Aurum 999,9 MagBook – Spring 2023

SPRING 2023

GRABEN 13 . 1010 WIEN

SEITZERGASSE 1-3 . 1010 WIEN 

FASHION | PORTRAIT

www.akris.com

EDITORIAL 

Liebe AURUM 999,9-Community! 

Aus meteorologischer Sicht startet der Frühling 

am 1. März, aus astronomischer Sicht am 

20. März. Für mich sind die tristen Wintertage 

passé, wenn endlich wieder die ersten Insekten saftige Wiesen erobern 

und durch die Luft schwirren. Kennen Sie auch dieses Gefühl aus 

Leichtigkeit, Unbeschwertheit und Zuversicht? Deshalb war es mir ein 

Anliegen, meine persönlichen Frühlingsboten auf dem aktuellen 

AURUM 999,9-Cover ins Rampenlicht zu rücken, das nun goldene 

Schmetterlinge, Grashüpfer, Maikäfer und Bienen zieren. Vor allem 

Letzteren bescheinigt man ja wahre Superkräfte, so soll bereits Albert 

Einstein gesagt haben: „Wenn die Biene einmal von der Erde verschwindet, 

hat der Mensch nur noch vier Jahre zu leben. Keine Bienen 

mehr, keine Bestäubung mehr, keine Pflanzen mehr, keine Tiere mehr, 

keine Menschen mehr.“ 

Wahre Worte, mit dem kleinen Schönheitsfehler, dass Einstein sie nie 

von sich gegeben hat. In die Welt gesetzt wurde diese falsche Zuschreibung 

von einem Imker. Echt oder nicht, die Prophezeiung trifft 

den Nagel auf den Kopf. 80 Prozent aller Blütenpflanzen sind auf die 

Honigbiene angewiesen, doch ihr Bestand hat sich in den letzten 30 

Jahren in Westeuropa um 37 Prozent verringert. Dieses Faktum führt 

mir wieder einmal vor Augen, dass wir auf diesem Planeten nur Gast 

sind und uns auch so zu verhalten haben. Er ist nicht unser Eigentum, 

kein Selbstbedienungsladen, bis auch die letzte Rohstoffquelle versiegt 

ist, denn wir haben eine Verantwortung den nächsten Generationen 

gegenüber. Sprechen wir also über Nachhaltigkeit. Gemeint ist 

mit dem Begriff ein zukunftsorientiertes Ressourcenmanagement, 

nach dem nicht mehr verbraucht werden soll, als nachwachsen oder 

sich regenerieren kann. Leben sollte man also nicht vom Kapital, sondern 

von den Zinsen. Das führt mich auch direkt zur Luxusbranche, 

die sich oft die Kritik gefallen lassen muss, den umweltschädlichen 

Konsumrausch zu fördern. Doch stehen hinter diesen Labels häufig 

„Stücke, die mit viel 

Liebe zum Detail 

entworfen werden, 

um Menschen für 

eine lange Zeit zu 

begleiten. Manchmal 

sogar für immer“ 

Traditionshäuser mit langer Geschichte, die ihr Handwerk mit ausgewählten 

Materialien hochhalten und regional produzieren. Stücke, die 

mit viel Liebe zum Detail entworfen werden, um Menschen für eine 

lange Zeit zu begleiten. Manchmal sogar für immer und somit eigentlich 

die klassische Antithese zu Massenware und Wegwerfgesellschaft 

sind. Luft nach oben gibt es aber immer. Das Modehaus Bally geht hier 

mit gutem Beispiel voran, wie unsere Brigitte R. Winkler ausführlich 

porträtiert. So hat der erste Mensch, der jemals einen Fuß auf den 

Gipfel des Mount Everest setzte, einen maßgeschneiderten Schuh der 

Maison getragen. Bis Ende 2018 wurde der höchste Berg der Welt 

weitere 8.400-mal erklommen, und viele dieser Extremsportler ließen 

Souvenirs der wenig erfreulichen Art zurück. Das Himalaya-Gebirge 

hat sich zu einem riesigen Mülldepot entwickelt, und Bally konnte 

dabei nicht weiter tatenlos zusehen, sodass sie 2019 mit einer beispiellosen 

Säuberungsmission begonnen haben. Aber nicht nur bei 

Bally ist eine Aufbruchsstimmung in Richtung Zukunft zu vernehmen. 

Rolls-Royce hat mit dem „Ultra-Luxury Electric Super Coupé“ sein 

erstes vollelektrisches Modell präsentiert, in der Immobilienbranche 

sprechen visionäre Architekten nicht mehr von „Green Buildings“ 

sondern von „Blue Buildings“, favorisieren damit eine ganzheitliche 

Betrachtung über den gesamten Lebenszyklus eines Gebäudes, und 

kleine, aber feine Boutique-Hotels setzen abseits der Masse auf exklusiven 

Service in familiärer Atmosphäre. 

Jeder sollte im Rahmen seiner Möglichkeiten einen Teil beitragen und 

mit offenen Augen durch die Welt gehen. Mutter Natur zeigt uns auf 

so vielfältige Art und Weise, wie ein natürlicher Kreislauf funktionieren 

kann, denn obwohl alles irgendwann ein Ende hat, dient es dem 

Wachstum und Entstehen neuen Lebens. Diesen Positivismus haben 

mein Team und ich für unsere aktuelle Ausgabe eingefangen, farbenfrohe, 

lebensbejahende und nachhaltige Geschichten, die den Bogen 

aus der Vergangenheit in die Zukunft spannen. 

In diesem Sinne wünsche ich Ihnen inspirierende Frühlingsmonate! 

Ihr Reinhard Neussner 

Foto: Jürgen Hammerschmid 

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SPRING 2023 7

18 

36 

FASHION & ACCESSOIRES 

18 PORTRAIT 

Vom Luganer See bis in den Himalaya: Bally 

34 LUXURY PIECE for Women 

36 ACCESSOIRES 

Ready to take off 

42 PORTRAIT 

Oh, Dear: Florentina Leitner 

48 LUXURY PIECE for Men 

50 EDITOR´S CHOICE 

ART 

52 ERNSTHAFTE LEICHTIGKEIT 

Zdeněk Antonín Macků 

58 VORHANG AUF, IT´S SHOWTIME! 

Am Broadway in New York 

86 VISIONÄRE SCHÖNHEIT 

Alex Katz 

HISTORY 

78 PRINZ EUGEN VON SAVOYEN 

Vom mittellosen Adeligen zum Staatsmann 

ARCHITEKTUR 

94 BLUE IS THE NEW GREEN 

Nachhaltigkeit ist mehr als nur Energieeffizienz 

104 DIE TOP 7 

Landmarks in Österreich go green 

114 PORTRAIT 

Eduard Mair und Patrizia Hunter von Cuubuus 

120 HIGHLIGHT 

Eine Stadt sieht grün 

LIVING 

134 SHOWROOM INTERNATIONAL 

Baxter in Marbella an der Costa del Sol 

138 NATÜRLICHE HARMONIE 

Wohnzimmer, Küche, Esszimmer, Schlafzimmer, Bad, Outdoor 

148 SHOWROOM NATIONAL 

Windows Shopping de luxe: Höttges in Wien 

150 PORTRAIT 

Design mit Strahlkraft: 200 Jahre Lobmeyr 

156 PURISMUS AUF SOMMERFRISCHE 

Minimalistisches Interiordesign am Attersee 

COFFEE TABLE BOOK 

162 ZU BESUCH BEI YVES UND PIERRE 

In den Privatgemächern von Yves Saint Laurent 

BEAUTY 

168 IKONE 3.0 

Design-Refreshment für Acqua di Parmas „Colonia“ 

172 FRISCHER WIND 

Düfte, die für Frühlingsstimmung sorgen 

174 BEE BEAUTIFUL, HONEY! 

Beauty-Lieblinge mit den Superkräften der Biene 

176 ACTIVE HEROES 

Workout mit Frischekick 

MOBILITY 

186 THE SPIRIT OF LUXURY 

Seit 120 Jahren baut Rolls-Royce Automobile 

Fotos: Bally, Ole Lynggaard, Laguna Faro Suites / Patrick Schwienbacher, Rolls-Royce Motor Cars, Joachim Baldauf, WU Qingshan 

8 SPRING 2023

INHALT 

SPRING 2 0 2 3 

206 

94 

126 

186 

KULINARIK 

195 BEST OF 

Geschmackvolle Zeitreise 

196 ZU BESUCH BEI 

Die Zukunft ist blau 

199 MENU À LA CHEF 

Genial regional im „Taubenkobel“ 

KOLUMNEN 

74 TATJANA LACKNER 

Ist verbales Charisma angeboren? 

112 ELKE REITMAYER 

Der ewige Kreis 

TRAVEL 

204 FAMILY AFFAIR 

Elisabeth Muth über familiäre Momente auf Reisen 

206 KLEIN & FEIN 

Boutique-Hotels, die es im Frühling zu entdecken gilt 

223 TRAVEL WITH THE STARS 

Ein filmreifer Check-in 

224 NEW PLACES 

PHOTOGRAPHY 

66 PORTRAIT JOACHIM BALDAUF PART I 

126 PORTRAIT JOACHIM BALDAUF PART II 

178 PORTRAIT NADINE DINTER 

IMPRESSUM 

Medieninhaber: Reinhard Neussner Management und Beteiligungs GmbH, Kaasgrabengasse 86/4/40A, 1190 Wien, office@aurum-magbook.com 

Verlags- und Redaktionsadresse: Kaasgrabengasse 86/4/40A, 1190 Wien 

Herausgeber, Chefredakteur, Geschäftsführer: Reinhard Neussner. Redaktionsteam: Barbara Jahn, Bernhard Musil, Brigitte R. Winkler, Christoph Kulmer, 

Elisabeth Habitzl, Elisabeth Muth, Percival Pachta-Rayhofen, Reinhard Neussner, Rosemarie Pescheck. Redaktionsassistentin: Marily Elmezoglou. 

Chef vom Dienst: Christoph Kulmer. Head of Design: Florian Reichel. Art Direction: Anton-Georg Kiener. Grafik: Doris Wegener, Stefan Stockinger. 

Lektorat: Hildegard Atzinger, Julia Friehs. Autoren dieser Ausgabe: Alice Mandel, Elke Reitmayer, Jürgen Rumpler, Tatjana Lackner. 

Anzeigen: Angela Kindermann Projektagentur, Armin Zitter. Kontakt: office@aurum-magbook.com 

Herstellungsort: Wien. Druck: Holzhausen/Gerin Druck GmbH. 

Blattlinie: AURUM 999,9 MagBook ist eine Verschmelzung der Genres Coffee Table Book & Magazin. Das Redaktionsteam berichtet 4-mal jährlich 

für seine exklusive Member-Community über Wissenswertes, Exklusives und Aufregendes. Die Luxus-Lifestyle-Themen reichen von Architektur, 

Design, Fotografie, Kunst, Mode, Genuss, Reisen und Mobilität bis hin zu Business und History. 

Für unverlangt eingesandtes Text- und Bildmaterial wird keine Haftung übernommen. Alle angegebenen Preise sind Richtpreise, 

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Offenlegung: www.aurum-magbook.com/impressum 

9

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FASHION | PORTRAIT 

VOM LUGANER SEE 

BIS IN DEN 

HIMALAYA 


Begonnen hat alles mit Schuhen. 1851 gründete Carl Franz 

Bally sein Label. Inzwischen ist das Schweizer Unternehmen 

Bally für Handwerkskunst und Eleganz und auch für 

Accessoires und Mode weltweit bekannt. Und nun 

verschrieb man sich auch noch der Rettung der Natur 

Von Brigitte R. Winkler 

Foto: Marco Cavalli 

Kunstvolle Werbung: 

In seinem großen 

Archiv bewahrt Bally 

alle wunderschönen 

Poster der vergangenen 

Jahre in 

zahlreichen Laden zur 

Besichtigung auf 

19


W 

Das Everest Base Camp auf 

5.364 Meter Höhe: Bis 2030 

will Bally den Berg vom Müll 

befreien 

U 

Ein beeindruckendes Bild 

der aktuellen „Curling“- 

Werbekampagne: 

Bally-Stiefel für sie und ihn 

W 

1953 auf dem Cover des 

„The Times“-Magazins 

London: Edmund Hillary und 

Sherpa Tenzing Norgay 

O 

Original-Stiefel von der 

Erstbesteigung 1953: Von 

Bally für Sherpa Tenzing 

Norgay maßgeschneidert 

Als der Sherpa Tenzing 

Norgay am 29. Mai 

1953 seinen Fuß auf 

den Gipfel des Mount 

Everest setzte – er und 

Edmund Hillary waren 

die ersten Menschen 

auf dem Gipfel des 

höchsten Bergs der Welt –, trug er ein Paar 

maßgeschneiderte „Bally Rentier Himalaya 

Boots“. Das war der Beginn einer besonderen 

Beziehung zwischen dem Schweizer Traditionsunternehmen 

Bally und dem Mount Everest. 

„Angesichts des 70. Jahrestages der 

erfolgreichen Erstbesteigung des Mount 

Everest, bei der der Sherpa Tenzing Norgay 

Bally-Stiefel trug, bin ich stolz darauf, unser 

Engagement für die Reinigung des höchsten 

Bergs der Welt bis 2030 ankündigen zu können“, 

freute sich Nicolas Girotto, der 

Geschäftsführer von Bally, bei der Vorstellung 

einer Verlängerung des großartigen und 

wichtigen Vorhabens. 

Bereits 2019 begann das Unternehmen, 

sein Versprechen, den Mount Everest zu säubern, 

mit ersten Säuberungsexpeditionen 

einzulösen. Die Missionen wurden 2020 und 

2021 fortgesetzt. Die von der Bally Peak Outlook 

Foundation geförderte Initiative, die 

zusammen mit dem International Mountain 

Day im Dezember 2022 vorgestellt wurde, 

erweiterte das Vorhaben von 2019. Dazu Ballys 

Chef: „In den vergangenen drei Jahren 

haben wir große Fortschritte beim Schutz 


Fotos: Bally (4), Marie Schuller (2) 

dieses fragilen Lebensraums in den Bergen 

gemacht, indem wir mehr als sieben Tonnen 

Abfall entfernt, den Bau von Hochwassersperren 

ermöglicht und Bildungsprogramme 

für die Sherpa-Gemeinschaft gesponsert 

haben. Unsere wichtige Arbeit hört hier nicht 

auf. Wir engagieren uns für langfristige 

Unterstützung und Maßnahmen“, fügte er 

hinzu und betonte die Verbundenheit des 

Unternehmens mit den Bergen. 

Als Hommage an das 70-Jahr-Jubiläum 

enthüllte Bally eine spezielle Capsule-Collection. 

Alle Erlöse aus der Kollektion, die seit 

Februar in Bally-Geschäften und online zu 

haben ist, werden in Wohltätigkeitsprojekte 

für Berggemeinden fließen, unter anderem 

durch die Schaffung des Tenzing Norgay 

Heritage Centre in der Sagarmatha National 

Park and Buffer Zone in Namche Bazaar, 

Nepal. Die Alpenschutzprogramme von Bally 

haben Mittel bereitgestellt, um Abfälle auch 

von anderen Himalaya-Gipfeln mit einer 

Höhe von über 8.000 Metern zu entfernen. 

Darunter die Berge Lhotse, Makalu, Cho Oyu, 

Kangchendzönga, Dhaulagiri, Manaslu und 

Annapurna. Auch um Hochwasserbarrieren 

zu errichten, die dazu beitragen sollen, die 

Auswirkungen der globalen Erwärmung auf 

die schmelzenden Gletscher zu kompensieren. 

Die Aktivitäten wurden in Partnerschaft 

mit lokalen Sherpa-Gemeinden durchgeführt. 

Dabei war auch Dawa Steven Sherpa, 

der 2019 die Bally-Peak-Outlook-Expeditionen 

leitete. Seine Motivation: „Die extremen 

Höhen machen die Wiederherstellung der 

unberührten Landschaft zwischen dem Everest-Basislager 

und seinem ikonischen Gipfel 

zu einer gewaltigen Leistung. Die Beseitigung 

der zurückgelassenen Abfallmenge ist 

jedoch entscheidend, um diesen majestätischen 

und zerbrechlichen Lebensraum zu 

erhalten. Aus diesem Grund habe ich jetzt 

drei Expeditionen in Partnerschaft mit Bally 

Peak Outlook geleitet und bin unglaublich 

stolz auf mein Team aus der Sherpa-Community 

für sein unerschrockenes Engagement 

bei der Säuberung des Everest und der 

anderen Himalaya-Gipfel.“ 2020 legte Bally 

seine Nachhaltigkeits-Roadmap auf der 

R 

Ein Inseratensujet 

aus dem Archiv: 

So sah ein Teil der 

Frühjahrswerbung 

1978 aus 

R 

Teile aus der 

Capsule-Collection: 

ein Pullover mit 

unübersehbaren 

Eisbären und 

„Switzerland“- 

Schriftzug 

Grundlage von vier Säulen vor: Transparenz, 

Qualität, Zusammenarbeit und Fortschritt. 

Bis 2050 strebt das Unternehmen, das den 

Fashion Pact unterzeichnet hat, eine Netto- 

Null-CO₂-Emission an. 

Zuständig für die Capsule-Kollektion war 

der seit Beginn 2022 tätige Kreativdirektor 

des Hauses, Rhuigi Villaseñor. Er stammt aus 

Los Angeles, Kalifornien, und folgte Pablo 

Coppola nach. Vergangenen September stellte 

Rhuigi Villaseñor bereits seine erste Prêtà-porter-Kollektion 

für Bally in Mailand vor, 

die zweite ebenfalls dort Ende Februar. 

CAPSULE- 

COLLECTION 

In Anlehnung an Ballys legendären „Curling“- 

Stiefel bietet die Capsule-Kollektion Optionen 

von Übergangs- bis Hochsaison-Winterschuhen 

und verbindet Western-Details mit traditionellen 

Bergsteigermotiven in Kaschmir, 

Lammfell und Wildleder. Der Curling-Sport 

kam im späten 19. Jahrhundert in die Schweiz, 

Ballys Heimatland. Er wurde von den Schotten 

gebracht, deren Sporttradition bis zu 

einem Jahrhundert zurückreicht. Ballys erster 

Curling-Schuh wurde 1956 im Rahmen seines 

Sponsorings der Schweizer Olympiamannschaft 

bei den Olympischen Winterspielen in 

Cortina d’Ampezzo in den italienischen Dolomiten 

hergestellt. „Ich hatte viel Spaß daran, 

mir eine Lifestyle-Kapsel um Ballys legendären 

Curling-Schuh vorzustellen“, sagte dazu 

Villaseñor. „Ich wollte dem Ganzen eine unerwartete 

Wendung geben, indem ich Cowboy- 

Western-Vibes mit einem alpinen Geist vermischte, 

der sowohl glamourös als auch 

entspannt ist. Ich hoffe, dass die 

Capsule-Kollektion sowohl bei den bestehenden 

Kunden von Bally Anklang findet als auch 

ein neues Publikum anspricht.“ 

21


GESCHICHTE 

DES HAUSES 

Kurz zusammengefasst kann man sagen, Bally 

steht für Eleganz, Qualität und Handwerkskunst. 

Beobachtet man eine der Mitarbeiterinnen 

oder einen Mitarbeiter des Hauses bei 

der Herstellung der Schuhe, ist man schwerst 

beeindruckt. Allein welchen 

Wissens, welcher Erfahrung, 

welcher Genauigkeit und welchen 

Fingerspitzengefühls es 

bedarf und welche Zeit es kostet, 

bis zum Beispiel so ein elitärer 

Herrenschuh fertig ist. 

Da sind mindestens 

200 Arbeitsschritte notwendig. 

Dazu gehören das Zusammennähen 

verschiedener Lederstücke 

mit einem starken Garn, 

das Nageln des über einen 

Leisten gezogenen Lederschafts 

auf die Einlegesohle, 

das Nähen des charakteristischen 

Lederrahmens auf den 

Schaft und die Einlegesohle. 

Definiert der Lederrahmen 

doch die Silhouette des Schuhs und garantiert 

dessen Langlebigkeit. Die Ledersohle besteht 

aus acht bis elf Schichten. Sie muss auch noch 

geschliffen und lackiert werden. Das Oberleder 

wird von Hand poliert, und es erfordert 

jede Menge Erfahrung, um den jeweils 

gewünschten Farbton zu treffen. 

Begonnen hat alles 1851 im schweizerischen 

Schönenwerd im Kanton Solothurn. 

Dort begann Carl Franz Bally mit seinem 

Bruder Fritz damit, Schuhe zu erzeugen. Ausgangspunkt 

waren Schuhe, die er in Paris 

gesehen hatte und von denen er begeistert 

war. Basis war zunächst der 

Betrieb des Vaters für Gummiprodukte 

und Hosenträger. Bereits 

1854 eröffnete Carl Franz seine 

eigene Schuhfabrik und war so 

erfolgreich, dass darauf hin Filialen 

in Bern, Basel und Zürich dazukamen. 

1860 beschäftigte Bally 

bereits mehr als 500 Arbeiter. 

Nach einem weiteren Jahrzehnt 

expandierte das Unternehmen 

auch außerhalb der Schweiz mit 

Niederlassungen in Montevideo 

(1870), Buenos Aires (1873), Paris 

(1879) und London (1882). Neue 

Fabriken entstanden, daneben 

machte aber auch Heimarbeit 

einen erheblichen Anteil der Bally-Produktion 

aus. Typisch für 

seine Zeit bot Bally seinen Angestellten 

eine Krankenversicherung, 

Wohnraum und Erholung im 

eigens angelegten Bally-Park 

in Schönenwerd. 

W 

Und wieder ein 

Sujet aus dem 

Archiv: Werbung 

von 1968 

E 

Einst gab es in 

Bally-Geschäften 

nur Schuhe 

U 

Viele Arbeitsstunden: 

Handwerk steht 

bei Männer schuhen 

nach wie vor im 

Mittelpunkt 

Carl Franz Bally starb 1899, und das Unternehmen wurde von seinen 

Söhnen Eduard und Arthur weitergeführt. Bereits 1916 beschäftigte 

man mehr als 7.000 Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter und produzierte 

an die vier Millionen Paar Schuhe. Mit Iwan, Ernst und Max Bally 

übernahm die dritte Generation 1921 die Unternehmensführung. Sie 

überstanden die Weltwirtschaftskrise und den Zweiten Weltkrieg, 

indem sie das Angebot um sportliche Schuhe ergänzten. 1942 wurde 

das ehemalige Wohnhaus des Gründers in Schönenwerd in ein Schuhmuseum 

umgewandelt, das bis heute als Bally-Schuhmuseum besteht. 

1951 lancierte Max Bally den „Scribe“, einen rahmengenähten Herrenabendschuh, 

der nach dem Pariser Hotel Scribe benannt wurde. Er 

verbindet die traditionelle Handwerkskunst des Unternehmens mit 

herausragender Bequemlichkeit. Die Linie wird bis heute gefertigt. 

1948 stattete Bally das Schweizer Nationalteam für Olympia aus, und 

1953 folgte das legendäre Ereignis der Erstbesteigung des Mount 

Everest. 1976 wurde der Luxusschuhhersteller durch die Lancierung 

von Ready-to-wear-Kollektionen, Handtaschen und weiteren Lederaccessoires 

zum internationalen Modelabel. Auch bei diesen Produkten 

setzte man von Beginn an auf hervorragende Qualität, sehr gute 

Verarbeitung und Eleganz. Der Stil ist klassisch, und das Material tritt 

immer wieder in den Vordergrund. Gezeigt wird die Mode während 

der Fashion Week in Mailand. 2006 gründete man die Bally Foundation 

mit dem Ziel, die Entwicklung von Kunst und Kultur in der Schweiz 

zu unterstützen. Ihren zweitgrößten Flagshipstore 

im deutschsprachigen Raum eröffnete das 

Schweizer Schuhimperium 2010 in Wien. Der 

größte war damals das Geschäft in Zürich. In 

Wien wählte man ein denkmalgeschütztes 

Gebäude am Graben aus, der Shop erstreckt 

sich über zwei Etagen und bietet die Kollektion 

für Damen im Erdgeschoß und für Herren im 

Untergeschoß an. Betritt man das Geschäft, 

fallen einem sofort die wunderschöne Holzkassettendecke, 

original aus der Jahrhundertwende, 

sowie zwei venezianische Kronleuchter auf. 

In der Zwischenzeit gibt es Geschäfte in 

66 Ländern weltweit. 

Das erste Markenlogo existierte bereits 1908. 

Zur Feier des 170-Jahr-Jubiläums von Bally wurde 

mit der Herbst/Winter-Kollektion 2021 

„Legacy Continua“ das B-Monogramm eingeführt, 

quasi ein neuer Hauscode. Das Motiv 

mit Ballys charakteristischer, ineinandergreifender 

B-Chain-Kette erinnert an Schnürsenkel – 

eine kreative Anspielung auf Ballys Gründung 

als Schuhmacher im Jahr 1851. Das neue B-Monogramm 

zierte alle begehrten Styles der Saison, 


darunter Schuhe, Taschen und Accessoires, 

von spitzen Damenpumps mit „Janelle“- 

Schnalle bis hin zu lässigen Bucket-Bags. 2022 

setzte man mit der Berufung von Rhuigi Villaseñor 

zum neuen Mode-Chef des Hauses ein 

weiteres Zeichen für essenzielle Veränderung. 

Im gleichen Jahr wurde Vittoria Matarrese zur 

Direktorin der Bally Foundation ernannt, 

deren neues Headquarter, die Villa Heleneum, 

im selben Jahr ein Soft Opening erfuhr. Bis 

2025 sollen 75 Prozent des verwendeten 

Leders aus zertifizierten Gerbereien bezogen 

werden, ebenso soll bis dahin die Rückverfolgbarkeit 

von mindestens 95 Prozent der Rohmaterialien 

bis zum jeweiligen Landwirtschaftsbetrieb 

sichergestellt sein. 

O 

Neue Bally- 

Geschäfte warten 

neben dem 

Warenangebot 

auch mit 

Entertainment 

wie Filmen, 

Ausstellungen 

oder Diskussionen 

auf: New Yorker 

Flagshipstore 

Reflexionen. Sie erinnern an seine Kindheit, 

als er eine aufstrebende Kultur durch eine 

fremde Linse beobachtete, als wäre es eine 

visuelle Erzählung, die Luxustechniken mit 

Streetwear-Elementen kombiniert. Als Bally- 

Director wird er in Los Angeles und der 

Schweiz wohnhaft sein, wie er auch im Interview 

mit AURUM 999,9 erzählt. 

Fotos: Bally (5), Rhuigi Villaseñor, Swiss Trip shot by Sharifa Hamza 

NEUER 

KREATIVDIREKTOR 

Aber zurück zum neuen Creative Director des Hauses, Rhuigi 

Villaseñor, und seiner ersten, nunmehr aktuellen Frühjahr/Sommer- 

Kollektion. Der in Manila geborene Bally-Mode-Chef hat 2015 seine 

eigene Marke Rhude gegründet. Er begann seine Modekarriere in Los 

Angeles. Seine Leidenschaft für Design und sein Verständnis für die 

Konstruktion von Kleidung führt er darauf zurück, dass er mit einer 

Mutter, die Schneiderin war, und einem Vater, der Architekt war, aufwuchs. 

Der philippinisch-amerikanische Staatsbürger, der auf mehreren 

Kontinenten aufwuchs, bevor er im Alter von neun Jahren in die 

USA auswanderte, gilt als eines der vielversprechendsten Modetalente 

der Gegenwart. Das florierende Geschäft seiner Marke Rhude umfasst 

Kleidung und Accessoires, die von Prominenten auf der ganzen Welt 

begehrt werden. Dadurch erreicht Villaseñor ein breites und vielfältiges 

Publikum, was durch seine Lifestyle-Partnerschaften, einschließlich 

Haushaltswaren und Automobilen, verstärkt wird. In Verbindung mit 

seiner einzigartigen Neuinterpretation von moderner Kleidung bezieht 

sich Villaseñor auf die amerikanische Ikonografie mit nostalgischen 

P 

Der neue 

Chefdesigner von 

Bally: Rhuigi 

Villaseñor 

W 

Werbeposter 1974: 

gestaltet vom 

französischen 

Grafiker Bernard 

Villemot 

Warum haben Sie sich entschieden, für Bally 

zu arbeiten? 

Bally ist eine Marke, die mir sehr am Herzen 

liegt, da sie von Generationen meiner Familie 

getragen wird, von meinem Großvater über 

meinen Vater bis hin zu mir selbst. Ich erinnere 

mich, dass ich mir die Bally-Slipper meines 

Vaters ausgeliehen habe, und ich habe eine 

tiefe persönliche Verbindung 

zur Marke entwickelt. Wenn 

ich Leute frage, was sie heute 

von Bally halten, gibt es 

immer jemanden, der sagt, 

dass er es liebt und eine emotionale 

Bindung zu Bally hat, 

weil er mit der Marke aufgewachsen 

ist. Rückblickend 

ging es mir auch um die 

Handwerkskunst, die schönen 

Leder, die Formen der spitzen 

Schuhe und all die sommerlichen 

Loafer. Das ist wirklich 

der Grund, warum ich mich in 

die Marke verliebt habe. 

Ich traf Nicolas Girotto, 

den CEO von Bally, zum ersten 

Mal, als er mich in die 

Schweiz einlud, um eine mögliche Zusammenarbeit 

zu besprechen, und ich fühlte 

sofort eine persönliche Verbindung zu ihm. 

Er öffnete mir die Türen zu dem beeindruckenden 

Bally-Archiv, und wir blieben lange 

dort und unterhielten uns leidenschaftlich 

darüber, wohin wir Bally bringen könnten, 

wenn wir zusammenarbeiten würden. Es hat 

einfach klick gemacht; wir teilten definitiv 

eine gemeinsame Vision und teilen sie 

immer noch. 

23


Was war Ihre Vision für Ihre erste Kollektion 

für Bally? Sie haben sie „Bally Ecdysis“ 

genannt. Was bedeutet das? 

Ich wollte die Nostalgie von hyperluxuriösen 

Dingen, die in Vergessenheit geraten sind, 

wieder aufleben lassen. Dinge, mit denen ich 

mich gerne verkleiden würde. Ich aktualisiere 

diesen Lebensstil für den heutigen Stand. Wir 

waren so lange eingesperrt, und jetzt sind wir 

bereit, Spaß zu haben. Ecdysis ist buchstäblich 

eine Zeit, in der Altes abgelegt und 

Neues enthüllt wird – und mein Ziel bei Bally 

ist es, dies zu tun und gleichzeitig den 

Ursprüngen der Marke treu zu bleiben. Während 

meiner Reise durch das Bally-Archiv 

habe ich mich von den Codes der Marke rund 

um Kunst, Grafikdesign, Architektur und 

Natur inspirieren lassen und freue mich 

darauf, dieses Erbe mit einer neuen Vision zu 

interpretieren. Die Marke verändert sich und 

blickt in die Vergangenheit, aber gleichzeitig 

in die Zukunft. 

P 

Frühjahrskollektion 

2023: 

mit einem 

lässigen Hemd für 

Männer 

W 

Jeans in allen 

möglichen 

Varianten gehören 

zur aktuellen 

Kollektion für 

Frauen 

Sie haben auch Abendkleider in diese erste 

Kollektion aufgenommen. Warum? 

Ich würde gerne sehen, wie meine Designs 

an Orten getragen werden, an denen sie ausgezeichnet 

oder belohnt werden – sie verdienen 

ihren Siegesmoment, sei es ein Geburtstag, 

ein Event auf dem roten Teppich, ein heißes Date … Ich möchte 

damit das Gefühl vermitteln: Sei dein bestes Ich. Die Accessoires sind 

für jeden Tag, aber die Kleidung ist recht speziell und raffiniert und ist 

perfekt für einen besonderen Anlass. Aber es soll nicht nur ein 

Wunschbild sein; es gibt zum Beispiel auch einen eleganten Schuh mit 

Jeans und einer klassischen Lederjacke. Es ist diese Mischung aus 

Bourgeoisie und Straße. Es hat kein bestimmtes Genre oder einen 

bestimmten Ort – es ist einfach Luxus. 

Welche Bedeutung hat Mode in Ihrem Leben, abgesehen davon, dass 

Sie Designer sind? 

Mode ist für mich fast Soziologie, da ich echte Menschen studiere. Ich 

schaue nicht weiter als das, was echte Menschen tragen, wenn sie einfach 

herumlaufen, und dann denke ich: Wie kann ich das anpassen? Es 

gibt eine großartige Tasche, die ich entworfen habe und die wirklich 

von einem Foto inspiriert wurde, das ich von einem Mann gemacht 

habe, der auf einem Flughafen herumgelaufen ist. Er hatte so eine 

große Portfolio-Tasche im Aktentaschen-Stil, und ich dachte: „Das ist 

cool, wir könnten eine Minitasche daraus machen.“ Und jetzt ist es 

eine Minitasche. Ich war schon immer einfallsreich. Als ich jünger war 

und kein Geld hatte, war ich sparsam, um mit meinen Kollegen „mitzuhalten“, 

und so entdeckte ich wirklich die Kraft von Marken und 

Marketing. Mode ist natürlich Ausdruck von sich selbst, aber sie ist 

auch eine Uniform, ein Statussymbol. Es spricht, ohne das man den 

Mund öffnet. 

Wie wichtig sind Schuhe, um ein Outfit zu kreieren? 

Sie sind wie Satzzeichen, sie können das Tempo deines Looks komplett 

verändern. Sie sind auch eine Chance, wahren Luxus zu entdecken, 

was für mich etwas ist, das die Zeit überdauern wird. Als ich 

zum Beispiel das Bally-Archiv betrat, verliebte 

ich mich aufs Neue in die Dinge, die 

ich beim Aufwachsen sah. Dinge, die meiner 

Meinung nach für die Marke am 

bedeutsamsten sind, wie zum Beispiel ein 

spitzer Schnürschuh, der das heißeste 

Ding ist für mich. Ich hatte nicht viel Geld, 

als ich aufwuchs, also war es für mich ein 

echter Wert, wenn wir etwas kauften. 

Für „Bally Curling“ haben Sie Western- 

Vibes dazugemischt, wie kam es dazu? 

Ich finde es sehr interessant, die Synergie 

zwischen Kalifornien und der Schweiz zu 

entdecken. Diese Mischung aus europäischem 

Stil und Geschmack und dem entspannten 

kalifornischen Zugang kann sehr 

schön sein, wenn ich versuche, etwas, das 

sexy ist, etwas Luxuriöses und Neues zu 

kreieren. 

Was verbinden Sie mit Bergen? Was verbinden Sie mit der Schweiz? 

Ich lebe seit einem Jahr in der Schweiz, genauer gesagt in Lugano, und 

es erinnert mich sehr daran, wo ich aufgewachsen bin, im San Fernando 

Valley in Kalifornien, das sehr friedlich ist. Mit Blick auf den Luganer 

See kommt es mir vor, als wäre es ein Sonntagnachmittag mit 

meiner Familie, und wir essen ein Eis oder essen direkt am Wasser zu 

Mittag. Ich fühle mich in der Schweiz sehr ruhig. Ich spüre ein Gefühl 

von Frieden. 

Wie wichtig ist Ihnen Nachhaltigkeit? 

Es ist wichtig, natürlich ist es das. Aber für mich ist Luxus eine der 

nachhaltigsten Praktiken, die es gibt, da er von erfahrenen Handwerkern 

hergestellt wird, die lieben, was sie tun. Alles wird entworfen, um 

für immer getragen und gepflegt zu werden. Luxus ist die Antithese 

zu Fast Fashion oder Wegwerfmode – es ist für immer. 


Fotos: Bally (2), Bogdan Plakov 

Nicolas Girotto, der CEO von Bally, analysiert 

die aktuelle Situation so: „In den 

letzten drei Jahren haben wir unsere Positionierung 

neu definiert und die Marke 

erfolgreich über das Produktangebot und 

die Kundenschnittstellen hinweg konsolidiert. 

Dieses starke Fundament, das in 

unserer Schweizer Identität verwurzelt ist, 

ermöglicht es uns, unsere Ambitionen 

voranzutreiben. In diesem transformativen 

Moment und nachdem wir in Rhuigi den 

richtigen Champion gefunden haben, sind 

wir bereit, Bally auf die nächste Stufe zu 

bringen. Ich traue Rhuigi als einem talentierten 

Visionär zu, die zeitgemäße Relevanz 

unserer Marke weiterzuentwickeln 

und das Wachstum zu beschleunigen, während 

die Grundwerte von Bally erhalten 

bleiben. Ich habe Rhuigis Aufstieg aufmerksam 

verfolgt und bin begeistert davon, wie 

seine natürliche Kreativität und sein energischer 

Geist ihn zu einem der größten Ideengeber 

und Community-Builder der Branche 

gemacht haben. Sein tiefes Verständnis der 

Geschichte von Bally, gepaart mit einer ausgeprägten 

Wertschätzung für den Schweizer 

Lebensstil, wird entscheidend dazu beitragen 

die Marke in die Zukunft zu führen.“ 

Rhuigi Villaseñor meinte anlässlich seiner 

Bestellung: „Ich bin stolz darauf, zum neuen 

Kreativdirektor von Bally ernannt worden 

zu sein. Bally ist eine Marke, die mir sehr 

am Herzen liegt und die in meiner Familie 

von Generation zu Generation getragen 

wurde, von meinem Großvater bis zu mir 

selbst. Das bahnbrechende Erbe der Marke 

in Bezug auf soziale Innovation und über 

170 Jahre Handwerks-Luxusgeschichte sind 

eine echte Inspiration, und ich fühle mich 

von dem überragenden Engagement des 

Unternehmens für Nachhaltigkeit und 

Handwerkskunst angezogen. Ich habe 

schon immer den Schweizer Ansatz hinsichtlich 

Luxus bewundert, seine diskrete 

Darstellung von Exzellenz und seine symbiotische 

Offenheit und Sorge für die 

Umwelt. Nicolas (Girotto, Anm. d. Red.) 

und ich haben uns über unsere gemeinsame 

Vision verbunden, und es ist mir eine große 

Ehre, diese Herausforderung anzunehmen. 

Ich freue mich darauf, die Marke zu beleben 

und zu modernisieren und gleichzeitig ihre 

langjährige Tradition zu respektieren und 

ihre Geschichte weiter mit einer größeren 

Gemeinschaft zu teilen.“ Und Manuel Martinez, 

Vorstandsvorsitzender von Bally, sagte 

damals: „Wir freuen uns, ein so außergewöhnliches 

Talent bei Bally willkommen 

zu heißen. Rhuigi Villaseñor hat ein tiefes 

Verständnis für das Potenzial der Marke 

und wird seine synergetische kreative Kraft 

einbringen, die die Marke weiter artikuliert 

und gleichzeitig die von Nicolas (Girotto, 

Anm.) erfolgreich durchgeführte grundlegende 

Neupositionierung der letzten drei 

Jahre vorantreibt.“ 

Keylook aus der 

aktuellen 

Kollektion 

für Männer: coole 

Farbkombination, 

ergänzt durch 

elegante Schuhe, 

Schmuck und 

Handtasche 

25


„Während meiner 

Reise durch das 

Bally-Archiv habe ich 

mich von den Codes 

der Marke rund um 

Kunst, Grafikdesign, 

Architektur und Natur 

inspirieren lassen“ 

Rhuigi Villaseñor 

26

O 

Bally- 

Abendkleider: 

Rhuigi Villaseñor 

fügte sie erstmals 

der aktuellen 

Kollektion hinzu 

O 

In Weiß mit 

Gold: Für seine 

Taschen ist Bally 

von Anfang 

an bekannt 

U 

Ein neues 

Abendkleid: 

raffinierte 

Rückenansicht 

Fotos: Bally (3), Bogdan Plakov 

KOLLEKTION 

F/S 2023 

Die aktuelle Kollektion für Bally stellte Rhuigi Villaseñor, wie schon 

erwähnt, im vergangenen September auf der Modewoche in Mailand 

vor. Man kann sie als eine kosmopolitische Erkundung des europäischen 

Luxus durch eine eindeutig amerikanische Brille beschreiben. 

Der Modeschöpfer reflektiert darin die Leichtigkeit von Sportswear 

und ihre universelle Sprache – von Santa Monica bis Sankt Moritz – 

und nähert sich der DNA von Bally als Atelier für Lederwaren mit 

einer Leichtigkeit an, die dem Haus eine neue Sinnlichkeit und einen 

neuen Glamour verleiht. Kühne und unverfrorene historische Anspielungen 

auf die Welt des Sports und des Kinos ziehen sich durch die 

Kollektion, die eine gehobene, jugendliche Garderobe mit Elementen 

ironischer Nostalgie verbindet. Tages- und Abendkleidung kollidieren 

in einer Garderobe, die das Selbstbewusstsein der Weitgereisten ausstrahlt. 

Die Saison schöpft aus einem Füllhorn der Materialität: Anzüge 

mit Tigerprint aus Seidensamt, doppelreihige Schnitte aus sommerlicher 

Wolle und Pyjamas aus Shantung-Seide zelebrieren eine 

soignierte Weiblichkeit im Dialog mit einer entspannten maskulinen 

Haltung. Der in Villaseñors Heimatstadt Los Angeles gefertigte 

Denim trifft auf unzählige Ausdrucksformen der Bally-Lederkunst, 

von weichem Wildleder über poliertes Kalbsleder und Stretch-Nappa 

bis hin zu opulentem Metallic-Look. Altbekannte Kleidungsstücke 

tauchen in unerwarteten Farben und Kombinationen wieder auf, von 

klassischen Fliegerjacken bis hin zu lässigen Maßanzügen, Trenchcoats 

und safariinspirierten Teilen. 

O 

Die Farbe Gold: 

Sie spielt auch 

bei Lederjacken 

eine Rolle 



Samthose im coolen 

Look, dazu tolle 

Schuhe: Gibt es für 

Männer und Frauen 

Der Name der Kollektion, „Ecdysis“, ist ein 

Wort, mit dem viele vermutlich nicht vertraut 

sind. Laut Wörterbuch ist Ecdysis „der Prozess 

des Abstoßens eines äußeren Skeletts 

zum Zwecke des Wachstums oder der Formänderung“ 

– im Grunde eine Metamorphose. 

Und so meint es Rhuigi Villaseñor auch. Sagte 

der Designer vor der Show in Mailand doch, 

er sei begierig darauf, der traditionsreichen 

Marke seinen eigenen Stempel aufzudrücken, 

die „Rhuigi-Ära von Bally“ einzuläuten, das 

Schweizer Label mit neuen Kategorien zu 

erweitern. Es nach seinen Vorstellungen weiterzuentwickeln, 

ihm eine eigene Sensibilität 

und Ästhetik zu verpassen. Er präsentierte 

eine sinnliche Frau, die es liebt, etwas Haut 

zu zeigen, sich aber auch wohlfühlt, wenn sie 

ein praktisches Jeanshemd über einem hochgeschlitzten 

Rock in voller Länge trägt, der 

mit Schichten aus Baguette-Perlen aus Harz 

handbestickt ist. Für die Männer gibt es perfekt 

geschnittene und dennoch lässige Leinenanzüge 

oder auch Anzüge mit Tigerprint 

aus Seidensamt, Zweireiher aus sommerlicher 

Wolle oder ein Shantung-Pyjama-Set in 

leuchtendem Gelb. Farben wurden in der Tat 

in unerwarteten Kombinationen eingesetzt, 

wie in der hellrosa Wildlederjacke oder dem 

Satinkleid, gepaart mit Stiefeln in derselben 

Farbe. Stiefel in Python und archivalische 

Mary-Jane-Pumps mit kubanischen Absätzen 

waren einige der herausragenden Accessoires, 

ebenso wie die coolen Hobo-Taschen, die mit 

dem neuen Hardware-Logo – einem eingewebten 

stilisierten „B“ – verziert sind. Für 

Männer, die sich trauen, hat Villaseñor Pantoffeln 

mit einem goldfarbenen Netz im 

Angebot. 

