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2013

2013 

A cura di 

Giulia Ballerini 

Maria Grazia Barbarito 

Giuse Benignetti 

Adele Brandaglia 

Cristina Bruni 

Lucia Bruni 

Elena Capone 

Roberta Fiorini 

Patrizia Landi 

Samanta Monco 

Veronica Mura 

Alice Pistolesi 

Daniela Pronestì 

Silvia Ranzi 

Sonia Salsi

COLLANA 

Artisti in Toscana 

2 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Con il contributo di 

Villa 

Gisella 

FIRENZE 

Il volume è stato realizzato da 

Iª edizione marzo 2013 

ISBN 978-88-6039-280-0 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it

Donne dell’Arte in Toscana 

Scrivo questa nota introduttiva in qualità di direttore della collana Artisti 

in Toscana pur ritenendomi un intruso in una pubblicazione nata da un 

progetto editoriale esclusivamente al femminile. 

Infatti, le pagine che il lettore sta per sfogliare sono il frutto di un lavoro 

svolto da ben quindici critiche e storiche dell’arte ciascuna delle quali ha selezionato 

un certo numero di artiste attualmente attive in Toscana curando, per ognuna 

di esse, le singole schede biografiche e critiche e l’inserimento nel volume. 

Da questa imponente ricerca è emerso un quadro significativo delle presenze 

artistiche al femminile nella nostra regione all’inizio del secondo decennio 

del terzo millennio, un lavoro decisamente importante perché consente a un 

consistente numero di persone, dagli appassionati d’arte agli operatori del settore 

(critici, galleristi, mercanti d’arte, collezionisti, assessori alla cultura e 

quant’altri) di avere a disposizione uno strumento la cui consultazione permetterà 

di conoscere anche nuove realtà artistiche con le quali stabilire contatti ed 

intessere proficui rapporti professionali. 

Concludo ringraziando sia le curatrici del volume, per l’attento e scrupoloso 

lavoro svolto, sia le oltre trecento artiste, che hanno onorato la pubblicazione 

con la loro presenza, per aver creduto in questa proposta editoriale mettendo 

a disposizione delle curatrici i materiali necessari affinché il volume risultasse 

così ricco di contenuti come si presenta al lettore che sta per consultarlo. 

Fabrizio Borghini


Tiziana Acomanni 

Via G. Banti, 8 - 50139 Firenze - Cell. 339 8315374 

aco.titti@inwind.it 

Scenografia, tecnica mista e grafica multimediale Acomanni 

Scenografia, tecnica mista e grafica multimediale Acomanni1 

Nasce a Firenze nel 1954, diplomata al Liceo 

Artistico e all’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Docente di disegno, tecniche pittoriche 

antiche e nuove e musica in pittura ha insegnato Arte- 

Terapia a ragazzi autistici e caratteriali e svolto lezioni 

al Meyer, ha partecipato alla formazione per esami 

all’Accademia di Belle Arti ed all’Accademia Arte di 

Fiesole; ha collaborato per i Q1, Q2, Q3 e Q5 del Comune 

di Firenze, per l’Airone, per gli operatori e i pazienti 

del Villino100 Stelle e per la Tinaia in San Salvi 

in Firenze, per le Coop di Firenze. Ha collaborato con il 

Comune e la Provincia di Firenze, con il Comune di 

Campi Bisenzio, con l’Ospedale Psichiatrico Giudiziario 

di Montelupo, con l’Ass.ne Arte e Cultura Studio 

Giambo, con l’Ass.ne Artistica Emilarte, con l’Ass.ne 

Artistica e Culturale Eventi, con l’Ass.ne Artistica 

Idee.ad Arte, con l’Accademia Kipling per la formazione 

artistica degli animatori. Ha collaborato come scenografa 

per l’Accademia Teatrale di Firenze, per i Teatri 

Mayakovskj con la regia di Salvianti, con la regia di 

Pietro Bartolini ai teatri La Pergola, Le Laudi, Verdi, 

Teatro13; con la compagnia Opus Ballet all’Obihall. 

Progetto Cavallo e Drago con G.Scabia, Vice Presidente 

dell’Ass.ne AIA per l’Italia; Art Director per l’Hotel 

Raffaello Firenze. Ha scritto Dipingere In Musica nuove 

idee per l’apprendimento pittorico ed ha illustrato 

Il Nuovo Emulo Di Bosco di Raul Cremona entrambi 

per la Florence Art Edizioni Fi. Ha inventato il metodo 

Pittura in Musica: esercizi per arrivare a percepire la 

pittura in modo creativo e ad esprimersi liberamente 

conoscendosi meglio. Ha vinto premi e svolto mostre 

personali e collettive in Italia e all’estero: Francia, 

Spagna, Portogallo, Norvegia, Cile, Germania; le sue 

opere sono presenti in collezioni private e pubbliche. 

Vive e lavora a Firenze. 

5



T. Acomanni, tecnica mista su tela 

T. Acomanni 2, tecnica mista su carta e multimediale 

6



T. Acomanni1, tecnica mista e aerografo su tela 

7


Sandra Ajello 

Via Antonio Stoppani, 12 - 50131 Firenze 

Tel. 055 579156 - Cell. 3406819231 - sandraajello@yahoo.it 

Federica, 1996, terracotta, cm. h 29 Maternità, 2003, terracotta, altezza cm. 30 

Diplomata in Scultura all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze, è stata titolare di una cattedra 

di Discipline Plastiche, suddividendo la sua 

carriera lavorativa fra il Liceo Artistico e l’Istituto 

d’Arte della stessa città. Ha costantemente arricchito 

la sua esperienza di insegnante attraverso la continua 

ricerca di forme espressive diverse, realizzando opere 

che hanno richiesto un’integrazione di discipline 

come la scultura, la pittura e il mosaico. Ha sperimentato 

inoltre la progettazione e la realizzazione di elementi 

decorativi per l’arredamento che ha presentato 

in diverse mostre. 

8


Helena Amaral 

Rua do Campo Alegre 134-5°, 4150-168 Porto (Portugal) 

El corte inglés 

“ La sua arte è tenera, dolce come il suo modo di 

esprimere emozioni attraverso i fiori,fiori che 

sono espressione della gioia di vivere che impregna 

questa artista unica e inimitabile, un’artista 

che è divenuta ambasciatrice dell’arte e della cultura 

nel mondo intero”. 

Salon art-shopping 

“Helena Amaral cattura visioni di delizie terrene nei 

suoi stupefacenti dipinti floreali che irradiano luce, 

colore e composizione superlativi. La sua risplendente 

interpretazione di scene ispirate alla natura con 

vibranti luci baciate dal sole trasporta l’osservatore in 

un luogo idilliaco attraverso la sua vivida tavolozza, la 

sua conturbante composizione e la sua irradiante 

energia. La sua virtuosa opera floreale è senza tempo, 

nel suo stile impressionista, donante bellezza e concetti 

che stimolano il pensiero del fortunato osservatore, 

celebrando le gioie della natura e rendendo immortale 

la permanenza del nostro mondo naturale”. 

Rivista Art Acquisitor 

“La portoghese Helena Amaral, che fa fiorire i sogni...” 

Alfonso Confalone 

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Carla Arfaioli 

Cell. 339 1000965 - Tel. 055 222054 

carlarf@alice.it 

Gerani, 2008, olio su tavola, cm. 59x73 

Nasce a S. Vivaldo nel comune di Montaione 

(FI) l’8 maggio del 1951 e risiede a Firenze, 

dove lavora. Inizia a dipingere a partire dagli 

anni Novanta seguendo un percorso di apprendimento 

delle tecniche pittoriche con l’insegnamento di 

Shuko Matsuzawa e Maria Teresa Biffi Gentili, con le 

quali continua ad approfondire vecchie e nuove tematiche. 

Fin dall’inizio si è dedicata all’acquerello e alla 

pittura ad olio, tecniche che permettono di rappresentare 

meglio i temi della natura, scoprendone la bellezza, 

le forme ed i colori. Questa passione è proseguita 

fino ad oggi, preferendo ad altri stili pittorici, il disegno 

e la pittura dal vero o la rappresentazione da foto, 

sempre realizzate in prima persona. In questi anni l’attenzione 

e lo studio, partendo dai fiori si sono estesi al 

paesaggio, dipingendo luoghi familiari dove il contatto 

con la natura era più vivo, e utilizzando l’acquerello 

come strumento di osservazione e annotazione durante 

i viaggi e le vacanze. Ha partecipato a stage in 

Francia e a Venezia. Negli ultimi tempi, avendo maturato 

un interesse per la figura umana, ha iniziato a 

frequentare la Scuola Libera del Nudo dell’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. 

10


Patrizia Arquint 

www.arquint.it 

arquint.terrecotte@yahoo.it 

Storie di Giona (part.), 2009, formelle in terracotta, cm. 22x15x3 (opera intera cm. 22x99x33) 

È 

nata a Firenze nel 1955. Da alcuni anni si dedica 

alla modellazione di terrecotte,inizialmente in 

forma di bassorilievi e, più recentemente, di pezzi 

a tutto tondo. Ha frequentato la bottega dello scultore 

Claudio Nicoli, dal quale ha appreso le tecniche e 

la passione per la scultura. Ha iniziato ad esporre nel 

2007, partecipando ad una collettiva del Circolo “Il 

Tondo” di Sesto Fiorentino. Nel 2010 ha esposto in 

personale nell’ambito della rassegna “Le stanze comunicanti” 

alla ex Fornace Pasquinucci di Capraia 

Fiorentina. 

11


Lidia Atzori 

www.lidiaatzori.wix.com/virtual-gallery 

1904, 2013, grafica digitale, cm. 50x70 

Danzatrice, 2000, acquerello e matita su carta, cm. 30x21 

Nata a Milano, vive attualmente a Sesto Fiorentino 

(FI). La sua predisposizione all’arte e 

alla manualità si manifesta fin dai primi anni 

di vita. Trasferitasi con la sua famiglia, all’età di otto 

anni, a Firenze, completa gli studi superiori perfezionando 

la capacità grafica ed apprendendo le varie 

tecniche pittoriche, spaziando così dalla pittura ad 

olio alla tecnica degli acquarelli, da quella acrilica 

alla progettazione e decorazione tessuti. Ha offerto 

la propria collaborazione anche nel campo dell’alta 

moda. Esperta anche in grafica computerizzata, realizza 

opere digitali di grande effetto cromatico e stilistico. 

Negli anni Novanta inizia ad esporre i suoi 

quadri sia partecipando a mostre collettive che personali. 

Da un’iniziale pittura che si è realizzata attraverso 

la ricerca e lo studio del colore e dell’immagine, 

oggi le sue opere riflettono un ideale interiore e 

stilistico dell’arte, che volge lo sguardo ad una propria 

perfezione di bellezza e ne riscopre i multiformi 

significati, rappresentando il mondo con gli occhi della 

propria anima. Artista poliedrica, ha ricevuto vari 

riconoscimenti anche in campo letterario. Da ricordare 

il “Premio Letterario Leonardo - 1990” -Presidente 

di giuria, lo scrittore Mario Luzi-, nel quale Lidia Atzori 

si classificò nella rosa dei primi finalisti. I suoi scritti 

sono inseriti in antologie letterarie, tra le quali ricordiamo: 

“Poeti contemporanei e non - Antologia di 

poesia civile - Edizioni Agemina”, distribuito da Libri- 

Co in tutte le librerie d’Italia. 

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Lidia Atzori 

Il porto, 2012, tecnica acrilico su tavola, cm. 60x 60 

“Il simbolismo che vediamo in Lidia Atzori, è un sogno 

che supera la realtà nella sua definizione e nella 

sua concretezza: è un sogno più concreto della realtà 

stessa, in una dimensione che ci fa scoprire sogni più 

vivi e più nitidi attraverso una potenza cromatica 

esplosiva”. 


“Nell’arte di Lidia Atzori, si vive una ventata di innovazione, 

che porta finalmente Firenze a vivere una 

nuova modernità artistica, in un cambio genrazionale 

che offre nuova linfa e vitalità. Artista materica che 

attraverso le sue cromie riflette la modernità in cocetti 

di astrattismo legati al figurativo, creando immagini 

in movimento”. 

Jacqueline Monica Magi 

“Lidia Atzori ha una pittura lussureggiante, molto materica. 

Ha la grande capacità di accostare il colore 

puro alla tela: capacità che era dei grandi maestri rinascimentali, 

quindi da buona fiorentina ha ereditato 

questa bravura. Artista molto materica, intereviene 

sulle tele anche apportando materiali; è una pittrice 

favolosa. I suoi quadri hanno un sapore straordinario 

di favole, esotiche per le cromie che sprigiona. È una 

pittrice di anima.” 

Daniele Menicucci 

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Angela Audibert Beltramo 

andre.audibert0553@orange.fr 

www.galleriamentana.it 

Cavale Noire, scultura in pietra, cm. h 50 

Figlia e nipote di immigrati piemontesi e ponzesi, 

Angela Audibert Beltramo è nata in Francia a 

Carces, un affascinante villaggio della Costa Azzurra. 

Il suo amore per l’arte e per la musica nasce fin 

dalla prima infanzia aiutata dai genitori che gestiscono 

una sala di danza, teatro e concerti. Nonostante il 

desiderio di approfondire gli studi d’arte la famiglia la 

indirizza verso studi commerciali ma questo non basta 

a fermare la sua ricerca artistica e il suo interesse per 

lo studio delle linee, del chiaroscuro, dei colori ma 

anche delle forme e dei rilievi. Realizza disegni a pastelli, 

dipinti ad olio, acquerelli, ma è sempre più attratta 

dalla materia e già ad undici anni crea il suo 

primo bozzetto in argilla cruda sradicata dalla terra 

stessa. È la terra di Provenza, rocciosa e arida, che 

diventa fertile nella sua immaginazione. A vent’anni 

l’interesse per la scultura diventa sempre più marcato 

e la scoperta dell’opera della scultrice Camille Claudel 

la spinge ad una scelta. Guidata da questo entusiasmo, 

nel 1996, si iscrive ai corsi di scultura tenuti 

da Richard Blancquart che le insegna le tecniche realizzative 

e la spinge ad allestire la sua prima mostra 

nell’anno 2000. Dopo questa esperienza decide di 

fare da sola e nel 2002 apre uno studio sulle colline di 

Barajolle a Carces. La sete di scoperta non la lascia 

mai e la sua ricerca la conduce a riscoprire i codici 

espressivi dei popoli primitivi d’Africa e delle culture 

tribali. In Italia, a Firenze, ha esposto più volte in mostre 

personali e collettive alla Galleria Mentana entrando 

a far parte del gruppo di artiste storiche della 

Galleria. 

“Nelle sculture di Angela Audibert Beltramo si ritrovano 

i tratti marcati di ancestrali significati totemici, 

scolpiti e levigati nella dura pietra, che parlano del 

tempo, dell’uomo e della natura. Si rintraccia un frammischiamento 

narrativo di grande efficacia comunicativa, 

che ci fa cogliere la tensione fra materialità e 

sentimento di religiosità. L’artista, indagando nei misteri 

dell’animo umano, trova le emozioni, che la guidano 

nelle sue realizzazioni e che presentano sempre 

forti caratterizzazioni simboliche, dove emerge il suo 

amore per le culture di paesi lontani”. 

Federica Murgia 

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Patrizia Bacarelli 

www.patriziabacarelli.it 

info@patriziabacarelli.it 

Diosperi, olio, cm. 35x25 

Nata a Firenze nel 1953. I suoi primi approcci 

con la pittura risalgono agli anni degli studi 

giovanili su sollecitazione del fratello gemello 

Massimo, pittore destinato ad imporsi in Germania e, 

nonostante gli impegni familiari e lavorativi, continua 

sempre a dipingere e ad approfondire la studio della 

storia dell’arte. Inizia ad esporre nel 1995 dando continuità 

alla frequentazione dell’ambiente artistico 

partecipando a rassegne e premi a Lastra a Signa, Firenze, 

Rignano sull’Arno, Prato, Roma, Pontassieve, 

Pontedera. In particolare, ottengono un ottimo riscontro 

le personali tenute nella sala consiliare del Comune 

di Rignano nel 1998, quella al Palazzo Datini di 

Prato nel 2000, quella all’associazione “Fate” di Firenze 

nel 2002 e quella del 2010 nella Biblioteca Comunale 

di Pontassieve. Fra i riconoscimenti ricevuti, 

da menzionare il primo premio- rappresentanza al 

Albero diospero, olio su comp., cm. 24x32 

“Città di Lastra a Signa” (1995), il settimo premio al 

concorso “Una fontana per la piazza” (1998), il terzo 

premio alla XXV edizione del “Premio Italia per le arti 

visive” (2010) a Capraia Fiorentina e il primo premio a 

Certaldo. Attualmente vive sulle colline di Rignano 

sull’Arno dove realizza, nel verde e nel silenzio, le sue 

opere che presentano temi ricorrenti come quello del 

paesaggio toscano, ricco di colori anche se venato da 

una crepuscolare malinconia, le nature morte, le marine 

e il suo contesto familiare al quale ha dedicato 

una serie di ritratti dei figli. Parallelamente si dedica 

anche alla lavorazione artistica del legno in stile fiorentino. 

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Patrizia Bacarelli 

Rami di diospero, olio su tela, cm. 40x50 

“Del suo impegnativo viaggio interiore ed artistico 

sono testimonianza i suoi colori, i suoi orizzonti aperti 

come finestre sulla nostra campagna o sull’energia 

del mare, i fiori, gli alberi, nei quali spesso inserisce i 

ritratti delle persone a lei più care, meticolosamente 

strutturati assecondando una tecnica pittorica esigente 

ed una straordinaria sensibilità ai riverberi di 

luci ed ombre: con voce suadente riesce a stabilire 

una speciale armonia tra fisicità dell’immagine e spiritualità 

della ricerca.” 


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Rossella Baldecchi 

Via Francesco Camici, 29 - 51100 Pistoia - Studio: Via Guerrazzi, 10/12 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 904113 - Cell. 320 1791905 - rossella.baldecchi@virgilio.it - www.rossellabaldecchi.com 

Sono sola, 2012, olio su tela, cm. 60x60 

Rossella Baldecchi, artista pistoiese diplomata 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze, opera nel 

campo della pittura e della stampa d’arte da 

oltre 30 anni, esponendo in Italia e all’estero dove ha 

ricevuto numerosi premi e segnalazioni. Nel 2007, a 

cura di Siliano Simoncini e Maurizio Tuci e presentata 

da Eugenio Giani, espone nel Palagio di Parte Guelfa 

di Firenze la mostra “Parole dipinte”. L’evento, diventato 

itinerante, arriva nel 2008 a Lucca a Villa Bottini 

ed a Pescia nel Museo del Palazzo del Podestà. Nel 

2009, con nuove opere la mostra è ospitata nel museo 

Marino Marini a cura del Comune di Pistoia. Sempre 

nel 2009 vince il Premio Nazionale “Sergio Agosti” a 

Santhià e Carlo Franza le cura una personale di incisione 

a Firenze. Nel 2010 è presente con una personale 

di pittura e incisione in Germania a Reutlinger, a 

cura di Thomas Becker. 

Nel 2011 presenta “Haiku di primavera”, due personali 

a Pistoia e Lucca che hanno ricevuto l’illustre Patrocinio 

dell’Ambasciata del Giappone a Roma. Nel 

2011-2012 partecipa ad esposizioni in Giappone, 

Cina, Spagna, Polonia, Corea, Venezuela e Stati Uniti. 

Nel 2012 vince il 1° premio di pittura nella città di 

Ferrara. Dal 23 febbraio al 15 marzo 2013 a cura del 

Comune di Montemurlo presenta”Sogni al femminile”, 

nella galleria comunale Sala Banti. Altro importante 

evento del 2013 riguarda la realizzazione di un 

opera per la Biblioteca San Giorgio di Pistoia che sarà 

collocata in maniera definitiva nella sala della letteratura, 

intitolata a Gianna Manzini. L’opera, dal titolo “Il 

cielo addosso”, ispirata da un romanzo della Manzini, 

sarà presentata al pubblico con una mostra in tema 

nelle vetrine e nella sala espositiva della biblioteca 

sabato 9 marzo 2013. 

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Maria Grazia Bambi 

Cell. 339 3969803 

bambi.mariagrazia@gmail.com 

Spirale, tecnica mista, cm. 72x51 

Maria Grazia Bambi nasce a Firenze, dove vive 

e realizza con grande passione le sue opere 

di tecnica mista su cartoncino. Di lei scrive 

Daniele Menicucci: “Artista onirica, paga al lettore 

una sua visione personalissima di fatti di vita, pensieri 

e visioni. Parla con il cuore e con la mente. La sua 

comunicazione è spontanea e profonda allo stesso 

tempo, il segno privilegiato alla forma ricorda certi 

stilemi tipici del gotico cortese, l’accuratezza pittorica 

è esemplare. Pittrice di miracoli, ingenuità, bellezza, 

candore e poesia. Simbolista concettuale, l’artista è 

fuori da ogni canone preesistente. Una ricerca armonica 

e spirituale perfettamente contenuta in un equilibrio 

geometrico assoluto”. 

La critica di Silvia Ranzi: “Evidenzia registri espressivi 

che hanno nella liberazione del fantastico il loro denominatore 

comune. Significativa è l’alternanza tra il 

codice geometrico arricchto da fluttuazioni organobiologiche 

ed i suggerimenti alla figurazione dai toni 

esistenziali. Il tutto coronato da una tecnica mista 

preziosa e di sensibile applicazione, dai cromatismi 

suadenti”. 

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Silvia Banchelli 

Cell. 339 1597049 

silviabanchelli@virgilio.it 

Tempesta, 2010, gesso, sabbia, corda su legno, cm. 79x20 

Incontenibile solitudine, 2010, gesso, corda, colla, su legno, cm. 75x17 

Silvia Banchelli nasce a Firenze dove frequenta 

l’Istituto Statale d’Arte di Porta Romana. 

Dopo il diploma in Arti Grafiche, frequenta 

corsi di restauro e falegnameria, sempre in cerca di 

modi per curare, rielaborare, abbellire i vari oggetti 

che incontra. 

Pittrice, restauratrice, interior designer, artigiana, 

ama “giocare” con carta, gesso, cemento, legno, colori, 

stoffe, strumenti che le permettono di esprimere 

la sua artisticità, che spazia in modi diversi. 

I suoi quadri, nati da mille emozioni, si possono “vedere” 

anche col tatto, accarezzando, ricercando delicatamente 

le varie forme che li compongono. 

I vari materiali, gettati, modellati, accarezzati, impastati, 

si fondono per dare sfogo a una espressività incontenibile. 

I suoi soggetti preferiti sono gli alberi, 

che lei definisce: avvolgenti, protettivi, immensi. 

Rami sinuosi ondeggiano in mezzo ad un impastato 

immaginario di emozioni. I colori dello sfondo alludono 

a un affascinante, ineluttabile, inalterabile deserto. 

Il grande, vigoroso fusto dell’albero sembra richiamare 

l’antica sicurezza, ormai perduta, col quale 

padroneggiava lo spazio. I rami spogli si allungano, 

cercano, sospirano, desiderando qualcosa che forse è 

perduto per sempre. L’intreccio dei rami sembra abbracciare 

le nuvole che lo circondano, in cerca di un 

illusorio appagamento. Ai piedi dell’albero piccoli arboscelli 

come a confortare lo sperduto amico: “Tu sei 

molto di più di quello che assilla la tua mente in questi 

ultimi giorni, mesi, anni, ore, minuti. Sei molto di più 

dell’immagine che hai costruito, di come ti vedi e di 

come gli altri ti possono vedere. Ciò che hai realizzato 

fino ad oggi non rappresenta tutto ciò che sei capace 

di realizzare, ma solo una minima parte”. Non angustiarti, 

“non si è mai visto, né udito, sin dai tempi antichi, 

di un inverno che si sia trasformato in autunno, 

l’inverno si trasforma sempre in primavera”. 

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Sara Bandini 

sarinabandini@gmail.com 

Lussuria, parte III, 2012, tecnica mista su zinco, cm. 20x20 

Sara Bandini nasce il 1 luglio del 1987 a San Miniato. 

Cresce a Fucecchio e frequenta il Liceo 

Artistico “Virgilio” ad Empoli. Prosegue gli studi 

a Firenze all’Accademia delle Belle Arti dove, in 

particolare, segue il corso pittura del professor Adriano 

Bimbi. Nel 2009, dopo un’esperienza di condivisione 

con altri artisti provenienti dall’Accademia, espone 

i suoi lavori all’interno della mostra “La roba del 

Mugello” - Cose, oggetti, strumenti e altre realtà dipinte 

- presso la villa di Cafaggiolo. A quest’esperienza 

ne segue, l’anno successivo, un’altra che darà vita 

alla mostra “Made in Mugello”. Si laurea nel 2011. 

Da due anni vive, lavora e dipinge a Marti. Ha l’occasione 

di collaborare a progetti artistici di vario genere 

che le permettono di continuare a sviluppare e approfondire 

i suoi studi. 

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Elisa Barbetti 

elisabarbettich@yahoo.it 

L’ascolto, 2004, tecnica mista su cartone 

Elisa Barbetti nasce a Certaldo il 13 marzo del 

1949. Per l’artista il proprio paese natale ha da 

sempre rappresentato una fonte di ispirazione e 

di serenità, che ha trasmesso nei propri dipinti. La sua 

è una formazione da autodidatta, ma che le ha comunque 

permesso di dare voce ad un’instintiva cromaticità 

ed attitudine a trasferire nelle proprie opere emozioni 

e sensazioni spontanee. Il ricorso alla fantasia è 

infatti per Elisa una vera e propria necessità, aiutata 

poi dalla sua professione di insegnante. Vari sono i 

periodi creativi attraversati dall’artista certaldina: da 

quello dei burattini in gommapiuma, a personaggi 

creati “ad occhio” direttamente con forbici e colla, 

alla manipolazione della creta in paesaggi e mascheroni, 

alla pittura di madonne e allegorie, fino al periodo 

dedicato alle miniature. 

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Grazia M. Barbieri Felicetti 

Abitazione e studio: Via Anna Frank, 31 - 50020 Mercatale in Val di Pesa (FI) 

Tel. 055 8218155 - grazia-barbieri@libero.it 

Presentazione di Gesù al Tempio, 2012, cm. 50x40 

Fiorentina, laureata in Pedagogia all’Università di 

Firenze, ha svolto per molti anni attività d’insegnamento. 

Pittrice, iconografa, mosaicista, poetessa, 

appassionata nella ricerca e nella documentazione 

dell’Arte greco-bizantina. Si dedica all’Arte 

Sacra. È socia artista nella “Società delle Belle Arti- 

Circolo degli Artisti” Casa di Dante- Firenze. Ha pubblicato 

due raccolte di poesie: “Acqua d’Arno” presentato 

al “Caffè Letterario le Giubbe Rosse” dal prof. 

Franco Manescalchi. Firenze 1994. Ed. Nuove Proposte. 

“Il giardino delle chimere” Ed. Ibiskos- Empoli. 

“Artista stilisticamente personalissima, nelle sue 

preziose icone esprime una originale visualizzazione 

dei personaggi e delle epoche. Un tocco soggettivo 

sia nella scelta dei temi che nella realizzazione di figure 

esclusive e diversificate. Grazia M. Barbieri Felicetti, 

imprime la propria forza interpretativa nel segno 

deciso; ogni possibile armonia di carattere, nell’atteggiamento 

delle membra e nei volti. Nella pregnante 

coerenza narrativa, tutte le possibili sfumature 

dell’arte figurativa. Linguaggio pittorico antico e nuovo 

di un’Arte senza tempo”. 

Duccia Camiciotti 

“Grazia Barbieri, tra le discipline del suo versatile iter 

artistico, ha abbracciato ed approfondito la prassi 

operativa e l’estetica teologica a fondamento della 

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Grazia M. Barbieri Felicetti 

La Vergine, 2005, cm. 32x45 

San Boris e San Gleb, 2006, cm. 40x60 

preziosa tecnica delle icone. Da anni l’artista fiorentina 

realizza con dedizione e studio dipinti su tavola, 

secondo i dettami della Scuola Greco-Bizantina, nella 

sequela a prototipi religiosi che interpretano soggetti 

mariani e cristologici, figure di santi, scene e personaggi 

tratti dal Vecchio e Nuovo Testamento. Grazie 

all’impasto di pigmenti naturali, vegetali o minerali 

con tuorlo d’uovo a legante ed il ricorso a sapienti dorature 

si assiste alla delineazione di raffigurazioni religiose 

intrise di quel simbolismo cromatico senza 

tempo che riflette i contenuti dottrinari delle Sacre 

Scritture. L’intento creativo ed ascetico è instillare 

quell’intelligenza contemplativa che fa dell’icona una 

finestra aperta sull’invisibile ed un “tempio” delle verità 

di fede. Grazia Barbieri questo compito lo assolve 

con diligenza e ricercatezza sulla base di un disegno 

fluido dal pittoricismo morbido e ci offre attraverso le 

sue opere un viaggio spirituale nei modelli iconografici 

scelti per rivisitarli secondo un’eleganza calligrafica 

ellenizzante di estrema liricità. Allo scopo di evidenziare 

le teofanie dipinte nell’incavo denominato 

“arca”, l’artista si avvale di rifiniture ornamentali di 

stucchi a bassorilievo nella modalità “Pastiglia” che 

incorniciano o impreziosiscono le fisionomie dei volti 

nella dinamica lumeggiata e trascendente dello 

sguardo. Consapevole della funzione dell’icona quale 

segno teologico, liturgico e sacramentale, Grazia Barbieri 

non rinuncia a conferire un‘impronta personale e 

industriosa a quest’attività artistica che nell’unicità 

del suo genere rappresenta un colto medium evangelizzatore”. 

Silvia Ranzi 

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Valentina Barbieri 

Via Lamporecchiana, 229 - 50059 Vinci (FI) 

Cell. 334 1741186 - vale.barb89@gmail.com 

Allegoria dell’Italia: Pietà, 2012, tecnica mista su tela (acrilico e collage), cm. 90x100 

Nasce il 18 novembre del 1989 ad Empoli, in 

provincia di Firenze. Fin da bambina dimostra 

una predilezione per il disegno ed è di 

conseguenza che si iscrive al “Liceo Artistico Virgilio” 

di Empoli, diplomandosi nel 2008. Continua con 

gli studi artistici frequentando per tre anni l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze, con indirizzo pittura. Nel 

2010, con il gruppo Potlak, formato con alcune compagne 

di corso per l’occasione, partecipa ad una 

mostra presso il Tribunale di Pistoia, con la supervisione 

dell’artista Nevio Di Marco. Nel 2011 espone 

un’opera in una mostra collettiva con la sua classe 

di pittura, al Bobolino di Firenze. Nel gennaio del 

2012 partecipa ad una collettiva a Milano, in occasione 

di un evento organizzato da le Voice shoes, 

presso lo Showroom 055, assieme agli artisti Ludmilla 

Radchenko e Aleandro Roncarà. Nel giugno 

2012 partecipa alla “Festa dell’Infiorata” di Cerreto 

Guidi, con il tema “l’Apocalisse”, realizzando assieme 

ad altre tre giovani artiste, un’opera a terra, con 

segatura colorata e fiori, della grandezza di 2x4m. 

Nell’ottobre del 2012 esegue un’opera murale e decora 

delle vetrate presso le Pubbliche Assistenze 

Riunite di Empoli. Ad oggi continua a coltivare la 

passione per la pittura nella sua casa tra le campagne 

di Vinci (FI). 

“La sua pittura è un gioco di forme e colori in cui l’artista 

raffigura soggetti immersi in un alone di ambiguità, 

che divertono, affascinano e offrono mistero” 

(Cristina Bruni). 

L’opera (“Allegoria dell’Italia: Pietà”) è nata “ispirandomi 

alla Pietà del Carracci, infatti si può notare che 

la posizione della mia Italia è molto simile alla posa 

del Cristo; un’Italia in agonia, sorretta dalla falsità 

della classe politica che ci governa (il giullare mascherato 

che la sorregge con mano artigliata), dalla 

dipendenza totale dai soldi (lo sfondo) che oramai 

sono il fine di ogni azione ed interesse”. 

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Cristina Bazolli 

cri.baz@fastwebnet.it - www.equilibriarte.net/cristinabazolli 

www.premioceleste.it/CristinaBazolli - www.facebook.com/cristina.bazolli 

Guardiani notturni, 2009, tecnica mista, cm. 40x30 

Sono nata a Poggio Rusco, in provincia di Mantova, 

nel 1957. Ho cominciato a dipingere giovanissima, 

sotto la guida del pittore ostigliese 

Dante Spelta. In seguito ho avuto la fortuna di frequentare 

lo studio di un maestro del surrealismo italiano, 

Lanfranco Frigeri, che considero il mio mentore. 

Ho intrapreso gli studi classici e mi sono laureata in 

Filosofia a Bologna. Dopo la laurea, mi sono trasferita 

a Brescia, dove, pur avendo poco tempo per dipingere, 

ho continuato a studiare, esercitandomi nella figura 

sotto la guida del maestro Schinetti. Nel 2000, mi 

sono trasferita a Firenze, nel quartiere di Santo Spirito, 

dove, appassionatami al lavoro degli artigiani che 

vi tengono bottega, ho continuato la mia ricerca, imparando 

l’arte della doratura, della miniatura e le tecniche 

pittoriche del Quattrocento toscano. Dipingo 

con la tempera all’uovo, su tavola, tela, cartapecora o 

carta, “illuminando” alcuni dipinti con foglia d’oro 

zecchino e mi occupo anche della decorazione e doratura 

delle cornici. Ritenendomi più artigiana che artista, 

ho esposto le mie opere per tre anni (dal 2003 al 

2005) nelle manifestazioni dell’associazione “La Fierucola”, 

in piazza S. Spirito e in piazza SS. Annunziata. 

Mi sono dedicata anche all’illustrazione per l’infanzia, 

dipingendo, nel 2007, le tavole di un libro di fiabe 

per la casa editrice Fatatrac. Divido il mio tempo tra la 

filosofia - che insegno al liceo “Dante”- e la pittura. 

Mi piace la commistione tra la pittura, la filosofia, la 

poesia e la musica: amo illustrare testi di canzoni o 

poesie e tradurre la filosofia in immagini. Ho esposto 

in personali e collettive a Firenze, Roma, Ferrara, Reggio 

Emilia, Brescia, Livorno, Montecatini. 

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Anna Maria Bedini 

Tel. 338 1277878 

annamaria.bedini@unifi.it 

Anna Maria Bedini nasce a Buenos Aires (Argentina), 

dove trascorre l’infanzia. Si diploma 

all’Istituto d’Arte di Ancona nel 1974 e frequenta 

la Scuola Libera di Nudo presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Attualmente opera a Firenze e 

fa parte del gruppo artistico fiorentino “Casa di Dante”. 

Dall’ottobre 2012 al febbraio 2013 espone un 

elaborato a china presso la mostra “Wassily Kandinsky 

- dalla Russia all’Europa” al Palazzo Blu di Pisa. 

“Il percorso artistico di Anna Maria Bedini conosce 

trent’anni di assidua ed appassionata attività che privilegia 

la pittura quale medium tecnico congeniale ad 

esprimere un ricercato credo estetico: elaborare, sulla 

base di valori materici e tonali, un’originale ottica percettiva 

del reale che cattura effetti cinetici e cromatici 

nel caleidoscopio delle forme. Le tele di grande formato 

mettono in opera una figurazione astraente dalla 

sintassi compositiva studiata che si ispira ai dati fenomenici 

per restituirli trasfigurati o ingranditi nella rilevazione 

oggettivata di linee e volumi sotto l’azione 

epifanica del colore-luce, nella dinamica allusivo-semantica 

delle trame chiaroscurali nel gioco flessibile 

delle ombre. Il titolo “suggestioni” rende ragione di 

quello “straniamento” visivo-emozionale di ascendenza 

gestaltica che è alla base del processo creativo in 

cui l’artista si riconosce per selezionare inedite angolazioni 

dell’esistente nell’indagine strutturale di equilibri 

interni ed esterni, favorendo l’empatica rilettura 

del fruitore secondo la libera polisemia ludico-analogica 

delle immagini. Si assiste ora all’interpretazione di 

texture contemplative di ispirazione naturalistico-ambientale, 

ora ad una sorta di rivelazione metafisica del 

dettaglio di natura oggettuale o corporea in cui si 

esplicita la capacità singolare di A.M.Bedini di analizzare 

liricamente il visibile per ricostruirlo secondo una 

tessitura cromatica dai toni caldi ed assorti, grazie ad 

una tecnica mista-olio con apporti granulari – sostenuta 

dall’utilizzo preponderante, accurato, pastoso e vibrante 

della spatola che sa dar corpo ad inquadrature 

scelte, come si evince dalla varietà inconsueta dei titoli 

delle opere. Il fascino plastico, metamorfico, illusionistico 

della luce nei suoi riflessi cangianti esalta l’intento 

riflessivo di manifestare “porzioni” del reale 

Casello 182, trittico, 2012, olio su tela, tecnica mista, cm. 75x60 

Boogie Woogie, 2010, olio su tela, tecnica mista, cm. 100x100 

esplorato, evocato, rivisitato nel dinamismo di vivide e 

segrete geometrie per disegnare polifonie timbriche 

nello spazio. La vocazione alla pittura condotta con 

abilità, rigore e moderna concezione rende merito ad 

un’artista coerente che con immedesimazione lirica 

intensifica visioni biomorfe o antropizzate di un diario 

visivo, ricercato, perseguito con tattile sensorialità, 

per sublimare l’integralità del vivere nella verità esclusiva 

delle sue parti”. 

Silvia Ranzi 

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Romola Bellandi 

Via Clemente Biondetti, 5 E - 50139 Firenze 

Tel. 055 400582 

Il comò, 1982, cm. 40x40 

Romola Bellandi vive a Firenze dove lavora ed ha 

insegnato per più di 20 anni. È diplomata 

all’Accademia di Belle Arti. Ha frequentato i 

Corsi Internazionali di grafica ad Urbino e i corsi di 

incisione di “Venezia Viva”. 

Una lunga attività di ceramista ed una buona esperienza 

di pittura su stoffa, ora la tentazione della grafica 

non vanno considerate come frutto ambiguo di un’incertezza 

di scelte, ma alternative all’impegno che Romola, 

ancora alla ricerca di se stessa, ha voluto sperimentare. 

Se quest’ultima è l’espressione profonda, lo 

vedremo fra qualche tempo (Romola già accenna a olii, 

a tele…punti d’approdo necessari per un’artista): intanto 

queste sue ricognizioni nel mondo familiare, 

questi eventi della cronaca naturale, questo essere 

profondamente legata alla realtà quotidiana, alludono 

ad una sicura solidità emotiva. Le soluzioni formali da 

mettere a fuoco andranno ancora studiate, ma questi 

lavori, ideati nella luce calma del quieto, meraviglioso 

scenario di via Bolognese Nuova, ed eseguiti in diretto 

rapporto con i migliori stampatori, hanno una loro 

identità di viva e fervida poesia. 

Giuse Benignetti, 1982 

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Daniela Bencivenni 

Via di Monteloro, 30b - 50065 Pontassieve (FI) 

Cell. 349 0756279 - dbencivenni@yahoo.it 

Nebbie al Poggione-Monteloro, 2010, olio su tela, cm. 40x40 

Fiorentina, da sempre interessata alla pittura, segue 

da alcuni anni i corsi del pittore Nazareno 

Malinconi. Ricercatrice etnobotanica (erboristaantropologa) 

predilige soggetti relativi all’ambiente 

in cui vive e lavora: i paesaggi e le piante che li caratterizzano. 

Il paesaggio è inteso come una finestra che 

si affaccia su un punto di vista interiore. Ognuno di noi 

ha un “paesaggio interiore” che vive e si trasforma e 

che è a sua volta influenzato dal paesaggio esterno, 

inteso come ambiente di vita. 

“Trovare l’armonia nel rispecchiarsi dei molteplici paesaggi 

interni ed esterni è in un certo senso lo scopo 

della mia ricerca”. 

Intensa l’attività espositiva degli ultimi tre anni: attraverso 

le iniziative dell’associazione “Gadarte”, 

partecipando a numerose manifestazioni ed esponendo 

in mostre personali e collettive a Firenze, Pontassieve, 

Montespertoli. Alcune opere sono presso 

collezioni private a San Francisco (USA). Tiene una 

mostra permanente presso il ristorante “Nuovo Orlando” 

a Monteloro. 

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Luciana Biagini Del Bianco 

Via delle Ginestre, 2 - 50014 Fiesole (FI) 

www.lucianabiagini.info 

Fertilità dell’autunno, 2010, pastello su carta, cm. 23x33 

Luciana Biagini Del Bianco ha da sempre applicato 

la sua innata perizia al disegno e a un severo 

impegno pittorico eleggendo il pastello a tramite 

e strumento di rappresentazione. Ha frequentando 

corsi di disegno e pittura con il professor Giorgio Barreca. 

Di lei scrive Pier Francesco Listri: “I fiori dipinti di 

quest’artista vivono nell’aria, respirano della propria 

viva fragranza, ma per la magia del pastello e per l’alta 

qualità della pittura dei fondi, perdono la convenzionalità 

di questo tipo di pittura e acquistano invece 

la fresca grazia della loro precaria e suprema vitalità 

vegetale. Sono, questi fiori, splendidamente dipinti, 

anche stemmi di nostalgia, araldi di un malinconico 

sguardo sul mondo che la pittrice sommessamente 

trasmette senza vistose sottolineature. Nella bellezza 

dei fiori si consuma il tempo breve fra lo sbocciare e 

l’appassire, e l’artista non lo dimentica. Ne nasce un 

fare morbido e caldo che consente tanto la finezza 

dell’arabesco quanto lo sfumato delle cromie con 

l’ausilio di luminosi ritocchi. Magia e merito di Luciana 

Biagini stanno nel bilanciare con grande equilibrio 

un’esattezza ottica straordinaria nel rappresentare il 

vero, conferendogli insieme un’araldica suggestione 

di simboli”. 

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Adua Biagioli 

Cell. 339 7173955 

audabi2008@yahoo.it 

Tulipani, 2008, olio su tela, cm. 30x35 

Vive e opera a Pistoia. Dopo aver conseguito gli 

studi artistico-letterari, ha partecipato a numerosi 

concorsi nazionali e internazionali, sia 

sulla pittura che sulla scrittura, in particolare sulla 

poesia. La sua prima raccolta poetica “Come pensieri” 

è stata pubblicata nel 2011. “L’arte della pittrice 

possiede una profonda capacità di raggiungere la 

sostanza delle cose e nei suoi dipinti è possibile evincere 

una forte propensione anti-accademica, frutto 

di una radicata abolizione del disegno preparatorio e 

della linea di contorno. L’effetto reso è di qualcosa di 

non - finito, tocchi di colore corposi e vivaci, stesi attraverso 

pennellate fresche, rapide, intense, fino a 

raggiungere l’obiettivo finale del dinamismo e di vitalità 

in un elegante stile decorativo ed ornamentale 

che tocca i contenuti del figurativo nei suoi soggetti. 

Un’artista che ha molto da esprimere poiché il suo 

animo è pieno di delicatezza e di sensibilità” (Ambra 

Grieco). 

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Maria Cristina Biagiotti 

Borgo Pinti, 45 - 50121 Firenze 

Cell. 333 4746474 - premcri@alice.it 

Pittrice, performer, creatrice di oggetti d’arte, nasce 

a San Casciano Val di Pesa (FI) e vive a Firenze. 

Ha frequentato l’Istituto Statale d’Arte, il 

Magistero d’Arte e l’Accademia di Belle Arti di Firenze. 

Ha insegnato Arte e Immagine nella scuola secondaria 

di primo grado e conduce laboratori di arte applicata. 

Molte le mostre personali e collettive e i concorsi a cui 

ha partecipato. Tra queste si ricordano le personali: 

Concorso Internazionale Fanzine 2000 (Villa Vogel, Firenze); 

Trasfigurazioni Itineranti (2001, Galleria 

D.E.A.,Firenze); Torre del Faro (2001, Vada, Livorno); 

Passaggi… e paesaggi (2001,Palazzo Pretorio, Sesto 

Fiorentino); Le multiforme (2004, Biblioteca Comunale 

S.Casciano V.P.); Cantina Barbagianni (2008, Firenze); 

Barone di Porta Romana (2011, Firenze). Tra le collettive 

si ricordano: Omaggio all’Iris (2001, Villa Bellosguardo 

Caruso, Lastra a Signa); Carnevale e Capodanno 

Fiorentino (2002, Palagio di Parte Guelfa, Firenze), 

La Donna nell’Arte (2002, Palazzo Pretorio, Sesto F.no); 

Arte Donna (2002, La Pergola LaborArt, Firenze); Arcana-mente 

(2002 Art Point Black, Firenze); Premio di 

Pittura al concorso Vita (2002, Centro Internazionale 

d’Arte Sever, Milano); Cicli d’Arte (2003, Rassegna della 

Bici d’Artista a cura di Art Nest, Firenze); Galleria 

Malatestiana (2004, Rimini); Habitart (2004, Giardino 

del Teatro della Limonaia, Sesto F.no); Arte Ambientale 

e Arte Ambientata “Il Giardino di Ada” (2004, Firenze); 

Concorso “Urbs Mundi” (2008, Accademia Italiana “Gli 

Etruschi”); Concorso “Spiga d’Argento” (2012, Montespertoli). 

Come performer ha collaborato tra l’altro a: 

Tamburini in azione di I.Vitali (2001, Villa Vogel); Rosina 

e Celestino di I.Vitali (2001, Castello Broich, Germania); 

Shangai di I.Vitali (2001, Minimum Spazio d’Arte, 

ed. Morgana). Ha lavorato, come figurante, in diversi 

film tra i quali “Fuochi d’artificio”, “Un viaggio chiamato 

amore”, “Pontormo”. Hanno scritto di lei testate 

nazionali e riviste specializzate. 

“Fermare attraverso il colore il ricordo di un viaggio, 

l’emozione che non ti aspetti perché affiora improvvisa 

dal cuore silenzioso della natura, il profilo di un 

La signora della notte, smalto su cartoncino telato, cm. 35x25 

volto che parla di terre lontane e intrise di mistero; in 

altre parole, fare della pittura un intenso racconto di 

vita. È così che potremmo descrivere l’universo artistico 

di Maria Cristina Biagiotti, la sua capacità di vivere 

la pittura come un’esperienza totalizzante (…). 

Non c’è un prima e un poi nel suo iter artistico, un’interruzione, 

un passaggio, un’evoluzione di generi, ma 

tutto, colori, paesaggi e sogni risuonano in un concerto 

unico. Dipingere è per lei compiere un viaggio attraverso 

il mondo, e di questo viaggio fissare sulla 

tela le infinite variazioni cromatiche, gli accenti luministici, 

il mosaico di forme” 


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Francesca Bianconi 

kikafree@virgilio.it 

Bambina con bolle, acquerello 

Francesca Bianconi, in arte KikaF nasce a Bergamo 

il 12 dicembre del 1968, ma vive ormai da 

quarant’anni a Cerreto Guidi. Ha avuto il suo primo 

approccio verso il disegno come autodidatta, affascinata 

dalla figura umana, dipingendo volti e corpi da 

foto raccolte su giornali. Il suo vero e proprio viaggio 

nell’arte è iniziato però nel 1988 con i primi ritratti e 

quadri su commissione. La pittura è così diventata in 

quel periodo un elemento imprescindibile della sua 

persona: benché indirizzata dalla famiglia a diplomarsi 

come insegnante di scuola elementare, non ha mai 

intrapreso la carriera scolastica ma ha invece “divagato” 

cercando “un posto tra gli artisti”. Nel 1989 si è 

trasferita per qualche anno a Brescia, dove ha frequentato 

un corso di “Figura ed Acquarello” presso lo 

“Studio di Arti Visive” di Ruben Sosa, imparando le 

tecniche fondamentali del vedere e del disegnare con 

specializzazione nella tecnica dell’acquarello. Nel 

1990 ha continuato il suo percorso prendendo lezioni 

private dal prof. William Fantini, pittore ed espositore 

a mostre private; sotto la sua guida ha appreso le 

principali tecniche pittoriche e partecipato alla mostra 

collettiva da lui organizzata nel giugno del 1992 a 

Bovegno. A Brescia ha trovato il modo di esprimersi 

approfondendo varie forme d’arte anche attraverso 

diverse esperienze professionali, come la realizzazione 

di sfondi e scenografie, lavorando come vetrinista 

e realizzando anche due marchi commerciali. La sua 

formazione è continuata fino al giugno 1993, incanalandosi 

in particolare nel settore dell’illustrazione 

dell’infanzia, con il corso di “Fumetto e Illustrazione” 

presso lo “Studio di Arti Visive”di Ruben Sosa. Alla 

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Francesca Bianconi 

Giardino dei desideri, acquerello 

fine del 1993, tornata a Cerreto Guidi, ha continuato 

ad esprimersi in questo settore partecipando alla III, 

IV, VI e VII edizione del “Concorso internazionale di 

illustrazione per l’infanzia” organizzato dall’”Associazione 

Culturale Teatrio” di Chioggia, partecipando 

anche a laboratori estivi che le hanno fatto conoscere 

l’illustratore Mario Gomboli. Dal 2000 ha gestito un 

laboratorio artistico con esposizione e vendita delle 

sue opere. La sua passione artistica è proseguita illustrando 

disegni adatti all’infanzia, con acquerelli e oli 

dai colori scintillanti; nell’intento di raccontare l’arte 

anche ai più piccoli. La sua pittura si è infatti trasformata 

in qualcosa di più giocoso, realizzandosi in particolare 

in due mostre allestite a Cerreto Guidi: nella 

prima, nel settembre 2002, dal titolo “Filastroccando”, 

ha illustrato una filastrocca in 9 quadri dipinti ad 

acquerello. Nella seconda, nel settembre 2008, intitolata 

“Ti racconto una storia”, ha narrato la storia 

delle sante Liberata e Faustina attraverso illustrazioni 

realizzate ad acquerello e olio. Dal 2005 ha iniziato 

ad approfondire la tecnica della pittura ad olio sotto 

la guida di Andrea Meini. Con questa tecnica ha diversificato 

la sua produzione artistica, tornando a 

raffigurare volti, ispirata dalle foto dei viaggi del movimento 

Shalom nel mondo. Nel 2011 ha contribuito 

con un suo dipinto ad olio al progetto artistico che illustra 

la vita di Santa Liberata in un ciclo di 13 dipinti, 

promosso dal parroco don Donato per il Santuario di 

S. Liberata a Cerreto Guidi. Il settembre scorso ha 

partecipato alla collettiva “Colori in Bianco e Nero 

2012” esponendo una raccolta di opere intitolata 

“Volti al divino”. 

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Daniela Bigagli 

Cell. 349 1178278 

artedaniela@ymail.com - www.coloriastratti.it 

Pensiero, 2011, acrilico su tela, cm. 70x100 

Daniela Bigagli nasce a Pistoia nel 1974. Da 

sempre coltiva un forte interesse per le arti 

visive e per la pittura, ispirandosi principalmente 

alla corrente artistica dell’action painting. Per 

la realizzazione dei suoi dipinti predilige colori acrilici, 

che si intrecciano con la poesia. Daniela Bigagli ha 

partecipato a diverse esposizioni, in particolare nella 

città di Genova, tra cui la prestigiosa Mostra Mercato 

d’Arte Moderna e Contemporanea “ArteGenova 

2012”, le varie edizioni della Mostra Mercato di arte 

visiva “Galleria Mazzini come una galleria d’arte” e 

l’esposizione “Venti di Mare”, organizzata in occasione 

del 51° Salone Nautico Internazionale. Recentemente 

l’artista ha partecipato all’esposizione “Ventiquattrosette” 

presso il Centro Culturale Zerouno di 

Barletta. “Daniela Bigagli, la cui arte è una esplosione 

di toni svincolati liberamente dalle emozioni del quotidiano 

[…], si lascia dominare dalle suggestioni di routine 

e dalla gente per crear grandi intrecci di colore e 

spessore. Colori fervidi e vivaci sono espressione costante 

di momenti non necessariamente lieti poiché la 

pittura è, per la Bigagli, un maestoso mondo in cui ritrovarsi 

e lasciarsi andare. L’artista è a suo agio solo 

tra i toni, gli unici a saperla intendere e a consentirle 

di parlare come detta la mente e il cuore, unico mondo 

in cui realmente l’artista riesce ad esprimersi. La verve 

pittorica della Bigagli sta nell’uso esplosivo dei 

colori, reali protagonisti di una scena dove cumuli e 

dripping fanno da contorno all’armonia cromatica in 

cui mai l’oscurità tonale si esprime e prevale. Esiste 

una forte discrepanza tra le emozioni che spingono 

l’artista alla creazione e l’uso dei colori: l’inverno, tendenzialmente 

cupo e freddo diviene per la Bigagli 

arancione e rosso, il lutto è rosa fucsia: nulla corrisponde 

alla canonica espressione e viene stravolto 

dalla carica emotiva che la musica, sottofondo sempre 

costante per la creazione di un dipinto, le consente di 

plasmare. I colori prendono il sopravvento in un mondo 

artistico che è incanto ed esplosione per l’artista, 

liberazione e sfogo, consentendole di attuare la magia 

irripetibile che la denota” 

Anna Soricaro 

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Piera Biondi 

Abit.-studio: via Umbro-Casentinese,147 - 52011 Bibbiena (AR) 

posta@pierabiondi.it 

In controluce, 2011, acrilici su tela, cm. 100X70 

Nata ad Altopascio (LU), risiede ed opera da 

anni a Bibbiena. Ha coltivato fin dall’infanzia 

la passione per il disegno e per la pittura sperimentando, 

dapprima autonomamente, le diverse 

tecniche dalla tempera all’olio ed all’acquerello. Dal 

Duemila fa parte del gruppo AR.CA., degli artisti casentinesi, 

gruppo seguito ed impostato nell’insegnamento 

pittorico e nell’uso del colore dal mestro Amedeo 

Lanci. 

