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BILDENDE KUNST STREIFZUG SEITE 12 · JANUAR · MÜNCHNER FEUILLETON ERIKA WÄCKER-BABNIK Rund siebzig Galerien gibt es in München. Hinzu kommen zahlreiche Institutionen, die Begegnungen mit zeitgenössischer Kunst ermöglichen. Eine aktuelle Auswahl: DIE TIEFE DER RÄUME Kai-Uwe Schulte-Bunert Heiko Räpple Galerie Filser & Gräf Tattenbachstraße 18 | bis 31.1. | Di–Fr 11-18, Sa 11–14 Uhr Die Konfrontation zweier Künstler und ihrer Werke innerhalb einer Ausstellung kann schwierig sein. Vor allem dann, wenn sich die Arbeiten vermeintlich nahe stehen. Die Kombination von Fotografi e/Malerei und Bildhauerkunst tut dem jeweiligen Werk jedoch manchmal richtig gut, vor allem dann, wenn die Wechselwirkung eine inhaltliche oder formale Klärung fördert oder zumindest ästhetisch bereichernd wirkt. Ein Beispiel für einen gelungenen Dialog führt derzeit die Galerie Filser & Gräf vor, die die Fotoarbeiten von Kai-Uwe Schulte-Bunert (*1969) zusammen mit Wandreliefs aus Gips und Beton von Heiko Räpple (*1981) zeigt: Hier der analytischkühle Fotografen-Blick auf verlassene Spuren menschlicher Zivilisation vor dem Hintergrund einer seltsam entrückten Natur; dort die unfertig und roh wirkenden Abformungen und Abgüsse des Bildhauers, die mit expressiven Gebärden in den Raum ausgreifen und wieder zurückspringen. Der Dialog, der hier zwischen den Arbeiten entfacht wird, ist sofort erkennbar. Zuvörderst wird er vom extremen Kontrast der künstlerischen Positionen bewirkt: Schulte- Bunerts Interesse gilt dem Blick auf Architekturen, die in den präzise austarierten Kompositionen schattenlose und verlassene Relikte in den Weiten einsamer, in fahles Licht getauchter Landschaften bilden. Eine unterkühlte Sichtweise auf Natur, deren suggestiver Wirkung man sich kaum entziehen kann. In manchen Arbeiten kehrt sich das Verhältnis einer proportionalen Ausgewogenheit zwischen Bauwerk und Natur um, etwa wenn eine fensterlose Fassade formatfüllend den Blick verstellt und nur noch an den Bildrändern einen schmalen Streifen Himmel und Wiese erkennen lässt. Heiko Räpple | Zeit | 2009 | Acrystal, 145 x 104 x 12 cm, Aufl age 2/3 | © Heiko Räpple, Courtesy Galerie Filser & Gräf Heiko Räpple schwelgt im Material. Seinen Reliefs ist die Energie und Lust am handwerklichen Arbeiten mit verschiedenen Werkstoffen anzumerken. Er jongliert zwischen schwerem Beton, dessen Oberfl ächen die Spuren der Holzverschalung zeigen und die an den Wänden zu architektonischen Elementen werden, und leichteren Mischungen, deren Strukturen beim Abguss ein grafi sches Moment entstehen lassen. Was ihn beschäftigt, sind die Grundfragen plastischen Gestaltens – Raum, Kai-Uwe Schulte-Bunert | ohne Titel | 2009 | Kodak-Lambda-Print auf Alu-Dibond unter Acrylglas | 60 x 90 cm, Aufl age 1/5 | © Kai-Uwe Schulte-Bunert, Courtesy Galerie Filser & Gräf Form und Figur – und die Dialektik gegensätzlicher Eigenschaften wie weich und hart, leicht und schwer, innen und außen, positiv und negativ. Sein ausgeprägtes Interesse an der Gestaltung von Raum teilt er wiederum mit Schulte-Bunert: In den Fotografi en bewirken Diagonalen und niedrige Horizonte einen extremen Tiefensog. Auch motivisch fi nden sich Parallelen: Betonbauten im Bild, Beton an den Wänden gegenüber. Bei aller Faszination verlassen wir die Galerie dennoch mit einem Gefühl von Déjà vu: Die kühle Bildsprache der Fotoarbeiten, die schattenlose, menschenleere Welt, die Sicht auf die Natur, die Betontrassen, Autobahnbrücken und Heuballen in der nebeligen Landschaft – kennen wir das nicht alles auch von Gurski und Co, vor allem aber von dem Leipziger Fotografen Hans Christian Schink? POLAR. WANDOBJEKTE Karin Radoy