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2013

2013 

A cura di 

Giulia Ballerini 

Maria Grazia Barbarito 

Giuse Benignetti 

Adele Brandaglia 

Cristina Bruni 

Lucia Bruni 

Elena Capone 

Roberta Fiorini 

Patrizia Landi 

Samanta Monco 

Veronica Mura 

Alice Pistolesi 

Daniela Pronestì 

Silvia Ranzi 

Sonia Salsi

COLLANA 

Artisti in Toscana 

2 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Con il contributo di 

Villa 

Gisella 

FIRENZE 

Il volume è stato realizzato da 

Iª edizione marzo 2013 

ISBN 978-88-6039-280-0 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it

Donne dell’Arte in Toscana 

Scrivo questa nota introduttiva in qualità di direttore della collana Artisti 

in Toscana pur ritenendomi un intruso in una pubblicazione nata da un 

progetto editoriale esclusivamente al femminile. 

Infatti, le pagine che il lettore sta per sfogliare sono il frutto di un lavoro 

svolto da ben quindici critiche e storiche dell’arte ciascuna delle quali ha selezionato 

un certo numero di artiste attualmente attive in Toscana curando, per ognuna 

di esse, le singole schede biografiche e critiche e l’inserimento nel volume. 

Da questa imponente ricerca è emerso un quadro significativo delle presenze 

artistiche al femminile nella nostra regione all’inizio del secondo decennio 

del terzo millennio, un lavoro decisamente importante perché consente a un 

consistente numero di persone, dagli appassionati d’arte agli operatori del settore 

(critici, galleristi, mercanti d’arte, collezionisti, assessori alla cultura e 

quant’altri) di avere a disposizione uno strumento la cui consultazione permetterà 

di conoscere anche nuove realtà artistiche con le quali stabilire contatti ed 

intessere proficui rapporti professionali. 

Concludo ringraziando sia le curatrici del volume, per l’attento e scrupoloso 

lavoro svolto, sia le oltre trecento artiste, che hanno onorato la pubblicazione 

con la loro presenza, per aver creduto in questa proposta editoriale mettendo 

a disposizione delle curatrici i materiali necessari affinché il volume risultasse 

così ricco di contenuti come si presenta al lettore che sta per consultarlo. 

Fabrizio Borghini


Tiziana Acomanni 

Via G. Banti, 8 - 50139 Firenze - Cell. 339 8315374 

aco.titti@inwind.it 

Scenografia, tecnica mista e grafica multimediale Acomanni 

Scenografia, tecnica mista e grafica multimediale Acomanni1 

Nasce a Firenze nel 1954, diplomata al Liceo 

Artistico e all’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Docente di disegno, tecniche pittoriche 

antiche e nuove e musica in pittura ha insegnato Arte- 

Terapia a ragazzi autistici e caratteriali e svolto lezioni 

al Meyer, ha partecipato alla formazione per esami 

all’Accademia di Belle Arti ed all’Accademia Arte di 

Fiesole; ha collaborato per i Q1, Q2, Q3 e Q5 del Comune 

di Firenze, per l’Airone, per gli operatori e i pazienti 

del Villino100 Stelle e per la Tinaia in San Salvi 

in Firenze, per le Coop di Firenze. Ha collaborato con il 

Comune e la Provincia di Firenze, con il Comune di 

Campi Bisenzio, con l’Ospedale Psichiatrico Giudiziario 

di Montelupo, con l’Ass.ne Arte e Cultura Studio 

Giambo, con l’Ass.ne Artistica Emilarte, con l’Ass.ne 

Artistica e Culturale Eventi, con l’Ass.ne Artistica 

Idee.ad Arte, con l’Accademia Kipling per la formazione 

artistica degli animatori. Ha collaborato come scenografa 

per l’Accademia Teatrale di Firenze, per i Teatri 

Mayakovskj con la regia di Salvianti, con la regia di 

Pietro Bartolini ai teatri La Pergola, Le Laudi, Verdi, 

Teatro13; con la compagnia Opus Ballet all’Obihall. 

Progetto Cavallo e Drago con G.Scabia, Vice Presidente 

dell’Ass.ne AIA per l’Italia; Art Director per l’Hotel 

Raffaello Firenze. Ha scritto Dipingere In Musica nuove 

idee per l’apprendimento pittorico ed ha illustrato 

Il Nuovo Emulo Di Bosco di Raul Cremona entrambi 

per la Florence Art Edizioni Fi. Ha inventato il metodo 

Pittura in Musica: esercizi per arrivare a percepire la 

pittura in modo creativo e ad esprimersi liberamente 

conoscendosi meglio. Ha vinto premi e svolto mostre 

personali e collettive in Italia e all’estero: Francia, 

Spagna, Portogallo, Norvegia, Cile, Germania; le sue 

opere sono presenti in collezioni private e pubbliche. 

Vive e lavora a Firenze. 

5



T. Acomanni, tecnica mista su tela 

T. Acomanni 2, tecnica mista su carta e multimediale 

6



T. Acomanni1, tecnica mista e aerografo su tela 

7


Sandra Ajello 

Via Antonio Stoppani, 12 - 50131 Firenze 

Tel. 055 579156 - Cell. 3406819231 - sandraajello@yahoo.it 

Federica, 1996, terracotta, cm. h 29 Maternità, 2003, terracotta, altezza cm. 30 

Diplomata in Scultura all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze, è stata titolare di una cattedra 

di Discipline Plastiche, suddividendo la sua 

carriera lavorativa fra il Liceo Artistico e l’Istituto 

d’Arte della stessa città. Ha costantemente arricchito 

la sua esperienza di insegnante attraverso la continua 

ricerca di forme espressive diverse, realizzando opere 

che hanno richiesto un’integrazione di discipline 

come la scultura, la pittura e il mosaico. Ha sperimentato 

inoltre la progettazione e la realizzazione di elementi 

decorativi per l’arredamento che ha presentato 

in diverse mostre. 

8


Helena Amaral 

Rua do Campo Alegre 134-5°, 4150-168 Porto (Portugal) 

El corte inglés 

“ La sua arte è tenera, dolce come il suo modo di 

esprimere emozioni attraverso i fiori,fiori che 

sono espressione della gioia di vivere che impregna 

questa artista unica e inimitabile, un’artista 

che è divenuta ambasciatrice dell’arte e della cultura 

nel mondo intero”. 

Salon art-shopping 

“Helena Amaral cattura visioni di delizie terrene nei 

suoi stupefacenti dipinti floreali che irradiano luce, 

colore e composizione superlativi. La sua risplendente 

interpretazione di scene ispirate alla natura con 

vibranti luci baciate dal sole trasporta l’osservatore in 

un luogo idilliaco attraverso la sua vivida tavolozza, la 

sua conturbante composizione e la sua irradiante 

energia. La sua virtuosa opera floreale è senza tempo, 

nel suo stile impressionista, donante bellezza e concetti 

che stimolano il pensiero del fortunato osservatore, 

celebrando le gioie della natura e rendendo immortale 

la permanenza del nostro mondo naturale”. 

Rivista Art Acquisitor 

“La portoghese Helena Amaral, che fa fiorire i sogni...” 

Alfonso Confalone 

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Carla Arfaioli 

Cell. 339 1000965 - Tel. 055 222054 

carlarf@alice.it 

Gerani, 2008, olio su tavola, cm. 59x73 

Nasce a S. Vivaldo nel comune di Montaione 

(FI) l’8 maggio del 1951 e risiede a Firenze, 

dove lavora. Inizia a dipingere a partire dagli 

anni Novanta seguendo un percorso di apprendimento 

delle tecniche pittoriche con l’insegnamento di 

Shuko Matsuzawa e Maria Teresa Biffi Gentili, con le 

quali continua ad approfondire vecchie e nuove tematiche. 

Fin dall’inizio si è dedicata all’acquerello e alla 

pittura ad olio, tecniche che permettono di rappresentare 

meglio i temi della natura, scoprendone la bellezza, 

le forme ed i colori. Questa passione è proseguita 

fino ad oggi, preferendo ad altri stili pittorici, il disegno 

e la pittura dal vero o la rappresentazione da foto, 

sempre realizzate in prima persona. In questi anni l’attenzione 

e lo studio, partendo dai fiori si sono estesi al 

paesaggio, dipingendo luoghi familiari dove il contatto 

con la natura era più vivo, e utilizzando l’acquerello 

come strumento di osservazione e annotazione durante 

i viaggi e le vacanze. Ha partecipato a stage in 

Francia e a Venezia. Negli ultimi tempi, avendo maturato 

un interesse per la figura umana, ha iniziato a 

frequentare la Scuola Libera del Nudo dell’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. 

10


Patrizia Arquint 

www.arquint.it 

arquint.terrecotte@yahoo.it 

Storie di Giona (part.), 2009, formelle in terracotta, cm. 22x15x3 (opera intera cm. 22x99x33) 

È 

nata a Firenze nel 1955. Da alcuni anni si dedica 

alla modellazione di terrecotte,inizialmente in 

forma di bassorilievi e, più recentemente, di pezzi 

a tutto tondo. Ha frequentato la bottega dello scultore 

Claudio Nicoli, dal quale ha appreso le tecniche e 

la passione per la scultura. Ha iniziato ad esporre nel 

2007, partecipando ad una collettiva del Circolo “Il 

Tondo” di Sesto Fiorentino. Nel 2010 ha esposto in 

personale nell’ambito della rassegna “Le stanze comunicanti” 

alla ex Fornace Pasquinucci di Capraia 

Fiorentina. 

11


Lidia Atzori 

www.lidiaatzori.wix.com/virtual-gallery 

1904, 2013, grafica digitale, cm. 50x70 

Danzatrice, 2000, acquerello e matita su carta, cm. 30x21 

Nata a Milano, vive attualmente a Sesto Fiorentino 

(FI). La sua predisposizione all’arte e 

alla manualità si manifesta fin dai primi anni 

di vita. Trasferitasi con la sua famiglia, all’età di otto 

anni, a Firenze, completa gli studi superiori perfezionando 

la capacità grafica ed apprendendo le varie 

tecniche pittoriche, spaziando così dalla pittura ad 

olio alla tecnica degli acquarelli, da quella acrilica 

alla progettazione e decorazione tessuti. Ha offerto 

la propria collaborazione anche nel campo dell’alta 

moda. Esperta anche in grafica computerizzata, realizza 

opere digitali di grande effetto cromatico e stilistico. 

Negli anni Novanta inizia ad esporre i suoi 

quadri sia partecipando a mostre collettive che personali. 

Da un’iniziale pittura che si è realizzata attraverso 

la ricerca e lo studio del colore e dell’immagine, 

oggi le sue opere riflettono un ideale interiore e 

stilistico dell’arte, che volge lo sguardo ad una propria 

perfezione di bellezza e ne riscopre i multiformi 

significati, rappresentando il mondo con gli occhi della 

propria anima. Artista poliedrica, ha ricevuto vari 

riconoscimenti anche in campo letterario. Da ricordare 

il “Premio Letterario Leonardo - 1990” -Presidente 

di giuria, lo scrittore Mario Luzi-, nel quale Lidia Atzori 

si classificò nella rosa dei primi finalisti. I suoi scritti 

sono inseriti in antologie letterarie, tra le quali ricordiamo: 

“Poeti contemporanei e non - Antologia di 

poesia civile - Edizioni Agemina”, distribuito da Libri- 

Co in tutte le librerie d’Italia. 

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Lidia Atzori 

Il porto, 2012, tecnica acrilico su tavola, cm. 60x 60 

“Il simbolismo che vediamo in Lidia Atzori, è un sogno 

che supera la realtà nella sua definizione e nella 

sua concretezza: è un sogno più concreto della realtà 

stessa, in una dimensione che ci fa scoprire sogni più 

vivi e più nitidi attraverso una potenza cromatica 

esplosiva”. 


“Nell’arte di Lidia Atzori, si vive una ventata di innovazione, 

che porta finalmente Firenze a vivere una 

nuova modernità artistica, in un cambio genrazionale 

che offre nuova linfa e vitalità. Artista materica che 

attraverso le sue cromie riflette la modernità in cocetti 

di astrattismo legati al figurativo, creando immagini 

in movimento”. 

Jacqueline Monica Magi 

“Lidia Atzori ha una pittura lussureggiante, molto materica. 

Ha la grande capacità di accostare il colore 

puro alla tela: capacità che era dei grandi maestri rinascimentali, 

quindi da buona fiorentina ha ereditato 

questa bravura. Artista molto materica, intereviene 

sulle tele anche apportando materiali; è una pittrice 

favolosa. I suoi quadri hanno un sapore straordinario 

di favole, esotiche per le cromie che sprigiona. È una 

pittrice di anima.” 

Daniele Menicucci 

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Angela Audibert Beltramo 

andre.audibert0553@orange.fr 

www.galleriamentana.it 

Cavale Noire, scultura in pietra, cm. h 50 

Figlia e nipote di immigrati piemontesi e ponzesi, 

Angela Audibert Beltramo è nata in Francia a 

Carces, un affascinante villaggio della Costa Azzurra. 

Il suo amore per l’arte e per la musica nasce fin 

dalla prima infanzia aiutata dai genitori che gestiscono 

una sala di danza, teatro e concerti. Nonostante il 

desiderio di approfondire gli studi d’arte la famiglia la 

indirizza verso studi commerciali ma questo non basta 

a fermare la sua ricerca artistica e il suo interesse per 

lo studio delle linee, del chiaroscuro, dei colori ma 

anche delle forme e dei rilievi. Realizza disegni a pastelli, 

dipinti ad olio, acquerelli, ma è sempre più attratta 

dalla materia e già ad undici anni crea il suo 

primo bozzetto in argilla cruda sradicata dalla terra 

stessa. È la terra di Provenza, rocciosa e arida, che 

diventa fertile nella sua immaginazione. A vent’anni 

l’interesse per la scultura diventa sempre più marcato 

e la scoperta dell’opera della scultrice Camille Claudel 

la spinge ad una scelta. Guidata da questo entusiasmo, 

nel 1996, si iscrive ai corsi di scultura tenuti 

da Richard Blancquart che le insegna le tecniche realizzative 

e la spinge ad allestire la sua prima mostra 

nell’anno 2000. Dopo questa esperienza decide di 

fare da sola e nel 2002 apre uno studio sulle colline di 

Barajolle a Carces. La sete di scoperta non la lascia 

mai e la sua ricerca la conduce a riscoprire i codici 

espressivi dei popoli primitivi d’Africa e delle culture 

tribali. In Italia, a Firenze, ha esposto più volte in mostre 

personali e collettive alla Galleria Mentana entrando 

a far parte del gruppo di artiste storiche della 

Galleria. 

“Nelle sculture di Angela Audibert Beltramo si ritrovano 

i tratti marcati di ancestrali significati totemici, 

scolpiti e levigati nella dura pietra, che parlano del 

tempo, dell’uomo e della natura. Si rintraccia un frammischiamento 

narrativo di grande efficacia comunicativa, 

che ci fa cogliere la tensione fra materialità e 

sentimento di religiosità. L’artista, indagando nei misteri 

dell’animo umano, trova le emozioni, che la guidano 

nelle sue realizzazioni e che presentano sempre 

forti caratterizzazioni simboliche, dove emerge il suo 

amore per le culture di paesi lontani”. 

Federica Murgia 

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Patrizia Bacarelli 

www.patriziabacarelli.it 

info@patriziabacarelli.it 

Diosperi, olio, cm. 35x25 

Nata a Firenze nel 1953. I suoi primi approcci 

con la pittura risalgono agli anni degli studi 

giovanili su sollecitazione del fratello gemello 

Massimo, pittore destinato ad imporsi in Germania e, 

nonostante gli impegni familiari e lavorativi, continua 

sempre a dipingere e ad approfondire la studio della 

storia dell’arte. Inizia ad esporre nel 1995 dando continuità 

alla frequentazione dell’ambiente artistico 

partecipando a rassegne e premi a Lastra a Signa, Firenze, 

Rignano sull’Arno, Prato, Roma, Pontassieve, 

Pontedera. In particolare, ottengono un ottimo riscontro 

le personali tenute nella sala consiliare del Comune 

di Rignano nel 1998, quella al Palazzo Datini di 

Prato nel 2000, quella all’associazione “Fate” di Firenze 

nel 2002 e quella del 2010 nella Biblioteca Comunale 

di Pontassieve. Fra i riconoscimenti ricevuti, 

da menzionare il primo premio- rappresentanza al 

Albero diospero, olio su comp., cm. 24x32 

“Città di Lastra a Signa” (1995), il settimo premio al 

concorso “Una fontana per la piazza” (1998), il terzo 

premio alla XXV edizione del “Premio Italia per le arti 

visive” (2010) a Capraia Fiorentina e il primo premio a 

Certaldo. Attualmente vive sulle colline di Rignano 

sull’Arno dove realizza, nel verde e nel silenzio, le sue 

opere che presentano temi ricorrenti come quello del 

paesaggio toscano, ricco di colori anche se venato da 

una crepuscolare malinconia, le nature morte, le marine 

e il suo contesto familiare al quale ha dedicato 

una serie di ritratti dei figli. Parallelamente si dedica 

anche alla lavorazione artistica del legno in stile fiorentino. 

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Patrizia Bacarelli 

Rami di diospero, olio su tela, cm. 40x50 

“Del suo impegnativo viaggio interiore ed artistico 

sono testimonianza i suoi colori, i suoi orizzonti aperti 

come finestre sulla nostra campagna o sull’energia 

del mare, i fiori, gli alberi, nei quali spesso inserisce i 

ritratti delle persone a lei più care, meticolosamente 

strutturati assecondando una tecnica pittorica esigente 

ed una straordinaria sensibilità ai riverberi di 

luci ed ombre: con voce suadente riesce a stabilire 

una speciale armonia tra fisicità dell’immagine e spiritualità 

della ricerca.” 


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Rossella Baldecchi 

Via Francesco Camici, 29 - 51100 Pistoia - Studio: Via Guerrazzi, 10/12 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 904113 - Cell. 320 1791905 - rossella.baldecchi@virgilio.it - www.rossellabaldecchi.com 

Sono sola, 2012, olio su tela, cm. 60x60 

Rossella Baldecchi, artista pistoiese diplomata 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze, opera nel 

campo della pittura e della stampa d’arte da 

oltre 30 anni, esponendo in Italia e all’estero dove ha 

ricevuto numerosi premi e segnalazioni. Nel 2007, a 

cura di Siliano Simoncini e Maurizio Tuci e presentata 

da Eugenio Giani, espone nel Palagio di Parte Guelfa 

di Firenze la mostra “Parole dipinte”. L’evento, diventato 

itinerante, arriva nel 2008 a Lucca a Villa Bottini 

ed a Pescia nel Museo del Palazzo del Podestà. Nel 

2009, con nuove opere la mostra è ospitata nel museo 

Marino Marini a cura del Comune di Pistoia. Sempre 

nel 2009 vince il Premio Nazionale “Sergio Agosti” a 

Santhià e Carlo Franza le cura una personale di incisione 

a Firenze. Nel 2010 è presente con una personale 

di pittura e incisione in Germania a Reutlinger, a 

cura di Thomas Becker. 

Nel 2011 presenta “Haiku di primavera”, due personali 

a Pistoia e Lucca che hanno ricevuto l’illustre Patrocinio 

dell’Ambasciata del Giappone a Roma. Nel 

2011-2012 partecipa ad esposizioni in Giappone, 

Cina, Spagna, Polonia, Corea, Venezuela e Stati Uniti. 

Nel 2012 vince il 1° premio di pittura nella città di 

Ferrara. Dal 23 febbraio al 15 marzo 2013 a cura del 

Comune di Montemurlo presenta”Sogni al femminile”, 

nella galleria comunale Sala Banti. Altro importante 

evento del 2013 riguarda la realizzazione di un 

opera per la Biblioteca San Giorgio di Pistoia che sarà 

collocata in maniera definitiva nella sala della letteratura, 

intitolata a Gianna Manzini. L’opera, dal titolo “Il 

cielo addosso”, ispirata da un romanzo della Manzini, 

sarà presentata al pubblico con una mostra in tema 

nelle vetrine e nella sala espositiva della biblioteca 

sabato 9 marzo 2013. 

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Maria Grazia Bambi 

Cell. 339 3969803 

bambi.mariagrazia@gmail.com 

Spirale, tecnica mista, cm. 72x51 

Maria Grazia Bambi nasce a Firenze, dove vive 

e realizza con grande passione le sue opere 

di tecnica mista su cartoncino. Di lei scrive 

Daniele Menicucci: “Artista onirica, paga al lettore 

una sua visione personalissima di fatti di vita, pensieri 

e visioni. Parla con il cuore e con la mente. La sua 

comunicazione è spontanea e profonda allo stesso 

tempo, il segno privilegiato alla forma ricorda certi 

stilemi tipici del gotico cortese, l’accuratezza pittorica 

è esemplare. Pittrice di miracoli, ingenuità, bellezza, 

candore e poesia. Simbolista concettuale, l’artista è 

fuori da ogni canone preesistente. Una ricerca armonica 

e spirituale perfettamente contenuta in un equilibrio 

geometrico assoluto”. 

La critica di Silvia Ranzi: “Evidenzia registri espressivi 

che hanno nella liberazione del fantastico il loro denominatore 

comune. Significativa è l’alternanza tra il 

codice geometrico arricchto da fluttuazioni organobiologiche 

ed i suggerimenti alla figurazione dai toni 

esistenziali. Il tutto coronato da una tecnica mista 

preziosa e di sensibile applicazione, dai cromatismi 

suadenti”. 

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Silvia Banchelli 

Cell. 339 1597049 

silviabanchelli@virgilio.it 

Tempesta, 2010, gesso, sabbia, corda su legno, cm. 79x20 

Incontenibile solitudine, 2010, gesso, corda, colla, su legno, cm. 75x17 

Silvia Banchelli nasce a Firenze dove frequenta 

l’Istituto Statale d’Arte di Porta Romana. 

Dopo il diploma in Arti Grafiche, frequenta 

corsi di restauro e falegnameria, sempre in cerca di 

modi per curare, rielaborare, abbellire i vari oggetti 

che incontra. 

Pittrice, restauratrice, interior designer, artigiana, 

ama “giocare” con carta, gesso, cemento, legno, colori, 

stoffe, strumenti che le permettono di esprimere 

la sua artisticità, che spazia in modi diversi. 

I suoi quadri, nati da mille emozioni, si possono “vedere” 

anche col tatto, accarezzando, ricercando delicatamente 

le varie forme che li compongono. 

I vari materiali, gettati, modellati, accarezzati, impastati, 

si fondono per dare sfogo a una espressività incontenibile. 

I suoi soggetti preferiti sono gli alberi, 

che lei definisce: avvolgenti, protettivi, immensi. 

Rami sinuosi ondeggiano in mezzo ad un impastato 

immaginario di emozioni. I colori dello sfondo alludono 

a un affascinante, ineluttabile, inalterabile deserto. 

Il grande, vigoroso fusto dell’albero sembra richiamare 

l’antica sicurezza, ormai perduta, col quale 

padroneggiava lo spazio. I rami spogli si allungano, 

cercano, sospirano, desiderando qualcosa che forse è 

perduto per sempre. L’intreccio dei rami sembra abbracciare 

le nuvole che lo circondano, in cerca di un 

illusorio appagamento. Ai piedi dell’albero piccoli arboscelli 

come a confortare lo sperduto amico: “Tu sei 

molto di più di quello che assilla la tua mente in questi 

ultimi giorni, mesi, anni, ore, minuti. Sei molto di più 

dell’immagine che hai costruito, di come ti vedi e di 

come gli altri ti possono vedere. Ciò che hai realizzato 

fino ad oggi non rappresenta tutto ciò che sei capace 

di realizzare, ma solo una minima parte”. Non angustiarti, 

“non si è mai visto, né udito, sin dai tempi antichi, 

di un inverno che si sia trasformato in autunno, 

l’inverno si trasforma sempre in primavera”. 

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Sara Bandini 

sarinabandini@gmail.com 

Lussuria, parte III, 2012, tecnica mista su zinco, cm. 20x20 

Sara Bandini nasce il 1 luglio del 1987 a San Miniato. 

Cresce a Fucecchio e frequenta il Liceo 

Artistico “Virgilio” ad Empoli. Prosegue gli studi 

a Firenze all’Accademia delle Belle Arti dove, in 

particolare, segue il corso pittura del professor Adriano 

Bimbi. Nel 2009, dopo un’esperienza di condivisione 

con altri artisti provenienti dall’Accademia, espone 

i suoi lavori all’interno della mostra “La roba del 

Mugello” - Cose, oggetti, strumenti e altre realtà dipinte 

- presso la villa di Cafaggiolo. A quest’esperienza 

ne segue, l’anno successivo, un’altra che darà vita 

alla mostra “Made in Mugello”. Si laurea nel 2011. 

Da due anni vive, lavora e dipinge a Marti. Ha l’occasione 

di collaborare a progetti artistici di vario genere 

che le permettono di continuare a sviluppare e approfondire 

i suoi studi. 

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Elisa Barbetti 

elisabarbettich@yahoo.it 

L’ascolto, 2004, tecnica mista su cartone 

Elisa Barbetti nasce a Certaldo il 13 marzo del 

1949. Per l’artista il proprio paese natale ha da 

sempre rappresentato una fonte di ispirazione e 

di serenità, che ha trasmesso nei propri dipinti. La sua 

è una formazione da autodidatta, ma che le ha comunque 

permesso di dare voce ad un’instintiva cromaticità 

ed attitudine a trasferire nelle proprie opere emozioni 

e sensazioni spontanee. Il ricorso alla fantasia è 

infatti per Elisa una vera e propria necessità, aiutata 

poi dalla sua professione di insegnante. Vari sono i 

periodi creativi attraversati dall’artista certaldina: da 

quello dei burattini in gommapiuma, a personaggi 

creati “ad occhio” direttamente con forbici e colla, 

alla manipolazione della creta in paesaggi e mascheroni, 

alla pittura di madonne e allegorie, fino al periodo 

dedicato alle miniature. 

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Grazia M. Barbieri Felicetti 

Abitazione e studio: Via Anna Frank, 31 - 50020 Mercatale in Val di Pesa (FI) 

Tel. 055 8218155 - grazia-barbieri@libero.it 

Presentazione di Gesù al Tempio, 2012, cm. 50x40 

Fiorentina, laureata in Pedagogia all’Università di 

Firenze, ha svolto per molti anni attività d’insegnamento. 

Pittrice, iconografa, mosaicista, poetessa, 

appassionata nella ricerca e nella documentazione 

dell’Arte greco-bizantina. Si dedica all’Arte 

Sacra. È socia artista nella “Società delle Belle Arti- 

Circolo degli Artisti” Casa di Dante- Firenze. Ha pubblicato 

due raccolte di poesie: “Acqua d’Arno” presentato 

al “Caffè Letterario le Giubbe Rosse” dal prof. 

Franco Manescalchi. Firenze 1994. Ed. Nuove Proposte. 

“Il giardino delle chimere” Ed. Ibiskos- Empoli. 

“Artista stilisticamente personalissima, nelle sue 

preziose icone esprime una originale visualizzazione 

dei personaggi e delle epoche. Un tocco soggettivo 

sia nella scelta dei temi che nella realizzazione di figure 

esclusive e diversificate. Grazia M. Barbieri Felicetti, 

imprime la propria forza interpretativa nel segno 

deciso; ogni possibile armonia di carattere, nell’atteggiamento 

delle membra e nei volti. Nella pregnante 

coerenza narrativa, tutte le possibili sfumature 

dell’arte figurativa. Linguaggio pittorico antico e nuovo 

di un’Arte senza tempo”. 

Duccia Camiciotti 

“Grazia Barbieri, tra le discipline del suo versatile iter 

artistico, ha abbracciato ed approfondito la prassi 

operativa e l’estetica teologica a fondamento della 

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Grazia M. Barbieri Felicetti 

La Vergine, 2005, cm. 32x45 

San Boris e San Gleb, 2006, cm. 40x60 

preziosa tecnica delle icone. Da anni l’artista fiorentina 

realizza con dedizione e studio dipinti su tavola, 

secondo i dettami della Scuola Greco-Bizantina, nella 

sequela a prototipi religiosi che interpretano soggetti 

mariani e cristologici, figure di santi, scene e personaggi 

tratti dal Vecchio e Nuovo Testamento. Grazie 

all’impasto di pigmenti naturali, vegetali o minerali 

con tuorlo d’uovo a legante ed il ricorso a sapienti dorature 

si assiste alla delineazione di raffigurazioni religiose 

intrise di quel simbolismo cromatico senza 

tempo che riflette i contenuti dottrinari delle Sacre 

Scritture. L’intento creativo ed ascetico è instillare 

quell’intelligenza contemplativa che fa dell’icona una 

finestra aperta sull’invisibile ed un “tempio” delle verità 

di fede. Grazia Barbieri questo compito lo assolve 

con diligenza e ricercatezza sulla base di un disegno 

fluido dal pittoricismo morbido e ci offre attraverso le 

sue opere un viaggio spirituale nei modelli iconografici 

scelti per rivisitarli secondo un’eleganza calligrafica 

ellenizzante di estrema liricità. Allo scopo di evidenziare 

le teofanie dipinte nell’incavo denominato 

“arca”, l’artista si avvale di rifiniture ornamentali di 

stucchi a bassorilievo nella modalità “Pastiglia” che 

incorniciano o impreziosiscono le fisionomie dei volti 

nella dinamica lumeggiata e trascendente dello 

sguardo. Consapevole della funzione dell’icona quale 

segno teologico, liturgico e sacramentale, Grazia Barbieri 

non rinuncia a conferire un‘impronta personale e 

industriosa a quest’attività artistica che nell’unicità 

del suo genere rappresenta un colto medium evangelizzatore”. 

Silvia Ranzi 

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Valentina Barbieri 

Via Lamporecchiana, 229 - 50059 Vinci (FI) 

Cell. 334 1741186 - vale.barb89@gmail.com 

Allegoria dell’Italia: Pietà, 2012, tecnica mista su tela (acrilico e collage), cm. 90x100 

Nasce il 18 novembre del 1989 ad Empoli, in 

provincia di Firenze. Fin da bambina dimostra 

una predilezione per il disegno ed è di 

conseguenza che si iscrive al “Liceo Artistico Virgilio” 

di Empoli, diplomandosi nel 2008. Continua con 

gli studi artistici frequentando per tre anni l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze, con indirizzo pittura. Nel 

2010, con il gruppo Potlak, formato con alcune compagne 

di corso per l’occasione, partecipa ad una 

mostra presso il Tribunale di Pistoia, con la supervisione 

dell’artista Nevio Di Marco. Nel 2011 espone 

un’opera in una mostra collettiva con la sua classe 

di pittura, al Bobolino di Firenze. Nel gennaio del 

2012 partecipa ad una collettiva a Milano, in occasione 

di un evento organizzato da le Voice shoes, 

presso lo Showroom 055, assieme agli artisti Ludmilla 

Radchenko e Aleandro Roncarà. Nel giugno 

2012 partecipa alla “Festa dell’Infiorata” di Cerreto 

Guidi, con il tema “l’Apocalisse”, realizzando assieme 

ad altre tre giovani artiste, un’opera a terra, con 

segatura colorata e fiori, della grandezza di 2x4m. 

Nell’ottobre del 2012 esegue un’opera murale e decora 

delle vetrate presso le Pubbliche Assistenze 

Riunite di Empoli. Ad oggi continua a coltivare la 

passione per la pittura nella sua casa tra le campagne 

di Vinci (FI). 

“La sua pittura è un gioco di forme e colori in cui l’artista 

raffigura soggetti immersi in un alone di ambiguità, 

che divertono, affascinano e offrono mistero” 

(Cristina Bruni). 

L’opera (“Allegoria dell’Italia: Pietà”) è nata “ispirandomi 

alla Pietà del Carracci, infatti si può notare che 

la posizione della mia Italia è molto simile alla posa 

del Cristo; un’Italia in agonia, sorretta dalla falsità 

della classe politica che ci governa (il giullare mascherato 

che la sorregge con mano artigliata), dalla 

dipendenza totale dai soldi (lo sfondo) che oramai 

sono il fine di ogni azione ed interesse”. 

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Cristina Bazolli 

cri.baz@fastwebnet.it - www.equilibriarte.net/cristinabazolli 

www.premioceleste.it/CristinaBazolli - www.facebook.com/cristina.bazolli 

Guardiani notturni, 2009, tecnica mista, cm. 40x30 

Sono nata a Poggio Rusco, in provincia di Mantova, 

nel 1957. Ho cominciato a dipingere giovanissima, 

sotto la guida del pittore ostigliese 

Dante Spelta. In seguito ho avuto la fortuna di frequentare 

lo studio di un maestro del surrealismo italiano, 

Lanfranco Frigeri, che considero il mio mentore. 

Ho intrapreso gli studi classici e mi sono laureata in 

Filosofia a Bologna. Dopo la laurea, mi sono trasferita 

a Brescia, dove, pur avendo poco tempo per dipingere, 

ho continuato a studiare, esercitandomi nella figura 

sotto la guida del maestro Schinetti. Nel 2000, mi 

sono trasferita a Firenze, nel quartiere di Santo Spirito, 

dove, appassionatami al lavoro degli artigiani che 

vi tengono bottega, ho continuato la mia ricerca, imparando 

l’arte della doratura, della miniatura e le tecniche 

pittoriche del Quattrocento toscano. Dipingo 

con la tempera all’uovo, su tavola, tela, cartapecora o 

carta, “illuminando” alcuni dipinti con foglia d’oro 

zecchino e mi occupo anche della decorazione e doratura 

delle cornici. Ritenendomi più artigiana che artista, 

ho esposto le mie opere per tre anni (dal 2003 al 

2005) nelle manifestazioni dell’associazione “La Fierucola”, 

in piazza S. Spirito e in piazza SS. Annunziata. 

Mi sono dedicata anche all’illustrazione per l’infanzia, 

dipingendo, nel 2007, le tavole di un libro di fiabe 

per la casa editrice Fatatrac. Divido il mio tempo tra la 

filosofia - che insegno al liceo “Dante”- e la pittura. 

Mi piace la commistione tra la pittura, la filosofia, la 

poesia e la musica: amo illustrare testi di canzoni o 

poesie e tradurre la filosofia in immagini. Ho esposto 

in personali e collettive a Firenze, Roma, Ferrara, Reggio 

Emilia, Brescia, Livorno, Montecatini. 

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Anna Maria Bedini 

Tel. 338 1277878 

annamaria.bedini@unifi.it 

Anna Maria Bedini nasce a Buenos Aires (Argentina), 

dove trascorre l’infanzia. Si diploma 

all’Istituto d’Arte di Ancona nel 1974 e frequenta 

la Scuola Libera di Nudo presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Attualmente opera a Firenze e 

fa parte del gruppo artistico fiorentino “Casa di Dante”. 

Dall’ottobre 2012 al febbraio 2013 espone un 

elaborato a china presso la mostra “Wassily Kandinsky 

- dalla Russia all’Europa” al Palazzo Blu di Pisa. 

“Il percorso artistico di Anna Maria Bedini conosce 

trent’anni di assidua ed appassionata attività che privilegia 

la pittura quale medium tecnico congeniale ad 

esprimere un ricercato credo estetico: elaborare, sulla 

base di valori materici e tonali, un’originale ottica percettiva 

del reale che cattura effetti cinetici e cromatici 

nel caleidoscopio delle forme. Le tele di grande formato 

mettono in opera una figurazione astraente dalla 

sintassi compositiva studiata che si ispira ai dati fenomenici 

per restituirli trasfigurati o ingranditi nella rilevazione 

oggettivata di linee e volumi sotto l’azione 

epifanica del colore-luce, nella dinamica allusivo-semantica 

delle trame chiaroscurali nel gioco flessibile 

delle ombre. Il titolo “suggestioni” rende ragione di 

quello “straniamento” visivo-emozionale di ascendenza 

gestaltica che è alla base del processo creativo in 

cui l’artista si riconosce per selezionare inedite angolazioni 

dell’esistente nell’indagine strutturale di equilibri 

interni ed esterni, favorendo l’empatica rilettura 

del fruitore secondo la libera polisemia ludico-analogica 

delle immagini. Si assiste ora all’interpretazione di 

texture contemplative di ispirazione naturalistico-ambientale, 

ora ad una sorta di rivelazione metafisica del 

dettaglio di natura oggettuale o corporea in cui si 

esplicita la capacità singolare di A.M.Bedini di analizzare 

liricamente il visibile per ricostruirlo secondo una 

tessitura cromatica dai toni caldi ed assorti, grazie ad 

una tecnica mista-olio con apporti granulari – sostenuta 

dall’utilizzo preponderante, accurato, pastoso e vibrante 

della spatola che sa dar corpo ad inquadrature 

scelte, come si evince dalla varietà inconsueta dei titoli 

delle opere. Il fascino plastico, metamorfico, illusionistico 

della luce nei suoi riflessi cangianti esalta l’intento 

riflessivo di manifestare “porzioni” del reale 

Casello 182, trittico, 2012, olio su tela, tecnica mista, cm. 75x60 

Boogie Woogie, 2010, olio su tela, tecnica mista, cm. 100x100 

esplorato, evocato, rivisitato nel dinamismo di vivide e 

segrete geometrie per disegnare polifonie timbriche 

nello spazio. La vocazione alla pittura condotta con 

abilità, rigore e moderna concezione rende merito ad 

un’artista coerente che con immedesimazione lirica 

intensifica visioni biomorfe o antropizzate di un diario 

visivo, ricercato, perseguito con tattile sensorialità, 

per sublimare l’integralità del vivere nella verità esclusiva 

delle sue parti”. 

Silvia Ranzi 

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Romola Bellandi 

Via Clemente Biondetti, 5 E - 50139 Firenze 

Tel. 055 400582 

Il comò, 1982, cm. 40x40 

Romola Bellandi vive a Firenze dove lavora ed ha 

insegnato per più di 20 anni. È diplomata 

all’Accademia di Belle Arti. Ha frequentato i 

Corsi Internazionali di grafica ad Urbino e i corsi di 

incisione di “Venezia Viva”. 

Una lunga attività di ceramista ed una buona esperienza 

di pittura su stoffa, ora la tentazione della grafica 

non vanno considerate come frutto ambiguo di un’incertezza 

di scelte, ma alternative all’impegno che Romola, 

ancora alla ricerca di se stessa, ha voluto sperimentare. 

Se quest’ultima è l’espressione profonda, lo 

vedremo fra qualche tempo (Romola già accenna a olii, 

a tele…punti d’approdo necessari per un’artista): intanto 

queste sue ricognizioni nel mondo familiare, 

questi eventi della cronaca naturale, questo essere 

profondamente legata alla realtà quotidiana, alludono 

ad una sicura solidità emotiva. Le soluzioni formali da 

mettere a fuoco andranno ancora studiate, ma questi 

lavori, ideati nella luce calma del quieto, meraviglioso 

scenario di via Bolognese Nuova, ed eseguiti in diretto 

rapporto con i migliori stampatori, hanno una loro 

identità di viva e fervida poesia. 

Giuse Benignetti, 1982 

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Daniela Bencivenni 

Via di Monteloro, 30b - 50065 Pontassieve (FI) 

Cell. 349 0756279 - dbencivenni@yahoo.it 

Nebbie al Poggione-Monteloro, 2010, olio su tela, cm. 40x40 

Fiorentina, da sempre interessata alla pittura, segue 

da alcuni anni i corsi del pittore Nazareno 

Malinconi. Ricercatrice etnobotanica (erboristaantropologa) 

predilige soggetti relativi all’ambiente 

in cui vive e lavora: i paesaggi e le piante che li caratterizzano. 

Il paesaggio è inteso come una finestra che 

si affaccia su un punto di vista interiore. Ognuno di noi 

ha un “paesaggio interiore” che vive e si trasforma e 

che è a sua volta influenzato dal paesaggio esterno, 

inteso come ambiente di vita. 

“Trovare l’armonia nel rispecchiarsi dei molteplici paesaggi 

interni ed esterni è in un certo senso lo scopo 

della mia ricerca”. 

Intensa l’attività espositiva degli ultimi tre anni: attraverso 

le iniziative dell’associazione “Gadarte”, 

partecipando a numerose manifestazioni ed esponendo 

in mostre personali e collettive a Firenze, Pontassieve, 

Montespertoli. Alcune opere sono presso 

collezioni private a San Francisco (USA). Tiene una 

mostra permanente presso il ristorante “Nuovo Orlando” 

a Monteloro. 

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Luciana Biagini Del Bianco 

Via delle Ginestre, 2 - 50014 Fiesole (FI) 

www.lucianabiagini.info 

Fertilità dell’autunno, 2010, pastello su carta, cm. 23x33 

Luciana Biagini Del Bianco ha da sempre applicato 

la sua innata perizia al disegno e a un severo 

impegno pittorico eleggendo il pastello a tramite 

e strumento di rappresentazione. Ha frequentando 

corsi di disegno e pittura con il professor Giorgio Barreca. 

Di lei scrive Pier Francesco Listri: “I fiori dipinti di 

quest’artista vivono nell’aria, respirano della propria 

viva fragranza, ma per la magia del pastello e per l’alta 

qualità della pittura dei fondi, perdono la convenzionalità 

di questo tipo di pittura e acquistano invece 

la fresca grazia della loro precaria e suprema vitalità 

vegetale. Sono, questi fiori, splendidamente dipinti, 

anche stemmi di nostalgia, araldi di un malinconico 

sguardo sul mondo che la pittrice sommessamente 

trasmette senza vistose sottolineature. Nella bellezza 

dei fiori si consuma il tempo breve fra lo sbocciare e 

l’appassire, e l’artista non lo dimentica. Ne nasce un 

fare morbido e caldo che consente tanto la finezza 

dell’arabesco quanto lo sfumato delle cromie con 

l’ausilio di luminosi ritocchi. Magia e merito di Luciana 

Biagini stanno nel bilanciare con grande equilibrio 

un’esattezza ottica straordinaria nel rappresentare il 

vero, conferendogli insieme un’araldica suggestione 

di simboli”. 

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Adua Biagioli 

Cell. 339 7173955 

audabi2008@yahoo.it 

Tulipani, 2008, olio su tela, cm. 30x35 

Vive e opera a Pistoia. Dopo aver conseguito gli 

studi artistico-letterari, ha partecipato a numerosi 

concorsi nazionali e internazionali, sia 

sulla pittura che sulla scrittura, in particolare sulla 

poesia. La sua prima raccolta poetica “Come pensieri” 

è stata pubblicata nel 2011. “L’arte della pittrice 

possiede una profonda capacità di raggiungere la 

sostanza delle cose e nei suoi dipinti è possibile evincere 

una forte propensione anti-accademica, frutto 

di una radicata abolizione del disegno preparatorio e 

della linea di contorno. L’effetto reso è di qualcosa di 

non - finito, tocchi di colore corposi e vivaci, stesi attraverso 

pennellate fresche, rapide, intense, fino a 

raggiungere l’obiettivo finale del dinamismo e di vitalità 

in un elegante stile decorativo ed ornamentale 

che tocca i contenuti del figurativo nei suoi soggetti. 

Un’artista che ha molto da esprimere poiché il suo 

animo è pieno di delicatezza e di sensibilità” (Ambra 

Grieco). 

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Maria Cristina Biagiotti 

Borgo Pinti, 45 - 50121 Firenze 

Cell. 333 4746474 - premcri@alice.it 

Pittrice, performer, creatrice di oggetti d’arte, nasce 

a San Casciano Val di Pesa (FI) e vive a Firenze. 

Ha frequentato l’Istituto Statale d’Arte, il 

Magistero d’Arte e l’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Ha insegnato Arte e Immagine nella scuola secondaria 

di primo grado e conduce laboratori di arte applicata. 

Molte le mostre personali e collettive e i concorsi a cui 

ha partecipato. Tra queste si ricordano le personali: 

Concorso Internazionale Fanzine 2000 (Villa Vogel, Firenze); 

Trasfigurazioni Itineranti (2001, Galleria 

D.E.A.,Firenze); Torre del Faro (2001, Vada, Livorno); 

Passaggi… e paesaggi (2001,Palazzo Pretorio, Sesto 

Fiorentino); Le multiforme (2004, Biblioteca Comunale 

S.Casciano V.P.); Cantina Barbagianni (2008, Firenze); 

Barone di Porta Romana (2011, Firenze). Tra le collettive 

si ricordano: Omaggio all’Iris (2001, Villa Bellosguardo 

Caruso, Lastra a Signa); Carnevale e Capodanno 

Fiorentino (2002, Palagio di Parte Guelfa, Firenze), 

La Donna nell’Arte (2002, Palazzo Pretorio, Sesto F.no); 

Arte Donna (2002, La Pergola LaborArt, Firenze); Arcana-mente 

(2002 Art Point Black, Firenze); Premio di 

Pittura al concorso Vita (2002, Centro Internazionale 

d’Arte Sever, Milano); Cicli d’Arte (2003, Rassegna della 

Bici d’Artista a cura di Art Nest, Firenze); Galleria 

Malatestiana (2004, Rimini); Habitart (2004, Giardino 

del Teatro della Limonaia, Sesto F.no); Arte Ambientale 

e Arte Ambientata “Il Giardino di Ada” (2004, Firenze); 

Concorso “Urbs Mundi” (2008, Accademia Italiana “Gli 

Etruschi”); Concorso “Spiga d’Argento” (2012, Montespertoli). 

Come performer ha collaborato tra l’altro a: 

Tamburini in azione di I.Vitali (2001, Villa Vogel); Rosina 

e Celestino di I.Vitali (2001, Castello Broich, Germania); 

Shangai di I.Vitali (2001, Minimum Spazio d’Arte, 

ed. Morgana). Ha lavorato, come figurante, in diversi 

film tra i quali “Fuochi d’artificio”, “Un viaggio chiamato 

amore”, “Pontormo”. Hanno scritto di lei testate 

nazionali e riviste specializzate. 

“Fermare attraverso il colore il ricordo di un viaggio, 

l’emozione che non ti aspetti perché affiora improvvisa 

dal cuore silenzioso della natura, il profilo di un 

La signora della notte, smalto su cartoncino telato, cm. 35x25 

volto che parla di terre lontane e intrise di mistero; in 

altre parole, fare della pittura un intenso racconto di 

vita. È così che potremmo descrivere l’universo artistico 

di Maria Cristina Biagiotti, la sua capacità di vivere 

la pittura come un’esperienza totalizzante (…). 

Non c’è un prima e un poi nel suo iter artistico, un’interruzione, 

un passaggio, un’evoluzione di generi, ma 

tutto, colori, paesaggi e sogni risuonano in un concerto 

unico. Dipingere è per lei compiere un viaggio attraverso 

il mondo, e di questo viaggio fissare sulla 

tela le infinite variazioni cromatiche, gli accenti luministici, 

il mosaico di forme” 


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Francesca Bianconi 

kikafree@virgilio.it 

Bambina con bolle, acquerello 

Francesca Bianconi, in arte KikaF nasce a Bergamo 

il 12 dicembre del 1968, ma vive ormai da 

quarant’anni a Cerreto Guidi. Ha avuto il suo primo 

approccio verso il disegno come autodidatta, affascinata 

dalla figura umana, dipingendo volti e corpi da 

foto raccolte su giornali. Il suo vero e proprio viaggio 

nell’arte è iniziato però nel 1988 con i primi ritratti e 

quadri su commissione. La pittura è così diventata in 

quel periodo un elemento imprescindibile della sua 

persona: benché indirizzata dalla famiglia a diplomarsi 

come insegnante di scuola elementare, non ha mai 

intrapreso la carriera scolastica ma ha invece “divagato” 

cercando “un posto tra gli artisti”. Nel 1989 si è 

trasferita per qualche anno a Brescia, dove ha frequentato 

un corso di “Figura ed Acquarello” presso lo 

“Studio di Arti Visive” di Ruben Sosa, imparando le 

tecniche fondamentali del vedere e del disegnare con 

specializzazione nella tecnica dell’acquarello. Nel 

1990 ha continuato il suo percorso prendendo lezioni 

private dal prof. William Fantini, pittore ed espositore 

a mostre private; sotto la sua guida ha appreso le 

principali tecniche pittoriche e partecipato alla mostra 

collettiva da lui organizzata nel giugno del 1992 a 

Bovegno. A Brescia ha trovato il modo di esprimersi 

approfondendo varie forme d’arte anche attraverso 

diverse esperienze professionali, come la realizzazione 

di sfondi e scenografie, lavorando come vetrinista 

e realizzando anche due marchi commerciali. La sua 

formazione è continuata fino al giugno 1993, incanalandosi 

in particolare nel settore dell’illustrazione 

dell’infanzia, con il corso di “Fumetto e Illustrazione” 

presso lo “Studio di Arti Visive”di Ruben Sosa. Alla 

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Francesca Bianconi 

Giardino dei desideri, acquerello 

fine del 1993, tornata a Cerreto Guidi, ha continuato 

ad esprimersi in questo settore partecipando alla III, 

IV, VI e VII edizione del “Concorso internazionale di 

illustrazione per l’infanzia” organizzato dall’”Associazione 

Culturale Teatrio” di Chioggia, partecipando 

anche a laboratori estivi che le hanno fatto conoscere 

l’illustratore Mario Gomboli. Dal 2000 ha gestito un 

laboratorio artistico con esposizione e vendita delle 

sue opere. La sua passione artistica è proseguita illustrando 

disegni adatti all’infanzia, con acquerelli e oli 

dai colori scintillanti; nell’intento di raccontare l’arte 

anche ai più piccoli. La sua pittura si è infatti trasformata 

in qualcosa di più giocoso, realizzandosi in particolare 

in due mostre allestite a Cerreto Guidi: nella 

prima, nel settembre 2002, dal titolo “Filastroccando”, 

ha illustrato una filastrocca in 9 quadri dipinti ad 

acquerello. Nella seconda, nel settembre 2008, intitolata 

“Ti racconto una storia”, ha narrato la storia 

delle sante Liberata e Faustina attraverso illustrazioni 

realizzate ad acquerello e olio. Dal 2005 ha iniziato 

ad approfondire la tecnica della pittura ad olio sotto 

la guida di Andrea Meini. Con questa tecnica ha diversificato 

la sua produzione artistica, tornando a 

raffigurare volti, ispirata dalle foto dei viaggi del movimento 

Shalom nel mondo. Nel 2011 ha contribuito 

con un suo dipinto ad olio al progetto artistico che illustra 

la vita di Santa Liberata in un ciclo di 13 dipinti, 

promosso dal parroco don Donato per il Santuario di 

S. Liberata a Cerreto Guidi. Il settembre scorso ha 

partecipato alla collettiva “Colori in Bianco e Nero 

2012” esponendo una raccolta di opere intitolata 

“Volti al divino”. 

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Daniela Bigagli 

Cell. 349 1178278 

artedaniela@ymail.com - www.coloriastratti.it 

Pensiero, 2011, acrilico su tela, cm. 70x100 

Daniela Bigagli nasce a Pistoia nel 1974. Da 

sempre coltiva un forte interesse per le arti 

visive e per la pittura, ispirandosi principalmente 

alla corrente artistica dell’action painting. Per 

la realizzazione dei suoi dipinti predilige colori acrilici, 

che si intrecciano con la poesia. Daniela Bigagli ha 

partecipato a diverse esposizioni, in particolare nella 

città di Genova, tra cui la prestigiosa Mostra Mercato 

d’Arte Moderna e Contemporanea “ArteGenova 

2012”, le varie edizioni della Mostra Mercato di arte 

visiva “Galleria Mazzini come una galleria d’arte” e 

l’esposizione “Venti di Mare”, organizzata in occasione 

del 51° Salone Nautico Internazionale. Recentemente 

l’artista ha partecipato all’esposizione “Ventiquattrosette” 

presso il Centro Culturale Zerouno di 

Barletta. “Daniela Bigagli, la cui arte è una esplosione 

di toni svincolati liberamente dalle emozioni del quotidiano 

[…], si lascia dominare dalle suggestioni di routine 

e dalla gente per crear grandi intrecci di colore e 

spessore. Colori fervidi e vivaci sono espressione costante 

di momenti non necessariamente lieti poiché la 

pittura è, per la Bigagli, un maestoso mondo in cui ritrovarsi 

e lasciarsi andare. L’artista è a suo agio solo 

tra i toni, gli unici a saperla intendere e a consentirle 

di parlare come detta la mente e il cuore, unico mondo 

in cui realmente l’artista riesce ad esprimersi. La verve 

pittorica della Bigagli sta nell’uso esplosivo dei 

colori, reali protagonisti di una scena dove cumuli e 

dripping fanno da contorno all’armonia cromatica in 

cui mai l’oscurità tonale si esprime e prevale. Esiste 

una forte discrepanza tra le emozioni che spingono 

l’artista alla creazione e l’uso dei colori: l’inverno, tendenzialmente 

cupo e freddo diviene per la Bigagli 

arancione e rosso, il lutto è rosa fucsia: nulla corrisponde 

alla canonica espressione e viene stravolto 

dalla carica emotiva che la musica, sottofondo sempre 

costante per la creazione di un dipinto, le consente di 

plasmare. I colori prendono il sopravvento in un mondo 

artistico che è incanto ed esplosione per l’artista, 

liberazione e sfogo, consentendole di attuare la magia 

irripetibile che la denota” 

Anna Soricaro 

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Piera Biondi 

Abit.-studio: via Umbro-Casentinese,147 - 52011 Bibbiena (AR) 

posta@pierabiondi.it 

In controluce, 2011, acrilici su tela, cm. 100X70 

Nata ad Altopascio (LU), risiede ed opera da 

anni a Bibbiena. Ha coltivato fin dall’infanzia 

la passione per il disegno e per la pittura sperimentando, 

dapprima autonomamente, le diverse 

tecniche dalla tempera all’olio ed all’acquerello. Dal 

Duemila fa parte del gruppo AR.CA., degli artisti casentinesi, 

gruppo seguito ed impostato nell’insegnamento 

pittorico e nell’uso del colore dal mestro Amedeo 

Lanci. 

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Graziella Bindocci 

Via Giuseppe La Farina, 47 - 50132 Firenze 

Tel. 055 571974 - Cell. 333 9859016 - graziella.bindocci@libero.it 

Curiosità. A 5000 metri sul tetto del mondo l’incontro fra due 

civiltà (Tibet, 2005) 

La caramella. Negli occhi di un bambino la gioia per una caramella 

(Nepal, 2005) 

Graziella Bindocci è originaria di Montalcino e 

da tempo vive e lavora a Firenze. Il suo spirito 

creativo la porta ad esplorare discipline artistiche 

figurative quali la pittura e la scultura in creta; 

in altro campo fa esperienze psicoanalitiche e compone 

poesie edite in varie antologie. Il suo amore è la 

fotografia intesa come narrazione fedele di quanto 

visto e vissuto attraverso viaggi nel mondo; un’esperienza 

totalizzante ed appassionante che riesce a trasmettere 

a chiunque sappia “ascoltare vedendo” attraverso 

ritratti di bambini, vecchi, uomini e donne al 

lavoro cogliendo aspetti significativi del loro habitat e 

la loro cultura. È fotografia analogica: usa una macchina 

Canon OS 300 e per i ritratti si serve di un teleobiettivo 

per cui non ci si accorge di essere fotografati 

così da cogliere l’espressione più spontanea del 

soggetto. Socia dell’associazione culturale Gadarte 

collabora con il Consiglio occupandosi del settore fotografia. 

Ha presentato le sue opere in mostre personali 

molto apprezzate: Museo Civico di Chioggia - Hotel 

Esplanade Viareggio - Fortezza Medicea 

Montalcino - e Firenze: Aula Magna dell’Istituto Pari- 

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Volto di pietra. Beduino nella magia di Petra (Giordania, 2008) 

Un sorriso nascosto. Ragazzo palestinese nel mercato di Racca 

(Siria, 2008) 

ficato Pacinotti Cavour, Gadarte, Quartiere 2, U.C.A.I. 

e Biblioteca Marucelliana dove con sue fotografie 

(Mongolia e Firenze) ha illustrato la presentazione di 

due libri delle poetesse fiorentine Duccia Camiciotti e 

Clara Nistri ottenendo grandi riconoscimenti di critica 

e pubblico. Una speciale segnalazione ha ricevuto la 

fotografia “Volto di pietra” nel premio Bargellini 2009. 

Partecipa attivamente alle mostre collettive organizzate 

dalle numerose associazioni culturali fiorentine. 

Danzatore. Festa della Primavera a Punakha (Buthan, 2009) 

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Pastori. A nord di Aleppo un’immagine senza tempo (Siria, 2008) 

La battaglia. Guerrieri di Gengis - Khan in una rievocazione storica nel deserto dei Gobi (Mongolia, 2006) 

38



Paternità. Deserto del Gobi. Tenerezza di padre (Mongolia, 2006) 

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Christine Böeke 

christine.boeke@tiscali.it 

www.christine-boeke.com 

Serie Palmen, tecnica mista su tela, cm. 100x135 

40


Angelica Borali 

www.gallerimentana.it 

Primavera, 2013, olio su tela, cm. 50x100 

Nata in provincia di Bergamo nell’agosto 1984, 

comincia sin da piccola a manifestare interesse 

ed attitudine verso l’arte e il disegno. Inizia 

quindi il suo percorso come autodidatta e per affinare 

le tecniche pittoriche frequenta dal ‘98 corsi di pittura 

serali cercando di rubare i trucchi e i segreti ai suoi 

maestri. Fa parte del circolo artistico “Natale Morzenti” 

di Martinengo, paese d’origine, ed è proprio in 

questo contesto che muove i primi passi con esposizioni 

che le permettono di riscuotere successi di pubblico 

e di critica. Infatti è a Martinengo la prima mostra 

personale nel 2006 e da lì inizia una serie di 

esposizioni e mostre personali sia presso il paese natale 

e non solo che riscuotono grande successo. Dal 

2008 Angelica vive e lavora in Toscana in provincia di 

Pisa, dove dal suo piccolo studio continua la sua opera 

artistica, sempre alla ricerca di nuove idee e stimoli, 

ed anche in questo contesto partecipa a mostre 

collettive e personali. 

41


Antonietta Borgioli 

Viale Spartaco Lavagnini, 8 - 50129 Firenze 

Tel. 055 489870 - Cell. 338 2727995 - pierpaolobenucci@virgilio.it 

Corridoio della Palazzina Reale, acrilico, cm. 100x70 

Antonietta Borgioli disegna e dipinge da quando 

frequentava l’Istituto d’Arte di Porta Romana 

tra il 1963 e il 1968. I suoi maestri sono stati 

Fiorenzo Faorzi, Mario Calderai, Dante Nannoni e Sergio 

Baroncioni. Nel 1989 comincia a dipingere in 

modo continuativo e la sua prima personale si tiene 

presso il “Gruppo Donatello” nel 2007. In questa mostra 

espone opere di vari soggetti: le nature vive 

dell’orto e del giardino, gli interni di una casa sulle 

soglie del bosco sull’Appennino toscano, le bambole 

antiche di famiglia. Nel 2010, sempre al “Gruppo Donatello”, 

espone una trentina di opere frutto di un 

suggestivo confronto tra gli ambienti della Stazione di 

Santa Maria Novella frequentati prima come studentessa, 

poi come insegnante pendolare. Come erano 

cambiate le geometrie, quali oggetti d’arredo erano 

scomparsi in questo luogo della vita che è la Stazione? 

Le linee di fuga delle scale esterne erano cambiate, 

mutate le luci delle vetrate, nati nuovi ambienti nel 

sottosuolo. In questi dipinti della Stazione, connotati 

da razionali e pulite architetture, dove rara è la presenza 

umana, si nota una sua attenzione all’opera di 

Hopper. Proprio con un dipinto che ritrae il nascosto 

corridoio che dalla Palazzina Reale porta al binario 

sedici, Antonietta Borgioli ha vinto il primo premio al 

quarto concorso nazionale “Città di Montecatini Terme” 

nel maggio del 2010. Negli ultimi anni Antonietta 

Borgioli ha partecipato a numerose collettive e nel 

2011 è entrata nel “Gruppo Donatello”. Da alcuni 

mesi lavora su bozzetti e studi vari, effettuati negli 

anni scorsi a Pistoia, sui resti della fabbrica Breda, 

nota con il soprannome “La Cattedrale”, ora restaurata 

come spazio per iniziative culturali. 

42


Silvia Bosio 

silvia-bosio@libero.it 

Pescatori, 2004, olio su tela, cm. 150x64 

Silvia Bosio è nata a Roma nel 1972, ma si è formata 

a Firenze dove ha frequentato il Liceo Artistico 

e dove successivamente si è diplomata 

all’Accademia di Belle Arti. Attualmente vive a San 

Vincenzo a Torri e lavora come insegnante. 

Proveniente da una famiglia di pittori e musicisti ha 

coltivato fin dall’infanzia il gusto della creatività come 

espressione di una vitalità prorompente e gioiosa. Indubbiamente 

questo aspetto ha caratterizzato il suo 

approccio alle molteplici esperienze artistiche che fin 

dalla prima gioventù l’hanno vista in contatto con il 

mondo della moda, delle decorazioni di interni e degli 

allestimenti scenografici. Profonda conoscitrice delle 

tecniche pittoriche, imprime ai suoi dipinti ad olio una 

freschezza ottenuta alle pennellate allungate e fluide 

e ai colori attentamente bilanciati in base a studi 

compositivi. L’immagine rappresentata spesso trattiene 

la forza della prima impressione, quella più vera, 

quella più vicina ai sensi. 

Nei soggetti si nota la forte predilezione per la figura, 

da decenni al centro dei suoi studi. Anche nei gruppi, 

come pure nelle raffigurazioni delle folle, non viene 

mai perso quel senso di amorosa dignità che l’artista 

desidera infondere al singolo in qualità d’individuo, 

reso unico da un dettaglio o da un semplice colore che 

lo contraddistingue, dettando così la cifra della sua 

originalità: ne emerge un’umanità trasognata, incantevole 

e vivace. 

Samanta Monco 

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Cecilia Brogi 

Cell. 338 4769417 

ceciliabrogi@libero.it 

Moltitudini 1, 2009, installazione (rame, acrilico, alluminio, ottone, materie plastiche), cm. h 1.70 

Artista fiorentina, dal 2008 si dedica alla creazione 

di sculture e installazioni. Tra le mostre recenti 

in cui ha presentato le sue installazioni, si 

ricordano: nel 2009, a Firenze, Eretikart (Sala dei Barnabiti) 

con Solido in luce 1, Ars Mediana (Sala delle 

Leopoldine) con Solido in luce 2, Sentieri delle stelle 

(località Gavignano, Antella) con Solido in luce 3 e 

Moltitudini 1; nel 2010 Festival della Creatività (Libreria 

Libri liberi) con Il sonno della prigioniera; nel 2011 

Convegno “Nosotras” (Salone dei Duecento, Palazzo 

Vecchio) con Moltitudini 2. 

NELLA TERRA 

ESSERI UMANI, ANIMALI, 

PIANTE, OGGETTI 

IMPOSSIBILE CONTARLI 

FATICOSO CATALOGARLI 

LASCIALI MUOVERE NEL LORO CAOS 

NEI LORO COLORI 

SIEDITI 

OSSERVA LA LORO ORDINATA 

MERAVIGLIA. 

Cecilia Brogi 

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Rita Brucalassi 

Abit.- studio: Via Bicocchi, 1 - 58022 Follonica (GR) 

Tel. 0566 54543 - 0588 26219 - Cell. 333 1612980 

Stalking, olio su tela, cm. 60x80 

Nasce a Castelnuovo Val di Cecina (Pisa) nel 

1955. Vive e lavora a Follonica. Dopo il conseguimento 

del diploma inizia a dipingere con 

costanza dal 1974 dedicandosi allo studio delle arti 

figurative con attenzione particolare verso la figura 

femminile e lo splendido paesaggio toscano. 

Ha partecipato a rassegne e tenuto personali sia in 

Italia che all’estero, sue opere sono presenti in collezioni 

private e pubbliche. Nel 1997, con altri pittori 

della sua città, costituisce l’associazione artistica 

“Golfo del Sole”. Tra le più recenti presenze ricordiamo 

le numerose personali dal 2002 ad oggi, alla Galleria 

del Candelaio di Firenze, al Casello Idraulico a 

Follonica, a Massa Marittima nel Palazzo Pretorio e 

nella Sala Misericordia, a Castiglione della Pescaia, 

alla Galleria Art-Time di Udine; la Fiera “Immagina” di 

Reggio Emilia e la Fiera di Agrigento; in diverse rassegne 

a Firenze nel Caffè Storico Letterario “Giubbe 

Rosse”, alla Galleria “Via Larga” della Provincia di 

Firenze, alla Biblioteca Comunale, al Museo Archeologico 

e a Villa Viviani, a Milano presso la Galleria 

Modigliani, a Noale (Venezia) nel Palazzo Comunale 

della Loggia, a Roma nella Galleria “Il Trittico”, con la 

quale ha esposto anche a Portocervo, e nella Galleria 

“La Pigna”, a Panzano in Chianti nella sede comunale 

della Limonaia di Pescille. Il suo lavoro è documentato 

dalle riviste Eco d’arte moderna, L’Elite, Il Quadrato, e 

nei cataloghi “Comanducci”, “L’Agenda toscana 

dell’Arte” (a cura di Fabrizio Borghini), “Artisti Toscani 

del XXI secolo” (a cura della galleria Rotini di Livorno) 

e nel Catalogo Arte Mondadori del 2011. 

45


Gianna Bucelli 

Tel. 349 7507122 

www.giannabucelli.it - gianna.bucelli@gmail.com 

saggistici. Da pochi anni ha iniziato un percorso di 

ricerca del tutto personale, partecipando alla vita artistica 

con personali e collettive in Italia e all’estero. 

Insegna discipline pittoriche nei corsi organizzati dal 

Comune di Firenze. Vive e lavora tra la Val d’Elsa, Firenze 

e Roma. 

Pino + Pino, tecnica mista con lastra di ferro ossidata, 

cm. 100x120x4 

Gianna Bucelli nasce a Firenze. Si diploma 

all’Istituto d’Arte di Porta Romana nel 1978. 

Lavora inizialmente come creativa, grafica e 

decoratrice pubblicitaria. In seguito si orienta sempre 

più verso la decorazione murale ed il trompe 

l’oeil, realizzando interventi presso ville di privati in 

Italia e Svizzera. Contemporaneamente attraversa 

varie tecniche artistiche passando dall’intervento 

murale a mosaico alle illustrazioni per fiabe, da pitture 

commissionate (ritrattistica) agli acquerelli pae- 

“Ritrovarsi tra le braccia di un tempo sospeso. Visitato, 

conosciuto e abitato. Ritrovarsi in un paesaggio, 

dunque, che ci compensa da una natura estraniante. 

Algidamente toccante, vive nello sguardo e si presenta 

ai nostri sensi come se fosse – parafrasando Simmel 

– una promessa di conciliazione e fine di un frammento. 

«Come un’artista fuori tempo - racconta la 

Bucelli - cerco ancora la bellezza delle cose nel mondo, 

nella natura, negli oggetti, la loro sacra realtà. 

Esaltare la bellezza non per puro estetismo ma per 

innalzarla dalla materia sospendendola nel tempo». 

Comprendere la natura di uno spazio non è nulla di 

scontato, bensì una vitale rifigurazione di un presente 

denso di vincoli affettivi, di una consuetudine che ci 

spingere “al di fuori”. È una transizione che emerge 

da una semplice vivibilità. Come se fosse uno spettacolo 

teatrale queste tele dipinte bloccano gli occhi in 

una continuità scenografica e la Bucelli organizza il 

suo spazio di scena incorniciandolo di ampie quinte 

visuali. Ecco che, con la sua pittura, Gianna Bucelli 

tocca il paesaggio. Lo tesse in silenzio tra quei piani 

argentei o dorati di un cielo intimamente pensato e, 

con un ordine segreto, lascia emergere un punto sensibile 

che, in una sottile ambiguità onirica, ci libera in 

una profonda estasi” 

Una silenziosa estasi. I paesaggi di Gianna Bucelli 

Antonio Locafaro, 2012 

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Marisa Buffoni Niccolai 

Via Ippolito Nievo, 2 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 903438 - Cell. 333 8744060 

La Tonnara, 2010, olio su tavola, cm. 50x60 

Nasce a Roma, ma vive e opera a Pistoia, dove 

inizia a dipingere intorno al 1980, alternando 

questa passione a quella della poesia. Inizialmente 

ha prediletto la pittura naturalistica per poi affrontare 

le atmosfere metafisiche, con composizioni e 

stesura dei colori particolari ed individuali. L’artista 

esprime la sua passione pittorica per l’acqua e i peculiari 

scorci paesaggistici, con sentimento e profondo 

trasporto. “Le emozioni e le sensazioni legate all’elemento 

acqua… lasciano tutto in sospeso. Non risolvono. 

Neanche l’immaginazione, nonostante voglia 

raccontare qualcosa, può farlo. Si resta così ad un 

passo dalla realtà, che non può essere definita, e a un 

altro passo dalla fantasia, che non si può toccare”. 

P. Aiuti 

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Maria Burger 

Val di Lopia, 3 - I - 56046 Riparbella (PI) 

Tel. 0586 698126 - lopia3@gmx.net 

Têtê a`têtê, 2010, grès 

Nata a Postal / Merano (BZ) nel 1954, ha studiato 

pittura alla Kunstgewerbschule Graz 

Austria e scultura, ceramica e design 

all’Università di Arti Applicate di Vienna. Tra il 1985 

e il 1993 ha insegnato all’Università di Arti Applicate 

di Vienna. Dal 1997 vive e lavora a Riparbella (PI). 

Diverse esposizioni collettive e personali in tutta 

Europa e a New York. 

Maria Burger nel suo atelier (Foto R. Dollmann) 

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Maria Burger 

Teste, 2011, olio su vetro 

“Il cortocircuito fra un potente messaggio concettuale 

neo-gotico, che “esibisce” l’enigma esistenziale, e le 

raffinate terrecotte e gres di memoria antica, che ne 

strutturano il supporto, definisce il profilo insolito e 

suggestionante della personale “Tête-à-tête” dell’artista 

Maria Burger. Una sorta di stop-motion scultoreo 

crea movimento dalla ripetizione nello spostamento 

di uno stesso soggetto, ripreso da punti di vista diversi, 

alla luce di un ambiente impersonale e minimalista, 

compassionevole e universale, dove la memoria 

collettiva si manifesta nella forza plastica di un artificio 

nordico precipitato da un altro tempo, ma rivolto, 

insieme con grazia e potenza, al carattere del contemporaneo. 

La pura bellezza di teste, busti e volti ricorrenti, 

rilievi pronunciati o le singole sculture, attraversano 

la terza dimensione in un sodalizio sperimentale 

fra magnetismo e introspezione, calma e carica 

espressionista, che lascia aperti spazi di riflessione e 

impatti emozionali, fino a lambire dichiarate denuncie 

sulla condizione insieme bella e complessa dell’infanzia. 

Più in astrazione i lavori dipinti sul vetro, dove 

ancora l’aspetto di ripetizione ricorsiva, al ritmo pop, 

crea, da un cambiamento minimo di posizione, di trasparenze 

e di tonalità di colore, l’unicità di un frammento 

timido di personale espressione, rivelato dalla 

complicità tacita e silente della luce”. 

Elena Capone 

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Donatella Calamai 

Via Renato Fucini, 35 - 50041 Calenzano (FI) 

Cell. 347 9495644 

Momenti, acrilico su tela, cm. 100x120 

Donatella Calamai è pittrice e orafa. Nata a Sesto 

Fiorentino, vive e lavora a Calenzano. Ha 

realizzato diverse mostre personali e collettive 

in varie regioni italiane. Hanno scritto e parlato di lei 

critici, quotidiani, riviste d’arte ed emittenti private. 

“Ho dinanzi agli occhi, come punto di riferimento, le 

riproduzioni dei quadri esposti dalla pittrice a Venezia 

nel 1999, e noto con piacere in quelli di oggi, messi a 

confronto il graduiale abbandono del fondamento decorativo 

con cui la pittrice, sia pure in modi garbati, 

esprimeva la propria poesia sì che l’ansia seminascosta 

dietro ai segni e ai colori di allora e collegata misteriosamente 

‘ai valori fondamentali che sono alla 

base dell’essere umano’ (come recita il manifesto di 

Extrarte) è venuta fuori oggi dall’ingabbiamento, ha 

rivisitato l’espressione e l’ha liberata di un legame 

indubbiamente piacevole ma non consono ai fini del 

messaggio che l’artista avrebbe voluto lanciare in sintonia 

con l’evoluzione dei costumi e dell’arte dei tempi 

nuovi. Quel messaggio, dunque, è oggi una realtà. 

E l’artista lo esprime con accentuata personalizzazione 

nella conquista degli spazi nei quali una più chiara 

definizione dei ‘corpi’ ammessi a popolarli riflette una 

maggiore armonia nella composizione. Che può dirsi 

totalmente sua perchè plasmata con un linguaggio 

fuori da ogni ‘ismo’ e convenzione”. 

Tommaso Paloscia, Firenze, ottobre 2002 

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Maria Antonietta Canalini 

Via XII Martiri, 40 - 50017 San Piero a Ponti (FI) - Tel. 055 8998136 

canaliniantonietta@tiscali.it 

Paesaggio toscano, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

“ Potrebbe sembrare retrò l’assunto di Giovanni 

Fattori che sosteneva si dovesse trarre ispirazione, 

per dipingere, dalla realtà naturale. Per 

Maria Antonietta Canalini, a giusta ragione, non è 

così. Ella, con Fattori, trova la natura uno spettacolo 

emozionante che offre infiniti suggerimenti affinché 

ognuno esprima al meglio la propria creatività. È infatti 

a codesto principio che Maria Antonietta informa 

tutta la sua opera pittorica, ricca d’immagini naturalistiche 

dai colori luminosi e semplici e dalle solide 

composizioni che esprimono gli elementi essenziali, 

sempre apprezzati, del romantico verismo”. 

Ugo Fortini 

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Grazia Canciullo 

www.graziacanciullo.it 

attivi-pensieri@tiscali.it 

Sitlaus, 08 

Nata nel 1954 ad Adrano (Catania), risiede a 

Firenze. Ha frequentato l’istituto d’Arte di 

Giarre, conseguendo la maturità in Arte Applicata, 

e si è laureata alla Facoltà d’Architettura di Firenze. 

Dal 1970 svolge attività di ricerca grafico-pittorica 

arricchita negli ultimi anni da esperienze nei 

campi della progettazione architettonica e del design 

di oggetti d’uso. Nel 1995 e nel 1996 il suo lavoro viene 

promosso in numerose Fiere italiane ed estere 

tramite la pubblicazione “FierExpo Book” Edizioni Il 

Candelaio di Firenze. Dal 1996 alcune sue opere sono 

in permanenza alla Galleria d’Arte Sacra dei Contemporanei 

di Villa Clerici a Milano. Intensa l’attività 

espositiva degli ultimi anni, con presenze in rassegne, 

fiere d’arte e manifestazioni periodiche, nazionali ed 

internazionali, tra le quali diverse edizioni del “Premio 

Italia per le Arti Visive” ottenendo numerosi riconoscimenti 

editoriali ed espositivi, e del “Premio Firenze” 

(si ricorda in particolare, nel 2006, il terzo premio, 

medaglia di bronzo per la grafica); nel 2001 “Small Art 

Work Festival”, Skydoor Art Place, Aoyama, Tokyo 

(Giappone); nel 2002 “Rassegna d’arte nel 10° anniversario 

della Fondazione”, Centro Culturale Islamico, 

Madrid ; “Art per Nadal 2012”, BCM Art Gallery, Barcellona. 

Ha tenuto personali in spazi pubblici e gallerie 

in diverse città italiane. 

52


Grazia Canciullo 

“Davanti a un’opera d’arte non sempre è facile farsi 

prendere, entrare in sintonia con i modi espressivi 

dell’autore: nel caso dei lavori di Grazia Canciullo ciò 

avviene invece in modo immediato, particolarmente 

semplice: la loro forza vitale è contagiosa. Forse perché 

l’autrice prende spesso ispirazione da brani musicali: 

sono molti i titoli che ce li ricordano (Exsultate, 

Fantasia mahleriana, per citarne qualcuno) e l’energia 

che trasmettono è diretta come quella musicale. I colori 

innanzitutto (sempre vivacissimi, e recentemente 

più brillanti grazie all’uso degli smalti, scelti in base 

agli accordi e al tema principale del frammento musicale 

di riferimento) ricreano l’effetto di armonia sonora 

da cui sono scaturiti. 

Le forme poi, che si compenetrano e si rincorrono 

come fanno gli strumenti e le voci nei brani di riferimento, 

sembrano compresse nello spazio del quadro, 

cercano di evaderne con uno slancio vigoroso. I grandi 

formati, infine, permettono quasi di immergersi, cogliendo 

appieno la carica e l’esuberanza creatrice.” 

Barbara Conti 

Fantasiestucke 

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Laura Cambò 

Studio: Via della Chiesa, 1 - 55016 Porcari (LU) - Cell. 347 1847390 - laura22@inwind.it 

http://artenetwork.altervista.org/wam//cambo/camboA.htm - Pagina Facebook: I quadri di Laura Cambò 

Charlotte, 2010, acrilico su tela, cm. 50x70 

Giovane psicologa lucchese, dipinge per passione 

da autodidatta. Il soggetto prevalente dei 

suoi quadri sono gli animali dipinti con molta 

ironia, con colori acrilici, brillanti e giocosi. “Ecco che i 

cani e i gatti immortalati da Laura Cambò sembrano 

divertirsi dal come sono rappresentati dall’artista stessa 

e i loro atteggiamenti riflettono il pensiero e il sogno 

di ognuno di loro in quel momento. Del resto, come diceva 

Buddha, il vostro cane e il gatto potrebbero essere 

vostro padre o la vostra nonna, nella loro ultima 

reincarnazione, che stanno per raggiungere il “nirvana”, 

lo stato di eterna beatitudine” (Eraldo Di Vita). 

“L’artista con istintiva cromaticità trasferisce nelle 

proprie opere le sue emozioni e con una pittura semplice 

e genuina le conferisce un aspetto del tutto originale 

e personale, arricchendola con fantasia puerile, 

sempre feconda di contenuto” (Cristina Bruni). 

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Antonietta Capecchi 

Località Seracino, 13 - 56032 Buti (Pisa) - Tel. 0039 0587 723573 

Cell. 333 3015928 - a_capecchi@yahoo.it - www.antoniettacapecchi.com 

La nave, 2012, olio su legno trattato applicato su tavola, 

cm. 80x100 

L’artista è nata in Inghilterra, ma è vissuta dal 

1957 nella città di Lucca dove ha iniziato i suoi 

studi che ha poi concluso a Firenze. Attratta da 

sempre dal mondo delle arti figurative, ha praticato 

costantemente, nel corso della giovinezza e durante 

gli anni di insegnamento, il disegno e la pittura. 

La sua prima mostra si è svolta in Germania. A questa 

sono seguite poi le esposizioni nel Sud della Francia e 

a Parigi. La partecipazione di Antonietta Capecchi ai 

progetti espositivi di arte contemporanea si è fatta 

sempre più frequente nel corso degli anni: ricordiamo 

le mostre presso il College of the Atlantic a Bar Harbor 

nel Maine. Sempre in USA ha collaborato con la 

galleria Wingspread a Northeast Harbour dove ha incontrato 

un buon apprezzamento di pubblico e di critica. 

In Italia ha esposto a Lucca, a Pietrasanta, a Sermoneta, 

ad Anzio e a Milano; attualmente fa parte 

dell’Associazione “Arte in Lucca”. 

Dopo un periodo dedicato allo studio della figura, 

adesso la pittrice sta scrutando i nuovi orizzonti 

dell’astrazione. 

La possibile arte delle forme e del tempo 

Lavoro lieve di cuore, con forme che paiono tagliate 

dal diamante e con colori che esprimono cielo e terra 

insieme. Le opere d’arte che Antonietta Capecchi è 

Equilibrio, 2012, olio su tela, cm. 50x50 

capace di creare portano avanti una ricerca che non 

pare arrestarsi. L’autrice ha in mente viaggi e peregrinazioni 

nella storia dell’arte nostra e di oltralpe. 

Una volta conosciuta la monumentalità della Toscana 

non si può far finta di niente: ti rimane per sempre 

nel cuore e se sei un’artista, permane nelle tue creazioni. 

Neppure è possibile negare le proprie radici, 

Turner c’è e si vede. Tardava a far capolino nel catalogo 

di Capecchi, ma ora è presente in certe sfumature 

di celeste. 

Ma nel sublime del pittore inglese Antonietta entra 

imperiosa con le sue forme certe, invade la scena e 

propone i depositi della memoria: quella granulosità 

che puoi toccare con gli occhi è terra! I supporti rigidi 

sono graffiati, vissuti e si mettono in moto: novello 

futurismo. La tela, ove impiegata, è trattata col rispetto 

per la tradizione. Si usa l’olio e si è sapienti. 

Anche la ricerca formale risente di elementi e simboli 

che denotano un’ampia conoscenza della storia 

dell’arte da cui si parte per esplorare nuovi orizzonti di 

segno e di senso. 

Giovanna M. Carli 

storico dell’arte e critico 

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Enrica Cappelli 

Cell. 347 5158861 

enri01cap@alice.it 

Macchia viola, 2009, olio su tela, cm. 40x40 

Ortensie variazioni, 2010, olio su carta, cm. 40x40 

Nasce a Tizzana (PT), vive e opera a Firenze 

dove si è laureata in Economia e dove ha intensamente 

lavorato in settori importanti del 

Comune di Firenze: istruzione, cultura, urbanistica e 

successivamente in grandi aziende private. Affascinata 

da sempre dai colori e dal disegno ha studiato, 

ha tanto guardato e sotto la guida di Clara Carboni 

insegnante di pittura e disegno (Fortman studios attivo 

a Firenze fino al 2004) ha svolto un proficuo percorso 

didattico. Ora si dedica a tempo pieno a trasferire 

su tele e carte, con tecniche diverse dall’olio all’acquerello, 

dall’acrilico alla fusaggine, immaginazione 

e realtà. Tra le mostre personali, si ricordano: Il Viaggio 

(Hotel Athenaeum, Firenze 2007), Tela e Porcellana. 

La gioia del colore (Zone, Firenze 2007), Mostra 

alla Locanda del Castello (Sambuca Pistoiese 2007), 

L’Arte in altri luoghi (P.za Stazione - Studio Mineo, Firenze 

2009), Colore e spazio (Regione Toscana, Palazzo 

Bastogi, Firenze 2012). Ha partecipato a mostre 

collettive presso la Galleria Mentana (2010, 2011, 

2012 con l’ANLA) e al Concorso Città di Montecatini 

nel 2009. 

“Enrica Cappelli, dopo aver svolto brillantemente il 

ruolo di dirigente nella Pubblica Amministrazione del 

Comune di Firenze e nel privato, da oltre un decennio 

si dedica con totalità di intenti all’arte, affiorata negli 

anni della giovinezza, e perseguita in età adulta con 

esiti originali sia nella pittura che nella grafica. La 

personale a Palazzo Bastogi dal titolo “Colore e spazio” 

presenta un corpus scelto di opere che costituiscono 

la fisionomia matura di un iter produttivo felicemente 

intrapreso, nella messa a punto di un ricercato 

“racconto pittorico” che inscena atmosferici soggetti 

di vibrante e rarefatta fattura, in cui l’introiezione del 

mondo sensibile è veicolata liricamente grazie a trame 

e campiture compositive dal tocco vellutato. Campeggiano 

vedute dell’amato territorio toscano e di più 

ampio respiro mediterraneo, in cui emergono: delicate 

configurazioni di natura collinare, boschiva, valliva, 

punteggiata da silenti profili arborei; morfologie marine 

e lacustri del noto litorale tirrenico fino all’interpretazione 

di solarità insulari. L’occasionalità di viaggi 

compiuti in Libia, New York, Irlanda ampliano il raggio 

d’ispirazione verso nuove prospettive di rappresenta- 

56


Enrica Cappelli 

Siepe in campo magenta, 2009, olio su tela, cm. 70x60 

zione dello spazio e degli insediamenti umani al confine 

tra realtà e trasfigurazione immaginifica. L’uso 

sapiente e soffuso del colore - ad olio o acrilico su tela 

e su carta; diluito a macchia nell’acquarello - si flette 

a rispettare gli spunti realistici nell’evanescenza evocativa 

ed emozionale del brano ritratto o si accende in 

addensati ocra e magenta a reinventare il reale in iridescenze 

simbolico-introspettive. Il contatto rigenerante 

con la biodiversità e le sue forme induce l’artista 

ad avvicinarsi all’universo floreale mediante 

pastosi e trasognati effetti cromatici. Ritrae con predilezione 

vaporose corolle d’ortensie nella varietà 

delle nuances botaniche, in assorte e momentanee 

pause di un quotidiano arricchito da presenze ornamentali. 

