Pressespiegel 2017

BlackVelvet / Shamel Pitts und Mirelle Martins, Foto: Mauricio Pisani 

PRESSESPIEGEL 2017

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2017 

Raw Light, Anna Nowicka, 26.+27.01. sowie 25.+26.5.2017 im DOCK 11 

tanzraumberlin, Ausgabe Jan./Feb. 2017, Seite 4

Tagesspiegel - ticket 25.5.17 

DOCK 11 PRESSESPIEGEL 2017




Ballein: throwing dance, Diego Agulló 28.+29.01.17 im DOCK 11 

https://circadian.co/ballein-throwing-dance/ 

The Awakening of Dance: an Exercise for Throwing Dances 

This exercise has been developed since 2013 in different contexts and together with participants from 

laboratory at LOTE in Sao Paolo, workshop at Teatro Pradillo Madrid, workshop at Smash Berlin,Julia 

Plawgo and Negroma at Pact Zollverein residency and the research presentation at DOCK 11 in collaboration 

with Lisa Stewart, Kiana Rezvani, Cajsa Godeé, Fjóla Gautadóttir, Julia Barrette-Laperrière.. 

The statement behind this exercise is that dance must be forced to happen instead of being the 

result of a benevolent desire to move. On this exercise you are not going to dance to the music that 

you like, you are not going to dance your favorite choreographies. On this exercise the dance is not 

a result of a desire to dance a choreography. You will not dance what you want or like to dance but 

rather the dance is forced to happen. Without being exposed to danger this dance will never take 

place. 

In which conditions do we dance? What are the circumstances around and how this circumstances 

makes us dance? How dance can channel the negativity and violence around us? 

The power of dance is to channel out the negativity and to turn it into affirmation. 

This exercise proposes a dance detonator and it is divided in two parts: 

– The first part consist of exposing oneself to danger for the sake of awakening the dance. At least 

one person in the group gets blindfolded. The ones that are not blindfolded throw projectiles at the 

blindfolded bodies for at least ten minutes. The projectile must be thrown with enough strength (the 

impact on the body has to be painful). An example of projectile can be tennis balls. The balls must 

be thrown with strength aiming to impact at any body part, the only requirement is to keep a certain 

distance between the person who throws and the person who is blindfolded to avoid throwing from a 

close distance. People can throw as many balls as they wish during the time proposed. 

– Second part: people stop throwing projectiles and the blindfolded ones explore for at least ten 

minutes the resonances that have been embodied during the first part. The task is to come up with 

a dance that is not any longer a reaction of a traumatic body being exposed to danger but rather it 

became an affirmative force. 

Notes: 

Make sure that despite of all the moral or ethical concerns that might appear in the group, it is necessary 

to throw the projectiles, they are nothing else than an invitation to dance. What comes next is a 

problem that must be danced by everyone. 10 minutes is actually a long time and it is in your hands 

to decide the intensity of this choreography. You are part of the dance too. You can always apply 

a sense of rhythm and to be aware of the pauses and intensities of others peoples throws. On the 

other hand, the people blindfolded can work with the input of the hit in their bodies and also with 

the situation of being exposed to the possibility of getting hit which implies capacity of anticipation 

and protection, such as moving fast and in an unpredictable manner. The blindfolded people can’t see 

who throws at them: they don´t see the author of the attack: it does not become personal. 

The people who throw are in power but the dancer is is power too because they can instrumentalize 

the throw (the attack) turning it into an invitation to dance. [...]


https://diegoagulloworkshop.wordpress.com/category/writings/


http://www.academia.edu/6989595/DANGEROUS_DANCES_THE_DANCE_THE_DEVIL_THE_PROB- 

LEM_AND_BALLISTICS


Litauen tanzt, 4. Lithuanian Dance Festival in Berlin 01.+05.02.17 

im DOCK 11 

Pressespiegel 

Litauen tanzt. 2017 

4. Lithuanian Dance Festival Berlin 

PRINT 

Medium Titel Autor/-in 

Veröffentlichungsdatum 

Tanzraumberlin Tanzkalender k. A. 01.01.2017 

Der Tagesspiegel - Ticket Litauen tanzt k. A. 26.01.2017 

TAZ Man muss sich verwandeln Katrin Bettina Müller 28.01.2017 

Exberliner 

„We force each and every audience member to 

participate“ 

Serita Braxton 01.02.2017 

Exberliner Calender k. A. 01.02.2017 

Himbeer Bunter Spiele k. A. 01.02.2017 

Tanz Karl Saks Arnd Wesemann 01.02.2017 

Berliner Zeitung - Spielplan Bühnen k. A. 02.02.2017 

Der Tagesspiegel - Ticket Aus dem Takt geraten Sandra Luzina 02.02.2017 

Der Tagesspiegel - Ticket Colorful Games k. A. 02.02.2017 

Zitty Berlin Balten in Bewegung Annett Jaensch 02.02.2017 

Zitty Berlin Colorful Games k. A. 02.02.2017 

Neues Deutschland Trainierbare Muskeln Tom Mustroph 04.02.2017 

ONLINE 



www.tanzforumberlin.de Tanzkalender k. A. 10.01.2017 

de.mfa.lt 

Litauen tanzt 4. Lithuanian Dance Festival in 

Berlin 

k. A. 19.01.2017 

www.berlin.de Litauen tanzt contemporary k. A. 20.01.2017 

www.eesti.de Veranstaltungen k. A. 20.01.2017 

www.berlin-buehnen.de Litauen tanzt k. A. 24.01.2017 

www.berlinonline.de Litauen tanzt contemporary k. A. 25.01.2017 

www.exberliner.com Litauen tanzt k. A. 30.01.2017 

www.tanzraumberlin.de Eröffnung: B&B in Berlin / Blind Spot k. A. 30.01.2017 

www.tip-berlin.de Litauen tanzt: Colorful Games k. A. 30.01.2017 

www.zitty.de Litauen tanzt: Colorful Games k. A. 30.01.2017 

www.zitty.de Balten in Bewegung Annett Jaensch 31.01.2017 

www.15min.lt 

Berlye pozityviai jvertintas siuolaikinio sokio k. A. 

festivalio „Litauen tanzt“ startas 

01.02.2017 

www.verablock.de 

Litauen tanzt. Die Kuratorin des Festivals 

Ingrida Gerbutaviciute im Porträt 

Vera Block 01.02.2017 

www.tanzpresse.de Tipp des Tages k. A. 01.02.2017 

www.tip-berlin.de 

Litauen tanzt: Gastland Estland - State and 

Design 


www.himbeer.de 

Tipps fürs Wochenende vom 03.02.- 



k3 berlin – Kontor für Kultur und Kommunikation I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 695 695 24





RADIO 


RBB Kulturradio 

Ingrida gerbutaviciute, Künstlerische Leiterin 

von „Litauen tanzt“ 

ONLINE 



www.morgenpost.de Litauen tanzt: (g)round Zero k. A. 04.02.2017 

www.exberliner.com Rezension Dior in Moscow & (g)round Zero Veronica Posth 07.02.2017 


Vera Block 01.02.2017 






LISTUNG IN TERMINDIENSTEN Diese Termindienste verfügen über eigene Veranstaltungskalender und übermitteln ihre 

Daten z. T an regionale und überregionale Medien 

Medium Titel Autor 


Cine Marketing GmbH Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

Open Event Network Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

neues deutschland Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

events Today Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

tanznetz.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

Kunsttag Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

cb- event Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

chexx Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

www.wasgehtapp.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

meinestadt.de/berlin Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

kulturspeicher.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

musik-dresden.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

konzertkasse.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

kulturportal.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

regiomusik.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

locaside.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

twotickets.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

as-buecher.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

getevents.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

adticket.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

venyoo.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 

openpr.de Litauen tanzt. 2017 Festival Berlin k. A. 15.12.2016 






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Erscheinungsdatum: 

Ausgabe: 

Autor/-in: 

Der Tagesspiegel - Ticket 

Litauen tanzt 


26. Januar bis 01. Februar 2017 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

TAZ 

Man muss sich verwandeln 


k. A. 

Katrin Bettina Müller 

Berlin Kultur 

SONNABEND/SONNTAG, 28./29. JANUAR 2017 TAZ.AM WOCHENENDE 49 

VON KATRIN BETTINA MÜLLER 

„Das waren Stars für uns, Balletttänzer, 

die wir schon als Kinder 

auf der Bühne bewundert 

haben. Wenn sie jetzt uns unterrichteten, 

an der Litauischen 

Akademie für Musik und Theater, 

dann durften keine Fragen 

gestellt werden, warum tanzt 

man das so, weshalb lernen wir 

diese Schritte.“ Dieser enorme 

Respekt, erinnert sich Birute 

Baneviciute, die heute als Choreografin 

für sehr kleine Kinder 

arbeitet, war der Kreativität und 

dem Verstehen von Tanz aber 

nicht dienlich. 

Birute Baneviciute gehört zu 

den Künstlern aus Litauen, die 

für das am Mittwoch nächste 

Woche startende 4. Lithuanian 

Dance Festival nach Berlin kommen. 

Im Oktober 2016 saß sie 

mit drei Kolleginnen bei einer 

Tagung im Arts Printing House 

in Vilnius und diskutierte über 

„Digesting Dance for Children“. 

Dabei waren Annika Ostwald 

und Agnija Seiko, die auch nach 

Berlin kommen werden mit „Lucky 

Lucy“, einem side-specific 

walk, und Lina Puodziukaite, 

Dozentin für zeitgenössischen 

Tanz an der Akademie. 80 Prozent 

ihrer Energie, erzählte die 

Dozentin, fließt im ersten Jahr 

des Unterrichts mit den 14- bis 

17-Jährigen in das Reden. „Sie 

sind so gepolt darauf, alles richtig 

zu machen, sie haben schon 

so viel in den Köpfen, was nicht 

hinterfragbar scheint, dass es ihnen 

schwerfällt, bei sich selbst 

anzukommen.“ 

Die Autorität des Ballettunterrichts 

und der repräsentative 

Rahmen dieser Kunst 

in den Zeiten, als Litauen Teil 

der Sowjetunion war, bilden 

die graue Eminenz im Hintergrund 

der jungen zeitgenössischen 

Tanzszene in Litauen. 

In grida Gerbutavičiūtė ist die 

künstlerische Leiterin des Festivals. 

Sie hat 2013 den Lehrstuhl 

für Tanz und Bewegung an der 

Akademie für Musik und Theater 

übernommen und in einem 

neuen Studiengang auch erstmals 

zeitgenössischen Tanz als 

Fachrichtung etabliert. „Der litauische 

zeitgenössische Tanz 

ist sehr jung“, sagt sie, „da bis 

1990 unter der Besetzung der 

Sowjetunion die moderne Art 

generell verboten war.“ Zudem 

machte die Herabsetzung als dilettantische 

Form Probleme. 

Genormte Tradition 

Die Mühen der neuen Etablierung 

wurden sichtbar an vielen 

Stellen während „Digesting 

Dance“, eines fünftägigen Treffens 

von Performern, Lehrern 

und Choreografen aus Litauen 

und Skandinavien in Vilnius 

im Oktober. Deshalb lief ein 

Teil der Vorträge in der pädagogischen 

Hochschule. Deshalb 

sehen viele der Künstlerinnen 

die Notwendigkeit, viel mit Kindern 

und Jugendlichen zu arbeiten, 

um sie für ästhetische Erfahrungen 

zu sensibilisieren, 

bevor eine genormte Tradition 

sie besetzt. Deshalb diskutierten 

Eine technikaffine und philosophisch interessante Performance: „Blind Spot“ beim Lithuanian Dance Festival Foto: D. Matvejevas 

Man muss 

sich verwandeln 

TANZ Es geht noch immer um Befreiung in der zeitgenössischen Tanzszene aus Litauen. 

Das 4. Lithuanian Dance Festival in Berlin lässt das nächste Woche sehen und spüren 

an der Akademie Künstler und 

Theaterleiter über den schweren 

Stand der jungen Kunstform. 

Die Kulturpolitik könne 

sich Tanz nur als Unterhaltung 

denken, das Publikum erwarte 

narrative Formen und eine Rahmung 

mit bekannter Musik, den 

klassischen Aufführungsorten 

fehle es an Möglichkeiten der 

Begegnung von Künstlern und 

Publikum. 

All das stand auf der Negativliste. 

Und doch konnten Choreografen 

und Künstler immer wieder 

von positiven Reaktionen 

und Überraschungen erzählen. 

„Ich verstehe es nicht, aber ich 

liebe es“, so bringen sie ein Echo 

vieler Besucher auf den Punkt. 

„Was noch in den Köpfen ist“, 

immer wieder tauchte diese Formulierung 

auf, um sich gegen 

eine mächtige Tradition und 

prägende Vergangenheit zu 

wehren. Für Litauen, einen jungen 

Staat, ist das längst nicht nur 

im Tanz im Thema. Eine Führung 

durch die Altstadt von Vilnius 

machte dies auch im Blick 

auf das Stadtbild deutlich, geprägt 

von zahlreichen Kämpfen 

um Litauen und seine nationale 

Identität, gezeichnet von vielen 

Brüchen und Besetzungen. 

Wenn Birute Baneviciute ein 

Stück für Kleinkinder bis drei 

Jahren macht, „Bunte Spiele“, das 

in Berlin im Rahmen des Festivals 

im Theater an der Parkaue 

laufen wird, dann eben auch, 

um vor den Altlasten anzusetzen. 

Mit Kugeln, Bändern und 

Reifen in Primärfarben lockt das 

Stück sein Publikum auf seinen 

kurzen Beinchen auf die Bühne, 

lässt sie in einladenden Konstellationen 

mitkrabbeln und mitspielen 

und dabei ästhetische 

Ordnungen entdecken. Das Lustigste 

ist, bei der Aufführung die 

staunenden Eltern zu beobachten, 

ihre Begeisterung über ihre 

Kinder, ihre Verblüffung oder 

auch ihre Probleme, nicht einzugreifen. 

Auch für sie ist das 

Stück gemacht. 

Publikum ist weiblich 

Aber der zeitgenössische Tanz 

in Litauen hat auch erfahrene 

und angesehene Choreografen 

UNBEGRENZT ENTGRENZT – 

ODER: WOZU BRAUCHT ES 

GRENZEN? 

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CAROLIN EMCKE, JOSHUA KWESI 

AIKINS, IMAN ATTIA, THOMAS 

KRÜGER, JÜRGEN ZIMMERER 

»GRENZEN DER ERINNERUNG« 

AM 5. FEBRUAR UM 12 UHR 

wie Vytis Jankauskas, der seine 

Company 1997 gründete. Ihn 

konnte ich fragen, woran es liegen 

könnte, dass das Publikum 

der sechs Performances, die wir 

in Vilnius sahen, zu geschätzten 

80 Prozent weiblich war. Es habe 

sich eben noch immer eine Machomentalität 

erhalten, von der 

Teil ist, dass Männer sich nicht 

für Kunst interessieren, denkt 

er. Obwohl sich seit der Umbruchszeit 

viel verändert habe, 

zum Beispiel viele Frauen studieren 

und an Universitäten arbeiten, 

bleibe ein traditionelles 

Rollenbild weiter wirksam. 

Von Vytis Jankauskas stammt 

das gleich zum Festivalauftakt 

am Mittwoch im Dock 11 gezeigte 

Stück „Blind Spot“. Das ist 

eine technikaffine und philosophisch 

interessante Performance 

zweier Tänzerinnen, in der ihre 

Sichtbarkeit auf der Bühne mittels 

filmischen Bildern mit dem 

gekoppelt wird, was sie selbst von 

sich und vom Raum sehen, während 

sie tanzen. 

Irritierend nahsichtige Bilder, 

die den Körper fragmentieren 

und verrätseln, tauchen 

dabei ebenso auf wie kontrollierende 

Kameraperspektiven. Extrem 

subjektive Wahrnehmungen 

werden mit Sichtweisen zusammengebracht, 

die von allem 

Persönlichen absehen wollen. 

Jankauskas erzählt, dass er 

sich mit dem Philosophen Gilles 

Litauen tanzt 

■ Das 4. Lithuanian Dance Festival 

in Berlin startet am Mittwoch, 

1. Februar, es dauert bis 5. Februar 

– und bei dieser Ausgabe von 

„Litauen tanzt“ tanzt erstmals 

auch mit Tanz- und Performancekünstlern 

aus Estland ein 

baltisches Nachbarland mit. 

■ Das Festival findet im Dock 

11, Kastanienallee 79, statt. Das 

Stück „Bunte Spiele“ für Kinder 

bis drei Jahren ist im Theater 

an der Parkaue, Parkaue 29, zu 

sehen. www.litauentanzt.com 

Deleuze beschäftigt hat und dessen 

Frage, wie man sich der Kontrolle 

und der Überwachung 

entziehen kann. „Man muss sich 

verwandeln, unkenntlich werden“, 

das ist eine Strategie, die 

er dort gefunden hat und auf die 

sein Stück Bezug nimmt, wenn 

die Tänzerinnen im letzten Teil 

Metamorphosen durchlaufen 

und in ihre raffinierten Kostümen 

abtauchen. 

Internationale Vernetzung 

Von der beginnenden internationalen 

Vernetzung der litauischen 

Tanzszene zeugt das Padi 

Dapi Fish Dance Theatre. Annika 

Ostwald und Agnija Seiko haben 

in Litauen, in den Niederlanden 

und in England studiert. 

Ihre Performance „Lucky Lucy“ 

entwickelt sich in jeder Stadt anders; 

über Kopfhörer hört der 

Besucher Texte, die mit wenigen 

Sätzen ganz unterschiedliche 

Situationen evozieren, vom 

Eingeschlossensein, von Angst, 

vom Beobachtetwerden, vom 

Verstecken, vom Unglück. Sie 

werden während eines Walks 

auf eine jeweils andere Stadt 

projiziert. 

In Vilnius war man damit in 

älteren Siedlungen, zwischen alten 

Villen, Gärten und angegammelten 

Bauten der Nachkriegszeit 

unterwegs, blickte von Hügeln 

auf die neu entstandenen 

Stadtviertel und sah den Umbruch 

in jedem Detail. Geführt 

wurde man dabei von den beiden 

Choreografinnen, die dabei 

auch immer wieder auf Verfolger 

stießen und wegliefen. Eine 

leicht unheimliche und bedrohliche 

Szenerie. Man kann gespannt 

sein, was in Berlin aus 

„Lucky Lucy“ wird. 

Das Dock 11 war von Anfang 

an Partner und damit auch Ermöglicher 

des Festivals. Diesmal 

kommt das Theater an der 

Park aue hinzu und, für die Kuratorin 

In grida Gerbutavičiūtė 

ganz wichtig, ein Austausch mit 

dem Zentrum für Bewegungsforschung, 

das Ga brie le Brandstet 

ter an der Freien Universität 

Berlin leitet. 

In Litauen, sagt die Kuratorin, 

fehlt es bisher an Tanztheoretikern 

und Tanzkritik, ebenso an 

einer wissenschaftlichen Basis 

für den Tanz. „Deswegen freue 

ich mich sehr, dass Professorin 

Gabriele Brandstetter großes Interesse 

daran gezeigt hat, den 

wissenschaftlichen Austausch 

anzufangen“, sagt In grida Gerbu 

tavičiūtė. 

k3 berlin Programmauswahl 

– Kontor für Kultur und Kommunikation Mi, 01.02. 19.30 Uhr So, 05.02. I Prinzenstr. 10.30 Uhr Phil. Café 85 f I 10969 Mi, 08.02. Berlin 17.30 Uhr I bureau@k3berlin.de Sa, 11.02. 10 - 16 Uhr 

So, 12.02. I t 10 +49 -14 Uhr (0)30 Workshop 695 695 24 

Alle Termine: www.urania.de 

Di, 31.01. 17.30 Uhr 

Vegan, vegetarisch, pflanzenbasiert – 

Was steckt hinter den Trends? 

Dr. med. Christian Kessler 

Di, 31.01. 19.30 Uhr 

Warum das Gehirn tut, was es tun 

soll, oder manchmal auch nicht 

Prof. Dr. U. Dirnagl, Dr. J. Müller 

Wieviel Logik 

Kunstwerk Leben: Michel Foucault 

braucht die Liebe? Prof. Dr. Lutz von Werder 

Dr. Sven Sebastian 

Mo, 06.02. 19.30 Uhr 

Das diffuse Universum 

Fr, 03.02. 19.30 Uhr 

Prof. Dr. Philipp Richter 

Unvereinbare Säulen der Physik 

Dr. Alexander Blum 

Di, 07.02. 19.30 Uhr 

Wie ich versuchte, 

Sa, 04.02. 19.00 Uhr 

als Tier zu Leben 

Buddhismus: Zeitlose Werte finden 

Charles Foster 

Beatrice Amar 

Von Lebenserfahrung 

zur Weisheit 

Prof. Dr. Judith Glück 

© AAUBarbara 

Mi, 08.02. 19.30 Uhr 

Das Hohelied des Leonard Cohen 

Dr. Andreas Jacke 

Do, 09.02. 19.30 Uhr 

Demokratie in postfaktischen Zeiten 

Prof. Dr. Patrizia Nanz 

Workshop 

Finden Sie die Ernährung, 

die wirklich zu Ihnen passt 

Thomas Frankenbach 

Sa, 11.02. + So, 12.02. 

je 16 Uhr 

Kinderballett 

Coppélia 

Ballettschule am 

© Yan Revazov Staatsballett 

Gesichtstraining: Frisches Aussehen 

Tanja Kuntze 

So, 12.02. 11 - 14 Uhr Workshop 

Der Ich-kann-nicht-singen Chor 

Mit Michael Betzner-Brandt 

Mo, 13.02. 19.30 Uhr 

Live-Multimediavortrag 

Burma – Gold, Geister und Giganten 

Malte Clavin 

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Informationen und Tickets: Urania Berlin e.V. An der Urania 17 10787 Berlin Tel.: 030 / 218 90 91 www.urania.de





Medium: 

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Exberliner 

„We force each and every audience member to participate“ 


Febuary 2017 

Serita Braxton 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Exberliner 

Calender 


Febuary 2017 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Himbeer 

Bunter Spiele 


Februar/März 2017 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Tanz 

Karl Saks 


Februar 2017 

Arnd Wesemann 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Berliner Zeitung - Spielplan 

Bühnen 


2. bis 8 Februar 

k. A. 






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Aus dem Takt geraten 


2. bis 8. Februar 2017 

Sandra Luzina 






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Colorful Games 


2. bis 8. Februar 2017 

k. A. 






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Zitty Berlin 

Balten in Bewegung - Teil 1 


5-2017 

Annett Jaensch 






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Ausgabe: 

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Zitty Berlin 

Balten in Bewegung - Teil 2 









Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Zitty Berlin 

Colorful Games 



k. A. 


dorf, genannt »Rübezahl«, vor dem Arcaden-Center in der Schönhauser Allee 

ater An der Parkaue geht noch bis 

zum Sonntag und liefert einen 

Überblick über die zeitgenössische 

Tanzszene in beiden Ländern. 

Foto: nd/UlliWinkler 

Reisende, die durch die baltischen 

PRESSESPIEGEL Republiken ziehen, berich- 

DOCK 11 2017 

Reisende, die durch 

die baltischen 

Republiken ziehen, 

berichten mit 

leuchtenden Augen 

von der großen 

Verbreitung 

der Tanzkultur 

umjetrieben.« Was heißt seinem »Leierkasten« stehen. Zwei Stadt 

ten mit 

im 

leuchtenden 

Blasorchester 

Augen 

der Technischen 

von 

eben«? Bereitwillig gibt Äffchen sind seine ständigen Begleiter. 

Aus Plüsch, versteht sich. Keine rument? 

der großen 

Hochschule. 

Verbreitung 

Was für 

der 

ein 

Tanzkultur 

im 

Inst- 

uskunft: In Köthen, wo der 

»Scheißhaken.« 

Alltag. Die zeitgenössische 

Tanzszene ist selbstverständ- 

Auf meine 

siker und Orgelkomponist lebendigen. »Die gibt es seit Jahrzehnten 

nicht mehr«, so Bölsdorf. entschlüsselt 

erschreckt-verwunderte Nachfrage 

bastian Bach von 1717 bis 

lich wesentlich 

mir 

kleiner. 