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Graziella Bindocci 

Via Giuseppe La Farina, 47 - 50132 Firenze 

Tel. 055 571974 - Cell. 333 9859016 - graziella.bindocci@libero.it 

Curiosità. A 5000 metri sul tetto del mondo l’incontro fra due 

civiltà (Tibet, 2005) 

La caramella. Negli occhi di un bambino la gioia per una caramella 

(Nepal, 2005) 

Graziella Bindocci è originaria di Montalcino e 

da tempo vive e lavora a Firenze. Il suo spirito 

creativo la porta ad esplorare discipline artistiche 

figurative quali la pittura e la scultura in creta; 

in altro campo fa esperienze psicoanalitiche e compone 

poesie edite in varie antologie. Il suo amore è la 

fotografia intesa come narrazione fedele di quanto 

visto e vissuto attraverso viaggi nel mondo; un’esperienza 

totalizzante ed appassionante che riesce a trasmettere 

a chiunque sappia “ascoltare vedendo” attraverso 

ritratti di bambini, vecchi, uomini e donne al 

lavoro cogliendo aspetti significativi del loro habitat e 

la loro cultura. È fotografia analogica: usa una macchina 

Canon OS 300 e per i ritratti si serve di un teleobiettivo 

per cui non ci si accorge di essere fotografati 

così da cogliere l’espressione più spontanea del 

soggetto. Socia dell’associazione culturale Gadarte 

collabora con il Consiglio occupandosi del settore fotografia. 

Ha presentato le sue opere in mostre personali 

molto apprezzate: Museo Civico di Chioggia - Hotel 

Esplanade Viareggio - Fortezza Medicea 

Montalcino - e Firenze: Aula Magna dell’Istituto Pari- 

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Volto di pietra. Beduino nella magia di Petra (Giordania, 2008) 

Un sorriso nascosto. Ragazzo palestinese nel mercato di Racca 

(Siria, 2008) 

ficato Pacinotti Cavour, Gadarte, Quartiere 2, U.C.A.I. 

e Biblioteca Marucelliana dove con sue fotografie 

(Mongolia e Firenze) ha illustrato la presentazione di 

due libri delle poetesse fiorentine Duccia Camiciotti e 

Clara Nistri ottenendo grandi riconoscimenti di critica 

e pubblico. Una speciale segnalazione ha ricevuto la 

fotografia “Volto di pietra” nel premio Bargellini 2009. 

Partecipa attivamente alle mostre collettive organizzate 

dalle numerose associazioni culturali fiorentine. 

Danzatore. Festa della Primavera a Punakha (Buthan, 2009) 

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Pastori. A nord di Aleppo un’immagine senza tempo (Siria, 2008) 

La battaglia. Guerrieri di Gengis - Khan in una rievocazione storica nel deserto dei Gobi (Mongolia, 2006) 

38



Paternità. Deserto del Gobi. Tenerezza di padre (Mongolia, 2006) 

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Christine Böeke 

christine.boeke@tiscali.it 

www.christine-boeke.com 

Serie Palmen, tecnica mista su tela, cm. 100x135 

40


Angelica Borali 

www.gallerimentana.it 

Primavera, 2013, olio su tela, cm. 50x100 

Nata in provincia di Bergamo nell’agosto 1984, 

comincia sin da piccola a manifestare interesse 

ed attitudine verso l’arte e il disegno. Inizia 

quindi il suo percorso come autodidatta e per affinare 

le tecniche pittoriche frequenta dal ‘98 corsi di pittura 

serali cercando di rubare i trucchi e i segreti ai suoi 

maestri. Fa parte del circolo artistico “Natale Morzenti” 

di Martinengo, paese d’origine, ed è proprio in 

questo contesto che muove i primi passi con esposizioni 

che le permettono di riscuotere successi di pubblico 

e di critica. Infatti è a Martinengo la prima mostra 

personale nel 2006 e da lì inizia una serie di 

esposizioni e mostre personali sia presso il paese natale 

e non solo che riscuotono grande successo. Dal 

2008 Angelica vive e lavora in Toscana in provincia di 

Pisa, dove dal suo piccolo studio continua la sua opera 

artistica, sempre alla ricerca di nuove idee e stimoli, 

ed anche in questo contesto partecipa a mostre 

collettive e personali. 

41


Antonietta Borgioli 

Viale Spartaco Lavagnini, 8 - 50129 Firenze 

Tel. 055 489870 - Cell. 338 2727995 - pierpaolobenucci@virgilio.it 

Corridoio della Palazzina Reale, acrilico, cm. 100x70 

Antonietta Borgioli disegna e dipinge da quando 

frequentava l’Istituto d’Arte di Porta Romana 

tra il 1963 e il 1968. I suoi maestri sono stati 

Fiorenzo Faorzi, Mario Calderai, Dante Nannoni e Sergio 

Baroncioni. Nel 1989 comincia a dipingere in 

modo continuativo e la sua prima personale si tiene 

presso il “Gruppo Donatello” nel 2007. In questa mostra 

espone opere di vari soggetti: le nature vive 

dell’orto e del giardino, gli interni di una casa sulle 

soglie del bosco sull’Appennino toscano, le bambole 

antiche di famiglia. Nel 2010, sempre al “Gruppo Donatello”, 

espone una trentina di opere frutto di un 

suggestivo confronto tra gli ambienti della Stazione di 

Santa Maria Novella frequentati prima come studentessa, 

poi come insegnante pendolare. Come erano 

cambiate le geometrie, quali oggetti d’arredo erano 

scomparsi in questo luogo della vita che è la Stazione? 

Le linee di fuga delle scale esterne erano cambiate, 

mutate le luci delle vetrate, nati nuovi ambienti nel 

sottosuolo. In questi dipinti della Stazione, connotati 

da razionali e pulite architetture, dove rara è la presenza 

umana, si nota una sua attenzione all’opera di 

Hopper. Proprio con un dipinto che ritrae il nascosto 

corridoio che dalla Palazzina Reale porta al binario 

sedici, Antonietta Borgioli ha vinto il primo premio al 

quarto concorso nazionale “Città di Montecatini Terme” 

nel maggio del 2010. Negli ultimi anni Antonietta 

Borgioli ha partecipato a numerose collettive e nel 

2011 è entrata nel “Gruppo Donatello”. Da alcuni 

mesi lavora su bozzetti e studi vari, effettuati negli 

anni scorsi a Pistoia, sui resti della fabbrica Breda, 

nota con il soprannome “La Cattedrale”, ora restaurata 

come spazio per iniziative culturali. 

42


Silvia Bosio 

silvia-bosio@libero.it 

Pescatori, 2004, olio su tela, cm. 150x64 

Silvia Bosio è nata a Roma nel 1972, ma si è formata 

a Firenze dove ha frequentato il Liceo Artistico 

e dove successivamente si è diplomata 

all’Accademia di Belle Arti. Attualmente vive a San 

Vincenzo a Torri e lavora come insegnante. 

Proveniente da una famiglia di pittori e musicisti ha 

coltivato fin dall’infanzia il gusto della creatività come 

espressione di una vitalità prorompente e gioiosa. Indubbiamente 

questo aspetto ha caratterizzato il suo 

approccio alle molteplici esperienze artistiche che fin 

dalla prima gioventù l’hanno vista in contatto con il 

mondo della moda, delle decorazioni di interni e degli 

allestimenti scenografici. Profonda conoscitrice delle 

tecniche pittoriche, imprime ai suoi dipinti ad olio una 

freschezza ottenuta alle pennellate allungate e fluide 

e ai colori attentamente bilanciati in base a studi 

compositivi. L’immagine rappresentata spesso trattiene 

la forza della prima impressione, quella più vera, 

quella più vicina ai sensi. 

Nei soggetti si nota la forte predilezione per la figura, 

da decenni al centro dei suoi studi. Anche nei gruppi, 

come pure nelle raffigurazioni delle folle, non viene 

mai perso quel senso di amorosa dignità che l’artista 

desidera infondere al singolo in qualità d’individuo, 

reso unico da un dettaglio o da un semplice colore che 

lo contraddistingue, dettando così la cifra della sua 

originalità: ne emerge un’umanità trasognata, incantevole 

e vivace. 

Samanta Monco 

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Cecilia Brogi 

Cell. 338 4769417 

ceciliabrogi@libero.it 

Moltitudini 1, 2009, installazione (rame, acrilico, alluminio, ottone, materie plastiche), cm. h 1.70 

Artista fiorentina, dal 2008 si dedica alla creazione 

di sculture e installazioni. Tra le mostre recenti 

in cui ha presentato le sue installazioni, si 

ricordano: nel 2009, a Firenze, Eretikart (Sala dei Barnabiti) 

con Solido in luce 1, Ars Mediana (Sala delle 

Leopoldine) con Solido in luce 2, Sentieri delle stelle 

(località Gavignano, Antella) con Solido in luce 3 e 

Moltitudini 1; nel 2010 Festival della Creatività (Libreria 

Libri liberi) con Il sonno della prigioniera; nel 2011 

Convegno “Nosotras” (Salone dei Duecento, Palazzo 

Vecchio) con Moltitudini 2. 

NELLA TERRA 

ESSERI UMANI, ANIMALI, 

PIANTE, OGGETTI 

IMPOSSIBILE CONTARLI 

FATICOSO CATALOGARLI 

LASCIALI MUOVERE NEL LORO CAOS 

NEI LORO COLORI 

SIEDITI 

OSSERVA LA LORO ORDINATA 

MERAVIGLIA. 

Cecilia Brogi 

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Rita Brucalassi 

Abit.- studio: Via Bicocchi, 1 - 58022 Follonica (GR) 

Tel. 0566 54543 - 0588 26219 - Cell. 333 1612980 

Stalking, olio su tela, cm. 60x80 

Nasce a Castelnuovo Val di Cecina (Pisa) nel 

1955. Vive e lavora a Follonica. Dopo il conseguimento 

del diploma inizia a dipingere con 

costanza dal 1974 dedicandosi allo studio delle arti 

figurative con attenzione particolare verso la figura 

femminile e lo splendido paesaggio toscano. 

Ha partecipato a rassegne e tenuto personali sia in 

Italia che all’estero, sue opere sono presenti in collezioni 

private e pubbliche. Nel 1997, con altri pittori 

della sua città, costituisce l’associazione artistica 

“Golfo del Sole”. Tra le più recenti presenze ricordiamo 

le numerose personali dal 2002 ad oggi, alla Galleria 

del Candelaio di Firenze, al Casello Idraulico a 

Follonica, a Massa Marittima nel Palazzo Pretorio e 

nella Sala Misericordia, a Castiglione della Pescaia, 

alla Galleria Art-Time di Udine; la Fiera “Immagina” di 

Reggio Emilia e la Fiera di Agrigento; in diverse rassegne 

a Firenze nel Caffè Storico Letterario “Giubbe 

Rosse”, alla Galleria “Via Larga” della Provincia di 

Firenze, alla Biblioteca Comunale, al Museo Archeologico 

e a Villa Viviani, a Milano presso la Galleria 

Modigliani, a Noale (Venezia) nel Palazzo Comunale 

della Loggia, a Roma nella Galleria “Il Trittico”, con la 

quale ha esposto anche a Portocervo, e nella Galleria 

“La Pigna”, a Panzano in Chianti nella sede comunale 

della Limonaia di Pescille. Il suo lavoro è documentato 

dalle riviste Eco d’arte moderna, L’Elite, Il Quadrato, e 

nei cataloghi “Comanducci”, “L’Agenda toscana 

dell’Arte” (a cura di Fabrizio Borghini), “Artisti Toscani 

del XXI secolo” (a cura della galleria Rotini di Livorno) 

e nel Catalogo Arte Mondadori del 2011. 

45


Gianna Bucelli 

Tel. 349 7507122 

www.giannabucelli.it - gianna.bucelli@gmail.com 

saggistici. Da pochi anni ha iniziato un percorso di 

ricerca del tutto personale, partecipando alla vita artistica 

con personali e collettive in Italia e all’estero. 

Insegna discipline pittoriche nei corsi organizzati dal 

Comune di Firenze. Vive e lavora tra la Val d’Elsa, Firenze 

e Roma. 

Pino + Pino, tecnica mista con lastra di ferro ossidata, 

cm. 100x120x4 

Gianna Bucelli nasce a Firenze. Si diploma 

all’Istituto d’Arte di Porta Romana nel 1978. 

Lavora inizialmente come creativa, grafica e 

decoratrice pubblicitaria. In seguito si orienta sempre 

più verso la decorazione murale ed il trompe 

l’oeil, realizzando interventi presso ville di privati in 

Italia e Svizzera. Contemporaneamente attraversa 

varie tecniche artistiche passando dall’intervento 

murale a mosaico alle illustrazioni per fiabe, da pitture 

commissionate (ritrattistica) agli acquerelli pae- 

“Ritrovarsi tra le braccia di un tempo sospeso. Visitato, 

conosciuto e abitato. Ritrovarsi in un paesaggio, 

dunque, che ci compensa da una natura estraniante. 

Algidamente toccante, vive nello sguardo e si presenta 

ai nostri sensi come se fosse – parafrasando Simmel 

– una promessa di conciliazione e fine di un frammento. 

«Come un’artista fuori tempo - racconta la 

Bucelli - cerco ancora la bellezza delle cose nel mondo, 

nella natura, negli oggetti, la loro sacra realtà. 

Esaltare la bellezza non per puro estetismo ma per 

innalzarla dalla materia sospendendola nel tempo». 

Comprendere la natura di uno spazio non è nulla di 

scontato, bensì una vitale rifigurazione di un presente 

denso di vincoli affettivi, di una consuetudine che ci 

spingere “al di fuori”. È una transizione che emerge 

da una semplice vivibilità. Come se fosse uno spettacolo 

teatrale queste tele dipinte bloccano gli occhi in 

una continuità scenografica e la Bucelli organizza il 

suo spazio di scena incorniciandolo di ampie quinte 

visuali. Ecco che, con la sua pittura, Gianna Bucelli 

tocca il paesaggio. Lo tesse in silenzio tra quei piani 

argentei o dorati di un cielo intimamente pensato e, 

con un ordine segreto, lascia emergere un punto sensibile 

che, in una sottile ambiguità onirica, ci libera in 

una profonda estasi” 

Una silenziosa estasi. I paesaggi di Gianna Bucelli 

Antonio Locafaro, 2012 

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Marisa Buffoni Niccolai 

Via Ippolito Nievo, 2 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 903438 - Cell. 333 8744060 

La Tonnara, 2010, olio su tavola, cm. 50x60 

Nasce a Roma, ma vive e opera a Pistoia, dove 

inizia a dipingere intorno al 1980, alternando 

questa passione a quella della poesia. Inizialmente 

ha prediletto la pittura naturalistica per poi affrontare 

le atmosfere metafisiche, con composizioni e 

stesura dei colori particolari ed individuali. L’artista 

esprime la sua passione pittorica per l’acqua e i peculiari 

scorci paesaggistici, con sentimento e profondo 

trasporto. “Le emozioni e le sensazioni legate all’elemento 

acqua… lasciano tutto in sospeso. Non risolvono. 

Neanche l’immaginazione, nonostante voglia 

raccontare qualcosa, può farlo. Si resta così ad un 

passo dalla realtà, che non può essere definita, e a un 

altro passo dalla fantasia, che non si può toccare”. 

P. Aiuti 

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Maria Burger 

Val di Lopia, 3 - I - 56046 Riparbella (PI) 

Tel. 0586 698126 - lopia3@gmx.net 

Têtê a`têtê, 2010, grès 

Nata a Postal / Merano (BZ) nel 1954, ha studiato 

pittura alla Kunstgewerbschule Graz 

Austria e scultura, ceramica e design 

all’Università di Arti Applicate di Vienna. Tra il 1985 

e il 1993 ha insegnato all’Università di Arti Applicate 

di Vienna. Dal 1997 vive e lavora a Riparbella (PI). 

Diverse esposizioni collettive e personali in tutta 

Europa e a New York. 

Maria Burger nel suo atelier (Foto R. Dollmann) 

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Maria Burger 

Teste, 2011, olio su vetro 

“Il cortocircuito fra un potente messaggio concettuale 

neo-gotico, che “esibisce” l’enigma esistenziale, e le 

raffinate terrecotte e gres di memoria antica, che ne 

strutturano il supporto, definisce il profilo insolito e 

suggestionante della personale “Tête-à-tête” dell’artista 

Maria Burger. Una sorta di stop-motion scultoreo 

crea movimento dalla ripetizione nello spostamento 

di uno stesso soggetto, ripreso da punti di vista diversi, 

alla luce di un ambiente impersonale e minimalista, 

compassionevole e universale, dove la memoria 

collettiva si manifesta nella forza plastica di un artificio 

nordico precipitato da un altro tempo, ma rivolto, 

insieme con grazia e potenza, al carattere del contemporaneo. 

La pura bellezza di teste, busti e volti ricorrenti, 

rilievi pronunciati o le singole sculture, attraversano 

la terza dimensione in un sodalizio sperimentale 

fra magnetismo e introspezione, calma e carica 

espressionista, che lascia aperti spazi di riflessione e 

impatti emozionali, fino a lambire dichiarate denuncie 

sulla condizione insieme bella e complessa dell’infanzia. 

Più in astrazione i lavori dipinti sul vetro, dove 

ancora l’aspetto di ripetizione ricorsiva, al ritmo pop, 

crea, da un cambiamento minimo di posizione, di trasparenze 

e di tonalità di colore, l’unicità di un frammento 

timido di personale espressione, rivelato dalla 

complicità tacita e silente della luce”. 

Elena Capone 

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Donatella Calamai 

Via Renato Fucini, 35 - 50041 Calenzano (FI) 

Cell. 347 9495644 

Momenti, acrilico su tela, cm. 100x120 

Donatella Calamai è pittrice e orafa. Nata a Sesto 

Fiorentino, vive e lavora a Calenzano. Ha 

realizzato diverse mostre personali e collettive 

in varie regioni italiane. Hanno scritto e parlato di lei 

critici, quotidiani, riviste d’arte ed emittenti private. 

“Ho dinanzi agli occhi, come punto di riferimento, le 

riproduzioni dei quadri esposti dalla pittrice a Venezia 

nel 1999, e noto con piacere in quelli di oggi, messi a 

confronto il graduiale abbandono del fondamento decorativo 

con cui la pittrice, sia pure in modi garbati, 

esprimeva la propria poesia sì che l’ansia seminascosta 

dietro ai segni e ai colori di allora e collegata misteriosamente 

‘ai valori fondamentali che sono alla 

base dell’essere umano’ (come recita il manifesto di 

Extrarte) è venuta fuori oggi dall’ingabbiamento, ha 

rivisitato l’espressione e l’ha liberata di un legame 

indubbiamente piacevole ma non consono ai fini del 

messaggio che l’artista avrebbe voluto lanciare in sintonia 

con l’evoluzione dei costumi e dell’arte dei tempi 

nuovi. Quel messaggio, dunque, è oggi una realtà. 

E l’artista lo esprime con accentuata personalizzazione 

nella conquista degli spazi nei quali una più chiara 

definizione dei ‘corpi’ ammessi a popolarli riflette una 

maggiore armonia nella composizione. Che può dirsi 

totalmente sua perchè plasmata con un linguaggio 

fuori da ogni ‘ismo’ e convenzione”. 

Tommaso Paloscia, Firenze, ottobre 2002 

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Maria Antonietta Canalini 

Via XII Martiri, 40 - 50017 San Piero a Ponti (FI) - Tel. 055 8998136 

canaliniantonietta@tiscali.it 

Paesaggio toscano, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

“ Potrebbe sembrare retrò l’assunto di Giovanni 

Fattori che sosteneva si dovesse trarre ispirazione, 

per dipingere, dalla realtà naturale. Per 

Maria Antonietta Canalini, a giusta ragione, non è 

così. Ella, con Fattori, trova la natura uno spettacolo 

emozionante che offre infiniti suggerimenti affinché 

ognuno esprima al meglio la propria creatività. È infatti 

a codesto principio che Maria Antonietta informa 

tutta la sua opera pittorica, ricca d’immagini naturalistiche 

dai colori luminosi e semplici e dalle solide 

composizioni che esprimono gli elementi essenziali, 

sempre apprezzati, del romantico verismo”. 

Ugo Fortini 

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Grazia Canciullo 

www.graziacanciullo.it 

attivi-pensieri@tiscali.it 

Sitlaus, 08 

Nata nel 1954 ad Adrano (Catania), risiede a 

Firenze. Ha frequentato l’istituto d’Arte di 

Giarre, conseguendo la maturità in Arte Applicata, 

e si è laureata alla Facoltà d’Architettura di Firenze. 

Dal 1970 svolge attività di ricerca grafico-pittorica 

arricchita negli ultimi anni da esperienze nei 

campi della progettazione architettonica e del design 

di oggetti d’uso. Nel 1995 e nel 1996 il suo lavoro viene 

promosso in numerose Fiere italiane ed estere 

tramite la pubblicazione “FierExpo Book” Edizioni Il 

Candelaio di Firenze. Dal 1996 alcune sue opere sono 

in permanenza alla Galleria d’Arte Sacra dei Contemporanei 

di Villa Clerici a Milano. Intensa l’attività 

espositiva degli ultimi anni, con presenze in rassegne, 

fiere d’arte e manifestazioni periodiche, nazionali ed 

internazionali, tra le quali diverse edizioni del “Premio 

Italia per le Arti Visive” ottenendo numerosi riconoscimenti 

editoriali ed espositivi, e del “Premio Firenze” 

(si ricorda in particolare, nel 2006, il terzo premio, 

medaglia di bronzo per la grafica); nel 2001 “Small Art 

Work Festival”, Skydoor Art Place, Aoyama, Tokyo 

(Giappone); nel 2002 “Rassegna d’arte nel 10° anniversario 

della Fondazione”, Centro Culturale Islamico, 

Madrid ; “Art per Nadal 2012”, BCM Art Gallery, Barcellona. 

Ha tenuto personali in spazi pubblici e gallerie 

in diverse città italiane. 

52


Grazia Canciullo 

“Davanti a un’opera d’arte non sempre è facile farsi 

prendere, entrare in sintonia con i modi espressivi 

dell’autore: nel caso dei lavori di Grazia Canciullo ciò 

avviene invece in modo immediato, particolarmente 

semplice: la loro forza vitale è contagiosa. Forse perché 

l’autrice prende spesso ispirazione da brani musicali: 

sono molti i titoli che ce li ricordano (Exsultate, 

Fantasia mahleriana, per citarne qualcuno) e l’energia 

che trasmettono è diretta come quella musicale. I colori 

innanzitutto (sempre vivacissimi, e recentemente 

più brillanti grazie all’uso degli smalti, scelti in base 

agli accordi e al tema principale del frammento musicale 

di riferimento) ricreano l’effetto di armonia sonora 

da cui sono scaturiti. 

Le forme poi, che si compenetrano e si rincorrono 

come fanno gli strumenti e le voci nei brani di riferimento, 

sembrano compresse nello spazio del quadro, 

cercano di evaderne con uno slancio vigoroso. I grandi 

formati, infine, permettono quasi di immergersi, cogliendo 

appieno la carica e l’esuberanza creatrice.” 

Barbara Conti 

Fantasiestucke 

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Laura Cambò 

Studio: Via della Chiesa, 1 - 55016 Porcari (LU) - Cell. 347 1847390 - laura22@inwind.it 

http://artenetwork.altervista.org/wam//cambo/camboA.htm - Pagina Facebook: I quadri di Laura Cambò 

Charlotte, 2010, acrilico su tela, cm. 50x70 

Giovane psicologa lucchese, dipinge per passione 

da autodidatta. Il soggetto prevalente dei 

suoi quadri sono gli animali dipinti con molta 

ironia, con colori acrilici, brillanti e giocosi. “Ecco che i 

cani e i gatti immortalati da Laura Cambò sembrano 

divertirsi dal come sono rappresentati dall’artista stessa 

e i loro atteggiamenti riflettono il pensiero e il sogno 

di ognuno di loro in quel momento. Del resto, come diceva 

Buddha, il vostro cane e il gatto potrebbero essere 

vostro padre o la vostra nonna, nella loro ultima 

reincarnazione, che stanno per raggiungere il “nirvana”, 

lo stato di eterna beatitudine” (Eraldo Di Vita). 

“L’artista con istintiva cromaticità trasferisce nelle 

proprie opere le sue emozioni e con una pittura semplice 

e genuina le conferisce un aspetto del tutto originale 

e personale, arricchendola con fantasia puerile, 

sempre feconda di contenuto” (Cristina Bruni). 

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Antonietta Capecchi 

Località Seracino, 13 - 56032 Buti (Pisa) - Tel. 0039 0587 723573 

Cell. 333 3015928 - a_capecchi@yahoo.it - www.antoniettacapecchi.com 

La nave, 2012, olio su legno trattato applicato su tavola, 

cm. 80x100 

L’artista è nata in Inghilterra, ma è vissuta dal 

1957 nella città di Lucca dove ha iniziato i suoi 

studi che ha poi concluso a Firenze. Attratta da 

sempre dal mondo delle arti figurative, ha praticato 

costantemente, nel corso della giovinezza e durante 

gli anni di insegnamento, il disegno e la pittura. 

La sua prima mostra si è svolta in Germania. A questa 

sono seguite poi le esposizioni nel Sud della Francia e 

a Parigi. La partecipazione di Antonietta Capecchi ai 

progetti espositivi di arte contemporanea si è fatta 

sempre più frequente nel corso degli anni: ricordiamo 

le mostre presso il College of the Atlantic a Bar Harbor 

nel Maine. Sempre in USA ha collaborato con la 

galleria Wingspread a Northeast Harbour dove ha incontrato 

un buon apprezzamento di pubblico e di critica. 

In Italia ha esposto a Lucca, a Pietrasanta, a Sermoneta, 

ad Anzio e a Milano; attualmente fa parte 

dell’Associazione “Arte in Lucca”. 

Dopo un periodo dedicato allo studio della figura, 

adesso la pittrice sta scrutando i nuovi orizzonti 

dell’astrazione. 

La possibile arte delle forme e del tempo 

Lavoro lieve di cuore, con forme che paiono tagliate 

dal diamante e con colori che esprimono cielo e terra 

insieme. Le opere d’arte che Antonietta Capecchi è 

Equilibrio, 2012, olio su tela, cm. 50x50 

capace di creare portano avanti una ricerca che non 

pare arrestarsi. L’autrice ha in mente viaggi e peregrinazioni 

nella storia dell’arte nostra e di oltralpe. 

Una volta conosciuta la monumentalità della Toscana 

non si può far finta di niente: ti rimane per sempre 

nel cuore e se sei un’artista, permane nelle tue creazioni. 

Neppure è possibile negare le proprie radici, 

Turner c’è e si vede. Tardava a far capolino nel catalogo 

di Capecchi, ma ora è presente in certe sfumature 

di celeste. 

Ma nel sublime del pittore inglese Antonietta entra 

imperiosa con le sue forme certe, invade la scena e 

propone i depositi della memoria: quella granulosità 

che puoi toccare con gli occhi è terra! I supporti rigidi 

sono graffiati, vissuti e si mettono in moto: novello 

futurismo. La tela, ove impiegata, è trattata col rispetto 

per la tradizione. Si usa l’olio e si è sapienti. 

Anche la ricerca formale risente di elementi e simboli 

che denotano un’ampia conoscenza della storia 

dell’arte da cui si parte per esplorare nuovi orizzonti di 

segno e di senso. 

Giovanna M. Carli 

storico dell’arte e critico 

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Enrica Cappelli 

Cell. 347 5158861 

enri01cap@alice.it 

Macchia viola, 2009, olio su tela, cm. 40x40 

Ortensie variazioni, 2010, olio su carta, cm. 40x40 

Nasce a Tizzana (PT), vive e opera a Firenze 

dove si è laureata in Economia e dove ha intensamente 

lavorato in settori importanti del 

Comune di Firenze: istruzione, cultura, urbanistica e 

successivamente in grandi aziende private. Affascinata 

da sempre dai colori e dal disegno ha studiato, 

ha tanto guardato e sotto la guida di Clara Carboni 

insegnante di pittura e disegno (Fortman studios attivo 

a Firenze fino al 2004) ha svolto un proficuo percorso 

didattico. Ora si dedica a tempo pieno a trasferire 

su tele e carte, con tecniche diverse dall’olio all’acquerello, 

dall’acrilico alla fusaggine, immaginazione 

e realtà. Tra le mostre personali, si ricordano: Il Viaggio 

(Hotel Athenaeum, Firenze 2007), Tela e Porcellana. 

La gioia del colore (Zone, Firenze 2007), Mostra 

alla Locanda del Castello (Sambuca Pistoiese 2007), 

L’Arte in altri luoghi (P.za Stazione - Studio Mineo, Firenze 

2009), Colore e spazio (Regione Toscana, Palazzo 

Bastogi, Firenze 2012). Ha partecipato a mostre 

collettive presso la Galleria Mentana (2010, 2011, 

2012 con l’ANLA) e al Concorso Città di Montecatini 

nel 2009. 

“Enrica Cappelli, dopo aver svolto brillantemente il 

ruolo di dirigente nella Pubblica Amministrazione del 

Comune di Firenze e nel privato, da oltre un decennio 

si dedica con totalità di intenti all’arte, affiorata negli 

anni della giovinezza, e perseguita in età adulta con 

esiti originali sia nella pittura che nella grafica. La 

personale a Palazzo Bastogi dal titolo “Colore e spazio” 

presenta un corpus scelto di opere che costituiscono 

la fisionomia matura di un iter produttivo felicemente 

intrapreso, nella messa a punto di un ricercato 

“racconto pittorico” che inscena atmosferici soggetti 

di vibrante e rarefatta fattura, in cui l’introiezione del 

mondo sensibile è veicolata liricamente grazie a trame 

e campiture compositive dal tocco vellutato. Campeggiano 

vedute dell’amato territorio toscano e di più 

ampio respiro mediterraneo, in cui emergono: delicate 

configurazioni di natura collinare, boschiva, valliva, 

punteggiata da silenti profili arborei; morfologie marine 

e lacustri del noto litorale tirrenico fino all’interpretazione 

di solarità insulari. L’occasionalità di viaggi 

compiuti in Libia, New York, Irlanda ampliano il raggio 

d’ispirazione verso nuove prospettive di rappresenta- 

56


Enrica Cappelli 

Siepe in campo magenta, 2009, olio su tela, cm. 70x60 

zione dello spazio e degli insediamenti umani al confine 

tra realtà e trasfigurazione immaginifica. L’uso 

sapiente e soffuso del colore - ad olio o acrilico su tela 

e su carta; diluito a macchia nell’acquarello - si flette 

a rispettare gli spunti realistici nell’evanescenza evocativa 

ed emozionale del brano ritratto o si accende in 

addensati ocra e magenta a reinventare il reale in iridescenze 

simbolico-introspettive. Il contatto rigenerante 

con la biodiversità e le sue forme induce l’artista 

ad avvicinarsi all’universo floreale mediante 

pastosi e trasognati effetti cromatici. Ritrae con predilezione 

vaporose corolle d’ortensie nella varietà 

delle nuances botaniche, in assorte e momentanee 

pause di un quotidiano arricchito da presenze ornamentali. 

Dalla soavità espressiva del colore si passa 

all’eleganza della grafica nell’ordito segnico a fusaggine 

che gioca con le intermittenze luministiche dei 

bianchi, decodificando con abilità e morbidezza visioni 

naturalistiche, intrecci vegetali, inusuali scorci metropolitani, 

per captare moderne dissolvenze paesaggistiche 

nella ripresa di forme in movimento, nuova 

tendenza d’avanguardia della sua variegata produzione. 

Particolarmente votata a dar voce ad una visionarietà 

attinta dal reale nel grande e piccolo formato, 

Enrica Cappelli è animata da un’industriosa creatività 

attenta ai valori tattili, appaganti, pacificanti del fare 

artistico che spalanca dimensioni percettive e contemplative 

dell’esistente in proiezioni dilatate dagli 

accenti mnemonici ed onirici”. 

Silvia Ranzi 

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Silvia Cardini 

Cell. 335 8365631 

Cell. +39 335 8365631 - silviacardini@libero.it 

Silvia Cardini è nata a Firenze dove ha iniziato la 

sua formazione artistica in parallelo con gli studi 

classici. I suoi primi interessi sono stati la 

scenografia teatrale e l’installazione. Nel 1995 si laurea 

in Filosofia con una tesi su A. Artaud e comincia a 

partecipare a concorsi e manifestazioni artistiche in 

Italia e all’estero (Portofranco, Firenze 1994; Nel cuore 

della ghiacciaia, Carpi 1997; To kiss a different heart, 

Fulda 1998). Si iscrive all’Accademia di Belle Arti 

di Firenze dove si diploma in Pittura nel 2004. Partecipa 

alle mostre: Il Mugello disegnato (a cura di A. Bimbi 

e G. Cordoni) e Diario Inciso (a cura di R. Ceccotti e 

A. Bimbi). È invitata alla rassegna di Cure d’arte curata 

da G. Caverni e L. Pezzatini: la mostra viene scelta 

per la pubblicazione del libro “Dialoghi Muti. Disegni 

di Silvia Cardini-Poesie di Marco Di Bari”. A cura del 

Q2 Comune di Firenze, 2004. Nel 2005 vince la borsa 

di studio in Grafica d’Arte presso l’Accademia di Belle 

Arti. Inizia ad insegnare alla Laba di Firenze e consegue 

l’abilitazione per la scuola media. Nel 2006 espone 

all’interno dei negozi e laboratori artigiani Riccardo 

Barthel a Firenze (Appesi d’Arte. Dipinti di Silvia 

Cardini-Installazioni di Elena Barhel). Disegna per manifesti 

e testi teatrali e partecipa alle mostre: I Cantieri 

del silenzio (a cura di M. Innocenti); L’altro sguardo 

(a cura di L. Bernardi e P. Ricci); La mano e il fiore, Seven 

Italian Artists (NCTU Gallery, Taiwan); Pittura: 

femminile, singolare, x4, (Galleria La Corte, Palazzo 

Antinori, Firenze). Nel 2007 espone nelle mostre collettive 

a cura di M. Pasquali: Oltre l’oggetto. Morandi 

e la natura morta oggi in Italia (Museo Michetti, Pescara) 

e L’alibi dell’oggetto. Morandi e gli sviluppi 

della natura morta in Italia (Fondazione Ragghianti, 

Lucca). Partecipa inoltre a: Tre (Palazzo Corsini, 2008) 

e Bildung (Galleria Tannaz, 2010). Espone nelle mostre 

personali: La grana delle cose a cura di A. Tempi 

(Montevarchi, 2008) e Attimi d’Interni a cura di D. Cresti 

(Firenze, 2010). Dal 2012 collabora con la Galleria 

Zweigstelle di Berlino. Vive e lavora a Firenze nella 

sua casa-laboratorio alla Nave a Rovezzano. 

Tulipani, 2012, pigmenti su tela, cm. 202x170 

“Nella pittura di Silvia Cardini vi è uno sguardo attento 

e profondo rivolto ai piccoli oggetti e luoghi vissuti 

della quotidianità che sembrano abbandonati ma che 

diventano parte di un mondo capace di suscitare emozione. 

Alla ricerca di tracce di una presenza umana 

che non compare, ma che si avverte, prende forma un 

narrazione per immagini che ricostruisce la realtà e 

l’immaginario della propria esistenza. 

Usa toni di colore delicati, una materia fatta di pigmenti 

naturali, che spesso contamina col bianco 

come se pennellate di memoria impastassero la visione 

reale. Dipingere è per lei instaurare un dialogo con 

le cose circostanti per mezzo di una rappresentazione 

a volte frammentaria, alleggerita da un’ironia e un 

distacco che ne rivela la loro intima essenza di cose e 

non di forme “. 

Tratto dai testi critici di A. Tempi e di D. Cresti 

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Marta Carlesi 

Abit.: via Pagliucola, 27 - Studio: via della Quiete, 7/B - 5100 Pistoia 

Tel.-fax 0573 367714 - Cell. 339 1852532 - martacarlesi@yahoo.com 

Albero autunnale, 1970, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce a Cagliari, ma vive e opera a Pistoia. Pur 

avendo seguito un corso di pittura alla Scuola 

d’Arte di Pistoia, con il pittore Umberto Mariotti 

e un corso di disegno e pittura all’Accademia di 

Firenze è in definitiva un autodidatta. Segue un periodo 

di intensa attività artistica durante il quale alterna 

la pittura all’attività di restauratrice. Le sue pitture 

sono dipinte dal vero realizzate con un linguaggio libero 

e spontaneo, in cui si stabilisce un rapporto fisico 

con la materia il cui effetto è sorprendente. È come se 

l’artista “ti afferrasse per mano e ti portasse dove li 

ha dipinti per condividere con te stessa le sensazioni 

che ha provato lei dipingendoli” (Carla Pacetti). 

Ha allestito mostre sia in Italia che all’estero: Norimberga, 

Monaco di Baviera, Meersburg presso il lago di 

Costanza ed Amsterdam. 

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Laura Casini 

Viale Morgagni, 12 - 50134 Firenze 

Cell. 348 9541373 - laura@lauracasini.net 

Il risveglio di Venere, 2010, olio su tela, cm. 100x70 

Vive e lavora a Firenze. Di formazione fiorentina 

il suo iter artistico è complesso e articolato. 

Ha sperimentato varie tecniche pittoriche, il 

modellato, la ceramica e l’incisione su linoleum. 

La sua pittura è tonale secondo i dettami della scuola 

fiorentina. Le sue opere si trovano in collezioni private 

italiane e straniere. È membro dell’Associazione Culturale 

“La Rosa d’Oro dell’Arte”. 

“Donne potenti, insomma, quelle raffigurate in queste 

opere, donne tanto libere, fluide, leggere, cedevoli, 

quanto forti proprio in virtù di queste magnifiche 

qualità, necessarie per risultare vincenti, per non 

soccombere alla quotidianità esasperante. Il fascino 

dei quadri di Laura, però, sta anche nelle cose misteriose 

che circondano le protagoniste, paesaggi reali 

o fantastici in certi casi simbolicamente capovolti 

segno che Laura ha, probabilmente, compreso il senso 

nascosto della vita: la nostra esistenza non è determinata 

solo da cose immanenti, visibili, tangibili, 

ma soprattutto da trascendenze che sfuggono alla 

nostra comprensione e ne determinano l’andamento, 

trascendente, comunque imprescindibili dal nostro 

vivere che contiene in sé un insondabile mistero. E 

possibile che Laura, con i suoi quadri, stia dando una 

risposta personalissima, ma anche molto vera ad uno 

dei più grandi quesiti che l’umanità si sia mai posta: 

“chi siamo, da dove veniamo, dove andiamo?”. Chi 

siamo? Materia e spirito: acqua, terra, fuoco, aria e 

luce…” 

Lucetta Risaliti 

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Laura Casini 

La Primavera, 2012, olio su tela, cm. 60x80 

“La pittura toscana d’oggi è viva. Giovani artisti sfidano 

i vecchi autorevoli di un tempo e si slanciano 

nell’arena. Ecco, per esempio, il caso di Laura Casini. 

Essa s’impone per un piglio tutto suo, fortemente toscano, 

ossia senza oleografie e preziosismi. Andrà a 

sbattere la testa nel realismo più retorico o addirittura 

nel miserabilismo? Ecco un errore che l’analisi precisa 

delle opere di Laura Casini ci impedisce di commettere”. 

Vittorio Abrami 

“Nei dipinti di Laura Casini, la figura femminile, spesso 

tutt’uno con il paesaggio e con la vegetazione, può 

leggersi come un rimando all’antico mito della Grande 

Madre, dea della fertilità e della vita, reggitrice del 

ciclo di morte e di rinascita, un mito il cui culto accompagna 

l’umanità sin dall’età della pietra e che nel 

corso dei millenni ha assunto molteplici aspetti, sempre 

però incarnando la vita nella sua polarità maschile 

e femminile. Un simbolo che Laura Casini interpreta 

richiamando i concetti della ciclicità delle stagioni, 

del principio femminile come origines mundi o della 

Pangea, grande massa originaria dalla cui separazione 

avrebbero tratto origine i continenti. Una pittura 

che si nutre di valori simbolici e che per questo cerca 

di allontanarsi da una rappresentazione fotografica e 

realistica dei soggetti per privilegiare l’irrealtà del 

colore, i rapporti non sempre armonici tra figura e 

sfondo, e far sì che l’elemento femminile emerga con 

i suoi significati altri. Su tutto domina un ponderato 

equilibrio di luci e colori che proiettano l’osservatore 

in una dimensione edenica, dove uomo e natura ritrovano 

l’armonia originaria”. 


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Eleonora Castagnozzi 

eleonoracastagnozzi@rocketmail.com 

Nasce il 14 giugno del 1974 a Carmignano in provincia 

di Prato dove tuttora vive. Nel 1992 si diploma 

in tecnica della grafica e della pubblicità 

all’istituto professionale L.Tornabuoni di Firenze dove 

inizia ad acquisire le prime conoscenze sulla fotografia. 

Dal 2004 al 2006 sostiene alcuni esami universitari alla 

facoltà di Lettere e Filosofia di Firenze per il corso di laurea 

Storia e Tutela dei Beni Artistici. Tra il 1994 ed il 2000 

lavora come grafica presso due agenzie pubblicitarie nel 

territorio pratese. Dal 2000 inizia il rapporto di lavoro con 

un’azienda di moda che ha base a Firenze. Nel 1995, con 

l’intenzione di approfondire i temi della fotografia, partecipa 

ad un corso presso il gruppo fotografico Il Pinguino 

di Carmignano di cui farà parte fino all’anno 2000. In questi 

anni apprende principalmente le basi del bianco/ 

nero, comprensivo di sviluppo e stampa. Con il gruppo 

partecipa ad alcune mostre collettive a Prato, Signa e 

Carmignano. Nel 1997 è presente con alcuni suoi scatti 

alla mostra “Il colore rosa” che si tiene a Prato. Dopo un 

periodo di pausa, con l’abbandono dell’analogico, nel 

2006 passa al digitale ed in particolar modo al colore. 

Dal 2009 inizia la passione per la ricerca di luoghi ed 

edifici abbandonati in Italia ed all’estero; i suoi scatti si 

dividono tra la solitudine e la decadenza degli ambienti 

“scoperti” e l’inserimento di figure umane a personalizzare 

la scena. Nel 2010, la sua foto “Tutti in carrozza!” 

viene selezionata per il concorso “100 persone per 100 

viaggi” dell’associazione Tokaghe ed esposta nella mostra 

collettiva di Firenze, e nel 2011 a Tokyo e Osaka. Nel 

2012 un’altro scatto, “You are to young to understand 

the world!”, viene pubblicato sulla prima edizione della 

rivista fotografica Stark-Magazine. È presente su diversi 

portali di fotografia online come Maxartis, Fotoblur e 

Flickr dove condivide i suoi scatti, scambia pareri e giudizi 

su tecnica e composizione con gli altri utenti/fotografi. 

The shadow, 2012, foto digitale, cm. 31x24 

Le sue immagini fotografiche ci raccontano l’abbandono 

di spazi, di luoghi ormai non luogo che certamente un 

tempo hanno avuto una storia, una loro vita, ma che oggi 

sono solo fatiscenti fantasmi di architetture lasciate alla 

corrosione del tempo. Eleonora tuttavia gli restituisce 

una loro dignità, una ragion d’essere, fisica e psicologica, 

usandole come location per nuove storie. L’artista rilegge 

questi spazi come una rivisitazione, siano esse 

fabbriche dismesse o chiese semidistrutte o quant’altro, 

compiendo al tempo stesso una operazione teatrale e 

poetica: quei luoghi diventano un’ambientazione per comunicare 

di ulteriori abbandoni, di ulteriori solitudini, 

come ci dimostra inserendo in essi figure assolutamente 

non casuali, non di passaggio, anzi decisamente contestualizzate 

sia nei costumi quanto nelle pose. Per Eleonora 

Castagnozzi fare fotografia è fare arte, non limitandosi 

a cogliere l’attimo bensì ponendosi a costruire un 

set: le sue protagoniste, spesso femminili, spesso dai 

toni anche un po’ dark, si impongono come presenze di 

memorie passate attraverso quei luoghi ed in essi trattenute, 

vite che li hanno attraversati consumandovi 

un’esperienza non priva di inquietudine. Così in “Bride & 

Decay”, la sposa è sola, il trucco forte, distrutto, quanto 

forte e distrutto è lo spazio della chiesa che ancora “abita”; 

così in “Presenze”, due bambine con un consunto 

pupazzo di pezza, quasi apparizioni e monito, testimoni 

di un doloroso vissuto che, al pari di “Face to face”, due 

sedie, una di fronte all’altra, tristemente ed inesorabilmente 

sfilacciate, rappresentano un dialogo ormai fattosi 

silenzioso. I suoi scatti, così calibrati, egregiamente 

costruiti, raffinati, ci porgono racconti di solitudine 

come recita la scritta che campeggia in una delle sue 

immagini, senza personaggi, che diviene particolarmente 

emblematica di questo suo percorso narrativo 

fortemente emozionale. 


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Leonarda G. Castelli 

Via Fratelli Bandiera, 4/F - 51100 Pistoia 

Studio: via Ciro Menotti, 8 - 51100 Pistoia - Cell. 339 1028920 

Di origine pugliese, è pistoiese d’adozione. Insegnante 

elementare, è stata Operatrice del Pistoia 

Ragazzi per la Sezione del “Fumetto e del 

Teatro”. Ha frequentato i corsi di Psicologia per Consigliere 

d’Orientamento presso l’Università del Sacro 

Cuore a Milano e l’Accademia Libera di Belle Arti di 

Firenze. Ha frequentato la Scuola di Incisione e Grafica 

Internazionale “Il Bisonte” a Firenze. Attualmente frequenta 

i corsi di Oreficeria e di Tecniche Antiche di 

pittura presso l’Accademia di Porta Romana a Firenze. 

L’artista è nel catalogo dell’Expo-Arte della Fiera Internazionale 

di Arte Contemporanea del 1978 a Bari. Pittrice 

(tecniche varie, in particolare acquerello cristallizzato, 

grafica, pirografia, encausto, ecc. …), affianca 

le proprie opere con la parola che si fa poesia, perché 

l’opera prenda maggiore forza e luce. Ha partecipato a 

numerosi concorsi e mostre di poesia e pittura, in varie 

città italiane e all’estero, ottenendo premi e segnalazioni 

in ambito nazionale e internazionale. È presente 

nel catalogo del Premio Cairo del 2011. 

Esplosione di gioia, 2012, tecnica mista materico, cm. 28x40 

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Stefania Catastini 

Via Francesco Cilea, 10/12 - 56028 San Donato/San Miniato (Pisa) - Cell. 380 5191173 

stefaniacatastini@hotmail.com - www.stefaniacatastini.it 

Stefania Catastini nasce nel 1971 a Fucecchio 

(FI). Laureatasi in Architettura, unisce alla libera 

professione, la sua passione di pittrice e fotografa, 

che coltiva fin dall’adolescenza; sperimenterà 

anche l’arte della performance usando il corpo. Il territorio 

di provenienza contamina l’artista nella realizzazione 

delle sue opere per le quali, affianca alla sua 

pittura di tipo FLAT, tecniche proprie del settore conciario: 

colori acrilici industriali, verniciatura a spruzzo, 

velatura a macchina e stampa a matrice. Dissolvendo 

il disegno, fa evadere la forma dalla materia, dipinge 

le emozioni dell’anima. Nei suoi volti s’intuisce grande 

energia e forza nel movimento. L’artista ritiene che il 

volto racchiuda in sé tutta la personalità: è il luogo 

d’incontro di grandi energie che sfociano nell’espressione. 

Il volto è un’analogia dell’intero apparato psicofisico, 

è l’unica parte del corpo che esprime la solidarietà 

tra forma visibile e spirito, tra corpo e anima. 

L’obiettivo è prendere a riferimento il volto per dare 

inizio ad una profonda indagine del sé volta a capire ed 

individuare le infinite sfaccettature dell’Io. Partecipa 

dal 1998 a tantissime collettive in tutta Italia, da Firenze 

a Pisa, da Livorno a Volterra, da Milano a Roma, 

Cagliari, Caserta, Verona, Olbia, Savona, Forlì. Nel 

2008-2009 ha tenuto diverse performance pittoriche, a 

Firenze (MIMESI, ispirata a “La Natività” di Romano 

Stefanelli), Livorno (“Camaleonte”, Effetto Venezia) e 

Lucca (“Contaminazioni”, Galleria Petrartedizioni, Pietrasanta; 

“L’incubo nello sfondo”, Spazio Open-Modern 

and Contemporary Art, Pietrasanta). Nel 2009 è 

selezionata come premio critica al Premio Internazionale 

La Pergola Arte piccolo formato, Firenze; nel 2011 

vince il 1° Premio al Museo del Giocattolo, Roma. 

D’IO n. 2 , acrilico su tela con velatura industriale, cm. 79x40 

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Ornella Cattani 

Via Repubblica, 1738 - 51023 Campo Tizzoro (PT) Tel. 0573 65763 - Fax 0573 658977 

Cell. 349 1335579 - sarstropapageno@interfree.it - r.prioreschi@virgilio.it 

19.09.2009, tecnica mista e acrilici, cm. 75x53 

19.9.2009 La pecora nel bosco è rimasta sola! Siamo 

noi, abitanti della Montagna che beliamo. 

Pochi, sparsi, vecchi, uggiosi, senza più alcuna rilevanza 

per il lavoro, impotenti dinanzi al degrado che 

ci circonda e illusi dai tanti imbonitori di turno che 

vorrebbero ammaestrarci con le tradizioni annacquate, 

condite con il solito ritornello dell’acqua e 

dell’aria buona. 

Questa la Montagna di oggi… una calma piatta 

squarciata solo da un lamento fine a se stesso, privo 

di progettualità, forza, capacità di attrazione anche 

perché in fondo questi luoghi, salvo che per il fresco 

d’estate e i funghi d’autunno, non sono più oggetto di 

interesse per l’intera classe politica. 

Nata a Campo Tizzoro sulla Montagna Pistoiese, 

studia a Firenze, consegue il diploma di 

Assistente Sanitaria e di Ostetrica. Pur avendo 

vinto svariati concorsi nei Comuni dell’ hinterland 

fiorentino preferisce svolgere la professione sulla 

Montagna Pistoiese e in qualità di Coordinatrice 

dell’attività infermieristica territoriale termina la 

carriera lavorativa. A quel punto inizia un’esperienza 

nel campo delle arti figurative dove, utilizzando materiali 

di riciclo, ha la possibilità di sperimentare la 

sua creatività, usando la fantasia come compagna 

del vivere quotidiano. 

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Ornella Cattani 

Donchi, 2008, Tecnica mista e acrilici, cm. 37x53 

Dedicato a mio marito, sognatore irriducibile, illuso 

imperterrito, curioso fantasioso, ma sempre ben 

piantato con i piedi per terra! 

Eureka, 2008, Tecnica mista e acrilici, cm. 37x53 

Senza fantasia siamo solo scheletri. Dentro di noi 

sono presenti tanti interruttori che aspettano solamente 

di essere attivati per innescare quella miccia 

con la quale la monotonia della quotidianità diventerà 

dirompente come una bomba. 

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Anna Cecchetti 

Studio: via Kyoto, 39/41 - 50126 Firenze 

anna.cecchetti@alice.it - anna.cecchetti.xoom.it 

Abbraccio (dalla serie Sensual), 2011, acrilico su carta, cm. 100x150 

Anna Cecchetti è nata a Pisa e risiede in Firenze. 

Dipinge da sempre ed espone dal 1960. Numerose 

sono le rassegne su invito e le mostre 

personali. Ha esposto a Parigi, Mosca, Monaco di Baviera. 

Sue opere si trovano nel museo di Varsavia, nel 

Telesiamuseum-Arte moderna e contemporanea di 

Reggio Calabria e in altre collezioni private e pubbliche. 