Dalla soavità espressiva del colore si passa 

all’eleganza della grafica nell’ordito segnico a fusaggine 

che gioca con le intermittenze luministiche dei 

bianchi, decodificando con abilità e morbidezza visioni 

naturalistiche, intrecci vegetali, inusuali scorci metropolitani, 

per captare moderne dissolvenze paesaggistiche 

nella ripresa di forme in movimento, nuova 

tendenza d’avanguardia della sua variegata produzione. 

Particolarmente votata a dar voce ad una visionarietà 

attinta dal reale nel grande e piccolo formato, 

Enrica Cappelli è animata da un’industriosa creatività 

attenta ai valori tattili, appaganti, pacificanti del fare 

artistico che spalanca dimensioni percettive e contemplative 

dell’esistente in proiezioni dilatate dagli 

accenti mnemonici ed onirici”. 

Silvia Ranzi 

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Silvia Cardini 

Cell. 335 8365631 

Cell. +39 335 8365631 - silviacardini@libero.it 

Silvia Cardini è nata a Firenze dove ha iniziato la 

sua formazione artistica in parallelo con gli studi 

classici. I suoi primi interessi sono stati la 

scenografia teatrale e l’installazione. Nel 1995 si laurea 

in Filosofia con una tesi su A. Artaud e comincia a 

partecipare a concorsi e manifestazioni artistiche in 

Italia e all’estero (Portofranco, Firenze 1994; Nel cuore 

della ghiacciaia, Carpi 1997; To kiss a different heart, 

Fulda 1998). Si iscrive all’Accademia di Belle Arti 

di Firenze dove si diploma in Pittura nel 2004. Partecipa 

alle mostre: Il Mugello disegnato (a cura di A. Bimbi 

e G. Cordoni) e Diario Inciso (a cura di R. Ceccotti e 

A. Bimbi). È invitata alla rassegna di Cure d’arte curata 

da G. Caverni e L. Pezzatini: la mostra viene scelta 

per la pubblicazione del libro “Dialoghi Muti. Disegni 

di Silvia Cardini-Poesie di Marco Di Bari”. A cura del 

Q2 Comune di Firenze, 2004. Nel 2005 vince la borsa 

di studio in Grafica d’Arte presso l’Accademia di Belle 

Arti. Inizia ad insegnare alla Laba di Firenze e consegue 

l’abilitazione per la scuola media. Nel 2006 espone 

all’interno dei negozi e laboratori artigiani Riccardo 

Barthel a Firenze (Appesi d’Arte. Dipinti di Silvia 

Cardini-Installazioni di Elena Barhel). Disegna per manifesti 

e testi teatrali e partecipa alle mostre: I Cantieri 

del silenzio (a cura di M. Innocenti); L’altro sguardo 

(a cura di L. Bernardi e P. Ricci); La mano e il fiore, Seven 

Italian Artists (NCTU Gallery, Taiwan); Pittura: 

femminile, singolare, x4, (Galleria La Corte, Palazzo 

Antinori, Firenze). Nel 2007 espone nelle mostre collettive 

a cura di M. Pasquali: Oltre l’oggetto. Morandi 

e la natura morta oggi in Italia (Museo Michetti, Pescara) 

e L’alibi dell’oggetto. Morandi e gli sviluppi 

della natura morta in Italia (Fondazione Ragghianti, 

Lucca). Partecipa inoltre a: Tre (Palazzo Corsini, 2008) 

e Bildung (Galleria Tannaz, 2010). Espone nelle mostre 

personali: La grana delle cose a cura di A. Tempi 

(Montevarchi, 2008) e Attimi d’Interni a cura di D. Cresti 

(Firenze, 2010). Dal 2012 collabora con la Galleria 

Zweigstelle di Berlino. Vive e lavora a Firenze nella 

sua casa-laboratorio alla Nave a Rovezzano. 

Tulipani, 2012, pigmenti su tela, cm. 202x170 

“Nella pittura di Silvia Cardini vi è uno sguardo attento 

e profondo rivolto ai piccoli oggetti e luoghi vissuti 

della quotidianità che sembrano abbandonati ma che 

diventano parte di un mondo capace di suscitare emozione. 

Alla ricerca di tracce di una presenza umana 

che non compare, ma che si avverte, prende forma un 

narrazione per immagini che ricostruisce la realtà e 

l’immaginario della propria esistenza. 

Usa toni di colore delicati, una materia fatta di pigmenti 

naturali, che spesso contamina col bianco 

come se pennellate di memoria impastassero la visione 

reale. Dipingere è per lei instaurare un dialogo con 

le cose circostanti per mezzo di una rappresentazione 

a volte frammentaria, alleggerita da un’ironia e un 

distacco che ne rivela la loro intima essenza di cose e 

non di forme “. 

Tratto dai testi critici di A. Tempi e di D. Cresti 

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Marta Carlesi 

Abit.: via Pagliucola, 27 - Studio: via della Quiete, 7/B - 5100 Pistoia 

Tel.-fax 0573 367714 - Cell. 339 1852532 - martacarlesi@yahoo.com 

Albero autunnale, 1970, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce a Cagliari, ma vive e opera a Pistoia. Pur 

avendo seguito un corso di pittura alla Scuola 

d’Arte di Pistoia, con il pittore Umberto Mariotti 

e un corso di disegno e pittura all’Accademia di 

Firenze è in definitiva un autodidatta. Segue un periodo 

di intensa attività artistica durante il quale alterna 

la pittura all’attività di restauratrice. Le sue pitture 

sono dipinte dal vero realizzate con un linguaggio libero 

e spontaneo, in cui si stabilisce un rapporto fisico 

con la materia il cui effetto è sorprendente. È come se 

l’artista “ti afferrasse per mano e ti portasse dove li 

ha dipinti per condividere con te stessa le sensazioni 

che ha provato lei dipingendoli” (Carla Pacetti). 

Ha allestito mostre sia in Italia che all’estero: Norimberga, 

Monaco di Baviera, Meersburg presso il lago di 

Costanza ed Amsterdam. 

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Laura Casini 

Viale Morgagni, 12 - 50134 Firenze 

Cell. 348 9541373 - laura@lauracasini.net 

Il risveglio di Venere, 2010, olio su tela, cm. 100x70 

Vive e lavora a Firenze. Di formazione fiorentina 

il suo iter artistico è complesso e articolato. 

Ha sperimentato varie tecniche pittoriche, il 

modellato, la ceramica e l’incisione su linoleum. 

La sua pittura è tonale secondo i dettami della scuola 

fiorentina. Le sue opere si trovano in collezioni private 

italiane e straniere. È membro dell’Associazione Culturale 

“La Rosa d’Oro dell’Arte”. 

“Donne potenti, insomma, quelle raffigurate in queste 

opere, donne tanto libere, fluide, leggere, cedevoli, 

quanto forti proprio in virtù di queste magnifiche 

qualità, necessarie per risultare vincenti, per non 

soccombere alla quotidianità esasperante. Il fascino 

dei quadri di Laura, però, sta anche nelle cose misteriose 

che circondano le protagoniste, paesaggi reali 

o fantastici in certi casi simbolicamente capovolti 

segno che Laura ha, probabilmente, compreso il senso 

nascosto della vita: la nostra esistenza non è determinata 

solo da cose immanenti, visibili, tangibili, 

ma soprattutto da trascendenze che sfuggono alla 

nostra comprensione e ne determinano l’andamento, 

trascendente, comunque imprescindibili dal nostro 

vivere che contiene in sé un insondabile mistero. E 

possibile che Laura, con i suoi quadri, stia dando una 

risposta personalissima, ma anche molto vera ad uno 

dei più grandi quesiti che l’umanità si sia mai posta: 

“chi siamo, da dove veniamo, dove andiamo?”. Chi 

siamo? Materia e spirito: acqua, terra, fuoco, aria e 

luce…” 

Lucetta Risaliti 

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Laura Casini 

La Primavera, 2012, olio su tela, cm. 60x80 

“La pittura toscana d’oggi è viva. Giovani artisti sfidano 

i vecchi autorevoli di un tempo e si slanciano 

nell’arena. Ecco, per esempio, il caso di Laura Casini. 

Essa s’impone per un piglio tutto suo, fortemente toscano, 

ossia senza oleografie e preziosismi. Andrà a 

sbattere la testa nel realismo più retorico o addirittura 

nel miserabilismo? Ecco un errore che l’analisi precisa 

delle opere di Laura Casini ci impedisce di commettere”. 

Vittorio Abrami 

“Nei dipinti di Laura Casini, la figura femminile, spesso 

tutt’uno con il paesaggio e con la vegetazione, può 

leggersi come un rimando all’antico mito della Grande 

Madre, dea della fertilità e della vita, reggitrice del 

ciclo di morte e di rinascita, un mito il cui culto accompagna 

l’umanità sin dall’età della pietra e che nel 

corso dei millenni ha assunto molteplici aspetti, sempre 

però incarnando la vita nella sua polarità maschile 

e femminile. Un simbolo che Laura Casini interpreta 

richiamando i concetti della ciclicità delle stagioni, 

del principio femminile come origines mundi o della 

Pangea, grande massa originaria dalla cui separazione 

avrebbero tratto origine i continenti. Una pittura 

che si nutre di valori simbolici e che per questo cerca 

di allontanarsi da una rappresentazione fotografica e 

realistica dei soggetti per privilegiare l’irrealtà del 

colore, i rapporti non sempre armonici tra figura e 

sfondo, e far sì che l’elemento femminile emerga con 

i suoi significati altri. Su tutto domina un ponderato 

equilibrio di luci e colori che proiettano l’osservatore 

in una dimensione edenica, dove uomo e natura ritrovano 

l’armonia originaria”. 


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Eleonora Castagnozzi 

eleonoracastagnozzi@rocketmail.com 

Nasce il 14 giugno del 1974 a Carmignano in provincia 

di Prato dove tuttora vive. Nel 1992 si diploma 

in tecnica della grafica e della pubblicità 

all’istituto professionale L.Tornabuoni di Firenze dove 

inizia ad acquisire le prime conoscenze sulla fotografia. 

Dal 2004 al 2006 sostiene alcuni esami universitari alla 

facoltà di Lettere e Filosofia di Firenze per il corso di laurea 

Storia e Tutela dei Beni Artistici. Tra il 1994 ed il 2000 

lavora come grafica presso due agenzie pubblicitarie nel 

territorio pratese. Dal 2000 inizia il rapporto di lavoro con 

un’azienda di moda che ha base a Firenze. Nel 1995, con 

l’intenzione di approfondire i temi della fotografia, partecipa 

ad un corso presso il gruppo fotografico Il Pinguino 

di Carmignano di cui farà parte fino all’anno 2000. In questi 

anni apprende principalmente le basi del bianco/ 

nero, comprensivo di sviluppo e stampa. Con il gruppo 

partecipa ad alcune mostre collettive a Prato, Signa e 

Carmignano. Nel 1997 è presente con alcuni suoi scatti 

alla mostra “Il colore rosa” che si tiene a Prato. Dopo un 

periodo di pausa, con l’abbandono dell’analogico, nel 

2006 passa al digitale ed in particolar modo al colore. 

Dal 2009 inizia la passione per la ricerca di luoghi ed 

edifici abbandonati in Italia ed all’estero; i suoi scatti si 

dividono tra la solitudine e la decadenza degli ambienti 

“scoperti” e l’inserimento di figure umane a personalizzare 

la scena. Nel 2010, la sua foto “Tutti in carrozza!” 

viene selezionata per il concorso “100 persone per 100 

viaggi” dell’associazione Tokaghe ed esposta nella mostra 

collettiva di Firenze, e nel 2011 a Tokyo e Osaka. Nel 

2012 un’altro scatto, “You are to young to understand 

the world!”, viene pubblicato sulla prima edizione della 

rivista fotografica Stark-Magazine. È presente su diversi 

portali di fotografia online come Maxartis, Fotoblur e 

Flickr dove condivide i suoi scatti, scambia pareri e giudizi 

su tecnica e composizione con gli altri utenti/fotografi. 

The shadow, 2012, foto digitale, cm. 31x24 

Le sue immagini fotografiche ci raccontano l’abbandono 

di spazi, di luoghi ormai non luogo che certamente un 

tempo hanno avuto una storia, una loro vita, ma che oggi 

sono solo fatiscenti fantasmi di architetture lasciate alla 

corrosione del tempo. Eleonora tuttavia gli restituisce 

una loro dignità, una ragion d’essere, fisica e psicologica, 

usandole come location per nuove storie. L’artista rilegge 

questi spazi come una rivisitazione, siano esse 

fabbriche dismesse o chiese semidistrutte o quant’altro, 

compiendo al tempo stesso una operazione teatrale e 

poetica: quei luoghi diventano un’ambientazione per comunicare 

di ulteriori abbandoni, di ulteriori solitudini, 

come ci dimostra inserendo in essi figure assolutamente 

non casuali, non di passaggio, anzi decisamente contestualizzate 

sia nei costumi quanto nelle pose. Per Eleonora 

Castagnozzi fare fotografia è fare arte, non limitandosi 

a cogliere l’attimo bensì ponendosi a costruire un 

set: le sue protagoniste, spesso femminili, spesso dai 

toni anche un po’ dark, si impongono come presenze di 

memorie passate attraverso quei luoghi ed in essi trattenute, 

vite che li hanno attraversati consumandovi 

un’esperienza non priva di inquietudine. Così in “Bride & 

Decay”, la sposa è sola, il trucco forte, distrutto, quanto 

forte e distrutto è lo spazio della chiesa che ancora “abita”; 

così in “Presenze”, due bambine con un consunto 

pupazzo di pezza, quasi apparizioni e monito, testimoni 

di un doloroso vissuto che, al pari di “Face to face”, due 

sedie, una di fronte all’altra, tristemente ed inesorabilmente 

sfilacciate, rappresentano un dialogo ormai fattosi 

silenzioso. I suoi scatti, così calibrati, egregiamente 

costruiti, raffinati, ci porgono racconti di solitudine 

come recita la scritta che campeggia in una delle sue 

immagini, senza personaggi, che diviene particolarmente 

emblematica di questo suo percorso narrativo 

fortemente emozionale. 


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Leonarda G. Castelli 

Via Fratelli Bandiera, 4/F - 51100 Pistoia 

Studio: via Ciro Menotti, 8 - 51100 Pistoia - Cell. 339 1028920 

Di origine pugliese, è pistoiese d’adozione. Insegnante 

elementare, è stata Operatrice del Pistoia 

Ragazzi per la Sezione del “Fumetto e del 

Teatro”. Ha frequentato i corsi di Psicologia per Consigliere 

d’Orientamento presso l’Università del Sacro 

Cuore a Milano e l’Accademia Libera di Belle Arti di 

Firenze. Ha frequentato la Scuola di Incisione e Grafica 

Internazionale “Il Bisonte” a Firenze. Attualmente frequenta 

i corsi di Oreficeria e di Tecniche Antiche di 

pittura presso l’Accademia di Porta Romana a Firenze. 

L’artista è nel catalogo dell’Expo-Arte della Fiera Internazionale 

di Arte Contemporanea del 1978 a Bari. Pittrice 

(tecniche varie, in particolare acquerello cristallizzato, 

grafica, pirografia, encausto, ecc. …), affianca 

le proprie opere con la parola che si fa poesia, perché 

l’opera prenda maggiore forza e luce. Ha partecipato a 

numerosi concorsi e mostre di poesia e pittura, in varie 

città italiane e all’estero, ottenendo premi e segnalazioni 

in ambito nazionale e internazionale. È presente 

nel catalogo del Premio Cairo del 2011. 

Esplosione di gioia, 2012, tecnica mista materico, cm. 28x40 

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Stefania Catastini 

Via Francesco Cilea, 10/12 - 56028 San Donato/San Miniato (Pisa) - Cell. 380 5191173 

stefaniacatastini@hotmail.com - www.stefaniacatastini.it 

Stefania Catastini nasce nel 1971 a Fucecchio 

(FI). Laureatasi in Architettura, unisce alla libera 

professione, la sua passione di pittrice e fotografa, 

che coltiva fin dall’adolescenza; sperimenterà 

anche l’arte della performance usando il corpo. Il territorio 

di provenienza contamina l’artista nella realizzazione 

delle sue opere per le quali, affianca alla sua 

pittura di tipo FLAT, tecniche proprie del settore conciario: 

colori acrilici industriali, verniciatura a spruzzo, 

velatura a macchina e stampa a matrice. Dissolvendo 

il disegno, fa evadere la forma dalla materia, dipinge 

le emozioni dell’anima. Nei suoi volti s’intuisce grande 

energia e forza nel movimento. L’artista ritiene che il 

volto racchiuda in sé tutta la personalità: è il luogo 

d’incontro di grandi energie che sfociano nell’espressione. 

Il volto è un’analogia dell’intero apparato psicofisico, 

è l’unica parte del corpo che esprime la solidarietà 

tra forma visibile e spirito, tra corpo e anima. 

L’obiettivo è prendere a riferimento il volto per dare 

inizio ad una profonda indagine del sé volta a capire ed 

individuare le infinite sfaccettature dell’Io. Partecipa 

dal 1998 a tantissime collettive in tutta Italia, da Firenze 

a Pisa, da Livorno a Volterra, da Milano a Roma, 

Cagliari, Caserta, Verona, Olbia, Savona, Forlì. Nel 

2008-2009 ha tenuto diverse performance pittoriche, a 

Firenze (MIMESI, ispirata a “La Natività” di Romano 

Stefanelli), Livorno (“Camaleonte”, Effetto Venezia) e 

Lucca (“Contaminazioni”, Galleria Petrartedizioni, Pietrasanta; 

“L’incubo nello sfondo”, Spazio Open-Modern 

and Contemporary Art, Pietrasanta). Nel 2009 è 

selezionata come premio critica al Premio Internazionale 

La Pergola Arte piccolo formato, Firenze; nel 2011 

vince il 1° Premio al Museo del Giocattolo, Roma. 

D’IO n. 2 , acrilico su tela con velatura industriale, cm. 79x40 

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Ornella Cattani 

Via Repubblica, 1738 - 51023 Campo Tizzoro (PT) Tel. 0573 65763 - Fax 0573 658977 

Cell. 349 1335579 - sarstropapageno@interfree.it - r.prioreschi@virgilio.it 

19.09.2009, tecnica mista e acrilici, cm. 75x53 

19.9.2009 La pecora nel bosco è rimasta sola! Siamo 

noi, abitanti della Montagna che beliamo. 

Pochi, sparsi, vecchi, uggiosi, senza più alcuna rilevanza 

per il lavoro, impotenti dinanzi al degrado che 

ci circonda e illusi dai tanti imbonitori di turno che 

vorrebbero ammaestrarci con le tradizioni annacquate, 

condite con il solito ritornello dell’acqua e 

dell’aria buona. 

Questa la Montagna di oggi… una calma piatta 

squarciata solo da un lamento fine a se stesso, privo 

di progettualità, forza, capacità di attrazione anche 

perché in fondo questi luoghi, salvo che per il fresco 

d’estate e i funghi d’autunno, non sono più oggetto di 

interesse per l’intera classe politica. 

Nata a Campo Tizzoro sulla Montagna Pistoiese, 

studia a Firenze, consegue il diploma di 

Assistente Sanitaria e di Ostetrica. Pur avendo 

vinto svariati concorsi nei Comuni dell’ hinterland 

fiorentino preferisce svolgere la professione sulla 

Montagna Pistoiese e in qualità di Coordinatrice 

dell’attività infermieristica territoriale termina la 

carriera lavorativa. A quel punto inizia un’esperienza 

nel campo delle arti figurative dove, utilizzando materiali 

di riciclo, ha la possibilità di sperimentare la 

sua creatività, usando la fantasia come compagna 

del vivere quotidiano. 

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Ornella Cattani 

Donchi, 2008, Tecnica mista e acrilici, cm. 37x53 

Dedicato a mio marito, sognatore irriducibile, illuso 

imperterrito, curioso fantasioso, ma sempre ben 

piantato con i piedi per terra! 

Eureka, 2008, Tecnica mista e acrilici, cm. 37x53 

Senza fantasia siamo solo scheletri. Dentro di noi 

sono presenti tanti interruttori che aspettano solamente 

di essere attivati per innescare quella miccia 

con la quale la monotonia della quotidianità diventerà 

dirompente come una bomba. 

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Anna Cecchetti 

Studio: via Kyoto, 39/41 - 50126 Firenze 

anna.cecchetti@alice.it - anna.cecchetti.xoom.it 

Abbraccio (dalla serie Sensual), 2011, acrilico su carta, cm. 100x150 

Anna Cecchetti è nata a Pisa e risiede in Firenze. 

Dipinge da sempre ed espone dal 1960. Numerose 

sono le rassegne su invito e le mostre 

personali. Ha esposto a Parigi, Mosca, Monaco di Baviera. 

Sue opere si trovano nel museo di Varsavia, nel 

Telesiamuseum-Arte moderna e contemporanea di 

Reggio Calabria e in altre collezioni private e pubbliche. 

In questi ultimi anni si è dedicata a ritratti di artisti 

fiorentini e altri personaggi di rilievo. Tra questi 

citiamo il ritratto a Mario Luzi, a Gino Bartali (di proprietà 

del Museo del Ciclismo di Ponte a Ema), alla 

campionessa di sci Celina Seghi (che si trova presso 

l’Assessorato allo Sport della Provincia di Firenze), a 

Giorgio La Pira (collocato nel Convento di San Marco 

in Firenze). Nel 2008 ha realizzato undici grandi quadri 

sul tema Inno alla vita per l’Istituto Ospedaliero Piero 

Palagi di Firenze nell’ambito del Progetto Umanizzazione 

e Accoglienza dell’Azienda Sanitaria di Firenze. 

In tale Istituto dal febbraio 2010 sono in esposizione 

permanente 36 grandi ritratti di artisti, critici e poeti 

fiorentini. Altri spazi pubblici con opere in espozione 

permanente: Ospedale S.Giovanni di Dio (Torregalli), 

Ospedale SS.Annunziata (Ponte a Niccheri), Ospedale 

Meyer (Careggi), Regione Toscana, Comune di Fiesole, 

Comune di Orosei. Ha dedicato ampi spazi anche 

all’incisione, all’oreficeria, alla ceramica. Da oltre 

dieci anni esegue scultura a Pietrasanta nei laboratori 

artistici del marmo e crea gioielli in marmo con oro 

e pietre preziose. Tra le mostre personali degli ultimi 

tre anni : Museo Archeologico di Fiesole (2010); Galleria 

Mentana di Firenze (2010); Giubbe Rosse (2012); 

Gruppo Artistico Donatello (2012); Palazzo Vecchio- 

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Anna Cecchetti 

Abbraccio sotto albero al vento, 2012, marmo bianco di Carrara e marmo verde di Turchia, cm. 25x30 

Sala della Miniatura Firenze (2012); Hotel Esplanade 

di Viareggio (2012). Hanno scritto di lei tra gli altri: 

Pier Francesco Listri, Tommaso Paloscia, Elvio Natali, 

Anita Valentini, Ludovico Gierut. 

La pittura, la grafica, i ritratti e la scultura di Anna 

Cecchetti si sono sviluppate e continuano a prodursi 

in una straordinaria sete di conoscenza che stimola 

l’artista ad una ricerca infinita, a inseguire sempre 

nuovi aspetti delle sue invenzioni formali.Si tratta di 

una irrefrenabile vitalità intesa a esaltare i traguardi 

via via conseguiti e a sottoporne gli sviluppi a continue 

metamorfosi; a inserirli nel medesimo tempo in 

una logica sempre attenta perché non si distacchino 

dalla sottile coerenza che ne informa l’espressione. 

Una coerenza che tiene a specchio l‘uomo, la natura, 

le sue forme, i suoi colori. 

Tommaso Paloscia 

Con riguardo alla figura, notevole è il periodo dei Ritratti 

ad artisti, critici e poeti fiorentini passati dallo 

Studio dell’artista. I ritratti di Anna Cecchetti raccontano 

l’anima, cioè svelano le renitenze, le vocazioni, 

dichiarano le amarezze, sono l’annuncio di uno spirito 

e delle non dichiarate aspirazioni. Su tutti, per eminenza 

di modello, spicca il ritratto del grande poeta Mario 

Luzi, intimamente verosimigliante, una mano sul volto 

pensoso, l’altra sul foglio che accoglie i suoi versi, ritratto 

fascinosamente monumentale ma anche come 

dolcemente squassato da un fremito intimo. 

Pier Francesco Listri 

E infine le sculture, attraverso le quali Anna Cecchetti 

ci offre un ulteriore significativo saggio della propria 

intensa ricerca di emozioni. Le sculture in marmo, aldilà 

delle dimensioni - che sono di piccolo formato - 

hanno una monumentalità ove la sintesi della figura 

riesce ad esprimere i ritmi di una valenza sostanzialmente 

musicale, ulteriore testimonianza della radice 

classica e quindi profondamente fiorentina e colta del 

proprio vitalismo. 

Ugo Barlozzetti 

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Nunzia Celentano 

nunzy78@gmail.com 

La voce del silenzio, 2007, matita su cartoncino, cm. 50x70 

Empatia, 2007, matita su cartoncino, cm. 50x70 

Nunzia Celentano nasce a Firenze il 12/05/1978. 

Nel 1996 consegue il diploma in Belle Arti ma 

continua la formazione artistica in diversi studi 

d’arte fiorentini partecipando a varie mostre. 

Nel 2008 partecipa e vince il Fiorino di bronzo al concorso 

“XXVI premio Firenze”. 

Nell’ottobre 2012 partecipa al premio Il Segno con attigua 

esposizione al palazzo Zenobio di Venezia. A gennaio 

partecipa alla prima Biennale Internazionale d’Arte 

di Palermo con annessa pubblicazione sul catalogo 

nazionale e al premio Van Gogh città di Amsterdam. 

Settembre-ottobre 2012 pubblicazione sulle riviste 

bimestrali artistiche Effetto Arte e OverArt. 

Un pensiero sull’arte di Nunzia 

Il volto è ricerca, è dynamis, è rivelazione, è espressione 

dialogica, è comunicazione. Ma è anche un 

modo per guardarsi dentro, aprirsi agli altri. Mi sembra 

il caso di Nunzia. 

Tracciati con sapiente uso della matita - strumento 

difficile, a volte ingrato -, e dall’ottimo risultato, i volti 

di Nunzia invitano a riflettere, sia per la scelta dei 

soggetti sia per l’impaginazione talora originale 

dell’elaborato. 

Se Joyce nel suo Dedalus, se Dylan Thomas nel suo 

Ritratto di artista da cucciolo, se Proust nella sua Recherche 

(solo per nominarne alcuni), ci offrono in letteratura 

quadri straordinari della propria personalità 

mediando dalla memoria, i pittori più spesso si “mettono 

in posa”, si rivolgono allo spettatore con la traccia 

audace della propria mano. 

Nunzia invece ci racconta di sé narrando dell’altro. 

Lucia Bruni 

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Maya Cetkovic 

Cell. 338 4723616 

cetkovic.maya@libero.it - www.mayacetkovic.com 

Il fascino della magia, 2011, olio su tela, cm. 140x120 

Nata a Belgrado, laureata presso la Facoltà d’Arte 

di Belgrado nella sezione pittura (1984- 

1989), fa parte dell’associazione fiorentina Circolo 

Artisti Casa di Dante (Kpk - Cantiere Post 

Kontemporaneo). Molte le mostre realizzate negli anni, 

tra quelle del 2012 si ricordano: le collettive alla Casa 

di Dante, Arte in Vetrina con Vogue Fashion Night (Firenze), 

Art in the city (Iesolo, Svite Hotel); le personali 

presso l’Antica Corte delle Ninfe con il patrocinio 

dell’Unesco (Trapani) e la Galleria Casa Abitata (Firenze). 

Finalista al concorso di grafica Caran d’Ache (Giubbe 

Rosse, 2011), ha partecipato a numerosi concorsi di 

pittura posizionandosi tra le prime classificate. Tra le 

mostre realizzate in collaborazione con il KPK si ricordano 

quelle di Massa Marittima, l’installazione presso la 

Loggia del Grano (Firenze) in occasione della Giornata 

del Contemporaneo (2012), la mostra collettiva “Arte 

per la ricerca Fiorgen” prima alla Galleria degli Uffizi e 

poi al Museo Archeologico Nazionale di Firenze. 

“Nei dipinti di Maya Cetkovic il colore non può dirsi del 

tutto sottratto ai criteri della verosimiglianza e della 

figuratività, anche se l’uso che l’artista ne fa sembra 

volto a svelarne più la forza simbolica che l’attinenza 

naturalistica, soprattutto nella definizione degli sfondi, 

sempre carichi di una vitalità cromatica che, mentre 

nega la profondità, agisce sul sentimento e sull’interiorità. 

La tendenza ad inserire la figura entro un campo 

di forze creato quasi unicamente dalle combinazioni 

e dai contrasti di toni, sembra confermare una 

concezione del colore lontana dal voler restituire la 

“fisicità” del dato oggettivo, quanto le tensioni spirituali 

che intimamente lo muovono. Un passaggio, potremmo 

dire, dall’esteriorità all’interiorità, dal corpo 

alle energie spirituali che lo abitano e che prendono 

forma nelle accentuazioni cromatiche della superficie 

come nelle pieghe sottili della pelle, organo di senso e 

filtro tra l’uomo e la realtà”. 


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Antonella Ciapetti 

antonellaciapetti@yahoo.it 

Nata a Firenze, vive e lavora a Mercatale Val di 

Pesa (Firenze). Diplomata nel 1977 all’Istituto 

d’Arte per la Ceramica di Sesto Fiorentino (Firenze). 

Allieva di Marcello Fantoni presso la Scuola 

Internazionale per la Ceramica di Firenze, dal 1977 al 

1986. Ha partecipato a rassegne presso l’Università 

Europea di Fiesole (Firenze), 1987, al Centro Espositivo 

“La Torre” a Greve in Chianti (Firenze),1989, alla 

Galleria “La Soffitta”, Sesto Fiorentino (Firenze), 

2000, all’ “Ex Fornace Pasquinucci”, Capraia Fiorentina, 

2003. Ha ottenuto la Menzione Speciale al 2° Concorso 

Biennale Internazionale di Ceramica Artistica di 

Ascoli Piceno. Le sue opere sono presenti in collezioni 

private nazionali ed internazionali e sono in esposizione 

permanente presso la Galleria Materiacrea di Greve 

in Chianti, Firenze. 

Bottiglia tornita, terraglia smalto e ossidi, h cm. 65 

71


Nila Ciardi 

Via Ugo Foscolo,14 - 50053 Empoli (FI) - Cell. 334 602697 - 347 1914943 

tel. 0571 711722 - info@nilaciardi.it - www.nilaciardi.it - nila è su facebook 

Profili, 2011, acrilico su tela, cm. 70x70 

Nila Ciardi è nata a Cerreto Guidi (FI). Pittrice 

autodidatta, da circa 15 anni ha scelto di comunicare 

i suoi sentimenti attraverso emozioni 

interiori e attraverso emozioni che il paesaggio circostante 

le trasmette. Ha partecipato a diverse 

mostre collettive ed effettuato mostre personali riscontrando 

unanimi consensi di critica. 

Al centro della ricerca pittorica di Nila Ciardi è il senso 

del colore declinato in tutta la sua forza espressiva 

e accentuato in molti casi per rimarcare la trama narrativa 

del dipinto. È il paesaggio,esotico o campestre, 

il tema che piu’ degli altri le appartiene e che le consente 

un uso libero e personale del colore. Intriso di 

luce, acceso da forti contrasti cromatici, il paesaggio 

è per lei scenario dell’anima, dimensione percettiva 

che restituisce, attraverso ogni singolo dettaglio, la 

partecipazione emotiva dell’artista inducendo anche 

quella dell’osservatore. Sempre nell’ambito della 

sperimentazione condotta sul colore, si spiegano i 

suoi lavori più recenti, in cui la verosomiglianza del 

soggetto sembra ridursi e talvolta svanire per confluire 

in limpide “visioni cromatiche”. Della realtà resta il 

senso della forma e della linea, la coerenza dell’impianto 

visivo, la solidità dell’immagine; ma è sopratutto 

la tavolozza ad arricchirsi, non tanto nella varietà 

quanto nello spessore della sostanza cromatica 

che si fa piu’ corposa e densa a voler accentuare la 

maggiore componente materica che appartiene all’ultima 

fase della sua pittura. Fase che molto probabilmente 

evolverà verso il lessico pittorico sempre piu’ 

scevro dai vincoli dell’oggetività e del disegno e sempre 

piu’ incentrato sulla pura espressività del colore e 

della sua gestualità libera. 


72


Vanessa Cinelli 

vanessa.cinelli@libero.it 

Attesa, terracotta 

Vanessa Cinelli nasce a Empoli il 28 giugno del 

1984. Diplomata al Liceo Artistico Leon Battista 

Alberti di Firenze, si laurea poi in Scultura 

presso l’Accademia di Belle Arti del capoluogo toscano. 

Nel 2011 ottiene la qualifica in Stampa e Incisione 

Calcografica presso la Scuola Internazionale 

D’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze. Vive e lavora 

tra Empoli e Firenze. Scultura, incisione e pittura 

sono i suoi mezzi espressivi. La sua ricerca parte da 

uno studio della natura in tutte le sue forme fino ad 

arrivare ad un’astrazione di essa per mezzo di diverse 

tecniche che è in grado di sperimentare in libertà. 

Sia per quanto riguarda la scultura che la pittura o 

l’incisione i soggetti che predilige sono le figure 

umane, i loro corpi i loro volti, studiati dal vero oppure 

lasciandosi trasportare dall’immaginario. Non 

solo nel disegno, ma anche nell’incisione calcografica 

non utilizza quasi mai una sola tecnica, sperimentando 

varie tecniche, come l’unione di acquaforte 

puntasecca e bulino. 

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Francesca Coli 

Via Benedetto Fortini, 21\3r - 50125 Firenze 

Tel. 055 6811927 - Cell. 334 7630631- www.galleriamentana.it 

La collana, 2001, acrilico su tavola, cm. 60x80 

È 

nata a Firenze dove vive e lavora. Ha studiato 

disegno e pittura presso l’atelier della pittrice 

Nerina Simi e ha conseguito il diploma all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze nella sezione pittura. 

Numerose le mostre a cui ha partecipato; tra queste si 

ricordano Arte Fiera Palermo (1995), Miart (Milano 

1995); mostra collettiva di artisti fiorentini “Il Tassello” 

(Fiesole 1996); mostra personale alla Galleria 

Mentana (1998) con catalogo a cura di Paolo Levi; Expoart 

(New York 2000); Europe’Art (Ginevra 2001); 

Prospettive Collezioni 2000 (Galleria Mentana 2002); 

mostra personale al Cafè du Monde (Firenze 2002); 

mostra collettiva alla Stella Gallery International (Parigi 

2004). Le sue opere sono presenti in collezioni 

pubbliche e private. 

“Silenziose atmosfere metafisiche senza spazio e tempo, 

depurate dai tumulti effimeri della vita accolgono 

le riflessioni e le emozioni della pittrice, poetessa e 

stilista di moda Francesca Coli. Dotata di grande sensibilità, 

l’artista fiorentina da tempo ha intrapreso un 

caparbio percorso estetico dalle originali caratteristiche 

e dagli inaspettati risultati simbolici più che formalistici. 

Nascono così le sue opere che nell’assecondare 

il bisogno di narrazione si sviluppano nel racconto di 

una cortese e quieta dimensione intimistico-familiare, 

in cui presenze femminili dai perfetti ovali dei corpi, 

complici purezze dei giochi dei bambini o integerrimi 

ritratti di famiglia vengono colti senza retorica e senza 

subire giudizio, nei loro gesti quotidiani e privati. Come 

icone di un eterno presente dalle atmosfere magiche e 

dagli accenti retro queste figure sobriamente eleganti 

e leggere nei loro linearismi spesso private di caratterizzazione 

fisionomica, sembrano essere memorie di 

sogni e di ricordi lontani”. 

Barbara Angiolini 

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Elisabetta Collini 

elisa.collini@virgilio.it 

Il sogno, bronzo, cm. h 20x47x27 

“ 

I 

soggetti di questa artista non sono realistici, ma 

comportano una accampata e forte asseverazione 

simbolica, quasi silenziose parabole. Torna la figura 

muliebre, tanto insistita da apparire polemicamente 

esclusiva. Attorno un amicale bestiario - teste 

di uccello, cavalli - carichi di inspiegati presagi. Essi 

partecipano ad una scena, ben riconoscibile dell’artista, 

ma sempre nuova che trasferisce il domestico ed 

il consueto in una dimensione fuori del tempo. Perfettamente 

concluse secondo un’economia spaziale e 

costruttiva di notevole sapienza, le sue opere restano 

come aperte a un discorso appena pronunciato, che 

chiede a chi osserva di proseguire, per attingere dalla 

finzione il vero che la sottende. Dire dunque che l’atmosfera, 

il sogno, l’evocato, l’immaginario sono il 

mondo in cui si muove l’arte di Elisabetta è dire il vero 

ma non è dire tutto. Vince qui la forte presenza di 

un’espressività figurativa e di una manualità del modellare, 

che sono i segni di un’artista che si distingue 

nel panorama contemporaneo, di cui non condivide i 

vezzi e le voghe (...)”. 


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Giorgia Contemori 

Studio 2GC - via Ciro Menotti, 18 - 50136 Firenze 

Cell. 339 3629970 - giorgia_a.contemori@iol.it 

Fotografia bn, cm. 110x150 

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Giorgia Contemori 

La voce verde 

“Il vento che giocava spettinando il bosco, mi consegnava 

i nomi delle creature sfiorandole, e dondolava 

le altalene vuote dei “ragazzi dei Prati”, scompigliava 

le criniere e le code del branco e si divertiva con la 

polvere della strada in perfetti piccoli mulinelli. 

Lungo il torrente il sentiero. Gli alberi attaccati alla 

terra spingevano per gonfiare il loro verde. 

Salivo pesando i passi: e poteva essere un omaggio a 

te la pazienza che mi portava per arrivare alla sorgente 

- io l’avrei fatta tutta un volo -. 

I dormienti offrivano cappelle semicoperte dalle foglie, 

che le folate, svelavano. 

Tra cascate di edera sugli alberi marciti ci siamo incontrati. 

Il vento passa e soffia, rivelando alle creature che incontra 

la stessa legge mentre penetra il bosco, porta 

i semi alla terra, e gioca con la polvere della strada. 

Atmosfere tese, spazzate dal vento; tra quarzi e graniti 

consumati; strade per andare e tornare, e lo scrocchiare 

delle ghiaie sotto la cadenza del passo. L’acqua 

ha morso e frantumato l’antico sentiero, intrecciato 

alberi con alberi; enorme trama e ordito filato dalla 

furia del fiume. 

Il lentisco ed il corbezzolo ributtano ora foglie e fiori, e 

gli ontani spezzati hanno un giro di vita intorno. Il verde 

striscia e colonizza la terra persa e ricopre con menta 

profumata e fiori colorati d’indaco le sue fratture. 

Le tre sorgenti risparmiate dal rovinoso tracollare dei 

massi chiacchierano la loro acqua vestendo rane e 

girini. 

Respiro la folata dei mirti e dei rosmarini, e leggera 

volo col falco, che gira e gira fischiando la sua vita. 

Vengo da te che sei lontano, ho camminato per i miei 

non facili sentieri entrando in buche profonde erose 

dall’acqua; gli alberi abbattuti sono stati la mia scala. 

Ho sciacquato il colore delle more dalle dita ed immersa 

nelle pozze profonde ho sentito il gorgoglio 

pacato del tuo pensiero. 

Chi può rubare il vento, … dai graniti scarica qui 

l’odore del sole; l’ ho respirato ed era buono. 

Questa è l’anima di Giorgia Contemori, premiata fotografa 

fiorentina. I suoi ritratti d’albero trasformano la 

natura in un luogo di sogno, immagini ricercate che 

coinvolgono i nostri sensi e quel mondo ora da lei ci 

appare svelato. Inizia a scattare i primi paesaggi lunari 

nel silenzio dei boschi fiorentini, immagini senza 

tempo, soggetti quasi umanizzati. Un lavoro di completa 

immersione sensoriale; servono ore di attesa 

per catturare l’atmosfera giusta, cogliere i movimenti 

ed i suoni che servono al giusto risalto della fotografia. 

Le immagini sono frutto di viaggi e ricerche in Italia, 

ma seguiranno più tardi altri incontri e ricerche in 

paesi lontani.” 

Fiorella Macchioni 

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Marina Corbinelli 

Strada in Chianti (FI) 

Tel. 055 8588792 

Infinita violenza, tec. mista, cm. 50x70 

Ha avviato negli anni Settanta, come autodidatta, 

il suo percorso artistico come pittrice, caratterizzato 

dallo sperimentarsi in tecniche ricche e variegate 

(dall’olio all’ acrilico, dagli acquerelli al collage) 

e da numerosi premi e riconoscimenti. Dopo una interruzione 

di qualche anno, ha ripreso l’attività alla fine 

degli anni Novanta, come socia di Art-Art di Impruneta. 

Cromaticamente accattivanti, le sue opere ci invitano a 

soffermarci su ciò che la cronaca molto spesso ci presenta. 

Ma essa è, di per sé, fuggitiva, incalzata dalle 

tante notizie della società della comunicazione, e, del 

pari, è fuggitiva l’attenzione del lettore, dello spettatore. 

Le opere di Marina Corbinelli ci aiutano a soffermarci, 

a riflettere, a meditare sul tema che è il fulcro della 

sua ispirazione: la Donna nella Contemporaneità. Con 

un figurativo di immediata comprensione e, al contempo, 

ricco di significati simbolici, con l’accostamento di 

variegate modalità espressive, scopriamo il mondo di 

Marina Corbinelli, il messaggio che ci viene trasmesso. 

“Infinita violenza”: un’opera, suddivisa a “scomparti”, 

dal titolo emblematico e realizzata con tecnica mista. 

Particolarmente significativo il collage nella scelta di 

articoli di giornali che riferiscono di violenze fisiche e 

morali a donne indifese e che vengono accostati ad 

elaborazioni figurative. Decontestualizzati dalla pagina 

del quotidiano, essi assumono un significato simbolico 

profondo: sono ritagli di cronaca, ci raccontano di “ritagli” 

di vite femminili offese dalla violenza di mariti-padroni. 

Donne-burattino, come mostra il nucleo centrale 

della tavola, una figura “meccanica”, di cui Maria Corbinelli 

mette in evidenza le giunture, l’intreccio dei fili 

che il prepotente di turno ha l’arroganza di voler manovrare. 

Il volto del manichino è indefinito, indefinibile, 

La regina dei fiori, olio su tela, cm. 50x70 

ma i radi capelli che scendono sulle spalle simboleggiano 

angoscia, solitudine della Donna, dimidiata fra 

due Culture, pronta ad aprirsi ad ambedue (perché la 

Donna è, per definizione, accogliente in quanto Madre), 

ma mortificata in una tradizione, per lei opprimente, 

proprio da chi dovrebbe esserle compagno di vita e di 

scelte. Sapiente l’accostamento di queste crudeli cronache 

ad immagini ad olio che rappresentano fiori, 

farfalle, simboli di leggerezza e di serenità, di pace, di 

aerea femminilità. Ritroviamo queste atmosfere rasserenanti 

nell’olio su tela “La regina di fiori”, anch’esso 

costituito da “scomparti” con soggetti diversi ed ampliato 

nel suo significato e nel suo valore estetico proprio 

per il moltiplicarsi di immagini, tutte in sé compiute 

e tutte collegate fra loro, a coronamento 

dell’immagine centrale che rappresenta una figura 

femminile, “fiore” al centro di un altro fiore, di un rosa 

ridente e rigoglioso. Molte sono le contraddizioni 

dell’esistenza, i contrasti, le incerte felicità raggiunte, 

periclitanti “su fil di lana”, ma vanno affrontate, con 

consapevolezza, senza fughe consolatorie: questo ci 

dice Maria Corbinelli con “Le maschere della vita”: ancora 

una composizione a scomparti, quasi a sottolineare 

tutti gli aspetti del messaggio che ci viene trasmesso: 

figure simboliche accostate con tante variegate 

espressioni, di gioia, di perplessità, di enigmatica inquietudine; 

figure femminili che “convivono”, in abiti 

occidentali, insieme a donne velate dal burqa; figure 

eleganti e fiorite, a coronamento di una coppia, al centro, 

che sembra essere l’emblema della fiducia, nel 

raffigurare un “lui” e una “lei” che, consapevolmente, 

uniti e compartecipi, affrontano la vita insieme. 

Sonia Salsi 

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Jessica Corsi 

Vicolo delle Ginestre, 66 - 53018 Sovicille (SI) 

Cell. 339 8857211 - Tel. 0577 314604 - jessicacorsi@virgilio.it 

Lavori in corso, 2013, olio su tela, cm. 50x60. Opera ispirata all’opera fotografica di Federico Ghelli 

Jessica Corsi nasce a Napoli il 24 giugno del 1968 

e si trasferisce subito a Taranto, dove già appassionata 

d’arte, vince diversi concorsi di pittura. 

In Toscana, terra d’origine, si laurea in Scienze Economiche 

e Bancarie con il massimo dei voti all’Università 

degli Studi di Siena. 

Studia recitazione e frequenta un corso di pittura dal 

maestro Renzo Regoli. 

- Vince l’edizione 2010 dell’estemporanea di pittura di 

Castelnuovo Berardenga; 

- presenti dal 2010 le sue opere nell’Atelier fotografico 

di Antonio Noto a Favignana, Trapani; 

- la sua opera intitolata “Orizzonti” è nella mostra 

“Panorami da Bellegra”, dell’omonimo comune in provincia 

di Roma; 

- del 2010 la personale nel Comune di Casole dedicata 

ai “Luoghi dell’anima”. 

“La Toscana è fonte continua d’ispirazione, come l’incanto 

delle nuvole, la luce dell’alba e il mare, la sfida 

è trovare uno stile riconoscibile e intrappolare l’emozione 

sulla tela, come in una fotografia, un lampo di 

luce nell’ombra, un riflesso” 

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Daniela Corsini 

info@danielacorsini.it 

www.danielacorsini.it - www.archeovisioni.it 

Larthia, 2010, stampa su tela di una rielaborazione digitale da 

foto dell’artista, cm. 85x55 

Daniela Corsini è l’iniziatrice del Filtrismo®, movimento 

di fotografia pittorica sviluppato a Firenze 

nei primi anni di questo secolo. Il suo 

percorso artistico l’ha vista partecipe in numerose mostre 

collettive e protagonista di personali di grande 

interesse. Tra i momenti più significativi si ricordano 

anche le numerose partecipazioni al Premio Italia, organizzato 

dalla rivista “Eco d’Arte Moderna”, che hanno 

visto il suo lavoro premiato in ciascuna edizione. È 

del 2009 il catalogo “Daniela Corsini o del Filtrismo ”, 

a firma di Paolo Boschi. Da segnalare la personale “Archeovisioni”, 

ospitata nel 2010 nelle sale del Museo 

Archeologico Nazionale di Firenze, incentrata su una 

originalissima interpretazione di dodici pezzi che rappresentano 

l’eccellenza del Museo. Catalogo edito da 

Sillabe, ancora a firma di Paolo Boschi. Nel 2011 la 

personale “RI-frazioni - visioni filtriste di Firenze e della 

sua provincia” si è tenuta a Palazzo Medici Riccardi 

di Firenze: nella mostra, sviluppata in stretta collaborazione 

con l’Assessorato al Turismo della Provincia di 

Firenze, l’artista ha presentato visioni inconsuete di 

Firenze e di altri pregevoli centri della provincia. Il 

2013 vedrà “Archeovisioni” spostarsi a Bruxelles, 

presso l’Istituto Italiano di Cultura, con nuove interpretazioni 

di tesori etruschi ad accompagnare quelle dei 

reperti celebrati al Museo Archeologico di Firenze. 

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Angela Crucitti 

Cell. 349 8698792 - angelacrucitti@gmail.com 

www.angelacrucitti.com - http://www.youtube.com/watch?v=teJKlpjXyFw 

Città turrita o Cavalli in corsa (il Palio), 2001, tecnica mista su tela, cm. 80x60 

Laureata in Lettere e specializzata, poi, in Storia 

dell’Arte presso l’Università di Siena. Ha frequentato 

per tre anni a Torino i corsi tenuti dalla 

pittrice Lella Burzio (allieva di Menzio). Oltre a varie 

collettive, ha al suo attivo numerose mostre personali 

(Siena, Venezia, Roma, Firenze), e diverse fiere in Italia 

(Padova, Viterbo, Reggio Emilia) e all’estero (Austria, 

Belgio, Usa, Cina, Corea). Le sue opere sono in 

raccolte pubbliche in Italia e in collezioni private in 

diverse parti del mondo. Il fondo oro della pittura antica 

ha sempre affascinato Angela Crucitti , sia per la 

preziosità della sua materia, sia per la ricchezza della 

sua luce, ma, soprattutto, per il suo significato simbolico. 

Nella tradizione bizantina e, poi, gotica, il fondo 

oro ha un preciso significato emblematico di rappresentazione 

del paradiso, dell’illuminazione e della 

Luce divina. Nelle opere di Angela questo concetto 

astratto viene reinterpretato in maniera moderna, con 

un linguaggio personale che è un misto di modernità 

e di antico. Il fondo oro diventa sfondo ed essenza di 

architetture da sogno, di antiche mura cariche di storia, 

di possenti torri, che si colorano dell’azzurro del 

cielo, del verde dei prati e dei colori delle stagioni. 

Con il colore oro dato con la spatola, l’artista costruisce 

splendide città turrite, preziose abbazie, vetrate 

scintillanti, cattedrali cesellate come antichi reliqua- 

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Abbazia di San Galgano, 2000, tecnica mista su tela, cm. 50x40 

ri, profili di città evanescenti. Angela, nella sua pittura, 

riecheggia Mondrian, nelle superbe costruzioni, 

saldamente costruite pietra su pietra e ben ancorate. 

Reinterpreta, invece, Monet nelle architetture di luce 

e di colore, la cui materia si sgretola, si scioglie e si 

dissolve, mostrando in questa dissoluzione la fragilità. 

Le città turrite divengono, così, costruzioni sospese 

in una dimensione fuori dal tempo. Tra matericità e 

leggerezza, dalla pittrice vengono affrontati i grandi 

temi connessi a queste opere architettoniche: le cat- 

82



Torri, 2001, tecnica mista su tela, cm. 100x80 

tedrali, frutto dello sforzo umano di diverse generazioni, 

rappresentano l’anelito dell’uomo di andare 

sempre più su, di innalzarsi verso il divino; le torri, 

sempre più alte, oltre che simbolo di potere, rappresentano 

la sfida umana contro il tempo e la caducità 

terrena e rimandano alla realtà attuale delle metropoli. 

La matericità di queste opere non è dissimile da 

quella della serie “meteoriti” in cui l’artista, libera da 

schemi ed in maniera informale, rappresenta l’intangibile 

e l’energia cosmica. 

83



Meteorite rossa, 2003, tecnica mista, cm. 80x100 

84


Maria Teresa D’Adamo 

Cell. 331 6428794 

dada.mt@libero.it 

Panni al vento, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Artisticamente nasce alla “Scuola d’Arte Leonardo” 

di Prato. Dopo aver espresso la sua 

creatività attraverso la scultura, l’incisione, la 

serigrafia artistica e la letteratura, da diversi anni si 

dedica al teatro e alla pittura ad olio. Nei colori intensi 

e nelle forme armoniose cerca di trasferire la sua 

forza interiore ed il suo amore verso la natura e verso 

una umanità vera e tangibile. Nel suo percorso artistico 

ha partecipato a mostre collettive, personali e a 

diversi concorsi, ottenendo premi e riconoscimenti. 

85


Maria Teresa D’Adamo 

La retaia, 2011, olio su tavola, cm. 50x60 

Quando si parla di Maria Teresa si può parlare apertamente 

di “poetica” perché in Maria Teresa convivono 

due anime: la pittrice e la poetessa. I colori e le 

immagini delle sue opere ci riconducono ad un passato 

della civiltà rurale i cui connotati grafici si legano 

alle reminescenze di artisti quali Van Gogh e Gottuso 

che hanno vissuto questa realtà in un periodo 

diverso dal nostro. 

Maria Teresa, ha quindi il coraggio e la capacità di 

proporsi come innovatrice di un linguaggio che era 

stato affrontato da due artisti, che seppur lontani nel 

tempo, hanno riempito le loro tele con altrettanta poesia, 

ed è a questo punto che l’artista ci propone un 

linguaggio personale, con segni a volte nervosi oppure 

morbidi e voluttuosi, con colori contrastanti che si 

diluiscono in una tavolozza che sente il caldo del sud 

e i profumi delle terre mediterranee. 

I soggetti si riempiono di uomini e donne semplici, i 

cui gesti lenti e arcaici si legano all’attività del momento, 

mentre la natura ora dolce o contorta e sofferta, 

si lega alla mano dell’uomo che ha contribuito a 

coltivarla seguendo il suo sviluppo come una madre fa 

con i propri figli. 

Gerardo Gelardi 

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Adriana D’Argenio 

Via Orcagna, 54 - 50121 Firenze - Tel. 055 669236 

adrianadargenio@gmail.com - www.adrianadargenio.jimdo.com 

Angelo sulla tomba di M. Perugi, 2010, cimitero di Trespiano (FI) refrattario bianco, patinato a cera, cm. 50x45 

Adriana D’Argenio nata a Benevento il 3 aprile 

1951 vive e lavora a Firenze, laureata in Lingue 

e Letteratura Straniera. Ha sempre avuto la 

passione per l’arte, passando dall’astratto al figurativo 

sperimentando varie tecniche: iconografia sacra 

con tempera a uovo su tavola gessata, manipolazione 

della creta con opere in terracotta e robbiana (allieva 

di Amalia Ciardi Duprè), decorazione su ceramica 

(presso il Laboratorio Offic-Lab). In occasione del Giubileo 

del 2000 è stata ricevuta dal Santo Padre Giovanni 

Paolo II, al quale ha donato una sua opera. Ha 

partecipato a numerose mostre collettive e personali. 

Sue opere, sono in alcune chiese fiorentine, in Italia e 

all’estero, tra cui, tre tavole della Via Crucis con l’associazione 

Tabula Picta in Sant’Ambrogio Firenze. Ha 

ricevuto giudizi critici da: Arcangela Tosco, Attilio Cicchella, 

Silvia Ranzi, Franca Molinaro. 

87


Adriana D’Argenio 

Tra questa immensità s’annega il 

pensier mio e il naufragar me dolce 

in questo mare (G.Leopardi), 2009 

tempera grassa su compensato 

gessato, cm. 50x80 

Ninfee, 2012, piatto in ceramica decorato a ingobbio, diametro cm. 30 

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Sabrina Danielli 

Cell. 339 8615512 - daniellisabrina@libero.it 

http://sabrinadanielli.blogspot.it/?view=flipcard 

Senza titolo, 2012, tecnica mista polvere di ferro, cm. 60x40 

Nata a Siena nel 1963, frequenta le scuole 

d’arte e nel 1984 inizia una ricerca frequentando 

i seminari di Analisi Collettiva di Massimo 

Fagioli a Roma. Questa ricerca che continua 

ancora oggi ha guidato e coinvolto non solo il suo lavoro 

ma anche i rapporti e le scelte di vita. Dal 1986 

ad oggi ha esposto opere di pittura, scultura ed istallazione 

in numerose rassegne culturali; alcune opere 

sono presenti in collezioni pubbliche e private. Ha 

inoltre ideato e condotto laboratori per bambini collaborando 

con associazioni, cooperative e scuole pubbliche. 

Ha realizzato in varie occasioni scenografie, 

illustrazioni, allestimenti di mostre. Attualmente lavora 

come insegnante di scuola dell’infanzia. Le sue 

opere sono prodotte con costante libertà e movimento, 

assemblando materiali più disparati: legni, tele, 

colori, ceramiche, tubi, reti, sportelli dismessi, maniglie, 

come elementi biomorfici in un continuo processo 

di metamorfosi, dalla potente carica espressiva, 

che travalica anche lo spazio della tela. Come afferma 

Paolo Sirianni, “La pittura è la sua danza, il suo 

teatro, la sua scrittura. Il suo grido. Un racconto autobiografico 

dove la pittura è anche il suo corpo, il volto 

e i capelli, le mani, le gambe che dicono della sua 

identità, del suo essere donna, del fare creativo, del 

procedere a passo sicuro attraverso le incertezze e i 

mutamenti di una vita […] non è nè figurativa nè 

astratta, usa materiali dell’arte povera ma non ha 

niente a che fare con la medesima […] i quadri di 

Sabrina creano nella mente di chi li osserva e li ama 

una sensazione musicale e i suoi lavori visti in successione 

sembrano a volte una sfida alla ineluttabile 

fissità dell’immagine visiva diventando elementi che 

si muovono nel tempo […] la linea gioca un ruolo essenziale, 

trascorre da un’opera all’altra, costruendo 

segni e muovendo le correnti della grafia”. 

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Gloria De Marco 

Cell. 349 2252904 

stargategloria@gmail.com - www.stargategloria.org 

Tigre bianca del Bengala, acrilico e carboncino colorato su tela, cm. 80x80 

Gloria De Marco nasce a Chivasso (To) ma vive e 

lavora a Firenze. Apprezzata artista autodidatta 

esegue scenografie dipinte, ritratti personalizzati 

e si distingue per opere di animali, paesaggi e 

soggetti religiosi, interpretati con forza espressiva di 

segno e colore. Ha fondato l’organizzazione Stargategloria: 

una porta verso la Luce www.stargategloria. 

org con la quale devolve una parte del suo ricavato ad 

importanti progetti di solidarietà. È inserita nel Catalogo 

del 5° Premio Internazionale Arte Laguna (2011). 

“Immagine vivida di una tigre bianca del Bengala in 

via di estinzione, potentemente descritta secondo valori 

cromatici e lineari nella ricerca stilistica di Gloria 

De Marco proiettata verso nuove frontiere sperimentative 

di figurazioni innovative e identitarie per nuovi 

stili del pensare e dell’abitare”. 

Silvia Ranzi 

90


Stefania De Ninno 

Cell. 328 7374676 

creart@inwind.it - inpuntadicolore.blogspot.com 

Particolarmente intensa la sua attività espositiva 

dal 1999 ad oggi con rassegne e personali 

quali: Convegno Nazionale di Musicoterapia, 

opera su commissione Maternage, Comune di Prato, 

Premio Morbidelli, 4° posto ex equo, personale Linee 

di suono all’american Bar Bella Blu di Firenze, Festival 

“Terra Futura”, Fortezza da Basso, Firenze, opera 

su commissione “Suono in nascita”, Esposizione annuale 

presso “La Fioraia” nel cortile di viale Mazzini 

a Firenze sui temi della natura, personale Colori in 

concerto presso i locali della Fioraia, Festival della 

Creatività, Fortezza da Basso, Firenze, in rappresentanza 

delle attività didattiche del Comune di Firenze, 

rassegna “Quartetto d’Astrazione” a Cerbaia (Firenze), 

XXIV “Premio Italia per le Arti Visive”, Certaldo 

(premio cartolina con l’opera Attesa), Festival “5 

Giornate - Milano”, personale “Note di colore” presso 

“46 S. Spirito” a Firenze; in occasione della festa 

dell’associazione “Rive Gauche” di via S. Spirito esegue 

in estemporanea l’opera Gioia con la musica di 

Allevi “Prendimi”, espone inoltre alla Caffetteria 

Chiaroscuro di Firenze, in collettiva all’associazione 

“Gadarte” di Firenze e alla mostra per il 50° anniversario 

della stessa associazione; vince il terzo premio 

“Medaglia di Bronzo” al “Premio Firenze” ed è nel 

2013 alla collettiva “Linfa Nuova” di Gadarte. 

“Stefania De Ninno e le sue linee, i suoi volumi, le sue 

immersioni di colore. Di un pittore siamo soliti credere 

che egli riporti in tratti leggibili un universo di immagini, 

quelle del mondo e quelle del sogno; che i suoi segni 

contornino forme preesistenti nella realtà e nella 

mente. Uno speciale leopardiano fingersi nel pensiero. 

Stefania, invece, ci sorprende, perché la sua pittura 

nasce dalla linea, in virtù della linea, che scaturisce dal 

punto, si anima, si muove, vive e respira sul foglio e 

sulla tela, genera forme, prima di ogni intenzione e progetto. 

Un incontro proustiano della memoria, forse. O 

un montaliano dischiudersi della solarità. Oppure la riemersione 

di un inconscio rasserenato e risolto. La 

musica in questo segreto processo è complice grande. 

Ogni ondulazione, curva o spirale, ogni balzo e ogni 

Gioia, cm. 90x90 

sgretolamento del segno obbediscono alla spinta 

dell’emozione di qualche canto e melodia, di qualche 

turbinosa sequenza sonora che si trasformano nelle 

pastosità cromatiche che caratterizzano le opere di 

questa originale artista. Ma oltre ad essere l’abile maestra 

di volumi che vediamo nelle sue tele, chi è Stefania 

De Ninno? Laureata in Lingue e Letterature straniere 

a Pisa nel 1985, frequenta il Centro d’Arte Martenot 

facendo suo, in formula nuova, il metodo di insegnamento 

pedagogico delle arti grafico-plastiche, che le 

permetterà di offrire a bambini e adulti laboratori creativi: 

non solo l’arte può essere insegnata, ma la creatività 

di ciascuno può essere accesa o liberata dai torpori 

del gesto quotidiano. Il linguaggio delle parole è solo 

uno degli strumenti di suono e di segno che l’uomo può 

usare per dire la meraviglia di essere al mondo. Innumerevoli 

alfabeti si compongono intorno a noi e parlano 

ai sensi: alfabeti tattili, olfattivi, dimensionali, volumetrici, 

di gusto, di luce, che Stefania De Ninno sa 

tradurre in volumetrie dinamiche e tocchi di pigmento. 

Particolarissime sinestesie che trovano nel tema della 

maternità la più incandescente delle soluzioni”. 

Fatima Mariucci 

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Angela De Nozza 

Via di Colle Ramole, 4/B - 50023 Impruneta (FI) 

Tel. 055 2326030 - Cell. 338 4312270 

Un’altra luce 

“...interminati 

spazi di la da quella, e sovrumani 

silenzi, e profondissima quiete 

io nel pensier mi fingo...“ 

(L’infinito) 

Giacomo Leopardi 

Angela vive nella splendida campagna fiorentina 

della Certosa, in un luogo solitario, silenzioso e 

perfettamente ordinato. Lavora nella “casina” 

tra gli alberi, sorvegliata dal mastino napoletano Elia. 

È proprio l’albero, elemento caratteristico e inesorabile 

del paesaggio, a svolgere un ruolo speciale nei 

suoi dipinti divenendo prezioso punto di riferimento 

per rinsaldare il legame tra il suo animo e l’anima della 

natura. 

l paesaggi e la figura umana immersa in una atmosfera 

naturale divengono protagonisti misteriosi del suo 

simbolico contenitore di spazi muti e incontaminati e 

gli alberi si offrono come un riposo dei sensi attraverso 

la presentazione di una vista gradevole. Talvolta si 

sostituiscono all’uomo e assumono l’aspetto di rifugio; 

anche se privi di fronde continuano a essere un 

sostegno in quanto elementi del ciclo naturale di vita. 

Altre volte è la stessa natura che si impossessa delle 

sembianze umane prendendone l’aspetto: non più 

una rappresentazione dell’oggetto reale dunque in 

“Fra qualche giorno partirò da qui” dove le pieghe delle 

rocce e il trattamento del modellato, combinato con 

un senso di mistero, pur in una visione improntata al 

realismo, descrivono un sensuale corpo di donna che 

gli anni hanno maturato. La sua sensualità è compressa 

tra le mura e vuole liberarsi dalla stretta? 

Sebbene pronta per un viaggio di ritorno nella memoria, 

per raggiungere luoghi lontani dalla realta, indefiniti 

e come sospesi in un’attesa silenziosa, Angela 

non parte, crea piuttosto un mondo che non esiste, ma 

che è presente nella sua mente quando medita su memorie 

di gusto surreale e metafisico. Non teme il trascorrere 

del tempo. Anche il presente è astrazione 

dallo spazio fisico e incanto di luoghi incommensurabilmente 

ampi che desiderano e promettono il mare. 

A conoscenza della storia dell’arte, della letteratura, 

delle scelte iconografiche degli altri artisti (ama in 

Riposano le colline, 2007, olio su tela, cm. 120x100 

particolar modo la personalità di Georgia O’Keeffe e i 

suoi oli degli anni trenta e quaranta) mantiene la sua 

individualità con assoluta determinazione, provando 

continuamente a piegare la natura ai suoi voleri, a 

dominarla e a modificare la realtà non facendosi influenzare 

neppure dai luoghi in cui ha vissuto. Impone 

la sua visione spirituale e si avventura con passione in 

atmosfere solitarie e intime e quel paesaggio presentato 

con quell’ordine immutabile, in qualche modo 

davvero le assomiglia. 

Si esprime con un forte senso di autocontrollo e con 

fiducia in se stessa, proponendosi come l’antitesi di 

creatura vulnerabile. è capace di scegliere la memoria 

e il presente per creare nuove e penetranti immagini. 

Per cogliere l’essenza della realtà ha creato un nuovo 

universo e un’altra luce affiora sulla scena, il tempo si 

fa più lento e la solitudine meno grande. 

Ornella Casazza 

Storica dell’Arte, già direttrice del Museo 

degli Argenti di Palazzo Pitti in Firenze 

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Deanna A.C. 

Via N. Machiavelli, 62 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 976985 

Raucedine, 2006, tecnica mista, cm. 60x80 

Pittrice autodidatta, vive e opera a Pistoia. Dipinge 

dal 1969 rappresentando “un mondo che si 

rivolge verso tutto quello che la circonda, verso 

dipinti costruiti cerebralmente con atmosfere magiche 

nei quali si perde la nostra immaginazione… Deanna 

ha anche affrontato la realtà delle malattie: non con 

una lettura fatta di malinconia e dolore, ma con un 

tono fatto di ciò che dopo il male speriamo torni e cioè 

la vitalità e la gioia ritrovata di vivere”. 

Bruno Cosignani 

“Una pittura di forte impatto visivo quella di Deanna, 

il cui approccio energico della materia interpreta realisticamente 

i momenti di vita vissuti dall’artista, manipolati 

con estrema disinvoltura e immediatezza interpretativa”. 


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Marzia Di Marco 

Via Filippo Pacini, 15 - 51100 Pistoia 

Cell. 348 5847300 

Marzia mentre dipinge una riproduzione su una borsa 

Vive e opera a Pistoia. Dopo aver conseguito il 

diploma di Arte Applicata (Arte dei Metalli e 

Oreficeria) presso l’Istituto d’Arte di Pistoia, si 

laurea nel 2006 alla Facoltà di Architettura (Corso di 

Laurea in Progettazione della Moda, sezione Oreficeria). 

Il suo percorso di formazione continua e si perfeziona 

presso la bottega del maestro Silvio Mazzantini 

a Montelupo Fiorentino. Affianca la passione per la 

pittura a quella per la danza e frequenta per 25 anni il 

corso di Danza Classica diretto dal coreografo Loris 

Gai, presso la scuola “Centro Arti Danza” di Pistoia. 

Insieme a suo padre, Nevio Di Marco, realizza: il Palio 

dei Casati per Le Piastre (2005); il Palio per la Giostra 

dell’Orso di Pistoia (2007) e 35 formelle in terracotta 

policroma raffiguranti la storia di Pinocchio. Attualmente 

collabora con suo padre alla realizzazione di 

ceramiche robbiane ed esegue su richiesta riproduzioni 

pittoriche di qualunque genere su borse e tessuti. 

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Grazia Di Napoli 

grazia.dinapoli@alice.it 

graziadinapoli.jimdo.com 

Grazia Di Napoli ha lavorato come insegnante 

nelle Scuole materne di Empoli (FI) città dove 

tuttora vive. L’approccio alla pittura è avvenuta 

da pochissimi anni, ed ha trovato in essa un modo divertente 

di esternare le proprie emozioni con colori e 

forme, che ritraggono il mondo circostante. Ha partecipato 

a moltissime collettive, concorsi ed eventi; ottenendo 

premi e lusinghieri riscontri di critiche e di 

pubblico. Mostre personali: Cerreto Guidi (FI) presso 

le “Cantine Verdi” nel 2009; Montespertoli (FI) presso 

“Enoteca Paolini” nel 2010; Empoli (FI) Circolo Arti Figurative 

“Il Ghibellino” 2012; Montespertoli (FI) presso 

il locale “Le Botti di Aspasia” 2012; Sovigliana 

Vinci (FI) “Hotel da Vinci” 2012; Montelupo Fiorentino 

presso il centro commerciale “Val di Pesa” 2012. Hanno 

scritto per lei: Sergio Nardoni, Manrico Testi e Daniela 

Pronestì. 

Sogno, fantasia e colori: il titolo che Grazia Di Napoli 

ha scelto per la sezione della mostra a lei dedicata 

interpreta perfettamente i contenuti visivi della sua 

pittura, il suo universo variopinto e ricco di suggestioni 

che nascono dalla realtà ma che il sogno trascolora. 

Non c’è uniformità nei temi rappresentati, perché 

ogni cosa - dalla figura agli animali, dal paesaggio 

agli oggetti inanimati - suscita la sua curiosità e il desiderio 

di trasporla pittoricamente sulla tela. Della figura 

- soprattutto le donne - le interessa restituire lo 

strato visibile delle emozioni, quelle “luminose” che 

affiorano sul volto quando “si accende” un sorriso o ci 

si abbandona alla gioia di un abbraccio, ma anche 

quelle più malinconiche che attraversano il nostro 

Semplicemente bella, olio su tela, cm. 40x60 

sguardo ogni volta che ci soffermiamo a meditare sul 

senso dell’esistenza. Della natura la colpisce, invece, 

la vita semplice delle cose: i fiori recisi e raccolti in un 

vaso, le conchiglie sulla riva del mare, gli animali che 

condividono lo spazio dell’uomo. 


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Cosetta Di Pietrantonio 

cosettadipietrantonio@yahoo.it 

Inverno innevato, 2012, olio su tela, cm. 45x45 

Cosetta Di Pietrantonio vive e lavora a Empoli. 

L’interesse e l’amore per il disegno e la natura 

hanno sviluppato in lei caratteristiche riconducibili 

ad una pittura figurativa, meticolosa, molto curata 

nei minimi particolari. Ha allestito nel corso degli 

anni molte personali e collettive, ottenendo 

numerosi riconoscimenti. Segnalata al “Premio Italia” 

nel 2005, 2007 e 2009 e alla “Pro Lastra” Signa 

2010, con relative premiazioni. Recentemente ha ricevuto 

il quinto premio per “la Spiga d’argento” a 

Montespertoli. Ultimamente ha allestito una personale 

a Montecatini Terme presso “La casa del Pittore 

e dello Scultore”. 

“Un paesaggio puro, scevro da presenze umane; solo 

il cuore silenzioso della natura e il mistero impenetrabile 

delle sue periodiche trasformazioni: è questo il 

tema dei dipinti proposti da Cosetta Di Pietrantonio 

che focalizza il suo interesse sui soggetti naturalistici 

non per sfuggire all’uomo e ai suoi disagi, ma per ritrovare 

nella madre terra l’origine prima di ogni cosa. 

Le metamorfosi delle stagioni, raccontate con accuratezza 

di dettagli e con la poesia che sempre si accompagna 

ai ritmi della vita che si rinnova, può leggersi 

quale simbolo delle tante imperscrutabili trasformazioni 

dell’animo umano a cui non manca alcuna 

sfumatura:dalle tinte fosche di un paesaggio invernale 

ai forti contrasti che accendono un viale alberato in 

pieno autunno, fino alle luci terse e cristalline di un 

cielo estivo. Vibrazioni interiori che mutano di pari 

passo con le stagioni della vita, e ogni passaggio accresce 

e consolida lo spessore dei ricordi. Tutto ciò è 

espresso nei suoi dipinti soprattutto attraverso i colori, 

accostati in forza del contrasto piuttosto che sfumati, 

ma sempre luminosi e percorsi da una sottile 

armonia, la stessa che regola le fasi cicliche dell’esistenza 

dell’uomo e della natura”. 


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Mimma Di Stefano 

Cell. 330 548800 

domenica.distef@virgilio.it 

Donna con gatta, busto scultoreo in creta, cm. 40x35x28 

Nata a Pizzoli, in provincia dell’Aquila, vive e 

lavora a Firenze. Biologa, si dedica da molti 

anni alla scultura ed è stata allieva dell’artista 

Amalia Ciardi Dupré. Ha partecipato a numerose 

mostre collettive. 

“Da oltre un decennio Mimma Di Stefano si dedica con 

passione all’arte scultorea, conducendo un discepolato 

presso lo Studio-laboratorio della nota artista fiorentina 

Amalia Ciardi Duprè da cui ha mutuato la tecnica 

di manipolazione dell’argilla e del gesso alla 

ricerca di personali ideazioni. Affascinata dalla duttilità 

della creta dà corpo a trasognate raffigurazioni che 

veicolano il suo mondo interiore con semplicità ed immediatezza 

di contenuti, ruotando attorno alla sfera 

dei sentimenti più vivi e genuini. Il culto degli affetti 

familiari rappresenta una delle fonti ispirative che 

sensibilmente trapela dalle figure, dal morbido modellato, 

di persone care ritratte in alcove vegetali dagli 

accenti simbolici nella dinamica del fluire del tempo, 

assaporato e ritmato dalle incalzanti stagioni della 

vita. Il ritratto, nella modalità del busto o in assoli scultorei, 

è uno dei generi che l’artista interpreta con interesse 

per restituire insieme alla fisicità dei lineamenti 

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Mimma Di Stefano 

Tramonto su borgo abruzzese, bassorilievo in creta policroma, cm. 40x58 

la resa psicologica del carattere nella ritualità del ricordo 

- busto dedicato “alla madre” - o nella riproposizione 

di un presente che porta con sé volti di amici e 

conoscenti nelle trame relazionali. La sublimazione 

dell’amore di coppia è suggellato da torniti intrecci 

corporei di piccole o medie dimensioni dai lirici abbracci 

nella celebrazione sponsale della vita che si 

perpetua nell’attrazione della polarità maschio -femmina, 

talora declinato nella complicità del quotidiano. 

Significativi sono i bassorilievi che costituiscono un 

rievocativo omaggio alle sue origini abruzzesi: se la 

veduta di un borgo paesano offre, nella policromia su 

creta, l’atmosfera vivida del crepuscolo; dall’altra la 

felice prospettiva angolata dell’antico casale di famiglia, 

emblema della casa-nido di pascoliana memoria, 

si raccoglie attorno alla corte dagli ombreggianti pergolati. 

La disposizione ad un’assorta malinconia sino 

al vagheggiamento di nuove libertà da esplorare - l’altorilievo 

“In Volo”- rappresentano i moduli espressivi 

cadenzati su cui si sviluppa il racconto lirico in terracotta 

di Mimma Di Stefano che nelle sue opere dà 

voce ad un’intimità di vissuti, oggettivati dalla plastica 

addittiva e sottrattiva nella manipolazione delle forme, 

ora lasciate a crudo ora impreziosite da patinature 

lumeggianti o bronzee”. 

Silvia Ranzi 

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Tania Donati 

Via Gramsci, 49 - 56023 Navacchio (Pisa) 

Cell. 331 1300767 - estaartemusic1@virgilio.it 

Nasce a Cascina (PI) il 21 giugno del 1973. Ha 

studiato a Pisa dove si è laureata 1999 con 

lode in Economia Aziendale. Dipinge soprattutto 

olio su tela, tecnica da lei preferita. Da un percorso 

di studi artistici ‘liberi’ iniziato nel 2003-2004 

alla IAA di Roma- Rome University of Fine Arts, ha 

presentato le sue tele ad una estemporanea a Livorno 

al Premio Rotonda 2008, alla Fortezza Vecchia di Livorno 

a Natale 2008, a Effetto Venezia di Livorno 

nell’estate 2009, ed ha partecipato alla mostra alla 

Leopolda di Pisa a primavera 2009. Inoltre ha partecipato 

con le sue tele al XXVII Premio Firenze 2009 per 

sezione arti visive in Palazzo Vecchio di Firenze (2009), 

a PisArt a Pisa Expo 2010 alla Stazione Leopolda di 

Pisa a marzo 2010, ed è stata pubblicata sull’agenda 

2010 Artisti della Toscana edizioni Pegaso. Ha partecipato 

al Malastranafestival di Cascina (Pisa, 2010) 

ed è stata premiata con il Trofeo delle Fiandre in Belgio 

a Bruges (2010). Inoltre ha partecipato nel periodo 

pasquale 2011 alla mostra a Palazzo Gambacorti del 

Comune di Pisa con l’associazione culturale Fortezza 

Meraviglia di Livorno e nel periodo dal 18 gennaio al 

1 febbraio 2011 al Salone internazionale de Inverno 

2011 a Barcellona con galleria d’arte di Firenze Centro 

Storico, come da rivista Accademia n.6 del dicembre 

2010. Nel 2012 ha partecipato alla mostra del 

Premio della Lupa 2012 al Palazzo Pontificio Maffei 

Marascotti di Roma con l’associazione culturale Rosa 

dei Venti. Tania traspone sulle sue tele l’immagine più 

entusiasta e solare di ciò che ci circonda tutti i giorni, 

la natura. 

“Attraverso un linguaggio espressivo e delicato, la 

pittrice sviluppa la sua ricerca artistica in sintonia con 

il paesaggio che sensibilmente racconta. Nella rap- 

Fiori in Blu, 2012, olio su tela, cm. 40x50 

presentazione di un uliveto toscano, l’artista focalizza 

la sua attenzione su un lembo di terra e si ricongiunge 

intimamente con una natura rasserenatrice. L’ulivo è 

simbolo di pace, ma la sensazione di serenità è prodotta 

dalla capacità della pittrice di equilibrare la luce 

con le ombre. Il suo linguaggio è caratterizzato da gesti 

semplici ma densi di amore per quel che ritrae”. 

Liliana Nobile 

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Elena Facchini 

Studio: Via Santa Reparata, 12 - 50129 Firenze 

Cell. +39 334 8686251 - elenafacchini11@gmail.com 

Giuliano, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

Infinito, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

Elena Facchini ha compiuto i suoi studi al Liceo 

Artistico Leon Battista Alberti di Firenze, città 

nella quale è nata e vive da sempre. Successivamente, 

ha frequentato alcuni corsi di Storia Moderna 

all’Università di Firenze. Inizia la propria carriera 

artistica nel 1990 presso lo studio di Foresto 

Marianini. Dimostrando grandi doti fin dagli inizi, ha 

riprodotto opere dei più grandi artisti italiani, usando 

tecniche molteplici, dall’olio alla tempera, dall’acquerello 

alla china. Nel 2004 apre il suo studio in via 

della Stufa, dedicandosi inizialmente al trompe-l’œil 

e alla decorazione murale per committenze private. 

Nel 2007 inizia ad insegnare Tecnica del disegno e a 

dedicarsi a tempo pieno alla pittura. Nel 2008 collabora 

con l’editore Vittorio Giudici come illustratrice di 

libri. Partecipa al Premio Terna per l’Arte Contemporanea 

nel 2010 e nello stesso anno vince il primo Premio 

Giubbe Rosse in occasione del centenario del 

Futurismo. Nel 2010 espone con una personale a Firenze, 

a cura di Laura Gensini, presso la casa/galleria 

di Elisabetta Martelloni. Fonda l’Associazione Culturale 

“Lascio il Segno” con l’intento di promuovere 

attività artistiche per adulti e bambini. Nel 2011 partecipa 

al Concorso Caran d’Ache, organizzato per i 

150 anni dell’Unità d’Italia, ed uno dei suoi disegni 

viene inserito gli archivi dell’azienda. Elena Facchini 

nel 2012 viene invitata negli Stati Uniti per la sua prima 

personale all’estero. La mostra, dal titolo Renaissance 

Memories, a cura di Laura Gensini, si è 

tenuta presso la Historical Library del Mechanic Institute 

di New York. Tele ed acquerelli mostrano l’eredità 

del Rinascimento fiorentino nella poetica della 

Facchini. Nel 2012 espone alle Giubbe Rosse una serie 

di opere su carta che documentano la passione 

dell’artista per il mondo classico, dal titolo Invenzioni 

dall’Antico, a cura di Laura Gensini. 

100


Elena Facchini 

Guerrieri, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

La pittura di Elena Facchini scaturisce spesso da una 

profonda indagine del passato, rivisitato in chiave contemporanea. 

È una pittura gestuale unita ad una capacità 

analitica straordinaria. L’artista sparge prima di 

tutto il colore e ne osserva le forme, alcune delle quali 

rimangono en reserve, cioè a risparmio e in questi vuoti 

e pieni scorge l’elemento che fa partire il suo lungo 

percorso verso la realtà e la sua definizione. Usando il 

pigmento con irregolarità, creando sgocciolature che 

corrono sulle superfici, ci riporta all’imperfezione del 

mondo attuale. Talvolta è quasi un approccio steineriano 

nell’uso del colore, che una volta diffuso sulla carta, 

dà all’artista un’anticipazione della forma sulla quale 

lavorerà strenuamente, dimostrando capacità pittoriche 

rare, che si allacciano alla sua precedente attività 

di realizzazione di riproduzioni dei grandi nomi dell’arte. 

Nelle sue inondazioni di colore la forma si determina 

così come nel caos si sublima il cosmos. I suoi gesti 

primitivi abbracciano la modernità e le sue incertezze. 

Quando la Facchini stende i pigmenti sul foglio, inevitabilmente 

ci riconduce a Goethe, alla sua “Teoria dei 

Colori”, all’azione morale e alle sensazioni oggettive 

suscitate nell’anima dai colori stessi. Nella sua pittura 

dunque c’è una forte spinta interiore prima di ogni altra 

cosa, alla quale si aggiunge un’indagine attenta della 

storia. La memoria come destinazione di una ricerca 

che si intride di presente e diventa l’unica formula per 

ridare vita alla lingua dell’arte. Esplora dunque il passato 

come un bacino inesauribile che la fa riflettere sul 

mondo contemporaneo. Quello stesso mondo, che 

spesso è descritto nei suoi toni più crudi dagli artisti di 

oggi, nei quadri di Elena Facchini si trasforma in equilibrio. 

Tecnicamente l’artista rispetta i canoni della pittura 

e dei suoi metodi tradizionali, dimostra capacità 

nel disegno quando si concentra sul dettaglio, come se 

volesse ribadire costantemente la sua “fiorentinità”. 

Riafferma dunque la regola dell’arte in un’epoca in cui 

è sempre più raro il ricorso alla lezione cenniniana. 

Laura Gensini 

101


Mara Faggioli 

Abitazione e studio: Largo dei Mille, 6 - 50018 Scandicci (FI) - Tel. 339 3594145 

marafaggioli@hotmail.it 

Solidarietà, 2004, terracotta, cm. 160x40 

Nata a Firenze, vive a Scandicci da trent’anni. 

Fin da giovanissima ha iniziato a scrivere poesie 

ed in seguito si è appassionata alla scultura 

e alla pittura, tre espressioni artistiche che sente 

vivere abbracciate dentro di sè. Ha frequentato lo studio 

di Amalia Ciardi Duprè e di Lucetta Risaliti. Nella 

pittura predilige la figura femminile, mentre nelle 

sculture affronta il tema del mito, della solidarietà e 

fratellanza fra i popoli. Tra i premi ricevuti: “Fiorino 

d’oro” per la poesia 2004, “Fiorino d’argento” per la 

scultura 2007, Premio “Donna Città di Scandicci” 

2011. Tra le pubblicazioni che la riguardano: “Dedicato 

a Lorenzo” Ed. Helicon 2001, “Piuma Leggera” Ed. 

Fiorenza - I sogni delle donne, 2010, olio su tela, cm. 100x80 

Masso delle Fate 2004, “Dulcamara” Ed. Ibiskos 2010. 

Sue opere si trovano in collezioni private in Italia, Germania 

e Canada ed in permanenza presso i Comuni di 

Firenze, Montelupo F.no, Castel S.Niccolò, Greve in 

Chianti, Colonna (Roma) e presso la Basilica Superiore 

di S. Francesco di Assisi. 

102


Mara Faggioli 

Forse neppure i sogni, 

più lievi e più leggiadri, 

nati nelle notti 

palpitanti di stelle, 

hanno ali 

così leggere 

come il pensiero di te 

che m’accompagna 

e mi toglie 

il respiro. 

