Filmakademie Baden-Württemberg Campus Magazin 21/22

CAMPUS MAGAZIN
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
CAMPUS MAGAZIN
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
ZWANZIG
EINUNDZWANZIG
EINUNDZWANZIG
ZWANZIG
ZWEIUNDZWANZIG

CAMPUS CAMPUS MAP MAP
Im Bereich der Verwaltung Im Bereich umfassen der Verwaltung die umfassen die Das Ausbildungsangebot Das Ausbildungsangebot spiegelt die ganze Bandbreite spiegelt di
Zuständigkeiten u.a. Zuständigkeiten das Studierenden- u.a. das Studierenden- der Themen der Medienbranche der Themen wider, Medienbranche von Drehbuch, wi
Regie und Kamera bis Regie zu Animation, und Kamera Szenenbild bis zu Animatio
Rechnungswesen, den Rechnungswesen, Jahresabschluss, den Jahresabschluss, und Montage, von Produktion, und Montage, Filmmusik von Produktion, und Film
Die technischen Bereiche Die technischen der Filmakademie Bereiche der Filmakademie
Controlling, Risikomanagement,
Controlling, Risikomanagement,
Sounddesign bis zu Motion Sounddesign Design bis und zu Interaktive Motion Design
stellen die technische stellen Infrastruktur die technische für Infrastruktur Beschaffungen, für Rechtsfragen, Beschaffungen, die Stellen-, Rechtsfragen, die Stellen-, Medien, verteilt auf 3 Medien, Studiengänge: verteilt auf 3 Studiengänge
Verwaltung, Lehre und Verwaltung, Produktion Lehre sicher. und Produktion Personalplanung sicher. und Personalplanung Personalentwick-
und Personalentwick-
IT-OfficeNet
lung sowie die Allgemeine lung sowie Verwaltung die Allgemeine Verwaltung Film und MedienFilm und Medien
und Betriebsorganisation. und Betriebsorganisation.
Filmmusik und Sounddesign
Filmmusik und Sounddesign
Kino
Kino
Allg. VerwaltungAllg. Verwaltung
Mobile Technik (Rental) Mobile Technik (Rental)
Bibliothek Bibliothek
Studios Studios
Castingbüro Castingbüro
Videoschnitt Videoschnitt
Finanz- & Rechnungswesen
Finanz- & Rechnungswesen
Werkstatt Szenenbild Werkstatt Szenenbild
Kfm. VerwaltungKfm. Verwaltung
TECHNIK
IT-OfficeNet
TECHNIK
Management, das Finanz- Management, und das Finanz- und
Personal & Honorare Personal & Honorare
Studienreferat
Studienreferat
Verwaltung Lehre Verwaltung Lehre
VERWALTUNG VERWALTUNG
Produktion
Produktion
Workshops für Externe: Workshops für Externe:
Filmschauspiel Filmschauspiel
Im Filmschauspielworkshop Im Filmschauspielworkshop und dem englischspra-
und d
chigen International chigen Screen International Acting Workshop Screen können Acting
junge Schauspieltalente junge 8 Wochen Schauspieltalente lang ihre klassische 8 Wochen
Ausbildung um das Fach Ausbildung Filmschauspiel um das Fach erweitern. Filmschau
Unter gezielter Anleitung Unter der gezielter dozierenden Anleitung Branchen-
der dozie
profis werden Unterrichts profis inhalte werden in Unterrichts theoretischen inhalte in
und praktischen Übungen und praktischen vermittelt. Übungen vermitte
AKADEMIE AKADEMIE
FÜR DARSTELLENDE
FÜR DARSTELLENDE
KUNST KUNST
Die benachbarte ADK Die bereitet benachbarte Studierende ADK bereitet Studierende
umfassend – und deutschlandweit umfassend – und in der deutschlandweit in der
Kombination einmalig Kombination – auf Berufe einmalig für die Bühne – auf Berufe für die Bühne
und den Film vor. Die und interdisziplinäre, den Film vor. Die praxis- interdisziplinäre, und praxis- und
projektorientierte Ausbildung projektorientierte erfolgt in Ausbildung jahrgangs- erfolgt in jahrgangsund
studiengangsübergreifender und studiengangsübergreifender Zusammenarbeit Zusammenarbeit
zwischen Regie, Dramaturgie, zwischen Schauspiel Regie, Dramaturgie, und Schauspiel und
Bühnen- und Kostümbild. Bühnen- und Kostümbild.
ATELIER ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
LUDWIGSBURG-PARIS
Das Atelier Ludwigsburg-Paris Das Atelier ist Ludwigsburg-Paris eine von der EU geförderte ist eine von der EU geförderte
einjährige Weiterbildung einjährige für angehende Weiterbildung Filmproduzent*innen
für angehende Filmproduzent*inne
und Verleiher*innen und mit Verleiher*innen entsprechendem mit Vorstudium. entsprechendem Vorstudium.
Es ist eine inhaltlich Es autonome ist eine inhaltlich Einrichtung autonome unter dem Einrichtung Dach unter dem Dach
der Filmakademie. der Filmakademie.
ALUMNI-NETZWERK
ALUMNI-NETZWERK
FÖRDERVEREIN FÖRDERVEREIN
ASTA
ASTA
Das Alumni-Netzwerk Das sorgt Alumni-Netzwerk für einen sorgt für einen
Der Förderverein der Der Filmakademie Förderverein Baden-Württemberg
der Filmakademie Baden-Württemberg Der Allgemeine Studierendenaussch
Der Allgemeine
regelmäßigen Kontakt regelmäßigen und Austausch Kontakt mit den und Absolventinnen
Austausch mit den Absolventinnen e.V. wurde 1993 gegründet e.V. wurde und hat 1993 inzwischen gegründet über und hat 400 inzwischen über jedes 400 Studienjahres unmittelbar jedes Studienjah von
und Absolventen der und Filmakademie, Absolventen etwa der Filmakademie, durch die Pflege etwa der durch die Pflege der Mitglieder. Er ist als Mitglieder. gemeinnütziger Er ist Verein als gemeinnütziger steuerlich Verein steuerlich gewählt. Er vertritt die gewählt. Belange Er der vertS
Alumni-Homepage, das Alumni-Homepage, Versenden von Newslettern, das Versenden die von Organisation
von Veranstaltungen sation von und Veranstaltungen die Weiterleitung und von die Weiterleitung von Leistungsförderung ausgerichtet.
Leistungsförderung ausgerichtet.
unterstützende Aufgaben unterstützende im DiensteA
Jobangeboten. Jobangeboten.
der Filmakademie wahr. der
Newslettern, die Organi-
anerkannt und entsprechend anerkannt seiner und entsprechend Satzung auf die seiner Satzung auf und die außerhalb der Filmakademie und außerhalb und
Filmakadem

e ganze Zudem Bandbreite werden folgende Zudem werden folgende
der, von Diplomaufbaustudiengänge Drehbuch, Diplomaufbaustudiengänge angeboten: angeboten:
n, Szenenbild
musik und
Animation / Animation /
und Interaktive
Animation & Effects Animation Producer & Effects Producer
:
Animation / Technical Animation Director / Technical Director
Fernsehjournalismus Fernsehjournalismus
Filmmusik Filmmusik
Das Animationsinstitut Das ist Animationsinstitut Teil der ist Teil der
Filmakademie, es verfügt Filmakademie, zugleich in es vielen verfügt zugleich in vielen
Filmton / Sounddesign Filmton / Sounddesign
Bereichen über eigene Bereichen organisatorische über eigene organisatorische
Interaktive Medien Interaktive Medien
Strukturen. Strukturen.
Motion Design Motion Design
Szenenbild Szenenbild
em englischspra-
LEHRE
Workshop können
lang ihre klassische
spiel erweitern.
renden Branchentheoretischen
lt.
LEHRE
Lehre
Lehre
Forschung & Entwicklung Forschung & Entwicklung
Die FMX ist eine weltweit Die FMX einflussreiche
ist eine weltweit einflussreiche
Fachkonferenz, in deren Fachkonferenz, Zentrum die in deren Zentrum die
Management
Technik
Stabsstellen
Management
Technik
Stabsstellen
Entwicklung und Trends Entwicklung in Design, und Technologie Trends in Design, Technologie
und Business von Animationsfilmen, und Business von visuellen Animationsfilmen, visuellen
Effekten, interaktiven Effekten, und immersiven interaktiven Medien und immersiven Medien
stehen.
stehen.
ANIMATIONSINSTITUT
ANIMATIONSINSTITUT
FMX FMX
GESCHÄFTSFÜHRUNG
GESCHÄFTSFÜHRUNG
Die Geschäftsführung Die ist Geschäftsführung im Bereich der Lehre ist im u.a. Bereich zuständig der Lehre u.a. zuständig
für die Konzeption, Planung für die Konzeption, und Umsetzung Planung der und Lehre, Umsetzung der Lehre,
die Akquisition der Lehrenden, die Akquisition Studienkoordinator*innen der Lehrenden, Studienkoordinator*innen und
und
Projektbetreuer*innen, Projektbetreuer*innen, Drittmittelproduktionen, Drittmittelproduktionen, die Entwicklung
des Medienstandortes lung des für Medienstandortes Alumni und Existenzgründun-
für Alumni und Existenzgründun-
die Entwickgen
sowie die Zusammenarbeit gen sowie die mit Zusammenarbeit regionalen und überregionalen
Sendern und Produktionsfirmen.
nalen Sendern und
mit regionalen und überregio-
Produktionsfirmen.
n
STABSSTELLEN STABSSTELLEN
Die Stabsstellen sind Die der Stabsstellen sind der
Geschäftsführung direkt Geschäftsführung zugeordnet. direkt zugeordnet.
GLEICHSTELLUNG GLEICHSTELLUNG
Assistenz des Direktors Assistenz des Direktors
Controlling Controlling
Drittmittel Drittmittel
Festivals Festivals
Internationales Büro Internationales Büro
Justiziar Justiziar
Presse- & Öffentlichkeitsarbeit
Presse- & Öffentlichkeitsarbeit
Referent des Direktors Referent des Direktors
Stipendien / Pitchings Stipendien / Pitchings
Studienleitung / Studienleitung /
uss Studierendenausschuss wird zu Beginn wird zu Beginn Die Filmakademie setzt Die sich Filmakademie für die verfassungsrechtlich
setzt sich für die verfassungsrechtlich Transmedia Koordination Transmedia Koordination
res der unmittelbar Studierendenschaft von der Studierendenschaft gebotene Chancengleichheit gebotene von Chancengleichheit Frauen und Männern von Frauen und Männern Vertrieb & Lizenzen Vertrieb & Lizenzen
ritt tudierenden Belange innerhalb der Studierenden innerhalb ein und wirkt auf die ein Beseitigung und wirkt bestehender auf die Beseitigung Nachteile bestehender Nachteile
d er nimmt Filmakademie beratende und und nimmt beratende für Frauen und hin. Die Beauftragten für Frauen hin. für Die Chancengleichheit
Beauftragten für Chancengleichheit
der ufgaben Studierendenschaft
im Dienste der Studierendenschaft beraten und unterstützen beraten Frauen und unterstützen und Männer Frauen bei und Männer bei
ie wahr.
beruflicher Förderung, beruflicher Beseitigung Förderung, von Benachteiligung
Beseitigung von Benachteiligung
und Fragen der Vereinbarkeit und Fragen von der Beruf Vereinbarkeit und Familie von sowie Beruf und Familie sowie
der Vereinbarkeit von der Beruf Vereinbarkeit und Pflege. von Beruf und Pflege.

EDITORIAL

30! Something
Vor 30 Jahren nahm die Filmakademie
Baden-Württemberg ihren Lehr- und Produktionsbetrieb
auf. Trotz der Corona-Pandemie
wollten wir es uns nicht nehmen lassen, dieses Jubiläum
im Rahmen der Möglichkeiten zu feiern. Diese
Möglichkeiten waren durchaus eingeschränkt. Die Veranstaltungen
der Festwoche vom 12.–16. Juli mussten mit nur
etwa 100 Gästen vor Ort stattfinden, viele Inhalte wurden
online zur Verfügung gestellt. Die Planungen mussten
hinsichtlich der aktuell geltenden Hygiene- und Abstands-Verordnungen
ständig angepasst werden.
Zu dieser breiten Palette an Veranstaltungen gesellte sich
zum Abschluss noch ein Festakt, der allerdings auch einen
für uns traurigen Programmpunkt beinhaltete: die
Verabschiedung von Prof. Jochen Kuhn, seit Beginn Leiter
der experimentellen Spielwiese der Filmakademie,
des Studienfachs Filmgestaltung 1. Als Filmemacher, Maler,
Pädagoge und einzigartige Persönlichkeit hat Jochen
Kuhn diesen Bereich so geprägt, dass ich – in Anlehnung
an ein Bonmot von Loriot – versucht bin zu sagen:
Eine Filmakademie ohne Jochen Kuhn ist möglich,
aber sinnlos.
Dennoch blicke ich zufrieden und dankbar auf diese
Festwoche zurück. „30 Something“ hieß das Motto des
Jubiläums, das gern auch als „Something special!“ mit
dickem Ausrufezeichen verstanden werden soll. Denn
wir können durchaus stolz sein auf den Weg, den die
Filmakademie seit ihrer Gründung durch Prof. Albrecht
Ade genommen hat. Die Festwoche bot uns die Möglichkeit,
die Hochschule in all ihrer Vielfalt darzustellen, die
sie im Lauf der vergangenen 30 Jahre entwickelt hat:
Bei „Screen.Time international“ konnten Studierende
und Alumni ihre aktuellen Projekte einem Fachpublikum
aus der Film-, Fernseh- und Medienbranche vorstellen.
Der Förderverein der Filmakademie zeichnete
studentische Projekte mit dem Caligari Award aus. Der
neue Kurzgeschichtenband „Sommer“ mit Erzählungen
von Studierenden der FABW und der Akademie für
Darstellende Kunst feierte seine Premiere.
Dennoch muss und wird es natürlich weitergehen. Die
Filmakademie Baden-Württemberg hat es immer verstanden,
innovative Konzepte zu entwickeln und sich
neu zu erfinden. Deshalb blicke allen Widrigkeiten zum
Trotz optimistisch in die Zukunft und auf die wartenden
Herausforderungen, wie z.B. die fortschreitende Internationalisierung
der Filmakademie, noch stärkere
Synergien zwischen den Institutionen des Campus, oder
die weitere Förderung von Gendergerechtigkeit und Diversität.
Jede Herausforderung birgt viele Möglichkeiten,
die Zukunft positiv zu gestalten. Deshalb freue mich auf
das, was da noch kommt!
Herzlich
Prof. Thomas Schadt
Direktor der Filmakademie Baden-Württemberg
Nicht nur in den Geschichten dieses Bandes spüren wir
eine immer stärkere Sensibilität der Studierenden für
drängende, gesellschaftlich relevante Fragen. So fand
auch ein Diskussions-Panel mit Alumni zum Thema
„Gender & Diversity“ statt, und eine Gesprächsrunde mit
Studierenden und Alumni der FABW beschäftigte sich
mit Leben und Identität junger jüdischer Menschen in
Deutschland.
3

INHALT
3
EDITORIAL
Prof. Thomas Schadt,
Direktor der Filmakademie
Baden-Württemberg
6
34
CAMPUS LUDWIGSBURG
94
DAS ATELIER
LUDWIGSBURG-PARIS
SPOTLIGHT:
30 JAHRE FABW
Grußwort: Petra Olschowski (S. 6)
Interview: Prof. Albrecht Ade (S. 9)
Festwoche: Nachbericht (S. 15)
46
EIN ÜBERBLICK ÜBER DAS
STUDIUM AN DER
FILMAKADEMIE
104
FILMGESTALTUNG 2
ANIMATION
20
SPOTLIGHT:
ABSCHIED
PROF. JOCHEN KUHN
Interview Jochen Kuhn (S. 20)
30 Jahre – 30 Statements (S. 26)
50
STECKBRIEF: DREHBUCH
51
STECKBRIEF: EXECUTIVE &
LINE PRODUCING
52
105
FILMGESTALTUNG 2
NEUE MEDIEN
106
INTERNATIONAL
NETWORKS
112
DOZIERENDE IM PORTRÄT:
PROF. HEIDI SPECOGNA
DAS ANIMATIONSINSTITUT
32
STECKBRIEF:
BILDGESTALTUNG/KAMERA
92
122
4
33
STECKBRIEF:
DOKUMENTARFILM
STECKBRIEF:
FERNSEHJOURNALISMUS
93
STECKBRIEF:
FILMGESTALTUNG 1
STECKBRIEF: FILMMUSIK
123
STECKBRIEF:
FILMTON/SOUNDDESIGN

124
ALUMNI IM FOKUS:
KONSTANTIN FLEMIG
142
FABW INSIDE - MEET THE
STAFF: BERND-SIEGFRIED
MICHALEK
152
ALUMNI IM FOKUS:
CATALINA FLOREZ, SILVANA
SANTAMARIA (SOILFILMS)
130
MAKING-OF “SEEPFERDCHEN”
134
STECKBRIEF:
MONTAGE/SCHNITT
135
ZWANZIG JAHRE
MONTAGE/SCHNITT
146
STECKBRIEF:REGIE 2
147
STECKBRIEF:
SERIEN PRODUCING
148
SPOTLIGHT: DIVERSITÄT,
ANTIDISKRIMINIERUNG UND
GLEICHSTELLUNG
ANTIRASSISMUS-TAGE
160
STECKBRIEF: WERBEFILM
161
STECKBRIEF: FILMSCHAUSPIEL
163
EDITION FABW
165
AUFTRAGSPRODUKTIONEN
140
STECKBRIEF: MOTION DESIGN
141
STECKBRIEF:
PRODUKTION
150
STECKBRIEF: SZENENBILD
151
STECKBRIEF:
SZENISCHER FILM
166
FÖRDERVEREIN
CALIGARI PREIS
5

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
REDE ZUM FESTAKT AM 16. JULI 2021
Petra Olschowski MdL
STAATSSEKRETÄRIN IM MINISTERIUM FÜR WISSENSCHAFT,
FORSCHUNG UND KUNST BADEN-WÜRTTEMBERG
UND VORSITZENDE DES AUFSICHTSRATS DER FABW
Ich erinnere mich, wie dieser Platz
hier vor 30 Jahren aussah: nur blanke
Kaserne, Parkplatz und Brache.
Heute ist der Akademiehof zu einem beeindruckenden
Mediencampus mit internationaler
Strahlkraft avanciert. Er ist Heimat für die
Filmakademie mit ihrem Animationsinstitut geworden
und vereint sie mit dem Atelier Ludwigsburg-Paris
und der Akademie für Darstellende
Kunst Baden-Württemberg. Es ist mir jedes Mal
eine große Freude, auf diesem Gelände unterwegs
zu sein!
Die Weichen, die Sie gestellt haben, haben sich in jeder
Hinsicht bezahlt gemacht.
Denn bis heute sind daraus rund 2.400 Absolventinnen
und Absolventen geworden.
Betreut und unterrichtet werden sie von hochkarätigen
Fachleuten aus der Film-und Medienbranche, die
es sich zur Aufgabe gemacht haben, die nächste Generation
künstlerischer Persönlichkeiten auf ihre berufliche
Praxis und zugleich auf ihre gesellschaftliche Aufgabe
als kritisch reflektierende Meinungsbilderinnen
und Meinungsbildner vorzubereiten.
Mein Dank geht an das hochmotivierte Kollegium, an
all die kompetenten Fachleute und UnterstützerInnen
für das langjährige Engagement und für Ihr Herzblut,
aber auch an die Studierenden. Mein Dank gilt dabei
natürlich auch besonders Ihnen, lieber Herr Professor
Kuhn, als scheidendem Professor für Filmgestaltung
und als Gründungsmitglied der Filmakademie.
Ich freue mich auf Ihre Festansprache später.
Wie Ministerpräsident Kretschmann in seiner
Videobotschaft zurecht gesagt hat, dieses Engagement
hat Früchte getragen:
1991 fand die Gründung der Filmakademie noch in den
provisorischen Räumlichkeiten in der Rheinlandstraße
statt. Damals konnten sich 82 Studierende einschreiben.
Viele kamen von der Stuttgarter Kunstakademie
nach Ludwigsburg.
Das sieht man nicht zuletzt daran, dass zahlreiche studentische
Produktionen der Filmakademie regelmäßig
Preise bei namhaften internationalen Filmfestivals gewinnen.
Ministerpräsident Winfried Kretschmann hat
vorhin einige Beispiele genannt.
Lieber Herr Professor Ade,
Sie haben mit der Entscheidung für den Umzug in den
Akademiehof und seinen Ausbau großen Weitblick bewiesen.
Das zeigt sich heute!
Ich danke Ihnen herzlich für Ihr großes Engagement
und für all die Jahre, die Sie als Gründungsdirektor
und künstlerischer Leiter der Filmakademie tätig
waren.
Genau diese Erfolge und die damit verbundene Motivation
brauchen wir, um uns für die kommenden Herausforderungen
einer sich permanent verändernden
Film- und Medienwelt zu rüsten und weiterhin mit der
Filmakademie und dem Animationsinstitut zur Spitze
der Filmhochschulen zu gehören.
Damit dies gelingt, hat die Filmakademie 2018 im
Auftrag von Ministerin Theresia Bauer und dem
6

Aufsichtsrat, dem ich seit fünf Jahren vorsitzen darf,
ihr „Strategiepapier 2030“ vorgelegt, das nun umgesetzt
wird.
Ich bin sehr froh und dankbar, dass es mit Unterstützung
durch den Landtag von Baden-Württemberg gelungen
ist, ab 2020 der Filmakademie 2,6 Millionen
Euro mehr Budget zur Verfügung zu stellen.
Diese zusätzlichen strukturellen Mittel des Landes ermöglichen
der Filmakademie die Umsetzung ihrer
strategischen Ziele und damit gleichzeitig die Erhaltung
und Weiterentwicklung ihrer Exzellenz unter den
Filmhochschulen.
Zentrale Ziele sind dabei unter anderem die Internationalisierung
und der Ausbau des Animationsinstituts.
Stoffentwicklung und Produktionsvorbereitung hochwertiger
Projekte.
Außerdem wurden bereits die Fördermöglichkeiten
für Dokumentarfilme ausgeweitet.
Animation und Visuelle Effekte bleiben zudem unser
Aushängeschild und zentraler Schwerpunkt, was sich
mit zusätzlichen Haushaltsmitteln abbildet, die hier
fließen.
Zugleich braucht der Games-Bereich, der auch für den
Gesundheits- oder Industriebereich immer wichtiger
wird, unsere Unterstützung, um hier bundesweit konkurrenzfähig
zu sein.
Hierfür haben wir bereits mit „Games BW“ eine eigene
Förderlinie etabliert.
Diese Förderung des Wissenschaftsministeriums bildet
eine wichtige Basis für die Zukunft der Filmakademie
in Ludwigsburg. Aber wir als Ministerium müssen
auch darüber hinausdenken: Unsere Aufgabe ist es, Baden-Württemberg
als Filmstandort ganzheitlich zu entwickeln
und nachhaltig zu stärken.
Für die neue Filmkonzeption 2020 haben wir deshalb
eineinhalb Jahre Gespräche mit der ganzen Filmbranche
und den Filmhochschulen geführt und gefragt:
Wie können wir uns in Zukunft als Filmland gleichermaßen
künstlerisch wie wirtschaftlich, auch in der
Ausbildung, erfolgreich aufstellen?
Und hierzu leistet die Filmakademie in allen Bereichen,
die wir dabei betrachtet haben, einen zentralen Beitrag.
Die rasanten technischen Entwicklungen innerhalb der
Neuen Medien und der Animation, die Veränderungen
des Filmmarkts durch Streaming-Dienste, Internationalisierung
und globale Entwicklungen haben gezeigt:
Wir müssen beweglich und offen bleiben.
Hinzu kommt die FMX, die erfolgreich über die
Filmakademie etabliert wurde.
Sie ist in der Zwischenzeit zu einer der international
wichtigsten Veranstaltungen für Animation, Visuelle
Effekte, Computerspiele und digitale Postproduktion in
Europa geworden.
Auch das Animation-Media-Cluster (AMCRS) mit seinen
kreativen Dienstleistern, den Hochschulen und
der Filmakademie soll sich fortentwickeln und seine
internationale Sichtbarkeit stärken.
Zudem soll die erfolgreiche Kooperation der
Filmakademie mit der Akademie für Darstellende Kunst
Baden-Württemberg im Bereich Filmschauspiel intensiviert
werden.
Doch neben diesen zentralen Schwerpunkten haben
sich neue gesellschaftliche Aufgabenfelder herausgebildet,
die ebenfalls zu einer zeitgemäßen Film- und
Medienpolitik gehören und gleichermaßen für die
Ausbildung an der Filmakademie relevant sind – lassen
Sie mich drei Beispiele nennen:
Die Filmakademie ist dabei eine der tragenden Säulen.
Hier lernen zukünftige Filmprofis, sich von Anfang
an international zu behaupten, eine klare, verantwortungsvolle
Haltung als Filmschaffende herauszubilden
– und zugleich eine künstlerische Handschrift.
Das ist die Basis – auch für uns.
Von hier ausgehend, umfasst unsere Filmförderstrategie
zusammen mit der MFG weiterhin im Zentrum
den Spiel- und Dokumentarfilm. Aber die Entwicklung
zeigt: Stärker unterstützen müssen wir in Zukunft die
1. Frauen sind noch immer bundesweit wie auch in
Baden-Württemberg stark in der Filmpraxis unterrepräsentiert.
Und Diversität vor und hinter der Kamera
ist noch keine Selbstverständlichkeit.
Hochschulleitung, Betriebsrat und Gleichstellungsbeauftragte
der Filmakademie erarbeiten daher kontinuierlich
Maßnahmen, um für Themen wie Rassismus
oder Diskriminierung zu sensibilisieren.
Hierzu gehören auch das Gendermonitoring der
Filmakademie, das Unterrichtsangebot „Gender in
Progress“ oder das langjährige Engagement von
7

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
Studentinnen und Absolventinnen der Filmakademie
als Mentorinnen für das ganzjährige Coaching-Programm
und Kurzfilmfestival GIRLS GO MOVIE, damit
Filmen auch endlich in der Praxis zur ganz normalen
Frauensache wird.
2. Corona hat zudem gezeigt:
Medienkompetenz für Kinder und Jugendliche ebenso
wie für Erwachsene ist so wichtig wie nie zuvor!
Auch hier engagiert sich die Filmakademie beispielhaft
als Betreiberin des Kinderfilmhauses in Ludwigsburg.
3. Das Land Baden-Württemberg steht zudem für einen
verantwortungsvollen Umgang mit der Umwelt.
Wir brauchen ein starkes Bewusstsein für ökologische
Werte auch in der Filmkultur.
In enger Kooperation der Filmakademie mit der MFG
Filmförderung werden neue Standards für nachhaltige
Filmproduktion erarbeitet.
zu etablieren und interkulturell zu arbeiten. Dazu gehören
englisch-deutschsprachige Studiengänge ebenso
wie Forschung und Entwicklung oder der Ausbau von
weltweiten Kooperationen.
Es braucht dafür einen hohen Grad an Flexibilität in
der Ausbildung. Und schließlich müssen wir dafür sorgen,
unseren hochausgebildeten Talenten Perspektiven
vor Ort zu schaffen.
Die Herausforderung liegt nun darin, diese vielen
Aufgaben in Zukunft zusammenzuführen und sie im
Rahmen der Gesamtstrategie 2030 weiter umzusetzen.
Dafür werde ich mich persönlich weiter stark machen.
Heute aber lassen Sie uns erst einmal feiern:
Ich gratuliere der Filmakademie herzlich zu ihrem
30-jährigen Jubiläum und danke für das bisher Geleistete!
Ich weiß, dass die letzten fast anderthalb Jahre insbesondere
für die Studierenden – auch hier an der
Filmakademie – eine besonders schwierige Zeit gewesen
sind. Wir sprechen von Praxiserfahrung und Internationalisierung,
von Netzwerken, Kooperationen und
vom besonderen Charme, der von diesem Campus ausgeht.
Und genau das alles hat man zuletzt kaum spüren
und erfahren können. Ich möchte die Gelegenheit
daher heute auch nutzen, um Ihnen allen – den Mitarbeiterinnen
und Mitarbeitern, den Lehrenden und Studierenden
herzlich zu danken dafür, dass Sie alle diese
komplizierte Situation so gut hingekriegt haben.
Lassen Sie mich zum Schluss noch in die nahe Zukunft
blicken.
Dabei möchte ich besonders die herausragenden Leistungen
im Rahmen von Forschung und Entwicklung
an der Filmakademie und ihrem Animationsinstitut
hervoreben.
Innovationen im Rahmen von Virtual Reality, maschinellem
Lernen oder durch die Entwicklung von international
verwertbaren IPs verstärkt ins Studium und in
Filmprojekte zu integrieren, birgt ein enormes Potenzial
für den Standort. Hier können wir eine weltweite
Spitzenposition erreichen.
Mein großer Dank gilt besonders Ihnen, lieber Herr
Professor Schadt, für Ihre unglaublichen Verdienste
und Ihr großes Engagement.
Sie haben die Filmakademie in den 16 Jahren
Ihrer Tätigkeit als künstlerischer und kaufmännischer
Geschäftsführer zu einer national sowie international
renommierten Filmhochschule ausgebaut und die
Qualität der Lehre und des Studiums immer wach für
neue Entwicklungen weiterentwickelt. Nach Professor
Ade sind Sie die prägende Figur, der prägende Kopf in
der Geschichte dieser Akademie. Immer nah an den
Themen, den Dozentinnen und Dozenten, aber auch an
den Studierenden. Dafür mein ganz herzlicher Dank!
Alles Gute und viel Energie, lieber Herr Professor
Schadt, und natürlich auch Ihnen, lieber Herr Professor
Hykade.
Den Absolventinnen und Absolventen wünsche ich,
dass sie mit ihrer eigenen künstlerischen Handschrift
und ihren Filmen weiterhin weltweit begeistern.
Denn mit ihren guten Geschichten wird die Filmakademie
auch in den nächsten 30 Jahren große Geschichte
schreiben!
Ziel der Filmakademie ist es, sich als die führende international
ausgerichtete europäische Filmhochschule
8

„Ich war schon immer daran interessiert,
etwas Eigenes und Ambitioniertes zu machen“
EIN GESPRÄCH MIT DEM GRÜNDUNGSDIREKTOR,
Prof. Albrecht Ade, ZUM 30-JÄHRIGEN GEBURTSTAG
DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG.
Lieber Herr Prof. Ade, nehmen Sie uns bitte
mit auf eine Zeitreise: Wie kam es damals
zur Weichenstellung für die Gründung der
Filmakademie?
Schon beim ersten Gespräch über die Idee einer
Filmakademie stellte mir Ministerpräsident Späth die
Frage: Was für eine Filmakademie wollen Sie gründen?
Auf diese Frage war ich einigermaßen vorbereitet. Ich
wusste, dass in Baden-Württemberg ein Dutzend hochfliegende
Pläne und Projekte gestapelt waren, die in
den 80er Jahren unter dem Thema Medien eingeflattert
kamen. „Schreiben Sie Ihr Konzept auf drei Seiten.“
Ich sagte, es ist für mich schwieriger, ein Konzept für
eine Filmakademie auf drei Seiten festzuhalten, als ein
Konzept zu schreiben, indem alles drinsteht, was den Erfolg
ausmacht: zum Beispiel eine Filmakademie eigener
Art. Dieses Bekenntnis zu einer eigenen Art fand der MP
schon ganz interessant. Und dann kam die Frage: „Welches
ist die beste Filmhochschule in der Bundesrepublik
Deutschland?“ Und darauf gab ich die kühne Antwort:
eigentlich keine. Das fand er natürlich ein bisschen witzig,
aber er sagte: „Sie scheinen zu wissen, was Sie wollen.
Schreiben Sie Ihr Konzept. Wenn es überzeugt, sehen
wir uns wieder.“
Der damalige mediale Hintergrund von Baden-Württemberg
war ziemlich diffus. Es gab Prognosen über das
Land, die einen eindeutig monochromen Schwerpunkt
in der Automobilindustrie und natürlich auch im Maschinenbau
feststellten. Es fehlte fast ganz die Dienstleistungsbranche.
Daraufhin hatte das Land beschlossen,
alle laufenden Neugründungen in dieser Richtung
erst einmal zu analysieren. Dieses Problem kannte ich
aus meiner Mitarbeit im Gründungsausschuss der Universität
Wuppertal. Ich kannte auch schon die Erfolge
und Misserfolge einer Gründungskommission, wobei
das Wichtigste war, seine Ziele zu kennen. Das klingt
zwar selbstverständlich, ist es aber überhaupt nicht. Die
Mitglieder in Gründungsausschüssen haben oft sehr verschiedene
Interessen und Ziele und denken, man könnte
einfach vor sich hinträumen und große Traumprojekte
entwickeln, die möglicherweise absolut kontraproduktiv
sind für eine Strategie.
Ist die Lust, Neues zu wagen, Teil Ihrer Persönlichkeit?
Sie hatten ja damals eine durchaus reizvolle Stelle als
Professor an der Kunstakademie in Stuttgart inne. Was
gab den Ausschlag dafür, das alles hinter sich zu lassen?
9

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
Bei dieser Frage habe ich zuerst einmal gelacht über den
Begriff „reizvoll“. Ich hatte an der Kunstakademie in
Stuttgart studiert, war aber 1962 nach Wuppertal berufen
worden, an die damalige Werkkunstschule. Im Jahr
1976 bekam ich einen Anruf des Rektors der Kunstakademie
Stuttgart. Er fragte mich, ob es möglich wäre, dass
ich nach Stuttgart an die Kunstakademie käme, als Leiter
einer Grafikdesign- und Mediengestaltungsklasse.
Seltsamerweise habe ich eigentlich immer 12 Jahre in
meinen beruflichen Stationen verbracht. Ich war 12 Jahre
in Wuppertal, die Hälfte an der Werkkunstschule und
die andere Hälfte an der Universität Wuppertal. Dann
war ich ungefähr 12 Jahre an der Kunstakademie Stuttgart
und dann nochmal 12 Jahre an der Filmakademie.
Das ist sicherlich Zufall, aber es hat auch etwas mit meiner
Art zu tun, die Dinge zu begreifen und mich selber
einzurichten. Ich kann nur sagen, wenn man länger als
12 Jahre an denselben Platz geht, am gleichen Standort
mit der gleichen Aufgabe und mit den gleichen Menschen
arbeitet, ist der Beruf nicht mehr so spannend wie
in den ersten Jahren, wenn man Neues planen und entwickeln
kann. Außerdem war ich immer daran interessiert,
etwas Eigenes und Ambitioniertes zu machen.
An der Kunstakademie habe ich die Arbeitsgruppe Film
gegründet, die ich „Animation im Süden“ nannte und
die relativ schnell sehr erfolgreich war. Man war damals
nicht gerade erfolgsverwöhnt im Kunstbereich Baden-Württemberg.
Plötzlich spielte eine Gruppe von
Animationsfilmern auf den internationalen Festivals
in England, Frankreich, USA, Tschechien, Japan in der
ersten Reihe mit. Das Institut für Auslandsbeziehungen
machte Ausstellungen über „Animation im Süden“
in den internationalen Filmländern und es gab Aussagen,
die auch in der Presse standen: „Ein neuer Stern am
Animationsfilm-Himmel ist erschienen“, sagte 1984 der
Präsident der ASIFA International, des großen Animationsfilmer-Verbandes,
anlässlich einer Ausstellung in
Antwerpen. 1982 erfolgte die Gründung des Internationalen
Trickfilmfestivals Stuttgart mit Filmen aus allen
wichtigen Animationsfilm-Ländern wie England, Tschechien,
Polen, USA, Frankreich, Russland, Estland, Österreich,
Jugoslawien. Und die Öffentlichkeit, auch in Stuttgart,
feierte das Festival enthusiastisch. Der Spielort war
damals die Alte Reithalle, eine abgewrackte Halle der
Firma Bosch.
Das war noch alles an der Kunstakademie mit der Arbeitsgruppe
Film passiert. Der Erfolg dieser Arbeitsgruppe
war eigentlich die Geburtsstunde der Filmakademie.
10
Ohne diese Arbeitsgruppe Film hätte niemals jemand
aus der staatlichen Administration mitgemacht. Aber
der Plan, an der Kunstakademie ein Institut für Animationsfilm
zu installieren, scheiterte an den Bedenken der
Kunstakademie. Ich hatte also nicht immer Erfolg. Dort
sah man finanzielle, räumliche und personelle Probleme.
Das Film-Thema sei zu groß und zu unverträglich
für die Kunstakademie. Ja, sogar das Wort „ungemütlich“
ist gefallen.
Jetzt war allerdings das Wissenschaftsministerium nicht
mehr zu bremsen. Sie hatten gesehen, dass der Animationsfilm
der Kunstakademie und natürlich auch das
Trickfilmfestival, nachdem es vier Jahre bestand, mit
40.000 Zuschauern Erfolge waren. Im Ministerium gab
es eine kleine Gruppe von interessierten Mitarbeitern,
die sich auch bei dem Festival, das 1988 in der Reithalle
stattfand, mehrere Programme angesehen haben. Und
der damalige Ministerialdirektor Dr. Ehrhardt, der Verwaltungsleiter
des Wissenschaftsministeriums, war hellauf
begeistert. Er hat gesagt: „Wenn die Kunstakademie
nicht auf eine Filmausbildung scharf ist, dann machen
wir was anderes.“ Aber er hatte es so verstanden, dass es
dann eine Art Film-Animations-Akademie geben sollte.
Für mich wäre das jedoch wieder eine Amputation gewesen.
Natürlich gab es schon in München, Berlin und in
Köln Filmakademien. Aber ich habe ja gesagt: Ich mache
nicht das Gleiche, ich mache eine Filmakademie eigener
Art. Das war auch so schon mit dem Ministerpräsidenten
Spaeth abgesprochen. Das war der entscheidende Satz,
der die Zustimmung zu meiner Konzeption einleitete.
Wie kamen Sie auf die Idee, dass die Ausbildung an der
Filmakademie die arbeitsteiligen Prozesse einer Filmproduktion
widerspiegeln sollte? Die bereits bestehenden
Filmhochschulen funktionierten ja nach dem Auteur-Prinzip
und stellten die Regie in den Mittelpunkt.
Meine persönliche Sozialisation im Spielfilm erfolgte
über Regisseure und Filme wie zum Beispiel Werner
Herzogs FITZCARRALDO, Michelangelo Antonionis LA
NOTTE oder Ingmar Bergmans DAS SCHWEIGEN und
ABEND DER GAUKLER. Das sind große, typisch arbeitsteilige,
internationale Kinoproduktionen. Ich war
ein leidenschaftlicher Kinogänger und für mich waren
die Leistungsträger in diesen Filmen immer auch die
Drehbuchautoren, die Kameraleute, die Komponisten,
die Schnittmeister und die Produzenten. Auch bei meinen
Besuchen in den Prager Trickfilmstudios konnte ich
erfahren, wie für einen zehnminütigen Animationsfilm

eine Crew von mehreren Verantwortlichen die damals
weltweit besten Animationsfilme drehte – inhaltlich,
technisch und in der Regie, wie in der Kamera und im
Schnitt. Das waren Persönlichkeiten, die sich respektierten
und die Regisseure, die alles allein bestimmen wollten,
als „mehrarmige Leuchter“ bezeichneten.
Die Ausbildung in der Bundesrepublik war auf den Autorenfilm
ausgerichtet und auf die Herrschaft von Regisseuren
programmiert. Meine Besuche in den Institutionen
haben mich darin bestärkt, dass ich es anders
machen muss. Ich sagte von Anfang an, dass wir alle
wichtigen Gewerke wie Drehbuch, Regie, Kamera, Animation
oder Produktion in der Ausbildung darstellen
werden, weil es das bisher nicht gab. Aus dieser Zeit
stammt auch meine Freundschaft mit Nico Hofmann,
der damals auch schon gesagt hat: Das ist genau das,
was wir immer vermisst haben. Dadurch hat sich meine
Meinung immer mehr verfestigt, dass Filmausbildung
nur arbeitsteilig funktioniert. Das habe ich auch meinen
Partnern im Wissenschaftsministerium mit auf den Weg
gegeben, die die Idee einer weiteren Filmhochschule in
die Ständige Konferenz der Kultusminister eingebracht
haben: Wir wollten die Berufe befreien, die bisher nur
zum Glanz des Regisseurs beitrugen. Dieses System hat
nämlich auch zum Teil dazu geführt, dass für die Filme
meistens keine Vermarktung möglich war. Vom deutschen
Film hieß es immer: Der kostet viel, aber kommt
nicht mal in die Kinos.
Das Prinzip der arbeitsteiligen Ausbildung der Berufsbilder
wird inzwischen auch von den Schulen
mit Auteur-Prinzip praktiziert und immer mehr
hochqualifizierte Frauen und Männer treten auf als Kameraleute,
Drehbuchautoren, Cutter und so weiter. Dies
kommt auch den jungen Regisseuren zugute, die sich
jetzt auf ihre eigentlichen Bereiche konzentrieren können.
Heute hat sich Ihr Ansatz in der Tat weitestgehend auch
an anderen Filmhochschulen durchgesetzt. Macht Sie das
ein wenig stolz?
Stolz ist ein schwieriges Wort in diesem Zusammenhang.
Das ist immer ein bisschen gefährlich, wenn man
das sagt, weil man nie genau weiß, wie sich die Dinge
entwickeln. Ich habe mit einer gewissen Genugtuung
festgestellt, dass auch diejenigen Institute letztlich
Zustimmung signalisierten, die der Meinung waren, es
ist falsch, eine Filmakademie zu gründen in einem Land,
in dem es überhaupt keine Infrastruktur gibt. Ich habe
zu einem Zeitpunkt, als die Weichen hier falsch gestellt
waren, dafür gesorgt, dass die Ausbildung sich mit der
Praxis vereinbaren lässt. Denn das war ja das eigentliche
Problem der Anderen.
Abgesehen von Ihrem eigenen Engagement: Waren die
Rahmenbedingungen für die Gründung der FABW damals
besonders günstig?
Meine Pläne sind zunächst nicht auf fruchtbaren Boden
gefallen. Die Idee der Gründung einer Filmakademie war
in Baden-Württemberg damals nicht besonders populär.
Zum Beispiel war gerade das Zentrum für Kunst- und
Medientechnologie in Karlsruhe gegründet worden, dessen
Bau 150 Millionen gekostet hat. Dann gab es auch
11

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
die Akademie für Technikfolgenabschätzung in Stuttgart.
Sie hat zehn Jahre existiert, aber wirklich vor sich
hingedämmert, bis sie irgendwann von einem Finanzminister
liquidiert wurde. Jedenfalls hat das Land Baden-Württemberg
damals argumentiert: Wir haben jetzt
gerade noch die Universität in Ulm und die Universität
in Konstanz gegründet, das ist vielleicht ein bisschen
viel für uns.
Die Gründung der Filmakademie erfolgte also in einer
Zeit der knappen Kassen im Land, auch bedingt durch
die Kosten der Wiedervereinigung, an denen sich das
Land beteiligen musste. Es gab jedoch immer eine kleine,
aber sehr überzeugte Gruppe, die das Projekt unterstützt
hat. Vor allen Dingen der Direktor des Wissenschaftsministeriums
Dr. Ehrhardt und der Ministerialrat
Dr. Bessey.
Zur Klärung der Standortfrage war ich beim Stuttgarter
Oberbürgermeister Rommel, der mir aber nur zwei
weit auseinander liegende Bauplätze in Hedelfingen,
ehemalige Gießereien, anbieten konnte. Dann wurde
ich auf die Kasernen in Ludwigsburg aufmerksam gemacht,
die ich mir ein paar Tage später mit dem damaligen
OB Henke angeschaut habe. Mit Kasernen verbindet
man ja in Deutschland nicht unbedingt einen ganz
glücklichen Zustand. Aber es waren wertvolle und geeignete
Gebäude. Mindestens vier Kasernen entsprachen
meinen Vorstellungen. Wichtig war mir, nicht zu weit
entfernt vom Stadtzentrum zu sein. Ich habe mich dann
für die Mathilden-Kaserne und die anschließende Panzerkaserne
entschieden. Von offizieller Seite wurde das
auch akzeptiert und es hieß: Dann kommt die Filmakademie
eben nach Ludwigsburg, ins Exil, in die Provinz.
Die Stuttgarter Nachrichten haben dann auch einen Artikel
geschrieben mit der Headline: „Ein Professor der
Kunstakademie und ein Ministerialbeamter wollen in
Ludwigsburg die Landesmedienwüste bewässern.“
Es gab also Widerstände, Spott und Hohn für die kühnen
Pläne. Ich wurde zunächst durchaus als Phantast
und Glücksritter apostrophiert. Das inzwischen erstellte
72-seitige Konzept wurde allerdings vom Ministerium
für Wissenschaft und Kunst gründlich analysiert
und als sehr professionell, absolut sachkundig und aussichtsreich
bezeichnet. Aus dem Staatsministerium hieß
es: „Die Zeichen stehen jetzt auf Start.“ In einem funktionierenden
Staat gibt es eben typische Zeitfenster, in die
neue Ideen passen. Aber alle neuen Ideen haben auch
Konkurrenten, Neider und Besserwisser und auch vernünftige
Gegenargumente.
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Politisch und finanziell war es also nicht ganz einfach
in diesen Zeiten. Anders sah es mit der Technologie aus.
Denn da fing es gerade mit der Computeranimation an.
Auf einmal wurde alles digital und wir hatten schon einen
Fuß in der Tür. Noch an der Kunstakademie hatte
ich für ein Forschungsprojekt vom Land Baden-Württemberg
1,2 Millionen Mark bekommen. Das war damals
sehr viel Geld. Davon konnten wir einen Animationscomputer
aus England kaufen. Der wurde sogar, ohne
dass es die Filmakademie schon gab, in Ludwigsburg
aufgestellt, in der Firma TC Studios. Dort hat Thomas
Haegele (erster Leiter der Animationsabteilung an der
FABW, Anm. d. Red.) gearbeitet, einer meiner ehemaligen
Studenten aus Wuppertal und später auch Assistent
an der Kunstakademie Stuttgart. Als die Filmakademie
gegründet wurde, habe ich ihn als ersten Lehrenden an
das Institut geholt. Andreas Hykade (heutiger Leiter des
Animationsinstituts, Anm. d. Red.) war ebenfalls Student
an der Kunstakademie und einer von denen, die mit mir
nach Ludwigsburg mitgingen, um an der Filmakademie
zu studieren.
Wir waren die ersten an einer Filmhochschule, die ein
solches Gerät hatten. Man hat gestaunt, was dieser Computer
alles kann, aber auch, wie kompliziert die Arbeit
mit dem Computer war. Aber man konnte Animationsfilme
machen, die man anders, also handmade, niemals
hätte realisieren können.
Glauben Sie, dass ein solcher Coup unter den heutigen
wirtschaftlichen und politischen Bedingungen noch einmal
möglich wäre?
Einerseits wäre es nicht möglich, weil die Zeiten für solche
Ideen immer anders sind. Heute könnte man keine
Filmakademie gründen in der Bundesrepublik Deutschland.
Weil es genug gibt und eine Gründung deshalb
nicht verständlich wäre. Aber auf der anderen Seite ist
damit ja nicht erledigt, dass irgendjemand eine Akademie
gründet, die nicht gerade dasselbe Thema hat. Aber
derjenige muss kompetent sein und muss ein Konzept
machen können, das funktioniert. In einem einigermaßen
intakten Staat muss es immer möglich sein, dass
Neues entsteht. Das gehört dazu, sonst schläft er ein.
Der Staat muss nur die vielen Schaumschläger abhalten.
Denn in den Ministerien liegen Schränke voller substanzloser
Ideen herum.
Ich habe mein Konzept für eine Filmakademie so niedergeschrieben,
wie sie dann später auch realisiert wurde.
Das hat den Überprüfungen über die Jahre standgehalten.

