La Toscana - Dicembre 2012

TOSCANA
la
Pola Cecchi
abiti come opere d’arte
Carlo Berti
la potenza del colore
Bruno
Chiarini
l’eclettico sperimentatore
Le donne e i miti di
Monica Giarrè
Fiorenza
Alderighi
la poetessa che bacia le nuvole
Villa Gisella
il “buen retiro” di Enrico Caruso

Sommario
Sommario
dal pennello
al video digitale
9
Rodolfo Fracassi
10
La residenza di Enrico Caruso
diventa prestigiosa Rsa
16
18
Marzio Fiaschi
22
il parrucchiere che ha conquistato la Toscana
24
26
Bruno Chiarini
la pittura diventa protagonista
28
l’ideografismo contemporaneo
alla Fyr Gallery
CSO
4
Fiorenza Alderighi
poetessa amata... e premiata
6
8
12
14
20
Pier Nicola Ricciardelli
e la sua recente, grande mostra personale
31
Pola Cecchi
la creatività al potere
Monica Giarrè
L’arte, le donne e i miti
Longo
&Bartolini
Quando finanza ed etica
si incontrano
Cappellificio Cristianini
una tradizione toscana
Carlo Berti
e le sue icone pop
Villa Gisella
un’azienda 100% italiana
Liberarte
poesia a Sesto Fiorentino
Firenze Art Gallery
punto di riferimento per artisti
Sun Lian Gang
30
Artisti in Toscana
una nuova collana di libri
In un momento di drammatica
crisi dell’editoria, esce un nuovo
periodico.
Un segnale di speranza, un’incredibile
iniezione di fiducia in un futuro
che ancora appare nebuloso e senza
prospettive. Ma la voglia di andare
controtendenza di tanti giovani e validi
colleghi, forse inguaribili ottimisti,
che credono ancora nel giornalismo,
mi ha indotto ad accettare la
direzione di questa pubblicazione
che si rivolge soprattutto alla nostra
regione, alle sue realtà, ai personaggi
che la caratterizzano, alla sua
secolare tradizione e cultura.
Da sempre ho preferito i fatti ai
proclami e per questo lascio che a
parlare siano le pagine della rivista
che spero possano diventare punto di
riferimento e riflessione per i lettori e
momento di incontro e confronto fra
quanti vorranno contribuire ad arricchirlo
con i loro interventi che accoglieremo
senza alcuna preclusione.
Concludo questo breve saluto ai
lettori ringraziando pubblicamente
quanti, a vario titolo, hanno lavorato
a un progetto ambizioso che oggi
vede la sua realizzazione.
Fabrizio Borghini
la Toscana
Periodico di attualità, arte e cultura
dell’Associazione Toscana Cultura
Numero 0
Dicembre 2012
Direzione e Redazione:
Via Val di Chiana, 42
50127 Firenze
Direttore responsabile:
Fabrizio Borghini
Capo Redattore:
Leonardo Landi
Redazione:
Veronica Mura
Daniela Pronestì
Lorenzo Borghini
Duccio Ricciardelli
Samanta Monco
Stampa:
Nova Arti Grafiche srl
50058 Signa (FI)
3

Pola e il mito
dell’Atelier
GiuliaCarla
Cecchi
La creatività
al potere.
Abiti come
opere d’arte
Cura dei dettagli,
ricercatezza dei tessuti
e originalità del processo
realizzativo, ispirato
ai criteri di qualità ed
eccellenza propri del Made
in Italy, rendono le creazioni
della nota stilista dei pezzi
unici, fondati sul giusto
compromesso tra
comodità ed eleganza.
di Daniela Pronestì
Entrando nell’atelier GiuliaCarla
Cecchi in via Jacopo da Diacceto
a Firenze si comprende subito che
la storia di Pola Cecchi parte da
lontano e si sviluppa nel tempo unendo alla
passione per la moda, ereditata dalla madre
GiuliaCarla, fondatrice della maison e grande
firma dello stilismo internazionale, quella
per l’arte e la creatività a tutto tondo. È poco
più che adolescente quando inizia a dare
prova del suo innato senso del gusto e dello
stile realizzando preziosi ricami e piccoli
ciondoli gioiello per corredare la presentazione
degli abiti. Dopo aver affiancato per
qualche tempo il fratello Marzio (più grande
di lei di cinque anni) nella gestione dei contatti
della maison con il mercato internazio-
nale, a soli diciannove anni Pola assume un
ruolo centrale nell’amministrazione
dell’azienda di famiglia potendosi avvalere
delle sue spiccate doti organizzative. Non è
facile immaginarla così giovane e già così
capace di muoversi con destrezza in un settore
difficile come quello della moda, in cui
professionalità e competenza sono requisiti
indispensabili per essere conosciuti e apprezzati
negli ambienti che contano. Eppure
c’è riuscita, unendo all’attività creativa gli
incarichi gestionali, rendendosi artefice di
numerosi eventi che se da un lato dovevano
servire a rinsaldare il legame della casa di
moda con il territorio fiorentino, dall’altro
confermavano la credibilità che il marchio
aveva definitivamente conquistato non solo
in Italia ma anche all’estero. Nella prima
metà degli anni Novanta diventa presidente
del Consorzio Moda Donna, associazione
che riuniva diverse realtà produttive legate
al mondo della moda e del lusso con l’intento
di esaltare la grande tradizione manufatturiera
toscana e darle una rinnovata visibi-
4 Pola Cecchi

Pola Cecchi riceve il 58° Premio Caterina de’ Medici nel
Salone dei Cinquecento di Palazzo Vecchio
Sotto: Pola Cecchi nel giorno della sua laurea in
Economia il 18 ottobre 2012. Relatore della tesi la professoressa
Roberta Ferronato, correlatore il professor
Giovanni Pallanti.
lità. È sua l’idea di organizzare, in quegli
anni, una mostra dal titolo È donna Firenze
con lo scopo di proporre un’immagine femminile
ispirata al concetto di total look, in cui
nessun particolare era lasciato al caso ma
tutto rispondeva a criteri di eleganza e ricercatezza
dello stile, criteri che ben si riflettavano
anche nel modo di presentare le sfilate
in forma di tableaux vivants per sottolineare
il valore artistico degli abiti e degli accessori
proposti. La tragica morte del fratello Marzio,
architetto di fama internazionale, in un
incidente avvenuto nel 1990 a New York, segna
uno spartiacque nella vita della stilista
fiorentina, che da quel momento inizia a dividersi
tra il ruolo di madre di tre figli (Cesare,
Anita e Tommaso) e quello di imprenditrice a
tempo pieno non solo nella moda ma anche
nel design, assumendo la guida dell’azienda
Studio Most da lei creata nel 1965 per
realizzare i progetti del fratello e operante
ancora oggi nel settore dell’arredamento.
Donna versatile, tenace, dotata di grande
concretezza quanto di un indubbio talento
creativo, Pola ha saputo resistere agli urti
della vita sostenuta dal profondo amore
che la lega al suo lavoro e che le ha permesso
di tenere alto il pregio dell’eredità
artistica ricevuta dalla madre, senza limitarsi
a ripercorrerne le orme ma riuscendo
a farsi conoscere e stimare dal pubblico
dell’alta moda con uno stile che caratterizza
le sue creazioni e le rende uniche. La
cura dei dettagli, la ricercatezza dei tessuti
e l’originalità del processo realizzativo,
ispirato ai criteri di qualità ed eccellenza
propri del Made in Italy, rendono i suoi abiti
vere e proprie opere d’arte che non sacrificano
la vestibilità in nome dello stile,
come spesso accade nella haute couture,
ma si fondano sul giusto compromesso tra
comodità ed eleganza. “Il vestito non deve
coprire il corpo della donna, ma interpretare
le sue esigenze e farla sentire a proprio
agio” afferma la creativa fiorentina, che è
solita ideare i suoi vestiti non a partire da
uno schizzo ma combinando i tessuti direttamente
sui manichini e affidando poi alle
sue collaboratrici il compito di occuparsi
dell’esecuzione sartoriale. Fantasia ed ironia
convivono nei copricapo e nei gioelli
che già da qualche anno rientrano tra le
proposte della maison e che raccontano
della passione di Pola per l’uso di materiali
poveri come l’acciaio armonico e il plexiglass
nobilitati con l’aggiunta di perle e
pietre preziose. Un altro modo per dare forma
alla sua incontenibile creatività e per
esaltare il valore del “pezzo unico” che
ogni donna vorrebbe poter indossare. E
come se non bastasse, ad arricchire il suo
bagaglio esperienziale e di vita si aggiungono
le cene di gala organizzate per beneficienza
- l’ultima il 10 novembre al Museo
di Orsanmichele per la raccolta fondi
dell’Ant - le onorificenze (Premio Le Muse
2007, Premio Il cenacolo della cultura
2006) ricevute negli anni quali riconoscimenti
al suo lavoro e il traguardo della
laurea in Economia e Commercio ottenuta
lo scorso ottobre all’Università di Firenze.
Un’altra sfida vinta per questa donna straordinaria
e piena di risorse, il cui nome è
legato ad uno degli episodi più importanti
nella storia della moda italiana.
La storia
L’atelier è uno dei marchi di moda più longevi
e apprezzati del Made in Italy, una griffe
storica che si è imposta a livello
internazionale partendo da una piccola realtà
artigianale. Fondatrice della maison
GiuliaCarla Cecchi (1913 -2005) figlia di un
fabbricante di cappelli di paglia che aveva
ricevuto dal Comune di Campi Bisenzio la
medaglia d’oro al lavoro per l’esportazione
dei famosi “canotti” (copricapo in paglia da
uomo) in America e di una casalinga.
GiuliaCarla ebbe un’infanzia tranquilla, ma
neanche ventenne, la perdita del padre
cambiò la sua vita: la fabbrica del padre
(Cappelli di Firenze) chiuse e GiuliaCarla
dovette inventarsi un lavoro. Fu la titolare
della sartoria Cappuccini di Firenze ad offrirle
un periodo di apprendistato nel suo atelier.
È così che GiuliaCarla scopre la passione per
la moda che diventerà la sua attività. In breve
tempo mise su una sartoria. Carla si recava a
Parigi a comprare i modelli mettendo in luce
fin da subito una grande capacità
imprenditoriale. Nel 1970 la svolta: la sua
collezione viene presentata a Pitti. Diventa
sua cliente la prestigiosa Sara Fredericks che
la lancia sul mercato americano. Viene
scoperta dalla signora Takada di Tokyo che le
apre il mercato giapponese. Grazie al boom
dei paesi arabi, negli anni Settanta
GiuliaCarla trova consensi anche nelle regge
dei petrolieri. Parigi e Londra si interessano,
dopo averla ignorata per anni, alla moda
italiana e si trovano vestiti di GiuliaCarla
nelle boutiques più esclusive di Knightsbridge
e di Fouburg. La maison ha sempre
mantenuto una lavorazione artigianale
avvalendosi di mani espertissime e
consolidandosi negli anni come una delle
firme più apprezzate nel circuito della moda
italiana e internazionale.
Pola Cecchi 5