Mara Faggioli 

Dalla raccolta poetica “Piuma Leggera” - Ed. Masso delle Fate 

“Fiorino d’oro” per la poesia edita al Premio Firenze-Europa 2004 

Erato Musa della Poesia, 2008, bronzo, cm. 12x10x h 25 

“L’universo femminile è il fil rouge tematico su cui 

ruotano le competenze creative di un’artista sensibile 

e versatile, impegnata su una pluralità di registri 

espressivi poesia, scultura, pittura. Raffinata poetessa 

e fine scrittrice in prosa fin dall’inizio della sua brillante 

attività artistica il verseggiare fluido e sognante, 

pregnante di sentimenti umani evocati con 

delicatezza e forza propositiva ha trovato nel linguaggio 

della scultura il suo più congeniale parallelismo 

figurativo, contraddistinto da un morbido modellato di 

natura idealizzante che spazia dalla figura femminile 

a soggetti simbolici evocanti temi sociali, multiculturali 

e ambientali”. 

Silvia Ranzi 

“L’innegabile fascino di questa autrice consiste nella 

scioltezza di un’umanissima voce che crea un buon 

sistema di corrispondenze con riguardo alla magia ed 

al colore, cosa che è in simbiosi con il fatto dell’essere 

scultrice e pittrice di Mara Faggioli, protesa in prodigiose 

forze nell’ansia di esprimersi in spinte di grande 

vitalità”. 

Lia Bronzi 

“Le terrecotte di Mara Faggioli, siano volti o gruppi, o 

figure, non hanno mai la staticità asimbolica del ritratto 

o della silhouettes fine a se stessi, che, pur offrendosi 

incondizionatamente ad una musicalità raffinata, 

a un’ideologia formale di gusto raro, non 

pretendono altro che questo. No, perché Mara Faggioli, 

pur dedicandosi al figurativo, e non solo, si riallaccia 

al pensiero geostorico, spesso mitologico, 

scegliendo naturalmente le storie più simbiotiche 

alla visione psichica attuale”. 

Duccia Camiciotti 

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Cristina Falcini 

Studio e abitazione: via F. Margheri, 3 - 50038 Scarperia (FI) 

Cell. 380 5323791 - cristinafalcini@alice.it 

Girasoli, 2009, olio su tela 

Cristina Falcini è nata a Prato il 6 gennaio del 

1964. Autodidatta, nel 1985 conosce il pittore 

livornese Pier Luigi Boldrini che pittura dal 

vero, questi la fa partecipe della sua arte, da quel momento 

anche lei intraprende la pittura dal vero. Nel 

1987 espone a Prato la sua prima personale, da allora 

seguono molte altre mostre, tra Scarperia, Rufina, 

Agliana, Faenza, Bologna, Fiesole, Cerreto Guidi partecipando 

anche a molte collettive ed estemporanee 

ottenendo discreti successi di critica e di pubblico in 

particolar modo per il cromatismo, la rappresentazione 

dello spazio e la profondità prospettica. Nel 1991 

conosce il pittore Giulio da Vicchio con il quale instaura 

un’amicizia e la rende partecipe di alcuni insegnamenti 

e critiche: “Da alcuni suoi dipinti specialmente 

di grande respiro noto doti non comuni che lasciano 

intravedere possibilità di ottimi risultati. Desidererei 

che il pubblico che avrà il piacere di visitare la sua 

mostra notasse quelle doti di sincerità, di purezza, di 

voglia di fare che contraddistinguono la sua pittura”. 

Giulio da Vicchio, dicembre 1992 Agliana 

104


Anna Fazzi 

info@annafazzi.it 

www.annafazzi.it 

Neve, 2010, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Nasce l’11 febbraio 1947 a Firenze, dove vive e 

lavora. 

“Nella sua ventennale attività espositiva ha 

raccolto notevoli consensi per la professionalità con 

cui si dedica alacremente alla pittura, attingendo a 

piene mani i soggetti preferiti dal contatto diretto, rasserenante, 

con la natura. Nella registrazione lirica del 

reale, accanto agli assemblaggi di fiori e frutta che 

hanno caratterizzato il suo esordio, la tecnica principe 

che domina da anni il suo interesse visivo-percettivo è 

il paesaggio, vissuto con immedesimazione ed interpretato 

secondo un’ampia casistica di progettualità 

visive. La sua ricerca estetica è pervenuta a risultati di 

singolare maturità e salda impaginazione compositiva 

grazie allo studio dal ‘vero’, nell’attenzione ai valori 

spaziali e luministici del territorio toscano nella sua 

varietà orografica e paesistica. Attraverso un’evoluzione 

graduale il suo ‘ductus’ pittorico ha conosciuto 

una fase iniziale più descrittiva, per approdare ad una 

rinnovata essenzialità della struttura fenomenica con 

progressiva ‘erosione’ del disegno mediante l’apporto 

di dense trame coloristiche a macchia o a grande ambientazione. 

La sua cospicua produzione artistica si 

situa nell’alveo della Tradizione paesaggistica toscana 

che da Soffici arriva fino a Scatizzi, emancipandosi 

totalmente dai connotati accademici, per accogliere le 

ascendenze di una tecnica post impressionistica, contraddistinta 

da una sintassi figurativa di un’intensa 

vigoria plastica e cromatica aperta alle moderne suggestioni 

’informali’” 

Silvia Ranzi 

Ha sviluppato le sue esperienze artistiche presso i 

‘Laboratori pittorici’ seguiti dal prof. Franco Bugatti. 

Ha frequentato corsi di incisione presso la Scuola ‘Il 

Bisonte’ di Firenze. Recensioni sulle sue opere sono 

state pubblicate su riviste a tiratura nazionale come 

Pegaso e Segni d’Arte da Pier Giovanni Permoli, Silvia 

Ranzi, Franco Bugatti. Le sue opere si trovano collocate 

in Italia, Francia, Irlanda del Nord, in collezioni pubbliche 

e private. È iscritta come Socio Artista al ‘Circolo 

degli Artisti Casa di Dante’ di Firenze e all‘Antica 

Compagnia del Paiolo’ di Firenze. 

105


Anna Fazzi 

Paesaggio, 2011, tecnica mista su tela, cm. 80x80 

EMOZIONI “EVERGREEN” 

Un coerente stile pittorico qualifica l’attività produttiva 

di un’artista come Anna Fazzi impegnata da anni 

nella realizzazione di opere contraddistinte da uno 

slancio vitale nei confronti della natura, amata e ritratta 

sotto i riflessi di una calda luce mediterranea nel 

culto della biodiversità, con particolare riguardo per la 

genuinità delle terre di Toscana rivisitate con intensa 

partecipazione evocativa. Declivi collinari silenti offrono 

orizzonti panoramici nell’ariosità di solari atmosfere, 

elargendo sensazioni rigeneranti nella cornice di 

spazialità distensive. Flora e fauna, parte integrante 

delle aperture paesaggistiche o riprese in ravvicinati 

campi visivi, si iscrivono nella risonante fisicità del territorio 

o negli habitat adeguati al pulsare della vita. 

Stato solido e liquido della materia restituiscono sulle 

tele una densa e pastosa tavolozza nell’universalità 

delle forme biologiche che inducono a ricercare la sintonia 

con il tutto secondo una dimensione olistica. 

Nella delineazione del profilo di un albero, nel gruppo 

di mucche sorprese al pascolo, nelle flessuose silouettes 

di semplici pesci rossi, lo sguardo esercita la sua 

intimità, ludico si sofferma nel recupero di bioritmi 

salutari, riconoscendo la varietà e l’incessante dinamismo 

dell’esistente. Il polimorfismo naturalistico 

magnetizza l’interesse di un’artista attenta ad interpretare 

i valori percettivo-emozionali di suggestivi 

scorci paesaggistici nell’avvicendarsi delle stagioni, 

nell’ampia gamma dei trapassi luministici propri del 

mutare meteorologico. Nell’intenzionalità lirica di 

Anna Fazzi la natura, come risorsa, diviene dunque 

emblema pittorico, nel ridisegnare ecosistemi da tutelare 

per restituire all’uomo quegli spazi corroboranti 

per lo spirito che possano arginare la foga ipertecnologica 

dell’era postmoderna. Le accensioni cromatiche, 

la corposità delle trame a spatola e a pennello danno 

forza propositiva ad un’arte che si specchia nelle aperte 

campagne e nelle rigogliose masse boschive per 

carpire il respiro antico o eco primigenio con la madre 

terra, giardino planetario da custodire. 

Silvia Ranzi 

106


Sabina Feroci 

www.sabinaferoci.com 

info@sabinaferoci.com 

La maleducata, 2011, carta e pasta di carta su metallo e carte colorate, h. cm. 100 circa 

Il suo percorso artistico Sabina Feroci lo ha avviato 

come illustratrice. Si è diplomata all’Istituto d’Arte 

di Firenze, poi ha frequentato l’ISIA di Urbino e successivamente 

si è laureata all’Art College dell’University 

of Ulster a Belfast specializzandosi in illustrazione. 

Da tempo la pittura e la scultura sono diventati i 

suoi canali espressivi prediletti. Sono state numerose 

le mostre all’estero: in Francia, in Spagna, in Messico 

e ripetute volte in Germania. Ha realizzato personali 

anche in molte città italiane e nel 2011 ha esposto nella 

sede regionale torinese della Biennale di Venezia. 

La Feroci svela la sua precedente attività di illustratrice 

per quell’incantevole abitudine alla sintesi e alla 

fantasia, fidati strumenti esplorativi per affrontare l’indagine 

delicatissima che porta alla riscoperta di 

quell’insieme di percezioni e di emozioni che chiamiamo 

sentimenti. Le sue figure, che nella forma tendono 

a ricercare un’idea di purezza, diventano la rappresentazione 

di un modo d’essere così radicato nella personalità 

che si manifesta grazie alla fresca spregiudicatezza 

della spontaneità. 

Samanta Monco 

107


Sonia Fiacchini 

Abit.: Via G. Oberdan, 58 - Studio: Via Fra le Torri, 4 - 52100 Arezzo 

Tel. 0575 299961 - Cell. 349 5518315 - www.soniafiacchini.com - soniaulisse@alice.it 

Un secchio di ruggine, 2011, olio su tela, cm. 40x50 

Sonia nasce il 4 agosto del 1964 ad Arezzo, dove 

vive e lavora. Fin dall’infanzia è circondata 

dall’arte, di uno zio pittore e dei disegni del padre 

e si avvicina dunque alla pittura e al disegno in 

giovane età, ma solo da adulta trova la sua “rotta“, 

dopo essere passata attraverso diversificate esperienze 

per la conoscenza delle tecniche antiche e di decorazione, 

frequentando botteghe di restauro, studi di 

maestri pittori ed anche corsi presso l’Istituto Artistico 

di Anghiari. Il suo percorso inizia con volti di anziani 

dallo sguardo ironico, ragazzi di colore che sono nel 

nostro Paese, con i loro sguardi fuggenti ed incerti, 

ragazze adolescenti che volgono i loro pensieri oltre il 

muro, esprimendo uno stato d’animo interiore. Oggi 

come ieri gli occhi di Sonia osservano la realtà quotidiana: 

cantieri edili, fusti vuoti ed abbandonati, guerre 

di potere... Durante la sua ricerca espone in collettive, 

estemporanee, fiere, premi ed alcune personali. Nel 

2012 una sua opera ha avuto il Premio del presidente 

della Giuria al XXX “Premio Firenze”. 

108


Sonia Fiacchini 

Bidone blu, 2011, olio su tela, cm. 60x90 

“...Sonia ritrova dunque in queste nuove “nature silenziose” 

simboli e risultati più immediati della nostra 

società, inerti fisicamente inanimati che, considerato 

il notevole potenziale narrativo, lei ritrae ancor più 

fissi e alteri in una realtà di stasi quasi atemporale. Di 

conseguenza, nessuna funzione didascalica della prima 

ora: a che servirebbe? Il messaggio, intellettualmente 

pregnante, sottende al giudizio estetico 

dell’occhio; e a questo si attiene: a un impatto visivo 

che fa della mimesi assoluta - e della sorpresa, ovviamente 

- i suoi cavalli di battaglia. Sonia Fiacchini dipinge 

dunque i suoi soggetti anti-classici ripescandoli 

da cantieri in disuso e abbandonati, da vecchi 

distributori di benzina, da cataste metalliche in dimenticati 

sfasciacarrozze, termine ormai desueto segno 

evidente del tempo che passa: attori che lei non 

rinfresca con una mano di vernice, vestendoli a festa, 

ma che si limita a comporre nel modo più “naturale” 

possibile. Seguendo due scelte ben definite: la prima 

di ordine assolutamente tecnico - e Sonia è pittrice 

finissima del “più vero del vero”; la seconda, come già 

scritto, di matrice intellettuale: tali sono gli scarti della 

nostra società; quindi quelli devono essere i soggetti 

della nostra pittura aulica.” 

Francesco Mutti 

109


Veronica Filippi 

www.artisticamenteitalia.com 

veronica.filippi@libero.it 

Nudo femminile, 2003, acquerello su carta, cm. 18x12 

Veronica Filippi nasce a Pisa il 25 aprile 1973. 

Laureata nel 2001 in Storia della Critica d’Arte, 

fa uno stage presso il Museo Leonardiano di 

Vinci dove ha la possibilità di conoscere studiosi e 

critici di fama internazionale. Fin da piccola risulta 

essere molto sensibile al fascino dell’arte e realizza i 

suoi primi disegni ancora prima di andare a scuola tra 

lo stupore e la gioia di tutta la famiglia. 

Durante l’adolescenza si appassiona sempre di più 

alla musica, al teatro, alla fotografia e soprattutto alla 

storia dell’arte. 

Dal 2003 espone ufficialmente le sue opere, partecipa 

a personali e collettive in giro per l’Italia. Durante 

la sua prima mostra un estraneo e appassionato rimane 

folgorato da un suo acquerello raffigurante un 

nudo femminile. Da quel momento Veronica dipingerà 

solo nudi di donna ispirandosi soprattutto all’arte di 

Amedeo Modigliani. Nel 2004 lavora con Chiara Riondino 

all’allestimento dello spettacolo e della mostra 

personale presso Villa Corsini di Firenze. Le sue opere 

sono state pubblicate nel volume Dizionario Internazionale 

di Arte Moderna e Contemporanea. 

110


Floriana Flore 

Via Fratelli Bandiera, 37 - 51100 Pistoia 

Cell. 338 4487871 

Libera nel vento, 2008, scultura in gesso, cm. 50 di altezza 

Si forma artisticamente a Firenze dove frequenta 

il Liceo Artistico e l’Istituto d’Arte di Porta 

Romana, imparando varie discipline da sbalzo, 

modellato, disegno dal nudo, incisione, litografia, xilografia. 

Si dedica inoltre da sempre a tecniche antiche 

di pittura e scultura. È un’artista poliedrica, ma è 

nell’incisione su rame e zinco che raggiunge risultati 

pregevoli, realizzando litografie, acqueforti, maniera 

nera, acquatinta, metodo della viscosità e acqueforti 

a più colori. La sua bravura deriva, oltre che da naturale 

inclinazione, dalla frequentazione di scuole famose, 

tra le quali la prestigiosa Scuola Internazionale 

d’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze, dove, 

seguendo l’insegnamento del prof. Domenico Viaggiano 

e del prof. Swietlan Nicholas Kraczjna, consegue 

il diploma di incisore e l’idoneità all’insegnamento. 

Ha partecipato su inviti a numerosi premi ed 

esposizioni di grafica riscuotendo unanimi consensi 

di critica e di stampa, ottenendo pertanto primi premi 

sia in Italia che all’estero. Nel 1996 ha vinto il prestigioso 

premio L.A.F.M. La Grande Motte ad Arles 

(Francia) e nel 1998 ha vinto la medaglia d’oro al 

“Concorso di grafica Internazionale”. 

Le sue opere figurano in collezioni pubbliche e private. 

111


Brunella Fontani 

Via Cetino, 57/3 - 50013 Campi Bisenzio (FI) - Tel. 055 8963146 

fontani@hotmail.com 

Marenostro, 2011, olio su tela, cm. 80x70 

112


Simonetta Fontani 

Cell. 389 1546666 

www.simonettafontani.it 

Senza luce, 2012, tec.mista, cm. 85x70 

Nata a Firenze, vive e lavora a Prato. Dagli anni 

Duemila svolge un’intensa attività espositiva 

effettuando numerose personali in sedi pubbliche 

ed esponendo in rassegne e concorsi nazionali 

e internazionali, riscuotendo significativi riconoscimenti. 

Ha esposto a “Casa Italia” nel 2008 in occasione 

dei Giochi Olimpici di Pechino e nel 2010 per i giochi 

Olimpici invernali di Vancouver, ed è stata 

selezionata per una rassegna a Luxor (Egitto) nel 

2013. Ha partecipato alle fiere di Parma, Reggio Emilia, 

Longarone, Forli, Arezzo, Scandiano (Modena), 

Mischi in Bielorussia e Bratislava e più recentemente 

a quelle di Agrigento e di Palermo. I suoi lavori si trovano 

in collezioni private e pubbliche in Italia e in diversi 

Paesi stranieri (Brasile, Cina, Croazia, Francia, 

Marocco, Scozia, Stati Uniti) e in particolare a Roma 

nella sede del C.O.N.I. e delle Poste Italiane, nella Pinacoteca 

del Comune di Soliera, nella Chiesa S. Maria 

dell’ Assunta a Scopoli (Perugia), nella Chiesa di S. 

Martino a Prato, alla Pro Loco di Sofignano (Prato), 

nelle sedi dei Comuni di Capraia e Limite, Capodimonte 

(Viterbo), Vaiano, Pontassieve e Campi Bisenzio; in 

Brasile nell’ Ambasciata di Salvador e nella Chiesa di 

Rembepe. 

“...Alla bellezza e luminosità dei nudi si contrappongono 

fondi spesso bui, agitati da elementi di una 

narrazione che tocca anche i toni delle connessioni 

inconsce. Una pittura che predilige i contrasti forti 

anche nella tavolozza per accentuare quella che appare 

quasi una sorta di smarrimento della figura in 

rapporto al suo spazio scenico e a trasmettere dunque 

una sottile inquietudine. I suoi temi ci inducono 

a riflessioni sul disagio esistenziale anche se i loro 

protagonisti “indossano” la disinvolta nudità di un 

corpo giovane esaltando l’armonia e la plasticità delle 

forme ma, di fatto, piegandone la versatilità ad 

interpretare nella tensione fisica di prospettive spesso 

coraggiose quella psicologica di equilibri “spesso” 

difficili...” 


113


Anna Maria Fornaciari Guiducci 

Via Di Quarto, 2/B - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. 055 632732 

Pittrice ad acquerello, olio, pittura su stoffa, 

conosce ed esegue la tecnica delle icone in 

foglia d’oro. Autodidatta, ha studiato ed approfondito 

la conoscenza delle tecniche artistiche 

con la professoressa Antonia Fontana. È stata anche 

allieva, per l’acquerello, del professor Luciano 

Piseri. Ha partecipato a varie mostre, riportando 

favorevoli giudizi da parte della critica. 

“Anna Maria Fornaciari da anni coltiva con dedizione 

la passione per l’arte, dando prova di una 

ricercata sensibilità nella messa in opera dei valori 

timbrici e luministici nella prassi pittorica. Il costante 

esercizio, a partire dallo studio del vero sia 

della visione naturalistica che della figura, le ha 

permesso di realizzare opere calibrate sul piano 

compositivo, armonico e di rifinitura del soggetto 

prescelto. Nella sua produzione predomina la tecnica 

dell’acquarello che l’artista privilegia per la 

resa delicata delle trasparenze cromatiche nel 

sentimento incantato delle forme, con diligente 

azione del pennello nelle sue meticolose diluizioni. 

La delineazione ricreativa del reale spazia dalla 

veduta paesaggistica ad accurate presenze floreali, 

nella veridicità fenomenica delle specie botaniche, 

per approdare a visionarietà simboliche in cui 

l’estro fantasioso si fonde con il naturalismo 

dell’immagine. Partecipa da anni a rassegne sul 

“Sacro” nell‘arte, dedicandosi con prodigalità di 

intenti a questo ambito tematico, particolarmente 

a lei congeniale. Realizza opere di pregevole fattura 

in cui le competenze esecutive si sposano con 

l’intenzionalità di riflettere, con immedesimazione 

emozionale e spirituale, sulle verità rivelate. Sapiente 

inventiva simbolica e raffinatezza di varietà 

coloristiche dai toni suadenti si alleano nella resa 

di studiate composizioni ad acquarello, costruite 

nello slancio vitale di ideazioni dall’intonazione 

contemplativa e dottrinaria di respiro biblico. 

Fantasia di anemoni, acquerello 

Nell’edizione 2011, sul tema “Il Cantico dei Cantici“ presenta 

l’opera, ad acquarello e fusaggine, dal titolo “ Baci 

ed incanto in un lago d’Amore” in cui la composizione 

dallo sfumato evanescente fa trapelare nelle tenuità dei 

lineamenti la purezza di un bacio, manifestazione autentica 

del sentimento d’amore. Nell’edizione 2012,“Fughe, 

esodi e pellegrinaggi: verso la Terra Promessa”, presenta 

l’opera ad acquarello “Esodo: Mosè attraversa il Mar 

Rosso” in cui la visionarietà si declina nell’orchestrazione 

di uno scenario figurativo-astraente sulla base di cromatismi 

dilatati di afflato cosmico. Nell’edizione 2013, “Le 

Donne nel Vangelo”, l’opera ad acquarello sulla figura di 

“Maria di Magdala” presenta attributi simbolico-oggettuali 

di sapore controriformistico, nel contrasto redentivo 

di ombra e luce, che restituiscono il profilo meditativo di 

penitente, presente nella devozionalità del tempo, di una 

fedele apostola del Cristo”. 

Silvia Ranzi 

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Giovanna Fortini 

San Polo in Chianti (FI) 

Tel. 055 855022 - Cell. 346 3678163 

Senza titolo, tecnica mista 

Astrazione 1, tecnica mista 

Il disegno e la grafica fanno parte da sempre della 

vita di Giovanna Fortini, fino dai tempi degli studi 

superiori. Successivamente la creazione artistica 

è diventata la sua principale attività. Giovanna Fortini 

ama sperimentarsi nelle più varie tecniche, apprese 

attraverso la frequentazione di botteghe e di laboratori 

d’arte e attraverso i corsi dell’Accademia delle 

Belle Arti di Firenze. Se l’espressione a lei più congeniale 

è la pittura ad olio a pennello e spatola, molti 

esempi della sua arte vengono dall’acquerello, 

dall’incisione, dalle tecniche miste. Giovanna Fortini 

fa parte dell’Associazione Art-Art di Impruneta fin 

dalla sua costituzione; precedentemente è stata una 

delle personalità del Gruppo Pittori e Scultori Imprunetini. 

La sua esigenza di sperimentazione le ha, recentemente, 

aperto la strada della pittura astratta. 

Le opere di Giovanna Fortini presentano una originale 

energia materica e cromatica: grandi campiture di 

colori, accesi, vivissimi, accostati l’uno all’altro per 

contrasto, senza nessuna nuance, a mettere in risalto 

la superficie, concretamente “ruvida” del fondo 

trattato con un impasto materico di pigmenti che 

l’autrice stessa predispone con i più vari ed “umili” 

materiali (carta, sabbia, colle) ri-composti in una dimensione 

artistica. Questo fondo ruvido e scabro, a 

sua volta, accentua il colore nella sua matericità cromatica. 

E un’opera “Senza titolo”, non ha - appunto 

- bisogno di etichette perché esprime in sintesi estetica 

la forza dell’ispirazione. Così Astrazione 1 mette 

in evidenza il segno, che dirime le superfici in campiture 

raggrumate o solcate trasversalmente, accanto 

a momenti luminescenti, lirici. Ne scaturisce, più che 

un’opera astratta, una sorta di “movimento”, di “gesto 

astratto”, il cui ruotare nell’aria, la cui volontà di 

direzione e di contatto con il supporto resta impressa 

sulla tela. Questo è il fine cui Giovanna Fortini tende 

e sempre consegue: essere soddisfatta del suo gesto 

creativo. 

Sonia Salsi 

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Oriella Francini 

Studio: via Paolo Borsellino, 13 - 53016 Casciano di Murlo (SI) - Cell. 328 0013970 

oriellafrancini@gmail.com - www.ioarte.org/artisti/arteoriella/ 

Mimosa Coktail, 2012, tecnica mista su porta di recupero, cm. 67x77 

Vive e opera a Casciano di Murlo (SI). Pittrice e 

scultrice, dal 1990 ad oggi ha esposto in numerose 

collettive e rassegne in Italia e all’estero 

- soprattutto Francia, Spagna, Stati Uniti - ottenendo 

premi e riconoscimenti; tra questi, il premio della critica 

al “Premio Internazionale Tokyo 2011”. Ha tenuto 

personali in sedi di prestigio quali, delle più recenti, il 

Palazzo della Cultura di San Vincenzo, Palazzo Appiani 

di Piombino, Palazzo Bastogi di Firenze, l’Abbazia di 

San Galgano a Chiusdino. Le sue opere sono presenti 

in importanti collezioni private e pubbliche, tra le quali 

il Museo Civico d’Arte Moderna di Monreale, la Pinacoteca 

del Consiglio Regionale della Toscana e 

sono pubblicate su numerosi cataloghi e dizionari 

d’arte come “Artisti italiani contemporanei”, a cura 

dell’Accademia Michelangelo di Firenze e “Art Museum 

Selection”, a cura di S.Russo e S.F.Russo, distribuito 

in musei quali Louvre, Uffizi, Prado, MoMa. 

“I lavori di Oriella Francini sono rielaborazioni surreali 

giocate in una scomposizione delle forme che richiamano 

la lezione della frantumazione e ricomposizione 

propria del Cubismo. Bizzarre figure 

femminili, ritratte in ambienti familiari, abitano la 

sua opera in cui troviamo anche esempi di meta-pittura, 

ovvero di situazioni di quadro nel quadro. Oriella 

racconta con ironia i disagi e le contraddizioni 

della società contemporanea, in una coinvolgente 

trasformazione dell’oggetto in simbolo, il cui significato 

resta da decifrare da parte dell’osservatore che 

si fa così complice dell’elaborazione del messaggio. 

Francini rifugge i canoni estetici tradizionali per esaltare 

il potere allusivo della creazione artistica disseminando 

indizi di un altro mondo, tutto da scoprire e 

reinterpretare.” 

Paolo Levi 

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Antonietta Freni 

Via Celso, 12 - 50139 Firenze 

Tel. 055 3841832 - Cell. 338 6927160 - www.antoniettafreni.it 

Ritratto di mia madre, tecnica mista su cartonlegno, cm. 30x40 

Uno stile per ogni emozione, un soggetto per 

ogni sogno, un volo d’ala per ogni ricordo, un 

fiore per ogni sentimento, una miriade di visioni 

di un oceano che si chiama vita. 


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Giuliana Fresco 

Via Ausonio, 6 - 20100 Milano - Cell. 328 4619318 

giuliana.fresco@fastwebnet.it - www.giulianafresco.com 

Nascita, 2010, tecnica mista su tela libera, cm. 167x181, coll. G.F. 

Variazioni II, 2011, olio, pastello, cera su tela, cm. 50x50 

Giuliana Fresco nasce a Milano e dopo aver vissuto 

a Genova, Parigi e Roma si trasferisce a 

Londra dove vive dal 1977 al 2005. Ritorna a 

Milano definitivamente nel 2006. La sua formazione 

artistica è condotta da autodidatta, anche se l’artista 

ha frequentato diverse scuole d’arte, fra cui, a Roma 

l’Accademia di via Ripetta e a Londra la Royal Academy. 

L’avere vissuto in tanti paesi e città diverse ha 

spogliato il suo lavoro di qualsiasi connotazione localistica, 

conferendogli invece un’impronta internazionale. 

Tuttavia Londra ha rivestito per lei un’importanza 

speciale, perché è lì che ha individuato definitivamente 

la sua strada e l’impegno per l’arte è diventato il 

fulcro della sua vita. Nella capitale inglese ha assorbito 

la cultura pittorica britannica, dai classici a Bacon e 

Freud, pur conservando radici fortemente “classiche” 

e italiane che spiegano per esempio il suo rapporto 

con l’antico e il riferimento, di tipo concettuale e non 

citazionistico, a grandi maestri che hanno caratterizzato 

il suo lavoro fino ad oggi. Fra le principali mostre 

pubbliche degli ultimi anni, si segnalano le personali a 

Spoleto, Palazzo Racani-Arroni (2000), Londra, Estorick 

Collection (2003), Torino, Palazzo Bricherasio 

(2003), Orvieto, Palazzo dei Sette (2004), Milano, Palazzo 

delle Stelline (2007), Rivoli, Palazzo del Piozzo 

(2009), Fiesole (FI), Museo Civico Archeologico (2011). 

118



Mnemosine III, 2012, olio su tela libera, cm. 160x220, coll. G. F. 

“Giuliana Fresco lavora proprio sulla persistenza, sugli 

aspetti immutabili di un’indagine fatta di pochi 

elementi essenziali e non si lascia condizionare dalle 

sirene di un’estetica giovane, alla moda o semplicemente 

edonistica. Di fronte ai suoi dipinti è del tutto 

inutile interrogarsi sulla genesi dei segni, se a prevalere 

è la componente astratta o quella figurativa, 

quella espressionista o quella informale. Ciò che conta 

è l’aspetto corale di una ricerca che tende a superare 

la frammentazione delle cose. “Se questo può 

appassionarti, troverai, su questo lungo tragitto, tanti 

aspetti vari e differenti quanto la terra ce ne offre sul 

suo. È straordinario l’oceano nei suoi tempi e movimenti, 

sempre inquieto, mutevole ogni istante e quali 

squarci al tramonto con quelle piccole nubi pallide 

che sembrano ridere del peso delle onde azzure”, scriveva 

Nicolas de Staël in una lettera del 1953 all’amico 

Renè Char. La pittura di Giuliana Fresco è, metaforicamente, 

proprio quell’oceano inquieto e mutevole, 

sempre diverso ad ogni istante dove si tenta di comprendere 

l’aspetto più intimo delle cose. Squarci di 

luce improvvisi affiorano dalle sue pennellate espressioniste; 

la materia si addensa come lava che trabocca 

dal vulcano e le macchie di colore talora si espandono 

sulla superficie mentre in altre circostanze si 

trasformano in immagini”. 

Alberto Fiz 

119



Autoritratto, 2002-2003, olio su tela, cm. 61x61, coll. G.F. 

“Lo sguardo di un artista non è cosa da poco… È forse 

per tali motivi, oltrechè per la speciale tensione dei 

suoi quadri, che quello di Giuliana Fresco mi si è immediatamente 

mostrato come uno sguardo d’artista o 

sarebbe meglio dire da ritrattista, giacchè è nel ritratto 

che trova alcuni tra i suoi esiti maggiori (…) Una 

tavolozza spesso calda e sontuosa rivela in Giuliana 

altre matrici; ma nei ritratti anche i colori, al modo 

dello sguardo, tendono a concentrarsi: economizzano 

i mezzi e focalizzano lo spazio ristretto di un vuoto. A 

guardarli bene i ritratti di Giuliana Fresco indicano 

assai più perentoriamente di altre opere di differente 

soggetto l’urgenza di una maggiore tensione del colore 

e del segno, sino a trovare nel proprio e impietoso 

Autoritratto, che è tra i suoi migliori esiti, un quasi 

monocromo carico d’infinite modulazioni di luce”. 

Enrico Mascelloni 

120


Franca Frittelli 

www.francafrittellisculture.eu - http://web.tiscali.it/ass.latorre 

frafritt@yahoo.it - fra.frittelli@tiscali.it 

La farfalla, marmo e vetro, cm. 40x30x20, coll. privata 

Franca Frittelli vive e lavora in Toscana presso il 

suo atelier a Vada vicino al mare. Scultrice e 

scenografa, è docente di disegno e storia 

dell’arte, Presidente dell’Ass.ne per le Arti Visive LA 

TORRE, fa parte della Commissione Cultura del CPO 

della Provincia di Livorno. Lavora nel campo delle arti 

figurative dal 1977. È allieva presso l’Accademia di 

Belle Arti di Firenze dello scenografo Franco Nonnis. 

Dal 1977 lavora nel cinema e nel teatro sperimentale 

fondando il gruppo teatrale Teatro Vita, un gruppo di 

avanguardia dove lavora come attrice e scrittrice. 

Nel 1977 riceve il Premio Fedic a Montecatini con il 

film sperimentale ‘’ Devo avere capito male qualcosa 

in questa storia ‘’. Dal 1980 prende parte a seminari 

di teatro e cinema realizzando cortometraggi didattico 

- industriali sia per la scuola che per l’industria. 

Dal 1990 lavora nella scultura. È attratta dal movimento 

della figura nello spazio e nel tempo. Per questo 

studia e sintetizza e interpreta la figura nella 

danza classica e contemporanea. Realizza la storia 

della danza stessa attraverso Romeo e Giulietta di 

Bejart - Martha Graham - A. Aley - Duncan - Cunningam 

- Carlson - Forsyte. Dalla figurazione all’astrazione 

nella concezione sintetica dell’estetica formale 

il passo e’ breve: ed ecco la creazione di sculture monumentali 

in granito, marmo, legno, bronzo,ceramica 

per la Nuova Zelanda - Bulgaria - Rep. Ceka - Germania 

- Francia - Macedonia - Italia - Argentina - Giappone. 

Da molti anni ricerca e studia le donne artiste 

che hanno vissuto nelle varie epoche tenendo conferenze 

per la rivalutazione della donna nell’arte ‘’L’altra 

faccia della storia dell’arte”, nonché pubblicazioni 

sulle professioniste nell’arte. Hanno scritto di lei: 

Giovanna M. Carli (critico e storico dell’arte), Mara 

Baronti (President Equal Opportunity Regional Commission 

- Tuscany 2005), Riccardo Nencini (Presidente 

del Consiglio Regionale della Toscana), Elena Mazza 

Niro (architetto), Dino Carlesi (poeta e critico 

d’arte), Tommaso Paloscia (critico d’arte e giornalista), 

Nicola Badaloni (docente di Filosofia all’Università 

di Pisa), Ariberto Badaloni (artista e storico 

dell’arte), Carlo Melloni (critico d’arte), Antonella 

Serafini (critico d’arte), Mons. Vincenzo Savio, Dino 

Pasquali (critico d’arte e giornalista). 

121


Annalisa Fusilli 

Cell. 338 9558943 

annalisa.fusilli@email.it 

Il viaggio nell’anima, 2005, batik su cotone a due colori, cm. 30x45 

Nasce a Pistoia, dove vive e opera. Consegue il 

Diploma di Arte Applicata, sezione Tessuto, 

nel 1985, presso l’Istituto d’Arte di Pistoia e 

prosegue la sua esperienza professionale eseguendo 

progetti e dipinti su tessuti d’arredamento e abbigliamento. 

Ha partecipato a mostre artigianali nella sua 

città e seguito corsi grafici per la riproduzione di serigrafie 

e tipografie. Ha lavorato nello studio del maestro 

Max Loi, imparando la tecnica ad olio e acrilico su 

tela. Con passione si dedica all’antica tecnica giavanese 

del Batik su tela e cotone raffigurando prevalentemente 

paesaggi messicani. 

“Nella sua pittura emerge chiaramente l’amore per lo 

spettacolo offerto dalla natura, dipinto con naturalezza 

e spontaneità, arricchito da inserimenti naturali raccolti 

realmente dall’artista nel paesaggio riprodotto”. 


122


Debora Galanti 

Abit.-studio: via Fossone,43 - 54037 Marina di Massa (MS) 

www.iquadrididebora.it 

Il risveglio, acquerello e penna su carta, 2012, cm. 50x70 

Nata nel 1974 a Viareggio (Lucca). Diplomata in 

pittura all’Accademia di Belle Arti di Carrara, 

ha partecipato a varie collettive e concorsi. Si 

ricordano nel 2006 la collettiva al Caffè Petrarca a Firenze, 

il XIII Premio internazionale “Versilia 2006” 

(premio speciale nudo) e il XXIV “Premio Firenze”. Ha 

partecipato a varie edizioni del “Premio Italia per le 

Arti Visive”ricevendo premi editoriali ed espositivi. 

Dell’attività del 2007 si segnalano la presenza alla 

rassegna “Sinfonia di figure” alla Galleria Gadarte di 

Firenze, la prima edizione del Concorso di Pittura “I 

colori dei Nomadi” organizzato dal gruppo musicale i 

Nomadi e dai comuni di Folgaria, Castagnole delle 

Lanze e Casalromano (primo premio), la collettiva 

“Saluti ad arte” alla Galleria del Candelaio a Firenze e 

il XXV “Premio Firenze”. Nel 2008 è ancora presente 

alla Galleria del Candelaio nella rassegna “La copertina 

del 40°” promossa dalla rivista Eco d’arte moderna 

e ottiene il terzo posto nel Premio nazionale di pittura, 

scultura e grafica “Puccini e le sue terre” 

promosso dall’ACSI.Del 2009 sono la pubblicazione 

sul volume “Le donne dell’arte in Toscana” e le partecipazioni 

al “Premio Italia per le Arti Visive” (premio 

espositivo) e al XXVII “Premio Firenze”. Del 2010 è la 

partecipazione alla rassegna di pittura “Variabili Alchimie”. 

Del 2011 e del 2012 la partecipazione alla 

mostra “Viaggio nel Contemporaneo” a Saragiolo - 

Piancastagnaio. 

123


Lara Galassini (Larix) 

Cell. 339 5776259 

www.larixart.com - larix@larixart.com 

Luce che cade dagli occhi 

Nasce a Firenze nel 1967 e si diploma in Grafica 

Pubblicitaria e Fotografia all’Istituto Statale 

d’Arte di Firenze. Tutt’oggi continua ad occuparsi 

con passione di comunicazione. Da anni riscuote 

notevoli consensi sia da parte del pubblico che della 

critica. Le sue opere figurano in raccolte pubbliche e 

private oltre ad essere state più volte pubblicate in 

cataloghi e riviste d’arte contemporanea. In merito al 

suo operato si sono espressi valenti critici. Ha partecipato 

a mostre e rassegne nazionali ed estere e ottenuto 

riconoscimenti e premi. Tra le recenti esposizioni: 

Biennale Internazionale Arte di Palermo, premiata 

al III° “Concorso Civitella Paganico”, “Anticipazione 

del futuro” mostra itinerante, Rep. Slovacca, “Arte 

alle stelle”, Rovereto, “Made in Woman - La creatività 

al femminile” GAMeC - Centro Arte Moderna, Pisa, 

”Viaggio nel contemporaneo” Saragiolo (Siena), la 

personale “I colori e le forme dei desideri”, Sesto Fiorentino 

e Firenze. 

124


Lara Galassini 

Lara Galassini, in arte Larix, racconta in modo semplice, 

con linee bianche e chiare, le proprie emozioni ed 

i cambiamenti della vita. Tratti, colori, luci e forme 

esprimono una personalità forte, creativa, raccontata 

attraverso il sapiente uso dei colori acrilici. La sintesi 

e la modernità del linguaggio valorizzano le geometrie 

femminili ritratte dall’artista, tutte dalle forme 

rotonde e caratterizzate da un mood ricercato e contemporaneo. 

La sensualità femminile è l’elemento 

costante e naturale delle sue figure ma un altro tema 

è quello degli animali, quasi talismani - ricorrenti il 

gufo, il geco, l’elefante - ai quali attribuisce un valore 

al tempo stesso ludico ed esoterico reinterpretandone 

anche qui la forma che nella sapiente essenzialità 

esalta sempre la morbidezza delle linee concentriche. 

“L’intensità di colori presenti nella sua tavolozza conferiscono 

un equilibrio estetico al quadro e trasmettono 

un senso di protezione. Attratta dalla luce, dal colore 

e dalle dimensioni del pensiero e dei sentimenti, 

l’artista intraprende un viaggio nell’inconscio che si 

dipana attraverso una silenziosa calma interiore. 

Ognuno di noi può ritrovarsi nella sua pittura.” 

Guardando oltre 

Antonia Pésare 

Il gufo e la luna 

Geco 

125


Caroline Gallois 

Via della Chiesa, 62 - 50125 Firenze 

Cell. 349 5376870 - Tel. 055 2382882 - www.carolinegallois.com 

Mani, olio, cera, disegno, foto, lino, cm. 100x100 

Nata nel 1954 a Saigon, Sud Vietnam, da genitori 

francesi, si laurea in Scienze Economiche nel 

1974 e due anni dopo si diploma in Scienze 

Politiche presso l’Institut d’Etudes Politiques de Paris. 

Tra le sue esperienze più importanti, il viaggio in Asia 

1976-77; la sua passione per l’arte la porta a studiare, 

dipingere e tenere mostre in Messico dal 1979 al 1986, 

dove frequenta dal 1980 al 1984 “La Esmeralda” prima 

e la Escuela di San Carlos poi, laboratori di Javier Anzures, 

a Città Del Messico. Nel 1982-83 frequenta anche 

Beaux Arts, atelier Caron E. Kalka, a Parigi. Dal 

1986 al 1996 vive e lavora a New York, dove nel 1989 

conosce l’architetto Vittorio Giorgini, che diventerà 

suo marito. Infine, parteciperà al corso di Arts Plastiques 

nel 1993-1996 fino a laurearsi in Arti Visive alla 

Sorbonne di Parigi. Dal 1991 al 1996 frequenta anche 

l’Art Student League, laboratorio di litografia e incisione 

a New York. Dal 1997 risiede a Firenze. L’artista ha 

esposto in svariate mostre collettive di importanza internazionale, 

come Manif, Biennale d’arte Contemporanea, 

Nimes, Francia, 1998; International Print Biennale, 

Global Graphics, Maastricht (Olanda), 1993; Print 

Club Of New York, 1994; “Tropical Rain Forest Exhibition”, 

Red Square Gallery, New York, 1989; Galeria 

Metropolitana, Università Metropolitana, Citta Del 

Messico, 1985. In Italia ha partecipato al Premio Nazionale 

Santa Croce per la Grafica, 2007; ha esposto a 

Palazzo Pretorio, Certaldo, nel Consiglio Regionale del- 

126


Caroline Gallois 

Vanità 2, olio, cera, disegno, lino, cm. 99x76 

la Toscana, Firenze, Artour sempre a Firenze, 2013. Ha 

tenuto importanti personali in Italia, Parigi, Nimes, 

New York, Città del Messico, collezionando meritorie 

pubblicazioni, recensioni e articoli; tra le più recenti, si 

ricordano quella presso la Galleria Immaginaria, Firenze, 

a cura di Giuliano Serafini, 2013; “L’air dans le ciel”, 

la Petite Galerie, rue de Seine, Parigi; Galleria La Corte 

Arte Contemporanea “L’impronta”, Firenze, 2009; “Parole 

Illustre”, Galleria Babele (ex galleria FMR), Firenze, 

2001; Institut Francais de Florence, “Les Phares, 

Hommage A Baudelaire”, Firenze, 2000. Tra i più importanti 

premi e borse di studio, si citano: Primo Premio 

Firenze Confronto e Immagine, dato da Maurizio Vanni, 

Galleria Art Point Black, 2000; Terzo Premio Biennale 

d’art Contemporain, Nimes, Francia, 1998; Nessa Cohen 

Grant Of The Art Student League, New York, 1994. 

Sue opere grafiche appartengono a note collezioni 

pubbliche, come Corcoran Gallery of Art e National 

Museum of Woman in the Arts a Washington Dc. 

“La Gallois con la sua arte informale, raffinata ed evocatrice, 

colpisce per un segno elegante e un tratto sofisticato 

della linea, dietro la quale si cela la sua spettacolare 

formazione attorno al mondo, dissimulata da 

uno stile particolare e del tutto personale. Con grande 

maestria e disinvoltura è padrona delle tecniche, che 

nel suo cammino di ricerca sono come una continua, 

suggestiva metamorfosi da ricreare sulla tela”. 


127


Beatrice Gallori 

Via della Fortezza, 23 - 59100 Prato - Tel. 349 5497718 

beatricegallori@hotmail.it - www.wix.com/beatricegallori/art 

Life1_life2_life3, 2012, tecnica mista su tela, cm. 170x150 

Nata nel 1978 a Montevarchi (AR), si trasferisce 

a Prato, dove nel 1996 consegue la Maturità 

Classica. Concretizza la sua passione per la 

moda ed il design frequentando il Polimoda di Firenze 

nel 2001. Le sue prime creazioni si contraddistinguono 

per la sua innata capacità di usare la materia, dando 

alle tele spessore e vita, anche grazie all’utilizzo della 

propria tavola cromatica variopinta. Nel 2007 inizia la 

collaborazione con una galleria italiana; le sue tele 

diventeranno monocromatiche e volumetriche attraverso 

l’utilizzo di materiali vari come la resina. Dal 

2008 Beatrice espone in collettive in spazi pubblici e 

privati. Inizia a studiare il “Movimento” ricreandolo 

sia su tela che in scultura (ceramica/installazioni). Nel 

2011, una sua scultura To Red - Ing Future entra a far 

parte del catalogo del prestigioso Premio Combat. 

Sempre in questo anno viene selezionata dal famoso 

critico d’arte, Arturo Schwarz, una delle sue “colate”, 

Milk per l’asta di Arte Contemporanea Sotheby’s (Milano). 

Partecipa ad ArtVerona 2011 dove una sua installazione 

viene pubblicata in catalogo; nello stesso 

anno entra a far parte del progetto “Artisti a km 0” 

presso il Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, 

a Prato, installando all’interno del museo un’opera e 

un video: I Miei Respiri. Nel 2012 la tela Maternità 3 

viene selezionata nuovamente per il catalogo del Premio 

Combat. Una sua opera Uprato, creata appositamente 

per la Giornata Internazionale della Maglieria, 

viene installata in Palazzo Pretorio e successivamente 

sulle mura della Biblioteca Lazzerini. La sua ultima 

personale “Life” ha trovato spazio in varie riviste e siti, 

riscuotendo un grande successo di pubblico. Dal 2012 

collabora con diverse gallerie italiane; recentemente 

ha presentato i suoi lavori al pubblico svizzero. Sue 

opere sono presenti in varie collezioni pubbliche e private 

italiane ed internazionali. 

128


Maria Gambacorta 

Abit.- studio: Viale Filippo Turati, 64 - 52011 Bibbiena (AR) 

Tel. 0575 593440 - Cell. 347 2516959 - mariagambacorta@gmail.com 

Idea - 2, 2013, acrilico su tela, cm. 50x70 

Presente sulla scena artistica da diversi anni ha 

esposto in personali, fiere d’arte, rassegne e 

premi nazionali e internazionali, sia in Italia che 

all’estero, ottenendo numerosi riconoscimenti, in 

particolare a diverse edizioni del “Premio Italia per le 

Arti Visive”, del “Premio Firenze” - in mostra al Caffè 

Storico “Giubbe Rosse” e nelle sedi del Consiglio Regionale 

della Toscana di Palazzo Panciatichi e Palazzo 

Bastogi -, del Concorso Nazionale d’Arte Contemporanea 

SaturArte, Palazzo Stella, Genova, del Premio 

Internazionale di Pittura e di Design “Rifiuti in cerca 

d’Autore” di Salerno, della rassegna ‘’Libera Fantasia’’ 

organizzata da ANLA-Consiglio Regionale della 

Toscana, Galleria d’Arte Mentana, Firenze. Nel 2009 

la partecipazione alla rassegna “THE WALL-1989- 

2009”, Palazzo Stella, Genova, invitata dall’ Associazione 

Culturale “Satura”, la porta ad esporre in varie 

Dreamland, 2013, tecnica mista su tela, cm. 70x70 

città dell’Est Europeo, in Lituania, in Estonia e Lettonia, 

con il patrocinio di M.K.C. National Art Museum 

e Istituto Italiano di Cultura, ed infine a Berlino. 

“...Temi come sogno, luce, affrontati con forza coloristica, 

con impatto materico veramente sorprendente. 

È questo lo strumento che indica le sue composizioni 

atte al potenziamento della capacità evocatrice del 

colore e della materia. L’artista lo sperimenta con timbri 

puri che raggiungono sonorità e raffinatezza, colore-immagine, 

colore-suoni colore-comunicazione...” 

Michael Musone 

129


Patrizia Garberi 

Via Molino a Vento,3 - 57016 Rosignano Marittimo (LI) 

Tel. +39 0586 761249 - Cell. +39 338 3407092 - www.artimagery.it 

La scatola della memoria, 2000, mixed media, cm. 60x60x60 

Patrizia Garberi ha sempre esplorato tutte le 

possibilità tecniche dell’espressione visiva. In 

particolare, dopo il periodo del figurativo 

“stretto” ed iperrrealista, che dall’illustrazione 

scientifica l’ha condotta ad esplorare le tecniche di 

illusione visiva come il trompe l’oeil che ha rivisitato 

su tela, ha coltivato il tema del ritratto che ha affrontato 

come strumento di indagine personale.In seguito 

si è dedicata per una decina d’anni all’esplorazione 

di tecniche materiche e all’introduzione di Object 

Trouvé nei suoi lavori, quali interventi evocativi e rimandi 

a memoria emozionale.Nei lavori più recenti 

ha introdotto oltre alle altre tecniche materiche, anche 

stampe digitali di fotografie scattate personalmente, 

su cui intervenire in modo grafico, pittorico e 

materico. Ha una formazione artistica e psicologica, 

il liceo artistico e l’Accademia a Brera, e la professione 

di illustratrice per 20 anni. In parallelo, coltiva 

l’interesse per le persone e la mente umana, iniziato 

giovanissima con lo studio personale dell’Astrologia 

Classica, e proseguito con un master in Psicologia e 

Filosofia Buddhista, e una laurea magistrale in Psicologia 

Neuroscienze. Da più di un decennio oltre 

all’insegnamento artistico offre percorsi con Meditazione 

e Mindfulness, Tecniche Immaginative, Sostegno 

e Orientamento a mediazione artistica, anche in 

ambito psico-sociale e riabilitativo. Molte le mostre 

personali e collettive realizzate, tra queste si segnalano 

le più recenti: Dipinti ed oggetti, Momoyama 

Artspace, Firenze 2003; Inner Landscapes, Associazione 

Castagneto Arte, Castagneto Carducci 2007; 

Arte e Benessere Interiore, Mitica India, Marina di 

Carrara 2010; Incontri 2012, esposizione personale al 

Forte di Bibbona. 

130


Gandolfa Gennaro 

gandolfa_gennaro@tiscali.it 

www.gandolfa.it 

Donna in giallo, 2006, colla a caldo su vetro con sfondo di pastelli ad olio 

su carta, cm. 40x30 

Gandolfa Gennaro è nata in Sicilia, si è laureata 

in Sociologia a Trento ed è attiva a Firenze, 

dove vive e lavora. La figura, oggetto privilegiato 

delle sue riflessioni artistiche, diventa il luogo della 

rappresentazione dei sentimenti profondi o degli stati 

d’animo espressi con la forza di una pittura sintetica e 

vigorosa. Le sue immagini evocano una vitalità interiore, 

intellettiva e sensibile. Non a caso le donne costituiscono 

il tema preponderante dei suoi dipinti. 

Anche lo stile, la tecnica e la materia usata risentono 

di questa ricerca: talvolta prevale la delicata leggerezza 

dell’ombra o del velo, altre l’impeto deciso del segno 

o l’energia sprigionata dal colore che diventa il 

mezzo per dar materia ai sentimenti. L’artista ha partecipato 

a molte mostre collettive. Nelle mostre personali, 

realizzate in varie regioni italiane e all’estero, ha 

messo spesso in evidenza il legame che unisce il suo 

linguaggio artistico a quello poetico offrendo al pubblico 

percorsi pittorici ispirati alla lirica di Baudelaire, 

Lorca, Neruda e Plath. 

Samanta Monco 

131


Alberta Gerard 

Via Niccolò Paganini, 68 - 50127 Firenze 

Cell. 339 3156563 - anyut1362@virgilio.it 

Informale, 2013, tempera ad uovo, cm. 100x80 

Alberta Gerard nasce a Firenze il 27 novembre 

1976. Nel 2002 si laurea in Pittura presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze e subito dopo 

si specializza in Grafica conseguendo una laurea di II 

livello. Per un anno ha frequentato la Libera Scuola 

del Nudo. Nel 2001 e nel 2002 espone alle Giubbe 

Rosse nelle collettive “Profezie di Bellezza” seconda 

e terza edizione. Sempre nel 2002 espone alla Casa 

del popolo di San Giusto e l’anno seguente nelle salette 

comunali del Comune di Barberino del Mugello 

e a Villa Pozzolini. Nel 2004 è presente nello spazio 

espositivo “La Volta” di Certaldo e nel refettorio 

dell’Abbate presso l’Abbazia dei Santi Salvatore e 

Lorenzo a Badia a Settimo. Dal 2004 al 2008 ha partecipato 

al concorso per i giovani artisti del Gruppo Donatello 

vincendo diverse volte e potendo esporre nella 

sede stessa. Nel 2004 si classifica seconda al 38° 

Premio Città di Lastra, concedendo il bis nel 2006 per 

la grafica e poi anche nel 2008 per la pittura. Partecipa 

al XXIV Premio Firenze vincendo un altro premio ed 

esponendo in via Larga nel 2006 e, sempre nello stesso 

anno, espone in personale a Villa Caruso Bellosguardo 

e al Palagio di Parte Guelfa. Tra il 2008 e il 

2010 la personale al Palazzo Bramante di Pesaro e 

presso il Circuito culturale ricreativo Rigacci, e il premio 

per la grafica al XXV Premio Italia. Tra le mostre 

più recenti si ricordano quelle fiorentine nella sede 

dell’Associazione culturale Casa di Dante(2012) e nella 

Rotonda Barbetti di Porta al Prato (2013). 

132


Elisa Gestri 

Cell. 339 8053217 

elisagestri@hotmail.com 

Traccia di corpo in box - frame (Self portrait A4), 2013, tecnica mista, cm. 30x30 

Nata a Prato, Elisa Gestri si laurea in Lettere Moderne 

all’Università degli Studi di Firenze con 

tesi sullo scultore Libero Andreotti e il Premio 

Antico Fattore. Parallelamente si forma in teatro e 

danza con grandi maestri tra cui Eugenio Barba. Dopo 

gli studi si sposta a Roma, dove lavora per alcuni anni 

come attrice nel teatro off, diretta, tra i tanti, da Franco 

Di Matteo, Pippo Di Marca, Chiara Guidi di Societas 

Raffaello Sanzio, Lucia Calamaro. In autonomia pratica 

il genere della Performance Art, esibendosi in spazi 

prestigiosi della Capitale. Nel 2008 le viene attribuito 

il IV Premio Fersen all’Attore Creativo. Frattanto svolge 

un’intensa attività di modella per artisti, entrando così 

in contatto profondo con pittura, scultura, fotografia. 

Coniugando arti performative e pittura, nel 2012 presenta 

al pubblico la performance in estemporanea 

Traccia di corpo in movimento, di cui si occupa, tra gli 

altri, il giornalista Fabrizio Borghini nella sua rubrica 

Incontri con l’arte su Toscana TV. La sua opera suscita 

l’interesse di autorevoli addetti del settore, che ne riconoscono 

le potenzialità e la incoraggiano a proseguire. 

Inizia dunque a produrre quadri che dalla primavera 

del 2013 sono visibili in due importanti spazi 

espositivi in Toscana e a Roma, i luoghi tra cui si divide. 

“Soggetto, autore ed esecutore della mia opera è il 

corpo. Vive, si contamina con la materia pittorica e lascia 

tracce: sindone profana e insieme sacra, perché 

da quando il Corpo si è fatto sindone ogni corpo è sacro. 

Materia d’elezione è la stoffa, da sempre sostanza 

dell’operosità femminile e risorsa tradizionale della 

città da cui provengo e in cui sono cresciuta, Prato. La 

ricchezza sensoriale del tessuto impedisce di rifugiarsi 

nel concetto: il lavoro è artigianale, come quello di infinite 

e pazienti mani di donna che prima di me hanno 

composto le loro trame esemplari ed anonime. Per 

loro, e a nome loro, lascio la mia traccia”. 

Elisa Gestri 

133


Annie Gheri 

www.gallerimentana.it 

Nevicata improvvisa, 2012, tecnica mista su tela, cm. 60x70 

Nata a Parigi, è cresciuta nel quartiere artistico 

per eccellenza, Mont martre. I suoi genitori, 

originari invece dello Champagne, avevano riservato 

per lei idee frizzanti come l’omonimo vino… A 

sei anni partecipa con successo ad una sfilata per una 

casa di alta moda parigina; in seguito sarà lei stessa a 

disegnare abiti dichiarando che per una bambina è più 

facile intuire cosa piace indossare ai bambini! Comincia 

così a posare per le prime foto pubblicitarie e i 

primi filmati ed entra a far parte della scuola di danza 

dell’Opera di Parigi. A vent’anni comincia a disegnare 

modelli di moda per Yves Saint Laurent, Chanel e Givenchy; 

nel frattempo frequenta la compagnia teatrale 

diretta da Maurice Escande, dove le affidano ruoli di 

attrice comica e conosce il suo futuro marito Alvaro 

con il quale intreccerà un fitto scambio di moda fra 

Parigi, Bruxelles, Londra e Firenze. Inizia a dipingere 

proprio grazie a suo marito che la invita a realizzare un 

dipinto da una sua fotografia. In seguito, per affinare 

la tecnica pittorica impara il metodo Martenot frequentando 

la medesima scuola all’Impruneta di Firenze. 

Dal 2002 è entrata a far parte del gruppo di artisti 

in permanenza alla Galleria Mentana con cui ha partecipato 

a diverse rassegne tra cui Individuazioni, Il Calore 

del Colore, Valori di Continuità e ad alcune fiere 

d’arte come quelle di Gent e Innsbruck. 

“Annie Gheri, nell’essenzialità di una descrizione che 

riporta ai sentimenti, si orienta verso un realismo poetico 

che ci fa balzare indietro, catapultandoci in un 

tempo passato dove la natura era ancora avvertita 

come madre generosa, rispettata e amata (…). Nelle 

sue opere c’è l’humus dei luoghi cari, che si intuiscono 

nel racconto che si ritrova fra le macchie dei colori che 

digradano in chiaroscuri e contrasti armonici (…). Tutte 

le opere sono avvolte da un’aura di spiritualità che 

rende indefiniti i confini tra il reale e lo spirito”. 


134


Antonina Giammarinaro Monti 

Via Ciuto Brandini 27 - 50126 Firenze 

Tel. 055 680895 

Riproduzione su encausto del Satiro Danzante, bronzo del IV secolo trovato nei fondali del Mediterraneo nel 1998 e 

conservato nel Museo di Mazara (Trapani) 

135


Antonina Giammarinaro Monti 

Antonina Giammarinaro Monti vive e lavora a 

Firenze dove, dopo la laurea in Lettere Classiche 

con lode, ha continuato gli studi sotto la 

guida di illustri professori (Giorgio Pasquali, Giacomo 

Devoto, Bruno Migliorini, Carlo Battisti) conseguendo 

col massimo dei voti il diploma di Perfezionamento in 

Filologia Classica e in seguito il diploma di Perfezionamento 

in Filologia Moderna. Ha dedicato la sua attività 

di ricerca alla saggistica e alla glottologia. 

Nell’ambito di tali studi ha collaborato nella realizzazione 

dell’Atlante toponomastico della Venezia Tridentina 

con la pubblicazione del commento al foglio 

XIII “I nomi locali del Roveretano”. Ha collaborato alla 

stesura del Vocabolario Storico della lingua italiana 

dell’Accademia della Crusca ed ha svolto attività didattica 

presso la Facoltà di Lettere dell’Università di 

Firenze. Ha lavorato con il grado di bibliotecario direttore 

presso la Biblioteca Nazionale di Firenze ed è 

stata più volte incaricata dal Ministero dei Beni Culturali 

di rappresentare le biblioteche italiane in consessi 

internazionali come Mosca e Philadelphia. Fa parte 

di alcune associazioni culturali fiorentine tra cui la 

“Compagnia del Paiolo”, l’“Unione Fiorentina”, il “Circolo 

degli artisti-Casa di Dante” dove ha organizzato 

alcune sue mostre personali di pittura. Poetessa e 

pittrice ha pubblicato in antologie e riviste numerosi 

articoli e poesie nonché un volume di poesie “Frammenti 

di luce” illustrato con riproduzioni di suoi dipinti. 

Ha partecipato a manifestazioni e mostre in Italia e 

all’estero riscuotendo premi e lusinghieri consensi di 

pubblico e di critica. Si ricordano il Primo Premio per 

la poesia (Firenze, 1999) e il Premio di sala (Firenze, 

2012) dell’Accademia “Il Fauno”; i diplomi di finalista 

al Premio Firenze per la poesia tutti gli anni dal 1995 

al 2001; il Primo Premio di pittura alla XVII Rassegna 

d’arte “Città di Viareggio” 2003; i premi e i riconoscimenti 

del “Premio Italia per le arti visive”, Firenze- 

Certaldo-Capraia per diversi anni consecutivi dal 

1997 al 2008; la medaglia del Premio Italia, XXIII edizione 

2008, organizzato dalla rivista Eco d’Arte Moderna, 

per i numerosi successi riportati dall’artista nel 

corso di oltre dieci anni; i vari premi del Associazione 

Marzocco. Nel 2004 il Comune di Mazara, città natale 

della studiosa, le ha conferito il I° Premio di eccellenza 

alla carriera. Il critico Pierfrancesco Listri ha dedicato 

alla pittrice un lungo articolo di cui si riporta il 

seguente brano: “Due profondi e intimi motivi nutrono 

l’ispirazione di questa artista: le memorie dell’antica 

classicità mediterranea e l’interiore lirismo di sfumate 

passioni di vissuto sentimento. In ogni sua espressione 

pittorica, l’artista si distingue per una limpidezza 

che tende ad un felice chiarismo, per l’eleganza 

delle campiture, sempre figlie di una sintesi sobria, 

leggera, ricca di sentimento”. 

136


Leda Giannoni 

Via Giusti, 12 - 50121 Firenze 

Tel. 055 245297 - Cell. 333 734.3038 - ledagiannoni@communicart.it 

Leda Giannoni è nata a Montecatini Terme ma 

vive a Firenze fin da piccola. Da sempre il suo 

amore per l’arte l’ha spinta a dipingere e la sua 

dedizione, nel tempo, si è tradotta in un vero e proprio 

impegno. Frequenta scuole di rilievo quale la 

Scuola Artistica di Tiziano Bonanni. Si è appassionata 

alla scultura, ha frequentato la bottega d’arte di 

Amalia Ciardi Dupré con lavori di terracotta e ceramica. 

Studia la tecnica pittorica con attenzione alla 

forma. Essa filtra la visione delle cose attraverso 

suggestioni emotive e cromatiche vivaci e attuali, ma 

di vaga ispirazione novecentesca. Recenti studi di 

ritratto dal vero hanno reso il tessuto pittorico più 

realistico e sensibile al valore plastico. Si è soffermata 

sullo studio dell’arte plastica con dipinti su legno 

dorato e ha proseguito con una ricca produzione 

di tecniche miste e oli su tela. Inoltre si è specializzata 

nel ritratto di personaggi famosi. Ha partecipato a 

mostre di pittura nazionali, estemporanee ed a diversi 

premi importanti. Il suo nome è legato a mostre 

come la personale al “Convitto della Calza” nel 2006, 

la personale alla S. Giovanni Battista “Volti e immagini 

toscane” nel 2008, al Grand Hotel personale con 

ritratti al femminile nel 2009, alla Galleria Mentana 

personale nel 2009, all’Officina Profumo Farmaceutica 

di S. Maria Novella nel 2010. Oltre alle esposizioni 

che nel corso degli anni si sono svolte, è a Venezia 

nel 2011 all’Hotel Amadeus per il premio Biennale 

“Gondola d’oro”; a Roma alla Galleria Il Collezionista 

per “premio artista internazionale” nel 2012. A Verona 

è presente con “L’arte è amore” all’ Itaca Gallery 

nel 2012. A Parigi per il premio internazionale “Le 

Louvre” nel 2012. A Bruges per la mostra collettiva 

“Città di Bruges”, nel 2012. Inoltre, sempre nel 2012 

Meditazione, olio su tela, cm. 80x100 

alla Galleria Frosecchi ha presentato le sue opere 

dedicate alla danza con la personale “Arte ispira 

arte” immagini dedicate alla grande etoile Carla 

Fracci. Nell’opera Carla Fracci mentre stringe le scarpe 

da danza c’è tutta la poeticità di una donna in una 

dicotomia cromatica, in un trionfo di emozioni estetiche 

composte e raffinate. Le sue opere sono presenti 

in fondazioni pubbliche e private in Italia e all’estero. 

Ha donato il dipinto “Giovanni Paolo II” al Museo Civico 

Giuseppe Sciortino a Monreale - Palermo. 

137


Leda Giannoni 

La pittura di Leda Giannoni ha l’intonazione di un diaro 

intimo in cui le immagini della memoria si mescolano 

ai colori vivaci del presente, sempre ricco di 

nuove suggestioni e spunti ispirativi. Artista dotata 

di rara sensibilità, vera e propria esploratrice delle 

pieghe più intime dell’animo umano, Leda ha maturato 

negli anni un lessico pittorico che unisce alla forza 

costruttiva del disegno, e quindi alla definizione plastica 

dei corpi, il senso della luce che percorre le superfici 

facendole vibrare e imprimendo loro una certa 

vitalità organica. Il suo sguardo indagatore e selettivo 

raramente si lascia distrarre dalla multiforme varietà 

del reale, ma preferisce soffermarsi sul racconto 

di ciò che più ama e conosce: i volti delle persone 

care, le scene di vita familiare, la poesia degli oggetti 

che abitano il quotidiano, l’incanto di un paesaggio 

osservato dalla finestra e riprodotto sulla tela non in 

forma di frammento ma quale immagine di pura bellezza 

universale. La realtà trova spazio e acquista 

sostanza nei suoi dipinti che si aprono ad un’intepretazione 

lirica e sottilmente malinconica dell’esistente, 

come se a motivare il suo tracciato espressivo vi 

fosse il desiderio di sottrarre le persone e le cose 

amate all’intervento ingiurioso del tempo che tutto 

trascina nel vuoto disarmante dell’oblio. È solo fermandoli 

sulla tela che i momenti vissuti sfuggono 

all’inclemenza dei giorni per mutarsi in certezze innegabili 

e imperiture, testimoni di un’esistenza che diventa 

eredità per coloro che verranno. Dipingere vuol 

dire anche coltivare l’ambizione di vincere il tempo, di 

spingersi oltre i suoi limiti per lasciare traccia di sé al 

mondo, ambizione non estranea alla pittura di Leda 

che può dirsi un compendio dei suoi amori e delle sue 

passioni, la musica e la danza anzitutto, arti gemelle 

da lei celebrate quali espressione di grazia e raffinatezza, 

di equilibrio e armonia. La linea ondulata e 

Ritratto di Giulia, olio su tela, cm. 70x100 

sintetica che definisce i contorni di certe sue figure 

danzanti, impone una profonda conoscenza del corpo 

umano e del movimento affinchè l’immagine riprodotta 

sulla superficie pittorica mantenga integri il dinamismo 

e l’energia; compito non facile in cui Leda riesce 

dotando la figura di un senso musicale e ritmico 

che la rende viva, sensuale e sofisticata, non solo immagine 

della realtà, ma simbolo dell’impeto dinamico 

attraverso cui si concretizza la vita. 


138


Monica Giarrè 

monicagiarre@alice.it 

Aracne, 2012, acrilico su tela, cm. 100x100 

139



Nata a Tosi nel 1961, si è trasferita a Firenze 

nella metà degli anni Ottanta e qui, dopo incontri 

importanti e fondamentali insegnamenti 

(allieva prima di Giuseppe Leo e poi di Paolo Frosecchi), 

inizia il suo percorso espositivo a lungo meditato: 

nel 2001 due personali al Palagio di Parte Guelfa e a 

Villa Montalvo (Campi Bisenzio) seguite da tre collettive. 

Nel 2002 le personali alla Galleria Mentana e 

alla Galleria La Tartaruga (Roma) la partecipazione a 

diverse collettive fino al 2006 quando, collaborando 

con la Galleria Frosecchi, viene invitata alle Fiere di 

Firenze, Parma e Genova. Il 2008 è l’anno di tre personali: 

una alla Galleria Frosecchi, le altre ai ristoranti 

Garbo e Buchetta. Si susseguono anche le collettive e 

ottiene riconoscimenti ai Premi Firenze, Calindri, Italia. 

Nel 2012 la grande personale al Museo Archeologico 

di Fiesole e le mostre all’Artexpo di Arezzo, al 

Museo del Calcio di Coverciano e al Museo Alinari. 

“La circostanza stagionale ha dato vita ad un periodo 

di lavoro per le donne e fra quelle che hanno avuto la 

compiacenza, ma anche il coraggio di accogliere l’ennesimo 

invito, Monica Giarrè può ben delineare un 

bilancio della propria recente attività dedicata alla figura 

femminile. Ecco un mondo familiare, un racconto 

umano, un’altra tappa della sua vocazione d’artista 

evidentemente cresciuta in un clima di fervidi contatti 

familiari e amicali, eppure singolarmente libera. In 

queste sue figure si avverte un inconsueto candore 

seppure nella prorompente bianca nudità che emerge 

da geometrie dai colori crudi. Infatti, ad un primo esame 

si può pensare che la Giarrè cerchi di giustificare 

la collocazione spaziale ma penso anche suggerire 

una sapiente soluzione di rottura. L’osservatore è preso 

dalla leggerezza limpida della figura ma subito 

dopo non può ignorare le forme geometriche compositivamente 

aggregate in un esatto andamento che fa 

vedere lo stretto rapporto tra il dato figurativo e il rigore 

geometrico che anche nei colori emana un serio 

processo di depurazione. Ritengo che il momento creativo 

di Monica sia pronto ad uno scatto per una strada 

nuova che terrà conto della vecchia, sfatando certamente 

l’opinabile detto”. 

Giuse Benignetti 

“L’introduzione della figura umana risale a tempi piuttosto 

recenti e testimonia un nuovo amore per il corpo 

delle donne che è diventato emblema di una di femminilità 

viva e libera. Dal punto di vista stilistico, ripercorrendone 

in breve l’evoluzione, si nota un forte legame 

con uno dei momenti più significativi della 

storia dell’arte, cioè quello che va dalle riflessioni di 

Paul Cézanne sulle forme fino toccare le scomposizione 

dei piani dei cubisti, soprattutto quelle di Georges 

Braque. Di grande interesse è sua la produzione sulle 

figure mitologiche che l’ha portata all’elaborazione di 

un complesso studio dedicato alla donna. L’artista, 

attraverso un’interpretazione in chiave psicologica di 

Dafne, Aracne, Diana, fino a giungere alla dantesca 

Beatrice, ha offerto una lettura del mondo emotivo 

femminile mostrando in questi soggetti di volta in volta 

la forza, il carattere, la sensualità ma anche la complessità 

di queste donne. Proprio in queste opere si 

definisce una tavolozza brillante, ricercatissima nei 

colori, che si sposa con uno stile asciutto dai contorni 

marcati e dalle campiture che ricordano la Pop Art 

americana”. 

Samanta Monco 

140



Dafne, 2012, olio e acrilico su tela, cm. 100x100 

141


Chiara Giordano 

chrgiordano58@gmail.com 

Ma sono mille papaveri rossi, olio su tela e cornice in legno, cm. 76x135 

Nata in provincia di Bari, vive e lavora a Firenze 

dal 1987. Ha iniziato a dipingere frequentando 

a Firenze il Laboratorio d’Arte Nibe della 

pittrice Nicla Cesari, affinando poi le tecniche dell’acquerello 

e dell’acrilico in corsi di pittura en plein air 

presso il Burren Painting Centre di Lisdoonvarna, nella 

Contea di Clare, in Irlanda. Ha esposto in varie collettive, 

tra le quali alcune edizioni del “Premio Italia 

per le Arti Visive”, ottenendo vari riconoscimenti. Nei 

suoi lavori privilegia il figurativo, rappresentando in 

particolar modo fiori e paesaggi. In essi l’autrice: “... 

sembra proprio orientata ad abbandonarsi in una dimensione 

di flautata naturalità appena sbocciata alla 

vita ove fragranze e morbidezze si rincorrono lungo il 

sentiero di lunghe osservazioni ravvicinate di petali e 

di foglie raccolte con piglio meticoloso in un “carnet” 

botanico venato di naiveté o si dispiegano nelle striature 

calde d’un tramonto appuntato sul calendario 

degli eventi personali”. 

Alvaro Spagnesi, Eco d’Arte moderna, n. 170 - 2009 

I suoi oli aprono: “...una sorta di giardino incantato e i 

suoi fiori così limpidi, così giganteggianti, appaiono 

andare oltre la realtà per comporre e intessere valori 

cromatici e di luce”. 

Roberta Fiorini, Eco d’arte moderna, n. 162 - 2007 

142


Lina Giorgi 

Cell. 349 3983780 

www.linagiorgi.com - giorgi@lina.it 

Estremo Oriente, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Nata a Castel San Niccolò, vive e lavora a Ponte 

a Poppi (Arezzo). Da tempo è presente in numerose 

rassegne, fiere e premi dove ha ottenuto 

significativi riconoscimenti; tra i più recenti: le 

collettive a Foiano della Chiana (Arezzo), ”FIDAPA 

espone le Artemisie”, a Meleto Cavriglia (Arezzo), nel 

palazzo della Provincia di Arezzo, “Arte per non dimenticare” 

ad Arezzo, le personali al Monastero di 

Camaldoli nel 2007 e 2008 e alla Galleria Modigliani 

a Milano, la partecipazione alle manifestazioni periodiche 

del “Premio Italia per le Arti Visive”, del “Premio 

Firenze”, della Rassegna nazionale di pittura Livorno. 

È presente alle fiere “Immagina” di Reggio 

Emilia nel 2008 e 2009, “Vernice Art Fair” di Forli nel 

2009, “Art Expo” di Arezzo nel 2011 e 2012; nel 2009 

partecipa a “Primavera Maremmana” a Grosseto, a 

“Percorsi d’arte in Biblioteca” a Pontassieve, alla Mostra 

di Pittura al Castello Weissenstein Pommersfelden 

(Norimberga), ad “Arte Sotto i Portici” a Bologna 

- anche nelle tre edizioni successive - e tiene una nuova 

personale al Monastero di Camaldoli ed una ad 

Abano Terme, mentre nel 2012 è in personale a Poppi 

nella Galleria Comunale d’Arte Contemporanea. 

143


Lina Giorgi 

Visioni di mezzogiorno, tecnica mista su tela, cm. 120X80 

“Nei suoi ritratti della natura il vero appare sempre 

plasmato al filtro di un’annotazione magica: una luce, 

un movimento, un’inquadratura, diventano ingredienti 

attraverso i quali l’artista attribuisce ai luoghi e ai soggetti, 

pur riconducibili alla realta’ che la circonda, un 

ulteriore accento, come una sorta di avvolgente abbraccio, 

emozionale, idealizzante. Poesia ed energia si 

fondono negli scorci del paesaggio casentinese, negli 

orizzonti di prati e di spiagge dove corrono liberi i cavalli, 

ma anche nelle figure degli alberi che spesso 

Lina isola dal contesto naturalistico e tratteggia con 

chiome lussureggianti, per lasciare emergere tutto il 

carico simbolico di questa forma che unisce la terra al 

cielo. Nel suo percorso espressivo il colore non puo’ 

che corrispondere a questa inclinazione a rendere 

straordinaria ogni visione e dalla percezione di luci 

smaglianti talvolta trasmigra in atmosfere fantastiche 

osando alberi azzurri o campi inondati di arancione. 

L’artista continuamente trasforma cio’ che vive, cio’ 

che osserva, cio’ che sente e in questo viaggio la sua 

ricerca si apre a nuove sperimentazioni come ci attestano 

alcune recenti opere dove Lina demarca piu’ 

esplicitamente il confine tra realta’ e immaginazione, 

tra veduta e memoria, così che una visione si interpone 

o sovrappone all’altra instaurando un’affascinante 

e diversa ipotesi di dialogo.” 


144


Angela Giuliani Perugi 

Vive ed opera a Firenze - Cell. 333 5272453 

info.angelagiuliani@alice.it - www.angelagiuliani.info 

Inverno al Palmerino, acquarello su avorio, diametro cm. 9 

Nasce a Bologna dove si diploma all’Istituto 

Statale d’Arte nella sezione di Pittura sotto la 

guida del maestro Vasco Bendini. Lavora per 

un anno nella Pinacoteca comunale come apprendista 

restauratrice. Il matrimonio la porta a trasferirsi a Firenze 

dal 1967, dove si dedica alla miniatura di riproduzione, 

lavorando su commissione. Continua in parallelo 

la ricerca di un’espressione propria e nel 1982 

allestisce la prima mostra personale di acquarelli su 

avorio, a tema prevalentemente paesaggistico, che 

riscuotono successo. Si applica allo studio di nuove 

tecniche su più ampie dimensioni, utilizzando l’acquarello 

a secco su cartoncino “martello”, dedicandosi 

anche al genere del ritratto. Affascinata dalla Tradizione 

iconografica su temi sacri, esegue copie dei 

grandi maestri del Cinquecento (Beato Angelico, Botticelli, 

Leonardo), Seicento (Caravaggio, Guercino, 

Carlo Dolci) sino a spaziare verso autori del Settecento 

francese. Mediante la tecnica della tempera a 

uovo, con l’aggiunta della tempera grassa dagli effetti 

luministici, realizza creazioni originali su tela e su 

tavola d’argomento sacro. Dal 2000 è presidente del 

Gruppo “Tabula picta”, sotto l’egida del quale ha promosso 

ed allestito numerose collettive e la realizzazione 

di una mirabile “Via Crucis” nella Chiesa di S. 

Ambrogio a Firenze. Ha partecipato a numerose edizioni 

del “Sacro nell’arte” su temi biblici presso la 

Basilica della S.S.Annunziata. Sue opere sono presenti 

in collezioni private in Italia, Europa e Stati Uniti. 

145


Angela Giuliani Perugi 

Silenzio e vita, 2006, tempera grassa su tela, cm. 50x40 

“Angela Giuliani Perugi è una raffinata artista di origini 

emiliane che da quarant’anni vive ed opera a Firenze 

profondamente legata allo spirito umanistico-rinascimentale 

che connota la città nei suoi splendori monumentali. 

Le competenze restaurative e riproduttive di 

un’opera la accompagnano fin dalla giovinezza per 

maturare percorsi alternativi in una progressione significativa 

di esiti pittorici, alternando sorprendenti 

copie ad originali soggetti d’invenzione. Lo stile miniaturistico 

inaugura il suo avvicinamento all’arte nell’applicazione 

preziosa dell’acquarello su avorio che regala 

squisiti scorci paesaggistici di lenticolare fattura 

coloristica. Nelle opere ad acquarello “temperato” su 

cartone o su tela ottiene vivide gradazioni chiaroscurali 

su più ampi formati di singolare lirismo nella poetica 

suggestiva del ricordo. Ritrae con cura distensive 

vedute dell’amato paesaggio toscano nella rievocazione 

di luoghi paesistici, pacificanti avvallamenti campestri 

con casolari tra cipressi ed ulivi verdeggianti e 

solari segmenti del litorale tirrenico a lei cari. La luce 

diviene l’elemento unificatore di queste visioni che, 

nei toni di un caldo cromatismo, affermano una purezza 

atmosferica dal respiro idilliaco nell’armonicità dei 

dettagli. Il ritratto e la figura sono felicemente resi sia 

per la resa fisionomica che per dovizia di positure, ora 

in assoli o inseriti in contesti naturalistici che ne accarezzano 

le sembianze. Se la natura è una fonte ispirativa 

privilegiata, nella sua copiosa produzione svolge 

un ruolo primario la riproposizione del sentimento del 

Divino. Realizza con ricercata perizia temi d’arte sacra, 

ideati o riprodotti nel rigore delle icone con l’apporto 

di brillanti pigmenti e della foglia d’oro zecchino o traduce 

con immedesimazione i dettami delle tavole dipinte 

da insigni maestri del passato. L’azione diligente 

del pennello ricrea figure devozionali, episodi o personaggi 

di ispirazione biblica o di impronta liturgica nella 

riesumazione di iconografie classiche legate al culto 

mariano, così diffuso a Firenze, come la scena eterea 

dell’Annunciazione. Fedele alla componente trascendente 

nella cultura delle arti visive contemporanee, 

Angela Giuliani Perugi si pone in continuità con la tradizione 

sacra, fornendoci interiorizzate testimonianze 

di spiritualità, avvalorate da prassi esecutive ispirate 

nel dialogo tra reale e ideale, tra la natura umana e 

l’ineffabile”. 

Silvia Ranzi 

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Maura Giussani 

Via Romagna, 7 - 52100 Arezzo - Tel. 0575 20590 - Cell. +39 320 2923833 

giuma.22@hotmail.it 

Un pomeriggio a Fontana di Trevi, 2012, olio su tela, cm. 70x80 

Maura Giussani nata nel 1952 a Milano dove 

si è diplomata presso il liceo artistico Beato 

Angelico. Attualmente vive e lavora ad Arezzo. 

I suoi soggetti preferiti sono lo studio delle luci e 

dei riflessi in tutte le loro manifestazioni, ma ama anche 

spaziare tra figurativo ed astratto, per sperimentare 

tecniche diverse. Dal 2003 ha partecipato a varie 

collettive in Italia e all’estero. Ha partecipato anche a 

vari concorsi: 2006, terza classificata ”Estemporanea 

Sasso di Simone; 2007, opera segnalata al ”Premio 

Nazionale Mecenate”; opera segnalata al “Premio 

Agazzi“ (BG); 2008, terza classificata all’estemporanea 

“Città di Monterchi”; 2009, collettiva presso 

l’Atrio d’onore della Provincia (AR); 2010, terza classificata 

concorso pittura contemporanea al “Monterchifestival”; 

2011, opera segnalata al ”Premio di pittura 

contemporanea” Lucignano; 2012, terza classificata al 

”Premio Astrolabio”; terza classificata all’estemporanea 

Rigutino; terza classificatga al concorso nazionale 

”Ancos”; partecipazione ad “Artexpo” (AR). 

“La pittura della Giussani è sinonimo di ricerca accurata 

della visione cromatica in vari aspetti. Lo studio 

dei riflessi ottenuti da varie visioni, quasi maniacalmente 

realistiche, nei suoi soggetti a vocazione motoristica 

(auto, moto, ecc.), ne danno una lettura piacevole 

e fortemente convincente, con strati di 

contrasto che rafforzano lo spazio irreale dell’esterno 

del soggetto. Notturna, in opere, dove lo spazio e la 

luce giocano da padroni sul fondo pittorico, influenze 

quasi Hopperiane nei suoi soggetti da sala da ballo, 

bar e situazioni sospese nello spazio-tempo, fanno di 

quest’artista un composito equilibrato di ricerca pittorica 

al di sopra di mode e atteggiamenti molto comuni 

all’arte contemporanea. La Giussani è un’artista 

che riesce ad avere il coraggio di sperimentare 

nuove strade, anche se alla base vi è una maturità 

mentale e di concetto che la rende riconoscibile e 

unica nel suo stile”. 

M° Alessandro Marrone 

147


Patricia Glauser 

patriciaglauser@gmail.com - http://www.patriciaglauser.com 

Cell. +39 339 8144018 - Tel. +39 055 8587039 

Nata in Colombia nel 1967. Nel 1998 lascia il 

suo lavoro come dentista per venire in Italia a 

studiare arte. Dopo aver fatto diversi corsi di 

disegno e pittura, nel 2001 s’iscrive all’Accademia di 

Belle Arti di Firenze, dove si diploma in Pittura nel 

2006. Nel 2009 segue il master in Arti Visive alla Libera 

Accademia di Belle Arti di Firenze (LABA). Oltre al 

lavoro come artista, è insegnante di Anatomia dell’Immagine 

alla LABA. Numerose le mostre personali e 

collettive; tra queste si ricordano: le personali In Bianco 

(201, atelier Art studio and Gallery, Patricia Glauser, 

Firenze); Insight Outside (2010, Galleria Lato, Prato); 

Un parcours a deux temps (2007, Elsa Fajardo, Wavre, 

Belgio); le collettive Visone bianco e nero, pensieri a 

colori (2012, Barbara Vincenzi, Venezia); Gender fluid 

(2012, Barbara Vincenzi, Centro d’Arte Moderna, Pisa); 

Visioni in Bianco e Nero (2012, Barbara Vincenzi, Studio 

Iroko, Milano); Oniricum (2011, Angelo Pieroni, 

Museo della Specola, Firenze); Artdesignweek show 

(2011, Galleria Bardi Contemporanea, Firenze); Verde 

que te quiero verde (2009, Vittorio Corsini, piazza Ghiberti, 

Firenze); Lavori finali (2009, D’A Spazio d’arte, 

Fabio Cresci, Empoli); Communication box (2009, Pedro 

Riz a Porta, Fabio Cresci, via dei Bardi, Firenze); 

Profezie di bellezza 4 (2004, A. Tirelli, Caffé Storico 

Letterario Giubbe Rosse, Firenze); Mostra di Pittura 

(2004, Radu Dragumirescu, ex Chiesa di San Carlo di 

Barnabisti, Firenze). È stata finalista al Premio Afrodite 

(2012) e al Premio Yicca (2009). Hanno scritto di lei, tra 

gli altri: Serena Bedini ed Emanuela Catalano. 