Galerie Gudrun Spielvogel Maximilianstraße 45 | bis 18.2. | Mo–Fr 13–18.30, Sa 11–14 Uhr Für Freunde fi gürlicher Darstellungen oder expressiver Gesten hat die konkrete Kunst, also die Kunst, die per definitionem im Wesentlichen auf mathematisch-geometrischen Konstruktionen beruht, häufi g etwas Karin Radoy | Bios, 1010 | 2010, | 2-teilig, 80 x 160 x 25 cm, Acryl auf Holz Eintöniges, Unnahbares. Eine Galerie, die sich dieser gegenstandslosen Kunstrichtung verschrieben hat und Künstler vorstellt, die aus einem reichhaltigen Farben- und Formenrepertoire schöpfend immer wieder faszinierende und verblüffende Werke hervorbringen, ist die Galerie Spielvogel. Ein solches Versprechen löst auch die aktuelle Ausstellung mit Wandarbeiten der Künstlerin Karin Radoy ein, die, 1957 in Offenbach geboren, die künstlerischen Errungenschaften der Pioniere der konkreten Kunst und der autonomen Malerei aus den 60er- und 70er-Jahren klug zu verbinden und weiterzuentwickeln versteht: Ihre kompakten, monochromen Wandobjekte bestehen jeweils aus zwei Hälften, die schwingenden Flügeln ähnlich symmetrisch auf eine Mittelachse ausgerichtet sind. Von ihrer kompakten Form her massiv und statisch, sind sie durch die wellenartigen Ausformungen in den Raum hinein jedoch gleichzeitig von verblüffender Eleganz und Dynamik. Das Irritierende ist das Verhältnis der beiden Teile des jeweiligen Diptychons zueinander: Sie sind identisch, und doch stehen sie nicht spiegelbildlich zueinander, sondern sind gegeneinander verdreht: zwei aufeinander bezogene und von einander unabhängige Teile, die zusammengenommen ein in sich geschlossenes untrennbares Ganzes ergeben. Über die plastische Gestalt hinaus behandelt Karin Radoy die Objekte als Bildträger für ihre Malereien: Konsequent und mit hoher Intensität lässt sich die Künstlerin auf die Autonomie der Farbe ein und erprobt ihre Eigenschaften und die daraus resultierende irrationale Wirkung in unmittelbarem Zusammenspiel mit den schwingenden Körpern. Die mit dem Spachtel in 30 bis 40 Schichten und Lasuren aufgetragenen Acrylfarben zaubern marmorierte Oberfl ächen hervor, die in Kombination mit den dreidimensionalen Bildträgern den Eindruck erwecken, haptisch erfahrbar zu sein. In zahlreichen Nuancen entfaltet die Farbe ein pulsierendes Eigenleben, das über die Bildfl äche hinaus in einen eigenen Farb-Raum übergeht. Die Konzentration der Objekte liegt in der senkrechten bzw. leicht schrägen Mittelachse, die die beiden Bildkanten bilden. Als würden die Körper atmen, scheinen sie dialogisch gegeneinander zu schwingen. In diesem Dualismus sieht Karin Radoy den Bezug zu ihrem eigenen Leben, einer Dualität im Ich. Im Einklang mit der Tonalität der sorgsam gewählten Farben vermag diese Dynamik den Betrachter in einen Zustand der Kontemplation zu versetzen. A WOMEN’S VOICE II Annegret Soltau. Leda Luss Luyken. Mona Hakimi Schüler Haleh Gallery Aufkirchner Straße 4 | 82335 Berg | bis 21.2. | Do–Sa 11–16 Uhr Gelegentlich lohnt es sich, den Blick über die Stadtgrenzen hinaus zu richten: zum Beispiel nach Berg am Starnberger See. In dem traditionsreichen Ort hat sich eine kleine, feine und äußerst charmant und kenntnisreich geführte Galerie etabliert, die auf Kunst des Mittleren Ostens spezialisiert ist: Haleh Heydari ist gebürtige Iranerin. Nach ihrer Ausbildung zur Restauratorin arbeitete sie als Konservatorin am Iran Bastan Museum in Teheran. 