Bölsdorf 

Sie 

Bläserlatein. 

speist 

Hofkapellmeister des Fürsld 

von Anhalt angestellt haarten Gesellen in ihren bunten phonium 

Lustig waren sie – die kleinen, be- 

sich 

»Das 

aber 

nennt 

auch 

sich 

aus 

eigentlich 

dieser Verbundenheit 

Eu- 


im Alltag. 

und 

der 

gehört 

Bevölkerung 

zur Familie 

mit 

der 

dete Bölsdorf die Grundmachte 

an der Volkshochstücke 

aufführten, mit der Peitsche lernen 

Kostümchen, die einst allerlei Kunst- 

Hörner. 

der Bewegungskunst. 

Da Althorn schneller 

Das ist bis 

zu 

in 

er- 


das Festivalprogramm 

ist als ein Waldhorn, 

4. Lithuanian 

hinein 

bin 

zu 

ick 

in Abitur und studierte in geknallt oder Purzelbäume geschlagen 

haben und die Münzen aufsamfach? 

damit Dance Festival Berlin 

spüren. 

eingestiegen.« 

In »(g)round 

Ging 

zero« 

das 

etwa 

so ein- 

und die Kinder sind zum Partizipieren 

eingeladen. 

-Stadt und Magdeburg 

werden 

»Ja. Ich 

Tanzanimationen 

schaute eines Tages 

von 

bei 

hnik. Sein weiterer Weg melten, die aus den Fenstern der einer 

Marius 

Probe 

Paplauskas 

des Hochschulorchesters 

und Marius Pinigis 

im 

Auch politischere Themen werden 

verhandelt. »Dior in Moscow« 

ch Rathenow, »wo ich in Mietskasernen aufs Straßenpflaster vorbei. Der 

Busbahnhof 

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Ausgabe: k. A. 

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Autor/-in: Tom Mustroph 

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Begegnungsoffen ist ebenfalls 

h um seine Schäfchen ge- alten Gassenhauern bis zu frechen war das Eis gebrochen.« 

das Kindertanzstück »Colourful 

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Couplets. Ich erfahre außerdem: Bölsdorfs »Leierkasten« ist ein Frau so mit sich bringen, werden 

Games« (Bunte Spiele) im Theater 

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rgel? »Nee, das bringt nicht Horn und die Trompete und spielte Wetter, das janze Jahr.« 

DAPI Fish Dance Theatre; 4. und 5.2. 

ch erfahre außerdem: Bölsdorfs 

Und darum geht es auch Klavier. Sein Sohn – also icke – wollte 

auch gerne Klavier spielen lernen. Horst Bölsdorf ist für diverse Events zu »Klymaxless« (4.2., 20 Uhr, 5.2. 

16 Uhr), die Gruppenchoreografie 

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Stüber. 

rgelei vernarrt. Und hat Ging 

fangen, der Bewegungskunst. aber nicht«, bedauert 

Drehorgeln zu bauen, Das ist bis Bölsdorf 

alsin 

buchen unter: 030/654 15 39 oder Mobil: 

0152 0400 29 37 sowie E-Mail: 

Dialogue« (5.2., 20 Uhr, alle 

18.30 Uhr) und das Duett »B&B 

der Stärker in Richtung konzeptueller 

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Marius Paplauskas und Marius Pinigis 

im handgefertigt. Busbahnhof von WieKaunas 

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gel ist für Horst liebevoll 

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das Kindertanzstück 

auch mit Intarsien. 

»Colourful 

Mit ihr Schlag seines Herzens mit dem Ticken 

der Metronome in Einklang 

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und zu bringen. Das misslang grandi- 

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chlosser, Gürtler, Bildernmacher, 

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chanischer Apparat, aber k3 werden. berlin Reisende, »Das – Kontor organisiert für dieKultur durch alles und unsere Kommunikation Gerichtssaal I Prinzenstr. simulierenden 85 f I 10969 Berlin An-ordnung aus Tonband, Stein- 

bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 695 695 24 

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erein ochschule. bereits Was einen für ein Horst Inst- Bölsdorf kein Streitpunkt. Er nennt sich in »State and Design« dem Be-





Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 


Ingrida gerbutaviciute, Künstlerische Leiterin von „Litauen tanzt“ 


k. A. 

Vera Block 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

www.tanzpresse.de 

Tipp des Tages 


k. A. 

k. A. 



Infidelity: A love story, Tomer Zirkilevich 09.-12.02.2017 im DOCK 11 

Potsdamer Tagespiegel 21.01.17: http://www.pnn.de/potsdam-kultur/1150118/ 

Taz Magazine 11.02.17: https://www.taz.de/Archiv-Suche/!5379615&s=ariane+lemme&SuchRahmen 

=Print/ 

Rachel Tack 16.02.17: http://racheltackdance.com/reviews.html 

Spitzmagazine: http://spitzmag.de/event/infidelity 

http://www.pnn.de/potsdam-kultur/1150118/ 

„INFIDELITY – A LOVE STORY“ IN DER FABRIK 

Verlass mich nie, ich brauche dich 

von Ariane Lemme 

Tomer Zirikelvich probt an der fabrik die Untreue. 

Potsdam - Mit der Untreue muss sich, so bitter es ist, jeder herumschlagen. Mit der eigenen und der 

derer, die man liebt. Sie findet nicht nur zwischen Paaren statt, auch zwischen Freunden. Auch dem 

eigenen Land kann man untreu werden. Wie der Choreograf und Tänzer Tomer Zirikelvich. 1985 in Tel 

Aviv geboren und dort aufgewachsen, hat er sich vor einigen Jahren für seine Geliebte Berlin entschieden. 

Und gegen Israel. 

Auch wenn seit Jahren viele, vor allem junge Israelis nach Deutschland, am liebsten nach Berlin ziehen, 

kann es für andere immer noch wie ein Verrat wirken: ins Land der Täter zu gehen. Zumindest ist 

es etwas, worüber es in seiner Heimat noch eine Debatte gibt, sagt Zirkilevich. 

An der fabrik, wo er zeitgenössischen Tanz unterrichtet und auch schon sein zärtlich-lustiges Stück 

„Like Father, likes Son“ gezeigt hat, probte er eine Woche lang an „Infidelity – A love Story“. Sieben 

Tänzer aus ganz unterschiedlichen Teilen der Welt hat er dafür zusammengeholt, auch für sie spielen 

Treue und Verrat am Land ein Rolle. Aber vor allem in der Liebe. 

Beim Showing der ersten Hälfte von „Infidelity“ am Donnerstagabend in der fabrik beginnt es, wie es 

immer beginnt. Alle laufen in vertraut miteinander wispernden Paaren durch den Raum. Nur einer der 

Tänzer ist allein. Er jagt erst diesem, dann jenem Paar jeweils einen Partner ab – voller Euphorie. „I’ll 

be the boy of your dreams“, verspricht er. Aber er will auch etwas von seinen Eroberungen. „I love 

you. Tell me, you never leave me.“ 

Verlass mich nie, ich brauche dich. Klar denkt das jeder, der liebt. Und sollte doch wissen, dass, wer 

das ausspricht, wer das erwartet, jeden in die Flucht schlägt. Weil er der Liebe die Luft zum Atmen 

nimmt, ihren freien Geist bricht. 

Und so laufen sie ihm immer wieder weg, die anderen Tänzer. Doch sobald einer von ihnen „split“ 

schreit, lösen sich alte Bindungen, neue entstehen. Sie verführen sich gegenseitig und drohen immer


wieder, unter dem Begehren der anderen zu ersticken. 

Zirkilevich lässt seine Tänzer ihre eigenen Geschichten mit einbringen. Für die ist es fast wie eine 

Therapie: Wie Familienaufstellung, sagt einer nach dem Training. In ihrer Kunst führen sie sich alltägliche 

Muster vor Augen, fangen an, zu sehen, was sie sonst nur tun. Das ist ein Muster, das man in 

Zirkilevichs Arbeit erkennen kann: das radikal Direkte. Deshalb verliebt man sich, wie schon bei „Like 

Father, likes Son“ sofort in seine Figuren, seine Geschichten. Weil sie nichts verheimlichen. Sich nicht 

schämen, schwach zu sein und dunkle Begierden zu haben, und sich damit den anderen aussetzen. 

All das ist unverklemmt und selbstironisch, hat eine Unverkrampftheit, die der israelischen Kultur so 

eigen scheint. Wo man lieber nicht so viel Zeit auf Unwesentliches verschwendet, sondern direkt aufs 

Herz der Dinge zielt. In der Hinsicht, könnte man sagen, ist Zirkilevich seiner Heimat unbedingt treu. 

Vom 13. bis 17. Februar geben Tomer Zirkilevich und Michal Hirsch die Workshopwoche „Playground 

– Groundplay“ an der fabrik (Schiffbauergasse 10). 

Das Stück feiert zuvor Premiere in Berlin. Zu sehen ist es am 9., 10., 11. und 12. Februar 2017, jeweils 

um 19.00 Uhr, DOCK 11, Kastanienallee 79, 10435 Berlin. Mehr Infos >>


http://www.taz.de/!5379615/ 

Vom Risiko, zu lieben 

TANZ Überraschend politisch: Der israelische Choreograf Tomer Zirkilevich zeigt im Dock 11 ein Stück 

über Nähe und Verrat 

VON ARIANE LEMME 

Auch das Allerprivateste kann politisch sein. Ist es vielleicht immer. Tomer Zirkilevich hat das erfahren. 

Irgendwann vor ein paar Jahren fing er an, seine Beziehung zu hinterfragen, diesen sicheren Ort voll 

Nähe, mehr Partner- als Leidenschaft. Und dann wurden die Kreise immer größer: Familie, Freunde, 

Bekannte. Die Künstlerkreise in Tel Aviv, in denen er als Choreograf und Tänzer arbeitet, irgendwann 

auch die Politik. „Alles fühlte sich plötzlich wie ein Käfig an“, sagt er im Café des Dock 11, dem Tanzzentrum 

in der Kastanienallee. 

Dass er jetzt hier sitzt, in Berlin und nicht länger in Tel Aviv, hat mit diesem Gefühl zu tun. Gleichzeitig 

fühlt er sich ein bisschen wie ein Verräter. Als würde er seine Heimat betrügen, das Land, das er liebt 

und das ihn liebt, das ihn ausgebildet und zu dem gemacht hat, der er ist. Das kann mit der Sprache 

zu tun haben: Nach Israel zu kommen, Israeli zu werden, heißt im Hebräischen „lalot“ – aufsteigen. 

Das Land verlassen, um anderswo zu leben, übersetzt: her ab steigen. Das hat eher nichts mit Nationalstolz, 

sondern mit Religion zu tun – zum heiligen Land steigt man eben auf. 

Von dieser – und von der Untreue auf allen anderen Ebenen handelt Zirkilevichs neues Stück „Infidelity. 

A Love Story“, das bis zum Sonntag im Dock 11 zu sehen ist. Die sieben Tänzer haben jeder ihre 

eigene Idee von Verrat mitgebracht. Und Zirkilevich, der aus all dieses privaten Erfahrungen eines seiner 

erzählenden Tanzstücke gebaut hat, hat sich dabei selbst verändert. „Ich fing an mit der Idee, dass 

fremdgehen eben bedeutet: eine Beziehung ist kaputt, man gibt damit zu, die andere Person nicht 

mehr zu lieben“, sagt er. Aber das menschliche Herz ist groß genug, um mehr als einen Menschen zu 

lieben, findet er heute. „Manchmal kann Untreue eben auch ein Weg sein, den Partner zu behalten, 

ihn zu schützen.“ 

Das Gefühl, festzustecken 

Mit diesem riesigen Glauben an persönliche Beziehungen arbeitet er auch. „Ich muss mich in gewisser 

Weise in meine Tänzer verlieben.“ Weil es ihm darum geht, etwas zu erforschen, etwas zu erzählen 

mit seiner Arbeit, castet er die Tänzer nicht mit den üblichen Auditions. „Mich interessiert, was für 

eine Geschichte sie mitbringen, welche eigene Idee von dem Stoff, den ich bearbeiten will, und ob wir 

zusammenpassen.“ An der Technik kann man ohnehin arbeiten. Die Persönlichkeit ändern, das geht 

eher nicht. Es waren also eher erste Dates, zu denen er die Tänzer lud. 

Diese spezielle Intimität, die die Tänzer so verbindet, kann man in der Aufführung förmlich greifen. Sie 

klammern sich aneinander, drängen, insistieren: „Tell me you never leave me!“ Versprechen: „I’ll be 

the boy of your dreams“, so lange, so vehement, bis die so erzeugte Enge sie auseinandersprengt. 

Dieses Gefühl, festzustecken, das Tomer Zirkilevich das letzte Jahr in Israel gehabt habe, ist natürlich


ein Punkt, an den fast jeder in seinem Leben irgendwann kommt. Alles scheint festgefahren, zu eng, 

sicher, aber blutleer. Da ist kein Platz mehr, um zu wachsen. Dann muss etwas Neues her. 

Für den Choreografen war das Berlin, „vielleicht war es etwas Unbewusstes, das mich hierher geführt 

hat“. Wie bei den meisten, die diesen Punkt erreichen, fing es auch bei ihm im Privaten an. „Aber 

ich merkte, dass alles mit allem zusammenhängt“, sagt er. Dieser Stress, in einem Land zu leben, das 

seit seiner Gründung von allen Seiten bedroht wird, den muss man irgendwie kompensieren. „Dieser 

Druck bringt natürlich auch jede Menge Produktivität mit sich, die Leute wollen mehr, kämpfen, mehr. 

Aber manchmal blockiert er uns natürlich auch.“ Oder anders gesagt: Wer sich ständig existenziell 

bedroht fühlt, der sucht Sicherheit. In allen Bereichen. Der wird auch in der Kunst, im Intimen weniger 

risikofreudig. 

Auch ohne politischer Aktivist zu sein, ohne die Dinge schwarz-weiß zu sehen, hat Zirkilevich das Gefühl, 

dass viele Dinge falsch laufen, zu Hause in Israel. Wenn er davon erzählt, sieht man, dass es ihn 

quält, diese Diskrepanz zwischen Liebe und Entfremdung. Und vielleicht gleicht dieser Zwiespalt tatsächlich 

dem, in den alle fallen, die fremdgehen.Aber Zirkilevich will an die Liebe glauben. „Ich denke, 

es gibt noch immer eine Chance auf Frieden im Nahen Osten.“ Auch in den verschiedenen Sequenzen 

im Stück, auch in seinen verzweifeltsten Momenten, war es ihm wichtig, das die Liebe eine Chance 

hat. „Manchmal tut es weh, manchmal ist es grausam.“ 

Um zu erkennen, dass er – nicht nur, aber vor allem auch künstlerisch – anders aus sich schöpfen 

kann, musste er Israel vielleicht verlassen. „Dort durchdringt der Gedanke ‚immerhin bin ich in Sicherheit‘ 

alles, jeden Bereich des Lebens.“ Es brauchte in gewisser Weise den Frieden in Berlin, der ihn risikofreudiger 

gemacht hat. Im Privaten, aber auch beruflich. Und auch, wenn er inzwischen drei Jahre 

hier lebt, hat er dieses Gefühl nie wieder verloren: Alles kann sich jederzeit ändern, ich kann jederzeit 

etwas ändern. Ein anhaltender Aufbruch. Das ist nie ein schlechter Status quo für die Kunst.


http://racheltackdance.com/reviews.html 

“Infidelity: A love story” – ein Tanzstück von Tomer Zirkilevich 

Dock 11 

Berlin, Germany 

February 12, 2017 

“Infidelity: A love story” introduces us to the game of relationships and interconnectivity – a game 

where you never know who is going to ask you to do what, when you will need to catch someone in 

a split second before they hit the floor or as they throw their body recklessly into your arms, or when 

you may be left alone in isolation. The cast of seven performers call upon each other in what seems to 

be an improvisation game or exercise, however Tomer Zirkilevich wittily turns it into a symbol of our 

relationships to those closest to us. Zirkilevich’s keen use of comedy makes “Infidelity: A love story” 

the sitcom “Friends” of dance theatre. 

We observe as the odd number of performers join into pairs, always leaving someone as the oddman-out, 

fighting to join in again. The pairs know no age, no gender, no nationality and sometime no 

commitment. Though their words seem sincere “tell me you’ll never leave me,” it quickly becomes a 

game of promiscuity – how many people can you convince to leave their current pair to be with you. 

It is a greedy game, using others to bring you temporary comfort or the feeling of desire. “Squeeze 

me.” “Hug me.” “I’ll be the boy of your dreams.” ”What can I do to steal your heart?” “Describe the 

most romantic thing you could do for me.” 

The work shifts from game to dance movement scenes, usually abruptly and sometime awkwardly – 

similar to how the performers call upon each other for immediate action. Their movement is playful 

and childlike, often showing off in search for attention. Rodolfo Piazza Pfitscher da Silva has great 

comedic timing for seizing the limelight. He jumps into the air repeatedly in front of the audience 

yelling, “look at me!” 

Laura Signoriello is a sensual goddess, and in the work she is trapped between her promiscuous desires 

and the stability and intimacy of monogamy. She offers an apple which transfixes four others while 

two watch from a distance. The apple is seductively passed between mouths until the sexual tension 

builds and Signoriello is caught distressed in the middle, overwhelmed by others’ touches. There is 

again another sudden shift in lighting and music as all the performers jump away from Laura. They 

taunt her “Laura… look at me… come closer” while she remains frozen in the middle. 

The piece shifts into distrust and shame as the performers strip down to only flesh colored undergarments. 

Then the game saves the performers from the moment of brokenness. “Close your eyes!” 

They call upon one another to confess.


Signoriello confesses to Alejandro Notas that she has kissed others. “Forgive me.” she demands of 

him. She drags him along in her game of love and lust. All along Notas retains a strong and steady 

energy, both unwilling to show his wounds or any other emotion. Signoriello slaps him, Still no response. 

He stands for a sort of man fighting to remain in control and to not be overcome by his emotions. 

This is until he is brought to a heart-wrenching solo towards the end of the work where he is 

toss to the ground until a response is practically beaten out of him. 

Ronja Häring also takes a comedic stance as she recites her abridged version of Erich Kästner’s poem 

Sachliche Romanze. She speaks matter-of-factly about the irony of love and the couple’s unwillingness 

to accept that they had fallen out of love. She compares their loss of love to that of a sock, as if 

human emotions can be lost like an article of laundry. 

As Austin Fagan takes center stage, he reintroduces the game, this time requesting opinions from the 

others. “What do you think about me?” He asks over and over until the others reply “Why do you 

care?” Fagan continues into a moving monologue about purpose and identity. He compares himself 

to the clothes that he wears every day. They become old and tear, and when he patches them, all 

anyone sees are the patches. It’s like spending all his money and energy chasing his dreams only to 

run out of money and not be any closer. “It’s like hitting yourself in the face with a frying pan… like 

working on personal development to strengthen your relationships, but no one cares…” or “choosing 

to believe you’re happy when you know you’re not.” 

All the performers retreat to a moment of isolation where they all begin speaking in their own language. 

Yuri Shimaoka’s individual monologue develops into a gesturing phrase which moves her to her 

knees. It is a phrase of suppression and guilt. Her movements are simple but executed from a deep 

spirituality with strength and honesty. 

The piece slowly seems to spiral into a place of hopelessness until they break into singing “L-O-V-E.” 

I almost believe the words they are singing “love was made for me and you.” However, there is a residue 

of irony and irresolution. As the work come to a closure, the weight and meaning of love takes 

hold. “I felt love come out of my belly… I will never leave you… I love you.” Words of desperation. 

Michal Hirsch surprises the audience. The mature performer who had remained steady and calm 

through the performance announces “Now it’s my turn!” She steals our attention with her wisdom 

and spirituality and speaks with an urgency. She urges the performers much younger than she to not 

lose hope. Her movement is reckless and childlike. She has remained free regardless of the burdens of 

love. The other six try to exit the stage but she runs before them insisting they stay. 

Though they remain they have lost the playfulness they began with. They have grown tired of playing 

the game of love because they have too often been on the receiving end, used and empty. Love, lost, 

isolation, community, purpose, identity, fear, anger, and healing. However, it is the laughs along the 

way that enriches the experience.


Concept/Choreography: Tomer Zirkilevich 

Music and Assistant Choreography: Rona Ginat 

Stage and Costume design: Ran Chai Bar Zvi 

Performers: Ronja Häring, Michal Hirsch,Yuri Shimaoka, Laura Signoriello, Rodolfo Piazza Pfitscher da 

Silva, Austin Fagan, Alejandro Notas 

Dramaturgy: Sveta Azriel 

Production leader: Astrid Rostaing 

Video und Photography: Nicolas Notas Rodriguez- Melgarejo and Vittorio Bonanni 

Graphic Designer: Kerstin Porges 

posted: February 16, 2017


Stranger, Emese Csornai, 23.-26.02.2017 im DOCK 11 

http://www.urbanite.net/de/berlin/news/kultur/stranger-tanzperformance-im-dock11-von-emesecsorn/ 

19.02.2017 - KULTUR-NEWS 

„Stranger“: Tanz -Performance im Dock11 von Emese Csornai 

Mikel Aristegui 

Veranstalter 

Mikel Aristegui 

Fremdheit ist für uns Großstadtbewohner eine grundlegende Erfahrung, täglich erlebt man dutzende 

Mikro-Begegnungen, in der U-Bahn, der Uni. „Ich sehe dich und deine Augen, in denen ich dem 

Selbst begegne und den Fremden erkenne. Wie oft können wir uns in einer einzigen Begegnung 

treffen?“, heißt es zum Stück. Alltag: Mehrminütige Begegnungen, tastende Blicke, Annäherung oder 

Abweisung, Skepsis oder Interesse – kurze Momente, die, in Zeitlupe betrachtet, lange Geschichten 

erzählen. 

Die Begegnung zweier Menschen steht im Zentrum dieses Stücks. Vielseitige Fragmente von Gesten, 

Überaschungen und Spielerisches werden von den Darstellern Annapaola Leso, Silvia Bennett und 

Mikel Aristegui erkundet. Das klingt spannend! Ein Tanz nicht der großen, theatralischen Gesten, sondern 

der unergründlichen, vieldeutigen, kleinen Gesten von denen wir alle tagtäglich umgeben sind. 

Tanz: Annapaola Leso, Silvia Bennett, Mikel Aristegui 

Künstlerische Leitung und Licht: Emese Csornai 

Komposition, Gitarre, Elektronischer Sound: Gabor Csongradi 

Komposition, Gesang: Georgi Sztojanov


Night Glass Day Mirror, The Instrument 09.-12.3.2017 im DOCK 11 

http://tanzraumberlin.de/Night-Glass--1745-1.html



touch of MADNESS, Katharina Maschenka Horn und Nemanja Mutic 

16.-19.3.2017 im DOCK 11 

Presse Artikel und Zuschauer Impressionen 2017 

Klaus Dilger, Wuppertal (TANZweb NRW www.tanzwebkoeln.de): 

Katharina Maschenka Horn ist dem Publikum der Rheinmetropole noch bestens bekannt: im Jahr 

2009 gewann sie hier den U30 Nachwuchswettbewerb für Choreographie mit ihrem fulminanten Solo 

“PIGEONHOLE”. Nun hatte sie in Berlin Premiere:… 

… Von diesen (Konflikten) gibt es eine Menge in Katharina Maschenka Horn’s und Nemanja Mutic‘s 

klug und unprätentiös konstruierter Kulturverständigung zwischen Tanz, Theater und ebenso grossartiger 

Live-Musik, die Jan Günther und Jan Novosel im Bühnenraum der Berliner Kultbühne zwischen 

abgehängter Schaukel, zwei Stühlen und einem kleinen Tisch präsentieren. Mehr braucht es nicht, der 

Culture-Clash findet in Worten, Blicken und kurzen, meist fulminanten Bewegungssequenzen statt… 

… Ein kleiner, berührender Abend, der die eingesetzten Genres und Mittel virtuos verbindet. Absolut 

sehenswert! Und hoffentlich auch bald in NRW! 

http://www.tanzwebkoeln.de/?p=17111 

Iva Nerina Sibila, Zagreb - PLESNA SCENA.hr plesnascena.hr 

... Das Thema des Stücks ist der Konflikt von Kultur, Mentalität und persönlichen Werten, der durch 

eine brennende und leidenschaftliche Beziehung zwischen Mann und Frau unterstrichen wird. Ihre 

Kommunikation, der Übergang von Unterschieden, finden die Künstler in der Körperlichkeit, sinnlich 

und persönlich. In den Tanzszenen befinden sich Katharina Maschenka Horn und Nemanja Muti physisch 

auf derselben Ebene, in ständiger körperlicher Berührung und überfüllt, mit üppigen, kraftvollen 

Bewegungen mit einem Hauch israelischer Tanzästhetik. Die dominierenden visuellen Akzente sind 

ihre langen Haare, die wirbeln und die Bewegung fortsetzen. Die Bewegung ist einfach, organisch, 

aber dramatisch und leidenschaftlich, geleitet von der Wechselbeziehung der Künstler… 

... Die Frage, die aus ihrem Spiel entsteht, ist auf allen Ebenen menschlich erkennbar: Was ist nötig, 

um zwei Menschen aus so unterschiedlichen Situationen stammend zu verbinden und zu verstehen? 

