erweiterung des persönlichen 

Rhythmuswortschatzes 

„Ein satter Fundus an Übungs- und Spielfutter für jedes Level. 

Typisch Andy Gillmann: klar, kompakt und sofort spielbar!“ 

Dirk Carstens, Fachbereichsleiter Drums, Kreismusikschule 

Schleswig-Flensburg 

ANDY GILLMANN 

88 SNARE ETÜDEN 

FÜR GROSSE UND KLEINE 

DRUMSETSTARTER 

Vol. 1 mit CD. Alle Etüden auch mit Stickings 

für Linkshänder 

88 Snare Etüden sind eine wichtige und didaktisch gut 

durchdachte Ergänzung zum Unterricht für große und kleine 

Drumsetstarter. Die Übungen an der Snare bilden die Basis 

für eine effektive Technik, ein stabiles Timing und einen guten 

Sound am Drumset. Hier lernen wir, was ein Puls ist (Groove), 

hier entwickeln wir ein Gefühl für 2- und 4-taktige Unter tei - 

lungen (Form) und wir lernen dynamische Unter schei dungen. 

Und das alles auf der Basis der wichtigsten Handsätze, dem 

PETER LORSON 

CAJON & RHYTHM BASICS 

Cajon spielen lernen, erst mal ohne Noten. 

Übungsbuch mit CD und E-Book 

Ein Buch, das einen schlüssigen Zugang zur Musik vermittelt 

und vom Kauf der Cajon über den Überaum bis zur 

Bühne lückenlos begleitet und sogar in die Werkstatt führt, 

zum eigenen Cajonbau, günstig und mit genauer Bauan - 

leitung. 

Ob solo, im Cajonduett oder mit einer Band: Hier findest du für 

dich selbst oder deinen Unterricht viele tolle Anregun gen, um 

dein Leben mit der Kiste bunter und leichter zu gestalten. Nie 

wieder Schweißperlen auf der Stirn, wenn beim Über - 

raschungsbesuch jemand sagt: „Oh, du hast ja eine Cajon, 

spiel mal was.“ Zukünftig lautet die Antwort: „Klar, gerne.“ 

Grundlagen, Haltung, Grundschläge, Ausholbewegung, 

Schlag technik, Rhythmus-Intensivkurs, Rock- und Pop bau - 

kasten, Fill-in-Baukasten, Ethnobeats, Claves, Solo und 

Duette, Songs begleiten. 

„Ich habe immer nach einem Werk gesucht, wo derartige 

Snare-Stücke auf Anfänger-Niveau geboten werden und Andy 

liefert mit diesem Buch eben genau das. Meine Schüler sind 

begeistert, es kommt super an bei jung und alt.“ 

Dennis Degen, Prof. Schlagzeuglehrer in Neuss/Düsseldorf/ 

Willich 

„88 Snare Etüden hat das Zeug, ein Musikschul-Klassiker 

zu werden – eine Art Wilcoxon für Einsteiger. Das Buch ist 

eine tolle Ergänzung für den Schlagzeugunterricht.“ 

Thomas Zimmermann, Leiter der Schlagzeugschule „pro- 

Drum“, Heidelberg 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 

ISBN 978-3-89775-165-1 | 24,80 Euro 

Auf der beiliegenden CD befinden sich 39 Etüden als Hör - 

beispiele. 104 Seiten kartoniert, mit Audio-CD 60 min. 


ISBN 978-3-89775-156-9 | 24.80 Euro | 156 Seiten | CD mit 74 mp3 Tracks + E-Book mit Übungsvorlagen 

Wenn Kinder die Welt entdecken, lernen sie auf spielerische 

Art und Weise. Ein Augenmerk auf die Umschreibung unserer 

Passion macht klar: Auch wir „spielen Schlagzeug“. Um 

diesen Spieltrieb mit der Weiterentwicklung am Instrument 

zu kombinieren, hat Oli Rubow ein spezielles Kartenspiel 

erstellt: das moderne Schlagzeugquartett, ein Buch mit Spiel - 

karten. 

Das Spiel besteht aus 54 Spielkarten, einem Papier - 

sequenzer und 8 Handzeichen. Jede Karte ist mit einem 

Piktogramm bedruckt, das ähnlich wie die Bildsprache der 

Emojis funktioniert und hier für eine schlagzeugtechnische 

Anwendung steht. Das moderne Schlagzeugquartett kann 

man zu zweit oder mit mehreren Rhythmusmachern spielen. 

Mit den Spielkarten und den Handzeichen lassen sich 

im Ensemble moderne Tracks nach dem Baukastenprinzip 

programmierter Rhythmen erstellen oder der Spannungs - 

bogen eines Arrangements steuern. Das moderne Schlag - 

zeugquartett fördert das loopige und patternbasierte 

Groove-Verständnis. Es schult die Fähigkeit, während des 

Trommelns auf optische Zeichen zu reagieren – ein zentraler 

Bestandteil beim gemeinsamen Musizieren! Darüber 

hinaus stellt die Rhythmusliste des Buches einen Pool voller 

moderner Grooves sowie einen Pattern baukasten zur Ver fü - 

gung. Eine umfangreiche Klangbibliothek lädt zu kreativen 

Experimenten ein. 

Die Spielregeln sind einfach und kreativ-flexibel. 