Seit dem Ende Ihrer Amtszeit als Direktor hat sich die
FABW noch breiter aufgestellt mit neuen Gewerken wie
Serie oder Montage, einem eigenen Animationsinstitut
und einer Ausbildung in Interaktive Medien sowie Kooperationen
mit der benachbarten ADK. Wie beurteilen
Sie diese Entwicklung?
Nach Ihrer Zeit an der Filmakademie waren Sie noch einige
Jahre in anderen Funktionen tätig, u.a. als Leiter der
Film- und Medienfestival GmbH, in Fördergremien der
MFG und als Vorsitzender des Fördervereins. Befinden
Sie sich noch immer im kreativen Unruhestand oder lassen
Sie es mittlerweile etwas ruhiger angehen?
Das Animationsinstitut ist ja eher ein administrativer
und bürokratischer Rahmen, den man der Animations-Abteilung
an der Filmakademie gegeben hat, die
von Anfang an vorhandenen war. Ich habe bereits geschildert,
dass Thomas Haegele und Andreas Hykade
schon in Stuttgart dabei waren. Den 23 Studierenden,
die von der Kunstakademie nach Ludwigsburg herübergekommen
sind, musste ich versprechen, dass sie mich
als Lehrer noch so lange behalten können, bis sie ihre
Abschlussprüfung machen können.
Dass Serie, Montage und Interaktive Medien ins Curriculum
aufgenommen wurden, begrüße ich.
Sie wissen, dass ich 89 bin?
Generell bin ich der Meinung, dass die Filmakademie
aktuell sehr gut dasteht. Ich freue mich, dass mit Thomas
Schadt ein ausgezeichneter Direktor gefunden wurde.
Das läuft aus meiner Sicht bestens.
Und was sagen Sie zu den Plänen einer noch stärkeren
internationalen Ausrichtung, inklusive der Einführung
eines bilingualen Curriculums im Projektstudium?
Auch das begrüße ich, insbesondere die Gründung des
Internationalen Büros. Es ist wichtig, dass die Studierenden,
die sich von außerhalb Deutschlands bewerben, die
Möglichkeit haben, einen Ansprechpartner zu finden.
Den Aufbau internationaler Studienrichtungen konnte
ich damals nicht so stark vorantreiben. Ich hatte ja auch
jede Menge anderer Probleme. Aber das Atelier Ludwigsburg-Paris
wurde ja noch in meiner Amtszeit installiert.
Die Initiative, dass an einer deutschen Filmhochschule
und an einer französischen - wobei das La Fémis sein
sollte - ein gemeinsamer Studiengang im Bereich Film
eingerichtet werden soll, ging auf Schröder und Chirac
zurück. Der Aufruf ging an alle Schulen. Die anderen
Filmhochschulen reagierten aber zögerlich. Ich habe im
Aufsichtsrat gefragt, ob es opportun ist, sowas zu machen?
Die Antwort war: „Sind Sie der Meinung, dass Sie
das können?“ Und so haben wir das Atelier nach Ludwigsburg
geholt.
PROF. ALBECHT ADE
- geboren 14.9.1932 in Tübingen
- Lehre als Schriftsetzer
- 1952-1956 Studium Typografie und Buchgrafik an
der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste
Stuttgart; 1963-64 Gaststudium Theorie der Massenkommunikation
an der Universität Köln
- 1956-1960 Lehrauftrag für Typografie an der Fachhochschule
für die grafische Industrie Stuttgart
- 1960-1970 Dozent für Typografie und Grafik-Design
an der Werkkunstschule Wuppertal
- 1969 Gründung und Leitung der Arbeitsgruppe
Animationsfilm
- 1969-1975 Produktion von Animationsfilmen:
PLAY 25, BANZ BLEIBT BANZ, 9.9.1999,
DER MANN VON BAR LE DUC
- 1971 Berufung zum Professor für Visuelle Kommunikation
und Animationsfilm im Fachbereich Kunst
und Design der Universität Wuppertal
- 1972-1989 Studio Albrecht Ade für Grafik-Design
und Animationsfilm, Imagefilme, Lehrfilme, Commercials
- 1975-1976 Dekan im Fachbereich Kunst und Design
der Universität Wuppertal
- 1977 Berufung an die Staatliche Akademie der Bildendenden
Küste Stuttgart, Lehrgebiet Grafik-Design
und Film-Design; Aufbau und Leitung der Arbeitsgruppe
Animationsfilm
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SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
- 1982 Gründung des Internationalen Trickfilmfestivals
Stuttgart und Leitung bis 2002
- 1987-1988 Durchführung des Forschungsprojekts
„Computeranimation, neue digitale Techniken in der
medialen Anwendung“ im Auftrag des Bundesministeriums
für Wissenschaft, Forschung und Kunst und
in Kooperation mit den TC-Studios, Ludwigsburg und
dem Lehrbeauftragten Thomas Haegele.
- 1989 Entwicklung der Idee zur Gründung einer
Filmakademie in Baden-Württemberg
- 1990 Wahl zum Vorsitzenden des Gründungsausschusses
der Filmakademie Baden-Württemberg
- 1990-2010 Internationale Lehrtätigkeit an Filmhochschulen
in Moskau, Peking, Havanna, Teheran,
Ankara, Eskeshier, Lódz
- 1991 Bestellung zum Gründungsdirektor der
Filmakademie durch die Landesregierung Baden-
Württemberg. Start des Studienbetriebs mit
82 Studierenden am 15. Oktober 1991
- 1991-1996 Lehrtätigkeit in der Abteilung Animation
der Filmakademie
- 1993-1994 Mitglied in der Kommission zur
Errichtung der Medien- und Filmgesellschaft zur
Förderung der Film-und Medienproduktion im Land
Baden-Württemberg
- 1994 Veranstaltung der 1. FMX mit Prof. Thomas
Haegele und in Kooperation mit dem Haus der Wirtschaft
in Stuttgart
- 1994 Initiative zur Gründung des Film- und Medienzentrums
in der Reinhardkaserne in Ludwigsburg zur
Ansiedlung von Medienfirmen und einem Gründerzentrum
für Start-up-Firmen.
- 1994 Leitung des ersten Filmfests Ludwigsburg mit
europäischen Kurzfilmen an der FABW
- 1995 Gründung der Arbeitsgemeinschaft deutscher
Filmhochschulen und 1. Treffen der Leitungen der
deutschen Filmhochschulen in Ludwigsburg
- 1999 Gründung der Deutsch-Französischen
Filmakademie auf Initiative der Regierungschefs
Jaques Chirac und Gerhard Schröder; als Ergebnis
Etablierung der einjährigen Ausbildung Atelier
Ludwigsburg-Paris an der FABW und der Filmschule
La Fémis in Paris
- 2000 Ende der Tätigkeit als Künstlerischer Direktor
an der Filmakademie; Verleihung der Ehrenmitgliedschaft
der Filmakademie Baden-Württemberg durch
Staatsminister Dr. Christoph E. Palmer
- 2001-2004 Geschäftsführer der neugegründeten
Film- und Medienfestival GmbH; Planung und
Durchführung des Trickfilmfestivals Stuttgart, des
Spielfilmfestivals Cinema Europa und des Ludwigsburger
Filmfests.
- 2005-2019 Mitglied der Filmförderkommission der
Medien- und Filmgesellschaft Baden-Württemberg;
Gutachter und Berater für Start-up Filmproduktionen
- 2005-2010 Aufsichtsratsmitglied in einer Filmproduktionsfirma
- 2006-2010 Leiter des Programmbeirats des
Internationalen Trickfilmfestivals Stuttgart
- 2006-2013 Vorsitzender des Fördervereins der
Filmakademie-Baden-Württemberg
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DIE FABW FEIERTE
EIN BESONDERES JUBILÄUM
Die Filmakademie Baden-Württemberg wurde in diesem Jahr 30.
Diesen runden Geburtstag feierte die Ludwigsburger Filmhochschule
im Rahmen einer Festwoche von Montag, 12. bis Freitag, 16. Juli.
Dank Corona gestaltete sich das Jubiläum im doppelten Sinn besonders.
Pandemiebedingt fanden die Veranstaltungen – mit Hygienekonzept und
gemäß den geltenden gesetzlichen Regelungen – mit einer reduzierten
Zahl an „3G“-Gästen vor Ort im Albrecht Ade Studio statt, das von der
Abteilung Szenenbild liebevoll eingerichtet worden war.
Einige Events wurden parallel als Livestream im Internet für registrierte
Gäste übertragen.
15

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
Den Auftakt machte am Montag unter dem
Motto „30Something! – die FABW feiert”
die Premiere des neuen Kurzgeschichtenbands
„Sommer” in der Schriftenreihe Edition FABW.
Schauspielstudierende der benachbarten Akademie für
Darstellende Kunst lasen ausgewählte Erzählungen von
Studierenden aus dem neuen Band. Die kommende
Ausgabe „Knapp daneben“ wird mit Unterstützung der
Wüstenrot Stiftung realisiert.
Der Dienstag startete mit „Dank und Anerkennung für
Leistungen zum Wohle der heimischen Wirtschaft“,
konstatiert in einer Urkunde der IHK Region Stuttgart.
Sie wurde dem Direktor der FABW, Prof. Thomas Schadt,
vor Ort offiziell übergeben. Der Abend stand dann ganz
England (Kategorie Driven by Dreams), TIGHT FRAME
aus Polen (Kategorie Short Advertising Content) sowie
GET MARRIED AGAIN von der FABW (Kategorie Long
Advertising Content) durch.
Am Mittwoch und Donnerstag hieß es SCREEN.TIME
international. Bei der jährlichen Branchenveranstaltung
präsentierten Studierende und Alumni Branchenvertreter*innen
in kurzen Pitchings ihre aktuellen Projekte.
Das Animationsinstitut der FABW wartete dabei
ebenso mit einem eigenen Programmblock auf wie das
Internationale Büro, das den achtwöchigen Workshop
PITCH_IT@Screen.Time in Kooperation mit dem Goethe-Institut
Budapest vorstellte. Dr. Andreas Weber,
Leiter Bildung bei der Baden-Württemberg Stiftung,
welche die internationalen Programme der FABW seit
vielen Jahren fördert, berichtete in einem Podiumsgespräch
vom Beitrag der Stiftung zu studentischen Koproduktionen
und unterstrich die Bedeutung finanzieller
Unterstützung für den Aufbau von Netzwerken und
persönlichen Kontakten.
Übergabe der IHK-Urkunde
Team ANNA: Gewinner des MackNeXT Pitching Award
Porsche Awards:
Gewinner*innen mit Oliver Hoffmann (Porsche AG), rechts
im Zeichen der Verleihung des internationalen Werbefilmpreises
Porsche Awards – for Young Talents in
Advertising. Für die 17. Ausgabe wurden die Preiskategorien
in Abstimmung mit Hauptsponsor Porsche AG
neu strukturiert und an aktuelle Entwicklungen in der
Werbefilmbranche angepasst. Bei der Verleihung, charmant
moderiert von FABW-Studentin Julia Schubeius,
setzten sich aus 178 Einreichungen aus 18 Ländern
schließlich per Juryentscheid die Beiträge ABSENT aus
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Erstmals wurde im Rahmen von SCREEN.TIME international
ein von MackNeXT ausgelobter Pitching Award
verliehen. Über die mit 1.000 Euro dotierte Auszeichnung
freute sich das Team des Diplomprojekts ANNA –
TALES FOR TOMORROW, der Adaption eines Romans
von Jostein Gaarder.
Bereits zum dritten Mal vergeben wurde der
Justus Pankau Kamerapreis. Der Award, benannt nach
dem 2017 verstorbenen Kameramann und langjährigen
Filmakademie-Dozenten, ging an den Studenten
Michael Throne. Stifter des mit 3.000 Euro dotierten
Preises ist der Lions Club Ludwigsburg-Monrepos e.V.

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
AKADEMIEHOF 10, 71638 LUDWIGSBURG
WWW.FILMAKADEMIE.DE
30!
SOMETHING
DIE FABW FEIERT
12.–16. JULI 2021
30!
SOMETHING
30
17

SPOTLIGHT: 30 JAHRE FABW
Im Mediaportal konnten registrierte Gäste zudem
weitere Inhalte abrufen: darunter ein Online-Gespräch in
9 Kapiteln zwischen dem nach 30 Jahren scheidenden
Leiter des Studienfachs Filmgestaltung,
Prof. Jochen Kuhn, einigen seiner aktuellen und ehemaligen
Weggefährt*innen sowie Alumni der FABW. Eine
weitere Online-Gesprächsrunde mit Studierenden
und Alumni der FABW beschäftigte sich mit dem Thema
„Leben und Identität jüdischer Menschen in Deutschland“.
der Festakt im Albrecht Ade Studio. Durch den Abend
führte Arte-Moderatorin und FABW-Alumna Dörthe
Eickelberg. In ihren Grußworten betonten
Ministerpräsident Winfried Kretschmann in einer
Videobotschaft, die Aufsichtsratsvorsitzende
der FABW, Staatssekretärin Petra Olschowski,
und der Oberbürgermeister der Stadt Ludwigsburg,
Dr. Matthias Knecht, allesamt die herausragende Entwicklung
und Stellung der Filmakademie Baden-Württemberg
in der nationalen und internationalen
Prof. Albrecht Ade und MP a.D. Erwin Teufel
Festakt-Moderatorin Dörthe Eickelberg
Der Freitag begann mit einem Panel, bei
dem Alumni der Filmakademie zum Thema
„Gleichberechtigung und Vielfalt“ diskutierten.
Anschließend folgte im Kino Caligari die Verleihung der
Caligari-Preise 2021 des Fördervereins der FABW an insgesamt
12 herausragende Projektvorhaben von Studierenden.
Dabei wurde auch das jahrelange Engagement
der Preisstifter*innen mit aktuell insgesamt 870.000
Euro für den Filmnachwuchs besonders gewürdigt.
Parallel startete auf dem Campus coronakonform das
traditionelle Hoffest „Ehrliche Wurst“ für Mitarbeitende,
Studierende und Alumni der FABW, mit musikalischer
Untermalung durch die Caligari-Band.
STS Petra Olschowski und Prof. Albrecht Ade
Höhepunkt und Abschluss der Jubiläumswoche bildete
Grußwort von OB Dr. Matthias Knecht
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Filmhochschullandschaft. Prof. Thomas Schadt bedankte
sich bei langjährigen, entscheidenden Weggefährtinnen
und -gefährten aus Politik und Wirtschaft, insbesondere
dem anwesenden Ministerpräsidenten a.D. Erwin
Teufel und dem ebenfalls anwesenden Gründungsdirektor
der FABW, Prof. Albrecht Ade. Auch Vertreter*innen
des AStA der Filmakademie bekamen die Gelegenheit zu
gute Nachricht mit auf den Weg: Als Dank und Anerkennung
für seine herausragenden Verdienste um die
Filmakademie Baden-Württemberg wird das Aufnahmestudio
1 künftig den Namen „Jochen Kuhn Studio“ tragen.
Prof. Thomas Schadt entdeckt den Arri „Orbiter“
Video-Grußbotschaft von MP Winfried Kretschmann
einem Grußwort und nutzten diese für ein engagiertes
gesellschaftspolitisches Statement.
Eine ganz besondere Geburtstagsüberraschung stellte
ARRI bereit, die als Partner das Jubiläum der FABW und
die Festwoche unterstützt haben. Auf der Bühne enthüllte
Thomas Schadt das Geschenk von ARRI: den innovativen
ORBITER - ein ultraheller LED-Scheinwerfer, der
bisher nie gekannte Farbtreue garantiert.
Last but not least bot der Festakt einen würdigen Rahmen
für die Verabschiedung von Prof. Jochen Kuhn. In
seiner Rede lieferte er einen spannenden Einblick in die
Lehrmethoden und Philosophie des Studienfachs Filmgestaltung
1, das er 30 Jahre lang geleitet und geprägt
hat. Zum Abschied gab ihm Thomas Schadt noch eine
Hoffest „Ehrliche Wurst“
Festrede von Prof. Jochen Kuhn
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SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
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„Begabung ist wie Kohle:
Wenn man keine Bergwerke
wie Fleiß und Disziplin anlegt,
nützt sie nichts“
Ein Gespräch mit Prof. Jochen Kuhn
DAS EIGENTLICH UNVORSTELLBARE IST
MIT ABSCHLUSS DES VERGANGENEN
STUDIENJAHRES REALITÄT GEWORDEN:
NACH 30 DIENSTJAHREN HAT PROF. JO-
CHEN KUHN SEINEN HUT GENOMMEN UND
SICH IN DEN RUHESTAND VERABSCHIEDET.
ALS PIONIER DER ERSTEN STUNDE HAT
ER DAS STUDIENFACH FILMGESTALTUNG
AUS DER TAUFE GEHOBEN UND ES BIS ZU
SEINEM ABSCHIED ALS LEITER DER „FG1”
DURCH SEINE LEHREN UND NOCH MEHR
DURCH SEINE PERSÖNLICHKEIT ALS FIL-
MEMACHER, BILDENDER KÜNSTLER UND
PHILOSOPHISCHER FREIGEIST GEPRÄGT.
DABEI WAR IHM STETS DAS WICHTIGSTE,
SEINE LIEBE ZUM EXPERIMENT, ZUR FREIEN
FORM UND ZUM FREIEN DENKEN AN SEINE
STUDIERENDEN WEITERZUGEBEN.
Als kleine Würdigung von Jochen Kuhns Verdiensten
um die Filmakademie Baden-Württemberg veröffentlichen
wir hier ein Interview, das unser Student Michael
Bohnenstingl mit ihm im vergangenen Jahr geführt hat
und das zunächst im ASIFA (Association Internationale
du Film D’ Animation) Magazine erschienen ist.
Seit fast 20 Jahren kommen Sie mit jungen, angehenden
Filmemacher*innen in intensive Gespräche. Elementarste
Fragen werden in ihrem Kurs gestellt und diskutiert:
Was ist Kunst? Was ist Ästhetik? Fällt Ihnen über die Jahre
eine Veränderung in der Beantwortung dieser Fragen
auf oder herrscht gleichbleibende Diffusität?
Zunächst muss ich sagen, dass es nunmehr fast 30 Jahre
sind, da ich 1991 anfing an der Filmakademie. In der Tat
tauchte die Frage „Was ist Kunst?“ oder „Was heißt Ästhetik?“
über all die Jahre immer wieder auf. Das liegt
in der Natur der Sache meiner Abteilung, die sich ja mit
den Phänomenen Form, Gestalt, Gestaltung schon vom
Namen her beschäftigt.
Dass der Begriff „Kunst“ diffus bleibt, liegt, glaube ich,
wesentlich an dem Phänomen „Kunst“. Dabei sehe ich
Diffusität als einen positiven Begriff. Eine Gesellschaft,
in der allseitige Einigkeit darüber herrschte, was Kunst
sei und was nicht, wäre die Friedhofsgesellschaft einer
Diktatur.
Am Ende all der Diskussionen, die wir oft über Kunst
führten, ging sie jeweils wieder undefiniert aus den Debatten
hervor.
In all den Jahren gab es weitere Konstanten: Z.B. schien
es mir immer, die Studenten (Sie können, wenn es Gemüter
beruhigt, gern „Studierende“ sagen, auch wenn es
grammatikalisch unsinnig ist) zögen es vor, nicht über
das Kunst-Thema zu sprechen. Als ahnten alle die Verlegenheit,
in die sie dieses Thema bringen würde. Denn
kaum je scheint die sokratische Zurückhaltung angemessener
als bei der Frage: Was ist Kunst?
Es dominierte unter den Studenten immer der Wunsch,
eine gewisse Naivität bewahren zu wollen, der zufolge
man sehr gut mit der ungeklärten Losung „alles Geschmacksache“
leben kann.
Aus dieser sogenannten „Subjektivität“ heraus waren
die meisten bereit, alles als Kunst gelten zu lassen, von
der im Bäcker-Schaufenster ausgestellten Brezel bis zum
letzten Museumsschrei. Wenn ich die Frage stellte: Seht
ihr euch selbst als Künstler?, zogen es viele vor, Handwerker
sein zu wollen.
21

SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
Immer schlechte Karten hatte der „Kunstbetrieb“, so als
könne man sich aus ihm heraushalten. Mit „Kunstbetrieb“
war die Sphäre des Geschäftlichen und Geschäftigen
gemeint, da wo irrwitzige Preise und intellektuelles
Geschwätz den Blick auf das Eigentliche vernebeln. Dass
es etwas „Eigentliches“ gab, davon war man überzeugt -
nur definieren wollte man es nicht.
Eine meiner ersten Erfahrungen rund um dieses Thema
war, dass mein „Bildungskanon“, demzufolge ich gelernt
hatte, was nun wirklich wichtig sei und was man
im Raum der Kunst kennen müsse, unter den Studenten
keine Geltung hatte. Meine Leitsterne in Literatur, Philosophie,
Bildender Kunst, Musik und Film waren durch
tausend andere Sterne bis zur Unsichtbarkeit relativiert,
soll heißen: Die Studenten hatten nie von ihnen gehört,
bzw. zeigten, dass man sehr gut ohne sie navigieren
kann. Ich versuchte und versuche bis heute, den Blick
zumindest ab und zu auf einige dieser Sterne zu lenken.
Dann werden sie auch gern gesehen - aber verbindlich
machen kann man sie nicht mehr. Das ist vielleicht ein
Indiz der Postmoderne. Die einen nennen es Beliebigkeit
oder Ende der Geschichte, die anderen neue Freiheiten
oder permanente Progressivität.
Als Lehrer müssen Sie sich in dieser Zeit der permanenten
Progressivität trotzdem positionieren. Ihren Unterricht
habe ich stets als abgestecktes Spielfeld mit klaren
Regeln wahrgenommen. Von Beliebigkeit war nichts zu
spüren. Haben Sie eine Lehrphilosophie und wie ist sie
entstanden?
Ich habe einige ziemlich unerschütterliche Maximen,
für die ich auch immer Verbündete suche - auch unter
den Studenten. Z.B.: Begabung ist wie Kohle: Wenn man
keine Bergwerke wie Fleiß und Disziplin anlegt, nützt
sie nichts; sie bliebe unsichtbar oder reine Behauptung.
Oder: Alle Künstler suchen das „Unsagbare“. Wenn wir
aber alle schwiegen, um ihm gerecht zu werden, schüfen
wir große, leere Wüsten, in denen wir verkümmerten.
Wir sind „Sprachtiere“, d.h. auch auf der Suche nach
dem sogenannten Unsagbaren müssen wir Zeichen, Formen,
Grammatik, Kommunikation schaffen, um vom
Unsagbaren Mitteilung zu geben. Das wahre Unsagbare
wäre das Nichts.
Oder: Einen Film verständlich machen, heißt letztlich,
eine Film-Struktur schaffen, die der Struktur der Wortsprache
verwandt ist. Sie wissen aus dem Unterricht:
Ich habe der These „Reden ist Silber, Schweigen ist Gold“
immer widersprochen. Ein guter Film schafft Gedanken
und drängt ins Gespräch. Sich mit einer der Figuren
oder dem Thema eines Films zu identifizieren, heißt
zuerst, ihr Handeln oder seine Darstellung in kohärente
Sätze überführen zu können. Das geschieht meist im
„inneren Sprechen“, im kognitiven/sprachlichen Nachvollzug
der Filmereignisse. Erst (kurz) danach kommt
das Gefühl. Film ist da eher Teil der Literatur und nicht
der Musik.
Natürlich kommt dann immer der Einwand, diese Maxime
führe zur Intellektualisierung, zur „Verkopfung“.
Nein, auch eine stumme, elegische Sequenz muss kognitiv/sprachlich
„verarbeitet“ werden. Bilder werden auch
„gelesen“ und mittels Grammatik miteinander per logos
verknüpft. Jetzt müsste man über Hirnphysiologie sprechen,
was natürlich zu weit führen würde.
22
Mein Credo hierbei folgt den Bonmots von Wilhelm von
Humboldt „Humanismus ist die Überführung der Welt
in Sprache“ und Ludwig Wittgenstein „Die Grenze meiner
Sprache ist die Grenze meiner Welt“.
Oder: Dem Credo “Learning by Doing” muss ein “Learning
by Reflecting” beigefügt werden. „Know why“,
„Know what“ und „Know how“ gehören zusammen.
Oder: Wer nicht experimentiert, repetiert. Da liebe ich

ein drittes Bonmot von Montaigne: „Nichts ist sicher -
soviel steht fest“. Leben heißt experimentieren, also laborieren
auf unsicherem Grund. Regeln und Konventionen
ersetzen das Experiment nicht, sondern schützen
es durch Ausbildung von Routinen und Erfahrung. Deshalb
bin ich für Regeln und Konventionen! Da gäbe es
noch mehr Maximen - aber das würde vielleicht den
Rahmen sprengen.
von oben herab verkündet werden, sondern muss sich
in Haltung und Argumenten bewahrheiten. Klar gibt
es eindeutige Kriterien von richtig und falsch im Umgang
mit Geräten und zahlenbasierten Produktionsmitteln,
die unmissverständlich vermittelt werden können
und müssen. Aber da, wo es um künstlerische oder weltanschauliche
Qualtäten geht, muss der Lehrende für die
Resultate seiner Selbstversuche werben.
So betrachtet, sehe ich da also kein Paradox angesichts
institutionell Lehrender und autodidaktischer Studenten.
Der heutige Begriff des Akademischen hat sich von
dem des 19. Jahrhunderts weit entfernt. Eine heutige
Akademie ist eher ein Versuchslabor.
Gibt es noch Dinge, im Austausch mit den Studierenden,
die Frustration auslösen? Oder haben Sie inzwischen
alles gesehen?
Ich habe oft den Eindruck, dass Filmlehrende - und besonders
jene, die Autor*innen und Regisseur*innen unterrichten
- ein Paradox aushalten müssen: Denn ihr
Auftrag ist, in institutioneller Form Wissen zu vermitteln.
Gleichzeitig scheinen die erfolgreichsten Beispiele
aus diesen Berufsfeldern selbstverantwortliche Autodidakt*innen
zu sein. Sehen Sie dieses Paradox und wie gehen
Sie damit um?
Auch sogenannte Autodidakten lernen. Schon Säuglinge
sind immer beides: Selbstlerner und Angelernte (Anlage-Umwelt-Verhältnis).
Es gibt immer Studenten, die
eignen sich sehr rasch und selektiv das an, was ihre Intuition
für wichtig hält. Das sieht dann „autodidaktisch“
aus, aber de facto nehmen die „ihre“ Informationen nur
schnell auf und integrieren sie in ihre (überwiegend unbewusste)
Dringlichkeitsskala.
Zudem ist das, was wir - im akademischen Sinne - Lehre
nennen, weniger eine „Vermittlung von Wissen“ im Modus
einer Weitergabe von Wahrheiten oder gesicherten
Richtlinien, sondern eher ein Offerieren von Übungsräumen.
Die Lehrenden sind nicht so sehr „Wissende“,
sondern eher Kollaborateure. Angesichts nicht existierender
objektiver ästhetischer Qualitäten müssen Lehrende
persönliche Qualitätsüberzeugungen anbieten und
unter den Studenten Verbündete suchen. Wenn es da
eine persönliche Qualität auf Seiten des Lehrenden geben
sollte, dann kann sie - will sie glaubhaft sein - nicht
Es gibt zwei Dinge, die mich immer wieder oder immer
noch frustrieren:
1. Studenten, die nicht mitmachen oder nicht kommen.
Insbesondere solche, die an einem Tag sehr gut dabei
sind, dann aber am folgenden Tag fehlen, frustrieren
mich. Die Gruppendynamik leidet dann sehr. Man kann
dann als Lehrender schwer auf dem vorigen Tag aufbauen.
Es gibt auch Studenten, die, obwohl regelmäßig anwesend,
selten sich äußern. Manche schweigen eisern.
Das ist, als spielte man Tischtennis, schlüge raffiniert auf,
um ein gutes Spiel zu initiieren, und dann kommt der
Ball nicht zurück, sondern rollt ins Leere.
2. Studentische Filmprojekte, meist szenische, die organisatorisch,
technisch, personell, ausstattungsmäßig
zu groß, zu aufwändig, und inhaltlich/formal zu konventionell
sind. Man predigt als Lehrender wochenlang
das Ethos des Kanu-Baus, um damit partisanenmäßig
im Experimental-Dschungel zu fahren, und dann wollen
sie doch wieder ein kleines Containerschiff, um den
großen „professionellen“ Fluss (wenn schon der Ozean
nicht geht) anzusteuern.
Beide Punkte kann ich aus studentischer Sicht verstehen,
trotzdem ärgert es mich immer wieder ein wenig. Frustration
wäre ein zu großes Wort, es ist mehr Irritation gepaart
mit Erschöpfung.
Was mich übrigens mehr erstaunt: Es gibt weit mehr
Dinge, die mich nach 30 Jahren immer wieder und immer
noch erfreuen. Das ist keine „pädagogische Freude“,
sondern echte. Z.B. über die sehr hohe Anwesenheit (ich
glaube, wir liegen da so bei 90 bis 95 % Anwesenheit in
23

SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
den Seminaren pro Quartal). Und besonders: über die
geistige Anwesenheit der meisten. Und über die hohe
Bereitschaft, sich auf unser Konzept des Experimentierens
einzulassen. Und über die sehr gute Kooperation
der Kommilitonen untereinander. Und über das ästhetische
und technische Niveau der meisten Filme, die, das
darf man nie vergessen, alle mit sehr geringen Budgets
und in sehr kurzen Produktionszeiten hergestellt werden.
Es gibt noch einen Punkt, der, aus meiner Lehrenden-Sicht,
immer wieder traurig macht: Wegen unserer
Struktur des Studiums, die ja in meinem Bereich
die Zusammenarbeit prinzipiell auf 8 Wochen begrenzt,
kommt es (mit wenigen Ausnahmen) nicht zu einer Student-Professor-Bindung,
die an Kunstakademien möglich
ist, wo Studenten mit „ihren“ Profs manchmal 4
Jahre zusammenarbeiten. Da entsteht zuweilen lebenslange
Komplizenschaft, ja Freundschaft. Das ist bei mir
im Grundstudium (mit dieser Durchlauferhitzung) nicht
möglich.
ihnen gelingen möge, (auch) finanzielle Sicherheit zu erreichen
in Berufen oder Jobs, die sie freiwillig und freudig
ausüben. Ich würde gern dazu beitragen, dass sie für
das, was sie als „schön“, „richtig“ und „gut“ empfinden,
so viele Verbündete wie möglich finden, und dass sie
nicht daran verzweifeln, wenn es, wie so oft, eher wenige
sind.
Noch was zum Begriff „Lehrziele“. Man ist als Lehrender
ziemlich machtlos. Oft macht man die Erfahrung, dass
Päckchen, die man an Studenten abschickt, zurückkommen
mit der Aufschrift: „Empfänger unbekannt verzogen“.
Ich zeigte Mal einige Beispiele von Filmen aus der
„Fluxus-Bewegung“; da verließ ein Student den Seminarraum
mit dem Satz, er sähe nicht ein, warum er seine
Lebenszeit vergeuden solle. Oder ich zeigte Ausschnitte
aus dem Film DER MANN MIT DER KAMERA von
Dziga Vertow. Da sah ich mehrere Studenten unter dem
Tisch mit den Handys beschäftigt, eine schlief sogar. Der
sehr renommierte, leider inzwischen verstorbene Kameramann
Michael Ballhaus gab mal ein Seminar an der
Filmakademie; als er sah, dass nur drei Studenten teilnahmen,
packte er seinen Koffer und fuhr nach Hause.
Als Student in einer sehr dynamischen Bildungseinrichtung
habe ich viele verschiedene Arten von Lehrer*innen
erlebt. Meine häufigste Beschwerde liegt darin, dass oft
keine Richtung, sozusagen kein Lehrziel vorliegt. Haben
Sie so ein Lehrziel? Was wünschen Sie sich, das die Studierenden
nach den intensiven 8 Wochen mitnehmen?
Mein Hauptwunsch ist, dass in den Studenten eine Bereitschaft
verstärkt oder angeregt würde, das eigene
Tun und Lassen als gestaltbar erfahren zu können. Dazu
gehört die Ermunterung, sowohl die eigenen Urteile
(also auch Gefühle, Bewertungen, Anschauungen) als
auch die der anderen, nicht als gegeben oder unumstößlich
zu sehen. Infolgedessen wünsche ich ihnen, dass es
Das Modell „Nürnberger Trichter“ ist lange verschwunden
und war schon im 17. Jahrhundert ein Aberwitz. Es
gibt, zumal im ästhetischen Raum, keine verbindlichen
Qualitätskriterien. Daraus entspringt natürlich die Frage:
Gibt es noch Traditionen oder Konventionen, die weitergegeben
werden sollten? Was macht ein Erblasser, dessen
Erben das Erbe als irrelevant ablehnen? Wie kann
man noch „lehren“, wenn der Lehrende als inkompetent
empfunden wird, vielleicht schon deshalb, weil er
weiß, älter und männlich ist? Wenn Jugend ein Ideal ist,
müssten dann 25-Jährige von 20-Jährigen lernen? Wenn
schon das Wahlalter im Namen der Demokratie auf 16
herabgesetzt wird, müsste nicht auch die Lehrbefugnis
diesem Beispiel folgen? Wenn „Fakten“ nur als solche
anerkannt werden, sofern sie durch Quellen selektiert
24

wurden, die man selbst zuvor bevollmächtigt hat - wie
soll man dann non-konforme Informationen vermitteln?
Beim ZDF ging für einige Zeit der Scherz um: „Was ist
die Steigerungsform von ‚gescheit‘? - ‚gescheiter‘, ‚gescheitert‘“.
In diesem Witz kommt die Meinung zum
Ausdruck, Bildung führe zum sozialen Scheitern. Wenn
selbst Regierungsbeauftragte und Medien das „Schulschwänzen
am Freitag“ im Hinblick auf die Bewältigung
von Zukunftsfragen für relevanter halten als einen freiwilligen
zusätzlichen Schultag am Samstag, wie soll man
dann an „Lehrziele“ glauben, die allgemeine Verbindlichkeit
beanspruchen könnten?
Ihre Frage kann ich, wie Sie sehen, nur mit noch mehr
Fragen begleiten. Meine Privatlösung aus dieser prekären
Lage habe ich oben versucht, zustimmungsfähig zu
machen.
Was unseren Kurs „Filmgestaltung“ angeht - und ich
glaube, Sie geben mir recht - haben wir in Diskurs und
Handwerk etwas Gutes geschafft: Wir haben die Saiten
aufgezogen, gemeinsam einen Resonanzkörper gebaut,
mit Fleiß gezupft und fast immer interessante, ja schöne
Musik gehört.
Das Lehren empfinde ich oft als unterschätzte und leicht
übersehene Kunstform. Wie kam es, dass Sie darin eine
Leidenschaft gefunden haben? Gab es einen bestimmten
Moment oder eine Begegnung, an dem/der Sie ihren
Gang in die Lehre festmachen können?
Wenn Sie die Lehre so sehen, dann sind Sie prädestiniert
dafür, selbst in die Rolle des Lehrers zu wachsen!
Ich habe schon als Kunststudent den motivierenden Eindruck
gehabt, dass ein Werk erst existiert, wenn andere
damit umgehen. An den einsamen Künstler, der für die
Schublade arbeitet, glaube ich nicht (temporäre Einsamkeit
während eines schöpferischen Prozesses ist unumgänglich
- kann sogar sehr weitreichend sein - aber irgendwann
muss der Schaffende in die Exponierung).
Werke müssen publiziert werden. Der Künstler muss
Prügel beziehen - und Küsse. Das geht nur über das Gespräch.
Ich hatte als junger Mensch sehr viel Angst vor Kritik,
war extrem empfindlich, sehr unsicher. Als ich dann
meine Sachen zeigte, merkte ich, dass ich nicht nur verrissen
wurde (das zuweilen auch - es ist unmöglich, allen
zu gefallen), sondern dass sozusagen die Türen aufgingen.
Mein ganzes Berufsleben ist geprägt worden
durch die Folgen von Publikationen, durch den Wunsch,
meine Sachen zur Diskussion zu stellen. Man muss für
seine Sachen Verbündete suchen.
Der Weg in den akademischen Seminarraum hat sich
aus dieser Haltung heraus ergeben.
Das „Weiter-Geben“ von Erfahrungen, Wissen und
Nichtwissen ist nicht nur sehr lebendig, sondern auch
wesentlicher Teil der künstlerischen Arbeit selbst. Insofern
habe ich die Lehre nie als lästigen Broterwerb gesehen,
sondern als Vervollständigung meiner künstlerischen
Arbeit.
Ich hatte Glück mit einigen Lehrern. Und in der Kunsthochschule
Hamburg traf ich auf Hans Thiemann, Kai
Sudeck und Bodo Baumgarten - und nicht zuletzt auf Bazon
Brock. Sie wurden als Lehrer auch Verbündete. Ich
verdanke ihnen sehr viel Unterstützung.
Prof. Kuhn inmitten seiner ehemaligen Assistent*innen und
Projektbetreuer*innen Prof. Götz Gruner, Silke Parzich,
Prof. Isolde Asal, Nils Knoblich
25

SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
30 Jahre –
30 Statements
Im Jahr 2010 wurde Prof. Jochen Kuhn für sein Konzept
der Filmgestaltung 1 mit dem Lehrpreis des Landes
Baden-Württemberg ausgezeichnet. Zur Unterstützung
der Bewerbung hatte die FABW im Vorfeld ehemalige
Studierende um Aussagen zu seinem Unterricht gebeten.
Und ganz viele Alumni haben geantwortet. Wir
präsentieren hier eine Auswahl von 30 Statements in-
Auszügen – und eines in Gänze.
„Im Nachhinein betrachtet gehört das Seminar bei
Jochen Kuhn für mich zum besten Unterricht, den ich
an der Filmakademie hatte. Eine echte Institution,
ohne die die Filmakademie nicht das
wäre, was sie ist. Ein eigener Ort: Räumlich und
seelisch. Jochen Kuhn war für mich ein Tutor, Psychologe,
Freund, Vater, neutraler Betrachter, Herausforderer,
Kritiker und begeisterter Mentor.“
MARC LUTZ, REGIE/WERBEFILM
1
Auf die Intensität,
mit der die Gespräche
unter der Leitung
von Prof. Kuhn in der
Gruppe geführt wurden,
war ich nicht vorbereitet.
Ein ganzer Unterrichtstag konnte sich an einem
Detail aufhalten, und gerade, wenn man sich
fragte: wozu eigentlich, stellte Jochen Kuhn den Zusammenhang
zum großen Ganzen her (…). Die Kuhnsche
Art zu diskutieren ist provokant und
direkt, humorvoll nah am Sarkasmus. Diese Eigenschaften
bringen einen dazu, weiterzudenken und etwas
Neues zu versuchen.
HENDRYK WITSCHERKOWKSY, ANIMATION
„Ich erinnere mich an viele gehaltvolle und anspruchsvolle
Diskussionen, die mir den Kopf rauchen ließen,
denn die grauen Zellen des Studenten zum Um-die-
Ecke-Denken zu motivieren, das schien mir das Ziel
von Prof. Kuhn zu sein. Besonders spannend wurde es,
wenn ein Student eine konträre Meinung vertrat als er,
denn da blühte er auf.“
JULIA RECK, ANIMATION
2
„Prof. Jochen Kuhn ging es
nicht um Ergebnisse. Er interessiert
sich für den Entwicklungsprozess
und die
Menschen hinter den Projekten.
Er nahm sich viel Zeit, uns kennenzulernen, herauszufinden,
was uns an Film und vor allem der Welt
begeisterte – wofür wir brannten. Sein Ansatz besteht
zwar auch teilweise aus klassischer Wissensvermittlung,
aber er beschränkt sich nicht darauf. Er stellt Fragen –
und behauptet nicht von sich selbst, die
Antworten zu kennen.“
FLORIAN SCHNELL, REGIE/SZENISCHER FILM
„Hier wurde ein Raum geschaffen, in dem es endlich
einmal nicht um Zahlen, Profite, Marktwerte, Quoten
und Geltungsbedürfnisse geht, sondern um die Sache
an sich, um das, was eigentlich hinter dem ganzen
Geschäft stecken sollte (…). Herr Kuhn hat es geschafft,
meine Sichtweise auf die Gestaltung, die Möglichkeiten
und Freiheiten im Bereich Kunst und Film zu vergrößern.
Er hat mir Lust gemacht zu experimentieren
und Neues auszuprobieren.“
MAURICE HÜBNER, REGIE/SZENISCHER FILM
„Professor Jochen Kuhn hat uns die Chance gegeben, einen
Zugang zu experimentellen Werken zu finden. Für
mich gelang das unter anderem über die vielen philosophischen
Gespräche und über experimentelle Kurzfilme,
die wir gemeinsam mit ihm angesehen und besprochen
haben. Angeregt durch Professor Kuhns Blick auf
die Dinge, konnte ich diese Werke mit der Zeit an mich
heranlassen, da sie mich, zu meinem Erstaunen, auf eine
ungewöhnliche Art berührt haben.“
KERSTIN LAUDASCHER, DREHBUCH
„Jochen Kuhn ist nicht nur ein kritischer und gebildeter
Künstler, mit dem charismatisch ausstrahlenden
Selbstverständnis eines wirklichen Meisters seines
Faches, er ist auch ein Lehrmeister, der seine Schüler
fordert, herausfordert und im Gegenzug zu wirklicher
Anerkennung fähig ist. Ich habe bei ihm größte
Freiheit beim konzeptionellen und gestaltenden
Schaffen erlebt und bin mir gleichzeitig der individuellen
Verantwortung dem eigenen Werk gegenüber bewusst
geworden (…). Ich selbst werde die Zeit nie vergessen.“
GUNTER GROSSHOLZ, ANIMATION
26

„Ich hatte im Voraus
3 4
keine konkreten Erwartungen,
da ich mir unter
dem Begriff ‚Filmgestaltung‘
nur wenig
vorstellen konnte. Daher
bin ich frisch und frei in den Unterricht gestolpert,
war aber positiv überrascht, als der Unterricht eine
sehr philosophische Richtung anstrebte (…). Ich
habe eine neue Herangehensweise an
Filme gelernt, die man im Allgemeinen als tiefgründiger
bezeichnen kann. Durch die Plenumsdiskussionen
konnte ich meinen eigenen Film und andere
von vielen verschiedenen und inspirierenden Seiten betrachten.“
LENA LEONHARDT, REGIE/DOKUMENTARFILM
„Der Unterricht bei Prof. Kuhn sticht im Lehrprogramm
der Filmakademie durch seine Ausrichtung und
Inhalte hervor. Das Gefühl, dass alle Betrachtungsweisen
von uns Studenten ernst genommen wurden, war
für mich persönlich das wichtigste. Man konnte frei
seine Meinung äußern, war gleichzeitig aufgefordert,
sie von unterschiedlichen Seiten zu beleuchten,
zu reflektieren und auch kritisch zu hinterfragen. Das
mündete oft in hitzigen, anregenden Diskussionen.“
CARMEN BUECHNER, ANIMATION
„Die Filmgestaltung 1 war mein erstes Quartal an der
Filmakademie und für mich ein super Start ins Filmstudium.
Der freie Geist und
das spielerische Element
der Filmerzählung waren gute Wegbereiter und
ich habe sie mir hoffentlich bis heute bewahrt! Die Betreuung
durch Jochen Kuhn war für mich persönlich
eine große Herausforderung, weil er es verstand, mich
als Person in den Mittelpunkt der künstlerischen Auseinandersetzung
zu rücken. Das war natürlich eine Bereicherung,
ein Ansporn und Motivation, mich selbst als
Künstler zu begreifen.“
SASCHA SEIDEL, MONTAGE/SCHNITT
„Rückblickend rechne ich die Bekanntschaft mit Professor
Kuhn zu der wichtigsten Unterrichtszeit an der
Filmakademie (…). Nicht jeder Unterricht vermochte
es, meine Lust und meinen Mut zu wecken, Haltung
zu beziehen und eine eigene, persönliche
Ausdrucksform zu finden. Professor Kuhn ist dies mit
Leichtigkeit gelungen.“
MAXIMILIAN BUCK, REGIE/SZENISCHER FILM
„Prof. Kuhns Betreuung
während der Einzelgespräche
und des
Unterrichtes würde
ich als eine Balance
aus Strenge und
Sanftheit bezeichnen, das zeichnet für mich einen
guten Lehrer aus. Sein kritischer und analytischer Blick
auf meine Ideen befreite mich nach einem inneren
Kampf von „Gedankenknoten“ (…) Er vermittelt durch
Ruhe, Fachwissen, Selbstsicherheit und
konstruktive Kritik ein beruhigendes Gefühl
und dadurch die beste Basis für die Kunst des Filmemachens:
die Gedankenfreiheit.“
JULIA URBAN, DREHBUCH
5
„Ich habe zu jeder Zeit
Prof. Kuhns vollstes Vertrauen
gespürt, als Mentor
hat er mir in Momenten,
in denen ich
mich in der Sackgasse
befand, immer mögliche Auswege aufgezeigt. (…)
Herausgekommen ist ein ehrlicher Film,
der zwar längst nicht perfekt ist, doch konsequent und
eine eigene Handschrift aufweist, die ohne Prof. Kuhn
sicherlich weitaus weniger deutlich ausgefallen wäre.“
JOSHUA BEYER, INTERAKTIVE MEDIEN
6
„Jochen Kuhn (…) fordert
die Studenten auf,
jenseits von fest
eingefahrenen
Formen und Formaten
nach individuellen
Ausdrucksmöglichkeiten zu suchen. Diese Forderung
scheint er nicht nur an seine Studenten zu stellen, sondern
auch an sich und seine eigenen Projekte, für die er
sich trotz oder vielleicht
gerade wegen seines Lehrauftrags immer wieder Zeit
nimmt. Das macht ihn glaubwürdig und authentisch.“
SEBASTIAN MEZ, REGIE/DOKUMENTARFILM
27

SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
„Prof. Kuhn provozierte
die Kursteilnehmer
dazu, eigene Behauptungen
in Frage zu stellen
oder sich einem Gedanken
reflektiert zu
nähern. Ich habe in guter Erinnerung, dass ich meine
Mitschüler auf eine tiefgründige Weise kennenlernen
konnte und ich oft durch Äußerungen von Kommilitonen
inspiriert wurde (…). Prof. Kuhn regte mich immer
dazu an, mir meiner Verantwortung als Filmemacher
bewusst zu werden. Nichts, was man als Filmemacher
entscheidet, bleibt ohne
Wirkung.“
LEVIN PETER, REGIE/DOKUMENTARFILM
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7
„Professor Kuhn fordert
auf seine philosophische
Art von seinen
Studenten auch immer
wieder eine Antwort auf
die existenziellen Fragen
unseres Berufes: Warum
will ich Filme machen? Was will ich mit meinen Filmen
erzählen? Durch diese Fragen angeregt, fühlte ich
mich bei Professor Kuhn inspiriert, mutig meine eigene
Handschrift zu suchen, neue Dinge auszuprobieren
und mit meinen Ideen zu experimentieren.“
FRIEDERIKE FIEK, REGIE/SZENISCHER FILM
„In Jochen Kuhns Unterricht habe ich Kunst und
Filmkunst nicht als entlegenes Marktsegment erfahren,
sondern als dringende Notwendigkeit. Kuhn betreibt
Reflexion und Diskussion über sie als Mittel, die
Welt und ihre Widersprüche zu begreifen, zu ordnen
und letztlich auch filmisch anspruchsvoll zu bearbeiten,
wie wenige Andere es tun (…). Die Fähigkeit, sich nach
vielen Jahren der Lehrtätigkeit immer von neuem auf
die Studenten und ihre Persönlichkeiten einzulassen,
erscheint mir dabei besonders beachtenswert.“
TIMM KRÖGER, BILDGESTALTUNG/KAMERA
„Sobald die praktische Arbeit beginnt, ist Prof. Jochen
Kuhn vor allem die persönliche Betreuung
der Studenten und unserer Stoffe ein großes Anliegen.
Dabei scheut er keine Mühe, jeden einzelnen individuell
zu beraten und bei Problemen, mit konstruktiver
Kritik, uns schließlich selbst zur Lösung zu
führen, ohne dabei seine eigene Vision des Stoffes zu
oktroyieren.“
SILVANA SANTAMARIA, REGIE/DOKUMENTARFILM
10
„Schon am ersten Tag
bei Prof. Jochen Kuhn
erfasste mich ein kurzer
Vortrag zum Thema
Form und Gestaltung.
An diesem Tag war ich mir endlich sicher, mit
dem Studium die richtige Entscheidung getroffen zu
haben. Prof. Jochen Kuhn bombardierte uns mit einem
Spektrum an Thematiken, Fragestellungen, Ansichten,
Weltbildern und verstand es geschickt, in kürzester Zeit
Gruppendynamiken im Sinne der Debatten zu entfachen,
zugleich aber gerade der individuellen Haltung
und Ansicht jedes einzelnen großen Platz einzuräumen,
was auch dem Kennenlernen unter den Studenten
sehr entgegenkam.“
LINUS STETTER, ANIMATION
„Jochen Kuhn ist ein außergewöhnlicher
Mensch, vor dem ich große Achtung und Respekt
habe. Ich kann sagen, dass seine Kunst mich sehr inspiriert
und er an der Akademie dafür steht, den Glauben
nicht zu verlieren, dass der Filmmarkt auch mit
Herz und Kunst gestaltet werden kann, ja sogar gestaltet
werden muss.“
DAVID VOSS, REGIE/SZENISCHER FILM
11
9
28

12
„Was wir in Filmgestaltung
gelernt haben,
war nicht primär Filme
machen, sondern Filme
rezipieren und so
- auch wenn alle Fragen noch im Raum stehen - zumindest
ein Bewusstsein für die Fragen und unser eigenes
Verhältnis zu Form und Inhalt zu entwickeln.
So hat Professor Kuhn uns mal freundlich, mal
polemisch, mal im Umgang mit ihm, mal in der
Gruppendiskussion und immer fordernd zur Selbstreflektion
über unsere Arbeit und ihr Verhältnis zu unserer
Umwelt gezwungen.“
RODERICK WARICH, DREHBUCH
13
„Nach dem Motto
‚Macht was ihr wollt,
aber macht es nicht so
wie alle anderen’ hat
Prof. Kuhn unsere Kreativität
beflügelt. In
stundenlangen Diskussionen hat er uns müde geredet
und auf immer wieder neuen Gedanken und Theorien
gebracht. Wir waren erschöpft vom Denken. Das war
was Neues! Prof. Kuhn hat unsere Köpfe gefüllt mit Bildern,
Worten, Gedanken, Ideen, Meinungen,
Visionen, Filmen... Sein Unterricht war wie eine gedeckte
Tafel voll köstlicher Speisen für unsere ausgehungerten
Köpfe.“
SARAH JUDITH METTKE, REGIE/SZENISCHER FILM
„Hier wurde das Augenmerk auf kleine, persönliche
Film gelegt (…). Es zählten (…) der Einfallsreichtum
und die Geduld des Einzelnen, bzw. eines
kleinen Teams (…). Mir hat der Kurs gezeigt, dass man
starke, persönliche Filme über Themen schaffen kann,
die einen berühren.“
FLORIAN HÜSING, ANIMATION
„Professor Kuhn konfrontiert seine Studenten während
der Unterrichtszeit und darüber hinaus mit ihrem
noch 'unentdeckten Selbst'. Was wollt ihr vom Leben?
Was wollt ihr von euch als Künstlern?
Was steckt in euch? (…) Zu diesem Zweck macht Professor
Kuhn im Laufe des Unterrichts nichts anderes,
als den Verstand der Studenten zu öffnen. Dabei hat er
zwei Prinzipien des Lehrens: Disziplin (Pünktlichkeit
und absolute Anwesenheitspflicht) und die vollkommene
Freiheit im Denken.“
ALEX ESLAM, REGIE/SZENISCHER FILM
„Ich habe Professor Kuhn als einen sehr aufmerksamen,
fördernden und den Studenten mit interessiertem
Blick und Ohr zugewandten Lehrer kennengelernt, der
auch in der anschließenden Einzelbetreuung während
der Projektphase die individuellen Interessen und Begabungen
seiner Studenten förderte und in ihrem Entstehungsprozess
unterstützte.
Ich persönlich habe in der Unterrichtszeit bei Professor
Jochen Kuhn gelernt, einen freieren und weiteren
Filmbegriff zu entwickeln, der in stetiger Wandlung
bleibt und immer wieder hinterfragt werden will. Ich
habe mich ermutigt gefühlt, mich auf den Weg nach
meiner eigenen, ganz persönlichen filmischen
Identität zu begeben und diesen Weg gehe ich bis
heute.“
LENA SCHEIDGEN, REGIE/DOKUMENTARFILM
„Prof. Kuhns Unterricht war fordernd, unterhaltsam,
motivierend, und als Wichtigstes: inspirierend. Man
hatte das Gefühl, dass Prof. Kuhn einem den Kopf öffnet,
tausend Ideen reinsteckt, wieder zumacht
und kräftig schüttelt. Wenn ich Konzepte
schreibe oder überlege, wie ich einen Film
umsetze, denke ich noch heute an seinen Unterricht
zurück.“
TOM SCHLAGKAMP, REGIE/SZENISCHER FILM
„Auch in den Jahren nach der Filmgestaltung 1 habe ich
Prof. Jochen Kuhn des Öfteren mit meinen Filmvorhaben
besucht. Und immer ein offenes Ohr vorgefunden.
Seine für mich wohl wichtigste Eigenschaft
liegt darin, sich auf einen Film, egal in welcher Phase
seiner Produktion, und den Menschen hinter diesem
Film einlassen zu können, ohne genormte Maßstäbe anzulegen.“
STEFAN BÜNNIG, REGIE/SZENISCHER FILM
29