Monica
Giarrè
L’arte,
le donne
e i miti
Viaggio attraverso le opere dell’artista,
che ci offrono un mondo articolato
dove i richiami ai grandi della storia
dell’arte dell’Ottocento e del Novecento
si uniscono agli echi della sua vita
quotidiana e alla comprensione
dell’universo femminile
di Samanta Monco
Diana
Calici
Ciò che agisce nei processi creativi spesso è
un intricato vortice fatto di ricordi, cultura,
emozioni, stimoli e interessi dal quale emergono
gli elementi che formulano l’essenza di
un’opera e che ne determinano la realizzazione. Probabilmente
il fascino di un’opera nasce da queste connessioni
oltre che dal talento dell’artista. Monica Giarrè di talento
ne ha e la sua attività pittorica intriga e suscita grande
interesse, per questo, per comprendere la sua identità
artistica, ci accostiamo alle sue opere per analizzarle e
individuare ciò che più le caratterizza. Le tele ci offrono
un mondo articolato dove i richiami ai grandi della storia
dell’arte dell’Ottocento e del Novecento si uniscono agli
echi della sua vita quotidiana fatta di affetti, ideali e riflessioni
che riguardano soprattutto il mondo femminile
e i suoi complessi stati emotivi.
L’artista nel corso della sua attività ha dato prova di una
grande vivacità espressiva che le ha permesso di innovarsi
nei temi e di progredire in una continua ricerca stilistica.
Pittrice da sempre, ha inizialmente rivolto il suo interesse
a soggetti di paesaggio e di nature morte, mentre
l’introduzione della figura umana risale a tempi piuttosto
recenti e testimonia un nuovo amore per il corpo delle
donne che viene ad assumere particolare rilievo come
emblema di una di femminilità viva e libera.
Dal punto di vista stilistico, ripercorrendone l’evoluzione,
si nota un persistente interesse per uno dei momenti più
significativi della storia dell’arte, cioè quello che va dalle
riflessioni di Paul Cèzanne sulle forme fino alle scomposizione
dei piani dei cubisti, soprattutto quelle di Georges
6 Monica Giarrè

Braque. Già dai suoi primi dipinti a olio
la Giarrè dichiara l’ammirazione per le
opere di Cèzanne, il quale per anni rimarrà
come un riferimento fondante.
Non a caso, nei toni e nei contorni nodosi
delle suoi primi lavori si ritrovano
i riflessi del grande maestro francese
e, qualche anno più tardi, come in una
lezione imparata ma applicata con
grado, Monica Giarrè propone nella
frutta e nelle sue nature morte la stessa
meditazione sulle forme che portò
Cézanne a riflettere sui ribaltamenti
dei piani e sui solidi geometrici creando
una base per la rivoluzione cubista.
Questo debito culturale continua
a permanere nelle opere dell’artista
anche dopo l’elaborazione di un linguaggio
più personale basato su temi
Insieme
sospeso intorno al 2008, si nota un
ritorno alla morbidezza delle forme
mentre i colori, che mantengono una
gamma cromatica scarna e raffinata,
qui si fondono in impasti burrosi come
le carni dei corpi. Si comprende come
quest’ultimo percorso figurativo coinvolga
pienamente l’artista ed è anche
per questo che risulta essere molto
promettente. Con grande interesse ne
attenderemo i risultati che certamente
non mancheranno di svelarci qualcosa
di profondamente vero sull’ universo
intricato della vita delle donne.
Beatrice
intimi, ed è visibile un chiaro tributo
a Braque nella razionalizzazione dei
piani spezzati e riordinati.
L’immaginario figurativo di Monica non
si esaurisce nei riferimenti storico-artistici,
c’è molto di personale in quello
che racconta con i suoi dipinti. Ad
esempio, i forti legami affettivi con i
suoi animali domestici, compagni fidati
delle lunghe e silenziose giornate di
fronte al cavalletto, che sono testimo-
niati insieme ai molteplici richiami alla
vita quotidiana dati dai calici, dalla frutta
e dai fiori (presenze immancabili sui
tavoli della casa fiorentina dell’artista).
Sulla riscoperta della figura femminile
si è incentrata l’ultima attività di Monica
Giarrè. Di grande interesse è la
produzione degli ultimi due anni ispirata
alle figure mitologiche ha portato
all’elaborazione di uno studio dedicato
alla donna conclusosi con una esposizione
temporanea di grande successo
al Museo Archeologico di Fiesole nel
febbraio 2012. L’artista, attraverso
un’interpretazione in chiave psicologica
di Dafne, Aracne, Diana, fino a giungere
alla dantesca Beatrice, ha offerto una
lettura del mondo emotivo femminile
mostrando in questi soggetti di volta in
volta la forza, il carattere, la sensualità
ma anche la complessità di queste donne.
Proprio in queste opere si definisce
una tavolozza brillante, ricercatissima
nei colori, che si sposa con un stile
asciutto in cui si privilegiano i contorni
marcati e le campiture che ricordano vagamente
la Pop Art americana.
Da una visita al suo studio, osservando
gli ultimi lavori, si apprende che
l’interesse per il corpo delle donne è
ancora vivo ma ha trovato una nuova
frontiera espressiva. Recuperando lo
studio sul nudo che aveva lasciato in
MonicaGiarrè
È nata nel 1961 a Tosi, luogo con il
quale mantiene un profondo legame
affettivo. Dagli anni Ottanta vive ed
opera a Firenze.
La sua carriera è stata segnata da molte
occasioni espositive personali e collettive
e da importanti riconoscimenti.
Tra questi ricordiamo la mostra del
2001 al Palagio di Parte Guelfa a Firenze
come la prima personale dell’artista,
e quella al Museo Archeologico
di Fiesole nel febbraio 2012 che ha decretato
un importante traguardo anche
dal punto di vista artistico, grazie alla
serie dei miti.
Monica Giarrè
7

di Leonardo Landi
L’esiliata
in città a cui
piace baciare
le nuvole
Fiorenza Alderighi
empolese di nascita e fiorentina
d’adozione, è una delle poetesse
più apprezzate del panorama nazionale.
Ci racconta la sua vita,
contrassegnata dalla innata
voglia di volare con la fantasia
La passione, l’amore per tutto quello che fa, le si legge
negli occhi. Insieme ad un briciolo di sofferenza che
solca il suo bel volto fortemente espressivo e segnato
dalla vita. Una vita carica di esperienze, molte positive
e ricche di soddisfazioni, altre negative, ma che le sono servite per
arrivare fino ad oggi in forma ed apprezzata nell’ambiente letterario
toscano e non solo. Fiorenza Alderighi, nata a Monterappoli, in
piena Valdelsa, cresciuta ad Empoli e trasferita da tempo a Firenze,
è una delle più apprezzate poetesse del panorama nazionale,
come testimoniano i 110 riconoscimenti conseguiti qua e là per
l’Italia. “Ogni tanto mi arrivano premi – racconta – e non ricordo
nemmeno come e quando vi avessi partecipato”. Cresciuta in una
famiglia modesta, umile, anche se di origini aristocratiche, fin da
piccola è stata considerata una “diversa”, e per questo emarginata,
rimproverata, derisa. “Ero una bambina cui piaceva baciare le
nuvole e le foglie, mentre i miei erano persone con i piedi ben
piantati per terra, che avevano dalla loro una forte dose di saggezza
che si scontrava talvolta con i miei voli di fantasia”. Fiorenza ha
visto con i propri occhi le ferite impartite dalla guerra, e per una
come lei, nata libera, con un cervello artistico seppur razionale,
tutto ciò rappresentò un trauma. Di formazione classica (“alle elementari
le suore mi facevano leggere i temi in pubblico e non credevano
che li avessi scritti io”) ha lasciato da parte, forse anche
per mancanza di tempo e spazio, i numeri e la matematica. Ha
cresciuto praticamente da sola i suoi due figli, svolgendo anche
lavori umili (“tranne la prostituzione, io non mi vendo, semmai mi
regalo”). Ma questo non le ha impedito di scrivere una decina di
libri, cantare da 20 anni in un coro fiorentino, organizzare eventi e
feste, mettere in piedi spettacoli di successo, con il suo gruppo di
lavoro, basati sulle sue poesie e sulle sue canzoni. Pur non cono-
scendo la musica infatti, adora scrivere canzoni e musicare poesie. Fiorenza
è stata la prima donna a tradurre dal latino “Il Cantico dei Cantici”,
ed alcune sue poesie sono state scelte per rappresentare l’8 marzo
a Firenze, altre sono state lette al convegno mondiale delle donne svoltosi
a Pechino nel 1994. Nel 1997 ha ottenuto il premio speciale per la
Pace promosso dall’Assessorato alla cultura del Comune di Roma. Nel
gennaio 2003 è stata nominata in Campidoglio “Operatrice di Pace” e
socia honoris causa dell’Ateneo Europeo di Poetiche. “L’ultima grande
soddisfazione in ordine di tempo – racconta ancora un’emozionata Fiorenza
Alderighi – è stata nel settembre scorso aver avuto la possibilità
di presentare il mio ultimo libro in Palazzo Vecchio alla presenza dei
presidenti dei consigli comunali di Firenze e Scandicci Eugenio Giani e
Fausto Merlotti”. Ma nella sua carriera di scrittrice e poetessa ha ricevuto
anche recensioni speciali, come quella di Mario Luzi che l’ha definita
“poetessa di mente e di cuore”. Confida poi che il suo libro più
bello sarà il prossimo, tutto incentrato sui sentimenti, e che uscirà nella
primavera 2013. “Non sto mai ferma un minuto – si descrive – mi sveglio
presto e inizio a scrivere. Scrivo molto, perché adoro farlo. Poi vado
a lavorare, faccio la spesa, tengo in ordine la casa, sistemo e curo i miei
splendidi fiori, insomma mi dedico alla vita a tutto tondo. Mi considero
un’esiliata in città, ma sono un tipo da campi e da boschi. Ho sempre
grandi desideri e mi accontento di poco, ho ricevuto grandi legnate dalla
vita e forse per questo cerco sempre il lato positivo delle persone e
soprattutto di non far del male a nessuno. Ho imparato che la gratitudine
non esiste, e che le persone cercano sempre il proprio rendiconto. Io
cerco invece, se posso, di ragionare ed agire con l’intelligenza del cuore.
E di lasciare le persone con cui parlo più felici di quando le ho incontrate”.
Parole che descrivono perfettamente Fiorenza Alderighi per
quello che è, ovvero un’adorabile, ed instancabile, lavoratrice e sognatrice.
O, come dice lei, una perfetta compagna di vita.
8
8 Fiorenza Alderighi