Was muss losgelassen werden und was ist notwendig, um seine eigene Balance zu finden und zu 

kultivieren? Durch die Beibehaltung gemeinsamer und bekannter kultureller Werte, oft unter Verwendung 

von Selbst-“Stereotyping“, gelingt es den jungen Autoren, auf sehr witzige und selbstironische 

Weise überzeugende und lebende Charaktere zu schaffen, die einander oft an den Rand der Toleranz 

führen, aber doch immer wieder akzeptieren und ein tiefes menschliches Bedürfnis nach (An-)Erkennung 

finden… 

http://plesnascena.hr/index.php?p=article&id=2080 

Dubravka Zrncic-Kulenvic Sarajevo - ehemalige Direktorin des SARTR - War Theatre 

... touch of MADNESS ist eine Show, bei der drei junge Künstler (die beiden Performer und der live 

Musiker) ihre Unterschiede, den Einfluss des nationalen Erbes auf ihr persönliches Leben hinterfragen 

und diese Unterschiede als Privileg oder Hindernis in Situationen empfinden, in denen sie andere 

Menschen und Kulturen treffen. Sie nutzten Schauspiel, Tanz, Worte, Musik und Bewegung, um diese


Geschichte zu erzählen, und am Ende kamen sie zu einer sehr emotional kraftvollen Darbietungen, 

die alle Mitglieder des Publikums dazu motivierten, sich selbst und ihr eigenes Leben zu hinterfragen. 

Am Ende bleibt die Frage, die uns alle interessiert: Ist es VERRÜCKT zu versuchen, sich anderen so zu 

präsentieren, wie wir sind, und ist es möglich, andere in unsere Welt hineinzulassen, sie zu verstehen 

und sie Teil von uns zu machen?… 

Rena Schwarting, Berlin - Soziologin an der Universität Bielefeld und Bloggerin für 

www.Sozialtheoristen.de 

… Katharina M. Horn und Nemanja Mutic wagen… den Kulturvergleich und wählen diesen als 

Gegenstand einer gemeinsamen künstlerischen Produktion. Spannung und Konflikt sind damit im 

doppelten Sinne vorprogrammiert. Indem die Tänzer, Schauspieler und Musiker ihre persönlichen 

Erfahrungen mit der Kultur des anderen in einem deutsch-balkanischen Kaleidoskop von oszillierenden 

Tanz- und Schauspieleinlagen verarbeiten, setzen sie eine unvergleichbare Vergleichskommunikation 

in Bewegung, die den Zuschauer ein Wechselbad beider Gefühls- und Sprachwelten miterleben 

lässt… Jeder, der einmal länger im Ausland war, fühlt sich an die Inkommensurabilität („madness“) 

seiner persönlichen Grenzerfahrungen und Erlebnisse („touch“) während dieser Zeit erinnert. Paradoxerweise 

erzeugt das Ensemble mit seiner widerspruchsreichen, kulturellen Vergleichskommunikation 

im Wechsel von Tanz und Schauspiel genau das Gegenteil bei seinem Publikum - nämlich ein stabilisierendes 

Verständnis für die Perspektiven und die Verletzlichkeiten des anderen - eine Sicht, die nicht 

zuletzt im europäischen Wahljahr 2017 eine besondere politische Brisanz gewinnt. 

http://renaschwarting.de/2017/03/touch-of-madness-chancen-und-grenzen-eines-deutschbalkanischen-kulturvergleichs/ 

Sinja Strangmann, München - Kulturreferentin der israelischen Botschaft München 

Ein bosnischer Serbe und eine Deutsche, die Begegnung zweier Individuen, Künstler, in der vermeintlichen 

globalen Gleichzeitigkeit. Sie erkennen und testen die Grenzen und Möglichkeiten einer gemeinsamen 

Sprache, sie verhandeln ihre kulturellen Identitäten miteinander und gegeneinander. touch of 

MADNESS ist eine kraftvolle, nachhaltig berührende, affirmative und authentische Momentaufnahme 

dieser Begegnung, deren Widersprüche und Differenzen sich schließlich in der zarten Intimität der 

unmittelbaren physischen Begegnung auflösen. 

Hrvoje Korbar, Zagreb - Theaterregisseur 

Ich habe touch of MADNESS im Perforacije Festival Zagreb sehr geschätzt. 

... eine Vorstellung von zwei verschiedenen Lebensprinzipien, die nicht zusammenleben können, eine 

dünne Grenze, die unter Menschen in Beziehungen existiert, die nicht überschritten werden können. 

Es gibt ein schönes Zitat aus einem kroatischen klassischen Roman (eine Geschichte über eine kroatische 

Penelope nach dem Ersten Weltkrieg), die besagt, dass die Entfernung zwischen zwei Menschen 

nur eine einzige geschlossene Tür sein könnte, um die Person im anderen Raum nicht zu verstehen - 

... Was ich erwartete, und meine Erwartungen wurden erfüllt, waren großartige Bewegung / Tanzsequenzen 

- sie hatten eine sehr gute Dramaturgie in sich und auch als Teil der ganzen Show, sowie 

Musik.


... Ich möchte euch nochmals herzlich gratulieren. Ich denke, dass es euch auf theatralische Weise 

erfolgreich gelungen ist, das Thema in eure Körper und in die Beziehung zwischen zwei Menschen zu 

übersetzen... 

Mehdi Johansson, ursprünglich aus BiH, lebt heute in London 

Ich habe die Show touch of MADNESS im Sarajevo War Theater SARTR gesehen. Ich habe nicht erwartet, 

von der Show so begeistert zu sein. Ich kam nur aus Neugier und ich war so glücklich, dass ich 

es tat. Die Show ist großartig. Ich habe noch nie so eine synchronisierte Tanzperformance gesehen. 

Die Geschichte hat Worte zu meinen Gedanken gefunden und ließ mich sprachlos. Leute weinten um 

mich herum im Zuschauerraum und ja - auch ich weinte eine oder zwei Tränen.


Love & Loneliness in the 21 Century, Nir de Volff 23.+24.3.2017, 

30.06. - 02.07.2017 im DOCK 11



29.03.2017 / Tanzraum Berlin/ Susanne Gietl 

„...Dass de Volff – auch bekannt als Begründer der Theater- und Performancecompany TOTAL BRU- 

TAL. sieht man seiner Performance nur selten an. Wenn er seine gestreckten Beine mühelos beim 

Laufen zur Nase führt oder, wenn er durch die “Use-Abuse“Atem und Körpertechnik eine Bewegung 

seiner Hände wellenförmig auf den ganzen Körper überträgt. Er dreht sich mit gekreuzten Beinen 

und perfekten Bewegungen, doch dann taumelt er oder fällt zu Boden, er hüpft oder rennt im 

Kreis...Hin und wieder unterbricht der Künstler seine Selbstbetrachtungen und lässt mit kurzen Sätzen 

Politisches einfließen.Zweimal singt de Volff auch – seine Stimme ist nicht perfekt, sondern klingt 

einfach nur authentisch und man spürt sein Selbstmitleid. 

12.06.2017 / Blog Politico-Literario Bilbao-Spain/ David Barbero 

„The show ‚Love & lonelinees in the 21 century‘ has been a magnificent demonstration of its scenic 

conception in the careful mix combination elements of diverse artistic disciplines. There is a high 

dose of contemporary dance, of body expression, of music, of autobiographical text, of interpellations 

to the public. With all this, a very direct communication with the spectators and a transmission 

of emotions to the skin is achieved. 

- The spectators left excited and contagiados of the reflective emotions on the personal experiences. 

Many of them also felt a personal commotion and an impulse to bring to the surface their emotions, 

conflicts, doubts and tensions about the life, the illusions, the dreams, the frustrations or the existences 

in each one of us.


https://www.goethe.de/ins/es/de/ver.cfm?fuseaction=events.detail&event_id=20990942 

Tanzsolo von und mit NIR DE VOLFF / Inspiriert von einem Zitat von Albert Camus: „Das Leben verlieren 

ist keine große Sache; aber zusehen, wie der Sinn des Lebens aufgelöst wird, das ist unerträglich.“ 

Vor jeder der beiden Vorstellungen werden die Teilnehmer am Workshop mit Nir de Volff in einer Performance 

Ergebnisse aus der gemeinsamen Arbeit präsentieren. 

Love & loneliness in the 21 century ist ein Tanzsolo über einen Mann in Berlin, der in der Midlife Crisis 

gefangen ist. Im Scheinwerferlicht performt der männliche Körper und umfasst dabei eine Fülle von 

Erfahrungen, Erinnerungen, Liebhabern, Reue, Trauer und Zeitverlust. Dieser Körper ist voller Gegensätzlichkeiten, 

Enttäuschungen, Verletzungen und Narben. 

Der Protagonist erzeugt surrealistische Kommentare auf seine eigene komplexe Wirklichkeit, um sowohl 

schwere als auch lächerliche Bedeutungsmomente hervorzurufen. In nackter Wahrheit kehrt er 

Schicht für Schicht seines mangelnden physisch-emotionalen Wohlbefindens nach außen. Die daraus 

entstehenden choreographischen und textlichen Narrative stellen die Komplexität des Alterns am 

Individuum (Mikrokosmos), aber auch anhand unserer Gesellschaft (Makrokosmos) dar – einer Gesellschaft, 

die seit der griechischen Antike nicht aufgehört hat, das Phänomen der Jugend zu preisen. Mit 

Authentizität, schwarzem Humor und Live Musik wird das Stück zur ehrlichen One-Man-Show. 

Von und mit: Nir de Volff 

Musik: Klaus Erbskorn 

Licht: Asier Solana Arca


MASH DANCE BERLIN 31.3. bis 02.04.2017 im DOCK 11 


MASH DANCE BERLIN 

PRINT 




Tip Berlin Mash Dance Berlin k. A. 23.03.2017 

Der Tagesspiegel Ticket Die Stunde der Allesfresser k. A. 30.03.2017 

Zitty Mash Dance Berlin k. A. 30.03.2017 

Der Tagesspiegel Tagestipps k. A. 01.04.2017 

Taz Tanz als Realpolitik Astrid Kaminski 02.04.2017 

ONLINE 



www.berlin.de Mash Dance Berlin Tanzfestival k. A. 14.03.2017 

www.spitzmag.de Mash Dance Berlin k. A. 14.03.2017 

www. theaterscoutings-berlin. 

de 

Artist Talk following „Black Box“ k. A. 14.03.2017 

www.tip-berlin.de Jerusalem meets Berlin k. A. 14.03.2017 


Jerusalem meets Berlin: Black Box: Little 

Black Box of Red 


www.visitberlin.de Black Box: Lillte Black Book of Red k. A. 14.03.2017 

www.zitty.de Jerusalem meets Berlin k. A. 14.03.2017 

www.himbeer-magazin.de Tipps fürs Wochenende vom 31.03.- 2.04.2017 k. A. 28.03.2017 

www.taz.de Sieben Sachen k. A. 30.03.2017 

www.zitty.de Mash Dance Berlin Annett Jaensch 30.03.2017 

www.blu.fm 

Mash Dance Berlin: The Holycauster (S)Hit 


k. A. 

Circus 

www.livekritik.de Mash Dance Berlin Tanzfestival Sophie Diesselhorst 01.04.2017 

www.taz.de Tanz als Realpolitik Astrid Kaminski 02.04.2017 









Cine Marketing GmbH MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

Open Event Network MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

neues deutschland MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

events Today MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

tanznetz.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

Kunsttag MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

cb- event MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

chexx MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

www.wasgehtapp.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

meinestadt.de/berlin MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

kulturspeicher.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

musik-dresden.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

konzertkasse.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

kulturportal.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

regiomusik.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

locaside.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

twotickets.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

as-buecher.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

getevents.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

adticket.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

venyoo.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 

openpr.de MASH DANCE BERLIN k. A. 01.03.2017 





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Autor/-in: 

Tip Berlin 

Mash Dance Berlin 


Heft 07/2017 

k. A. 


zitty Nr 13/2017_Seite 38 





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Autor/-in: 

Der Tagesspiegel Ticket 

Die Stunde der Allesfresser 


30. März bis 5. April 2017 

Sandra Luzina 





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Autor/-in: 

Der Tagesspiegel 

Tagestipps 


k. A. 

k. A. 





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Taz 

Tanz als Realpolitik - Teil 1 


k. A. 

Astrid Kaminski 

Tanz als Realpolitik - taz.de 

04.04.17 12:09 

Tanz als Realpolitik 

TANZ Das Dock 11 stellte die Arbeit der Partnerorganisation Machol 

Shalem Dance House (MASH) in Jerusalem vor. Ganz ohne Tränen ging 

das nicht 

So wie Ofra Idel die Gegend um das Machol Shalem Dance House in Jerusalem 

beschreibt, kommt erst einmal die Frage auf: Warum gerade da? Also da, 

wo die israelischen Black Panthers (Widerstandsbewegung vor allem nordafrikanischer 

Juden) den Tänzer*innen das Terrain streitig machen, die Ultraorthodoxen 

ständig kontrollieren, ob die Vorhänge auch bis auf den letzten 

Millimeter zugezogen sind, und die Ostjerusalemer sowieso nichts mit einem 

zu tun haben wollen. 

„Die drei Religionen streiten hier um jeden einzigen Stein“, sagt Idel. Raum 

sei unbezahlbar in Jerusalem. „Als das kleine, heruntergekommene Kulturzentrum 

uns zur Renovierung angeboten wurde, war das die einzige Chance 

auf ein Tanzzentrum.“ Idel, Choreografin, Gründungsmitglied und künstlerische 

Co-Leiterin des Machol Shalem Dance House (MASH), wägt jedes ihrer 

Worte ab. Den Stadtteil, in dem sie arbeitet, bezeichnet sie mit dem arabischen 

Namen „Musrara“. 

Paralleluniversen 

Um von den verschiedenen Interessengruppen der Gegend akzeptiert zu werden, 

fächert sich das Programm in acht Komponenten, vom Frauen-für-Frauen-Programm 

für die Ultraorthodoxen über ein israelisch-palästinensisches 

Jugendprogramm (Zusammenarbeit im Erwachsenenalter ist nicht möglich) 

bis zu internationalem zeitgenössischem Tanz: neuste Techniken, das Knacken 

letzter Körpertabus. Hört sich nach einem Universum an Parallelwelten 

an, zusammengedrängt auf dichtestem Raum, angesiedelt zwischen Ignoranz 

und enormer Frustrationstoleranz. Tanz als Realpolitik. 

Nun war MASH zum ersten Mal mit Auszügen aus dem internationalen 

Programm sowie aus der Jugendarbeit in Berlin, zu Gast bei der langjährigen 

Partner-Institution Dock 11 im Prenzlauer Berg. Auch zwei Gaga-Workshops 

dürfen im Programm nicht fehlen. Gaga, eine virale Tanztechnik, die von 

Ohad Naharin, dem Direktor der renommierten Batsheva Dance Company 

aus Tel Aviv, entwickelt wurde, lässt sich vielleicht am besten als Anleitung 

zum Loslassen beschreiben. Im Dock 11 wird sie mit Gute-Laune-Garantie 

vom New Yorker Shamel Pitts unterrichtet, der mehrere Jahre bei Batsheva 

tanzte und nun mit Kursen und ersten eigenen Performances durch die Welt 

vagabundiert. 

https://www.taz.de/Archiv-Suche/!5393728&s=MASH&SuchRahmen=Print/ 

Seite 1 von 3 





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Taz 



k. A. 



04.04.17 12:09 

Für MASH zeigt der offenherzige Tänzer (der sich eine Basquiat-Krone unter 

den Haaransatz tätowieren ließ, lange bevor der früh verstorbene afroamerikanische 

Starkünstler wiederentdeckt wurde) „Black Box: Little Black 

Book of Red“. 

Entwickelt hat er das auf einem persönlichen Langgedicht basierende 

Stück zu seinem 30. Geburtstag, an dem er sein Apartment zeitgleich zur 

Blackbox umgestaltete – schließlich hatte er „weder Hund noch Kind“. 

Schwarz auf schwarz, selbst das Licht (von Tom Love) ist „schwarz“, wird 

Theater hier zum Lebensprojekt, zur magischen, oft nur durch Bewegungsschlieren 

auszumachenden Anverwandlung eines den schwarzen Körper 

nicht mitdenkenden Raums: „What’s real is what I feel“. 

Alltagsdiskriminierung 

Auffällig ist, dass sich unter den fünf MASH-Aufführungen noch eine weitere 

mit „schwarzen“ Perspektiven beschäftigt: „Black Label“ von Ofra Idel, gewidmet 

dem Tänzer Tzvika Iskias. Für Idel ist er gewissermaßen das Komplementärmodell 

zu Pitts, der als afroamerikanischer Künstler, nach eigener 

Aussage, gern gesehener „Exot“ in Israel ist – während Iskias, der zwei Jahre 

lang durch die Wüste wanderte, als äthiopischer Jude heftigsten Alltagsdiskriminierungen 

ausgesetzt ist. Und dann geht es im Gespräch mit Idel plötzlich 

auch noch um eine Theaterpistole, die für das Stück ausgeliehen werden 

musste. Ein echtes deutsches Gewehr, sagte man ihr. Als sie das erzählt, stehen 

Tränen in ihren Augen. Sie wischt sie weg. Woher ihre Vorfahren kamen? 

Aus Rumänien. Gäbe es ein Motto für MASH, dann vielleicht: Tanzen, 

nicht weinen. 

ASTRID KAMINSKI




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Jerusalem meets Berlin 


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Jerusalem meets Berlin: Black Box: Little Black Box of Red 


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www.visitberlin.de 

Black Box: Lillte Black Book of Red 


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www.zitty.de 

Jerusalem meets Berlin 


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www.himbeer-magazin.de 

Tipps fürs Wochenende vom 31.03.- 2.04.2017 


k. A. 

k. A. 

Veranstaltungen für Kinder: Tipps fürs Wochenende vom 31.03-02.04.2017 

28.03.17 11:46 

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Tipps fürs Wochenende vom 

31.03.-2.04.2017 

Veranstaltungen für Kinder: Tipps fürs Wochenende vom 31.03-02.04.2017 

31.03.-02.04.2017 – Der heiß ersehnte Frühling ist da und auch bei unseren 

Wochentipps wird Beim es "Erlesenen frühlingshaft. Sonntag" Geht begegnen auf Erkundungstour Familien Kaninchen im in Zeitnot, 

Botanischen Garten, irren durch nascht einen euch geheimnisvollen durch frühlingshafte Garten und Leckereien folgen Alice's in der Spuren 

Markthalle Neun im oder Wunderland. seid mutig und folgt dem weißen Kaninchen... 

Ausstellung bis 21.05.2017 | Familiennachmittag am 02.04.2017 | 

15:00 | Weinmeisterstr. 5 | 10178 Berlin | Für Familien mit Kindern 

ab 6 Jahren | www.lesart.org 

< MÄRZ 2017 > 

MO DI MI DO FR SA SO 

27 28 1 2 3 4 5 

6 7 8 9 10 11 12 

13 14 15 16 17 18 19 

20 21 22 23 24 25 26 

27 28 29 30 31 1 2 

zum Terminkalender 

28.03.17 11:46 

Tanztheater für Kinder 

Machol Shalem Dance House (MASH) Jerusalem und DOCK 11 

EDEN***** Berlin verbindet eine lange Zusammenarbeit. Gemeinsam 

zeigen sie nun im Rahmen des MASH DANCE BERLIN Festival 

ausgewählte Arbeiten von Choreographen aus Israel bzw. Künstlern, 

die in den letzen zwei Jahren im MASH präsentiert wurden. Auch 

kleine tanzbegeisterte Zuschauer sind hier willkommen. Das Tanz- 

Multimedia-Stück "Amfibi" zeigt zwei zeitlose Kreaturen, die die 

verschiedenen Möglichkeiten, technische Geräte zu nutzen, auf 

unterhaltsame Weise untersuchen. Dabei entdecken sie plötzlich 

Figuren in diesen Geräten und versuchen, mit diesen zu 

kommunizieren und sich mit ihnen zu verbinden. Doch die Grenzen 

zwischen den niedlichen Kreaturen und den digitalen Medien 

verschwimmen und so wird das Spiel sowohl unterhaltsam als auch 

beunruhigend. Werden sie je wieder auf direkte, menschliche Weise ANZEIGE 

miteinander kommunizieren? 

© Julia Neuhaus 

Festival vom 31.03.-02.04.2017 | Amfibi am 02.04.2017 | 16:00 | 

DOCK 11 | Kastanienallee 79 | 10435 Berlin | www.dock11- 

27. MÄRZ 2017 berlin.de Genüsslich Naschen 

Der Frühling kommt und lockt mit süßen Naschereien! Wer nicht 

einfach irgendwas Süßes möchte sondern Wert auf Qualität und gute 

Gefällt Zutaten mir legt, 1 ist beim Twittern Naschmarkt genau Empfehlen richtig. In der Markthalle 

Neun präsentieren sich Produzenten und Manufakturen aus Berlin 

und Brandenburg mit ihren köstlichen Kreationen, die ganz ohne 

Zusatz-und Konservierungsstoffe auskommen. All diese leckeren 

HINTERLASSE Versuchungen EINEN wurden KOMMENTAR aus guten Zutaten per Hand im Umland 

hergestellt. Begleitet wird der Markt von inspirierenden Naschlabs 

mit Tastings, Pairings und Gesprächen. 

Name 02.04.2017 | 12:00-18:00 | Markthalle *Pflichtfeld Neun | Eisenbahnstr. 42/43 | 

10997 Berlin | www.naschmarkt-berlin.de 

E-Mail-Adresse 

k3 berlin – Kontor für Kultur und Kommunikation I Prinzenstr. *Pflichtfeld85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 695 695 24 

GEWINNSPIEL 

Website 

Kommentar 

Dem Frühling auf den Fersen 

Anfang April führt Dipl. Biologin Beate Senska Kinder durch den 

Botanischen Garten Berlin und macht sich mit ihnen gemeinsam auf 

die Suche nach dem Frühling. Eine Stunde lang erfahren die Kinder 

Kochbuch 

"Deliciously Ella mit 

Freunden"




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Autor/-in: 

www.taz.de 

Sieben Sachen 


k. A. 

k. A. 





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Titel: 


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Autor/-in: 

www.zitty.de 

Mash Dance Berlin 


k. A. 



 




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Titel: 


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Autor/-in: 

www.livekritik.de 

Mash Dance Berlin Tanzfestival - Teil 1 


k. A. 

Sophie Diesselhorst 

MASH DANCE BERLIN Tanzfestival | livekritik.de 

04.04.17 12:03 

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MASH DANCE BERLIN TANZFESTIVAL 

01.04.2017 - 02.04.2017 | BERLIN [ PRENZLAUER BERG ] / DOCK 11 

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Beschreibung: 

Das Machol Shalem Dance House (MASH) 

Jerusalem und DOCK 11 EDEN***** Berlin 

verbindet eine lange Zusammenarbeit. 