SPOTLIGHT: ABSCHIED PROF. JOCHEN KUHN
„Der Unterricht mit Jochen Kuhn, aber auch der
Zeichentrickfilm, der in diesem Rahmen entstanden ist,
gehören zu meinen hellsten und schönsten Erfahrungen
an der Akademie. Neben den vielen Experimentalfilmen,
die er uns gezeigt hat und die meinen Horizont
erweiterten, war gerade die persönliche Betreuung
von Jochen Kuhn sehr wertvoll für
mich. Mut hat er mir gemacht, mich auszuprobieren,
neue Wege des Ausdrucks zu suchen und auch zu beschreiten.“
JELENA JEREMEJEWA, REGIE/DOKUMENTARFILM
„In den projektvorbereitenden Gesprächen erhielten
wir viele gute Tipps und hilfreiche Denkanstöße,
bei denen ich immer das Gefühl hatte, in Prof. Jochen
Kuhn einen Unterstützer vor mir zu haben, der sich
tief in unser Projekt eingearbeitet und -gedacht hat. An
Punkten, an denen wir haderten, öffnete er unseren
Blick in unterschiedliche Richtungen,
die wir noch nicht in Betracht gezogen hatten
und betreute uns in allen Phasen des Filmes auf herausragende
Art und Weise.“
CHRISTINA HEECK, BILDGESTALTUNG/KAMERA
„Jochen Kuhn hat Mut,
das muss man ihm lassen.
Ausgerechnet den Studenten, der seinen Unterricht am
stärksten abgelehnt hat, darum zu bitten, etwas über
den Unterricht zu schreiben, zeugt zumindest von Mut.
Von weiser Voraussicht? Vielleicht wenn er mir nicht
die schlechteste Note des Kurses gegeben hätte, könnte
man jetzt überlegen, ob sich dieser Text in eine Lobrede
wandeln würde. Aber so nicht. Nein, nein.
Jochen Kuhn ist ein Idiot. Punkt. Er hat eine falsche
Sichtweise auf Film. Er geht vom intellektuellen Anspruch
aus, nicht vom Gefühl. Jochen Kuhn geht es um
die Art der Perzeption von Film als künstlerisches Medium,
darum, dass Form genauso großgeschrieben werden
muss wie Inhalt. Dass beides ohne einander nicht
kann, und das eine ohne das andere schlicht uninteressant
wird.
14
Das ist falsch. Film ist Emotion, formlos. Film sind Bilder,
die auf uns wirken, die uns berühren und uns die
Welt da draußen einen kurzen Moment vergessen lassen.
Die Auseinandersetzung mit der Form führt zu einer
Intellektualisierung des Gesehenen, die direkt entgegengesetzt
ist zur emotionalen Wirkung des Filmes.
Dieses Kernargument ist es, dass Jochen Kuhn und ich
in emotionalen Gesprächen diskutiert haben, und dessen
Nichtlösung dazu geführt hat, dass ich mich von
ihm abgewandt habe und einen Film gemacht habe, der
meinen Vorstellungen entspricht. Liebe und Krieg auf
unkonventionelle Weise vereint, das war der Anspruch,
mit dem ich es ihm zeigen würde. Einen Monat später
kam es zur ersten Präsentation des Filmes und das
Ergebnis war, sagen wir mal, ‚suboptimal‘. Das Problem
lag im Drehbuch verborgen und dieses wurde von
Jochen Kuhn zwar missmutig aber doch abgesegnet.
Ich war wütend darüber, es war nicht meine Schuld.
Ich war ein guter Regisseur, die Kontrollinstanzen der
Filmschule hatten versagt.
Jochen Kuhn hatte versagt.
Ich erinnere mich noch an den Blick in seinen Augen,
als ich ihm dies in ähnlicher Form durch den Raum zugerufen
hatte. Die restlichen Studenten waren sehr still.
Die nächsten Tage verbrachte ich in Abgeschiedenheit,
30

mein Telefon benutzte ich nicht mehr und die Akademie
versuchte ich zu meiden. Natürlich traf ich Jochen
Kuhns Assistentin genau am ersten Tag, als ich wieder
zurückkam. Natürlich sagte sie mir, dass es noch ein
Nachgespräch geben müsse. Natürlich war es mir egal.
Jochen Kuhn dürfe sich meine neue Schnittfassung anschauen,
wenn er unbedingt darauf bestehe, sagte ich
und ich musste einen Termin ausmachen. Natürlich
wappnete ich mich an diesem Tag. Ein sehr verbitterter
Mann würde kommen und mich zerreißen.
Er sagte längere Zeit nichts, nachdem er sich meine
neue Schnittfassung angesehen hatte und überlegte. Das
erste, was er dann sagte, war, dass sie besser sei. Dass
sie ihn berührt habe. Und dass er Potenzial in manchem
gesehen hätte, was man noch ausbauen könnte.
Er sah mich an, während er das sagte, und ich weiß
nicht, was in meinem Gesicht vorging, aber er musste
lächeln.
Ich weiß nicht, ob Sie Jochen Kuhn schon einmal lächeln
gesehen haben. Ich wünsche es Ihnen.
Über die nächsten zwei Wochen arbeitete ich rund um
die Uhr an dem Projekt. Kürzte, kürzte, kürzte. Jochen
Kuhn war drei weitere Male zu Besuch im Schnittraum,
wir führten lange Gespräche, warfen Ideen hin und her.
Am Ende bestand der ursprünglich zehnminütige Film
nur noch aus zwei Minuten. Aber diese zwei waren
mithin das künstlerisch beste, das ich je gemacht hatte.
Aber lassen Sie uns sachlich bleiben: Der Film war
trotzdem ein gigantischer Flop. Niemand aus dem Publikum
verstand, warum wir so lange daran gearbeitet
hatten. Nur Jochen Kuhn und ich.
Keiner von denen und keiner der Dozenten, die ich
an anderen Universitäten kennenlernen durfte, hätte
jemals ein Projekt abgesegnet, hinter dem er nicht
vollkommen stand. Keiner hätte die Studenten ins eigene
Messer laufen lassen. Keiner hätte nach einer persönlichen
Beleidigung noch mit dem Studenten gesprochen.
Keiner hätte sich noch so sehr mit der Arbeit
eines Studenten an einem aussichtslosen Projekt befasst.
Keiner hätte gespürt, dass das der wichtigste Moment
im Prozess war.
Ich habe mich bei ihm nie für das entschuldigt, was ich
im Gespräch gesagt habe. Es hat mich sehr berührt, als
ich verstand, dass er keine Entschuldigung brauchte. Er
wusste, was in mir vorging. So wie er jeden Studenten
versteht.
Und er hat Mut. Viel davon. Mut, mich diesen Brief
schreiben zu lassen, Mut, mich meine eigenen Erfahrungen
machen zu lassen und Mut, sich seit bald 20
Jahren jedes Mal aufs Neue mit kleinen Spielbergs wie
mir herumzuschlagen.
Sicher, das klingt wie Textbuchpädagogik. Das klingt
wie das, was jeder Lehrer machen müsste. Aber zeigen
Sie mir bitte jemanden, der dieses Credo so mit Intellekt
und Herz verfolgt wie Jochen Kuhn. Ich kenne keinen.
Und ich bin in München groß geworden. Im besten
Schulsystem, das es gibt.
Ich weiß nicht, wofür er nominiert werden oder welchen
Preis ihm dieser Brief einbringen soll. Aber ich
möchte Ihnen trotzdem nahelegen, Jochen Kuhn jede
Auszeichnung zu geben, die Sie zu bieten haben. Nicht,
dass es mir wichtig wäre. Ich möchte mit diesem Brief
nur ganz klar sagen, dass er der beste Mentor ist, den
ich kenne und den ich mir vorstellen könnte.
Und all das, obwohl er mir die schlechteste Note des
Kurses gegeben hat. MIR. Naja. Perfekt ist er halt auch
nicht.
OSKAR SULOWSKI, REGIE/SZENISCHER FILM
1_FISH'N'CHIP (R: HENDRIK WITSCHERKOWSKY)
2_HYBRIS (R: FLORIAN SCHNELL)
3_KOMPLEMENTÄR (R: LENA LEONHARDT)
4_FALLOBST (R: VIKTOR STICKEL, JULIA URBAN)
5_RUBIKON (R: JOSHUA BEYER)
6_CLEAN UP (R: SEBASTIAN MEZ)
7_NACHTWALD (R: LEVIN PETER, FLORIAN GRETH, SILKE FINGER)
9_FELL (R: MARIE-LOUISA WEBER, TIMM KRÖGER)
10_IDEEN ZUM SCHEITERN (R: ALEXANDER TSUKERNYK, LINUS STETTER)
11_VATER, BIN ICH KIND? (R: DAVID VOSS)
12_## (R: RODERICK WARICH, HANNES BRUUN)
13_SCHATTEN DER VERGANGENHEIT
(R: LETTY FELGENDREHER, FLORIAN HÜSING)
14_MAKE-DOWN (R: MAURICE HÜBNER, CHRISTINA HEECK,
KERSTIN LAUDASCHER)
8_SCHLUMMERLIED (R: FRIEDERIKE FIEK)
31

STECKBRIEF
Bildgestaltung/
Kamera
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Roland Mönch
2
PROJEKTBETREUUNG
Roland Mönch
Christine Montigel
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Kay Gauditz
Prof. Thomas Merker
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6 - 8 Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Kreativität und Neugier für neue
Erzählformen, soziale Kompetenz,
Teamfähigkeit, Zuverlässigkeit, Empathie,
Resilienz. Lust auf Gestaltung,
Lust auf das Studium an der
Filmakademie in Ludwigsburg.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Interdisziplinäres, praxisorientiertes
Studium, Lehre der künstlerischen
und organisatorischen
Kameraarbeit. National und international
erfahrene Dozierende/DoP
vermitteln Inhalte auf branchennahem
Standard und darüber hinaus.
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Die Kunst der Bildgestaltung und
die Praxis der Kameraarbeit, Teamarbeit
und Teamführung, nationale
und internationale Vernetzung
– alle Voraussetzungen, um in eine
erfolgreiche DoP-Karriere starten
zu können.
“The director leads the actors, the
cinematographer directs the audience.”
Conrad Hall
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Ego Shooting
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Learning by doing
10
MOTTO
“Cinematography is more than just
making pretty pictures.” Mario Tosi
32

Dokumentarfilm x
1
STUDIENKOORDINATION
Thorsten Schütte
2
PROJEKTBETREUUNG
Greda Sieber, Peter Kuczinski
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Heidi Specogna
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Ca. 6 Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Lust auf das Unbekannte, kritisches
Denkvermögen, Geduld, Neugierde,
Teamfähigkeit, Kreativität, Experimentierfreude
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Praxisnahes Lernen und Arbeiten,
versierte Dozent*innen und Referent*innen,
Arbeiten im Team,
ausgezeichnete technische Ausstattung,
große künstlerische Freiheit,
gutes Netzwerk/Kontakte zum
Markt, intensiver Austausch mit
den anderen Fachrichtungen, internationales
Netzwerk und Austauschmöglichkeiten,
Exkursionen
u.a. zum DOCUMENTARY CAM-
PUS, zum DOK Filmfestival Leipzig
und zur CPH:DOX Kopenhagen
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Mit eigenen Ideen und verantwortlicher
Haltung gegenüber Menschen
und Tatsachen Realität kreativ
zu gestalten, formatoffenes
Arbeiten, Recherche- und Interviewtechniken,
gestalterische und
inhaltliche Bandbreite in Stoffentwicklung
und Dramaturgie, Arbeiten
im Team, eigenes kreatives Potenzial
ausschöpfen, mehr über
sich selbst…
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Die Verbreitung von Fake News
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Das dokumentarische Arbeiten unterscheidet
sich von anderen medialen
Formen dadurch, dass es, je
nach Sujet und finanzieller Situation,
sowohl das Ein-/Zwei-Personen-Team
geben kann, in dem
verschiedene Berufsbereiche in
Personalunion ausgeübt werden,
als auch das große Filmteam, wie
beim Dokudrama, das dem Spielfilm
durchaus vergleichbar ist. Alles
ist möglich!
10
MOTTO
Die Ausformulierung einer künstlerischen
Handschrift beginnt im
Kopf !
33

CAMPUS LUDWIGSBURG
ZWANZIG
EINUNDZWANZIG
ZWANZIG
ZWEIUNDZWANZIG
WO ZU BEGINN DER 1990ER JAHRE VER-
LASSENE KASERNENHÖFE UND PARK-
PLATZBRACHEN DAS BILD BEHERRSCHTEN, IST
EIN EINZIGARTIGES AUSBILDUNGSZENTRUM
FÜR FILM, THEATER UND MEDIEN GEWACHSEN.
Die Akademie für Darstellende Kunst, die FilmakadeDie
Filmakademie mit ihrem Animationsinstitut, das Atelier
Ludwigsburg-Paris und die Akademie für Darstellende
Kunst tragen durch die Spitzenstellung, die sie in ihren
jeweiligen Bereichen einnehmen, dazu bei, dass hier im
fachspezifischen sowie im interdisziplinären Raum auf
höchstem Niveau gearbeitet wird.
über erstklassige personelle und technische Ausstattung,
weitreichende internationale Vernetzung und einen
Lehrkörper aus herausragenden Künstler*innen
und Praktiker*innen.
Dieses inspirierende Neben- und Miteinander bringt einen
interdisziplinären Geist mit sich, der Grenzüberschreitungen
zwischen Erzählformen, Genres und Technologien
enorm befördert. Die Möglichkeiten umfassen
Film, Theater, Animation, neueste digitale Produktionstechniken,
transmediale Formate und vieles mehr in einer
räumlichen Nähe, die in der europäischen Hochschullandschaft
ihresgleichen sucht.
Ein gemeinsames Credo der Institutionen besteht in der
starken Projektorientierung des Studiums. Die Studierenden
finden neben der Inspiration somit auch die Ressourcen
für ihre Vorhaben und sorgen mit ihren vielfältigen
und ambitionierten Projekten für ein pulsierendes
Campusleben.
Ein zentrales Merkmal des Ludwigsburger Campus liegt
in der Autonomie der vier ansässigen Ausbildungsstätten
bei der Gestaltung ihrer Studieninhalte, während
sie zugleich auf zahlreichen Ebenen miteinander verwoben
sind. Jede Institution verfügt in ihrem Bereich
Der Ludwigsburger Campus bleibt so ein wichtiger Knotenpunkt
für Studierende, Alumni und auch für alle interessierten
Ludwigsburger Bürgerinnen und Bürger,
u.a. mit „Montags an der ADK“, dem Treffpunkt „Campus
International“ und der Filmreihe „Open House“.
34

ERÖFFNUNGSWOCHE 20.09. – 24.09.2021
20.09.2021
FESTLICHE ERÖFFNUNG
ADK UND FILMAKADEMIE
STEVEN APPLEBY
“As a kid I loved writing, drawing and living in an imaginary
version of the world… so somehow I lucked into
the perfect job for me.”
11.00 – 13.00 UHR
BEGRÜSSUNG DURCH:
PROF. DR. ELISABETH SCHWEEGER
PROF. THOMAS SCHADT
PROF. ANDREAS HYKADE
ERÖFFNUNGSGAST:
STEVEN APPLEBY: KARIKATURIST, ILLUSTRATOR
UND KÜNSTLER AUS GROSSBRITANNIEN.
ORT: HYBRIDVERANSTALTUNG LIVE/ONLINE
ALBRECHT ADE STUDIO UND FILMGALERIE FÜR
ERSTSEMESTER*INNEN VON FABW, ANIMATIONS-
INSITUT UND ADK. ALLE ANDEREN STUDIEREN-
DEN VERFOLGEN DIE VERANSTALTUNG ONLINE.
For almost thirty years Steven Appleby has created,
written and drawn surreal yet personal comic strips
for many newspapers including: New Musical Express,
Guardian, Observer, The Times, Sunday Telegraph, Die
Zeit, Frankfurter Allgemeine Zeitung and Berliner Zeitung.
He has also written a comedy series for BBC Radio
4; had his character Captain Star animated for television;
written and drawn around 30 books; exhibited prints
and paintings in many exhibitions and seen his secret
world adapted for the stage as the musical play CROCS
IN FROCKS.
However strange and bizarre Steven’s world may appear
– chairs talk, and cars may feast on pedestrians – it
is rooted in reality and his personal obsessions. “I look
at the world,” he says, “and wonder: ‘what’s going on?
What on earth is life really all about?’ Then I play about
with what I see, turn it upside down and sideways… and
reimagine it. On a good day I end up with some sort
of absurd idea that is completely untrue… yet somehow
feels truer than the truth and says something about the
complexities of life.”
His latest book, DRAGMAN, stars August Crimp, a man
who can fly when he puts on women’s clothes. Grounded
in Steven’s own experience of the secret world of transvestites,
DRAGMAN is a multi-layered graphic novel set
in a version of the UK in which science has proved the
existence of the human soul and superheroes save only
those who can afford superhero insurance. DRAGMAN
has been published in the UK, America, Holland, Germany
and France (where it won the Prix Spécial du Jury
at the International Angoulême Comic Festival 2021).
After secretly dressing in women’s clothes for most of
his life, Steven came out in the early 2000s and began
living fulltime as a trans-person in 2008.
35

CAMPUS LUDWIGSBURG
36

SPEED DATING
14.30 – 16.00 UHR
ORT: WIESE AKADEMIEHOF
Alle Erstsemester treffen sich auf der Wiese, welche die
Filmakademie und die Akademie für Darstellende Kunst
miteinander verbindet. In einem Speed Dating kommen
alle zum ersten Mal direkt miteinander in Kontakt.
21. – 24.09.2021
WORKSHOP MIT TINKERTANK
JASMIN MERTIKAT, FLORIAN GRETH, JOHANNES
MAY, EVA SCHLECHTE, JULIAN JUNGEL UND
STEVEN APPLEBY SOWIE WEITEREN GÄSTEN ALS
IMPULSGEBER*INNEN
JEWEILS 10.00 – 17.00 UHR
AUFTAKT NACH MASS
ORT: GELÄNDE UND RÄUMLICHKEITEN DER
FILMAKADEMIE UND DER ADK
16.30 – 18.00 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO
Ein Campus, vier Institutionen: Die Akademie für
Darstellende Kunst (ADK), die Filmakademie (FABW),
ihr Animationsinstitut und das Atelier Ludwigsburg-
Paris (ALP). Im Rahmen der Veranstaltung „Auftakt nach
Maß“ stellen die Akademieleitungen den Studierenden
des ersten Semesters den Campus vor, stehen für erste
Fragen zur Verfügung und übergeben anschließend an
die AStA-Vertreter*innen.
Studierende des zweiten Studienjahres stellen sich den
Erstsemstern als Pat*innen vor.
Filmakademie und ADK eröffnen das Studienjahr wie
auch das Sommersemester mit gemeinsamen Workshops
und Veranstaltungen zu aktuellen und virulenten
Themen der Zeit. In den letzten Jahren waren hierfür
u.a. das Zentrum für Politische Schönheit (2019: „Widerstand
- Künstlerische Strategien - persönliche Verantwortung“)
und Rimini-Protokoll (2020: „Mind the Gap“)
eingeladen.
Die Eröffnungswoche des Studienjahrs 2021/22 gestalten
Tinkertank und der Karikaturist, Illustrator und Künstler
Steven Appleby. Die Eröffnung des Sommersemesters
ist in Planung.
„DE-CONSTRUCT CULTURE?“
“If we agree that narratives are manuals on how to function
in life whether they are films, poems, songs, board
games, puzzles or just three sentences like a haiku (poem)
on a gum wrapper, then we have to take creation of
narrative as important as a doctor would take a surgery.
So I believe as filmmakers and content creators we have
so much responsibility not only to amplify our own
voices but also creating potentials for intersectional experiences.
(...) How do we design our narratives and tackle
the greatest problem of our time: How can we include
as many thoughts as possible so that we can start seeing
each other and bridge communities.”
(Roy Wal, “Bridging Cultures Through Narratives”),
SXSW 2021
De-Construct Culture - invent new manuals for future
narratives. After more than a year of living through a
pandemic in which everyone was closely connected digitally,
but socially distanced, a new culture of empathy
emerged. Racism debates on a national and international
level move us, the cultural value of going to the cinema
37

CAMPUS LUDWIGSBURG
or theatre becomes evident, regional agriculture and
veganism gain relevance and film productions work more
sustainably. The beginning of a new culture of consciousness
has begun. We want to discover, analyze and rebuild
this culture with the students of ADK and FABW.
We discover together with the students what brought
them to these schools? Which privileges? Which experiences?
Which coincidences? Which influences? Which
achievements? We believe that it is time to acknowledge
all these matters in order to be able to tell new stories
for a narrative of tomorrow.
TINKERTANK (WWW.TINKERTANK.DE)
ist ein mobiles und stationäres Kreativlabor, das als Initiative
der lnteractive Media Foundation (www.interactivemedia-foundation.com)
2013 ins Leben gerufen wurde
- mit dem Ziel, Menschen zu kreativen und selbstorganisierten
Prozessen der Lösungsfindung zu befähigen
und das im Kontext von Technologie, Handwerk, Kultur,
Wissenschaft und Digitalisierung. Tinkertank veranstaltet
neben Workshops und Sommercamps für Kinder
und Jugend liche auch Kreativseminare für und mit
Partnern aus Kunst, Kultur und Wirtschaft. Alumni der
ADK und FABW sind Gründungs- und Teammitglieder
von Tinkertank.
Die lnteractive Media Foundation vereint eine umfassende
Expertise in den Bereichen Konzept, Storytelling,
Theater, Film, Digitales und Produktion. Die Teams experimentieren
mit zeitgemäßen Formaten und Ausdrucksformen,
um gesellschaftlich relevante Themen aus
Kunst, Technik, Gesundheit und Ökologie publikumswirksam
umzusetzen.
12.11.2021 / 22.04.2022
CAMPUSABENDE /
OPEN STAGE
17.00 – 21.00 UHR
Um die bestehenden Netzwerke zu verstärken und das
Potenzial des Campus weiter auszubauen, finden pro Semester
zwei Campusabende statt. Das Programm dieser
Veranstaltungen stellen die Studierenden gemeinsam
mit den AStAs der ADK und der FABW zusammen. Zeitgleich
finden keine Lehrveranstaltungen statt.
So entsteht Raum für ungezwungene Begegnungen,
den Austausch von Gedanken, Visionen, Projektideen
und -vorstellungen, die Möglichkeit, das Feld weiter
zu öffnen, Neues oder Gemeinsames entstehen zu lassen:
Raum zur Ausweitung des kreativen Felds zu einem
Campus der vielfältigen Möglichkeiten.
Für weitere Informationen kann die Studienleitung kontaktiert
werden.
38

CAMPUS IM AUSTAUSCH
GEMEINSAME LEHRANGEBOTE
VON FILMAKADEMIE UND ADK
Die Campus-Idee findet ihre konkrete Umsetzung in
der Gestaltung der Lehrpläne, welche die wechselseitige
Teilnahme an den Lehrveranstaltungen vorsehen..
FABW-STUDIERENDE KÖNNEN AN DER ADK
AN FOLGENDEN LEHRVERANSTALTUNGEN TEIL-
NEHMEN:
• Theorie-Montag (Lektürekurs Gegenwart & Theatergeschichte
/ Ästhetik /Poetologie / Theatergeschichte /
Geschichte der Regie • Machtstrukturen in Kultur,
Wissenschaften und Gendergerechtigkeit, Diversität
und Gleichstellung • Diversität und Methodik des
digitalen Theaters • Performancetheorie • Vergleichende
Mediendramaturgie • Autor*innen im Fokus • Grundlagen
Regie (Raum und Bühne / Raum und Klang /
Kurzprojekte mit der ABK) • Grundlagen Schauspiel •
Sprechen für Regisseur*innen • Praxismodule • Szenisches
Arbeiten mit Kai Wessel • Meisner-Technik und
Schauspiel-Workshop mit Kai Wessel • Nomadische
Recherche / Adaptionen-Workshop
ADK-STUDIERENDE KÖNNEN AN DER FABW
TEILNEHMEN WIE FOLGT:
REGIE-STUDIERENDE AN:
• Filmgestaltung 2 (FG 2): Basiskurse und Szenischer
Film (ein ganzes Semester)
SCHAUSPIEL-STUDIERENDE AM:
• Inszenierungsworkshop
ALLE STUDIERENDE DER ADK AN:
• Filmgeschichte und -theorie (Nataša von Kopp, Maurice
Fitzpatrick, Prof. Dr. Marcus Stiglegger, Lioba Schlösser,
PD Dr. habil. Andreas Rauscher)
• Verschiedene Seminare zu Film- und Mediengeschichte
(Teil 1 und Teil 2)
• Kurzgeschichtenband „Knapp daneben“
(Termin in Planung)
Premiere des fünften Kurzgeschichtenbands der Edition
FABW zum Thema „Knapp daneben“ mit Lesung ausgewählter
Beiträge von Studierenden und Alumni von
FABW und AOK mit anschließendem Get-Together.
Schirmherr: Philipp Keel, Verleger des Diogenes Verlags.
Zum fünften Mal haben Studierende und Alumni von
Filmakademie und ADK Kurzgeschichten zu einem vorgegebenen
Thema eingereicht.
Bisher erschienen vier Bände in der Edition FABW, herausgegeben
von Michael Achilles unter der Schirmherrschaft
von Philipp Keel (Diogenes): „Sommer“ (2020),
„Krieg - Vater aller Dinge“ (2019), „Neid“ (2018) und
„Schluss-striche“ (2017).
05.11.2021 / 14.01.2022 /
04.02.2022 / 08.04.2022 /
20.05.2022
AKA-PITCHINGS
FREITAGS JEWEILS AB 10.00 UHR
ORT: ALBRECHT ADE STUDIO, ADK/BÜHNE,
ONLINE (Kurzfristige Ankündigung per E-Mail durch die
Studienleitungen)
Die AKA-Pitchings dienen der Teamfindung und geben
einen Überblick über aktuelle Themen und Arbeiten.
Die im Fünf-Minuten-Takt vorgestellten Projekte
reichen u.a. von performativen Installationen bis hin zu
Theaterstücken oder Festivals, vom Werbe-, Dokumentar-,
Animations- bis zum Theaterfilm, von Games bis zu
szenischen Filmen. Die AKA-Pitchings schaffen ein Bewusstsein
für die künstlerische Bandbreite und das kreative
Spektrum der Projekte, die an der Filmakademie
und an der Akademie für Darstellende Kunst entstehen.
Die Teilnahme an allen fünf Pitchings ist für Studierende
der Filmakademie Pflicht.
39

CAMPUS LUDWIGSBURG
Die aktive Teilnahme am Pitch kann bis zwei Tage vorher an
folgende E-Mail-Adresse angemeldet werden: pitch@filmakademie.de
(Organisation: Andrea Macos)
TERMINE NACH ANSAGE
THEORIE-MONTAGE
Theoretische Grundlagen sind auch an besonders praxisbezogenen
Ausbildungsstätten die Basis jeglicher konstruktiven
Auseinandersetzung und Ausgangspunkt für
künstlerische Behauptungen und Handschriften.
So bietet die ADK mit einem festen Theorietag für die
Studierenden verschiedener Ausbildungsrichtungen
Grundlagen- und Übersichtsseminare aus den Bereichen
Ästhetik, Philosophie, Theater-, Film- und Literaturgeschichte
an.
Die Studierenden des gesamten Campus haben die Möglichkeit,
gemeinsam Grundlagen-, Übersichtsvorlesungen
und Übungen zu besuchen, die dann in einzelnen
Blockseminaren weiter vertieft werden. Einerseits sollen
damit der Kontakt und die Vernetzung der Studierenden
untereinander gefördert werden. Zum anderen dient die
gemeinsame Ausbildung dazu, sich eine gemeinsame
Sprache (und ein ähnliches Wissen) anzueignen, die dem
Diskurs und der potenziellen Zusammenarbeit auf dem
Campus zugutekommen soll.
Aufgrund der begrenzten Plätze bitten wir Interessierte, sich vorab
per E-Mail anzumelden: studienbuero@adk-bw.de
NOMADISCHE RECHERCHE
Die Nomadische Recherche ist ein studiengangübergreifendes
und interdisziplinäres Projekt unter der spezifischen
Anleitung interdisziplinär arbeitender Künstler*innen.
Ziel ist es, spartenübergreifend künstlerische
Formate, Interventionen, Probetechniken zu erforschen.
2021 fand die „Nomadische Recherche“ als interdisziplinäres
Projekt der ADK und des Animationsinstituts
der Filmakademie im ehemaligen Nestlé-Areal statt. Es
handelt sich um eine Veranstaltung im Rahmen von
NEULAND, einem gemeinsamen Projekt der Stadt Ludwigsburg
und der Wüstenrot Stiftung. 18 Studierende
(Regie, Dramaturgie, Schauspiel) der ADK erarbeiteten
im Juni 2021 in Zusammenarbeit mit 11 Studierenden
der FABW und des Animationsinstituts (lnteractive Media,
Animation) performative Projekte für das Areal
40
der ehemaligen Zichorien-Rösterei Franck. Die Arbeiten
werden nun im September 2021öffentlich präsentiert.
Die Nomadische Recherche ist ein künstlerischer
Rundgang durch verschiedene Räume des Quartiers.
ANIMATION HISTORIES
(Start in April 2022)
In the seminar Animation HiStories we look at the history
of animation and games from different historical, theoretical
and cultural perspectives and discuss the impact
of animation on today's media landscape, continuing
the introduction to the History of Animation Film for
students of Film & Media in their first year.
As any history, the history of animation film resembles
more a structure of intersecting lines and individual
stories than dates on a historical timeline. Therefore, we
will look at animation from various angles: We will look
at and discuss topics such as the history of animation at
FABW, the art and culture of visual effects as a special
case of animation, animation and material cultures, the
issue of realism in animation and games, storytelling and
narration, practices and theories of immersion, horror in
games and films and its attraction for audiences, the relationship
of comics and animation, gender and diversity
in the history of animation, representation of emotions
and the generation of empathy, genre and audiences,
animation from Japan, Eastern Europe and elsewhere,
animation politics and animation production studies.
Film, media and theatre students are invited to reflect
on their own artistic practices through the art and the
medium of animation.
Participants of this seminar are asked to contribute
topics they are interested in and actively take part in
discussions.
This two-semester seminar starts in April 2022 and is
taught in English.
The course is mandatory for students of animation, interactive
media and animation/effects producing in their
3rd year (summer term) and 4th year (winter term). lt is
open to all students of FABW and ADK after registration
with the “Studienleitung” of Filmakademie.
Course requirements: regular participation, audio-visual
presentation, writ ten term paper.

CAMPUS VERNETZT
HOCHSCHULKOOPERATION MIT DER PÄDAGOGI-
SCHEN HOCHSCHULE (PH) IM WS 2021/22
Im Rahmen des Masterstudiengangs „Kulturelle Bildung“
setzen die Filmakademie und die ADK die Zusammenarbeit
mit der PH Ludwigsburg fort.
PH-STUDIERENDE KÖNNEN AN FOLGENDEN
LEHRVERANSTALTUNGEN TEILNEHMEN:
ADK:
• THEATERGESCHICHTE:
BEGINN 27.09.2021
MONTAGS 14.45 – 16.15 UHR
BZW. 16.30 – 18.00 UHR
• INTERNATIONALES POLITISCHES THEATER:
22. – 23.04.2022 / 29. – 30.04.2022 / 06. –
07.05.2022
FREITAGS, 09.00 – 13.30 UHR
SAMSTAGS, 17.00 – 21.00 UHR
Anmeldung per E-Mail an: studienbuero@adk-bw.de
FABW:
11. – 13.11.2021
LIOBA SCHLÖSSER: QUEER CINEMA HISTORY
DO, 11.11.21 17.00 – 20.00 UHR. M 2.25.
FR, 12.11.21 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
SA, 13.11.21 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
02. – 04.12.2021
MAURICE FITZPATRICK: INGMAR BERGMAN
DO, 02.12.20 17.00 – 20.00 UHR. M 1.31.
FR, 03.12.20 10.00 – 17.00 UHR. M 1.31.
SA, 04.12.20 10.00 – 17.00 UHR. M 1.31.
20. – 22.01.2022
NATAŠA VON KOPP: HELDINNEN MIT SCHWERT
DO, 20.01.22 17.00 – 20.00 UHR. M 2.25.
FR, 21.01.22 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
SA, 22.01.22 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
21. – 23.04.2022
PROF. DR. MARCUS STIGLEGGER: LYNNE RAMSEY
DO, 21.04.22 17.00 – 20.00 UHR. M 2.25.
FR, 22.04.22 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
SA, 23.04.22 10.00 – 17.00 UHR. M 2.25.
07. – 09.07.2022
DR. ANDREAS RAUSCHER: SPIEL/FILM - KONVER-
GENZEN ZWISCHEN LEINWAND UND BILDSCHIRM
DO, 07.07.22 17.00 – 20.00 UHR. M 1.31.
FR, 08.07.22 10.00 – 17.00 UHR. M 1.31.
SA, 09.07.22 10.00 – 17.00 UHR. M 1.31.
Anmeldung und weitere Informationen jeweils per E-Mail an:
juliane.voigtlaender@filmakademie.de
41

CAMPUS LUDWIGSBURG
ETHISCHE FILMWAHRNEHMUNG
Im Rahmen der Zusammenarbeit mit der PH Ludwigsburg
und der FABW wird ab dem Studienjahr 21/22 die
Reihe ETHISCHE FILMWAHRNEHMUNG gestartet. Abwechselnd
finden Workshops, Panels und Seminare an
der FABW und an der PH statt. Die Daten und Orte im
Überblick:
DO, 21.10.2021 / 17.00 – 19.30 UHR
AUFTAKT: ETHISCHE FILMWAHRNEHMUNG.
KINO CALIGARI, FABW.
DO, 11.11.2021 / 18.00 – 20.00 UHR
CASE STUDY: KRIEGERIN, TEIL 1 – BETRACH-
TUNG UND HANDS-ON ZUM FILM. VORLESUNGS-
SAAL, RAUMNUMMER TBA, PH LB.
DO, 18.11.2021 / 18.00 – 20.00 UHR
CASE STUDY: KRIEGERIN, TEIL 2 – BETRACH-
TUNG UND HANDS-ON ZUM FILM. VORLESUNGS-
SAAL, RAUMNUMMER TBA, PH LB.
FR, 26.11.2021 / 14.00 – 17.00 UHR
GEWALTWIRKUNGSFORSCHUNG - EFFEKT VON
FIKTIONALER GEWALT AUF ZUSCHAUER*INNEN.
DEFINITION UND ERKLÄRUNG VON BEGRIFFLICH-
KEITEN UND PHÄNOMENEN WIE TRIGGERWAR-
NING, TRAUMA ETC. AULA, PH LB.
MO, 13.12.2021 / 14.00 – 16.30 UHR
IDENTITÄTSPOLITISCHES THEMA IN BEZUG AUF
KÜNSTLERISCHES HANDELN AN EINEM FILMBEI-
SPIEL MIT GÄSTEN. KINO CALIGARI, FABW.
DO, 13.01.2022 / 18.00 – 20.00 UHR
CASE STUDY: NUR EINE FRAU – TEIL 1 –
BETRACHTUNG UND HANDS-ON ZUM FILM.
VORLESUNGSSAAL, RAUMNUMMER TBA, PH LB.
FR, 28.01.2022 / 09.30 – 16.30 UHR
WIE NETFLIX DAS THEMA DIVERSITY IN SEINEN
PRODUKTIONEN AUFGREIFT. DER REGISSEUR
MARVIN KREN BERICHTET AUS SEINEN ARBEITS-
ERFAHRUNGEN UND ZEIGT FILMBEISPIELE. KINO
CALIGARI, FABW.
DO, 05. + FR, 06.05.2022 / JEWEILS 09.30 –
16.30 UHR
AMBIVALENZEN: FILM UND TRANSKULTURELLE
GEGENWART. KINO CALIGARI, FABW.
DO, 23.06.2022 / 14.00 – 16.30 UHR
RESÜMEÉ DER REIHE. KINO CALIGARI, FABW.
Anmeldung und weitere Informationen jeweils per E-Mail an:
juliane.voigtlaender@filmakademie.de (für Veranstaltungen an
der FABW) und thomas.wilke@ph-ludwigsburg.de (für Veranstaltungen
an der PH)
STUDIERENDE VON ADK UND FABW KÖNNEN
AN FOLGENDEN LEHRVERANSTALTUNGEN DER
PH TEILNEHMEN:
VORLESUNGSZEITRAUM:
18.10.2022 – 04.02.2022
SOZIOLOGIE DER LEBENSALTER
DONNERSTAGS (08.15 – 09.45 UHR)
Anmeldung und weitere Informationen per E-Mail an:
selina.rau@ph-ludwigsburg.de
THEORIEN DER MEDIENBILDUNG
DONNERSTAGS (10.15 – 11.45 UHR)
Anmeldung und weitere Informationen per E-Mail an:
thomas.wilke@ph-ludwigsburg.de
Die Veranstaltungen im Sommersemester werden
von den Studienbüros bekannt gegeben.
DO, 20.01.2022 / 18.00 – 20.00 UHR
CASE STUDY: NUR EINE FRAU – TEIL 2 – BE-
TRACHTUNG UND HANDS-ON ZUM FILM.
VORLESUNGSSAAL, RAUMNUMMER TBA, PH LB.
42

CAMPUS FÜR LUDWIGSBURG
04.10.2021 / 15.11.2021 / 13.12.2021 / 17.01.2022 / 21.02.2022
MONTAGS AN DER ADK
JEWEILS 20.00 UHR
Als öffentliches Nachdenken über aktuelle Debatten
und Diskurse verstehen sich die Abende mit hochrangigen
Künstler*'innen, Wissenschaftler*innen oder Expert*innen.
Die Veranstaltungen werden zukünftig digital
und analog geplant.
Für das Wintersemester 2021/22 sind u.a. Oberstaatsanwalt
THOMAS WILL (Leiter der Zentralen Stelle zur
Aufklärung nationalsozialistischer Verbrechen), Kulturanthropologe
und Dramaturg JULIAN WARNER
(Künstlerischer Leiter der KulturRegion Stuttgart),
Kulturwissenschaftlerin und Schriftstellerin MITHU
SANYAL, Romanautorin OLIVIA WENZEL („1000 Serpentinen
Angst“), Schauspielerin MAYA ALBAN-ZAPA-
TA sowie JOY KRISTIN KALU, Theaterwissenschaftlerin
und leitende Dramaturgin der Sophiensaele, zu
verschiedenen Gesprächsformaten eingeladen.
Kuratiert wird »Montags an der ADK« im Wintersemester
2021/22 von der Dramaturgie-Absolventin
Sarah Charlotte Becker und Elisabeth Schweeger.
Bisherige Gäste u.a.: Aleida Assmann (Anglistin und
Literatur- und Kultur wissenschaftlerin), Annett
Baumast (Expertin für Nachhaltigkeit auf dem Gebiet
der Kultur), lnes de Castro (Direktorin Linden-Museum
Stuttgart), Wolfgang Engler (Soziologe, Philosoph und
langjähriger Rektor der Hochschule für Schauspielkunst
»Ernst-Busch«), Marc Grandmontagne
(Geschäftsführender Direktor des Bühnenvereins),
Ulrike Groos (Direktorin Kunstmuseum Stuttgart),
Meredith Haaf ( Journalistin und Autorin), Josef
Hader (Kabarettist und Schauspieler), Dorothea von
Hantelmann (Kunsthistorikerin, Autorin und freie
Kuratorin), Lisa Jopt (Schauspielerin und Mitbegründerin
des Ensemble-Netzwerks), Philipp Keel (Künstler,
Filmemacher, Autor und Verleger), Ulrich Khuon
(Intendant Deutsches Theater Berlin, Vorsitzender des
Bühnenvereins), Aino Laberenz (Bühnen- und Kostümbildnerin,
Leiterin des Operndorfs von Christoph
Schlingensief ), Matthias Lilienthal (Intendant der
Münchner Kammerspiele), Peter W. Marx (Theaterwissenschaftler),
Herfried Münkler (Politikwissenschaftler),
Elke aus dem Moore (Kunsthistorikerin, Kuratorin und
Direktorin der Akademie Schloss Solitude), Hemal Naik
(Doktorand der Abt. Kollektivverhalten am Max Planck
Institut für Verhaltensbiologie in Konstanz),
Christiane Nüsslein-Volhard (Nobelpreisträgerin für
Medizin), Susanne Pfeffer (Direktorin Museum für
Moderne Kunst MMK Frankfurt), Eva Jankowski und
France-Elena Damian (Gründerinnen Pro Quote
Bühne), Wilfried Schulz (Intendant Staatsschauspiel
Dresden), Wolf Singer (Hirnforscher), Kay Voges
(Intendant Schauspiel des Theaters Dortmund) und
André Wilms (Schauspieler).
43

CAMPUS LUDWIGSBURG
TREFFPUNKT CAMPUS INTER-
NATIONAL: RAUM FÜR INTER-
KULTURELLE BEGEGNUNGEN
DER OFFENE CAMPUS.
TREFFPUNKT
CAMPUS INTERNTIONAL
EINE INITIATIVE DER STUDIERENDEN DER ADK,
FABW UND IHRES ANIMATIONSINSTITUTS.
An ausgewählten Terminen pro Semester werden die
Filmakademie und die ADK zu einem Ort der Begegnung
und des Kennenlernens unterschiedlicher Kulturen
und Künstler*innen. Verschiedene Veranstaltungsformen
– Vorträge, Diskussionen, Musik und
Get-Together – bieten die Gelegenheit, sich auszutauschen
und Netzwerke weiter zu verknüpfen. Der einzigartige,
kreative Campus bietet mit dem Treffpunkt
Campus International insbesondere für internationale
Studierende einen Treffpunkt für interkulturelle
Begegnungen. In enger Abstimmung mit der Internationalen
Fachschaft und den AStAs der FABW und der
ADK setzt sich der Treffpunkt Campus International für
eine stärkere Integration und bessere Kommunikation
auf dem Campus und darüber hinaus ein: Er versteht
sich als Einladung an alle Menschen, die sich für internationalen
kulturellen und künstlerischen Austausch
interessieren.
Studien- und Semesterarbeiten der Studierenden laden
dazu ein, die zukünftige Künstler*innenschaft in ihrer
Entwicklung zu entdecken und zu begleiten: Öffentliche
filmische Semesterpräsentationen, 10 bis 15 Werkstatt-
Inszenierungen aus dem „Labor“ der ADK-Studierenden,
Bachelorarbeiten und Inszenierungen der zweimal
jährlich stattfindenden Themenmodule. Zum Ende eines
Studienjahres findet alle zwei Jahre das von den Studierenden
ausgerichtete internationale, junge Theaterfestival
„Furore“ statt. 2022 findet an der ADK im Juli das
bundesweite Schauspieltreffen statt, sodass „Furore“ erst
wieder im Jahr 2023 stattfinden wird.
Der offene Campus mit ca. 60 öffentlichen Veranstaltungsabenden
gewährt Einblicke in ein kreatives, vielfältiges
interdisziplinäres Labor.
Aktuelle Veranstaltungen erfahren Sie über die Websites
der Institute.
44

45

IN ZAHLEN
300
DOZIERENDE
HANDWERK,
THEORIE UND PRAXIS
PROJEKTARBEIT
IM TEAM
ENGE ZUSAMMENARBEIT
MIT DER FILM- UND
MEDIENBRANCHE
130
ANGESTELLTE
300
DOZIERENDE
500
STUDIERENDE
130
FREIHEIT ZUR
ENTWICKLUNG DER
EIGENEN KREATIVEN
HANDSCHRIFT
ANGESTELLTE
46

EIN ÜBERBLICK ÜBER DAS STUDIUM
AN DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
DAS STUDIUM IST STARK PRAXISORIENTIERT
UND STELLT DAS PRINZIP „LEARNING BY
DOING“ IN DEN VORDERGRUND. VON BEGINN
AN ERARBEITEN DIE STUDIERENDEN ALLER GE-
WERKE IHRE FILME GEMEINSAM. SO ENTSTEHEN
JÄHRLICH ÜBER 250 FILME ALLER GENRES UND
FORMATE.
Das Ausbildungsangebot spiegelt die ganze thematische
Bandbreite der Medienbranche wider, von Drehbuch,
Regie und Kamera bis hin zu Animation, Szenenbild und
Montage, von Produktion, Filmmusik und Sounddesign
bis zu Motion Design und Interaktiven Medien.
Neben den klassischen Erzählformen für Film und Fernsehen
bereichern Social Media, partizipative Performances,
immersives Entertainment, Games und weitere neue
Formen des Geschichtenerzählens die Branche, verändern
Berufsbilder und lassen neue Formate und Ertragsmodelle
entstehen. Studienanfänger*innen erwarten zurecht,
dass ihre Hochschule sie auf diese sich ständig
verändernde Realität bestmöglich vorbereitet. Die Antwort
der Filmakademie Baden-Württemberg auf diese
Herausforderung liegt in einer umfassenden Ausbildung,
die von Anfang an auch Kenntnisse außerhalb des
eigenen Studienschwerpunktes vermittelt.
Sie folgt dem Credo, Studierenden mit dem ganzen
Spektrum ihrer Talente, Schwerpunkte und Ambitionen
größtmögliche Spielräume zur Entwicklung einer individuellen,
künstlerischen Identität zu eröffnen.
AN DER FILMAKADEMIE ERWARTET DIE STUDIE-
RENDEN:
• eine Ausbildung, die praktisches Filmemachen und
Theorie kombiniert
• Projektarbeit im Team
Betreut und unterrichtet werden die etwa 500 STU-
DIERENDEN von über 300 HOCHKARÄTIGEN FACH-
LEUTEN aus der Film- und Medienbranche und über
130 Angestellten der Filmakademie.
600-700 Bewerber*innen konkurrieren jährlich um
etwa 100 Studienplätze in den folgenden Studiengängen:
GRUNDSTÄNDIG WERDEN ANGEBOTEN:
• FILM UND MEDIEN
• FILMMUSIK UND SOUNDDESIGN
• PRODUKTION
ALS DIPLOMAUFBAUSTUDIENGÄNGE WERDEN
ANGEBOTEN:
• ANIMATION /
ANIMATION & EFFECTS PRODUCING
• ANIMATION / TECHNICAL DIRECTING
• FERNSEHJOURNALISMUS
• FILMMUSIK
• FILMTON / SOUNDDESIGN
• INTERAKTIVE MEDIEN
• MOTION DESIGN
• SZENENBILD
Die Studienzeit richtet sich danach, ob Studierende im
Grundstudium beginnen, den Quereinstieg wählen oder
im Diplomaufbaustudiengang studieren. Im Vollstudium
(Grund- plus Projektstudium) beträgt die durchschnittliche
Studienzeit 8 Semester plus 1 Diplomsemester.
• die Möglichkeit, Kontakte zu knüpfen, die bis in
den Markt reichen und wegweisend für spätere Jobs
sein können, weil die Filmakademie eng mit der
Film- und Medienbranche zusammenarbeitet
Der Quereinstieg ist der direkte Einstieg in das Hauptstudium
(Projektstudium) mit Bachelor oder Vordiplom
und dauert in der Regel 4 Semester plus 1 Diplomsemester.
• die Förderung der Freiheit zur Entwicklung der
eigenen kreativen Handschrift
47

IN ZAHLEN
100
STUDIENPLÄTZE
600
BEWERBERBUNGEN
JÄHRLICH
20
INTERNATIONALE
PARTNER-
INSTITUTIONEN
0
GRUND- UND
OUTGOINGS (PANDEMIEBEDINGT)
PROJEKTSTUDIUM:
FILM UND MEDIEN
PRODUKTION
FILMMUSIK UND SOUNDDESIGN
16
INCOMINGS
0
OUTGOINGS
(PANDEMIEBEDINGT)
DIPLOM-
AUFBAUSTUDIENGÄNGE:
ANIMATION / ANIMATION & EFFECTS PRODUCING
ANIMATION / TECHNICAL DIRECTING
FERNSEHJOURNALISMUS
FILMMUSIK
FILMTON / SOUNDDESIGN
INTERAKTIVE MEDIEN
MOTION DESIGN
SZENENBILD
48

Das Studium im Diplomaufbaustudiengang mit Nachweis
eines abgeschlossenen Studiums in einer artverwandten
Disziplin dauert in der Regel ebenfalls
4 Semester plus 1 Diplomsemester.
Jedes Jahr begrüßt die Filmakademie Studierende von etwa
20 Partnerinstitutionen aus aller Welt bei sich. Sie
bereichern den Campus mit eigenen Projekten und partizipieren
im Rahmen der Internationalen Klasse am Unterricht.
Studierende der Filmakademie haben ebenfalls die Möglichkeit,
an Partnerhochschulen im Ausland zu studieren.
Für Interessierte sind detaillierte Informationen über
den Studienverlauf auf der Homepage der Filmakademie
www.filmakademie.de im Bereich Studienverlauf erhältlich.
INTERDISZIPLINÄRE VERANSTALTUNGEN
Neben einer fundierten handwerklichen Ausbildung im
jeweiligen Studienfach sowie der Verbesserung der eigenen
Fertigkeiten durch die Mitarbeit an vielfältigen
studentischen Produktionen der Filmakademie spielt
auch die Ausbildung eines breit gefächerten Verständnisses
für medienbezogene Prozesse und Diskurse eine
wichtige Rolle. Der berühmte „Blick über den Tellerrand“
bzw. die Erweiterung des eigenen Horizonts ist
an der Filmakademie keine „Kür“, sondern ein essenzieller
Bestandteil der künstlerischen Entwicklung, die
durch ein vielfältiges Angebot an Lehrveranstaltungen
gefördert wird.
In interdisziplinären Kursen und Seminarreihen werden
Inhalte wie „Green Shooting“, „Green Storytelling“, Genderdiversität
oder der Weg in die berufliche Selbstständigkeit
näher beleuchtet.
Während im Grundstudium verschiedene Seminare zur
Film- und Mediengeschichte Teil des Pflichtunterrichts
sind, wählen Studierende der Diplomaufbaustudiengänge
oder des Quereinstiegs aus einem Angebot an jährlich
wechselnden Filmgeschichts- und Filmtheorie-Seminaren
aus, die stets die individuelle Auseinandersetzung
mit einer Themenstellung beinhalten und in Form einer
Hausarbeit oder eines Referats abgeschlossen werden.
OPEN HOUSE
OPEN HOUSE ist der Titel einer Lehrveranstaltungsreihe,
die in der Regel 2 Mal pro Semester im Kino Caligari
in Kooperation mit Kinokult Programmkinos stattfindet.
In dieser Reihe präsentieren – in der Regel mittwochabends
ab 17.00 Uhr – ehemalige Studierende der
Filmakademie oder aktuelle Gastlehrende ihre neuen
Projekte aus unterschiedlichen Bereichen und berichten
im Anschluss an das Screening in einem Werkgespräch
u.a. über die Entstehung und Hintergründe des Films,
gefolgt von einem Q&A. Hier wird es auch sehr begrüßt,
wenn Teammitglieder der verschiedensten Gewerke anwesend
sind (Regie, VFX, Kamera, Szenenbild etc.) und
von ihren Erfahrungen berichten.
OPEN HOUSE verbindet die Analyse aktueller Medienproduktionen
mit der Vernetzung von Studierenden,
Alumni und Lehrenden bewusst gewerkeübergreifend.
Die kritische und diskursive Auseinandersetzung mit aktuellen
Medienproduktionen ist ein wichtiger Bestandteil
des Lehr- und Bildungsauftrags der Filmakademie.
Sofern es sich bei den eingeladenen Gästen um Alumni
der Filmakademie handelt, trägt die OPEN HOUSE-VER-
ANSTALTUNG den Untertitel THERE AND BACK
AGAIN – ALUMNI STELLEN SICH VOR. Dies betont
noch einmal die besodnere Bedeutung eines aktiven Studierenden-Alumni-Netzwerks.
49

STECKBRIEF
Drehbuch
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Igor Dovgal
2
PROJEKTBETREUUNG
Liv Scharbatke
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Franziska Buch,
Prof. Christoph Fromm,
Alexander Buresch
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
ca. zehn
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Mut, Selbstbewusstsein, Neugier,
Beobachtungsgabe, Teamfähigkeit
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Während des Studiums in Ludwigsburg
können sich die Studierenden
ganz aufs Wesentliche konzentrieren:
das Drehbuchschreiben
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Wir sehen das Drehbuchstudium
als eine Zeit des Erforschens und
Erlernens von handwerklichen
Grundlagen. Unsere Studierenden
haben die Möglichkeit zu experimentieren.
Gleichzeitig werden sie
aber auch mit den handwerklichen
Fähigkeiten ausgestattet, um in einem
sich ständig ändernden Markt
bestehen zu können.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Ten steps to successful
screenwriting
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Der aktuelle Markt ist breit und
dürstet nach guten Autor*innen.
10
MOTTO
Wer nichts erlebt, hat auch nichts
zu erzählen.
50

Executive & Line
Producing
1
STUDIENKOORDINATION
Márk Szilágyi
2
LEITENDE DOZIERENDE
Felix Eisele
3
DOZIERENDE
Andreas Bareiss, Sophie Cocco,
Ben v. Doebeneck, Kirsten Frehse,
Tim Greve, Susa Kusche,
Laura Machutta,
Jakob Neuhäusser, u.v.a.
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
5-8 (inklusive
Quereinsteiger*Innen)
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Großes Interesse an der finanziellen,
unternehmerischen und organisatorischen
Leitung einer Filmund
Medienproduktion
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Großes Netzwerk, Kontakt zur
Branche und ein ELP-Mentoring-Programm
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Das Agieren als Schnittstelle zwischen
den kreativen, wirtschaftlichen,
organisatorischen und
rechtlichen Aspekten in der Filmproduktion.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Belege mit Tesafilm aufzukleben.
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Die Filmakademie ist die einzige
Filmhochschule Deutschlands,
die eine Spezialisierung im Wahlpflichtfach
Executive & Line Producing
anbietet.
10
MOTTO
„Filmemachen ist keine Operation
am offenen Herzen!“
51

52

ANIMATIONSINSTITUT GRUSSWORT
LIEBE STUDENTINNEN UND
LIEBE STUDENTEN,
nach einer intensiven Woche verließ ich dieses Jahr die Diplompräsentationen
euphorisch. Eindrucksvoll wurde uns Juror*innen in dieser
Woche von unseren Diplomand*innen das gesamte Spektrum von
Animation, VFX und Interaktive Medien auf höchstem Niveau präsentiert.
Ich persönlich durchlief beim Erleben der Projekte eine Bandbreite an Emotionen
vom Staunen, übers Denken bis hin zum Lachen und Weinen.
Das Ganze ist nicht durch ein Wunder passiert, sondern durch die Leistung dieses
Jahrgangs. Voraus gingen für jeden einzelnen Diplomanden und jede einzelne
Diplomandin schwierige Zeiten und Krisen. Und trotzdem, oder vielleicht sogar
gerade deshalb, ist es allen gelungen, sich den Fragen, die ihre Projekte an sie gerichtet
haben, individuell und in der Gemeinschaft zu stellen.
Was das für Fragen sind?
Was am Stoff ist relevant? Was bewegt Euch, die
Macher*innen? Kommuniziert das mit uns, dem
Publikum? Wie bringt Ihr Euer Anliegen intensiv
und originell zum Ausdruck? Gibt es ein Team,
um das Projekt zu realisieren? Gibt es innovative,
zeitgemäße und effektive Ausdrucksformen für
den Stoff ? Ich könnte ewig so weitermachen …
Es liegt an Euch, sich zu diesen Fragen zu positionieren,
und das ist leichter gesagt als getan.
Wir als Ausbildungsstätte können dafür den Rahmen
schaffen, indem wir versuchen, Euch die
richtigen Fragen zum richtigen Zeitpunkt zu stellen
und für Euch zum richtigen Zeitpunkt das richtige Lehrangebot zu schaffen.
Die Bereitschaft zur Auseinandersetzung mit diesen Fragen und die Bereitschaft
zum Austausch darüber, die müsst ihr mitbringen.
In diesem Sinn. Auf in die nächste Runde.
Ludwigsburg, 14.8.2021
Prof. Andreas Hykade
Leiter des Animationsinstituts der Filmakademie Baden-Württemberg
53