In questi ultimi anni si è dedicata a ritratti di artisti 

fiorentini e altri personaggi di rilievo. Tra questi 

citiamo il ritratto a Mario Luzi, a Gino Bartali (di proprietà 

del Museo del Ciclismo di Ponte a Ema), alla 

campionessa di sci Celina Seghi (che si trova presso 

l’Assessorato allo Sport della Provincia di Firenze), a 

Giorgio La Pira (collocato nel Convento di San Marco 

in Firenze). Nel 2008 ha realizzato undici grandi quadri 

sul tema Inno alla vita per l’Istituto Ospedaliero Piero 

Palagi di Firenze nell’ambito del Progetto Umanizzazione 

e Accoglienza dell’Azienda Sanitaria di Firenze. 

In tale Istituto dal febbraio 2010 sono in esposizione 

permanente 36 grandi ritratti di artisti, critici e poeti 

fiorentini. Altri spazi pubblici con opere in espozione 

permanente: Ospedale S.Giovanni di Dio (Torregalli), 

Ospedale SS.Annunziata (Ponte a Niccheri), Ospedale 

Meyer (Careggi), Regione Toscana, Comune di Fiesole, 

Comune di Orosei. Ha dedicato ampi spazi anche 

all’incisione, all’oreficeria, alla ceramica. Da oltre 

dieci anni esegue scultura a Pietrasanta nei laboratori 

artistici del marmo e crea gioielli in marmo con oro 

e pietre preziose. Tra le mostre personali degli ultimi 

tre anni : Museo Archeologico di Fiesole (2010); Galleria 

Mentana di Firenze (2010); Giubbe Rosse (2012); 

Gruppo Artistico Donatello (2012); Palazzo Vecchio- 

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Anna Cecchetti 

Abbraccio sotto albero al vento, 2012, marmo bianco di Carrara e marmo verde di Turchia, cm. 25x30 

Sala della Miniatura Firenze (2012); Hotel Esplanade 

di Viareggio (2012). Hanno scritto di lei tra gli altri: 

Pier Francesco Listri, Tommaso Paloscia, Elvio Natali, 

Anita Valentini, Ludovico Gierut. 

La pittura, la grafica, i ritratti e la scultura di Anna 

Cecchetti si sono sviluppate e continuano a prodursi 

in una straordinaria sete di conoscenza che stimola 

l’artista ad una ricerca infinita, a inseguire sempre 

nuovi aspetti delle sue invenzioni formali.Si tratta di 

una irrefrenabile vitalità intesa a esaltare i traguardi 

via via conseguiti e a sottoporne gli sviluppi a continue 

metamorfosi; a inserirli nel medesimo tempo in 

una logica sempre attenta perché non si distacchino 

dalla sottile coerenza che ne informa l’espressione. 

Una coerenza che tiene a specchio l‘uomo, la natura, 

le sue forme, i suoi colori. 

Tommaso Paloscia 

Con riguardo alla figura, notevole è il periodo dei Ritratti 

ad artisti, critici e poeti fiorentini passati dallo 

Studio dell’artista. I ritratti di Anna Cecchetti raccontano 

l’anima, cioè svelano le renitenze, le vocazioni, 

dichiarano le amarezze, sono l’annuncio di uno spirito 

e delle non dichiarate aspirazioni. Su tutti, per eminenza 

di modello, spicca il ritratto del grande poeta Mario 

Luzi, intimamente verosimigliante, una mano sul volto 

pensoso, l’altra sul foglio che accoglie i suoi versi, ritratto 

fascinosamente monumentale ma anche come 

dolcemente squassato da un fremito intimo. 

Pier Francesco Listri 

E infine le sculture, attraverso le quali Anna Cecchetti 

ci offre un ulteriore significativo saggio della propria 

intensa ricerca di emozioni. Le sculture in marmo, aldilà 

delle dimensioni - che sono di piccolo formato - 

hanno una monumentalità ove la sintesi della figura 

riesce ad esprimere i ritmi di una valenza sostanzialmente 

musicale, ulteriore testimonianza della radice 

classica e quindi profondamente fiorentina e colta del 

proprio vitalismo. 

Ugo Barlozzetti 

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Nunzia Celentano 

nunzy78@gmail.com 

La voce del silenzio, 2007, matita su cartoncino, cm. 50x70 

Empatia, 2007, matita su cartoncino, cm. 50x70 

Nunzia Celentano nasce a Firenze il 12/05/1978. 

Nel 1996 consegue il diploma in Belle Arti ma 

continua la formazione artistica in diversi studi 

d’arte fiorentini partecipando a varie mostre. 

Nel 2008 partecipa e vince il Fiorino di bronzo al concorso 

“XXVI premio Firenze”. 

Nell’ottobre 2012 partecipa al premio Il Segno con attigua 

esposizione al palazzo Zenobio di Venezia. A gennaio 

partecipa alla prima Biennale Internazionale d’Arte 

di Palermo con annessa pubblicazione sul catalogo 

nazionale e al premio Van Gogh città di Amsterdam. 

Settembre-ottobre 2012 pubblicazione sulle riviste 

bimestrali artistiche Effetto Arte e OverArt. 

Un pensiero sull’arte di Nunzia 

Il volto è ricerca, è dynamis, è rivelazione, è espressione 

dialogica, è comunicazione. Ma è anche un 

modo per guardarsi dentro, aprirsi agli altri. Mi sembra 

il caso di Nunzia. 

Tracciati con sapiente uso della matita - strumento 

difficile, a volte ingrato -, e dall’ottimo risultato, i volti 

di Nunzia invitano a riflettere, sia per la scelta dei 

soggetti sia per l’impaginazione talora originale 

dell’elaborato. 

Se Joyce nel suo Dedalus, se Dylan Thomas nel suo 

Ritratto di artista da cucciolo, se Proust nella sua Recherche 

(solo per nominarne alcuni), ci offrono in letteratura 

quadri straordinari della propria personalità 

mediando dalla memoria, i pittori più spesso si “mettono 

in posa”, si rivolgono allo spettatore con la traccia 

audace della propria mano. 

Nunzia invece ci racconta di sé narrando dell’altro. 

Lucia Bruni 

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Maya Cetkovic 

Cell. 338 4723616 

cetkovic.maya@libero.it - www.mayacetkovic.com 

Il fascino della magia, 2011, olio su tela, cm. 140x120 

Nata a Belgrado, laureata presso la Facoltà d’Arte 

di Belgrado nella sezione pittura (1984- 

1989), fa parte dell’associazione fiorentina Circolo 

Artisti Casa di Dante (Kpk - Cantiere Post 

Kontemporaneo). Molte le mostre realizzate negli anni, 

tra quelle del 2012 si ricordano: le collettive alla Casa 

di Dante, Arte in Vetrina con Vogue Fashion Night (Firenze), 

Art in the city (Iesolo, Svite Hotel); le personali 

presso l’Antica Corte delle Ninfe con il patrocinio 

dell’Unesco (Trapani) e la Galleria Casa Abitata (Firenze). 

Finalista al concorso di grafica Caran d’Ache (Giubbe 

Rosse, 2011), ha partecipato a numerosi concorsi di 

pittura posizionandosi tra le prime classificate. Tra le 

mostre realizzate in collaborazione con il KPK si ricordano 

quelle di Massa Marittima, l’installazione presso la 

Loggia del Grano (Firenze) in occasione della Giornata 

del Contemporaneo (2012), la mostra collettiva “Arte 

per la ricerca Fiorgen” prima alla Galleria degli Uffizi e 

poi al Museo Archeologico Nazionale di Firenze. 

“Nei dipinti di Maya Cetkovic il colore non può dirsi del 

tutto sottratto ai criteri della verosimiglianza e della 

figuratività, anche se l’uso che l’artista ne fa sembra 

volto a svelarne più la forza simbolica che l’attinenza 

naturalistica, soprattutto nella definizione degli sfondi, 

sempre carichi di una vitalità cromatica che, mentre 

nega la profondità, agisce sul sentimento e sull’interiorità. 

La tendenza ad inserire la figura entro un campo 

di forze creato quasi unicamente dalle combinazioni 

e dai contrasti di toni, sembra confermare una 

concezione del colore lontana dal voler restituire la 

“fisicità” del dato oggettivo, quanto le tensioni spirituali 

che intimamente lo muovono. Un passaggio, potremmo 

dire, dall’esteriorità all’interiorità, dal corpo 

alle energie spirituali che lo abitano e che prendono 

forma nelle accentuazioni cromatiche della superficie 

come nelle pieghe sottili della pelle, organo di senso e 

filtro tra l’uomo e la realtà”. 


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Antonella Ciapetti 

antonellaciapetti@yahoo.it 

Nata a Firenze, vive e lavora a Mercatale Val di 

Pesa (Firenze). Diplomata nel 1977 all’Istituto 

d’Arte per la Ceramica di Sesto Fiorentino (Firenze). 

Allieva di Marcello Fantoni presso la Scuola 

Internazionale per la Ceramica di Firenze, dal 1977 al 

1986. Ha partecipato a rassegne presso l’Università 

Europea di Fiesole (Firenze), 1987, al Centro Espositivo 

“La Torre” a Greve in Chianti (Firenze),1989, alla 

Galleria “La Soffitta”, Sesto Fiorentino (Firenze), 

2000, all’ “Ex Fornace Pasquinucci”, Capraia Fiorentina, 

2003. Ha ottenuto la Menzione Speciale al 2° Concorso 

Biennale Internazionale di Ceramica Artistica di 

Ascoli Piceno. Le sue opere sono presenti in collezioni 

private nazionali ed internazionali e sono in esposizione 

permanente presso la Galleria Materiacrea di Greve 

in Chianti, Firenze. 

Bottiglia tornita, terraglia smalto e ossidi, h cm. 65 

71


Nila Ciardi 

Via Ugo Foscolo,14 - 50053 Empoli (FI) - Cell. 334 602697 - 347 1914943 

tel. 0571 711722 - info@nilaciardi.it - www.nilaciardi.it - nila è su facebook 

Profili, 2011, acrilico su tela, cm. 70x70 

Nila Ciardi è nata a Cerreto Guidi (FI). Pittrice 

autodidatta, da circa 15 anni ha scelto di comunicare 

i suoi sentimenti attraverso emozioni 

interiori e attraverso emozioni che il paesaggio circostante 

le trasmette. Ha partecipato a diverse 

mostre collettive ed effettuato mostre personali riscontrando 

unanimi consensi di critica. 

Al centro della ricerca pittorica di Nila Ciardi è il senso 

del colore declinato in tutta la sua forza espressiva 

e accentuato in molti casi per rimarcare la trama narrativa 

del dipinto. È il paesaggio,esotico o campestre, 

il tema che piu’ degli altri le appartiene e che le consente 

un uso libero e personale del colore. Intriso di 

luce, acceso da forti contrasti cromatici, il paesaggio 

è per lei scenario dell’anima, dimensione percettiva 

che restituisce, attraverso ogni singolo dettaglio, la 

partecipazione emotiva dell’artista inducendo anche 

quella dell’osservatore. Sempre nell’ambito della 

sperimentazione condotta sul colore, si spiegano i 

suoi lavori più recenti, in cui la verosomiglianza del 

soggetto sembra ridursi e talvolta svanire per confluire 

in limpide “visioni cromatiche”. Della realtà resta il 

senso della forma e della linea, la coerenza dell’impianto 

visivo, la solidità dell’immagine; ma è sopratutto 

la tavolozza ad arricchirsi, non tanto nella varietà 

quanto nello spessore della sostanza cromatica 

che si fa piu’ corposa e densa a voler accentuare la 

maggiore componente materica che appartiene all’ultima 

fase della sua pittura. Fase che molto probabilmente 

evolverà verso il lessico pittorico sempre piu’ 

scevro dai vincoli dell’oggetività e del disegno e sempre 

piu’ incentrato sulla pura espressività del colore e 

della sua gestualità libera. 


72


Vanessa Cinelli 

vanessa.cinelli@libero.it 

Attesa, terracotta 

Vanessa Cinelli nasce a Empoli il 28 giugno del 

1984. Diplomata al Liceo Artistico Leon Battista 

Alberti di Firenze, si laurea poi in Scultura 

presso l’Accademia di Belle Arti del capoluogo toscano. 

Nel 2011 ottiene la qualifica in Stampa e Incisione 

Calcografica presso la Scuola Internazionale 

D’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze. Vive e lavora 

tra Empoli e Firenze. Scultura, incisione e pittura 

sono i suoi mezzi espressivi. La sua ricerca parte da 

uno studio della natura in tutte le sue forme fino ad 

arrivare ad un’astrazione di essa per mezzo di diverse 

tecniche che è in grado di sperimentare in libertà. 

Sia per quanto riguarda la scultura che la pittura o 

l’incisione i soggetti che predilige sono le figure 

umane, i loro corpi i loro volti, studiati dal vero oppure 

lasciandosi trasportare dall’immaginario. Non 

solo nel disegno, ma anche nell’incisione calcografica 

non utilizza quasi mai una sola tecnica, sperimentando 

varie tecniche, come l’unione di acquaforte 

puntasecca e bulino. 

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Francesca Coli 

Via Benedetto Fortini, 21\3r - 50125 Firenze 

Tel. 055 6811927 - Cell. 334 7630631- www.galleriamentana.it 

La collana, 2001, acrilico su tavola, cm. 60x80 

È 

nata a Firenze dove vive e lavora. Ha studiato 

disegno e pittura presso l’atelier della pittrice 

Nerina Simi e ha conseguito il diploma all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze nella sezione pittura. 

Numerose le mostre a cui ha partecipato; tra queste si 

ricordano Arte Fiera Palermo (1995), Miart (Milano 

1995); mostra collettiva di artisti fiorentini “Il Tassello” 

(Fiesole 1996); mostra personale alla Galleria 

Mentana (1998) con catalogo a cura di Paolo Levi; Expoart 

(New York 2000); Europe’Art (Ginevra 2001); 

Prospettive Collezioni 2000 (Galleria Mentana 2002); 

mostra personale al Cafè du Monde (Firenze 2002); 

mostra collettiva alla Stella Gallery International (Parigi 

2004). Le sue opere sono presenti in collezioni 

pubbliche e private. 

“Silenziose atmosfere metafisiche senza spazio e tempo, 

depurate dai tumulti effimeri della vita accolgono 

le riflessioni e le emozioni della pittrice, poetessa e 

stilista di moda Francesca Coli. Dotata di grande sensibilità, 

l’artista fiorentina da tempo ha intrapreso un 

caparbio percorso estetico dalle originali caratteristiche 

e dagli inaspettati risultati simbolici più che formalistici. 

Nascono così le sue opere che nell’assecondare 

il bisogno di narrazione si sviluppano nel racconto di 

una cortese e quieta dimensione intimistico-familiare, 

in cui presenze femminili dai perfetti ovali dei corpi, 

complici purezze dei giochi dei bambini o integerrimi 

ritratti di famiglia vengono colti senza retorica e senza 

subire giudizio, nei loro gesti quotidiani e privati. Come 

icone di un eterno presente dalle atmosfere magiche e 

dagli accenti retro queste figure sobriamente eleganti 

e leggere nei loro linearismi spesso private di caratterizzazione 

fisionomica, sembrano essere memorie di 

sogni e di ricordi lontani”. 

Barbara Angiolini 

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Elisabetta Collini 

elisa.collini@virgilio.it 

Il sogno, bronzo, cm. h 20x47x27 

“ 

I 

soggetti di questa artista non sono realistici, ma 

comportano una accampata e forte asseverazione 

simbolica, quasi silenziose parabole. Torna la figura 

muliebre, tanto insistita da apparire polemicamente 

esclusiva. Attorno un amicale bestiario - teste 

di uccello, cavalli - carichi di inspiegati presagi. Essi 

partecipano ad una scena, ben riconoscibile dell’artista, 

ma sempre nuova che trasferisce il domestico ed 

il consueto in una dimensione fuori del tempo. Perfettamente 

concluse secondo un’economia spaziale e 

costruttiva di notevole sapienza, le sue opere restano 

come aperte a un discorso appena pronunciato, che 

chiede a chi osserva di proseguire, per attingere dalla 

finzione il vero che la sottende. Dire dunque che l’atmosfera, 

il sogno, l’evocato, l’immaginario sono il 

mondo in cui si muove l’arte di Elisabetta è dire il vero 

ma non è dire tutto. Vince qui la forte presenza di 

un’espressività figurativa e di una manualità del modellare, 

che sono i segni di un’artista che si distingue 

nel panorama contemporaneo, di cui non condivide i 

vezzi e le voghe (...)”. 


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Giorgia Contemori 

Studio 2GC - via Ciro Menotti, 18 - 50136 Firenze 

Cell. 339 3629970 - giorgia_a.contemori@iol.it 

Fotografia bn, cm. 110x150 

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Giorgia Contemori 

La voce verde 

“Il vento che giocava spettinando il bosco, mi consegnava 

i nomi delle creature sfiorandole, e dondolava 

le altalene vuote dei “ragazzi dei Prati”, scompigliava 

le criniere e le code del branco e si divertiva con la 

polvere della strada in perfetti piccoli mulinelli. 

Lungo il torrente il sentiero. Gli alberi attaccati alla 

terra spingevano per gonfiare il loro verde. 

Salivo pesando i passi: e poteva essere un omaggio a 

te la pazienza che mi portava per arrivare alla sorgente 

- io l’avrei fatta tutta un volo -. 

I dormienti offrivano cappelle semicoperte dalle foglie, 

che le folate, svelavano. 

Tra cascate di edera sugli alberi marciti ci siamo incontrati. 

Il vento passa e soffia, rivelando alle creature che incontra 

la stessa legge mentre penetra il bosco, porta 

i semi alla terra, e gioca con la polvere della strada. 

Atmosfere tese, spazzate dal vento; tra quarzi e graniti 

consumati; strade per andare e tornare, e lo scrocchiare 

delle ghiaie sotto la cadenza del passo. L’acqua 

ha morso e frantumato l’antico sentiero, intrecciato 

alberi con alberi; enorme trama e ordito filato dalla 

furia del fiume. 

Il lentisco ed il corbezzolo ributtano ora foglie e fiori, e 

gli ontani spezzati hanno un giro di vita intorno. Il verde 

striscia e colonizza la terra persa e ricopre con menta 

profumata e fiori colorati d’indaco le sue fratture. 

Le tre sorgenti risparmiate dal rovinoso tracollare dei 

massi chiacchierano la loro acqua vestendo rane e 

girini. 

Respiro la folata dei mirti e dei rosmarini, e leggera 

volo col falco, che gira e gira fischiando la sua vita. 

Vengo da te che sei lontano, ho camminato per i miei 

non facili sentieri entrando in buche profonde erose 

dall’acqua; gli alberi abbattuti sono stati la mia scala. 

Ho sciacquato il colore delle more dalle dita ed immersa 

nelle pozze profonde ho sentito il gorgoglio 

pacato del tuo pensiero. 

Chi può rubare il vento, … dai graniti scarica qui 

l’odore del sole; l’ ho respirato ed era buono. 

Questa è l’anima di Giorgia Contemori, premiata fotografa 

fiorentina. I suoi ritratti d’albero trasformano la 

natura in un luogo di sogno, immagini ricercate che 

coinvolgono i nostri sensi e quel mondo ora da lei ci 

appare svelato. Inizia a scattare i primi paesaggi lunari 

nel silenzio dei boschi fiorentini, immagini senza 

tempo, soggetti quasi umanizzati. Un lavoro di completa 

immersione sensoriale; servono ore di attesa 

per catturare l’atmosfera giusta, cogliere i movimenti 

ed i suoni che servono al giusto risalto della fotografia. 

Le immagini sono frutto di viaggi e ricerche in Italia, 

ma seguiranno più tardi altri incontri e ricerche in 

paesi lontani.” 

Fiorella Macchioni 

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Marina Corbinelli 

Strada in Chianti (FI) 

Tel. 055 8588792 

Infinita violenza, tec. mista, cm. 50x70 

Ha avviato negli anni Settanta, come autodidatta, 

il suo percorso artistico come pittrice, caratterizzato 

dallo sperimentarsi in tecniche ricche e variegate 

(dall’olio all’ acrilico, dagli acquerelli al collage) 

e da numerosi premi e riconoscimenti. Dopo una interruzione 

di qualche anno, ha ripreso l’attività alla fine 

degli anni Novanta, come socia di Art-Art di Impruneta. 

Cromaticamente accattivanti, le sue opere ci invitano a 

soffermarci su ciò che la cronaca molto spesso ci presenta. 

Ma essa è, di per sé, fuggitiva, incalzata dalle 

tante notizie della società della comunicazione, e, del 

pari, è fuggitiva l’attenzione del lettore, dello spettatore. 

Le opere di Marina Corbinelli ci aiutano a soffermarci, 

a riflettere, a meditare sul tema che è il fulcro della 

sua ispirazione: la Donna nella Contemporaneità. Con 

un figurativo di immediata comprensione e, al contempo, 

ricco di significati simbolici, con l’accostamento di 

variegate modalità espressive, scopriamo il mondo di 

Marina Corbinelli, il messaggio che ci viene trasmesso. 

“Infinita violenza”: un’opera, suddivisa a “scomparti”, 

dal titolo emblematico e realizzata con tecnica mista. 

Particolarmente significativo il collage nella scelta di 

articoli di giornali che riferiscono di violenze fisiche e 

morali a donne indifese e che vengono accostati ad 

elaborazioni figurative. Decontestualizzati dalla pagina 

del quotidiano, essi assumono un significato simbolico 

profondo: sono ritagli di cronaca, ci raccontano di “ritagli” 

di vite femminili offese dalla violenza di mariti-padroni. 

Donne-burattino, come mostra il nucleo centrale 

della tavola, una figura “meccanica”, di cui Maria Corbinelli 

mette in evidenza le giunture, l’intreccio dei fili 

che il prepotente di turno ha l’arroganza di voler manovrare. 

Il volto del manichino è indefinito, indefinibile, 

La regina dei fiori, olio su tela, cm. 50x70 

ma i radi capelli che scendono sulle spalle simboleggiano 

angoscia, solitudine della Donna, dimidiata fra 

due Culture, pronta ad aprirsi ad ambedue (perché la 

Donna è, per definizione, accogliente in quanto Madre), 

ma mortificata in una tradizione, per lei opprimente, 

proprio da chi dovrebbe esserle compagno di vita e di 

scelte. Sapiente l’accostamento di queste crudeli cronache 

ad immagini ad olio che rappresentano fiori, 

farfalle, simboli di leggerezza e di serenità, di pace, di 

aerea femminilità. Ritroviamo queste atmosfere rasserenanti 

nell’olio su tela “La regina di fiori”, anch’esso 

costituito da “scomparti” con soggetti diversi ed ampliato 

nel suo significato e nel suo valore estetico proprio 

per il moltiplicarsi di immagini, tutte in sé compiute 

e tutte collegate fra loro, a coronamento 

dell’immagine centrale che rappresenta una figura 

femminile, “fiore” al centro di un altro fiore, di un rosa 

ridente e rigoglioso. Molte sono le contraddizioni 

dell’esistenza, i contrasti, le incerte felicità raggiunte, 

periclitanti “su fil di lana”, ma vanno affrontate, con 

consapevolezza, senza fughe consolatorie: questo ci 

dice Maria Corbinelli con “Le maschere della vita”: ancora 

una composizione a scomparti, quasi a sottolineare 

tutti gli aspetti del messaggio che ci viene trasmesso: 

figure simboliche accostate con tante variegate 

espressioni, di gioia, di perplessità, di enigmatica inquietudine; 

figure femminili che “convivono”, in abiti 

occidentali, insieme a donne velate dal burqa; figure 

eleganti e fiorite, a coronamento di una coppia, al centro, 

che sembra essere l’emblema della fiducia, nel 

raffigurare un “lui” e una “lei” che, consapevolmente, 

uniti e compartecipi, affrontano la vita insieme. 

Sonia Salsi 

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Jessica Corsi 

Vicolo delle Ginestre, 66 - 53018 Sovicille (SI) 

Cell. 339 8857211 - Tel. 0577 314604 - jessicacorsi@virgilio.it 

Lavori in corso, 2013, olio su tela, cm. 50x60. Opera ispirata all’opera fotografica di Federico Ghelli 

Jessica Corsi nasce a Napoli il 24 giugno del 1968 

e si trasferisce subito a Taranto, dove già appassionata 

d’arte, vince diversi concorsi di pittura. 

In Toscana, terra d’origine, si laurea in Scienze Economiche 

e Bancarie con il massimo dei voti all’Università 

degli Studi di Siena. 

Studia recitazione e frequenta un corso di pittura dal 

maestro Renzo Regoli. 

- Vince l’edizione 2010 dell’estemporanea di pittura di 

Castelnuovo Berardenga; 

- presenti dal 2010 le sue opere nell’Atelier fotografico 

di Antonio Noto a Favignana, Trapani; 

- la sua opera intitolata “Orizzonti” è nella mostra 

“Panorami da Bellegra”, dell’omonimo comune in provincia 

di Roma; 

- del 2010 la personale nel Comune di Casole dedicata 

ai “Luoghi dell’anima”. 

“La Toscana è fonte continua d’ispirazione, come l’incanto 

delle nuvole, la luce dell’alba e il mare, la sfida 

è trovare uno stile riconoscibile e intrappolare l’emozione 

sulla tela, come in una fotografia, un lampo di 

luce nell’ombra, un riflesso” 

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Daniela Corsini 

info@danielacorsini.it 

www.danielacorsini.it - www.archeovisioni.it 

Larthia, 2010, stampa su tela di una rielaborazione digitale da 

foto dell’artista, cm. 85x55 

Daniela Corsini è l’iniziatrice del Filtrismo®, movimento 

di fotografia pittorica sviluppato a Firenze 

nei primi anni di questo secolo. Il suo 

percorso artistico l’ha vista partecipe in numerose mostre 

collettive e protagonista di personali di grande 

interesse. Tra i momenti più significativi si ricordano 

anche le numerose partecipazioni al Premio Italia, organizzato 

dalla rivista “Eco d’Arte Moderna”, che hanno 

visto il suo lavoro premiato in ciascuna edizione. È 

del 2009 il catalogo “Daniela Corsini o del Filtrismo ”, 

a firma di Paolo Boschi. Da segnalare la personale “Archeovisioni”, 

ospitata nel 2010 nelle sale del Museo 

Archeologico Nazionale di Firenze, incentrata su una 

originalissima interpretazione di dodici pezzi che rappresentano 

l’eccellenza del Museo. Catalogo edito da 

Sillabe, ancora a firma di Paolo Boschi. Nel 2011 la 

personale “RI-frazioni - visioni filtriste di Firenze e della 

sua provincia” si è tenuta a Palazzo Medici Riccardi 

di Firenze: nella mostra, sviluppata in stretta collaborazione 

con l’Assessorato al Turismo della Provincia di 

Firenze, l’artista ha presentato visioni inconsuete di 

Firenze e di altri pregevoli centri della provincia. Il 

2013 vedrà “Archeovisioni” spostarsi a Bruxelles, 

presso l’Istituto Italiano di Cultura, con nuove interpretazioni 

di tesori etruschi ad accompagnare quelle dei 

reperti celebrati al Museo Archeologico di Firenze. 

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Angela Crucitti 

Cell. 349 8698792 - angelacrucitti@gmail.com 

www.angelacrucitti.com - http://www.youtube.com/watch?v=teJKlpjXyFw 

Città turrita o Cavalli in corsa (il Palio), 2001, tecnica mista su tela, cm. 80x60 

Laureata in Lettere e specializzata, poi, in Storia 

dell’Arte presso l’Università di Siena. Ha frequentato 

per tre anni a Torino i corsi tenuti dalla 

pittrice Lella Burzio (allieva di Menzio). Oltre a varie 

collettive, ha al suo attivo numerose mostre personali 

(Siena, Venezia, Roma, Firenze), e diverse fiere in Italia 

(Padova, Viterbo, Reggio Emilia) e all’estero (Austria, 

Belgio, Usa, Cina, Corea). Le sue opere sono in 

raccolte pubbliche in Italia e in collezioni private in 

diverse parti del mondo. Il fondo oro della pittura antica 

ha sempre affascinato Angela Crucitti , sia per la 

preziosità della sua materia, sia per la ricchezza della 

sua luce, ma, soprattutto, per il suo significato simbolico. 

Nella tradizione bizantina e, poi, gotica, il fondo 

oro ha un preciso significato emblematico di rappresentazione 

del paradiso, dell’illuminazione e della 

Luce divina. Nelle opere di Angela questo concetto 

astratto viene reinterpretato in maniera moderna, con 

un linguaggio personale che è un misto di modernità 

e di antico. Il fondo oro diventa sfondo ed essenza di 

architetture da sogno, di antiche mura cariche di storia, 

di possenti torri, che si colorano dell’azzurro del 

cielo, del verde dei prati e dei colori delle stagioni. 

Con il colore oro dato con la spatola, l’artista costruisce 

splendide città turrite, preziose abbazie, vetrate 

scintillanti, cattedrali cesellate come antichi reliqua- 

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Abbazia di San Galgano, 2000, tecnica mista su tela, cm. 50x40 

ri, profili di città evanescenti. Angela, nella sua pittura, 

riecheggia Mondrian, nelle superbe costruzioni, 

saldamente costruite pietra su pietra e ben ancorate. 

Reinterpreta, invece, Monet nelle architetture di luce 

e di colore, la cui materia si sgretola, si scioglie e si 

dissolve, mostrando in questa dissoluzione la fragilità. 

Le città turrite divengono, così, costruzioni sospese 

in una dimensione fuori dal tempo. Tra matericità e 

leggerezza, dalla pittrice vengono affrontati i grandi 

temi connessi a queste opere architettoniche: le cat- 

82



Torri, 2001, tecnica mista su tela, cm. 100x80 

tedrali, frutto dello sforzo umano di diverse generazioni, 

rappresentano l’anelito dell’uomo di andare 

sempre più su, di innalzarsi verso il divino; le torri, 

sempre più alte, oltre che simbolo di potere, rappresentano 

la sfida umana contro il tempo e la caducità 

terrena e rimandano alla realtà attuale delle metropoli. 

La matericità di queste opere non è dissimile da 

quella della serie “meteoriti” in cui l’artista, libera da 

schemi ed in maniera informale, rappresenta l’intangibile 

e l’energia cosmica. 

83



Meteorite rossa, 2003, tecnica mista, cm. 80x100 

84


Maria Teresa D’Adamo 

Cell. 331 6428794 

dada.mt@libero.it 

Panni al vento, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Artisticamente nasce alla “Scuola d’Arte Leonardo” 

di Prato. Dopo aver espresso la sua 

creatività attraverso la scultura, l’incisione, la 

serigrafia artistica e la letteratura, da diversi anni si 

dedica al teatro e alla pittura ad olio. Nei colori intensi 

e nelle forme armoniose cerca di trasferire la sua 

forza interiore ed il suo amore verso la natura e verso 

una umanità vera e tangibile. Nel suo percorso artistico 

ha partecipato a mostre collettive, personali e a 

diversi concorsi, ottenendo premi e riconoscimenti. 

85


Maria Teresa D’Adamo 

La retaia, 2011, olio su tavola, cm. 50x60 

Quando si parla di Maria Teresa si può parlare apertamente 

di “poetica” perché in Maria Teresa convivono 

due anime: la pittrice e la poetessa. I colori e le 

immagini delle sue opere ci riconducono ad un passato 

della civiltà rurale i cui connotati grafici si legano 

alle reminescenze di artisti quali Van Gogh e Gottuso 

che hanno vissuto questa realtà in un periodo 

diverso dal nostro. 

Maria Teresa, ha quindi il coraggio e la capacità di 

proporsi come innovatrice di un linguaggio che era 

stato affrontato da due artisti, che seppur lontani nel 

tempo, hanno riempito le loro tele con altrettanta poesia, 

ed è a questo punto che l’artista ci propone un 

linguaggio personale, con segni a volte nervosi oppure 

morbidi e voluttuosi, con colori contrastanti che si 

diluiscono in una tavolozza che sente il caldo del sud 

e i profumi delle terre mediterranee. 

I soggetti si riempiono di uomini e donne semplici, i 

cui gesti lenti e arcaici si legano all’attività del momento, 

mentre la natura ora dolce o contorta e sofferta, 

si lega alla mano dell’uomo che ha contribuito a 

coltivarla seguendo il suo sviluppo come una madre fa 

con i propri figli. 

Gerardo Gelardi 

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Adriana D’Argenio 

Via Orcagna, 54 - 50121 Firenze - Tel. 055 669236 

adrianadargenio@gmail.com - www.adrianadargenio.jimdo.com 

Angelo sulla tomba di M. Perugi, 2010, cimitero di Trespiano (FI) refrattario bianco, patinato a cera, cm. 50x45 

Adriana D’Argenio nata a Benevento il 3 aprile 

1951 vive e lavora a Firenze, laureata in Lingue 

e Letteratura Straniera. Ha sempre avuto la 

passione per l’arte, passando dall’astratto al figurativo 

sperimentando varie tecniche: iconografia sacra 

con tempera a uovo su tavola gessata, manipolazione 

della creta con opere in terracotta e robbiana (allieva 

di Amalia Ciardi Duprè), decorazione su ceramica 

(presso il Laboratorio Offic-Lab). In occasione del Giubileo 

del 2000 è stata ricevuta dal Santo Padre Giovanni 

Paolo II, al quale ha donato una sua opera. Ha 

partecipato a numerose mostre collettive e personali. 

Sue opere, sono in alcune chiese fiorentine, in Italia e 

all’estero, tra cui, tre tavole della Via Crucis con l’associazione 

Tabula Picta in Sant’Ambrogio Firenze. Ha 

ricevuto giudizi critici da: Arcangela Tosco, Attilio Cicchella, 

Silvia Ranzi, Franca Molinaro. 

87


Adriana D’Argenio 

Tra questa immensità s’annega il 

pensier mio e il naufragar me dolce 

in questo mare (G.Leopardi), 2009 

tempera grassa su compensato 

gessato, cm. 50x80 

Ninfee, 2012, piatto in ceramica decorato a ingobbio, diametro cm. 30 

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Sabrina Danielli 

Cell. 339 8615512 - daniellisabrina@libero.it 

http://sabrinadanielli.blogspot.it/?view=flipcard 

Senza titolo, 2012, tecnica mista polvere di ferro, cm. 60x40 

Nata a Siena nel 1963, frequenta le scuole 

d’arte e nel 1984 inizia una ricerca frequentando 

i seminari di Analisi Collettiva di Massimo 

Fagioli a Roma. Questa ricerca che continua 

ancora oggi ha guidato e coinvolto non solo il suo lavoro 

ma anche i rapporti e le scelte di vita. Dal 1986 

ad oggi ha esposto opere di pittura, scultura ed istallazione 

in numerose rassegne culturali; alcune opere 

sono presenti in collezioni pubbliche e private. Ha 

inoltre ideato e condotto laboratori per bambini collaborando 

con associazioni, cooperative e scuole pubbliche. 

Ha realizzato in varie occasioni scenografie, 

illustrazioni, allestimenti di mostre. Attualmente lavora 

come insegnante di scuola dell’infanzia. Le sue 

opere sono prodotte con costante libertà e movimento, 

assemblando materiali più disparati: legni, tele, 

colori, ceramiche, tubi, reti, sportelli dismessi, maniglie, 

come elementi biomorfici in un continuo processo 

di metamorfosi, dalla potente carica espressiva, 

che travalica anche lo spazio della tela. Come afferma 

Paolo Sirianni, “La pittura è la sua danza, il suo 

teatro, la sua scrittura. Il suo grido. Un racconto autobiografico 

dove la pittura è anche il suo corpo, il volto 

e i capelli, le mani, le gambe che dicono della sua 

identità, del suo essere donna, del fare creativo, del 

procedere a passo sicuro attraverso le incertezze e i 

mutamenti di una vita […] non è nè figurativa nè 

astratta, usa materiali dell’arte povera ma non ha 

niente a che fare con la medesima […] i quadri di 

Sabrina creano nella mente di chi li osserva e li ama 

una sensazione musicale e i suoi lavori visti in successione 

sembrano a volte una sfida alla ineluttabile 

fissità dell’immagine visiva diventando elementi che 

si muovono nel tempo […] la linea gioca un ruolo essenziale, 

trascorre da un’opera all’altra, costruendo 

segni e muovendo le correnti della grafia”. 

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Gloria De Marco 

Cell. 349 2252904 

stargategloria@gmail.com - www.stargategloria.org 

Tigre bianca del Bengala, acrilico e carboncino colorato su tela, cm. 80x80 

Gloria De Marco nasce a Chivasso (To) ma vive e 

lavora a Firenze. Apprezzata artista autodidatta 

esegue scenografie dipinte, ritratti personalizzati 

e si distingue per opere di animali, paesaggi e 

soggetti religiosi, interpretati con forza espressiva di 

segno e colore. Ha fondato l’organizzazione Stargategloria: 

una porta verso la Luce www.stargategloria. 

org con la quale devolve una parte del suo ricavato ad 

importanti progetti di solidarietà. È inserita nel Catalogo 

del 5° Premio Internazionale Arte Laguna (2011). 

“Immagine vivida di una tigre bianca del Bengala in 

via di estinzione, potentemente descritta secondo valori 

cromatici e lineari nella ricerca stilistica di Gloria 

De Marco proiettata verso nuove frontiere sperimentative 

di figurazioni innovative e identitarie per nuovi 

stili del pensare e dell’abitare”. 

Silvia Ranzi 

90


Stefania De Ninno 

Cell. 328 7374676 

creart@inwind.it - inpuntadicolore.blogspot.com 

Particolarmente intensa la sua attività espositiva 

dal 1999 ad oggi con rassegne e personali 

quali: Convegno Nazionale di Musicoterapia, 

opera su commissione Maternage, Comune di Prato, 

Premio Morbidelli, 4° posto ex equo, personale Linee 

di suono all’american Bar Bella Blu di Firenze, Festival 

“Terra Futura”, Fortezza da Basso, Firenze, opera 

su commissione “Suono in nascita”, Esposizione annuale 

presso “La Fioraia” nel cortile di viale Mazzini 

a Firenze sui temi della natura, personale Colori in 

concerto presso i locali della Fioraia, Festival della 

Creatività, Fortezza da Basso, Firenze, in rappresentanza 

delle attività didattiche del Comune di Firenze, 

rassegna “Quartetto d’Astrazione” a Cerbaia (Firenze), 

XXIV “Premio Italia per le Arti Visive”, Certaldo 

(premio cartolina con l’opera Attesa), Festival “5 

Giornate - Milano”, personale “Note di colore” presso 

“46 S. Spirito” a Firenze; in occasione della festa 

dell’associazione “Rive Gauche” di via S. Spirito esegue 

in estemporanea l’opera Gioia con la musica di 

Allevi “Prendimi”, espone inoltre alla Caffetteria 

Chiaroscuro di Firenze, in collettiva all’associazione 

“Gadarte” di Firenze e alla mostra per il 50° anniversario 

della stessa associazione; vince il terzo premio 

“Medaglia di Bronzo” al “Premio Firenze” ed è nel 

2013 alla collettiva “Linfa Nuova” di Gadarte. 

“Stefania De Ninno e le sue linee, i suoi volumi, le sue 

immersioni di colore. Di un pittore siamo soliti credere 

che egli riporti in tratti leggibili un universo di immagini, 

quelle del mondo e quelle del sogno; che i suoi segni 

contornino forme preesistenti nella realtà e nella 

mente. Uno speciale leopardiano fingersi nel pensiero. 

Stefania, invece, ci sorprende, perché la sua pittura 

nasce dalla linea, in virtù della linea, che scaturisce dal 

punto, si anima, si muove, vive e respira sul foglio e 

sulla tela, genera forme, prima di ogni intenzione e progetto. 

Un incontro proustiano della memoria, forse. O 

un montaliano dischiudersi della solarità. Oppure la riemersione 

di un inconscio rasserenato e risolto. La 

musica in questo segreto processo è complice grande. 

Ogni ondulazione, curva o spirale, ogni balzo e ogni 

Gioia, cm. 90x90 

sgretolamento del segno obbediscono alla spinta 

dell’emozione di qualche canto e melodia, di qualche 

turbinosa sequenza sonora che si trasformano nelle 

pastosità cromatiche che caratterizzano le opere di 

questa originale artista. Ma oltre ad essere l’abile maestra 

di volumi che vediamo nelle sue tele, chi è Stefania 

De Ninno? Laureata in Lingue e Letterature straniere 

a Pisa nel 1985, frequenta il Centro d’Arte Martenot 

facendo suo, in formula nuova, il metodo di insegnamento 

pedagogico delle arti grafico-plastiche, che le 

permetterà di offrire a bambini e adulti laboratori creativi: 

non solo l’arte può essere insegnata, ma la creatività 

di ciascuno può essere accesa o liberata dai torpori 

del gesto quotidiano. Il linguaggio delle parole è solo 

uno degli strumenti di suono e di segno che l’uomo può 

usare per dire la meraviglia di essere al mondo. Innumerevoli 

alfabeti si compongono intorno a noi e parlano 

ai sensi: alfabeti tattili, olfattivi, dimensionali, volumetrici, 

di gusto, di luce, che Stefania De Ninno sa 

tradurre in volumetrie dinamiche e tocchi di pigmento. 

Particolarissime sinestesie che trovano nel tema della 

maternità la più incandescente delle soluzioni”. 

Fatima Mariucci 

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Angela De Nozza 

Via di Colle Ramole, 4/B - 50023 Impruneta (FI) 

Tel. 055 2326030 - Cell. 338 4312270 

Un’altra luce 

“...interminati 

spazi di la da quella, e sovrumani 

silenzi, e profondissima quiete 

io nel pensier mi fingo...“ 

(L’infinito) 

Giacomo Leopardi 

Angela vive nella splendida campagna fiorentina 

della Certosa, in un luogo solitario, silenzioso e 

perfettamente ordinato. Lavora nella “casina” 

tra gli alberi, sorvegliata dal mastino napoletano Elia. 

È proprio l’albero, elemento caratteristico e inesorabile 

del paesaggio, a svolgere un ruolo speciale nei 

suoi dipinti divenendo prezioso punto di riferimento 

per rinsaldare il legame tra il suo animo e l’anima della 

natura. 

l paesaggi e la figura umana immersa in una atmosfera 

naturale divengono protagonisti misteriosi del suo 

simbolico contenitore di spazi muti e incontaminati e 

gli alberi si offrono come un riposo dei sensi attraverso 

la presentazione di una vista gradevole. Talvolta si 

sostituiscono all’uomo e assumono l’aspetto di rifugio; 

anche se privi di fronde continuano a essere un 

sostegno in quanto elementi del ciclo naturale di vita. 

Altre volte è la stessa natura che si impossessa delle 

sembianze umane prendendone l’aspetto: non più 

una rappresentazione dell’oggetto reale dunque in 

“Fra qualche giorno partirò da qui” dove le pieghe delle 

rocce e il trattamento del modellato, combinato con 

un senso di mistero, pur in una visione improntata al 

realismo, descrivono un sensuale corpo di donna che 

gli anni hanno maturato. La sua sensualità è compressa 

tra le mura e vuole liberarsi dalla stretta? 

Sebbene pronta per un viaggio di ritorno nella memoria, 

per raggiungere luoghi lontani dalla realta, indefiniti 

e come sospesi in un’attesa silenziosa, Angela 

non parte, crea piuttosto un mondo che non esiste, ma 

che è presente nella sua mente quando medita su memorie 

di gusto surreale e metafisico. Non teme il trascorrere 

del tempo. Anche il presente è astrazione 

dallo spazio fisico e incanto di luoghi incommensurabilmente 

ampi che desiderano e promettono il mare. 

A conoscenza della storia dell’arte, della letteratura, 

delle scelte iconografiche degli altri artisti (ama in 

Riposano le colline, 2007, olio su tela, cm. 120x100 

particolar modo la personalità di Georgia O’Keeffe e i 

suoi oli degli anni trenta e quaranta) mantiene la sua 

individualità con assoluta determinazione, provando 

continuamente a piegare la natura ai suoi voleri, a 

dominarla e a modificare la realtà non facendosi influenzare 

neppure dai luoghi in cui ha vissuto. Impone 

la sua visione spirituale e si avventura con passione in 

atmosfere solitarie e intime e quel paesaggio presentato 

con quell’ordine immutabile, in qualche modo 

davvero le assomiglia. 

Si esprime con un forte senso di autocontrollo e con 

fiducia in se stessa, proponendosi come l’antitesi di 

creatura vulnerabile. è capace di scegliere la memoria 

e il presente per creare nuove e penetranti immagini. 

Per cogliere l’essenza della realtà ha creato un nuovo 

universo e un’altra luce affiora sulla scena, il tempo si 

fa più lento e la solitudine meno grande. 

Ornella Casazza 

Storica dell’Arte, già direttrice del Museo 

degli Argenti di Palazzo Pitti in Firenze 

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Deanna A.C. 

Via N. Machiavelli, 62 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 976985 

Raucedine, 2006, tecnica mista, cm. 60x80 

Pittrice autodidatta, vive e opera a Pistoia. Dipinge 

dal 1969 rappresentando “un mondo che si 

rivolge verso tutto quello che la circonda, verso 

dipinti costruiti cerebralmente con atmosfere magiche 

nei quali si perde la nostra immaginazione… Deanna 

ha anche affrontato la realtà delle malattie: non con 

una lettura fatta di malinconia e dolore, ma con un 

tono fatto di ciò che dopo il male speriamo torni e cioè 

la vitalità e la gioia ritrovata di vivere”. 

Bruno Cosignani 

“Una pittura di forte impatto visivo quella di Deanna, 

il cui approccio energico della materia interpreta realisticamente 

i momenti di vita vissuti dall’artista, manipolati 

con estrema disinvoltura e immediatezza interpretativa”. 


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Marzia Di Marco 

Via Filippo Pacini, 15 - 51100 Pistoia 

Cell. 348 5847300 

Marzia mentre dipinge una riproduzione su una borsa 

Vive e opera a Pistoia. Dopo aver conseguito il 

diploma di Arte Applicata (Arte dei Metalli e 

Oreficeria) presso l’Istituto d’Arte di Pistoia, si 

laurea nel 2006 alla Facoltà di Architettura (Corso di 

Laurea in Progettazione della Moda, sezione Oreficeria). 

Il suo percorso di formazione continua e si perfeziona 

presso la bottega del maestro Silvio Mazzantini 

a Montelupo Fiorentino. Affianca la passione per la 

pittura a quella per la danza e frequenta per 25 anni il 

corso di Danza Classica diretto dal coreografo Loris 

Gai, presso la scuola “Centro Arti Danza” di Pistoia. 

Insieme a suo padre, Nevio Di Marco, realizza: il Palio 

dei Casati per Le Piastre (2005); il Palio per la Giostra 

dell’Orso di Pistoia (2007) e 35 formelle in terracotta 

policroma raffiguranti la storia di Pinocchio. Attualmente 

collabora con suo padre alla realizzazione di 

ceramiche robbiane ed esegue su richiesta riproduzioni 

pittoriche di qualunque genere su borse e tessuti. 

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Grazia Di Napoli 

grazia.dinapoli@alice.it 

graziadinapoli.jimdo.com 

Grazia Di Napoli ha lavorato come insegnante 

nelle Scuole materne di Empoli (FI) città dove 

tuttora vive. L’approccio alla pittura è avvenuta 

da pochissimi anni, ed ha trovato in essa un modo divertente 

di esternare le proprie emozioni con colori e 

forme, che ritraggono il mondo circostante. Ha partecipato 

a moltissime collettive, concorsi ed eventi; ottenendo 

premi e lusinghieri riscontri di critiche e di 

pubblico. Mostre personali: Cerreto Guidi (FI) presso 

le “Cantine Verdi” nel 2009; Montespertoli (FI) presso 

“Enoteca Paolini” nel 2010; Empoli (FI) Circolo Arti Figurative 

“Il Ghibellino” 2012; Montespertoli (FI) presso 

il locale “Le Botti di Aspasia” 2012; Sovigliana 

Vinci (FI) “Hotel da Vinci” 2012; Montelupo Fiorentino 

presso il centro commerciale “Val di Pesa” 2012. Hanno 

scritto per lei: Sergio Nardoni, Manrico Testi e Daniela 

Pronestì. 

Sogno, fantasia e colori: il titolo che Grazia Di Napoli 

ha scelto per la sezione della mostra a lei dedicata 

interpreta perfettamente i contenuti visivi della sua 

pittura, il suo universo variopinto e ricco di suggestioni 

che nascono dalla realtà ma che il sogno trascolora. 

Non c’è uniformità nei temi rappresentati, perché 

ogni cosa - dalla figura agli animali, dal paesaggio 

agli oggetti inanimati - suscita la sua curiosità e il desiderio 

di trasporla pittoricamente sulla tela. Della figura 

- soprattutto le donne - le interessa restituire lo 

strato visibile delle emozioni, quelle “luminose” che 

affiorano sul volto quando “si accende” un sorriso o ci 

si abbandona alla gioia di un abbraccio, ma anche 

quelle più malinconiche che attraversano il nostro 

Semplicemente bella, olio su tela, cm. 40x60 

sguardo ogni volta che ci soffermiamo a meditare sul 

senso dell’esistenza. Della natura la colpisce, invece, 

la vita semplice delle cose: i fiori recisi e raccolti in un 

vaso, le conchiglie sulla riva del mare, gli animali che 

condividono lo spazio dell’uomo. 


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Cosetta Di Pietrantonio 

cosettadipietrantonio@yahoo.it 

Inverno innevato, 2012, olio su tela, cm. 45x45 

Cosetta Di Pietrantonio vive e lavora a Empoli. 

L’interesse e l’amore per il disegno e la natura 

hanno sviluppato in lei caratteristiche riconducibili 

ad una pittura figurativa, meticolosa, molto curata 

nei minimi particolari. Ha allestito nel corso degli 

anni molte personali e collettive, ottenendo 

numerosi riconoscimenti. Segnalata al “Premio Italia” 

nel 2005, 2007 e 2009 e alla “Pro Lastra” Signa 

2010, con relative premiazioni. Recentemente ha ricevuto 

il quinto premio per “la Spiga d’argento” a 

Montespertoli. Ultimamente ha allestito una personale 

a Montecatini Terme presso “La casa del Pittore 

e dello Scultore”. 

“Un paesaggio puro, scevro da presenze umane; solo 

il cuore silenzioso della natura e il mistero impenetrabile 

delle sue periodiche trasformazioni: è questo il 

tema dei dipinti proposti da Cosetta Di Pietrantonio 

che focalizza il suo interesse sui soggetti naturalistici 

non per sfuggire all’uomo e ai suoi disagi, ma per ritrovare 

nella madre terra l’origine prima di ogni cosa. 

Le metamorfosi delle stagioni, raccontate con accuratezza 

di dettagli e con la poesia che sempre si accompagna 

ai ritmi della vita che si rinnova, può leggersi 

quale simbolo delle tante imperscrutabili trasformazioni 

dell’animo umano a cui non manca alcuna 

sfumatura:dalle tinte fosche di un paesaggio invernale 

ai forti contrasti che accendono un viale alberato in 

pieno autunno, fino alle luci terse e cristalline di un 

cielo estivo. Vibrazioni interiori che mutano di pari 

passo con le stagioni della vita, e ogni passaggio accresce 

e consolida lo spessore dei ricordi. Tutto ciò è 

espresso nei suoi dipinti soprattutto attraverso i colori, 

accostati in forza del contrasto piuttosto che sfumati, 

ma sempre luminosi e percorsi da una sottile 

armonia, la stessa che regola le fasi cicliche dell’esistenza 

dell’uomo e della natura”. 


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Mimma Di Stefano 

Cell. 330 548800 

domenica.distef@virgilio.it 

Donna con gatta, busto scultoreo in creta, cm. 40x35x28 

Nata a Pizzoli, in provincia dell’Aquila, vive e 

lavora a Firenze. Biologa, si dedica da molti 

anni alla scultura ed è stata allieva dell’artista 

Amalia Ciardi Dupré. Ha partecipato a numerose 

mostre collettive. 

“Da oltre un decennio Mimma Di Stefano si dedica con 

passione all’arte scultorea, conducendo un discepolato 

presso lo Studio-laboratorio della nota artista fiorentina 

Amalia Ciardi Duprè da cui ha mutuato la tecnica 

di manipolazione dell’argilla e del gesso alla 

ricerca di personali ideazioni. Affascinata dalla duttilità 

della creta dà corpo a trasognate raffigurazioni che 

veicolano il suo mondo interiore con semplicità ed immediatezza 

di contenuti, ruotando attorno alla sfera 

dei sentimenti più vivi e genuini. Il culto degli affetti 

familiari rappresenta una delle fonti ispirative che 

sensibilmente trapela dalle figure, dal morbido modellato, 

di persone care ritratte in alcove vegetali dagli 

accenti simbolici nella dinamica del fluire del tempo, 

assaporato e ritmato dalle incalzanti stagioni della 

vita. Il ritratto, nella modalità del busto o in assoli scultorei, 

è uno dei generi che l’artista interpreta con interesse 

per restituire insieme alla fisicità dei lineamenti 

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Mimma Di Stefano 

Tramonto su borgo abruzzese, bassorilievo in creta policroma, cm. 40x58 

la resa psicologica del carattere nella ritualità del ricordo 

- busto dedicato “alla madre” - o nella riproposizione 

di un presente che porta con sé volti di amici e 

conoscenti nelle trame relazionali. La sublimazione 

dell’amore di coppia è suggellato da torniti intrecci 

corporei di piccole o medie dimensioni dai lirici abbracci 

nella celebrazione sponsale della vita che si 

perpetua nell’attrazione della polarità maschio -femmina, 

talora declinato nella complicità del quotidiano. 