Cinema d’artista a Firenze
Longo e Bartolini
dal pennello al video digitale
di Duccio Ricciardelli
Anche Firenze, come Berlino
e Londra, ha la sua
scena sperimentale legata
ai nuovi linguaggi
della video arte. Artisti digitali e
nuovi guru del cinema d’artista contemporaneo
sono spesso nascosti e
non si espongono volentieri a stampa
e televisioni. Dunque sono venuto
a scovare Marco Bartolini e Luca
Longo proprio nella loro fucina creativa,
una piccola villetta a due piani
alla Nave a Rovezzano, uno studio a pochi passi dall’Arno, poco lontano dall’acqua e
dagli argini del fiume, soggetti principali del loro percorso attraverso il video underground.
Sembra di entrare nella factory di Andy Warhol, nel laboratorio ci sono computer,
sintetizzatori, proiettori in Super 8 e bobine di ogni tipo. Bartolini e Longo formano
da qualche anno un duo creativo di artisti visuali e musicisti sempre alla ricerca di nuovi
stimoli di stile e di
contenuto. Bartolini,
classe 1978, è
un pittore ed artista
video che ha
deciso di abbandonare
la tela tradizionale
per dipingere
con la video
camera e il montaggio
di immagini
digitali, è un maestro
della color correction
e della video pittura. Anche Longo, nato nel 1977, ha una formazione di pittore
all’Accademia delle Belle Arti di Firenze ma lascia ben presto i pennelli per gettarsi in
una ricerca appassionata sulla musica ambientale ed elettronica. I suoi riferimenti musicali
principali sono Brian Eno e la musica minimalista americana e, campionando su un
hard disk dei suoni di acqua registrati proprio in riva all’Arno, mi dice: “La mia ispirazione
maggiore, parlando di musica in quanto termine impiegato a rappresentare un sistema
di suoni organizzati, deriva maggiormente
dal caso o dalla necessita’
di interpretare il meno possibile un
soggetto, qualunque esso sia”. Siamo
nel campo della musica concreta
e dell’informale sonoro, ma la musica
di Luca andrebbe più ascoltata in
5.1 che descritta su carta. Insieme a
Bartolini costituiscono un sodalizio
audio - video che produce piccoli capolavori
di video arte come “Maelstrom”,
ispirato al racconto di Edgar
Allan Poe, un lavoro costruito sulla liquefazione
del colore in bacinelle di acqua in
un contenitore di granito o come “Pierrot
Lunaire” un esperimento di video teatro,
tra la danza e la performance. I due artisti
lavorano sulla contaminazione dei generi,
non utilizzano la sceneggiatura e lasciano
il soggetto del film in secondo piano per
valorizzare gli aspetti coloristici, musicali
e plastici dello schermo. Altra piccola perla
da segnalare “L’Io” sulle ossessioni della
psicoanalisi junghiana e le dipendenze
affettive. Il Quartiere 3 di Firenze sta appoggiando
il loro lavoro, infatti nel corso
del 2013 avremo la possibilità di vedere di
nuovo in azione i due in laboratori e performance
legati all’ambiente e al suono della
nostra città. Per contatti 3493699751.
I nuovi
linguaggi della
video arte
interpretati da
due giovani
sperimentatori,
che conservano
la propria
fucina creativa
alla Nave a
Rovezzano
Cinema d’artista a Firenze 9

di Fabrizio Borghini
la finanza
come strumento di
solidarietà
Rodolfo Fracassi
dall’economia di carta a quella sociale
Venerdi 23 novembre nella Sala d’Arme di Palazzo Vecchio si è
tenuto l’interessante convegno “Strategie per la sostenibilità e
l’innovazione” promosso dalla sezione Firenze Centro della Fidapabpw-Italy
in collaborazione con Banca Fideuram.
La manifestazione ha rappresentato un’imperdibile occasione per effettuare
considerazioni su un tema che è sempre più fondamentale nell’attuale
assetto delle relazioni economiche: la finanza come strumento di solidarietà
ed eticità.
Uno degli interventi più significativi è stato quello di Rodolfo Fracassi, Director
e co-fondatore di MainStreet Partners, laureato all’Università Bocconi
di Milano, Chartered Analyst, membro dell’Italian CFA Society, della
UK CFA Society, del Microfinance UK Club e membro del board della Pettinatura
di Lane in Vercelli Spa.
Al termine dei lavori ci ha gentilmente concesso un’intervista esclusiva
per i nostri lettori.
D - Quando è nata la MainStreet Partners e con quali finalità
R - È stata fondata nel 2008 da me e da un mio ex collega di una banca
d’investimento, la Goldman Sachs, dove lavoravo come Executive Director.
D - In pratica che mansioni svolgeva
R - Ero incaricato di sviluppare nuove opportunità di business con investi-
Un momento del convegno nella Sala d’Arme di Palazzo Vecchio
10 Rodolfo Fracassi

tori istituzionali e distributori in diversi paesi
europei, con focus specifico sui prodotti di risparmio
gestito.
D - Com’era arrivato a quell’importante incarico
R - In precedenza ne avevo uno simile presso la
Franklin Templeton Investments dove ero co-responsabile
del dipartimento istituzionale. Ma ho
lavorato anche presso Salomon Smith Barney in
qualità di Derivates Sales e presso l’Italian Trade
Commission di Hong Kong come Market Analyst.
D - Perché avete deciso di lasciare quel tipo di
finanza all’apice del vostro successo professionale
R - Abbiamo scelto di cambiare vita e lasciare
quell’ambiente, quello della finanza di carta seguendo
un’idea nuova e alternativa e così ci
siamo associati e abbiamo creato MainStreet
che letteralmente significa la strada principale,
in gergo la via maestra dell’economia reale.
D - Cosa intende per economia reale
R - Ci piaceva portare la finanza a fare le cose
vere, che si occupasse di finanza vera, di finanza
sociale.
D - Cosa non vi piaceva della finanza di carta
R - Che andasse per conto suo a fare i suoi interessi
staccata dalle sorti del mondo e non preoccupandosene
minimamente.
D - Cos’è per lei la finanza
R - Per me è il motore del mondo. La finanza è
indispensabile perché le fabbriche producano
beni, perché i beni vengano mossi cioè comprati
e venduti.
D - I media hanno dato ampio risalto alla vostra
scelta esistenziale e professionale. Pensate che
altri colleghi seguiranno il vostro esempio
R - La nostra è stata una scelta innanzitutto culturale
che è nata da un rifiuto della finanza cinica
Il tavolo della presidenza durante i lavori
che può cambiare solo per volontà di chi vi opera.
Nessuno, se non noi stessi, può mettere dei
paletti alla finanza. Anche se ci provassero le
leggi e i governi, qualcuno troverebbe immancabilmente
la via per aggirarli. Quindi questa rivoluzione
deve essere promossa dall’interno; noi
operatori del settore dobbiamo sensibilizzare gli
investitori convincendoli che bisogna andare
oltre e creare una finanza vera, reale, sociale
che deve avere un ruolo chiave utile al sistema.
D - Che ruolo può avere in tutto questo la politica
R - La politica ha il dovere di tutelare e utilizzare
la finanza nel modo giusto, farla tornare a dare
una chance a chi ne ha bisogno, a finanziare le
imprese e a dare nuovo impulso all’economia.
Rodolfo Fracassi insieme alla presidente della sezione Firenze Centro della Fidapabpw-Italy Agata Petrone ed altri convegnisti
D - Come vengono individuati i vostri
interventi che coniugano finanza
ed etica
R - Questo è essenzialmente il nostro
lavoro. Abbiamo un network,
una rete di partners a livello mondiale
che possono essere piccole
banche locali o fondi d’investimento
che ci permettono di avere
un’operatività a raggera e di investire
nel microcredito, nel commercio
equo e solidale, nelle energie
rinnovabili portando, in questo
modo, sviluppo sociale e tutela
ambientale pur mantenendo un
rendimento finanziario.
D - Durante il convegno di oggi, con
Banca Fideuram avete presentato
un nuovo prodotto d’investimento
nel segno della diversificazione e
della sicurezza che verrà proposto
ai risparmiatori. In cosa consiste
R - Avevamo da tempo un contatto
con la Banca Fideuram e negli ultimi
due anni abbiamo lavorato al
lancio di un prodotto, il Fonditalia
Ethical Investment, che permette ai
loro clienti di investire nella finanza
sostenibile che riesce a produrre un
benessere diffuso nei paesi in via di
sviluppo e nelle economie meritevoli
perché impegnate su progetti a
valenza etica. È un prodotto veramente
etico, utile, in linea con la finanza
buona e migliore che coniuga
la ricerca di stabilità del portafoglio
e di ottimizzazione del rapporto rischio-rendimento
con considerazioni
di carattere sociale e ambientale.
Rodolfo Fracassi 11

La sfida lanciata
dal Cappellificio
Cristianini,
dal 1919
un’istituzione
a Signa
Qualità
artigianalità
tradizione
Chi rischia,
vince
di Leonardo Landi
In un’epoca di crisi della piccola-media industria, di delocalizzazioni,
di ricerca del massimo profitto possibile, a volte a
discapito della qualità, il cappellificio Cristianini di Signa rappresenta
una piacevole eccezione. La crisi, per carità, si sente,
eccome. Ma la famiglia che da sempre è al timone della quasi
centenaria azienda ha sempre fatto scelte diverse, per certi versi
più difficili, ma che possano garantire un’immutata qualità dei prodotti
offerti. I prodromi di quella che oggi è la Cristianini srl possono
essere fatti risalire addirittura al 1919, quando il nonno degli attuali
proprietari, insieme ad altri due soci, dette vita ad una piccola
ditta che produceva i tradizionali cappelli di paglia fiorentini, specializzandosi
fin da subito in copricapo eleganti da pomeriggio per
signore. All’epoca infatti le donne borghesi ed aristocratiche fiorentine
vedevano nel cappello un accessorio assolutamente indispensabile,
da indossare durante le passeggiate in città o i giri in carrozza.
Il centro di produzione, dopo essere stato inizialmente in centro
a Signa, venne spostato nell’attuale sede di via Cavalcanti. Una
sede che oggi è considerata a tutti gli effetti storica, anche se ovviamente
nel corso degli anni si è ingrandita inglobando nuovi fondi
attigui. “L’edificio è senza dubbio molto antico - racconta Roberto
Cristianini - basti pensare che due dei locali che utilizziamo erano
nell’800 delle rimesse per le barche utilizzate dai barcaioli dell’Arno”.
L’azienda nella sua concezione più moderna nasce di fatto
nel 1958, quando il testimone passò nelle mani di Livio Cristianini,
che insieme alla moglie dette una svolta epocale al cappellificio,
rendendolo un’impresa moderna ed all’avanguardia. Fu proprio
la signora Cristianini ad avere l’intuizione decisiva: capì
infatti la necessità di collaborare e di creare così una joint-venture
con i negozi che vendevano abiti da sposa. Ecco così la specializzazione
in cappelli, veli, ornamenti floreali, guanti, acconciature,
spilloni e tutti i vari accessori da abbinare ai vestiti da sposa.
In questo modo l’azienda Cristianini diventò un punto di riferimento
per tutto l’indotto. Ovviamente, in parallelo, continuava
12 Cappellificio Cristianini