Die Bally-Schuhkollektion wurde erweitert 

und weiterentwickelt, sie verkörpert den 

transatlantischen Geist mit den verspielten 

Charakteristika der Saison. Von geformten 

Sandaletten-Absätzen und kristallklaren 

Netzstiefeln bis hin zu verzierten Hauspantoffeln 

und Mary-Janes mit kubanischem 

Absatz verleiht Villaseñor durch westliche 

Details und weltliche Referenzen eine greifbare 

neue Energie. Das Ergebnis ist ein 

Schmelztiegel von radikalem Luxus: ein frischer 

Dialog zwischen der Alten Welt und der 

Neuen. 

Rhuigi selbst über seine Arbeit: „In der 

Mode wie in unserem täglichen Leben ist 

Schönheit immer mit einem Gefühl von Ort 

und Identität verbunden: Ideen und Gesten, 

die wir verstehen und mit denen wir uns auf 

persönlicher Ebene verbinden können. Als 

ich das Bally-Universum entdeckte, war es 

mir klar, dass meine Energie und meine 

Sichtweise zwei Jahrzehnte nach der letzten 

Bally-Modenschau der Auslöser für eine 

Renaissance sein würden. Sie soll Schweizer 

Handwerk und europäische Lebensart in Einklang 

mit meiner eigenen amerikanischen 

Geschichte bringen, wie ich das nenne. Es ist 

ein Reset und eine Feier des radikalen Luxus.“ 


O 

Farbenfrohes 

Hosen-Outfit: 

Die Nähte sind 

mit zarten Linien 

nachgezeichnet 

Fotos: Bally (3) 

R 

Cooler Bally-Look: 

mit allem, was das 

auf Qualität 

ausgerichtete 

Modehaus ausmacht 

29

Total praktisches 

und bequemes 

Outfit: Der 

goldene Schmuck 

verschönert den 

Jeans-Look 

entsprechend 



PROMIS 

LIEBEN 

BALLY 

Selbstverständlich tragen auch prominente 

Menschen immer wieder Bally. Sowohl 

Schuhe als auch Mode, Taschen und Brillen. 

So trug zum Beispiel Hollywoodstar Jennifer 

Aniston 2012 bei der Verleihung ihres Sterns 

auf dem Walk of Fame Sandalen von Bally. 

Das Modell „Somplaz“ wurde eigens für 

sie angefertigt und zeichnet sich durch 

elegante Linienführung und Detailarbeit aus, 

wie sie auch charakteristisch 

für die anderen Modelle der 

damaligen „Rouleaux“-Serie 

von Bally sind. Ebenfalls 2012 

wurde Madonna in einem 

Ledermantel von Bally 

gesichtet. 

Dem nicht genug. In den 

späten 1980ern erreichten 

Bally-Schuhe sogar unter 

Rappern Kultstatus. Bekannte 

Vertreter der Szene 

erwähnten Bally in ihren 

Liedern, darunter Jay-Z: 

„Shows in Cali with all the 

flavor suede Bally’s“. Oder 

auch Slick Rick. Er rappte 

1985 in „The Show / La Di Da Di“ folgenden 

Satz: „Put on the Bally shoes and the fly 

green socks.“ Der Rapper Rick Ross verwies 

noch 2010 auf dieses Lied, indem er in seinem 

Song mit P. Diddy, „Another One“, rappte: 

„1.5 for this brand new black Bugatti … 

jewels like I’m Slick Rick, Bally shoes, La Di 

Da Di“. Weitere Fans über die Jahre seither 

sind Zac Efron, Miranda Kerr, Diane Kruger, 

Robert Pattinson, Chris Hemsworth, Sandra 

Bullock, Dakota Johnson, Naomi Watts und 

Rachel Weisz. Zur ersten Modeschau von 

Rhuigi Villa señor kamen unzählige Stars, 

natürlich auch zur Afterparty – darunter Toni 

Garrn, Justin O’Shea und Emily Ratajkowski. 

P 

Feierten: Shay Mitchell, Matteo 

Prandoni, Alex Pettyfer 

R 

Bei der Capsule-Präsentation 

in Sankt Moritz dabei: 

Zach Weiss 

U 

Fotografiert von Gunter 

Sachs: ein Bild aus dem 

Herbstkatalog 1977 

W 

Bei der Bally-Show- 

Afterparty: Justin O’Shea 

E 

Mit Rhuigi Villaseñor 

im Duo: Bally-Fan Emily 

Ratajkowski 

Fotos: Bally (5), Gunter Sachs 

„Shows in Cali with 

all the flavor suede 

Bally’s“ (Shows in 

Kalifornien mit dem 

Wildleder-Duft von 

Bally-Schuhen) 

Jay-Z 

31


VILLA 

HELENEUM 

Noch etwas Neues stellte 

Bally bereits im Oktober 

vergangenen Jahres ausgewählten 

Gästen, wie 

dem Bürgermeister des 

Dorfs Castagnola im 

Schweizer Kanton Tessin, 

vor: den neuen Hauptsitz 

der Bally-Stiftung, die 

Villa Heleneum, gelegen 

in einem wunderschönen 

Park am Ufer des Luganer 

Sees. Der Park wurde 

1931 im reinen Jugendstil 

angelegt, gleichzeitig mit 

dem Bau der neoklassizistischen Villa Heleneum, einer originalgetreuen 

Kopie des Petit Trianon von Versailles. Im Garten rund um das 

Gebäude gedeihen zahlreiche subtropische und tropische Pflanzen, 

darunter Zitronen, Orangen, Grapefruits und Dattelpalmen. Die 

Geschichte des Gebäudes wie auch des Parks ist mit der Person von 

Hélène Biber, einer Varietétänzerin aus Paris, verbunden, die in ihrem 

Luganer Wohnsitz einen mondänen kulturellen Salon führte. Sie 

starb 1967, danach wurde die Liegenschaft als Museum genutzt. Bally 

will in der Villa nicht nur Archivstücke präsentieren, sondern auch 

Ausstellungen veranstalten. Die offizielle Eröffnung ist für Ende 

April geplant. 

E 

Nicolas Girotto: 

CEO und 

Präsident der 

Bally Foundation 

R 

Geplant sind 

in der Villa 

Heleneum 

Ausstellungen 

und Vorträge vor 

einem breiten 

Publikum 

O I U 

Noch sind 

die wunderschönen 

Räume der 

neoklassizistischen 

Villa Heleneum nicht 

in voller Aktion: 

Die offizielle 

Eröffnung ist für 

Ende April geplant 

Zur Direktorin der Fondazione 

Bally und der Villa Heleneum 

wurde Vittoria Matarrese ernannt. 

Sie arbeitete davor zwölf Jahre als 

Direktorin und Kuratorin im 

bekannten Pariser Kunstmuseum 

Palais de Tokyo. Als Direktorin 

wird sie ein Projekt entwickeln, 

das die Arbeit der Bally Foundation 

mit und neben Künstlern festigen 

und erweitern soll. Dazu 

Nicolas Girotto, als CEO auch Präsident 

der Bally Foundation: „Diese 

neue Phase in der Geschichte der Stiftung 

wird ein wesentliches Kapitel in den Bemühungen 

sein, die Veränderungen in unseren 

Gesellschaften zu verstehen, das Bewusstsein 

für einen ökologischen und integrativen 

Ansatz zu schärfen, mit Kreativen in allen 

Bereichen zusammenzuarbeiten und einen 

lebendigen Raum zu schaffen, der offen ist 

für alle Generationen. Ziel ist es, einen Ort zu 

schaffen, an dem Kultur einem breiten Publikum 

zugänglich ist und der vielfältige Perspektiven 

in einer vertrauten, einladenden 

und herzlichen Umgebung bietet. Die Foundation 

entstand 2006 in Anerkennung der 

Bedeutung der Künste in der heutigen 

Gesellschaft.“ 

Das Ziel: die Entwicklung von Kunst und 

Kultur in der Schweiz zu unterstützen. Unter 

dem Vorsitz von Girotto erhielt die Bally 

Foundation im Jänner 2022 von der Stadt 

Lugano den Zuschlag für die Villa Heleneum, 

um dort ein Programm mit Ausstellungen, 

Vorträgen und Partnerschaften von nationalem 

und internationalem Rang zu kuratieren. 

Dazu noch einmal CEO Nicolas Girotto: „Wir 

sind besonders stolz, in Lugano auf die Präsenz 

und Erfahrung einer europäischen Persönlichkeit 

der Kunst und Kultur zählen zu 

können. Ich bin sehr sicher, dass Vittoria das 

Kulturprogramm unserer Foundation auf ein 

neues Exzellenzniveau heben wird.“ p 

Fotos: Bally, Andrea Rosetti, Villa Heleneum shot by Valentina Casini (3) 


LUXURY PIECE | WOMEN 

JACKPOT 

Die aktuelle Cruise-Collection von Chanel ist eine Hommage an Monte Carlos omnipräsente 

Das ikonische Seidenfoulard von Versace Symbiose diente zwischen als Inspiration kosmopolitischer für die aktuelle Eleganz Frühjahr-Sommer und sportivem Kollektion Esprit. der Maison. Dafür verwandelte 

Muster, Materialien, Farben und Kreativchefin Kontraste wurden Virginie unübersehbar Viard nicht nur daraus den Strand entlehnt an der und Côte mutig d’Azur in Szene in einen gesetzt. Laufsteg, sondern ein 

Donatella Versace hat die einst verträumten halbes Jahr Hingucker später auch völlig den neu von erfunden Miami. Ein und Sieg provokativ auf ganzer drapiert, Linie! Extravagante wie nur sie es Eyecatcher kann. sind die 

Vor allem die knalligen Farben ziehen kunstvollen sich durch Minaudières, alle Kreationen. die von Auch monegassischen diese eleganten Freizeitvergnügen „Medusa Chain“ inspiriert Sandalen sind. zieren So wurde für 

ihre Handschrift und sind ein bunter dieses Eyecatcher Glanzstück für die warme berühmte Sommernächte. Casino-Kultur Gefertigt des Fürstentums aus geschmeidigem in den Mittelpunkt Nappaleder gerückt. in Und ein 

Zuckerlrosa oder Meerblau klein und wenig strahlend erinnert verziert es uns mit auch einer an goldfarbenen den ehemaligen Kette Mastermind an den Zehen- der und Maison, Knö. Karl Lagerfeld. 2006 

präsentierte er im berühmten Gebäude des Casino de Monte Carlo die fünfte Métiers-d’Art-Kollektion. 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Hersteller 


www.bykilian.com

1 

1 | Chopard 

Flugshow: Mariah Carey hat die 

majestätischen Proportionen des 

Schmetterlings neu in Szene 

gesetzt. Zusammen mit Chopard 

designte die R&B-Ikone unter 

anderem ein Collier aus 18 Karat 

ethischem Weißgold mit runden 

und herzförmigen Diamanten. 

Collier aus der „Happy Butterfly 

X Mariah Carey“-Kollektion 

36

ACCESSOIRES 

READY TO 

TAKE OFF 

Schwerelos durch die Lüfte zu gleiten, ist ein Privileg 

unserer fliegenden tierischen Freunde. Kreative Designer lassen sich liebend gern 

von diesem Freiheitsgefühl, losgelöst von Konventionen und Regeln, inspirieren. 

Also trägt man diesen Frühling Preziosen zum Abheben 

2 


2 | Ole Lynggaard 

Luftiger Freudentanz: Die Flügel 

des Kranichs aus 18-karätigem 

Weißgold wurden von Hand 

gehämmert, um ein elegantes, 

mattes Erscheinungsbild zu kreieren. 

Ein strahlender Rubin und 

177 Diamanten in verschiedenen 

Größen komplettieren diese 

prächtige Kreation. Brosche aus 

der „The Cranes“-Kollektion 

3 | Tiffany & Co. 

Klassiker hebt ab: Zum ersten 

Mal 1957 gefertigt, zieren dieses 

avantgardistische Schmetterlingsdesign 

Rubellite, Saphire, 

Türkise und Diamanten. Das 

Skelett aus 18 Karat Gelbgold 

beeindruckt durch meisterhafte 

Handwerkskunst und Detailliebe. 

Brosche aus der „Tiffany & 

Co. Schlumberger“-Kollektion 

3 

SPRING 2023 

37

ACCESSOIRES 

1 

2 

4 

3 

1 | Piaget 

Paradiesvogel: Piaget und die 

Federkunsthandwerkerin Nelly 

Saunier konzipierten 2020 dieses 

extravagante Collier. Es erinnert 

an das Gefieder eines exotischen 

Vogels. Saphire, Diamanten und 

ein beeindruckender Paraiba- 

Turmalin tanzen um den Hals. 

Collier „Majestic Plumage“ 

2 | Sabbadini 

Bee free: Die wohl berühmteste 

Kreation des Hauses wurde erst 

in den 1980er-Jahren als Brosche 

entworfen. Mittlerweile sind die 

einzigartigen Bienchen in vielen 

Designs erhältlich. Bei diesem 

Ohrschmuck aus Weißgold mit 

Diamanten dominieren tiefschwarze 

Saphire. Ohrringe aus 

der „Bee“-Kollektion 

3 | Rozet & 

Fischmeister 

Nobler Flügelschlag: 181 Steine, 

darunter weiße und schwarze 

Brillanten, glänzen auf diesem 

Schmetterling aus 18 Karat 

Weißgold. Durch eine spezielle 

Mechanik öffnen und schließen 

sich die Flügel, wenn man die 

Finger bewegt. Ring „Schmetterling 

(blau/grün/schwarz)“ 

4 | Boucheron 

Air tropicana: Drei leuchtende 

Citrine formen den kräftigen, 

auffälligen Schnabel des Tukans, 

Onyx und blauer Titan kreieren 

die lebendigen Augen. Ein funkelndes 

Meisterwerk, besetzt mit 

unzähligen weißen Diamanten 

und schwarzen Spinellen. Armreif 

„Toucan“ 

Fotos: Hersteller 

38 


NEW 

THE EXCEPTIONAL TRIDIMENSIONAL MICRO-LIFT CONCENTRATE 

HIGH REGENERATION DRAWN FROM THE ROOTS OF TWO LEGENDARY ORCHIDS. 

THE FIRMING POWER OF 6,000 PRO-DENSITY 1 MICRO-FILLERS 2 . 

THE TENSING POWER OF 6,000 HIGH-PRECISION 1 MICRO-SCULPTORS 2 . 

THE SECRET OF INFINITE LONGEVITY CRAFTED FROM ORCHIDS’ SCIENCE 

1 In vitro test on ingredients. 2 In a 50 ml bottle.

ACCESSOIRES 

1 

3 

2 

4 

1 | Cartier 

Auf Flughöhe: Klassiker werden 

niemals alt und prägen Kollektionen 

noch lange in der 

Zukunft. 1953 hat das Traditionshaus 

die zarte Libelle mit beweglichen 

Flügeln sozusagen zum 

Leben erweckt, besetzt mit Diamanten, 

Smaragden und Rubinen. 

Brosche „Dragonfly“ 

2 | Van Cleef & Arpels 

Frei wie ein Vogel: Tier-Designs 

sind bereits seit den 1950er-Jahren 

ein fester Bestandteil des 

kreativen Repertoires der Maison. 

Auch die Perlenbordüre gilt 

als Markenzeichen. Die Taube 

entstand aus 18 Karat Roségold, 

Onyx und Perlmutt. Brosche aus 

der „Lucky Animals“-Kollektion 

3 | Bulgari 

Wie die Zeit verfliegt: Auf dem 

exotischen Multicolor-Zifferblatt 

sowie auf der Lünette dieses 

streng limitierten Glanzstücks 

mit einem Gehäuse aus 18 Karat 

Weißgold funkeln 262 Diamanten. 

Ein weinrotes Armband aus 

Alligatorleder unterstreicht die 

Eleganz. Uhr aus der „Bvlgari 

Bvlgari“-Kollektion 

4 | Atelier Heldwein 

Hoch hinaus: Der Marienkäfer 

mit seinen auffälligen Punkten 

ist nicht nur ungemein nützlich, 

sondern auch als Glücksbote 

bekannt. Aus 18-karätigem Gelbgold 

gefertigt ziert er jedes Outfit 

und avanciert zum noblen 

Begleiter. Pin „Marienkäfer“ 

Fotos: Hersteller, Vincent Wulveryck – Collection Cartier © Cartier 

40 



OH, DEAR! 

MIT TULPEN UND 

GANSEBLUMCHEN ZUM 

INTERNATIONALEN 

ERFOLG 

Auf dem Opernball trugen 

Tänzerinnen des Wiener 

Staatsballetts ihre Roben. 

Ihre neue Herbst/Winter- 

Kollektion 2023/24 hat sie 

gerade in Paris präsentiert. 

Und ihre oft blumigen, 

innovativen, fantasievollen, 

frechen und trotzdem 

eleganten Outfits wurden 

auch schon von Promis wie 

Kylie Jenner getragen. Die 

Modeschöpferin Florentina 

Leitner aus Wien gehört zu 

den interessantesten 

jungen Nachwuchsstars 

Von Brigitte R. Winkler 

R 

Ein Abendkleid von 

Florentina Leitner 

im „Couture Salon“ 

des Opernballs: 

Staatsballett- 

Tänzerinnen 

konnten sich 

eines aussuchen 


W 

Ein Modell aus 

der Herbst/ 

Winter-Kollektion 

2022/23 

R 

Auch aus der 

„Zauberberg“- 

Kollektion: Blumen 

müssen sein 

Fotos: Anton Fayle; Benjamin Mallek (3) 

Er hat wieder stattgefunden, 

nach zweijähriger Pause: der 

berühmteste Ball Österreichs, 

der Wiener Opernball. 

Was auch Florentina Leitner, 

eine junge Modeschöpferin 

aus Wien, sehr gefreut hat. 

Wurde sie doch mit zwei 

weiteren Austro-Designern – Jennifer Milleder 

und Moulham Obid – bereits im 

November vergangenen Jahres zum „Couture 

Salon“ des Balls eingeladen. Stattgefunden 

hat er ab Ende Jänner 2023 im Hotel Bristol. 

Als einer der wichtigsten Side-Events des 

Opernballs soll der „Couture Salon“ einerseits 

Tradition und Moderne verschmelzen. Andererseits 

haben die ausgewählten Modedesigner 

dadurch die Möglichkeit, ihre Kreationen 

einer breiteren Öffentlichkeit zu präsentieren. 

Tänzerinnen des Wiener Staatsballetts waren 

dazu eingeladen worden, sich von den drei 

Modeschöpfern ein passendes Outfit für den 

Ball anfertigen zu lassen. Damit sollte auch 

der zentrale Solidaritätsfokus des Balls unter 

der Patronanz der Wiener Staatsoper im Vordergrund 

stehen und somit Nachwuchsförderung 

und Nachhaltigkeit integriert werden. 

Wunderschön, was dann an den Körpern 

der Tänzerinnen durch den Opernabend 

schwebte. 

Und was hält Florentina Leitner von Nachhaltigkeit? 

„Ich recycle gerne und verwende 

zum Beispiel nachhaltig produzierte Seide. 

Generell kann man sagen, ich versuche mein 

Bestes, so gut es nur geht nachhaltig zu 

produzieren. Ich möchte aber kein Greenwashing 

betreiben und behaupten, dass es da 

nicht immer wieder auch Hindernisse gibt“, 

erklärt die 27-Jährige im Gespräch mit 

AURUM 999,9. 

Verfolgt man ihre Karriere, ist man beeindruckt. 

Geboren wurde Florentina in Wien, 

sie wuchs in Mödling auf und beschloss mit 

19 Jahren, nach der Matura an der Modeschule 

Hetzendorf, ein Modestudium an der 

gefeierten Royal Academy of Fine Arts in 

Antwerpen zu beginnen. Florentina Leitner: 

„Ich war schon immer begeistert von der 

Kreativität belgischer Designer.“ Ins Schwärmen 

gerät sie auch, wenn sie über die Natur 

spricht und wenn ihre Familie ins Spiel 

kommt. War doch ihre um sechs Jahre ältere 

Schwester für sie als Kind prägend durch 

deren speziellen Umgang mit Mode. Der 

„Eyeopener“ für Florentina: Als ihre Schwester 

sie – da war sie 13 Jahre alt – zur Vienna 

Fashion Week mitnahm. Leitner: „Bis zu 

diesem Zeitpunkt wusste ich ja nicht, dass 

man Mode in der Schule lernen kann. Das 

fand ich unglaublich spannend.“ Also wählte 

sie zunächst einmal Hetzendorf als ersten 

Schritt in diese Richtung. 

W 

Ebenfalls H/W 

2022/23: 

„Lucrenzie Catsuit“ 

43


O 

Aktuelle Kollektion, 

fotografiert mit 

Schilfgarben 

vom Neusiedler See 

Florentina Leitner: 

Schon nach fünf 

Kollektionen gehört 

die Wienerin zu den 

weltweit bekannten 

Modeschöpferinnen 

x 

W 

Stilisierte Gänseblümchen: 

Frühjahr/Sommer 2023 

T 

Schmücken das Logo: 

von Florentina Leitner 

stilisierte Tulpen 

Mode darf, ja soll 

Spaß machen 

Wie richtig es für sie war, in Richtung Mode 

zu gehen, zeigte sich, schon bevor Florentina 

das Studium in Antwerpen beendet hatte, 

als ihre Kollektion zur besten gekürt wurde. 

Da war Dries Van Noten im Spiel. Durch 

Hörensagen erfuhr die Studentin davon, dass 

der international gefeierte Modeschöpfer 

jemanden für sein Atelier suchte. Also 

bewarb sie sich, obwohl sie noch gar nicht 

ihren Master bei ihm absolviert hatte. Dries 

nahm sie auf, und als sie bei ihm zu arbeiten 

begann, hatte sie den Master in der Tasche. 

„Ich hab so viel von Dries gelernt“, schwärmt 

Florentina über diese Zeit direkt nach dem 

Studium. Sogleich fügt sie aber hinzu: 

„Schon in dieser Zeit bekam ich immer mehr 

Anfragen nach einem eigenen Brand.“ Also 

gründete sie im Dezember 2020 ihr Label, 

genannt Floren tina Leitner. Der Name ist 

links und rechts von einer von ihr selbst 

gezeichneten Tulpe begrenzt und damit als 

Logo bereits unverkennbar. Der Erfolg stellte 

sich sofort ein, etwa in Form von Auszeichnungen 

und Preisen. Dankbare Worte findet 

Leitner vor allem über die Austrian Fashion 

Association (AFA) in Wien, die sie immer 

wieder gefördert und unterstützt hat: „Die 

sind echt toll in ihrer Bemühung, jungen 

Kreativen zu helfen!“ Oder in Form von Lob 

durch die internationale Presse. Bereits im 

Juli 2020 lobte sich die deutsche „Vogue“ 

zunächst selbst, dass sie Floren tina Leitner 

bereits fast zwei Jahre zuvor als ein nicht zu 

übersehendes, spannendes Modetalent 

erkannt hatte. Und nun zeige sie – so der 

Titel eines großen Artikels –, „dass sich Mode 

nicht immer ernst nehmen muss, um ernst 

genommen zu werden“. Und weiter: „Die 

österreichische Designerin Florentina Leitner 

hat gerade ihren Master-Abschluss an der 

Royal Academy in Antwerpen gemacht – und 

steht mit ihrer Vision, dass Mode Spaß 

machen kann/darf/soll und nachhaltig sein 

muss, nicht nur für den Moment, sondern für 

die Zukunft einer ganzen Branche.“ 

Auch die großen Modestädte wie London, 

Paris und New York rissen und reißen sich 

um die junge Wienerin. Zunächst gewann 

New York, wo Florentina Leitner wegen des 

Lockdowns ihre Herbst/Winter-Kollektion 

2021/22 „nur“ digital präsentierten konnte. 

Thema war – kein Wunder – ihre Familie, die 

als Inspiration in ihre Arbeit eingeflossen war. 

Florentina Leitner: „Keine Familie ist uninteressant 

und langweilig, vor allem meine 

Familie nicht. Da sind so coole Charaktere. Im 

Lockdown habe ich sehr von meiner mitunter 

auch sehr schrulligen Familie profitiert.“ Also 

benannte sie die Kollektion nach ihrer Familie: 

„The Royal Leitners“. Anregungen – auch 

für den gleichnamigen Film zur Kollektion – 

holte sie sich bei Wes Andersons Film „The 

Royal Tenenbaums“ (dessen Protagonist mit 

Vornamen Royal heißt!). 

Wie gut, dass sie schon lange vor ihrer 

ersten Präsentation den Film für sich entdeckt 

hatte. Denn: „Bereits während meiner 

Zeit auf der Uni habe ich begonnen, auf diesem 

Gebiet mit Freunden zusammenzuarbeiten. 

Es ist doch super cool, die Mode auch 

in Bewegung zu sehen, die Kollektion zum 

Leben zu bringen, inspiriert von der 

Geschichte, die dahintersteckt. Ich bin beim 

Dreh immer dabei, sage, wie und was gefilmt, 

wie die Kleidung inszeniert werden soll. Die 

Fotos: Jens Burez; Chiara Steemann (2); Instagram; Florentina Leitner (2) 


S A L Z B U R G - G S T A A D - L O N D O N - H O N G K O N G 

W W W . A E N E A . C O M


h 

Von Kopf bis Fuß in Florentina 

Leitner: Kylie Jenner 

h 

Typischer Look der aktuellen 

Kollektion 

R 

Sonnenbrillen: Florentina Leitner 

liebt den „Full Look“ 

Geschichte kreiere ich immer gemeinsam 

mit meinen Filmfreunden. Man muss die 

Kollektion dafür ja sehr gut kennen.“ 

Mit ihrer Frühjahr/Sommer-Kollektion 

2022 hatte die Mercedes-Benz Fashion Week 

in Berlin sie im September 2021 als Opener 

eingeladen. Es gab wieder Livegäste und 

eben Florentina Leitners Live-Modeschau 

zur Eröffnung. Das Thema: „Vacation on the 

Moon“. Inspiration waren diesmal der oberösterreichische 

Mondsee und Leitners Vision, 

eine Kollektion für einen Urlaub auf dem 

Mond zu entwerfen. Die Silhouetten waren 

von Dirndln, Matrosenjacken und galaktischen 

Raumanzügen inspiriert. Es folgten 

London – wieder digital – und das Thema 

„Der Zauberberg“. Es war die fünfte Kollektion 

von Florentina Leitner, eine verspielte 

Mischung aus Weiblichkeit und zeitloser Eleganz. 

Dafür verwandelte sie im wahrsten 

Sinne des Wortes Müll in Schätze – ein Verweis 

auf Nachhaltigkeit und das Müllproblem 

der heutigen Gesellschaft. Wie immer gab es 

Blumenmotive, diesmal aus recycelten Müllsäcken 

und Flaschendeckeln. Dazu überdimensionale 

Preisschilder und Geschenkschleifen. 

Dass sie ihre Frühjahr/Sommer-Kollektion 

2023 live in Paris zeigen und dann im Showroom 

präsentieren konnte, freute sie ganz 

besonders. In ihrer Erzählung über die Inspiration 

zur aktuellen Kollektion kommt natürlich 

wieder die geliebte Heimat vor, in diesem 

Fall die Natur des Burgenlandes: der Neusiedler 

See und das Schilf, das abgeschnitten und 

für Hausbauten verwendet wurde und wird. 

(Die Wienerin nahm für ihre Präsentation im 

Showroom Schilfgarben nach Paris mit, in 

denen sie die Models umhergehen ließ.) Die 

vielen Rehe, die man dort über die Straße laufen 

sieht. Florentina Leitner erinnerte sich an 

Rehaugen, in denen sich in der Nacht das 

Licht der Autoscheinwerfer spiegelte, und 

integrierte solche Reflexionen in ihre Entwürfe. 

Genannt hat sie die Kollektion „Oh, 

Dear“, was mehrfach zu deuten ist. Man kann 

es mit Liebling, lieb oder mit „Oh Gott“ übersetzen. 

Da es aber auch wie das englische 

Wort „deer“ klingt, kann man es auch als Reh, 

Hirsch und Wild verstehen. Eines der Muster 

ist auch vom Hirsch inspiriert. Der Druck entstand 

in Zusammenarbeit mit dem niederländischen 

Grafiker Rop van Mierlo. Dazu gibt es 

wieder von Florentina Leitner selbst skizzierte 

Gänseblümchen, und der Film zur Kollektion 

wurde natürlich am Neusiedler See gedreht. 

Die US-amerikanische Modetageszeitung 

„WWD“ lobte die Kollektion: „Das Ergebnis 

war lustig, kokett und fühlte sich so erfrischend 

an wie ein morgendlicher Spaziergang 

auf dem Land.“ Und so beschreibt Florentina 

Leitner ihre Arbeit selbst: „Ich mache Damenmode, 

aber wenn Herren meine Sachen kaufen, 

freut mich das sehr. Meine Mode ist 

modern, jung und frisch, selbstbewusst, farbenfroh 

und verspielt. Ich lege Wert auf Qualität 

und hochwertige Stoffe.“ 

Berühmtheiten wie Kylie Jenner, Lady 

Gaga, Charli XCX und Sita Abellan strömten 

in Scharen zu ihren geblümten Catsuits und 

ihrem flauschigen Gorilla-Strickmantel mit 

Op-Art-Wirbel oder zu den spitzen, 

geschmolzen aussehenden Sonnenbrillen, die 

in Zusammenarbeit mit der belgischen Brillenmarke 

Komono hergestellt wurden – ein 

Muss für Leitner, die den „Full Look“-Ansatz 

in Antwerpen immer gemocht hat. 

Entdecken kann man Florentina Leitner 

auf Instagram, Facebook und TikTok. Und 

wo bekommt man ihre Mode und Accessoires 

zu kaufen? In Geschäften in Wien (im Vintage-Store 

Wolfmich in der Gumpendorfer 

Straße 51 zum Beispiel), in Budapest, in London, 

aber auch in Italien. Und natürlich über 

ihre Homepage florentinaleitner.com, wo 

man sich auch nach wie vor ihre wunderbaren 

kurzen Filme zu den jeweiligen 

Kollektionen anschauen kann. p 

Fotos: Instagram; Florentina Leitner (2) 


LUXURY PIECE | MEN 

BLAUE 

STUNDEN 

Die mystische Stimmung, wenn bei abendlicher Dämmerung das blaue Lichtspektrum am Himmel dominiert, fasziniert 

Fotografen – zweifellos der perfekte Augenblick für einen Schnappschuss. Ähnlich magisch war die Enthüllung der neuen 

„Tradition 7047“ in noblem Nachtblau anlässlich des Jubiläums der Erfindung des Tourbillon durch Abraham Louis Breguet. 

Das neue „Tradition“-Tourbillon „7047“ ist am Puls der Zeit, wahrt aber auch die emblematischen Codes des Uhrenhauses 

wie das „Clous de Paris“-Guilloche-Muster auf dem dezentral angeordneten Goldzifferblatt. Und wie bei den Exponaten des 

Gründers ist es mit drei Schrauben befestigt. 2005 wurde die „Tradition“-Kollektion feierlich aus der Taufe gehoben – die 

erste Linie, die zifferblattseitig alle Organe des Uhrwerks zeigt. Wagt man einen Blick ins Innere des neuen Modells, schlägt 

im eleganten Platingehäuse mit 41 Millimeter Durchmesser das Herz in Form eines rhodinierten Uhrwerks mit Handaufzug. 



EDITOR’S CHOICE 

SPRINGDate 

Love is in the air! Pünktlich mit den warmen Sonnenstrahlen 

kommen auch die Frühlingsgefühle. Must-haves und Places-to-be 

für ein Treffen unter freiem Himmel 

AURUM 999,9- 

Redakteur 

Christoph Kulmer 

mit Labrador 

Clouseau 

GET HIGH. 

Bergamotte, 

Purpur-Liebesgras, 

Indischer 

Rhabarber, Rosen, 

Tulpen und Eiche 

treffen beim 

frühlingshaften 

Duft „High Line“ 

von Bond No.9 

New York 

aufeinander. 

bondno9.com 

AM PUNKT. Breitling überrascht 

mit der neuen „Super Chronomat 

Automatic 38 Origins“. Sie ist nicht nur 

ein markanter Eyecatcher, mit Reiter 

und Krone aus Keramik sowie einem 

Rouleaux-Armband, sondern auch ein 

Vorbild in Sachen Nachhaltigkeit. Bei 

der ersten rückverfolgbaren Uhr der 

Maison erhalten künftige Eigentümer 

einen Herkunftsnachweis für das Gold 

und die Diamanten. breitling.com 

AUF HÄNDEN 

TRAGEN. 

Die raffinierte 

„F52 Miami 

Vice“-Bag von 

Freitag ist ein 

nachhaltiges 

Platzwunder. 

Perfekt für ein 

Date im Freien. 

freitag.ch 

PLAYER ON TOUR. Egal ob nun im Park, am Strand oder am Pool: Mit dem 

Travel-Backgammon-Set aus Samtleder von Hector Saxe Paris steht einem 

stilvollen Spielvergnügen an sonnigen Frühlingstagen nichts mehr im Wege. 

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FAST FOOD DE LUXE. Tatarie Marie 

in der Wiener Freisingergasse begeistert 

mit großartigen Tartar-Variationen, 

vom Bio-Rind über Saibling bis zur 

veganen Kreation. tatariemarie.com 

STILVOLLES PICKNICK. 

Designerin Katie Scott hat 

sich bei der Decke 

„Palmarum Fortunei“ 

für Hermès von 

Palmengewächsen in 

unterschiedlichster 

Art und Weise 

inspirieren lassen. 

hermes.com 

ERFRISCHEND. 

Farbenfroh strahlen 

die Louis-Vuitton- 

Sonnenbrillen aus der 

„LV 4Motion“-Kollektion. 

louisvuitton.com 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Hersteller, Bianca Hochenauer, Jürgen Hammerschmid 


www.die3.eu 

Euram Bank AG 

Palais Schottenring 

Schottenring 18 

1010 Wien 

T: +43 1 512 38 80 0 

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www.eurambank.com

k 

Zdeněk Antonín Macků 

in seinem Atelier 

ERNSTHAFTE 

LEICHTIGKEIT 

Bunt, vielfältig und märchenhaft-mystisch wie das Leben 

von Zdeněk Antonín Macků sind auch seine Arbeiten. 

Das Vermächtnis des Ausnahmetalents lebt in seinem Werk weiter 

v 

Zyklus „Europa Nova“, Spanien, 

2003, Öl auf Leinwand, 100 x 150 cm 

Redaktion: Elisabeth Muth, Fotos: Macků 

52

ART | PORTRAIT 

h 

Zyklus „Europa Nova“, Belgien, 



53

„Meine visuelen Welt ist nicht suchen, 

aber gefunden Dinge, wie hat Pablo Picasso gesagt“aus einem Weihnachtsbrief, 2004 

54


v 

Zyklus „Europa Nova“, Niederlande, 


k 

Zeichnung Tusche & Tempera 

x 


xl 



55


v 


x 

„Edelmann“, 

Öl auf Leinwand, 70 x 55 cm 

„Realistisch sehen, poetisch betrachten, dichten 

mit Schuss von kubistischen Strichen, 

Stimmung & Harmonie“, hat der Maler 

Zdeněk Antonín Macků selbst einmal über 

seine Werke sinniert, die einem beim 

Betrachten immer mehr und mehr ins Bild 

ziehen und viele kleine Details und Einzelheiten 

preisgeben. AURUM 999,9 hat sich 

mit Mackůs Töchtern Vendula und Helena 

zum Austausch getroffen. Sie führen das Vermächtnis 

ihres Vaters weiter und sind auch 

Ansprechpartnerinnen für den Erwerb der 

Bilder und die Organisation von Ausstellungen. 

Es gibt immer noch ein erstaunlich 

umfangreiches Repertoire an unterschiedlichsten 

Arbeiten aus den einzelnen Epochen. 

Wir möchten den 2006 viel zu früh verstorbenen 

Ausnahmekünstler und sein bewegtes 

Leben als Kosmopolit näher beleuchten. Also 

Vorhang auf. 

Das Lebenswerk von Zdeněk Antonín Macků 

entstand vor dem Hintergrund zahlreicher 

politischer Umbrüche. 1943 in Prag geboren, 

flüchtete Macků bereits 1965, drei Jahre vor 

der Niederschlagung des Prager Frühlings, in 

den Westen. Nach kurzem Aufenthalt in 

Österreich ging er 1966 in die USA. 1977 fand 

er dann in Linz eine neue Heimat und absolvierte 

dort an der Hochschule für künstlerische 

und industrielle Gestaltung das Studium 

der Malerei. Nach der Samtenen Revolution 

1989 lebte und arbeitete er hauptsächlich im 

südböhmischen Brloh. Mackůs Œuvre umfasst 

um die 400 Arbeiten, technisch überwiegt Öl 

auf Leinwand. Seine Bildsprache komponiert 

in einer ihm eigenen poetisch-erzählerischen 

Malweise aus zahlreichen Einzelkompartimenten 

farbenprächtige Schaubilder. Die 

vornehmlich figurativ-gegenständlichen 

Details, hier ein Tierkopf, dort eine Menschengestalt, 

ein Gesicht oder ein Landschaftsdetail, 

verbindet er zu mystisch-symbolisch 

aufgeladenen, teils märchenhaften Bildgefügen. 

Stilistisch sind seine Arbeiten geprägt 

von der markanten Konturierung der Einzelelemente 

mit meist schwarzen Umrisslinien, 

wodurch im Gesamteindruck eine betont flächige, 

fast schon reliefartige Bildwirkung entsteht. 

Bedeutsam ist vor allem Mackůs Bilderzyklus 

„Europa Nova – das neue Bild Europas“, 

der, ausgehend von einer intensiven künstlerischen 

Auseinandersetzung mit geografischen 

Karten, die Mitgliedsstaaten der europäischen 

Kulturinstitutionen darstellt. Als Weltenbummler 

und Vordenker war es ihm bereits in 

den Sechzigerjahren ein Anliegen und eine 

Vision, Europa eines Tages vereint zu sehen. 

In diesem malerischen Zyklus von 28 Bildern 

hat der Künstler nach der Wiedervereinigung 

Europas versucht, die Landkarte neu zu 

gestalten. Malerisch werden Persönlichkeiten 

und historische Identitäten der einzelnen Mitgliedsländer 

der Europäischen Union bildhaft 

dargestellt. Macků meinte, Europa könne 

nicht durch politische und ökonomische 

Grenzen definiert werden, es gehe vielmehr 

um Geschichte, kulturelle Gemeinsamkeiten, 

Traditionen und Wertvorstellungen. Wobei 

seine Gedankengänge und Haltungen heutzutage 

mehr denn je aktuell wären. Der 

Zyklus wurde in zahlreichen Museen und 

Kulturinstitutionen Europas, unter anderem 

auch im Parlament in Brüssel, ausgestellt. 

Zdeněk Antonín Macků ist Vertreter einer 

Künstlergeneration, die durch die dramatischen 

politischen Entwicklungen und Veränderungen 

der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts 

nachhaltig geprägt wurde. 

Emigration, weite Reisen und Aufenthalte in 

fernen Ländern machten ihn zum Kosmopoliten, 

wobei er aber immer überzeugter 

Europäer geblieben ist. Auch seine positive 

Lebenseinstellung hat er nie abgelegt. Bis 

heute ist das Interesse an seinen Arbeiten 

groß, das künstlerische Erbe wird liebevoll von 

seinen Töchtern gepflegt und verwaltet. Sein 

Werk und die Erinnerung an ihn wird dadurch 

hoffentlich ewig bestehen bleiben. Ausstellungen 

sollen 2023 in Linz in der Galerie „Hofkabinett“, 

in Wien und 2024 in Prag zu sehen 

sein. Konkret geplant ist für den 17. April ab 

18.00 Uhr im Restaurant „Les Gourmandises 

Love Italy“ in Wien (1190, Billrothstraße 41) 

eine Schau seiner Werke. Die Bilder befinden 

sich im Besitz vieler Galerien, Museen und 

privater Sammler in Europa und den USA, erst 

im Frühling 2021 wurde eines der Werke bei 

einer großen Ressler-Kunst-Auktion erfolgreich 

versteigert. 

p 

macku.cc 


ART 

Am 26. April 2023 

startet im St. James 

Theatre das 

brandneue 

Broadway-Musical 

„New York, New York“ 

mit Colton Ryan und 

Anna Uzele in den 

Hauptrollen 

Der Broadway ist das pulsierende kulturelle Herz von New York City. 

Er überstand viele Krisen, kam aber stets gestärkt zurück. Auch 2023 

werden Klassiker und Newcomer wieder ein Millionenpublikum 

begeistern. Vorhang auf 

Von Rosemarie Pescheck 


Foto: Matthew Murphy 

59

Musicals zählen weltweit zu 

den beliebtesten Formen 

der Live-Unterhaltung. 

Eine entscheidende Rolle 

dabei spielte der Broadway 

in New York, gilt er doch als Wiege und 

Hochburg dieser Kunstform gleicher maßen. 

Als Broadway wird das Theaterviertel am 

Times Square, zwischen 42st Street und 

53rd Street sowie 6th und 9th Avenue, 

bezeichnet, das auch von der gleichnamigen 

Straße durchquert wird. Knapp 17 Millionen 

Menschen besuchten 2019 in den 41 Theatern 

eine Broadway-Show und bezahlten 

rund zwei Milliarden Dollar für Tickets. 

Astronomische Zahlen, vor allem für eine 

Disziplin, die stets um ihre kulturelle Relevanz 

besorgt war. Entwickelt hat sie sich aus 

den Operetten und Singspielen des 18. und 

19. Jahrhunderts, ist jedoch nicht als deren 

Weiterentwicklung zu sehen, sondern als 

gänzlich neue Unterhaltungsform. Die Theaterwissenschaft 

definiert sie so: „Ein Musical 

ist eine populär und zeitgemäß aufgeführte 

Theaterproduktion, die aus Live-Darbietungen 

in den Bereichen Schauspiel, Tanz, 

Gesang und Musik besteht.“ Kritiker ließen 

aber oft kein gutes Haar an den Produktionen 

und haben sie als leichte Kost ohne Substanz 

abgetan. Nichtsdestotrotz, oder gerade 

deshalb, begeistern auch in der aktuellen 

Saison Klassiker wie „Moulin Rouge“, 

„Wicked“, „Hamilton“, „Chicago“ oder „Der 

König der Löwen“ wieder ein Millionenpublikum. 

Aber auch abseits von diesem Epizentrum 

sind viele weitere Theater in der ganzen 

Stadt verteilt und werden je nach 

Kapazität in „Off-Broadway“, wenn sie maximal 

500 Plätze fassen, oder „Off-Off-Broadway“ 

bei bis zu 100 Plätzen unterteilt. Nicht 

selten haben sich neue Off-Broadway-Stücke 

als Hit herauskristallisiert und wurden aufgrund 

hoher Nachfrage auf eine Broadway- 

Bühne verlagert. Berühmtestes Beispiel ist 

das Musical „Hair“, das Mitte Oktober 1967 

Off-Broadway-Premiere feierte und bereits 

ein halbes Jahr später, am 29. April 1968, fulminant 

am Broadway durchstartete. Doch 

begeben wir uns zurück zu den Anfängen 

und sagen: „Vorhang auf, it’s Showtime!“ 

Den Grundstein für das bekannteste 

Theaterviertel der Welt legten vor exakt 

130 Jahren die Unternehmer Charles Frohman 

und Al Hayman an der Ecke 40th Street, 

gegenüber dem damaligen Metropolitan Opera 

House. Das von ihnen in Auftrag gegebene 

Empire Theatre war das erste Theater, das 

den riskanten Umzug vom ursprünglichen 

Theaterviertel an der 23rd Street an den 

Times Square wagte. Oder besser gesagt an 

den Longacre Square, denn so hieß er 

ursprünglich. Erst als Adolph S. Ochs, damaliger 

Eigentümer und Herausgeber der „New 

York Times“, sich diesen Platz für die neuen 

Verlagsräumlichkeiten aussuchte und den 

„Times Tower“ bauen ließ – mit 25 Stockwerken 

damals eines der höchsten Gebäude von 

New York –, erfolgte 1904 die Umbenennung 

des Longacre Square in Times Square. Als 

Frohman und Hayman Ende des 19. Jahrhunderts 

das elitäre Architekturbüro J. B. 