ISBN 978-3-89775-169-9 | 29.80 Euro 

Die das Buch begleitende Website: 

dasmoderneschlagzeugquartett.de 



TECHNICS SL-1210MK7 

PROFESSIONELLER DJ-PLATTENSPIELER MIT EISENKERNLOSEM DIREKTANTRIEBSMOTOR 

Technics präsentiert den neuen, lang erwarteten SL-1210MK7 DJ-Plattenspieler. Er besitzt 

die gleiche Bedien freundlichkeit, Zuverlässigkeit und Langlebigkeit wie seine Vorgänger, 

während er gleichzeitig mit einem kernlosen Direkt antriebsmotor und anderen klangverbessernden 

Tech n ologien optimiert wurde. Außerdem stehen neue DJ-Funktionen wie der 

Reverse Play für maximale Kreativität sowie der erweiterte Pitch-Bereich von ±8% auf 

±16% zur Verfügung. 

Der Tonarm ist statisch ausbalanciert und hochempfindlich, sodass eine hochpräzise 

Abtastung des Schall platten signals erfolgt. In Sachen Vibrationsdämpfung besitzt der 

Technics SL-1210MK7 einen zweischichtigen Plattenteller aufbau, ein hochstabiles Ge - 

häuse sowie effektive Dämpfungs füße. Abgesehen davon ist der DJ-Turntable mit einer 

langlebigen und helleren LED-Nadel-Beleuchtung ausgestattet. Weitere sehr praktische 

Features sind die abnehmbaren Netz- und Signalkabel für eine höhere Flexibilität und die 

Anpassung des Start-/Abbremsmoments. 

In Puncto Style wartet der Technics SL-1210MK7 mit einem mattschwarzen Gehäuse 

inklusive schwarzen Tasten sowie S-förmigem Tonarm auf, die für ein durchgängiges 

schwarzes Design in einer attraktiven, raffinierten Optik sorgen. Mit all diesen Features will 

der Technics SL-1210MK7 einen neuen Standard für DJ-Plattenspieler setzen. 

EISENKERNLOSER DIREKTANTRIEBSMOTOR 

FÜR EINE STABILE ROTATION UND KRÄFTIGES 

ANTRIEBSMOMENT 

Bei einem direktangetriebenen Plattenspieler ist der Motor 

unmittelbar mit dem Plattenteller verbunden. Dabei konnte 

das sogenannte Rastmoment kleine Unregelmäßigkeiten in 

der Rotation auslösen. Für den Technics SL-1210MK7 ist 

aus diesem Grund ein neuer Direktantriebsmotor konzipiert 

worden, der mit einem eisenkernlosen Stator arbeitet und 

somit die Quelle für das Rastmoment komplett behebt. 

Daraus folgen eine gleichmäßige Rotation und ein kraftvolles 

Antriebsmoment, um eine präzise und detailgetreue Klang - 

qualität bei allen Schallplatten zu ermöglichen. 

TONARM HOHER EMPFINDLICHKEIT 

Der Technics SL-1210MK7 verfügt über einen statisch ausbalancierten 

S-förmigen Tonarm, der die in der Schal lplatten - 

rille enthaltenen Musikinformationen erfasst. Das Tonarm - 

rohr ist aus leichtem, hochfestem Aluminium gefertigt, wobei 

die Lagersektion der kardanischen Aufhängung ein gefräs - 

tes Gehäuse und hochpräzise Lagerelemente enthält. Auf 

diese Weise wird ein exzellenter Abtastvorgang mit einem 

Minimum an unerwünschten Nadelbewegungen auch unter 

anspruchsvollen Bedingungen wie beispielsweise beim 

Scrat chen garantiert. 

VIBRATIONSDÄMPFENDER PLATTENTELLER 

Der druckgegossene Aluminium-Plattenteller des SL- 

1210MK7 ist zweischichtig aufgebaut. Die komplette Unter - 

seite des Tellers ist mit vibrationsabsorbierendem Kautschuk 

überzogen, der ungewollte Resonanzen eliminiert und eine 

hohe Stabilität aufweist. Dadurch wird die Schallplatte vor 

schädlichen Vibrationen geschützt und das Resultat ist ein 

unverfälschter, authentischer Klang. 

STEIFE GEHÄUSEKONSTRUKTION UND 

DÄMPFUNGSFÜSSE MIT FEDER-GUMMI-VERBUND 

Der DJ-Turntable besitzt ein äußerst robustes und extrem 

vibrationsarmes Gehäuse. Die Kombination aus dem Alu mi - 

nium-Spritzguss-Rahmen und der mit Glasfasern verstärk- 



ten ABS-Kunststoff-Konstruktion bietet eine sehr hohe Festig - 

keit und Vibrationsdämpfung und sorgt somit für eine präzise 

und dynamische Klangwiedergabe. 

Die Füße des SL-1210MK7 ermöglichen dank des Feder- 

Gummi-Aufbaus eine ideale Dämpfung. Auf diese Weise 

wird eine äußerst gute Störfestigkeit erreicht, die speziell 

bei Scratch-DJs sehr willkommen ist. 

NADELBELEUCHTUNG DANK HELLER, 

LANGLEBIGER LED 

Die Nadelbeleuchtung des SL-1210MK7 wartet mit einem 

neuen Druckmechanismus und einer helleren, langlebigen 

LED auf. Außerdem wurde der Beleuchtungsbereich optimiert, 

damit man die Nadel auch in sehr dunklen Um ge - 

bungen besser erkennen kann. 