soddisfazione. Un modo di lavorare che non prevede ad esempio la consulenza
di stilisti. “La creatività – commenta soddisfatto Cristianini - ce la mettiamo
noi, non rinunciando certo a creazioni dalle linee ricercate. Tra ottobre e
novembre allestiamo la nuova collezione di base, in modo che i nostri clienti,
anche stranieri, possano valutarla con calma”. Una produzione che profuma
di antico, di un passato che è bello sapere che resiste in alcune nicchie della
nostra piccola-media industria. Basti pensare che le uniche macchine che
vengono utilizzate dai Cristianini sono una pressa per i cappelli e le imprescindibili
macchine per cucire. Tutto il resto, è fatto a mano, con sapienza
antica che si tramanda da quasi cento anni. Ma per cosa si caratterizza un
oggetto uscito dall’azienda di via Cavalcanti “Semplice - illustra Roberto - la
nostra riconoscibilità si basa su esclusività e personalità spiccata del prodotto.
La Toscana è la culla della creatività da sempre, ed è un peccato vedere
che proprio da noi questa connotazione artigianale sia andata persa o quasi.
Noi, come alcuni altri piccoli imprenditori, ci sentiamo Davide contro Golia,
dovendoci scontrare quotidianamente con dei colossi che puntano sulla
quantità e meno sulla qualità. E sono persino avvantaggiati dalle scelte politiche
ed economiche che sono state fatte negli ultimi decenni”. La crisi, che
incessantemente la produzione dei tradizionali cappelli
da donna da passeggio. Un prodotto che, passando attraverso
molteplici varianti e mode, non è mai tramontato
definitivamente. Il vero e proprio boom di vendita di accessori
da sposa continuò sino alla fine degli anni ‘80, a
cui seguì una logica ma inesorabile flessione. Attualmente
il prodotto che va per la maggiore è un cappello
decisamente più sportivo, sempre da passeggio, buono
per la stagione invernale. Già da qualche anno a capo
dell’azienda c’è la terza generazione dei Cristianini, che
ha contribuito in maniera decisiva all’esportazione verso
l’estero dei propri prodotti. Le manifatture “Made in Signa”
si sono fatte conoscere in quasi tutta Europa, ma
anche in Giappone e negli Stati Uniti. Nonostante queste
escursioni fuori Italia, l’azienda Cristianini ha sempre
mantenuto un’impostazione 100% familiare e totalmente
artigianale. E questo è un motivo di grande vanto e
si è fatta pungente dal 2008 in poi, ha costretto i Cristianini ad adeguarsi,
percorrendo la strada delle collaborazioni con aziende affini
in modo da poter continuare ad avere un posizionamento importante
sul mercato. Una scelta strategica che ha pagato, insieme a quella,
rischiosa, di percorrere la strada dell’assoluta artigianalità. Infatti
la mole di lavoro non si è troppo affievolita, nonostante tutto. E
di questi tempi non è poco. Lo sa bene chi tenta di galleggiare con
le proprie aziende facendo i salti mortali tra il calo del volume d’affari
dovuto alla congiuntura economica ed un’eccessiva fiscalità
che strozza l’imprenditoria locale. Alla fine però, chi punta deciso e
senza indugi sulla qualità, mantenendo anima e cuore nel paese
originario, quando invece la logica suggerirebbe di spostare il business
altrove, viene premiato. Il cappellificio Cristianini può contare
su una decina di dipendenti, che con lo stesso spirito di buon gusto
e di eccellenza delle origini creano collezioni da sposa e cappelli,
utilizzando tessuti di qualità come raso, crêpe, sete e merletti. Montati
pazientemente con ago e filo dalle cucitrici e dalle modiste specializzate.
Le più recenti collezioni includono i veli con i bordi ed il
ricamo ricchi di merletto, così come i fiori ricamati a mano ed altri
ornamenti, oltre che i cappelli da sposa ed altri articoli da nozze.
Ogni stagione inoltre include gli stili per le occasioni eleganti, facendo
attenzione in particolar modo ai materiali ed ai colori utilizzati,
in base sempre alle tendenze che suggerisce la moda
Cappellificio Cristianini
13

Carlo Berti
la potenza
del colore esaltata
dalle icone pop
di Daniela Pronestì
Ha negli occhi una luce particolare mentre, seduti ad
un tavolo delle Giubbe Rosse, spiega le ragioni che
hanno ispirato i suoi ultimi lavori dedicati alle icone
del cinema, della musica e dello spettacolo che
l’hanno accompagnato nella prima fase della giovinezza.
Di strada Carlo Berti ne ha fatta tanta, e oggi che ha quarant’anni
raccoglie le fila di un percorso che nel tempo l’ha visto
crescere artisticamente e maturare un lessico pittorico sempre più
incentrato sulla potenza costruttiva del colore. A guidarlo fin dagli
esordi nell’ambito della figurazione e del paesaggismo di tradizione
toscana, è sempre stato un amore per l’arte intesa come ricerca di un
sistema di valori formali che pur nutrendosi delle suggestioni derivate
dalle esperienze delle avanguardie nel secolo scorso, si caratterizza
per l’originalità con cui riconsidera il rapporto tra colore e disegno,
sfondo e figura, componendoli
in una rinnovata
sintesi visiva.
Una pittura, la sua,
che nasce e si sviluppa
nel segno della
sperimentazione e
della necessità di
spingersi oltre gli
steccati del “già visto”
e del “già fatto”
- cosa non facile in
quest’ambito - per
approdare invece ad
un linguaggio che
identifica l’artista e
lo rende riconoscibile.
Con questa sfida
nel cuore, Carlo è andato
avanti negli
Claudia Schiffer
anni senza temere ma affrontando la fatica del fare pittura tentando
strade nuove, tortuose, perché attraversate da ripensamenti e deviazioni
improvvise, difficili, perché richiedono spesso il coraggio di
mettere in discussione, totalmente e senza sconti, le proprie certezze,
verificandole, evidenziandone i limiti e ristabilendole su presupposti
più radicati e profondi. È da un’operazione di questo tipo che ha
origine la galleria di ritratti dei grandi divi degli anni Ottanta che
Gianna Nannini
Il quarantenne artista
cresciuto in Mugello
si conferma tra i pittori
più originali ed
interessanti dell’arte
contemporanea toscana.
Ecco i suoi ultimi lavori,
dedicati ai divi
del cinema, della musica
e dello spettacolo che
l’hanno accompagnato
in gioventù
14 Carlo Berti

Moana Pozzi
Patty Smith
George Michael
Francesco Nuti
l’artista fiorentino ha realizzato per ricordare i “miti”
fondativi della sua gioventù ma anche, e forse soprattutto,
per fermare sulla tela gli esiti più recenti
della sua ricerca che punta su di una complessa
strutturazione cromatica del racconto pittorico per
sostenere e consolidare la costruzione dell’immagine
e la dinamica spaziale. Circoscritto in un reticolato
geometrico o entro forme circolari da esso stesso
generate, esaltato nel vortice di andamenti curvilinei,
ellittici e parabolici oppure steso in una configurazione
ordinata di linee oblique o ondulate che
suggeriscono l’effetto di un movimento regolare,
fluido e scorrevole, il colore vive di vita propria, affrancato
com’è da ogni funzione iconica e vincolo
rappresentativo. Non si sovrappone alla figura, ma
la fa vibrare scomponendola in un mosaico di armonie
e di contrappunti che esplorano la superficie senza
negare la profondità dell’immagine. Leggerezza e
solidità di concezione convivono all’interno del quadro
fissando i termini di una vera e propria tenzone
tra segno grafico e colore, il primo tracciando i profili
e i contorni figurali, il secondo intervenendo a
smorzare la staticità e la frontalità del soggetto frantumandola
in un ritmo di contrasti tonali e luministici
da cui dipende il dinamismo della composizione. Dinamismo
espresso non come fatto reale, ma condizione
che allontana le figure in una dimensione protratta
al di là del tempo e dello spazio, che le rende
“immortali”, sottolineando così il loro status di icone
intramontabili della nostra epoca. C’è una logica che
guida la disposizione dei colori e che alterna ai toni
chiari dell’immagine la griglia dei toni scuri di superficie,
come se lo scopo fosse invitare lo sguardo
dell’osservatore a spingersi oltre la bidimensionalità
del supporto e perdersi nella profondità illimitata
dello spazio dipinto. A volte la figura sembra voler
schizzare fuori dalla realtà in cui l’artista l’ha collocata
emergendo dal fondo per acquistare un nuovo
risalto, altre volte i profili ci appaiono simili ad isole
dalle coste frastagliate o a veri e propri arcipelaghi
tracciati su improbabili cartine geografiche. In certi
casi la materia cromatica si ispessisce per mitigare
la trasparenza del tessuto pittorico e renderla cangiante
attraverso una sottile patina di colore - spesso
il bianco - che accentua i punti di luce, in altri
l’uso di sabbie e di resine consente all’artista di
sfruttare la granulosità e il rilievo dato alla figura per
creare un’illusione percettiva che induca l’osservatore
a riconoscere il profilo della persona ritratta - il
grande attore hollywoodiano Marlon Brando, ad
esempio - nel contrasto con lo sfondo scuro. Tra reminescenze
dell’Orfismo di Robert Delaunay, da cui
trae il senso del colore ma non i significati cosmici e
la declinazione spirituale, e accenti che l’avvicinano
all’arte americana degli anni Sessanta, tra Pop e Minimal
Art, la teoria cromatica messa a punto da Carlo
Berti si avvia ad essere un sistema versatile adatto
a più supporti e soluzioni espressive, un sistema
che ad oggi lo rende tra i pittori più originali ed interessanti
nell’arte contemporanea in Toscana.
Carlo
BERTI
Nasce a Firenze nel 1972 ma cresce fra
le colline del Mugello dove l’ambiente
rurale e bucolico forgia da subito il suo
gusto artistico. Tale vena trova espressione
nelle prime opere giovanili che
raccontano episodi della sua adolescenza
e la sua passione per i cavalli.
Frequenta i pittori mugellani da cui
apprende la pittura classica di maniera.
Le esperienze personali lo portano a
vivere a Firenze dove frequenta la scuola
di pittura francese “Martenot”. Qui
l’artista compie il salto di qualità ed
inizia a presentare le sue opere al
pubblico collaborando con le piu’
importanti gallerie fiorentine. L’anno
della maturità artistica è il 2010 che lo
vede protagonista di numerosi eventi
espositivi tra cui una mostra personale
alla “Capponcina” di Settignano. Nel
2012 quattro importanti mostre, di cui tre
personali - Galleria “Il Salotto Atelier” a
Fiesole, Palazzo Bastogi sede del
Consiglo Regionale della Toscana, Caffè
Storico Lettarario Giubbe Rosse dove
presenta “I divi dei miei prima 40 anni +
te” - e una collettiva a Parigi, presso il
Carouselle du Louvre, a cui partecipa con
quattro opere inedite.
Carlo Berti
15