McElfatrick & Sons mit dem Bau des Empire 

Theatre beauftragten, war davon noch lange 

keine Rede. Das fünfstöckige Landmark 

überraschte vor allem durch den ebenerdigen 

Eingang, denn ohne auch nur eine einzige 

Stufe erklimmen zu müssen, konnte man das 

Bauwerk direkt vom Gehsteig aus betreten. 

Ein Novum für die Zeit Ende des 19. Jahrhunderts. 

Der kaminrot-goldfarbene Saal bot 

Platz für 1.200 Zuschauer und wurde 1893 

feierlich mit der Erstaufführung von David 

Belascos „The Girl I Left Behind Me“ eröffnet. 

R 

„New York, New York“: Musik und 

Lyrics von John Kander und Fred Ebb 

U 

Aufgrund der intensiven Beleuchtung 

nennt man die Gegend rund um den 

Broadway auch „The Great White Way“ 

Und die beiden Unternehmer hatten bei der 

Standortwahl den richtigen Riecher, wurden 

doch zwischen 1900 und 1930 am Broadway 

viele weitere Theater neu gegründet, wie das 

am 2. November 1903 eröffnete und bis heute 

durchgängig bespielte Lyceum. Es liegt in 

der 45th Street zwischen 6th und 7th Avenue 

in Midtown Manhattan, ist im wunderschönen 

Beaux-Arts-Stil konzipiert und verfügte 

als erstes Theater über eine im 

gesamten Gebäude von Thomas Alva Edison 

installierte elek trische Beleuchtung. Außerdem 

war es mit einem für heutige Begriffe 

zwar einfachen, aber durchaus effizienten 

Lüftungssystem ausgestattet, das im Winter 

heizte und im Sommer kühlte. Das Lyceum 

hat Platz für 922 Personen und in seiner 

Geschichte vielen Stars eine Bühne geboten. 

Als größter Erfolg des Hauses gilt bis heute 

die ab 1946 gespielte Komödie „Born Yesterday“ 

mit Judy Holliday und insgesamt 

1.642 Vorstellungen. Von 2022 bis Anfang 

2023 war das Lyceum-Theater die Heimat 

des preisgekrönten Musicals „A Strange 

Loop“. Typischerweise haben Broadway- 

Theater kein Repertoiresystem, sondern zeigen 

jeweils nur ein Musical oder Theaterstück, 

das dafür aber über einen längeren 

Zeitraum. Abhängig ist das von der Kritik 

und dem Zuspruch des Publikums, manche 

verschwinden nach einer Saison aus dem 

Rampenlicht, andere halten sich Jahre oder 

gar Jahrzehnte. Als Überlebenskünstler kann 

die Show „Das Phantom der Oper“ bezeichnet 

werden, die erst Ende April 2023, nach 

unglaublichen 35 Jahren, eingestellt wird. 

Absoluter Weltrekord. 

Nach einem Boom in den 1920er-Jahren 

brach in den 1930er-Jahren, ausgelöst durch 

die Große Depression, die 

erste große Krise über den 

Broadway und seine Häuser 

herein. Die ersehnte 

Unterstützung brachte der 

New Deal. Er gilt als Antwort 

von Präsident Franklin 

D. Roosevelt auf den 

Börsencrash von 1929 und 

die damit einhergehende 

„Der Broadway in 

New York gilt als 

Wiege und Hochburg 

des Musicals“ 

60

A R T 

R 

Mit den Welthits von 

Pop-Ikone Britney 

Spears wird in „Once 

Upon A One More 

Time“ ab 23. Juni im 

Theater Marquis eine 

märchenhafte 

Geschichte erzählt 

U 

„Aladdin“ ist ein 

Klassiker aus dem 

Hause Disney. Zu 

sehen im New 

Amsterdam Theatre 

Fotos: Shutterstock, PR, Deen van Meer © Disney, Matthew Murphy 

Wirtschaftskrise. Zwischen 1935 und 1939 

profitierte der Broadway mit 46 Millionen 

Dollar aus diesem Rettungspaket und finanzierte 

damit über 1.200 Produktionen aus 

830 Werken. Obwohl die schweren Jahre 

relativ komfortabel überbrückt werden 

konnten, äußerten einige Verantwortliche 

aus der Theatergewerkschaft den Wunsch, 

die Qualität der Stücke nachhaltig zu steigern. 

Es war die Geburtsstunde der 1947 ins 

Leben gerufenen Tony Awards, sozusagen 

die Oscars oder Grammys der Theaterbranche. 

Einmal im Jahr werden sie ausschließlich 

für Stücke und schauspielerische Leistungen 

an Broadway-Theatern verliehen. 

Nominiert werden können alle Produktionen, 

die in der jeweiligen Saison zur Aufführung 

gekommen sind. Kritisiert wird seit jeher, 

dass keine Stücke und Schauspielleistungen 

vom Off-Broadway oder Off-Off-Broadway 

miteinbezogen werden. Pressevertreter versuchen 

diesbezüglich immer wieder zu 

intervenieren, bisher jedoch ohne Erfolg. 

2001 konnte „The Producers“ zwölf Preise 

abräumen, gewann somit in jeder nominierten 

Kategorie und stellte den 37 Jahre alten 

Rekord von „Hello, Dolly!“ ein, das bis dahin 

als das meistaus gezeichnete Musical galt. 

Trotz des Glanzes, Glamours und der 

Aufbruchsstimmung schlitterte der Broadway 

Anfang der 1950er-Jahre abermals in 

eine Krise, die viele Jahre andauern sollte. 

Schuld an der Misere waren die Etablierung 

von Tonfilmen und das Fernsehen, das landesweit 

Anklang fand. Daher gestaltete es 

sich immer schwieriger, das Publikum in die 

Theater zu locken. Eines der ersten Häuser, 

das diesen Paradigmenwechsel in der Unterhaltungsindustrie 

zu spüren bekam, war das 

Empire Theatre. Eben jenes, das ursprünglich 

den Grundstein für die Showkultur legte. 

An einem verregneten Herbsttag im Jahr 

1952 wurde dem Ensemble von „The Time of 

the Cuckoo“ mitgeteilt, dass das Theater 

abgerissen werden sollte, um Platz für ein 

hochmodernes Bürogebäude zu schaffen. 

Am 22. Mai 1953 versammelten sich 

56 Hauptdarsteller auf der Bühne zu einem 

Abschiedsgruß und spielten Szenen aus Stücken, 

die dort aufgeführt worden waren. 

Nach exakt 60 Jahren fiel der Vorhang zum 

letzten Mal. Sogar die „New York Times“ 

resümierte wehmütig: „Das Empire ist 

sowohl ein Schrein als auch ein Symbol für 

diejenigen, die sich an das goldene Zeitalter 

unseres Theaters erinnern. Ein Zeitalter, das 

nicht mit Filmen, Tonfilmen, Radio, Fernsehen 

und anderen mechanischen Eindringlingen 

rechnete.“ Der Abriss des Empire bildete 

aber erst den Auftakt zum Theatersterben. 

Fehlender Denkmalschutz machte es möglich, 

dass viele historische Gebäude der 

Abrissbirne zum Opfer fielen und sie durch 

neue Betonklötze ersetzt wurden. In leer 

stehende Häuser zogen schummrige Kinos 

ein, die sich aus finanziellen Gründen in 

kürzester Zeit in Striptease-Bars oder Erotikkinos 

transformierten. Mit ihnen kamen 

Drogendealer, Sexshops, kitschige Souvenir 


61

ART 


Fotos: Deen van Meer © Disney, Matthew Murphy © Disney, Avery Brunkus 

h 

Die Geburt des Löwenbabys 

Simba wird in „Der König 

der Löwen“ mit dem Song 

„The Circle of Life“ von 

Elton John besungen 

v 

Ende 2022 feierte „Der 

König der Löwen“ 25 Jahre 

am Broadway. Nur zwei 

weitere Musicals konnten 

je diesen Meilenstein 

erreichen 

geschäfte, schmuddelige Hotels, aber auch 

Taschendiebe und Prostituierte. Hotspot war 

die Gegend rund um die 42nd Street, direkt 

am Times Square. Schnellstmöglich unternahm 

man erste Versuche, um die prekäre 

Lage mit Zonenvorschriften unter Kontrolle 

zu bringen – jedoch erfolglos. Der aufkommende 

Liberalismus und die sexuelle Revolution 

der 1960er-Jahre taten ihr Übriges und 

öffneten Tür und Tor für allerlei Verlockungen. 

Billige 25-Cent-Peepshows und der Verkauf 

erotischer Filme sowie einschlägiger 

Artikel florierten und ließen die Mieten rund 

um den „Great White Way“, wie die Gegend 

um den Broadway wegen der intensiven 

Beleuchtung genannt wird, explodieren. 

Fortan dominierten im ehemaligen kulturellen 

Herzen der Millionenmetropole Prostitution, 

Drogenhandel und Alkoholismus. 

Auch die Kriminalität nahm erschreckende 

Ausmaße an. Nirgends in der Stadt wurden 

damals mehr Verbrechen verzeichnet als 

rund um den Times Square. Sogar die Rockband 

The Rolling Stones erklärte nach einem 

Broadway-Auftritt in den 1970er-Jahren die 

West 42nd Street zum schäbigsten Block von 

Amerika. In diesen dunklen Jahren war die 

Einführung des TKTS-Ticketschalters am 

Times Square, an dem Tageskarten 

für Broadway-Shows 

zum halben Preis erworben 

werden konnten, lebensrettend 

für die verbliebenen 

Theater. Das trug zur Belebung 

der Nachbarschaft bei, 

konnte aber die Wurzel des 

Übels nicht beseitigen. 

Erst Mitte der 1980er-Jahre 

setzte ein Sinneswandel ein, 

R 

Weltrekord: Nachdem 

„Das Phantom der Oper“ 

35 Jahre durchgehend 

am Broadway gespielt 

worden ist, ist ab 

16. April erst einmal 

Schluss 

und die Stadt holte zum Rundumschlag aus. 

Es wurde der Beschluss gefasst, ordentlich in 

den Geldtopf zu greifen, um die 42nd Street 

als Theater- und Unterhaltungs zen trum 

wiederzubeleben. Zunächst erhielt der 

Times Square eine eigene Müllabfuhr und 

Polizeistreife, daraufhin wurde alles Zwielichtige 

verbannt, alte Gebäude wurden restauriert 

und einige Bausünden aus den 60erund 

70er-Jahren abgerissen, um dort Bauten 

nach den ursprünglichen Plänen neu zu 

errichten. Und man hat aus den Fehlern der 

Vergangenheit gelernt, indem historischen 

Theatergebäuden der Status „Historic Sites“ 

verliehen wurde und sie so de facto unter 

Denkmalschutz gestellt wurden. Als Resultat 

der Anstrengungen zur Verbesserung der 

Situation kamen nach und nach die Theater 

zurück, aber auch noble Restaurants, elegante 

Hotels und renommierte Unternehmen 

wie MTV, Sony und die „Vogue“ ließen 

sich hier nieder. Es war die Renaissance des 

kulturellen und künstlerischen Zentrums der 

USA, strömten doch endlich wieder Scharen 

von Einheimischen und Touristen auf den 

Times Square. Um den 365.000 Menschen, 

die sich durchschnittlich täglich auf dem 

Platz aufhalten, mehr Raum zu geben, wurde 

ab 2012 sogar zwischen 42nd und 47th 

Street eine Fußgängerzone geschaffen. 

Zweifellos, der Broadway konnte die Krisen 

des 20. Jahrhunderts hinter sich lassen 

und ist heute ein Sinnbild für Kreativität, 

Energie und Dynamik des urbanen Lebens. 

Auch 2023 werden neue Produktionen wieder 

ein Millionenpublikum in Staunen versetzen. 

So wartet das Lunt-Fontanne-Theater ab 

26. März mit „Sweeney Todd“ auf, im 

St. James begeistert ab 26. April „New York, 

New York“, und eine märchenhafte Geschichte, 

erzählt mit den Welthits von Pop-Ikone 

Britney Spears, startet am 23. Juni im 

Marquis-Theater. Ebenso wenig sollte man 

das neue Musical „The Song of Bernadette“ 

von Frank Wildhorn, ab 19. Mai im Skylight 

Music Theatre, verpassen. Der 1959 im New 

63

ART 

Yorker Stadtteil Harlem geborene Superstar 

gilt als erster Komponist seit George Gershwin, 

der mit „Jekyll & Hyde“, „The Civil War“ und 

„The Scarlet Pimpernel“ drei Shows gleichzeitig 

am Broadway laufen hatte. Seither ist 

er weltweit erfolgreich und hat nun sogar 

seine erste Symphonie komponiert. Als Inspiration 

dafür diente ausgerechnet unsere 

schöne blaue Donau, die Uraufführung hat, 

wie es sich für eine „Donau-Symphonie“ 

gehört, im Wiener Musikverein stattgefunden. 

AURUM 999,9 hat den Anlass genutzt 

und sich mit dem kreativen Multitalent zum 

Interview ge troffen. 

Sie haben sich selbst das Klavierspielen beigebracht. 

Wurden Sie von Ihrem Umfeld 

dazu ermutigt und auf diese Idee gebracht, 

oder folgten Sie einem inneren Bedürfnis? 

Es war wirklich eine Kombination aus beidem. 

Ich habe in der Highschool American 

Football gespielt. Einige der Jungs, mit denen 

ich spielte, hatten ältere Brüder, die Musiker 

waren. Ich habe Musik immer leidenschaftlich 

geliebt, und es gab immer ein Klavier im 

Haus, also ist es wohl Schicksal! 

Wann haben Sie zum ersten Mal gemerkt, 

dass Sie Musikstücke komponieren wollen? 

Als ich 15 Jahre alt war, schrieb ich mein erstes 

Lied für meine Freundin Kathy mit dem 

Titel „You Are the Sun“, das sicher ziemlich 

schrecklich war. Die Wahrheit ist, dass ich 

mich nicht an eine Zeit erinnern kann, in der 

ich nicht geschrieben habe, und zwar von 

Anfang an, als ich anfing zu spielen. 

Ihr angeborenes musikalisches Talent ermöglichte 

es Ihnen, in verschiedenen Bands zu 

spielen und zu komponieren und nachts in 

Clubs aufzutreten, während Sie noch zur 

Highschool gingen. Ihre Musik reichte von 

Rock ’n’ Roll über Rhythm and Blues bis hin 

zu Jazz. Hatten Sie Vorbilder für Ihre kompositorische 

Arbeit, und in welcher Weise 

haben sie Sie inspiriert? 

Ich habe definitiv viele Vorbilder. Erstens, 

und das ist das Wichtigste, hatten meine 

Eltern einen sehr eklektischen Musikgeschmack, 

sodass in unserem Haus eine 

große Vielfalt an Musik gespielt wurde. Ich 

versuche immer noch, wie ein Schwamm so 

viel wie möglich aufzusaugen. Meine Einflüsse 

reichen von Rachmaninow bis Stevie 

Wonder, von Tschaikowsky bis zu den Eagles, 

von Leonard Bernstein bis zu den Doobie 

Brothers. Ich versuche, in jedem Musikstil, 

den ich höre, etwas zu finden, das mir am 

meisten gefällt. 

Einer Ihrer ersten großen Erfolge war unumstritten 

das Musical „Jekyll & Hyde“. Welche 

neuen Möglichkeiten eröffnete Ihnen dieser 

Erfolg? 

„Jekyll & Hyde“ war schon immer das Geschenk, 

das immer wieder kommt. Es machte mich 

mit dem verstorbenen, großartigen Leslie 

„Die Uraufführung der Symphonie 

war der absolute Höhepunkt 

meiner bisherigen Karriere“ 

Frank Wildhorn über die Uraufführung der „Donau-Symphonie“ 

Bricusse bekannt – meinem Mitarbeiter, meinem 

Mentor und meinem Vater in der Branche. 

Ohne die Begegnung mit Leslie hätte ich 

wahrscheinlich nie eine Karriere im Theater 

gemacht. Durch „Jekyll & Hyde“ lernte ich 

Linda Eder kennen, eine der großartigsten 

Stimmen unserer Zeit, die meine Muse und 

die musikalische Inspiration für die beiden 

Figuren Lucy und Emma wurde. „Jekyll & 

Hyde“ eröffnete mir die internationale Welt, 

und das tut es immer noch. Von den Orten, an 

denen ich war, bis hin zu den Menschen, die 

ich kennengelernt habe, verdanke ich alles der 

Erfahrung mit „Jekyll & Hyde“. 

Wenn Sie nach so einem großen Erfolg ein 

neues Projekt beginnen, welche Erwartungen 

haben Sie, und wie gehen Sie damit um? 

Bevor ich „Jekyll & Hyde“ machte, schrieb ich 

einige Songs für Julie Andrews für die Bühnenadaption 

von „Victor/Victoria“. Das war 

ein großartiges Vorspiel für das Schreiben 

von „Jekyll & Hyde“. Nach „Jekyll & Hyde“ 

waren „The Scarlet Pimpernel“ und „The 

Civil War“ meine nächsten beiden Broadway- 

Shows, und zusammen mit „Jekyll & Hyde“ 

hatte ich damit drei Shows, die zur gleichen 

Zeit am Broadway liefen. Um die Wahrheit 

zu sagen: Damals ging alles so schnell, es 

ging nur um die Arbeit, die getan werden 

musste. Es gab keine Zeit, sich davon stressen 

zu lassen. 

Sie wurden als Komponist von Musicals und 

Songs berühmt. Wann und warum entstand 

Der Broadway- 

Komponist Frank 

Wildhorn hat im 

Herbst 2022 seine 

erste Symphonie 

präsentiert 

zum ersten Mal in Ihrem künstlerischen 

Leben der Traum, eine Symphonie im klassischen 

Sinne zu schreiben? 

Für einen autodidaktischen Jazz-/Soul-Pianisten 

aus Hollywood, Florida, war die Idee, 

eine abendfüllende Sinfonie zu schreiben, 

definitiv nicht auf dem Radar! Ich habe klassische 

Musik schon immer geliebt, insbesondere 

die Romantiker – ich liebe vor allem die 

russischen Komponisten –, aber erst als mein 

Freund und Mäzen Walter Feucht die Symphonie 

in Auftrag gab, dachte ich ernsthaft 

daran, eine zu schreiben. Es war Walters 

Glaube an mich, dass ich eine schreiben 

könnte, der die „Donau-Symphonie“ entstehen 

ließ. 

Mit Ihrer ersten Symphonie haben Sie ein 

umfangreiches, 60 Minuten langes Werk 

geschaffen und es nach der Donau benannt. 

Was oder wer hat Sie dazu bewogen, gerade 

die Donau als Namensgeber zu wählen und 

nicht einen amerikanischen Fluss wie den 

weltberühmten Mississippi zum Beispiel? 

Die ganze Inspiration für diese Symphonie 

kam von meinem lieben Freund Walter Feucht. 

Er lebt unter anderem in Ulm, Deutschland, 

an den Ufern der Donau. Vor ein paar Jahren 

machten wir einen Spaziergang entlang des 

Flusses, und dort brachte er die Idee auf, diese 

Symphonie in Auftrag zu geben. Er ist von der 

Donau und ihrer Geschichte begeistert und 

meint, es sei schon zu lange her, dass etwas für 

und über sie geschrieben wurde. So hat also 

alles angefangen! 

64

Sie kennen die europäische Musik mit den Jahrhunderten 

an historischer Entwicklung. Fiel es 

Ihnen leicht, sich von diesen Vorbildern zu 

lösen und Ihren persönlichen Stil umzusetzen? 

Was die „Donau-Symphonie“ betrifft, so 

haben mich Rachmaninow, Tschaikowsky, 

Strauss, Brahms und sogar Debussy stark 

beeinflusst. Die Donau fließt durch so viele 

Länder. Sie ist das Lebenselixier Europas. Die 

Musik ist eine Kombination aus Recherchen, 

persönlichen Erinnerungen und Erfahrungen, 

und im Falle des Satzes „Song for My 

Father“ habe ich versucht, meinem eigenen 

Vater, der aus Rumänien stammte, und der 

Reise eine Stimme zu geben. 

Im Herbst 2022 war es dann endlich so weit, 

und die Uraufführung konnte mit den Wiener 

Symphonikern im Großen Musikvereinssaal 

stattfinden. Welche Erinnerungen 

haben Sie an diesen Abend, und welche Emotionen 

verbinden Sie damit? 

Die Uraufführung der Symphonie war der 

absolute Höhepunkt meiner bisherigen musikalischen 

Karriere. Der historische Musikvereinssaal, 

mehr als 90 der besten Musiker der 

Welt, die Resonanz und alles andere zusammen 

machten den Abend für mich zu einem 

unvergesslichen Erlebnis. Ich kann es kaum 

erwarten, es wieder zu tun. 

Wenn man sich Ihren umfangreichen Werkkatalog 

ansieht, fällt einem auf, dass Sie 

nicht nur äußerst kreativ, sondern auch 

äußerst produktiv sind. Haben Sie sich ein 

Zeitmanagementsystem zugelegt? 

Wenn ich atme, schreibe ich im Grunde. Es 

ist einfach ein Teil meines natürlichen 

Lebens, und so läuft es bereits seit Jahren. 

Schreiben ist für mich ein instinktives Erlebnis. 

Es ist sehr entspannend und befreiend. 

Ich habe immer gesagt, es ist wie beim 

Angeln: Die Fische sind schon da. Und die 

Fragen, wie viele ich an einem Tag fangen 

werde und, vor allem, ob ich einen großen 

Fisch fangen kann, stelle ich mir jeden Tag. 

Wenn man sich die Orte ansieht, an denen 

Ihre Werke uraufgeführt wurden und immer 

noch auf der Bühne zu sehen sind, sind sie 

weit verstreut und oft sehr weit vom Broadway 

entfernt. Behalten Sie den Überblick 

über Ihre Werke und die Musicals, die auf 

der ganzen Welt zu sehen sind? 

Die Wahrheit ist, dass ich den besten Assistenten 

der Welt habe, Nick, der täglich meine 

Brücke zur Welt der Unterhaltung ist. Er 

scheint immer alles zu wissen, was gerade los 

ist. Ich verfolge aufmerksam, was in den 

Sendungen und in der Branche im Allgemeinen 

vor sich geht, aber ich bin nicht davon 

besessen. Ich bin zu sehr mit dem Schreiben 

beschäftigt. 

Viele Kulturschaffende beklagen, dass die 

Arbeit an neuem Material oft sehr schwierig 

ist und man viel Zeit investieren muss, bis 

ein erfolgreiches Werk fertig ist. Fällt es 

Ihnen schwer, Neues zu schaffen, oder sind 

Sie einer der Glücklichen, die viele Ideen in 

kurzer Zeit verwirklichen können? 

Es gibt so viele Jobs, die wirklich schwierig 

sind. Diejenigen von uns, die ihren Lebensunterhalt 

mit kreativen Tätigkeiten verdienen 

können, haben großes Glück. Wenn man 

mit dem, was man am meisten liebt, seinen 

Lebensunterhalt verdienen und sich um diejenigen 

kümmern kann, die man liebt, darf 

man sich nicht beschweren. Ich versuche, 

dieses Glück nie als selbstverständlich anzusehen, 

und arbeite täglich den ganzen Tag 

lang. 

Auf welche Projekte von Ihnen können sich 

unsere Leser im Jahr 2023 freuen? Was können 

Sie uns verraten? 

Das ist eine lange Liste! Zuallererst: mehr 

klassische Werke. Viele neue Shows auf der 

ganzen Welt, darunter meine nächste Broadway-Show 

„Song of Bernadette“. Ich bringe 

meine japanischen Manga-Shows in den 

Westen (Anm. d. Red.: „Death Note“ und 

„Your Lie in April“). Einige meiner anderen 

kommenden Titel sind „The Light of Firenze“ 

(über Michelangelo und Da Vinci), „The Lost 

Boy“, „Kane & Abel“ (basierend auf dem Jeffrey-Archer-Roman) 

sowie eine Show über 

Sarah Bernhardt und eine Show über 

Einstein. 

p 

Die „Donau- 

Symphonie“ von 

Frank Wildhorn 

wurde im Großen 

Musikvereinssaal in 

Wien uraufgeführt. 

Anwesend war unter 

anderem der Wiener 

Bürgermeister 

Michael Ludwig 

Fotos: Rolf Bock 


65

66

PHOTOGRAPHY | PORTRAIT 

v 

„Nice Basket“ 

Gabriela Cubert 

London, 2000 

Joachim Baldauf 

Redaktion: Bernhard Musil, Fotos: Joachim Baldauf, Porträtfoto: Marina Geckele 

Mach keine Fehler, dann musst du dich auch nicht entschuldigen.“ 

Ein Ratschlag von Joachim Baldaufs österreichischer 

Oma, den er von klein auf befolgte und zu seinem 

Credo machte. Die großmütterliche Anregung fiel 

offensichtlich auf fruchtbaren Boden, denn Baldauf rangiert in der 

Liga der einflussreichsten deutschen Porträt- und Modefotografen. 

Seine Arbeiten gehen unter die Haut, auch wenn er schmunzelnd 

behauptet: „Mich interessiert nur die Oberfläche. Und mein Publikum 

kann auch nichts anderes sehen.“ 

1965 im idyllischen Allgäu geboren, modelte Baldauf als Teenager 

für die Jugendzeitschrift „Bravo“, studierte Textildesign, war als Artdirector 

tätig und verschrieb sich 1998 endgültig der Arbeit hinter der 

Kamera. Zwischen 1999 und 2002 produzierte er etliche Cover und 

Strecken für das Designmagazin „Wallpaper*“ und war maßgeblich 

an der Entwicklung der Sleek-Chic-Bildsprache beteiligt, die die 

Ästhetik der Jahrtausendwende prägte. Die Liste seiner Auftrag geber 

ist lang – unter anderem Helmut Lang, Levi’s, Adidas und MAC 

vertrauen seinem Auge ebenso wie „Vogue“, „Elle“, „iD“ und „GQ“. Er 

feierte Erfolge mit zahlreichen Ausstellungen, fotografierte für karitative 

Projekte wie zum Beispiel Ärzte ohne Grenzen und das Deutsche 

Rote Kreuz, wurde mehrfach ausgezeichnet und doziert international 

an namhaften Universitäten. 

Baldaufs Bilder bestechen durch eine klare Bildsprache gepaart 

mit subtiler Ironie. Für ihn heißt Fotografie nicht bloß „mit Licht 

schreiben“, vielmehr sieht er sie als multidimensionale Kommunikation. 

Der Ausnahmefotograf ist gesegnet mit einem Gefühl für Zeitgeist, 

das seinesgleichen sucht. Dass er seiner Zeit stets einen Schritt 

voraus ist, bewies er im Laufe seiner Karriere gleich mehrfach. So 

demonstrierte er schon zu Beginn der Sustainability-Bewegung mit 

aufsehenerregenden Bildern, dass Nachhaltigkeit und Design keinen 

Widerspruch darstellen müssen. Als die Hipster-Welle noch in weiter 

Ferne lag, fotografierte er bereits Männer mit Rauschebärten und 

löste dadurch fast einen medialen Kulturschock aus. Nach jahrelanger 

Vorarbeit gelang es ihm vor Kurzem, einen seiner Kunden davon zu 

überzeugen, Neuland zu betreten: Er kreierte eine Haarkampagne, 

die gänzlich auf Retusche verzichtet – eine im Beauty-Bereich bis 

dato undenkbare Vorgehensweise. 

joachimbaldauf.de 


67

v 

„SOS #2“ / Luca & Christian Gajdus / Berlin, 2006 

hh 

„Marilyn“ 

Hamburg, 2003 

h 

„F #1“ 

Tanel Derard 

Zürich, 2011 

68


Fotos: Courtesy Studio Semotan @ Elfie Semotan 

„Eurythmie“ 

Alex Sander 

Berlin, 2010 


69

70 

„A star is born“ 

Hartje Andresen 

Hamburg, 2007


„Die Nonne“ / Sarah Schulze / Hamburg, 1999 

hh 

„Richert Beil Campaign“ 

Berlin, 2020 

h 

„Breathe 1“ 

Excerpt 

Bremen, 2017 


71


„Le charme discret de la bourgeoisie #1“ / Eva Fikarová / Hamburg, 2002 

x 

„Von den Socken #1“ / Anton Nilsson / Hamburg, 2006 

h 

„L’amore in città“ / Veza & Ned Shatzer / Mailand, 2009 


Ist verbales 

Charisma 

angeboren? 

Mein TEDx-Talk 

Von Dr. Tatjana Lackner 

Kommunikations- & Verhaltens-Profilerin 

Auch zu dieser Minute finden weltweit Millionen 

Besprechungen statt, wo morgen wieder nachtelefoniert 

und hinterhergemailt werden muss, 

weil nicht klar geworden ist: Wer macht was 

genau bis wann? Unter dem Motto „People Are Awesome“ wurde ich 

eingeladen, einen TEDx-Talk zu gestalten. Rasch war mir klar, dass 

ich vor allem jene Menschen „beeindruckend“ finde, die charismatisch 

sprechen. Denn: Wer es schafft, „Weitererzählwert“ zu garantieren, 

der spart uns Zeit. Je länger wir in Meetings, Zoom-Talks und 

anderen Gesprächen festsitzen, umso weniger temporäre Ressourcen 

haben wir zur Verfügung. Ergo: Redezeit ist Lebenszeit! 

Verbales Charisma fällt nicht vom Himmel! 

Für die einen sind es Synchronsprecher, für die anderen belesene 

Querdenker, denen beim Business-Kamingespräch alle lauschen. Die 

Frage ist: Gibt es überhaupt eine klare Definition von Charisma, oder 

ist der Begriff so individuell wie Schönheit – worunter jeder etwas 

anderes versteht? Die gute Nachricht: Ja, es gibt diese Definition, 

und ich habe sie sicherheitshalber selbst erforscht. Die Basis für die 

Formel bilden mehr als 30 Jahre Arbeit mit Stimme und Sprache und 

tausende Trainingsstunden in der Schule des Sprechens. 

Die erste Variable der Formel für verbales Charisma ist ein großer, 

bunter Wortschatz. Doch Vorsicht: Allein viele Fremdwörter zu kennen 

reicht nicht, es geht vielmehr um bildhafte Ausdrucksweise, variantenreichen 

Einsatz von Synonymen und vielfältige Bedeutungen. 

Wir erwarten zudem fachliche Kompetenz – egal, ob von Spezialisten, 

im Handel, in der Medizin oder in der Beratung. Es ist wohltuend, an 

jemanden zu kommen, der vom Fach ist und sein Handwerk versteht. 

Verbal charismatische Menschen artikulieren deutlich und beeindrucken 

mit eleganter Aussprache und einer hörbar wohlklingenden 

Stimme. Auch wenn wir Verständnis für nervöse Menschen haben, 

nominieren wir in unserer eigenen Abteilung oder für unsere Interessen 

lieber die souveränen Redner, damit unsere Anliegen gut vorgetragen 

werden und wir uns optimal vertreten fühlen. Engstirnigkeit 

oder Borniertheit sind keine Eigenschaften, die wir uns in einem 

Katalog für Charisma aussuchen würden. Großzügigkeit im Denken 

ist eben nichts für Kleingeister. 

Der Rhetorik-Triathlon 

Was im Sport Schwimmen – Radfahren – Laufen, ist im Rhetorik 

Triathlon Präsentieren – Kontern – Argumentieren. Der Berufsalltag 

verlangt uns sprachliche Kondition ab. In allen drei Disziplinen gleichermaßen 

zu überzeugen, das vermögen nicht viele. 

Präsentieren ohne Schwimmen: Irgendwann müssen die meisten 

von uns Inhalte wenigstens im Rahmen der eigenen Kollegenschaft 

präsentieren. Einige reden vor Kunden oder sogar öffentlich auf Bühnen. 

Die Devise heißt dann: Weg vom Power-Point-Karaoke! Eine 

Rede ist keine Lesung. Vermeiden Sie inflationäre Sager und welke 

Begrüßungssätze. „Sehr geehrte Damen und Herren, schön, dass Sie 

heute so zahlreich erschienen sind.“ (Das ist auch grammatikalisch 

holprig: Jeder Teilnehmer kann nur einmal erscheinen.) Besser: „Willkommen 

zum Thema XY. Fein, dass sich heute so viele Zeit nehmen.“ 

Auch die Verabschiedung darf individueller sein als „Ich danke für Ihre 

Aufmerksamkeit“. Raffiniertes Rede-Design hat viel mit gelungener 

Vortrags-Dramaturgie und aktiver Pausensetzung zu tun. Unpünktlichkeit 

und schlechtes Zeitmanagement sind keine Kavaliersdelikte. 

Die Zuhörer haben auch nach Ihrem Vortrag noch ein Leben. 

Kontern ohne Treten: Von der Schulbank über das Elternhaus bis 

hin zum eigenen Familien- & Berufsalltag – immer sollten wir in der 

Lage sein, uns gelungen zu verteidigen. Manche Todschlagargumente 

und Killerphrasen sind jedoch schwerer zu verdauen als andere. 

Und wer sich rechtfertigt, hat bereits verloren. Wer schmähstad übrig 

bleibt, ebenso. Auf dem Heimweg nützen uns dann die besten Konter 

nichts mehr. Die Frage ist daher: Welches Reaktionsmuster sitzt bei 

mir besonders locker? Reagiere ich auf Gesprächsblockaden zumeist 

witzelnd, devot, gschnappig oder renne ich schnurstracks in die beleidigte 

Wurstwarenabteilung? 

Argumentieren ohne Laufen: Jeder Mensch muss im Zuge seines 

Lebens Meinungen argumentieren – manchmal sogar gegen die eigene 

Überzeugung. Jemand, der uns von seiner Expertise überzeugt, leiert 

sicher nicht einfach lieblos Argumente herunter. Besser: gelassenes 

Redetempo, gute Stimm-Modulation und knackige Kernaussagen ohne 

rhetorische Platzhalter. Sprachlich öde sind hingegen Bullshit-Bingo- 

Floskeln wie „irgendwie“, „sag ich einmal“, „sozusagen“, „das muss jeder 

selbst entscheiden“, „gemeinsam zusammen“, „nachhaltig“, „am Ende 

des Tages“, „im Großen und Ganzen“, „in Zeiten wie diesen“ … 

Foto: Die Schule des Sprechens GmbH 

74

KOLUMNE 

Man muss nicht Latein 

gehabt haben, um zu wissen, 

dass Cicero recht hatte: 

„Zum Dichter wird man 

geboren, zum Redner wird 

man gemacht“ 

80 % Prozent unseres Alltags verbringen wir in Kommunikations-Situationen. 

Diese drei Disziplinen sind immer gefragt: kraftvoll zu präsentieren, 

schlüssig zu argumentieren und auf Einwände vorbereitet zu sein. 

Kennen Sie Ihre „Elefanten“? 

Bevor Sie beim Meeting in die Arena steigen, um die besten Argumente 

gegeneinander antreten zu lassen, müssen Sie erst für die 

richtige Atmosphäre mit den Gesprächspartnern sorgen. Das bedeutet, 

sich schon im Vorfeld zu überlegen, womit man persönlich oder thematisch 

anecken könnte. Mal liegt es an der Wortwahl, dann wieder 

an den falsch gewählten Beispielen. Auch die eigenen „Elefanten“ 

sollten wir kennen. Die wechseln jedoch je nach Zielgruppe. Wer aus 

der Wirtschaft kommt, wird sich für seinen Vortrag vor Soziologen 

andere Beispiele vorbereiten als für eine Keynote im Haus der Industrie 

– und umgekehrt. Schließlich wollen wir nicht an der Wirklichkeit 

unserer jeweiligen Zuhörerschaft vorbeireden. Deshalb ist eine Zielgruppenanalyse 

unumgänglich. Wer über Kaffee spricht, muss auch 

Teetrinker abholen. Niemand soll seine Ecken und Kanten verlieren, 

doch am Wertesystem anderer frontal aufzuprallen hilft Ihrer Performance 

wenig. Ursprünglich kommt die Metapher „Elefanten im Raum“ 

aus der russischen Literatur. Heute bedeutet „der Elefant im Raum“, 

dass jemand ein Problem, das für alle spürbar ist, ignoriert. 

In Anlehnung an diese Metapher stelle ich im Coaching meinen 

Vorständen häufig die Frage, von welchen Elefanten sie persönlich 

umgeben sind. Denn: Sobald jemand eine Rednerbühne betritt, geht 

es los mit den Begutachtungen durch andere. Wer ist die? Was glaubt 

der da vorne, wer er ist? Wie sieht er oder sie überhaupt aus? 

Bewertet werden wir immer. Die Frage ist nur, woran sich andere 

Menschen stoßen. Gerade in den Medien erleben wir bereits Vorverurteilungen, 

noch bevor sich jemand zu Wort gemeldet hat. 

Sobald das Bildinsert einen eigenwilligen Namen (gern auch einen 

Doppelnamen) einblendet oder eine englische Berufsbezeichnung 

den Redner beschildert („Head of“ XY für einen banalen Job), geht 

das Geraune in den Wohnzimmern los: „Schau mal, der Hausmeister 

heißt heute Facility-Manager, sehr fesch, nicht?!“ oder „Seit wann 

ist die Position des CRO im Unternehmen etwas anderes als Risikomanagement?“ 

Der CRO (Chief Risk Officer) befasst sich mit den 

regulatorischen Themen und Bedrohungs-Szenarien rund um das 

Unternehmen. Damit teilt er sich seine Namensabkürzung mittlerweile 

immer öfter mit dem Chief Reputation Manager – der sich hingegen 

um alle Aktivitäten kümmert, die den tadellosen Ruf der Organisation 

fördern oder gefährden. Besser überlegt man sich vor dem Medien- & 

Redeauftritt, durch welche „persönlichen Elefanten“ Ungnade droht. 

Jeder, der selbstkritisch und erfolgreich vordenkt, ist gut beraten. 

Dieses „Worst-Case-Szenario“ hat nichts mit Schwarzmalerei zu tun, 

sondern mit sinnvoller Prävention. Ihr Reputationsmanagement und 

die damit verbundene Glaubwürdigkeit sollen keinen Schaden leiden. 

Student Sebastian beispielsweise weiß, dass er sanft übergewichtig ist 

und durch seine Größe und den dunklen Bart auf andere Menschen 

anfangs bedrohlich wirken kann. Deshalb kümmert er sich schon am 

Beginn seiner Pitchs und der anschließenden Firmenpräsentationen 

verstärkt um beziehungsbindende Maßnahmen. Er lächelt und überrollt 

die Kundschaft nicht mehr wie früher in seinen Sturm-und- 

Drang-Jahren. Er arbeitet mit Pausenmanagement. Nie geht es darum, 

einer Norm zu entsprechen. Vielmehr ist die kritische Auseinandersetzung 

mit den „eigenen Elefanten“ wichtig, um von anderen richtig 

eingeschätzt und nicht vorzeitig abgestempelt zu werden. 

Fazit: Mein TEDx-Talk in Salzburg hat viel Applaus bekommen. 

Es war eine Auszeichnung, überhaupt nominiert zu werden. In nur 

18 Minuten muss ein Speaker die Bühne rocken. Das Ergebnis lauert 

dann für immer im Netz der Google-Spinne oder auf YouTube. Man 

muss nicht Latein gehabt haben, um zu wissen, dass Cicero recht hatte: 

„Zum Dichter wird man geboren, zum Redner wird man gemacht.“ 

sprechen.com 


75

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PRINZ EUGEN 

VON SAVOYEN 


HISTORY 

Karl von Blaas: 

„Die Schlacht 

bei Turin 1706“, 

1864 

Prinz Eugen 

mitten im 

Schlacht geschehen 

Fotos: Sammlung Belvedere 

Französisch-italienischer Abstammung, aus hochadligem Hause, aber mittellos, 

stieg er in Österreich zu einem der brillantesten Feldherren der Geschichte auf, zum 

gewieften Staatsmann und Diplomaten, der die Geschicke Europas mitgestaltete. 

Großzügig belohnt für seine Verdienste, galt er bald auch als reichster Mann 

Europas und hinterließ als ambitionierter Bauherr und Kunstmäzen ein 

reichhaltiges kulturelles Erbe für seine Wahlheimat Österreich 

Von Percival Pachta-Rayhofen 

79

HISTORY 

Niemand am Hof des französischen 

Herrschers Ludwig 

XIV., des Sonnenkönigs, hätte 

dem jungen verwahrlosten Halbwaisen, 

ohne Vater und dazu mit einer verbannten 

Mutter, irgendeine Karrierechance zugetraut. 

Obwohl hineingeboren in die Familie der 

Herzöge von Savoyen, damals ein unabhängiger 

Staat und Nachbar des mächtigen 

Frankreich, hatte er denkbar schlechte 

Startvoraussetzungen: Seine Mutter Olympia 

Mancini, Nichte des einflussreichen 

Kardinals Mazarin, der für den unmündigen 

Ludwig XIV. Frankreich regiert hatte, brachte 

es zwar zur Geliebten des Sonnenkönigs, 

fiel aber einer Hofintrige zum Opfer, beim 

König in der Folge in Ungnade und wurde 

verbannt. Der Monarch wollte mit dem 

jungen Prinzen nichts zu tun haben und sah 

ihn lediglich für eine geistliche Laufbahn 

als geeignet an. Mit dieser Aussicht wollte 

sich der junge Eugen aber nicht abfinden, 

hatte er doch schon früh mit Interesse über 

Alexander den Großen und Julius Cäsar 

gelesen. So beschloss er, vom französischen 

Hof zu fliehen. Sein Ziel war Österreich, wo 

sein älterer Bruder ein Dragonerregiment 

kommandierte. Da gab es möglicherweise 

interessantere Aufgaben, lag doch Österreich 

im Krieg mit dem Osmanischen Reich. 

Diese kühne Entscheidung sollte den 

Grundstein für eine beispielhafte Karriere 

legen, sehr zum Verdruss des Sonnenkönigs, 

dessen unersättlichem Machtstreben er 

später schmerzhafte Grenzen setzen sollte. 

Wappen des Prinzen Eugen 

von Savoyen 

In Österreich angekommen, erfüllte sich sein 

Wunsch, das Regiment seines kurz davor im 

Kampf gegen die Osmanen gefallenen Bruders 

Ludwig Julius zu übernehmen, zunächst 

noch nicht. Wohl aber durfte er nach Fürsprache 

einflussreicher Fürsten aus seiner 

weitverzweigten Verwandtschaft als einer 

von vielen „princes volontaires“ aus ganz 

Europa an der Entsatzschlacht vor Wien teilnehmen. 

Er bewährte sich durch Tapferkeit 

und Umsicht, sodass Kaiser Leopold I. ihm 

huldvoll das Kommando über ein Reiterregiment 

übergab. Die berühmten Savoyen 

Dragoner, wie sie von nun an hießen, 

existierten bis zum Ende der Österreichisch- 

Ungarischen Monarchie 1918. Oberst also 

mit 20 Jahren, mit 22 bereits zum Generalfeldwachtmeister 

befördert, nahm seine militärische 

Karriere einen steilen Verlauf. 

BRILLANTER 

FELDHERR 

Bei Zenta in Ungarn gelang dem Prinzen 

1697 sein erster großer Sieg als Feldmarschall 

und Oberkommandierender: Wie auch 

später so oft, griff er, obwohl zahlenmäßig 

unterlegen, das Türkenheer überraschend 

während dessen Flussüberquerung an und 

zerstreute es vollständig. 

Kühne Entschlüsse, überraschende 

Manö ver und außerordentlicher Mut sind 

die Ingredienzien seiner Feldherrenkunst. 