Gemeinsam zeigen sie nun ausgewählte 

Arbeiten von ChoreografInnen aus Israel 

bzw. KünstlerInnen, die in den letzten zwei 

Jahren im MASH präsentiert wurden. 

Die kleine Werkschau startet am 31. März 

mit einer Solo-Performance von und mit 

Shamel Pitts, langjähriges Mitglied der 

Batsheva Dance Company. BLACK BOX: Little Black Book Of RED beruht auf einer lose 

zusammengestellten Kollektion zahlreicher sehr persönlicher, teils biografischer Prosatexte, die er über 

mehrere Jahre verfasst und in dem Stück körperlich visualisiert hat. Dabei war RED der Jugend- 

Spitzname des aus Brooklyn/NewYork stammenden Künstlers und BLACK BOX bezieht sich sowohl auf 

das technische Gerät, das kritische oder fatale Ereignisse nachvollziehbar machten kann als auch auf 

einen Bühnenraum, der intimer und kleiner ist als ein übliches Theater. Das Stück wurde im Februar 2015 

in Shamel Pitts' Privatwohnung in Tel Aviv uraufgeführt. 

Als „eine Mischung aus Marina Abramovic und Familie Feuerstein“ bezeichnete die P.A.R.T.S- 

Absolventin, Tänzerin und Choreografin Shani Granot einmal ihr gemeinsam mit dem Geiger, Tänzer und 

Performer Nevo Romano entwickeltes und performtes Tanzstück An Hour with All-Eaters. Vom Bild der 

Spezies Mensch, die alles verschlingt, haben die beiden Künstler für ihren Schaffensprozess inspirieren 

lassen. Auf einer leeren Bühne zwei nackte Allesfresser, vollständig ausgesetzt. Minimalistische 

Ausstattung steht performativem Bewegungsreichtum gegenüber, Stoff für einen ursprünglichen Tanz, 

der unkonventionelle Szenen und Segmente mit überraschenden Momenten erzeugt. An Hour with All- 

Eaters simuliert einen einstündigen Besuch einer archäologischen Ausgrabungsstätte, welche zugleich 

physisch und performativ, aber auch ortsspezifisch ist. 

Um das Leben zwischen Realität und Virtualität geht es in Amfibi, einem Tanz- und Multimedia Stück für 

Kinder ab 5 Jahren (und für die ganze Familie) von Ruby Edelman. Künstlerischer Ko-Direktor des 

Machol Shalem Dance House. Zwei zeitlose Kreaturen treffen sich in der technologisierten Welt des 

Jahres 2017. Sie untersuchen auf realistische und lustige Weise die verschiedenen Möglichkeiten, 

technische Geräte wie Smartphones und Tablets zu nutzen und entdecken plötzlich überraschende 

Figuren in genau diesen Geräten. Sie versuchen, mit diesen Charakteren zu kommunizieren und sich mit 

ihnen zu verbinden, Grenzen zwischen den niedlichen Apparaten und den digitalen Medien 

verschwimmen. Werden sie je wieder auf direkte, menschliche Weise miteinander sprechen können? 

Schon sehr früh begann die in Paris geborene Yoanna Blikman mit der Kung Fu-Ausbildung bei Meister 

Chang Xiao Yan. Blikmans Vater filmte sie mit einer 8mm-Kamera bei Wettbewerben, als sie 11 Jahre alt 

war. Dieses Material hat Dan Robert Lahiani aufbereitet und nun versucht Yoanna Blikman in dem 

Tanzstück Kung Fu, als Erwachsene mit diesen Bildern aus ihrer Jugend zu kommunizieren, performt im 

Dialog mit ihrem jüngeren Selbst. Ausgangspunkt für eine Recherche in einer anderen Zeit und einem 

anderen Land. Blikman, die acht Jahre in Israel gelebt hat, sammelt körperliche Erinnerungen, aber es ist 

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Mash Dance Berlin Tanzfestival - Teil 2 


k. A. 

Sophie Diesselhorst 

MASH DANCE BERLIN Tanzfestival | livekritik.de 

04.04.17 12:03 

unmöglich, den perfekten Gleichklang zum Heute zu finden: 

Tzvika Iskias, einst Mitglied der Batsheva Dance Company, ist ein herausragender Tänzer mit einer 

ungewöhnlichen Biographie. So weit er sich zurückerinnern kann, hat er sich mit kulturellen Kollisionen 

sowohl in sich selbst wie in der ihn umgebenden Welt auseinandergesetzt. Über die Geschichte des in 

Äthiopien geborenen und in Israel aufgewachsenen Künstlers transportiert das Tanzstück Black label von 

Ofra Idel, Künstlerische Ko-Direktorin von Machol Shalem, die Realität des heutigen Israel - Theater, 

Tanz, Musik, Humor und Drama treffen aufeinander. Tzvika Iskias hat dieses Stück mitkreiert und 

performt selbst. 

Mit the holycoaster s(HIT) circus haben Sascha Engel und Dennis Schwabenland von der Schweizer 

Theatergruppe PENG! Palast sich um ein bisher eher wenig bekanntes Filmformat verdient gemacht, das 

Comedy-Documentary. 

Die Gruppe beginnt ein neues Projekt mit dem Thema “Helden”. Als einer der Akteure die Produktion 

verlassen will, steht das Stück vor dem Aus: In seiner Familie gab es keine Helden, sondern ganz im 

Gegenteil (scheinbar) einen Nazi-Verbrecher. Die Lösung kommt durch die Theaterleitung: PENG! Palast 

reist nach Jerusalem, um die dunkle Familiengeschichte des Schauspielers im Rahmen einer 

Kollaboration mit einer israelischen Theatergruppe, Machol Shalem zu konfrontieren. Ruby Edelman, 

Künstlerischer Ko-Direktor von Machol Shalem, gibt den exzentrischen und israelpatriotischen 

Choreografen. Bald verfangen sich alle Protagonisten in einem undurchsichtigen Netz aus Vorurteilen 

und Anschuldigungen… 

„Der Dokumentarfilm zeigt und hinterfragt auf provokante Art und Weise bestehende Vorurteile, die erst 

recht dann zum Vorschein kommen, wenn drei verschiedene Kulturen versuchen, sich mit Toleranz und 

Gutmenschentum näher zu kommen.“ (PENG! Palast) 

Im Rahmenprogramm des Festivals finden außerdem Workshops für professionelle, aber auch 

nichtprofessionelle TänzerInnen aller Altersgruppen, und eine Podiumsdiskussion statt. 

Produktion Katherina Vasiliadis Kuratiert von Ofra Idel, Katherina Vasiliadis 

Technische Leitung Berlin Asier Solana 

Eine Veranstaltung von Machol Shalem Dance House (MASH) Jerusalem und DOCK 11 EDEN***** 

Berlin 

Gefördert durch Botschaft des Staates Israel in Berlin 

Über das Machol Shalem Dance House (MASH) Jerusalem 

Machol Shalem wurde 2002 gegründet, um die freie Tanzszene in Jerusalem zu fördern und so zur 

professionellen Entwicklung von dort lebenden KünstlerInnen beizutragen. Neben diesem Fokus ist das 

Haus Gastgeber für freie KünsterInnen aus Israel und dem Ausland, initiiert Tanzperformances und 

richtet jährlich ein Tanzfestival in Jerusalem aus, das sowohl freie lokale Kunst als auch internationale 

Kooperationen zeigt. 

Standort ist das Musrara Community Center im Zentrum von Jerusalem an der Schnittstelle zwischen 

Altstadt und seinen modernen Vierteln.Seit dem 2010 mit finanzieller Unterstützung der Jerusalem 

Foundation realisierten Umbau der Konzerthalle des Community Centers verfügt Machol Shalem über 

einen speziellen Saal für Tanzperformances, genannt „Ha Karnaf“ (das Rhinozerus). 2011 wurde Machol 

Shalem von der Kulturbehörde des israelischen Ministeriums für Kultur und Sport als Jerusalem Center 

for Dance Arts anerkannt. Das Machol Shalem Dance House wird seit seiner Gründung von Ofra Edel 

und Ruby Edelman als künstlerischen Leitern geführt. 

Die Aktivitäten von Machol Shalem werden in Kooperation mit der Israeli Choreographers Association 

gefördert vom israelischen Ministerium für Kultur und Sport, der Jerusalemer Stadtverwaltung und der 

Jerusalem Foundation. Spezielle Projekte werden unterstützt vom Israeli Payis Council, dem Goethe- 

Institut, der Eden Company der Jerusalemer Entwicklungsbehörde und dem israelischen 

Außenministerium. 

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k. A. 



04.04.17 12:09 

Tanz als Realpolitik 

TANZ Das Dock 11 stellte die Arbeit der Partnerorganisation Machol 

Shalem Dance House (MASH) in Jerusalem vor. Ganz ohne Tränen ging 

das nicht 

So wie Ofra Idel die Gegend um das Machol Shalem Dance House in Jerusalem 

beschreibt, kommt erst einmal die Frage auf: Warum gerade da? Also da, 

wo die israelischen Black Panthers (Widerstandsbewegung vor allem nordafrikanischer 

Juden) den Tänzer*innen das Terrain streitig machen, die Ultraorthodoxen 

ständig kontrollieren, ob die Vorhänge auch bis auf den letzten 

Millimeter zugezogen sind, und die Ostjerusalemer sowieso nichts mit einem 

zu tun haben wollen. 

„Die drei Religionen streiten hier um jeden einzigen Stein“, sagt Idel. Raum 

sei unbezahlbar in Jerusalem. „Als das kleine, heruntergekommene Kulturzentrum 

uns zur Renovierung angeboten wurde, war das die einzige Chance 

auf ein Tanzzentrum.“ Idel, Choreografin, Gründungsmitglied und künstlerische 

Co-Leiterin des Machol Shalem Dance House (MASH), wägt jedes ihrer 

Worte ab. Den Stadtteil, in dem sie arbeitet, bezeichnet sie mit dem arabischen 

Namen „Musrara“. 

Paralleluniversen 

Um von den verschiedenen Interessengruppen der Gegend akzeptiert zu werden, 

fächert sich das Programm in acht Komponenten, vom Frauen-für-Frauen-Programm 

für die Ultraorthodoxen über ein israelisch-palästinensisches 

Jugendprogramm (Zusammenarbeit im Erwachsenenalter ist nicht möglich) 

bis zu internationalem zeitgenössischem Tanz: neuste Techniken, das Knacken 

letzter Körpertabus. Hört sich nach einem Universum an Parallelwelten 

an, zusammengedrängt auf dichtestem Raum, angesiedelt zwischen Ignoranz 

und enormer Frustrationstoleranz. Tanz als Realpolitik. 

Nun war MASH zum ersten Mal mit Auszügen aus dem internationalen 

Programm sowie aus der Jugendarbeit in Berlin, zu Gast bei der langjährigen 

Partner-Institution Dock 11 im Prenzlauer Berg. Auch zwei Gaga-Workshops 

dürfen im Programm nicht fehlen. Gaga, eine virale Tanztechnik, die von 

Ohad Naharin, dem Direktor der renommierten Batsheva Dance Company 

aus Tel Aviv, entwickelt wurde, lässt sich vielleicht am besten als Anleitung 

zum Loslassen beschreiben. Im Dock 11 wird sie mit Gute-Laune-Garantie 

vom New Yorker Shamel Pitts unterrichtet, der mehrere Jahre bei Batsheva 

tanzte und nun mit Kursen und ersten eigenen Performances durch die Welt 

vagabundiert. 


Seite 1 von 3 





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k. A. 



04.04.17 12:09 

Für MASH zeigt der offenherzige Tänzer (der sich eine Basquiat-Krone unter 

den Haaransatz tätowieren ließ, lange bevor der früh verstorbene afroamerikanische 

Starkünstler wiederentdeckt wurde) „Black Box: Little Black 

Book of Red“. 

Entwickelt hat er das auf einem persönlichen Langgedicht basierende 

Stück zu seinem 30. Geburtstag, an dem er sein Apartment zeitgleich zur 

Blackbox umgestaltete – schließlich hatte er „weder Hund noch Kind“. 

Schwarz auf schwarz, selbst das Licht (von Tom Love) ist „schwarz“, wird 

Theater hier zum Lebensprojekt, zur magischen, oft nur durch Bewegungsschlieren 

auszumachenden Anverwandlung eines den schwarzen Körper 

nicht mitdenkenden Raums: „What’s real is what I feel“. 

Alltagsdiskriminierung 

Auffällig ist, dass sich unter den fünf MASH-Aufführungen noch eine weitere 

mit „schwarzen“ Perspektiven beschäftigt: „Black Label“ von Ofra Idel, gewidmet 

dem Tänzer Tzvika Iskias. Für Idel ist er gewissermaßen das Komplementärmodell 

zu Pitts, der als afroamerikanischer Künstler, nach eigener 

Aussage, gern gesehener „Exot“ in Israel ist – während Iskias, der zwei Jahre 

lang durch die Wüste wanderte, als äthiopischer Jude heftigsten Alltagsdiskriminierungen 

ausgesetzt ist. Und dann geht es im Gespräch mit Idel plötzlich 

auch noch um eine Theaterpistole, die für das Stück ausgeliehen werden 

musste. Ein echtes deutsches Gewehr, sagte man ihr. Als sie das erzählt, stehen 

Tränen in ihren Augen. Sie wischt sie weg. Woher ihre Vorfahren kamen? 

Aus Rumänien. Gäbe es ein Motto für MASH, dann vielleicht: Tanzen, 

nicht weinen. 

ASTRID KAMINSKI 

taz. die tageszeitung vom 3. 4. 2017 

k3 berlin – Kontor für Kultur und Kommunikation I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 695 695 24 


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Tropical Escape & Winter Journey, Csaba Molnár und Márcio K. 

Canabarro 21.-23.4.2017 im DOCK 11 

2017-04_tagespiegel




prenzlbergeransichten April2017_seite 11_molnar


A Farewell to Flesh, Benjamin Pohlig, Sunniva Vikør Egenes, Lea Kieffer 

und Ben McEwen 05.-07.5.2017 im DOCK 11 

2017-05-04_berliner-zeitung

2017-05-04_tip 


2017-05-04_zitty 


2017-05-07_tagesspiegel 




Friedensanleitung für jedermann, Yoshiko Waki, Rolf Baumgart 


http://www.wn.de/Muenster/Kultur/2017/05/2792518-Pumpenhaus-bodytalk-zeigt-Friedensanleitung-fuer-jedermann-Kriegsanleitung-wird-umgedeutet 

Mi., 03.05.2017 

Pumpenhaus: „bodytalk“ zeigt „Friedensanleitung für jedermann“ 

Kriegsanleitung wird umgedeutet 

Münster - 

Die münsterische Kompanie „bodytalk“ zeigt ihre neue Produktion „Friedensanleitung für jedermann“ 

als Uraufführung im Rahmen des Festivals „Tanz NRW 17“ im Pumpenhaus. 

Die münsterische Kompanie „ bodytalk“ zeigt ihre neue Produktion „ Friedensanleitung für jedermann“ 

als Uraufführung im Rahmen des Festivals „Tanz NRW 17“ im Pumpenhaus. Die Kompanie, 

die dort als „Artist in Residence“ ansässig ist, nimmt darin Bezug zum als Theaterberserker bekannten 

Regisseur und Choreographen Johann Kresnik. Daran angelehnt findet am Samstag in Anwesenheit 

des berühmten Künstlers eine Tagung über sein Wirken statt. Das Cinema zeigt seine Filme „Wendewut“ 

und „Ulrike Meinhof“. 

Die neue Produktion von „bodytalk“ nimmt Bezug zu einem Regisseur, der die Tanzlandschaft in 

Deutschland maßgeblich verändert hat. „bodytalk“ bezieht sich in ihrer neusten Produktion auf das 

erste Stück, das Johann Kresnik 1970 als Ballettdirektor in Bremen realisiert hat: „Kriegsanleitung für 

jedermann“. Yoshiko Waki und Rolf Baumgart deuten diesen Titel angesichts der aktuellen gesellschaftlichen 

und politischen Lage um. Sie setzen dabei auf die Zusammenarbeit mit gesellschaftlich 

relevanten Handlungsträgern wie der katholischen Kirche oder der Bundeswehr und schicken ihre 

Tänzer ins Gefecht. 

Ganz im Sinne von Kresnik: Es gab eine Zeit, da probte man den Aufstand auf der Straße. Zeitgleich 

machte eine Stadttheater-Guerilla den geschützten Bühnenraum unsicher – und Kresnik begründete 

seinen Ruf als Berserker des politischen Tanztheaters. 

Yoshiko Waki arbeitete mit Johann Kresnik, Susanne Linke, Reinhild Hoffmann, Christof Schlingensief 

an der Volksbühne und Komischen Oper Berlin sowie am Theater Bremen. 2008 gründete sie gemeinsam 

mit dem Regisseur und Komponisten Rolf Baumgart das Ensemble „bodytalk“. Ihre Arbeit wurde 

mehrfach mit dem Kölner Tanztheater-Preis sowie dem Bewegungskunstpreis Leipzig und dem Bremer 

Autoren- und Produzentenpreis ausgezeichnet. 

Die Kompanie „bodytalk“ erhält seit 2012 in NRW die Spitzenförderung Tanz und wurde in das Doppelpass-Programm 

der Kulturstiftung des Bundes aufgenommen. Seit Sommer 2016 ist „bodytalk“ für 

die nächsten Jahre „Artist in Residence“ im Theater im Pumpenhaus in Münster.


Presse-Auswahl der Premierenbesprechungen, Stand: 8.5.2017 

Die überragende Aktualität dieses Tanzabends (just in diesen Tagen der Entdeckung rechtsextremer 

Machenschaften und womöglicher terroristischer Tendenzen in der Bundeswehr) stößt jedem blauäugig 

friedliebenden Menschen bitter auf. Wakis "Friedensanleitung für Jedermann" operiert mit ähnlich 

aggressiven Mitteln und Bildern wie Kresniks "Kriegsanleitung" [...] die Japanerin, die sich u.a. bei 

Kresnik und in Münster bei Birgitta Trommler als dynamische Tänzerin profilierte und jetzt mit ihrem 

"bodytalk" Artist in Residence am Pumpenhaus ist, überzeugt durch die Auswahl der Bilder, die ihr 

Anliegen verdeutlichen [...] Endlich befreit sich tanz-nrw, die Biennale der NRW-Tanzproduzenten, aus 

dem Korsett der Werbung für Tanz im Off und diskutiert in Münster ein brisantes Thema deutscher 

Tanzgeschichte als Kritik an menschlichem Verhalten. Tanznetz, 8.5.2017 

Der Weg zu de Plätzen führt über die Bühne. Dort stehen die Tänzer mit dürren Ästen in den Händen 

und fragen die Zuschauer, was sie sich unter Frieden vorstellen. Das eigentliche Stück beginnt dann 

mit einer Gruppenchoreografie, die Partisanenkämpfe symbolisiert und ästhetisch irgendwo zwischen 

Massaker und Happening angesiedelt ist. Diese Ambivalenz ist exemplarisch für den weiteren Verlauf 

[...] Die Kompanie provoziert gern, indem sie Denkmuster und Konventionen unterläuft [...] wenn 

einer der Tänzer die Adressen von Zuschauern erfragt, weil er sie angeblich für sein Visum braucht. In 

der nächsten Szene stellt er dann sein Flüchtlingsprojekt vor – ein grotesk überdrehtes Kindertheater, 

bei dem Visa- Adressen meistbietend verkauft werden ... Münstersche Zeitung, 8.5.2017 

Wer sich seines eigenen kleinen Seelenfrieden annehmen will, der geht eher nicht ins Tanztheater, 

jedenfalls nicht in das von Bodytalk [...] Die Tanztheaterstücke, die Yoshiko Waki und Rolf Baumgart 

seit 2008 unter ihrem Label Bodytalk erschaffen, sind immer schon Unfriedensanleitungen gewesen. 

Tatsächlich bezieht sich der Titel mit dem altmodischen „Jedermann“ auf das erste Werk, das Hans 

Kresnik als neuer Ballettchef am Theater Bremen auf die Bühne gebracht hatte, die „Kriegsanleitung 

für jedermann“ im Jahr 1970. Kresniks Tanzspartenleitungskarriere endete im beschaulichen Bonn, 

von wo aus dann seine ehemalige Tänzerin Yoshiko Waki die Idee weitertrug, Tanztheater über und 

mit unhübschen, unphilosophischen Themen zu machen [...] mit Verve zur entsprechenden Rockmusik 

gesprungenen, geworfenen, hingeschleuderten Tanzszenen [...] Irgendwie auch unnütz, wie romantische 

Energieverschwendung. Wie Tanzenwollen, hoch hinaus und problemlos hinunter. Das ist ein 

Kampf für was? Gegen was? Die Bodytalks halten diese Lücke offen, spielen untergründig ihre Skepsis 

aus, mit Kunst etwas darstellen, sagen, gar ändern zu können am Unheil in der Welt, und inszenieren 

das Trotzdem. Wenden sich nicht ab. 

Tanzweb, 6.5.2017 

[...] eine wüste Tanzorgie, bei der die Männer brüllend über die Frauen herfallen. Eine Friedensanleitung, 

denkt man unwillkürlich, ist das nicht. [...] Tanztheater wird meist von jungen Akteuren bestritten. 

Schön, dass es hier auch zwei grauhaarige Herren auf der Bühne gibt. Einer von ihnen mimt 

einen ehemaligen Soldaten und leitet damit den Innereien-Part ein. Zu einer Hardcore-Version von 

„99 Luftballons“ zerhackt er ein blutiges Rinderherz, dass die Fetzen nur so fliegen. Bei „Ein bisschen 

Frieden“ sind dann die Därme dran. „Live and let live“ steht auf dem Griff der Axt. Und vielleicht ist 

das der Grund, warum die dann auftretenden Botschafter des Friedens („Peacoholics“) gar so ratlos 

aus der Wäsche gucken. Eine gelungene Vorstellung – rau, anarchisch und auf anregende Weise ver-


störend. 

Westfälische Nachrichten, 8.5.2017 

Liebe (zwischen zwei Schwulen) beginnt zärtlich oder (bei Pärchen) fröhlich im schmissigen Boogie- 

Rhythmus. Bedrängte Opfer werden aus den Fängen gewaltbereiter Täter befreit - und erleiden „zum 

Dank" brutale Vergewaltigung und Folter. Deutlichster Bezugspunkt zwischen Kresniks und Wakis 

Stück ist ein Beil, mit dem ein Masochist sich eigene Hautpartien wie Wurstscheiben vom Arm schält 

und damit seine Opfer füttert. Immer greller, schriller, lauter geht's auf der Spielfläche zu. Gegen die 

gehämmerte Schlagzeug“kloppe" brüllen die drei Tänzerinnen und drei Tänzer unterschiedlichster 

Altersstufen und Nationen vergeblich mit ihrem Plädoyer für Ein bisschen Frieden! an. Fehlt nur noch, 

dass sie mit Beilen einer Schar Friedenstauben die Köpfe abhackten, wie Kresnik geradezu genüsslich 

vor seinem Besuch dieser Friedensanleitung mutmaßte. theater:pur 8.5.2017


2Points & HUMAN INTERMITTENTS: A Journey, Stella Zannou und 

Alexander Carrillo 01.-04.6.2017 im DOCK 11 


Eine Probe der Vielfalt 

WO BERLIN TANZT 2 Die Berliner Tanzszene ist eine der größten Szenen weltweit: Eine taz-Serie stellt 

wichtige Tanzorte und Netzwerke vor. Diesmal geht es ins Dock 11 in Prenzlauer Berg – hier läuft am 

meisten Tanz 

VON ASTRID KAMINSKI 

Der Raumpfleger nimmt elegant noch hier und da ein bisschen Staub mit dem Bodentuch ab, um ihn 

herum räkeln sich ein paar Frühaufsteher*innen, die zur Contemporary-Profi-Klasse gekommen sind. 