“Patricia Glauser, partendo dall’osservazione 

dell’espressività materiale della tela, della sua fisicità 

e presenza nello spazio, inizia la sua personale ricerca 

del “tra” ovvero: “dello spazio che divide e/o connette 

interno ed esterno, materia ed energia, presenza e assenza”. 

Nei suoi lavori, la tela gioca un ruolo principale 

nel farsi figura, il colore è un bianco assoluto ed essenziale 

che non ha più il bisogno di costruire la forma, né 

di trasmettere emozioni e sensazioni. Nella storia 

dell’arte si incontrano importanti precedenti nella possibilità 

della tela di esprimere la terza dimensione sia 

Io Abito, 2011, gesso e acrilico su tela, cm. 80x170 

dal punto di vista visivo, nelle ricerche rinascimentali 

sulla prospettiva, che da quello fisico, ad esempio nel 

caso dei tagli di Fontana. Patricia Glauser, memore di 

tutte queste possibilità, sviluppa un rapporto personale 

con la tela. Le forme ottenute diventano scultoree. 

La tela si presenta come un “abito” (vestito) che copre 

ed allo stesso tempo scopre. Una “tela-abito”, che 

prende la forma, “tra” materia ed energia”. 

Spela Zidar e Fabrizia Bettazzi 

148


Donatella Gori 

“Nel panorama delle Arti Figurative a Firenze Donatella 

Gori si distingue per un iter produttivo avviato 

che rivela un talento versatile nell’applicazione di varie 

tecniche esecutive, affermandosi quale sensibile 

pittrice, ceramista e decoratrice. La sua formazione si 

avvale di studi classico-umanistici ed accademici 

nell’esercizio dell’arte pittorica in forza della quale 

persegue un linguaggio figurativo che esalta la tradizione 

del vero naturalistico, prediligendo pastosi imdonatella.gori@libero.it 

www.ceramichegori.com 

2 vasi , h cm. 23 , h cm. 25 

Donatella Gori ha frequentato l’Accademia di 

Belle Arti di Firenze, indirizzo Pittura, con il 

professor Giovannelli, conseguendo la laurea 

nell’anno accademico 2002/2003 con votazione 

110/110. Dopo la formazione accademica, nel 2004 si 

è specializzata nella decorazione su ceramica frequentando 

la Scuola di Ceramica di Montelupo Fiorentino 

e perfezionando la tecnica con stage presso 

aziende produttrici di materiale ceramico. È iscritta 

all’associazione culturale “Firenze Arte” con la quale 

ha partecipato a varie collettive e dove, lo scorso dicembre, 

ha esposto in una mostra personale i suoi 

pastelli e le ceramiche. Al 2008 risale la personale di 

quadri ad olio presso la Galleria Centro Storico di Firenze, 

e molte altre sono le mostre corali e individuali 

realizzate in tanti anni di carriera. 

149


Donatella Gori 

Natura morta con figura femminile, 2002, olio su tela, cm. 80x80 

Piatto, con decoro geometrico, cm. 30 

pasti cromatici. L’intimismo lirico dello sguardo nella 

riservatezza del vivere, illuminato dal rasserenante 

contatto con la natura, è il filtro e la cifra stilistica che 

caratterizza il suo approccio al reale. L’interesse visivo 

si indirizza verso assorti e domestici assemblaggi 

oggettuali in interni, si declina nella delineazione di 

vedute paesaggistiche di rivisitata memoria, si sofferma 

talora a ritrarre la figura umana, profilata nelle 

giovanili fattezze di dolci ritratti femminili. Ragguardevole 

è il ciclo pittorico “Il quadro nel quadro” che, 

nato per omaggiare il maestro d’arte Onofrio Martinelli 

vissuto fra le due guerre, presenta opere-citazione 

dello stesso artista interagenti con nature morte di 

studiata composizione ideate dalla Gori secondo 

un’intonazione meditativa, scandita da un segno compendiario, 

sostenuto da un denso e caldo tonalismo 

dagli accenti evocativi. Se negli accorpamenti studiati 

di oggetti prevalgono valenze emozionali-simboliche 

di natura riflessiva, nei soggetti paesaggistici 

emerge la resa luministico-cromatica di impronta mediterranea 

che ritrae distensivi segmenti marini, montani 

o campestri: versiliesi, liguri, meridionali, dolomitici, 

sorpresi nell’occasionalità di viaggi compiuti, 

sotto l’azione vivificante del ricordo. Una tale contiguità 

di temi è trasposta felicemente sulla tela o su 

carta mediante la prassi di due tecniche privilegiate 

con esiti di elegiaca poeticità: da una parte la messa 

in opera di una solidità costruttiva grazie all’impiego 

del colore ad olio impegnato su contrasti timbrici dalle 

ricercate iridescenze; dall’altra la freschezza esecutiva 

del pastello nella resa di preziosi sfumati in 

soggetti tratti dalla ferialità di un quotidiano amato 

nei suoi riposti assemblaggi di frutta o contemplato 

secondo carpite angolazioni paesaggistiche. Spaziando 

dall’arte all’artigianato di pezzi unici, l’estro e la 

professionalità artistica di Donatella Gori dimostra 

percorsi diversificati nell’ambito decorativo: dall’applicazione 

alla ceramica di eccelsa tradizione toscana 

a cornici d’autore per la nota area di Certaldo. Con 

elegante e fluente vena ornamentale decora vasellame 

di varia foggia e destinazione rispettando e ricreando 

gli stilemi propri della rinomata scuola di Montelupo 

Fiorentino - spaziando con fattura disinvolta da 

complessi intrecci figurativi a sinuose forme vegetali 

- al fine di impreziosire con pregevoli manufatti la cultura 

dell’abitare e dare continuità, nell’innovazione, 

alla secolare tradizione delle maioliche fiorentine 

note fin dai tempi medicei”. 

Silvia Ranzi 

150


Annapaola Gorozpe Perez Pria 

Piazza Indipendenza, 1 - 50129 Firenze 

Cell. 338 4612025 - annapaolagorozpe@gmail.com 

L’Abbraccio, 2005, olio su tela, cm. 70x100 

Nata nel 1978 a Città del Messico, si diploma in 

Disegno Museografico, all’Accademia di Belle 

Arti (Escuela Nacional de Bellas Artes “La 

Esmeralda”) e nella stessa si laurea in Belle Arti (Pittura, 

Scultura, Incisione). In Italia, si specializza alla 

scuola d’incisione “Il Bisonte” a Firenze. Ha partecipato 

a varie mostre e concorsi all’estero e in Italia, tra 

i quali si ricordano il Concorso Internazionale Leonardo 

da Vinci nel Museo di Leonardo da Vinci nel 2000; 

la mostra itinerante Santa Anastasia di Sirmio, dal 

2005 al 2007, terminata agli Archivi del Museo Vaticano; 

la mostra collettiva al “Caffè Giubbe Rosse” nel 

2006 e la mostra Gattart nello stesso anno; la mostra 

“Terra”, Città Sant’ Angelo, nel 2007 e la mostra “Verso 

la Terra Promessa” nella chiesa S. Maria Annunziata 

nel 2012. 

151


Annapaola Gorozpe Perez Pria 

La mia Letizia, 2005, olio su tela, cm. 70x100 

152


Silvia Greco 

silviagreco34@gmail.com 

Alpha centauri, 2008, acrilico e foglia oro su tela, cm. 120x60 

Silvia Greco è nata a Fucecchio nel 1977 ed ha 

compiuto studi artistici, prima il Liceo Artistico 

e poi l’Accademia delle Belle Arti di Firenze. 

Parallelamente alla sua attività di Interior designer 

ha proseguito l’attività pittorica prestandosi a commissioni 

private per la realizzazione di decorazioni di 

interni in abitazioni e in locali pubblici, sviluppando 

così un suo personale linguaggio pittorico. Le esperienze 

lavorative nell’ambito dell’arredamento l’hanno 

comunque indotta a una riflessione estetica profonda 

confluita in una ricerca pittorica che, forse per 

contrasto, è andata a sviluppare un concetto di spazialità 

sconfinata e disabitata, collocata nelle ambientazioni 

atemporali dell’infinito universo stellare. 

L’uomo, mai presente, non ne è comunque escluso, 

anzi: è per lui e per la sua desolazione che l’artista 

ricrea questo nuovo mondo. I dipinti, raffinatissimi 

nella rigorosa selezione dei materiali e dei colori, 

presentano costellazioni, pianeti e stelle che rimandano 

all’idea ancestrale di ricerca dell’infinito a cui 

da sempre l’uomo anela. Interpretando lo spazio cosmico 

come un’apertura sull’universo interiore, l’artista 

mostra stelle luminose che esplodono di luce sul 

volto di chi osserva, ed immagini di paesaggi ultraterrestri 

rubate alla scienza. Questi luoghi spaziali 

diventano ideali grazie a un lungo procedimento intellettuale 

che porta l’artista a stampare sulla tela 

l’immagine dell’opera precedentemente dipinta. 

Samanta Monco 

153


Silvia Greco 

Alba su Marte, 2009, stampa su tela, cm. 95x70 

“Nelle opere di Silvia Greco ciò che ci appare davanti 

è un’esplosione di energia, luce e materia. 

Nei dipinti che fanno parte della collezione “Tracce di 

luce” i colori preziosi come l’oro e l’argento si irradiano 

attraverso raggi luminosi e sfavillanti sulla superficie 

della tela, creando armoniosi contrasti con le cromie 

opache dell’acrilico che si impongono con forza e 

dinamismo. I filamenti di colore che disegnano forme 

particolari, richiamano alla memoria pianeti dai bagliori 

folgoranti e stelle solari irradianti. Ci troviamo in 

un universo dove l’esplosione vitale di luce investe 

ogni cosa, e da qui colori vibranti e penetranti emergono 

carichi di materia. 

…Vincente è il connubio tra colori scintillanti e tinte 

opache, forti e materiche, che conferiscono alle opere 

una illimitata dinamica energia.” 

Elisa Cristiano 

154


Silvia Greco 

Vega, 2009, acrilico e foglia argento su tela, cm. 100x80 

155


Silvia Greco 

Pianeta Vulcano, 2009, stampa su tela, cm. 65x65 

156


Franca Grilli 

Via Orcagna, 21 - 50121 Firenze 

“Con gli anni ho nascosto nella memoria frammenti, sensazioni, stralci che in queste sculture, 35 complessivamente, 

ho intrecciato al racconto, alla favola, allo scherzo, a volte con fierezza, a volte con abbandono”. 

Franca Grilli 

Franca Grilli vive e lavora a Firenze. Diplomata 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze, ha al suo 

attivo numerose personali, tra cui: Il Fiore (Firenze, 

1966), Il Traghetto (Venezia, 1970), Arti Visive 

(Roma, 1972), Il Vicolo (Genova, 1979), L’Indiano (Firenze, 

1982), Bottega del quadro (Bergamo, 1989), 

Vanna Casati (Bergamo, 1998), Ennavu (Bologna, 

2001), 8+1 (Venezia- Mestre, 2007). Tra le mostre di 

gioielli d’artista, si segnalano: Forma e Qualità 

(1971), Monaco di Baviera, premiata con medaglia 

d’oro; Progettare con l’oro (1980), Palazzo Strozzi (Firenze) 

e Castello Sforzesco (Milano); L’arte del gioiello 

d’artista (2001), Museo degli Argenti, Palazzo 

Pitti, Firenze. Tra i libri d’artista si ricordano: Biennale 

con “Zeta boox”, Barcellona, 1985; 30 disegni ispirati 

alla poesia giapponese Haiku (1988), Editrice 

Eidos Mirano (Ve); “Migalhas” de Pessoa, libri ispirati 

alla poesia di Fernando Pessoa, Lisbona, Casa 

Pessoa, 1998. Hanno scritto di lei: Carlo Betocchi, 

Corrado Marsan, Toni Toniato, Lara Vinca Masini, 

Guido Montana, Germano Beringheli, Giorgio Segato, 

Giuliano Serafini. 

157


Martina Grkinic 

Atelier d’Arte di Art - Expertise - Via Pisana, 305-237 rosso - 50143 Firenze 

Tel. 333 7392841 

La festa di nozze - installazione, fotografia digitale, immagine ad 

alta risoluzione stampabili su diversi supporti e in diversi formati 

Nuvola - installazione da La festa di nozze, fotografia digitale, 

immagine ad alta risoluzione stampabili su diversi supporti e in 

diversi formati 

Dopo il diploma al Liceo Artistico di Pola (1999), 

inizia le prime esperienze espositive in Croazia. 

Tra il 2000 e il 2001 si trasferisce a Firenze per 

studiare pittura all’Accademia di Belle Arti - dove si 

diploma nel 2008 - e in questi anni partecipa ad alcuni 

concorsi, ottenendo il quarto posto al IV° Concorso Nazionale 

di Pittura “Gaetano Morgese” (2003) a Terlizzi 

(BA). Nel 2005 vince il Premio Internazionale d’Arte 

SS395 nella categoria Artisti Emergenti (Vernio, Galleria 

d’Arte, BoArt). Nel 2005 è finalista al Premio Celeste 

di Siena nella categoria Pittura Mediale Studente. 

Si avvicina intanto all’Art Therapy, partecipando al seminario 

Esplorando i paesaggi interni (Firenze, 2007). 

Nel 2008 partecipa al Concorso Premio Celeste a Siena 

e, tra il 2009 e il 2010, partecipa al Premio Nazionale 

Chimera (AR), al concorso MOHO-YICCA 2009 Young 

International Contest of Contemporary Art, al concorso 

fotografico “Quotidiana” e al Concorso Premio Celeste 

2010. Ha da poco esposto in personale presso “Terre di 

Masaccio” a Firenze e alla collettiva al Wardance Comics 

Party. In occasione della Giornata Mondiale contro 

la violenza sulle donne (25 novembre 2011) presenta 

una serie fotografica ispirata al tema della violenza 

sulla donna e sul suo corpo nell’Atelier d’Arte di Art- 

Expertise, a Firenze. Nello stesso Atelier organizza, nel 

2012, un’installazione dal titolo “La Festa di nozze”, 

dalla quale sono tratte le foto pubblicate in questo volume. 

Pensata sulla sua personale esperienza matrimoniale, 

l’installazione consiste nel suo abito nuziale, 

sorretto da palloncini bianchi e fluttuante tra “nuvole”, 

da sogno, realizzate con materiali di riciclo. A terra, 

nastri fotografici, lembi di tulle, e altri elementi che rimandano 

al tema nuziale, compreso un cenno alla vita 

quotidiana che fa da epilogo al “grande giorno”: un 

ferro da stiro, molti detersivi, giornali, simbolo dei giorni 

che passano tra nevrosi e routine quotidiana, accumulandosi 

ed accatastandosi negli angoli. Sul vestito 

da sposa, infine, da un video proiettore posizionato in 

un angolo,erano proiettate immagini del “giorno felice”: 

le foto della sposa, dello sposo, dei parenti e della 

festa di nozze. Una riflessione amara e provocatoria 

sulla tradizione nuziale che è presagio di aspettative 

alte, da sogno, ma anche preludio, talvolta, ad inaspettate 

realtà. 

Marina Volpi 

158


Francesca Guetta 

Via Canova, 78 - 50142 Firenze - f.guetta@alice.it - Cell. 3397705116 

www.artecommunicatios.it/artistisuiqualiinvestire - www.artexpo-gallery.it/premioespressionecreativa 

Omaggio a Michelangelo III°, 2011, polimaterico su tela, cm. 50x70 

Francesca Guetta è nata a Firenze, dove vive e 

lavora. Da sempre attratta dal mondo dell’arte, 

ha iniziato a studiare tecniche pittoriche presso 

il C.U.E.A. di Firenze, successivamente presso la scuola 

“Sole Costa“ ed ha approfondito la sua formazione 

artistica anche sotto la guida dei pittori Aida Teran e 

Giuseppe Ciccia. Ha partecipato a numerose rassegne 

artistiche e concorsi sia in Italia che all’estero ricevendo 

diversi premi e riconoscimenti. I suoi dipinti si 

trovano in collezioni pubbliche e private. Spazia 

dall’informale al figurativo affidando al colore la forza 

creativa. È inserita in diversi cataloghi e libri d’arte. 

“Arte Povera, New Dada e molta creatività spingono 

la fiorentina Guetta a indagare cultura e storia 

dell’arte. In questi mesi si è concentrata su potenza 

michelangiolesca e su ardore futurista. Le due tematiche 

sono rese privilegiando forza di materiali e colori 

e l’incisività del collage. E proprio qui Guetta trova 

composizioni serrate, uno scatto in più”. 

Fabio Bianchi 

“Non poteva essere altrimenti l’efficacia e la validità 

di questa composizione dedicata al genio dell’arte, al 

grande Michelangelo, perché concepita e realizzata 

da un’artista fiorentina che possiede nei geni e nei 

pori l’energia di Buonarroti. I colori si muovono tra il 

classico e il contemporaneo, tra la limpidezza e la 

precisione della realtà presente e le sfumature del 

passato, su un’opera fondamentalmente informale. 

159


Francesca Guetta 

Omaggio al Futurismo, 2009, tecnica mista su cartone telato, cm. 40x50 

La mano che scolpisce, è un gesto umano guidato dal 

divino, dove tempo e spazio divengono l’attimo, 

l’eterno… traducendosi in uno sguardo di meraviglia, 

muovendosi dall’essenziale al particolare. Lo stesso 

Michelangelo prima di realizzare il Giudizio Universale, 

la sua opera summa, scriveva : ma che poss’io, Signor, 

se a me non vieni?” 

Pompea Vergaro 

“(…) Legati difatti all’innato bisogno espressivo di 

Francesca Guetta vanno lette la serie Omaggio al Futurismo 

e le sue ultime sperimentazioni materiche. 

La prima, una singolare rivisitazione estetica in cui 

ritmi ben dosati, lontani da un’esplosione di linee o 

da anacronistici dinamismi, si fondono con elementi 

grafici e oggetti di recupero spesso originali che richiamano 

uno dei periodi storici più interessanti del 

nostro Paese, nonché l’unica avanguardia storica tutta 

italiana. La seconda e ultima in ordine di tempo, 

una, altrettanto interessante, sperimentazione in cui 

l’attrazione sensoriale si unisce alla consapevolezza 

del proprio spessore plastico e alla ricchezza cromatica, 

che, facendosi densa, crea una complessità di 

trapassi che diventano esuberante deposito plastico 

e fulcro nascente di luce, così catturata dalla fervida 

vitalità materica”. 


160


Anna Guicciardini Ricceri 

Piazza D’Azeglio, 24 - 50121 Firenze 

Verso casa, acquerello su carta, 2011, cm. 31x41 

Negli anni Cinquanta ha studiato presso l’Istituto 

d’Arte di Porta Romana a Firenze dove si è 

diplomata maestra d’arte in ceramica. È stata 

allieva di Alberto Caligiani e di Onofrio Martinelli; in 

seguito ha approfondito lo studio dell’acquerello sotto 

la guida della pittrice inglese Josh Partridge. Negli 

anni Ottanta ha animato un laboratorio di ceramica 

per i ragazzi della Madonnina del Grappa di don Giulio 

Facibeni. Ha esposto acquerelli in tre mostre personali 

(nel 2005, nel 2008 e nel 2011), l’ultima delle quali 

al Gruppo Donatello. Ha partecipato a numerose mostre 

collettive a Firenze, Cortona, San Gimignano, 

Viareggio. Ha partecipato con quattro acquerelli al 

Salon 2009 de la Nationale des Beaux - Arts a Parigi. 

161


Nicole Guillon 

Cell. 338 2811430 

www.nicoleguillon.com - poggiougolino@gmail.com 

Riflessi 03, fotografia 

Nata in Francia, passa la sua infanzia in Africa, 

dove è profondamente segnata dai colori e 

dalle forme essenziali dei paesaggi che la circondano. 

Si laurea in Letteratura Comparata a Parigi. 

Vive in diversi paesi d’Europa finché non approda in 

Italia con la sua famiglia. Inizia la sua attività artistica 

in Toscana frequentando l’Atelier Artistico di Impruneta 

e seguendo corsi presso la Scuola Internazionale 

d’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze. Dal 1989 espone 

in numerose collettive e personali in Toscana, in Francia, 

in diversi paesi d’Europa e in Giappone, con opere 

di pittura e di incisione, ottenendo vari riconoscimenti 

tra i quali il “Fiorino d’argento” al “Premio Firenze”. 

Da qualche anno, la sua passione per i viaggi a piedi, 

particolarmente in Asia e Africa, le hanno permesso 

di scoprire nella fotografia una forma d’espressione 

che completa il suo linguaggio pittorico astratto. Dalle 

terre visitate riporta elementi minerali ma soprattutto 

emozioni da trasferire sulla tela o sul legno: 

“dipingo e fotografo per non parlare”; spesso lascia le 

sue opere senza titoli, con l’intenzione di offrire all’osservatore 

la libertà delle proprie sensazioni, convinta 

che l’artista altro non è che l’interprete di una coscienza 

universale. 

162


Nicole Guillon 

So black and white, tec. mista 

“Scriveva alcuni anni fa Anna Maria Masieri: “...i 

suoi quadri raccontano di cielo e di terra, aria e acqua, 

sole e ombre. ...distese colorate che sfociano 

nel sogno....dove la natura si spiritualizza e si trasforma 

in pura memoria: dalla realtà all’inconscio.” Quella 

di Nicole Guillon è in effetti un’astrazione fortemente 

evocativa che ci invita a percepire, in quelle 

intrusioni di materie altre, naturali e di recupero, che 

solcano l’espansione cromatica, linee d’orizzonte, 

isole, terre, comunque tracce di forme concrete. Ed 

oggi è affascinante vedere come l’artista nel suo recente 

percorso parallelo, che vede l’utilizzo di un medium 

così diverso come la fotografia, rivolga il suo 

sguardo a restituirci la medesima dimensione, catturando 

il valore espressivo straniante di una realtà riflessa 

anzichè diretta e perciò suggestivo, allo stesso 

modo della sua pittura, di contaminare continuamente 

fra loro astratto e concreto.” 


163


Mehri Hajiaghazadeh 

ARTEDOVE Associazione Culturale - Via de’ Macci, 81R - 50121 Firenze 

Tel. 055 2477744 

Donna Qatar, 1990, gouache e acquarello 

Pittrice, vive e lavora a Firenze. La sua esperienza 

artistica costituisce un interessante esempio di 

confronto fra culture diverse che, pur connotate 

da tratti specifici, rivelano affinità significative e contribuiscono 

ad un “ecumenismo” artistico, di cui la 

contemporaneità sempre più avverte l’esigenza, volto 

a contenere le lacerazioni che muovono da diffidenze, 

da presunte superiorità, da reciproca non conoscenza. 

Mehri è nata a Teheran e si è laureata in Pittura 

all’Università di Belle Arti della sua città. Nella sua 

formazione universitaria ampio spazio hanno avuto la 

storia e la cultura dell’Occidente, che l’artista, residente 

in Italia da venticinque anni, ha approfondito e 

maturato con l’assidua frequentazione di musei e con 

ricerche specifiche. Un impegno culturale coronato 

dall’incarico di Direttrice della Galleria fiorentina 

ARTEDOVE, Associazione Culturale Internazionale, 

che ospita artisti delle più varie correnti e culture. 

Mehri coglie gli aspetti fondanti della cultura orientale 

ed occidentale, in una sintesi creativa originale. 

Conoscitrice delle più varie tecniche, dipinge anche 

secondo modalità occidentali, compone veloci acquerelli 

con brevi e incisivi segni, coglie- nel loro divenire- 

immagini reali, paesaggi, ritratti. E dal suo Oriente sa 

cogliere una dimensione temporale non scandita dai 

meccanismi degli orologi, ma affidata ad un “lasciarsi 

andare”, senza bisogno di misurare, di interrompere in 

frammenti il fluire della vita. Ne è un bellissimo esempio, 

trascelto dalla serie “Sigilli della memoria”, una 

sua “Donna Qatar”, a gouache e acquerello su carta: 

nobile ascendenza persiana che coglie una dimensione 

antica e fastosa, rivissuta con levità da miniatura; 

un ritmo di bassorilievo in uno “schiacciato” che muove 

passi di danza. Un volto femminile enigmaticamente 

sereno, distaccato in una dimensione atemporale, è 

attento ad una musica ignota. Ma anche noi - spettatori 

- la avvertiamo, la ascoltiamo: si esprime nella 

postura, nei gesti cadenzati delle mani, nel tocco - lieve 

e, ad un tempo, deciso - dei piedi che sembrano 

ornamenti della veste avvolgente e ruotante a disegnare 

una figurazione coreutica fatta di grazia e di armonia. 

E la tecnica di tipo occidentale conferisce dimensione 

e prospettiva, accentua ed esalta la 

complessiva eleganza, la compiuta sintesi d’arte cui 

Mehri Hajiaghazadeh sa giungere. 

Sonia Salsi 

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Sylvia Heinemann 

Via XX Settembre, 40 - 56046 Riparbella (PI) - Tel. IT +39 333 5016423 

DE: +49 172 4000 905 - sh@sylvia-heinemann.de - www.sylvia-heinemann.de 

Verso il nuovo, 2012, cm. 100x150, acrilico su tela 

Basta, 2011, collage, pittura su tela e pagine di libri, m 1x1.50 

Forza, 2013, gesso e colore su tela, m 1.30x1.80 

Sylvia Heinemann, nata e cresciuta a Düsseldorf 

(Germania), studia architettura a Losanna 

(Svizzera). Negli anni successivi è ad Amburgo, 

dove studia alla Scuola d’Arte Amburgo. Qui vive con 

i suoi figli e lavora fino agli anni Novanta, per poi trasferirsi 

in Toscana. La vita ritirata in Toscana, in particolare 

gli inverni trascorsi in solitudine, influenzano e 

danno forma al suo lavoro. Pensieri, sogni, gioia, dolore 

caratterizzano in maniera decisiva la sua opera. 

Esperimenti con la tecnica del collage, l’uso di vecchi 

libri e oggetti ritrovati sulla spiaggia, colori forti, si 

accompagnano sempre a testi scritti che vanno considerati 

come il fulcro tematico della sua arte. Arte che 

è per Sylvia una danza ininterrotta sul vulcano dell’immaginazione. 

Tra le mostre principali, si ricordano: 

Musenstall, Amburgo (1998); Intergrata, Amburgo 

(1999); Atrium Galleri, Amburgo (2000); Laboratorio 

d’Arte, Montescudaio (2001); Ragnesen e Begnesen, 

Amburgo (2001); Laboratorio d’Arte , Montescudaio 

(2002); Phoenixhof, Amburgo (2004). 

165


Sylvia Heinemann 

Troppo, 2011, pagine dei libri, acrilico su tela, cm. 100x150 

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Paola Imposimato 

www.paolaimposimato.com 

paolaimpo@gmail.com 

Paola Imposimato, pittrice professionista di Firenze, 

laureata all’Accademia delle Belle Arti 

nella medesima città, coltiva sin dall’infanzia la 

vocazione per il disegno e la pittura iniziando a divenire 

peraltro in età molto precoce un’incisiva ritrattista. 

All’età di tredici anni eseguì il ritratto di Sandro Pertini 

quando dallo stesso venne ricevuta presso il Quirinale 

nel maggio1984: il celebre Presidente della Repubblica 

fu lieto di ricordare con una fotografia la più 

giovane ritrattista mai conosciuta. Frequenta il primo 

biennio del Liceo Artistico Statale a Pescara, condividendo 

gli stessi insegnanti di Andrea Pazienza, per 

proseguire e concludere gli studi a Firenze negli anni 

successivi. Membro dell’Antica Compagnia del Paiolo, 

ha al suo attivo svariate mostre personali e collettive, 

esposizioni permanenti, realizzazioni di numerosi 

drappelloni dei tradizionali Palii di rievocazioni storiche 

italiane, nonchè pluriennali collaborazioni con 

note case di moda (Roberto Cavalli spa a Firenze e 

Prada spa a Terranuova Bracciolini, Arezzo) e case 

editrici. La sua opera spazia infatti dal ritratto all’arte 

sacra, dai dipinti murali alla pittura su tessuto, tavola, 

pelle, ceramica e cera. Tra i vari premi e riconoscimenti 

ricevuti si ricordano in particolare i molti Premi 

Grafica, tra cui il conferimento della medaglia di bronzo 

per la sua opera presentata nella XXVIII edizione 

del Premio Firenze 2010, sez. Arti Visive, nel Salone 

dei Cinquecento in Palazzo Vecchio, per arrivare nel 

2011, dopo il Premio del Consiglio regionale della Toscana, 

ad essere menzionata nel libro Nuovo Rinascimento 

(Editore Polistampa) e nel 2012 in quello di EVA 

Florence-Electronic Imaging & Visual Arts (Editore Firenze 

University Press) e Pentèlite 2012, Scritture 

letterarie di Sicilia (Editore Morrone). 

“L’arte di Paola Imposimato si distingue per la vivida e 

originale miscela - quasi ossimori figurativi - di classico, 

storico e di contemporaneo, basandosi (ogni suo 

dipinto è gremito e vittorioso insieme) su una forte 

ispirazione onirica che si stempera in uno scenografico 

spirito epico. Da questa molteplicità di influssi na- 

Il ritorno del Perseo, 2000, olio su tavola, cm. 90x130 

sce, tutta sua, la poetica di Paola che fonde spesso, 

con risultati di forte originalità, il classicismo con 

un’attenzione forte alla contemporaneità, coniugata 

ad una naturale frequentazione dell’artista di certa 

pittura nordica, da Otto Dix a Klimt ed Egon Schiele, 

alla secessione viennese. Non priva di forti accenti 

simbolici Paola getta sulla scena dei suoi dipinti segni 

e momenti allusivi come carte da gioco, maschere, 

antichi busti, monumenti di città. Una pittura sommossa 

e febbrile, ma non priva di solennità: i suoi 

quadri tendono alla grandiosità, si giovano di un gusto 

della vasta scenografia, si fondono sulla figura umana, 

maschile e femminile, sempre colta con scalpitante 

ricchezza quasi iper-realista”. 


167


Roberta Incerpi 

Viale Belvedere, 1 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 20590 - Cell. 3381509134 - robertaincerpi@virgilio.it 

Autunno, 2013, acrilico su tela, cm. 50x70 

Nasce a Viareggio nel 1963, successivamente 

si trasferisce con la famiglia a Pistoia dove 

intraprende gli studi e consegue la Maturità 

Scientifica. Si laurea poi in Biologia nel 1989 all’Università 

di Firenze. Fin da piccola ha amato disegnare, 

soprattutto con i colori che hanno sempre avuto un 

ruolo essenziale nella sua vita. Il padre chimico tintore, 

la madre e la zia disegnatrici e ricamatrici di biancheria 

le hanno trasmesso l’amore per gli accostamenti 

di colore, per le luci ed ombre, per le sfumature 

e le tinte pastello. Al Liceo ha appreso preziosi insegnamenti 

dal prof. Valerio Gelli. Predilige da sempre i 

paesaggi, da cui coglie le diverse luci delle stagioni, 

cattura i colori della natura e cerca di trasmettere attraverso 

le pennellate il movimento del mare, il soffio 

del vento ei profumi dell’universo. Utilizza le tinte ad 

olio, la tempera, l’acrilico, l’acquarello su tela, cartoncino 

o cartone telato a seconda del momento da afferrare 

e dell’emozione da trasmettere. I suoi paesaggi 

sono sempre legati ad un luogo reale, vissuto, ad un 

attimo di vita, a sensazioni ed emozioni. 

168


Fiorella Iori 

Via Kennedy, 14 b - 20064 Gorgonzola (MI) 

fiorellaiori@hotmail.it - www.myspace.com/fiorellaiori 

Rosa rossa, 2011, acrilico quattro tele di cm. ??x50 

Bocciolo bianco, 2012, acrilico su tela senza telaio cm.120x300 

Fiorella Iori è nata a Cecina nel 1949. Dopo il diploma 

al Liceo Artistico di Carrara e all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze si trasferisce a Milano, 

dove oggi vive e lavora. Inizia la sua attività ancora 

sotto la guida del maestro Fernando Farulli, con il quale 

pubblica una raccolta di grafiche dal titolo “La donna 

oggi” con poesie di Fabrizio Parrini. La sua naturale 

inclinazione alla figurazione la vedono partecipe, inizialmente, 

nell’editoria, con case editrici come Mondadori, 

Fabbri, De Agostini, per le quali ha prodotto 

importanti illustrazioni. Presente in numerose raccolte 

d’arte contemporanea nazionali e internazionali: tra le 

ultime acquisizioni quelle del Museo Civico di Ruffano, 

del Museo Internazionale Mariano MIMAC, della 

raccolta d’Arte Contemporanea Comune di Tricase. 

Nell’aprile 1999 la rivista Leaderschip Medica le dedica 

un importante articolo. Nel 2000 partecipa con un 

insieme di opere incisorie a una mostra su Stendhal 

organizzata dal Centro Studi Stendhaliano alla Biblioteca 

Sormani di Milano che l’acquisisce. Numerose le 

mostre personali e le partecipazioni come la mostra 

“Aurea” allestita nella Rotonda di San Carlo al Corso, 

Milano, nel febbraio 2002. Nel 2003 una personale al 

Centro Espositivo di Cecina. Il 2005 la vede impegnata 

in una mostra a Firenze con l’adesione del Ministero 

dei Beni Culturali e in un omaggio a Vincenzo Ciardo 

sul tema dell’albero. Nello stesso anno è presentata 

dal critico Carlo Franza nella monografia dedicata al 

Disegno Italiano, e nell’Annuario Comed. In questo 

periodo è soprattutto alla figura femminile che l’arti- 

169


Fiorella Iori 

Peonia bianca, 2011, acrilico su tela, cm. 200x140 

sta indirizza la sua ricerca instancabile mediante una 

pittura allusiva e simbolica con volti seminascosti e 

nudi femminili, coperti in parte da drappeggi che celano 

il “dentro” e richiamano le pieghe nascoste 

dell’animo. Significative di questo percorso sono le 

personali “Costellazioni” al Club Conti di Milano e 

“Bizzarro almanacco” all’Otel Ristotheatre di Firenze 

nel 2006; un’installazione dal titolo “La scuola dello 

sguardo” al Creative Council di Milano nel 2007; “Di 

scena in scena” con il Comune di Melzo, “Intime tracce” 

alla Brambati Arte di Vaprio d’Adda, e “Disputa 

sulla bellezza” al Plus Florence, nel 2008. Una ricerca 

più rivolta al macro e al fiore apre questo ultimo periodo; 

e sempre nel 2008 è presente alle installazioni 

“Solstizio d’estate” e “Un dialogo col cielo” dello Studio 

di Arti visive Comerio” di Milano. Nel 2009 è presente, 

ancora con un’installazione all’Università Statale 

di Milano; a “Solstizio d’inverno” e “L’arte della 

pace e la pace nell’arte” dello Studio di Arti Visive 

Comerio. È del maggio di quest’anno il nuovo articolo 

sulla rivista Leaderchip Medica e la partecipazione 

alla Rassegna d’Arte Contemporanea di Teglio (Sondrio). 

Nel 2010 presenta al Salone delle Regole al Plus 

Florence una mostra intitolata “Conversazione di 

sguardi”, segue l’installazione “Frammenti del visibile” 

sempre al Plus Florence. Nel 2011 la partecipazione 

alla collettiva “Bella Italia 1861-2011” all’Artestudio26 

di Milano per le celebrazioni dei 150 anni 

dell’Unità d’Italia; la collettiva “Mitografie familiari” 

alla galleria Anna Sartori di Mantova e la personale 

“Si cela un racconto” alla rassegna “Nuovo atlante 

delle arti” di Specchia (Le). Nel gennaio 2013 presenta 

una serie di opere su carta dal titolo “La fibra dei sogni” 

all’Otel Ristotheatre di Firenze. 

170


Antonella Laganà 

antonellalagan@ymail.com 

Nata a Reggio Calabria, si è laureata in Lettere 

all’Universita’ di Pisa - tesi sul “Faust” di Fernando 

Pessoa - dove era collega di Antonio 

Tabucchi. Ha frequentato a lungo il fervido ambiente 

artistico internazionale di Firenze, dove ha seguito 

all’Accademia di Belle Arti i corsi di nudo, e ha frequentato 

la Bottega di Gassman e i corsi di Scrittura 

Teatrale di Edoardo. A Livorno è stata allieva dello 

scultore professor Guiggi all’Accademia Trossi Uberti. 

A Milano ha perfezionato la tecnica dell’affresco e del 

glass-fusing, e a Roma dell’acquaforte. Dipinge in 

maniera continuativa dal 1975 e ha iniziato ad esporre 

dal 1993, realizzando moltissime mostre personali e 

collettive tra Roma, Parigi, Londra, Firenze,Venezia, 

Pisa, Forte dei Marmi, San Marino, Spoleto, Livorno, 

Napoli, Taormina, Palermo, Lugano, Ginevra, Bruxelles, 

Madrid, Vienna, Salisburgo, Innsbruk, Shangai, 

New York, Cannes e Montecarlo e nel 2012 al Porto di 

Jaffa col Salon d’Automne. Nel 2005, a Parigi, ha 

esposto al Salon d’Automne e poi, dal 2005 al 2012, al 

Salon des Artistes Independants al Grand Palais. Noti 

critici hanno scritto di lei, tra cui G. Falossi, Manrico 

Testi, R. Bertoli, Paolo Levi, Bruno Rosada, Dominique 

Chapelle, Salvatore Russo, Luca Filipponi, Daniela 

Pronestì, Patrizio Borella, Mauro Barbieri. È inserita in 

diverse pubblicazioni di arte moderna, come Europa in 

Arte, La bible de l’art abstrait, I Segnalati, Manent,il 

libro d’oro dell’arte contemporanea. Figura nei cataloghi 

d’arte Il Quadrato, Acca, Mondadori e Akoun. È 

stata più volte premiata in Italia e all’estero; tra i premi 

ricevuti, si ricorda quello di Artista della Comunità 

Europea assegnatole dalla FNCF (Federazione Nazionale 

della Cultura francese). Molte le riviste italiane 

che hanno recensito la sua attività, tra queste Arte 

Mondadori, Effetto Arte, La Ballata, Arte a Livorno. È 

anche scrittrice e poetessa ed ha collaborato con 

Eduardo De Filippo alla commedia Simpatia. La sua 

ultima raccolta poetica s’intitola Laser (ed. Ibiskos di 

Ulivieri). Abita tra Roma, Livorno e Parigi. 

I ragazzi che vengono da lontano, 2012, cm. 120x100 

“Pittura come poesia. Poi scopri che Antonella Laganà 

è anche poetessa. E non ti sai capacitare in quale 

delle due arti rivegli meglio il suo talento. Alla fine 

si scopre che la sua poesia è una poesia intensamente 

visiva, anche se mai puramente descrittiva, perché 

ha sempre un risvolto profondamente emotivo. E la 

sua pittura ha in sé un delicato lirismo che agevola la 

comunicazione senza tradire una struttura sostanzialmente 

emotiva, anzi potenziandone quest’aspetto. 

Naturalmente la qualità di questa pittura non nasce 

solo da una naturale sensibilità poetica: è il frutto di 

una profonda competenza risultato della frequenza 

alla Scuola Libera del Nudo all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze (..) Questa è la premessa di una produzione 

che, coinvolgente per la forma emotivamente 

gradevole perché profondamente umana, ancor più 

affascina per il contenuto concettuale che la poeticità 

dei titoli aiuta a svelare: Affinità stellare, Eternità infinita, 

Illuminazione. È una pittura che manifesta 

un’aspirazione all’infinito e trova la sua realizzazione 

nella cosmicità, che stabiliesce quella relazione delle 

cose con lo spazio indicata da Kant”. 

Bruno Rosada 

171



landidri2@yahoo.it 

Foto di Roberto Pupi 

Patrizia Landi nata a Firenze nel 1962, è laureata 

in Storia dell’arte contemporanea; dall’inizio 

degli anni Novanta svolge attività di critico d’arte 

e organizzatrice di mostre di arte contemporanea e 

performances. In Toscana lavora sia con gallerie private 

che con enti pubblici. È stata una delle curatrici 

delle sei edizioni della rassegna d’arte contemporanea 

“Tracce Fuori Centro” (tenutasi dal 2001 al 2003 a 

Firenze e dal 2004 al 2006 a Livorno) e promossa, tra i 

vari Enti, da TRA ART - Rete Regionale per l’arte contemporanea. 

Dal 2002 è membro del Comitato Scientifico dell’Associazione 

“La Nuova Tinaia “ Onlus e collabora con l’Associazione 

promuovendo laboratori e progetti espositivi 

che mirano all’integrazione e alla collaborazione tra 

gli utenti de La Tinaia ed artisti e performers che operano 

nel settore dell’arte contemporanea. 

Donna nell’/dell’arte 

In questa sezione sono presenti “donne artista” che 

hanno come caratteristica comune una ricerca che 

nel panorama delle arti visive si muove a trecentosessanta 

gradi e che va dalla pittura all’installazione, 

dalla fotografia alla video arte, dall’happening teatrale 

alla performance, dal libro d’artista alla mail art. 

Artiste nate e vissute in Toscana, ma anche artiste di 

origine estera o provenienti da altre regioni italiane 

che hanno scelto la Toscana come Terra di elezione, 

come luogo di produzione artistica. Artiste viceversa 

nate in Toscana e che hanno portato la loro esperienza 

all’estero come testimoniano le diverse biografie. 

Artiste che sempre più si fanno promotrici di “azioni 

culturali” con numerosi eventi e rassegne organizzate 

nella nostra Regione. 

Generazioni diverse a confronto ma unite da un unico 

filo rosso, un lungo cordone ombelicale che attraversa 

la Storia dell’arte, che va da Artemisia Gentileschi a 

Cindy Sherman e che vede la donna artista sempre più 

protagonista della scena artistica contemporanea. 

Donna non solo profumo di mimosa e quota rosa, 

donna du du du… punto di passaggio obbligato: da 

oggetto a soggetto, da donna nell’arte a donna 

dell’arte. 


172


Costanza Berti 

Cell. 338 7904321 

costanza54@libero.it - www.aartfirenze.it 

È 

nata a Firenze dove vive e lavora. 

Ha frequentato i corsi di Pittura e Incisione presso 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze diplomandosi 

nel 1978. 

Dopo varie esperienze artistiche nel 1996 organizza 

una personale, “Ingresso libero” un evento artistico 

multimediale presso il Teatro Studio di Scandicci, 

mettendo in ‘scena’ otto sculture e otto attori che interpretano 

i testi della scrittrice Maria Pia Moschini. 

L’artista si è voluta cimentare in un insolito gioco di 

scarti rispetto ai luoghi comuni. 

Con questo progetto è iniziata un’interessante collaborazione 

con la scrittrice. 

Nel 2004 le due artiste hanno ideato ’Passaggi’, una 

mostra di sculture, installazioni e un happening teatrale 

che si è svolta presso la sede della storica Associazione 

‘Il Giardino dei ciliegi‘ nell’ex Convento delle 

Oblate a Firenze. L’evento è stato documentato attraverso 

un video e la pubblicazione di un catalogo. 

Nel 2001 progetta e organizza ‘Naturarte’ un evento di 

Arte ambientale presso l’Azienda Agro-alimentare ‘La 

Selva di Tirli’ nell’Alto Mugello con l’adesione dell’Associazione 

‘Artisti contemporanei Firenze e Metropoli’ 

ed il contributo del Comune di Firenzuola, vi partecipano 

13 artisti con installazioni, sculture e performances. 

Qui lascerà come testimonianza permanente due 

opere in ferro e legno: Altalena e Scala con luna. 

La incontriamo di nuovo in questo luogo nel 2007 con 

l’iniziativa ‘Selva di Tirli’, un Workshop di Arte ambientale, 

organizzato dal Gruppo Artistico Koine di 

Milano e dall’Associazione ‘Artisti contemporanei Firenze 

e Metropoli’, insieme ad altri 40 artisti. Per questa 

occasione realizzerà l’opera Equilibri instabili: 

uova giganti sospese in gabbie metalliche appese 

agli alberi. 

A seguito di questa iniziativa nel 2008 grazie ai contributo 

dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze, del Comune 

di Firenzuola e dell’Azienda ‘La Selva di Tirli’ è 

stato pubblicato il catalogo con allegato il video artistico 

di Luciano Costa che documenta l’intero evento. 

L’uomo e la casa gialla, 2003, cartapesta, pastalegno, tempere, 

cm. 25x23x32 

Ultime mostre ed eventi 

1996 - ‘Ingresso libero’, Teatro Studio - Scandicci (Firenze) 

1998 - ‘Microarte’, La Corte , Galleria di Arte Contemporanea 

- Firenze 

2001 - ‘Naturarte’, Workshop di Arte contemporanea 

- Firenzuola (Firenze) 

2004 - ‘Passaggi’,Giardino dei Ciliegi - Ex Convento 

delle Oblate - Firenze 

2006 - ‘Notturni e alterne presenze,Libreria LibriLiberi 

- Firenze 

2007 - ‘Selva di Tirli, Workshop di Arte Ambientale - 

Firenzuola (FI) 

- ‘Acqua alle radici’, Giardino del Parnaso - Firenze 

- ‘Divagazioni lunari’, Biblioteca comunale - Villa Adami 

- S.Piero a Sieve (FI) 

2008 - ‘Ore d’Artista’, Libreria LibriLiberi - Firenze 

2011 - ‘COME/beCOME, Saci - Jules Maidoff Center 

for the Arts (FI) 

173


Nadjia Chekoufi 

luzartgallery@yahoo.com 

nadjiachekoufi@gmail.com 

Crime scene, photo Selfportrait, 2012, stampa lambda 

Visual Artist e Art director per Luz Art Gallery a 

Firenze. Eclettica, nasce ad Algeri, cresce tra 

Algeri e Parigi, vive tra Firenze e New York. 

Mezzi espressivi: pittura, ceramica, foto, installazione, 

performance, poesia. 

Le sue ricerche sono introspettive e intimistiche ma la 

sua visione è mobile, in costante movimento, in cerca 

dell’essenza degli esseri e delle cose. 

174


Nadjia Chekoufi 

Origine du monde, photo Selfportrait, 2011, stampa lambda 

‘’Dipingo gli oggetti come li penso, non come li vedo’’ 

ha detto Picasso, Nadjia a sua volta, sembra dire 

‘’sento quello che dipingo e dipingo quello che sento, 

perchè ciò che conta di più è la profondità del sentimento, 

la passione che ho messo in esso, non sono né 

la novità dei contenuti e nemmeno quella della forma; 

non sto cercando di darmi un’immagine, ma è per trovare 

la mia’’. 

Estratto da un testo di: 

Tahar Lamri 

175


Antonia Fontana 

www.antoniafontana.com 

http://www.youtube.com/user/antoniafonte 

Sono in cantiere, 2012, acrilico su tela, cm. 120x100 

Antonia Fontana è nata a San Fiorano, Lodi. 

Ha conseguito il Diploma di Laurea in Pittura 

presso l’Accademia di Belle Arti “Brera” di Milano. 

Al centro del suo lavoro pone un’attività di ricerca 

nella scelta del linguaggio e dei media, dalla pittura 

in primis al video, dalla performance all’installazione 

ambientale, dalla scultura alla fotografia con uno 

sguardo multiplo e trasversale. Svolge con esperienza 

pluriennale l’insegnamento della Pittura e delle Tecniche 

Pittoriche. Ha esposto in Italia e all’estero con una 

produzione oggetto di recensioni e cataloghi, le sue 

opere sono presenti in Collezioni private e pubbliche. 

Patrizia Landi, Villa Vogel ‘We Are Presents’ Assessorato 

alla Cultura, Tracce Fuori Centro Eventi, 

Firenze 

‘.. Nell’Installazione Ambientale e Performance di Antonia 

Fontana il tema affrontato è quello del rapporto 

Uomo-Natura “È una riflessione nei confronti del fragile 

Ecosistema, una difesa della Risorsa come preciso 

indirizzo Etico”. L’artista, coadiuvata da diciassette 

studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze, mette 

in atto un ideale abbraccio tra lei e le presenze arboree 

circostanti. A sottolineare l’azione il loop incessante di 

voci di uccelli provenienti dalla foresta amazzonica..’ 

Nicola Micieli, Villa Pacchiani ‘Crocevia’ Santa 

Croce sull’Arno, Pisa 

‘.. Nella sua lunga ricerca sulla forma intesa, in modo 

intrinsecamente bergsoniano, come provvisoria visualizzazione 

di un’energia che attraversa e vitalizza 

la materia, Antonia Fontana ha toccato alcuni dei momenti 

più coinvolgenti del repertorio espressivo contemporaneo, 

dalla performance all’installazione, dalla 

restituzione figurale del movimento alla 

commistione dei media comunicativi: pittura suono 

materia corporeità..’ 

Giandomenico Semeraro, La Corte Arte Contemporanea 

‘Progetto Mater’ Firenze 

‘.. senso di permeabilità, di percorso, di respiro fra 

interno ed esterno .. quale ‘trasduttore’ di energie. 

Esso infatti viene interpretato su tela secondo una 

dimensione aerea e di trasparenza, per le quali l’oggetto 

si fonde davvero nella luce, anzi diviene figura 

luminosa .. nei volumi che sfumano all’intero in bianchi 

velati, quasi accecanti e del tutto persuasivi..’ 

176


Monica Gazzo 

Via Tilli, 70 - 50051 Castelfiorentino (FI) - Italia - Tel. 39 0571 61259 

monicabarbaragazzo@yahoo.com - www.artawakening.com/monicagazzo 

Sirena Carlofortina, 2012 

Monica Gazzo è un’artista, fotografa, autrice e 

regista che ha esposto il suo lavoro a livello 

internazionale. Ha completato una dozzina di 

documentari cortometraggi nei quali ha controllato 

tutti gli aspetti della loro realizzazione, compresa la 

scrittura, regia, cinematografia, montaggio e suono. 

Ha lavorato in molti formati, dal Super-8, 16 mm, 35 

mm, ½” video, ¾” video e recentemente video digitale. 

Dalla metà degli anni Settanta ha anche creato numerosi 

lavori di performance art e multimediali, presentati 

in Europa e USA. Si è diplomata presso il San Francisco 

Art Institute, Stati Uniti, con un master in cinema 

d’arte (MFA). Nata in Argentina da genitori fiorentini, 

ha conseguito la maturità a Firenze. Ha partecipato a 

mostre personali e collettive di fotografia e mixed media. 

I suoi films sono stati presentati al Directors Guild 

of America, Hollywood, Los Angeles Filmforum, Pacific 

Film Archives, Berkeley, Los Angeles Latino International 

Film Festival (Egyptian Theatre, Hollywood), Melnitz 

Theatre UCLA, NYU, New York City, Cleveland International 

Film Festival, Cleveland, Ohio, MadCat 

Women’s International Film Festival, San Francisco, 

Anais Nin Video & Film Diary Festival, Big Sur, Society 

for Cinema Studies Conference, New Orleans, Film 

Arts Festival, San Francisco, UC Theatre, Berkeley, Beaubourg 

Pompidou Center, Paris, London Filmmaker’s 

Coop e altri. Recentemente, al Saloncino del Teatro 

della Pergola, Firenze, Lu.C.C.A. Center of Contemporary 

Art, Lucca, Teatro Manzoni, Calenzano (Inartedonna), 

XX Rassegna Incontri d’Arte (La Barbagianna), 

177


Monica Gazzo 

Primavera, 2012 

Pontassieve (FI), Centro Pecci per l’Arte Contemporanea, 

Prato, Echo Park Film Center, Los Angeles, Biblioteca 

Comunale di Lastra a Signa (FI) e XXXIV Rassegna 

Cinema e Donne (Cinema Odeon, Firenze). Nel 2004 ha 

ricevuto il Primo Premio per Fotografia / Mixed Media 

presso Angels Gate Cultural Center, Los Angeles. 

Ha ricevuto finanziamenti dall’Assessorato alla Cultura, 

Comune di Los Angeles per tre anni consecutivi, 

nel programma Artist-in-the-Community, e dagli Assessorati 

alla Cultura dei Comuni di Firenze, Certaldo 

e Castelfiorentino, dove vive e lavora. Ha ricevuto altri 

riconoscimenti: Teaching Artist Professional Development 

Award, Music Center Education Division / Ahmanson 

Foundation, Los Angeles; Arts Leadership 

Fellows Program, California Arts Council / Coro Southern 

California, Los Angeles, Long Beach Museum of 

Art Video Annex, Video Acces Production Grant, Louis 

B. Mayer Foundation, San Francisco, Istituto Italiano 

di Cultura, San Francisco / Djerassi Foundation, Woodside, 

California. Ha ricevuto una borsa di studio per 

fare ricerca presso il Dipartimento di Cinema, Teatro e 

Televisione della University of California, Los Angeles, 

dove è stata Assistente Universitaria. Ha insegnato 

presso il San Francisco Art Institute e numerose 

altre istituzioni in California. Insegna Fotografia e Produzione 

Video al Florence Institute of Design International 

(FIDI), Firenze. Ha tre cittadinanze: Italia, Stati 

Uniti, Argentina. 

178


Monica Gazzo 

Maternità, 2012 

FILMOGRAFIA 

TREVI (2009) 

Regia / Produzione / Fotografia 

DVD, suono, colore, 20 minuti 

NATURA IMMAGINATA: 

UNA GIORNATA CON ANDREA MARINI, SCULTORE 

(2009) 



Musiche originali: Lucas Apesteguy 

DENTRO L’ARTE DELLA RECITAZIONE CON SANDRO 

LOMBARDI (2009) 



HOLIDAY (2006) 



TENDING ECHO PARK (1999) 

Regia / Produzione / Fotografia / Montaggio 

16 mm trasferito su DVD, suono, colore e bianco & 

nero, 16 minuti 

Musica scritta e interpretata da: Joan La Barbara 

IMAGE(NE)S (1996) 

Regia / Produzione 

3/4” video, suono, colore, 58 minuti 

MEMORIA DI UN MONUMENTO (1990) 

Regia / Testo / Narrazione 

1/2” video, colore, suono, 20 minuti 

UN DIARIO FIORENTINO (1988) 

179


Monica Gazzo 

Moopy nel giardino, 2012 

Regia / Produzione / Fotografia / Montaggio 

16 mm, suono, colore e bianco & nero, 12 minuti 

Musica scritta e interpretata da: Joan La Barbara 

LA TAVOLA FERITA (1986) 

Regia / Produzione / Testo 

3/4” video, suono, 30 minuti, documentazione 

1/2” video, suono, performance 

ARTEMISIA A METROPOLIS (1985) 


3/4” video, suono, 6 minuti 

OF WALKING ON ICE: FLORENCE / LOS ANGELES 

(1983) 


3/4” video, suono, 10 minuti 

DINNER WITH ARLENE (1982) 

Regia / Produzione 

Riprese: Judy Reidell 

3/4” video from 1/2” video, suono, 60 minuti 

THE A TRE (1980) 

16 mm, color, sound, 30 minutes. 

Testo, interpretazione 

Regia: Marco Mattolini 

Prodotto da RAI / TV Secondo Canale 

180


Ines Lenz 

Via Brunetto Latini, 28 - 50135 Firenze 

Cell. 0039 338 4917561- ines.liberty@gmail.com 

Enjoy yourself, 2012 

acrilico su tela, cm. 80x110 

Viaggio di un barattolino pop, 2011 

video 

Ines Lenz è nata a Thusis (GR) in Svizzera nel 1960. 

Nel 1990 si trasferisce a Firenze per dedicarsi agli 

studi artistici. 

Dal 1991 al 1993 ha frequentato la Scuola di Specializzazione 

in Grafica d’Arte Il Bisonte. 

Nell’anno 2000 si è iscritta all’Accademia di Belle Arti 

di Firenze presso la quale si è diplomata nel 2005 in 

Pittura. 

Nel 2003 è co-fondatrice del Gruppo di ricerca artistica 

11SPINE con il quale ha partecipato a diverse mostre 

e workshops con installazioni, performance, video, 

foto ecc. tra le quali: Galleria Base, Firenze 2003 

(installazione), Galleria La Corte, Firenze 2005, La Selva 

di Tirli, Firenzuola 2007 (installazione), Viandando 

Homines Ambulatores, Altopascio 2007 (installazione), 

Integration and Conflict, Networking, Firenze 

2008 (video-proiezione), Rotte Metropolitane, Firenze 

è sommersa, Villa Romana, Firenze 2009, Private Flat, 

arte contemporanea in spazi privati, Firenze 2009 (video-installazione). 

Mostre personali: 

Giubbe Rosse, Firenze 1998 (incisione), Enoteca Coquinarius, 

Firenze 2002, Galleria LIBA, Pontedera 

2010, Villa Pozzolini, Firenze 2011, Galleria La Corte, 

Firenze 2011 (video-proiezione), SACI Gallery, Firenze 

2012, Schulhaus Dorf, Thusis (Svizzera) 2012 (videoproiezione). 

Ha partecipato a diverse mostre collettive. Ha realizzato 

le illustrazioni per due libri pubblicati recentemente 

in Germania e in Svizzera. Vive e lavora a Firenze. 

181


Melania Lanzini 

melanialanzini@yahoo.it 

Stretched Skin - performance, l’Officina Arte Contemporanea, Vicenza 1998. 

Presentata anche come video installazione, Parco di Villa Toppo Florio, Buttrio, Udine 2006. 

Melania Lanzini è nata a Firenze. 

Artista e curatrice, dalla metà degli anni Novanta 

basa la sua ricerca artistica nell’ambito 

della performance, della video art e della cine-installazione 

di forte impatto visivo e sonoro gettando le 

basi in Italia per una tra le più radicali, controverse e 

provocatorie correnti artistiche del nostro tempo, il 

Post Human, in cui l’opera d’arte si identifica in un processo 

di biodiversificazione tentando un dialogo tra 

arte e scienza avendo come fine una mutazione, un 

nuovo corpo, una nuova personalità, una nuova psicologia, 

una nuova libertà dell’anima. 

Tra le sue opere più importanti ricordiamo Bona Mors 

(1996), Immunda Erit (1997), Biogenetic Toy e 

Stretched Skin (1998), Flesh Made (1999), The Mind 

Etches in Yellow (2002), The Last Future (2003), The 

Blue Bus (2004), Mill D Power House (2006), 36 Numeri 

Primi (2007), Skylight (2010), Disgregazione (2011). 

È attiva in ambito internazionale, in particolare ha 

tenuto seminari e lecture in importanti università 

americane ed ha trascorso un lungo periodo negli 

Stati Uniti approfondendo la propria ricerca tra arte, 

182


Melania Lanzini 

Disgregazioni - video installazione. Materiali vari: legno, oggetti e 3 video monitor. Casa di Giorgio Vasari, Firenze 2011 nell’ambito 

della mostra 500 Oggi Le Vite dell’Arte in Contemporanea. 

scienza e tecnologia. 

Le sue opere sono state esposte in gallerie, video festival 

e musei d’arte contemporanea nazionali ed internazionali. 

Di lei si sono occupate riviste specializzate 

come Flash Art, Tema Celeste, Kult Magazine. 

Dal 2010 è art director di Firenze Arti Visive affiancando 

all’attività artistica quella di curatore con 

l’obiettivo di promuovere la multidisciplinarietà tra le 

arti e il sapere contemporaneo sul territorio in collaborazione 

con realtà internazionali di rilievo. Citiamo 

a questo proposito il progetto 500 Oggi Le Vite 

dell’Arte in Contemporanea, un’importante mostra, 

curata da Melania Lanzini inserita nell’ambito delle 

celebrazioni vasariane del 2011 che ha visto tra gli 

altri la partecipazione dell’artista statunitense ed internazionalmente 

riconosciuto Bill Viola. 

183


Manuela Mancioppi 

Cell. +39 338 8715520 

www.manuelamancioppi.com - manuelamancioppi@libero.it 

IMPERMEABITO-ABILE, performance nomade, 2004-in progress, 

pvc, polaroid, tuta in PLP, mascherina, guanti lattice, 

Villa Luciana, Mercatale, San Casciano Val di Pesa, Firenze, 23 

maggio 2009, foto GP. Marcantoni. 

C’è lo vedi?, action in progress/installazione, 2008-in progress, 

pvc + fotografie, 150x110x210 cm ciascuna, giardino di casa 

masaccio, San Giovanni Valdarno (AR), 25 giugno 2011, foto 

M. Mancioppi. 

Il bisogno di un’arte esperienziale, relazionale e 

performativa viene espressa attraverso un’indagine 

multisensoriale dello spazio, con l’intervento 

attivo dello “spettatore”, per un coinvolgimento totale 

sul territorio. L’investigazione sul corpo, corpo-luogo, 

abito-corpo, abito-ambiente, la sperimentazione 

nel video e nella fotografia, la creazione di oggetti/ 

installazioni. La ricerca maniacale del particolare, 

dalla ri-manipolazione degli oggetti ai giochi di parole, 

dagli interventi pubblici alle performance nomadi. 

184


Manuela Mancioppi 

Temporary_Seating, action in progress/performance, 2011-in 

progress, scarti di maglie in lana assemblati, Stazione Ceramica, 

San Giovanni Valdarno (AR), 17 dicembre 2011, foto A. 

Mancioppi. 

Art’è, action in progress/performance, 2010-in progress, pvc, 

bustine di tè vari gusti, MACRO FUTURE, Roma, 08 maggio 

2010, foto G. Giorgini. 

Utilizza performance, arte esperienziale, relazionale e 

public art. Il lavoro di Manuela Mancioppi è un costante 

invito al “sentire”: un percorso sensoriale che 

permette di utilizzare i sensi per fruire l’opera, manipolando 

i materiali per scoprire il sé, al fine di metterlo 

in relazione con l’altro. Partecipazione, socializzazione 

e ricerca di complicità si ritrovano nei suoi 

works/actions in progress che continuano ad arricchire 

un archivio di materiale e di documenti, per una ricerca 

sempre in movimento. La proprietà preponderante 

del lavoro di Manuela Mancioppi è la 

testimonianza, incontro alla qualità di attitudini e costumi 

del vivere contemporaneo. Il suo è un progetto 

collaborativo in cui si chiede qualcosa a qualcuno, 

raccontando qualcosa di tutti. 

185


Monica Michelotti 

Studio: via Cucchiari, 14 - 54033 Carrara (MS) 

Cell. 347 3459089 - monica.michelotti@alice.it 

Busto Creativa, 2008, tecnica mista su carta bianca, filo, plexiglass, 

cm. 71x48x2 

Volto umano femminile - libro oggetto, 2008, tecnica mista su 

carta bianca, filo, plexiglass, cm. 71x48x2 

Monica Michelotti nata a Pontremoli (MS), ha 

studiato a Carrara con il maestro Umberto 

Buscioni. 

Si diploma nel 1983 in Pittura all’Accademia di Belle 

Arti di Carrara con il massimo dei voti. Ha insegnato 

all’Accademia di Brera a Milano e all’Accademia Albertina 

di Torino, oggi è docente di Anatomia Artistica 

presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara. Ha partecipato 

a numerosissime mostre d’arte in Italia e 

all’estero. 

Pittrice, scultrice, operatrice di installazioni, libri 

d’artista-libri oggetto, performer e mail artist. 

Monica concepisce la pratica artistica come una sorta 

di “terapia personale” attraverso la quale conoscersi 

e farsi conoscere, cioè un processo di ricerca sulla 

propria personalità, indispensabile per raggiungere 

una maggiore coscienza artistica e consapevolezza 

espressiva. Scrive la critica d’arte Maria Pina Cirillo: 

“queste produzioni artistiche, possono essere utilizzate 

come sculture singole ma anche essere combinate 

tra loro secondo le nostre necessità fino a diventare 

vere e proprie installazioni. E certamente la predilezione 

di Monica per il corpo umano in tutte le sue 

parti, perché esso è il vaso delle nostre conoscenze, 

emozioni e sensazioni”. 

186


Monica Michelotti 

Human Book uomo, 2009, plexiglass a specchio, cm. 68x46x1 

Stele maschile, 2010, plexiglass rosso trasparente, cm. 70,5x40x1 

187


Mongobì 

www.mongobi.it 

Sado Potato Series #10, 2012, Stampa lambda su forex, cm. 33x30 

Mongobì alias Bibbiana Tanina Mele. 

“La mia creatività è orientata prevalentemente 

verso il collage, la scultura oggettuale, 

la fotografia, il disegno e la pittura. Ho esposto alcuni 

lavori a New York. San Paolo e San Carlo in 

Brasile, Madrid, Firenze, Torino, Roma, Napoli Salerno, 

Rimini, Merano, Siena, Sesto San Giovanni. 

Prediligo i materiali poveri spesso oggetti di risulta 

del mio quotidiano domestico. 

Lavoro sull’idea di scarto, sul tema dell’abbandono, 

della perdita e del recupero di qualcosa sia esso un 

oggetto, un pensiero, un’emozione. Utilizzo materiali 

di scarto, la mia arte è fatta di niente, privilegio il 

caso e lo inseguo con lo sguardo, quotidianamente. 

Rincorro un’ idea di arte fragile, transitoria, ciò che 

mi interessa è il suo farsi veicolo di un messaggio, di 

un’emozione. 

I miei lavori esaltano alcuni aspetti della corporeità 

femminile. Cerco di fermare, di conservare quella porzione 

istintuale del mio essere in costante lotta dialettica 

con la sfera intellettuale cognitiva. Il corpo diviene 

per me, sia strumento d’indagine della relazione 

di scambio fra interiorità ed esteriorità, sia materia 

performativa vera e propria in quanto spesso lavoro 

con i suoi elementi costitutivi (impronte corporee da 

contatto, fotografie di parti del mio corpo) e con i suoi 

scarti (capelli, sangue mestruale). 

Sono interessata alla corporeità nell’accezione di 

“materialismo incarnato” tracciato dal pensiero filosofico 

di Rosi Braidotti, ciò significa per usare le sue 

stesse parole che “voglio pensare attraverso il corpo, 

non sottraendomi ad esso”.” 

188


Ines Lorena Sireno 

Studio 149 - via della Vittoria, 149 - 56021 Cascina (PI) 

ineslorena.sireno@fastwebnet.it 

Labirinto, 2010, 107 frammenti di tempo, Legno, gommapiuma 

e gesso, cm.150x130 

Nata a Livorno nel 1955 ha esposto sin dalla 

seconda metà degli anni ’80 in spazi pubblici 

e privati in Italia ed in Europa, collaborando 

spesso con artisti interessati alla fusione di diversi 

linguaggi espressivi in particolare la musica. 

La prima personale è del 1992 dentro l’Abbazia di S. 

Zeno a Pisa . 

Dalla seconda metà degli anni Novanta ha lavorato 

soprattutto in spazi pubblici con istallazioni site-specific 

nei centri storici di diverse città italiane. 

Tra il 1999 e il 2002 ha realizzato La Pista dei sensibili 

(http://www.tempiespazi.it/spazi/pistens/htm/07. 

htm) in collaborazione con la scuola elementare Don 

Milani di S. Ermete (PI), un’opera gioco permanente in 

un parco vicino alla scuola. 

Nel 2004 inaugura lo Studio 149 a Cascina, suo studio 

personale e laboratorio di ricerca dove si propongono 

mostre e iniziative culturali. 

Nel 2009 inizia il progetto/work in progress PAESAG- 

GI UTOPICI per la costruzione di piccoli ecosistemi 

sociali. (vedi rif. Youtube http://www.youtube.com/ 

watch?v=J8rx0_CBNYc). 

... ‘ una ricerca intorno al sé, ad una identità umana: al 

fatto che abbiamo un corpo ma che siamo anche immaginazione, 

energia mentale e psichica con tutti i dualismi 

che ne conseguono. ‘ Ma anche ricerca intorno a 

ciò che è riconducibile all’utopia possibile, ‘alla ricerca 

di un equilibrio, sempre nuovo e imprevedibile, tra per- 

Muro di parole, 2006, stoffa, gommapiuma e gesso 

cm. 180x165x20 

sonale e universale, tra intimità e condivisione. Le candide 

spirali di segni e di lettere, labirinti colti nella loro 

concretezza di spazi abitati, di simulacri della ragione 

guidata dall’istinto, introducono a paesaggi utopici, 

luoghi possibili, in cui intervenire collegialmente per 

creare le condizioni di una loro valorizzazione, per sottrarli 

ai presumibili disastri di una civiltà imbarbarita… 

Spazi verdi, ipotetici ma possibili, da immaginare e costruire 

in comune: works in progress condivisi. 

L’artista è passata attraverso esperienze molteplici, 

dalle performance alle istallazioni, alla creazione di 

oggetti fantastici e provocatori, ma un sostanziale fil 

rouge l’ha sorretta in tutto questo tempo: la volontà di 

ricercare i rapporti e le interazioni che si stabiliscono 

tra le persone e che ognuno ha con se stesso, regolate 

da culture, tradizioni, storie, pregiudizi, stereotipi, ma 

anche dal gioco di forze che si instaura tra le parti. 

Ilario Luperini 

189


Elena Salvini Pierallini 

Tel. 055 2476524 

elena.s.p@tiscali.it 

Nata e vissuta a Firenze. 

Ha frequentato il Liceo Classico e l’Accademia 

di Belle Arti a Firenze. Un lungo periodo di 

studio a Londra, molti viaggi di studio e di lavoro in 

Europa e in USA. 

Dagli anni Ottanta ad oggi ha esposto in varie sedi in 

Italia e all’estero. 

“Nel mio lavoro, fin dall’inizio, elementi vegetali e 

animali si intersecano con fili. 

Sono partita negli anni Sessanta con un lavoro controcorrente 

in cui i fili erano protagonisti nel proporre 

soggetti legati alla natura. Era importante per me proporre 

l’armonia tra l’uomo e i cieli, l’avvicendarsi delle 

stagioni e il lavoro dei campi, i rapporti tra gli umani e 

gli animali. 

In seguito la natura stessa mi ha suggerito che avrei 

potuto assecondare le mie emozioni approfittando 

direttamente dei suoi incanti. 

Ora le mie opere nascono dal mio vagabondare nella 

materia. 

Un “dentro-fuori”, un “diritto-rovescio” da elaborare 

con le mani. 

I nostri sguardi creano una infinita rete di attraversamenti. 

Il tentativo continuo di guardare tutto, disponendomi 

alla scoperta, allo stupore. 

Questo lavoro mi è necessario in quanto espressione 

della mia libertà interiore. 

Vorrei suscitare in chi guarda una nuova relazione tra 

interno ed esterno, sopra e sotto… attraverso. 

Luci, trasparenze aprono nuovi orizzonti. 

Dal 2005 ho sentito la necessità di creare incontri e 

scambi in cui anche altri artisti potessero esporre i 

loro lavori, utilizzando le BORSE NERE per arrivare ai 

luoghi di grande prestigio che ci hanno accolto: “Borse 

nere vento forte”, Isola di Capraia, agosto 2007; 

“Borse nere come rondini”, Biblioteca di Scandicci, 

maggio 2009; “Borse nere come nidi”, Istituto degli 

Corazza, 2001, sassi cuciti a mano su acetato, cm. 98x45 

Innocenti, Salone Brunelleschi, Firenze, dicembre 

2009; “Borse nere tane rifugi”, Sala del Ballatoio, Dipartimento 

di Biologia, Firenze, giugno 2010; “Borse 

nere alla ricerca di spazi senza roghi”, Chiostro Grande, 

Biblioteca delle Oblate, Firenze, maggio 2011. 

Di recente ho partecipato ad alcune collettive e ad 

alcune personali. In corso: “Complice la luce”, con la 

presentazione di Lara-Vinca Masini”. 

190


Elena Salvini Pierallini 

Fili… dentro, 2012, tre foto su acetato con fili, cm. 50x70 

191


Margherita Verdi 

m.verdi@dada.it 

margheritaverdi.wix.com/margherita-verdi 

Vive e lavora a Firenze dove ha iniziato la sua 

attività fotografica all’inizio degli anni Ottanta. 

La sua ricerca artistica spazia in varie tematiche, 

dal paesaggio (urbano e archeologico) al mondo 

animale e vegetale, e utilizza mezzi sia analogici che 

digitali. 

Ha realizzato diversi progetti fotografici esposti in 

spazi pubblici (Museo di storia naturale La Specola, 

Firenze, Museo Marino Marini, Firenze; Muséum National 

d’Histoire Naturelle, Parigi, Museum Centre Va 

priikki, Tampere, Finlandia, City art Gallery, Plovdiv, 

Bulgaria) e privati. 

Oltre alla ricerca fotografica, collabora con enti pubblici 

e privati nell’insegnamento, nell’organizzazione 

di esposizioni ed attività culturali, e letture portfolio in 

vari festival di fotografia. 

Soul’s habitats 

La serie di fotografie Soul’s habitats riprendono interni 

di edifici sacri di varie religioni di diverse città europee. 

Margherita Verdi con i suoi scatti cerca di catturare 

l’anima, l’aura che abita negli spazi andando oltre 

al motivo religioso per cui sono stati costruiti e rendendo 

questi luoghi universali. 

Soul’s habitats: interiorità del luogo che viene percepito 

dai nostri sensi, dal nostro corpo attraverso i sensi. 

La scelta dei luoghi di diverse religioni non riconoscibili 

nelle immagini: mescolare i luoghi per significare 

che l’ ”anima” si avverte ovunque. 

Progetto soul’s habitats, 2010-2012 

192


La Tinaia 

Centro di Attività Espressive La Tinaia /Associazione La Nuova Tinaia Onlus - via San Salvi, 12 - 50135 Firenze 

Tel. 055 6933578 - fax 055 6933901 - latinaia@asf.toscana.it - www.latinaia.org 

va dell’opera. È infatti a partire da questo intento 

ideale - dare visibilità all’opera d’arte, restituendone 

una valenza sociale - che La Tinaia è diventata, oltre 

che un punto di riferimento a livello internazionale per 

tutti i fruitori dell’Out-sider, una solida realtà culturale 

nel tessuto cittadino. 

La diffusione del patrimonio de La Tinaia è oggi reso 

possibile anche attraverso la consultazione del sito 

web dove sono visibili in una sorta di percorso museale, 

migliaia delle opere custodite nell’archivio del 

laboratorio (www.latinaia.org). 

La Tinaia, inserita all’interno della rete dei Servizi di 

Salute Mentale del Quartiere 2 di Firenze, accoglie 

attualmente un’utenza proveniente da tutta l’area cittadina. 

Nel 2002 in accordo con l’ASL 10 di Firenze è 

nata l’Associazione La Nuova Tinaia- Onlus. 

Angela Fidilio, Senza titolo, 2001, pennarello su carta 

cm. 42x29 

LA TINAIA - CENTRO DI ATTIVITÀ ESPRESSIVE 

Il Centro di Attività Espressive La Tinaia nasce all’interno 

dell’ospedale psichiatrico V. Chiarugi di Firenze 

a metà degli anni Settanta su iniziativa di un gruppo di 

operatori come spazio di libera espressione creativa 

per i ricoverati dei reparti. 

Dalla sua fondazione La Tinaia ha costituito un’esperienza 

unica e tuttora feconda in cui il piano della trasformazione 

socio-culturale si è intrecciato indissolubilmente 

ai percorsi biografici di tutti i suoi 

protagonisti. Sin dalle prime esperienze risalenti agli 

anni Sessanta, passando alle forme più strutturate 

che si sono succedute dal 1975, la raccolta del segno 

grafico, la sperimentazione, così come la ricerca del 

mezzo espressivo sono state la pratica quotidiana capace 

di legare il valore estetico alla forza comunicati- 

ASSOCIAZIONE 

L’Associazione La Nuova Tinaia- Onlus si costituisce 

nel 2002 con il compito di gestire il patrimonio artistico 

e di valorizzare la storia dell’atelier La Tinaia attraverso 

la conservazione, esposizione e documentazione 

delle migliaia di opere fino a oggi realizzate. Tra i 

progetti, l’allestimento di mostre, la pubblicazione di 

cataloghi, l’organizzazione di seminari formativi, l’avvio 

dell’archivio informatico con l’acquisizione digitale 

delle opere, la costruzione di un museo virtuale nel 

sito web. Come nello spirito dell’atelier, l’attività associativa 

si avvale della collaborazione delle più diverse 

professionalità e sensibilità che anche a titolo 

volontario sostengono il progetto Tinaia. 

Angela Fidilio 

Nasce l’8 maggio del 1947 a Catania. Nel 1987 inizia 

a frequentare La Tinaia dove scopre un profondo interesse 

per il disegno e la pittura. Con l’acrilico, il pennarello, 

la tempera, Angela racconta un mondo fiabesco, 

in cui cieli stellati, animali, soggetti umani reali o 

immaginari, rappresentati con eleganza di tratto e finezza 

cromatica, hanno la forza dell’incanto. 

193


Piazza della Repubblica, 13-14R 

Tel. 055 212280 

Il Caffè “Giubbe Rosse” è tra i più 

famosi ritrovi letterari italiani e 

stranieri. All’inizio del ‘900 come 

Birreria dei fratelli Reininghaus ed in 

seguito l’attuale nome derivato dal colore 

delle giubbe dei camerieri, ha 

ospitato le stagioni del Futurimo e delle 

successive tendenze. Le famose riviste 

“La Voce”, “Lacerba”, “Solaria” ed 

altre anche recenti, devono qualcosa a 

questo Caffè dove poeti, artisti ed intellettuali 

si sono confrontati e scontrati. 

Personaggi come Marinetti, Papini, 

Prezzolini, Campana, Gadda, Boccioni, 

Montale e moltissimi altri, in differenti 

epoche e situazioni culturali, 

hanno fatto delle “Giubbe Rosse” un 

crocevia della storia letteraria del ‘900. 

Ma anche attualmente continuano gli 

Incontri Letterari alle “Giubbe Rosse” 

frequentati da artisti e intellettuali di 

ogni tendenza, che fanno di questo 

Caffè Letterario un portofranco della 

cultura e dell’arte. 

194


Luana Lapi 

Via delle Mulina di Sant’Andrea, 2 - 50136 Firenze 

luapi@hotmail.it 

Pescaia di Sant’Andrea a Rovezzano, 2008, olio su tela, cm. 70x70 

Nel 1967 si è diplomata in Grafica Pubblicitaria 

all’Accademia Cappiello e nel 1994 ha frequentato 

l’Istituto per l’arte e il restauro in 

Palazzo Spinelli a Firenze, conseguendovi il diploma 

in disegno, pittura e grafica artistica. Espone dal 

1994, ha tenuto dodici mostre personali - tra le quali, 

in Firenze, si ricordano quelle presso il Gruppo Donatello 

e al Caffè Letterario Giubbe Rosse - ed ha preso 

parte, su invito, a varie rassegne in Italia e all’estero. 

È attualmente, insieme ad Enrico Bandelli, vice presidente 

del Gruppo Donatello. Per il Gruppo ha scritto e 

prodotto alcuni spettacoli mimici e la commedia Partenze 

per Viareggio, 14 agosto 1957, rappresentata 

nel 2011 al Teatro Le Laudi. 

195


Adriana Leati 

Cell. 327 1875785 - adrianaleati@gmail.com 

www.adrianaleati.it 

Al cancello, 2002, tecnica mista su tela, cm. 40x28,4 

Nata a Verona nel 1966, si diploma al Liceo 

Classico Cicognini di Prato e si laurea in Architettura 

a Firenze; frequenta la scuola d’ Affresco 

di Vainella a Figline di Prato, fondata da Leonetto 

Tintori, oltre a vari corsi e laboratori (tecniche di incisione, 

modellazione della creta, fumetto, disegno di 

moda). Dal 1997 al 2009 dipinge nel suo laboratorio 

“La Bottega d’Affreschi” a Prato, proponendo opere 

proprie e, su richiesta, riproduzioni e restauri di quadri 

e pitture murali. Dal 2005 svolge attività di docente di 

Disegno e Pittura all’interno dei Corsi di Cultura Generale 

promossi dalla Circoscrizione Prato Centro e nel 

2011 all’interno dei Corsi organizzati dall’Associazione 

Culturale “L’Asterisco”. Ha partecipato a vari eventi 

artistici, tra cui Riproduzioni di opere di Eduard 

Munch nell’ambito della manifestazione “Ibsenear 

Festival” a Prato e presso il castello Maniace di Siracusa, 

organizzata dall’Associazione “Arteriosa”, 

2007. Ha esposto in locali, associazioni culturali e altri 

spazi espositivi in collettive come “Dissonanze”, 

Officina Giovani, Cantiere Culturale Ex- Macelli, Prato, 

2004; “Presenze”, Antiche Stanze di Santa Caterina, 

Prato, a cura di “Spazio Arte Magazine”, 2005. 

Delle personali si ricordano: “Frescosex, white lady” 

presso ARTCUBE, Tenax, Firenze, 2000; “Composizioni/0” 

con l’arch. Filippo Boretti, Associazione Poid 

Pois, Prato, 2002; “Prato Underground”, Cassero Medievale 

a Prato, a cura dell’Assessorato alla Cultura 

del Comune di Prato, 2008; “Classica”, presso Associazione 

Culturale “L’Asterisco”, 2011. Per la stessa 

associazione, dopo l’edizione 2011/12 in piazza del 

Mercato Nuovo a Prato, anche per il 2012/13 partecipa 

con “Ritratti dal vero o da foto” alla “Mostra Mercato 

e libero scambio del libro” in piazza Lippi, ogni 

seconda domenica del mese. Sempre nel 2013 e’ stata 

invitata a partecipare alla mostra “..e ancora Pinocchio” 

organizzata dal Comune di Prato in collaborazione 

con “ART in PO” , presso lo spazio espositivo in via 

Firenzuola 8 a Prato. In tale occasione ha esposto 

schizzi su carta e un’opera di piccole sculture in creta 

colorata dal titolo Le avventure di Pinocchio. Sue opere 

sono esposte presso La Soffitta di “JoLiFè”, via 

Roma, n° 24, Prato. Attualmente vive e lavora a Prato. 

196


Maria Antonietta Lemmi 

Largo Risorgimento, 1 - 55049 Viareggio (LU) 

Tel. 0584 430426 - Cell. 339 6667022 - memy.lemmi@libero.it 

Maria Antonietta Lemmi nasce in Garfagnana, 

a Pontecosi di Pieve Fosciana (LU). Si trasferisce 

a Bergamo nel 1970, dove dedica la 

propria attività professionale alla conduzione dei Servizi 

Educativi e Sanitari dell’infanzia del Comune di 

Bergamo. Si accosta alla pittura naturalistica nel 

2000 e diventa allieva di Margherita Leoni e Renata 

Bonzo frequentando i corsi di pittura botanica organizzati 

dall’Orto Botanico “Lorenzo Rota” di Bergamo. 

Maria Antonietta sa cogliere con innocente emozione 

le innumerevoli manifestazioni con cui la natura è capace 

di mostrare, in modo sorprendente, irripetibile 

quasi irrangiungibile, ogni sfumatura dell’esistere, in 

molteplici colori, profumi e suoni. Con attenta costanza 

e dedizione coglie in ogni elemento grande o minuscolo, 

appariscente o timido, comune o rarissimo, il 

lato emotivo dell’essere forma naturale rappresentando 

attraverso quell’insegnamento botanico, strumento 

utile, nel desiderio di provocare vibranti attenzioni 

nell’osservatore. Questo percorso d’acquisizione 

della tecnica e di ricerca di un’espressione artistica 

originale, è fortemente affiancato dall’incoraggiamento 

del figlio Giuseppe e dal proprio amore per la 

natura in tutte le sue manifestazioni. Attualmente 

abita a Viareggio, accarezzata da una brezza marina 

che le suscita nuove sensazioni, ed entusiasta della 

città dove vive e lavora, è ispirata da una dolcezza 

paesaggistica ricca di una miriade di novità. Questo è 

ascolto della natura. 

“Il mio giardino si presenta qui arricchito di fiori semplici 

e delicati. È naturale seguire il desiderio di un 

lento delinearsi, nonché rinnovarsi di un’antica ca- 

Orologio Floreale, cm. 55x75 

denza figurativa. Un orologio, che scandisce le ore del 

giorno attraverso il vario risveglio di ogni fiore, accompagna 

l’uomo nel suo percorso del tempo. Un 

meraviglioso viaggio, suggerito dall’anima di un poeta 

e dalla competenza di un scienziato, Carlo Linneo”. 