Significativi sono i bassorilievi che costituiscono un 

rievocativo omaggio alle sue origini abruzzesi: se la 

veduta di un borgo paesano offre, nella policromia su 

creta, l’atmosfera vivida del crepuscolo; dall’altra la 

felice prospettiva angolata dell’antico casale di famiglia, 

emblema della casa-nido di pascoliana memoria, 

si raccoglie attorno alla corte dagli ombreggianti pergolati. 

La disposizione ad un’assorta malinconia sino 

al vagheggiamento di nuove libertà da esplorare - l’altorilievo 

“In Volo”- rappresentano i moduli espressivi 

cadenzati su cui si sviluppa il racconto lirico in terracotta 

di Mimma Di Stefano che nelle sue opere dà 

voce ad un’intimità di vissuti, oggettivati dalla plastica 

addittiva e sottrattiva nella manipolazione delle forme, 

ora lasciate a crudo ora impreziosite da patinature 

lumeggianti o bronzee”. 

Silvia Ranzi 

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Tania Donati 

Via Gramsci, 49 - 56023 Navacchio (Pisa) 

Cell. 331 1300767 - estaartemusic1@virgilio.it 

Nasce a Cascina (PI) il 21 giugno del 1973. Ha 

studiato a Pisa dove si è laureata 1999 con 

lode in Economia Aziendale. Dipinge soprattutto 

olio su tela, tecnica da lei preferita. Da un percorso 

di studi artistici ‘liberi’ iniziato nel 2003-2004 

alla IAA di Roma- Rome University of Fine Arts, ha 

presentato le sue tele ad una estemporanea a Livorno 

al Premio Rotonda 2008, alla Fortezza Vecchia di Livorno 

a Natale 2008, a Effetto Venezia di Livorno 

nell’estate 2009, ed ha partecipato alla mostra alla 

Leopolda di Pisa a primavera 2009. Inoltre ha partecipato 

con le sue tele al XXVII Premio Firenze 2009 per 

sezione arti visive in Palazzo Vecchio di Firenze (2009), 

a PisArt a Pisa Expo 2010 alla Stazione Leopolda di 

Pisa a marzo 2010, ed è stata pubblicata sull’agenda 

2010 Artisti della Toscana edizioni Pegaso. Ha partecipato 

al Malastranafestival di Cascina (Pisa, 2010) 

ed è stata premiata con il Trofeo delle Fiandre in Belgio 

a Bruges (2010). Inoltre ha partecipato nel periodo 

pasquale 2011 alla mostra a Palazzo Gambacorti del 

Comune di Pisa con l’associazione culturale Fortezza 

Meraviglia di Livorno e nel periodo dal 18 gennaio al 

1 febbraio 2011 al Salone internazionale de Inverno 

2011 a Barcellona con galleria d’arte di Firenze Centro 

Storico, come da rivista Accademia n.6 del dicembre 

2010. Nel 2012 ha partecipato alla mostra del 

Premio della Lupa 2012 al Palazzo Pontificio Maffei 

Marascotti di Roma con l’associazione culturale Rosa 

dei Venti. Tania traspone sulle sue tele l’immagine più 

entusiasta e solare di ciò che ci circonda tutti i giorni, 

la natura. 

“Attraverso un linguaggio espressivo e delicato, la 

pittrice sviluppa la sua ricerca artistica in sintonia con 

il paesaggio che sensibilmente racconta. Nella rap- 

Fiori in Blu, 2012, olio su tela, cm. 40x50 

presentazione di un uliveto toscano, l’artista focalizza 

la sua attenzione su un lembo di terra e si ricongiunge 

intimamente con una natura rasserenatrice. L’ulivo è 

simbolo di pace, ma la sensazione di serenità è prodotta 

dalla capacità della pittrice di equilibrare la luce 

con le ombre. Il suo linguaggio è caratterizzato da gesti 

semplici ma densi di amore per quel che ritrae”. 

Liliana Nobile 

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Elena Facchini 

Studio: Via Santa Reparata, 12 - 50129 Firenze 

Cell. +39 334 8686251 - elenafacchini11@gmail.com 

Giuliano, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

Infinito, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

Elena Facchini ha compiuto i suoi studi al Liceo 

Artistico Leon Battista Alberti di Firenze, città 

nella quale è nata e vive da sempre. Successivamente, 

ha frequentato alcuni corsi di Storia Moderna 

all’Università di Firenze. Inizia la propria carriera 

artistica nel 1990 presso lo studio di Foresto 

Marianini. Dimostrando grandi doti fin dagli inizi, ha 

riprodotto opere dei più grandi artisti italiani, usando 

tecniche molteplici, dall’olio alla tempera, dall’acquerello 

alla china. Nel 2004 apre il suo studio in via 

della Stufa, dedicandosi inizialmente al trompe-l’œil 

e alla decorazione murale per committenze private. 

Nel 2007 inizia ad insegnare Tecnica del disegno e a 

dedicarsi a tempo pieno alla pittura. Nel 2008 collabora 

con l’editore Vittorio Giudici come illustratrice di 

libri. Partecipa al Premio Terna per l’Arte Contemporanea 

nel 2010 e nello stesso anno vince il primo Premio 

Giubbe Rosse in occasione del centenario del 

Futurismo. Nel 2010 espone con una personale a Firenze, 

a cura di Laura Gensini, presso la casa/galleria 

di Elisabetta Martelloni. Fonda l’Associazione Culturale 

“Lascio il Segno” con l’intento di promuovere 

attività artistiche per adulti e bambini. Nel 2011 partecipa 

al Concorso Caran d’Ache, organizzato per i 

150 anni dell’Unità d’Italia, ed uno dei suoi disegni 

viene inserito gli archivi dell’azienda. Elena Facchini 

nel 2012 viene invitata negli Stati Uniti per la sua prima 

personale all’estero. La mostra, dal titolo Renaissance 

Memories, a cura di Laura Gensini, si è 

tenuta presso la Historical Library del Mechanic Institute 

di New York. Tele ed acquerelli mostrano l’eredità 

del Rinascimento fiorentino nella poetica della 

Facchini. Nel 2012 espone alle Giubbe Rosse una serie 

di opere su carta che documentano la passione 

dell’artista per il mondo classico, dal titolo Invenzioni 

dall’Antico, a cura di Laura Gensini. 

100


Elena Facchini 

Guerrieri, 2012, tecnica mista su carta, cm. 70x50 

La pittura di Elena Facchini scaturisce spesso da una 

profonda indagine del passato, rivisitato in chiave contemporanea. 

È una pittura gestuale unita ad una capacità 

analitica straordinaria. L’artista sparge prima di 

tutto il colore e ne osserva le forme, alcune delle quali 

rimangono en reserve, cioè a risparmio e in questi vuoti 

e pieni scorge l’elemento che fa partire il suo lungo 

percorso verso la realtà e la sua definizione. Usando il 

pigmento con irregolarità, creando sgocciolature che 

corrono sulle superfici, ci riporta all’imperfezione del 

mondo attuale. Talvolta è quasi un approccio steineriano 

nell’uso del colore, che una volta diffuso sulla carta, 

dà all’artista un’anticipazione della forma sulla quale 

lavorerà strenuamente, dimostrando capacità pittoriche 

rare, che si allacciano alla sua precedente attività 

di realizzazione di riproduzioni dei grandi nomi dell’arte. 

Nelle sue inondazioni di colore la forma si determina 

così come nel caos si sublima il cosmos. I suoi gesti 

primitivi abbracciano la modernità e le sue incertezze. 

Quando la Facchini stende i pigmenti sul foglio, inevitabilmente 

ci riconduce a Goethe, alla sua “Teoria dei 

Colori”, all’azione morale e alle sensazioni oggettive 

suscitate nell’anima dai colori stessi. Nella sua pittura 

dunque c’è una forte spinta interiore prima di ogni altra 

cosa, alla quale si aggiunge un’indagine attenta della 

storia. La memoria come destinazione di una ricerca 

che si intride di presente e diventa l’unica formula per 

ridare vita alla lingua dell’arte. Esplora dunque il passato 

come un bacino inesauribile che la fa riflettere sul 

mondo contemporaneo. Quello stesso mondo, che 

spesso è descritto nei suoi toni più crudi dagli artisti di 

oggi, nei quadri di Elena Facchini si trasforma in equilibrio. 

Tecnicamente l’artista rispetta i canoni della pittura 

e dei suoi metodi tradizionali, dimostra capacità 

nel disegno quando si concentra sul dettaglio, come se 

volesse ribadire costantemente la sua “fiorentinità”. 

Riafferma dunque la regola dell’arte in un’epoca in cui 

è sempre più raro il ricorso alla lezione cenniniana. 

Laura Gensini 

101


Mara Faggioli 

Abitazione e studio: Largo dei Mille, 6 - 50018 Scandicci (FI) - Tel. 339 3594145 

marafaggioli@hotmail.it 

Solidarietà, 2004, terracotta, cm. 160x40 

Nata a Firenze, vive a Scandicci da trent’anni. 

Fin da giovanissima ha iniziato a scrivere poesie 

ed in seguito si è appassionata alla scultura 

e alla pittura, tre espressioni artistiche che sente 

vivere abbracciate dentro di sè. Ha frequentato lo studio 

di Amalia Ciardi Duprè e di Lucetta Risaliti. Nella 

pittura predilige la figura femminile, mentre nelle 

sculture affronta il tema del mito, della solidarietà e 

fratellanza fra i popoli. Tra i premi ricevuti: “Fiorino 

d’oro” per la poesia 2004, “Fiorino d’argento” per la 

scultura 2007, Premio “Donna Città di Scandicci” 

2011. Tra le pubblicazioni che la riguardano: “Dedicato 

a Lorenzo” Ed. Helicon 2001, “Piuma Leggera” Ed. 

Fiorenza - I sogni delle donne, 2010, olio su tela, cm. 100x80 

Masso delle Fate 2004, “Dulcamara” Ed. Ibiskos 2010. 

Sue opere si trovano in collezioni private in Italia, Germania 

e Canada ed in permanenza presso i Comuni di 

Firenze, Montelupo F.no, Castel S.Niccolò, Greve in 

Chianti, Colonna (Roma) e presso la Basilica Superiore 

di S. Francesco di Assisi. 

102


Mara Faggioli 

Forse neppure i sogni, 

più lievi e più leggiadri, 

nati nelle notti 

palpitanti di stelle, 

hanno ali 

così leggere 

come il pensiero di te 

che m’accompagna 

e mi toglie 

il respiro. 

Mara Faggioli 

Dalla raccolta poetica “Piuma Leggera” - Ed. Masso delle Fate 

“Fiorino d’oro” per la poesia edita al Premio Firenze-Europa 2004 

Erato Musa della Poesia, 2008, bronzo, cm. 12x10x h 25 

“L’universo femminile è il fil rouge tematico su cui 

ruotano le competenze creative di un’artista sensibile 

e versatile, impegnata su una pluralità di registri 

espressivi poesia, scultura, pittura. Raffinata poetessa 

e fine scrittrice in prosa fin dall’inizio della sua brillante 

attività artistica il verseggiare fluido e sognante, 

pregnante di sentimenti umani evocati con 

delicatezza e forza propositiva ha trovato nel linguaggio 

della scultura il suo più congeniale parallelismo 

figurativo, contraddistinto da un morbido modellato di 

natura idealizzante che spazia dalla figura femminile 

a soggetti simbolici evocanti temi sociali, multiculturali 

e ambientali”. 

Silvia Ranzi 

“L’innegabile fascino di questa autrice consiste nella 

scioltezza di un’umanissima voce che crea un buon 

sistema di corrispondenze con riguardo alla magia ed 

al colore, cosa che è in simbiosi con il fatto dell’essere 

scultrice e pittrice di Mara Faggioli, protesa in prodigiose 

forze nell’ansia di esprimersi in spinte di grande 

vitalità”. 

Lia Bronzi 

“Le terrecotte di Mara Faggioli, siano volti o gruppi, o 

figure, non hanno mai la staticità asimbolica del ritratto 

o della silhouettes fine a se stessi, che, pur offrendosi 

incondizionatamente ad una musicalità raffinata, 

a un’ideologia formale di gusto raro, non 

pretendono altro che questo. No, perché Mara Faggioli, 

pur dedicandosi al figurativo, e non solo, si riallaccia 

al pensiero geostorico, spesso mitologico, 

scegliendo naturalmente le storie più simbiotiche 

alla visione psichica attuale”. 

Duccia Camiciotti 

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Cristina Falcini 

Studio e abitazione: via F. Margheri, 3 - 50038 Scarperia (FI) 

Cell. 380 5323791 - cristinafalcini@alice.it 

Girasoli, 2009, olio su tela 

Cristina Falcini è nata a Prato il 6 gennaio del 

1964. Autodidatta, nel 1985 conosce il pittore 

livornese Pier Luigi Boldrini che pittura dal 

vero, questi la fa partecipe della sua arte, da quel momento 

anche lei intraprende la pittura dal vero. Nel 

1987 espone a Prato la sua prima personale, da allora 

seguono molte altre mostre, tra Scarperia, Rufina, 

Agliana, Faenza, Bologna, Fiesole, Cerreto Guidi partecipando 

anche a molte collettive ed estemporanee 

ottenendo discreti successi di critica e di pubblico in 

particolar modo per il cromatismo, la rappresentazione 

dello spazio e la profondità prospettica. Nel 1991 

conosce il pittore Giulio da Vicchio con il quale instaura 

un’amicizia e la rende partecipe di alcuni insegnamenti 

e critiche: “Da alcuni suoi dipinti specialmente 

di grande respiro noto doti non comuni che lasciano 

intravedere possibilità di ottimi risultati. Desidererei 

che il pubblico che avrà il piacere di visitare la sua 

mostra notasse quelle doti di sincerità, di purezza, di 

voglia di fare che contraddistinguono la sua pittura”. 

Giulio da Vicchio, dicembre 1992 Agliana 

104


Anna Fazzi 

info@annafazzi.it 

www.annafazzi.it 

Neve, 2010, tecnica mista su tela, cm. 60x60 

Nasce l’11 febbraio 1947 a Firenze, dove vive e 

lavora. 

“Nella sua ventennale attività espositiva ha 

raccolto notevoli consensi per la professionalità con 

cui si dedica alacremente alla pittura, attingendo a 

piene mani i soggetti preferiti dal contatto diretto, rasserenante, 

con la natura. Nella registrazione lirica del 

reale, accanto agli assemblaggi di fiori e frutta che 

hanno caratterizzato il suo esordio, la tecnica principe 

che domina da anni il suo interesse visivo-percettivo è 

il paesaggio, vissuto con immedesimazione ed interpretato 

secondo un’ampia casistica di progettualità 

visive. La sua ricerca estetica è pervenuta a risultati di 

singolare maturità e salda impaginazione compositiva 

grazie allo studio dal ‘vero’, nell’attenzione ai valori 

spaziali e luministici del territorio toscano nella sua 

varietà orografica e paesistica. Attraverso un’evoluzione 

graduale il suo ‘ductus’ pittorico ha conosciuto 

una fase iniziale più descrittiva, per approdare ad una 

rinnovata essenzialità della struttura fenomenica con 

progressiva ‘erosione’ del disegno mediante l’apporto 

di dense trame coloristiche a macchia o a grande ambientazione. 

La sua cospicua produzione artistica si 

situa nell’alveo della Tradizione paesaggistica toscana 

che da Soffici arriva fino a Scatizzi, emancipandosi 

totalmente dai connotati accademici, per accogliere le 

ascendenze di una tecnica post impressionistica, contraddistinta 

da una sintassi figurativa di un’intensa 

vigoria plastica e cromatica aperta alle moderne suggestioni 

’informali’” 

Silvia Ranzi 

Ha sviluppato le sue esperienze artistiche presso i 

‘Laboratori pittorici’ seguiti dal prof. Franco Bugatti. 

Ha frequentato corsi di incisione presso la Scuola ‘Il 

Bisonte’ di Firenze. Recensioni sulle sue opere sono 

state pubblicate su riviste a tiratura nazionale come 

Pegaso e Segni d’Arte da Pier Giovanni Permoli, Silvia 

Ranzi, Franco Bugatti. Le sue opere si trovano collocate 

in Italia, Francia, Irlanda del Nord, in collezioni pubbliche 

e private. È iscritta come Socio Artista al ‘Circolo 

degli Artisti Casa di Dante’ di Firenze e all‘Antica 

Compagnia del Paiolo’ di Firenze. 

105


Anna Fazzi 

Paesaggio, 2011, tecnica mista su tela, cm. 80x80 

EMOZIONI “EVERGREEN” 

Un coerente stile pittorico qualifica l’attività produttiva 

di un’artista come Anna Fazzi impegnata da anni 

nella realizzazione di opere contraddistinte da uno 

slancio vitale nei confronti della natura, amata e ritratta 

sotto i riflessi di una calda luce mediterranea nel 

culto della biodiversità, con particolare riguardo per la 

genuinità delle terre di Toscana rivisitate con intensa 

partecipazione evocativa. Declivi collinari silenti offrono 

orizzonti panoramici nell’ariosità di solari atmosfere, 

elargendo sensazioni rigeneranti nella cornice di 

spazialità distensive. Flora e fauna, parte integrante 

delle aperture paesaggistiche o riprese in ravvicinati 

campi visivi, si iscrivono nella risonante fisicità del territorio 

o negli habitat adeguati al pulsare della vita. 

Stato solido e liquido della materia restituiscono sulle 

tele una densa e pastosa tavolozza nell’universalità 

delle forme biologiche che inducono a ricercare la sintonia 

con il tutto secondo una dimensione olistica. 

Nella delineazione del profilo di un albero, nel gruppo 

di mucche sorprese al pascolo, nelle flessuose silouettes 

di semplici pesci rossi, lo sguardo esercita la sua 

intimità, ludico si sofferma nel recupero di bioritmi 

salutari, riconoscendo la varietà e l’incessante dinamismo 

dell’esistente. Il polimorfismo naturalistico 

magnetizza l’interesse di un’artista attenta ad interpretare 

i valori percettivo-emozionali di suggestivi 

scorci paesaggistici nell’avvicendarsi delle stagioni, 

nell’ampia gamma dei trapassi luministici propri del 

mutare meteorologico. Nell’intenzionalità lirica di 

Anna Fazzi la natura, come risorsa, diviene dunque 

emblema pittorico, nel ridisegnare ecosistemi da tutelare 

per restituire all’uomo quegli spazi corroboranti 

per lo spirito che possano arginare la foga ipertecnologica 

dell’era postmoderna. Le accensioni cromatiche, 

la corposità delle trame a spatola e a pennello danno 

forza propositiva ad un’arte che si specchia nelle aperte 

campagne e nelle rigogliose masse boschive per 

carpire il respiro antico o eco primigenio con la madre 

terra, giardino planetario da custodire. 

Silvia Ranzi 

106


Sabina Feroci 

www.sabinaferoci.com 

info@sabinaferoci.com 

La maleducata, 2011, carta e pasta di carta su metallo e carte colorate, h. cm. 100 circa 

Il suo percorso artistico Sabina Feroci lo ha avviato 

come illustratrice. Si è diplomata all’Istituto d’Arte 

di Firenze, poi ha frequentato l’ISIA di Urbino e successivamente 

si è laureata all’Art College dell’University 

of Ulster a Belfast specializzandosi in illustrazione. 

Da tempo la pittura e la scultura sono diventati i 

suoi canali espressivi prediletti. Sono state numerose 

le mostre all’estero: in Francia, in Spagna, in Messico 

e ripetute volte in Germania. Ha realizzato personali 

anche in molte città italiane e nel 2011 ha esposto nella 

sede regionale torinese della Biennale di Venezia. 

La Feroci svela la sua precedente attività di illustratrice 

per quell’incantevole abitudine alla sintesi e alla 

fantasia, fidati strumenti esplorativi per affrontare l’indagine 

delicatissima che porta alla riscoperta di 

quell’insieme di percezioni e di emozioni che chiamiamo 

sentimenti. Le sue figure, che nella forma tendono 

a ricercare un’idea di purezza, diventano la rappresentazione 

di un modo d’essere così radicato nella personalità 

che si manifesta grazie alla fresca spregiudicatezza 

della spontaneità. 

Samanta Monco 

107


Sonia Fiacchini 

Abit.: Via G. Oberdan, 58 - Studio: Via Fra le Torri, 4 - 52100 Arezzo 

Tel. 0575 299961 - Cell. 349 5518315 - www.soniafiacchini.com - soniaulisse@alice.it 

Un secchio di ruggine, 2011, olio su tela, cm. 40x50 

Sonia nasce il 4 agosto del 1964 ad Arezzo, dove 

vive e lavora. Fin dall’infanzia è circondata 

dall’arte, di uno zio pittore e dei disegni del padre 

e si avvicina dunque alla pittura e al disegno in 

giovane età, ma solo da adulta trova la sua “rotta“, 

dopo essere passata attraverso diversificate esperienze 

per la conoscenza delle tecniche antiche e di decorazione, 

frequentando botteghe di restauro, studi di 

maestri pittori ed anche corsi presso l’Istituto Artistico 

di Anghiari. Il suo percorso inizia con volti di anziani 

dallo sguardo ironico, ragazzi di colore che sono nel 

nostro Paese, con i loro sguardi fuggenti ed incerti, 

ragazze adolescenti che volgono i loro pensieri oltre il 

muro, esprimendo uno stato d’animo interiore. Oggi 

come ieri gli occhi di Sonia osservano la realtà quotidiana: 

cantieri edili, fusti vuoti ed abbandonati, guerre 

di potere... Durante la sua ricerca espone in collettive, 

estemporanee, fiere, premi ed alcune personali. Nel 

2012 una sua opera ha avuto il Premio del presidente 

della Giuria al XXX “Premio Firenze”. 

108


Sonia Fiacchini 

Bidone blu, 2011, olio su tela, cm. 60x90 

“...Sonia ritrova dunque in queste nuove “nature silenziose” 

simboli e risultati più immediati della nostra 

società, inerti fisicamente inanimati che, considerato 

il notevole potenziale narrativo, lei ritrae ancor più 

fissi e alteri in una realtà di stasi quasi atemporale. Di 

conseguenza, nessuna funzione didascalica della prima 

ora: a che servirebbe? Il messaggio, intellettualmente 

pregnante, sottende al giudizio estetico 

dell’occhio; e a questo si attiene: a un impatto visivo 

che fa della mimesi assoluta - e della sorpresa, ovviamente 

- i suoi cavalli di battaglia. Sonia Fiacchini dipinge 

dunque i suoi soggetti anti-classici ripescandoli 

da cantieri in disuso e abbandonati, da vecchi 

distributori di benzina, da cataste metalliche in dimenticati 

sfasciacarrozze, termine ormai desueto segno 

evidente del tempo che passa: attori che lei non 

rinfresca con una mano di vernice, vestendoli a festa, 

ma che si limita a comporre nel modo più “naturale” 

possibile. Seguendo due scelte ben definite: la prima 

di ordine assolutamente tecnico - e Sonia è pittrice 

finissima del “più vero del vero”; la seconda, come già 

scritto, di matrice intellettuale: tali sono gli scarti della 

nostra società; quindi quelli devono essere i soggetti 

della nostra pittura aulica.” 

Francesco Mutti 

109


Veronica Filippi 

www.artisticamenteitalia.com 

veronica.filippi@libero.it 

Nudo femminile, 2003, acquerello su carta, cm. 18x12 

Veronica Filippi nasce a Pisa il 25 aprile 1973. 

Laureata nel 2001 in Storia della Critica d’Arte, 

fa uno stage presso il Museo Leonardiano di 

Vinci dove ha la possibilità di conoscere studiosi e 

critici di fama internazionale. Fin da piccola risulta 

essere molto sensibile al fascino dell’arte e realizza i 

suoi primi disegni ancora prima di andare a scuola tra 

lo stupore e la gioia di tutta la famiglia. 

Durante l’adolescenza si appassiona sempre di più 

alla musica, al teatro, alla fotografia e soprattutto alla 

storia dell’arte. 

Dal 2003 espone ufficialmente le sue opere, partecipa 

a personali e collettive in giro per l’Italia. Durante 

la sua prima mostra un estraneo e appassionato rimane 

folgorato da un suo acquerello raffigurante un 

nudo femminile. Da quel momento Veronica dipingerà 

solo nudi di donna ispirandosi soprattutto all’arte di 

Amedeo Modigliani. Nel 2004 lavora con Chiara Riondino 

all’allestimento dello spettacolo e della mostra 

personale presso Villa Corsini di Firenze. Le sue opere 

sono state pubblicate nel volume Dizionario Internazionale 

di Arte Moderna e Contemporanea. 

110


Floriana Flore 

Via Fratelli Bandiera, 37 - 51100 Pistoia 

Cell. 338 4487871 

Libera nel vento, 2008, scultura in gesso, cm. 50 di altezza 

Si forma artisticamente a Firenze dove frequenta 

il Liceo Artistico e l’Istituto d’Arte di Porta 

Romana, imparando varie discipline da sbalzo, 

modellato, disegno dal nudo, incisione, litografia, xilografia. 

Si dedica inoltre da sempre a tecniche antiche 

di pittura e scultura. È un’artista poliedrica, ma è 

nell’incisione su rame e zinco che raggiunge risultati 

pregevoli, realizzando litografie, acqueforti, maniera 

nera, acquatinta, metodo della viscosità e acqueforti 

a più colori. La sua bravura deriva, oltre che da naturale 

inclinazione, dalla frequentazione di scuole famose, 

tra le quali la prestigiosa Scuola Internazionale 

d’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze, dove, 

seguendo l’insegnamento del prof. Domenico Viaggiano 

e del prof. Swietlan Nicholas Kraczjna, consegue 

il diploma di incisore e l’idoneità all’insegnamento. 

Ha partecipato su inviti a numerosi premi ed 

esposizioni di grafica riscuotendo unanimi consensi 

di critica e di stampa, ottenendo pertanto primi premi 

sia in Italia che all’estero. Nel 1996 ha vinto il prestigioso 

premio L.A.F.M. La Grande Motte ad Arles 

(Francia) e nel 1998 ha vinto la medaglia d’oro al 

“Concorso di grafica Internazionale”. 

Le sue opere figurano in collezioni pubbliche e private. 

111


Brunella Fontani 

Via Cetino, 57/3 - 50013 Campi Bisenzio (FI) - Tel. 055 8963146 

fontani@hotmail.com 

Marenostro, 2011, olio su tela, cm. 80x70 

112


Simonetta Fontani 

Cell. 389 1546666 

www.simonettafontani.it 

Senza luce, 2012, tec.mista, cm. 85x70 

Nata a Firenze, vive e lavora a Prato. Dagli anni 

Duemila svolge un’intensa attività espositiva 

effettuando numerose personali in sedi pubbliche 

ed esponendo in rassegne e concorsi nazionali 

e internazionali, riscuotendo significativi riconoscimenti. 

Ha esposto a “Casa Italia” nel 2008 in occasione 

dei Giochi Olimpici di Pechino e nel 2010 per i giochi 

Olimpici invernali di Vancouver, ed è stata 

selezionata per una rassegna a Luxor (Egitto) nel 

2013. Ha partecipato alle fiere di Parma, Reggio Emilia, 

Longarone, Forli, Arezzo, Scandiano (Modena), 

Mischi in Bielorussia e Bratislava e più recentemente 

a quelle di Agrigento e di Palermo. I suoi lavori si trovano 

in collezioni private e pubbliche in Italia e in diversi 

Paesi stranieri (Brasile, Cina, Croazia, Francia, 

Marocco, Scozia, Stati Uniti) e in particolare a Roma 

nella sede del C.O.N.I. e delle Poste Italiane, nella Pinacoteca 

del Comune di Soliera, nella Chiesa S. Maria 

dell’ Assunta a Scopoli (Perugia), nella Chiesa di S. 

Martino a Prato, alla Pro Loco di Sofignano (Prato), 

nelle sedi dei Comuni di Capraia e Limite, Capodimonte 

(Viterbo), Vaiano, Pontassieve e Campi Bisenzio; in 

Brasile nell’ Ambasciata di Salvador e nella Chiesa di 

Rembepe. 

“...Alla bellezza e luminosità dei nudi si contrappongono 

fondi spesso bui, agitati da elementi di una 

narrazione che tocca anche i toni delle connessioni 

inconsce. Una pittura che predilige i contrasti forti 

anche nella tavolozza per accentuare quella che appare 

quasi una sorta di smarrimento della figura in 

rapporto al suo spazio scenico e a trasmettere dunque 

una sottile inquietudine. I suoi temi ci inducono 

a riflessioni sul disagio esistenziale anche se i loro 

protagonisti “indossano” la disinvolta nudità di un 

corpo giovane esaltando l’armonia e la plasticità delle 

forme ma, di fatto, piegandone la versatilità ad 

interpretare nella tensione fisica di prospettive spesso 

coraggiose quella psicologica di equilibri “spesso” 

difficili...” 


113


Anna Maria Fornaciari Guiducci 

Via Di Quarto, 2/B - 50012 Bagno a Ripoli (FI) 

Tel. 055 632732 

Pittrice ad acquerello, olio, pittura su stoffa, 

conosce ed esegue la tecnica delle icone in 

foglia d’oro. Autodidatta, ha studiato ed approfondito 

la conoscenza delle tecniche artistiche 

con la professoressa Antonia Fontana. È stata anche 

allieva, per l’acquerello, del professor Luciano 

Piseri. Ha partecipato a varie mostre, riportando 

favorevoli giudizi da parte della critica. 

“Anna Maria Fornaciari da anni coltiva con dedizione 

la passione per l’arte, dando prova di una 

ricercata sensibilità nella messa in opera dei valori 

timbrici e luministici nella prassi pittorica. Il costante 

esercizio, a partire dallo studio del vero sia 

della visione naturalistica che della figura, le ha 

permesso di realizzare opere calibrate sul piano 

compositivo, armonico e di rifinitura del soggetto 

prescelto. Nella sua produzione predomina la tecnica 

dell’acquarello che l’artista privilegia per la 

resa delicata delle trasparenze cromatiche nel 

sentimento incantato delle forme, con diligente 

azione del pennello nelle sue meticolose diluizioni. 

La delineazione ricreativa del reale spazia dalla 

veduta paesaggistica ad accurate presenze floreali, 

nella veridicità fenomenica delle specie botaniche, 

per approdare a visionarietà simboliche in cui 

l’estro fantasioso si fonde con il naturalismo 

dell’immagine. Partecipa da anni a rassegne sul 

“Sacro” nell‘arte, dedicandosi con prodigalità di 

intenti a questo ambito tematico, particolarmente 

a lei congeniale. Realizza opere di pregevole fattura 

in cui le competenze esecutive si sposano con 

l’intenzionalità di riflettere, con immedesimazione 

emozionale e spirituale, sulle verità rivelate. Sapiente 

inventiva simbolica e raffinatezza di varietà 

coloristiche dai toni suadenti si alleano nella resa 

di studiate composizioni ad acquarello, costruite 

nello slancio vitale di ideazioni dall’intonazione 

contemplativa e dottrinaria di respiro biblico. 

Fantasia di anemoni, acquerello 

Nell’edizione 2011, sul tema “Il Cantico dei Cantici“ presenta 

l’opera, ad acquarello e fusaggine, dal titolo “ Baci 

ed incanto in un lago d’Amore” in cui la composizione 

dallo sfumato evanescente fa trapelare nelle tenuità dei 

lineamenti la purezza di un bacio, manifestazione autentica 

del sentimento d’amore. Nell’edizione 2012,“Fughe, 

esodi e pellegrinaggi: verso la Terra Promessa”, presenta 

l’opera ad acquarello “Esodo: Mosè attraversa il Mar 

Rosso” in cui la visionarietà si declina nell’orchestrazione 

di uno scenario figurativo-astraente sulla base di cromatismi 

dilatati di afflato cosmico. Nell’edizione 2013, “Le 

Donne nel Vangelo”, l’opera ad acquarello sulla figura di 

“Maria di Magdala” presenta attributi simbolico-oggettuali 

di sapore controriformistico, nel contrasto redentivo 

di ombra e luce, che restituiscono il profilo meditativo di 

penitente, presente nella devozionalità del tempo, di una 

fedele apostola del Cristo”. 

Silvia Ranzi 

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Giovanna Fortini 

San Polo in Chianti (FI) 

Tel. 055 855022 - Cell. 346 3678163 

Senza titolo, tecnica mista 

Astrazione 1, tecnica mista 

Il disegno e la grafica fanno parte da sempre della 

vita di Giovanna Fortini, fino dai tempi degli studi 

superiori. Successivamente la creazione artistica 

è diventata la sua principale attività. Giovanna Fortini 

ama sperimentarsi nelle più varie tecniche, apprese 

attraverso la frequentazione di botteghe e di laboratori 

d’arte e attraverso i corsi dell’Accademia delle 

Belle Arti di Firenze. Se l’espressione a lei più congeniale 

è la pittura ad olio a pennello e spatola, molti 

esempi della sua arte vengono dall’acquerello, 

dall’incisione, dalle tecniche miste. Giovanna Fortini 

fa parte dell’Associazione Art-Art di Impruneta fin 

dalla sua costituzione; precedentemente è stata una 

delle personalità del Gruppo Pittori e Scultori Imprunetini. 

La sua esigenza di sperimentazione le ha, recentemente, 

aperto la strada della pittura astratta. 

Le opere di Giovanna Fortini presentano una originale 

energia materica e cromatica: grandi campiture di 

colori, accesi, vivissimi, accostati l’uno all’altro per 

contrasto, senza nessuna nuance, a mettere in risalto 

la superficie, concretamente “ruvida” del fondo 

trattato con un impasto materico di pigmenti che 

l’autrice stessa predispone con i più vari ed “umili” 

materiali (carta, sabbia, colle) ri-composti in una dimensione 

artistica. Questo fondo ruvido e scabro, a 

sua volta, accentua il colore nella sua matericità cromatica. 

E un’opera “Senza titolo”, non ha - appunto 

- bisogno di etichette perché esprime in sintesi estetica 

la forza dell’ispirazione. Così Astrazione 1 mette 

in evidenza il segno, che dirime le superfici in campiture 

raggrumate o solcate trasversalmente, accanto 

a momenti luminescenti, lirici. Ne scaturisce, più che 

un’opera astratta, una sorta di “movimento”, di “gesto 

astratto”, il cui ruotare nell’aria, la cui volontà di 

direzione e di contatto con il supporto resta impressa 

sulla tela. Questo è il fine cui Giovanna Fortini tende 

e sempre consegue: essere soddisfatta del suo gesto 

creativo. 

Sonia Salsi 

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Oriella Francini 

Studio: via Paolo Borsellino, 13 - 53016 Casciano di Murlo (SI) - Cell. 328 0013970 

oriellafrancini@gmail.com - www.ioarte.org/artisti/arteoriella/ 

Mimosa Coktail, 2012, tecnica mista su porta di recupero, cm. 67x77 

Vive e opera a Casciano di Murlo (SI). Pittrice e 

scultrice, dal 1990 ad oggi ha esposto in numerose 

collettive e rassegne in Italia e all’estero 

- soprattutto Francia, Spagna, Stati Uniti - ottenendo 

premi e riconoscimenti; tra questi, il premio della critica 

al “Premio Internazionale Tokyo 2011”. Ha tenuto 

personali in sedi di prestigio quali, delle più recenti, il 

Palazzo della Cultura di San Vincenzo, Palazzo Appiani 

di Piombino, Palazzo Bastogi di Firenze, l’Abbazia di 

San Galgano a Chiusdino. Le sue opere sono presenti 

in importanti collezioni private e pubbliche, tra le quali 

il Museo Civico d’Arte Moderna di Monreale, la Pinacoteca 

del Consiglio Regionale della Toscana e 

sono pubblicate su numerosi cataloghi e dizionari 

d’arte come “Artisti italiani contemporanei”, a cura 

dell’Accademia Michelangelo di Firenze e “Art Museum 

Selection”, a cura di S.Russo e S.F.Russo, distribuito 

in musei quali Louvre, Uffizi, Prado, MoMa. 

“I lavori di Oriella Francini sono rielaborazioni surreali 

giocate in una scomposizione delle forme che richiamano 

la lezione della frantumazione e ricomposizione 

propria del Cubismo. Bizzarre figure 

femminili, ritratte in ambienti familiari, abitano la 

sua opera in cui troviamo anche esempi di meta-pittura, 

ovvero di situazioni di quadro nel quadro. Oriella 

racconta con ironia i disagi e le contraddizioni 

della società contemporanea, in una coinvolgente 

trasformazione dell’oggetto in simbolo, il cui significato 

resta da decifrare da parte dell’osservatore che 

si fa così complice dell’elaborazione del messaggio. 

Francini rifugge i canoni estetici tradizionali per esaltare 

il potere allusivo della creazione artistica disseminando 

indizi di un altro mondo, tutto da scoprire e 

reinterpretare.” 

Paolo Levi 

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Antonietta Freni 

Via Celso, 12 - 50139 Firenze 

Tel. 055 3841832 - Cell. 338 6927160 - www.antoniettafreni.it 

Ritratto di mia madre, tecnica mista su cartonlegno, cm. 30x40 

Uno stile per ogni emozione, un soggetto per 

ogni sogno, un volo d’ala per ogni ricordo, un 

fiore per ogni sentimento, una miriade di visioni 

di un oceano che si chiama vita. 


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Giuliana Fresco 

Via Ausonio, 6 - 20100 Milano - Cell. 328 4619318 

giuliana.fresco@fastwebnet.it - www.giulianafresco.com 

Nascita, 2010, tecnica mista su tela libera, cm. 167x181, coll. G.F. 

Variazioni II, 2011, olio, pastello, cera su tela, cm. 50x50 

Giuliana Fresco nasce a Milano e dopo aver vissuto 

a Genova, Parigi e Roma si trasferisce a 

Londra dove vive dal 1977 al 2005. Ritorna a 

Milano definitivamente nel 2006. La sua formazione 

artistica è condotta da autodidatta, anche se l’artista 

ha frequentato diverse scuole d’arte, fra cui, a Roma 

l’Accademia di via Ripetta e a Londra la Royal Academy. 

L’avere vissuto in tanti paesi e città diverse ha 

spogliato il suo lavoro di qualsiasi connotazione localistica, 

conferendogli invece un’impronta internazionale. 

Tuttavia Londra ha rivestito per lei un’importanza 

speciale, perché è lì che ha individuato definitivamente 

la sua strada e l’impegno per l’arte è diventato il 

fulcro della sua vita. Nella capitale inglese ha assorbito 

la cultura pittorica britannica, dai classici a Bacon e 

Freud, pur conservando radici fortemente “classiche” 

e italiane che spiegano per esempio il suo rapporto 

con l’antico e il riferimento, di tipo concettuale e non 

citazionistico, a grandi maestri che hanno caratterizzato 

il suo lavoro fino ad oggi. Fra le principali mostre 

pubbliche degli ultimi anni, si segnalano le personali a 

Spoleto, Palazzo Racani-Arroni (2000), Londra, Estorick 

Collection (2003), Torino, Palazzo Bricherasio 

(2003), Orvieto, Palazzo dei Sette (2004), Milano, Palazzo 

delle Stelline (2007), Rivoli, Palazzo del Piozzo 

(2009), Fiesole (FI), Museo Civico Archeologico (2011). 

118



Mnemosine III, 2012, olio su tela libera, cm. 160x220, coll. G. F. 

“Giuliana Fresco lavora proprio sulla persistenza, sugli 

aspetti immutabili di un’indagine fatta di pochi 

elementi essenziali e non si lascia condizionare dalle 

sirene di un’estetica giovane, alla moda o semplicemente 

edonistica. Di fronte ai suoi dipinti è del tutto 

inutile interrogarsi sulla genesi dei segni, se a prevalere 

è la componente astratta o quella figurativa, 

quella espressionista o quella informale. Ciò che conta 

è l’aspetto corale di una ricerca che tende a superare 

la frammentazione delle cose. “Se questo può 

appassionarti, troverai, su questo lungo tragitto, tanti 

aspetti vari e differenti quanto la terra ce ne offre sul 

suo. È straordinario l’oceano nei suoi tempi e movimenti, 

sempre inquieto, mutevole ogni istante e quali 

squarci al tramonto con quelle piccole nubi pallide 

che sembrano ridere del peso delle onde azzure”, scriveva 

Nicolas de Staël in una lettera del 1953 all’amico 

Renè Char. La pittura di Giuliana Fresco è, metaforicamente, 

proprio quell’oceano inquieto e mutevole, 

sempre diverso ad ogni istante dove si tenta di comprendere 

l’aspetto più intimo delle cose. Squarci di 

luce improvvisi affiorano dalle sue pennellate espressioniste; 

la materia si addensa come lava che trabocca 

dal vulcano e le macchie di colore talora si espandono 

sulla superficie mentre in altre circostanze si 

trasformano in immagini”. 

Alberto Fiz 

119



Autoritratto, 2002-2003, olio su tela, cm. 61x61, coll. G.F. 

“Lo sguardo di un artista non è cosa da poco… È forse 

per tali motivi, oltrechè per la speciale tensione dei 

suoi quadri, che quello di Giuliana Fresco mi si è immediatamente 

mostrato come uno sguardo d’artista o 

sarebbe meglio dire da ritrattista, giacchè è nel ritratto 

che trova alcuni tra i suoi esiti maggiori (…) Una 

tavolozza spesso calda e sontuosa rivela in Giuliana 

altre matrici; ma nei ritratti anche i colori, al modo 

dello sguardo, tendono a concentrarsi: economizzano 

i mezzi e focalizzano lo spazio ristretto di un vuoto. A 

guardarli bene i ritratti di Giuliana Fresco indicano 

assai più perentoriamente di altre opere di differente 

soggetto l’urgenza di una maggiore tensione del colore 

e del segno, sino a trovare nel proprio e impietoso 

Autoritratto, che è tra i suoi migliori esiti, un quasi 

monocromo carico d’infinite modulazioni di luce”. 

Enrico Mascelloni 

120


Franca Frittelli 

www.francafrittellisculture.eu - http://web.tiscali.it/ass.latorre 

frafritt@yahoo.it - fra.frittelli@tiscali.it 

La farfalla, marmo e vetro, cm. 40x30x20, coll. privata 

Franca Frittelli vive e lavora in Toscana presso il 

suo atelier a Vada vicino al mare. Scultrice e 

scenografa, è docente di disegno e storia 

dell’arte, Presidente dell’Ass.ne per le Arti Visive LA 

TORRE, fa parte della Commissione Cultura del CPO 

della Provincia di Livorno. Lavora nel campo delle arti 

figurative dal 1977. È allieva presso l’Accademia di 

Belle Arti di Firenze dello scenografo Franco Nonnis. 

Dal 1977 lavora nel cinema e nel teatro sperimentale 

fondando il gruppo teatrale Teatro Vita, un gruppo di 

avanguardia dove lavora come attrice e scrittrice. 

Nel 1977 riceve il Premio Fedic a Montecatini con il 

film sperimentale ‘’ Devo avere capito male qualcosa 

in questa storia ‘’. Dal 1980 prende parte a seminari 

di teatro e cinema realizzando cortometraggi didattico 

- industriali sia per la scuola che per l’industria. 

Dal 1990 lavora nella scultura. È attratta dal movimento 

della figura nello spazio e nel tempo. Per questo 

studia e sintetizza e interpreta la figura nella 

danza classica e contemporanea. Realizza la storia 

della danza stessa attraverso Romeo e Giulietta di 

Bejart - Martha Graham - A. Aley - Duncan - Cunningam 

- Carlson - Forsyte. Dalla figurazione all’astrazione 

nella concezione sintetica dell’estetica formale 

il passo e’ breve: ed ecco la creazione di sculture monumentali 

in granito, marmo, legno, bronzo,ceramica 

per la Nuova Zelanda - Bulgaria - Rep. Ceka - Germania 

- Francia - Macedonia - Italia - Argentina - Giappone. 

Da molti anni ricerca e studia le donne artiste 

che hanno vissuto nelle varie epoche tenendo conferenze 

per la rivalutazione della donna nell’arte ‘’L’altra 

faccia della storia dell’arte”, nonché pubblicazioni 

sulle professioniste nell’arte. Hanno scritto di lei: 

Giovanna M. Carli (critico e storico dell’arte), Mara 

Baronti (President Equal Opportunity Regional Commission 

- Tuscany 2005), Riccardo Nencini (Presidente 

del Consiglio Regionale della Toscana), Elena Mazza 

Niro (architetto), Dino Carlesi (poeta e critico 

d’arte), Tommaso Paloscia (critico d’arte e giornalista), 

Nicola Badaloni (docente di Filosofia all’Università 

di Pisa), Ariberto Badaloni (artista e storico 

dell’arte), Carlo Melloni (critico d’arte), Antonella 

Serafini (critico d’arte), Mons. Vincenzo Savio, Dino 

Pasquali (critico d’arte e giornalista). 

121


Annalisa Fusilli 

Cell. 338 9558943 

annalisa.fusilli@email.it 

Il viaggio nell’anima, 2005, batik su cotone a due colori, cm. 30x45 

Nasce a Pistoia, dove vive e opera. Consegue il 

Diploma di Arte Applicata, sezione Tessuto, 

nel 1985, presso l’Istituto d’Arte di Pistoia e 

prosegue la sua esperienza professionale eseguendo 

progetti e dipinti su tessuti d’arredamento e abbigliamento. 

Ha partecipato a mostre artigianali nella sua 

città e seguito corsi grafici per la riproduzione di serigrafie 

e tipografie. Ha lavorato nello studio del maestro 

Max Loi, imparando la tecnica ad olio e acrilico su 

tela. Con passione si dedica all’antica tecnica giavanese 

del Batik su tela e cotone raffigurando prevalentemente 

paesaggi messicani. 

“Nella sua pittura emerge chiaramente l’amore per lo 

spettacolo offerto dalla natura, dipinto con naturalezza 

e spontaneità, arricchito da inserimenti naturali raccolti 

realmente dall’artista nel paesaggio riprodotto”. 


122


Debora Galanti 

Abit.-studio: via Fossone,43 - 54037 Marina di Massa (MS) 

www.iquadrididebora.it 

Il risveglio, acquerello e penna su carta, 2012, cm. 50x70 

Nata nel 1974 a Viareggio (Lucca). Diplomata in 

pittura all’Accademia di Belle Arti di Carrara, 

ha partecipato a varie collettive e concorsi. Si 

ricordano nel 2006 la collettiva al Caffè Petrarca a Firenze, 

il XIII Premio internazionale “Versilia 2006” 

(premio speciale nudo) e il XXIV “Premio Firenze”. Ha 

partecipato a varie edizioni del “Premio Italia per le 

Arti Visive”ricevendo premi editoriali ed espositivi. 

Dell’attività del 2007 si segnalano la presenza alla 

rassegna “Sinfonia di figure” alla Galleria Gadarte di 

Firenze, la prima edizione del Concorso di Pittura “I 

colori dei Nomadi” organizzato dal gruppo musicale i 

Nomadi e dai comuni di Folgaria, Castagnole delle 

Lanze e Casalromano (primo premio), la collettiva 

“Saluti ad arte” alla Galleria del Candelaio a Firenze e 

il XXV “Premio Firenze”. Nel 2008 è ancora presente 

alla Galleria del Candelaio nella rassegna “La copertina 

del 40°” promossa dalla rivista Eco d’arte moderna 

e ottiene il terzo posto nel Premio nazionale di pittura, 

scultura e grafica “Puccini e le sue terre” 

promosso dall’ACSI.Del 2009 sono la pubblicazione 

sul volume “Le donne dell’arte in Toscana” e le partecipazioni 

al “Premio Italia per le Arti Visive” (premio 

espositivo) e al XXVII “Premio Firenze”. Del 2010 è la 

partecipazione alla rassegna di pittura “Variabili Alchimie”. 

Del 2011 e del 2012 la partecipazione alla 

mostra “Viaggio nel Contemporaneo” a Saragiolo - 

Piancastagnaio. 

123


Lara Galassini (Larix) 

Cell. 339 5776259 

www.larixart.com - larix@larixart.com 

Luce che cade dagli occhi 

Nasce a Firenze nel 1967 e si diploma in Grafica 

Pubblicitaria e Fotografia all’Istituto Statale 

d’Arte di Firenze. Tutt’oggi continua ad occuparsi 

con passione di comunicazione. Da anni riscuote 

notevoli consensi sia da parte del pubblico che della 

critica. Le sue opere figurano in raccolte pubbliche e 

private oltre ad essere state più volte pubblicate in 

cataloghi e riviste d’arte contemporanea. In merito al 

suo operato si sono espressi valenti critici. Ha partecipato 

a mostre e rassegne nazionali ed estere e ottenuto 

riconoscimenti e premi. Tra le recenti esposizioni: 

Biennale Internazionale Arte di Palermo, premiata 

al III° “Concorso Civitella Paganico”, “Anticipazione 

del futuro” mostra itinerante, Rep. Slovacca, “Arte 

alle stelle”, Rovereto, “Made in Woman - La creatività 

al femminile” GAMeC - Centro Arte Moderna, Pisa, 

”Viaggio nel contemporaneo” Saragiolo (Siena), la 

personale “I colori e le forme dei desideri”, Sesto Fiorentino 

e Firenze. 

124


Lara Galassini 

Lara Galassini, in arte Larix, racconta in modo semplice, 

con linee bianche e chiare, le proprie emozioni ed 

i cambiamenti della vita. Tratti, colori, luci e forme 

esprimono una personalità forte, creativa, raccontata 

attraverso il sapiente uso dei colori acrilici. La sintesi 

e la modernità del linguaggio valorizzano le geometrie 

femminili ritratte dall’artista, tutte dalle forme 

rotonde e caratterizzate da un mood ricercato e contemporaneo. 

La sensualità femminile è l’elemento 

costante e naturale delle sue figure ma un altro tema 

è quello degli animali, quasi talismani - ricorrenti il 

gufo, il geco, l’elefante - ai quali attribuisce un valore 

al tempo stesso ludico ed esoterico reinterpretandone 

anche qui la forma che nella sapiente essenzialità 

esalta sempre la morbidezza delle linee concentriche. 

“L’intensità di colori presenti nella sua tavolozza conferiscono 

un equilibrio estetico al quadro e trasmettono 

un senso di protezione. Attratta dalla luce, dal colore 

e dalle dimensioni del pensiero e dei sentimenti, 

l’artista intraprende un viaggio nell’inconscio che si 

dipana attraverso una silenziosa calma interiore. 

Ognuno di noi può ritrovarsi nella sua pittura.” 

Guardando oltre 

Antonia Pésare 

Il gufo e la luna 

Geco 

125


Caroline Gallois 

Via della Chiesa, 62 - 50125 Firenze 

Cell. 349 5376870 - Tel. 055 2382882 - www.carolinegallois.com 

Mani, olio, cera, disegno, foto, lino, cm. 100x100 

Nata nel 1954 a Saigon, Sud Vietnam, da genitori 

francesi, si laurea in Scienze Economiche nel 

1974 e due anni dopo si diploma in Scienze 

Politiche presso l’Institut d’Etudes Politiques de Paris. 