Ah, dieses gymnastische In-den-Tag-Schwimmen, diese Mischung aus Überwindung und Genuss! Ein 

bisschen Dämmermusik noch, dann geht es langsam los: Unterricht bei Maayan Danoch, Typ ruhige 

Stimme, super Playlist, aufgeräumte Ausstrahlung, gute Laune. 

Melodi, eine der Teilneh mer*in nen am Training, ist an dem Tag erstmals im Dock 11. Auch als in 

Kreuzberg sozialisierte Tänzerin mag sie es hier in diesem typischen Loft-Studio mit Gewölbedecke, 

Stahlträgern, innen geweißten und außen naturbelassenen Backsteinen, den großen Glasfenstern 

zwischen den Räumen. Ihre Mutter saß mit 17 in der Türkei im Gefängnis ein, Grund: Tanzen. Die Leidenschaft 

hat sich vererbt. Zusätzlich zu ihren Tanzauftritten studiert Melodi Physik und Philosophie, 

später will sie einmal einen Kindergarten gründen. Mit diesen Plänen passt sie gut ins Dock 11. Die 

Arbeit mit Kindern und Jugendlichen wird dort großgeschrieben. Pädagogik und Kunst gehören an 

diesem wichtigen Berliner Tanzort zusammen. 

Wenn Kirsten Seeligmüller, Mitbegründerin des Dock 11, darüber nachdenkt, dass es in Deutschland 

trotz des Tanz-in-Schulen-Hypes noch kein Studium in ihrem Fach gibt, wirkt sie resolut. Headspins im 

zu jungen Alter könnten aus Talenten Invaliden machen, und auch ein Wissen über die psychischen 

Entwicklungen von Kindern sei unentbehrlich. Die Kinder- und Jugendkurse im Dock 11 sollen nicht 

nur Geld bringen – sie sind eine Leidenschaft. 

So manche heute bekannte Performerin hat im Dock 11 angefangen. „Sobald sie nicht mehr über das 

Wort Schambein kichern“, sind die Tanz schüler*innen dann reif für die Erwachsenenkurse. Die älteste 

Schülerin ist über 70. 

Gut 15 Tanzkurse täglich bietet das Dock 11. Dabei bekommt eine Tanzschule anders als eine Musikschule 

keine staatlichen Subventionen. Die Kurse laufen jedoch gut, sie sind der Durchlauferhitzer 

des Betriebs, der die am meisten bespielte Tanzbühne Berlins hervorgebracht hat und inzwischen 

mehrere Dutzend Mitarbeiter*innen in verschiedenen Anstellungsverhältnissen umfasst. Wie so oft in 

der selbstorganisierten Tanzlandschaft der Hauptstadt wurde der Community-Faktor von Anfang an 

mitgedacht. 

Angefangen hat Seeligmüller zusammen mit ihrer Kollegin Wibke Janssen kurz nach der Wende. Nach 

dem Mauerfall zieht es die beiden Hamburgerinnen in den Ostteil der Stadt. Es interessiert sie das,


was im Idealfall positiv vom Osten übrigbleiben würde: ein anderes Verhältnis zu Arbeit und Geld, die 

Rolle der Frau. Zunächst mieten sie nur einen Raum in dem Hinterhof-Loft in der Kastanienallee. Am 

Vormittag Probe mit der eigenen Company, am Nachmittag Kurse, am Wochenende Aufführungen 

auf dem großteils noch brachliegenden Gelände. 

Doch bald schon wird die Community zu groß, der Platz zu knapp. 1996 bauen sie das Scheunengebäude 

im Hof zum Theater aus. Um pünktlich für Tanz im August, das interna tio nal bedeutende 

Berliner Sommer-Tanzfestival, fertig zu werden, findet eine öffentliche Aktion zum Fenstereinbau statt. 

Für den Rest des Lofts – inzwischen auf drei große Studios, ein Café und das Theater angewachsen – 

gelingt es, Firmen zu Vorleistungen zu überreden. Der Einbau der restlichen Fenster und der Heizungsanlage 

werden nicht bei der Bank, sondern bei Handwerksbetrieben abbezahlt. 

Aber Banken zu überzeugen war spätestens im vergangenen Jahr angesagt. Der Mietvertrag lief aus, 

der Eigentümer wollte verkaufen. Und blieb mit seinen Forderungen fair. Die gemeinnützige GmbH 

des Dock 11 rang sich zum Kauf durch und fand mit der GLS-Bank sogar eine deutsche Bank, die den 

Kauf möglich machte. 

Bereits 2009 konnte, nach langjährigen Bemühungen, zudem die Dependance Eden***** in Pankow 

eröffnet werden, wo auf einem parkähnlichen Grundstück mit Mitteln aus der Stiftung Deutsche 

Klassenlotterie mehrere Studiohäuser gebaut wurden, die Proberäume, Residenzapartments und eine 

Bühne bieten. Einzelne Künst ler*innen, aber auch Universitäten und auswärtige Kultur institute mieten 

sich dort ein. 

Die Qualität der Studios ist unbestritten. Peter Pleyer, der Trainer, Choreograf und 80er-Jahre-Gay-Szene-Experte, 

der von 2007 bis 2014 die Tanztage in den Sophiensaelen leitete und auch beratend für 

das Dock 11 tätig ist, freut sich für die Szene: „Mit den Uferstudios und dem Dock 11 haben wir nun 

zwei hervorragend ausgestattete Probenorte im Norden der Stadt.“ Eine Konkurrenzsituation entsteht 

dadurch in Pleyers Augen jedoch nicht, dazu ist der Bedarf zu groß. Was nicht heißt, dass es keine Reibereien 

in der Szene gibt, mit vielen Überlebenskämpfern mit guten Ideen, die eine wachsende und 

hungrige Tanzszene im Rücken haben. Wer wissen will, was es heißt, unter aktuellen Bedingungen 

Proberaum und Studios in Berlin anzumieten, erfährt dies beim Arbeitskreis Räume, einer spartenübergreifenden 

Initiative der freien Szene, die versucht, der inzwischen mehr als akuten Notsituation zu 

begegnen. 

Dass der Tanz dabei noch verhältnismäßig gut dasteht, wie die Raumbeauftragte der Tanzszene Sonja 

Augard konstatiert, liegt an Initiativen wie dem Dock 11. Genauso wichtig ist dabei, dass der Tanz, 

der in Berlin produziert wird, nicht nur in den Studios bleibt, sondern auch den Weg auf die Bühne 

findet. Das Dock 11 ist Berlins einzige Bühne, die hundertprozentig dem Tanz gewidmet ist. Durch 

eine seit 2006 im Zweijahrestakt bewilligte Senatsförderung kann die Bühne ohne Zuzahlung an 

Künstler*innen angeboten werden und jede Produktion eine ganze Woche lang in den Aufführungsräumen 

proben, ein Luxus! Ob geflutet mit Wasser, gefüllt mit Erde, entkernt oder mit Tribüne, jedes 

Wochenende verwandelt sich das Theater in ein anderes Biotop. Das allseits gepriesene Technikerinnen-Team 

ist dabei ein wichtiger Faktor. 

Die Vielseitigkeit der Ausrichtung und der Umfang des Netzwerks des Dock 11 spiegelt sich auch im 

Programm des Theaters – von Butoh zu Konzepttanz, von polnischer Avantgarde oder der israelischen 

freien Szene zum Tanzfilmfestival Pool.


Manchen ist das zu vielseitig, sie vermissen das Profil. Man kann am Dock 11 sehr böse oder sehr gut 

von einer Aufführung überrascht werden. Eine Auswahl gibt es dennoch. Einerseits durch ein Netzwerk 

aus kuratorischen Berater*innen. Andererseits setzen sich die Mitarbeiter*innen für ihnen wichtig 

erscheinende Künstler*innen ein, indem sie sich für Beratung oder das Schrei ben von Förderanträgen 

zur Verfügung stellen. 

„Stildiversität“ ist dem Dock 11 dabei ein erklärtes Anliegen. Und zum respektvollen Nebeneinander 

der Ästhetiken sollen gleichwertige, nichthierarische Arbeitsverhältnisse kommen, von den 

Kurator*innen zum Raumpfleger. Hohe Ideale und Pragmatik – das scheint am Dock 11 kein Widerspruch, 

sondern Erfolgsrezept zu sein. 

Dieses Wochenende sind im Dock 11, Kastanienallee 79, in einer Wiederaufnahme „2Points“ und 

„Human Intermittents: A Journey“ zu sehen, zwei Tanzstücke von Stella Zannou und Alexander Carrillo. 

Samstag, Sonntag, jeweils 19 Uhr. Eintritt 14/10 Euro. 

Anfang Oktober findet im Dock 11 das Tanzfilmfestival Pool mit Tanzfilmproduktionen aus aller Welt 

statt. Einsendeschluss für entsprechende Angebote für das diesjährige Festival ist der 17. Juli. Info: 

www.dock11-berlin.de


between us, Frank Willens und Moritz Vierboom, 


2017-06-06_www.aktuelle-nachrichten-online.eu

2017-06-01_tip 


2017-06-08_berliner zeitung 



2017-06-xx_ticket 

prenzlbergeransichten_ 

Juni2017_Seite11







SimulacrumX (PART II), Ruben Reniers 23.-25.6.2017 im DOCK 11


SOUN D ANCE Festival 20.-30.7.2017 im DOCK 11 

BerlinerZeitungNr167_Soundancefestival_20.7-2


tip 15/2017_Seite 107 soundance 20.7.


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zitty_29/2017_Seite36_soundance


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zitty_30/2017_Seite39soundance


http://www.tanzraumberlin.de/Soun-d-ance-Festival--1878-0.html


http://tanznetz.de/blog/28215/bewegt-improvisierte-klangwelten


http://www.kultura-extra.de/theater/spezial/festival_SoundDAnce_fateofgalaxies.php


http://soundance-festival.de/4-5-blog 

Viereinhalb Sätze / Four point Five | Writing on Dance Festival Blog 

Musiktanznulldreißig Quartet: The Loom. 29.07.2017, SOUN D ANCE Festival, Dock 11, Berlin. 

Doppelhelixfiguren und Lemniskaten in den Armen, Spiralen um die eigene Achse und im Raum, sich 

treiben lassen: Panta rhei; dazu kleine Intervalle, meist kurze, synkopisch angesetzte, mal perlende, 

mal buckelnde Phrasen, in Läufe geratend, wieder zerblasen, hörbare Luft, zischende, wie Ursuppe 

köchelnde Konsonanten, Echowellen zwischen Flöten und Elektronik: organisch-anorganische Bilderwelten, 

Wunsch, die Augen zu schließen. 

Drei Momente gäbe es, diesem Impuls folgend, in „The Loom“ (Der Schimmer), dem letzten und wiederum 

ausverkauften Improvisations- und Instant-Kompositionsstück des SOUN D ANCE-Festivals zu 

verpassen: Wenn die Bühneneingangstür an der Hinterwand in der Dunkelheit geöffnet wird, entsteht 

ein schwaches graues Gegenlicht, vor dem die vier Performer*innen als sich überlagernde Schatten 

die Spielfläche betreten; der Raum öffnet sich in eine andere Dimension, ein minimalistisch erzeugtes 

Höhlengleichnis, das sofort atmosphärische Aufmerksamkeit schafft – ein Rülpsen aus dem Publikum, 

eine hörbare Lichtfrequenz, alles wird Potenzial und Präsenz. Der nächste Moment folgt kurz darauf, 

wenn das rote Scheinwerferlicht von grellroten Kostümen in sich beißenden Nuancen gekontert wird 

– ein Ton-gegen-Ton-Rennen, eine zahnfleischfletschendes Idyll aus Rotröckchen und Rothöschen. 

Und schließlich, auch noch am Anfang der Session, der Moment, in dem die Tänzer*in Mata Sakka 

die Musiker*in Rieko Okuda von hinten wie in eine Gussform um ihre Viola herum presst, bis zuletzt 

der Ton zerquetscht wird – danach wechselt Okuda zu Keyboard und Elektronik, und es beginnt der 

Teil, in dem offene Augen weniger sehen als geschlossene. 

by Astrid Kaminski 98 

Jenny Haack, Adam Pultz Melbye, Michael Vorfeld: Water speaks of water. 28.07.2017, SOUN D 

ANCE Festival, Dock 11, Berlin. 

Eine Frau, zwei Männer mit Maschinen, Verwirrung der Sinne: Sie treiben sie durchs Dämmerlicht, 

sie treiben sie durchs Morgenlicht, es ist hell, es ist dunkel, von einer Ecke zur anderen. Die Männer, 

muskelbetont, sind gewiefte Jäger, sie treiben, locken, erschrecken ihre Beute – und können sie doch 

nicht fassen. Immer wieder erreichen sie nur den Körper ihrer Instrumente, streichen, reiben, schlagen 

auf die glatte Haut, die rauen Saiten des Kontrabasses, auf die verlockenden Bäuche der Trommeln, 

nur die Tanzende im fließenden Gewand können sie nie berühren, sie wälzt sich, zuckt, springt, jetzt 

selbst auf der Jagd, auf der Jagd nach den Tönen, bis, ja, sie für einen kurzen Moment, für wenige 

Bewegungen, das Gehör geschenkt bekommt, eine Relation im Takt-Fluidum aus Licht und Tönen herstellen 

kann, selbst zum Tonkörper wird, stampft, reibt, quietscht mit ihren Füßen, ihren Händen. Nur 

kurze Hoffnung auf Einvernehmen. Dann ist sie doch wieder besessen von Geräuschen, Klang und 

Tönen der Zaubermaschinenkörper, der Rollenspiele, die sie fesseln – letzte Zuckungen, Nacht. 

by Elias Kreuzmair 97


GRAPESHADE: nowtime. 27.07.2017, SOUN D ANCE Festival, Dock 11, Berlin. 

Zwischen Bass, Geige, Körper und Körper – im Geviert – entspinnt, entfaltet und ereignet sich: „nowtime“, 

das Jetztzeit-Set des Quartetts GRAPESHADE. 

Zwei Tänzer*innen mengen sich ins Publikum, schieben, auf dem Rücken liegend, sich langsam zwischen 

Füße und vorbei an Knien, dabei ein Bonbonpapier knisternd mit den Fingern, zwängen sich 

durch den engen Spalt zwischen den Podesten, unter der Tribüne raschelnd, und nutzen ihre Stimme, 

das native Instrument, mal gurrend, kreischend, dann wieder murmelnd, gellend bis gedämpft, Tierlaut 

und Stimmgewirr imitierend im steten Dialog mit der flirrend, flackernd, flächig-breit gestrichenen 

Geige von Biliana Voutchkova und Klaus Janeks zupf-streich-wisper-dröhnend rhythmisiertem Kontrabass. 

Blickbewegung und körperlicher Klang: gefüllter Raum. 

Gemeinsam bilden wir physikalisch eine Masse, an diesem Ort, zu dieser Zeit, und mit ihren saalweit 

verstreuten Aktionen verändern Lisanne Goodhue und Ingo Reulecke die Gravitation im Raum, beugen 

ihn hier, dellen ihn dort, verbinden mit zurückgelegtem Kopf und hochgerecktem Arm den unter 

ihren Barfußschritten knarrenden Hallenboden unter dem rohen Ziegeldach, rennen stolpernd und 

sinken nieder unter unsichtbarem Gewicht oder scheinen Fäden durch ihren Oberbauch hindurch zu 

ziehen – Materie, die durch Materie drängt. 

Ingo Reulecke, oft an der Hüfte eingeklappt, Bein gestreckt, mitunter komisch, zerteilt handkantig 

die Luft mit weichgerundetem Arm, dann wieder spielerisch Details seiner Umgebung erkundend, 

und Lisanne Goodhue, die, obwohl präsent und klar, wie in eine innere Narration verstrickt erscheint, 

flüssig artikuliert in wendig-ungesehener Bewegungsfindung, bahnen der inzwischen mitbeweglichen 

Masse, uns, am Ende den Weg ins Freie, wo „nowtime“ sacht verklingt an diesem hellen, kühlen 

Sommerabend. 

by Elena Philipp 96 

The Instrument: Peer. 23.07.2017, SOUND D ANCE Festival, Dock 11, Berlin. 

Im Publikumsgespräch erfahren wir, dass die romantischen Kompositionen Edvard Griegs zu „Peer 

Gynt“ nicht nur als entfernte Kindheitsmelodien im Leben der Tänzerin Maya M. Carroll nachhallen, 

sondern der konkreten Bewegungsrecherche und Soundkomposition (Roy Carroll) gedient haben. Zu 

den ausladenden, triefenden Suiten, die nicht zufällig als musikalische Untermalung in Bierwerbung 

dienen, hätten Carroll und der Tänzer Janne Aspvik in Wald und Wiesen getanzt, improvisiert, Gefühlen 

nachgespürt – am Ende aber steht eine formale Choreografie, die keine unmittelbaren Spuren der 

Originalmusik an den Körpern mehr zulässt, sie stattdessen in eine präzise Folge mit hohem Abstraktionsgrad 

überführt. Von der großen Narration ist fast nichts übrig, mit Ausnahme eines einzelnen 

Astes, der menschengroß in der Mitte des Raumes ruht, um später als archetypisches Symbol über der 

Szenerie zu schweben. Verästelungen von Peer und Gynt und Feenlandschaft. Gleichzeitig öffnet sich 

dieser Raum als eine flimmernde musikalische Lichtung (bei Sonnenaufgang, von Morgentau benetzt),


auf der zwei Geschöpfe wandeln und um sie herum dehnt sich die Zeit in die Breite, knistert, pfeift, 

zirpt es, bis die Töne in einen großen Klangraum driften und beinahe der Romantik, der sie entsprungen 

sind, frönen, wäre ihnen nicht diese Unaufgeregtheit und Lässigkeit eigen, in der sie ausharren 

und sich verzweigen. 

by Alexandra Hennig 94 

Duo Ocean of pink dots (Jenny Haack and Hui-Chun Lin): Ferne schweifen. 22.07.17, SOUN D ANCE 

Festival, Dock 11, Berlin. 

The question of the creators to one another is intimate — how can one be a dilettante to a 

colleague’s expertise? — and experimental — how can one go into the uncomfortable realm of a 

sister discipline? Jenny Haack and Hui-Chun Lin, who together constitute Ocean of pink dots, present 

Ferne schweifen (Distant Wanderings), which, with its clear investigation of how sound and movement 

can work as mirrors, as pairs, as opposites, and as surfaces for transference, is pointedly on 

theme at the SOUN D ANCE Festival. Nested in pas de deux form (a performance in pairs, followed 

by consecutive solos, and reunited by a second duet), which lines up not directly with the number of 

performers on stage (as the cello’s body make a robust third) but with the « binary » of sound/dance, 

Haack and Lin explore each other’s realms with courage and remarkable elegance, but perhaps Lin 

goes slightly further in her journey into the realm of movement than Haack ventures into sound. And 

while a duo of such friendship and flexibility could have tendencies toward the casual, this is nothing 

of the sort: striking, structured costuming, clear lighting choices from Emese Csornai, and the finesse 

of experienced artists result in a deeply satisfying balance between the abstract and organic. Entangled 

limbs, an enchanted voice, steering bodies through cold waters. 

by Sasha Amaya 93 

Yuko Kaseki, Emilio Gordoa: On The Shape of Darkness. 21.07.2017, SOUN D ANCE Festival, Dock 

11, Berlin. 

A body stands still while the steps come closer (we are entering)—during the performance the musician 

will be wandering around, putting a microphone in its mouth to generate rustling sounds, hitting 

the paper to its chest and squeezing it with hands; building small, temporary sound-installations with 

speakers that also create wind and vibration for various bells or pieces of paper to produce accompanying 

sounds that slowly construct a sound sculpture of noise, improvisation and experimental music. 

The flicker of the dim-lighting fits perfectly as the repetitive electronic sounds were slowly enriched 

with different types of bells and speakers and the whole engendered a space to meditate with the 

sound. 

But. 

Another body with silver high-heels starts to roll on the floor; a contemporary version of Butoh with 

a glittery costume is being performed—we rarely see but hear and the small gestures of the dancer 

disappear, because of such dimmed lighting and the contractions that usually have the potential to 

lead the entire body and the audience to another entity were lost; at the end there was more dark-


ness than shapes. 

Despite an instant, where the Butoh dancer begins to spit and blow to the vibraphone’s pipes, while 

the musician is playing it, the collaboration fails; the audience witnesses two appealing, yet non-unified 

performances that disrupted each other’s quality. 

by Göksu Kunak 92 

COLLECTIVE ONE:THIRD: Fate of the Galaxies. 20.07.2017, SOUN D ANCE Festival, Dock 11, Berlin 

One of the joys of watching, or taking part in, improvisation is the multitude of potentials each movement 

has; not all can be followed up, choices must, of course, be made, but the action of choicemaking, 

so explicitly clear in improvisation, is in itself beautifully wrought with paths taken and those 

left unexplored. Such was palpably evident in the work of six dancers — Edith Buttingsrud Pedersen, 

Annukka Hirvonen, Sarah Jegelka, Justyna Kalbarczyk, Stefanie Petracca, and Roberta Ricci — who, 

together with electric guitarist Hannes Buder and lighting artist Emese Csornai, opened the SOUN D 

ANCE festival with a view to how instant composition can serve as a „laboratory of real life“ for those 

of diverse countries and cultural backgrounds. Through series of duets, trios, and group work (seldom 

featuring, perhaps quite meaningfully so, the solo) the eight artists infused the atmosphere with both 

typical motifs (wandering hands, diagonal balances, tinklings on the cords of the guitar) and unexpected 

suggestions (relational pulls between bodies, a sound emerging from genuine watching, the rare 

but surprising pedestrian gesture), building to a generous final offering which balanced the individual 

dancers‘ own inclinations and internal developments with the work of Buder and Csornai — and 

while the music of Buder at times led, at times illustrated, and at times was inspired by the movement 

of bodies on stage, it seemed rather an old sadness to see six beautiful female bodies dance to, or 

even with, one male voice. Yet the artists were accomplished: so enriching was their ability to bear an 

idea through from inception to maturity, that traces from seed to blossom were really possible. Yet not 

devoid of the fizz of uncertainty that makes improvisation so special. 

by Sasha Amaya 90 

In Kooperation mit Viereinhalb Sätze / Four point five | Writing on dance ensteht während des Festivals 

ein Blog zu den Aufführungen. 

Jeweils am nächsten Tag gehen Viereinhalb Sätze online! 

A team of Four point Five writers is providing the festival blog for SOUN D ANCE Festival (20th to 30th 

of July) at Berlin’s Dock 11.


http://www.berlinartlink.com/2017/07/10/announcement-soun-d-ance-festival-an-interview-withjenny-haack/



kulturradio vom rbb | "SOUN D ANCE Festival": Musik und Tanz im Dock 11 

25.07.17, 23*41 

Sa 22.07.2017 | 11:10 

'SOUN D ANCE Festival': Musik und Tanz im Dock 11 

Michaela Gericke war bei einer Probe dabei. 

SOUN D ANCE - das D als letzter und als erster Buchstabe der beiden Wörter 'Sound' und 'Dance' 

– also Klang und Tanz – steht als einzelner Buchstabe in der Mitte. So als wären der letzte und der 

erste Buchstabe ineinander verschmolzen: Das ist symbolisch für das Festival, das an diesem und 

am kommenden Wochenende im Dock 11 stattfindet, einem Ort, an dem der zeitgenössische 

Tanz zuhause ist. 

Organisiert hat das Festival mit internationalen TänzerInnen und MusikerInnen aus aller Welt 

Jenny Haack. Sie ist selbst Tänzerin und eine der auftretenden Performerinnen, nämlich heute. 

Zusammen mit der Cellistin Hui-Chun Lin tanzt sie unter dem Titel "Ferne schweifen". 

Michaela Gericke war bei einer Probe dabei. 