Er schont sich selbst nicht, führt wiederholt 

von vorderster Front im gegnerischen Feuer, 

wird oft verwundet, aber versteht es, durch 

sein Beispiel seine Truppen zu Höchstleistungen 

zu motivieren. Sein Sieg bei Zenta 1697 

läutete den Aufstieg Österreichs zur Großmacht 

ein. Und da war natürlich noch Belgrad. 

Jedes Kind kennt das berühmte Prinz-Eugen- 

Lied vom edlen Ritter, der „dem Kaiser wollt 

wiedrum kriegen Stadt und Festung Belgerad“. 

Diese strategisch für den gesamten Balkan 

wichtige türkische Festung wurde 1717 von 

den kaiserlichen Truppen unter seinem Oberbefehl 

eingeschlossen. Die Belagerung erwies 

sich jedoch als schwierig und zog sich in die 

Länge, zudem dezimierten Seuchen die Kaiserlichen. 

Zu allem Überfluss rückte ein weit 

überlegenes osmanisches Entsatzheer heran 

und umzingelte seinerseits die Belagerer. 

Diese gerieten nun von zwei Seiten unter 

Feuer, eigentlich eine ausweglose Situation. 

Mit gewohnter Kühnheit und Risikobereitschaft 

setzte der Prinz alles auf eine Karte 

und befahl im Morgennebel einen Angriff auf 

die Schanzen des Entsatzheeres. Der Angriff 

gelang, die Türken flohen, Belgrad kapitulierte, 

und die osmanische Vorherrschaft auf dem 

Balkan war gebrochen. Österreichs Grenzen 

reichten nun bis 1918 tief in den Balkan. 

Neben seinen wichtigen Siegen in 

Flandern und bei Höchstädt gemeinsam mit 

dem Herzog von Marlborough und einem 

weiteren „unmöglichen“ Sieg über die weit 

überlegenen Franzosen vor Turin soll noch 

ein besonderes Husarenstück erwähnt werden. 

Im Italienfeldzug 1701 beschloss Prinz 

Eugen, das Hauptquartier des französischen 

Marschalls Villeroy in Cremona auszuheben. 

In dunkler Nacht rückte er mit nur 4.000 

Mann an, ein Vorkommando drang durch 

einen Kanal in die Stadt ein und öffnete dem 

Gros der Truppe die Tore. In dem folgenden 

wilden Handgemenge in den Straßen, mit 

dem Prinzen mittendrin, gelang es zwar, 

Villeroy gefangen zu nehmen, jedoch konnte 

die Stadt nicht gehalten werden, weil durch 

einen Zufall mehr Franzosen in der Stadt 

stationiert waren als gedacht. Trotz des 

unvollständigen Erfolges war die Schockwirkung 

unter den Franzosen groß, da „man 

nun nirgendwo vor dem teuflischen Prinzen 

sicher sei“. Selbst als Feldmarschall scheute 

er sich also nicht, höchstselbst an einer 

gefährlichen Kommandoaktion mitten ins 

feindliche Hauptquartier teilzunehmen. 

Fotos: Wikimedia, Alamy 


h 

Hyacinthe Rigaud: 

„Der Sonnenkönig 

Ludwig XIV.“, 

1701 

k 

Jacob van Schuppen: 

„Reiterportrait“ 

Prinz Eugen auf seinem 

Schlachtross 

O 

August Wenzel Mantler, 

1865 

Kaiser Karl VI. 

überreicht Prinz Eugen 

nach seinem Sieg bei 

Belgrad ein 

Ehrenschwert 

81

HISTORY 

O 

Bernardo Bellotto 

genannt Canaletto: 

„Das kaiserliche 

Lustschloss Hof, 

Ehrenhofseite“, 

ca. 1750 

k 

Fotografie Julius Silver: 

Oberes Belvedere Wien 

h 

Anton Dominik 

Fernkorn, 1865 

Reiterstandbild 

des Prinzen Eugen 

auf dem Wiener 

Heldenplatz 

VERMÖGENDER BAUHERR 

UND GARTENFREUND 

Der Prinz, der als mittelloser junger Mann 

nach Österreich kam, verdankte seinen 

wirtschaftlichen Aufstieg im Wesentlichen 

den großzügigen Belohnungen, die ihm 

„seine“ drei Kaiser, denen er diente, nämlich 

Leopold I., Joseph I. und Karl VI., für seine 

militärischen Erfolge zukommen ließen. 

Dies waren ausgedehnte Ländereien, vornehmlich 

in frisch eroberten Gebieten im 

damaligen Ungarn, aber auch höchst einträgliche 

Ämter, etwa als Präsident des 

Hofkriegsrates, Generalstatthalter der 

Österreichischen Niederlande oder Generalgouverneur 

von Mailand. Und nicht zuletzt 

Anteile an der reichen Kriegsbeute seiner 

Feldzüge. Allerdings waren es zunächst die 

Einkünfte der beiden Abteien in Savoyen, die 

ihm sein Cousin Herzog Viktor Amadeus II. 

von Savoyen übertrug, die seine ursprüngliche 

Geldnot lindern halfen. Da Eugen dazu 

formal als Abt fungieren musste, war er zur 

Ehelosigkeit verpflichtet. Dies mag eine 

Erklärung sein, warum er ungeachtet seiner 

persönlichen Neigungen niemals heiratete 

und auf allen gesellschaftlichen Anlässen, so 

er sie nicht meiden konnte, ohne Begleitung 

eines „Frauenzimmers“, wie man damals 

sagte, erschien. Wirtschaftlich hat der Prinz 

stets ein glückliches Händchen bewiesen 

und verstand es sehr gut, seinen Besitzstand 

durch kluge Bewirtschaftung, Weitblick und 

Sinn für Details zu mehren. 

Wie es einem barocken Adligen anstand, 

sollte der rasante Aufstieg auch für alle Welt 

sichtbar manifestiert werden. Dazu eignet 

sich natürlich eine repräsentative Behausung 

am besten. Der Prinz wohnte ja immer noch 

beim spanischen Botschafter in Wien. Das war 

zwar damals nicht unüblich, denn in den weitläufigen 

Barockpalais fand sich immer eine 

angemessene Suite für Gäste, aber dennoch: 

Ein prächtiges Palais musste her, um die 

Bedeutung seines Bauherrn zu illustrieren. 

Mit seinen exzellenten Beziehungen gelang 

es, keinen Geringeren als Johann Bernhard 

Fischer von Erlach, quasi Leibarchitekt des 

Fotos: Brandstätter Images, Alamy, Foto Julius Silver, Shutterstock 


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HISTORY 

Kaiserhauses, zu gewinnen. Dies war keine 

Selbstverständlichkeit, galt er doch quasi 

als „Popstar“ der Architektur, der vom Adel 

mit Aufträgen geradezu überhäuft wurde. So 

entstand das sogenannte Stadtpalais in der 

Wiener Himmelpfortgasse, welches ständig 

erweitert wurde, sobald ein benachbartes 

Grundstück erworben werden konnte. Heute 

dient es als Sitz des Finanzministeriums. 

Wer an Prinz Eugen denkt, dem fällt 

natürlich sofort das Wiener Belvedere ein. 

Den Gepflogenheiten folgend musste man 

auch ein Sommerpalais besitzen, sofern 

man zur Crème de la Crème gehören wollte. 

Draußen vor der Stadt, in den teilweise noch 

von der Türkenbelagerung her verwüsteten 

Feldern und Vorstädten gab es Baugrund. 

Nicht ganz zufällig entschied sich der Prinz 

für ein Grundstück „Auf der Wieden“, denn 

es erlaubte einen herrlichen Ausblick auf 

Wien und bot weiters den Vorteil, das Palais 

des Obersthofmarschalls Graf von Mansfeld, 

eines seiner Gegenspieler, in den Schatten 

zu stellen. Noch heute thront das Belvedere 

dominierend über dem nunmehrigen Palais 

Schwarzenberg, ehemals Mansfeld. Für den 

Prachtbau engagierte Prinz Eugen den aufstrebenden 

Johann Lucas von Hildebrandt. 

Dieser versprach modernere Entwürfe als der 

schon etwas außer Mode geratene Fischer 

von Erlach. Nicht nur hinsichtlich Architektur 

wurden keine Kosten gescheut, sondern 

auch der Gartengestaltung galt nun die 

besondere Aufmerksamkeit des Bauherrn. 

Ganz im Sinne des damaligen Trends ließ 

Prinz Eugen mit einem bekannten französischen 

Experten für Gartengestaltung 

zeitgemäße Parks anlegen. Aus seiner Korrespondenz 

ist bekannt, dass er, wo auch 

immer in Europa er gerade im Einsatz war, 

seine Verwalter minutiös anwies, sich um 

bestimmte Details von Pflanzung und Pflege 

seiner Gärten zu kümmern. Darüber hinaus 

konnte er auch mit einer ansehnlichen 

Sammlung exotischer Tiere aus aller Welt 

seine Besucher in Erstaunen versetzen. 

k 

Aus Hugo von Hofmannsthal und Franz 

Wacik: „Prinz Eugen der edle Ritter. 

Sein Leben in Bildern“, 1913 

Prinz Eugen im Alter mit seinem Löwen 

BIBLIOPHILER 

PHILOSOPH UND 

KUNSTMAZEN 

Nicht nur als Feldherr, Diplomat und hochgeschätzter 

Berater dreier Kaiser tat sich der 

Prinz hervor, sondern auch als wissbegieriger 

Sammler von Büchern breit gestreuter Inhalte, 

insbesondere über naturwissenschaftliche, 

aber auch philosophische, geschichtliche und 

theologische Themen. Weiters trat er als 

eifriger Kunstsammler auf. Seine Agenten 

waren beauftragt, überall in Europa passende 

Bücher und Kunstwerke einzukaufen, sodass 

im Lauf der Jahre eine gewaltige Bibliothek 

und Kunstsammlung zusammengetragen 

wurde. Er selbst bemerkte dazu, jedes Buch, 

bevor es zum Buchbinder ging, zumindest 

überflogen zu haben. Die Bibliothek wurde 

aus seinem Nachlass vom Kaiser aufgekauft 

und bildet heute einen wesentlichen Grundstock 

der Österreichischen Nationalbibliothek. 

Zudem pflegte er auch die Diskussion 

und Korrespondenz mit führenden Autoren, 

Wissenschaftern und Philosophen, wie Leibniz, 

Rousseau und anderen. 

h„Gottfried Wilhelm Leibnitz und 

Prinz Eugen im Gespräch“, 1840 

Holzschnitt, Künstler unbekannt 

DAS VERMÄCHTNIS 

DES PRINZEN 

Prinz Eugens Bedeutung und Verdienst für 

Österreich, das durch seine militärischen wie 

diplomatischen und politischen Leistungen 

zur Großmacht aufstieg, für die Dynastie der 

Habsburger, überhaupt für das Kaiserreich, 

ist damals wie heute nicht hoch genug einzuschätzen. 

Dazu kommt noch sein kultureller Beitrag 

bis in die Gegenwart, seine Bauwerke, seine 

umfassende Kunst- und Buchsammlung und 

vieles mehr. Da der Prinz 1736 verstarb, ohne 

ein Testament für sein gewaltiges Vermögen 

zu hinterlassen, ist es der Weitsicht Kaiser 

Karls VI. und seiner Tochter Maria Theresia 

zu verdanken, dass sein kulturelles Erbe vom 

Kaiserhaus aufgekauft und für unsere Zeit 

bewahrt wurde. 

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Fotos: Alamy, Wikipedia, Hamburger Kunsthalle 


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Alex Katz hat schon immer groß gedacht! 

Seine Werke werden in den bedeutendsten 

Museen der Welt ausgestellt, aktuell 

würdigt die Albertina in Wien das 

Ausnahmetalent mit einer großen Schau. 

Inspiration für seine Kunst findet er in 

seiner unmittelbaren Umgebung. 

Von Elisabeth Muth 

VISIONÄRE 

SCHÖNHEIT 

Alex Katz in seinem Atelier 

beim Signieren seiner 

großformatigen Kunstdrucke 

86


h 

„Sunrise 1“, 2022 

137 x 103 cm 

Fotos: Courtesy of the artist and Lococo Fine Art Publisher, großes Foto linke Seite: Robert Lococo, March 29, 2022 in New York City 

v 

„Straw Hat Vivien“, 2021 

203 x 112 cm 

k 

„Straw Hat 1“, 2022 

91 x 91 cm 


87


h 

„Blue Umbrella“, 2020 

76 x 116 cm 

Als Wegbereiter der Pop-Art ist der Künstler 

Alex Katz vor allem bekannt für seine figurativen 

Bilder. Schon früh setzt er sich mit vereinfachten 

Formen und kontrastreicher Farbkomposition 

auseinander, er dokumentiert 

Menschen und gesellschaftliche Ereignisse, 

macht Familie und Freunde zum Gegenstand 

seiner Malerei und schafft Motive, die oft 

visuelle Techniken aus der Werbung entlehnen. 

Der Sohn russisch-jüdischer Einwanderer 

wurde 1927 in New York geboren und 

lebt mit seiner Frau Ada, seiner Muse, in 

New York und Maine, wo ihn vor allem die 

umgebende Landschaft inspiriert. Seit den 

1980er-Jahren gilt Alex Katz als herausragender 

Vertreter des „Cool Painting“ und als 

einer der einflussreichsten Maler weltweit, 

was ihn, für eine ganze Generation von 

Künstlern, zur regelrechten Kultfigur 

gemacht hat. Der Visionär formt und entwickelt 

seinen unverwechselbaren Stil inmitten 

der dynamischen New Yorker Kunstszene 

der 1950er- und 1960er-Jahre, beendet 

1949 sein Studium an der Cooper Union Art 

School und entscheidet sich, gegen den 

damaligen Trend, für die figürliche Malerei. 

Ihn interessiert in erster Linie eine schnelle 

und explosive Art des Malens. Er will ein 

realistisches Sujet in eine konkrete Form 

bringen, paart eine gewisse Strenge mit Lässigkeit. 

Ab Mitte der 1960er-Jahre entstehen 

Gruppenporträts, die Intellektuelle, Künstler 

und Tänzer zeigen, und es gelingt ihm perfekt, 

die damalige Atmosphäre widerzuspiegeln. 

Monochrome, flache Hintergründe sind 

ein konstanter Bestandteil seiner Arbeiten, er 

reduziert die Mittel der Darstellung auf das 

Wesentliche, wodurch seine Figuren und 

Landschaften geradezu ikonische Qualität 

erhalten. 

Der international renommierte US-amerikanische 

Maler und Grafiker ist einflussreicher 

Protagonist des „Figurativen Realismus“ und 

hat ab Mitte der 1950er-Jahre seinen Malstil 

und sein Motiv gefunden, nämlich das Porträt, 

das besonders oft seine Frau und Muse 

Ada zeigt. In Anlehnung an Werbe plakate 

gibt er es vereinfacht, flächenhaft, fast schablonenartig 

mit kräftigen Farben wider. Daneben 

malt er Figuren, Architekturen, Landschaften. 

Seine „neue Art von Malerei“ ist 

teilweise als Reaktion auf die Allgegenwart 

und Dominanz des „Abstrakten Expressionismus“ 

zu verstehen. Alex Katz wollte eine 

zeitgenössische gegenständliche Malerei 

schaffen, das war für ihn das Höchste, was 

ein Künstler tun kann. 

„Ich halte 

Veränderungen 

tatsächlich für 

überbewertet, 

ich bleibe den 

Dingen, Orten 

und Leuten die 

ich mag, treu“ 

Alex Katz 

Foto: Courtesy of the artist and Lococo Fine Art Publisher 


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„White Impatiens“, 

2016, 178 x 142 cm 

k 

Günter Salzmann 

vor dem Werk 

„Cityscape“ aus 

dem Jahr 2016 

Der Künstler blickt auf mittlerweile mehr als 

200 Solo- sowie rund 500 Gruppenausstellungen 

und zahlreiche Preise zurück, seine 

vielfältigen Werke sind Teil von über 100 

Sammlungen und Ausstellungen weltweit. 

1994 wurde Alex Katz zum Mitglied der 

National Academy of Design gewählt. 

Anlässlich seines 95. Geburtstages zeigt nach 

dem Guggenheim Museum in New York nun 

die Albertina in Wien von 4. Februar bis 

4. Juni 2023 eine umfassende Würdigung 

dieses großartigen Malers, der zu den bedeutendsten 

Vertretern der zeitgenössischen USamerikanischen 

Kunst zählt. Großformatig, 

mit breitem Pinselstrich und starken Farben 

zeigt Katz, welche Realität ihn umgibt, auf 

eine abstrakte und radikale Weise. Seine 

emotionalen und kraftvollen Sujets kennzeichnen 

Rationalität, Sinnlichkeit und 

Abstraktion gleichermaßen. Aber auch im 

Westen des Landes, in Innsbruck, ist im 

Frühjahr in Günter Salzmanns Kunstsalon 

parallel zur Schau in Wien eine Ausstellung 

mit den besten Editionen der letzten Jahre zu 

sehen (www.salzmannartconsulting.com)! 

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„Laura 1“, 2017 

117 x 77,5 cm 

„Coca-Cola Girl“, 2021 

Porzellanemail auf Formstahl mit 

Aluminiumkern auf poliertem 

Edelstahlsockel, 190 x 142 x 37cm 

x 

„Ich will das 

Bild zu einer 

unmittelbaren 

Empfindung 

der Gegenwart 

machen“ Alex Katz 

Fotos: Courtesy of the artist and Lococo Fine Art Publisher 

Der Kunsthistoriker hat den Künstler vor 25 

Jahren persönlich kennengelernt und sich auf 

den Vertrieb von dessen druckgrafischem 

Werk spezialisiert. „Im Gegensatz zu vielen 

anderen Künstlern ist bei Alex Katz kein 

Qualitätsunterschied zwischen einem Original 

und einer Edition festzustellen, dementsprechend 

sind die Werke besonders attraktiv. 

Auf den Auktionen erzielen diese inzwischen 

mehrere Millionen Euro, zahlreiche weitere 

Ausstellungen werden die Nachfrage nach 

Arbeiten von Alex Katz in den kommenden 

Monaten und Jahren sicherlich weiter entfachen“, 

führt der Experte aus. 

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91

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Außergewöhnliches Design und ein ausgeprägtes Qualitätsbewusstsein, 

gepaart mit jahrzehntelanger Tradition, sind Garantien für unsere 

hochwertigen steirischen Produkte und unsere Ideen.

BLUE IS THE NEW 

GREEN 

Nachhaltigkeit ist in aller Munde, auch aufgrund 

der Energiekrise. Wer darunter jedoch nur die 

Optimierung von Energiekonzepten versteht, 

der irrt – geht es doch um viel mehr 

Von Christoph Kulmer 

Foto: Cebra 

94

ARCHITEKTUR 

Nachhaltiges Design 

bis in die Spitze. 

Für den 185 Meter 

hohen Turm „Mount 

Tirana“ hat sich 

Cebra Architecture 

von der Schönheit 

der albanischen 

Berge inspirieren 

lassen 


95

W 

Neben exklusiven Wohnungen 

wird der „Mount Tirana“ auch Büros, 

Restaurants und ein Boutique-Hotel 

beherbergen 

k 

Eine Natursteinfassade benötigt in 

ihrem Lebenszyklus wesentlich 

weniger Primärenergie als etwa eine 

Ganzglasfassade 

x 

„Mount Tirana“, das höchste Gebäude 

Albaniens, wird hauptsächlich mit 

regionalen Materialien erbaut 

Fotos: Cebra, Plompmozes / Wasl-Tower © UNStudio 

96

ARCHITEKTUR 

U 

Bei der Konstruktion des Wolkenkratzers 

„Wasl“ von UNStudio standen von der 

ersten Sekunde an die Gesundheit, 

der Komfort und das Wohlbefinden 

der künftigen Bewohner im Vordergrund 

U 

Der „Vertical Boulevard“ zieht sich wie eine grüne Ader durch die 

progressive Keramikfassade des „Wasl Tower“ im Herzen von Dubai 

Alle malen schwarz, ich sehe die Zukunft pink“, singt 

der deutsche Dancehall-Musiker Peter Fox gemeinsam 

mit der Sängerin Inéz und fügt hinzu: „weil wir 

die Zukunft sind“. Aktuell ein Riesenhit und zweifellos 

eine optimistische Hymne. Auch die Architekturbranche bringt 

Farbe ins Leben und philosophiert zurzeit über grüne und blaue 

Gebäude. Wie auch immer, es wird bunt, und für uns ist das ein erfrischend 

positives Statement zur Abwechslung, wenn man bedenkt, mit 

welchen Hiobsbotschaften man aus den Newsrooms von früh bis spät 

konfrontiert wird. Aber die Probleme wie Klimawandel, Urbanisierung, 

Ressourcenverschwendung und Bodenversiegelung liegen doch, ehrlicherweise 

zugegeben, auf dem Tisch, wir brauchen also keine Nörgler, 

Querulanten, Stänkerer und Besserwisser. Menschen mit Visionen sind 

gefragt, die sich den Herausforderungen von Nachhaltigkeit mit 

Think-forward-Ideen stellen. Aber woher kommt dieser Begriff, den 

wir ständig lesen und benutzen, eigentlich? Ursprünglich stammt er 

aus der Forstwirtschaft und wurde im frühen 18. Jahrhundert vor dem 

Hintergrund einer zunehmenden Holznot im ehemaligen Kurfürstentum 

Sachsen definiert. Der Grundgedanke war, nur so viele Bäume zu 

fällen, wie auch nachwachsen können, und stand damit der bis dahin 

vorherrschenden unkontrollierten Ausbeutung der Wälder diametral 

entgegen. Also eine junge Bezeichnung mit langer Geschichte. 2010 

hat es der deutsche Publizist Ulrich Grober auf den Punkt gebracht 

und hielt fest: „Die Idee der Nachhaltigkeit ist weder eine Kopfgeburt 

moderner Technokraten noch ein Geistesblitz von Ökofreaks der 

Generation Woodstock. Sie ist unser ursprünglichstes Weltkulturerbe.“ 

Mittlerweile ist Nachhaltigkeit ein Querschnittsthema, das die Verantwortung 

für die heute lebenden Menschen mit der Verantwortung für 

die zukünftigen Generationen verbindet. Immobilienentwickler und 

Architekten sind hier natürlich nicht ausgenommen. Denn in Europa 

tragen Gebäude und ihre Nutzer maßgeblich zur Umweltbelastung bei. 


97

ARCHITEKTUR 

R 

Kleine Holzfenster 

und freiliegende 

Eichensparren 

wahren die 

traditionelle 

Optik dieses 

Schmuckstücks 

an der deutschen 

Ostseeküste 

W 

Große 

Panoramafenster 

ermöglichen einen 

wunderbaren Blick in 

den grünen Garten 

sowie auf die 

Holzterrasse 

O 

Für die Architekten 

Jan Henrik Jansen 

und Marshall Blecher 

war es wichtig, 

den historischen 

Charakter des 

Landhauses zu 

erhalten 

h 

Auf der Rückseite fügt sich ein moderner Anbau aus Glas 

perfekt in die Konstruktion des 120 Jahre alten Bauernhauses. 

Alte Gebäude zu revitalisieren ist sehr nachhaltig 

R 

Das dänische 

Architekturbüro 

Mast hat mit „Land 

on Water“ einen 

Lösungsansatz in 

Hinblick auf den 

steigenden 

Meeresspiegel: 

Wohnraum am Wasser 

Laut Experten verbrauchen sie beispielsweise rund 20 Prozent des 

Frischwassers, 25 Prozent des Holzes und je 40 Prozent der Gesamtenergie 

und Rohstoffe. Darüber hinaus verursachen sie rund 30 Prozent 

der CO₂-Emissionen, rund 50 Prozent der Verkehrsbelastung 

durch Lkws sowie über 50 Prozent der Abfälle. Eine ernüchternde 

Bilanz, die einen Paradigmenwechsel zur Folge hat. Bisher sprach man 

in der Baubranche von „grünen Gebäuden“, nun bewegt man sich weiter 

in Richtung „Blue Buildings“. Es steht nicht mehr nur die reine 

Energieeffizienz im Fokus, sondern eine ganzheitliche Nachhaltigkeit 

über den gesamten Lebenszyklus eines Bauwerks. Ökonomie und 

Ökologie spielen eine tragende Rolle, und auch technische Leistungsfähigkeit, 

soziokulturelle Aspekte, der schonende Umgang mit Ressourcen 

und Energie sowie das Betrachten wirtschaftlicher und 

menschlicher Bedürfnisse. Bei „Blue Buildings“ stehen stets die künftigen 

Bewohner im Mittelpunkt und deren Wohlbefinden – egal ob es 

sich nun um ein Privathaus handelt, ein Bürogebäude, eine Sporteinrichtung 

oder ein Krankenhaus. Aber wie realistisch sind diese Überlegungen, 

oder müssen wir die rosarote Brille abnehmen? Drücken wir 

es doch in den Worten des bekannten oberösterreichischen Architekten 

und Unternehmers Wolfgang Kaufmann aus, der dazu bei einer 

Podiumsdiskussion Stellung genommen hat: „Das 0-Energie-Haus ist 

so unrealistisch wie das papierlose Büro, deshalb muss man nach dem 

positiven Kompromiss suchen.“ 

Diese Suche ist ein ständiger Prozess und läuft und läuft und läuft. 

Glücklicherweise, muss man sagen. Denn besonders prekär ist die 

Situation in urbanen Zentren, da sie vom Klimawandel stark betroffen 

sind. Hier ist also ein besonderes Fingerspitzengefühl gefragt, um die 

Lebensqualität der Bewohner zu erhalten oder zu steigern und gleichzeitig 

genügend Wohnraum für die immer mehr werdenden Menschen 

zu schaffen. Sicher kein Allheilmittel, aber ein Ansatz ist die sogenannte 

vertikale Verdichtung. Gebaut wird also nicht in die Breite, sondern 

Fotos: Jose Campos, https://josecamposphotographer.com/, KVANT-1 

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ARCHITEKTUR 

k 

Auch das Schlafzimmer wurde vom Architekten 

Guilherme Torres so konzipiert, dass es sich schnell 

in ein Outdoor-Refugium verwandeln lässt 

W 

Nachhaltige Ansätze beim „Jatobá House“ in 

Brasilien sind eine Stampflehmwand aus Sand und 

Erde sowie eine effiziente Photovoltaikanlage und 

Regenwasserrückhalteteiche 

k 

Das Fernsehzimmer in hellen Beigetönen lässt 

sich komplett zum Außenbereich öffnen 

100

W 

Große Stars sind der Supernova-Tisch und der Orbe-Stuhl 

aus gewaschenem Freijó, einem brasilianischen Holz 

U 

Bequeme Lounge-Möbel und ein Pool adeln den Garten im 

„Jatobá House“. Auch hier ist die Lehmwand ein Blickfang 

in die Höhe, die Bodenversiegelung sollte auf das absolut notwendige 

Minimum reduziert werden. In vielen Metropolen der Welt ist diese 

Bauweise gang und gäbe, wenn man zum Beispiel nach New York, 

Tokyo oder Singapur blickt. Anderswo, wie in der albanischen Hauptstadt 

Tirana, hat man es gerade erst für sich entdeckt. In den letzten 

Jahrzehnten hat Tirana einen Wandel durchgemacht und sich zu 

einem urbanen Zentrum von kultureller und wirtschaftlicher Bedeutung 

für den gesamten Balkanraum entwickelt. Das dänische Design- 

Studio Cebra Architecture hat sich von den charakteristischen Bergen 

Albaniens inspirieren lassen und eine progressive sowie nachhaltige 

neue 185 Meter hohe Landmark für die aufstrebende Metropole konzipiert. 

Dabei war dem Architekten Mikkel Frost wichtig, dass es sich 

integriert, wie er erklärt: „Dieses symbolische Wahrzeichen wird eine 

elegante Verbindung zwischen dem sich ständig wandelnden Stadtgefüge 

von Tirana und der natürlichen Umgebung schaffen.“ Um den 

CO₂-Fußabdruck des Gebäudes zu minimieren, wurde versucht, den 

Bedarf an mechanischer Kühlung zu reduzieren und die großzügigen 

Terrassen des „Mount Tirana“-Turms mit heimischen Pflanzen zu 

begrünen. Die Materialien, wie der helle Naturstein an der Fassade, 

stammen hauptsächlich aus dem direkten Umland. Kein Newcomer in 

Sachen Wolkenkratzer ist Dubai, aber auch der Wüstenstaat investiert 

viel in das Know-how, um zukunftsfit zu werden. Direkt gegenüber 

dem „Burj Khalifa“ soll bis 2024 der „Wasl Tower“ mit einer der höchsten 

Keramikfassaden der Welt realisiert werden. Knapp 300 Meter ragt 

das Hochhaus, das vom niederländischen Architekturbüro UNStudio 

entworfen wurde, in die Luft. Nachhaltige Materialien, eine angenehme 

Akustik und ein interaktives Lichtkonzept sollen für Wohlbefinden 

und Wohnkomfort sorgen. Zusätzlich setzt man mit Photovoltaik- 

Paneelen auf dem Dach den Fokus auf erneuerbare Energie und nutzt 

die täglich vom Himmel brennenden Sonne in der Wüstenmetropole. 

Fotos: Denilson Machado 


101

ARCHITEKTUR 

R 

Um den Küstenabschnitt 

vor zunehmender 

Verbauung zu schützen, 

wurde das UCCA Dune 

Art Museum in China 

unter der Sanddüne 

versteckt 

U 

Laut Open Architects 

sollen die organischen 

Formen des Raums eine 

neue Erfahrung der 

Kunstbetrachtung 

ermöglichen 

xx 

Der Blick auf das 

offene Meer ist 

unvergleichlich schön 

Ein weiterer Grundpfeiler der Nachhaltigkeitsphilosophie ist, alten 

Konstrukten neues Leben einzuhauchen, bevor man sie mit der 

Abrissbirne dem Erdboden gleichmacht. Ein entzückendes Beispiel 

dafür ist das von den Architekten Jan Henrik Jansen und Marshall 

Blecher revitalisierte, strohgedeckte Backsteinhaus aus den 1880er- 

Jahren an der deutschen Ostseeküste für ein Unternehmerpaar aus 

Hamburg. Dabei war den Masterminds wichtig, das historische Aussehen 

des Hauses zu bewahren, aber trotzdem ins Hier und Jetzt zu 

transferieren. So wurde die Fassade, die der Straße zugeneigt ist, 

erhalten, auf der Rückseite wurde das Haus um einen dezenten 

schwarz gerahmten Anbau erweitert. Das Gebäude kombiniert 

geschickt historische Elemente wie kleine Holzfenster und freiliegende 

Eichensparren mit klaren minimalen und modernen Eingriffen. 

Auf natürliche Materialien setzte auch der Architekt Guilherme 

Torres mit seinem Team in Brasilien. Das „Jatobá House“ befindet sich 

in einer luxuriösen Wohngegend im Landesinneren des brasilianischen 

Bundesstaates São Paulo. Weit weg von der Großstadt hat das 

Landhaus den Eskapismus zu seinem Mantra gemacht, denn jedes 

Detail soll für eine entspannte Atmosphäre sorgen. Eine große 

Stampflehmwand aus Sand und Erde umgibt das ganze Haus und ist 

Teil der innovativen Struktur, Decken und Wände bestehen hingegen 

aus Holz. Auch die Design-Genies von Open Architecture haben sich 

für das UCCA Dune Art Museum in China an der Umgebung orientiert. 

Es wirkt wie eine Perle an einem leeren Strand, nur 200 Kilometer 

östlich von Peking. Durch die innovative Gestaltung des Raums 

in Form einer Reihe miteinander verbundener, organisch geformter 

Zellen und das bewusste Verstecken der Architektur unter der Sanddüne 

ist das Design des Museums der natürlichen Ökologie und 

Umwelt des Standorts zutiefst verpflichtet und schafft eine ansprechende 

und unkonventionelle Begegnung mit Kunst, Natur und 

Architektur. Design-Highlights wie diese lassen uns hoffen, und ja, 

auch wir sehen die Zukunft pink. 

p 

Fotos: WU Qingshan / Open Architecture 


104 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Dietrich Untertrifaller Architekten

DieTop 

ARCHITEKTUR 

Die 

7 

Design und Nachhaltigkeit schließen 

einander keineswegs aus. Ganz im 

Gegenteil, ergänzen sie sich doch 

mit klimafreundlichen Energiekonzepten 

und Materialien aus 

der Natur auf revolutionäre Art 

und Weise. Green Living ist 

somit definitiv in Österreich 

angekommen. AURUM 999,9 

hat Landmarks kuratiert, 

die sowohl den künftigen 

Bewohnern als auch der 

Zukunft Tribut zollen 

Stadt der Zukunft 

Rennweg 110–120 | 1030 Wien 

Nachhaltigkeit: Ein Wasserfall soll für 

ein behagliches Mikroklima sorgen und 

den Lärm der Großstadt neutralisieren, 

die Abwärme eines Rechenzentrums 

wird zum Heizen verwendet, Abfall soll 

wiederverwertet werden. Fassadenbegrünung, 

Rampen bis zur Wohnungstür 

für Scooter- und Radfahrer 

Weitere Highlights: Vom Studenten bis 

zum „Best Ager“ soll hier jeder ein 

neues Zuhause finden, exzellente 

Infrastruktur und Nahversorger direkt 

im neuen Stadtteil 

Fertigstellung: Projekt in Planung 

sb-gruppe.at 


105

ARCHITEKTUR 

hR 

Heavenly am Schafberg 

Himmelmutterweg 23–25 | 1170 Wien 

Wohnungsgrößen: 67 m2 bis 189 m2 

Nachhaltigkeit: Erdwärme, 

Photovoltaikanlage 

Weitere Highlights: Lage mit Blick auf 

Wien, großzügige Freiflächen 

Fertigstellung: 2024 

heavenly-amschafberg.at 

v 

Danubeflats 

Wagramer Straße 2 | 1220 Wien 

Wohnungsgrößen: ab 30 m2 

Nachhaltigkeit: vertikale Begrünung, 

Regenwassermanagement 

Weitere Highlights: direkter Zugang 

zur Neuen Donau, eigener Members 

Club mit Spabereich und ganzjährig 

beheiztem Swimmingpool, perfekte 

öffentliche Verkehrsanbindung 


danubeflats.at 

Fotos: Cuubuus architects and developers, Squarebytes, CROWND Estates 

106 


CROWND by Chipperfield 

Hanselmayergasse 12 | 1130 Wien 


Nachhaltigkeit: Erdwärmepumpe zum 

Heizen und Kühlen, Wohnraumbe- und 

-entlüftung, Ladestationen für E-Autos 

Weitere Highlights: geplant von Sir 

David Chipperfield, Concierge-Service, 

puristisches Design, drei Wohntypen 

Fertigstellung: 2023 

chipperfield.crownd.at 

107

v 

Stock im Weg 

Stock im Weg 1 | 1130 Wien 


Nachhaltigkeit: Erdwärme, Photovoltaikanlage, 

Betonkernaktivierung, 

innovatives Grünraumkonzept, 

Fassadengestaltung mit Holz 

Weitere Highlights: Ruhelage zwischen 

Stadt und Dorf, Außenbeschattung 


jpi.at 

xR 

Kennedy Garden 

Penzinger Straße 76 | 1140 Wien 


Nachhaltigkeit: großzügige Grünflächen 

für ein angenehmes Mikroklima, Dachbegrünung, 

Ladestationen für E-Autos 

Weitere Highlights: gute Infrastruktur in 

unmittelbarer Nähe 

Fertigstellung: bezugsfertig 

kennedygarden.buwog.at 

Fotos: JP Immobilien, Buwog, © Renderpohl 


ARCHITEKTUR 

Wir & Co 

Bachweg 1 | 8063 Eggersdorf bei Graz 


Nachhaltigkeit: Künftige Bewohner 

wurden vor Baubeginn eingebunden, 

generationenübergreifend wohnen, 

großzügige Gemeinschaftsflächen 

Weitere Highlights: Nähe zur Stadt Graz 

Fertigstellung: Ende 2023 

wegraz.at 

109

Gumpendorferstr. 

6/20 

1060 

Wien / Vienna

Inside Architecture, Interior and Design and Culture. Ein interdisziplinäres Bureau für Innenarchitektur, Interieur und Design 

im Herzen von Wien, das an zeitloses, authentisches Design glaubt. Design, das keinem Stil folgt, sondern grundlegenden 

Prinzipien. Inspiriert von Geschichte, Geografie, Mensch und der architektonischen Umgangssprache unserer Zeit. Nahtlos 

ausgeführt von einem Netzwerk an Artisanen, das jedem Projekt Zeit, Liebe und Sorgfalt schenkt. Damit einzigartige Räume, 

Objekte und Orte entstehen können, an denen es sich zu leben, zu arbeiten und zu urlauben lohnt. mezza-maiso.com

Der ewige Kreis 

Mutter Natur zeigt uns, wie 

Nachhaltigkeit funktioniert 

Von DI Elke Reitmayer 

Architektin und Wohnpsychologische Expertin 

L 

angsam, aber sicher hat sich auch die letzte Schneeflocke 

wieder in die Dekokiste verabschiedet und darf 

auf ihr neuerliches Erscheinen im nächsten Winter 

warten. Wir öffnen wieder unsere Fenster, um den 

Duft des Frühlings hereinzulassen, erfreuen uns an der Farbenpracht 

der Tulpen und genießen die ersten richtig warmen Sonnenstrahlen 

bei einer guten Tasse Kaffee im Schanigarten. 

Immer wieder aufs Neue staune ich, wie die Natur aus ihrem 

Winterschlaf erwacht, Totgeglaubtes wieder lebendig wird und alles 

abermals von neuem beginnt. Wenn man diese zyklisch wiederkehrenden 

Vorgänge aufmerksam beobachtet, versteht man auch das 

Prinzip einer nachhaltigen Kreislaufwirtschaft in seiner reinsten und 

vollendeten Form. Die Natur zeigt uns, wie wir nachhaltig und effektiv 

mit unseren Ressourcen umgehen sollen. Aus Altem darf wieder 

etwas Neues entstehen, nichts entsteht umsonst, es ist nie zu viel und 

nie zu wenig, und alles ergibt Sinn. Klingt etwas pathetisch, regt aber 

immer wieder zum Nachdenken an. 

Die frische Frühlingsluft mit ihrer elektrisierenden Aufbruchsstimmung 

ermuntert mich dazu, das Jahr mit neuer Energie zu planen 

und das Alte noch einmal Revue passieren zu lassen. Seit geraumer 

Zeit hat mich das Thema der Nachhaltigkeit in unterschiedlichster 

Weise berührt und begleitet und mir immer wieder aufgezeigt, wie 

vielschichtig diese gesellschaftliche Aufgabe doch betrachtet werden 

kann. Immer und immer wieder spule ich Zitate und gehörte Interviews 

von Michael Braungart, Erfinder des zirkulären Wirtschaftskonzepts 

Cradle to Cradle, in meinem Kopf ab und lasse mich davon in 

meiner Arbeit inspirieren. Sein Narrativ von einem Kirschbaum hat 

mich wortwörtlich nachhaltig beeindruckt und sich tief und bleibend 

in meine Hirnrinde gebrannt. So sagt er: „Alles, was im Leben schön ist, 

ist nicht effizient, sondern effektiv.“ Er beschreibt einen wunderschönen 

Kirschbaum im Frühling, der nicht reduziert, nicht minimiert und 

schon gar nicht mit seiner Blütenpracht geizt – und das, obwohl er nur 

mit einer Handvoll Blüten Kirschen produziert. Trotzdem, oder besser 

gesagt, gerade deswegen schafft er Lebensraum für über 200 andere 

Arten, bildet neuen Boden, reinigt die Luft und bietet so einen Mehrwert 

für die Natur. Seitdem lässt mich dieser Gedanke nicht mehr los. 

Stellen Sie sich vor, unsere Umwelt könnte von uns Menschen keinen 

Schaden mehr nehmen, sondern regelrecht von unserer Existenz profitieren? 

Wir haben mit unseren Errungenschaften schon so viel erreicht, 

warum unseren Erfindergeist also nicht für das Gute einsetzen? 

Graphen als Stahlersatz, Lignin als Bioalternative für unser Einkaufssackerl 

oder Vertical Farming als Lösung für unsere urbanen 

Probleme. Klingt ein wenig nach utopischem Kauderwelsch? Ganz 

im Gegenteil – diese Begriffe stehen alle für wunderbare und faszinierende 

Entwicklungen, die uns Schritt für Schritt einer zirkulären 

und nachhaltigen Lebensweise näherbringen. Wussten Sie, dass eine 

Firma in Singapur auf einer kleinen Fläche von nur 250 Quadratmetern 

mithilfe des Vertical Farming jährlich 80.000 Tonnen Obst 

und Gemüse erntet? Im Vergleich dazu können auf derselben Fläche 

Acker nur ein bis drei Tonnen erzielt werden. 

Foto: Maria Prichner Fotografie 

112

KOLUMNE 

„Grundgerüst der humanen 

Nachhaltigkeit ist der Mensch 

im Fokus seiner gebauten 

Umwelt“ 

Das Thema Nachhaltigkeit ist omnipräsent – beim Lebensmitteleinkauf, 

bei der Urlaubsplanung, beim Hausbau, bei der Energiegewinnung 

– ständig sind wir mit den Fragen einer umweltfreundlichen 

Alternative konfrontiert, und trotzdem entwickelt sich die Realisierung 

unserer Ziele schleichend. Aber es gibt sie, die großen Denker 

und Visionäre, die sich wagemutig in unbekannte Gefilde stürzen 

und dem Schlüssel zu einer verantwortungsvollen Gesellschaft und 

Zukunft hinterherjagen. Fast wie aus einem Science-Fiction-Movie 

entsprungen, geben uns bereits realisierte Prototypen einen faszinierenden 

Vorgeschmack auf das, was alles möglich ist und vor allem 

möglich sein wird. Eine biobasierte Stadt, die mit ihren zirkulären 

Wirtschaftskreisläufen organisch agiert und als Gegensatzmodell 

zur Megacity fungiert. „The Perfumed Jungle“ ist eines dieser futuristischen 

Stadtentwicklungskonzepte für die Küste von Hongkong, 

Autarkie, Beitrag zur Biodiversität und Plusenergiestandard inklusive. 

Kurvig geformte Baukörper, die sich gen Himmel strecken und wie 

Kirschbäume einen zusätzlichen Nutzen für ihre Umwelt bieten. 

Trendforscher, Futuristen, Stadtentwickler – sie und noch viele mehr 

versuchen ihren Beitrag zur Optimierung unserer Umwelt als Kreislaufwirtschaft 

zu leisten. 

Auch die Architekturpsychologie ist ein Rädchen im großen Uhrwerk 

der schnell voranschreitenden Zeit. Sie versucht die Qualität der 

gebauten Umwelt weiterzuentwickeln, den Menschen in den Fokus 

zu stellen, um so eine nachhaltige und ressourcenschonende Nutzung 

der Gebäude zu gewährleisten. Die gebauten Strukturen sollen 

unser Miteinander unterstützen, unser Wohlbefinden fördern und 

durch qualitative Baustrukturen helfen, Aneignung, Identifikation 

und Verwurzelung zu ermöglichen. Diese Paradigmen bilden, nebst 

den drei bekannten Säulen der Nachhaltigkeit, der ökonomischen, 

der ökologischen und der sozialen, die Eckpfeiler der vierten Säule – 

die der humanen Nachhaltigkeit. 

Grundgerüst der humanen Nachhaltigkeit ist der Mensch im Fokus 

seiner gebauten Umwelt, keine Rendite, Trends oder andere ökonomische 

Überlegungen. Somit ist eines der wesentlichen Merkmale einer 

humanen Umgebung die Qualität, die sie für uns Menschen aufweist. 