Villa Gisella
Nel cuore verde
di Firenze
la villa amata
da Enrico Caruso
di Leonardo Landi
La lunga e suggestiva
storia di Villa Gisella,
da 50 anni prestigiosa
residenza per anziani
non autosufficienti ed
appartenuta per decenni
al celeberrimo tenore
Se la sanità toscana, con tutte le riserve del caso,
può essere considerata una delle migliori e più efficienti
a livello nazionale, la residenza sanitaria assistenziale
Villa Gisella, presente a Firenze sin dagli
anni ‘50, dovrebbe essere di fatto etichettata come uno degli
esempi più floridi di come si possa creare una struttura privata
d’eccellenza conciliando la qualità del servizio offerto a dei
costi tutto sommato contenuti per il paziente. La storia di questa
struttura, situata alle pendici del Monte Morello, parte da
lontano, ed è per certi versi affascinante. La villa esiste almeno
dal 1427, quando apparteneva a Guido di Tommaso Deti,
fiorentino del popolo di Santa Felicita. Nel 1567 fu acquistata
da Bartolomeo Filippi e nel 1587 Maria Filippi la passò in dote
a suo marito Bartolomeo Del Turco. A seguito di una causa tra
Maria e il cardinale Giovan Battista Deti, la villa tornò ai Deti
nel 1614 e nel 1620 venne venduta alla famiglia Falconetti,
fiorentina, residente nel quartiere di Santo Spirito. In seguito
passò ai Cavalcanti (1660), ai Cattani (1751), ai Teri per poi
pervenire, dopo altri passaggi, al tenore di fama mondiale Enrico
Caruso, che la acquistò nel 1904. Caruso, grazie allo straordinario
successo della sua tournée del Rigoletto alla Metropolitan
Opera House di New York del 1903 (si parla di un
compenso di 25.000 dollari), poté tornare in Italia con parecchi
soldi da investire, e decise di acquistare la Villa “I Pini”
alle Panche, in una zona verde e tranquilla di Firenze. La fece
ristrutturare completamente ampliandola e dotandola di un ampio giardino
all’italiana, prima di stabilirvisi con la cantante lirica Ada Giachetti,
dalla quale ebbe due figli. Alla morte di Caruso, la villa venne ereditata
dal figlio Enrico junior, che vi visse con la moglie Elena Canessa.
Quando però si accorse che dagli Stati Uniti stentavano ad arrivare le
royalties dei diritti sulle prestazioni canore del padre, Enrico Junior cedette
la villa per 400.000 lire, arredi compresi, alla casa d’aste Materassi
di Firenze. Venne così messa all’asta ed acquistata nel 1954 dal
pediatra Giuseppe Mecca, che dal 1956 la destinò a casa di cura di
medicina generale, cambiandole il nome in quello attuale, Villa Gisella.
Dal punto di vista architettonico, la villa rappresenta un interessante
16 Villa Gisella

Villa Gisella
esempio di stile eclettico a Firenze, improntato su preesistenze
più antiche. L’elemento più vecchio è la torretta, forse duecentesca,
sormontata da merlatura e da un orologio più tardo. Anche
il lato sulla strada presenta un aspetto tipico delle abitazioni
“da signore” rustiche dei dintorni di Firenze, con elementi in
pietra (come i davanzali, le cimase e le mensole delle finestre)
che spiccano sull’intonaco chiaro. Le bifore e il portalino moresco
su via delle Panche sono invece novecenteschi. All’interno
restano alcuni ambienti storici, come la cappella, la sala del
trono, la stanza del biliardo e una pregevole scalinata lignea.
Numerosi portali interni hanno gli archi rialzati in stile moresco,
come quello sull’esterno. Il giardino ha un impianto all’italiana,
con aiuole geometriche cinte da siepi in bosso e punteggiate da
cipressi e essenze fiorite. Nei circa 7000 metri quadri si trovano
anche una serra e un vialetto fiancheggiato da colonne. Il legame
tra Villa Gisella ed Enrico Caruso è testimoniato anche dalla
lapide posta sul lato lungo di via delle Panche che ricorda come
l’ex Villa I Pini fosse appartenuta al celeberrimo tenore.
come residenza sanitaria assistenziale offre, sin dal 1956, ospitalità
completa alle persone della terza età non autosufficienti. Un’assistenza
medica ed infermieristica per tutto l’arco delle 24 ore convenzionata
con il Comune di Firenze e la Asl. Sono ben 113 i dipendenti
ed i liberi professionisti che vi lavorano e che la fanno essere la più
grande struttura del genere a Firenze ed in generale nella Asl 10. In
tutto sono 153 i posti letto a disposizione dei pazienti, inseriti in camere
luminose, singole e da due o quattro letti, con bagno. Tutte
dotate di aria condizionata, telefono e televisione. Il ristorante panoramico
offre un menù vario e diete personalizzate, a seconda delle
esigenze del singolo ospite o delle prescrizioni sanitarie del medico
curante, mentre le sale soggiorno, dove si svolgono le attività di animazione
e le feste organizzate dalla struttura o dalle organizzazioni
di volontariato, hanno accesso diretto al parco, per vivere all’aria
aperta. La rsa Villa Gisella insomma, anche grazie a questi ampi spazi
erbosi ed alberati, offre un’ ospitalità completa alle persone della
terza età. Il parco si snoda su circa 7000 metri quadri completamente
utilizzabili dagli ospiti e dai loro familiari senza nessuna barriera architettonica,
dotato di piante secolari che con la loro ombra aiutano,
nei mesi estivi, a sopportare il caldo. Dotato oltretutto di vialetti che
permettono agli ospiti in carrozzina di muoversi con facilità. Di particolare
importanza poi la palestra, gestita da personale specializzato
che consente di far seguire agli ospiti programmi di rieducazione e
mantenimento. I fisioterapisti infatti hanno ormai acquisito una notevole
esperienza in campo geriatrico. La palestra è corredata dalle più
moderne attrezzature (letto da statica elettrico, letto elettrico Bobath,
letto elettrico con testiera inclinabile, cyclette orizzontale, parallele,
scale, pesi, Theraband di vari colori, ecc.).
Villa Gisella si trova in Largo Enrico Caruso, 1 a Firenze
Tel. 055-4250028 - mail: villa.gisella@villagisella.it
Villa Gisella
17

®
Una solida realtà 100% italiana
di Veronica Mura
La CSO srl è nata nel 1967, quando
ancora nel nostro paese i giovani
potevano avere qualche
chance di veder realizzati i propri
sogni e le proprie passioni. Certo, si dovevano
mettere in conto molti sacrifici, ma la
gioventù era sempre un eroe invitto che non
si spaventava. Fu così che Sergio Mura e
Giuseppe Matteuzzi decisero di intraprendere
la strada dell’imprenditoria nel ramo
della costruzione di strumenti oftalmici.
Da allora l’azienda ne ha fatta di strada,
diventando oggi una delle ultime aziende
italiane dedicata alla costruzione di strumenti
per l’oftalmologia. Volendo ritrarla in
numeri possiamo affermare che mensilmente
la produzione realizza oltre 1000 apparecchiature
ed impiega circa 150 dipendenti
nello stabilimento di oltre 7000 mq.
situato alle porte di Firenze, nella zona industriale
di Scandicci. Le apparecchiature
totalmente meccaniche di 45 anni fa oggi si
Resiste nella
zona industriale
di Scandicci
un’azienda
leader a livello
mondiale nel
settore
oftalmico.
Portata avanti,
interamente
in Italia, da oltre
45 anni
sono evolute integrando sistemi elettronici
e computerizzati grazie alla ricerca costante
e altamente specializzata, effettuata talvolta
con le Università e col CNR, sempre
nel rispetto totale delle norme di sicurezza
e di tutti i requisiti richiesti sia dal mercato
italiano che estero, poiché il 70% della produzione
viene esportata.
Le difficoltà burocratiche da affrontare
sono molte, la pressione fiscale è spesso
soffocante, basti pensare all’Irap, calcolata
praticamente sui costi anziché sui ricavi. A
tutto questo va aggiunta l’agguerrita concorrenza
che viene dai paesi orientali nei
confronti dei quali le ditte italiane sono
scarsamente tutelate.
Spesso l’azienda italiana, che dovrebbe dar
lustro al paese, ha l’impressione di essere
oltremodo penalizzata. Per questo molte
realtà produttive del nostro paese decidono
di trasferire all’estero il centro gravitazionale
dei loro interessi se non addirittura di
cessare l’attività. Nonostante ciò, la CSO è
rimasta un’azienda italiana al 100%. Non
solo infatti l’intera produzione è manufatta
in Italia, ma anche quasi la totalità del materiale
impiegato è di provenienza nazionale.
In definitiva, una vera e propria mosca
bianca in un contesto nel quale spesso e
volentieri gli imprenditori preferiscono optare
per soluzioni di comodo, ma forse
meno lungimiranti. In che modo Semplice,
18
CSO