PITCH-FUNKTION FÜR EINE PRÄZISE UND STABILE 

FEINREGULIERUNG DER GESCHWINDIGKEIT 

TECHNISCHE DATEN: 

PLATTENLAUFWERKS-SEKTION 

• Typ: Direktgetriebener Plattenteller 

• Umdrehungsgeschwindigkeiten: 33 1/3, 45, 78 U/min 

• Pitchbereich: ±8%, ±16% 

• Anlauf-Drehmoment: 2.2 kg 

• Anlaufzeit: 0.7 sek. aus dem Stand auf 33 1/3 U/min 

• Gleichlaufschwankungen: 0.025% W.R.M.S. 

• Rumpeln: 78dB (IEC 98A-bewertet) 

• Plattenteller: Aluminium-Druckguss 

• Durchmesser: 332 mm 

• Gewicht: ca. 1,5 kg (inkl. Gummi-Auflagematte) 

• Tonarm-Höhenverstellung: 0 – 6 mm 

• Bereich der Auflagekraft: 0 – 4 g (direkte Abtastung) 

• Gewicht des Headshells: Ca. 7.6 g 

• Tonabnehmer-Gewichtsbereich: 

[ohne Zusatzgewicht] 5.6 – 12.0 g (14.3 – 20.7 g 

(einschließlich Headshell)) 

[mit Zusatzgewicht] 10.0 – 16.4 g (18.7 – 25.1 g 

(einschließlich Headshell)) 

• Bohrungsabstand der Tonabnehmermontage: 

JIS 12.7 mm 

• Headshell-Kabelanschlüsse: 1.2 mm 4-Pin 

ANSCHLÜSSE: 

TONARM-SEKTION 

PHONO (RCA) x 1, Erdungs-Schraubklemme x 1 

Der Technics SL-1210MK7 bietet neben den beiden herkömmlichen 

Umdrehungsgeschwindigkeiten von 33 1/3 und 

45 U/min ebenso die Möglichkeit über den Haupt-Ein-/ 

Ausschalter 78 U/min zu aktivieren. Abgesehen davon kann 

der Pitch-Bereich von ±8% auf ±16% erweitert werden, 

der dank volldigitaler Steuerung eine verbesserte Tracking- 

Leistung und Genauigkeit für das perfekte Beatmatching 

liefert. 

• Typ: Universell, statisch ausbalanciert 

• Effektive Länge: 230 mm 

• Überhang: 15 mm 

• Spurfehlwinkel: 

Innerhalb 2° 32’ (an der äußeren Rille einer Lang - 

spielplatte (30 cm/12’’) 

Innerhalb 0° 32’ (an der inneren Rille einer Lang - 

spielplatte (30 cm/12’’) 

• Kröpfungswinkel: 22° 

ZUBEHÖR: 

Plattenteller, Gummi-Auflagematte, Staubschutzhaube, 

Single-Adapter, Gegengewicht, Hilfsgewicht, Überhang scha - 

blone, Schraubensatz für Tonabnehmer-Befestigung, Phono- 

Anschlusskabel, Erdungskabel, Netzkabel, Be dienungs an - 

leitung 


GABRIELE SKARDA 

WENN DIE SEELE FLIEGEN 

LERNT 

NICEFIELD 

„QUE BONITO 

ES EL AMOR“ 

… auch Musiker müssen leider diese irdische Bühne 

irgendwann zu unser aller Bedauern verlassen und wir 

trauern viele Jahre. 

Über solch genial veranlagten Künstler wie Elvis Presley, 

Michael Jackson, John Lennon, Prince u.v.m. 

Und vielleicht fragen wir uns: „Was passiert danach“, wenn 

die Seele den Körper verlassen hat? Ist die Seele, der Geist, 

die Energie noch existent? 

Das wird beantwortet in einem Buch von Gabriele Skarda, 

die 40 Jahre aktiv im Musikbusiness unterwegs ist und mit 

einem authentischen Bericht die Dokumentation mit ihrem 

besten Freund in einer anderen Dimension erstellt hat. 

Das Buch kostet 14,90 Euro, wird von NOVA MD vertrieben 

und ist auf allen gängigen Buchplattformen im Web zu 

bestellen oder in der örtlichen Buchhandlung! Das Buch ist 

im VLB (Verzeichnis lieferbarer Bücher) gelistet! 

Sie erzeugen mit all ihren 

Titeln Emotionen pur und 

sind kontinuierlich zu sam - 

men auf Tour! Die gebürtige Spanierin und der in Hessen 

geborene Andreas stehen als NICEFIELD schon seit 

Jah ren erfolgreich auf der Bühne. Das musikalische 

Ehepaar schreibt viele seiner Songs selbst und lässt 

dabei sehr gerne Einflüsse aus seiner Umgebung zu. 

Erinnerungen an schöne Momente und so manches 

„Kribbeln im Bauch“ lassen die Aussage und/oder 

die Frage zu: Wie schön ist Liebe? – bzw. „Que bonito 

es el amor“. Spanische Mentalität gemixt mit rhythmischen 

Klän gen und einem textlichen Thema, das in die 

Seele geht. Wir wünschen gute Unterhaltung! 

Überall als Download erhältlich! 



VS-R264 UND VS-R265 

Full-HD-Video- und 4K/UHD-Streamer und -Recorder von Tascam 

VS-R264 und VS-R265 können Audio-/ 

Video material gleichzeitig und in 4K/UHDbzw. 

