TOSCANA

TOSCANA
la
Toscana Cultura - Anno 3 - Numero 3 - Marzo 2015 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 2

In collaborazione con
Comune di Cerreto Guidi
Bando di Concorso
per la realizzazione del
Palio dei
Ragazzi
2015
Il Comune e la Pro
Loco di Cerreto Guidi
in collaborazione con
l'artista Claudio Caioli e
l'Associazione Toscana
Cultura, indicono un
bando a carattere nazionale
rivolto ad artisti italiani e
stranieri per la realizzazione
del Drappo del Palio dei
Ragazzi di Cerreto Guidi
Il “Palio del Cerro” viene svolto a Cerreto Guidi, in provincia di Firenze, in onore di Santa
Liberata e si tiene di solito, tranne casi eccezionali, il primo sabato del mese di settembre.
Il periodo storico di riferimento di questa manifestazione è il Rinascimento e più precisamente
il periodo in cui a governare Firenze vi era la figura di Cosimo I dei Medici, il quale aveva fatto
costruire la villa che si trova nel paese, a disposizione della figlia Isabella. Per rievocare lo
spirito rinascimentale in occasione del Palio il paese viene diviso in quattro contrade: Porta
Caracosta, Porta Fiorentina, Porta al Palagio, Porta Santa Maria al Pozzolo, ognuna delle quali
ha un capitano che guiderà la propria contrada durante lo svolgimento dei giochi. Dal 2014
la Villa Medicea di Cerreto Guidi, insieme alle altre meravigliose ville medicee sparse nella
Toscana, è stata insignita dell'importantissimo titolo di "Patrimonio mondiale dell'umanità".
Il Palio 2015 puoi dipingerlo tu scaricando il bando a: http://www.paliodelcerro.com/
Tempo limite per le iscrizioni: 24 aprile 2015 - ore 13.00
Porta Caracosta Porta fiorentina porta palagio porta s.m. AL pozzolo

Sommario
Sommario
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Carlo Ciucchi
Quando “Picchio” rimase folgorato dall'arte
Roberto Braida
La poetica del mare al Palazzo Pretorio di Certaldo
Sonia Paladini
I suoi “Percorsi” alle Giubbe Rosse
Simultanea Spazi d'Arte
A Firenze Estensionisti a confronto
Silvestro Pistolesi
L'antologica di Palazzo Medici Riccardi
Alla Casa di Dante
Libuse Babakova, Andrea Ortuño e Paraskevi Zerva
Alberta Bigagli
La poesia come erba d'aprile
Sun Yumin
La personale dell'artista cinese nelle Sale Fabiani
Pasticceria Nencioni
65 anni di dolcezze
Franco Cappellini
La scultura come ricerca dell'essenza
Antonio Ciccone e Luigi Falai
Ad Arezzo un altro omaggio ad Annigoni
Il gruppo Primeros Cinceles
Al lavoro nel "Parco della Luce" a Siena
Milena Prestia
Il Mediterraneo alla Galleria Via Larga
Elio Bargagni
Un maestro dell'acquerello alla Casa di Giotto
Griscia Tufano
La “Divina Commedia” approda alle Giubbe Rosse
Luciana Zanchini
L'inedito Triduo Pasquale del 2012
La Toscana saluta la primavera con
un numero ricco di una fioritura di
servizi che spaziano un po' in tutto il
territorio toscano, da Certaldo con la mostra
di Roberto Braida a Dicomano per un incontro
con Carlo “Picchio” Ciucchi al quale dedichiamo
una meritata copertina, dalla Casa di
Giotto con gli acquerelli di Elio Bargagni alla
Casa di Dante che ospita Libuse Babakova,
Andrea Ortuno e Pareskevi Zerva fino ad arrivare
a Arezzo, dove Antonio Ciccone e Luigi
Falai rendono omaggio al maestro Pietro Annigoni,
e a Siena dove sono impegnate in un
simposio scultrici guatemalteche.
Luciana Zanchini ci porta nel mondo della
fotografia con gli scatti dedicati al Triduo Pasquale
del 2012, Franco Cappellini svela il
suo rapporto con la scultura, Sonia Paladini
quello con la pittura e Alberta Bigagli con la
poesia regalando ai lettori inedite liriche.
Firenze, dove si festeggia il compleanno per
i 65 anni della Pasticceria Nencioni, si conferma
città dell'arte per antonomasia con le
importanti mostre di Palazzo Medici Riccardi
dell'artista cinese Sun Yumin, del fiorentinissimo
maestro Silvestro Pistolesi e della
“mediterranea” Milena Prestia. Il capoluogo
toscano registra anche il ritorno degli Estensionisti
e l'approdo alle Giubbe Rosse di una
esposizione dedicata alla Divina Commedia.
Fabrizio Borghini
fabrizio.borghini@toscanacultura.it
In copertina: il pittore Carlo Ciucchi "Picchio" davanti alla sua opera
Sieve al tramonto, olio su tela, cm. 170x210
la Toscana
Periodico di attualità, arte e cultura
dell’Associazione Toscana Cultura
Registrazione Tribunale di Firenze
n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227
Anno 3 - Numero 3 - Marzo 2015
Direzione e Redazione:
Via Valdichiana, 42 - 50127 Firenze
Tel. 055 9336468
toscanacultura@gmail.com
www.toscanacultura.it
Direttore responsabile:
Fabrizio Borghini
Capo Redattore:
Lorenzo Borghini
Redazione:
Lucia Badii
Alberta Bigagli
Maurizio Colligiani
Liu Dawei
Roberta Fiorini
Elvio Natali
Giuliano Pacifici
Caterina Trombetti
Griscia Tufano
Alessandro Vezzosi
Luciana Zanchini
Segretaria di redazione
Chiara Scali
Coordinamento editoriale
Lucia Raveggi
Foto:
Sergio Alessi
Maria Grazia Dainelli
Kimagestudio
Guglielmo Meucci
Griscia Tufano
Riccardo Vannetti
Luciana Zanchini
Grafica, impaginazione e stampa:
Nova Arti Grafiche srl
50058 Signa (FI)
Sommario
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Carlo Ciucchi
Nella sua arte c'è la bellezza antica
dei Macchiaioli toscani filtrata
nell'eco della sensibilità suprematista
di Elvio Natali
“ La tradizione del nuovo” può cifrare l’operazione
pittorica di Carlo Ciucchi “Picchio”. Come
diceva il Rosenberg: sintesi di novità e tradizione.
C’è nell’entroterra del Ciucchi la bellezza
dei Macchiaioli toscani filtrata nell’eco della sensibilità
suprematista. Non c’è la macchia, ma si alita lo stesso respiro
nell’intento e nel genere.[…] Quasi uno stile di vita tradotto
nel disegno e nel colore del paesaggio. Lo specchio -
diciamo - dell’animo che si esalta nella partitura dei piani,
nell’estensione dello spazio, protratto fino al limite del pensabile.
Lirismo. Diciamo pure: se è vero che il quadro è il ritratto
di ciò che il cuore ama e, amando, ripensa e rimira. […]
L’artista di Dicomano non si infeuda a una visione stereotipa,
unidimensionale. Allunga ed accorcia l’obiettivo fantastico
di cui la natura l’ha dotato. Spaziando con identica ed affettuosa
curiosità su uno spettro pressoché sconfinato.
Vaso di fiori di campo, olio su tavola, cm. 30x40
Sieve al tramonto, olio su cartone telato, cm. 25x25
[…] Ora in essenziale accordo, si coniuga allo spazio il motivo
della luce; un luminismo che dilaga e filtra dovunque e da
più fonti. […] Così spazio, luce e colore danno vita a una
forma che scorre con suasiva limpidezza definitoria e cromatica:
fine e a tratti contigua all’astratto. Mai rilevi moleste
gravezze di tono; neppure nei tempi d’ombra o di mezzeluci.
La levità della concezione, la nitidezza delle stesure, la chiarezza
dinamica delle forme e infine la finezza del disegno
assicurano la presenza di un dettato di sicura levatura. […]
Tutto quindi conferma l’implicita coerenza di tenuta sotto la
diversità formale: dall’esplicito figurativismo della prima
maturità alle ideazioni di più recente, astratteggiante formulazione.
Tanto che vien di parlare di una evoluzione naturale
dal sensibilismo contemplativo alla misura mentale, meditativa
dell’ispirazione.
4 Carlo Ciucchi