ANIMATIONSINSTITUT KEYNOTE STEVEN APPLEBY
Was macht einen erfolgreichen
Cartoonisten und Animationsfilmer aus,
Steven Appleby?
mit ihrem Hauptcharakter Captain Star erlangten schnell
Kultstatus. Daraufhin publizierte er jahrelang in verschiedenen
Zeitungen, etwa in der Times, dem Sunday
Telegraph oder dem Guardian. In Deutschland waren
seine Zeichnungen in der F.A.Z. und der Wochenzeitung
Die Zeit zu sehen. 1997 brachte er gemeinsam mit dem
Regisseur Pete Bishop die CAPTAIN STAR Animationsserie
an den Start. Kürzlich veröffentlichte er sein vielgefeiertes
Comicbuch DRAGMAN. Darin mutiert ein
Mann zum Superhelden, sobald er Frauenkleider trägt.
Appleby verarbeitete mit diesem Werk eigene Erfahrungen.
Sein ganzes Erwachsenenleben lang war er Crossdresser,
seit den 90er Jahren geht er offen damit um und
lebt seit 2008 ausschließlich als Transgender-Person.
Lieber Steven, du bist seit langem ein erfolgreicher Indie-Cartoonist.
Was würdest du den Studierenden des
Animationsinstituts raten? Was braucht es für so eine
Karriere?
DIE KEYNOTE BEI DER GEMEINSAMEN
ERÖFFNUNG DES STUDIENJAHRS DER
FILMAKADEMIE UND DER AKADEMIE
FÜR DARSTELLENDE KUNST BADEN-WÜRTTEM-
BERG HÄLT DER CARTOONIST, ILLUSTRATOR UND
FILMEMACHER STEVEN APPLEBY.
Applebys absurd-humoristischer Stil und sein hintergründiges
Storytelling sind legendär. Die Karriere des
65-jährigen Briten begann in den 1980er Jahren als Cartoonist
der Musikzeitschrift New Music Express (NME).
Seine ROCKETS PASSING OVERHEAD-Comic-Strips
Für mich selbst ist es schwer zu sagen, warum die Menschen
meine Arbeit mögen. Ich denke, neben dem nötigen
Glück, hat es im Grunde mit Ideen zu tun. Meine
Zeichnungen haben oft einen anderen Blick auf die Welt,
aus einer ungewöhnlichen Perspektive. Dennoch glaube
ich, es ist wichtig, dass diese Ideen in der Wahrnehmung
der Wirklichkeit verankert sind. Die Menschen
sollten sich darin wiederfinden, sonst verbindet sich da
nichts. Nehmen wir als Beispiel ein Buch, das ich vor
Jahren speziell für Deutschland gemacht habe, DIE ME-
MOIREN DES CAPTAIN STAR. Das ist eine unglaublich
verrückte Science-Fiction-Welt, die ich darin entworfen
habe. Dennoch geht es auch um alltägliche Dinge, wie
54

Ich hatte mal einen kommerziellen Auftrag, die wollten
unbedingt, dass ich ein Pinselwerk male. Das war
ein Albtraum, weil ich damit überhaupt nicht zufrieden
war und ich das einfach nicht konnte. Prinzipiell ist es
also sicher besser, bei sich zu bleiben und zu wissen, was
man eigentlich will. Dass ich von NME Aufträge bekam,
hatte einerseits sehr viel mit Glück zu tun, aber sie kamen
auch auf mich zu, weil sie eben genau meinen Stil
mochten. So war es auch in Deutschland. Ein Redakteur
fand meine NME-Cartoons gut und brachte mich dann
in Die Zeit.
Woher nimmst du deine Ideen, hast du da bestimmte
Methoden?
typische Ticks und Obsessionen der Figuren, etwa wenn
zum Thema wird, dass das Raumschiff regelmäßig gesaugt
oder auf der Brücke Staub gewischt werden muss.
Dein Stil gilt als einzigartig und ist mitunter deshalb so
beliebt. War es anfangs schwer, an deinen Vorstellungen
festzuhalten und trotzdem Aufträge zu bekommen? Von
Künstler*innen hört man ja auch oft, sie müssten sich
an den Markt anpassen, um von ihrer Kunst leben zu
können.
Gute Frage. Am Anfang wusste ich nicht, ob mein Stil
den Menschen gefällt. Stil ist ja so etwas wie eine Handschrift,
die kommt einfach so raus. Ich habe am Royal
College bei Quentin Blake studiert. Von ihm lernte
ich: Sei du selbst und lass dich nicht in eine Ecke drängen.
Es hat auch damit zu tun, dass etwas anderes zu machen,
als man selbst will, am Ende oft nicht funktioniert.
Im Rückblick haben meine Sachen fast immer mit etwas
zu tun, das ich selbst sehr mag. Captain Star kam aus
meiner Liebe zu Science Fiction, also der Crazy-Science
Fiction, nicht unbedingt der logisch-wissenschaftlichen
Variante. Auch von Charakteren wie Flash Gordon,
den ich als Kind sehr mochte, oder STAR TREK, das
hinsichtlich der Figuren die Vorlage der Story war. Es
kann thematisch eigentlich alles sein, mein Sohn liebt
das Gärtnern, also zeichnet er toll Blumen und Pflanzen.
Entscheidend ist, denke ich, einer solchen Passion
schließlich etwas Neues, Persönliches hinzuzufügen.
Ich liebe beispielsweise das Genre der Country House
Stories, in Deutschland kennt ihr vielleicht die Agatha
Christie-Krimis. Diese Landhauswelt habe ich kopiert
und davon eine Version entwickelt, die ein bisschen verrückt
ist und deren Charaktere genau meine Obsessionen
haben. Der eine macht sich etwa ständig Gedanken
um die Vergänglichkeit des Lebens, die andre sucht nach
55

ANIMATIONSINSTITUT KEYNOTE STEVEN APPLEBY
56

der großen Liebe und so weiter. Bei DRAGMAN ist es offensichtlich
mein Transding, das ich mit Superhero-Stories
verbinde. Ich schiebe also alte Dinge herum und mache
so etwas Neues daraus.
An was arbeitest du derzeit?
Derzeit gibt es Verhandlungen mit Sendern, aus DRAG-
MAN einen Live-Action-Film zu machen, was wirklich
cool wäre. Doch Corona hat da leider alles ein wenig verzögert.
Daneben arbeite ich noch an ein paar neuen Dingen.
Ich war allerdings einer dieser Leute, die nicht so
leicht mit den vergangenen Pandemie-Monaten klarkamen
und irgendwie nicht normal weiterarbeiten konnten.
Dass ich nicht reisen konnte, um mein neues Buch
zu promoten, war offensichtlich notwendig, aber es
machte mich natürlich traurig. Ich war nicht wirklich
deprimiert, doch ich fühlte mich flach. Klar habe ich
mitgeholfen, DRAGMAN in unterschiedliche Sprachen
neu zu setzen. Doch die Inspiration, die ich für ein neues
Buch brauche, kam nicht. Allmählich normalisiert sich
aber alles wieder. Ich habe zwei Buchideen und ich habe
im Gefühl, eine davon lernt gerade fliegen. Ich hoffe,
dass zumindest eine davon am Ende etwas wird.
Die Studienjahreröffnung mit der Keynote von Steven
Appleby findet am Montag, 20. September 2021 um
11 Uhr im Albrecht Ade Studio statt.
WEITERE INFOS ZU STEVEN UNTER
WWW.STEVENAPPLEBY.COM/NEWSPAPER
57

ANIMATIONSINSTITUT STUDIUM
STUDIEREN
AM ANIMATIONSINSTITUT
DAS ANIMATIONSINSTITUT DER FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
BIETET FOLGENDE STUDIENVERTIEFUNGEN AN:
• ANIMATION (U.A. MIT CHARACTER ANIMATION)
• VISUAL EFFECTS
• ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
• TECHNICAL DIRECTING
• INTERAKTIVE MEDIEN
→
GRUNDSTUDIUM &
PROJEKT-/DIPLOMAUFBAUSTUDIUM
IM GRUNDSTUDIUM (1. UND 2. JAHR) erlernen alle Studierenden der Filmakademie gemeinsam
und fächerübergreifend die Basics des Filmemachens. Im zweieinhalbjährigen Projektstudium
(3. und 4. Jahr) spezialisieren sie sich auf ihre gewählte Studienvertiefung. In das Projektstudium
ist bei entsprechenden Vorkenntnissen auch ein Quereinstieg möglich.
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING, TECHNICAL DIRECTING UND INTERAKTIVE MEDIEN
sind Diplomaufbaustudiengänge, in die mit entsprechender Vorqualifikation durch ein abgeschlossenes
Studium an einer Hochschule oder gleichwertigen Einrichtung (Bachelor, Master oder
Diplom) sowie praktischen Erfahrungen eingestiegen werden kann.
Die Ausbildung am Animationsinstitut erfolgt praxisorientiert und projektbezogen. Die Studierenden
werden in ihrer Arbeit und Entwicklung individuell betreut und durch Seminare, Weeklies
und Mentorings unterstützt.
58

59

ANIMATIONSINSTITUT
60

STUDIUM
SECHS GRÜNDE
FÜR DAS STUDIUM AM
ANIMATIONSINSTITUT
DAS ANIMATIONSINSTITUT DER FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG BILDET AUF HÖCHSTEM NIVEAU
HERAUSRAGENDE TALENTE IN DEN BEREICHEN ANIMATION,
VISUAL EFFECTS, TECHNICAL DIRECTING, ANIMATION/EFFECTS
PRODUCING UND INTERAKTIVE MEDIEN AUS. AUSSERDEM
BETREIBT DAS INSTITUT EINE ABTEILUNG FORSCHUNG &
ENTWICKLUNG UND RICHTET INHALTLICH DIE INTERNATIONALE
FACHKONFERENZ FMX AUS.
1.
2.
3.
4.
5.
6.
GANZHEITLICHKEIT & SPEZIALISIERUNG
Wir vermitteln unseren Studierenden das Verständnis für die
ganz heitlichen Zusammenhänge des Mediums Animation und ermöglichen
ihnen darauf aufbauend eine schrittweise Spezialisierung.
PERSÖNLICHKEITSENTWICKLUNG
Wir ermutigen und bestärken unsere Studierenden beim Entdecken
und Entwickeln ihrer Originalität.
PROJEKT- UND TEAMARBEIT
Unsere Studierenden entwickeln und realisieren in Teamarbeit
Projekte von besonderer Qualität.
TECHNOLOGIEVORSPRUNG
Die enge Verzahnung mit nationalen und internationalen Forschungsprojekten
verschafft unseren Studierenden auch in technologischer Hinsicht
einen entscheidenden Vorsprung.
FÖRDERUNG & VERNETZUNG
Wir erleichtern unseren Studierenden und Alumni, in der Branche
anzukommen, ihre Rollen zu finden, sich zu vernetzen und ihre Talente
weiterzuentwickeln.
HEIMAT & INTERNATIONALITÄT
Das Animationsinstitut ist Homebase, die FMX Karrieresprungbrett
und Community -Treffpunkt für unsere Studierenden und Alumni.
61

ANIMATIONSINSTITUT STUDIENVERTIEFUNGEN
→
ANIMATION
In der Studienvertiefung Animation erwerben die Studierenden
Kenntnisse und Fähigkeiten, um spannende Geschichten künstlerisch
und technisch in Animationsfilme zu verwandeln. Dabei
können sie sich an verschiedenen Produktionstechniken ausprobieren,
wie 2D- und 3D-Computeranimation, Stop Motion, Zeichentrick
oder Motion Capture.
→
CHARACTER ANIMATION
Innerhalb der Studienvertiefung Animation bietet das Animationsinstitut
eine einzigartige Ausbildung in Character Animation
an. Sie behandelt diesen Spezialbereich in all seinen Facetten
und schauspielerischen Herausforderungen. Studierende erlernen
alle handwerklichen und stilistischen Skills, um in Filmen
oder Games mit klassischen wie modernen Animationstechniken
Charaktere zum Leben zu erwecken.
62

ANIMATION
63

ANIMATIONSINSTITUT ANIMATION
Geht gute Kunst nur in der Krise?
MICHAEL BOHNENSTINGLS ANIMATI-
ONSFILM 'SLOUCH' BEHANDELT DIE
FRAGE, OB GROSSE KUNST NUR AUS
MOMENTEN TIEFSTER KRISEN ENTSTEHEN
KANN. „THE MOST BEAUTIFUL FLOWERS
GROW ON SHIT”, BEHAUPTET DARIN NUFF-
TI. ER IST DER KLEINE PERSÖNLICHE DÄ-
MON DER HAUPTFIGUR SLOUCH,
EINEM FRUSTRIERTEN MUSIKER,
DER MIT SEINER FREUNDIN
IN SEINER GARAGE LEBT UND
VOM GROSSEN DURCHBRUCH
TRÄUMT. ALS DIESER DANN
TATSÄCHLICH PASSIERT, HÖREN
DIE PROBLEME (ZUM GLÜCK)
NICHT AUF.
Lieber Michael, brauchst du Krisen, um kreativ zu sein
oder wie kam’s zur Storyidee von SLOUCH?
Die entstand, als ich selbst eine persönliche und künstlerische
Krise hatte. Während meines Studiums in Ludwigsburg
habe ich außerdem viel Musik mit meiner
Band in unserem Proberaum in den Baracken gemacht.
Dabei sprachen wir oft über die Ursprünge von Kreativität
und fragten uns, warum so viele Künstler*innen so
schrecklich abgefuckt sind und ob ein glückliches, gesundes
Leben dabei wirklich hinderlich sein kann. So ergab
sich schließlich das inhaltliche Fundament für den
Film.
SLOUCH ist mit 18 Minuten ziemlich lang für einen Abschlussfilm.
Im Bereich Animation bedeutet das sehr viel
Arbeit in einer relativ kurzen Zeit. Von wegen Chancen
durch Krisen... konntest du durch die Lockdowns so viel
Zeit investieren?
Ja, es war wirklich viel Arbeit! Doch ich arbeite eigentlich
so, dass ich zuerst die Story habe. Daraus
ergibt sich dann die Ausgestaltung und
Länge, die es für die Umsetzung braucht.
Ich versuche mich immer dahingehend
erst einmal nicht einzuschränken. Ich hatte
auch Hilfe von einem tollen Team. Beispielsweise
haben Julia Skala und Oleg Stezenko
die Sets und Hintergründe designt.
Christian Kaufmann hat sie dann in Cinema
4D gebaut. Dadurch konnte ich mich auf
das Mise-en-scène und Editing konzentrieren. Aber es
stimmt schon. Durch die Corona-Krise habe ich viele
Sachen, die ich im Normalfall neben dem Studium gemacht
hätte, nicht machen können und hatte die nötige
Zeit.
Du bist selbst auch Musiker. Wie autobiografisch ist der
Film?
Klar, ein Regisseur kann sich ja meistens nicht in seinem
Werk verstecken. Und natürlich spielt meine Musik eine
wichtige Rolle. Im Grunde hat mich der Film bei der
Beantwortung einiger Fragen begleitet, die ich selbst an
das künstlerische Schaffen, aber auch ganz allgemein ans
Leben hatte. Aber gleichzeitig: Was für eine Geschichte
gut funktioniert und richtig ist, muss nicht gleich eins
zu eins im eigenen Leben funktionieren.
64

Du warst vor einigen Jahren für Studio Soi in Ludwigsburg
tätig. Unter anderem hast du für die ZDF-Kinderserie
PETZI geschrieben und bei ihr auch Regie geführt.
Wie unterscheidet sich diese Arbeit von einem
Indie-Film wie SLOUCH?
Eigentlich gar nicht so sehr. Es ist im Grunde egal, ob ich
in einem Film über Freundschaft oder vom Scheitern erzähle.
Die Geschichte muss gut sein. Klar gibt es etwa in
Sachen Budget, Timeline, Ressourcen oder Teams andere
Bedingungen. Im Animationsinstitut wird uns dagegen
viel Freiheit gelassen. Wir werden voll darin unterstützt,
in den Projekten unsere eigenen Ideen umzusetzen. Im
besten Fall führt das dazu – wie uns Andreas Hykade
einmal gesagt hat – dass das Animationsinstitut für uns
zu einem Ort wird, an dem wir selbst über uns hinauswachsen.
65

ANIMATIONSINSTITUT BEYOND STUDY
WIE WERDEN AM ANIMATIONSINSTITUT TALENTE
NACHHALTIG GEFÖRDERT?
SOBALD DIE STUDIERENDEN IHR
DIPLOM IN DER TASCHE HABEN,
SOLLTE IHR KONTAKT ZUM ANI-
MATIONSINSTITUT KEINESWEGS
ABREISSEN. GETREU DEM MOTTO
„LIFELONG LEARNING“ STEHT DAS
ALUMNI-TEAM ÜBER DAS STUDI-
UM HINAUS IM KONTAKT MIT DEN
ABSOLVENT*INNEN. CHRISTIAN
MÜLLER IST AM ANIMATIONSINS-
TITUT DER HERSTELLUNGSLEITER
FÜR AUFTRAGSPRODUKTIONEN
UND TALENTINITIATIVEN.
LETZTERE UNTERSTÜTZEN EINZEL-
PERSONEN UND TEAMS BEI DER
WEITERENTWICKLUNG IHRER IM
STUDIUM BEGONNENEN PROJEK-
TE, ANSÄTZE UND IDEEN. ER HAT
UNS ERZÄHLT, WESHALB SICH
DAS ANIMATIONSINSTITUT EINER
NACHHALTIGEN TALENTFÖRDE-
RUNG VERSCHRIEBEN HAT UND
WAS AUS DEN GEFÖRDERTEN DER
VERGANGENEN JAHRE GEWORDEN
IST.
Lieber Christian, was bedeutet Talentförderung
am Animationsinstitut?
Wir verstehen sie als einen ganzheitlichen
Prozess und Aufgabe der
Lehre, die über das Studium hinausgeht.
Alumni sollen auch nach
dem Diplom von unserem nationalen
und internationalen Netzwerk
66
profitieren. Die Talentförderung besteht
einerseits aus konkreten Initiativen
und Angeboten. Andererseits
unterstützen wir die Talente beim
direkten Kontakt zum Markt, unter
anderem über Auftragsproduktionen.
Was sind das genau für Initiativen
beziehungsweise Angebote?
Beispielsweise gab es das ART &
TECH LAB, bei dem es um immersive
Erfahrungen unter dem Motto,
Technische Innovation trifft auf
künstlerischen Approach‘ ging,
oder die projektbezogene Talentförderinitiative
VR NOW, die sich an
Absolvent*innen baden-württembergischer
Hochschulen richtete.
Zudem sind wir ein Teil des workshopbasierten
Trainingsprogramms
Animation Sans Frontière (ASF).
Dieses Angebot richtet sich an junge
Animationsschaffende aus ganz
Europa. Es bringt sie zusammen
und bildet sie weiter.
Was will das Animationsinstitut
damit erreichen?
Uns ist es wichtig, Perspektiven
aufzuzeigen, wie Studierende und
Alumni das eigene künstlerische,
kreative und technologische Schaffen
auch nach dem Studium fortführen
können. Im Fokus stehen die
Persönlichkeitsentwicklung sowie
das Erkennen und Stärken des eigenen
Potenzials, gerne in Verbindung
mit Teams und Projekten. All das,
was wir hier tun, soll als Sprungbrett
in eine nachhaltige, selbstbestimmte
berufliche Zukunft dienen.
Du hast über viele Jahre die Talentförderinitiative
VR NOW betreut.
Wie haben sich die geförderten Projekte
entwickelt?
Die meisten haben sich toll weiterentwickelt.
Nur um mal zwei
Beispiele von vielen zu nennen:
Die gruppendynamische Sync-VR
Variante zum VR-Film CONSCIOUS
EXISTENCE von unserem Alumnus
Mark Zimmermann wurde
für den Aurea Award für innovative
AR- und VR-Projekte nominiert.
Diese Nominierung hat den Weg
für eine Kooperation zwischen der
Filmakademie und dem Europapark
geebnet. Das Team des VR-Multiplayer-Spiels
VR TRIBES hat sich
sogar erst aus Alumni und Studierenden
der Hochschulen Offenburg
und Trossingen gebildet, um bei VR
NOW dabei zu sein. Nach einem
Jahr Prototypenentwicklungsphase
haben sie die Framelocker GmbH
in ihrer Heimat Freiburg gegründet.
Dann haben sie mit der Unterstützung
des Beratungsangebot der
MFG einen erfolgreichen Antrag auf
Computerspieleförderung des Bundes
gestellt, um VR TRIBES marktreif
weiterzuentwickeln.
MEHR INFORMATIONEN UNTER
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.
DE/BEYOND-STUDY

STUDIENVERTIEFUNGEN
→
VISUAL EFFECTS
Mit Visual Effects (VFX) kennt das Storytelling keine Grenzen.
Vom actionreichen Hollywood-Blockbuster bis hin zu fantasievollen
Games – kaum eine Produktion kommt heute mehr
ohne visuelle Effekte aus. Sie verstärken tiefgehende Emotionen,
spannende Abenteuer und epische Filmmomente, die im
Gedächtnis bleiben.
Im Visual-Effects-Studium am Animationsinstitut werden die
Studierenden künstlerisch und technisch in der Umsetzung
von visuellen Effekten in Filmen, Games, Spots und anderen
Formaten ausgebildet. In einer technologisch hochwertigen Infrastruktur
erlernen sie alle relevanten VFX-Produktionstechniken.
Während des VFX-Studiums realisieren sie eigene Projekte und
bekommen den Freiraum, zusammen mit anderen Studierenden
der Filmakademie vielseitig zu experimentieren. Schon während
des Studiums treffen sie auf wichtige nationale und internationale
Player der Branche.
67

ANIMATIONSINSTITUT VFX
Entkommt Woody dem Feuer?
DER HAUPTCHARAKTER DES FILMS
'WOODY' IST EIN AUS STÖCKEN BE-
STEHENDES WESEN, DAS VON EINER
WELT IN FLAMMEN BEDROHT WIRD. UM ZU
ENTKOMMEN, MUSS ES SICH IMMER WIEDER
NEU ANPASSEN UND IN UNTERSCHIEDLICHE
KREATUREN VERWANDELN. JUSTIN BRAUNS
DIPLOMPROJEKT IM BEREICH VISUELLE
EFFEKTE STECKT NICHT NUR VOLLER CUT-
TING-EDGE-TECHNOLOGIE, SONDERN AUCH
ERNSTER METAPHORIK, DIE EINDRUCKS-
VOLL AN DIE HERAUSFORDERUNGEN DER
MENSCHHEIT DURCH DIE FOLGEN DES KLI-
MAWANDELS ERINNERT.
Lieber Justin, in deinem
Film kämpft die
Figur WOODY mit
Gefahren, die für ihn
immer mächtiger und
bedrohlicher werden.
Was hat es mit der
Story auf sich?
Am Anfang des Projekts stand meine persönliche Erfahrung
eines Burnouts. Dieses Gefühl visuell und inhaltlich
darzustellen, durchzieht das gesamte Projekt. Es
geht also mitunter um die Empfindung, einer Idee oder
Sache vehement mit aller Kraft hinterherzujagen, bis
zum schwierigen Eingeständnis, dass man es trotz allem
Einsatz nicht schafft und aufgeben muss.
Die Bilderwelt ist geprägt von verheerenden Feuern, die
an katastrophale Waldbrände erinnern, und WOODY
verwandelt sich auf seiner Reise in an Waldbewohner erinnernde
Tiere. Wie viel politischer Aktivismus in Hinblick
auf die Gefahren des Klimawandels steckt in deinem
Film?
Während das Projekt entstanden ist, haben natürlich
auch die aktuellen Erfahrungen eine entscheidende Rolle
gespielt. Die Darstellung eines Burnouts bildet sich in
dem Film metaphorisch durch die bedrohte Natur ab.
Das geschah bewusst, schließlich scheint die Welt mit
Klimakatastrophe und Pandemie sich derzeit selbst in einer
Art Burnout zu befinden, und das wollte ich mit der
Geschichte und Ausgestaltung thematisieren.
68

Bei der Produktion arbeiteten du und dein Team mit
neuester Technologie. Unter anderem kam künstliche
Intelligenz zum Einsatz...
Ja, das Character Development von WOODY basiert auf
der Software Quill – einer Software, in der man direkt
in einer VR-Umwelt zeichnet. Hier entstand der Look
mit den Stöcken. Dann habe ich ein KI-Tool entwickelt,
das die Daten der Quill-Strokes mit Informationen von
Megascan Libraries verbindet. Dadurch konnten wir daraus
automatisiert Vorlagen für die weiteren Charaktere
gewinnen, die wir anschließend manuell bis zum fotorealistischen
Rendering weiterentwickelt haben. Auch
bei den Environments lief das ähnlich. Hier arbeiteten
wir unter anderem mit Satellitenaufnahmen, die wir in
der Unreal Engine wiederum mit Megascan Libraries abgeglichen
haben. Schließlich haben wir uns für einen
Motion Capture Shoot entschieden, bei dem wir auch
Teile aus der digitalen Welt nachgebaut haben, um die
Figuren und Szenen adäquat zum Leben zu erwecken.
69

ANIMATIONSINSTITUT
70

71

ANIMATIONSINSTITUT VFX
Was bedeutet es,
einen Oscar zu gewinnen?
PASCAL SCHELBLI UND SEINEM
TEAM IST GELUNGEN, WOVON VIELE
FILMSCHAFFENDE TRÄUMEN.
SEIN DIPLOMFILM IM STUDIENBEREICH
VISUAL EFFECTS GEWANN 2020 DEN
STUDENT ACADEMY AWARD IN DER KATE-
GORIE ANIMATION.
THE BEAUTY erzählt mit einer beeindruckenden Bilderwelt
und poetischen Sprache von der Verschmutzung
der Weltmeere durch Plastikmüll. Uns hat der Alumnus
des Animationsinstituts, der mittlerweile wieder in Zürich
wohnt, erzählt, wie sich die Auszeichnung auf seine
Arbeit ausgewirkt hat und welche Projekte derzeit
anstehen.
Bekommst du nun viele Angebote aus den Staaten?
Da gab es schon viel Interesse. Allerdings habe ich früh
deutlich gemacht, in Europa bleiben zu wollen, wodurch
sich einiges wieder erledigte. Ein Projekt habe ich auch
abgesagt, weil ich inhaltlich einfach nicht überzeugt war.
Warum lieber Europa statt die USA?
L.A. gilt ja als eine Art „Schlund“, in dem man untergehen
kann. Ich habe Freunde, die dort tätig sind und habe
mich am Ende dagegen entschieden. Ich dachte, lieber
in Europa Projekte machen, bei denen vielleicht das
Budget kleiner ist, dafür aber die Freiheiten größer. In
Sachen Filmförderung ist durch den Oscar zum Glück
hier auch einiges möglich, weil man kein unbeschriebenes
Blatt mehr ist.
Was ist von dir künftig zu erwarten? Wird in deinen
Filmen wie in THE BEAUTY ein gewisser politischer
Aktivismus eine Rolle spielen?
Lieber Pascal, wie hat die Auszeichnung mit dem Studierenden-Oscar
dein Leben verändert?
Zwar hat für uns die Oscar-Verleihung durch Corona leider
etwas an Farbe verloren, da wir nicht vor Ort in Los
Angeles sein konnten und die Gewinner in Zoom-Calls
verkündet wurden. Dennoch hat sich die Academy bemüht,
uns dieselben Möglichkeiten wie in anderen Jahren
zu bieten. Sie organisierten etwa Onlinetreffen, bei
denen wir uns großen Produktionsfirmen vorstellen
konnten oder brachten uns mit etablierten Regisseur*innen
von Animationsfilmen zusammen. Überrascht hat
mich das Interesse, auf das die Auszeichnung in Europa
gestoßen ist. Ob Fernsehen oder Zeitungen, so viele haben
dadurch bei mir angeklopft, das macht einen natürlich
bekannter.
72
Es ist kein Geheimnis, dass ich ziemlich grün angehaucht
bin. Allerdings sehe ich mich nicht zu hundert
Prozent als politischer Filmemacher, zumindest nicht
an vorderster Front. Gerade habe ich Werbefilme für einen
Gitarrenhersteller fertiggestellt, das ist davon eher
weit weg. Ich habe ein paar Ideen für Kurzfilme, die ich
machen will und gerade im Anfangsstadium sind. Ein
Traum wäre irgendwann ein Feature-Film, mal sehen.
DEN VES AWARD KONNTE DAS TEAM VON “THE BEAUTY”
NOCH PERSÖNLICH IN L.A. ABHOLEN

DIE OSCAR-VERLEIHUNG FAND PANDEMIEBEDINGT NUR ONLINE STATT.
PASCAL SCHELBLI (U. RE) BEKAM DIE TROPHÄE PER POST.
73

ANIMATIONSINSTITUT BEYOND STUDY
WIE WIRD AUS EINEM MALBUCH
EIN INTERAKTIVES ERLEBNIS?
EIN EIGENES PROJEKT ENT-
WICKELN, DABEI GEFÖRDERT
WERDEN UND TEIL EINES EURO-
PÄISCHEN KREATIVNETZWERKS
WERDEN. GENAU DAS BIETET DIE
TALENTFÖRDERINITIATIVE ANI-
MATION SANS FRONTIÈRES (ASF)
IHREN TEILNEHMENDEN. DER
ZUSAMMENSCHLUSS VON VIER
EUROPÄISCHEN HOCHSCHULEN,
DARUNTER DAS ANIMATIONSINSTI-
TUT, HAT SICH ZUM ZIEL GESETZT,
JUNGEN KREATIVSCHAFFENDEN
EINBLICKE IN DEN EUROPÄISCHEN
ANIMATIONSMARKT ZU GEBEN
UND IHRE PROJEKTE ZU FÖR-
DERN. UNTERSTÜTZT WIRD DAS
GANZE VOM „CREATIVE EUROPE
PROGRAMME“ DER EUROPÄISCHEN
UNION. DER LEIPZIGER FILMEMA-
CHER ULI SEIS WAR BEI ASF DABEI.
SEINEM PROJEKT 'MITMALFILM' HAT
DIES VIELE CHANCEN ERÖFFNET.
Lieber Uli, dein MITMALFILM ist
nicht nur ein Bilder- und Malbuch
für Kinder, sondern kann noch mehr.
Wie funktioniert es genau?
Ein MITMALFILM ist ein Malbuch
für Kinder, das sich in Trickfilme
verwandeln lässt. Das funktioniert
aus Sicht der Kinder ganz einfach in
drei Schritten: Malvorlage bemalen,
mit Smartphone oder Tablet fotografieren,
Film ansehen. Die Kinder
erleben, dass ein richtiger Zeichentrickfilm
in ihrem selbst gemalten
Bild spielt.
Die Filme nehmen die Kinderzeichnung
also als Hintergrundkulisse.
Wow, damit haben die Kinder
sicherlich viel Spaß. Was für Geschichten
und Charaktere gibt‘s
dann zu sehen?
Es ist uns wichtig, dass unsere Filme
in sich runde, lustige und gute Kurzfilme
sind, ganz unabhängig davon,
dass man sie auch als Mitmalfilm
selbst bemalen kann. Unsere Charaktere
sind kunstbegeisterte Tiere.
Da gibt es beispielsweise das Landschaftsmaler-Schaf
Claude Momäh,
die Streetart-Ratte Ranksy und den
tätowierenden Elefanten Tattoo-Ed.
Abenteuer und Hindernisse bewältigen
sie mit fantasievollen Lösungen
und den Mitteln der Kunst.
Du warst mit dem MITMALFILM
Teilnehmer von ASF 2017/2018. Was
hast du damals erlebt?
Es war toll, diese vier großartigen
Animationsfilm-Schulen besuchen
zu dürfen und dort jeweils zwei Wochen
zu lernen und am eigenen Projekt
zu arbeiten. Besonders wertvoll
fand ich, dass wir Einblicke in verschiedene
Produktionsfirmen bekommen
haben, sowohl sehr große
als auch kleine, junge Firmen,
die teilweise auch von ASF-Alumni
gegründet wurden. Das Ganze in einer
Gruppe von tollen, kreativen
Animationsfilmschaffenden zu erleben,
war einmalig. Wenn ich dürfte,
würde ich es gleich nochmal machen.
Mittlerweile hast du eine
Firma gegründet und 2021 mit
dem MITMALFILM den Trickstar
Business Award des Internationalen
Trickfilm-Festivals Stuttgart (ITFS)
gewonnen. Glückwunsch! Welche
nächsten Schritte planst du hinsichtlich
des Projekts?
Aus dem Projekt ist mittlerweile eine
Firma geworden. Als nächstes
planen wir die Veröffentlichung von
zwei weiteren Büchern mit unseren
eigenen Filmen. Außerdem machen
wir auch Mitmalfilme aus Animationsfilmen
anderer Produzentinnen
und Autoren. Die Mitmalfilm-Technik
macht es ja möglich, animierte
Kurzfilme in Form von Malbüchern
anzubieten und ist damit aus
unserer Sicht ein wirklich sinnvolles
Merchandise-Produkt für künstlerisch
hochwertige Trickfilme. Es ist
nicht das „Malbuch zum Film“, sondern
tatsächlich der „Film im Buch“.
74
ULI SEIS MIT ALICE VON GWINNER, DREHBUCHAUTORIN
DER MITMALFILME SOWIE AUTORIN DES MITMALFILM-BUCHS
'CLAUDE MOMÄH UND DIE GROSSE LEINWAND'

STUDIENVERTIEFUNGEN
→
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
Im Aufbaustudiengang Animation/Effects Producing erlernen erlernen
Studierende, Projekte in den Bereichen Animation, Games oder Effekte
produktions technisch zu verwirklichen. Betriebswirtschaftliche Inhalte aus der
Film- und Fernsehbranche ergänzen das Studium.
Sie werden zum Profi in Sachen Budget, Timing, Ressourcenmanagement, Teamführung
und Co. Neben diesen theoretischen Grundlagen fokussieren sie sich in
ihrem Filmproduktionsstudium auf die praktische Arbeit und realisieren gemeinsam
mit anderen Studierenden zahlreiche Projekte.
Im Produktionsteam ist Organisationstalent gefragt. Ziel ist, ein problemorientiertes,
vernetztes Denken zu vermitteln, das zur kompetenten Entwicklung und Realisierung
von Projektideen verhilft.
75

ANIMATIONSINSTITUT ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
Wie erreichen wir
die Milestones?
PRODUKTIONEN MIT VISUELLEN
EFFEKTEN UND ANIMATIONEN HA-
BEN BESONDERE ANFORDERUNGEN,
WEISS ISABELLA BRAUN. SIE BETREUT ALS
ANIMATION/EFFECTSPRODUCERIN AM ANI-
MATIONSINSTITUT DERZEIT DIE PROJEKTE
'EVENING WALK', 'HELDEN HOTEL' ODER
'SPROUT'. ZUDEM IST SIE PRODUCERIN DES
VFX-FILMS 'WOODY', MIT DEM SIE KÜRZ-
LICH IHR DIPLOM GEMACHT HAT.
BELLA IST DIE PRODUCERIN VON 'HELDEN HOTEL'…
Liebe Isabella, in der
Vergangenheit warst du
auch für Realfilm-Produktionen
tätig. Was
läuft in Sachen Producing
bei Animationsund
Effectsfilmen anders?
Da gibt es schon einige Unterschiede, allein in zeitlicher
Hinsicht. Wenn beispielsweise bei einer Aufnahme
das Licht geändert werden soll, geht das bei einem
Realfilmshoot relativ entspannt: Du gehst einfach
hin und veränderst die Position der Lampe. Bei einem
Animations- oder Effectsfilm hängen an so einer
kleinen Veränderung unter Umständen mehrere
Arbeitsprozesse am Computer, was wesentlich
länger dauert. Daher ist es wichtig, dass Producer*innen
alle technischen Schritte einer Animations- und
Effektpipeline gut kennen, um den organisatorischen
Aufwand und die Abläufe einschätzen zu können.
Du bist die Producerin des imposanten VFX-Projekts
WOODY. Was waren bei dieser Produktion die größten
Herausforderungen?
Die Arbeit an WOODY war sehr umfangreich. Das allein
ist noch nicht ungewöhnlich, doch eine gewisse
Schwierigkeit bestand darin, dass wir dabei viel mit neueren
Technologien experimentierten. Dadurch wussten
wir manchmal nicht genau, wohin das Ganze eigentlich
führt und wie lange es dauert. Und da an dem Film ein
recht großes Team zusammenarbeitete, sollte das Ganze
zumindest irgendwann inhaltlich und zeitlich zusammenpassen
und sich zum Endprodukt hin entwickeln.
Dafür setzen wir immer gewisse Milestones, die wir erreichen
wollen. Das war bei WOODY mitunter etwas
schwierig. Dazu kam die Corona-Situation.
… UND VOM VFX-SPEKTAKEL 'WOODY'
76

Ihr konntet während der Produktion nur eingeschränkt
in den Ateliers des Animationsinstituts zusammenarbeiten...
Ja genau, die meisten richteten sich im Homeoffice ein
und arbeiteten von dort. Das Zusammensein hat dann
schon sehr gefehlt. Allein der tägliche Smalltalk, der
wegfällt. Aber auch, was die Arbeit betrifft, war vieles
komplizierter. Sich mal schnell über eine Sache mit den
anderen beraten und einfach über die Schulter schauen,
ging nicht. Es ist zuweilen nicht leicht, den Teamspirit
aufrechtzuerhalten, wenn alle in ihren Kämmerchen allein
vor der vielen Arbeit sitzen.
WOODY soll Ende des Jahres Premiere feiern. Hast du
schon Pläne für die Vermarktung?
Im Moment sind wir noch mit der Fertigstellung des
Films beschäftigt, aber als nächsten Schritt werden wir
eine Festivalstrategie entwickeln und eine daraus resultierende
Einreichliste vorbereiten. Annecy und Locarno
wären schön. Das Projekt könnte es auch zu den VES
Awards schaffen, also zur Visual Effects Society in Los
Angeles. Und dann mal sehen, warum nicht die Oscars
(lacht). Aiming high, sag ich mal.
BELLA AM SET
:
:
DIE PRODUCERIN VOR DER KAMERA IN ACTION
77

ANIMATIONSINSTITUT
78

STUDIENVERTIEFUNGEN
→
TECHNICAL DIRECTING
Technical Directors haben einen Informatikbackground und sind bei
Produktionen von Filmen, Games oder immersiven Medienprojekten die
Schnittstelle zwischen Kunst und Technologie. Sie managen alle technischen
Aspekte.
Die Studierenden am Animationsinstitut setzen Animations- und
VFX-Projekte um, forschen an neuen Softwarelösungen und bekommen
den Freiraum, zusammen mit anderen Studierenden der Filmakademie
vielseitig zu experimentieren. Bei den Projekten sind sie innerhalb eines
Teams für die Lösung von technischen Herausforderungen verantwortlich.
Sie programmieren beispielsweise passende Softwarelösungen, automatisieren
Animations- und VFX-Abläufe oder legen Workflows fest.
Ein wichtiger Teil des Studiums ist zudem eine Forschungstätigkeit am
Animationsinstitut. Hier eröffnen die Studierenden für Filme, Games
und andere Formate neue technologische Horizonte. Sie sind involviert in
der Entwicklung neuartiger Anwendungen und beteiligen sich im Rahmen
von Drittmittelprojekten an der intensiven Forschung des Instituts.
79

ANIMATIONSINSTITUT TECHNICAL DIRECTING
Bestehen die Filmsets der Zukunft
aus LED-Walls?
DER MATHEMATIKER UND MEDIENIN-
FORMATIKER SIMON SPIELMANN IST
LEITENDER INGENIEUR DER FOR-
SCHUNGS- UND ENTWICKLUNGSABTEILUNG
DES ANIMATIONSINSTITUTS SOWIE
DOZENT IN DER STUDIENVERTIEFUNG
TECHNICAL DIRECTING. SEIT JAHREN
FORSCHT ER UNTER ANDEREM DARAN, ENT-
WICKLUNGEN DER ECHTZEIT-COMPUTER-
GRAFIK FÜR DIE FILMBRANCHE NUTZBAR
ZU MACHEN. EIN WICHTIGER FORSCHUNGS-
BEREICH SIND DERZEIT DREHMETHODEN
MIT LED-BILDSCHIRMEN, DIE VIRTUELLE
FILMSETS ERMÖGLICHEN. IM VERGANGE-
NEN STUDIENJAHR EXPERIMENTIERTEN AM
ANIMATIONSINSTITUT FORSCHENDE UND
STUDIERENDE MIT EINER TESTANLAGE.
Lieber Simon, was hat es mit Filmsets aus LED-Wänden
auf sich?
Bislang drehte man Szenen, die vor computergenerierten
Landschaften oder fotografischen Hintergründen
spielen, vor allem mit der Blue- und Greenscreen-Technik.
Dabei werden Personen oder Gegenstände vor blauen
oder grünen Flächen aufgenommen und später in
die gewünschten Bilderwelten gesetzt. Künftig könnten
hochauflösende LED-Wände diese Methode ablösen. Mit
großen Displaytechnologien können virtuelle Inhalte direkt
ans Filmset geholt werden.
Was sind die Vorteile?
Ein großer Nachteil der Green- und Bluescreens ist, dass
die detaillierte Gestaltung der Szenen hinsichtlich des
Zusammenspiels zwischen Schauspiel und bildlicher
Umwelt im Nachhinein erfolgt. Das bedeutet oft eine
schauspielerische Herausforderung. Denn die Darsteller*innen
sind oftmals gezwungen, ihr Spiel weitestgehend
blind oder nur indirekt in die Umwelt zu imaginieren.
Auch Aufnahmefehler, die in der Postproduktion
aufwändig korrigiert werden müssen, passierten recht
häufig. Die LED-Screens funktionieren hingegen als eine
Art Bühne.
Die am Set mit dem bloßen Auge gesehene Szenerie ist also
nahe an dem Bild, das für den Film geschossen wird?
TD-DOZENT SIMON SPIELMANN IM STUDIO 1
Genau. Dadurch erlangt man mehr Kontrolle und eine
größere Genauigkeit beim Dreh. Zudem sind die Bildschirme
mittlerweile so hell, dass man damit gut beleuchten
kann. So gut, dass LED-Wände bald die Beleuchtungstechnik
am Set ergänzen können.
80

Vergangenes Studienjahr stand eine Testanlage im Studio 1.
Mit dieser habt ihr experimentiert, Workshops fanden
statt und Teile der Studierendenprojekte NEOSHIN und
HIGHSCORE HEAVEN wurden damit gedreht. Wo lag
hier euer Forschungsfokus?
Wir haben bei der Technologie noch eine ganze Palette
an Problemen, die es zu lösen gilt. Beispielsweise arbeitet
unsere Abteilung an Softwarelösungen, die die Arbeit
von Regisseur*innen mit den Screens vereinfachen können.
Etwa wenn diese am Set Änderungen am Bild wünschen,
könnten die Projektionen durch die vom Animationsinstitut
entwickelte Tablet-Applikation VPET leicht
umgestaltet werden. Zudem müssen geeignete Wege gefunden
werden, wie die Bildschirme und die Kamera
ideal aufeinander abgestimmt werden, um ein bestmögliches
finales Bild zu erzeugen. Wir versuchen, computeranimierte
Bilderwelten mit realen Handlungen technisch
so zu synchronisieren, dass Schauspiel und Bild
live interagieren. Entscheidend dabei ist das Kameratrackingsystem.
Durch die Pandemie war die Technik in der Filmwelt in
aller Munde. Warum?
Solche Bildschirm-Filmsets gleichen sich grundsätzlich
hinsichtlich ihres Aufbaus in unterschiedlichen Studios.
Daher ist es möglich, dass Drehs an unterschiedlichen
Orten stattfinden und somit Reisen von Filmcrews
vermieden beziehungsweise weniger werden
können. Das wurde für Produktionsfirmen interessant,
als Drehs in aller Welt durch die Hygienebestimmungen
eingeschränkt waren. Mit der Technik könnte schließlich
auch ein ganz neues Geschäftsfeld entstehen. Es
ist denkbar, dass Beleuchtungssettings und VFX-Setdesigns
als Presets von Dienstleistern vorgefertigt angeboten
werden, weil sie in jedes beliebige LED-Screen-Studio
auf der Welt digital aufspielbar sind.
BEIM SET EXTENSION WORKSHOP IM STUDIO 1 DREHTEN
UNTER ANDEREM DIE PRODUKTIONSTEAMS VON
'NEOSHIN' UND 'WOODY' MIT LED-WALLS
81

ANIMATIONSINSTITUT STUDIENVERTIEFUNGEN
→
INTERAKTIVE MEDIEN
In der Studienvertiefung Interaktive Medien erlernen Studierende
Games, Apps, VR-Experiences, Medieninstallationen und
andere interaktive Erfahrungen zu konzipieren, planen und
realisieren. Im Mittelpunkt steht das soziale wie spielerische
Zusammenwirken von User*innen mit medialen Möglichkeiten.
Der Experimentierfreude sind hinsichtlich des Formats keine
Grenzen gesetzt.
Ziel ist es, Ideen sowie eine eigene künstlerische und technische
Designsprache zu entwickeln. Während des Studiums realisieren
sie im Team Projekte, von der Idee über die Gestaltung
bis zur Produktion und Veröffentlichung. Dabei haben sie die
Wahl zwischen drei Spezialisierungen: Als Transmedia/Games
Director übernehmen sie die künstlerische Leitung des Projekts.
Als Transmedia/Games Artist kümmern sie sich um seine technische
und audiovisuelle Gestaltung. Als Transmedia/Games
Producer verantworten sie die Produktion des Projekts in finanzieller
wie organisatorischer Hinsicht.
82

83

ANIMATIONSINSTITUT INTERAKTIVE MEDIEN
DER PROTOTYP GEWANN DEN DEUTSCHEN COMPUTERSPIELPREIS,
NUN KOMMT ES FERTIG ENTWICKELT AUF DEN MARKT: DAS GAME 'A JUGGLER’S TALE'
84

Wie ist es, direkt nach dem Studium mit
einer eigenen Firma durchzustarten?
DOMINIK SCHÖN HAT ZWAR GERADE
ERST SEINEN ABSCHLUSS IN INTER-
AKTIVE MEDIEN GEMACHT, DOCH
SCHON ZUVOR SORGTE SEIN DIPLOMPRO-
JEKT FÜR AUFSEHEN. GEMEINSAM MIT
SEINEM TEAM ENTWICKELTE ER WÄHREND
SEINES STUDIUMS DAS ADVENTURE STORY
GAME 'A JUGGLER’S TALE'. BEI DEM SIDE-
SCROLLER WERDEN DIE SPIELER*INNEN
TEIL EINER PUPPENTHEATERWELT UND
BEGLEITEN DAS MARIONETTEN-MÄDCHEN
ABBY, DAS SICH VON SEINEN FÄDEN UND
DAMIT VON SEINEM SCHICKSAL BEFREIEN
WILL. 2019 RÄUMTE DAS PROJEKT DANN
BEIM WICHTIGSTEN PREIS FÜR VIDEOSPIE-
LE IN DEUTSCHLAND AB: ES BEKAM DEN
DEUTSCHEN COMPUTERSPIELPREIS IN DER
KATEGORIE „NACHWUCHSPREIS PROTO-
TYP”. MITTLERWEILE GRÜNDETE DOMI-
NIK MIT SEINEN MITSTREITER*INNEN DIE
FIRMA KALEIDOSCUBE UND ENTWICKELTE
DAS GAME FERTIG. 'A JUGGLER’S TALE'
ERSCHEINT BALD FÜR PC UND KONSOLEN.
UNS HAT DER TRANSMEDIA/GAMES DIREC-
TOR ERZÄHLT, WAS ER MIT SEINER FIRMA
SONST NOCH SO VORHAT.
Lieber Dominik, wie kam’s zu
der Entscheidung eures Teams,
eine eigene Firma zu gründen?
Damit vermarktet ihr neben dem Spiel auch weitere interaktive
Projekte, die bei eurem Studium am Animationsinstitut
entstanden sind. Beispielsweise die Game-Installation
WONDERFUL WORLD, eine Art digitaler
AR-Sandkasten, der auf die Handschatten der Spieler*innen
reagiert. Wie richtet ihr künftig eure Firma aus,
werdet ihr auch weitere Installationen an den Start bringen?
Unser Schwerpunkt wird eher weiter auf atmosphärischen
Story-Spielen liegen, weniger auf Installationen.
Nun geht es erst einmal richtig los mit A JUGGLER‘S
TALE. Dann haben wir noch zwei Projekte in der Planung,
für die wir gerade versuchen, Förderungen zu bekommen.
Mal sehen, wie das weitergeht.
Seit du Teenager bist, entwickelst du Games. Während
deines Studiums hast du nicht nur Spiele kreiert, sondern
auch einige Tools programmiert. Jetzt hast du dein
Diplom in Interaktive Medien in der Tasche. dir standen
sicher viele Wege offen, die du hättest gehen können.
Warum wolltest du nicht zu den großen Gamefirmen,
sondern dein eigenes Ding machen?
Klar, hätte es einige Möglichkeiten gegeben. Doch wir
dachten uns: Wenn, dann jetzt! Am Animationsinstitut
hatten wir die Freiheit, unsere eigenen Ideen zu verwirklichen
und haben gelernt, solche Projekte professionell
zu organisieren. Diese Freiheit wollten wir mitnehmen
und weiterentwickeln.
Das war eigentlich schon etwas
länger her. Wir haben uns über
die Arbeit am Film BENU kennengelernt.
Dabei stellten wir fest, dass die Zusammenarbeit
super funktioniert. Als ich 2017 mein Urlaubsjahr
gemacht habe, entstand die Idee zu A JUGGLER‘S TALE.
Das Projekt sind wir dann gemeinsam angegangen. Spätestens
als wir 2018 die Prototyp-Förderung von der
Medien- und Filmförderung (MFG) bekommen haben,
wussten wir, dass wir es auch durchziehen und das Spiel
auf den Markt bringen möchten. Dafür gründeten wir
vergangenen Januar offiziell Kaleidoscube.
DAS TEAM VON KALEIDOSCUBE: STEFFEN OBERLE,
ENZIO PROBST, DOMINIK SCHÖN UND ELIAS KREMER
85

ANIMATIONSINSTITUT INTERAKTIVE MEDIEN
Wohin mit der Trauer?
– einen Schutzraum, wie sie es nennt. Er steht zugleich
für den Kampf um die Rückeroberung des Lebens, dem
sich viele Trauernde nach einem Verlust stellen müssen.
Die ARCHE MAMA ist ein an einen Mutterleib erinnernder
Raum, in den das Publikum hineinkriecht und dort
eine emotionale Reise erfährt. Auf Röhrenfernsehern erzählen
darin VHS-Aufnahmen ihres Vaters vom Leben
ihrer Mutter in Ellas ersten zehn Lebensjahren. Ella untermalte
sie mit selbstkomponierter Musik sowie ihren
Tagebuchaufzeichnungen. Unter anderem dokumentieren
diese die Zeit, in der ihre Mutter im Krankenhaus
mit dem Tod rang, oder Ellas Erschütterung, nachdem
sie gestorben war. Eine schonungslose, mutige und genau
deshalb so starke Arbeit.
Liebe Ella, du konfrontierst in deiner Installation das
Publikum mit dem Tod deiner Mutter und deinen damit
verbundenen Gefühlen. Welche Intention verfolgst
du mit dem Werk?
DIE AUSEINANDERSETZUNG MIT
DEM THEMA TOD GILT ALS EINES
DER LETZTEN GESELLSCHAFTLICHEN
TABUS. DABEI SEI TRAUER „EINE UNGLAUB-
LICH KRAFTVOLLE EMOTION, DIE ÄHNLICH
INTENSIV WIE DIE LIEBE IST”, FINDET ELLA
ESTRELLA TISCHA RAETZER. IN IHREM
DIPLOMPROJEKT IM BEREICH INTERAKTIVE
MEDIEN VERARBEITETE SIE DEN TOD IHRER
MUTTER AUF AUSGESPROCHEN EINDRÜCK-
LICHE WEISE.
Während Ella an der Filmakademie studierte, starb
ihre Mutter im Alter von 46 Jahren unerwartet an
einem Herzinfarkt. Dieser Schicksalsschlag drohte ihr
den Boden unter den Füßen wegzureißen. Den persönlichen
Verlust verarbeitete sie in einer begehbaren, audiovisuellen
Rauminstallation mit dem Titel ARCHE
MAMA. Sie schuf damit einen Platz für ihre Trauer
Eine Rolle spielt, dass ich Erfahrungen machte, die zwar
zum Leben dazugehören, aber mit einem Tabu behaftet
sind. Betroffene haben oft Angst, das Thema außerhalb
von Trauerberatungen und Therapien anzusprechen.
Dennoch müssen sie damit im Alltag fertig werden. Daher
wollte ich meine Erfahrung teilen und in meiner Art
und Weise zeigen, dass es möglich ist, da wieder rauszukommen
sowie dazu ermutigen, Verlust als Teil des Lebens
zu akzeptieren.
War diese intensive Auseinandersetzung nicht ungemein
anstrengend?
Natürlich. Erst beim Sichten und Digitalisieren der
VHS-Kassetten wurde mir bewusst, was die Videos in
mir auslösen und dass ich mich ganz unbewusst der
Trauer, welche ich bis dato nicht richtig zugelassen hatte,
näherte und ihr auch nicht mehr ausweichen konnte.
Es hat sehr viel Mut gekostet, sich mit ihr auseinanderzusetzen.
Die Umsetzung war eine Trauerarbeit.
86