Full-HD-Auflösung kodieren, streamen 

(AV over IP), aufnehmen und dekodieren 

und unterstützen die Codecs H.265/HEVC 

beziehungsweise H.264. Sie erlauben die 

Übertragung über Firmennetzwerke und 

WANs sowie das Live-Streaming ins Inter - 

net. Zudem können sie Aufnahmen automatisch 

per FTP in einen Netzwerkspeicher 

oder in die Cloud hochladen. Dank Ver wen - 

dung offener Streaming-Formate und -Pro- 

to kolle versteht sich die VS-R-Serie mit 

Content Delivery Networks (CDNs) und Live- 

Plattformen im Internet wie YouTube, Wowza, 

Ustream, AWS Elemental MediaLive, AWS 

CloudFront und anderen. Mit Power-over- 

Ethernet oder 12-Volt-Stromversorgung, 

HDMI-Ein- und -Ausgang mit Embedding und 

De-Embedding des Audiosignals sind die 

Geräte vielseitig einsetzbar. Darüber hinaus 

unterstützen sie die Steuerung per RESTful 

API und lassen sich so optimal mit Auto - 

matisierungs- und Steuerungssystemen 

ver knüpfen. Während vergleichbare Produkte 

entweder keine professionellen Audiopegel 

oder -anschlüsse bieten, nicht aufzeichnen 

oder nicht zeitgleich enkodieren und dekodieren 

können, bietet die VS-R-Serie von 

Tascam symmetrische Audioein- und -ausgänge 

über Euroblock-Verbinder mit konfigurierbarem 

Bezugspegel. Damit sind sie 

vollständig kompatibel mit professionellen 

Audiosystemen. Unsymmetrische Klinken - 

aus gänge für die Verbindung mit Unter hal - 

tungs elektronik sind ebenfalls vorhanden. 

Der bidirektionale AV-Betrieb, das Live- 

Online-Streaming und die sichere Auf nah me 

auf SD-Karten mit dem späteren Hochladen 

auf eine Website sind ideale Voraus set zun - 

gen für die Live-Übertragung, Bereitstellung 

und Archivierung von Vorträgen, Regie rungs - 

sitzungen, Vorstandspräsentationen, Kon zer - 

ten und Ansprachen, oder für Verbindungen 

zwischen mehreren Räumen oder Veran sta l - 

tungsorten. Mit nur einer Höheneinheit bei 

halber Standardbreite passen zwei Geräte 

nebeneinander ins Rack. Sie lassen sich 

aber auch einfach auf dem Tisch aufstellen 

oder mit der beiliegenden Halterung unter 

ein Bord schrauben. 

PROFESSIONELLE TONQUALITÄT OHNE 

KOMPROMISSE 

Der VS-R264/VS-R265 profitiert von 

Tascams langjähriger Erfahrung in der professionellen 

Audiobranche. Mit seinen symmetrischen 

Analogein- und -ausgängen, 

kon figurierbaren Ausgangspegeln und wählbaren 

Bezugspegeln sowie hervorragenden 

Audio-Schaltkreisen harmoniert dieses AV- 

Streaming-Gerät perfekt mit jeder Studio um - 

gebung und jedem Festinstal lations system. 

Tonsignale von Mikrofonen, Mischpulten, 

Soundprozessoren und anderen Geräten 

können in den Videostream eingebettet und 

aus dem Stream herausgelöst oder direkt 

ausgegeben werden, um z. B. eine PA-An - 

lage oder das dezentrale Beschallungs - 

system in einem Kongresszentrum zu versorgen. 

Und es gibt Miniklinkenbuchsen, um 

Unterhaltungselektronik über unsymmetrische 

Audioverbindungen schnell an schließen 

zu können. 

WICHTIGE STREAMING-PROTOKOLLE FÜR 

BELIEBTE ONLINE-DIENSTE 

ZUVERLÄSSIGES AV-STREAMING MIT KODIERUNG UND DEKODIERUNG 

Wenn Sie Ihre Online-Schulung, Präsentation oder Ver - direkt in 4K/UHD (VS-R265) oder Full HD (VS-R264) 

an staltung über das Netzwerk streamen, kann der VS- streamen. Mit einem weiteren VS-R264/VS-R265 in einem 

R264/VS-R265 das Videosignal entsprechend dem anderen Raum oder sogar Land lässt sich der gleiche 

Zielformat des verwendeten Dienstes kodieren und herunterrechnen 

(Downsampling). Sie können unter mehreren oder eine Großbildleinwand, beispielsweise für Public 

Stream dekodieren und über HDMI an einen Fernseher 

Auflösungen und Bildwiederholfrequenzen wählen oder Viewing, ausgeben. 

Weitere Informationen unter: www.tascam.eu/de/vs-r264.html und www.tascam.eu/de/vs-r265.html 

Der Tascam VS-R264/ 

VS-R265 unterstützt 

Standard-Streaming- 

Protokolle wie RTMP, 

RTP/RTSP, HLS sowie Multicast und Unicast und ist 

damit kompatibel zu einer Vielzahl von Anwendungen. Da 

sich mehrere Streaming-Protokolle gleichzeitig ausgeben 

lassen, können Sie Ihr Bildmaterial zeitgleich an mehrere 

Video-Streaming-Dienste weiterleiten. Darüber hinaus 

können Sie zwischen Unicast- und Multicast-Über tragung 

wählen. Unicast sendet den Stream nur an ein Ziel, während 

Multicast die Übertragung des Streams an mehrere 

Hosts gleichzeitig ermöglicht. 