Quando
Carlo diventò
“Picchio”
Elba, olio su cartone telato, cm. 13x18
Il pittore di Dicomano
ricorda la folgorazione
per l'arte nata sui
banchi di scuola
di Carlo Ciucchi "Picchio"
Con la passione di dipingere si nasce; ricordo
da bambino la gioia che provavo quando di
nascosto alla mamma riuscivo a disegnare e
colorare i muri o gli scuretti delle finestre di
casa. Un lapis, una matita, un gesso, una penna biro, tutto
era buono per esprimere il sentimento, l’emozione provata
in quei momenti. […] Passavo ore ed ore a disegnare e
colorare fogli di carta, cartoni, scatole da scarpe, anche se
la mia passione rimanevano i muri bianchi di casa. […]Un
giorno, a scuola, mentre stavo buttando nel cestino uno
dei tanti disegni eseguiti quella mattina, il maestro mi invitò
a farglielo vedere. Con grande stupore mi disse di non
buttarlo via, anzi di conservarlo e metterlo in cornice. […]
A tredici anni mentre recitavo nel teatrino della parrocchia,
caddi in scena battendo un “picchio” tremendo e mi
guadagnai l’appellativo che oggi è diventato il mio nome
d’arte. […] Non avevo ancora la patente di guida, perciò
molte mattine era il babbo ad accompagnarmi in automobile
a dipingere all’aria aperta, in campagna. Mi portavo il
mangiare a sacco, dipingevo tutto il giorno, il babbo tornava
a prendermi la sera e volevo che arrivasse il più tardi
possibile. […]
Una scuola bellissima l’Istituto Statale di Porta Romana,
immersa nel verde, ai piedi del Poggio Imperiale; le aule
erano grandissime e luminosissime, al centro dell’edificio,
una corte coperta a vetri a forma di ottagono era il luogo
dove noi studenti trascorrevamo i minuti di ricreazione.
[…] Al di là dei risultati, penso che dipingere e scolpire
siano un dono divino, che spesso permette di superare i
quotidiani problemi della vita. L’artista ha ed avrà sempre
il suo mondo di armonia e forma in cui potersi rifugiare; un
mondo forse difficilmente comprensibile per gli altri, ma
che proprio grazie a questo mistero di tratto e colore riesce
ad emozionare.
Frullo in controluce, tempera grassa su carta, cm. 70x100
Altissimo, olio su tela, cm. 70x90
Elba, olio su cartone telato, cm. 13x18
Carlo Ciucchi
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AQUA
Il mare di Braida
Roberto Braida
al Palazzo Pretorio di Certaldo
di Fabrizio Borghini
Palazzo Pretorio di Certaldo Alto ospita per tutto il 2015 un
importante ciclo di mostre unite da un unico argomento: i
quattro elementi fondamentali, Acqua, Fuoco, Aria, Terra.
Quattro mostre personali unite sotto il nome #4elements1palace.
Sono stati invitati ad esporre, inalterando le proprie peculiarità iconografiche,
quattro maestri della nostra epoca che, attraverso la loro arte,
trasferiranno nelle sale della prestigiosa sede l’intera loro poetica, interpretando
in maniera artistica i quattro elementi.
Da un’idea dell’assessore alla Cultura Francesca Pinochi, sviluppata dai
curatori delle mostre Filippo Lotti e Roberto Milani con l’organizzazione
della Casa d’arte San Lorenzo, ogni singola esposizione potrà essere
considerata a tutti gli effetti, un evento nell’evento.
“Un importante percorso espositivo che farà di Palazzo Pretorio il centro
di un programma realizzato con quattro importanti artisti che con i loro
lavori indagano e dialogano con i quattro elementi naturali” - ha dichiarato
l’assessore alla Cultura Francesca Pinochi. La tematica è stata pensata
e declinata con i temi di EXPO 2015, ed ha ottenuto per questo il
marchio regionale La Toscana verso EXPO 2015 e addirittura il patrocinio
di EXPO 2015 Milano. Palazzo Pretorio si pone così come luogo di
Foto opere: Riccardo Vannetti
Foto inaugurazione: Guglielmo Meucci
Una delle sale di Palazzo Pretorio con le opere del maestro Braida
creazione e innovazione, ma anche riflessione, scoperta e approfondimento,
grazie ad un percorso espositivo con una elevata
carica simbolica che, insieme alle bellezze del borgo, permette
di valorizzare il patrimonio storico, culturale e artistico di
cui andiamo orgogliosi”.
In questo contesto è stata inaugurata lo scorso febbraio, alla
presenza del sindaco di Certaldo Giacomo Cucini, la mostra del
maestro Roberto Braida dal titolo “AQUA - Alle sorgenti della
memoria”.
Braida, artista spezzino di nascita, riconosciuto in ambito nazionale
ed internazionale, che celebra quest’anno i suoi quarant’anni
di attività, ha interpretato il primo elemento: l’Acqua.
Come il fuoco dentro, 2015, cm. 100x100
Il suggestivo cortile interno di Palazzo Pretorio il giorno del vernissage
6 Roberto Braida

Da sinistra Giacomo Cucini, Sindaco di Certaldo, Francesca Pinochi, Assessore
alla Cultura, Filippo Lotti, Roberto Braida e Roberto Milani
Riverberi di luna verde, 2015, cm. 90x90
Attraverso la declinazione poetica del mare, traduce metaforicamente la
vita quotidiana del singolo essere umano in immagini dalla forte componente
emotiva.
Mare come metafora della vita, sempre uguale, sempre diverso. In continuo
movimento, musa per poeti e romantici, simbolo di libertà per eterni
sognatori. Autostrada per naviganti e luogo di scambio fra popoli e
punto di incontro per culture differenti.
Raffinato colorista, eccellente pittore, Braida si esprime con un gesto di
struttura neo romantica votata alla dimensione surrealista.
“Il mare di Braida - scrive Filippo Lotti - non ha a che fare con l’orizzonte
tout court. È, piuttosto, una condizione passionale, un sentimento, un
umore. L’orizzonte è l’inizio. Quella linea d’acqua che si fonde con le nubi
non è il punto di arrivo, ma quello di partenza. È il destino di un moderno
Odisseo, metafora del viaggiatore, che si trova al cospetto della Natura
dove finito e infinito sono a confronto.
Si perde, quindi, Braida in questo mare ma nel perdersi sembra ritrovare
la sua stessa energia, la forza vitale per lui necessaria, come l’acqua”.
“Braida - aggiunge Lotti - ci pone al cospetto non di un panorama, ma
racconta e rappresenta ciò che batte in pieno petto e che provoca turbinii
spaventosi o momenti di pace. Per dirla con una frase: Roberto Braida,
dipingendo il mare dinnanzi a noi, dipinge il mare che è dentro di noi”.
E Roberto Milani si domanda: Cos'è l’acqua? “Per alcuni è l’origine di
ogni forma di vita - scrive Milani - per altri un luogo dove ritrovarsi. Per
molti è simbolo di speranza, e se attribuiamo all’immagine dell’acqua la
sua manifestazione più poetica, il mare - come avviene nell›opera di
Roberto Braida - diventa speranza, sussistenza, sopravvivenza. Per altri
ancora è felicità, divertimento. Per taluni una semplice formula chimica.
Per altri un dialogo con il proprio spirito.
Per Roberto Braida è espressione artistica. Non semplice pittura. Eppure
è attraverso il mezzo pittorico che si esprime. Un inseguirsi continuo e
costante di pennellate lievi e leggere che si incrociano con altre più decise,
quasi violente, per raggiungere un insieme armonico e coinvolgente
fatto di puro colore. Quel colore che per l›artista diventa rappresentazione
dell’essere. Senza inibizioni, freni e ripensamenti. Dai blu oltremare ai
gialli oro, passando attraverso l’utilizzo dei verdi fino al carminio e toccare,
infine, quei mezzi toni grigiastri, che tanto coinvolgono lo spettatore.
L’acqua, e ancora una volta nello specifico, il mare, ha ispirato da sempre
poeti e narratori, cantastorie e cantautori e non poteva non attrarre
lo spirito di Roberto Braida che il mare lo vive quotidianamente dalla
finestra del proprio studio. Un elemento a lui vicino, da generazioni.
Sempre vivo e sempre lì, a disposizione di chiunque sia dotato di un
minimo spirito di libertà”.
Una mostra bella e raffinata dove dialogano armoniosamente le
opere contemporanee di Braida con i volumi, gli affreschi di questo
austero e splendido palazzo medievale. Una mostra tutta da
assaporare, goccia dopo goccia, in un mare incantato di colori e
poesia. L'esposizione, che resterà aperta ai visitatori fino al 12
aprile 2015, è stata realizzata in collaborazione con il C.R.A. -
Centro Raccolta Arte e con FuoriLuogo - Servizi per l'Arte ed è
documentata da un catalogo edito da Bandecchi & Vivaldi con le
immagini delle opere in mostra.
Per info:
Sistema Museale di Certaldo - Tel. 0571 661265
musei@comune.certaldo.fi.it - www.comune.certaldo.fi.it
Casa d’Arte San Lorenzo - Tel. 0571 43595
galleria@arte-sanlorenzo.it - www.arte-sanlorenzo.it.
Orario di apertura:
9.30-13.30 / 14.30-16.30 (dal 15 febbraio al 31 marzo, chiusura martedì);
9.30-13.30 / 14.30-19.00 (dal 1 al 12 aprile, aperto tutti i giorni).
Ingresso euro 4,00 (ticket Sistema Museale, comprensivo visita Palazzo
Pretorio e Casa di Boccaccio).
Cortile di Palazzo Pretorio: un momento della presentazione della mostra
Roberto Braida
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Sonia Paladini
Alle Giubbe Rosse la sua
mostra personale “Percorsi”
dal 25 aprile al 15 maggio
di Daniela Pronestì
L’approccio di Sonia Paladini alla pittura non può disgiungersi dalla
necessità di trasferire nell’atto creativo la libertà conquistata
dopo un cammino interiore che l’ha vista affrontare le ragioni della
propria vulnerabilità. Un percorso che le ha permesso di affrancarsi
da quelle che lei stessa ha definito “trappole”, cioè le insicurezze che
appesantiscono il bagaglio esistenziale di ciascun individuo. Ed è anche attraverso
la pittura che ha raggiunto una maggiore consapevolezza di se stessa e
delle proprie capacità, facendo dell’immagine dipinta la sequenza di un racconto
scaturito dalle esperienze vissute. Nell’arabesco lineare che definisce i
contorni della figura femminile spesso ricorrente nei suoi lavori (Libertà e Donna
nel vento), è facile riconoscere l’esemplificazione dello slancio vitalistico
che illumina il presente della pittrice fiorentina e lo proietta verso il futuro con
rinnovata fiducia. Un contesto in cui anche il colore assolve ad una funzione
simbolica, caricandosi di cromatismi intensi e luminosi, così come di forti contrasti
che segnalano la volontà di trasferire nel ritmo espressionistico delle
pennellate la ferma determinazione di un processo creativo sospeso tra realtà
e astrazione. In certi casi, infatti, la componente figurale si disperde per lasciare
campo ad una stesura energica della materia cromatica (Pesce degli abissi
e Cigni in volo); in altri casi, invece, la figura nasce direttamente dal colore
(Uomo contro vento e Manifestazione), che si stratifica sul piano seguendo il
dettato di un pensiero o di un’emozione. Entrambe le soluzioni rivelano il bisogno
di superare gli schemi tradizionali per mettere a punto un linguaggio pittorico
che risponde in pieno alla sensibilità dell’artista. Per questo motivo la
Manifestazione, olio su tavola, cm. 25x32
Cigno in volo, olio su tavola, cm. 20x20
Uomo contro vento, olio su tavola, cm. 20x20
8 Sonia Paladini

