Brot und Spiele - Münchner Feuilleton

Münchner Feuilleton 

I KULTUR · KRITIK · KONTROVERSEN I 

JANUAR 

NR. 04 · 14.01. – 11.02.2012 · 2,50 EURO · www.muenchner-feuilleton.de 

MUSIK SEITE 20 

»Wagner hat die Musikgeschichte 

verändert« 

Unter der musikalischen Leitung von 

Kent Nagano wird 2012 Richard Wagners 

»Ring des Nibelungen« neu auf 

die Bühne der Bayerischen Staatsoper 

gebracht. Ein Mammutprojekt. 

FILM SEITE 04 

Foto: Wilfried Hösl 

»Die Welt braucht das Kino« 

Regisseur Edgar Reitz spricht über sein 

neues Filmprojekt, Untreue im Filmgeschäft 

und die Eitelkeit der Melancholie. 

STADTBILD SEITE 08 

© Edgar Reitz Filmproduktion 

Ein Blick in die gepackten Koffer: 

Den Weg zurück ins Leben, nach dem 

Holocaust, zeichnet eine Ausstellung 

im Jüdischen Museum nach – speziell 

auch in Föhrenwald bei Wolfratshausen, 

einer der Anlaufstellen und Zwischenstationen 

jüdischer Überlebender. 

MÜNCHNER KÖPFE SEITE 15 

Der Urbayer und der Anarchist: 

An die Schauspieler Beppo Brem und 

Jörg Hube erinnern zwei durchaus 

unterschiedliche Ausstellungen. 

BÜHNE SEITE 18 

Kritikenrundschau: die jüngsten 

Premieren an den Kammerspielen 

und im Residenztheater. 

LITERATUR SEITE 24 

Foto: Arno Declair 

Die Kritiker-Jury empfiehlt »Die 

deutsche Seele« von Thea Dorn 

und Richard Wagner als eines der 

Sachbücher des Monats. Für den 

Historiker Wolfgang Benz ist das Werk 

eine Ansammlung von Banalitäten. 

MÜNCHNER FEUILLETON 

BREISACHERSTRASSE 4 I 81667 MÜNCHEN 

Foto: Gila Sonderwald 

Der nackte Wahnsinn: Das ist das, was echten Künstlern ja angeblich aus den Augen blitzt. Sie sind Grenzgänger im Kampf 

um Gleichgewicht, Geld und Anerkennung. Hoffnungsfroh am Jahresanfang, bis die Förderungen bekannt gegeben werden. 

Bleibt man im Spiel? Fliegt man raus? Welche Tür ist die richtige? Umschulen? Das Lustspielhaus zeigt 

Michael Frayns Theater-Albtraum mit aller Lust am Schmerz, den die Darsteller aufzubieten haben. Mehr auf Seite 17. 

Brot und Spiele 

Kunst ist teuer – Wirtschaftskrisen sind es auch. Deshalb ist das Gejammer über Unternehmen, 

die sich aus der Kulturförderung zurückziehen, gerade groß. Aber mal im Ernst: Zu welcher Zeit 

haben Künstler sich denn nicht über den Geiz der Geldgeber beschwert? 

Dagobert Duck, die reichste Ente der Welt, 

besitzt laut Berechnung führender Donaldisten 

ein Barvermögen von 13 Trillionen, 224 

Billionen, 567 Milliarden, 778 Millionen 

Talern und 16 Kreuzern. Sein geschundener 

Neffe Donald versucht nun schon beinahe ein 

Comicjahrhundert lang, ihm zumindest ein 

paar Taler zu entlocken. Ähnlich dürften sich 

auch viele Kulturschaffende fühlen, die verzweifelt 

versuchen, bei Unternehmen ein paar 

Euro locker zu machen, um ihr Festival, ihre 

Performance, ihre Ausstellung fi nanzieren zu 

können. 

Kunst ist teuer – Wirtschaftskrisen sind 

es leider auch. Und deshalb ist das Geschrei 

gerade besonders groß, denn aus der Kulturförderung 

zieht sich ein Dagobert natürlich 

als erstes zurück, wenn es ihm an den Geldspeicher 

geht. Das ist sehr schade. Dennoch 

ist der aktuell besonders laut geäußerte 

Unmut über die Knausrigkeit der Privatwirtschaft 

übertrieben. Denn erstens wurde 

immer und zu jeder Zeit über den Kulturgeiz 

geschimpft – auch in wirtschaftlich besseren 

Zeiten. Und zweitens kann man halt niemanden 

zur Kulturförderung zwingen. 

Künstler und Förderer gehen von zwei 

unterschiedlichen Moralvorstellungen aus, 

die man schlecht gegeneinander ausspielen 

kann: Der Kulturjünger schreit nach dem 

Mäzen, der uneigennützig gibt und sich nicht 

einmischt, einfach so, der guten Sache 

wegen. Die Privatwirtschaft aber ist Anhänger 

des Euergetismus, in dem das Mäzenatentum 

als Herrschaftsprinzip verstanden 

wird und man auf Brot und Spiele baut: 

LIEBE LESERINNEN UND LESER ! 

Schenk dem Volk einen Aquädukt und es 

wird dich lieben und akzeptieren (und deine 

Produkte kaufen). 

Heute bauen Siemens, BMW und Eon 

zwar keine Aquädukte mehr, aber in hellenistischer 

Tradition fördern sie (noch) Theater, 

Musik, bildende Kunst, Film. Wenn diese Förderung 

nicht mehr in den Schlachtplan passt, 

dann hat der Künstler: Pech. Das ist blöd, war 

aber schon immer so. Zu jedem Zeitpunkt im 

Kulturfahrplan ging es irgendeinem Gönner 

mal schlechter als zuvor und diesem oder 

jenem Künstler wurde der Geldhahn zugedreht. 

Nach dem Niedergang der Medici, die 

die halbe Renaissance fi nanziert hatten, ist 

das Abendland auch nicht untergegangen. 

Bevor dieser Zeitung, deren Hauptaugenmerk 

die Kultur ist, nun die politische Gelbsucht 

attestiert wird: Auch das Münchner 

Feuilleton baut auf das Geld der Privatwirtschaft, 

da wir, mal besser, mal schlechter, 

werbefinanziert sind. Speziell in diesem 

Bereich ist die Wirtschaftskrise spürbar und 

auch wir wollen, dass Unternehmen sich für 

die Kunst engagieren: dauerhaft, großzügig! 

– allerdings kann man sich das nur wünschen 

und nicht rumpelstilzig verlangen. 

Das uneigennützige Mäzenatentum, es 

ist beinahe ein Ding der Unmöglichkeit. 

Charles Dickens, dessen 200. Geburtstag in 

diesem Februar begangen wird, hat über solche 

Großzügigkeit eine schöne Versuchsanordnung 

in einen Roman gepackt: »Große 

Erwartungen« erzählt vom jungen Pip, der 

durch einen anonymen Gönner gesellschaft- 

Schön, dass Sie die Nr. 4 des Münchner Feuilletons in Händen halten. Wir wünschen Ihnen viel 

Vergnügen mit der neuen Ausgabe. Lassen Sie uns wissen, was Ihnen gefällt und was Ihnen fehlt – 

wir freuen uns auf Ihre Anregungen! Wenn Sie möchten, dass das Münchner Feuilleton monatlich zu 

Ihnen kommt: Mehr über unser Förderabo fi nden Sie auf S. 23 im Impressum. 

lich aufsteigt, wobei sich die Sache mit dem 

Mäzen natürlich komplizierter entpuppt als 

gedacht. Dickens, der hier nebenbei auch 

eine der schönsten Liebesgeschichten der 

Literaturgeschichte geschrieben hat, machte 

aus der Not eine Tugend und sanierte mit 

dem Roman als Fortsetzungsgeschichte das 

von ihm herausgegebene Magazin »All The 

Year Round«, für das sich zuvor weder ausreichend 

Leser noch Geldgeber gefunden hatten. 

Irgendwie geht es also immer. Die Kultur 

ist nicht vom Aussterben bedroht (Fakten- 

Check: Beweise auf Seite 2 dieser Ausgabe). 

Vielleicht lässt sich das Wehklagen der Kunstszene 

ja auch positiv deuten als Ausdruck 

sublimierter romantischer Motive, auf dass 

das Leid die Schaffenskraft animiere. Bei 

Franz Grillparzer heißt es: »Für das Geliebte 

leiden ist so süß ...« || 

DAVID STEINITZ 

Einen guten Start ins neue Jahr wünscht Ihnen 

Ihr MÜNCHNER FEUILLETON 

info@muenchner-feuilleton.de

SPOT 

SEITE 02 · JANUAR · MÜNCHNER FEUILLETON 

Münchens Privatwirtschaft 

engagiert 

sich trotz ständigen 

Krisengeredes weiter 

stark für die Kultur. 

SVEN SIEDENBERG 

Krise? Welche Krise? Die 

Wirtschaft in Bayern 

brummt. Trotz fauler 

Kredite und hektischer 

Umschuldungen, trotz 

schwankender Börsenkurse 

und schwindender 

Bonität. Ach so, das 

Energieunternehmen 

E.ON hat angekündigt, 

dem Theaterfestival »Radikal 

jung« die fi nanziellen Mittel 

zu streichen. Fies? Und wie! Droht 

jetzt der kulturelle Kahlschlag? 

Eher nicht. 

Haus der Kunst 

Hochschule 

für Musik 

und Theater 

Volkstheater 

Keine Frage: Der Rückzug 

von E.ON ist ein herber 

Schlag für das Volkstheater, 

fungierte der Konzern 

doch bisher als Hauptsponsor 

des 300.000 Euro teuren Festivals. 

Durch die politische Entscheidung, 

aus der Atomenergie auszusteigen, 

hat sich der Sparzwang für das 

Unternehmen jedoch immens 

erhöht. Deshalb wird die Münchner 

Firmenzentrale nun im Sommer 

geschlossen und deshalb fallen 1500 

Arbeitsplätze weg. »Unser Engagement 

im Kulturbereich ist standortgebunden«, 

erklärt E.ON-Sprecherin 

Gräfi n von Posadowsky. »Es 

macht für uns einfach keinen 

Sinn, ein Theaterfestival an 

einem Ort zu unterstützen, an 

dem wir in Zukunft nicht mehr 

präsent sein werden.« Das verstehen 

sogar die betroffenen Theatermacher. 

»Die Standortschließung 

hat nichts mit der Finanzkrise zu 

tun«, sagt Volkstheater-Pressesprecher 

Frederik Mayet, »sondern mit 

der Umstrukturierung des Konzerns.« 

Zwar werde es schwierig 

ohne das dringend benötigte Geld 

von E.ON, aber man sei optimistisch, 

einen neuen Sponsor zu fi nden. 

»Wir werden jedenfalls alles 

tun, um das Festival am Leben zu 

erhalten.« 

Der Optimismus ist gerechtfertigt. 

Gerade hat München wieder den 

Titel »Wirtschaftsstärkste Metropole 

Deutschlands« verliehen 

bekommen. Hier gibt es die 

meisten Unternehmenszentralen, 

die größte Kauf- 

Hochschule 

für Fernsehen 

und Film 

NS-Dokumentationszentrum 

Spielart 

kraft, die üppigsten 

Steuereinnahmen. 

Und während 

anderswo Kultureinrichtungen 

wegen der 

Finanzkrise schließen (Schauspielhaus 

Wuppertal, Rose Museum 

Boston) oder mit schmerzhaften 

Einschnitten rechnen müssen 

(Staatstheater Schwerin, Philadelphia 

Orchestra), wurde in der Landeshauptstadt 

der millionenschwere 

Neubau der Hochschule für Fernsehen 

und Film eröffnet. Auch gibt es 

Geld für das NS-Dokumentationszentrum, 

die Sanierung des 

Deutschen Theaters sowie für 

die Neugestaltung des Stadtmuseums. 

Andererseits stimmt es natürlich, 

dass die hiesige öffentliche 

Hand angesichts der angespannten 

Haushaltslage es nicht mehr duldet, 

dass Budgets überzogen werden. 

Und ja doch, das Geld für die regelmäßigen 

Tarifsteigerungen der 

Angestellten könnte man auch für 

die Kunst selbst gut verwenden. 

Aber jenseits vereinzelter Kürzungen 

und moderater Konsolidierungspakete 

in den städtischen und 

staatlichen Kulturetats darf man 

erfreut feststellen, dass außer E. 

ON bisher kein Unternehmen 

sich aus laufenden Public-Private-Partnership-Projekten 

in 

München zurückziehen will. 

Schörghuber unterstützt weiterhin 

großzügig das Haus der Kunst, 

BMW engagiert sich weiterhin bei 

SpielArt und dem Dance-Festival, 

Allianz fördert weiterhin die Hochschule 

für Musik und Theater, Philip 

Morris gibt weiterhin viel Geld 

für das Kunstvermittlungsprogramm 

der Pinakotheken 

Pinakotheken 

aus, die Versicherungskammer 

Bayern sponsert 

weiterhin »Jugend musiziert«. 

Und auch bei Sie- 

mens, wo vor zwei Jahren das »Arts 

Program“ eingestellt worden ist, 

legt man Wert auf die Feststellung, 

dass das Kulturprogramm damals in 

die Stiftung überführt worden sei. 

»Wir heißen seither einfach 

anders«, sagt Karolin Timm- 

Wachter. Das Budget sei nahezu 

Arts Program 

gleichgeblieben. 

Fragt man Toni Schmid, über Parteigrenzen 

hinweg anerkannte Fachkraft 

des Bayerischen Kultusministeriums, 

was er von dem 

anschwellenden Krisengeraune 

halte, antwortet er: »Kultur ist 

immer in der Krise«. Immer 

sei zu wenig Geld da. 

Immer gebe es Verteilungskämpfe. 

Weshalb es eben 

vorkomme, dass Kürzungen 

erst einmal beschlossen, 

dann aber auch wieder zurückgenommen 

werden – wie zuletzt bei 

der Bayerischen Staatsbibliothek, 

die zunächst mit 1,4 Millionen Euro 

weniger auskommen sollte, schließlich 

aber nur 200.000 Euro einsparen 

musste. Gewandelt habe sich in 

der jüngeren Finanzkrisenzeit, fi ndet 

Schmid, vor allem das 

Klima. »Die Bereit- 

schaft, Kooperationen 

einzugehen, ist so groß 

wie nie.« 

Das fi ndet auch Unternehmensberater 

Roland Berger, bekennender 

Musenfreund und Kultursponsor. 

Sponsoring, so sein Credo, 

schaffe eine klassische Win-Win- 

Situation. »Die Kulturschaffen- 

den profi tieren, weil viele 

Projekte sonst nicht realisiert 

werden könnten. Die 

Unternehmen wiederum 

steigern durch Kultursponsoring 

ihre Reputation und damit 

ihren Marktwert.« Sponsoring helfe 

zudem, neue Kundenkreise zu 

erschließen, Mitarbeiter zu motivieren 

und kreative Köpfe zu rekrutieren. 

Und handele es sich beim 

Sponsoring letztlich nicht auch um 

verkappte Konjunkturprogramme? 

Deutsches 

Theater 

Bayerische 

Staatsbibliothek 

Stadtmuseum 

Zum Schluss gute Nachrichten aus 

Frankreich. Dort wurde soeben 

beschlossen, den Kultur-Etat um 

knapp 1 Prozent auf nun 7,9 Milliarden 

Euro anzuheben. Die 

Franzosen haben scheinbar 

verstanden, was Münchens 

Kulturreferent Hans-Georg 

Küppers schon länger predigt: 

»Kultur ist nicht die Sahne 

auf dem Kuchen, sondern die Hefe 

im Teig.« || 

Dance 

Festival 

Die 

Hefe 

im 

Teig 

Jugend 

musiziert

Der 

digitale 

Hut 

geht 

um 

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1 

MATTHIAS LEITNER 

Schon war die Million beisammen 

und der »Stromberg«-Kinofi lm mit 

Hilfe von Crowdfunding fi nanziert, 

noch 2012 wird gedreht. Nachdem 

Regisseur Sergej Moya im Dezember 

2011 mit seinem Erotikfilm 

»Hotel Desire« vorgemacht hat, wie 

eine alternative Finanzierung 

abseits der altbekannten Förderwege 

funktionieren kann und sein 

Film zum Downdload-Hit geworden 

ist, präsentiert sich mit »Stromberg« 

das aktuell größte Crowdfunding- 

Projekt in Deutschland. Die Macher 

hatten eine Woche lang allein über 

die Homepage geworben und die 

Fangemeinde der seit 2004 laufenden 

Fernsehserie hat dann für den 

Rest gesorgt: das Geld. In den Vereinigten 

Staaten ist es mittlerweile 

normal, dass große Bands wie Public 

Enemy oder Filmemacher wie 

Jennifer Fox, die 2011 mit der über 

Crowdfunding fi nalisierten Langzeitbeobachtung 

eines Gurus, »My 

Reincarnation«, auf dem DOK.fest 

München zu Gast war, auf Internet- 

Plattformen ihre Projekte vorstellen, 

um diese dann mit Hilfe einer digitalen 

Community zu fi nanzieren. In 

Deutschland hat es natürlich wieder 

ein bisschen länger gedauert, doch 

1 

1 

seit Ende 2010 können Projekte auf 

Seiten wie der Münchner Plattform 

»mySherpas« oder bei »startnext« 

vorgestellt werden. Das Prinzip ist 

einfach: Wer genügend Spender für 

das selbstdefi nierte Finanzierungsziel 

fi ndet, bekommt das Geld und 

kann loslegen, ansonsten erhält 

jeder Spender seinen Vertrauensvorschuss 

wieder zurück – auf diese 

Art wurde beispielsweise auch das 

Münchner-Magazin »deinblick« 

(mehr dazu auf Seite 7) fi nanziert. 

Momentan stellt sich auf der Plattform 

von »startnext«, neben allerlei 

Kurzfi lm-, Foto- und Buchprojekten 

beispielsweise ein Literaturwettbewerb 

der Literaturstiftung Bayern 

vor: heute.gestern.morgen. Die 

Macher erhoffen sich neben einem 

Betrag von 2000 Euro, der schließlich 

als Preisgeld in den Wettbewerb 

fl ießen soll, vor allem eine junge 

netzaffi ne Zielgruppe zu erreichen. 

Doch auch wenn der Markt kontinuierlich 

wächst, die wenigsten Projekte 

erreichen am Ende eine Finanzierung 

und auch spannende 

Vorhaben scheitern zuweilen. So ist 

ein Studentenfi lmprojekt, das mit 

Hilfe von »Gamecast TV« realisiert 

werden sollte, auf »startnext« durch- 

gefallen. Das Forschungsprojekt 

»Gamecast TV« der Hochschule 

Mittweida ist eine Mischung aus 

Fernsehen und Videospiel, das 

künftig als eine Art digitales Filmstudio 

für interaktive Erzählungen 

in Onlinewelten dienen soll und 

auch schon auf der gamescom in 

Köln vorgestellt wurde. Projektleiter 

Thomas Schmieder fasst seine 

Crowdfunding-Erfahrung folgendermaßen 

zusammen: »Was wir vor 

allem über Crowdfunding erreicht 

haben, ist, dass viele Leute zwar 

nicht spenden, aber direkt am Projekt 

mitarbeiten wollten. Auf diese 

Weise haben wir dann viele Unterstützer 

und Praktikanten gefunden.« 

Die Finanzierung des revolutionären 

Projekts läuft jetzt über die altbekannten 

Wege und noch 2012 soll 

»Gamecast TV« vorgestellt werden. 

Wer sich auf das Abenteuer Crowdfunding 

einlässt, sollte also ein 

dickes Fell haben, denn als alternative 

Finanzierungsform für freie 

Kunstprojekte ist Crowdfunding noch 

eine Spielwiese: Vielleicht klappt es, 

vielleicht nicht, aber so ist es eigentlich 

auch immer im Leben. || 

SPOT 

MÜNCHNER FEUILLETON · JANUAR · SEITE 03 

1 

Für die einen ist 

es digitales Betteln, 

für die meisten einfach 

eine moderne 

Finanzierungsform 

und vor allem in 

Zeiten knapper 

öffentlicher Gelder 

attraktiv: 

Crowdfunding.

FILM 


»Die 

Welt 

braucht 

das 

Kino« 

Seine »Heimat«-Trilogie ist legendär: 

Regisseur Edgar Reitz spricht über 

sein Serienepos, ein neues Filmprojekt, 

Untreue im Filmgeschäft und 

die Eitelkeit der Melancholie. 

DAVID STEINITZ 

Herr Reitz, ab dem Frühjahr drehen Sie 

Ihren nächsten Film. Sind Sie nach so vielen 

Jahrzehnten im Filmgeschäft noch aufgeregt? 

Ja sicher, immer. Man kann im Filmgeschäft 

nie lernen, was man ein für alle Mal zu tun 

hat. 

Der Film wird dem Geist Ihrer »Heimat«- 

Trilogie folgen und heißt »Die andere Heimat«. 

Worum wird es gehen? 

Die Geschichte ist um 1840 angesiedelt, im 

Hunsrück, also der Gegend, in der auch die 

»Heimat« spielt. Das war die Zeit der Massenauswanderungen. 

Nicht nur aus Deutschland, 

sondern aus Europa überhaupt haben damals 

tausende Menschen ihre Heimat verlassen 

und sind in die USA oder nach Südamerika 

ausgewandert. Vom Hunsrück aus sind die 

Leute hauptsächlich nach Brasilien emigriert, 

und der Film spielt im Vorfeld einer solchen 

Auswanderung. Eine Familiengeschichte um 

zwei Söhne, es geht um das Thema weggehen 

oder hierbleiben. 

Warum wieder weiter zurück in die Vergangenheit 

und nicht näher an die Zukunft, 

dort wo die letzte »Heimat« aufhörte? 

Diese Geschichte beschäftigt mich schon seit 

zwanzig Jahren, ich wollte sie seitdem erzählen 

und jetzt ist einfach die richtige Gelegenheit 

dazu. 

»Die andere Heimat« drehen Sie nicht wie 

zuvor fürs Fernsehen, sondern fürs Kino. 

Ja, das ist ganz eindeutig ein Projekt für die 

große Leinwand. Wir werden im Cinema- 

Scope-Format drehen. Und das, was ich mir 

schon immer gewünscht habe, nämlich in der 

Tradition der Kinogeschichte weiterzuarbeiten, 

wird hiermit erfüllt. 

Und an der Kamera wird wie bei den letzten 

beiden »Heimat«-Teilen Ihr Sohn stehen? 

Nein, ich arbeite wieder mit Gernot Roll 

zusammen, mit dem ich bereits die erste »Heimat« 

gemacht habe, eine alte Arbeitfreundschaft, 

die hier wieder aufgegriffen wird. 

Film ist ein Medium, das sehr mit der Zeit 

spielt, gerade in ihrem Mammutprojekt »Heimat«. 

Sind Filmemacher Melancholiker? 

Also das mit der Melancholie ist gerade wieder 

so eine Modeerscheinung, durch Lars von 

Trier zum Beispiel. Das hat es schon immer 

gegeben, um das Jahr 1900 war die Melancholie 

auch in Mode. Ich halte davon nichts, das 

ist immer ein Zeichen von kultureller Dekadenz. 

Ich fi nde, wir müssen unseren Job nicht 

anders betrachten als andere. Das Filmemachen 

ist in erster Linie ein Handwerk, das 

man beherrschen muss. Der Umgang mit den 

Inhalten sollte nach Möglichkeit nicht dazu 

führen, dass man sich selbst mit seinem Stoff 

verwechselt. Es geht immer darum, das, was 

man zu erzählen hat, aus seinem eigenen 

Innern in die Welt zu tragen und es verständlich 

zu machen. Der Künstler, der sich im 

Weltschmerz der Welt entziehen will, ist eine 

eitle Figur. So ein Künstler will sich selbst in 

den Mittelpunkt stellen und nicht seine 

Geschichte. 

Eigentlich haben Sie mit »Heimat« die 

amerikanischen Serienepen der letzten zehn 

Jahre vorweggenommen, diese breit angelegte 

Erzählstruktur im Fernsehen. Verfolgen 

Sie diese Serien? 

Ja, zum Teil schon. Aber ich fand bisher, dass 

sie nicht wirklich das weiterentwickeln, was 

wir epische Erzählweise nennen. Diese Serien 

sind doch sehr stark von einer Suspense-Kultur 

geprägt. Jede Folge muss einen Spannungsbogen 

haben, in jeder Folge wird nach 

einem emotionalen Ergebnis gesucht. Das ist 

aber nicht die eigentliche epische Vorgehensweise. 

Die führt nämlich ganz im Gegenteil zu 

einer Entspannung. Zu einem Zustand, in 

dem man anfängt, die Zeit wahrzunehmen, 

wo die Zeit selbst zum Thema wird, wo ich 

meine eigene Lebenszeit als Betrachter mit 

ins Spiel bringen kann. Epos bedeutet Zeiterzählung. 

Die amerikanische Kultur leidet aber 

unter Zeitmangel. Im Kino fi ndet man diese 

epische Erzählweise vor allem in Italien, bei 

Ermanno Olmi, Vittorio de Sica, Fellini, Visconti. 

Diesem Kino habe ich mich immer sehr 

zugehörig gefühlt, aber natürlich auch dem 

asiatischen. Kurosawa war ein großer Epiker. 

Gehen Sie denn aktuell noch viel ins 

Kino? 

Natürlich. Was die Kinogeschichte jedes Jahr 

aufs Neue beweist, ist, dass sie nach wie vor 

kulturell das ist, was die Welt braucht. Das 

Kino ist eine Weltkultur, die sich jenseits nationaler 

und ökonomischer Grenzen abspielt. 

Jeder, der für das Kino arbeitet, hat daran teil, 

und ich habe mich immer als Kinoregisseur 

gefühlt – auch bei der »Heimat«-Trilogie. Die 

Maßstäbe fürs Erzählen und für die Bildästhetik 

kommen alle aus dem internationalen 

Kino. 

Also ist die Unterscheidung zwischen 

Kino und Fernsehen sekundär? 

Es geht um das, was man im Französischen 

»cinéma« nennt. Eine Erzählweise, die natürlich 

mal aus den Lichtspielhäusern hervorgegangen 

ist, sich aber inzwischen verselbstständigt 

hat. Ich unterscheide nur zwischen 

Produktions- und Distributionsmedien. 

Sowohl die Kinos als auch das Fernsehen sind 

Distributionshäuser – mittlerweile auch das 

Internet. Aber das ist nicht die eigentliche 

gestalterische Ebene, das ist und bleibt meine 

cineastische Tätigkeit. 

Sie haben immer viel unterrichtet. Haben 

es junge Filmemacher heute leichter als früher? 

Der Anfang ist leichter, die Fortsetzung 

schwerer. Obwohl die Regieklassen der Film- 

Alle Fotos: © Edgar Reitz Filmproduktion GmbH 

hochschulen sehr klein sind, machen doch 

deutschlandweit jedes Jahr 50 bis 80 Regisseure 

ihren Abschluss. So gut wie jeder von 

denen hat die Chance, seinen ersten Film zu 

machen, die werden ja alle gefördert. Wenn 

der erste Film Erfolg hat, geht es ein bisschen 

leichter weiter. Wenn er keinen Erfolg hat, 

geht es gar nicht weiter. Und von diesen 50 

bis 80 Regisseuren, die alle ihre Träume 

haben, bleiben vielleicht fünf übrig. Das ist 

das Problem unseres Filmfördersystems: Es 

ist ein System der Untreue. Man entdeckt 

Leute, pusht sie und lässt sie dann sitzen. Das 

ist so, als ob man grundsätzlich mit einem 

Partner nur einmal ins Bett geht. In dieser 

Form kann sich keine wirkliche Liebe entwickeln. 

Das empfi nde ich schon seit Jahren als 

Skandal. 

Und in Ihren Anfängen? 

Da war es genau umgekehrt. Der erste Film 

war eine Wahnsinnshürde, man hat zehn 

Jahre gebraucht, bis man das geschafft hat. In 

diesen zehn Jahren hat man das Überleben 

gelernt. Die heutigen Filmschüler lernen das 

Überleben erst nach dem ersten Film. Und da 

habe ich große Zweifel, ob das die richtige 

Reihenfolge ist. 

Sie waren vor 50 Jahren einer der Unterzeichner 

des Oberhausener Manifests, das das 

Kino der Väter für tot erklärte und den Autorenfi 

lm forderte. Fehlt heute im deutschen 

Kino eine solche Gruppendynamik wie 1962? 

Ach, diese Gruppendynamik hat es doch nie 

gegeben. Die Oberhausener Gruppe war keine 

Gruppe. Das war ein ziemlich zufällig zusammengewürfelter 

Haufen, der sich in einem

China-Restaurant getroffen hatte und alle 

haben die Erklärung mit unterzeichnet. Richtig 

zusammengepasst haben wir nicht, wir 

hatten kein gemeinsam erfassbares künstlerisches 

Potential. Es sind dann noch einige 

Autorenfilmer nachgekommen, die dem 

Manifest eigentlich noch zuzurechnen wären, 

also Schlöndorff, Fassbinder, Herzog, Wenders 

und so weiter, die natürlich dazugehört 

hätten, die nur zufällig nicht an diesem Abend 

mit im Restaurant gesessen haben. Es gab in 

dieser Zeit einen Generationsaufbruch, der 

aber nicht identisch ist mit der Oberhausener 

Gruppe. Das Manifest war ein Bekenntnis zu 

einer Haltung, die insgesamt einfach fällig 

war. 

Mit all der Erfahrung, die Sie sammeln 

konnten, was wollten Sie in Ihrer Karriere als 

Filmdozent dem Nachwuchs unbedingt mit 

auf den Weg geben? 

Das Filmemachen ist für mich eine Autorentätigkeit, 

und eine Autorenschule hat ihre Grenzen. 