Tra le sue esperienze più importanti, il viaggio in Asia 

1976-77; la sua passione per l’arte la porta a studiare, 

dipingere e tenere mostre in Messico dal 1979 al 1986, 

dove frequenta dal 1980 al 1984 “La Esmeralda” prima 

e la Escuela di San Carlos poi, laboratori di Javier Anzures, 

a Città Del Messico. Nel 1982-83 frequenta anche 

Beaux Arts, atelier Caron E. Kalka, a Parigi. Dal 

1986 al 1996 vive e lavora a New York, dove nel 1989 

conosce l’architetto Vittorio Giorgini, che diventerà 

suo marito. Infine, parteciperà al corso di Arts Plastiques 

nel 1993-1996 fino a laurearsi in Arti Visive alla 

Sorbonne di Parigi. Dal 1991 al 1996 frequenta anche 

l’Art Student League, laboratorio di litografia e incisione 

a New York. Dal 1997 risiede a Firenze. L’artista ha 

esposto in svariate mostre collettive di importanza internazionale, 

come Manif, Biennale d’arte Contemporanea, 

Nimes, Francia, 1998; International Print Biennale, 

Global Graphics, Maastricht (Olanda), 1993; Print 

Club Of New York, 1994; “Tropical Rain Forest Exhibition”, 

Red Square Gallery, New York, 1989; Galeria 

Metropolitana, Università Metropolitana, Citta Del 

Messico, 1985. In Italia ha partecipato al Premio Nazionale 

Santa Croce per la Grafica, 2007; ha esposto a 

Palazzo Pretorio, Certaldo, nel Consiglio Regionale del- 

126


Caroline Gallois 

Vanità 2, olio, cera, disegno, lino, cm. 99x76 

la Toscana, Firenze, Artour sempre a Firenze, 2013. Ha 

tenuto importanti personali in Italia, Parigi, Nimes, 

New York, Città del Messico, collezionando meritorie 

pubblicazioni, recensioni e articoli; tra le più recenti, si 

ricordano quella presso la Galleria Immaginaria, Firenze, 

a cura di Giuliano Serafini, 2013; “L’air dans le ciel”, 

la Petite Galerie, rue de Seine, Parigi; Galleria La Corte 

Arte Contemporanea “L’impronta”, Firenze, 2009; “Parole 

Illustre”, Galleria Babele (ex galleria FMR), Firenze, 

2001; Institut Francais de Florence, “Les Phares, 

Hommage A Baudelaire”, Firenze, 2000. Tra i più importanti 

premi e borse di studio, si citano: Primo Premio 

Firenze Confronto e Immagine, dato da Maurizio Vanni, 

Galleria Art Point Black, 2000; Terzo Premio Biennale 

d’art Contemporain, Nimes, Francia, 1998; Nessa Cohen 

Grant Of The Art Student League, New York, 1994. 

Sue opere grafiche appartengono a note collezioni 

pubbliche, come Corcoran Gallery of Art e National 

Museum of Woman in the Arts a Washington Dc. 

“La Gallois con la sua arte informale, raffinata ed evocatrice, 

colpisce per un segno elegante e un tratto sofisticato 

della linea, dietro la quale si cela la sua spettacolare 

formazione attorno al mondo, dissimulata da 

uno stile particolare e del tutto personale. Con grande 

maestria e disinvoltura è padrona delle tecniche, che 

nel suo cammino di ricerca sono come una continua, 

suggestiva metamorfosi da ricreare sulla tela”. 

Giulia Ballerini 

127


Beatrice Gallori 

Via della Fortezza, 23 - 59100 Prato - Tel. 349 5497718 

beatricegallori@hotmail.it - www.wix.com/beatricegallori/art 

Life1_life2_life3, 2012, tecnica mista su tela, cm. 170x150 

Nata nel 1978 a Montevarchi (AR), si trasferisce 

a Prato, dove nel 1996 consegue la Maturità 

Classica. Concretizza la sua passione per la 

moda ed il design frequentando il Polimoda di Firenze 

nel 2001. Le sue prime creazioni si contraddistinguono 

per la sua innata capacità di usare la materia, dando 

alle tele spessore e vita, anche grazie all’utilizzo della 

propria tavola cromatica variopinta. Nel 2007 inizia la 

collaborazione con una galleria italiana; le sue tele 

diventeranno monocromatiche e volumetriche attraverso 

l’utilizzo di materiali vari come la resina. Dal 

2008 Beatrice espone in collettive in spazi pubblici e 

privati. Inizia a studiare il “Movimento” ricreandolo 

sia su tela che in scultura (ceramica/installazioni). Nel 

2011, una sua scultura To Red - Ing Future entra a far 

parte del catalogo del prestigioso Premio Combat. 

Sempre in questo anno viene selezionata dal famoso 

critico d’arte, Arturo Schwarz, una delle sue “colate”, 

Milk per l’asta di Arte Contemporanea Sotheby’s (Milano). 

Partecipa ad ArtVerona 2011 dove una sua installazione 

viene pubblicata in catalogo; nello stesso 

anno entra a far parte del progetto “Artisti a km 0” 

presso il Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, 

a Prato, installando all’interno del museo un’opera e 

un video: I Miei Respiri. Nel 2012 la tela Maternità 3 

viene selezionata nuovamente per il catalogo del Premio 

Combat. Una sua opera Uprato, creata appositamente 

per la Giornata Internazionale della Maglieria, 

viene installata in Palazzo Pretorio e successivamente 

sulle mura della Biblioteca Lazzerini. La sua ultima 

personale “Life” ha trovato spazio in varie riviste e siti, 

riscuotendo un grande successo di pubblico. Dal 2012 

collabora con diverse gallerie italiane; recentemente 

ha presentato i suoi lavori al pubblico svizzero. Sue 

opere sono presenti in varie collezioni pubbliche e private 

italiane ed internazionali. 

128


Maria Gambacorta 

Abit.- studio: Viale Filippo Turati, 64 - 52011 Bibbiena (AR) 

Tel. 0575 593440 - Cell. 347 2516959 - mariagambacorta@gmail.com 

Idea - 2, 2013, acrilico su tela, cm. 50x70 

Presente sulla scena artistica da diversi anni ha 

esposto in personali, fiere d’arte, rassegne e 

premi nazionali e internazionali, sia in Italia che 

all’estero, ottenendo numerosi riconoscimenti, in 

particolare a diverse edizioni del “Premio Italia per le 

Arti Visive”, del “Premio Firenze” - in mostra al Caffè 

Storico “Giubbe Rosse” e nelle sedi del Consiglio Regionale 

della Toscana di Palazzo Panciatichi e Palazzo 

Bastogi -, del Concorso Nazionale d’Arte Contemporanea 

SaturArte, Palazzo Stella, Genova, del Premio 

Internazionale di Pittura e di Design “Rifiuti in cerca 

d’Autore” di Salerno, della rassegna ‘’Libera Fantasia’’ 

organizzata da ANLA-Consiglio Regionale della 

Toscana, Galleria d’Arte Mentana, Firenze. Nel 2009 

la partecipazione alla rassegna “THE WALL-1989- 

2009”, Palazzo Stella, Genova, invitata dall’ Associazione 

Culturale “Satura”, la porta ad esporre in varie 

Dreamland, 2013, tecnica mista su tela, cm. 70x70 

città dell’Est Europeo, in Lituania, in Estonia e Lettonia, 

con il patrocinio di M.K.C. National Art Museum 

e Istituto Italiano di Cultura, ed infine a Berlino. 

“...Temi come sogno, luce, affrontati con forza coloristica, 

con impatto materico veramente sorprendente. 

È questo lo strumento che indica le sue composizioni 

atte al potenziamento della capacità evocatrice del 

colore e della materia. L’artista lo sperimenta con timbri 

puri che raggiungono sonorità e raffinatezza, colore-immagine, 

colore-suoni colore-comunicazione...” 

Michael Musone 

129


Patrizia Garberi 

Via Molino a Vento,3 - 57016 Rosignano Marittimo (LI) 

Tel. +39 0586 761249 - Cell. +39 338 3407092 - www.artimagery.it 

La scatola della memoria, 2000, mixed media, cm. 60x60x60 

Patrizia Garberi ha sempre esplorato tutte le 

possibilità tecniche dell’espressione visiva. In 

particolare, dopo il periodo del figurativo 

“stretto” ed iperrrealista, che dall’illustrazione 

scientifica l’ha condotta ad esplorare le tecniche di 

illusione visiva come il trompe l’oeil che ha rivisitato 

su tela, ha coltivato il tema del ritratto che ha affrontato 

come strumento di indagine personale.In seguito 

si è dedicata per una decina d’anni all’esplorazione 

di tecniche materiche e all’introduzione di Object 

Trouvé nei suoi lavori, quali interventi evocativi e rimandi 

a memoria emozionale.Nei lavori più recenti 

ha introdotto oltre alle altre tecniche materiche, anche 

stampe digitali di fotografie scattate personalmente, 

su cui intervenire in modo grafico, pittorico e 

materico. Ha una formazione artistica e psicologica, 

il liceo artistico e l’Accademia a Brera, e la professione 

di illustratrice per 20 anni. In parallelo, coltiva 

l’interesse per le persone e la mente umana, iniziato 

giovanissima con lo studio personale dell’Astrologia 

Classica, e proseguito con un master in Psicologia e 

Filosofia Buddhista, e una laurea magistrale in Psicologia 

Neuroscienze. Da più di un decennio oltre 

all’insegnamento artistico offre percorsi con Meditazione 

e Mindfulness, Tecniche Immaginative, Sostegno 

e Orientamento a mediazione artistica, anche in 

ambito psico-sociale e riabilitativo. Molte le mostre 

personali e collettive realizzate, tra queste si segnalano 

le più recenti: Dipinti ed oggetti, Momoyama 

Artspace, Firenze 2003; Inner Landscapes, Associazione 

Castagneto Arte, Castagneto Carducci 2007; 

Arte e Benessere Interiore, Mitica India, Marina di 

Carrara 2010; Incontri 2012, esposizione personale al 

Forte di Bibbona. 

130


Gandolfa Gennaro 

gandolfa_gennaro@tiscali.it 

www.gandolfa.it 

Donna in giallo, 2006, colla a caldo su vetro con sfondo di pastelli ad olio 

su carta, cm. 40x30 

Gandolfa Gennaro è nata in Sicilia, si è laureata 

in Sociologia a Trento ed è attiva a Firenze, 

dove vive e lavora. La figura, oggetto privilegiato 

delle sue riflessioni artistiche, diventa il luogo della 

rappresentazione dei sentimenti profondi o degli stati 

d’animo espressi con la forza di una pittura sintetica e 

vigorosa. Le sue immagini evocano una vitalità interiore, 

intellettiva e sensibile. Non a caso le donne costituiscono 

il tema preponderante dei suoi dipinti. 

Anche lo stile, la tecnica e la materia usata risentono 

di questa ricerca: talvolta prevale la delicata leggerezza 

dell’ombra o del velo, altre l’impeto deciso del segno 

o l’energia sprigionata dal colore che diventa il 

mezzo per dar materia ai sentimenti. L’artista ha partecipato 

a molte mostre collettive. Nelle mostre personali, 

realizzate in varie regioni italiane e all’estero, ha 

messo spesso in evidenza il legame che unisce il suo 

linguaggio artistico a quello poetico offrendo al pubblico 

percorsi pittorici ispirati alla lirica di Baudelaire, 

Lorca, Neruda e Plath. 

Samanta Monco 

131


Alberta Gerard 

Via Niccolò Paganini, 68 - 50127 Firenze 

Cell. 339 3156563 - anyut1362@virgilio.it 

Informale, 2013, tempera ad uovo, cm. 100x80 

Alberta Gerard nasce a Firenze il 27 novembre 

1976. Nel 2002 si laurea in Pittura presso l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze e subito dopo 

si specializza in Grafica conseguendo una laurea di II 

livello. Per un anno ha frequentato la Libera Scuola 

del Nudo. Nel 2001 e nel 2002 espone alle Giubbe 

Rosse nelle collettive “Profezie di Bellezza” seconda 

e terza edizione. Sempre nel 2002 espone alla Casa 

del popolo di San Giusto e l’anno seguente nelle salette 

comunali del Comune di Barberino del Mugello 

e a Villa Pozzolini. Nel 2004 è presente nello spazio 

espositivo “La Volta” di Certaldo e nel refettorio 

dell’Abbate presso l’Abbazia dei Santi Salvatore e 

Lorenzo a Badia a Settimo. Dal 2004 al 2008 ha partecipato 

al concorso per i giovani artisti del Gruppo Donatello 

vincendo diverse volte e potendo esporre nella 

sede stessa. Nel 2004 si classifica seconda al 38° 

Premio Città di Lastra, concedendo il bis nel 2006 per 

la grafica e poi anche nel 2008 per la pittura. Partecipa 

al XXIV Premio Firenze vincendo un altro premio ed 

esponendo in via Larga nel 2006 e, sempre nello stesso 

anno, espone in personale a Villa Caruso Bellosguardo 

e al Palagio di Parte Guelfa. Tra il 2008 e il 

2010 la personale al Palazzo Bramante di Pesaro e 

presso il Circuito culturale ricreativo Rigacci, e il premio 

per la grafica al XXV Premio Italia. Tra le mostre 

più recenti si ricordano quelle fiorentine nella sede 

dell’Associazione culturale Casa di Dante(2012) e nella 

Rotonda Barbetti di Porta al Prato (2013). 

132


Elisa Gestri 

Cell. 339 8053217 

elisagestri@hotmail.com 

Traccia di corpo in box - frame (Self portrait A4), 2013, tecnica mista, cm. 30x30 

Nata a Prato, Elisa Gestri si laurea in Lettere Moderne 

all’Università degli Studi di Firenze con 

tesi sullo scultore Libero Andreotti e il Premio 

Antico Fattore. Parallelamente si forma in teatro e 

danza con grandi maestri tra cui Eugenio Barba. Dopo 

gli studi si sposta a Roma, dove lavora per alcuni anni 

come attrice nel teatro off, diretta, tra i tanti, da Franco 

Di Matteo, Pippo Di Marca, Chiara Guidi di Societas 

Raffaello Sanzio, Lucia Calamaro. In autonomia pratica 

il genere della Performance Art, esibendosi in spazi 

prestigiosi della Capitale. Nel 2008 le viene attribuito 

il IV Premio Fersen all’Attore Creativo. Frattanto svolge 

un’intensa attività di modella per artisti, entrando così 

in contatto profondo con pittura, scultura, fotografia. 

Coniugando arti performative e pittura, nel 2012 presenta 

al pubblico la performance in estemporanea 

Traccia di corpo in movimento, di cui si occupa, tra gli 

altri, il giornalista Fabrizio Borghini nella sua rubrica 

Incontri con l’arte su Toscana TV. La sua opera suscita 

l’interesse di autorevoli addetti del settore, che ne riconoscono 

le potenzialità e la incoraggiano a proseguire. 

Inizia dunque a produrre quadri che dalla primavera 

del 2013 sono visibili in due importanti spazi 

espositivi in Toscana e a Roma, i luoghi tra cui si divide. 

“Soggetto, autore ed esecutore della mia opera è il 

corpo. Vive, si contamina con la materia pittorica e lascia 

tracce: sindone profana e insieme sacra, perché 

da quando il Corpo si è fatto sindone ogni corpo è sacro. 

Materia d’elezione è la stoffa, da sempre sostanza 

dell’operosità femminile e risorsa tradizionale della 

città da cui provengo e in cui sono cresciuta, Prato. La 

ricchezza sensoriale del tessuto impedisce di rifugiarsi 

nel concetto: il lavoro è artigianale, come quello di infinite 

e pazienti mani di donna che prima di me hanno 

composto le loro trame esemplari ed anonime. Per 

loro, e a nome loro, lascio la mia traccia”. 

Elisa Gestri 

133


Annie Gheri 

www.gallerimentana.it 

Nevicata improvvisa, 2012, tecnica mista su tela, cm. 60x70 

Nata a Parigi, è cresciuta nel quartiere artistico 

per eccellenza, Mont martre. I suoi genitori, 

originari invece dello Champagne, avevano riservato 

per lei idee frizzanti come l’omonimo vino… A 

sei anni partecipa con successo ad una sfilata per una 

casa di alta moda parigina; in seguito sarà lei stessa a 

disegnare abiti dichiarando che per una bambina è più 

facile intuire cosa piace indossare ai bambini! Comincia 

così a posare per le prime foto pubblicitarie e i 

primi filmati ed entra a far parte della scuola di danza 

dell’Opera di Parigi. A vent’anni comincia a disegnare 

modelli di moda per Yves Saint Laurent, Chanel e Givenchy; 

nel frattempo frequenta la compagnia teatrale 

diretta da Maurice Escande, dove le affidano ruoli di 

attrice comica e conosce il suo futuro marito Alvaro 

con il quale intreccerà un fitto scambio di moda fra 

Parigi, Bruxelles, Londra e Firenze. Inizia a dipingere 

proprio grazie a suo marito che la invita a realizzare un 

dipinto da una sua fotografia. In seguito, per affinare 

la tecnica pittorica impara il metodo Martenot frequentando 

la medesima scuola all’Impruneta di Firenze. 

Dal 2002 è entrata a far parte del gruppo di artisti 

in permanenza alla Galleria Mentana con cui ha partecipato 

a diverse rassegne tra cui Individuazioni, Il Calore 

del Colore, Valori di Continuità e ad alcune fiere 

d’arte come quelle di Gent e Innsbruck. 

“Annie Gheri, nell’essenzialità di una descrizione che 

riporta ai sentimenti, si orienta verso un realismo poetico 

che ci fa balzare indietro, catapultandoci in un 

tempo passato dove la natura era ancora avvertita 

come madre generosa, rispettata e amata (…). Nelle 

sue opere c’è l’humus dei luoghi cari, che si intuiscono 

nel racconto che si ritrova fra le macchie dei colori che 

digradano in chiaroscuri e contrasti armonici (…). Tutte 

le opere sono avvolte da un’aura di spiritualità che 

rende indefiniti i confini tra il reale e lo spirito”. 


134


Antonina Giammarinaro Monti 

Via Ciuto Brandini 27 - 50126 Firenze 

Tel. 055 680895 

Riproduzione su encausto del Satiro Danzante, bronzo del IV secolo trovato nei fondali del Mediterraneo nel 1998 e 

conservato nel Museo di Mazara (Trapani) 

135


Antonina Giammarinaro Monti 

Antonina Giammarinaro Monti vive e lavora a 

Firenze dove, dopo la laurea in Lettere Classiche 

con lode, ha continuato gli studi sotto la 

guida di illustri professori (Giorgio Pasquali, Giacomo 

Devoto, Bruno Migliorini, Carlo Battisti) conseguendo 

col massimo dei voti il diploma di Perfezionamento in 

Filologia Classica e in seguito il diploma di Perfezionamento 

in Filologia Moderna. Ha dedicato la sua attività 

di ricerca alla saggistica e alla glottologia. 

Nell’ambito di tali studi ha collaborato nella realizzazione 

dell’Atlante toponomastico della Venezia Tridentina 

con la pubblicazione del commento al foglio 

XIII “I nomi locali del Roveretano”. Ha collaborato alla 

stesura del Vocabolario Storico della lingua italiana 

dell’Accademia della Crusca ed ha svolto attività didattica 

presso la Facoltà di Lettere dell’Università di 

Firenze. Ha lavorato con il grado di bibliotecario direttore 

presso la Biblioteca Nazionale di Firenze ed è 

stata più volte incaricata dal Ministero dei Beni Culturali 

di rappresentare le biblioteche italiane in consessi 

internazionali come Mosca e Philadelphia. Fa parte 

di alcune associazioni culturali fiorentine tra cui la 

“Compagnia del Paiolo”, l’“Unione Fiorentina”, il “Circolo 

degli artisti-Casa di Dante” dove ha organizzato 

alcune sue mostre personali di pittura. Poetessa e 

pittrice ha pubblicato in antologie e riviste numerosi 

articoli e poesie nonché un volume di poesie “Frammenti 

di luce” illustrato con riproduzioni di suoi dipinti. 

Ha partecipato a manifestazioni e mostre in Italia e 

all’estero riscuotendo premi e lusinghieri consensi di 

pubblico e di critica. Si ricordano il Primo Premio per 

la poesia (Firenze, 1999) e il Premio di sala (Firenze, 

2012) dell’Accademia “Il Fauno”; i diplomi di finalista 

al Premio Firenze per la poesia tutti gli anni dal 1995 

al 2001; il Primo Premio di pittura alla XVII Rassegna 

d’arte “Città di Viareggio” 2003; i premi e i riconoscimenti 

del “Premio Italia per le arti visive”, Firenze- 

Certaldo-Capraia per diversi anni consecutivi dal 

1997 al 2008; la medaglia del Premio Italia, XXIII edizione 

2008, organizzato dalla rivista Eco d’Arte Moderna, 

per i numerosi successi riportati dall’artista nel 

corso di oltre dieci anni; i vari premi del Associazione 

Marzocco. Nel 2004 il Comune di Mazara, città natale 

della studiosa, le ha conferito il I° Premio di eccellenza 

alla carriera. Il critico Pierfrancesco Listri ha dedicato 

alla pittrice un lungo articolo di cui si riporta il 

seguente brano: “Due profondi e intimi motivi nutrono 

l’ispirazione di questa artista: le memorie dell’antica 

classicità mediterranea e l’interiore lirismo di sfumate 

passioni di vissuto sentimento. In ogni sua espressione 

pittorica, l’artista si distingue per una limpidezza 

che tende ad un felice chiarismo, per l’eleganza 

delle campiture, sempre figlie di una sintesi sobria, 

leggera, ricca di sentimento”. 

136


Leda Giannoni 

Via Giusti, 12 - 50121 Firenze 

Tel. 055 245297 - Cell. 333 734.3038 - ledagiannoni@communicart.it 

Leda Giannoni è nata a Montecatini Terme ma 

vive a Firenze fin da piccola. Da sempre il suo 

amore per l’arte l’ha spinta a dipingere e la sua 

dedizione, nel tempo, si è tradotta in un vero e proprio 

impegno. Frequenta scuole di rilievo quale la 

Scuola Artistica di Tiziano Bonanni. Si è appassionata 

alla scultura, ha frequentato la bottega d’arte di 

Amalia Ciardi Dupré con lavori di terracotta e ceramica. 

Studia la tecnica pittorica con attenzione alla 

forma. Essa filtra la visione delle cose attraverso 

suggestioni emotive e cromatiche vivaci e attuali, ma 

di vaga ispirazione novecentesca. Recenti studi di 

ritratto dal vero hanno reso il tessuto pittorico più 

realistico e sensibile al valore plastico. Si è soffermata 

sullo studio dell’arte plastica con dipinti su legno 

dorato e ha proseguito con una ricca produzione 

di tecniche miste e oli su tela. Inoltre si è specializzata 

nel ritratto di personaggi famosi. Ha partecipato a 

mostre di pittura nazionali, estemporanee ed a diversi 

premi importanti. Il suo nome è legato a mostre 

come la personale al “Convitto della Calza” nel 2006, 

la personale alla S. Giovanni Battista “Volti e immagini 

toscane” nel 2008, al Grand Hotel personale con 

ritratti al femminile nel 2009, alla Galleria Mentana 

personale nel 2009, all’Officina Profumo Farmaceutica 

di S. Maria Novella nel 2010. Oltre alle esposizioni 

che nel corso degli anni si sono svolte, è a Venezia 

nel 2011 all’Hotel Amadeus per il premio Biennale 

“Gondola d’oro”; a Roma alla Galleria Il Collezionista 

per “premio artista internazionale” nel 2012. A Verona 

è presente con “L’arte è amore” all’ Itaca Gallery 

nel 2012. A Parigi per il premio internazionale “Le 

Louvre” nel 2012. A Bruges per la mostra collettiva 

“Città di Bruges”, nel 2012. Inoltre, sempre nel 2012 

Meditazione, olio su tela, cm. 80x100 

alla Galleria Frosecchi ha presentato le sue opere 

dedicate alla danza con la personale “Arte ispira 

arte” immagini dedicate alla grande etoile Carla 

Fracci. Nell’opera Carla Fracci mentre stringe le scarpe 

da danza c’è tutta la poeticità di una donna in una 

dicotomia cromatica, in un trionfo di emozioni estetiche 

composte e raffinate. Le sue opere sono presenti 

in fondazioni pubbliche e private in Italia e all’estero. 

Ha donato il dipinto “Giovanni Paolo II” al Museo Civico 

Giuseppe Sciortino a Monreale - Palermo. 

137


Leda Giannoni 

La pittura di Leda Giannoni ha l’intonazione di un diaro 

intimo in cui le immagini della memoria si mescolano 

ai colori vivaci del presente, sempre ricco di 

nuove suggestioni e spunti ispirativi. Artista dotata 

di rara sensibilità, vera e propria esploratrice delle 

pieghe più intime dell’animo umano, Leda ha maturato 

negli anni un lessico pittorico che unisce alla forza 

costruttiva del disegno, e quindi alla definizione plastica 

dei corpi, il senso della luce che percorre le superfici 

facendole vibrare e imprimendo loro una certa 

vitalità organica. Il suo sguardo indagatore e selettivo 

raramente si lascia distrarre dalla multiforme varietà 

del reale, ma preferisce soffermarsi sul racconto 

di ciò che più ama e conosce: i volti delle persone 

care, le scene di vita familiare, la poesia degli oggetti 

che abitano il quotidiano, l’incanto di un paesaggio 

osservato dalla finestra e riprodotto sulla tela non in 

forma di frammento ma quale immagine di pura bellezza 

universale. La realtà trova spazio e acquista 

sostanza nei suoi dipinti che si aprono ad un’intepretazione 

lirica e sottilmente malinconica dell’esistente, 

come se a motivare il suo tracciato espressivo vi 

fosse il desiderio di sottrarre le persone e le cose 

amate all’intervento ingiurioso del tempo che tutto 

trascina nel vuoto disarmante dell’oblio. È solo fermandoli 

sulla tela che i momenti vissuti sfuggono 

all’inclemenza dei giorni per mutarsi in certezze innegabili 

e imperiture, testimoni di un’esistenza che diventa 

eredità per coloro che verranno. Dipingere vuol 

dire anche coltivare l’ambizione di vincere il tempo, di 

spingersi oltre i suoi limiti per lasciare traccia di sé al 

mondo, ambizione non estranea alla pittura di Leda 

che può dirsi un compendio dei suoi amori e delle sue 

passioni, la musica e la danza anzitutto, arti gemelle 

da lei celebrate quali espressione di grazia e raffinatezza, 

di equilibrio e armonia. La linea ondulata e 

Ritratto di Giulia, olio su tela, cm. 70x100 

sintetica che definisce i contorni di certe sue figure 

danzanti, impone una profonda conoscenza del corpo 

umano e del movimento affinchè l’immagine riprodotta 

sulla superficie pittorica mantenga integri il dinamismo 

e l’energia; compito non facile in cui Leda riesce 

dotando la figura di un senso musicale e ritmico 

che la rende viva, sensuale e sofisticata, non solo immagine 

della realtà, ma simbolo dell’impeto dinamico 

attraverso cui si concretizza la vita. 


138


Monica Giarrè 

monicagiarre@alice.it 

Aracne, 2012, acrilico su tela, cm. 100x100 

139



Nata a Tosi nel 1961, si è trasferita a Firenze 

nella metà degli anni Ottanta e qui, dopo incontri 

importanti e fondamentali insegnamenti 

(allieva prima di Giuseppe Leo e poi di Paolo Frosecchi), 

inizia il suo percorso espositivo a lungo meditato: 

nel 2001 due personali al Palagio di Parte Guelfa e a 

Villa Montalvo (Campi Bisenzio) seguite da tre collettive. 

Nel 2002 le personali alla Galleria Mentana e 

alla Galleria La Tartaruga (Roma) la partecipazione a 

diverse collettive fino al 2006 quando, collaborando 

con la Galleria Frosecchi, viene invitata alle Fiere di 

Firenze, Parma e Genova. Il 2008 è l’anno di tre personali: 

una alla Galleria Frosecchi, le altre ai ristoranti 

Garbo e Buchetta. Si susseguono anche le collettive e 

ottiene riconoscimenti ai Premi Firenze, Calindri, Italia. 

Nel 2012 la grande personale al Museo Archeologico 

di Fiesole e le mostre all’Artexpo di Arezzo, al 

Museo del Calcio di Coverciano e al Museo Alinari. 

“La circostanza stagionale ha dato vita ad un periodo 

di lavoro per le donne e fra quelle che hanno avuto la 

compiacenza, ma anche il coraggio di accogliere l’ennesimo 

invito, Monica Giarrè può ben delineare un 

bilancio della propria recente attività dedicata alla figura 

femminile. Ecco un mondo familiare, un racconto 

umano, un’altra tappa della sua vocazione d’artista 

evidentemente cresciuta in un clima di fervidi contatti 

familiari e amicali, eppure singolarmente libera. In 

queste sue figure si avverte un inconsueto candore 

seppure nella prorompente bianca nudità che emerge 

da geometrie dai colori crudi. Infatti, ad un primo esame 

si può pensare che la Giarrè cerchi di giustificare 

la collocazione spaziale ma penso anche suggerire 

una sapiente soluzione di rottura. L’osservatore è preso 

dalla leggerezza limpida della figura ma subito 

dopo non può ignorare le forme geometriche compositivamente 

aggregate in un esatto andamento che fa 

vedere lo stretto rapporto tra il dato figurativo e il rigore 

geometrico che anche nei colori emana un serio 

processo di depurazione. Ritengo che il momento creativo 

di Monica sia pronto ad uno scatto per una strada 

nuova che terrà conto della vecchia, sfatando certamente 

l’opinabile detto”. 

Giuse Benignetti 

“L’introduzione della figura umana risale a tempi piuttosto 

recenti e testimonia un nuovo amore per il corpo 

delle donne che è diventato emblema di una di femminilità 

viva e libera. Dal punto di vista stilistico, ripercorrendone 

in breve l’evoluzione, si nota un forte legame 

con uno dei momenti più significativi della 

storia dell’arte, cioè quello che va dalle riflessioni di 

Paul Cézanne sulle forme fino toccare le scomposizione 

dei piani dei cubisti, soprattutto quelle di Georges 

Braque. Di grande interesse è sua la produzione sulle 

figure mitologiche che l’ha portata all’elaborazione di 

un complesso studio dedicato alla donna. L’artista, 

attraverso un’interpretazione in chiave psicologica di 

Dafne, Aracne, Diana, fino a giungere alla dantesca 

Beatrice, ha offerto una lettura del mondo emotivo 

femminile mostrando in questi soggetti di volta in volta 

la forza, il carattere, la sensualità ma anche la complessità 

di queste donne. Proprio in queste opere si 

definisce una tavolozza brillante, ricercatissima nei 

colori, che si sposa con uno stile asciutto dai contorni 

marcati e dalle campiture che ricordano la Pop Art 

americana”. 

Samanta Monco 

140



Dafne, 2012, olio e acrilico su tela, cm. 100x100 

141


Chiara Giordano 

chrgiordano58@gmail.com 

Ma sono mille papaveri rossi, olio su tela e cornice in legno, cm. 76x135 

Nata in provincia di Bari, vive e lavora a Firenze 

dal 1987. Ha iniziato a dipingere frequentando 

a Firenze il Laboratorio d’Arte Nibe della 

pittrice Nicla Cesari, affinando poi le tecniche dell’acquerello 

e dell’acrilico in corsi di pittura en plein air 

presso il Burren Painting Centre di Lisdoonvarna, nella 

Contea di Clare, in Irlanda. Ha esposto in varie collettive, 

tra le quali alcune edizioni del “Premio Italia 

per le Arti Visive”, ottenendo vari riconoscimenti. Nei 

suoi lavori privilegia il figurativo, rappresentando in 

particolar modo fiori e paesaggi. In essi l’autrice: “... 

sembra proprio orientata ad abbandonarsi in una dimensione 

di flautata naturalità appena sbocciata alla 

vita ove fragranze e morbidezze si rincorrono lungo il 

sentiero di lunghe osservazioni ravvicinate di petali e 

di foglie raccolte con piglio meticoloso in un “carnet” 

botanico venato di naiveté o si dispiegano nelle striature 

calde d’un tramonto appuntato sul calendario 

degli eventi personali”. 

Alvaro Spagnesi, Eco d’Arte moderna, n. 170 - 2009 

I suoi oli aprono: “...una sorta di giardino incantato e i 

suoi fiori così limpidi, così giganteggianti, appaiono 

andare oltre la realtà per comporre e intessere valori 

cromatici e di luce”. 

Roberta Fiorini, Eco d’arte moderna, n. 162 - 2007 

142


Lina Giorgi 

Cell. 349 3983780 

www.linagiorgi.com - giorgi@lina.it 

Estremo Oriente, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Nata a Castel San Niccolò, vive e lavora a Ponte 

a Poppi (Arezzo). Da tempo è presente in numerose 

rassegne, fiere e premi dove ha ottenuto 

significativi riconoscimenti; tra i più recenti: le 

collettive a Foiano della Chiana (Arezzo), ”FIDAPA 

espone le Artemisie”, a Meleto Cavriglia (Arezzo), nel 

palazzo della Provincia di Arezzo, “Arte per non dimenticare” 

ad Arezzo, le personali al Monastero di 

Camaldoli nel 2007 e 2008 e alla Galleria Modigliani 

a Milano, la partecipazione alle manifestazioni periodiche 

del “Premio Italia per le Arti Visive”, del “Premio 

Firenze”, della Rassegna nazionale di pittura Livorno. 

È presente alle fiere “Immagina” di Reggio 

Emilia nel 2008 e 2009, “Vernice Art Fair” di Forli nel 

2009, “Art Expo” di Arezzo nel 2011 e 2012; nel 2009 

partecipa a “Primavera Maremmana” a Grosseto, a 

“Percorsi d’arte in Biblioteca” a Pontassieve, alla Mostra 

di Pittura al Castello Weissenstein Pommersfelden 

(Norimberga), ad “Arte Sotto i Portici” a Bologna 

- anche nelle tre edizioni successive - e tiene una nuova 

personale al Monastero di Camaldoli ed una ad 

Abano Terme, mentre nel 2012 è in personale a Poppi 

nella Galleria Comunale d’Arte Contemporanea. 

143


Lina Giorgi 

Visioni di mezzogiorno, tecnica mista su tela, cm. 120X80 

“Nei suoi ritratti della natura il vero appare sempre 

plasmato al filtro di un’annotazione magica: una luce, 

un movimento, un’inquadratura, diventano ingredienti 

attraverso i quali l’artista attribuisce ai luoghi e ai soggetti, 

pur riconducibili alla realta’ che la circonda, un 

ulteriore accento, come una sorta di avvolgente abbraccio, 

emozionale, idealizzante. Poesia ed energia si 

fondono negli scorci del paesaggio casentinese, negli 

orizzonti di prati e di spiagge dove corrono liberi i cavalli, 

ma anche nelle figure degli alberi che spesso 

Lina isola dal contesto naturalistico e tratteggia con 

chiome lussureggianti, per lasciare emergere tutto il 

carico simbolico di questa forma che unisce la terra al 

cielo. Nel suo percorso espressivo il colore non puo’ 

che corrispondere a questa inclinazione a rendere 

straordinaria ogni visione e dalla percezione di luci 

smaglianti talvolta trasmigra in atmosfere fantastiche 

osando alberi azzurri o campi inondati di arancione. 

L’artista continuamente trasforma cio’ che vive, cio’ 

che osserva, cio’ che sente e in questo viaggio la sua 

ricerca si apre a nuove sperimentazioni come ci attestano 

alcune recenti opere dove Lina demarca piu’ 

esplicitamente il confine tra realta’ e immaginazione, 

tra veduta e memoria, così che una visione si interpone 

o sovrappone all’altra instaurando un’affascinante 

e diversa ipotesi di dialogo.” 


144


Angela Giuliani Perugi 

Vive ed opera a Firenze - Cell. 333 5272453 

info.angelagiuliani@alice.it - www.angelagiuliani.info 

Inverno al Palmerino, acquarello su avorio, diametro cm. 9 

Nasce a Bologna dove si diploma all’Istituto 

Statale d’Arte nella sezione di Pittura sotto la 

guida del maestro Vasco Bendini. Lavora per 

un anno nella Pinacoteca comunale come apprendista 

restauratrice. Il matrimonio la porta a trasferirsi a Firenze 

dal 1967, dove si dedica alla miniatura di riproduzione, 

lavorando su commissione. Continua in parallelo 

la ricerca di un’espressione propria e nel 1982 

allestisce la prima mostra personale di acquarelli su 

avorio, a tema prevalentemente paesaggistico, che 

riscuotono successo. Si applica allo studio di nuove 

tecniche su più ampie dimensioni, utilizzando l’acquarello 

a secco su cartoncino “martello”, dedicandosi 

anche al genere del ritratto. Affascinata dalla Tradizione 

iconografica su temi sacri, esegue copie dei 

grandi maestri del Cinquecento (Beato Angelico, Botticelli, 

Leonardo), Seicento (Caravaggio, Guercino, 

Carlo Dolci) sino a spaziare verso autori del Settecento 

francese. Mediante la tecnica della tempera a 

uovo, con l’aggiunta della tempera grassa dagli effetti 

luministici, realizza creazioni originali su tela e su 

tavola d’argomento sacro. Dal 2000 è presidente del 

Gruppo “Tabula picta”, sotto l’egida del quale ha promosso 

ed allestito numerose collettive e la realizzazione 

di una mirabile “Via Crucis” nella Chiesa di S. 

Ambrogio a Firenze. Ha partecipato a numerose edizioni 

del “Sacro nell’arte” su temi biblici presso la 

Basilica della S.S.Annunziata. Sue opere sono presenti 

in collezioni private in Italia, Europa e Stati Uniti. 

145


Angela Giuliani Perugi 

Silenzio e vita, 2006, tempera grassa su tela, cm. 50x40 

“Angela Giuliani Perugi è una raffinata artista di origini 

emiliane che da quarant’anni vive ed opera a Firenze 

profondamente legata allo spirito umanistico-rinascimentale 

che connota la città nei suoi splendori monumentali. 

Le competenze restaurative e riproduttive di 

un’opera la accompagnano fin dalla giovinezza per 

maturare percorsi alternativi in una progressione significativa 

di esiti pittorici, alternando sorprendenti 

copie ad originali soggetti d’invenzione. Lo stile miniaturistico 

inaugura il suo avvicinamento all’arte nell’applicazione 

preziosa dell’acquarello su avorio che regala 

squisiti scorci paesaggistici di lenticolare fattura 

coloristica. Nelle opere ad acquarello “temperato” su 

cartone o su tela ottiene vivide gradazioni chiaroscurali 

su più ampi formati di singolare lirismo nella poetica 

suggestiva del ricordo. Ritrae con cura distensive 

vedute dell’amato paesaggio toscano nella rievocazione 

di luoghi paesistici, pacificanti avvallamenti campestri 

con casolari tra cipressi ed ulivi verdeggianti e 

solari segmenti del litorale tirrenico a lei cari. La luce 

diviene l’elemento unificatore di queste visioni che, 

nei toni di un caldo cromatismo, affermano una purezza 

atmosferica dal respiro idilliaco nell’armonicità dei 

dettagli. Il ritratto e la figura sono felicemente resi sia 

per la resa fisionomica che per dovizia di positure, ora 

in assoli o inseriti in contesti naturalistici che ne accarezzano 

le sembianze. Se la natura è una fonte ispirativa 

privilegiata, nella sua copiosa produzione svolge 

un ruolo primario la riproposizione del sentimento del 

Divino. Realizza con ricercata perizia temi d’arte sacra, 

ideati o riprodotti nel rigore delle icone con l’apporto 

di brillanti pigmenti e della foglia d’oro zecchino o traduce 

con immedesimazione i dettami delle tavole dipinte 

da insigni maestri del passato. L’azione diligente 

del pennello ricrea figure devozionali, episodi o personaggi 

di ispirazione biblica o di impronta liturgica nella 

riesumazione di iconografie classiche legate al culto 

mariano, così diffuso a Firenze, come la scena eterea 

dell’Annunciazione. Fedele alla componente trascendente 

nella cultura delle arti visive contemporanee, 

Angela Giuliani Perugi si pone in continuità con la tradizione 

sacra, fornendoci interiorizzate testimonianze 

di spiritualità, avvalorate da prassi esecutive ispirate 

nel dialogo tra reale e ideale, tra la natura umana e 

l’ineffabile”. 

Silvia Ranzi 

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Maura Giussani 

Via Romagna, 7 - 52100 Arezzo - Tel. 0575 20590 - Cell. +39 320 2923833 

giuma.22@hotmail.it 

Un pomeriggio a Fontana di Trevi, 2012, olio su tela, cm. 70x80 

Maura Giussani nata nel 1952 a Milano dove 

si è diplomata presso il liceo artistico Beato 

Angelico. Attualmente vive e lavora ad Arezzo. 

I suoi soggetti preferiti sono lo studio delle luci e 

dei riflessi in tutte le loro manifestazioni, ma ama anche 

spaziare tra figurativo ed astratto, per sperimentare 

tecniche diverse. Dal 2003 ha partecipato a varie 

collettive in Italia e all’estero. Ha partecipato anche a 

vari concorsi: 2006, terza classificata ”Estemporanea 

Sasso di Simone; 2007, opera segnalata al ”Premio 

Nazionale Mecenate”; opera segnalata al “Premio 

Agazzi“ (BG); 2008, terza classificata all’estemporanea 

“Città di Monterchi”; 2009, collettiva presso 

l’Atrio d’onore della Provincia (AR); 2010, terza classificata 

concorso pittura contemporanea al “Monterchifestival”; 

2011, opera segnalata al ”Premio di pittura 

contemporanea” Lucignano; 2012, terza classificata al 

”Premio Astrolabio”; terza classificata all’estemporanea 

Rigutino; terza classificatga al concorso nazionale 

”Ancos”; partecipazione ad “Artexpo” (AR). 

“La pittura della Giussani è sinonimo di ricerca accurata 

della visione cromatica in vari aspetti. Lo studio 

dei riflessi ottenuti da varie visioni, quasi maniacalmente 

realistiche, nei suoi soggetti a vocazione motoristica 

(auto, moto, ecc.), ne danno una lettura piacevole 

e fortemente convincente, con strati di 

contrasto che rafforzano lo spazio irreale dell’esterno 

del soggetto. Notturna, in opere, dove lo spazio e la 

luce giocano da padroni sul fondo pittorico, influenze 

quasi Hopperiane nei suoi soggetti da sala da ballo, 

bar e situazioni sospese nello spazio-tempo, fanno di 

quest’artista un composito equilibrato di ricerca pittorica 

al di sopra di mode e atteggiamenti molto comuni 

all’arte contemporanea. La Giussani è un’artista 

che riesce ad avere il coraggio di sperimentare 

nuove strade, anche se alla base vi è una maturità 

mentale e di concetto che la rende riconoscibile e 

unica nel suo stile”. 

M° Alessandro Marrone 

147


Patricia Glauser 

patriciaglauser@gmail.com - http://www.patriciaglauser.com 

Cell. +39 339 8144018 - Tel. +39 055 8587039 

Nata in Colombia nel 1967. Nel 1998 lascia il 

suo lavoro come dentista per venire in Italia a 

studiare arte. Dopo aver fatto diversi corsi di 

disegno e pittura, nel 2001 s’iscrive all’Accademia di 

Belle Arti di Firenze, dove si diploma in Pittura nel 

2006. Nel 2009 segue il master in Arti Visive alla Libera 

Accademia di Belle Arti di Firenze (LABA). Oltre al 

lavoro come artista, è insegnante di Anatomia dell’Immagine 

alla LABA. Numerose le mostre personali e 

collettive; tra queste si ricordano: le personali In Bianco 

(201, atelier Art studio and Gallery, Patricia Glauser, 

Firenze); Insight Outside (2010, Galleria Lato, Prato); 

Un parcours a deux temps (2007, Elsa Fajardo, Wavre, 

Belgio); le collettive Visone bianco e nero, pensieri a 

colori (2012, Barbara Vincenzi, Venezia); Gender fluid 

(2012, Barbara Vincenzi, Centro d’Arte Moderna, Pisa); 

Visioni in Bianco e Nero (2012, Barbara Vincenzi, Studio 

Iroko, Milano); Oniricum (2011, Angelo Pieroni, 

Museo della Specola, Firenze); Artdesignweek show 

(2011, Galleria Bardi Contemporanea, Firenze); Verde 

que te quiero verde (2009, Vittorio Corsini, piazza Ghiberti, 

Firenze); Lavori finali (2009, D’A Spazio d’arte, 

Fabio Cresci, Empoli); Communication box (2009, Pedro 

Riz a Porta, Fabio Cresci, via dei Bardi, Firenze); 

Profezie di bellezza 4 (2004, A. Tirelli, Caffé Storico 

Letterario Giubbe Rosse, Firenze); Mostra di Pittura 

(2004, Radu Dragumirescu, ex Chiesa di San Carlo di 

Barnabisti, Firenze). È stata finalista al Premio Afrodite 

(2012) e al Premio Yicca (2009). Hanno scritto di lei, tra 

gli altri: Serena Bedini ed Emanuela Catalano. 

“Patricia Glauser, partendo dall’osservazione 

dell’espressività materiale della tela, della sua fisicità 

e presenza nello spazio, inizia la sua personale ricerca 

del “tra” ovvero: “dello spazio che divide e/o connette 

interno ed esterno, materia ed energia, presenza e assenza”. 

Nei suoi lavori, la tela gioca un ruolo principale 

nel farsi figura, il colore è un bianco assoluto ed essenziale 

che non ha più il bisogno di costruire la forma, né 

di trasmettere emozioni e sensazioni. Nella storia 

dell’arte si incontrano importanti precedenti nella possibilità 

della tela di esprimere la terza dimensione sia 

Io Abito, 2011, gesso e acrilico su tela, cm. 80x170 

dal punto di vista visivo, nelle ricerche rinascimentali 

sulla prospettiva, che da quello fisico, ad esempio nel 

caso dei tagli di Fontana. Patricia Glauser, memore di 

tutte queste possibilità, sviluppa un rapporto personale 

con la tela. Le forme ottenute diventano scultoree. 

La tela si presenta come un “abito” (vestito) che copre 

ed allo stesso tempo scopre. Una “tela-abito”, che 

prende la forma, “tra” materia ed energia”. 

Spela Zidar e Fabrizia Bettazzi 

148


Donatella Gori 

“Nel panorama delle Arti Figurative a Firenze Donatella 

Gori si distingue per un iter produttivo avviato 

che rivela un talento versatile nell’applicazione di varie 

tecniche esecutive, affermandosi quale sensibile 

pittrice, ceramista e decoratrice. La sua formazione si 

avvale di studi classico-umanistici ed accademici 

nell’esercizio dell’arte pittorica in forza della quale 

persegue un linguaggio figurativo che esalta la tradizione 

del vero naturalistico, prediligendo pastosi imdonatella.gori@libero.it 

www.ceramichegori.com 

2 vasi , h cm. 23 , h cm. 25 

Donatella Gori ha frequentato l’Accademia di 

Belle Arti di Firenze, indirizzo Pittura, con il 

professor Giovannelli, conseguendo la laurea 

nell’anno accademico 2002/2003 con votazione 

110/110. Dopo la formazione accademica, nel 2004 si 

è specializzata nella decorazione su ceramica frequentando 

la Scuola di Ceramica di Montelupo Fiorentino 

e perfezionando la tecnica con stage presso 

aziende produttrici di materiale ceramico. È iscritta 

all’associazione culturale “Firenze Arte” con la quale 

ha partecipato a varie collettive e dove, lo scorso dicembre, 

ha esposto in una mostra personale i suoi 

pastelli e le ceramiche. Al 2008 risale la personale di 

quadri ad olio presso la Galleria Centro Storico di Firenze, 

e molte altre sono le mostre corali e individuali 

realizzate in tanti anni di carriera. 

149


Donatella Gori 

Natura morta con figura femminile, 2002, olio su tela, cm. 80x80 

Piatto, con decoro geometrico, cm. 30 

pasti cromatici. L’intimismo lirico dello sguardo nella 

riservatezza del vivere, illuminato dal rasserenante 

contatto con la natura, è il filtro e la cifra stilistica che 

caratterizza il suo approccio al reale. L’interesse visivo 

si indirizza verso assorti e domestici assemblaggi 

oggettuali in interni, si declina nella delineazione di 

vedute paesaggistiche di rivisitata memoria, si sofferma 

talora a ritrarre la figura umana, profilata nelle 

giovanili fattezze di dolci ritratti femminili. Ragguardevole 

è il ciclo pittorico “Il quadro nel quadro” che, 

nato per omaggiare il maestro d’arte Onofrio Martinelli 

vissuto fra le due guerre, presenta opere-citazione 

dello stesso artista interagenti con nature morte di 

studiata composizione ideate dalla Gori secondo 

un’intonazione meditativa, scandita da un segno compendiario, 

sostenuto da un denso e caldo tonalismo 

dagli accenti evocativi. Se negli accorpamenti studiati 

di oggetti prevalgono valenze emozionali-simboliche 

di natura riflessiva, nei soggetti paesaggistici 

emerge la resa luministico-cromatica di impronta mediterranea 

che ritrae distensivi segmenti marini, montani 

o campestri: versiliesi, liguri, meridionali, dolomitici, 

sorpresi nell’occasionalità di viaggi compiuti, 

sotto l’azione vivificante del ricordo. Una tale contiguità 

di temi è trasposta felicemente sulla tela o su 

carta mediante la prassi di due tecniche privilegiate 

con esiti di elegiaca poeticità: da una parte la messa 

in opera di una solidità costruttiva grazie all’impiego 

del colore ad olio impegnato su contrasti timbrici dalle 

ricercate iridescenze; dall’altra la freschezza esecutiva 

del pastello nella resa di preziosi sfumati in 

soggetti tratti dalla ferialità di un quotidiano amato 

nei suoi riposti assemblaggi di frutta o contemplato 

secondo carpite angolazioni paesaggistiche. Spaziando 

dall’arte all’artigianato di pezzi unici, l’estro e la 

professionalità artistica di Donatella Gori dimostra 

percorsi diversificati nell’ambito decorativo: dall’applicazione 

alla ceramica di eccelsa tradizione toscana 

a cornici d’autore per la nota area di Certaldo. Con 

elegante e fluente vena ornamentale decora vasellame 

di varia foggia e destinazione rispettando e ricreando 

gli stilemi propri della rinomata scuola di Montelupo 

Fiorentino - spaziando con fattura disinvolta da 

complessi intrecci figurativi a sinuose forme vegetali 

- al fine di impreziosire con pregevoli manufatti la cultura 

dell’abitare e dare continuità, nell’innovazione, 

alla secolare tradizione delle maioliche fiorentine 

note fin dai tempi medicei”. 

Silvia Ranzi 

150


Annapaola Gorozpe Perez Pria 

Piazza Indipendenza, 1 - 50129 Firenze 

Cell. 338 4612025 - annapaolagorozpe@gmail.com 

L’Abbraccio, 2005, olio su tela, cm. 70x100 

Nata nel 1978 a Città del Messico, si diploma in 

Disegno Museografico, all’Accademia di Belle 

Arti (Escuela Nacional de Bellas Artes “La 

Esmeralda”) e nella stessa si laurea in Belle Arti (Pittura, 

Scultura, Incisione). In Italia, si specializza alla 

scuola d’incisione “Il Bisonte” a Firenze. Ha partecipato 

a varie mostre e concorsi all’estero e in Italia, tra 

i quali si ricordano il Concorso Internazionale Leonardo 

da Vinci nel Museo di Leonardo da Vinci nel 2000; 

la mostra itinerante Santa Anastasia di Sirmio, dal 

2005 al 2007, terminata agli Archivi del Museo Vaticano; 

la mostra collettiva al “Caffè Giubbe Rosse” nel 

2006 e la mostra Gattart nello stesso anno; la mostra 

“Terra”, Città Sant’ Angelo, nel 2007 e la mostra “Verso 

la Terra Promessa” nella chiesa S. Maria Annunziata 

nel 2012. 

151


Annapaola Gorozpe Perez Pria 

La mia Letizia, 2005, olio su tela, cm. 70x100 

152


Silvia Greco 

silviagreco34@gmail.com 

Alpha centauri, 2008, acrilico e foglia oro su tela, cm. 120x60 

Silvia Greco è nata a Fucecchio nel 1977 ed ha 

compiuto studi artistici, prima il Liceo Artistico 

e poi l’Accademia delle Belle Arti di Firenze. 

Parallelamente alla sua attività di Interior designer 

ha proseguito l’attività pittorica prestandosi a commissioni 

private per la realizzazione di decorazioni di 

interni in abitazioni e in locali pubblici, sviluppando 

così un suo personale linguaggio pittorico. Le esperienze 

lavorative nell’ambito dell’arredamento l’hanno 

comunque indotta a una riflessione estetica profonda 

confluita in una ricerca pittorica che, forse per 

contrasto, è andata a sviluppare un concetto di spazialità 

sconfinata e disabitata, collocata nelle ambientazioni 

atemporali dell’infinito universo stellare. 

L’uomo, mai presente, non ne è comunque escluso, 

anzi: è per lui e per la sua desolazione che l’artista 

ricrea questo nuovo mondo. I dipinti, raffinatissimi 

nella rigorosa selezione dei materiali e dei colori, 

presentano costellazioni, pianeti e stelle che rimandano 

all’idea ancestrale di ricerca dell’infinito a cui 

da sempre l’uomo anela. Interpretando lo spazio cosmico 

come un’apertura sull’universo interiore, l’artista 

mostra stelle luminose che esplodono di luce sul 

volto di chi osserva, ed immagini di paesaggi ultraterrestri 

rubate alla scienza. Questi luoghi spaziali 

diventano ideali grazie a un lungo procedimento intellettuale 

che porta l’artista a stampare sulla tela 

l’immagine dell’opera precedentemente dipinta. 

Samanta Monco 

153


Silvia Greco 

Alba su Marte, 2009, stampa su tela, cm. 95x70 

“Nelle opere di Silvia Greco ciò che ci appare davanti 

è un’esplosione di energia, luce e materia. 