I dipinti di Sonia Paladini saranno esposti al Caffè Storico
Letterario Giubbe Rosse di Firenze in occasione della mostra
personale dal titolo “Percorsi” che si terrà dal 25 aprile al
15 maggio con inaugurazione alle 17.30.
realtà non è mai apertamente rappresentata quanto piuttosto evocata
attraverso un registro formale che unisce all’incisività del segno
uno spiccato senso del colore. Una sintesi a cui è giunta portando
a maturazione i fattori tecnici e tematici che appartengono da
sempre alla sua pittura: l’uso di tinte vivaci prive di ombre e date per
brevi tocchi (Mediterraneo), la distribuzione equilibrata della luce e
l’apertura sul tema fantastico. Tuttavia, mentre i dipinti meno recenti
sono fermi ad una riproduzione mimetica del dato oggettivo, e
quindi rivelano un forte legame con la realtà apparente, quelli di ultima
realizzazione puntano invece al superamento del visibile, senza
assumere un andamento astratto ma rendendo il supporto specchio
fedele dell’interiorità. Una vocazione introspettiva che pone in primo
piano l’azione del dipingere, cercando nel gesto l’espressione diretta
di uno stato emotivo. Non c’è un progetto di partenza, un disegno
da seguire, ma un atto spontaneo e irrazionale che non esclude la
casualità. È il tentativo di avvicinare la pittura ad una condizione
dello spirito, affinchè non sia più racconto ma ricerca della verità.
Sonia Paladini nasce a
Firenze nel 1971; è vissuta
nel Mugello fino all'età di
ventisette anni per poi
trasferirsi nella provincia pratese.
Ama da sempre dipingere e da
quattro anni si è messa in gioco con
passione e dedizione. Ha frequentato
la Scuola Leonardo dove ha
sperimentato l'acquerello e
l'incisione, trovando nella
materialità del colore ad olio la
tecnica che più di altre le consente
di esprimere liberamente le sue
emozioni. Al suo attivo ha quattro
mostre personali nella città di Prato
e diverse collettive sul territorio
toscano. Il prossimo aprile esporrà
con la personale dal titolo
“Percorsi” alle Giubbe Rosse di
Firenze, dove presenterà una parte
significativa del suo cammino
artistico, che è frutto di una ricerca
interiore tra inconscio e sentimento.
IL CONCETTO DI
“TRAPPOLA”
SECONDO SONIA
PALADINI
Ciascuno di noi è in trappola, ognuno di noi ha le proprie, il fatto
è che non se ne esce, non puoi non cascarci perché fanno parte
della tua vita da sempre e per sempre ti troverai ad inciamparci
senza accorgertene, così, naturalmente. Non resta che
assecondarle accettandole e ascoltandole quando ti stringono
forte per ricordarti chi sei e chi sei stato e nel loro abbraccio farti
cullare perché, per assurdo, con loro ti senti al sicuro, forte di una
vita che ti ha punito sì, ma è l'unica vita che conosci, la tua.
Folle Trappola, tecnica mista su tavola,
cm. 30x46
Vita Nuova, tecnica mista su tavola,
cm. 46x65
Prima trappola, acrilico su tela, cm. 50x40 Donna nel vento, olio su tavola, cm. 20x20 Libertà, olio su tavola, cm. 20x20
Sonia Paladini
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La pittrice Sonia Paladini con il poeta Maurizio Colligiani
SONIA PALADINI
LE DIFFERENZE
TI RENDONO UNICA
Piccola grande donna
che racchiude in sé
uno scrigno
d'intensa arte e poesia.
Femminilità mediterranea,
ardente bellezza
dagli occhi che parlano,
avvolta da mille colori pastello.
Nella sua mente un mondo d’idee,
che si sviluppano artisticamente
nella sua vita nei suoi lavori.
Sonia vive in un regno tutto suo,
le differenze la rendono unica,
a volte le sembra di volare
la porpora del mare la innalza.
Cara Sonia amica mia...
apri sempre più le ali,
lotta per il tuo sogno e non mollare mai.
Ricordati sempre che la protagonista
della tua vita sei tu e solo tu...
Che la gioia del vivere,
ti sorrida sempre!!!
In foto la cover band Palasport, amici ed estimatori di Sonia Paladini
I Palasport sono l'unica cover band ufficiale dei Pooh,
titolo assegnatogli nel 2006 dagli stessi Pooh durante il "Pooh
official tribute band". Nel 2013 hanno ricevuto il premio alla
carriera Nino Rota in occasione del XIV° Festival Internazionale
Ritmo Sinfonico; nel 2014 sono stati insigniti del
premio Crisalide. Lo scorso anno li ha visti impegnati in oltre
venti tappe del loro tour '14 “Tribute of Pooh” insieme a Dodi
Battaglia e in cinque concerti insieme all'orchestra sinfonica
diretta dal maestro Quadrini. Uno spettacolo dal vivo con più di
due ore di musica in omaggio al più longevo gruppo italiano, con
strumenti riprodotti dagli originali (alcuni appartenenti agli stessi
Pooh), scenografia, costumi, effetti speciali, luci e suoni che
hanno contraddistinto gli spettacoli della famosa band italiana.
Video, foto e tante altre informazioni sono visibili sul sito ufficiale
dei Palasport: www.poohcoverband.it
Maurizio Colligiani
poeta e scrittore
Poesia fra vento e foglie, olio su tavola, cm. 43x45
In foto la Silvia Querci Band, amici della pittrice Sonia Paladini.
Per info: antonio.sammauro@finanzaefuturo.it
10 Sonia Paladini

Estensionisti
a confronto
Allo Spazio d'Arte
Simultanea di Firenze
di Roberta Fiorini
Sul tracciato di quel concetto di “estensionismo” formulato
dall’artista Ambra Morosi un po’ di tempo fa - ricorre
un ventennio - Simultanea Spazi d’Arte, realtà curatoriale,
e associazione artistico-culturale (avventurosa esperienza
che condivido con Daniela Pronestì, entrambe storici e critici)
ha messo in scena la mostra Estensionisti a confronto: Claudio De
Filippi, Ersilia Leonini, Franco Margari, Ambra Morosi, Milvio Sodi.
L’Estensionismo è un movimento artistico, fondato nel 1994, che indaga
sull’energia della materia e su gli aspetti più sottili ed inespressi
del reale. Nella tematica estensionista, l’uomo (ES…) o la
natura, sono sempre immersi in una gravità fisica e sconosciuta,
come a evidenziare l’isolamento da un ciclo storico limitante. Secondo
l’intuizione estensionista, la pluralità dei metodi di indagine e di
rappresentazione, porta ad un solo risultato: l’effetto estensionismo,
ossia una dilatazione macroscopica del senso del reale. L’estensionismo
induce a una pratica polifonica, una pluralità indefinita
di combinazioni, una pluralità di immagini e dissonanze. È la rinascita
della “sensazione” e di tutte le sue scie. Ed è in questa dimensione
che, a vent’anni dal suo primo manifesto, si confrontano i nostri
cinque artisti accomunati, non dalle tematiche, non dalle tecniche,
ma nel concepire la creazione visiva, l’immagine, l’opera d’arte,
come immanenza dalla quale sgorga, metamorfica, la forma in continuo
dialogo con sé stessa, confondendone l’identità, moltiplicandola
in un superamento, appunto, estensionista. Difficile poter informare
in breve su chi sono i protagonisti dato che vantano tutti una
lunga storia e, per inciso, tutti operanti a Firenze! L’arte di Ambra
Morosi ha origine nei primi anni Ottanta da esperienze classicheggianti
e successivamente iperrealiste. La sua è una continua ricerca
di “trasformazione sfumata della materia”, una particolare tecnica
di sfumato che non toglie ma costruisce la forma. Presente nel panorama
artistico con numerose personali e collettive di livello, in collezioni
private e museali italiane ed estere, nel 1994 presenta la prima
mostra sull’Estensionismo, un’avanguardia da lei creata, che come
gruppo si scioglie nel 2004, ma nella quale la pittrice porta avanti la
sua produzione a tutt’oggi e incontrando nel tempo anche altri artisti:
nel 1995 riceve in Campidoglio il prestigioso premio dell’Accademia
dei Dioscuri per la sua ricerca. Claudio De Filippi, architetto,
designer, fotografo pittorialista, partecipa alla fondazione del “Gruppo
Estensionista”. Negli anni allestisce mostre di opere multidisciplinari
e scenografie per eventi teatrali. Dal 1991 coniuga una intensa
attività didattica nella Facoltà di Architettura di Firenze dove dal
1999 è professore a contratto. Attualmente svolge l’incarico nel Laboratorio
di Architettura degli Interni nel Corso di Laurea in Scienze
Da sinistra: De Filippi, Pronestì, Leonini, Margari, Morosi, Fiorini, Sodi
dell’Architettura. Franco Margari, dopo l’esperienza delle tecniche
incisorie, da oltre vent’anni si dedica esclusivamente alla pittura
approdando ad un informale evocativo che mantiene un solido substrato
‘grafico’. Presente in diverse fiere in Italia e all’estero, ha partecipato
a numerose mostre collettive e presentato diverse personali
in spazi istituzionali; sue opere sono in numerose raccolte pubbliche.
Nel 2004 gli viene assegnato il Fiorino d’Oro al Premio Firenze.
Milvio Sodi è attivo in pittura fin dalla seconda metà degli anni Sessanta
maturando nel tempo una personale forma espressiva della
sua visione, in chiave metamorfica, del mondo naturale e figurale. La
sua attività espositiva, oltre alla partecipazione a premi e collettive,
è ricca di personali in gallerie e spazi pubblici di varie città italiane e
straniere. Numerose anche le presenze, dagli anni Ottanta, a importanti
rassegne internazionali e a fiere d’arte svoltesi in Italia e all’estero.
Molti suoi lavori hanno trovato collocazioni pubbliche. Ersilia
Leonini ha studiato a Siena presso l’Istituto d’Arte e in seguito Storia
dell’Arte presso Lettere e Filosofia, mentre a Firenze è diventata fotografo
professionista presso il Centro studi Tecnico-Cinematografici.
Avvia la sua carriera giovanissima, nel 1977, con il gruppo “Iperfantastico”.
Dal 1982 si dedica alla creazione di maschere-scultura
aprendo, per molti anni, a Siena il laboratorio “Magamarindo”. Dal
2000 intraprende un nuovo percorso figurativo ritraendo prevalentemente
nudi, dapprima maschili, nei quali scandaglia profondamente
la psicologia dei soggetti quanto del suo inconscio. Vanta una fervida
attività espositiva con mostre nazionali e internazionali.
Tante esperienze diverse e diversamente antitradizionali ma che insieme,
in questo incontro-confronto estensionista, hanno dato vita
ad un evento carico di energia con opere di un raro respiro, al tempo
stesso rigorose, nel loro valore estetico e filosofico, eppure libere di
muovere la percezione visiva, quanto quella del significato introverso,
alle infinite possibilità di connessioni e oltre: leggere e maestose,
segrete e aperte, sonore e ritmiche, splendenti e calde, sociali e
spirituali. Diverse.
10-24 marzo - Simultanea - Spazi d’Arte
Firenze, Via San Zanobi 45 rosso (orario: lun./ven. 16.00 - 19.00)
Estensionisti a confronto
11