Zunächst mal würde ich sagen, man ist 

ein Autor oder man ist es nicht. Auf der anderen 

Seite kann eine Schule das Bewusstsein 

für die Ausübung dieser Tätigkeit schaffen. 

Wenn man Filme macht, ist man Teil der Filmgeschichte 

– und dieses Bewusstsein hat man 

nicht von Haus aus, das muss eine solche 

Schule vermitteln. Außerdem gibt es eine 

gewisse Systematik des Nachdenkens über die 

Werkzeuge des Filmemachens, auch das kann 

eine Schule vermitteln. Was ist eine Kamera, 

was ist ein Schnittwerkzeug? Fragen zu stellen, 

die man in der Praxis nicht stellt, weil 

man meint, man wüsste die Antwort. Alle 

»Heimat« - ein Jahrhundertepos deutscher Geschichte 

Praktiker glauben, sie wüssten, wie es geht. 

Muss ein guter Regisseur immer auch ein 

Theoretiker und Kritiker des Kinos sein? 

Nein. Aber sobald man seinen zweiten oder 

dritten Film gemacht hat, gehört das Nachdenken 

darüber einfach dazu. Das Filmemachen 

ist ein viel zu komplexes Geschäft, als 

dass man sich da sein Leben lang spontan und 

intuitiv durchbewegen könnte. Man braucht 

das Wissen über den eigenen Job, über die 

kulturgeschichtlichen Hintergründe, aber 

auch seine Ausdrucksmittel muss man kritisch 

betrachten. 

Sie haben als Motto einmal formuliert: 

»Versuche immer Schritt zu halten mit dem 

Leben, damit du es mit der Kamera beschreiben 

lernst«. 2012 werden Sie 80, fällt es Ihnen 

mittlerweile schwerer, Schritt zu halten? 

Das Alter ist eine widersprüchliche Angelegenheit. 

Einerseits weiß man immer mehr 

und kann besser mit vielen Dingen umgehen. 

Man hat mehr Übersicht über das eigene Tun. 

Andererseits nehmen die Kräfte ab. Man 

schafft nicht mehr den 16-Stunden-Tag, sondern 

vielleicht nur noch den 10-Stunden-Tag. 

Aber das ist auch der einzige Unterschied, den 

ich merke. || 

EDGAR REITZ 

Jahrgang 1932, studierte Germanistik, 

Publizistik und Theaterwissenschaft 

in München. Er war Mitglied 

der Oberhausener Gruppe, die 1962 

den deutschen Autorenfilm hervorbrachte. 

1966 realisierte er seinen ersten 

Spielfilm »Mahlzeiten«, der in Venedig 

ausgezeichnet wurde. Es folgten 

diverse Spiel-, Dokumentar- und 

Experimentalfilme. Reitz verfasste 

zahlreiche Schriften über Filmtheorie 

und Filmästhetik, ab 1994 war er 

Professor für Film an der Staatlichen 

Hochschule für Gestaltung in 

Karlsruhe. Mit der »Heimat«-Trilogie 

(1984–2000) hat Reitz ein Jahrhundert-Epos 

deutscher Geschichte 

geschaffen – mit 54 Stunden eine 

der längsten Erzählungen der Filmgeschichte, 

die weltweit große 

Anerkennung fand. 

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FILM 


ll 

MÜNCHEN 

IM FILM | 4 

FLORIAN GAAG 

WHOLETRAIN (2006) 

Wie ist es eigentlich dazu gekommen, dass ausgerechnet 

München immer wieder als Schauplatz 

von Florian Gaags Regiedebüt »Wholetrain« 

genannt wird? Gaag, der vier Jahre lang auf der 

Tisch School of the Arts in New York studiert hat, 

kommt zwar aus München, durchs Bild lässt er 

allerdings polnische Züge rollen. Denn die Deutsche 

Bahn wollte mit seiner Geschichte um zwei 

konkurrierende Sprayer-Crews nicht in Verbindung 

gebracht werden, weshalb es für deutsche 

Bahnhöfe keine Drehgenehmigungen gab; diese 

hat Gaag nach langer Suche dann erst in Warschau 

bekommen. 

Kein Münchner Lokalkolorit also, dafür umso 

mehr Warschau-Schnappschüsse, und in der 

Story selbst bleibt der Ort konsequent im Ungewissen: 

keine Adressen, keine Schilder an 

U-Bahn-Haltestellen oder sonstige Wegmarken. 

Wer »Wholetrain« sieht, wird wohl auch erst einmal 

Berlin oder Frankfurt fehl-identifi zieren und 

nicht ausgerechnet München – zu dreckig-urban 

und schmelztiegelhaft kommt die fi ktive Filmstadt 

daher. Doch trotz allem: Immer wieder wird die 

bayerische Landeshauptstadt als Schauplatz 

genannt – die Toilettentüren, Straßenunterführungen 

und Stromkästen Münchens sind sogar noch 

heute mit »Wholetrain«-Werbestickern verziert. 

Liegt das vielleicht daran, dass München Sehnsucht 

nach ein wenig Subkultur im Kinoformat 

hat? Dass es angenehm ist, sich vorzustellen, 

Sprayerboss David und seine Crew zögen als 

maskierte Bilderstürmer mit ästhetischem Ehrgefühl 

in der Dose und brüderlicher Loyalität im 

Herzen durch die Nacht, um die Bahnen des 

MVV und die Züge der Deutschen Bahn zu 

schmücken? 

Bei genauem Hinsehen gibt es dann doch 

einige, freilich dezente München-Bezüge: Ein Sticker 

des alternativen Klamottenlabels Fuckuall, 

der auf einem Plattenspieler klebt, ein Logo des 

Basketball-Shops k1x auf der Mütze des Sprayer- 

Konkurrenten – der noch dazu vom Münchner 

Rapper Roger Reckless gespielt wird – und natürlich 

an erster Stelle: die rollenden Graffi ti-Kunstwerke 

auf den polnischen Zügen. Münchner 

Writer wie Cemnoz, Won oder Ciel haben sie 

gestaltet, mussten sich in Warschau gegen Crossings 

polnischer Sprüher wehren und haben trotz 

all der belegten feindlichen Übernahmeversuche 

ihren seit Mitte der 80er-Jahre weiterentwickelten 

Stil für den Ex-Writer Gaag vor die Kamera 

gebracht. Dass »Wholetrain« also am Ende immer 

als Münchner Kindl adoptiert wird, liegt eben 

nicht an irgendwelchen abfotografi erten Stadtwahrzeichen, 

nicht an zur Schau gestellter Seppl- 

Gemütlichkeit oder einem als typisch Münchnerisch 

identifi zierten Snobismus – das alles hat es in 

diesem Fall glücklicherweise einmal nicht zur 

Filmreife geschafft. Es liegt vielmehr an einer Kultur, 

die klandestin blüht und sich zwangsläufi g, 

schon aufgrund des Strafgesetzbuches, niemals 

lautstark zu Wort meldet. 

ll 


Hässlich, sexy, liebevoll, arrogant, sonnig, 

versoffen, größenwahnsinnig, fantastisch, 

fanatisch, widerspenstig, geheimnisvoll ... 

In jeder Ausgabe stellen wir einen wichtigen 

München-Film vor – der jedes Mal ein neues 

Stadtbild enthüllt: Film-München.

FILM 


Blut und Hoden 

Auf dem Filmfest München wurde das Neonazi-Drama »Kriegerin« 

im letzten Jahr immerhin zweifach ausgezeichnet, es scheitert letztlich 

aber doch an seiner Oberfl ächlichkeit. 

TIM SLAGMAN 

Der Nationalsozialismus und die Bilderproduktion, 

das ist eine heikle, vielschichtige 

Beziehung. Sie verläuft mindestens von den 

fetischisierenden, ordnungsgeilen (Halb-) 

Dokumentationen einer Leni Riefenstahl bis 

zu heutigen Spielfi lmen, die diese Ästhetik – 

mal bewusst, mal unbewusst – zitieren oder 

die Geisteshaltung, welche dahintersteckt, zu 

ihrem Sujet machen. 

»Kriegerin« möchte zur zweiten Kategorie 

gehören. Zu einer Sorte Film also, die als 

»wichtig« gilt, als aufklärerisch, mindestens 

aber als aufrüttelnd. Und in jedem Falle auch: 

als politisch. Auf dem diesjährigen Münchner 

Filmfest gewannen Autor David Wnendt, der 

den Film als Abschlussarbeit an der HFF Potsdam 

auch inszenierte, und seine Hauptdarstellerin 

Alina Levshin den Förderpreis Deutscher 

Film in ihren jeweiligen Kategorien. 

Auch die Kritik zeigte sich durchweg angetan, 

ein »Besonders wertvoll« von der Filmbewertungsstelle 

gab es obendrauf. Die erste Merkwürdigkeit 

also – ein politischer Film, der 

offensichtlich niemandem wehtut. Denn das 

größte Verdienst von »Kriegerin« ist, dass er 

ein Lehrbeispiel abgibt für eine typisch fi lmische 

Auseinandersetzung mit dem Thema 

Rechtsextremismus – eine, die zurückschreckt 

vor der Komplexität, die dem Neonazismus 

innewohnt, wollte man ihn tatsächlich als 

Plötzlich war 

Revolution 

politisches Phänomen behandeln. Von dem 

australischen Skinhead-Schocker »Romper 

Stomper« (1992) über »American History X« 

(1998) bis zu »Kriegerin« äußert sich der Extremismus 

der Hauptfi guren primär stets in 

einem Hang zur und einem Rausch an der 

Gewalt. Bei David Wnendt ist es die 20-jährige 

Marisa, die mit ihrer Clique pöbelnd, 

prügelnd und saufend durch die Gegend um 

eine namenlose ostdeutsche Kleinstadt 

marodiert – unterlegt mit dröhnend lautem, 

eigens für den Film komponierten Nazi- 

Rock. In einer tatsächlich effektiv inszenierten 

Szene in der S-Bahn, gedreht mit nervöser 

Kamera – die manchmal auch durch ein 

Handy ersetzt wird, mit dem die Nazis ihre 

Untaten dokumentieren – zeigt sich das 

ästhetische Programm dieses zeitgenössischen 

Subgenres überdeutlich: Statt, wie 

Riefenstahl, eine hermetisch in sich geschlossene, 

rigide durchreglementierte Welt zu feiern, 

bricht der Nazismus in diesen Filmen als 

punktuelles Moment des Chaos und der 

Unordnung aus. 

Und selten wurde es so deutlich wie bei 

Wnendt, dass diese Gewalt zumeist eine 

sexualisierte ist und die Sexualität dieser Personen 

zwanghaft gewaltförmig. Natürlich lässt 

sich die Diagnose, auch jugendlicher Hormonüberschuss 

habe etwas mit der Genese 

»Neither Allah, Nor Master!« | Foto: Doc & Film International 

des Neonazis zu tun, schön saftig ins Bild 

pressen. Saftiger jedenfalls als das Problem 

der Arbeitslosigkeit (die kurz erwähnt wird), 

ein dysfunktionales Elternhaus oder die 

rechtsradikalen Ansichten der wichtigsten 

Bezugsperson, die für Marisa ihr über alles 

geliebter Opa darstellt. 

Der Regisseur hat intensiv in der Szene 

recherchiert, umso unverständlicher ist seine 

irreführende Begeisterung für das bloße 

Erscheinungsbild des Extremismus. Viel zu 

stiernackig und tumb setzt er Marisas Freund 

Sandro (Gerdy Zint) in Szene, viel zu deutlich 

und ubiquitär die Symbole und Insignien des 

NS und viel zu widerlich und schmierig den 

pseudointellektuellen Mentor der Clique. 

Dass derart oberfl ächlich sozialisierten Nazis 

die Läuterung nicht sonderlich schwerfällt, 

liegt auf der Hand – hier tritt sie alsbald in 

Form des afghanischen Flüchtlings Rasul 


»Tahrir 2011« | Foto: Pacha Pictures 

Hektisch wurden Kameraaugen ausgerichtet 

auf den Tahrir-Platz in Kairo, Mikrophone im 

donnernden Geschrei Tausender Demonstranten 

gepegelt, Druckerschwärze für Leitartikel 

und Kommentare angerührt. Vor allem 

Faszination und ungläubiges Staunen haben 

den westlichen Medienblick auf den »Arabischen 

Frühling« bestimmt. Mittlerweile ist das 

Staunen wieder verfl ogen und die nächste 

Quoten-Sau wird durchs globale Dorf getrieben: 

Plötzlich war die Revolution vorbei. Auf 

den 8. Mittelmeer-Filmtagen im Münchner 

Gasteig gibt es ein Gegenprogramm zur kurzfristigen 

Medienmaschine: Im Eröffnungsfi lm 

»Microphone« pilgert ein Heimkehrer ganz 

gemächlich durch ein ihm unbekannt gewordenes 

Alexandria. Er entdeckt die neue Musik 

seiner widersprüchlichen Heimat und lernt 

dabei die Klüfte in der ägyptischen Gesellschaft 

zu sehen und zu verstehen. »Microphone« 

zeigt das Land vor der Revolution und 

gibt seinen Zuschauern mit auf den Weg: 

Nichts geschieht aus heiterem Himmel. Die 

Dokumentation »Tahrir 2011 – The Good, the 

Bad, the Politician« konzentriert sich dann auf 

die 18 Tage währenden Proteste und stellt, 

aufgeteilt in drei Themenblöcke, die Fragen: 

Wer sind die Helden? Welcher Geist versteckt 

Alina Levshin als »Kriegerin« | Foto: Ascot Elite 

(Sayed Ahmad Wasil Mrowat) in die Handlung. 

Letztlich ergibt sich »Kriegerin« dem Faszinosum 

seiner Bilder des intensiven Lebens 

– und den Normierungen der Mainstream- 

Dramaturgie. Weder die erschreckend professionellen 

Mordserien rechter Terroristen in 

Norwegen und Deutschland noch die längst 

nicht mehr neue Strategie der NPD, auf Seriosität 

zu setzen statt auf Konfrontation und 

Aggressivität, lassen sich so auch nur ansatzweise 

erschöpfend erklären. Wenn das Kino 

versucht, ein gesellschaftliches Problem in die 

Psyche einer Figur zu projizieren, gerät es 

schnell in die Klemme. || 

»KRIEGERIN« 

D 2011. | Regie: David Wnendt | Ab dem 19.1. 

im Kino 

»Microphone« | Foto: Film Clinic 

sich hinter den Uniformen der reaktionären 

Polizeitruppen? Was für ein Mensch ist eigentlich 

der gestürzte Diktator Husni Mubarak? 

Die Mittelmeer-Filmtage bieten in diesem 

Jahr ein Programm, das politisch engagiert 

die Erzählweisen von Spiel- und Dokumentarfi 

lm kontrastiert. Die Filme zeugen davon, 

dass es fi ktionalen Stoffen zunehmend schwerer 

fällt, einer komplexen Wirklichkeit gerecht 

zu werden: So ist der Eröffnungsfi lm »Microphone« 

zwar gefällig inszeniert, erreicht aber 

niemals die erschütternde Dichte von Dokumentationen 

wie »Tahrir« oder »Neither Allah, 

Nor Master!«, in dem sich die religionskritische 

Regisseurin Nadia El Fani mit einer drohenden 

islamischen Radikalisierung Tunesiens 

nach der Revolte beschäftigt und damit 

auf eine unbestimmte Zukunft weist. || 

DIE 8. MITTELMEER-FILMTAGE 

finden vom 13. bis zum 22. Januar im 

Münchner Gasteig statt. 

Das gesamte Programm finden Sie unter: 

www.filmstadt-muenchen.de

»Schlecht 

schmeckt besser« 

Meterhohe Blutfontänen, lächerliche Pappmonster in wackligen Kulissen, 

eingeölte Muskelberge und haufenweise Leichen. Trash ist fast 

schon ein anerkanntes Genre und gerade im Kino hat Scheiße mittlerweile 

verschiedenste Geschmacksrichtungen. 

RALPH GLANDER 

Geschmacksrichtung eins hat natürlich mit 

Talent zu tun: »Die Ambition ist größer als das 

Vermögen«, sagt Popkulturexperte Stefan 

Pannor (Spiegel-Online, Comixene), »sei es 

nun das fi nanzielle oder das künstlerische 

Vermögen. Wenn man mehr erreichen will, 

als man erreichen kann.« Diese Defi nition 

sollte aber noch um die nicht ganz unwichtige 

Komponente Belustigung erweitert werden. 

Ergebnis: Filme, die so schlecht sind, dass 

sie für gute Stimmung sorgen – Dilettantismus 

als Katalysator für lautes Lachen. Das 

wird wohl auf ewig mit dem Amerikaner 

Edward D. Wood Jr. verbunden sein. Dessen 

wohl bekanntestes, weil im »offiziellen 

Geschmackskanon« als schlechtestes Werk 

erachteter »Plan 9 aus dem Weltall« ist die 

Mutter unfreiwilliger Komik im Film. Dabei 

war Woods Anliegen nie, die Zuschauer zu 

belustigen. Zeit seines Lebens war er davon 

überzeugt, seriöse Filme zu drehen. Eine tragische 

Tradition des Scheiterns, die bis heute 

besteht. Uwe Boll wird wissen, was damit 

gemeint ist – oder eben auch nicht. 

Geschmacksrichtung zwei hat den gnadenlos 

vor sich hin nagenden Zahn der Zeit 

als Partner. Manchmal muss etwas erst zum 

Trash reifen – vergleichbar etwa mit gutem 

Whiskey oder Wein. Der Heimatfi lm der Fünfzigerjahre 

etwa, der durch ein verändertes 

Wertesystem heute nur noch Belustigung evoziert. 

Oder der testosterongeschwängerte 

amerikanische Actionfi lm der Achzigerjahre 

mit all seinen aufgepumpten Heroen, die sich 

meist ironiefrei durch die Reihen kommunistischer 

und antidemokratischer Feinde ballerten. 

Geschmacksrichtung drei setzt sich aus 

gänzlich anderen Inhalts- und Zusatzstoffen 

zusammen: der Intention, der Refl exion und 

der Subversion. Und die wiederum beginnt 

Papier 

schöpfen 

Trotz oder wegen des Internets: 

Die Lust auf bedrucktes Papier ist 

ungebrochen. Projekte aus München 

und der Region zeigen, wie das Netz 

heute Druck macht. 

MARKUS KÖBNIK 

Es ist wirklich eine verdammte Drecksarbeit. 

Jeder, der schon mal ein Vereinsblättchen, ein 

selbstkopiertes Fanzine oder eine Hochzeitszeitung 

gemacht hat, weiß, was Blattmachen 

heißt: Lange Texte müssen in knappe Spalten 

passen, Bilder brauchen mehr Platz als 

geplant und Seitenzahlen werden relativ. Aber 

die verdammte Drecksarbeit lohnt sich – denn 

trotz Kindle, iPad und Co bietet bedrucktes 

Papier auch 2012 für die meisten Menschen 

mit der exzessiven Rezeption der Geschmacksrichtungen 

eins und zwei. 

Der Regisseur Thilo Gosejohann beispielsweise 

ist bekennender Trash-Gourmet 

und mit skurrilen Filmen wie »Captain Cosmotic« 

und »Operation Dance Sensation« 

bekannt geworden: »Ich bin Fan der alten 

Trash-Schule, also dem Film, der sich selbst 

gar nicht als Trash versteht. Es ist doch interessant, 

dass zum Beispiel schlechte Kamellen 

aus den Fünfzigern, die damals jeder gehasst 

hat, heute noch existent sind. Irgendwann 

dachte ich dann, dass man so etwas auch 

heute für wenig Geld produzieren kann.« Bei 

Gosejohann hat dieser Plan bestens funktioniert, 

arbeitet er doch mittlerweile für Pro 7 

oder schreibt satirische Hörspiele für den 

WDR. Angefangen hat aber alles mit seiner 

Leidenschaft für den schlechten oder abseitigen 

Film. 

Spätestens seit Quention Tarantino und 

Robert Rodriguez in ihren Filmen infl ationär 

B-Movies und Exploitation-Filme zitierten 

und feierten, ist der vermeintlich schlechte 

Geschmack von gestern und vorgestern im 

Mainstream angekommen. Zahlreiche Filmenthusiasten 

unterzogen unter veränderten 

Rezeptionsbedingungen zahlreiche Nischenfi 

lme einer Neusichtung. Und siehe da: Trash 

war nicht mehr gleich Trash. Viele Exploitation-Filme 

und B-Movies der Vergangenheit 

haben weit mehr zu bieten als schlechten 

Geschmack: die Suspendierung bürgerlicher 

Werte, die Lust am Bizarren, Grotesken und 

Abgründigen. 

Heute wird Trash als eigene Kunstrichtung 

wahrgenommen mit einer eigenen 

Ästhetik, die das Scheußliche und Unsinnige 

ostentativ zelebriert und zum Stilmittel 

erhebt. Der Schlüssel dazu ist die Ironie, die 

den Zuschauer bei allen geschmacklichen 

noch die angenehmste Art zu lesen. Und mit 

einem guten Layout und den richtigen 

Geschichten bekommen Magazine einen 

emotionalen Wert, den Homepages und Blogs 

nur schwer erreichen. Das Netz ist deswegen 

aber noch lange nicht das Gegenteil von Print 

– es ist eher ein zeitgemäßes Mittel, um neue 

Kreise für die analoge Lese-Welt zu erschließen. 

So wie beim Magazin »deinblick« aus 

München. Blattmacher Chris Schiebel setzt 

hier voll auf die Kreativität des Web 2.0 – soll 

heißen: Hier schreiben und fotografi eren die 

Leser ihr eigenes Heft voll. Der Endzwanziger 

gibt lediglich online ein Motto für die nächste 

Ausgabe vor, die sich dann durch »user generated 

content« in einem Zeitraum von vier 

Wochen füllt und nach einer Auswahl- und 

Layout-Phase in Hochglanz präsentiert wird. 

In der Februar- Ausgabe geht es zum Beispiel 

um »pattern«, also Muster. Alles, was den 

Lesern dazu einfällt, kann eingereicht werden. 

Von der Tierfell-Fotoserie bis zur Reportage 

über Gesprächsmuster in der Gesellschaft. 

Für »deinblick« hat Chris Schiebel seinen 

alten Job an den Nagel gehängt und hat sich 

voll und ganz dem »Internetausdrucken« 

gewidmet. Er ist sich sicher, dass ein liebevoll 

zusammengestelltes Heft den Lesern auf 

Dauer mehr Inspiration geben kann, als es 

vereinzelte Blogs tun. Mit Erfolg: »deinblick« 

und ästhetischen Entgleisungen zum Mittäter 

des Autors werden lässt. Das erfordert auf der 

Macherseite ein gehöriges Maß an Kompetenz 

und fi lmhistorischem Wissen, denn nur wenn 

mit Trash richtig umgegangen wird, versteht 

auch ein breiteres Publikum, dass es sich 

um Intention und nicht um Unvermögen handelt. 

|| 

erscheint in zwei Sprachen und wird mittlerweile 

in 32 Ländern gelesen. 

Mit einen ähnlichen Ansatz wie »deinblick« 

will auch Alex Grossmann aus Freising 

die Kioske erreichen. Der 25-jährige Verlagskaufmann 

versucht gerade das Startkapital 

für ein neues Zeitschriftenprojekt zusammenzubekommen. 

»Der Blogger« soll das Magazin 

heißen, das ab Februar monatlich zu haben 

sein soll. Der Name ist Programm: Blogger 

aus den verschiedensten Sparten, von Games 

bis Datenschutz, sollen das Heft jeden Monat 

vollschreiben – mit exklusiven Texten, die 

online so nicht zu fi nden sein sollen. »Es gibt 

inzwischen so viele Blogger, die gute Sachen 

schreiben, dass ich das gerne auch als Printmagazin 

hätte. Das ist etwas, was ich selbst 

gerne lesen würde und hoffentlich auch viele 

andere«, sagt der Freisinger über seine 

Beweggründe. Wie stark potentielle Leser an 

diesem Heftkonzept interessiert sind, kann 

jeder zur Zeit im Netz bei der Crowdfunding- 

Plattform startnext verfolgen (siehe Text auf 

Seite 3). Hier wird gerade für »Der Blogger« 

gespendet. Bis zum 20. Januar sollen 15.000 

Euro Startkapital zusammenkommen. 

Klar: Druck und Vertrieb kosten Geld. 

Aber auf Papier gedruckte Anzeigen spielen 

einiges ein. Manchmal sogar so viel, dass satte 

Gewinne übrig bleiben. Wie bei der »Tegern- 

FILM | MEDIEN 


Zombies in 

Landshut 

Fotos: © Martin Faltermeier 

Der erste Sci-Fi-Splatter-Zombie-Film vor 

kitschiger Fünfzigerjahre- Heimatkulisse 

kommt aus Bayern: »Zombies from Outer 

Space«. In der B-Movie-Hommage von Autor 

und Regisseur Martin Faltermeier kann man 

beobachten, was wohl passiert wäre, hätten 

Ed Wood und Luis Trenker jemals zusammen 

einen Film gedreht. »Natürlich hat der Film 

einen Trash-Faktor«, sagen Regisseur Martin 

und Kameramann Sebastian Schmidt, »das ist 

auch ganz wichtig. Trotzdem haben wir versucht, 

alles so gut wie möglich hinzubekommen, 

also nicht etwas absichtlich schlecht zu 

machen.« Das spiegelt sich auch im Soundtrack 

wider: Niemand Geringeres als Christoph 

Well von der Biermösl Blosn hat eigens für den 

Film einen »Zombie-Landler« komponiert. 

Die Filmemacher aus dem Landshuter 

Umland scheinen alles richtig gemacht zu 

haben: »Kurz vor der Premiere war ich schon 

nervös und habe nicht gewusst, ob die Leute 

den Humor wirklich kapieren«, kommentiert 

Sebastian die Publikumsreaktionen, »aber alle 

anwesenden Generationen haben durch die 

Bank gelacht. Sogar meine Oma konnte sich 

trotz Blut das Schmunzeln nicht verkneifen.« 

Wenn sich sogar die Oma amüsiert, steht dem 

großen Mainstream-Erfolg vielleicht tatsächlich 

nichts mehr im Wege. Als nächstes wollen 

sich die Landshuter auf Filmfestivals bewerben. 

»ZOMBIES FROM OUTER SPACE« 

D 2011 | Regie: Martin Faltermeier | Vielleicht 

schon bald in den Kinos 

seer Stimme«, die monatlich über 10.000 Euro 

Umsatz macht und heute als eins der erfolgreichsten 

alternativen Regionalangebote 

Deutschlands gilt. Angefangen hat die 

»Tegernseer Stimme« 2010 als Lokalblog für 

das Tegernseer Tal und seit letztem Jahr gibt 

es sie nun auch als kostenloses Printmagazin, 

das in der Region verteilt wird. Die Vorteile 

liegen auf der Hand: Blog und Magazin 

machen gegenseitig aufeinander neugierig, es 

werden unterschiedliche Leserkreise angesprochen 

und Werbekunden sind leichter an 

Land zu ziehen, wenn sie wissen, dass auch 

bedrucktes Papier im Spiel ist. 

Momentan erscheint die Printversion der 

»Tegernseer Stimme« alle zwei Monate. Herausgeber 

Peter Posztos ist mächtig stolz auf 

den Ableger, auch wenn er und sein Team 

damit ziemlich beschäftigt sind. Aber Posztos 

weiß, dass auf Dauer eine gute Leserbindung 

heute nur dann besteht, wenn das Beste aus 

beiden Welten zusammenkommt: Die schnellen 

Möglichkeiten des Web mit der warmen 

Beständigkeit des Papiers. Dafür lohnt sich 

dann auch die verdammte Drecksarbeit. Egal 

ob im Tegernseer Tal, in München oder 

anderswo. ||

STADTBILD 


Gürtel von Hercz Alexander, nach der Befreiung im KZ Dachau 

mitgenommen | Sammlung Esther Alexander-Ihme 

LEA HAMPEL 

Ein Blick in die 

gepackten Koffer 

»Rutka Grünberg. Auschwitz, Bergen-Belsen, Flossenbürg. 

59521«. Das ist alles. Es steht auf drei mal acht Zentimetern 

Papier. Die Konzentrationslager, in denen sie war, ihre Häftlingsnummer, 

das war es, was Rutka Grünberg im Jahr 1946 

auszumachen schien. Aus heutiger Sicht scheint es absurd, 

beinahe befremdlich, diese Informationen auf einer Visitenkarte 

zu verewigen. Für Rutka Grünberg war es vermutlich ein 

wichtiger Schritt in einen Zustand, der der Normalität zumindest 

äußerlich ähnelte, und ein Hilfsmittel auf der Suche nach 

Resten ihres alten Lebens. Denn durch die Verbreitung des 

Aufenthaltsortes war die Chance für überlebende KZ-Häftlinge 

am größten, in den Nachkriegswirren doch noch ein Mitglied 

der Familie zu fi nden. 

Die Visitenkarte ist mit vier anderen Karten ähnlicher 

Machart derzeit im Jüdischen Museum in München zu sehen. 

Dort befasst sich seit Dezember, unter dem Titel »Juden 4590 

– Von da und dort. Überlebende aus Osteuropa«, der erste Teil 

einer Doppelausstellung mit der Geschichte der Menschen, die 

Auschwitz, Bergen-Belsen und andere Lager überlebt haben 

und, zumindest zeitweise, in Deutschland lebten – einem 

Kapitel deutsch-jüdischer Geschichte, das in der öffentlichen 

Betrachtung häufi g untergeht angesichts der sechs Millionen 

Toten. 