197



“Una costante, scrupolosa ricerca, un amore smisurato 

per questo microcosmo che la natura ha cosparso 

in ogni dove, per abbellire, ingentilire, profumare gli 

angoli più remoti dove l’uomo della strada non sa vedere, 

distratto dall’affanno del vivere moderno. Immagino 

la pittrice Memy come un’ape che passa di 

fiore in fiore, non per assaporarne il nettare ma per 

scrutare a fondo e scoprire il più piccolo, impensabile 

particolare e trarne fuori, con mano delicata ed esperta, 

segni e colori, non con l’occhio del fotografo, ma 

con il cuore di un poeta. Ne viene fuori una raccolta 

ricca, finemente presentata, un segno rapido, pulito, 

sicuro nel gusto e nell’interpretazione. Tutto questo 

perché la mano è sorretta e guidata, e il pennello anche, 

da un desiderio di conoscere e far conoscere agli 

altri le meraviglie di questo angolo della natura così 

variopinto così esplosivo nei colori e nelle forme, così 

incantato. Bisogna possedere, per fare tutto questo, 

un’anima sensibile, un occhio attento e scrutatore, 

una voglia pazza di realizzare ed interpretare. Roba da 

manuale!” 

Giorgio Michetti 

Helichrysum Italicum 

“L’emozione che la natura ci dona in ogni momento e 

luogo, sorprende l’anima in modo irripetibile, quasi 

irraggiungibile, raccontando le sue forme più pure, i 

suoi colori più profondi, i suoi profumi e suoni più inebrianti. 

La natura è capace di regalarci ogni più piccola 

sfumatura dell’esistere come un fiore delicatissimo 

che pian piano svela se stesso nel suo timido e potente 

essere. Maria Antonietta ci si avvicina come se 

fosse la prima volta e osserva con estrema delicatezza 

ogni singolo elemento, sia grande che piccolo, sia 

appariscente che nascosto, sia comune che rarissimo… 

Lei è capace di ascoltare ciò che quella voce ha 

da dirle rendendola tesoro! Cos’è dunque se non la 

sensibilità per la natura a dare fiamma alla costanza e 

alla dedizione di Maria Antonietta alla pittura botanica? 

È una pittura che coglie l’occasione di farci apprezzare 

le forme della natura e che ci regala nel mondo 

più completo l’espressione più alta dell’emozione. 

Ti ringrazio Maria Antonietta di saperti dedicare alla 

sensibilità che si manifesta in questa Terra, e ti auguro 

di emozionare sempre più il nostro essere con i tuoi 

dipinti”. 

Margherita Leoni 

La pittrice dell’Elicriso 

Maria Antonietta Lemmi si è avvicinata all’arte proprio 

grazie all’Elicriso e a Leonardo Santini. Cresciuta 

in Garfagnana, da piccola era di casa dal dottore delle 

erbe. La sua umanità e sensibilità le sono rimaste 

imoresse e sono riaffiorate da quando di dedica alla 

pittura: il suo oggetto preferito è il mondo delle erbe, 

e tra tutte il fiore dell’elicriso. 

Erboristeria Domani 

Febbraio 2006 

198


Ersilia Leonini 

Cell. 345 1320790 

www.ersilialeonini.it - profili facebook 

Domani, 2011, olio e tec.mista su tela, cm. 70x100 

Nasce a Firenze nel 1955. Diplomata all’Istituto 

d’Arte di Siena ha frequentato la Facoltà di 

Lettere seguendo i corsi di Storia dell’Arte, del 

Cinema e del Teatro mentre al Centro Studi Tecnico- 

Cinematografici di Firenze quelli per Cineoperatori e 

per Fotografi. Nel 1978 espone nella sua prima personale 

di pittura. Insieme ad alcuni artisti senesi dà vita 

all’ “iperfantastico”, colori e forme in rigorose composizioni 

geometriche. Negli anni Ottanta apre a Siena 

un laboratorio per la creazione di maschere artistiche 

- che diverranno nel tempo vere e proprie sculture - 

con le quali collabora a coreografie teatrali ed è selezionata 

per una rassegna e stage sull’artigianato artistico 

italiano in tourneé in varie città americane. La 

sua fervida attività espositiva la porta in numerose 

mostre nazionali ed internazionali sia in Italia che 

all’estero. Tra gli appuntamenti più recenti la partecipazione, 

nel 2010, a diverse rassegne, presso la Galleria 

del Teatro Romano, Fiesole (Firenze), la Galleria 

“Studio Logos” di Roma, “Gadarte” a Firenze, la Galleria 

“Art Time” di Lignano Sabbiadoro (Udine), la Fiera 

“Immagina” di Reggio Emilia e la personale alla Galleria 

Il Borgo a Milano. Tra 2011 e 2012, la rassegna 

“Pelle” presso “Simultanea - Spazi d’Arte” a Firenze, 

le Fiere “Art Innsbruck”, “Proponendo” a Forte dei 

Marmi, e “Art Expo” ad Arezzo; le personali a Firenze 

presso Hotel Cellai e Galleria “Incontrarte”, la mostra 

alla Galleria “Arte in movimento” di Forte dei Marmi, 

con la quale partecipa anche al “Nuovo Festival delle 

Arti Contemporanee”. Di rilievo inoltre una imponente 

commissione pittorica - ritratti - per una collezione 

privata che la porta spesso a lavorare a Parigi. 

199



Baby and the city, 2013, olio su tela, cm. 120x80 

200



A sangue freddo, 2012, olio e tec. mista su tela, cm. 80x80 

“Artista decisamente non convenzionale, Ersilia Leonini 

viene da un percorso formativo che già sovverte 

le regole giungendo alla dimensione figurativa di oggi 

dopo l’esperienza dell’astrazione geometrica quanto 

della sperimentazione materica e non viceversa. Così 

appare anche dalle sue scelte tematiche nelle quali, 

fino a poco tempo fa, prevalevano i nudi di soggetto 

maschile piuttosto che femminile. Il suo realismo diviene 

infatti una sorta di metalinguaggio, più incline 

alla dimensione psicologica che a quella dell’oggettività 

e della concretezza. I suoi personaggi, ritratti prima 

fotografici e poi ri- e de-strutturati pittoricamente, 

così veri da forare il quadro eppure vanno oltre la narrazione 

della propria vicenda umana come dimostrano 

le ambientazioni ed i “fondali” scenici nei quali 

l’artista espande la narrazione a stratificare memoria 

personale e comunicazione di massa, con la libertà di 

recuperare in certe valenze gestuali e materiche il 

proprio background culturale ed esperienziale ma con 

la consapevolezza anche di suscitare un impatto visivo 

spesso disorientante. E del resto, come lei stessa 

dichiara, ciò che intende provocare è piuttosto 

un’emozione estetica prima che una riflessione filosofica 

o concettuale.” 


201



Jerry, 2013, acrilico su tela, cm. 80x80 

La stanza, 2013, acrilico su tela, cm. 90x90 

202


Paola Leporatti 

Via Benedetto Croce, 54 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 27623 

Sotto i passi del sole, 1998, batik, cm. 50x70 

Vive e opera a Pistoia. Diplomata maestra d’Arte 

a Pistoia, ha ottenuto la Maturità d’Arte Applicata 

a Firenze. Attraversa le varie tecniche pittoriche, 

affinando ed adottando l’antichissima tecnica 

giavanese del Batik, con la quale si è fatta conoscere 

ed apprezzare in numerosi concorsi e mostre. L’artista 

“propone riesumazioni di vita e di architetture di altre 

civiltà, sempre eleganti nella scelta degli elementi, 

nella trama del disegno e nella stesura del colore”. 

Salvatore Sorbello 

Un soggiorno in Tunisia “le ha permesso di rendere 

essenziali i suoi soggetti … che hanno una bellezza 

trasparente e ordinata, trattati a grandi zone di colore 

di rara qualità” 

Remo Gordigiani 

Dal 1975 partecipa a mostre, ottenendo premi e riconoscimenti 

e dal 1997 destina l’intero ricavato della 

sua produzione artistica agli aiuti al Madagascar. 

203


Angela Maria Lettini 

Studio e abitazione: via Ippolito Nievo, 8 - 50019 Sesto Fiorentino (FI) 

Tel. 055 4201762 - Cell. 3338227559 - angelalettini@virgilio.it 

Frammenti di vita, olio su tela, cm. 50x70 

Quando una sensibilità profonda si unisce ad un 

talento artistico innato, il risultato non può che 

essere una pittura che sorprende per intensità 

espressiva e forza del colore. È questo il caso di Angela 

Maria Lettini. Pugliese di nascita ma fiorentina 

d’adozione, riscopre il suo amore per la pittura, amore 

che sempre l’accompagna. Dopo la prima formazione 

artistica in Puglia, dove frequenta l’Istituto d’Arte e 

assimila la lezione del padre, noto e stimato pittore 

locale, ancora giovanissima si trasferisce a Firenze, 

città in cui trova l’ambiente ideale per coltivare la sua 

passione. È l’inizio di un percorso che la vedrà crescere 

come artista e maturare un linguaggio pittorico via 

via sempre più originale e riconoscibile. Le tappe fondamentali 

della sua attività passata e recente, lasciano 

intuire la dimensione della memoria presentata 

dall’artista sotto forma di frammento. Un viaggio a ritroso 

nel passato che non ha il valore di un vagheggiamento 

nostalgico e melanconico, perchè la memoria 

non è un rifugio, ma la certezza da cui ripartire. È soprattutto 

il colore a possedere una grande forza evocativa 

e a stendere sulle immagini un velo di emozione. 

Maggiore la nitidezza e la precisione delle 

immagini, più complessa la pasta cromatica, che si fa 

in taluni punti più corposa, in altri più vellutata e capace 

di belle trasparenze. La centralità della figura - corpi 

e volti di donne che guardano lo spettatore come a 

volerlo interrogare - indica la necessità di ripartire 

dall’uomo dal suo valore ineludibile per ritrovare il 

senso della vita e dell’arte. 


204


Angela Maria Lettini 

Pausa, olio su tela, cm. 100x80 

Principali esposizioni: 

1979 - Segnalazione per la grafica al Centro La Manaide 

- Trani; 

1980 - Estemporanea pittura (1° Premio) - Trani; 

1984 - Concorso Arte Sacra - C.S.I. - Trani; 

1985 - Mostre a Corato, Terlizzi e allo Sporting Club di 

Trani; 

1986 - XVIII Edizione Premio Primavera - Foggia; 

Personale di Pittura presso l’M.C.L. - Trani; 

1988 - Personale al Centro Spazio A - Firenze; 

1989 - Segnalazione al 27° Premio D’Argento - Gadarte 

Firenze; 

1990 - Riconoscimento Premio Fiesole 8 Marzo; 

Segnalazione V edizione Premio Italia - Certaldo (FI) 

Collettiva Arte Contemporanea - Fiesole (FI); Personale 

al Gruppo Donatello - Firenze; 

1991 - Personale al Circolo degli Artisti “Casa di Dante” 

Firenze; Personale all’Ass.ne Culturale Arte Città 

- Prato; 

1992 - Premio Acquisito Concorso Arte Pro Lastra “E. 

Caruso” - Lastra a Signa (FI); Personale di pittura e 

grafica alle Antiche Terme - Ischia (NA); Premio Pittura 

Estemporanea Proloco “G. Monaco” Talla (AR) 

1993 - Concorso Premio Fanzine “Libera Lidea” Firenze; 

Concorso Arte Sacra “Lorenzo Ghiberti” Pelago (FI); 

XXVII Edizione Premio Città di Lastra a Signa (FI) 

1994 - Collettiva “Mostra di Natale” Soc. Belle Arti - 

Firenze; Personale al Negozio Richard Ginori 1735 - 

Firenze; Concorso “Immaginaria ‘94” Gruppo Rinascente 

- Milano; 

1998 - Collettiva “Florilegio Fiorentino al Femminile” 

Società Belle Arti - Firenze; 

1999 - Personale alla Biblioteca Circolante di Sesto 

Fiorentino (FI) 

2001 - Collettiva Società Belle Arti - Casa di Dante - 

Firenze; 

2005 - Mostra personale presso il Chiosco di San 

Francesco - Florio (NA) 

2006 - Personale di pittura a Villa Gerini - Sesto Fiorentino 

(FI) 

2007 - Premio Pittura “Antonio Berti organizzato 

dall’A.I.C.S. Palazzo Pretorio - Sesto Fiorentino (FI) 

Collettiva “Mostra di Natale” Soc. Belle Arti - Firenze; 

2008 - Mostra personale presso Palazzo Pretorio - Sesto 

Fiorentino (FI) 

2011 - “Oltre lo sport” Collettiva - Sesto Fiorentino 

(FI) 

2011/12 - Collettiva di Natale Casa di Dante; 

2012 - Personale Gruppo Donatello; Collettiva “Il sacro 

nell’arte” 16 - 27 marzo SS. Annunziata; Collettiva 

Galleria Mentana (FI); Collettiva “Maggio Salesiano” 

(FI); Rassegna arti visive “Miramonti” Saragiolo 

(Piancastagnaio) luglio - settembre; Collettiva di Natale 

“Casa di Dante”; Società delle Belle Arti (FI) 

205


Susan Leyland 

leyland@equinesculptures.com 

www.equinesculptures.com 

Horse Block Sculpture 

“... L’affascinante lavoro artistico di Susan Leyland 

riesce ad unire l’originalità e l’eccellente 

esecuzione tecnica in estetica pura. Le 

sculture, denominate Horse Block Sculpture, sono 

senza tempo e fondono un sentimento di antico con 

uno sguardo verso il futuro. Leyland assembla purezza, 

semplicità e genialità in forma geometrica e con 

questi elementi configura sobrie forme che evocano 

cavalli di originale e sorprendente bellezza.” 

Tamsin Pickeral 

206


207


Borgo Allegri 15R - 50122 Firenze 

Tel. 055 2469346 - Cell. 339 2521039 

Presidente Miranda Mei (tel. 0554368598 mirandamei@alice.it) 

info@firenzearte.org - firenzearteasscult@gmail.com 

www.firenzearte.org 

www.equilibriarte.org/firenzearte - www.exibart.com/firenzearte 

Realizzare attività dirette ad assicurare 

lo svago, promuovere la ricreazione 

del fisico e dello spirito 

oltre allo sviluppo sociale ed intellettuale 

degli iscritti attraverso 

iniziative culturali (corsi, conferenze, 

proiezioni, dibattiti), artistiche 

(pittura, scultura, poesia ed arti figurative), 

turistiche e ricreative in 

genere. Questi alcuni degli obiettivi 

dell’Associazione Firenze Arte 

(Borgo Allegri 15 R, Firenze), per 

il raggiungimento dei quali l’associazione 

si attiverà predisponendo 

gli spazi necessari per lo svolgimento 

delle diverse attività in un 

ambiente sereno, conviviale, aperto 

allo scambio di opinioni e di idee. 

Sono aperte le iscrizioni per l’anno sociale 2013 

208


209


È l’insegna d’epoca dipinta su vetro, che ancora possediamo, il marchio di garanzia 

di una bottega la cui storia risale a oltre due secoli fa. Nell’Ottocento in via dello 

Studio aveva sede il “Colorificio Toscano”, antica ditta di colori. A Sandro e Massimo, 

figli di Adolfo, il capostipite Zecchi, il lustro di aver indirizzato la storica attività 

esclusivamente verso i prodotti per Belle Arti e Restauro attraverso la meticolosa 

attività di recupero delle antiche tecniche artigianali e pittoriche della tradizione 

fiorentina effettuata sullo studio del trattato del pittore rinascimentale Cennino 

Cennini. Il Premio Firenze del 1997, le riprese effettuate per la realizzazione di 

documentari trasmessi in tutto il mondo, la citazione nel romanzo “La prossima 

volta” dello scrittore francese Marc Levy oltre alla produzione di materiale richiesto 

per lavorazioni artistiche di livello come l’Opera House di Sidney o il Paul Getty 

Museum di Los Angeles sono la certificazione del perchè Zecchi sia una ditta 

consacrata a livello internazionale. 

Colori - Belle Arti - Restauro 

Via dello Studio 19r - 50122 Firenze Italia - Tel. 055.211470 

www.zecchi.it zecchifi@tin.it 

210


ARTE CONTEMPORANEA 

Via Maggio,71r - 50125 Firenze - Via Marconi, 1/a - 57012 Castiglioncello (LI) 

Direttore Artistico: Rossana Corsi 

Tel. 334 3445766 - info@artgalleryilcesello.com 

211


Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea 

La storica Galleria d’Arte Mentana, diretta da Giovanna Laura Adreani, opera 

nel cuore del centro storico di Firenze, nell’omonima piazza tra il Ponte Vecchio 

e la Galleria degli Uffizi. Oltre ad interessarsi di artisti storicizzati, la galleria si 

occupa di promuovere e divulgare nuovi talenti dell’arte contemporanea, attraverso 

mostre personali, cataloghi monografici, saggi critici e mostre in spazi pubblici. 

L’intero spazio è composto da quattro sale comunicanti tra loro che possono 

ospitare sia mostre personali, per la capienza di circa 60 opere, che collettive. La 

direttrice artistica e il suo staff si occupano di selezionare e di seguire gli artisti nel 

loro percorso di crescita professionale e curriculare promuovendo la loro immagine 

attraverso la pubblicazione di monografie, articoli su riviste specializzate, mostre 

scambio con altri spazi espositivi italiani e stranieri, l’inserimento sul sito internet 

della galleria e la vendita on-line delle opere. 

Piazza Mentana 2, 3, 5 - 50122 Firenze - Tel. 055 211985 - Cell. 335 1207156 

info@galleriamentana.it - galleriamentana@galleriamentana.it 


212


Un punto vendita a tutto tondo, dove l’eccelsa qualità fa da 

pendat alla vasta gamma di materiale a disposizione. Non a 

caso Landi Cornici è diventato in pochissimo tempo un punto 

di riferimento per molti altri corniciai, singoli artisti e per giunta grandi 

aziende. Ampio il ventaglio dei prodotti in vendita al dettaglio e all’ingrosso. 

Nel locale di oltre trecento metri quadrati nel cuore del Campo 

di Marte si possono acquistare, o semplicemente farsele colorare, aste 

per cornici grezze, dorate, argentate, laccate; è possibile ordinare modelli 

di cornici poi lavorati e realizzati dalla maestria di chi è in grado di 

rispondere ad ogni tipo di esigenza del cliente e delle persone del settore 

che in Landi Cornici hanno inoltre trovato il negozio ideale dove potersi 

rifornire di tutti gli accessori indispensabili al proprio lavoro. 

LANDI CORNICI 

V. Mannelli 33/R - 50132 Firenze (FI) 

Tel. 055 2347036 - Fax. 055 2347036 

cornici.landi@virgilio.it 

213


dafne 

Imballaggi, Trasporti, 

Movimentazioni di opere d’arte 

e servizi affini 

Dafne s.r.l. 

Via Piani della Rugginosa, 250/251 

50066 Reggello - Loc. Montanino (FI) 

Tel. 055 863069 - Fax 055 8662077 

Numero Verde: 800 331477 

www.dafnefirenze.net 

dafne@dafnefirenze.net 

214


Quarant’anni di esperienza messi al servizio dei tantissimi artisti 

contemporanei che qui hanno trovato il modo migliore per 

valorizzare le proprie opere. Professionalità e qualità elevate, accoglienza 

e gentilezza il bigliettino da visita di Maestrini Cornici, dal 1994 in via 

del Romito dopo due decenni in via Palmieri. Laboratorio dove si lavora 

il materiale grezzo fino alla consegna del prodotto finito. Il titolare, 

Sandro Ghibellini, ha concepito lo spazio alle porte del centro storico di 

Firenze anche come punto vendita-espositivo, scelto come degna vetrina 

dei propri capolavori da alcuni nomi illustri del panorama artistico come 

Alinari, Ciabani, Talani, De Poli, Annigoni, Berti, Sacchi e tanti altri. 

Via del Romito, 1/R - 50134 Firenze - Tel. 055 461094 - Fax 055 4631573 

manuela@cornicimaestrini.it 

215


Ristorante 

Il BattibeccO 

Via Vittorio Veneto, 38 - 50023 Impruneta (FI) - Tel. 055 2313820 

www.ilbattibecco.it - info@ilbattibecco.it 

Dal giorno della sua inaugurazione, Il Battibecco ha proposto in maniera 

continuativa mostre d’arte ospitando importanti maestri contemporanei 

come Luca Alinari, Giovanni Maranghi, Giuliano Ghelli, Anna Di Volo, Silvestro 

Pistolesi, Romano Stefanelli, Danilo Fusi, Paolo Staccioli, Eugenio Riotto, 

Mariella Valori, Carlo Testi, Marco Boni. 

216


217


Valentina Lingria 

Via Nicolò da Uzzano 42 - 50126 Firenze 

www.valentinalingria.it - info@valentinalingria.it 

Un affetto mi preme, tecnica mista, cm. 60x80 

“ Sono nata a Reggio Calabria tra la luce accesa 

del sole e l’azzurro del mare. A 10 anni mi sono 

trasferita a Firenze dove attualmente risiedo. 

Sono cresciuta in una famiglia con una grande sensibilità 

artistica e poetica. Mi sono formata attraverso un 

percorso di studi classici ed insieme ho coltivato la 

passione per la musica, formandomi come pianista. 

Successivamente ho intrapreso studi filosofici. Alla 

pittura sono arrivata quasi per caso, anzi per la precisione 

è la pittura che arrivata a me, forse per destino. 

Mai avrei immaginato quello che mi è accaduto, che 

rimane un fatto assolutamente imprevisto, di cui ancora 

oggi io stessa continuo ad essere stupita: il fatto di 

iniziare a dipingere. C’è un’ora in cui tutto è iniziato e 

quasi sembra non esserci un “prima”. C’è stata un’ora 

della mia vita in cui è iniziata la pittura in me. Questo 

inizio della pittura in me ha segnato anche il metodo 

del mio processo creativo. L’inizio del mio processo 

creativo è sempre una avvenimento che accade, che si 

impone, che mi scuote. Il punto di partenza di ogni mia 

opera, è un avvenimento di vita che mi penetra fin nel 

profondo, diventando colore, segno, materia. Un punto 

imponente, che ha sempre una caratteristica inconfondibile: 

mi scuote, mi sposta, mi commuove, mi addolora. 

Dipingere non è tanto l’espressione di qualcosa che 

voglio dire o fare, ma è piuttosto l’espressione di quello 

che improvvisamente mi accade e si svela, che mi 

chiama, che mi provoca, che mi parla. Qualcosa che 

apre uno squarcio di significato sulla vita. Dipingere è 

un modo per fare tesoro di tutto questo. È un modo per 

starci davanti, per continuare a guardare, per conoscere 

e custodire la memoria di un’esperienza che mi ha 

provocato, commuovendomi, entusiasmandomi o dandomi 

un dolore lancinante. Ogni quadro dipinto, ogni 

pezzetto di carta, ogni segno che ho lasciato e lascio, 

dall’inizio ad oggi, è un pezzo della mia esperienza di 

vita che è divenuta più chiara e trasparente, divenendo 

segno, colore, materia, forma. Dipingere è mettere a 

fuoco la vita”. 


218



Questa vita che è una cosa bella, tecnica mista, cm. 90x100 

“La pittura di Valentina Lingria trova significato nei 

suoi desideri più profondi che si incontrano con la realtà 

della vita, generando una domanda di senso continua 

e drammatica. Nelle sue opere emergono i segni 

di una malcelata preoccupazione che vengono esaltati 

da spesse tracce di colore che si aggruma in suggestioni 

materiche che paiono esitare nel continuo delle 

pennellate. Un racconto di gioie, dolori, paure, sussulti, 

ansie, stupori, che si esplicano nelle linee scure 

interrotte che si liberano in percorsi quasi scolpiti nel 

magma di tinte e in tracce che via via perdono spessore, 

per diventare tratti d’inquietudine e d’irruenza 

controllata. Masse rosse di passionalità e di vita resistono 

ai graffi paralleli che incrociano le linee per diventare 

rappresentazioni nelle mappe di un firmamento 

che finisce nei buchi neri del tempo e 

dell’inconscio. Simboli di alfabeti della psiche che si 

precisano in segni misteriosi che s’incrociano sino a 

dar luogo a racconti che ritmicamente portano a climi 

visivi che sanno di misticismo. Sono graffiti primordiali 

che narrano, nella semplicità dei tratti, la complessità 

dell’esistere”. 


219


Emiliana Lippi 

Abit.- studio: via S. Maria a Cintoia,16B - 50142 Firenze 

www.emilianalippi.it 

Riflesso, smalto, cm. 45x41 

Lucchese di nascita e fiorentina di adozione, vive 

ed opera a Firenze. Diplomata all’Istituto d’Arte 

di Lucca e laureata all’Accademia di Belle Arti di 

Firenze, allieva di Ugo Capocchini e Gustavo Giulietti. 

Ha allestito la prima personale nel 1972 a Lucca e in 

seguito in numerosi spazi pubblici e privati in diverse 

città d’Italia. Ha partecipato a numerose rassegne e 

concorsi in Italia ed all’estero, ottenendo premi e segnalazioni 

(tra gli altri, si ricordano i successi al “Premio 

Italia per le Arti Visive” dal 2000 ad oggi e in diverse 

edizioni del “Premio Firenze”). Sue opere 

figurano alla sede del Quartiere4 di Firenze, in gallerie 

e collezioni private (a Lucca, Firenze, Arezzo, Sansepolcro, 

Verona, Roma, Lecce, Saint Paul Devens e 

Bogotà); è in mostra permanente al Cubar del Polo 

Biomedico e al “Fitvillage” di Careggi a Firenze. Ha 

fatto parte per molti anni dello storico gruppo fiorentino 

“Gadarte”, affermandosi nelle numerose iniziative 

da questo organizzate. Fa parte del “Circolo Arti Figurative 

Il Ghibellino di Empoli” e dell’associazione artistico-culturale 

“Simultanea-Spazi d’Arte” di Firenze. 

Numerosi quotidiani, riviste e pubblicazioni d’arte si 

sono occupati dei suoi lavori e della sua attività; tra 

gli altri, D’Ars, La Stagione, Le Arti, Eco d’arte moderna, 

La Nazione, Il Telegrafo, Il Giornale d’Italia, Agenda 

e annuario dell’Arte in Toscana. Ha realizzato la 

copertina e le illustrazioni del libro “Sei tu” di Claudia 

Baldini, Domina Editrice. 

“Nella vicenda espressiva di Emiliana Lippi la scelta di 

una figuratività che amalgama concretezza e spiritualità 

trova riscontro nel coltivare insieme la tradizione 

di una solida base disegnativa e la sperimentazione di 

una cromatica trasgressiva che si arricchisce oggi anche 

di stratificazioni materiche. Le sue peculiari e distintive 

figure senza volto appartengono a quella categoria 

universale che è il simbolo. Forma e colore nella 

sua pittura si identificano quale veicolo di una narrazione 

intimista, riflesso di spinte emotive diverse e 

contrastanti, che non sono fuori della realtà bensì ne 

configurano l’essenza immateriale, la vita psichica 

piuttosto che fisica, sono racconti dell’anima.” 


220


Lalla Lippi 

Abit.: La Torre di Marena,19 - 52011 Bibbiena (Arezzo) 

Tel. 0575 593656 - Cell. 333 3755813 - lalla.lippi@virgilio.it 

Lilith, 2009, olio su tela, cm. 150x100 

Lalla Lippi ha sempre avuto un particolare interesse 

per l’arte, anche se molto tardi si è dedicata 

a studi artistici. Ha frequentato la Scuola 

Libera del Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di 

Firenze dedicandosi al disegno. Dal Duemila fa parte 

del Gruppo AR.CA. (Artisti Casentinesi) fondato e 

seguito dal maestro Amedeo Lanci presso l’Accademia 

Casentinese di Borgo alla Collina nella casa del 

Landino, ed in questo periodo si è particolarmente 

impegnata nello studio del colore secondo gli insegnamenti 

del maestro. Ha esposto in personali e 

collettive a Bibbiena, Porciano, Poppi, Sesto Fiorentino, 

Firenze, Arezzo, Marina di Pietrasanta, Montecatini, 

Roma. Le sue opere sono state segnalate da 

critici importanti come Giuseppe Casiraghi, Lodovico 

Gierut, Giovanni Faccenda, Andrea Diprè ed apprezzate, 

oltre che dal suo maestro Lanci da Venturino 

Venturi ed altri. L’astronomo ed amico Massimo 

Mazzoni, in occasione di una personale, ha scritto di 

lei: “Hai dato forma al tempo e fluidità allo spazio”. 

Vive e lavora a Bibbiena, in Casentino, in una antica 

torre medievale ed è grata a tutti coloro che l’hanno 

incoraggiata ad andare avanti nei suoi tentativi di 

espressione. 

221


Lalla Lippi 

Fermare il tempo, 2011, olio su tela, cm. 120x80 

“Dal Faust di Goethe ho scelto due eventi e due opposti 

personaggi femminili: nella notte di Valpurga, alla 

tregenda delle streghe che giungono cavalcando manici 

di scopa mentre il palazzo di Mammona è in fiamme, 

la bruna Lilith dalle belle chiome. Ripudiata da 

Adamo, divenuta demone lussurioso e vendicativo 

vende la sua merce. Nella sua bottega non c’è nulla 

che non abbia provocato danni all’Umanità. Nella notte 

classica Elena, la bellissima, viene richiamata dalla 

pitagorica tetractis ove è l’armonia ed abitano le matrici 

delle forme pure dell’Essere. La regina, figlia di 

Giove, è pronta a seguire il destino mentre le ancelle 

temono gli eventi: Io esco vacillando dal vuoto vortice 

in cui ero piombata. Stanche son le mie ossa e di riposo 

ho bisogno.” 

Lalla Lippi 

222


Mirna Lombardi 

Via Giordano Bruno, 12 - 50013 Campi Bisenzio (FI) 

Tel. 055 8961738 - Cell. 340 2350233 

Passo di danza, olio su tela, cm. 80x60 

Passo di danza 

Passo di danza 

Il cuore ti scalda 

Inebria la mente 

E nulla più sente. 

Al ritmo 

Leggera libellula sei, 

svolazzi, 

leggiadra, 

girando, 

sfiorando la terra 

un bel cielo blu. 


223



Il mare, la vela, olio su tela, cm. 70x100 

Artista “ di spiccata maestria nel trasferire alle 

sue opere sensazioni fantastiche di sensualità 

raffinata che circonda spesso le sue anonime 

donne! Una ricerca pittorica, quella di Mirna Lombardi, 

che muove verso nuove forme espressive non avulse 

da principi etico-razionali. Sicuramente affina un 

suo linguaggio figurativo che armonizza la forma e il 

colore scaturendo in una sbrigliata fantasia pittorica 

che nasce da una profonda capacità a conseguire risultati 

d’indubbio effetto scenoplastico”. 

Nadia Guelfi 

224


Antonella Lomonaco 

a-lomonaco@libero.it 

Bella, silenziosa, altera, 2012, olio su tela, cm. 40x40 

Nasce in Calabria nel 1951 ma vive da molti 

anni a Barberino Val d’Elsa. Ha sempre coltivato 

l’amore per l’arte e per la pittura in particolare, 

dedicando a questa passione tutto il proprio 

tempo libero. Il suo percorso artistico e’ iniziato negli 

anni novanta, con il maestro Claudio Giomi e il Laboratorio 

di Arti Visive da lui diretto, sperimentando varie 

tecniche, con particolare attenzione al paesaggio 

toscano e alle marine che evocano in lei ricordi d’infanzia, 

oltre al fascino intrinseco del mare. Solo negli 

ultimi anni si è soffermata sull’immagine femminile 

che ha cercato di studiare e di interpretare secondo il 

suo personale modo di sentire. I viaggi le hanno fornito 

ulteriori spunti preziosi suggerendole affascinanti 

figure femminili prese in prestito dal loro mondo e trasferite 

poi sulla tela con una partecipazione interiore 

di solidarietà per la loro condizione molto spesso difficile 

e precaria. Nel corso di questi anni ha partecipato 

a varie mostre collettive e personali, tra le più significative 

ricordiamo: la Limonaia di Palazzo Strozzi a 

Firenze, a Palazzo Panciatichi, sede della Regione Toscana, 

al Museo Archeologico di Firenze per “Arte per 

la ricerca” e poi San Gimignano, Siena, Colle val d’Elsa, 

Casole d’Elsa, Poggibonsi e Barberino Val d’Elsa. 

Alcune delle sue opere si trovano a Sofia, a Dakar e a 

Firenze presso la Pinacoteca della Regione Toscana, e 

in collezioni private . 

225


Adriana Lopreiato 

adrianalelo@yahoo.it 

Giardino a Badia a Passignano, olio su tela, cm. 70x50 

Vive e lavora a Firenze. Dal 2000 fa parte del 

gruppo che fa capo allo studio di pittura, disegno 

e modellato La Rosa d’Oro dell’Arte ex Art 

Center Florence di Lucetta Risaliti in via Ghibellina a 

Firenze. Ha partecipato a numerose mostre collettive 

organizzate dalle gallerie Art Center Florence e La 

Rosa d’Oro dell’Arte per il gruppo ACF ed il gruppo La 

Rosa d’Oro, oltre che nello loro sedi fiorentine, anche 

in altre sedi molto prestigiose quali: la Banca Popolare 

di Milano, nelle sedi di Firenze, Bologna e Milano, 

la Limonaia e il Chiostro di Villa Vogel Firenze, la Stazione 

di Confine di Firenze, la Galleria Via Larga a Firenze, 

la Villa Bellosguardo di Lastra a Signa, il Palazzo 

del Consiglio Regionale della Toscana, la Sala 

Banti a Montemurlo, la Villa Sant’Andrea di Montefiridolfi. 

Alcune di queste mostre sono state organizzate 

in favore dell’AVIS di Montemurlo, altre in favore 

dell’Ospedale Meyer di Firenze. 

“Adriana Lopreiato sperimenta tre momenti pittorici. 

Il periodo intimista, in cui i soggetti sono nature morte 

e paesaggi d’impronta quasi macchiaiola. Il colore, 

non troppo denso, è steso sulla tela a macchie. I toni 

pacati tradiscono la forte influenza della scuola fiorentina. 

La luce non è mai radente, né crea effetti di 

forte contrasto. L’atmosfera sommessa delle sue opere 

ci fa tornare indietro nel tempo,quando una sedia 

impagliata davanti ad un tavolo con sopra un vaso di 

fiori e una candela provocavano suggestioni di intimo 

raccoglimento. Il periodo astrattista dove Adriana 

scopre il valore fortemente espressivo della spatola e 

stende sul supporto grandi campiture di colore dai 

toni ancora calmi.Gli azzurri accostati alle terre ed ai 

bianchi ci portano nei dolci declivi delle crete senesi, 

ma il paesaggio si fa materia e si astrae dal reale, 

regalandoci imponenti opere senza spazio ne’ tempo. 

Infine il ritorno al vero. Adriana continua a lavorare 

con l’ausilio della spatola, ma cambia la tavolozza, i 

suoi colori si fanno piu’ vivaci e potenti, introduce il 

rosso nelle sue composizioni e osa arditi accostamenti 

di colore contrastante. La luce diventa tagliente 

conferendo ai suoi paesaggi un forte timbro espressionista. 

Adriana lavora solo nei momenti di forte 

ispirazione e spesso reinterviene sui suoi soggetti. 

Nel suo modo di lavorare ritrovo ciò che il mio grande 

maestro Pirzio diceva spesso: “Un’opera d’arte non è 

mai finita”.” 


226


Sara Lovari (S.Lov.) 

Avena, 16 - 52014 Poppi (AR) - Studio: vicolo Fierli di via Nazionale - 52044 Cortona (AR) - info@s-lov.it - www.s-lov.it 

www.equilibriarte.net/member/8386 - www.ioarte.org/artisti/Sara-Lovari/ - www.linkedin.com - www.facebook.com 

Sara Lovari (S.Lov.) nata nel 1979 nel Casentino, 

dove vive ed opera (Avena, Poppi), con 

oltre 70 mostre all’attivo in America Latina, 

Giappone ed Europa è presente in collezioni private 

tra Italia, Canada, Australia, Danimarca, Germania, 

Olanda, Gran Bretagna ecc…L’artista è 

conosciuta per aver illustrato libri e guide turistiche, 

per i suoi spettacoli live, oltre a studi di locandine 

e materiali per sponsorizzare e allestire 

spettacoli teatrali. Le sue tele materiche composte 

da juta, giornali d’epoca o tavole di legno povero, 

colate di caffè sono i fondi dove l’artista con 

colori acrilici riporta in vita oggetti e situazioni del 

passato, presenze vivide nella sua memoria e nella 

memoria dei suoi cari; ognuno con la sua storia, 

ognuno con la sua anima, ognuno appartenuto 

alla sua famiglia per questo così importante. 

“…Questa pittura non sollecita tanto la memoria, 

quanto, suggestionandola di poesia, la illude: la 

illude che i ricordi non siano tali, ma siano palpito 

d’attualità, e che, quindi, la contemplazione della 

bellezza sia ancora possibile. La sua perfezione 

pittorica si coniuga a un fattore ideale e può compiutamente 

formularsi soltanto nella purezza 

dell’idea sostanziata di sensibilità e di passione 

tutta contemporanea… 

…La pittura dell’artista non rappresenta il racconto 

del quotidiano bensì il recupero del “senso della 

storia”. Per tale nobile fine, quale fonte d’ispirazione 

e teatro dove esprimersi, la Toscana non può 

che essere luogo ideale per un’artista giovane, che 

per lunghi periodi vive e lavora all’Estero”. 

Gli Ombrelli (La mia Famiglia), 2012, tecnica mista acrilico su tela 

con cartone e rivista anni 20-30, cm. 70x100 

“…Questi lavori trasmettono la serena pacatezza di una 

realtà semplice, lontana dalla frenesia della contemporaneità, 

e avvolta in un’atmosfera di nostalgia, ma anche di 

inquieto abbandono”. 

Paolo Levi 

Anita Valentini 

227


Sara Lovari (S.Lov.) 

Il Portaombrelli (io e i miei amici), 2013, tecnica mista acrilico su tela con cartone e rivista anni 30, cm. 70x100 

228


Angela Lucarini 

Via Siena, 25 - 50142 Firenze - Tel. 055 7320113 

Cell. 329 4127827 - angelalucarini@libero.it - www.a-lucarini.blogspot.com 

Sogno di libertà, 2009, tecnica olio su tela, cm. 70x50 

Angela Lucarini nasce a Firenze il 29 aprile 

1953. Allieva di pittori fiorentini, la pittrice si 

è indirizzata al genere figurativo e realistico, 

dedicandosi principalmente a paesaggi e nature morte. 

Questa pittura, dai colori forti e vivaci, esprime la 

sua carica interiore attraverso i soggetti che le sono 

più cari, restituendoli sulla tela con trasporto ed un 

certo lirismo. Tra le mostre più recenti alle quali l’artista 

ha partecipato si ricordano quelle presso: Accademia 

degli Etruschi, Livorno; Galleria Gadarte, Firenze; 

Caserma Vannucci, Livorno; Basilica S. 

Alessandro, Fiesole; Saletta Machiavelli, Montespertoli; 

Villa Vogel, Firenze, 2009; Galleria Mentana, 

Firenze; Premio Arte Donna, Livorno. Hanno scritto 

di lei: «I suoi dipinti sono densi di colore, con il 

quale vuole rappresentare a se stessa e agli altri i 

propri impulsi. I soggetti rappresentati sono immagini 

che hanno colpito la sua vista e il suo cuore: paesaggi 

dai colori caldi dell’autunno, tramonti sui campi, 

marine al risveglio del giorno, oltre alle figure 

classiche degli affreschi e alle immagini evanescenti 

di ballerine classiche». 

229


Giovanna Luti 

Cell. 340 0864065 

giovanna.luti@yahoo.com - www.wix.com/gioluti/Giovanna-Luti 

Alice in the Wonderland, tecnica mista, cm. 50x70 

Esmeralda, olio e foglia oro su tela, cm. 60x80 

Giovanna Luti vive e lavora a Firenze. Docente di Arte, ha 

frequentato i corsi dell’ Accademia di Belle Arti della 

sua città diplomandosi con il massimo dei voti. Ha esposto 

le proprie opere in mostre personali e collettive, spaziando 

fra la provincia di Firenze e in varie città d’Italia e d’ Europa. Il 

linguaggio espressivo dell’artista fiorentina, attraverso una 

personale e alquanto soggettiva analisi, in particolare dell’ universo 

femminile, esprime una continua ricerca fra il colore e la 

materia, fra la linea e il volume. Metafore di un cammino, le 

sue figure, quasi silenziose presenze, eleganti e allo stesso 

tempo accattivanti, rappresentano le icone di un nuovo presente, 

di una realtà in movimento che si concreta e abita in luoghi 

senza tempo in cui fugaci ombre, come apparizioni momentanee, 

sembrano poter sfilare e sparire senza preavviso dalla 

tela, nonostante la loro apparente immobilità volumetrica. 

Contornate da un’animata trama pittorica e da un’aura di segni 

ritmici, a volte calligrafici, che sembrano fuggire dalle vesti per 

intersecarsi con gli sfondi, queste figure vivono sospese in 

Primavera, olio su tela, cm. 40x40 

spazi astratti dove pochi e ricercati spunti diventano 

lo strumento visivo e la chiave di accesso a un mondo 

di rivelazione. Figure-simbolo, che si mostrano nella 

loro realtà per farsi emblema di intimi rifugi e di inviolabili 

contenitori di un vissuto tutto al femminile 

che, nelle ricercate scarnificazioni volumetriche, descrittive 

e spazio-temporali, acquista valori universali 

e una forza di comunicazione sorprendente. 

230


Mariella Magherini “Maghe” 

Firenze - Cell. 338 8497252 

Naufraghi, 2011, carta di giornale su telaio e acquerello 

cm. 92x71.5 

Offerta, 2009, carta di giornale su telaio e acquerello, cm. 55x45 

“ Carta di giornale, un po’ di legno come supporto, 

colpi di acquerello per amalgamare l’idea 

conservando parziale visione della stampa. 

Materiali banali scelti non per motivi ecologici, o non 

solo, ma per la leggerezza che mi permette di lavorare 

in bassorilievo. Non ho certo abbandonato i profumati 

colori ad olio, i paesaggi vasti ed i cieli tumultuosi: 

solo un momento, non so quanto lungo, di esplorazione 

di altra materia che contiene già segnali di comunanza 

con le realtà quotidiane. Le dita si spingono 

nelle superfici, dentro gli anfratti e l’occhio cerca le 

ombre inaspettate, in continuo movimento al variare 

di luci: un “gioco” stimolante, mai del tutto legato a 

regole”. 

231


Jacqueline Magi 

Cell: 392 2201220 

jacqueline.magi@alice.it 

Pesci, tecnica mista su tela, cm. 70x80 

Jacqueline Monica Magi dopo la Laurea in Giurisprudenza 

presso l’Università di Firenze, è divenuta 

Magistrato ordinario con funzioni di Sostituto 

Procuratore della Repubblica (Tribunale di 

Pistoia) e Giudice del Lavoro (Tribunale di Livorno). 

Attualmente divide la sua vita tra la professione di 

Giudice Penale al Tribunale di Prato, dal 2011, e la sua 

passione per l’arte. Ha svolto relazioni in moltissimi 

convegni e pubblicazioni nella sua materia, ma nel 

2006-07 è stata anche docente magistrale di Storia 

dell’Arte contemporanea ad un Master presso l’Università 

di Firenze. Artisticamente, come scrittrice, dal 

2007 pubblica moltissimo per l’editore Del Bucchia 

(Viareggio) e ha ricevuto importanti premi per la narrativa. 

Collabora stabilmente al mensile “Il Giullare” 

con rubriche di commento e recensioni di libri. Come 

pittrice e come fotografa fa parte del movimento 

GLAM ART e ha esposto in molte mostre sia personali 

che collettive. Ha illustrato vari libri di fiabe della 

scrittrice Franca Dada e di Caterina Giannelli, nonché 

libri di poesie di Luca Lotti. Presso una scuola di Montecatini 

Terme si trovano due aule da lei dipinte, mentre 

suoi quadri, disegni e foto arredano alcuni bar e 

ristoranti di Pieve a Nievole (PT), Montecatini, Livorno 

e i corridoi del Tribunale di Prato. 

“Jacqueline Magi si può definire in termini tecnici una 

cross over; vale a dire il saltare indifferentemente tra 

tecniche e stili al fine di trovare la giusta rappresentazione 

per un’idea”. 

Angela Galli 

“..quei pochi spezzoni colorati erano inconfondibili 

“tracce” d’artista vero..una freschezza d’immagine, 

una sapienza nell’accostamento dei colori, un tratto 

secco e sicuro, che solo un artista di razza può esprimere”. 

Daniele Menicucci, 2006 

232


Carmen Manca 

Via Matteotti, 3 - 51100 Pistoia 

Cell. 339 6642006 - carmen.manca@virgilio.it 

Carmen Manca è nata ad Orroli, in provincia di 

Nuoro nel 1952. Ha compiuto gli studi artistici 

a Cagliari e ha maturato le proprie esperienze 

tra Bologna e Firenze. Ha frequentato la Scuola di 

Nudo dell’Accademia di Firenze, La Bottega dell’Arcimboldo 

di Firenze e Pistoia, dove attualmente è titolare 

della cattedra di Disegno e Storia dell’Arte presso 

il Liceo “Forteguerri”. Da sempre attiva nel 

panorama artistico pistoiese e toscano, negli ultimi 

anni ha visto crescere le sue collaborazioni con artisti 

e galleristi della zona allestendo mostre importanti e 

presenziando a collettive di prestigio, anche fuori dal 

territorio regionale. Tra queste si segnalano: la personale 

Teatri Colonne Arazzi (2007, Polo tecnologico, 

Quarrata); Artisti per i Diritti Umani (2007, Chiesa di 

S.Carlo dei Barnabiti, Firenze); Otto marzo solo donne 

(2008, Galleria Marte, Pistoia); Sante Madri e Rivoluzionarie 

(2009, Oratorio San Giovanni Battista, Pistoia); 

installazioni presso l’Istituto di Ricerche Storiche 

e Archeologiche di Pistoia (2009); murale in Sardegna 

(2010) e in Spagna (2010); mostra per i ”150 anni 

dell’unità d‘Italia” (2011, Tribunale di Pistoia); mostra 

personale Atelier Ardesia, Pistoia (2011); collettiva 

Balaton Szinhàz,Simàndy terem-keszhely (2012); Budapest, 

A Killitàst Megnyitja (2012); collettiva Chiosco 

Antico della Basilica di S.Croce Firenze (2012). 

L’opera pubblicata in questo volume rende conto della 

raffinata tecnica esecutiva ma soprattutto della 

grande forza espressiva scatenata attraverso colori e 

forme di notevole impatto visivo. Questo lavoro può 

dirsi una tappa di un lungo percorso iniziato da Carmen 

Manca negli anni Settanta e segnato da momenti 

significativi espressi negli acquerelli del periodo 

compreso tra gli anni Settanta-Ottanta, nell’astrattismo 

degli anni Novanta e nel polimaterico dell’ultimo 

Senza titolo, 2012, tempera all’uovo, cm. 120x80 

periodo. Oggi l’artista si confronta con la rappresentazione 

e l’incontro con volti e figure umane che nascono 

dal colore e dai segni. Particolarmente importante 

è il gesto pittorico lieve ma potente e incisivo. 

Carmen è un’artista a tutto tondo che in tanti anni di 

attività ha lavorato sulle forme, sui materiali, e che 

ancora oggi ha molto da dire e da comunicare attraverso 

le sue opere; un’artista che segue il suo istinto 

isolato al di là delle più riconosciute forme visive. 

233


Giovanna Malinconi 

Via Aligi Barducci, 19 - 50141 Firenze - Cell. 320 1170099 

giovanna.malinconi@gmail.com - http://riciclareconarte.altervista.org. 

In foto i cappellini di Giovanna realizzati con plexiglass, plastica, acciaio armonico e pietre. 

Giovanna Malinconi è nata a Pistoia il 23 ottobre 

1951. All’età di sei anni si è trasferita con i 

genitori a Firenze, dove ha concluso gli studi 

con la laurea in Giurisprudenza e tutt’ora vive con il 

marito. Ha due figlie già grandi. Il padre Ilio è stato un 

pittore per diletto fin da giovane e Giovanna è cresciuta 

in mezzo ai pennelli. Da sempre curiosa e desiderosa 

di vedere nuove forme generate dalle sue mani ha 

iniziato presto a dipingere su stoffa, utilizzando avanzi 

trovati in casa; toccandoli le facevano scaturire, 

attraverso la leggerezza o il colore, pensieri che ha 

chiamato poetici, ha cercato di fermarli in immagini e 

versi e sono nati sciarpe e coprispalle. Non si è fermata; 

si è guardata intorno ed ha visto… tanta plastica. 

Si è chiesta: perché non darle nuova vita dopo il suo 

primo utilizzo? Molti usano l’acqua minerale e così 

montagne di bottiglie si accumulano: ognuna ha 

“un’anima”, tiriamola fuori! E sono nati oggetti di artigianato 

“povero” che esprimono la personalità 

dell’artista. Ha spaziato dai fiori, ai centrotavola, alla 

bigiotteria, fino alle acconciature nate attraverso il 

riciclo del plexiglas. Ogni pezzo è originale, plasmato 

attraverso il calore. Sono il fuoco, la manualità e la 

pittura che partendo dall’oggetto originario arrivano 

ad esprimere una natura profonda e misteriosa che 

forse la materia, seppur considerata vile, ha già in sé 

e viene risvegliata ad una seconda vita narrando storie 

che l’estro di Giovanna legge. 

Ha partecipato con due sue creazioni in plastica alla 

sfilata “Dal cardato alla couture” della Maison Giuliacarla 

Cecchi al Museo del Tessuto di Prato, il 24 settembre 

2010; con i “plexy-hat” - quali acconciature 

234


Giovanna Malinconi 

In foto alcuni esempi delle creazioni di Giovanna Malinconi realizzate con materiali di recupero 

(plastica, pelxiglass, acciaio armonico, pietre, etc). 

per l’intera sfilata della Maison Giuliacarla Cecchi - 

alla “Festa d’Estate” di AIDDA Toscana a Villa Fani a 

Firenze, il 7 luglio 2011; con tre piccole “sculture in 

plexiglas” all’asta di beneficenza “Arte e Solidarietà” 

per la realizzazione di una ludoteca per i figli dei reclusi 

nel Giardino degli Incontri del carcere di Sollicciano 

di Firenze, il 9 ottobre 2011; il 12 luglio 2012 i “plexyhat” 

sfilano ancora per la Maison Giuliacarla Cecchi 

nel Cortile dell’Ammannati di Palazzo Pitti durante la 

manifestazione “Firenze sotto le stelle”, unitamente 

alla macchine d’epoca del CAMET a favore di ANT 

onlus. I fiori del “riciclo d’arte” sono sempre presenti 

agli eventi dell’Associazione Culturale Arcoiris. 

“Definire “artigianato” le creazioni di Giovanna Malinconi 

è riduttivo se si considerano il lavoro che sta 

dietro ogni sua realizzazione, l’originalità del processo 

creativo e la sapiente valorizzazione di ciascun 

materiale in base alle sue qualità strutturali e cromatiche. 

Alla base di tutto vi è la grande passione che 

alimenta la scelta di creare oggetti unici e preziosi 

partendo da materiali poveri - in special modo plastica 

e plexiglass - che la fantasia, supportata da una 

tecnica lungamente esercitata, nobilita e trasforma in 

dettagli di un’eleganza senza tempo. Recuperare per 

far rivivere, per mutare la funzione d’uso in valore 

estetico. Un’operazione artistica che può dirsi un ready 

made dei nostri tempi; senz’altro una risposta intelligente 

alla civiltà dello spreco e dei falsi bisogni”. 


235


Maria Cristina Mannucci 

Via Palazzuolo, 46 - 50123 Firenze 

Cell. 320 3422935 

Nostalgia, olio su tela 

Maria Cristina Mannucci è nata a Merano (BZ) 

il 20 maggio 1949. Si è diplomata all’Istituto 

Statale d’Arte di Firenze (sezione Arti Grafiche) 

con la professoressa Zena Fettucciari Checchi e 

successivamente all’Accademia di Belle Arti di Firenze 

nella sezione Pittura. 

“La sua pittura non è facile, è ricca di elaborazioni 

psicologiche e madida di sudore concettuale, sicuramente 

pittura vera; è la manifestazione di una concezione 

della vita che riduce al minimo il divario consumistico 

tra quello che ha e le cose sciocche che non 

ha. È il dolce succulento equilibrio di una creatura che 

distingue il loglio dal grano, essendo ben capace di 

credere nelle cose che valgono, senza farsi abbandonare 

dai lustrini e dal fascino dell’effimero”. 

Candido Po, 1987 

236


Maria Luisa Manzini 

Via Orcagna, 16 - 50121 Firenze - Tel. 055 660485 

mluisa.manzini@hotmail.it 

Al vento, 2012, olio su tela, cm. 50x50 

Medaglie, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Maria Luisa Manzini è nata a Tizzano (Bagno a 

Ripoli). Oggi vive, scrive e dipinge nella sua 

casa di Firenze. Le sue opere sono state 

esposte nel tempo in mostre sia personali che collettive 

ed appaiono pubblicate in numerosi cataloghi e 

libri d’arte. 

Stecchi, fili d’erba, foglie, fiori, paesaggi senza vento 

ne’ ombre, case senza porte ne’ finestre ne’ passi 

umani: così cerco di dar voce all’amore che ho per la 

natura, al suo mistero. 

Mi capita di aver dentro sentimenti ed emozioni che 

non riesco ad esprimere con le parole. 

Allora le affido al linguaggio muto degli occhi, della 

mano e del cuore. 


Nebbie in autunno, 2010, olio su tela, cm. 40x50 

237



Villamagna, 1990, olio su tela, cm. 30x40 

Maria Luisa Manzini, già al primo impatto, trasmette 

quella sensazione di pacata rappresentazione figurativa 

che definisce la realtà visivamente sospesa tra il 

reale ed il sognante. 

Trovo nelle sue tele quella definizione impressionistica 

che sa cogliere, attingendo ai suoi stati d’animo 

immediati e genuini, i significati meno espliciti della 

scena rappresentata, a favore di una visione d’insieme 

che sottrae il reale allo stereotipo, proiettandolo 

invece in un’aura inusuale pur rimanendo domestica. 

Persino nella resa degli stecchi, la loro esile fisiologia 

ispira immagini senza turbamento e li definisce quasi 

auree sculture, come avulsi da una realtà fin troppo 

prosaica. 

Nella serie dei fiori insiste in una gamma di colori che 

mai deflagrano per una tavolozza improbabile, ma 

conservano la tenue florealità che ad essi compete 

nella natura e nell’arte. 

Donato Massaro 

Ho conosciuto Maria Luisa Manzini qualche anno fa, 

per caso, e, da subito, ho amato le sue opere. 

Maria Luisa mostra quei suoi “magici” quadri, di paesaggi 

e nature morte, dove i colori, accostati perfettamente, 

rivelano la maestria e la sicurezza di una mano 

felice, che sa guardare la natura, amarla e trasmettere 

questo amore. Lontana dalle mode di oggi, in lei si 

scoprono esempi antichi, impasti materici che ci rimandano 

alla cultura toscana dei macchiaioli. 

Ma la sua maggiore abilità sta nel dipingere in piccole 

dimensioni. Poche pennellate minuscole sovrapposte 

nelle tonalità di base, fanno vivere rose, peonie, tulipani, 

lillà, semplici bacche e fiori di pesco. È un tripudio 

di colore sempre controllato, mai eccessivo, dato 

con piccolissimi pennelli, in campiture sempre in crescendo 

fino all’esplosione finale. 

Barbara Santoro 

238


Franca Maria Marasco Busoni 

Via della Capponcina, 81 - 50135 Firenze 

Tel. 055 697408 

Paura di volare, 2003, materica su tela, cm. 40x30 

È 

stata figurinista di moda e poi, dopo aver frequentato 

la Scuola Libera del Nudo all’Accademia 

di Belle Arti, si è dedicata, con diverse tecniche, 

alla pittura materica e alla grafica. È stata 

presente a collettive della mostra in piazza del Gruppo 

Donatello e, nel 1988, ha partecipato su invito della 

curatrice Giuse Benignetti alla originale mostra J&J 

“Jeans d’Autore” nella prestigiosa sede della Palazzina 

Presidenziale nell’ambito di Pitti-Uomo. In quell’occasione 

fu edito uno dei primi video-catalogo. 

239


Annamaria Maremmi 

Cell. 330 909444 - www.annamariamaremmi.it 

annamaria_maremmi@hotmail.it - annamaria.maremmi@gmail.com 

del Comune di Signa; West Florence Hotel, Campi Bisenzio 

(Firenze); con il patrocinio dell’Assessorato 

alle Politiche Sociali, nuova mostra a Villa Rucellai 

“Cittadine, donne in Arte”; Caffè Storico-Letterario 

“Giubbe Rosse”, con il patrocinio del Dipartimento 

Cultura del Comune di Pontassieve. Finalista alle 

quattro ultime edizioni del “Premio Firenze” in Palazzo 

Vecchio e vincitrice del terzo premio al concorso Caran 

d’Ache indetto dalle “Giubbe Rosse”. Presentazioni 

critiche di Alberto Gavazzeni, Lucia Mongardi, 

Daniele Menicucci, Roberta Fiorini, Ugo Fortini, Marco 

Moretti, Pierfrancesco Listri e del maestro Piero 

Panza. 

Soffio di vento, 2012, olio su tela, cm. 80x60 

Nata a Roma, ha imparato in famiglia l’amore e 

la passione per l’arte. Completati gli studi superiori, 

si trasferisce a Firenze dove inizia l’attività 

artistica negli anni Settanta, con collettive e 

personali, ottenendo numerosi riconoscimenti. Inserita 

in numerose pubblicazioni d’arte, fa parte di associazioni 

culturali, fra le quali, l’Antica Compagnia del 

Paiolo. Le più recenti personali: Hotel Mediterraneo 

di Firenze; con il patrocinio del Comune di Campi Bisenzio, 

sede comunale di Villa Rucellai; Sala Archivio 

Storico con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura 

“Nel formulare una sorta di naturale equilibrio tra cifre 

che possono apparire di segno opposto, come realtà e 

sogno, figurale e indefinito, la pittura di Annamaria 

Maremmi riesce ad attraversare un territorio quanto 

mai esteso e frequentato nella storia e nella tradizione 

salvando una sua spiccata sigla che le consente di 

solcare temi come la figura femminile, il paesaggio, la 

natura morta, e dotarli di nuove suscitazioni al filtro 

della sua indole dinamica e poetica. La sua è infatti 

una ricerca costante e mobile ma, allo stesso tempo, 

coerente. Annamaria ama percorrere non solo tematiche 

diverse - e qui potremmo aggiungere al citato repertorio 

anche i “suoi” cavalli - ma anche spingere la 

propria espressività a misurarsi e sperimentare stimoli 

sempre nuovi rifuggendo l’immobilismo del già consolidato 

risultato. Questo atteggiamento rende particolarmente 

vivo il suo linguaggio ed il suo percorso 

che appaiono comunque tenere, come valore inalterato 

e irrinunciabile, l’attributo della luce, quasi fosse il 

suo numero guida capace di assimilare la sua visione 

più naturalistica e quella più onirica alla medesima 

qualità atmosferica.” 


240


Ambretta Mari 

Abit.- studio: via Il Prato, 36/b - Loc.Donnini - 50060 Reggello (Firenze) 

Tel. 055 860078 - Cell. 338 1092977 - ambrettamari@libero.it 

Gli abissi, olio su tela, cm. 100x80 

Nata a Firenze, vive e lavora a Donnini (Firenze). 

Pittrice autodidatta, oltre a dipingere con 

il classico metodo ad olio esegue opere in ardesia 

con scagliola, tecnica antica simile al mosaico, 

che le è stata trasmessa dal padre. Attiva sin dai primi 

anni Sessanta ha partecipato a varie rassegne, 

fiere e premi dove ha ottenuto significativi riconoscimenti. 

Fra le esposizioni più recenti si ricordano: nel 

2006 la mostra presso la “Casa di Giotto” a Vicchio, 

nel 2007 la realizzazione di un’opera muraria sempre 

a Vicchio, il concorso “Cardo d’argento” a San Domenico, 

le collettive alla Villa Reale a Rufina e alla Galleria 

“Gadarte” di Firenze, e la segnalazione al V 

Concorso di Pittura a Pontassieve. Nel 2008 è premiata 

al XXIII “Premio Italia per le Arti Visive”, espone in 

personale presso la Galleria del Candelaio di Firenze, 

alla Fiera “Immagina” di Reggio Emilia e ottiene la 

Segnalazione Speciale per la Tecnica al XXVI “Premio 

Firenze”. Nel 2009 tiene una nuova personale alla 

Galleria del Candelaio e alla Biblioteca Comunale di 

Pontassieve. Del 2010 è la personale alla Casa di 

Giotto a Vicchio e la rassegna “Variabili Alchimie” al 

Palazzo del Fiorino di Greve in Chianti. Sue opere 

sono presenti in collezioni pubbliche e private e in 

permanenza presso la Galleria del Teatro Romano di 

Fiesole con la quale espone dal 2010 in diverse rassegne 

ed alla Fiera ArtExpo di Arezzo ed a International 

Art Fair di Innsbruck. 

241


Ambretta Mari 

Per un attimo nel cielo, ardesia con scagliola, cm. 76x42 (2) 

Pietrapertosa, olio su tela, cm. 80x60 

“Per comprendere meglio l’essenza comunicativa di 

Ambretta Mari bisogna addentrarsi più in profondità 

nel suo lavoro... riconoscendo nell’incontro tra ardesia 

e gesso scagliola il punto fermo del suo iter espressivo. 

Nasce da questa peculiare associazione, indipendente 

da ogni costrizione tecnica, l’originalità di questi 

lavori che nella perfetta convivenza tra scultura e 

pittura, sigillano le sue capacità scultoree nel difficile 

intaglio dell’ardesia ed evidenziano un’altrettanto importante 

sensibilità cromatica nell’unione tra scagliola 

e terre coloranti... È la pittura a godere delle maggiori 

libertà stilistiche permettendo di raggiungere 

interessanti picchi di sperimentazione formale. I paesaggi... 

caratterizzati dalla freschezza di una pittura 

rapida e di tocco in cui si palesano influenze espressioniste... 

e nuove armonie cromatiche che diventano 

il soggetto di tutte quelle prove in cui i confini della 

figurazione vengono superati per risolversi in griglie 

geometriche e astratte...sono le diverse fasi di un 

cammino ricco di sollecitazioni visive ed emotive...” 


242


Elena Mariotti 

Studio in Pontassieve (Firenze) 

Cell. 333 4765888 - wendy.kandy@tin.it 

Ninfee, olio su tela, cm. 80x60 

Nasce a Roccalbegna (Grosseto), in un piccolo 

borgo tra l’Amiata e la Maremma. Dopo la 

Maturità Magistrale conseguita a Grosseto, 

si stabilisce a Firenze, dove lavora e frequenta il Corso 

di Nudo dell’Accademia di Belle Arti e la Scuola di 

Fotografia Industriale dell’Istituto Tecnico “Leonardo 

da Vinci”. Dipinge ed espone con le associazioni 

“Aalt” e “Nomya” in Firenze e Pontassieve (Firenze) e 

con l’Associazione “Dalle terre di Giotto e del Beato 

Angelico” nel Mugello e in Valdisieve. È tra i fondatori 

dell’Associazione Culturale “Cassiopea” di Rufina 

(Firenze); è membro del Gruppo Letterario “Incontr’Arte” 

di Pontassieve. Dipinge e scrive, soprattutto racconti 

e poesie, ottenendo riconoscimenti e segnalazioni 

anche a livello nazionale (1° Premio Viareggio 

Carnevale, Premio “Millepagine” 1995, Premio Concorso 

Letterario 2009 a Londa (Firenze) - Pubblicazione 

di due racconti per il Premio Molinello. Nell’ambito 

del “Toscanello d’oro 2000” partecipa alla rassegna 

di pittura, scultura e poesia presso il Castello del 

Trebbio in Pontassieve. 

“Dipingo la natura, per gratitudine verso una madre 

che non ne conosce affatto; affascinata e innamorata 

dei suoi colori, della sua vita prorompente, della sua 

grazia e perfezione. Dipingo l’uomo, perso nel mondo 

artificioso e complicato che egli stesso si è costruito, 

la sua innocenza e la sua miseria, la tenerezza e la 

durezza, la sua sconfinata solitudine alla ricerca di 

una felicità che crede di trovare nelle grandi imprese 

e che invece tocca ogni giorno, nelle semplici manifestazioni 

dell’amore” 

Elena Mariotti 

243


Laura Martelli 

Cell. 339 6296832 

mlaura71@virgilio.it 

Il tramonto e l’estasi, 2012, olio su fondo materico (gesso e sabbia) 

su cartoncino telato, cm. 60x80 

Laura Martelli nasce a Poggibonsi, dove tuttora 

risiede, il 3 ottobre 1971. Consegue la maturità 

all’Istituto Statale d’Arte a Porta Romana a Firenze 

con ottimi risultati. In seguito abbandona l’arte 

fino al 2007 anno in cui si iscrive al Laboratorio di Arti 

Visive del maestro Claudio Giomi. Partecipa a collettive 

a Poggibonsi, Colle Val d’Elsa e San Gimignano ed 

a vari concorsi riportando anche alcune vittorie, “L’arte 

è donna” a Ulignano 2011; “Concorso Il Pigio” a 

Poggibonsi 2012; “Arte in vetrina”a San Gimignano 

2012. La sua pittura è prevalentemente su tela con 

colori ad olio, ma realizzata su fondi materici prodotti 

con resina, gesso o altri materiali e utilizzando foglie 

d’oro, rame ed argento per creare riflessi inaspettati e 

densi d’effetto. I soggetti che più ama rappresentare 

sono fiori, nature morte, ma soprattutto donne principalmente 

orientali nella loro vita quotidiana ma anche 

in momenti di riflessione. La pittura per Laura 

Martelli è diventata voglia di esistere al di là del quotidiano, 

amore per mondi diversi e lontani eppur così 

simili al nostro, ricerca di qualcosa di nuovo pur con 

sapore antico, la realizzazione del suo essere senza 

interferenze. I suoi quadri sono esposti stabilmente 

nei locali dell’Associazione Artisti del Presente a Poggibonsi 

(Via Gallurì 1) e in alcune collezioni private. 

244


Gabriella Martino 

Viale della Toscana, 17 - 50127 Firenze 

Tel. 055 4222807 - gabimar@alice.it 

Colata di lava, olio su tela, cm. 80x60 

Gabriella Martino, vive e lavora a Firenze. La sua 

tesi di laurea in Critica Letteraria, conseguita 

all’Università di Firenze con la votazione di 110 

e lode, ha riscosso notevoli consensi. Professore, 

scrittrice, pittrice, poeta, saggista, giornalista, è pluriaccademica 

ed è stata nominata Cavaliere dell’Arte 

“per i risultati ottenuti nell’evoluzione culturale, artistica 

e sociale”. Inoltre, collabora ad iniziative editoriali 

e culturali; è tra i soci fondatori e membro attivo 

del Gruppo di servizio per la Letteratura Giovanile; è 

socia di diversi sodalizi, circoli artistici e culturali. Pittrice 

affermata, le sue opere sono presenti in raccolte 

pubbliche e private in Italia e all’estero. Pubblicazioni, 

cataloghi, raccolte di poesie quali: Cieli di cristallo 

(1985); Solo un granello di sabbia (1987); Un sogno in 

tram (1988); Uccello di ghiaccio (1994); Thanatos - 

Bios (1996); Chaos - Bios (1996); Eros - Bios (1996); 

Martino (1997); Gioco di specchi (1997); Psiche e luce 

(1997); In punta di penna (1998); L’invisibile dei luoghi 

(1999); Diamanti (2000); Ora la luce dei tuoi occhi 

(2002); Brusio di ore (2002); Magenta e viola (2004). 

Ha conseguito numerosi primi premi sia per la pittura 

che per la prosa e la poesia, ultimo in ordine di tempo 

il Premio Lorenzo il Magnifico con un dipinto olio su 

tela esposto su invito e selezionato alla Biennale Internazionale 

dell’Arte Contemporanea presso la Fortezza 

da Basso di Firenze. L’artista è presente in numerosi 

cataloghi nazionali e internazionali, tra cui: 

245



Fantasia e luce, olio su tela, cm. 80x60 

Mondadori, Catalogo dell’Arte Moderna Italiana; 

Arte Mondadori; Arte+Sur ’98; New Art 2000, guida 

al collezionismo (la presenta come “artista di copertina”); 

è citata da Tommaso Paloscia in Accadde in Toscana 

3; Arte Padova 2002; Antologia ANPAI; Annuario 

Toscano dell’Arte 2002; Dizionario Enciclopedico 

Internazionale d’Arte Contemporanea 2000-2001; 

Annuario d’Arte Moderna “Artisti Contemporanei”; 

International Artexpo New York 2002; la storica Accolta 

di Eletti dell’Accademia Tiberina, le ha dedicato 

un’intera pagina; è tra i protagonisti dell’opera 

Personaggi in Primo Piano; L’Arte raccontata; Museum 

Parma in Arte 2001; Venezia: Biennale a confronto 

2011. Su You Tube è presente con un omaggio 

a lei dedicato da titolo Viaggio tra le opere di Gabriella 

Martino. Hanno scritto di lei numerose riviste 

d’arte e quotidiani, tra cui: Il Giornale, La Nazione, La 

Repubblica, Italia Sera, Amici dei Musei, Il Giornale 

di Vicenza, Il Corriere di Roma, Secolo d’Italia, Eco 

d’arte moderna, La Voce, Corriere dell’Arte, Il Messaggero, 

L’Osservatore Romano, Corriere della Sera, 

Il Corriere di Roma, Arte e Cultura, Gente Veneta, 

Rivista Abruzzese, La Nuova Venezia, That’s Art, Il 

Tempo, Il Corriere del Giorno, Giornalisti in Toscana, 

Bacherontius, Il Gazzettino Venezia, Arte, Il Gazzettino, 

Brescia Oggi, Il Giorno, Il Giornale Milano, Punto 

d’incontro, Caleidoscopio, Pagine Giovani, Città di 

vita, Toscana oggi, Scena Illustrata, Oggi e Domani, 

CLUB3, Avvenire, Archivio, La Nuova Venezia e Mestre, 

L’Arena. 

246



Profilo, tecnica mista su carta, cm. 47x32 

Di lei scrive Giorgio Segato: “La Martino sembra porsi, 

proprio sul discrimine tra formale e informale, dentro 

processi di trasfigurazione, di metamorfosi, di “transmorfosi” 

anche senza recedere all’oggetto esplicito, 

all’icona (..) o all’esigenza di “comporre” pannelli polimaterici. 

Si tratta di contagi e di contaminazioni che 

intendono esaltare la vita come costante laboratorio, 

crogiolo in cui le diversità si fondono, si amalgamano, 

piano piano si confondono in diversità e in novità d’essere, 

di pensiero, di voce, di colore, di materia, d’emozione 

(…) l’artista non ha slittamenti nel surreale o 

abbandoni onirici, guarda direttamente dentro di sé, 

con rotonda coscienza, piena consapevolezza, con la 

mentalità del viaggio di scoperta, con la prensilità 

dell’osservatore clinico, esercitato e paziente, che insegue 

la ‘fioritura del sé’, scandaglia il sapere, conducendo 

“incerti passi in ogni dove” per dare senso 

all’esistenza come “frutto maturo / raggiunto / al termine 

/ di estenuanti / lunghi viaggi per città/ continenti…/ 

Nella mia domus / dialogo con geometrie / essenziali 

di spazio / scansioni cromatiche / di quadri”. 

Non c’è, dunque, l’estenuarsi di un abbandono lirico e, 

piuttosto, s’impone un controllo quantitativo e qualificativo 

della parola, del colre, della forma, quella sorvegliata 

‘misura’ che si è fatta stile del fare, dello 

scrivere e dell’essere di Gabriella Martino”. 

247



Scherzi d’arte, tecnica mista su carta, cm. 47x32 

248


Catia Massai 

Ceramiche Il Tafano di Catia Massai, via Spoiano, 8/a - 50028 Tavarnelle val di Pesa (FI) - Tel. 055 8050381 

Cell. 347 0159407 - catiamassai@dada.it - Facebook: il mio profilo Catia Massai, la pagina Ceramiche Il Tafano 

“ Mi sono diplomata Maestro Ceramista 

all’Istituto d’Arte di Firenze e successivamente, 

nello stesso istituto, ho preso la 

specializzazione in Arti Grafiche. Appena uscita dalla 

scuola, ho fatto esperienza, per due anni, presso un 

laboratorio artigianale di pelletteria per l’alta moda. 

Nel 1985 ho aperto il laboratorio di ceramica “Il Tafano” 

è da quel momento che sperimento la tecnica del 

“Colombino”. Tecnica solo manuale, che da la possibilità 

di costruire qualsiasi forma e oggetto si voglia. 

Tutta la mia produzione di maioliche è caratterizzata 

dai fregi di decoro che rimarranno in terracotta grezza 

e da altre parti smaltate e decorate a pennello, con 

ossidi metallici. 

Questo modo di costruire il vasellame è antichissimo 

e diffuso in molte parti del mondo e soprattutto qui in 

Toscana veniva usato per la costruzione dei grandi 

vasi da giardino. 

In tanti anni di lavoro, devo dire che ho ascoltato molte 

critiche e giudizi sulle mie opere. A molti, i miei 

manufatti ricordano quelli della ceramica sarda, perché 

anche in essa ci sono delle parti graffite che scoprono 

la terracotta, ad altri le ceramiche siciliane per 

i colori vivaci. Invece non mi sono mai ispirata a stili, 

forme o decorazioni tipiche, pur avendone assimilate 

le tecniche, ma ho cercato di creare manufatti con una 

connotazione artistica propria. Per molti anni ho prodotto 

oggetti d’uso, per la casa e il giardino, ultimamente 

mi sto dedicando alla creazione di “Pesci”, da 

parete, con l’unico scopo di arredare. 

249


Rosanna Matteoni 

Cell. 347 6233790 

arterosanna2@libero.it 

Sogno di buon risveglio, 2006, acrilico su tela, cm. 120x100 

Vive e opera a Pistoia. Ha frequentato l’Istituto 

Statale d’Arte di Pistoia, sezione Arredamento 

e Architettura. Il suo percorso artistico “si sviluppa, 

si evolve, muta e sperimenta continuamente, 

teso a comunicare ed esprimere emozioni, stati d’animo, 

visioni e sogni (prof. Alessandro Allegri)”. 

Ha iniziato con il figurativo per poi elaborare soggetti 

astratti di forte impatto visivo, sperimentando la tecnica 

del riciclo. L’artista scopre così un nuovo modo di 

esprimere i suoi “sfoghi emotivi” mediante materiali 

di vario genere quali: gesso, colla per pavimenti, stoffe, 

trine, cinture, chiavi ecc … 

Dal 1973 ha esposto in numerose mostre in provincia 

di Pistoia, Prato, Firenze e in Emilia Romagna. Partecipa 

ad iniziative di carattere artistico-sociale: nel 2011 

ha collaborato con i ragazzi disabili presso il Centro di 

Monteoliveto di Pistoia. 

250


Flavia Mattrel 

Studio: piazza del Carmine, 29 - 50124 Firenze - Tel. 055 697210 

Cell. 340 7665424 - flavia@ flaviamattrel.com - www.flaviamattrel.com 

Petra, tecnica mista, cm. 200x170 

Veneta di nascita e svizzera di adozione, normalmente 

si divide tra Losanna e Firenze. Pur risentendo 

delle origini mitteleuropee, il suo percorso 

artistico si snoda tra l’Accademia d’Arte di Firenze, 

l’esperienza di viaggi e lavoro nel Nuovo Messico, 

Messico, Medioriente, Irlanda, Francia e Stati Uniti. 

L’incisione e altre tecniche di grafica le apprende alla 

Scuola Internazionale Il Bisonte, diretta da Maria Luigia 

Guaita. Suoi lavori si trovano in Francia, a Saint 

Remy, negli Stati Uniti, a New York e Los Angeles, in 

Giappone, a Tokio, in Italia, a Firenze, presso la chiesa 

di San Martino a Mensola, e a Nuoro nella chiesa di 

Santa Giuliana a Straulas. Ha partecipato a varie mostre 

personali collettive in Italia e all’estero. Tra gli 

eventi più recenti si ricordano: realizzazione del “Calendario 

Società Italiana dell’Iris 2005” le cui litografie 

sono state seguite presso la stamperia d’arte Edigrafica 

a Firenze; esposizione annuale di Maussanne 

Les Alpilles in Provenza; l’esposizione-concorso della 

Società Italiana dell’Iris presso l’Antica Officina Profumo 

Farmaceutica di Santa Maria Novella a Firenze; 

mostra personale presso la stamperia d’arte Edigrafica; 

realizzazione su commissione della litografia artistica 

“Cristo” per Villa Gisella (Firenze); personale 

presso la chiesa di San Martino a Mensola (Firenze); 

personale alle Giubbe Rosse (dicembre 2012). 

251



La montagna incantata (particolare), tecnica mista, cm. 185x120 

“Oggi la pittura come la scultura e la musica, secondo 

me, devono cercare di rappresentare con intensità il 

momento storico che stiamo vivendo e tentare di spiegarlo. 

Questo significa sentire il desiderio di provare 

stupore, rivendicare onestà, sfrondare gli orpelli, ritornare 

alla natura, usare l’intelligenza e quanto ci offre 

l’esperienza del proprio cammino. Il materiale che uso, 

vale a dire la tavola di legno con sovrapposizione di 

brandelli di fogli aderiti e compressi con vari strati di 

ammanitura, è quindi volutamente ruvido, in attesa di 

essere plasmato per evocare emozioni”. 


252


Giulia Meattini 

Via Belvedere, 5/2 - Loc. La Corsina - 53031 Casole d’Elsa (SI) - Tel. 347 0804455 

giuliameattini@yahoo.it - www.facebook.com/giulia.meattini 

Gli amanti, 2011, olio su tela, cm. 60x100 

Giulia Meattini nata a Montalcino (Siena) si trasferisce 

stabilmente nella Val d’Elsa; interessata 

da sempre a qualsiasi forma d’arte frequenta 

la Scuola di Teatro Theatrikos di Colle Val 

d’Elsa dal 2005 al 2007; si iscrive successivamente a 

vari corsi di Patchwork , l’arte di disegnare con le stoffe, 

e di disegno. 

L’artista senese da autodidatta disegna e dipinge da 

sempre esplorando varie tecniche e materiali e dal 

2008 fa parte degli allievi del maestro di pittura Renzo 

Regoli (Siena). 

Tiene molte mostre personali (“Orizzonti” Biblioteca 

Comunale di Monteriggioni, “Mostre a Palazzo” Comune 

di Casole d’Elsa, “Cristal Casa per Ferie” Colle 

Val d’Elsa, ecc.) e collettive (“I Ritratti delle Pietre di 

Maurizio Elviretti” curata da B. Ciani, ecc.) ed a numerosi 

concorsi di pittura. (S. Ansano a Dofana, ecc.). 

Agli esordi l’artista studia il paesaggio, toscano e 

non, producendo opere iper-realiste in cui la presenza 

della figura umana è pressoché assente mentre imperversa 

una natura bella e sconfinata dove l’occhio si 

perde verso l’orizzonte e nelle quali si nota una visione 

estatica della vita e dei suoi significati. 

Seguendo la sua crescita personale, le opere si modificano 

si trasformano. 

L’artista indaga nuove tecniche miste, materiali che si 

fondono con la tela, come i giornali, parole strappate 

da fogli di carta, parole dipinte che si fondono con 

l’opera stessa, stralci delle sue poesie personali che 

rafforzano il concetto e il significato che con i suoi 

quadri vuole trasmettere allo spettatore. In un susseguirsi 

di messaggi sull’esistenza e i suoi aspetti più 

reconditi, in una continua ricerca di se stessi negli altri, 

come se fossimo tutti degli attori che fanno parte 

di “questa grande commedia che è la nostra vita”. 

253


Miranda Mei 

Via Don Lorenzo Perosi, 26 - 50127 Firenze 

Tel. 055 4368598 - Cell. 339 2521039 - mirandamei@alice.it 

Curiosità, 2012, acrilico su tela, diametro cm. 80 

Miranda Menicucci Ascani Mei nasce a Pisa , 

città nella quale da ragazza condivide il clima 

dell’avanguardia pittorica concettuale, 

sperimentando le varie tecniche pittoriche con il maestro 

G. Viviani. Nel 1970 e successivamente nel 1974 

si stabilisce a Parigi e nel 1980 a Brussels, dove vive 

esperienze lavorative come Art Director, ma si occupa 

soprattutto di studiare la pittura nei più importanti 

musei e circoli cittadini. Rientrata nel 1985 a Firenze, 

rinuncia all’ attività professionale per dedicarsi solo 

alla ricerca artistica in oreficeria artigiana. Artista 

dell’Antica Compagnia del Paiolo, ha esposto nel Museo 

del Principato di Monaco e nel Museo Reale di 

Abu Dhabi. Ha partecipato e partecipa a varie mostre 

in Italia (Firenze, Roma, Milano) e all’estero (Parigi, 

Brusseles, Monaco, Madrid). Attualmente Mei è Presidente 

dell’Associazione Culturale Firenze Arte. La 

passione, la sperimentazione ed il desiderio di vivere 

in sintonia con ciò “che sta intorno” sono il principio 

sul quale fonda l’arte integrata espressionista astratta, 

che fa di emozioni e spazio un tutt’uno. Il lavoro 

sulla percezione dei colori e dei volumi legati al linguaggio 

espressivo astratto, il suo vissuto, la ricerca 

attraverso il colore e la materia sfociano nell’armonica 

realizzazione delle sue opere. 

254


Miranda Mei 

Riflessioni su di un’artista: Miranda Mei 

Ho sempre avuto una particolare predilezione per gli 

artisti che si evolvono, artisti che rifiutano una staticità 

stilistica nel tempo, artisti che “cercano” sempre. Miranda 

Mei è, a mio giudizio, quasi un prototipo di questo 

genere di artisti, innovatori e precursori, che poi 

sono quelli che hanno fatto la storia dell’arte. Miranda 

Mei inizia come allieva di maestri fiorentini del Novecento, 

figurativi moderni, grandi al loro tempo. Loro 

creano le basi, i fondamenti essenziali perché l’artista 

Mei possa creare poi in perfetta autonomia: è fondamentale 

partire da una conoscenza approfondita, sia 

tecnica che stilistica. Prima mettere le ali per poi poter 

volare. Questa solida preparazione è stata e sarà sempre 

importante per Miranda Mei, che quando, ad ali 

sviluppate, ha iniziato il suo volo, ha potuto farlo con 

certezze e concretezze. Le tematiche della Mei hanno 

un graduale sviluppo crescente nel tempo, il figurativo, 

anche se di accesa modernità, comincia a starle stretto: 

un uccello di grandi ali ha bisogno di grandi spazi. 

La costrizione delle linee ostacola e reprime il suo pensiero 

artistico, lei deve poter volare in libertà, ne ha 

bisogno. Ed ecco come, in questi ultimi anni, Miranda 

Mei, rotte le catene, comincia ad esprimersi in maniera 

assolutamente libera, con un astrattismo nuovo e 

personalissimo, fuori da schemi preordinati, e sprattutto 

scevro da stilemi altrui. È sorprendente il rapporto 

che Miranda Mei ha con il colore. I suoi dipinti, i suoi 

tondi, sono una sinfonia coloristica palpabile, i cromatismi 

hanno un suono, lei fa musica con il colore, osa 

accozzi coloristici che sembrerebbero improponibili ma 

ai quali riesce a dare un’amalgama e una sintonia straordinarie: 

ed ecco affiorare e farsi nitide le grandi lezioni 

dei passati maestri, la scuola, la preparazione, 

perché l’arbitrarietà coloristica non è mai debordante, 

non è mai caotica, ma sempre perfettamente contenuta, 

omogenea, sempre “nelle regole”. Bella strada, bel 

percorso quello di Miranda Mei, decenni d’arte in evoluzione, 

una sintonia artistica sempre in chiave con il 

tempo, una perenne giovinezza artistica, una perenne 

attualità. Un’artista vera. 

Daniele Menicucci, Firenze, 2012 

255


Paola Meini 

Piazza Etrusca, 1 - Compiobbi - 50061 Fiesole (FI) 

Cell. 347 2304609 - arte.paola@alice.it 

Peonie con panorama, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Da sempre appassionata di pittura, Paola Meini 

inizia a dipingere giovanissima, innamorata 

della natura e soprattutto dei paesaggi toscani. 

