Toscana

Roberta Fiorini 

Daniela Pronestì 

Toscana 

Scultori in 

DUEMILAQUINDICI

ROBERTA FIORINI • DANIELA PRONESTÌ 


Scultori in 

DUEMILAQUINDICI

COLLANA 

Artisti in Toscana 

15 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Coordinamento editoriale 

LUCIA RAVEGGI 

Ha collaborato alla realizzazione di questo volume 

FILIPPO LOTTI 

Il volume è realizzato da 

Iª edizione marzo 2015 

ISBN 978-88-6039-346-3 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it 

Finito di stampare nel mese di marzo 2015 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

www.novaartigrafiche.it

Scultori in Toscana 

Come già i numerosi altri titoli di questa 

collana dedicata agli artisti che 

operano in Toscana, il presente volume 

riservato agli scultori conferma, nell’alto 

numero di presenze, circa un centinaio, l’utilità 

di produrre qualificati strumenti di divulgazione 

dell’arte contemporanea. 

In queste pagine si apre un ricco vocabolario 

dei linguaggi espressivi odierni del fare scultura, 

dalla classicità all’installazione, con l’uso 

più svariato dei materiali, non solo tradizionali, 

dal legno al marmo, la pietra, la terracotta e la 

ceramica, ma anche il vetro, il ferro, l’acciaio, 

fino a quelli “poveri” e di recupero. 

Il valore aggiunto di questo volume è rappresentato 

da una miriade di contributi critici che 

aiuteranno il lettore ad approfondire la cono- 

scenza degli artisti presenti e dei loro lavori. Fra 

le tante firme, anche quella di Antonio Paolucci, 

direttore dei Musei Vaticani, e di altri illustri 

critici d’arte quali Ugo Barlozzetti, Tommaso 

Paloscia, Giovanni Faccenda, Marco Moretti, 

Franco Riccomini, Pierfrancesco Listri, Paolo 

Levi e molti altri che hanno contribuito a scrivere 

la storia dell’arte contemporanea italiana. 

Dunque l’ennesimo importante tassello che 

viene ad ampliare il vasto repertorio degli artisti 

attivi nel nostro territorio che grazie a questa 

pubblicazione si troveranno ad esporre insieme 

le loro opere nel Parco d’arte Pazzagli di 

Firenze dal 29 marzo al 30 aprile 2015. 


Daniela Pronestì

Loriano Aiazzi 


Nato a Pistoia nel 1955, il suo percorso artistico è 

lungo e sofferto, instabile nella continuità, spasmodico 

nella ricerca di se stesso. Nel 1970 inizia 

con la pittura partecipando da subito a numerose collettive 

in Italia, Francia, Svizzera e ricevendo sempre lusinghieri apprezzamenti. 

Tuttavia la pittura non lo appaga a pieno; cerca 

qualcosa di diverso con cui trasmettere la sua 'forza' artistica 

che male accetta di essere confinata in uno spazio 

limitato da un formato più o meno ampio da cornice. Vuole 

inserire le sue opere in una dimensione più ampia, infinita. 

Per dieci anni crea in stato di litigiosa sofferenza interiore; 

cade e si risolleva, lotta e si abbandona ma, quando sembra 

tutto crollare, trova la certezza in quella unica strada percorribile 

capace di sconfiggere le sue inquietudini. È il 1990 

quando inizia a dedicarsi alla scultura. Non più il tocco leggero 

del pennello ma argillosa terra a piene mani, materia 

concreta, vibrante; da questa è iniziata la vita creata, da lì 

inizia la sua attività scultorea. Realizza numerose opere, anche 

di carattere sacro e commemorativo, si infittiscono 

sempre più le mostre personali e collettive in Italia e all’estero 

dove ottiene importanti successi e lusinghieri apprezzamenti 

di critica e di pubblico. Non tutte le manifestazioni 

che lo hanno visto fra i protagonisti si possono elencare, 

Vortice, 2003, bronzo cm. 220x30x25,5 

Torsione, 2005, bronzo, cm. 82x65x25 

Studio: Via Oste, 161 - 59013 Montemurlo (PO) 

www.lorianoaiazziscultura.com - laiazzi@alice.it 

5


Loriano Aiazzi 

Culla, 2005, bronzo, cm. 82x54x32,5 

ma, alcune in special modo sono più delle altre 

degne di nota, come la partecipazione alla 

Biennale Internazionale di Roma 2008, dove 

alcune opere vengono scelte e premiate e successivamente 

inviate a San Paolo del Brasile 

prima in gallerie e successivamente alla sede 

del Parlamento Nazionale Brasiliano. Personale 

alla Galleria Roos, di Greve in Chianti, da 

dove diverse sue sculture sono 'volate' in vari 

stati europei; ed a suggello di un anno veramente 

speciale la personale a Palazzo Panciatichi 

sede del Consiglio Regionale della Toscana 

in Firenze. In programma mostre personali a 

Rovereto di Trento, a Ferrara, Parigi, Firenze, 

Londra, Colonia, Pechino. 

Roberto Gheri 

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AIESM 

Associazione Internazionale di Eventi di Scultura Monumentale 

Bettino Francini, Diver/Gente, marmo, cm. 160x120x300 

AIESM, Associazione Internazionale Eventi di 

scultura monumentale è un’organizzazione 

senza scopo di lucro fondata in Canada nel 

1997 da un gruppo di artisti di differenti 

background. In particolare, tre sono i capostipiti 

che hanno dato inizio al tutto: Bettino 

Francini , artista italiano, scultore ma anche 

musicista, Roger La Palme , scultore canadese 

e Miguel Hernandez Urban, scultore messicano 

che ha votato la propria vita al mondo 

dell’arte e in particolare alla scultura monumentale. 

L’associazione, gestita fino al 2004 all’interno 

di una cerchia ristretta di artisti, inizia a co- 

I fondatori dell’associazione, da sinistra: Bettino Francini, Miguel Hernandez Urban, Roger La Palme 

Via di Terranuova, 11 - 52025 Montevarchi (AR) 

www.aiesm.com - info@aiesm.com 

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AIESM 

Miguel Hernandez Urban, Ritual de fuego, ferro verniciato e acciaio inox, 

cm. 1200x800x600 

struire la sua storia grazie all’organizzazione di 

simposi internazionali di scultura che i membri 

di allora si impegnano a organizzare nei 

propri paesi di origine coinvolgendo istituzioni 

pubbliche e private e chiamando gli altri 

membri a partecipare. 

L’associazione opera a livello internazionale e i 

suoi obiettivi sono: diffondere l’arte contemporanea 

nel mondo, in particolare l’arte pubblica, 

creare una rete di collaborazione e di 

supporto reciproco fra i membri e avvicinare il 

pubblico all’arte. La sua struttura internazionale 

le permette di organizzare differenti tipi di 

eventi relativi all’arte visuale e più specificamente 

alla scultura monumentale, favorendo 

l’incontro tra il pubblico mondiale, gli artisti e 

la loro arte. 

Una delle proposte di A.I.E.S.M. è l’organizzazione 

di simposi di scultura monumentale a 

livello internazionale. Per simposio di scultura 

si intende un seminario di lavoro che riunisce 

intorno a un tema (una tecnica o un materiale 

comune) un numero limitato di artisti provenienti 

da orizzonti culturali diversi al fine di 

realizzare una o più sculture su un sito comune 

o su diversi siti uniti gli uni agli altri e di favorire 

gli scambi intellettuali e professionali dei 

partecipanti, in un evento che si propone anche 

di coinvolgere in modo diretto la popolazione 

locale al fine di portarla a un approccio 

più partecipe e consapevole con l’arte contemporanea. 

Nell’attuazione dei suoi scopi statutari, l’associazione 

fino ad oggi ha organizzato e patrocinato 

nel mondo numerosi simposi Internazionali 

di scultura monumentale, che hanno 

portato alla creazione di oltre seicento sculture 

monumentali pubbliche, oggi permanente- 

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AIESM 

mente installate nelle aree urbane e nei parchi 

di città come San Paolo in Brasile, San Diego in 

California, Montreal in Canada, San José e 

Alajuela in Costa Rica, Città del Messico, Ecatepec, 

Comitan e San Luis Potosì nel Messico, 

Città di Lussemburgo nel Lussemburgo, Songkhla, 

Chiang Mai e Ubon Ratchathani in Tailandia, 

Flühli in Svizzera, Rosia Montana in 

Romania, Portimão in Portogallo, Bardonecchia 

e Sauze D’Oulx in Italia, Kathmandu in 

Nepal, Kiev in Ucraina, Santiago del Estero in 

Argentina, Kato Polemidia e Polistis Chrysochous 

in Cipro, Baroda in India, Belgrado in 

Serbia, Vosges in Francia, Penza in Russia, Toronto 

in Canada . 

L’apertura nel 2004 del portale web segna una 

svolta nell’attività dell’associazione, che si 

apre all’ingresso di nuovi membri, si impegna a 

offrire nuovi servizi e consolida la sua struttura. 

Oggi AIESM si pone tra le realtà più importanti 

e attive a livello internazionale nell’ambito 

della scultura, e grazie alla sua opera nel 

mondo, sono moltiplicate in maniera esponenziale 

le adesioni da parte di nuovi membri e 

al tempo stesso ha amplificato l’offerta di opportunità 

di lavoro. Inoltre, ogni membro trova 

il suo spazio personale sul portale, su cui pubblicare 

informazioni e immagini relative alla 

propria attività artistica; da parte sua l’associazione 

garantisce un sistema di informazione 

sulle principali opportunità artistiche nel mondo 

(simposi, concorsi, workshop… ecc). 

AIESM annovera tra i suoi membri artisti di diversa 

nazionalità e Manager Agenti nel mondo, 

in rappresentanza di ben venticinque paesi: Argentina, 

Belgio, Brasile, Canada, Cile, Cipro, 

Costa Rica, Croazia, Cuba, Ecuador, Finlandia, 

Francia, Germania, India, Italia, Lussemburgo, 

Messico, Nepal, Nuova Zelanda, Olanda, Portogallo, 

Russia, Svezia, Tailandia, Stati Uniti 

d’America, Ucraina, Slovenia. 

Roger La Palme, Memoire de la gens venu de la mer 

La sede centrale è a Montevarchi (AR), una ridente 

cittadina della Toscana, ed è gestita dal 

Presidente Bettino Francini che, con l’aiuto di 

un consiglio direttivo internazionale, coordina 

delle attività svolte dai vari Direttori e Agenti 

di AIESM nel mondo e cura la gestione del portale 

web, tramite il quale vengono diffuse le 

informazioni sulle attività dell’associazione tra 

i membri. 

A.I.E.S.M. rappresenta una valida risorsa per 

tutti quegli artisti desiderosi di essere informati 

sui principali contest internazionali al 

fine di realizzare i propri progetti nel mondo: 

per tutti gli interessati, basta iscriversi alla pagina 

www.aiesm.com, dove sarà possibile anche 

aderire al prossimo catalogo AIESM 2016 

che verrà distribuito a livello mondiale. 

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Daniele Alaimo 

Senza titolo, marmo bianco, cm. 80x60x30 

Nato a Pontedera nel 1960, inizia il 

proprio percorso artistico con pittura 

e grafica, mantenendo fede al figurativo 

con spunti di astratto informale. Ma la ricerca 

della tridimensionalità, con il passare 

degli anni, prende forza sul colore, diventa materia. 

Le sue prime sculture si rifanno all’Arte 

Povera, in particolare un connubio di pietra e 

ferro e successivamente pietra e marmi con 

una ricerca minuziosa sui colori. Le sculture di 

pietra grezza e pertici levigate si armonizzano 

tra loro con equilibrio e sensibilità, la dove la 

magia avvolge l’opera in maniera profonda e 

sentita. Le opere sono caratterizzate dalla ricerca 

di sintesi estetica e dal sentire la primordialità 

sul volto e sulla figura. La scelta impegnativa 

trascende l’ambito strettamente 

figurativo, l’indagine collega con il ritrarre le 

fattezze umane all’idealizzazione di tali fattezze, 

alla ricerca culturale della figura. Daniele 

interpreta e trasforma il volto della “maschera”, 

antico simbolo del rito, impronta dell’uomo 

e della sua cultura. L’umana maschera in 

cui ogni giorno ci identifichiamo. Il suo fare 

arte è denso di connessioni e richiami espliciti 

alla grande tradizione culturale americana 

pre-colombiana e africana. 

Via Sonnino, 75 - 56025 Lari (PI) - Cell. 339 8806899 - Studio laboratorio Giardino Lari (PI) 

danielealaimo@hotmail.it - www.danielealaimoscultore.it 

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Daniele Alaimo 

Senza titolo, marmo bianco, cm. 110x80x180 

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Giuseppe Aldi 

Nato a Lucca nel 1962, si diploma 

all’Istituto d’Arte “A.Passaglia” 

della stessa città sotto la direzione 

di Guglielmo Malato. Ancora studente, 

espone alla prima mostra del fumetto di 

Lucca, dove conosce Hugo Pratt e Lido 

Contemori. La sua attenzione è rivolta non 

solo alla pittura e alla scultura, ma anche 

alla poesia, alla musica, al fumetto e alla 

fotografia. Il primo periodo della sua produzione 

pittorica è d’intonazione realista, 

con particolare attenzione al tema del paesaggio 

e alle scene di vita quotidiana. Gli 

ultimi lavori evidenziano invece una sostanziale 

svolta espressiva avvenuta grazie 

all’incontro con l’astrazione cromatica e 

l’Informale gestuale. La scultura, ottenuta 

con il recupero e l’assemblaggio di frammenti 

meccanici, coincide con l’ultima parte 

della sua ricerca artistica. Al suo attivo 

ha numerose estemporanee, mostre collettive 

e personali. Ha esposto in diverse 

gallerie, tra cui: Pucci Art-Factory (Montopoli 

in Val d’Arno), Fiordamaro (Bientina, 

Pisa), L’Arte (Lucca), Hinsdale Gallery 

(Hinsdale-Illinois). Nel 2014 ha realizzato 

la personale di pittura e scultura "Frammenti 

d’identità" nello spazio curatoriale 

fiorentino Simultanea Spazi d’Arte. 

Verso la meta, 2014, acciaio, elementi meccanici, materiali 

di recupero, cm. 47 

(…) Le sue sculture, ottenute con materiali 

di recupero, riconducono il frammento 

all’unità mediante l’assemblaggio di singoli 

elementi - dadi, bulloni, rondelle, blocchi e 

piastre di ferro - combinati in maniera da creare 

figure simili ad un automa, vale a dire un incrocio 

tra l’essere umano e la macchina che esemplifica 

il senso di alienazione sotteso alla società contemporanea. 


Studio e abitazione: via del Brennero nord, 4140 - 55050 Piaggione (LU) 

beppone15@alice.it - www.giuseppealdi.it 

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Yelitza Altamirano Valle 


Nata in Perù, ha compiuto gli 

studi artistici presso l’Accademia 

di Belle Arti di Lima e nel 

1986 è venuta in Italia, a Firenze, dopo 

aver vinto una borsa di studio. Qui ha 

perfezionato gli studi di pittura, disegno, 

grafica e restauro e ha acquisito il 

metodo della decorazione su porcellana 

e alabastro. Premiata più volte in 

Perù, Svizzera e Italia (Premio “Il Fiorino”, 

Firenze, 1995; Premio di pittura 

murale, Roma), ha esposto le sue opere 

in numerose mostre biennali e internazionali. 

Lavora da anni allo sviluppo 

delle potenzialità: il suo scopo è recuperare 

le antiche tradizioni peruviane e 

trasmetterle ai giovani e giovanissimi 

mediante corsi e laboratori d’arte. Nel 

2001 ha fondato l'Associazione ONLUS 

- AYNI, laboratorio per l’interculturalità, 

la guarigione e l’autoguarigione che 

negli ultimi anni ha offerto il suo sostegno 

ai bambini del Centro Rural de Formacion 

en Alternancia Waynakunaq 

Riqcharinan Wasi a Cuzco, in Perù. Nel 

2001 a Torino e nel 2009 a Biella è stata 

nominata “Donna della Pace”. Le sue 

opere "Madonna della Nuvola" e "Cristo 

dei Miracoli" sono state esposte per 

quindici anni nella chiesa dell’Assunta 

di Settignano, mentre la Madonna degli 

Emigranti si trova a Roma nella chiesa 

di Santa Lucia, dove è esposta per la festività 

della santa. Nel 1997 ha dipinto 

un murales nel chiostro della chiesa di 

Warmy, Il femminile Sacro - La prima umanità, legno, 

cm. 120x47x50 

San Marco a Firenze; altri tre murales si trovano invece 

in provincia di Roma (Peschiera a San Paolo) e a 

Rieti. Nel 2010 ha esposto al Museo Navale di Pegli 

(Genova), nel 2011 a Pescia (Palazzo del Podestà, 

Gipsoteca), Varallo (Biblioteca Civica e Palazzo d’Adda), 

Firenze (Palazzo Bastogi) e nel 2014 a Lanciano 

(Palazzo degli Studi). 

Studio: Via Pandolfini 1 A/R - 50122 Firenze - Tel. 055 2344448 - Cell. 339 1903981 

yelitza.altamirano@yahoo.es - aynicolibri@alice.it - www.ayni.it - www.yelitza.it 

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Pietro Bartolini 

Pianta carnivora, bronzo, cm. 87x52x50 

Nato nel 1958 a Montelupo Fiorentino, 

dove risiede, ha esposto in personale 

alla Galleria Il Moro di Firenze 

(1984) e al Centro Studi Carlo Cattaneo di 

Fano. Numerose le collettive realizzate dagli 

anni Ottanta ad oggi. Tra queste si ricordano: 

Toscanello d’Oro (Pontassieve); Limonaia di 

Villa Strozzi (Firenze); Mostra mercato Etruria 

Arte (Venturina); Civitella Val di Chiana (Arezzo); 

Astrattamente parlando, Piazzale Donatello 

(Firenze); Fiera Mostra Mercato con Punto 

Arte (Spezia, Padova, Genova, Parma); 

Aprilart (Pistoia); Festa della Ceramica (Montelupo 

Fiorentino); Mostra Mercato (Reggio 

Emilia). Ha ricevuto il primo premio per la sezione 

scultura al Premio Parmarte. 

Hanno scritto di lui: Ugo Barlozzetti, Maria 

Stella Sguanci, Silvia Guasti, Dino Pasquali e 

Alessandro Lazzeri. 

Via Maremmana, 85 - 50056 Montelupo Fiorentino (FI) 

Tel. 339 6550958 

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Pietro Bartolini 

Arcuatamente, 2006, legno noce africano, cm. 80x74x4,5 

Tensioni interne, legno africano, cm. 106x78x5 

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Belarghes 

Ultimus Amor, bronzo, cm. 60 

La scultura in bronzo di Belarghes, “Ultimus 

Amor” è ispirata dall’atto eroico di 

Ofelia Mangini, una donna che, fatta 

prigioniera dai nazisti, riuscì a salvare il figlio 

facendolo fuggire prima di cadere uccisa. Oggi 

quel figlio ha 76 anni, e la sua vita è trascorsa 

nel ricordo di quel giorno. 

Lo scultore ha idealizzato quel dramma in 

un’opera spazialmente suddivisa in due triangoli, 

le cui diagonali partono dal baricentro 

delle due figure. 

L’articolazione dinamica del corpo della Madre 

agisce come una sorta di scudo per il figlio che, 

sollecitato dal gesto della mano materna, fugge 

coperto da quella barriera protettiva. 

Il panneggio della veste stracciata, è concepito 

per imprimere continuità dinamica alle due figure 

sottolineandone metaforicamente l’intenso 

legame affettivo, nonché la disperata 

forza interiore della donna che, sacrificando se 

stessa, riesce a salvare la sua creatura. 

Marco Moretti 

Cell. 393 5396820 

www.belarghes.it 

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Belarghes 

Il cieco, scultura in bronzo fusione a cera persa, altezza cm. 57, collezione privata 

Lo scultore Belarghes è nato nel 1963 a Valona 

in Albania. Si è avvicinato alla scultura a nove 

anni. Dopo aver vinto il concorso statale per 

studiare scultura al Liceo Artistico di Tirana ed 

essersi laureato all’Accademia di Belle Arti, è andato 

a vivere per dodici anni ad Atene in Grecia. 

Nel 2003 è arrivato in Italia, a Firenze, dove ha 

proseguito il suo percorso artistico. 

La scultura “Il cieco” il 2009 è stata esposta 

alla mostra “L’Arte, Il Genio e La Follia” nel 

complesso museale Santa Maria della Scala a 

Siena, organizzato da Vittorio Sgarbi, nella sezione 

Toscana curata dal critico Marco Moretti, 

ricevendo apprezzamenti dalla critica illustre. 

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Federica Berner Ghezzi 

Nata a Lucerna (Svizzera) il 14 

maggio 1949. Dopo studi ed 

esperienze nel campo della 

grafica arriva tardi alla pittura, da cui si è 

sentita attratta e che ha sempre coltivato, 

tuttavia, fin dalla più giovane età. Il 

centro dei suoi interessi sono le manifestazioni 

della vita, i suoi contenuti. 

Svizzera di nascita, cresciuta in Toscana, 

ha sviluppato e maturato a Milano la sua 

esperienza pittorica. I luoghi in cui ha vissuto 

hanno dato ciascuno un proprio 

contributo al suo stile; in termini di sicurezza 

del segno, di gioiosità del colore, di 

riflessione intimistica. 

Oggi dipinge tra Milano e Montaione ed 

esegue ritratti su commissione di persone 

e animali. 

È presente all’Accademia di Brera, all’Arcivescovado 

di Siena, al Museo Attivo 

delle forme inconsapevoli a Genova 

(Quarto), al Museo Internazionale Marino 

d’Arte Contemporanea ad Alessano 

(Lecce) e presso collezioni private. Ha 

esposto in Italia e all’estero. Negli anni 

recenti si è dedicata alla celebrazione di 

Brera e dei suoi artisti, creando l’installazione 

“Maestri di Brera” che ha portato in 

giro per il mondo ed esporrà a Milano al 

“Giamaica” a conclusione di Expo 2015. 

Hanno scritto di lei: Rolando Bellini, Paolo 

Biscottini, Andrea B. Del Quercio, Roberta 

Fiorini, Carlo Franza, Marta Isnenghi, 

Mimma Pasqua, Teodosio Marcucci, 

Muso, compensato su base in legno dipinti in acrilico, 

cm. 20x30x23h 

Luciano Giuseppe Volino, Isabella Bossi Fedrigotti, 

Lina Sotis e altri. 

“Uno dei caratteri più spiccati nella pittura di Federica 

Berner Ghezzi è la capacità di assecondare la definizione 

figurativa dei suoi soggetti - che, originalmente, 

nel ciclo di opere più recente, vedono 

protagonista “il miglior amico dell’uomo”, il cane - 

arricchendola con una stesura della materia cromatica 

alla quale spesso attribuisce qualità espressive 

persino informali stabilendo così un efficace equilibrio 

tra sintesi ed eloquenza. 

Pochi elementi narrativi bastano infatti alla Berner 

per catturare il senso di movimento e la suggestione 

spaziale e riportarci, delle forme e della scena, il valore 

emozionale che li dice essere frammenti di realtà 

dei quali esalta - nella sapiente stratificazione di 

colore e luce, nel gioco di vibrazioni cromatiche - il 

ruolo poetico dell’immagine e del “ritratto” nutrendo 

il dato realistico di più autentica affettività.” 


Via del Lauro, 10 - 20121 Milano - Cell. +39 348 9801117 

www.federicaberner.net - federica.berner@gmail.com 

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Piero Bertelli 


Adolescenza, bronzo, cm. 165, fontana Maternità, bronzo, cm. 130 

Nato a Montelupo Fiorentino (FI) nel 

1940, a sedici anni inizia a lavorare 

alla Fonderia d’Arte Marinelli di Firenze, 

dove entra in contatto con grandi maestri 

come Moschi, Innocenti, Tofanari e Berti e 

apprende la tecnica della fusione a cera persa, 

del ritocco, del cesello e della patinatura dei 

bronzi, maturando una particolare sensibilità 

per l’armonia plastica della forma. Prima 

dell’arte del plasmare, Bertelli aveva appreso 

le tecniche della fusione, le finezze del ritocco 

ed i segreti delle patinature. Per tali meriti il 

vecchio Manzù gli aveva chiesto negli anni Ottanta 

di trasferirsi da lui, ad Ardea, quale responsabile 

della sua fonderia. Dopo aver frequentato 

per tre anni la Scuola Libera del 

Nudo all’Accademia di Belle Arti di Firenze con 

il maestro Settala, Piero Bertelli inizia a dirigere 

la fonderia in cui aveva esordito da giovanissimo. 

Membro dell’Accademia Giampaoli per 

la medaglia d’Arte (Roma) e dell’Antica Compagnia 

del Paiolo (Firenze), le sue opere si trovano: 

chiesa di Santa Maria a Fibbiana (Montelupo 

Fiorentino) chiesa di San Donato a 

Livizzano (Montespertoli), Museo del Vetro 

Impagliato (Montelupo Fiorentino), Millar Gallery 

di Cincinnati, Life Nihon Gallery di Tokio, 

Horison Co. Ontario, Canada, Gallery l’Artique 

Via Giovanni XXIII°, 4 - Studio: Via Del Ponte Nuovo, 75 - 50056 Montelupo F.no (FI) 

Cell. 347 4685445 - enrico_bertelli@virgilio.it - piero.bertelli@virgilio.it 

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Monumento all’impagliatrice di fiaschi, creta, cm. 160, 

Museo del Vetro, La Torre, Montelupo F.no 

San Michele arcangelo, bronzo cm. 200 

Hillside New Yersej. È presente anche in moltissime 

gallerie private (Milano, Toronto, Okinawa, 

etc) e nel Museo del Bargello a Firenze. 

Ha esposto in permanenza alla Benjamin Gallery 

di Chicago, alla Wellfleet Art Gallery (Cape 

Cod, Massachusset) e a Palm Beach in Florida. 

Attualmente espone in permanenza alla Galleria 

Pietro Bazzanti di Firenze e lavora per la 

Swan King International Gallery di Mark Eaker a 

San Francisco in California. Ha lavorato per due 

anni ai modelli per il rifacimento delle Sale Imperiali 

del Cremlino a Mosca. 

20



Guerra, bronzo, cm. 60 

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Simone Biliotti 

Lo scultore Simone Biliotti alle cave di marmo di Carrara 

Scultore fiorentino, si è formato a Pietrasanta 

sotto la guida di artisti di livello 

internazionale. Scolpisce marmi pregiati 

e rari tra cui il portoro, il cristallino Onice bianco 

del Messico, il nero del Belgio, lo statuario 

bianco latte, il bardiglio nuvolato, l’extra noir 

Saint Laurent. Il suo stile raffinato ed elegante 

è il frutto di una ricerca poetica dell’armonia. 

Fa parte del Gruppo Donatello, dell'Antica 

Compagnia del Paiolo e del Circolo degli Artisti 

“Casa di Dante” di Firenze. La sua ultima personale 

s’intitola Una giumella di Universo. 

È capitato a tutti da bambini di soffermarsi ad 

osservare una pietra raccolta in riva al mare: i 

colori, le venature, l’aspetto levigato di una superficie 

che il tempo ha lungamente modellato. 

Un’esperienza che risveglia nell’essere 

umano un’emozione antica, quasi archetipica, 

non lontana da quella che ha impressionato la 

mente dei nostri progenitori inducendoli ad 

adorare la pietra ed ogni altro fenomeno naturale 

che sfuggiva alla loro comprensione. 

Un’emozione di cui però ben presto ci dimentichiamo, 

come di un sogno dopo il risveglio. 

Via dei Della Robbia, 52 - 50132 Firenze - Cell. 329 6026092 

info@firenze.toscana.it - FB: https://www.facebook.com/ArtistsInTheWorld 

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La dormiente, 2014, portoro, marmo nero 

Può succedere che sia un’opera d’arte a ridestarla, 

in virtù di quel privilegio che a pochi artisti 

è concesso: parlare il linguaggio della natura. 

Le sculture di Simone Biliotti evocano 

memorie di spiagge, concrezioni di rocce, materia 

terrestre lambita dall’acqua, attraversata 

dal vento: sono permeate da energie originarie, 

da un’intrinseca naturalità che affiora 

spontaneamente dalla forma, come a schiudere 

un segreto insito nel cuore millenario della 

materia. I loro volumi pieni e avvolgenti, brevemente 

interrotti dalla linearità dei tagli che 

ne determinano lo sviluppo plastico, esaltano 

l’assolutezza della forma, dandola come oggetto 

di pura contemplazione, anche quando 

la presenza di un riferimento figurale - La dormiente 

- sembra specificarne il senso. Il carattere 

biomorfico delle sue sculture è un invito a 

lavorare d’immaginazione, come facciamo 

quando nelle formazioni rocciose delle montagne 

abbiamo l’impressione di riconoscere il 

muso di un animale o il profilo di un uomo. Allo 

stesso modo nelle opere di Biliotti possiamo 

intravedere un paesaggio, un volto umano, un 

corpo femminile, il germoglio di un fiore e altre 

favolose configurazioni che nascono per successivi 

trapassi d’emozione. Essendo ottenute 

per via di levare, e quindi in sintonia con un’i- 

Lo scultore Biliotti al lavoro 

dea della materia come qualcosa che in se 

stessa tutto racchiude e convoglia, queste 

sculture liberano la forma da ogni vincolo imitativo 

per farla emergere quale presenza viva 

nel blocco materico. Ed è il superamento della 

connotazione narrativa del linguaggio plastico 

l’elemento da cui si evince una sensibilità tesa 

al recupero dei valori primari della scultura che 

si specificano sul piano dell’essenzialità e della 

purezza formale. 


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Felice Botta 


Santo Spirito, 2014, legno, collage, cm. 50x60 

Nasce a Greve in Chianti (FI) nel 1931; 

frequenta l’Istituto Statale d’Arte di 

Porta Romana a Firenze, seguendo la 

sezione di xilografia e grafica, quella di rame 

smaltato, cesello e bulino. In questa tecnica 

del rame smaltato ed anche dell’incisione, Felice 

Botta produce vari lavori passando poi 

alla grafica cartellonistica; la pittura tonale e i 

monocromi sono le tappe successive. L’incontro 

con il legno si sviluppa quindi d’improvviso, 

nel 1982, ma è il punto d’arrivo di un processo 

lungo e complesso. Prende avvio così il 

nuovo linguaggio di Botta che parte, come 

elemento essenziale, dalla ricerca del materiale 

scelto tra le spiagge, le baite, i cantieri 

fino alle discariche: legno ritrovato dovunque, 

povero e soprattutto testimonianza dell’aver 

vissuto con l’uomo. 

Studio: Via dei Della Robbia, 82 - 50132 Firenze 

Tel. 055 571202 - felice-botta@virgilio.it 

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Mario Brandaglia 

Ballerini, bronzo dorato 

STUDIO D’ARTE M° Mario Brandaglia - Via Trento, 271 - 50013 Campi Bisenzio (FI) 

Tel. 055 8999834 - mariobrandaglia@hotmail.com 

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Alberto Bruni 


La catena, pietra serena, mt. 18 per 215 anelli 

Alberto Bruni nasce a Castiglion Fiorentino 

(AR) nel 1930. Dopo la morte della 

moglie Iole, sopraffatto dal dolore e 

per riempire il vuoto della sua esistenza, nel 

1989 inizia a scolpire la pietra e nel ‘90 a dipingere. 

La sua produzione di sculture e pitture 

mostra un’interessante evoluzione sia per 

quanto riguarda il contenuto poetico che lo 

stile. Le figure, gli oggetti, gli animali, dell’immaginario 

di Alberto Bruni si arricchiscono 

sempre di nuovi elementi narrativi che raccontano 

la vita di tutti i giorni oppure sintetizzano 

i ricordi del passato e le riflessioni del presente. 

I volumi creati dal suo scalpello rivelano una 

linea sinuosa, attenta ai particolari, che mette 

in luce la facilità, la confidenza e l’affetto nei 

confronti della materia. Svariate sono le mostre 

che lo hanno visto partecipe sia in Italia 

che all’estero e molteplici gli attestati e i riconoscimenti 

ottenuti con servizi su riviste e testate 

di quotidiani locali e nazionali. Da alcuni 

anni tiene un corso di scultura su pietra agli 

studenti stranieri del centro studi “Santa Chiara”, 

Università Americana con sede a Castiglion 

Fiorentino, ottenendo dagli allievi ottimi 

risultati di apprendimento e manifestazioni di 

riconoscenza per la soddisfazione di imparare 

nuove tecniche artistiche. 

Via della Casina, 94 -52043 Castiglion Fiorentino (AR) 

Tel./Fax 0575 659190 - Cell. 339 8111935 - www.albertobruni.it - info@albertobruni.it 

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Antonio Bruno 

Installazione in acciaio e vetro duclus 

Quel che colpisce nella scultura di Antonio 

Bruno, è la capacità innata di 

usare con naturalezza un metallo 

freddo come l'acciaio, per dare vita ai propri 

pensieri e alle proprie emozioni. Ed è così che 

l'acciaio INOX, uno dei simboli della moderna 

società industrializzata e spersonalizzata, diventa 

mezzo per riaffermare la propria creatività 

individuale e fuggire dalla banalità, dagli 

oggetti fatti in serie, da un mondo programmato. 

Nascono opere che trovano nella creatività 

e nell'intuizione una forte carica espressiva 

liberatoria, tanto che si potrebbe dire che in 

certi casi è il metallo stesso la vera fonte d'ispirazione, 

suggerendo ora composizioni naturalistiche 

come fiori, piante; ora pure forme geometriche 

di risplendenti voli di uccelli o di vele 

tese da un vento impetuoso, oppure composizioni 

che possono essere considerate vere installazioni, 

che accolgono lucenti vetri colorati 

quasi a restituire cambiata e viva quella luce 

che l'acciaio riflette. 

Alla fine, per l'opera creativa dello scultore, il 

freddo e inanimato metallo diventa parte viva 

e integrante della natura stessa: sembra quasi 

che la fantasia dell'artista riesca da sola a restituirlo, 

nobilitato, a quella stessa terra da cui, 

materia informe ed amorfa, un giorno era stato 

strappato. 

Andrea Bolognesi 

Via Alta, 2 - 59013 Montemurlo (PO) 

Tel. 338 1205393 - antoniobruno1942@gmail.com 

30


Antonio Bruno 

Scultura in acciaio e vetro duclus 

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Amelio Bucciantini 

Amerigo Vespucci, nel Giardino dei Cerchi di Saturnana, 

acciaio inox, cm. 130x36 

Cristoforo Colombo, nel Giardino dei Cerchi di Saturnana, 

acciaio inox, cm. 120x40 

Amelio Bucciantini vive nella propria 

casa-studio in località Saturnana nel 

comune di Pistoia dove è nato nel 

1943. In questa città frequenta la Scuola d’Arte 

diretta da Giovanni Bassi ed ha come docenti 

gli artisti Alfiero Cappellini, Umberto Mariotti, 

Pietro Bugiani, Remo Gordigiani, Sigfrido Bartolini, 

Jorio Vivarelli. 

Consegue il diploma a Firenze all’Istituto d’Arte 

di Porta Romana diretto da Angelo Maria 

Landi. 

Successivamente, nella stessa Firenze, frequenta 

il Magistero d’Arte e consegue l’abilitazione 

all’insegnamento. Nel contempo opera come 

restauratore e progettista di architettura. 