2006 übersiedelte sie mit ihrer Familie nach Berg und führt seit 2010 ihre Galerie, in der sie auf den Dialog zwischen Ost und West setzt. Ihre aktuelle Ausstellung vereint drei internationale Künstlerinnen, die sich mit weiblicher Identität befassen: die griechische Malerin Leda Luss Luyken (*1957 in Athen), die Iranerin Mona Hakimi Schüler (*1977 in Teheran) und die aus Lüneburg stammende Annegret Soltau (*1946). Gemeinsam ist diesen sehr unterschiedlichen Künstlerinnen, dass sie sich in ihren Werken mit dem Bild der Frau, mit der Rolle der Frau in der Gesellschaft und dem eigenen Ich als Frau auseinandersetzen. Annegret Soltau kennt man seit den 70er- Jahren durch ihre Beschäftigung mit der eigenen Person in verschiedenen Medien. In der Ausstellung ist sie mit Fotovernähungen vertreten, in denen sie über ihr Selbstporträt mit Nadel und Faden collageartig Ausschnitte von anderen Körpern oder Tiermasken näht, die ihre Identität verändern und in Frage stellen. Auf der Rückseite der Arbeiten wird ein abstraktes Bild aus Fäden und Rissen sichtbar. Die Rolle der Frau im Iran zwischen Tradition und Moderne, zwischen Islam und westlicher Kultur hinterfragt Mona Hakimi-Schüler in einem Tableau aus Porträts: einer Variation an Frauen mit unterschiedlich gebundenen Schleiern, mit Kopftuch und Sonnenbrille oder schulterfrei mit Abendfrisur. Besonders für westliche Betrachter faszinierend sind ihre detailreiche Bildcollagen der Serie »stories I live by«, in denen sich Fragmente von Koranseiten, arabischen Schriftzeilen und orientalischen »ichundich«, Mona Hakimi-Schüler Ornamenten mit mythologischen Darstellungen sowie politischen Szenerien auf teils illustrative, teils malerische Weise verbinden. Eine ganz andere künstlerische Position vertritt Leda Luss Luyken, deren großformatige Bildtafeln aus Modulen bestehen, die der Betrachter beliebig neu arrangieren kann. »Now and Then« etwa spannt den Bogen zwischen antiker Venus und moderner Weiblichkeit. Drei Künstlerinnen, drei Kulturen, drei Positionen, die in der kleinen Galerie in Berg ein Anliegen formulieren: dem Frau-Sein in der gesellschaftlichen Debatte eine Stimme zu verleihen. VOYAGER Björn Dahlem Galerie Rüdiger Schöttle Amalienstr. 41 | bis 28.1. | Di–Fr 11–18, Sa 12–16 Uhr Ein bisschen ist es, als käme man in eine dieser Kunst- und Wunderkammern des Barockzeitalters, in denen Fürsten und Adelige Raritäten aus Kunst, Natur und Wissenschaften zusammentrugen, die ihnen kostbar und wichtig erschienen. Nur dass diese Museumsvorläuferwesentlich üppiger ausgestattet waren als die reduzierte Schau in der Galerie Schöttle. Björn Dahlem | M-Konstellation | 2011 | Holz, Stahl, Kupfer, Styropor, Vasen, Barometer, Oliven, Tusche, Schellack, 250 x 139 x 106 cm | Courtesy Galerie Rüdiger Schöttle, Foto: Ulrich Gebert Und doch tritt man auch hier mit großem Staunen an die Vitrinen heran, um zu erkunden, welch wundersame Objekte da so opulent präsentiert werden und aus was für Gegenständen sie sich zusammensetzen; und schließlich, welch geheimnisvolle Botschaft sie dem Betrachter überbringen. Quelle der Inspiration des 1974 in München geborenen Björn Dahlem sind Astrophysik, Kosmologie und Philosophie. Von Hause aus vertraut mit diesen Gebieten – sein Vater ist Physiker – und mit reichlich Wissen um philosophische, religiöse und kunsthistorische Fragestellungen ausgestattet, verarbeitet er die unterschiedlichsten Alltagsgegenstände und Materialien zu poetisch anmutenden Weltmodellen. Seine Installationen und Skulpturen sind voller Referenzen auf kosmische Phänomene und die Ursprünge des Universums. Sie sehen aus wie astronomische Modelle aus dem Deutschen Museum und sind doch weit entfernt von jeglichem wissenschaftlichen Anspruch und den Gesetzen der Physik. Vielmehr stellen sie ein Konglomerat dar aus Erkenntnissen der Forschung, aus mythologischen, religiösen und philosophischen Deutungen, etlichen kunsthistorischen Bezügen, ein wenig Science Fiction und einer Portion Humor. Diesen fi ndet