In ihren Heimatorten im Osten Europas waren die überlebenden 

Juden nicht erwünscht, ihre Häuser zerstört oder von 

anderen bewohnt, ihre Familien nur Erinnerung, und ihr 

Besitz war das, was sie am Leibe trugen. Gleichzeitig hatten sie 

nicht mehr als eine Vision, wo sie hin sollten und wollten. Sie 

waren Gestrandete, die seit 1943 mit dem Terminus »Displaced 

Person« bezeichnet wurden: »DP«. Besonders viele kamen 

nach Bayern und München, 130.000 DPs befanden sich im 

Herbst 1947 in der amerikanischen Zone, die als sicherer Ausgangsort 

für die Emigration nach Palästina und in die Vereinigten 

Staaten galt. Weil die Gelegenheit dazu auf sich warten 

ließ, wurde in München der Zentralkommission der befreiten 

Juden in der amerikanischen Besatzungszone 1945 die einstige 

Arbeitersiedlung Föhrenwald nahe Wolfratshausen zugewiesen, 

einer von mehreren Orten in Deutschland, wo jüdische 

Überlebende selbstverwaltet leben konnten und der bis 1957 

am längsten von allen existierte. Schon 1946 hatte Föhrenwald 

5000 Einwohner, für die hier das begann, was als »Leben auf 

gepackten Koffern« bezeichnet wird. Sie waren, wo sie nicht 

sein wollten, und taten, was ihnen zuvor verweigert war: leben, 

stets in der Hoffnung, bald eine richtige Heimat zu haben. 

Diesen Weg zurück ins Leben zeigt die Ausstellung in 

neun Stationen. Das erste, noch aus Häftlingskleidung 

Eine Ausstellung im Jüdischen 

Museum stellt das Leben Überlebender 

im Lager München-Föhrenwald 

nach dem Holocaust dar. Anhand von 

Alltagsgegenständen erzählen die 

Kuratorinnen ein ebenso wichtiges 

wie vernachlässigtes Kapitel deutschjüdischer 

Nachkriegsgeschichte. 

JUDEN 45/90. VON DA UND DORT – 

ÜBERLEBENDE AUS OSTEUROPA 

Jüdisches Museum München 

| St.-Jakobs-Platz 16 bis 17. Juni Dienstag–Sonntag 10–18 Uhr | 

Eintritt 6 Euro 

Katalog 14,90 Euro | www.juedisches-museum-muenchen.de. 

geschneiderte Kleid und provisorische Chanukka-Leuchter 

gehören ebenso dazu wie die einstige Geldschatulle des KZ- 

Aufsehers, die ein Überlebender als Box für seine Rasierutensilien 

verwendete, oder eben jene Visitenkarten. Wie groß der 

Hunger nach Ausbildung, Familie, Alltag, Religion, Eigenständigkeit, 

Zukunft war, ist jedem Objekt anzusehen, sei es der 

einstige Gürtel aus dem KZ, der immer mehr Löcher brauchte, 

um die Kleidung am Leib seines schmaler werdenden Besitzers 

zu halten, seien es Aschenbecher mit dem Symbol der 

»She’erit Hapleta«, des »geretteten Rests«, oder die erste in 

Föhrenwald entstandene Zeitung. 

Verpackt in Klarsichthüllen oder hinter Plexiglas werden 

Überreste des Lebens im Lager nach dem Lager gezeigt. Die 

Verpackung schafft Distanz und unterstreicht den vorübergehenden 

Charakter, die Geschichten dazu schaffen Nähe. Es ist 

eine Abstraktion des Einzelschicksals und doch scheint jeder 

Gegenstand zu rufen: »Ich bin nur einer von vielen!« Davon, 

dass es eine Art zeitweiliges Ankommen gab, zeugt das obere 

Stockwerk. Hier sind Bilder aus dem heutigen Waldram, dem 

einstigen Föhrenwald, zu sehen. Hier tauchen berühmte 

Münchner Familiennamen und -geschichten wie die der Familie 

Salamander auf. Hier wird das Leben im Föhrenwald der 

späten vierziger Jahre – mit eigener Synagoge, eigenem Thea-

ter, Ritualbad, Schule und Geschäften – deutlich, wenn Filme 

vom Besuch einstiger Bewohner in der heutigen Siedlung 

erzählen und Erinnerungen der hier aufgewachsenen Kinder 

zu hören sind. 

Um die Geschichte der Überlebenden in bisher noch nie da 

gewesenem Umfang der Öffentlichkeit zu zeigen, haben die 

Kuratorinnen, Jutta Fleckenstein und Tamar Lewinsky, zwei 

Jahre lang Familien in Deutschland aufgesucht, die ihren 

Ursprung in Föhrenwald haben. Sie haben Stücke aus dem Fundus 

der israelischen Holocaustgedenkstätte Yad Vashem entliehen 

und Einzelteile aus privaten Sammlungen. Auf einen Satz 

sind sie immer wieder gestoßen: »Ach, das interessiert Sie?« 

Nicht zuletzt deshalb ist es überfällig, dass diese Thematik 

in München Raum fi ndet. Es wird als Ironie des Schicksals 

bezeichnet, dass die »Hauptstadt der Bewegung« nach Todesmärschen 

und antisemitischen Pogromen in Osteuropa zu 

einer Anlaufstelle wurde. Dabei ist es die eigentliche Ironie 

des kulturellen Gedächtnisses der Stadt, dass die wenigsten 

Münchner wissen, dass das heutige Waldram einst Föhrenwald 

hieß und für Tausende jüdische Überlebende über mehrere 

Jahre Heimat war, wo es gleichzeitig wohl kaum Münchner 

gibt, die nicht wüssten, wofür Dachau steht. 

Angesichts des wenigen Wissens in der breiten Öffentlichkeit 

– die Geschichtswissenschaft hat sich dem Thema durchaus 

ausführlich gewidmet – ist es die Stärke der Ausstellung, 

dass das Objekt im Vordergrund steht. »Es macht keinen 

Unterschied für Ihren Eindruck, ob hier 10.000 oder 100.000 

Stück liegen«, erklären immer wieder Mitarbeiter in KZ- 

Gedenkstätten, wenn Besucher entsetzt vor Bergen aus Schuhen 

oder Brillen stehen, »das bleibt für das menschliche 

Gehirn ohnehin unbegreifl ich.« Der gegenteilige Schluss, am 

einzelnen Objekt entlang zu erzählen, ist da logisch. Nicht, 

dass er das Geschehen plötzlich begreifbarer machen würde. 

Aber in diesem Fall liefert er einen überfälligen Blick in den 

Anfangszustand jener »gepackten Koffer«, auf denen Juden 

nicht zuletzt in München gelebt haben und leben und die 

zwar, laut Charlotte Knobloch, in einigen Fällen ausgepackt 

sind, aber eben doch stets griffbereit scheinen. Umso spannender 

wird es im Juli, wenn der zweite Teil der Ausstellung 

eröffnet wird. Ihm ist das »90« im Titel gewidmet: Es wird um 

die Juden gehen, die in den letzten 20 Jahren aus der ehemaligen 

Sowjetunion nach München kamen, um ihre Koffer auszupacken. 

|| 

ZARA S. PFEIFFER 

Auf dem Münchner Marienplatz lässt sich bisweilen ein 

Schauspiel beobachten, das bei Beteiligten und Unbeteiligten 

gleichermaßen Irritationen hervorruft. Eine Gruppe von Menschen 

versammelt sich in einer Ecke des Platzes, um mit 

Plakaten und Transparenten ihren Protest auszudrücken. 

Trillerpfeifen werden geblasen und Reden 

gehalten. Zu bestimmten Zeiten des Tages jedoch wird die 

Protestszenerie gestört. Die Reden werden unterbrochen, die 

Figuren des Glockenspiels erhalten die Hoheit über den Platz 

und ziehen ihre Kreise. Das Spiel der 43 Glocken, dem eine 

andere Ansammlung von Menschen mehr oder weniger 

andächtig lauscht, soll nicht von politischen Reden gestört 

werden. 

Die Reaktionen der Protestierenden auf diese Auflage 

des Kreisverwaltungsreferats reichen von leichter 

Belustigung über Befremden bis hin zu deutlich geäußerter 

Verärgerung. Nach wenigen Minuten jedoch ist der klingende 

Spuk vorbei, die Reden werden wieder aufgenommen, während 

sich die Glockenspielversammlung in die umliegenden 

Konsumwelten verstreut. Diese pittoresk anmutende 

Szene zum Sinnbild für die Protestkultur in München 

zu erklären wäre übertrieben. Für den Umgang der 

Behörden mit Protesten hingegen fi ndet sich hier ein 

wesentliches und wiederkehrendes Moment. Proteste sind in 

München durchaus nicht unerwünscht, wirklich stören aber 

sollten sie bitte nicht. 

Die Geschichte der Proteste in München seit 1945 macht genau 

dies deutlich. Immer wieder gab es Proteste, die für das gute 

und weltoffene Ansehen Münchens gerne gesehen 

waren. Beispielsweise, als im März 1997 rund 10.000 

Menschen mit einer Blockade verhinderten, dass die mit 

5.000 Teilnehmer/innen und Teilnehmern größte neonazistische 

Demonstration der Nachkriegsgeschichte ihre Abschlusskundgebung 

auf dem Marienplatz abhalten konnte. Oder als 

im Dezember 1992 mit der Aktion Lichterkette bis zu 400.000 

Menschen unter dem Motto »München – eine Stadt sagt nein« 

ihre Betroffenheit über rechtsextremistische Gewalttaten 

auf die Straße trugen. 

Die Proteste 1992 gegen den Weltwirtschaftsgipfel und 

die als ungerecht empfundene kapitalistische Weltordnung 

waren dagegen weniger gerne gesehen und von massiver 

Repression begleitet. Ebenfalls nicht genehm waren die Proteste 

gegen die Verlängerung der Ladenöffnungszeiten 

1953/54: Die rigorosen Polizeieinsätze hatten bürgerkriegsähnliche 

Zustände in der Innenstadt zur 

Folge. 

Die Liste der Proteste, die sich in München erlaubt haben, mit 

ihren Inhalten und Formen die öffentliche Ordnung zu stören, 

ist beachtlich. Es fi nden sich nicht nur Demonstrationen und 

Kundgebungen, sondern auch Blockaden und Barrikaden, 

STADTBILD 


Bitte nicht stören! 

Proteste, die nicht beißen, 

sind wie Tiger ohne Zähne 

Auch das Jahr 2012 steht im Zeichen des Protestes. Der Arabische Frühling 

jährt sich, soziale Unruhen werden durch die Finanzkrise verschärft. 

Das Münchner Feuilleton hat Zarah S. Pfeiffer gebeten, einen historischen Blick 

auf die Protestkultur Münchens zu werfen. 

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M, EINE 

STADT 

SUCHT 

IHREN 

MÖRDER 

DANIEL KNORR 

lothringer13_halle 

18.11.2011 – 

22.01.2012 

Hausbesetzungen und Piratensender, Streiks und Sabotagen, 

subversive Aktionen und Farbe an den Wänden. Die Reaktionen 

auf potentiell störende Proteste sind bisweilen ebenfalls 

beachtlich: Im Februar 2002 wurden beispielsweise sämtliche 

Demonstrationen des Bündnisses gegen die NATO Sicherheitskonferenz 

für die komplette Zeit der Konferenz verboten, 

um vermeintlich anreisende »Chaoten« daran zu hindern, die 

schöne Münchner Innenstadt zu verwüsten. Trotz dieses Verbots 

ließen sich gut 10.000 Menschen ihr Recht zu demonstrieren 

nicht nehmen und gingen auf die Straße. Gestört wurde an 

diesem Wochenende das Ansehen der Stadt weniger durch die 

Demonstrieren, sondern vor allem durch das Verbot, den 

umfangreichen Polizeieinsatz und die zahlreichen Festnahmen. 

Wenn angesehene Münchner Bürgerinnen und Bürger 

der Stadt ihren Unmut auf die Straße tragen, ist dies im Rückblick 

oft ein gerne gesehenes Zeichen von Demokratiefähigkeit, 

die sich auch diejenigen auf die Fahnen schreiben, die 

das im entscheidenden Moment noch ganz anders gesehen 

haben. Die damit verbundene Vorstellung eines guten und 

erwünschten Protests und die Abwertung eines störenden Protests 

durch so genannte Störer oder Chaoten verkennt jedoch, 

dass Proteste vor allem eines müssen: stören, um auf diese 

Weise einen Raum zu schaffen für die Artikulation und 

Demonstration von Kritik. Proteste, die nicht stören, sind wie 

Tiger ohne Zähne, sie beißen nicht. || 

ZARA S. PFEIFFER 

hat Politikwissenschaften studiert. Sie ist Lehrbeauftragte am 

Institut für Soziologie der LMU München sowie am Institut für 

Medien der Kunstuniversität Linz und arbeitet in der politischen 

Bildungs- und Öffentlichkeitsarbeit. 

Mehr über die Proteste in München findet sich unter 

www.protest-muenchen.sub-bavaria.de und in dem Buch: 

Auf den Barrikaden. Proteste in München seit 1945. 

Herausgegeben von Zara S. Pfeiffer im Auftrag des Kulturreferats 

der Landshauptstadt München, Volk Verlag, 2011. 

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PAINTING TO REMEMBER 

ZERSTÖRT DEUTSCHE SYNAGOGEN 

ALEXANDER DETTMAR 

3.2. – 18.3.2012 | Vernissage 2.2., 20.00 Uhr 

Infotelefon Pasinger Fabrik: 089 - 829290-13 

www.pasinger-fabrik.com

KUNST 


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Einblicke, Durchblicke, 

Spiegelungen. Sabine Hornigs 

meisterhafte Fotoarbeiten 

in der Alten und Modernen 

Pinakothek sowie in der 

Galerie Barbara Gross 

ermöglichen Einsichten in die 

Kunst der Anschauung. 

Bildfenster 

THOMAS BETZ 

Wo die Barer Straße in die Nordendstraße einbiegt, ließ sich in 

den letzten Wochen ein trauriges Schauspiel beobachten: In 

einem verlassenen Blumenladen starben die Pfl anzen, einige 

grünten noch standhaft, andere waren bereits mumifi ziert; 

kam man gelegentlich wieder vorbei, wusste man nicht genau, 

welche inzwischen wieder den Geist aufgeben hatten. Gewöhnlich 

erlebt man solche kleinen Veränderungen im Stadtbild 

weniger dramatisch. Ein Laden macht dicht. Danach gibt es im 

Schaufenster wenig zu sehen, weil gerade renoviert wird. Kein 

pittoresker, eher ein prosaischer Anblick – außer man sieht so 

aufmerksam und präzise hin wie Sabine Hornig. 

Durchblicke und Oberflächen 

Die Berliner Künstlerin hat seit 2001 eine großangelegte Werkserie 

dem Phänomen Fenster gewidmet, darunter zeigen zahlreiche 

Motive gespenstische Schaufenster während der Renovierung. 

Die fotografi schen Arbeiten verewigen nicht nur 

einen scheinbar banalen Zustand, sondern schärfen den Blick 

auf die zerstörerische Logik der Konsumgesellschaft. Ein Bild 

in der Pinakothek der Moderne bringt es auf den Punkt: Das 

Konsumtheater hat gerade geschlossen, weiße Papierbahnen 

verhindern den Einblick in die Operationen am Innenleben, 

der Slogan »Radikal Reduziert« – es sind nur die Klebespuren 

der Beschriftung zurückgeblieben – schwebt schemenhaft im 

Weiß, im Grau. Dass der künstlerisch-konzeptuelle Blick auf 

die spiegelnde Glasfl äche uns gesellschaftlich einen Spiegel 

vorhält, ist nur ein Aspekt. Der Veränderung bei der Immobilie 

entspricht das performative Potenzial des Bildes. Fensterglas 

und Vorhang, auch die Spiegelung, die den Raum abschließen, 

werden als Äquivalente der Oberfl äche des Bildes begreifbar, 

wie es auch die Tesafi lm-Reste, Schlieren, Farbspritzer, Graffi ti 

auf dem und Sprünge im Glas bei anderen Werken anzeigen. 

Das gemalte Bild wurde in der Renaissance ein Fenster zur 

Welt, gewährte einen Blick auf die Wirklichkeit. Ab Ende des 

19. Jahrhunderts verstand man das Bild, wie der Maler Maurcie 

Denis, ehe es ein Schlachtross, einen weiblichen Akt oder 

irgendeine Anekdote verkörpere, zunächst und prinzipielle als 

eine »glatte, mit Farben in einer bestimmten Anordnung 

bedeckte Fläche«. Diese Bildfl äche wurde in der Moderne zum 

Träger von Expressionen, Abstraktionen, Konstruktionen. Da 

hatte die Fotografi e als Bildmedium sich bereits nobilitiert und 

von überall Wirklichkeitszeugnisse verfügbar gemacht. 

(Nebenbei: Gleichzeitig mit dem Siegeszug der Fotografi e 

wurde das Schaufenster zum Massenmedium.) 

Fensterbilder und Bildfenster 

Die Metapher des Bildes als »Fenster« stellen Hornigs Arbeiten 

ebenso zur Diskussion wie die Ordnung des Bildes. Alles Fotos 

enthalten, maßstabsgetreu, den Fensterrahmen, der damit 

dem Bilderrahmen als akzentuierte Trennung des Bildes vom 

Umraum entspricht. Das unterscheidet ihre Bilder von anderen 

Aufnahmen der Fotogeschichte, die zuvor Schaufensterscheiben 

und Fenster, Spiegelungen, Ein- und Durchblicke 

faszinierend inszeniert hatten. Die Künstlerin stellt sich in die 

Tradition der Fensterbilder, die malerisch das Sehen refl ektierten, 

und kritisiert mit den ungreifbare Bilder erzeugenden 

Fenstern das illusionistische Verständnis der Fotografi e als 

wirklichkeitsgetreue Abbildung. Besonders deutlich wird dies 

in den Kabinetten der Alten Pinakothek, wo Hornigs Fotos mit 

holländischer Genremalerei in Dialog treten. Es gibt motivische 

Entsprechungen – der Totenschädel und das Loch in der 

Mauer passen zum Vanitasstillleben, Fenstergitter zu Butzenscheiben, 

die Palme zum Landschaftbild – und solche der 

künstlerischen Verfahren: Das zufällige Arrangement von 

Arbeitmaterialien und Relikten im Laden erscheint als ebenso 

souverän komponiert wie ein Stillleben, der dunkle Grund der 

Gemälde macht auf den dunklen Klang vieler Fotos aufmerksam. 

Und die desaströsen Raumverhältnisse demonstrieren 

das prekäre Verhältnis von Bild und Raum, der Grenzen und 

Zugänge vom Betrachter zum Bild. Hornigs Fenster sind mal 

vergittert, die Rahmenkonstruktionen Exempel einer kühlgeometrischen 

Bauästhetik, die Innenräume oft leer oder zerstört. 

In »Fenster ohne Boden« (2006) ist das Zimmer, in das 

man neugierig hineinschaut, ein leerer Schacht ohne Boden, 

ein Abgrund. Wie die Interieurs ist auch der gespiegelte Stadtraum 

mit seinen Fensterfassaden menschenleer. Die Fotografi 

n ist aus den Bildern verschwunden. Nur einmal assistiert sie 

dem Standpunkt des Betrachters. Und bei »Rückfenster« (2004) 

in der Pinakothek der Moderne blicken wir durch die Triptychon-Rahmung, 

durch einen leeren Raum und ein hinteres

Fenster hindurch auf eine entfernte Rückenfi gur: die steht auf 

betoniertem Podest in einer grasigen, unbebauten Natur, weitaus 

höher, und unerreichbar vom gespiegelten Raum des 

Betrachters auf der breiten, gepfl asterten Straße. 

Kunst der Anschauung und des Zwischenraums 

Jedes der Bilder erweist sich als Meisterwerk. Nicht wegen der 

Ansichten und Gegenstände, sondern durch das einheitliche 

Verfahren, in dem der Betrachter inszeniert wird. »Durch das 

gleiche Glas kann man paradoxerweise nach vorn und nach 

hinten schauen, ohne sich umzudrehen«, schreibt der Kunsthistoriker 

Hans Belting in der Begleitpublikation. Der schön 

gestaltete Band, der zwei Aufsätze, ein Verzeichnis aller Werke 

sowie ein Interview mit der Künstlerin enthält, informiert auch 

darüber, wie sich Hornigs frühere Arbeiten, als Fenster-Skulpuren, 

genauer: als Eingriffe in vorhandene Räume, mit dem 

Problem des Einblicks und Durchblicks auseinandersetzten. 

Im New Yorker Museum of Modern Art etwa verbanden 2003 

Diapositive auf Glas mit echten Durchblicken und echten 

Spiegelungen die Spiegellabyrinth-Schichten des Fotomotivs. 

Mit einer solchen Situation, dass im Bild sich überlagernde 

Refl exionen den Durchblick behindern, konfrontiert eine 

Foto-Installation, ähnlich einem Wartehäuschen. Sie zeigt Zwischenräume: 

Fenster, Wände, Türen aus Glas, Mauern, Bäume, 

Schilder aus Licht. Man steht, ganz Auge, immer auf der falschen 

Seite. In Sendling kann man seit 2005 eine große Installation 

auf der Fassade der Grundschule an der Pfeuferstraße 

erleben. Eine Ausstellung in der Galerie Barbara Gross eröffnet 

weitere Begegnungen mit dem fotografi schen Blick und 

der skulpturalen Dynamik von Sabine Hornig. Ihre Arbeiten 

zeugen, wie sie selbst sagt, von einer »zweiten Möglichkeit: 

einer verborgenen Perspektive gegenüber der nur scheinbar 

einzigen«. || 

SABINE HORNIG DURCHS FENSTER 

Pinakothek der Moderne, Saal 30 | Barer Straße 40 | 

täglich außer Di 10–18 Uhr 

Alte Pinakothek, Obergeschoß, Kabinette 15, 16, 19–22 | 

Barer Straße 27 | täglich außer Mo 10–18 Uhr | bis 26. Februar 

SABINE HORNIG. DURCHS FENSTER 

Hrsg. von der Pinakothek der Moderne 

Mit Beiträgen von Hans Belting und Inka Graeve-Ingelmann 

und einem Gespräch der Künstlerin mit Sophie Tottie | 

Verlag für Moderne Kunst, 2011 | 72 S., 50 Abb. | 28 Euro 

SABINE HORNIG STILLEBEN AM FENSTER 

Barbara Gross Galerie | Theresienstrasse 56, Hof 1 | 

Di–Fr 11–18.30, Sa 11–16 Uhr | bis 29. Februar 

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links: »Der zerstörte Raum«, 2006 | 

90 x 159 cm (Plexi) 

Mitte: »Fenster ohne Boden«, 2006 | 

170 x 222,4 x 3 cm (Plexi) 

rechts: »Rückfenster«, 2004 | 

160 x 190 x 3 cm (Plexi) 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2011 

KUNST

BILDENDE KUNST STREIFZUG 


ERIKA WÄCKER-BABNIK 

Rund siebzig Galerien gibt es 

in München. Hinzu kommen 

zahlreiche Institutionen, die 

Begegnungen mit zeitgenössischer 

Kunst ermöglichen. 

Eine aktuelle Auswahl: 

DIE TIEFE DER RÄUME 

Kai-Uwe Schulte-Bunert 

Heiko Räpple 

Galerie Filser & Gräf 

Tattenbachstraße 18 | bis 31.1. | Di–Fr 11-18, 

Sa 11–14 Uhr 

Die Konfrontation zweier Künstler und ihrer 

Werke innerhalb einer Ausstellung kann 

schwierig sein. Vor allem dann, wenn sich die 

Arbeiten vermeintlich nahe stehen. Die Kombination 

von Fotografi e/Malerei und Bildhauerkunst 

tut dem jeweiligen Werk jedoch 

manchmal richtig gut, vor allem dann, wenn 

die Wechselwirkung eine inhaltliche oder formale 

Klärung fördert oder zumindest ästhetisch 

bereichernd wirkt. Ein Beispiel für einen 

gelungenen Dialog führt derzeit die Galerie 

Filser & Gräf vor, die die Fotoarbeiten von 

Kai-Uwe Schulte-Bunert (*1969) zusammen 

mit Wandreliefs aus Gips und Beton von Heiko 

Räpple (*1981) zeigt: Hier der analytischkühle 

Fotografen-Blick auf verlassene Spuren 

menschlicher Zivilisation vor dem Hintergrund 

einer seltsam entrückten Natur; dort 

die unfertig und roh wirkenden Abformungen 

und Abgüsse des Bildhauers, die mit expressiven 

Gebärden in den Raum ausgreifen und 

wieder zurückspringen. 

Der Dialog, der hier zwischen den Arbeiten 

entfacht wird, ist sofort erkennbar. Zuvörderst 

wird er vom extremen Kontrast der 

künstlerischen Positionen bewirkt: Schulte- 

Bunerts Interesse gilt dem Blick auf Architekturen, 

die in den präzise austarierten Kompositionen 

schattenlose und verlassene Relikte 

in den Weiten einsamer, in fahles Licht 

getauchter Landschaften bilden. Eine unterkühlte 

Sichtweise auf Natur, deren suggestiver 

Wirkung man sich kaum entziehen kann. 

In manchen Arbeiten kehrt sich das Verhältnis 

einer proportionalen Ausgewogenheit zwischen 

Bauwerk und Natur um, etwa wenn eine 

fensterlose Fassade formatfüllend den Blick 

verstellt und nur noch an den Bildrändern 

einen schmalen Streifen Himmel und Wiese 

erkennen lässt. 

Heiko Räpple | Zeit | 2009 | 

Acrystal, 145 x 104 x 12 cm, Aufl age 2/3 | 

© Heiko Räpple, Courtesy Galerie Filser & Gräf 

Heiko Räpple schwelgt im Material. Seinen 

Reliefs ist die Energie und Lust am handwerklichen 

Arbeiten mit verschiedenen Werkstoffen 

anzumerken. Er jongliert zwischen schwerem 

Beton, dessen Oberfl ächen die Spuren 

der Holzverschalung zeigen und die an den 

Wänden zu architektonischen Elementen werden, 

und leichteren Mischungen, deren Strukturen 

beim Abguss ein grafi sches Moment 

entstehen lassen. Was ihn beschäftigt, sind die 

Grundfragen plastischen Gestaltens – Raum, 

Kai-Uwe Schulte-Bunert | ohne Titel | 2009 | 

Kodak-Lambda-Print auf Alu-Dibond unter Acrylglas | 

60 x 90 cm, Aufl age 1/5 | 

© Kai-Uwe Schulte-Bunert, Courtesy Galerie Filser & Gräf 

Form und Figur – und die Dialektik gegensätzlicher 

Eigenschaften wie weich und hart, 

leicht und schwer, innen und außen, positiv 

und negativ. Sein ausgeprägtes Interesse an 

der Gestaltung von Raum teilt er wiederum 

mit Schulte-Bunert: In den Fotografi en bewirken 

Diagonalen und niedrige Horizonte einen 

extremen Tiefensog. Auch motivisch fi nden 

sich Parallelen: Betonbauten im Bild, Beton 

an den Wänden gegenüber. 

Bei aller Faszination verlassen wir die 

Galerie dennoch mit einem Gefühl von Déjà 

vu: Die kühle Bildsprache der Fotoarbeiten, 

die schattenlose, menschenleere Welt, die 

Sicht auf die Natur, die Betontrassen, Autobahnbrücken 

und Heuballen in der nebeligen 

Landschaft – kennen wir das nicht alles auch 

von Gurski und Co, vor allem aber von dem 

Leipziger Fotografen Hans Christian Schink? 

POLAR. WANDOBJEKTE 

Karin Radoy 

Galerie Gudrun Spielvogel 

Maximilianstraße 45 | bis 18.2. | Mo–Fr 

13–18.30, Sa 11–14 Uhr 

Für Freunde fi gürlicher Darstellungen oder 

expressiver Gesten hat die konkrete Kunst, 

also die Kunst, die per definitionem im 

Wesentlichen auf mathematisch-geometrischen 

Konstruktionen beruht, häufi g etwas 

Karin Radoy | Bios, 1010 | 2010, | 2-teilig, 

80 x 160 x 25 cm, Acryl auf Holz 

Eintöniges, Unnahbares. Eine Galerie, die sich 

dieser gegenstandslosen Kunstrichtung verschrieben 

hat und Künstler vorstellt, die aus 

einem reichhaltigen Farben- und Formenrepertoire 

schöpfend immer wieder faszinierende 

und verblüffende Werke hervorbringen, 

ist die Galerie Spielvogel. Ein solches Versprechen 

löst auch die aktuelle Ausstellung mit 

Wandarbeiten der Künstlerin Karin Radoy 

ein, die, 1957 in Offenbach geboren, die 

künstlerischen Errungenschaften der Pioniere 

der konkreten Kunst und der autonomen 

Malerei aus den 60er- und 70er-Jahren klug 

zu verbinden und weiterzuentwickeln versteht: 

Ihre kompakten, monochromen Wandobjekte 

bestehen jeweils aus zwei Hälften, die schwingenden 

Flügeln ähnlich symmetrisch auf eine 

Mittelachse ausgerichtet sind. Von ihrer kompakten 

Form her massiv und statisch, sind sie 

durch die wellenartigen Ausformungen in den 

Raum hinein jedoch gleichzeitig von verblüffender 

Eleganz und Dynamik. Das Irritierende 

ist das Verhältnis der beiden Teile des jeweiligen 

Diptychons zueinander: Sie sind identisch, 

und doch stehen sie nicht spiegelbildlich 

zueinander, sondern sind gegeneinander 

verdreht: zwei aufeinander bezogene und von 

einander unabhängige Teile, die zusammengenommen 

ein in sich geschlossenes untrennbares 

Ganzes ergeben. 