Die Installation erzählt eher linear, wieso hast du dich
gegen Interaktivität entschieden?
Lange war mir gar nicht klar, von was meine Diplomarbeit
handeln soll. Ich wusste nur, dass ich eine Installation
mit analoger Technik, also Röhrenfernsehern und
VHS-Kassetten machen möchte. Am liebsten interaktiv.
Da mein Vater damals viel gefilmt hat, war es für mich
naheliegend, damit zu arbeiten. Die Entscheidung, dass
die Installation nicht interaktiv sein wird, kam erst ganz
spät im Entwicklungsprozess. Mir war wichtig, ein medial
räumlich-immersives Erlebnis zu schaffen, das viele
Sinne anspricht. Im Mittelpunkt stand der Raum mit
seiner Intimität, die sich etwa in einem Kinosaal nicht
erreichen lässt.
Die Arche stand im Getrag-Areal, für den Aufbau hast
du mitunter mit Studierenden anderer Hochschulen kooperiert...
Ja, ich hatte ein tolles Team. Es war wertvoll und heilsam,
mit ihnen gemeinsam an ARCHE MAMA zu arbeiten.
Damit verbinde ich warme Erinnerungen. Technisch
half mir etwa Ludwig Rensch, ein diplomierter Designer
von der Akademie der Bildenden Künste. Bei der Bearbeitung
die Dramaturgin Lena Meyerhoff von der Akademie
für Darstellende Kunst. Ganz lange haben wir an
den Tagebuchtexten gearbeitet, um einen dramaturgischen
Bogen zu schaffen, sie nicht umgeschrieben, aber
sortiert und destilliert. Mir war es sehr wichtig, dass ich
den Spagat zwischen meinem persönlichen Empfinden
und dem Zugang für die Besuchenden schaffe.
87

ANIMATIONSINSTITUT
12
MYSELF:
30 Jahre
Filmakademie
Genannt, Joachim
01.09.1998
30!SOMETHING
Die Filmakademie feiert 30-jähriges Jubiläum. In den
vergangenen 30 Jahren gab es ein reges Kommen und
Gehen. MYSELF fragte sich daher, wer ist eigentlich geblieben?
Lernt die 12 Mitarbeitenden kennen, die am
längsten für die Filmakademie Baden-Württemberg tätig
sind.
Weitere Infos und der Film MYSELF: 30 YEARS OF
FILMAKADEMIE unter www.animationsinstitut.de/de/
studium/myself
9
Holth, John
01.08.1997
6
Schulder, Hans-Klaus
01.12.1993
3
Michalek, Bernd-Siegfried
15.02.1993
88

10
11
Dittrich, Florian
01.08.1998
Nguyen, Viet
15.07.1998
7
8
Herwig, Günter
01.04.1997
Mozer, Heike
01.06.1994
5
Su, Cong
01.11.1993
4
Steegmayer, Eva
01.10.1993
2
Kuhn, Jochen
01.09.1991
1
Sliupas, Uwe
01.07.1991
89

ANIMATIONSINSTITUT
90

DAS ANIMATIONSINSTITUT
LEITUNG ANIMATIONSINSTITUT
PROF. ANDREAS HYKADE
KAUFMÄNNISCHE LEITUNG &
MANAGEMENT / VERTRETUNG
LEITUNG
HEIKE MOZER
TECHNISCHE LEITUNG
JOACHIM GENANNT
LEHRE
PROJEKTBETREUENDE
LISA FORELLI
STEFAN MICHEL
PHILIPP OBLÄNDER
ANDREAS ULMER
FORSCHUNG &
ENTWICKLUNG
PROF. VOLKER HELZLE
SIMON SPIELMANN
JONAS TROTTNOW
TONIO FREITAG
PAULO SCATENA
STABSTELLEN
PROJEKTKOORDINATION
ONLINE & MEDIENPRODUKTION
DR. ALEXANDER KREISCHE
PROJEKTMANAGEMENT
IT-ANWENDUNGEN
CHRISTIANE GEYER
FESTIVALKKOORDINATION
ANKE KLETSCH
STUDIUM
CONSTANZE BÜHNER
CLAUDIA BAUMGARTNER
ISABEL GIMBER
DUNJA MEHLER
MANAGEMENT
FINANZEN
SELINA SCHMUTZ
MARCO NEUERT
INTERNATIONALISIERUNG
TINA OHNMACHT
FERNANDA IMBRIANI
PRODUKTION
ANNA MATACZ
YANNICK PETZOLD
TALENTFÖRDERUNG &
AUFTRAGSARBEITEN
CHRISTIAN MÜLLER
PERSONAL
ANJA FELLERHOFF
BESCHAFFUNG
NATASÂ PREDOJEVIĆ
KOMMUNIKATION
THERESA SEITZ
FRANZISKA ULLRICH
THERESA UIHLEIN
MATTHIAS JACOBI
LEITENDE LEHRENDE
PROF. ANDREAS HYKADE/
ANIMATION
ANNA BRINKSCHULTE/
INTERAKTIVE MEDIEN
PROF. LILIAN KLAGES/
ANIMATION/EFFECTS PRODUCING
PROF. VOLKER HELZLE/
TECHNICAL DIRECTING
TECHNIK
IT
VIET NGUYEN
JOHN HOLTH
THOMAS DEL POPOLO
ELMAR WEINHOLD
POSTPRODUKTION
MICHAEL SCHOTT
STEFAN BINGGESER
WEITERE
INFORMATIONEN
ZUM ANIMATIONSINSTITUT
UNTER:
WWW.ANIMATIONSINSTITUT.DE
INFO@ANIMATIONSINSTITUT.DE
INSTAGRAM: @ANIMATIONSINSTITUT
TEL +49 7141 969 82800
WWW.FACEBOOK.COM/ANIMATIONSINSTITUT
YOUTUBE: FILMAKADMIE BADEN-WÜRTTEMBERG
WWW.LINKEDIN.COM/COMPANY/ANIMATIONSINSTITUT
91

STECKBRIEF
uuuuuuuuuu uuuuuuuuuu
Fernsehjournalismus
Kultur – Bildung – Wissenschaft
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
uuuuuuu
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
uuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuu
kkkkkkk
1
PROJEKTBETREUUNG
Konstantin Schenk
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Peter Arens
3
DOZIERENDE
Prof. Dr. Joachim A. Lang,
Günter Myrell, Katharina Wolff
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6 Studierende pro Jahrgang
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Einen Bachelor in einem beliebigen
anderen Studienfach für den Quereinstieg;
praktische Erfahrung bei
einem Sender und/oder einer Produktionsfirma
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Weil man lernt, wie man unsere
Welt für ein breites Publikum
begreifbar macht.
Und wir empfehlen unsere Alumni
bei Redaktionen und Produktionsfirmen
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Grundlagen der Bildgestaltung, des
O-Tons, der Montage, der Recherche,
des Textens - eben alles, was
einen guten journalistischen Beitrag
ausmacht.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Wir bilden nicht für aktuelle Formate
aus. Damit sind die klassischen
Nachrichtensendungen gemeint
(„Tagesschau“, „heute“ etc.)
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Student Oscar 2017 der Academy
Of Motion Art And Sciences für
den Film GALAMSEY
10
MOTTO
„Nicht nur die technische Ausbildung
ist von Bedeutung, auch
die geistige muss Beachtung finden.“
Bertolt Brecht
92

eeeeeeee
Filmgestaltung 1
eeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee
eeeeee
1
PROJEKTBETREUUNG
Jai Wanigesinghe
2
LEITENDE DOZIERENDE
Nils Knoblich
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
68
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Mut zum Experiment und Offenheit
für neues Terrain.
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Grundstudium und damit
Pflichtseminar - es gibt nur eine
FG 1.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Gute Frage!
8
ONE COOL FACT ABOUT...
So alt/jung wie die Filmakademie.
9
MOTTO
„Es gibt nur eine FG 1.“
6
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Neben dem Know-how auch das
Know-why und Know-what.
93

ALUMNI DES ATELIERS
AUS 20 JAHREN
94

ATELIER LUDWIGSBURG – PARIS
LEITUNG:
_PROF. GERHARD MEIXNER (FILMAKADEMIE)
_PROF. ROMAN PAUL (FILMAKADEMIE)
_CHRISTINE GHAZARIAN (LA FÉMIS)
PROGRAMMKOORDINATION:
_ANNE CHRISTINE KNOTH
PROJEKTBETREUUNG:
_JULIAN BOGENFELD
SEIT DER GRÜNDUNG DES ATELIER LUDWIGS-
BURG-PARIS IM JAHR 2001 HABEN BEREITS
20 JAHRGÄNGE DAS PROGRAMM ERFOLGREICH
ABSOLVIERT, IN DER BRANCHE FUSS GEFASST,
MIT IHREM SCHAFFEN DIE EUROPÄISCHE FILM-
INDUSTRIE MASSGEBLICH GESTALTET UND
GEPRÄGT UND SIND ZU EINEM NETZWERK, U.A.
MIT RUND 350 EHEMALIGEN AUS NAHEZU 35
LÄNDERN, ZUSAMMENGEWACHSEN.
Junge Filmschaffende hauptsächlich aus Europa, aber
auch der ganzen Welt, mit dem Ziel, in der Produktion
oder im Verleih zu arbeiten, kommen jedes Jahr im
Atelier Ludwigsburg-Paris zusammen, um gemeinsam
ein Jahr mit intensivem Training in den Bereichen Stoffentwicklung,
Finanzierung, Produktion, Vertrieb und
Marketing zu verbringen. IN
INFOBOX
Das Atelier wirkt als Pionier im Bereich der
ganzjährigen Postgraduierten-Ausbildung in
Vollzeit für Filmproduktion und -verleih mit
europäischer Ausrichtung. Es entstand 2001
unter der Schirmherrschaft der im Jahr 1999
gegründeten Deutsch-Französischen Filmakademie
auf Initiative der deutschen und französischen
Regierungen. Das Ziel der Deutsch-Französischen
Filmakademie ist es, die filmische
Zusammenarbeit der beiden Länder zu fördern.
Gefördert wird das Programm auf deutscher
Seite von der EU-Kommission (Creative Europe,
MEDIA) sowie vom Ministerium für Wissenschaft,
Forschung und Kunst Baden-Württemberg,
der Beauftragten der Bundesregierung für
Kultur und Medien sowie dem Deutsch-Französischen
Jugendwerk.
20 JAHRE
Behind the Scenes AUSGESCHWÄRMT (2020)
95

ATELIER LUDWIGSBURG – PARIS
Behind the Scenes EIN KLEINER SCHNITT (2020)
Besuch der MFG in Stuttgart im Februar mit der Gruppe 19/20
96

Angeboten wird die in Europa einmalige Ausbildung
von zwei der führenden Filmschulen in Frankreich und
Deutschland: La Fémis in Paris und der Filmakademie
Baden-Württemberg. Das Atelier Ludwigsburg-Paris
wurde 2001 zunächst als Pilotprojekt von Prof. Dr. Peter
Sehr und Prof. Jan Schütte ins Leben gerufen, beide
waren langjährige Leiter des Programms auf deutscher
Seite.
Dort steht das Atelier nun unter der Leitung der Filmproduzenten
Prof. Roman Paul und Prof. Gerhard Meixner
von Razor Film. Seit 2007 ist die angesehene National
Film and Television School (NFTS) in Beaconsfield
bei London ein weiterer wichtiger Kooperationspartner.
EXKLUSIVE WEITERBILDUNG: MARKTVORTEIL
FÜR ALUMNI DES PROGRAMMS
Das Atelier bietet für Postgraduierte mit bereits vorhandener
professioneller Erfahrung in der Filmbranche eine
praxisorientierte Spezialisierung. Besonders schätzen
die Teilnehmer*innen am Programm den Mix aus
praktischen und theoretischen Elementen: Der Unterricht
wird ausschließlich von erfahrenen Dozent*innen
aus der internationalen Film- und Medienbranche angeboten.
Der große Gewinn durch die Lehrenden aus
der Praxis ist, dass sie derzeitige Trends des Marktes
kennen und so aktuelles Knowhow vermitteln. Praxisorientierter
und besonders auf Fallstudien basierender
Unterricht sorgt dafür, dass verschiedene Märkte kennengelernt
werden. Durch die engen Kontakte innerhalb
der Gruppe zu anderen Teilnehmer*innen sowie Alumni
aus anderen Ländern und einer damit einhergehenden
Vertrauensbasis sind gemeinsame Projekte, vor allem im
Bereich Koproduktionen, fast der Regelfall.
Factory und Beta Film in Deutschland, bei Memento, Coproduction
Office in Frankreich sowie Hanway, Mister
Smith und Artificial Eye in Großbritannien – ein wichtiger
Schritt in eine erfolgreiche professionelle Zukunft
sein.
Die vermittelten Inhalte führen zudem langfristig dazu,
dass die Atelier-Alumni die Verbreitung des europäischen
Films in die Welt erfolgreich vorantreiben und
dessen Wahrnehmung auch außerhalb Europas erhöhen.
Dazu tragen auch die internationalen Teilnehmer*innen
bei, die sich zwar professionell meist auf europäischem
Boden verorten, jedoch die beruflichen Beziehungen zu
ihrem Herkunftsland behalten.
Aufgrund der Relevanz des gesellschaftlichen Diskurses
und der vorherrschenden Missstände in der Branche
im Bereich Gender-Gerechtigkeit trägt das Atelier
– wie auch die Filmakademie allgemein – diesem Thema
in Lehre und Struktur Rechnung, etwa durch Workshops,
die Wissen zum Thema Gender explizit vermitteln.
Um insbesondere die zukünftigen Produzentinnen
und Verleiherinnen zu fördern, gibt es ein speziell auf
die Bedürfnisse von Teilnehmerinnen zugeschnittenes
Mentoring. Auch bei der Auswahl von relevanten Dozentinnen
wird diese Thematik implizit berücksichtigt
und so durch Vorbilder Diskurse im Bereich Vereinbarkeit
und Veränderungen im Hinblick auf Rollenbilder
angestoßen.
Die jährlich maximal 18 Teilnehmer*innen erhalten zusätzlich
wichtige Einblicke in die Branche im Rahmen
von Exkursionen zu international renommierten Festivals
(Berlinale, Cannes, Clermont-Ferrand) sowie Treffen
mit Vertreter*innen von Fernsehsendern und Förderinstitutionen
(ARTE, SWR, EURIMAGES, FFA, MBB,
MEDIA u.a.). Auch die Besuche der wichtigsten europäischen
Film-Märkte (Berlinale Co-Production Market und
Cannes Marché du Film) vermitteln praxisnah relevante
Kenntnisse.
Viele Teilnehmer*innen haben vor dem Besuch des Programms
bereits Erfahrung in der Produktion gesammelt
und sind besonders motiviert, mehr über Verleih und
Vertrieb zu lernen. Auch deshalb kann das Praktikum
im Weltvertrieb oder Verleih – u.a. bei DCM, The Match
Behind the Scenes 1 KM À PIED (2021)
CAMPUS FILMAKADEMIE UND NETZWERKE
Ein großes Plus ist die Situierung des Ateliers an der
Filmakademie. Diese eröffnet den Teilnehmer*innen nahezu
unbegrenzte Vernetzungs- und Entfaltungsmöglichkeiten
durch den gemeinsamen Campus mit den Studierenden
der Filmakademie, dem Animationsinstitut
97

ATELIER LUDWIGSBURG – PARIS
und der Akademie für Darstellende Kunst Baden-Württemberg.
Unbestritten ist: Weit über die Teilnahme hinaus
sind die hier gewonnenen Kontakte wertvoll für das
berufliche Weiterkommen.
In der Lehre findet die Zusammenarbeit von Atelier
und Filmakademie in mehreren Bereichen statt: Nennenswert
ist hier vor allem das seit dem Wintersemester
2006 angebotene Wahlpflichtfach „International Producing“
für Produktionsstudierende der Filmakademie
(ab dem 3. Studienjahr) in Kooperation mit dem Atelier
Ludwigsburg-Paris.
Die Talente, die im Atelier ausgebildet werden, sind
die Zukunft der Branche – sie sind mehrheitlich direkt
nach dem Programmbesuch in interessanten Positionen
und/oder Unternehmen beschäftigt. Hierbei spielen die
im Atelier gebildeten Netzwerke eine erhebliche Rolle:
Nicht selten sind die Anbieter*innen von Praktika oder
Dozent*innen während des Weiterbildungsjahrs die zukünftigen
Arbeitgeber*innen. Es unterrichten auf deutscher
Seite etwa Kirsten Niehuus (Geschäftsführerin der
Filmförderung im Medienboard Berlin-Brandenburg),
Vanessa Henneman (Gründerin und Geschäftsführerin
von Henneman Agency), Jakob Claussen (Geschäftsführer
Claussen + Putz Filmproduktion), Jamila Wenske
(Produzentin und Co-Geschäftsführerin Achtung Panda!
Media GmbH), Marc Gabizon (Geschäftsführer Wild
Bunch Germany), Jan Mojto (Geschäftsführer EOS Entertainment
u. Beta Film), Peter Dinges (Vorstand der Filmförderungsanstalt),
Marie Noëlle (Autorin, Regisseurin
und Produzentin, Geschäftsführerin P’Artisanfilm),
Rebekka Garrido (Produzentin und Geschäftsführerin
Manderley Films) und Milada Kolberg (Head of Acquisitions
X Verleih AG).
ATELIER NETWORK ist der Verein der ehemaligen Atelier-Teilnehmer*innen,
der ein aktives Netzwerk von
fast 350 jungen europäischen und internationalen Branchenvertreter*innen
aufgebaut hat, das regelmäßig zusammenkommt.
Dieses Netzwerk ermöglicht den europaweiten
Austausch von Informationen, Erfahrungen,
Kontakten und Jobangeboten. Grenzüberschreitende
Filmprojekte werden gemeinsam von Alumni entwickelt.
Die Vereinsmitglieder profitieren außerdem erheblich
von der Vernetzung innerhalb der Deutsch-Französischen
Filmakademie mit den Initiativen Minitraité,
Deutsch-Französisches Filmtreffen und des Ateliers.
Der rote Faden und gleichzeitig ein weiterer praktischer
Strang, der sich durch das Weiterbildungsjahr zieht, ist
die Kurzfilmproduktion des Atelier Ludwigsburg-Paris.
98
Die Produktion einer Kurzfilmreihe, die in Kooperation
der beiden Hochschulen gemeinsam mit ARTE und
dem SWR als Koproduzenten hergestellt wird, ist seit 18
Jahren das zentrale Projekt im Curriculum des Ateliers.
Jährlich entstehen zu einem gemeinsamen Thema maximal
neun Kurzfilme, die die Teilnehmer*innen in binationalen
Producer*innen-Teams erarbeiten und über
das Jahr hinweg erfolgreich umsetzen. Die fertigen Filme
bereichern nicht nur das Portfolio der Atelier-Alum-
Dreh im Rahmen der Regieübung des Ateliers, Gruppe 20/21
ni, sondern erreichen stets auch eine breite Öffentlichkeit,
indem sie nach den Premieren in Ludwigsburg und
Paris auch auf den Französischen Filmtagen Tübingen,
dem Festival Max Ophüls Preis in Saarbrücken und im
Programm des Fernsehsenders ARTE gezeigt werden.
Eine enge Zusammenarbeit mit Gewerken der Filmakademie
besteht dabei besonders im Bereich Drehbuch:
Schon seit 2006 schreiben Studierende der Drehbuchabteilung
die Bücher für diejenigen Atelier-Kurzfilme, die
in Ludwigsburg entstehen. Auch in den Bereichen Bildgestaltung/Kamera,
Montage/Schnitt, Szenenbild, Filmmusik,
Filmton/Sounddesign sowie anderen Gewerken
findet eine intensive Zusammenarbeit zwischen den Filmakademie-Studierenden
und den Atelier-Teilnehmenden
statt. Profitieren die Studierenden vor allem von
der internationalen Atmosphäre im Team und u.a. auch
von der gesicherten Festival- und TV-Auswertung der

Filmstill EIN KLEINER SCHNITT (2020)
Filmstill KURSCHATTEN (2021)
99

ATELIER LUDWIGSBURG – PARIS
Kurzfilme, können Atelier-Teilnehmer*innen besonders
aus den fest etablierten Verbindungen der Filmakademie-Studierenden
an der Hochschule Nutzen ziehen.
ATELIER ALS WEICHENSTELLUNG FÜR EINE
ERFOLGREICHERE PROFESSIONELLE ZUKUNFT
Jedes Jahr besteht großes Interesse an den Plätzen im
Weiterbildungsjahr: Ausgewählt wird aus zahlreichen
Bewerbungen im Mai/Juni für das kommende Studienjahr.
Im Studienjahr 2021/2022 sind sechs verschiedene
Nationen vertreten. Für die Auswahl entscheidend sind
Kriterien wie Berufserfahrung, soziale/kommunikative
Fähigkeiten sowie eine größtmögliche Heterogenität
und Diversität, die unterschiedliche Blickwinkel garantieren
und neue Perspektiven in der Gruppe aufzeigen.
Bemerkenswert ist der sichtliche Anstieg der im Netzwerk
vertretenen Nationen seit der Öffnung 2014/2015
für internationale Kandidat*innen sowie der Einführung
der englischen Sprache als weitere Arbeitssprache. Zwar
liegt der Fokus weiterhin auf Deutschland und Frankreich,
es werden aber auch Teilnehmer*innen aufgenommen,
die Englisch beherrschen und Deutsch und/
oder Französisch lernen möchten. Neu unter den teilnehmenden
Nationen sind 2021/2022 Uruguay und der
Libanon.
Wir stellen fest, dass die bereits vor Programmbeginn erworbenen
beruflichen Erfahrungen der Kandidat*innen,
insbesondere im internationalen Kontext, zunehmend
relevanter werden. Meist fehlen aber noch entscheidende
Kenntnisse, um einen weiteren Karriereschritt
zu wagen – etwa in die Selbständigkeit. Hier bietet, laut
Aussagen der Alumni, das Atelier unersetzliche Informationen,
um sich weiterzuentwickeln. Darüber hinaus
ist die Expertise im Bereich internationale Koproduktionen
ein Alleinstellungsmerkmal in Zeiten der Globalisierung.
– hier sind Workshops zu Firmengründungen und alternativen
Business-Modellen hilfreich. Auch soziale
Aspekte wie Konfliktmanagement, Teamführung und
ein Bewusstsein für die Gender-Thematik kommen im
Lehrplan nicht zu kurz. Die außergewöhnlich hohe Beschäftigungsrate
der Teilnehmer*innen nach Abschluss
des Programms bestätigt eindrucksvoll die Qualität der
vermittelten Kenntnisse und die Attraktivität der Absolvent*innen
für Arbeitgeber*innen in ganz Europa. Eine
permanente Evaluierung der Studieninhalte garantiert
die Vermittlung aktuellen Knowhows.
Behind the Scenes L’EMPOTÉ (2020)
POSITIVE EFFEKTE AUF DIE BRANCHE
Die Filmbranche wird durch die Ehemaligen des Programms
bereichert und die Wettbewerbsfähigkeit der europäischen
Filmindustrie verbessert: Dies erfolgt durch
die Vermittlung von Kenntnissen im Atelier, die den Fokus
auf aktuelle Entwicklungen und Trends in allen Bereichen
legen, besonders auch auf digitale Distributionswege
sowie Marketing. Die unternehmerische und
wirtschaftliche Seite des Business ist ebenso elementar
für die meisten Teilnehmer*innen: Viele stehen an der
Schwelle zur Gründung einer eigenen Produktionsfirma
Behind the Scenes KURSCHATTEN (2021)
100

ALUMNI DES ATELIERS – EINDRÜCKE AUS 20 JAHREN
FELIX VON BOEHM,
FILMPRODUZENT; GESCHÄFTSFÜHRER VON
LUPA FILM GMBH
Atelier Ludwigsburg-Paris has truly made me to what
I am today: A European producer continuously trying
to build bridges between Germany, France and other
countries, bringing together talent from different
cultures and finding innovative financing solutions for
European TV and cinema projects.
DR. ANDREAS BAREISS,
FILMPRODUZENT, EVP BUSINESS
AFFAIRS & OPERATIONS BEI GAUMONT GMBH
The Atelier was probably one of the best experiences
of my life. And it definitely was a boost for my entry
to the industry. I am happy not only to nowadays work
with many alumni all over Europe, but also to call
some of them my closest and dearest friends.
What a great thing!
ANNA GUDDAT, FILMPRODUZENTIN
Das Jahr mit dem Atelier ist ein Meilenstein
in meiner studentischen Biografie.
Wir erarbeiteten uns eine Qualifikation auf höchstem
europäischem Niveau. Das Atelier ist eine ganz besondere
Chance, auch für einen Berufseinstieg in Vertrieb
und Verleih.
ALEX BODEN, FILMPRODUZENT
UND MITGRÜNDER VON PISTACCHIO
PICTURES
There is no other training programme that gives you
such in-depth access to the industry as ALP. Now 20
years on, the incredible alumni network is practically
running the industry. Highly recommended.
Five stars *****
VERENA SCHILLING, HEAD OF LOCAL
ORIGINAL MOVIES BEI AMAZON
STUDIOS GERMANY
I loved it. Participating in the Atelier was an amazing
experience, both professionally and personally.
It changed my career path and I am thankful to have
been a part of it.
SARIKA HEMI LAKHANI,
FILMPRODUZENTIN BEI ONE FINE DAY
FILMS GMBH, GRÜNDERIN VON SOME
FINE DAY PIX
A window to the world - Thank You, Atelier, for nine
intense, often exhausting and always inspiring months
crossing borders and creating lasting relationships and
memories.
FABIAN GASMIA,
GESCHÄFTSFÜHRER UND PRODUZENT DER
FIRMEN ZENTROPA HAMBURG, DETAILFILM
UND SEVEN ELEPHANTS
I owe the Atelier - and especially dear Peter Sehr -
a lot: friends for life, amazing ongoing collaborations,
my former fantastic company partner Henning, several
realized co-productions and a very effective network of
like-minded people. Thank you, Atelier.
AMOS GEVA, FILMPRODUZENT
UND REGISSEUR, INTERNATIONAL
MANAGER BEI T-PORT
The Atelier was, without exaggeration, a lifechanging
experience for me. Learning languages and
cultures, opening new horizons in career development,
I truly owe the program a lot. I can confidently say,
I would not be standing where I am today if not for the
Atelier.
LAURE CAILLOL, FILMEINKAUF HAUT
ET COURT, PARIS
Atelier is an incredible journey which
lasts a whole career! Meeting very dear friends, great
professionals, it is the first and most important
network. Thank you to all our heads of studies, with
special thoughts for Peter Sehr and Marc Nicolas whom
we are both missing.
101

ATELIER LUDWIGSBURG – PARIS
Filmstill MOUILLER LE MAILLOT (2020)
Filmstill ARTGERECHT (2020)
BEWERBUNG UND TEILNAHME
FÜR WEN? JUNGE FILMSCHAFFENDE –
BEWERBER*INNEN AUS ALLER WELT
Das Weiterbildungsjahr wendet sich an angehende
Produzent*innen und Verleiher*innen aus Europa
und der ganzen Welt im Alter von bis zu 30 Jahren
und bietet eine vertiefende Ausbildung mit europäischer
Ausrichtung.
Absolvent*innen von Filmhochschulen oder
anderen relevanten Studiengängen mit ersten Berufserfahrungen
in der Filmwirtschaft sind die
Zielgruppe.
ERFORDERLICHE SPRACHKENNTNISSE
Sehr gute Englischkenntnisse; Deutsch- und
Französischkenntnisse sind von Vorteil.
WEITERE INFORMATIONEN
AUF DER WEBSITE DES
ATELIER LUDWIGSBURG-PARIS
www.atelier-ludwigsburg-paris.com
FOLGT UNS AUF FACEBOOK UND INSTAGRAM
UNTER:
FB.ME/ATELIERLUDWIGSBURGPARIS
WWW.INSTAGRAM.COM/ATELIERLUDWIGS-
BURGPARIS/
102

ALUMNI DES ATELIERS
AUS 20 JAHREN
103

STECKBRIEF
uuuuuuuuuuuuu uuuuuuuuuuuu
Filmgestaltung 2 /
Animation
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
uuuuuuuu
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
uuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuu
uuuuuuuuu
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Martin Schmidt und Verena Fels
2
PROJEKTBETREUUNG
Martin Schmidt und Verena Fels
3
LEITENDE DOZIERENDE
Martin Schmidt und Verena Fels
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Maximal 8 pro Semester
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Die Studierenden der FG 2 /
Animation haben Lust, sich auszuprobieren,
sind neugierig, ihren
eigenen Blickwinkel zu erweitern,
haben den Mut, Wagnisse einzugehen
und erkunden persönliche
Themen. Und nicht zu vergessen:
Sie haben Spaß an der Animation.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Im Zentrum der FG 2 / Animation
steht die Gestaltung eines eigenen
Projektes. Innerhalb von 16 Wochen
haben die Studierenden die
Möglichkeit, kurze Animationsfilme,
Games und Mixed-Media-Formate
in künstlerischer Eigenverantwortung
zu realisieren. Bei der
Themenwahl haben die Studierenden
alle Freiheiten ( je persönlicher,
desto besser).
7
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
Erstellen von und arbeiten mit
dem Animatic. Die technischen
Ressourcen sind in der FG 2 sehr
begrenzt. Man muss eigene künstlerische
Umsetzungswege finden,
was wiederum ein Gewinn ist.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Arbeiten in einer technikorientierten
Produktionsumgebung.
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Viele filmische Versuche, die zunächst
als gescheitert betrachtet
wurden, haben am Ende große
Erfolge gefeiert.
10
MOTTO
Das filmische Experiment steht im
Mittelpunkt.
104

Filmgestaltung 2 /
Neue Medien
1
PROJEKTBETREUUNG
David Spaeth
2
LEITENDE DOZIERENDE
Mike Robbins
David Spaeth
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Ca. 12
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Wichtig ist die Neugier auf Erzählformen
jenseits des klassischen
Kurzfilms – und die Lust am Experiment.
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Größtmögliche Freiheit bedeutet
meist auch größtmögliche Unsicherheit:
Wenn ich tun kann, was
ich möchte, was will ich dann eigentlich?
Die Filmgestaltung 2 ermöglicht eine
intensive Auseinandersetzung
mit dieser Kernfrage, die uns Filmemacher*innen
immer begleiten
wird.
6
WAS LERNEN DIE STUDIEREN-
DEN HIER?
In der Filmgestaltung bekommen
die Studierenden einen Einblick in
Erzählweisen jenseits des klassischen
Kurzfilms, mit starkem Fokus
auf Neuen Medien. Vor allem
aber geht es um die Annäherung
vom Inhalt her an eine zu Beginn
noch völlig undefinierte, für diesen
Inhalt passsende Form.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Filmgestaltung 1 und Filmgestaltung
2 teilen zwar denselben
Grundgedanken – in der Ausführung
ist die FG 2 aber kein
klassisches Sequel.
8
ONE COOL FACT ABOUT.....
Lowers the perceived boundaries
between different ways of
making films.
9
MOTTO
Possibility is the mother of
invention.
105

INTERNATIONAL NETWORKS
Arrested
Development
Still from ROSES, International Class 2020/2021,
Dir: Luz Quevedo, Jonas Arndt; DoP: Dennis Banemann, Jan Fabi
ARRESTED DEVELOPMENT IS A SUITABLE
TERM TO EXPRESS THE GENERAL FEEL-
ING OF LIVING IN TIMES OF THE PANDEMIC.
EVEN MORE SO AT A FILM SCHOOL –
NORMALLY A PLACE OF LIBERTY AND OP-
PORTUNITY. DEVELOPMENT UNDER ARREST
DOES HOWEVER NOT MEAN THAT THERE IS
NO DEVELOPMENT AT ALL. THE INTERNA-
TIONAL CLASS OF 2020/2021 AND A NUM-
BER OF NEW PROJECTS INSPIRED BY THE
PANDEMIC PROVED JUST THAT.
FLASHBACK:
THE INTERNATIONAL CLASS OF 2020/2021
In the beginning of October 2020, it became clear that
all the 16 invitees to the International Class (ICLA), coming
from eight non-European countries, had made it
safely to Ludwigsburg. This was great news, and an unlikely
development, given the prevailing travel restrictions,
hygiene regulations and cancelled flights at the
time. Over the course of the semester, the highly diverse
group teamed up with four more students, coming from
the neighbouring Akademie fuer Darstellende Kunst
(Academy of Performing Arts - ADK), and finally managed
to come up with eight impressive films which were
presented in March, before everybody returned to their
106

home institutions. All the films were shot in FABW’s
Studio 1 (now renamed as “Jochen Kuhn Studio”), under
the strict eyes of specially trained hygiene officers.
Despite the high level of control and the stressful situation,
ICLA members handled the restrictions with great
professionalism and discipline, yet watching them work
made it very clear that a film set during the pandemic is
a far cry from the joyful intimacy and enthusiasm one
would expect from a student film production. Making
it happen, though, was a major effort, both for the students
and for FABW’s staff who worked numerous extra
hours to make this happen. Even though none of the
films explicitly dealt with the Corona Pandemic: in the
years to come, these films will very likely be watched
with a different eye, as comments on our time of isolation,
great disruption and insecurity.
ICLA 2.0: NETWORKING IS KEY
While isolation, disruption and insecurity might be appropriate
terms to describe last year’s general mood, we
cannot allow these forces to dominate our minds, nor
the way we work, nor the perspectives we are opening
up to our students. Therefore, in the academic year
of 2021/2022, we are making a number of significant
changes to the concept and timeline of ICLA, moving
from the fall to the spring term, in order to allow the
students to participate in the vivid campus life in summer,
instead of the sometimes unsociable German winter.
Also, the objective of the class is shifting, from the production
of short films as in previous editions, towards
collaborative international project development within
a larger scope. ICLA 2.0’s multicultural environment is
107

INTERNATIONAL NETWORKS
offering a unique ground for innovative and original ideas
to come up. To grow, these ideas need more than the
rigid scope of just one semester. Concepts evolving out
of ICLA 2.0 are therefore aiming towards further development
and production within the powerful international
network around FABW. In that spirit, the number
of participants will be raised to 20 per year, while the
new curriculum will also offer numerous opportunities
of interaction between ICLA members and FABW’s regular
students.
2022: RENAISSANCE OF OUTGOING MOBILITY
While in the past year, none of FABW’s international
partner institutions was able to accept incoming students,
there is hope for the academic year of 2021/2022.
La Fémis in Paris already accepted a team of six students
from FABW to participate in their third-year film production
course, “fiction Alexa” starting September 2021,
and most partner institutions will accept students again
in Spring 2022.
Corresponding with frequent student requests, the International
Office also acquired two new, high-ranking
partner schools for student exchange in Asia:
Korea National University of Arts, School of Film, TV &
Multimedia, Seoul
Tokyo University of the Arts - The Graduate School of
Film and New Media
These new partners contribute to the FABW’s strategic
goal to give each student of FABW the opportunity to
participate in at least one international activity in the
course of their studies.
108

Still from THOMAS MUENTZER PROJECT, Dir: Clément
Pelletier, DoP: Marcus Ott
Still from CORONA THE WORLD AND ME, Dir: Snow
(Hnin Ei Hlaing), DoP: Moe Kyaw Thu
AN ECHO FROM THE ICLA NETWORK:
THE COLLABORATIVE DOCUMENTARY
‚CORONA THE WORLD AND ME‘
With substantial support from the Baden-Wuerttemberg
Foundation, the International Office was able to ask
10 alumni of its International Class to document one day
of their world in October 2020. The result is ten highly
personal micro-documentaries on the state the world
was in at this particular point in time, from Israel, Kenya,
Iran, Ruanda, the USA, to Brazil, Mozambique, Sweden,
India, and Myanmar. The film conveys powerful, sometimes
moving, sometimes poetic insights into the realities
and the emotional states the pandemic forces upon
all of us. It is scheduled for festival release in Fall 2021.
ARTISTIC RESEARCH ON AN INTERNATIONAL
LEVEL: CLEMENT SCHNEIDER’S DYSTOPIAN
WORK ON THOMAS MUENTZER AND SURVIVAL-
IST CULTURE
When inviting French PhD student Clément Schneider
to shoot the film for his thesis project at the SACRe (Science,
Art, Creation and Research) program, the International
Office took a step towards artistic research. The
shoot for Schneider’s experimental project took place in
Autumn 2021 at a lake in Swabia. In a split-screen composition,
he portrays German 16th century revolutionary
Thomas Muentzer on one side of the dystopian diptych,
while on the other side of the screen, a contemporary
survivalist is crossing the very same landscape, centuries
apart. The project can be screened in cinemas and as
an installation alike.
SACRe is a joint program of national French film academy
La Fémis and Paris-based PSL Research University.
WWW.FEMIS.FR/SACRE-PHD-PROGRAMME-PSL
109

INTERNATIONAL NETWORKS
PITCH_IT! A PROGRAM FOR YOUNG EUROPEAN
FILMMAKERS, IN COOPERATION WITH GOETHE
INSTITUTE, BUDAPEST
In the beginning of 2021, at a time when the Hungarian
government took control over the national film school
SZFE, the project was jointly launched by the Goethe
Institute Budapest and FABW, focussing on young filmmakers
from Hungary as well as on students from
FABW’s international network. Within its course, young
filmmakers were supported in developing their projects
in a safe environment to a level which would allow them
to find production partners on the free market. At the
annual Screen.Time International showcase which took
place in July 2021 at FABW, five teams from Hungary, India,
and Germany presented their projects for the first
time to a professional audience.
WWW.GOETHE.DE/BUDAPEST
ANIMATION SANS FRONTIÈRES
When Filmakademie’s Animationsinstitut joined
the team of four European schools to develop a creative
producing training for animation in 2008,
nobody could have predicted the longevity and success
of this programme. This year, Animation Sans Frontières
(ASF), the European Animation Development Lab,
will take place for the 14th time. ASF is a 4×2 weeks
lecture/workshop-based training programme designed
to give junior European animation film and production
professionals the space, time and tools to develop,
finance and produce their projects and careers and
eventually set up their own production companies.
ASF is the perfect chance for emerging animation professionals
to work in multidisciplinary and international
teams, meet a wide variety of recognised animation
film, games, and new media professionals and network
with other European young talents at four of the most
renowned animation schools in Europe.
With the support of the Creative Europe Programme of
the EU, ASF is run by and at:
• Filmakademie Baden-Wuerttemberg in Germany
• Moholy-Nagy University of Art and Design
in Hungary
• The Animation Workshop in Denmark
• GOBELINS, l’école de l’image in France
• animationsansfrontieres.eu.
FOR FURTHER INFORMATION, CONTACT
TINA OHNMACHT
(TINA.OHNMACHT@FILMAKADEMIE.DE)
110

LIST OF PARTNERING INSTITUTIONS
2021/2022
• AFDA – THE SOUTH AFRICAN SCHOOL
OF MOTION PICTURE, LIVE RECORDING
AND LIVE PERFORMANCE, Johannesburg,
South Africa
• AL-QUDS UNIVERSITY,
Ramallah, Israel/Palestine
• COLOMBO FILM & TELEVISION ACADEMY,
Colombo, Sri Lanka
• DODGE COLLEGE AT CHAPMAN UNIVERSITY,
Orange County, California, USA
• ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE LOUIS
LUMIÈRE, Paris, France
• FTII – FILM & TELEVISION INSTITUTE OF
INDIA, Pune, India
• GOBELINS L’ÉCOLE DE L’IMAGE, Paris,
France
• KIBBUZIM COLLEGE, Tel Aviv, Israel
• KOREA NATIONAL UNIVERSITY OF ARTS,
SCHOOL OF FILM, TV & MULTIMEDIA,
Seoul, Republic of Korea
• LA FÉMIS, Paris, France
• LINDENWOOD UNIVERSITY,
St. Charles, Missouri, USA
• MAISHA FILM LAB, Kampala, Uganda
• MAHARASHTRA INSTITUTE OF TECHNOL-
OGY, Pune, India
• MOHOLY-NAGY UNIVERSITY OF ART
AND DESIGN, Budapest, Hungary
• MOPA COMPUTER GRAPHICS ANIMATION
SCHOOL, Arles, France
• NATIONAL FILM SCHOOL OF DENMARK,
Copenhagen, Denmark
• NDU – NOTRE DAME UNIVERSITY, Beirut,
Lebanon
• THE ANIMATION WORKSHOP, VIA UNI-
VERSITY COLLEGE, Viborg, Denmark
• TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS -
THE GRADUATE SCHOOL OF FILM AND
NEW MEDIA, Japan
• UDC – UNIVERSIDAD DEL CINE, Buenos
Aires, Argentina
THE INTERNATIONAL OFFICE
GUIDO LUKOSCHEK
HEAD OF INTERNATIONAL OFFICE
SUJATHA DOVGAL
PROJECT MANAGER INTERNATIONAL OFFICE
MÁRK SZILÁGYI
PROJECT MANAGER INTERNATIONAL OFFICE
VALENTINA BOYE
PROJECT MANAGER INTERNATIONAL CLASS
ANIMATIONSINSTITUT:
TINA OHNMACHT
HEAD OF INTERNATIONAL NETWORK
FERNANDA IMBIRANI
TRAINEE INTERNATIONALIZATION
111

DOZIERENDE IM PORTRÄT
112

„ Je weniger Zeit wir uns geben,
um beim Filmemachen zu scheitern,
desto mehr verarmen wir auch
im Kennenlernen unserer Mittel“
Ein Gespräch mit Prof. Heidi Specogna
HEIDI SPECOGNA UNTERRICHTET SEIT
2003 AN DER FILMAKADEMIE BA-
DEN-WÜRTTEMBERG ALS DOZENTIN FÜR
REGIE/DOKUMENTARFILM UND LEITET
INZWISCHEN DIE ABTEILUNG. SEIT ÜBER 30
JAHREN DREHT DIE GEBÜRTIGE SCHWEIZE-
RIN DOKUMENTARFILME. SIE BEGANN ALS
JOURNALISTIN, STUDIERTE DANN BIS 1988
AN DER DEUTSCHEN FILM- UND FERNSE-
HAKADEMIE BERLIN (DFFB) UND GRÜNDETE
1990 IHRE EIGENE FILMPRODUKTIONSFIR-
MA. DER SCHWERPUNKT IHRER ARBEIT
LIEGT AUF POLITISCHEN THEMEN, BESON-
DERS IM LATEINAMERIKANISCHEN UND
AFRIKANISCHEN RAUM. SPECOGNAS DO-
KUMENTARFILM 'CAHIER AFRICAIN' (2016)
ÜBER MISSHANDELTE UND VERGEWALTIGTE
FRAUEN IN ZENTRALAFRIKA WURDE UNTER
ANDEREM MIT DEM GRIMME-PREIS, DEM
SCHWEIZER UND DEM DEUTSCHEN FILM-
PREIS (LOLA), DEM DEUTSCHEN MENSCHEN-
RECHTS-FILMPREIS SOWIE EINER SILBER-
NEN TAUBE BEIM FESTIVAL DOK LEIPZIG
AUSGEZEICHNET. AKTUELL ARBEITET HEIDI
SPECOGNA AN EINEM DOKUMENTARFILM,
DEN SIE IN BRASILIEN REALISIERT, UND
SIE HAT SOEBEN BEIM FILMFESTIVAL IN
LOCARNO IHREN NEUEN FILM 'STAND UP
MY BEAUTY' VORGESTELLT, AN DEM SIE GE-
MEINSAM MIT DEM FILMAKADEMIE-ABSOL-
VENTEN UND EDITOR KAYA INAN GEARBEI-
TET HAT.
Liebe Heidi, gleich zu Beginn die Frage aller Fragen: Was
macht für dich einen guten Dokumentarfilm aus?
Ein guter Dokumentarfilm schenkt dem Publikum eine
sehr komplexe Erfahrung: Er kann uns mitnehmen in
eine Wirklichkeit, die wir vielleicht schon kennen. Doch
er ist in der Lage, einen neuen Blick auf diese Realität zu
werfen. Er bringt uns in Berührung mit einem fast körperlichen
Wissen darum, was Menschen umtreibt, im
Guten wie im Bösen. In einer guten dokumentarischen
Erzählung erfahren wir viel über zwischenmenschliche
Beziehungen, gewichtige Entscheidungen, über Authentizität
und nicht manipulierte Emotionen. Wir lernen
das Innenleben der Protagonist*innen verstehen, erfahren
etwas über ihre inneren Werte, ihre Besonderheiten
oder ihre Ängste. Und über diese Auseinandersetzung
wächst ein Bewusstsein beim Publikum, das seine Haltung
zur Welt verändern kann. Filme, bei denen ich selber
sehr schnell abschalte, sind solche, die offensichtlich
nach einer Schablone erzählt werden.
Du meinst, nach Schema F, wie aus dem Lehrbuch quasi?
Ja genau. Manchmal überrascht mich aber auch ein Film,
von dem ich im Vorfeld dachte: „Naja, darüber weiß ich
eigentlich ganz viel, das habe ich schon oft gesehen.“
Und dann catcht er mich plötzlich, indem er mir eine
ganz neue Seite davon zeigt, die ich vorher nicht beachtet
habe. Oder er baut eine neuartige, formale Erzählung
auf.
Betrachtet man dein filmisches Oeuvre, so fällt auf, dass
du ein starkes Interesse hast an den Biografien widerständiger
und kämpferischer Frauen – wie beispielsweise
in CAHIER AFRICAIN, TANIA LA GUERRILLERA oder
DECKNAME ROSA. Warum suchst du dir gerade solche
Stoffe und Themen aus?
113

DOZIERENDE IM PORTRÄT
Wenn ich Geschichten recherchiere, gehe ich nicht von
vornherein davon aus, dass Frauen im Mittelpunkt stehen.
Ich recherchiere einfach die Story - bleibe dann allerdings
oft an Protagonistinnen hängen. Wenn ich über
diese Frage nachdenke, dann ist es tatsächlich so, dass
die Viten der Frauen oft vielschichtiger, komplexer und
widersprüchlicher sind und dadurch auch filmisch interessanter.
Ich habe vielen historischen Frauenfiguren
der Sicht einer jungen Frau kennengelernt und für den
Film aufbereitet. Ähnlich war das bei TANIA LA GUER-
RILLERA: Die Deutsch-Argentinierin Tamara Bunke
(Kampfname Tania, Anm. d. Red.) war die einzige Frau,
die sich am bolivianischen Guerilla-Kampf unter dem
Kommando von Che Guevara beteiligt hat und so in die
Männerdomäne „bewaffneter Kampf“ eingebrochen ist.
Es war unglaublich spannend zu verfolgen, wie sie dort
hingefunden hat und wie viele Kompromisse sie auf diesem
Lebensweg eingehen musste. Tamara Bunke ist im
selben Jahr geboren wie meine Mutter. Ich fand es aufregend,
die Gesellschaft jener Zeit, in der meine Mutter
gelebt hat, über diese filmische Figur kennenzulernen.
Welches Rollenverständnis gab es in den Fünfzigerjahren
in Europa? Welche Tabus? Was konnten und durften
Frauen machen und was nicht? Welche Kämpfe fochten
sie aus im Alltag, im Berufsleben oder in der Ausbildung?
Das gibt letztlich Dokumentarfilmen auch eine
ganz andere Tiefe und Substanz, weil die Recherche
unter die Oberfläche geht und man über die oft vielen
Jahre, die ein Film in Arbeit ist, sehr tief in die jeweilige
Epoche eindringen kann.
Welcher deiner Drehs hat dich als Regisseurin am meisten
geprägt? Oder kann man das nicht so pauschal sagen?
Jeder Film hat seine Spuren hinterlassen. Und jeder Film
war wichtig und hat mich einen Schritt weitergebracht.
Ich muss oft an meinen allerersten Film im Studium
denken: Hier habe ich mich zum ersten Mal als Regisseurin
erlebt, mit noch vielen Fragen und Unsicherheiten
im Kopf. Wie geht man auf Menschen zu, wie spricht
man überhaupt in einem Interview, wie findet man eine
Ebene zum Gegenüber, wie schafft man Vertrauen? Das
sind die Erfahrungen, die eine Filmausbildung so wertvoll
machen, weil man das dort wirklich ausprobieren
und üben kann.
aus PEPE MUJICA – DER PRÄSIDENT
nachgespürt und damit geht auch immer eine Recherche
über eine bestimmte Zeit einher. DECKNAME ROSA
ist beispielsweise die Geschichte einer jungen Frau aus
der Schweiz, die sich während des Zweiten Weltkriegs
in einem illegalen Funknetz engagiert hatte. Damit habe
ich die Zeit des Zweiten Weltkrieges in der Schweiz aus
114
Als Dokumentarfilmer*in ist es wichtig, einen genauen
Blick auf die Realität zu haben und eine Haltung zu ihr
zu entwickeln. Gab es für dich persönlich Situationen,
bei denen dir die professionelle Distanz abhandengekommen
ist?
Dreh und Schnitt - das sind die beiden Orte, an denen
Haltungen entstehen. Ich arbeite immer mit einem kleinen,
flexiblen Team vor Ort und später als Zweier-Team
im Schnitt. Ich glaube, wenn man sich dort gehen ließe,
also, wenn man sich quasi emotional einer Situation

während des Drehs komplett ausliefern würde, weil
man sie nicht erträgt, dann kann man auch seiner Aufgabe
nicht gerecht werden. Ich weiß doch genau, warum
ich an einem Drehort bin: Wenn ich in einem Krankenhaus
drehe, bin darauf gefasst, Dinge zu sehen, die
mir wehtun können und Kraft kosten. Es gibt in CAHIER
AFRICAIN einen Moment, den ich besonders finde, weil
er so viel über unsere Arbeit aussagt: Da operiert ein Arzt
eine Kugel aus dem Körper eines Mädchens. Die Kamera
hält auf sein Gesicht und da gibt es diesen einen, ganz
kleinen Moment, in dem der Arzt die Augen schließt
und sie gleich wieder öffnet. Ich habe das immer so interpretiert,
dass das ein Rückzug in sich selbst war. Ein
Moment des Sammelns, um weitermachen zu können.
Und genau solche Momente haben wir auch während
unserer Arbeit. Aber das, was uns wirklich trägt, ist das
Wissen um unser Anliegen und warum wir an diesem
Drehort sind. Dokumentarfilme sind ja kein Hobby, es
geht um was.
aus CARTE BLANCHE
Wie kommst du mit den Grenzerfahrungen klar, die du
sicherlich bei Drehs gemacht hast?
Manchmal realisiere ich erst am Schneidetisch beim
Sichten des Materials, in welcher Situation wir wirklich
gedreht haben. Ich höre mich dann auch selbst, weil der
Ton noch lief. Und da nehme ich mich dann als einen
Menschen wahr, der in der Lage ist, selbst in schwierigsten
Situationen noch mit dem Kameramann über die
richtige Einstellung zu reden. Das kommt einem von außen
betrachtet völlig unverständlich vor. Aber das ist die
professionelle Haltung, die wir in dem Moment brauchen.
Sonst lösen wir uns selbst auf in unseren Gefühlen
und lassen unsere Arbeit liegen.
Wie gewinnst du das Vertrauen der Protagonist*innen,
um eine Erzählbasis für deine Dokumentationen zu
schaffen? Es hat den Anschein, als wäre beispielsweise
bei CAHIER AFRICAIN eine sehr lange Vorbereitungszeit
vorangegangen.
Für CAHIER AFRICAIN habe ich viele Versuche gebraucht,
um ein bestimmtes, umfassendes Interview
mit meiner Hauptprotagonistin Amzine führen zu können.
Es wollte lange nicht passen. Manchmal war die
Umgebung im Dorf zu laut. Manchmal konnte Amzine
nicht oder sie wollte nicht. Manchmal stand das Filmteam
nicht parat. Ich wollte dieses Interview aber auch
nicht an einen unpassenden Moment verschenken, sondern
habe abgewartet. Und das war natürlich ein Luxus
bei dieser Produktion. Ich habe letztlich mehrere Jahre
auf den richtigen Zeitpunkt warten können und dieser
war da, als Amzine mir wirklich vertraut hat und ich ihr
auch vertrauen konnte. Und es hat alles gepasst. Es ist
ein eindrückliches, inniges Gespräch geworden. Am Ende
wird man für die Geduld und das Zuhören belohnt.
Wie konntest du dir leisten, an diesem einen Thema so
lange zu arbeiten?
Ich hatte eine wirklich tolle Produktionsfirma, die ausschließlich
Dokumentarfilme produziert und die Verständnis
für unsere Arbeitssituation hatte. Und dazu
kam eine uns sehr unterstützende Redaktion, nämlich
bei 3sat. Auch die Filmförderungen haben den ausgedehnten
Dreh- und Schnittzeitraum mitgetragen.
Deine Filme zeichnen sich durch eine gründliche Recherche
aus. Würdest du sagen, dass dies eine der wichtigsten
Grundlagen ist für einen gelungenen Film?
Die Recherche ist für einen Dokumentarfilm das wichtigste
Fundament. Man muss sein Sujet kennenlernen,
die Fakten, aber auch selbst in sein Thema hineinfinden
und ausprobieren, was die richtige Erzählform dafür
ist. Ich gehe oft bereits mit der Kamera auf Recherche,
sichte dann mit dem Editor das Material und wir versuchen
gemeinsam zu erkennen, welche Kraft in den einzelnen
Protagonist*innen steckt und was die tragenden
115