Svolge attività di docenza nelle scuole medie 

della provincia di Pistoia fino al 1999. 

La sua attività artistica inizia nei primi anni Sessanta 

con la partecipazione a mostre collettive 

ed a premi di pittura. La prima personale è del 

1967 alla galleria Jolly 2 di Pistoia: da quella 

data Bucciantini è presente a moltissimi eventi 

d’arte sia in Italia che in molti paesi europei. 

Fra le opere realizzate dalla fine degli anni Ot- 

Tel. 0573 471123 

32


Amelio Bucciantini 

Chimera alata, nel Giardino dei Cerchi di Saturnana, 

acciaio inox, cm. 120x115x80 

Monumento allo studente, 2005, Scuola Media “B. da 

Montemagno” di Quarrata, acciaio-terracotta-cemento, 

mt. 9h 

tanta ad oggi ricordiamo due grandi dipinti 

collocati negli spazi del Circolo Ricreativo di 

Saturnana e la grande scultura in ferro “Cristo 

dei pellegrini” che si trova, dal 1997, sulla parete 

della torre campanaria della Pieve di Saturnana, 

dove è ospitato, dallo stesso anno, pure 

il grande dipinto “Cenacolo”, rappresentante 

l’ultima cena. 

Ancora nella stessa località pistoiese, negli 

anni 2004-2005, Bucciantini dipinge una 

grande opera sulla facciata del Museo delle 

Tradizioni Popolari e della Memoria. All’interno 

di tale museo sono inoltre presenti dipinti e 

sculture che si ispirano agli antichi mestieri ed 

agli attrezzi di lavoro lì esposti. 

Nel 2000 espone, nel giardino della scuola 

media di Quarrata, una installazione ispirata al 

mondo dei carbonai e dei boscaioli: si possono 

ammirare sculture che rappresentano il carbonaio, 

il taglialegna, il meo, gli attrezzi utilizzati 

nel lavoro ed i loro ambienti di vita. Nello stesso, 

nel 2005, viene collocata una sua grande 

scultura dedicata agli studenti. 

Inizia, negli stessi anni, a progettare e realizzare 

una serie di sculture in metallo- “Pinocchio: 

il burattino inossidabile” - che troviamo esposte 

nel 2005 a Pistoia e nel 2008 a Perugia 

presso il Parco d’Arte Gualdo Cattaneo: è un 

grande successo di pubblico e di critica che si 

concretizza nell’invito ad esporre tali opere a 

Francoforte prima e poi a Roma nel corso del 

2009, negli spazi della Biblioteca San Giorgio 

di Pistoia nel 2010 e nel Parco di Pinocchio a 

Collodi nel 2012. 

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Silvano Caldini 

Joele, 2010, argilla bianca, h cm. 35x110x58 

Silvano Caldini nasce a 

Firenze il 5 aprile 1948, 

studia per quattro anni 

Arti Grafiche all’Istituto Statale 

d’Arte di Firenze. 

Nel frattempo, grazie agli 

stimoli del professor Marcello 

Guasti, comincia ad appassionarsi alla scultura 

che diventerà la sua espressione artistica 

per eccellenza. 

Si dedica quindi alle arti plastiche eseguendo 

opere in materiali diversi quali pietra, marmo, 

legno, alabastro, bronzo e resina, partecipando 

a mostre in Firenze, Bologna, Milano e ricevendo 

riconoscimenti e premi. 

Esegue ritratti, ma ciò che lo interessa è l’espressione 

del corpo umano in movimento: le 

rotondità delle forme femminili nello splendore 

della loro potenza di vita; la forza maschile 

colta nella tensione muscolare. 

Dal 2005 frequenta l’Accademia di Belle Arti di 

Firenze, sezione Scuola Libera del Nudo. 

Frequenta anche lo studio privato del professor 

Vincenzo Ventimiglia, docente di scultura 

all’Accademia di Firenze. 

Fa parte dell’associazione “Ardengo Soffici”. 

Tel. 055 8307477 - Cell. 339 8824740 

s.caldini@libero.it 

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Joele, particolare 

Pittore e scultore, Silvano Caldini rivolge la sua 

ricerca al ritratto della realtà, con figurazioni di 

tema sacro quanto di soggetti familiari, riuscendo 

a conciliare valori contrastanti come 

sensualità e rigore, spiritualità e concretezza. 

Il suo è un realismo caldo che non si disperde 

nella minuzia dei dettagli mirando piuttosto 

ad una sintesi espressiva e formale nella quale 

esalta anche valori tattili capaci di coniugare 

levigatezza e rugosità della materia, sia essa 

legno, argilla, pietra o marmo. 

Nel suo linguaggio, così fondamentalmente 

essenziale, l'artista dota le forme di una peculiare 

postura architettonica eppure priva di 

qualunque rigidità, anzi infondendogli sempre 

un respiro poetico ed emozionale, tale che le 

sue figure sembrano incarnare, e coniare, una 

sorta di romanticismo contemplativo. Ne deriva 

una percezione di armonia che arricchisce 

l'attinenza al vero, ed il timbro contemporaneo 

di cogliere pose “in atto”, di una sospesa 

ed elegante dimensione di classicità. 


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La vita, 2012, legno di ippocastano, h cm. 85x35x20 

36



Emma, 2009, legno di cirmolo, h cm. 100. “Fiorino d'Oro” al XXVII Premio Firenze 

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Michele Callai 

Re per un attimo, 2006, bronzo, dimensioni al naturale 

Michele Callai è nato a Livorno nel 

1965 ed espone da circa 25 anni. 

Ha alle spalle numerose mostre 

personali e collettive in sedi nazionali ed internazionali. 

Il suo personale linguaggio, orientato verso l’astratto 

informale, caratterizza una pittura fatta 

di stratificazioni usando colori, graffiti, segni 

e assemblaggi su tela, masonite o altri materiali 

di recupero, così come la sua ultima ricerca 

anche scultorea e di installazione. 

Nelle sue opere esprime il disagio dell’uomo 

contemporaneo di fronte alla realtà opprimente 

che tende ad annullarlo. 

L’arte diviene il suo tormento per restare desto 

e cercare di destare. 

Via Montegrappa, 22 - 57023 Cecina (LI) 

Tel./Fax 0586 686360 - Cell. 347 7160860 - michecalla@tiscali.it 

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Michele Callai 

Indicatore, 2011, legno, diam. cm. 25 x cm. 200 altezza 

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Giuseppe Calonaci 

Porta d'Europa, 1996-99, bronzo patinato, cm. 480x380 

Pittore e scultore, è nato nel 1931. Frequenta 

la Scuola d’Arte nel dopoguerra, 

nel clima della ricostruzione in Toscana. 

Si forma nel MAC (Movimento Arte Concreta) 

di Forma I e soprattutto nel fiorentino Astrattismo 

Classico e sviluppa la lezione astrattoconcreta 

in un’ampia gamma di applicazioni 

tecnologiche e di soluzioni formali. Ha compiuto 

ricerche e realizzato grandi opere con 

visioni a tutto campo. La sua ricerca si è svolta 

per cicli, sempre contrassegnati da un titolo 

che spiega il tema dominante. La riflessione 

sul linguaggio astratto lo ha condotto ad individuare 

forme simboliche quali il cerchio radiante, 

cioè il principio che genera energia. Nel 

1955 dà vita a una fabbrica di smalti d’arte su 

acciaio, la S.I.V.A., e dal 1957, con le avanguardie 

fiorentine, lavora nell’ambito dell’Astrattismo 

Classico. 

Ha ricevuto numerosi ed importanti premi e lui 

stesso ne ha fondati due. Ha al suo attivo circa 

settanta mostre personali in tutto il mondo e 

oltre cento rassegne. Ha scandito il suo lavoro 

in dieci periodi e quello attuale si chiama 

“Astrattismo & Citazione”. Hanno scritto di lui 

importanti critici, come testimoniano molti 

cataloghi, riviste e quotidiani. 

Di grande successo sono state le mostre tenu- 

Via Andreuccetti, 31 - 53036 Poggibonsi (SI) 

Tel. +39 0577 937295 - info@calonaci.com - www.calonaci.com 

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te a: Firenze, Milano, Siena, Caserta, Roma, 

Livorno, Arezzo, Palermo, Reggio Emilia, 

Bergamo, Ravenna, Venezia, L’Aquila, Brescia, 

Padova, Viareggio, Prato, Cagliari, Bari, 

Varese, Catania, Modena, Spoleto, Napoli, 

Carrara, Parigi, Montreal, Ottawa, Tokyo, 

Hot Springs (Arkansas), Bali, Abilene (USA), 

San José, Costa Rica, Arabia Saudita, Avignone, 

Santiago, Ecuador, Rio de Janeiro, 

Olinda (Brasile), San Paolo del Brasile, Mendoza 

(Argentina), Madrid, Bornem (Belgio), 

e ancora Egitto, Giordania, Siria, San Pietroburgo, 

India, Messico, Cambogia, Libia. 

Le sue opere si trovano in moltissimi spazi 

pubblici, in musei, in collezioni private, sia 

in Italia che all’estero. A Hot Springs, negli 

Stati Uniti, in occasione di una sua personale 

del 1990, viene insignito del titolo di Ambasciatore 

onorario dell’Arkansas dal Governatore 

Bill Clinton e di cittadino onorario 

di Hot Springs dal sindaco della città. Dal 

2007 è Accademico delle Arti del Disegno 

della prestigiosa Accademia Fiorentina e 

Cavaliere della Repubblica Italiana. Nel 

2009 la mostra “Calonaci Città Verticali” a 

cura di Nicola Micieli, Enrico Crispolti e Corrado 

Marsan, ha avuto luogo nella Galleria 

dell'Accademia delle Arti del Disegno a Palazzo 

Pitti (Giardino di Boboli) e a Palazzo 

Medici Riccardi. Nel 2010 riceve il premio 

internazionale “Le Muse” nel simbolo di 

Erato; fra i premiati nel segno di questa 

Musa ricordiamo: Henry Moore, Marc Chagall, 

Emilio Greco, Giacomo Manzù, Giò Pomodoro, 

Fernando Botero, Jean Michel Folon, 

Giuliano Vangi, Paola Crema. 

Città verticali n. 1, 2009, bronzo a cera persa patinato, 

cm. 500 su base 

Storici dell'arte curatori dell'opera di Calonaci: 

Lara Vinca Masini, Corrado Marsan, Fiamma Vigo, 

Piero Santi, Flavio Quarantotto, Enrico Crispolti, 

Giuseppe Marchiori, Enzo Carli, Eugenio Miccini, 

Raffaele De Grada, Franco Solmi, Tommaso Paloscia, 

Pierre Restany, Dino Pasquali, Giorgio Segato, 

Giulio Carlo Argan, Fortunato Bellonzi, Georges 

Sharbonnier, Nicola Micieli, Giorgio di Genova, 

Filiberto Menna, Giuseppe Mantelli, Ferruccio 

Ulivi, Luigi Zangheri, Paola Grifoni, Mario Lolli 

Ghetti, Cristina Acidini, Alessandro Cecchi, Luigi 

Paolo Finizio, Martina Corniati. 

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Franco Cappellini 

La pazzia, 2013, pietra grigia forte 

Franco Cappellini, conosciuto e apprezzato 

scultore è nato a Vicchio del Mugello, 

vive ed opera a Scandicci. È presente con 

le sue opere a Firenze, a Scandicci ed a Sesto Fiorentino. 

Le sue sculture, che impreziosiscono luoghi ed 

enti pubblici e sedi di associazioni, sono visitabili 

dal pubblico interessato e sono collocate in permanenza 

a Firenze presso il Caffè Storico Giubbe 

Rosse, alla sede della CNA e nello Spazio Eventi 

del Bocciodromo di Scandicci, presso il Centro 

Oncologico Fiorentino di Sesto Fiorentino, all’Ospedale 

Torregalli di Firenze ed altre ancora. 

Fa parte del Consiglio Direttivo del Centro d’Arte 

Modigliani e partecipa alle iniziative artistiche 

organizzate e coordinate da Riccardo Ghiribelli 

alle Giubbe Rosse. 

Franco Cappellini dal 2004 è spesso invitato a 

mostre e rassegne ed ha tenuto la sua personale 

"Lithos" nel giugno 2014 a Firenze a Villa Bandini 

nel Quartiere 3. In mostra erano esposte 

molte sue sculture, tutte in pietra grigia forte, 

con al centro della sala la grande scultura in ferro 

forgiato e saldato "Il dragone domato", alta 

due metri. 

Lo stile istintivo, gestuale, concettuale e visionario 

di Franco Cappellini richiama il Primitivismo 

francese e la scultura africana, anche se l’artista 

si dichiara scultore di getto e senza maestri. Possiamo 

considerare la sua opera come un ulteriore 

sviluppo della ricerca dell’avanguardia artistica 

del secondo decennio del Novecento. 

Caterina Trombetti 

Cell. 377 5060896 

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Franco Cappellini 

Nei tuoi occhi, 2014, pietra grigia forte 

Bigatto tutto matto, 2014, pietra grigia forte 

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Giancarlo Carrai 

Lo scultore Carrai con la sua opera dal titolo Sguardi 

Sculture d’ispirazione neoclassica, restauro 

di pezzi antichi, creazioni contemporanee 

uniche. Si muove sul confine labile 

che divide da sempre l’artigiano dall’artista il 

lavoro di Giancarlo Carrai che, nato a Santa 

Luce Orciano (Pi) nel 1953, vive e lavora a Lastra 

a Signa. 

Nel suo laboratorio immerso nel verde di San 

Romolo, sul colle più alto del Comune, da cui 

domina tutta la vallata dell’Arno, Carrai si dedica 

alla realizzazione di opere d’ispirazione 

classica e neoclassica. 

Grande attenzione è dedicata alle figure femminili, 

dalle pose aggraziate e dai tratti delicati. 

Ciascuna scultura è realizzata studiando i 

dettagli in ogni passaggio: le opere prima sono 

plasmate in creta, poi calcate in gesso, realizzando 

il negativo e quindi il positivo, infine levigate 

e rifinite. 

L’attività di Giancarlo Carrai ha però mille sfumature 

e abbraccia maiolica, porcellana e cotto, 

spaziando dalla creazione di sculture fino 

Cell. 339 3312456 

giancarlocarrai@outlook.it 

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Giancarlo Carrai 

Smorfie sotto il cappello 

Uomo spacca mondo 

alla realizzazione di fregi ornamentali e bassorilievi. 

La sua abilità nelle arti plastiche gli consente 

anche di recuperare alla perfezione pezzi 

antichi che, grazie a un accurato lavoro di restauro, 

ritornano allo splendore originario. 

Ma l’artista viene fuori specialmente nella 

produzione più recente, dove alla tecnica sapiente 

si unisce il guizzo creativo: prendono 

vita così sculture di grande impatto, spesso 

dominate da linee geometriche, a volte quasi 

spigolose, ma sempre caratterizzate da una 

forza dirompente. Alcune sembrano svilupparsi 

come antichi totem, altre ricordano maschere 

carnevalesche, altre ancora sono figure 

solide ed energiche. Quasi degli enigmi da decifrare, 

con una faccia nuova da scoprire a ogni 

sguardo o un dettaglio da cercare come in una 

matrioska. 

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Fernando Casalini 

Cinthia, 1972, bronzo. Collez. Accademia delle Arti 

del Disegno 

Nato a Frassineto (AR) nel 1937. Allievo 

di Alfonso Boninsegni, Oscar Gallo e 

Venanzo Crocetti, ha conseguito 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze il diploma 

in Scultura, con una tesi sulle proporzioni nella 

pittura del Quattrocento e del Cinquecento in 

cui esamina gli schemi geometrico-proporzionali 

degli insiemi e alcune riduzioni prospettiche. 

La trattazione fu consultata prima da Varo 

Cioli, poi dal professor Luciano Berti - allora 

direttore del Bargello e in seguito direttore degli 

Uffizi - il quale lo incaricò degli studi geometrico-proporzionali 

nella pittura del Beato 

Angelico. Alcuni di questi grafici sono stati 

Figura in movimento, 1975, bronzo, h. cm. 78 

pubblicati ne "L’Angelico a San Marco" di Luciano 

Berti (Firenze 1965). Sempre su incarico 

di Berti, Casalini procede allo studio dei grafici 

geometrico-proporzionali e delle ipotesi di ricostruzione 

di alcune opere di Piero della Francesca, 

raccogliendo i risultati nel saggio "Ipotesi 

di lavoro sull’opera di Piero della 

Francesca", pubblicato sulla rivista "L’Arte" nel 

Via M. Filzi, 26/E - 52100 Arezzo 

Tel. 0575 942386 

46



Torso femminile, 1975, bronzo, cm. 75 

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Fernando Casalini accanto all’opera Ritratto alla madre, 

1974, terracotta, h cm. 50 

1968. È stato insegnante di Figura Disegnata 

presso il Liceo Artistico di Firenze. Ha allestito 

personali a Firenze (Galleria Le Colonnine 

nel 1977 e 1979, Compagnia del 

Paiolo, Società delle Belle Arti - Circolo degli 

Artisti Casa di Dante, Accademia delle 

Arti del Disegno, Gruppo Donatello) e a 

Frassineto nel 1980. Ha inoltre partecipato 

a diverse collettive, tra cui la 2°e 3° Biennale 

Internazionale Dantesca di Ravenna 

(1975 e 1977) e al concorso “Mostra del ritratto 

contemporaneo” - Società delle Belle 

Arti - Circolo degli Artisti (Casa di Dante) 

nel 1979, dove ha conseguito il primo premio 

ex aequo. Su Casalini hanno scritto 

Berti, Bettini, De Martino, Mugnone, Pallanti, 

Saldarelli, Barlozzetti, Hagge, Bellanca, 

Cinelli, Cerra e Cherubini. 

Le sue opere si trovano in collezioni pubbliche 

e private. 

Un artista e un uomo particolare; una grande 

anima che percepisce la drammaticità 

dell’esistenza dell’essere umano, con la 

dolcezza e l’ingenuità di un bambino intelligente 

che sa soffrire e gioire in uno straordinario 

rapporto improntato alla bontà con 

gli altri esseri umani. Certamente Fernando 

Casalini entrerà nella Storia dell’arte toscana 

e italiana di questi tempi; ma ha anche 

molte probabilità di finire - quando sarà la 

sua ora - in Paradiso. 

Ritratto di Gail, 1974, gesso, cm. 50x50x35 

Giovanni Pallanti 

Tratto dal catalogo della mostra 

“Fernando Casalini. Forma e colore” allestita a Firenze 

presso la Sala Esposizioni dell’Accademia delle Arti 

del Disegno dal 3 al 29 marzo 2012. 

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Giuseppe Caselle 


Il dono della vita, pietra del Nilo, cm. 50x40x35 

Nato a Melfi (PZ), ha studiato al liceo 

artistico e frequentato le botteghe di 

artisti locali, completando gli studi a 

Firenze, dove è entrato in contatto con artisti 

come Martini, Mori, Berti e Vivarelli. Tratta 

materiali diversi (terracotta, marmo, bronzo, 

lavagna) ma si esprime preferibilmente con la 

pietra. Ha esposto in numerose mostre e rassegne 

in Italia, Francia, Giappone, Brasile, a 

New York, Bratislava, ottenendo premi e riconoscimenti 

di rilievo, tra cui il Premio Biennale 

di Venezia 1993, il Premio Quadriennale di 

Roma 1994 e recentemente (2006/2007) i 

premi Rembrandt a Lecce, Roma Città Santa e 

Firenze Artisti in Primo Piano. Ha realizzato 

monumenti per le piazze di molte località italiane. 

Sue opere sono in collezioni pubbliche e 

private. 

Via Umberto 1°, 26 - 59016 Poggio a Caiano (PO) 

Tel. 055 8798321 - Cell. 333 6128949 

49


Anna Cecchetti 

l’Ospedale Meyer di Careggi (3 grandi 

dipinti di mt. 1x1,50 della serie "Lascia 

la porta spalancata alla vita"). Sue opere 

sono esposte nel Museo di Varsavia 

ed in collezioni private e pubbliche: Regione 

Toscana, Provincia Firenze, Comune 

Fiesole, Comune Orosei, Comune 

Rieti, Telesiamuseum Reggio Calabria, 

Museo Gino Bartali, Convento S. Marco 

(FI), Villa Caruso Lastra a Signa, Sede 

Provinciale Coni-Firenze, Caffè Letterario 

Giubbe Rosse. Nel 2014 ha festeggiato 

il cinquantennale artistico con 

una mostra personale a Forte dei Marmi 

(Museo Guidi e Hotel Logos) ed una 

mostra antologica a Firenze in Palazzo 

Medici Riccardi, segue una Personale al 

Lu.C.C.A. Museum - Lucca Center of 

Contemporary Art. 

Senza titolo, marmo bianco statuario, 2010, cm. 26x24 

Pittrice e scultrice, le sue opere sono in esposizione 

permanente a Firenze presso l’Ospedale 

Piero Palagi (36 grandi ritratti di artisti e 

poeti fiorentini, 2 pannelli dal titolo "Inno alla Vita" 

ciascuno di mt. 6x1,50, della stessa serie 15 quadri 

nel Reparto di Dermatologia e la scultura in marmo 

statuario alta 150 centimetri dal titolo "Cipresso 

umano" collocata nel giardino del quarto piano) e 

Attraverso le sculture Anna Cecchetti ci 

offre un ulteriore significativo saggio 

della propria intensa ricerca di emozioni. 

Le sculture in marmo, al di là delle 

dimensioni - che sono di piccolo formato 

- hanno una monumentalità ove la 

sintesi della figura riesce ad esprimere i 

ritmi di una valenza sostanzialmente 

musicale, ulteriore testimonianza della 

radice classica e quindi profondamente 

fiorentina e colta del proprio vitalismo. 

Ugo Barlozzetti 

Studio: via Kyoto, 39/41 - 50126 Firenze 

anna.cecchetti44@gmail.com - www.anna.cecchetti.xoom.it 

50

Elisabetta Cialli 


Luna nera, argilla refrattaria, silice, oro, cm. h 35x36 

Artista eclettica, vive e lavora a Firenze 

dove si forma al Liceo Artistico e studia 

Architettura e Design. Il suo interesse 

per l’Arte la porta a sperimentare e, quindi, intrecciare 

fra loro, differenti modi espressivi, dal 

teatro alla scultura alla pittura alla ceramica 

artistica, dai quali attinge ecletticamente per 

manifestare la sua creatività. 

La sperimentazione in scultura e ceramica si 

esprime principalmente nel coniugare forma e 

funzione, dove la cromaticità è spesso determinata 

dalla contaminazione dei materiali 

usati e da una ricerca del colore sulle superfici 

lavorate. Le sue opere sono pensate come se il 

colore si trasformasse in materia, predomina 

l’uso dell’oro come elemento che li contraddistingue. 

Luna nera 

La “Luna nera” è realizzata interamente a 

mano formando un tipo di argilla refrattaria la 

cui peculiarità è il suo impasto di colore scuro 

miscelato alla ”mica“ (minerale silicato) che ne 

esalta la bellezza e la luminosità. La forma evoca 

la notte nella sua totale e magica oscurità 

creando un’immagine onirica esaltata dalla 

luce dorata che brilla dall’interno fino a scendere 

come una lacrima sulla sua stessa guancia. 

La sfoglia sottile ha permesso di creare una 

forma con dimensioni che ne esaltassero la 

leggerezza. Al suo esterno è lasciata al naturale; 

all’interno è interamente decorata a terzo 

fuoco in oro 23,75%k, come un intervento in 

silice che sgorga dal vertice alto. 

Cell. 320 6074270 - Facebook: eliciaart 

elisacialli@libero.it - www.eliciaart.altervista.org/ 

51


Andrea Ciampini 

Nato a Pontedera (PI) nel 1969, 

vive e lavora a Volterra. 

Il legno è la materia di elezione 

dell’opera di Andrea Ciampini. Le sue sculture 

nascono dalla continua ricerca di elementi 

naturali, quali radici, tronchi e rami, 

con i quali la sua fantasia può esprimersi liberamente, 

in un dialogo vivo e pulsante, 

mai pietrificato in idee costruite. Le sue 

opere si realizzano concretamente nella dinamicità 

delle figure tese nello slancio, nei 

profili lunghi e sinuosi, nelle superfici estremamente 

levigate, o nelle parti scabrose 

della corteccia, dove la luce scorre, penetra 

o avvolge, con effetti chiaroscurali sapientemente 

modulati. 

I Pinocchi fanno parte di una serie di sculture 

nelle quali vengono interpretati viaggi 

impossibili di personaggi irreali, in un’atmosfera 

di fantasia e di gioco, tesa a rappresentare 

riflessioni profonde sulla natura 

dell’essere umano. 

Ombra solitaria, 1993, radice di mare, cm. 60x5x6 

Loc. Villa Fitti, 74 - 56048 Volterra (PI) 

andrea.ciampini@hotmail.it 

52



La coscienza dell’io (fronte), 2009, albero di olivo, 

cm. 300x200x48 

La coscienza dell’io (retro), 2009, albero di olivo, 

cm. 300x200x48 

53



La prima bugia, 2008, ramo di olivo, cm.73x20x7 

Pinocchio, 2008, ramo di olivo, cm. 82x21x16 

Il monello, 2009, ramo di olivo, cm 80x46x4 

54



Trasformazione, 2009, ramo di olivo, cm. 75x20x7 

In carne ed ossa, 2009, ramo di olivo, cm. 56x37x8 

55


Liliana Cika Kosturi 

Figura, legno 

Figura, marmo 

Liliana Cika Kosturi nasce a Tirana. Si laurea 

in Scultura Monumentale nel 1976 

all'Accademia di Belle Arti di Tirana. Partecipa 

a tutte le esposizioni che si tengono in 

Albania. Tra le mostre personali: nel 2001 alla 

Rocca di Castellina in Chianti; nel 2006 a San 

Gimignano, nel 2009 a Poggibonsi (Di poesia 

in materia II); nel 2012 a Casole d'Elsa (WORL- 

DARTIST). Nel 2013 partecipa al Festival delle 

Belle Arti e della Cultura del secolo XXI. Nel 

2014 espone ad Art Exhibition a Milano e alla 

Roa Gallery di Londra. 

Ha ricevuto importanti riconoscimenti: nel 

2003 all'Accademia Internazionale "Il Marzocco" 

di Firenze; nel 2011 al Concorso Internazionale 

a Tokyo e partecipacione a Bruxelles, 

esposizione al Centro di Diffusione Arte Avanguardie 

Artistiche a Parigi, all'Artexpo Gallery 

di Montecarlo, premio oscar arte visive. Nel 

2012 Premio della Lupa, Palazzo Pontificio, 

quinto premio e medaglia, a Roma; nel 2013 

Premio Le Marais, Galleria Thuiller a Parigi. 

liliana.cika@yahoo.it 

56


Liliana Cika Kosturi 

Ballo d'altri tempi, terracotta 

“La Cika ha esposto recentemente a San Gimignano 

i suoi nudi di "statuario" impalpabili, levigati, 

volutamente incompiuti, o abbozzati 

appena, antiche vesti coprono i corpi di donne 

giunte dalla storia della sua terra, l'Albania. La 

sua scultura è immediata istintiva e particolarmente 

umana, il suo eros è senza tempo, le figure 

sono di una bellezza antica, che si rinnova, 

portando con sé le tracce del suo paese, che si 

fonde con il mito e con la storia del mondo.” 


“Per Liliana Kosturi Cika,il legno e la terracotta 

devono essere lasciati del loro colore naturale, 

nelle nuances dell'ocra e del marrone, le forme 

debbono essere quelle umane ancorché stilizzate, 

sintesi plastiche di luce ed ombra colte in 

pose statiche, che esaltano la meditazione, la 

riflessione sulla vita e sull'esistenza umana.” 

Alvaro Spagnesi 

“L'artista plasma la materia fino a raggiungere 

i sentimenti, ad essere percepiti gli stati dell'anima, 

un'anima che rifiuta questa società, 

un'anima infine che vaga alla ricerca del suo 

nuovo status.” 

Salvatore Russo 

“L'artista con il suo peso di cultura e di arte riesce 

ad inserire in ogni opera un tassello qualificato 

di professionalità non comune.” 

Antonio Malmo 

57


Roberto Coccoloni 

Scultore del legno e della pietra 

“Mi piace pensare a me come ad uno scultore. 

Mi piace pensare allo scultore come colui che 

si confronta con la materia, che con la materia 

riesce ad instaurare una dialogo che si sintetizza 

in una forma. 

E l’idea rimane impalpabile, nascosta, non si 

impone. 

L’idea come un collante nascosto che diviene e 

si trasforma: l’idea elemento dinamico e magico 

di questo confronto.” 

Via Maffei, 71 - 50133 Firenze 

Cell. 347 0879429 - rcoccoloniscultore@gmail.com 

58


Roberto Coccoloni 

59


Elisabetta Collini 

La madre terra, 2012, bronzo, cm. 16x14x35 h 

La qualità realizzativa, il “saper fare” 

corrisponde a una profonda tensione 

culturale che rimanda al nesso, 

(…) 

così poco frequentato, tra estetica ed etica. 

Elisabetta continua ad esprimersi con la scultura 

in terracotta e bronzo cogliendo il nuovo 

statuto dell’immagine e quindi la figura, come 

occasione e strumento di emozioni e significati. 

Emerge e si conferma una formazione culturale 

e un percorso particolarmente sensibile al 

recupero della ricchezza e profondità dei messaggi 

possibili nelle stratificazioni del rapporto 

tra un’indagine appassionata del mondo della 

natura e l’inserimento di elementi simbolicoallusivi 

(…). 


elisa.collini@virgilio.it 

60

Maria Beatrice Coppi 


Nell’alveo fascinoso di un figurativo arricchito 

con molteplicità di stimoli e 

accezioni si evolve, insieme alla sua 

maggiore intonazione, l’esclusivo esercizio creativo 

di Maria Beatrice Coppi. Riferimento precipuo 

l’uomo, nell’interezza del suo essere fisico, 

metafisico, esistenziale. Ogni opera ne 

stabilisce l’incontro di corpo e anima, razionalità 

e sentimento, mito e verità. Elementi in contrapposizione 

che giungono a contatto senza 

stridere le corde della poesia ed evidenziando il 

dualismo ancestrale fra materia e spirito. Si 

spiega in questi termini il ricorso frequente al 

tema della battaglia. In esso si rispecchiano le 

continue lotte interiori fra bene e male, contrasti 

che pervengono alla soluzione mediante 

l’intervento della volontà umana. Così gli episodi 

bellici assumono un significato assoluto, 

valido oltre le coordinate spazio-temporali fornite 

dall’artista. A prescindere dal cambiamento 

dei costumi e dall’evoluzione tecnologica, 

l’immutabilità delle passioni rappresenta la radice 

più profonda di conflitti personali come 

delle guerre planetarie. Muovendo da una sfera 

intimistica, Maria Beatrice Coppi rivolge la propria 

analisi al mondo contemporaneo, individua 

i mali che affliggono il nostro tempo e li 

denuncia adottando scelte poetiche e allusive 

di forte impatto emotivo. L’equilibrio pacato, 

segno distintivo dei suoi lavori, vacilla travolto 

dall’intensa partecipazione interiore manifestata 

con efficacia espressionistica. Tuttavia, 

anche nelle realizzazioni più toccanti, la figura 

resiste al tumulto dell’emozione. L’irrazionalità 

del dolore trova un argine robusto nella perfezione 

del corpo umano che diviene inconfutabile 

principio costruttivo del reale. La cifra stilistica 

di quest’artista rimane la classicità. Un 

richiamo alla civiltà antica esplicitato in moduli 

compositivi sobri, ispirati a prestigiose testimonianze 

artistiche del passato. I riferimenti 

riguardano anche i soggetti rappresentati. 

Spesso si tratta di creature mitiche, divinità del 

pantheon greco-romano a cui viene affidato il 

compito di evocare le suggestioni fascinose 

della mitologia. 

Giovanni Faccenda 

tratto da I volti della memoria 

Vivere è lottare, piangere e gioire, saper apprezzare 

cose e amare; in poche parole essere 

consapevoli di questo cammino di carne e spirito, 

di miseria e di sublime, di relatività ed 

eterno, nella pochezza e nell’immensità 

dell’infinito. Come protagonista e al tempo 

stesso come distaccata spettatrice, cerco di 

trasmettere queste sensazioni nelle mie opere, 

le battaglie spirituali e materiali, la bellezza del 

creato, il mondo interiore che affiora in uno 

sguardo, l’emozione, il movimento che cangia 

in sentimento, le lotte e le passioni che vivono 

in ognuno di noi e avverto la continua dualità 

dei conflitti irrisolti di cui siamo impastati. 


Con queste toccanti parole Maria Beatrice 

Coppi ci offre la chiave interpretativa della 

sua poliedrica produzione artistica che tocca 

la pittura, la scultura e anche la poesia, indicative 

tutte di una sensibilità raffinata volta ad 

indagare il mistero dell’uomo e della sua esistenza 

e a riviverlo nel suo eterno dualismo 

tramite un’inesausta carica creativa. 

Lidia Righi Guerzoni 

www.coppimariabeatrice.it 

Cell. 3355499264 

61



Coppia, 2005, scultura in enfero, cm. 42x30x75 

Il ritmo dei piani scalati in profondità rivela 

una continua alternanza di concavità e convessità; 

una duplicità di aspetti contrastanti 

ma complementari. Il conflitto fra generi diversi 

si risolve giungendo alla coesistenza armoniosa 

in un’unica entità resa compatta dalla 

solidità del mezzo. La ruvida consistenza 

della pietra si scioglie in un abbraccio dai tratti 

morbidi. La rigidità della materia è stata domata. 

Ora la forma organica si manifesta in 

essa animandola di sussulti vitali. Curve sinuose, 

pacate cadenze lineari costituiscono figure 

a cui l’incidenza della luce conferma una struttura 

aggettante. 

62



Guerriero, 2014, scultura in enfero, cm. 43x33x73 

Il furore della battaglia sembra aver sfiorato 

marginalmente il soldato che, ancora appostato, 

aspetta l’arrivo del nemico con lo scudo 

in posizione difensiva. Nella massa greve si avverte 

la percezione immota dell’attesa. La figura 

è imprigionata dentro una spessa cortina 

lapidea che ne ottunde i movimenti causando 

un pesante torpore. Soltanto le membra e il 

capo emergono dalla materia distinguendosi 

dalla corazza costituita di strati litici assemblati 

l’uno sull’altro, secondo procedimenti di 

natura costruttivista. La sintesi figurativa raggiunta 

effettua lievi accenni alla forma pur 

preservando la sua attitudine espressiva. 

63



Testa virile in vetro soffiato, ambra e oro montata su bronzo 

Salvatore Cipolla mi ha aperto la porta verso 

la scultura moderna, nel concetto, cioè, della 

sintesi di linee, l’astrazione del vedo - non 

vedo: in altre parole il far sentire e vedere forme 

e particolari non scolpiti nella materia. Mi 

ha anche insegnato a vivere la suggestione 

delle teste di vetro soffiato (non stampato), 

secondo la tecnica dell’impossibile, che vivono 

nella magia, dell’ambra, dell’oro e dei colori 

in una fantasmagoria di suggestioni ed emozioni, 

di luci e di preziosi riflessi. Le tecniche si 

studiano, ma poi devi farle tue e renderle vive 

e palpitanti con la visione del tuo cuore e dei 

tuoi sentimenti. 


