Edición 17 de Octubre de 2015

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—ocurrida de manera enfática a partir
del accionar de la Sociedad Teosófica—
preparó el terreno para la atracción esotérica.
Mientras que figuras intelectuales
como el alemán Rudolf Steiner o el francés
René Guénon, y también maestros
taumaturgos del estilo del ruso Gurdjieff,
dieron a conocer explícitamente “sabidurías
tradicionales” cuyas vertientes
habían fertilizado desde siempre al orbe
occidental. Todos estos encares tuvieron
alguna incidencia en el acontecer artístico
de la época.
Resurgían paradigmas olvidados de la
experiencia espiritual como el gnóstico
(caracterizado, en dos palabras, por aspirar
a una vivencia libertaria y personal
para trascender el estado común
del hombre), mientras el joven hindú
Krishnamurti comenzaba a atraer con
sus pláticas multitudinarias en las que a
partir cierta base teosófico-budista incitaba
a sus auditorios a liberarse del condicionamiento
de doctrinas e ideologías. Y
al mismo tiempo se sentía fuertemente
la reminiscencia de hermandades esotéricas
de principios del siglo, como la
legendaria orden inglesa de la Aurora
Dorada. Todo lo cual tuvo su directa o
sutil incidencia en aquel hervor estético.
2 aula abierta
Sábado 17 / octubre / 2015
| vanguardias | PRIMER AÑO DE BACHILLERATO
La guerra ha terminado
Luego de finalizada la segunda gran
conflagración mundial se abrió un período
propicio a las rupturas y audacias en
materia artística. Paris volvió a transformarse
en un centro, reiterándose otra
vez la oleada de inmigrantes dedicados
a las actividades culturales que en ella
encontraron un lugar para vivir y estímulos
para crear.
En esos míticos cafés, en las calles antiguas
que dan a los grandes boulevards,
se incubó un importante movimiento
teatral de vanguardia que se conoció
como Teatro del Absurdo. El rumano
Eugene Ionesco, el ruso Arthur Adamov
y el irlandés Samuel Beckett, forman la
trilogía que aportó a la escena ese elemento
—el absurdo en tema, situaciones
y personajes— que la vitalizaría, acompasándola
con el estado de ánimo colectivo
que sucediera a los bombardeos
de Hiroshima y Nagasaki, y aquella
Guerra Fría de los cincuenta con la conciencia
generalizada de que la amenaza
atómica pendía sobre el planeta entero.
Cada uno de ellos tiene un perfil diferente:
mientras que en Ionesco el absurdo
parte de las situaciones cotidianas y es
en lo fundamental de raíz lingüística, en
Beckett es más abarcador y de raigambre
metafísica.
En el teatro se iban a desarrollar en ese
tiempo otras búsquedas. En Alemania
desde antes de la guerra había trabajado
Bertolt Brecht —exilado durante el nazismo—en
el sentido de lograr un encare
dramático frente al cual el espectador se
distanciara y reflexionara en relación a
lo que se le iba presentando en el escenario;
profundizó su trabajo después de
los años bélicos, basándose no sólo en
la carga conceptual de los parlamentos
sino a través de un trabajo actoral realizado
de tal manera que no incluyera
de parte del público la identificación y
la fascinación. Jugó con el recurso de la
detención brusca de la acción, utilizando
carteles que comentaban lo que estaba
sucediendo. Brecht ha logrado plasmar
algunos aportes ineludibles para comprender
la dinámica del arte dramático
del siglo. También en el ámbito del teatro
se pueden tener en cuenta experiencias
como la de Piscator y su “teatro
popular”, y la del polaco Grotowski y su
“teatro pobre”.
En la plástica, desde concepciones como
las de Mondrian —propiciadoras de un
arte geométrico de abstracción cuasi pitagórica—
se evolucionó del otro lado
del Atlántico hacia las propuestas del
“arte abstracto” y luego hacia el “informalismo”.
La ciudad donde se propiciaban
estos experimentos era Nueva York,
que en adelante y hasta el presente le
quitaría a Paris el cetro de capital de la
experimentación en materia de arte. Precisamente
va a ser allí donde tomarán
forma las últimas genuinas vanguardias
del arte plástico. En medio del laberinto
de rascacielos florecerá en los sesenta el
Pop Art, que tomaba como materia lo banal
y lo seriado; la infinita secuencia de
reproducciones de la imagen de Marilyn
Monroe o de una lata de las populares
Sopas Campbell’s, son ejemplos paradigmáticos
de este movimiento.
Diez años más tarde se hará notar el
Hiperrealismo —donde la figura humana
se detalla a tal punto que sale a luz su
condición de “cosa”— , mientras que del
Happening, que había florecido un poco
antes, derivarán hasta el día de hoy las
“instalaciones” y “performances” que
tantas veces sustituyen ahora a la exposición
convencional. En Nueva York
se van a dar también algunas audacias
teatrales como las propiciadas por el Living
Theatre, y experiencias cinematográficas
nada complacientes como las que
se agruparon bajo la denominación de
New American Cinema, que dejó películas
emblemáticas como El señor de las
moscas.