Über die plastische Gestalt hinaus behandelt 

Karin Radoy die Objekte als Bildträger für 

ihre Malereien: Konsequent und mit hoher 

Intensität lässt sich die Künstlerin auf die 

Autonomie der Farbe ein und erprobt ihre 

Eigenschaften und die daraus resultierende 

irrationale Wirkung in unmittelbarem Zusammenspiel 

mit den schwingenden Körpern. Die 

mit dem Spachtel in 30 bis 40 Schichten und 

Lasuren aufgetragenen Acrylfarben zaubern 

marmorierte Oberfl ächen hervor, die in Kombination 

mit den dreidimensionalen Bildträgern 

den Eindruck erwecken, haptisch erfahrbar 

zu sein. In zahlreichen Nuancen entfaltet 

die Farbe ein pulsierendes Eigenleben, das 

über die Bildfl äche hinaus in einen eigenen 

Farb-Raum übergeht. 

Die Konzentration der Objekte liegt in der 

senkrechten bzw. leicht schrägen Mittelachse, 

die die beiden Bildkanten bilden. Als würden 

die Körper atmen, scheinen sie dialogisch 

gegeneinander zu schwingen. In diesem Dualismus 

sieht Karin Radoy den Bezug zu ihrem 

eigenen Leben, einer Dualität im Ich. Im Einklang 

mit der Tonalität der sorgsam gewählten 

Farben vermag diese Dynamik den 

Betrachter in einen Zustand der Kontemplation 

zu versetzen. 

A WOMEN’S VOICE II 

Annegret Soltau. Leda Luss 

Luyken. Mona Hakimi Schüler 

Haleh Gallery 

Aufkirchner Straße 4 | 82335 Berg | bis 21.2. | 

Do–Sa 11–16 Uhr 

Gelegentlich lohnt es sich, den Blick über die 

Stadtgrenzen hinaus zu richten: zum Beispiel 

nach Berg am Starnberger See. In dem traditionsreichen 

Ort hat sich eine kleine, feine und 

äußerst charmant und kenntnisreich geführte 

Galerie etabliert, die auf Kunst des Mittleren 

Ostens spezialisiert ist: Haleh Heydari ist 

gebürtige Iranerin. Nach ihrer Ausbildung zur 

Restauratorin arbeitete sie als Konservatorin 

am Iran Bastan Museum in Teheran. 2006 

übersiedelte sie mit ihrer Familie nach Berg 

und führt seit 2010 ihre Galerie, in der sie auf 

den Dialog zwischen Ost und West setzt. Ihre 

aktuelle Ausstellung vereint drei internationale 

Künstlerinnen, die sich mit weiblicher 

Identität befassen: die griechische Malerin 

Leda Luss Luyken (*1957 in Athen), die Iranerin 

Mona Hakimi Schüler (*1977 in Teheran) 

und die aus Lüneburg stammende Annegret 

Soltau (*1946). Gemeinsam ist diesen sehr 

unterschiedlichen Künstlerinnen, dass sie 

sich in ihren Werken mit dem Bild der Frau, 

mit der Rolle der Frau in der Gesellschaft und 

dem eigenen Ich als Frau auseinandersetzen. 

Annegret Soltau kennt man seit den 70er- 

Jahren durch ihre Beschäftigung mit der eigenen 

Person in verschiedenen Medien. In der 

Ausstellung ist sie mit Fotovernähungen vertreten, 

in denen sie über ihr Selbstporträt mit 

Nadel und Faden collageartig Ausschnitte von 

anderen Körpern oder Tiermasken näht, die 

ihre Identität verändern und in Frage stellen. 

Auf der Rückseite der Arbeiten wird ein abstraktes 

Bild aus Fäden und Rissen sichtbar. 

Die Rolle der Frau im Iran zwischen Tradition 

und Moderne, zwischen Islam und westlicher 

Kultur hinterfragt Mona Hakimi-Schüler in 

einem Tableau aus Porträts: einer Variation an 

Frauen mit unterschiedlich gebundenen 

Schleiern, mit Kopftuch und Sonnenbrille 

oder schulterfrei mit Abendfrisur. Besonders 

für westliche Betrachter faszinierend sind 

ihre detailreiche Bildcollagen der Serie 

»stories I live 

by«, in denen 

sich Fragmente 

von Koranseiten, 

arabischen 

Schriftzeilen und 

orientalischen 

»ichundich«, 

Mona 

Hakimi-Schüler 

Ornamenten mit mythologischen Darstellungen 

sowie politischen Szenerien auf teils illustrative, 

teils malerische Weise verbinden. Eine 

ganz andere künstlerische Position vertritt 

Leda Luss Luyken, deren großformatige Bildtafeln 

aus Modulen bestehen, die der Betrachter 

beliebig neu arrangieren kann. »Now and 

Then« etwa spannt den Bogen zwischen antiker 

Venus und moderner Weiblichkeit. Drei 

Künstlerinnen, drei Kulturen, drei Positionen, 

die in der kleinen Galerie in Berg ein Anliegen 

formulieren: dem Frau-Sein in der gesellschaftlichen 

Debatte eine Stimme zu verleihen. 

VOYAGER 

Björn Dahlem 

Galerie Rüdiger Schöttle 

Amalienstr. 41 | bis 28.1. | Di–Fr 11–18, 

Sa 12–16 Uhr 

Ein bisschen ist es, als käme man in eine dieser 

Kunst- und Wunderkammern des Barockzeitalters, 

in denen Fürsten und Adelige Raritäten 

aus Kunst, Natur und Wissenschaften 

zusammentrugen, die ihnen kostbar und 

wichtig erschienen. 

Nur dass 

diese Museumsvorläuferwesentlich 

üppiger ausgestattet 

waren 

als die reduzierte 

Schau in der 

Galerie Schöttle. 

Björn Dahlem | 

M-Konstellation | 

2011 | Holz, Stahl, 

Kupfer, Styropor, 

Vasen, Barometer, 

Oliven, Tusche, 

Schellack, 

250 x 139 x 106 cm | 

Courtesy Galerie 

Rüdiger Schöttle, 

Foto: Ulrich Gebert 

Und doch tritt man auch hier mit großem 

Staunen an die Vitrinen heran, um zu erkunden, 

welch wundersame Objekte da so opulent 

präsentiert werden und aus was für 

Gegenständen sie sich zusammensetzen; und 

schließlich, welch geheimnisvolle Botschaft 

sie dem Betrachter überbringen. Quelle der 

Inspiration des 1974 in München geborenen 

Björn Dahlem sind Astrophysik, Kosmologie 

und Philosophie. Von Hause aus vertraut mit 

diesen Gebieten – sein Vater ist Physiker – 

und mit reichlich Wissen um philosophische, 

religiöse und kunsthistorische Fragestellungen 

ausgestattet, verarbeitet er die unterschiedlichsten 

Alltagsgegenstände und Materialien 

zu poetisch anmutenden Weltmodellen. 

Seine Installationen und Skulpturen sind voller 

Referenzen auf kosmische Phänomene 

und die Ursprünge des Universums. Sie sehen 

aus wie astronomische Modelle aus dem 

Deutschen Museum und sind doch weit entfernt 

von jeglichem wissenschaftlichen 

Anspruch und den Gesetzen der Physik. Vielmehr 

stellen sie ein Konglomerat dar aus 

Erkenntnissen der Forschung, aus mythologischen, 

religiösen und philosophischen Deutungen, 

etlichen kunsthistorischen Bezügen, 

ein wenig Science Fiction und einer Portion 

Humor. Diesen fi ndet man vor allem in der 

Wahl der Materialien. Der Veranschaulichung 

unterschiedlicher Sonnenphasen etwa dienen 

dem Künstler neben ein paar bemalten Styroporkugeln 

ein schwarzer Samtball und eine 

verschrumpelte Zitrone. Der goldblättrige 

Lebensbaum wiederum steht auf einer Basis 

aus Spiegeln und Kristallvasen, und zu den 

Bestandteilen der fragilen »M-Konstellation«, 

die sich wie eine Kirchturmspitze oder eine 

schwarze Monstranz über einem polygonen 

Sockel erhebt, zählen Oliven und ein Barometer. 

Dieses rätselhafte Objekt nimmt Bezug 

auf eine Theorie aus dem Bereich der kosmischen 

Gravitationslehre, mit der ein nicht 

gelöstes Problem – M = Mystery – physikalisch 

beschrieben wird. Auch Björn Dahlem 

bietet keine Lösung an. Er versteht seine 

Werke als eine Art Denkmodelle, die alle 

Facetten von Wissenschaft und Weltanschauung 

bis hin zu Glaube und Hoffnung zur Verfügung 

stellen, um die Imagination des 

Betrachters herauszufordern. ||

Kunst muss glaubwürdig sein 

Wlademir Faccioni bei der Probe 

Simone Sandroni 

war 1987 in Brüssel Gründungsmitglied 

von Ultima Vez und arbeitete bis 1992 in der 

Compagnie von Wim Vandekeybus. 1996 

gründete er in Prag zusammen mit Lenka 

Flory die Kompanie Déjà Donné, die vom 

Trasimener See aus mittlerweile 26 Länder 

Europas, Nordamerikas und Asiens bereist hat. 

Sandronis Stück »Das Mädchen und der 

Messerwerfer« wird am zweiten Abend der 

»englischen Saison« uraufgeführt, zusammen 

mit Werken von Russel Maliphant und 

Kenneth MacMillan (das Münchener Feuilleton 

berichtete in der Dezemberausgabe). 

mit den Motorrollern und schauen zu und hauen wieder ab. 

Paare küssen sich und verdrücken sich. In einer solchen Indifferenz 

und Langeweile versuchen sich auch meine HipHopper, 

die Zeit zu vertreiben. 

Wie arbeiten Sie mit dem Ensemble? 

Es ist nicht einfach, Balletttänzer in eine solche Atmosphäre zu 

versetzen. Es sind tapfere Performer, sehr diszipliniert, sie 

arbeiten intensiv an ihren körperlichen Fähigkeiten, wenden 

unendlich Zeit dafür auf, ihren Körper zu formen, sind fantastische 

Künstler, sehr präzise und fokussiert. Aber wenn ich sie 

nun bitte, sich zu öffnen, zu beobachten im gesamten Umkreis 

von 360 Grad, dass sie mit ihrem Körper auch darauf reagieren 

können, was irgendwo geschieht – natürlich haben sie selbst 

totale Körperkontrolle –, dann ist das zwar für sie nicht schwierig, 

aber es ist für sie etwas komplett Neues, Ungewohntes. Ich 

arbeite hier nur mit dem Ensemble, bringe keine Tänzer von 

außen mit ein. So ist es für sie – auch für mich – eine Herausforderung, 

glaubhaft zu agieren, nicht nur formal. 

Meine Bewegungsprinzipien beruhen auf der Körpermitte 

und einer fl exiblen Wirbelsäule. Gerade das Gegenteil ihrer 

Ausbildung: sie wären damit schon nach einem Jahr aus der 

Schule gefl ogen. Es gibt da aber kein Richtig oder Falsch. Balletttänzer 

haben, jeder für sich, fantastische Instrumente, und 

die Herausforderung für mich besteht darin, das Beste aus 

jedem einzelnen herauszuholen. 

Hat sich im Ensemble etwas verändert seit Ihrer Arbeit 

»Cambio d´abito«? 

Ich war seit 2008 mehrfach am Haus, auch Leute aus der 

Besetzung, die mich noch nicht kennen, haben von anderen 

schon gehört, dass ich ihnen nicht Spezielles beibringen und 

Ihnen auch nichts wegnehmen möchte. Die Tänzer sind gut 

vorbereitet, einige machten diverse Trainings, weil sie wussten, 

dass sie mit mir arbeiten werden. Bei mir gibt es keine 

statischen Momente, man ist ständig in Bewegung. 

Welche Musik wird zu hören sein? 

Ich arbeite mit 48Nord zusammen, Ulrich Müller und Siegfried 

Rössert, aus München. Die Musik hat verschiedene Ebenen. 

Sie muss für den Tanz funktionieren. Zweitens muss sie zum 

Ambiente und zur Atmosphäre passen, die Lenka Flory mit 

Bühnenbild und Kostümen geschaffen hat. Auf dem Platz passiert 

alles mögliche: Er ist umgeben von Musik. Wir sind noch 

auf der Suche – das ist schön, denn auch wenn die Zeit kurz 

ist, um ein Werk auf die Beine zu stellen, fi nde ich es wichtig, 

dass noch geforscht wird, dass man auf Abenteuer ausgeht, 

etwas Neues zu fi nden. Eben nicht auf die Bühne zu bringen, 

was man schon weiß und kann. 

Kann Tanz erzählen – nicht im Sinne des klassischen Handlungsballetts 

–, hat er narrative Qualität? Erzählen Sie vielleicht 

keine Geschichten, sondern davon, wie man Neues entdeckt? 

TANZ 


Simone Sandroni choreografi ert mit dem Bayerischen Staatsballett. Ein Gespräch über das Tanzen und das Nichtstun. 

THOMAS BETZ 

In einer späteren Ausgabe von »Das Mädchen und der Messerwerfer« 

merkt Wolf Wondratschek an, »dass die Geschichte, 

die diese Gedichte erzählen, auch als Libretto für ein Ballett 

brauchbar sein könnte«. Wie hat der Text Sie gefunden? 

Ballettdirektor Ivan LiŠka und Wondratschek sind Freunde und 

der Autor liebt das Ballett. Schon lange bestand der Wunsch, 

daraus ein Ballett zu machen; aber LiŠka suchte noch nach 

einem Choreografen. Vor zwei Jahren bekam ich die Anfrage. 

Als ich das Poem las, wollte ich mich inspirieren lassen, aber 

es funktionierte nicht. Als Gedicht fand ich es wunderschön, 

aber ich suche die Grundlagen meiner Arbeit nicht irgendwo 

draußen, in Musik, in Literatur, sondern im Studio, in den 

Menschen, mit denen ich arbeite. Im Leben – nicht in anderen 

Kunstwerken. Ich habe auch schon als Opern- und Theaterregisseur 

mit Textvorlagen gearbeitet, aber da bringe ich auf die 

Bühne, was bereits für die Bühne geschrieben ist. Wenn eine 

Musik – oder ein Buch – wunderbar ist, braucht sie keine 

Übersetzung. Denn Kunst verwandelt das Leben. Aus Kunst 

wiederum Kunst zu machen, geht mir zu weit. 

Sie haben es aber hier getan. Wie? 

Aus den fünf Figuren bei Wondratschek machte ich erst einmal 

zwei; aus dem kleinen Zirkus wurde ein kaputter Kinderspielplatz. 

Was machen sie da? Sie stellen sich zur Schau, sind sehr 

gleichgültig, sie haben vieles satt. Es ist übrigens an Wondratscheks 

Text schön, dass jedes Gedicht für sich stehen kann, man 

braucht nur zufällig eine Seite aufzuschlagen: phantastisch! 

Ich arbeite so: beweg dich, geh weg, komm wieder – es ist 

an den Bewegungen also nichts deskriptiv, was die Welt des 

Textes betrifft. 

Sie haben also nicht mit Charakteren begonnen zu arbeiten, 

sondern mit einer Atmosphäre? 

Nun, ich habe mich eher von der Person Wondratschek inspirieren 

lassen, von seiner Hingabe, von seiner Körperlichkeit. Wenn 

wir uns unterhielten, sprachen wir nie über die Tanzproduktion, 

aber einmal sagte Wolf: »Sie sollten eigentlich nur tanzen, wenn 

es sonst nichts zu tun gibt.« Das öffnete mir einen Weg. 

Zu dem Mädchen, dem Messerwerfer, den zwei Frauen und 

dem Clown habe ich zwei hinzuerfunden, die ich russische Hip- 

Hopper nenne. Die sind bei den anderen mit dabei, obwohl sie 

dort eigentlich nichts verloren haben. Dann gibt es ein Netz auf 

diesem Spielplatz, wie auf einem billigen Asche-Fußballplatz, 

und dahinter halten sich die gelangweilten Youngsters auf. Apathische, 

aggressive Teenager, die nichts tun, die Sachen kaputtmachen, 

die für sich selbst tanzen, die Fußball spielen. 

Das ist, wie wenn ein Zirkus in einem kleinen Dorf gastiert, 

und man kommt schon neugierig hin, aber es ist noch zu 

früh und die Zirkusleute mit ihren zwei Wagen sitzen auf dem 

betonierten Fleck und essen. Nichts los. Und dann stellen sie 

Stühle auf für die Omas und die Enkel, dann kommen welche 

Liebe zum Tanz 

Konsequent forscht die Münchner Choreografi n Sabine Glenz in emotionalen und atmosphärischen Hybridbereichen, bearbeitet 

die situative Qualität einer Live-Performance, mit großem Interesse an Zwischentönen und den Abstufungen zwischen 

Darstellung und Präsenz. In ihrem jüngsten Stück »L.O.V.E.« schickt sie Karen Piewig und Zufi t Simon auf das Rund der 

Bühne. Präsent sind dabei noch zwei andere Tänzerinnen – Valeska Gert und Rosalia Chladek, Protagonistinnen des 

Ausdruckstanzes, die unterschiedlicher kaum sein könnten: die Berlinerin Valeska Gert, exzentrische Kabarett-Frau und 

Schauspielerin mit schneidendem Witz und hellwachem politischem Bewusstsein zum einen, zum andern Rosalia Chladek, 

die Körperbildung an der Schule Hellerau-Laxenberg studierte und später ihr eigenes Tanzsystem entwickelte und lehrte. 

Emigrantin die eine, Professorin an den Berliner »Meisterstätten für Tanz« und der »Deutschen Bühne« ab 1940 die andere. 

Deren unterschiedliche Zugriffe auf Tanz und Bewegung inspirierten Sabine Glenz zu »Anordnungen für zwei Tänzer«. || tb 

Simone Sandroni bei der Probe | Fotos: Wilfried Hösl 

Mit Tanz kann man nicht eine Geschichte erzählen, wie in Filmen 

oder Büchern. Gleichzeitig glaube ich, dass Tanz Aktion ist, und 

wenn man an der Intensität der Aktion arbeitet, ablesen kann, ob 

man darum kämpft oder sich behaglich fühlt, oder sich aussetzt 

– man kann damit einiges erreichen. Aber das bedeutet nicht, zu 

erzählen: Es trifft geradewegs die Wahrnehmung des Publikums, 

ohne den Filter der Frage nach dem Warum. Was passiert gerade 

– darum geht es. Nicht um den narrative Weg, die Erklärung. 

Ich glaube auch nicht, dass man auf der Bühne realistisch 

sein kann, man kann glaubhaft sein. Nun gibt es ja viele Arten 

von Theater, keine hat recht, keine ist besser. Für mich kommt 

es auf Glaubwürdigkeit an. 

Sind Sie als Künstler, wenn man Wondratscheks Text 

betrachtet, nicht einerseits mit dem Messerwerfer verbunden? 

Sie haben Ziegelsteine geworfen und gefangen in den 80er- 

Jahren bei Ultima Vez, Sie haben Martial Arts geübt, als Tänzer 

wie im Zirkus jeden Tag trainiert, sich in den Zustand der 

notwendigen Konzentration versetzt. Und sind Sie nicht auch 

mit dem Mädchen verbunden? Die zwar bei kleineren Kunststücken 

mitmacht, dann auch sich den Messern stellt, aber eigentlich 

nicht den Formen und Konventionen des Zirkus folgt, sondern 

offen ist, für alles, was geschieht oder nicht geschieht. 

Diese Konstellation schafft dramaturgisch Spannung. Sich 

nicht auszustellen. Du gibst dich einer Aktion hin, aber du bist 

immer bereit für jede andere Aktion. Ich liebe die Idee, dass 

man sich fragt, was wird als nächstes geschehen? Das Unvorhersagbare. 

Viele meiner Arbeiten schuf ich basierend auf der 

Struktur von Fehlern, von Zufällen: Warum kamst du dazu? 

Weil ein anderer dies tat, und dann kam etwas Unerwartetes 

hinzu. Das liebe ich an der Arbeit. Ich schaue gern aus dem 

Fenster, oder sitze irgendwo, und beobachte die Leute. Das ist 

eine großartige Vorstellung, immer. Duchamps Ready-Mades 

berühren mich sehr. Also nimm einen Gegenstand und versuche 

ihn zu kontextualisieren, versetze ihn in eine andere 

Umgebung, mach einen Rahmen darum. Ich habe viel von seinem 

Kunstkonzept gelernt. Denn in der Kunst – das ist klar, 

dass ich das nicht als erster sage – können wir nichts erfi nden, 

wir können nur sammeln, nur auswählen. || 

SIMONE SANDRONI | DAS MÄDCHEN UND DER MESSER- 

WERFER || RUSSEL MALIPHANT | AFTERLIGHT | BROKEN 

FALL || KENNETH MACMILLAN | LAS HERMANAS 

Mo 30. Januar (Premiere) | 19.30 

31. Januar, 1.-2. Februar 

Prinzregententheater | Prinzregentenplatz 12 

Karten: 089 21851970 

SABINE GLENZ 

L.O.V.E. – ANORDNUNGEN FÜR ZWEI EI TÄNZER 

12.-15. Januar | 20.30 

schwere reiter | Dachauerstr. 144 

Karten: 089 32494270

AUGENWEIDE 


Mehr Dimensionalität! 

Bernd Rodenhausen, 1963 in 

Aschaffenburg geboren, war nach 

seinem Schulabbruch u.a. im 

Sägewerk, am Fließband, als 

Waldarbeiter, Möbelpacker und 

Milchfahrer tätig. 1988 zog er 

nach München, studierte Kommunikationsdesign 

und fabrizierte 

erste Comics und Cartoons. 

Im Cartoonistenduo »FRED & 

GÜNTHER« veröffentlichte er 

seine Comics in Titanic, Zitty, in 

der Süddeutschen Zeitung, im 

STERN und anderen Printmedien 

sowie Sammelalben im Lappan- 

Verlag. Seit 2002 arbeitet Bernd 

Rodenhausen als freischaffender 

Maler, Grafiker und Theatermaler, 

Bühnenplastiker und Requisitenmeister 

am Münchner Volkstheater. 

Seit 2011 ist er Hausillustrator 

für Young & Rubicam, Berlin. 

Bernd Rodenhausen 

Bis 22. Januar sind seine Arbeiten in 

einer Gemeinschaftsausstellung mit 

dem Bildhauer Esteban Kleist in der 

Orangerie am Englischen Garten zu 

sehen. Bernd Rodenhausen will den 

Blick des Betrachters zur Langsamkeit 

zwingen. Das gelingt ihm immer 

– und die Leute freuen sich.

Beppo Brem und Jörg Hube: Zwei 

Fernseh-Kriminaler, zwei Musterbayern. 

Zwei Ausstellungen erinnern an 

die doch recht verschiedenartigen 

Münchner Schauspieler. 

Der 

Urbayer ... 

Ein Bild von einem Bayern: Beppo Brem | Foto: Sammlung Felix Felzmann / 

Valentin-Karlstadt-Musäum 

BEPPO BREM IM FILM, FERNSEHEN UND PRIVAT 

Valentin-Karlstadt-Musäum im Isartor 

Tal 50 | bis 22. Februar | geöffnet Mo, Di, Do 11.01–17.29 Uhr | 

Fr, Sa 11.01–17.59 | So 10.01–17.59 | Eintritt 2,99, ermäßigt 1,99 

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82346 andechs 

tel (08157) 99 75 90 

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BARBARA REITTER-WELTER 

Sie galten als bayerische Urviecher: derb und deftig in der 

Ausdrucksweise, eigenbrötlerisch im Charakter und grobschlächtig 

im Auftreten. Zwei Volksschauspieler, die nur nach 

außen das Klischee bedienten: Beppo Brem und Jörg Hube. 

Ein gebürtiger Münchner der ältere Brem (1906–1990), ein 

»Zuagroaster« aus Neuruppin in Brandenburg Hube (1943– 

2009), der jedoch bereits als Einjähriger in den Süden kam. 

Beide prägten sich dem breiten Publikum durch Fernsehrollen 

ein – Brem durch 117 Folgen seiner unkonventionellen Kriminaler-Figur 

Franz Josef Wanninger, Hube durch die TV-Serie 

»Die Löwengrube«, in welcher er den Kriminalbeamten Ludwig 

Grandauer verkörperte. Dabei waren sie auch an großen Häusern 

fürs Charakterfach engagiert, beide am Bayerischen 

Staatsschauspiel, Brem auch an Bauernbühnen. Im Valentin 

Musäum wird jetzt »Beppo Brem im Film, Fernsehen, Theater 

und privat« präsentiert, während die Monacensia unter dem 

Titel »Mein Kopf ist eine Bombe« Jörg Hube eine erste Erinnerungsschau 

widmet. 

Beide Ausstellungen sind klein, überschaubar und pointiert 

in der Inszenierung – auch wenn der Personenkult, die 

Akkuratesse, mit der den Biografi en nachgespürt wird, vor 

allem aber der Devotionaliencharakter so mancher Exponate 

schon befremdlich wirkt. Natürlich machen die diversen 

Trachtenhüte des Beppo Brem, mal mit Federbusch, mal mit 

Gamsbart, optisch etwas her, besitzen sein Toupet und die verschiedenen 

falschen Bartmodelle einen gewissen Unterhaltungswert. 

Doch zur ernsthaften Aufarbeitung dieser bajuwarischen 

Legende tragen sie nur wenig bei. Außer Fotografi en 

von Haus und Familie, ein paar Karikaturen und Ehrungen wie 

dem Bayerischen Verdienstorden, der auf einem blauen Kissen 

ausgestellt wird, beschränkt man sich auf die Dokumentation 

seiner Rollen. 

EIN BAYER IN ST. PAULI 

Schließlich gilt B.B., so sein Kürzel, als einer der bekanntesten 

Protagonisten des deutschen Nachkriegskinos. Er spielte in 

Heimtatfi lmen und Schwänken wie »Das sündige Dorf«, in Verwechslungskomödien 

und Militärklamotten, ab Ende der 

Sechziger auch in Sexfi lmen mit unsäglichen Titeln (und 

ebenso unsäglicher Handlung) wie »Pudelnackt in Oberbayern«. 

Als meistbeschäftigter deutscher Nebendarsteller trat er 

zusammen mit Stars wie Heinz Rühmann (»Quax der Bruchpilot«) 

oder Curd Jürgens (»Des Teufels General«) auf. Dass er 

von Regisseuren wie Kurt Hoffmann oder Helmut Käutner 

auch in ernsthaften Charakterrollen eingesetzt wurde und 

neben Episoden aus Ludwig Thomas »Lausbubengeschichten« 

auch der berühmteste »Verkaufte Großvater« auf der Bühne 

war, wird meist vergessen. 

BOMBENSCHÄDEL MIT SPRECHKULTUR 

»Der Herzkasperl ist ein Anarchist, einer, der keine Bomben 

schmeißt, sondern dessen Kopf eine Bombe ist.« So lautet 

einer der vielen überlieferten Sprüche des schwierigen Münchner 

Originals Jörg Hube, das mehr als drei Jahrzehnte in der 

Kulturszene als Schauspieler und Regisseur, Kabarettist und 

Autor präsent war. Ihn machten die fünf Folgen des Kabarettprogramms 

»Herzkasperl« stadtbekannt, die nach dem anfänglichen 

Flop bald Kult wurden – und deren Witz immer haarscharf 

an der Grenze zur exhibitionistischen Selbstentblößung 

balancierte. Dass Hube jedoch auch jahrelang als »seriöser« 

Darsteller in großen Rollen an den Kammerspielen zu sehen 

war, bevor er mit Dieter Dorn ans Residenztheater ging, dass 

er als Direktor der Otto-Falckenberg-Schule den Schauspieler-Nachwuchs 

ausbildete, all das rufen in der Monacensia 

zahlreiche Aufnahmen ins Gedächtnis. Man hat sich jedoch 

zur Aufgabe gemacht, den ganzen Hube zu präsentieren – und 

so sieht man in den Vitrinen sogar Kinderbriefe, wo es mit dem 

»braf«-Sein nicht so klappt, Zeugnisse, die ihn als »jähzornig« 

bezeichnen oder Zeichnungen des Knaben. Sie erzählen aber 

auch von der Not eines einsamen Kindes, denn schon mit drei 

war das Schauspielerkind Hube ins Kinderheim, später in 

Internate gegeben worden – und blieb stets unangepasst und 

aufmüpfi g. 

Diese Dokumente werfen zumindest biografi sch ein 

Schlaglicht auf den Charakter, der ihm bleiben sollte – später 

sah sich Jörg Hube selbst als Revoluzzer, der sich gegen alles 

aufl ehnte, was ihm bürokratisch oder ungerecht erschien. 

Egal, ob im Bürgerleben, in der Stadt oder in der Politik, deren 

Exponenten FJS er wunderbar zu parodieren verstand – er 

blieb, so Kuratorin Eva Demmelhuber, »ein bayerischer Don 

Quijote in rostiger Rüstung«. Am interessantesten aber ist sein 

geistiger Zettelkasten, seine Manuskripte für satirische 

Gedichte oder zynische Pamphlete. »Die einen werden kriminell, 

andere werden gleich Terroristen! Und bei wem es zu all 

dem nicht langt, der probiert’s halt mit der Kunst!« So selbstkritisch 

sah er die eigene Karriere. Auch mit Beppo Brem ist 

ein berühmtes Zitat verknüpft: der Karl Valentin zugeschriebene 

Spruch »Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit«. Er 

stammt aus der Opern-Verfi lmung »Die verkaufte Braut« aus 

dem Jahr 1932, in dem Regisseur Max Ophüls den 1,92 Meter 

großen Brem neben Liesl Karlstadt und Valentin als ungeschlachten 

Bauernburschen eingesetzt hatte – ein Rollentypus, 

der ihm zeitlebens anhaften sollte. || 

MÜNCHNER KÖPFE 


... und der 

Anarchist 

Jörg Hube als umjubelter Puntila in Bertolt Brechts »Puntila und sein 

Knecht Matti« in den Kammerspielen, 1998, Regie: Franz Xaver Kroetz | 

Foto: Deutsches Theatermuseum München, Archiv Oda Sternberg 

»MEIN KOPF IST EINE BOMBE – JÖRG HUBE. 