portando il lavoro all’estero, e più in particolare
nei paesi in via di sviluppo, dove i
costi sono senz’altro inferiori, ma in questo
modo il patrimonio culturale, imprenditoriale
e professionale spesso va a farsi benedire,
o comunque viene disperso fuori dal
contesto nazionale. E questo rappresenta
sempre e comunque una ferita poi difficilmente
rimarginabile.
Mura e Matteuzzi invece hanno fatto una
scelta diversa, esportando così il “Made in
Italy” in tutto il mondo. Recentemente CSO
asiatico ed americano. Oggi CSO vanta
alcuni strumenti del tutto innovativi
come il nuovo COBRA, una fundus camera
dalle specifiche eccezionali, caratterizzata
da una semplicità d’uso sorprendente;
il SIRIUS, una combinazione di una
Scheimpflug camera con un topografo
corneale che rappresenta l’avanguardia
per la tomografia corneale; le lampade a
fessura ed il microscopio endoteliale
SP02, che sono stati completamente rinnovati
con sorgenti a LED. Nuove unità di
Novità
Ecco Cobra,
la nuova
generazione
delle fundus
camera
non-midriatiche
ha ampliato il suo stabilimento impiantando
nuove linee di produzione e potenziando
il settore R&S con nuovi ingegneri e programmatori.
Grazie ad un capillare ed efficiente
staff di collaboratori ed addetti al
settore commerciale, CSO ha saputo affermarsi
sia nel mercato europeo sia in quello
refrazione, realizzate con nuovi materiali,
arricchiscono il catalogo di CSO insieme
ad una vasta gamma di poltrone e cassettiere.
Il sistema qualità di CSO è certificato
in accordo alle norme internazionali
ISO9001 ed ISO13485; la qualità dei processi
produttivi è certificata da CSQ.
CSO ha recentemente presentato l’innovativa
fundus camera digitale nonmidriatica
che integra tutte le funzioni
necessarie per un rapido screening
delle condizioni della retina. Utilizzando
un innovativo sistema ottico, Cobra
è in grado di fornire immagini di alta
qualità del fondo oculare. Progettata
con un design ergonomico, Cobra fornisce
una visione chiara e dettagliata
dell’intera immagine del fondo oculare
con un reale campo di visione di 45°. Il
sistema offre immagini retiniche con
una esposizione minima del flash permettendo
una acquisizione rapida e
dettagliata del fondo ed al contempo
rendendo minimo il disagio del paziente.
Cobra condivide l’uso del sensore
CCD ad alta risoluzione (1.5 MegaPixel)
per l’allineamento del paziente
(con illuminazione IR) e per la cattura
dell’immagine retinica (con un flash di
luce bianca).
CSO
Costruzione Strumenti Oftalmici S.r.l.
via degli Stagnacci 12/e
50018 Badia a Settimo - Scandicci (FI)
Ufficio commerciale 055 7221913
Ufficio contabilità 055 7221912
Ufficio acquisti 055 7221911
fax 055 721557
email: cso@csoitalia.it
CSO 19

Grazie a LiberArte,
Sesto diventa la casa
della poesia
di Leonardo Landi
C’è un “Luogo della Poesia” a Sesto Fiorentino,
uno spazio libero, fisico e allo stesso tempo
intangibile, nel quale i poeti ma anche tutti
coloro che hanno fatto della riflessione una
compagna di vita, amano incontrarsi e ritrovarsi. Questo
che è soprattutto un luogo dell’anima, ha anche un
nome: “San Lorenzo in poesia”. È il secondo concorso in
versi a tema libero che torna quest’anno dopo lo straordinario
successo di adesioni registrato nella passata
edizione. A promuoverlo e a curarne interamente l’organizzazione
anche per l’anno 2012-2013, è l’associazione
culturale “LiberArte” che ha sede a Sesto Fiorentino, a
Villa San Lorenzo. Luoghi fisici e non fisici, appunto, che
Torna, dopo il successo
della prima edizione,
il concorso in versi
a tema libero
San Lorenzo in poesia,
promosso dall’associazione
presieduta da Luigi Bicchi
20
La giuria dell’edizione 2012 del premio “San Lorenzo in poesia”: da sinistra, Fabrizio
Finetti, Piero Andrea Carraresi, Grazia Giovannoni, Lenio Vallati e Gianni Calamassi
nascono dall’anima e che diventano arte, poesia in questo caso.
Poesia che significa vita e quindi anche fisicità e materia, se a dimostrarlo
non fossero bastate le trecento persone che erano presenti
l’anno scorso al cinema Grotta per la premiazione. Il patrocinio
all’iniziativa lo hanno rinnovato anche per questa edizione la Provincia
di Firenze, il Comune di Sesto Fiorentino, SestoIdee e il Comune
di Calenzano. Come puntuali sono tornati a dare il loro sostegno
i venti, fra aziende e negozi di Sesto e Calenzano, che figurano
come sponsor. “Avevamo cominciato quasi per gioco - racconta Luigi
Bicchi, presidente di LiberArte - poi la forza delle cose e la passione
di quanti vi ci sono dedicati, ci ha dato la forza per proseguire”.
Il 22 novembre scorso a coronamento della prima edizione di
LiberArte
“San Lorenzo in poesia” , si è svolta presso la Biblioteca comunale
E. Ragionieri di Sesto la consegna dell’Antologia LiberArte 2012,
con oltre cinquanta poesie pubblicate fra quelle inviate per la prima
edizione del concorso. E che per l’occasione, sono state lette tutte.
“San Lorenzo in poesia” è al suo secondo anno ma la pubblicazione
dell’antologia da parte di LiberArte, è un appuntamento costante
oramai da quattro anni. La sala della Biblioteca era al completo,
c’erano poeti ma anche artisti che ruotano intorno all’associazione
“LiberArte”. Insieme al presidente Luigi Bicchi, c’era anche il consigliere
di SestoIdee con delega alla cultura, Massimo Rollino. “Una
serata come questa - ha commentato Rollino - va ad aggiungere un
Un’immagine della premiazione dell’edizione 2012 al multisala Grotta di Sesto.

Da sinistra il presidente Luigi Bicchi con Massimo Rollino alla presentazione dell’Antologia
LiberArte 2012, alla biblioteca comunale “Ernesto Ragionieri” di Sesto Fiorentino.
tassello importante a questo mosaico variegato che è la cultura
sestese. Dall’ultimo censimento Istat - ha ricordato - risulta che il
62% dei cittadini italiani non leggono nemmeno un libro all’anno. Il
62% è un dato preoccupante. Credo che un paese senza cultura sia
un paese senza futuro, destinato alla consunzione. Iniziative come
quelle di “San Lorenzo in poesia” possono arricchire il territorio,
ben oltre la dimensione locale”. “Vogliamo costruire a Sesto - ha
detto il presidente Luigi Bicchi, in apertura della serata del 22 novembre
- un “Luogo della Poesia” che non sarà un luogo fisico fisso
ma di volta in volta uno spazio diverso nel quale coinvolgere non
solo poeti ma anche tutti quelli che amano la riflessione e i valori di
sentimenti veri”. Il luogo ideale per realizzare tutto questo, potrebbe
essere proprio Sesto Fiorentino , città già scelta da LiberArte per
ospitare la sua sede e ora possibile icona di città della poesia. Non
ci gira intorno a quest’idea Bicchi. “Il concorso San Lorenzo in Poesia
- ammette il presidente di LiberArte - e l’antologia che ne discende,
vogliono essere il mezzo con il quale questa idea può iniziare
a rappresentarsi”.
LiberArte 21

L’incredibile storia di
Marzio
Fiaschi
partito da un piccolo borgo
in provincia di Pisa
(dove abita tuttora) e oggi
proprietario di 35 saloni
di parrucchiere
in svariate province
e persino in Umbria
il“Pendolare”
che fa i capelli
a mezza
Toscana
di Leonardo Landi
Dalla piccola, quasi minuscola, Corazzano, alla conquista della persone, Marzio si iscrisse alla scuola, con la consapevolezza
che prima o poi avrebbe ereditato la bottega dello zio, cui
Toscana. E non solo. La storia di Marzio Fiaschi è quella tipica
di un self-made man, un uomo capace di farsi da solo, senza un era tanto affezionato. Ma cosa ti ha spinto a diventare parrucchiere
La domanda è d’obbligo....”Diciamo che studiare
pedigree scolastico di eccellenza ma che ha potuto contare sin
22 Marzio Fiaschi
dalla gioventù su tanta voglia di fare e determinazione quasi feroce. Marzio
è sempre stato molto più di un parrucchiere, o di un hair stylist come va di
moda ora definire gli artisti del capello. Sin da ragazzino ha mostrato di
avere le idee ben chiare: come quando si accordò con lo zio che lo aveva
accolto nella bottega della natia Corazzano, un borgo di 600 anime in provincia
di Pisa a pochi chilometri da Empoli e dalla Valdelsa, su due punti: si
fece promettere dal parente barbiere che non avrebbe mai chiuso la bottega,
e che nel frattempo avrebbe iniziato a frequentare la scuola di parrucchieri
di Firenze. Detto, fatto. Dopo due anni di gavetta nel piccolo negozio
dello zio, dove ha imparato i rudimenti del mestiere e a rapportarsi con le
non mi ha mai appassionato - racconta Fiaschi - ma anche
lavorare con il mio babbo, che svolgeva il mestiere di elettricista,
non faceva per me. Dopo essere andato con lui a montare
200 plafoniere in una giornata, con le ginocchia che mi
facevano un male incredibile, decisi che la scelta giusta era
quella di andare a lavorare con mio zio, che aveva ben altri
ritmi e non durava certo molta fatica”. Una volta terminata
la scuola, Marzio rimase a lavorare a Firenze, dove cambiò 4
o 5 negozi in qualità di apprendista. Il motivo Semplice,
spesso e volentieri la personalità di Fiaschi si scontrava con
22