Nei dipinti che fanno parte della collezione “Tracce di 

luce” i colori preziosi come l’oro e l’argento si irradiano 

attraverso raggi luminosi e sfavillanti sulla superficie 

della tela, creando armoniosi contrasti con le cromie 

opache dell’acrilico che si impongono con forza e 

dinamismo. I filamenti di colore che disegnano forme 

particolari, richiamano alla memoria pianeti dai bagliori 

folgoranti e stelle solari irradianti. Ci troviamo in 

un universo dove l’esplosione vitale di luce investe 

ogni cosa, e da qui colori vibranti e penetranti emergono 

carichi di materia. 

…Vincente è il connubio tra colori scintillanti e tinte 

opache, forti e materiche, che conferiscono alle opere 

una illimitata dinamica energia.” 

Elisa Cristiano 

154


Silvia Greco 

Vega, 2009, acrilico e foglia argento su tela, cm. 100x80 

155


Silvia Greco 

Pianeta Vulcano, 2009, stampa su tela, cm. 65x65 

156


Franca Grilli 

Via Orcagna, 21 - 50121 Firenze 

“Con gli anni ho nascosto nella memoria frammenti, sensazioni, stralci che in queste sculture, 35 complessivamente, 

ho intrecciato al racconto, alla favola, allo scherzo, a volte con fierezza, a volte con abbandono”. 

Franca Grilli 

Franca Grilli vive e lavora a Firenze. Diplomata 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze, ha al suo 

attivo numerose personali, tra cui: Il Fiore (Firenze, 

1966), Il Traghetto (Venezia, 1970), Arti Visive 

(Roma, 1972), Il Vicolo (Genova, 1979), L’Indiano (Firenze, 

1982), Bottega del quadro (Bergamo, 1989), 

Vanna Casati (Bergamo, 1998), Ennavu (Bologna, 

2001), 8+1 (Venezia- Mestre, 2007). Tra le mostre di 

gioielli d’artista, si segnalano: Forma e Qualità 

(1971), Monaco di Baviera, premiata con medaglia 

d’oro; Progettare con l’oro (1980), Palazzo Strozzi (Firenze) 

e Castello Sforzesco (Milano); L’arte del gioiello 

d’artista (2001), Museo degli Argenti, Palazzo 

Pitti, Firenze. Tra i libri d’artista si ricordano: Biennale 

con “Zeta boox”, Barcellona, 1985; 30 disegni ispirati 

alla poesia giapponese Haiku (1988), Editrice 

Eidos Mirano (Ve); “Migalhas” de Pessoa, libri ispirati 

alla poesia di Fernando Pessoa, Lisbona, Casa 

Pessoa, 1998. Hanno scritto di lei: Carlo Betocchi, 

Corrado Marsan, Toni Toniato, Lara Vinca Masini, 

Guido Montana, Germano Beringheli, Giorgio Segato, 

Giuliano Serafini. 

157


Martina Grkinic 

Atelier d’Arte di Art - Expertise - Via Pisana, 305-237 rosso - 50143 Firenze 

Tel. 333 7392841 

La festa di nozze - installazione, fotografia digitale, immagine ad 

alta risoluzione stampabili su diversi supporti e in diversi formati 

Nuvola - installazione da La festa di nozze, fotografia digitale, 

immagine ad alta risoluzione stampabili su diversi supporti e in 

diversi formati 

Dopo il diploma al Liceo Artistico di Pola (1999), 

inizia le prime esperienze espositive in Croazia. 

Tra il 2000 e il 2001 si trasferisce a Firenze per 

studiare pittura all’Accademia di Belle Arti - dove si 

diploma nel 2008 - e in questi anni partecipa ad alcuni 

concorsi, ottenendo il quarto posto al IV° Concorso Nazionale 

di Pittura “Gaetano Morgese” (2003) a Terlizzi 

(BA). Nel 2005 vince il Premio Internazionale d’Arte 

SS395 nella categoria Artisti Emergenti (Vernio, Galleria 

d’Arte, BoArt). Nel 2005 è finalista al Premio Celeste 

di Siena nella categoria Pittura Mediale Studente. 

Si avvicina intanto all’Art Therapy, partecipando al seminario 

Esplorando i paesaggi interni (Firenze, 2007). 

Nel 2008 partecipa al Concorso Premio Celeste a Siena 

e, tra il 2009 e il 2010, partecipa al Premio Nazionale 

Chimera (AR), al concorso MOHO-YICCA 2009 Young 

International Contest of Contemporary Art, al concorso 

fotografico “Quotidiana” e al Concorso Premio Celeste 

2010. Ha da poco esposto in personale presso “Terre di 

Masaccio” a Firenze e alla collettiva al Wardance Comics 

Party. In occasione della Giornata Mondiale contro 

la violenza sulle donne (25 novembre 2011) presenta 

una serie fotografica ispirata al tema della violenza 

sulla donna e sul suo corpo nell’Atelier d’Arte di Art- 

Expertise, a Firenze. Nello stesso Atelier organizza, nel 

2012, un’installazione dal titolo “La Festa di nozze”, 

dalla quale sono tratte le foto pubblicate in questo volume. 

Pensata sulla sua personale esperienza matrimoniale, 

l’installazione consiste nel suo abito nuziale, 

sorretto da palloncini bianchi e fluttuante tra “nuvole”, 

da sogno, realizzate con materiali di riciclo. A terra, 

nastri fotografici, lembi di tulle, e altri elementi che rimandano 

al tema nuziale, compreso un cenno alla vita 

quotidiana che fa da epilogo al “grande giorno”: un 

ferro da stiro, molti detersivi, giornali, simbolo dei giorni 

che passano tra nevrosi e routine quotidiana, accumulandosi 

ed accatastandosi negli angoli. Sul vestito 

da sposa, infine, da un video proiettore posizionato in 

un angolo,erano proiettate immagini del “giorno felice”: 

le foto della sposa, dello sposo, dei parenti e della 

festa di nozze. Una riflessione amara e provocatoria 

sulla tradizione nuziale che è presagio di aspettative 

alte, da sogno, ma anche preludio, talvolta, ad inaspettate 

realtà. 

Marina Volpi 

158


Francesca Guetta 

Via Canova, 78 - 50142 Firenze - f.guetta@alice.it - Cell. 3397705116 

www.artecommunicatios.it/artistisuiqualiinvestire - www.artexpo-gallery.it/premioespressionecreativa 

Omaggio a Michelangelo III°, 2011, polimaterico su tela, cm. 50x70 

Francesca Guetta è nata a Firenze, dove vive e 

lavora. Da sempre attratta dal mondo dell’arte, 

ha iniziato a studiare tecniche pittoriche presso 

il C.U.E.A. di Firenze, successivamente presso la scuola 

“Sole Costa“ ed ha approfondito la sua formazione 

artistica anche sotto la guida dei pittori Aida Teran e 

Giuseppe Ciccia. Ha partecipato a numerose rassegne 

artistiche e concorsi sia in Italia che all’estero ricevendo 

diversi premi e riconoscimenti. I suoi dipinti si 

trovano in collezioni pubbliche e private. Spazia 

dall’informale al figurativo affidando al colore la forza 

creativa. È inserita in diversi cataloghi e libri d’arte. 

“Arte Povera, New Dada e molta creatività spingono 

la fiorentina Guetta a indagare cultura e storia 

dell’arte. In questi mesi si è concentrata su potenza 

michelangiolesca e su ardore futurista. Le due tematiche 

sono rese privilegiando forza di materiali e colori 

e l’incisività del collage. E proprio qui Guetta trova 

composizioni serrate, uno scatto in più”. 

Fabio Bianchi 

“Non poteva essere altrimenti l’efficacia e la validità 

di questa composizione dedicata al genio dell’arte, al 

grande Michelangelo, perché concepita e realizzata 

da un’artista fiorentina che possiede nei geni e nei 

pori l’energia di Buonarroti. I colori si muovono tra il 

classico e il contemporaneo, tra la limpidezza e la 

precisione della realtà presente e le sfumature del 

passato, su un’opera fondamentalmente informale. 

159


Francesca Guetta 

Omaggio al Futurismo, 2009, tecnica mista su cartone telato, cm. 40x50 

La mano che scolpisce, è un gesto umano guidato dal 

divino, dove tempo e spazio divengono l’attimo, 

l’eterno… traducendosi in uno sguardo di meraviglia, 

muovendosi dall’essenziale al particolare. Lo stesso 

Michelangelo prima di realizzare il Giudizio Universale, 

la sua opera summa, scriveva : ma che poss’io, Signor, 

se a me non vieni?” 

Pompea Vergaro 

“(…) Legati difatti all’innato bisogno espressivo di 

Francesca Guetta vanno lette la serie Omaggio al Futurismo 

e le sue ultime sperimentazioni materiche. 

La prima, una singolare rivisitazione estetica in cui 

ritmi ben dosati, lontani da un’esplosione di linee o 

da anacronistici dinamismi, si fondono con elementi 

grafici e oggetti di recupero spesso originali che richiamano 

uno dei periodi storici più interessanti del 

nostro Paese, nonché l’unica avanguardia storica tutta 

italiana. La seconda e ultima in ordine di tempo, 

una, altrettanto interessante, sperimentazione in cui 

l’attrazione sensoriale si unisce alla consapevolezza 

del proprio spessore plastico e alla ricchezza cromatica, 

che, facendosi densa, crea una complessità di 

trapassi che diventano esuberante deposito plastico 

e fulcro nascente di luce, così catturata dalla fervida 

vitalità materica”. 


160


Anna Guicciardini Ricceri 

Piazza D’Azeglio, 24 - 50121 Firenze 

Verso casa, acquerello su carta, 2011, cm. 31x41 

Negli anni Cinquanta ha studiato presso l’Istituto 

d’Arte di Porta Romana a Firenze dove si è 

diplomata maestra d’arte in ceramica. È stata 

allieva di Alberto Caligiani e di Onofrio Martinelli; in 

seguito ha approfondito lo studio dell’acquerello sotto 

la guida della pittrice inglese Josh Partridge. Negli 

anni Ottanta ha animato un laboratorio di ceramica 

per i ragazzi della Madonnina del Grappa di don Giulio 

Facibeni. Ha esposto acquerelli in tre mostre personali 

(nel 2005, nel 2008 e nel 2011), l’ultima delle quali 

al Gruppo Donatello. Ha partecipato a numerose mostre 

collettive a Firenze, Cortona, San Gimignano, 

Viareggio. Ha partecipato con quattro acquerelli al 

Salon 2009 de la Nationale des Beaux - Arts a Parigi. 

161


Nicole Guillon 

Cell. 338 2811430 

www.nicoleguillon.com - poggiougolino@gmail.com 

Riflessi 03, fotografia 

Nata in Francia, passa la sua infanzia in Africa, 

dove è profondamente segnata dai colori e 

dalle forme essenziali dei paesaggi che la circondano. 

Si laurea in Letteratura Comparata a Parigi. 

Vive in diversi paesi d’Europa finché non approda in 

Italia con la sua famiglia. Inizia la sua attività artistica 

in Toscana frequentando l’Atelier Artistico di Impruneta 

e seguendo corsi presso la Scuola Internazionale 

d’Arte Grafica “Il Bisonte” di Firenze. Dal 1989 espone 

in numerose collettive e personali in Toscana, in Francia, 

in diversi paesi d’Europa e in Giappone, con opere 

di pittura e di incisione, ottenendo vari riconoscimenti 

tra i quali il “Fiorino d’argento” al “Premio Firenze”. 

Da qualche anno, la sua passione per i viaggi a piedi, 

particolarmente in Asia e Africa, le hanno permesso 

di scoprire nella fotografia una forma d’espressione 

che completa il suo linguaggio pittorico astratto. Dalle 

terre visitate riporta elementi minerali ma soprattutto 

emozioni da trasferire sulla tela o sul legno: 

“dipingo e fotografo per non parlare”; spesso lascia le 

sue opere senza titoli, con l’intenzione di offrire all’osservatore 

la libertà delle proprie sensazioni, convinta 

che l’artista altro non è che l’interprete di una coscienza 

universale. 

162


Nicole Guillon 

So black and white, tec. mista 

“Scriveva alcuni anni fa Anna Maria Masieri: “...i 

suoi quadri raccontano di cielo e di terra, aria e acqua, 

sole e ombre. ...distese colorate che sfociano 

nel sogno....dove la natura si spiritualizza e si trasforma 

in pura memoria: dalla realtà all’inconscio.” Quella 

di Nicole Guillon è in effetti un’astrazione fortemente 

evocativa che ci invita a percepire, in quelle 

intrusioni di materie altre, naturali e di recupero, che 

solcano l’espansione cromatica, linee d’orizzonte, 

isole, terre, comunque tracce di forme concrete. Ed 

oggi è affascinante vedere come l’artista nel suo recente 

percorso parallelo, che vede l’utilizzo di un medium 

così diverso come la fotografia, rivolga il suo 

sguardo a restituirci la medesima dimensione, catturando 

il valore espressivo straniante di una realtà riflessa 

anzichè diretta e perciò suggestivo, allo stesso 

modo della sua pittura, di contaminare continuamente 

fra loro astratto e concreto.” 


163


Mehri Hajiaghazadeh 

ARTEDOVE Associazione Culturale - Via de’ Macci, 81R - 50121 Firenze 

Tel. 055 2477744 

Donna Qatar, 1990, gouache e acquarello 

Pittrice, vive e lavora a Firenze. La sua esperienza 

artistica costituisce un interessante esempio di 

confronto fra culture diverse che, pur connotate 

da tratti specifici, rivelano affinità significative e contribuiscono 

ad un “ecumenismo” artistico, di cui la 

contemporaneità sempre più avverte l’esigenza, volto 

a contenere le lacerazioni che muovono da diffidenze, 

da presunte superiorità, da reciproca non conoscenza. 

Mehri è nata a Teheran e si è laureata in Pittura 

all’Università di Belle Arti della sua città. Nella sua 

formazione universitaria ampio spazio hanno avuto la 

storia e la cultura dell’Occidente, che l’artista, residente 

in Italia da venticinque anni, ha approfondito e 

maturato con l’assidua frequentazione di musei e con 

ricerche specifiche. Un impegno culturale coronato 

dall’incarico di Direttrice della Galleria fiorentina 

ARTEDOVE, Associazione Culturale Internazionale, 

che ospita artisti delle più varie correnti e culture. 

Mehri coglie gli aspetti fondanti della cultura orientale 

ed occidentale, in una sintesi creativa originale. 

Conoscitrice delle più varie tecniche, dipinge anche 

secondo modalità occidentali, compone veloci acquerelli 

con brevi e incisivi segni, coglie- nel loro divenire- 

immagini reali, paesaggi, ritratti. E dal suo Oriente sa 

cogliere una dimensione temporale non scandita dai 

meccanismi degli orologi, ma affidata ad un “lasciarsi 

andare”, senza bisogno di misurare, di interrompere in 

frammenti il fluire della vita. Ne è un bellissimo esempio, 

trascelto dalla serie “Sigilli della memoria”, una 

sua “Donna Qatar”, a gouache e acquerello su carta: 

nobile ascendenza persiana che coglie una dimensione 

antica e fastosa, rivissuta con levità da miniatura; 

un ritmo di bassorilievo in uno “schiacciato” che muove 

passi di danza. Un volto femminile enigmaticamente 

sereno, distaccato in una dimensione atemporale, è 

attento ad una musica ignota. Ma anche noi - spettatori 

- la avvertiamo, la ascoltiamo: si esprime nella 

postura, nei gesti cadenzati delle mani, nel tocco - lieve 

e, ad un tempo, deciso - dei piedi che sembrano 

ornamenti della veste avvolgente e ruotante a disegnare 

una figurazione coreutica fatta di grazia e di armonia. 

E la tecnica di tipo occidentale conferisce dimensione 

e prospettiva, accentua ed esalta la 

complessiva eleganza, la compiuta sintesi d’arte cui 

Mehri Hajiaghazadeh sa giungere. 

Sonia Salsi 

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Sylvia Heinemann 

Via XX Settembre, 40 - 56046 Riparbella (PI) - Tel. IT +39 333 5016423 

DE: +49 172 4000 905 - sh@sylvia-heinemann.de - www.sylvia-heinemann.de 

Verso il nuovo, 2012, cm. 100x150, acrilico su tela 

Basta, 2011, collage, pittura su tela e pagine di libri, m 1x1.50 

Forza, 2013, gesso e colore su tela, m 1.30x1.80 

Sylvia Heinemann, nata e cresciuta a Düsseldorf 

(Germania), studia architettura a Losanna 

(Svizzera). Negli anni successivi è ad Amburgo, 

dove studia alla Scuola d’Arte Amburgo. Qui vive con 

i suoi figli e lavora fino agli anni Novanta, per poi trasferirsi 

in Toscana. La vita ritirata in Toscana, in particolare 

gli inverni trascorsi in solitudine, influenzano e 

danno forma al suo lavoro. Pensieri, sogni, gioia, dolore 

caratterizzano in maniera decisiva la sua opera. 

Esperimenti con la tecnica del collage, l’uso di vecchi 

libri e oggetti ritrovati sulla spiaggia, colori forti, si 

accompagnano sempre a testi scritti che vanno considerati 

come il fulcro tematico della sua arte. Arte che 

è per Sylvia una danza ininterrotta sul vulcano dell’immaginazione. 

Tra le mostre principali, si ricordano: 

Musenstall, Amburgo (1998); Intergrata, Amburgo 

(1999); Atrium Galleri, Amburgo (2000); Laboratorio 

d’Arte, Montescudaio (2001); Ragnesen e Begnesen, 

Amburgo (2001); Laboratorio d’Arte , Montescudaio 

(2002); Phoenixhof, Amburgo (2004). 

165


Sylvia Heinemann 

Troppo, 2011, pagine dei libri, acrilico su tela, cm. 100x150 

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Paola Imposimato 

www.paolaimposimato.com 

paolaimpo@gmail.com 

Paola Imposimato, pittrice professionista di Firenze, 

laureata all’Accademia delle Belle Arti 

nella medesima città, coltiva sin dall’infanzia la 

vocazione per il disegno e la pittura iniziando a divenire 

peraltro in età molto precoce un’incisiva ritrattista. 

All’età di tredici anni eseguì il ritratto di Sandro Pertini 

quando dallo stesso venne ricevuta presso il Quirinale 

nel maggio1984: il celebre Presidente della Repubblica 

fu lieto di ricordare con una fotografia la più 

giovane ritrattista mai conosciuta. Frequenta il primo 

biennio del Liceo Artistico Statale a Pescara, condividendo 

gli stessi insegnanti di Andrea Pazienza, per 

proseguire e concludere gli studi a Firenze negli anni 

successivi. Membro dell’Antica Compagnia del Paiolo, 

ha al suo attivo svariate mostre personali e collettive, 

esposizioni permanenti, realizzazioni di numerosi 

drappelloni dei tradizionali Palii di rievocazioni storiche 

italiane, nonchè pluriennali collaborazioni con 

note case di moda (Roberto Cavalli spa a Firenze e 

Prada spa a Terranuova Bracciolini, Arezzo) e case 

editrici. La sua opera spazia infatti dal ritratto all’arte 

sacra, dai dipinti murali alla pittura su tessuto, tavola, 

pelle, ceramica e cera. Tra i vari premi e riconoscimenti 

ricevuti si ricordano in particolare i molti Premi 

Grafica, tra cui il conferimento della medaglia di bronzo 

per la sua opera presentata nella XXVIII edizione 

del Premio Firenze 2010, sez. Arti Visive, nel Salone 

dei Cinquecento in Palazzo Vecchio, per arrivare nel 

2011, dopo il Premio del Consiglio regionale della Toscana, 

ad essere menzionata nel libro Nuovo Rinascimento 

(Editore Polistampa) e nel 2012 in quello di EVA 

Florence-Electronic Imaging & Visual Arts (Editore Firenze 

University Press) e Pentèlite 2012, Scritture 

letterarie di Sicilia (Editore Morrone). 

“L’arte di Paola Imposimato si distingue per la vivida e 

originale miscela - quasi ossimori figurativi - di classico, 

storico e di contemporaneo, basandosi (ogni suo 

dipinto è gremito e vittorioso insieme) su una forte 

ispirazione onirica che si stempera in uno scenografico 

spirito epico. Da questa molteplicità di influssi na- 

Il ritorno del Perseo, 2000, olio su tavola, cm. 90x130 

sce, tutta sua, la poetica di Paola che fonde spesso, 

con risultati di forte originalità, il classicismo con 

un’attenzione forte alla contemporaneità, coniugata 

ad una naturale frequentazione dell’artista di certa 

pittura nordica, da Otto Dix a Klimt ed Egon Schiele, 

alla secessione viennese. Non priva di forti accenti 

simbolici Paola getta sulla scena dei suoi dipinti segni 

e momenti allusivi come carte da gioco, maschere, 

antichi busti, monumenti di città. Una pittura sommossa 

e febbrile, ma non priva di solennità: i suoi 

quadri tendono alla grandiosità, si giovano di un gusto 

della vasta scenografia, si fondono sulla figura umana, 

maschile e femminile, sempre colta con scalpitante 

ricchezza quasi iper-realista”. 


167


Roberta Incerpi 

Viale Belvedere, 1 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 20590 - Cell. 3381509134 - robertaincerpi@virgilio.it 

Autunno, 2013, acrilico su tela, cm. 50x70 

Nasce a Viareggio nel 1963, successivamente 

si trasferisce con la famiglia a Pistoia dove 

intraprende gli studi e consegue la Maturità 

Scientifica. Si laurea poi in Biologia nel 1989 all’Università 

di Firenze. Fin da piccola ha amato disegnare, 

soprattutto con i colori che hanno sempre avuto un 

ruolo essenziale nella sua vita. Il padre chimico tintore, 

la madre e la zia disegnatrici e ricamatrici di biancheria 

le hanno trasmesso l’amore per gli accostamenti 

di colore, per le luci ed ombre, per le sfumature 

e le tinte pastello. Al Liceo ha appreso preziosi insegnamenti 

dal prof. Valerio Gelli. Predilige da sempre i 

paesaggi, da cui coglie le diverse luci delle stagioni, 

cattura i colori della natura e cerca di trasmettere attraverso 

le pennellate il movimento del mare, il soffio 

del vento ei profumi dell’universo. Utilizza le tinte ad 

olio, la tempera, l’acrilico, l’acquarello su tela, cartoncino 

o cartone telato a seconda del momento da afferrare 

e dell’emozione da trasmettere. I suoi paesaggi 

sono sempre legati ad un luogo reale, vissuto, ad un 

attimo di vita, a sensazioni ed emozioni. 

168


Fiorella Iori 

Via Kennedy, 14 b - 20064 Gorgonzola (MI) 

fiorellaiori@hotmail.it - www.myspace.com/fiorellaiori 

Rosa rossa, 2011, acrilico quattro tele di cm. ??x50 

Bocciolo bianco, 2012, acrilico su tela senza telaio cm.120x300 

Fiorella Iori è nata a Cecina nel 1949. Dopo il diploma 

al Liceo Artistico di Carrara e all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze si trasferisce a Milano, 

dove oggi vive e lavora. Inizia la sua attività ancora 

sotto la guida del maestro Fernando Farulli, con il quale 

pubblica una raccolta di grafiche dal titolo “La donna 

oggi” con poesie di Fabrizio Parrini. La sua naturale 

inclinazione alla figurazione la vedono partecipe, inizialmente, 

nell’editoria, con case editrici come Mondadori, 

Fabbri, De Agostini, per le quali ha prodotto 

importanti illustrazioni. Presente in numerose raccolte 

d’arte contemporanea nazionali e internazionali: tra le 

ultime acquisizioni quelle del Museo Civico di Ruffano, 

del Museo Internazionale Mariano MIMAC, della 

raccolta d’Arte Contemporanea Comune di Tricase. 

Nell’aprile 1999 la rivista Leaderschip Medica le dedica 

un importante articolo. Nel 2000 partecipa con un 

insieme di opere incisorie a una mostra su Stendhal 

organizzata dal Centro Studi Stendhaliano alla Biblioteca 

Sormani di Milano che l’acquisisce. Numerose le 

mostre personali e le partecipazioni come la mostra 

“Aurea” allestita nella Rotonda di San Carlo al Corso, 

Milano, nel febbraio 2002. Nel 2003 una personale al 

Centro Espositivo di Cecina. Il 2005 la vede impegnata 

in una mostra a Firenze con l’adesione del Ministero 

dei Beni Culturali e in un omaggio a Vincenzo Ciardo 

sul tema dell’albero. Nello stesso anno è presentata 

dal critico Carlo Franza nella monografia dedicata al 

Disegno Italiano, e nell’Annuario Comed. In questo 

periodo è soprattutto alla figura femminile che l’arti- 

169


Fiorella Iori 

Peonia bianca, 2011, acrilico su tela, cm. 200x140 

sta indirizza la sua ricerca instancabile mediante una 

pittura allusiva e simbolica con volti seminascosti e 

nudi femminili, coperti in parte da drappeggi che celano 

il “dentro” e richiamano le pieghe nascoste 

dell’animo. Significative di questo percorso sono le 

personali “Costellazioni” al Club Conti di Milano e 

“Bizzarro almanacco” all’Otel Ristotheatre di Firenze 

nel 2006; un’installazione dal titolo “La scuola dello 

sguardo” al Creative Council di Milano nel 2007; “Di 

scena in scena” con il Comune di Melzo, “Intime tracce” 

alla Brambati Arte di Vaprio d’Adda, e “Disputa 

sulla bellezza” al Plus Florence, nel 2008. Una ricerca 

più rivolta al macro e al fiore apre questo ultimo periodo; 

e sempre nel 2008 è presente alle installazioni 

“Solstizio d’estate” e “Un dialogo col cielo” dello Studio 

di Arti visive Comerio” di Milano. Nel 2009 è presente, 

ancora con un’installazione all’Università Statale 

di Milano; a “Solstizio d’inverno” e “L’arte della 

pace e la pace nell’arte” dello Studio di Arti Visive 

Comerio. È del maggio di quest’anno il nuovo articolo 

sulla rivista Leaderchip Medica e la partecipazione 

alla Rassegna d’Arte Contemporanea di Teglio (Sondrio). 

Nel 2010 presenta al Salone delle Regole al Plus 

Florence una mostra intitolata “Conversazione di 

sguardi”, segue l’installazione “Frammenti del visibile” 

sempre al Plus Florence. Nel 2011 la partecipazione 

alla collettiva “Bella Italia 1861-2011” all’Artestudio26 

di Milano per le celebrazioni dei 150 anni 

dell’Unità d’Italia; la collettiva “Mitografie familiari” 

alla galleria Anna Sartori di Mantova e la personale 

“Si cela un racconto” alla rassegna “Nuovo atlante 

delle arti” di Specchia (Le). Nel gennaio 2013 presenta 

una serie di opere su carta dal titolo “La fibra dei sogni” 

all’Otel Ristotheatre di Firenze. 

170


Antonella Laganà 

antonellalagan@ymail.com 

Nata a Reggio Calabria, si è laureata in Lettere 

all’Universita’ di Pisa - tesi sul “Faust” di Fernando 

Pessoa - dove era collega di Antonio 

Tabucchi. Ha frequentato a lungo il fervido ambiente 

artistico internazionale di Firenze, dove ha seguito 

all’Accademia di Belle Arti i corsi di nudo, e ha frequentato 

la Bottega di Gassman e i corsi di Scrittura 

Teatrale di Edoardo. A Livorno è stata allieva dello 

scultore professor Guiggi all’Accademia Trossi Uberti. 

A Milano ha perfezionato la tecnica dell’affresco e del 

glass-fusing, e a Roma dell’acquaforte. Dipinge in 

maniera continuativa dal 1975 e ha iniziato ad esporre 

dal 1993, realizzando moltissime mostre personali e 

collettive tra Roma, Parigi, Londra, Firenze,Venezia, 

Pisa, Forte dei Marmi, San Marino, Spoleto, Livorno, 

Napoli, Taormina, Palermo, Lugano, Ginevra, Bruxelles, 

Madrid, Vienna, Salisburgo, Innsbruk, Shangai, 

New York, Cannes e Montecarlo e nel 2012 al Porto di 

Jaffa col Salon d’Automne. Nel 2005, a Parigi, ha 

esposto al Salon d’Automne e poi, dal 2005 al 2012, al 

Salon des Artistes Independants al Grand Palais. Noti 

critici hanno scritto di lei, tra cui G. Falossi, Manrico 

Testi, R. Bertoli, Paolo Levi, Bruno Rosada, Dominique 

Chapelle, Salvatore Russo, Luca Filipponi, Daniela 

Pronestì, Patrizio Borella, Mauro Barbieri. È inserita in 

diverse pubblicazioni di arte moderna, come Europa in 

Arte, La bible de l’art abstrait, I Segnalati, Manent,il 

libro d’oro dell’arte contemporanea. Figura nei cataloghi 

d’arte Il Quadrato, Acca, Mondadori e Akoun. È 

stata più volte premiata in Italia e all’estero; tra i premi 

ricevuti, si ricorda quello di Artista della Comunità 

Europea assegnatole dalla FNCF (Federazione Nazionale 

della Cultura francese). Molte le riviste italiane 

che hanno recensito la sua attività, tra queste Arte 

Mondadori, Effetto Arte, La Ballata, Arte a Livorno. È 

anche scrittrice e poetessa ed ha collaborato con 

Eduardo De Filippo alla commedia Simpatia. La sua 

ultima raccolta poetica s’intitola Laser (ed. Ibiskos di 

Ulivieri). Abita tra Roma, Livorno e Parigi. 

I ragazzi che vengono da lontano, 2012, cm. 120x100 

“Pittura come poesia. Poi scopri che Antonella Laganà 

è anche poetessa. E non ti sai capacitare in quale 

delle due arti rivegli meglio il suo talento. Alla fine 

si scopre che la sua poesia è una poesia intensamente 

visiva, anche se mai puramente descrittiva, perché 

ha sempre un risvolto profondamente emotivo. E la 

sua pittura ha in sé un delicato lirismo che agevola la 

comunicazione senza tradire una struttura sostanzialmente 

emotiva, anzi potenziandone quest’aspetto. 

Naturalmente la qualità di questa pittura non nasce 

solo da una naturale sensibilità poetica: è il frutto di 

una profonda competenza risultato della frequenza 

alla Scuola Libera del Nudo all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze (..) Questa è la premessa di una produzione 

che, coinvolgente per la forma emotivamente 

gradevole perché profondamente umana, ancor più 

affascina per il contenuto concettuale che la poeticità 

dei titoli aiuta a svelare: Affinità stellare, Eternità infinita, 

Illuminazione. È una pittura che manifesta 

un’aspirazione all’infinito e trova la sua realizzazione 

nella cosmicità, che stabiliesce quella relazione delle 

cose con lo spazio indicata da Kant”. 

Bruno Rosada 

171



landidri2@yahoo.it 

Foto di Roberto Pupi 

Patrizia Landi nata a Firenze nel 1962, è laureata 

in Storia dell’arte contemporanea; dall’inizio 

degli anni Novanta svolge attività di critico d’arte 

e organizzatrice di mostre di arte contemporanea e 

performances. In Toscana lavora sia con gallerie private 

che con enti pubblici. È stata una delle curatrici 

delle sei edizioni della rassegna d’arte contemporanea 

“Tracce Fuori Centro” (tenutasi dal 2001 al 2003 a 

Firenze e dal 2004 al 2006 a Livorno) e promossa, tra i 

vari Enti, da TRA ART - Rete Regionale per l’arte contemporanea. 

Dal 2002 è membro del Comitato Scientifico dell’Associazione 

“La Nuova Tinaia “ Onlus e collabora con l’Associazione 

promuovendo laboratori e progetti espositivi 

che mirano all’integrazione e alla collaborazione tra 

gli utenti de La Tinaia ed artisti e performers che operano 

nel settore dell’arte contemporanea. 

Donna nell’/dell’arte 

In questa sezione sono presenti “donne artista” che 

hanno come caratteristica comune una ricerca che 

nel panorama delle arti visive si muove a trecentosessanta 

gradi e che va dalla pittura all’installazione, 

dalla fotografia alla video arte, dall’happening teatrale 

alla performance, dal libro d’artista alla mail art. 

Artiste nate e vissute in Toscana, ma anche artiste di 

origine estera o provenienti da altre regioni italiane 

che hanno scelto la Toscana come Terra di elezione, 

come luogo di produzione artistica. Artiste viceversa 

nate in Toscana e che hanno portato la loro esperienza 

all’estero come testimoniano le diverse biografie. 

Artiste che sempre più si fanno promotrici di “azioni 

culturali” con numerosi eventi e rassegne organizzate 

nella nostra Regione. 

Generazioni diverse a confronto ma unite da un unico 

filo rosso, un lungo cordone ombelicale che attraversa 

la Storia dell’arte, che va da Artemisia Gentileschi a 

Cindy Sherman e che vede la donna artista sempre più 

protagonista della scena artistica contemporanea. 

Donna non solo profumo di mimosa e quota rosa, 

donna du du du… punto di passaggio obbligato: da 

oggetto a soggetto, da donna nell’arte a donna 

dell’arte. 


172


Costanza Berti 

Cell. 338 7904321 

costanza54@libero.it - www.aartfirenze.it 

È 

nata a Firenze dove vive e lavora. 

Ha frequentato i corsi di Pittura e Incisione presso 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze diplomandosi 

nel 1978. 

Dopo varie esperienze artistiche nel 1996 organizza 

una personale, “Ingresso libero” un evento artistico 

multimediale presso il Teatro Studio di Scandicci, 

mettendo in ‘scena’ otto sculture e otto attori che interpretano 

i testi della scrittrice Maria Pia Moschini. 

L’artista si è voluta cimentare in un insolito gioco di 

scarti rispetto ai luoghi comuni. 

Con questo progetto è iniziata un’interessante collaborazione 

con la scrittrice. 

Nel 2004 le due artiste hanno ideato ’Passaggi’, una 

mostra di sculture, installazioni e un happening teatrale 

che si è svolta presso la sede della storica Associazione 

‘Il Giardino dei ciliegi‘ nell’ex Convento delle 

Oblate a Firenze. L’evento è stato documentato attraverso 

un video e la pubblicazione di un catalogo. 

Nel 2001 progetta e organizza ‘Naturarte’ un evento di 

Arte ambientale presso l’Azienda Agro-alimentare ‘La 

Selva di Tirli’ nell’Alto Mugello con l’adesione dell’Associazione 

‘Artisti contemporanei Firenze e Metropoli’ 

ed il contributo del Comune di Firenzuola, vi partecipano 

13 artisti con installazioni, sculture e performances. 

Qui lascerà come testimonianza permanente due 

opere in ferro e legno: Altalena e Scala con luna. 

La incontriamo di nuovo in questo luogo nel 2007 con 

l’iniziativa ‘Selva di Tirli’, un Workshop di Arte ambientale, 

organizzato dal Gruppo Artistico Koine di 

Milano e dall’Associazione ‘Artisti contemporanei Firenze 

e Metropoli’, insieme ad altri 40 artisti. Per questa 

occasione realizzerà l’opera Equilibri instabili: 

uova giganti sospese in gabbie metalliche appese 

agli alberi. 

A seguito di questa iniziativa nel 2008 grazie ai contributo 

dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze, del Comune 

di Firenzuola e dell’Azienda ‘La Selva di Tirli’ è 

stato pubblicato il catalogo con allegato il video artistico 

di Luciano Costa che documenta l’intero evento. 

L’uomo e la casa gialla, 2003, cartapesta, pastalegno, tempere, 

cm. 25x23x32 

Ultime mostre ed eventi 

1996 - ‘Ingresso libero’, Teatro Studio - Scandicci (Firenze) 

1998 - ‘Microarte’, La Corte , Galleria di Arte Contemporanea 

- Firenze 

2001 - ‘Naturarte’, Workshop di Arte contemporanea 

- Firenzuola (Firenze) 

2004 - ‘Passaggi’,Giardino dei Ciliegi - Ex Convento 

delle Oblate - Firenze 

2006 - ‘Notturni e alterne presenze,Libreria LibriLiberi 

- Firenze 

2007 - ‘Selva di Tirli, Workshop di Arte Ambientale - 

Firenzuola (FI) 

- ‘Acqua alle radici’, Giardino del Parnaso - Firenze 

- ‘Divagazioni lunari’, Biblioteca comunale - Villa Adami 

- S.Piero a Sieve (FI) 

2008 - ‘Ore d’Artista’, Libreria LibriLiberi - Firenze 

2011 - ‘COME/beCOME, Saci - Jules Maidoff Center 

for the Arts (FI) 

173


Nadjia Chekoufi 

luzartgallery@yahoo.com 

nadjiachekoufi@gmail.com 

Crime scene, photo Selfportrait, 2012, stampa lambda 

Visual Artist e Art director per Luz Art Gallery a 

Firenze. Eclettica, nasce ad Algeri, cresce tra 

Algeri e Parigi, vive tra Firenze e New York. 

Mezzi espressivi: pittura, ceramica, foto, installazione, 

performance, poesia. 

Le sue ricerche sono introspettive e intimistiche ma la 

sua visione è mobile, in costante movimento, in cerca 

dell’essenza degli esseri e delle cose. 

174


Nadjia Chekoufi 

Origine du monde, photo Selfportrait, 2011, stampa lambda 

‘’Dipingo gli oggetti come li penso, non come li vedo’’ 

ha detto Picasso, Nadjia a sua volta, sembra dire 

‘’sento quello che dipingo e dipingo quello che sento, 

perchè ciò che conta di più è la profondità del sentimento, 

la passione che ho messo in esso, non sono né 

la novità dei contenuti e nemmeno quella della forma; 

non sto cercando di darmi un’immagine, ma è per trovare 

la mia’’. 

Estratto da un testo di: 

Tahar Lamri 

175


Antonia Fontana 

www.antoniafontana.com 

http://www.youtube.com/user/antoniafonte 

Sono in cantiere, 2012, acrilico su tela, cm. 120x100 

Antonia Fontana è nata a San Fiorano, Lodi. 

Ha conseguito il Diploma di Laurea in Pittura 

presso l’Accademia di Belle Arti “Brera” di Milano. 

Al centro del suo lavoro pone un’attività di ricerca 

nella scelta del linguaggio e dei media, dalla pittura 

in primis al video, dalla performance all’installazione 

ambientale, dalla scultura alla fotografia con uno 

sguardo multiplo e trasversale. Svolge con esperienza 

pluriennale l’insegnamento della Pittura e delle Tecniche 

Pittoriche. Ha esposto in Italia e all’estero con una 

produzione oggetto di recensioni e cataloghi, le sue 

opere sono presenti in Collezioni private e pubbliche. 

Patrizia Landi, Villa Vogel ‘We Are Presents’ Assessorato 

alla Cultura, Tracce Fuori Centro Eventi, 

Firenze 

‘.. Nell’Installazione Ambientale e Performance di Antonia 

Fontana il tema affrontato è quello del rapporto 

Uomo-Natura “È una riflessione nei confronti del fragile 

Ecosistema, una difesa della Risorsa come preciso 

indirizzo Etico”. L’artista, coadiuvata da diciassette 

studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze, mette 

in atto un ideale abbraccio tra lei e le presenze arboree 

circostanti. A sottolineare l’azione il loop incessante di 

voci di uccelli provenienti dalla foresta amazzonica..’ 

Nicola Micieli, Villa Pacchiani ‘Crocevia’ Santa 

Croce sull’Arno, Pisa 

‘.. Nella sua lunga ricerca sulla forma intesa, in modo 

intrinsecamente bergsoniano, come provvisoria visualizzazione 

di un’energia che attraversa e vitalizza 

la materia, Antonia Fontana ha toccato alcuni dei momenti 

più coinvolgenti del repertorio espressivo contemporaneo, 

dalla performance all’installazione, dalla 

restituzione figurale del movimento alla 

commistione dei media comunicativi: pittura suono 

materia corporeità..’ 

Giandomenico Semeraro, La Corte Arte Contemporanea 

‘Progetto Mater’ Firenze 

‘.. senso di permeabilità, di percorso, di respiro fra 

interno ed esterno .. quale ‘trasduttore’ di energie. 

Esso infatti viene interpretato su tela secondo una 

dimensione aerea e di trasparenza, per le quali l’oggetto 

si fonde davvero nella luce, anzi diviene figura 

luminosa .. nei volumi che sfumano all’intero in bianchi 

velati, quasi accecanti e del tutto persuasivi..’ 

176


Monica Gazzo 

Via Tilli, 70 - 50051 Castelfiorentino (FI) - Italia - Tel. 39 0571 61259 

monicabarbaragazzo@yahoo.com - www.artawakening.com/monicagazzo 

Sirena Carlofortina, 2012 

Monica Gazzo è un’artista, fotografa, autrice e 

regista che ha esposto il suo lavoro a livello 

internazionale. Ha completato una dozzina di 

documentari cortometraggi nei quali ha controllato 

tutti gli aspetti della loro realizzazione, compresa la 

scrittura, regia, cinematografia, montaggio e suono. 

Ha lavorato in molti formati, dal Super-8, 16 mm, 35 

mm, ½” video, ¾” video e recentemente video digitale. 

Dalla metà degli anni Settanta ha anche creato numerosi 

lavori di performance art e multimediali, presentati 

in Europa e USA. Si è diplomata presso il San Francisco 

Art Institute, Stati Uniti, con un master in cinema 

d’arte (MFA). Nata in Argentina da genitori fiorentini, 

ha conseguito la maturità a Firenze. Ha partecipato a 

mostre personali e collettive di fotografia e mixed media. 

I suoi films sono stati presentati al Directors Guild 

of America, Hollywood, Los Angeles Filmforum, Pacific 

Film Archives, Berkeley, Los Angeles Latino International 

Film Festival (Egyptian Theatre, Hollywood), Melnitz 

Theatre UCLA, NYU, New York City, Cleveland International 

Film Festival, Cleveland, Ohio, MadCat 

Women’s International Film Festival, San Francisco, 

Anais Nin Video & Film Diary Festival, Big Sur, Society 

for Cinema Studies Conference, New Orleans, Film 

Arts Festival, San Francisco, UC Theatre, Berkeley, Beaubourg 

Pompidou Center, Paris, London Filmmaker’s 

Coop e altri. Recentemente, al Saloncino del Teatro 

della Pergola, Firenze, Lu.C.C.A. Center of Contemporary 

Art, Lucca, Teatro Manzoni, Calenzano (Inartedonna), 

XX Rassegna Incontri d’Arte (La Barbagianna), 

177


Monica Gazzo 

Primavera, 2012 

Pontassieve (FI), Centro Pecci per l’Arte Contemporanea, 

Prato, Echo Park Film Center, Los Angeles, Biblioteca 

Comunale di Lastra a Signa (FI) e XXXIV Rassegna 

Cinema e Donne (Cinema Odeon, Firenze). Nel 2004 ha 

ricevuto il Primo Premio per Fotografia / Mixed Media 

presso Angels Gate Cultural Center, Los Angeles. 

Ha ricevuto finanziamenti dall’Assessorato alla Cultura, 

Comune di Los Angeles per tre anni consecutivi, 

nel programma Artist-in-the-Community, e dagli Assessorati 

alla Cultura dei Comuni di Firenze, Certaldo 

e Castelfiorentino, dove vive e lavora. Ha ricevuto altri 

riconoscimenti: Teaching Artist Professional Development 

Award, Music Center Education Division / Ahmanson 

Foundation, Los Angeles; Arts Leadership 

Fellows Program, California Arts Council / Coro Southern 

California, Los Angeles, Long Beach Museum of 

Art Video Annex, Video Acces Production Grant, Louis 

B. Mayer Foundation, San Francisco, Istituto Italiano 

di Cultura, San Francisco / Djerassi Foundation, Woodside, 

California. Ha ricevuto una borsa di studio per 

fare ricerca presso il Dipartimento di Cinema, Teatro e 

Televisione della University of California, Los Angeles, 

dove è stata Assistente Universitaria. Ha insegnato 

presso il San Francisco Art Institute e numerose 

altre istituzioni in California. Insegna Fotografia e Produzione 

Video al Florence Institute of Design International 

(FIDI), Firenze. Ha tre cittadinanze: Italia, Stati 

Uniti, Argentina. 

178


Monica Gazzo 

Maternità, 2012 

FILMOGRAFIA 

TREVI (2009) 

Regia / Produzione / Fotografia 

DVD, suono, colore, 20 minuti 

NATURA IMMAGINATA: 

UNA GIORNATA CON ANDREA MARINI, SCULTORE 

(2009) 



Musiche originali: Lucas Apesteguy 

DENTRO L’ARTE DELLA RECITAZIONE CON SANDRO 

LOMBARDI (2009) 



HOLIDAY (2006) 



TENDING ECHO PARK (1999) 

Regia / Produzione / Fotografia / Montaggio 

16 mm trasferito su DVD, suono, colore e bianco & 

nero, 16 minuti 

Musica scritta e interpretata da: Joan La Barbara 

IMAGE(NE)S (1996) 

Regia / Produzione 

3/4” video, suono, colore, 58 minuti 

MEMORIA DI UN MONUMENTO (1990) 

Regia / Testo / Narrazione 

1/2” video, colore, suono, 20 minuti 

UN DIARIO FIORENTINO (1988) 

179


Monica Gazzo 

Moopy nel giardino, 2012 

Regia / Produzione / Fotografia / Montaggio 

16 mm, suono, colore e bianco & nero, 12 minuti 

Musica scritta e interpretata da: Joan La Barbara 

LA TAVOLA FERITA (1986) 

Regia / Produzione / Testo 

3/4” video, suono, 30 minuti, documentazione 

1/2” video, suono, performance 

ARTEMISIA A METROPOLIS (1985) 


3/4” video, suono, 6 minuti 

OF WALKING ON ICE: FLORENCE / LOS ANGELES 

(1983) 


3/4” video, suono, 10 minuti 

DINNER WITH ARLENE (1982) 

Regia / Produzione 

Riprese: Judy Reidell 

3/4” video from 1/2” video, suono, 60 minuti 

THE A TRE (1980) 

16 mm, color, sound, 30 minutes. 

Testo, interpretazione 

Regia: Marco Mattolini 

Prodotto da RAI / TV Secondo Canale 

180


Ines Lenz 

Via Brunetto Latini, 28 - 50135 Firenze 

Cell. 0039 338 4917561- ines.liberty@gmail.com 

Enjoy yourself, 2012 

acrilico su tela, cm. 80x110 

Viaggio di un barattolino pop, 2011 

video 

Ines Lenz è nata a Thusis (GR) in Svizzera nel 1960. 

Nel 1990 si trasferisce a Firenze per dedicarsi agli 

studi artistici. 

Dal 1991 al 1993 ha frequentato la Scuola di Specializzazione 

in Grafica d’Arte Il Bisonte. 

Nell’anno 2000 si è iscritta all’Accademia di Belle Arti 

di Firenze presso la quale si è diplomata nel 2005 in 

Pittura. 

Nel 2003 è co-fondatrice del Gruppo di ricerca artistica 

11SPINE con il quale ha partecipato a diverse mostre 

e workshops con installazioni, performance, video, 

foto ecc. tra le quali: Galleria Base, Firenze 2003 

(installazione), Galleria La Corte, Firenze 2005, La Selva 

di Tirli, Firenzuola 2007 (installazione), Viandando 

Homines Ambulatores, Altopascio 2007 (installazione), 

Integration and Conflict, Networking, Firenze 

2008 (video-proiezione), Rotte Metropolitane, Firenze 

è sommersa, Villa Romana, Firenze 2009, Private Flat, 

arte contemporanea in spazi privati, Firenze 2009 (video-installazione). 

Mostre personali: 

Giubbe Rosse, Firenze 1998 (incisione), Enoteca Coquinarius, 

Firenze 2002, Galleria LIBA, Pontedera 

2010, Villa Pozzolini, Firenze 2011, Galleria La Corte, 

Firenze 2011 (video-proiezione), SACI Gallery, Firenze 

2012, Schulhaus Dorf, Thusis (Svizzera) 2012 (videoproiezione). 

Ha partecipato a diverse mostre collettive. Ha realizzato 

le illustrazioni per due libri pubblicati recentemente 

in Germania e in Svizzera. Vive e lavora a Firenze. 

181


Melania Lanzini 

melanialanzini@yahoo.it 

Stretched Skin - performance, l’Officina Arte Contemporanea, Vicenza 1998. 

Presentata anche come video installazione, Parco di Villa Toppo Florio, Buttrio, Udine 2006. 

Melania Lanzini è nata a Firenze. 

Artista e curatrice, dalla metà degli anni Novanta 

basa la sua ricerca artistica nell’ambito 

della performance, della video art e della cine-installazione 

di forte impatto visivo e sonoro gettando le 

basi in Italia per una tra le più radicali, controverse e 

provocatorie correnti artistiche del nostro tempo, il 

Post Human, in cui l’opera d’arte si identifica in un processo 

di biodiversificazione tentando un dialogo tra 

arte e scienza avendo come fine una mutazione, un 

nuovo corpo, una nuova personalità, una nuova psicologia, 

una nuova libertà dell’anima. 

Tra le sue opere più importanti ricordiamo Bona Mors 

(1996), Immunda Erit (1997), Biogenetic Toy e 

Stretched Skin (1998), Flesh Made (1999), The Mind 

Etches in Yellow (2002), The Last Future (2003), The 

Blue Bus (2004), Mill D Power House (2006), 36 Numeri 

Primi (2007), Skylight (2010), Disgregazione (2011). 

È attiva in ambito internazionale, in particolare ha 

tenuto seminari e lecture in importanti università 

americane ed ha trascorso un lungo periodo negli 

Stati Uniti approfondendo la propria ricerca tra arte, 

182


Melania Lanzini 

Disgregazioni - video installazione. Materiali vari: legno, oggetti e 3 video monitor. Casa di Giorgio Vasari, Firenze 2011 nell’ambito 

della mostra 500 Oggi Le Vite dell’Arte in Contemporanea. 

scienza e tecnologia. 

Le sue opere sono state esposte in gallerie, video festival 

e musei d’arte contemporanea nazionali ed internazionali. 

Di lei si sono occupate riviste specializzate 

come Flash Art, Tema Celeste, Kult Magazine. 

Dal 2010 è art director di Firenze Arti Visive affiancando 

all’attività artistica quella di curatore con 

l’obiettivo di promuovere la multidisciplinarietà tra le 

arti e il sapere contemporaneo sul territorio in collaborazione 

con realtà internazionali di rilievo. Citiamo 

a questo proposito il progetto 500 Oggi Le Vite 

dell’Arte in Contemporanea, un’importante mostra, 

curata da Melania Lanzini inserita nell’ambito delle 

celebrazioni vasariane del 2011 che ha visto tra gli 

altri la partecipazione dell’artista statunitense ed internazionalmente 

riconosciuto Bill Viola. 

183


Manuela Mancioppi 

Cell. +39 338 8715520 

www.manuelamancioppi.com - manuelamancioppi@libero.it 

IMPERMEABITO-ABILE, performance nomade, 2004-in progress, 

pvc, polaroid, tuta in PLP, mascherina, guanti lattice, 

Villa Luciana, Mercatale, San Casciano Val di Pesa, Firenze, 23 

maggio 2009, foto GP. Marcantoni. 

C’è lo vedi?, action in progress/installazione, 2008-in progress, 

pvc + fotografie, 150x110x210 cm ciascuna, giardino di casa 

masaccio, San Giovanni Valdarno (AR), 25 giugno 2011, foto 

M. Mancioppi. 

Il bisogno di un’arte esperienziale, relazionale e 

performativa viene espressa attraverso un’indagine 

multisensoriale dello spazio, con l’intervento 

attivo dello “spettatore”, per un coinvolgimento totale 

sul territorio. L’investigazione sul corpo, corpo-luogo, 

abito-corpo, abito-ambiente, la sperimentazione 

nel video e nella fotografia, la creazione di oggetti/ 

installazioni. La ricerca maniacale del particolare, 

dalla ri-manipolazione degli oggetti ai giochi di parole, 

dagli interventi pubblici alle performance nomadi. 

184


Manuela Mancioppi 

Temporary_Seating, action in progress/performance, 2011-in 

progress, scarti di maglie in lana assemblati, Stazione Ceramica, 

San Giovanni Valdarno (AR), 17 dicembre 2011, foto A. 

Mancioppi. 

Art’è, action in progress/performance, 2010-in progress, pvc, 

bustine di tè vari gusti, MACRO FUTURE, Roma, 08 maggio 

2010, foto G. Giorgini. 

Utilizza performance, arte esperienziale, relazionale e 

public art. Il lavoro di Manuela Mancioppi è un costante 

invito al “sentire”: un percorso sensoriale che 

permette di utilizzare i sensi per fruire l’opera, manipolando 

i materiali per scoprire il sé, al fine di metterlo 

in relazione con l’altro. Partecipazione, socializzazione 

e ricerca di complicità si ritrovano nei suoi 

works/actions in progress che continuano ad arricchire 

un archivio di materiale e di documenti, per una ricerca 

sempre in movimento. La proprietà preponderante 

del lavoro di Manuela Mancioppi è la 

testimonianza, incontro alla qualità di attitudini e costumi 

del vivere contemporaneo. Il suo è un progetto 

collaborativo in cui si chiede qualcosa a qualcuno, 

raccontando qualcosa di tutti. 