Silvestro Pistolesi
L'antologica del maestro fiorentino
al Palazzo Medici Riccardi di Firenze
di Daniela Pronestì
Il maestro Silvestro Pistolesi
Dal 4 al 15 marzo le Sale ex circolo di Palazzo Medici
Riccardi a Firenze ospitano la mostra antologica del
maestro Silvestro Pistolesi. L’evento, promosso
dall’Associazione Toscana Cultura, offre uno spaccato
sui cinquant’anni di attività artistica del grande pittore fiorentino attraverso
una selezione di oltre cento dipinti, tra oli, tecniche miste,
lapis e sanguigne. Evocatrici di un’idea della pittura come mestiere
che esige studio, metodo e disciplina morale, le opere in mostra ci
riportano ai principi basilari del fare artistico, che si fonda per prima
cosa sulla tecnica, sull’abilità manuale. Da qui si procede con la capacità
d’invenzione, che vede Pistolesi trasferire il dato oggettivo in
una partitura visiva che unisce realtà e visione, verità e immaginazione.
Un connubio che gli consente di rimanere entro uno stesso genere
pittorico, quello del paesaggio, offrendone una varietà d’interpretazioni
che cambiano anche in rapporto alla tecnica utilizzata. Si va
dai paesaggi dipinti en plein air, in cui la materia pittorica restituisce
la molteplicità degli effetti atmosferici e cromatici degli scorci collinari
e degli orizzonti marini, ai quadri di natura, derivati da una rielaborazione
in studio del soggetto paesaggistico che si arricchisce di
sfumature irreali ed effetti luministici di notevole suggestione. Si
prosegue con un’ampia selezione di opere, alcune delle quali vere e
proprie miniature, che trasformano il paesaggio naturale nello scenario
di un racconto che ha per protagonisti eremiti, mendicanti, maghi
e altre figure d’ispirazione fantastica. Sono opere che non rispondono
ad un progetto preordinato, ma nascono disegnando
direttamente sul supporto, e quindi abbandonandosi al libero fluire
dell’immaginazione, come in una specie di scrittura automatica. Ne
deriva un’ambiguità di forma e contenuto che trasforma questi frammenti
di realtà in “visioni”, come l’artista stesso ama definirle, e
quindi spazi incantati, regni dell’illusione e della fantasia che fanno
entrare l’osservatore in una dimensione fitta di mistero. Scienza e
magia convivono in questi luoghi senza tempo, che dilatano i confini
Da sinistra: Danielle Villicana D'Annibale, Riccardo Macinai, Daniela Pronestì, Silvestro
Pistolesi, Antonio Ciccone, Francesco Nesi e Filippo Lotti
Fabrizio Borghini, Agatino Lombardo, Silvestro Pistolesi, Luciano Artusi, Luigi Falai,
Ricciardo Artusi e Mauro Baroncini
12
Silvestro Pistolesi

del già noto per lasciare spazio ad un linguaggio
che si fa simbolico e allusivo pur rimanendo
nei canoni di un naturalismo schietto e privo di
artifici. L’ultima sezione della mostra è dedicata
agli studi di figura, che segnalano la centralità
del disegno nella ricerca artistica di Pistolesi,
che ha sempre fatto della pratica
disegnativa il punto di partenza di ogni sua
creazione. Dai nudi femminili, raffigurati dal
vero con freschezza di tratto e sapiente modellato
chiaroscurale, si passa ai ritratti, concepiti
come esercizio di stile e occasione per perfezionare
la conoscenza della figura umana. La
naturalezza delle pose e la vivacità degli sguardi
confermano la volontà di fare del disegno
uno strumento capace di catturare la scintilla
della vita e trasferirla sul foglio in un’immagine
che si sottrae alla staticità della rappresentazione
pittorica. Molte di queste opere grafiche
sono state eseguite in preparazione delle importanti
opere pubbliche che l’artista fiorentino
ha portato a termine in tanti anni di carriera:
l’ultima in ordine di tempo è quella realizzata
nella cappella della chiesa che si trova all’interno
del Centro di Riabilitazione “Don Carlo
Gnocchi” di Firenze, dove Pistolesi è stato incaricato
di raccontare le azioni meritorie del beato
lombardo con due affreschi di rara bellezza.
La mostra, a cura di Daniela Pronestì e Filippo
Lotti, si avvale della collaborazione dell’Associazione
FuoriLuogo - Servizi per l’Arte e del
C.R.A. (Centro Raccolta Arte) di San Miniato.
Palazzo Medici Riccardi con lo stendardo della mostra
Silvestro Pistolesi
Nato a Firenze nel 1943, fin da giovanissimo ha dimostrato la sua inclinazione
artistica iscrivendosi prima alla Scuola d’Arte di Porta
Romana, poi all’Accademia Cappiello. Tuttavia, il suo vero apprendistato
artistico è iniziato con la frequentazione dello studio della pittrice Nerina
Simi contemporaneamente al corso di nudo dell’Accademia delle Belle Arti
di Firenze. Nel 1963 diventa allievo di Pietro Annigoni, al seguito del quale
completa la sua formazione artistica frequentandone lo studio per oltre dieci
anni. Nel 1972 la prima mostra personale alla Arts Unlimited Gallery di Londra
che lo decreta giovane talento di fama internazionale; da allora ha esposto in
numerose città italiane ed estere.
Ha eseguito anche numerosi ritratti tra i quali quello del Professor Cooley di
Huston, quello del Cardinale Stickler (bibliotecario del Vaticano) e quello del
Santo Padre Giovanni Paolo II. Di notevole valore artistico sono le grandi opere
pubbliche in importanti sedi quali l’Abbazia di Montecassino, il Santuario della
Verna e l’Abbazia di Vallombrosa. Dal 2001 al 2010 è stato impegnato nell’esecuzione
degli affreschi della Church of the Transfiguration a Cape Cod nella
baia di Boston.
Numerose le mostre realizzate dagli anni Sessanta ad oggi. Tra queste si ricordano:
Museo Italo Americano, San Francisco (1998); Wolffer Estate & Culturel
Center, Sagaponack, L.I., New York (2000); Centro Culturale San Bartolomeo,
Bergamo (2000); Chiesa di Santa Maria Assunta, Positano (2006); Art Antiqua,
Bergamo (2008); El Mar, Valencia (2008); Confraternita Misericordia, Poggibonsi
(2008); Antichità Via dei Fossi, Firenze (2009).
Per maggiori info: www.silvestropistolesi.it
Silvestro Pistolesi, Daniela Pronestì, Fabrizio Borghini e Filippo Lotti
Silvestro Pistolesi
13

Alla Casa di Dante
Libuse Babakova
Andrea Ortuño
Paraskevi Zerva
di Daniela Pronestì
Visioni parallele, autori a confronto: questo il titolo della mostra che dal 28
marzo al 16 aprile vedrà esporre Libuse Babakova, Andrea Ortuño e
Paraskevi Zerva nella sede del Circolo degli Artisti “Casa di Dante” a
Firenze. Un evento che, riunendo tre artisti diversi tra loro, ribadisce il valore
dell’individualità creativa in un’epoca che troppo spesso invece cancella le differenze
in favore di un adeguamento al “gusto dominante”. Una condizione che non risparmia
il sistema dell’arte contemporanea, in cui le scelte di “pochi” - galleristi e operatori del
settore - determinano il percorso artistico dei “tanti” che cedono alla banalità del conformismo.
Un processo di omologazione che comprende non solo gli aspetti formali e
tematici dell’opera d’arte, ma anche la sottovalutazione delle conoscenze tecniche e
dell’abilità esecutiva rispetto alla natura puramente concettuale di molti linguaggi artistici
del nostro tempo. Rivendicando la libertà di sottrarsi ad una logica uniformante, i
tre artisti in mostra a Firenze esprimono il senso e la direzione di una poetica che non
dimentica l’importanza dell’intervento manuale, del lavoro eseguito con buona tèchne:
la loro, infatti, è un’arte ancora arte, cioè legata alle sue radici etimologiche. Un approccio
condiviso da cui si dipartono tre esperienze che divergono ciascuna in nome della
propria specificità. Per Libuse Babakova, ceca d’origine e italiana d’adozione, la pittura
è un momento introspettivo che trasforma la superficie del quadro nella sostanza stessa
Andrea Ortuño, Autoritratto
dell’opera. Il supporto è parte integrante del tutto, perché accoglie
e conserva la proiezione di un vissuto, l’estensione di una condizione
interiore. I segni stratificati sul piano quasi a formare un bassorilievo
sono caratteri di una scrittura che richiede calcolo, misura,
costruzione, come in una partitura musicale. Nei suoi lavori non
troveremo l’attitudine cupa, aggressiva, caotica di molti pittori gestuali,
quanto, invece, il bisogno di sciogliere il groviglio dei sentimenti
e riunirli in un codice visivo che diventa una crittografia
dell’anima. I tempi di realizzazione del quadro - dalla stesura degli
strati cromatici all’iterazione del segno - consentono alla pittrice
ceca di rallentare la corsa dei pensieri, di non perdersi nel trasporto
emozionale, mantenendo sempre un equilibrio di visione e un
ordine compositivo che attribuiscono armonia all’insieme.
Un’armonia che nasce dalla dissonanza, dal canto e controcanto
dei colori, che, incontrandosi sulla tela, generano percorsi labirin-
Paraskevi Zerva con la scultura intitolata Esserci
14 Libuse Babakova, Andrea Ortuño, Paraskevi Zerva