Ha partecipato a numerose mostre ed estemporanee 

ricevendo importanti riconoscimenti. 

256


Lucia Menchini 

Via Triozzi, 56 - 50018 Scandicci (FI) 

www.luciamosaici.it 

Trittico gocce, cm. 125x61 

Lucia Menchini, nata a Montalcino (SI) l’ 8 giugno 

1963, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze 

diplomandosi in Scenografia nel 1985. Per 

anni pittrice ad olio su tela . Nel 2007 scopre la sua 

nuova espressione artistica “Mosaici” con ceramiche 

di recupero, ispirata al maestro catalano Gaudì. Prima 

mostra personale a Greve in Chianti (FI) - Palazzo del 

Fiorino - 2009. Partecipa a varie mostre presso alcune 

gallerie toscane. Riceve una menzione di merito alla 

30° e 32° Edizione del Premio di Pittura Spiga d’ Argento 

di Montespertoli (FI). 

Sono unici i “cocci” di Lucia, sono “cocci d’ arte”, riuniti, 

incastrati, incastonati, non a caso, con quella sapienza 

e quella poesia, che solo un animo sensibile 

come il suo può far migrare da quello alla mano maestra. 

Ogni pezzetto ha la sua storia personale, un passato 

prossimo o remoto, una famiglia originaria, in cui 

per anni ha assolto fedele il compito assegnatogli (..) 

frammenti tondeggianti o appuntiti che guidati 

dall’idea già bene impressa nella mente, sotto i polpastrelli 

di Lucia si trasformano, mutano, ritrovandosi 

all’ interno di uno spazio designato, vicini e complici, 

simili e contrari, specchi e alter ego di se stessi (…) 

un’arte studiata, elaborata, vissuta dall’ artista prima 

dentro e poi fuori nei minimi dettagli. Provate a fermarvi 

ad ammirare da vicino un lavoro di Lucia Menchini 

e poi dopo un poco allontanatevi; ne capirete le 

sue due anime racchiuse. La prima è quella del particolare, 

del dettaglio, della scelta attenta e ponderata 

del pezzo, che come il tassello di un puzzle in divenire, 

da vita alle ceramiche dipinte. La seconda è quella 

dell’insieme, quella che porta, che conduce, oltre ciò 

che l’ occhio vede, dentro ciò che l’istinto sente, e che 

l’ artista a modo suo ci rimanda, per via di quel legame 

sottile e misterioso, che lo lega speciale e diverso ad 

ogni opera. È per me nelle tre “tele”astratte, che meglio 

vedo svelarsi le due anime di Lucia; cocci d’arte 

elicoidali bianchi, neri, specchio, “fermati” al loro interno 

dal centro/frammento di coperchio teiera; invito 

silenzioso alla scoperta, alla voglia di far avvicinare la 

mano al pomello e …alzare, rimanendo in attesa di 

scoprirne sotto nuove magie. Mistero d’ artista? Mistero 

di Lucia?...Suo, segreto, giardino… 

Giovanna Vannini, Firenze 2012 

257


Anna Mercati 

Via Giovanni Sercambi, 53 - 50133 Firenze 

Tel. 055 5001103 - annamercati@gmail.com 

Autunno, 1999, acquaforte su zinco, mm. 120x90 

Nata a Città di Castello (PG), dopo gli studi classicie 

si è laureata in Matematica presso l’Università 

di Firenze. Per diversi anni ha frequentato 

la Scuola Libera del Nudo e l’atelier dello scultore 

Bruno Bartoccini. Il forte spirito di ricerca l’ha portata, 

tra le altre esperienze, verso lo studio dell’incisione, 

l’acquaforte in particolare. Ha al suo attivo numerose 

mostre personali e rassegne d’arte in Italia e all’estero, 

tra cui: MSC Gallery, Texas University e Visual Art 

B. C. State University, U.S.A; Salon d’Automne, Grand 

Palais, Parigi; Artiste Fiorentine a Filadelfia; Sette 

anni di acquisti e doni, Gabinetto Disegni e Stampe, 

Biblioteca Nazionale Centrale, Firenze; 3°Internazionale 

Mini Print Lahiti, Finlandia. 

Anna Mercati è artista del silenzio. Il mezzo scelto, per 

esprimere il mondo metafisico, che fa parte integrante 

della sua personalità, è l’incisione. Le sue nature morte 

sono semplici bottiglie, melograni, foglie di tiglio, vasi 

con fiori bianchi. Apparentemente è un semplice repertorio, 

ma ci si trova dinnanzi a una sapienza dello strumento 

dell’acquaforte, il quale ben si sposa con la poeticità 

dei soggetti arcani, melanconici. 

Paolo Levi 

258


Giulia Minutillo 

Viale Petrocchi, 14 - 51100 Pistoia - Tel. 0573 994310 - Cell. 338 7969672 

www.flamia.com - flamia88@alice.it 

Il sorriso di Sadie, 2012, olio su legno, cm. 40x50 

Nasce a Pavia nel 1988, ha seguito, per passione, 

un’interessante percorso formativo nel 

campo dell’arte, articolato anche nel filone 

delle arti grafiche, seguendo un corso biennale al Liceo 

Artistico di Porta Romana a Firenze, conseguendo 

il titolo di Tecnico qualificato in Incisione e Stampa, 

nel 2010-2011. 

“Nel suo stile spicca la qualità magistrale di ritrattista, 

i cui soggetti resi con un linguaggio pittorico oggettivo, 

di forte impatto visivo, sembrano colloquiare 

con l’osservatore. La stesura del colore e la resa minuziosa 

dei particolari avvicina l’opera ad una rappresentazione 

fotografica, resa con poesia e intensa 

emozione” (Cristina Bruni). 

L’artista ha partecipato alla mostra collettiva dell’Associazione 

Culturale Della Robbia, allestita nell’atrio 

del Tribunale di Pistoia (febbraio 2012) e alla prima 

edizione del Festival di Estrobilia di Larciano (settembre 

2012). 

259


Bruna Monellini in Fanfani 

Via Donatello, 10 - 50037 San Piero a Sieve (FI) 

Sant’Anna vecchia “calvana”, 2012, acquarello, cm. 30x40 

Nasce a Castiglion del Lago (PG), ma vive e 

opera a San Piero a Sieve. Ha studiato molti 

anni a Roma, dove ha conseguito il diploma di 

stilista. Da sette anni tiene Corsi di Pittura su vetro, 

découpage, creazione di fiori di cartapesta, decorazioni 

su ceramica e stoffa usando tecniche miste. Per 

lei la pittura è una componente naturale della vita, 

come mangiare e respirare, dipinge da sempre, ma 

solo per piacere personale. Infatti non ha mai fatto 

mostre di pittura o partecipato a concorsi, perché - 

come lei afferma - “si sente a disagio”. La modestia 

e la semplicità sono il suo valore vero. Ama dipingere 

i ricordi di una natura ancora incontaminata dei suoi 

luoghi di origine, in particolare la sua Umbria e il lago 

Trasimeno. 

260


Silvia Montomoli 

Via dei Pini, 24 - 58022 Follonica (Grosseto) 

Cell. 339 4465790 - silviamontomoli@virgilio.it - Facebook SI.MON ART 

Emozione in vibrazione, 2010, olio su tela, cm. 80x100 

Silvia Montomoli, in arte SI.MON nasce a Massa 

Marittima e vive e lavora a Follonica. Autodidatta, 

cresce tra colori e tele e sente la pittura 

non solo come passione ma una necessità 

dell’anima e unico mezzo di espressione. Frequenta 

corsi di disegno e pittura, di figura, perfezionando la 

sua tecnica. Sperimenta costantemente tecniche 

nuove alla ricerca di emozioni visive diverse. Ama la 

figura, le sue donne raccontano le proprie fragilità e 

sono intrise di spiritualità. Una sua opera è stata 

ispirazione di un libro, l’opera ne è diventata, poi, 

l’immagine di copertina (La signora delle farfalle di 

Paolo Pampana - Ed Ibiskos-Ulivieri). Tiene corsi di 

disegno e pittura sia per ragazzi che per adulti. Fa 

parte di varie associazioni artistiche (di cui una ne è 

fondatrice ”SFOLLaRTE” L’Arte riconosciutamente 

sconosciuta - Follonica). La sua attività espositiva è 

varia e molto intensa, partecipa a mostre collettive, 

personali e a concorsi nazionali, ottenendo numerosi 

riconoscimenti. 

261


Giuseppina Morelli 

Via Aia, 41 - 55034 Casciana Terme (PI) 

Cell. 340 7741162 - morelligiuseppina@libero.it 

Tondo Azzurro, 2013, tecnica mista, compresa quella digitale, cm. 30x40 

Nata a Casciana Terme nel 1955, si è diplomata 

all’Istituto d’Arte di Cascina e nel 1980 si è 

laureata alla Facoltà di Architettura di Firenze. 

Professionista architetto occasionalmente e dal 

1981 insegnante: attualmente insegna all’Istituto Geometri 

Niccolini di Volterra, sezione carceraria. 

La pittura è sempre stata una sua grande passione, 

partecipando fin dagli anni Settanta a varie manifestazioni 

artistiche locali, con pubblicazioni, mostre e 

contatti, “importanti per mantenere discreti livelli di 

scambio culturale”, afferma l’artista. Le mostre più 

significative sono state realizzate a Bergamo, Venezia, 

Pontedera e Volterra. La sua potente creatività si 

esprime in maniera violenta sulla tela, di getto, creando 

una sorta di informale del tutto personale: i 

suoi quadri sono eseguiti sempre con tecniche miste, 

anche digitali. Per le improvvisazioni, Giuseppina 

inizia con il monotipo ripreso con colori acrilici o 

tempere, ma può accadere che decida di inserire immagini 

stampate, anche di quadri fotografati con ingrandimenti; 

altre volte può inserire colori a olio, 

chine, spesso pennarelli, pastelli di tutti i tipi, in una 

ricerca continua, e per lei stimolante, nell’utilizzo di 

immagini e fotografie, anche pubblicitarie sui giornali, 

per cercare di comunicare equilibrio, serenità e 

vicinanza con la natura. L’artista sostiene di non avere 

ancora raggiunto l’ultimo obiettivo: “ci sarà ancora 

una svolta artistica importante da realizzare. Il 

computer ha cambiato tante cose nel creare nuove 

opere, ma la natura del paesaggio toscano può solo 

essere rispettata come è, non sono necessarie variazioni 

digitali”. 

262


Giuseppina Morelli 

Trasformazioni Improvvise (improvvisazioni estemporanee), eseguito nel 2012 da monotipo e nel 2013 in digitale, tecnica mista su 

carta, cm. 50x70 

263


Lina Moretti Nesticò 

linanest@alice.it 

Fiore rosso, 2010, acquerello, cm. 30x40 

Vive e lavora a Lastra a Signa sulle colline presso 

Firenze. Inizia il suo percorso artistico da autodidatta 

per poi acquisire una completa maturazione 

frequentando la Scuola del Nudo presso l’Accademia 

di Belle Arti e corsi di Incisione presso la 

Fondazione “Il Bisonte” nonché corsi di specializzazione 

presso studi di artisti fiorentini. Ama esprimere le 

sue emozioni e dare vita alle sue idee usando tecniche 

diverse senza tralasciare la ricerca di nuove sperimentazioni. 

Dagli anni Novanta ha inizio la sua attività 

espositiva, ricevendo inviti di partecipazione a numerose 

mostre sia collettive che personali, in Italia e 

all’estero, conseguendo consensi di pubblico e critica. 

Sue opere sono in collezioni private e pubbliche. È presente 

in prestigiosi cataloghi fra cui il “Catalogo d’Arte 

Moderna” Giorgio Mondadori, 2012 e 2013. Hanno 

scritto di lei, fra gli altri: D. Camiciotti, T.Cordani, R. 

Fiorini, P.Levi, F.Monterosso, G.P.Trotta, L.Strozzieri. 

Fra le sue recenti mostre si ricordano: 2012, personale 

presso “La Casa di Dante”, Firenze; Galleria “La Telaccia”, 

Torino; Galleria “Monna Lisa”, Parigi; “Omaggio 

a Morandi”, G.Wiky Arte, Bologna; mostra itinerante 

“Tour del Mediterraneo”; “Artisti Italiani in mostra” 

presso le ambasciate italiane di Stoccolma, Helsinky, 

Tallin; 2013: mostra presso il Comune di Stoccarda, 

Germania; mostra itinerante in Australia, fra Sydney, 

Camberra e Mossale nonché la partecipazione con la 

G. Wicky Arte ad “Arte Genova”. 

264


Lina Moretti Nesticò 

La via Lattea, 2009, incisione a due lastre - acq. tinta cm. 100x50 

“… la sua è un’urgenza creativa che si misura a tutto 

campo con la materia dell’arte… la sua coerente libertà 

è il filo conduttore che ricuce tutti i suoi momenti, 

la fluidità e la mobilità delle accensioni cromatiche 

sono le stesse che animano i profili di un nudo, le impressioni 

di un viaggio…” 


Eco d’Arte Moderna, n.156, 2006 

“… tutta la sua opera è serietà professionale, ardore 

conoscitivo, espressione di vigoria spirituale che non 

disdegna affatto, pur nel suo empito esistenziale, la 

nota idillica e la disposizione affettuosa nell’osservazione 

della realtà…” 

Ferruccio Monterosso 

Università di Pavia, lettera all’artista 

“… un segno che esprime la fermezza dell’autrice… 

ecco a proposito del segno-colore va rilevata l’interazione 

fra la percezione del reale e intuito lirico del medesimo, 

su registri differenziati si assestano le due linee 

di ricerca…quella iconica e quella astrattista. Se 

nel primo caso la visione è verbalizzata con uno straordinario 

sintetismo di segni ed una fluidità esecutiva 

eccellente, nelle composizioni astratte …ciò che salta 

alla vista è il gusto per la materia…” 

Paolo Levi 

“Sensazioni Visive”, Ed. Giorgio Mondadori 

collana “Cataloghi dell’Arte Moderna”, 2011 

“… il percorso artistico di Lina… è caratterizzato da 

quello che definirei poetica del segno… questo strumento 

grafico grazie al quale l’artista può operare una 

sorta di immersione panica nei soggetti, in primis il 

corpo femminile che incarna la creatività, la vita, la 

convinzione di poter lasciare il segno del progresso 

nel mondo, nella storia… La sua ansia espressiva riguardante 

il tema femminile è in perfetta sintonia con 

la contemporaneità molto sensibile al problema della 

dignità troppo spesso disattesa…” 

Leo Strozzieri 

“Suggestioni d’Autore”, Ed. Giorgio Mondadori, 

collana “Cataloghi d’Arte Moderna”, 2012 

265


Ambra Morosi 

info@estensionismo.com 

ambramorosi@estensionismo.com 

numerose personali e collettive di livello. Nel 1994 

presenta la prima mostra sull’Estensionismo, 

un’avanguardia da lei creata ed alla quale aderiscono 

altri artisti e nel 1995 riceve in Campidoglio il prestigioso 

premio dell’Accademia dei Dioscuri per la sua 

ricerca. Il gruppo si scioglie nel 2004, ma la pittrice 

porta avanti la sua produzione estensionista a tutt’oggi, 

con numerose personali in prestigiose sedi italiane 

ed estere. Sue opere sono in collezioni private in 

U.S.A., Osaka (Giappone), nel Museo di Arte Moderna 

di Cracovia e nella Galleria Vaticana. 

Lovers, olio su tela, cm. 100x150 

L’arte di Ambra Morosi ha origine nei primi anni 

Ottanta da esperienze classicheggianti e successivamente 

iperrealiste. Dal 1984 al 1994 ha 

lavorato ad una continua ricerca di “trasformazione 

sfumata della materia” cioè ad una particolare tecnica 

di sfumato che non toglie ma costruisce la forma. 

Le prime esperienze espositive risalgono al 1984; da 

allora è sempre presente nel panorama artistico con 

“Lo sguardo dell’ artista si fa dunque lungo e “prensile”. 

Non può sostare sul visibile in natura, né contare 

sulla sola percezione retinica per aprirsi al mondo. Se 

si intraprende una terza via, occorre insomma anche 

un “terzo occhio” uno strumento capace di penetrare 

dentro zone che non sono, si badi bene, quelle dell’inconscio 

e dell’onirico sondate dal surrealismo storico. 

Perché la Morosi non ipotizza una realtà “su” ma “dentro”: 

quella che, pur nella sua qualità fisica e fenomenica, 

non è avvertibile dall’occhio e dalla coscienza. 

Pittura del limite, si potrebbe dire, che è poi il confine 

tra esperienza visiva e psichica, là dove l’immagine 

viene colta al suo primo apparire e/o un attimo prima 

della sua scomparsa. Quello che vediamo si svolge 

entro una temporalità soggettiva, nell’arco di una durata 

che può cogliere solo momenti di trasformazione, 

ritratti mutanti, quantità di materia che si condensa e 

si dissolve, impalpabile eppure sempre avvertibile 

come un fenomeno conosciuto o riconoscibile, anche 

se “altrove”, nel territorio che appartiene all’universo 

interiore dell’artista.” 

Giuliano Serafini 

266


Alexandra Morris 

www.alexandramorrisphotography.com 

amorris9@gmail.com 

Senza titolo, 2010, foto a colori, px 4288x2848 

Nata a Denver, Colorado, nel 1985, Alexandra 

Paige Morris si laurea a pieni voti presso il 

Sarah Lawrence College di New York. Il suo 

interesse per la fotografia si sviluppa fin dall’adolescenza 

e porta Alexandra ad immergersi sempre di 

più nella sua unica e personale visione del mondo. 

Dopo uno Stage presso la CNN fra il 2006 e il 2007, 

Alexandra si trasferisce a Firenze, per frequentare la 

Libera Accademia delle Belle Arti contemporaneamente 

collaborando come fotografa per il World Food 

Programme fino al 2010. 

Acquista ufficialmente lo status di “toscanaccia”, sposando 

un fiorentino doc nel dicembre 2011. Da allora, 

Alexandra Morris continua ad affermarsi come fotografa 

di livello e spessore, invitandoci a vedere il mondo 

attorno a noi attraverso le lenti della sua Nikon. 

267


Alexandra Morris 

Senza titolo, 2011, foto a colori, px 4288x2848 

Senza titolo, 2004, foto in bianco e nero, px 1600x1062 

268


Maria Pia Moschini 

Abitazione e studio: viale Cialdini, 4/c - 50137 Firenze 

Tel. 055 609669 - Cell. 333 3181485 - intravisioni@virgilio.it 

Maria Pia Moschini è nata e vive a Firenze. 

Scrittrice, fonda nel 1983 Intravisioni, spazio 

di ricerca multimediale a cui collaborano 

poeti e artisti visivi. Si dedica in particolare ai Piccoli 

Teatri di Ambientazione, ispirati all’antico Teatro del 

Sorbetto e alle Operine d’Invenzione, monologhi in 

versi in parte raccolti nel volume Bataclan (ed. Gazebo) 

o realizzati in forma di Libro d’Artista, Ha partecipato 

a numerose iniziative gestite da Pianeta Poesia 

di Franco Manescalchi a cura di Liliana Ugolini con la 

quale ha redatto, insieme a Rosaria Lo Russo, il saggio 

ironico La Pissera, per le edizioni Ripostes con 

prostrazione di Carlo Lapucci. 

Collabora attivamente con la Casa Editrice Morgana 

di Alessandra Borsetti Venier, partecipando a numerose 

iniziative tenute dalla medesima presso la Casa 

d’Arte La Barbagianna. Sempre per Gazebo Edizioni 

pubblica Abitare il fantasma e Il salottino degli Ospiti 

Invisibili, racconti brevi a soggetto noir. 

Per le Edizioni dell’Erba esce il libro di Poesie In Versilie 

Perenni, con grafiche di Adriano Lotti, e per Ibiskos 

edizioni Il mare rende l’anima ai prigionieri. 

Si dedica inoltre a recensioni letterarie, alla presentazione 

di libri e alla creazione di eventi poetici in particolare 

al Caffè Letterario Le Giubbe Rosse di Firenze a 

cura di Massimo Mori. 

È redattrice della rivista di letteratura e conoscenza 

L’area di Broca di Mariella Bettarini e Gabriella Maleti. 

Viaggio in un giardino sotto la pioggia 

Invisibile, la pioggia cade in fili sulle siepi di bosso, 

si appende al grigio di una volta acquatica: 

in silenzio le statue fissano il vuoto, trascorrono 

pensieri interni nel miraggio di un’ombra. 

M’insegue un destino di foglie, morte visioni 

di ardor lucido, arabescate nella mente rituale 

che afferra il lembo del chiaro ottobre e lo scuote 

dal pernio degli alberi in riposo. 

Le panchine invisibili, in raggi vegetali, 

si adornano di merli che osservano 

con occhio attento il volar delle bacche, il planare 

dei chicchi dal cupo alloro. 

Nella fonte segreta, trascorre il vibrar delle rocce 

sotto il muro dipinto di carminio: il viaggio si perde 

nelle gocce dell’agave a rispecchio di un occhio 

sibillino. 

Mi fermo alla vista di un pettirosso incauto … tintinna 

il campanello che lo rende giocattolo, erge il petto 

nel porpora, uccellino del freddo come lo scricciolo. 

Viandante in pensieri logorati dal tempo, mi tengo 

al corpo come a una reliquia: ciò che resta di me 

è un deserto di voci nella fisicità fatta pensiero. 

Vola il mio Io di un Tempo in vialetti ombreggianti, 

leggero ultra/fantasma di noi che fummo stati 

Sul vetro le parole disegnate col dito … un giorno … 

ancora qui, ad aspettare la millenaria cometa, 

il gran nucleo di ghiaccio nel cuore della notte. 

Firenze, Giardino di Palazzo Guicciardini, 

storica residenza del grande Francesco 

269


Viola Mura 

www.opificiodelsegno.it 

Lastra a Signa, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Bancarelle, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Viola Mura, nata il 28/11/1978 a Firenze, si occupa 

di progettazione e comunicazione visiva 

da molti anni e la stessa passione per le immagini 

si trasferisce anche in quello che per lei è un hobby, 

una forma di svago e riflessione, che ama fare da 

sempre…dipingere. Amante del periodo impressionista, 

il suo interesse è rivolto principalmente ai macchiaioli, 

alla ricerca degli equilibri tra luci e ombre resi 

dalla semplice pennellata. Viola, nella sua pittura, 

predilige il figurativo, in particolare le figure giovani 

che ritrae nei suoi quadri in scala reale con la volontà 

di renderle ancora più realistiche. Nella sua tavolozza, 

oltre ai colori, non manca mai la foglia d’oro che, 

come per i soggetti tematici, funge da filo rosso in 

tutte le sue opere. Allieva di Tiziano Bonanni, proveniente 

dal Liceo Artisitco e dalla grande scuola dei 

paesaggisti incontrati nelle estemporanee, Viola porta 

avanti, parallelamente al suo lavoro, la passione 

per la pittura esponendo in location di privilegio in 

tutta la Toscana. 

270


Susanna Musztrai Miscali 

Cell. 335 8450700 - handmadebymusa@gmail.com 

Fb: Knit Point Prato - http://handmadebymusa.blogspot.it/ 

Fragolina, borsa realizzata con lana e cashmere riciclati, lavorazione a maglia con ferri circolari 

(senza cucitura), metodo continentale a punto treccia e uncinetto con lavorazione iperbolica. 

Rivestita con tela di cotone, cucita a mano, cm. 40x45 

Nasce nel 1965 in Ungheria. Da sempre appassionata 

all’artigianato artistico manifatturiero, 

impara fin da bambina a lavorare a maglia, 

uncinetto, telaio, apprendendo anche le tecniche per 

preparare il filato naturale per i suoi lavori. Partecipa 

prima, e organizza poi, stage internazionali per insegnare 

la lavorazione della lana e la realizzazione dei 

tappeti a telaio. Dopo essersi diplomata come medico 

psico-pedagogista fa parte del team psicologico 

dell’Ospedale Pediatrico Bethesda, lavorando come 

ludoterapeuta al reparto oncologico. Dal 1995 vive in 

Italia, trasferendosi nella “Città della lana”: Prato. 

Collabora con le aziende pratesi come interprete, poi 

per due anni lavora come responsabile dello showroom 

di ARTEX, il centro dell’artigianato artistico della 

Toscana. Suoi manufatti verranno selezionati per 

“Artstore Mandragora” in piazza Duomo a Firenze. 

Collabora con “Stile Biologico”di Giuditta Blandini, il 

primo atelier d’Italia biologico e vegetariano, progettando 

e realizzando degli indumenti realizzati a maglia. 

Ha fondato il gruppo “Knit Point Prato” dove 

settimanalmente si ritrovano gli amanti della lana, 

lavorando e insegnandosi a vicenda i trucchi della maglia, 

uncinetto, telaio, forcella, macramè ed altro. Si è 

specializzata nel recupero e riciclo della lana usata, 

realizzando nuovi oggetti personalizzati. Ha partecipato 

ai progetti “Mettiamo una pezza a L’Aquila”, in 

collaborazione con l’Associazione Culturale Animammersa, 

al “Sacco nanna” con Cuore di maglia, “Le 

coperte degli Angeli di CiaoLapo, al “Freeform in 

rosa” in collaborazione con Laura Soria; al concorso 

“L’Artista del mese - luglio 2012”, organizzato da “Il 

Frutto dell’Ingegno” e a “Yarnbombing UPrato 2012”, 

organizzato dal Museo del Tessuto e da BettaKnit con 

il patrocinio di Comune e Provincia di Prato. Susanna 

fa parte dell’Associazione Culturale “Appartarmento 

1#” in via Settesoldi, 31 a Prato, dove ha sede anche 

il gruppo “Knit Point Prato”. 

271


Antonella Nannicini 

www.antonellanannicini.it 

Elibelinde, terracotta con engobbio, cm. h 42 

Agrenon, 2011, gres con smalto cenere, cm . 32x17x h 62 

Antonella Nannicini è nata a Prato dove vive e 

lavora. Dal 2009 è direttrice del Laboratorio 

per affresco Tintori di Vainella. Tre maestri importanti 

segnano in maniera evidente il percorso artistico 

di Antonella Nannicini, architetto con la vocazione 

della scultura: Leonetto Tintori, Rinaldo Frank 

Burattin e Salvatore Cipolla. Come Elibelinde, la 

Grande Dea, mi mostro senza alcun pudore, dice la 

Nannicini e con questo abbrivio crea sculture che raffigurano, 

ora la donna come elemento della natura 

(terra, acqua, fuoco e aria), ora la donna leone, la 

mamma orsa, la donna della montagna... si tratta di 

una sola persona che assume ogni volta ruoli e volti 

diversi: femmina, madre, amante, figlia, ma soprattutto 

donna come a noi giunge dalla memoria più profonda 

dell’umanità, simbolo di forza e di continuità della 

vita. Un riemergere, più che della passione e dell’eros, 

della bellezza femminile antica e nello stesso tempo 

modernissima nell’interpretazione. 

272


Elisa Nesi 

elisa@elisanesi.com 

facebook: elisa nesi - www.elisanesi.com 

La rosa dimenticata, 2013, acrilico su tavola, cm. 100x100 

Elisa Nesi è nata nel 1978 a Firenze, dove vive e 

lavora. Diplomata al Liceo Artistico di Firenze, 

si è laureata in Storia dell’Arte all’Università 

fiorentina. Oltre alla pittura, si dedica all’attività letteraria 

che comprende testi di critica d’arte e articoli 

di giornalismo del settore, e ultimamente anche alla 

fotografia. Dal 2000 è presente in fiere d’arte e mostre, 

sia in Italia (Firenze, Padova, Piacenza, Crema) 

che all’estero: Ginevra (Europ’Art, 2000; 2006); Den 

Haag (Art Holland, Olanda, 2001; 2006; ), Kortrijk 

(Belgio), Gent (Fiandre), Anversa, Vienna, Rotterdam 

(Primavera Art and Antique Fair, 2006; 2007), Karlsruhe 

(Germania), Luxembourg (Salon d’Automne, 

2007), Strasburgo (Foire d’Art contemporain de Strasbourg, 

Francia, 2008), Vigo (Spagna). Tra le più recenti 

esposizioni, è presente all’ “Exposition d’Art 

Contemporain au Carrousel du Louvre”, Musee du 

Louvre, Parigi, 2012; in Toscana, a Palazzo Pretorio, 

Barberino di Mugello (FI) “Elisa Nesi e Luca Canavicchio, 

pittura e scultura ceramica”, 2012; Lari, (Castello 

dei Vicari), “La Ciliegia, Frutto d’Arte”, 2010. 

“Artista favolosa”, dalla “ricchezza spirituale” senza 

limiti, come l’ha definita Fabio Ciceroni, “riesce a 

sprigionare un’energia creativa che vive in sognante 

dimestichezza con una luminosa geometria spaziale, 

che è sentimentale prima ancora che figurata”. Con le 

sue forme arcaiche e primordiali, Elisa riesce a fondere 

la solidità delle forme ad una grazia trasognante e 

una delicatezza poetica, dal profondo valore decorativo. 

Alcune delle sue opere son già presenti in collezioni 

private in Italia, Inghilterra, America, Germania, 

Francia, Australia. 


273


Stefania Nesi 

Cell. 339 5034922 

info@stefanianesi.com - www.stefanianesi.com 

Cupole ortodosse, 2012, acrilico e olio su tela, cm. 70x100 

Nata a Vinci nel 1976, si laurea in Giurisprudenza 

all’Università di Firenze, ma come in un 

percorso parallelo coltiva l’arte, per cui fin 

dall’adolescenza manifesta forte sensibilità. L’iniziazione 

alla pratica artistica avviene tramite la conoscenza 

dell’artista Remo Salvadori e della pittrice 

Fiorenza De Angelis, fondatrice fin dagli anni Settanta 

di una scuola di “terapia pittorica”, della quale 

Stefania ha frequentato gli ateliers fiorentini dal 

1997 fino al 2005. La sua pittura informale, dai colori 

violenti e forti, usati di getto, risente di questo metodo, 

che rifuggendo dai compromessi commerciali e 

dai canali di promozione convenzionale, privilegia 

una visione spirituale dell’arte, basata sulle teorie 

del colore dell’antroposofia, filosofia in cui è strettissimo 

il legame tra uomo e colore. Dal 2005 al 2009 

Stefania frequenta il Centro Arti Visive “Rosso Tiziano” 

di Tiziano Bonanni a Scandicci, dove affronta le 

tecniche classiche del disegno (fusaggine, sanguigna, 

gessi colorati), anche con modelli dal vero. Attualmente 

vive ad Empoli e avendo deciso di non 

percorrere l’avvocatura, lavora presso il Comune di 

Sesto Fiorentino in qualità di Istruttore Direttivo Specialista 

giuridico, dopo la vincita del relativo concorso. 

Ma nel settembre 2012 la passione per l’arte la 

porta a realizzare su questo territorio la sua prima 

personale, “Identità e colore”, presso Villa San Lorenzo, 

dove ha mostrato le sue opere, che possono 

definirsi impulsi spirituali ed esplosioni di colore, che 

per lei è esperienza soggettiva e interiore all’individuo, 

attraverso le fluttuazioni degli stati d’animo. Nel 

novembre 2012 espone presso Chimera Arte Arezzo, 

poi a Milano, presso Casello Daziario Napoleonico, 

mostra conclusasi nel gennaio 2013. 

“I colori sulle proprie tele sono espressione delle sue 

emozioni interiori: come tante note musicali, azionate 

dalle corde del suo animo, formano un concerto di 

suoni”. 


274


Dania Niccolai 

Cell. 340 2803748 

giuseppe.dania@yahoo.it 

Kundalini, olio su tela, cm. 120x50 

Nata ad Agliana, vive e lavora a Montemurlo, 

Prato. La sua prima formazione avviene alla 

Scuola d’Arte di Pistoia. Perfeziona le tecniche 

pittoriche con la maestra pistoiese Silvia Bini. 

Frequenta il corso professionale per la composizione 

floreale diretto dal maestro Gino Torrini, il corso di 

decoupage in via degli Orafi a Pistoia e il corso di arte 

culinaria ad Agliana. Dal 2001 fa parte del gruppo che 

fa capo allo studio di pittura, disegno e modellato La 

Rosa d’Oro dell’Arte ex Art Center Florence di Lucetta 

Risaliti (via Ghibellina, Firenze). Dania Niccolai ha 

partecipato a numerose mostre collettive organizzate 

dalle gallerie “Art Center Florence” per il gruppo ACF 

e La Rosa d’oro dell’Arte per il gruppo “La Rosa 

d’oro”, oltre che nelle loro sedi di via Ghibellina a Firenze, 

anche in altre sedi molto prestigiose quali: 

Banca Popolare di Milano, Limonaia e Chiostro di Villa 

Vogel, Stazione di Confine, Galleria “Via Larga” 

tutte a Firenze, Villa Bellosguardo a Lastra a Signa, 

Palazzo del Consiglio Regionale della Toscana, Sala 

Banti a Montemurlo, Villa Sant’Andrea a Montefiridolfi. 

Molte anche le mostre personali di Dania. Le più 

importanti: Galleria La Rosa d’oro dell’Arte Firenze, 

Sala Banti Montemurlo, Teatro Moderno Agliana, 

Parco Verde Quarrata, organizzata a scopo umanitario 

dall’Associazione NOVA, Bar Pasticceria Gabardina 

Montemurlo, Ristorante La Bistecca (Pistoia), Festa 

dell’Unità Montemurlo. La Niccolai ha conseguito il 

Premio della Critica al concorso La Festa dell’Olio 

(Montemurlo). 

Dania Niccolai si è imposta all’attenzione del pubblico 

attraverso varie fasi pittoriche. Il periodo giapponese 

d’impronta decorativo-ornamentale, tipica dell’arte 

nipponica, dove sono rappresentate donne delle case 

da thè, dai languidi atteggiamenti, eleganti ed eteree 

nei loro abiti sontuosi.Nel periodo toscano, invece, Dania 

cattura lo sguardo dello spettatore con intense vedute 

della campagna in cui papaveri, girasoli e cipressi 

sono i protagonisti delle assolate e solitarie scene 

campestri. Il periodo klimtiano mostra che la Niccolai 

sa fare sua la grande lezione del maestro, regalandoci 

opere di forte impatto visivo. L’affascinante periodo 

Orientale ci introduce in rarefatte atmosfere lunari, i 

cui simboli mistico-esoterici ammaliano lo spettatore, 

come le fiabe delle Mille e una notte. Infine l’ultimo e 

il piu’ sentito, è il periodo africano dove il colore esplode 

in una luce sfolgorante e l’Africa spalanca le sue 

porte di sole e di calore, invitando chi osserva ad entrare 

nella vita di quei luoghi magnifici e selvaggi,dove la 

gente si accalca nei mercati o si riunisce attorno al ritmo 

incalzante dei suonatori di bongo, risvegliando in 

noi ancestrali ricordi. Una sorprendente e prolifica produzione 

quella di Dania dovuta al suo genio e al suo 

spirito creativo. 


275


Anna Nigro 

Cell. 320 1756542 

nigro.ann@hotmail.it 

L’Angelo custode di Luciana, 2012, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce in Calabria, ma vive e opera a Pistoia. Da 

autodidatta coltiva la passione per l’arte, ma 

anche per la grafica, la teologia, la filosofia e 

la comunicazione, in tutte le sue forme espressive. 

Come afferma l’artista “i miei quadri parlano di me e 

di chi mi sta vicino, parlano la lingua del cuore, del 

pensiero e dell’amore”. È infatti in un’esultanza di 

ombre e luci, colori intensi e vivi, linee morbide e calde, 

che i suoi soggetti emergono dalla tela e fanno 

nascere “sensazioni, emozioni e stati d’animo che 

non possono essere descritti a parole. Essi scaturiscono 

dal nostro vissuto, dalle nostre esperienze, dal 

nostro intimo percepire quotidiano. Esiste un mistero 

che rimane custodito nei nostri cuori finché l’arte, la 

vera arte, con il suo consueto linguaggio fatto di forme 

e colori, rende visibile ciò che sfugge ai nostri occhi, 

al nostro sguardo” (Ambra Grieco). L’artista con 

raffinata abilità nel disegno e nella stesura dei colori 

si esprime con una personale espressività, cogliendo, 

con istintività, la poesia nei soggetti rappresentati. 

276


Elisabetta Nisticò 

nistico.elisabetta@gmail.com 

Riccia, 2012, tecnica mista su cartone, cm 25x35 

Elisabetta Nisticò scultrice e pittrice, diplomata 

al Liceo Artistico e laureata in Scultura all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze nel 1985, ha frequentato, 

sempre all’Accademia, il corso di decorazione. 

Insegna disegno e pittura all’Università 

Europea di Fiesole. Collabora ad altri corsi d’arte e 

partecipa ad esposizioni collettive e personali. Tra 

queste si ricordano le più recenti: nel 2009 esposizione 

collettiva Galleria del Teatro Romano, Fiesole (FI); 

nel 2010 mostra collettiva Galleria del Teatro Romano, 

Fiesole (FI); nel 2012 collettiva permanente, Gruppo 

“Artisti Fiesolani” al ristorante “Le Lance” e collettiva 

permanente “Incontri con l’Arte” alla “Taverna 

degli Artisti” (Firenze); ancora nel 2012 collettiva di 

Natale, Gruppo “Artisti Fiesolani”, Sala del “Basolato”, 

Fiesole. 

277


Elisabetta Nisticò 

Rossa, 1989, carboncino su carta, cm. 50x70 

“Ogni quadro è ben studiato, l’artista vi ha trovato la 

giusta dose fra colore e vuoto, tra materia e assenza; 

il pallore delle figure è contrastato dai colori accesi 

che le circondano e le rendono vitali. Donne che osservano 

la nostra realtà, filtrata da un vetro, donne 

che rivelano la propria sensibilità, la propria fragilità, 

e a volte anche la propria rabbia e disperazione. Ma 

cosa vogliono rivelarci queste figure maestose, con 

un po’ di serenità nel profondo degli occhi? Può darsi 

che esse vogliano solamente narrare il percorso travagliato 

di un artista, che dipingendo queste donne, 

non ha fatto altro che ritrarre sé stessa da un altro 

punto di vista”. 

278


Fiorella Nuti 

www.fiorellanuti.it 

Fertilità, 2011, tecnica mista, cm. 60x60 

Fiorella Nuti, fiorentina, coltiva da sempre una 

passione per la pittura. Ha frequentato il Liceo 

Artistico Leon Battista Alberti e successivamente 

un corso quinquennale di nudo presso l’Accademia di 

Belle Arti di Firenze. Ha frequentato corsi di pittura 

presso la scuola di A. Sole Costa e di incisione presso 

Il Bisonte di Firenze. Sempre alla ricerca di proprie tecniche 

compositive - olio, acrilico, acquerello, pastello e 

carboncino - frequenta attualmente corsi di pittura 

presso il Centro Arti Visive Rossotiziano. Ha partecipato 

a numerosissime mostre, mediante le quali ha potuto 

raffrontare con il pubblico forme, idee e contenuti. 

Le principali esposizioni: 2000 :“Impressione ed 

espressione - I colori dell’anima”, Sala Vecchia Compagnia, 

Scarperia (personale); 2001: “Memoria e presente 

con la forza del cuore”, Firenzeart Gallery, Firenze 

(personale, a cura di Gabriella Gentilini, con scritto 

di Mario Luzi, recensioni di Alfredo Scanzani e Giampaolo 

Trotta); 2002: “Emozioni”, Seminario Vescovile, 

Fiesole (personale, con introduzione di Tommaso Paloscia, 

servizio RAI TGR Toscana di Marcello Paris); - 

Sala degli Specchi, Plaza Hotel Lucchesi, Firenze (personale, 

presentazione del catalogo monografico 

“Quadri color luce” a cura di Federico Napoli, Pietro 

Chegai Editore, Firenze; servizio Toscana TV di Fabrizio 

Borghini); 2005 : “Fascino di Tunisia- Sapori da un viaggio” 

Limonaia di Villa Vogel, Q.4 Comune di Firenze 

(personale, inaugurata dall’Ambasciatore della Tunisia 

Habib Mansour); 2007: “Fascino di Tunisia” (con frammenti 

poetici di Donatella De Vincentiis Fazzino e Juri 

Camisasca) Palazzo Delle Aquile, Palermo; 2009: “Fascino 

di Tunisia” Palagio di Parte Guelfa, Firenze. L’attività 

artistica di Fiorella Nuti è documentata su: “Arte 

moderna” n. 37, Editoriale Giorgio Mondadori, Milano, 

2001; “Annuario Toscano dell’Arte”, Edizioni Polistampa, 

Firenze, 2002; Archivio Kunsthistorisches Institut, 

Firenze. L’opera “11 settembre 2001” è collocata nella 

Pinacoteca della Regione Toscana in Palazzo Panciatichi, 

Firenze. Una ricca collezione è pubblicata sul blog: 

www.fiorellanuti.it 

279


Fiorella Nuti 

Giada e i girasoli, 2012, tecnica mista, cm. 60x60 

La ninfa, 2013, tecnica mista, cm. 60x60 

280


Simonetta Occhipinti 

occhipintisimonetta@libero.it 

Purezza, olio su tela , cm. 40x50 

Bolle di sapone, grafite, cm. 35x45 

Vive e lavora nella campagna fra i comuni di Bagno 

a Ripoli e Rignano (Firenze). Musicista 

(diplomata in pianoforte), pittrice e appassionata 

di piante, si è dedicata fin dagli anni giovanili 

alla pittura botanica dal vero; si è, in seguito, rivolta 

anche alla riproduzione di dipinti antichi imparando, 

a “bottega”, i segreti degli impasti, delle tele e della 

riproduzione delle antiche pitture fiamminghe e rinascimentali 

arricchendo tale attività con la partecipazione, 

nei sotterranei della Chiesa del Carmine di Firenze, 

alla scuola di restauro pittorico ed antiche 

tecniche di decorazione A.R.A.S.M.U.S. La sua pittura 

si esprime sia con la tecnica dell’acquerello botanico 

che con quella dell’olio su tela, privilegiando 

soggetti legati al ritratto e al mondo della natura e il 

cui filo conduttore è la riscoperta e la proposta di un 

linguaggio simbolico legato all’antico ma in realtà 

senza tempo e per questo universale. Ha esposto in 

personali e collettive promosse dal “Gruppo Donatello”, 

“Circolo degli Artisti Casa di Dante”, A.n.l.a., 

Ucai, “Eco d’arte moderna”, Gadarte, ed ha esposto 

nelle fiere “Immagina” di Reggio Emilia e “Arte in 

Fiera” di Longarone. È stata premiata più volte ai 

concorsi del “Premio Firenze” e del “Premio Italia per 

le Arti Visive”. Nel 2011 è stata relatrice sulla conferenza 

“I fiori dell’equinozio di Primavera nella mitologia 

e nell’Arte” al Circolo degli Artisti “Casa di Dante”, 

Firenze, del quale è socia. Tra le più recenti 

personali: 2003, “Filologia dell’Immagine”, Galleria 

“D.Emme”, Firenze; 2007, “Naturalistiche simbologie” 

alla Galleria del “Gruppo Donatello” e alla “Galleria 

del Candelaio” organizzata da “Eco d’Arte Moderna”, 

a Firenze. 2010, “Vedere il mondo in un 

chicco di grano” al “Circolo degli artisti Casa di Dante” 

di Firenze; 2011 “Le stanze comunicanti”, Artisti 

finalisti in personale dal “Premio Italia per le arti visive”, 

Ex Fornace Pasquinucci, Comune di Capraia (Firenze); 

2012 mostra di acquerelli botanici “Le forme 

del Piccante” a favore dell’Associazione “Fili d’erba”, 

Orto dei Semplici, Firenze. 

281


Simonetta Occhipinti 

Diosperi, acquerello su cartoncino, cm. 4x605 

“Di fronte ai suoi lavori non possiamo che riconoscere 

per prima cosa il valore di questa qualità alta della 

materia pittorica... Da queste solide basi emerge 

però, e per fortuna, l’anima dell’artista capace di superare 

i valori esclusivamente estetici per coniugarli 

invece all’esigenza più genuina ed interiore che fa 

esprimere tutta la sua sensibilità: e lo vediamo 

nell’attenzione ai soggetti dell’infanzia i cui temi appaiono 

non fermarsi alla riproduzione fedele e realistica 

ma cercare di porgerne un ritratto poetico e anche 

sensibile alle problematiche connesse al sociale. 

Questa sua indole si conferma ancora nei temi meno 

ancorati al naturalismo o al reale, dove l’artista crea 

quell’atmosfera vellutata e nebbiosa che rimanda ad 

un clima onirico.” 


“... Autrice indiscussa di “Metafore moderne”, alleate 

all’antico, il suo propositivo linguaggio figurativo 

incarna un’iconologia dalle intime segretezze interiori, 

dai ricercati preziosismi tecnici e contenutistici, 

alimentato dall’attrattiva per la natura, reso attuale 

dall’apporto della “luce” che definisce la “meraviglia” 

delle forme secondo una puntuale resa veristica...” 

Silvia Ranzi 

282


Margherita Oggiana 

Via Filippo Pacini, 37 - 51100 Pistoia - Cell. +39 347 2963091 

margherita.oggiana@alice.it - www.gadarte.it 

Persefone, 2004, olio su tela, cm. 50x70 

283


Margherita Oggiana 

Afrodite, 2012, olio su tela, cm. 50x70 

“Chi è bello, lo è finché è sotto gli occhi, chi è anche buono lo è ora e lo sarà poi.” 

Saffo, VII-VI sec a C. 

284


Laura Pacini 

Via delle Sacca, 59 - 59100 Prato (PO) - Tel. e Fax: 0574 460501 

info@laurapacini.it - www.laurapacini.it 

Atelier, 2008, olio su tela, cm. 50x50 

È 

nata nel 1952 a Cantagallo, Prato, città in cui vive 

e lavora. Si è diplomata “Maestro d’Arte” all’Istituto 

per l’Arte ed il Restauro di Palazzo Spinelli a 

Firenze. Ha seguito i corsi liberi di nudo, grafica ed incisione 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Nel 1988 

ha frequentato il Laboratorio di pittura murale a Vainella 

(Prato) sotto la guida del maestro Leonetto Tintori. 

Ha iniziato nel 1983 con la collettiva “Galleria degli 

Artisti” a Prato, partecipando alle Rassegna Arti Visive 

in città; nel 1984 vince il 1° Premio per la pittura, XI° 

Premio Internazionale “Il Cenacolo”, Firenze; è presente 

nella collettiva alla Galleria Malatestiana, Rimini, 

1985; a Expo/Arte-Fiera, 1986; tra le personali più importanti 

si ricordano: Galleria “Il Cenacolo”, 1986 e 

presso la “Casa di Dante”, 1989 a Firenze; Palazzo Pretorio, 

Prato, 1991; Galleria “La Spirale”, Prato, 1996. 

Negli anni Novanta espone a Cecina, Porto Ercole, Viareggio, 

Salsomaggiore Terme, Marina di Pietrasanta 

(La Versiliana). Tra le più recenti esposizioni si citano: 

Personale, Grand Hotel, Firenze, 2008; “Italians Do It 

Better”, Basilea (Svizzera), 2010; Galleria, Bologna, 

2010. La pittura di Laura è intima e intimista, pacata e 

soave, proprio come il carattere dolce e riservato 

dell’autrice. I suoi dipinti evocano un tempo passato, 

un’atmosfera trasognata, resa immobile ed eterna sulla 

tela. I soggetti che Laura canta da sempre nella sua 

poetica sono quelli che hanno toccato il suo cuore, fiori, 

conchiglie, utensili, oggetti che la accompagnano 

da tempo, e come se avessero un’anima, raccontano 

alla sua sensibilità d’artista sensazioni che lei cerca di 

trasmettere sulla tela attraverso il colore, assieme ai 

“desideri, le delusioni, l’amore della mia vita di donna”, 

come lei stessa afferma. 


285


Serena Pagnini 

Cell. 349 7171793 

sericiao@tiscali.it 

La Montagna, 2011, maniera a zucchero su ferro, mm. 602x638 

Serena Pagnini nasce nel 1975 a Prato, dove vive 

e lavora. Diplomatasi in Pittura all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze, nel 1998 partecipa al 

Laboratorio di Arti Visive nell’ambito del progetto Officina 

Giovani, Cantieri Culturali di Prato. In seguito a 

questo progetto, insieme ad altri dieci giovani pittori 

pratesi, ottiene l’utilizzo come studio della sede Le 

Antiche Stanze di S. Caterina per un anno. Nel 2002 

conduce uno stage di ceramolle e puntasecca alla 

Scuola d’Arte Leonardo di Prato, dove insegnerà 

come docente di Grafica dal 2005 al 2008. Dal 2008 è 

stampatore per Edizioni Canopo a Prato, con cui ha già 

realizzato il libro d’ artista di Mauro Staccioli. Nel 

2010 si diploma in Grafica al Biennio Specialistico di 

Arti Visive e Discipline dello Spettacolo presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Ha riscosso numerosi 

riconoscimenti, tra cui il I° “Premio S. Giorgio”, concorso 

nazionale di pittura nel Chiostro di S. Domenico, 

Pistoia, 2009; finalista “Premio Acqui”, IX Biennale 

Internazionale per l’ Incisione, Acquiterme (AL), 2008; 

finalista “Premio Arte 2004”, sezione grafica, a cura di 

Arnaldo Mondadori Editore e al “Premio Artemisia 

2006”, Ancona. Tra le ultime partecipazioni: “Mostra 

di pittura e scultura di artisti pratesi” presso il Cassero 

Medievale, 2008; “Artisti pratesi del Novecento e 

contemporanei”, presso Le Antiche Stanze di S. Caterina, 

2009; Triennale Europeénne de l’Estampe contemporaine 

2010, in Francia ; “Start Point 2010”, Museo 

Archeologico di Firenze; “Personale”, Spazio 

Espositivo L’Asterisco, Prato, 2010. 

“Giovane promessa del panorama artistico pratese, 

per la sua precisione tecnica e straordinaria manualità, 

specie nel campo dell’incisione, Serena si distingue 

per le sue tematiche tormentate ed inquietanti, attraverso 

un’intricante analisi introspettiva e intimista”. 


286


Cristina Palandri 

Via Santa Cristina, 17 - 51100 Pistoia - Cell. 349 3740695 

mcristina.palandri@tiscali.it - www.cristinapalandri.it 

In bilico, 2011, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Nasce a Pistoia, dove vive e opera. Diplomatasi 

all’Istituto d’Arte di Pistoia, frequenta l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze dedicandosi al 

disegno e alla pittura. Inizia la propria attività nel 

1982 con personali e collettive in tutta Italia e all’estero 

(Spagna, Austria, Olanda, Francia, New York, Giappone, 

Germania e Portogallo). Oltre alla pittura si dedica 

anche alla scultura in ceramica, illustrazioni e 

design. Numerose sono le critiche che negli anni l’artista 

ha ricevuto da distinte personalità artistiche: 

Tommaso Paloscia; Pier Carlo Santini; Siliano Simoncini; 

Lucia Gai; Giovan Battista Bassi; Nicola Micieli. 

“Il linguaggio pittorico dell’artista è “godibile sul piano 

formale, per l’evidenza segnaletica delle sagome 

dipinte, la suadenza delle atmosfere e degli spunti 

narrativi, il garbo delle invenzioni figurali, il gusto 

dell’opera-oggetto che si comporta, nel suo insieme, 

come un segno decorativo confinato entro una superficie 

ristretta, ma idealmente proiettato a invadere lo 

spazio d’intorno, per moltiplicare le occasioni di colloquio 

con le creature che entrano nella sua sfera di influenza 

poetica ed estetica”. 

Nicola Micieli 

287


Sipontina Paloscia 

Cell. 349 1249214 

sipontina.paloscia@gmail.com 

Ragazza Miao, 2010, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce a Manfredonia nel 1953. Si trasferisce a 

Prato all’età di tre anni e in questa città frequenta 

le scuole; sposatasi giovanissima con 

un corniciaio, da quel momento l’arte entrerà nella 

sua vita. Dopo aver lavorato prima come estetista, poi 

come impiegata in un supermercato, al raggiungimento 

della pensione inizierà il suo percorso di pittrice, 

desiderio mai coltivato per mancanza di tempo, facendo 

i primi corsi con il Comune di Prato, con Gerardo 

Ghelardi, Italo Bolano ed Adriana Leati. Infine il corso 

di pittura con Miriam Cappelletti; partecipa all’esposizione 

di pittura Espressiva 2004 (allievi di Italo Bolano). 

Nel 2010 diviene una delle prima socie dell’Associazione 

Culturale L’Asterisco di Prato, ne segue le 

iniziative e frequenta il corso di incisione e calcografia 

di Valentina Baroncelli, dimostrando buona propensione 

e manualità in questa tecnica, fino a esporre alla 

mostra collettiva d’incisioni e acqueforti nel settembre 

2011 presso lo spazio espositivo dell’associazione 

stessa. Nel 2012, sempre L’Asterisco ospita la prima 

mostra personale di Sipontina, “Ri-partire”, ispirata 

ad una serie di dipinti con il tema del viaggio: un immaginario 

giro del mondo, tra i volti delle popolazioni 

e delle culture del pianeta. Da qui Sipontina ha sperimentato 

dal vivo alcuni mestieri della donne e degli 

uomini cercando materiali per amalgamarli nella composizione 

pittorica; la sua manualità la porta a confezionare 

immagini fantasiose e reali al contempo, aiutandosi 

con vecchi tubetti di latta zingata che la 

pittrice ricicla. Ha tenuto una mostra personale nel 

giugno 2012 presso la Parrocchia Sant’Antonio Maria 

Pucci a Prato e ha partecipato alla Collettiva Nazionale 

- 22° Concorso di pittura a tema libero, Il Dopolavoro 

ferroviario di Firenze, Circolo e Comune di Prato 

2012. Vive e lavora in questa città, nella sua casa che 

è divenuta anche il suo studio. 

288


Patrizia Pandolfini 

Via Bezzuoli, 20 - 50018 Scandicci (FI) 

Tel. 055 253657 - pandolfini.patrizia@alice.it 

Patrizia Pandolfini ha conseguito il diploma di 

Scultura all’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Ha insegnato Educazione Artistica e Discipline 

Pittoriche. La sua attività espositiva ha avuto inizio 

nel 1957. Tra le ultime mostre personali realizzate, si 

ricordano: Segno e Colore (Rathaus Charlottenburg, 

Berlino, 1998), Galerie im Zimmer (Berlino, 1998), Cielo 

e Terra (Villa Vogel, Firenze, 2004), Arte (in)utile 

(Villa Vogel, Firenze, 2006), Pieve Sant’Alessandro a 

Giogioli (Firenze, 2007), Aula Consiliare del Comune 

di Scandicci (2007), La Veste e il suo sogno (Centro 

Danza e Movimento, Firenze, 2008), Inaugurazione 

“Via Crucis” (Pieve di Sant’Alessandro a Giogioli, Firenze, 

2008), Installazione di terrecotte con interventi 

di danza (Scuola Militare Aeronautica, Firenze, 2008), 

presentazione incisione per il Centro dell’Arte “Vito 

Frazzi” (Comune di Scandicci, 2008), Terra e Fuoco 

(Palagio di Parte Guelfa, Firenze, 2009), inaugurazione 

Fonte Battesimale in terracotta (Pieve di Sant’Alessandro 

a Giogioli, Firenze, 2009), personale al Gruppo 

Donatello (2011). 

La ragione dell’immaginare 

Patrizia Pandolfini Renzi propone con la propria opera 

un intervento nel quale la partecipazione è non solo 

prevista ma diviene un aspetto sostanziale. Gli oggetti 

che la costituiscono, realizzati utilizzando esperienze 

tanto figurative quanto astratte, esemplano ipotesi di 

percorsi, quasi sentenze, organizzando e qualificando 

uno spazio. Così un’introduzione è data da figure risolte 

con estrema sintesi volumetrica dello scabro modellato 

delle superfici, che suggeriscono profonde radici 

culturali e tendono a definire e/o rivendicare la continuità 

storica di una civiltà. Altri oggetti si assestano e 

si risolvono in solidi geometrizzanti: proprio per le caratteristiche 

delle capacità di comunicazione data dalla 

forma razionale possono essere ricollocati, postulando 

appunto interventi. La elementarità strutturale e 

la potenzialità delle ricollocazione si definiscono come 

Nudo femminile, terracotta, h cm. 45 

l’avvio, attraverso l’astrazione, della ricerca di un nuovo 

linguaggio, più intimamente funzionale alle istanze 

poetiche determinate dalla personalità dell’artista, i 

cui segni vengono proposti in un ulteriore gruppo di 

oggetti dalla potente monumentalità e notevole carica 

di suggestione emotiva. Patrizia Pandolfini Renzi affronta 

quindi alcuni aspetti centrali del dibattito sul 

fare artistico e sulla comunicazione, offrendo anche 

percorsi di approccio che ne rendono molto correttamente 

non esclusiva la partecipazione. 

Ugo Barlozzetti 

289


Lucia Pecchia 

Via Piemone, 1 - 56021 Cascina (PI) 

Luna in cielo sereno con filo di luce, tecnica mista su tavola, cm. 50x40 

Lucia Pecchia è nata a Pisa il 27 ottobre 1955. Diplomata 

nel 1976 all’Istituto d’Arte “F. Russoli” 

di Pisa in Arti Applicate, ha frequentato, in maniera 

discontinua, un corso di pittura all’Accademia 

d’Arte di Pisa con il maestro Bruno Pollacci. Dipinge, 

su ordinazione, vasi in terracotta con disegni egiziani. 

Si diverte a cimentarsi in varie cose come disegnare 

abiti, allestire vetrine, apparecchiare tavole creative 

in occasioni di feste e altro. Ha illustrato un libro storico 

e disegnato una copertina. Attualmente vive a 

Cascina dove crea i suoi quadri e lavora a Pisa in un 

ufficio amministrativo. Nel 2010 ha frequentato un 

corso di pittura presso l’Istituto d’Arte Russoli di Pisa. 

290


Lia Pecchioli 

Via Cantagallo, 29/1 - 59100 Prato 

Tel. 0574 463530 - Cell. 335 492947 

Vanità, 2009, cemento, cm. 75x48x35 

Vive e opera a Prato, nel campo della scultura. Ha 

frequentato la Scuola d’Arte e Mestieri Leonardo; 

la Scuola Vainella - Leonetto Tintori e il Laboratorio 

di Scultura Calenzano. Numerose sono le 

mostre personali e collettive cui ha partecipato dal 

1999. Da segnalare la mostra tattile “Oltre il buio, 

l’anima e la materia”, nel 2009 e nello stesso anno la 

partecipazione alla realizzazione della stele di Leonetto 

Tintori, successivamente collocata nel parcheggio, 

a lui intitolato, di Figline di Prato. 

“Ciò che colpisce in Lia Pecchioli è senz’altro quella 

versatilità, ben espressa tramite le poesie e le sculture… 

è l’universo della sua scultura che mi ha colpito, 

perché manifesta completamente quell’insieme di 

emozioni e di sensazioni sempre pronto a mettere in 

risalto il cosiddetto ‘racconto dei giorni’… entro i cui 

confini la figura singola sa trasportare l’osservatore in 

un nucleo pulsante che in taluni casi narra la consuetudine 

del passare del tempo, mentre in altri interpreta 

fatti e situazioni alcuni dei quali vissuti in prima 

persona”. 

L. Gierut 

291


Maria Luisa Pedone 

Tel. 055 589030 

Maria Luisa Pedone nasce ad Ancona, ma 

vive ed opera a Firenze dal 1970. Si laurea 

in Lingue e Letterature straniere, 

esercitando la professione di insegnante. Da 

1997 in qualità di pittrice si dedica con passione 

all’arte sacra. Da sempre è interessata a studi 

teologici ed iconografici, attenta al recupero del 

mestiere nell’approfondimento delle tecniche antiche. 

Fa parte del Gruppo “Tabula picta” fin dalla 

sua fondazione. Ha partecipato a mostre organizzate 

su tematiche sacre allestite a Firenze presso 

il Palagio di Parte Guelfa, la Sala Chiostrini della 

Basilica di S.Marco da parte dell’U.C.A.I.; a numerose 

edizioni “Il Sacro nell’arte” su temi biblici, 

promosse dall’A.N.L.A., presso la Basilica 

della S.S.Annunziata ed alle Collettive “Forme e 

colore del sacro” presso il Salone Don Bosco nella 

Chiesa della Sacra Famiglia a Firenze. Ha realizzato 

tre tavole per la Via Crucis in permanenza 

presso la Chiesa S. Ambrogio a Firenze. Sue opere 

sono presenti in chiese importanti, conventi e 

privati, in Italia e all’estero. 

“La ricercata attività pittorica di Maria Luisa Pedone 

dà prova di una radicata ed amorevole fedeltà 

nel ritrarre con cura ed immedesimazione 

stilistica immagini sacre attinte dalla tradizione 

orientale ed occidentale. Con eleganza riproduce, 

rivisita, rielabora repertori figurativi che spaziano 

dall’ icona russa o di ascendenza greco-bizantina 

alla traduzione di celebri scene evangeliche di 

intima o plastica spiritualità di insigni maestri 

italiani a partire dal XIII°sec., focalizzando dettagli, 

mutuando composizioni. Alternando riproduzione 

ad invenzione, la tecnica privilegiata è 

quella del dipinto su tavola gessata con tempera 

all’uovo, impreziosita dall’apporto di oro zecchino 

a guazzo, con raffinate grafie a bulino, intessute 

talora di rilievi “a pastiglia”. Scienza della visio- 

Il sogno di Eva, 2011, tempera a uovo su tavola gessata, oro a guazzo 

e bulino, cm. 70x50 

ne, meticolosità di cromatismi dosati, sapienza nel ripristinare 

l’ordito disegnativo sono le prerogative di una 

fattura esecutiva di gran pregio che contraddistingue 

l’impegno e la sensibile disposizione interiore di un’artista 

nel dar voce all’irriducibile anelito verso l’Assoluto. 

Le icone liturgico-devozionali a soggetto mariano, le presenze 

angelicate, santi, visioni cristologiche e trinitarie 

sono orchestrate secondo quell’ascesi dello sguardo che 

si tramuta in catechesi dipinta nella contemplazione dei 

valori teologico-dottrinari”. 

Silvia Ranzi 

292


Annabella Pellegrini 

Via Largo San Biagio, 65 - 51100 Pistoia 

Cell. 349 5839396 

Aleph, 2004, acrilico e smalto su tela, cm. 100x100 

Nasce a Pistoia, dove vive e opera. Pittrice autodidatta, 

coltiva la passione per l’arte partecipando 

a corsi disegno. All’inizio predilige i 

soggetti figurativi, poi si dedica all’astratto. Dal 1996 

ha partecipato, con successo, a numerose mostre e 

concorsi, ottenendo premi e riconoscimenti di pubblico 

e critica. 

“Nelle opere di questa pittrice si materializzano forme 

astratte che nascono da linee sinuose, dense macchie 

di colore, sbavature naturali del pennello e sfumature 

informali. Una pittura ricca di emozioni, nata 

dall’estemporaneità dell’istinto emozionale, resa vitale 

dalla ricchezza materica del colore e dalla musicalità 

delle linee, che sembrano danzare davanti agli 

occhi dell’osservatore”. 


293


Monica Perez 

Tel. 055 892137 - Cell. 339 1012192 - monicaperez@hotmail.it - arasluz71@gmail.com - Pag. facebook: Aras Luz 

www.monicaperezp.wordpress.com - Blog: Educ-Arte Infnito: http://arasluz71.blogspot.it/ 

Memoria 

Nuda Verità, olio su base acrilica, tela, cm. 100x 80 

Nuda verità 

Ancoratemi al vuoto dentro una finestra, che muta 

svela la nuda verità. 

Custode di un tesoro ancestrale, servii senza più parole. 

La vita che si annida dentro un pensiero, solca i mari 

turbolenti e trova la libertà nel rumore sordo della 

mareggiata. 

VITA! 

Vince l’ingiuria dei ciechi di spirito e vola sopra le 

onde, 

con in mano la chiave... 

Quella giusta è dentro di me, di tutte noi. 

Sotto il ruvido manto rosso, custodii un tesoro 

ancestrale. 

Senza più parole, umile serva del Mistero, trovai la 

libertà nel silenzio del mio mare... 

con in mano la Chiave giusta, quella che apre le anime 

e chiude l’insidia. 

azzardai un sospiro da sotto le onde 

Sordo rumore della Vittoria 

VITA! 

Laureata in Belle Arti all’Università di Granada 

nel 1995 con l’indirizzo di Restauro di Opere d’Arte, 

ha continuato gli studi a Firenze frequentando 

il secondo e terzo corso di Restauro di dipinti su tela e 

tavola presso l’Istituto per l’arte e il restauro di Palazzo 

Spinelli. Formatasi inizialmente nella bottega del 

pittore Ocaña, attualmente è impegnata nella creazione 

di un modello educativo per i più piccoli basato 

sulla pittura, ma tenendo conto dell’era digitale. Ha 

sempre accompagnato i suoi lavori con testi e poesie, 

spesso trasformandoli in racconti illustrati che percorrono 

la storia dell’umanità attraverso l’arte. Uno dei 

suoi quadri, L’Acqua di Nessuno è stato selezionato 

nel Premio Arte 2000 organizzato dalla rivista Arte 

dell’editore Giorgio Mondadori arrivando fra i finalisti. 

La sua esperienza nel campo del restauro le ha permesso 

di approfondire le conoscenze sulle più antiche 

tecniche pittoriche e quindi di dedicarsi alla realizzazione 

di copie d’autore, per le quali ha ottenuto il riconoscimento 

dell’Associazione Tosco Sarda di Arte e 

Artigianato nel suo Primo Premio della Mostra Mercato 

delle Copie d’Autore con la collaborazione della 

Galleria Centroartemoderna a Pisa, edizione 2004. 

Ha inoltre eseguito diversi trompe l’oeil per committenti 

privati, false finestre, soffitti. Tra le sue mostre, si 

ricordano: 2010, personale sulla serie “Fiori dietro il 

vetro” presso l’Associazione Culturale Terragai; 2011, 

personale presso lo Studio “Con i piedi per aria” a Sesto 

Fiorentino e collettiva presso il Centroartemoderna 

nell’iniziativa “Arte sulle rive dell’Arno”. Dopo diverse 

mostre personali, collettive e concorsi vari il suo 

obiettivo è mutato in una “missione” per aiutare le 

persone che partecipano ai suoi corsi a ritrovare 

nell’arte l’essenza della vita. 

294


Patrizia Pezzatini 

Cell. 333 4989956 

patriziapezzatini@gmail.com 

Fantasia nel bosco, 2009, tempera acrilica e tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Nata a Firenze dove risiede e lavora, da oltre 

dieci anni si dedica alla pittura. Fa parte del 

Circolo degli Artisti Società delle Belle Arti 

“Casa di Dante” e dell’Antica Compagnia del Paiolo. 

“Patrizia Pezzatini scopre la dedizione all’arte in età 

matura per conseguire notevoli risultati che attestano 

una naturale propensione alla pittura, affinata nel 

tempo grazie all’adozione di tecniche assimilate intimamente. 

Ama approfondire la figurazione, prediligendo 

il genere del paesaggio di ampio respiro di 

ispirazione classica, attingendo ad una tavolozza dai 

caldi valori tonali secondo un ricercato e studiato cromatismo. 

La varietà dei brani rappresentati si avvale 

di una tessitura a pennellate pastose che conferiscono 

una pacata resa atmosferica dai toni distensivi in 

cui lo sguardo si appaga del piacere o diletto della 

visione. Una luce diffusa, mediterranea, pervade i 

soggetti sia nel dar corpo alla costruzione dei primi 

piani, sia nell’evanescanza delle profondità di campo. 

Patrizia Pezzatini nell’iter intrapreso presenta dunque 

connotati di stile pienamente stabilizzati che caratterizzano 

la sua fisionomia di artista impegnata e industriosa. 

Una nuova tendenza espressionistica domina 

la tavolozza cromatica dai timbri accesi nella rivisitazione 

dei soggetti naturalistici”. 

Silvia Ranzi 

295


Silvia Piccolotto 

Via G.Tesi, 180 - 50013 Campi Bisenzio (FI) 

silviapiccolotto84@gmail.com 

Racconti di brina, 2011, olio su tela con interventi materici, cm. 70x100 

“ Le memorie ritornano, presentandosi alla mente 

con nuovi scorci e inusitate prospettive. Il calore 

dei ricordi si fonde con l’aria fredda che soffia 

tra le strette vie, il suono lontano di un campanile 

scandisce ore lunghe come le ombre che avvolgono gli 

attimi di infanzia che si credevano perduti. Malinconiche 

istantanee affiorano come lo sgorgare di una fonte 

che appaga i sensi e la vista. Ogni memoria si tinge di 

nuove concretezze, generate da colori incredibilmente 

pastosi, voluttuosi, che avvolgono lo spettatore incantandolo 

nella danza dei ricordi”. 

Alessia Cecconi 

296


Monica Pignat 

monica.pignat@gmail.com 

Afrodite, 2010, olio su tela, cm. 90x60 

Vive e lavora a Firenze. Si dedica alla pittura da 

diversi anni e dal 2010 è entrata a far parte del 

gruppo di artiste della Galleria Mentana con 

cui ha preso parte ad alcune rassegne collettive come 

Il Calore del Colore e Valori di Continuità. 

“Nella pittura di Monica Pignat è il silenzio che parla. 

Nelle sue opere si respira una sensazione di nostalgia 

e di assenza che si manifesta nei colori sempre tonali 

e in un clima di attesa. Questa atmosfera é nei paesaggi, 

dove alberi e arbusti hanno perso la spontaneità 

di una crescita naturale trasformandosi in perfette 

figure scolpite da cesoie implacabili. La staticità apparente 

racconta la spontaneità mortificata, la libertà 

fatta cadere in piccoli rami, ancora vitali, potati secondo 

l’estro di un giardiniere. Un ritratto di signora 

dal collo lungo e dai tratti alteri che indossa un ampio 

cappello lascia intravedere la noia delle costrizione 

delle convenzioni. Gli occhi chiusi e le labbra serrate 

accompagnate dal gesto della mano guantata sembrano 

voler fare riferimento ad un elevato ego smorzato 

da un richiamo alla razionalità che emerge da 

geometrie lontane”. 


“Le opere dell’artista sono piene di luce soffusa, di 

grandi silenzi, gentili atmosfere, che lasciano intravedere 

un animo nobile e genuino.” 

Laura Adreani 

297


Elisa Polidori 

Cell. + 39 320 6513289 

elisapolidori10@gmail.com - www.elisapolidori.com 

Nasce a Città di Castello nel 1985. Incontra il 

mondo dell’artigianato fin da giovane frequentando 

la scuola artistica con indirizzo in Oreficeria. 

Terminata la scuola superiore si trasferisce a 

Firenze dove nel 2011 si laurea in Production Design 

presso la Facoltà di Architettura. Sviluppa la tesi di 

laurea partendo da uno studio sul territorio che la porta 

ad analizzare il sistema industriale locale concentrandosi 

in particolare nella produzione di materiale di 

scarto da esso prodotto. Con questo progetto nasce 

l’avventura dell’autoproduzione, dove unisce le capacita 

apprese dai precedenti percorsi d’istruzione, creando 

una collezione di gioielli realizzati con materiali 

di scarto industriali. Partecipa a svariate fiere del settore 

ottenendo buoni risultati che le permettono di 

ampliare ed approfondire il lavoro. Nel 2012 partecipa 

ad un Master in “Design per la cooperazione e lo sviluppo 

sostenibile” esperienza che la porta a lavorare 

con realtà artigianali di paesi “terzi” in particolare 

Rwanda e Marocco. Conclude questa esperienza con 

una tesi di ricerca sul ruolo del design come strumento 

di connessione tra artigianato e territorio. Attualmente 

vive e lavora a Firenze portando avanti il suo progetto 

di autoproduzione e collabora con artigiani sia locali 

che dislocati nel territorio nazionale. 

Design, artigianato, e territorio sono le parole chiave 

che fanno muovere le sinergie dei suoi lavori. Un’idea 

progettuale che guarda con attenzione al passato, 

fuori da schemi contemporanei dettati dalla globalizzazione. 

Idea che la porta a conoscere, raccontare e 

valorizzare la cultura materiale e immateriale che 

ogni luogo racconta. Un incontro tra memoria, tradizione 

e contemporaneità, oggetti che raccontano sto- 

298


Elisa Polidori 

rie, materiali che parlano e dettano le regole. Trova 

una forte ispirazione in tutto ciò che le ruota intorno, 

prendendo spunti dalla vita di tutti i giorni, scoprendo 

le caratteristiche di culture diverse. Porta avanti il lavoro 

con il concetto di Design Thinking, filosofia che 

spinge il design ad essere valutato come processo 

sociale creativo. Unito ad una volontà di instaurare un 

rapporto con il saper fare artigianale, con l’ intenzione 

di conoscere e lavorare con materiali e tecniche tradizionali, 

unione che porta allo sviluppo del primo ed 

alla salvaguardia del secondo. Curiosità è la parola 

d’ordine che la spinge a conoscere e scoprire, che la 

porta a bussare alle porte delle industrie per ricercare 

materiali, come negli atelier degli artigiani dove apprende 

sempre nuove tecniche e nuovi saperi che 

consigliano e muovono i futuri progetti. Quello di autoproduzione 

che porta avanti da qualche anno comprende 

oggetti realizzati quasi interamente con scarti 

industriali, una serie di ornamenti per il corpo e complementi 

d’arredo, con la caratteristica dell’ irripetibilità, 

la forma è dettata dalle varianti possibili durante 

la produzione dello scarto. Per questo ogni prodotto 

ha un valore intrinseco, si può dire che si disegna da 

solo, per una pura casualità di combinazioni. Un processo 

di produzione che inizia da una lavorazione industriale, 

recuperato dalla volontà progettuale di farsi 

ispirare e consigliare da questi semi lavorati, e 

finisce il suo cammino in mano alla lavorazione artigianale 

che conclude l’opera. Un lavoro che comprende 

la cura del prodotto a 360°, non si parla solo della 

produzione ma di tutti quegli aspetti che girano intorno 

al prodotto, quindi comunicazione, promozione, 

manager, insomma tutto il lavoro che sta dietro al 

concetto di autoproduttori. 

299


Diana Polo 

Cell. 340 1501288 

polo.diana@yahoo.it 

Tarantola, matite grasse su carta, cm. 76x56 

Nasce in Sardegna, ma vive e lavora in Toscana. 

Molte delle sue opere fanno parte di collezioni 

pubbliche e private e altre sono illustrate 

nelle edizioni della rivista Pegaso, Periodico di 

Cultura-Arte-Costume. Ha frequentato corsi di Incisione 

presso la Scuola d’Arte Grafica “Il Bisonte” di 

Firenze, corsi di Modellato presso il Liceo Artistico di 

Firenze e sta tutt’ora frequentando corsi presso la 

Scuola Martineau di Firenze. Del 1971 la prima personale 

di pittura presso il Circolo Culturale di Antella 

(Bagno a Ripoli). Da allora ininterrotta la sua attività 

espositiva con inviti a rassegne locali e nazionali, 

partecipazioni a fiere d’arte e premi internazionali. 

Ha ottenuto diversi riconoscimenti editoriali ed 

espositivi nelle edizioni del “Premio Italia per le Arti 

Visive” e del “Premio Firenze”, sia con la pittura che 

con la scultura e la grafica, così anche al Premio 

“Giuseppe Pescetti” e al Concorso “Cardo d’argento” 

della associazione “Gadarte” di Firenze. È stata premiata 

per la pittura al XXV° Palio delle Contrade di 

Bagno a Ripoli (Firenze) e per la scultura all’edizione 

successiva. È stata inoltre selezionata due volte per 

la raccolta del Museo di Arte Contemporanea del 

“Divenire” di Scopoli (Foligno). Tra le personali più 

recenti si ricordano quelle del 2001, dedicata alla 

scultura, presso la “Limonaia” di Villa Vogel a Firenze; 

nel 2002 alla Galleria “Gadarte” di Firenze, e nel 

2003 “Tracce dell’Anima” in occasione dell’Antica 

Fiera di Antella presso la Confraternita della Misericordia 

dell’Antella (Firenze). Nel 2005 Minipersonale 

presso il Chiostro di Villa Vogel a Firenze. Nel 2008 

“New Entry” presso la Galleria Spazio Art-Art di Impruneta 

(Firenze). Nel 2009 “Oltre le forme e i colori… 

Le emozioni” al Palazzo Ghibellino di Empoli e 

“Emozioni di donna” alla Sala Mostre della Circoscrizione 

6 a Marina di Grosseto. 

300


Diana Polo 

Galleria d’arte, tecnica mista su tavola, cm. 70x50 

“La matita è stata per me e lo è tuttora, una compagna 

di vita e i colori sono la mia musica. In questa dichiarazione 

dell’artista stessa, nel tono così schietto 

e poetico insieme, c’è la chiave per comprendere il 

suo ininterrotto legame con l’arte che ci svela un rapporto 

di naturale empatia, quasi seguisse l’imprescindibile 

bisogno di disegnare tutto quanto colpisce la 

sua attenzione, nelle forme della natura quanto in 

quelle umane, e da lì procedere ad un continuo scavare 

nella ricerca espressiva e nella sperimentazione 

tecnica per dar vita e corpo ad una nuova trasposizione 

che trasforma il modello e lo stimolo originario al 

filtro del proprio immaginario, della propria cultura e 

della propria emotività. Ed è con sorprendente coerenza 

che Diana si muove con perizia ed eleganza 

nelle diverse e parallele vie del disegno quanto 

dell’incisione, della pittura ad olio quanto dell’acquerello, 

della scultura e del basso ed alto rilievo con la 

terracotta come con la pietra, e con innovative superfici 

a calco e strutture in plexiglass che divengono installazioni. 

Eppure tutto si riconduce ad un unico percorso 

poiché unico è il suo linguaggio figurativo, di un 

sapore quasi letterario, venando il realismo di toni 

fantastici e al contempo d’introspezione psicologica.” 


301


Clara Polvani 


Nata a Figline Valdarno, risiede a Firenze dove 

vive e lavora e dove si è diplomata all’Accademia 

“Lo Sprone”. Dal 2000 partecipa a diverse 

fiere dell’arte nazionali e internazionali con la 

Galleria d’arte Mentana tra cui l’Artexpo di New 

York, l’Europe-art di Ginevra, la Lineart di Gent in 

Belgio, l’Arte Immagina di Reggio Emilia e la Fiera di 

Innsbruck. Costante è la sua presenza a premi e concorsi 

come “Etruriart” a Venturina, il Premio Italia 

per le Arti Visive di Certaldo, il XVII Premio Firenze 

dove viene premiata con l’inserimento in un’antologia 

e il Premio “Il gatto nell’arte” al Gadarte. Presente 

dal 2001 al 2011 nella rassegna annuale Valori di 

Continuità presso la Galleria Mentana, nel 2002 ha 

esposto nella collettiva “Dialogo con la natura, la 

memoria, l’immaginario” al Palazzo della Loggia di 

Noale. Al 2008 risale la personale al residence Porta 

al Prato di Firenze e nel 2010 la monografica alla Galleria 

del Candelaio. 

“Osservando l’opera di quest’artista si avverte una poetica 

intimista, dove il suo animo si manifesta in una 

pittura elegante, che rifugge dai gridi di mode per soffermarsi 

sull’essenza del suo essere di fronte alle 

cose, per raccontare, nei colori e nelle forme, se stessa. 

I suoi lavori descrivono la sensibilità contemplativa 

di chi si pone davanti alla realtà per capirne il significato 

più profondo. Sono paesaggi naturali e antropici 

dove le architetture, di antiche espressioni, raccontano, 

tingendosi dei colori del tempo, in un antico castello, 

in una chiesa, nelle case senza rumori. I suoi soggetti 

sono i borghi toscani, arroccati su dolci colline, 

che si stringono in un abbraccio dai toni di cielo e si 

Matera, 2005, olio su tela, cm. 70x50 

colorano di istintività emozionale, diventando liriche 

narrazioni interiori. L’artista sa cogliere i suggerimenti 

del genius loci, che le svela i segreti connaturati nella 

poesia dei luoghi, dove il passato è ancora presente 

nella speranza di un futuro sognato”. 


302


Angela Pratesi 

Via del Cittadino, 7 - 59100 Prato - Cell. 393 8985555 

angelapratesi.ap@gmail.com - www.lagalleriadiangela.altervista.org 

Il pettirosso, 2008, olio su tavola, cm. 60x65 

Nasce a Quarrata, ma vive e opera a Prato. Artista 

autodidatta ha iniziato a dipingere negli 

anni Novanta, ricercando nel ‘vecchio’ ambiente 

paesano i suoi particolari, che l’artista esalta 

con una pittura genuina, sempre alla ricerca di case 

rurali abbandonate e angoli di natura incontaminati. 

Oltre alla campagna toscana dipinge anche tramonti 

marini e uccelli nei loro ambienti naturali. Negli anni 

ha partecipato a numerose mostre di pittura personali 

e collettive riscontrando notevole interesse per le 

sue opere. 

“L’artista comunica la genuinità dell’ambiente paesano, 

cogliendo con semplicità ed emotività i particolari 

che attirano la sua attenzione e con estemporaneità 

li dipinge, imprimendo nel colore e nella luce i 

propri sentimenti e le proprie vibrazioni emotive. In 

ogni opera si coglie l’amore per l’essenzialità e la 

purezza della natura esaltata dalla personale resa 

atmosferica e dal lieve dissolvimento del colore, che 

imprime al soggetto un’intonazione romantica”. 


303


Angela Pratesi 

Gufo Reale, 2010, olio su tavola, cm. 22x55 

304


Simonetta Princivalle 

www.princivallesimonetta.it 

L’arena, cartapesta, corda e acrilico, cm. 80x60 

305


Simonetta Princivalle 

Ponte Vecchio, cartapesta, corda e acrilico, cm. 80x60 

306


Lorella Pubblici 

lorellarte@gmail.com 

www.lorellapubblici.it 

Da giovane, 2009, olio su tela, cm. 70x90 

Naturalmente predisposta al disegno, che ha 

praticato fin da bambina, Lorella Pubblici ha 

approfondito gli studi pittorici in età matura 

grazie alla frequentazione di scuole d’arte private. 

Espone ininterrottamente dal 2003: da allora i suoi dipinti 

hanno partecipato a eventi collettivi, mostre personali 

e concorsi d’arte. Dedicandosi ad una trasposizione 

della realtà meticolosa ma selettiva, riesce a 

infondere nei suoi dipinti un’ idea di bellezza pacata e 

emozionante. Nella predilezione per la figura umana 

l’artista rivolge un’attenzione particolare ai volti, dove 

la resa espressiva raggiunge grande intensità. Per 

questo si è confermata particolarmente incline al genere 

del ritratto. Di grande pregio le rese realistiche 

ottenute con l’amatissimo pastello dal quale si è pian 

piano affrancata per dedicarsi sempre di più alla pittura 

a olio, con la quale ha raggiunto un’ulteriore maturazione 

del linguaggio pittorico e una maggiore personalizzazione 

stilistica. 

Samanta Monco 

307


Cristiana Pucci 

Via Cattolica, 18 - 55041 Camaiore (Lucca) 

Cell. 347 1060481 - cristianapucci@alice.it 

Mediterranea, 2002, tecnica mista su tela, cm. 80x120 

L’artista nasce a Pietrasanta (LU) dove vive e lavora. 

Dopo una formazione umanistica, psicopedagogia 

e musicale, si laurea presso l’Accademia 

di Belle Arti di Carrara con una tesi sulla 

“Morfologia del Linguaggio Artistico” con la quale 

approfondisce il personale interesse sulla funzione 

ermeneutica ed archetipica dell’arte. Dal 1994 espone 

sia in Italia che all’estero. Hanno commentato il 

lavoro di Cristiana Pucci: Pier E. Antonioli, Franco 

Bellato, Carlo Bordoni, Giovanni Bovecchi, Umberto 

Buscioni, Giovanna M. Carli, Giuseppe Cordoni, Nicola 

Corradini, Giuliano Della Pergola, Guido del Monte, 

Giovanni Fanelli, Novello Finotti, Alessandro 

Giannotti, Ulrico Guerrieri, Anna Laghi, George Levine, 

Carlo Mattioli, Valerio Meattini, Nicola Miceli, 

Raffaele Monti, Riccardo Nencini, Paola Pizzamano, 

Giò Pomodoro, Catherine Pumo, Alessandro Romanini, 

Gaby Saccuto, Antonella Serafini, Riccardo Sica, 

Riccardo Tommasi Ferroni, Faustina Tori, Giorgio Trevisan, 

Chiara Vivolo. 