185


Monica Michelotti 

Studio: via Cucchiari, 14 - 54033 Carrara (MS) 

Cell. 347 3459089 - monica.michelotti@alice.it 

Busto Creativa, 2008, tecnica mista su carta bianca, filo, plexiglass, 

cm. 71x48x2 

Volto umano femminile - libro oggetto, 2008, tecnica mista su 

carta bianca, filo, plexiglass, cm. 71x48x2 

Monica Michelotti nata a Pontremoli (MS), ha 

studiato a Carrara con il maestro Umberto 

Buscioni. 

Si diploma nel 1983 in Pittura all’Accademia di Belle 

Arti di Carrara con il massimo dei voti. Ha insegnato 

all’Accademia di Brera a Milano e all’Accademia Albertina 

di Torino, oggi è docente di Anatomia Artistica 

presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara. Ha partecipato 

a numerosissime mostre d’arte in Italia e 

all’estero. 

Pittrice, scultrice, operatrice di installazioni, libri 

d’artista-libri oggetto, performer e mail artist. 

Monica concepisce la pratica artistica come una sorta 

di “terapia personale” attraverso la quale conoscersi 

e farsi conoscere, cioè un processo di ricerca sulla 

propria personalità, indispensabile per raggiungere 

una maggiore coscienza artistica e consapevolezza 

espressiva. Scrive la critica d’arte Maria Pina Cirillo: 

“queste produzioni artistiche, possono essere utilizzate 

come sculture singole ma anche essere combinate 

tra loro secondo le nostre necessità fino a diventare 

vere e proprie installazioni. E certamente la predilezione 

di Monica per il corpo umano in tutte le sue 

parti, perché esso è il vaso delle nostre conoscenze, 

emozioni e sensazioni”. 

186


Monica Michelotti 

Human Book uomo, 2009, plexiglass a specchio, cm. 68x46x1 

Stele maschile, 2010, plexiglass rosso trasparente, cm. 70,5x40x1 

187


Mongobì 

www.mongobi.it 

Sado Potato Series #10, 2012, Stampa lambda su forex, cm. 33x30 

Mongobì alias Bibbiana Tanina Mele. 

“La mia creatività è orientata prevalentemente 

verso il collage, la scultura oggettuale, 

la fotografia, il disegno e la pittura. Ho esposto alcuni 

lavori a New York. San Paolo e San Carlo in 

Brasile, Madrid, Firenze, Torino, Roma, Napoli Salerno, 

Rimini, Merano, Siena, Sesto San Giovanni. 

Prediligo i materiali poveri spesso oggetti di risulta 

del mio quotidiano domestico. 

Lavoro sull’idea di scarto, sul tema dell’abbandono, 

della perdita e del recupero di qualcosa sia esso un 

oggetto, un pensiero, un’emozione. Utilizzo materiali 

di scarto, la mia arte è fatta di niente, privilegio il 

caso e lo inseguo con lo sguardo, quotidianamente. 

Rincorro un’ idea di arte fragile, transitoria, ciò che 

mi interessa è il suo farsi veicolo di un messaggio, di 

un’emozione. 

I miei lavori esaltano alcuni aspetti della corporeità 

femminile. Cerco di fermare, di conservare quella porzione 

istintuale del mio essere in costante lotta dialettica 

con la sfera intellettuale cognitiva. Il corpo diviene 

per me, sia strumento d’indagine della relazione 

di scambio fra interiorità ed esteriorità, sia materia 

performativa vera e propria in quanto spesso lavoro 

con i suoi elementi costitutivi (impronte corporee da 

contatto, fotografie di parti del mio corpo) e con i suoi 

scarti (capelli, sangue mestruale). 

Sono interessata alla corporeità nell’accezione di 

“materialismo incarnato” tracciato dal pensiero filosofico 

di Rosi Braidotti, ciò significa per usare le sue 

stesse parole che “voglio pensare attraverso il corpo, 

non sottraendomi ad esso”.” 

188


Ines Lorena Sireno 

Studio 149 - via della Vittoria, 149 - 56021 Cascina (PI) 

ineslorena.sireno@fastwebnet.it 

Labirinto, 2010, 107 frammenti di tempo, Legno, gommapiuma 

e gesso, cm.150x130 

Nata a Livorno nel 1955 ha esposto sin dalla 

seconda metà degli anni ’80 in spazi pubblici 

e privati in Italia ed in Europa, collaborando 

spesso con artisti interessati alla fusione di diversi 

linguaggi espressivi in particolare la musica. 

La prima personale è del 1992 dentro l’Abbazia di S. 

Zeno a Pisa . 

Dalla seconda metà degli anni Novanta ha lavorato 

soprattutto in spazi pubblici con istallazioni site-specific 

nei centri storici di diverse città italiane. 

Tra il 1999 e il 2002 ha realizzato La Pista dei sensibili 

(http://www.tempiespazi.it/spazi/pistens/htm/07. 

htm) in collaborazione con la scuola elementare Don 

Milani di S. Ermete (PI), un’opera gioco permanente in 

un parco vicino alla scuola. 

Nel 2004 inaugura lo Studio 149 a Cascina, suo studio 

personale e laboratorio di ricerca dove si propongono 

mostre e iniziative culturali. 

Nel 2009 inizia il progetto/work in progress PAESAG- 

GI UTOPICI per la costruzione di piccoli ecosistemi 

sociali. (vedi rif. Youtube http://www.youtube.com/ 

watch?v=J8rx0_CBNYc). 

... ‘ una ricerca intorno al sé, ad una identità umana: al 

fatto che abbiamo un corpo ma che siamo anche immaginazione, 

energia mentale e psichica con tutti i dualismi 

che ne conseguono. ‘ Ma anche ricerca intorno a 

ciò che è riconducibile all’utopia possibile, ‘alla ricerca 

di un equilibrio, sempre nuovo e imprevedibile, tra per- 

Muro di parole, 2006, stoffa, gommapiuma e gesso 

cm. 180x165x20 

sonale e universale, tra intimità e condivisione. Le candide 

spirali di segni e di lettere, labirinti colti nella loro 

concretezza di spazi abitati, di simulacri della ragione 

guidata dall’istinto, introducono a paesaggi utopici, 

luoghi possibili, in cui intervenire collegialmente per 

creare le condizioni di una loro valorizzazione, per sottrarli 

ai presumibili disastri di una civiltà imbarbarita… 

Spazi verdi, ipotetici ma possibili, da immaginare e costruire 

in comune: works in progress condivisi. 

L’artista è passata attraverso esperienze molteplici, 

dalle performance alle istallazioni, alla creazione di 

oggetti fantastici e provocatori, ma un sostanziale fil 

rouge l’ha sorretta in tutto questo tempo: la volontà di 

ricercare i rapporti e le interazioni che si stabiliscono 

tra le persone e che ognuno ha con se stesso, regolate 

da culture, tradizioni, storie, pregiudizi, stereotipi, ma 

anche dal gioco di forze che si instaura tra le parti. 

Ilario Luperini 

189


Elena Salvini Pierallini 

Tel. 055 2476524 

elena.s.p@tiscali.it 

Nata e vissuta a Firenze. 

Ha frequentato il Liceo Classico e l’Accademia 

di Belle Arti a Firenze. Un lungo periodo di 

studio a Londra, molti viaggi di studio e di lavoro in 

Europa e in USA. 

Dagli anni Ottanta ad oggi ha esposto in varie sedi in 

Italia e all’estero. 

“Nel mio lavoro, fin dall’inizio, elementi vegetali e 

animali si intersecano con fili. 

Sono partita negli anni Sessanta con un lavoro controcorrente 

in cui i fili erano protagonisti nel proporre 

soggetti legati alla natura. Era importante per me proporre 

l’armonia tra l’uomo e i cieli, l’avvicendarsi delle 

stagioni e il lavoro dei campi, i rapporti tra gli umani e 

gli animali. 

In seguito la natura stessa mi ha suggerito che avrei 

potuto assecondare le mie emozioni approfittando 

direttamente dei suoi incanti. 

Ora le mie opere nascono dal mio vagabondare nella 

materia. 

Un “dentro-fuori”, un “diritto-rovescio” da elaborare 

con le mani. 

I nostri sguardi creano una infinita rete di attraversamenti. 

Il tentativo continuo di guardare tutto, disponendomi 

alla scoperta, allo stupore. 

Questo lavoro mi è necessario in quanto espressione 

della mia libertà interiore. 

Vorrei suscitare in chi guarda una nuova relazione tra 

interno ed esterno, sopra e sotto… attraverso. 

Luci, trasparenze aprono nuovi orizzonti. 

Dal 2005 ho sentito la necessità di creare incontri e 

scambi in cui anche altri artisti potessero esporre i 

loro lavori, utilizzando le BORSE NERE per arrivare ai 

luoghi di grande prestigio che ci hanno accolto: “Borse 

nere vento forte”, Isola di Capraia, agosto 2007; 

“Borse nere come rondini”, Biblioteca di Scandicci, 

maggio 2009; “Borse nere come nidi”, Istituto degli 

Corazza, 2001, sassi cuciti a mano su acetato, cm. 98x45 

Innocenti, Salone Brunelleschi, Firenze, dicembre 

2009; “Borse nere tane rifugi”, Sala del Ballatoio, Dipartimento 

di Biologia, Firenze, giugno 2010; “Borse 

nere alla ricerca di spazi senza roghi”, Chiostro Grande, 

Biblioteca delle Oblate, Firenze, maggio 2011. 

Di recente ho partecipato ad alcune collettive e ad 

alcune personali. In corso: “Complice la luce”, con la 

presentazione di Lara-Vinca Masini”. 

190


Elena Salvini Pierallini 

Fili… dentro, 2012, tre foto su acetato con fili, cm. 50x70 

191


Margherita Verdi 

m.verdi@dada.it 

margheritaverdi.wix.com/margherita-verdi 

Vive e lavora a Firenze dove ha iniziato la sua 

attività fotografica all’inizio degli anni Ottanta. 

La sua ricerca artistica spazia in varie tematiche, 

dal paesaggio (urbano e archeologico) al mondo 

animale e vegetale, e utilizza mezzi sia analogici che 

digitali. 

Ha realizzato diversi progetti fotografici esposti in 

spazi pubblici (Museo di storia naturale La Specola, 

Firenze, Museo Marino Marini, Firenze; Muséum National 

d’Histoire Naturelle, Parigi, Museum Centre Va 

priikki, Tampere, Finlandia, City art Gallery, Plovdiv, 

Bulgaria) e privati. 

Oltre alla ricerca fotografica, collabora con enti pubblici 

e privati nell’insegnamento, nell’organizzazione 

di esposizioni ed attività culturali, e letture portfolio in 

vari festival di fotografia. 

Soul’s habitats 

La serie di fotografie Soul’s habitats riprendono interni 

di edifici sacri di varie religioni di diverse città europee. 

Margherita Verdi con i suoi scatti cerca di catturare 

l’anima, l’aura che abita negli spazi andando oltre 

al motivo religioso per cui sono stati costruiti e rendendo 

questi luoghi universali. 

Soul’s habitats: interiorità del luogo che viene percepito 

dai nostri sensi, dal nostro corpo attraverso i sensi. 

La scelta dei luoghi di diverse religioni non riconoscibili 

nelle immagini: mescolare i luoghi per significare 

che l’ ”anima” si avverte ovunque. 

Progetto soul’s habitats, 2010-2012 

192


La Tinaia 

Centro di Attività Espressive La Tinaia /Associazione La Nuova Tinaia Onlus - via San Salvi, 12 - 50135 Firenze 

Tel. 055 6933578 - fax 055 6933901 - latinaia@asf.toscana.it - www.latinaia.org 

va dell’opera. È infatti a partire da questo intento 

ideale - dare visibilità all’opera d’arte, restituendone 

una valenza sociale - che La Tinaia è diventata, oltre 

che un punto di riferimento a livello internazionale per 

tutti i fruitori dell’Out-sider, una solida realtà culturale 

nel tessuto cittadino. 

La diffusione del patrimonio de La Tinaia è oggi reso 

possibile anche attraverso la consultazione del sito 

web dove sono visibili in una sorta di percorso museale, 

migliaia delle opere custodite nell’archivio del 

laboratorio (www.latinaia.org). 

La Tinaia, inserita all’interno della rete dei Servizi di 

Salute Mentale del Quartiere 2 di Firenze, accoglie 

attualmente un’utenza proveniente da tutta l’area cittadina. 

Nel 2002 in accordo con l’ASL 10 di Firenze è 

nata l’Associazione La Nuova Tinaia- Onlus. 

Angela Fidilio, Senza titolo, 2001, pennarello su carta 

cm. 42x29 

LA TINAIA - CENTRO DI ATTIVITÀ ESPRESSIVE 

Il Centro di Attività Espressive La Tinaia nasce all’interno 

dell’ospedale psichiatrico V. Chiarugi di Firenze 

a metà degli anni Settanta su iniziativa di un gruppo di 

operatori come spazio di libera espressione creativa 

per i ricoverati dei reparti. 

Dalla sua fondazione La Tinaia ha costituito un’esperienza 

unica e tuttora feconda in cui il piano della trasformazione 

socio-culturale si è intrecciato indissolubilmente 

ai percorsi biografici di tutti i suoi 

protagonisti. Sin dalle prime esperienze risalenti agli 

anni Sessanta, passando alle forme più strutturate 

che si sono succedute dal 1975, la raccolta del segno 

grafico, la sperimentazione, così come la ricerca del 

mezzo espressivo sono state la pratica quotidiana capace 

di legare il valore estetico alla forza comunicati- 

ASSOCIAZIONE 

L’Associazione La Nuova Tinaia- Onlus si costituisce 

nel 2002 con il compito di gestire il patrimonio artistico 

e di valorizzare la storia dell’atelier La Tinaia attraverso 

la conservazione, esposizione e documentazione 

delle migliaia di opere fino a oggi realizzate. Tra i 

progetti, l’allestimento di mostre, la pubblicazione di 

cataloghi, l’organizzazione di seminari formativi, l’avvio 

dell’archivio informatico con l’acquisizione digitale 

delle opere, la costruzione di un museo virtuale nel 

sito web. Come nello spirito dell’atelier, l’attività associativa 

si avvale della collaborazione delle più diverse 

professionalità e sensibilità che anche a titolo 

volontario sostengono il progetto Tinaia. 

Angela Fidilio 

Nasce l’8 maggio del 1947 a Catania. Nel 1987 inizia 

a frequentare La Tinaia dove scopre un profondo interesse 

per il disegno e la pittura. Con l’acrilico, il pennarello, 

la tempera, Angela racconta un mondo fiabesco, 

in cui cieli stellati, animali, soggetti umani reali o 

immaginari, rappresentati con eleganza di tratto e finezza 

cromatica, hanno la forza dell’incanto. 

193


Piazza della Repubblica, 13-14R 

Tel. 055 212280 

Il Caffè “Giubbe Rosse” è tra i più 

famosi ritrovi letterari italiani e 

stranieri. All’inizio del ‘900 come 

Birreria dei fratelli Reininghaus ed in 

seguito l’attuale nome derivato dal colore 

delle giubbe dei camerieri, ha 

ospitato le stagioni del Futurimo e delle 

successive tendenze. Le famose riviste 

“La Voce”, “Lacerba”, “Solaria” ed 

altre anche recenti, devono qualcosa a 

questo Caffè dove poeti, artisti ed intellettuali 

si sono confrontati e scontrati. 

Personaggi come Marinetti, Papini, 

Prezzolini, Campana, Gadda, Boccioni, 

Montale e moltissimi altri, in differenti 

epoche e situazioni culturali, 

hanno fatto delle “Giubbe Rosse” un 

crocevia della storia letteraria del ‘900. 

Ma anche attualmente continuano gli 

Incontri Letterari alle “Giubbe Rosse” 

frequentati da artisti e intellettuali di 

ogni tendenza, che fanno di questo 

Caffè Letterario un portofranco della 

cultura e dell’arte. 

194


Luana Lapi 

Via delle Mulina di Sant’Andrea, 2 - 50136 Firenze 

luapi@hotmail.it 

Pescaia di Sant’Andrea a Rovezzano, 2008, olio su tela, cm. 70x70 

Nel 1967 si è diplomata in Grafica Pubblicitaria 

all’Accademia Cappiello e nel 1994 ha frequentato 

l’Istituto per l’arte e il restauro in 

Palazzo Spinelli a Firenze, conseguendovi il diploma 

in disegno, pittura e grafica artistica. Espone dal 

1994, ha tenuto dodici mostre personali - tra le quali, 

in Firenze, si ricordano quelle presso il Gruppo Donatello 

e al Caffè Letterario Giubbe Rosse - ed ha preso 

parte, su invito, a varie rassegne in Italia e all’estero. 

È attualmente, insieme ad Enrico Bandelli, vice presidente 

del Gruppo Donatello. Per il Gruppo ha scritto e 

prodotto alcuni spettacoli mimici e la commedia Partenze 

per Viareggio, 14 agosto 1957, rappresentata 

nel 2011 al Teatro Le Laudi. 

195


Adriana Leati 

Cell. 327 1875785 - adrianaleati@gmail.com 

www.adrianaleati.it 

Al cancello, 2002, tecnica mista su tela, cm. 40x28,4 

Nata a Verona nel 1966, si diploma al Liceo 

Classico Cicognini di Prato e si laurea in Architettura 

a Firenze; frequenta la scuola d’ Affresco 

di Vainella a Figline di Prato, fondata da Leonetto 

Tintori, oltre a vari corsi e laboratori (tecniche di incisione, 

modellazione della creta, fumetto, disegno di 

moda). Dal 1997 al 2009 dipinge nel suo laboratorio 

“La Bottega d’Affreschi” a Prato, proponendo opere 

proprie e, su richiesta, riproduzioni e restauri di quadri 

e pitture murali. Dal 2005 svolge attività di docente di 

Disegno e Pittura all’interno dei Corsi di Cultura Generale 

promossi dalla Circoscrizione Prato Centro e nel 

2011 all’interno dei Corsi organizzati dall’Associazione 

Culturale “L’Asterisco”. Ha partecipato a vari eventi 

artistici, tra cui Riproduzioni di opere di Eduard 

Munch nell’ambito della manifestazione “Ibsenear 

Festival” a Prato e presso il castello Maniace di Siracusa, 

organizzata dall’Associazione “Arteriosa”, 

2007. Ha esposto in locali, associazioni culturali e altri 

spazi espositivi in collettive come “Dissonanze”, 

Officina Giovani, Cantiere Culturale Ex- Macelli, Prato, 

2004; “Presenze”, Antiche Stanze di Santa Caterina, 

Prato, a cura di “Spazio Arte Magazine”, 2005. 

Delle personali si ricordano: “Frescosex, white lady” 

presso ARTCUBE, Tenax, Firenze, 2000; “Composizioni/0” 

con l’arch. Filippo Boretti, Associazione Poid 

Pois, Prato, 2002; “Prato Underground”, Cassero Medievale 

a Prato, a cura dell’Assessorato alla Cultura 

del Comune di Prato, 2008; “Classica”, presso Associazione 

Culturale “L’Asterisco”, 2011. Per la stessa 

associazione, dopo l’edizione 2011/12 in piazza del 

Mercato Nuovo a Prato, anche per il 2012/13 partecipa 

con “Ritratti dal vero o da foto” alla “Mostra Mercato 

e libero scambio del libro” in piazza Lippi, ogni 

seconda domenica del mese. Sempre nel 2013 e’ stata 

invitata a partecipare alla mostra “..e ancora Pinocchio” 

organizzata dal Comune di Prato in collaborazione 

con “ART in PO” , presso lo spazio espositivo in via 

Firenzuola 8 a Prato. In tale occasione ha esposto 

schizzi su carta e un’opera di piccole sculture in creta 

colorata dal titolo Le avventure di Pinocchio. Sue opere 

sono esposte presso La Soffitta di “JoLiFè”, via 

Roma, n° 24, Prato. Attualmente vive e lavora a Prato. 

196


Maria Antonietta Lemmi 

Largo Risorgimento, 1 - 55049 Viareggio (LU) 

Tel. 0584 430426 - Cell. 339 6667022 - memy.lemmi@libero.it 

Maria Antonietta Lemmi nasce in Garfagnana, 

a Pontecosi di Pieve Fosciana (LU). Si trasferisce 

a Bergamo nel 1970, dove dedica la 

propria attività professionale alla conduzione dei Servizi 

Educativi e Sanitari dell’infanzia del Comune di 

Bergamo. Si accosta alla pittura naturalistica nel 

2000 e diventa allieva di Margherita Leoni e Renata 

Bonzo frequentando i corsi di pittura botanica organizzati 

dall’Orto Botanico “Lorenzo Rota” di Bergamo. 

Maria Antonietta sa cogliere con innocente emozione 

le innumerevoli manifestazioni con cui la natura è capace 

di mostrare, in modo sorprendente, irripetibile 

quasi irrangiungibile, ogni sfumatura dell’esistere, in 

molteplici colori, profumi e suoni. Con attenta costanza 

e dedizione coglie in ogni elemento grande o minuscolo, 

appariscente o timido, comune o rarissimo, il 

lato emotivo dell’essere forma naturale rappresentando 

attraverso quell’insegnamento botanico, strumento 

utile, nel desiderio di provocare vibranti attenzioni 

nell’osservatore. Questo percorso d’acquisizione 

della tecnica e di ricerca di un’espressione artistica 

originale, è fortemente affiancato dall’incoraggiamento 

del figlio Giuseppe e dal proprio amore per la 

natura in tutte le sue manifestazioni. Attualmente 

abita a Viareggio, accarezzata da una brezza marina 

che le suscita nuove sensazioni, ed entusiasta della 

città dove vive e lavora, è ispirata da una dolcezza 

paesaggistica ricca di una miriade di novità. Questo è 

ascolto della natura. 

“Il mio giardino si presenta qui arricchito di fiori semplici 

e delicati. È naturale seguire il desiderio di un 

lento delinearsi, nonché rinnovarsi di un’antica ca- 

Orologio Floreale, cm. 55x75 

denza figurativa. Un orologio, che scandisce le ore del 

giorno attraverso il vario risveglio di ogni fiore, accompagna 

l’uomo nel suo percorso del tempo. Un 

meraviglioso viaggio, suggerito dall’anima di un poeta 

e dalla competenza di un scienziato, Carlo Linneo”. 


197



“Una costante, scrupolosa ricerca, un amore smisurato 

per questo microcosmo che la natura ha cosparso 

in ogni dove, per abbellire, ingentilire, profumare gli 

angoli più remoti dove l’uomo della strada non sa vedere, 

distratto dall’affanno del vivere moderno. Immagino 

la pittrice Memy come un’ape che passa di 

fiore in fiore, non per assaporarne il nettare ma per 

scrutare a fondo e scoprire il più piccolo, impensabile 

particolare e trarne fuori, con mano delicata ed esperta, 

segni e colori, non con l’occhio del fotografo, ma 

con il cuore di un poeta. Ne viene fuori una raccolta 

ricca, finemente presentata, un segno rapido, pulito, 

sicuro nel gusto e nell’interpretazione. Tutto questo 

perché la mano è sorretta e guidata, e il pennello anche, 

da un desiderio di conoscere e far conoscere agli 

altri le meraviglie di questo angolo della natura così 

variopinto così esplosivo nei colori e nelle forme, così 

incantato. Bisogna possedere, per fare tutto questo, 

un’anima sensibile, un occhio attento e scrutatore, 

una voglia pazza di realizzare ed interpretare. Roba da 

manuale!” 

Giorgio Michetti 

Helichrysum Italicum 

“L’emozione che la natura ci dona in ogni momento e 

luogo, sorprende l’anima in modo irripetibile, quasi 

irraggiungibile, raccontando le sue forme più pure, i 

suoi colori più profondi, i suoi profumi e suoni più inebrianti. 

La natura è capace di regalarci ogni più piccola 

sfumatura dell’esistere come un fiore delicatissimo 

che pian piano svela se stesso nel suo timido e potente 

essere. Maria Antonietta ci si avvicina come se 

fosse la prima volta e osserva con estrema delicatezza 

ogni singolo elemento, sia grande che piccolo, sia 

appariscente che nascosto, sia comune che rarissimo… 

Lei è capace di ascoltare ciò che quella voce ha 

da dirle rendendola tesoro! Cos’è dunque se non la 

sensibilità per la natura a dare fiamma alla costanza e 

alla dedizione di Maria Antonietta alla pittura botanica? 

È una pittura che coglie l’occasione di farci apprezzare 

le forme della natura e che ci regala nel mondo 

più completo l’espressione più alta dell’emozione. 

Ti ringrazio Maria Antonietta di saperti dedicare alla 

sensibilità che si manifesta in questa Terra, e ti auguro 

di emozionare sempre più il nostro essere con i tuoi 

dipinti”. 

Margherita Leoni 

La pittrice dell’Elicriso 

Maria Antonietta Lemmi si è avvicinata all’arte proprio 

grazie all’Elicriso e a Leonardo Santini. Cresciuta 

in Garfagnana, da piccola era di casa dal dottore delle 

erbe. La sua umanità e sensibilità le sono rimaste 

imoresse e sono riaffiorate da quando di dedica alla 

pittura: il suo oggetto preferito è il mondo delle erbe, 

e tra tutte il fiore dell’elicriso. 

Erboristeria Domani 

Febbraio 2006 

198


Ersilia Leonini 

Cell. 345 1320790 

www.ersilialeonini.it - profili facebook 

Domani, 2011, olio e tec.mista su tela, cm. 70x100 

Nasce a Firenze nel 1955. Diplomata all’Istituto 

d’Arte di Siena ha frequentato la Facoltà di 

Lettere seguendo i corsi di Storia dell’Arte, del 

Cinema e del Teatro mentre al Centro Studi Tecnico- 

Cinematografici di Firenze quelli per Cineoperatori e 

per Fotografi. Nel 1978 espone nella sua prima personale 

di pittura. Insieme ad alcuni artisti senesi dà vita 

all’ “iperfantastico”, colori e forme in rigorose composizioni 

geometriche. Negli anni Ottanta apre a Siena 

un laboratorio per la creazione di maschere artistiche 

- che diverranno nel tempo vere e proprie sculture - 

con le quali collabora a coreografie teatrali ed è selezionata 

per una rassegna e stage sull’artigianato artistico 

italiano in tourneé in varie città americane. La 

sua fervida attività espositiva la porta in numerose 

mostre nazionali ed internazionali sia in Italia che 

all’estero. Tra gli appuntamenti più recenti la partecipazione, 

nel 2010, a diverse rassegne, presso la Galleria 

del Teatro Romano, Fiesole (Firenze), la Galleria 

“Studio Logos” di Roma, “Gadarte” a Firenze, la Galleria 

“Art Time” di Lignano Sabbiadoro (Udine), la Fiera 

“Immagina” di Reggio Emilia e la personale alla Galleria 

Il Borgo a Milano. Tra 2011 e 2012, la rassegna 

“Pelle” presso “Simultanea - Spazi d’Arte” a Firenze, 

le Fiere “Art Innsbruck”, “Proponendo” a Forte dei 

Marmi, e “Art Expo” ad Arezzo; le personali a Firenze 

presso Hotel Cellai e Galleria “Incontrarte”, la mostra 

alla Galleria “Arte in movimento” di Forte dei Marmi, 

con la quale partecipa anche al “Nuovo Festival delle 

Arti Contemporanee”. Di rilievo inoltre una imponente 

commissione pittorica - ritratti - per una collezione 

privata che la porta spesso a lavorare a Parigi. 

199



Baby and the city, 2013, olio su tela, cm. 120x80 

200



A sangue freddo, 2012, olio e tec. mista su tela, cm. 80x80 

“Artista decisamente non convenzionale, Ersilia Leonini 

viene da un percorso formativo che già sovverte 

le regole giungendo alla dimensione figurativa di oggi 

dopo l’esperienza dell’astrazione geometrica quanto 

della sperimentazione materica e non viceversa. Così 

appare anche dalle sue scelte tematiche nelle quali, 

fino a poco tempo fa, prevalevano i nudi di soggetto 

maschile piuttosto che femminile. Il suo realismo diviene 

infatti una sorta di metalinguaggio, più incline 

alla dimensione psicologica che a quella dell’oggettività 

e della concretezza. I suoi personaggi, ritratti prima 

fotografici e poi ri- e de-strutturati pittoricamente, 

così veri da forare il quadro eppure vanno oltre la narrazione 

della propria vicenda umana come dimostrano 

le ambientazioni ed i “fondali” scenici nei quali 

l’artista espande la narrazione a stratificare memoria 

personale e comunicazione di massa, con la libertà di 

recuperare in certe valenze gestuali e materiche il 

proprio background culturale ed esperienziale ma con 

la consapevolezza anche di suscitare un impatto visivo 

spesso disorientante. E del resto, come lei stessa 

dichiara, ciò che intende provocare è piuttosto 

un’emozione estetica prima che una riflessione filosofica 

o concettuale.” 


201



Jerry, 2013, acrilico su tela, cm. 80x80 

La stanza, 2013, acrilico su tela, cm. 90x90 

202


Paola Leporatti 

Via Benedetto Croce, 54 - 51100 Pistoia 

Tel. 0573 27623 

Sotto i passi del sole, 1998, batik, cm. 50x70 

Vive e opera a Pistoia. Diplomata maestra d’Arte 

a Pistoia, ha ottenuto la Maturità d’Arte Applicata 

a Firenze. Attraversa le varie tecniche pittoriche, 

affinando ed adottando l’antichissima tecnica 

giavanese del Batik, con la quale si è fatta conoscere 

ed apprezzare in numerosi concorsi e mostre. L’artista 

“propone riesumazioni di vita e di architetture di altre 

civiltà, sempre eleganti nella scelta degli elementi, 

nella trama del disegno e nella stesura del colore”. 

Salvatore Sorbello 

Un soggiorno in Tunisia “le ha permesso di rendere 

essenziali i suoi soggetti … che hanno una bellezza 

trasparente e ordinata, trattati a grandi zone di colore 

di rara qualità” 

Remo Gordigiani 

Dal 1975 partecipa a mostre, ottenendo premi e riconoscimenti 

e dal 1997 destina l’intero ricavato della 

sua produzione artistica agli aiuti al Madagascar. 

203


Angela Maria Lettini 

Studio e abitazione: via Ippolito Nievo, 8 - 50019 Sesto Fiorentino (FI) 

Tel. 055 4201762 - Cell. 3338227559 - angelalettini@virgilio.it 

Frammenti di vita, olio su tela, cm. 50x70 

Quando una sensibilità profonda si unisce ad un 

talento artistico innato, il risultato non può che 

essere una pittura che sorprende per intensità 

espressiva e forza del colore. È questo il caso di Angela 

Maria Lettini. Pugliese di nascita ma fiorentina 

d’adozione, riscopre il suo amore per la pittura, amore 

che sempre l’accompagna. Dopo la prima formazione 

artistica in Puglia, dove frequenta l’Istituto d’Arte e 

assimila la lezione del padre, noto e stimato pittore 

locale, ancora giovanissima si trasferisce a Firenze, 

città in cui trova l’ambiente ideale per coltivare la sua 

passione. È l’inizio di un percorso che la vedrà crescere 

come artista e maturare un linguaggio pittorico via 

via sempre più originale e riconoscibile. Le tappe fondamentali 

della sua attività passata e recente, lasciano 

intuire la dimensione della memoria presentata 

dall’artista sotto forma di frammento. Un viaggio a ritroso 

nel passato che non ha il valore di un vagheggiamento 

nostalgico e melanconico, perchè la memoria 

non è un rifugio, ma la certezza da cui ripartire. È soprattutto 

il colore a possedere una grande forza evocativa 

e a stendere sulle immagini un velo di emozione. 

Maggiore la nitidezza e la precisione delle 

immagini, più complessa la pasta cromatica, che si fa 

in taluni punti più corposa, in altri più vellutata e capace 

di belle trasparenze. La centralità della figura - corpi 

e volti di donne che guardano lo spettatore come a 

volerlo interrogare - indica la necessità di ripartire 

dall’uomo dal suo valore ineludibile per ritrovare il 

senso della vita e dell’arte. 


204


Angela Maria Lettini 

Pausa, olio su tela, cm. 100x80 

Principali esposizioni: 

1979 - Segnalazione per la grafica al Centro La Manaide 

- Trani; 

1980 - Estemporanea pittura (1° Premio) - Trani; 

1984 - Concorso Arte Sacra - C.S.I. - Trani; 

1985 - Mostre a Corato, Terlizzi e allo Sporting Club di 

Trani; 

1986 - XVIII Edizione Premio Primavera - Foggia; 

Personale di Pittura presso l’M.C.L. - Trani; 

1988 - Personale al Centro Spazio A - Firenze; 

1989 - Segnalazione al 27° Premio D’Argento - Gadarte 

Firenze; 

1990 - Riconoscimento Premio Fiesole 8 Marzo; 

Segnalazione V edizione Premio Italia - Certaldo (FI) 

Collettiva Arte Contemporanea - Fiesole (FI); Personale 

al Gruppo Donatello - Firenze; 

1991 - Personale al Circolo degli Artisti “Casa di Dante” 

Firenze; Personale all’Ass.ne Culturale Arte Città 

- Prato; 

1992 - Premio Acquisito Concorso Arte Pro Lastra “E. 

Caruso” - Lastra a Signa (FI); Personale di pittura e 

grafica alle Antiche Terme - Ischia (NA); Premio Pittura 

Estemporanea Proloco “G. Monaco” Talla (AR) 

1993 - Concorso Premio Fanzine “Libera Lidea” Firenze; 

Concorso Arte Sacra “Lorenzo Ghiberti” Pelago (FI); 

XXVII Edizione Premio Città di Lastra a Signa (FI) 

1994 - Collettiva “Mostra di Natale” Soc. Belle Arti - 

Firenze; Personale al Negozio Richard Ginori 1735 - 

Firenze; Concorso “Immaginaria ‘94” Gruppo Rinascente 

- Milano; 

1998 - Collettiva “Florilegio Fiorentino al Femminile” 

Società Belle Arti - Firenze; 

1999 - Personale alla Biblioteca Circolante di Sesto 

Fiorentino (FI) 

2001 - Collettiva Società Belle Arti - Casa di Dante - 

Firenze; 

2005 - Mostra personale presso il Chiosco di San 

Francesco - Florio (NA) 

2006 - Personale di pittura a Villa Gerini - Sesto Fiorentino 

(FI) 

2007 - Premio Pittura “Antonio Berti organizzato 

dall’A.I.C.S. Palazzo Pretorio - Sesto Fiorentino (FI) 

Collettiva “Mostra di Natale” Soc. Belle Arti - Firenze; 

2008 - Mostra personale presso Palazzo Pretorio - Sesto 

Fiorentino (FI) 

2011 - “Oltre lo sport” Collettiva - Sesto Fiorentino 

(FI) 

2011/12 - Collettiva di Natale Casa di Dante; 

2012 - Personale Gruppo Donatello; Collettiva “Il sacro 

nell’arte” 16 - 27 marzo SS. Annunziata; Collettiva 

Galleria Mentana (FI); Collettiva “Maggio Salesiano” 

(FI); Rassegna arti visive “Miramonti” Saragiolo 

(Piancastagnaio) luglio - settembre; Collettiva di Natale 

“Casa di Dante”; Società delle Belle Arti (FI) 

205


Susan Leyland 

leyland@equinesculptures.com 

www.equinesculptures.com 

Horse Block Sculpture 

“... L’affascinante lavoro artistico di Susan Leyland 

riesce ad unire l’originalità e l’eccellente 

esecuzione tecnica in estetica pura. Le 

sculture, denominate Horse Block Sculpture, sono 

senza tempo e fondono un sentimento di antico con 

uno sguardo verso il futuro. Leyland assembla purezza, 

semplicità e genialità in forma geometrica e con 

questi elementi configura sobrie forme che evocano 

cavalli di originale e sorprendente bellezza.” 

Tamsin Pickeral 

206


207


Borgo Allegri 15R - 50122 Firenze 

Tel. 055 2469346 - Cell. 339 2521039 

Presidente Miranda Mei (tel. 0554368598 mirandamei@alice.it) 

info@firenzearte.org - firenzearteasscult@gmail.com 

www.firenzearte.org 

www.equilibriarte.org/firenzearte - www.exibart.com/firenzearte 

Realizzare attività dirette ad assicurare 

lo svago, promuovere la ricreazione 

del fisico e dello spirito 

oltre allo sviluppo sociale ed intellettuale 

degli iscritti attraverso 

iniziative culturali (corsi, conferenze, 

proiezioni, dibattiti), artistiche 

(pittura, scultura, poesia ed arti figurative), 

turistiche e ricreative in 

genere. Questi alcuni degli obiettivi 

dell’Associazione Firenze Arte 

(Borgo Allegri 15 R, Firenze), per 

il raggiungimento dei quali l’associazione 

si attiverà predisponendo 

gli spazi necessari per lo svolgimento 

delle diverse attività in un 

ambiente sereno, conviviale, aperto 

allo scambio di opinioni e di idee. 

Sono aperte le iscrizioni per l’anno sociale 2013 

208


209


È l’insegna d’epoca dipinta su vetro, che ancora possediamo, il marchio di garanzia 

di una bottega la cui storia risale a oltre due secoli fa. Nell’Ottocento in via dello 

Studio aveva sede il “Colorificio Toscano”, antica ditta di colori. A Sandro e Massimo, 

figli di Adolfo, il capostipite Zecchi, il lustro di aver indirizzato la storica attività 

esclusivamente verso i prodotti per Belle Arti e Restauro attraverso la meticolosa 

attività di recupero delle antiche tecniche artigianali e pittoriche della tradizione 

fiorentina effettuata sullo studio del trattato del pittore rinascimentale Cennino 

Cennini. Il Premio Firenze del 1997, le riprese effettuate per la realizzazione di 

documentari trasmessi in tutto il mondo, la citazione nel romanzo “La prossima 

volta” dello scrittore francese Marc Levy oltre alla produzione di materiale richiesto 

per lavorazioni artistiche di livello come l’Opera House di Sidney o il Paul Getty 

Museum di Los Angeles sono la certificazione del perchè Zecchi sia una ditta 

consacrata a livello internazionale. 

Colori - Belle Arti - Restauro 

Via dello Studio 19r - 50122 Firenze Italia - Tel. 055.211470 

www.zecchi.it zecchifi@tin.it 

210


ARTE CONTEMPORANEA 

Via Maggio,71r - 50125 Firenze - Via Marconi, 1/a - 57012 Castiglioncello (LI) 

Direttore Artistico: Rossana Corsi 

Tel. 334 3445766 - info@artgalleryilcesello.com 

211


Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea 

La storica Galleria d’Arte Mentana, diretta da Giovanna Laura Adreani, opera 

nel cuore del centro storico di Firenze, nell’omonima piazza tra il Ponte Vecchio 

e la Galleria degli Uffizi. Oltre ad interessarsi di artisti storicizzati, la galleria si 

occupa di promuovere e divulgare nuovi talenti dell’arte contemporanea, attraverso 

mostre personali, cataloghi monografici, saggi critici e mostre in spazi pubblici. 

L’intero spazio è composto da quattro sale comunicanti tra loro che possono 

ospitare sia mostre personali, per la capienza di circa 60 opere, che collettive. La 

direttrice artistica e il suo staff si occupano di selezionare e di seguire gli artisti nel 

loro percorso di crescita professionale e curriculare promuovendo la loro immagine 

attraverso la pubblicazione di monografie, articoli su riviste specializzate, mostre 

scambio con altri spazi espositivi italiani e stranieri, l’inserimento sul sito internet 

della galleria e la vendita on-line delle opere. 

Piazza Mentana 2, 3, 5 - 50122 Firenze - Tel. 055 211985 - Cell. 335 1207156 

info@galleriamentana.it - galleriamentana@galleriamentana.it 

www.galleriamentana.it 

212


Un punto vendita a tutto tondo, dove l’eccelsa qualità fa da 

pendat alla vasta gamma di materiale a disposizione. Non a 

caso Landi Cornici è diventato in pochissimo tempo un punto 

di riferimento per molti altri corniciai, singoli artisti e per giunta grandi 

aziende. Ampio il ventaglio dei prodotti in vendita al dettaglio e all’ingrosso. 

Nel locale di oltre trecento metri quadrati nel cuore del Campo 

di Marte si possono acquistare, o semplicemente farsele colorare, aste 

per cornici grezze, dorate, argentate, laccate; è possibile ordinare modelli 

di cornici poi lavorati e realizzati dalla maestria di chi è in grado di 

rispondere ad ogni tipo di esigenza del cliente e delle persone del settore 

che in Landi Cornici hanno inoltre trovato il negozio ideale dove potersi 

rifornire di tutti gli accessori indispensabili al proprio lavoro. 

LANDI CORNICI 

V. Mannelli 33/R - 50132 Firenze (FI) 

Tel. 055 2347036 - Fax. 055 2347036 

cornici.landi@virgilio.it 

213


dafne 

Imballaggi, Trasporti, 

Movimentazioni di opere d’arte 

e servizi affini 

Dafne s.r.l. 

Via Piani della Rugginosa, 250/251 

50066 Reggello - Loc. Montanino (FI) 

Tel. 055 863069 - Fax 055 8662077 

Numero Verde: 800 331477 

www.dafnefirenze.net 

dafne@dafnefirenze.net 

214


Quarant’anni di esperienza messi al servizio dei tantissimi artisti 

contemporanei che qui hanno trovato il modo migliore per 

valorizzare le proprie opere. Professionalità e qualità elevate, accoglienza 

e gentilezza il bigliettino da visita di Maestrini Cornici, dal 1994 in via 

del Romito dopo due decenni in via Palmieri. Laboratorio dove si lavora 

il materiale grezzo fino alla consegna del prodotto finito. Il titolare, 

Sandro Ghibellini, ha concepito lo spazio alle porte del centro storico di 

Firenze anche come punto vendita-espositivo, scelto come degna vetrina 

dei propri capolavori da alcuni nomi illustri del panorama artistico come 

Alinari, Ciabani, Talani, De Poli, Annigoni, Berti, Sacchi e tanti altri. 

Via del Romito, 1/R - 50134 Firenze - Tel. 055 461094 - Fax 055 4631573 

manuela@cornicimaestrini.it 

215


Ristorante 

Il BattibeccO 

Via Vittorio Veneto, 38 - 50023 Impruneta (FI) - Tel. 055 2313820 

www.ilbattibecco.it - info@ilbattibecco.it 

Dal giorno della sua inaugurazione, Il Battibecco ha proposto in maniera 

continuativa mostre d’arte ospitando importanti maestri contemporanei 

come Luca Alinari, Giovanni Maranghi, Giuliano Ghelli, Anna Di Volo, Silvestro 

Pistolesi, Romano Stefanelli, Danilo Fusi, Paolo Staccioli, Eugenio Riotto, 

Mariella Valori, Carlo Testi, Marco Boni. 

216


217


Valentina Lingria 

Via Nicolò da Uzzano 42 - 50126 Firenze 

www.valentinalingria.it - info@valentinalingria.it 

Un affetto mi preme, tecnica mista, cm. 60x80 

“ Sono nata a Reggio Calabria tra la luce accesa 

del sole e l’azzurro del mare. A 10 anni mi sono 

trasferita a Firenze dove attualmente risiedo. 

Sono cresciuta in una famiglia con una grande sensibilità 

artistica e poetica. Mi sono formata attraverso un 

percorso di studi classici ed insieme ho coltivato la 

passione per la musica, formandomi come pianista. 

Successivamente ho intrapreso studi filosofici. Alla 

pittura sono arrivata quasi per caso, anzi per la precisione 

è la pittura che arrivata a me, forse per destino. 

Mai avrei immaginato quello che mi è accaduto, che 

rimane un fatto assolutamente imprevisto, di cui ancora 

oggi io stessa continuo ad essere stupita: il fatto di 

iniziare a dipingere. C’è un’ora in cui tutto è iniziato e 

quasi sembra non esserci un “prima”. C’è stata un’ora 

della mia vita in cui è iniziata la pittura in me. Questo 

inizio della pittura in me ha segnato anche il metodo 

del mio processo creativo. L’inizio del mio processo 

creativo è sempre una avvenimento che accade, che si 

impone, che mi scuote. Il punto di partenza di ogni mia 

opera, è un avvenimento di vita che mi penetra fin nel 

profondo, diventando colore, segno, materia. Un punto 

imponente, che ha sempre una caratteristica inconfondibile: 

mi scuote, mi sposta, mi commuove, mi addolora. 

Dipingere non è tanto l’espressione di qualcosa che 

voglio dire o fare, ma è piuttosto l’espressione di quello 

che improvvisamente mi accade e si svela, che mi 

chiama, che mi provoca, che mi parla. Qualcosa che 

apre uno squarcio di significato sulla vita. Dipingere è 

un modo per fare tesoro di tutto questo. È un modo per 

starci davanti, per continuare a guardare, per conoscere 

e custodire la memoria di un’esperienza che mi ha 

provocato, commuovendomi, entusiasmandomi o dandomi 

un dolore lancinante. Ogni quadro dipinto, ogni 

pezzetto di carta, ogni segno che ho lasciato e lascio, 

dall’inizio ad oggi, è un pezzo della mia esperienza di 

vita che è divenuta più chiara e trasparente, divenendo 

segno, colore, materia, forma. Dipingere è mettere a 

fuoco la vita”. 


218



Questa vita che è una cosa bella, tecnica mista, cm. 90x100 

“La pittura di Valentina Lingria trova significato nei 

suoi desideri più profondi che si incontrano con la realtà 

della vita, generando una domanda di senso continua 

e drammatica. Nelle sue opere emergono i segni 

di una malcelata preoccupazione che vengono esaltati 

da spesse tracce di colore che si aggruma in suggestioni 

materiche che paiono esitare nel continuo delle 

pennellate. Un racconto di gioie, dolori, paure, sussulti, 

ansie, stupori, che si esplicano nelle linee scure 

interrotte che si liberano in percorsi quasi scolpiti nel 

magma di tinte e in tracce che via via perdono spessore, 

per diventare tratti d’inquietudine e d’irruenza 

controllata. Masse rosse di passionalità e di vita resistono 

ai graffi paralleli che incrociano le linee per diventare 

rappresentazioni nelle mappe di un firmamento 

che finisce nei buchi neri del tempo e 

dell’inconscio. Simboli di alfabeti della psiche che si 

precisano in segni misteriosi che s’incrociano sino a 

dar luogo a racconti che ritmicamente portano a climi 

visivi che sanno di misticismo. Sono graffiti primordiali 

che narrano, nella semplicità dei tratti, la complessità 

dell’esistere”. 


219


Emiliana Lippi 

Abit.- studio: via S. Maria a Cintoia,16B - 50142 Firenze 

www.emilianalippi.it 

Riflesso, smalto, cm. 45x41 

Lucchese di nascita e fiorentina di adozione, vive 

ed opera a Firenze. Diplomata all’Istituto d’Arte 

di Lucca e laureata all’Accademia di Belle Arti di 

Firenze, allieva di Ugo Capocchini e Gustavo Giulietti. 

Ha allestito la prima personale nel 1972 a Lucca e in 

seguito in numerosi spazi pubblici e privati in diverse 

città d’Italia. Ha partecipato a numerose rassegne e 

concorsi in Italia ed all’estero, ottenendo premi e segnalazioni 

(tra gli altri, si ricordano i successi al “Premio 

Italia per le Arti Visive” dal 2000 ad oggi e in diverse 

edizioni del “Premio Firenze”). Sue opere 

figurano alla sede del Quartiere4 di Firenze, in gallerie 

e collezioni private (a Lucca, Firenze, Arezzo, Sansepolcro, 

Verona, Roma, Lecce, Saint Paul Devens e 

Bogotà); è in mostra permanente al Cubar del Polo 

Biomedico e al “Fitvillage” di Careggi a Firenze. Ha 

fatto parte per molti anni dello storico gruppo fiorentino 

“Gadarte”, affermandosi nelle numerose iniziative 

da questo organizzate. Fa parte del “Circolo Arti Figurative 

Il Ghibellino di Empoli” e dell’associazione artistico-culturale 

“Simultanea-Spazi d’Arte” di Firenze. 

Numerosi quotidiani, riviste e pubblicazioni d’arte si 

sono occupati dei suoi lavori e della sua attività; tra 

gli altri, D’Ars, La Stagione, Le Arti, Eco d’arte moderna, 

La Nazione, Il Telegrafo, Il Giornale d’Italia, Agenda 

e annuario dell’Arte in Toscana. Ha realizzato la 

copertina e le illustrazioni del libro “Sei tu” di Claudia 

Baldini, Domina Editrice. 

“Nella vicenda espressiva di Emiliana Lippi la scelta di 

una figuratività che amalgama concretezza e spiritualità 

trova riscontro nel coltivare insieme la tradizione 

di una solida base disegnativa e la sperimentazione di 

una cromatica trasgressiva che si arricchisce oggi anche 

di stratificazioni materiche. Le sue peculiari e distintive 

figure senza volto appartengono a quella categoria 

universale che è il simbolo. Forma e colore nella 

sua pittura si identificano quale veicolo di una narrazione 

intimista, riflesso di spinte emotive diverse e 

contrastanti, che non sono fuori della realtà bensì ne 

configurano l’essenza immateriale, la vita psichica 

piuttosto che fisica, sono racconti dell’anima.” 


220


Lalla Lippi 

Abit.: La Torre di Marena,19 - 52011 Bibbiena (Arezzo) 

Tel. 0575 593656 - Cell. 333 3755813 - lalla.lippi@virgilio.it 

Lilith, 2009, olio su tela, cm. 150x100 

Lalla Lippi ha sempre avuto un particolare interesse 

per l’arte, anche se molto tardi si è dedicata 

a studi artistici. Ha frequentato la Scuola 

Libera del Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di 

Firenze dedicandosi al disegno. Dal Duemila fa parte 

del Gruppo AR.CA. (Artisti Casentinesi) fondato e 

seguito dal maestro Amedeo Lanci presso l’Accademia 

Casentinese di Borgo alla Collina nella casa del 

Landino, ed in questo periodo si è particolarmente 

impegnata nello studio del colore secondo gli insegnamenti 

del maestro. Ha esposto in personali e 

collettive a Bibbiena, Porciano, Poppi, Sesto Fiorentino, 

Firenze, Arezzo, Marina di Pietrasanta, Montecatini, 

Roma. Le sue opere sono state segnalate da 

critici importanti come Giuseppe Casiraghi, Lodovico 

Gierut, Giovanni Faccenda, Andrea Diprè ed apprezzate, 

oltre che dal suo maestro Lanci da Venturino 

Venturi ed altri. L’astronomo ed amico Massimo 

Mazzoni, in occasione di una personale, ha scritto di 

lei: “Hai dato forma al tempo e fluidità allo spazio”. 

Vive e lavora a Bibbiena, in Casentino, in una antica 

torre medievale ed è grata a tutti coloro che l’hanno 

incoraggiata ad andare avanti nei suoi tentativi di 

espressione. 

221


Lalla Lippi 

Fermare il tempo, 2011, olio su tela, cm. 120x80 

“Dal Faust di Goethe ho scelto due eventi e due opposti 

personaggi femminili: nella notte di Valpurga, alla 

tregenda delle streghe che giungono cavalcando manici 

di scopa mentre il palazzo di Mammona è in fiamme, 

la bruna Lilith dalle belle chiome. Ripudiata da 

Adamo, divenuta demone lussurioso e vendicativo 

vende la sua merce. Nella sua bottega non c’è nulla 

che non abbia provocato danni all’Umanità. Nella notte 

classica Elena, la bellissima, viene richiamata dalla 

pitagorica tetractis ove è l’armonia ed abitano le matrici 

delle forme pure dell’Essere. La regina, figlia di 

Giove, è pronta a seguire il destino mentre le ancelle 

temono gli eventi: Io esco vacillando dal vuoto vortice 

in cui ero piombata. Stanche son le mie ossa e di riposo 

ho bisogno.” 

Lalla Lippi 

222


Mirna Lombardi 

Via Giordano Bruno, 12 - 50013 Campi Bisenzio (FI) 

Tel. 055 8961738 - Cell. 340 2350233 

Passo di danza, olio su tela, cm. 80x60 

Passo di danza 

Passo di danza 

Il cuore ti scalda 

Inebria la mente 

E nulla più sente. 

Al ritmo 

Leggera libellula sei, 

svolazzi, 

leggiadra, 

girando, 

sfiorando la terra 

un bel cielo blu. 