CD-REZENSIONEN 61 

APRIL ART 

»Rise & Fall« 

Seit 2014 ist das Quartett aus Mittelhessen lokal und überregional 

aktiv. APRIL ART sind energiegeladen, melodisch 

und unverkennbar. Schon bei ihrer Bandgründung hatten 

sie sich vorgenommen, sich zu einer Band zu formieren, bei 

der die Musik für jeden absolut im Mittelpunkt seines Lebens 

steht. Mit ehrlicher Leidenschaft schreiben APRIL ART kraftvolle, 

emotionale und moderne Rockmusik, die ins Ohr geht 

und eine Message hat. Nun ist ihr Debütalbum „Rise & Fall“ 

er schienen, das alle Stärken der Band auf einer Platte vereint. 

Ihr drückender Alternative Rock orientiert sich häufig 

an amerikanischen Koryphäen wie Alter Bridge, frühen 

Nickelback und Paramore sowie an deutschen Acts wie 

GUANO APES und DIE HAPPY – der Rezensent wettet zehn 

Euro darauf, dass die Bandmitglieder so einige Scheiben 

besagter Acts daheim im Schrank haben. 

Dabei sind APRIL ART jedoch keine billige Kopie: der ausdrucksstarke 

Gesang von Frontfrau Lisa-Marie gräbt sich in 

die Gehörgänge, die Gitarrenriffs sorgen für die nötige 

Aggres sivität, Bass und Schlagzeug drücken die Songs groovig 

und überlegt nach vorn. Auf zwölf Songs zeigt die Band, 

was sie kann, und streckt der klassischen Musikindustrie 

den Mittelfinger entgegen: Denn „Rise & Fall“ wurde größtenteils 

in Eigenregie konzipiert und ohne klassische Industrie- 

Seilschaften veröffentlicht. Ein gelungener Einstand der vier 

Musiker/-innen aus Mittelhessen. Es bleibt zu hoffen, dass 

man schnell mehr hören wird. 

www.aprilart.de 

P.S. 

DECADANCE DANCE – 

»We All Get Lost … Sometimes« 

Hier kommen die Preisträger des 36. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2018: 1. Platz in den Sparten bester Hard Rock 

Song, beste Progressive Band, bester Alternative Rock 

Song und 2. Platz in der Sparte deutscher Hard Rock. 

DECADANCE DANCE aus dem Ruhrgebiet können sich über 

die Preise und eine tolle Fanbase bei ihren Liveauftritten 

freuen. Das Album „We All Get Lost ... Sometimes“ führt 18 

Songs in der Tracklist auf und beinhaltet eingängigen Vintage 

Hard Rock. Mal progressiv, mal im Grunge verwurzelt, voller 

Energie und emotionalem Gesang von Bordo Bortlisz. Ihre 

Einflüsse reichen von den RAMONES bis in die 90er mit 

ihren Ikonen Pearl Jam und Soundgarden. Gleich drei 

Gitar risten zeigen mit ihrem modernen und doch traditionsbewussten 

Spiel, wohin die Reise auf einem gitarrenorientierten 

Album geht. Wie in einem Roadmovie geht es bandbiografisch 

über den Highway. „Red Desert“ klingt wie ein 

Tarantino-Movie-Song, „Red Light“ klingt wie ein Dead- 

Kennedys-Cover. Sänger Bordo kann auch aggressiv in 

„Better Than“. Vielleicht werden DECADANCE DANCE mit 

dieser Scheibe die neuen Volbeat? Sie werden es zu beweisen 

wissen. Heißer Tipp! Up the Irons! 

www.decadancedance.com 

C.S. 

JENSEN & DAUBENSPECK 

»Finest Acoustic Poetry« 

Seit 40 Jahren bereist Reidar Jensen aus Norwegen die 

Welt und sammelt dabei persönliche und musikalische Ein - 

drücke aller Gegenden, in die es ihn verschlägt. Musikalisch 

geprägt durch den Folk von Bob Dylan und Donovan haben 

ihn die Jahre und Erfahrungen von unterwegs musikalisch 

und menschlich geerdet und er gießt seine Erinnerungen 

und Gedanken nun in gitarrenbasierten Folk, der stark von 

der Weltmusik geprägt ist. 2010 tat er sich mit dem norddeutschen 

Gitarristen Markus Daubenspeck zusammen und 

die beiden formten das Duo JENSEN & DAUBENSPECK. 

Letzterem oblag dabei die Heraus for derung, die Kom po sitio - 

nen Jensens in eine für zwei Gitarren passende Form zu 

gießen – und heraus kam ein ambitioniertes, träumerisches 

und vor nordischer Wehmut triefendes Stück Klangkunst. 

Die oft dunklen Texte befassen sich sowohl mit den persönlichen 

Erfahrungen Jensens als auch mit seinen meist kritischen 

Gedanken zu unserer aller Welt. Sie sind dabei sehr 

differenziert geschrieben und fesseln mit ihrer natürlichen 

Ausdruckskraft. Sie erzählen Geschichten, die gefühlvoll und 

abwechslungsreich in Musik transportiert werden. In Markus 

Daubenspeck hat Jensen nun einen Musiker als Ent sprechung 

gefunden, der sensibel seine Texte im musikalischen Dialog, 

facettenreich und stilsicher an der akustischen Gitarre 

interpretiert. Die beiden gehen damit eine perfekte Sym - 

biose ein. 

www.reidarjensen.com 

P.S. 