64



Testa di dama in vetro soffiato, bianco, oro e murrina montata su bronzo 

65



“Maria Beatrice si è immersa in questa 

avventura poetica delle forme e del colore, 

rivelando così, in questa sua ultima produzione 

plastica, di per sé pregevole, anche 

ottime possibilità tecnico - espressive…”. 

Così scriveva nel 2003 Salvatore Cipolla - 

per me il più grande ceramista italiano 

vivente - parlando delle cose che Maria Beatrice 

Coppi incominciava a modellare e cuocere. 

Con caparbietà e con umiltà - aggiungeva 

il mio amico Salvatore - perché 

pazienza, fatica, sperimentazione continua 

e continua incontentabilità sono il principio 

dell’arte, di qualsiasi arte. Ora Maria Beatrice 

torna a noi con una sagace selezione 

della sua produzione ultima. Sono pitture e 

sculture. Sono cavalli e centauri, sono figure 

del mito, eroi armati, donne in fiore. Sono 

accensioni espressionistiche ed evocazioni 

di classiche armonie. Sono sculture astratte 

come idoli cicladici. Il mondo delle forme, 

gli archetipi della storia dell’arte, girano intorno 

al cuore di Maria Beatrice come un 

planetario. Lei ne è affascinata e della sua 

fascinazione ce ne fa partecipi. 

Antonio Paolucci 

Già Soprintendente del Polo Museale Fiorentino 

ed ora Direttore dei Musei Vaticani 

La forma diviene essenziale. Scandita in piani 

sovrapposti, chiarisce in modo sintetico la 

sua fisionomia. La spazialità costituisce una 

percezione primordiale, una forza arcaica 

che si esplicita nella dualità pieno/vuoto: superfici 

piane accostate, cavità prodotte nel 

grembo della materia. Il riferimento al particolare 

naturalistico perde importanza 

nell’ottica di un processo che trasforma la 

materia scabra della pietra alludendo alla 

figura senza mai pretendere di definirla in 

modo univoco. Creazione artistica come accenno 

delicato all’essere umano. Scultura 

come luogo di espressione dei sentimenti. 

L'abbraccio, 2004, scultura in enfero, cm. 40x20x102 

66



Cavallo acheo, 2003, gres policromo, cm. 33x70x60 

L’interesse per la forma si manifesta pienamente 

nella produzione plastica. Le suggestive 

creature di Maria Beatrice Coppi si affrancano 

dalla bidimensionalità del supporto pittorico 

per espandersi nello spazio. Il cavallo, soggetto 

ricorrente dei suoi dipinti, assume nelle 

sculture una solidità monumentale. Il vigore 

appena contenuto entro linee scattanti e nervose 

si placa. La tensione muscolare rivelata 

dai riflessi metallici svanisce e la superficie si 

distende, diviene turgida e levigata. La figura 

subisce un procedimento di astrazione che la 

libera della dimensione temporale legata al 

movimento. Assume il valore di idolo, simbolo 

della civiltà antica. 

67



Gli sposi, bronzo 

Maria Beatrice Coppi espone dagli anni Settanta. 

Ha realizzato moltissime mostre in Italia 

(Firenze, Roma, Milano, Mantova, Bologna, 

Spoleto, Vignola, Grosseto, Napoli, Arezzo) e 

all’estero (New York, Caracas, Malta, Galizia). 

Tra le più recenti si ricordano: Biennale di ceramica, 

Cerreto Sannita (2002); personale di 

scultura, Museo Archeologico, Arezzo (2003); 

personale di pittura e scultura, Galleria Comunale 

di Arte Moderna e Contemporanea, Sala 

di Sant’Ignazio, Arezzo (2005); collettiva, Archivio 

di Stato, Firenze (2008); personale, Atelier 

d’Arte Coppi, Firenze (2008); personale, 

Spazio Culturale Madonna del Corso, Maranello 

(2009); mostra "Novello Ulisse: tra Miti 

e Leggende", Museo del Mare, Napoli (2011); 

Danza in Fiore, Spazio Mabic, Maranello 

(2014). 

68

Daniel Craighead 


Emergendo, 2009, terracotta naturale, cm. 26x36x9 

Nato negli U.S.A., è a Firenze alla fine 

degli anni Sessanta per studiare al 

Conservatorio di Musica Cherubini 

dove si diploma in Musica Corale e Direzione di 

Coro. Dopo una intensa stagione di ricerca 

nell’ambito della musica etnica e popolare che 

lo vede collaborare con i gruppi Whisky Trail e 

Ritmia, approfondendo la musica celtica e 

dell’area mediterranea, approda agli inizi degli 

anni Novanta alle arti visive. Inizia un percorso 

di formazione con il pittore Carlo Galleni e poi 

presso la Scuola d’Arte Charles Cecil Studios di 

Firenze e la Scuola per lo Studio dell’Arte Grafica 

Il Bisonte. 

Le foto delle sculture sono di Roberto Mc Clintock 

Via Fagiuoli, 4 - 50135 Firenze 

craighead@libero.it 

69


Daniel Craighead 

Torsioni, 2014, terracotta smaltata, cm. 30x30x7 

White shadows, 2011, terracotta dipinta, cm. 16x28x11 

70

Franco De Renzis 


Caduta, 2006, bronzo, cm. 40x60 

Nato ad Agnone (IS) nel 1947, si trasferisce 

a Pistoia insieme alla famiglia 

nel 1962, ed è qui che completa gli 

studi presso l’Istituto Tecnico per Geometri 

Pacini. Agli inizi degli anni Settanta inizia la sua 

attività artistica dando vita, per un breve periodo, 

a “La bottega di Leonardo”, una galleria 

d’arte che portò a Pistoia, per la prima volta, 

firme autorevoli come Annigoni, Guarnieri, 

Dazzi, Parri, Tommasi, Berti, Scheffel ed altri. 

La conoscenza e l’amicizia che lo legarono in 

particolar modo a Pietro Annigoni e Romano 

Dazzi lo spinsero a dar seguito a quella che era 

la sua vocazione, ovvero la scultura, che affronta 

e studia da autodidatta. Nel 1977 si trasferisce 

in Brasile, dove risiede tuttora. Attualmente 

vive e lavora a San Paolo del Brasile, 

alternandosi saltuariamente tra la Florida 

(Palm Beach) e la Toscana, dove ha una casa 

sulle colline di Tizzana. Le sue opere si trovano 

in prestigiose collezioni private e in diversi musei 

dell’America latina. Tra le numerose mostre 

realizzate dagli anni Ottanta ad oggi, la gran 

parte delle quali in Brasile, Argentina e negli 

Stati Uniti, si ricordano la personale a cura di 

Nicola Micieli e Tommaso Paloscia dal titolo 

"Franco De Renzis il fuoco il corpo la scultura" 

realizzata nel 2007 dal comune di Pistoia e dalla 

Cassa di Risparmio di Pistoia e Pescia nell’atrio 

del Tribunale di Pistoia e nella sede centrale 

del Palazzo della Caripit e nello stesso anno 

ospitata alla Fortezza da Basso di Firenze. 

Via Ardella, 5 - Tizzana - 51039 Quarrata (PT) 

Tel. 0573 743255 - Cell. 339 2217538 - francoderenzis@yahoo.it 

71



Povero Cristo, 1982, bronzo, cm. 300 

Caduta rovinosa, 1983, bronzo, cm. 120 

Caduta rovinosa 

Icaro 

La poltrona rossa 

72



Probabile equilibrio, 2002, bronzo, cm. 400 Equilibrio minacciato, 2002, bronzo, cm. 400 

Ballerina in riposo 1 Ballerina in riposo 2 

73


Nevio Di Marco 

Pinocchio - ciuco, terracotta invetriata 

Nevio Di Marco è nato a Todiano di Preci 

(Perugia) nel 1948 e vive ed opera a 

Pistoia. Attualmente dirige la scuola 

di ceramica dell'Associazione culturale “Della 

Robbia” di Pistoia. A suo attivo conta oltre cento 

mostre personali in Italia. Alcune sue opere 

si trovano esposte nel suo studio nel centro 

storico di Pistoia; nel 1993 ha ricevuto a Pelago, 

Firenze, il Primo Premio di Scultura per l'Arte 

Sacra “Lorenzo Ghiberti”. Le opere dell'artista, 

oltre ad essere esposte nelle città sedi di 

mostre, sono diffuse anche presso collezionisti 

privati stranieri e italiani. 

Principali mostre: 1990, crocifisso in bronzo 

collocato nella chiesa di Todiano (Perugia); 

1997, a Todiano, monumento alla Pace, in marmo 

di Trani, collocato in piazza della Torre e 

monumento all'Amicizia, in marmo di Trani, 

collocato in piazza della Porta. 1999, Formella 

in ceramica “Seppellire i morti” per la Misericordia 

di Pistoia; 2000, Targa monumentale in 

terracotta dedicata al poeta pistoiese Remo 

Cerini per conto del Circolo Garibaldi di Pistoia; 

Crocifisso in bronzo realizzato in occasione 

dell'anno giubilare; 2001, Progetto del Palio 

per la Giostra dell'Orso; monumento funebre 

in terracotta commissionato da famiglia pistoiese; 

stemma del comune di Pistoia, in pietra 

serena, donato dalla città al sindaco Lido Scarpetti; 

2002 monumento funebre in pietra serena 

commissionato da famiglia pistoiese; 2003 

monumento funebre in pietra serena commissionato 

da famiglia pistoiese; realizzazione di 

Via Crucis in terracotta posta nella chiesa di 

San Michele Arcangelo in località Avaglio (Pistoia); 

collaborazione con il comune di Avaglio 

per il recupero di cinque edicole lungo i percorsi 

medievali; donazione per mezzo della Misericordia 

di Pistoia della formella “Visitare gli ammalati” 

a Papa Giovanni Paolo II; 2004, 

Negozio: via Pacini, 15 - Laboratorio: via dello Stadio, 9/B - 51100 Pistoia 

Cell. 339 1133789 - www.neviodimarcoscultore.com 

74


Nevio Di Marco 

Maternità, marmo 

realizzazione di Via Crucis in terracotta posta 

nella chiesa di San Bartolomeo al Passo del Tonale 

(Trento); presepe composto da cinque 

sculture in terracotta alte circa 80 cm; formelle 

raffiguranti le sette opere di misericordia 

dell'Ospedale del Ceppo nella città di Ravenna 

presso la comunità “Dives in Misericordia”; 

progetto e realizzazione, insieme a Marzia Di 

Marco, della pittura del Palio dei Casati a Piazza 

(Pistoia); realizzazione di bassorilievi in terracotta 

per fotografo Carlino; 2005 progetto e 

realizzazione di 22 stemmi in terracotta invetriata 

raffiguranti i comuni pistoiesi; restauro 

della statua del Sacro Cuore dell'Assistenza 

della Misericordia di Pistoia; realizzazione di 

Via Crucis in ceramica smaltata per la chiesa di 

San Leonardo del Borgo; 2006, bassorilievo in 

terracotta commissionato dalla famiglia Silvestrini 

di Pistoia; bassorilievo raffigurante Madonna 

col Bambino a Rovena; 2007, esposizione 

del presepe in terracotta in piazza Giovanni 

XXIII di fronte al fregio robbiano; realizzazione, 

insieme alla figlia Marzia Di Marco, del Palio 

Universo, marmo 

della Giostra dell'Orso; 2008, realizzazione del 

Palio dei Comuni della provincia di Pistoia; realizzazione 

di 35 formelle della storia di Pinocchio 

in ceramica invetriata, con la collaborazione 

di Katia Beneforti e Marzia Di Marco, poi 

esposte nel Palazzo del comune di Pontassieve, 

nell'atrio del Tribunale di Pistoia e nella Galleria 

d'Arte Artemisia; esposizione del presepe, 

composto da 30 pezzi e realizzato in terracotta; 

riproduzione delle 7 opere di Misericordia al 

Memorial Bardelli, donate a magistrati, atleti, 

forze dell'ordine, medici di fama internazionale; 

donazione, per mezzo della Misericordia di 

Pistoia, della formella “Visitare gli infermi” a 

Papa Benedetto XVI; 2008-2014, sono state 

consegnate opere d'arte ai più importanti campioni 

dello sport come Nibali e Alfredo Martini, 

a centinaia di personaggi politici oltre ai Papi 

Giovanni Paolo II, Benedetto XVI, Francesco I; è 

stato invitato ad eseguire sculture di cioccolato 

all'Euro Chocolate di Perugia; negli ultimi 

anni ha fatto mostre in Belgio, Olanda, Germania, 

Ungheria. 

75


Romano Dini 

Passaggio solare, 2004, due pietre serene, cm. 30x80x80h, dedicato a Matelda dal Purgatorio della Divina 

Commedia 

Romano Dini interpreta la vita con la 

materia, ripercorre la storia attraverso 

il mito, modella lo spazio per farlo diventare 

tempo. Scultore sinceramente e tecnicamente 

legato al territorio, trova nell’argilla e 

nella pietra i materiali adatti a dare presenza e 

concretezza ai suoi pensieri e alle sue emozioni. 

L’incontro con Dante e la Divina Commedia gli 

ha permesso di sviluppare un percorso artistico 

dove trovano spazio l’eroica potenza dei 

grandi personaggi e la partecipazione corale 

degli umili e dei disperati. 

Romano accompagna in silenzio nel loro viaggio 

Dante e Virgilio dando forme ai loro incontri, 

sostanza ai loro pensieri e colori (rosso e 

verde in primis) alla nostra immaginazione. 

Dini è un uomo la cui arte nasce e si sviluppa in 

un territorio (la Toscana) profondamente caratterizzato 

dalla cultura della bellezza alla 

quale, con le sue mani e la sua sensibilità, cerca 

di dare significato, valore e prospettive.” 

Sergio Neri 

Tel. 055 983680 - Cell. 338 9179164 

info@diniromanosculture.it - www.diniromanosculture.it 

76


Romano Dini 

Caron dimonio, 2010, terracotta, cm. 30x50x50h 

Amazone, 2005, pietra serena e rame, cm. 30x40x80h, 

premio Graziano Visconti 

77


Romano Dini 

Le bagnanti, 2014, gesso sintetico, arredo per piscine, dimensioni naturali 

Leggio chiesa di Moncioni 

Luna Rossa 

78

Nicola Domenici 


Danseuse, 2014, resina, cm. 35x60x25 

Nato nel 1969 a Viareggio (LU), si diploma 

in Arti Visive al Liceo Tacca per 

poi laurearsi in Lettere all’Università 

di Pisa e completare gli studi artistici all’Accademia 

di Belle Arti di Carrara. I suoi interessi 

per la scultura e l’arte partono da lontano: fin 

da piccolo, infatti, disegnava e lavorava pongo 

e argilla quasi quotidianamente. Crescendo 

non ha mai abbandonato quella che è stata 

sempre la sua passione. Dopo aver terminato 

gli studi accademici, ha aperto uno studio a 

Ortonovo (La Spezia) con altri artisti e dopo 

qualche anno si è trasferito in Francia dove ancora 

oggi vive e produce nel nuovo laboratorio 

a Montpellier. 

Le sculture dell’artista Domenici uniscono le 

reminiscenze della sua toscanità classica rinascimentale 

con i suoi studi contemporanei sulla 

percezione, sulla luce e i suoi effetti sulle 

forme. Domenici s’ispira a Medardo Rosso a 

Fontana e Boccioni ma strizza l’occhio alla Pop 

Art e alle nuove tendenze e materiali contemporanei. 

Ultimamente collabora con importanti 

gallerie d’arte parigine e statunitensi. 

Laboratorio Francia: Quai Megisserie, Lodéve, 34700 Montpellier 

Laboratorio Italia: Via di Casesi 420, Corsanico, 55054 Massarosa (LU) 

Tel. 328 8856600 - Fax. 0584 30285 - www.nicoladomenici.com - nicola.domenici@libero.it 

79


Nicola Domenici 

Solitudine, 2015, bronzo patinato, cm. 35x40x25 

80

Mara Faggioli 


Sentimento (particolare), 2009, terracotta patinata, 

cm. 37x30x40h 

Nata a Firenze, vive a Scandicci. Dedita 

all’arte in varie forme espressive (scultura, 

poesia e pittura), ha frequentato lo 

studio di Amalia Ciardi Duprè. Ha realizzato il 

Cardo d’Argento per la 49ª, 50ª, 51ª e 52ª Edizione 

del Concorso Cardo d’Argento dell’Associazione 

Culturale Gadarte. Una sua scultura è stata 

scelta dall’Istituto Scudi di San Martino quale 

simbolo per rappresentare l’edizione del 2009 ed 

è inserita nella raccolta dell’Istituto Scudi di San 

Martino che ogni anno premia persone o enti che 

si sono distinti per atti di coraggio e solidarietà. 

Ha partecipato a numerose mostre personali e 

collettive in Italia e all’estero. Recentemente ha 

esposto alle Giubbe Rosse di Firenze con 

una mostra personale. Tra gli eventi di rilievo 

internazionale a cui ha preso parte si ricorda 

la mostra itinerante del Comitato 

Pietra Lavorata del comune di Castel San 

Niccolò Omaggio a Francesco, allestita 

nella cripta della basilica di Santa Croce a 

Firenze, nella chiesa delle Stimmate a 

Roma, nella basilica di San Francesco ad 

Arezzo, nel santuario della Verna, a palazzo 

Chigi in San Quirico d’Orcia, nella basilica 

di San Francesco a Pisa, nella Basilica Superiore 

di San Francesco ad Assisi, nella chiesa 

di Sant’Andrea a Montevarchi e nella 

basilica di San Francesco a Cracovia (Polonia). 

Per la scultura ha ricevuto numerosi 

premi tra cui: Fiorino d’argento al Premio 

Firenze-Europa, primo premio al Concorso 

di Pittura e Scultura Città di Montecatini, 

primo premio al Concorso Un artista per 

Legnaia, secondo premio al Concorso Città 

di Montecatini, attribuzione della targa Il 

Magnifico. Ha ricevuto, inoltre, il premio 

Donna Città di Scandicci, il primo premio 

Fiorino d’Oro per la poesia, il premio della 

Fondazione Elisabetta e Mariachiara Casini 

in ricordo delle migliaia di giovani donne 

lapidate per un’assurda forma di fanatismo 

religioso, il premio Diamo il volto ad Abufina 

(MT), il premio Artisti alla Ribalta e numerosi 

primi premi per la poesia. Sue sculture 

si trovano in collezioni private in Italia, 

Germania e Canada e in permanenza presso 

i comuni di Firenze, Montelupo Fiorentino, 

Castel San Niccolò, Greve in Chianti, 

Colonna (Roma) e presso la basilica di San 

Francesco ad Assisi. 

Esposizione permanente: Studio Sbraci - P.za Marconi, 8 - 50018 Scandicci (FI) 

Abitaz. e studio: Largo dei Mille, 6 - 50018 Scandicci (FI) 

Tel. 339 3594145 - marafaggioli@hotmail.it 

81


Mara Faggioli 

L’opera ha ricevuto il Premio 

Mario Monicelli (Viareggio) 

e il 1° Premio al Concorso 

Un artista per Legnaia con la 

seguente motivazione: 

“Per il forte richiamo al senso 

della cooperazione espresso 

attraverso figure umane unite 

in uno sforzo collettivo e 

nell’insieme unico”. 

Solidarietà, 2011, refrattario, diametro cm. 140x36h 

(…) Ma forse nessuno sa unire le due arti, della scrittura, comunque 

poetica e della scultura, in una forma così particolare 

e commossa e familiare, come la fiorentina Mara Faggioli, 

che sa trasferire l’uno stile nell’altro e sa passare dall’una passione 

intima all’altra con grande delicatezza e maestrìa. 

Neuro Bonifazi 

Dal “Dizionario degli Autori italiani del Secondo Novecento” 

Le terrecotte di Mara Faggioli, siano volti o gruppi, o figure, 

non hanno mai la staticità asimbolica del ritratto o della silhouette 

fine a se stessi, che, pur offrendosi incondizionatamente 

ad una musicalità raffinata, a un’ideologia formale di 

gusto raro, non pretendono altro che questo. No, perché 

Mara Faggioli, pur dedicandosi al figurativo, e non solo, si riallaccia 

al pensiero geostorico, spesso mitologico, scegliendo 

naturalmente le storie più simbiotiche alla visione psichica 

attuale. 

Duccia Camiciotti 

(…) L’innegabile fascino di questa autrice consiste nella 

scioltezza di un’umanissima voce che crea un buon sistema 

di corrispondenze con riguardo alla magìa ed al colore, cosa 

che è in simbiosi con il fatto dell’essere scultrice di Mara 

Faggioli, protesa in prodigiose forze nell’ansia di esprimersi 

in spinte di grande vitalità. 

Lia Bronzi 

Ragazza con gattino, 2010, terracotta 

patinata bronzo, cm. 24x24x40h 

82

Marco Klee Fallani 


Uomo che cammina, 2011, bronzo, cm. 70x15x35 

Marco Klee Fallani è nato a New York 

City il 14 aprile, 1965. Ha frequentato 

l’Istituto d’Arte di Porta Romana 

e l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Nel 

1990 ha vinto una borsa di studio per conseguire 

un Master of Fine Arts al California College 

of Arts, conseguito nel 1993. Ha partecipato 

in varie mostre sia di pittura sia di scultura, 

ed ha vinto il premio di pittura città di Lucca. 

Ha lavorato come scenografo per "Lo Specchio" 

di Luca Ronconi. Ha collaborato alla realizzazione 

del monumento a Joe Louis di Detroit. 

Ha eseguito le forme e i calci per il museo 

dell’Opera del Duomo di Pisa. Opere commisionate 

includono un ritratto in scultura di 

bronzo per uno scenziato del governo tedesco, 

e dipinti per altri privati tra cui Ron Dennis. Gli 

è stato commissionato, un'opera pittorica da 

“Gherardini”. 

Il ricavato delle vendite sarà devoluto al restauro 

di un opera agli Uffizi. I suoi dipinti e le 

sue sculture sono stati esposti in Italia, Stati 

Uniti, Canada e Olanda. Ha disegnato le scenografie 

per la produzione dell’opera musicale 

“Where the Wild Things Are” Teatro del Maggio 

Musicale Fiorentino. Nel 2005 la Syracuse 

University gli ha commissionato una scultura 

di gradi dimensioni per il parco, eseguita in terra 

cotta. Tiene corsi di disegno e scultura per 

Syracuse University in Florence dal 1993, e dal 

1996 al 2006 è il Coordinatore del dipartimento 

di Belle Arti. 

www.marcofallani.com 

83



Arthur Rimbaud, 2012, cera e tecnica mista, c. 60h 

Young Bukowski, 2010, cera e tecnica mista cm. 70h 

One - Man Shows / Mostre Personali 

1983/84 Galleria d’Arte Moderna, Forte dei 

Marmi 

1985 Artisti Fiorentini, Firenze 

1986 Galleria Caffè Voltaire, Firenze 

1987 Galleria Vetrina, Firenze 

1990 Fortman Studios, Firenze 

1991 One Hour Gallery, San Francisco, California 

Azido Arts Gallery, San Francisco, California 

1992 Installazioni San Luigi Castel del Nero, 

Firenze 

1993 Door 3 Gallery, San Francisco, California 

Oliver Center Gallery, San Francisco, 

California 

1994 Galleria Temple, Roma 

The Contemporary Arts Center, Cincinnati, 

Ohio 

1996 Galleria L’Approdo, Avellino 

Curriculum Vitae 

1998 Galleria Olga, Seregno, Milano 

1999 Galleria Spirale Arte Pietrasanta 

2000 Galerie De Twee Pauwen, Den Haag 

2001 HAF, De Twee Pauwen, Den Haag, Galleria 

Frogola, Torino 

2002 Valentina Arte, Bellagio 

Galerie De Twee Pauwen, Den Haag 


Galerie De Twee Pauwen, Den Haag 


2005 Art Fair Javet Center, New York 

Colgate University Museum Art Center, 

New York 

2005 Valentina Arte, New York City 

84



Hope and Faith, 2010, gesso e tecnica mista, cm. 200h 

Uomo Crisalide, 2011, terra cotta e tecnica mista, 

cm. 60h 

2006 Valentina Arte, New York City 

2006 133 Gallery, Toronto, Canada 

2007 Galerie du Soleil, Naples, Florida 

2007 Gettysburg College’s Schmucker Art 

Gallery, Gettysburg Pennsylvania 

2008 IncontrArt Fiera dell’Arte Internazionale, 

Como 

2008 The Obsession of Art Bergen, Amsterdam, 

Holland 

2009 International Art Fair Rotterdam 

2010 Silvana Gallery, Los Angeles, 

2011 The Obsession of art, Bergen, Amsterdam, 

Holland 

2012 The Obsession of art, Bergen, Amsterdam, 

Holland 

2013 133 Gallery, Toronto, Canada 

Sculpture commissioned from City of 

Arezzo “Hope and Faith”, Arezzo Tuscany 

Italy 

2013 Agora Gallery Chelsea 

2014 New York, NY, The Odyssey Within 

2014 Maidoff Gallery, SACI Florence 

2015 Istallazione Fabbrica Gheradini Firenze 

85


Lorenzo Frisotti 

Giovane artista fiorentino, ha iniziato 

a plasmare le sue opere nel 

1995. 

Dopo aver sperimentato questa forma d’arte 

con diversi materiali, ha poi scelto il 

rame, materiale dal colore caldo e dall’anima 

capace di seguire le spirali dei pensieri, 

della passioni e delle energie universali. 

Ed è proprio grazie all’energia che hanno 

preso forma queste sculture. Infatti Lorenzo 

modella i tubi di rame quando il suo animo 

è predisposto verso la gioia perché vuole 

che chi guarda riceva un messaggio universale 

positivo. 

Esperienze professionali: prima mostra personale, 

“Energy- forme del pensiero”, presentato 

da Giampaolo Trotta, 2001, presso 

Caffè Pascò, Firenze (ripresa da Fabrizio 

Borghini, ha richiamato l’attenzione della 

critica che gli ha dedicato uno spazio nella 

rubrica d’arte e cultura de La Nazione di Firenze). 

Ha realizzato opere su tela per il Comune 

di Pontassieve, esposte alla Festa de 

l’Unità come opere fuori concorso, nel 

2001; selezionato al XIX Premio Firenze con 

“Il pensiero che fugge”; mostra al bar “Il Muretto” 

di Prato, accanto al Museo Pecci; partecipazione 

al XVI “Premio Italia per le Arti 

Visive” della rivista Eco d’arte moderna; mostre 

personali a Firenze e Castelfiorentino; 

rassegna “Paesaggi della natura e dell’anima” 

a Certaldo (Firenze), Palazzo Pretorio, 

2002; premiato al XVII Premio Italia per le 

Pensiero che fugge, rame 

Arti Visive con “L’acrobatico”; esposizione alla 

“Art Gallery” di Prato nel 2002; mostra collettiva 

Artisti fiorentini fra tradizione e rinnovamento, 

Palagio di Parte Guelfa, Firenze, 2002; mostra 

collettiva alla galleria Art di Firenze, a Montespertoli, 

2002. 

L’opera “Pensiero che fugge” è stata selezionata al 

XIX Premio Firenze e premiata con la partecipazione 

alla mostra Premio di tutte le arti tenutasi 

nella Sala della Musica del Vecchio tribunale in 

Piazza San Firenze il 15 e 16 novembre 2014. 

Via del Romito, 28/r - 50134 Firenze 

Cell. 335 7383590 - lorefri72@gmail.com 

86

Franca Frittelli 


Gli spiriti bianchi della montagna, marmo, 

cm. 300x100x70 - Passo Carpinelli - Apuane 

Il vestito della Luna, 2011, marmo grigio, 

cm. 30x30x30 

Franca Frittelli vive e lavora in Toscana 

presso il suo atelier a Vada vicino al 

mare. Scultrice e scenografa è docente 

di Disegno e Storia dell’Arte presso il Liceo 

Scientifico Fermi di Cecina; è presidente 

dell’Associazione per le Arti Visive La Torre, 

membro dell’Associazione Arte e Psicologia di 

Firenze, membro dell’Associazione National 

Museum of Women in the Arts di Washington, 

tiene conferenze “L’altra faccia della Storia 

dell’Arte” e fa parte della Commissione Cultura 

della Provincia di Livorno. Lavora nel campo 

delle arti figurative dal 1977. E’ nipote del poeta/novelliere 

Riccardo Marchi e di Vittorio 

Marchi studioso della storia livornese, di Virgilio 

Marchi architetto - scenografo firmatario 

insieme a Sant’Elia del manifesto “Dinamicità- 

Istintività- Drammaticità-Architettura Futurista” 

che ha lavorato al contempo con Bragaglia, 

Blasetti, Rossellini, Pirandello. È stata 

allieva presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze 

dello scenografo prof. Franco Nonnis; lavora 

nel cinema e nel teatro sperimentale fondando 

il gruppo teatrale “Teatro Vita”, un 

gruppo di avanguardia dove lavora come attrice 

e scrittrice. Nel 1977 riceve il Premio Fedic 

di Montecatini con il film sperimentale “Devo 

avere capito male qualcosa in questa storia”. 

Dal 1980 prende parte a seminari di teatro e 

cinema realizzando cortometraggi didatticoindustriali 

sia per la scuola che per l’industria. 

Dal 1990 lavora nella scultura. E’ attratta dal 

movimento della “figura nello spazio e nel 

tempo”, per questo studia, sintetizza e interpreta, 

la figura sia nella classica che nella danza 

contemporanea; realizza la storia della danza 

stessa attraverso “Romeo e Giulietta” di 

Bejart, Martha Graham, A. Aley, Duncan, Cun- 

Atelier: Piazza G. Garibaldi, 42 - 57018 Vada (LI) - Tel. 0586 788364 - Fax 1782216034 

www.francafrittellisculture.eu - www.associazionelatorre.eu - frafritt@yahoo.it 

87



Il cimitero delle balene, granito, land art, 2013. Parco delle 

sculture di Laongo - Burkina Faso 

A sinistra: Il vento, pietra e ceramica, cm. 60x40x30 

ningam, Carlson, Forsyte. 

Dalla figurazione all’astrazione nella concezione 

sintetica dell’estetica formale il passo è breve: 

ed ecco la creazione di sculture monumentali 

in granito, marmo, legno, bronzo, ceramica, 

per la Nuova Zelanda, Bulgaria, Repubblica 

Ceka, Germania, Francia, Macedonia, Italia, Argentina, 

Burkina Faso. 

Si può ammirare sul portale maggiore della 

chiesa Parrocchiale di Vada la grande lunetta in 

basso e altorilievo di San Leopoldo, mentre nel 

cortile della Regione Toscana è collocata la 

grande scultura in marmo bianco dell’Altissimo, 

“ECLISSE”. Partecipa a simposi internazionali 

in Italia e all’estero collocando monumenti 

in marmo, granito, legno a Toulouse, Normandia, 

Svizzera, Germania, Italia. Partecipa a biennali 

internazionali in Egitto e Giappone. 

L’armonia e la gioia prevalgono nei suoi lavori 

artistici e i differenti soggetti sono l’occasione 

per enfatizzare il suo sentire lirico mentre le 

texture ricordano l’acqua, la roccia, la terra; le 

sue sculture sono ricche di significati espressi 

nella realtà sintetica delle forme plastiche alternando 

i pieni e i vuoti in movimenti a volte 

sinuosi e dolci a volte invece aspri e rocciosi 

come pietre vulcaniche. 

Hanno scritto di lei: i critici D. Carlesi, T. Paloscia, 

C. Melloni, D. Pasquali, prof. De Rosa, Ludovico 

Gierut; prof. A. Badaloni, artista; prof. 

N. Badaloni, direttore dipartimento di filosofia 

dell’Università di Pisa; Vescovo V. Savio; dott. 

ssa A.Serafini resp. Fondazione Carnevale Viareggio; 

on. Riccardo Nencini Presidente del 

Consiglio Regionale Toscano; M. Baronti pres. 

te del CPO Regione Toscana; dott.ssa M.G. 

Carli curatrice della Raccolta di Arte Contemporanea 

Regione Toscana; prof.ssa Enrica Torelli 

Storica dell’Arte, Università La Tuscia di 

Roma; prof.ssa Graziella Magherini psichiatra, 

presidente ass.ne Arte e Psicologia di Firenze; 

Vittorio Marchi storico di Livorno. 

Nel 2009 è stata pubblicata la sua biografia 

“Fiori di pietra” la magica avventura di una 

scultora contemporanea, scritta dal dott. Michele 

Dattolo per le edizioni Nicomp di Firenze. 

88



Il Calice del santo Graal, 2010, legno 

di larice, cm. 200x100x150. Parco 

delle Sculture La Giunca, Rosignano 

Marittimo 

L’artista col flex 

“Franca Frittelli artista multimediale” 

Un personaggio curioso, un po’ bizzarro, un uomo di cultura 

dedito allo spettacolo teatrale d’avanguardia è stato il motivo 

che inizialmente mi ha unito intellettualmente a F. F. 

Si tratta di Franco Nonnis, che è stato per Franca il maestro 

per eccellenza alla Accademia di Firenze e per me un 

amico che ho avuto il piacere di presentare come pittore e 

scenografo al Museo Laboratorio dell’Università di Roma 

La Sapienza. Il 1979 una data importante per la formazione 

di Franca nel nome di Nonnis, dunque, che le ha trasmesso 

la possibilità reale di un connubio fra campi disciplinari artistici 

diversi, fra immagine (pittura-scultura) e azioneparola 

(teatro), quasi una traduzione inter-codice fra questi 

diversi linguaggi. In ben quattro anni di Corso in 

Scenografia, Nonnis ha insufflato nella sua allieva la non 

facile ricerca di un equilibrato contrappunto tra parlato, 

effetti sonori, azione mimica, luci, proiezioni. Le texturescollage 

di cartone ondulato, le costruzioni cromato-plastiche 

e le terre corpose dei dipinti di Nonnis, la materia 

delle sue opere, ‘arate’ da solchi tracciati con il legno del 

pennello si sono tradotti in F. F. nel piacere della tridimensionalità, 

nell’amore per la scultura, nel piacere di trattare 

materiali diversi, dal bronzo al marmo alla terracotta. 

Io penso inoltre che i variegati interessi del maestro, dall’astronomia 

alla filosofia, le arti visive e la musica hanno trasmesso 

una bramosia di conoscenza nell’allieva durante 

tutto il proprio percorso creativo. Il regista Antonio Calenda 

in un’intervista mi disse, rifacendosi alla sua passata 

amicizia con lo scenografo: “Nonnis, di qualche anno più 

grande di noi, portava la sua grande saggezza ma anche la 

sua grande cultura. Una cultura molto profonda, permeata 

di ironia e di distacco critico nei confronti della realtà e 

marcata da conoscenze scientifiche, il che lo rendevano un 

illuminista nei confronti dei nostri temperamenti più romantici, 

dei nostri atteggiamenti da Sturm und Drang”. 

Anche F. F. - credo - faceva parte allora di quest’ultima categoria 

di artisti e la sua natura estroversa e irruenta l’ha 

espletata negli anni Ottanta nel collettivo “Teatro-Vita”, 

con l’allestimento di alcuni coraggiosi spettacoli teatrali 

d’avanguardia e di film sperimentali. In seguito, per Franca, 

un sasso diviene un fenomeno plastico e il suo forte senso 

plastico la porta a lavorarlo, plasmarlo, limarlo. In questo 

lavorio la scultrice pensa con il sasso, con la prensilità, con 

la rotondità; intraprende con il materiale un fatto amoroso. 