20. - 30.07.2017 19:00 Uhr 

DOCK 11 

SOUN D ANCE Festival 

Musik / Tanz 

Kastanienallee 79, Berlin-Prenzlauer Berg 

Karten: 14,00 Euro | erm. 10,00 Euro pro Vorstellung | Festivalticket: 60,00 Euro (8 

Aufführungen) 

Vorstellungen am 20. - 23.07. sowie 27. - 30.07.17. - jeweils um 19.00 Uhr 

www.dock11-berlin.de


Come as you are, Nir de Volff TOTAL BRUTAL 04.-08.08.2017, 

08.-10.09.2017, 05.-07.12.2017 im DOCK 11 

PRINT 


Nir de Volff / TOTAL BRUTAL 

„Come as you are“ 




Tanzraumberlin Körper in der Krise k. A. 01.07.2017 

Tip Berlin Bühne: Come as you are k. A. 27.07.2017 

Berliner Zeitung Unsere Besten k. A. 03.08.2017 

Berliner Zeitung - Kulturkalender 

Bühne k. A. 03.08.2017 

Berliner Zeitung Eine Verbeugung in Berlin Michaela Schlagenwerth 


Berliner Morgenpost - Live Tanz/Revue k. A. 03.08.2017 

Neues Deutschland Berlin Tipps k. A. 03.08.2017 

Tagesspiegel - Ticket Theater k. A. 03.08.2017 

Tagesspiegel - Ticket Die neue Freikörperkultur Sandra Luzina 03.08.2017 

Taz - Plan Bühne k. A. 03.08.2017 

Zitty Come as you are Friedhelm Teicke 03.08.2017 

Zitty Bühne k. A. 03.08.2017 

Taz „Offiziell sind wir ja Feinde“ Astrid Kaminski 04.08.2017 

Tagesspiegel Tagestipps k. A. 06.08.2017 

Tagesspiegel 

Mein Geist ist flexibel, aber der Körper 

braucht Zeit 

Sandra Luzina 07.08.2017 

ONLINE 



www.siegessaeule.de 

www.der-kult-blog.de 

Love & Loneliness in the 21 Century & Come 

as you are 

Love & Loneliness in the 21 Century / Come 

as you are 

Drei interessante Tanz-Events in Berlin und 

Bielefeld 





www.tanzraumberlin.de Come as you are # Berlin k. A. 25.07.2017 

www.tanzforumberlin.de. Veranstaltungen k. A. 26.07.2017 

www.tic-berlin.de Highlights k. A. 30.07.2017 

www.tip-berlin.de Come as you are # Berlin k. A. 03.08.2017 

www.zitty.de Come as you are Friedhelm Teicke 03.08.2017 

www.berliner-zeitung.de Medhat Aldaabal: Die Geschichte eines syrischen 

Michaela Schlagen- 


Tänzers in Berlin 

werth 

www.neues-deutschland.de Theatrale Erkundungen k. A. 04.08.2017 

www.taz.de „Offiziell sind wir ja Feinde“ Astrid Kaminski 04.08.2017 

www.berlin-buehnen.de Come as you are # Berlin k. A. 05.08.2017 

www.freitag.de Come as you are # Berlin Andre Sokolowski 05.08.2017 

www.kultura-extra.de Syrische Tänzer im Ausnahmezustand Andre Sokolowski 05.08.2017 

www.tagesspiegel.de Mein Geist ist flexibel, aber der Körper 

braucht Zeit 

Sandra Luzina 06.08.2017 






RADIO 



RBB Radioeins Come as you are k. A. 03.08.2017 

RBB Inforadio „Come as you are # Berlin“ im Dock 11 k. A. 04.08.2017 


„Come as you are # Berlin“ - im Dock 11 & 

Eden 

Frank Schmid 05.08.2017 









Cine Marketing GmbH 

Open Event Network 

neues deutschland 

events Today 

tanznetz.de 

Kunsttag 

cb- event 

chexx 

www.wasgehtapp.de 

meinestadt.de/berlin 

kulturspeicher.de 

musik-dresden.de 

konzertkasse.de 

kulturportal.de 

regiomusik.de 

locaside.de 

twotickets.de 

as-buecher.de 

getevents.de 

adticket.de 

venyoo.de 

openpr.de 

Nir de Volff / TOTAL BRUTAL: „Come as 

you are“ 


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Medium: 

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Autor/-in: 

Tanzraumberlin 

Körper in der Krise 


Juli/August 2017 

k. A.





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Autor/-in: 

Tip Berlin 

Bühne: Come as you are 


16/2017 

k. A. 






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Berliner Zeitung 

Unsere Besten 


k. A. 

k. A.





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Bühne 


k. A. 

k. A. 






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Autor/-in: 


Eine Verbeugung in Berlin - Teil 1 


k. A. 

Michaela Schlagenwerth 






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Titel: 


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Eine Verbeugung in Berlin - Teil 2 


k. A. 







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Autor/-in: 

Berliner Morgenpost - Live 

Tanz/Revue 


k. A. 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


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Autor/-in: 

Neues Deutschland 

Berlin Tipps 


k. A. 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


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Autor/-in: 

Tagesspiegel - Ticket 

Theater 


k. A. 

k. A. 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 


Die neue Freikörperkultur 


k. A. 

Sandra Luzina 






Medium: 

Titel: 


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Autor/-in: 

Taz - Plan 

Bühne 


k. A. 

k. A. 






Medium: 

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Autor/-in: 

Zitty 

Come as you are 



Friedhelm Teicke 






Medium: 

Titel: 


Ausgabe: 

Autor/-in: 

Zitty 

Bühne 



k. A. 



„Offiziell sind wir ja Feinde“ - taz.de 


„Offiziell sind wir ja Feinde“ 



TANZ „Als würde die Berliner Mauer fallen“, so bezeichnet Nir de Volff, in 

Berlin lebender israelischer Choreograf, seine Arbeit mit Geflüchteten 

aus Syrien 


Wegen Medium: abweichender Taz Bildrechte können wir Bilder aus der gedruckten Ausgabe 

i.d.R. nicht Titel: frei zugänglich „Offiziell im sind Web wir veröffentlichen. ja Feinde“ - Teil Mit 1 einem Zugang zum Print- 


Archiv können Sie 04.08.2017 auch dieses Bild hier sehen. 


Autor/-in: Astrid Kaminski 






aus Syrien 

Medhat Aldaabal, Moufak Aldoabi, Amr Karkout in „Come as you are“ von Nir de Volff Foto: Bernhard Musil 

Wegen abweichender Bildrechte können wir Bilder aus der gedruckten Ausgabe 

i.d.R. INTERVIEW nicht ASTRID frei zugänglich KAMINSKI im Web veröffentlichen. Mit einem Zugang zum Print- 

Archiv können Sie auch dieses Bild hier sehen. 

taz: Herr De Volff, Sie sind israelischer Künstler und arbeiten mit syrischen 

Geflüchteten. Wie kam es zu dieser bemerkenswerten Konstellatio 

n ? 

Nir de Volff: Zunächst aus humanitärem Interesse. Ich war Teil einer selbstorganisierten 

Gruppe aus Künstlern, Ärzten, Anwälten et cetera, die sich zur 

Zeit der großen syrischen Immigrationswelle 2015 gegründet hatte. ‚Was kann 

ich den Geflüchteten anbieten?‘, fragte ich mich. Bald stellte ich fest, dass viele 

der Körper wie aus Stein waren. Die Art, wie sie sich bewegten, wie sie atmeten, 

alles war überspannt. Ihre Körper haben viel mitgemacht, sie waren traumatisiert. 

Ich kenne mich aus mit körperlichen Entspannungsübungen. Ich 

bat also (bei der Tanzbühne) Dock 11 (in der Kastanienallee) um ein Studio – 

es wurde mir kostenfrei zur Verfügung gestellt – und fing an. 

H aben Sie sich mit Ihrem Angebot an Männer und Frauen gerichtet? 


Ich wollte eine gemischte Gruppe, aber das ließ sich mit ihrer Kultur nicht 

INTERVIEW ASTRID KAMINSKI 

1 von 4 taz: Herr De Volff, Sie sind israelischer Künstler und arbeiten mit syrischen 

Geflüchteten. Wie kam es zu dieser bemerkenswerten Konstellati‐ 

08.08.17 15:18 

o n ? 







– Kontor für Ich Kultur kenne und Kommunikation mich aus I Prinzenstr. mit körperlichen 85 f I 10969 Berlin Entspannungsübungen. I bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 Ich695 695 24 

k3 berlin 





1 von 4 08.08.17 15:18





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Taz 

„Offiziell sind wir ja Feinde“ - Teil 2 


k. A. 




vereinbaren. Auch getrennte Gruppen waren nicht möglich, weil Frauen nicht 

mit mir als Mann arbeiten wollten. Den eigenen Körper in der Anwesenheit 

des anderen Geschlechts zu benutzen, ist für sie keine Option. 

W ie haben die Männer darauf reagiert, dass Sie Israeli sind? 

Ich wollte es ihnen eigentlich gar nicht sagen. Ich hatte Angst, dass es sonst 

gleich zu Ende wäre, dass sie mich mit Anschuldigungen konfrontieren würden, 

dass vielleicht sogar etwas Gefährliches passieren würde. Offiziell sind 

wir ja Feinde. Das ist auch irgendwo noch in meinem Kopf. Wenn du aus einem 

Land kommst, das ohne Krieg eigentlich nicht vorstellbar ist, dann kann 

man dieses Denken nicht ganz ausschalten. Aber meine Vorsicht brachte 

nichts. Die Männer schauten mir in die Augen und wussten es sofort. Obwohl 

sie noch nie einen Israeli getroffen hatten! Das ist wohl etwas Mediterranes. 

Wir erkennen uns an den Gesichtszügen, an der Art der Stimme. 

U nd die Reaktion? 

‚Hey, welcome!‘ Es war aufregend für sie, jemanden von der anderen Seite zu 

treffen. Sie sahen endlich mal ihren imaginären Nachbarn, den sie nur aus 

den Nachrichten kennen. Mit der Zeit war es, als würde die Berliner Mauer 

fallen. Wie ein Treffen von Fleisch und Blut – schwierig, diese Aufregung in 

Worte zu bringen! All das bewegte mich sehr. Meine Situation war der meiner 

syrischen Freunde sehr ähnlich: Meine Heimat ist ausschließlich von arabischen 

Ländern umgeben und alles, was ich davon wusste, stammt aus den Medien, 

oder aus äußerst gelegentlichen Begegnungen. 

S ie haben nie mit arabischen Tänzer*innen zusammengearbeitet? 

Doch, im Jahr 2011 habe ich in Amsterdam einen ägyptischen Tänzer getroffen. 

Das war, als würden zwei Aliens aufeinander treffen. Ich war sofort besessen 

davon, etwas mit ihm zusammen zu machen. Das taten wir dann auch 

auf dem niederländischen „Dancing on the edge“-Festival. Seither ist es eine 

Utopie, ein ernsthafter Traum von mir, mit Menschen aus allen arabischen 

Nachbarländern zusammenzuarbeiten. 

W ie kam es, dass aus Entspannungsworkshops eine Tanzklasse und nun 

eine Performance wurde? 

Eines Tages erzählten die Männer mir, dass sie einen syrischen Tänzer kennen, 

der gerade erst in Berlin angekommen sei. Es war Medhat Aldaabal. Er 

hat wiederum seinen Cousin mit ins Boot geholt, und dann kamen wir endlich 

auch an eine Tänzerin. So änderte sich der Fokus. Die Menschen aus der ersten 

Gruppe wurden unabhängiger, begannen ihr Leben hier, und wir anderen 

wurden eine Tanzgruppe. 

D ie Tänzerin ist bei den Aufführungen nicht dabei. 

Irgendwann kam der Moment, an dem ich unserem Prozess mehr Form geben 

wollte. Wobei es mir wichtig war, das nicht in einer Form zu tun, in der ich 

k3 berlin 2 von – Kontor 4 für Kultur und Kommunikation I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t +49 08.08.17 (0)30 15:18 695 695 24





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Autor/-in: 

Taz 



k. A. 




Nir de Volff 

Der israelische Tänzer und Choreograf 

Nir de Volff hat bereits mit 

Künstler*innen wie Pina Bausch, Constanza 

Macras, Falk Richter oder She 

She Pop zusammengearbeitet. 2007 

gründete er die Kompanie Total Brutal. 

Die von ihm entwickelte Atemund 

Bewegungstechnik Use Abuse 

unterrichtet er weltweit. Im Dock 11 

(Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg) 

zeigt er das Stück „Come as you are 

# 2017“ (mit: Medhat Aldaabal, 

Moufak Aldoabl, Amr Karkout), das 

aus der 2015 begonnenen Arbeit mit 

syrischen Geflüchteten entstanden 

ist. Vorführungen: 4.–6. 8., je 19 Uhr 

die geflüchteten Künstler*innen für mich 

ausnutzen würde, weil es zurzeit beispielsweise 

chic ist mit Syrern zu arbeiten. Wir 

beschlossen zusammen, unseren Prozess in 

einem Showing zu öffnen. Dabei aber wurden 

dann auch die Probleme offensichtlich. 

Es begann mit eben jener Tänzerin. Ich realisierte, 

dass ihre Energie verebbte, dass ihr 

Körper voller Zweifel war. Eines Tages bat 

sie mich um ein Gespräch und machte mir 

klar, dass sie nicht in einer Veranstaltung 

genannt werden könne, in der gleichzeitig 

ein Israeli genannt werde. Sie hatte mit ihren 

Eltern in Syrien gesprochen und die Einschätzung 

erhalten, dass es eine tödliche Gefahr 

für sie bedeuten würde, wenn es herauskäme. 

H at Sie das entmutigt? 

Es war wie ein Messer. Trotzdem bot ich ihr 

an, weiter zu machen, und sei es mit Maske. Ich wollte es nicht aufgeben, an 

die Chance zu glauben, dass wir als Syrer und Israeli in einem freien Land zusammenarbeiten 

können. Ich wollte nicht einsehen, dass es in diesem Sinn 

kein freies Land gibt. Aber am Ende war das Risiko zu groß ist. Trotzdem bin 

ich dankbar, dass die Gruppe nicht aufgegeben hat. Meine Freunde blieben 

immer optimistisch. Dabei würden die Lebensgeschichten, die sie mit sich tragen, 

viele von uns komplett paralysieren. Und es stellte sich heraus, dass sie 

sogar noch mehr zu tun hatten als ich: täglich Deutschkurs, täglich ihre Anwesenheit 

abzeichnen, Jobcenter, Schlange stehen für 120 Euro im Monat und so 

weiter. Flüchtling im Jahr 2016/17 zu sein, ist nicht leicht. 


3 von 4 08.08.17 15:18





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Tagesspiegel 

Tagestipps 


k. A. 

k. A. 






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Autor/-in: 

Tagesspiegel 

Mein Geist ist flexibel, aber der Körper braucht Zeit 


k. A. 

Sandra Luzina 


BZ am 4.01.2018, Seite 29 






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Autor/-in: 


Love & Loneliness in the 21 Century & Come as you are 


k. A. 

k. A. 






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Come as you are # Berlin 


k. A. 

k. A. 






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Medhat Aldaabal: Die Geschichte eines syrischen Tänzers in Berlin - Teil 1 


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Medhat Aldaabal: Die Geschichte eines syrischen Tänzers in ... 

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Berliner Zeitung | Berlin 

Medhat Aldaabal: Die Geschichte eines syrischen Tänzers in 

Berlin 

Von Michaela Schlagenwerth 

04.08.17, 10:38 Uhr 

„Man muss ein Ziel haben, das ist das Wichtigste“, sagt Medhat Aldaabal, 

30 Jahre. 

Foto: Benjamin Pritzkuleit 

Medhat Aldaabals Zukunft begann mit einem Spaziergang. Drei Monate lebte er da schon in Berlin. Bei einer 

Erkundung der Gegend rund um seine Flüchtlingsunterkunft am Hackeschen Markt stand er auf einmal vor 

einem Schild und wollte seinen Augen nicht trauen. „Sasha Waltz & Guests“ stand auf dem Schild. Sasha Waltz, 

dieser Name war Medhat Aldaabal ein Begriff. In Damaskus, während seines Tanzstudiums, hatte er Videos von 

Sasha Waltz’ Arbeiten gesehen. Das war vor seiner einjährigen Flucht, die ihn über die Türkei und Griechenland 

schließlich nach Berlin geführt hatte. Jetzt stand er vor dem Haus Sophienstraße 3 und wäre am liebsten 

hineingestürzt in das Haus und hätte gefleht: „Bitte, lasst mich mittanzen“. Aber er traute sich nicht. 

Medhat Aldabaal muss grinsen, als er sich daran erinnert. Er sitzt im schönen Garten der Eden-Tanzstudios in 

Pankow. Die Sonne scheint, und er hat seinen Stuhl aus dem Schatten der Bäume heraus auf die Wiese gerückt. 

Medhat Aldaabal ist 30 Jahre alt. Er hat ein ernstes Gesicht, das allerdings weich wird und leuchtet, sobald er zu 

sprechen beginnt. Bis gerade eben haben er, sein Cousin Moufak Aldoabl und Amr Karkout, ein weiterer syrischer 

Tänzer, gemeinsam mit dem israelischen Choreografen Nir de Volff an einem neuen Stück geprobt. 

Anfang August werden sie es im Dock 11 in der Berliner Kastanienallee zeigen. „Come as you are“ heißt es. Es geht 

um ihre eigenen Geschichten, um die von Medhat, Moufak und Amr. „Wovor hast du am meisten Angst?“ Das 

war eine der Fragen, die Nir de Volff den drei Tänzern gestellt hat. „Eine meiner größten Ängste ist es, als 

Tanzlehrer für Dabke zu enden“, sagt Medhat Aldaabal in dem Stück. Dabke, das ist ein orientalischer 

Folkloretanz. 

„Ich habe mich geschämt“ 

Dass er so eine Antwort geben kann, hat viel mit den vergangenen eineinhalb Jahren zu tun. Mit all dem, was 

geschah, seit Aldaabal in der Sophienstraße vor dem Büro von Sasha Waltz & Guests stand. Mit der Mail, die ein 

Freund auf sein Bitten hin an das Waltz-Büro schrieb. Mit der Einladung zu einer offenen Tänzer-Klasse im 

Radialsystem, die als Antwort kam. Er hat an diesem offenen Abend nicht mitgetanzt. Er wurde sehr persönlich 

empfangen, man hat ihm Tee gebracht, ihn mehrfach angesprochen, ermuntert mitzumachen. Aber er blieb an 


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der Seite sitzen und schaute zu. 

„Ich sah all diese Menschen, die sich so großartig, so wunderschön bewegten, und habe mich geschämt“, sagt 

Medhat Aldaabal. Er hatte das Gefühl, wenn er mittanzt, würde er Schande nicht nur über sich, sondern über den 

Tanz in Syrien bringen. 

Aber kurz darauf kam wieder eine Einladung und auf einmal saß Medhat Aldaabal mit Sasha Waltz, ihrem Mann 

Jochen Sandig und mehreren Mitarbeitern an einem Tisch. Sasha Waltz & Guests hatten in ihrer Reihe „Zuhören“ 

Workshops für unbegleitete jugendliche syrische Geflüchtete geplant. Der Workshop war nicht ganz voll 

geworden. Medhat wurde gefragt, ob er nicht dazu stoßen und vielleicht auch noch Freunde mitbringen wolle. Das 

war im Februar 2016, es war der Anfang. 

Medhat Aldaabal ist kein herausragender Tänzer im klassischen Sinn. Das sagt er selbst von sich. Das Tanzen hat 

er erst während seiner Highschool-Zeit in seiner Heimatstadt Swaida für sich entdeckt. Zum Tanzstudium in 

Damaskus wurde er mit 21 Jahren nur zugelassen, weil der Leiter einer Folklore-Gruppe, bei der er tanzte, für ihn 

eintrat. Leicht hatte er es dort nicht. Egal, in welcher Disziplin man studierte, ob Hip-Hop, Musical oder Folklore, 

die Basis für alles war Training im klassischen Ballett. „Mein Geist ist flexibel, aber mein Körper, der braucht Zeit, 

viel Zeit“, sagt er in dem Stück von Nir de Volff. 

Tanztraining als Heilung 

In Damaskus haben sie ihn damals getriezt, weil er nach zwei Jahren seine Beine nicht viel höher bekam als zu 

Beginn seines Studiums. Er hat sich gewehrt. „Ich bin Tänzer“, erwiderte er den Lehrern auf ihre Kritik, „aber ich 

bekomme den falschen Unterricht für meinen Körper.“ 

In Berlin hat er den Richtigen gefunden. Bei Nir de Volff, der ihm auch kostenloses Training in einem Studio 

vermittelte und bei Davide Camplani von Sasha Waltz & Guests. Im zeitgenössischen Tanz geht es nicht so sehr 

um Virtuosität, es geht darum, bei sich selbst, in seinem Körper anzukommen, um Selbstwahrnehmung, darum 

von innen heraus zu tanzen. Für Medhat Aldaabal und seine syrischen Tänzerfreunde, die mit dem Körper in 

Berlin, aber mit ihrem Geist noch lange ganz woanders waren, in der Heimat und den Traumata ihrer Flucht, 

wurde das neue Tanztraining auch zu einem Prozess der Heilung. Aldaabal hat daraus ein Stück gemacht. Es 

heißt „Amal“, übersetzt „Hoffnung“, und hatte erst vor wenigen Wochen in den Sophiensälen Premiere. 

„Amal“ ist in Zusammenarbeit mit dem Waltz-Tänzer Davide Camplani entstanden. Es ist ein erschütterndes, 

anrührendes Stück, von dem man hofft, dass es wieder gezeigt werden wird, in Theatern, und vielleicht auch vor 

Menschen, die ähnliche Schrecken wie Aldaabal und seine drei syrischen Mittänzer erlebt haben. Die vier sind 

Freunde, in Damaskus haben sie manchmal in den gleichen Gruppen getanzt. Alle vier haben es in den 

vergangenen zwei Jahren auf verschiedenen Wegen nach Berlin geschafft. 

Was meinst du mit Hoffnung? 

Medhat Aldaabal ist ohne Geld unterwegs gewesen, zum Teil allein, zum Teil mit Menschen, die er auf seiner 

Flucht getroffen hat. Monatelang hing er in Istanbul fest, wo er sich mit schlecht bezahlten Jobs irgendwie über 

Wasser hielt. In Thessaloniki gab es keine Arbeit für ihn. Er durchsuchte die Abfallkörbe nach Essen, schlief mit 

ein paar anderen Flüchtlingen heimlich in einer Kirche, in die sie nachts schlichen, wenn niemand dort war. Die 

Priester hatten ihnen das verboten. Nach vier Monaten schien es nur noch zwei Alternativen zu geben. 

Zurückgehen und in Syrien im Krieg sterben oder in Thessaloniki am Hunger. „Es ist viel Schlimmes passiert“, 

sagt Aldaabal, „aber auch viel Gutes.“ Mit Hilfe von in Griechenland ansässigen Syrern gelang ihm schließlich die 

Flucht nach Berlin. 

In „Amal“ wird davon erzählt. Nicht mit Worten, sondern in einfachen, geradlinigen Bildern und einem Tanz, der 

von der Wahrhaftigkeit seiner Darsteller lebt. Das Stück hat etwas von einem Ritual. Vollzogen wird ein 

Ankommen im Körper, in dem sich all der Schrecken, der in ihm nistet, all die erlebten Geschichten im Tanz nach 

außen stülpen. Vergangenes Jahr, nach dem Workshop im Radialsystem, war Medhat Aldaabal zu Sasha Waltz 

gegangen, um sie um Hilfe zu bitten. Er wolle ein eigenes Stück machen, über Hoffnung. „Wie, über Hoffnung? 

Was meinst du mit Hoffnung? Das ist so ein großes Wort“, hatte Sasha Waltz daraufhin gesagt. „Ich meine die 

Hoffnung, mit der ich es geschafft habe zu überleben“, hat Aldaabal ihr geantwortet. 

„Wie soll man das aushalten?“ 

Sasha Waltz & Guests haben „Amal“ produziert. Im Juni vergangenen Jahres gab es eine erste Fassung, in diesem 

Jahr haben sie gemeinsam mit Davide Camplani und dem ebenfalls aus Syrien kommenden Musiker Ali Hasan 

noch einmal vier Wochen daran gearbeitet. „Im vergangenen Jahr, als wir uns nach der ersten Aufführung 

verbeugten“, sagt Medhat Aldaabal, „das war der Moment, in dem ich zum ersten Mal wusste, jetzt bin ich 

Sicherheit.“ In Sicherheit, weil er wusste, dass er leben, dass er eine Zukunft haben, dass er Kunst machen will – 


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und dass er das schaffen wird. 