DIE ARBEITSLOSEN 

BAUARBEITER 

»Musique Roulette« 

Ganz frisch auf dem Tisch liegt das Ende April über das 

Hamburger Label Alster Records erschienene Album der 

ARBEITSLOSEN BAUARBEITER aus Chemnitz – und dabei 

geht’s gleich richtig nach vorne. Die beiden Album-Opener 

„Das erste Lied“ (ja, das heißt wirklich so) und „Geradeaus“ 

geben gleich einmal die Marschrichtung vor, die da (größtenteils) 

Vollgas heißt. Der eingängige, deutschsprachige 

Mix aus Punk und Rock atmet in schnelleren Momenten 

den Spirit und die fröhliche Aggressivität US-amerikanischer 

Vorbilder wie BAD RELIGION und THE OFFSPRING. 

Wenn die Bauarbeiter mal einen Gang zurückschalten („Immer 

nur Fernsehn“), erinnern sie besonders an die berühmte 

deutsche Band mit dem großen „Ä“ am Anfang. Bereits in 

der ersten Hälfte wird den Hörern ein breites Spektrum an 

musikalischen Facetten geboten. Zu besagten schnellen und 

Midtempo-lastigen Songs gesellen sich etwa Gangshouts 

und Reggae- sowie Ska-Passagen – das musikalische Alpha - 

bet des Punk hat die Band also voll drauf. Dazu gesellen 

sich einfallsreiche, intelligente, kritische und witzige Texte, 

die kraftvoll dargeboten werden. Das Ganze wird abgerundet 

durch eine glasklare, druckvolle Produktion und ausgefeilte 

musikalische Arrangements. 

Wer auf positiven, tanzbaren Punkrock aus Deutschland 

steht, ist hier exzellent aufgehoben. Beide Daumen hoch. 

www.diearbeitslosenbauarbeiter.de 

P.S. 

MR. MARTIN 

»Six String Prayer« 

Mr. Martin mag ein Pseudonym sein. Mit diesem Album 

wird dieser Name einen Status erreichen, wie er nur Gitar - 

risten gebührt, die über ein derart herausragendes Gitarren - 

spiel verfügen. Diese Instrumentalsongs sind gefertigt aus 

orchestralen Soundkollagen, kosmischen Klängen und 

Streichern. Sie zaubern Athmosphäre, in die dann eine singende, 

klagende, jaulende und auch kreischende Gitarre 

des Meisters hindurchfährt. Mr. Martin ist ein erfahrener 

Musiker, der die 6 E-Gitarren-Saiten beherrscht, das ist 

klar. Die Produktion stellt die Gitarre in den Mittelpunkt. Steve 

Vai tat dies schon auf seine Weise und Mr. Martin geht 

eben diesen Weg. Der Beginn im Titeltrack „Six String 

Prayer“ erinnert an Matthias Jabs’ Hookline in „Rhythm Of 

Love“ von den Scorpions. Man mag sich manchmal eine 

organischere Akustik wünschen. Doch dieser technische, 

unterkühlte Begleit-Sound hat einen gewissen Reiz. „Six 

String Prayer“ von Mr. Martin ist ein Album für Gitarren- 

Ent hu sias ten. 

adair-records.de 

C.S. 

8 


62 CD-REZENSIONEN 

KEIMZEIT 

»Das Schloss« 

„Das Schloss“ von KEIMZEIT mag eine kafkaeske An spie - 

lung sein. Beim genaueren Hinhören eröffnen sich Kind heits - 

erin ne rungen an Papierbasteleien. „KEIMZEIT – eine Band, 

eine Familie. Ganz normale Menschen mit einer großen 

Leidenschaft für die Musik. KEIMZEIT – eine langjährig er - 

probte Liveband, die sich mit Studioproduktionen ihre eigenen 

Herausforderungen schafft“, schrieb FLOWERPORNOES- 

Sänger Tom Liwa über die Band. Sänger Norbert Leisegang 

reflektiert über sein Songwriting: „Auch wenn ich von anderen 

Künstlern zu Songs inspiriert werde, ist es am Ende 

doch immer so, dass ich die Strickart meiner Songs nicht 

wirklich verlasse.“ „Das Schloss“ fügt sich organisch an 

frühere Werke der Band an. Produzent Moses Schneider, 

der auch schon für TOCOTRONIC und die BEATSTEAKS an 

den Reglern saß, hat das aktuelle Werk mit der Band in 

ganzen sechs Tagen aufgenommen. Wie nach einer Zeit - 

reise in die 60er klingt das Ergebnis erdig, intensiv und 

atmosphärisch und orientiert sich am Live-Klang der Band. 

Leisegangs Texte sind voller Parabeln. Die Musik mal rockig, 

mal ruhig erzählend, auch einmal im Reggae entspannt 

angelehnt, so gehört in „Geht schief“. Gitarren, Keys und 

eine warm und organisch klingende Rhythmussektion bilden 

wohl klingenden Rock für Leisegangs Gedankengebilde. 

„Action Kalle“ ist der Anspieltipp für eine energiereiche Rock - 

nummer mit schiebenden Gitarrenriffs über einen Klassen - 

kameraden. KEIMZEIT haben traditionellerweise ihre Lyrik 

im Zentrum, die mit der Musik auf wundersame Weise verschmilzt. 

Andreas Sperling, Martin Weigel, Norbert Leisegang, 

Sebastian Piskorz, Hartmut Leisegang und Lin Dittmann 

sind die Schlossführer dieses melancholischen und erfrischenden 

Meisterwerks. 

www.keimzeit.de 

C.S. 

WOLFGANG NICKLAUS 

»Mein Leben« 

Geboren im Jahr 1956 in der DDR kann Wolfgang Nicklaus 

auf ein bewegtes Leben im Zeichen der Musik zurückschauen. 