vità. “Il difficile è stato gestirmi fino all’apertura
del terzo, in quanto la clientela era impostata
su di me e quindi ero costretto
spesso e volentieri a fare il pendolare tra un
negozio e l’altro per fare i tagli. Dopo il terzo
invece non ero più indispensabile ed è stato
un cammino in discesa”. Adesso Marzio è al
vertice di tre marchi: Marzio Group, attraverso
il quale ha aperto i primi 11 negozi,
Elegantia e Hair Klub, che porta avanti insieme
ad altri soci. I marchi, che danno lavoro a
ben 111 persone tra dipendenti, collaboratori
ed apprendisti, sono disseminati a Firenze
(dieci saloni), Scandicci, Sesto, Poggibonsi,
Siena, Bibbiena, Spoleto, Umbertide,
Pelago, Fucecchio, Empoli, Sovigliana, Santa
Croce, San Miniato, Ponte a Egola, San
Romano, Cascina, Pistoia, Terranuova Bracciolini,
Figline, San Giovanni Valdarno e,
ovviamente, Corazzano. Cinque anni fa inla
poca voglia di innovare dei vari proprietari.
“Vedevo cose che non mi andavano bene
- spiega - e non riuscivo a stare zitto. Così
prendevo e me ne andavo”. Il periodo più
lungo lo ha passato in una bottega di via
Lanza, prima di mettersi in proprio. Correva
l’anno 1991 e Marzio aveva appena 23 anni.
Il suo primo negozio in via De Santis, 40 metri
quadri (adesso ne occupa circa 90), con
un dipendente. Complice la zona particolarmente
movimentata, la clientela che affluiva
in quanto Marzio nei primi anni fiorentini
si era fatto un nome, ed il classico passaparola,
il successo fu immediato. Gli affari andavano
bene, insomma. Nel 1995 il secondo
negozio in via Romana, e da lì l’escalation
verso i 35 (sì, avete capito bene..) locali
aperti da Fiaschi nell’arco di 21 anni di atti-
fatti Marzio ha ereditato la bottega dello zio, e
tutti i sabati, cadesse il mondo, Marzio è lì, tra i
suoi compaesani. Contrariamente a quanto si
possa pensare infatti, Fiaschi nonostante i suoi
impegni professionali lo portino a Firenze e in
giro per la Toscana e l’Umbria, ha sempre abitato
a Corazzano. “La sera torno sempre a casa
mia, e tutti i sabati vado a tagliare i capelli tra i
miei amici, dove vige la massima libertà d’azione
e di parola”. Un uomo attaccato alle radici,
insomma. E alla filosofia Marzio Group: prezzi
giusti, per la fornitura di un servizio di qualità.
Per lui un taglio non può costare 60-70 euro, ma
15-20 al massimo. Il legame con Corazzano è
forte anche per un altro motivo, ovvero la sua
passione calcistica, che lo porta a guidare come
allenatore la squadra del paese, che disputa il
campionato amatoriale. Ed anche in quest’ama
stretto contatto col mondo del calcio
dilettantistico anni ‘80 e ‘90, dove giravano
molti (forse fin troppi..) soldi e i
presidenti-avventurieri rappresentavano
quasi la normalità. Resta la soddisfazione
nell’aver giocato con quelli che
sarebbero diventati o erano stati giocatori
importanti, affacciatisi alla serie A,
come Barbuti, Bisoli, Franco Baldini
(adesso dirigente della Roma), Guerrini,
e quel Max Allegri, adesso distinto allenatore
del Milan e allora spensierato
giocatore che fece parlare di sé per non
essersi presentato il giorno delle nozze
all’altare dove l’attendevano un po’ tutti,
l’aspirante sposa in primis. Marzio
una famiglia ce l’ha, e se la tiene stretta,
bito Marzio non si smentisce: gioca sempre
all’attacco. “A me basta che difendano in
due, gli altri otto devono essere proiettati
alla fase offensiva. Mi voglio divertire, e
cercare sempre il gol è la cosa che chiedo
alle mie squadre. Anche se, purtroppo, raramente
lo troviamo!”. Fiaschi è un’istituzione
anche per i suoi trascorsi calcistici come
giocatore, e più precisamente come portiere,
anche in categorie professionistiche. Ha
fatto 11 anni di Interregionale (adesso serie
D), ed una stagione addirittura in C2 difendendo
la porta del Montevarchi, appendendo
gli scarpini al chiodo, una scelta dovuta
agli impegni professionali sempre più pressanti,
a soli 28 anni. Gli aneddoti in questo
ambito si sprecano. Le esperienze con Cerretese,
Castellina e col celeberrimo Viareggio
di Mendella, con Riccomini allenatore e
Cinquini direttore sportivo, lo hanno messo
anche se barcamenarsi tra i suoi molteplici
impegni lo costringe a fare un po’ i
salti mortali per conciliare il tutto. Ma la
precedenza ce l’ha sempre la micro-comunità
di Corazzano, quella in cui torna
volentieri tutte le sere.
Marzio Fiaschi
23

24 Firenze Art Gallery

Cornici
Galleria via della Fonderia 42r
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Firenze Art Gallery
25

Bruno Chiarini
di Daniela Pronestì
l’eclettico
sperimentatore
L’artista fiorentino, adottato
ormai da Tavarnuzze, esprime
attraverso le sue opere una
dedizione assoluta alla pittura,
senza per forza ricercare
il consenso a tutti i costi
Bruno Chiarini, artista fiorentino che da anni vive a
Tavarnuzze, è un esempio di dedizione assoluta alla
pittura, dedizione mai risolta in una forma di schiavitù
ad un registro stilistico o formale, ma espressa
sempre nei termini di un’assoluta libertà d’invenzione. Ripercorrendo
le tappe del suo percorso, iniziato fin dai tempi in cui
ancora giovanissimo frequentava l’Istituto Geografico Militare
a Firenze e studiava da privatista per diventare geometra, scopriamo
le tante anime di un artista sensibile e capace. La sua
ricchezza ispirativa è il segno evidente di una vivacità interiore
che gli ha impedito di accogliere in maniera acritica e passiva
l’eredità artistica del Novecento per spingerlo, invece, ad interrogarsi
sulle conquiste formali ed espressive delle avanguardie
cercando di capirle dall’interno, quindi non rifacendole
26
Bruno Chiarini

L ’infinito
La giostra delle stelle
immane ruota sulla mia testa;
in un silenzio strepitoso,
il rombo di un Dio vulcanico,
mi preme nella fantasia e là,
dove la luce di una stella
non brilla, in quello
spazio nero, avverto tutto
l’infinito sprofondare
in un abisso cieco
e sento una vertigine folle
tremarmi addosso.
Prima di Galileo, le stelle
stavano accese nel loro cielo,
come un palloncino
di carnevale,
nero sforacchiato, e di là
da quello, il “Paradiso”
luminoso e la sua luce
attraverso quei fori dava luce
alla notte a dar sollievo
e guida ai notturni viandanti
in attesa del nuovo sole.
Fu Galileo che salì sul palloncino,
rischiando il rogo, come
era costume per i disobbedienti
e gli impiccioni, curiosi, ficcanaso,
che le cose del cielo
vanno a curiosare.
E scoprì che non c’era il palloncino,
né i fori, e le stelle erano proprio
stelle, luminose, più grandi
e più piccine, più lontane
e più vicine, in uno spazio
che non aveva fine e le stelle
erano tante, tante più di quelle
che gli occhi nostri
possano vedere. E allora
Cosa si mise a fare
allor la gente
Col naso in su si misero
a contarle, per fare a chi
ne contava di più
…e sono ancora
Tutti col naso in su, contando
sulle dita, delle mani e dei piedi
facendosene prestare
dai parenti di casa e dagli amici.
Ricordo di stato d’animo
in un’atmosfera dilatata
Non temere l’ansia che guida le migrazioni
Il remare d’ali fuggitive più non sollecita auspici
ma interpretandole. Passare dalla figurazione
all’astrazione, dal realismo simbolico allo
strutturalismo geometrico avendo cura di non
disperdere in alcun caso la forza ispirativa e il
senso del colore, gli ha permesso di alimentare
la sua vitalità artistica e di sottrarsi al
rigore delle definizioni che spesso ingabbiano
lo spirito e mortificano la creatività. Bruno
Chiarini ha fatto della sperimentazione il criterio
informatore della sua pittura mettendosi
alla prova su fronti espressivi e soggetti
diversi, che vanno dalla figura al paesaggio
alla natura morta fino all’incastro ritmico e
non descrittivo di forme e colori. Un artista
eclettico, uno sperimentatore d’eccezione
che non ha mai barattato la
libertà della ricerca con la sicurezza
troppo facile del consenso. Non
solo pittore, ma anche poeta e critico
d’arte, spirito colto e raffinato
che gli anni e il tempo non hanno
scalfito ma reso più forte. L’ultima
mostra che l’ha visto protagonista
della rassegna di arte contemporanea
che dal mese di settembre ha
luogo nell’elegante Rotonda Barbetti
di via il Prato 4, è stato l’ennesimo
tributo al talento di un uomo
che consegna al nuovo millennio il
valore ineludibile della sua eredità
artistica.
I nuovi Dei nei consigli d’amministrazione
hanno miti che già condizionano il fato
ho voglia solo di non lasciarmi corrompere
da questo invadente compenetrarsi di rumori
ora è convulsa l’aggressione febbricitante
ora velenosa come lenta invasione di lepidotteri
ho voglia solo di gridare al silenzio
impersonale e geometrizzato degli stabilimenti
ai muri al di sopra dell’immaginazione
hanno limiti e le nevrosi del cielo
ai muri con nomi assonometrici
come immensi scolari di cemento
che svelano disumane dimensioni
nel consumarsi delle prospettive
non la ridda dei ripensamenti
sconvolge lo sperpero delle possibilità
ultima redenzione a chi osa
scegliersi nella sclerotica cancrena delle periferie
non più bianche lenzuola distese alla crepuscolare
invasione di strade incontaminate di verde
il turbamento è un ritmo assillante di elementi
che si ripete convulso fulminato nelle strutture
madri senza pietà s’ergono freddamente
determinate nei loro rigidi schemi
sono solo a seminare passi imprevedibili
tentando un recupero trascendentale di presentimenti
sono solo a non sentirmi più il medesimo
nel freddo prodursi di sentimenti leggeri
Bruno Chiarini 27

La rivoluzione
della bellezza
viene
dall’Oriente
Il pittore cinese è in
mostra a Firenze
fino al 30 dicembre
presso la Fyr Gallery
di Borgo degli Albizi
Arriva dall’Oriente, precisamente
dalla Cina, la rivoluzione della
bellezza attraverso l’arte e la
sua capacità di porre l’essere
umano al centro della società contemporanea.
Ad un sistema artistico che si rivela
sempre più inadatto a proporre modelli culturali
che siano un’alternativa convincente
ai ritmi feroci e disumani del mondo globalizzato,
Sun Lian Gang, pittore cinese in mostra
a Firenze dall’8 al 30 dicembre presso la Fyr
Gallery di Borgo degli Albizi 23, contrappone
la speranza di una “primavera” dell’arte internazionale
non più sottomessa all’influenza
nefasta del capitalismo ma portatrice di
istanze rivoluzionarie su cui gettare le basi di
un nuovo umanesimo. Una radicale e profon-
Sun
Lian Gang
e l’Ideografismo
contemporaneo
di Daniela Pronestì
da rigenerazione che non a caso ha
inizio dalla Cina, nazione che negli
ultimi decenni ha visto accelerarsi
il processo che l’ha trasformata in
un paese capitalista inducendola a
ridisegnare i rapporti con l’Occidente
e ad accettare i criteri
dell’iperproduttività economica.
Per Sun Lian Gang, esponente di
spicco dell’astrazione cinese e fondatore
dell’Idiografismo orientale, la creatività artistica è l’unico strumento in grado di indirizzare
l’energia dell’uomo verso un percorso di consapevolezza che sia motore di cambiamento
e che segni l’inizio di un nuovo periodo storico capace di riconoscere e rispettare la
dignità inalienabile dell’individuo. Una missione che ha posto al centro della sua attività e
che lo vede impegnato a ridefinire la struttura concettuale e formale dell’astrattismo cinese
contemporaneo sia affrancandolo dai vincoli espressivi della tradizione pittorica nazionale,
legata al manierismo calligrafico e alla ricercatezze della scrittura, sia dotandolo di un’identità
che gli permetta di distinguersi in maniera netta dall’espressionismo occidentale. Critico
nei confronti degli artisti suoi connazionali che non riescono a spingersi oltre gli schemi delle
28 Sun Lian Gang