EIN KÜNSTLERLEBEN« 

Monacensia | Maria-Theresia-Str. 23 | bis 8. Juni 2012 | 

Mo–Mi, Fr 10.30–18 Uhr, Do 10.30–19 Uhr | Eintritt frei 

WERKSTATTGESPRÄCH 

7. Februar, 19.00 Uhr 

mit der Ausstellungsmacherin und Hube-Biografin 

Eva Demmelhuber zum Pre-Hearing der Hörproduktion, 

die im BR am 11.2. und 12.2. gesendet wird. 

JÖRG HUBE. HERZKASPERLS BIOGRAFFL. 

Ein Künstlerleben. Das Buch ist parallel zur Ausstellung 

erschienen | Herausgegeben von Eva Demmelhuber | Mit einem 

Vorwort von Gerhard Polt | LangenMüller, 2011 | 352 Seiten | 

22,99 Euro

BÜHNE 


FLORIAN KINAST 

Auswärtsspiel in Fröttmaning 

Seit drei Jahren wird das Deutsche Theater umgebaut. Im Ausweichquartier am Stadtrand haben die Chefs 

die Chance zur Erneuerung des Spielplans genutzt. 

Manchmal packt die beiden Wehmut, Carmen Bayer und Werner 

Steer, die Sehnsucht nach der Schwanthalerstraße. Gerade 

an solchen Tagen, wo alles grau ist, der Wolkenbrei am Himmel, 

die Kieswüste vor dem Theaterzelt, der Baucontainer 

sowieso, der Container mit ihrem Büro. »Heimat«, sagt Steer, 

»Heimat wird das nie, das bleibt Exil. Wird Zeit, dass wir wieder 

reinkommen.« Rein in die Stadt. Aber sie sitzen immer 

noch draußen, die beiden Chefs des Deutschen Theaters. 

In New York spielt man Musicals am Broadway, in London 

im West End. In München zwischen U-Bahn-Werkstatt und 

Kläranlage. In der Verbannung in Fröttmaning, seit mehr als 

drei Jahren. Längst wollten sie wieder daheim sein, Sommer 

2011, so war der Plan, doch der Umbau des Haupthauses zieht 

sich hin, jetzt reden sie von Frühjahr 2013. »Wir müssen aufpassen, 

dass wir hier nicht zur Dauereinrichtung werden«, sagt 

Steer. Dass es nicht zur Institution wird, das Provisorium, oft 

auch ein Improvisorium. 

Zu improvisieren gab es hier anfangs viel, in diesem Zelt, 

aber genau das war ein großes Glück. Vor dem Exodus war 

alles festgefahren, behäbig, es herrschte Stillstand wie in der 

Stoßzeit auf der Schwanthalerstraße, die Kruste so dick wie die 

115 Jahre alte Mauer des Theaters, wenn nicht dicker. Es gab 

zwei Produktionsfi rmen, von denen bezog man die Stücke, 

mehr Auswahl gab es nicht. »Verkrustet ist das richtige Wort«, 

sagt Carmen Bayer. »Wenn wir dringeblieben wären, wären wir 

gar nicht gezwungen gewesen, das aufzubrechen.« Gezwungen 

waren sie, aus Angst vor einer Pleite, einem Flop. Aus Angst, 

dass keiner rauskommt, dass der Standort tödlich ist, ohne 

Ambiente, ohne Möglichkeit, den Abend nach der Vorstellung 

in einer netten Bar ringsherum abzurunden. Dass Zuschauer 

fernbleiben, das fürchteten sie, doch es kam genau anders. 

Aufsehenerregend das provokante Premieren-Papst-Stück 

»In Nomine Patris« ab Mitte Oktober 2008, es gab einen kollektiven 

Totalverriss in Münchens Medien, beim Publikum 

Queen Esther Marrow (Mitte) und die Harlem Gospel Singers präsentieren ihre Show vom 19. bis 22. Januar | Foto: Veranstalter 

Begeisterung und Beschimpfungen, das ganze Spektrum, aber 

schon war das Theater auf einmal wieder im Gespräch. Es 

rührte sich was, Steer und Bayer suchten den Kontakt zu 

neuen, anderen Produktionsfi rmen, die Vielfalt wurde größer. 

Und die Leute kamen, bis heute im Schnitt 850 Besucher pro 

Vorstellung im 1500-Mann-Zelt, eine Auslastung von 60 Prozent, 

wie vor dem Auszug auch. Im Jahr sind es rund 250 000 

Zuschauer. 

Die Allianz Arena nebenan hat das allein an vier Samstagen. 

Aber jetzt kommen ja immerhin von dort auch Fußballer 

herüber ins Theater. Der erste war Oliver Kahn. Der kam noch 

vor dem Papst. Und das kam so: Im Sommer 2008 rief Uli 

Hoeneß bei Steer an, ob der Torwart-Titan denn nach seinem 

letzten Spiel am 2. September seine Abschiedsparty im Deutschen 

Theater feiern könne. Sechs Wochen vor der eigentlichen 

Premiere. »Kriegen wir hin«, sagte Steer, und Steer sagte 

es auch, als Kahn am 1. September im Ferrari vorfuhr und sich 

durchs Zelt führen ließ. Der Boden war aufgerissen, aus den 

Wänden hingen Kabel, und Kahn fragte: »Sagen Sie, wo fi ndet 

das morgen eigentlich statt?« Da sagte Steer: »Hier.« Und es 

fand statt, alles wurde fertig, es wurde eine rauschende Gala, 

mit vielen Ehrengästen. Franz Beckenbauer, Sepp Maier, Ottmar 

Hitzfeld, sie alle fanden den Weg hierher. Anders als ein 

anderes Mal Lothar Matthäus. Der, so erzählt es Steer, rief 

eines Spätnachmittags einmal bei ihm an, wegen zwei Karten 

für die Abendvorstellung. Matthäus kam auch, aber viel zu 

spät, er war irrtümlicherweise in die Schwanthalerstraße 

gefahren. Dabei hätte er es ursprünglich ja gar nicht weit 

gehabt. Zuvor war er bei einem Spiel in der Arena drüben. 

Auch die Löwen haben sie oft als Gäste im Zelt, die Spieler 

des TSV 1860, Mitte Dezember war hier ihre Weihnachtsfeier, 

davor rückten sie bei »Mamma Mia« oder »Evita« an. »Die fühlen 

sich wohl hier«, sagt Steer, »bei uns bekommen sie beste 

Unterhaltung.« Beste Unterhaltung, das ist ja genau das, 

Leichte Unterhaltung ist eine schwere Kunst. 

warum sie gegen Vorurteile aus der Kulturbranche kämpfen 

müssen, »dumme Vorurteile«, wie Bayer sagt. Dass sie mit 

ihren Stücken massenkompatiblen Mainstream liefern, keine 

avantgardistische Hochkultur – aber wenn die anderen die 

Nase rümpfen, zuckt Steer mit den Schultern. »Wenn ich die 

Gäste nach den Musical-Abenden hier anschaue, dann sind sie 

saugut drauf und oft beschwingter als die Besucher nach manchen 

Stücken an anderen Theatern.« Ja, natürlich sei es Entertainment, 

aber deswegen kämen die Leute ja auch, und deswegen 

werden sie auch so weitermachen. 

Auch 2013, wenn sie wieder daheim sind im neuen Deutschen 

Theater, das schick aussehen wird, wenn nichts mehr 

übrig ist vom alten, opulenten Theatersaal vor dem Umbau. Es 

wird heller, moderner, verwechselbarer, statt des alten Weißwurst-Kellers 

gibt es dann eine VIP-Lounge, die Patina wird 

zwar weg sein, aber eben auch die Kruste. Dem Exil sei Dank. 

Hat sich dann ja doch gelohnt, die Zeit neben dem Stadion. 

Das Auswärtsspiel in Fröttmaning. || 

Deutsches Theater | Werner-Heisenberg-Allee 11 | Fröttmaning 

Spielplan und Karten: 089 55234444 | www.deutsches-theater.de

Darin üben sich verschiedene Theater in München. 

SABINE LEUCHT 

Es heißt nicht »Gop«, sondern »Ge O Pe«, was die Abkürzung 

ist für den 1912 erbauten Georgspalast in Hannover, in 

dem die Gastronomenfamilie Grote 1992 Originalbilder von 

dessen Varieté-Glanzzeit in den Fünfzigern hängen sah. 

Und deren Charme nahm die Grotes so gefangen, dass das 

Haus keine Disco wurde, sondern – wieder – ein Varieté. 

Der dies erzählt, als wäre er dabei gewesen, ist Roman 

Staudt, Pressesprecher der fünften und jüngsten Zweigstelle 

des mittlerweile »europaweit führenden Varietéunternehmens« 

GOP. In den Räumen der ehemaligen Kleinen Komödie 

am Max II in der Maximilianstraße 47 hat sie gerade die 

Schonfrist hinter sich gebracht, die die »GOP Entertainment 

Group« ihren Kindern zugesteht. Zwei Jahre, sagt Staudt, 

habe jedes als GmbH geführte Einzelhaus Zeit, sich zu rentieren. 

In München, der ersten Großstadt, waren es drei. 

Denn die Konkurrenz ist an einem solchen Standort natürlich 

größer als in Essen, Münster oder Oeynhausen. 

Warum das GOP hier in derselben Zeit prosperierte, in 

der sogar Witzigmanns »Palazzo« mit Schuhbecks »Teatro« 

fusionieren musste? Staudt spricht von der Preispolitik, die 

vor allem kleinere Firmen und Privatleute anspricht, die 

etwa zur Hälfte aus dem Münchner Umland kommen. Wenn 

Geldbeutel und Appetit schlank sind, gibt es Snacks oder 

auch Getränke solo. Doch wenn etwa die Allianz das ganze 

Haus bucht, um Mitarbeiter und Kunden mit biegsamen 

Frauenbeinen für den harten Alltag zu entschädigen, hat sie 

die Wahl zwischen einem opulenten Wunschmenü vorab im 

hauseigenen Restaurant oder dem wirtschaftlich interessanteren 

»Erlebnis-Arrangement«, wo schon für 54 Euro am 

Platz gegessen wird. Die Show ist natürlich inklusive und 

überhaupt die Hauptsache, sagt Staudt. Sechs davon gibt es 

pro Jahr, die je zwei Monate am Stück gespielt werden und 

dann weiterwandern – von GOP zu GOP. 

Die letzte Show im alten Jahr hieß »Glanzlichter« und 

hatte klassisches Varieté-Format: Ein Zauberer-Entertainer 

fl achste mit den Gästen, ließ Karten und Tischchen fl iegen 

und sagte die Acts an. Neben eher gewöhnlichem Kontorsions- 

und Vertikalseil-Spektakel auch zwei aufregend durchrhythmisierte 

Jonglage-Nummern von Wes und Jay, drei 

Klischee-Spanier, die unter dem Label Lost Locos Machismo, 

Exhibitionismus und »heißblütige« Gitarrenklänge miteinander 

kombinieren – und die kämpferisch-aggressive Partnerakrobatik 

des jungen Duos Leo. Hier kamen neben der 

GABRIELLA LORENZ 

»Oamal in meim Lem mechat i des aa spuiln«, seufzte Alexander 

Liegl nach einer Aufführung von »Der nackte Wahnsinn«. 

Begreifl ich: Was der Engländer Michael Frayn 1982 

schrieb, ist die wahrscheinlich verrückteste Farce des Boulevard-Theaters 

und seitdem ein Renner auf europäischen 

Bühnen. Jetzt spielt Alexander Liegl »Der nackte Wahnsinn« 

im Lustspielhaus und seufzt über die wahnsinnigen Verwirrungen: 

»Es gibt Momente, wo i mich nimmer auskenn.« 

Für das Lustspielhaus ist diese Inszenierung ein Novum. 

Bis 1997 haben Liegl und seine regieführende Bühnen- und 

Lebenspartnerin Gabi Rothmüller hier jährlich »Occams 

Rache« inszeniert, eine buntes Gemeinschaftsstück Münchner 

Kabarettisten. Danach kamen Comic-Musicals wie »Der 

Watzmann ruft« oder »Siegfried«, zuletzt die Operette »Im 

Weißen Rössl«. Aber ein richtiges Theaterstück ohne Musik 

gab’s noch nie. Liegl und Rothmüller nehmen das sehr 

ernst: »Wir machen hier kein Kabarett. Und wollten deshalb 

auch nur Darsteller, die auch schauspielern können. Wir 

machen uns nicht über das Stück lustig.« 

Das Stück ist lustig genug: Eine Schauspielertruppe 

probt eine Boulevardkomödie. Nichts klappt. Der Ölsardinenteller 

steht immer am falschen Platz, die sieben Türen 

werden ständig verwechselt. Eine Schauspielerin verliert 

ihre Kontaktlinsen, ein Kollege seinen Text. Vor einem 

Spaß auf hohem Niveau 

Das GOP produziert Varietéprogramme für fünf Bühnen in ganz Deutschland. 

Jongleur Bertan Canbeldek in »Base« | Foto: Frank Wilde 

BÜHNE 


Oma und Onkel Karl auch die Enkel auf ihre Kosten, während 

ab 11. Januar mit »Base« vor allem Innovation und 

Jugendkultur auf dem Programm stehen. 

Mit solchen und ähnlichen Mixturen muss ein Privatunternehmen 

ohne öffentliche Gelder seine Shows immer wieder 

kreativ auf Zumutbarkeit testen. Staudt nennt es »Freiheit«, 

wenn zu provokative Songs gestrichen werden oder 

man im Nachhinein den komödiantischen Aspekt verstärkt. 

Eine schlanke Verwaltung und straffe Planung bis hin zum 

Einheitsmenü tragen dazu bei, dass bis zu 100 Mitarbeiter 

pro Haus ihr Auskommen haben. Die kreativen Ideen stammen 

von der unternehmenseigenen Agentur GOP Showconcept, 

die alle GOP-Shows produziert und ständig nach 

neuen Talenten sucht. Ob im Nouveau-Cirque-Nest Montréal, 

im konservativen Kiew oder auf Sylt. Ihre Erfahrung ist 

mittlerweile auch außer Haus gefragt, wie etwa bei Kreuzfahrten 

der TUI, der Tollwood-Silvestergala oder der Eröffnung 

der Ballsaison im Deutschen Theater. 

Seit Kreativchef Werner Buss 2000 mit »Carpe Diem« die 

erste Performance ohne Worte auf die Showbühne brachte, 

gibt es überdies weit mehr »Konzept«-Shows als klassische 

Varieté-Abende. »Ihr werdet nicht das sehen, was ihr kennt, 

aber ihr werdet Spaß haben«, so formuliert Roman Staudt 

die GOP-Philosophie, die sanft auf die Entwicklungsfähigkeit 

seines Publikums setzt. Immerhin 700.000 deutschlandweite 

Gäste im Jahr geben ihr Recht. Unter ihnen 

durchaus auch klassische Theatergänger oder solche, die es 

noch werden. Denn, so Staudt: »Wir sind natürlich kein Teil 

der Hochkultur, aber das, was wir tun, tun wir auf hohem 

Niveau.« || 

GOP | Maximilianstraße 47 

Spielplan und Karten: 089 210288444 | www.variete.de 

»Kunst braucht konstruktive Verzweifl ung« 

Gabi Rothmüller inszeniert im Lustspielhaus die Boulevard-Komödie »Der nackte Wahnsinn« von Michael Frayn. 

anderen ist keine Frau sicher, vor einem weiteren keine 

Whiskyfl asche. Dieses Traumteam sieht man von zwei Seiten: 

als Darsteller im Stück im Stück und in ihren privaten 

Verfl echtungen. Im zweiten Akt dreht sich das Bühnenbild 

um 180 Grad und zeigt die gleiche Szene aus der Backstage- 

Perspektive. Dafür hat Bühnenbauer Christoph Wessling 

enorm getüftelt und um jeden Zentimeter gekämpft. 

Die Darsteller kennt man aus verschiedensten Bereichen: 

Alexander Liegl und Michael Altinger als Kabarettisten, 

die Schauspieler Sonja Kling und Thomas Wenke vom 

Ensemble der Lach & Schieß, Eva-Maria Reichert aus dem 

»Forsthaus Falkenau«, Norbert Heckner vom Nockherberg- 

Singspiel und vielen Bühnenrollen. Ferdinand Schmidt- 

Modrow wechselt zwischen Bühne und Kino, Constanze 

Lindner gilt in der Truppe als die Allrounderin. Gabi Rothmüller 

mimt eine unglücklich verliebte Regieassistentin, 

und die echte Regieassistentin Lara, Tochter von Ottfried 

Fischer, spielt sogar eine tragende Rolle: die Wand. 

Aber niemand soll auf der Bühne mit seinen kabarettistischen 

Eigenheiten auftrumpfen. Denn eine Komödie, die 

selbst schon die Parodie einer Boulevardkomödie ist, nochmal 

zu parodieren, das ginge gar nicht, sagt Gabi Rothmüller: 

»Wenn hier ein Regisseur meint, eigene Ideen haben zu 

müssen, wird’s katastrophal.« Alle müssen sich uneitel in 

den Dienst der Rolle stellen. Thomas Wenke genießt es, als 

Regisseur des geprobten Bühnenstücks »mal in einer anderen 

Position zu sein«: Er sitzt zum Teil im Publikum. Eine 

Angst hat er jedoch: »Dass Zuschauer an meinem Tisch 

dazwischenquatschen und ich einen Einsatz verpasse.« Die 

enorme Präzision, die das türenschlagende Boulevard- 

Klipp-Klapp erfordert, treibt alle manchmal zur Verweiflung. 

Alexander Liegl bleibt zuversichtlich: »Kunst braucht 

konstruktive Verzweifl ung.« || 

DER NACKTE WAHNSINN 

bis 11. Februar 2012 | Di–So | 20:30 

Lustspielhaus | Occamstrasse 8 

Karten: 089 344974 | www.lustspielhaus.de

BÜHNE 


KEINE REDE VON THEATER 

Warum redet eigentlich keiner mehr übers Theater? »Ich will raus 

aus dem Feuilleton, ich will auf die Seite 1«, hat – sinngemäß – 

Franz Xaver Kroetz vor ein paar Jahrzehnten gesagt. Und es 

auch geschafft. Nach dem Abstieg durch zuerst die Fernseh-, 

dann die Klatschseiten muss er heute allerdings froh sein, 

wenigstens noch im Feuilleton vorzukommen. (In diesem Jahr 

wird es wieder so weit sein, da kommt im Cuvilliéstheater die 

Uraufführung eines neuen Stücks von ihm heraus: »Du hast 

gewackelt. Requiem für ein liebes Kind«, und an den Kammerspielen 

machen sie sein »Wunschkonzert«). Dann wird wieder 

von Kroetz zu reden sein. Im Feuilleton. 

Aber das Tagesgespräch? Die öffentliche Diskussion? Die 

Schlagzeilen? Der Party-Talk? – Die alle haben das Theater 

längst vergessen. Kommt nicht mehr vor. Ist kein Aufreger mehr. 

Wo sind die Zeiten geblieben, als 1968 an den Kammerspielen 

Peter Stein mit seiner Sammelaktion für den Vietcong noch die 

Stadt in Rage brachte (und dafür von Everding gefeuert wurde)? 

Als die Staatsregierung 1985 tobte, weil Sepp Bierbichler im 

Residenztheater mit einem Impromptu in Achternbuschs »Gust« 

deren Südafrika-Politik attackierte (und wenig später Intendant 

Baumbauer dafür den Stuhl vor die Tür gestellt bekam)? Als der 

Dramatiker Rolf Hochhuth 1978 den »furchtbaren Juristen« 

Ministerpräsident Hans Filbinger in Stuttgart zu Fall bringen 

konnte? Als der Kammerspiel-Intendant Hans-Reinhard Müller 

noch graue Haare bekam von der Ächtung, mit der ihn die 

Münchner Gesellschaft für sein Engagement von Dieter Dorn 

und Ernst Wendt abstrafte? »Wendt und Dorn, hint’ und vorn, 

Dorn und Wendt, und kein End«: So ging damals der Spottvers 

durch die Stadt; reichlich platt, aber immerhin – man sprach über 

das Theater. 

Mit Skandalen durch Sex und Ekel, Blut und Hoden, die über 

viele Jahre hinweg wie ein letztes Lebenszucken des Theaters 

gelesen werden konnten, ist heute ohnehin kein Aufsehen mehr 

zu machen – wir haben das in der letzten Ausgabe des Münchner 

Feuilleton thematisiert. Und wenn Frank Castorf derzeit im 

Residenztheater Horváths »Kasimir und Karoline« buchstäblich 

durch die Scheiße waten lässt, dann ist das dem Publikum bestenfalls 

ein amüsiertes Schulterzucken wert. Nicht einmal die 

Franz-Josef-Strauß-Klamotte »Halali« im Cuvilliéstheater konnte 

der CSU auch nur das allerkleinste Donnergrollen entlocken – es 

ist wirklich auf nichts mehr Verlass im Leben. 

Aber die aktuellen, brandheißen, fi ngerbrennenden Themen 

– die müssten doch ziehen? Von der Staubwolke über Ground 

Zero bis zur Aschewolke über Island, von der Kinderschändung 

bis zu den Neonazis – es gibt ja buchstäblich keinen »Tagesthemen«-Stoff, 

an dem sich nicht irgendein junger ambitionierter 

Dramatiker die Feder wetzen würde. Mangelnder Zeitgeist ist 

das Letzte, was man unseren Theatermachern vorwerfen könnte. 

Nur leider: Solche Produktionen gelangen nur selten aus der 

Spiel-Ecke der Experimentierbühnen, der Kellertheater, des Marstalls 

oder Werkraumtheaters heraus – und noch seltener ins 

öffentliche Bewusstsein hinein. Eine kurze Besprechung im 

Feuilleton; das war’s dann schon mit dem Tagesgespräch. 

Schon wieder so ein Gemecker übers Theater? Keineswegs. 

Eher schon eine Publikumsbeschimpfung. Die Theatermacher 

quer durch alle Häuser geben sich alle erdenkliche Mühe, ins 

Gespräch zu kommen; mit welchen Mitteln auch immer. Hingehen, 

hinhören, diskutieren müssen wir, das Publikum, schon 

selber. Oder vielleicht doch wenigstens einen Bruchteil des Interesses 

dafür aufbringen, das der derzeit offenbar lebenswichtigen 

Frage gilt, wer Nachfolger von Thomas Gottschalk wird ... 

ROLF MAY 

THE PHILOSOPHER‘S 

STONE 

Eigenbrötler, Verrückte, Kämpfer 

Einst ein Brausebad, heute ein Sehnsuchtsort für Querdenker: das Theater am 

Sozialamt. Ein Blick in den Alltag der Schwabinger Kultur-Bastion. 

Der skurril gestaltete Theatereingang im Hinterhof | Foto: Hilda Lobinger 

CORNELIA FIEDLER 

Fahrige Schatten zucken über die Wände, zwei Kerzen spenden 

unzuverlässiges Licht. Sie lassen hier eine kahle Wand, dort eine 

fl ache Holzbank aufl euchten, wie man sie aus Turnhallen kennt. 

Zwei Gestalten tappen hinter den Kerzen herein. »Du wirst mich 

zweifellos fragen«, beginnt der Ältere mit dem zerzausten Haar, 

um eine feste Stimme bemüht, »warum wir hier stehen bleiben.« 

– »Gut, kann ich machen«, lautet die Antwort. Die Worte des 

Älteren tasten sich in die Dunkelheit vor, suchen Halt, schlagen 

abstruse kleine Volten, verebben, ohne viel erklärt zu haben. 

Die Guckkastenbühne im charakteristischen Breitwandformat 

zeigt den Ausschnitt einer kahlen Mehrzweckhalle. Komplett 

würde so ein Bau wohl das gesamte Theater am Sozialamt, 

kurz TamS, schlucken, das Büro in der ehemaligen Bademeisterwohnung, 

den verwinkelten Schwabinger Hinterhof, das 

Foyer mit den alten Rohren und Wasserkesseln über der Bar. 

Auf der Bühne sind die Proben für »Fragen Sie Ihre linke Hand, 

wem sie gehört« in vollem Gange: eine surreale Szenenfolge von 

Jean Tardieu, zerlegt und mit heutigem Blick neu zusammengesetzt 

von Regisseurin Hilde Schneider, die in der ersten der langen 

Stuhlreihen sitzt. 

Tardieu stellt in Frage, woran Menschen sich gern klammern: 

Ordnung, Glaube, auch die Sprache. Konsequent muss 

sein absurdes Theater auch jede Dramaturgie, die Geschichte, 

den psychologischen Figurenentwurf zerschlagen. In einer Art 

Schutzraum lässt Hilde Schneider Figuren aus Tardieus Minidramen 

aufeinandertreffen, verstrickt in komische Kämpfe mit 

sich, dem Alltag, dem Unerwarteten: »Sie gehen in Deckung«, 

erklärt Schneider, »aber nicht nur, weil da draußen Katastrophen 

stattfi nden. Da draußen ist eben auch das Leben.« 

Eine Art Schutzraum, so könnte man auch das TamS bezeichnen, 

natürlich nicht vor dem Leben, eher für eine bestimmte 

Sichtweise darauf. »Ein versteckter Ort mit ein paar Eigenbrötlern, 

Verrückten, Kämpfern«, beschreibt TamS-Chefi n Anette 

Spola ihr Theater. 1970 hat sie gemeinsam mit Philip Arp das 

ehemalige Brausebad für die Kunst erobert, »völlig naiv«. Zwei 

junge Theaterverrückte, die Karl Valentins verschroben hintergründiges 

Denken liebten, sich früher als andere für Peter 

Handke und Thomas Bernhard begeisterten, die bereits drei 

Jahre mit ihrem Pantomime-Programm durch Europa und Südamerika 

gezogen waren. 

Wie lässt sich das eigentümliche TamS-Denken beschreiben, 

das bis heute prägend ist? »Es will nicht unbedingt Fragen 

beantworten«, Spola setzt die Worte mit Bedacht, »vielleicht sind 

es auch Fallen, die wir stellen, Theaterfallen«, in die man arglos 

tappt und plötzlich zum Nachdenken gezwungen ist. Über 100 

Premieren, davon über 50 Ur- und Erstaufführungen hat das 

TamS hinter sich, von Promis wie Urs Widmer bis zu Entdeckungen 

wie Beate Faßnacht. Unter den Regisseuren war Lorenz 

Seib im letzten Jahr der jüngste, sein Bernhard bei Publikum 

und Kritik ein Erfolg. 

Kämpfen musste das TamS immer, das gehört dazu, doch 

einmal hätte Anette Spola fast aufgegeben. 2008 hatte die Stadt 

die Förderung so massiv gekürzt, dass der alltägliche Kampf 

nicht mehr zu gewinnen schien. Fast schon im Loslassen hatte 

Spola dann die Idee, die jetzt zur zweiten Säule des TamS 

geworden ist: Die »Theatertage Grenzgänger«, ein integratives 

Theaterfestival. Spola leitet zusammen mit Rudolf Vogel seit 

Jahren das Theater Apropos, eine Gruppe aus Darstellern mit 

psychischen Erkrankungen und solchen, die in der Psychiatrie 

tätig sind. Die Arbeit, meint Spola, unterscheide sich kaum von 

der mit anderen Schauspielern, jeder hat so seine Eigenheiten. 

Zum »Grenzgänger«-Festival kommen seit 2009 neben Apropos 

alljährlich Gruppen, in denen Menschen mit und ohne Behinderung 

zusammen auftreten. Eine neue, eigene Ästhetik entsteht, 

die so gut ins TamS passt, weil sie die Abgrenzungen dessen, 

was man so für normal hält, angenehm verschwimmen lässt. 

Auch bei Hilde Schneiders Tardieu-Inszenierung im Januar 

werden neben drei Profi s zwei Darsteller von Apropos im 

Ensemble sein. || 

FRAGEN SIE IHRE LINKE HAND, WEM SIE GEHÖRT 

bis 11. Februar 2012 | Mi. bis Sa. | 20.30 Uhr 

TamS Theater am Sozialamt | Haimhauser Str. 13 a 

Karten: 089 345890 | www.tamstheater.de 

Mit Blut backt man keinen Eierkuchen 

In den Kammerspielen inszenierte Stephan Kimmig »Atropa. Die Rache des Friedens. 

Der Fall Trojas« von Tom Lanoye. 

SABINE LEUCHT 

Steven Scharf, Katja Bürkle | Foto: Arno Declair 

Am Anfang peitscht sie die Luft mit Cheerleader-Fähnchen, 

dann peitscht sie ihrer Iphigenie den Willen zum Opfertod ein. 

Und am Schluss bietet sie mit derselben Energie Kassandras 

Körper an. Damit sie der besinnungslos verliebte Schlächter von 

Troja mitnimmt in sein Land und sich ihre Version der Rache 

entfalten kann. 

Katja Bürkle als Agamemnons Tochter und als trojanische 

Terroristin ist das Kraftzentrum in Stephan Kimmigs Kammerspiele-Inszenierung 

von Tom Lanoyes »Atropa«, das Tragödien 

von Euripides und Aischylos mit Floskeln von Bush und Rumsfeld 

zu einem bald erhabenen, bald alltagssprachlich rumpelnden 

Porträt der Rhetorik aller Kriege verschneidet. Szenisch aber stehen 

die weiblichen Opfer im Fokus. Sechs an der Zahl. 