Im zarten Alter von sieben Jahren begann er mit 

dem Klavierspiel und war ab 1972 in mehreren Bands tätig. 

1978 wurde er von der Stasi verhaftet und kam als politi- 

scher Häftling ins Gefängnis, bevor er drei Jahre später die 

DDR in Richtung Westen verließ und dort seine musikalischen 

Aktivitäten unter anderem als Musikstudent, Musik lehrer, 

Komponist und Bandmanager intensivierte. Dies brachte 

ihm diverse Auszeichnungen ein. 

Auf seinem 2017 veröffentlichten Album „Mein Leben“, das 

Schlager-, Chanson- und Singer-Songwriter-Kompositionen 

verbindet, spielen diese Eindrücke vordergründig zwar 

keine explizite Rolle. Man kann jedoch davon ausgehen, 

dass neben den Stücken, die sich mit dem zwischenmenschlichen 

Gefühlsleben („Freunde“, „Mach dein Herz 

wieder auf“, „Frauen ticken anders“), auch die ereignisreiche 

Ver gangenheit ihre Spuren in der Musik hinterlassen 

hat. Er wähnenswert ist in diesem Zusammenhang besonders 

die Tatsache, dass seine Texte stets eine direkte oder 

unterschwellige positive Botschaft transportieren, den Zuhörer 

zum Denken anregen und vielen aus der Seele sprechen 

werden. So vergehen die zwölf Stücke denn auch wie im Flug 

und lassen den Hörer mit einem wohligen Gefühl zurück. 

www.wolfgang-nicklaus.de 

P.S. 

ACHIM AMME 

»Ammerica« 

Als wäre ein ganzer Kontinent nach ihm benannt: Achim 

Amme, Autor, Schauspieler und Musiker, lässt mit seinem 

neuen Album „AMMERICA“ aufhorchen! Seine Engagements 

und Erfolge hier aufzuzählen, würde jeden Rahmen sprengen. 

Um nur einige wenige Lebensstationen aufzuzählen, 

seien folgende genannt: 1965 – erster geschriebener englischsprachiger 

Song; 1968 – 1-jähriger USA-Aufenthalt als 

Austauschschüler mit High-School-Diplom und Auftritten als 

Singer-Songwriter. Es folgten das Studium der Theater - 

wissen schaft, Philosophie und Germanistik, Tätigkeiten als 

Lektor, u. a. beim STERN, und Schauspiel bei der Berliner 

Compagnie, Studium der Popularmusik in Hamburg, Rollen 

beim Tatort, musikalische und literarische Veröffent lichungen. 

Noch zu erwähnen: Das Album „Streng Vertraulich! (Keller- 

lieder)“ war 2018 für den Preis der Deutschen Schallplatten - 

kritik nominiert. In meinem zeitlichen Abriss fehlen gut neun 

Zehntel des Schaffens von Amme. Zurück zum Album: Dem 

vielseitigen Künstler gelingen veritable Pop-Songs, die eine 

bestens aufgelegte Band in Ton gegossen hat. Den lang 

gehegten Wunsch, aus seinem großen Fundus von Texten 

zu schöpfen und mit Musik zu vereinen, konnte Achim 

Amme mit Produzent Julian Dawson verwirklichen. Dieser 

Gitarren-Folk-Pop, mit Harp-Spiel und eingängigem Chorus- 

Gesang, transportiert melancholische Melodien, wie der Song 

„Romantic Rhythms“ beweist. Es treffen sich die Stilrich tun - 

gen Mainstream Rock’n’Roll, hanseatischer Charme und 

lennoneske Melodien. Wie könnte ein Mann das fünfzigste 

Jubiläum seiner ersten Reise in die USA besser feiern als 

mit diesen inspirierten und beseelten Songs? Vielleicht 

aber hat Achim Amme sich selbst nach dem Namen dieses 

Kontinents getauft. 

achim-amme.de 

C.S. 

JØRG 

»LOVE!« 

Jørg, aka Jörg aus Ingolstadt, präsentiert mit „Love!“ einen 

Albumnachfolger seines Albums „We Call It Blues“. Ge - 

fühlvolle Balladen und Midtempo-Rocknummern aus der 

Hand des Gitarristen und Sängers wissen zu gefallen. Seine 

40 Jahre Gitarrenerfahrung hört man dem Werk wieder an. 

Dabei wirkt es paradox, dass die Gitarren modern und heavy 

klingen, was aber absolut stimmig für diese Art Love-Songs 

herüberkommt. Der Titeltrack „Love!“ ist sogar ein Power 

Rock Song, der von seinen schiebenden Riffs lebt. Jørg hat 

seine Roots sicher in den 80ern, bereichert die Songs dann 

mit seinem Zakk-Wylde-Sound, dass es eine wahre Freude 

ist. Beispielhaft für herausragenden Gitarrensound und ge - 

fühlvolles Songwriting ist die Nummer „Sacrifice Of Love“. 

Radio-Airplay und Live-Shows bezeugen die Güte des 

bayerischen Hard-Rock-Urgesteins. 

www.joergausingolstadt.de 

C.S. 