L’immagine che ne deriva non è altro che la risultanza 

89



La farfalla, 2012, marmo, alabastro-vetro, cm. 30x40x30 

La bocca dell’inferno, 2012, legno di 

cipresso e policromia, cm. 230x200x40. 

Parco delle sculture La Giunca, 

Rosignano Marittimo 

Eclisse, 2006, marmo, cm. 160x40x40. 

Galleria Arte Contemporanea Regione 


del materiale, del ‘ritmo’ del materiale, la 

sua natura tellurica. Esistono materiali nei 

quali è insita la loro capacità costruttiva e 

quindi anche la loro espressione e Franca ha 

inteso questa interna energia. L’opera universale 

- annotava Arturo Martini - parte dalle esigenze 

del materiale e incontra il soggetto; l’artista 

vero è infatti colui che lascia che l’opera nasca dal 

caso, con la collaborazione della materia e di tutti 

quei fermenti che l’artista non potrà mai definire o 

spiegare. Dopo il primo “attacco” sulla materia, 

Franca non si occupa più di fare una statua ma, da 

quel momento segue una catena di soluzioni, probabilmente 

senza che lei sappia cosa succede. Le 

opere più ‘classiche’ della produzione più recente 

sono a mio avviso “L’arrivo dell’onda” e “L’eclisse”. 

Nella prima, una semplice forma di concavi e convessi, 

di chiari e di scuri, mi ricordano Fidia, il quale, 

per rappresentare il mare scolpiva cinque semplici 

pieghe in orizzontale. Gli antichi, con un semplice 

segno, con una fessura, creavano la pupilla. Non 

era un simbolo, ma un valore plastico: un buco, un 

concavo…la scultura è vuoti, tutto quello che non 

c’è. La seconda opera, “L’eclisse”, mi fa pensare al 

mito classico: il mito dopo i Greci è divenuto il fenomeno 

plastico per eccellenza. Il mito include il 

mistero senza farlo intendere, poiché, quando il 

mistero è rivelato il mito muore. 

Anche le ultime, bellissime ceramiche dipinte, 

precedute da “Arcobaleno di montagna”, hanno 

un forte sapore classico anche per il fatto di essere 

colorate, come colorata era in origine gran parte 

della scultura classica. 

Enrica Torelli Landini 

90

Rino Giannini 


Henry Laurens. Ritratto, eroe della indipendenza degli Stati 

Uniti. Historical Society, Charleston, marmo bianco 

Nato a Pietrasanta nel 1939, fin da giovanissimo 

si forma come scultore alla 

Scuola d'Arte Stagio Stagi di Pietrasanta 

e poi come apprendista nello studio dei 

Fratelli Pasquini e, dopo il diploma, nello studio 

Santoli e Rovai. Nel 1962, in società con Vasco 

Orsucci, apre uno studio di scultura a Pietrasanta. 

Sono gli anni in cui sperimenta l'uso, nelle 

tecniche della lavorazione artistica, di diverse 

macchine e utensili, fra cui le turbine ad aria 

compressa. Nello stesso periodo, oltre a sculture 

di sua ideazione, comincia la collaborazione 

con scultori come Tommaso Gismondi, Tony 

Smith, Joseph De Lauro, Emilio Ambron. Nel 

1970 è tra i soci fondatori del C.A.M.P. (Consorzio 

degli Artigiani del Marmo di Pietrasanta). 

Sono anni di grande fermento creativo, durante 

i quali realizza, tra l’altro: quattro sculture 

per il cimitero monumentale di Staglieno a Genova, 

il ritratto a Papa Giovanni, una statua di 

2,50 metri ritraente Padre Pio da Pietrelcina 

per Salerno, i gruppi di angeli reggilibro e il paleotto 

in bronzo per la chiesa di San Paolino a 

Viareggio, il "Cavallo" (altorilievo) aquistato 

dalla Camera di Commercio di Lucca e il ritratto 

del “Padre Ciampicon” per la Chiesa Vecchia 

dei Servi di Maria a Marina di Massa. Nel 1976 

prende parte ad una mostra allestita a Chicago 

dall'Italian Cultural Centre in occasione del “Bicentennial” 

U.S.A. Nello stesso anno partecipa 

al concorso per la cattedra di Tecnologia ed uso 

del Marmo istituito nella Scuola di Scultura 

dell'Accademia di Belle Arti di Carrara, ottenendo 

l’incarico che ha tenuto fino al 1995. Nel 

1979 progetta e dirige la parte tecnico - artistica 

del simposio di scultura “Scolpire all'aperto” 

Via Aurelia, 114 - 55045 Pietrasanta (LU) 

Cell. 347 0134848 - www.rinogiannini.com - rinogi@tiscalinet.it 

91


Rino Giannini 

La scala della sapienza. Scultura, marmo bardiglio, esposizione 

di fronte alla Cappella de Pazzi 

La luce e la sapienza (fronte), omaggio al vero Giano bifronte, 

terracotta 

effettuato nel centro storico di Carrara; un incarico 

che mantiene fino al 1984, quando viene 

consultato, come esperto, per il recupero delle 

teste di Modigliani a Livorno. Nell'inverno tra il 

1984 e 1985 dirige la ricostruzione del monumento 

a Pellegrino Rossi, fino al ricollocamento 

in Piazza d'Armi a Carrara. Nel 1989 esegue il 

ritratto di Federico Milkovic, fondatore della 

U.I.L.D.M., destinato alla sede di Padova. Nel 

1991 è consulente tecnico artistico del pacchetto 

didattico “Come nasce una Scultura” 

per il Centro Culturale Luigi Russo e Assessorato 

Cultura di Pietrasanta. Nel 1993 apre un 

nuovo studio a Pontestrada di Pietrasanta: sotto 

il nome di Scuola Superiore di Scultura di 

Pietrasanta propone l'importanza dell'autografia 

nell'opera scultorea. Nel 1996 è invitato alla 

mostra organizzata da Città di Vita nei Chiostri 

di Santa Croce a Firenze per "Trentanni dall'alluvione". 

In questa sede torna per una mostra 

del gruppo e successivamente, nel 1999, per 

una collettiva dedicata alla natività, dal titolo 

“Preludio al Giubileo”. Nello stesso periodo, è 

invitato negli U.S.A. per completare il ritratto 

di John Rutledge, destinato alla Historical Society 

di Charleston nel South Carolina. Realizza 

anche il ritratto di Henry Laurens ed è invitato 

allo scoprimento nel giorno del Carolina Day 

del 1999. Nel 2000 partecipa al simposio di 

Carlos III di Fuente Palmera in Cordoba, Spagna 

e nel 2001 prende parte al simposio The 3rd International 

Symposium Aley 2001 of Sculpture 

tenutosi ad Aley (Beyrut) in Libano (sotto l'egida 

dell'UNESCO). Nel 2002 la Fondazione Fineschi 

di Prato ha inserito nel proprio archivio 

un suo disegno "Emersione" ed il CD-Rom con 

il curriculum vitae e foto delle sue opere. Nello 

stesso anno è invitato al Maggio culturale di 

Dramas in Grecia per partecipare al simposio di 

scultura dedicato alla dolomite macedone. La 

scultura eseguita in quest’occasione, "Il viaggio 

infinito", é stata collocata nella hall della prefettura 

della città. 

92

Paolo Grigò 


L'artista durante la realizzazione della scultura Madonna dei Popoli 

Diplomato all’Istituto Statale d’Arte di 

Cascina, ha proseguito gli studi frequentando 

corsi accademici d’Incisione, 

Ritratto e Nudo. Con il padre scultore ha 

sempre collaborato per apprendere le tecniche 

di tale disciplina. Ha frequentato, per la tecnica 

del Monotipo, lo studio del pittore monotipista 

fiorentino Gipi. 

La sua attività artistica inizia nel 1971, partecipando 

a mostre collettive, rassegne nazionali 

e internazionali; dal 1985 l’artista propone le 

sue opere per cicli, come ad esempio "Discarica 

amore mio" (1985), "Dedicato a una Libellula" 

(1986), "Riflessione Abissi" (1989), "Muraglie 

consacrate" (1992), "Alentejo" (1996), 

"Sacromemoriale" (2000), "Cammino Orientale" 

(2003), "Icone e Liscari quotidiani" 

(2005), "Carta Gialla" (2008), "Volo... Viaggiatore" 

(2010), "Trapasso del suino" (2014). 

Dagli esordi negli anni Settanta fino alle ultime 

testimonianze, ovvero le strutture architettoniche 

"Porta del dialogo e dei diritti umani" e 

"Porta della cultura e del sapere" realizzate, per 

il comune di Calcinaia, la porta della "Santa Famiglia" 

al Duomo di Cecina (LI), i monumenti 

"Passagen de Luas", "Porta du Sol" in Portogallo, 

"Musicanti" a Capo Verde, "Il Volo" Pisa, La 

"Madonna dei popoli" a Livorno, il monumento 

per la pace "Germogli" in memoria dei Caduti 

di Piavola a Buti (PI), si evince come la riflessione 

dell’artista si orienti verso i grandi temi di 

attualità: la pace, la democrazia, l’integrazione 

tra le culture. Il percorso artistico di Grigò non 

è mai stato disgiunto sia dagli eventi sociopolitici 

che dalla problematizzazione del ruolo 

della cultura e dell'intellettuale nel progresso 

della società civile. L'opera di Grigò, conosciuta 

in ambito internazionale, interpreta il momenwww.voloviaggiatore.com 

grigopaolo@gmail.com 

93


Paolo Grigò 

Portale immigrazione, bozzetto studio per rotonda 

Terreno calpestabile, bozzetto studio per spazio verde 

to storico con coscienza del dramma dell'umanità. 

Dramma reso con il linguaggio calcolato 

ed equilibrato cui dà speranza di salvezza attraverso 

la ragione che permette all'uomo di 

agire con ponderatezza, con misura, di valutare 

gli argomenti prima di pronunciarsi, di controllare 

tutte le testimonianze prima di decidere. 

Tra le numerose personali allestitegli, si 

segnalano importanti antologiche di pittura, 

scultura e grafica in Italia, Francia, Portogallo e 

Stati Uniti d’America. 

Ha illustrato libri di poesia, realizzato copertine 

per riviste e volumi. Molte sue sculture si 

trovano in edifici pubblici, chiese e piazze italiane 

in Portogallo, a Capo Verde, Francia, Spagna 

e Germania. Il Centro Studi di Vignola 

(MO) lo ha insignito della Targa d’Oro per il 

lavoro svolto come scultore. Attualmente si 

dedica ad un nuovo ciclo di lavori "Trapasso del 

suino": studio metaforico sulla crisi di questa 

società in cui mancano princìpi etici come la 

solidarietà, l’onestà e la fiducia nel prossimo. 

Senso della vita e nostalgia della natura 

nell'arte di Paolo Grigò 

di Ilario Luperini 

Molti sono i maestri del Novecento da cui ha 

preso vigore il fare artistico di Paolo Grigò, da 

quelli con cui ha avuto rapporti diretti (Silvano 

Pulcinelli, Romano Masoni, Gipi) alle maggiori 

personalità della scultura italiana, Manzù e 

Greco prima di tutto, senza dimenticare la 

grande, antica tradizione della scultura in Toscana. 

Certo, in seguito l'artista ha intrapreso strade 

proprie, è passato attraverso esperienze originali, 

ha progressivamente forgiato un linguaggio 

di grande impatto comunicativo, utilizzando 

al meglio i segreti delle tecniche di cui si è 

arricchita la sua operatività, in virtù di una rara 

capacità di assimilazione e di rielaborazione. 

Ha raggiunto importanti livelli di intensità 

espressiva, assumendo un ruolo di rilievo nel 

complesso panorama della produzione artistica 

dei nostri giorni. 

Una personalità multiforme che vive intensamente 

il suo tempo. Padrone di molte tecniche, 

Grigò si misura con temi di grande peso e 

di forte attualità, evitando sempre empiti declamatori 

a favore di onestà intellettuale, rigore 

linguistico e coerenza di idee e di comportamenti. 

I suoi quadri sono veri e propri organismi pulsanti, 

pieni di guizzi, di iridescenze, di apparizioni, 

di esplosioni di energia che guidano verso 

affascinanti ma anche inquietanti percorsi 

dentro la realtà, sistema complesso rivelato 

proprio dal serrato gioco di rapporti tra colori 

e figure: un colore ora più aspro e provocatorio, 

ora più soffice e suadente che consente di 

guardare fino in fondo l'uomo, di sentirne e 

amarne le sofferenze, di cogliere il meraviglio- 

94


Paolo Grigò 

Transitus suis, 2014, resina policroma, ferro, terracotta 

e vetro, cm. 120 

Volo Viaggiatore, 2014, legno policromo, prototipo 

in scala, cm. 124x20x12 

so rapporto tra senso della vita e nostalgia 

della natura, con la speranza di scoprire mondi 

meno nevrotici e più austeri. Gli ocra, gli arancioni, 

i gialli, i verdi, gli azzurri, trattati con caldi 

impasti, occupano gran parte dello spazio 

pittorico, all'interno del quale, grazie alla consueta 

attenzione compositiva, si muovono figure 

ritmicamente concepite. Nelle opere degli 

ultimi tempi, le figure prorompono con 

forza magnetica da fondi sempre più macerati 

dalla corposità della materia pittorica, arricchita, 

spesso, da segni, graffiti, grumi di colore, 

inserti di materiali. Una nuova tensione 

pulsa sulla tela, probabilmente determinata 

da una progressiva presa di coscienza del limite, 

del gigantesco e forse vano sforzo dell'uomo 

per sottrarsi all'omologazione e alle catene 

del conformismo. 

Analoghe modalità creative caratterizzano la 

sua opera scultorea. La straordinaria capacità 

di far muovere le superfici bronzee con segni 

plastici controllati e di rara intensità, la sapienza 

nell'evitare l'enfasi della monumentalità 

celebrativa, infondendo alla pietra e al bronzo 

una loro unicità e un'autentica interiorità, sollecitano 

sempre una corale partecipazione al 

suo atto creativo. È sorprendente la maestria 

nel sensibilizzare la superficie sia nel tuttotondo 

modellato con dolcezza e armonia, sia nel 

bassorilievo, in cui la modulazione chiaroscurale 

dei piani è talora data da impronte o segni 

profondamente incisi; segni che spesso affiorano 

da spazi infiniti, scanditi da mani trepidanti 

conquistate dall'affascinante natura del 

materiale. Figure in bronzo acefale, particolari 

volumi femminili raccolti nelle loro masse formose 

e colme di sensualità, oppure misteriose 

figure totemiche sono modellate su diversi livelli 

di profondità plastica in cui la luce si insinua 

con convincenti effetti di variabilità tonale, 

attardandosi nei solchi più profondi e scivolando 

veloce nelle impercettibili increspature 

della superficie. 

La scultura serve a Grigò come piano di proiezione 

entro cui immergersi per lavorarvi dall'interno, 

per scartare progressivamente tutto ciò 

che gli appare superfluo all'efficacia dell'immagine, 

senza mai trascurare il riferimento al 

dato reale, alla forma riconoscibile che rappresenta 

sempre la chiave di lettura anche per 

slanci di pura astrazione. 

Un percorso artistico, dunque, assai ricco in cui 

sogno e realtà, cronaca e storia, amore e morte 

divengono i poli entro cui si dibatte l'uomo col 

suo peso carnale e il suo difficile rapporto con 

la natura, con la tristezza e la gioia del quotidiano, 

con la responsabilità e la grandezza della 

coscienza di fronte alle verità della vita. 

95


Marcello Guasti 

Nato a Firenze nel 1924. Allievo 

di Pietro Parigi, uno dei maggiori 

incisori del Novecento, 

dopo un esordio da xilografo si cimenta 

nella pittura durante gli anni Cinquanta. 

Nel 1958 passa alla scultura con le prime 

versioni dei "Gatti in bronzo", e con un 

gruppo di statue in legno e bronzo sul 

tema del lavoro dei Renaioli (1957- 

1959), opera riconosciuta come un 

evento importante nella scultura di quegli 

anni (Carlo Ludovico Ragghianti in 

"Selearte"). Durante gli anni Sessanta 

vive una fase di abbandono completo 

della figura per aderire alla cosiddetta 

tendenza dell’Espressionismo informale, 

con opere dalla plasticità mossa e magmatica. 

Alla fine del decennio lo scultore 

ricorre infine a un linguaggio di forme 

geometriche: tipici i vari interventi di una 

sfera, grazie all’impiego di materiali tecnologici 

come il cromo, l’acciaio inox e le 

vernici a fuoco su metalli, fase di sculture 

quali "Concavo e Segnali", concepite secondo 

una sequenza seriale e segnalate 

da Enrico Crispolti (1979) per il rigore 

formale e strutturale. Marcello Guasti 

ha realizzato diverse opere di impegno 

civile, come il monumento ai tre carabinieri 

Medaglia d’Oro sul colle di San 

Cipresso con Nuvola, 2000, acciaio, m. 7x1,20. 

La scultura è esposta nel Parco d'Arte Pazzagli 

Francesco a Fiesole (1964), quello in pietra boema a 

Horice (Praga) del 1967, il monumento ai partigiani 

caduti nella battaglia di Pian d’Albero in piazza Elia 

Dalla Costa a Firenze (1970), i monumenti in pietra di 

Soest Westfalia, in Germania, e di Pesaro. 

Via di Terzano, 61 - 50067 San Donato in Collina (FI) 

marcello.guasti@alice.it 

96

Kiyoko Hirai 


Speranza in Arma Bianca, bronzo, alabastro e cristallo di rocca, 

fusione unica a cera persa, interamente cesellata e patinata 

a mano, cm. 25,5x73x18 

È 

nata a Osaka, in Giappone. Si è formata 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze, 

dove ha studiato pittura ad olio, acquaforte 

e litografia. Ha vinto numerosi premi, tra 

i quali si ricordano: il primo Premio nella sezione 

giovanile (2004) e il primo premio Grafica 

(2008) al Concorso Nazionale di Pittura - Città 

di Lastra, il secondo premio per Classic Painging 

al Concorso Internazionale di Mosca, The 

4th International Exhibition & Competition of 

Contemporary Arts - Russian Art Week (2008), 

il premio per la scultura nell’ambito del Concorso 

Premio di Tutte le Arti (Salone dei Cinquecento, 

Palazzo Vecchio, Firenze) organizzato 

dalla Fondazione Elisabetta e Mariachiara 

Casini Onlus nel 2014. 

Cell. 347 7631496 

hirai.k@alice.it - www.kiyokohirai.com 

97


Rolf Horn 

Sigmund - Sex Sirene - Interpretazione dei sogni, 

2013, legno di ulivo, cm. 50x30x60. Medaglia 

di Bronzo al XXXI Premio Firenze 

Nato il 22.12.1944 a Praga (Repubblica 

Ceca), è pittore, scultore, 

scrittore e coltivatore. Sue opere 

sono state premiate al Premio Italia per le 

Arti Visive nel 2005 a Certaldo e nel 2008 

a Capraia Fiorentina; nel 2011 e 2013 al 

Premio Firenze. 

Artista poliedrico, lo scultore Rolf Horn è 

anche pittore, autore di raffinati acquerelli, 

capace di spaziare nel suo mondo figurativo 

dal ritratto alla veduta, dal realismo al 

fantastico. Questa sua sensibilità per il colore 

e il disegno si avverte anche nelle plastiche 

per le quali predilige il legno, materiale 

caldo, e in particolar modo il legno di 

ulivo che già nella sua naturalità offre decise vibrazioni 

cromatiche. Horn ne trae le forme assecondando 

e valorizzando il disegno delle venature 

e trasformando il contrasto tra chiaro e scuro in 

un sapiente gioco di percezione volumetrica. 

Nei suoi temi l’artista coniuga il senso critico nei 

confronti degli stereotipi della nostra società e del 

nostro tempo con l’accento del suo spirito ironico 

dotando le figure di una ambivalenza di lettura e 

di interpretazione. Al realismo della forma corrisponde 

infatti uno sviluppo polimorfo così che il 

soggetto non è mai univoco ma contiene in sé altri 

soggetti. Se la scultura di per sé è tridimensionale 

essendo forma concreta nello spazio, per Rolf 

Horn è anche trifacciale poiché ad ogni lato l’opera 

può svelare una nuova ed imprevedibile sembianza 

e dunque una svolta narrativa. 

Così nell’ancora col serpente, le spire dell’animale 

sono anche le maglie della catena; nella figura del 

toro dalle grandi corna slanciate è contenuto anche 

un volto femminile piangente, come piangente 

è il retro del cuore trafitto dal pugnale. Soluzioni 

argute ma al tempo stesso di una fantastica 

inventiva e capacità di sintesi a cui corrisponde 

l’efficace espressività surreale che l’artista attribuisce 

alle sue opere. Forme che appaiono evolversi 

in continuum sotto il nostro sguardo e ricordo 

quale esempio la bellissima dinamica con cui 

risolve la figurazione dei “quattro elementi” vitali 

dove lingue di fuoco si elevano come mani a trattenere 

la terra-pianeta; ma anche la poetica doppia 

configurazione di “Viola d’amore” che da strumento 

musicale si fa corpo umano. 

La rispondenza al vero con cui Horn elabora i propri 

soggetti rende ancor più intrigante la bizzarria 

dell’espressività molteplice dei volumi e sottolinea 

così l’esigenza dell’artista a scavare più profondamente 

nella realtà rappresentata, non fermandosi 

all’apparenza ma anzi rivelandone la 

valenza simbolica. 


Casa dellárte - Via delle Piastrelle, 814 - 51015 Monsummano Terme (PT) 

www.casadellarte.de - casadellarte.de@gmail.com 

98

Kevo (Claudio Cavallini) 


Kevo a lavoro nel suo laboratorio 

Nato a Firenze nel 1952, inizia a dedicarsi 

alla scultura nel 2003. Dopo 

aver tolto un vecchio albero nel giardino 

di casa, preso dai rimorsi, non ha il coraggio 

né di tagliarlo né di rimuoverlo per oltre sei 

mesi. Da questo scaturisce la voglia di riportare 

in vita la pianta, trovando nella scultura il 

mezzo ideale per realizzare questo intento. 

Molte le mostre realizzate negli anni. Tra queste 

si ricordano: Gattart, Firenze, Museo Bellini 

(2008); Kevo espone, mostra personale, Montecatini 

Terme, Casa del Pittore dello Scultore 

e del Poeta (2009); La Pergola. Arte a Palazzo, 

Firenze, Palazzo Medici Riccardi (2009); mostra 

collettiva, Rimini, Galleria d’arte Malatestiana 

(2009); Gattart Fiora Leone, Firenze, 

Palagio di Parte Guelfa (2009); Viaggio nel 

contemporaneo, Firenze, Albergaccio del Machiavelli 

(2010); III Mostra arte contemporanea, 

Pitigliano, Granai Fortezza Orsini (2010); 

Passeggiando nell’arte, Sorano, Fortezza Orsini 

(2010); Tanto di cappello signor Vasari, Arezzo, 

Galleria Villicana D’Annibale (2011); mostra 

personale, Festa dei Democratici, Molin 

del Piano, Circolo La Torretta (2011); Arte in 

Rugapiana - I fantastici 4, Cortona, Palazzo 

Ferretti (2011); Artistar Project, Milano, Galleria 

Artistar (2012); Celebrazioni Vespucciane, 

Pontassieve, Sala delle Eroine, Palazzo Comunale 

(2012); Espone Kevo, personale, Campi 

Laboratorio: via di Molin del Piano, 82 - Molin del Piano - 50065 Pontassieve (FI) 

Cell. 335 7027082 - www.kevo-firenze.it - kevo-firenze@tiscali.it 

99


Kevo 

Bisenzio, Cappella Villa Rucellai (2012); 

All’ombra degli etruschi, personale, Dicomano, 

Museo Etrusco, Palazzo Comunale 

(2012); Una favola moderna, personale, 

Pontassieve, Sala Eroine, Palazzo Comunale 

(2012); Tra forma e sintesi, personale, Vicchio 

del Mugello, Museo Casa di Giotto 

(2012); Legno e colore in Viterbo, personale, 

Viterbo, Museo Colle del Duomo (2013); 

Naturalmente arte, personale, Firenze, Museo 

di Storia Naturale La Specola (2013); 

Arte da Firenze, Bratislava, Slovacchia 

(2013); Omaggio al ciclismo ricordando 

Gino Bartali, Firenze, Ciclomuseo Gino Bartali 

(2014); mostra personale, Poppi, Galleria 

Comunale d’Arte Contemporanea, Palazzo 

Giorgi (2014); I due volti dell’arte, 

personale, Carpi, Palazzo dei Pio (2014). Più 

volte finalista del Premio Firenze, tra il 

2009 e il 2014, ha vinto il secondo e il terzo. 

Nel 2010 ha donato l’opera "La fatica" al 

Comitato provinciale del Ciclismo Fiorentino 

e nel 2012 l’opera "Il navigatore" al Palazzo 

Municipale Sansoni Trombetta, nel 

comune di Pontassieve. 

Don Chisciotte, 2014, pino e ottone, cm. 100 

Non si può dire che sia un conservatore: il 

suo approccio alla scultura non ha nulla di 

convenzionale o di retorico; al contrario, le 

uniche regole in cui si riconosce sono quelle 

che lui stesso ha tratto dall’esperienza. In 

effetti, è più corretto definire Kevo un “rivoluzionario 

moderato” che, pur agendo in 

piena libertà da qualunque schema, non rinuncia 

ad una rigorosa concezione del lavoro 

artistico. (…) Il suo obiettivo è operare 

una sintesi fra tradizione e rinnovamento, 

pur conservando un’originalità che lo 

emancipa da qualunque etichettatura. (…) 

Scegliendo il legno quale unico mezzo 

espressivo, Kevo dimostra di voler preservare 

i valori di un’arte antica quanto l’uomo 

per aggiornarli ai canoni dell’estetica moderna. 

Non è un caso che i suoi esordi siano legati 

alla scultura primitiva, da cui ha attinto quell’arcaismo 

della forma che connota in maniera trasversale 

e con episodi assai diversi l’intero suo 

percorso. (…) Le opere degli ultimi anni rappresentano, 

infatti, l’espressione più compiuta e, per 

molti aspetti, più riuscita della volontà - da sempre 

presente nel suo lavoro - di affrancare la scultura 

dalla contingenza del tempo e dello spazio 

per farne veicolo di una verità atemporale, originaria, 

imperitura. (…) Proseguendo in quest’analisi, 

incontriamo "Ballerina" (2008), "Il pesce" 

(2008) e "Madre con bambino" (2011), da cui si 

100


Kevo 

Gallo da combattimento, 2013, cipresso e ottone, cm. 81 

101


Kevo 

Achille, 2013, pino e acciaio, cm. 120 

evince un nuovo rapporto tra scultura e spazio: i fori 

aperti all’altezza della testa introducono la poetica 

del vuoto come fattore che compartecipa alla definizione 

oggettuale dell’opera facendola interagire con 

l’aria e con la luce. Il risultato è un’esaltazione dei 

valori tattili e cromatici della superficie, grazie anche 

all’applicazione di elementi metallici come i bulloni e 

le molle. Lo sforzo di affrancare la scultura dell’esteriore 

raggiunge esiti altissimi in "Il re guerriero" 

(2010), "La donna del guerriero" (2011) e "Achille" 

(2013), con cui il mito entra far parte di un racconto 

che risale alle origini della civiltà occidentale. La scelta 

di un tema epico gli permette di coniugare uno 

spirito sottilmente analitico, che indugia sui dettagli 

per soddisfare lo sguardo da qualunque 

angolo di osservazione, con una vocazione 

al grandioso, che diventa attributo 

proprio della forma a prescindere 

dalle effettive dimensioni dell’opera. 

(…) Non dovendo più simulare la realtà, 

Kevo coltiva l’ideale di una forma 

che unisce rigore geometrico e vitalismo 

lineare; una forma permeata da 

un’energia ascensionale che scandisce 

il transito dalla rigidità della retta all’armonia 

della curva. Ne abbiamo la riprova 

con "Gallo da combattimento" 

(2013) e "Furia" (2013), in cui il movimento 

è una forza che scuote la figura 

dall’interno, spezzandola in un ritmo di 

linee e di volumi che accentuano la tensione 

dinamica del cavallo imbizzarrito 

e trasformano il gallo in una macchina 

da combattimento. Con "Nefertiti" 

(2012) e "Don Chischiotte" (2014) la figura 

esibisce un’incompiutezza che la 

fa sembrare astratta e realistica al contempo, 

come fosse sospesa in una dimensione 

aurorale della forma. (…) È il 

punto più alto di una ricerca che tende 

ad annullare il riconoscibile per indurre 

l’osservatore ad una percezione visiva 

libera da ogni convenzione: una conquista 

maturata nel pieno rispetto di una 

materia ardua e antica come il legno, 

che lo scultore fiorentino ha saputo 

piegare alle ragioni della sua metamorfica 

e geniale creatività. Non c’è più alcun 

dubbio ormai: quello di Kevo è un 

viaggio nel mondo delle forme lungo 

rotte imprevedibili e sempre sorprendenti. 


Tratto da: Kevo. Viaggio nel mondo delle forme 

102

Bozena Krol Legowska 


Relax time 

Figlia d’arte, il padre noto scultore ligneo 

e poeta le ha tramandato la passione e 

l’amore per le belle arti che determineranno 

il suo percorso artistico e tutta la sua 

vita. In seguito frequenta la scuola d’arte dove 

consegue il diploma con la specializzazione in 

progettazione e realizzazione di tessuti artistici; 

negli anni a seguire conseguirà anche una specializzazione 

in tecniche pubblicitarie e marketing. 

Dalla fine degli anni Novanta si è dedicata alla 

pittura su vetro, una tecnica tipica primitiva 

della regione da cui proviene; l’artista l’ha intrapresa 

per poterla poi riproporre in uno stile 

contemporaneo. 

Nella sua mente ricorreva spesso l’idea e la voglia 

di sfidare la pietra cercando di scovare 

dentro questa dura materia forme sinuose e 

spontanee nascoste e liberate dalle mani di 

una donna. Nel 2001 durante uno dei suoi 

viaggi in Italia questa idea si è tramutata in realtà 

ed è iniziato cosi il suo incessante confronto 

con la scultura. Nel 2003 l’artista si 

trasferisce a Saturnia. 

Libertà sopite 

Esprimere in poesia le volute della mente, l’ansimo 

dei ricordi, la fuga precipitosa verso il dietro 

del tempo nascosto, è facile, relativamente, 

perché le parole sono a volte come fumi 

all’orizzonte, alla mercè del vento, che le dipana 

e le mescola a suo piacimento, scomponen- 

Cell. 340 8748847 

www.scultrice.it - bozena@scultrice.it 

103


Bozena Krol Legowska 

Staminal 

Imbuto rosso 

do il manent. Fare tutto questo con del sano e 

robusto marmo di Carrara è impresa altrettanto 

rischiosa, se vogliamo, ma di sicuro spezza il 

cerchio deponendo sul nostro stomaco il peso 

ingombrante della prova provata, inamovibile. 

Bozena Krol Legowska prende le distanze dalla 

scultura solitamente intesa perché introduce 

l’elemento inusuale della malleabilità della 

forma statica, quella che i poeti chiamano 

iperbole semantica, sapersi liberare dal significato 

coatto che a volte hanno i paradigmi. Bozena 

va oltre, oltre anche il realismo portato 

delle figurazioni, spazia nei territori del mutabile, 

valido esempio di surrealismo pittorico. 

Sì, pittorico, perché lei tratta il marmo a pennellate, 

raccordando le curve impossibili con 

espressioni dell’io che emergono da un fondale 

plastico e ribollente. 

Non è la minuziosa levigatura delle forme che 

si aggrappa al realismo fotografico per simulare 

la simulazione del vero, e nemmeno la fuga 

verso un ignoto astratto che sappia decriptare 

l’icona originale. È solo una danza, nelle escrescenze 

della materia figurata che compongono 

per incanto perfino respiri del pensiero, 

concedendo il ludibrio di poter cambiare forma 

e significato quando si vuole, prerogativa 

della poesia. 

Si librano, le motili rappresentazioni di scultrice 

come ectoplasmi, stilemi cangianti che ghiacciano, 

in un punto dell’universo, a temperature 

subumane, e liquefano come lava eruttata in 

un lento scorrere temporale astratto. Paracarri, 

come fossero paracarri sulla via lattea del desiderio 

puro, incontaminato. Cippi della contestabile 

visione ideale del mondo, che diventa 

certa e solida come polvere, di marmo. 

Sergio Gabriele 

FemminArt Reviev - Maionese - EnPlainAir - Pinerolo (TO) 

104

Pamela Lafragola 


Armonia, ceramica, cm. 44x29x28h - base cm. 40x40x4 

Pamela Lafragola nasce a Firenze nel 

1964. Sin da bambina manifesta le sue 

doti espressive stimolata anche da una 

vicina pittrice. Trasferitasi in Versilia darà poi 

impulso alla sua vocazione grazie anche alla 

frequentazione dello studio artistico del maestro 

Bucci, a Viareggio. Qui oltre all’arte della 

pittura apprende anche le tecniche scultoree. 

La sua attività artistica, che svolge da oltre un 

ventennio, si estrinseca sia nella pittura con 

opere di chiara tendenza espressionistica, sia 

nella scultura dove esprime forte sensibilità 

plastica e ricerca espressiva, con esiti lodevoli. 

Ha partecipato a collettive e rassegne d’arte 

riscuotendo consensi di pubblico e di critica e 

ha tenuto mostre personali che l’hanno fatta 

conoscere ed apprezzare soprattutto per la sua 

versatilità e la varietà dei temi trattati. 

Quartiere Butterfly, 21 - Torre del Lago - 55049 Viareggio (LU) 

Cell. 333 3625310 - pamelalafragola@gmail.com 

105


Susan Leyland 

Understanding, 2013, semi-refrattario, cm. 44x27 

“ C’è un qualcosa di metafisico nell’opera 

di Susan Leyland. C’è plasticità eleganza 

e forza. Sinuosità e sensualità. Le 

forme possenti delle figure che lei crea sembrano 

volteggiare nell’aria, sorgere dal nulla. Appaiono 

esseri leggeri e lievi. Reali forme di vita e 

tangibili forme d’arte.” 

Roberto Milani 

leyland@equinesculptures.com 

www.equinesculptures.com 

106

Guendalina Maggiora 


Guendalina Maggiora nasce a Lugano il 18 

maggio 1961. Dopo il liceo Artistico frequenta 

un anno di Accademia di Belle Arti a Firenze 

seguendo il corso di Pittura tenuto dall’artista Silvio 

Loffredo. Nel 1982 si iscrive alla Facoltà di Lettere e 

Filosofia dell’Ateneo Fiorentino seguendo corsi di Storia 

dell’Arte e consegue la laurea nel 1994 con una tesi 

d’indirizzo archeologico medievale. La passione per 

l’arte non cessa mai tanto che poi decide di abbandonare 

ulteriori specializzazioni accademiche per dedicarsi 

alla costruzione di burattini e figure animate. 