man vor allem in der Wahl der Materialien. Der Veranschaulichung unterschiedlicher Sonnenphasen etwa dienen dem Künstler neben ein paar bemalten Styroporkugeln ein schwarzer Samtball und eine verschrumpelte Zitrone. Der goldblättrige Lebensbaum wiederum steht auf einer Basis aus Spiegeln und Kristallvasen, und zu den Bestandteilen der fragilen »M-Konstellation«, die sich wie eine Kirchturmspitze oder eine schwarze Monstranz über einem polygonen Sockel erhebt, zählen Oliven und ein Barometer. Dieses rätselhafte Objekt nimmt Bezug auf eine Theorie aus dem Bereich der kosmischen Gravitationslehre, mit der ein nicht gelöstes Problem – M = Mystery – physikalisch beschrieben wird. Auch Björn Dahlem bietet keine Lösung an. Er versteht seine Werke als eine Art Denkmodelle, die alle Facetten von Wissenschaft und Weltanschauung bis hin zu Glaube und Hoffnung zur Verfügung stellen, um die Imagination des Betrachters herauszufordern. ||
Kunst muss glaubwürdig sein Wlademir Faccioni bei der Probe Simone Sandroni war 1987 in Brüssel Gründungsmitglied von Ultima Vez und arbeitete bis 1992 in der Compagnie von Wim Vandekeybus. 1996 gründete er in Prag zusammen mit Lenka Flory die Kompanie Déjà Donné, die vom Trasimener See aus mittlerweile 26 Länder Europas, Nordamerikas und Asiens bereist hat. Sandronis Stück »Das Mädchen und der Messerwerfer« wird am zweiten Abend der »englischen Saison« uraufgeführt, zusammen mit Werken von Russel Maliphant und Kenneth MacMillan (das Münchener Feuilleton berichtete in der Dezemberausgabe). mit den Motorrollern und schauen zu und hauen wieder ab. Paare küssen sich und verdrücken sich. In einer solchen Indifferenz und Langeweile versuchen sich auch meine HipHopper, die Zeit zu vertreiben. Wie arbeiten Sie mit dem Ensemble? Es ist nicht einfach, Balletttänzer in eine solche Atmosphäre zu versetzen. Es sind tapfere Performer, sehr diszipliniert, sie arbeiten intensiv an ihren körperlichen Fähigkeiten, wenden unendlich Zeit dafür auf, ihren Körper zu formen, sind fantastische Künstler, sehr präzise und fokussiert. Aber wenn ich sie nun bitte, sich zu öffnen, zu beobachten im gesamten Umkreis von 360 Grad, dass sie mit ihrem Körper auch darauf reagieren können, was irgendwo geschieht – natürlich haben sie selbst totale Körperkontrolle –, dann ist das zwar für sie nicht schwierig, aber es ist für sie etwas komplett Neues, Ungewohntes. Ich arbeite hier nur mit dem Ensemble, bringe keine Tänzer von außen mit ein. So ist es für sie – auch für mich – eine Herausforderung, glaubhaft zu agieren, nicht nur formal. Meine Bewegungsprinzipien beruhen auf der Körpermitte und einer fl exiblen Wirbelsäule. Gerade das Gegenteil ihrer Ausbildung: sie wären damit schon nach einem Jahr aus der Schule gefl ogen. Es gibt da aber kein Richtig oder Falsch. Balletttänzer haben, jeder für sich, fantastische Instrumente, und die Herausforderung für mich besteht darin, das Beste aus jedem einzelnen herauszuholen. Hat sich im Ensemble etwas verändert seit Ihrer Arbeit »Cambio d´abito«? Ich war seit 2008 mehrfach am Haus, auch Leute aus der Besetzung, die mich noch nicht kennen, haben von anderen schon gehört, dass ich ihnen nicht Spezielles beibringen und Ihnen auch nichts wegnehmen möchte. Die Tänzer sind gut vorbereitet, einige machten diverse Trainings, weil sie wussten, dass sie mit mir arbeiten werden. Bei mir gibt es keine statischen Momente, man ist ständig in Bewegung. Welche Musik wird zu hören sein? Ich arbeite mit 48Nord zusammen, Ulrich Müller und Siegfried Rössert, aus München. Die Musik hat verschiedene Ebenen. Sie muss für den Tanz funktionieren. Zweitens muss sie zum Ambiente und zur Atmosphäre passen, die Lenka Flory mit Bühnenbild