Seit geraumer Zeit ist es in Österreich möglich, mithilfe eines analytischen 

Messsystems die Qualität in Gebäuden sichtbar zu machen 

und auf einfache Weise darzustellen. Stellen Sie sich einen Energieausweis 

vor – nur ist es diesmal nicht der geringe Energieverbrauch des 

Gebäudes, der Käufer und Interessenten überzeugt, sondern die hohe 

Wohnqualität, die aufgezeigt wird. Für Laien bedeutet das zudem, dass 

Sie bereits im Vorfeld, bevor sie eine Immobilie erwerben oder mieten, 

feststellen können, wie viel Wohnqualität sie hier erwarten wird – ein 

Meilenstein, wenn Sie mich fragen, und schon längst überfällig. 

Inspirierende Gedanken, visionäre Ideen und Menschen, die an 

Veränderung glauben – ein regelrechter Frühjahrsputz für verstaubte 

Strukturen und Anschauungen. 

elke-reitmayer.at 


113

ARCHITEKTUR | PORTRAIT 

MUT 

KANN MAN SICH 

NICHT KAUFEN 

Auch wenn es auf den 

ersten Blick nicht sofort 

ins Auge sticht, aber die 

Disziplinen Architektur 

und Luftfahrt haben mehr gemein, als es 

vielleicht den Anschein hat. In beiden Fällen 

kann ein Hang zur Präzision nicht schaden, 

Teamfähigkeit beflügeln und geht vieles 

leichter von der Hand, wenn man erst einmal 

Flughöhe erreicht hat. Der Immobilienvisionär 

und passionierte Pilot Eduard Mair kennt 

beide Seiten sozusagen wie seine Westentasche. 

Seit 30 Jahren plant und realisiert 

der kreative Selfmademan Projekte, die stets 

State of the Art und oft auch ihrer Zeit voraus 

sind. Schon 1993 hat er in Niederösterreich 

eine Wohnanlage mit acht Reihenhäusern 

auf Niedrigenergiestandard gebaut, mit innovativen 

Ansätzen wie recycelten Materialien, 

Baukernaktivierung, Sonnenkollektoren zur 

Warmwasseraufbereitung und Solar-Kachelöfen. 

Noch heute schätzen die Bewohner 

die Wohnqualität. Dieser Wagemut und 

die Think-forward-Philosophie von Eduard 

Mair ziehen sich wie ein roter Faden durch 

die beeindruckende Firmengeschichte von 

Cuubuus. Berühmtes Beispiel ist auch das 

prachtvolle „Palais Schottenring“ an der 

Wiener Ringstraße. Cuubuus revitalisierte 

die imperiale Landmark behutsam, baute 

sie sogar zum Teil zurück, verzichtete 

zu Gunsten der Qualität im Inneren und 

Schon seit 30 Jahren hat man Cuubuus auf dem Radar. 

Betreten sie doch häufig Neuland und konzipieren 

Landmarks für die Zukunft. AURUM 999,9 hat sich 

mit dem visionären Gründer Eduard Mair und einer 

seiner beiden Töchter im Unternehmen, Patrizia 

Hunter, zum Gespräch getroffen 

Von Reinhard Neussner 

Eduard Mair hat 1993 Cuubuus gegründet. 

Seit knapp zehn Jahren unterstützt ihn 

auch seine Tochter Patrizia Hunter 

Äußeren auf ein ganzes Stockwerk und transferierte 

das ehemalige Bürogebäude in einen 

modernen Wohnkomplex mit historischem 

Flair. Bereits nach Fertigstellung 2019 waren 

alle Wohnungen und Penthäuser verkauft, 

und die Konkurrenz musste sich eingestehen, 

das Projekt falsch eingeschätzt zu haben. Es 

hat sich gezeigt, dass sich der kompromisslose 

Anspruch an Qualität gelohnt hat. Die 

Resonanz von Mair: „Mut kann man sich 

nicht kaufen.“ Er gibt in der Retrospektive 

aber zu: „Blinder Mut kann auch schnell ins 

Verderben führen. Faktum ist, ich wollte nach 

den Sternen greifen, das liegt wahrscheinlich 

an meinem Pilotendasein.“ 

AURUM 999,9 hat sich mit dem Gründer 

und Geschäftsführer sowie Patrizia Hunter, 

die neben ihrer Vertriebskompetenz auch 

als COO der Cuubuus die strategischen 

Ziele mitgestaltet, zu einem inspirierenden 

Gespräch über Nachhaltigkeit, Family- 

Business und aktuelle Projekte wie das 

geschichtsträchtige „Artmann“ am Wiener 

Donaukanal getroffen. 

Fotos: CUUBUUS architects and developers 


Casa del design 

Währinger Straße 53, 1090 Vienna 

DI – FR | 10:00 – 18:00 UHR 

SA | 10:00 – 17:00 UHR 

+43 1 523 60 30 

/casadeldesign 

office@casadeldesign.at 

www.casadeldesign.at /casadeldesign 

Casa del design

Für den technikbegeisterten Eduard Mair 

stand eigentlich schon in der HTL fest, dass 

es beruflich hoch hinausgehen sollte: Er wollte 

Pilot werden. Den Traum vom Fliegen 

erfüllte er sich nach der Matura in den USA, 

wo er den Flugschein machte. Trotzdem zog 

es den Tiroler schnell wieder nach Österreich, 

wie er selbst erklärt: „Das war Ende der 

1970er-Jahre, wir kamen damals in die erste 

Ölpreiskrise, und jobmäßig hat es in der Flugbranche 

relativ schlecht ausgesehen. Ich habe 

dann ein technisches Büro für Maschinenbau 

eröffnet, aber um meine Fluglizenz aufrechtzuerhalten, 

flog ich nebenbei für die Rettungsflugambulanz.“ 

Diese Tätigkeit hat ihn 

dazu inspiriert, sich auf Medizintechnik zu 

spezialisieren, und er hat begonnen, Ordinationen 

für Ärzte zu planen und einzurichten. 

Als Kommerzialrat Augustin Foit Ende 

der 1980er-Jahre auf dem Kahlenberg eine 

Privatklinik namens „Vienna Medical Center“ 

realisieren wollte, sah Mair seine Chance 

gekommen: „Foit hat damals ein Planungsunternehmen 

gesucht, und es haben sich 

viele etablierte Firmen beworben. Ich war der 

absolute Underdog, sicher der Kleinste, aber 

ich habe mich in den Zug gesetzt, bin nach 

Wien gefahren, habe mich mit dem Herrn 

Kommerzialrat getroffen und ihm gesagt, 

ich sei der einzig richtige Mann für ihn. Und 

das hat ihm irgendwie imponiert.“ Daraufhin 

ist Mair mit seiner Frau von Tirol nach 

Wien übersiedelt und sagt heute, es sei „ein 

mutiger Schritt gewesen“, aber er wollte diese 

berufliche Möglichkeit ergreifen. Jedoch 

hat die Stadt Wien, aufgrund von heftigen 

Protesten gegen das Bauvorhaben, kurze Zeit 

später die Baubewilligung zurückgezogen 

und damit dem Sanatorium auf dem Hausberg 

der Wiener einen Todesstoß versetzt. 

Nichtsdestotrotz blieb Eduard Mair der 

Bundeshauptstadt glücklicherweise erhalten, 

inskribierte an der Technischen Universität 

Architektur und hat 1993, noch während des 

Studiums, mit zwei Kommilitonen Cuubuus 

gegründet. Sophisticated wie es bei jungen 

Kreativen sein muss, bezogen die drei Studenten 

ein loftartiges Fabriksgebäude ohne 

Heizung, aber mit drei Meter hohen Räumen. 

„Mir wird heute noch kalt, wenn ich daran 

denke“, schmunzelt Mair. Und hier haben 

die Freunde auch am Namen getüftelt, der 

eine Bedeutung haben und eine Message 

transportieren sollte. So kamen sie auf den 

Kubus, der außer der Sphäre das beste Verhältnis 

zwischen Rauminhalt und Oberfläche 

hat. Aber einfach nur das Wort Kubus war 

ihnen zu wenig dynamisch, und so haben 

sie es vorne und hinten um jeweils ein „u“ 

erweitert und als i-Tüpfelchen das „K“ gegen 

ein „C“ getauscht. Geboren war Cuubuus. 

Es ist viel mehr als nur eine Wortkreation, 

steht es doch für Designaffinität, Professionalität, 

Vertrauen und Zukunftsorientiertheit 

– zeitlose Werte, die das Unternehmen bis 

heute prägen. Seit den Anfängen hat sich 

natürlich einiges getan. Cuubuus hat in den 

letzten 30 Jahren 83 Projekte geplant und 

entwickelt, mit einer Nutzfläche von über 

E 

Natürlich steht den Bewohnern im 

„Palais Schottenring“ ein Concierge- 

Service zur Verfügung 

U 

Das Foyer ist ein Designhighlight, 

das seinesgleichen sucht 

„Wir haben jetzt 

einen echten 

Paradigmenwechsel“ 

Eduard Mair über Energiekonzepte 

116


O 

Hell und lichtdurchflutet 

strahlen die Penthäuser 

im „Artmann“ 

U 

Die bodentiefen 

Glasfronten im 

Dachgeschoß vereinen 

stilvoll Wohnraum und 

Außenbereich 

h 

Raffinierte Grundrisse 

schaffen ein angenehmes 

Raum- und Wohlfühlgefühl 

R 

Das „Artmann“ mit seiner 

markanten Fassade ist eine 

bekannte Landmark am 

Wiener Donaukanal 

900.000 Quadratmetern, und beschäftigt 

aktuell 18 Mitarbeiter. Hier handelt es sich 

um Architekten, Ingenieure und Personen, 

die sich um den Vertrieb sowie das Office- 

Management kümmern. Vor dem Rückzug 

aus dem Geschäft in Osteuropa waren es 

sogar knapp 40. „Je nach Projektgröße sind 

bis zu 14 Planer am Werk, und dann kommen 

noch die ausführenden Firmen hinzu. Es 

ist unfassbar, dass für ein Bauvorhaben mit 

einem Investitionsvolumen von 20 oder 

30 Millionen Euro ungefähr 100 Personen 

arbeiten“, veranschaulicht der Firmeneigentümer 

und fügt hinzu: „Ich habe das natürlich 

immer im Kopf. Ich investiere das Eigenkapital, 

unterschreibe Haftungen, und hinter 

mir passiert etwas, das direkten Einfluss auf 

sehr viele Menschen hat.“ Unternehmen wie 

Cuubuus leisten einen immensen Beitrag 

zur heimischen Wirtschaft, nicht nur indem 

sie Arbeitsplätze schaffen, sondern natürlich 

auch in Form von hohen Abgaben. Dem Mastermind 

ärgert deshalb das schlechte Image, 

das Immobilienentwicklern manchmal 

anhaftet, und das Vorurteil, es gehe nur um 

den eigenen Profit. Er gibt zu bedenken: „Ich 

kann jeden nur herzlich einladen, sich mit mir 

einmal den Haftungsspiegel anzusehen, für 

den ich mein ganzes Leben sozusagen einstehen 

muss. Auch den schlechten Schlaf, den 

man teilweise hat, wenn die Dinge nicht so 

laufen, wie sie sollen, möchte keiner haben.“ 

Unterstützung findet Mair bei der Familie. 

Denn seine Leidenschaft für Architektur und 

Immobilien scheint auf seine zwei Töchter, 

Patrizia Hunter und Nina Mair, übergesprungen 

zu sein, sie haben als nächste Generation 

ihren Platz im Unternehmen gefunden. Hunter 

hat eine technische Ausbildung genossen, 

danach Betriebswirtschaft studiert und erste 

Erfahrungen im In- und Ausland gesammelt, 

seit fast zehn Jahren bereichert sie nun das 

Familienunternehmen mit ihrem Knowhow. 

Wie sie selbst sagt, hat sie damit nicht 

den einfachen Weg gewählt: „Wenn man 

sich im familiären Umfeld einbringt, muss 

man eigentlich noch viel mehr leisten, um 

sich den Respekt vom Team zu erarbeiten.“ 

Und das hat die Powerfrau und Mutter eines 

Sohnes, mit dem goldenen Händchen für 

Vermarktung und Vertrieb, mehr als erfolgreich 

gemeistert. Die Expertin verrät auch, 

ganz oben an der Spitze der Bedürfnispyramide 

in der Immobilienbranche stehe 

immer die Lage, etwas, das auch ihr Vater vor 

vielen Jahren lernen musste, wie er zugibt: 

„Wir haben mehrere Dachgeschoßausbauten 

im dritten und vierten Bezirk umgesetzt. 

Es hat sich herauskristallisiert, die Aufwendungen 

und Baukosten sind dieselben, 

aber es rechnet sich im ersten Bezirk einfach 

mehr.“ Seither konzentriert sich Cuubuus 

auf starke Lagen, natürlich nicht nur in der 

Inneren Stadt, aber immer mit dem nötigen 

Wow-Effekt. Es ist Teil der Wertschöpfungskette, 

die vom Ankauf über die Planung, den 

Umbau und das Projektmanagement bis hin 

zum Vertrieb reicht. Gerade in schwierigeren 

Zeiten signalisiert dieses „Alles aus einer 

Hand“-Prinzip Vertrauen. Aber potenzielle 

Käufer achten noch auf mehr, weiß Patrizia 

Hunter: „Geschätzt werden ein geräumiger 

Grundriss, Freiflächen, überdurchschnittlich 

hohe Räume, eine Garage und zusätzliche 

Features wie ein Fitness- oder Wellnessbereich. 

International oft schon gang und 

gäbe, in Österreich gerade stark im Kommen.“ 

Und natürlich rückt die aktuelle Klima- und 

Energiekrise Fragen über die Nachhaltigkeit 

des Gebäudes überdurchschnittlich in den 

Fokus. Für Eduard Mair und Patrizia Hunter 


117


ist das aber schon seit Jahren selbstverständlich. 

„Wir wollen im Grunde genommen 

Häuser bauen, die qualitativ hochwertiger 

sind als jene von gestern. Alles andere wäre 

ja widersinnig“, argumentiert Mair seinen 

Standpunkt. Er sieht hier einen echten Paradigmenwechsel 

in der Branche. Wurde früher 

zuerst das Bauwerk geplant und dann darüber 

nachgedacht, wie man heizt, sei es jetzt 

genau umgekehrt. Nun beschäftige man sich 

im ersten Schritt der Projektentwicklung mit 

dem Energiekonzept. Aber welche Möglichkeiten 

tun sich hier auf? Zum einen gibt es 

Luftwärmepumpen, die für Mair zwar nicht 

die Optimallösung sind, aber allemal eine 

ökologische Alternative zu fossilen Brennstoffen 

darstellen. Zum Einsatz kommt dieses 

System zum Beispiel beim Cuubuus-Projekt 

„Bellavista“ im 13. Bezirk. Hier entsteht ein 

modernes Hideaway, mitten im Grünen 

und mit einem atemberaubenden Blick auf 

die Stadt. 20 Wohneinheiten, mit herrlichen 

Freiflächen und durchdachten Grundrissen, 

laden die neuen Eigentümer noch dieses 

Jahr ein, sie mit Leben zu füllen. Eine andere 

Möglichkeit, unabhängiger von Gas und 

Öl zu werden, ist Geothermie. Sie hat das 

Potenzial, in Zukunft ganze Großstädte mit 

erneuerbarer Energie zu versorgen. Auch 

Cuubuus nutzt diese innovative Form der 

Energiegewinnung. Beim Projekt „Heavenly 

am Schafberg“ im 17. Bezirk in Wien setzt 

das Unternehmen auf Tiefen-Geothermie, 13 

Sonden ragen dafür 150 Meter tief in die Erde 

und versorgen zwei Gebäude, mit insgesamt 

elf exklusiven Eigentumswohnungen, mit 

Wärme. Ein himmlisches Projekt, das grünes 

Lebensgefühl und urbanen Lifestyle mühelos 

vereint. Im „Artmann“, der historischen Landmark 

direkt am Donaukanal, kommt dagegen 

Wasser-Geothermie zum Einsatz, wie Mair 

erklärt: „Wir konnten in nur einem Jahr den 

Genehmigungsprozess durchschreiten. Wir 

nutzen praktisch die Geothermie des Donaukanals 

zum Heizen und vor allem auch zum 

Kühlen.“ Und präzisiert im Detail: „Da reicht 

eine klassische Heizwärmebedarfsrechnung 

nicht mehr aus. Man muss das Gebäude 

simulieren. Hier werden Klimadaten der Zentralanstalt 

für Meteorologie berücksichtigt, 

aber auch Faktoren wie die Gebäudehülle, 

Wärmedämmung oder Glasqualität der Fenster. 

In einem Berechnungsmodell wird das 

Gebäude nun virtuell erbaut. Und dann lässt 

man virtuell für ein Jahr die Sonne auf- und 

untergehen und beobachtet die Temperaturen, 

welche Wärme-Gewinne gibt es, welchen 

Einfluss haben die Bäume und so weiter. Das 

System sollte nicht überdimensioniert sein, 

sondern maßgeschneidert.“ Deshalb wurde 

diese umfangreiche Simulation nicht nur 

für das Jahr 2024 erstellt, sondern auch für 

2050. Die Antwort liegt auf dem Tisch. Alle 

Klimamodelle zeigen, es wird in Zukunft 

weniger kalte, dafür aber mehr heiße Tage 

geben, und der urbane Raum wird davon 

besonders betroffen sein. Ein exklusiver 

Concierge-Service und ein stilvoller Wellnessbereich 

adeln das revitalisierte Gebäude mit 

der markanten Fassade und werden ab Mitte 

2024 die neuen Bewohner begeistern. Auch 

bei der Frage, was er kreieren, revitalisieren 

oder verändern würde, könnte Mair frei 

von allen Konventionen werken, gilt sein 

Anliegen der Allgemeinheit. „Ich würde alle 

Flaktürme in Wien zu einem ökologischen 

Projekt entwickeln und die gesamte Fläche 

zur Energiegewinnung nutzen. So könnte 

man die historische Leidensgeschichte rund 

um die Türme in etwas Positives für die 

Zukunft transferieren.“ 

Bei allen Cuubuus-Projekten überzeugen 

die Liebe zum Detail und der Aspekt der 

Ganzheitlichkeit. Stehen doch stets das 

Wohlbefinden der künftigen Bewohner, die 

Umwelt und somit unser aller Zukunft im 

Mittelpunkt ihres Schaffens. Sozusagen das 

Credo von Mastermind Eduard Mair, das 

er seinen Töchtern, der nächsten Cuubuus- 

Generation, mitgegeben hat. Mut kann man 

sich nicht kaufen, aber vielleicht vererben. p 

P 

Insgesamt entstehen 

im „Bellavista“ 20 

elegante Eigen tumswohnungen. 

Geheizt 

wird mit einer 

umweltfreundlichen 

Luftwärmepumpe 

O 

Im „Bellavista“ 

verfügt jede Wohnung 

über großzügige 

Freiflächen, und ein 

Gemeinschaftspool 

sorgt für die nötige 

Erfrischung an heißen 

Sommertagen 


To those who strive 

for new horizons 

occhio.com 

Occhio gallery by WienLicht 

Vorlaufstrasse 1 | 1010 Wien 

Tel. + 43 1 533 86 70 0 

wienlicht.at

. 

EINE STADT SIEHT 

GRUN 

Menschen drängen in den urbanen Raum. Nun ist die Crux, 

eine nachhaltige Balance zwischen Umwelt und Architektur 

zu schaffen, für ein lebenswertes Miteinander in diesem 

Mikrokosmos. Singapur zeigt konsequent, wie es geht 


Ein 128 Meter langer Steg, der „OCBC Skywalk“, ermöglicht 

einen phänomenalen Rundumblick auf den größten der drei 

Gärten von „Gardens by the Bay“: den „Bay South Garden“ 

Fotos: Shutterstock 

120

ARCHITEKTUR | HIGHLIGHT 


121

Konzipiert wurde der „The Future 

of Us“-Pavillon vom Advanced 

Architecture Laboratory (AAL) 

an der Universität Singapur 

x 

Aufgrund der experimentellen 

Architektur avancierte der Pavillon 

zu einem der Wahrzeichen von 

„Gardens by the Bay“ 

xx 

Allein durch passive Designmaßnahmen, 

wie die strukturelle Form 

und das Muster, konnte ein optimales 

Raumklima erzeugt werden 

xl 

Durch die Preisverleihung 

fühle ich mich darin bestätigt, 

dass unser Wiener 

Weg der Stadt- und Zukunfts 

planung in die richtige Richtung führt“, 

erklärte Bürgermeister Michael Ludwig, als 

er 2022 den „Lee Kuan Yew World City Prize“ 

persönlich in Singapur entgegennahm. Ausgezeichnet 

werden damit Metropolen, die sich 

bewusst den städtischen Herausforderungen 

stellen und einen nachhaltigen Wandel 

herbeiführen. Trotzdem, geht es um grüne 

Architektur und umweltfreundliche Lösungen, 

blickt unser Wien noch immer neidisch auf 

den kleinen Inselstaat in Südostasien. Der 

Schlüssel zum Erfolg ist aber schlichtweg 

Konsequenz. Singapurs Bemühungen um 

Umweltschutz lassen sich bis in die späten 

1960er-Jahre zurückverfolgen, als der damalige 

Premierminister und nunmehrige 

Namensgeber der Auszeichnung, Lee Kuan 

Yew, die Vision von einer Gartenstadt hatte, 

mit üppigem Grün, das auch die unzähligen 

Wolkenkratzer zieren sollte. Erst 1992 wurden 

die einzelnen Maßnahmen im „Singapore 

Green Plan“ auch niedergeschrieben, um 

weiterhin ein Gleichgewicht zwischen 

Umwelt- und Entwicklungserfordernissen zu 

garantieren. Überarbeitete Versionen sind der 

„Green Plan 2012“ und ganz aktuell der „Green 

Plan 2030“, darin vollzieht der Stadtstaat 

neuerlich einen Paradigmenwechsel: von der 

Gartenstadt zur Stadt im Garten und damit 

zur Stadt der Natur. 

Ein Vorzeigeprojekt sind die „Gardens 

by the Bay“, ein über 100 Hektar großes 

Erholungsgebiet im Herzen der Marina Bay. 

„Bay South“ ist der größte der drei Gärten und 

wurde vom britischen Landschaftsarchitekturbüro 

Grant Associates konzipiert. Zu den 

Highlights zählen die gekühlten Wintergärten 

„Flower Dome“ und „Cloud Forest“, aber auch 

die 18 gigantischen „Super Trees“, Stahlgerüste, 

die als vertikale Gärten fungieren und an 

denen über 158.000 Pflanzen bis zu 50 Meter 

hoch emporranken. Tagsüber spenden die 

Baumkronen Schatten, abends erwachen sie 

mit einer speziell choreografierten Musik und 

synchroner Beleuchtung zum Leben. Dem 

Aspekt der Nachhaltigkeit folgend, wird die 

Energie über Photovoltaikpaneele gewonnen. 

Zwei dieser futuristischen Bäume sind zudem 

mit einer 128 Meter langen Brücke, dem 

„OCBC Skywalk“, miteinander verbunden und 

gewähren so einen spektakulären Blick aus 

der Vogelperspektive. 

Dabei sticht sofort der „The Future of 

Us“-Pavillon ins Auge, der mit seiner Struktur 

und perforierten Hülle in einen Dialog 

mit seiner Umgebung tritt. Im Inneren kann 

die gefühlte Temperatur um bis zu 20 Grad 

kühler sein, möglich machen das ausschließlich 

Designmaßnahmen wie die Form und 

das Muster der Konstruktion. Entworfen 

wurde der Pavillon vom Advanced Architecture 

Laboratory an der Singapore University 

of Technology and Design, wo man sich 

mit der komplexen Beziehung zwischen 

Design und Technologie in der Architektur 

beschäftigt. Projekte wie diese zementieren 

Singapurs Image als grüne Vorzeigestadt. 

Fotos: Lim Weixiang, Koh Sze Kiat / Oddinary Pictures, Shutterstock 

122

ARCHITEKTUR | HIGHLIGHT 

Der Wintergarten „Cloud 

Forest“ belohnt mit 

einem der höchsten 

Indoor-Wasserfälle der 

Welt und einem üppig 

bewachsenen Berg. 

Nachhaltige, moderne 

Technik sorgt für das 

optimale Klima 


123

ADVERTORIAL 

Das Familienunternehmen DEISL hat sich auf die Planung und Umsetzung 

von maßgeschneiderten Sauna- und Wellnessprojekten spezialisiert. Von Hand 

gefertigt entstehen hochwertige Sauna-Unikate, die sich nahtlos in das 

persönliche Wohn- und Wellnesskonzept einfügen 

TRADITION TRIFFT ZEITGEIST 

Mit jedem Aufguss in einer Sauna von DEISL wird die einzigartige 

Unternehmensgeschichte spürbar. „Unsere Familie arbeitet seit 1520 

mit Holz und vereint seit damals traditionelles Handwerk mit innovativen 

Gestaltungsansätzen“, erklärt Geschäftsführer Josef Deisl. 

Heute hat sich der Familienbetrieb ganz seinem Credo „Individuellness“ 

verschrieben. Statt der „Sauna von der Stange“ entwickelt 

DEISL Sauna-Unikate, die mit viel Liebe zum Detail, planerischem 

Fingerspitzengefühl und individuellem Design auf die persönlichen 

Wellnessbedürfnisse seiner Kunden abgestimmt werden. 

Als einer der führenden Sauna-Hersteller Europas prägt der steirische 

Sauna-Pionier mit einzigartigen Projekten die Entspannungskultur 

von morgen: „Die Art und Weise, wie wir heute entspannen, 

wird immer vielschichtiger. Wir versuchen den Zeitgeist aufzugreifen 

und reagieren mit neuartigen Sauna-Entwicklungen – etwa mobilen 

Sauna-Lösungen für moderne Nomaden.“ 

SAUNA ALS GESUNDES LIFESTYLE-OBJEKT 

Während die Sauna in den letzten Jahren ein Revival erlebte, verwandelte 

sich die dunkle Kellerkabine in ein architektonisch anspruchs 

volles Design- & Lifestyleobjekt, welches neben Badezimmer und 

Wohnraum auch Terrasse, Balkon und Garten erobert. „Um den 

Sauna raum zu öffnen und in den Lebensraum zu integrieren, setzen 

wir heute große Panoramaverglasungen ein, kombiniert mit Materialien, 

die man eher in einem Wohnzimmer als in einer Sauna vermuten 

würde. So schaffen wir fließende Übergänge zwischen Wohn- und 

Wellnessraum“, erklärt Deisl. 

NATÜRLICH ENTSPANNT 

Der Gesundheit zuliebe verzichtet die Sauna-Manufaktur auf 

synthetische Isolierungen und Leime. „In unseren Saunen steckt 

100 % Natur pur. Durch die massive Bauweise kann das Holz frei 

atmen, und in der Sauna entwickelt sich ein besonders wohltuendes 

und intensives Wärmeklima.“ Dass es dem Sauna-Hersteller dabei um 

mehr als die hochwertige Verarbeitung seiner Produkte geht, zeigt 

sein Bewusstsein für den Ursprung des Holzes – den Wald – als wertvolles 

Ökosystem. Für jede Sauna aus dem Hause DEISL werden im 

steirischen Naturpark Sölktäler zehn Jungbäume nachgesetzt. 

So schließt sich der Kreislauf des Holzes, und der Sauna-Aufguss lässt 

sich mit gutem Gewissen genießen. 

Fotos: DEISL.COM – Sauna & Wellness

DEISL SAUNA & WELLNESS 

Showroom Steiermark: 

Selzthaler Straße 41, 8940 Liezen 

Showroom Tirol: 

Auweg 20, 6112 Wattens 

Showroom Wien: 

Abelegasse 10, 1160 Wien 

www.deisl.com 

E-Mail: anfrage@deisl.com 

Instagram: @deislsaunawellness

126 

„Xanthous“ / Veza / Hamburg, 1999


„ICH 

KANN 

Als Weiterführung des Porträts von Joachim Baldauf auf den Seiten 66–72: 

Ein zweiter Auszug aus den Arbeiten dieses Ausnahmekünstlers, der zeigt, wie er Schönheit interpretiert 

NUR 

SCHÖN“ 

Joachim Baldauf 

Redaktion: Bernhard Musil, Fotos: Joachim Baldauf 


127

128 

„182/95/62/92 ... #2“/ Claudia Schiffer / London, 2006


Fotos: Courtesy Studio Semotan @ Elfie Semotan 

„182/95/62/92 ... #3“ / Claudia Schiffer / London, 2006 

„Mandarin Oriental Tokyo, Room 3517, 15.15 Uhr“ 


129

130 

„Der Preis der Schönheit #2“ / Mini Anden / Hamburg, 2004


„Mut zum Muster“ / Monique Menniken / München, 2001 


131


„Fall for me“ / Veza / London, 2000 


Adresse: Klenaugasse 5, 1220 Wien 

Größe: 40 – 116 m² 

Stilvolle Eigentumswohnungen 

Hochwertige Ausstattung und 

moderne Architektur 

Großzügige Freiflächen in Form 

von Gärten, Balkonen und 

Terrassen 

Preis: ab 261.000€ 

Adresse: Schönngasse 19, 1020 Wien 

Größe: 43 – 160 m² 

Revitalisiertes Gründerzeithaus trifft auf 

modernes Dachgeschoss 

Großzügige Freiflächen in Form von Gärten, 

Balkone und Terrassen 

Von Fischgrät-Parkett, modernem Feinsteinzeug, 

Lift, bis hin zur Videogegensprechanlage 

Jetzt vormerken! 

AIRA Development Group GmbH | Sterngasse 11/4B, 1010 Wien www.aira.at | sales@aira.at | +43 1 890 22 58 - 100

h 

Hier finden sich 

Baxter-Ikonen wie 

das Sofa „Miami Roll“ 

und die Armsessel 

„Nepal“, entworfen 

von Stardesignerin 

Paola Navone 

v 

Weiches Leder als 

Kunstform: Das zeigt 

das Sofa „Bardot“ 

(rechts) vis-à-vis 

vom bequemen 

Armsessel „Ingrid“ 

aus Canaletto- 

Walnussholz (links), 

beide von 

Draga & Aurel 

134

LIVING | SHOWROOM INTERNATIONAL 

DESIGN DEL SOL 

El Rastro | Baxter Marbella 

Das Luxusdesign von Baxter ist wohl nirgends so gut aufgehoben wie im Nobelort 

Marbella an der Costa del Sol. Auf der Goldenen Meile begegnen sich nun in einer 

mediterranen Gartenvilla italienische Möbelkunst und südspanische Lebenskultur 

Von Alice Mandel 

Luxus kennt keine Ferien. Im Gegenteil: In 

Marbella, der Nobelurlaubsdestination der 

Reichen, Schönen und Adeligen, ist er omnipräsent. 

Daher ist sie das perfekte Habitat 

für das italienische Premium-Label Baxter, 

bekannt für High-End-Ledermöbel und elegantes 

Interiordesign. Auf der berühmten 

Goldenen Meile der andalusischen Stadt 

residiert nun ein exklusiver Showroom, 

und so speziell wie die Marke ist neben der 

prestigeträchtigen Lage auch das Haus. Das 

historische Gebäude „El Rastro“ wurde von 

Graciela Leanza and Javier Martín, den kreativen 

Köpfen hinter der Renovierung, in einen 

einzigartigen Schauraum verwandelt. 

Dieser huldigt in vielen Details dem Mittelmeer, 

der mediterranen Botanik und der 

traumhaften Kulisse der Sierra Blanca. Am 

Eingang des Hauses werden die Besucher von 

einem vertikalen Garten empfangen, indoor 

von großzügigen Räumen und einer beeindruckenden 

Treppe aus Marmor und Edelstahl. 

Im unteren Bereich finden sich Wohnlandschaften 

mit ausgesuchten Baxter-Klassikern: 

modulare Polstermöbel wie „Miami Roll“ und 

„Soft“ oder die Sofa-Ikonen „Chester Moon“ 

und „Clara“. Flankiert werden sie von Poufs, 

Armsesseln und handgeknüpften Teppichen in 

Weiß, Elfenbein, Salbeigrün, Orange und Blau. 

In der ersten Etage steht das Material 

Leder im Mittelpunkt – in allen Nuancen von 

Cognac über Sienabraun bis Schwarz und in 

den virtuosen Entwürfen namhafter Designer. 

Größen wie Paola Navone, Piero Lissoni, 

Studiopepe oder Draga & Aurel prägen den 

Stil des 1990 gegründeten Unternehmens. 

Im zweiten Geschoß rangieren Möbel und 

Accessoires in den Schattierungen von Weiß 

bis Puderblau. Sie korrespondieren mit dem 

Meer im Hintergrund, und von hier aus hat 

man zudem einen herrlichen Blick in den 

Garten, der die „El Rastro Maison du Design“ 

umgibt. Zwischen Oliven- und Zitronenbäumen 

und üppigem Grün schlendert man 

durch die Outdoor-Kollektionen von Baxter. 

Unter der Sonne Südspaniens sind sie kongenial 

in Szene gesetzt. Es ist eine gelungene 

und inspirierende Fiesta des Designs. 

baxter.it 

Baxters perfekte Ästhetik zeigen 

das Sofa „Viktor“, die Capitonné- 

Sessel „Dalma“ und der runde 

Messing-Couchtisch „Loren“, alle 

kreiert von Draga & Aurel 

x 

k 

Elegante Farbharmonien in 

Weiß und Blau mit Paola 

Navones „Nepal“-Serie, den 

Armsesseln „Capri“ und den 

Beistelltischen „Matera“ 

Fotos: Fabrizio Ciccone 

kk 

Unter der andalusischen Sonne 

stehen im Garten ausgewählte 

Outdoor-Möbel, etwa die 

Chaiselongues „Rimini“ und die 

Beistelltische „Phoenix“ von 

Paola Navone 


135

Wandler des des Kostbaren. 

Unser Element ist ist das das Holz. Holz. Seinen Seinen authentischen Charakter Charakter 

veredeln wir wir zu zu Böden Böden und und Oberflächen für die für hochwertige 

die hochwertige 

Wand-, Decken- und und Möbelgestaltung. Es ist Es der ist Anspruch der Anspruch an an 

einen respektvollen Umgang mit mit dem dem Naturmaterial, der unseren der unseren 

gesamten Arbeitsprozess bestimmt: bestimmt: Von Von der der Verarbeitung Verarbeitung in in 

der der Manufaktur bis bis zur zur Entwicklung Entwicklung werterhaltender werterhaltender Lösungen Lösungen 

im im Raum. Raum. 

SHOWROOM WIEN 

IM SHOWROOM FORMDEPOT WIEN 

Abelegasse IM FORMDEPOT 10 | 1160 Wien 

M: Abelegasse +43 664 1051064 | 1160 64 Wien 

schotten-hansen.com M: +43 664 105 64 | 64 bodenholz.at 

schotten-hansen.com | bodenholz.at

1 

2 

3 

5 

6 

4 

1 Good Wood: Sideboard „Bastone X Poiat“ aus FSC-zertifiziertem Eichenholz vom finnischen Designer Antrei Hartikainen, über Åben, 

aben.as 2 Kunstvoll: Domingos Tótora gestaltet seine nachhaltigen „Mantiqueira“-Vasen aus recyceltem Karton. Von Tacchini, tacchini.it 

3 Für saubere Flüsse: rein aus recyceltem PET handgetufteter Teppich „Niger“ aus der umweltbewussten „Plastic Rivers“-Kollektion von 

Álvaro Catalán de Ocón für GAN, gan-rugs.com 4 Öko: Preisgekröntes Ecodesign sind die „Ayno“-Leuchten aus recycelbaren und recycelten 

Materialien, entworfen von Stefan Diez für Midgard, midgard.com 5 Gesunder Kreislauf: Der tragbare WLAN-Lautsprecher „Beosound 

Level“ mit Eichenholz ist Cradle-to-Cradle-zertifiziert. Von Bang & Olufsen, bang-olufsen.com 6 Guter Sitz: Beim modularen Sofa „Étienne“ 

von Emanuela Garbin wird für die Polsterung zu 100 Prozent das Recyclingmaterial Microflock verwendet. Von Porada, porada.it 

7 

Redaktion: Alice Mandel, Fotos: Hersteller, Andrea Ferrari / Tacchini 

138

LIVING 

10 

11 

12 

FRISCHER 

ECO-CHIC 

Wohnzimmer 

8 

9 

7 Langlebiges Design: Coffeetable „Adam“ aus Holz und Stein von Marcel Wanders Studio für Natuzzi Italia, natuzzi.com 8 Naturnah: Die 

Hocker und Beistelltische „Corker“ von Herzog & de Meuron sind aus nachhaltigem Kork, beständig und recycelbar. Von Classicon, classicon. 

com 9 Wie ein Stück Wald: Stardesigner Christophe Delcourts originell verzweigtes Bücherregal „Legend“ aus Massivholz stammt aus der Öko- 

Design-Serie von Roche Bobois, roche-bobois.com 10 Im besten Licht: Mundgeblasenes Glas und FSC-Lindenholz bilden die Leuchte „Liuku 

Ball“ von Designerin Maija Puoskari für Mater, materdesign.com 11 Pflanzen-Power: Blumenständer „Agnes“ aus handgeflochtenem Rattan 

von Ferm Living, fermliving.com 12 Grüner Komfort: Der Armsessel „Bruno“ mit asymmetrischen Lehnen ist mit natürlichen, nachhaltigen 

Materialien gepolstert sowie aus FSC-Buchen- und FSC-Eichenholz gefertigt, Entwurf: Ilse Crawford & Oscar Peña. Von SCP, scp.co.uk 


139

1 

2 

3 

NATÜRLICHE 

HARMONIE 

Küche & Esszimmer 

4 

5 

6 

1 Erhellend: Leuchte „Acorn“ aus FSC-zertifiziertem Eichenmassivholz und Opalglas von 365° North für Bolia, bolia.com 2 Ökologisch: 

dreiteiliges Behälter-Set „Racchiuso“ aus Marmor, Naturstein und einem innovativen Öko-Material aus Nussschalen von Keep Life und Gumdesign. 

Über Keep Life und Artemest, keeplife.it, artemest.com 3 Von Dauer: Vitrine „BC 04“ aus regionalem, nachhaltigem Holz mit Glas von 

Hoffmann & Kahleyss für Janua, janua-moebel.com 4 Bio: Die nachhaltige, recycelbare Glasserie „Symboll“ vom Design-Duo Llev verwendet 

Pilzmyzel bei der Herstellung. Von Lasvit, lasvit.com 5 Fantastic Plastic: Antonio Citterios „Re-Chair“ aus Recycling-Kunststoff von Kartell, kartell.com 

6 Handwerkskunst: ovale Platte und Krug aus französischem Steingut aus Maria Grazia Chiuris „Cruise 2023 Kollektion“ von Dior Maison, 

dior.com 7 Maßvoll: Kai Stania schuf die höhenverstellbare Kochinsel „k7“ aus Massivholz für Team 7, team7-home.com 

7 

Redaktion: Alice Mandel, Fotos: Hersteller, Keep Life, Society Limonta, © Maud Remy-Lonvis / Hermès 

140

LIVING 

13 

12 

14 

10 

11 

8 

9 

8 Beinarbeit: Bei Reda Amalous Esstisch „Aster“ mit Glasplatte wirkt das Y-Beingestell aus massivem Eschenholz fast wie eine Baumkrone. 

Öko-Design-Linie von Roche Bobois, roche-bobois.com 9 Zeitlos: Der Esszimmersessel „OW34“ aus FSC-zertifiziertem Eichenholz ist eine 

Neuauflage von Ole Wanschers „Rungstedlund“-Serie. Von Carl Hansen & Son, carlhansen.com 10 In Ordnung: Regal „House“ mit flexiblen 

Fächern aus FSC-zertifiziertem Holz von Halskov & Dalsgaard für Bolia, bolia.com 11 Schnittig: Schneidbrett „Rito“ aus Canaletto-Walnussholz 

mit Leinenbrotbeutel von Storie Design Studio für Society Limonta, societylimonta.com 12 Tragbar: Tablett „JH Tray“ aus Oregon-Kiefer und 

Messing von Jaime Hayon für Fritz Hansen, fritzhansen.com 13 Sonnig: Porzellangeschirr „Soleil d’Hermès“ von Arielle de Brichambaut für 

Hermès, hermes.com 14 Aromatisch: Pfeffermühle „Paris Prestige“ aus PEFC-zertifiziertem Holz von Peugeot, peugeot-saveurs.com 


141

1 

2 & 3 

4 

5 

1 Faltenkunst: Für seine handgefertigte, plissierte Leuchte „Plivello“ setzt Designer Christian Troels auf FSC-zertifiziertes Papier. 

Von Le Klint, leklint.de 2 & 3 Feiner Stoff: Die koreanische Pojagi-Technik zitiert die Tagesdecke „Part“ mit passendem Kissen „Part“, beide 

aus GOTS-zertifizierter Bio-Baumwolle und Leinen. Von Ferm Living, fermliving.de 4 Gemütliche Runde: Armsessel „T.54“ aus natürlichem 

Weidengeflecht von Archivio Storico Bonacina für DePadova, depadova.com 5 Schlafen im Grünen: „Essential“ von Köhler & Wilms ist das 

erste komplett wiederverwertbare Bett der Welt und aus recyceltem Aluminium, hier in „Pine green“. Von Auping, auping.com 6 Textiles 

Poster: traditionell und fair in Nepal handgewebter Wandteppich „#11“ von Mareike Lienau für ihr Label Lyk Carpet, lyk-carpet.de 

6 

Redaktion: Alice Mandel, Fotos: Hersteller, Luca Merli / Cassina 

142

LIVING 

12 

10 

11 

GRÜNER 

FLOW 

Schlafzimmer 

9 

7 

8 

7 Floral: Bettwäsche „Judy“ aus Bio-Baumwolle von Schlossberg, myschlossberg.com 8 Soft: Pouf „Terra“ in Olivenform aus zirkulärem Polystrol 

aus Weizen mit umweltfreundlichem Bezugsstoff. Von Marcantonio für Natuzzi Italia, natuzzi.com 9 In natura: Michele De Lucchi kreierte die 

drei „Kula“-Kommoden aus nachhaltigem, lokalem Holz mit grafischer Konjic-Holzschnitzerei. Von Zanat, zanat.org 10 Schlaf gut: Bio-Baumwolle 

und französisches Bio-Leinen stecken im limitierten Pyjama aus der Kooperation von Tekla mit Modeschöpfer Jacquemus, teklafabrics.com, 

jacquemus.com 11 Shiny: kupferfarbener Teppich „Melting Point cu29“ aus handgewebter Bananenseide aus Bananenfasern von Kymo, kymo.de 

12 Sixties-Ikone: Armsessel „Soriana“ von Afra and Tobia Scarpa aus Öko-Denim und Recyclingmaterialien von Cassina, cassina.com 


143

LIVING 

10 

9 

8 

1 

ALLES IM 

REINEN 

Badezimmer 

2 

7 

6 

3 

4 

5 

1 Fit: Heimtrainer „Fuoripista“ mit nachhaltigen Materialien von Adriano Design für Elite, elite-it.com 2 Kombinierbar: Marco Carinis halbrunder 

Badhocker „Vis-à-vis“ aus Kork von Agape, agapedesign.it 3 Clean: Badewanne „Aurora Bijoux“ aus White Tec Plus und biobasierten Harzen von 

Devon & Devon, devon-devon.com 4 Blattmatte: handgetufteter Badteppich „Feuille“ aus ägyptischer Baumwolle mit Oeko-Tex-Siegel von 

Abyss & Habidecor bei Klomfar, klomfar.at 5 Saubere Umwelt: Unterschrank „Strato MDi“ in der Version „Solar“ mit nachhaltigem mineralischem 

Werkstoff von Inbani, inbani.com 6 Rein: diverse Körperbürsten „Vegan“ aus wiederverwertetem Kunststoff, Holz und Naturborsten aus 

Agavefasern von Klomfar, klomfar.at 7 Wasser sparen: Dusche „Touch & Feel“ von Noken, noken.com 8 Smile: Zahnbürste „Chops“ mit kompostierbarem 

Bambusgriff von Leon Ransmeier für Hay, hay.dk 9 Weich: Handtücher „Drai“ und „Lipe“ aus reinem Leinen von Society Limonta, 

societylimonta.com 10 Geometrisch: Leuchte „Overlay“ mit Upcycling-Glasteilen von Designerin Lucie Koldova für Brokis, brokis.cz 

Redaktion: Alice Mandel, Fotos: Hersteller, © Martin Chum / Brokis 


Showroom 

Bäckerstr. 3/6A, 1010 wien 

Köllnerhofgasse 2, 1010 wien 

Gumpendorferstraße 124 + 137, 1060 wien 

www.köse.at 

Komplettanbieter für Exklusivbäder 

01 - 595 29 06

LIVING 

9 

1 

8 

2 

GOING 

GREEN 

Outdoor 

3 

6 

7 

4 

1 Grünzone: Die wiederverwertbaren Bänke „Metamorfosi Bruco“ aus recycelten PET-Flaschen sind mit Sandsäcken gefüllt, Design: Campana. 