Lo Spirito
e la Forza
dell’arte
contemporanea
di Sun Lian Gang, traduzione di Federica Pariani
composizioni grafico-pittoriche tradizionali e fiducioso nel fatto che il
rinnovamento dell’arte cinese possa avvenire attraverso l’astrazione,
Sun Lian Gang teorizza il concetto di ideografismo come dimensione
che unisce alla “mitezza e raffinatezza” tipiche della cultura cinese un
uso del colore e del segno quali strumenti per superare la dicotomia
tra materia e spirito e consentire all’artista di esprimere pienamente
le sue qualità percettive e sensoriali. Suo obiettivo è dare forma alle
idee senza ricorrere all’estetica calligrafica ma servendosi di ritmi lineari
e macchie cromatiche tracciate o schizzate sulla superficie pittorica
con una gestualità attenta a non disperdere lo slancio vitale
dell’espressione. E’ così che la sua interiorità si riversa sul supporto
creando in certi casi un vortice di segni dalle intensità contrastanti
(grumi, colature, stesure piatte, graffi), in altri una fioritura di linee
flessuose e ondulate che s’intrecciano o si sfiorano appena in un’alternanza
ritmica di pieni e di vuoti. L’impressione è che in certi suoi lavori
vi sia l’intento di circoscrivere un nucleo energetico a partire dal
quale il colore si espande nello spazio che non è, come nell’arte occidentale,
un vuoto da riempire, una dimensione data e misurabile ma
una forza generativa e dinamica. Una pittura che non si può comprendere
appieno se si dimentica che nella cultura artistica cinese l’atto
pittorico è una proiezione sottoposta ai criteri del “fare” più che
dell’imitare e che anche quando la stesura cromatica può sembrare
impulsiva, casuale e non calcolata in realtà non lo è mai del tutto ma
risponde sempre ad una precisa intenzione iniziale. Nella spontaneità
del gesto con cui Sun Lian Gang schizza il colore sulla tela si legge
certamente la ricerca di una maggiore naturalezza, di un’immediatezza
espressiva non sottoposta al controllo del pensiero, ma sarebbe
errato attribuire a questa gestualità la tensione drammatica e il pathos
esistenziale che attraversa gran parte dell’espressionismo
astratto in Occidente. Non c’è nulla di caotico, irrazionale o violento
ad ispirare il suo impeto gestuale, ma è un fluire elegante, leggero e
meditato del suo mondo interiore. E’ anche in questo che trova conferma
il desiderio di dare vita ad un linguaggio visivo di assoluta attualità
senza mai rinnegare la disciplina, il rigore e la serenità gioiosa su cui
si fonda la sua appartenenza alla millenaria cultura cinese.
Lo stato patologico del mondo, della società e
dell’arte ha origine dallo stato di “malattia” in cui
si trovano le persone. L’accumulo di conoscenza e il
pensiero logico e razionale conducono il genere umano in
uno stato patologico e di noia, dal quale l’uomo non riesce
a liberare completamente mente e corpo. L’arte contemporanea
in questo mondo malato è entrata in una via senza
ritorno, che parte dal periodo dell’innocenza e va verso
quello della colpa. Con il passare della storia, l’arte contemporanea
è quella che per prima acquista una consapevolezza,
vedendo per prima, ascoltando per prima, sentendo
per prima le risposte della storia e il frastuono dell’arte
dei nostri tempi. Io non sono d’accordo con chi dichiara che
“l’arte contemporanea non ha questa funzione e questa
forza”. L’arte che si è evoluta fino ad oggi in Europa ha portato
ad una profonda introspezione degli Europei (..) in Asia
si sta verificando un “rinascimento” orientale. (..) Una grande
rivoluzione radicale e autoconsapevole verso se stessi
che parte dall’interiorità dell’uomo. Una forza senza precedenti
che si leva dallo spirito artistico dell’arte odierna.
L’arte ha più forza della conoscenza perché l’arte ha sete di
vita, mentre la conoscenza pensa soltanto al suo obiettivo
ultimo. L’arte malata continuerà ad essere al servizio del
potere politico e del capitalismo. L’energia e lo spirito interiore
dell’arte cambiano la società con una rivoluzione radicale
rivolta ad un “se stesso” interiore e l’arte dei nostri
tempi diventa un “superman” che distrugge il mondo malato
e forma un mondo dotato di una nuova identità.
Sun Lian Gang
29

Pier Nicola
Ricciardelli
La poesia
autobiografica
di un pittore
fiorentino
di Lorenzo Borghini
“Momenti di
vita, frammenti
di pensiero”
è
il titolo dell’ultima grande mostra
personale (80 pezzi) che Pier Nicola
Ricciardelli ha tenuto alla Casa
di Giotto di Vicchio nel Mugello.
Pier Nicola comincia la sua seconda vivace
vita di pittore a sessant’anni, iniziando a
questa età a dipingere e a dedicarsi all’acquaforte.
È socio del Gadarte di Firenze,
cofondatore della Galleria Cimabue diretta
da Miranda Mei, pittore di Arte Sacra per la
società culturale Anla per la quale ha esposto
Giubileo
nella Basilica della S.S. Annunziata a
30
Firenze per più di undici anni.
È possibile ammirare le opere di quest’artista
fiorentino anche sulle facciate di edifici
e case coloniche del Mugello, alla frazione
Gracchia vicino alla Casa di Giotto e sotto le
logge medioevali di piazza della Vittoria a
Vicchio dove si può ammirare il suo “Arrotino”,
una rivisitazione dell’infanzia e di un
mestiere oggi destinato a scomparire. Grazie
all’associazione Dalle Terre di Giotto e
dell’Angelico e il Comune di Vicchio infatti
sono visitabili su tutte le facciate del territorio
opere di vari artisti che si sposano alla
perfezione con gli stupendi paesaggi della
campagna mugellana.
Specializzatosi in calcografia presso l’Acca-
Pier Nicola Ricciardelli
demia di Belle Arti, l’Istituto d’Arte di Porta
Romana e la Scuola Internazionale di incisione
Il Bisonte di Firenze, Ricciardelli si
dedica con passione alla sue visioni personalissime
con varie tecniche per far emergere
il suo mondo poetico e di simboli personali
legati alla memoria e alle tradizioni
della sua terra. Interessante è l’approccio
lirico autobiografico di questo artista che
recentemente ha iniziato ad esporre, accanto
alle sue incisioni, prose molto personali
legate alle sue memorie di viaggi, emozioni
e luoghi visitati.
Un esempio interessantissimo è Le Civette
(opera segnalata alla Biennale del Burlamacco
del Carnevale di Viareggio 2012 ).
30
Le civette,
un ricordo inciso
nel metallo
Nel febbraio dell’anno scorso, sciando in
Alta Badia, trovai un rifugio a 2000 metri
che aveva una specie di bassorilievo in
legno con delle civette. Il freddo ed il
sole avevano mangiato e colorato il legno
in maniera particolarmente strana e
misteriosa. Ho tentato dunque di fare un’
incisione ad acquaforte cercando di ricreare
quei colori e quell’atmosfera che
mi colpirono particolarmente in quel
giorno pieno di sole, di gioia e di libertà.
Per contatti: cell 340 2428363
pnricciardelli@alice.it
Pier Nicola Ricciardelli

Via Valdichiana, 42 - 50127 Firenze
Collana “Artisti in Toscana”
Diretta Da Fabrizio Borghini
Volumi in preparazione:
Artisti in Valdelsa
a cura di Leonardo Landi
Artisti Fiesolani
a cura di Daniela Pronestì
Artisti di Volterra
a cura di Filippo Lotti e Elena Capone
Artisti del Mugello
a cura di Paolo Marini e Daniela Pronestì
Artisti di Scandicci
a cura di Paola Baroni
Artisti della Valdinievole
a cura di Ambra Grieco e Filippo Lotti
Artisti di Sesto Fiorentino
a cura di Federico Napoli e Lucia Bruni
Artisti di Pistoia
a cura di Marta Beneforti e Daniela Pronestì
Artisti del Levante Fiorentino
a cura di Roberta Fiorini, Elena Francalanci e Duccio Ricciardelli
Artisti di Campi Bisenzio
a cura di Adele Brandaglia e Jacopo Nesti
Artisti di Prato e Calenzano
a cura di Giulia Ballerini e Daniela Pronestì
Artisti dell’Empolese
a cura di Filippo Lotti e Claudio Caioli
Artisti di Signa
a cura di Samanta Monco e Giampiero Fossi
Artisti della Maremma
a cura di Alice Pistolesi
Artisti della Costa Livornese
a cura di Veronica Mura e Filippo Lotti
Gli artisti interessati all’inserimento nei volumi, possono contattare i curatori
oppure inviare una mail a: incontriconartetv@gmail.com

Sede sociale e direzione
Signa
piazza Michelacci 1-2 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
Filiali
Signa
piazza Michelacci 1-2 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
Lastra a Signa
via Turati 10-12
50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8720251 - fax 055 8720204
Ponte a Signa
(Comune di Lastra a Signa)
via S. Lavagnini 11 - 50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8725268 - fax 055 8725270
San Mauro a Signa
(Comune di Signa)
via della Chiesa 19 - 50050 S. Mauro a Signa
Tel. 055 8739764/5 - fax 055 8739693
Viottolone
(Comune di Scandicci)
via di Castelpulci 3 - 50018 Scandicci
Tel. 055 7310678 - fax 055 720145
Montelupo Fiorentino
via Centofiori 14 - 50056 Montelupo Fiorentino
Tel. 0571 913188 - fax 0571 913216
Malmantile
(Comune di Lastra a Signa)
via Vecchia Pisana 235
50050 Malmantile (Lastra a Signa)
Tel. 055 8729244 - fax 055 8784412
Firenze
Piazza della Libertà 32R - 50129 Firenze
Tel. 055 5088114 - fax 055 578832
Sede distaccata
Castelfranco di Sotto
via Provinciale Francesca Nord 78
56022 Castelfranco di Sotto (Pisa)
Tel. 0571 488730 - fax 0571 488740
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Signa
Parco dei Renai
Badia a Settimo
(Comune di Scandicci)
via la Comune di Parigi 34
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55012 Capannori (Lucca)
Firenze
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San Miniato
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