Kimmig hat das Stück des belgischen »Schlachten!«-Spezialisten 

stark gekürzt und legt zur Aufweichung der Geschlechterfronten 

die Verkündung von Trojas Leid in den Mund eines Mannes. Dass 

es im mythischen trojanischen Krieg eigentlich schlicht um 

Rache ging, weil Prinz Paris Agamemnons Schwägerin Helena 

geraubt hat, wird schnell mal vergessen, denn Lanoyes Agamemnon 

trägt nur das Allgemeinwohl und die »Zukunft der Kultur« 

auf der Zunge. Ob der unumstößlichen Lauterkeit seiner Beweggründe 

will er sogar von den Troerinnen verstanden werden, 

deren Söhne und Männer er gemordet hat, um sie zu »befreien« 

aus »Verknechtung, Willkür, Tyrannei«. Steven Scharf spielt diesen 

Agamemnon als einen, der empfi nden und zweifeln kann, er zeigt 

aber auch die zunehmende Betriebsblindheit seiner Figur. So rastet 

er, über und über in Kunstblut getaucht, völlig aus, als die 

trojanischen Damen den mitgebrachten Kuchen nicht würdigen. 

Ebenso groß Wiebke Puls’ anfangs herzzerreißend um das 

Leben ihrer Tochter fürchtende Klytämnestra, die zuletzt wie 

ferngesteuert alle Troerinnen in den Abgrund führt, der sich hinter 

Katja Haß’ weiß getünchten Stahlwänden auftut. Der Tod auf 

Wunsch ist »Die Rache des Friedens«, wie »Atropa« im Untertitel 

heißt. Mit Blut lässt sich demnach kein Eierkuchen backen. Da 

sagt Lanoyes Stück nichts Neues. Es ist das Wunder von Kimmigs 

Inszenierung, dass man dennoch atemlos bei der Sache bleibt. || 

ATROPA 

14., 25. Januar 2012 | 20.00 

Münchner Kammerspiele 

Karten: 089 23396600 | www.muenchner-kammerspiele.de

Es glitzert 

die Burka 

Regisseurin Nora Schlocker 

drückt sich vor einer politischen 

Betrachtungsweise 

des Hebbel-Dramas 

»Gyges und sein Ring«. 

Stefan Konarske, Werner Wölbern | Foto: Tibor Bozi 

CHRISTIANE WECHSELBERGER 

Warum gräbt ein Theater einen kaum gespielten 

Hebbel aus? »Gyges und sein Ring« ist 

eine krude Geschichte um Fortschritt und 

Tradition, in der Friedrich Hebbel den antiken 

König Kandaules ganz im Zeichen des Liberalismus 

(1848 lässt grüßen) alte Insignien 

abschaffen lässt. Damit erregt er den Unwillen 

seines Volkes. Den Unmut seiner Gattin Rhodope 

erweckt er, weil sie sich in der Öffentlichkeit 

sehen lassen soll. Sie aber weiht ihr 

Leben ganz dem Dienst an den Göttern, und 

die verlangen, dass nur Vater und Ehemann 

sie unverschleiert sehen. Was aber nützt 

Kandaules die schönste Königin der Welt, 

wenn ihn niemand drum beneidet? Also 

schleust er seinen Herzenskumpel Gyges mit 

Hilfe eines Rings, der unsichtbar macht, ins 

Schlafzimmer, damit der Rhodope beäugen 

kann. Ein fataler Fehler: Gyges verliebt sich 

unsterblich, Rhodope entdeckt den Verrat und 

fordert von Gyges, dass er Kandaules tötet 

und sich mit ihr vermählt, damit ihre Reinheit 

wiederhergestellt wird. 

Was stellt Regisseurin Nora Schlocker mit 

dieser Konstellation an? Zuerst einmal teilt 

sie mit Hilfe von Jessica Rockstroh die Bühne 

streng in privaten und öffentlichen Raum. Ein 

haushoher schwarzer Zylinder schließt die 

Welt aus, in der Kandaules (Werner Wölbern) 

und Gyges (Stefan Konarske) Wettkampf und 

Fest feiern. Der Lärm dieser Welt dringt nur 

gedämpft in Rhodopes Zylinder. Gyges als 

Günstling – das nimmt Schlocker ganz wörtlich 

und öffnet mit Küsschen hier und Tätscheln 

dort den Blick auf eine zärtliche Männerfreundschaft. 

Das ist schön gespielt, doch 

entwickelt sich Konarskes Gyges immer mehr 

zum täppischen Toren mit hängenden Schultern. 

Und Kandaules? Wölbern wickelt sich in 

seinen Königsmantel, als könnte der ihn vor 

dem Verhängnis schützen. Rhodopes religiöser 

Fanatismus stürzt sie und Kandaules in 

den Tod. Dazu passt, dass Britta Hammelstein 

die Königin vom ersten Auftritt in der Glitzerburka 

an sphinxhaft kühl spielt, geradezu 

unbeteiligt. 

Nora Schlocker geht mit dem Stück 

genauso um wie der Beifall mit ihrer Inszenierung: 

höfl ich. Warum sie es aus dem Dunkel 

des Vergessens reißt, bleibt unbeantwortet. || 

GYGES UND SEIN RING 

18., 24., 26. Januar, 9.,11.,16., 28., 29. Februar 

Residenztheater 

Die beste 

aller Welten? 

Friederike Heller schickt 

im Residenztheater Voltaires 

»Candide« zwischen Pop 

und Sandkasten auf die 

Lebensreise. 

Sebastian Blomberg, Hanna Scheibe | Foto: Thomas Dashuber 


Mit »Candide« ist Resi-Intendant Martin KuŠej 

seinem Versprechen untreu geworden, keine 

Roman-Adaptionen auf die Bühne zu bringen. 

Zwar konnte er mit Friederike Heller eine 

Fachfrau dieses Genres gewinnen, doch für 

Voltaires Hauptwerk fand auch sie keine 

schlüssige Form. Inhaltlich tat sie das einzig 

Richtige: verschlankte die ausufernde Geschichte, 

indem sie immer wieder die einzelnen 

Protagonisten erzählen ließ, befreite den 

Text von all dem makabren Ballast aus Erdbeben, 

Kriegen und Schiffsuntergängen, durch 

die Antiheld Candide gehen muss, bis er am 

Ende die bürgerliche Utopie zum Lebenssinn 

macht: »Wir müssen unseren Garten bebauen.« 

Statt spektakuläre Szenen ausspielen zu lassen, 

setzt Heller auf Reduktion und montiert 

einzelne Szenen fi lmschnittartig verknappt 

ineinander. Da wird nichts breit ausgepinselt, 

sondern einzelne Episoden nur knapp angespielt 

und mit spielerischer Ironie hinterfragt. 

Wer allerdings den Hintergrund der Story 

nicht kennt – die satirische Abrechnung Voltaires 

mit Leibniz’ Maxime, wir lebten in der 

besten aller möglichen Welten –, hat Pech. 

Würde nicht knallbuntes Sandkastenspielzeug 

von der Decke hängen, sähe die 

Bühne zunächst aus wie das Setting einer 

Popgruppe, die ohne Light- und Show-Effekte 

auskommt. Doch die rockigen Songs der 

Gruppe Kante sind so gut, dass sie phasenweise 

die ganze – insgesamt ambivalent wirkende 

– Aufführung tragen. Auf einem Rundhorizont 

im Hintergrund laufen später dann 

jene Bilder, die beim Lesen in der Fantasie 

entstehen. Heller hat dafür die Kunstgeschichte 

inklusive Kolonialismus-Problematik 

ausgebeutet, um im CinemaScope-Format die 

Schrecken vorbeiziehen zu lassen, die Candide, 

ein Simplicissimus des 18. Jahrhunderts, 

auf der Suche nach seiner Geliebten Kunigunde 

in der alten und neuen Welt erlebt. 

Sebastian Blomberg spielt ihn mit viel sportivem 

Körpereinsatz als tumben Toren, der sich 

nur mühsam von den Maximen seines Lehrers 

Pangloss (Jörg Ratjen als Karikatur eines 

Gelehrten) befreit. || 

CANDIDE 

16., 21., 31. Januar, 2., 8., 12., 17., 21. Februar 

Residenztheater 

Showdown 

auf dem Flokati 

Kušej bringt seine Züricher 

Inszenierung »Das Interview« 

in den Marstall. Die furiose 

Birgit Minichmayr und Sebastian 

Blomberg liefern sich ein 

Psycho-Duell. 

Birgit Minichmayr, Sebastian Blomberg | Foto: Adrian Ehrat 


Ein schlechter Auftakt für ein Interview. Politredakteur 

Pierre Peters ist sauer. Er muss für 

einen Kollegen ein Gespräch mit dem Fernsehsternchen 

Katja führen. Und das zu einem 

Zeitpunkt, als in den Niederlanden die Regierung 

zurücktritt. Die populäre Schauspielerin 

wiederum hat einen Klatsch-Journalisten 

erwartet ... So beginnt Theo van Goghs Kammerspiel 

»Das Interview«, in welchem der 

2004 ermordete Urenkel des Malers Vincent 

ein spannendes Duell zweier Medien-Strategen 

vorführt. 

Martin KuŠej hat das Stück in 90 hochkonzentrierten 

Minuten intensiv bis zum fi nalen 

Showdown gesteigert. Langsam im Rhythmus, 

führt er musikalisch ein Thema mit 

Variationen vor. Eigentlich ist es plakativer, 

klischee-gesättigter Edel-Boulevard, was der 

Holländer van Gogh als Film-Szenario verfasst 

hat, aber KuŠej arbeitet so präzise den 

subtilen Psycho-Subtext heraus, dass ein 

Thriller daraus wird, in dem sich, ebenso perfi 

de wie perfekt gemacht, Schein und Sein 

ständig überlagern. Im minimalistischen Bühnenbild 

von Jessica Rockstroh inszeniert er 

auf weißem Flokati eine Zimmerschlacht, in 

der mit harten Bandagen gekämpft, alle 

Register zwischen Annäherung und Aggression, 

Enthüllungen und Geständnissen gezogen 

werden. Letztlich ein knallhartes Machtspiel, 

das wie ein Sartre-Stück hinter 

verschlossenen Türen stattfi ndet, in dem die 

»Hölle die anderen« sind. 

Mit Birgit Minichmayr und Sebastian 

Blomberg hat KuŠej ein brillantes Duo, das 

sich auf Augenhöhe begegnet. Die hinreißende 

Schauspielerin mit der rauchigen 

Stimme zeigt alle Facetten ihres Könnens in 

permanentem Rollenspiel, ist mal verruchte 

Verführerin, die sich lasziv im lila Fähnchen 

auf dem Boden räkelt, dann wieder verängstigtes 

Kind oder knallharter, menschenverachtender 

Medienprofi , ist vulgär oder zickig. 

Aber im Grund führt sie, wie ihr Partner, ein 

Fest falscher Gefühle vor. Blomberg kehrt den 

arroganten Zyniker hervor, eigentlich ein im 

Balkankrieg gestählter Macho, bleibt jedoch 

im Zweikampf mit dem gewieften Soap-Darling 

der Loser. || 

DAS INTERVIEW 

4., 24., 25., 26. Februar | 20.00 

Marstall 

Karten und Informationen zu Residenztheater, Marstall und Cuvilléstheater unter: 089 21851940 | www.residenztheater.de 

BÜHNE 


Zwischen Fisch 

und Kitsch 

Ein rätselhaftes Stück, 

ein spannender Regisseur: 

Radu Afrim inszenierte 

Andrew Bovells 

»Das Ende des Regens« 

im Cuvilliéstheater. 

Lukas Turtur, Andrea Wenzl | Foto: Thomas Dashuber 

SABINE LEUCHT 

Ein sonderbarer Abend: Herrliche (neue) 

Schauspieler, eine Bühne, die Kälte atmet, 

ohne an ihr zu erfrieren – und doch kommt 

Radu Afrims Inszenierung stellenweise kaum 

vom Fleck. Zu lange dauert es, bis die zwei 

Kontinente und vier Generationen umspannende 

symbolschwangere Geschichte ihre 

Zusammenhänge offenbart. Doch wie sich der 

Regisseur aus Rumänien bei seinem Deutschland-Debüt 

auf sie einlässt, ist ziemlich konsequent. 

Von der Ehe der Laws im London des Jahres 

1959 über Selbstmord, Kinderschändung 

und das frühe Ende einer Liebe in Australien 

bis zu einem letzten Abendmahl mit den 

Familiengeistern anno 2039 springt Andrew 

Bovells »Das Ende des Regens« munter und 

lange auch verwirrend hin und her. Daran 

ändern auch Afrims Umschichtungen nichts. 

Der Abend im Cuvilliéstheater beginnt mit 

einer Menge Menschen, die in Zeitlupe Helmut 

Stürmers würfelförmigen Raum streichen, 

der wie ein Zwitter aus Gewächs- und 

Schlachthaus wirkt. Es sind die Ahnen von 

Gabriel York, dem bald ein frischer Fisch auf 

den Kopf fallen wird, denn es regnet so unablässig, 

dass die Früchte des Meeres offenbar 

schon im Himmel wachsen. 

Bis sich am Ende ein riesiger Fischkopf 

auf die Bühne schiebt, wird in den von allen 

Vätern und jeglichem Kommunikationstalent 

verlassenen Sippen Law und York oft und in 

einfallsreichen Variationen Fischsuppe serviert, 

aber nie gegessen werden. Ebenso oft 

wird davon die Rede sein, dass in Bangladesch 

die Menschen ertrinken, und der putzige Herd 

wird mit den immer gleichen Bewegungen 

angefeuert. Letzteres dient unter anderem 

dazu, die je zwei Akteurinnen, die Gabriels 

Großmutter Elizabeth (Andrea Wenzl/Barbara 

Melzl) und seine Mutter Gabrielle (Katharina 

Schmidt/Michaela Steiger) spielen, eindrucksvoll 

zu einer Person verschmelzen zu 

lassen. 

Afrims choreografi sches Theater schafft 

eine schwebende Surrealität hautnah am 

Kitsch. Und wenn etwa Gabrielle und ihr späterer 

Mann Joe (Oliver Nägele) mit Kühlschränken 

durch Nebelschwaden fahren, 

bevor sie sich von ihrem missglückten Leben 

verabschiedet, verdrückt man vielleicht ein 

paar Tränen. Oder es schaudert einen. || 

DAS ENDE DES REGENS 

16., 21., 25. Januar, 2., 11., 12., 18. Februar 

Cuvilliéstheater

MUSIK 


Foto: Wilfried Hösl 

»Wagner hat die 

Musikgeschichte 

verändert.« 

KENT NAGANO 

Kent Nagano, Jahrgang 1951, wuchs in Kalifornien auf und 

dirigierte bereits mit acht Jahren im Kirchenchor. Nach seinem 

Studium der Musik und Soziologie arbeitete er an der 

Bostoner Oper als Korrepetitor, bis er 1984 das Bostoner 

Sinfonie-Orchester als Dirigent leitete. Weitere Stationen 

führten ihn nach Lyon, Manchester, New York, Berlin und 

Los Angeles. Seit 2006 ist Nagano Generalmusikdirektor 

der Bayerischen Staatsoper. Er ist einer der gefragtesten 

Dirigenten der Welt. 

Bevor sich 2013 der 200. Geburtstag von Richard Wagner jährt, wird an der Bayerischen 

Staatsoper bereits 2012 der »Ring des Nibelungen« unter der musikalischen Leitung 

von Kent Nagano neu auf die Bühne gebracht. Die Tetralogie ist auch für den erfahrenen 

Dirigenten ein außergewöhnliches Mammutprojekt. 

GABRIELE LUSTER 

Herr Nagano, wann haben Sie zum ersten Mal bewusst 

Wagner gehört? 

Ich begegnete Wagner in meinem Jugendorchester in Kalifornien, 

das von einem Professor aus München geleitet wurde. 

Ich war ungefähr 13 Jahre alt und wir spielten die Ouvertüre zu 

»Die Meistersinger von Nürnberg«. Ich erinnere mich nicht 

mehr genau, aber ich nehme an, es war eine Bearbeitung. 

Welches Instrument spielten Sie denn damals? 

Die Bratsche. 

Und wie ging es weiter mit Ihnen und Wagner? 

Als ich Student war, erlebte ich meinen ersten »Ring des Nibelungen« 

in San Francisco mit Birgit Nilsson. Das war in den 

70er-Jahren und für mich eine prägende Erfahrung. Ein ganz 

besonderer Moment. Als Student der Komposition hatte ich 

mich bis dahin nur indirekt mit Wagner beschäftigt. Damals 

wurde der gesamte »Ring« in den USA nicht oft aufgeführt. Das 

war also eine tolle Chance. 

War das eine rein konzertante Aufführung oder eine richtige 

Inszenierung? 

Es war eine volle szenische Produktion und eine der letzten 

Möglichkeiten, Birgit Nilsson in Amerika zu hören. Sie traf 

kurz danach wegen irgendwelcher Querelen mit der Metropolitan 

Opera die Entscheidung, nicht mehr in die USA zu reisen. 

Was hat Sie fasziniert an Wagners Musik, speziell am 

»Ring«? 

Zunächst einmal war es diese spezielle Erzählart. Seine geniale 

Übernahme des mythologischen Stoffes. Es wird eigentlich 

die ganze Geschichte der Menschheit erzählt. Die Mythologie 

lebt ja von der mündlichen Überlieferung und das Interessante 

an der Erzählung ist, dass es sich niemals um eine lineare 

Geschichte handelt. Es geht um andere Dimensionen, um existentielle 

Fragen, um die Zeit. Mythologie erzählt viel von Vergangenheit, 

aber auch von Aktuellem. Von dem, was wir jetzt 

tun und welche Auswirkungen es auf unser Schicksal, auf die 

Zukunft hat. Das alles existiert in der Mythologie gleichzeitig 

und unterscheidet diese Erzählungen von einer Unterhaltungs-Story. 

Was genau passiert mit der Mythologie bei Wagner? 

Er hat die Erzähldimension übernommen in seinem selbst verfassten 

Libretto und mit seiner Kompositionsweise darauf 

reagiert. Man kann Musik und Libretto nicht voneinander 

trennen. Seine Leitmotivtechnik war im Grunde nicht neu: 

Schon in der Barockzeit oder in der Klassik haben Komponisten 

bestimmte Situationen oder Charaktere mit immer gleichen 

Motiven gekennzeichnet – ich denke an Rameau oder 

Lully. Aber bei Wagner ist es anders: Es geht nie um eine echte 

Wiederholung. 

Sondern? 

Wagner modifi ziert die Motive, stellt sie in einen leicht anderen 

Kontext, gibt ihnen immer eine andere Form, unterlegt 

andere Texte und schafft so ein außerzeitliches, existentielles 

Bewusstsein. 

Können Sie ein Beispiel nennen? 

Wenn Erda im »Rheingold« zu Wotan über die Vergangenheit 

spricht, dann weiß sie auch, was aktuell passiert – und was 

künftig sein wird. In diesem Moment gibt es vier Pizzicati in 

den tiefen Streichern. Unterstützt vom Orchester klingen die 

wie Glocken. Glocken der Zeit. Das passiert jedes Mal, wenn 

Erda erscheint, in wechselndem Kontext, also zu jeweils anderen 

Worten. So gewinnt der Zuschauer den Eindruck, dass verschiedene 

Dimensionen der Zeit gleichzeitig existieren. Das ist 

Wagners geniale Art, dieses motivische Material zu benutzen 

und einzusetzen. 

Auch Sieglindes Motiv in der »Walküre« ist ein Beispiel 

dafür. Es erscheint manchmal in Dur, dann in Moll, in fl ießendem 

Tempo, dann wieder ganz breit – je nach der Situation im 

Drama. Diese Spannung kreiert etwas immerfort Fließendes 

und suggeriert Ewigkeit. In diesem Sinne ist das motivische 

Material bei Wagner viel mehr als nur ein Leitmotiv. Es kennzeichnet 

seine Art zu komponieren. Und wenn man bedenkt, 

wie anders das zu seiner Zeit üblich war, wundert es nicht, 

dass er so stark polarisiert hat. Wagner wagte Neues und hat 

damit den Verlauf der europäischen Musikgeschichte geändert. 

Sie haben als Student Wagners Partituren studiert und 

analysiert, haben Sie seine Musik damals auch schon dirigiert? 

(lacht) Als Student? Nein! Ich habe mich theoretisch mit seiner 

Musik auseinandergesetzt. Das gehört zum Standard. Es ist 

notwendig zu sehen und zu begreifen, wie Wagner die Tonalität 

revolutioniert, was er Neues in Bezug auf Musik und Drama 

geleistet hat. Aber diese analytische Beschäftigung ist etwas 

anderes, als Wagner wirklich zu interpretieren. 

Wann haben Sie dann Ihre erste Wagner-Oper dirigiert? 

Während meiner Zeit in Lyon habe ich zunächst Ausschnitte 

dirigiert, aus dem »Fliegenden Holländer« und aus »Parsifal«. 

Danach habe ich auch in England und mit meinem Orchester 

in Kalifornien konzertante Wagner-Aufführungen geleitet und 

mit unterschiedlichen Orchestern einen konzertanten »Ring« 

in Skandinavien aufgeführt. 

Wenn man das hört, sind Sie – auch was den »Ring« 

angeht – fast ein alter Hase ... 

Ja und nein. Ich habe den »Ring« mehrmals dirigiert, aber 

eben noch nie eine gesamte szenische Produktion des Stoffes. 

Es war mir immer klar, dass ich die Tetralogie nur mit einem 

Regisseur erarbeiten kann, zu dem ich eine starke Beziehung 

aufbauen kann. 

Es gab schon in Lyon Pläne für einen »Ring«, aber wir 

bekamen nicht die richtige Besetzung zustande. Und in Los 

Angeles, wo wir zwar eine gute Besetzung hatten, scheiterte 

das Vorhaben, weil wir keinen passenden Regisseur fanden. 

Nun arbeiten Sie mit dem Regisseur Andreas Kriegenburg. 

Herr Kriegenburg und ich haben hier in München Alban Bergs 

»Wozzeck« gemacht und das war eine sehr starke Zusammenarbeit. 

Deshalb habe ich danach spontan mit unserem Intendanten 

Nikolaus Bachler gesprochen und er hatte die gleiche 

Idee. Andreas Kriegenburg hat bisher noch keinen »Ring« 

inszeniert und war sofort ganz offen dafür. 

Wir haben dann mehr als eineinhalb Jahre über dieses 

Projekt gesprochen, Ideen entwickelt, Gedanken ausgetauscht. 

Ich bin wirklich überzeugt, dass sein Konzept sich in absoluter 

Beziehung zur Musik bewegt.

Kent Nagano | Foto: Wilfried Hösl 

Merken Sie bei Ihrer Arbeit mit dem Staatsorchester, dass 

es eine lange Wagner-Tradition hat? 

Ja, aber Tradition entwickelt sich nicht automatisch nach 

vorne. Natürlich gibt es auf der einen Seite die Verantwortung 

eines Ensembles gegenüber dieser Tradition. Aber auf der 

anderen Seite auch ganz praktische Dinge, wie den natürlichen 

Generationswechsel. 

Das Besondere bei diesem Orchester ist, dass wir uns bei 

der Besetzung einer vakanten Position viel Zeit lassen. Solange, 

bis ein Musiker kommt, der mit den Kollegen atmet, dessen 

Instrument sich in den Klang des Orchesters integriert, mit 

ihm verschmilzt. 

Muss man sich Wagners Musik als Dirigent eher emotional 

oder analytisch nähern? 

Beides ist wichtig. Man kann Emotionen nicht kontrollieren. 

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»We do not play 

Sie sind einfach da und integraler Bestandteil des Menschen. 

Ein Grundelement der Musik. Es ist unmöglich, Musik zu 

machen ohne Emotionen. Aber sie sind nicht das einzige Element. 

Auch andere Dinge wollen respektiert sein, sonst hat die 

Musik keine Chance, als eine Sprache zu funktionieren und 

die Visionen des Komponisten zu transportieren. 

Wagners Musik wird oft als Droge bezeichnet. Sie als Dirigent 

dürfen aber nicht abdriften, müssen also den Rausch kontrollieren 

... 

Es gilt für alle Künstler – wir machen eine Vorstellung in erster 

Linie für das Publikum. Teilweise auch für uns selbst, aber 

wenn wir uns in unserer Kunst verlieren, den Durchblick nicht 

mehr haben, dann erreichen wir das Publikum nicht. Wir alle 

– Tänzer, Schauspieler, Sänger, Musiker, Dirigenten – sind 

doch eigentlich da, um zu dienen ... || 

the piano with our fi ngers 

but with our mnd« i 

MUSIK 


RICHARD WAGNERS »RING« 

an der Bayerischen Staatsoper unter der musikalischen Leitung 

von Kent Nagano und inszeniert von Andreas Kriegenburg: 

»RHEINGOLD« Premiere am 4. Februar 

»WALKÜRE« Premiere am 11. März 

»SIEGFRIED« Premiere am 27. Mai 

»GÖTTERDÄMMERUNG« Premiere am 30. Juni 

www.bayerische-staatsoper.de 

ZUM 80. GEBURTSTAG VON GLENN GOULD 

8.–12. Februar 2012 

im Gasteig 

Film, Theater und Lesung, 

Workshop, Vortrag und Diskussion 

Foto: Dan Weiner; mit freundlicher Genehmigung von Sony Classical 

Veranstalter Gould-Festival: Gasteig München GmbH 

Veranstalter Glenn Gould vs. Glenn Gould: Cherbuliez Productions, Buchenwald

MUSIK 


MAX THEISS 

Der Ring ist 

Während der Pausen zwischen 

den einzelnen Akten 

von Wagners »Ring des Nibelungen« 

(und die erstrecken 

sich, alle Abende zusammengerechnet, 

immerhin über 

sechs Stunden) übt sich das 

Opernpublikum gerne in der 

Komparatistik. Will heißen: Man 

schmeißt alle namhaften Inszenierungen 

der letzten Jahrzehnte in 

den, ähem, Ring und beginnt zu diskutieren. 

Interessanterweise koppelt 

man dabei immer den Namen des Regisseurs 

mit dem Wagner’schen Opus Magnum. 

Da gibt es den Kupfer-»Ring«, den Berghaus-»Ring«, 

den Dorst-»Ring« und natürlich 

den Chereau-»Ring« – dieser trägt auch noch 

den adelnden Beinamen: Jahrhundert-»Ring«. 

Selten ergeht sich ein Opernpublikum 

derart im wissenschaftlichen Jargon wie beim 

»Ring«, und selten hat man ein musikalisches 

Werk derart hermetisch von der Kunst der 

Unterhaltung abgeriegelt wie hier. Man kann 

den Beweis ganz locker liefern, indem man in 

einer der besagten Pausenunterhaltungen den 

»Jackson-Ring« anspricht. Klar, Peter Jacksons 

Verfi lmung von J.R.R. Tolkiens »Herr der 

Ringe« ist nun wirklich eine andere Baustelle. 

Sie ist es aber nur auf den ersten Blick. Howard 

Shore, der die Filmmusik dafür komponierte, 

hat sich nämlich erstaunlich nah an 

Wagners Opern-Tetralogie gewagt: Man hört 

es gleich in »Die Gefährten«, dem ersten Teil 

der Filmtrilogie: Als Gandalf in Bilbo Beutlins 

Häuschen das erste Mal die Macht des Ringes 

spürt, lässt Shore eine ganz bestimmte Kombination 

zweier Moll-Akkorde erklingen, die 

auch Richard Wagner gerne verwendet, wenn 

er die Macht seines Rings musikalisch 

beschreibt. 

Das Spiel, nach Ähnlichkeiten zum Nibelungen-»Ring« 

zu suchen, lässt sich über alle drei 

Filme hinweg beliebig fortsetzen. Erstaunlich 

dabei ist, dass Shore den Wagner’schen Kompositionsstil 

radikal auf U-Musik ummünzt. 

Ob diese musikalischen Parallelen im Interesse 

von J.R.R. Tolkien gewesen wären, darf 

aber bezweifelt werden: Zeitlebens wehrte 

sich der Brite mit Händen und Füßen dagegen, 

dass sein Fantasy-Roman irgendetwas 

mit dem Opern-»Ring« gemein hätte. Sein 

kauziger Kommentar: »Beide Ringe sind rund, 

und das war’s dann auch schon mit den 

Gemeinsamkeiten.« 

rund 

Wagner und Popkultur vertragen sich nicht 

so richtig. Es sei denn, man horcht mal in 

Hollywoods Filmmusik hinein. 

Richard Wagner war in den 

fünfziger und sechziger Jahren des letzten 

Jahrhunderts eben kein Name, mit dem man 

sich gerne schmückte – schon gar nicht in der 

leichtlebigen Populärkultur. Die Unterhaltungsindustrie 

wollte von Wagner nichts wissen. 

Es dauerte nach dem Zweiten Weltkrieg 

noch eine geraume Zeit, bis man etwas lockerer 

im Umgang mit jenem ideologisch vorbelasteten 

Komponisten wurde, den sich die 

Nationalsozialisten für ihre Zwecke zu eigen 

gemacht hatten. Bezeichnenderweise tönt bei 

den »Blues Brothers« 

während ihrer Verfolgungsjagd mit den 

Neonazis der »Ritt der Walküren«. Das war 

1979, ein ehrwürdiger Schritt Richtung Pop, 

Wagner für die Massen. Nicht ganz unschuldig 

daran ist die vom gestrengen Wagner wohl 

nicht intendierte Komik, die dem »Ring« innewohnt 

und die man nach und nach erkannte. 

Der Jurist Ernst von Pidde etwa sammelte 

sämtliche illegalen Gaunereien in der Opernhandlung 

und verurteilte diese in seinem 

Buch »Richard Wagners »Ring des Nibelungen« 

im Lichte des deutschen Strafrechts« 

höchstrichterlich mit dem jeweils gebührenden 

Strafmaß. Auch Loriot hat erfolgreich die 

sechzehnstündige Oper auf zweistündige Massentauglichkeit 

zusammengekürzt und in seiner 

unnachahmlichen Manier nacherzählt. 

Dabei stieß er auf reichlich popkulturelles 

Potential. Als sich zum Beispiel in der »Walküre« 

Siegmund und seine verheiratete Zwillingsschwester 

Sieglinde ihrer glühenden 

Liebe zueinander Luft machen, bemerkt Loriot 

gewohnt trocken: »Es 

handelt sich hierbei um 

Inzest und Ehebruch – man 

ist begeistert«. Die »Walküre« als 

Soap-Opera – es wäre denkbar. 