DOZIERENDE IM PORTRÄT
Momente der Geschichte sein können. Oder eben andersherum:
Was trägt in der Geschichte nicht, was bleibt
blass. So ein Recherchedreh ist wie ein offenes Buch,
aus dem man herauslesen kann, in welche Richtung
der Film weiterentwickelt werden soll. Und gleichzeitig
muss man aufpassen, weil dieses Material dann oft auch
in den fertigen Film Eingang findet und ihm damit früh
eine Form vorgibt. Man muss mit diesem Recherchematerial
kritisch umgehen, denn die Bilder sind natürlich
noch aus der Perspektive einer anderen inneren Einstellung
gedreht.
Dynamiken zwischen Filmemacher*in und Protagonist*in
muss man immer sehr gut analysieren – das gehört
zur Arbeit im Vorfeld. Ich glaube allerdings, dass
man manipulierende Tendenzen relativ früh beim Kennenlernen
der Protagonist*innen erkennen kann, also
lange, bevor es zu spät ist.
Wie schaffst du es, deinen Filmen abseits von Tagesaktualität
eine Allgemeingültigkeit zu verleihen?
In Sachen Tagesaktualität sind die journalistischen Kolleg*innen
besser aufgestellt. Sie sind schneller und können
unmittelbar arbeiten. Gerade bei CAHIER AFRI-
CAIN habe ich das sehr zu schätzen gewusst. Fragen, wo
z.B. die Zentralafrikanische Republik liegt, welcher Konflikt
hier verhandelt wird und welche Parteien beteiligt
sind, konnte ich immer mit dem Hinweis auf journalistische
Formate beantworten. Ich selbst konnte mich dadurch
in meinem Film auf die Hintergründe und die
Zusammenhänge konzentrieren. In dem Segment, in
dem ich arbeite, fällt es sehr schwer, tagesaktuell zu sein.
Dafür brauche ich einfach zu viel Zeit, nicht nur, um
das Material zu drehen. Ich war jetzt ein halbes Jahr im
Schneideraum - da hat sich in jedem Land der Welt die
Lage verändert. Insofern suche ich nach Geschichten,
die über die reine Tagesaktualität hinausgehen, universell
sind, uns berühren und bereichern in unserer Sicht
auf die Welt oder auch nur auf ein einzelnes Leben.
Hattest du in deiner beruflichen Laufbahn je das Gefühl,
als Frau weniger ernst genommen zu werden oder mehr
leisten zu müssen als männliche Kollegen?
aus CAHIER AFRICAIN
Hast du manchmal Sorge, dass du eventuell von den
interviewten Leuten selbst manipuliert wirst?
Klar! In einem Gespräch kann Vertrauen entstehen und
ein gegenseitiges, offenes Sich-aufeinander-einlassen,
aber gleichzeitig hat auch jede und jeder eigene Interessen.
Und je nachdem, wen man als Gegenüber hat,
will sie oder er das auch für sich selbst nutzen. Wenn
man dann von dieser Person abhängig ist, kann man
doch relativ schnell in die Lage geraten, dass man sich
fragen muss, hat man hier eine Plattform geboten bzw.
wie kommt man aus dieser Situation wieder raus. Solche
116
Das kam vor, aber eher selten. Allerdings ist es so, dass
Frauen und auch Männern bestimmte Eigenschaften per
se zugeschrieben werden. Es gibt eine gewisse Voreingenommenheit,
dass Frauen beispielsweise bestimmte
Themen besonders gut bearbeiten können, weil dafür
eine besondere Sensibilität nötig ist oder Geduld - das
nennt man Framing. Dass man in eine bestimmte Schublade
gesteckt wird, die nicht unbedingt falsch sein muss
- aber sie macht eben nur einen kleinen Teil von dem
aus, was ich als Regisseurin kann und bin. Ich kann viel
mehr als nur sensibel zuhören. Ich kann auch groß und
laut und gewaltig. Darüber hinaus ist ein entscheidender
Punkt, dass ich schon sehr früh meine Filme selber
produziert habe. Ich konnte dadurch die Arbeitsbedingungen
selbst bestimmen und mir damit auch die nötige

Zeit und den Raum gewähren, den ich brauche, um so
zu arbeiten, wie ich es für meine Arbeitsweise benötige.
Das habe ich bis heute beibehalten, dass ich größtenteils
koproduziere, um ein Mitspracherecht bei den produktionellen
Rahmenbedingungen meiner Arbeit zu haben.
Gibt es denn so etwas wie den „weiblichen Blick“, einen
„Female Gaze“, von dem so viele sprechen?
Ich glaube nicht, dass ein Blick geschlechterspezifisch
ist, oder sagen wir mal „heute nicht mehr“. Der „Female
Gaze“ beinhaltet eher eine gewisse Form, auf Dinge zu
blicken. Wenn ich mit unseren Studierenden spreche,
gibt es viele Männer, die diesen „weiblichen“ Blick ebenfalls
für sich beanspruchen. Ich will diesen Blick jetzt
gar nicht so detailliert bestimmen, denn es ist immer etwas
Persönliches, wie man ihn empfindet. Mein eigener
ist sicherlich ein zuhörender Blick. Ich weiß, dass
ich eine geduldige Zuhörerin bin und das verändert für
das Publikum auch den Blick auf meine Protagonist*innen.
Ich kenne genug studentische Projekte, bei denen
wir Achtsamkeit, Geduld und Empathie auch bei jungen
männlichen Studierenden erleben können. Diese Offenheit,
dem Anderen zu begegnen, ist eine große Bereicherung
für jeden Film.
sicherer, wenn ich einen Fragebogen dabeihabe, auf den
ich ab und zu schielen kann? Oder lege ich ihn lieber
weg und gehe frei in das Gespräch? Wenn ich mich über
meiner selbst irre, dann werde ich mit keinem Resultat
zufrieden sein. Weil ich mich von Anfang an in einem
Arbeitsmodus befinde, der nicht meiner ist. Sich selbst
kennenzulernen, ist ein wichtiger Prozess. Und das geht
nur, wenn man Fehler machen darf und auch mal scheitert.
Das ist der zweite wichtige Punkt. Aber das Scheitern
hat leider einen schlechten Ruf heutzutage, dabei
ist es das dankbarste Feld, um sich selbst und das Handwerk
kennenzulernen. Und je weniger Zeit wir uns gönnen,
um beim Filmemachen zu scheitern, desto mehr
verarmen wir auch im Kennenlernen unserer künstlerischen
Mittel.
Bist du jemand, der während des Drehs viel geschehen
lässt und quasi nur beobachtend dabei ist, oder greifst
du auch ein?
Es kommt ein bisschen auf die Situation an. Ich bilde ein
gutes Team mit meinem Kameramann Johann Feindt. Er
ist ein guter Beobachter und dabei sehr zurückhaltend.
Er arbeitet gerne im Hintergrund. Ich lasse Johann den
Raum, den er braucht, um zu beobachten. Und wenn ich
später im Schneideraum Material sichte, überrascht er
mich immer damit, was er abseits vom Drehmittelpunkt
noch so alles eingefangen hat.
aus DECKNAME ROSA
Was willst du den jungen Regisseur*innen in deinem
Studiengang mitgeben? Beispielsweise, dass man auch
mal gegen Wände laufen kann und dass das keine Schande
ist?
Genau dafür steht die Filmakademie. Thomas Schadt sagt
ja immer, wir arbeiten in einem geschützten Raum, der
Scheitern ermöglicht.
Es gibt zwei Punkte, die wichtig sind: Zum einen herauszufinden,
was man für ein*e Filmemacher*in ist. Ist man
die Person, die sich mitten ins Geschehen wirft, vor Ort
Fragen stellt und spontan reagieren kann? Oder ist man
eher eine zurückhaltende, beobachtende Person? Fühle
ich mich beispielsweise beim Dreh eines Gesprächs
Genauso ist es! Wenn du die Filme, die beispielsweise in
unserer Dokumentarfilm-Abteilung entstehen, mit Filmen
vergleichst, die außerhalb dieses geschützten Rahmens
entstehen, dann siehst du diese Qualität. Filmakademie-Filme
sind gereift über Monate, über Jahre und
das spürst du. Sie sind in der Stoffentwicklung und beim
117

DOZIERENDE IM PORTRÄT
Dreh gewachsen und im Schneideraum. Und wenn du
sie vergleichst mit einem Film, der auf dem freien Markt
produziert worden ist, mit acht Wochen Schnittzeit …
Du merkst sofort, dass es formal und inhaltlich wesentlich
ärmere Produktionen sind. Ich wünsche mir, dass
wir dieses Gut, diesen Kreativraum, den es an der Filmakademie
gibt, draußen verteidigen können. Dass wir
sagen, solch einen Film kann ich für euch nur machen,
wenn ich Zeit habe. Zeit ist die ganz große Maßeinheit.
Sie ist das Entscheidende.
Kann man sich heute – vor allem als junge*r Regisseur*in
– bei der Themenwahl frei entfalten, den Stoff
sozusagen heranreifen lassen oder ist es eher so, dass
im späteren Berufsleben die Stoffe hinsichtlich Verwertungsqualität
und Publikumspotenzial ausgewählt und
zugewiesen werden?
Ich kenne ganz wenige Kolleg*innen, die als Dokumentarfilm-Regisseur*innen
ausschließlich von ihrer Arbeit
leben können. Das heißt, es ist enorm wichtig, sich ein
zweites Standbein zu schaffen. Das kann Kamera, Ton,
Schnitt, Produktion, Festivalarbeit - was auch immer
sein. Noch besser ist es, einen Fuß in einer Redaktion zu
haben, in der auch andere Formate hergestellt werden
und bei der du dann ein Thema zugewiesen bekommst.
Denn es ist durchaus eine schwierige Aufgabe, formatgetreu
zu arbeiten. Es gibt einige Absolvent*innen, die
im Anschluss an ihr Studium auch mit Radio-Reportagen
Geld verdienen. Oft zu Themen, die sie schon einmal
bearbeitet hatten, weil es viele tolle O-Töne gab, die
man nochmal verwerten konnte - so haben sie sich ein
zweites Standbein erarbeitet. Manchmal ergibt sich auch
der Vorteil, über die Radio-Reportage hinaus für das eigene
Filmprojekt zu recherchieren. Diese Alumni sind
dann nicht von Anfang an unter diesem immensen finanziellen
Druck und müssen unreife Themen verkaufen.
Sie bekommen die Zeit, in der sie wachsen und sich
entwickeln können, bis das Treatment passt. Sich dieses
persönliche Biotop oder Labor zu erhalten, finde ich
ganz wichtig.
In der Beschreibung des Studiengangs Regie/Dokumentarfilm
an der Filmakademie BW steht, dass ihr den Studierenden
beibringen möchtet, „Realität kreativ zu gestalten“.
Was genau ist damit gemeint? Das klingt immer
so ein bisschen nach Manipulation.
Manipulation ist ein Begriff, der für unsere Arbeit
überhaupt nicht zutrifft. Was an erster Stelle steht, ist
118
Vertrauen. Wir gehen mit dem Zuschauer eine Beziehung
ein, die glaubwürdig sein muss. Und wenn wir da
in irgendeiner Form manipulieren, dann würden wir
dieses Vertrauen riskieren. „Realität kreativ zu gestalten“
bedeutet, dass die Studierenden Filme entwickeln,
die unverwechselbar sind. Also, dass sie zu ihrem Thema
eine Erzählform finden, eine Herangehensweise, die
für sie spricht und die mit eigener Handschrift entwickelt
wird. Das ist natürlich ein andauernder Prozess, bei
dem es wichtig ist, sich ernst zu nehmen und sich genauso
der Kunst, wie auch dem Handwerk, verpflichtet
zu fühlen. Das ist, was ich unter dem Wort „Kreativität“
verstehe. Man muss als Regisseur*in selbst sichtbar werden
hinter dem, was man gestaltet hat. Dieser Blick auf
die Person als Regisseur*in ist die eigentliche Referenz,
um die es geht.
Kann es vorkommen, dass ein Thema, das man sich am
Anfang überlegt hatte, im Schnitt vollkommen verworfen
wird und ein ganz anderer Aspekt nach vorne dringt?
Ich glaube, das ist oft nicht nur eine zwingende Maßnahme,
sondern darin liegt auch die Chance, das kreative
Potenzial eines Films überhaupt auszuschöpfen. Wenn
man sich auf sein Material einlässt, dann muss man zu
sich auch mal sagen: „Lass uns die Geschichte andersherum
erzählen.“ Das ist auch ein Loslösungsprozess und
eine stetige Überprüfung des eigenen Ansatzes. Und je
öfter man sich schon während des Drehs mit dem gedrehten
Material auseinandersetzt, desto sicherer wird
man in der sich anbahnenden Erzählform.
Du hast jetzt bereits mehrfach mit dem Filmakademie-Absolventen
und Schnitt-Dozenten Kaya Inan zusammengearbeitet.
Man spricht ja auch von der „zweiten
Autorenschaft“ des Editors/der Editorin. Wie sieht
eure kreative Zusammenarbeit aus und wie kam es dazu?
Ich habe Kaya über das Diplom-Projekt von Nicolas Steiner
kennengelernt. Ich habe das Projekt betreut und
Kaya hat es geschnitten. Ich habe bewundert, mit welchem
Einsatz und Engagement Kaya über ein Jahr mit
Nicolas zusammen an diesem Film gearbeitet hat, bis er
dann auch für beide zu seiner vollendeten Form gefunden
hatte. ABOVE AND BELOW hieß der Film, mit dem
sie dann auch zu Recht viele Preise gewonnen haben.
Mittlerweile haben wir bereits den dritten Film gemeinsam
geschnitten. Kaya und ich, wir reden beide Schweizerdeutsch,
das verbindet (lacht). Darüber hinaus ist
Kaya ein undogmatischer, wirklich wahnsinnigkreativer

Kopf und er ist hungrig auf Bilder. Er braucht spannendes,
emotionales Material und authentische Momente.
Für mich als Regisseurin ist es eine der intensivsten
Phasen, ihn beim Sichten des Materials zu erleben.
Er ist mein erster Zuschauer und an ihm kann ich sehen,
wie das Material wirkt und im gleichen Moment
fängt sein Kopf bereits an, damit zu gestalten. Wir haben
im Schneideraum im Rücken von uns immer eine große
Tafel stehen, an der die Szenenfotos hängen. Wir stehen
oft davor und bauen mit den Fotos die Geschichte vor.
Ist es leichter, die Arbeit als konkrete Bilder vor dem Auge
zu haben?
Wovon handelt STAND UP MY BEAUTY?
STAND UP MY BEAUTY erzählt die Entstehung des
ersten eigenen Liedes einer jungen, äthiopischen Sängerin,
die bereits Mutter ist. Sie begibt sich in Äthiopien
auf die Suche nach Geschichten anderer Frauen, die die
Basis für ihre ersten eigenen Texte werden. Der Film ist
eine deutsch-schweizerische Koproduktion und kommt
nächstes Jahr im März im Kino.
Hast du das Gefühl, mit den Bewerber*innen des aktuellen
Jahrgangs Regie/Dokumentarfilm wächst eine politischere
Generation heran?
Jeder Film hat seine eigene Arbeitsform. Bei dem Film,
den wir letzten Monat fertig gestellt haben (ERHEBE
DICH, DU SCHÖNE / STAND UP MY BEAUTY, Anm.
d. Red.) hat das gut gepasst. Ein entscheidender gedanklicher
Prozess kam auch in Gang, als wir spontan beschlossen
haben, den Film vom Ende her nach vorne zu
sichten. Das hat wesentlich die Gestaltung, das Bauen
und die Dramaturgie des Filmes beeinflusst. Manchmal
muss man sich und seiner Intuition vertrauen. Da sind
Kaya und ich uns eigentlich auch immer sehr, sehr ähnlich.
Und wir vertrauen uns.
Absolut. Jede und jeder dieser Bewerber*innen hatte
ein Thema, für das sie oder er sich besonders engagiert
hat. Darüber hinaus war wirklich auffallend, wie ernsthaft
sich die Bewerber*innen mit den dringenden Themen
der Zeit beschäftigen und auseinandersetzen. Und
genau da liegt die Stärke und Kraft von Dokumentarfilm:
Er kann dazu beitragen, die Welt, in der wir leben,
zu verändern. Nicht der einzelne Film möglicherweise,
aber der Geist, aus dem er hervorgeht. Hier wächst eine
mutige Generation heran. Die jungen Leute haben sich
- trotz des wahnsinnig schwierigen Jahres, in dem alle
zum Stillhalten verdammt waren - nicht entmutigen lassen.
Das hat uns in der Aufnahmekommission wirklich
sehr gefreut, uns Mut gemacht und Zuversicht gegeben.
Wenn Du Dich in deine Zeit als Studentin an der DFFB
zurückversetzt: Stehen die Filmstudierenden heute unter
einem stärkeren Druck als früher?
aus STAND UP MY BEAUTY
Ich habe mit ehemaligen Kommiliton*innen oft drüber
nachgedacht, was sich denn eigentlich verändert hat.
Klar, wir waren weniger Absolvent*innen. Es gab zwei
Filmschulen, die HFF München und die DFFB. Viele junge
Filmschaffende leiden heute vor allem unter der starken
Konkurrenz auf dem Markt und das spürt man zum
Teil schon an der Filmakademie. Wir hatten es leichter,
vielleicht waren wir auch solidarischer untereinander.
Gerade die Dokumentarfilmemacher*innen haben
sich immer gegenseitig sehr unterstützt. Auch wenn die
Sendezeit der dokumentarischen Formate in den letzten
20 Jahren stetig vergrößert wurde – es sind nicht die
Dokumentarfilme, die davon profitiert haben, sondern
Talkshows und journalistische Formate. Für den abendfüllenden
Dokumentarfilm sind die Plätze immer rarer
geworden. Und: Sie werden spät in der Nacht eher versendet,
muss man sagen.
119

DOZIERENDE IM PORTRÄT
Was könnte man dagegen tun? Gibt es überhaupt eine
Möglichkeit, diesen Filmen eine breitere Wahrnehmung
zu bieten?
Dazu braucht es dringend ein umfassendes Unterstützungspaket.
Zum einen sollten die Filme stärker von der
Filmkritik wahrgenommen werden. Sie müssen bereits
im Vorfeld sichtbarer werden, vor der Kinovorführung
oder der Ausstrahlung. Und zum anderen, dass Festivals
ganz selbstverständlich eine dokumentarische Sektion
anbieten. Weiterhin für solide, nicht ausbeuterische Arbeitsbedingungen
im dokumentarischen Bereich zu sorgen,
ist elementar. Produzent*innen und Redaktionen
davon zu überzeugen, dass Dokumentarregisseur*innen
keine Hobbyfilmer*innen sind. Wenn wir aus einer gewissen
existenziellen Sicherheit heraus agieren können,
haben wir auch ein anderes Standing in den Gesprächen
mit Redaktionen und Produktionen. Außerdem müssen
wir dafür sorgen, dass der Zuschauer in der Zwischenzeit
nicht verlernt, was eigentlich ein Dokumentarfilm
ist und wodurch er sich auszeichnet. Dass jede*r auch
die Sprache des Erzählens als Mittel versteht und nicht
denkt, - wenn in der Montage drei Felder Schwarzfilm
auftauchen – dass der Film kaputt ist. Es ist eine vielfältige
Aufgabe, den Dokumentarfilm am Leben zu erhalten.
Sie betrifft alle - die Sender, Festivals und Filmförderungen
- vor allem auch die Nachwuchsförderungen.
120

121

STECKBRIEF
Filmmusik
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
PROJEKTBETREUUNG
Andreas Fuchs
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Matthias Raue
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
vier
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Mindestens Bachelor oder Vordiplom
in einem musikalischen
Studiengang
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der praktische Aspekt der Ausbildung
bietet Möglichkeiten, die ihr
nur hier findet: Orchesteraufnahmen
mit dem Filmorchester Babelsberg,
ein Orchesterworkshop,
Aufnahmen mit Small- und Bigband
und ein Tonstudio, in dem
ihr Musik aufnehmen könnt, soviel
ihr wollt. Außerdem ist der Campus
perfekt für Networking, da eure
Kommiliton*innen nach dem
Studium gute Jobs in der Filmwirtschaft
haben.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Ganz viel learning by doing – Ihr
macht von Anfang an Musik für
Filme. Die Theorie ist dabei immer
auch projektbezogen: Filmkomposition,
-dramaturgie, Harmonielehre,
TV-Scoring, Filmmusik-Orchestration,
Dirigat, Musikrecht,
Pop-Producing, künstlerische Filmmusik-Praxis
und vieles mehr.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Instrumental-Unterricht gibt es bei
uns nicht. Den habt ihr in der Regel
auch in eurem vorangegangenen
Studium gehabt.
8
ONE COOL FACT ABOUT.....
Im Orchester-Workshop dürft ihr
selbst dirigieren.
9
MOTTO
Ausgezeichnete Filmmusik entsteht
durch gute Kommunikation und
Entwicklung einer persönlichen
Filmmusik-Sprache.
122

Filmton/Sounddesign
1
STUDIENKOORDINATION
Florian Dittrich
2
PROJEKTBETREUUNG
Tobias Scherer
3
LEITENDE DOZIERENDE
Ed Cantù
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
sieben
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Passion für guten Sound,
technisches Verständnis, flüssigen
Umgang mit DAWs, Kenntnisse
über die verschiedenen Gewerke
beim Film
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Arbeitsumgebung, wie man sie
auch in der freien Wirtschaft
findet; die Möglichkeit, sich an
allen verschiedenen Genres zu
versuchen, wie Animations-,
Dokumentar-, Fernsehfilm,
Szenischer Film etc.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
- Den Entstehungsprozess der
verschiedenen Tonebenen
beim Film und darüber
hinaus (Game Audio)
- Das Arbeiten in einem großen
Filmteam
- Die wirtschaftlichen Faktoren
des Filmton-Business
- Sehr viel Praxis!
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Schlafen, sich langweilen
9
ONE COOL FACT ABOUT.....
Der Ton macht MINDESTENS 50%
des Films aus!
10
MOTTO
Hauptsache FETT! ;)
123

ALUMNI IM FOKUS
„DER AKT DES FILMEMACHENS
HAT ETWAS THERAPEUTISCHES”
Ein Interview mit Konstantin Flemig, Absolvent Regie/Dokumentarfilm
KONSTANTIN FLEMIG SCHLOSS 2016 SEIN
STUDIUM DER REGIE/DOKUMENTARFILM
MIT SEINEM MEHRFACH AUSGEZEICHNETEN
FILM 'BILDERKRIEG' AB. SEITDEM ARBEITET
ER ALS JOURNALIST UND FILMEMACHER.
SEIN THEMATISCHER SCHWERPUNKT LIEGT
AUF KRIEGS- UND KRISENGEBIETEN: ER
BERICHTET VON UNICEF-SCHULEN IN SOMA-
LIA, BLAUHELMSOLDAT*INNEN IM KONGO,
DEM HÄUSERKAMPF UM MOSSUL ODER
ÜBER DIE AUSWIRKUNGEN DES BÜRGER-
KRIEGS AUF DAS LEBEN DER MENSCHEN IN
DEN KURDISCHEN GEBIETEN SYRIENS.
Für seine Arbeit wurde er mehrfach ausgezeichnet, darunter
mit dem Jurypreis des Baghdad International Film
Festival. Auf YouTube folgen ihm 23.000 Menschen, seine
Erklärvideos wurden mehr als 1.500.000 Mal aufgerufen.
Neben dem Filmemachen schreibt Konstantin
Kurzgeschichten, die in verschiedenen Verlagen veröffentlicht
wurden. Zudem ist er Gastautor für das Satire-Portal
DER POSTILLON.
Lieber Konstantin, vielen Dank, dass du bereit bist, uns
– trotz deines sicherlich vollen Terminkalenders - einige
Fragen zu beantworten.
An der Filmakademie BW hast du als Regisseur im
Bereich Dokumentarfilm abgeschlossen. Wie kam es dazu,
dass du heute nicht nur als Filmemacher, sondern in
erster Linie als Kriegsreporter unterwegs bist?
Mir war schon früh klar, welche Themen mich interessieren
und was mir wichtig genug ist, zum Schwerpunkt
meiner Filme zu werden. Als Bewerbungsfilm an
der Akademie habe ich einen kurzen Dokumentarfilm
124

über eine Frau gedreht, die im Kongo ein Luxusrestaurant
betreibt. Dieser extreme Kontrast zwischen Reichtum
und Armut war es, den ich unglaublich spannend
fand. Allgemein bin ich eher ein Filmemacher, den die
Extreme des Lebens anziehen.
Wie lief der Berufseinstieg bei dir? Haben dir die Auszeichnungen
für BILDRERKRIEG (u.a. Hollywood International
Independent Documentary Award) Türen geöffnet?
Das glaube ich nicht. Filmpreise zu bekommen, ist natürlich
immer toll, weil sie einem versichern, dass wildfremde
Menschen das gut finden, was du als Regisseur
geschaffen hast. Aber ich würde ihre Bedeutung nicht
überschätzen, gerade was die Welt außerhalb der Branche
angeht. Klar klingt es erstmal gut, wenn man etwa
den Großen Preis der Jury beim Baghdad International
Film Festival gewonnen hat. Aber außer einer Handvoll
Filmfreaks, die das Festival tatsächlich kennen, dürfte
diese Aussage für die allermeisten Menschen kaum eine
Bedeutung haben. Ich würde lieber einen soliden Film
gemacht haben, der vielen Zuschauern gefällt und ihnen
Einblicke in Lebenswelten zeigt, die ihnen fremd sind,
als künstlerische Avantgarde zu produzieren, deren Zielpublikum
aus wenigen Festivaljurys besteht.
Wie hast du es geschafft, dich in der Branche zu etablieren?
Hat dir dein Studium an der FABW dabei geholfen?
Ohne jede Frage. An der Akademie habe ich nicht nur
das filmische Handwerk gelernt, es war auch ein intellektuelles
Bootcamp. Tagelang über Filmkunst diskutieren,
mit großen Regisseuren über ihre Werke sprechen
und die eigenen Filme auseinanderzunehmen, das bringt
einen enorm weiter. Gerade im Bereich Dokumentarfilm
ging es dabei oft um mehr als das rein Filmische, sondern
um Zusammenhänge in der Welt und die Fähigkeit,
diese zu reflektieren. Ganz zu schweigen davon, welche
Kontakte man knüpfen kann! Außerdem kann es gerade
für junge Filmemacher*innen sehr charakterbildend
sein, sich mit der Kritik von Kollegen auseinanderzusetzen.
Wenn man etwa vor versammelter Mannschaft
mal gesagt bekommt, was für ein Totalausfall dein letzter
Film war – das stärkt die seelisch-künstlerischen Abwehrkräfte
enorm. Alles, was danach kommt, ist dann
Kindergarten.
Du hast dich schon vor und während deines Studiums
für die Krisengebiete der Welt interessiert. In welche Gebiete
bist du denn in den letzten Jahren gereist?
Ich komme gerade von der griechischen Insel Lesbos
zurück, wo ich über die Situation der Geflüchteten an
Europas Außengrenzen berichtet habe. Ein Thema, das
mich immer beschäftigt, weil es so nah an unserer eigenen,
privilegierten Lebenswelt ist. Die Lage ist nach
wie vor schwierig, aber das öffentliche Interesse hat zeitweise
enorm abgenommen - auch im Zuge der Corona-Krise.
Ende 2019 war ich an der Front in der Ostukraine, ebenfalls
ein völlig vergessener Konflikt, unter dem mittlerweile
vor allem die alten Menschen leiden. Leider war
mein Timing hier schlecht, denn kurze Zeit später drehte
sich in den Medien alles nur noch um Corona, weswegen
ich mein Material nirgends unterbringen konnte.
Dieses Erlebnis war einer der Hauptgründe, warum
ich mich dazu entschlossen habe, meinen eigenen You-
Tube-Kanal aufzubauen – um im Zweifelsfall meine
Geschichten einem Publikum zeigen zu können, auch
wenn sie es nicht ins analoge Fernsehen schaffen.
Du hast bei einem von der Bundeswehr angebotenen
Training für Kriegsreporter*innen teilgenommen und
mit EXIT EXIT EXIT – KRIEGSREPORTER IN AUS-
BILDUNG gleichzeitig einen Film darüber gemacht. Wie
kam es dazu?
Dabei handelte es sich um meinen Zweitjahresfilm.
Schon damals wusste ich, in welche Richtung sich meine
filmische Karriere bewegen sollte, und hätte man mich
gelassen, ich wäre wahrscheinlich direkt in die Welt gezogen
und hätte in irgendeinem Krisengebiet gedreht.
Im Nachhinein verstehe ich die Regel der Akademie, die
Studierenden erst einmal in Deutschland drehen zu lassen.
Und so wurde die Ausbildung von Kriegsreportern
mein Thema. Dass ich dieses Training selbst absolvieren
musste, bevor ich mich in echte Kriegsgebiete begebe,
war mir schon länger klar, alles andere wäre leichtsinnig
gewesen. So konnte ich letzten Endes zwei Fliegen
mit einer Klappe schlagen: Einen Film über ein spannendes
Thema drehen und gleichzeitig die Ausbildung
durchlaufen.
Viele Kriegsreporter*innen haben mit posttraumatischen
Belastungsstörungen zu kämpfen. Wie verarbeitest du,
was du im Krisengebiet erlebst und siehst?
125

ALUMNI IM FOKUS
Eine Frau und ihr Sohn im Flüchtlingslager von Moria auf der griechischen Insel Lesbos
Kinder in Kobani spielen auf einem zerstörten Panzer des IS
126

Der Akt des Filmemachens hat selbst etwas Therapeutisches.
Man verarbeitet das Erlebte, reflektiert die Bilder,
stellt sich ihnen. Außerdem rede ich viel darüber, sei
es mit Freunden oder öffentlich, auf Vorträgen oder auf
meinem Kanal. Ich bin ein sehr ausgeglichener Mensch,
gerade weil ich in solchen Gegenden unterwegs bin. Das
hilft - und ich bin dankbar, dass ich bisher keine wirklich
negativen psychischen Folgen meiner Arbeit bemerkt
habe. Vielleicht kommt das eines Tages, ich weiß
es nicht. Aber momentan halte ich mich für den zufriedensten
Menschen, dem du je begegnen wirst.
Sowohl aus deinem Buch ALLTAG IN DER HÖLLE –
KRIEGSREPORTER ERZÄHLEN als auch aus deinem
Abschlussfilm BILDERKRIEG geht hervor, dass Kriegsreporter*in
oder -fotograf*in nicht nur ein extrem gefährlicher
Beruf ist. Er ist darüber hinaus selbstausbeuterisch
schlecht bezahlt. Was treibt diese Menschen - was treibt
dich bei deiner Arbeit an?
Ja, da ist etwas dran. Ich kann mir die Arbeit in Krisengebieten
auch nur leisten, weil ich – wie die meisten
anderen Kriegsreporter, die ich in Deutschland kenne
– noch anderweitig tätig bin. Ich arbeite als Chef vom
Dienst bei ZDF Digital, was mir den Luxus bietet, finanziell
so weit abgesichert zu sein, dass ich weiß, woher
das Geld für die nächste Miete kommt. Und das durch
eine journalistische Tätigkeit, die schon alleine für einen
Social Media Junkie wie mich ein Traumjob ist. Der
Nachteil ist, dass meine freie Zeit fast vollständig mit
Kriegs- und Krisengebieten vollgepackt ist.
Und da kommt dieser innere Drang ins Spiel, raus zu
wollen, davon zu erzählen, was in der Welt passiert. Und
auch viel Idealismus, die diffuse Hoffnung, dass sich irgendetwas
ändert, wenn die Welt davon erfährt. Das habe
ich bei praktisch allen Kolleg*innen erlebt, die eine
ähnliche Arbeit machen. Darüber hinaus ist es natürlich
ein unfassbar spannender Job! Man erlebt Dinge, die sich
die meisten Menschen in Deutschland nicht einmal vorstellen
können. Wenn man während der Schlacht von
Mossul im Schützengraben liegt und die Soldaten neben
dir schießen gerade in Richtung des IS – man ist als Berichterstatter
dabei, wenn Geschichte geschrieben wird.
All das spielt eine Rolle bei der Frage, was einen antreibt.
Wie hält man es mit unseren Wohlstandsproblemen aus,
wenn man wirkliches Elend vor Ort gesehen hat?
Das kann ich nur für mich beantworten: Ich bin viel
gelassener geworden, zumindest was Probleme angeht,
die ich als trivial erkenne. In letzter Zeit beschäftige ich
mich viel mit der Philosophie der Stoa, das spiegelt meine
Einstellung zum Leben ganz gut wider. Vieles, über
das ich mir früher Sorgen gemacht habe, sehe ich heute
entspannter, auch weil ich erlebt habe, wie unwichtig
es eigentlich ist. Aber es bringt niemandem etwas,
wenn ich mich hinstelle und anderen Menschen sage,
sie sollen sich gefälligst nicht so anstellen, anderen gehe
es ja noch viel schlechter. Das wäre so überheblich,
wie es dumm ist. Was ich als unwichtig erachte, kann
für andere sehr belastend sein, und nicht jeder Mensch
ist psychisch gleich belastbar. Darum ist es mir wichtig,
Bewusstsein zu schaffen, dass wir viele Dinge zu ernst
nehmen, die es eigentlich nicht verdienen – und andere
Dinge nicht ernst genug. Klimawandel wäre ein Stichwort,
das mir da einfällt. Klar, die meisten Deutschen
wissen, dass das irgendwie ein Problem ist. Aber wenn
man erst einmal halbverhungerte Kinder nach dürrebedingten
Ernteausfällen in Somalia gesehen hat, wird die
Bedeutung des Themas auf einmal sehr viel deutlicher.
Trotz der ernsten Themen, mit denen du dich beschäftigst,
hast du manchmal den Schalk im Nacken. So hast
du zum Beispiel den Wikipedia-Eintrag der damals
frischgebackenen Literaturnobelpreisträgerin Svetlana
Alexievitsch frisiert und sie zusätzlich zur Ornithologin
gemacht. Was hat dich angetrieben und worauf wolltest
du aufmerksam machen?
Das ist eine gefühlte Ewigkeit her! Das war vor Trump,
vor der ganzen Debatte um Fake News. Damals ging es
mir darum zu zeigen, wie leicht Informationen in der
digitalen Welt manipuliert werden können. Die Nobelpreisverleihung
war der perfekte Anlass, weil ich wusste,
dass Journalist*innen weltweit wenige Minuten nach der
Bekanntgabe der Preisträgerin oder des Preisträgers auf
deren Wikipedia-Artikel schauen würden – und in vielen
Fällen unreflektiert abschreiben, was dort steht. Also
habe ich die Seite bearbeitet und aus Frau Alexievitsch
neben ihrer journalistischen Karriere eine Vogelkundlerin
gemacht. Und diese Information wurde beängstigend
oft kopiert. Ich wollte zeigen: Wenn ich das derart
einfach schaffe, was könnten dann erst professionelle
PR-Agenturen oder Nachrichtendienste manipulieren?
Mittlerweile würde ich so etwas nicht mehr machen.
Die Botschaft ist in den letzten Jahren - auch dank der
katastrophalen Folgen von Facebook und Co. - angekommen.
127

ALUMNI IM FOKUS
Auf Facebook und YouTube veröffentlichst du regelmäßig
Erklärvideos über sicherheits- und geopolitische
Themen. Das hast du auch nach dem Einmarsch türkischer
Truppen in die kurdischen Gebiete im Norden Syriens
getan. Möchtest du etwas über den Shitstorm erzählen,
der über dich hereingebrochen ist?
Oh ja, das war irre. Nachdem die türkische Armee gemeinsam
mit islamistischen Milizen in Afrin einmarschiert
ist, habe ich ein kurzes Video auf meiner
Facebook-Seite veröffentlicht, in dem ich vor den katastrophalen
Folgen gewarnt habe: viele tote Zivilisten,
mehr Krieg, hunderttausende Flüchtlinge. Dieses Video
ging viral, ich glaube, es wurde mehrere tausend Male
geteilt. In der ersten Welle gab es unfassbar viele positive
Rückmeldungen, oft von Menschen mit Verwandten
in der Region. Dann fand das Video seinen Weg in die
türkisch-nationalistische Bubble, und ab da ging es ab.
Ich wurde wortwörtlich tausende Male beleidigt, zum
Teil recht heftig. Ich muss zugeben, das Ganze hat mich
sehr belustigt. Wenn solche Leute sich über deine Arbeit
aufregen, dann weißt du, du hast etwas richtig gemacht.
Leider waren auch einige konkrete Drohungen dabei, inklusive
Ankündigung, man würde „meine Reste“ eines
Tages irgendwo herumliegen finden. Diese Mordfantasien
habe ich direkt zur Anzeige gebracht – ohne Erfolg.
Die Staatsanwaltschaft Stuttgart schrieb mir, ich sei Journalist,
und als solcher müsse ich „auch kritische Reaktionen
auf meine Postings“ erdulden. Es gäbe also kein
öffentliches Interesse, diese Drohungen zu verfolgen.
Seitdem wundert mich nicht mehr, dass wir eine Pandemie
an digitaler Gewalt in Deutschland haben, wenn
so viel Inkompetenz auf juristischer Seite vorherrscht.
Siehst du die sozialen Medien eher als Chance oder Gefahr
für freie Meinungsäußerungen und faire Berichterstattung?
Beides. Es ist mit den sozialen Medien wie mit dem Buchdruck
oder dem Fernsehen. Die sozialen Medien können
eine unfassbare Hetzmaschinerie werden, wenn die
Betreiber nicht entschieden gegen Hassbotschaften und
Lügen vorgehen. Gerade Facebook ist das vollkommen
egal. Hier müssten die nationalen Regierungen deutlich
strenger gegen die Plattformbetreiber vorgehen. Wobei
sich Facebook damit langsam selbst ins Abseits schießt
– wie viele junge Leute wollen noch auf einer Plattform
sein, die von alten Männern bevölkert wird, die in den
Kommentaren gegen Geflüchtete und die Weltverschwörung
hetzen?
Auf der anderen Seite bieten die sozialen Medien aber
auch einen unvorstellbaren Gewinn für faire Berichterstattung
und globale freie Meinungsäußerung. Dass
heute Millionen Menschen auf der ganzen Welt Ereignisse
filmen und veröffentlichen können, ist ein Game
Changer, es wird fast unmöglich, Ereignisse zu verschweigen.
Von der Ermordung George Floyds bis zu den
Szenen am Flughafen von Kabul: Bilder werden verbreitet,
die noch vor wenigen Jahren undenkbar gewesen
wären. Als ich auf Lesbos gedreht habe, konnte ich rund
um die Uhr mit meinen Protagonisten über Whatsapp
schreiben, auch wenn diese in den Lagern eingesperrt
waren. Die Presse wird bewusst aus diesen Lagern rausgehalten
– was aber fast egal war, weil die Protagonisten
die Zustände einfach selbst mit dem Smartphone filmen
UN-Blauhelmsoldaten im Osten der Demokratischen
Republik Kongo
Eine junge Frau mit ihrem stark unterernährten Kind
in Somalia
128

und mir zuschicken konnten. Auch das sind Folgen von
Social Media. Wir müssen als Menschheit lernen, damit
umzugehen, denn die Bedeutung der sozialen Medien
wird weiter wachsen.
Du begibst dich als Journalist und Dokumentarfilmer
bewusst in gefährliche Situationen in Krisengebieten vor
Ort, etwa in Syrien oder im Kongo. Glaubst du, dass man
tatsächlich in diese Länder reisen muss, um authentisch
und fair zu berichten? Oder kann das auch aus der Distanz,
z.B. vom heimischen Schreibtisch aus funktionieren?
Nichts ersetzt das Vor-Ort-sein, davon bin ich überzeugt.
Wenn ich öffentlich-rechtliche Korrespondent*innen sehe,
die von Kairo aus darüber „berichten“, was in Kurdistan
passiert, dann sträuben sich mir die Nackenhaare
und ich frage mich, wofür unsere Gebühren verbraten
werden. Natürlich kann man Informationen von Kontaktleuten
vor Ort sammeln und vortragen, das mache
ich gerade auch mit den Aussagen von Bekannten in Afghanistan
nach dem Sieg der Taliban. Aber die Journalistin/den
Journalisten vor Ort ersetzt das nicht, es ergänzt
höchstens.
Für Phoenix hast du 2020 den Dokumentarfilm VER-
NARBTES LAND über den Bürgerkrieg in Syrien gedreht.
Als einem der wenigen deutschen Journalisten
ist es dir gelungen, ein Interview mit einer deutschen
IS-Anhängerin in kurdischer Haft zu führen. Wie hast
du diese Begegnung empfunden?
mit Menschen in Extremsituationen spreche. Ob IS-Anhängerin,
Geflüchteter, General oder Menschenrechtlerin,
erst einmal sehe ich jede*n Interviewpartner*in als
Menschen vor mir, dem ich einen gewissen Respekt entgegenbringen
muss. Das beinhaltet natürlich auch kritische
Fragen, alles andere empfände ich im Gegenteil als
respektlos.
Wie findest du die Themen für deine Filme und woran
arbeitest du im Moment?
Themen zu finden war nie mein Problem, ich könnte
aus dem Stand ein halbes Dutzend neuer Filme beginnen.
Bei jedem Dreh lernt man neue Menschen kennen,
findet neue Aspekte eines Themas, von dem man
dachte, man kennt es. Momentan arbeite ich an der Reportage
über die Geflüchteten auf Lesbos. Dazu kommt
ein längerfristiges Projekt, ein animierter Dokumentarfilm
über das Schicksal geflüchteter Menschen, mit dem
Schwerpunkt auf ihrem Leben vor der Flucht. Und sobald
es geht, werde ich wieder nach Kurdistan fahren,
gar keine Frage.
Bitte vervollständige folgenden Satz: Die Filmakademie
war für mich ein Ort,…
…der mir enorm dabei geholfen hat, das zu werden, was
ich heute bin.
Eines der bemerkenswertesten Interviews meines Lebens.
Wochenlang sind wir durch Nordsyrien gereist,
haben gesehen, was diese Fanatiker angerichtet haben,
mussten uns von Überlebenden erzählen lassen, wie sie
gefoltert und gemordet haben … Und dann sitzt du einem
Menschen gegenüber, der sich dieser Gruppe freiwillig
angeschlossen hat, und der sich nun selbst als
Opfer sieht. Ist es meine Aufgabe als Journalist und Filmemacher,
über sie zu urteilen? Wie kann man ein faires
Interview führen, wenn man selbst jederzeit wieder
gehen kann, während die Gesprächspartnerin de facto in
Haft sitzt? Das sind alles Fragen, die man sich in dieser
Situation stellen sollte. Ich habe für mich die Antwort
gefunden, dass ich in erster Linie zuhören sollte. Es gibt
den unfassbar schönen Satz von Horaz: „Auf alle wartet
ein und dieselbe Nacht“. Das ist mein Leitbild, wenn ich
Ein Kind in der Innenstadt von Rakka, der ehemaligen
Hauptstadt des IS
129

MAKING-OF
'SEEPFERDCHEN' –
VON DER UNERSCHÜTTERLICHKEIT
DER ERINNERUNG
130

DER DOKUMENTARISCHE KURZFILM
'SEEPFERDCHEN' ENTSTAND IM
3. STUDIENJAHR AN DER FILMAKADEMIE
UND WURDE BEREITS VIELFACH AUSGE-
ZEICHNET. IM FRÜHJAHR 2021 GEWANN ER
DEN YOUNG C. AWARD BEIM CIVIS MEDIEN-
PREIS, EUROPAS BEDEUTENDSTEM MEDIEN-
PREIS FÜR MIGRATION, INTEGRATION UND
KULTURELLE VIELFALT. AUSSERDEM ER-
HIELT DER FILM DIE AUSZEICHNUNG ALS
„BESTER DOKUMENTARISCHER KURZFILM“
AUF DEM ATLANTA FILM FESTIVAL UND IST
DAMIT FÜR DIE ACADEMY AWARDS 2022
QUALIFIZIERT.
Von Nele Dehnenkamp
Am Anfang von SEEPFERDCHEN steht eine kurze Zeitungsmeldung:
Geflüchtete Menschen sind eine Risikogruppe,
sie ertrinken überdurchschnittlich häufig. Fast
alle Badetoten mit Fluchtgeschichte sind Nichtschwimmer*innen
– viele davon Kinder und Jugendliche. Wie
fühlt es sich an, hier in Deutschland schwimmen zu
lernen, nachdem man sein Leben auf dem Mittelmeer
riskieren musste? Ich durchforste das Internet nach
Schwimmangeboten für geflüchtete Kinder und Jugendliche.
Meine Recherche führt mich nach Wolfsburg, wo
ich in einem Seepferdchen-Schwimmkurs hospitiere
und Hanan treffe. Sie steht in der Mitte des Beckens,
umringt von tobenden Kindern und lässt einfühlsam
einen kleinen Jungen auf ihren Armen durchs Wasser
gleiten. Der Junge hat sichtbar Angst – ein Gefühl, das
Hanans Körper zu kennen scheint. Ihre Bewegungen
sind geprägt von Vorsicht und Erfahrung.
Kurz darauf besuche ich Hanan zu Hause und lerne ihre
Familie kennen. Hanan wuchs in einem kleinen Dorf
im Nordirak auf. Als 2014 die Terrormiliz „Islamischer
Staat“ einen Genozid an ihrer Volksgruppe, den Jesiden,
verübte, musste Hanans Familie fliehen. Ihr Vater brach
nach Deutschland auf und beantragte einen Familiennachzug.
Der Antrag wurde abgelehnt. Ein Jahr nach
dem Einmarsch des IS steht die Familie am türkischen
Ufer des Mittelmeeres. Hanan ist damals 13 Jahre alt,
ihr kleiner Bruder Sidar, der Jüngste der Familie, nicht
einmal zwei. Weder Hanan noch ihre fünf Geschwister
haben jemals zuvor ein Meer gesehen – all das erzählt sie
mir, während wir auf dem akkurat gemachten Bett in ihrem
Jugendzimmer sitzen. Hanan ist mittlerweile 17 Jahre
alt, sie geht in die 7. Klasse, zeichnet gerne und hört
Musik, am liebsten die südkoreanische Boygroup BTS.
Hanan hat viele Gemeinsamkeiten mit Jugendlichen in
ihrem Alter, und doch steht etwas zwischen ihr und der
Welt: Der Moment, als sie beinahe ertrunken ist. „Ich
will meine Geschichte erzählen,“ erklärt sie mir, „meine
Geschichte und die vieler anderer, die über das Meer
gekommen sind.“ Ihr kleiner Bruder Sidar ist mittlerweile
fünf Jahre alt und das einzige Kind in der Familie,
das noch nicht schwimmen kann. Wir vereinbaren,
Hanan mit der Kamera dabei zu begleiten, wie sie ihn
im Schwimmkurs unterrichtet. Gefilmt werden soll ausschließlich
im Hallenbad. Hanans Geschichte ist die einer
Überlebenden, die die Vergangenheit nicht loslässt.
Sie zeigt, dass das Mittelmeer und die Erinnerungen daran
nicht weit weg sind, sondern an einem alltäglichen
Ort wie dem Hallenbad warten.
Zehn Tage filmen wir mit Hanan und ihrem Bruder Sidar
im Schwimmkurs. Es ist heiß, nass, die Luftfeuchtigkeit
ist hoch, das Kamerastativ ist schwer, die Akustik ist
furchtbar. Wir ringen mit den Widrigkeiten in allen Elementen:
Über Wasser soll eine beobachtende Kamera feine,
statische Alltagseindrücke von Hanan und Sidar festhalten,
unter Wasser eine schwebende Kameraführung
131

MAKING-OF
ihr Verhältnis zum Wasser nachempfinden. Der Ton
will, allem Schall zum Trotz, Hanan nah sein – vor allem,
als sie „ihre Geschichte“ erzählt.
Das Gespräch am letzten Drehtag dauert mehrere Stunden.
Immer wieder stockt Hanans Erzählung. Minutenlang
hält sie inne, weint, kämpft mit den unkontrollierbaren
Bildern, die in ihrem Kopf auftauchen. Und doch
will sie das Interview nicht abbrechen. Sie erinnert sich
an jedes Detail der Überfahrt: an die Farbe des Boots,
die Waffe des Schleppers, das Gefühl der nassen Kleidung
auf der Haut. Hanan möchte, dass Sidar schwimmen
lernt, bevor er sich an das Erlebte erinnern kann
– „das tut dann mehr weh“. Für Hanan hat es Wochen
gedauert, bis sie sich im Wasser sicher fühlte. Immer
wieder kamen die Bilder vom Mittelmeer zurück. Ihre
Angst vor dem Ertrinken hat sie mittlerweile überwunden,
doch was sie nicht loslässt, ist die Frage, warum sie
all dies erleben musste. Vor allem: Warum sich niemand
für ihre Geschichte zu interessieren scheint.
Hanan und Sidar beim ersten Screening von SEEPFERDCHEN
Zwei Jahre später sitzen Hanan und Sidar im Garten
eines Wolfsburger Kulturzentrums vor einer großen
Leinwand. Das Ende der Pandemie zeichnet sich
ab und im Rahmen des Weltflüchtlingstages zeigen wir
SEEPFERDCHEN das erste Mal vor Publikum. Hanan
ist erfüllt von Stolz. Viele sind gekommen, um ihre Geschichte
zu hören. Sidar blickt ehrfürchtig auf die Leinwand.
Seinen Schwimmkurs konnte er aufgrund der
Pandemie nicht fortsetzen. Es ist lange her, dass er im
Wasser war. Doch er erinnert sich an jedes Detail der
Dreharbeiten, wie die Angst vor dem Schwimmen ohne
Schwimmflügel und die Kälte des Wassers.
SEEPFERDCHEN
REGIE: Nele Dehnenkamp
PRODUCERINNEN:
Nele Dehnenkamp, Christine Duttlinger
BILDGESTALTUNG: Tobias Winkel, Sina Diehl
MONTAGE: Jana Briesner
FILMMUSIK: Paul Chriske
SEEPFERDCHEN ist benannt nach dem Tier, das furchtlos
und ohne großen Kraftaufwand im Wasser schwebt.
Vor allem aber bezieht sich der Filmtitel auf ein gleichnamiges
Areal im Gehirn, dem Hippocampus – altgriechisch
für Seepferdchen. Der Hippocampus überführt
Erinnerungen aus dem Kurzzeit- in das Langzeitgedächtnis.
Hier archiviert das Gedächtnis das, was es nicht vergessen
kann: die schönsten und schrecklichsten Momente
des Lebens. Eines Tages wird Sidar sich vielleicht
auch daran erinnern, wie er das Mittelmeer überqueren
musste. Ich hoffe, er weiß, dass seine Geschichte nicht
vergessen wird.
SOUNDDESIGN: Johann Meis
TON: Johann Meis, Simon Droessler
TONMISCHUNG: Jana Irmert
PRODUKTION:
Filmakademie Baden-Württemberg GmbH
MEHR ZUM FILM: WWW.SEEPFERDCHEN-FILM.DE
132