223



Il mare, la vela, olio su tela, cm. 70x100 

Artista “ di spiccata maestria nel trasferire alle 

sue opere sensazioni fantastiche di sensualità 

raffinata che circonda spesso le sue anonime 

donne! Una ricerca pittorica, quella di Mirna Lombardi, 

che muove verso nuove forme espressive non avulse 

da principi etico-razionali. Sicuramente affina un 

suo linguaggio figurativo che armonizza la forma e il 

colore scaturendo in una sbrigliata fantasia pittorica 

che nasce da una profonda capacità a conseguire risultati 

d’indubbio effetto scenoplastico”. 

Nadia Guelfi 

224


Antonella Lomonaco 

a-lomonaco@libero.it 

Bella, silenziosa, altera, 2012, olio su tela, cm. 40x40 

Nasce in Calabria nel 1951 ma vive da molti 

anni a Barberino Val d’Elsa. Ha sempre coltivato 

l’amore per l’arte e per la pittura in particolare, 

dedicando a questa passione tutto il proprio 

tempo libero. Il suo percorso artistico e’ iniziato negli 

anni novanta, con il maestro Claudio Giomi e il Laboratorio 

di Arti Visive da lui diretto, sperimentando varie 

tecniche, con particolare attenzione al paesaggio 

toscano e alle marine che evocano in lei ricordi d’infanzia, 

oltre al fascino intrinseco del mare. Solo negli 

ultimi anni si è soffermata sull’immagine femminile 

che ha cercato di studiare e di interpretare secondo il 

suo personale modo di sentire. I viaggi le hanno fornito 

ulteriori spunti preziosi suggerendole affascinanti 

figure femminili prese in prestito dal loro mondo e trasferite 

poi sulla tela con una partecipazione interiore 

di solidarietà per la loro condizione molto spesso difficile 

e precaria. Nel corso di questi anni ha partecipato 

a varie mostre collettive e personali, tra le più significative 

ricordiamo: la Limonaia di Palazzo Strozzi a 

Firenze, a Palazzo Panciatichi, sede della Regione Toscana, 

al Museo Archeologico di Firenze per “Arte per 

la ricerca” e poi San Gimignano, Siena, Colle val d’Elsa, 

Casole d’Elsa, Poggibonsi e Barberino Val d’Elsa. 

Alcune delle sue opere si trovano a Sofia, a Dakar e a 

Firenze presso la Pinacoteca della Regione Toscana, e 

in collezioni private . 

225


Adriana Lopreiato 

adrianalelo@yahoo.it 

Giardino a Badia a Passignano, olio su tela, cm. 70x50 

Vive e lavora a Firenze. Dal 2000 fa parte del 

gruppo che fa capo allo studio di pittura, disegno 

e modellato La Rosa d’Oro dell’Arte ex Art 

Center Florence di Lucetta Risaliti in via Ghibellina a 

Firenze. Ha partecipato a numerose mostre collettive 

organizzate dalle gallerie Art Center Florence e La 

Rosa d’Oro dell’Arte per il gruppo ACF ed il gruppo La 

Rosa d’Oro, oltre che nello loro sedi fiorentine, anche 

in altre sedi molto prestigiose quali: la Banca Popolare 

di Milano, nelle sedi di Firenze, Bologna e Milano, 

la Limonaia e il Chiostro di Villa Vogel Firenze, la Stazione 

di Confine di Firenze, la Galleria Via Larga a Firenze, 

la Villa Bellosguardo di Lastra a Signa, il Palazzo 

del Consiglio Regionale della Toscana, la Sala 

Banti a Montemurlo, la Villa Sant’Andrea di Montefiridolfi. 

Alcune di queste mostre sono state organizzate 

in favore dell’AVIS di Montemurlo, altre in favore 

dell’Ospedale Meyer di Firenze. 

“Adriana Lopreiato sperimenta tre momenti pittorici. 

Il periodo intimista, in cui i soggetti sono nature morte 

e paesaggi d’impronta quasi macchiaiola. Il colore, 

non troppo denso, è steso sulla tela a macchie. I toni 

pacati tradiscono la forte influenza della scuola fiorentina. 

La luce non è mai radente, né crea effetti di 

forte contrasto. L’atmosfera sommessa delle sue opere 

ci fa tornare indietro nel tempo,quando una sedia 

impagliata davanti ad un tavolo con sopra un vaso di 

fiori e una candela provocavano suggestioni di intimo 

raccoglimento. Il periodo astrattista dove Adriana 

scopre il valore fortemente espressivo della spatola e 

stende sul supporto grandi campiture di colore dai 

toni ancora calmi.Gli azzurri accostati alle terre ed ai 

bianchi ci portano nei dolci declivi delle crete senesi, 

ma il paesaggio si fa materia e si astrae dal reale, 

regalandoci imponenti opere senza spazio ne’ tempo. 

Infine il ritorno al vero. Adriana continua a lavorare 

con l’ausilio della spatola, ma cambia la tavolozza, i 

suoi colori si fanno piu’ vivaci e potenti, introduce il 

rosso nelle sue composizioni e osa arditi accostamenti 

di colore contrastante. La luce diventa tagliente 

conferendo ai suoi paesaggi un forte timbro espressionista. 

Adriana lavora solo nei momenti di forte 

ispirazione e spesso reinterviene sui suoi soggetti. 

Nel suo modo di lavorare ritrovo ciò che il mio grande 

maestro Pirzio diceva spesso: “Un’opera d’arte non è 

mai finita”.” 

Lucetta Risaliti 

226


Sara Lovari (S.Lov.) 

Avena, 16 - 52014 Poppi (AR) - Studio: vicolo Fierli di via Nazionale - 52044 Cortona (AR) - info@s-lov.it - www.s-lov.it 

www.equilibriarte.net/member/8386 - www.ioarte.org/artisti/Sara-Lovari/ - www.linkedin.com - www.facebook.com 

Sara Lovari (S.Lov.) nata nel 1979 nel Casentino, 

dove vive ed opera (Avena, Poppi), con 

oltre 70 mostre all’attivo in America Latina, 

Giappone ed Europa è presente in collezioni private 

tra Italia, Canada, Australia, Danimarca, Germania, 

Olanda, Gran Bretagna ecc…L’artista è 

conosciuta per aver illustrato libri e guide turistiche, 

per i suoi spettacoli live, oltre a studi di locandine 

e materiali per sponsorizzare e allestire 

spettacoli teatrali. Le sue tele materiche composte 

da juta, giornali d’epoca o tavole di legno povero, 

colate di caffè sono i fondi dove l’artista con 

colori acrilici riporta in vita oggetti e situazioni del 

passato, presenze vivide nella sua memoria e nella 

memoria dei suoi cari; ognuno con la sua storia, 

ognuno con la sua anima, ognuno appartenuto 

alla sua famiglia per questo così importante. 

“…Questa pittura non sollecita tanto la memoria, 

quanto, suggestionandola di poesia, la illude: la 

illude che i ricordi non siano tali, ma siano palpito 

d’attualità, e che, quindi, la contemplazione della 

bellezza sia ancora possibile. La sua perfezione 

pittorica si coniuga a un fattore ideale e può compiutamente 

formularsi soltanto nella purezza 

dell’idea sostanziata di sensibilità e di passione 

tutta contemporanea… 

…La pittura dell’artista non rappresenta il racconto 

del quotidiano bensì il recupero del “senso della 

storia”. Per tale nobile fine, quale fonte d’ispirazione 

e teatro dove esprimersi, la Toscana non può 

che essere luogo ideale per un’artista giovane, che 

per lunghi periodi vive e lavora all’Estero”. 

Gli Ombrelli (La mia Famiglia), 2012, tecnica mista acrilico su tela 

con cartone e rivista anni 20-30, cm. 70x100 

“…Questi lavori trasmettono la serena pacatezza di una 

realtà semplice, lontana dalla frenesia della contemporaneità, 

e avvolta in un’atmosfera di nostalgia, ma anche di 

inquieto abbandono”. 

Paolo Levi 

Anita Valentini 

227


Sara Lovari (S.Lov.) 

Il Portaombrelli (io e i miei amici), 2013, tecnica mista acrilico su tela con cartone e rivista anni 30, cm. 70x100 

228


Angela Lucarini 

Via Siena, 25 - 50142 Firenze - Tel. 055 7320113 

Cell. 329 4127827 - angelalucarini@libero.it - www.a-lucarini.blogspot.com 

Sogno di libertà, 2009, tecnica olio su tela, cm. 70x50 

Angela Lucarini nasce a Firenze il 29 aprile 

1953. Allieva di pittori fiorentini, la pittrice si 

è indirizzata al genere figurativo e realistico, 

dedicandosi principalmente a paesaggi e nature morte. 

Questa pittura, dai colori forti e vivaci, esprime la 

sua carica interiore attraverso i soggetti che le sono 

più cari, restituendoli sulla tela con trasporto ed un 

certo lirismo. Tra le mostre più recenti alle quali l’artista 

ha partecipato si ricordano quelle presso: Accademia 

degli Etruschi, Livorno; Galleria Gadarte, Firenze; 

Caserma Vannucci, Livorno; Basilica S. 

Alessandro, Fiesole; Saletta Machiavelli, Montespertoli; 

Villa Vogel, Firenze, 2009; Galleria Mentana, 

Firenze; Premio Arte Donna, Livorno. Hanno scritto 

di lei: «I suoi dipinti sono densi di colore, con il 

quale vuole rappresentare a se stessa e agli altri i 

propri impulsi. I soggetti rappresentati sono immagini 

che hanno colpito la sua vista e il suo cuore: paesaggi 

dai colori caldi dell’autunno, tramonti sui campi, 

marine al risveglio del giorno, oltre alle figure 

classiche degli affreschi e alle immagini evanescenti 

di ballerine classiche». 

229


Giovanna Luti 

Cell. 340 0864065 

giovanna.luti@yahoo.com - www.wix.com/gioluti/Giovanna-Luti 

Alice in the Wonderland, tecnica mista, cm. 50x70 

Esmeralda, olio e foglia oro su tela, cm. 60x80 

Giovanna Luti vive e lavora a Firenze. Docente di Arte, ha 

frequentato i corsi dell’ Accademia di Belle Arti della 

sua città diplomandosi con il massimo dei voti. Ha esposto 

le proprie opere in mostre personali e collettive, spaziando 

fra la provincia di Firenze e in varie città d’Italia e d’ Europa. Il 

linguaggio espressivo dell’artista fiorentina, attraverso una 

personale e alquanto soggettiva analisi, in particolare dell’ universo 

femminile, esprime una continua ricerca fra il colore e la 

materia, fra la linea e il volume. Metafore di un cammino, le 

sue figure, quasi silenziose presenze, eleganti e allo stesso 

tempo accattivanti, rappresentano le icone di un nuovo presente, 

di una realtà in movimento che si concreta e abita in luoghi 

senza tempo in cui fugaci ombre, come apparizioni momentanee, 

sembrano poter sfilare e sparire senza preavviso dalla 

tela, nonostante la loro apparente immobilità volumetrica. 

Contornate da un’animata trama pittorica e da un’aura di segni 

ritmici, a volte calligrafici, che sembrano fuggire dalle vesti per 

intersecarsi con gli sfondi, queste figure vivono sospese in 

Primavera, olio su tela, cm. 40x40 

spazi astratti dove pochi e ricercati spunti diventano 

lo strumento visivo e la chiave di accesso a un mondo 

di rivelazione. Figure-simbolo, che si mostrano nella 

loro realtà per farsi emblema di intimi rifugi e di inviolabili 

contenitori di un vissuto tutto al femminile 

che, nelle ricercate scarnificazioni volumetriche, descrittive 

e spazio-temporali, acquista valori universali 

e una forza di comunicazione sorprendente. 

230


Mariella Magherini “Maghe” 

Firenze - Cell. 338 8497252 

Naufraghi, 2011, carta di giornale su telaio e acquerello 

cm. 92x71.5 

Offerta, 2009, carta di giornale su telaio e acquerello, cm. 55x45 

“ Carta di giornale, un po’ di legno come supporto, 

colpi di acquerello per amalgamare l’idea 

conservando parziale visione della stampa. 

Materiali banali scelti non per motivi ecologici, o non 

solo, ma per la leggerezza che mi permette di lavorare 

in bassorilievo. Non ho certo abbandonato i profumati 

colori ad olio, i paesaggi vasti ed i cieli tumultuosi: 

solo un momento, non so quanto lungo, di esplorazione 

di altra materia che contiene già segnali di comunanza 

con le realtà quotidiane. Le dita si spingono 

nelle superfici, dentro gli anfratti e l’occhio cerca le 

ombre inaspettate, in continuo movimento al variare 

di luci: un “gioco” stimolante, mai del tutto legato a 

regole”. 

231


Jacqueline Magi 

Cell: 392 2201220 

jacqueline.magi@alice.it 

Pesci, tecnica mista su tela, cm. 70x80 

Jacqueline Monica Magi dopo la Laurea in Giurisprudenza 

presso l’Università di Firenze, è divenuta 

Magistrato ordinario con funzioni di Sostituto 

Procuratore della Repubblica (Tribunale di 

Pistoia) e Giudice del Lavoro (Tribunale di Livorno). 

Attualmente divide la sua vita tra la professione di 

Giudice Penale al Tribunale di Prato, dal 2011, e la sua 

passione per l’arte. Ha svolto relazioni in moltissimi 

convegni e pubblicazioni nella sua materia, ma nel 

2006-07 è stata anche docente magistrale di Storia 

dell’Arte contemporanea ad un Master presso l’Università 

di Firenze. Artisticamente, come scrittrice, dal 

2007 pubblica moltissimo per l’editore Del Bucchia 

(Viareggio) e ha ricevuto importanti premi per la narrativa. 

Collabora stabilmente al mensile “Il Giullare” 

con rubriche di commento e recensioni di libri. Come 

pittrice e come fotografa fa parte del movimento 

GLAM ART e ha esposto in molte mostre sia personali 

che collettive. Ha illustrato vari libri di fiabe della 

scrittrice Franca Dada e di Caterina Giannelli, nonché 

libri di poesie di Luca Lotti. Presso una scuola di Montecatini 

Terme si trovano due aule da lei dipinte, mentre 

suoi quadri, disegni e foto arredano alcuni bar e 

ristoranti di Pieve a Nievole (PT), Montecatini, Livorno 

e i corridoi del Tribunale di Prato. 

“Jacqueline Magi si può definire in termini tecnici una 

cross over; vale a dire il saltare indifferentemente tra 

tecniche e stili al fine di trovare la giusta rappresentazione 

per un’idea”. 

Angela Galli 

“..quei pochi spezzoni colorati erano inconfondibili 

“tracce” d’artista vero..una freschezza d’immagine, 

una sapienza nell’accostamento dei colori, un tratto 

secco e sicuro, che solo un artista di razza può esprimere”. 

Daniele Menicucci, 2006 

232


Carmen Manca 

Via Matteotti, 3 - 51100 Pistoia 

Cell. 339 6642006 - carmen.manca@virgilio.it 

Carmen Manca è nata ad Orroli, in provincia di 

Nuoro nel 1952. Ha compiuto gli studi artistici 

a Cagliari e ha maturato le proprie esperienze 

tra Bologna e Firenze. Ha frequentato la Scuola di 

Nudo dell’Accademia di Firenze, La Bottega dell’Arcimboldo 

di Firenze e Pistoia, dove attualmente è titolare 

della cattedra di Disegno e Storia dell’Arte presso 

il Liceo “Forteguerri”. Da sempre attiva nel 

panorama artistico pistoiese e toscano, negli ultimi 

anni ha visto crescere le sue collaborazioni con artisti 

e galleristi della zona allestendo mostre importanti e 

presenziando a collettive di prestigio, anche fuori dal 

territorio regionale. Tra queste si segnalano: la personale 

Teatri Colonne Arazzi (2007, Polo tecnologico, 

Quarrata); Artisti per i Diritti Umani (2007, Chiesa di 

S.Carlo dei Barnabiti, Firenze); Otto marzo solo donne 

(2008, Galleria Marte, Pistoia); Sante Madri e Rivoluzionarie 

(2009, Oratorio San Giovanni Battista, Pistoia); 

installazioni presso l’Istituto di Ricerche Storiche 

e Archeologiche di Pistoia (2009); murale in Sardegna 

(2010) e in Spagna (2010); mostra per i ”150 anni 

dell’unità d‘Italia” (2011, Tribunale di Pistoia); mostra 

personale Atelier Ardesia, Pistoia (2011); collettiva 

Balaton Szinhàz,Simàndy terem-keszhely (2012); Budapest, 

A Killitàst Megnyitja (2012); collettiva Chiosco 

Antico della Basilica di S.Croce Firenze (2012). 

L’opera pubblicata in questo volume rende conto della 

raffinata tecnica esecutiva ma soprattutto della 

grande forza espressiva scatenata attraverso colori e 

forme di notevole impatto visivo. Questo lavoro può 

dirsi una tappa di un lungo percorso iniziato da Carmen 

Manca negli anni Settanta e segnato da momenti 

significativi espressi negli acquerelli del periodo 

compreso tra gli anni Settanta-Ottanta, nell’astrattismo 

degli anni Novanta e nel polimaterico dell’ultimo 

Senza titolo, 2012, tempera all’uovo, cm. 120x80 

periodo. Oggi l’artista si confronta con la rappresentazione 

e l’incontro con volti e figure umane che nascono 

dal colore e dai segni. Particolarmente importante 

è il gesto pittorico lieve ma potente e incisivo. 

Carmen è un’artista a tutto tondo che in tanti anni di 

attività ha lavorato sulle forme, sui materiali, e che 

ancora oggi ha molto da dire e da comunicare attraverso 

le sue opere; un’artista che segue il suo istinto 

isolato al di là delle più riconosciute forme visive. 

233


Giovanna Malinconi 

Via Aligi Barducci, 19 - 50141 Firenze - Cell. 320 1170099 

giovanna.malinconi@gmail.com - http://riciclareconarte.altervista.org. 

In foto i cappellini di Giovanna realizzati con plexiglass, plastica, acciaio armonico e pietre. 

Giovanna Malinconi è nata a Pistoia il 23 ottobre 

1951. All’età di sei anni si è trasferita con i 

genitori a Firenze, dove ha concluso gli studi 

con la laurea in Giurisprudenza e tutt’ora vive con il 

marito. Ha due figlie già grandi. Il padre Ilio è stato un 

pittore per diletto fin da giovane e Giovanna è cresciuta 

in mezzo ai pennelli. Da sempre curiosa e desiderosa 

di vedere nuove forme generate dalle sue mani ha 

iniziato presto a dipingere su stoffa, utilizzando avanzi 

trovati in casa; toccandoli le facevano scaturire, 

attraverso la leggerezza o il colore, pensieri che ha 

chiamato poetici, ha cercato di fermarli in immagini e 

versi e sono nati sciarpe e coprispalle. Non si è fermata; 

si è guardata intorno ed ha visto… tanta plastica. 

Si è chiesta: perché non darle nuova vita dopo il suo 

primo utilizzo? Molti usano l’acqua minerale e così 

montagne di bottiglie si accumulano: ognuna ha 

“un’anima”, tiriamola fuori! E sono nati oggetti di artigianato 

“povero” che esprimono la personalità 

dell’artista. Ha spaziato dai fiori, ai centrotavola, alla 

bigiotteria, fino alle acconciature nate attraverso il 

riciclo del plexiglas. Ogni pezzo è originale, plasmato 

attraverso il calore. Sono il fuoco, la manualità e la 

pittura che partendo dall’oggetto originario arrivano 

ad esprimere una natura profonda e misteriosa che 

forse la materia, seppur considerata vile, ha già in sé 

e viene risvegliata ad una seconda vita narrando storie 

che l’estro di Giovanna legge. 

Ha partecipato con due sue creazioni in plastica alla 

sfilata “Dal cardato alla couture” della Maison Giuliacarla 

Cecchi al Museo del Tessuto di Prato, il 24 settembre 

2010; con i “plexy-hat” - quali acconciature 

234


Giovanna Malinconi 

In foto alcuni esempi delle creazioni di Giovanna Malinconi realizzate con materiali di recupero 

(plastica, pelxiglass, acciaio armonico, pietre, etc). 

per l’intera sfilata della Maison Giuliacarla Cecchi - 

alla “Festa d’Estate” di AIDDA Toscana a Villa Fani a 

Firenze, il 7 luglio 2011; con tre piccole “sculture in 

plexiglas” all’asta di beneficenza “Arte e Solidarietà” 

per la realizzazione di una ludoteca per i figli dei reclusi 

nel Giardino degli Incontri del carcere di Sollicciano 

di Firenze, il 9 ottobre 2011; il 12 luglio 2012 i “plexyhat” 

sfilano ancora per la Maison Giuliacarla Cecchi 

nel Cortile dell’Ammannati di Palazzo Pitti durante la 

manifestazione “Firenze sotto le stelle”, unitamente 

alla macchine d’epoca del CAMET a favore di ANT 

onlus. I fiori del “riciclo d’arte” sono sempre presenti 

agli eventi dell’Associazione Culturale Arcoiris. 

“Definire “artigianato” le creazioni di Giovanna Malinconi 

è riduttivo se si considerano il lavoro che sta 

dietro ogni sua realizzazione, l’originalità del processo 

creativo e la sapiente valorizzazione di ciascun 

materiale in base alle sue qualità strutturali e cromatiche. 

Alla base di tutto vi è la grande passione che 

alimenta la scelta di creare oggetti unici e preziosi 

partendo da materiali poveri - in special modo plastica 

e plexiglass - che la fantasia, supportata da una 

tecnica lungamente esercitata, nobilita e trasforma in 

dettagli di un’eleganza senza tempo. Recuperare per 

far rivivere, per mutare la funzione d’uso in valore 

estetico. Un’operazione artistica che può dirsi un ready 

made dei nostri tempi; senz’altro una risposta intelligente 

alla civiltà dello spreco e dei falsi bisogni”. 


235


Maria Cristina Mannucci 

Via Palazzuolo, 46 - 50123 Firenze 

Cell. 320 3422935 

Nostalgia, olio su tela 

Maria Cristina Mannucci è nata a Merano (BZ) 

il 20 maggio 1949. Si è diplomata all’Istituto 

Statale d’Arte di Firenze (sezione Arti Grafiche) 

con la professoressa Zena Fettucciari Checchi e 

successivamente all’Accademia di Belle Arti di Firenze 

nella sezione Pittura. 

“La sua pittura non è facile, è ricca di elaborazioni 

psicologiche e madida di sudore concettuale, sicuramente 

pittura vera; è la manifestazione di una concezione 

della vita che riduce al minimo il divario consumistico 

tra quello che ha e le cose sciocche che non 

ha. È il dolce succulento equilibrio di una creatura che 

distingue il loglio dal grano, essendo ben capace di 

credere nelle cose che valgono, senza farsi abbandonare 

dai lustrini e dal fascino dell’effimero”. 

Candido Po, 1987 

236


Maria Luisa Manzini 

Via Orcagna, 16 - 50121 Firenze - Tel. 055 660485 

mluisa.manzini@hotmail.it 

Al vento, 2012, olio su tela, cm. 50x50 

Medaglie, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Maria Luisa Manzini è nata a Tizzano (Bagno a 

Ripoli). Oggi vive, scrive e dipinge nella sua 

casa di Firenze. Le sue opere sono state 

esposte nel tempo in mostre sia personali che collettive 

ed appaiono pubblicate in numerosi cataloghi e 

libri d’arte. 

Stecchi, fili d’erba, foglie, fiori, paesaggi senza vento 

ne’ ombre, case senza porte ne’ finestre ne’ passi 

umani: così cerco di dar voce all’amore che ho per la 

natura, al suo mistero. 

Mi capita di aver dentro sentimenti ed emozioni che 

non riesco ad esprimere con le parole. 

Allora le affido al linguaggio muto degli occhi, della 

mano e del cuore. 


Nebbie in autunno, 2010, olio su tela, cm. 40x50 

237



Villamagna, 1990, olio su tela, cm. 30x40 

Maria Luisa Manzini, già al primo impatto, trasmette 

quella sensazione di pacata rappresentazione figurativa 

che definisce la realtà visivamente sospesa tra il 

reale ed il sognante. 

Trovo nelle sue tele quella definizione impressionistica 

che sa cogliere, attingendo ai suoi stati d’animo 

immediati e genuini, i significati meno espliciti della 

scena rappresentata, a favore di una visione d’insieme 

che sottrae il reale allo stereotipo, proiettandolo 

invece in un’aura inusuale pur rimanendo domestica. 

Persino nella resa degli stecchi, la loro esile fisiologia 

ispira immagini senza turbamento e li definisce quasi 

auree sculture, come avulsi da una realtà fin troppo 

prosaica. 

Nella serie dei fiori insiste in una gamma di colori che 

mai deflagrano per una tavolozza improbabile, ma 

conservano la tenue florealità che ad essi compete 

nella natura e nell’arte. 

Donato Massaro 

Ho conosciuto Maria Luisa Manzini qualche anno fa, 

per caso, e, da subito, ho amato le sue opere. 

Maria Luisa mostra quei suoi “magici” quadri, di paesaggi 

e nature morte, dove i colori, accostati perfettamente, 

rivelano la maestria e la sicurezza di una mano 

felice, che sa guardare la natura, amarla e trasmettere 

questo amore. Lontana dalle mode di oggi, in lei si 

scoprono esempi antichi, impasti materici che ci rimandano 

alla cultura toscana dei macchiaioli. 

Ma la sua maggiore abilità sta nel dipingere in piccole 

dimensioni. Poche pennellate minuscole sovrapposte 

nelle tonalità di base, fanno vivere rose, peonie, tulipani, 

lillà, semplici bacche e fiori di pesco. È un tripudio 

di colore sempre controllato, mai eccessivo, dato 

con piccolissimi pennelli, in campiture sempre in crescendo 

fino all’esplosione finale. 

Barbara Santoro 

238


Franca Maria Marasco Busoni 

Via della Capponcina, 81 - 50135 Firenze 

Tel. 055 697408 

Paura di volare, 2003, materica su tela, cm. 40x30 

È 

stata figurinista di moda e poi, dopo aver frequentato 

la Scuola Libera del Nudo all’Accademia 

di Belle Arti, si è dedicata, con diverse tecniche, 

alla pittura materica e alla grafica. È stata 

presente a collettive della mostra in piazza del Gruppo 

Donatello e, nel 1988, ha partecipato su invito della 

curatrice Giuse Benignetti alla originale mostra J&J 

“Jeans d’Autore” nella prestigiosa sede della Palazzina 

Presidenziale nell’ambito di Pitti-Uomo. In quell’occasione 

fu edito uno dei primi video-catalogo. 

239


Annamaria Maremmi 

Cell. 330 909444 - www.annamariamaremmi.it 

annamaria_maremmi@hotmail.it - annamaria.maremmi@gmail.com 

del Comune di Signa; West Florence Hotel, Campi Bisenzio 

(Firenze); con il patrocinio dell’Assessorato 

alle Politiche Sociali, nuova mostra a Villa Rucellai 

“Cittadine, donne in Arte”; Caffè Storico-Letterario 

“Giubbe Rosse”, con il patrocinio del Dipartimento 

Cultura del Comune di Pontassieve. Finalista alle 

quattro ultime edizioni del “Premio Firenze” in Palazzo 

Vecchio e vincitrice del terzo premio al concorso Caran 

d’Ache indetto dalle “Giubbe Rosse”. Presentazioni 

critiche di Alberto Gavazzeni, Lucia Mongardi, 

Daniele Menicucci, Roberta Fiorini, Ugo Fortini, Marco 

Moretti, Pierfrancesco Listri e del maestro Piero 

Panza. 

Soffio di vento, 2012, olio su tela, cm. 80x60 

Nata a Roma, ha imparato in famiglia l’amore e 

la passione per l’arte. Completati gli studi superiori, 

si trasferisce a Firenze dove inizia l’attività 

artistica negli anni Settanta, con collettive e 

personali, ottenendo numerosi riconoscimenti. Inserita 

in numerose pubblicazioni d’arte, fa parte di associazioni 

culturali, fra le quali, l’Antica Compagnia del 

Paiolo. Le più recenti personali: Hotel Mediterraneo 

di Firenze; con il patrocinio del Comune di Campi Bisenzio, 

sede comunale di Villa Rucellai; Sala Archivio 

Storico con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura 

“Nel formulare una sorta di naturale equilibrio tra cifre 

che possono apparire di segno opposto, come realtà e 

sogno, figurale e indefinito, la pittura di Annamaria 

Maremmi riesce ad attraversare un territorio quanto 

mai esteso e frequentato nella storia e nella tradizione 

salvando una sua spiccata sigla che le consente di 

solcare temi come la figura femminile, il paesaggio, la 

natura morta, e dotarli di nuove suscitazioni al filtro 

della sua indole dinamica e poetica. La sua è infatti 

una ricerca costante e mobile ma, allo stesso tempo, 

coerente. Annamaria ama percorrere non solo tematiche 

diverse - e qui potremmo aggiungere al citato repertorio 

anche i “suoi” cavalli - ma anche spingere la 

propria espressività a misurarsi e sperimentare stimoli 

sempre nuovi rifuggendo l’immobilismo del già consolidato 

risultato. Questo atteggiamento rende particolarmente 

vivo il suo linguaggio ed il suo percorso 

che appaiono comunque tenere, come valore inalterato 

e irrinunciabile, l’attributo della luce, quasi fosse il 

suo numero guida capace di assimilare la sua visione 

più naturalistica e quella più onirica alla medesima 

qualità atmosferica.” 


240


Ambretta Mari 

Abit.- studio: via Il Prato, 36/b - Loc.Donnini - 50060 Reggello (Firenze) 

Tel. 055 860078 - Cell. 338 1092977 - ambrettamari@libero.it 

Gli abissi, olio su tela, cm. 100x80 

Nata a Firenze, vive e lavora a Donnini (Firenze). 

Pittrice autodidatta, oltre a dipingere con 

il classico metodo ad olio esegue opere in ardesia 

con scagliola, tecnica antica simile al mosaico, 

che le è stata trasmessa dal padre. Attiva sin dai primi 

anni Sessanta ha partecipato a varie rassegne, 

fiere e premi dove ha ottenuto significativi riconoscimenti. 

Fra le esposizioni più recenti si ricordano: nel 

2006 la mostra presso la “Casa di Giotto” a Vicchio, 

nel 2007 la realizzazione di un’opera muraria sempre 

a Vicchio, il concorso “Cardo d’argento” a San Domenico, 

le collettive alla Villa Reale a Rufina e alla Galleria 

“Gadarte” di Firenze, e la segnalazione al V 

Concorso di Pittura a Pontassieve. Nel 2008 è premiata 

al XXIII “Premio Italia per le Arti Visive”, espone in 

personale presso la Galleria del Candelaio di Firenze, 

alla Fiera “Immagina” di Reggio Emilia e ottiene la 

Segnalazione Speciale per la Tecnica al XXVI “Premio 

Firenze”. Nel 2009 tiene una nuova personale alla 

Galleria del Candelaio e alla Biblioteca Comunale di 

Pontassieve. Del 2010 è la personale alla Casa di 

Giotto a Vicchio e la rassegna “Variabili Alchimie” al 

Palazzo del Fiorino di Greve in Chianti. Sue opere 

sono presenti in collezioni pubbliche e private e in 

permanenza presso la Galleria del Teatro Romano di 

Fiesole con la quale espone dal 2010 in diverse rassegne 

ed alla Fiera ArtExpo di Arezzo ed a International 

Art Fair di Innsbruck. 

241


Ambretta Mari 

Per un attimo nel cielo, ardesia con scagliola, cm. 76x42 (2) 

Pietrapertosa, olio su tela, cm. 80x60 

“Per comprendere meglio l’essenza comunicativa di 

Ambretta Mari bisogna addentrarsi più in profondità 

nel suo lavoro... riconoscendo nell’incontro tra ardesia 

e gesso scagliola il punto fermo del suo iter espressivo. 

Nasce da questa peculiare associazione, indipendente 

da ogni costrizione tecnica, l’originalità di questi 

lavori che nella perfetta convivenza tra scultura e 

pittura, sigillano le sue capacità scultoree nel difficile 

intaglio dell’ardesia ed evidenziano un’altrettanto importante 

sensibilità cromatica nell’unione tra scagliola 

e terre coloranti... È la pittura a godere delle maggiori 

libertà stilistiche permettendo di raggiungere 

interessanti picchi di sperimentazione formale. I paesaggi... 

caratterizzati dalla freschezza di una pittura 

rapida e di tocco in cui si palesano influenze espressioniste... 

e nuove armonie cromatiche che diventano 

il soggetto di tutte quelle prove in cui i confini della 

figurazione vengono superati per risolversi in griglie 

geometriche e astratte...sono le diverse fasi di un 

cammino ricco di sollecitazioni visive ed emotive...” 


242


Elena Mariotti 

Studio in Pontassieve (Firenze) 

Cell. 333 4765888 - wendy.kandy@tin.it 

Ninfee, olio su tela, cm. 80x60 

Nasce a Roccalbegna (Grosseto), in un piccolo 

borgo tra l’Amiata e la Maremma. Dopo la 

Maturità Magistrale conseguita a Grosseto, 

si stabilisce a Firenze, dove lavora e frequenta il Corso 

di Nudo dell’Accademia di Belle Arti e la Scuola di 

Fotografia Industriale dell’Istituto Tecnico “Leonardo 

da Vinci”. Dipinge ed espone con le associazioni 

“Aalt” e “Nomya” in Firenze e Pontassieve (Firenze) e 

con l’Associazione “Dalle terre di Giotto e del Beato 

Angelico” nel Mugello e in Valdisieve. È tra i fondatori 

dell’Associazione Culturale “Cassiopea” di Rufina 

(Firenze); è membro del Gruppo Letterario “Incontr’Arte” 

di Pontassieve. Dipinge e scrive, soprattutto racconti 

e poesie, ottenendo riconoscimenti e segnalazioni 

anche a livello nazionale (1° Premio Viareggio 

Carnevale, Premio “Millepagine” 1995, Premio Concorso 

Letterario 2009 a Londa (Firenze) - Pubblicazione 

di due racconti per il Premio Molinello. Nell’ambito 

del “Toscanello d’oro 2000” partecipa alla rassegna 

di pittura, scultura e poesia presso il Castello del 

Trebbio in Pontassieve. 

“Dipingo la natura, per gratitudine verso una madre 

che non ne conosce affatto; affascinata e innamorata 

dei suoi colori, della sua vita prorompente, della sua 

grazia e perfezione. Dipingo l’uomo, perso nel mondo 

artificioso e complicato che egli stesso si è costruito, 

la sua innocenza e la sua miseria, la tenerezza e la 

durezza, la sua sconfinata solitudine alla ricerca di 

una felicità che crede di trovare nelle grandi imprese 

e che invece tocca ogni giorno, nelle semplici manifestazioni 

dell’amore” 

Elena Mariotti 

243


Laura Martelli 

Cell. 339 6296832 

mlaura71@virgilio.it 

Il tramonto e l’estasi, 2012, olio su fondo materico (gesso e sabbia) 

su cartoncino telato, cm. 60x80 

Laura Martelli nasce a Poggibonsi, dove tuttora 

risiede, il 3 ottobre 1971. Consegue la maturità 

all’Istituto Statale d’Arte a Porta Romana a Firenze 

con ottimi risultati. In seguito abbandona l’arte 

fino al 2007 anno in cui si iscrive al Laboratorio di Arti 

Visive del maestro Claudio Giomi. Partecipa a collettive 

a Poggibonsi, Colle Val d’Elsa e San Gimignano ed 

a vari concorsi riportando anche alcune vittorie, “L’arte 

è donna” a Ulignano 2011; “Concorso Il Pigio” a 

Poggibonsi 2012; “Arte in vetrina”a San Gimignano 

2012. La sua pittura è prevalentemente su tela con 

colori ad olio, ma realizzata su fondi materici prodotti 

con resina, gesso o altri materiali e utilizzando foglie 

d’oro, rame ed argento per creare riflessi inaspettati e 

densi d’effetto. I soggetti che più ama rappresentare 

sono fiori, nature morte, ma soprattutto donne principalmente 

orientali nella loro vita quotidiana ma anche 

in momenti di riflessione. La pittura per Laura 

Martelli è diventata voglia di esistere al di là del quotidiano, 

amore per mondi diversi e lontani eppur così 

simili al nostro, ricerca di qualcosa di nuovo pur con 

sapore antico, la realizzazione del suo essere senza 

interferenze. I suoi quadri sono esposti stabilmente 

nei locali dell’Associazione Artisti del Presente a Poggibonsi 

(Via Gallurì 1) e in alcune collezioni private. 

244


Gabriella Martino 

Viale della Toscana, 17 - 50127 Firenze 

Tel. 055 4222807 - gabimar@alice.it 

Colata di lava, olio su tela, cm. 80x60 

Gabriella Martino, vive e lavora a Firenze. La sua 

tesi di laurea in Critica Letteraria, conseguita 

all’Università di Firenze con la votazione di 110 

e lode, ha riscosso notevoli consensi. Professore, 

scrittrice, pittrice, poeta, saggista, giornalista, è pluriaccademica 

ed è stata nominata Cavaliere dell’Arte 

“per i risultati ottenuti nell’evoluzione culturale, artistica 

e sociale”. Inoltre, collabora ad iniziative editoriali 

e culturali; è tra i soci fondatori e membro attivo 

del Gruppo di servizio per la Letteratura Giovanile; è 

socia di diversi sodalizi, circoli artistici e culturali. Pittrice 

affermata, le sue opere sono presenti in raccolte 

pubbliche e private in Italia e all’estero. Pubblicazioni, 

cataloghi, raccolte di poesie quali: Cieli di cristallo 

(1985); Solo un granello di sabbia (1987); Un sogno in 

tram (1988); Uccello di ghiaccio (1994); Thanatos - 

Bios (1996); Chaos - Bios (1996); Eros - Bios (1996); 

Martino (1997); Gioco di specchi (1997); Psiche e luce 

(1997); In punta di penna (1998); L’invisibile dei luoghi 

(1999); Diamanti (2000); Ora la luce dei tuoi occhi 

(2002); Brusio di ore (2002); Magenta e viola (2004). 

Ha conseguito numerosi primi premi sia per la pittura 

che per la prosa e la poesia, ultimo in ordine di tempo 

il Premio Lorenzo il Magnifico con un dipinto olio su 

tela esposto su invito e selezionato alla Biennale Internazionale 

dell’Arte Contemporanea presso la Fortezza 

da Basso di Firenze. L’artista è presente in numerosi 

cataloghi nazionali e internazionali, tra cui: 

245



Fantasia e luce, olio su tela, cm. 80x60 

Mondadori, Catalogo dell’Arte Moderna Italiana; 

Arte Mondadori; Arte+Sur ’98; New Art 2000, guida 

al collezionismo (la presenta come “artista di copertina”); 

è citata da Tommaso Paloscia in Accadde in Toscana 

3; Arte Padova 2002; Antologia ANPAI; Annuario 

Toscano dell’Arte 2002; Dizionario Enciclopedico 

Internazionale d’Arte Contemporanea 2000-2001; 

Annuario d’Arte Moderna “Artisti Contemporanei”; 

International Artexpo New York 2002; la storica Accolta 

di Eletti dell’Accademia Tiberina, le ha dedicato 

un’intera pagina; è tra i protagonisti dell’opera 

Personaggi in Primo Piano; L’Arte raccontata; Museum 

Parma in Arte 2001; Venezia: Biennale a confronto 

2011. Su You Tube è presente con un omaggio 

a lei dedicato da titolo Viaggio tra le opere di Gabriella 

Martino. Hanno scritto di lei numerose riviste 

d’arte e quotidiani, tra cui: Il Giornale, La Nazione, La 

Repubblica, Italia Sera, Amici dei Musei, Il Giornale 

di Vicenza, Il Corriere di Roma, Secolo d’Italia, Eco 

d’arte moderna, La Voce, Corriere dell’Arte, Il Messaggero, 

L’Osservatore Romano, Corriere della Sera, 

Il Corriere di Roma, Arte e Cultura, Gente Veneta, 

Rivista Abruzzese, La Nuova Venezia, That’s Art, Il 

Tempo, Il Corriere del Giorno, Giornalisti in Toscana, 

Bacherontius, Il Gazzettino Venezia, Arte, Il Gazzettino, 

Brescia Oggi, Il Giorno, Il Giornale Milano, Punto 

d’incontro, Caleidoscopio, Pagine Giovani, Città di 

vita, Toscana oggi, Scena Illustrata, Oggi e Domani, 

CLUB3, Avvenire, Archivio, La Nuova Venezia e Mestre, 

L’Arena. 

246



Profilo, tecnica mista su carta, cm. 47x32 

Di lei scrive Giorgio Segato: “La Martino sembra porsi, 

proprio sul discrimine tra formale e informale, dentro 

processi di trasfigurazione, di metamorfosi, di “transmorfosi” 

anche senza recedere all’oggetto esplicito, 

all’icona (..) o all’esigenza di “comporre” pannelli polimaterici. 

Si tratta di contagi e di contaminazioni che 

intendono esaltare la vita come costante laboratorio, 

crogiolo in cui le diversità si fondono, si amalgamano, 

piano piano si confondono in diversità e in novità d’essere, 

di pensiero, di voce, di colore, di materia, d’emozione 

(…) l’artista non ha slittamenti nel surreale o 

abbandoni onirici, guarda direttamente dentro di sé, 

con rotonda coscienza, piena consapevolezza, con la 

mentalità del viaggio di scoperta, con la prensilità 

dell’osservatore clinico, esercitato e paziente, che insegue 

la ‘fioritura del sé’, scandaglia il sapere, conducendo 

“incerti passi in ogni dove” per dare senso 

all’esistenza come “frutto maturo / raggiunto / al termine 

/ di estenuanti / lunghi viaggi per città/ continenti…/ 

Nella mia domus / dialogo con geometrie / essenziali 

di spazio / scansioni cromatiche / di quadri”. 

Non c’è, dunque, l’estenuarsi di un abbandono lirico e, 

piuttosto, s’impone un controllo quantitativo e qualificativo 

della parola, del colre, della forma, quella sorvegliata 

‘misura’ che si è fatta stile del fare, dello 

scrivere e dell’essere di Gabriella Martino”. 

247



Scherzi d’arte, tecnica mista su carta, cm. 47x32 

248


Catia Massai 

Ceramiche Il Tafano di Catia Massai, via Spoiano, 8/a - 50028 Tavarnelle val di Pesa (FI) - Tel. 055 8050381 

Cell. 347 0159407 - catiamassai@dada.it - Facebook: il mio profilo Catia Massai, la pagina Ceramiche Il Tafano 

“ Mi sono diplomata Maestro Ceramista 

all’Istituto d’Arte di Firenze e successivamente, 

nello stesso istituto, ho preso la 

specializzazione in Arti Grafiche. Appena uscita dalla 

scuola, ho fatto esperienza, per due anni, presso un 

laboratorio artigianale di pelletteria per l’alta moda. 

Nel 1985 ho aperto il laboratorio di ceramica “Il Tafano” 

è da quel momento che sperimento la tecnica del 

“Colombino”. Tecnica solo manuale, che da la possibilità 

di costruire qualsiasi forma e oggetto si voglia. 

Tutta la mia produzione di maioliche è caratterizzata 

dai fregi di decoro che rimarranno in terracotta grezza 

e da altre parti smaltate e decorate a pennello, con 

ossidi metallici. 

Questo modo di costruire il vasellame è antichissimo 

e diffuso in molte parti del mondo e soprattutto qui in 

Toscana veniva usato per la costruzione dei grandi 

vasi da giardino. 

In tanti anni di lavoro, devo dire che ho ascoltato molte 

critiche e giudizi sulle mie opere. A molti, i miei 

manufatti ricordano quelli della ceramica sarda, perché 

anche in essa ci sono delle parti graffite che scoprono 

la terracotta, ad altri le ceramiche siciliane per 

i colori vivaci. Invece non mi sono mai ispirata a stili, 

forme o decorazioni tipiche, pur avendone assimilate 

le tecniche, ma ho cercato di creare manufatti con una 

connotazione artistica propria. Per molti anni ho prodotto 

oggetti d’uso, per la casa e il giardino, ultimamente 

mi sto dedicando alla creazione di “Pesci”, da 

parete, con l’unico scopo di arredare. 

249


Rosanna Matteoni 

Cell. 347 6233790 

arterosanna2@libero.it 

Sogno di buon risveglio, 2006, acrilico su tela, cm. 120x100 

Vive e opera a Pistoia. Ha frequentato l’Istituto 

Statale d’Arte di Pistoia, sezione Arredamento 

e Architettura. Il suo percorso artistico “si sviluppa, 

si evolve, muta e sperimenta continuamente, 

teso a comunicare ed esprimere emozioni, stati d’animo, 

visioni e sogni (prof. Alessandro Allegri)”. 

Ha iniziato con il figurativo per poi elaborare soggetti 

astratti di forte impatto visivo, sperimentando la tecnica 

del riciclo. L’artista scopre così un nuovo modo di 

esprimere i suoi “sfoghi emotivi” mediante materiali 

di vario genere quali: gesso, colla per pavimenti, stoffe, 

trine, cinture, chiavi ecc … 

Dal 1973 ha esposto in numerose mostre in provincia 

di Pistoia, Prato, Firenze e in Emilia Romagna. Partecipa 

ad iniziative di carattere artistico-sociale: nel 2011 

ha collaborato con i ragazzi disabili presso il Centro di 

Monteoliveto di Pistoia. 

250


Flavia Mattrel 

Studio: piazza del Carmine, 29 - 50124 Firenze - Tel. 055 697210 

Cell. 340 7665424 - flavia@ flaviamattrel.com - www.flaviamattrel.com 

Petra, tecnica mista, cm. 200x170 

Veneta di nascita e svizzera di adozione, normalmente 

si divide tra Losanna e Firenze. Pur risentendo 

delle origini mitteleuropee, il suo percorso 

artistico si snoda tra l’Accademia d’Arte di Firenze, 

l’esperienza di viaggi e lavoro nel Nuovo Messico, 

Messico, Medioriente, Irlanda, Francia e Stati Uniti. 

L’incisione e altre tecniche di grafica le apprende alla 

Scuola Internazionale Il Bisonte, diretta da Maria Luigia 

Guaita. Suoi lavori si trovano in Francia, a Saint 

Remy, negli Stati Uniti, a New York e Los Angeles, in 

Giappone, a Tokio, in Italia, a Firenze, presso la chiesa 

di San Martino a Mensola, e a Nuoro nella chiesa di 

Santa Giuliana a Straulas. Ha partecipato a varie mostre 

personali collettive in Italia e all’estero. Tra gli 

eventi più recenti si ricordano: realizzazione del “Calendario 

Società Italiana dell’Iris 2005” le cui litografie 

sono state seguite presso la stamperia d’arte Edigrafica 

a Firenze; esposizione annuale di Maussanne 

Les Alpilles in Provenza; l’esposizione-concorso della 

Società Italiana dell’Iris presso l’Antica Officina Profumo 

Farmaceutica di Santa Maria Novella a Firenze; 

mostra personale presso la stamperia d’arte Edigrafica; 

realizzazione su commissione della litografia artistica 

“Cristo” per Villa Gisella (Firenze); personale 

presso la chiesa di San Martino a Mensola (Firenze); 

personale alle Giubbe Rosse (dicembre 2012). 

251



La montagna incantata (particolare), tecnica mista, cm. 185x120 

“Oggi la pittura come la scultura e la musica, secondo 

me, devono cercare di rappresentare con intensità il 

momento storico che stiamo vivendo e tentare di spiegarlo. 

Questo significa sentire il desiderio di provare 

stupore, rivendicare onestà, sfrondare gli orpelli, ritornare 

alla natura, usare l’intelligenza e quanto ci offre 

l’esperienza del proprio cammino. Il materiale che uso, 

vale a dire la tavola di legno con sovrapposizione di 

brandelli di fogli aderiti e compressi con vari strati di 

ammanitura, è quindi volutamente ruvido, in attesa di 

essere plasmato per evocare emozioni”. 


252


Giulia Meattini 

Via Belvedere, 5/2 - Loc. La Corsina - 53031 Casole d’Elsa (SI) - Tel. 347 0804455 

giuliameattini@yahoo.it - www.facebook.com/giulia.meattini 

Gli amanti, 2011, olio su tela, cm. 60x100 

Giulia Meattini nata a Montalcino (Siena) si trasferisce 

stabilmente nella Val d’Elsa; interessata 

da sempre a qualsiasi forma d’arte frequenta 

la Scuola di Teatro Theatrikos di Colle Val 

d’Elsa dal 2005 al 2007; si iscrive successivamente a 

vari corsi di Patchwork , l’arte di disegnare con le stoffe, 

e di disegno. 

L’artista senese da autodidatta disegna e dipinge da 

sempre esplorando varie tecniche e materiali e dal 

2008 fa parte degli allievi del maestro di pittura Renzo 

Regoli (Siena). 

Tiene molte mostre personali (“Orizzonti” Biblioteca 

Comunale di Monteriggioni, “Mostre a Palazzo” Comune 

di Casole d’Elsa, “Cristal Casa per Ferie” Colle 

Val d’Elsa, ecc.) e collettive (“I Ritratti delle Pietre di 

Maurizio Elviretti” curata da B. Ciani, ecc.) ed a numerosi 

concorsi di pittura. (S. Ansano a Dofana, ecc.). 

Agli esordi l’artista studia il paesaggio, toscano e 

non, producendo opere iper-realiste in cui la presenza 

della figura umana è pressoché assente mentre imperversa 

una natura bella e sconfinata dove l’occhio si 

perde verso l’orizzonte e nelle quali si nota una visione 

estatica della vita e dei suoi significati. 

Seguendo la sua crescita personale, le opere si modificano 

si trasformano. 

L’artista indaga nuove tecniche miste, materiali che si 

fondono con la tela, come i giornali, parole strappate 

da fogli di carta, parole dipinte che si fondono con 

l’opera stessa, stralci delle sue poesie personali che 

rafforzano il concetto e il significato che con i suoi 

quadri vuole trasmettere allo spettatore. In un susseguirsi 

di messaggi sull’esistenza e i suoi aspetti più 

reconditi, in una continua ricerca di se stessi negli altri, 

come se fossimo tutti degli attori che fanno parte 

di “questa grande commedia che è la nostra vita”. 

253


Miranda Mei 

Via Don Lorenzo Perosi, 26 - 50127 Firenze 

Tel. 055 4368598 - Cell. 339 2521039 - mirandamei@alice.it 

Curiosità, 2012, acrilico su tela, diametro cm. 80 

Miranda Menicucci Ascani Mei nasce a Pisa , 

città nella quale da ragazza condivide il clima 

dell’avanguardia pittorica concettuale, 

sperimentando le varie tecniche pittoriche con il maestro 

G. Viviani. Nel 1970 e successivamente nel 1974 

si stabilisce a Parigi e nel 1980 a Brussels, dove vive 

esperienze lavorative come Art Director, ma si occupa 

soprattutto di studiare la pittura nei più importanti 

musei e circoli cittadini. Rientrata nel 1985 a Firenze, 

rinuncia all’ attività professionale per dedicarsi solo 

alla ricerca artistica in oreficeria artigiana. Artista 

dell’Antica Compagnia del Paiolo, ha esposto nel Museo 

del Principato di Monaco e nel Museo Reale di 

Abu Dhabi. Ha partecipato e partecipa a varie mostre 

in Italia (Firenze, Roma, Milano) e all’estero (Parigi, 

Brusseles, Monaco, Madrid). Attualmente Mei è Presidente 

dell’Associazione Culturale Firenze Arte. La 

passione, la sperimentazione ed il desiderio di vivere 

in sintonia con ciò “che sta intorno” sono il principio 

sul quale fonda l’arte integrata espressionista astratta, 

che fa di emozioni e spazio un tutt’uno. Il lavoro 

sulla percezione dei colori e dei volumi legati al linguaggio 

espressivo astratto, il suo vissuto, la ricerca 

attraverso il colore e la materia sfociano nell’armonica 

realizzazione delle sue opere. 

254


Miranda Mei 

Riflessioni su di un’artista: Miranda Mei 

Ho sempre avuto una particolare predilezione per gli 

artisti che si evolvono, artisti che rifiutano una staticità 

stilistica nel tempo, artisti che “cercano” sempre. Miranda 

Mei è, a mio giudizio, quasi un prototipo di questo 

genere di artisti, innovatori e precursori, che poi 

sono quelli che hanno fatto la storia dell’arte. Miranda 

Mei inizia come allieva di maestri fiorentini del Novecento, 

figurativi moderni, grandi al loro tempo. Loro 

creano le basi, i fondamenti essenziali perché l’artista 

Mei possa creare poi in perfetta autonomia: è fondamentale 

partire da una conoscenza approfondita, sia 

tecnica che stilistica. Prima mettere le ali per poi poter 

volare. Questa solida preparazione è stata e sarà sempre 

importante per Miranda Mei, che quando, ad ali 

sviluppate, ha iniziato il suo volo, ha potuto farlo con 

certezze e concretezze. Le tematiche della Mei hanno 

un graduale sviluppo crescente nel tempo, il figurativo, 

anche se di accesa modernità, comincia a starle stretto

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