Una passione che, nel corso degli anni successivi, la 

coinvolge al punto che nel 2004 decide di fondare assieme 

al marito una compagnia di Teatro di Figura denominata 

La Birignoccola, espressione derivata dal 

linguaggio comico dei burattini che, quando battono 

la testa sul boccascena del teatrino, dicono: “Ho battuto 

la ciribirignoccola”. Guendalina, memore della 

sua formazione, inizia così un percorso artistico molto 

originale in quanto la sua scultura, essendo destinata 

a divenire forma animata dalla mano dell’uomo, deve 

cogliere il massimo dell’espressività. Il burattino è per 

antichissima tradizione popolare l’attore fatto di legno 

e stracci e, per distinguersi dagli attori in carne ed 

ossa, deve avere tratti decisi, lineamenti sicuri, affinché 

da quel micro spazio in cui si muove possa compiere 

il suo ruolo ed essere apprezzato dagli spettatori. 

Ecco perché l’origine di questo genere teatrale è 

dalle maschere: dal mondo greco fino alla Commedia 

dell’Arte. Una sorta di linguaggio teatrale in cui la vocalità 

e l’espressività dell’attore rendono vitale e interattiva 

l’azione. Chi, come Guendalina Maggiora, intaglia 

la testa di un burattino deve pertanto 

abbandonare regole, canoni e proporzioni tipiche della 

bellezza per andare alla ricerca di astrazione, deformazione, 

esagerazione, affinché in quel blocco di legno 

sia racchiuso tutto il senso, il carattere e il 

linguaggio di quel personaggio. Ecco che allora nei 

burattini di Guendalina riaffiora il senso più recondito 

Dante Alighieri, testa e mani in legno di cirmolo 

dipinte ad acrilico ed olio, stoffa per 

vestiti e sotto buratto per inguantare burattino, 

h cm. 60 

e fantastico dell’universo arcano delle 

fiabe, dal Medioevo fino a noi. Dagli orchi, 

goffi e disarmonici, ai cavalieri, re e 

regine, dall’espressione audace e fiera, 

alle streghe storte e nasute fino ai protagonisti 

comici del repertorio teatrale 

popolare che hanno tratti attinenti alla 

loro comicità: nasi tondi e arrossati, 

bocche aperte e sorridenti, strani bernoccoli 

e protuberanze. Autodidatta 

per quanto riguarda l’intaglio del legno, 

Guendalina Maggiora ha arricchi- 

Via Montauto, 96 - 50023 Impruneta (FI) - Tel. 055 641399 - Cell. 349 3561018 

www.labirignoccola.it - birignoccola@interfree.it - Guendalina Maggiora Facebook 

107


Guendalina Maggiora 

Ferdinando II De Medici e Alì Trinkell, burattini in 

legno di cirmolo, colori acrilici e olio, stoffa, h cm 60 

to nel corso dei questi anni la compagnia teatrale 

di ben più di cento personaggi che vanno 

dalle maschere tradizionali: Pinocchio, Pulcinella, 

Arlecchino, Sandrone…, ai tipi popolari: 

Masticabrodo, Tattameo, Pipetta…, ai tipi nobiliari: 

re, regine, principi, principesse, Granduchi, 

Marchesi… fino ai soggetti fantastici: orchi, 

streghe, diavoli, maghi, fate e mostri. Nel 

2005 viene invitata a Perugia al Festival Internazionale 

delle Figure Animate dove tiene una 

serie di dimostrazioni di come si intaglia una 

testa di burattino. Si tratta questa di una occasione 

in cui i suoi burattini vengono visti e apprezzati 

sia dai burattinai italiani che stranieri, 

oltre che da scultori ed artisti vari. Questa performance 

le permette di iniziare ad avere contatti 

anche con altri maestri scultori del genere 

e a ricevere alcune richieste di teste da 

scolpire da altre compagnie teatrali. Per il suo 

temperamento artistico e la sua bravura è notata 

da Viviana Puello che nel trascorso 2014 

la invita ad esporre alcuni dei suoi pezzi al Vivid 

Arts Network-Cutting Edge-Master of 

Contemporary Art che si tiene a Firenze, elevando 

così i suoi burattini a vere e proprie 

sculture. Espone contemporaneamente nella 

stessa sede alcuni disegni, a testimonianza di 

un percorso grafico che non è mai stato separato 

da quello dell’intaglio delle teste di legno. 

Infatti fin da piccola ha espresso un vivo interesse 

per il disegno e in particolar modo per il 

ritratto. L’interesse per il volto umano si è presto 

tradotto per una propensione a estrapolare 

i caratteri tipici dei personaggi fino ad arrivare 

a disegnare molte caricature. Nei 

burattini Guendalina ha potuto rendere la caricatura 

tridimensionale dal momento che il 

burattino è l’essere artificiale animato che 

rappresenta la caricatura dell’essere umano a 

differenza della marionetta, manovrata con i 

fili, che invece lo imita fedelmente anche nei 

movimenti. 

Ecco come l’artista, in una breve intervista, 

concepisce il suo lavoro: “Una testa viene concepita 

prima tirando fuori i tratti del personaggio 

che voglio realizzare; la fisiognomica dei 

vari tipi prima di essere portata sulla superficie 

del blocco di legno va disegnata sulla carta, e i 

tratti della matita si traducono poi nei tratti 

che gli strumenti dell’intaglio (sgorbia, scalpello 

o stracantone) traducono, scavano, incidono. 

E come la matita segna la linea, i piani e 

il profilo sulla carta, così lo scalpello traduce 

sul legno quei tratti, quei piani e quel profilo. 

Poi la matita ripassa, sottolinea, sfuma e la 

sgorbia esegue solchi, lima bordi, sfaccetta 

superfici fino a fare vibrare le forme nella luce. 

Infine il colore applicato in seguito al volto termina 

quell’opera plastica che deve apparire 

espressiva sulla ribalta”. 

108

Fabrizio Maiorelli 


Lo scultore Fabrizio Maiorelli con il Monumento all'Arma dei Carabinieri 

(legno e pietra serena) che si trova nel Comando dei Carabinieri a Vicchio 

Nato a Le Valli nel comune di Firenzuola, 

risiede dal 1983 a Barberino del 

Mugello. 

Da ragazzetto, nelle noiose giornate invernali 

passate nell’abitazione sull’Appennino Toscano, 

Fabrizio Maiorelli osserva il nonno Angiolo 

incidere, da esperto, assi di legno per ricavarne 

utensili da casa e da lavoro. E ne rimane 

tanto entusiasta e coinvolto da imitarlo, per 

costruirsi giochi di ogni genere. A dieci anni si 

ricava addirittura un bel paio di sci per scorrazzare 

sulla neve, ai tempi abbondante. Poi 

dai giochi all’arte il passo è breve. Ormai da 

anni Maiorelli scolpisce legno e pietra per ricavarne 

piccoli e grandi capolavori, volti, figure, 

paesaggi, soprattutto in bassorilievo, cercando 

di riproporre “gli intagli armoniosi delle 

decorazioni rinascimentali”. 

Nelle sue opere si nota l’antica cultura contadina, 

che obbliga a non sprecare niente, a riciclare 

legni e sassi “inutili”; ma si evidenzia anche 

la gentilezza d’animo e i buoni e profondi 

sentimenti dell’artista vero che con umiltà 

propone le sue soluzioni artistiche 

Invitato all’inizio ad esporre le sue sculture 

nelle feste di paese, col tempo ha allargato il 

suo orizzonte artistico iscrivendosi ai gruppi 

culturali Essere di Barberino, Dalla Terre di 

fabriziomaiorelli@gmail.com 

fb: fabrizio maiorelli 

109


Fabrizio Maiorelli 

Monumento a Giotto, 2007, pietra serena, mt. 2.50x1.50, 

collocato presso il Ponte di Cimabue di Vicchio 

Femminicidio, 2013, pietra serena, Premio Firenze 

Giotto e dell’Angelico di Vicchio e Modigliani 

di Scandicci. E per questi contatti è ormai diventato 

un punto di riferimento, per l’originalità 

delle sue opere, nelle varie mostre collettive 

delle suddette associazioni, come quelle 

tenutesi a Marina di Bibbona, al Palagio di Parte 

Guelfa, a Villa Vogel, Villa Bandini, a Predappio, 

a Modigliana e a Scandicci. Ha partecipato 

a diverse edizioni del Premio Firenze. 

Da qualche anno, inoltre, si completa con la 

pittura, incoraggiato dall’amico pittore Bruno 

Serpillo. 

Insegna intaglio per l’Auser ai Corsi dell’Università 

dell’Età Libera presso la Scuola Media 

Giovanni Della Casa di Borgo San Lorenzo e 

scultura presso l’Associazione Dalle Terre di 

Giotto e dell’Angelico. 

110

Luciano Manara 


Cristo delle rose, 2000,terracotta policroma, cristallo acrilico, 

cm. 60x120 

Fiorino d’Oro nel 1998, ha esposto in Italia (Firenze, 

Fiesole, Milano, Bologna, Verona, Faenza) 

e all’estero (Dubai, Ucraina, Los Angeles), 

riscuotendo sempre ampi consensi. 

In viaggio con Manara, artista insolito e 

stravagante nel suo fantastico mondo 

dell’arredamento d’interni…o forse no. 

Manara non è design, è trasgressione. 

Una creatività talmente fuori da ogni schema 

che lascia perplesso il più smaliziato osservatore. 

Un design insolito che travolge le vecchie prospettive 

e apre all’innovazione totale. 

Utilizza materiali alternativi come forme e colori 

che rasentano la follia. 

Follia creativa, ovviamente, con percezioni 

multisensoriali capaci di raggiungere l’inconscio. 

Caratterialmente essenziale ed esagerato, in- 

Manara Design - Via di Novoli, 62/G - 50127 Firenze 

Tel. 055 435003 - info@manaradesign.it - www.manaradesign.it 

111



In foto alcune lampade-sculture ideate e realizzate da 


sieme infonde sensi di esaltazione o di disagio: 

è diabolico, le sue creazioni incarnano la sua 

anima complessa e sofferta e non ammettono 

mezze misure. 

Chi pensa che alla voce arredamento non ci sia 

altro da aggiungere è solo all’inizio: Manara comincia 

adesso a raccontare il suo mondo fatto 

di estetica primitiva e disomogenea che caratterizza 

il suo spirito libero e mai sazio di stupire. 

Le opere di Manara diventano così arte e provocazione 

suscitando in chi le osserva attentamento 

uno struggente disincanto. 

Manara per tutti e per nessuno…o forse no. 

Le creazioni di Luciano Manara reinterpretano 

il concetto di design unendo alla funzionalità 

dell’oggetto d’uso la preziosità del pezzo uni- 

È giunta mezzanotte, omaggio a Domenico Modugno, 

cristallo molato, ottone e pietre Swarovski, paralume 

con cappello rivestito in foglia d’argento, diam. cm. 50, 

altezza cm 130 

co. La compresenza di entrambi i fattori impedisce 

di classificare in maniera univoca i suoi 

lavori, che programmaticamente sfuggono ad 

ogni definizione per conservare un’identità 

ibrida se non addirittura anarchica rispetto ad 

ogni convenzione artistica e creativa. 


112

Nicola Mancino 


L’abbraccio, pietra marmorea di Roselle, cm. 25x15x15 

Nelle opere di Nicola Mancino emerge 

una ricerca di nuove emozioni basata 

essenzialmente su forme di grande 

pulizia, che l'artista porta alla luce “strappando” 

il superfluo della materia. 

Ciò che affiora, modellato con finezza e precisione 

di mano, esprime la libertà espressiva 

dell'artista, che imprime i propri sentimenti 

dell'anima nelle linee morbide, sinuose e “danzanti” 

dei corpi carichi di emotività. 

In queste diverse espressioni che emergono 

flessuose dalla materia, e alle quali sono condizionate, 

si coglie la volontà dell'artista di 

esprimere la sinuosità e la libertà espressiva 

dell'esistenza individuale che può avere una 

doppia valenza: negativa e positiva. 

La prima, legata alle difficoltà della vita di staccarsi 

dai ritmi della modernità, descrive la figura 

come imprigionata nella materia, costretta a 

muoversi nello spazio condizionata dalla routine 

quotidiana; la seconda, invece, rivela la figura 

in chiave positiva, ovvero rappresentante il 

canto liberatorio del corpo sulle note di una 

sensuale musica. 

Cristina Bruni 

Storica dell'Arte 

mancinoscultore@gmail.com 

113


Nicola Mancino 

Ragazza con lentiggini, marmo, cm. 25x25 

Corpo stilizzato, marmo di Carrara 

114

Roberto Manetti 


I curiosi (fronte), pietra serena, cm 60x20x45. Marito e moglie stando spesso a curiosare alla finestra 

hanno abituato anche il cane e il gatto… 

Animato fin da piccolo da una grande 

passione per la scultura, inizia a scolpire 

alla fine degli anni Novanta, realizzando 

prima alcuni bassorilievi su pietra di Vicenza 

e poi lavorando il marmo, la pietra 

serena e la pietra Santa Fiora. Nel 1997 realizza 

la prima scultura a tutto tondo: un’opera che 

gli permette di consolidare il suo legame con 

l’arte scultorea, a cui si dedica con dedizione 

assoluta. Nel 1999 vince il primo premio al 

concorso Arti Visive organizzato nel Teatro 

Niccolini di San Casciano Val di Pesa. Nello 

stesso anno si classifica quarto alla Biennale 

Internazionale di Arte Contemporanea di Firenze 

e qualche anno dopo (2001), nell’ambito 

della stessa manifestazione, gli viene conferito 

il Premio alla Carriera. 

Via Santa Maria Novella, 95 - Loc. Fiano - 50052 Certaldo (FI) 

Tel. 0571 669247 

115


Roberto Manetti 

A scuola di canto (Serenata alla luna), pietra serena, 

cm. 50x30x55. Mamma lupa insegna ad ululare ai 

due lupacchiotti e tutti insieme ululano alla luna 

La fretta di crescere, pietra serena, cm. 40x30x75 

116

Antonio Manzi 


Dalla materia allo spirito, 1996, bronzo, mt. 5, collezione privata 

Lastra a Signa andata e ritorno. È qui infatti 

che nasce la storia artistica e umana 

del maestro Antonio Manzi che, nonostante 

i riconoscimenti internazionali e il 

museo a lui dedicato a Campi Bisenzio, ha voluto 

sempre mantenere e, anzi, potenziare negli 

anni, il rapporto con il territorio lastrigiano. 

Antonio Manzi è nato a Montella (Avellino) nel 

1953 e si è quindi trasferito a Lastra a Signa nel 

1957. Proprio qui, ancora bambino, è riuscito a 

trasformare in espressione artistica la rabbia e 

la maturità di un’infanzia non semplice. Il tratto 

del Manzi, prima di farsi conoscere dal pubblico 

e dalla critica nazionale e internazionale, 

ha preso vita sui tavoli in marmo della trattoria 

Sanesi dove l’artista, appena dodicenne, ha 

trovato accoglienza umana e artistica. Tuttora, 

non a caso, lo storico ristorante di Lastra a Signa 

ha dedicato alle prime opere cariche di 

una rabbia graffiante, una piccola ma interessantissima 

esposizione permanente. 

Scoperta la potenza del disegno con il “Ritrat- 

Cell. 339 7290402 

117


Antonio Manzi 

Abbraccio, 2009, marmo, mt. 3,40, collezione privata 

118


Antonio Manzi 

Ballerina, 2006, bronzo, mt. 3, Comune di Campi Bisenzio 

to del nonno”, Manzi ha iniziato un articolato 

percorso da autodidatta: nel 1968, con un 

paesaggio, ha vinto il primo premio alla mostra 

di pittura estemporanea proprio a Lastra a 

Signa e, sempre alla trattoria Sanesi, ha iniziato 

a incontrare e convincere critici e collezionisti. 

Ai primi disegni, eseguiti sul lino, si è alternata 

la pittura, finché, nel 1972, a soli 19 

anni, è arrivata la prima mostra personale alla 

Galleria Guelfa di Firenze. 

Tra il 1976 e il 1977, ha disegnato la grande tovaglia 

“La vita e la morte” (cm 350x260) che, 

insieme a “L’amore” (cm 450x240), è stata poi 

donata dall’artista, dieci anni più tardi, al Comune 

di Lastra a Signa. Entrambe le opere, imponenti 

disegni a biro su stoffa di lino, si trovano 

tuttora nella Sala Consiliare del Comune. 

Dello stesso periodo sono i viaggi e la scoperta 

di nuove tecniche, come la litografia, fino ad 

approdare nel 1977 alla ceramica, nella mani- 

119


Antonio Manzi 

Innamorati, 2007, marmo, diam. cm. 80, collezione Museo Antonio Manzi, Campi Bisenzio 

fattura Italica Ars di Lastra a Signa. Nel 1984 

sono arrivate la pittura in affresco e l’incisione 

di oltre 200 punte secche, suggellate l’anno 

successivo da una mostra a Prato. Approfondendo 

la tecnica dell’affresco, dopo varie opere 

molto apprezzate dalla critica, Manzi è nuovamente 

tornato nel suo paese di adozione, 

realizzando, nel 1988, “La Deposizione” (cm. 

300x200), per la chiesa della Natività di Lastra 

a Signa. 

È del 1989 la scoperta della tecnica del graffito: 

due anni più tardi l’artista ha eseguito l’importante 

graffito “La Meditazione” nella chiesa dei 

Santi Quirico e Giulietta a Capalle (Firenze). 

Del 1991 è quindi la scoperta della scultura, 

con le prime opere in terracotta e in bronzo. A 

questo proposito, il 4 aprile del 1993, è stata 

collocata in piazza Michelacci a Signa “La Solidarietà” 

(h cm 400), realizzata su commissione 

dell’allora Cassa Rurale ed Artigiana di Signa 

(oggi Bcc di Signa). Si tratta della prima grande 

scultura di Antonio Manzi posta in una piazza 

pubblica e soprattutto del riconoscimento tangibile 

della sua arte nel territorio. Proseguendo 

120


Antonio Manzi 

Gatto, 1993, bronzo, collezione privata 

nell’elenco delle opere collocate in zona, l’anno 

successivo è stato inaugurato il Crocifisso 

bronzeo nella Chiesa della Natività di Lastra a 

Signa. Le nuove creazioni artistiche collocate 

nelle Signe testimoniano perfettamente anche 

il percorso che Manzi ha compiuto negli anni: 

un viaggio fra tecniche e luoghi diversi e lontani, 

ma soprattutto un cammino interiore che lo 

ha portato a trovare un’inedita armonia, incanalando 

la rabbia e l’energia verso temi nuovi 

come la solidarietà, l’amore e la fede. 

Nel 1995, la collaborazione con lo studio Sem 

di Pietrasanta ha dato inizio al percorso del 

maestro nella scultura in marmo. Tre anni dopo 

Manzi ha deciso di portare nuovamente “a 

casa” i frutti del suo percorso, con il Fonte Battesimale 

in marmo nella chiesa della Natività 

di Lastra a Signa. Tra il 1999 e il 2000 ha lavorato 

a sculture in marmo, ceramiche, graffiti, affreschi 

e bronzi. Nel 2000 l’opera in marmo 

“L’Amore” (h cm 320) è stata presentata dal 

comune di Pietrasanta nella piazza del Duomo. 

Nel 2001, il comune di Lastra a Signa ha dedicato 

a Manzi una grande mostra presentata 

dal critico d’arte Vittorio Sgarbi: il percorso 

espositivo ha compreso opere scultoree di 

grandi dimensioni esposte in piazza del comune 

e nella Sala Consiliare. Nel dicembre del 

2002, nella chiesa della Natività di Lastra a Signa, 

è stato collocato l’altorilievo in marmo 

“Madonna della Natività” (cm. 180x180), 

mentre è del 2003 la commissione, da parte 

121


Antonio Manzi 

Mani innamorate, 2008, marmo, cm. 90, collezione privata 

del comune di Campi Bisenzio, della scultura in 

bronzo “Inno alla vita” (h cm. 280), collocata 

nella piazza di Villa Rucellai. 

Nel 2005 ecco la prestigiosa mostra “Antonio 

Manzi a corte!”, nel Giardino di Boboli a Firenze, 

con 40 opere fra sculture in marmo, ceramiche, 

bronzi e graffiti, mentre nel 2006 il 

maestro ha donato alla chiesa della Natività 

di Lastra a Signa l’affresco “San Francesco”. 

Nel 2007 è stato inaugurato il Museo Antonio 

Manzi allestito nei saloni a piano terreno 

dell’ala settecentesca della Villa Rucellai di 

Campi Bisenzio. Nel 2008 il comune di Lastra 

a Signa ha acquistato l’opera “La ballerina”, 

bronzo di 2,80 metri, collocata nella piazzetta 

della fontana di via XXIV Maggio. 

Nel 2011 l’artista è tornato ad esporre a Lastra 

a Signa con la mostra “Antonio Manzi - Passato 

e presente”. Oggi, nonostante i suoi tanti viaggi 

fra gallerie, esposizioni e mostre in Italia e nel 

mondo, continua ad avere il suo “rifugio” più 

intimo proprio nel cuore del suo paese d’adozione: 

uno studio ricco di opere e di storia incastonato 

nelle antiche mura di Lastra a Signa. 

122

Luigi Marchettini 


Senza titolo, 2006, legno, h cm. 40 

Senza titolo, 2005, legno, h cm. 40 

“I volti accarezzati di Luigi Marchettini” 

Più che decisamente incise sembrano 

“accarezzate” le sculture in legno, cotto, 

marmo e pietra di Luigi Marchettini. 

E' la prima impressione che ti danno. Ordinatamente 

allineate su un tavolo, tutte rigorosamente 

figure e volti, ora attonite, ora sorprese. 

Non c'è in esse un grido di protesta qualsiasi 

bensì un senso di distensione quasi l'artista vi 

trasmettesse il suo modo di essere, la propria 

interiorità. 

Marchettini, classe 1934, aveva cominciato a 

lavorare con pezzi di mattone gettati via, con il 

desiderio di dare loro una forma che soddisfacesse 

la sua voglia creativa che era latente e 

che ora è esplosa in manufatti realizzati con 

vari materiali (marmo, cotto, pietra e legno 

appunto). Manufatti in mostra nelle sale del 

Dopolavoro Ferroviario di Prato, dopo essere 

state oggetto di attenzioni a Firenze presso 

Villa Vogel, a Grosseto presso il Bagno Moreno, 

a Scandicci presso la Scuola Nazionale cani-guida 

per ciechi, ecc... 

Marchettini, dunque, profeta in patria con una 

mostra con la quale si è presentato ufficialmente 

alla sua città. Con un panorama di lavori 

alcuni dei quali ci rimandano a visioni modi- 

Cell. 338 4195118 

luigi.marchettini@libero.it 

123


Luigi Marchettini 

Senza titolo, legno, cm. 45 

glianesche o africane, ma che comunque 

vibrano di una contenuta espressività che poi 

va a esemplificarsi negli sguardi, negli atteggiamenti 

quasi di sorpresa dei suoi personaggi 

che riflettono un modo sereno di concepire la 

vita, che poi deve essere quello dell'artista. 

E in questa operazione Marchettini ci mette 

tutta la sua attenzione per cui le opere si presentano 

anche nella loro autenticità ben levigate 

nei contorni dai quali “escono” i volti i lineamenti 

e le posture del personaggio e le sue 

pulsioni emotive. 

Punto di arrivo? Se glielo chiedi risponde in 

modo vago. Ma chi può mettere un freno alla 

creatività? E lui continua a levigare e scolpire 

per soddisfare la sua passione della vita. 

Franco Riccomini 

124

Luigi Mariani 


Presepe donato all’Opera del Duomo di Santa Maria del Fiore (Premio Firenze 2012), 

2011, terracotta, grandezza naturale 

La materia si anima fra le dita di Luigi, 

che vi dialogano con fatica e piacere, 

guidate dall’entusiasmo, dalla passione 

e dal sentimento, alla ricerca di una forma 

nuova, vitale e significativa; è così che si perdono 

i confini fra l’artigianato e l’arte. Le sue 

mani si fanno dello stesso colore della terra, a 

“conquistare” quegli spazi di libertà che sono 

per lui essenziali e nei quali emergono le più 

profonde verità che ognuno di noi ha in se 

stesso. Nonostante la tendenza verso un certo 

rigore formale non è l’aspirazione alla verosimiglianza 

o alla perfezione a guidarlo ma la 

volontà di esprimere, attraverso una forma 

levigata e “pulita”, gesti fermi, dolci e contenuti, 

un sentimento, un messaggio chiaro e 

universale di pace, fede, bellezza e amore. 

Quell’amore che, insieme al ricordo, ispira 

opere come il ritratto del nonno Anselmo, il 

quale per primo amò la terra e la strinse fra le 

sue mani fino a farne cosa meravigliosa. Sfuggenti 

gli sguardi delle sue figure, immobili, non 

vanno cercando il compiacimento dello spettatore, 

non si soffermano sugli oggetti o sulla 

realtà ma sono rivolti, carichi di malinconica 

dolcezza, verso orizzonti lontani nel tempo e 

nello spazio. Con modestia ed equilibrio Luigi 

si affaccia all’arte e alla scultura, con amore e 

rispetto si approccia alla materia che si lascia 

da lui plasmare, conducendolo dentro, fino ai 

luoghi più reconditi della sua sensibilità, dei 

suoi affetti, dell’uomo. 

Caterina Pacenti, 2015 

Cell. 329 4180696 

luigimariani54@gmail.com 

125


Vittoria Marziari 

Indifferenza, 2014, bronzo, acciaio inox, cristallo, h cm. 42 x 57 

Nata a Monte San Savino (Arezzo), si 

diploma a Siena all’Istituto d’Arte. Insegnante 

di disegno e storia dell’arte 

si dedica anche all’arte pittorica, scultorea e 

ceramica. Negli anni Ottanta si afferma come 

uno dei rakuisti più originali del Paese. Affronta 

poi le fusioni in bronzo dove l’eleganza e la leggerezza 

vengono esaltate in forme lineari e 

astratte che tendono verso l’alto, a cercare spiragli 

di luce sensibile nello spazio che sente ed 

esplora come sorgente inesauribile di espressione, 

ricerca ed elevazione. Ha esposto in musei, 

ambasciate, consolati, istituti italiani di 

cultura negli Stati Uniti e in quasi tutte le capitali 

europee, compresa Tallin, nel 2011, allora 

capitale europea della cultura, dove l’artista ha 

rappresentato l’Italia con una sua personale 

nella sede dell’Unione Europea. 

La sua scultura è stata definita filosofica. 

Tra le opere pubbliche: il Masgalano 2000 per 

il Palio Straordinario di Siena, l’Ambone per la 

chiesa di Sant’Andrea (Siena), il Crocifisso per 

la chiesa di San Marco (Arezzo), la pittura del 

Drappellone per il Palio di Massa Marittima. Le 

sue sculture sono presenti in Città del Vaticano, 

al museo della Volkswagen a Wolfsburg, 

alla Fondazione Monumental di Bruxelles, al 

Palazzo del Festival Internazionale del Cinema 

di Hong Kong, a Paso de los Libres in Argentina. 

Via San Pietro, 24 - Siena - Tel. 0577 271363 - Cell. 348 3627855 

www.vittoriamarziari.it - info@vittoriamarziari.it 

126

Mario Meoni 


Calcio storico fiorentino, rappresentazione del calcio storico in piazza Santa Croce, fusione in bronzo, cm. 180x120 

Pittore e scultore autodidatta, nasce ad 

Anghiari (AR) nel 1949 e ancora giovanissimo 

si trasferisce prima a Firenze e 

poi, nel 1973, a Fontebuona, nel Mugello, dove 

si trova attualmente il suo studio. Inizia la carriera 

artistica come pittore paesaggista, partecipando 

sia a mostre collettive che personali e 

ricevendo diversi premi, come quello consegnatogli 

dal maestro Silvio Loffredo. Artista 

bizzarro e irrequieto, sente la necessità di misurarsi 

anche in altri campi, compresa la scultura, 

per la quale usa diversi materiali (legno, 

marmo, alabastro, pietra) e soprattutto il 

bronzo che predilige perchè affascinato dalle 

varie fasi di lavorazione. Come scultore ha realizzato 

diverse personali (Anghiari e Vicchio) e 

ha donato al comune di Vicchio due altorilievi 

in fusione di pietra serena, attualmente esposti 

nella piazza principale del paese e nella frazione 

di Villore. Tra i critici che hanno commentato 

il suo lavoro, si ricorda Paolo Campidori. 

Alcune sue opere sono esposte a Firenze presso 

la Galleria Bazzanti e la Galleria il Cesello; altre 

sono in esposizione permanente nel suo studio 

a Fontebuona. 

Via dell’Arco, 25 - 50036 Fontebuona - Vaglia (FI) 

Cell. 347 1336089 - mario.meoni@libero.it 

127


Mario Meoni 

Raccolta dei marroni (località Villore, Vicchio del Mugello), altorilievo in fusione di pietra serena, 

cm. 120x100 

Battaglia di Anghiari, omaggio a Leonardo da Vinci, bassorilievo in bronzo, cm. 100x80 

128


Mario Meoni 

Bronzetto da collezione rappresentante il colosso degli Appennini del Giambologna, alt. cm. 43 base cm. 35 

Barbone con cane, in fusione di pietra serena, largo cm. 50 alt. cm. 30 

129


Mario Meoni 

Momento di caccia "sopravvivenza" bronzetto da collezione 

alt. cm. 40 base cm. 33 

Tavolo da cucina mosaico in marmo rappresentante un paesaggio tropicale 

130

Anna Mercati 


Figura femminile, 2010, terracotta, cm. 51 

(…) Così Anna ripercorre un aspetto 

della propria formazione artistica 

e torna alla figura, al processo 

mentale dal disegnare alla costruzione di nudi. 

La figura umana è ricercata in ritmi colti nella 

loro eleganza, talvolta, dal sapore di un’istantanea 

che ferma un passo che allude alla danza. 

Il fissarsi dell’idea, nella freschezza del fare, 

dopo il confronto con il “dal vero” si identifica 

con le superfici modellate e dall’argilla che 

nella cottura è divenuta quella terracotta 

amorosamente patinata così toscana e così 

“mediterranea” che pare racchiudere insieme 

il sole e il corallo. (…) Volumi si articolano con 

la sensibilità esecutiva di grandi maestri del 

Novecento fino a risalire alla sintesi che attraverso 

Arturo Martini suggerisce un che di lauranesco. 

Tornando infine ai nudi, punto di arrivo 

di un’intensa fase di elaborazioni, si 

percepisce, con il “dal vero”, l’approccio diretto 

con il vedere, il restituire, con una qualità 

esecutiva maturata con una severa quanto 

appassionata partecipazione, il mistero del 

nesso tra la materia e il pensiero, la poesia insomma. 


Via Giovanni Sercambi, 53 - 50133 Firenze 

Tel. 055 5001103 - annamercati@gmail.com 

131


Monica Michelotti 

vità di Betlemme, Fondazione Internazionale 

Erzia, Russia. 

Ha esposto in Italia, Emirati Arabi, Repubblica 

Dominicana, Stati uniti, Finlandia, Belgio, Canadà, 

Russia, Belgio, Argentina, Brasile. Concepisce 

la pratica artistica come una ricerca sulla 

propria personalità, indispensabile per raggiungere 

una maggiore coscienza artistica e 

consapevolezza espressiva. 

La Melagrana - simbolo di abbondanza fertilità e 

prosperità creativa, 2014, plexiglass e colore acrilico, 

h cm. 71x50x2 

Scultrice, operatrice di installazioni, performer, 

mail artista e docente titolare di 

cattedra all’Accademia di Belle Arti di 

Carrara. Nata nel 1961 a Pontremoli (MS), attiva 

nella scena artistica dal 1983, ha realizzato 

oltre cento mostre collettive e personali. 

Alcune sue opere fanno parte delle seguenti 

collezioni: Art Museum di Xi’an in Cina, CA- 

MeC Centro di Arte Contemporanea di La Spezia, 

Centro di arte Moderna in Argentina, 

GaMC Galleria d’arte Moderna e Contemporanea, 

Viareggio (LU),Collezione della Regione di 

Firenze, palazzo Panciatichi, Museo della Nati- 

Molti dei lavori dell’artista si presentano come 

arte da viaggio, arte cioè idonea ad essere trasportata 

per seguirci nelle nostre peregrinazioni 

di moderni Ulisse alla ricerca di noi stessi, 

con la stessa semplicità, delle tante altre cose 

che affollano le nostre valige. Ed è dalla necessità 

di nutrirci di bellezza e creatività, da una 

visione utopica in cui un oggetto d’arte può e 

deve essere fruito naturalmente e quotidianamente 

per educare al bello, al vero, al giusto, 

che prende via la produzione di dittici, libri/ 

scultura, che possono assumere le forme più 

disparate (visi, mani, piedi, orecchie, labbra). 

Nasce proprio da ciò una considerazione, il primo 

e forse più importante messaggio dell’artista: 

la necessità di esplorare in profondità il 

rapporto tra la nostra interiorità, le convinzioni, 

le ideologie, i pensieri più intimi, l’etica che 

cerchiamo di mantenere sostanzialmente integra 

e l’evoluzione incessante di un’altra parte 

del nostro essere che deriva dalla continua e 

proficua interazione tra noi e gli altri. 

Queste opere, come noi stessi, sono dunque 

interattive, entrano in comunicazione con ciò 

che siamo in maniera profonda, stabiliscono 

rapporti con l’ambiente circostante, si fanno 

modificare ed a loro volta modificano i propri 

fruitori. 

Maria Pina Cirillo 

Critica d'arte 

Studio: via Cucchiari, 14 - 54033 Carrara (MS) 

Cell. 347 3459089 - monica.michelotti@alice.it 

132

Vincenzo Montecalvo 


L’evoluzione dell’anima, 2014, ferro, scagliola e legno, diametro 

cm. 38 

Dopo il diploma di Maturità d’arte applicata 

nel 1977, si diploma in Pittura 

all’Accademia di Belle Arti di Foggia 

nel 1981. La ricerca lo porta oggi ad avere l’esigenza 

di lavorare sui rilievi materici (tridimensionalità), 

per aggiungere alla dimensione 

visiva quella tattile, come se invitasse chi guarda, 

oltre che a vedere anche a toccare. 

L’evoluzione dell’anima 

L’antica pietra collocata al centro della scultura, 

rappresenta simbolicamente l’anima allo 

stadio iniziale, non contaminata da fattori culturali, 

storici, religiosi o personali. La sfera 

esterna articolata nei suoi chiaroscuri e nelle 

sue lettere esprime un’anima che ha subito 

una metamorfosi, un’anima interna visibile 

che come un germoglio nutre la nuova anima 

contemporanea. L’opera riceve la medaglia di 

bronzo ex aequo al XXXII Premio Firenze 2014. 

Via Matteo degli Organi, 53/16 - 59100 Prato (PO) - Tel. 0574 660095 - Cell. 331 4392710 

vincenzomontecalvo@libero.it - www.vincenzomontecalvo.net 

133


Valentino Moradei Gabbrielli 

Lympha, Greve in Chianti, 2008, bronzo, cm. 320x320x290 h 

Continuatore di una bottega fiorentina di 

scultori, la “Bottega Fantacchiotti-Gabbrielli” 

che ha quale capostipite nell’Ottocento 

Odoardo Fantacchiotti (1811-1877), Valentino 

Moradei Gabbrielli, nipote dello scultore 

Donatello Gabbrielli (1884-1955), nasce a Scandicci 

(Firenze) il 19 marzo 1959. Compie gli studi 

presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Partecipa, 

dal 1981 al 1983, alle missioni archeologiche 

del Politecnico di Torino a Hierapolis di Frigia, in 

Turchia, dove per conto del Ministero degli Affari 

Esteri italiano lavora come esperto restauratore di 

marmi antichi e tiene in seguito corsi di restauro 

scultoreo presso il Museo Archeologico Nazionale 

di Izmir. Tornato in Italia, dal 1984 si dedica all’insegnamento. 