Nicht, dass jetzt alles gut wäre. Seine Familie, die Eltern, die beiden Schwestern und viele andere Verwandte leben 

nach wie vor in seiner Heimatstadt Swaida südlich von Damaskus. Es ist keine direkte Kriegsgegend. Aber Not 

herrscht trotzdem, Hunger vor allem. „Wie soll man all das aushalten?“, fragt Aldaabal. Hier zu sitzen, selbst bei 

einfachstem Essen, wenn man weiß, dass die Familie zu Hause nichts hat. Dass die Heimat zerstört wird. Als 

Medhat Aldaabal nach Deutschland kam, sprach er weder englisch noch deutsch. Er hat erst einmal Englisch 

gelernt, weil man das braucht als Tänzer in Berlin. Seit einer Weile wohnt er am Südstern, in einer WG mit einem 

französischen Videokünstler, den er im Radialsystem kennen gelernt hat. 

Das Wetter, die Stadt, das Essen, die Sprache, die Menschen, wie sie denken und auch wie sie tanzen, alles ist 

anders. Das zu bewältigen, ist eine Arbeit an der ständigen Überforderung. Erst recht nach den Schrecken der 

Flucht, die lange nicht aus dem Körper weichen wollten. 

Wieder tanzen zu können, das war sein Traum 

„Man muss ein Ziel haben, das ist das Wichtigste“, sagt Aldaabal. Kopfüber hat er sich in sein neues Leben 

hineingestürzt. Er weiß, was er will. Er will tanzen, selbst Stücke machen. Sich ausschließlich über den Tanz zu 

finanzieren, das schafft er bislang nicht. Es ist ihm auch in Syrien nicht gelungen. Es war nur ein Teil seines 

Einkommens. Seine Eltern hatten gehofft, dass er studieren und Arzt oder Rechtsanwalt werden würde. Seine 

Entscheidung für den Tanz konnten sie zunächst nur schwer akzeptieren. „Aber nach dem sie mich das erste Mal 

auf der Bühne tanzen sahen“, sagt Aldaabal, „verstanden sie, wie viel es mir bedeutet.“ Gefallen hat es ihnen auch. 

Von dem Moment an waren sie einverstanden und unterstützten ihn, wo immer sie konnten. 

In Berlin muss er inzwischen seine Arbeit genau organisieren. Einen Tag nach der Premiere von „Amal“ begannen 

die Proben für „Come as you are“. Im August wird Medhat Aldaabal nach Weimar fahren. Er wurde angefragt, ob 

er eventuell dort beim Kunstfest einen Workshop für Dabke, den orientalischen Tanz, geben könne. Aldaabal hat 

diskutiert. Dabke allein, das fände er nicht spannend. Er würde sehr gerne einen Workshop geben, aber einen, in 

dem sich die Dinge mischen, in dem die Tanztechniken, die die Teilnehmer mitbringen und Dabke miteinander 

fusioniert würden. Das fanden sie gut in Weimar und er wurde engagiert. Für ihn ist es nicht nur die Weise, wie er 

arbeitet, es ist die Weise, wie er lebt. Wieder tanzen zu können, das war sein Ziel und sein Traum, auch in den 

dunkelsten Stunden in Thessaloniki. Aber darüber, wie er jetzt Wirklichkeit wird, ist er selbst erstaunt. 

„Come as you are“ – das Stück, in dem der Syrer Medhat Aldaabal mittanzt – ist am 4., 5. und 6. August um 19 

Uhr im Dock 11 zu sehen. 

Das Tanztheater Dock 11 entwickelte sich seit 1994 in einer früheren Fabrik in Prenzlauer Berg (Kastanienallee 

79). Zunächst wurde hier nur Tanz unterrichtet, später kam Abend-Bühnenprogramm dazu. 

Die Tickets für „Come as you are“ kosten zehn Euro. Karten können telefonisch reserviert werden unter der 

Rufnummer 030/35 12 03 12. 






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Theatrale Erkundungen 


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aus Syrien 


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i.d.R. nicht Titel: frei zugänglich „Offiziell im sind Web wir veröffentlichen. ja Feinde“ - Teil Mit 1 einem Zugang zum Print- 


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Autor/-in: Astrid Kaminski 






aus Syrien 


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i.d.R. INTERVIEW nicht ASTRID frei zugänglich KAMINSKI im Web veröffentlichen. Mit einem Zugang zum Print- 

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taz: Herr De Volff, Sie sind israelischer Künstler und arbeiten mit syrischen 

Geflüchteten. Wie kam es zu dieser bemerkenswerten Konstellatio 

n ? 







Ich kenne mich aus mit körperlichen Entspannungsübungen. Ich 






INTERVIEW ASTRID KAMINSKI 

1 von 4 taz: Herr De Volff, Sie sind israelischer Künstler und arbeiten mit syrischen 

Geflüchteten. Wie kam es zu dieser bemerkenswerten Konstellati‐ 

08.08.17 15:18 

o n ? 







– Kontor für Ich Kultur kenne und Kommunikation mich aus I Prinzenstr. mit körperlichen 85 f I 10969 Berlin Entspannungsübungen. I bureau@k3berlin.de I t +49 (0)30 Ich695 695 24 

k3 berlin 





1 von 4 08.08.17 15:18





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vereinbaren. Auch getrennte Gruppen waren nicht möglich, weil Frauen nicht 

mit mir als Mann arbeiten wollten. Den eigenen Körper in der Anwesenheit 

des anderen Geschlechts zu benutzen, ist für sie keine Option. 

W ie haben die Männer darauf reagiert, dass Sie Israeli sind? 

Ich wollte es ihnen eigentlich gar nicht sagen. Ich hatte Angst, dass es sonst 

gleich zu Ende wäre, dass sie mich mit Anschuldigungen konfrontieren würden, 

dass vielleicht sogar etwas Gefährliches passieren würde. Offiziell sind 

wir ja Feinde. Das ist auch irgendwo noch in meinem Kopf. Wenn du aus einem 

Land kommst, das ohne Krieg eigentlich nicht vorstellbar ist, dann kann 

man dieses Denken nicht ganz ausschalten. Aber meine Vorsicht brachte 

nichts. Die Männer schauten mir in die Augen und wussten es sofort. Obwohl 

sie noch nie einen Israeli getroffen hatten! Das ist wohl etwas Mediterranes. 

Wir erkennen uns an den Gesichtszügen, an der Art der Stimme. 

U nd die Reaktion? 

‚Hey, welcome!‘ Es war aufregend für sie, jemanden von der anderen Seite zu 

treffen. Sie sahen endlich mal ihren imaginären Nachbarn, den sie nur aus 

den Nachrichten kennen. Mit der Zeit war es, als würde die Berliner Mauer 

fallen. Wie ein Treffen von Fleisch und Blut – schwierig, diese Aufregung in 

Worte zu bringen! All das bewegte mich sehr. Meine Situation war der meiner 

syrischen Freunde sehr ähnlich: Meine Heimat ist ausschließlich von arabischen 

Ländern umgeben und alles, was ich davon wusste, stammt aus den Medien, 

oder aus äußerst gelegentlichen Begegnungen. 

S ie haben nie mit arabischen Tänzer*innen zusammengearbeitet? 

Doch, im Jahr 2011 habe ich in Amsterdam einen ägyptischen Tänzer getroffen. 

Das war, als würden zwei Aliens aufeinander treffen. Ich war sofort besessen 

davon, etwas mit ihm zusammen zu machen. Das taten wir dann auch 

auf dem niederländischen „Dancing on the edge“-Festival. Seither ist es eine 

Utopie, ein ernsthafter Traum von mir, mit Menschen aus allen arabischen 

Nachbarländern zusammenzuarbeiten. 

W ie kam es, dass aus Entspannungsworkshops eine Tanzklasse und nun 

eine Performance wurde? 

Eines Tages erzählten die Männer mir, dass sie einen syrischen Tänzer kennen, 

der gerade erst in Berlin angekommen sei. Es war Medhat Aldaabal. Er 

hat wiederum seinen Cousin mit ins Boot geholt, und dann kamen wir endlich 

auch an eine Tänzerin. So änderte sich der Fokus. Die Menschen aus der ersten 

Gruppe wurden unabhängiger, begannen ihr Leben hier, und wir anderen 

wurden eine Tanzgruppe. 

D ie Tänzerin ist bei den Aufführungen nicht dabei. 

Irgendwann kam der Moment, an dem ich unserem Prozess mehr Form geben 

wollte. Wobei es mir wichtig war, das nicht in einer Form zu tun, in der ich 

k3 berlin 2 von – Kontor 4 für Kultur und Kommunikation I Prinzenstr. 85 f I 10969 Berlin I bureau@k3berlin.de I t +49 08.08.17 (0)30 15:18 695 695 24





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Nir de Volff 

Der israelische Tänzer und Choreograf 

Nir de Volff hat bereits mit 

Künstler*innen wie Pina Bausch, Constanza 

Macras, Falk Richter oder She 

She Pop zusammengearbeitet. 2007 

gründete er die Kompanie Total Brutal. 

Die von ihm entwickelte Atemund 

Bewegungstechnik Use Abuse 

unterrichtet er weltweit. Im Dock 11 

(Kastanienallee 79, Prenzlauer Berg) 

zeigt er das Stück „Come as you are 

# 2017“ (mit: Medhat Aldaabal, 

Moufak Aldoabl, Amr Karkout), das 

aus der 2015 begonnenen Arbeit mit 

syrischen Geflüchteten entstanden 

ist. Vorführungen: 4.–6. 8., je 19 Uhr 

die geflüchteten Künstler*innen für mich 

ausnutzen würde, weil es zurzeit beispielsweise 

chic ist mit Syrern zu arbeiten. Wir 

beschlossen zusammen, unseren Prozess in 

einem Showing zu öffnen. Dabei aber wurden 

dann auch die Probleme offensichtlich. 

Es begann mit eben jener Tänzerin. Ich realisierte, 

dass ihre Energie verebbte, dass ihr 

Körper voller Zweifel war. Eines Tages bat 

sie mich um ein Gespräch und machte mir 

klar, dass sie nicht in einer Veranstaltung 

genannt werden könne, in der gleichzeitig 

ein Israeli genannt werde. Sie hatte mit ihren 

Eltern in Syrien gesprochen und die Einschätzung 

erhalten, dass es eine tödliche Gefahr 

für sie bedeuten würde, wenn es herauskäme. 

H at Sie das entmutigt? 

Es war wie ein Messer. Trotzdem bot ich ihr 

an, weiter zu machen, und sei es mit Maske. Ich wollte es nicht aufgeben, an 

die Chance zu glauben, dass wir als Syrer und Israeli in einem freien Land zusammenarbeiten 

können. Ich wollte nicht einsehen, dass es in diesem Sinn 

kein freies Land gibt. Aber am Ende war das Risiko zu groß ist. Trotzdem bin 

ich dankbar, dass die Gruppe nicht aufgegeben hat. Meine Freunde blieben 

immer optimistisch. Dabei würden die Lebensgeschichten, die sie mit sich tragen, 

viele von uns komplett paralysieren. Und es stellte sich heraus, dass sie 

sogar noch mehr zu tun hatten als ich: täglich Deutschkurs, täglich ihre Anwesenheit 

abzeichnen, Jobcenter, Schlange stehen für 120 Euro im Monat und so 

weiter. Flüchtling im Jahr 2016/17 zu sein, ist nicht leicht. 


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Andre Sokolowski 






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Syrische Tänzer im Ausnahmezustand - Teil 1 


k. A. 


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http://www.kultura-extra.de/theater/spezial/tanztheater_Com... 

Performance 

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Syrische Tänzer 

im Ausnahmezustand 

COME AS YOU ARE # BERLIN 

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Unsere Anthologie: 

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Medhat Aldaabal, Moufak Aldoabl und Amr Karkout 

sind ca. dreißig Jahre jung und kommen aus Syrien. 

Dort lebten sie in Metropolen, wo sie - jeder in einem 

anderen Umfeld - eine Ausbildung zum Tänzer und 

Schauspieler absolvierten. Sie arbeiteten meist dann 

"traditionell" und traten in so Shows wie Aladin oder 

Tausendundeine Nacht auf... 

Wegen des anhaltenden Bürgerkrieges gelangten sie 

nun, wie so viele Flüchtlinge, auf unterschiedlichen 

Wegen nach Deutschland; ihre Familien, sofern sie 

dazu in der Lage waren, versuchten es anderswie und 

anderswo, oder die jungen Männer mussten ihre 

Angehörigen und Freunde meistens dann zurück 

lassen. 

Jetzt sind sie hier. 

Wie sie sich dann - am Anfang und auch während der 

Performance Come as you are # 2017, die das DOCK 

11 gestern zum ersten Mal gezeigt hatte - kurz 

vorstellten und also kurz das Eine und das Andere 

ihrer Biografien und v.a. ihrer Odysseen hierher 

streiften, hielten sie begeistert und unüberhörbar 

diesen Namen jener Stadt, wohin es sie konkret 

verschlagen hatte, transparentig hoch: "Berlin!" Und 

eigentlich hätten sie schon dann wohl auch früher, als 

noch Frieden war, hier als Besucher sein wollen; dass 

diese Stadt als Stadt des Tanzes weltweit einen 

sogstiftenden Ruf besitzt, hatte sich immer schon, 

gewiss auch bis zum Orient, weit herum gesprochen. 

Völlig andere (statt künstlerische nunmehr 

überlebenswichtige) Motive waren Ursache und 

Grund, weswegen sie jetzt in Berlin sind. 

THEATER Inhalt: 

Kulturtermine 

TERMINE EINTRAGEN 

Kurzmeldungen 

CASTORFOPERN 

INTERVIEWS 

KRITIKEN 

ROSINENPICKEN 

Glossen zu Theater & Musik von 


TANZ IM AUGUST 

URAUFFÜHRUNGEN 

Bewertungsmaßstäbe: 

= nicht zu toppen 

= schon gut 

= geht so 

= na ja 


1 von 3 08.08.17 15:09





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Syrische Tänzer im Ausnahmezustand - Teil 2 


k. A. 


KULTURA-EXTRA, das online-magazin 

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= katastrophal 

Nir de Volff (vom Label TOTAL BRUTAL), der in 

Amsterdam und Groningen seit Jahren auch schon 

andere und ähnliche Projekte über das 

Zusammenwirken unterschiedlicher Kulturen 

ausprobierte, wollte hier jetzt "den Prozess der 

Annäherung von Flüchtlingen an die Berliner 

Tanzlandschaft" zeigen. "Der Fokus des Projekts liegt 

auf den physischen Hürden ihres Alltags, auf ihren 

mentalen Veränderungsprozessen und neuen 

Begegnungen in der Großstadt." 

Das intensivste Bild (noch besser: Ton-Bild) dieser 

einstündigen Vorstellung: 

* 

Die Drei bilden eine Art von Laokoon-Gruppe, 

während das todtraurige Spiegel im Spiegel-Stück von 

Arvo Pärt sich nach und nach mit arabischer Musik 

vermischt. Sie leben ihre innere Verzweiflung und 

Zerrissenheit, in die sie (nicht nur tänzerisch und also 

künstlerisch) gerieten, mit stumm-schreiender 

Intensität und körper-kampfhafter Verzehrung aus. 

* * 

Alles erdenklich Gute, liebe Freunde!!! 

Foto (C) Bernhard Musil 

Andre Sokolowski - 5. August 2017 

ID 10177 

COME AS YOU ARE # BERLIN (Dock 11, 04.08.2017) 

Choreografie und Regie: Nir de Volff 

Von und mit: Medhat Aldaabal, Moufak Aldoabl und Amr Karkout 

Licht: Asier Solana Arce 

Kostüme: Nir de Volff 

Premiere in Berlin war am 4. August 2017. 

Weitere Termine: 05., 06.08.2017 

Eine Produktion von Nir de Volff / TOTAL BRUTAL production in Koproduktion mit LOFFT – Das Theater 

Weitere Infos siehe auch: http://www.dock11-berlin.de 


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Mein Geist ist flexibel, aber der Körper braucht Zeit - Teil 2 


k. A. 

Sandra Luzina 

Tanzperformance von Nir de Volff: Mein Geist ist flexibel, ab... 

http://www.tagesspiegel.de/kultur/tanzperformance-von-nir-d... 

In den Tanzszenen geht es darum, sich von allen Fesseln zu befreien und im eigenen Körper anzukommen. Auch Humor blitzt auf. 

Amr macht sich über unsere Vorstellungen von Syrien lustig und tritt als Bauchtänzerin auf. Das Trio gegen Ende zeigt eine zarte 

Annäherung. Die drei Männer fassen sich an den Händen und bilden ein verschlungenes Muster. 

Ihnen ist bewusst, dass es auf der Bühne einen Flüchtlingsbonus gibt: Geflüchteten Syrern wird eine besondere Glaubwürdigkeit 

zugesprochen. Die drei wollen aber nicht darauf reduziert werden, sondern als Amr, Medhat und Mouafak wahrgenommen werden. 

Auch wenn sie mit den Gedanken noch oft in Syrien sind, richtet sich ihr Blick nach vorn. Zum Schluss erzählen sie, wo sie sich in 

zehn Jahren sehen: am Berliner Maxim-Gorki-Theater oder am Strand von Miami, in einem Amerika ohne Trump. 

Die ersten drei Vorstellungen von „Come Berlin“ waren ausverkauft, deswegen wird das „work in progress“ im September nochmals 

gezeigt. Nir de Volff bezeichnet sein Projekt scherzhaft als „Integrationskurs“. Die Aufführung sei ein erster Schritt, meint er. De Volff 

will unbedingt weiterarbeiten mit den drei Syrern. Und auch er hat eine Utopie: Er träumt von einer Kompanie, in der Israelis, Syrer, 

Deutsche und andere Nationalitäten zusammen tanzen – natürlich im Schmelztiegel Berlin. Sandra Luzina 

Wieder 8.–10.9., jeweils 19 Uhr





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RBB Radioeins 



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RBB Inforadio 

„Come as you are # Berlin“ im Dock 11 


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„Come as you are # Berlin“ - im Dock 11 & Eden 


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Frank Schmid 






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Mein Geist ist flexibel, aber der Körper braucht Zeit - Teil 1 


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Sandra Luzina 

Tanzperformance von Nir de Volff: Mein Geist ist flexibel, ab... 

Tanzperformance von Nir de Volff 

Mein Geist ist flexibel, aber der Körper braucht Zeit 

06.08.2017 17:02 Uhr 

Dock 11 Berlin: Der israelische Choreograf Nir de Volff inszeniert ein Stück mit drei syrischen Tänzern. VON SANDRA LUZINA 

Seid umschlungen. Medhat Aldaabal, Moufak Aldoabl und Amr Karkout in Nir de Volffs Choreografie. FOTO: BERNHARD MUSIL 

742 Tage. Medhat Aldaabal hat die Tage gezählt, seit er in Berlin ist. Im Juli 2015 kam der syrische Tänzer hier an. Nun steht er auf 

der Bühne des Dock 11, holt tief Luft und sagt: „Mein Geist ist flexibel, aber mein Körper, der braucht Zeit, viel Zeit.“ Medhat ist einer 

von drei syrischen Flüchtlingen, mit denen der aus Israel stammende Choreograf Nir de Volff das Projekt „Come as you are # Berlin“ 

erarbeitet hat. Der gleichnamige Nirvana-Song (ohne Berlin-Zusatz) liefert das Motto: Die drei jungen Syrer stehen mit allem, was sie 

an Erfahrungen mitgebracht haben, vor dem Publikum und schildern ihre Versuche, in der Berliner Tanzszene anzukommen. 

Wie Medhat Aldaabal haben auch sein Cousin Mouafak Aldoabl, seit September 2015 in Berlin, und Amr Karkout, der vor einem 

halben Jahr hierherkam, in Damaskus Tanz studiert, hauptsächlich Folklore und Ballett. In ihrer Heimat traten sie schon mal in 

Tanzshows wie „Aladin“ oder „Tausendundeine Nacht“ auf. In Berlin mussten die drei bald erkennen, dass ihr Verständnis von Tanz 

sich radikal von den künstlerischen Praktiken der Freien Szene unterscheidet. „Es war ein Kulturschock“, so Nir de Volff. Keuchende, 

schwitzende Körper auf der Bühne, Männer und Frauen oder Männer und Männer, die sich berühren – das ist in Syrien tabu. Und 

dann dieses ständige Herumreiten auf dem „Konzept“! 

Es wird eine Aufführung mit Hindernissen. Amr Karkout hat gerade sein Solo begonnen, als eine deutsche Frau auf die Bühne stürmt 

und „Männerkultur!“ ruft. Die empörte Frau wird des Saals verwiesen, und Nir de Volff bittet die Zuschauer, sich weitere 

Überraschungen zu verkneifen. Männerkultur? Aber ja doch! Was keineswegs mit arabischem Machismo zu verwechseln ist. Amr 

Karkout legt noch mal los. Die moralischen Codes seien in seinem Körper verwurzelt, erzählt er. „Ich muss lernen loslassen“, ruft er. 

Den Jargon der freien Szene hat er schon drauf. Er zieht sein schwarzes T-Shirt aus und beginnt, sich ungestüm zu bewegen. Medhat 

und Mouafak assistieren ihm. „Stell dir vor, du hast einen flexiblen Körper. Einen friedlichen Geist“, flüstern sie ihm zu. Und zitieren 

aus John Lennons „Imagine“: Stell dir vor, es gibt „nichts, wofür es sich zu töten oder sterben lohnt“. 

Reise zu sich selbst 

Der Abend handelt von einer Reise zu sich selbst. Die Texte bewegen sich zwischen Selbsterforschung und Selbstermächtigung. Die 

drei erzählen von ihren Hoffnungen und Träumen, vom Gefühl des Fremdseins – und dem Wunsch, alle schmerzhaften Erfahrungen 

hinter sich zu lassen. Manches klingt ein bisschen naiv. Doch die syrischen Tänzer haben etwas Gewinnendes; man spürt, wie ihnen 

die Sympathien zufliegen. Medhat hat sich kurz vor der Premiere verletzt und kann keine großen Sprünge machen - das wurde noch 

schnell eingearbeitet. Sein Handicap steht für alle Beschädigungen durch Krieg und Flucht. 


1 von 2 08.08.17 12:58


Black Velvet, Shamel Pitts und Mirelle Martins, 

10.+11.08.2017 im DOCK 11 

http://accidentalbear.com/black-velvet-architectures-and-archetypes-multidisciplinary-dance-production/


Only Human, Christine Bonansea 12.-19.08.2017 im DOCK 11 

OnlyHuman_nd_17.8._Seite14

tip_17/2017_Seite45_onlyHuman 


zittyNr32/2017Seite38_onlyHuman 


2017-08-13_tagesspiegel 


2017-08-10_tagesspiegel_ticket 


2017-08-12_berliner abendblatt 





WHAT A THOUGHT IS NOT, Maria Walser 24.-26.08.2017 im DOCK 11 

tip18/2017_Seite92_what a thought is not

2017-08_ticket 








WhARTever Should Happen, Alexander Carrillo 31.8-03.09.2017 

im DOCK 11 

2017-08-31_kulturkalender

2017-08-31_mopo 


2017-08-31_taz 



blur, Joanna Lesnierowska 21.-23.09.2017 im DOCK 11 

Polnisches Institut Berlin 

http://berlin.polnischekultur.de/index.php?navi=013&id=1663 

Theater 

blur 

21-23.09.2017 

Tanzperformance von 

Joanna Leśnierowska 

Kartenreservierung: 

030/351 203 12 oder 

ticket@dock11-berlin.de 

Ort: DOCK11, Kastanienallee 79, 

10435 Berlin 

21.09.2017 / 19:00 

22.09.2017 / 19:00 

23.09.2017 / 19:00 

„blur“ ist der Versuch, eine bereits seit Jahrhunderten angewendete künstlerische Ausdrucksform, 

nämlich die der Unschärfe, als Performance auf die Tanzbühne zu bringen. Was in der bildenden 

Kunst etwa durch Techniken wie „sfumato“ (z. B. bei Michelangelo) oder „out-of-focus“ (z. B. bei 

Gerhard Richter) gelingt, soll nun durch die performative Kunst von Joanna Leśnierowska 

ebenfalls zum Ausdruck kommen. 