und Kostümen geschaffen hat. Auf dem Platz passiert alles mögliche: Er ist umgeben von Musik. Wir sind noch auf der Suche – das ist schön, denn auch wenn die Zeit kurz ist, um ein Werk auf die Beine zu stellen, fi nde ich es wichtig, dass noch geforscht wird, dass man auf Abenteuer ausgeht, etwas Neues zu fi nden. Eben nicht auf die Bühne zu bringen, was man schon weiß und kann. Kann Tanz erzählen – nicht im Sinne des klassischen Handlungsballetts –, hat er narrative Qualität? Erzählen Sie vielleicht keine Geschichten, sondern davon, wie man Neues entdeckt? TANZ MÜNCHNER FEUILLETON · JANUAR · SEITE 13 Simone Sandroni choreografi ert mit dem Bayerischen Staatsballett. Ein Gespräch über das Tanzen und das Nichtstun. THOMAS BETZ In einer späteren Ausgabe von »Das Mädchen und der Messerwerfer« merkt Wolf Wondratschek an, »dass die Geschichte, die diese Gedichte erzählen, auch als Libretto für ein Ballett brauchbar sein könnte«. Wie hat der Text Sie gefunden? Ballettdirektor Ivan LiŠka und Wondratschek sind Freunde und der Autor liebt das Ballett. Schon lange bestand der Wunsch, daraus ein Ballett zu machen; aber LiŠka suchte noch nach einem Choreografen. Vor zwei Jahren bekam ich die Anfrage. Als ich das Poem las, wollte ich mich inspirieren lassen, aber es funktionierte nicht. Als Gedicht fand ich es wunderschön, aber ich suche die Grundlagen meiner Arbeit nicht irgendwo draußen, in Musik, in Literatur, sondern im Studio, in den Menschen, mit denen ich arbeite. Im Leben – nicht in anderen Kunstwerken. Ich habe auch schon als Opern- und Theaterregisseur mit Textvorlagen gearbeitet, aber da bringe ich auf die Bühne, was bereits für die Bühne geschrieben ist. Wenn eine Musik – oder ein Buch – wunderbar ist, braucht sie keine Übersetzung. Denn Kunst verwandelt das Leben. Aus Kunst wiederum Kunst zu machen, geht mir zu weit. Sie haben es aber hier getan. Wie? Aus den fünf Figuren bei Wondratschek machte ich erst einmal zwei; aus dem kleinen Zirkus wurde ein kaputter Kinderspielplatz. Was machen sie da? Sie stellen sich zur Schau, sind sehr gleichgültig, sie haben vieles satt. Es ist übrigens an Wondratscheks Text schön, dass jedes Gedicht für sich stehen kann, man braucht nur zufällig eine Seite aufzuschlagen: phantastisch! Ich arbeite so: beweg dich, geh weg, komm wieder – es ist an den Bewegungen also nichts deskriptiv, was die Welt des Textes betrifft. Sie haben also nicht mit Charakteren begonnen zu arbeiten, sondern mit einer Atmosphäre? Nun, ich habe mich eher von der Person Wondratschek inspirieren lassen, von seiner Hingabe, von seiner Körperlichkeit. Wenn wir uns unterhielten, sprachen wir nie über die Tanzproduktion, aber einmal sagte Wolf: »Sie sollten eigentlich nur tanzen, wenn es sonst nichts zu tun gibt.« Das öffnete mir einen Weg. Zu dem Mädchen, dem Messerwerfer, den zwei Frauen und dem Clown habe ich zwei hinzuerfunden, die ich russische Hip- Hopper nenne. Die sind bei den anderen mit dabei, obwohl sie dort eigentlich nichts verloren haben. Dann gibt es ein Netz auf diesem Spielplatz, wie auf einem billigen Asche-Fußballplatz, und dahinter halten sich die gelangweilten Youngsters auf. Apathische, aggressive Teenager, die nichts tun, die Sachen kaputtmachen, die für sich selbst tanzen, die Fußball spielen. Das ist, wie wenn ein Zirkus in einem kleinen Dorf gastiert, und man kommt schon neugierig hin, aber es ist noch zu früh und die Zirkusleute mit ihren zwei Wagen sitzen auf dem betonierten Fleck und essen. Nichts los. Und dann stellen sie Stühle auf für die Omas und die Enkel, dann kommen welche Liebe zum Tanz Konsequent forscht die Münchner Choreografi n Sabine Glenz in emotionalen und atmosphärischen Hybridbereichen, bearbeitet die situative Qualität einer Live-Performance, mit großem Interesse an Zwischentönen und den Abstufungen zwischen Darstellung und Präsenz. In ihrem jüngsten Stück »L.O.V.E.