Libuse Babakova, 132 Silenzi in Diesis
Paraskevi Zerva, La donna del giglio tiene il sacro fuoco
tici e arcane simmetrie. Vibrante, sottile, inestricabile: la trama di linee
che occupa lo spazio del dipinto ha il valore di una confessione,
di un’autobiografia, in cui la singolarità dell’esserci, qui ed ora, emerge
nella sua inconfutabile verità. Per Andrea Ortuño, pittore fiorentino
di origine spagnola, il
volto è la forma attraverso
cui l’interiorità dell’individuo
si esprime nel modo più
chiaro. I suoi ritratti colgono,
insieme all’immediatezza
dell’espressione, l’intero carattere
della persona raffigurata:
uomini e donne che si
offrono al nostro sguardo in
tutta loro fragile e disarmante
umanità. Il velo dell’apparenza
è franto: non c’è che
silenzio intorno; un silenzio
che esige ascolto. È l’esperienza
dell’alterità, del diventare
altro da sé per andare
verso quegli occhi che
guardano e interrogano l’osservatore,
fino a farlo sentire
Andrea Ortuño, Renata
compartecipe di qualcosa
che rende gli esseri umani
solidali di fronte al mondo, agli altri, a se stessi. Ortuño sa bene che
la dimensione corporea è una soglia da attraversare per ritrovare
quell’unità di materia e spirito che si divide, si lacera nel racconto
parziale e frammentario che l’immagine esteriore comunica. E quando,
con l’autoritratto, il punto di osservazione si ribalta, l’analisi è
ancora più attenta, per molti versi più spietata, perché l’artista si
misura con se stesso, essendo al contempo soggetto ed esecutore
della rappresentazione pittorica. Un duplice ruolo che Ortuño affronta
con l’efficacia di una tecnica - l’olio dato con la sola spatola - che
gli permette di dilatare i piani di lettura del quadro, passando dalla
luce all’ombra, dalla stesura piatta al colore materico. Con Zerva
Paraskevi, la scultura si veste di un significato simbolico: le sue origini
greche la collegano ad una cultura plastica che fa convivere storia
e mito, razionalità e pathos. L’urgenza di comunicare contenuti che
trascendono il semplice fatto umano per toccare argomenti di respiro
universale - l’amore, la bellezza, l’origine del mondo -, la induce a far
nascere la forma modellando direttamente la materia, senza seguire
un progetto preordinato o un preciso riferimento visivo. Le sue figure
femminili conservano l’aspetto solenne e sacrale delle divinità classiche,
anche se il sentimento che le anima non ha nulla di idealizzante
né di soprannaturale. Al contrario, è un sentimento nutrito di concretezza,
di autenticità; un sentimento prima vissuto e poi infuso
nella sostanza scultorea. Un passaggio che consente alla scultrice
greca di diventare tutt’uno con le sue creazioni, che rivelano il bisogno
di sublimare le vicende del quotidiano in una dimensione che
lascia aperta la porta alla fiducia nell’altro, alla possibilità di mutare
l’io in “noi”, alla voglia di Esserci e Sentirsi - titoli di due sculture -,
oltre ogni umana debolezza. Ed è anche nella forza trasformatrice
dell’atto creativo - il “sacro fuoco” di cui parla in una delle ultime
realizzazioni - che si compie la rigenerazione interiore dell’individuo,
quella rinascita che guida l’uomo alle radici della sua essenza.
Libuse Babakova, 118 Recondite Armonie
La mostra Visioni parallele, autori a confronto si terrà a Firenze
dal 28 marzo al 16 aprile 2015 nella sede del Circolo degli Artisti
“Casa di Dante”, con inaugurazione sabato 28 alle 17.00.
All’evento interverranno il Consigliere della Regione Toscana Eugenio
Giani, Daniela Pronestì e Fabrizio Borghini per la rubrica Incontri con l’Arte.
Per informazioni e contatti:
www.libusebabakova.com - libuse.babakova@gmail.com
www.zervaparaskeviarte.weebly.com - zervaparaskevi@gmail.com
www.andrea-ortuno.com - andrea.ortuno@gmail.com
Libuse Babakova, Andrea Ortuño, Paraskevi Zerva
15

La poesia
non si stanca mai
Alberta Bigagli e i suoi
inediti
di Alberta Bigagli
Se la poesia è divenuta la naturale espressione e se è coraggiosa
e valida in sé, qualunque sia l’età dell’autore,
quando appare è sempre nuova come erba d’aprile. Per
cui riesce stimolante per il poeta stesso. Personalmente,
io sento il bisogno di rileggermi e di commentarmi, immaginando voi
che mi ascoltate. La vita migliore è quella del dialogo. Ho una serie
di inediti in poesia che iniziarono nel 2009, prima di vari altri libri
anche importanti. Sono raccolti in quadernoni neri e da lì li attingo.
XII
Dentro noi ci portiamo i paesi e le città
dentro noi ci portiamo fiumi e gallerie.
Io le sento le voci dei bambini
che si intrattengono sul prato
situato mi pare qui nella pancia.
Giocano e corrono strillanti
fra le piante e le basse costruzioni.
Li amo più di chi passa per vie cittadine
mentre evito il traffico autostradale.
Abbraccio il mondo intorno e all’interno
ed a volte mi chiedo se io sono singola
o sono un frammento. Segno di vita
ma anche in balìa della feconda morte.
Alberta Bigagli presidente di giuria al Premio Mario Gori di Impruneta, 2009
Dicevo, mi commento e mi specchio. Non per stringermi su me stessa,
ma per rendere me stessa sempre più chiara e trasparente, disponibile.
Se mi abbandono e mi metto in discussione, voi lo sentite
cosa accade. Si dilata il mio pensiero e posso chiedervi e offrirvi il
mondo. A braccia aperte vi parlo di bambini e natura. Di cemento,
rumore e confusioni, sospirando e con gesti di riserva.
Alberta Bigagli con Mariagrazia Carraroli e Franco Manescalchi di Pianeta Poesia
all'Archivio di Stato, 2011
Alberta Bigagli con Roberto Maini alla Biblioteca Marucelliana, 2012
16 Alberta Bigagli

Alberta Bigagli con Tita Paternostro al premio di Poesia di
Capezzana, 2013
Impruneta: presentazione del suo ultimo libro con due rappresentanti dell'associazione
F. Paolieri, 2014
XIV
Lo so che voi cantate voi lassù
sento passare onde qua intorno.
Si lo so che c’è una rete fatta
di mugolanti litanie superate
da note angeliche alte diffuse.
Mi sostiene senz’altro il brusio
questa nota leggera musicale.
Un godimento inconscio è per noi
richiesti ora a dare vaga risposta.
Lo so che il mio spostarsi etereo è
involontario ma atteso e indotto.
Sto partendo e il mio canto lirico è
sto arrivando ed ho passo di danza.
Come la vita nascesse per diventare musica.
Forse lo è già all’inizio. La vita di ciascuno. Il
neonato viene adagiato con rispetto e timore,
come fosse un flauto, mentre lui già canta in
modo acuto. Cresce l’individuo, matura e invecchia,
ma il suo rapporto con il suono è sempre
più importante. Devo continuamente, in un certo
senso, rispondere a tutto ciò che è voce del
mondo e della vita per esserci anch’io.
Se l’erba è stanca e il mare della sabbia
manca, se il sole ci produce angoscia, questo
non è un mondo felice. E le presenze
umane? Infantili, immature, incerte nel
sentire e nell’apparire. Ma accade qualcosa.
Accade che la dolce lentezza, accade
che la lontananza dell’orizzonte, accade
che una linea sottile, accade che un colore
debole, rendano la vita sorridente e con
l’odore della speranza.
Alberta Bigagli con Giuseppe
Marchetti al "Parma Poesia
Festival Internazionale 2010"
dott.ssa Alberta Bigagli
Incontri di Linguaggio Espressivo
Via Ghibellina 105 - 50122 Firenze
Tel. 055 2398443 - Cell. 339 1690047
associazioneabbi@alice.it
www.albertabigagli.it
XV
Quanto misura questa landa
ch’è prateria dall’erba stanca
tratto sabbioso senza il mare.
È una marcia che dura da tre giorni.
La prima fu un’alba molto bagnata
e la seconda fredda e ventosa.
Oggi c’è un sole acceso e veloce
che brucia e manda le trafitte al cuore.
Tre i bambini stupiti di se stessi
tre gli adulti dal sesso vago incerto.
La vita li ha modificati alterati.
È un gruppo debole un gruppo lento.
Ma non c’è all’orizzonte un filo azzurro?
Al Giardino dei Ciliegi con l'archivio diaristico di Pieve Santo Stefano, 2011
Alberta Bigagli
17

SUN YUMIN
La grazia della semplicità
La poesia della vita quotidiana ritratta in una
personale a
Palazzo Medici
Riccardi
di Alessandro Vezzosi
Direttore del Museo Ideale Leonardo da Vinci
Foto Studio Kimage
La pittura di Sun Yumin procede dalla
conoscenza e dall’esperienza dell’arte
classica cinese alla reinvenzione
di un linguaggio espressivo orientato
verso la rappresentazione intima della figura
umana in una estrema sintesi.
Non sorprende che la sua opera sia stata al centro
di ricerche e tesi di discussione teorica sulla pittura
tradizionale.
L’immagine nasce dalla calligrafia, dalla superficie
del disegno, e dalla linea prende rilievo nel
colore, che si accompagna e si esalta nei tratti
identificativi dei personaggi.
I soggetti dei suoi dipinti non sono modelli ma
persone, donne e uomini protagonisti della vita
quotidiana: in questa serie di ritratti sfila l’intensa
umanità di un popolo interpretato con affettuose
percezioni. Sono come istantanee per cogliere lo
stato d’animo delle persone di cui Sun Yumin evidenzia
il carattere, il sentimento, l’interiorità, con
elementi e tratti primari.
L’atteggiamento espressivo, l’abbigliamento e
pochi accessori sottolineano, con purezza ed essenzialità,
una sobria eleganza: la grazia della
semplicità. Anche le acconciature distinguono i
personaggi, talvolta insieme con il velo di un sorriso
o di tenerezza, spesso incantati, assorti nella
loro dimensione riflessiva.
Sempre ricorre incisiva, con variazioni psicologiche,
la rivelazione dello sguardo. Non mancano le
coincidenze con l’arte europea, pure con la Scuola
di Parigi, ma senza le deformazioni di un
Modigliani e - invece - con fisionomie e accenti
caratteristici del suo mondo d’origine. Sun Yumin
ha infatti viaggiato ed esposto anche a Parigi e,
da Singapore al Giappone, dalla Malesia alla
Corea e al Canada, sempre evidenziando nelle
sue opere la poesia della sua identità civile, culturale
e umanissima.
Il te, 2013, cm. 136x68
18 Sun Yumin