Collabora con numerose università 

statunitensi in Firenze ed in Giappone. Artista assolutamente 

singolare nella scelta dei materiali 

per fare scultura, utilizza in modo originale il cemento 

patinato e le resine sintetiche. Attivo come 

scultore-scenografo, cura le scene di opere liriche 

e commedie per vari teatri italiani ed esteri. Espone 

in Italia ed all’estero aggiudicandosi importanti 

riconoscimenti: il Premio Banca Mercantile 

dell’Università Internazionale d’Arte U.I.A. nel 

1982 conferitogli dallo storico dell’arte Carlo Ludovico 

Ragghianti; nel 1986 il premio Filippo Al- 

bacini dell’Accademia Nazionale di S. Luca 

in Roma conferitogli dallo scultore Fausto 

Melotti. Lavora attivamente nel campo del 

design, divenendo noto in Giappone come 

disegnatore di orologi da polso, ed espone a 

Tokyo, Kyoto, Oita, Osaka e Fukuoka. Nel 

1987 collabora al progetto vincente per l’arredo 

urbano del centro storico di Grosseto; 

nel 1998 realizza un’opera per il Parco Comunale 

di Scultura Contemporanea delle 

Vallette d’Ostellato (Ferrara). Ha realizzato, 

nell’agosto 2003, un’opera monumentale 

per il nuovo stabilimento dell’azienda fiorentina 

Cooperativa Agricola di Legnaia. È 

presente nel Parco Museo d’Arte Ambientale 

di Poggio Valicaia nel comune di Scandicci 

sulle colline di Firenze con l’opera in bronzo 

“Umanità”, 2004. È stata inaugurata nel 

2008 una sua fontana, “Lympha”, nel centro 

di Greve in Chianti. Dal 1997 insegna Discipline 

Plastiche e Educazione Visiva all’Istituto 

Statale d’Arte di Firenze. 

Attualmente titolare della cattedra di Laboratorio 

del Marmo presso il Liceo Artistico 

Statale di Porta Romana in Firenze. 

Dal 2006 è membro dell’Accademia delle 

Arti del Disegno di Firenze. 

Studio: “Palazzo dei Pittori”, viale Giovanni Milton, 49 - 50129 Firenze - Tel. 055 7300880 

Cell. 347 2334263 - valentino.moradei@libero.it - www.valentinomoradei.com 

134

Antonietta Moschi 


La fonte della vita, 2013, terracotta, cm. 50 

Cresciuta in un contesto artistico-familiare 

molto attivo, Antonietta Moschi 

è una scultrice toscana che ha coniugato 

la sua passione per l’arte con l’attività di 

medico neuropsichiatra: due professioni apparentemente 

lontane, ma che si completano a 

vicenda. Diversi anni fa vinse il concorso per 

entrare all’Accademia delle Belle Arti di Firenze, 

ma, a causa della sua professione in ospedale, 

dovette rimandare l’attività artistica. Attualmente 

riesce a dedicarsi maggiormente 

all’arte onorando la sua famiglia di illustri scultori 

ed artisti italiani: Mario Moschi e famiglia 

Santelli di Signa. La sua arte spazia tra sculture 

a tuttotondo, bronzi, bassorilievi, medaglie, 

monumenti e busti su commissione. Di conseguenza 

il senso artistico delle sculture si basa 

sul contrasto dell’interiorità espressiva della 

forza ispiratrice che esplode in un connubio di 

pieni e vuoti. Antonietta Moschi ha partecipato 

a numerose collettive, riscuotendo grande 

successo. È socia del Circolo degli artisti - Casa 

di Dante di Firenze. Ha partecipato alla Biennale 

Internazionale d’Arte Contemporanea di 

Firenze nel 2013 ed ha vinto il quarto premio 

per la scultura. Inoltre ha vinto il terzo premio 

del concorso internazionale Adotta Parco Uditore 

che si è svolto a Palermo nel 2014. 

Studio: via dell’Azzurro 19/b - 50038 Scarperia (FI). Atelier: “Palazzo dei Pittori”, viale Milton, 49 - 

50129 Firenze. Atelier: via Maragliano, 54 a - 50144 Firenze 

Cell. 335 5416170 - antoniettamoschi@gmail.com - www.antoniettamoschi.it 

135


Mara Moschini 

Giostra, 2013, terracotta policroma, cm. 20x22x95 

Nata a Cuneo nel 1969, consegue la 

maturità artistica presso il Liceo Artistico 

Statale Ego Bianchi di Cuneo e 

nel 1991 il Diploma di Scultura presso l’Accademia 

di Belle Arti di Carrara. Nel 2003 realizza 

la prima personale dal titolo "Genesi" presso 

la Sala Grasce del Centro Culturale Luigi 

Russo a Pietrasanta, mentre tra il 2009 e il 

2014 ha esposto in permanenza nello Studio 

d’Arte Pinto, sempre a Pietrasanta, e nel 2013 

ha partecipato alla collettiva "Il Leone e i suoi 

simboli - Lodo Papa Leone X" a cura di Erica 

Cavalli e Lodovico Gierut. 

Frazione Bedoira, 1 - 12010 Gaiola (CN) - Cell. 349 4423299 

maramoschini@virgilio.it - www.maramoschini.com 

136

Tommaso Musarra 


Tommaso Musarra al lavoro 

Crocifissione, 1995, bassorilievo ceramica, cm. 113x38, 

particolare 

Naufraghi, 2007, bronzo cera persa, alt. cm. 50x18x18 

Nato a San Salvatore di Fitalia 

(ME), ha frequentato la 

Scuola d’arte per la ceramica 

di Santo Stefano di Camastra e 

l’Istituto d’Arte di Caltagirone. Vive 

e opera a Castiglion Fiorentino in 

provincia di Arezzo. Molte sue opere 

si trovano sia in Italia che all’estero 

oltre a essere state più volte pubblicate 

su annuari, cataloghi e riviste 

d’arte contemporanea. 

Dal 2011 le opere di Musarra sono 

esposte in permanenza nel suo Centro 

Espositivo Magazzin’Art a Castiglion 

Fiorentino. 

137



Sintesi di bellezza, 2004, bronzo: fusione a cera persa, 

cm. 33x19x7 

Se il cervello è il più efficiente compressore algoritmico 

di informazione in cui siamo fino ad 

ora imbattuti in natura, il cervello di Musarra, 

partendo dalla natura, riduce sequenze complesse 

di dati sensoriali in semplici forme abbreviate 

che rendono possibile l’esistenza del 

pensiero e della memoria artisticamente intese…tutto 

il resto è solo conseguente…Una 

volta compresa la logica interna del processo 

creativo (una sorta di “causa”) lasciamoci andare 

al godimento degli “effetti”. 

Michele Arrigucci 

(visitatore attento), 

Arezzo, aprile 2001 

Non sono belle soltanto le opere esposte, di 

accuratissima confezione. Ciò che m’interessa 

puntualizzare è soprattutto la bellezza delle 

figure rappresentate. L’opera può essere elettissima 

e pregevole anche se formalmente 

sgradevole, in omaggio al fascino dell’orrido 

(d’altronde piuttosto frequente nell’arte contemporanea…). 

Qui, invece, le figure sono, sì, 

esageratamente longilinee e lontane dagli 

schemi classici, talvolta sono volutamente 

monche e schematiche; ma ciononostante 

sono belle. Complimenti ad un modellatore 

che è riuscito a rendere il senso della leggiadria, 

intuita più che rivelata. 

Michele D’Alesio 

(visitatore attento), 

Bologna, novembre 2001 

138



Gruppo multietnico, 2006, ceramica, alt. cm. 40 

139


Umberto Muti 

Arianna, 2011, intaglio in legno di pero laccato, 

cm. 30x42x6 

Nato a Firenze nel 1934, ha studiato 

con Giorgio Settala, Marco Mafai e 

Carlo Alberto Severa, diplomandosi 

all’Accademia di Belle Arti nel 1963. Negli anni 

Sessanta la sua ricerca lo ha portato ad una 

progressiva essenzialità del disegno e del colore; 

nel decennio seguente il suo interesse si è 

rivolto maggiormente verso la scultura lignea, 

abbandonando il naturalismo per orientarsi 

verso una rigorosa sintesi geometrica delle forme. 

È consigliere del Gruppo Donatello. 

…Muti ogni tanto sparisce: dice che va nella 

montagna pistoiese a cercare e lavorare i suoi 

legni. Sceglie il pero, il ciliegio, l’acero, il faggio 

(tutti compatti, con poche fibre), usa scalpelli e 

sgorbie, e se necessita antitarlo (ovvio). Le sue 

figure, sempre molto alte, si impongono sia che 

siano ispirate dalla mitologia (Arianna e Niobe) 

Gli antenati, 2014, intaglio in legno di cipresso, 

cm. 170x40x7 

o a donne qualsiasi, figure inquiete, con inerti 

profili, dignitose nella misura verticale, con le 

braccia alzate come a difendersi da violenze 

sempre esistite. La sensibilità e la partecipazione 

a problemi sociali sono guidati da un istinto 

raffinato come testimonia anche il suo interessamento 

alla musica. Nella nostra città dove fa 

notizia lo “Squalo” di Hirst o “Charlie” di Cattelan 

ma non la scultura di Moore che non ha trovato 

posto, auspichiamo che tutte le gallerie 

facciano posto alla scultura sconosciuta. 

Giuse Benignetti 

Via Umberto Crocetta, 14 - 50141 Firenze 

Cell. 338 9502842 

140


Umberto Muti 

Vittima, 2003, intaglio in legno di olmo, cm 48x94x8 

… Direi che la sua stessa natura di fiorentino e 

la sua frequentazione coi grandi concittadini 

del passato, lo porta a capire fino in fondo i motivi 

della grande arte moderna e le sue aperture; 

per cui le definizioni, il senso compositivo, i 

rapporti fra pieno e vuoto, la linea esterna entro 

la quale si serrano queste sculture, sono elementi 

del tutto “suoi”… 

Piero Santi 

Per la scultura di Umberto Muti può valere una 

frase del grande Brancusi “La semplicità 

nell’arte è in generale una complessità risolta: 

ti devi nutrire della sua essenza per comprenderne 

il valore”. 

La essenzialità delle forme, il fluire ritmico delle 

linee, l’alternarsi dei pieni e dei vuoti in un 

armonico gioco di luci e ombre, questa la 

“complessità risolta” dell’arte di Umberto 

Muti; non lascia niente al caso, a differenza di 

Jean Arp, ma è il frutto di un costante “ricominciare” 

come il risuonare di una nota su una 

corda sola, o di un leit motiv che ritma l’armonia 

delle forme, nel rifinire con cura ed amore 

la materia, qualsiasi tipo di legno, che nelle sue 

mani si presta a infinite variazioni, segno di una 

coerenza di ispirazione, e di un raggiungimento 

di risultati sempre nuovi, aperti a molteplici 

interpretazioni. 

Marilena Mosco 

… Un linguaggio scultoreo fatto di segni dalla 

linea pulita e scorrevole, una pratica formale 

ricca di echi arcaici e uno spiccato antropomorfismo. 

Federico Napoli 

… È in grado di offrirci un vasto campionario di 

suggestioni in virtù della sua forza espressiva 

coerentemente ricercata e trasfusa in forme 

compatte, essenziali, semplificate, magicamente 

antropomorfe … 

Carlo Cinelli 

… Le sue sculture trasmettono la forza dell’essenziale, 

dell’asciutto, del laconico, della sintesi, 

ma insieme inducono una trama di senso 

fra l’arcaico, il simbolico e il magico. Mozartianamente 

geometrico Muti ci consegna nuovi 

stilemi dell’umano. 

Pier Francesco Listri 

141


Antonella Nannicini 

Monumento ai caduti e invalidi del lavoro, bassorilievo in gres smaltato, cm. 180x150 

Antonella Nannicini architetto e artista 

per diletto, è nata a Prato dove vive e 

lavora. 

Ha frequentato i corsi di pittura e scultura della 

Scuola d’Arte e Mestieri Leonardo e i corsi di 

disegno del nudo diretti dal maestro Rinaldo 

Frank Burattin. Ha partecipato ai corsi di pittura 

murale antica e moderna e ai corsi di 

ceramica artistica del Laboratorio di Affresco 

di Vainella, fondato da Leonetto Tintori. 

È socia fondatrice dell'Associazione Elena e Leonetto 

Tintori e dal 2009 è direttrice del Laboratorio 

di Vainella. 

Ha esposto in numerose mostre collettive e 

personali. Ha realizzato il Monumento ai caduti 

e invalidi del lavoro in piazza San Niccolò a 

Prato. L’opera commissionata al Laboratorio di 

Vainella dall’ANMIL, dal comune di Prato e 

dalla provincia di Prato è stata inaugurata il 13 

febbraio 2013. 

La composizione vuole rappresentare in modo 

semplice e diretto il dolore del distacco o di 

una vita “limitata” a causa di infortuni sul lavoro. 

Chi lavorando perde la vita, l’identità, gli 

affetti incide il suo dramma non solo nella storia 

della sua famiglia ma anche nel vissuto collettivo. 

Accanto ai lavoratori troviamo una figura 

dolente, mater dolorosa, che rappresenta 

la famiglia ed è sorretta con pathos da un’altra 

figura proprio a significare la collettività, la città 

di appartenenza, il mondo sociale che è partecipe 

nel dolore. 

Realizzare questo bassorilevo è stata per me 

un'esperienza importante: mi sono messa alla 

prova in un' opera di grande dimensione da installare 

nella mia città. Ho lavorato a Vainella, 

nella scuola che dirigo, in un ambiente amico e 

impregnato d'arte, protetta dal ricordo di Leonetto 

Tintori e di tutti gli artisti che ho incontrato 

nel mio percorso artistico. 

arcantarte@libero.it - www.antonellanannicini.it 

Facebook: arcantarte 

142

Niccolò Niccolai 


L'opera di Niccolai 

è consapevolmente 

legata alla tradizione 

fiorentina; nella 

produzione artistica, si 

leggono suggestioni 

dell'arte romanica fino 

alla tradizione rinascimentale 

inoltrata. La formazione culturale 

dell'artista spazia dai movimenti europei a 

quelli delle altre culture internazionali: dalle 

avanguardie storiche del Novecento fino 

agli ultimi movimenti artistici contemporanei, 

con i quali necessariamente Niccolai 

si confronta senza mai dimenticare le proprie 

radici popolari autoctone. 

L'opera di Niccolai si nutre e trae i temi vitali 

per la propria espressione (in disegni, 

grafica, pittura, scultura e racconti poetici) 

attraverso l'interpretazione delle storie 

“degli ultimi”in un susseguirsi di vicende 

esistenziali che veleggiano tra l'ironico e il 

drammatico, il cui comune sottofondo è la 

citazione della “grande storia”. 

Da anni Niccolai opera su temi connessi 

allo stesso reciproco rapporto che unisce 

tutte le arti, seguendo un percorso affabulatorio, 

volto al recupero del passato come 

invenzione del presente. L'arte fruibile dai 

semplici implica però un'ermeneutica 

complessa per i colti; ma la godibilità della 

maggioranza delle opere di Niccolai è veramente 

per tutti coloro che vedono la terribilità 

dell'esistenza oltre la bellezza apparente. 

Niccolò Niccolai compie i suoi studi a Firenze 

e Roma; l'artista coltiva oltre alle 

arti visive, l'antropologia, la storia, la mu- 

La speranza d'oro, 2013, gesso, cm. 120x80x h230 

sica e la letteratura. Dopo gli studi accademici e 

teologici (Niccolai si professa cristiano cattolico), 

insegna per 33 anni al Liceo Artistico di Firenze, 

occupandosi contemporaneamente di teatro, 

workshop internazionali d'arte e per oltre 15 

anni dedicandosi anche ai corsi dell'Auser (Università 

dell'Età Libera). 

Le esperienze nella politica culturale, sono sfociate 

in mandati amministrativi negli enti locali e in 

associazioni artistiche nazionali ed internazionali 

(di alcune di queste ancora oggi fa parte, ovvero Il 

Baglio di Palermo e l'associazione Di Segno di Padova). 

Ateliers: Fraz. Vespignano, 163/B - 50039 Vicchio (FI) - studio di pittura e progettazione 

Via Uliveta, 34 - studio di scultura 

Cell. 331 8039999 - Fax 055 7472044 - niccolo@formafluens.it - skype: niccoloniccolai 

143



San Francesco, 2006, bronzo, cm. 80x110x h180 

144



Laura alla finestra, 2010, bronzo, cm. 37x28x h69 

Vive e lavora in Mugello nel comune di Vicchio 

in un laboratorio sopra Sagginale, località Uliveta, 

e in atelier a Vespignano di fronte a quella 

che oggi è indicata come la casa natale di 

Giotto. 

Per una biografia artistica approfondita si veda 

il catalogo: Niccolò Niccolai. Opere, edito dal 

Centro Stampa Regionale della Regione Toscana, 

2013, a cura del dott. Massimo Mascii con 

il contributo di Stefano Masi e Laura Stiattesi. 

Recentemente ha conseguito a pieni voti un 

master in Architettura, Arti Sacre e Liturgia 

presso l'Università Europea Pontificia a Roma. 

Nel 2013 è stato insignito del titolo di Accademico 

d'Onore della Classe di Scultura presso 

l'Accademia delle Arti del Disegno di Firenze. 

145


Stefano Nistri 

ALastra a Signa, nel 1958, anno di nascita 

di Stefano Nistri, la tradizione della 

lavorazione delle pietre è ancora presente 

e attiva. Al Serraglio, frazione dove nasce, 

le case sono sul ciglio di una cava: come 

non sentire il richiamo di questo materiale così 

affascinante? 

Così fin da piccolo è attratto dalla pietra e ogni 

occasione è buona per provare a lavorarla. 

L’attenzione verso la scultura e la pittura è forte: 

dopo le scuole, intraprende diverse esperienze 

lavorative, per poi approdare in un’azienda 

artigianale del territorio dedicata alla 

lavorazione dei lapidei. È qui che inizia l’appro- 

Casa Vignozzi-Villani alle Selve, formella in pietra 

serena in altorilievo, cm. 54x54x10 

fondimento e il forte legame con la pietra e la 

sua lavorazione. 

Arricchisce la sua conoscenza nella bottega 

dell’Opera di Santa Maria del Fiore (Opera del 

Duomo) dove ha modo di lavorare al restauro 

di più facciate eseguendo diversi pezzi tutti 

completamente a mano, come colonne tortili, 

cappelli a guglia, rostre e mensole. 

L’ambiente gli permette anche di fare esperienza 

con scultori, pittori e maestri d’arte che 

arricchiscono le sue conoscenze e lo spingono 

ancora di più a creare nuovi lavori e provare 

varie sperimentazioni. 

Tutt’oggi lavora nel lapideo e si ritaglia il tempo 

libero per continuare le sue passioni: la 

scultura e la pittura. 

Tel. 055 8722566 

lastradipietra@yahoo.it 

146


Stefano Nistri 

Intreccio della natura, scultura in pietra serena a tutto tondo, cm. 40x30x18 

147


Gianni Oliveti 

Porta della Trinità (particolare) 

Porta della Trinità, 2001, bronzo su legno di 

rovere, cm. 540x230, Chiesa dei SS. Gervasio e 

Protasio, Firenze 

Nato a Firenze, riceve i primi insegnamenti 

dallo scultore Bruno Bartoccini. 

Nel 1970 vince una borsa di studio 

del Comune con cui studia incisione. Nel 1982 

venticinque sue opere grafiche entrano nella 

raccolta del Gabinetto Disegni e Stampe degli 

Uffizi. Nel 1985 è Segnalato Bolaffi per la pittura 

da Tommaso Paloscia. Fra le sculture in 

bronzo si notano il monumento a ricordo di 

Chernobyl collocato a Kiev presso l’Ospedale 

per la Cura delle Radiazioni (1987), il bassorilievo 

per l’architetto Michelucci posto alla 

Fondazione (1993), le porte della chiesa dei 

Santi Gervasio e Protasio (2001-04), la Porta 

del Santissimo in Sant’Antonio al Romito 

(2002) a Firenze, un bassorilievo nello stadio 

di Città di Castello (2003), sculture in parchi 

Eolo, 2007, meridiana 

equatoriale in bronzo Ø 

cm. 180. (Calapiccola - 

Monte Argentario 

privati a Calapiccola e a Terni. Quattro sue medaglie 

sono nelle raccolte del Museo Nazionale 

del Bargello. Suoi dipinti sono collocati in 

diverse chiese toscane. Una trentina le mostre 

personali, ultime delle quali l’antologica di pittura 

e scultura "Quaranta e passa", tenuta al 

Gruppo Donatello nel 2010, e "Quaranta e 

passa - segni e disegni", antologica di grafica 

allestita al Caffè Letterario Le Giubbe Rosse 

nel 2011. Fra i libri pubblicati: "Maledetta 

quell’arte" (2001), "L’antica chiesa dei santi 

Gervasio e Protasio e il suo territorio" (2008), 

"L’invisibile colore del silenzio" (2009), "Gruppo 

Donatello sessant’anni di storia" (2012), 

"Bafomet allo specchio" (2013) con M. Cozzi, 

cronaca del gruppo artistico degli anni ’77-’81. 

È Consigliere del Gruppo Donatello. 

olivetigianni@libero.it 

148

Roberto Orangi 


Roberto Orangi, di antica famiglia 

fiorentina, terminati gli studi primari 

e sorretto da una grande passione 

per le arti figurative, alternava il lavoro 

(erano tempi duri per la famiglia) ad un 

tirocinio come allievo e poi come collaboratore 

della bottega dello scultore sardo 

Antonio Zappareddu. Giovanissimo frequentò 

l’Accademia di Belle Arti e per diversi 

anni i corsi liberi di nudo, tenuti dal prof. 

Giannetto Mannucci. 

Espone dal 1965. Ha al suo attivo numerose 

mostre personali. Ha preso parte inoltre a 

Fontana, bronzo, cm. 280 

Timidezza, cm. 100h 

importanti rassegne sia in Italia che all’estero. Sue 

opere figurano in collezioni pubbliche e private. 

Tra i suoi lavori più importanti sul nostro territorio 

si ricordano: la grande pala per l’altare della chiesa 

madre di Castel di Lucio (Messina), la fontana con 

l’uomo che innalza il suo lavoro, alta circa 3 metri, 

il ritratto di Enrico Mattei. Queste ultime due opere 

in bronzo sono collocate all’interno del Nuovo 

Pignone di Firenze. 

Figurano anche, al suo attivo, il dipinto “Il balletto” 

collocato presso il Teatro Comunale di Firenze 

e la grande Crocifissione nel Museo d’Arte Contemporanea 

di Stia (Arezzo). Altre sue opere si 

trovano al Polo Scientifico dell’Università degli 

Via della Cernaia, 49 - 50129 Firenze 

Cell. 339 4827482 - orangi.11.4@gmail.com 

149


Roberto Orangi 

Senescenza, terracotta, cm. 54x30 

Studi di Firenze, a Sesto Fiorentino, all’Accademia 

dei Georgofili presso le Logge degli Uffizi, 

a Firenze. 

All’estero si trovano sue opere a Kiev (Ucraina), 

Volos (Grecia), Tampa (Florida - USA), e, in 

Francia, il ritratto grafico di Madame Carla Sarkozy. 

Sul suo lavoro hanno scritto: G. Bubbi, Artime, 

W. Babbini, A. Berti, Zeno Sinasi, W. Pasquini, 

G. Benson, J. Cipolla, E. Busi, A. Bruscagli, M. 

Mazzoni, C. Mezzasalma, C. Marsan, V. Vettori, 

S. Salsi, F. Bandinelli, A. Seghi, R. Càrdenas. 

Si sono interessati a lui: La Nazione di Firenze, 

TV Canale 37, l’Unità, Il Giornale d’Italia, Nazione 

Sera, Il Telegrafo, Pensiero e Arte, Firme 

Nostre, Sguardo al Futurismo, Incontri con 

l’arte, Report. 

È presente nell’Annuario Comanducci, n. 3 

-1976; nell’antologia poeti e scrittori, negli artisti, 

Nuova Europa, oltre al Kunsthistoriches 

Institut in Florenz, Archivio per l’Arte Italiana 

del Novecento. 

È socio del Circolo degli artisti Casa di Dante di 

Firenze. 

150

Mario Pachioli 


Cavallo, bronzo, cm. 38h 

Crocifissione, bozzetto per monumento, 

altorilievo, refrattario, 

cm. 52h 

Greta Garbo, refrattario, cm. 75h 

Mario Pachioli, scultore monumentalista, vive e lavora 

a Firenze. Diplomatosi all’Istituto Statale d’Arte 

di Vasto, ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di 

Firenze sotto la guida del prof. Antonio Berti. Si distingue in 

mostre personali e collettive a livello nazionale ed internazionale. 

Tra i lavori più importanti si ricordano: il monumento a 

S.Pio da Pietrelcina, nella Chiesa dei SS. Gervasio e Protasio a 

Firenze, inaugurato da Madre Teresa di Calcutta; 15 pannelli “I 

Misteri del Rosario” (cm. 100x100), chiesa dei SS.Gervasio e 

Protasio a Firenze; l’inserimento nei Musei Nazionali di Cracovia 

e Varsavia (Polonia); l’inserimento nel Museo Civico di Stia, 

Arezzo, con Annigoni, Berti, Manzù e Marini; la mostra personale 

alla Galleria del Mondo, a Fremantle, West Australia; l’inserimento 

nel Museo Nazionale del Bargello a Firenze; le mostre 

itineranti a Monterrey, Cancun, Saltillo, Città del Messico 

(Messico); l’inserimento nel Museo Archeologico del INAH, 

Centro di Convenciones, a Cancun, Messico; la medaglia Lorenzo 

il Magnifico emblema della Biennale Arte Contemporanea, 

Firenze; il medaglione commemorativo a Enrico Caruso, 

Villa Gisella a Firenze; la medaglia commemorativa per la santificazione 

S. Pio da Pietrelcina, Musei Vaticani, Città del Vati- 

La caduta di Icaro, refrattario, 

cm. 65 

Studio: Via della Nave di Brozzi, 9R - Firenze - Tel. & fax 055 375384 - Cell. 339 8535583 

Atelier: Palazzo dei Pittori,Viale Milton, 49 - Firenze 

www.mariopachioli.it - mario.pachioli@hotmail.it 

151


Mario Pachioli 

Modella a riposo, refrattario cm. 50h 

On. Giuseppe Spataro, Busto, particolare 

del volto, reffrattario 

S.M. Assunta, bronzo dorato a 

foglia oro, cm. 150h, Duomo S. 

Gimignano, Siena 

Panico, altorilievo, ceramica cristallina, cm. 31x22 

Vita tempestosa, altorilievo, refrattario, cm. 30x20 

cano; la scultura commemorativa “Greta Garbo” 

nel centenario della nascita, Firenze; la 

scultura “Crocifissione” nel Centenario della 

Banca del Chianti Fiorentino, San Casciano Val 

di Pesa, Firenze; la medaglia Premio annuale 

“Padre Pio, Città di San Giovanni Rotondo, I 

colori della nostra terra”, consegnata a Papa 

Benedetto XVI, San Giovanni Rotondo, Foggia; 

la medaglia “Il Cireneo”, emblema dell’Associazione 

Il Cireneo Onlus, San Giovanni Rotondo, 

Foggia, consegnata a Papa Francesco, 

Roma; il medaglione commemorativo all’arch. 

Leslie Cheek, Muscarelle Museum of Art, Williamsburg, 

Virginia, Usa; il monumento “Santa 

Maria Assunta” per il Duomo di San Gimignano, 

Siena. Riceve molti riconoscimenti alla carriera 

artistica, fra cui l’Onoreficenza Medaglia 

Beato Angelico a Firenze. 

152

Patrizia Pandolfini 


Figura femminile, 1998, bronzetto, cm. 40 

Nudo, 2005, terracotta, cm. 80 

Artista fiorentina, ha conseguito il diploma 

di Scultura all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze ed ha insegnato Educazione 

Artistica e Discipline Pittoriche. La sua 

attività espositiva ha avuto inizio nel 1957. Tra 

le ultime mostre personali realizzate, si ricordano: 

"Segno e Colore" (Rathaus Charlottenburg, 

Berlino, 1998); Galerie im Zimmer 

(Berlino, 1998); "Cielo e Terra" (Villa Vogel, Firenze, 

2004); "Arte (in)utile" (Villa Vogel, Firenze, 

2006); Pieve Sant’Alessandro a Giogoli 

(Firenze, 2007); Aula Consiliare del Comune di 

Scandicci (2007); "La Veste e il suo sogno" 

(Centro Danza e Movimento, Firenze, 2008); 

Inaugurazione “Via Crucis” (Pieve di Sant’Alessandro 

a Giogioli, Firenze, 2008); installazione 

di terrecotte con interventi di danza (Scuola 

Militare Aeronautica, Firenze, 2008); presentazione 

incisione per il Centro dell’Arte “Vito 

Frazzi” (Comune di Scandicci, 2008); Terra e 

Fuoco (Palagio di Parte Guelfa, Firenze, 2009); 

inaugurazione Fonte Battesimale in terracotta 

(Pieve di Sant’Alessandro a Giogioli, Firenze, 

2009); personale al Gruppo Donatello (2011). 

Nel 2013 ha partecipato alla Biennale di Scultura 

dal titolo "(S)oggettivamente: scultura 

moderna per un paese antico", organizzata a 

Civitella Val di Chiana (Ar), dove ha realizzato 

un’installazione nella Civica Galleria d’Arte 

Contemporanea. Nel 2014 ha esposto in personale 

al Gruppo Donatello di Firenze. 

Via Bezzuoli, 20 - 50018 Scandicci (FI) 

Tel. 055 253657 - pat.pandolfini@gmail.com 

153


Patrizia Pandolfini 

La ragione dell’immaginare 

Patrizia Pandolfini Renzi propone con la propria 

opera un intervento nel quale la partecipazione 

è non solo prevista ma diviene un aspetto 

sostanziale. Gli oggetti che la costituiscono, 

realizzati utilizzando esperienza tanto figurative 

quanto astratte, esemplano ipotesi di percorsi, 

quasi sentenze, organizzando e qualificando 

uno spazio. Così un’introduzione è data 

da figure risolte con estrema sintesi volumetrica 

dello scabro modellato delle superfici, che 

suggeriscono profonde radici culturali e tendono 

a definire e/o rivendicare la continuità 

storica di una civiltà. Altri oggetti si assestano 

e si risolvono in solidi geometrizzanti: proprio 

per le caratteristiche delle capacità di comunicazione 

data dalla forma razionale possono 

essere ricollocati, postulando appunto interventi. 

La elementarità strutturale e la potenzialità 

delle ricollocazione si definiscono come 

l’avvio, attraverso l’astrazione, della ricerca di 

un nuovo linguaggio, più intimamente funzionale 

alle istanze poetiche determinate dalla 

personalità dell’artista, i cui segni vengono 

proposti in un ulteriore gruppo di oggetti dalla 

potente monumentalità e notevole carica di 

suggestione emotiva. Patrizia Pandolfini Renzi 

affronta quindi alcuni aspetti centrali del dibattito 

sul fare artistico e sulla comunicazione, 

offrendo anche percorsi di approccio che ne 

rendono molto correttamente non esclusiva la 

partecipazione. 

Ugo Barlozzetti Nudo, 2006, terracotta, cm. 130 

154

Paola Parri 


Onde, pezzo unico, gres plastico + base refrattario marrone, cottura: 

primo fuoco, cm. 40x15x15 

Le ceramiche di Paola sono la storia di 

una passione, di un amore a prima vista, 

o se vogliamo, al primo contatto con la 

materia, ruvida, plasmabile, che prende forma. 

Dell’alchimia con gli altri elementi: l’acqua e il 

fuoco. 

Inizia così un cammino di ricerca, nei materiali, 

nelle tecniche. 

La frequentazione di anni in una bottega artigiana, 

per acquisire una maestria antica quanto 

il mondo. 

La decorazione si arricchisce prima sotto la 

guida di Antonio Abussi e poi nella prestigiosa 

e storica manifattura Richard Ginori. 

Oggi la collocazione artistica di Paola è tra le 

ceramiche contemporanee, in questo grande 

contenitore sperimenta e si confronta, una 

ricerca impegnativa e ricca di interessanti risultati. 

Tel. 348 7630518 

mail@paolaparri.com - www.paolaparri.com 

155


Paola Parri 

Pezzo unico. Tecnica: colombino. Terra: Raku bianca 

refrattaria. Cottura: primo fuoco. Decorazione: acrilico simil 

piombo + impermeabilizzante, cm. 30x40 

Pezzo unico. Tecnica: colombino. 

Terra: Raku bianca refrattaria. 

Cottura: primo e secondo fuoco. 

Decorazione: ossido e smalto, 

cm. 35x25 

156


Paola Parri 

Pezzo unico. Tecnica: colombino. Terra: Raku bianca refrattaria. 

Cottura: primo fuoco, cm. 44x35 

Pezzo unico. Tecnica: a piastra. 

Terra: refrattaria. Cottura: primo e 

secondo fuoco. Decorazione: smalto 

e cristallina, cm. 26x26x8 

157


Enzo Pazzagli 

Enzo Pazzagli con la scultura Pegaso che si trova all'ingresso del Parco d'Arte Pazzagli 

La carriera creativa di Enzo Pazzagli comincia 

prima ancora di avvicinarsi all'arte 

con la realizzazione di alcuni brevetti: 

prima nel campo dell'arredamento, poi nel '68 

inventa un apparecchio che concilia il sonno e 

nel '76 realizza una lingua internazionale in numeri. 

Negli anni Sessanta si avvicina all'arte e, 

dopo varie opere di piccola dimensione in legno 

e ferro, realizza la prima scultura su lastra 

d'acciaio tagliata con la lancia termica, "I tre 

arlecchini", datata 1966. In questi anni partecipa 

a diverse mostre collettive in Italia e all'estero. 

Dal '75 all'80 è titolare di tre gallerie: la 

Galleria Senato a Milano, la Galleria Masaccio 

a Firenze e la Galleria 19 a Punta Ala. Il suo primo 

riconoscimento importante in Italia è il 

premio Le Muse per l'Arte, che riceve in Palazzo 

Vecchio a Firenze. Seguono gli anni delle mostre 

personali, per citarne alcune: nel '78 in 

Messico e in Germania, nell'88 a Punta Ala, nel 

'90 a Firenze, nel '97 Apricale, nel '99 Arezzo. 

Già in questi anni l'idea di creare un parco d'arte 

è nella mente dell'artista, ma solo nel 2001 

trova a Rovezzano (FI) un terreno di 23.900 mq 

che gli sembra ideale per il suo progetto. Inizia 

così l'avventura del Parco d'Arte Contemporanea 

Enzo Pazzagli. Nel 2009, la nuova piazza 

Mino a Fiesole è inaugurata con una personale 

dell’artista e nel maggio 2010, in occasione del 

compleanno di Pinocchio, vengono installate 

nel Parco di Collodi sette sue sculture. Lo spazio 

ha preso il nome di Spazio E. Pazzagli. 