Von Paola Lenti, paolalenti.it 2 Mobil: Leuchte „Dome Nomad“ mit umweltfreundlicher Beschichtung von Chiaramonte Marin für Brokis, brokis.cz 

3 Stand up: runder Tisch „Kelly Outdoor“ von Dietmar Joester aus Breccia-Romana-Naturstein. Von Draenert, draenert.de 4 Relax: Stardesignerin 

Paola Navones Daybed „Jeko“ aus Eco-Teak hat exotisches Flair. Von Gervasoni, gervasoni1882.com 5 Meerschutz: Der Loungetable „Ocean OC2“ 

von Jørgen & Nanna Ditzel mit recyceltem Ozeanplastikmüll und Stahl ist wiederaufbereitbar. Von Mater, materdesign.com 6 Organisch: Steingut- 

Pflanzgefäße „Look At Me“ von Bela Silva für Serax, serax.com 7 Bodennah: Teppich „Eco“ aus Jute und Polypropylen von Elena Sanguankeo für 

Gervasoni, gervasoni1882.com 8 Naturtalent: Beistelltische „Cross“ aus Teak mit FSC-Siegel und Kork von Patrick Norguet für Ethimo, ethimo.com 

9 Sonnenplatz: Alfred Homanns Liegestuhl „AH603“ aus FSC-Teak und Recycling-Stoff von Carl Hansen & Son, carlhansen.com 

5 

Fotos: Hersteller, Sergio Chimenti / Paola Lenti, © Martin_Chum / Brokis 


@SunSquareInternational

Windows Shopping 

DE LUXE 

West trifft Ost: Der Vorarlberger Einrichtungsspezialist Höttges hat nun auch in 

Wien einen eigenen Showroom. Höttges Windows versammelt erstklassige 

Interiorlabels und zeigt mit Rat und Tat, wie Wohnen Spaß macht 


h 

Gehobene Sitzkultur bieten die 

Armsessel „Febo“ (links) und 

das runde Sofa „Amoenus Soft“ 

mit dem Beistelltisch „Loto“ 

von Maxalto. Die Stehleuchte 

stammt von Santa & Cole 

v 

Elegant arrangiert sind 

das Sofa „Otium“, die Sessel 

„Apollo“ und „Kalos“ sowie 

die Coffeetables „Elios“ von 

Maxalto. Kreatives Tom-Dixon- 

Design: die Leuchten „Bell“ 

und der Schreibtisch „Slab“ 

Im Oktober des vergangenen Jahres eröffnete 

Höttges Windows in der Wiener Naglergasse 

29 einen Showroom. Doch obwohl er recht 

neu ist, steckt viel Tradition, Expertise und 

klassisches Können beim Möbel- und Interiordesign 

dahinter. Zum einen hat er sich im ehemaligen 

Prodomo Windows niedergelassen, 

zum anderen handelt es sich um eine Dependance 

des Vorarlberger Stammhauses. Die 

Reise ging von Dornbirn an die Donau, vom 

Ländle in den Luxusbezirk, gleich geblieben 

sind die Leidenschaft und Kompetenz für 

Einrichtungen. Erstklassige Beratung und 

individuelle Lösungen stehen im Fokus des 

Multibrand stores, Inspirationen bringen 

Designermöbel ausgewählter Top-Marken wie 

B&B Italia/Maxalto, Cassina, Knoll International, 

Vitra, Tom Dixon, Desalto, Tribù, Kettal, 

Zanotta oder Carl Hansen & Søn. Begutachten 

kann man diese auf zwei Etagen mit 400 Quadratmetern, 

und man kann sie auch mit nach 

Hause nehmen. Erfahrene Teams entwickeln 

Gesamtkonzepte mit Detailplanungen für 

Innen- und Außenräume und führen sie aus. 

Das Credo formuliert Geschäftsführerin Nici 

Wührer so: „Der Schwerpunkt bei Höttges 

Windows liegt darauf, Wohnkonzepte zu 

gestalten, die Spaß machen. Wir wollen Wohnen 

im Gesamtkontext zeigen.“ 

In Dornbirn kann Höttges auf eine 45-jährige 

Firmengeschichte zurückblicken. Italienisches 

Qualitätsdesign und eine Schreinerei 

prägten die Anfänge. Der nunmehrige 

Store in einer einstigen Spinnerei besitzt loftartigen 

Charme. Auf 1.500 Quadratmetern 

mit überhohen Wänden präsentiert er einen 

exzellenten Mix handverlesener Labels. 

Neben eingehender Beratung, Konzeption 

und Umsetzung gibt es zudem textiles Knowhow 

und ein Montageteam als Fullservice. 

Besondere Events standen und stehen 

ebenso auf dem Programm wie auch die 

Pflanzeninstallation „Hanging Gardens“ des 

dänischen Floristik-Künstlers Jens Jakobsen. 

Kunden-Events sind in Zukunft auch in Wien 

angedacht. Ganz im Sinne der eigenen Philosophie: 

Höttges ist ein „ongoing process“. 

höttges.at 

Fotos: Anzenberger-Fink 


LIVING | SHOWROOM NATIONAL 

h 

Ein stimmiges Höttges- 

Wohnkonzept mit 

legendärem Design von 

Cassina: Piero Lissonis 

Sofa „8“, Charlotte 

Perriands Beistelltische 

„Mexique“ und Sessel 

„LC“ von Le Corbusier 

Klassiker von Knoll 

International: Sofa „Matic“ 

und Sessel „Womb“ mit den 

Couchtischen „Platner“ 

und „Saarinen Tulip“ 

T 

149

LIVING 

DESIGN MIT 

STRAHLKRAFT 

Es ist wohl eine Geschichte, wie sie nur in Wien 

geschrieben werden kann. Die Atelierwerkstätte 

Lobmeyr feiert 2023 ihr 200-jähriges Bestehen 

und macht dabei selbst eine überraschende 

Entdeckungsreise in die Vergangenheit, auf der 

die heutige Zukunft des Unternehmens beruht 

Von Barbara Jahn 

k 

Beginn einer Ära: 

Die von Hans Harald 

Rath entworfene 

„Met“-Serie 

erstrahlte erstmals 

1966 im frisch 

eröffneten New 

Yorker Opernhaus 

k 

Heute sind die 

Cousins Leonid, 

Johannes und 

Andreas Rath das 

Gesicht Lobmeyrs 

O 

Runde Sache: 

Oswald Haerdtls 

„Kugeldosen“ von 

1925 wurden 

erstmals auf der 

Pariser „Exposition 

des Art Décoratifs“ 

präsentiert 

Als Ludwig und Josef Lobmeyr 1855 das Geschäft ihres Vaters Josef, der 

feinstgeschliffene Glasobjekte im Biedermeierstil herstellte und 

sowohl die feine Wiener Gesellschaft als auch den kaiserlichen Hof 

belieferte, übernahmen, etablierte sich bald der Wunsch nach einer 

kompletten Neugründung. Es wurde radikal aufgeräumt, die Biedermeier-Sammlung 

des Vaters vernichtet, und man wandte sich mit frischem 

Elan der Moderne zu. Anfangs als reine Händler tätig, die alles 

aus dem damaligen Böhmen bezogen, unterhielt man sehr erfolgreich 

ein Geschäft an der Ecke Weihburggasse zur Kärntner Straße, die 

bereits damals die angesagteste Einkaufsstraße und Flaniermeile 

Wiens war. Als dieses abgerissen werden und einem Neubau Platz 

machen sollte, dachte der kinderlose, international hoch angesehene 

Ludwig Lobmeyr, dessen Bruder in der Zwischenzeit jung verstorben 

war, sogar ans Zusperren. Doch ein Freund namens Otto Wagner wusste 

dies raffiniert zu verhindern und machte ihn auf eine Immobilie 

ganz in der Nähe aufmerksam, die sich gerade in Bau befand und noch 

für die Bedürfnisse eines neuen Geschäfts adaptiert werden konnte. 

ZEICHEN SETZEN 

Die Architektur des Geschäfts in der Kärntner Straße 26 von 1895 – 

gewiss eines nach alter Tradition – ist für sich einzigartig. Ganz im 

Gegensatz zu der fünfeinhalb Meter schmalen Fassadenfront weitet 

sich der Raum nach hinten immer mehr und mündet in einem mehrgeschoßigen 

Lichthof, der vor dem elektrischen Zeitalter die einzige 

potenzielle Lichtquelle war. Weder Verkaufsraum noch Showroom, 

entfaltet sich hier eine Welt aus Glas, die sich heute auf die Klein- und 

Feinheiten ausrichtet und die wunderbaren Details zum Vorschein 

bringt. Der Sprung von der kristallenen Schwere, die noch bis vor 

einigen Jahren zu spüren war, zu einer modernen Leichtigkeit, die 

sich den neuen Abläufen, Gewohnheiten und Geschmäckern der 

Menschen fügt, ist mit der letzten Renovierung bravourös gelungen. 

Die überbordenden, historisierenden und nicht originalen Elemente 

aus der Zwischenkriegszeit sowie den 1980er- und 1990er-Jahren 

wurden entfernt – der Raum wurde sanft entkleidet und gleichzeitig 

historische Schätze gehoben wie der originale Boden, der mit all seinen 

Gebrauchsspuren seine eigene Geschichte erzählen darf und alle 

Bereiche eint. „Es ist eine Wandlung von einem großherrschaftlichen, 

bürgerlichen Haus zu einem Geschäft für Menschen, die etwas für 

ihren täglichen Gebrauch suchen“, sagt Architekt Erich Hubmann, 

der die Restaurierung geleitet hat. „Heute sind Dinge viel singulärer, 

individueller anstatt einer Masse von großen Gegenständen. Das 

Licht fängt das Auge, und darauf ist diese Ausstellung ausgerichtet. 

Trotzdem muss Geschichtlichkeit transportiert und in die neue Zeit 

mitgenommen werden. Wir wollten im Geist auf die ursprüngliche 

Situation zurückgreifen, ohne etwas nachzubauen.“ 

Fotos: LOBMEYR / Davies + Starr, LOBMEYR / Martin Stöbich, © Fairmont Hotel Vier Jahreszeiten Hamburg / Guido Leifhelm 


151

1883 gelang Ludwig Lobmeyr mit dem ersten 

elektrischen Kristall-Luster mit Edison- 

Lampen eine echte Sensation 

Der Luster „Musseline“ von Stefan Rath 

(1932) bringt die böhmische Glaskunst 

zur vollen Entfaltung 

25 „Met-Luster“ im Puppenhausformat für 

das Schaufenster von Tiffany New York: 

Johannes Rath legte selbst Hand an 

2010 ließ sich Designer Marco Dessi von 

klassischen Laternen zu „Basket“ aus 

hexagonal gebogenen Glasröhren inspirieren 

Lobmeyr stattete viele internationale 

Kulturbauten aus, wie 1950 das 

Philips Theater in Eindhoven 

Der „Pariser Luster“ von Oswald Haerdtl von 1937 

zählt zu den schönsten Stücken des Sortiments 

E 

Aller Anfang. Mit Josef und Aloisia Lobmeyr – 

hier im Gründungsjahr 1823 – beginnt die 200-jährige 

Lobmeyr´sche Erfolgsgeschichte 

Fotos: LOBMEYR Archiv, LOBMEYR / Michael Rathmeyer, LOBMEYR / Philipp Hutter 

152

LIVING 

DAS GANZE SEHEN 

Die Rückkehr zu den Dingen, die noch erhalten sind, impliziert 

auch das erneute Einsetzen der alten Vitrinen. Jedoch wurde dafür 

eine explizit amuseale Präsentation ganz ohne schützendes Glas 

angedacht. Das einzelne Stück darf herausgenommen und angesehen 

werden – eine wichtige Geste, um Berührungsängste abzubauen. „Die 

Leute müssen die Dinge in die Hand nehmen, sonst können sie ja 

auch den Unterschied nicht verstehen“, sagt Leonid Rath, der 

gemeinsam mit seinen Cousins Johannes und Andreas 

Rath das Unternehmen seit dem Jahr 2000 in 

sechster Generation weiterführt. „Seh- und 

Kaufgewohnheiten haben sich stark 

verändert, und man will nicht mehr 

von Überbordendem erschlagen 

werden, sondern sich lieber auf 

etwas konzentrieren und das 

einzelne Stück bewundern. 

Das Schöne an Lobmeyr ist, 

dass jedes einzelne Stück 

diese besondere Qualität 

und Ausstrahlung 

hat – man muss nicht die 

Masse zelebrieren, das 

wird auch unser weiterer 

Weg sein.“ Auch nach 

außen hin hat Lobmeyr 

sein Gesicht verändert 

und ist wieder zur historischen 

Version seiner 

Fassade zu rückgekehrt. 

Vorher dunkel und schwer, 

in den 1970er-Jahren sogar 

grün mit dreiteiligem Portalfenster 

und Blumenkisterln davor, 

hat sich heute eine klare Wandlung 

zur leichten, frischen Farbigkeit vollzogen, 

die sich aus der Geschichte des 

Wiener Historismus herausentwickelte. 

Während die außergewöhnlich solide 

Vergoldung aus den 1990er-Jahren 

nur leicht aufpoliert werden 

musste, erstrahlen die zwei 

Glasmacherfiguren am Portal 

– bereits damals schon 

gendergerecht als Mann 

und Frau – und die Steinplatten 

aus Untersberger 

Marmor ebenfalls in 

neuem Glanz. 

NEUE WEGE 

GEHEN 

gemacht ist – perfekt ergänzen, zeigen sich im Laufe der Jahrzehnte 

immer wieder deutlich von ihrer schönsten Seite. Anlässlich des 

200. Wiegenfestes haben sich die Designs die Bühne zurückerobert. 

Die neue, luftigere Struktur des Ausstellungskonzepts lässt 

das einzelne Objekt leichter verstehen, jedoch bewusst verpackt in 

ein Ambiente, in dem der Historismus als Stil des 19. Jahrhunderts 

klar zu erkennen ist. Auch die inhaltlichen Schwerpunkte wurden 

neu gesetzt: Waren es noch vor kurzem die Bestseller und jüngsten 

Entwürfe, die den Besucher am Eingang begrüßten, so sind es 

nun wieder verstärkt historische Entwürfe sowie jene, die den historischen 

Gedanken verkörpern, die verstärkt in den Vordergrund 

rücken: der berühmte „Sacher-Luster“ – übrigens einer der ersten 

elektrischen Luster überhaupt –, Spiegel mit durchgeschliffenem 

Glas von der Wiener Weltausstellung, die in vielen Palais ein neues 

Zuhause gefunden haben, oder Designklassiker, die in einem spannenden 

Kontrast zueinander und doch harmonisch nebeneinander 

stehen wie die Entwürfe von Adolf Loos, Ludwig Lobmeyr, Stefan 

Rath, Josef Hoffmann, Oswald Haerdtl, Oskar Strnad, Sebastian 

Menschhorn und Polka, die eines Tages selbst zum Klassiker werden 

könnten. An das erste Service für die kaiserliche Hoftafel reiht 

sich Formafantasma mit dem „Alphabet“-Service mit Wasser- und 

Weinbecher, irgendwo dazwischen glänzt der Trink-Klassiker „Alpha“ 

von Hans Harald Rath, der nach den 1950er-Jahren wenig beachtet 

blieb, um später in der farbigen Version ein unerwarteter Volltreffer 

zu werden, und die Luster von Haerdtl und Wimmer geben sich ein 

Stelldichein mit „Captured Lights“ von Michael Anastassiades. 

SPASS AN DER FREUDE HABEN 

„So wie wir auch heute noch immer ‚alte‘ Luster bauen oder 

restaurieren, haben wir uns immer für alte Stile interessiert“, sagt 

Andreas Rath. „Da kommt es auch schon vor, dass wir uns Spaßettln 

erlauben, wie das Service für Erzherzog Ferdinand Maximilian, Kaiser 

von Mexiko, wieder aufzulegen.“ Alles in allem werden sämtliche 

Stile wie Biedermeier, Barock, Historismus, Orientalismus bis Naturalismus 

präsentiert, die Lobmeyr durchlaufen hat, aber nicht 

zwangsläufig immer zu Klassikern geworden sind. „Vielmehr ist 

es ein Produktdesign, das viel verwendet und viel verkauft und 

schließlich das ist, was aus der Zeit der Wiener Werkstätte und des 

Bauhauses ganz stark im Leben der Menschen angekommen ist“, 

ist Andreas Rath überzeugt – vom heutigen Staatsservice in der 

Präsidentschaftskanzlei bis hin zu Designs mit Augenzwinkern, etwa 

dem sandgestrahlten Damenstrumpf-Becher von Modeschöpferin 

Susanne Bisovsky, vom Luster für das Café Prückel bis zum Designer 

Marco Dessi. Diese Gedankenreise setzt sich im oberen Stockwerk 

weiter fort. Hier findet man das, was Menschen heute wie damals als 

„modern“ empfinden: Wiener Werkstätte, Bauhaus, Josef Hoffmann 

und seine Schüler, Trude Petri und die Berliner Manufaktur, die 

Nymphenburger-Manufaktur-Papierkünstlerin Ruth Gurvich, aber 

auch kreative Zeitgenossen wie EOOS oder Thomas Feichtner. 

DEN LETZTEN SCHLIFF GEBEN 

Spätestens nach der Übernahme 

durch Ludwig Lobmeyrs 

Neffen Stefan Rath, 

der enge Kontakte zu den 

Künstlern der Wiener Werkstätte 

und der Wiener Secession 

pflegte, die sein Onkel hingegen 

gelegentlich als „Rotzbuben“ 

bezeichnete, erkennt man das Streben 

des Unternehmens nach einer Symbiose 

von Handwerk und zeitgenössischer Kunst. 

Die gestalterischen Verbindungen zwischen 

Altem und Neuem, die sich – wenn es gut gedacht und 

Doch es gibt auch den etwas verborgenen Lobmeyr in der Salesianergasse 

in Wien, wo seit 1972 durch die Übernahme der Firma Josef 

Zahn & Co an diesem Standort all diese Herrlichkeiten entstehen 

oder zusammengebaut werden. Hier wird geschliffen, gebohrt und 

gebogen, gelötet, verkabelt und poliert – kunstvollste Millimeterarbeit, 

die sich auf ein ansehnliches Modell- und Skizzenarchiv berufen 

kann, die ebenfalls hier untergebracht sind. Beim Blick hinter die 

Kulissen der Gürtler- und Schleifwerkstätten erzählt Johannes Rath 

die unglaublichsten Geschichten. Etwa die, dass hier der 20-Meter- 

Luster für das Konzerthaus in Athen gefertigt wurde. Oder die, dass 

es der „Met-Luster“, der 1964/1965 von Hans Harald Rath für die 

New Yorker Metropolitan Opera entworfen wurde und eigentlich das 

geheime Wahrzeichen der Stadt ist, erst im zweiten Anlauf schaffte. 


153

LIVING 

W 

Tugend und Todsünde: 

Stefan Sagmeister 

übersetzte 2011 mit 

„N° 248“ das Loos´sche 

Bar-Service in eine neue 

Trinkglasserie 

PP 

Könner und Kenner: 

„Serie B“ von 1912 aus 

mattiertem Glas mit 

schwarz eingebranntem 

Bronzitdekor zeigt 

unverkennbar den Stil 

Josef Hoffmanns 

O 

Aus drei mach eins: 

Nach dem Vorbild des 

Kalebassenkürbisses 

formte Sebastian 

Menschhorn 2016 das 

dreiteilige Vasenset „BV71“ 

OO 

Fließendes für Flüssiges: 

Das Trinkglas-Service 

No. 238 „Patrician“ aus 

hauchzartem Musselinglas 

stammt ebenfalls aus der 

Feder von Josef Hoffmann 

„Unser Großvater war mit jemandem aus dem Architekten-Team der 

Met befreundet, welcher salopp meinte: „Macht ihr doch die Luster!“ 

So entstand der erste Entwurf mit einer Art Schleier, der aber nicht 

gefiel“, erzählt Johannes Rath. „So erbat er sich ein weiteres Meeting 

für den nächsten Tag, um über Nacht im Hotel ein neues Design zu 

entwickeln. Dabei ließ er sich im Hotel kleine Kartoffeln kommen und 

baute mit Zahnstochern den Prototyp des heutigen ‚Met-Lusters‘.“ Bis 

heute ist das Spannendste daran, dass es keinen Bauplan gibt, sondern 

lediglich eine Prinzip-Skizze, wie der Luster aussehen soll. Wie die 

Elemente, deren Anzahl feststeht, zusammengebaut werden, liegt 

allein im Ermessen des Handwerkers. Auf diese Art und Weise ist jeder 

Luster ein Unikat. 

DIE WELT EROBERN 

Auch die Metropolitan-Serie schlummerte bis zum Anfang der 2000er- 

Jahre wie die Glasserie „Alpha“ im Dornröschenschlaf, bis ein amerikanischer 

Interior-Designer über Recherchen auf Lobmeyr und damit 

auf den „Met-Luster“ stieß und diesen in seinen Geschäften ausstellte. 

Heute ist er das absolute Zugpferd des Unternehmens, mit allem, 

was dazugehört. Zum Beispiel, dass 2016 Tiffany seine Schaufenster 

in der New Yorker Fifth Avenue mit einer Kristallwolke aus lauter 

„Met“-Miniaturen dekorieren wollte, davon 25 Stück produzieren und 

in weiterer Folge sämtliche Shops mit Originalgrößen ausstatten ließ. 

Apropos Schaufenster: Neben den vielen Highlights rund um das 

200-Jahr-Jubiläum, die Lobmeyr für seine Freunde und alle Designbegeisterten 

2023 bereithält, sticht ein Projekt, das in Wien zur 

Vienna Design Week präsentiert werden wird, ganz besonders heraus. 

Gemeinsam mit dem Amsterdamer Designstudio Pixie wurden 

beleuchtete Museumsschaukästen entworfen, die wie Setzkasten nicht 

das fertige Produkt, sondern die Elemente, aus denen es besteht, in 

Szene setzen. „Die ‚Archive Lights‘ sollen die Menschen in die Tiefe 

des Produkts führen, das aus der klassischen Anwendungssituation 

herausgenommen und selbst zum Lichtobjekt wird. Damit wollen wir, 

losgelöst von der Idee des Lusters, das Didaktische herauskehren und 

die wertvollen Einzelteile präsentieren, wie man sie nicht von einem 

Luster kennt. Mit diesen ‚unique pieces‘ möchten wir die Schwelle 

zur Kunst überschreiten – egal, ob mit einem historischen Barockluster 

oder mit einem Glasklassiker aus den wichtigsten Entwürfen 

der Wiener Werkstätte.“ 

Nun, es ist genug verraten. Was bleibt, ist die Einladung, die Lobmeyr’sche 

Zeitreise anzutreten und in vollen Zügen zu genießen, um 

sich am Ende vielleicht sogar selbst in eines der Stücke, die so viel zu 

erzählen haben, neu zu verlieben. 

p 

Fotos: LOBMEYR, Mark Glassner 


WIR heizen DEM 

FRÜHLING RICHTIG EIN! 

PALLAS BACK - mit diesem Holzofen 

sind Sie kühlen Frühlingstagen 

gewachsen. Backfach, 

Kochplatten und modernste 

Speichertechologie machen ihn 

zu einem sparsamen Allrounder 

auch für Zwischendurch! 

Noch mehr „Allrounder“ auf 

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Optional mit Holzlade 

und in verschiedenen 

Designs erhältlich 

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Nah am Wasser: Zum harmonischen Ganzen 

fügt sich die weiße, monolithische Küche 

„Rock“ von Steininger aus dem Material 

Dekton. Den See im Blick hat man indoor 

und outdoor auf Sesseln von Living 

Divani 

Fotos: Schmid Baugruppe Holding GmbH 

156

LIVING 

PURISMUS AUF SOMMERFRISCHE 

Eine Villa am Attersee lebt ganzheitliche Harmonie: Das minimalistische 

Interiordesign mit sparsamem Materialeinsatz zeigt maximale Wirkung 


Spring 2023 157

Entspannter 

Minimalismus: 

Sofa „On the 

Rocks“ von 

Francesco Binfaré 

für Edra 

Freie Sicht auf 

den See bietet 

das offene, klare 

Badezimmer mit 

der freistehenden 

Wanne „Atlantis“ 

von Cocoon 


158

LIVING 

v 

Exklusive Klarheit und elegante Hell- 

Dunkel-Kontraste prägen das Interiordesign, 

sowohl im Innen- als auch im Außenbereich. 

Sessel von Living Divani 

Der Attersee ist ein Landschaftsjuwel und 

ein Ort, der inspiriert. Gustav Klimt und 

Emilie Flöge waren hier, wie bekannt, oft 

und gerne auf Sommerfrische. Es ist eine 

wiederentdeckte Urlaubsform, die seit 

einigen Jahren als Slow-Travel-Trend immer 

moderner wird, denn sie propagiert Entschleunigung 

und Nachhaltigkeit. Ebenso 

nachhaltig ist Interiordesign, das von Dauer, 

ganzheitlich und absolut durchdacht ist. 

Ausgewählte Materialien 

setzen Möbelstücke in 

Szene. Die Pendelleuchten 

„Raimond II“ (Design: 

Raimond Puts) von 

Moooi schweben vor 

der Wandverkleidung 

Es sind quintessenzielle Eckpfeiler wie 

ebendiese, auf die Martin Steininger seit 

jeher achtet und großen Wert legt. Bei der 

Villa am Attersee hat sie der kreative Interiordesigner 

perfekt umgesetzt und auf eindrucksvolle 

Weise seine Visionen – gemeinsam 

mit dem Hausherrn – verwirklicht: 

Purismus als Leitmotiv und Minimalismus 

in der Materialität, nennt er es. Klare, 

bewusst reduzierte Eleganz dominiert das 

Gebäude, das sich mit reinem Weiß vom 

Blau des Wassers abhebt. Keramische Platten, 

lang gestreckte Fensterbänder sowie 

Vor- und Rücksprünge bilden die Außengestaltung, 

die er mit Fingerspitzengefühl 

ins Innere des Hauses transferiert hat. 

In erster Linie ist Martin Steininger natürlich 

ein Meister des Minimalismus: Farben 

und Materialien halten sich hier vornehm 

zurück, monochrome Flächen oder Raumbereiche 

werden zur repräsentativen Bühne 

für Bilder, Vasen oder mit Bedacht aus 


LIVING 

Die geradlinige Fassade spiegelt Martin 

Steininger in der Innengestaltung wider 

Moderne Sommerfrische am Attersee: 

nachhaltiges Urlaubsfeeling in 

Outdoor-Möbeln von Paola Lenti 

Nachhaltig meint 

auch ein Design 

von Dauer: Für 

Martin Steininger 

zählt nicht die 

Menge der eingesetzten 

Materialien, sondern 

ihre herausragende 

Qualität 

Purismus in Reinkultur: Der ganzheitliche Ansatz 

„Wie aus einem Guss“ umfasst den gesamten 

Wohnbereich vom Küchenarchipel bis zur 

cleanen Badoase 

gesuchte Solitäre. Auch das Herzstück, die 

Küche „Rock“ aus weißem Stein von Steininger, 

rekurriert auf die Fassade. Dass das Ambiente 

insgesamt „wie aus einem Guss wirkt“, verdankt 

sich der Handschrift und kreativen Maxime des 

Gestalters. Fast schon radikal der Ansatz, weniger 

zu zeigen und mehr dezent zu verbergen. 

So verbinden Faltelemente zwei Bereiche wie 

Bad und Schlafzimmer zu einer Einheit, 

Schranktüren und Stauräume verschwinden 

buchstäblich in der Versenkung. 

Edle Kontrapunkte mit subtiler Erdung liefern 

dunkle Fußböden sowie Wandverkleidungen 

und Möbelstücke aus cognacfarbenem Eichenholz. 

Die Inneneinrichtung – ein Highlight ist 

etwa ein Kaminschrank mit Keramikschale – ist 

zum Teil maßgeschneidert, Einbauten besitzen 

oft raffinierte Details. Sie demonstrieren Qualität 

und Handwerkskunst, die den Unterschied 

ausmachen. Effektvoll in der gesamten Villa 

sind nahtlose, fließende Übergänge, harmonische 

Elemente und eine großzügige Offenheit: 

Sie zeigen sich am besten in atemberaubend 

freien Ausblicken auf den wunderschönen 

Attersee. 

p 



Unverkennbar die Villa Oasis in 

Marrakesch. Das Design des 

Lehnstuhls stammt von Saint 

Laurent für sein erstes Haus in 

der Medina 

162


ZU BESUCH 

BEI YVES UND 

PIERRE 

Tiefgreifende Leidenschaft und Liebe haben 

Yves Saint Laurent und Pierre Bergé fünf Jahrzehnte 

lang verbunden – nicht nur zueinander, sondern 

auch zu Mode und Kunst. Legendär waren dabei 

ihre Anwesen. Dieser spektakuläre Prachtband 

öffnet nun Tür und Tor 


Fotos: Marianne Haas 

Mit seinem unverkennbaren Stil hat Yves Saint Laurent die Modewelt revolutioniert. 

Bereits seine erste Kollektion aus dem Jahr 1958 für das Modehaus 

Dior wurde weltweit bejubelt. Nur drei Jahre später gründete der 

Großmeister der Couture gemeinsam mit seinem Lebenspartner Pierre 

Bergé ein eigenes Label unter seinem Namen. Fortan dominierten in seinen 

Entwürfen eine elegante Schlichtheit, klare Linien, viel Schwarz und 

teilweise transparente Stoffe – in den 1960er-Jahren Grund genug für 

einen kleinen Skandal. Aber Saint Laurent verstand es auch wie kein 

anderer damals, Designs mit plakativen Kunstelementen auf den Laufsteg 

zu bringen. Einige davon waren eine Hommage an die größten 

Künstler jener Zeit. Diese Hingabe und die Leidenschaft für die 

Kunst waren auch im Interieur seiner vielen Anwesen unübersehbar 

präsent. Der bildgewaltige, wunderschöne Prachtband „Yves Saint 

Laurent at Home“ öffnet nun Tür und Tor zu den Privatgemächern 

des kreativen Genies. Mit einem untrüglichen Gespür konzipierten 

die Lebenspartner gemeinsam mit dem großartigen Designer 

und langjährigen Freund Jacques Grange opulente Räume, die 

von Persönlichkeit und Tradition durchdrungen waren. Üppig 

sollte es sein, als spektakulär, von Geschichte geprägt, bisweilen 

fast kitschig könnte man den Stil beschreiben. In detailverliebter 

Kleinarbeit entstanden Fantasiewelten, wo gesammelte 

Antiquitäten zusammengeführt, neu arrangiert und mit 

viel Sinn für Poesie in andere Zusammenhänge gebracht 

wurden. 

Aufnahmen der Innenräume und Gärten von Château 

Gabriel, der Datscha in Deauville, dem Jardin Majorelle in 

Marrakesch, der Wohnung in der Rue de Babylone und 

der Maison de Couture in der Avenue Marceau geben 

faszinierende Einblicke in das Leben und Wirken von 

Yves und Pierre. In Fotografien von Marianne Haas 

und Texten sowie speziellen Beiträgen von Jacques 

Grange, Catherine Deneuve, Betty Catroux, Laurence 

Bénaïm oder Louis Benech lebt das Vermächtnis 

des kreativen Paars weiter. 

assouline.com 

Saint Laurent zu Hause 

in der Rue de Solférino 

in Paris mit dem 

Gemälde „Composition, 

dans l’usine“ 


163

164 

Fotos: Marianne Haas, Courtesy of Jacques Grange

vv 

55, Rue de Babylone, Paris: 

An der Wand drei Bilder von Fernand Léger, 

links oben der Geist von Giorgio de Chirico, 

Hocker im Vordergrund von Pierre Legrain 

vc 

Château Gabriel, Deauville, Frankreich: 

Der Wintergarten mit seinen exotischen Blumen, 

Palmen und Farnen war der Ort, an dem Saint 

Laurent seine Gäste am häufigsten empfing 


v 

Jacques Grange, Yves Saint Laurent und Yves’ 

französische Bulldogge Moujik im Wintergarten 

von Château Gabriel in Deauville, Normandie, 

Frankreich, 1982 

vx 

Der Kamin im Wohnzimmer in der Villa Oasis ist 

mit Halsketten aus Korallen, Bernstein und Jade 

aus der südlichen Sahara geschmückt 

b 

Green Living in der 5, Avenue Marceau in 

Paris. Designer Jacques Grange überzog 

einige Möbelstücke mit grünem Stoff 


165


hh 

Stillleben im Salon: Ein präraffaelitisches Gemälde 

von Edward Burne-Jones ruht auf einer Staffelei 

h 

Yves Saint Laurent liebte seine Gärten. Sie waren 

für ihn Erholungsort und Inspirationsquelle 

b 

Die Grenzen von Arbeits- und Wohnräumen waren 

immer fließend, die Räume mit beeindruckender 

Fantasie und Liebe zu den Details gestaltet 

„Yves Saint Laurent at 

Home“ ist im Assouline 

Verlag erschienen 

Fotos: Marianne Haas, Courtesy of Jacques Grange 

166 


Ab 

März 2023 

auch in Mödling 

www.largilla.at 

www.largilla.at 

GRAZ . WIEN . KLAGENFURT . SALZBURG

BEAUTY 

O 

Die Flakons sind auf 300 Stück limitiert und 

leuchten in den drei Farben: „Sun_Rise_Yellow“, 

„Grass_Blade_Green“ und „Ultra_Orange“ 

Der Weg ist das Ziel. Das dachte sich wohl auch 

der junge Baron Carlo Magnani, ein eleganter 

und kultivierter Erbe aus einer der ältesten 

Adelsfamilien Parmas. Als er sich 1916 aufmachte, 

um Metropolen wie Paris, London 

und New York zu erkunden, wollte er nicht 

auf den Esprit seiner italienischen Heimat 

verzichten und kreierte ein Duftwasser, das 

mit moderner Frische bald zu Weltruhm 

gelangen sollte. Es war die Geburtsstunde 

von Acqua di Parma, dem Wasser aus Parma. 

Eine Geschichte, untrennbar verwoben mit 

visionärem Handwerk, aber auch mit Natur, 

Kultur und Kunst. Bis heute begeistert der 

Klassiker „Colonia“ durch die unveränderte 

Rezeptur aus spritziger Zitrone, Bergamotte 

und Orange. Ergänzt werden diese Aromen 

durch Lavendel, Rose und Rosmarin sowie 

holzige Noten von Vetiver, Sandelholz und 

Patschuli. Sogar das strahlende Gelb, das 

man heute mit der Maison verbindet, geht 

auf diese Zeit zurück. Es erinnerte den aristokratischen 

Globetrotter an die unzähligen 

Palazzi in Italien, die von der Sonne in ein 

magisches Licht getaucht werden. 

IKONE 3.0 

Begonnen hat bei Acqua di Parma alles 1916 mit dem 

Duft „Colonia“. Nun erhält der Flakon dieses Klassikers 

ein visionäres Refreshment: eine Limited Edition in 

drei Farben von Design-Genie Dr. Samuel Ross 


Seit über 100 Jahren überzeugt Acqua di 

Parma nun schon mit Qualität und Kontinuität, 

aber stets auch mit kreativen 

neuen Perspektiven. Fortgeführt haben 

das „Colonia“-Erfolgsrezept Kollektionen 

wie „Blu Mediterraneo“, eine Hommage an 

das Mittelmeer, „Le Nobili“, hier steht die 

Ode an die Weiblichkeit im Zentrum, oder 

auch die luxuriöse „Home“-Serie mit noblen 

Diffusoren und Kerzen. Aber das „Colonia“ 

hat glücklicherweise die Zeit und alle seine 

Nachfolger mühelos überdauert, wie es 

sich für einen echten Revolutionär gehört. 

Nun wird die Duft-Ikone vom mehrfach 

ausgezeichneten Künstler und Designer 

Dr. Samuel Ross neu in Szene gesetzt. 2019 

lancierte er sein Industrial-Design-Studio 

SR_A, Samuel Ross and Associates, das in 

den Bereichen Inneninstallation, Architektur, 

Möbel- und Sounddesign sowie visuelle 

Kommunikation tätig ist. Berühmt ist er für 

seine explorative Arbeit mit neuen Materialien 

in Kombination mit abstrakten Formen. 

Seine Handschrift ist auch bei der „Colonia 

Limited Edition, designed by Samuel Ross“ 

unverkennbar präsent. So wird der Brutalismus 

der englischen Hauptstadt, der Home 

168

ase von Ross, in einem ultramatten, überpigmentierten 

Gelb zum Ausdruck gebracht 

und markiert als Signature-Farbe von Acqua 

di Parma sozusagen die Basis der Neuinterpretation. 

Hinzu gesellen sich das kräftige 

„Grass_Blade_Green“ und das progressive 

„Ultra_Orange“ und schlagen damit die Brücke 

zu Ross’ eigenen Industrial-Design-Kreationen. 

Der zeitlose Duft in Kombination mit 

dem futuristischen visuellen Konzept von 

SR_A schafft eine elektrisierende Symbiose, 

der man sich nicht entziehen kann und auch 

nicht sollte. Die auf 300 Stück limitierten 

und nummerierten Special-Edition-Flakons 

zollen dem italienischen und britischen 

Modernismus Tribut, ohne die berühmte 

Leichtigkeit zu verlieren. Erhältlich sind sie 

weltweit ab 15. März 2023 in ausgesuchten 

Shops. In Österreich nur bei Nägele & Strubell 

in Wien, Graben 27, und bei Kastner und 

Öhler in Graz, Sackgasse 7 – 13. 

O 

Der Duft 

„Colonia“ 

erscheint seit 

1916 mit 

unveränderter 

Rezeptur 

Design-Superstar Dr. Samuel Ross, der in 

der Vergangenheit bereits mit Unternehmen 

wie Nike, Converse, Apple oder Hublot kollaborierte, 

wurde 1991 im Londoner Stadtteil 

Brixton geboren, zog aber kurz nach der 

Geburt mit seinen Eltern nach Northamptonshire. 

Nach seinem Universitätsabschluss 

absolvierte er ein Praktikum beim Streetwear-Label 

„Off-White“ von Virgil Abloh, der 

auch zu seinem Mentor werden sollte. Im 

Jahr 2015 gründete er sein eigenes Modelabel 

„A-Cold-Wall“, vier Jahre später folgte die 

Lancierung seines Industrial-Design-Studios 

SR_A. AURUM 999,9 hatte die Möglichkeit, 

Dr. Samuel Ross ein paar Fragen zu stellen. 

Dr. Ross, Sie haben 2015 Ihr eigenes Label 

„A-Cold-Wall“ gegründet. War für Sie immer 

klar, dass Sie irgendwann Ihren eigenen 

kreativen Weg gehen wollen? 

Es ist wichtig, dass man nach der Zusammenarbeit 

mit Branchenführern seinen eigenen 

Weg und seine persönliche Sprache findet – 

insbesondere in produktbezogenen Sektoren 

wie der Modebranche. 

„ICH WOLLTE DIE 

INTERFERENZEN 

ZWISCHEN 

BRITISCHER 

UND ITALIENISCHER 

ARCHITEKTUR 

HERVORHEBEN“ 

Dr. Samuel Ross 

Wie würden Sie selbst das Konzept von 

„A-Cold-Wall“ beschreiben? 

Ich beschreibe „A-Cold-Wall“ als „Materialstudie 

für soziale Architektur“ und „europäische 

Luxus-Sportbekleidung“. Es ist ein Weg, 

die Beziehung zwischen architektonischem 

Material und dem Körper durch technische 

Stoffe und innovative Formen zu vermitteln, 

die auf zukünftige Bekleidungsbedürfnisse 

verweisen und über vergangene Design- und 

Architekturbewegungen reflektieren. Das 

eine ist ein Luxus-Sportbekleidungsunternehmen, 

das unsere Beziehung zu Architektur 

und Material erforscht, das andere ist ein 

umfassenderes Bestreben, fast schon ein Versprechen, 

etwas zu bewirken, was Gleichheit 

und Chancen angeht. 

2019 haben Sie die Produktion von London 

nach Italien, genauer gesagt nach Vincenza, 

verlegt. Was waren die Beweggründe dafür? 

Tatsächlich lag der Schwerpunkt der Verlagerung 

der Produktion nach Italien darin, 

ein neues Niveau an Handwerk und Produktdetails 

zu erreichen. Die Nutzung von familiengeführten 

Produktionshäusern und die 

Erschließung des Wissens von Generationen 

in Bezug auf Konstruktion, Beschaffung und 

Archivmaterial waren die treibende Kraft 

hinter dieser Entscheidung. 


R 

Die Signature-Farbe 

Gelb von Acqua di 

Parma war auch für 

die „Colonia Limited 

Edition, designed by 

Samuel Ross“ 

Ausgangspunkt 

In den letzten Jahren haben Sie mit vielen 

internationalen Marken aus den unterschiedlichsten 

Bereichen zusammengearbeitet. 

Inwieweit ist es eine Herausforderung, 

immer wieder mit anderen Produkten und 

Marken zu tun zu haben, und woher nehmen 

Sie Ihre Kreativität und Inspiration dafür? 

Wir arbeiten mit Partnern zusammen, die 

ihre eigene kreative Kultur haben. Sport 


169

BEAUTY 

O 

Das Industrial-Design-Studio 

SR_A von Dr. Samuel Ross hat nicht 

nur den Flakon neu interpretiert, 

sondern auch die Verpackung 

Frisch, modern und einen Hauch 

futuristisch 

T 

bekleidung, die aus kultureller, technischer 

und stark jugendorientierter Sicht Sinn 

ergibt, wie Dr. Martens, Diesel, Converse, 

Timberland oder Nike, passt am besten zu 

„A-Cold-Wall“. Luxusgüter, die sich durch 

geringe Stückzahlen, typischerweise durch 

Atelierproduktion und handwerkliche Techniken 

oder technologieorientierte Produktion 

auszeichnen, wie von Apple, Nike, Hublot 

oder Acqua di Parma, passen zu SR_A, unserem 

Designstudio. 

Sie haben gerade den Flakon der Duft-Ikone 

„Colonia“ für Acqua di Parma neu gestaltet. 

Was wollen Sie mit dem Design ausdrücken? 

Unsere Nachforschungen führten dazu, 

dass wir uns darauf konzentrierten, die Verbindung 

von Acqua di Parma zur Stadt Mailand 

und zu Europa zusammenzufassen. Was 

es bedeutet, optimistisch europäisch zu sein, 

eine weltoffene Sichtweise der Integration 

zu haben und die Resonanz zu umarmen, 

die eine Stadt haben kann. Ich wollte die 

Überschneidungen zwischen britischer und 

italienischer Architektur und die damit einhergehenden 

Bewegungen durch Farbe, 

Typografie und ein klares visuelles System 

ausdrücken und hervorheben. Unser Studio 

orientierte sich an postmoderner und modernistischer 

Architektur sowie an industriellen 

Farbtönen, um dies zu vermitteln. Die Tatsache, 

dass wir in beiden Städten aktive Designstudios 

haben, machte diese Umsetzung recht 

organisch. Renzo Pianos und Richard Rogers’ 

meisterhaftes Centre Georges-Pompidou 

sowie ihre anderen Arbeiten in Europa vermischten 

sich mit der Verwendung von 

unmittelbaren, optimistischen, oft durchdringenden 

Farben und Schriften in unserem 

Studio und vermittelten eine vergangene 

Perspektive des Optimismus mit einer in die 

Zukunft gerichteten Sicht des Optimismus 

durch Grafik und Farbe. 