MOOREA MASA 

»Shine A Light« 

Schon im zarten Alter von 15 wusste Moorea Masa genau, 

was sie wollte, und enterte die Bühnen ihrer Heimatstadt 

Portland, Oregon. Zehn Jahre später hat die US-amerikanische 

Sängerin bereits mit Soullegende Ural Thomas kollaboriert, 

in einer Höhle gelebt und darüber hinaus auch noch 

ein Musikstudium in Liverpool abgeschlossen. Ihre (musikalischen) 

Lebenserfahrungen hat sie in die Produktion ihres 

ersten Albums einfließen lassen. „Shine A Light“ wartet mit 

zehn fein produzierten Soulperlen auf, bei denen Moorea 

Masas Stimme verdientermaßen im Mittelpunkt steht. Wandel - 

bar changiert sie von samtig-warm zu spielerisch-lockend 

und ist dabei immer voller Emotion. Zu den Höhepunkten 

des Albums zählen das Duett „Don‘t Let Me Run“ mit Ural 

Thomas, auf dem sich die Stimmen der beiden Sänger 

gefühlvoll ergänzen, das mit dezenten Reggae-Beats unterlegte 

„I Can’t Tell“, oder das unbeschwerte „The Garden“. 


CD-REZENSIONEN 63 

Besonders im Gedächtnis bleibt auch „Wake up Up // Lover 

Be Found“, und zwar nicht nur aufgrund des prägnanten 

Rap-Parts der hier gefeaturten Lo Steele: Von einer nachdenklichen 

akustischen Gitarrenmelodie eingeleitet, setzt 

Masa mit leiser Stimme ein klares Statement gegen Rassis - 

mus und für Gerechtigkeit. So locker-leicht die Songs auf 

„Shine A Light“ zum Teil daherkommen, zeigen die Texte 

doch, dass mehr in Moorea Masas herausragend produziertem 

Erstling steckt. 

www.mooreamasa.com 

L.K. 

GEORG DYBOWSKI 

SEBASTIAN REIMANN 

»Once And Again« 

„Once And Again“ ist ein Albumtitel, der auf mehr hindeutet. 

Hinsichtlich weiterer Konzerte und gemeinsamer Werke darf 

man von den beiden Instrumentalisten des Albums also einiges 

erwarten. Gitarrist Georg Dybowski und Violinist Sebastian 

Reimann lassen ihre Instrumente auf schönste Weise fusionieren. 

Jazz und Blues bilden gemeinsame Aus gangs punkte 

zu Balladen und klassischen Kleinoden. Seit 20 Jahren 

kannten sich die beiden Musiker schon von Treffen und 

gemeinsamen Konzerten. Im Kammerkonzertsaal in Bottrop 

kam es 2018 zu diesen Aufnahmen. Im Dialog ihrer gleichwertig 

arrangierten Instrumente geht es um Nähe zu vertrauten 

Personen. In diesem Fall in einem ganz eigenen Sound - 

gewand von Stilrichtungen und Schubladendenken befreit. 

Mit überraschenden Wendungen weiß das Album zu überzeugen. 

Als eine Rockballade überrascht das Titelstück 

„Once And Again“. Als hätten die Red Hot Chili Peppers die 

Finger im Spiel, klingt der Opener „Dawg Funk“. Instru - 

mental Crossover at it’s best! 

sebastianreimann.com, dybomusic.com 

C.S. 

FOGELSCHEUCHE 

»Rau Reif« 

Moritaten und gar grausame Mär erwarten den Hörer von 

„Rau Reif“, dem aktuellen Album von „Fogelscheuche“. 

Lustvoll verbindet die Gruppe um Gitarrist und Sänger Jan 

Hoffmann Mittelalter-Folk und Metal. Flöten, Geigen, Man do - 

linen eifern mit E-Gitarren, Drums und E-Bass. Die Band versichert, 

ohne Synthesizer oder Ähnlichem zu arbeiten. Jan 

Hoffmann und Claire Hay steuern den Gesang bei. Unheimlich 

be schwörend und eingängig klingen die Melodien und blasen 

Ritter und Minnesänger den Rock hoch. Die Songs heißen, 

wie sie klingen: „Geschichte des Gehenkten“, „Winter be - 

gräbnis“ und „Karpatentanz“. Als Anspieltipp kann ich das 

Instrumental „Karpatentanz“ nennen, das mit Geigen und 

Flöten jedem Gesinde den Verstand raubt. Dieser Folk Metal 

findet wieder unter Adel und Aufständischen jede Menge 

Anhänger. 

fogelscheuche.de 

C.S. 

Rezensenten: 

L.K. – LINDA KNAUER 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 

P.S. – PHILIPP STRUNK

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„We Call It Blues“ 

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JÖRG KUHFUSS 

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musiker MagazIN 2/2019

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Suche Drummer, Bassist und 

einen Sänger, um vor allem Stücke 

aus meinem aktuellen Album „The 

World Anthem“, aber auch ältere 

Stücke meiner Solo-CDs und meiner 

damaligen englischen Band 

„Dark Ocean“ unter dem Namen 

„Conny Conrad and friends“ auf die 

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musiker 

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Verantwortl. Redakteur (V.i.S.d.P.): 

Ole Seelenmeyer, os@musiker-online.com 

Freie Mitarbeiter und Gastautoren: 

Norbert Aping, Linda Knauer, 

Ronja Rabe, Katja Rake, Christian Schöning, 

Philipp Strunk 

Anzeigenleitung: 

Ole Seelenmeyer 

Anzeigenassistenz: 

Katja Rake 

Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 34 

vom 1. Januar 2019 gültig. 

Layout: 

Ana Seelenmeyer 

Lektorat: 

Heike Funke 

Druck: 

L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG 

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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich 

Copyright und Copyrightnachweis für alle 

Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise, 

sowie Vervielfältigungen jeder Art 

nur mit schriftlicher Genehmigung des 

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ISSN 1618-386X 

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Musiker Magazin 2/2019

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