« schickt sie Karen Piewig und Zufi t Simon auf das Rund der Bühne. Präsent sind dabei noch zwei andere Tänzerinnen – Valeska Gert und Rosalia Chladek, Protagonistinnen des Ausdruckstanzes, die unterschiedlicher kaum sein könnten: die Berlinerin Valeska Gert, exzentrische Kabarett-Frau und Schauspielerin mit schneidendem Witz und hellwachem politischem Bewusstsein zum einen, zum andern Rosalia Chladek, die Körperbildung an der Schule Hellerau-Laxenberg studierte und später ihr eigenes Tanzsystem entwickelte und lehrte. Emigrantin die eine, Professorin an den Berliner »Meisterstätten für Tanz« und der »Deutschen Bühne« ab 1940 die andere. Deren unterschiedliche Zugriffe auf Tanz und Bewegung inspirierten Sabine Glenz zu »Anordnungen für zwei Tänzer«. || tb Simone Sandroni bei der Probe | Fotos: Wilfried Hösl Mit Tanz kann man nicht eine Geschichte erzählen, wie in Filmen oder Büchern. Gleichzeitig glaube ich, dass Tanz Aktion ist, und wenn man an der Intensität der Aktion arbeitet, ablesen kann, ob man darum kämpft oder sich behaglich fühlt, oder sich aussetzt – man kann damit einiges erreichen. Aber das bedeutet nicht, zu erzählen: Es trifft geradewegs die Wahrnehmung des Publikums, ohne den Filter der Frage nach dem Warum. Was passiert gerade – darum geht es. Nicht um den narrative Weg, die Erklärung. Ich glaube auch nicht, dass man auf der Bühne realistisch sein kann, man kann glaubhaft sein. Nun gibt es ja viele Arten von Theater, keine hat recht, keine ist besser. Für mich kommt es auf Glaubwürdigkeit an. Sind Sie als Künstler, wenn man Wondratscheks Text betrachtet, nicht einerseits mit dem Messerwerfer verbunden? Sie haben Ziegelsteine geworfen und gefangen in den 80er- Jahren bei Ultima Vez, Sie haben Martial Arts geübt, als Tänzer wie im Zirkus jeden Tag trainiert, sich in den Zustand der notwendigen Konzentration versetzt. Und sind Sie nicht auch mit dem Mädchen verbunden? Die zwar bei kleineren Kunststücken mitmacht, dann auch sich den Messern stellt, aber eigentlich nicht den Formen und Konventionen des Zirkus folgt, sondern offen ist, für alles, was geschieht oder nicht geschieht. Diese Konstellation schafft dramaturgisch Spannung. Sich nicht auszustellen. Du gibst dich einer Aktion hin, aber du bist immer bereit für jede andere Aktion. Ich liebe die Idee, dass man sich fragt, was wird als nächstes geschehen? Das Unvorhersagbare. Viele meiner Arbeiten schuf ich basierend auf der Struktur von Fehlern, von Zufällen: Warum kamst du dazu? Weil ein anderer dies tat, und dann kam etwas Unerwartetes hinzu. Das liebe ich an der Arbeit. Ich schaue gern aus dem Fenster, oder sitze irgendwo, und beobachte die Leute. Das ist eine großartige Vorstellung, immer. Duchamps Ready-Mades berühren mich sehr. Also nimm einen Gegenstand und versuche ihn zu kontextualisieren, versetze ihn in eine andere Umgebung, mach einen Rahmen darum. Ich habe viel von seinem Kunstkonzept gelernt. Denn in der Kunst – das ist klar, dass ich das nicht als erster sage – können wir nichts erfi nden, wir können nur sammeln, nur auswählen. || SIMONE SANDRONI | DAS MÄDCHEN UND DER MESSER- WERFER || RUSSEL MALIPHANT | AFTERLIGHT | BROKEN FALL || KENNETH MACMILLAN | LAS HERMANAS Mo 30. Januar (Premiere) | 19.30 31. Januar, 1.-2. Februar Prinzregententheater | Prinzregentenplatz 12 Karten: 089 21851970 SABINE GLENZ L.O.V.E. – ANORDNUNGEN FÜR ZWEI EI TÄNZER 12.-15. Januar | 20.30 schwere reiter | Dachauerstr. 144 Karten: 089 32494270
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