Parco d’Arte Pazzagli - Via S. Andrea a Rovezzano, 5 - 50136 Firenze 

Tel. 055 691114 - Cell. 348 3300352 - info@pazzagli.com 

158


Enzo Pazzagli 

Il campione, acciaio bronzato, cm. 110x80 

Una panoramica del Parco d'Arte Pazzagli 

159


Gianfranco Pellegrini 


è nato 

l'8 settembre 

1953 a Pisa, dove vive e 

lavora. Ha partecipato 

a numerosi simposi e 

concorsi di scultura, 

grafica e pittura. 

Nel 1989 riceve il suo primo riconoscimento 

al Concorso di Scultura indetto dal comune 

di Pisa, conquistando i critici con il 

secondo premio. 

Il suo lavoro continua tra mostre personali 

e collettive, realizza un busto funebre in 

bronzo per il cimitero di Pisa, nel 2001 crea 

il busto di padre Renzo Spadoni in marmo 

di Carrara per la chiesa di San Nicola, sempre 

in Pisa. 

Nel 2004 realizza lo stemma del comune 

dell'Isola del Giglio (Grosseto). 

Gianfranco abbraccia anche la pittura, raffigurando 

prevalentemente ritratti androgeni 

con tratti graficopittorici, ma la scultura 

è l'arte che più lo rappresenta e lo 

appaga, lavorando con una velocità sorprendente 

riesce a tirare fuori l'opera d'arte 

nascosta nel pezzo da lavorare, che sia marmo, 

legno o ardesia. 

Piazza Arcivescovado, 15 - 56126 Pisa 

Cell. 349 2968669 - gianfrapellegrini@gmail.com 

160



Mostre personali: 

1982 Pisa - Galleria d'arte Il Navicello 

1984 Pisa - Galleria d'arte Il Navicello 

1985 Pisa - Galleria delle Arti 

1989 Pisa - Palazzo Gambacorti 

1992 Pisa - Palazzo Gambacorti 

1996 Pisa - Centro San Paolo all'Orto 

2000 Pisa - Chiesa di Santa Maria della Spina 

Simposi: 

1983 Pisa - Abbazia di San Zeno , Collettiva di 

scultura 

1988 Tirrenia (Pisa) - Simposio di Arte Contemporanea, 

Murales 

1989 Pisa - 1° Simposio Estemporaneo d'Arte 

Contemporanea “PISA OPEN 89” 

1989 Seravezza (Lucca) - 5° Incontro Rassegna 

Arte in piazza 

1999 Condrieu (Francia) - 1° Biennale di scultura 

Contemporanea , 1° premio 

1999 Hinojosa De Jarque (Spagna) - 4°Simposio 

di Scultura “Alla memoria dei popoli” 

2000 Cicagna (Genova) - Campus “La pietra 

nera” 

2001 Cornia di Maconesi (Genova) - 3° Simposio 

Internazionale di scultura su ardesia 

2001 Belluno - 16 ° Extempore di scultura su 

legno 

161



162



163


Luigi Petracchi 

Da me a me, 2005, bronzo, cm. 23x93x93 

Luigi Petracchi è nato a 

Firenze il 4 settembre 

1954. 

Mostre personali, collettive e premi ricevuti: 

1974 Esposizione Quarrata 

1975 Esposizione Roma 

1977 Esposizione Prato 

1978 Esposizione Firenze, Marciana di Romagna, 

Fano 

1979 Esposizione Milano, Marciana di Romagna, 

Festival di Spoleto, Firenze, Montefiascone, 

Vada, Empoli, Caserta 

1980 Esposizione Firenze, Fécamp (Francia), 

Monza, Taormina, Marciano di Romagna 

1981 Esposizione Riolo Terme, Firenze, Boretto, 

Carmignano 

1982 Premio New York 

1983 Esposizione Empoli, Montecatini Terme 

1984 Esposizione Firenze, Empoli 

1985 Esposizione Forte di Marmi, Bibbona, 

Firenze 

1986 Esposizione Empoli, Firenze, Empoli 

1987 Esposizione Carmignano, Firenze 

1988 Esposizione Biennale di Malta 

1988 Esposizione Museo d’Arte Moderna di 

Via Forra di Castelnuovo, 30 - 51034 Casalguidi (PT) - Cell. 338 9045207 

info@luigipetracchi.com - www.luigipetracchi.com 

164



S. T., 2005, polvere di marmo e resina, cm. 18x69x69 

Malta 

1988 Premio Biennale di Venezia 

1988 Esposizione a Seoul nell’ambito delle 

manifestazioni artistiche collegate alle 

Olimpiadi 

1988 1° Premio Medaglia Aurea, Gran Premio 

Olimpiadi di Seoul 1988 

1989 Premio Tokyo 

1989 Esposizione Tokyo, Firenze, Washington 

D.C., Las Vegas, Parigi, Empoli (Triennale 

per il WWF) 

1990 Esposizione Artemercato Stanley Hong 

Kong 

1991 Premio Internazionale Drack 1991 Palma 

de Mallorca 

1992 Esposizione Olimpiadi di Barcellona 

1992; 1992 Premio I maestri dell’arte 

contemporanea, protagonisti a Barcellona 

nell’ambito dei XXV Giochi Olimpici 

1992 Esposizione Expo di Siviglia (Spagna); 

Premio Internazionale Cristoforo Colombo 

2003 Esposizione 7° Salone d’Arte Contemporanea, 

Fiera di Forlì 

2004 Esposizione Art H. Museo, Prato 

2005 Installazione "Da me a me" Museo Datini, 

Prato 

2005 Esposizione Galleria Bongiovanni, Bologna 

2005 Esposizione 9° Salone d’Arte Contemporanea, 

Fiera di Forlì 

2007 Esposizione Galleria Bongiovanni, Bologna; 

Esposizione Club Conti, Milano; 

Premio delle Arti Premio della Cultura 

2007 (Premio della Giuria) Milano; Self 

portrait, L’artista si rivela, collettiva alla 

Feltrinelli di Bologna; Esposizione Centrale 

Ristotheatre Roma, Anfiteatro del- 

165



la Cultura; City, La Città Dentro, collettiva alla Feltrinelli 

di Bologna; Esposizione Florence Biennale, Biennale 

Internazionale dell’Arte Contemporanea, Fortezza da 

Basso Firenze; Premio Lorenzo il Magnifico (Premio del 

Presidente) Florence Biennale 2007 

2008 Esposizione 1° Arte Contemporanea Moderna Roma, 

Palazzo dei Congressi Eur Roma 

2008 Esposizione Art H. Museo, Prato 

2009 Esposizione Arte Fiera off, Bologna 2009 con Galleria 

Bongiovanni; Collettiva assieme a Giorgio Celiberti, Pietrasanta, 

Lucca 

2010-2012 Esposizione Art H. Museo, Prato 

2011 Esposizione Arte Fiera off, Bologna 2011 con Galleria 

Bongiovanni; Esposizione "Shut-oht" Cappella Orsini 

Roma, patrocinata dal Ministero della Salute e dal Ministero 

della Giustizia; Esposizione al MEB di Bologna; 

Esposizione Banca Sella Firenze; "The big style", collettiva 

assieme a Sandro Chia e Mimmo Paladino nell’ambito 

della 7° edizione della Giornata del contemporaneo 

promossa da AMACI, Galleria Bongiovanni, Bologna 

2011- 2012 Esposizione "Fondamentum Artis" UniCredit Private 

Banking, Bologna 

2012 Esposizione "Frammenti", Quarrata, PT; "Do ut do" Arte 

per Hospice, collettiva assieme a Yoko Ono e Igor Mitoraj 

alla Fondazione Hospice Seràgnoli, spazio Carbonesi, 

Bologna 

2013 Esposizione "Gli Angeli", le ali del trascendentale, Galleria 

Bongiovanni, Bologna; Esposizione Sala d’Arme, Palazzo 

Vecchio, Firenze 

2014 Fiorgen Arte Lucca, 1° edizione, Palazzo Guinigi; Firenze, 

Palazzo Vecchio, Salone dei 500 "Premio di tutte le 

arti", esposizione Sala della Musica, p.zza S. Firenze; 

Museo Marino Marini, Pistoia, esp. "Sinfonie di carta" e 

presentazione del libro "Il Signore degli Anelli III di Luigi 

Petracchi" 

Prometeo, 2005, bronzo, h cm. 212x43 

166

Stefania Poesini 


Metopa, modellato in argilla, cm. 50x30 

Nata a Cortona (1976), dopo la maturità 

classica si trasferisce a Firenze 

dove vive e lavora. Intraprende studi 

archeologici che costituiscono la base della sua 

produzione artistica. Interessata all’arte preistorica, 

spinta dalla passione per le origini, s’interroga 

sul significato dei più antichi simboli 

grafici dell’uomo e la sua produzione artistica è 

permeata da tale attitudine. Allo studio per il 

passato si affianca una necessità espressiva 

sempre presente ma che sfocia in un impegno 

costante e assiduo quando incontra il maestro 

Pachioli del quale ammira l’energia e le grandi 

abilità tecniche. Partecipa a numerosi concorsi 

ed esposizioni, sia in ambito nazionale e internazionale 

da cui riceve conferme e stimoli. 

Il Francese, antico ritratto maschile, modellato in argilla, 

cm. 60x40 

L’artista conferisce alla operatività plasmatrice 

delle sue mani il senso di una compresenza 

della successione temporale e spaziale consecutiva 

e simultanea delle fasi del processo storico 

che non si arresta mai, ma va sempre oltre, 

suggestivamente evocativo. 

(M. Micozzi) 

La scultura di Poesini stimola l’osservatore a 

entrare in comunicazione con le proprie pulsioni 

più profonde, sollecitandolo a conoscere e 

assaporare una nuova dimensione di libertà. 

(P. Levi) 

stefipoes76@hotmail.com 

stefaniapoesini@gmail.com 

167


Giampiero Poggiali Berlinghieri 

Nato a Firenze nel 1936, inizia la sua attività 

artistica nel 1968 con la prima mostra personale 

presso la Galleria Inquadrature di Firenze 

a cui fanno seguito circa 80 mostre personali in 

Italia e all’estero. Opere di Poggiali trovano posto in 

collezioni museali pubbliche e private. Un suo autoritratto 

è nella raccolta degli autoritratti della Galleria 

degli Uffizi di Firenze. Negli anni Ottanta, l’allestimento 

di due importanti esposizioni al Palazzo dei Diamanti 

di Ferrara e a Palazzo Strozzi di Firenze. Gli anni Novanta 

sono caratterizzati dalle esecuzioni di numerose 

installazioni, documentate dal volume monografico a 

cura di Pierre Restany Poggiali sculture e installazioni 

1969-1995 edito dal Museo Civico di Taverna (CZ). Nel 

1996, realizza l’installazione "Simposio" al Museo Marino 

Marini e nel 1997 pubblica l’opera multimediale 

interattiva "Delfo". Nel 1999, in piazza XXX Novembre 

a Sesto Fiorentino (FI), il Soprintendente ai Beni Artistici 

e Storici di Firenze, Antonio Paolucci, inaugura il 

monumento "Pegaso" di acciaio inox policromo. Nel 

2002 è invitato dalla Fondazione Nazionale Carlo Collodi 

di Pescia (PT), dove realizza una grande installazione 

documentata nel libro "C’era una volt@", Morgana 

Edizioni. Nello stesso anno, il Consiglio Regionale della 

Toscana lo invita a Palazzo Capponi Covoni di Firenze, 

dove espone l’installazione "Firenze ti @mo". Nel 2002 

il Museo d’Arte delle Generazioni Italiane del Novecento 

“G. Bargellini” di Pieve di Cento (BO) acquisisce quattro 

grandi opere per la propria collezione, inserendole 

nelle mostre Collezioni Permanenti per l’anno 2003. 

Nel 2004 per Genova Capitale Europea della Cultura 

realizza l’installazione "Animali e piccoli habitat". Tra le 

altre installazioni si ricordano: Galleria Civica di Bolzano, 

installazione "Farfalle per Mosè Romano Beer"; ex 

chiesa di San Rocco e Palazzo dei Capitani di Malcesine 

(VR), mostra e installazione “ex libris”; Palazzina Azzurra 

di San Benedetto del Tronto (AP), l’installazione 

"Ti ho conosciuta in chat". Nel 2006 la mostra "Opere 

multimediali e interattive" al Castello Scaligero di 

Malcesine (VR) e nel 2007 la mostra "Audioritratto" 

Ex libris, 2005, fusione in bronzo e vetro, 

cm. 228x40x40. L’opera si trova nel Parco 

d’Arte Pazzagli a Firenze 

a Palazzo Medici Riccardi di Firenze. Due 

personali nel 2012 al Plus Berlin - Piano 

Grigioferro (Berlino) e "Sculture solari 

e opere ecologicamente compatibili" a 

la Barbagianna, una casa per l’arte contemporanea 

- Pontassieve (FI) - con la 

presentazione del video-catalogo della 

collana Risguardi n. 2 (Morgana Edizioni). 

Nel 2013 l’Accademia di Belle Arti 

Michelangelo di Agrigento gli conferisce 

la laurea “honoris causa”. Nel 2014 l’installazione 

“Infinito” Centro Culturale 

Fidia, Città della Pieve (PG). Nel febbraio 

2015 esce il volume monografico 

"Poggiali Berlinghieri 1968-2014" a cura 

di Nicola Micieli e Alessandra Borsetti 

Venier, il volume comprende 14 sezioni 

tematiche. 

www.artestudio53.it 

https://www.facebook.com/pages/Poggiali-Berlinghieri/45198217276 

168

Silvano Porcinai 


Lo scultore Silvano Porcinai 

La danzatrice, bronzo, cm. 32x14x11 

Nasce a Grassina nel 1950. Si diploma 

all’Istituto Statale d’Arte di Firenze, 

sezione Oreficeria. Ha svolto la sua 

attività di docente di Scultura e Modellato 

presso diversi licei artistici e istituti d’arte della 

Toscana (Firenze, Pistoia, Grosseto e Siena). 

Socio del Gruppo Donatello e dell’Antica Compagnia 

del Paiolo, è Accademico delle Arti del 

Disegno, classe Scultura. 

La sua prima mostra personale fu tenuta nel 

1977 a Firenze presso il Gruppo Donatello dove 

è tornato ad esporre nel 1992 ed in diverse collettive. 

Ha esposto a Venezia, Firenze, Parigi, 

Padova, Milano, Miami, New York, Ginevra, Bologna, 

Londra, Impruneta, Greve in Chianti. 

Nel 1988 esegue il "Caprone" in bronzo per la 

Esso di Firenze e, nello stesso anno, realizza il 

"Monumento alle religioni monoteiste" in 

bronzo, per l’Appia Antica (Roma) rubato prima 

dell’inaugurazione. Del 2008 è il "Monumento 

alla Lavandaia di Grassina" (FI) e del 2009 il 

bassorilievo Omaggio a Manolete, realizzato in 

cotto dell’Impruneta e collocato presso il Credito 

Cooperativo di Impruneta (FI). 

Via Calamandrei, 14 - 50012 Grassina (FI) 

Cell. +39 389 0351428 

169



Ragazza con canguro, cm. 66x49x7 

Annualmente esegue, per conto del Club Taurino 

di Milano, del quale è socio, il Premio alla 

emocion, che viene consegnato ai trionfatori 

di Ferie del grande giro taurico, tra i quali ricordiamo: 

Martinez Enrique Ponce, Julio Cesar 

Rincon, Juilio Escobar Lopez El Juli, Morante de 

La Puebla, Jose Tomas, Luois Francisco Esplà, El 

Califa e Salvador Vega. 

Ancora una volta, dalla campagna toscana dai 

profili asciutti e precisi, esce un artista che sa 

fermare nella luce la forma più profonda del suo 

sentire. Figlio di uno scultore, con un’esperienza 

di orafo nella quale ha sperimentato ingigantita, 

per ossimoro, la difficile arte del modellare, 

ha collocato i suoi temi nello spazio eterno dei 

miti, ponendo al centro la figura del toro. 

È passione non transitoria di Silvano Porcinai, 

quella che lo trascina nelle arene di Spagna a 

ricercare la rappresentazione attuale dello 

scontro tragico dell’uomo con le profondità 

buie della natura. Da questo spettacolo una 

linfa non esaurita gonfia di vita i fantasmi della 

Creta di Psife e del Minotauro con tutto il corteo 

delle divinità pronte alla metamorfosi: dal 

grembo dell’antica civiltà mediterranea ricompaiono 

famigliari rivestiti di bronzo incorruttibile. 

Maria Nardone 

170



Figura femminile, bronzo, cm. 65x24x15 

171


Rami 

Bimba egiziana col suo gatto, marmo giallo di Siena, cm. 15x23x54h 

“ Anche l’“invenzione”, per così dire, della 

bimba egiziana, non una sfinge né un 

faraone, un classico troppo classico per 

esserlo davvero, ma una bimba col suo gatto, 

esprime una vocazione all’immobilità che piacerebbe 

anche a chi si lascia ispirare nel movimento 

perché non contraddice la danza, anzi. 

È veramente una produzione che merita grande 

attenzione e approfondimento, anche se 

ritengo che non moltissimi siano capaci di 

“entrare”, con gli occhi chiusi - come direbbe 

un grande senese, Tozzi - nel senso che va oltre 

le cose.” 

Marco Testi 

linking.art@gmail.com 

www.opus-rami-com 

172

Daniele Ravanelli 


dei colori che interagiscono con essa; 

così partendo da un ricordo, una situazione 

intensa e recentemente anche 

dalla forma naturale del legno, cerca di 

dare fisicità a concetti o aspetti della 

nostra umanità, al fine di smuovere riflessioni 

approfondite o far rivivere 

espressioni artistiche del nostro passato 

anche recente. 

Due Alberi, 2013, polimaterico 

Nato a Bagno a Ripoli cinquantasette anni fa, 

per ragioni professionali ha praticato diverse 

tecniche artigianali e ha usato materiali 

di cui si serve ancora oggi per il suo lavoro artistico. 

L’uso di questi materiali si accompagna ad una riflessione 

sulla parola o sull’argomento da cui trae lo 

spunto per le sue realizzazioni. Autodidatta, è da 

sempre sensibile alle tematiche umane e sociali, oltre 

a nutrire una profonda passione per le arti: cinema, 

musica classica, pittura e scultura. Dopo molti anni di 

ricerca, attualmente si dedica al valore della parola e 

DUE ALBERI - DUE VITE 

Questo pezzo prende spunto dall’aver 

notato o visto due alberi della stessa 

specie vicini pochi metri l’uno all’altro 

con i grandi rami intersecati, alti tanto 

da pensare che la loro vita è di molte decine 

di anni e abbastanza isolati, staccati 

da altra vegetazione. Riflettendo su tutto 

ciò che debbono aver visto e sentito, 

ho costruito le cicliche stagioni, l’acqua, 

il vento. Li ho pensati come metafora di 

due esseri umani molto anziani, coppia 

ultranovantenne invecchiata insieme; lo 

stare da soli come punto di forza all’interno 

della coppia, l’acqua rappresenta 

ciò che ci dà la forza di affrontare un 

nuovo giorno e riguarda l’individuo, ogni 

essere umano beve la propria; siamo costantemente 

in balia delle vicende che ci 

accompagnano nella vita, a volte cambiandocela 

prepotentemente, vere tempeste; 

il nostro corpo e la nostra mente, 

poi, hanno le loro stagioni. 

PUREZZA 

Il grande drammaturgo e scrittore siciliano 

Luigi Pirandello ci ha lasciato molto 

in eredità. Una situazione del “Fu 

Mattia Pascal” mi ha molto colpito e 

Cell. 320 3560033 

danieleravanelli58@gmail.com 

173


Daniele Ravanelli 

l’ho riportata sulla tavola di terracotta 

presente nel pezzo. In questo brano ho 

intravisto tre luoghi in cui il concetto di 

“purezza” si fa presente e reale: la purezza 

delle due bambine morte, una alla 

nascita e l’altra dopo un anno, la purezza 

del dolore dei genitori che è assoluto, la 

purezza dei protagonisti della frase finale 

del brano, gli uccelli, organismi privi di 

sentimenti sviluppati, non in grado di 

scegliere fra il bene ed il male, ubbidienti 

ad istinti naturali; Pirandello li ha inseriti 

inaspettatamente così, per avere un 

confronto valido e attinente con l’azione 

del padre e della figlia. Meraviglioso nella 

tristezza dell’evento narrato. C’è anche 

la purezza della perdita di gioia, anzi 

la perdita della possibilità di provare gioia 

per chissà quanto tempo. 

Purezza, 2013, polimaterico 

…E L’ ALTRO 

Dal tralcio che partendo dalla base dopo 

essere penetrato nella vite finisce in alto 

il suo percorso si stacca un secondo tralcio, 

un segmento con colori più ambigui 

e oscuri che dopo essersi gettato entro 

una grigia barriera muta se stesso. Al di 

là, vari segmenti rappresentano la paranoia, 

l’ilarità, la depressione, l’apatia, la 

violenza. Gli enormi pericoli che si celano 

dietro l’abuso di alcool dovrebbero 

far riflettere l’individuo che lo usa e tutta 

la società in maniera ancora più intensa 

e cosciente. Quando si beve troppo, un’altra 

personalità esce fuori: è l’altro, ciò che è latente 

nell’individuo ed in ognuno prende un percorso differente. 

A volte è un pericolo per gli altri, sempre per 

se stessi. Manca una parola nel titolo al posto dei 

puntini, non può essere che “IO”. 

174

Mauro Rigacci 


Senza titolo, 1970, ferro, cm. 70 

Ritrattista, pittore e scultore, nasce a Firenze, 

dove inizia la sua attività artistica 

giovanissimo. Ha partecipato sin 

dal 1962 a mostre personali e collettive ottenendo 

premi e riconoscimenti. Attualmente 

vive e lavora a Firenze. 

mrigac@tin.it 

www.rigacci.it 

175


Luigi Rindi 

Corsa podistica, il primo al traguardo 

Il Crocifisso 

Nato a San Mauro a Signa (FI), risiede a 

Prato da tanti anni. Dopo vari impieghi 

svolti in gioventù, lavora per 

trentacinque anni nelle Ferrovie dello Stato e 

nelle Assicurazioni. Da oltre venti anni ha iniziato 

la sua avventura nella scultura informale 

su tronchi e radiche di legno trovati in montagna 

e al mare. I suoi pezzi, nonostante siano 

manualmente lavorati, mantengono spesso la 

loro originalità e le caratteristiche naturali che 

si coagulano nelle sue opere di “Natura e Arte”. 

Ha partecipato a mostre personali e collettive 

in tante città d’Italia. Ha vinto diversi concorsi; 

nell’ultimo del 2013 si è classificato secondo 

al Premio di Scultura-Installazione della Competition 

For International Art in China Florence-Shanghai. 

Si può vedere e ascoltare la sua arte in vari filmati 

di You Tube, cercandoli con il nome 

dell’artista Luigi Rindi. 

luigi.rindi@libero.it 

176

Raffaello C. Romanelli 


Cèdric, 2005, bronzo, cm. 36x57x26 

La figura umana è il tema centrale del 

suo lavoro e le naturali proporzioni del 

corpo ne sono continua fonte di ispirazione. 

La rappresentazione realistica è lo strumento 

con cui Raffaello Romanelli dà forma 

alla bellezza di ciascun soggetto. 

Il suo lavoro eccelle nei ritratti: modellare dal 

vivo gli permette di catturare la forma dei volti, 

la miriade di espressioni e, quindi, di esprimere 

la personalità dei soggetti. È questo il segreto 

dell’intensità espressiva delle sue opere. 

Raffaello (Firenze, 1980) ha avuto da sempre 

un rapporto speciale con l’arte, ha nutrito gli 

occhi con gli esempi dei suoi avi e respirato l’aria 

di bottega fin da bambino, a contatto con 

gli scultori di cui ha raccolto gli spunti e la conoscenza. 

Ha poi ricevuto una formazione classica presso 

lo studio del maestro Charles H. Cecil a Firenze, 

dove ha appreso le tecniche del disegno e 

del modellato dal vero. 

Oggi lavora presso lo storico studio di famiglia 

al numero 70 di Borgo San Frediano a Firenze, 

luogo di lavoro e di ispirazione. 

Qui tiene lezioni di scultura, dà vita ai suoi progetti 

personali e riceve i suoi committenti internazionali. 

I suoi lavori in bronzo sono pezzi in edizione limitata, 

i marmi opere uniche scolpite a mano. 

Studio Galleria Romanelli - Borgo San Frediano, 70 - 50124 Firenze 

Tel. 055 2396662 - www.raffaelloromanelli.com 

177



Martha, 2008, bronzo, cm. 54x36x28. Medaglia di 

bronzo al XXVII Premio Firenze 2009 

Torso di Fauno, 2011, bronzo, cm. 36x25x15 

Una calda sera di giugno: nel cuore la calma di 

un pomeriggio che è stato sereno; ma ora, superata 

da pensieri che mi volgono a scrivere 

qualche riga sulla scultura di Raffaello Romanelli. 

L’ho conosciuto in una delle prime soleggiate 

mattine d’aprile: ricordo una luce chiarissima 

che disegnava sulla poderosa porta 

medievale di borgo San Frediano assorte geometrie, 

la cui piena purezza richiamava la mia 

speranza di ritrovare in un giovane d’oggi un 

sentire simile al mio. M’avrebbero accolto l’incanto 

d’un luogo ancora sacro, che fu la chiesa 

di San Michele Arcangelo, e lo sguardo limpido, 

mite, unito a modi garbati, del trentenne 

artista. Nei silenzi di quell’aula semplice e solenne, 

Lorenzo Bartolini e quattro generazioni 

di ascendenti del nostro Raffaello ebbero il 

loro studio: qui, dove concepirono molte delle 

loro opere, ancor oggi si possono ammirare, 

sotto la luce vasta e misurata nella quale furono 

ideati, modelli, bozzetti e gessi, anche di 

grandi dimensioni, che, pur nell’affollata varietà 

di forme, intenzioni, sentimenti, ci dicon 

che questo luogo è ancora atto alla contemplazione... 

In tale tesoro di valori spirituali ed 

estetici, Raffaello, che fin dall’adolescenza 

aveva diffidato dei maestri e delle scuole d’arte, 

poté vagare cogli occhi, e trascegliere liberamente 

col cuore, per meditarle, quelle forme 

che più gli parlavano, e riceverne segreti 

insegnamenti per chiarire la propria vocazione: 

dalla balenante vivacità dei ritratti e dei 

bozzetti dell’avo di cui rifà il nome, imparò a 

riscattare il bronzo dall’opacità nuda di una 

resa troppo concreta, per una forma scintillante, 

allusiva. Riconobbe, così - e penso al 

178



Torso femminile, 2009, bronzo, cm. 47x31x24. 

XXXII Premio Firenze 2014 

bronzo veduto presso un amico, che raffigura 

il modello Cèdric, da cui è nata la mia ammirazione 

per questo artista e il desiderio di conoscerlo 

- naturale e semplice, il recupero d’un 

tema, di grande tradizione. Ed elevati i pensieri 

ai significati, preferì chiedere ai modelli pose 

espressive, come il Bartolini interpretato con 

Jean-Jacques Rousseau, che privilegiava quelle 

prese spontanee, che «parlassero direttamente 

al cuore». 

Ecco che la penna si stacca dalla carta... mi appare 

di grande importanza la vicenda del pur 

breve soggiorno fiorentino del giovane modello 

francese Cèdric, se egli ha lasciato una traccia 

in tanti artisti: ingentilendo con la sua civile 

presenza l’applicazione attenta e di alta tecnica, 

degli allevi della scuola americana di Charles 

Cecil, ospitata nei locali attigui allo studio 

del giovane Romanelli; ma di più, facendo fiorire 

i disegni di chi era invece portato alla trasfigurazione 

del carattere. Raffaello Romanelli - 

era il 2005 - nelle aule della scuola americana, 

con quei compagni, fra i quali la pittrice tedesca 

Lynn Krol, spinti da candido entusiasmo, 

per un mese intero fecero muovere il modello 

cercando l’espressione più adatta: Cèdric venne 

loro incontro, da amico, non prendendo una 

“posa”, ma, con una torsione atletica, suggerendo 

un movimento; dal quale Raffaello prese 

spunto per innalzare i pensieri nella quiete del 

geometrico petto, del volto nobile e gentile, e 

per svolgerli da un altro punto di vista, accostando 

le robuste spalle a una testa generosa e 

piena di sentimento. 

Guglielmo Fondi 

Lo scultore e Cèdric, in “Artista”, 2010, pp.138-141 

179


Valerio Savino 

All'Acqua alla Terra al Cielo, 2011, marmo di Carrara, cm. 150x120x60 

“La magia del divenire. Le metamorfosi di Valerio 

Savino” 

Scultore pittore grafico toscano. 

Passa un treno, il macchinista saluta Valerio 

con un fischio prolungato. 

Valerio, sulla sua impalcatura, intento a liberare 

dal marmo la sua ultima emozione, agita il 

braccio e risponde al saluto. 

Ecco questo scultore toscano, incurante del 

freddo e della pioggia, che scolpisce il duro 

marmo in un gelido pomeriggio di febbraio. 

Entrando nel suo atelier-giardino-esposizione, 

cartelli dipinti preparano il visitatore e lo ammoniscono 

che qui imperano la fantasia e l'immaginazione. 

Non scava solamente nel marmo, Valerio, ma 

fruga nell'anima e nella vita stessa cercando 

nel cuore della pietra le connessioni intime del 

divenire. 

Un tema che gli è caro è la metamorfosi, forse 

perché il cambiamento è la metafora della nostra 

esistenza. 

Non a caso l'ultima opera presentata porta un 

titolo emblematico: "In divenire", è una scultura 

in trasformazione che si evolve coll'intima 

essenza dell'artista, che si modifica con lui. 

Raro artista è Valerio, sotto i suoi ferri il marmo 

esprime emozioni, pensieri, azioni. 

L'abilità della sua mano consuma la materia 

Abit.: Via Rotonda, 5 - Pistoia - Studio: località Sant'Agostino - Pistoia 

Cell. 333 1510121 - valerioarte@live.it 

180


Valerio Savino 

Madre Natura, 2012, travertino, cm. 80x100x60 

Inaugurazione della scultura Madre Natura a Vernio con il sindaco 

Paolo Cecconi 

scaglia dopo scaglia, modellando il duro e fragile 

marmo come se fosse argilla, liberando 

incredibili volute, aprendo arditi trafori, regalandoci 

impensabili equilibri. 

Ricordo la prima volta che vidi le sue opere, 

passando accanto al suo giardino: inchiodai i 

freni e mi fermai nel mezzo della strada, tanta 

è la forza che emana dalle sue opere. 

Adesso ho confidenza con lui, ma passare del 

tempo tra le sue sculture è sempre un'esperienza 

nuova e stimolante. 

Le sue opere sono presenti in varie collezioni 

private e pubbliche. 

Andrea Virgili 

181


Giuseppe (Beppe) Setti 

I LEGNI DI BEPPE 

Ènato nel 1929 a Montevarchi, dove tuttora 

vive e lavora nel senso che partecipa 

attivamente alla conduzione della 

sua piccola impresa edile e di movimento terra. 

È un creativo anticonformista ricco di tante 

esperienze, a partire dal lavoro in una miniera 

in Belgio subito dopo la seconda guerra mondiale, 

al periodo del boom economico durante 

il quale si ritrovò muratore e costruttore, “angelo 

del fango” del dopo alluvione in quel novembre 

del ’66 a Firenze e tante altre. I creativi 

possono esprimersi in mille e mille modi diversi 

e possono attendere anche una vita intera 

prima di farlo. Beppe ha incontrato di recente 

la “materia giusta” e con le attrezzature più 

disparate si è messo a liberare i suoi “legni” 

dalle parti inutili ed in ognuno di essi ha lasciato 

la sua visione, dell’animale, dell’oggetto, 

della prospettiva o del monumento che ha inteso 

rappresentare. In effetti, i legni sono con 

lui da sempre sparsi per la sua cantina e il suo 

laboratorio. Tutto nasce dall’istinto creativo 

senza una particolare tecnica o studio. I colori 

sono combinazioni di materiali che è i grado di 

fare in quel momento e poi non più riproducibili. 

Ma come per tutte le cose istintive basta 

vederlo lavorare ad un suo legno per alcuni minuti 

e si capisce subito come abbia chiara la 

visione della cosa che deve riprodurre. 

Via dell’Ornaccio, 117 - 52025 Montevarchi (AR) 

182


Giuseppe (Beppe) Setti 

LA MADONNA DELLA SPERANZA 

di GIUSEPPE SETTI 

L’uso del legno in Beppe Setti acquista 

una serie di significati diversi, iniziando 

da quello connesso al valore sacrale del 

materiale stesso. Lavorandolo in modo 

istintivo e raggiungendo nell’elaborazione 

scultorea esiti non immuni da forme 

di “primitivismo’ medievale, Beppe Setti 

in modo spontaneo ripropone l’antico 

concetto di homo faber e traduce simbolicamente 

sensazioni o concetti da lui 

elaborati quasi inconsciamente.(…) 

Sono queste le premesse per comprendere 

il significato e il valore morale, oltre 

che artistico, della Madonna della Speranza, 

grande scultura scavata d’istinto, 

quasi seguendo l’esempio di michelangiolesca 

memoria, direttamente nel 

pezzo di legno trovato per caso e amato 

dietro un impulso che è diventato idea e 

da idea si è trasformato in una “icona 

mariana”, assimilabile per certi aspetti 

alle antiche maestà e, per altri, ad un totem 

capace di concentrare su di esso la 

speranza di chi lo guarda o lo contempla 

con devozione. L’immagine della Madonna, 

colta nell’atto di pregare con le 

mani giunte, ha nel volto caratteri somatici 

“universali”, dal momento che 

essi nella loro elementarità sono il prototipo 

di una creatura assoluta, partorita 

dalle mani di un uomo divenuto nella 

Lo scultore Beppe Setti con la sua Madonna della Speranza 

vita artista per caso. Spetta al legno, in questo caso 

esaltato nella sua totale naturalezza, dare l’idea di 

Lignum vitae, salvifico e pieno di vitalità intrinseca, 

passando attraverso il ruolo di intermediaria e di mediatrice 

rispetto all’Eterno, assegnato storicamente 

e teologicamente alla Vergine. 

Liletta Fornasari 

183


Giuliana Signorini 

Eva, 1994, alabastro, cm. 47x30x10 

La Prigioncina, 1996, marmo, cm. 34x21x25 

Una vita per l’arte 

Giuliana Signorini nasce in una città 

cara agli artisti, la Pistoia di Marino 

Marini, di Iorio Vivarelli e di Sigfrido 

Bartolini, anche del poeta Bigongiari. Grazie al 

padre, amante delle arti e al clima della città, 

la piccola Giuliana respira giovanissima il senso 

delle forme. Ma la contiguità del villino paterno 

con la casa dello scultore Cleto Lapi le 

favorisce quell’amicizia. Presso il suo studio 

farà un aurorale apprendistato d’artista. Lapi è 

uno scultore classicista, quando sarà impegnato 

in una statua che celebra il leggendario generale 

Smuts del Sud Africa, Giuliana avrà per 

primo impegno - lo ricorda sorridendo - di modellare 

un grosso bottone della divisa militare. 