Doch abgesehen von augenzwinkernder 

Sekundärliteratur war und ist tatsächlich die 

Filmmusik die einzige Massenkunst, die sich 

in aller Ernsthaftigkeit an den Nibelungen- 

»Ring« herantraut – natürlich auch deswegen, 

weil es sich bei Filmmusik mit der 

Wagner’schen Leitmotiv-Technik so bequem 

arbeiten lässt. Pionier in dieser Hinsicht war 

John Williams, der die »Star Wars«-Reihe vertonte. 

Er ging auch ganz offen damit um, dass 

er sich bei seinen Kompositionen eng an Wagner 

orientierte. Dem Sternenkrieger Luke 

Skywalker etwa verpasste er eine Melodie, die 

nur deshalb anders als das Siegfried-Motiv 

klingt, weil Williams hier die einzelnen Notengruppen 

gleichsam auseinanderschnitt und 

um ein paar weitere Noten ergänzte. Also 

Hausaufgabe für die nächste Opernpause: 

Leitmotiv-Vergleich der Figuren und Gegenstände 

bei »Star Wars« mit jenen im »Ring des 

Nibelungen«. || 

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»Ich bin fest 

verwurzelt in der 

deutschen Kultur« 

Daniel Grossmann leitet seit sechs Jahren das Orchester 

Jakobsplatz, um von München bis Usbekistan jüdische 

Musik und Kultur zu pfl egen. 2012 will er sich auch 

Richard Wagner nähern. 

GABRIELE LUSTER 

»Wir wollen keine Erinnerungskultur betreiben, 

aber wir möchten jüdische Musik und 

Kultur pfl egen, die mit uns hier und heute 

etwas zu tun haben.« Nach diesem Credo leitet 

Daniel Grossmann seit sechs Jahren das 

Orchester Jakobsplatz München. Es hat sich 

in der Münchner Musikszene längst etabliert 

und geht als Kulturbotschafter auch gern auf 

Reisen – besonders in Länder, die die großen 

Orchester nie besuchen, etwa Moldawien oder 

Usbekistan, wo das Orchester Jakobsplatz 

Ende 2011 gastierte. Ob in Samarkand, 

Buchara, Karschi oder Taschkent – die Usbeken 

feierten die Konzerte des Orchesters als 

epochales Ereignis und überhäuften Musiker 

und Dirigenten bei jedem Konzert mit Beifall 

und Blumen. 

Angeregt durch die Eröffnung des Jüdischen 

Zentrums am Münchner Jakobsplatz 

gründete der 1978 in München geborene 

Daniel Grossmann 2005 das Orchester. »Dieses 

Zentrum am Jakobsplatz braucht Inhalte 

und die bieten wir mit unseren Konzerten, für 

jedermann.« Dazu gehören auch die anschließenden 

Treffen im Restaurant Einstein, wo 

Musiker und Dirigent gern den Kontakt mit 

ihrem Publikum suchen und diskutieren. 

Grossmann, Sohn ungarischer Eltern, der 

sein Musikstudium in München, New York 

und Budapest absolvierte, betont: »Ich bin in 

der deutschen Kultur groß geworden und fest 

verwurzelt. Als Jude in Deutschland möchte 

ich zwar keinen Schlussstrich unter die Vergangenheit 

ziehen, aber mich insofern davon 

befreien, dass ich einen neuen Anfang mitgestalten 

und in einen fruchtbaren Dialog eintreten 

kann.« Dafür greift er immer wieder auf 

Werke vergessener jüdischer Komponisten 

zurück, die er, wie Klassisches oder Romantisches, 

gern mit Zeitgenössischem konfrontiert. 

Wenn Daniel Grossmann und seine Musiker 

ein Werk des in einem KZ ermordeten 

jüdischen Komponisten Erwin Schulhoff aufführen, 

»dann geht es für mich nicht darum, 

Schulhoffs als Opfer zu gedenken oder an sein 

Schicksal zu erinnern, sondern um die Qualität 

seiner Musik. Sie ist es wert, aufgeführt zu werden. 

Das ist für mich entscheidend.« 

IMPRESSUM 

Herausgeber 

Münchner Feuilleton UG (haftungs-beschränkt) Breisacher 

Straße 4 l 81667 München 

Telefon: 089 48920971 l info@muenchner-feuilleton.de 

www.muenchner-feuilleton.de 

Redaktion 

Thomas Betz, Gisela Fichtl, Matthias Leitner, 

Gabriella Lorenz, David Steinitz 

Daniel Grossmann | Foto: Christine Schneider 

30 Profi musiker aus 20 Nationen schart der 

33-Jährige für seine unterschiedlichen Projekte 

um sich. Da sitzt ein Konzertmeister aus 

Regensburg am ersten Geigenpult, daneben 

Kollegen von den Münchner Philharmonikern, 

den Symphonikern oder vom Staatsorchester. 

Obwohl das Orchester Jakobsplatz 

nicht nur durch seinen Namen, sondern auch 

durch seine Programmatik seine Verbundenheit 

mit dem Jüdischen Zentrum ausdrückt, 

ist es eine eigene, fi nanziell auf sich gestellte 

Institution. Entsprechend muss das Kammerorchester 

sich jeden Cent erkämpfen, berichtet 

Grossmann. Immerhin unterstützen der 

Freistaat Bayern und der Bezirk Oberbayern 

das Ensemble, während die Stadt ihren Säckel 

geschlossen hält. Der Löwenanteil, 60 Prozent 

des Etats, stammt aus den Konzerteinnahmen, 

von privaten Sponsoren und vom Freundeskreis 

des Orchesters. Für die Auslandsgastspiele 

– die erste Tour 2009 führte natürlich 

nach Israel – greift gottlob immer wieder das 

Goethe-Institut in die Tasche. 

Regelmäßig tritt das Orchester Jakobsplatz 

im Hubert-Burda-Saal des Jüdischen 

Autoren dieser Ausgabe 

Christine Auerbach, Wolfgang Benz, Thomas Betz, 

Cornelia Fiedler, Gisela Fichtl, Ralph Glander, 

Lea Hampel, Florian Kinast, Markus Köbnik, 

Christine Knödler, Matthias Leitner, Sabine Leucht, 

Gabriella Lorenz, Gabriele Luster, Rolf May, 

Zara S. Pfeiffer, Sylvia Rein, Barbara Reitter-Welter, 

Bernd Rodenhausen, Katrin Schuster, Sven Siedenberg, 

Tim Slagman, David Steinitz, Max Theiss, 

Erika Wäcker-Babnik, Christiane Wechselberger 

Orchester Jakobsplatz | Foto: Erol Gurian 

Zentrums auf, musizierte aber auch im Cuvilliéstheater, 

in der Allerheiligenhofkirche, der 

Villa Stuck, dem Künstlerhaus. Ein Konzert 

zum jüdischen Neujahrsfest ist natürlich 

Ehrensache. 

Im Frühjahr spielt das Ensemble erstmals 

in der Schwabinger St. Ursula Kirche. Im Rahmen 

der »Langen Nacht der Musik« kooperiert 

das Orchester Jakobsplatz mit der Erzdiözese 

München und Freising und wird in St. 

Ursula die Vertonung eines Sabbat-Gottesdienstes 

von Paul Ben Haim musizieren. 

Auch mit der Bayerischen Staatsoper hat 

das Orchester Jakobsplatz mehrfach erfolgreich 

zusammengearbeitet: 2010 bei Victor 

Ullmanns Kammeroper »Der Kaiser von 

Atlantis« und 2011 bei den Kurzopern »Rothschilds 

Geige« von Benjamin Fleischmann 

und »Herzland« von Sarah Nemtsov. Auch bei 

den Opernfestspielen 2012 mischen sich 

Daniel Grossmann und sein Ensemble in ein 

spannendes Projekt ein, das aktuell vorbereitet 

wird: Sie werden sich musikalisch mit 

Richard Wagner und seinem »Ring« auseinandersetzen. 

|| 

Projektleitung l V.i.S.d.P. Christiane Pfau 

Geschäftsführung Ulrich Rogun, Christiane Pfau 

Vertrieb Ulrich Rogun 

Gestaltung l Layout 

bild+text l München l www.bildundtext.biz l 

Anja Wesner l Susanne Gumprich l Agnes Diehr l Uta Pihan 

Druckabwicklung 

ulenspiegel druck gmbh l Birkenstraße 3 l 82346 Andechs 

Im Gedenken an Helmut Lesch. 

MUSIK 


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des Autors wieder und müssen nicht unbedingt die 

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Stichwort: Förderabo MF / Ihr Name

LITERATUR 


WOLFGANG BENZ 

Münchens neu gekürte Kuratorin des formum:autoren, Thea 

Dorn, hat sich in ihrem jüngsten Buch gemeinsam mit Richard 

Wagner der »deutschen Seele« angenommen. 64 alphabetisch 

sortierte Stichworte von »Abendbrot« bis »Zerrissenheit« haben 

die Autoren ihrer Analyse und Betrachtung wert befunden, um 

in Feuilletons, Essays und Versen die Seele der Deutschen zu 

ergründen. 

Wunderbar ausgestattet. Gewichtig. Opulent illustriert. Einfach 

prachtvoll. Man ringt um Superlative zur Beschreibung des 

Werks, in dem sich Thea Dorn und Richard Wagner um die 

deutsche Seele mühen. Auf der Rückseite des Umschlags sind 

sie in edler Pose, einander gleichermaßen zu- wie abgewandt, 

zu erblicken und über ihrem Doppelkonterfei liest man die 

Botschaft, dass es so ein Buch noch nicht gegeben habe, eine 

Liebeserklärung sei es, »zwei Autoren, wie sie unterschiedlicher 

nicht sein könnten«, würden die deutsche Seele erkunden, 

»liebevoll und kritisch, kenntnisreich und ohne Berührungsängste«. 

Das stimmt erwartungsfroh und verspricht tiefe Einsichten auf 

hohem literarischem Niveau, fern der öden Prosa, in der sich 

Sozialwissenschaftler, Historiker oder wer sonst sich professionell 

des Themas anzunehmen hat, zu verbreiten pfl egen. 

Wenn zwei Literaten von Rang gemeinsam ein Sachbuch schreiben, 

in dem es um Politik, Geschichte, kollektives Bewusstsein, 

öffentliche Erfahrung und vor allem um Befi ndlichkeiten 

geht, darf man gespannt sein. 

Mit Erlaubnis der Autoren, dass man mit der Lektüre überall 

anfangen und nach Belieben irgendwo weiterlesen dürfe, 

beginnen wir mit dem Artikel »Sehnsucht«, aus dem zu erfahren 

ist, dass Reinhold Messner ein philosophischer Kopf und 

ein »Heimatsehnsuchtsverräter« ist. Wir lesen allerlei Gereimtes, 

vernehmen die Namen etlicher Komponisten und werden 

zum Schluss von der Autorin aufgefordert, an den CD-Schrank 

zu gehen, um zu »Hören, hören, hören ... « Ist das schlechtes 

Feuilleton oder hat nur der Rezensent ein Problem damit? 

Zweiter Versuch. Der Artikel »Bauhaus« aus der Feder Richard 

Wagners (der Schwierigkeiten mit dem Genitiv hat) gerät zur 

unterschwelligen Denunziation des Aufbruchs in die Moderne 

nach dem Ersten Weltkrieg. »Das Bauhaus propagierte die 

angewandte Kunst, und Vater Staat hielt die Subvention 

bereit«: War das eine denn schlimm und wäre das andere, 

hätte es denn zugetroffen, unanständig gewesen? Das Unbehagen 

wächst. Wir werden verwiesen auf das Kapitel »Pfarrhaus«. 

Dass dies ein emblematischer Ort ist in der deutschen 

Geschichte, wurde schon oft erkannt. Der Autor, der für den 

misanthropischen Teil der deutschen Seele zuständig zu sein 

scheint, bekräftigt diese Erkenntnis durch die Parabel, 

»Deutschlands Aufklärung« sei letzten Endes nicht viel mehr 

als die Politisierung der Lutherbibel. So einfach ist das also. 

Alphabet der Banalitäten 

DIE DEUTSCHE SEELE 

Thea Dorn und 

Richard Wagner 

Knaus, 2011 | 560 Seiten | 

26,99 Euro 

Schuppen von den Augen fallen dem Leser auch bei der Lektüre 

des Abschnitts »Strandkorb« (Wagner). Enzyklopädisches 

Wissen um die Entstehung des maritimen Möbels ist darin 

ebenso verarbeitet wie politische Deutung und philosophische 

Sinnstiftung. Thomas Mann hat den Strandkorb genutzt und 

Angelika Merkel hat ein Sondermodell anfertigen lassen, in 

dem sie acht Staatsmänner um sich scharte. Auch das ist also 

ein Teil der deutschen Seele. 

Den altertümlichen Ausdruck Galimathias, der bei der Lektüre 

im Rezensenten aufsteigen will, niederkämpfend, blättert er 

weiter und weiter. Richard Wagners Sinnieren über »Wiedergutmachung« 

erreicht mühelos Stammtischniveau. Verräterische 

Vokabeln wie »Betroffenheitsboten« oder »smarte linksorientierte 

Anwälte« (die seinerzeit das KPD-Verbot verschleppt 

haben sollen) geben Hinweis auf die Gesinnung des Denkers 

und Deuters, der in epigonaler Fragebogen-Schelte à la Ernst 

von Salomon allerlei zusammenmengt, was ihm zum Luxemburger 

Abkommen, zur deutschen Erinnerungskultur, zu 

»Schindlers Liste« einfällt. Das Thema selbst hat er verfehlt. 

Das trifft für das Lemma »Weihnachtsmarkt« nicht zu. Hier ist 

alles richtig und wahr. Der Weihnachtsmarkt ist älter als der 

Kapitalismus, er ist »ein wahres Labyrinth«, die Städte haben 

tausend Lichter, der Weihnachtsmarkt ist tatsächlich der Ort 

der Nüsse, der Mandeln und Maronen und »dialektisch mit der 

Marktwirtschaft verbunden«. 

Ein Stück zurück zu Thea Dorns Abhandlung über »Das Weib«. 

Der Leser erfährt auf über dreißig Seiten alles, was er über das 

interessante Sujet schon längst einmal wissen wollte, betrachtet 

mit Lust die Bilder und wird in die Geheimnisse – ja in 

welche eigentlich? – eingeweiht. Es geht jedenfalls um tolle 

Frauen, die ob ihrer Schönheit oder anderer Leistungen 

berühmt wurden, wie Brünhilde und Loreley, Hanna Reitsch 

und Lena Meyer-Landrut. 

Im Kapitel »Sozialstaat« wird, nachdem der Autor durch die 

Besichtigung der Fuggerei in Augsburg Schwung geholt und 

Bismarcks Intentionen bei der zeitgleichen Bekämpfung der 

Sozialdemokratie und der Einführung der Sozialgesetzgebung 

erläutert hat, das Wesen des Kapitalismus erklärt und der Korporatismus 

als »Instrument der Demokratie« gepriesen. Möglicherweise 

ist da ein Stück Text bei der Herstellung verloren 

gegangen, der den Sinnzusammenhang zwischen dem 

gescheiterten Korporatismus des NS-Regimes und dem der 

Foto: Kerstin Ehmer, © Knaus 

DDR und der vom Autor geforderten pragmatischen Begründung 

seiner Notwendigkeit hergestellt hätte. Der auf den Sozialstaat 

zwingend folgende Beitrag »Spargelzeit« erscheint da 

logischer und er ist, ein weiterer Vorteil, dem Thema gewidmet, 

das die Überschrift verheißt. 

Das Buch enthält auf 560 Seiten noch viel Beherzigenswertes. 

Das Lesebändchen tut da gute Dienste. Über »Abendstille« und 

»Bierdurst«, über »Heimat« und »Kulturnation«, das »Mutterkreuz«, 

den »Vater Rhein«, die »Zerrissenheit« und »Winnetou« 

ist Wesentliches zu erfahren. Nicht alles ist so bedeutungsschwer 

und sauertöpfi sch vorgetragen, wie das bei den Themen 

»Doktor Faust«, »Männerchor« oder »Schrebergarten« ja 

sein muss. 

Das Kapitel »Wurst« hat der Rezensent mit besonderem Gewinn 

gelesen, den »Kitsch« auch noch als eigenes Stichwort zu 

behandeln, nötigt ihm Hochachtung ab und auf die Passagen 

über »Freikörperkultur« möchte er, der treffl ichen Bebilderung 

wegen, besonders aufmerksam machen. 

Fazit: Solche Bücher nannte man einst »Hausschatz«, las en 

famille an langen Winterabenden darin oder daraus vor oder 

abonnierte die Textsorte, solange sie unter dem Namen »Gartenlaube« 

erschien. Das Werk ist offensichtlich in der Marketing-Abteilung 

ausgeheckt worden, als Beitrag für Ratlose zum 

Gabentisch. Zwei prominente Autoren, von denen man lieber 

anderes lesen würde, und zwar im Genre, das sie beherrschen, 

haben sich dazu hergegeben, den Bildern den notwendigen 

Text beizumischen. Eine geniale Person hat sich den Titel »Die 

deutsche Seele« ausgedacht. In den Buchhandlungen liegen 

die Stapel gleich neben dem Tisch, auf dem des fränkischen 

Barons Erguss über sein zeitweiliges Scheitern feilgeboten 

wird. Das Buch ist so banal, dass man ihm keinen Erfolg wünschen 

muss – es hat ihn längst. 

Besonders ärgerlich ist bei der gequält geistreichen Seelenkunde 

das Vorwort, die leutselige Ansprache an den »lieben 

Leser«, der gewarnt wird, weil er in diesem Buch nicht »vor 

dem Deutschen« gewarnt wird. In der larmoyanten Attitüde, 

Tabus zu brechen, die nicht existieren, wird miefi ger Deutschtümelei 

gefrönt. »Die Gedanken sind frei«, versichern Thea 

Dorn und Richard Wagner treuherzig. Das weiß der Leser 

eigentlich schon. So steigt der schreckliche Verdacht auf: Die 

meinen das ernst, was sie schreiben. || 

Der Historiker Wolfgang Benz leitete bis März 2011 das Zentrum 

für Antisemitismusforschung an der TU Berlin. 1992 erhielt er 

den Geschwister-Scholl-Preis. Wolfgang Benz ist Mitbegründer 

und Herausgeber der »Dachauer Hefte«.

CHRISTINE KNÖDLER 

Die Idee ist großartig: Schluss mit Augen-Verderben beim 

heimlichen Lesen unter der Bettdecke! Sternchen, Mond und 

Sonne, sonst an Wände und Decke geklebt, um die Dunkelheit 

ein wenig zu erhellen, bekommen Verstärkung: »Wer ist hier 

der Chef?« ist ein Leucht-Bilderbuch, das inhaltlich ebenfalls 

auf Erleuchtung setzt, denn hier werden große Themen verhandelt: 

Ein Hund wartet, an den Baum angeleint, auf seinen 

Herrn, die Katze, gänzlich ungebunden, spaziert von Ast zu 

Ast, erst ärgert sie den Hund, dann tut er ihr leid. Und während 

der Hund dasitzt und heult und wartet, kommen Eule, Fuchs, 

Katze, Hund, Motte, Mäuse, Schmetterling ins Grübeln. Sie 

reden über Unterschiede, Gleichheit, Anderssein, über Ausharren 

und Geduld, Vertrauen und Autonomie, Fantasie und 

Weisheit. Es geht um Hunger und Hoffnung, ums Fressen und 

Gefressenwerden, um das, was richtig oder falsch sei. Und 

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Licht ins Dunkel 

23. JANUAR 

MICHAEL SKASA 

zum 70. Geburtstag 

Seerosenkreis in der Seidlvilla 

Nikolaiplatz 1b | 80802 München | 19.30 Uhr | Eintritt 10/8 Euro 

Dem Journalisten Michael Skasa, dessen »Sonntagsbeilage« 

in Bayern 2 vierzig Jahre lang zum Weiterlesen, Wiederentdecken, 

zum Lachen und Nachdenken animierte, gratulieren: 

Maria Peschek, Gert Heidenreich, Walter Zauner, Angelika 

Beier, Asta Scheib, Dagmar Nick, Barbara Bronnen, Anatol 

Regnier, Winfried Zehetmeier, Brigitta Rambeck und Überraschungsgäste. 

31. JANUAR 

WER IST HIER DER CHEF? 

Bart Moeyaert 

Übersetzt aus dem Niederländischen 

von Mirjam Pressler. Illustriert von 

Katrien Matthys | Hanser, 2011 | 

60 Seiten | 19,90 Euro | Ab 6 Jahre 

Die Erde ist gewaltig schön, doch sicher ist sie 

nicht – Ein Abend mit ALEXANDER KLUGE 

Literaturhaus | Salvatorplatz 1 | 20.00 Uhr | 

Karten 089 291934-0 

LITERATUR 


dabei immer: um die Freiheit. Gar nicht so einfach. Schließlich 

hängt die Antwort auf die Frage, wer der Chef ist (und dabei 

stets mitbedacht: wer und womöglich wie man selbst ist oder 

selbst wird), davon ab, was man ist: eine Katze oder eine Maus, 

ein Hund – oder ein Mensch. Aus all dem hat Bart Moeyaert, 

einer der derzeit interessantesten Kinder- und Jugendbuchautoren, 

einen philosophischen Geschichtenteppich gewoben, 

eine Fabel voller Poesie und notwendigerweise Ungereimtheiten, 

die sich auf diese Weise jeder Wertung enthält und vielmehr 

Platz für eigene Interpretationen lässt. Mit den scherenschnittartigen 

Illustrationen von Katrien Matthys und den 

Leuchteffekten erinnert das Buch an eine Laterna magica: eine 

Bühne voll Magie, Überraschungen, Geistesblitze, glänzender 

Dialoge, erstaunlicher Wortgefechte; ein Gedankenkarussell, 

das sich dreht und dreht und dreht und lange begleitet. || 

7. FEBRUAR 

CHARLES DICKENS 

zum 200. Geburtstag 

Literatur Moths | Rumfordstraße 48 | 80469 München | 19.30 Uhr 

Als Zauberer des Wortes galt Charles Dickens schon den Zeitgenossen, 

seine Lesungen waren fulminante Bühnenauftritte, 

den von ihm als genialem Selbstvermarkter erfundenen Fortsetzungsromanen 

fi eberten die Menschen entgegen. Und wir 

können nun unser Dickensbild mithilfe der Neuerscheinungen 

und Ausstellungen zu Werk und Person anlässlich des Jubiläumsjahrs 

erweitern (etwa durch die Biographie von Hans- 

Dieter Gelfert, die Ausstellung »Die Geheimnisse des Charles 

Dickens« in Zürich sowie diverse Neuübersetzungen seiner 

Werke). 

In München wird bei Literatur Moths just an seinem 

Geburtstag, dem 7. Februar, gefeiert: Die mehrfach ausgezeichnete 

Münchner Übersetzerin Melanie Walz wird im 

Gespräch mit dem Lektor, Kristian Wachinger (Hanser), die 

Neuübersetzung des hier wenig bekannten, in England als 

Klassiker geltenden Romans »Große Erwartungen« vorstellen. 

Ein Roman, in dem es um fremde Geldgeber, um Schulden 

und den Fluch großer Erwartungen geht – Themen, die uns 

vertraut erscheinen. || gf

LITERATUR 


KATRIN SCHUSTER 

Am 

Mutterort 

Der Regisseur Oskar Roehler hat 

seinen ersten Roman geschrieben. 

Er heißt »Herkunft« und trägt 

zweifellos autobiografi sche Züge: 

Das macht den Reiz aus, bereitete 

dem Autor jedoch offensichtlich 

einige Schwierigkeiten. 

Am 17. Januar stellt der Regisseur Oskar Roehler »Herkunft«, 

seinen ersten Roman, in München vor: keine zufällige Station 

auf einer bundesweiten Lesereise, sondern aktuell der einzige 

Termin in Deutschland. Ohnehin ist diese Stadt mit einer Vergangenheit 

beschwert, die Roehler immer wieder umzutreiben 

scheint. Denn München muss ihm als Mutterort gelten – dort 

wohnte die Schriftstellerin Gisela Elsner die meiste Zeit ihres 

Lebens, nachdem sie ihren dreijährigen Sohn Oskar und ihren 

Mann, den Lektor Klaus Roehler, verlassen hatte, und dort 

beging sie 1992 Selbstmord. »Als Schriftsteller allein zu sein, 

sein Haus nicht verlassen zu können, kein Geld zu haben und 

sich bei den meisten seiner Freunde diskreditiert zu haben, 

weil man irgendwann schlecht über sie geschrieben hat, und 

dann noch in einer Stadt wie München zu leben – da ist es 

schon fast ein Heldentod, den diese Frau gestorben ist«, sagte 

Roehler in einem Interview über seine Mutter. 

Vor elf Jahren hat er schon einmal versucht, dieser großen 

Leerstelle seines Lebens mit den Mitteln der Kunst beizukommen. 

In dem Film »Die Unberührbare« verhandelte er die letzten 

Jahre der Schriftstellerin bis zu deren Suizid. In »Herkunft« 

steht die fehlende Mutter zwar nicht im Mittelpunkt der 

Geschichte, da der Autor den Bogen viel weiter als in seinem 

Film spannt, nämlich von 1949 bis zum Ende der 70er-Jahre, 

von der Rückkehr der Großvaters aus der Kriegsgefangenschaft 

bis zum 18. Geburtstag des Enkels – er mithin die ganze 

BRD zu fassen bekommt. Und dennoch scheint das Verlassenwerden 

die Motivation des Schreibens zu sein, wenn der 

Abgang der Mutter bereits am Anfang als »dunkles Mysterium 

meiner Kindheit« vorweggenommen wird, als der Ich-Erzähler 

Robert noch gar nicht geboren ist. Solche Zeitsprünge fi nden 

sich des Öfteren in dem Roman, obwohl der Autor ansonsten 

brav chronologisch vorgeht. Dazu gesellen sich einige sprachliche 

Merkwürdigkeiten, die ebenfalls von den Schwierigkeiten 

zeugen mögen, die Oskar Roehler mit diesem zweifelsfrei 

autobiografi schen Stoff gehabt hat – es lässt sich eben nicht 

immer alles in die schönsten Worte fassen, nicht immer alles 

in die richtige Ordnung bringen, wenn die eigenen Erfahrungen 

auf dem literarischen Spiel stehen. Ein wundgescheuertes 

Leben inszeniert als wundgescheuerter Roman: An vielen Stellen 

blättert der Schorf, die Narben werden ohne falsche Scham 

zur Schau gestellt, und gerade deshalb übt »Herkunft« eine 

Faszination aus, der man sich kaum entziehen kann. || 

HERKUNFT. ROMAN 

Oskar Roehler 

Ullstein, 2011 | 588 Seiten| 19,99 Euro 

OSKAR ROEHLER LIEST AUS »HERKUNFT« 

Tukan-Kreis 

Seidlvilla | Nikolaiplatz 1b | 17. Januar | 19.30 Uhr | 

Karten unter Telefon 1290677 oder tukan-kreis@beck.de 

SYLVIA REIN 

Unterm 

Baobab 

Ein Star der französischen 

Literaturszene und mit Preisen 

überhäuft: Alain Mabanckou, geboren 

in der Republik Kongo, lebt in Paris 

und Los Angeles. Nun liegen 

»Stachelschweins Memoiren« auf 

Deutsch vor – ein Glück. 

Schon sitzt der Leser tief im afrikanischen Busch, unter einem 

Baobab, einem Affenbrotbaum, und hört einem Stachelschwein 

zu. Hört zu? Ja! Denn das ist der erste Kunstgriff Alain 

Mabanckous: Es gibt keine Punkte und jeder Absatz beginnt 

mit einem Kleinbuchstaben. Das wirkt, als würde das Stachelschwein 

ununterbrochen reden, tief bewegt und atemlos. Die 

Geschichte entwickelt dadurch einen Sog, der einen nicht 

mehr loslässt. Das Nagetier blickt auf sein Leben zurück, es 

gesteht – und bittet um Vergebung. 

Denn: Das Stachelschwein ist ein Serienmörder. Es hat 

durch gezielte Schüsse mit seinen Stacheln 99 Menschen 

umgebracht, einen nach dem andern. Dabei war es nur 

Befehlsempfänger: Sein »Herr« hat es mit diesen Morden 

beauftragt und es musste trotz wachsender Schuldgefühle 

gehorchen. Sein Herr, das ist der junge Kibandi, ein Außenseiter 

im Dorf, der von Alkohol und einem halluzinogenen Trunk 

abhängig ist. Den Dorfbewohnern ist bald klar, dass hier etwas 

nicht mit rechten Dingen zugeht: »verzehrt« worden seien die 

Opfer, sagen sie. Wer hier eigentlich wen frisst, bleibt jedoch 

wunderbar unklar, und die Schilderung des ersten Mordes an 

einem jungen Mädchen liest sich, als hätte das Stachelschwein 

zum ersten Mal Sex. Am Ende siegt scheinbar die Gerechtigkeit: 

Kibandi wird gelyncht, das Stachelschwein überlebt. 

Eine Fabel mit phantastischen Elementen ist das, basierend 

auf dem Glauben an Tier-Doppelgänger, wie er in einigen 

Gegenden Afrikas verbreitet ist. Nun kommen aber die weiteren 

Kunstgriffe Mabanckous, der auch französische Literaturwissenschaften 

lehrt: Der Roman ist zugleich Parodie, Krimi 

und Horrorgeschichte. Und er erzählt vom Erwachsenwerden, 

eine Initiationsgeschichte. Er ist ein Kommentar zum Verhältnis 

von Europa und Afrika und nicht zuletzt zur »afrikanischen« 

Mentalität – je nachdem, wie man ihn liest. Wer nicht 

alles für bare Münze nimmt, was das Stachelschwein mit gehobener 

Pfote schwört, dem eröffnet sich der Reichtum dieses 

witzigen Verwirrspiels. Das ist große Literatur: In der Tiefe 

schlummern Welten. 