En otra parte del mundo, en Dinamarca,
Caligrama
de Sephane
Mallarme, un
enorme poeta
de Francia
comenzaba a desarrollarse
por
los años cincuenta
una apasionante
aventura
teatral: el Odín
Teatret de Eugenio
Barba. Experiencia
radical
en su postura contracultural, que si bien
asentada en los países nórdicos es realizada
por un equipo con integrantes de
diversas nacionalidades, con influencia
además de Brecht y de Grotowski, del teatro
oriental y de rituales antropológicos
de diversos lugares. De cierta manera el
Odín se postuló como un espacio babélico
en busca de un “cosmos” a partir del
“caos”, generando una suerte de “lingua
franca” escénico-textual que ha fertilizado
innumerables experiencias teatrales
hasta hoy.
Un día después de las vanguardias
Los años ochenta y noventa fueron un
período estrictamente post-vanguardista.
Continuaron por supuesto diversas
propuestas renovadoras de parte de muchos
artistas y de grupos de ellos, pero
lo incontrovertible es que el ambiente
cultural en general mostró signos de agotamiento
en cuanto a audacias e invenciones
auténticas.
El arte de hoy tiende al eclecticismo,
negándose al encierro en una sola vía,
utilizando recursos y hallazgos de “ismos”
hasta hace no mucho antagónicos,
sincretizando todo eso en una perspectiva
omnívora y abierta (en el sentido
planteado hace varias décadas atrás por
Umberto Eco en el libro titulado justamente
Obra abierta).
Latinoamérica y los cambios en las artes
Nuestro continente recibió de muchas
formas el impacto de tan hondas transformaciones.
Aunque también hubo
propuestas verdaderamente originales
surgidas en esta parte del mundo. El
Modernismo Literario fue la primera y
más conocida de ellas y la que ha dejado
un halo más permanente. Tuvo la virtud
de sacudir la avejentada retórica de un
Romanticismo que se había extendido
demasiado tiempo, y sintonizó a los poetas
con lo que habían sido novedades europeas
recientes como el Parnasianismo
y el Simbolismo. La postura modernista
fue de un deliberado cosmopolitismo en
lo temático, internándose en la búsqueda
formal del verso elaborado, musical
y sugerente, de una exquisitez que se
correspondía con el gusto de época que
fuera marcado en su costado radical por
el “art nouveau”. Rubén Darío está considerado
el máximo representante del
Modernismo y su escritor más influyente.
Pero figuras como la de Julio Herrera
y Reissig están siendo revaloradas
cada vez más; la mejor crítica destaca la
vitalidad y vigencia de la obra del uruguayo
en este fin de siglo.
Ya internándonos en el siglo XX, tenemos
por un lado al Ultraísmo, que si bien fue
iniciado en España tuvo su notoria etapa
rioplatense de la mano del Jorge Luis
Borges de los primeros tiempos y de
revistas como Proa y Martín Fierro. Su
influencia resultó bastante módica, pero
dejó sedimentos tales como el abandono
de la rima y la puntuación tradicional,
así como el desapego a lo anecdótico. El
Creacionismo resultó a su vez una propuesta
casi solitaria del chileno Vicente
Huidobro. En el fondo de la misma late
el intento de acercar la poesía a una posible
estética de profunda raíz original. El “
hacer un poema como la naturaleza hace
un árbol” tiene claros puntos de contacto
con el texto aymará que dice:“No cantes
a la lluvia, haz llover” .
En 1922 se llevó a cabo en San Pablo la
Semana del Arte Moderno, donde aparecen
poetas como Manuel Bandeira, Mario
y Oswald de Andrade. En esa instancia
surgió otro movimiento “modernista”,
claramente sintonizado con el desarrollo
de las vanguardias europeas, pero con
ese toque propio y original que le da a
todas estas propuestas latinoamericanas
su tono peculiar. Mientras tanto, en México
se desplegaba el Estridentismo, cuya
figura central fue Manuel Maples Arce,
con una entonación audaz pero leve.
Y si de rupturas y cambios se habla, no
puede quedar fuera el peruano César
Vallejo, quien desde Los heraldos negros
y pasando por el crisol alquímico
de Trilce, mostró en Poemas humanos
—además de hondura, concisión y
originalidad poética— una provechosa
asimilación de los “ismos” anteriores en
función de una voz auténticamente amerindia.
De un período más reciente es el Concretismo,
corriente también poética surgida
en San Pablo, Brasil, que llevaron adelante
los hermanos Haroldo y Augusto
De Campos junto a Decio Pignatari. El
lirismo como tal deja de formar parte
del texto y el lenguaje se torna motivo
de análisis en el proceso de la escritura.
La influencia del Concretismo ha sido
fuerte en su país de origen, y más diluida
aunque detectable en el resto de la
poesía continental.
El gran auge de la novela de nuestro
continente, que comenzara luego de los
cincuenta afianzándose en los años posteriores,
es un formidable ejemplo de
asimilación a ese género de los diversos
hallazgos vanguardistas a los que nos
hemos referido. Si tomamos a narradores
de la talla del cubano Alejo Carpentier,
el colombiano Gabriel García
Márquez y el argentino Julio Cortázar,
encontramos en sus mejores obras una
sabia utilización tanto de elementos surrealistas,
como de rupturas joyceanas,
así como también influencias del cine y
de la plástica moderna.
Alejandro Michelena
La primera versión de este ensayo fue publicada
en 1988 en la revista Hoy es Historia. Una
segunda en la revista Graffiti (1996). Esta es una
versión definitiva, corregida y mejorada