Hat der Duft von „Colonia“ bei der Konzeption 

des Flakons eine Rolle gespielt? 

Der Duft an sich hat den Ton der gewählten 

Primärfarben beeinflusst. Das ist Teil des 

Angebots von „Colonia“ und der Art und 

Weise, wie man das Gefühl interpretiert, das 

der Duft vermittelt. Die Intensität macht 

neugierig. 

Was sind die größten Unterschiede in der 

Herangehensweise, wenn Sie ein komplett 

neues Produkt entwickeln, so wie für Hublot, 

oder eine Duft-Ikone wiederbeleben, wie bei 

Acqua di Parma? 

Es ist sicher eine Mischung aus Hard und Soft 

Skills. Es geht um Ideen und gestalterisches 

Denken. Es geht darum, wie Ideen am besten 

in Bezug auf die spezifische Geschichte und 

den Hintergrund eines Hauses kommuniziert 

werden können. Es gibt keinen schlüsselfertigen 

Ansatz. Jedes Mal beginnt es zunächst 

mit einer Dating-Phase. Es ist wichtig, den 

Partner kennenzulernen, um ihm dann 

vorzuschlagen, wie seine Zukunft aussehen 

könnte. Das braucht auch Zeit. 

Unser AURUM 999.9 MagBook ist ein 

Hybridprodukt zwischen einem Lifestyle- 

Magazin und einem Coffee Table Book. Das 

MagBook ist nicht als Wegwerfprodukt 

gedacht, sondern soll als Wohn-Accessoire 

über längere Zeit dekorativ in Szene gesetzt 

werden. Nachhaltigkeit und 

der schonende Umgang mit 

Ressourcen ist natürlich auch 

in der Mode- und Beautybranche 

ein großes Thema. 

Was ist Ihr persönlicher 

Ansatz in dieser Hinsicht? 

Meine Reaktion darauf war, 

dass wir unsere Modenschauen zurückzogen 

und uns auf intime Installationen konzentrierten. 

Es fühlt sich ein wenig langatmig an, 

Ressourcen für eine glitzernde Performance 

zu verbrauchen, die eine einfachere Verbindung 

zwischen Marke und Kunde nicht 

unterstützt. 

Außerdem haben wir weniger Produkte 

hergestellt. In der Modebranche produzieren 

wir jetzt kleinere Kollektionen. Außerdem 

haben wir die Verwendung von Plastik in der 

Verpackung und im Produktentwicklungsprozess 

reduziert, indem wir organisches 

Material mit umweltfreundlichen Beschichtungen 

und Folien integriert haben. 

Im Designbereich ist unser Nachhaltigkeitsansatz 

vom ersten Tag an integriert: 

eine spezielle Gruppe von Kunden, mit 

denen wir über mehrjährige Partnerschaften 

zusammenarbeiten. Die Wirkung sollte 

durchschlagen und die Nutzer in Erstaunen 

versetzen – sei es durch intuitive Ideen 

oder den Schutz von Handwerk und maßgeschneiderten 

Produktionsmitteln. Die 

Zukunft ist eine Mischung aus Atelier und 

Technologie. Ich bin kein Freund von Massenware 

oder der Teilnahme an einem solchen 

System – das ist doch ein bisschen nachlässig, 

oder? Mir geht es um das Handwerk und die 

Besonderheiten, nicht um die Masse. 

Zum Schluss noch eine kurze Frage: Waren 

Sie schon einmal in Österreich oder in der 

Hauptstadt Wien? 

Ich habe Österreich noch nicht besucht, aber 

ich freue mich darauf, es bald zu tun. Wien 

steht schon seit einiger Zeit auf meiner Liste 

– wahrscheinlich komme ich noch dieses Jahr! 



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das Urlaubswünsche wahr werden lässt: 

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eigenem Pool sowie Komfort und Service 

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SOMMER 

2023 

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Frischer 

Wind 

Meisterparfümeure haben das Paradoxon der Natur, von Kraft und Zerbrechlichkeit, 

in Flakons gegossen. Sanft und zurückhaltend sorgen florale Noten und fruchtige 

Akkorde mit Leichtigkeit für neuen Schwung 

Sobald die Tage freundlicher und wärmer werden, sind auch 

die obligatorischen Frühlingsgefühle nicht weit. Es scheint, 

als sei die Sonne heller, das Meer blauer, die Luft klarer und 

das Gras grüner. Ja, sogar die Arbeit geht leichter von der 

Hand. Klingt magisch, ist aber ganz einfach wissenschaftlich zu 

erklären: Aufgrund der steigenden Lichtintensität kommt es zu einer 

vermehrten Ausschüttung von Serotonin, auch als Glückshormon 

bekannt. Es steigert unser Wohlbefinden und sorgt für eine angenehme 

Euphorie. Alles neu macht also der Frühling, und dieser frische 

Wind weht einem auch in Form olfaktorischer Kreationen um 

die Nase. Ein besonders blumig-fruchtiges Statement kreierte Issey 

Miyake: Die japanische Luxusmarke ist berühmt für leichte Odeurs. 

Im Fokus steht so gut wie immer die Begegnung von frischem, 

purem Wasser mit einem natürlichen Stoff wie einer Blume. Das ist 

auch bei „L’Eau d’Issey Pivoine“ nicht anders. Parfümeurin Marie 

Salamagne kombiniert Akkorde der Pfingstrose mit Birne und 

bereichert das Bouquet mit weißer Himbeere. Ebenso florale 

Akzente setzt Jean Poivre. Das ikonische „Seven Days in Spring“ ist 

wie ein Spaziergang auf einer Wiese, auf der Jasmin, Rose und 

Veilchen sprießen. Mit seinem zeitlosen Schliff erinnert der Flakon 

an kostbare Kristallgefäße, wie sie Ende des 18. Jahrhunderts in vornehmen 

Haushalten Frankreichs en vogue waren. Auch Hermès 

zelebriert mit „Eau de Basilic Pourpre“ französische Eleganz. Christine 

Nagel verwendet das grüne Basilikum, um ihre Interpretation 

des roten Basilikums hervorzubringen, das sich leider nicht destillieren 

lässt. Schillernde Bergamotte und stilvolle Geranie betreten 

die Bühne und unterstreichen die frühlingshafte Frische, die wir alle 

so lieben, schätzen und herbeisehnten. 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Hersteller, Hintergrundbild: Shutterstock 

172

BEAUTY | DUFT 

4 

2 

3 

5 

1 

6 

10 

7 8 9 

1 / Fruchtige Akkorde in sinnlicher Harmonie mit bulgarischer Rose 

und strahlenden Holznoten: „Omnia Amethyste“ von Bulgari 

2 / Rose, Jasmin und eine unbeschwerte Leichtigkeit stehen bei 

diesem floralen Feuerwerk im Mittelpunkt: „Joy“ von Dior 

3 / Bergamotte, Orangenblüte, Iris und Lavendel sorgen für 

elektrisierende Frühlingsnächte: „About That Night“ von La Perla 

4 / Die energetische Power-Kreation wird dominiert von Jasmin und 

Essenzen der Mandarine: „Flora Gorgeous Jasmine“ von Gucci 

5 / Auf einer Reise in exotische Länder wird man begleitet von 

Ylang-Ylang und Veilchen: „Seven Days in Spring“ von Jean Poivre 

6 / Grünes Basilikum, Bergamotte und Geranien vereinen sich zu 

einer Frühlingsbrise: „Eau de Basilic Pourpre“ von Hermès 

7 / Nach einem langen Winter wecken Geranie, Silberlinde und 

Mimose wieder die Lebensgeister: „Highgrove“ von Penhaligon’s 

8 / Eine Pfirsichblüte als Inspiration, kombiniert mit Tonkabohne 

und Iris-Butter: „Flower of Immortality“ von Kilian 

9 / Pfingstrose, Birne und weiße Himbeere sind ein Garant für 

Spring-Fever: „L’Eau d’Issey Pivoine“ von Issey Miyake 

10 / Blumengöttin aus rosaroten Rosen und Pfingstrosen sowie 

einem Hauch Pfeffer: „Olympéa Flora“ von Paco Rabanne 


173

Bee beautiful, 

Honey! 

Bienen sind zweifellos Superhelden. Sie retten nicht nur die Welt, sondern verfeinern 

so ganz nebenbei mit Honig, Gelée royale, Propolis und Bienenwachs auch noch 

unsere Beauty-Lieblinge. Es ist Zeit für eine Hommage 

J 

etzt im Frühling wird die Biene von steigenden Temperaturen 

wieder aus ihrem Stock gelockt und schwirrt über saftig grüne 

Wiesen von Blume zu Blume. Dabei ist uns ihre existenzielle 

Bedeutung oft nicht bewusst. Albert Einstein soll es bereits 1949 

auf den Punkt gebracht haben: „Wenn die Biene einmal von der 

Erde verschwindet, hat der Mensch nur noch vier Jahre zu leben. Keine 

Bienen mehr, keine Bestäubung mehr, keine Pflanzen mehr, keine 

Tiere mehr, keine Menschen mehr.“ Wahre Worte, mit dem kleinen 

Schönheitsfehler, dass der berühmte Physiker das nie von sich gegeben 

hat. In die Welt gesetzt wurde diese falsche Zuschreibung von einem 

Imker. Aber die Biene ist nicht nur überlebensnotwendig für unser 

Ökosystem, sondern produziert auch Wunderwaffen für Haut und 

Haar. Sind doch Honig, Bienenwachs, Gelée royale und Propolis aus 

unseren Beauty-Helfern nicht mehr wegzudenken. Dient Bienenwachs 

vor allem als natürlicher Konsistenzgeber für Cremes und Salben, sorgt 

Honig für weiche Haut und wirkt entzündungshemmend. Chanel setzt 

für die „Le Lift Pro“-Serie auf eine der kostbarsten und seltensten 

Honigsorten überhaupt. In einem Freiluftlabor in Costa Rica wird 

dafür nur der Überschuss des von der Melipona-Biene produzierten 

Honigs geerntet. Auch Babor ist 2020 auf die Biene gekommen und 

schenkt acht Bienenvölkern in der Nähe des Headquarters ein Zuhause. 

Die „Repair Cellular Ultimate Repair Gel-Cream“ von Doctor Babor 

brilliert durch die Hauptnahrung der Bienenkönigin: Gelée royale. 

Der königliche Leckerbissen soll als Anti-Aging-Booster die vorzeitige 

Hautalterung verlangsamen und für einen strahlenden Teint sorgen. 

Wissenschaftliche Evidenzen fehlen, ganz anders bei Propolis. Dem 

Kittharz der Bienen wird eine antimikrobielle, antivirale und antioxidative 

Wirkung bescheinigt, der sich auch die Kosmetikbranche nicht 

entziehen konnte. Da bleibt nur noch eines zu sagen: Liebe Biene, du 

bist wahrlich heldenhaft. 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Hersteller, niche-beauty.com 

174

BEAUTY | PFLEGE 

2 

4 

3 

1 

3 

5 

6 

9 

7 

8 

10 

1 / Gelée royale und Honig geben dem Haar wieder Kraft und Glanz: 

„Abeille Royale Scalp & Hair Youth Oil-in-Serum“ von Guerlain 

2 / Eine exklusive Anti-Aging-Formel mit Bienenwachs strafft die 

Haut nachhaltig: „Comforting Barrier Mask“ von Sensai 

3 / Systematische Zellerneuerung über Nacht mit Propolis-Extrakt: 

„Sleep Tight Rejuvenating Face Balm & Mask“ von Amly 

4 / Akazienhonig und fruchtige Noten sorgen für seidig zarte Haut: 

„Nectarine Blossom & Honey Body Creme“ von Jo Malone 

5 / Strahlender Teint mit dem kostbaren Melipona-Honig aus Costa 

Rica: „Le Lift Pro Concentré Contours“ von Chanel 

6 / Intensiver Feuchtigkeitsspender mit Bienenwachs, für spröde 

und sensible Lippen: „(09) Lip Care“ von Prof. Dr. Steinkraus 

7 / Natürlicher Balsam mit Bienenwachs, schafft schnell Abhilfe bei 

trockenen Hautstellen: „SOS Hautpflege Balsam“ von Kami 

8 / Anzeichen von Stress haben mit diesem Multitalent, angereichert 

mit Bienenwachs, keine Chance: „Gold Balm“ von Master Lin 

9 / Ingredienzien wie Gelée royale regenerieren das Hautbild: 

„Repair Cellular Ultimate Repair Gel-Cream“ von Doctor Babor 

10 / Schmeckt wunderbar und wirkt auch direkt auf der Haut 

antiseptisch und wundheilend: „Manuka Honig“ von Saint Charles 


175

BEAUTY | MEN 

Active 

Heroes 

3 

2 

1 

4 5 

Wir haben ein Déjà-vu, das uns die Schweißperlen auf die Stirn treibt! 

Positive Spring-Vibes sagen den tristen Monaten Ade und locken mit einem 

vitalisierenden Workout aus der Komfortzone. Diese Pflegespezialisten 

sorgen dabei für den nötigen Frischekick 

1 | Patricks 

„ND2 High Performance Natural Deodorant“ 

Sweat baby sweat! Die raffinierte Konstellation aus brauner Tonerde, 

Kokosnussöl, Zink und Tapiokastärke beugt bis zu 24 Stunden dem 

Wachstum von Mikroorganismen vor. Sie sind die kleinen Übeltäter, 

die für unangenehmen Geruch beim Schwitzen sorgen. 

2 | Clarins 

„Exfoliating Cleanser“ 

Ein effektives Peeling ist eine Wohltat vor und nach jeder Sporteinheit! 

Es entfernt sorgsam abgestorbene Hautzellen, befreit verstopfte 

Poren und lässt die Haut wieder atmen. Dieses Fresh-up überzeugt 

durch eine Kombination von Seifenkrautextrakt und Mariengras. 

3 | Rituals 

„Sport – Cooling Shower Gel“ 

Zitrusnoten, Bergamotte und Pfefferminze sind zweifellos Energy- 

Booster und bringen alles mit, um sportliche Höchstleistungen zu 

erzielen. Nach einem Workout versorgt das Duschgel beanspruchte 

Männerhaut mit ausreichend Feuchtigkeit. 

4 | Shiseido 

„Total Revitalizer Light Fluid“ 

Time-out, und zwar so lange man will. Denn Sport bedeutet auch 

eine Auszeit vom Alltag. Aufgrund der federleichten Textur ist dieses 

Fluid dabei ein treuer Wegbegleiter. Es verschmilzt fast mit der Haut, 

zieht sofort ein und verlangsamt so ganz nebenbei das Rad der Zeit. 

5 | Tom Ford 

„Neroli Portofino – All Over Body Spray“ 

Darf es eine kühle Brise nach dem schweißtreibenden Training sein? 

Aber klar doch, würden wir meinen. Dieser Ganzkörperspray mit 

Zitrusölen, floralen Akzenten und Ambranoten erfrischt Körper und 

Geist. Wie ein Sprung ins kalte Nass, nur riecht er aufregender! 

Redaktion: Christoph Kulmer, Fotos: Hersteller, Hintergrundbild: Shutterstock 


ADVERTORIAL 

EINER WIE KEINER 

Der britische Luxus-SUV setzt neue 

Maßstäbe und ist ein stimmiges 

Gesamtpaket aus überwältigender 

Power und dynamischer Eleganz 

Beim neuesten Sprössling der Sportwagen-Dynastie haben sich 

unwiderstehliche Sportwagen-Power und Eleganz vereint. 

Aston Martin verbindet neueste Technologien, aufwendige Handarbeit 

und ansprechendes Design und steht damit für Stil, Luxus, 

Sportlichkeit und Exklusivität. Das neue Flaggschiff der DBX-Reihe 

überzeugt mit drei herausragenden Merkmalen. Er ist der schnellste, 

leistungsstärkste und am besten zu fahrende SUV, der die Werkstätten 

von St Athan in Wales verlassen hat. Der einmalige, von Aston 

Martin entwickelte 4-Liter-V8 liefert 707 PS und beschleunigt seine 

Insassen in 3,3 Sekunden von 0 auf 100. Das automatische 9-Gang- 

Getriebe mit Nasskupplung ermöglicht schnellere Gangwechsel, und 

der Fahrer spürt, dass der Wagen besser auf seine Eingriffe reagiert. 

Im DBX707 soll der Fahrer die volle Kontrolle genießen. Das ermöglichen 

unter anderem die neuen Tasten zur Auswahl des Fahrmodus, 

die sich auf der umgestalteten unteren Mittelkonsole befinden. Somit 

erfuhr der DBX707 nicht nur technisch eine umfassende Optimierung, 

auch das Innen- und Außendesign wurde gründlich überarbeitet. 

Das Ergebnis ist ein spektakuläres Fahrzeug, das Sportlichkeit 

ausstrahlt und zugleich den Stil und die Detailverliebtheit verkörpert, 

für die Aston Martin zu Recht berühmt ist. Für all jene, die dieses 

Meisterwerk noch mit ihrer ganz persönlichen Note adeln möchten, 

steht als Krönung der „Q by Aston Martin“-Service zur Verfügung, 

mit dem der DBX707 mit unterschiedlichen Optionen, einmaligen 

Grafiken, Wunschmaterialien für innen und außen oder gefärbtem 

Carbon als absolutes Unikat konfiguriert werden kann. 

Aston Martin Wien – Vertrieb 

Faradaygasse 1, 1030 Wien, Österreich 

Mit dem größeren 

gitterförmigen Kühlergrill 

in satiniertem Chrom und 

den komplett neu designten 

Tagfahrleuchten wirkt der 

neue DBX707 noch 

sportlicher 

Fotos: Aston Martin

178


v 

„Traegi“ 

Cologne, 2022 

Nadine Dinter 

Redaktion: Bernhard Musil, Fotos: Nadine Dinter 

Selbstporträt 

Makadi Bay, 2022 

Den Grundstein für Nadine Dinters Leidenschaft für die 

Fotografie legte ihr Großvater, als er der damals 18- 

Jährigen eine Praktica-Kamera zum Geschenk machte. 

Seitdem ergründet sie – zuerst analog, dann digital – die mannigfaltigen 

Dimensionen dieses Mediums. Anfangs experimentierte sie mit 

Porträts, war aber zugleich angetan von der Schönheit der Bildhauerei. 

Fasziniert von der scheinbaren Lebendigkeit von Skulpturen ließ sie 

sich über diverse europäische wie amerikanische Friedhöfe treiben und 

bannte die in Stein gemeißelten Meisterwerke auf Zelluloid. 

1975 in Berlin geboren, ergründete Dinter ihre Passion für die 

bildgebende Kunst vor und nach einem Diplom als Fremdsprachenkorrespondentin 

nicht nur als autodidaktische Fotografin. Sie absolvierte 

ebenso ein Studium zur PR-Beraterin an der Deutschen Akademie 

für Public Relations und der Art Administration an der NYU in 

New York City. Fortan mit den vielfältigen Strategien in Sachen 

Imagepflege und Marketing vertraut, avancierte Dinter schnell zu 

einer Botschafterin der Fotografie. Ihr Auge verlangte dennoch stets 

danach, weiter aussagekräftige Momentaufnahmen zu generieren. So 

entstand in ihrer Zeit im Big Apple – inspiriert von ihrer Liebe zu 

Werbung – das Projekt „In the eye of the beholder“. Hierbei machte 

sie sich die Technik der Doppelbelichtung zunutze und ließ multidimensionale 

Bilder entstehen, um den Betrachter tiefer in ihre Interpretation 

der sie umgebenden Welt eintauchen zu lassen. 

Im Oktober 2022 präsentierte Dinter erstmals ihre Ausstellung 

„Torso Reloaded“, bei der sie es sich zur Aufgabe gemacht hatte, Andy 

Warhols legendäre „Torso“-Reihe aus dem Jahr 1977 neu zu interpretieren. 

Warhols Geist stand weiterhin Pate, als sie Models, befreundete 

Fotografen und sogar einen Wrestler porträtierte, um ihren 

„female gaze“ auf die heutige Männergeneration zu werfen. Nach dem 

fulminanten Erfolg der Auftaktausstellung in der Berliner Hazegallery 

sind Dinters Werke ab Ende Februar 2023 im East Hotel Hamburg 

zu bewundern. 

dinterphotography.de 


179


k 

„Orange mix“ 

New York City, 2001 

„Alexander Schuktuew“ 

Berlin, 2022 

x 

„Snow White versus Hitchcock“ 


x 

180

„Benjamin Kühnemund“ 

Berlin, 2022 


181

h 

„Alexander Schuktuew“ 

Berlin, 2022 

182


k 

„A kiss is just a kiss“ 


v 

„Talk to her“ 


k 

„Bowie“ 



183


Alle Bilder auf dieser Seite: 

„Cemeteries“ 

Paris, around 1999 


2371 Hinterbrühl: 

Frühlingsbeginn ist Baubeginn 

Grund ca. 2.070 m², Altbaumbestand, südwestlich, offene 

Bauweise, BK I, 300 m² verbaubar. Teilung möglich. 

Obj. Nr. 960/58627, Kaufpreis € 1.790.000. 

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kaiserliches Anwesen mit 

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Villa aus Kaiserzeit, ca. 2237 m² Grund, 

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2372 Gießhübl: 

Anwesen mit traumhaftem 

Ausblick 

Grundfläche 6.900 m², Wohnfläche ca. 500 m², 

Terrassenfläche ca. 140 m², 

Obj. Nr. 960/63079, HWB 245 kWh/m²a, 

Kaufpreis auf Anfrage. 

Karin Bosch, MBA 

Leitung NÖ Süd, 

Leitung Exklusivimmobilien W/NÖ/Bgld/Sbg 

T +43 5 0100 – 26231 

karin.bosch@sreal.at

MOBILITY 

Er gilt als DER 

klassische 

Rolls-Royce: 

der „Phantom“ 

Seit 120 Jahren baut der wahrscheinlich bekannteste 

Fahrzeughersteller der Welt Automobile, die Luxus immer 

neue Dimensionen verleihen. Wie das Streben nach Perfektion 

und kompromissloses Handwerk Rolls-Royce zum geflügelten 

Wort und seine Autos zu Ikonen machten 

Von Jürgen Rumpler 

186

Fotos: Rolls-Royce Motor Cars 

SPRING 2022 

187

MOBILITY 

Uc 

Die „Starlight-Doors“ mit 

ihren LEDs und das neue 

Gestaltungskonzept der 

Sitze gehören zu den 

Interior-Highlights 

des neuen „Spectre“ 

U 

Ein spezieller gyroskopischer 

Mechanismus 

sorgt dafür, dass das 

RR-Logo an der Radnabe 

immer in die richtige 

Richtung zeigt 

W 

Jeder Rolls-Royce wird in der 

Fabrik im englischen Goodwood 

gefertigt 

Rund achthundertdreißig 

Stunden. So viel Zeit für 

Forschung und Entwicklung 

floss nicht etwa in 

den Allradantrieb, das erste vollelektronische 

Armaturenbrett oder die handgefertigte 

Soundanlage. Mehr als ein ganzer Monat 

voller 24-Stunden-Tage steckt in einer 

Anpassung der vielleicht berühmtesten 

Kühler figur der Welt. Für das erste vollelektrische 

Modell, das es auch auf die Straße 

schaffen wird, musste Rolls-Royce’ berühmte 

„Spirit of Ecstasy“ aerodynamischer werden. 

Um 830 Stunden Design, Entwicklung und 

Windkanal-Tests aerodynamischer. Nicht 

weil der fast drei Tonnen schwere „Spectre“ 

dadurch besonders an Reichweite gewinnen 

würde. Sondern weil es das ist, was sich das 

Unternehmen auf die Fahnen geschrieben 

hat. „Nimm das Beste, das existiert, und mach 

es noch besser.“ Und das gilt eben für jede 

Kleinigkeit. Ganz besonders für jede Kleinigkeit. 

Und damit auch für jene einst skandalöse 

Figur, in der der britische Bildhauer Charles 

Douglas Sykes ursprünglich die Geliebte 

eines englischen Adeligen porträtierte, damit 

dieser sie auf den Kühlergrill seines Wagens 

– natürlich ein Rolls-Royce – setzen konnte. 

Seit damals zieren verschiedene Versionen der 

irrtümlich auch oft „Emily“ gerufenen Figur 

die Motorhauben der vielleicht luxuriösesten 

Karossen der Welt. Dass für den „Spectre“ der 

gesamte Kühlergrill niedriger, breiter und die 

ganze Karosserie windschlüpfriger als je zuvor 

wurde, versteht sich bei so viel Aufhebens um 

eine kleine Figur eigentlich von selbst. Man 

mag sich gar nicht vorstellen, wie viel Detailarbeit 

die Ingenieure in ein rund fünfeinhalb 

Meter langes, fast drei Tonnen schweres 

Luxusgefährt gesteckt haben, das den Luftwiderstandsbeiwert 

eines „2009er Toyota 

Prius“ hat. 

Obwohl das „Ultra-Luxury Electric Super 

Coupé“, wie die neue Fahrzeugkategorie 

offiziell heißt, das erste seiner elektrischen 

Art aus Goodwood ist, das es auch – ab Ende 

2023 – auf die Straße schaffen wird, ist es durch 

und durch ein echter Rolls. Außen wie innen 

präsentiert sich „Spectre“ trotz seiner Dimensionen 

mit jener zurückhaltenden Extravaganz 

und dem Quäntchen Stiff Upper Lip, die man 

von seinesgleichen gewöhnt ist. Feine Details 

wie die LEDs, die den Kühlergrill nachts hinterleuchten, 

oder die schlanken, vertikal orientierten 

Rücklichter treffen dabei auf außergewöhnliche 

Extras, etwa die mit über 4700 

„Sternen“ beleuchteten „Starlight-Doors“, die 

natürlich perfekt zum mittlerweile ikonischen 

„Starlight-Headliner“ passen, oder die markante 

Farbabstimmung der handgearbeiteten Ledersitze. 

Das alles macht das elektrische Gefährt 

zu einem mindestens ebenso echten Luxus- 

Erlebnis für Fahrer, Mitfahrer und Zuschauer 

wie seine Brüder mit Verbrennungsmotor. 



MOBILITY 

DAS STREBEN NACH 

PERFEKTION 

Anders als man meinen könnte, ist die Idee 

des Elektroautos für Rolls-Royce auch nichts 

grundlegend Neues. Im Gegenteil. Einerseits 

wurden schon in der Vergangenheit 

elektrisch betriebene Concept-Cars gezeigt. 

Dass die technologischen Möglichkeiten 

nicht dem hohen Anspruch der Perfektionisten 

aus dem englischen Süden genügten, 

verhinderte bloß bisher entsprechende 

Serienmodelle. Andererseits erkannte schon 

Charles S. Rolls, einer der beiden Gründer, 

das Potenzial elektrischer Fahrzeuge: „Das 

elektrische Auto ist absolut lautlos und 

sauber. Es gibt weder Geruch noch Vibration.“ 

Nach diesem Ideal – dem perfekten Automobilerlebnis 

– strebte das Unternehmen 

bereits mit allen seinen vorangegangenen 

Entwicklungen. Auch dank des Perfektionismus 

seines zweiten Gründers. 

F. Henry Royce, ein aus einfachen Verhältnissen 

stammender Ingenieur aus 

dem Osten Englands, entwickelte bereits 

1903 drei Prototypen eines eigenen Fahrzeugs, 

nachdem die zu der Zeit verfügbaren 

Modelle seinen hohen Ansprüchen nicht 

genügt hatten. Rolls, ein Unternehmer aus 

aristokratischen Kreisen, importierte 

und vertrieb französische 

und belgische Fahrzeuge in England, 

als die beiden einander von 

einem gemeinsamen Bekannten 

vorgestellt wurden. Und der 

Rest ist, wie man so schön sagt, 

Geschichte: Man vereinbarte 

mit Handschlag eine Partnerschaft, 

und im Dezember 1904 

wurde der erste Rolls-Royce auf 

der Pariser Automesse präsentiert. Erst 1906 

wurde die Partnerschaft mit der Gründung 

eines Unternehmens offiziell gemacht. Die 

Maxime des Ingenieurs lautete dabei von 

Anfang an – und bis heute: „Strive for perfection, 

in everything you do.“ Strebe nach 

Perfektion in allem, was du tust. 

DIE AUTOBAUER UND DER 

TRAUM VOM FLIEGEN. 

Die Geschichte von Rolls-Royce ist seit jeher 

eng mit der Geschichte der Luftfahrt verbunden. 

Charles Rolls war der erste Mensch, 

der den Ärmelkanal hin und zurück nonstop 

überflog. Er war allerdings leider auch der 

Erste seiner Landsleute, der bei einem Flugzeugabsturz 

1910 starb. So erlebte er nicht 

mehr, dass sein Kompagnon und das von 

ihm gegründete Unternehmen 1915 erstmals 

Motoren für die Royal Air Force lieferten. 

Bereits in den 1920er-Jahren kam der Großteil 

der Einnahmen aus dem Aviation-Geschäft. 

Der in den 1930er-Jahren noch von Henry 

Royce entwickelte „Merlin“-Motor wurde der 

wohl erfolgreichste Antrieb der Zeit um den 

Zweiten Weltkrieg, trieb unter anderem die 

britischen „Spitfire“-Flugzeuge, aber auch, in 

einer von Packard produzierten Lizenzversion, 

die amerikanischen „P-51 Mustangs“ an. 

Bis zu 80 Prozent des Rolls-Royce-Geschäfts 

kamen Ende der 1960er-Jahre aus der Luftfahrtsparte. 

Anfang der 1970er-Jahre dann 

der unvermutete Absturz: Probleme bei der 

(letztendlich sehr erfolgreichen) Entwicklung 

eines neuartigen Triebwerks für das 

Verkehrsflugzeug „Lockheed 1011 TriStar“ 

führten dazu, dass das Unternehmen 1971 

verstaatlicht werden musste. In der Folge 

wurden die beiden Bereiche Automobil und 

Luftfahrt getrennt. Die Rolls-Royce Holdings 

plc ist heute der zweitgrößte Hersteller für 

Flugzeugantriebe der Welt. Automobile der 

Marke Rolls-Royce werden seit 2003 unter 

dem Banner der BMW Group gefertigt. Die 

ehemals zu Rolls-Royce gehörende Luxus- 

Automarke „Bentley“ dagegen ist heute Teil 

des Volkswagen-Konzerns. 

DIE ENTDECKUNG DER 

UNBESCHREIBLICHEN 

LEICHTIGKEIT DES FAHRENS. 

Mit dem „Silver Ghost“, der ursprünglich noch 

unter anderer Bezeichnung 1906 auf den 

Markt kam, beginnt schließlich jene Geschichte, 

die bis heute fortgeschrieben wird, so richtig. 

Nicht nur in der Namenskonvention. Bei 

O 

Der „Phantom IV“ wurde 

exklusiv für Staatsoberhäupter 

und das britische Königshaus 

gebaut. Der Wagen des dritten 

Aga Khans ist außen in 

markantem Grün gehalten … 

c 

… und innen mit nicht minder 

auffälligem roten Leder 

ausgestattet 

x 

Geschichte, wohin man blickt: 

Der „Silver Spectre“ von 1910 

ist Namensgeber für das 

aktuellste Modell „Spectre“ 


Der markante Kühlergrill wurde 

für das erste vollelektrische 

Fahrzeug komplett überarbeitet. 

Und dennoch ist er 

unverkennbar 

Fotos: Rolls-Royce Motor Cars, John Fasal 

seiner Markteinführung ist der „Silver Ghost“ 

eines der, wenn nicht das fortschrittlichste 

Automobil der Welt, das nicht nur mit Komfort, 

sondern auch mit ungekannter Standfestigkeit 

glänzte. Das Fahrgefühl beschrieb 

ein zeitgenössischer britischer Journalist 

mit dem Kunstwort „Waftability“, der unangestrengten 

Bewegung, der „power without 

any effort“. Und der Begriff blieb hängen. 

Heute ist er nicht nur untrennbar mit dem 

Namen Rolls-Royce verbunden, sondern auch 

eine eingetragene Marke des Unternehmens. 

„Waftability“ ist letztlich das, was die Fahrzeuge 

so besonders macht, das Engineering, 

das in jedem Detail steckt, die übermäßige 

Verfügbarkeit von Kraft, Kontrolle und am 

Ende auch Komfort, ohne zu protzen. 

Der „Silver Ghost“ selbst wurde zum 

Inbegriff des Luxus-Fahrzeuges seiner Zeit, 

das „beste Auto der Welt“, wie es bald hieß. 

Das „Grand Tourer“-Chassis, der lange Radstand, 

der markante Kühlergrill prägen das 

Bild der einzigartigen Luxusmodelle mit ihrer 

unnachahmlichen Britishness bis heute. Auch 

dank zahlreicher Filmauftritte, von Chaplins 

„Lichter der Großstadt“ bis zum Wüstenepos 

„Lauwrence von Arabien“. 

KÖNIGINNEN, KÖNIGE UND 

DER KING. 

Schon seit 100 Jahren gilt, was 2023 immer 

noch aktuell ist: Wer einen Rolls-Royce 

fährt (oder, wenn nicht sogar noch häufiger, 

in einem gefahren wird), hat die Spitze des 

automobil Möglichen erklommen, den Gipfel 

des Luxus erreicht. Wer so ein Automobil 

fährt, wird gesehen. Nicht umsonst gilt die 

charakteristische Frontpartie und alles, was 

danach kommt, als das Symbol der Reichen, 

Schönen und gekrönten Häupter. 

Schon in den 1920er-Jahren zeigte ein 

deutsches Magazinfeature gekrönte Häupter 

mit ihren Staatskarossen mit der unverkennbaren 

Silhouette und dem ikonischen RR- 

Logo. Rolls-Royce wurde die Staatskarosse 

schlechthin. Der „Phantom IV“ wurde sogar 

ausschließlich an Staatsoberhäupter und 

Mitglieder des britischen Königshauses verkauft. 

Nur 18 wurden zwischen 1950 und 

1956 insgesamt gebaut. Die britische Königin 

Elizabeth II erhielt zwei Fahrzeuge, weitere 

gingen zum Beispiel an den letzten Schah 

von Persien, den irakischen König Faisal II. 

oder Aga Khan III. Spätestens seit Fred 

Astaire, der sich ab den späten 1920er-Jahren 

in seinem „Phantom I“ durch London und 

später durch Hollywood chauffieren ließ, ist 

das Upperclass-Car auch ein gern gesehener 

Begleiter für Künstler, Musiker und Filmstars. 

Marlene Dietrich erhielt in den 1930er-Jahren 

ein grünes Cabriolet als Geschenk ihres 

Studios. In späteren Jahren machten extravagantere 

Ausführungen von sich reden. 

Liberace, der auch ein Modell in der Lackierung 

der amerikanischen Nationalflagge 

besaß, pflegte in einem verspiegelten „Phantom 

V“ auf die Bühne zu fahren. Elton Johns 

pinke Ausführung desselben Modells wirkt 

dagegen schon beinahe unauffällig. Und 

dann wäre da natürlich noch Elvis. Der „King“ 

erwarb Mitte der 1960er-Jahre ein seinem 

Status angemessenes Vehikel. Einen 

ursprünglich mitternachtsblauen „Phantom 

V„ – er ließ ihn später umlackieren, weil die 

Hühner seiner Mutter den glänzenden Lack 

immer wieder beschädigten –, der angeblich 

in der Auffahrt stand, als Elvis die Beatles 

traf. John Lennon erinnerte sich später, dass 

er sich mit dem King darüber unterhalten 

habe, weil jeder wisse, wie sehr Elvis Autos 

liebte, und er, Lennon, dasselbe Fahrzeug 

besäße. Überhaupt muss der Beatle dieses 

191

MOBILITY 

W 

Für „Boat Tail“ wurde das 

moderne Coachbuilding 

auf ein neues Level 

gehoben 

Die Karosserie wurde 

komplett aus einzelnen 

großen Aluminiumblechen 

handgefertigt 

x 

Modell sehr gemocht haben, gehörte ihm 

doch neben dem berühmt gewordenen gelben 

„Phantom V“ mit der bunten Blumenbemalung 

auch noch eine wesentlich unauffälligere 

weiße Version des Wagens. 

BESPOKE, VOM ANFANG … 

Wer in den Archiven oder in Auktionsbroschüren 

stöbert und auf die berühmten 

Vorväter aktueller Modelle stößt, entdeckt 

Hersteller wie H. J. Mulliner, Park Ward oder 

James Young. Denn Rolls-Royce baute, wie 

damals durchaus üblich, lediglich die Chassis 

seiner Fahrzeuge selbst. Die Aufbauten wurden 

von Karosseriebauern, den Coachbuilders, 

in Handarbeit hergestellt. Die Aufbauten der 

verschiedenen Hersteller ähneln sich zwar, 

unterscheiden sich aber an verschiedenen 

Stellen ganz grundsätzlich. Denn lediglich 

die grundlegende Designphilosophie und 

wesentliche Dimensionen waren vorgegeben. 

Die Praxis des Coachbuildings, das sich 

der Expertise externer Karosseriebauer, die 

zum Großteil historisch aus dem Kutschenbau 

kamen, bediente, verschwand mit dem 

Aufkommen der Monocoque-Chassis. Auch 

Rolls-Royce baute ab der Einführung des 

„Silver Ghost“ Mitte der 1960er-Jahre im 

Semi-Monocoque-Design. Der letzte Rolls- 

Royce auf separatem Chassis des vergangenen 

Jahrhunderts, ein „Phantom VI“, verließ allerdings 

erst in den 1990er-Jahren die Fertigung. 

Bereits in den 1930er-Jahren hatte das Unternehmen 

begonnen, sich dieses Fachwissen, 

das handwerkliche Können, gewissermaßen 

ins Haus zu holen. Mit Park Ward, später 

H. J. Mulliner Park Ward, wurde einer der führenden 

Betriebe rasch Teil des Unternehmens 

und 1991 vollständig integriert. 

… BIS HEUTE. 

Heute fertigt das Unternehmen, das seit 2003 

zu BMW gehört, alle seine Fahrzeuge vollständig 

von Hand selbst und trägt so die Tradition 

weiter. Und zwar in einer hochmodernen 

Fabrik, entworfen von Sir Nicolas Grimshaw, 

in Goodwood in unmittelbarer Nachbarschaft 

des legendären Goodwood Circuit. Der Komplex 

aus Glas, Beton und Stahl, der sich mit 

seinem begrünten Dach und seiner lamellenartigen 

Fassadenstruktur dennoch perfekt 

in die südenglische Landschaft fügt, ist die 

ideale Bühne, um Großartiges zu schaffen. 

Hier findet sich der Geist von Rolls-Royce, das 

Streben nach Exzellenz, nach dem Besonderen, 

in jedem einzelnen Fahrzeug. 

Dazu baut jedes Fahrzeug seit dem neuen 

„Phantom“ auch auf einer eigens entwickelten 

Aluminium-Plattform auf, die sich wieder 

vom Monocoque wegbewegt. Immer noch 

gelten dieselben Designprinzipien, die 1906 

eingeführt wurden: das 2:1-Verhältnis von 

Raddurchmesser und Karosseriehöhe sowie 

die drei Linien, die eine unverkennbare Form 

definieren. Die Silhouette gibt den Charakter, 

die sogenannte „Waistline“, die Taille, das 

Auftreten und die unten liegende „Waftline“ 

das Gefühl der Bewegung. 

Die gelungene Kombination von Bewährtem 

und Innovation zieht sich durch die 

gesamte Produktpalette. Nicht nur in den 

Namen steckt ein Erbe, das es zu bewahren 

und zu entwickeln gilt. Die Grundlagen und 

die unverwechselbare Rolls-Royce-DNA, 

innen und außen, teilen sich alle. Dennoch 

sind „Phantom“, „Ghost“, „Wraith“, „Dawn“, 

„Cullinan“ und „Spectre“ charakterlich so verschieden, 

wie sie es nur sein können. Während 

der „Phantom“ und der etwas kleinere 

„Ghost“ mit kantiger Silhouette ein klares 

Statement setzen, gibt sich der „Wraith“ mit 

geschwungenen Linien sportlicher, wenn 

auch nicht weniger charakterstark. Das 

Cabriolet „Dawn“ ist die seit jeher fest zu 

Rolls-Royce gehörende „Oben ohne“-Variante 

und lehnt sich optisch und technisch stark 

an den „Wraith“ an. Echtes Neuland, zumindest 

in Sachen Fahrzeugkategorie, betreten 

dagegen der vollelektrische „Spectre“ und 

mit dem „Cullinan“ der erste SUV des Hauses. 


W 

Passend zum Holzdeck 

am Heck: der stylishe 

Sonnenschirm 

Inspiriert von klassischen 

Luxus-Motorbooten, ist 

der „Boat Tail“ wahrscheinlich 

der teuerste 

Neuwagen der Welt: Er soll 

mehr als 20 Millionen Euro 

gekostet haben 

x 


193

MOBILITY 

DIE HOHE KUNST 

DES BESONDEREN. 

Das neue Plattform-Konzept, auf dem neben 

„Phantom“ und „Spectre“ auch der „Cullinan“ 

steht, basiert im Wesentlich auf vier festen 

Punkten. Der Rest ist mehr oder weniger 

flexibel und gibt Designern, Konstrukteuren 

und Kunden alle Freiheiten, auch ein komplett 

individuelles Fahrzeug zu erschaffen. 

Mit einzigartigen Entwicklungen wie etwa 

dem „Boat Tail“, von dem nur drei komplett 

individuelle Cabrios entworfen und gefertigt 

wurden, lässt man das Coachbuilding ganz 

neu entstehen. Wie eine der berühmten 

Rennjachten durchs Wasser, sollten die „Boat 

Tails“ über die Straßen gleiten, mit einer aerodynamischen 

Karosserie, handgefertigt aus 

Aluminiumblech, einem hölzernen Deck am 

Heck und einem Interieur, das bis ins Detail 

individualisiert ist. 

PURER LUXUS, SO WEIT DAS 

AUGE REICHT. 

Dagegen wirken die „herkömmlichen“ 

Bespoke-Möglichkeiten im House of Rolls- 

Royce geradezu – herkömmlich. Was anderswo 

als das Nonplusultra gilt, ist in Goodwood 

ohnehin schon die Basisausstattung: Der 

obligatorische Regenschirm in der Tür fehlt 

ebenso nirgends wie die gyroskopisch gelagerten 

Logos an der Radnabe. Wo kämen wir 

denn da hin, wenn das Doppel-R plötzlich 

kopfstünde. Das würde der „Waftability“ 

ganz schön zuwiderlaufen. Und dennoch, 

fast alle der über 5.000 Fahrzeuge, die das 

Unternehmen jährlich ausliefert, enthalten 

noch mindestens eine, meistens aber mehrere 

besondere Optionen. Damit das ultimative 

Fahrzeugerlebnis ganz persönlich wird, 

stehen 40.000 Farben zur Auswahl, zahllose 

Finishes in Holz sind möglich: bis hin zu Koa, 

einem Baum, der endemisch in Hawaii vorkommt. 

Kooperationen mit Luxury-Brands 

wie Hermès, Gestaltern wie Kengo Kuma 

oder Künstlern wie Sacha Jafri geben ohnehin 

schon außergewöhnlichen Fahrzeugen viel 

mehr als nur einen Hauch Einzigartigkeit. 