Una panoramica della Sala Luca Giordano di Palazzo Medici Riccardi durante la presentazione della mostra
SUN YUMIN Pittrice - Professore
Nata nel 1954 a Siping, nella provincia
di Jilin.
Attualmente è ricercatrice presso il
Gruppo di Ricerca della Academy of Arts
& Design dell’Università di Tsinghua.
Nel 1977 è entrata a far parte
del Dipartimento di Pittra Cinese
dell’Accademia di Belle Arti di Luxun.
Nel 1981 ha conseguito la laurea
magistrale e ha iniziato ad occuparsi
professionalmente di arte presso
l’Accademia di Pittura di Liaoning.
Nel 1989 ha continuato i propri studi
trasferendosi presso L’Accademia
Centrale Cinese di Belle Arti.
I suoi lavori sono stati acquisiti dal
NAMOC, dall’Istituto di Ricerca sulla
Pittura Cinese e dal Comitato Olimpico
Internazionale, solo per citarne alcuni.
Lan Hua, 1994, cm. 80x60
意 大 利 华 人 艺 术 家 协 会
Associazione degli Artisti Cinesi in Italia
Piazza Indipendenza, 21 - 50129 Firenze, Italia
Tel. 0039 055 4684478
aacifirenze@hotmail.com - www.aacitalia.com
Sun Yumin 19

Figura, 2005, cm. 68x68
Zuo Ru, 1998, cm. 80x100
di Liu Dawei
President of China Artists Association
una forte preponderanza della linea e rendono
evidenti i risultati raggiunti dopo decenni
di ricerca artistica. Oltre a questo sono opere
delicate da cui traspare tutto l’amore di
Sun Yumin verso le persone ritratte, e tutto
l’interesse di un’artista donna verso la famiglia,
la vita, l’arte, la natura e la società.
L’8 marzo è stata la Festa internazionale della
Donna. Una mostra delle opere realizzate
da una donna artista, in questa occasione,
ha certamente un significato ancora più speciale.
L’Italia e la Cina sono due paesi ricchi
di storia e di cultura: esse svolgono un ruolo
importante nei lunghi processi di civilizzazione
degli essere umani. Nell’antichità la
Via della Seta era il principale collegamento
tra l’Italia e la Cina: oggi essa è la strada
La pittrice Sun Yumin, il console generale di Cina a Firenze Wang Fuguo e il consigliere della città metropolitana
di Firenze Massimiliano Pescini durante l'inaugurazione della mostra nelle Sale Fabiani di Palazzo Medici Riccardi
Nel 2015 ricorre il 45° anniversario
dello stabilimento
delle relazioni diplomatiche
fra Italia e Cina. Con lo scopo
di celebrare l’anniversario di tutte le
cooperazioni e gli scambi in ambito culturale
e artistico tra i due Paesi, l’Associazione
degli Artisti Cinesi in Italia ha organizzato
la mostra “La bellezza della linea.
La pittura cinese nei ritratti di Sun Yumin”,
che si aprirà a Firenze mercoledì 11
marzo presso Palazzo Medici Riccardi.
Con grande orgoglio a nome dell’Associazione
degli Artisti Cinesi vorrei fare i migliori
complimenti e auguri a questa bella
manifestazione.
Sun Yumin, direttrice dell’Associazione
degli Artisti Cinesi e docente presso l’Accademia
dell’Arte e del Disegno dell’Università
di Tsinghua, da anni porta avanti la
ricerca, lo studio e l’insegnamento delle
pitture cinesi, specialmente per quanto riguarda
il significato artistico della linea.
Nelle sue opere l’artista ha infatti realizzato
un suo personalissimo stile: semplice,
sintetico, elegante e pacifico. Sun Yumin
ha ricevuto numerosi riconoscimenti
all’interno di manifestazioni artistiche sia
nazionali che internazionali, come il premio
d’oro nella Competizione d’Arte Internazionale,
organizzata dal Comitato Olimpico.
Questa mostra presenta una selezione dei
lavori di Sun Yumin, come le esposizioni che
si sono precedentemente tenute presso il
Museo d’Arte Nazionale Cinese, il Visual Art
Center, il Centro di Cultura Cinese a Parigi.
Le opere visibili in questa occasione sono
state scelte con attenzione: vi sono ritratti
di persone care all’artista, che presentano
lungo la quale si svolge la comunicazione
artistica tra i due Paesi.
Desidero che gli amici italiani, artisti e non,
conoscano meglio questa grande artista cinese,
Sun Yumin, e i suoi lavori artistici:
spero dunque che questa mostra sia un’occasione
importante, anche per promuovere
lo scambio artistico e culturale tra di noi.
Auguro a questa manifestazione un grandissimo
successo.
20 Sun Yumin

di Lorenzo Borghini
Sessantacinque anni di dolcezze. La pasticceria
Nencioni di Firenze, con sede in via Pietrapiana 24r,
ha appena festeggiato l’importante traguardo, offrendo
caffè e cappuccino a tutti i suoi clienti, grazie
anche alla storica collaborazione con l’azienda Segafredo.
L’attività è aperta dal 1950 ed è uno dei negozi storici di Firenze.
Era il 1950, infatti, quando i giovani coniugi Maria Luisa
Falai (21 anni) e Vinicio Nencioni (25 anni) aprirono in città, in
Pasticceria
Nencioni
65 anni di dolcezze
Festa grande
in via Pietrapiana
per l’anniversario.
Il negozio nacque
nel 1950 con
bar e laboratorio
ni energie: Nicoletta Nencioni, Francesca Falai, Stefano Lisi, Chiara
Martignoni, Filippo e Niccolò Lisi, figli e nipoti, insomma il futuro. Insomma
un’intera famiglia continua a essere impegnata nell’attività, con
la guida di Maria Luisa Falai Nencioni, la colonna portante del gruppo.
Accanto a lei, le nuove generazioni, ovvero i nipoti che portano avanti
l’attività abbinando tradizione e innovazione.
via Pietrapiana, un forno con produzione propria di pane, dolci
e pasta fresca. Allora in piazza dei Ciompi c’era il mercato rionale
e i banchi si alternavano ai negozi. L’attività crebbe rapidamente,
portando alla nascita della pasticceria Nencioni,
con bar e annesso laboratorio, grazie anche al contributo di
Ottavio Falai.
Nel 1966, insieme a tutta la città di Firenze, anche la pasticceria
Nencioni subì la terribile alluvione. L’acqua dell’Arno devastò
completamente la bottega e tutto il resto, arrivando fino
all’appartamento posto al piano di sopra. Con grande fatica,
con tanto lavoro e determinazione, dopo pochi giorni da quel
triste 4 novembre, la bottega riaprì, senza acqua e senza luce,
più che altro per essere di sollievo a quanti stavano lavorando
per liberare il quartiere di Santa Croce dal fango e dalla disperazione.
Sono passati ancora altri anni e i protagonisti sono
cambiati: sono venuti a mancare Ottavio Falai (1972) e poi Vinicio
Nencioni (1993) e sono entrate nell’attività nuove giova-
Specialità da gustare
Sono tante le specialità della pasticceria Nencioni ed è davvero difficile
sceglierne una in particolare. Da provare sicuramente la ghiotta Sacher
torte, il tradizionale millefoglie, i budini di riso, i salatini di sfoglia, la
schiacciata alla fiorentina e la pasticceria mignon.
Ogni giorno, intorno alle 16, i famosi budini di riso della pasticceria Nencioni
sono sfornati caldi assieme alle sfogliatine ed altre dolcezze per
non lasciarvi senza coccole durante tutta la giornata.
Pasticceria Nencioni
Tel. 055 241012 - www.pasticcerianencioni.com
Pasticceria Nencioni
21

Franco
Cappellini
scultore
di Caterina Trombetti
Un corpo a corpo
con la materia alla
ricerca di interiorità
ed essenza
Franco Cappellini scolpisce da sempre, anche se ha
cominciato a far conoscere la sua opera e a partecipare
a mostre collettive e personali solo negli ultimi
anni. Attivo componente dell'associazione Centro
d'Arte Modigliani, del cui direttivo fa parte, si è fatto conoscere
e apprezzare dagli artisti che frequentano il Caffè Storico
Giubbe Rosse, presso il quale è presente con una sua opera da
lui donata.
Il nostro artista non ama plasmare materiali molli, come il
gesso e la terracotta, non ama le superfici levigate, predilige la
pietra. Quasi una sfida fisica, oltre che concettuale, tra l'energia
creatrice dell'artista e la durezza della materia, che preferisce
lasciare grezza, mettendo così in evidenza i segni della
scalpellatura, su cui la rifrazione della luce crea ombre e volumi
sempre diversi.
È un corpo a corpo con la materia che dà vita a figure uniche e
visionarie, nella ricerca di una forma che sia interiorità ed essenza.
Basti osservare Il risanato, Incubo, La donna gatto, Il sup-
Franco Cappellini all'opera
La donna gatto, 2011, pietra arenaria, cm. 140x35x25
22 Franco Cappellini

Gatto afflitto, pietra arenaria, cm. 35x25x15
Le fiamme dell'Universo, pietra arenaria, cm. 100x60x20
plizio, Joker, sculture che catalizzano
l'attenzione, quasi fossero dotate di un
magnetismo misterioso.
Gli elementi più evidenti del suo stile
si trovano nella drammaticità delle figure
rappresentate e nell'accentuazione
delle sofferte espressioni. Anche
la resa psicologica dell'opera si intensifica
attraverso le superfici scalpellate,
dove l'idea del dolore e del tormento
sono espresse in maniera forte.
I soggetti delle sculture di Franco Cappellini,
il modo di trattare la pietra, i
fori perfettamente circolari, che lo
scultore realizza senza mezzi meccanici,
ma con il solo utilizzo dello scalpello
“spuntato”, come lui stesso tiene
a precisare, trasmettono la forza di
un'opera tutt'uno con il suo autore.
Il suo lavoro richiama il Primitivismo
francese e la scultura africana, e richiama
alla mente l'opera di Constantin
Brancusi e di Amedeo Modigliani,
anche se Franco Cappellini, che scolpisce
preso dal sacro demone dell'esperienza
creativa, si dichiara scultore di getto e senza maestri.
Pensiamo che la sua scultura sia la risposta al bisogno interiore
di espressione attraverso una materia di cui sembra subire il
fascino nelle forme arcaiche delle origini, dei primordi. Non
La fertilità, pietra arenaria, cm. 50x30x20
dobbiamo dimenticare che Franco è
nato a Vicchio, e che nella terra
della pietra ha vissuto la sua infanzia
e giovinezza, traendone, anche
inconsciamente, il motivo primo del
suo rapporto con l'arte.
La pietra è dura, la pietra è un materiale
faticoso a lavorarsi, è un materiale
scolpito direttamente e non
offre all'artista la minima possibilità
di tornare indietro o di modificare,
correggere l'errore e Cappellini
sceglie le “sue pietre arenarie”
come se queste gli parlassero, perché
- come lui ci dice - vede già
nella pietra informe, la forma che
avrà e subito la battezza, le dà il
nome prima ancora di cominciare a
scolpire.
Figure e forme scaturiscono
dall'arenaria con una forza prorompente
come volessero parlarci,
come volessero comunicarci il senso
di un discorso, che proviene
dalla naturalezza con la quale egli
incide la pietra. Franco Cappellini realizza, così, una scultura che
diventa una forma plastica pura, che attraversa tutto il suo immaginario
e che esalta le possibilità espressive e dinamiche della
pietra grezza, di cui egli raccoglie l'insondabile mistero.
Franco Cappellini
23