Verschwommene Flächen und Erscheinungen, aufgelöste Konturen, undeutliche Motive in einem 

Zustand zwischen Erscheinung und Auflösung, chaotische Akkumulation und ständige 

Überdosierung gleichermaßen wichtiger und unwichtiger Details – mit diesen und anderen 

Aspekten aus Malerei und Fotografie betritt die Künstlerin die Bühne, um die Möglichkeiten der 

Unschärfe im Kontext von Körper und Choreographie zu untersuchen. 

Das Ergebnis dieser Untersuchung ist ein Solo, bei dem die Unschärfe auf zwei Arten verstanden 

wird: zum einen – im wörtlichen Sinne – als „Unfähigkeit, eine Form / einen Zustand 

einzuhalten“, zum anderen – im metaphorischen Sinne – als visuelle und physische Darstellung 

eines emotionalen und mentalen Zustands, in dem man sich gewohnter Referenzpunkte beraubt 

sieht. Dementsprechend gehört „blur“ auch zu Leśnierowskas Reihe „Exercises in Looking”, in 

der sie sich mit Formen der Wahrnehmung durch Bilder beschäftigt. 

1 von 5 26.09.17, 12:15


Dead End: Secret Journey. State 1-2, Yoshiko Chuma 30.9.-01.10.2017 

im DOCK 11 

2017-10-28_berliner Zeitung

2017-10-28_morgenpost 




2017-10-28_taz1 





POOL 17 - INTERNATIONALES TanzFilmFestival BERLIN 04.-07.10.2017 

im DOCK 11 

2017-10-05_Morgenpost


2017-10-05_Spielplan-Berliner Zeitung







2017-ExBerliner 


2017-10-05_Morgenpost1 





UN/POLISHED 2, Polnisches Institut Berlin 18.-22.10.2017 im DOCK 11 


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Neues Deutschland Tanzen, unpoliert k. A. 18.10.2017 


Spielplan k. A. 19.10.2017 

Berliner Morgenpost - Live Freitag, 20.10. k. A. 19.10.2017 

Taz - Plan Donnerstag, 19. Oktober 2017 k. A. 19.10.2017 

Tagesspiegel - Ticket Tagestipps k. A. 19.10.2017 

Tip Berlin Programm k. A. 19.10.2017 

Zitty Programm k. A. 19.10.17 

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www.berlin-buehnen.de Un/Polished 2 k. A. 31.08.2017 

www.tanzraumberlin.de Un/Polished 2 k. A. 28.09.2017 

www.tip-berlin.de Un/Polished 2 k. A. 10.10.2017 

www.visitberlin.de Un/Polished 2 k. A. 10.10.2017 

www.zitty.de Un/Polished 2 k. A. 11.10.2017 

www.fu-berlin.de Un/Polished 2 k. A. 17.10.2017 

Neues Deutschland Tanzen, unpoliert k. A. 18.10.2017 

www.livekritik.de Un/Polished 2 k. A. 19.10.2017 

www.taniecpolska.pl Berlin/Dock 11/ Un/Polished 2 k. A. 20.10.2017 

www.dance-germandy.org Un/Polished 2 k. A. 21.10.2017







Cine Marketing GmbH Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

Open Event Network Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

neues deutschland Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

events Today Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

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www.wasgehtapp.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

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kulturspeicher.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

musik-dresden.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

konzertkasse.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

kulturportal.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

regiomusik.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

locaside.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

twotickets.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

as-buecher.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

getevents.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

adticket.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

venyoo.de Un/Polished 2 k. A. 25.09.2017 

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Freitag, 20.10. 


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Donnerstag, 19. Oktober 2017 


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Un/Polished 2 


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UN/POLISHED 2 | livekritik.de 

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Beschreibung: 

FÜR FREIKARTEN UND KULTURTIPPS 

Es wird ein Crashkurs – schnell und 

intensiv – darin, wie man trotz besonders 

knappem Budget zu nationaler Größe 

kommt, so Kurator Mateusz Szymanówka 

mit mildem Spott. UN/POLISHED 2 nimmt 

am Beispiel polnischer Tanz- und 

PerformancekünstlerInnen die 

inter-/nationale Identität von 

zeitgenössischem Tanz in den kritischen 

Blick. Ist in diesem Kontext das 

Nachdenken über Zentrum und Peripherie 

relevant? 

Falls ja – wo ist die Originalquelle seiner Zeitgenossenschaft angesiedelt oder ist Tanz aus den, häufig so 

gefühlt, Außenbezirken nur so etwas wie die Fake-Version einer „richtigen“ Rolex? Was also ist die 

Geografie des zeitgenössischen Tanzes, wer ist inter-/national? Polnische TanzkünstlerInnen – 

ChoreografInnen wie PerformerInnen – stehen permanent in dieser Auseinandersetzung. 

UN/POLISHED entstand 2016 aus der Eigeninitiative von in Berlin lebenden und miteinander arbeitenden 

polnischen TänzerInnen und ChoreografInnen. Dabei kristallisierte sich der Name UN/POLISHED schnell 

heraus und fühlte sich gleich aus zwei Gründen passend an, so Mateusz Szymanówka, der schon im 

Gründungsteam des Festivals arbeitete. 

Erstens beschreibt der Titel die Frage des Polnischseins („Polishness“) der Werke und die persönliche 

Unbehaustheit international reisender und arbeitender polnischer TänzerInnen und ChoreografInnen, die 

noch nicht regelmäßig im Heimatland auftreten können. Zeitgenössischer Tanz ist in Polen erst auf dem 

Weg zu einer gefestigten Tradition. Zweitens greift UN/POLISHED die Produktionsbedingungen auf, die 

die künstlerische Arbeit kennzeichnen: dauernd und leicht schizophren entlangschrammend an komplett 

unterschiedlichen institutionellen und politischen Landschaften, gesellschaftlichen Diskursen, 

geschichtlichen Gegebenheiten und Publikumszielgruppen. 

Diese Rauheit, das notwendig Unpolierte, soll auch in der diesjährigen Ausgabe präsent bleiben. 

UN/POLISHED 2 wird, wieder im DOCK 11, ein erweitertes Programm präsentieren können, präsentiert 

durch das Polnische Institut Berlin. Dessen Direktorin Hanna Radziejowska sieht ihr Haus als eine 

Institution des Dialogs, die den Mut hat, in den öffentlichen Raum hinauszutreten: „Vielleicht verlangt 

gerade heute das Ansprechen von schwierigen und für die Gesellschaft polarisierenden polnischen 

Erfahrungen – und das nicht nur im Bereich der Kultur – nach dem Mut der Performativität, nach dem 

Schritt nach ,draußen‘, eben auch durch einen bis jetzt marginalisierten Bereich der polnischen Kultur, 

den zeitgenössischen Tanz.“ 

Diese engagierte Haltung von Hanna Radziejowska und die auch geografisch grenzüberschreitende 

Programmierung von Festivalkurator Mateusz Szymanówka geben UN/POLISHED 2 das besondere 

Gesicht. Berliner Produktionen – entstanden aus, in und mit der polnischen zeitgenössischen Tanzszene 

der Stadt – sind „Raw Light” von Anna Nowicka, „Daughers of Lust” von Zuzanna Ratajczyk, „Don’t Go 

For Second Best, Baby!” von Ania Nowak und „Mothers of Steel” von Agata Siniarksa & Mădălina Dan. 

Zum ersten Mal sind auch Produktionen aus Warschau wie „TOTAL“ von Paweł Sakowicz und „Emerging 

from Action” von Marysia Stokłosa eingeladen, ebenso wie die internationale Produktion „Moving the 

mirror” von Peter Pleyer, die aus einem deutsch-polnischen TänzerInnen-Austausch entstanden ist. 

Außerdem diskutiert ein international besetztes Podium am letzten Veranstaltungstag die dem ganzen 

Festival und seinem Programm unterliegende Frage „Who’s inter/national?“ Als TeilnehmerInnen werden 

erwartet: Ricardo Carmona (Tanzkurator HAU Berlin, Portugal), Manuel Pelmus (Choreograf und 

Bildender Künstler, Rumänien), Agata Siniarska (Tänzerin, Theorie- und Praxisliebhaberin, Polen) und 

Ana Vujanović (Wissenschaftlerin, Autorin und Dramaturgin, Serbien). Moderation: Kirsten Maar 

(Theater- und Tanzwissenschaftlerin, Deutschland). 

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UN/POLISHED 2 

Von und mit: Ania Nowak, Anna Nowicka, Peter Pleyer, Zuzanna Ratajczyk, Paweł Sakowicz, Agata 

Siniarska, Mădălina Dan, Marysia Stokłosa 

Kuratiert von: Mateusz Szymanówka 

Präsentiert von: Polnisches Institut Berlin 

Finanzielle Unterstützung: Adam-Mickiewicz-Institut 

Partner: Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk 

In Kooperation mit: DOCK 11, Berlin 

Über das Polnische Institut Berlin 

Das Polnische Institut Berlin vermittelt seit seiner Gründung im Jahr 1956 nicht nur die polnische Kultur in 

Deutschland, sondern will vielmehr Interesse und Begeisterung für alle Aspekte des facettenreichen und 

vielfältigen gesellschaftlichen Lebens im Nachbarland wecken. Es versteht sich als Mittler, Plattform und 

kompetenter Ansprechpartner für deutsche Kulturschaffende und Künstler, aber auch Institutionen und 

Kultureinrichtungen, die an einem Austausch mit Polen interessiert sind. So entstehen nachhaltige 

Netzwerke und Kooperationen, die im kleinen und großen Maßstab wesentlich zur Stärkung der 

europäischen Wertegemeinschaft beitragen und bestehende Horizonte erweitern. Weltweit gibt es 

gegenwärtig 25 Polnische Institute, im deutschsprachigen Raum zählen dazu neben dem Berliner Haus 

und seiner Filiale in Leipzig auch die Institute in Düsseldorf und in Wien. 

Über das Tanzfestival UN/POLISHED 2 hinaus wird das „performative Handeln“ ein 

Programmschwerpunkt des Polnischen Instituts Berlin von Oktober bis Dezember 2017 sein: so das von 

Oskar Schlemmers Triadischem Ballett inspirierte soziale Projekt der Künstlerin und Aktivistin Iza 

Rutkowska im öffentlichen Raum in Berlin oder die neue Arbeit von Liliana Piskorska, Public Displays of 

Affection, die auf spielerische Art mit der Sprache des Tanzes umgeht und das gegenwärtige Polen im 

Blick hat. Die für Ende des Jahres geplante Ausstellung Die Nähe der geraden Linie. Performativität der 

Avantgarde wird die BerlinerInnen einladen, den Spuren von Katarzyna Kobro, der Ikone der polnischen 

Avantgarde der Zwischenkriegszeit, auf der Suche nach der Beziehung zwischen Raum, Zeit und 

Bewegung nachzugehen. 

http://www.polnischekultur.de 


1 von 2 19.10.17, 12:11


Movement Episodes, laborgras 02.-05.11.2017 im DOCK 11 


laborgras „Movement Episodes“ 

PRINT 




Tanzraumberlin Tanzhort - Fünfzehn Jahre Studio laborgras k. A. 30.10.2017 

Berliner Morgenpost - Live Veranstaltungen k. A. 02.11.2017 

Berliner Zeitung Spielplan k. A. 02.11.2017 

Neues Deutschland Berlin Tipps k. A. 02.11.2017 

Tagesspiegel - Ticket Movement Episodes k. A. 02.11.2017 

Tip Berlin Movement Episodes k. A. 02.11.2017 

Zitty Zitty empfiehlt k. A. 02.11.2017 

Tagesspiegel Tagestipps k. A. 05.11.2017 

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Movement Episodes - Ein Projekt von laborgras 


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www.berlin.de 



www.berlin-buehnen.de Movement Episodes k. A. 18.10.2017 




www.tanzraumberlin.de Movement Episodes k. A. 25.10.2017 

www.tanzforumberlin.de Veranstaltungen k. A. 01.11.2017 

www.zitty.de Movement Episodes k. A. 01.11.2017 

www.tip-berlin.de Movement Episodes k. A. 01.11.2017 

www.tanznetz.de Kraftquellen der Bewegung Elisabeth Leopold 03.11.2017 

www.blu.fm Movement Episodes k. A. 04.11.2017 

www.viereinhalbsaetze.com 

Laborgras: Movement Episodes. 05.11.2017, 

Dock 11, Berlin. 










Cine Marketing GmbH laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

Open Event Network laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

neues deutschland laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

events Today laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

tanznetz.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

Kunsttag laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

cb- event laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

chexx laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

www.wasgehtapp.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

meinestadt.de/berlin laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

kulturspeicher.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

musik-dresden.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

konzertkasse.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

kulturportal.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

regiomusik.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

locaside.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

twotickets.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

as-buecher.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

getevents.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

adticket.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

venyoo.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017 

openpr.de laborgras „Movement Episodes“ k. A. 10.10.2017




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Tanzraumberlin 

Tanzhort - Fünfzehn Jahre Studio laborgras 


November/Dezember 2017 

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Kraftquellen der Bewegung 


k. A. 

Elisabeth Leopold 



„Movement Episodes“ von laborgras vereint Arbeiten von Keith A. Thompson, David Hernandez und 

Renate Graziadei 

Veröffentlicht am 03.11.2017, von Elisabeth Leopold 

Berlin - Hinter „Movement Episodes“ steht das von Renate Graziadei und Arthur Stäldi gegründete, national und international 

renommierte Studio laborgras, das seit 2000 in Berlin ansässig ist und mit diesem Stück den Abschluss des langjährigen Zyklus 

„The Renaissance of …“ begeht. Im zeitgenössischen Tanz verankert kooperiert laborgras, u.a. mit dem Kurt-Jooss-Preis (2004) 

ausgezeichnet, mit KünstlerInnen unterschiedlichster Disziplinen, legt seinen Schwerpunkt auf die elementare Rolle des Publikums 

und setzt sich für eine Zugänglichkeit zum Tanz ein. 

Wenn auch in unterschiedlichen Bewegungssprachen gehalten teilen sich die Stücke neben den TänzerInnen Mariagiulia 

Serantoni, Rosalind Masson, Côme Camelet und Renate Graziadei auch die enge Beziehung zur Musik. Diese variiert von extrem 

differenzierten und hochaufgelösten Field Recordings, die an die Videoinstallationen von Lundahl & Seitl oder Ed Adkins erinnern, 

mit Noise Rock, Klaviermusik, experimentellen Streichern und gesetzter Stille. Aber auch in den Bewegungsformen – in denen die 

TänzerInnen immer wieder als Gemeinsames agieren und in harmonischer Synchronität zusammenkommen um sich dann wieder 

zu zerstäuben und ihren eigenen Weg verfolgen – finden sich erstaunlich viele Ähnlichkeiten, so dass der Dialog zwischen den 

Stücken weit erfahrbarer ist als deren Eigenständigkeit. 

Die erste Episode „Axioms Between Frames in Time“ von Keith A. Thompson versetzt uns trotz sommerlich bunter Farben in 

herbstliche Nostalgie. Die zeitlos und gleichzeitig trendig wirkenden Kostüme sind wie in allen Stücken von der Textilkünstlerin 

Arianna Fantin. Die TänzerInnen, meint man, sind zusammen und auch wieder nicht. Sie staunen, mit eingezogener Luft, das Bein 

am Höhepunkt gehalten, über das sanfte Wiederkommen des Atems. Geräuschkulissen und Klaviermusik. Rhythmische Akzente. 

Das Wiederkennen der anderen, eine rasche Verabschiedung voneinander und von den Erinnerungen. 

Dunkelheit. Man hört die Bewegung. Hört den Körper auf den Boden fallen, bevor das Licht schlagartig angeht. Mit industriellem 

Post-Minimalismus platzt Glenn Branca aus den Lautsprechern. In der Episode von Renate Graziadei „Broken Mirror“ umfassen 

schwarze, fischernetzartige Kleider die Körper der DarstellerInnen, wenn sie sich mit hyperaufmerksamen Blicken verfolgen und in 

die Kinesphäre des anderen eindringen. Das Gewicht von rechts nach links verlagern. Bereitschaft. Dunkelheit. Dann wieder 

rhythmisch wechselndes Lichtspiel, indem sie in gleißend weißes Neonlicht oder clubartig, grünlich dunkle Atmosphären getaucht 

sind. 

Streifen und Linien auf der Kleidung setzten sich in den Armen der TänzerInnen fort. Auf die vermeintliche Kollision der Körper, die 

gar nicht wirklich einsetzt, folgt ein spannungsgeladenes Innehalten. Die vier zueinander positioniert, die Hand gehoben. Warten. 

Der Atem gibt wieder den Einsatz zum Vorstoß, man ist schnell beieinander. Entfernt sich wieder. Wie im Untergrund bewegen 

sich die PerformerInnen zur Musik von Anna Clyne in „Methods of remembering“ von David Hernandez als gemeinsame Truppe 

vorwärts. Ducken sich untereinander durch, vereinzelt dringen sie in den Raum vor, finden sich wieder. Ein Kuss? 

Die drei Bewegungsepisoden sind noch bis Sonntag, den 05.11. im Dock11 in Berlin zu sehen sein. 

Movement Episodes Movement Episodes Movement Episodes 


http://www.tanznetz.de/blog/28334/kraftquellen-der-bewegung 

© 2017 Tanznetz.de




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www.viereinhalbsaetze.com 

Laborgras: Movement Episodes. 05.11.2017, Dock 11, Berlin. 


k. A. 

k. A.


walk & talk 33-35, Alice Chauchat, Frederic Gies, Anna Nowicka 

17.11.- 19.11.2017 im DOCK 11 

2017-11-16_nd

2017-11-16_ticket 






H.K. - Quintett, Norbert Servos / Jorge Morro 

23.11.- 26.11.2017 im DOCK 11 

tanzraumberlin Mai/Juni 2016 Seite 13



„H.K. - Quintett“ 

PRINT 




Prenzelberger Ansichten 

23.-26. Nov: Hommage an Tänzer-Choreograf 

Harald Kreutzberg 


Tip Berlin H.K. - Quintett k. A. 16.11.2017 

Berliner Morgenpost 

„H.K.- Quintett“: Tanzperformance im Dock 

11 


Taz Uniform, aber individuell k. A. 23.11.2017 

Tagesspiegel - Ticket H. K. - Quintett k. A. 23.11.2017 

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www.tanzraumberlin.de H. K. - Quintett k. A. 24.10.2017 

www.berlin-buehnen.de H. K. - Quintett k. A. 01.11.2017 

www.berlin.de 

„H.K. - Quintett“ - Ein Tanzfonds Erbe Projekt 


www.neues-deutschland.de H. K. - Quintett - Ein Tanzfonds Erbe Projekt k. A. 16.11.2017 

www.prenzelberger-ansichten. 

de 

23.-26. Nov: Hommage an Tänzer-Choreograf 

Harald Kreutzberg 


www.zitty.de H. K. - Quintett k. A. 16.11.2017 

www.visitberlin.de H. K. - Quintett k. A. 20.11.2017 

www.siegessaeule.de H. K. - Quintett k. A. 22.11.2017 

www.tanzinfo-berlin.de 

Ankündigung „H. K. - Quintett“ von DanceLab 

Berlin 


www.tip-berlin.de H. K. - Quintett k. A. 22.11.2017 

www.blu.fm H. K. - Quintett k. A. 23.11.2017 

www.taz.de Uniform, aber individuell k. A. 23.11.2017 









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Open Event Network „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

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events Today „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

tanznetz.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

Kunsttag „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

cb- event „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

chexx „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

www.wasgehtapp.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

meinestadt.de/berlin „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

kulturspeicher.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

musik-dresden.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

konzertkasse.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

kulturportal.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

regiomusik.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

locaside.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

twotickets.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

as-buecher.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

getevents.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

adticket.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

venyoo.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 

openpr.de „H.K. - Quintett“ k. A. 25.10.2017 





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Autor/-in: 

Prenzelberger Ansichten 

23.-26. Nov: Hommage an Tänzer-Choreograf Harald Kreutzberg 


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Tip Berlin 

H.K. - Quintett 



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Berliner Morgenpost 

„H.K.- Quintett“: Tanzperformance im Dock 11 


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Autor/-in: 

Taz 

Uniform, aber individuell 


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H. K. - Quintett 

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Autor/-in: 


H. K. - Quintett - Ein Tanzfonds Erbe Projekt 


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Autor/-in: 

www.prenzelberger-ansichten.de 

23.-26. Nov: Hommage an Tänzer-Choreograf Harald Kreutzberg 


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Autor/-in: 

www.zitty.de 



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Autor/-in: 

www.taz.de 

Uniform, aber individuell 


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DETACHED / Anderplatz 30.11.- 03.12.2017 im DOCK 11 

TRAILER DETACHED 

(3 Minuten) https://vimeo.com/195793241 

http://cccdanse.com/reviews/le-collectif-anderplatz-et-ses-variations-autour-du-moi/ 

„Detached ist eine authentische Performance, die durch ihre Frische und Nonchalance besticht. Das 

Lachen, innerlich oder äußerlich, entsteht auf der Bühne und breitet sich schnell aus. Die Gruppe ergründet 

ihre Beziehungen zueinander, die entstehen und wieder auseinandergehen; die individuellen 

und kollektiven Gefühle, die auf natürliche Weise aufsteigen und sich verwandeln.“ 

„Detached est une performance authentique qui dénote par sa fraîcheur et sa nonchalance (merci 

aussi à Natasha Nixon à la régie !). Le rire, intériorisé ou extériorisé, prend place sur scène et devient 

très vite communicatif. La troupe sonde ces relations qui se font et se défont, ces sentiments individuels 

et collectifs qui naissent et évoluent tout naturellement.“ 

Lea Chalmont- Faedo von www.cccdanse.com 

ZUSCHAUERKRITIK 

„Detached ist ein fulminantes Tanzstück, witzig, ernst und zynisch wie das Leben. Wunderbar wandelbare 

Charaktere tanzen die schwindelerregende Choreografie 

einer ambivalenten Sehnsucht nach enger Verknüpfung und weiter Distanz zur eigenen Persönlichkeit.“ 

Susanne Lorenz, Professorin für Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin 

„DETACHED hat mich sehr berührt. Figuren und ihre Schatten treten auf und erzählen mal leicht und 

unbeschwert, dann wieder sehr dramatisch, von der Innenwelt des Menschen. Das Publikum erlebt 

das auf intensive Weise mit. Hier gelingt die Verbindung von abstrakten, tänzerischen und konkreten 

Spielszenen. Vor unseren Augen entsteht ein Stück in dem wir uns alle wiederfinden können, Tanztheater 

im besten Sinne des Wortes. So schafft ein fantastisches Ensemble, voller spannender Charaktere, 

einen ungeheuer phantasievollen und witzigen Abend. Die Premiere endete mit stehenden Ovationen.“ 

Michael Vogel Künstlerischer Leiter und Regisseur Familie Flöz 

„Ich habe die Vorstellung von DETACHED als sehr beeindruckend erlebt. Es war spannend zu verfolgen, 

wie mit Elementen des physical theater und des zeitgenössischen Tanzes gleichermaßen gearbeitet 

wurde, um die verschiedenen Figuren mit ihren unterschiedlichen lebensweltlichen Themen 

vor den Augen des Publikums entstehen zu lassen. Identifikation konnte stattfinden, aber Ironie und 

Distanz waren gleichermaßen mit im Programm. Ein kluges, reifes und humorvolles Stück auf hohem 

professionellen Niveau.“ 

Dr. Maren Witte, Tanzwissenschaftlerin und Tanzdramaturgin. 

Weitere Informationen unter: 

www.anderplatz.net 

https://www.facebook.com/detached.anderplatz/

Pressespiegel 2017

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