Der „Starlight-Headliner“ – der LED 

Sternenhimmel – kann ein bestimmtes 

Sternbild zeigen, etwa den Himmel über 

Wien am 24. Dezember 1991. Die Gallery, 

ein besonderes Feature an den Faszien im 

neuen „Phantom“, bietet Platz für ein Werk 

des Lieblingskünstlers. Wer bereit ist, dafür 

in etwa den Preis eines Mittelklassewagens 

zu bezahlen, dem kann mit einem Picknickoder 

Champagner-Set die Ausfahrt versüßt 

werden. Handgemacht wie so ziemlich alles, 

was die heiligen Hallen in Südengland verlässt, 

versteht sich. Jede Naht der feinen Ledersitze 

muss schließlich perfekt sitzen, jedes Holzdetail 

fehlerfrei gearbeitet und jedes LED an 

seinem Platz sein. Selbst der Nadelstreif an 

der Waistline wird von Hand gemalt. Der 

Mann mit der ruhigen Hand, Mark Court, 

dessen Job seit rund 20 Jahren genau das ist, 

ist unter Rolls-Royce-Liebhabern und Fans 

fast schon eine Berühmtheit. Es darf schließlich 

nicht jeder so einfach Hand anlegen an 

diese handverlesenen Fahrzeuge, und sollte 

das wohl auch nicht, denn die Preise bewegen 

sich deutlich im sechsstelligen Bereich. 

Nur ausgewählte Partner dürfen die edlen 

Karossen behandeln. Auch Österreich, lange 

Zeit ein weißer Fleck auf der Rolls-Royce- 

Landkarte, hat mittlerweile seinen exklusiven 

Partner: Schmidt Premium Cars im 

22. Wiener Gemeindebezirk. Falls also einmal 

ein Huhn den Lack aufpickt etwa, weiß man 

dort, was zu tun ist. Oder wenn ein Service 

fällig wird. Technische Gebrechen dagegen 

dürften so gut wie nie vorkommen. Rund 

65 % aller jemals – also in mehr als 100 Jahren 

– gebauten Fahrzeuge sind heute noch fahrtüchtig. 

Das dürfe, neben der detailgenauen 

Handarbeit und den hunderten Stunden, die 

es dauert, ein solches Auto zu fertigen, durchaus 

auch daran liegen, dass die Nobelkarossen 

aus Goodwood sehr selten als „Daily Driver“ 

genutzt werden. Andere Luxusautomarken 

sieht Michael Schmidt, Eigentümer vom 

Schmidt Premium Cars, der neben Wien auch 

den Rolls-Royce-Showroom in München 

betreibt, daher nicht als Konkurrenz: „Wer 

sich einen Rolls-Royce kaufen möchte, entscheidet 

sich normalerweise nicht zwischen 

ihm und einem anderen Auto.“ Auch wenn 

die Kunden das, wie er sagt, manchmal nicht 

so offen zugeben würden: „Der typische Kunde 

besitzt bereits mehrere andere Fahrzeuge. 

Die Entscheidung fällt zwischen einem 

‚Phantom‘, ‚Ghost‘, ‚Cullinan‘, in Zukunft auch 

‚Spectre‘, und dem neuen Privathubschrauber 

oder dem neuen Penthouse.“ 

p 

W 

Zubehör für echte 

Weinliebhaber: die 

Champagner-Truhe aus 

dem Hause Rolls-Royce 

R 

Vier Jahre lang 

forschte und baute 

Rolls-Royce am 

2017 vorgestellten 

„Sweptail“, von dem nur 

ein einziges Exemplar 

hergestellt wurde 



KULINARIK | BEST OF 

GESCHMACKVOLLE 

ZEITREISE 

Um Tiefe zu entwickeln, braucht es Zeit. Und das Know-how der Malt Masters 

aus dem Hause Glenfiddich. Die Kollektion „Time Re:imagined“ zeigt, wie man 

Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft elegant zusammenführt 

Redaktion: Elisabeth Muth, Foto: Glenfiddich 

Wenn man sich vor Augen führt, was in den letzten 30 bis 50 Jahren 

alles passiert ist und wie die Welt sich verändert hat, dann versteht 

man auch die Ambition der Glenfiddich Malt Masters, jene Zeitreise 

geschmacklich in ihren Whiskys festzuhalten. Gelungen ist das mit 

der „Time Re:imagined“-Kollektion. Drei außergewöhnliche Single 

Malts, jeder eine einzigartige Momentaufnahme seiner Zeit, die 30, 

40 beziehungsweise 50 Jahre in speziellen Eichenfässern reiften. 

Die aromatische Tiefe und Vielfalt, die bei dieser Sammlung zum Vorschein 

kommen, suchen zweifellos ihresgleichen. Die Destillerie hat 

mit dieser extravaganten Serie wieder einmal neue Maßstäbe gesetzt. 

Der 30-jährige „Suspended Time“ verkörpert wunderbar den Moment, 

in dem Malt Master Brian Kinsman die Reifung des Whiskys stoppt, 

um ihn abzufüllen. Dabei muss er den richtigen Zeitpunkt wählen, um 

das perfekte Resultat zu erhalten und für alle Zeiten zu konservieren. 

Der „Cumulative Time“, elitäre 40 Jahre alt, illustriert kühn und 

unkonventionell das „Remnant Vatting“, ein bahnbrechendes Verfahren, 

bei dem Reste der Vorgängerversion weiterverwendet und mit 

den für die nachfolgenden Abfüllungen ausgewählten Fässern vermählt 

werden. Das sich im Laufe der Zeit verdichtende Aromenbouquet 

sorgt für die Komplexität des Geschmacks. Ein halbes Jahrhundert 

reifte der exklusivste Vertreter „Simultaneous Time“ und 

avanciert nun zu einem äußerst seltenen und kostbaren Sammlerstück, 

existieren doch weltweit nur 220 Karaffen dieser Auslese. Er 

besteht aus Whiskys dreier verschiedener amerikanischer Refill- 

Eichenfässer, die alle im selben Lagerhaus reiften, bevor sie vermählt 

wurden und zwei Jahre lang ein Finish erfuhren. Alle drei zusammen 

bilden ein Statement für die Vergangenheit und für die Zukunft. 

Ganz generell gesprochen ist es die Aufgabe und Verantwortung der 

Malt Masters, das Gleichgewicht zwischen dem Geschmack des 

Whiskys und der Intensität des Eichenfasses zu finden. Jedes Fass, 

jede Flasche ist aufgrund der Reifezeit einzigartig. Kinsman präzisiert: 

„Sowohl die klimatischen Bedingungen als auch die Zeit spielen eine 

bedeutende Rolle dabei, den erwünschten Geschmack zu erzielen. 

Glenfiddichs ‚Time Re:imagined‘ ist eine Hommage an diesen Prozess 

und die exquisite Spirituose, die daraus hervorgeht.“ Ein weiteres 

Highlight sind die markant designten Verpackungen. Sie bilden einen 

spannenden Kontrast zu den Whiskys und stellen eine visuelle Dekonstruktion 

dieser Zeitformen dar, die in spektakulärer Weise zu neuem 

Leben erweckt werden. In Österreich ist vom 50-jährigen Whisky nur 

eine einzige Flasche erhältlich, vom 40-jährigen 24 und vom 30 Jahre 

alten immerhin sechs. Wer sich für eine dieser Raritäten entscheidet, 

sollte also nicht zu lange überlegen, denn die Zeit läuft! 

195

196 

Die „Blaue Garnele“ 

beeindruckt im Rohzustand 

durch ihre intensiv blau 

schimmernde Farbe. Die 

Gebirgsgarnele in Sashimi- 

Qualität kann man deshalb 

wunderbar roh genießen. 

Sie sollte jedoch immer im 

Ganzen zubereitet werden, 

gelten Kopf und Schale doch 

als Geschmacksträger – wie 

bei allen Krustentieren

KULINARIK | ZU BESUCH BEI 

DIE 

ZUKUNFT 

IST BLAU 

Seit Anfang 2020 werden in der Steiermark die seltensten 

und besten Garnelen der Welt kultiviert. AURUM 999,9 hat einen Blick hinter 

die Kulissen geworfen und zeigt, welche Rolle der eigene Wald und 

das kristallklare Quellwasser bei der Zucht der Gebirgsgarnelen spielen 

Redaktion: Elisabeth Muth, Fotos: White Panther 

Das Tier der 100 Namen. Je nachdem, in welchem Land man sich 

gerade befindet, heißen Garnelen auch Shrimps, Prawns, Gambas, 

Gamberi, Crevetten oder Hummerkrabben. Die Krebstierchen sind 

aber nicht nur entzückend anzusehen, sondern auch eine wahre Delikatesse. 

Um sie hierzulande genießen zu können, reisen sie meist 

gefroren um die halbe Welt. Deshalb wurde Anfang 2018 im steirischen 

Rottenmann die Idee zu einer nachhaltigen Indoor-Aquakulturanlage 

für die Aufzucht von Salzwassergarnelen geboren. Nach zwei Jahren 

Bauzeit öffnete im Jahr 2020 das Unternehmen White Panther, das die 

berühmte „White Tiger“-Garnele und den Panther aus dem steirischen 

Wappen in einer Marke vereint, seine Pforten. Das innovative Start-up, 

ein Projekt der Flick-Privatstiftung, züchtet neben der „White Tiger“ 

Garnele, die für ihren süßlich-milden Geschmack und einen knackigen 

Biss geschätzt wird, auch die futuristisch anmutende Blaue Garnele. 

Wenn man sie roh genießt, ist sie nicht nur ein Gaumenschmeichler, 

sondern auch für das Auge ein Leckerbissen. Sobald man sie kocht, verliert 

sie jedoch ihr intensives Blau, überzeugt aber weiterhin mit einem 

nussig-feinen Aroma. Das Besondere an der Produktion ist, dass alle 

Wachstumsschritte – vom Ei bis zum ausgewachsenen Tier – direkt vor 

Ort vollzogen werden, die Tiere ohne Einsatz von Antibiotika, Hormonen 

und Chemie heranwachsen und in einer verantwortungsvollen 

Kreislaufwirtschaft der ökologische Fußabdruck so gering wie möglich 

gehalten wird. Aus geschlägertem Holz und Fallholz aus dem Wald 

wird im eigenen Kraftwerk Ökostrom gewonnen, auf diese Art und 

Weise produziert man jährlich mehr als 1,5 Millionen Kilowattstunden. 

Mit der Abwärme, die dabei entsteht, wird Heu für das Wild getrocknet, 

das Wirtschaftsgebäude geheizt, und die Garnelenbecken werden auf 

28 Grad reguliert. Für die ausgezeichnete Meerwasserqualität, in der 

sich die steirischen Gebirgsgarnelen sehr wohlfühlen, sorgt das kristallklare 

Quellwasser aus dem Almbach, versetzt mit Salz, Mineralien und 

Algen, die ebenfalls selbst kultiviert werden. Sogar bei der Verpackung 

wird der Aspekt der Nachhaltigkeit gelebt. Die frischen und nicht tiefgefrorenen 

„White Panther Gebirgsgarnelen“ werden in einer umweltfreundlichen 

Isolierverpackung aus Stroh und kompostierbarem Vlies 

auf ihre kulinarische Reise geschickt. Auf das übliche Styropor wird 

komplett verzichtet. Kaufen kann man diese Köstlichkeit im Gebirgsgarnelenshop 

vor Ort, online unter whitepanther.com und auch bei 

handverlesenen Lebensmittelhändlern in ganz Österreich. 

Diese wegweisende Brutzuchtanlage in der Steiermark hat aber 

noch einen weiteren Vorteil, bietet sie doch auch anderen Aquakulturanlagen 

weltweit die Möglichkeit, Tiere statt aus den USA aus 

Österreich zu beziehen. Knapp 50 Millionen Postlarven sollen in 

Zukunft pro Jahr international, auch über die Grenzen Europas 

hinaus, exportiert werden. 


197

KULINARIK | MENU À LA CHEF 

Genial 

regional 

Im „Taubenkobel“ kann man die Frische des Frühlings mit allen 

Sinnen genießen. Denn sowohl die unbändige Liebe zu Flora und 

Fauna als auch der Respekt davor werden in einem der besten 

Restaurants des Landes seit jeher hochgehalten 

W 

Im idyllischen Garten taucht man in die 

kulinarischen Highlights der regionalen 

Küche mit internationalem Flair ein 

R 

Barbara Eselböck und Alain Weissgerber 

sind geborene Gastgeber mit viel 

Leidenschaft und Kreativität 

Redaktion: Elisabeth Muth, Fotos: Philip Horak 

Fast versteckt südlich von Wien findet sich eines der besten 

Restaurants Österreichs. Gegründet 1984, liegt das „Relais & 

Châteaux Taubenkobel“ idyllisch im kleinen Ort Schützen, 

nur unweit vom Neusiedler See, und macht mit seiner 

außergewöhnlichen Küche international von sich reden. 

Wer hätte gedacht, dass dieses kleine Hideaway einmal zu den großartigsten 

Restaurants der Welt zählen würde? Den Grundstein dafür 

legten Eveline und Walter Eselböck, zu Recht Gastronomielegenden, 

die es behutsam aufbauten. Seit mehreren Jahren führt Tochter Barbara 

Eselböck gemeinsam mit ihrem Mann, dem Sternekoch Alain 

Weissgerber, selbst kompromissloser Idealist in Bezug auf Saison und 

Regionalität, diese kulinarische Institution mit viel Leidenschaft und 

Kreativität fort. Mit seiner ganz eigenen Handschrift definierte er die 

legendäre Küche neu – aber nicht alles. 

Denn der „Taubenkobel“ war und ist ein Paradies für Genießer 

und Kunstliebhaber, die sich auf eine spannende, naturnahe Küche 

einlassen möchten. Gesammelt, verkocht und eingelegt wird alles, 

was im Garten wächst. Von frischem Bärlauch bis zu Akazien- und 

Kirschblüten, Hagebutten, grünen Nüsse und allen Pflanzen, die 

Wald und Wiese sonst noch hergeben. Der Ausnahmekoch arbeitet 

nur mit Produzenten, die er persönlich kennt und die seinen 

Anspruch an Qualität teilen. So wird auch das Brot selbst gebacken. 

Seine Küchenlinie setzt kompromisslos auf den ursprünglichen 

Geschmack, denn gutes Essen beginnt für ihn bei natürlich angebauten 

Zutaten, nachhaltigem Fischfang und biologischer Viehzucht. 

Seine Lehr- und Wanderjahre verbrachte der gebürtige Elsässer in 

Frankreich, Deutschland, Österreich und der Schweiz mit Stationen 

unter anderem bei Joël Robuchon, Wolfgang Puck, Elena Arzak und 

Hans Haas. Nach einer Zeit bei Otto Koch in München und Heinz 

Reitbauer im Wiener „Steirereck“ eröffnete er 1993 sein erstes 

eigenes Restaurant in Weiden am See, 2010 folgte gemeinsam mit 

seiner Frau Barbara der Einstieg in das Familienunternehmen 

„Tauben kobel“, dessen Führung die beiden 2014 übernahmen. 

In der hauseigenen Greißlerei, der kleinen Schwester des „Taubenkobel“, 

setzen die beiden Masterminds auf charmante Bistro- 

Atmosphäre und machen in der offenen Schauküche Lust auf die 

großen Menüs nebenan. Neben feinen Delikatessen gibt es auch 

Küchengeschirr und Wohnaccessoires, Alimentari wie Käse, Schinken 

und Marmeladen zum Mitnehmen – entweder selbst oder mit Liebe 

in der Region gemacht. Die familiäre Atmosphäre, die unvergessliche 

Küche und die perfekte Betreuung durch die Gastgeber machen das 

Refugium zu einem einzigartigen Place-to-be. Und sollte es einmal 

etwas länger werden, übernachtet man einfach in einer der elf 

individuellen Suiten des Hauses. Möbelstück für Möbelstück hat 

Seniorchef Walter Eselböck jedes Zimmer zu einem Unikat werden 

lassen. Nicht umsonst wird behauptet, er sei ein Koch, in dem ein 

Designer wohnt. Das nachfolgende „Menu à la Chef“ von Alain Weissgerber 

ist eine kulinarische Hommage an den Frühling und die 

Wiedergeburt der Natur. Wir wünschen bon appétit! 


199


Kohlrabi – Koriander – 

Leindotter 

200 


Bachsaibling – 

Mandeln – Begonie 

201

202 

Gänseleber – Mohn – Kirsche


Hahn – Zucchiniblüte – Ei 

Waldmeister – 

Bittersalate – Rhabarber 


203

TRAVEL 

Family 

AFFAIR 

Ich gebe es zu, ich bin ein Reise-Junkie. Reisen 

ist für mich nicht nur die Fortbewegung von 

einer Destination zur nächsten, es ist viel mehr. 

Es geht um das Entdecken anderer Kulturen, 

Traditionen und um das Erforschen einzigartiger 

Orte. Es bedeutet für mich Unabhängigkeit 

und die Freiheit, die Welt kennenzulernen zu 

dürfen. Und zwar mit allen Sinnen. Kurz gesagt, 

es ist ein unglaublich spannender Lernprozess, 

der nie langweilig wird. Man sieht Dinge, die zu 

Hause völlig anders funktionieren, und versteht, 

dass es die Unterschiede sind, die das Leben 

erst interessant machen. Diese kleinen Mosaiksteine 

nimmt man von jeder Reise mit, und sie 

hinterlassen, glücklicherweise, etwas Bleibendes. Zugegeben, ich 

reise viel, das lässt sich auch beruflich nicht vermeiden, aber ich 

möchte keine Sekunde missen. Einen ganz besonderen Charme, der 

schwer in Worte zu fassen ist, haben für mich kleine, aber feine 

Boutique-Hotels. Hier kann ich mit den Gastgebern ins Gespräch 

kommen, mich austauschen und in die Geschichte des Hauses eintauchen. 

Viele der Boutique-Hotel-Besitzer lieben das genauso wie 

ich, denn sie wollen Menschen aus aller Herren Länder kennenlernen. 

Weil es einfach ihr Leben bereichert. 

Es ist das intime Ambiente, die freundlichen, unaufdringlichen 

Aufmerksamkeiten, die einen durch den Tag begleiten, der perfekte 

Service mit dem einzigen Ziel, dass man sich wirklich wohlfühlt. Oft 

befinden sich diese kleineren Hotels auch in denkmalgeschützten 

Bauten, wo es natürlich viel zu erleben gibt. Oder sie sind nach einem 

bestimmten Thema eingerichtet. Aber vor allem sind sie eines, und 

genau das macht sie so einzigartig: familiär. 

Deshalb haben wir uns auf die Suche begeben und unsere 

Top-Boutique-Hotels, die wir Ihnen ans Herz legen möchten, auch 

gefunden. Jetzt im Frühling will man wieder hinaus und frische Luft 

schnuppern, Städte erkunden, neue Lokale entdecken und sich voll 

und ganz auf die jeweilige Umgebung einlassen. Sei es für einen Kurztrip 

übers Wochenende oder auch für private oder berufliche Langzeitaufenthalte. 

Wobei eines auf einer Reise natürlich besonders wichtig 

ist: sich wie zu Hause zu fühlen, nur vielleicht ein wenig besser! 

Viel Spaß beim Entdecken wünscht Ihnen 

Ihre Elisabeth Muth 

Foto: Jürgen Hammerschmid 

204 SPRING 2022

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TRAVEL 

Die Rooftop-Bar im 

„Laguna Faro Suites“ 

ist der perfekte Ort, 

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Fotos: Laguna Faro Suites, Patrick Schwienbacher 

206 SPRING 2022

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207

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Aufenthalt, das Kingsize-Bett sorgt für angenehme Träume 

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Aus dem Whirlpool lässt sich das Geschehen im Hafen entspannt beobachten, 

der großartige Blick lädt zum längeren Verweilen 

Fotos: Laguna Faro Suites, Patrick Schwienbacher 

208

TRAVEL 

ITALIEN, GRADO: 

Design pur auf 

der Goldinsel 

LAGUNA FARO SUITES 

Dieses Hideaway bietet eine neue Perspektive auf die Lagune von 

Grado. Wer einmal den spektakulären Ausblick von der Dachterrasse, 

entweder entspannt im Infinity-Pool oder bei einem Drink an der 

Rooftop-Bar, genossen hat, wird das „Laguna Faro Suites“ garantiert 

nicht mehr vergessen. Stilvoll und mit Fingerspitzengefühl hat die 

Design-Ikone Patricia Urquiola den 34 Suiten Leben eingehaucht. 

Warme Farben, darunter Braun- und Beigetöne, aber auch sattes 

Grün, spiegeln die Balance zwischen Mensch und Natur wider und 

verleihen dem Haus ein elegantes Ambiente. Das Nonplusultra sind 

ein Kingsize-Bett und die große Terrasse mit Meerblick, die jede 

Suite adeln. Wenn man die Adria aber nicht nur bewundern, sondern 

auch voll auskosten möchte, kann man das am dazugehörigen Privatstrand 

„Stabilimento Tivoli“ in vollen Zügen. Einst gehörte Grado zur 

österreichisch-ungarischen Monarchie und wurde 1882 von Kaiser 

Franz Joseph als Kur- und Badeort anerkannt. Es war der Startschuss 

für den touristischen Aufstieg. Die malerische Altstadt, elegante 

Boulevards, Jugendstilvillen und die farbenfrohen Fischerhäuser im 

Hafen zogen innerhalb der vergangenen 130 Jahre österreichische 

Persönlichkeiten wie Otto Wagner, Adele Bloch-Bauer oder Baron 

Bianchi an. Das „Laguna Faro Suites“ ist ein Rückzugsort für 

Erwachsene, die Entspannung, Ruhe und Privatsphäre suchen. 

lagunafarosuites.com 

h 

Beeindruckend ist auch der 

Infinity-Pool auf der Dachterrasse 

k 

Jede Suite verfügt über eine große 

Terrasse mit Blick auf das Meer 

SPRING 2022 

209

TRAVEL 

GRENADA, L’ANSE AUX EPINES: 

Fünf-Sterne-Luxus direkt 

am Sandstrand 

CALABASH, LUXURY BOUTIQUE HOTEL 

Fotos: Calabash Luxury Boutique Hotel, Grenada 

210 

SPRING 2022

Das „Floating Breakfast“ gilt als eine 

der Spezialitäten 

h 

Am Calabash Beach gibt es nur 

eines zu tun: relaxen 

x 

Der Living-Room einer der Pool 

Suiten mit Blick in den Garten 

Gäste werden sich im wunderschönen, direkt am Strand gelegenen 

Luxus-Boutique-Hotel „Calabash“ im Süden der Insel Grenada besonders 

wohlfühlen. Ist es doch die Philosophie der Eigentümerfamilie 

und des engagierten Teams, jeden Gast persönlich mit Namen und 

nicht nur mit der Zimmernummer zu kennen. Das Anwesen wurde 

1987 von der Familie Garbutt erworben, die es heute noch besitzt, 

leitet und auch ihr Zuhause nennt. Im acht Hektar großen Garten verteilen 

sich 30 luxuriöse Suiten im traditionellen Stil und bieten einen 

einzigartigen Blick auf das Karibische Meer sowie den makellosen 

Sandstrand. Im Wellnessbereich lösen sich die Alltagssorgen in Luft 

auf, und der fantastische Außenpool verspricht Badespaß vom Feinsten. 

Sollte man auf der Suche nach mehr Action sein, lockt natürlich 

auch ein vielseitiges Freizeitangebot, wie Sporttauchen oder Segeln, 

am puderzuckerweißen Sandstrand. Neben drei Bars ist das Restaurant 

„Rhodes“ mit Blick in den Garten eines von zwei Gourmettempeln. 

Die Familie Garbutt ist zudem intensiv an der nachhaltigen 

Entwicklung der Insel beteiligt, indem sie ihre Beziehungen zu lokalen 

Erzeugern pflegt und stets den Schutz der Umwelt im Auge hat. 

Da ist es nur logisch, dass das „Calabash“ 2022 zum achten Mal in 

Folge mit dem World Travel Award als „Grenada’s Leading Boutique 

Hotel“ ausgezeichnet wurde. Kein Wunder, fühlt man sich doch von 

der ersten Sekunde an willkommen. 

calabashhotel.com 

211

h 

Die Suiten entführen in andere 

Zeiten und Kulturen und 

erzählen Geschichten 

v 

Kühl und schattig präsentieren 

sich die Innenhöfe 

Fotos: La Sultana Marrakech 

212

TRAVEL 

MAROKKO, MARRAKESCH: 

Ein Traum aus 

1001 Nacht 

LA SULTANA MARRAKECH 

Reisende, die Marrakesch von seiner ursprünglichsten und historischen 

Seite erleben möchten, wählen das „La Sultana“, das durch seine 

außergewöhnliche Nähe zum Königspalast im Kasbah-Viertel besticht, 

das zum UNESCO-Weltkulturerbe gehört. In Zusammenarbeit mit 

dem Denkmalschutz wurde das architektonische Erbe der Medina 

wieder zum Leben erweckt, die ehemaligen Getreidespeicher sind 

nun Innenhöfe, und von den Terrassen in den oberen Stockwerken 

blickt man auf das Mausoleum der saadischen Prinzen. Das luxuriöse 

Hotel verfügt über 28 Zimmer mit modernster Ausstattung, und alle 

haben Panoramablick. Die eindrucksvolle 2.000 Quadratmeter große 

Dachterrasse, ein ausgezeichneter Concierge-Service, der wunderschöne 

Pool und das hauseigene Restaurant mit lokalen und internationalen 

Spezialitäten sind nur einige Highlights, die dieses luxuriöse 

Haus bietet. Alle Zimmer sind mit Kunstwerken aus Sammlungen 

dekoriert und beeindrucken mit hohen Decken, Marmorsäulen und 

edlem Holzdekor, um eine ganz besondere Atmosphäre mit raffinierter 

Noblesse zu schaffen. Üppige Gärten laden zum Flanieren ein, der 

beheizte Pool, ein Spa, zwei Restaurants, eine Cocktail- und eine 

Mezze-Bar sowie ein Fitnessraum zum entspannten Verweilen. Die 

Vergangenheit der Residenz wurde authentisch erhalten und die traditionelle 

Architektur des Gebäudes bewahrt. Hier lässt es sich tief in 

die marokkanische Kultur eintauchen! 

lasultanahotels.com 

h 

Stilvolles Design und 

kulinarische Köstlichkeiten 

adeln diese Residenz 

k 

Besichtigungen des 

„Jardin Majorelle“ von Yves 

Saint Laurent organisiert das 

Team vor Ort sehr gerne 

SPRING 2022 213

TRAVEL 

GRIECHENLAND, MYKONOS: 

Griechisches Design trifft Boho 

ROCABELLA MYKONOS 

Minimalistisch und schick vereint das „Rocabella Mykonos“ natürliche 

Materialien und schafft beruhigende Räume, die den inneren 

Frieden fördern und gleichzeitig die Aufmerksamkeit auf die majestätische 

Umgebung lenken. An diesem Boheme-Rückzugsort wird 

das Leben wieder langsamer, einfacher und authentisch. Die nur 26 

Zimmer spiegeln die kykladische Ästhetik wider, schlichte Linien und 

helles Weiß rücken das Wichtigste in den Mittelpunkt – nämlich den 

Gast selbst. Die Innenräume verschmelzen fast magisch mit der 

Außenwelt und machen die Landschaft zum Teil des Dekors. Im 

„Rocabella Spa“ hat man sich der Pflege von Körper, Geist und Seele 

verschrieben. Im Sinne der ganzheitlichen Lehre stehen sogar eigens 

ausgebildete Yoga-Lehrer bereit, damit man voll und ganz abschalten 

kann und wieder zu sich selbst findet. Auch die Kulinarik kommt 

nicht zu kurz, das Team bietet einen Meisterkurs in kreativer, griechischer 

Küche an. Unter Anleitung des Chefkochs lernt man, wie lokale 

Spezialitäten zubereitet werden, und genießt sie anschließend unter 

einer Pergola mit Blick auf die Ägäis. Einfach traumhaft. Der hauseigene 

Sommelier präsentiert dabei die griechischen Weinsorten und 

lädt auf das eine oder andere Glas zur Verkostung ein. Intimität und 

Privatsphäre sind die Grundpfeiler des „Rocabella Mykonos“, das privat 

geführte Haus schreibt persönliche Betreuung groß und verwöhnt 

Sie rund um die Uhr. Ein Ort, den es unbedingt zu entdecken gilt! 

rocabella-hotel-mykonos.com 

h 

Bohemian Style, wohin man schaut, einfach 

und authentisch ist auch die Dekoration 

Auch abends sind die Pool-Bungalows 

Rückzugsort und Place-to-be 

x 

Fotos: Rocabella Mykonos 

214 SPRING 2022

The perfect 

breakaway holiday 

in Prague 

Have a break from your daily routine. 

Stay in a baroque palace in the center 

of Prague. Enjoy the best view in 

town. Spoil yourself & your partner. 

www.themozart.com

W 

Die Mischung macht die 

Ausstattung so besonders: 

Avantgarde trifft Klassik 

O 

Die Lounge des 

Sterne-Restaurants im 

Outdoor-Bereich ist privat 

und sehr persönlich 

Fotos: Hotel Único 

216

TRAVEL 

SPANIEN, MADRID: 

Kulinarische 

Highlights auf 

Sterne-Niveau 

HOTEL ÚNICO MADRID 

Echte Erlebnisse, tadelloser Service und persönliche Betreuung, das 

sind die Attribute, die für Pau Guardans, den in Barcelona geborenen 

Hotelier und Gründer der Único-Hotels das Allerwichtigste sind. Sein 

„Hotel Único Madrid“ hat Charakter und ist geprägt von Raffinesse, 

Exklusivität, Charme und Luxus. Hinter der denkmalgeschützten Fassade 

verbergen sich 44 Zimmer und Suiten, die mit wunderschönen 

hohen Decken sofort für ein Wohlfühlgefühl sorgen. Auch in der festlichen 

Haupttreppe und den Marmormosaiken spiegelt sich der palastartige 

Charakter des Gebäudes wider. Der historische Palast aus dem 

19. Jahrhundert hat sogar noch zwei weitere Geheimnisse, die es unbedingt 

zu entdecken gilt. Nämlich das mit zwei Michelin-Sternen ausgezeichnete 

Hotelrestaurant „Ramón Freixa Madrid“ mit eigener 

Lounge im privaten Outdoor-Bereich, das sich international einen 

Namen bei Gourmetkritikern gemacht hat. Aber auch der fast versteckte 

Innengarten, der zum Innehalten einlädt und absolute Privatsphäre 

verspricht, ist eine malerische Besonderheit. Im Fünf-Sterne-Designhotel 

erleben die Gäste den Flair eines alten Herrenhauses gepaart mit 

avantgardistischer Eleganz und Kunst. Mehrere Lounge-Bereiche und 

eine Bibliothek laden zum Verweilen ein, im Wellness-Bereich wird 

eine Reihe von Massagen angeboten und im modernen Fitnesscenter 

kann man einen Personal Trainer buchen, um auch im Urlaub fit und in 

Form zu bleiben. Das Sterne-Restaurant „Ramón Freixa Madrid“ ist 

eine absolute Empfehlung für Liebhaber ausgezeichneter Küche! 

unicohotelmadrid.com 

k 

Charmant und exklusiv 

präsentieren sich die 

Suiten und verströmen 

eleganten Flair 

SPRING 2022 217

TRAVEL 

FRANKREICH, PARIS: 

Private Luxury im Herzen der Stadt 

RELAIS CHRISTINE 

Fotos: Relais Christine 

218 SPRING 2022

k 

Der Salon verführt zu längerem 

Verweilen und dem einen oder 

anderen Spiel 

l 

Das verborgene Refugium 

offenbart sich erst, wenn man 

eintritt 

Ein geschichtsträchtiger Ort und ein Geheimtipp auf der Île-de- 

France ist das „Relais Christine“, dessen Ausstattung Luxus neu interpretiert. 

Die bevorzugte Adresse für Paris-Liebhaber und die freundliche 

Atmosphäre des familiengeführten Hauses sowie der 

aufmerksame Service und die Partnerschaft mit Guerlain machen das 

Haus zu einem ganz besonderen Place-to-be. Alle 48 wunderschönen 

Zimmer und Suiten bestechen durch Antiquitäten, kuscheligen Samt, 

warmes Holz, Toile-de-Jouy-Drucke und Himmelbetten, sind individuell 

und besonders charmant. Die Einrichtung wurde von Innenarchitektin 

Laura Gonzalez entworfen, die Alt und Neu auf brillante 

Weise miteinander kombiniert hat. Die ehemalige alte Stadtvilla, die 

ihren Charme voll und ganz bewahren konnte, liegt zentral am linken 

Seine-Ufer von Paris, von der Straße aus wirkt das Hotel mit seinem 

kleinen, gepflasterten Innenhof, den Hollywoodschaukeln und den 

von Efeu begrünten Fassaden wie ein verborgenes Refugium. Die 

meisten der Zimmer und Suiten haben eine beeindruckende Deckenhöhe, 

sie alle warten mit prachtvollen Tapeten auf, einige besitzen 

eine Terrasse, die direkt in den Garten führt, nur wenige Gehminuten 

entfernt von der Kathedrale Notre-Dame. Das „Guerlain-Spa“ mit 

Sauna im Gewölbe eines alten Zisterzienserklosters aus dem 13. Jahrhundert 

lädt zum exklusiven Wellness-Erlebnis ein. So lässt sich Paris 

stilvoll und wahrhaftig erleben! 

relais-christine.com 

v 

In der Superior-Suite genießt man den Charme des alten Herrenhauses. 

Satte Farben verleihen dem Raum historische Eleganz 

219

h 

Im „Pines’ Shelter“ blieb die Zeit wohl stehen, 

was für eine wunderbare Atmosphäre! 

v 

Einfach spektakulär diese Aussicht, hier müssen 

die Sonnenuntergänge ganz besonders sein 

Fotos: Areias do Seixo 

220

TRAVEL 

PORTUGAL, TORRE VEDRAS: 

Nachhaltiges 

Design in den 

Sanddünen 

AREIAS DO SEIXO HOTEL 

Außergewöhnlich, innovativ und extravagant, das sind die drei Schlagworte, 

mit denen man das „Areias do Seixo“ beschreiben kann. Die 

Eigentümer Marta Fonseca und Goncalo Alves haben sich damit einen 

Wunsch erfüllt und einen Ort kreiert, an dem sie Gäste aus aller Welt 

in einer zauberhaften, magischen und familiären Umgebung willkommen 

heißen. Das stylishe Hotel steht im Einklang mit den umgebenden 

Sanddünen, einem Pinienwald und dem Meer. Alle zehn 

Zimmer, das Penthouse und die Villa verfügen natürlich über einen 

Meer- und Strandblick und sind mit einem von der Decke hängenden, 

offenen Kamin ausgestattet. Mit viel Liebe und Hingabe wird auch im 

Restaurant gekocht, selbstverständlich mit natürlichen Zutaten aus 

der Region. Das Spa strahlt Ruhe und Wohlbefinden aus, ein Gewächshaus 

steht für Veranstaltungen zur Verfügung. Das „Areias do Seixo“ 

ist der perfekte Rückzugsort, um sich vom städtischen Trubel zu 

erholen und Energie zu tanken. Das Hoteldesign stammt vom Architekten 

Vasco Vieira und berücksichtigt die Harmonie der umgebenden 

Landschaft und der Materialien wie Stein, Kiesel, Glas und Holz. An 

diesem ökologischen Ort, der die Prinzipien des nachhaltigen Tourismus 

wie Energieeffizienz, erneuerbare Energien und Nutzung der 

natürlichen Ressourcen anwendet, fügt sich alles zu einem wunderbaren 

Hideaway zusammen. Design verschmilzt mit Natur und lässt 

so Raum für neue Gedanken! 

areiasdoseixo.com 

h 

Jede Suite ist speziell und ganz anders, 

mit ihrem eigenen Flair 

k 

Privacy pur im Outdoor-Badezimmer, 

wärmendes Kaminfeuer inbegriffen 

SPRING 2022 221

TRAVEL | WITH THE STARS 

Die Skyline von 

New York bietet dem 

Gast eine beeindruckende 

Kulisse 

E 

Die „Drawing Room“-Bar 

mit einer langen Tafel 

verspricht eindrucksvolle 

Abende voll 

kulinarischer Genüsse 

R 

Asiatisch und 

europäisch „in the mix“: 

Zurückhaltend, 

einladend und gemütlich 

präsentiert sich die 

Mischung der Stile 

Redaktion: Elisabeth Muth, Fotos: The Greenwich Hotel 

222 

SPRING 2022

FILMREIFER 

CHECK-IN 

Robert De Niro, Schauspieler, 

Oscarpreisträger, Regisseur und 

Produzent, ist nicht nur ein begnadetes 

Leinwandtalent, sondern brilliert in 

seiner Heimatstadt New York auch als 

Luxus-Hotelier 

Am Filmset ist er ein Perfektionist. Klassiker wie „Der Pate – Teil II“, 

„Es war einmal in Amerika“ oder „Meine Braut, ihr Vater und ich“ 

machten ihn einst zur Schauspiel-Legende. Auch bei der Realisierung 

seines „Greenwich Hotel“ in Greenwich Village, einem Künstler- und 

Szeneviertel an der West Side von Manhatten in New York, blieb er 

dieser Detailbesessenheit treu. Sogar die Ziegelsteine für die auffallende 

Fassade wurden exakt nach seinen Vorstellungen konzipiert, 

um die richtige Patina zu erlangen, die ihm vorschwebte. Ein Stil, der 

im Inneren des Gebäudes weiter perfektioniert wurde, dominieren 

doch kräftige, wiederverwendete Eichenbalken, Wohlfühlstoffe, warme 

Farbtöne und Terrakotta-Fliesen, die nach dem Vorbild eines italienischen 

Palazzo aus dem 14. Jahrhundert gefertigt wurden. Anspielungen 

auf seine Wurzeln wie diese entdeckt man bei genauem 

Hinsehen im ganzen Haus. Denn eines muss man über De Niro wissen: 

Seine Vorfahren väterlicherseits waren italienische Immigranten, 

und er selbst ist im New Yorker Stadtteil Little Italy, nur einen Steinwurf 

entfernt von China Town, aufgewachsen. Die insgesamt 88 individuell 

gestalteten Zimmer symbolisieren das meisterhaft und sind 

eine gelungene Mischung aus europäischer und asiatischer Wohnkultur. 

An den Wänden sind Bilder von De Niros 1993 verstorbenem 

Vater, einem abstrakt expressionistischen Maler, umgeben von kostbaren 

Antiquitäten und spannenden Büchern, zu bewundern. 

Seit der feierlichen Eröffnung am 1. April 2008 hat dieses prächtige 

Haus nichts von seinem Glanz eingebüßt, ganz im Gegenteil. 

Internationale Prominenz geht ein und aus, füllt es mit Leben und 

schätzt den diskreten Charme, die Ruhe und Privatsphäre. Zu verdanken 

ist das sicher auch der subtilen Low-Key-Luxus-Philosophie, 

nach der Robert De Niro gemeinsam mit seinem Sohn Raphael und 

den erfahrenen Hoteliers Ira Drukier und Richard Born das Hotel 

führt. Das grandiose „TriBeCa“-Penthouse beweist das stilsicher on 

top. Entworfen wurde es vom weltberühmten Designduo Axel Vervoordt 

und Tatsuro Miki, es empfängt seine Gäste auf 260 Quadratmeter 

Wohnfläche sowie einer 370 Quadratmeter großen Terrasse 

auf mehreren Etagen. Wer also New-York-Luft mit einer faszinierenden 

Prise Hollywood-Flair schnuppern möchte, ist hier genau richtig. 

223

TRAVEL 

Refugium Lunz 

Raum und Zeit für sich selbst 

Im April 2023 ist es so weit, das „Refugium Lunz“ öffnet seine Türen 

für Gäste, die sich gerne kulinarisch verwöhnen lassen möchten und 

authentisches Handwerk in einem historischen Gebäude schätzen. Die 

Geschichte des Hauses mit seinen außergewöhnlichen 23 Zimmern 

reicht bis ins fünfte Jahrhundert zurück. Die Eigentümer Joachim Mayr 

und Heinz Glatzl fühlten sich beim Umbau exakt dieser Geschichte 

verpflichtet und realisierten einen Ort der Einkehr, der Zuflucht, ein 

Refugium. So besticht die 46 Quadratmeter große „Kirchensuite“ mit 

einer großen Terrasse und Blick auf das Gotteshaus, einer kleinen 

Bibliothek sowie zwei Schlafzimmern und einer Sauna. Kulinarisch 

werden die Gäste von Christian Metzger verwöhnt, der bei seinen 

Kreationen auf Sorgfalt, Leidenschaft und regionale Qualität setzt. 

refugium-lunz.at 

New 

Places 

AURUM 999,9 ist immer auf der Suche nach brandneuen 

Top-Destinationen. Auch in dieser Ausgabe präsentieren wir wieder 

einige internationale Highlights und Hideaways 

The Amauris Vienna 

Eleganz und Schönheit in bester Lage 

Brandneu flattert das „The Amauris Vienna“ an der Adresse des ehemaligen 

„The Ring“ als einziges „Relais & Chateaux“-Hotel in die 

Wiener City. Der Name ist inspiriert von der Gattung der Amauris- 

Schmetterlinge und hat für die Luxus-Herberge eine vielschichtige 

Bedeutung: „Wir sehen unsere Gäste als diese besonderen Schmetterlinge, 

als Besucher aus der Ferne, welche die raffinierte Qualität 

unserer Stadt und unseres Hotels erkunden, um sie verändert zu verlassen 

und um ihre eigenen Geschichten zu erzählen.“ Dabei zieht sich 

das Motto „Explore Beauty“ wie ein roter Faden durch alle Räumlichkeiten. 

Jedes Zimmer überrascht mit einer Sammlung von kuratierten 

Kunstwerken, im hauseigenen Restaurant „Glasswing“ trifft Wiener 

Tradition auf kosmopolitische Innovation, und im Spa-Bereich verwöhnen 

zarte Farben, angenehme Düfte sowie ruhige Klänge. 

theamauris.com 

Aleenta Resort & Spa Chiang Mai 

Nachhaltiger Luxus für inneren Ausgleich 

Mit dem „Aleenta Resort & Spa Chiang Mai“ eröffnet im zweiten 

Quartal 2023 ein neues, nachhaltiges Boutique-Resort im Norden 

Thailands. Mit 44 großzügigen Zimmern und Villen, fast schwebend 

über einem Swimmingpool mit Lounge-Bereich, Bar, einem Restaurant 

und einem Ayurah Wellness Center, richtet sich das Resort an den 

gesundheitsbewussten Reisenden, der ganzheitlichen Ausgleich sucht. 

Die Ausstattung vereint traditionelles thailändisches Design mit 

modernen Aspekten. Ein Highlight ist die „Owner’s Villa“ mit vier 

Schlafzimmern bestehend aus goldenem Teakholz, das vom Eigentümer 

persönlich gesammelt und restauriert wurde. Das Beste an 

medizinischer Wellness mit maßgeschneiderten Programmen und die 

kulinarische Vielfalt im Restaurant inklusive eines Ernährungsberaters 

runden das Angebot perfekt ab. 

aleenta.com 

Redaktion: Elisabeth Muth, Fotos: The Amauris Rendering OCD arhitekti, Refugium Lunz, Sophie Kirchner, Gregor Hofbauer, AleentaChiangMai 


ALPINE EAGLE 

- Handgefertigt aus ethischem Gold - 

Die elegante und sportliche Uhr Alpine Eagle ist die zeitgemäße Interpretation einer unserer 

historischen Ikonen. In ihrem 41 mm großen Gehäuse arbeitet ein als Chronometer zertifiziertes 

Automatikwerk, das Kaliber Chopard 01.01-C. Dieser mit Stolz von unseren Kunsthandwerkern 

entwickelte und gefertigte Zeitmesser der Extraklasse bezeugt die Expertise und den 

Erfindergeist unserer Manufaktur. 

CHOPARD BOUTIQUE WIEN 

KOHLMARKT 16, +43 (0)1 533 719 719, BOUTIQUE@CHOPARD.AT

Aurum 999,9 MagBook – Spring 2023

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