Franco Cappellini alle Giubbe Rosse
Bigatto tutto matto, pietra arenaria, cm. 35x36x14
Franco Cappellini, conosciuto e apprezzato scultore
è nato a Vicchio del Mugello, vive ed opera a
Scandicci. È presente con le sue opere a Firenze,
a Scandicci e a Sesto Fiorentino.
Le sue sculture impreziosiscono luoghi ed enti pubblici e
sono collocate in permanenza a Firenze presso il Caffè
Storico “Le Giubbe Rosse”, alla sede della CNA e nello
Spazio Eventi del Bocciodromo di Scandicci, presso il
Centro Oncologico Fiorentino di Sesto Fiorentino, all'Ospedale
Torregalli di Firenze ed altre ancora.
Fa parte del Consiglio Direttivo del Centro d'Arte Modigliani
e partecipa alle iniziative artistiche organizzate e
coordinate da Riccardo Ghiribelli alle Giubbe Rosse.
Franco Cappellini dal 2004 è spesso invitato a mostre e
rassegne ed ha tenuto la sua personale Lithos nel giugno
2014 a Firenze a Villa Bandini nel Quartiere 3.
Cell. 377 5060896
La pazzia, pietra arenaria, cm. 50x30x25
I supremo, pietra arenaria, cm. 60x20
Lo smidollato, pietra arenaria, cm. 35x33x15
24 Franco Cappellini

Antonio Ciccone &
Luigi Falai: Omaggio
a Pietro Annigoni 2
a cura di Danielle Villicana D’Annibale
Inaugurazione: domenica 12 aprile ore 18:00
con la presenza degli artisti
e del giornalista Fabrizio Borghini per la trasmissione Incontri con l'Arte
Finissage: giovedì 23 aprile ore 18:00
“Incontro con gli artisti Antonio Ciccone e Luigi Falai”
12-23 aprile 2015
Orario: dalle ore 16:00 alle 20:00
da martedì a sabato
e dietro appuntamento
Via Cavour 85, 52100 Arezzo (AR)
Info: Cell: 338 6005593
www.villicanadannibale.com
danielle@villicanadannibale.com
Sponsor:
Antonio Ciccone, Pietro Annigoni XXVII,
1988-89, carboncino, cm. 100x70
Luigi Falai, Massaciuccoli, 2010, olio, cm. 40x50
Maurizio D'Annibale, Luigi Falai, Antonio
Ciccone, Danielle Villicana D'Annibale
Pietro Annigoni e Luigi Falai
Pietro Annigoni e Antonio Ciccone
Antonio Ciccone e Luigi Falai 25

Il gruppo
“Primeros Cinceles”
Al lavoro nel “Parco della Luce” a Siena
di Lucia Badii
Il Gruppo “Primeros Cinceles” è un colletivo di 40 scultori
guatemaltechi e stranieri residenti in Guatemala, che dal
2009 lavorano tagliando la pietra in un ambiente aperto nel
quale gli artisti condividono le loro esperienze e creatività
proponendo al pubblico una visione tridimenzionale dei loro valori.
“Primeros Cinceles” ha allestito e partecipato a molti eventi di singolare
importanza quali la mostra “Tetun Te” (“La pietra che parla”),
in commemorazione del cambio dell’era Maya 13 B’aktun ed
anche “Cuando el rio suena…es porque piedras lleva” mostra che
trasmetteva la conoscenza dei proverbi degli antenati. Questi eventi
hanno ottenuto entrambi un grande successo nella scultura guatemalteca
con entusistica approvazione della critica e del pubblico.
Dopo sei anni di intensi e produttivi lavori, il gruppo si prepara
quest’anno ad internazionalizzarsi iniziando nel mese di marzo un
percorso che li vede presenti con una mostra intitolata “Pietre di
fede” alla quale hanno partecipato gli artisti: Beverley Rowley,
Aida Santo, Hyona Angie Chung, Ana Lucrecia Ortiz, Bemeka, Betty
Paiz, Brenda Estrada, Julieta Urrutia, Luisa de Ayau, Luz Maria
Anckermann, Mafer Garcia Pellecer e Rae Leeth alla “Galleria La
Pigna” di Roma per continuare come ambasciatori del Guatemala
Capitale della cultura Iberoamericana 2015 con un simposio di
scultura con la partecipazione di Beverley Rowley, Betty Paiz, Bemeka,
Rae Leeth e Brenda Estrada, tenutosi nel “Parco della Luce”
a Siena in via dei Tufi e ad accoglierli amichevolmente sono stati i
grandi artisti scultori Mauro Berrettini e Vittoria Marziari. Contemporaneamente
alcuni degli artisti sopra citati hanno esposto le loro
opere nell’atelier di Vittoria Marziari situato in via Stalloreggi 23,
Siena titolato “Dimensioni”.
www.primeroscinceles.com
Da sinistra: S.E. l'Ambasciatore del Guatemala presso la Santa Sede Alfonso Matta
Fahsen, la rappresentante di Radio Vaticana, Beverley Rowley e Brenda Estrada
Le scultrici del gruppo Primeros Cinceles durante il simposio nel "Parco della Luce" di Siena
26 Primeros Cinceles

Milena Prestia:
il Mediterraneo a Firenze tra
immagini reali e fantastiche
Percorso d’arte dalla valenza innovativa,
che unisce al sentimento ecologista ed
ambientalista quello di due espressioni
simboliche e creative
di Fabrizio Borghini
Mercoledì 1 aprile alle ore
18.00 si inaugura la mostra
di opere pittoriche e
fotografiche dal titolo
“Mediterraneo”. La mostra, fino al 15
aprile, sarà ospitata nei locali della ex
Provincia di Firenze, nella “Galleria Via
Larga” in via Cavour, 7/r. Le foto, dalle atmosfere
profonde e coinvolgenti, sono
state scattate da Silvana Grippi, reporter
dell’agenzia di stampa “DEApress”, e
sono tratte dai vari reportage realizzati in
un ventennio di lavoro per l’agenzia, dalle
coste del Maghreb ai Balcani.
Le opere pittoriche di Milena Prestia prendono
ispirazione dalla sua terra di provenienza,
l’antica e mitologica isola di Ortigia,
cuore di Siracusa, patria di Sirene e
Ninfe. L’artista, ormai adottata da Firenze
dal 1975, dopo numerose mostre collettive
e prestigiose personali, approda a questo
singolare e suggestivo modo di esporre
che, dal sogno dei fondali marini fantastici,
abitati ed attraversati da oniriche figure di
donne pesce o abitanti degli abissi, ci riporta
quasi violentemente alla cruda realtà
del peggiore dei comportamenti umani.
Il maltrattamento dell’ambiente marino,
infatti, è il grande tema che accompagna i
dipinti di questa artista che, con apparente contrasto, offre tanto un
volto dolce e sognante quanto uno ribelle e lottatore, e in realtà
manda un messaggio preciso: se davvero il “Mare Nostrum” è nostro,
è di tutti noi. Trattiamolo con rispetto, come un gioiello prezioso,
come un tesoro dal valore sacro e inestimabile.
Questa modalità di esposizione, Milena Prestia ha già avuto modo
di presentarla con successo al Palazzo del Governo di Siracusa
nell’agosto 2010 e in due edizioni di “Terra Futura” alla Fortezza da
Basso di Firenze.
Con questa mostra si
assiste ad una continua
sorpresa, con repentini
cambi di stile
di esecuzione delle
idee, delle visioni e
delle interpretazioni
della natura.
Si assiste a forti passaggi emotivi, dai
pannelli introduttivi più toccanti, come
quello che documenta le ormai tristemente
famose “Isole di Plastica” (giganteschi
agglomerati di rifiuti galleggianti),
ai suoi quadri, come messaggio
di speranza e di proposta, che gli uomini
si ravvedano in tempo e si fermino
prima del “troppo tardi”, grazie non
solo ad una individuale presa di coscienza,
ma anche alla ricerca e all’utilizzo
di tecnologie e soluzioni scientifiche
che offrono valide alternative sia
di smaltimento che energetiche.
Quindi si accede a quella che è la visione
dell’artista Milena Prestia, del
puro amore per il mare per la sua natura
fantastica, che accoglie nel proprio
cuore, nel proprio immaginario, e che
elabora per poi esternare sotto forma
di messaggio artistico ed immagini catartiche.
Quindi anche fuori dalle acque,
fra salti di umore, dalla tempesta rombante e minacciosa alle
dolcissime silenziose onde sotto una strana, silenziosa nebbia.
A volte immagini quasi fotografiche, a volte essenziali ed astratte,
perché il piacere della pittura di Milena Prestia, è questo: la pittura.
Semplice, sperimentale o tradizionalissima, ma pura pittura.
Cell. 348 1030037
www.milenaprestia.it - milena.prestia@gmail.com
Milena Prestia
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Attività alla Casa
Museo di Giotto
L’Associazione Artistico Culturale
dalle Terre di Giotto e dell’Angelico
presenta IL PITTORE
Elio
Bargagni
Eventi Speciali:
Da sabato 28 febbraio al 6 aprile 2015: il Comune e l’Associazione
ripropongono la mostra delle riproduzioni di Giotto nella sua
Casa natale nel colle di Vespignano.
Domenica 15 marzo conferenza: “Cenni di Pepo detto Cimabue”
a cura di Armando Caprilli
Sabato 2 maggio alla Casa di Giotto alle ore 16,00 consegna del
premio letterario 2ª edizione “Giotto - Colle di Vespignano”.
Per informazioni: Cell: 328 5990920 - 329 9293044 - 328 8966833
www.dalleterredigiottoedellangelico.it
info@dalleterredigiottoedellangelico.it
Elio Bargagni è un artista che ritengo un vero maestro
nell’arte dell’acquerello, sia per la tecnica, sia
per i suoi soggetti che sorgono vivi di colori con una
facile spontaneità dal suo pennello.
L’equilibrio delle masse che figurano in una compostezza cromatica,
danno un impeto all’opera che risente della classica scuola
ottocentesca.
Sereno ma non calmo, irruento ma non aggressivo, il quadro del
Bargagni si presenta in vivacità di luce anche quando il cielo è
imbronciato. Artista onesto, consapevole del suo valore, non è
uno sfrontato, ma come vero artista è un timido.
Giuliano Pacifici
Scorcio inedito di Firenze, acquerello
Alcune delle mostre più significative
1975 Art Gallery, Montecatini Terme (PT)
1977 Mostra personale presso lo Studio di pittura R. Spampanato
1978 “L’acquerello in Italia negli anni Sessanta” centro culturale Le
Grazie, Milano
1979 Mostra Nazionale dell’Acquerello, Palazzo di Re Enzo - Bologna
Dal 1982 partecipazione a 14 edizioni di “100 Acquerellisti a Roma”
promosse da A.NA.D.I. (Associazione Nazionale Acquerellisti d’Italia)
Banca d’Italia, Roma. Nell’ultima edizione del 1996 primo classificato
tra i vincitori delle precedenti edizioni.
1983 “Gli Artisti Lucchesi” Lucca - artista più votato dal pubblico.
1986 e 1987 “Artisti Italiani e Stranieri per le Isole Eolie”, Stromboli,
Lipari e Salina - secondo posto e primo posto. Nell’ultima edizione
Vista da piazza Goldoni, acquerello
del 1996 primo classificato tra i vincitori
delle precedenti edizioni
1987 Premio “Città di Pistoia” - primo
classificato
1991 Premio “Città di Lucca” - primo
classificato
1998 Mostra personale “Appunti di
Viaggio” Riolo Terme (RA)
2000 “La via Francigena in Toscana”
Sala Granai - Comune di Altopascio
(LU)
2001 XIX Rassegna Nazionale di Pittura
Contemporanea, Villa dei Boemi.
Dal 2008 partecipazione a diverse mostre
promosse dalla Fondazione
Lucca, piazza San Michele, acquerello
FiorGen, Firenze.
2008 Mostra personale a Villa Bardini, Firenze
2008 Mostra personale presso la sede del Comune di Dicomano, Firenze
2011 Premio Firenze - Fiorino d’Argento
2012 Premio Firenze - Mostra a Palazzo Bastogi (FI)
2013 Premio Firenze - Mostra presso il Centro Culturale Firenze - Europa
“Mario Conti” Firenze.
Mostra personale “Altopascio Uno Spedale sulla via francigena” Sala Granai
Comune di Altopascio (LU)
2014 “Lucca le Storie le Mura” promossa da FiorGen Palazzo Guinigi Lucca
Elio Bargagni
Cell. 347 4953146
elio.bargagni@me.com
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Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico

Griscia Tufano
alle Giubbe Rosse con
“La Divina Commedia”
Cominciava 150 fa l’avventura di Firenze Capitale e
Dante celebrato il 14 maggio 1865 divenne non solo
simbolo dell’identità linguistica nazionale, ma anche
fonte di ispirazione di artisti per la sua straordinaria
ed affascinante capacità visionaria
di Griscia Tufano (Pittrice e Scrittrice)
Il 14 marzo si è inaugurata una mostra ispirata alla Divina
Commedia alle Giubbe Rosse, lo storico Caffè Letterario di
Firenze. La mostra, che si concluderà il 3 aprile, è organizzata
dall’Associazione Star Art di Fermo, con esposizione di artisti
di diversa provenienza e ben si inserisce nel 2015, anno in cui si festeggiano
i 150 anni di Firenze Capitale. Il locale (ex Caffè Birreria dei
fratelli Reininghaus) sorge nel centro storico di Firenze, in piazza della
Repubblica, nella quale si erge l’Arco di Trionfo che consacrò il
processo di ristrutturazione del capoluogo toscano. Una proliferazione
dei “Caffè”, sul filo della moda parigina, fece delle Giubbe Rosse
(che deve il suo nome alle fiammanti livree rosse dei camerieri) un
luogo di artisti, poeti, scrittori e intellettuali ben fornito di riviste e
giornali provenienti da tutto il mondo.
La mostra è dedicata a Dante che in Firenze Capitale trova un posto
I Guardiani della soglia - Purgatorio
Amor, che a nullo amato amar perdona - Inferno Canto V°
d’onore in piazza Santa Croce con un monumento a lui dedicato come
Sommo Poeta, padre della letteratura italiana e quindi simbolo dell’identità
linguistica nazionale. Questa collettiva di artisti evidenzia
come Dante continui ancora ad affascinare con la Divina Commedia
per l’incredibile capacità di creare stupore con le sue narrazioni poetiche.
Bianca Garavelli, critica letteraria, così commenta il genio artistico
del poeta: “Se pensate che i lettori del tempo non conoscevano
né il cinema né la televisione, non avevano dimestichezza con le gigantografie
dei cartelli pubblicitari e nemmeno avevano la possibilità
di ascoltare musica dalla radio o dallo stereo, capirete subito che con
queste raffigurazioni Dante voleva suscitare il loro stupore”. Quindi
ben venga questa mostra che dimostra come le innovazioni tecnologiche
non uccidano affatto l’immaginazione creativa che Dante ha
espresso mirabilmente in uno dei capolavori della letteratura mondiale
di tutti i tempi. Ben venga alle Giubbe Rosse, che nei festeggiamenti
di Firenze Capitale del 2015 si conferma ancora un caffè letterario
fiorentino capace di costituire un
vanto e un’attrazione per Firenze, mitigando
l'amarezza per la scomparsa dei
caffè letterari dell’epoca che tanto
hanno contribuito alla cultura del nostro
paese.
Amor che move il sole e l'altre stelle - Paradiso Canto XXXIII°
Griscia Tufano
Griscia Tufano
Via delle Terme, 5 - 50123 Firenze
Cell. 333 2814583 - www.grisciart.it
grisciatufano@libero.it
grisciartufano@virgilio.it
Griscia Tufano
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La celebrazione
del Triduo Pasquale
nella Basilica di San
Marco a Firenze
A.D. 2012
Testo e foto Luciana Zanchini
Il Triduo Pasquale è la celebrazione del Mistero pasquale,
cioè della Passione, Morte e Resurrezione di Nostro Signore
Gesù Cristo.
Il termine Triduo fa riferimento ai tre giorni durante i quali si
è compiuto il Mistero, tenuto però conto del computo cronologico
secondo la tradizione ebraica e del primo cristianesimo.
Secondo il computo che conta i giorni dalla mezzanotte alla mezzanotte
del giorno successivo, i giorni sono quattro:
Giovedì Santo, in cui si ha la celebrazione della Coena Domini, quindi
la reposizione del Santissimo all’altare della Reposizione (detto
comunemente e impropriamente “sepolcro”) e il portale della chiesa
è aperto sino a mezzanotte per l’adorazione eucaristica;
Venerdì Santo, in cui si celebrano la Passione e Morte di Gesù, che
vengono ricordate con la lettura del Passio dal Vangelo Secondo
Giovanni; il Venerdì Santo si conclude con l’Adorazione della Croce.
Ai Misteri del Venerdì Santo, si ricollega il pio esercizio della “Via
Crucis”, che normalmente si compie nei venerdì della Quaresima
nelle chiese.
Sabato notte si celebra la Veglia Pasquale, si inizia con l’accensione
e benedizione del Fuoco, quindi del Cero pasquale e durante la veglia
viene benedetta l’Acqua lustrale e cantato l’Exultet.
Domenica, è la Pasqua di Resurrezione, al termine della Messa vengono
benedette le uova che sono il simbolo della Resurrezione di
Cristo.
L’addobbo floreale dell’altare ci dice che è primavera, quindi rinascita
alla Vita.
Ringrazio con molto affetto i padri di San Marco, Alfonso, Antonio,
Fausto, Luciano, sia per la coinvolgente celebrazione che mi hanno
lasciato riprendere, sia per il permesso alla pubblicazione, nonché il
sagrestano Francesco Bitossi per la cura profusa negli addobbi della
chiesa, nella preparazione delle suppellettili, dei paramenti sacri e
nella organizzazione delle celebrazioni.
Giovedì Santo
30 Triduo Pasquale

Venerdì Santo
Sabato Santo
Pasqua
“In esclusiva le
immagini del
Triduo Pasquale
del 2012 celebrato
nella Basilica di
San Marco a Firenze”
Triduo Pasquale
31

Sede sociale e direzione
Signa
piazza Michelacci 7 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
Filiali
Signa
piazza Michelacci 1-2 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
Lastra a Signa
via Turati 10-12
50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8720251 - fax 055 8720204
Ponte a Signa
(Comune di Lastra a Signa)
via S. Lavagnini 11 - 50055 Lastra a Signa
Tel. 055 8725268 - fax 055 8725270
San Mauro a Signa
(Comune di Signa)
via della Chiesa 19 - 50050 S. Mauro a Signa
Tel. 055 8739764/5 - fax 055 8739693
Viottolone
(Comune di Scandicci)
via di Castelpulci 3 - 50018 Scandicci
Tel. 055 7310678 - fax 055 720145
Montelupo Fiorentino
via Centofiori 14 - 50056 Montelupo Fiorentino
Tel. 0571 913188 - fax 0571 913216
Malmantile
(Comune di Lastra a Signa)
via Vecchia Pisana 235
50050 Malmantile (Lastra a Signa)
Tel. 055 8729244 - fax 055 8784412
Firenze
Piazza della Libertà 32R - 50129 Firenze
Tel. 055 5088114 - fax 055 578832
Sede distaccata
Castelfranco di Sotto
via Provinciale Francesca Nord 78
56022 Castelfranco di Sotto (Pisa)
Tel. 0571 488730 - fax 0571 488740
Sportelli ATM
Signa
Parco dei Renai
Badia a Settimo
(Comune di Scandicci)
via la Comune di Parigi 34
Capannori
Via del Popolo 5
55012 Capannori (Lucca)
Firenze
Nuovo Ospedale San Giovanni di Dio
via Torregalli 3 - 50143 Firenze
Fucecchio
Piazza dei Seccatoi
San Miniato
Viale Marconi 20