Dal volume “Tracce della mia vita nell’arte”, 

edizioni Pegaso, 2008 

giulianasignorini@virgilio.it 

184


Giuliana Signorini 

Meteora (arredo urbano Firenze), 1995, bronzo, diametro 

cm. 100 

Concordi discordanze 

“… Sulla barca un dio (o una dea) superstite 

alla catastrofe del mondo antico mi seduce e 

mi scorta all’altra riva dove mi mostra quello 

che non vedono solitamente gli occhi, la sua 

voce non ho mai udita prima e riconosco” 

Sono questi versi di Pasquale Siano che si 

alleano alla statua dell’Eva in alabastro che invita 

al puro conoscere di un mondo indebitamente 

sconosciuto. Ed è in parte la funzione di 

questa mostra di opere di Giuliana Signorini 

che possiede il segreto di una epifania recata in 

coppe dalla natura diversa, nell’incontro di colori 

e segni che l’artista ha mescolati assieme, 

alla ricerca di un suo concerto tratto da un più 

che privato spartito. A questo valgono “Meteora”, 

e la dolente “Maternità” che nelle sue 

forme incerte pare sospirare ad un Michelangelo 

dei prigioni fattisi modesti relatori di un 

pianeta, tutto quanto da vivere in umiltà. 

I mosaici sono sicuramente serviti all’artista 

allo scampo della fantasia, alla ricerca di pianeti 

dove il colore del mare e della terra indagassero 

per una loro rinnovata composizione. 

E poi ecco come a misura quel pietroso “Gufo”, 

segno di una cercata - e forse mai ritrovata! - 

saggezza, che serva alla ragione. Se poi serve, 

servire la ragione. 

Marcello Vannucci 

24 settembre 1997 

185


Mauro Stefanini 

Autoritratto, pietra Arenaria, cm. 30x30x30 

Lo scultore Mauro Stefanini nasce a Volterra, 

città storicamente nota per la lavorazione 

dell’alabastro in un’epoca 

nella quale il centro storico era popolato da 

numerose botteghe artigiane che costituivano 

una delle principali risorse economiche della 

città. E’ qui, ancora adolescente, che ha il suo 

primo contatto con la scultura e i maestri locali 

della materia: scultori, sbozzatori e finitori 

che riproducono nelle loro botteghe le maggiori 

espressioni dell’arte classica greca e romana. 

Mauro Stefanini si è formato artisticamente 

negli anni Sessanta, in un periodo di 

rinnovamento e di fermento culturale che trovava 

il proprio riflesso nelle opere della Pop- 

Art. Pur raccogliendo le istanze di rinnovamento 

proprie di quel periodo artistico, le 

opere di Mauro Stefanini restano ispirate prevalentemente 

dai grandi scultori del passato 

come Michelangelo o il Bernini e dallárte antica 

nellíntento di rappresentare i sentimenti 

degli umani, la loro natura e la loro civiltà. 

Via del Molino 7 - 56047 Saline di Volterra (PI) 

Tel. 0588 44049 - mauro.stefanini.it@gmail.com 

186



Cristina, pietra alabastrina, cm. 25x25x50 

187



La Sorgente, pietra striata, cm. 30x30x50 

188



Nottorno alla Schezza, arenaria volterrana, cm. 35x35x35 

189


Massimo Taccetti 

Cristo Redentore - Immagine di luce - plexiglas traforato 

e vetro piombato, cm. 40x60 

Amazzone, bronzo, h cm. 35 

Massimo Taccetti è nato nel 1954 a 

Lastra a Signa. 

Diviene, dopo anni di studio e ricerca 

di attività manuali ed artistiche, un artista 

poliedrico. 

Nel suo percorso ha acquisito padronanza su 

diversi materiali e tecniche. 

Produce le sue opere nel tempo libero esprimendo 

la sua creatività con la scultura, la ceramica, 

gli strumenti musicali e le vetrate artistiche. 

La sua opera “Sintropia”, dedicata ai Donatori 

di sangue, è posta in piazza Piave di Malmantile, 

Lastra a Signa: nei due moduli alla base l'umanità 

si edifica verso l'alto compiendo, al 

centro, un'unione solidale dove un vuoto è colmato 

con l'atto della donazione. Tutto è gestito 

dalla forza attrattiva che porta verso il fine 

della vita, l'AMORE. 

Via Dante Alighieri, 57-51 - 50055 Lastra a Signa (FI) 

Tel. 055 8724760 - tac.mpgs@hotmail.it 

190


Massimo Taccetti 

Pensiero, terracotta bronzata, h cm. 40 

Sintropia, ottone patinato, h cm. 90 

191


Gino Terreni 

Gino Terreni è nato a Empoli, in località 

Tartagliana, il 13 settembre del 1925. 

Fin da giovanissimo ha espresso le 

proprie doti artistiche plasmando l’argilla del 

luogo e disegnando la vita quotidiana dei contadini 

della valle dell’Orme. L’evento bellico 

interrompe i suoi studi. L’8 settembre del 1943 

entra nella brigata partigiana Arno e poi nel 

battaglione arditi d’assalto della divisione Legnano, 

combattendo sulla Linea Gotica ed entrando 

tra i primi a Bologna. Finita la guerra, 

riprende gli studi al Magistero Fiorentino, sotto 

la guida di Francesco Chiappelli e Pietro Parigi. 

Gli orrori della guerra lo segneranno profondamente 

e da questo momento inizia a 

percorrere la strada dell’Espressionismo. La sua 

arte diviene testimonianza della Storia Italiana 

del Secondo Novecento, dagli orrori della 

guerra alla speranza della pace, dalla vita dei 

campi all’arte sacra, sperimentando quasi tutte 

le tecniche conosciute. Tiene la sua prima personale 

nel 1955, al Fondo Anichini a Piombino 

(LI). Dopo saranno centinaia le mostre personali 

(tra cui ben quattro all'Accademia delle Arti 

del Disegno di Firenze) e collettive su invito, 

realizzate un po’ in tutto il mondo. La sua produzione 

è sterminata e le sue opere, frutto di 

oltre settanta anni di attività artistica, si trovano 

presso numerosi musei, nazionali ed internazionali, 

in decine di chiese, edifici storici e 

piazze italiane. Tra questi si possono citare la 

Galleria degli Uffizi, dove è presente con ben 17 

opere; le collezioni della Regione Toscana e 

dell’Accademia delle Arti di Firenze; Il Museo 

dei Gessi di Pietrasanta, con i bozzetti di alcuni 

monumenti colà realizzati; la casa natale di Arnolfo 

di Cambio a Colle Val d’Elsa; le chiese di 

San Rocco a Larciano, di Limite sull’Arno e il 

Santuario di S. Gerardo Maiella a Materdomini 

L'artista di fronte al Monumento alla Pace, 2012 in 

marmo di Carrara - per il Comune di Certaldo - nel 

suo atelier di Pietrasanta 

(AV). Ha realizzato sette monumenti pubblici: 

nel 1992 quello in onore a Stellato Spalletti, in 

marmo di Carrara e mosaico, a Ponte a Egola, S. 

Miniato (PI); nel 1994 il monumento internazionale 

alla Pace, in bronzo e mosaico, all’Abetone 

(PT) su incarico dell’ONU; il monumento 

alla Pace in bronzo e maioliche a Montelupo 

Fiorentino nel 1996; il grande monumento 

dedicato alle vittime per l’eccidio del padule di 

Fucecchio, inaugurato nel settembre del 2002 

dal Presidente della Repubblica Carlo Azeglio 

Ciampi, a Castelmartini di Larciano (PT); nel 

2003 quello in memoria del bombardamento 

delle Cascine di Empoli; nel maggio 2009 “Il 

Tripudio”, in marmo di Carrara, a Montespertoli 

(FI); il 9 novembre 2013 il grande monu- 

Studi: Via Giovanni da Empoli, 19 - 50053 Empoli (FI) • Via O. di Paolo, 24 - 50051 Castelfiorentino 

San Martino alla Palma - 50018 Scandicci (FI) • www.ginoterreni.it 

192


Gino Terreni 

Crocifissione, metà anni Sessanta, rottami di ferro, 

attrezzi, marmitta di auto lavorati a fiamma ossidrica, 

cm. 108x98 

mento, sempre alla Pace, per il Comune di 

Certaldo (FI). 

È accademico dell’Accademia delle Arti del 

Disegno di Firenze dal 1970, delle Muse e 

degli Incisori d’Italia, fa parte dell’Associazione 

Incisori Veneti ed è Paiolante d’onore 

dell’Antica Compagnia del Paiolo di Firenze. 

È Cavaliere della Repubblica Italiana per 

meriti artistici. Cittadino onorario dei comuni 

di Montaione, Abetone e Larciano. Ha 

fondato, a Empoli, con l’amico Carmignani i 

“Musei della Resistenza e d’Arte Moderna”. 

“…Terreni ha modellato e modella il bronzo, 

lavorato le crete, scolpito il marmo, praticato 

in gran misura l’affresco; sovente la 

pittura ad olio; con alti risultati ha anche 

creato bellissime serie di incisioni. Tanta varietà 

non l’ha distolto da una incredibile coerenza 

e continuità di messaggio, perlopiù laicamente 

corale e civile (e dunque anche politico), ma anche 

direttamente impegnato nella, oggi difficilissima, 

arte sacra. Così attorno alla “sua” terra empolese, 

e poi in Toscana, in Italia e in vari paesi, le 

sue opere sono soprattutto distribuite oltre che in 

prestigiosi musei, ora nelle piazze ora negli edifici 

sacri, chiese e non solo. Proposte dunque alla comunità, 

cittadini e fedeli: e sempre, in un unico 

abbraccio di umanità. 

Quale umanità? Se ogni artista testimonia sempre, 

anche senza intenzione, il proprio tempo, Terreni 

ha rappresentato del Novecento, del “secolo 

breve”, sopratutto guerre e orrori, stragi e strazio. 

L’olocausto generale che ha ferito, ucciso e sterminato 

soprattutto gli inermi, i senza voce. Il dolore 

e l’offesa dei popoli, che sono sempre composti 

di singole creature. Prima di accennare allo 

stile e ai suoi maestri, restiamo alle opere. Sulla 

solida, quasi sempre sottesa tessitura di echi fortemente 

classici, quest’artista innesta una modernità 

tragica, asciutta e possente. Guardate: le 

sue figure non sono quasi mai isolate e sole, formano 

a volte una coppia, spesso un gruppo, proposto 

non di rado all’abbraccio. La frequente nudità 

dei corpi, più che eco classica, è simbolo di 

povertà umiliata. Quasi sempre le braccia sono 

tese al cielo, per implorazione o speranza di libertà. 

Contro la retorica della tradizione monumentale 

italiana, dal Risorgimento in giù, Terreni non 

rappresenta scene cruente ed “eroiche”, ma 

all’opposto, le conseguenze terribili di queste sugli 

inermi. Caratteristica di Terreni, forse per l’alta 

e corale suggestione delle storie narrate, è di lavorare 

in grandi dimensioni. I suoi monumenti spiccano 

verso il cielo, rinunciando alla minuta grazia 

degli ornati. I suoi affreschi sono grandiose “biblia 

pauperum”; le sue vetrate incendiate di vivissimi 

colori, catturano sole e luce…” 


193


Gino Terreni 

Deposizione, 1979 - Pieve di Santa Maria a Limite sull’Arno 

- altorilievo e altare in pietra serena 

Lo Stupore, 2002 - Monumento alle vittime dell'eccidio del 

Padule di Fucecchio dell'agosto 1944 - marmo di Carrara, 

h m. 5 ca 

“Gino Terreni, il dolore e la speranza” 

Nell’attraversare una pagina di storia lunga quasi un 

secolo, Gino Terreni ci consegna una testimonianza 

vissuta in prima persona, raccontata per immagini 

vere e palpitanti incise nel legno, scavate nella pietra 

e nel marmo o fuse nel bronzo, dipinte in affresco e 

su tavola o incastonate nelle tessere del mosaico e 

nel piombo della vetrata. 

Maestro di stampo antico per la capacità di padroneggiare 

con abilità e sapienza ogni campo dell’arte, 

ma dotato di un linguaggio moderno ed attuale, Terreni 

sfoglia il suo diario iniziato nella 

campagna empolese a contatto con la 

natura, madre e maestra, per proseguire 

sulla Linea Gotica, in mezzo alla tragedia 

della guerra, sfiorando più volte la 

morte durante la Resistenza. 

Nelle sue opere è sempre presente quel 

ricordo incancellabile che come un fuoco 

si ravviva ogni attimo nella mente e 

prende forma “per non dimenticare”. 

Eppure non si tratta mai di un’angosciosa 

rievocazione ma di un esultante messaggio 

di pace, perché in quei volti sofferenti, 

in quei corpi tormentati, piegati 

nell’estremo sacrificio, alita un respiro di 

serenità, un grido d’amore, un anelito 

alla speranza. Il dolore, lacerante ma 

composto, è lenito da una religiosità 

profonda e alimentato dalla gioia dell’altruismo, 

come nella rappresentazione 

del martirio di Padre Kolbe, con la serie 

di xilografie realizzata per il Vaticano nel 

1981, voluta da San Giovanni Paolo II. 

Con l’essenzialità e la potenza del bianco 

e del nero, con il vigore plastico e con 

la delicatezza del colore, si leva il monito 

di Gino Terreni per diffondersi in ogni 

angolo della Terra: mai più orrori e violenza 

ma pressante richiamo alla pace e 

alla fraternità, nell’esaltazione dei valori 

più alti della persona umana, della sua 

irripetibile unicità. 

Pluridecorato Combattente per la Libertà 

e riconosciuto Paladino della Pace, 

Gino Terreni nella sua instancabile opera 

ha sempre privilegiato l’intelletto e il 

sentimento, la mano ed il cuore che lavorano 

all’unisono per salvare l’emozione 

e renderla eterna. 

Dalla lezione di Pietro Parigi all’Istituto 

d’Arte di Porta Romana ai lunghi anni di 

insegnamento nelle scuole medie e superiori, 

dai chilometri di legno inciso ai 

194


Gino Terreni 

Monumento alla Pace, Abetone 1994, bronzo e mosaico, 

h m. 4 ca 

metri quadrati di affreschi e vetrate in tante chiese 

italiane, dai mosaici ai monumenti pubblici che 

continua a scolpire con energia giovanile, Gino 

Terreni non solo trasmette ai suoi allievi la tecnica 

e il serio impegno nel lavoro, ma è per tutti maestro 

di vita e di umanità. 

Gabriella Gentilini 

“Dopo il Guttuso del "Got mit uns", non è rimasto 

che Gino Terreni a testimoniare gli orrori della 

guerra e dell’epos della Liberazione. Combattente 

nella brigata partigiana Arno e poi, sulla Linea Gotica, 

nel corpo dei Volontari della Libertà, Terreni 

ha vissuto i giorni belli e terribili che videro 

la Patria riconquistare la libertà e l’onore. 

La sua arte è una testimonianza civile di altissimo 

significato, esempio e modello per 

le giovani generazioni in questo anno che 

celebra i sessant’anni della Costituzione 

Repubblicana. Fa bene Riccardo Nencini a 

ricordarcelo. La guerra però è un’esperienza 

che segna per sempre, è un’ombra nera che 

scende sulla vita di chi l’ha vissuta occupandola 

per sempre. Gino Terreni non ha 

mai dimenticato gli occhi febbrili dei combattenti 

in prima linea ("Soldato empolese 

della Legnano", matita nera su carta, 1948), 

non ha dimenticato "Il pianto delle madri" 

(xilografia, 1963), la cupa desolazione di chi 

ha perso tutto ("Sfollati" del 1946), lo stupore 

degli innocenti portati al macello 

("Eccidio del padule di Fucecchio", marmo 

di Carrara, 2002). Chi ha vissuto la guerra 

(e quella guerra, guerra civile senza onore e 

senza misericordia…) non potrà mai più essere 

artista di ordine, di grazia, di armonia. 

“E come potevamo mai cantare col piede 

straniero sopra il cuore…” scriveva, in quei 

giorni, Quasimodo. Aveva ragione. L’ombra 

lunga della guerra è entrata nella vita e nello 

stile di Gino Terreni. I suoi riferimenti saranno 

d’ora in poi i neri inchiostri di Parigi, i 

Fusillados e i capricci neri di Goya, gli 

espressionisti tedeschi, Guttuso e Maccari. 

Il risultato sono opere dolenti, ma non disperate, 

testimoni di grandi sofferenze ma 

non negate alle attese dei giusti e dei pacifici 

che un giorno - dice il vangelo - possederanno 

la terra.” 

Antonio Paolucci 

direttore dei Musei Vaticani 

195


Fabio Vettori 

Ascot June 2017, First Ciborg Race, 2001-2002, metalli misti (nobili ossidati, 

ottone, rame e rete zincata), cm. 56x20xh 47 

Nato nel 1943 a Firenze, dove vive e 

lavora. Ha al suo attivo varie mostre 

personali ed ha partecipato con successo 

a diversi concorsi nazionali e internazionali. 

Tra i premi ricevuti si ricordano: il primo 

premio Fior di Loto (1980), il secondo premio 

Brunellesco (1981), il primo premio Mostra 

Sociale (Fiesole, 1981) e il premio Fiorino d’Oro. 

Nel campo della scultura ha ottenuto con 

la sua personale tecnica denominata “scultura 

- mosaico” ottimi giudizi di critica e di pubblico. 

L’ultima mostra personale risale alla fine 

degli anni Ottanta nella sede del Gruppo Donatello. 

In quest’occasione Tommaso Paloscia 

visitò la mostra e la recensì sul quotidiano La 

Nazione con un articolo dal titolo “Una pagina 

nell’Arte di Vettori”. 

Hanno scritto di lui: Giuse Benignetti, Tommaso 

Paloscia e Paolo A. Di Martino. 

Scrivendo di Fabio Vettori agli inizi degli anni 

Duemila, Tommaso Paloscia parlò delle “ingiustificate 

perplessità” dello scultore fiorentino, 

che, pur possedendo “un talento non comune”, 

si era fatto più volte frenare, nel suo sviluppo 

creativo, da scrupoli e ripensamenti del tutto 

immotivati. Un giudizio che intendeva essere 

uno sprone affinché Vettori maturasse intimamente 

la consapevolezza di un valore che le sue 

sculture già esprimono senza alcuna remora. 

L’idea che mi sono fatta visitando il suo studio 

e intrattenendomi con lui in una lunga chiacchierata, 

è che oggi delle “perplessità” intraviste 

da Paloscia non ci sia più alcuna traccia. Al 

contrario, le sue parole rivelano una chiarezza 

d’intenti e una determinazione espressiva che 

lo fanno essere in controtendenza rispetto 

all’irresolutezza spesso strumentale di molti 

artisti contemporanei. L’impressione è che il 

Cell. 340 2333651 

theartist@vettoriart.com - www.vettoriart.com 

196


Fabio Vettori 

America, America! (rughby), 1984 -1985, metalli 

misti, cm. 70 h x 27 largh x 24 slancio 

Apollo e Dafne, 2004 - 2005, tecnica mista integrata 

(olivo, ottone, rame ossidati), cm. 45 h 23 x h 66 

suo percorso artistico sia attraversato da un’esigenza 

di autenticità che l’ha spinto a rifiutare 

qualunque scelta che non fosse il risultato di un 

profondo convincimento interiore. Per Vettori 

ogni scultura è una sfida, in cui nulla però è affidato 

al caso. Anche la varietà dei soggetti è il 

risultato di un’attenta valutazione: spaziando 

dall’uomo - automa al centauro avveniristico, 

dallo slancio energico dell’atleta alla fissità delle 

armature medievali, dalla mitologia classica 

ai simbolismi figurali di memoria novecentesca, 

Vettori indirizza la sua verve creativa su più 

sentieri tematici, avendo come imprescindibile 

riferimento i criteri di una tecnica ormai consolidata: 

la scultura - mosaico. Definizione, 

quest’ultima, che si deve all’intuizione critica di 

Giuse Benignetti, la prima ad aver riconosciuto 

e siglato con la parola scritta “il linguaggio 

composito e sofisticato” di Fabio Vettori. Una 

tecnica che riscopre una manualità antica per 

farsi veicolo di una sensibilità moderna e di una 

capacità immaginativa che sorprende per il 

modo in cui disciplina il passaggio dall’idea alla 

forma senza l’ausilio di un modello preparatorio. 

Il risultato finale ricorda visivamente la fusione 

in bronzo, mentre in realtà il procedimento 

consiste in una lavorazione diretta dei 

metalli, soprattutto rame e ottone, che vengono 

prima modellati, frammento dopo frammento, 

e poi saldati in un corpo unico. L’assenza 

di un tracciato progettuale denota una 

conoscenza profonda, quasi aprioristica delle 

proprietà interne di una forma - sia essa umana 

o animale - e delle relazioni strutturali su cui si 

fonda. Ed è con sorprendente naturalezza, ovvero 

con la totale assenza di artificio, che Vettori 

“compone” le sue sculture, passando 

dall’unità dell’immagine mentale alla molteplicità 

delle singole componenti e da queste 

nuovamente all’uniformità della figura. Di carattere 

diverso è l’intervento sulle radici e sui 

tronchi di legno ai quali aggiunge elementi metallici 

che assecondano l’andamento già scultoreo 

della materia lignea: un’occasione per 

rinnovare l’antico dialogo tra la natura e l’artista, 

tra la bellezza spontanea delle cose naturali 

e l’intelligenza che guida il processo creativo. 


197


Gabriele Vicari 

Alex, bronzo, grandezza naturale 

Nettuno, bronzo, cm. 40 

Nato a Lucca nel 1971, ha studiato 

all’Accademia di Belle Arti di Carrara 

e ha frequentato lo studio dello 

scultore Marcello Tommasi a Pietrasanta e a 

Firenze fino al 2008. La conoscenza dell’anatomia 

e la vasta esperienza tecnica gli hanno 

procurato importanti incarichi professionali a 

vasto raggio. Ritenuto un gran ritrattista (nel 

2009 ha ricevuto il premio internazionale “Ritratto 

Pangolin” organizzato dall’Associazione 

degli Artisti Ritrattisti di Londra), è pittore 

e scultore con opere stabilmente collocate in 

collezioni pubbliche e private sia in Italia (Firenze, 

Camoiore, Santa Maria a Monte) che 

all’estero (Denver, Victoria, Bruxelles, Londra, 

Oslo). Ha tenuto diverse personali (Lucca, 

Montecarlo, Massa, Pietrasanta e Santa Maria 

a Monte, etc.) e partecipato a mostre collettive 

come Omaggio a Gino Bartali e Gastone 

Nencini. Tra gli appuntamenti espositivi più 

recenti si ricordano: "Versilia Wine Art Festival" 

(Chiostro Sant’Agostino, Pietrasanta, 

2009) e "Lo Studio e l’Opera" (Musei Civici di 

Villa Paolina Bonaparte, Viareggio, 2012), entrambe 

a cura di Lodovico Geirut; nel 2014 ha 

esposto con "Viaggio d’Artisti in Europa" (a 

cura di Gigliola Fontanesi e Lodovico Geirut), 

presso il Palazzo Berlaymont Bruxelles, sede 

della Commissione Europea. 

55041 Camaiore (LU) 

gabriele.vicari@hotmail.com - www.gabrielevicari.com 

198


Gabriele Vicari 

Monumento a Sir James Douglas, primo governatore 

della città di Vittoria (Canada), m. 2,20. Il 

monumento si trova a Vittoria di fronte alla casa 

del governatore 

Gabriele Vicari è artista completo. Nel suo 

caso c’è da dire che guarda al passato dei 

Grandi, ma vive nell’oggi analizzando autonomamente 

una realtà che porta in essere 

figurativamente con puntigliosità e fantasia. 

In un tempo – definiamolo così “di rinnovi” 

– dove talvolta è arduo da parte di 

molti comprendere da quale parte sosti l’Arte 

per l’incedere imperioso di una virtualità 

casuale e di una sempre più superficiale 

“provocazione”, altresì pilotato da un mercantilismo 

sovente privo di Cultura, il suo 

saper disegnare ottimamente conoscendo 

Ritratto di Michele Canova, scultore viareggino, 2007, 

terracotta, grandezza naturale 

l’anatomia, il plasmare la creta come pochi, il 

patinare il bronzo, il dipingere ad olio…, lo rende 

sempre più profondamente degno della nostra 

stima. 

Lodovico Geirut 

199


Thomas Welti 

La sognatrice, 2007, ceramica, cm. 12h 

Thomas Welti, un poeta? 

Un pensiero sul linguaggio delle sue sculture 

di Josef Kalt 

Se la lirica è un tipo di poesia in cui il vivere 

soggettivo, sentimenti, atmosfere o 

riflessioni sono trasferiti, attraverso la 

rima e il ritmo, in immagine, allora Thomas 

Welti è un poeta, un lirico. 

Non si esprime con parole, ma con marmo, legno 

e ceramica. Per lui, rima e ritmo sono le 

forme e le superfici delle sue figure. Le opere 

sono facilmente leggibili, parlano la lingua del 

Paese in cui ha scelto di vivere, delle amabili e 

calme colline toscane. Questo paesaggio con 

le sue stagioni, il divenire e passare, determina 

l’arte di Thomas Welti. L’arte che si dedica principalmente 

ha un tema, il corpo umano, che è 

rappresentato come frammento, spesso ridotto 

all’essenziale. 

In questo modo, egli si aspetta, o addirittura 

pretende, un’interpretazione molto personale 

dell’osservatore. I particolari omessi devono 

Podere Semena, 1 - 56030 Lajatico (PI) 

thomas@welti-art.ch - www.welti-art.ch 

200


Thomas Welti 

La corpulenza, 2007, granito ticino, cm. 47 

La danza della gioia 

essere immaginati, l’opera dell’artista deve stimolare 

la fantasia dell’osservatore. 

Thomas Welti vede il compimento della sua 

opera quando colpisce le altre persone. Proprio 

le sue piccole figure di ceramica permettono 

un duplice approccio. Da una parte, la via visuale 

che, attraverso l’occhio, porta nel cuore e 

nell’anima dell’osservatore; dall’altra, attraverso 

le mani, il senso del tatto che, in maniera 

altrettanto chiara, trasmette pace, armonia ed 

eleganza, e che porta a pensare e a sognare. 

Hermann Hesse, che, come Thomas Welti, ha 

trovato la sua felicità e la sua definitiva dimora 

nel sud, paragona l’irrequieta esistenza umana 

con la terracotta che nelle mani del creatore è 

“muta e cedevole che non piange o ride, mille 

volte impastata e mai bruciata.” 

“Potessimo, una volta, farci pietra, durare!” 

Thomas Welti, con le sue sculture, dà forme 

durevoli a questa nostalgia di Hermann Hesse. 

Forme che, anche al di là della sua vita, racconteranno 

di lui; forme che, insieme alle superfici 

che le avvolgono, spingono sempre di nuovo 

alla lettura, alla comprensione. 

201


Andrea Zannoni 

Forma Primis, Marmo nero Belgio e marmo statuario Carrara, cm. 21x20x46h 

Nato a Livorno nel 1975, si diploma al 

Liceo Artistico di Lucca e successivamente 

s’iscrive all’Accademia di Belle 

Arti di Carrara, dove scopre la passione per 

la scultura. Trasferitosi all’Accademia di Belle 

Arti di Firenze dove consegue il diploma con il 

massimo dei voti e lode nel 2002. Ha realizzato 

opere monumentali in diverse città italiane 

e ha esposto, dal 1999 ad oggi, in numerose 

gallerie e spazi pubblici sia in Italia (Firenze, 

Pistoia, Livorno, Viareggio, Roma, Venezia, 

Ferrara, Palermo) e all’estero (Parigi, Amsterdam, 

Bruxelles), dove è stato spesso premiato 

per l’alto valore del suo lavoro artistico. È stato 

recensito in diverse riviste e cataloghi d’arte. 

Di lui hanno scritto: Paolo Levi, Alessandra 

Rontini, Aldo Albani, Maria Cristina Ricciardi, 

Maria Claudia Simotti, Ilaria D’Adamio, Mariarosaria 

Belgiovine, Francesco Chetta, Salvatore 

Russo. 

Abitazione e Studio: Via Bassa di San Sebastiano, 53 - 51100 Bottegone (PT) - Cell. 347 3357677 

www.andreazannoni.it - info@andreazannoni.it - scultand@gmail.com 

202


Andrea Zannoni 

Libertà, Pietra della Maiella e legno, cm. 100x50x50h 

Noi Due, Pietra della Maiella e marmo verde alpi, cm. 35x16x40h 

La sintesi plastica dell' opera di Andrea Zannoni 

tratteggia la lirica connotazione della sua 

scultura. Il suo modellato di chiara accezione 

astratta, segue in spiccata intonazione ascensionale 

lo sviluppo di forme essenziali, capaci 

di carpire lo sguardo per la purezza delle linee. 

L'artista lavora il marmo e la pietra, esaltandone 

la naturale bellezza cromatica, giocando 

con la luce che accarezza le superfici levigate, 

creando coinvolgenti contrasti tra luce ed ombra, 

capaci di rendere l'opera palpitante di una 

energia intrinseca. Il linguaggio artistico diventa 

mezzo espressivo per evocare l'intima 

definizione di sentimenti, efficacemente sintetizzati 

in forme nelle quali è facile riconoscersi. 

Le sue opere possono essere percepite quali 

archetipi capaci di comunicare al livello universale, 

proprio perché da questi profili si libera 

la voce di una spiritualità antica quanto la 

storia dell'uomo. 

Paolo Levi 

203


Lucia Zei 

Sidonia, fertilità siderale. Il potere della creazione, bronzo, cm. 70x40x40 

Nata ad Arezzo nel 1976, frequenta l'Istituto 

Statale d'Arte di Arezzo, sezione 

Moda e Costume Teatrale. Nel 

1999 s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Firenze, 

dove segue il corso di Scultura. Nel 

2003 si laurea discutendo la tesi teorico - pratica 

sulle tecniche di lavorazione del gioiello 

granulato, tecnica delicatissima risalente agli 

etruschi, e questa esperienza le permette di 

affinare le sue abilità in una prova difficile quale 

la gioielleria, ovvero la scultura in miniatura. 

Nel 2003 consegue la Qualifica professionale 

rilasciata dal Centro per lo Sviluppo ed Innovazione 

delle Competenze nel Settore Orafo di 

Modellazione CAD, prototipazione rapida ed 

ingegneria inversa applicate all’oreficeria, con 

l’utilizzo di softwares di grafica tridimensionale. 

Nel 2004 fa pratica di modellazione d'arredo 

d'interni presso uno studio di architettura 

ed oggettistica. Nel 2005 collabora con l'Uffi- 

Via Fiorentina, 334 - 52100 Arezzo 

Tel. 0575 383267 - www.luciazei.it 

204


Lucia Zei 

Draghetto, bronzo, cm. 60x70x23 

cio Stile di un'importante azienda di abbigliamento 

per cerimonia. Nel 2006 frequenta un corso 

completo di grafica 3D: modellazione, texturing, 

animazione e rendering. La carica satirica politico-religiosa 

dei suoi volti così come la perfezione 

tecnica di personaggi mitologici o artificiali l’hanno 

resa protagonista nella creazione di carri per 

svariate edizioni dei carnevali di Foiano della 

Chiana e di Arezzo. Nel 2013 collabora con la fonderia 

incaricata di eseguire il ripristino della formella 

di Lorenzo Ghiberti “La cacciata dei mercanti 

dal tempio” della porta nord del Battistero 

di Firenze per la copia sostitutiva. Realizza sculture 

a tuttotondo di varie dimensioni: pezzi unici per 

lo più di bronzo e di acciaio (per arredamento) 

sino a pezzi di dimensioni monumentali per esterno 

(piazze, giardini, ecc.). 

Maternità Bamichi, bronzo, cm. 80x30x20 

205


Lucia Zei 

Savina, la pianista, bronzo, cm. 48x41x30 

206

Paraskevì Zerva 


Scultrice e poetessa greca, risiede a Firenze 

dal 1997. Formatasi in Grecia, dove ha 

frequentato un corso di pittura a olio, si 

è poi trasferita in Italia, a Firenze, dove ha frequentato 

un corso di disegno presso l'Istituto 

Internazionale di Pittura e Disegno di Tiziano 

Bonanni e i corsi del laboratorio di scultura Ellittica 

a Calenzano. L'artista è socia del antico 

Circolo di Artisti di casa di Dante ed è vincitrice 

del Fiorino d'Argento al concorso Firenze Capitale 

d'Europa, 2013. Dal 2013 studia incisione 

alla Fondazione il Bisonte e dal 2006 si dedica 

alla scultura sotto la guida di Amalia Ciardi 

Duprè, nel cui studio - galleria ha presentato, 

nel 2013, la prima personale dal titolo ΑΓΑΠΩ 

(AMO), Dall’Alfa all’Omega. Nello stesso anno 

ha esposto al Castello dell’Acciaiolo di Scandicci 

con la personale "La sacra danza dell’essere", 

e nel 2014 nella sede del Gruppo Donatello 

con la personale "La Kore e l’Anima". Tra 

le altre mostre si ricordano quelle realizzate a 

Firenze (chiesa della Santissima Annunziata, 

Palagio di Parte Guelfa, Oratorio dei Salesiani, 

Limonaia di Villa Vogel) e in altre località della 

Toscana (Oratorio di Calenzano alto, San Niccolò 

in Casentino, Palazzo Malaspina a San 

Donato in Poggio). È presente nei volumi Donne 

dell’arte in Toscana (Masso delle Fate Edizioni) 

2013 e 2014. 

Le creazioni di Zerva interpretano il concetto di 

femminilità come espressione di una forza generativa, 

di un impulso alla vita da cui ogni 

cosa trae origine. È anche per questo che difficilmente 

riconosceremo nei loro volti i tratti 

propri di una donna, quanto piuttosto i lineamenti, 

sempre gentili e delicati, di una fisiono- 

La Creazione, 2013, terracotta policroma, cm. 30x36 

L’opera, vincitrice del Primo Premio al concorso 

Omaggio a Gino Severini - Città di Cortona, è stata 

esposta al Museo Etrusco MAEC nell’ottobre 2013. 

mia androgina che va interpretata come un’esemplificazione 

dell’unità dell’essere. Con le 

sue opere, l’artista greca ci ricorda che c’è un 

codice dell’anima che non conosce differenze 

di genere o di appartenenza perchè risponde ad 

un insopprimibile bisogno di bellezza intesa 

non in senso estetico ma come pienezza del 

vivere. Allo stesso modo, c’è un codice del corpo 

che occorre conoscere e rispettare affinchè 

sia tempio del nostro spirito ed elemento che 

ci fa essere parte di un tutto, di un solo grande 

respiro universale. 


Cell. 338 1880326 

zervaparaskevi@gmail.com - www.zervaparaskeviarte.weebly.com 

207

In queste pagine si apre 

un ricco vocabolario dei 

linguaggi espressivi odierni 

del fare scultura, dalla classicità 

all’installazione, con l’uso più 

svariato dei materiali, non solo 

tradizionali, dal legno al marmo, 

la pietra, la terracotta e la 

ceramica, ma anche il vetro, 

il ferro, l’acciaio, fino a quelli 

“poveri” e di recupero. 

ISBN 978-88-6039-346-3 

E 15,00 (IVA inclusa)

Toscana

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