Mabanckou reißt mit seinem Roman Grenzen ein – 

zunächst die Grenzen zwischen Pfl anzen-, Tier-, Menschen- 

und Geisterwelt: Tiere lesen, philosophieren und empfi nden 

Schuld. Menschen sehen aus wie Tiere, Gewissensbisse sind 

ihnen fremd. Tote Babys kehren wieder und rächen sich. Und 

auch die Grenze zwischen Realität und Fiktion fl ießt: Erzählt 

uns das Stachelschwein etwa nur eine Gruselgeschichte à la 

Edgar Allan Poe? Ja, lebt es denn überhaupt oder ist das alles 

nur Ausdruck einer paranoiden Persönlichkeitsstörung? Der 

Clou: Mabanckou öffnet uns die Augen für Parallelen zwischen 

der europäischen Literatur und Psychologie und den animistischen 

Weltvorstellungen Afrikas. Das alles zu entdecken, ist 

nicht nur unterhaltsam, sondern erfordert Witz und Kombinationsgabe. 

Aber wir Leser sind ja intelligente Wesen (auch wenn 

uns das Stachelschwein das Gegenteil beweisen möchte). || 

STACHELSCHWEINS MEMOIREN. ROMAN 

Alain Mabanckou 

Aus dem Französischen von Holger Fock und Sabine Müller | 

Verlagsbuchhandlung Liebeskind, 2011 | 192 Seiten | 18,90 Euro 

Sie kamen 

unerwünscht, 

aber wie gerufen 

In »Europa erfi ndet die Zigeuner« 

zeichnet der Literaturwissenschaftler 

Klaus-Michael Bogdal den Diskurs über 

die »Zigeuner« der letzten fünfhundert 

Jahre nach: so überfällig wie lehrreich, 

so spannend wie verstörend. 

KATRIN SCHUSTER 

Nur auf den ersten Seiten seiner kulturgeschichtlichen Monografi 

e »Europa erfi ndet die Zigeuner« verwendet Klaus-Michel 

Bogdal Anführungszeichen, wenn er von »Zigeunern« spricht 

– um dann zu erklären, warum er es fortan nicht mehr tun 

wird. Dem Bielefelder Literaturwissenschaftler geht es weniger 

um die Lebensrealität der Sinti und Roma, sondern allererst 

um die Bilder, die sich Europa von den Romvölkern in den 

vergangenen fünf Jahrhunderten gemacht hat. Bogdal will sich 

gerade nicht unter diejenigen Autoren einreihen, die vermeintliche 

Wahrheiten über Lebenswelten und -weisen des »fahrenden 

Volks« zu Papier gebracht haben, sondern nimmt den 

Diskurs über sie – von dem sie als dessen bloße Objekte konsequent 

ausgeschlossen bleiben – in den Blick. Angesichts 

dieser »Konzentration auf die Geschichte des Fremdbildes« ist 

es beinahe überraschend, dass in der ausführlichen Bibliografi 

e Walter Benjamins »Thesen über den Begriff der Geschichte« 

nicht vorkommen, in denen Benjamin darauf hinweist, dass 

die offi zielle Historie stets nur die Historie der Mächtigen 

meint: »Wer immer bis zu diesem Tage den Sieg davontrug, der 

marschiert mit in dem Triumphzug, der die heute Herrschenden 

über die dahinführt, die heute am Boden liegen. Die Beute 

wird, wie das immer so üblich war, im Triumphzug mitgeführt. 

Man bezeichnet sie als die Kulturgüter [...] Es ist niemals ein 

Dokument der Kultur, ohne zugleich ein solches der Barbarei 

zu sein.« Genau davon erzählt Bogdal in seinem Buch: Wie 

barbarisch sich die so genannten Kulturgüter äußern und wie 

eifrig und verzweifelt Europa darum bemüht ist, von »Zigeunern« 

zu schwadronieren, ohne die Romvölker je selbst zu 

Wort kommen zu lassen. 

Bereits der Untertitel »Eine Geschichte von Faszination 

und Verachtung« bezeichnet die doppelte Bewegung, die der 

Autor immer wieder gewärtigt in seiner überaus anschaulichen, 

spannenden, differenzierten und kritischen Recherche. 

Dem zunehmenden Interesse der Gesellschaft an der Kultur 

der Romvölker steht eine grauenhafte soziale Ächtung zur 

Seite, zu der nicht zuletzt die Literatur zahllose Diskriminierungen 

und Rassismen beigetragen hat und auch heute noch 

beiträgt. Von Anfang an werden die Romvölker im ganz buchstäblichen 

Sinne als Andere ver-fremdet, damit sie uns ja 

nicht zu nahe kommen: »Sie kommen unerwünscht, aber doch 

wie gerufen, um in Abgrenzung zu ihnen das Bild einer europäischen 

Kultur zu schaffen«. So entwirft Europa die eigene 

Gestalt als moderne und aufgeklärte, die all das ist, was Sinti 

und Roma nicht sind: national grundiert, sesshaft und schriftlich 

verwaltet. Dass ausgerechnet der Holocaust eine Hauptursache 

dafür darstellt, dass eine schriftliche Rom-Literatur entsteht, 

deren Sinn und Funktion unter Sinti und Roma allerdings 

umstritten ist, nennt die Aporie ein weiteres Mal beim Namen. 

Und so kann man auch hier nur schließen, wie der Autor seine 

bewundernswerte Monografi e beschließt: »Das Buch endet 

hier, nicht jedoch die Geschichte, die es erzählt hat.« || 

EUROPA ERFINDET DIE ZIGEUNER. EINE GESCHICHTE 

VON FASZINATION UND VERACHTUNG 

Klaus-Michael Bogdal 

Suhrkamp, 2011 | 590 Seiten | 24,90 Euro

Franz-Josef Czernin 2011 | Foto privat, Copyright Carl Hanser Verlag 

zungenenglisch 

Dichten als Denken und Denken 

als Dichten – kaum einer 

nimmt es dabei so genau mit 

den Wendungen und Übergängen 

wie Franz Josef Czernin, der im 

Januar Geburtstag hat und im 

Lyrik Kabinett die Poesie feiert. 

THOMAS BETZ 

Es handelt sich wohl nicht um ein Spezialidiom der heutigen 

Weltsprache, englisch wird hier von Engelszungen gesprochen. 

Franz Josef Czernin sagt über sein Projekt »zungenenglisch«, 

das er im Lyrik Kabinett vorstellt: »Für Johann Georg Hamann 

beispielsweise ist Reden Übersetzen – aus einer Engelsprache in 

eine Menschensprache.« Wer den Königsberger Philosophen 

und Schriftsteller nicht kennt, sollte Czernin lesen. Denn der 

österreichische Dichter und Essayist wurde 2011 mit dem 

Magus-Preis ausgezeichnet für seinen Beitrag zur Frage: inwiefern 

könne »poetische Sprache heute Instrument und/oder 

Medium eine Denkens und Fühlens sein, das ohne sie weder 

möglich noch mitteilbar wäre«. Antworten auf diese Frage nämlich 

sucht der 1952 geborene Czernin seit Ende der 70er-Jahre 

in Gedichtbüchern und Essays – »Dichtung als Erkenntnis« ist 

sein Lebensthema als Lesender, Denkender, Schreibender. 

Dabei treibt ihn eine Lust am Umformen. 

Czernin wurde mit manch einschlägiger Auszeichnung 

bedacht (zuletzt 2007 mit dem Georg-Trakl-Preis und dem 

Österreichischen Staatspreis für Literaturkritik). Ein Adabei im 

Literatur- und Lyrikzirkus ist er nicht, aber eine verlässliche kritische 

Stimme. Er gilt, wie sein Münchner Verlag, Hanser, formuliert, 

»als einer der ungewöhnlichsten Dichter unserer Zeit«. 

Der Schriftsteller Martin Mosebach, der bei Czernins Geburtstagsnachfeier 

in München mit von der Partie ist, charakterisiert 

im Nachwort zum Sammelband »staub.gefäße« (Hanser, 2008) 

dessen Poesie der letzten Jahre so: »Dieses Werk wirkt vor allem 

deshalb exzentrisch, irritierend oder gar verstörend, weil es sich 

so weit außerhalb des als gegenwärtige Literatur Kanonisierten 

und Erwarteten befi ndet; weil diese Gedichte sich aus Sphären 

nähren, die heute nicht oder nur in Form von Surrogaten erlebbar 

scheinen. Ich spreche von der mythischen, der kultischrituellen 

und schließlich der sakralen und religiösen oder mystischen 

Sphäre.« Um eine Annäherung an Hamanns 

Engelssprache zu erreichen, diese »mythische Sprache, die vielleicht 

jeder Poesie aufgegeben ist«, wie Czernin schreibt, muss 

das Gedicht das Dickicht der alltäglichen Rede durchforschen, 

alles in neue Wendungen und Verbindungen bringen. 

Das kann auch, von uns Lesern selbst, im Alltag probiert 

werden. Czernin, der ein großer Kombinatoriker ist und Ende 

der 80er-Jahre ein Computerprogramm zur Analyse und Synthese 

von poetischen Texten entwickelt hat, ist in vielen Haushalten 

mit den Magnettafeln seiner »Kühlschrankpoesie« vertreten. 

Wer es selbst noch nicht ist, kann also mit Czernin zum 

Dichter werden. Aktuell mit seinem neuen Kombinatorikspiel 

»Metamorphosen. Die kleine Kosmologie«, das bei seinem Wiener 

Verlag, Droschl, erscheint. Verszeilen, die sich unendlich 

kombinieren lassen plus Gebrauchsanweisung ergeben eine 

kleine Poetik, die neugierig macht auf Czernins enzyklopädisches 

Projekt einer »Kunst des Dichtens«, die auf das Ganze 

zielt. || 

ZUNGENENGLISCH. VISIONEN UND VARIANTEN 

Franz Josef Czernin | Einführung: Martin Mosebach 

18. Januar | 20.00 Uhr 

Lyrik Kabinett | Amalienstraße 83 Rgb | Karten: 089 346299 

Nora Gomringer auf der Göteburger Buchmesse 2011 | Foto: Arild Vågen 

Die Nation 

und ihr 

Mundwerk 

Nora Gomringer ist eine der 

erfolgreichsten Lyrikerinnen derzeit – 

ein Ende ist nicht in Sicht. 

CHRISTINE AUERBACH 

Ihre Gedichte kann man lesen. Aber eigentlich muss man sie 

hören – am besten von ihr selbst. Denn wenn Nora Gomringer 

ihre Poesie liest, dann kaut sie die Verse, zerteilt die Silben, 

schiebt mit dem Zwerchfell nach und wuchtet sie dem 

Hörer in die Ohren. Dort stecken dann wahlweise sprachliche 

Sahnetorten oder Henkersmahlzeiten, Samtkissen oder 

Rasiermesser – je nachdem, in welche Richtung die Lyrikerin 

die Sprache gedehnt und gewendet hat. 

Dass die 31-Jährige eine der virtuosesten Lyrikerinnen 

dieser Zeit ist, hat letztes Jahr auch die Jury des Jacob- 

Grimm-Preises bemerkt. Der mit 30.000 Euro dotierte Preis 

dient dem Erhalt und der kreativen Entwicklung der deutschen 

Sprache und dass ausgerechnet sie ihn bekommen 

hat, hält Nora Gomringer für einen »schmeichelhaften Irrtum«. 

Entwickeln ja, das stimmt, erhalten – kommt darauf 

an, wie: Statt die Sprache in den abgeschotteten Literaten- 

Elfenbeinturm zu packen, holt sie Nora Gomringer lieber auf 

die Straße. Sie dreht Youtube-Videos, in denen sie vor einem 

Möbelhaus lyrisch mit dem Exfreund abrechnet, der gerade 

mit einem Tisch für sich und die neue Freundin vorbeiläuft: 

»An mir vorbei baust du einen Tisch, unter dem ich jedem 

auf die Füße trete. Ein Tisch, an dem ich gar kein Gespräch 

mehr bin.« 

Ihren Gedichtbänden liegen CDs bei, auf denen sie selbst 

ihre Werke liest. Mit Lesungen im herkömmlichen Sinn, mit 

Tisch und Wasserglas, haben ihre Auftritte allerdings wenig 

zu tun, denn Nora Gomringers Schule war jahrelang der Poetry 

Slam – was man auch immer noch merkt. Der Slam darf 

seinen Namen übrigens ruhig behalten und braucht kein 

deutsches Pendant, im Gegenteil: Nora Gomringer fi ndet es 

geradezu notwendig, dass sich andere Sprachen mit ins 

Deutsche mischen, denn »wo eine Nation steht, sieht man an 

ihrem Mundwerk«. Ins Deutsche könnte sich da ihrer Meinung 

nach noch viel mehr mischen. 

So mancher hat sich gewundert, als sie im April 2010 die 

Leitung des Internationalen Künstlerhauses Villa Concordia 

in Bamberg übernommen hat und zur Herbergsmutter für 

zwölf Stipendiaten wurde, die jeweils ein Jahr in der Villa 

wohnen und arbeiten dürfen. Als Spoken-Word-Poetin ausgerechnet 

an eine solch altgediegene Institution ... Aber »bieder 

is, who bieder does«, sagt Gomringer und arbeitet seither 

für zwei, um neben der Villa auch noch ihr Schreiben zu 

organisieren. Für sie war der Schritt von der Subkultur in die 

Villa gar nicht so groß, denn sie kennt die verschiedenen 

Welten: Im Elternhaus gab es eher Hochkultur – ihr Vater ist 

Eugen Gomringer, der als Mitbegründer der konkreten Poesie 

gilt. 

»Ich war kein cooles Kind, Jugendkultur war mir immer 

irgendwie fremd«, sagt Gomringer. »Ich war eher ein Danebensteher, 

der beobachtet und durch die verschiedenen Welten 

wandelt«. Sie ist gegen zu viel Häppchenkultur in der 

Kunst – schließlich könne man sich schon mal 100 Minuten 

zusammenreißen, und dann erst Pipi machen gehen. Auch 

bei ihren Texten setzt sie nicht auf die einfachen Lacher, sondern 

verschwindet lieber in unwegsames Gelände. Das Publikum 

folgt ihr, denn was Nora Gomringer mit der Sprache 

macht, ist spannend, ihre »Gedichte sind Gefechte / Auf weißen 

Seiten / Oder Tierhäuten / Ausgetragen«. || 

LITERATUR 


ll 

LYRIK 

ein Schneider saß am Fluss 

und nähte ihm Arme aus dem Schilf 

das Wasser rann 

in dünnen Fäden 

durch seine Hände 

er strich es glatt 

mit Geduld und Obacht 

am Ufer lachten sie 

über den Schneider 

aus dem fernen Land 

sichtlich ahnungslos 

in hiesiger Wetterkunde 

in den Nächten aber 

an denen er am Fluss saß 

schimmerte das Wasser 

wie in noch keiner 

Mondnacht gesehen 

nie war der Fluss empfänglicher 

der gewaltige Wille 

der an jeder Grenze 

störrisch hinzugewann 

ruhte nun ohne Widerstand 

ein Körper nächtens vollendet 

ll 

wuchs in sein lichtes Kleid 

Zafer Şenocak 

GETEILTE MÜNDUNG. GEDICHTE 

Zafer Şenocak 

Babel Verlag, Bülent Tulay, 2011 | mit freundlicher 

Genehmigung des Verlags 

Zafer Şenocak wurde 1961 in Ankara geboren, 

wuchs in Istanbul und München auf und lebt 

seit 1989 in Berlin. Er war 1984 Literaturstipendiat 

der Stadt München und erhielt 1988 den 

Förderpreis zum Adelbert-von-Chamisso-Preis. 

Neben zahlreichen Gedichtbänden hat er 

mehrere Romane und Essaybände geschrieben. 

Zuletzt erschien »Deutschsein. Eine Aufklärungsschrift« 

in der Edition Körber-Stiftung, 

Hamburg 2011. Derzeit ist Şenocak Stipendiat 

der Feldafinger Villa Waldberta. 

Anzeige 

Gerade war sie wieder auf Tour, am 12. Januar im Münchner 

Volkstheater, man wird sie wieder sehen und hören, am 15. beim 

Erlanger Poetry Slam Jubiläum etwa, im Februar in Stuttgart und 

Würzburg, im März in Isny ... Und ihre ersten vier Gedichtbände 

seit 2000 hat sie in einem Band gesammelt. 

MEIN GEDICHT FRAGT NICHT LANGE 

Nora Gomringer 

Voland & Quist, 2011 | 332 Seiten mit Audio-CD | 24,90 Euro

FAVORITEN 


Tipps der Redaktion 

11.-15.1. und 18.-22.1. 

VERWALTUNGSPERFORMANCE 

Holger Dreissig: 

Heiratsmarkt. 21. Stunde 

i-camp | neues theater münchen | 20.30 

Entenbachstr. 37 

Tickets: www.i-camp.de | 089 650000 

Ein Ausgangspunkt für dieses Stück ist die 

Erschütterung darüber, dass Liebesbeziehungen 

mit Geschäftsbeziehungen gleichgesetzt werden: 

Ob dicke Kohle, schnelle Boliden, protzige Statussymbole 

oder Schönheits-OP – immer geht es 

darum, der Gockel mit dem prächtigsten Gefieder 

zu sein oder das geilste Bunny, um sich so für die 

Ehe zu empfehlen. 

Alles Marketing, alles Heiratsmarkt. 

Foto: Holger Dreissig 

14.1.-15.2. 

THEATER | Showcase Beat Le Mot 

zu Gast im Residenztheater 

Max-Joseph-Platz | Tickets: Tel 089 21851940 

www.residenztheater.de 

SPIELART-Gäste kennen diesen Namen – jetzt 

erobert das Künstlerkollektiv Showcase Beat Le 

Mot den Marstall! Die international renommierte 

Performancegruppe gilt als Keimzelle der neueren 

deutschen Theaterszene. Vom 12.1. bis 15.2. 

zeigt Showcase Altes und Neues, feiert Feste und 

interpretiert Kafkas »Schloss« frech ganz neu. 

Wiederholungstäter gehen mit ihren Kindern 

(ab 6) nochmal in den »Räuber Hotzenplotz« 

(14./15.1.). 

14.1.-25.2. 

THEATER | William Shakespeare: 

Was ihr wollt (Zwölfte Nacht) 

Theater VIEL LÄRM UM NICHTS 

in der Pasinger Fabrik | Do, Fr, Sa 20.00 

August-Exter-Str. 1 | Tickets: 089 8342014 

www.theaterviellaermumnichts.de 

Sinnenwahn und Wahnsinn, Obsession und 

Amour fou, die Welt als Wahn und Täuschung… 

ob Männlein oder Weiblein, wahre oder irre 

Liebe: kein Halt, nirgends. In der Regie von 

Andreas Seyferth und 

Margrit Carls erblüht 

der Klassiker um 

Irrungen und Wirrungen 

ganz neu – wie 

eine Seerose im 

Elfenteich, als wär’s 

kein Frauenkopf ... 

19.1. 

KLASSIK ZUM STAUNEN MIT 

DEM MÜNCHNER RUND- 

FUNKORCHESTER | Einblicke in 

eine Opernprobe mit Ausschnitten 

aus »Giuditta« von Franz Lehár 

Aktionstage für Kinder ab 12 Jahren von 12.00- 

17.00 | Studio 1 im Funkhaus | 14.30 

Rundfunkplatz 1 | Anmeldung: 089 5900-4387 

Tickets: 089 5900-4545 oder 

www.muenchenticket.de 

»Mittendrin beim Münchner Rundfunkorchester«: 

Gespräche mit Künstlern und Konzert-Organisatoren, 

Führungen durch das Funkhaus, das 

Schall- und Notenarchiv und das Konzert selbst 

als Höhepunkt laden zu vielen Blicken hinter die 

Kulissen ein. 

21.1. 

Konzert | Eric Truffaz (Trompete) 

mit Benoît Corboz (Piano) 

Kaufhaus Beck 

Musikabteilung, 5. OG | 18.00 

Marienplatz 11 | Eintritt frei 

in Kooperation mit dem BMW Jazz Award 2012 

22.1. 

Erik Truffaz zählt zu den experimentierfreudigsten 

Jazztrompetern der Gegenwart. 

Seine Musik ist geprägt von ungewöhnlichen 

Begegnungen mit Kollegen 

aus ganz anderen Bereichen – Benoît Corboz, 

mit dem er gemeinsam auftritt, war bislang 

als Toningenieur für Truffaz tätig. 

Foto: B. Peverelli 

MUSIKALISCHE KOMÖDIE 

Münchner Rundfunkorchester: 

»Giuditta« von Franz Lehár Leitung: Ulf Schirmer 

Prinzregententheater | 19.00 

Tickets: www.br-klassikticket.de 


1934 gelang dem Operettenkönig Franz Lehár mit 

»Giuditta« endlich der ersehnte Erfolg auf der 

Opernbühne. Richard Tauber glänzte als Octavio 

an der Wiener Staatsoper, über 100 Rundfunkanstalten 

übertrugen das Ereignis live, und das Lied 

»Freunde, das Leben ist lebenswert« wurde zum 

Jahrhundert-Hit. Einführung mit Irina Paladi, 

Gartensaal, 18.00. 

26.1. 

KONZERT | Asa | Support: Y’Akoto 

Muffathalle | 20.30 

Zellstraße 4 | Tickets: www.muenchenticket.de 

Dreadlocks und Hornbrille, 

wunderbare poetisch-politische 

World- 

Pop-Perlen und zwei 

Alben, die so schnell 

nichts von ihrem Glanz 

verlieren werden: Dafür 

steht die nigerianische 

Foto: Veranstalter 

Sängerin Asa, für die 

das Ampere bereits zu klein geworden ist. Wer 

zuletzt draußen bleiben musste, hat jetzt in der 

Muffathalle gute Chancen, Asa live zu erleben. 

bis 28.1. 

AUSSTELLUNG | Unterwelt 

MaximiliansForum | Unterführung Maximilianstraße 

| Altstadtring | Eintritt frei 

Raum-, Video- und Soundinstallationen verwandeln 

die Passage unter Münchens Prachtstraße 

zum Utopieraum. Florian Fischer nimmt mit der 

Inszenierung von »Hector Umbra« (Comic von Uli 

Oesterle) die Zuschauer mit in einen Transitraum, 

der sich Münchens düsterer Seite nähert (26.- 

28.1., 21.00). Warm anziehen! 

28.1. 

DOPPELKONZERT 

Louva Marguerite und IRXN 

Spectaculum Mundi | 20.30 

Graubündener Straße 100 | Tel. 089 74576582 

Tickets: www.muenchenticket.de 

IRXN sind aufmüpfig, impulsiv und mystisch: Die 

Balladen der fünf Bayern leben von großen 

Gefühlen, aber auch Tanzbares, Fetziges, Irrwitziges 

und Brachiales fegen sie dem Publikum um 

die Ohren. Ganz anders und doch seelenverwandt 

erzählen Louva Marguerite mit einem breiten 

Instrumentarium auf Französisch, Spanisch und 

Deutsch von tiefblauem Kummer, zyklamroter 

Leidenschaft oder zitronengelber Lebensfreude. 

IRXN | Foto: Veranstalter 

29.1. 

KONZERT-LESUNG ZWISCHEN 

FALAFEL UND WEISSWURST 

Nirit Sommerfeld, Linda Benedikt: 

Reality Check 

Theater VIEL LÄRM UM NICHTS 

in der Pasinger Fabrik | 16.00 

August-Exter-Str. 1 | Tickets: 089 8342014 

Was Sie noch nie über Israel wissen wollten, sich 

aber immer schon gefragt haben... Politisch unbestritten 

unkorrekt, moralisch dafür einwandfrei, 

humorvoll, böse und bajuwarisch sind die Texte, 

die Linda Benedikt und Nirit Sommerfeld zu 

einer mitreißenden Tour de Force komponieren, 

begleitet von der Band »Mirdochwurscht« alias 

Andi Arnold (Saxophon, Klarinette), Pit Holzapfel 

(Posaune, Gitarre) und Miene Costa (Bass, Tuba). 

bis 31.1. 

AUSSTELLUNG | Johann Ludwig 

Gildein: »money can´t buy me love« 

buch.laden | während der Ladenöffnungszeiten 

Lothringer Str. 17 | Tel. 089 54804725 

Vor zehn Jahren wurde der Euro eingeführt. 

Bedrucktes, gestaltetes Papier wurde durch anderes 

bedrucktes, gestaltetes Papier ersetzt. Die 

Arbeiten von Johann Ludwig Gildein zeigen 

geschredderte, konservierte D-Mark- und Euroscheine 

in Präparatengläsern, führen über die 

Kenntlichmachung des Scheins als Objekt zur 

Frage nach dem Wert des Geldes an sich. 

2.2. und 3.2. 

KONZERT 

SYMPHONIEORCHESTER DES 

BAYERISCHEN RUNDFUNKS 

4. Abonnementkonzert 

Philharmonie im Gasteig | 20.00 

Rosenheimer Str. 5 

Tickets: www.br-klassikticket.de 


Unter der Leitung von Mariss Jansons spielt das 

Rundfunkorchester Bohuslav Martinùs »Konzert 

für zwei Streichorchester, Klavier und Pauken 

d-Moll, H. 271«, das »Konzert für Violine und 

Orchester Nr. 1, Sz 36« von Béla Bartók und Leoš 

Janácˇeks »Glagolitische Messe« für Soli, Chor, 

Orgel und Orchester. 

3.2. 

Konzert | 20 Jahre ACT-Jubilee Night 

Muffathalle | 20.30 

Zellstr. 4 | Tickets: www.karsten-jahnke.de 

Das renommierte Jazzlabel ACT feiert seinen 20. 

Geburtstag mit einer großen Jubilee Night: Mit 

ACT-Urgestein Nils Landgren, Cæcilie Norby 

(voc), Lars Danielsson (bass), Michael Wollny (p) 

und Wolfgang Haffner (dr) hat Mr. Redhorn langjährige 

Weggefährten zu den musikalischen Feierlichkeiten 

eingeladen: Der Gitarrist Nguyên Lê 

ist ebenso mit an Bord wie der finnische Trompeter 

Verneri Pohjola und die französische Saxofonistin 

Céline Bonacina, gerade für den »Victoire 

du Jazz« nominiert. Der polnische Pianist Leszek 

Możdżer, ein Phänomen des europäischen Jazz, 

hat mit seinem aktuellen Soloalbum »Komeda« 

mittlerweile Doppel-Platin erreicht. 

Foto: 

Sebastian Schmidt 

ab 3.2. 

AUSSTELLUNG | Aylin Langreuter: 

Off/On | Blindlichter/Neonstiche 

Galerie Wittenbrink 

Di, Mi, Fr, Sa 10.00-18.00, Do 10.00-20.00 

Türkenstraße 16 | Tel. 089 2605580 

Aylin Langreuter (*1976 in 

München) zeigt neue 

Objekte in Form einer 

nicht leuchtenden Neonschrift: 

als »Blindlichter«. 

Für die »Neonstiche« 

sammelte sie Bücher mit 

Stichen aus dem 19. Jahrhundert 

und montierte in 

die existierenden alten 

Bilder eigene Bilder ihrer 

dreidimensionalen Werke 

ein. (bis 14.4.) 

3.2. 

TANZ | URAUFFÜHRUNG 

Augenblick, verweile 

Ein Abend über den Tanz zu Musik von 

Peter Iljitsch Tschaikowsky 

Staatstheater am Gärtnerplatz | 19.30 

Gärtnerplatz 3 | Tickets: 089 21851960 

Foto: Aylin Langreuter 

Die meiste Zeit seines Lebens war Tschaikowsky 

unterwegs: auf Reisen, auf der Suche, auf der 

Flucht. Viele Künstler kennen diesen Zustand. Zu 

Orchesterwerken und Liedern Peter Iljitsch 

Tschaikowskys entwickelt Hans Henning Paar 

einen sehr persönlichen Abend über den Tanz 

und das Tänzerleben. 

7.-12.2. 

KONZERT 

20 Jahre ACT - Piano Club Tour 

Jazzclub Unterfahrt | 21.00 

Einsteinstr. 42 | Tickets: 089 4482794 

Auf der Jubiläums-Club-Tour stellt ACT sechs 

Ausnahmepianisten deutschlandweit ins Rampenlicht 

– in München spielen in der Unterfahrt 

Flavio Boltro & Danilo Rea Duo (7.2.), Leszek 

Możdżer Solo (8.2.), Jens Thomas / Verneri Pohjola 

Quartet (9.2.), Ida Sand & Band mit einem 

Sonderkonzert (10.2.), Yaron Herman Solo (11.2.) 

und Ulf Wakenius & Vincent Peirani Duo (12.2.). 

bis 12.2. 

KONZERTREIHE 

Fraunhofer Volksmusiktage 

Theater im Fraunhofer | div. Anfangszeiten 

Fraunhoferstr. 9 | Tickets: 089 267850 (AB) 

www.fraunhofertheater.de 

Foto: Hans Lauer 

Die »Volksmusiktage im Fraunhofer« gelten seit 

den Neunzigerjahren als Talentschmiede und 

Hort der Innovation. Am 10.2. servieren Beatrix 

Klöckner, Maria Hafner, Evi Keglmaier und 

Simon Ackermann als »Zwirbeldirn« wirtshauserprobte 

Volksmusik von hier, da und ganz 

woanders, ohne Staub und Sofaflair, angerichtet 

mit drei Geigen, Kontrabass, der Bratsche 

Konrad, Dreigesang und einer Prise bröseltrockenem 

Humor.

Brot und Spiele - Münchner Feuilleton

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