PRINCIPALI MOSTRE PERSONALI: 

dal 1994 al 2009 

1994 “I luoghi della Memoria”, ex Palazzo Arcivescovile, 

Caprigliola, Massa, Patrocinio A.B.A. di Carrara, 

presentazione a cura di C. Bordoni, A. Laghi; 1996 Galleria 

PetrArte, Pietrasanta, Lucca, inediti pittura e 

grafica; 1996-1997 Galleria PetrArte, Pietrasanta, 

Lucca, pittura e grafica per “Le Mimose di Sekina”, 

presentazione in volume a cura di G. Bovecchi, V. Mattini 

e con il contributo di A. Laghi, N. Corradini, M. 

Mattioli; 1997 “Dimore - Omaggio al Romanico”, Teatro 

dell’Olivo, Camaiore, Patrocinio del Comune di 

Camaiore su invito e cura del Comune medesimo e 

dell’Assessorato alla Cultura; 1998 “Solilunio - dal 

diario dell’artista”, Galleria Capricorno, Vigevano, 

presentazione in catalogo di G. Cordoni e di A. Laghi; 

1999 “Grande Bosco - palingenesi”, Spazio Arte Pisanello, 

Fondazione Toniolo, Verona per la cura del maestro 

Novello Finotti e presentata da P. Pizzamano; 

1999 “StudioAperto”, via Marzocco 39, Pietrasanta, 

308



Verso Oriente, 2005, olio e t m su tela, cm. 150x150 

Lucca, Patrocinio del Comune di Pietrasanta; 1999- 

2000 “I Re - Incontri”, Sala Grasce, chiostro S. Agostino, 

Pietrasanta, Patrocinio del Comune di Pietrasanta, 

su invito del Comune medesimo e dell’Assessorato 

alla Cultura; 2000 “Intramarino - Nuotare come Volare”, 

Galleria Mercurio, Viareggio, Lucca, Patrocinio 

A.P.T. Versilia, presentazione in catalogo di A. Serafini. 

2001 “StudioAperto”, via Marzocco 39, Pietrasanta, 

Lucca, Patrocinio del Comune di Pietrasanta; 2002 

“Cristiana Pucci 1997-2002”, Cremona, “Nuotare 

come Volare - da Cieloceano a Mediterranea”, antologica 

in tre sedi a cura di C. Vivolo, Palazzo Cattaneo, 

Sale di Corte, olii; Società Canottieri Baldesio Cremona, 

dipinti e acqueforti “A Mnemosyne”; Sporting 

Club Cremona, “Appunti di Viaggio - Le Carte”; Patrocinio 

Palazzo Cattaneo; 2002 Hilton Palace Hotel, 

Cannes, Costa Azzurra, a cura di Gaby Saccuto e per la 

casa editrice “Riviere Côte d’Azur Mèditerranèe International”; 

2003 “Paesaggi”, Paisley Pictures Gallery, 

Paisley, England; 2003 “StudioAperto”, Via Marzocco 

39, Pietrasanta, Lucca; 2003 “Verso Oriente”, Complesso 

medioevale di Santa Croce in Fossabanda, 

Pisa, Patrocinio del Comune di Pisa; 2005 “I segni di 

ieri”, antologica, Palazzo Panciatichi, Sede del Governo 

Regionale Toscano, Firenze, Patrocinio della Regione 

Toscana; 2006-2007 “StudioAperto”, Via Marzocco 

39, Pietrasanta, Lucca; 2009 “StudioAperto”, Via 

Marzocco 39, Pietrasanta, Lucca. 

309



A Mnemosyne, 1997, olio e t m su tela, cm. 150x100 

CRISTIANA PUCCI, ARTISTA 

DELLA MEMORIA SIMBOLICA 

La verità non può venire al mondo nuda anzi è venuta 

nei simboli e nelle figure. C’è una rinascita, e 

c’è una rinascita in figure. In verità essi dovranno 

rinascere in grazia della figura. 

Vangelo di Filippo 

Interferenza e transizione, qualità della memoria insieme 

con la sovrimpressione di impronte e tracce di 

immagini, di sensazioni, di fraintendimenti, di crasi 

debite e indebite, sembrano essere alcune delle categorie 

che sottendono alla pittura di Cristiana Pucci. 

Una memoria sintetica, che rielabora le funzioni simboliche 

di differenti codici, da quello cromatico, all’inconscio, 

al materico, che si concretizza in opere evocative 

ed allusive, fittamente stratificate, criptiche. 

Esse invitano lo spettatore ad affinare il suo armamentario 

analitico, il suo repertorio di memorie archetipali 

per confrontarle con le allusive composizioni 

dell’artista. 

La risonanza è ricercata ad un livello subliminale, non 

tanto a quello razionale, caratterizzando la fruizione 

delle opere come un transfer emozionale di paesaggi, 

luci ed ombre. 

I riferimenti ad una poetica archetipale risultano più 

chiari ricordando come la formazione teorica dell’artista 

conti studi di natura iconografica e simbolica. In 

questo spazio ancestrale l’autrice rifonde, com’è giusto 

attendersi, la sua esperienza e la sua biografia. 

Nata in Versilia, forme e colori della sua terra si affacciano 

nel denso cromatismo come memorie evocate, 

310



Le montagne del mare, 2004, olio e t m su tela, cm. 70x50 

come in “A Mnemosyne” (1997) e “Le montagne del 

mare” (2004), dipinti che attivano risonanze differenti, 

evocando monumentali figure femminili luminose, 

immerse nel buio-utero-notte, scandagliando sotto di 

sé le profondità del suolo… Se è vero che la sensibilità 

umana è il nostro unico canale di comunicazione 

con l’universo e che se si riesce ad aumentare la capacità 

di questo canale, la conoscenza dell’universo 

si allargherà in misura equivalente, è anche vero che, 

come spiega George Kubler in La forma del tempo. La 

storia dell’arte e la storia delle cose (Torino, Einaudi, 

1972), le emozioni assolvono le funzioni di una valvola 

principale nel circuito tra noi e l’universo. 

Allora la pittura di Cristiana Pucci può essere interpretata 

come una guida, conscia e inconscia, che 

procede dagli occhi verso l’emotività, dove incuba 

e trae nuova spinta per riprendere l’incessante 

viaggio attraverso la memoria collettiva e individuale, 

la cui continua narrazione è una delle poche 

strade per la comprensione dell’umana condizione, 

e del suo inesplicabile fondo di Bellezza. 


Storico dell’arte, critico, 

Consiglio Regionale della Toscana, Firenze 2005 e 2013 

311


Osvalda Pucci 

Via xxv Aprile, 37 - 52100 Arezzo 

osvalda.pucci@fastwebnet.it - www.op-arte.it 

Odlarim, 2003, olio su tela, tec. colore spanto, cm. 50x50 

Nata a Siena, vive ad Arezzo. Si è dedicata fin 

da giovanissima allo studio della pittura e vi 

dedica un’intera esistenza; inizialmente con 

suggerimenti del caposcuola della scultopittura Teobaldo 

da Vinci, e, dopo aver sperimentato diverse tecniche 

pittoriche, ha preferito quella “dell’olio a colore 

spanto” una tecnica antica, da lei rielaborata e corretta. 

La ricerca s’incentra in espressioni simboliche e su 

soggetti astratti di matrice naturalistica: un mondo 

riveduto in un contesto metafisico. Con lo sponsor TY 

NANT ha esposto a Milano, Londra, Barcellona, Cardiff. 

Molti gli eventi espositivi che l’hanno vista protagonista, 

tra questi di ricordano nel 2011: Milano, 

A.B.C. Fuori Salone, Cortona (AR), Gallera Nazionale 

in Palazzo Alticozzi, Milano, Palazzo RECALCATI, Palermo 

Villa Malfitano, Udine Galleria Aura e Artestruttura, 

Parigi Galleria Thuillier, Parma, Fiera di Parma; 

nel 2012: Roccamonfina (CE), Museo MAGMA, Firenze, 

Auditorium Santo Stefano - Lungarno, Verona, 

Palazzo della Gran Guardia - il Metaformismo. Tra le 

mostre di prossima realizzazione: Castello e Borgo di 

Malcesine del Garda, Museo di Storia Naturale del 

Garda; International Art Fair, Spoleto, Museo Teatro 

delle Sei. La sua attività artistica è stata recensita 

sulle principali testate nazionali (La Nazione, Il Corriere 

della Sera, Il Tirreno, Il Corriere dell’Arte) riviste 

specializzate e cataloghi d’arte. Di lei hanno scritto, 

tra gli altri: Umberto Eco, Paolo Levi, C. Bertani, Con- 

312


Osvalda Pucci 

Keen, 2010, olio su tela, tec. colore spanto, cm. 90x90 

Lowland, 2010, olio su tela, tec.colore spanto, cm. 90 x90 

Ambizione, 2009, olio su tela, tec colore spanto, cm. 120x30 

carotti, P. La Roche, P. Sidoli, U. Petrone, G. Marchetti, 

G. Sillato, L. Boarini, G. Falossi. 

Difficile sintetizzare un processo creativo in poche 

parole, sempre di per se riduttive per una dimensione 

creativa ed estetica fluida e profonda, vasta e in divenire. 

Vortici floreali,strade campestri assolute, paesaggi 

urbani che vibrano di onde energetiche, golfi 

anatomici in corpi cosmici,marine ultrareali, cromatiche 

intensissime che convergono verso un centro invisibile 

e filosofico, ecco fugaci cenni ad alcuni fenomeni 

esistenziali che l’artista ricrea ed evoca per noi, per 

rinnovare le nostre facoltà percettive e psichiche talvolta 

esauste o distratte e bisognose di rivitalizzazione 

e spiritualizzazione. Certi aspetti dei paesaggi di 

Osvalda Pucci ricordano la forza plastica e simbolica 

dei paesaggi umanistici e rinascimentali come nel 

celebre affresco attribuito a Simone Martini ritraente 

Guidoriccio da Fogliano. Una “geologia poetica” in cui 

la visione è pragmatica indagine, logos sulle terre degli 

stati dell’essere, dei cambiamenti emotivi, delle 

mutazioni mentali. In questi paesaggi incisivo appare 

l’uso/effetto psichico della composizione e delle essenziali 

scelte cromatiche. Il colore si fa segno e nervatura, 

siano fiori impazziti, scenari onirici, vortici 

cromatici assoluti, corpi in visione e visione di nuove 

corporeità, in tutti esplode una vasta e acuta forza 

ideativi e configurativa,emerge un suggestionante 

313


Osvalda Pucci 

Symbir, 2008, olio su tela, tec. colore spanto, cm. 60x30 

Schegge, 2010, olio, lacca su tela, tec. colore spanto, cm. 40x80 

impatto visivo, una manifestazione di mondi che palpitano 

appena sotto il velo dell’abitudine percettiva. 

Una dinamica totale si fa anche atmosfera che unisce 

la rarefazione del pensiero all’impulsività del corpo. 

Pennellate decise e calibrate, sensibili e meditate, 

carnosi gorghi portano ad un approfondimento arossistico 

che si declina nel colore, da sotili veli a pastose 

e distese e coaguli matrici, nel segno ritmico, ora “atmosferico” 

ora sigillante, nell’idea focalizzante. La 

“sprezzatura” vi domina, cioè la disinvolta padronanza 

dello spazio trasmette il senso dell’istinto, e lo fa 

all’interno di un sistema di cui si può apprezzarne la 

logica espressiva. Non ci avvertono compromessi o 

incertezze ma il linguaggio viene articolato fino a farsi 

stilema, ideogramma, calligrafia metafisica, rebus ricorrente 

e riconoscibile nella propria attraente insolubilità. 

Gli scorci cittadini si trasformano in ardenti 

curve emozionali, i fiori in nuove anatomie e organici 

314


Osvalda Pucci 

Tari, 2010, olio su tela, tec. colore spanto, cm. 40x40 

tessuti, i paesaggi in dialoghi misterici fra entità pulsanti 

e vive, universi sublimi ma concreti, come i numeri. 

Moltiplicazioni di identità totali. Il senso fenomenico 

dell’indipendenza degli elementi e del loro 

“esserci pittorico ” potenzia la dialettica comunicativa. 

Il senso dell’assoluto viene reso senza chiusure 

ideologiche o riduttivi schematismi intellettualistici 

ma includendo liricamente la percezione, quasi fisica, 

della relazione. Lo stupore di chi guarda si trasforma, 

grazie all’opera, in tesa ma serena contemplazione, 

sempre ricca di pensieri come di emozioni trasversali. 

Nel primo l’azione scenica appare efficacemente psicogena: 

si entra in un mondo agendolo e l’immagine 

del cane, drammaticamente e solennemente umana, 

si fa tensione poetica e catartica. La triplice tecnica di 

olio smalto, e colore spanto declina la triplice accezione 

della visione: idea, riflesso e riverbero. In “Thunder 

” assistiamo ad una ana-catabasi all’interno del colore 

rosso; un’implosione ctonia ed uranica nel contempo. 

Una “faglia/farfalla” che compendia futurismo, 

tradizione e surrealismo. Il colore , deciso ed emozionale, 

intenso e dinamico , sostanzia l’opera e si trasfigura 

in processo configurativo in divenire. In “Virgola” 

la densità narrativa appare così ricca da consumare 

l’ordinaria percezione e gli automatismi estetici in 

nuove curve energetiche ed emozionali. Un’opera epifania, 

in quanto struttura dimensioni già vissute nel 

profondo, luci già accese in chiarezza e passione. 

Giacomo Maria Prati 

315


Brunetta Ricci 

Via C. Monteverdi, 72 - 50144 Firenze 

Tel. 055 368915 

Dalla mia finestra, olio su tela, cm. 50x70 

Brunetta Ricci è nata a Firenze, dove vive e lavora. 

Diplomata all’Istituto d’Arte di Porta Romana, 

ha frequentato la Scuola Libera del Nudo, 

presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Partendo 

da un’impostazione impressionistica e macchiaiola, 

con particolare predilezione per il paesaggio e per gli 

angoli più caratteristici della sua città, volge poi l’attenzione 

allo studio della figura umana, eseguendo 

numerosi ritratti. Tenta anche nuovi tipi di espressione, 

nei quali i temi oscillano nella sfera dell’onirico e 

dell’immaginario, approdando all’esperienza informale. 

Il suo eclettismo la porta infine a sperimentare le 

tecniche più disparate: dall’acquaforte, alla xilografria, 

dall’acquerello al collage. Si cimenta pure con 

buon successo nel modellato, realizzando alcune piccole 

sculture. Ha allestito mostre personali ed ha preso 

parte a numerose collettive. Ha partecipato altresì 

a concorsi e rassegne, ottenendo molti riconoscimenti. 

Le è stato conferito da Gadarte il premio “Cardo 

d’argento” (49°edizione), per un’opera di pittura. Alcuni 

suoi lavori, dipinti, disegni e incisioni, si trovano 

presso collezioni private. 

316



art.center.florence@inwind.it 

Arcane presenze, olio su tela, cm. 150 x160 

Vive e lavora a Firenze. La sua prima formazione 

è avvenuta con lo scultore Valerio Gelli. Ha frequentato 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze 

sotto la guida dei maestri Silvio Loffredo, Rinaldo Burattin, 

Emanuele Cavalli, Piero Vignozzi, Sandra Batoni, 

Giovanni Spinicchia e l’incisore Manfredi. Ha approfondito 

le tecniche figurative con il maestro 

fiorentino Pirzio. Ha sperimentato l’astrattismo con 

importanti artisti contemporanei Nel 1997 ha fondato 

e gestito, fino al 2000, l’atelier Via della Pergola. Dal 

2001 al 2003 ha insegnato pittura e modellato all’Istituto 

di Cultura Italiana per Stranieri Michelangelo di 

Firenze. Nel 2001 ha fondato gestito, fino al 2009, 

l’atelier-galleria Art Center Florence e il gruppo di artisti 

ACF Dal 2007 collabora con l’Istituto di Lingua e 

Cultura Italiana Machiavelli, per la parte artistica. Nel 

2010 ha fondato il centro culturale La Rosa d’Oro 

dell’Arte cui fa capo il Gruppo La Rosa d’Oro. Dal 1997 

si occupa di critica d’arte e letteraria. Di lei hanno 

scritto il Sottosegretario ai Beni Culturali On. Willer 

Bordon, la Vicepresidente del Consiglio Regionale 

Marialina Marcucci, i critici e storici dell’arte: Vittorio 

Abrami, Rinaldo Burattin, Rosalia Bonito Fanelli, Veronica 

Ferretti, Ilaria Minghetti, Filippo Rossi, Andrea 

Pivotto, Ella Spiazzi, Chiara Carfù, Franco Ruinetti, 

Pier Francesco Listri, Rita Pini. Recensioni e articoli 

sulla sua opera sono apparsi su quotidiani quali: La 

Nazione, La Repubblica, Il Tirreno, Montecatini Oggi e 

riviste d’arte: Il Corriere dell’Arte, Arte e Cultura, Segni 

d’Arte, Praxis, Metropoli, Il Nuovo Corriere di Firenze. 

È inserita nell’agenda 2006 “Artisti della Toscana”. 

Tra i premi ricevuti: 1999, premiata 

nell’ambito della rassegna “Premio Italia Per l’Arte” il 

Premio Speciale della Giuria; 2007, “Premio Incontri 

317



con l’Arte“ organizzato da Metropoli e Toscana TV; 

2012 Premio “Arte e Cultura in Toscana” organizzato 

dall’Associazione Toscana Cultura. Dal 1995 Lucetta 

Risaliti espone in numerose mostre collettive spesso 

organizzate da lei stessa per il suo gruppo di artisti, 

alcune delle quali a scopo umanitario in favore 

dell’AVIS o dell’Ospedale Meyer. Le più importanti: 

Milano, Bologna e Firenze nelle sedi della BPM, Limonaia, 

Chiostro di Villa Vogel e Stazione di Confine Firenze, 

nella Galleria ACF con il patrocinio di Pitti 

Uomo e Pitti Filati, Villa Bellosguardo (Lastra a Signa), 

Consiglio Regionale della Toscana Firenze, Galleria 

Via Larga con il patrocinio della Provincia di Firenze, 

Sala Banti Montemurlo con il patrocinio dell’AVIS e 

del Comune di Montemurlo, Villa Sant’Andrea Montefiridolfi 

con il patrocinio della Regione Toscana, della 

Provincia di Firenze e del Comune di San Casciano 

Val di Pesa. Molte le mostre personali realizzate a Firenze, 

tra queste: Galleria Lucia Bugassi, Il Foyer, 

sede BPM, Villa Bandini, Palazzo Cerretani con il patrocinio 

della Regione Toscana, Arena Teatro Cinecittà, 

Villa Bandini, Palazzo dei Congressi. Altre personali: 

Galleria Valiani (Pistoia), Galleria Il Fiore 

(Montecatini), Salone Internazionale dell’Arte (Reggio 

Emilia), Hotel Forte Crest (Milano), Galleria III Millennio 

(circuito Biennale di Venezia), Castello Duchi di 

Camerata (Sale San Giovanni, Piemonte), Galleria 

Malatestiana (Rimini), sede Circolo di Corrispondenza 

Quatuor Coronati N 1166 OR (Perugia), BPM sedi di 

Firenze, Bologna e Milano. 

“Esiste tra arte ed astrologia un antico e profondo legame 

che la storia ufficale ha spesso sottaciuto facendo 

sì che parte dei suoi significati andassero dimenticati 

o perduti. Spingersi alla ricerca delle 

“arcane presenze” disseminate nel cammino tortuoso 

dell’umanità è una delle ragioni che ispira l’attività 

pittorica di Lucetta Risaliti, per la quale dipingere è 

far riaffiorare gli archetipi che si celano nell’inconscio 

collettivo e che descrivono una memoria antica almeno 

quanto le origini dell’uomo. La grande tradizione 

dell’astrologia rivive nei suoi dipinti quale strumento 

Arcane presenze, olio su tela, cm. 100x163 

utile a rileggere tanto la vita dei singoli quanto i grandi 

eventi della storia, favorendo una concatenazione 

di miti, simboli e repertori iconografici in cui l’arte del 

passato - dagli Etruschi alla Firenze del Rinascimento 

- diventa depositaria di misteri che attendono di essere 

rivelati. Un vasto e spesso poco conociuto repertorio 

culturale che Lucetta ha il merito di recuperare in 

nome di quella capacità dell’arte di “rendere visibile” 

l’imperscrutabile verità che sta dietro l’apparente”. 


318


Carmela Rizzi 

carmelarizzi1@hotmail.it 

carmelarizzi.altavista.org 

Omaggio a Egon Schiele, 2013, acrilico su tela, cm. 50x50 

Carmela Rizzi è nata a Casamassima (Ba) il 20 

luglio del 1957 e risiede a Montespertoli (Montagnana). 

Nel 1975 ha conseguito la maturità 

artistica presso il Liceo Artistico di Bari e nel 1979 si 

è diplomata all’Accademia di Belle Arti di Firenze. È 

abilitata dal 1984 all’insegnamento di Discipline Pittoriche. 

Nel corso della sua carriera ha esposto in 

numerose mostre personali e collettive e ha partecipato 

a importanti concorsi nazionali. 

“L’ispirazione nasce dal bisogno di esprimere, il grido, 

l’urlo di dolore e il tormento dell’anima, la ribellione, le 

emozioni, attraverso forme esagerate, contorte e deformate 

in contrapposizione alla struttura della società. 

Da questo nasce un legame quasi come da un cordone 

ombelicale all’espressionismo tedesco e al 

fauvismo per la genuina spontaneità di spiriti semplici, 

dall’uso del colore acceso, luminoso e puro; dalla sintesi 

delle forme e da uno spazio emotivo in cui natura 

uomo convivono in perfetta armonia”. 

Carmela Rizzi 

319


Melissa Roedan 

Abit.- studio: Via Dino Compagni, 11 - 50133 Firenze - Tel. 055 3840045 

Cell. 347 344 7982 - www.melissaroedan.com - mroedan@yahoo.com 

Dettaglio 

Nata a Santo Domingo nel 1976. Fin dall’infanzia 

segue lezioni di disegno e pittura di diversi maestri 

d’arte. Nel 1997 si laurea in Disegno d’Interni, 

presso l’Università Nazionale (UNPHU). Nell’anno 

2001 vince una borsa di studio per perfezionare il 

disegno e la pittura a Firenze e frequenta l’Accademia 

di Belle Arti di questa città dove risiede e lavora attualmente. 

Da allora espone regolarmente sia in Italia che 

nel suo paese d’origine in rassegne e fiere ottenendo 

riconoscimenti a premi internazionali (nel 2011 il Premio 

presidente della Giuria al “Premio Firenze”), ed ha 

tenuto diverse personali a Firenze, Figline Valdarno, ed 

a Santo Domingo presso la Galleria San Ramon. Il suo 

lavoro è documentato in riviste dominicane quali Estilos 

e Report ed in Italia su Eco d’arte moderna. 

“La sua pittura, e così la sua scultura, si aprono al dialogo 

fra materiali diversi, tra figurazione ed astrazione, 

ed anche con la scrittura, la parola. Quasi in una 

congiunzione di opposti il suo lavoro è percorso da una 

venatura di intimismo che si combina ad un timbro 

espressionista marcando ogni opera di tale duplice 

natura. Altrettanto nelle tematiche, in cui l’umanità è 

costante riferimento, la riflessione si incentra sull’au- 

Atto secondo. Il confronto con la realtà, 2012 

toanalisi quanto sull’espressione di problematiche più 

corali, sociali - le oppressioni, i problemi interraziali, i 

mutamenti della natura -. È particolarmente intrigante 

il rapporto che l’artista instaura tra il disegno il colore 

e la materia plastica, come la cera o la resina, creando 

un ponte fra tradizione e innovazione.La figura, o altrove 

il dettaglio figurale - un volto, le mani, i piedi - è 

sempre assolutamente in bianco e nero, nell’abilità 

disegnativa dotata di un caldo realismo, tale che nel 

contrasto con il contesto pittorico-plastico - di valenza 

anche narrativa - in cui si colloca assume uno sbalzo 

ulteriore ed una valenza quasi fotografica. A sottolineare 

poi un legame non solo emblematico e simbolico 

ma fisico tra contenuto e forma, l’artista intreccia con 

corda o fili metallici “cuciture” che percorrono la superficie 

spesso rimarcando lacerazioni, strappi, ferite, 

come finestre aperte sull’anima a svelare una verità 

più profonda.” 


320


Manuela Romanelli 

Via Ciro Menotti, 24 - Agliana (Pistoia) 

Tel. 0574 679801 

Dopo il raccolto, acrilico su tavola 

Manuela Romanelli è nata a Firenze, ma ha 

vissuto molti anni a Prato; oggi risiede ad 

Agliana, Pistoia. La pittrice ha fatto parte 

dell’Associazione “Il Chiassino” di Prato, ha esposto 

in manifestazioni alla “Galleria La Pergola” e il “Foligno” 

a Firenze, e in alcuni centri espositivi di Pistoia, 

Rimini, Bologna, ecc. Ha tenuto diverse mostre personali, 

tra cui si ricordano quella presso l’Hotel Castanea 

delle Terme di Porretta; alla Pieve di S. Pietro, con 

la concessione del parroco; al Museo della Vite e del 

Vino di Carmignano; al Panda Club97 a Prato, a Montecatini 

alla Casa del Pittore. Attualmente fa parte 

dell’Associazione “Della Robbia” di Pistoia. Periodicamente 

espone alcuni lavori pittorici in Sud America, 

nella cittadina d’Assuncion Repubblica del Paraguay, 

nella residenza privata del collezionista Jorge Rivera. 

Nel 2008 ha vinto il III° Premio in un concorso di Pittura 

a Prato. Alberto Gavazzeni ha scritto di lei: «Non è 

il paesaggio placido quello che trova accoglienza nelle 

sue pennellate, ma un’estensione in cui le emozioni 

si rincorrono in maniera appassionata. Manuela riesce 

a ridurre le sue tele all’essenziale e risulta evidente 

la capacità di accostare i colori di una tavolozza 

sempre vivida e forte nei toni». 

321


Vittoria Angela Romei 

Cell. 360 353389 

vittoriaromei@libero.it - www.gridellino.blogspot.it 

La vacanza di Ippolita con pinguino, 2009, olio su tela, cm. 100x70 

Equinozio d’autunno al Forte, 2012, olio su tela, cm. 100x70 

Vittoria Angela Romei ha studiato all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze, tesi sulla pittura di Piero 

della Francesca. Nel 1999 insieme a due artisti 

fonda il Distruttivismo; l’appartenenza a questo movimento, 

durato complessivamente tre minuti, è l’unica 

esperienza di gruppo. Delle esposizioni si segnalano: 

Fiesole, Palazzina Mangani; Scandicci, Palazzina Direzionale; 

Sansepolcro, Palazzo Pretorio; Milano, Rinascente; 

Padova, Arte Fiera; Firenze, Giubbe Rosse; 

Marina di Massa, Hotel Exelsior; Carrara, Galleria 

Alanda; Marina di Carrara, Club Nautico Ponte Vecchio; 

Seravezza, Cappella Medicea; Cinquale, Gazebo; 

Forte dei Marmi, Museo Gilardi; Montignoso, Villa 

Undulna; Cinquale, Hotel Eden; Tokyo, Il Bisonte; Benevento, 

Palazzo Paolo V; Carrara, Albericus; Montignoso 

Villa Schiff; Forte dei Marmi, Museo Ugo Guidi; 

Solstizio d’estate, 2006, olio su tela, cm. 100x70 

322



La guardia del mare, 2005, olio su tela, cm. 100x60 

Marina di Castagneto Carducci, Hotel I Ginepri; Forte 

dei Marmi, Villa Bertelli; Parigi, Dealer; Livorno, Museo 

del Mediterraneo e di Storia Naturale; Firenze, Il 

Bisonte; Firenze, Galleria Benvenuti; Firenze, Galleria 

Il Cancello. 

La pittura di Vittoria Angela Romei 

In arte, come in molte altre cose, c’è chi predilige il 

“come andare”, e chi il “dove andare”. Vittoria tiene 

conto di entrambi i momenti con un’attenzione costante 

alla meta, senza tralasciare alcun particolare 

del mezzo tecnico, compresi i procedimenti che non 

hanno apparentemente relazione con il soggetto in 

cantiere, ma che trovano una spiegazione nel suo progetto 

per l’arte. Questi virtuosismi, compreso l’occhio 

assoluto che mostra naturalmente di avere e che dimostra 

senza alcuno sforzo, non sono pleonasmi o 

vezzi finalizzati al puro compiacimento della troppo 

evidente capacità esecutiva, sono gli elementi costitutivi 

dell’ossatura, che evidenzia una struttura rigorosa, 

severa, cesellata dal tempo; non solo quello 

personale, ma il tempo storico che costituisce il tessuto 

connettivo che lega il presente al passato, che 

ha formato nei secoli l’arte italiana. Sono questi valori 

elementari, facilmente percepibili anche dall’osservatore 

poco attento. Ma solo le persone semplici si 

fermano a queste peculiarità, che da sole già motivano 

l’opera d’arte, se si considera che per dire “arte”, 

gli antichi greci usavano il termine teknè. Vittoria, nel 

motivo che si prefigge di mostrare, tiene conto 

dell’accavallamento di immagini proprio del nostro 

tempo, e lo inserisce a pieno titolo nella contemporaneità. 

E proprio nel tempo in cui vive, a stretto contatto 

con artisti che sempre più tendono ad amalgamarsi, 

si distingue per un’inversione di tendenza che la 

pone in posizione eccentrica, rigorosamente ed orgogliosamente 

isolata e privilegiata. La pittura enigmatica 

di Vittoria pone domande riguardanti le risposte 

323



Primavera, prima del tramonto, 2011, olio su tela, cm. 60x90 

che si è in grado di dare. È questo il momento in cui 

chi guarda diventa protagonista con le proprie risposte. 

Dalle risposte si ipotizza un eventuale stimolo per 

la costruzione di un’opera, spesso generata in ambienti 

incredibilmente lontani a livello ideologico e 

psicologico, anche se vicini fisicamente e culturalmente. 

L’amalgama che Vittoria usa per contestualizzare 

le sue creazioni è il legante naturale, onnipresente, 

spesso non percepito anche se per millenni ha 

condizionato e regolato la vita di tutte le civiltà. Dove 

c’è luce c’è ombra; e se per luce si intende giorno, 

sono rigorosamente da escludere le situazioni dello 

spazio temporale dal tramonto all’aurora. L’importanza 

e l’uso delle ombre nella pittura, hanno una funzione 

che difficilmente sfugge. Le ombre sono indicatrici 

della sorgente di luce, e quando questa è il sole si 

parla di ombre naturali, proprie di un luogo e di un 

particolare momento calendariale. Queste ombre stimolano 

gli archetipi che riconducono al periodo in cui 

la vita era regolata dall’accorciarsi e l’allungarsi delle 

ombre. Nella pittura di Vittoria hanno anche, le ombre, 

la stessa funzione che ha la colonna sonora nei 

film. Se nel montaggio di una pellicola si considerano 

diverse inquadrature per diversi punti di vista, ciò che 

lega in una sequenza logica è la colonna sonora. Le 

ombre sincronizzano momenti diversi nel tempo e 

nello spazio; a livello subliminale ci fanno ritornare 

all’intimità, alla realtà percepibile dalla nostra individualità; 

a questo punto è lecita una domanda: e l’Arte? 

Tradurre una poesia non ne fa perdere il senso; la 

stessa cosa accade per il mondo della visione, dei 

suoni e tutto ciò che è traducibile. Un concetto di difficile 

comprensione cerchiamo di farcelo spiegare 

con altre parole, con termini più comprensibili; in un 

certo senso si esegue una traduzione. Anche con 

l’imitazione si trasferisce il significato, in alcuni casi 

lo si traduce: l’imitazione della natura nell’Arte. Che 

cosa distingue l’Arte da una traduzione, o una spesse 

volte volgare imitazione? Ciò che si perde nella traduzione 

di una poesia, è Arte. Se da una pittura rimuo- 

324



La vacanza di Ippolita con il cervo, 2008, olio su tela, cm. 80x120 

viamo il soggetto, ciò che resta è Arte. Per comprendere 

questo concetto, poiché togliendo il soggetto 

non abbiamo più l’argomento del contendere, proviamo 

a spostare e cambiare l’ordine degli elementi di 

una composizione; tutto ciò che perdiamo è Arte. Per 

gli amanti e i puristi, consiglio di approfondire il termine 

ordinare e relazionarlo al termine Arte dal punto 

di vista etimologico. In natura esistono progressioni 

di suoni gradevoli e paragonabili a componimenti musicali, 

ma solo l’opera del musicista che consiste nel 

comporre crea un’opera d’Arte. Suggerisco anche in 

questo caso di approfondire il termine comporre in 

relazione ad ordinare e quindi Arte. Va da se che tentare 

di capire un’opera d’Arte non ha senso, poiché 

ciò che è comprensibile appartiene al pretesto che 

l’artista usa per realizzare l’opera d’Arte. L’Arte non si 

capisce, si sente. Per questa sua peculiarità, di 

un’opera non si deve tener conto di ciò che stimola la 

razionalità, ma l’emotività. Accade spesso che le 

opere che ottengono più successo, rappresentino 

soggetti popolari; ciò crea una situazione rassicurante 

nell’animo delle persone semplici, che si sentono 

coinvolte poiché agiscono sulla sacca delle loro conoscenze. 

C’è da dire che gli artisti che usano questi 

espedienti per far leva sulle persone semplici, anche 

loro sono semplici, se agiscono con semplicità; o imbroglioni 

quando agiscono con consapevolezza. Le 

visioni di Vittoria guardano il mondo da dentro in fuori, 

componendo le vedute con un rapporto cromatico, 

morfologico e oggettivo, in maniera da stimolare non 

solo le diverse storie dei diversi spettatori, ma le sensazioni 

spesso inopinate. Nelle composizioni di Vittoria 

si accavallano le immagini come i pensieri si sovrappongono 

nelle confuse meditazioni, scalcianti e 

prive di un senso logico, ma misteriosamente lineari 

nelle esposizioni verbali. Come per incanto convivono 

in situazioni improbabili concetti lontani nell’universo, 

in uno spazio onirico; ma ci rendiamo conto del 

sogno solo da svegli, nel sonno il sogno è realtà. 

L’atemporalità delle composizioni evidenzia un sincronismo 

con la verità che fa apparire reali situazioni 

infattibili. 

Vladimir Swarovski, Firenze, gennaio 2013 

325


Lucia Ronchieri 

Pisa - Cell. 347 5158790 

lucia.ronchieri@fastwebnet.it - www.luciaronchieri.com 

Oge, olio su tela e juta, cm. 100x100 

Lucia nasce nel 1970 a Pisa, dove vive e lavora; è 

stata impiegata dal 1996 al 2008 presso il Dipartimento 

Ingegneria Strutturale (DIS) dell’Università 

di Pisa; attualmente è in servizio nella stessa 

Università presso il Dipartimento di Ingegneria Civile. 

Nel 1996 inizia anche il suo percorso artistico nel mondo 

della pittura, formandosi come pittrice presso l’Accademia 

d’Arte di Pisa, diretta da Bruno Pollacci. Tema 

principale della sua pittura è la corporalità umana, 

dalle forme spigolose e dure, sottolineate da una forte 

linea di contorno; i colori sono violenti e accesi, antidescrittivi 

e volutamente antinaturalistici, usati in 

maniera espressiva, per esternare appunto la carica 

interiore e la tensione di certi sentimenti, quali la malinconia, 

l’inquietudine, il tormento. Le sue pennellate 

rapide e istintive rivelano la sua passionalità e il suo 

trasporto verso ciò che realizza. Lucia ha all’attivo svariate 

partecipazioni ad esposizioni personali e collettive. 

Nel 2004 ha realizzato l’immagine del Workshop 

“Costruire con strutture in vetro” per il Dipartimento di 

Ingegneria Strutturale dell’Università di Pisa. 


“Tema dominante della pittura di Lucia Ronchieri sembra 

essere la pervicace intenzione di voler rappresentare 

la poliedricità dell’essere che si materializza in 

fratture cromatiche piuttosto nette e in corpi in cui il 

“visibile” avvolge in una sorta di malinconico pudore 

la complessità delle oscillazioni dell’animo. I colori 

forti e distinti e i corpi “ciechi” sembrano sottolineare 

le difficoltà che travolgono l’essere nello sforzo di ricomporre 

i pezzi del suo mosaico esistenziale. Un mosaico 

le cui tessere sembrano ritagliate dall’urgenza 

dell’inquietudine”. 

Michele Palermo, 

per la mostra “Open House”, Pisa, 2011 

326


Lucia Ronchieri 

Il corpo della melanconia, olio su tela e juta, cm. 100x130 

327


Ilenia Rosati 

Cell. 349 5430395 

info@lalile.net - www.lalile.net 

Ilenia Rosati nasce nel 1983 a Pisa, dove vive e 

lavora. Si diploma nel 2007 all’Accademia di 

Belle Arti di Firenze con una tesi su “Le simbologie 

dello specchio in arte e cultura”. Dopo alcuni 

anni di sperimentazioni allegre, passando dal cucito 

alla videoarte, dalla fotografia alla creazioni 

di monili in rame, oggi i suoi interessi si muovono 

tra pittura, scultura e decorazione. Affascinata 

dallo strumento specchio per le sue proprietà magiche, 

lo utilizza inizialmente per scattare fotografie 

dal sapore surreale; tralasciata poi questa passione, 

lo specchio diventa elemento principale 

degli attuali mosaici che Ilenia realizza per interni 

ed esterni, associati talvolta a pitture, in case private, 

luoghi di intrattenimento e scorci urbani. I 

suoi quadri sono realizzati partendo da getti di china, 

trascinata sulla tela con strumenti dotati di 

punta, fino a formare spazi, giochi di forme e figure 

per lo più astratte, cariche di simbologie personali. 

Partecipa a varie esposizioni collettive e personali; 

dal 2004 gestisce e organizza con altri soci 

varie iniziative culturali a Pisa, promuovendo gli 

spazi espositivi e le estemporanee di arte su pezzi 

di recupero. Afferma: “Ogni quadro che realizzo è 

frutto di un’istintività interiore inconscia, influenzata 

e animata da ricordi, da sogni e da ciò che mi 

circonda; creare è un antidoto contro la noia… la 

spensieratezza in un mondo dove c’è sempre 

meno spazio per essa; ciò che realizzo ha lo scopo 

di trascinare l’osservatore in mondi, almeno temporaneamente, 

rassicuranti… non mi piace rappresentare 

tristezza, al contrario i miei lavori hanno 

caratteristiche ludiche, sono immagini festose, 

vogliono essere colore, gioco e allegria”. 

Simbiosi, 2010-2011, mosaico di specchi, ceramiche e materiale di 

recupero su legno, cm. 150x90 

328


Marianna Rosi 

Via Giulio Cesare, 66 - 52021 Capannole - Bucine (AR) 

Tel. 055 995733 - Cell. 333 1465439 - pensieroacceso@libero.it 

Inverno, 2011, tec. mista su tela, cm. 200x200 

Marianna Rosi nasce a Montevarchi nel 1980. 

Nel 2005 consegue il diploma con lode 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze presso 

la Scuola di Pittura del professore Adriano Bimbi. Tra 

le mostre, la personale Anatomie Domestiche (Spazio 

Bonci, Montevarchi, Arezzo) e le collettive 600 Anni a 

San Domenico di Fiesole (2006, Convento di San Domenico 

e Convento di San Marco Firenze); La terra di 

Chiusino dipinta e appesa alla finestra (2008, centro 

storico di Chiusino, Abbazia di San Galgano, Siena). 

Nel 2007 espone all’estero con Disegni (Galleria Si, 

Toyama, Giappone) e nel 2011 a Mosca presso l’Accademia 

di Belle Arti. Nel 2008 consegue l’abilitazione 

all’insegnamento di disegno e storia dell’arte e arte e 

immagine. Nel 2010 ottiene la specializzazione in grafica 

d’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze 

e il Master di II livello in Architettura, Arti Sacre e Liturgia 

presso l’Università Europea di Roma. Espone, 

sempre nel 2011, all’evento Domus Manifesta I edizione 

per la promozione e la fruizione dell’arte contemporanea 

presso il Museo Venturino Venturi, lo 

spazio espositivo La Filanda e Villa Lavacchini a Loro 

Ciuffenna (AR). Vincitrice della borsa di studio Ciampi 

per la scuola Internazionale di Grafica Il Bisonte a Firenze. 

Vive e lavora in provincia di Arezzo. 

Le case abbandonate o gli edifici fatiscenti sono spesso 

nascosti. Guardare quei luoghi attraverso gli occhi 

di Marianna Rosi significa immergersi insieme a lei in 

una doppia visione, dove ad affermazione e seduzione 

corrisponde una sottile malinconia. L’esistenza di 

questi luoghi negletti è accompagnata da leggende, 

racconti, storie da raccogliere anche attraverso immagini, 

tracce abbozzate o storie che scelgono di farsi 

scoprire. Attraverso di esse l’artista ci presenta una 

tipologia di paesaggio urbano fragile e temporaneo 

come sono del resto, tutte le rovine industriali di qualsiasi 

grande città. 

Matilde Puleo 

329


Eleonora Rossi 

Cell. +39 339 3112226 - eleonorarossiphotographer@gmail.com 

http://eleonora-rossi.blogspot.com/ 

Eleonora Rossi (Arezzo - 1979) vive e lavora tra 

Milano, Arezzo e Roma. L’artista si laurea nel 

2009 in Lingue e Comunicazione Interculturale. 

Nel 2010 si diploma al primo Corso Annuale della 

“Scuola Romana di Fotografia” a Roma. Nel giugno 

2010 viene selezionato un suo ritratto in pellicola 

35mm b/n: l’opera partecipa alla mostra annuale 

“Works in Progress 2010” della Scuola Romana di Fotografia 

a Roma e rimane esposta da giugno a tutto 

ottobre 2010. Nel settembre 2010 inizia la collaborazione 

con lo spettacolo teatrale “War is Over”. Dal 31 

ottobre al 6 novembre 2011 il suo progetto “Head over 

heels” ha partecipato alla mostra collettiva internazionale 

d’arte contemporanea “Egos II” alla Royal 

Opera Arcade Gallery, galleria d’arte contemporanea 

nel cuore di Londra. Dal 4 all’11 dicembre 2011 con 

l’esposizione personale “Open Studio” ad Arezzo ha 

raccolto le opere fotografiche provenienti dai più recenti 

progetti sviluppati attorno alla sua profonda e 

costante ricerca di assoluta verità attraverso la fotografia. 

Dal 14 aprile al 7 maggio 2012 espone alla 

Crisolart Galleries di New York, nella collettiva “Abstract 

Dimensions and Real Figures IV edition”. Dal 17 

al 23 dicembre 2012 partecipa con la sua opera fotografica 

“Umbilical cord” alla mostra collettiva internazionale 

d’arte contemporanea “Egos III” alla Royal 

Opera Arcade Gallery (Londra) 

Bambola degli anni 50 in bianco e nero, 2012, film 35mm fuji 

1600 b/w (nikon f100, lens 35 mm), stampa su carta politenata 

Un clic che consegna al futuro 

La fotografia è un’azione immediata; 

ll disegno una meditazione. 

Henri Cartier-Bresson 

Sempre attenta al bilanciamento visivo degli elementi 

che compongono l’immagine l’autrice usa con consapevolezza 

il bianco e il nero come traccia poetica 

non disdegnando il colore di cui predilige le note laccate 

e squillanti. 

L’angolazione giusta che assicura la luce migliore per 

quello che l’artista vuole comunicarci è da lei impie- 

gata per raggiungere un’emozione. I suoi soggetti 

sottendono un senso del doppio nel significato, offrendo 

una dimensione sia fisica che mentale. Il suo 

attimo chiave narra, invece, una storia a volte di amore, 

altre di solitudine, altre volte ancora di innocenza, 

ma spesso suggerisce un’atmosfera tanto fisica che 

metafisica. Intriganti e ricchi di senso i titoli delle sue 

fotografie dove in primo piano emerge quasi sempre 

un forte elemento grafico e simbolico, un’astrazione 

diresti, che conduce poi a uno sfondo-narrazione dal 

forte impatto visivo. 

Eleonora Rossi usa sia la pellicola che il digitale ma è 

330


Eleonora Rossi 

Cordone ombelicale, 2011, film 35mm fuji 1600 b/w (nikon f100, lens 35 mm), stampa su carta politenata 

Euro 2012, mercato del pesce di Catania, 2012, film 35mm fuji Pro 800 colour (nikon f100, lens 35 mm) 

alla prima consegna istanti di assoluta poesia, a futura 

memoria! Nel colore la ricerca è più glamour sebbene 

non dimentica della funzione dialogica che sorprende 

lo spettatore. Un mondo da esplorare, dunque, 

quello raccontato dagli scatti di Eleonora, dove poter 

sorprendersi di quotidiane apparizioni, un ‘sotto gli 

occhi’ che lei scorge e assurge a protagonista partendo 

sempre da piccoli particolari, solo apparentemente 

irrilevanti. 


storico dell’arte, critico 

febbraio 2013 

331


Daniela Russo Krauss 

Via Fratelli Bandiera, 29 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573-365006 - Cell. 349 5564484 - himawady@hotmail.it 

Il peso di un velo, 2010, acrilico su tela, cm. 50x70 

Nasce a Napoli nel 1988, ha frequentato il Liceo 

d’Arte Suor Orsola Benincasa conseguendo, 

nel 2007, il diploma di maturità all’indirizzo 

“Tecniche artistiche e Conservazione dei Beni Culturali”, 

con il massimo dei voti. Trasferitasi in Toscana nel 

2007, ha proseguito i suoi studi artistici presso l’ Accademia 

di Belle Arti di Firenze, laureandosi nel 2010, 

frequentando, inoltre, con esito positivo, il corso triennale 

di Restauro di tele pittoriche. Dal 2005 partecipa 

a concorsi e mostre ottenendo premi e riconoscimenti; 

nel 2009 e 2012 ha allestito una mostra personale 

presso il locale “Bistecca Toscana” di Pistoia. 

“Immagini quasi sempre ispirate all’Africa e all’ India: 

scene di vita quotidiana e gente comune; è la semplicità 

e, allo stesso tempo, la crudezza della vita. I colori 

dai toni caldi e l’uso frequente del supporto ligneo 

non sono casuali: la gamma cromatica rievoca 

perfettamente in chi osserva le calde atmosfere di 

quei luoghi mentre il legno, materiale povero e sacro 

allo stesso tempo, vivo, in continuo movimento e 

cambiamento, nasconde in sé l’essenza stessa di quei 

popoli. Tutto quanto detto conferisce alla pittura di 

Daniela Russo Krauss freschezza e originalità lasciando 

trasparire le doti morali ed artistiche di questa 

giovane pittrice”. 

E. Vitale 

332


Ilaria Saetti 

Cell. 346 9437098 

info@ilariasaetti.it - www.ilariasaetti.it 

La città, 2011, acrilico su tela, cm. 40x50 

Nasce a Pistoia l’1 aprile 1980. Si laurea in Decorazione 

presso l’Accademia di Belle Arti. 

Predilige l’arte astratta e quella sognatrice 

del surrealismo, meno intuitiva ma più materica ed 

espressiva. Della scultura e dell’arte a tutto tondo riporta 

forme e sensazioni tattiche sulle sue tele. Usa 

principalmente colori acrilici che stende con l’uso di 

spatole, spazzole, spugne. Spesso unisce al colore 

altri materiali (china, matite, gessi, sabbie), questo le 

permette di dare vibrazioni e sensazioni più vive e 

graffianti. Inizia ad esporre nel 2001 in Italia fino al 

2010, quando ha l’occasione di partecipare alla mostra 

“Berlin Gone Wild” presso la Galleria Friedricksöhe 

a Berlino. 

333


Ilaria Saetti 

Luna, 2010, tecnica mista su tela, cm. 60x120 

334


Lizzy Sainsbury 

ejsainsbury@hotmail.it 

www.lizzysainsbury.it 

All My Life is In My Hands (Tutta La Mia Vita Nelle Mie Mani), 2010, assemblage di legno, metallo 

e materiale di scarto, cm. 39x40x26 

Nasce nel 1958 e abita dal 1992 nei boschi del 

Montalbano. La sua arte, molto particolare, si 

basa sulla lavorazione principalmente della 

creta, del legno e di materiali organici e oggetti di riciclo. 

Svariate le mostre personali organizzate dall’artista: 

La Soffitta, Colonnata; La Casa di Dante, Firenze; 

The Chantries, Cambridge, The Black Barn, Ely; 

Palazzo Pretoriale, Montelupo. Queste le esposizioni 

realizzate nel 2012: Firenze - Palazzo Medici-Riccardi, 

Diladdarte, il Giardino dei Ciliegi, Palazzo Non Finito; 

Casole d’Elsa - La Collegiata; Pontassieve - Biblioteca 

Comunale; Capraia - Fornace Pasquinucci; Vinci - Palazzo 

Uzielli 

Piccoli pezzi di legno secchi e sbiancati sul sentiero 

nei boschi dietro casa dove passeggio mi sembrano 

frammenti di ossa puliti e levigati dal tempo o dalle 

acque. Mi ricordano non solo alberi ormai morti e boschi 

antichi ma anche le moltitudini di persone del 

passato, sia quelli che dormono tranquilli, sia quelli 

che accusano. Mi sembra di camminare sulle loro 

ossa o di seguire i segni o i segnali che hanno lasciato. 

Le cartucce spente dei cacciatori sono ricordi anche 

di violenza e sopruso. Il sentiero bianco è come un 

fiume che trasporta tutti, vivi e morti e anche un oceano 

che seppellisce e nasconde: penso all’Atlantico 

che copre i resti degli africani morti durante il trasporto 

alle Americhe; penso al Mediterraneo che spesso 

accoglie quelli che oggi cercano di raggiungere in barca 

l’Europa. E in questo mare le ossa di persone e di 

popoli diversi vengono mischiati; non sono più corpi e 

identità distinte ma un unico corpo. 

Sea of Bones (Mare di Ossa), 2010, assemblage di legno e materiale 

di scarto, cm. 132x58 

335


Tomoko Sakaoka 

www.tomokosakaoka.it 

tomokosakaoka@gmail.com 

Kuro 11, 2012, tempera ad uovo, cm. 80x60 

Nata a Tokyo nel 1971, è cresciuta a Kyoto. Nel 

1994 si è laureata alla Seika University di Belle 

Arti di Kyoto ed ha esposto nello stesso 

anno in rassegna presso la Galleria dell’Università. 

Nel 1996 si è trasferita in Italia e iscritta all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze nella sezione pittura. Attualmente 

vive e lavora a Firenze. Dal 1998 partecipa 

a diverse rassegne, alla Galleria d’Arte Mentana, a 

Firenze, a “Il Segnalibro” a Fiesole, all’Ex Fornace Pasquinucci 

a Capraia Fiorentina, al Lyceum Club Internationale 

e nella sede del Consiglio Regionale di Palazzo 

Bastogi a Firenze.Ha tenuto personali al Palazzo 

Veronese di Cesenatico e alla Libreria Brac di Firenze. 

Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, al 39° Concorso 

di Pittura Premio Nazionale “Città di Lastra” e in diverse 

edizioni del “Premio Firenze” ottenendo il “Premio 

Presidente della Giuria” nel 2007, la “Medaglia di 

bronzo”nel 2009, il secondo premio “Fiorino d’argento” 

nel 2010, premio espositivo al Caffè Storico Letterario 

“Giubbe Rosse” di Firenze nel 2012; nel 2008 ha 

vinto il “Premio della critica” al “Premio Italia per le 

Arti Visive”. Realizza le sue opere secondo con l’antica 

tecnica pittorica della tempera ad uovo di sua preparazione. 

336


Maria Luisa Salvini 

Cell. 338 1005459 

Senza titolo, 2008, tempera su tela, cm. 50x70 

Nata a Torino, insegnante di scuola media, vive 

e lavora a Firenze, sposata con una figlia. Dimostrando 

una notevole disposizione al disegno 

si è impegnata, all’inizio, in questa arte rendendosi 

perfetta nel disegno di medaglioni, stemmi e 

festoni ornamentali. Ben presto però il suo fare artistico 

ha intrapreso un diverso orientamento, per 

esprimere la sua interiore inquietudine. Nella sua 

opera sono ben visibili gli echi di un’amorosa consuetudine 

con Klimt. Nessuna ora del giorno o della notte 

può programmare l’istante di grazia per far vibrare 

nella sfaccettatura della gioia o dell’angoscia, del sogno 

o della realtà, una particolare sensazione. Ha 

partecipato a numerose mostre, anche personali, in 

Italia e all’estero. Interessanti le critiche della professoressa 

Iolanda Milani Lelli, dei professori Carmine 

Martinelli e Pierfrancesco Listri. 

337


Anna Maria Santi Calamandrei 

Via Masaccio, 208 - 50132 Firenze 

Cell. 335 5257576 - annamaria@calamandrei.it 

Il salotto, 2010, incisione, maniera a zucchero, cm. 48x48 

Arrivi “ e ti accoglie il grande portone antico, attraversi 

la corte dalla pergola gentile e cominci 

a scorgere la grande vetrata dietro la quale già 

fervono i lavori… gli altri sono già arrivati. Il tuo posto, 

il foglio bianco in immersione, la lastra da preparare, 

un modo come un altro di esercitare la tua pazienza 

da certosina. Devi prima limare i bordi, con più 

lime. Poi arrotondi gli angoli, poi guardi la lastra grande 

e pensi con sconforto che devi portarla ad essere 

uno specchio e i passaggi sono tanti, con materiale 

diverso. Alla fine ci sei, l’operazione ti ha dato modo 

di pensare meglio il tuo lavoro. Andrai dritta al cuore 

delle cose, non hai bisogno di predefinire il disegno, 

devi rendere l’immediata bellezza che ti è possibile 

cogliere in ciò che ti coinvolge, nel soggetto che hai 

scelto, che hai in mente. E così vai avanti, incisione 

dopo incisione, con la tecnica che più è adatta, fra le 

innumerevoli che esistono e sempre più spesso scegli 

quella che ti consente il segno espressivo più vicino al 

tuo sentire, la maniera pittorica. Con qualche difficoltà 

aderisci poi all’inizio a delle mostre collettive, ma 

non hai fretta di apparire agli altri. Poi decidi che ci sei 

anche tu, tra tante che vogliono far vedere cosa fanno 

e cosa sono”. 


338



L’attesa, 2011, incisione, maniera a zucchero, cm. 48x48 

Mostre collettive: “Il paese dei balocchi” Museo di 

San Francesco, Greve in Chianti, 2007; “Il paese dei 

balocchi” Biblioteca Comunale di Bagno a Ripoli, 

2008; “Il paese dei balocchi”, Circolo Arti Figurative, 

Palazzo Ghibellino, Empoli, 2008; “Artiste Oggi”, Gadarte, 

Firenze, 2011; Rassegna di Grafica Calcografica, 

Gadarte, Firenze, 2011; “Confront Art”, Archivio 

Storico del Comune di Firenze, 2012. 

“Charles Baudelaire riteneva che l’incisione fosse una 

forma d’arte attraverso cui è possibile esprimere in 

maniera compiuta la propria personalità. Un’affermazione 

che in parte si motiva per via della particolare 

natura dell’arte incisoria, che unisce ad una sapiente 

manualità, raggiunta dopo lungo esercizio, la chiarezza 

del pensiero che si traduce in segno. Un’arte raffinatissima 

e complessa che richiede, da parte di chi la 

esercita, un temperamento aperto alle sfide e agli imprevisti, 

temprato dallo studio, capace di molta pazienza. 

Prerogative che si ritrovano nella personalità 

artistica di Anna Maria Calamandrei, per la quale l’incisione 

coincide con la ricerca della piena libertà 

espressiva, una libertà da lei raggiunta servendosi 

delle antiche tecniche dell’incidere per raccontare una 

dimensione intima e accogliente, illuminata dall’esperienza 

e dalla quotidianità del vivere. Da qui la presen- 

339



Il vaso effervescente, 2010, incisione, maniera a zucchero, cm. 24 x 24 

za ricorrente nei suoi lavori di scene d’interni ed oggetti 

che rimandano ad un vissuto popolato di memorie, di 

attese e di affetti, materia mutevole che il segno incisorio, 

tagliente e preciso, traduce in forme certe senza 

privarle, però, dell’impeto di leggerezza che si accompagna 

ad una visione ironica dell’esistente. Ed è questo 

certamente il maggior pregio delle sue incisioni: 

non recare alcuna traccia della pesante concretezza 

che appartiene alla tecnica incisoria - mirabile alchimia 

di acidi, mordenti, lastre metalliche e torchi - ma 

far sì che dal peso e dalla matericità degli elementi 

traggano origine immagini capaci di comunicare una 

sensazione di levità, di quiete, di sospensione del tempo. 

Un modo per fare dell’incisione un equivalente 

poetico della vita, quasi una metafora del percorso 

arduo e non privo di ostacoli attraverso cui si perviene 

alla vera essenza delle cose”. 


340



Il vaso azzurro, 2009, incisione, maniera a zucchero, cm. 48x48 

341


Gisella Sassoli 

gisellasassoli@gmail.com 

http://gisellasassoli.blogspot.com 

Montepulciano, 2012, acquerello su carta, cm. 9,5x12 

La barca a vela, 2010, acquerello su carta, cm. 6x9 

L’artista è nata ad Arezzo nel 1961 e ha vissuto la 

propria infanzia a San Quirico d’Orcia, in provincia 

di Siena. Fin da piccola Gisella ha avuto una 

particolare predilezione per le discipline artistiche, 

soprattutto il disegno e il canto. Si è poi iscritta 

all’Istituto Magistrale dove la materia di educazione 

artistica le ha consentito di apprendere la storia 

dell’Arte e di dipingere i suoi primi acquerelli e chine 

acquerellate, con una particolare predilezione per i 

paesaggi. 

Si considera un’autodidatta che dipinge per passione 

e che ama approfondire lo studio delle correnti artistiche 

sia italiane che straniere. Dal 2008, a causa di un 

brutto infortunio, è costretta in sedia a rotelle. Poco 

dopo l’incidente è scaturita in lei la voglia, diresti 

l’esigenza, di dipingere ritratti ad acquerello. 

Nel 2012 ha deciso di creare un blog per inserire i 

propri acquerelli. Il blog, in grande parte è costituito 

da ritratti di persone care all’artista, ma anche di personaggi 

famosi. Nel catalogo dell’artista si trovano 

anche paesaggi, piante ed animali, che testimoniano 

la sua passione per la natura. 

VIAGGIO IN BARCA A VELA 

Piace di Gisella Sassoli quel suo modo accennato e 

delicato di bilanciare acqua, colore, carta. Trovo deliziose 

certe sue partiture coloristiche accompagnate 

da carta risparmiata con particolare sensibilità alla 

composizione. Di tutto il suo catalogo proprio nelle 

miniature l’autrice trova la sua massima espressività. 

Sono quasi un inno alla gioia, sicuramente sono un 

tributo alle cose che a Gisella piacciono: la sua terra, 

la natura, la contemplazione dello scorrere del tempo 

e dell’acqua. Lei, che guarda alla natura con occhi pieni 

di grazia e di bellezza. 

Una sorta di ingenuità pervade la composizione. 

La barca a vela, 2010, acquerello su carta, 6 x 9 cm. 

Gisella non dipinge quel che vede ma ciò che sente, 

siano omaggi alle persone e ai personaggi a lei cari o 

siano rarefatte visioni di Montepulciano, sono sempre 

contenuti di un altrove poetico che giunge al culmine 

con un potente acquerello: una barca a vela fatta 

di terra, acqua, aria con quella vela gonfia di vento, 

in un mare di carta. 


storico dell’arte, critico 

febbraio 2013 

342


Vivien Schmidt 

www.vivienschmidt.com 


Amalfi beach and church at Amalfi, 2011, foto digitale 

Nata a New York, vive e lavora tra Boston e Parigi. 

Si è formata alla Bryn Mawr College Studio 

Art con Fritz Janschka - uno dei membri 

della “Vienna School of Fantastic Realism” tra gli anni 

Quaranta e Cinquanta del Novecento - e all’Università 

di Chicago in Scienze Politiche. Tra le sue mostre personali 

si ricordano: Paesaggi Figurativi (Galleria Mentana, 

2009); Tracing Landscapes (New Art Center, 

New York, 2007); Paesaggi Romantici (Museo del 

Vino “I Lecci”, Montespertoli, 1996); Facets of France 

(French Library, Boston, 1996); Untitled (York Chamber 

of Commerce, York Maine 1995); From Here and Away 

(York Chamber of Commerce, York Maine). Tra le 

mostre collettive: New York Fashion District Festival 

(New Art Center, New York, 2009), En Plein View 2 

(New Art Center, New York, 2008); Canterbury Gallery 

of Photographic Arts (Canterbury New Hampshire, 

1997-98); Ogunquit Arts Center (Ogunquit Maine, 

1996). Sua è la foto di copertina del libro Democracy 

in Europe, Oxford University Press, 2006. Nel 1991 si 

è classificata seconda al Premio York Art Association 

40th Annual Show Awards (York Maine). 

343


Lelia Secci 

Studio: viale Poggio Imperiale, 41 - 50125 Firenze 

www.leliasecci.it - info@leliasecci.it 

Pensieri, pastello Rembrandt, cm. 100x70 

Espone da diversi anni evidenziandosi per la sua 

particolare capacità nell’uso del pastello Rembrandt, 

uniformando la tecnica dell’olio a quella 

del pastello, e nell’esecuzione di ritratti, per i suoi 

scorci o fondali di Firenze, in una dimensione quasi 

sognata che il poeta e critico d’arte Elvio Natali definì 

“un realismo contemplativo, lirico”. Alcune sue importanti 

mostre a Firenze, sua città natale e di residenza: 

invitata all’Educandato di SS. Annunziata di 

Poggio Imperiale, all’Officina Profumo Farmaceutica 

di S.M.Novella, al Palagio di Parte Guelfa, al Consiglio 

Regionale della Toscana, alla mostra itinerante 

“50 pittori per 50 cantanti toscani”. Ha realizzato il 

Palio della Stella di Bagno a Ripoli (Firenze), e quello 

del Calcio Storico Fiorentino e della Balestra Fiorentina; 

sono inoltre da ricordare le sue numerose partecipazioni, 

spesso su invito, a rassegne, concorsi e fiere, 

in molte città d’Italia e all’estero. 

344


Laura Serafini 

lauraserafini.art@gmail.com 

www.lauras.it 

Superficie, 2013, olio, pastelli, carta su seta applicata su tela cm. 60x60 

Laura Serafini, nata in Casentino nel 1965, vive ed 

opera ad Arezzo. 

Dopo aver approfondito la conoscenza delle varie 

tecniche artistiche frequentando corsi di pittura, 

scultura e disegno di nudo dal vivo, dal 2005 ha iniziato 

a partecipare a rassegne d’arte, concorsi, premi 

nazionali ed internazionali, ottenendo importanti riconoscimenti. 

Ha esposto in numerose mostre, personali 

e collettive, in Italia, Francia, Germania e Bulgaria. 

Con uno stile figurativo in costante evoluzione, intraprende 

un percorso artistico che negli anni la porta ad 

una personale riflessione sulla costruzione dell’identità: 

doloroso, contraddittorio, sorprendente cammino 

alla scoperta di se, intricata trama di sottili fili che 

legano corpo e anima. 

“Lo scenario pittorico di Laura Serafini si dispiega ai 

confini tra l’ambito realistico e quello onirico, nutrendosi 

di sottili alchimie cromatiche e compositive. Nei 

suoi dipinti campeggiano figure femminili che affiorano 

dallo sfondo come riverberi di pensieri reconditi 

risultando, per questa ragione, portatrici di significati 

sottesi e misteriosi. Con felice intuizione creativa l’artista 

dissolve, scompone e ricompone l’immagine, 

eludendo i limiti di una trascrizione convenzionale 

della realtà e pervenendo ad un linguaggio espressivo 

personale, capace di suscitare suggestioni emotive 

nello spettatore.” 

Daniela Meli 

345


Silvia Serafini 

serafinisilvia@alice.it 

Cupola 

Finestre 

Nasce nel 1966 e vive a Firenze, dove si è diplomata 

in Grafica e Disegno e Pittura presso 

l’Istituto per l’Arte ed il Restauro di Palazzo 

Spinelli ed ha frequentato la Scuola Libera del Nudo 

all’ Accademia di Belle Arti. Studia tecniche antiche 

tra cui l’affresco e le tecniche dei grandi maestri; proprio 

in virtù di questa sua passione, frequenta le migliori 

botteghe artistiche di Firenze. Ha tenuto lezioni 

di pittura e tecnica antica presso il suo studio. Intensa 

la sua attività espositiva, dal 1988 ad oggi, con 

numerose mostre personali e collettive in gallerie e 

luoghi pubblici in Italia e all’ estero tra cui si ricordano 

le personali del 2006 in Palagio di Parte Guelfa con 

il patrocinio del Comune di Firenze, nel 2009 alla Galleria 

del Teatro Romano a Fiesole (Firenze) con il patrocinio 

del Comune di Fiesole, nel 2012 presso la 

casa vinicola “Le Coste”, Palazzo Strozzi, Firenze, Galleria 

Agora, “Pinocchio”. Nel 2001 il Comune di Firenze 

la invita ad eseguire una litografia per la cartella 

“Segni 2001” con altri nove artisti tra i più conosciuti 

in ambito italiano ed europeo. Viene inoltre invitata 

dalla Presidenza del Consiglio Comunale di Firenze a 

partecipare alla Mostra Omaggio a Mario Monicelli. 

Negli ultimi anni il suo lavoro si impronta anche sullo 

studio del “libro d’artista” ed espone alcuni suoi pezzi 

a Parigi. Illustra “Pinocchio” per “La Mandragora” (Firenze). 

Di rilievo inoltre la partecipazione alle rassegne 

“18x24” presso la Galleria d’Arte “Wicher” a 

346


Silvia Serafini 

Windows 

Wuppertal (Germania) nel 1990 e “Italian/American 

Women Artists Florence/ Philadelphia” presso la Galleria 

“Jasuta” di Philadelphia (USA) nel 1995, mentre 

nel 1994 è vincitrice del concorso “Una immagine per 

il manifesto del 1° Maggio” a Mantova e realizza l’anno 

successivo un murale a Certaldo (Firenze), “Sette 

donne per sette scudi”, in occasione dell’edizione 99 

di “Mercantia”. Le sue opere sono in una vasta schiera 

di collezioni in tutto il mondo. Ama tantissimo lavorare 

su carta ed è per questo che usa l’acquerello abbinato 

a gessetti ed inchiostri colorati. Negli ultimi 

anni il suo soggetto preferito sono i frammenti di 

strutture architettoniche secolari, attualizzandoli con 

la freschezza e la vitalità dei suoi colori,e finestre, 

come fossero uno sguardo interiore su se stessa e sul 

mondo. Scrive di lei Tommaso Paloscia “… scampoli 

di appunti colorati, velocemente ritratti su un ideale 

taccuino per note… vi si ritrova l’energia dinamica 

della configurazione di soggetti diversi, soprattutto in 

“briciole” di architetture fiorentine (la cupola del Brunelleschi 

vista in tralice, la facciata di Santa Maria 

Novella vista a sghimbescio…) che le tecniche miste, 

su carta o su tela, alimentano in avvincente progressione, 

quasi che il tempo di operare si faccia per la 

pittrice di giorno in giorno più avaro stimolandone la 

velocità di esecuzione…”. 

347


Laura Sestini 

Via del Castello, 5 - 56040 Casale Marittimo (PI) 

Cell. 335 7981210 - sestinilaura@hotamil.com - www.ishtarimmagini.com 

La tempesta, 2012, foto digitale 

“... perchè una realtà non ci fu data e non c’è, ma dobbiamo 

farcela noi, se vogliamo essere; e non sarà mai 

per sempre, ma di continuo e infinitamente mutabile”. 

Luigi Pirandello 

348


Laura Sestini 

Abbazia di San Galgano, 2007, foto analogica con scansione in digitale 

349


Nicole Siecat 

www.nicolesiecat.com 

nicolesiecat@gmail.com 

Histoire d’amour, 2012, acquerello e ecoline, cm. 20x19 

Nata a Parigi, risiede a Firenze dal 1985. Ha 

compiuto gli studi a Parigi; dopo aver frequentato 

il Liceo Victor Duruy e l’Académie Charpentier, 

si è diplomata alla Scuola d’Arte (Ecole Nationale 

Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers 

d’Art) ottenendo anche la specializzazione in creazione 

e stampa di tessuti. Nel 1981 ha conseguito il Diploma 

Superiore d’Arte all’Université d’Arts Plastiques 

St.Charles (Paris I Sorbonne). Espone sia in 

Francia che in Italia. Le sue principali mostre nel nostro 

paese: nel 1995 a Firenze la personale presso 

“Caffè Petrarca”; la rassegna a Trento ad “Arte Europa”, 

“Arte al Femminile”; a Borgoforte (Mantova), 

Forte Magnaguti, “Miglior Figura”; a Firenze, Stazione 

Leopolda, “Al Muro” e il “Premio Italia per le Arti 

Visive” a Certaldo e Capraia Fiorentina. Nel 1998 a 

Firenze, personale al Caffè Gioberti. Nel 2002 a Murlo 

(Siena), Palazzina del Castello di Murlo, rassegna premio 

“Oltre i limiti della realtà”, dal “Premio Italia per 

le Arti Visive”. Nel 2003 a Firenze, Galleria Gadarte, la 

personale “Codice Segno Mistero”. Nel 2005 a Firenze, 

la personale alla Galleria Mentana e la rassegna 

“Marine d’autore” nella stessa Galleria; collettiva a 

Firenze nel Palagio di Parte Guelfa e il premio “La 

Rana d’Oro” a San Sano (Siena). Nel 2006 a Capraia 

Fiorentina, “Fornace Pasquinucci”, per il “Premio Italia 

per le Arti Visive”. Nel 2012 il XXX “Premio Firenze” 

e nel 2013 la mostra premio derivante, a Firenze, 

nel Caffè Storico Letterario “Giubbe Rosse”. 

350


Nicole Siecat 

Nez à nez, 2012, acquerello e ecoline, cm. 18x14 

“Non solo nell’acquerello, di cui tale peculiarità è presupposto, 

ma da sempre anche nella sua pittura a 

tecnica mista Nicole Siecat ci invita a percepire l’immagine 

attraverso un gioco sapiente di trasparenze 

suscitando un gioco ancor più sottile di allusioni visive 

che intessono un dialogo tra astrazione e figuratività. 

Volti, o frammenti di figura, talvolta si esplicitano 

altrove affiorando appena nelle “pieghe” del colore, 

nelle connessioni tonali, nello slittamento di piani, 

come fossero impressioni, impronte, che la materia 

cromatica ha catturato e trattiene, nelle quali si può 

sottendere, in uno scambio di senso, il medesimo 

stratificarsi, ed il riaffiorare alla memoria, dei ricordi e 

dei sogni. Si potrebbe definire una dimensione di confine 

tra il visibile e il non visibile che mentre asseconda 

stilisticamente il carattere di una ricerca espressiva 

libera dal retaggio di tradizioni quanto di ismi ci 

invita anche a coglierne l’inclinazione per una poetica 

ermetica paragonabile all’Haiku giapponese: perché 

la pittura di Nicole contiene intime profondità sotto lo 

strato pur così raffinato della superficie, dell’estetica, 

che non si svelano ad una lettura disattenta.” 


351


Giuliana Signorini 

giulianasignorini@virgilio.it 

L’universo, olio su tela, cm. 100x100 

“ Partita dalla figura, disegnata e scolpita, e negandosi 

invece al paesaggio e alla natura morta 

come teatrino consueto del visibile, Giuliana 

ha affiso poi terra e cielo, ripensati e rivisti nei 

quattro elementi di acqua terra fuoco e aria, per risolvere 

poi figurativamente il suo mondo nella esemplare 

invenzione dei suoi “vortici”, che questa complessità 

(il senso della vita) riassumono nel segno della 

circolarità e del movimento. Nel contempo il suo stile 

è trascorso in pittura dalla linea disegnativa al colore 

puro, mentre nella scultura ha via via messo alla prova 

il duro macigno, il fragile alabastro, il tenero legno 

profumato. …Eccola esporre nel 1983 negli Stati Uniti 

al College di Architettura della Texas University; poi 

presso l’Università del Colorado. Nel 1992 espone 

cinque opere di grafica alla Mostra del Salone d’Autunno 

a Parigi. Nel 1994 a Londra con la Cinderella’s 

Revenge, poi inventando una originale, ludica forma 

di reggiseno (il “reggisecolo”), che esporrà anche a 

Madrid, a Parigi e che apparirà su Harper’s Bazar. Ancora 

nel 1994 a Philadelphia e nel 1998 a Monaco di 

Baviera … 


Dal volume “Tracce della mia vita nell’arte”, 

edizioni Pegaso, 2008 

Una sua scultura “Meteora” dal 1995 fa parte dell’arredo 

urbano di Firenze. 

352


Sidonia Simoni 

Cell. 342 0970583 

Glicine, 1983, olio spatolato su tela, cm. 40x50 

Vive e opera a Pistoia. Ha conseguito il Diploma 

Magistrale, si dedica con passione alla pittura, 

alla poesia e alla musica. Ha avuto riconoscimenti 

e premi: nel 1999 ha ricevuto il primo premio 

per la poesia “Il ventaglio della nonna”, nel 3° Concorso 

“Andrea da Pontedera”. “Un’arte poliedrica 

dove il colore, così pieno di vita, crea le immagini che 

appaiono nel nostro immaginario. Un’espressione artistica 

che supera la bidimensionalità della pittura 

tradizionale per creare effetti materici e luministici 

del tutto originali” (Ambra Grieco). L’artista si evidenzia 

in pittura raffigurando prevalentemente motivi 

naturali, che impreziosisce anche con applicazioni di 

pietre e lustrini, ottenendo un risultato intrinseco ed 

individuale. 

353


Lucia Simonini 

Cell. 339 2964888 

simoluci55@gmail.com - www.luciasimonini.it 

Amarsi per amore, 2012, acquerello e matite colorate, cm. 128x154 

Nasce a Cinigiano, un piccolo paese della Maremma 

Toscana. Dopo aver conseguito il diploma 

presso l’Istituto d’Arte “Duccio di Boninsegna” 

di Siena, si laurea all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze. L’artista sviluppa una tecnica unica 

nella rappresentazione anatomica e nell’avvolgente 

stesura cromatica, con un segno deciso e melodioso 

ritrae il vivere umano, l’uomo e la donna, “le mille 

sfaccettature dell’universo femminile: analizzate, sviscerate, 

messe a nudo, sempre però tenendo alta, altissima, 

la poesia”. 

Daniele Menicucci 

354


Mariadonata Sirleo 

Viale Malta, 25 - 50137 Firenze 

Tel. 055 660063 

L’abbandono, marmo bianco di Carrara 

Mariadonata Sirleo vive e lavora a Firenze. Ha 

scritto il suo primo racconto a 8 anni ed a 16 

ha presentato uno spettacolo di sue poesie. 

Ha vinto numerosi premi di poesia e prosa e, con un 

racconto, anche un’edizione di una “Guarda Firenze”. 

Ha pubblicato i libri “Contra televisionem” e “Poesie”. 

Suoi scritti sono presenti in varie antologie. Ha 

presentato fin da bambina le famiglie dei pittori Annigoni 

e Rosai. Ha partecipato a varie mostre di pittura, 

ricevendo attestati e riconoscimenti. Ha anche realizzato 

alcune sculture presso i laboratori d’arte di Pietrasanta 

ed una di esse, in marmo bianco di Carrara, 

intitolata “Al Cuore Immacolato di Maria” è all’esame 

del Cardinale Betori come eventuale Ambone della 

Cattedrale di Santa Maria del Fiore di Firenze. 

355



L’incertezza, 2004, carboncino ed acrilico 

Firenze, cornice dell’amore 

Intenso e pregnante il livello linguistico nelle situazioni 

reali che trascendono in moduli fantastici e lirici. I 

valori della vita emergono dalle descrizioni di luoghi 

conosciuti e amati in un intreccio di ricordi e sentimenti 

che ci proiettano verso un “topos” propositivo, 

alto, unico e profondo. Nel confronto fra presente e 

passato non ci sono cadute di tono: permane invece 

un modulo stilistico originale, moderno, quasi rampante, 

ma nello stesso tempo strettamente rigoroso 

dal punto di vista letterario. 

Firenze, cornice dell’amore. 

Momenti salienti . 

Sempre sognante, 

mai invadente. 

Cornice suprema. 

È sogno anche accorgersi 

che sa quasi svanire, 

quando sei 

davanti all’amore. 

Venere vince Marte, 

trionfando, trionfando. 

Dimentichi l’aria dei tempi 

e ciò che respiri 

è l’amore. 

356



Lungarno Cellini 

Lungarno Cellini 

e la statua 

più amata: 

Pan, Putto, Mercurio. 

Mi porge qualcosa 

in una cornice 

che sembra 

romana. 

Sorride. 

È un sorriso 

completo, 

di scherno, di scherzo, beato. 

Nel suo movimento 

sta fermo. 

So che con me 

vorrebbe giocare. 

Torsione del corpo. 

Mi affronta. 

Mi parla. 

“Mi vedi?” 

Ti amo, Bacchino, 

rimani perfetto. 

Ti amo. 

E lo chiamo. 

Brezza in Versilia 

Vento di brezza 

che 

accarezzi 

le foglie di un albero, 

qui, adesso, 

in Versilia, 

le sfiori tutte, 

anche quelle già morte, 

che ormai non vedono 

più 

neanche la vita, 

che, prima, subivano 

con monotonia. 

E le foglie più interne, 

in una dimensione infinita, 

vibrano, 

sospinte una dall’altra, 

come mille birilli che cadono. 

Una freccia di luce 

le trapassa, 

fredda, chiara, spazialoe 

profonda, sì, 

ma non per amore. 

357



Bottega d’arte nell’antica Firenze 

Miei cari amici, vi voglio raccontare di come la bottega 

d’arte sia, per me, una famiglia e di quanto io l’ami 

tal quale come essa è. Da un mese, Messer Vanni mi 

ha preso a lavorare nella sua bottega. Egli è uno dei 

pittori più in voga del momento: ha imparato da Giotto. 

Adesso, sì come dice il suo compagno Dante nella 

“Commedia”, gli è nel mezzo del cammin di sua vita. 

Alto, robusto, muscoloso, mi tratta come un fante e mi 

chiama Cepperello, ma io mi chiamo Giannetto e non 

vengo neppure dalla campagna. Son nato qui, a Florentia, 

un giorno di giugno, quando i giaggioli eran già 

tutti viola! 

Messere sta lavorando, da qualche giorno, ad una 

pala d’altare per la Pieve di San Donnino in Villamagna. 

Deve rappresentare la Madonna in trono, con Agnoli e 

Santi. Andò, la settimana scorsa, a Vallombrosa, per 

scegliere il tronco da cui ricavarla. Se lo fece preparare 

e lo portarono, poi, con un ciuco, qui in città. 

All’arrivo io, insieme a Giorgine, che gli è il mio compagno, 

lo scaricai dal ciuco e cominciai a lisciarmelo 

tutto. Era un bel legno, finito, asciutto e scuro, che 

sapeva ancora di bosco. 

Lo appoggiammo sulle capre di legno e Giorgione sorrideva, 

un po’ beota. Messere, allora, battè le mani, si 

aggiustò il berretto e venne verso noi due, un po’ minaccioso. 

Lesto, lesto, allora, ho agguantato la pialla e gli oli 

essenziali ed ho cominciato a lavorare, mentre Giorgione 

prendeva cenci e spugne. Messere s’è rabbonito 

ed è uscito, gridando alla sua vecchia che andava al 

Corso a cambiare i denari. 

Nel frattempo, è entrata Rosinetta, la figlia seconda, 

bianca e rossa come una mela, a metà fra bambina e 

ragazza. Ride a Giorgione e lo piglia per grullo, ma, 

con me, si avvicina e mi fa gli occhi smorti. Devo stare 

attento, se no Messere, se sente puzzo di bruciaticcio, 

fa lesto a mandarmi via dalla bottega e a pigliarne un 

altro, chè tanti vorrebbero lavorar con lui, perché gli è 

molto bravo. 

In un par d’ore, devo aver allisciato, piallato e unto 

tutta la pala, in modo che non si intarli mai più. Giorgione, 

però, si è attaccato a una fiaschetta e non ha 

voglia. Giace seduto in un canto e rovescia gli occhi 

dal sonno. 

Ho capito, mi rimbocco io le maniche e via. Ungo per 

benino, la liscio, piallo; è quasi estate e sudo tanto, 

ma l’è il mio mestiere. Speriamo che non ritorni Rosinetta 

a distrarmi e che presto si mariti e non venga più 

d’intorno. Quasi finito, ecco arriva Messere. Devono 

essergli andati bene gli affari, perché si liscia un baffo. 

Entra e da’ una pedata a Biagio, il gatto di casa, 

che dormiva su un cuscino strappato. Scopre i denti, 

ma è tranquillo. Si avvicina a me e alla pala. Giorgione 

è quasi lungo disteso e ha un’espressione beata. 

Messere guarda e tocca tutta la pala, rovesciandola, 

anche. Guarda per bene anche gli spigoli. Poi, si volta 

verso di me e mi da’ una manata sulle spalle. Esce un 

attimo. Torna subito, ha in mano la botticella del vinsanto 

che gli ha dato il Canonico della Pieve domenica 

scorsa. Me la tende. 

Adesso so che va tutto bene e che posso cominciare a 

sognare di quando, da grande, avrò una bottega tutta 

mia, con lavoranti, apprendisti e qualcuno che dorma 

meno di Giorgione, ma che non sia meno bono d’animo 

di lui. 


358


Andrea Veronica Sole Costa 

Cell: 039 339 1922397 

solecosta@gmail.com - www.andreasolecosta.com 

The next step is..., 2012, olio su tela, cm. 120x80 

Nata a Buenos Aires, Argentina nel 1958; conseguita 

la laurea in Belle Arti, si trasferisce a 

Firenze dove si specializza in tecniche pittoriche 

presso l’Istituto per l’Arte e il Restauro “Palazzo 

Spinelli”. Dal 1989 è Direttrice Didattica e Artistica e 

insegnante di pittura, disegno, creta, acquerello nella 

“Scuola Sole Costa” presso il Centro Culturale del 

D.L.F. di Firenze. Realizza murales nei centri del DLF e 

scenografie per la Lyricdancecompany presentati al 

teatro Cantiere Florida di Firenze e al Teatro Romano 

di Fiesole. Segue corsi di specializzazione presso la 

Heatherley’s school of Fine Art, Londra, il Museo Pecci, 

Prato, il Museo Internazionale delle Ceramiche, 

Faenza e la Scuola Libera del Nudo dell’ Accademia di 

Belle Arti, Firenze. Dal 1987 tiene personali in Italia 

(Roma, Consolato Argentino; Milano, Firenze, Sesto 

Fiorentino, Campi Bisenzio) e all’estero (Kissing, 

Ausburg, Germania; Fondation Argentine presso la 

Cité Universitaire, Parigi, Francia) e partecipa a svariate 

collettive, tra le quali il Premio Nazionale di Pittura 

“Giuseppe Pescetti”, Sesto F.no dove ottiene il 1° 

premio e nei principali centri espositivi e gallerie 

dell’area metropolitana fiorentina quali Galleria Via 

Larga, Villa Gisella, la Palazzina Presidenziale della 

stazione ferroviaria S. Maria Novella, la Limonaia di 

Villa Strozzi, lo Spedale del Bigallo, Bagno a Ripoli, 

Villa Demidoff Parco Mediceo, il Tepidario del Roster 

nel Giardino dell’Orticoltura, Palagio di Parte Guelfa, 

Centro espositivo A. Berti, Sesto Fiorentino, Present 

Contemporany Art Firenze e Linea Spazio Arte Contemporanea, 

Firenze. È stata invitata ad esporre ad 

Agora Gallery di New York, presso la Galleria d’arte 

moderna “La Soffitta”. Nel 2003 è finalista del premio 

Florence-Shanghai Prize della Present Contemporary 

Art. Sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e 

private in Italia, Germania e U.S.A. 

359


Giovanna Sparapani 

Cell. 335 5351638 - giovannasparapani@gmail.com 

www.giovannasparapani.it - profilo fecebook 

Sintesi in rosso, fotografia 

Sintesi in giallo, fotografia 

Laureata in Storia della Critica d’Arte presso la 

Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università degli 

Studi di Firenze. Oltre all’insegnamento della 

Storia dell’Arte in scuole statali di istruzione secondaria 

di II° grado, da anni si dedica alla ricerca fotografica 

con la partecipazione a mostre collettive e personali. 