133

STECKBRIEF
Montage/Schnitt
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Silke Regele
2
PROJEKTBETREUUNG
Frank Uhlig
3
LEITENDE DOZIERENDE
Ann-Carolin Biesenbach
Gisela Castronari-Jaensch
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6-8
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Offenheit für viele verschiedene
Themen und Menschen, Experimentierfreude,
Neugier und viel
Sitzfleisch.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Nirgendwo sonst hat man die
Chance, an so vielen unterschiedlichen
Projekten mit technischem
Equipment auf höchstem Niveau
und mit so vielen unterschiedlichen
Dozent*innen aus der Branche
zu arbeiten.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Wie man sich langweilt.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Jedes Studienjahr warten über 100
studentische Projekte darauf, montiert
zu werden.
10
MOTTO
Ein narratives Spiel mit Raum und
Zeit.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Bearbeitung kompletter Workflows
von der Projektvorbereitung bis zur
finalen Abnahme. Montagetheorie
und praktisches Schneiden. Umgang
mit allen Departments und
unterschiedlichsten Menschen.
134

20 JAHRE MONTAGE/SCHNITT
Geschnitten oder am Stück?
DER STUDIENSCHWERPUNKT MONTA-
GE/SCHNITT AN DER FILMAKADEMIE
WIRD IN DIESEM JAHR 20 JAHRE JUNG. AUS
DIESEM ERFREULICHEN ANLASS HABEN
WIR DEN LANGJÄHRIGEN DOZENTEN PROF.
JENS KLÜBER SOWIE DIE ALUMNI JULIA
KOVALENKO UND BORIS GROMATZKI ZUM
GESPRÄCH GEBETEN.
Jens Klüber
Geboren am 17.01.1967 in Darmstadt. Ausbildung: Abitur;
Studium Geschichte und Philosphie (abg.); Ausbildung
zum Cutterassistenten beim SDR Stuttgart; 4 Jahre
Schnittassistent; Studium Schnitt HFF – Potsdam (abg.).
Seit 1994 freier Filmeditor. Honorarprofessor an der
Filmakademie Baden-Württemberg.
Filmografie (Auswahl):
8 ZEUGEN, JE SUIS KARL, DIE NEUE ZEIT,
BAD BANKS – STAFFEL 1+2, DEUTSCHSTUNDE,
DEUTSCHLAND 86, PAULA, MITTEN IN DEUTSCH-
LAND: NSU – DIE TÄTER, DER TURM, DER VER-
LORENE SOHN uvm.
Auszeichnungen: 1999 Deutscher Fernsehpreis für
OPERATION NOAH, 2002 Bayerischer Fernsehpreis
für RATTEN I, 2013 Deutsche Akademie für Fernsehen
für DER TURM
Nominierungen: 2003 Film+ für MEIN BRUDER,
DER VAMPIR, 2004 Deutscher Kamerapreis für
OLGAS SOMMER, 2007 Film+ für WARCHILD –
STILLE SEHNSUCHT
Julia Kovalenko
Mit knapp neun Jahren kommt Julia aus dem Nordosten
Kasachstans mit ihrer Familie nach Deutschland. Ab
2011 studiert sie Schnitt/Montage an der Filmakademie.
2016 erhält sie ihr Diplom und lebt seitdem in Hamburg.
Filmografie (Auswahl):
POLIZEIRUF 110 – AN DER SAALE HELLEM STRAN-
DE (2020), I AM (2020), HAUSEN (2019, Schnitt mit
Kaya Inan), TAGUNDNACHTGLEICHE (2018), SYSTEM-
SPRENGER (2018, Schnitt mit Stephan Bechinger)
135

20 JAHRE MONTAGE/SCHNITT
AN ALLE: Was macht für euch die Faszination der
Montage aus?
Jens: Menschen zum Lachen und zum Weinen und zum
Nachdenken zu bringen.
Unsere Arbeit ist für viele Menschen sichtbar, manchmal
für Millionen. Es ist ein Geschenk, etwas herzustellen,
was bleibt. Die Faszination besteht auch darin, etwas
zu tun, von dem nur wenige wissen, was wir eigentlich
machen und von dem nur wenige wissen, welche Macht
wir haben. Selbst innerhalb der Filmbranche wissen es
nur sehr wenige. Das ist faszinierend und erschreckend
zugleich.
Julia: Das Spannende am Montageprozess sind die unendlichen
Kombinationsmöglichkeiten. Alle Puzzleteile
sind miteinander kombinierbar, man muss nicht alle benutzen
und auch mal welche verdreht einfügen. Es ergibt
sich immer ein Bild, das aber jedes Mal unterschiedliche
Stärken und Schwächen aufweist. Darüber hinaus
ist es amüsant, dass es nicht per Definition erklärbar ist,
was Montage eigentlich bedeutet.
Boris Gromatzki
Nach seiner Ausbildung zum Mediengestalter Bild und
Ton hat er 2001 als einer der ersten Montage/Schnitt
an der Filmakademie Baden-Württemberg studiert. Seit
2005 montiert er Spielfilme und Serien. Unter anderem
hat er an CHARITÉ, DEUTSCHLAND 83, MITTEN IN
DEUTSCHLAND: NSU – DIE OPFER und DARK mitgewirkt.
Boris: Die Faszination liegt für mich im Prozess der
Filmmontage. Spannend sind dabei vor allem die Situationen,
in denen eine Szene, oder womöglich der ganze
Film, nicht so funktionieren wie geplant. Da gibt es
diesen erlösenden Moment, nach monatelanger Auseinandersetzung
mit dem Material und unzähligen Schnittfassungen,
in dem Emotionen spürbar werden und mich
die eigene Arbeit berührt, das hat schon was Magisches.
JENS, Du bist seit den Anfängen des Studienschwerpunkts
Montage/Schnitt als Dozent dabei. Gab es seitdem größere fachliche
oder technologische Veränderungen und wie hast Du Dich
darauf eingestellt?
Jens: Ich bin seit den Gründungstagen an der Akademie
tätig. Zuerst habe ich selber Studentenfilme geschnitten,
später unterrichtet. Die größte Veränderung war natürlich
die Umstellung auf das digitale Arbeiten. Wir haben
den analogen Filmschnitt solange wie möglich im Unterricht
behalten, da er als Lerninhalt sehr besonders war.
Wenn man physisch einen Filmstreifen durch trennt, ist
es etwas anderes, als wenn man immer wieder die UN-
DO-Taste drücken kann. Die neuen Serienformate erfordern
auch ein anderes Arbeiten, da man mit mehreren
Editoren gleichzeitig arbeitet und man mit Showrunnern
anstatt Regisseuren zusammenarbeitet. All dies versuchen
wir den Studenten zu vermitteln.
136

Was nicht ganz einfach ist.
Das Volumen der Produktionen an der Akademie hat
sich massiv erhöht und wir als Dozenten sind gar nicht
mehr in der Lage, alle Filme zu betreuen.
gefragt wurde, ob ich es mir denn auch wirklich zutraue,
einen Langfilm zu schneiden, sind - so hoffe ich - vorbei.
Dennoch: Bei jedem neuen Projekt muss ich mich aufs
Neue beweisen und dann eben auch liefern.
JENS, und wie sieht es mit den Studierenden von damals und
heute aus? Spürst Du Veränderungen, z.B. was Vorkenntnisse
oder Filmwissen angeht? Oder eine Verlagerung von Interessen?
Ist die heutige Generation vielleicht politischer?
BORIS, wie lief der Berufseinstieg bei Dir? Mittlerweile hast
Du ja mit Regiegrößen wie Züli Aladag, Uwe Janson, Sönke
Wortmann oder Stefan Krohmer zusammengearbeitet. Wie hast
Du es geschafft, Dich in der Branche zu etablieren?
Jens: Mein subjektiver Eindruck ist, dass die Studenten
der Anfangsjahre älter waren und mehr Druck und Willen
hatten, Film zu studieren. Es gab damals sehr wenige
Angebote für ein Filmstudium in Deutschland, viele hatten
schon mehrere Absagen erhalten.
Das hat sich geändert. Die Bewerber heute sind viel jünger,
haben aber schon wahnsinnig viel gemacht in ihren
jungen Jahren. Viele haben schon früh angefangen, eigene
Filme zu machen, da es viel einfacher und billiger
geworden ist. Ich empfinde durchaus einen Mangel an
harter politischer Auseinandersetzung in der Studentenschaft
mit der heutigen Welt.
Es gibt wenig Radikalität. Aber ich spüre auch eine leichte
Veränderung in den letzten Jahren zu mehr Aufbegehren.
BORIS, Du bist seit dem letzten Studienjahr auch als Gastdozent
an der FABW tätig. Hat sich dieser Seitenwechsel vom
Schüler zum Lehrer anfangs merkwürdig angefühlt?
Boris: Schüler bin ich ja jetzt schon lange nicht mehr…
obwohl, man lernt ja nie aus. Aber natürlich fühlt sich
das erstmal komisch an. Ist man gut genug vorbereitet?
Sind die Inhalte interessant genug? Wie aufgeschlossen
sind die Student*innen? Dazu kommt, dass man ja eher
selten über die eigene Arbeit spricht, oder besser gesagt
den Prozess. Am Ende hat es großen Spaß gemacht. Es
war enorm spannend, die eigene Arbeit zur Diskussion
zu stellen und dadurch auch selber neue Impulse zu erhalten.
JULIA: Du warst gemeinsam mit Stephan Bechinger für das
Editing von SYSTEMSPRENGER verantwortlich. Der Film
war unglaublich erfolgreich und ihr beide habt eine LOLA für
eure Arbeit gewonnen. Das hat sicher viele Türen geöffnet.
Kannst Du Dir jetzt Deine Projekte aussuchen?
Julia: Mit Sicherheit hat SYSTEMSPRENGER Türen geöffnet.
Das Vertrauen der Arbeitgeber ist größer. Die Zeiten,
in denen ich zum Produzenten ins Büro bestellt und
Boris: Ich hatte das große Glück, schon vor meinem Diplom
mein erstes Fernsehprojekt zu montieren. 2005
während meines Urlaubsjahres habe ich als Assistent für
unsere Professorin Clara Fabry gearbeitet. Während dieser
Zeit hat sie mich mit Sherry Hormann bekannt gemacht,
für die ich dann im Anschluss die ersten drei
Folgen der Serie DER KRIMINALIST montieren durfte.
Zwei Jahre später nach meiner Diplomprüfung, die ehrlich
gesagt nicht so gut lief - ich hatte schon die Befürchtung,
mir doch einen anderen Job suchen zu müssen
- sprach mich unerwartet unser Dozent Stephan Krumbiegel
an, ob ich mir eine Zusammenarbeit mit Stefan
Krohmer vorstellen könnte. Mittlerweile haben wir 4
Filme zusammen gemacht. Für diese Chance bin ich den
Menschen, die etwas in mir erkannt haben und an mich
geglaubt haben, sehr dankbar.
Letztlich würde ich sagen, gehört neben einer überzeugenden
Arbeit auch immer eine Portion Glück und
Durchhaltevermögen dazu, um sich in der Branche zu
etablieren.
JULIA: Du hast die Jubiläumsfolge des POLIZEIRUF 110 geschnitten.
Regie führte Thomas Stuber, ebenfalls FABW-Absolvent.
Ist es angenehm, mit anderen Ludwigsburger Alumni zusammenzuarbeiten,
weil man einen gemeinsamen Background
hat, an den man anknüpfen kann?
Julia: Tatsächlich habe ich alle FABW-Absolventen, mit
denen ich bisher gearbeitet habe, erst im Rahmen der
Projekte kennengelernt. Daher gab es nicht wirklich was
zum Anknüpfen. Aktuell arbeite ich das erste Mal mit
jemandem, den ich schon während des Studiums kennenlernte.
Das ist zwar schön, weil man sich über das
Studium, gemeinsame Anekdoten oder Erlebnisse austauschen
kann, beeinflusst aber nicht die Arbeit. Mit
Menschen, die nicht an der Filmakademie studiert haben,
arbeite ich auch gern. Wichtiger ist, dass man eine
gemeinsame Linie und Chemie findet, damit es eine
fruchtbare und angenehme Zusammenarbeit ist.
137

20 JAHRE MONTAGE/SCHNITT
BORIS, Deine Filmografie umfasst auch viele Serien wie
DARK, DEUTSCHLAND 83, LETZTE SPUR BERLIN
oder CHARITÉ. Was sind die besonderen Herausforderungen
und der Reiz beim Editing einer Serie?
Boris: Der größte Reiz ist die Arbeit im Team. Das geht
teilweise soweit, dass einzelne Folgen von allen beteiligten
Editor*innen gemeinsam montiert werden. Die wertvollste
Übung dabei ist, die eigene Eitelkeit an der Garderobe
abzugeben und sich vollkommen zu öffnen, auch
sich seiner Stärken und Schwächen bewusst zu werden.
Ich persönlich schätze das unmittelbare Feedback von
Kolleg*innen auf die eigene Arbeit sehr.
Die größte Herausforderung bei der Montage von Serien
ist die Komplexität der horizontalen Erzählweise über
mehrere Folgen bzw. Staffeln und die damit verbundenen
Problemstellungen in der dramaturgischen Arbeit.
Viele Figuren und Handlungsstränge, verbunden mit
sehr engen Timings in der Drehbuchentwicklung, führen
zwangsläufig zu Problemen, die dann in der Montage
gelöst werden müssen.
JULIA, würdest Du sagen, dass Du eine bestimmte künstlerische
Handschrift als Editorin hast? Oder erfordert jeder neue
Film eine individuelle Herangehensweise?
Julia: Unbedingt erfordert jeder Film eine eigene Herangehensweise.
In der Montage finden so viele Faktoren
zusammen, u.a. Schauspiel, Inszenierung, Szenenbild
oder Kameraführung. Dabei muss die Montage allen Gewerken
gerecht werden, denke ich. In erster Linie muss
ich aber schauen, welches Material vorliegt und was ich
damit erzählen kann. Es sind eher Vorlieben, was die Arbeitsweise
betrifft, die ich habe. Beispielsweise arbeite
ich gern viel allein, statt mit einem Regisseur, der permanent
daneben sitzt. Ich brauche - wortwörtlich - meinen
Raum.
AN ALLE: Bitte vervollständigt folgenden Satz: Die Filmakademie
ist für mich ein Ort,…
Jens: …der wunderbaren Begegnungen mit Studenten,
die mein Herz und meine Seele erfreuen.
Julia: …an dem ich einige wunderbare Menschen kennengelernt
habe und an den ich mich gern erinnere.
Boris: …ohne den ich heute wahrscheinlich nicht da wäre,
wo ich jetzt bin.
AN ALLE: Und zum Abschluss: Was ist euer ultimativer Lieblingsfilm
und was macht für euch seine besondere Faszination
aus?
Jens: CINEMA PARADISO, da ich bereits bei den Anfangstiteln
in Tränen ausbreche.
Julia: Es gibt so viele tolle Filme, die ich mag. THE RE-
TURN (Zvyaginzev), THE FOOL (Bykov) oder ETERNAL
SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND (Gondry) fallen
mir aber als Erstes ein. Den letztgenannten kann ich
mir in allen Gemütszuständen anschauen, weil er lustig,
traurig, ungewöhnlich und für mich einer der besten
Liebesfilme ist. Abgesehen davon sind die In-Camera-Tricks
toll!
Boris: Ganz spontan ist mir MAGNOLIA von Paul
Thomas Anderson eingefallen, nicht unbedingt mein ultimativer
Lieblingsfilm, aber ein Schlüsselerlebnis für
die Entscheidung, Montage zu studieren. Ich saß damals
alleine im Fünf-Mark-Kino in Wuppertal, drei Stunden,
virtuos montiert von Dylan Tichenor, haben einen solchen
Sog entwickelt. Es hat mich umgehauen.
138

Poster
FinalFinal
www.filmakademie.de/motiondesign
STECKBRIEF
Motion Design
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Jürgen Klozenbücher
2
PROJEKTBETREUUNG
Jürgen Klozenbücher
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Dr. Heike Sperling
Alexander Hanowski
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
fünf
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Voraussetzung für die Bewerbung ist ein
abgeschlossenes Bachelorstudium im
Bereich Gestaltung und Design bzw. einem
vergleichbaren Studium.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Die Filmakademie bietet als einzige
Hochschule in Deutschland die Möglichkeit,
in einem hochkarätig besetzten
Netzwerk aus Lehrenden und Studierenden
Motion Design zu studieren.
Die technische Ausstattung sowie der
Pool an Lehrenden sind auf höchstem
internationalem Niveau.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Natürlich in erster Linie Motion Design
und alles, was dazugehört - von der Konzeption
und Recherche über die Kommunikation
mit den Auftraggeber*innen
einschließlich Präsentationstechniken
bis hin zur professionellen Umsetzung
in Teams aus Spezialist*innen. Transund
Interdisziplinarität bilden den Kern
Cyber
Cyber
des Motion-Design-Studiums an der
T
Filmakademie.
Motion Design
19/20
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Rocket Science
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Genau wie z.B. Filmmusik und Sounddesign
kooperieren wir als Motion Designer*innen
mit allen anderen Abteilungen
der Filmakademie. So entsteht
schon während des Studiums ein weitläufiges,
profundes Netzwerk, das den
Studierenden ihren Einstieg in das Berufsleben
bzw. die Unternehmensgründung
deutlich erleichtert. Ein weiteres
Highlight: Wir besuchen einmal im Jahr
nationale und internationale Medienagenturen
auf unserer Exkursion in Metropolen
wie London, Amsterdam, Berlin
und Kopenhagen.
10
MOTTO
Motion Design löst Probleme!
140
1.
2.
3. Hardcore!
CyberCyber
– Immer weiter,
immer hyper!

Produktion
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Tonyslav Tony Bozic
2
PROJEKTBETREUUNG
Wolfgang Kerber
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Gloria Burkert
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
15
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Kreativität, Biss, Interesse an der
Welt.
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der Campus ermöglicht größtmöglichen
Fokus und das stärkste
Netzwerk.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Wie werde ich ein(e) starke Produzent*in
mit starker Persönlichkeit?
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Rührei für 60 Personen zubereiten.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Den Studiengang Produktion
gibt es seit Gründung der
Filmakademie.
10
MOTTO
„Wer wenig denkt, der irrt viel.“
(Leonardo da Vinci)
141

FABW INSIDE – MEET THE STAFF
„FILMAKADEMIE?
DAS MACH ICH DEN SOM-
MER ÜBER, DANN SUCHE
ICH MIR WAS RICHTIGES”
Ein Gespräch mit Bernd-Siegfried
Michalek zu 30 Jahren Filmakademie
VON 1993-2020 GESTALTETE
BERND-SIEGFRIED MICHALEK ALS
INOFFIZIELLER „HERR DES TECHNIKLA-
GERS” DIE GESCHICKE DER FABW MIT. IN
SCHULUNGEN UND BASISKURSEN BRACH-
TE ER DEN STUDIERENDEN THEMEN WIE
ARBEITSSICHERHEIT AM SET ODER DAS
RICHTIGE VERHALTEN IN DEN AUFNAHME-
STUDIOS NAHE. UND VOR ALLEM SORGTE
ER MIT SEINEM TEAM FÜR EINE EFFIZIEN-
TE LEIHE DES EQUIPMENTS. DANN KAM
CORONA UND DAMIT EINE NEUE HERAUS-
FORDERUNG. ALS HYGIENEBEAUFTRAGTER
WACHT ER NUN ÜBER DIE EINHALTUNG
DER GELTENDEN CORONA-VERORDNUNGEN
UND AHA-REGELN UND TUT SOMIT AUF
EINE NEUE ART DAS, WAS ER IMMER
SCHON GETAN HAT: EINE REIBUNGSLOSE
REALISIERUNG DER BIS ZU 250 FILM- UND
MEDIENPROJEKTE PRO JAHR ERMÖGLICHEN.
Lieber Bernd, als „Urgestein“ kennst Du die Filmakademie
seit ihren Anfängen. Hättest Du je gedacht, dass Du
hier mal solche Wurzeln schlägst?
Nun, das fing an wie so manche Lifeline Story. Ende
1992 war der erste Wiedervereinigungs-Schwung vorbei
und in der metallverarbeitenden Industrie gab’s einen
doch wahrnehmbaren Dämpfer. Ich habe mich nach der
Lehre als Mechaniker und meiner Tätigkeit in der Nähmaschinenindustrie,
Motorradinstandsetzung und dem
Militärdienst nach was Neuem umsehen müssen. Ich
dachte mir schlichtweg: Filmakademie? Das mach ich
den Sommer über, dann suche ich mir was Richtiges. Es
wurden bis jetzt 28 Jahre daraus. Entweder war’s also das
Richtige oder die Suche hat vorzeitig geendet.
Kannst Du ganz kurz skizzieren, welche Aufgaben Du in
Deinem Arbeitsbereich im Techniklager hattest?
Aus der Gründungsgeschichte heraus und dem Geist des
Hauses haben wir ja eher einen flach hierarchischen
Aufbau, also jeder sollte den Job des anderen beherrschen.
Deswegen ist die Kernaufgabe die termingerechte
Bereitstellung und das Verwalten von funktionsfähigen
und sicheren Produktionsmitteln.
Bei den oben erwähnten ca. 250 Produktionen und bei
geschätzten durchschnittlich 350-400 Artikeln pro Projekt
ist man mit einem enormen Materialumschlag beschäftigt.
Bei diesen „Artikeln“ kann es sich um einen Objektivdeckel
für 3,50 € handeln oder um ein Objektiv für 35.000
€. Ein vom Dispositionssystem ausgegebener Leihschein
mit 10 Positionen kann ein kleines Nachvertonungsset
sein oder eben ein Haufen Starkstromkabel, der jeden
Transporter vollends „in die Knie zwingt“. Demnach ist
die Ausleihe und Rücknahme der Geräte eine außerordentlich
facettenreiche Grundtätigkeit.
In diese eingeflochten waren eine ständige Beratungs-und
Einweisungsleistung, Anpassen von Produktionsequipment
an die spezielle Produktionsanforderung,
Neubeschaffungen, Verpackungsarbeiten, Zollformalitäten,
ständige Datenpflege, Ad-hoc-Reparaturen, Bearbeitung
von Schadens- und Verlustfällen, Sonderanfertigungen
und etliche Klein-und Nebentätigkeiten.
Mit der besseren Personalsituation, aber auch der
142

Vergrößerung des Leihparks konnten wir arbeitsteiliger
arbeiten. Nach dem Wegfall der sehr betreuungsintensiven
Filmkameratechnik lagen mir dabei die Kamerabühne
(Dollies, Schwenksysteme, Kameragrip usw.) „am
Herzen“.
Arbeitssicherheitsthemen fürs Haus, aber auch sehr spezielle
Fragenstellungen bezüglich der Produktionsarbeiten
waren auch stetes Thema.
Ich hatte längere Zeit auch noch das künftige Jochen-Kuhn-Studio
(Studio 1) mitzubetreuen, später nur
noch beide Studios in Vertretung oder Unterstützung,
was aber nicht selten die physische Präsenz an 2 Orten
erforderlich gemacht hat. Schwierig, außer vielleicht
für ein Neutrino. Da ein vor der Lagertüre wartendes
Produktionsteam aber keine Datei ist, die man zu Feierabend
wegklicken kann, wurde es halt oft spät.
Strukturen bekommen und die Abläufe haben sich eingespielt.
Wie so oft gilt: Das A&O sind die Planung, Disposition,
Verwaltung und der Genehmigungsfluss. Und
natürlich die Finanzierung des Ganzen.
Gibt es ein Ereignis oder eine Anekdote aus den frühen
Jahren, woran Du Dich besonders erinnerst?
Eine eher tragikomische Angelegenheit, die sich jetzt
über die Jahrzehnte nachweislich 5 Mal mit nahezu gleichem
Ablauf wiederholt hat:
Freitagabend. Tief stehende Sonne kurz vor Feierabend,
die letzten Aufräumarbeiten, Bestände checken, Akkus
laden usw. Und dann klingelt es und eine total erschütterte,
weinende und schluchzende Studentin steht vor
mir. Ich habe sie dann erstmal beruhigt, bis zur #Me-
Too-Epoche auch in den Arm genommen...
Nimm uns doch mal mit auf eine kurze Zeitreise: Wie
war das so in der Gründungsphase? Sicher musste viel
mehr improvisiert werden als heute?
Man muss es wirklich sagen: Am Anfang wusste keiner
wirklich so recht, wie das geht, so eine Filmakademie.
Die Akteure der ersten Stunde, allen voran Prof. Albrecht
Ade, ein wirklicher Visionär, kamen zwar teilweise
aus dem Hochschulbereich oder der Theaterverwaltung,
aber viele Praktizierende aus der Branche kamen ja
aus genau jener Branche, für welche man erkannt hatte,
dass es dafür dringend eine neuartige Ausbildungsstätte
braucht.
Wir in der Technik waren über etliche Jahre nur zu
zweit, Uwe Sliupas und ich, und am Anfang war da ein
viel zu großes Aufgabenfeld: der Leihpark mit Film-und
neuartiger Videotechnik, Licht und Ton, Kamerabühne,
Lagerwesen, Beschaffungsvorgänge ohne Ende, Studiobetreuung,
Schneidetische, Tricktische, Kinotechnik,
Vorführungen, Veranstaltungen, Arbeitssicherheit. Bis
hin zu unserer berüchtigten Firmenflotte, welche nur
aus einem einzigen Transporter bestand, den aber alle
wollten - und leider auch bekamen. Überall Zeitgräber.
Wir hatten zwar mit der Erstbeschaffung schon Material
für 4 Jahrgänge, die sich langsam erst füllten. Da war
aber nicht unerheblich viel abgewirtschaftetes Zeug dabei,
das unter heutigen Ansprüchen unbesehen in den
E-Schrott-Container wandern würde.
Damals hat sich auch eine Erkenntnis bei mir tief verwurzelt:
Man musste Spezialist werden – für alles.
Über die Jahre, mit vielen Studierenden und deren
Filmen und Produktionen, hat das alles viel klarere
Der Grund für ihren Zustand: Rückkehr vom Hauptzollamt.
Der Grundton der dortigen Kollegen unterscheidet sich
wohl deutlich von unserem Lagersound. Und das tradierte
und manchmal sagenhaft stoisch ablaufende
Prozedere bei der Zollabwicklung läuft der doch eher
aufgekratzten Stimmung einer abrückenden Dokumentarfilm-Produktion
nach z.B. Übersee eben deutlich zuwider.
Was sind denn für Dich die wichtigsten technologischen
und organisatorischen Veränderungen, die das Techniklager
im Lauf der Jahre durchlebt hat?
Das Faszinierende an der Lagerarbeit war für mich unter
anderem, dass wir stets durchaus Hochtechnologie mit
nicht selten archaischen Methoden handhaben mussten.
Die prinzipiellen Abläufe unterscheiden sich vermutlich
kaum von der Werkzeugausgabe einst beim Pyramidenbau.
Vielleicht ähnlich wie in einem Baumarkt, mit dem
Unterschied, dass wir uns stets freuten, wenn die Sachen
zurückkamen.
Der wirklich große Schritt war definitiv von Film
16/35mm zu Video, zur Volldigitalisierung, und dann
bandfreien Aufnahmen. Ohne nun übermäßig romantisieren
zu wollen, aber das Arbeiten mit dem Filmequipment
ist was gänzlich anderes, auch in der Materialzusammenstellung
und Aufrüstung der Kameras usw. Der
wirkliche Zustand und die Verlässlichkeit des Equipments
haben sich ja immer erst nach Entwicklung des
Filmmaterials herausgestellt. Da war zwischen dem ausleihenden
Personal und uns aus dem Lager immer in
143

FABW INSIDE – MEET THE STAFF
gewissem Maß ein Vertrauensbildungsprozess notwendig
– gerade bei den häufig externen Projektbeteiligten.
Die zweite große Wandlung kam sicher mit dem Internet
und Plattformen wie YouTube, vor allem durch die
Tutorial-Kultur à la „Frag nicht mich, sieh dir Tutorial
XY an und komm in 10 Minuten wieder!“ Entsprechend
nimmt auch das manchmal nicht ganz ungefährliche
Halbwissen zu…
Die ersten Jahre waren aus heutiger Sicht schon eher
chaotisch oder zumindest mit sehr vielen ungeregelten
Vorgängen verbunden, sicher aufgrund des Neuen für
uns alle, auch etwas emotionaler und leidenschaftlicher.
Aber solche Gründungsphasen bedürfen wirklich jungen
Personals, so wie ich es damals auch war. Sonst übersteht
man das nicht, allein körperlich. Da sind wir wieder
beim Pyramidenbau.
Dank Corona hast Du seit einigen Monaten eine neue
Aufgabe an der FABW als Hygienebeauftragter. Was genau
beinhaltet dieses Jobprofil?
Außer dem ganzen Technik-Profil fallen auch die Arbeitssicherheitsthemen
in meinen Bereich und als „Arbeitsschützer“
ist so ein Corona-Virus erstmal ganz trocken
ein biologischer Gefahrstoff. Gefahrenabwehr
hierzu sehe ich als selbstverständlichen Teil meiner Aufgabe
- und schon hat man den Job. Welche Aufwände
und Ausmaße das Ganze annimmt, war ja wie bei der
ganzen Pandemie nicht vorhersehbar.
Zuerst mal ging es in der aufgekratzten semi-panischen
Stimmung ab April 2020 darum, unser Haus und unsere
Abläufe zu ertüchtigen und dennoch eine größtmögliche
Präsenz vor allem für die längst geplanten Produktionen
praktisch umzusetzen, und das bei einer zunächst
äußert diffusen Regularien-Lage. Da ging es unter großem
Zeitdruck natürlich um die Erstellung passender
Hygienekonzepte und darum, eine Struktur für die Produktionsarbeiten
zu schaffen, um diese unter den neuen
Bedingungen umsetzen zu können. In der ersten Welle
mussten selbst die Bücher „desinfiziert“ werden, d.h.
man musste teilweise in Stoffe eingreifen und Änderungen
veranlassen, da diese, was Nähe und Kontakt anbelangt,
erstmal so nicht umsetzbar waren.
Von der Technik kommend, habe ich natürlich auch die
ganzen Hardware-Themen „an der Backe“, vom tropfenden
Handdesinfektionsmittelspender bis zu den doch
beträchtlichen Investitionen in die Luftfiltergeräte, deren
Support und Einsatz und Ähnliches.
144
Die Schulung der hauseigenen „Hygienebeauftragten“,
die wiederum an den Sets für den Infektionsschutz sorgen,
war enorm aufwändig, hat sich aber ebenso gelohnt.
Einen nicht unerheblichen Anteil daran, dass wir bisher
relativ glimpflich durch diese Zeiten gekommen sind,
hat sicher auch das bewusste, umsichtige und eben geführte
Handeln an den Sets.
Mit den Möglichkeiten der Schnelltests Anfang des Jahres
kam ein neues wirksames Werkzeug „in die Kiste“.
Die Organisation bis hin zur praktischen Durchführung
ist ein weiteres „Add-on“.
Ich hätte nie gedacht, den Mitarbeitenden und Studierenden
mal so nahe zu kommen - manchmal bis zur Rachenwand.
Überhaupt hat diese Tätigkeit durchaus quasi
seelsorgerische Elemente. Wir befinden uns in einer
Krisensituation, und da muss auch in so mancher Projektbesprechung
einiges an Sorge und Bedenken aufgefangen
werden.
Da liege ich aber durchaus im Trend, im berufsgenossenschaftlichen
Regelwerk (gesetzliche Unfallversicherung),
namentlich in der „DGUV Information 206-017“ ist der
betriebliche „Kümmerer“ definiert.
Sind die Studierenden, Dozierenden und die Belegschaft
einsichtig, wenn Du mit den ganzen Vorschriften um die
Ecke kommst? Oder hattest Du auch schon mit Widerständen
zu tun?
Hier bildet sich Vieles ab, was auch im sonstigen gesellschaftlichen
Leben an Befindlichkeiten auftaucht. Wir
haben uns alle neu kennengelernt, mit der Krise ist es
ähnlich wie mit Geld. Zuviel davon verdirbt nicht den
Charakter, sondern verstärkt ihn nur.
Während mein „Meister für Veranstaltungstechnik oder
Fachkraft für Arbeitssicherheit“ klar zuzuordnende Begrifflichkeiten
sind, ist „Hygienebeauftragter“ eher was
Abstraktes. Durch die Notwendigkeiten meiner Tätigkeit
gibt es natürlich auch Friktionen. Ich bekomme
dann schon mit, wenn von „der Hyäne, dem Popelpapst,
Großdesinfektor oder Maskenmarshall“ geunkt wird.
Ich versuche aber, so gut es geht, mit Maßhalten und
Pragmatismus die ganzen Hygienemaßnahmen hier leben
zu lassen, meistens langt dann schon die umfassende,
Hintergründe erläuternde Information. Manchmal
jedoch war die „Breitseite“ notwendig, das hat dann
durch ein Vierteljahrhundert Lagerarbeit schon den entsprechend
wirksamen Klang. So eine Pandemie kann ja
auch mal richtig schiefgehen ... last man standing.

Als Hygienebeauftragter muss man hier schon mit einer
grundsätzlichen Einsamkeit klarkommen.
Hättest Du auch eine kleine Anekdote aus der Hygienebeauftragung
für uns?
Bei der Erstellung der Hygienepläne für das jeweilige
Projekt muss man sehr tief und detailfreudig bis hinunter
zu „Tätigkeiten und Handlungen“ gehen, man steigt
also weit in die Stoffe, Dialoge und Abläufe ein. Manches
Mal kann das auch vor Ort, im Seminar, vor den nächsten
Szenen sein.
Wir hatten einen gemeinsamen Workshop mit der ADK,
in dem Szenen aus Filmen oder Theaterstücken nachinszeniert
werden sollten - nun aber unter Hygienebedingungen.
Es ging um eine Szene aus EIN FISCH NAMENS WAN-
DA, in der einer gefesselten Person Pommes Frites in die
Nasenlöcher gestopft werden. Da stellen sich dann Fragen
wie: Was für Pommes? Gesalzen? Tiefgefroren (Verletzungsgefahr
Nasenschleimhaut)? Aus einem Schnellrestaurant?
Selbstgemachte? Wenn ja: wie lang, wie spitz,
abgelagerte, wie alt, warum? Einführungswinkel, Verweildauer?
Warum noch um 15° drehen? Nein, man
kann Pommes nicht vorher mit Desinfektionsmittel besprühen,
usw.
Das war Mitte 2020, als wirklich noch große Unklarheit
und Unsicherheit über die Übertragungswege des
Corona-Virus bestand. Das schrammt natürlich hart an
der Realsatire vorbei, zumal die Schauspielerin schon
quasi gefesselt auf dem Stuhl saß und ihr die Bedenken
über die Tragweite des da Kommenden wirklich anzusehen
waren.
Aber auch in der Tätigkeit der Hygienebeauftragung gibt
es Tools, um im entscheidenden Moment die notwendige
Ernsthaftigkeit und ein Bewusstsein für die Lage zu
generieren.
keine Freunde, aber auch nicht reine „Kunden“. Zumindest
temporär sehe ich mich ihrem guten Wirken und
Werden hier verpflichtet. Man kann dann wieder „loslassen“,
denn im Herbst kommen „die Neuen“, die das
gleiche Recht auf Aufmerksamkeit und Betreuung haben.
Das hört so gesehen nie auf.
Generell gilt: Inklusive mir ist hier jeder ersetzbar, und
wenn jemand geht und danach bricht das Chaos aus, hat
er wohl die Abwesenheit schlecht organisiert.
Ab einer gewissen Lebensphase vergrößert sich die
Wahrscheinlichkeit, dass neue „Attraktionen“ am wahrscheinlichsten
aus der Tür hinterm Wartezimmer kommen.
Da mache ich mir keine Illusionen. Ansonsten halte
ich mich, obwohl ich überhaupt kein Cineast bin, an
ein - vermutlich konstruiertes - Zitat von Clint Eastwood.
Er soll mal, nach dem idealen Drehbuch für den
idealen Western gefragt, geantwortet haben: „Held reitet
in die Stadt… Rest ergibt sich“. Ideen für die Zeit danach
hätte ich viele, aber die letzten vitalen Jahre als
in Würde ergrauter Tango-Gigolo auf einem Kreuzfahrtschiff
auszublenden, wäre sicher ein prima Nachspann...
Du bist immer noch mit so großem Engagement dabei.
Kannst Du Dir überhaupt ein Leben ohne „Aka“ vorstellen?
Und falls doch: Hast Du schon Pläne für die Zeit danach?
Wenn man die aktuelle Rentendiskussion betrachtet, habe
ich ja noch 15 Jahre…
Auch wenn die Filmakademie allein schon durchs Gebäude
oder den Genius Loci einen gewissen Ewigkeitsanspruch
hat: Auch hier gibt es steten Wandel. Nominell
kenne ich über 5.000 Studierende. Das sind natürlich
145

STECKBRIEF
sssssss
sssssssssssssssssss
Regie 2
Szenischer Film - Dokumentarfilm
- Werbefilm
sssssssssssssssssss
ssssss
1
STUDIENKOORDINATION
Silke Harten-Preiss
2
PROJEKTBETREUUNG
Silke Harten-Preiss
3
LEITENDE DOZIERENDE
Szenischer Film:
Prof. Christian Wagner
Dokumentarfilm:
Prof. Michael Möller
Werbefilm:
Michael Rösel
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
15-18
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Weil die Filmakademie Baden-Württemberg
wie kaum eine
andere Filmhochschule die enge
und gleichberechtigte Zusammenarbeit
aller Gewerke fördert und
fordert. Dies ist eine wichtige Voraussetzung
für den späteren Erfolg
im Berufsleben.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Das kreative Werkzeug, um die eigene
künstlerische Handschrift zu
entwickeln.
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Wie man ausschließlich
„Mainstream“ produziert.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
… Ludwigsburg: Es ist nicht so
langweilig wie sein Ruf.
10
MOTTO
Augen auf und entdecken!
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Teamfähigkeit.
Neugierde auf andere Menschen.
Offenheit und Beweglichkeit.
Starke Nerven.
146

sssssss
sssssssssssssssssss
Serien Producing
sssssssssssssssssss
ss s s s s
1
STUDIENKOORDINATION
Michael Rösel
2
PROJEKTBETREUUNG
Michael Rösel
3
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Joachim Kosack
Manuel Meimberg
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
4 Produktions-Studierende
+ N.N. Drehbuch-Studierende
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Wir sind bundesweit nach wie
vor die einzige Filmhochschule,
die nicht nur Serien konzipiert,
sondern auch produziert – zumindest
Pilotfilme oder Testimonials
davon.
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Serien in einem Writers Room zu
konzipieren und den verantwortungsvollen
Umgang mit anderen
Kreativen. Es könnte ja sein, dass
eine oder einer von ihnen später
mal Redakteur*in wird...
8
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Kaffee kochen und Brötchen
schmieren.
9
ONE COOL FACT ABOUT...
Charlotte Groth, eine unserer
Absolventinnen, produziert u.a.
gerade die Verfilmung des Bestsellers
„Der Schwarm“.
10
MOTTO
Teamwork
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Drehbuch-Autor*innen: die
Bereitschaft, nicht nur für das
Kino in Hollywood, sondern auch
für deutsche Fernseh-Formate zu
arbeiten.
Producer*innen: die Bereitschaft,
gemeinsam mit Drehbuch-Autor*innen
kreative Konzepte zu
entwickeln.
147

SPOTLIGHT:
DIVERSITÄT, ANTIDISKRIMINIERUNG
UND GLEICHSTELLUNG
AUFTAKT ZUM SOMMERSEMESTER 2021:
ANTIRASSISMUS-TAGE AN DER FABW
DIE FILMAKADEMIE
BADEN-WÜRTTEMBERG
IST AM 6. UND 7. APRIL MIT
DEN „ANTIRASSISMUS-TAGEN”
ONLINE IN DAS SOMMER-
SEMESTER GESTARTET: AN
BEIDEN TAGEN WAREN
STUDIERENDE UND MITAR-
BEITENDE DER LUDWIGS-
BURGER FILMHOCHSCHULE
DAZU AUFGERUFEN, SICH IN
VORTRÄGEN UND WORKSHOPS
MIT DEN AKTUELLEN DEBAT-
TEN ZU STRUKTURELLEM UND
INSTITUTIONELLEM RASSISMUS
IN DEUTSCHLAND AUSEINAN-
DERZUSETZEN UND EIGENE
HALTUNGEN ZU HINTERFRA-
GEN.
Das Feedback von Studierenden und
Mitarbeitenden fiel ausgesprochen
positiv aus. Die FABW fühlt sich damit
in ihren Bemühungen bestärkt,
in Sachen Rassismusprävention,
Gendergerechtigkeit und Diversität
weiter voranzuschreiten. Die „Antirassismus-Tage“
werden daher auch
in den kommenden Jahren zum Semesterauftakt
stattfinden.
Die „Antirassismus-Tage“ sollen
zum einen ein Zeichen setzen für
mehr Toleranz im täglichen Miteinander,
aber auch einen Raum
schaffen, in dem Wege zur Stärkung
von Antidiskriminierung reflektiert
und entwickelt werden
können. Ausgearbeitet wurde das
Programm gemeinsam von einem
Team aus Mitarbeitenden und dem
148
Allgemeinen Studierendenausschuss
(AStA) der FABW.
Neben Vorträgen, die beispielsweise
den „Antisemitismus der Gegenwart
– auch an Hochschulen“
thematisierten oder den Weg
der sogenannten „Neuen Rechten“
von AfD über Identitäre bis hin zu
„Querdenkern“ skizzierten, konnten
sich Studierende und Mitarbeitende
auch in Workshops wie „My
Activism Matters“ oder „Unconscious
Bias - Rassismus verstehen und
angehen“ aktiv mit eigenen unbewussten
Denk- und Handlungsmustern
auseinandersetzen.
Spannend war auch der Workshop
„Meet a Jew“, ein Projekt des Zentralrats
der Juden in Deutschland:
In Deutschland lebende jüdische
Menschen bringen dabei ihren Mitbürgerinnen
und Mitbürgern unmittelbar
ihre Kultur und ihr aktuelles
Leben nahe und tragen so
zum Abbau von Berührungsängsten
und Vorurteilen bei. Oder „Radikal
höflich gegen Rechtspopulismus“,
ein Workshop, der die
Grundprinzipien radikaler Höflichkeit
im Umgang mit Rechtspopulist*innen
in verschiedenen Alltagssituationen
in einer Mischung
aus praktischen Übungen und moderierten
Diskussionen einübte.
Als Vortragende und Workshop-Leiter*innen
konnte die Filmakademie
u.a. Marina Chernivsky (Leitung
Kompetenzzentrum und Geschäftsführung
OFEK e.V.) gewinnen, die
seit vielen Jahren auf dem Themengebiet
Antisemitismus und Diskriminierung
forscht, sowie den deutschen
Journalisten und Publizisten
Andreas Speit, der über fundierte
Einblicke in die rechtsextreme
Szene in Deutschland verfügt. Darüber
hinaus gehörten der aus Guinea
stammende Abdou-Rahime Diallo,
Berater im Bereich Migration,
Entwicklungspolitik und Partizipation,
sowie Selena Dolderer und
die Filmakademie-Alumna Julia
Schlingmann, die auf den Gebieten
der Antidiskriminierung und Inklusion
arbeiten, zu den vielseitigen
Referent*innen, die die beiden Tage
mit ihren Expertisen bereicherten.
Mit dabei waren auch Kleiner fünf,
eine Gruppe junger Menschen, die
sich dafür einsetzen, dass bei Bundestagswahlen
keine rechtspopulistische
Partei über fünf Prozent
der Stimmen erhält und somit in
den Bundestag einziehen kann, sowie
die Initiative Sinti-Roma-Pride:
Die Selbstorganisation von Sinti
und Roma steht für Begegnungen
und ein Miteinander und schuf einen
Ort, an dem die Teilnehmer*innen
ungezwungen miteinander
sprechen und sich auf Augenhöhe
begegnen konnten.
Der Wunsch nach einer solchen
Veranstaltung kam unter anderem
aus der Studierendenschaft, deren
Interesse und Engagement vor
allem durch die Black Lives Matter
Bewegung geweckt wurde. Und
auch die Filmakademie war mit

ihrer Teilnahme am Förderprogramm
„Interkulturelle Qualifizierung
vor Ort“, umgesetzt vom Forum
der Kulturen Stuttgart e.V.
und finanziert vom Ministerium
für Wissenschaft, Forschung und
Kunst Baden-Württemberg, bereits
aktiv geworden. In regelmäßigen
Workshops wurden Maßnahmen
erörtert, wie eine Sensibilisierung
für Themen wie Diskriminierung,
Interkulturalität, Rassismus und
Diversität erreicht werden könnte.
Der Sommersemesterauftakt wird
von einer Arbeitsgruppe, bestehend
aus Vertreter*innen des
Internationalen Büros (Animationsinstitut
und Kernbereich), der
Presseabteilung, der Gleichstellung,
der Studienleitung, der Akademie
für Darstellende Kunst (ADK), den
AStAs von FABW und ADK sowie
der Internationalen Fachschaft
organisiert.
Marina Chernivsky (OFEK E.V.) und Esther Reinhardt-Bendel (Sinti Roma Pride) im Online-Gespräch mit
Studierenden und Mitarbeitenden der FABW
149

STECKBRIEF
Szenenbild
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
1
PROJEKTBETREUUNG
Regine Witzig, Steffen
Staudenmaier
2
LEITENDE DOZIERENDE
Thomas Stammer, Christian Strang,
N.N.
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
vier
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Gute Beobachtungsgabe
Räumliches Vorstellungsvermögen
Zeichnerisches Talent
Wissen in Kunst und Kultur
Imagination / Originalität
Handwerkliches und technisches
Verständnis
Fähigkeit zur Teamarbeit /
Kommunikation
Motivation / (Selbst-)Organisation
Eine große Portion Enthusiasmus
Führerschein
5
ZULASSUNGSVORAUSSETZUNGEN
B.A. / M.A. in Innenarchitektur,
Architektur, Bühnenbild, Design
und Kunst oder angrenzenden
Fachgebieten,
Praktische Erfahrung im Art
Department
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Praxisorientiertes Arbeiten
in Zusammenarbeit mit allen
Gewerken/
Aussagekräftiges Portfolio mit
mindestens vier Projekten bis zum
Diplom/
Diverse internationale
Austauschprogramme,
Individuelle Auswahl der projektbetreuenden
Dozierenden/
Enges Alumni-Netzwerk
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Dramaturgisches Denkvermögen/
Erstellung visueller Konzepte/
Organisatorische Abläufe der
Filmproduktion/
Budgetverantwortung/
Durchsetzungs- und
Durchhaltevermögen/
Einblicke in aktuelle Filmprojekte
durch Profis der Branche
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Das Verhältnis Anzahl der Studierenden
zu Dozierenden liegt bei 1:4
9
MOTTO
The world is not enough
150

kkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
kkkkkkk
Szenischer Film
kkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkkk
1
STUDIENKOORDINATION
Thorsten Schütte
2
PROJEKTBETREUUNG
Peter Kuczinski
3
LEITENDE DOZIERENDE
Maren Ade, Prof. Nico Hofmann
4
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
6 - 8 Studierende
5
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Neugierde, Teamfähigkeit,
Kreativität, Menschenkenntnis,
Offenheit und eine gesunde
Kompromissbereitschaft
6
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Intensive Zusammenarbeit mit
allen Gewerken in allen Projektphasen,
praxisnahes Lernen und
Arbeiten, versierte Dozent*innen
und Referent*innen, Arbeiten im
Team, ausgezeichnete technische
Ausstattung, große künstlerische
Freiheit, gutes Netzwerk/Kontakte
zum Markt
7
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Entwicklung kreativer und organisatorischer
Skills, Casting und
Zusammenarbeit mit Schauspieler*innen,
formatoffenes Arbeiten,
Recherche- und Interviewtechniken,
gestalterische und inhaltliche
Bandbreite in Stoffentwicklung
und Dramaturgie, Auflösung und
Schauspielführung, Inszenierung
von Körperlichkeit, Arbeiten im
Team, eigenes kreatives Potenzial
ausschöpfen, mehr über sich
selbst…
8
ONE COOL FACT ABOUT.....
Regelmäßig finden gemeinsame
Workshops mit den Schauspielstudierenden
der Akademie
für Darstellende Kunst (ADK)
und Seminare mit international
renommierten Filmemacher*innen
statt.
9
MOTTO
Think out of the box!
151