Membro dell’Associazione Culturale “Art Art” di 

Impruneta, affianca l’attività di fotografa a quella di 

critico d’arte. Fa parte anche del “Gruppo Donatello” e 

del Circolo degli Artisti “Casa di Dante” di Firenze. 

Hanno scritto di lei: Paolo Bacherini, Franco Busignani, 

Laura Ciuccetti, Francesco Dei, Roberto Della Lena, 

Anna Floridia, Pina Giacobbe, Marcello Paoli, Riccardo 

Spinelli, Gianpaolo Trotta, Giovanna Uzzani. 

Le esposizioni più recenti: 2013, a Firenze, Mostra 

collettiva N° 2, “Gruppo Donatello”; rassegna “C’era 

una volta”, a “Simultanea - Spazi d’Arte. 2012: “Presepe 

d’autore”, piazza Donatello, e “Arte per la Ricerca”, 

Fiorgen, Galleria degli Uffizi, Firenze; “Bianconero 

e....oltre”, Teatro delle Arti, Lastra a Signa (Firenze); 

“Effimeri passaggi“ - Immagini di Danza, collettiva 

fotografica, Galleria “IAC”, Impruneta; “Presenze di 

marmo in Florence”, installazione fotografica presso Il 

Salone dell’Arte e del Restauro di Firenze, Fortezza da 

Basso; “Bianconero e... oltre”, mostra di Marcello Paoli 

e Giovanna Sparapani, “Simultanea - Spazi d’Arte”, 

Firenze; “Searching for”, installazione del gruppo 

“KPK”, Loggia del Grano a Firenze; Collettiva sul tema 

della Danza, Riomagno, Comune di Seravezza, Lucca; 

Collettiva in omaggio ad Amerigo Vespucci, Palazzo 

Panciatichi, sede del Consiglio Regionale a Firenze; 

“Scatti nel cuore”, mostra fotografica di solidarietà, 

Unicoop Firenze; “Tratti Ri-Tratti ed Auto-Ritratti”, 

collettiva del Gruppo Donatello, Firenze; “12 e 48”, 

collettiva presso la Galleria “Civico69” a Firenze; foto 

per l’articolo di G.Uzzani “Pro patria mori”, nella rivista 

Artista, Le lettere, Firenze. 

“Colore segno materia non appartengono solo alla 

definizione di un’inclinazione pittorica astratta, possono 

intervenire, com’è nella cifra di Giovanna Sparapani, 

a delineare una vocazione stilistica anche se il 

mezzo è - ed è questo il caso - la fotografia, quello che 

convenzionalmente identifichiamo più vicino a resti- 

360


Giovanna Sparapani 

Strati in azzurro, fotografia 

tuirci la verità del reale e dunque del concreto. Del 

resto proprio i fotografi moderni ci hanno rivelato che 

l’astrazione è contenuta nella natura stessa se solo 

sappiamo guardare più analiticamente ciò che ci circonda. 

Ma in Giovanna lo scarto è ulteriore perchè il 

suo sguardo selettivo si rivolge ad un repertorio della 

realtà non naturalistico bensì di sapore urbano posandosi 

su soggetti che appaiono aver già subito contaminazioni, 

segnati dal tempo giacchè il loro spazio è 

la strada. Muri, porte, cortecce d’alberi o intonaci 

consumati e corrosi, ma anche statue, cassette postali 

o graffiti. La sua percezione ne cattura l’impatto 

cromatico, l’effetto metamorfico della materia, quello 

grafico delle crepe, dei buchi, delle grinze del tempo 

che, al pari delle scritte o di frammenti figurali, diventano 

“segni”. L’artista interviene dunque a sovrapporre 

ai suoi reperti originari la propria ulteriore contaminazione, 

interpretativa, attribuendogli nuove valenze 

espressive: senza distorsioni o trucchi, semmai stratificando, 

ingigantendo, isolando, e sempre con grande 

politezza dell’immagine, secondo un processo prima 

di decontestualizzazione e poi di risignificazione, non 

solo estetica ma anche metaforica”. 


361


Francesca Splendore 

fsplendore@gmail.com 

La ballerina, 2012, olio su tela, cm. 120x80 

Francesca Splendore nasce a Massa Marittima il 

13 giugno 1975 e vive e lavora da molti anni a 

Follonica. Autodidatta, frequenta, dopo essersi 

appassionata all’arte, alcuni corsi di disegno e pittura 

dove ha modo di specializzarsi nello studio della figura 

umana. Nelle sue opere ritroviamo sentimenti forti 

come il coraggio, la passione, le paure, le emozioni 

più profonde, sia quelle invisibili che quelle indicibili 

attraverso il racconto di un universo femminile spesso 

tanto sconosciuto quanto vero. La sua attività artistica 

è intensa e varia: svariate le mostre personali e 

collettive organizzate e i concorsi ai quali ha avuto 

modo di partecipare. Le sue opere sono presenti in 

collezioni pubbliche e private . 

362


Licia Stanghellini Calamai 


Dopo il liceo artistico, ha seguito con successo 

i corsi di pittura e scenografia presso 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Giovanissima, 

ha collaborato alla realizzazione dei disegni 

per le scene e i costumi del dramma “Una 

donna uccisa con dolcezza” indetto dall’Accademia 

d’Arte Drammatica di Roma. Si afferma al IV 

Concorso Nazionale di Pittura “Amaro Ramazzotti”. 

Vince ex equo il primo premio di un concorso 

indetto dalla società Cinefilms per il film “Frou 

Frou”. Tra le prime segnalate al Premio Tivuglio, 

dopo una lunga pausa, durante la quale ha lavorato 

nel settore dell’alta moda, ha ripreso con la 

pittura riscuotendo ottimi consensi e riconoscimenti 

come il secondo premio di pittura “Filippo 

De Pisis” organizzato dalla Galleria Alba di Ferrara. 

È stata inoltre finalista al Premio Europa Unita 

patrocinato dall’Editore Gavino Usai di Sassari. 

Non più giovane, continua con immutata passione 

a dedicarsi alla pittura. 

Un’accesa anticonformista, avversa alle stupide 

“mode” che, anche nel vasto panorama dell’arte, 

regnano sovrane per saccheggiare, ahimé, immeritati 

allori. Questa artista solitaria invece, con le 

sue figure, di indubbio spessore psicologico, ha 

voluto dimostrare una verità sconvolgente che, travolgendo 

le spesse maglie dell’ipocrisia, serpeggia 

pingue tra le strade del mondo. Questa verità, 

frutto amaro del costante scandagliare sulla vita, 

sul mondo, ha costretto spesso l’autrice a muovere 

Il bacio, olio su tela, cm. 45x60 

i pennelli in una certa maniera, a scegliere quei colori, a 

marcare le tele con quella inconfondibile maschera, carica 

di inquietanti attese: d’amore, di dolore, di speranza… 

spesso la delusione di vivere. 

A.Kinwyl 

363


Miriam Stefanelli 

Studio: 0587 731456 - Uff. 0587 616760 

stefanellimiriam@gmail.com - miriam@stefanelli.it 

Oasis, olio su tela, cm. 120x80 

Nata a Pontedera il 2 marzo del 1959, ha studiato 

a Pisa dove si è laureata nel 1986 in Lingue 

e Letterature straniere. Dal 1989 progettista e 

decoratrice per arredamenti di interni. Dipinge soprattutto 

su tela, tecnica ad olio la sua preferita. Dal 

2005 al 2009 ha frequentato l’Accademia delle Belle 

Arti a Livorno in Villa Trossi Uberti dove è stata selezionata 

e premiata nel 2007 alla fine del secondo 

anno accademico dal prof. David Giroldini, corso di 

pittura ad olio. I suoi quadri sono presenti in mostre di 

pittura, spazi culturali, collezioni private, in Italia ed 

all’estero. Ha presentato le sue opere ad olio in mostre 

collettive: Villa Trossi Uberti (dal 2006 al 2009, 

Livorno), West Florence Hotel (2009, Campi Bisenzio), 

Concorso nazionale “Città di Montecatini Terme” 

(2009, 2° classificata al concorso), mostra “Incanto 

Metafisico (Casa del pittore, dello scultore e del poeta, 

Montecatini Terme, 2009), Signa-Galleria d’arte 

Centro storico, premiata alla rassegna d’arte”Pianeta 

Donna 2009“, premiata al Concorso internazionale 

XXVII edizione del “Premio Firenze”2009, premio alla 

carriera con “Suoni e colore” (Firenze-Hotel “ Domus” 

Firenze). La sua prima personale di pittura si è tenuta 

nel giugno 2008 al Castello “I Vicari” (Lari, Pisa). Le 

sue opere sono state pubblicate sui seguenti volumi 

in occasione di mostre collettive: Artisti pisani del XXI 

secolo, Donne dell’arte in Toscana nel XXI secolo, Pianeta 

Donna 2010. 

364


Miriam Stefanelli 

Riflessi sull’acqua, olio su tela, cm. 140x100 

“Miriam Stefanelli, artista capace in ogni esecuzione 

di confermare decisi accenti ritmici e cromatici dovuti 

sicuramente al ravvisamento del valore vero 

dell’arte. Entusiasmo nella scoperta del mondo circostante, 

emozione nel rappresentarlo, espressione 

pittorica frutto di sincerità espressiva. È dunque una 

pittura sorridente ed estroversa che coniuga in una 

felice sintesi poetica l’osservazione del vero con affabulazione 

del sognare che dà al fruitore una visione 

con vibrante resa atmosferico-ambientale”. 

Lucia Mongardi 

365


Georgeta Stefanescu 

7, Rue du Vidollet - CH - 1202 Genève - Suisse 

Evolution, 2006, tecnica mista su plastica, cm. 100x125, Premio Turner 2012 

366


Sabrina Strampelli 

Abitazione e studio a Rufina (FI) 

cell. 347.731059 

Il passerotto, olio su tela 

Sabrina Strampelli si è dedicata alla pittura sin 

dalla tenera età. Le tematiche più amate sono 

quelle della natura. Il suo grande spirito d’osservazione 

rende la sua pittura ricca di particolari e 

minuziosi dettagli con effetto “trompe l’oeil”. La sincerità 

del linguaggio rileva una profonda conoscenza 

dell’uso del colore ad olio. I colori brillanti da lei usati 

esprimono non solo le sue emozioni, ma una visione 

della realtà e della natura, ricca di elementi narrativi 

ed espressivi. Nell’opera qui rappresentata la 

luce esalta i colori accesi dell’autunno. Si passa allegramente 

da un giallo delle mele mature al piumaggio 

del pettirosso, alle foglie sfumate di verdi e 

rossi. Uno scatto fotografico di una fresca giornata 

autunnale. 

Francesca Vannini 

367


Studio/Mostra di Liala 

Via Tomba di Catilina, 1/A - 51100 Pistoia 

Cell. +39 3491331104 - liala.sigala@fastwebnet.it 


368



Impeto, 2010, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Il viaggio, 2009, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Adamo, 2008, scultura in cemento 

369


Valeria Taddei 

www.valeria-taddei.com 

lataddei@yahoo.com 

India, 2012, acrilico su legno, cm. 60x90 

Valeria Taddei nasce a Pisa il 13 gennaio del 

1975. È pittrice, illustratrice, grafica, curatrice 

artistica e decoratrice. Nel 2000 decide di andare 

a vivere in Spagna, Barcellona di preciso. In questo 

anno darà vita alla sua arte maturata, precedentemente, 

nei suoi viaggi, in modo particolare negli Stati 

Uniti. Dal 1997 al 1999, infatti, frequenta la UCLA University 

a Los Angeles, in California, approfondendo il 

Design/Media Arts. Sempre negli stessi anni prende 

lezioni di pittura ad olio con il pittore, professore d’arte 

e direttore di galleria Vibul Womprasat. Nel 2003 

partecipa ad un Workshop di fotografia, pittura e disegno 

presso la Facultad de Belles Artes, BUAP Universidad 

de Puebla de Los Angeles, Messico. Nelle 

sue tele ed illustrazioni Valeria Taddei esprime ed 

esteriorizza quella sensazione di impotenza che la 

pervade. Una sensazione, questa, dovuta da ingiustizia 

e miserie del nostro mondo che l’ha invasa giorno 

dopo giorno, viaggio dopo viaggio. Ed è il viaggio il 

leitmotiv della sua arte. Un viaggio anche maestro, 

che le ha permesso di osservare, senza alcun filtro, la 

visione che già si era fatta «guardando il mondo da 

quaggiù, dal cosiddetto primo mondo»,come dice la 

stessa artista;quella visione di vivere in un pianeta 

usa e getta, sporco, disumanizzato, violento e violentato 

da noi. «Abbiamo creato una terra» continua a 

spiegare «che alberga l’arroganza, la prepotenza e la 

violenza spietate, la corruzione, l’anarchia dei potenti, 

la contaminazione e i rifiuti tossici delle masse 

obese, avide e cieche del nostro piccolo ed elitario 

370


Valeria Taddei 

Autoritrattosuscuro, 2012, acrilico su legno, cm. 50x60 

primo mondo che vive, senza alcun rimorso, accanto 

e soprattutto drammaticamente grazie alla denutrizione 

e alla devastazione del grande mondo lá fuori.» 

La sua è un’arte che prende per mano chi osserva e lo 

porta nei meandri della riflessione chiedendo, non 

con arroganza, ma con dolcezza, come fa una madre 

con un figlio, se esiste la possibilità di un miglioramento 

o, semplicemente, la fine al vergognoso scempio 

di un mondo malato. 

Maria Francesca Stancapiano 

Pisana di orgine ma con un’anima internazionale, Valeria 

Taddei ha vissuto a Los Angeles, a Oxford e a 

Barcellona, ha viaggiato in Africa, India e Asia, esperienze 

queste che hanno contribuito all’evoluzione del 

suo percorso artistico e creativo. I suoi dipinti e le sue 

illustrazioni sono infatti il frutto di una visione del 

mondo e dell’umanità maturata nei suoi viaggi; nella 

sua arte Valeria Taddei esprime sia il disagio e la rabbia 

per un mondo ingiusto e maltrattato e al contempo 

il desiderio di purezza e di innocenza, i suoi quadri 

sanno infatti essere pungenti e dolci allo stesso tempo. 

La profondità dei soggetti e dei colori rendono i 

lavori dell’artista molto intensi e visivamente estremamente 

interessanti da ammirare tela dopo tela. 

Elisa Graci 

371


Ylenia Tagliafraschi (Ohioja) 

ohioja@hotmail.it 

www.ohioja.blogspot.com 

Sir Moose, 2010, tecnica Amigurumi-uncinetto, cm 24x15 

Ohioja, al secolo Ylenia Tagliafraschi, classe 

1982. Frequentatrice precoce della scena punk 

nostrana, capisce alla svelta che il “Do it your 

self” è il modo migliore per fare le cose. E dal d.i.y. 

all’hand made il passo è breve. Complice il suo debole 

per il Giappone, si innamora della noble art dell’amigurumi 

nel 2009 e sviluppa subito uno stile personale 

focalizzandosi su soggetti principalmente presi dalla 

natura: frutta, ortaggi, animali. Come le sue “verdurine” 

(tutte rigorosamente con occhietti e sorriso), gli 

ironici trofei di caccia (finta tassidermia) e le spille a 

forma di cibo (pizzette, porri...). Ha partecipato a: il 

Band Loch, Festivalet, e altri mercatini di autoproduzioni 

e piccole mostre; inoltre, negli ultimi mesi ha 

cominciato a diffondere la tecnica amigurumi con dei 

workshop. 

372


Edda Tanara 

Via Torcicoda, 20 - 50142 Firenze 

Composizione, olio su tela, cm. 50x70 

Nata a Castiglione del Lago (Pg), vive e lavora a 

Firenze. Fa parte del Gruppo Donatello. Ha 

frequentato la Scuola Libera del Nudo presso 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze e i corsi di Incisione 

presso la Scuola Internazionale di Grafica “Il Bisonte”. 

Ha svolto l’attività di insegnante nelle scuole 

medie fiorentine. Ha realizzato un pannello per la 

S.M.S. di San Quirico ed un murales per il Centro Anziani 

di via Luna a Firenze. Si dedica alle arti pittoriche 

e grafiche fin dal 1968, tenendo personali e collettive 

a carattere nazionale e internazionale, conseguendo 

riconoscimenti e premi. Sue opere si trovano in collezioni 

pubbliche e private. 

Bibliografia: 

Archivio per l’Arte Italiana del Novecento “Kunsthi 

Storische Institut in Florenz”; “L’arte Italiana nel XX 

Secolo”, Edizioni Due Torri, Bologna; “Bolaffi Grafica“ 

Numero 7; Museo dell’Incisione, Castello dei Paleologi, 

Aquiterme (Al); Artiste Fiorentine a Philadelphia, 

Assessorato del Turismo del Comune di Firenze; “Capitali 

dell’Europa Unita” Società delle Belle Arti, Circolo 

degli Artisti, Firenze; “Mani Mario, di qua e di là 

d’Arno per Mario Mariotti”, Ed. Polistampa Firenze. 

373


Donatella Tanzini 

Tel. 0573 66327 - Cell. 333 2877368 

donatellatanzini@gmail.com 

Il gioco della vita, 2010, acrilico su tela, cm. 115x70 

Nata a Siena, si è diplomata all’Istituto Statale 

d’Arte ed ha completato gli studi a Firenze 

presso l’Accademia di Belle Arti (sezione Pittura) 

allieva dei professori Colacicchi e Masciotta. 

Hanno contribuito alla sua formazione artistica tre 

viaggi all’estero: il primo a Parigi, il secondo a Vienna, 

il terzo in Francia e Spagna. Per le sue opere trae ispirazione 

da artisti quali Chagall, Klimt, Dalì, Marc, Magritte, 

Picasso, tra gli italiani Fattori, Modigliani, Annigoni 

e Sassu. Ha al suo attivo trentaquattro mostre 

di pittura tra personali e collettive e molti premi. Di lei 

hanno scritto i critici d’arte, Tommaso Paloscia, Elvio 

Natali, Piefrancesco Listri e il giornalista Fabrizio Borgini 

che le ha dedicato un articolo nel 2001 intitolato 

“Viaggio esoterico nell’arte”. Parallelamente al campo 

artistico ha insegnato Discipline Pittoriche, Laboratorio 

e Progettazione in diversi licei artistici tra Savona, 

Firenze, Siena, Scandicci, Empoli. Attualmente 

vive e lavora nell’Appennino toscano, a Gavinana (PT) 

dove ha il suo atelier. 

374


Donatella Tanzini 

Sogno, 2009, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

375


Martina Tapinassi 

Via M. Gioia, 2 - 50134 Firenze - Cell. 328 2413353 - 328 1289649 - Tel. 055 480667 

martinatapinassi@libero.it - www.tapinassimartinaaltervista.org/ 

Autodidatta, nasce nel 1986 e intraprende 

un percorso di studi improntato sulla ragioneria 

e l’economia, nonostante una forte 

predisposizione per il disegno. Nel 2006 inizia a 

lavorare per un istituto bancario senza accantonare 

però la passione per la pittura. Impiegata di 

banca nell’orario d’ufficio, artista nel tempo libero. 

Nel 2010 inizia a dedicarsi in modo professionale 

alle arti figurative. Ama le spatole e l’acrilico, 

il colore in rilievo, l’arte plastica. Unisce tecniche 

e stili diversi per sperimentare il nuovo. I suoi dipinti 

sono un’esplosione di colori, incontrollata e 

irriverente, un carnevale cromatico. Ad ogni tonalità 

assegna un significato, un sentimento, un’intensità. 

Dipinge col cuore, senza filtro. Dà spazio 

all’astratto informale, dedicandosi solo occasionalmente 

al figurativo. Le foto delle sue opere 

sono incluse in alcune riviste del settore e nel 

2012 pubblica un catalogo personale, L’emozione 

è colore a cura di Thao Go & Communication. Partecipa 

a numerose collettive tematiche e fiere internazionali. 

In Italia ha esposto a Brescia (Palazzo 

Comunale), Firenze (Premio Il Magnifico - Premio 

Cardo d’Argento - Galleria Gadarte - Galleria Simultanea), 

Ferrara (Castello Estense Biennale 

2010), Milano (Galleria Il Borgo) e Roma (Galleria 

Rosso Cinabro), all’estero a Beziers (Salone Internazionale), 

Lisbona (Galeria Colorida), Londra 

(Roa Gallery) e Parigi (Carrousel du Louvre). 

Martina Tapinassi si serve del colore per tradurre 

in forma pittorica il suo punto di vista sul mondo 

e sulle cose. Un modo spontaneo e istintivo di 

approcciarsi alla pittura e di farne uno strumento 

atto ad esprimere in maniera diretta e libera il 

Le tue false apparenze, acrilico su tela di cotone, cm. 40x40 

caleidoscopio di emozioni e sensazioni che nascono 

nell’impatto con la realtà. Dati per brevi tocchi, mescolati 

direttamente sul supporto o lasciati emergere in volumi 

e spessori, i colori convivono nelle sue tele e acquistano 

forza l’uno dall’altro, come se il fine non fosse 

quello di sommare i singoli toni, ma, al contrario, di esaltare 

le specificità espressive e luministiche di ciascun 

colore. Una gestualità volutamente priva di quel rigore 

che poco si addice ad una giovane pittrice creativa e bizzarra 

quanto basta per trasformare ogni suo incontro con 

la tela bianca in un’occasione unica per spalancare le 

porte del suo mondo interiore. 


376


Gabriella Tatini 

Cell. 3385241557 

g.autunno@tiscali.it 

Il rosso e il nero, olio su tela, cm. 40x40 

Gabriela Tatini, artista fiorentina, ha sempre 

avuto interesse per l’arte. 

Dal 2005 segue un corso di pittura ad olio, a 

Firenze, guidato dalla pittrice Tiziana Acomanni. L’interesse 

è diventato passione e dal 2008 frequenta lo 

studio della pittrice Lucetta Risaliti, proveniente dalla 

bottega del maestro Pirzio. Dal 2008 ha partecipato a 

mostre collettive e personali. 

“Artista alla ricerca di meditazione narrative, filosofiche 

o concettuali. La massima potenza espressiva 

delle immagini. Fusione dei colori i valori di contrasto. 

L’interazione fra l’oggetto ed i piani pittorici, denunciano 

una chiarezza di analisi e la conseguenza di una 

ricerca rigorosa dell’identificazione espressiva. Opere, 

quelle di Gabriella Tatini, che si distinguono per 

una propria pittura ravvivata dalle cromie, ma fedele 

ai valori tradizionali. Pittrice che sa dichiarare la “passione” 

non per suggestioni fantastiche ma per sollecitare, 

capire, dichiarare. Sulla tela il mondo al quale 

partecipa con fede forse in un cammino non facile 

dove dedica la sua poesia. Si riflette nei suoi concetti 

un sentimento di delicata malinconia…”. 

Nella Guelfi 

“Lo specchio dell’albero o l’albero allo specchio. Lo 

specchio e’ una pozza d’acqua, l’albero sei tu e l’acqua 

e’ la vita…Ora, questo albero e’ un albero risoluto 

perche’ ha il coraggio di riflettersi anche nella sua 

imperfezione. Non gli fa piu’ paura la natura “maligna” 

e si accetta tutto nella sua complessa nudita’. 

Sì, perché di nudità si parla, dove né fiori, né frutti 

abbelliscono l’insieme, perché l’insieme deve essere 

se stesso e lasciato a se stesso: nudo…”. 

Rita Pini 

377


Sandra Tesi 

Via dei Sabatelli, 62/4 - 50142 Firenze 

Tel. 055 7875548 - Cell. 339 3055547 

Ritratto, 2009, olio su tela, cm. 70x70 

Diplomata al Liceo Artistico, ha frequentato l’Accademia 

di Belle Arti e la Facoltà di Architettura. 

Ha insegnato disegno nelle scuole medie. 

Il suo curriculum si presenta denso di avvenimenti: 

ha fatto parte del direttivo del Centro d’arte Modigliani 

e partecipato a numerose mostre personali e 

collettive anche all’estero vincendo importanti premi 

fra i quali il S.Valentino d’oro a Terni e il Premio nazionale 

del Ministero dei Lavori Pubblici a Roma. Sue 

opere sono alla Pinacoteca di Terni, al Museo Dino 

Campana a Marradi, nel Palazzo della FAO a Roma. Si 

sono interessati del suo lavoro Ugo Barlozzetti, Sergio 

Bartolini, Silvia Bertini, Duccia Camiciotti, Dino 

Carlesi, Roberto Cellini, Pascal Copart, Romolo De 

Martino, Sebastiano Grasso, Mauro Innocenti, Mauro 

Marrocchi, Senzio Mazza, Nicola Micieli. Tommaso 

Paloscia l’ha inserita nel III° volume della Storia 

dell’Arte in Toscana fra i protagonisti degli ultimi 

trenta anni di pittura. Il poeta Mario Luzi ha scritto 

“Riflessioni poetiche” per il catalogo della personale 

“Nuovi Percorsi” al Palazzo Pretorio di Poggibonsi: 

“La sua pittura si serve del figurativo per plasmarlo e 

conferirgli quell’anima enigmatica, esplodente in 

particolari non a caso evidenziati, in accostamenti 

emblematici, in primi piani che additano o espongono 

in luminescenze sorgenti dall’ombra ambigua e 

protettrice che sembra schermarli. Riesce a creare un 

modello coerente e fascinoso, spesso immerso in nostalgie 

ancestrali, talvolta nel dramma o nel fulgore 

acceso della speranza”. 

378


Nicoletta Testi 

nicolettatesti@yahoo.it 

Infanzia, 2011, tecnica mista su carta e legno, cm. 100x140 

Nicoletta Testi è nata a Pisa nel 1964. Dopo 

aver conseguito il Diploma di Maturità Artistica 

ha completato gli studi presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Attualmente è titolare della 

cattedra di Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico 

“Virgilio” di Empoli (FI) e vive e lavora a Pontedera 

(PI). La sua carriera è costellata da molteplici occasioni 

espositive, personali e collettive, e da riconoscimenti 

di grande prestigio. Tra questi ricordiamo che 

nel 2000 una commissione presieduta da Michelangelo 

Pistoletto scelse un suo progetto per la realizzazione 

di un’installazione in occasione della rassegna 

Passaggi a nord/ovest a Biella. 

L’artista trova nella sperimentazione una costante 

fonte di arricchimento grazie alla quale riesce a combinare 

sempre in modo originale e con grande raffinatezza 

tecniche e generi, superandone i confini. Nelle 

sue opere l’immagine è la somma di richiami e echi 

che rimandano a una intimità fatta di sovrapposizioni, 

ricordi, eventi di una vita vissuta o perduta, recuperabile 

solo come evocazione. Immagini fotografiche, ingrandimenti 

cartacei e altri materiali si uniscono alla 

pittura per restituire alla figura una memoria e un’interiorità 

complessa. 

Samanta Monco 

379


Grazia Tomberli 

Studio: via Cristina di Belgioioso, 12 - 50137 Firenze 

Tel. +39 055 663450 - Cell. 3927608771 - ph.benedettagori@gmail.it 

Glicine, 2008, olio su tela, cm. 120x120 

Grazia Tomberli nasce a Firenze nel 1943. Figlia 

d’arte, pittrice e grafica espone dal 1960. Docente 

di Disegno e Storia dell’arte dal 1964 al 

1983. Si laurea in Architettura a Firenze nel 1975. Si 

diploma all’Accademia di Belle Arti di Firenze nel 

1984. Ha tenuto mostre personali in Italia e all’estero, 

fra cui ricordiamo le più recenti: mostra personale alla 

sede della Regione Toscana, Palazzo Panciatichi, Anticamera 

Affreschi (2007); mostra personale, Museo 

Archeologico di Fiesole, Sala Antiquarium Costantini, 

Fiesole (FI) (2008); mostra personale, Antica Compagnia 

del Paiolo, Firenze (2009). Fra i riconoscimenti 

ottenuti: Premio Acquisto Cassa di Risparmio di Firenze 

(anni Ottanta). Nel 2001 ha vinto il Concorso per un 

Tabernacolo in via Castello d’Altafronte a Firenze. Donazioni: 

un acquerello a S. M. Elisabetta II Regina 

d’Inghilterra; grafica “La Madonna Universale” a 

papa Giovanni Paolo II; “San Francesco”, grafica per il 

Museo Diocesano di Cortona; il dipinto “Omaggio a 

Rodolfo Valentino”per il Museo di Castellaneta (TA); il 

quadro “S. Miniato di Firenze” al Museo Contemporaneo 

di Cracovia (PL); il ritratto di Padre Pio al convento 

di Padre Pio a San Giovanni Rotondo (FG); una grafica 

alla Fondazione Vittorio e Piero Alinari a Firenze; due 

380



L’urbanista, 2007, carboncino, cm. 70x50 

grafiche acquerellate al Giardino di Boboli in Firenze; 

il ritratto del maestro Zubin Metha al Teatro Comunale 

di Firenze; ritratto di Anna Maria Luisa de’ Medici al 

Comune di Firenze; il ritratto al Presidente della Repubblica 

Carlo Azeglio Ciampi; il ritratto di Mario Luzi 

alla Regione Toscana; il quadro ad olio “Cristo blu” al 

Museo Diocesano d’Arte Sacra Moderna, nella chiesa 

San Salvatore a Corte (Capua). La pittrice è inserita 

nell’Archivio Storico del kunsthistorisches Institute di 

Firenze. Fa parte delle associazioni fiorentine: “Antica 

Compagnia del Paiolo” e “Gruppo Donatello”. Ha realizzato 

numerosi lavori di illustrazione per libri. Su 

commissione, oltre ai ritratti, esegue lavori di pittura 

su stoffa, murales e trompe l’oeil. Sue opere si trovano 

in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero: 

Australia, Francia, Giappone, Gran Bretagna, Grecia, 

Messico, Russia e Stati Uniti. Hanno scritto di lei: 

Cristina Acidini, Paolo Becattini, Stefano Benedetti, 

Maria Bernardini, Giovanna Carli, Giovanni Cipriani, 

Vittoria Corti, Antonio De Lorenzo, Stefano De Rosa, 

Giovanna Giusti, Silvia Huober, Fabio Incatasciato, 

Pier Francesco Listri, Silvio Loffredo, Mario Luzi, 

Giampiero Masieri, Corrado Marcetti, Litta Medri, 

Maurizio Naldini, Elvio Natali, Riccardo Nencini, Franca 

Nesi, Nicola Nuti, Tommaso Paloscia, Antonio Paolucci, 

Iolanda Pietrobelli, Francesco Riccomini, Sonia 

Salsi, Bruno Santi, Barbara Santoro, Alvaro Spagnesi, 

Anita Valentini. 

381



Architetto Spadolini, 2010, grafica a china, cm. 50x70 

“Quando vedo un dipinto di Grazia Tomberli e ancor più 

quando ne vedo riuniti e accostati una serie mi si comunica 

una intima felicità. Davvero Grazia non è venuta 

meno al suo “o men”, è stata ed è pari al suo nome. 

C’è levità nel suo accostarsi all’oggetto pittorico - paesistico 

perlopiù - energia di penetrazione e respiro nel 

definirlo senza costringerlo, lasciandolo, appunto, respirare. 

Levità nel segno e nel chiamarsi nulla altro 

franco e gentile dei colori, leggiadria e sicurezza nel 

loro compenetrarsi; festa dunque o meraviglia nell’immagine 

come ci fu nell’incontro con le cose. E infatti 

esse ci si offrono dalle tele di Grazia Tomberli con una 

freschezza tonificante. La disciplina, lo sforzo, la pertinacia 

che certo sono costate - perché non si arriva a 

tanta bravura senza molto studio - sono dimenticate 

nella letizia del vedere e del dipingere e dunque anche 

nel far vedere, di cui le sono grato”. 

Mario Luzi 

382



Dalie, 2010, olio su tela, cm. 80x80, di proprietà 

383


Rakele Tondini 

tondini@rakele.it - www.rakele.it 

www.artebianciardi.com - www.kalinkatondini.it 

Equilibri Sentimentali, 2011, acquerello, china e matita, carta cotonata, 

cm. 21x29,7 

GustaDiva, 2010, acquerello, china; tulle su carta cotonata, 

cm. 21x29,7 

Rakele Tondini è un’artista Fiorentina, crea illustrazioni, 

pitture, stampe tessili, abiti e costumi 

teatrali. 

Rakele vede la decorazione come tema autonomo di 

progettazione, linguaggio globale, colore del contemporaneo, 

informazione visiva del sociale, linguistica e 

rappresentazione del gusto attuale. 

Il colore e la decorazione come elementi di vita, su 

abiti, costumi teatrali, carta e scenografie. 

Lavora per privati e istituzioni, collaborando con altri 

artisti e designer, pubblicando su libri, riviste di moda 

e cucina. Riceve titolo di Maestro d’Arte, presso il Liceo 

Artistico Statale di Porta Romana a Firenze. Laureata 

in Storia delle Arti Decorative e Industriali - Storia 

del Costume e del Tessuto, presso la Facoltà di Lettere 

e Filosofia, Firenze. Si specializza presso l’Accademia 

delle Belle Arti di Firenze, in Costume e Haute Couture. 

Sue le illustrazioni del divertente “L’Alfabeto del Gusto 

Toscano” di Kalinka Tondini, Acar Edizioni. 

Stralcio di testo critico: 

“GustaDiva” e “Equilibri Sentimentali”, fanno parte 

della numerosa serie: “GustArte”, raccolta di pitture e 

illustrazioni, dove personaggi insoliti e donne dalle 

guance rosse, popolano banchetti tra equilibri squilibrati, 

calici, tessuti decorati e citazioni. Allegria, cinismo, 

critica, arte, moda e gusto, si fondono insieme, 

creando racconti di vita illustrati. 

“Donna Rakele non beve caffè, ha la corona e regina 

non è, ama i suoi figli e marito non ha, indovinate 

cosa sarà”. 

384


Elisa Tonini 

elisa.tonini@email.it 

Ti porgo un ricordo, tecnica mista, cm. 35x35 

Elisa Tonini nasce a Campiglia Marittima (LI) il 26 

marzo del 1970. Svolge i propri studi presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze diplomandosi 

sotto la guida di Rodolfo Ceccotti per l’incisione e 

Adriano Bimbi per la pittura. Frequenta come borsista 

la Scuola Internazionale di Specializzazione per la Grafica 

d’ Arte “Il Bisonte” di Firenze, conseguendo la qualifica 

professionale di incisore e stampatore.Tra le principali 

manifestazioni: mostra collettiva presso la 

Galleria “Il Bisonte”, 2007; premio “Arte Donna”, Provincia 

di Livorno, 2008; Almanacco 2009 di “Italia Nostra”, 

Reggio Emilia; presente con opere nell’Archivio 

Incisori Italiani di Bagnacavallo (Ra) dal 2008; “Premio 

Acqui” Biennale Internazionale per l’incisione (Al); mostra 

collettiva “Il Bisonte sono io!” presso la Biblioteca 

Nazionale di Firenze 2009; VI Biennale dell’Incisione 

Italiana Contemporanea Città di Campobasso 2010; 

Biennale dell’Incisione Contemporanea Città di Bassano 

del Grappa 2011. Assistente di laboratorio presso 

Scuola Internazionale di Specializzazione per la Grafica 

d’Arte “Il Bisonte” di Firenze. Vive e lavora a Firenze. 

“Ad un attento osservatore delle opere di Elisa, non 

può sfuggire la sottile vena poetica che accompagna 

tutte le sue incisioni e non può sfuggire la loro conduzione 

tecnica sempre complessa ed elaborata e costantemente 

indirizzata alla ricerca di trasmettere più 

emozioni che a descrivere soggetti. Questa elaborazione 

è spesso ottenuta sovrapponendo, in diversi 

stati, all’acquaforte l’acquatinta, oppure aggiungendo 

colpi di puntasecca; infine stampando le matrici 

con inchiostri elaborati e fondini. Insomma in tutte le 

fasi è evidente una ricerca formale volta ad esaltare 

quei contenuti citati prima ma, al di la di questo, Elisa 

mette a frutto un’esperienza acquisita nella scuola, di 

consigli e di rapporti costanti con i docenti e con l’alternarsi 

di presenze di allievi provenienti da varie nazioni 

che, lavorando gomito a gomito, creano uno 

scambio culturale che arricchisce anche noi”. 

Rodolfo Ceccotti 

385


Laura Trinci 

Cell. 346 5185344 

laura.t.c@virgilio.it 

Balla di stracci, 2012, acrilico su tela, cm. 70x50 

Nasce a Carmignano, ma vive e opera a Prato. 

Ha frequentato la “Scuola Libera del Nudo” 

sotto la guida del professore Rinaldo Frank 

Burattin ed esposto in collettive e personali in varie 

località della Toscana. “Nelle opere di Laura Trinci si 

coglie uno studio e una ricerca costante di peculiarità 

paesaggistiche e quotidiane, realizzate con un pennello 

fine e leggero, con la scelta di tonalità cromatiche 

luminose piacevoli. La delicatezza di tocco nello 

stendere le tinte addolcisce il leggero tratto dei contorni 

e le opere esprimono una sensibile visione onirica 

e il candore degli assunti poetici dell’artista. 

Quello che più emerge dai paesaggi è il senso di romantica 

nostalgia, espressione dell’intima sensibilità 

dell’artista. Altre emozioni si rivelano nelle nature 

morte e nella raffigurazione dei fiori, il cui cromatismo 

vivace e colorato, denota un’esplosione interiore 

di sentimenti, che “riscaldano” la superficie pittorica, 

facendo brillare di luce la tela. Tutti i quadri di 

Laura Trinci possono quindi definirsi uno spazio di 

vita e limpidezza”. 


386


Laura Trinci 

Finestra con gerani, 2007, olio su tela, cm. 60x80 

387


Cristina Tronci 

Via Frascati, 13 - Prato 

Tel. 0574 27480 - Cell. 339 3761502 

Senza titolo, 2012, olio su tavola, cm. 50x120 

Nata a Prato nel 1958, ha conseguito la maturità 

artistica presso l’Istituto d’Arte di Sesto 

Fiorentino. Nel 1980 ha iniziato l’attività artistica 

e nel febbraio 1984 ha tenuto la sua prima personale 

presso il Centro Arti Visive di Prato. Cinque 

anni dopo, tiene la sua seconda personale alla Galleria 

“La Spirale” di Prato. Frequenta la Scuola d’Arte 

Leonardo e per due anni lo studio del maestro d’arte 

Bonora. Nel 1991 partecipa alla collettiva di pittura 

nel chiostro di San Domenico a Prato e nel novembre 

dello stesso anno espone la sua personale presso 

Cassa di Risparmio di Lucca ad Agliana, Pistoia. Nel 

1992 frequenta il Laboratorio d’Arte “Arteria” di Prato. 

Al 1994 ricorrono altre due personali: una con l’Assessorato 

alla Cultura di Prato, presso l’Oratorio di S. 

Ambrogio in piazza Mercatale a Prato; l’altra in Francia, 

presso la “Gallerie Le Passeur du marais”, Le Marais, 

Parigi. Nel 1996 tiene una personale a Ferrara. 

Nel 2006 Cristina tornerà ad esporre con una mostra 

presso “Magazine Spazio Arte” di Prato. Nel 2011 ha 

frequentato un corso di incisione presso l’Associazione 

Culturale “L’Asterisco” di Prato e nel gennaio 2012 

ha tenuto una mostra personale presso il Circolo Arci 

Nuovo Pamarillo, sempre a Prato. La pittrice attualmente 

lavora presso il Circolo Culturale “L’Appartamento 

1”, in via Settesoldi, 31 a Prato. 

388


Griscia Tufano 

Via delle Terme, 5 - 50123 Firenze - Cell. 333 2814583 

grisciatufano@libero.it - grisciartufano@virgilio.it - www.grisciart.it 

I guardiani della soglia, 2010, acrilico su tela, cm. 100x50 

L’artista Griscia Tufano attualmente vive ed ha 

uno studio nel centro storico di Firenze. Il mito, 

la leggenda, la favola, il sogno sono sempre state 

tematiche presenti nelle sue opere fin da una delle 

sue prime personali negli anni Settanta. Ha sperimentato 

vari percorsi dalla scenografia, alla pittura 

murale, alla poesia visiva, alla satira, alla promozione 

di laboratori di creatività con i ragazzi ed è stata 

coinvolta in attività culturali nazionali ed internazionali. 

L’artista dipinge figure e scenari di un’altra dimensione 

dove il corpo è tutt’uno con l’anima. Figure 

che fluttuano nella dimensione del sogno, nella dimensione 

di albe radiose dove l’unico suono è quello 

vibrante della luce che dà voce al silenzio: fate, folletti, 

spiriti di natura che ci riportano nella casa degli 

Dei, nel regno da cui siamo venuti per sperimentare 

la dimensione umana senza il buio del dolore. Silfidi 

dell’Aria, Gnomi della Terra, Salamandre del Fuoco, 

Ondine dell’Acqua, giocano con noi per non farci 

dimenticare che viviamo per essere felici. Nell’installazione 

Mandala Luna - La magia del sogno sulla Terra 

- la Luna è vista dall’artista un grande mandala 

magico della Terra della quale ne percepisce e manifesta 

i sogni e con la sua misteriosa luminosità e magnetismo 

influenza i Quattro Elementi attraverso i 

sentimenti e gli umori umani e forse secondo i miti 

popolari le vicende umane. L’installazione mostra due 

facce della Luna quella del sogno e quella manifesta 

dei crateri, a significare che l’una non può coesistere 

senza l’altra. Inserita come pittrice e scrittrice in enciclopedie, 

cataloghi, libri d’arte, riviste internazionali, 

volumi di poesia etc. Ha ricevuto numerosi premi, 

onorificenze e attestati artistici a Livello Internazionale 

e vinto concorsi di poesia. 

389



Il Cielo e la Terra, 2009, acrilico su tela, cm. 100x50 

“Per Griscia Tufano non esistono ombre e sfumature 

cromatiche, i colori echeggiano la potenza innovativa 

del “Fauvismo, così come sono netti, lucidi e di stampo 

“picassiano” i contorni delle figure antropomorfe e 

naturalistiche che compongono le sue creazioni. Ella 

è fortunata per avere innata questa intuizione cromatica 

vitale, questa visione del reale totalmente virtuale, 

in cui gli schemi antropomorfi sono alterati nella 

loro naturalità, dove le braccia, le gambe si allungano 

e si avviluppano elasticamente nella espressione di 

moto, di sentimento, di emotività. Concentrarsi su di 

un tema analiticamente complesso e produrlo con 

semplicità quasi infantile, che ispira giocondità e gaiezza, 

come nel suo “Spiriti di Natura” nel quale figure 

pseudo antropomorfe si agitano in un contesto rigoglioso 

di palme, fiori e colori esotici, non è facile né 

concettualmente né graficamente.(…) L’espressione 

degli occhi di queste sagome e folletti nudi e rosa è 

un elemento intrigante della scena. Essa è quasi un 

punto di riferimento, un ancoraggio fisso di queste 

entità (fra le quali intuisco un autoritratto della Griscia 

Tufano), dalle forme e dai moti bizzarri e i netti 

contorni delle palme e dei fiori, molto accurati nel 

loro groviglio grafico e cromatico, fanno da cassa di 

risonanza di tutta la composizione. (…) Usa colori e 

sagome sapientemente mischiate ma nettamente 

separate, senza misture cromatiche, coinvolgenti 

come suoni squillanti di una banda di ottoni. (…) Una 

gioia per lo spirito, nella consapevolezza del grande 

talento di Griscia Tufano, una artista che segna una 

pietra miliare nel novero internazionale dell’arte contemporanea”. 

Giancarlo Alù 

Unione Europea Esperti d’Arte 

390



Spiriti di natura, 2007, acrilico, cm. 100x70 

“L’assemblaggio cromatico costruito con surreale 

espressività è il cardine distinguibile nelle opere di 

Griscia Tufano, artista stimabile sia per la sua sensibilità 

che per l’espressione del suo modo di far arte. 

La brillantezza della superficie, armoniosamente 

strutturata con elegante accostamento di luminoso 

cromatismo rivela una personale visione del codice 

minimalista. L’artista si slancia con autorevolezza in 

avventure creative che affascinano il fruitore catturandolo 

con seducenti visioni pittoriche. La valenza 

del segno e la luminosità dei toni ben equilibrati si 

accostano perfettamente alle sue creatività artistiche 

già molto valide di emozionalità. Il tema della sua pittura 

è la figura umana legata alla vita spirituale, quindi 

all’amore e ai sentimenti passionali. Il misterioso 

fascino delle sue narrazioni è dato dall’incisività del 

tratto delle figure valorizzate dalla forza della luce 

cromatica che si rivela come luce interiore”. 

Anna F. Biondolillo 

391



Vortice della vita, 2009, acrilico su tela, cm. 50x50 

392


Francesca Vannini 

Studio artistico: via dell’Agnolo, 29r - 50122 Firenze 

Cell. 338 8586705 - www.decorazioniepitture.it 

Frutta, dipinto a tempera su soffitto 

C’è tutto il profumo ed il peso della più bella tradizione 

decorativa fiorentina nella pittura a 

tempera che Francesca Vannini (nata a Firenze 

nel 1977) ha lasciato sul soffitto di una casa di Borgo 

Pinti. Un risultato che scaturisce da un percorso - portato 

avanti con dolce ostinazione - nel quale la Vannini 

tende a coniugare la pratica pittorica con l’attività 

di insegnamento e disseminazione: il tutto svolto 

nell’ambito dello Studio di Arti Decorative che dal 

2001 cura e conduce nel cuore di Firenze e che tanto 

assomiglia ad una di quelle botteghe che hanno contribuito, 

con il loro portato di sapere e di buon gusto, 

a disegnare il profilo artigiano ed artistico della nostra 

città. Maestro d’arte, alla solida formazione accademica 

della pittrice si fonde, infatti, un’attività del 

dipingere e decorare aperta a soluzioni diversificate, 

disponibile alle richieste di una committenza che ancora 

riconosce il primato al “bel disegno fiorentino” e 

Ambientazione del dipinto Frutta su soffitto 

non disdegna quello stile realista che ha attraversato, 

come un filo rosso, anche la storia pittorica toscana. 

Ecco quindi che questo lavoro guarda senza indugi 

ai festoni di frutta e fiori così ricorrenti nel Rinascimento 

locale, dai luoghi del potere alle dimore aristocratiche 

e borghesi. La decorazione esprime il suo significato 

compiuto nella freschezza del disegno, nella 

vivacità cromatica, con i gioiosi inserti coloristici 

dell’uva che si insinua tra i cespi più tradizionali degli 

agrumi, e si candida ad abbellire uno spazio di vita 

contemporaneo, come a rimarcare l’eterno anelare 

dei sensi alla bellezza. 

Lorella Baggiani 

393


Franca Vannoni 

Studio: via delle Ginestre, 1 - 50142 Firenze 

franca.vannoni@tin.it - www.francavannoni.it 

Paesaggio, 2012, olio su tavola, cm. 85x48 

Fiorentina di nascita, Franca Vannoni ha frequentato 

l’Istituto d’Arte a Firenze e l’Accademia di 

Belle Arti dove, nel 1971, si è diplomata in Scultura 

con Antonio Berti. La sua attività espositiva ha 

inizio nel 1966 con le prime personali e collettive. Personalità 

poliedrica, laureata in Architettura, pittrice e 

scrittrice, Franca è dotata di un temperamento comunicativo 

che l’ha portata a fare parte dei gruppi artistici 

Spazio A (1974-76), Arteria (1988 90) e Manod’opera 

(1993) a tutt’oggi attivo. Dopo l’esperienza 

in ambito figurativo con il gruppo Spazio A, nel 1986 

la Vannoni presenta alla Galleria DADA di Tavarnelle 

Val di Pesa la sua nuova produzione. Si tratta di un’intera 

installazione - lastre fotoincise, incise e dipinte 

- nella quale sono integrati anche le pareti e i percorsi 

della galleria. Per questo tipo d’installazione l’artista 

conia il termine “non figurativo strutturale”, definizione 

in piena sintonia con il titolo della mostra 

Strutture mnemoniche. Varie e interessanti sono state 

le occasioni espositive e il dibattito interno al gruppo 

Arteria, che la porta a consolidare e sviluppare le 

precedenti poetiche e soluzioni formali, fino a giungere, 

attraverso le installazioni, ad azioni teatrali che 

chiamano lo spettatore ad un ruolo attivo. Proprio 

perché interessata alla “magia” creatrice dell’inconscio, 

e curiosa di scoprirla nel proprio percorso d’artista, 

dal 1989 al 1991, la Vannoni scrive e pubblica il 

libro Immagini scritte, in cui, attraverso l’analisi del 

proprio agire artistico, indaga i simboli dell’inconscio 

collettivo. Negli anni successivi fonda, insieme ad 

altri artisti, il gruppo Mano d’opera, il cui fine è mantenere 

inalterata la propria poetica e utilizzare un 

contenitore A4 come spazio divulgativo e aggregante. 

Intanto Franca ritorna al figurativo, portando con 

sé l’interesse per l’installazione. Nell’appuntamento 

espositivo Pompei a Borgo Marelli, realizza la Casa 

delle Amazzoni con quattro grandi opere pittoriche e 

materiali di vario tipo per creare il messaggio scenico, 

non privo di una vena ironica, così descritta nel 

titolo dell’intervento: “Parto per Kamakura per Kurare 

il mio Karma con il Kamasutra. Franka”. Oltre ad una 

proficua attività espositiva, Franca Vannoni ha operato 

negli anni scorsi come curatrice di eventi espositivi 

e culturali in Toscana. Hanno scritto di lei tra gli altri: 

Paolo Castellucci, Tommaso Paloscia, Giuseppe Nasillo, 

Dino Pasquali e Donato Conenna. 

394


Piera Vicchi 

Via G. di Pace, 14 - 59100 Prato 

Tel. 0574 633751- Cell. 348 1206211 

Barche in attesa, 2006, tecnica mista, cm. 50x60 

Il Ponticello, 2006, tecnica mista, cm. 50x60 

Nasce a Prato nel 1947. Imprenditrice, con la 

passione per la pittura e la scultura (in creta), 

che ha sviluppato da autodidatta, si è perfezionata 

seguendo corsi per apprendere nuove tecniche 

oltre alla pittura ad olio. Si è specializzata nella tecnica 

ad affresco e dal 2001 è entrata a far parte dell’Ass. 

Artistica Culturale “Il Chiassino”. L’artista coglie l’essenzialità 

dei soggetti e li avvolge in un alone di mistero, 

ottenuto da questa sua singolare tecnica stilistica, 

che rende palpitante la superficie e poetica la materia; 

mentre “la costruzione dei soggetti trattati nelle ariose 

impaginature è solida e convincente… e si armonizza 

come per magia in una sonorità cromatica sobria, 

perfetta, vibrante e quieta”. 

Nello Sguanci 

395


Maria Miriam Vidali 

Cell. 348 8747642 - Tel. 0577 740621 

myriam.vidali@gmail.com - www.arsartispress.blogspot.it 

Cielo, 2011, olio su tela, cm. 60x45 

Mamma, 2011, olio su tela, cm. 60x40 

L’artista è nata a Gallarate (Va) il 28 ottobre 1961. 

Vive in Toscana dal 1973 e risiede a Castellina in 

Chianti (SI) in località Casafrassi 40. 

Miriam è un architetto, laureata all’Università di Firenze 

nel 1988. Appassionata di tutte le forme artistiche, 

disegna da sempre ma dipinge ad olio da circa 8 

anni iniziando e proseguendo tutt’ora sotto l’insegnamento 

del maestro d’arte Renzo Regoli di Siena. 

Le sue opere pittoriche abbracciano diverse tipologie 

di soggetti, come paesaggi, marine, fiori, architetture, 

ma la sua preferenza va alla figura umana, specie 

donne e bambini. L’artista cerca di rappresentarne le 

espressioni tramite la gestualità e la postura. “Mi 

piace molto utilizzare i panneggi delle stoffe - dichiara 

la pittrice - sia come abiti che come sfondi, per creare 

un elemento di movimento”. La luce è senz’altro un 

elemento emozionale fondamentale che l’autrice rappresenta 

in tutte le opere. 

396


Maria Chiara Viviani 

info@mariachiaraviviani.com 

Sole e acciaio, tecniche grafiche su carta, 2011 

Maria Chiara Viviani nasce a Colle Val d’Elsa 

nel 1976. Laureata in Decorazione all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze ha svolto la 

tesi specialistica sulle Tecniche pittoriche della bottega 

toscana del Trecento. Dal 1995 ad oggi ha partecipato 

a numerose mostre a Firenze (Biennale d’Arte 

Contemporanea, Vetrina degli artisti contemporanei, 

Otto artiste per l’8 marzo, ecc.) e in altre città (Casole 

d’Elsa, Livorno, Bergamo). Un suo modello in scala, 

progetto per la scenografia dell’opera di “Orfeo ed 

Euridice”, è esposto nel museo didattico dell’Istituto 

di Porta Romana a Firenze. Dal 1996 collabora con 

enti e organizzazioni di arte e design (Archirivolto, Domus, 

Arno Agency, Sala Gialla, Sentiero di Fuoco). Dal 

2000 svolge attività di insegnamento (disegno, tecniche 

pittoriche, discipline pittoriche contemporanee, 

tecniche dell’affresco, decorazione pittorica murale, 

scenografia) presso varie agenzie formative. Socia dal 

2003 dell’Antica Compagnia del Paiolo di Firenze, collabora 

con la Scuola Media Arnolfo di Cambio di Colle 

Val d’Elsa per il progetto P.I.A. per la valorizzazione del 

territorio e della figura di Cennino Cennini. 

397


Elena Vollmann 

Cell. 333 8123650 

elenaarte@hotmail.it - www.elenavollmann.com 

Senza titolo (dettaglio), 2013, tecnica mista su tela, cm. 100x70 

Elena Vollmann è nata in Kazakistan dove ha frequentato 

la Scuola d’Arte Statale della città di 

Karaganda con ottimi risultati. Dopo la prima 

formazione in patria, si è trasferita in Russia per portare 

avanti gli studi universitari come designer di moda. 

A questa fase della sua vita appartiene l’esperienza 

come stilista d’alta moda. È il primo episodio importante 

che mette alla prova la sua variegata creatività 

e che le fornisce una conoscenza concreta dei materiali 

e delle tecniche che si rifletterà più avanti anche 

nella sua concezione pittorica. Gli studi nel settore 

della moda proseguono a Zurigo, periodo in cui le sue 

aspirazioni artistiche si arricchiscono per orientarsi 

verso la pittura su molteplici materiali e con tecniche 

differenti. Nel 2006, Elena si trasferisce in Italia, a Firenze, 

dove apprende la tecnica dell’affresco e dello 

strappo d’affresco seguendo i corsi della Bottega del 

Bonfresco. Le competenze acquisite le consentono di 

dedicarsi con costanza alla realizzazione di affreschi 

per commissioni private, riscuotendo ampi consensi 

ed ottenendo importanti riconoscimenti in ambito pittorico. 

Il contesto artistico fiorentino diventa il terreno 

fertile in cui dare inizio ad un’intensa e pregevole attività 

espositiva, che le ha permesso di essere accolta, 

tra l’altro, nel gruppo degli artisti KPK che fanno capo 

all’associazione culturale della Casa di Dante. Recensita 

sui principali quotidiani fiorentini e su riviste di 

settore, di lei hanno scritto, tra gli altri, Roberta Fiorini, 

Pier Luigi Ciolli, Luigi Bellini, Daniela Pronestì, Joselia 

Pisano e Silvia Ranzi. Premiata al Premio Italia 

per le Arti Visive (2009 e 2010) e nell’ambito della manifestazione 

Atelier d’Artista (Gambassi Terme, 2009, 

primo premio), ha ricevuto il Fiorino d’argento al XVII 

Premio Firenze (2009) Molte le mostre personali e collettive 

realizzate in Italia e in Germania dal 1999 ad 

oggi; tra queste si segnalano alcune delle più recenti: 

Galleria Renessans (personale, 2010, Firenze), Villa 

Magnaguti (personale, 2010, Cerlongo di Gioto, Mantova), 

Synestesie in costruzione (2011, Casa di Dante, 

Firenze); On wings of joy (personale, 2011, Tepidarium 

del Roster al Giardino dell’Orticoltura, Firenze); inContri 

d’Arte (2011, Seminario Vescovile, Fiesole, FI); I 

linguaggi dell’Arte (2011, Comune di Castelnuovo di 

Garfagnana, Lucca); Dialoghi materici (2012, Galleria 

398


Elena Vollmann 

Senza titolo, 2013, tecnica mista su tela, cm. 100x70 

Civico69, Firenze); Passi tra i colori (2012, Palazzo Municipale 

di Rieti); La forma della leggerezza (2012, Simultanea 

Spazi d’Arte, Firenze); Gli occhi sono le finestre 

dell’Anima (personale, 2012, Casa di Dante, 

Firenze); Epifania del Virtuale (collettiva con Kpk, 

2012, Sala del Basolato, Fiesole e Massa Marittima), 

Donne, artiste e… (2012, Ex Fornace Pasquinucci, Capraia 

Fiorentina); APXAIOЛОГIA (gruppo KPK, 2012, 

Museo Archeologico Nazionale, Firenze). 

“In ogni sua opera ci sentiamo invitati a percorrere un 

viaggio e a decifrarne la mappa che ci guiderà nell’attraversamento 

di differenti itinerari e a soffermarci in 

tappe diverse. La sua pittura costituisce, col disegno, 

le fondamenta del quadro sul quale, con interventi 

successivi - di collage, scrittura, altorilievo, objet 

trouvé, décor con metalli o cuciture con fili tessili - 

l’artista opera una continua trasmigrazione tra reale e 

immaginario, tra percezione di uno spazio esterno ed 

interno, intessendo un originale e personale dialogo 

con l’effetto trompe-l’oeil. Così le forme si muovono, 

avanzano verso l’osservatore e sempre più, nel progresso 

della sua ricerca, si avverte l’urgenza di rompere 

ulteriormente gli schemi e dunque di liberare la 

forma stessa per “continuare” il suo moto uscendo 

dai limiti del contorno del quadro”. 


“La sua attività produttiva è fervida e pluridirezionale 

nelle applicazioni pittoriche, nelle scelte tematiche e 

nell’adozione di ready-made d’assemblaggio. Prendono 

corpo ideazioni dagli accenti performativi ed introspettivi 

nella contaminazione fluente tra forme dinamiche 

astraenti, lacerti figurativi, inserzioni letterarie. 

Il sofisticato melange di pigmenti a smalto, preziose 

campiture d’oro e argento, elementi perlacei, tessuti, 

filigrane metalliche, materiali e frammenti tratti dal 

reale inscenano, sulla tela o in accorpamenti scultorei, 

una sorta di teatralità lirica del quotidiano, intrisa 

di valenze esperienziali, sublimate ad arte e sostenute 

da aforismi filosofici o letterari, accuratamente 

scelti, di note personalità”. 

Silvia Ranzi 

399


Patrizia Voltolini 


Espressione del Creato, olio su tela, cm. 120x80 

Patrizia Voltolini, fiorentina, dipinge da molti anni 

spaziando dalla tecnica ad olio all’acrilico, dalla 

tecnica mista all’acquerello, spesso privilegiando 

un tessuto pittorico materico. Molte le mostre realizzate 

in oltre vent’anni di attività, tra queste si ricordano 

le numerose esposizioni alla Galleria Mentana, 

con cui collabora da diverso tempo, quelle a carattere 

internazionale (Ginevra, Europ’Art 2001; New York, 

Artexpo 2000) e in altre importanti città italiane come 

Roma (Galleria della Tartaruga, 2001) e Cagliari (Galleria 

La Bacheca 2002). Alcuni suoi lavori si trovano in 

collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero. 

“La sua opera pittorica realizzata ad olio, acrilico, tecnica 

mista o acquerello, è orientata verso l’astratto 

che nell’essenziale dei colori e dei segni rinchiude 

sempre il mistero della forma, da qui il fascino 

dell’opera che trova la sua lettura in un linguaggio 

diverso per ognuno: dalla massa l’origine, la creazione, 

dall’amalgama il particolare, dalla materia l’effimero. 

Un’ideale di ricerca verso qualcosa di intrinseco 

nella nostra vita, nascosto, ma rivelato (ri 

-velazione, cioè rivela nuovamente e rimane il mistero) 

al cuore di artista con l’occhio sempre pronto a 

cogliere la luce dell’idea, intesa come energia universale, 

un segno di verità per trasmettere agli altri e a 

se stessa messaggi di vita. La vitalità che entra nelle 

sue composizioni le fa apparire come cosmici Big 

Bang, meteore dai bagliori dorati, tracciati spaziali, 

ghirighori vaganti e nella scia di questa ricerca anche 

psicologica, troviamo affinità nella concezione di 

Nietzsche, che adoprava la parola caos nella sua accezione 

di origine, esplosione, immensità cosmica: 

“Bisogna avere il Caos dentro di noi per far generare 

una nuova stella”. L’esecuzione diviene silenziosa 

meditazione, colloquio, comunicazione transpersonale, 

una logoterapia (“logos”, la Parola, il Verbo) che 

presuppone una forte componente spirituale”. 

Anna Maria Masieri 

400


Helgard Wertel 

Riparbella (PI) - Tel. 0039 347 12 44 392 

hkwertel@gmail.com 

Bambino della guerra, 2012, tecnica mista 

Helgard Wertel è nata in Germania. Ha seguito 

studi di storia dell’arte e filosofia all’Università 

di Heidelberg. Ceramista, ballerina, fotografa, 

dal 1991 risiede a Riparbella (PI). Tra le mostre collettive 

e personali realizzate, si ricordano: Documenta 6 

“Kunst und Medien” - Kassel/Germania (con Harry 

Kramer); le personali alla Galleria “Bianconero” (Heidelberg/Germania), 

alla Escuela d’arte “Leonardo da 

Vinci” (Barcellona/Spagna), alla “Casa dell’Arte” (Palazzo 

Marini, Rosignano Marittimo, Livorno), e numerose 

altre monografiche e collettive. 

401



Il guerriero, 2007, tecnica mista 

Cane dell’inferno, 2009, tecnica mista 

402



Dominatrice e dominatore, 2012, tecnica mista 

Nostalgia , 2013, tecnica mista 

“I lavori di Helgard Wertel, nella loro complessità, 

nascono da una riflessione sulla fotografia in bianco e 

nero, passando attraverso una sua riduzione all’essenzialità, 

fino quasi ad una sua dissoluzione, capace 

di produrre immagini da interpretare. Le cose e gli oggetti, 

che erano prima stampati con grana grossolana 

su carta, ora si appropriano della terza dimensione, 

quella dello spessore. Sono cose usate, smesse e dimenticate 

dall’uomo, lavorate dalle onde e dalla sabbia, 

e infine gettate sulla spiaggia: oggetti che, abbandonati 

e smarriti, sono esposti all’azione 

incessante della disgregazione. Tutto questo materiale, 

considerando ogni singolo oggetto per se stesso, 

ha vissuto la propria storia ed è stato ad un certo punto 

privato della sua natura originaria; adesso, nell’arte 

di Helgard Wertel, viene risvegliato a nuova vita, e 

viene investito di nuovi valori.Il senso di casualità che 

pervade gli oggetti, non nel senso di una loro presenza 

immotivata, bensì in rapporto alla loro diversa storia 

esistenziale e la rete di relazioni che s’instaura tra 

loro, creano lo scenario affascinante, pluristratificato, 

di un nuovo piccolo mondo.Sono piccoli universi, ma 

anche presentazione di singoli oggetti, che aprono un 

ampio ventaglio di esperienze, personali o collettive, 

in cui si manifestano emozione e ragione coagulandosi 

in effetti di malinconica riflessività o di sottile ironia. 

Piccoli spazi e gabbie che non si schiudono al 

primo approccio, e che dunque spingono lo spettatore 

ad avvicinarsi, a confrontarsi con loro, spesso agendo 

in questa loro proposta interattiva con specchi inseriti 

nel loro contesto. Solo ad una più attenta osservazione 

questi piccoli mondi, spesso illuminati dalla luce (a 

volte calda e serena, a volte fredda e aggressiva) rivelano 

lo stato della propria anima. Un’anima che talvolta 

traduce il mondo interiore dell’essere umano, come 

appare evidente nella serie Teatromondo delle Chimere, 

ma spesso delinea ed interpreta la condizione 

del mondo in cui viviamo”. 

Sabine Korth, Firenze 2004 

403



Beslan, particolare, 2004, tecnica mista 

404


Sara Wilson 

Cell. 348 3918156 

sarawilsonbarosi@yahoo.it - www.sarawilson.com 

Il cancellino, 2010, olio su tela, cm. 30x40 

Sara Wilson nasce a Londra e trascorre l’infanzia 

nella campagna di Norfolk. Negli anni Settanta 

si trasferisce in Versilia, dove trova l’ispirazione 

per i suoi dipinti. Ha partecipato a numerose mostre 

personali e collettive in Italia e all’estero, ricevendo 

premi e riconoscimenti. Nel 1996 apre il suo 

Studio d’Arte a Forte dei Marmi dove tuttora dipinge 

ed espone le sue opere. 

“La sua spontaneità non deve essere confusa con 

l’ingenuità. È un’istintualità, la sua, che è soprattutto 

un dono prezioso e raro: Sara Wilson può infatti permettersi 

la libertà di procedere in modo rapido e rivelatore 

sulla tela, guidata sempre da una forza invisibile, 

da un’energia misteriosa e felice che pulsa nel 

suo animo. Quell’energia la conduce sin dagli anni 

giovanili a riconoscere e a esaltare anche il più minuto 

particolare del creato, dove la poesia si concretizza 

in immagini”. 

Paolo Levi 

405


Loretta Zagli Confalonieri 

Via di Caselline, 813/G - 50036 Caselline di Vaglia (FI) 

Tel. 055 405122 

Gli amanti, terracotta patinata 

L’orientale, terracotta patinata 

Loretta Zagli nasce a Firenze nel 1942. Pur dimostrando, 

fin dalle prime scuole dell’obbligo, un’innata 

inclinazione per il disegno e per il colore, si 

dedica agli studi di tipo tecnico-amministrativo per 

motivi familiari, anche se non tralascia la sua vocazione 

per la pittura dipingendo soprattutto ritratti per 

amici e familiari. Nei primi anni Settanta, dopo il matrimonio, 

può finalmente dare seguito alla sua passione 

per l’arte frequentando per cinque anni i corsi di 

cultura artistica e pittura tenuti dalla professoressa 

Edvige Poggi presso l’Istituto Francese Martenot di 

Firenze. È in quest’ambiente culturale che ha modo di 

studiare gli esempi dei grandi artisti del Novecento, 

cubisti e futuristi in particolare, approfondendo la conoscenza 

delle tematiche relative alla scomposizione 

del movimento e al dinamismo della figura. Agli inizi 

degli anni Ottanta, frequenta l’Accademia del Nudo e 

altri corsi di pittura tenuti presso Università dell’Età 

Libera dai professori Colacicchi e Bugatti che la stimolano 

alla ricerca di diverse forme e maniere espressive. 

In questi anni l’esigenza della “matericità” la spinge 

a compiere il passaggio dalla pittura al modellato. 

Sempre presso l’UEL frequenta i corsi tenuti dal professore 

Antonio di Tommaso, che si riveleranno basilari 

sotto il profilo artistico, facendola entrare, sempre 

più convintamente, nella sfera della “creta” e nell’apprezzamento 

della scultura. In questa nuova realtà riesce 

ad esprimere al meglio le sue pulsioni, filtrando 

e trasponendo le conoscenze dei classici e dei moderni. 

Dagli anni Novanta ad oggi partecipa, invitata, a 

diverse mostre collettive a Firenze (SAP A.I.C.S, Galleria 

Via Larga, Palazzo Cocchi-Serristori) e Livorno 

(Fortezza Nuova e Bottini dell’olio). Nel 2007 entra a 

far parte della Società di Belle Arti - Circolo degli Artisti 

- Casa di Dante, dove ha esposto con una personale 

e tre colletive. 

406


Loretta Zagli Confalonieri 

Le quattro stagioni, terracotta patinata 

407


Rita Zampini 

Via del Ghirlandaio, 46 - Prato - Tel. 0574 583882 - Cell. 339 7804761 

rita@ritazampini.it - www.ritazampini.it 

Momenti luminosi d’inverno, tecnica mista, cm. 70x50 

Formatasi presso l’Istituto d’Arte “Leonardo da 

Vinci” di Prato e al Corso di Nudo dell’Accademia 

di Belle Arti di Firenze, Rita Zampini porta 

avanti la sua espressione artistica nel figurativo, 

usando tecniche miste; i soggetti prediletti sono fiori, 

alberi, paesaggi, sempre affrontati con trasporto e 

afflato poetico, si potrebbe dire lirico. Tra gli eventi 

espositivi a cui ha partecipato si ricordano: Artisti in 

Cittadella, presso la Fortezza Firmafede a Sarzana; 

presso il Museo Civico G. Sciortino, Monreale, Palermo; 

Tutto Sposi, Fortezza da Basso, Firenze; Arte Padova. 

La sua più recente partecipazione è stata alla 

collettiva del gennaio 2013 “Artisti Paiolanti” presso 

la Galleria Via Larga di Firenze, presentata da Pier 

Francesco Listri e organizzata dall’Antica Compagnia 

del Paiolo, di cui Rita fa parte. Sue opere sono in permanenza 

nelle gallerie: “Immagini Spazio Arte” di 

Cremona, “Il Tempio” di Palermo, “Malatestiana” di 

Rimini. Di lei hanno scritto lusinghieri giudizi molti 

critici, tra cui Gavazzeni, Gigli, Biondolillo, Fappanni, 

Bianchi, Belgiovine, Perdicaro, Galluccio, Mongardi. 

Paolo Levi in “Avanguardie Artistiche”, 2012, ha definito 

l’opera di Rita «un’indagine in grado di far emergere 

la poesia più recondita del soggetto rappresentato 

[…]. I raffinati dipinti hanno l’aspetto smagliante 

delle cose preziose, esprimendo intenti estetici di 

grande valenza, e coinvolgendo così l’osservatore in 

un’atmosfera di magica elegia». 

408


Luciana Zanchini 

luciana.zanchini@libero.it 

Mattinata d’autunno alla Fortezza da Basso, 2012, foto digitale 

“ Classe 1952, l’adolescenza sulle note dei Beatles, 

Equipe 84, the Rocks, i Nomadi, Mal dei 

Primitives, mi faceva sentire stretta la vita di 

famiglia dell’epoca perciò nel1970 ancora 17enne mi 

sono iscritta al corso per infermiera, giugno1972 diploma 

e il giorno successivo ero assunta dall’Arcispedale 

di S.M. Nuova, dove ho svolto l’attività di infermiera 

fino al 31 marzo 2008. Ho seguito il movimento 

femminista dell’epoca e anche lo stile di vita, i collettivi 

dove le donne parlavano dei loro problemi, primo 

la violenza psicologica e fisica e durante i quali le donne 

teorizzavano uno stile di vita più appagante. Novembre 

1978 incontro con l’arte nella bottega di restauro 

di quello che poi divenne mio marito, Roberto 

Benedetti, lì ho visto le colle, lo sverniciatore, i pennelli, 

i libri dell’oro per le dorature e tanto altro, ho 

visto dei pezzi di legno trasformarsi in splendide cornici 

attraverso questi strumenti e materiali che diventavano 

pastiglia, gesso, infine cornici lustrate con 

l’agata e patinate. Avrei voluto andare nella bottega a 

imparare, ma mio marito la pensava diversamente, 

ma nonostante tutto, ho seguito lo sviluppo di una sua 

tecnica di decorazione e gli ho proposto la domanda 

per un brevetto, io ho messo i soldi e l’impegno, lui la 

descrizione, il brevetto per la tecnica; il brevetto è arrivato 

nel 2001, e su consiglio dello studio legale, anche 

il deposito del marchio, Benedetti Firenze, purtroppo 

non ho avuto il tempo di imparare niente per la 

prematura scomparsa di Roberto nel 2004. Dopo il 

deposito della domanda di brevetto, ho cominciato a 

fare mostre con le realizzazioni di campionario, con la 

dicitura relativa alla domanda di brevetto in corso, 

1998 Artigianato e Palazzo 2000 Marta alla Fortezza 

da Basso, 2001 Chianti-life, nel 2002 sono andata in 

409


Luciana Zanchini 

Verso il tramonto al Varlungo, 2008, foto digitale 

Brianza, nel 2003 a Carrara, 2004 di nuovo alla Fortezza 

al Salone del Mobile. Nel frattempo partecipavo 

anche a mostre collaterali con la mia collezione di factice 

giganti, 1999 a Marta, nel 2000 a Castelfiorentino, 

2001 a Carmagnola. È proprio per la mia collezione 

che sono arrivata alla fotografia digitale perché volevo 

fotografarla per fare un sito internet, volevo fotografare 

i flaconi con Firenze sullo sfondo e infatti avevo 

avviato una collana Firenze e Flaconi e il mio vicino 

di casa, grafico specializzato nell’impaginazione di libri, 

mi prestò la sua strana macchinetta, era il 1999, 

mi diceva, vai, scatta poi ti aiuto a capire il meccanismo. 

Dopo la pensione ho pensato di riprendere il 

progetto di fotografare, ma solo Firenze perché i flaconi 

devo ammetterlo, fanno parte di un passato che mi 

fa male ricordare e non li prendo più in considerazione. 

Ho fatto un corso di fotografia alla scuola APAB e 

anche alcuni altri corsi per la post-produzione, senza 

contare l’aiuto che mi ha dato e continua a dare Antonio 

Tucci, anche sull’impaginazione. Dal 2008 seguo 

le conferenze della prof. Elena Giannarelli, le meditazioni 

di catechesi attraverso l’arte di mons. Verdon e 

di altri relatori, le passeggiate fiorentine organizzate 

dalla biblioteca di Palagio di Parte Guelfa, faccio parte 

del gruppo degli Angeli del Bello, per conoscere la 

storia di Firenze, la sua realtà e cercare di mettere la 

sua storia nelle mie fotografie”. 

410


Maria Zaslavskaja 


È 

nata a Mosca nel 1989, studia arte fin 

dall’età di nove anni per poi specializzarsi 

all’università negli anni dal 2006 al 2011. 

Nel 2009 ha partecipato a due mostre nella sua 

città natale e nel 2010 è entrata a far parte della 

rosa di artisti in promozione alla Galleria Mentana 

di Firenze con la partecipazione a tre rassegne: 

Geometrie della luce (aprile 2011), Valori di Continuità 

(dicembre 2011 e 2012). 

“La pittura di Maria Zaslavskaja è la narrazione 

di impressioni che si stagliano sulle tele, in rappresentazioni 

manifeste che riportano al reale. 

Le figure silenti, che si affacciano nei davanzali 

dell’esistere in una miriade di pennellate, riconducono 

ai sogni intimi che si precisano nei colori, 

che sfocano nei piani prospettici, sino a giungere 

all’Io dell’artista che si confronta col significato 

della vita e dello spazio. Le pennellate e le spatolate, 

nelle breccie delle sovrapposizioni delle 

tinte, portano al racconto che si manifesta 

nell’approssimativa cancellazione dei segni vecchi 

per fare emergere quelli nuovi, diventati portatori 

di messaggi positivi e di speranza (…). La 

rivelazione dei turbamenti è nella pastosità cromatica 

degli strati che affiorano e che, se pur affievoliti 

dai chiarori del bianco dato in modo discontinuo, 

non riescono a trasmettere sensazioni 

di tranquillità (…). Le frettolose tracce di tratti 

malinconici lasciano trasparire le stratificazioni 

del pensiero nella bruma densa delle velature 

morbide e corpose: l’immaginazione che porta 

The Poppy, 2012, olio su tela cm. 50x70 

lontano si mischia ai turbamenti di un presente che non 

dimentica il passato. I voli del pensiero si addensano 

nello spazio della tela rivelando l’animo dell’artista e la 

sua ricerca di spiritualità in armonie cromatiche mai 

troppo vivaci. 


411


Paraskevi Zerva 

zervaparaskevi@tin.it 

Esserci, 2011, terracotta policroma, cm. 25x13 

Il fuoco sacro, 2009, terracotta policroma, cm. 35x15 

Paraskevi Zerva è greca e risiede a Firenze. È laureata 

in Lingua e Letteratura Inglese e Americana. 

Diplomata in Danza classica (R.A.D). Lavora 

come insegnante di Danza Movimento Creativo (Diplomata; 

metodo Garcia-Plevin), e istruttrice Pilates 

(Diploma Pilates International Network). Scrive e pubblica 

poesie da tanti anni in Grecia in riviste letterarie 

e antologie. In Italia esordisce con La Sacra Danza 

dell’Essere, (ed. Masso delle Fate, prefazione di Silvia 

Ranzi) una raccolta che riceve riconoscimenti (Menzione 

d’Onore al Premio Firenze Capitale d’Europa 

2006, Primo Premio per la poesia proemio, al concorso 

Semaforo Rosso) e critiche su riviste letterarie, quotidiani, 

e on-line (www.literary.it). Il libro ha avuto ulteriori 

prestigiosi riconoscimenti in altri due occasioni, 

dalla Camerata dei poeti nel febbraio, 2008 a Firenze 

e nel 2009 quando è stato presentato al Circolo degli 

Artisti di Casa di Dante, a Firenze. Collabora dal 2007 

con l’Agenda Le Pagine del poeta, pubblicata da Pagine, 

partecipando con una poesia ogni anno ed è presente 

sulle antologie pubblicate dalla stessa casa 

editrice, Viaggi di Versi (2011) e In linea con la Poesia 

(2010). Nel 2009 riceve il primo premio a Palazzo Medici 

Riccardi, Firenze per il racconto (prosa-poesia) dal 

titolo “Tempi di petali di Rosa Antica” al concorso Le 

donne si raccontano organizzato dalla LILT toscana. La 

412



Rinascere, 2009, terracotta policroma, cm. 58x36 

poetessa è presente nel Dizionario Biobibliografico 

dei Poeti e Narratori Italiani dal secondo Novecento 

ad oggi, Volume IV, ed.Bastogi. Nell’anno 2012 partecipa 

al secondo volume de I poeti contemporanei e la 

critica, a cura di Lia Bronzi e Angelo Manuali, ed. Bastogi. 

Ha frequentato un corso di pittura ad olio presso 

lo studio di pittori olandesi a Corfù, in Grecia dal 

1995-97. In Italia ha frequentato un corso di disegno 

presso l’Associazione Istituto Internazionale di Pittura 

e Disegno di Tiziano Bonanni a Firenze e ha frequentato 

il laboratorio di Scultura “Ellittica”, a Calenzano per 

cinque anni. Dal 2002 partecipa a varie mostre nel 

territorio toscano. Attualmente frequenta il laboratorio 

di disegno del nudo presso la scuola di Charles 

Cecil, la Scuola il Bisonte per un corso di incisione e la 

bottega della celebre scultrice contemporanea Amalia 

C. Duprè, (2006-2013). Nello studio- galleria della 

medesima scultrice, il 20 settembre, presenta la sua 

prima mostra personale di scultura e poesia. Nel 

mese di ottobre dello stesso anno, la mostra permane 

all’interno del Castello dell’Acciaiolo di Scandicci, 

Comune di Firenze. 

413



Mai senza, 2005, terracotta policroma, cm. 60x45 

La mappa dell’anima, 2006, terracotta policroma, cm. 90x38 

“Paraskevi Zerva è una raffinata poetessa greca, rinomata 

per il nitore evocativo dei suoi frammenti lirici, 

che da anni pratica e trasfonde nel plasticismo scultoreo 

le valenze poetico - figurative della sua mitica e 

spirituale visionarietà allusiva tra reale e ideale. Allieva 

della nota scultrice fiorentina Amalia Ciardi Duprè 

ne segue le ascendenze formali per plasmare un originale 

universo immaginifico dalle trascendenze simboliche 

nel culto della bellezza, fuoco sacro della creazione, 

nella congiunzione compensatrice di armonia 

apollinea ed ebbrezza dionisiaca. Una serie antologica 

di opere in terracotta policroma e calchi in gesso - assoli, 

busti, volti, bassorilievi, dettagli - tracciano un 

itinerario di vissuti in cui trapela l’anelito ad una corporeità 

da riscoprire, assaporare nell’intesa multisensoriale 

verso un naturalismo cosmogonico che sappia 

risvegliare il contatto ancestrale con la carica primige- 

nia dei quattro elementi. Fluenti e vibranti sculture 

elevano a protagonista l’universalità della figura femminile, 

antica e moderna Afrodite, che si fa cullare ed 

emerge tra i flutti, si inarca tra i delfini guizzanti, liberando 

potenti emozioni tra le profondità abissali del 

mare, nella celebrazione della vita come rigenerazione 

e fecondità procreativa. Il modellato ora duttile al 

tocco, ora tornito e levigato sposa un’ intonazione 

classica intrisa di echi onirico-mitici di alta tensione 

morale nella resa interpretativa della irriducibilità 

dell’eros materno e sponsale: l’uno declinato nell’empatia 

confidente tra madre e figlio, l’altro nella sensualità 

di caldi abbracci dell’unità di coppia. Eros e 

psiche le coordinate centrali di un’escatologia segreta 

dai valori contemplativi che segna la variegata produzione 

scultorea di Zerva Paraskevì, spaziando dalle 

silhouette di ieratiche Κόρες, (korai) sino al vitalismo 

espressionistico di impulsi energizzanti sulla scia della 

mistica degli affetti più veri per una ridefinizione 

salvifica della propria identità: donna, madre, amante 

nella metamorfosi incessante del tempo”. 

Silvia Ranzi, catalogo ΑΓΑΠΩ; 

Dall’Alfa all’Omega, 2012 

414


Raffaella Zurlo 

raffaella.zurlo.ricreare@facebook.com 

Nasce a Milano nel 1980. Seguendo la sua naturale 

sensibilità artistica frequenta il Liceo 

Artistico Sperimentale delle Orsoline di San 

Carlo della sua città. Subito dopo la maturità, vince il 

concorso all’Opificio delle Pietre Dure di Firenze, 

dove, nel 2003, consegue il Diploma di Laurea con 

specializzazione nel restauro di oreficerie archeologiche, 

moderne e contemporanee. 

Come restauratrice è chiamata dall’Opera del Duomo 

di Santa Maria del Fiore di Firenze, per il restauro della 

parte metallica dell’altare di San Giovanni, ed il 

restauro della croce di argento di Antonio Pollaiolo. 

Sempre a Firenze lavora alle Cappelle Medicee dove 

completa il restauro del Reliquiario di San Casimiro 

opera di Soldani Benzi, ed effettua la manutenzione 

straordinaria di quaranta reliquiari. Per il suo lavoro di 

restauratrice collabora con C. Innocenti, e G. Pieri alla 

pubblicazione del “Reliquiario di S. Pancrazio” Firenze 

2002. Contemporaneamente porta avanti gli studi e 

ricerche sulla fotografia con mostre e pubblicazioni 

varie. Intensa la sua attività espositiva. 

Il fascino di pienza e l’opera artistica 

di Raffaella Zurlo 

È tutta da raccontare, la vita artistica di Raffaella Zurlo. 

Dopo la laurea conseguita al prestigioso Opificio 

delle Pietre Dure di Firenze, lavora come restauratrice 

a diversi importanti progetti a Lucca, Milano, Monza, 

Firenze, ecc… Nel settembre del 2004, in occasione 

delle celebrazioni del VI centenario della nascita di Pio 

II, viene chiamata a Pienza per il restauro della facciata 

del Palazzo Piccolomini. Ed a Pienza, nella piccola 

splendida piazza della Cattedrale, Raffaella, folgorata 

da tanta bellezza e dalla magia di una città nata, come 

scrisse il Pascoli, “da un pensier d’amore e da un sogno 

di Bellezza”, decide di legarsi per sempre alla città 

di Pio. Vi cerca una casa, ed al termine del restauro del 

Palazzo, vi apre una bottega ed un laboratorio dal 

Poltronissima, 2011, padelle, gamba di tavolino rovesciata, tubi 

di rame del riscaldamento. 

nome significativo, che esprime tutto il suo credo artistico: 

Ricreare (Riciclo - CREativo - REstauro). Il suo 

estro, la sua innata sensibilità artistica, la sua ispirazione, 

trovano valido aiuto nella “bottega” dello scultore 

Emo Formichi, artista affermato, grande amico 

del poeta Mario Luzi. Con Emo, nasce un forte sodalizio 

basato sugli stessi canoni artistici del ready-made, 

del dadaista Marcel Duchamp. 

Nino Petreni 

415

416 

Finito di stampare nel mese di marzo 2013 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

Tel. 055 8734952 - Fax 055 875713 

www.novaartigrafiche.it

ISBN 978-88-6039-280-0 

E 20,00 (IVA inclusa)

o_19g1ghblqs6k1ok412u2ltd869a.pdf

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