ALUMNI IM FOKUS
„Es geht nicht nur um die Filmbranche,
es geht auch um das Mindset der
gesamten Gesellschaft.“
DIE FREUNDINNEN, KOLLEGINNEN UND
FILMAKADEMIE-ABSOLVENTINNEN
SILVANA SANTAMARIA UND CATALINA
FLÓREZ IBARRA SIND EIN PARADEBEI-
SPIEL FÜR DEN NETZWERKGEDANKEN DER
FILMAKADEMIE: SCHON WÄHREND IHRES
STUDIUMS AN DER FABW HABEN SICH DIE
BEIDEN GEGENSEITIG UNTERSTÜTZT UND
NACH IHREN ABSCHLÜSSEN IM BEREICH
REGIE/DOKUMENTARFILM GEMEINSAM MIT
IHREN FABW-KOMMILITONINNEN INGA
BREMER UND AYLA GOTTSCHLICH 2013 DIE
FIRMA SOIFILMS GEGRÜNDET. HEUTE IST
SOILFILMS EINE UNABHÄNGIGE, INTERNA-
TIONALE FILMPRODUKTIONSFIRMA MIT SITZ
IN BERLIN.
Ein Interview mit den
FABW-Alumnae
Silvana Santamaria und
Catalina Flórez Ibarra,
Mitgründerinnen und
Geschäftsführerinnen von
SOILFILMS, Berlin
Mit ihrer Produktionsfirma beweisen die vier Regisseurinnen
auch, wie wichtig es für Frauen ist, in einer von
Männern dominierten Branche ein starkes und verlässliches
Netzwerk aufzubauen: Das Team besteht hauptsächlich
aus renommierten Filmemacher*innen, die
Dokumentar-, Spiel- und Werbefilme nicht nur in Europa
produzieren, sondern auch im Mittelmeerraum, auf
dem Balkan sowie in der Türkei, Tunesien, Georgien, Kolumbien,
Mexiko und Kuba. Darüber hinaus engagieren
sich Silvana und Catalina als Projektkoordinatorinnen für
das Mentoring-Programm INTO THE WILD, das junge
Filmemacherinnen auf dem Weg in die Selbstständigkeit
unterstützt.
Liebe Silvana, liebe Catalina, ihr habt euch bereits während
des Studiums kennengelernt. Habt ihr auch an der
FABW gemeinsam an Projekten gearbeitet?
Silvana: Wir waren nur acht Studierende in unserer
Klasse. So kam es, dass wir uns auch in die Projekte der
anderen eingelesen und uns gegenseitig beraten und unterstützt
haben. Vor allem im Hauptstudium hatten wir
wirklich tolle Dozent*innen, die uns nicht nur inhaltlich
152

und künstlerisch weitergebracht, sondern auch das Miteinander
innerhalb der Gruppe gestärkt haben. Wir Studierende
haben also nicht nur von den Professor*innen
gelernt, sondern auch viel voneinander.
Cata: Wir waren zwar immer sehr konzentriert auf unsere
eigenen Projekte, aber durch unsere Freundschaft
wussten wir, was die andere macht und mit welchen
Themen sie sich beschäftigt. Wir haben uns oft ausgetauscht
und über die Themen der Projekte gesprochen.
Der Raum, den uns die Aka gegeben hat, um unsere
Filmprojekte zu entwickeln, war groß, geschützt und erfüllt
von Wissen, Austausch und Betreuung.
Ihr habt 2010 und 2011 eure Regie-Diplome abgelegt.
Wie habt ihr euer Studium an der FABW empfunden?
War es eine von Männern dominierte Erfahrung oder
spielte das eher eine geringe Rolle in eurer Ausbildung?
Silvana: Zu Beginn unseres Studiums herrschte vor allem
Aufbruchstimmung - wir wollten Stoffe entwickeln,
drehen und uns ausprobieren. Die Filmakademie hat dafür
die Grundlage geschaffen und uns viel Freiraum geboten.
Das Studium an sich war nicht immer einfach
und wir standen natürlich unter Druck, uns als Filmemacher*innen
zu beweisen. Aber die Möglichkeiten waren
riesig.
Was bei unseren Kommilitonen auffiel, war, dass Männer
besser im Netzwerken waren und dass wir Frauen
eher außen vor blieben. Sehr früh im Studium haben
sich bereits Männer-Teams gebildet, die heute noch zusammenarbeiten.
Auf der anderen Seite bin ich überzeugt
davon, dass die Filmakademie einem alle Tools in
die Hand gibt, um aus dem Studium das Maximale herauszuholen
und den eigenen Weg zu gehen - egal ob
Mann oder Frau. Dass das aber nicht jedem und jeder
gelingt und die Frauen hier überrepräsentiert sind, hat
vielfältige Gründe. Diese wurden ja auch in den letzten
Jahren sehr genau studiert und analysiert: Oft wird es
darauf geschoben, dass Frauen weniger Selbstbewusstsein
hätten und die Familienplanung vorgeht. Hier ist
ein Test des Schweizer „Migros-Kulturprozent Story Lab“
interessant. Es geht darum, wie sich Jurys entscheiden,
wenn sie nicht wissen, ob eine Frau oder ein Mann das
Drehbuch geschrieben hat. Durch eine Anonymisierung
wurden plötzlich genauso viele Frauen wie Männer gefördert.
Das war zuvor nicht der Fall. Das heißt, in den
Jurys gibt es offensichtlich Vorbehalte gegenüber Frauen.
Es liegt also nicht an der Haltung der Frau zu ihrem Job
oder ihrem Privatleben.
Cata: Ich komme aus Kolumbien, einer Macho-Kultur
per se. Als ich in Deutschland ankam, war für mich zunächst
alles ein Gleichstellungs-Paradies: Männer wussten,
wie man kocht, Wäsche wäscht, sein Zimmer aufräumt
(oder auch nicht) und sein eigenes Essen einkauft.
Deshalb war das Thema zu Beginn meines Studiums an
der Filmakademie nicht besonders präsent. Im Laufe
der Jahre stellte ich jedoch fest, dass, obwohl mehr als
50 % der Studierenden Frauen waren, die männlichen
Studenten sichtbarer waren, mehr Unterstützung erhielten
oder mehr präsentiert wurden. Ich erkannte, dass
sie wussten, wie sie für sich werben, sich verkaufen und
ihre Projekte präsentieren müssen. In diesem Moment
war mir auch klar, dass all dies einem globalen Sozialverhalten
entspricht. Auch hier, in der ersten Welt, in der
mir die Geschlechter anfangs so gleichgestellt erschienen,
hatte man den Frauen beigebracht, einen Schritt
zurückzubleiben. Und den Männern, den Schritt nach
vorne zu tun.
Auch an der FABW hat sich in den letzten Jahren viel getan,
um Gendergerechtigkeit zu leben. Neben Programmen
wie „Gender in Progress“ oder einem „Leitfaden
Gendergerechtigkeit“ gibt es auch eine Gleichstellungsbeauftragte
für die Belegschaft und eine Vertrauensperson
für die Studierenden. Hättet ihr euch solche Programme
auch während eures Studiums gewünscht?
Cata: Solche Programme hätte ich herzlich begrüßt! Leider
war das kein Thema, als wir studiert haben. Aber
es geht nicht nur um Programme für Frauen. Ich denke,
vor allem Männer müssen sensibilisiert werden. Wir
sind alle in einer von Männern gemachten und durchdachten
Welt groß geworden. Wir sind aber viel mehr
als nur Männer oder Frauen, wir sind Menschen mit unterschiedlichen
Hautfarben, Kulturen, Religionen, Weltanschauungen,
Glaubensrichtungen, Geschmäckern
und Vergangenheiten. Meiner Meinung nach müsste ein
Verständnis für unsere Verschiedenheiten und Einzigartigkeiten
in Schulen und Hochschulen geschaffen werden.
Wie kam es zu eurer Zusammenarbeit und der Gründung
von SOILFILMS?
153

ALUMNI IM FOKUS
Silvana: Die Idee dazu entstand im Studium, allerdings
erschien die Möglichkeit zur Umsetzung unrealistisch
und wir hatten auch keine Ahnung, wie wir das überhaupt
angehen sollten. Nach dem Studium hat jede erst
einmal ihre eigenen Erfahrungen auf dem freien Markt
gesammelt. Nach zwei bis drei Jahren haben wir uns
dann zusammengetan und eine Firma gegründet.
Cata: Schon während des Studiums haben wir darüber
gesprochen. Wir träumten davon, mit einer Produktionsfirma
unsere eigenen Filme zu realisieren. Wir wollten
die Freiheit haben, über Themen selbst zu bestimmen
und Gelder selbständig zu verwalten. So kam es,
dass wir ein paar Jahre nach unserem Abschluss - als
wir alle wieder in der gleichen Stadt lebten - beschlossen,
den Schritt zu wagen und eine Firma zu gründen.
und Italien. Das Besondere an unserer Arbeit ist, dass
wir uns seit unseren Anfängen 2004/2005 für Diversität
und für Menschen mit verschiedenen Hintergründen
vor und hinter der Kamera stark machen. Da wir Frauen
sind, und da wir beide einen Migrationshintergrund haben,
liegt es vielleicht auch nahe, dass wir diese Themen
erzählen wollen und zwar vor allem mit Menschen, die
diese Themen selbst betreffen.
Cata: Ich arbeite vor allem an Projekten, deren Themen
mir wirklich am Herzen liegen. Inga und Ayla
(Inga Bremer und Ayla Gottschlich – ebenfalls Alumnae
der FABW. Anm. d. Red.) sind nicht mehr Teil von
SOILFILMS, aber sie entwickeln weiterhin erfolgreich
ihre Filmprojekte außerhalb der Firma. Was uns besonders
macht, ist, dass unserer Leidenschaft für unseren
Beruf keine Grenzen gesetzt sind.
Auf eurer Homepage steht explizit, dass SOILFILMS eine
„women-driven film production company“ ist. Was genau
muss man darunter verstehen?
Silvana: Wir sind eine weiblich geführte Produktionsfirma,
die Filme entwickelt, realisiert und produziert und
die Gleichstellung von Frauen, aber auch von Minderheiten
fördert.
Cata: Es gibt keine Männer, die dazwischenreden. Wir
waren von Anfang an eine von Frauen geführte Firma.
Vielleicht hatten wir es dadurch schwerer. Aber es bedeutet
auch, dass die Arbeit von Frauen in unserer Firma
unglaublich wertgeschätzt wird. Dass wir ein Netzwerk
haben, in dem sehr viele Frauen der Filmbranche zusammenarbeiten.
An unseren Sets herrscht eine wahnsinnig
schöne, solidarische Atmosphäre. Meistens sind
die Heads of Department Frauen und wir achten darauf,
mit Menschen verschiedener Nationalitäten und Gender
zu arbeiten.
Werbedreh
Wie sieht eure Zusammenarbeit heute aus? Und was
macht sie so besonders?
Silvana: Ich habe mich seit unserer Gründung auf internationale
Koproduktionen konzentriert - mit Ländern
aus dem Mittelmeerraum, vor allem Nordafrika
154
Die Hälfte der Studierenden, die Film- und Fernsehhochschulen
verlassen, sind Frauen. Als Regisseurinnen, Kamerafrauen,
Autorinnen, Produzentinnen usw. sind sie
dann aber stark unterrepräsentiert und erhalten auch
deutlich weniger Fördergelder. Ist es für Frauen nicht
gerade deshalb extrem wichtig, Netzwerke zu bilden und
sich im Filmbusiness verlässliche Strukturen als Frau
unter Frauen zu schaffen – so, wie es unter Männern
seit jeher üblich ist?

Schließlich war es unsere Entscheidung, eine Zeit lang
wegen des Kindes auszusteigen. Aber: Wir sind auf einem
guten Weg, und wir Frauen im Filmbusiness müssen
viel mutiger werden und uns dieselben Strukturen
schaffen, die unter Männern seit jeher üblich sind.
Ist es für Frauen als Team leichter, sich gegen männliche
Konkurrenz durchzusetzen?
Silvana: Nein. Leider nicht. Oft hilft es, noch mindestens
einen Mann im Team zu haben, damit man überhaupt
mit einem Film weiterkommt.
Warum engagiert ihr euch beide als Projektkoordinatorinnen
beim Mentoring-Programm INTO THE WILD?
Am Set von A PART OF ME
Silvana: Die meisten Frauen, die mit uns Abschluss gemacht
haben, wollten arbeiten und hatten sich zum Ende
des Studiums auch ein Netzwerk aufgebaut. Aber
trotzdem hat es nicht jede geschafft, sofort einen Redakteur
oder eine Redakteurin für den nächsten Stoff zu
finden. Ich habe zum Beispiel einen Redakteur kennengelernt,
der fast schon stolz darauf war, dass er in den
fast 100 Produktionen, die er redaktionell betreut hatte,
nur einmal mit einer Regisseurin zusammengearbeitet
hat. Wir können sehr viel netzwerken, aber letzten Endes
muss uns auch jemand finanzielle Unterstützung für
unsere Filme geben. Ich verstehe daher auch einige meiner
Kolleginnen, die irgendwann resignieren, weil Ihnen
einfach niemand Geld für Ihre Stoffe gibt oder sie
einfach keine Produktionsfirma finden.
Cata: Natürlich ist es extrem wichtig zu netzwerken und
sich unter Frauen zu unterstützen. Aber das allein genügt
nicht, denn der freie Markt zeigt eine ganz andere Welt.
Es geht nicht nur um die Filmbranche, es geht auch um
das Mindset der gesamten Gesellschaft. Eltern ziehen ihre
Töchter und Söhne immer noch nach verschiedenen
Maßstäben groß. Frauen bringen die Kinder zur Welt,
stillen sie, teilen ihre Energie mit dem Kind und sollen
danach bitte wieder voll einsteigen. Und wenn wir
dann vom Markt verschwinden, sind wir selbst schuld.
Silvana: Als ich 2017 einen Artikel über Isabell Suba und
ihr „INTO THE WILD-Mentoring-Programm“ gelesen
habe, habe ich sofort den Impuls gehabt, mich bei ihr
zu melden. Ein paar Monate später war ich dann dabei
beim Drehbuchcamp des ersten Jahrgangs und habe danach
angefangen, einfach mitzuhelfen. Anfang 2019 hat
sich Isabell dann wieder bei mir gemeldet und gefragt,
ob wir beim zweiten Jahrgang zusammenarbeiten wollen:
sie als Projektleitung und ich zuständig für die Finanzen
und die Orga. Cata war ebenfalls begeistert von
der Initiative und hat daraufhin die Koordination übernommen.
Ich wollte mich engagieren, weil sich Frauen
bei ITTW in einem geschützten Raum weiterentwickeln
und wichtige Tools in die Hand bekommen, mit denen
sie künftig auf dem Markt bestehen können. Auch das
Netzwerken spielt hier eine große Rolle.
Cata: Ich finde das Programm wichtig, mutig und zeitgemäß.
Als Silvana mir davon erzählte, war ich sofort
komplett überzeugt und sicher, dass ich Teil davon sein
möchte und musste. Es ist ein innovatives Programm,
bei dem es darum geht, Erfahrungen zu teilen, zu netzwerken
und sich vorzubereiten auf eine Branche, die
sich (zum Glück) gerade verändert, aber immer noch
die gleichen Strukturen hat. Frauen können in dem Programm
von anderen Frauen lernen und verstehen, wie
diese es geschafft haben in der Branche. Sie geben ihre
Erfahrungen weiter und erzählen davon, welche Schwierigkeiten
sie hatten und wie sie diese gelöst haben.
155

ALUMNI IM FOKUS
Haltet ihr ein Mentoring-Programm ausschließlich für
Frauen im Filmbereich für gerechtfertigt? Müsste man
im Sinne der Gleichberechtigung nicht jungen Männern
auch eine Chance geben?
Silvana: Der Umstand, dass Frauen und Männer - wie
Studien belegen - in der Filmbranche leider nicht gleichberechtigt
sind, rechtfertigt meines Erachtens, dass Frauen
zusätzlich gefördert werden. Das Programm wird sowohl
von vielen deutschen Filmförderungen unterstützt
als auch von den größten Produktionshäusern Deutschlands
und allen deutschen Filmhochschulen. Wenn der
weibliche Nachwuchs mit dem männlichen schritthalten
kann, sollte man das Programm für alle öffnen oder
es einstellen.
Cata: Zum jetzigen Zeitpunkt ist es wichtig, dass es für
jedes Geschlecht sichere Räume gibt, um sich zu entwickeln,
sich zu definieren oder sich neu zu erfinden. Es
ist wichtig, dass sich junge Frauen einen Überblick verschaffen,
um sich darüber klar zu werden, wohin sie gehen
wollen und wie sie dabei am besten vorgehen.
Hat sich in den letzten Jahren – also vor allem seit dem
Beginn der „Me-Too-Bewegung“ – etwas in Punkto
Gleichberechtigung im Film getan?
Silvana: Ja, in manchen Bereichen schon. Das wichtigste
war sicherlich, dass akzeptiert wurde, dass es ein Problem,
eine Ungerechtigkeit gibt. Die Veränderungen, die
sich seitdem ergeben haben, sind allerdings - trotz vieler
Diskussionen und Maßnahmen - marginal. Ein Beispiel:
Ich nehme jetzt mal Filmförderung XY, die im Jahr
XX ca. 13,5 Millionen Euro in die Produktion von Filmen
gesteckt hat. Ich habe mir die Mühe gemacht herauszufinden,
wieviel Geld davon an frauengeführte Unternehmen
oder an Unternehmen mit mindestens 50% Frauen
als Gesellschafterinnen ging. Ich komme auf knapp
700.000 Euro. Das sind gerade mal 5% der Fördersumme.
Das bedeutet entweder, dass sehr wenig Firmeninhaberinnen
eingereicht haben. Oder, dass die Stoffe nicht
überzeugen konnten. Oder einfach, dass Frauen der Umgang
mit großen Summen nicht zugetraut wird. Vielleicht
ist es auch eine Mischung aus allem. Aber warum
ist das so? Und genau über diesen Punkt müsste
man miteinander ins Gespräch kommen, damit zukünftig
hoffentlich mehr Frauen in der Filmbranche den
Schritt in die Selbständigkeit wagen. Wenn man nämlich
nur die Zahlen sieht, möchte man als Frau lieber keine
156
Firma gründen, weil die Erfolgschancen verschwindend
gering sind.
Cata: Es wird viel darüber gesprochen, versucht zu sensibilisieren
und viel so getan, als ob für Frauen jetzt ein
besonderer und bewusster Platz in der Branche geschaffen
wird. Es gibt Ausschreibungen für Frauen, Förderungen
für Frauen und Frauen-Filmfestivals. Nun brauchen
wir auch Ergebnisse: große Budgets für von Frauen geführte
Firmen, für von Frauen realisierte Filme, mehr
Frauen in Hauptrollen vor der Kamera, mehr Frauen in
allen Gewerken.
Ist es auch für euch als Regisseurinnen und Produzentinnen
leichter geworden, an lukrative und spannende
Aufträge zu kommen? Hat sich das männlich dominierte
System geändert?
Silvana: Ja, ich bekomme zum Glück viele spannende
internationale Kinoprojekte und Serienstoffe angeboten
und muss deshalb gut auswählen, was ich davon überhaupt
annehmen und schlussendlich auch finanzieren
kann. Der Standort Berlin ist für eine kleine Firma, die
sich auf internationale Filme konzentriert, nicht immer
ideal: Es existieren bereits sehr viele Firmen und damit
verteilt sich der Topf an Regionalfördergeldern auf wesentlich
mehr Empfänger als in den meisten anderen
Bundesländern. Zudem erzählen wir seit unseren Anfängen
Geschichten von Protagonist*innen und Figuren
die, wie wir, Migrationshintergrund haben und aus der
Unterschicht oder unteren Mittelschicht kommen. Das
waren, zumindest bis vor kurzem, nicht unbedingt die
Stoffe, die Chancen auf eine Förderung hatten. Vor allem
wenn sie, wie viele unserer Filme, im Ausland spielen.
Ich sehe es aber als Chance für die Filmindustrie,
in neue Welten einzutauchen und Menschen mit unterschiedlichen
Backgrounds eine Stimme zu geben. Wir
hatten aber das Glück, dass Redakteurinnen und Redakteure
von Arte, ZDF und verschiedenen ARD-Sendern
fast immer unsere Filme mitfinanziert haben und damit
gezeigt haben, dass sie Nachwuchsproduzent*innen
unterstützen. Es bleibt aber spannend, ob auch Redakteur*innen,
die mehr Budgets zu verteilen haben und
eher in der Primetime zu verorten sind, genauso offen
sind, in neue Stoffe und Gesichter zu investieren.
Ihr produziert auch international. Gibt es Unterschiede
in der Chancengleichheit für Frauen hinter und vor der
Kamera in Deutschland gegenüber beispielsweise Lateinamerika
oder den Balkanländern?

Dreharbeiten zu DOS DE TERCIOPELO
Silvana: Das ist schwer zu sagen. Ich habe zum Teil in
Nordafrika mehr Gleichberechtigung zwischen Männern
und Frauen vor und hinter der Kamera erlebt als
in Deutschland. Das ist sicher nicht in jedem Bereich so,
aber Deutschland hinkt in Richtung Chancengleichheit
auch den meisten europäischen Ländern hinterher, daher
ist das nicht überraschend.
Cata: Ich kann nur über den lateinamerikanischen Markt
sprechen und hier ist die Chancengleichheit nicht größer
als in Deutschland. In Deutschland gibt es aber ein
Bewusstsein dafür und es wird aktiv versucht, etwas zu
verändern. In Lateinamerika fängt man gerade erst an,
darüber zu reden. Es fehlen Initiativen, Verbände, organisierte
Gruppen, Mentoring-Programme...
Was wäre eure Forderung, was sich in der Filmbranche
im Verhältnis Mann-Frau schleunigst ändern sollte?
Silvana: Es gibt immer noch zu wenig Frauen, die sich
trauen, selbst Firmen zu gründen und Filme zu produzieren.
Und das, obwohl viele Frauen Produktion studieren.
Es ist aber sehr wichtig, dass Frauen in Führungspositionen
arbeiten, ohne einen Chef über sich zu haben.
Ich habe bei einem tollen Workshop des EPI (Erich Pommer
Institut, Anm. d. Red.) für Frauen in Führungspositionen
teilnehmen dürfen. Von 15 Frauen war ich die
Einzige, die ihre eigene Firma hatte und damit ihr Leben
bestreitet. Alle anderen waren angestellt bei Firmen,
die von Männern gegründet wurden. Doch auch Frauen
wollen unabhängig arbeiten, sie können sich das aber
nicht vorstellen, weil ihnen schlichtweg die Perspektive
und die Aussicht auf Erfolg fehlen. Darüber hinaus
sollte nicht nur der Nachwuchs gefördert werden, sondern
auch erfahrene Filmemacherinnen. Gleichstellung
heißt nicht, nur junge Frauen zu unterstützen, sondern
auch Frauen, die Erfahrung mitbringen, aber im Laufe
ihrer Karriere noch keinen Zugang zu lukrativen Jobs
bekommen haben. Insgesamt sollten mehr unabhängige
Produktionsfirmen - egal ob männlich oder weiblich geführt
- gefördert werden. Das Wort “Förderung” impliziert
ja, dass es um Unterstützung geht, und wer braucht
diese mehr als die unabhängigen Produktionshäuser?!
Cata: Sowohl für Fernsehredaktionen wie für geförderte
Filme sollte es eine Art Quote geben, die direkt proportional
zur Anzahl der von Frauen und Männern eingereichten
Projekte steht. Diese Art von Quote muss auch
in der Führungsspitze der Fernsehsender sowie in den
Redaktionen, Auswahlkommissionen und Jury-Teams
der Filmförderungen vorhanden sein. Wir müssen garantieren,
dass eine gleiche Anzahl von Frauen und Männern
entscheidet, was produziert wird. Das wäre schon
mal ein Anfang.
157

ALUMNI IM FOKUS
Woran arbeitet ihr gerade? Gibt es weitere Projekte in
der Pipeline?
Silvana: Die Projekte an denen ich arbeite, sind z.B. ein
marokkanisch-deutsch-qatarisches Projekt, THE MO-
THER OF ALL LIES, welches dieses Jahr auf den Internationalen
Filmfestspielen in Venedig im “Final Cut
in Venice” präsentiert wird. In dem Film geht es um eine
marokkanische Regisseurin, die auf den Spuren eines
Familiengeheimnisses ist. Im Laufe ihrer Recherche
stößt sie auf die “Brotrevolte” von 1981, welche eng
mit dem Schicksal ihrer Familie und der ganzen Nachbarschaft
verknüpft ist. Finalisiert haben wir außerdem
den Spielfilm SHARAF unter der Regie von Samir Nasr,
ebenfalls Filmakademie-Alumnus, für den ich als Produzentin
tätig war (Koproduktion mit ZDF/ARTE, Koproduzenten
aus Tunesien, Frankreich, Süddeutschland
und Luxemburg). Der von der MFG Filmförderung unterstützte
Film handelt von einem jungen arabischen
Mann, der zu Beginn unschuldig im Gefängnis landet
und von da an um sein Überleben kämpfen muss. Auch
dieser Film war in den Koproduktionsmarkt der Biennale
von Venedig im Jahr 2019 eingeladen. Der Film wird
bald seine Festivalpremiere feiern, aber wir dürfen noch
nicht sagen, welches Festival es sein wird. Darüber hinaus
habe ich eine deutsch-tunesisch-amerikanische Koproduktion
in Postproduktion, zwei Spielfilme in der
Finanzierung und drei Serien in Entwicklung. Im November
hoffen wir unsere tunesisch-französisch-deutsche
Spielfilmproduktion LA ZONE in Tunesien drehen
zu können, die wir bislang wegen Covid-19 nicht realisieren
konnten.
Cata: Ich arbeite an einer uruguayisch-argentinisch-brasilianisch-deutschen
Koproduktion, die sich in der Finanzierung
befindet. Das sehr spannende und sensible
Drehbuch basiert auf einem uruguayischen Bestseller.
Dann arbeite ich noch an zwei Dokumentarfilmen, die
sich in der Postproduktion befinden. Ein Film erzählt
von den drei Hauptgruppen der Opfer des bewaffneten
Konflikts in Kolumbien (Indigene, Vertriebene und
Mütter von Ermordeten), der andere, eine kolumbianisch-deutsche
Koproduktion, von Aktivismus und Musik.
Eine dokumentarische Serie ist ebenfalls in Entwicklung.
Wie hat sich Corona auf eure Arbeit ausgewirkt? Vor allem
international ist es dadurch sicherlich schwieriger
geworden, oder?
Silvana: Wir mussten zwei Ausland-Drehs verschieben.
Einen Dreh konnten wir bereits nachholen. Ansonsten
haben wir die Zeit genutzt, um Filme fertigzustellen und
neue Projekte zu entwickeln.
Cata: Ja, es ist schwer geworden. Trotzdem empfinde
ich diese pandemische Zeit als sehr produktiv. Ich hatte
schon lange nicht mehr so viel Zeit zum Nachdenken.
Es sind sehr positive Sachen passiert, es wurden wichtige
Ideen durchgearbeitet, Projekte weitergedacht und
Entscheidungen getroffen.
Rückblickend: Hat euch das Studium gut auf „die Welt
da draußen“ vorbereitet? Würdet ihr dieses Studium
auch euren Freund*innen und Bekannten empfehlen?
Silvana: Ja, im Grunde schon. Wir hatten wunderbare
Dozierende und die Filmhochschule hat es uns ermöglicht,
dass wir bereits während des Studiums mit Förderungen
und Sendern zusammenarbeiten konnten. Daher
habe ich die Filmakademie auch immer empfohlen, weil
ich ihr und den Menschen dort viel zu verdanken habe.
Die Filmwelt hat aber sicher ihre ganz eigenen Regeln
und es braucht viele Jahre, um sich in ihr zurechtzufinden.
Es wäre bestimmt viel einfacher gewesen, wenn ich
„nur“ als Dokumentarfilm-Regisseurin weitergemacht
hätte. Aber ich habe mich für Produktion und fiktionale
Regie entschieden, also geschrieben, Regie geführt und
meine eigenen Filme und die von anderen Filmemacher*innen
produziert und eine Firma gegründet. Das ist
auf jeden Fall noch einmal eine ganz andere Herausforderung,
auf die man so nicht vorbereitet werden kann.
Cata: Ich habe das Studium an der Filmakademie immer
weiterempfohlen und werde es weiterhin tun. Wir
hatten wunderbare Dozentinnen und Dozenten, haben
brillante Filmemacherinnen und Filmemacher kennengelernt
und von ihnen gelernt. Wir haben ein Netzwerk
von Menschen aus verschiedenen Gewerken aufgebaut,
mit denen ich immer noch zusammenarbeite. Und: Wir
hatten einen geschützten Raum, um Ideen zu entwickeln
und die Mittel, diese zu verwirklichen.
158

Wie gut das Studium mich auf die Welt da draußen vorbereitet
hat? Obwohl ich die Möglichkeit hatte, als Regiestudentin
mit TV-Redaktionen, externe Produktionsfirmen
und Filmförderungen zusammenzuarbeiten und
Filme zu realisieren, hatte ich nicht das Gefühl, dass ich
vorbereitet war auf die Arbeitswelt draußen. Mich zu
präsentieren und durchzuboxen auf dem echten Filmmarkt,
das habe ich eher nach meinem Studium gelernt.
Die Teams von SHARAF…
… und INTO THE WILD
159

STECKBRIEF
Werbefilm
Regie und Producing
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbb
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbb
bbbbbbb
1
PROJEKTBETREUUNG
Olivia Marten, Christian Schega
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Martin Schmid
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
Ca. 3-4 Regie-Studierende
Ca. 3-4 Produktions-Studierende
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Viel Film- und Werbefilminteresse
sowie den Mut, Neues auszuprobieren
und nicht dem Mainstream zu
folgen!
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Die Filmakademie ist die einzige
Hochschule weltweit, die einen
solch spezifischen Studienschwerpunkt
für Werbefilm über einen
längeren Zeitraum anbietet.
Junge Auszubildende haben die
Möglichkeit, sich eine individuelle
Filmrolle mit großer Unterstützung
aus den Fachkreisen aufzubauen
und Kontakte zu den angesagtesten
Macher*innen der Branche zu
knüpfen.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Dass Werbung das schnelllebigste
Geschäft ist.
In kürzester Zeit sehr viele
Projekte umzusetzen und dadurch
extrem viele Kontakte in allen
Bereichen (Agentur, Produktion,
Postproduktion usw.) zu sammeln.
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Es gibt kein Rezept, um erfolgreich
zu werden. Jede/r muss ihren/
seinen eigenen individuellen
Weg finden, sich selbst dabei treu
bleiben und nicht den anderen und
ihren Meinungen folgen.
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Es gibt i.d.R. keine bis wenige
Vorgaben für ein Produkt oder ein
Kund*innenbriefing. Die Studierenden
haben die freie Wahl, welche
Art von Filmen sie realisieren
und für welche Marke sie diese
umsetzen möchten (sog. Spec Spots
bzw. Spec Filme).
In diesem Studienbereich können
außerdem die meisten Festivalnominierungen
und -preise verbucht
werden.
9
MOTTO
Immer am Puls der Zeit durch
ständig sich ändernde Werbeformen,
Formate und durch deren
Veröffentlichung in und auf den
dafür vorgesehenen Medien und
Plattformen.
160

Filmschauspiel
International Screen Acting Workshop
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbbb
bbbbbbbbbbbbbbbbbbbbb
bbbbbbb
1
STUDIENKOORDINATION
Juliane Voigtländer
Volontärin: Jessica Layher
2
LEITENDE DOZIERENDE
Prof. Christian Wagner
3
WIE VIELE STUDIERENDE
PRO STUDIENJAHR?
28-30 Schauspieler*innen
4
WAS SOLLTEN BEWERBER*INNEN
MITBRINGEN?
Schauspielausbildung, Fantasie,
Offenheit und gute Energie!
5
WARUM IST DIE FILMAKADEMIE
DER IDEALE ORT FÜR EIN
STUDIUM?
Der Workshop ist sowohl deutschsprachig
als auch in Englisch
einzigartig und wird nur an der
Filmakademie Baden-Württemberg
angeboten.
Die Mischung aus Praxis und
Theorie sowie die Begegnungen mit
Branchenprofis und angehenden
Regisseur*innen runden das
Programm ab.
6
WAS LERNEN
DIE STUDIERENDEN HIER?
Tipps und Tricks für das Schauspiel
vor der Kamera.
Und: Nachwuchsschauspiel meets
Nachwuchsfilmer*innen – hier ist
die Kontaktbörse ;-)
7
MYTH BUSTING:
WAS LERNT MAN HIER NICHT?
Leider dürfen die während des
Workshops gedrehten Szenen nicht
veröffentlicht werden. Es gibt also
KEIN Demomaterial.
8
ONE COOL FACT ABOUT...
Follow us on Instagram or on our
Blog websites:
WWW.INSTAGRAM.COM/
SCREENACTING_FABW/?HL=DE
WWW.SCREENACTING-FABW.DE
9
MOTTO
Schon filmreif ?
161

EDITION FABW
Premieren-Lesung aus dem Kurzgeschichtenband „Sommer“
162

ALLES ANDERE ALS
„KNAPP DANEBEN”
Die Edition FABW geht mit
Aufwind in die nächste Runde
Mit einem neuerlichen Aufruf zum Kurzgeschichtenschreiben,
diesmal zum Thema „Knapp daneben“,
geht die Edition FABW in die nächste Runde
bzw. die inzwischen fünfte Auflage – nach den Kurzgeschichtenbänden
„Schlussstriche“, „Neid“, „Krieg“ und
„Sommer“. Eingeladen zum Schreiben sind wie in jedem
Jahr auch 2021 alle Studierenden der Filmakademie
Baden-Württemberg und der Akademie für Darstellende
Kunst (ADK). Und das Angebot wird gerne angenommen,
nicht nur, weil die jungen Autorinnen und Autoren
sich im Schreiben erproben können, sondern auch,
weil sie am Ende der Schaffenszeit ein fertiges Buch mit
der eigenen Geschichte in den Händen halten werden
und überdies. Mit etwas Glück wird diese Geschichte sogar
auf der alljährlich stattfindenden Premierenlesung
vorgetragen.
Im Rahmen der Feierlichkeiten zum 30-jährigen Bestehen
der Filmakademie Baden-Württemberg war die Premierenlesung
am 12.07.2021 des im Frühjahr erschienenen
Kurzgeschichtenbands „Sommer“ in diesem Jahr ein
ganz besonderer Erfolg, und das in zweierlei Hinsicht:
Die Lesung, die auf großer Bühne im Albrecht Ade Studio
stattfand, konnte dank großen Einsatzes der Belegschaft
der FABW vor Publikum – und zwar vor (gemäß
Corona-Verordnung) vollem Haus – stattfinden. Überdies
brachten die Schauspielstudierenden der ADK nach
einer Inszenierung von FABW-Studentin Katja Ginnow
die drei ausgewählten Kurzgeschichten aus dem „Sommer“-Band
mitreißend auf die opulent hergerichtete
Bühne.
Fortbestehen sichert. Überdies hat der Diogenes Verlag,
der in Person von Verleger Philipp Keel seit Gründung
der Edition FABW die Schirmherrschaft über die Kurzgeschichtenbände
innehat, ein Förderprogramm zur Unterstützung
der Edition FABW aufgelegt: die Autor*innen
der drei schönsten Kurzgeschichten einer jeweiligen
Publikation werden mit einem Feedbackgespräch bei einer
Lektorin des Diogenes Verlags sowie mit einem Bücherturm
mit Neuerscheinungen des Diogenes Verlags
ausgezeichnet.
Mit diesem Rückenwind kann nun die fünfte Auflage der
Kurzgeschichtenbände starten. Der eingeschlagene Kurs
ist augenscheinlich der richtige; die Edition FABW liegt
also alles andere als „Knapp daneben“. Auch weil sich
im Herbst mit der Publikation eines weiteren preisgekrönten
Drehbuchs eines Absolventen der Filmakademie
Baden-Württemberg ein neues Highlight der Edition
FABW ankündigt: Nach SYSTEMSPRENGER von
Nora Fingscheidt wird das Drehbuch von Oliver Kracht
zum Diplomfilm TRÜMMERMÄDCHEN publiziert.
Dieser Erfolg der Edition FABW wird auch in der Öffentlichkeit
zunehmend wahrgenommen. So folgten der
Einladung zur „Sommer“-Premierenlesung nicht nur
zahlreiche Gäste aus Ludwigsburg und Umgebung, sondern
die Edition FABW mit ihren Publikationen findet
auch zunehmend Unterstützung von außen. Ganz besonders
freut uns, dass mit der Wüstenrot Stiftung ein
partnerschaftlicher Förderer gefunden werden konnte,
der die Edition FABW großzügig unterstützt und so ihr
163

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
164

AUFTRAGSPRODUKTIONEN
DES DRITTMITTELBEREICHES
_YVES ALAIN LAMBERT, HERSTELLUNGSLEITER
DRITTMITTEL/AUFTRAGSPRODUKTIONEN
TEL: +49 7141 969 82370
DRITTMITTEL@FILMAKADEMIE.DE
_CHRISTIAN MÜLLER, HERSTELLUNGSLEITUNG
DRITTMITTEL/AUFTRAGSPRODUKTIONEN
ANIMATIONSINSTITUT
TEL: +49 7141 969 82817
CHRISTIAN.MUELLER@FILMAKADEMIE.DE
STUDIUM FINANZIEREN, ERFAHRUNGEN SAM-
MELN, EXISTENZ AUFBAUEN
Auftragsproduktionen im Drittmittelbereich werden mit
erfahrenen Studierenden, mit Alumni und bevorzugt
mit Produktionsfirmen, die Absolventinnen und Absolventen
in der Region gegründet haben, realisiert. Auch
die Zusammenarbeit mit externen Firmen ist möglich.
STUDIERENDE
Diese Auftragsproduktionen der FABW ermöglichen
den Studierenden über die Projekte in der Lehre hinaus
wichtige Erfahrungen in der Praxis und bieten zudem
die Möglichkeit, sich den eigenen Lebensunterhalt
zu finanzieren.
Das eigene Tun ist der Schlüssel für den Erfolg. Konzeptwettbewerbe
bieten die Chance, sich auszuprobieren.
Mit welcher Strategie überzeuge ich den Auftraggeber
von meinen Ideen? Welche Haltung nehme ich dabei
ein? Ganz im Sinne der praxisorientierten Ausbildung
lernen die Beteiligten, bereits im Pitch unter realen Bedingungen
zu präsentieren.
Begleitet durch die Mitarbeiter*innen der FABW, übernehmen
Studierende Verantwortung für ein professionelles
Projekt. Verträge müssen erfüllt, Budgets und
Zeitpläne eingehalten werden. Mit anspruchsvollen Auftraggebern
werden Absprachen getroffen, die unbedingt
eingehalten werden müssen. Verbindlich und verlässlich
zu agieren, schafft Vertrauen. Doch wie kommuniziere
ich mit dem Marketingleiter, der Geschäftsführerin
oder einem Familienunternehmer? Warum sind diese
Menschen neugierig auf mich, auf meine Ideen abseits
ausgetretener Pfade? Andererseits: Welchen Zwängen
unterliegen meine Ansprechpartner? Gibt es Grenzen
für meine Kreativität? Welche Rolle spielen Corporate-
Identity-Vorgaben und Marketing-Bibeln?
ALUMNI
Da die Förderung der Absolventinnen und Absolventen
ein wichtiges Anliegen ist, unterstützt die FABW das eigene
Netzwerk und bildet so eine Brücke vom Studium
zur Berufswelt. Die Aufträge bieten jungen Produzentinnen
und Produzenten einen Startimpuls für eine spätere
betriebswirtschaftliche Existenzgrundlage. Nachfolgeprojekte
kann eine Produktionsfirma eigenständig ohne
die Filmakademie umsetzen.
EXTERNE FILMPRODUKTIONSFIRMEN
Auch wenn die Zusammenarbeit mit Studierenden und
Alumni im Vordergrund steht, so sind dennoch Kooperationen
mit externen Filmproduktionsfirmen möglich,
wenn Studierende oder Alumni dort in relevanter Rolle
eingebunden sind. Gewinnen Studierende oder Alumni,
die bei einer externen Produktionsfirma arbeiten, einen
Konzeptwettbewerb, so kann jene den Auftrag mit
der FABW zusammen umsetzen.
165

FÖRDERVEREIN
CALIGARI-FÖRDERPREISE 2021 –
EINMAL ANDERS
EINE VERLEIHUNG DER BESONDEREN ART
FAND AM FREITAG, DEM 16. JULI 2021
IM KINO CALIGARI IN LUDWIGSBURG STATT.
EINGEBETTET IN DIE FESTWOCHE
„30 JAHRE FILMAKADEMIE”, WURDEN
FEIERLICH ZWÖLF FÖRDERPREISE AN
STUDENTISCHE FILMVORHABEN VERGEBEN.
DURCH DIE PREISVERLEIHUNG FÜHRTE
DER DIREKTOR DER FILMAKADEMIE,
PROF. THOMAS SCHADT, HÖCHST PER-
SÖNLICH. ZUSAMMEN MIT SEINEM TEAM
VERLIEH ER DER ÜBERGABE AUCH UNTER
CORONA-REGELN EINEN GLAMOURÖSEN
RAHMEN. INSBESONDERE WURDE DAS
ENGAGEMENT DER PREISSTIFTER*INNEN GE-
WÜRDIGT, DIE ÜBER DIE JAHRE INSGESAMT
870.000 EURO FÜR DEN NACHWUCHS
BEREITGESTELLT HABEN.
51 Dritt-, Viertjahres- und Diplomfilmprojekte waren
ins Rennen gegangen, und die Bandbreite der Themen
war beeindruckend. Die Studierenden der Fachbereiche
Spielfilm, Dokumentarfilm, Fernsehjournalismus, Animation
und Werbefilm beschäftigten sich mit ungewollter
Schwangerschaft und Schwangerschaft im Gefängnis,
Demenz, Rassismus, Naturkatastrophen und Klimawandel,
Lebensgefahr, Einsamkeit und Todessehnsucht oder
häuslicher Gewalt.
Die Jury des Fördervereins, bestehend aus verdienten
Absolvent*innen und Unternehmer*innen der Filmbranche
unter dem Vorsitz von Jürgen Walter, hatte es nicht
leicht. Sie nahm sich wie immer viel Zeit, jedes Projektvorhaben
im Vorfeld zu bewerten und die nominierten
Studierenden zu einer persönlichen, branchenüblichen
Vorstellung der Projekte (Pitch) einzuladen.
Danach wurde lange und auch hitzig diskutiert, um
schließlich zwölf herausragende Projekte mit Urkunde,
Trophäe und vor allem je Projekt 5.000 Euro zu ehren:
Manuel Schmiedecke von der Redaktion von „WIRmachenDRUCK
GmbH“ übergab den Preis für HINTER
DEN FARBEN an Julia Groteclaes, Quirin Grimm und
Oscar Bittner.
Manfred Ebert, Vorstand der Kreissparkasse Ludwigsburg,
übergab den Caligari-Preis der Stiftung Kunst, Kultur
und Bildung der Kreissparkasse Ludwigsburg für das
Projekt HANDJOB von Max Breuer und Nils Gustenhofen.
Der Finanzvorstand der SV Sparkassen Versicherung, Roland
Oppermann, verlieh den Caligari-Preis der SV SparkassenVersicherung
für THE LAST BAR an Louis Wick,
Svenja Weber und Arne Hain.
Der Oberbürgermeister der Stadt Ludwigsburg, Dr. Matthias
Knecht, übergab den Preis der Stadt Ludwigsburg
für SURREALISM an Lisa Purtscher und Lea Thurner.
166

Vorstandsmitglied Sabine Willmann überreichte den
Preis der Royal Film Company GmbH an das Dokumentarfilmprojekt
NATURE SPEAKS von Felix Golenko, Jan
Robin Weiland und Márk Szilágyi.
Die stellvertretende Vorsitzende des Fördervereins,
Andrea Block, übergab einen Mitgliederpreis an das Animationsfilmteam
Christian Kaufmann, Paulina Larson,
Justus Schmidt von TOWN SQUARE HALL und den
Preis der Wüstenrot Stiftung an THE END von Marleen
Valien und Max Rauer.
Vorstandsmitglied Wiltrud Baier übergab den Caligari-Preis
der Andreas Stihl AG & CO.KG. an Moritz Schulz
und Maximilian Becht für POLIZEI AKADEMIE.
Vorstandsmitglied Matthias Drescher überreichte
einen weiteren Mitgliederpreis an das Projekt VENA von
Nele Seifert.
Der Vorstandsvorsitzende des Fördervereins, Jürgen
Walter, verlieh einen Mitgliederpreis an die bissige Satire
BLACK SAVIOR von Johannes Krug und Leon Harms
und den Caligari-Preis des Ministeriums für Umwelt,
Klima und Energiewirtschaft Baden-Württemberg an das
Endzeitszenario ANNA – A TALE FOR TOMORROW
von Christina Honig, Jonathan Behr und Chantale Eglin.
Der Petra-Mosselman-Gedächtnispreis der UFA Fiction
GmbH, verliehen durch den ausführenden Produzenten
Matthias Adler, ging an das Projekt SOMNABULE von
Oona von Maydell und Tim Plaster.
Unser herzlicher Dank geht an alle Preisstifter*innen
und die über 200 Mitglieder des Caligari-Fördervereins.
Wer die wichtigen Caligari-Förderpreise als Privatperson
oder Firma unterstützen möchte, findet den Mitgliedsantrag
auf der Website der Filmakademie unter dem
Punkt „Förderverein“.
Namensgeber des Kinos „Caligari“ und des gleichnamigen
Förderverein-Preises ist der inzwischen 101 Jahre alte
expressionistische Stummfilm-Klassiker DAS CABI-
NET DES DR. CALIGARI von Robert Wiene, einer der
ersten deutschen Horrorfilme. Von Horror zeigte sich allerdings
bei der Preisverleihung keine Spur: Diese klang
nach einem Gruppenfoto der ausgezeichneten Studierenden,
Preisstifter*innen und Überreichenden mit der
„Ehrliche Wurst“, Getränken und Filmmusikklängen der
Caligari-Band auf dem Akademiehof der Filmakademie
aus.
Text: Sabine Willmann/Wiltrud Baier,
Vorstände Förderverein der Filmakademie Baden-Württemberg
167

FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH
AKADEMIEHOF 10
D - 71638 LUDWIGSBURG
TEL: +49 7141 969 0
E-MAIL: INFO@FILMAKADEMIE.DE
WWW.FILMAKADEMIE.DE
filmakademiebw
filmakdemie_bw
@FilmakademieBW
TheFilmakademie
filmakademiebw
IMPRESSUM
HERAUSGEGEBEN VON DER
FILMAKADEMIE BADEN-WÜRTTEMBERG GMBH LUDWIGSBURG
VERANTWORTLICH IM SINNE DES
PRESSEGESETZES
Prof. Thomas Schadt
REDAKTION
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer
Bild- und Textredaktion Animationsinstitut:
Fabian Stetzler Textbüro / www.fabianstetzler.com
INTERVIEWS
Andreas Friedrich, Fenja Schnizer;
Fabian Stetzler (Animationsinstitut),
Michael Bohnenstingl (Prof. Jochen Kuhn)
TEXTE
Michael Achilles, Andreas Friedrich, Marianne Harr,
Farina Hasak, Anne Christine Knoth, Yves Alain Lambert,
Guido Lukoschek, Prof. Thomas Schadt, Fenja Schnizer,
Hanna Seidel, Meike Steinmetz, Fabian Stetzler,
Dorothea Volke
GESTALTUNG
Heide Sorn-Daubner, Stuttgart
DRUCK
Ungeheuer + Ulmer KG GmbH & Co., Ludwigsburg
AUFLAGE
1.700
168
ID-Nr. 21106408

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Fabian Stetzler (Animationsinstitut),
Michael Bohnenstingl (Prof. Jochen Kuhn)
TEXTE
Michael Achilles, Andreas Friedrich, Marianne Harr,
Farina Hasak, Anne Christine Knoth, Yves Alain Lambert,
Guido Lukoschek, Prof. Thomas Schadt, Fenja Schnizer,
Hanna Seidel, Meike Steinmetz, Fabian Stetzler,
Dorothea Volke
GESTALTUNG
Heide Sorn-Daubner, Stuttgart
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Ungeheuer + Ulmer KG GmbH & Co., Ludwigsburg
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FOTONACHWEIS
Umschlag, S. 2, 4 (linke Spalte, 2.v.o.):
Setfotos „Supernova“ - © Hugo Lenhardt
Umschlag vorn: © Maxim Mukhamedov
Umschlag hinten: © FABW / Fotografin: Valentina Boye
S. 2: © FABW / Fotografin: Valentina Boye
S. 3: Porträt Thomas Schadt - © FABW / Fotograf: Roland Mönch
S.4: linke Spalte oben (Rede Petra Olschowski) - © FABW / Fotografin:
Valentina Boye
S. 4: Porträt Jochen Kuhn – © privat
S. 4: zweite Spalte oben (Akademiecampus) - © FABW / Fotografin: Catharina
Clausen
S. 4: rechte Spalte oben (Gruppenbild) - © Atelier Ludwigsburg-Paris
S. 4: rechte Spalte unten (Heidi Specogna) - © Anne Morgenstern /
Insta@annemorgensternphoto
S. 5: linke Spalte oben (Konstantin Flemig) - © privat
S. 5: linke Spalte Mitte („Seepferdchen“) - © Tobias Winkel + Sina Diehl
S. 5: linke Spalte unten ( Jens Klüber) - © privat
S. 5: linke Spalte unten ( Julia Kovalenko) - © Lillian Loveday Erlinger
S. 5: linke Spalte unten (Boris Gromatzki) - © Thomas Kraehahn
S. 5: zweite Spalte oben (Bernd-Siegfried Michalek) - © FABW / Fotografin:
Anja Fellerhoff
S. 5: rechte Spalte oben (Silvana Santamaria, Catalina Flórez) -
© Tanja Häring
S. 5: rechte Spalte Mitte (Lesung „Sommer“) -
© FABW / Fotograf: Zakarea Alsadi
S. 5: rechte Spalte unten (Caligari-Preis) -
© FABW / Fotografin: Valentina Boye
S. 6: Porträt Petra Olschowski - © Sabine Arndt 2018
S. 9, 11, 14: Porträts Albrecht Ade - © FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 15-19: Fotos Festwoche - © FABW / Fotograf*innen: Valentina Boye,
Zakarea Alsadi
S. 20: Porträt Jochen Kuhn – © privat
S. 22-24: © FABW / Nils Knoblich
S. 25: Jochen Kuhn mit Assistent*innen - © FABW /
Fotografin: Valentina Boye
S. 34: Akademiecampus - © FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 35: © Steven Appleby
S. 36: © FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 41: © FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 44: © FABW / ADK
S. 45: © FABW / Fotografin: Catharina Clausen
S. 50: © FABW / Bo Riedel-Petzold
S. 51: © FABW / Fotograf: Simon Spielmann
S. 54-57: © Steven Appleby
S. 57: Porträt Steven Appleby - © Jon Rennie
S. 62: Bild oben links - © FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 65: Porträt Michael Bohnenstingl - © privat
S. 66: © framelocker GmbH
S. 72: Foto oben - © Academy of Motion Picture Arts and Sciences
S. 72: Foto unten rechts – © Danny Moloshok/Moloshok Photography
S. 73: Oscar-Medaille Pascal Schelbli - © privat
S. 73: Online-Verleihung - © Academy of Motion Picture Arts and Sciences
S. 75: Foto unten links - © FABW / Fotografin: Dominique Brewing
S. 76: Porträt Isabella Braun (linke Spalte) - © privat
S. 78: Foto oben links - © framelocker GmbH
S. 78: Fotos Mitte rechts und unten - © Mitmalfilm/Uli Seis
S. 83-85: © kaleidoscube
S. 86: Porträt Ella Estrella Tischa Raetzer - © privat
S. 87: Porträt E. E. Tischa Raetzer und Aufnahmen der Installation -
© privat
S. 88-89: © FABW / Andreas Hykade
S. 93: © FABW / Nils Knoblich
S. 95: © Jimmy Zhang
S. 96: Foto oben - © Jacob Fliedner
S. 96: Foto unten - © Atelier Ludwigsburg-Paris
S. 97: © Nicolas Rochette
S. 98-99: © Atelier Ludwigsburg-Paris
S. 100: Foto oben - © Maxim Mukhamedov
S. 101: Profilbild Dr. Andreas Bareiss - © Robert Viglasky
S. 101: Profilbild Anna Guddat - © Robert Cibis
S. 101: Profilbild Fabian Gasmia - © DETAilFILM
S. 101: Weitere Profilbilder - © privat
S. 102: © Atelier Ludwigsburg-Paris
S. 104-105: © FABW / Nils Knoblich
S. 106: Foto links - © FABW / Fotograf: Guido Lukoschek
S. 107: Foto oben - © FABW / Fotograf: Wolfgang Kerber
S. 107: Foto unten - © FABW / Fotografin: Valentina Boye
S. 108: © FABW / Fotografin: Valentina Boye
S. 110: Foto rechts - © FABW / Fotograf: Guido Lukoschek
S. 112: Porträt Heidi Specogna - © Anne Morgenstern /
Insta@annemorgensternphoto
S. 114-119, 121: © Heidi Specogna
S. 120: © swiss films, Fotos by Module+
S. 122: © FABW / Fotograf: Andreas Fuchs
S. 123: © FABW / Florian Dittrich
S. 124-129: © Konstantin Flemig
S. 130, 133: © Tobias Winkel + Sina Diehl
S. 133: Porträt Nele Dehnenkamp - © Nils Stelte
S. 132: Foto oben - © Tobias Winkel + Sina Diehl
S. 132: Foto unten - © Nele Dehnenkamp
S. 135: Porträt Jens Klüber - © privat
S. 135: Porträt Julia Kovalenko - © Lillian Loveday Erlinger
S. 136: Porträt Boris Gromatzki - © Thomas Kraehahn
S. 140: Porträt Jürgen Klozenbücher, Heike Sperling, Alexander Hanowski -
© Jörg Kahlhöfer
S. 142, 145: Porträts Bernd-Siegfried Michalek -
© FABW / Fotografin: Anja Fellerhoff
S. 147: Fotos rechts und links unten - © Hugo Lenhardt
S. 150: Foto links - © Christina Mammes
S. 150: Foto rechts - © Sophie Rohm
S. 151: © FABW / Philip Henze
S. 152: Porträt Silvana Santamaria - © Tanja Häring
S. 152: Porträt Catalina Florez - © Tanja Häring
S. 154: © Theresa Schätzle
S. 155: © Soilfilms / Fotograf: Kais Barhoumi
S. 157: Foto oben - © Nicolas Ordoñez
S. 157: Foto unten - © Soilfilms
S. 159: © Soilfilms
S. 160: Fotos links - © Michael Kehr
S. 160: Fotos rechts - © Hugo Lenhardt
S. 162-163: © FABW / Fotograf: Zakarea Alsadi
S. 163: Cover „Sommer“ - © FABW / Gestaltung: Jay Wanigesinghe
S. 164: Foto oben links „Bevölkerungsschutz BW“ - © FABW
S. 164: Foto oben rechts „Jung und jüdisch in BW“ -
© OVIDFILM / Maximilian Höhnle
S. 164: Foto unten links „Bevölkerungsschutz BW“ - © FABW
S. 164: Weitere Fotos auf dieser Seite „Durchschaut“ - © Lucas Bruchhage
S.165: Foto oben „Jung und jüdisch in BW“ -
© OVIDFILM / Maximilian Höhnle
S.165: Foto unten „Jung und jüdisch in BW“ -
© OVIDFILM / Notker Mahr, Willi Kubica
S. 166-167: © FABW / Fotografin: Valentina Boye
Weitere Fotos: © Filmakademie Baden-Württemberg GmbH (FABW)

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