La Toscana nuova febbraio

La Toscana nuova - Anno 1- Numero 2- Febbraio 2018 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 1. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/F

Sommario febbraio 2018
6 A Sesto Fiorentino una mostra per i novant’anni di Elio Toniutti
9 Fondazione Del Bianco: avviata la collaborazione con il Regno del Baharain
11 Storie dal mondo: il Natale copto in Etiopia
12 Vita immaginata: il primo libro non scientifico di Stefania Gaspari
13 Drammi e riti del West Africa negli scatti di Marco Bartolini
14 Italo Zepponi, l’emozione della fotografia in bianco e nero
15 Serena Gelli: un libro per dare speranza a chi convive con la malattia
16 Rime sparse: le poesie d’amore di Francesca Ulivelli
18 Firenze nelle opere di Rodolfo Marma
20 Silvano Galletti, un artista controcorrente
22 Luce Gioielli: un brand toscano alla conquista del mercato cinese
24 Invito a Teatro: Il Padre di August Strindberg alla Pergola di Firenze
26 Paolo Penko: inaugurata la nuova bottega nel cuore di Firenze
28 Sapaf Atelier 1954, tra artigianato e glamour
30 Dimensione salute: intervista al medico oculista Silvio Zuccarini
32 La mostra di Ilaria Finetti al Florence Dance Center
33 Arte del Vino: Querce Bettina, fra gusto e incanto
35 La Via dell’Arte: un percorso sulle tracce di Michelangelo
36 Il Pinocchio di Mauro Boninsegni in mostra a Pontassieve
37 Firenze nascosta: i segreti di via Lambertesca
38 Ricordando Lalla Azzaroli, insigne naturalista e scrittrice
40 La “rinascita” del Faro di Capel Rosso all’Isola del Giglio
41 Sfaccettature fiorentine: Piazza della Passera
42 Vinicio Polidori: presentato a Roma il ritratto di Mauro e Manolo Bolognini
44 Alvian Joy Sculptures: gioielli che graffiano i sogni
45 Ambasciata del Cile a Roma: un riconoscimento al giornalista Roberto Savio
46 All’Accademia delle Arti del Disegno una mostra ricorda Sirio Salimbeni
48 Le opere oniriche di Riccardo Baldini al Palazzo Datini di Prato
52 Il gastronomo Arkiwine racconta: varietà e proprietà dei cereali
53 I prossimi eventi di Arkiwine
56 La premiazione del concorso di pittura Spiga d’Argento
62 Carnevalarte alla Palazzina dei Cacciatori di Cerreto Guidi
La Toscana nuova - Anno 1- Numero 2- Febbraio 2018 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 1. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/F
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Anno 1 - Numero 2
Febbraio 2018
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Carlo Midollini
Stefano Pensotti
Elena Maria Petrini
Vinicio Polidori
Barbara Santoro
Emanuele Stangarone
Italo Zepponi
In copertina:
Elio Toniutti
Foto di:
Fabrizio Finetti
E’ in corso la campagna per il rinnovo delle tessere associative
a Toscana Cultura. I soci potranno ricevere al proprio
indirizzo ogni mese per tutto il 2018 in abbonamento
il mensile La Toscana Nuova. Costo annuo: 20 euro pagabili
con l’allegato bollettino postale o presso la sede di Toscana
Cultura.
La Toscana Nuova del mese di febbraio è in distribuzione
gratuita presso: Ristorante Il Clarinetto, Maison Giulia
Carla Cecchi, Bottega Ristori, Idea Toscana, Ristorante La
Loggia, Bottega di Pasticceria, Il Quadrivio, Universo Foto,
Caffè Giubbe Rosse, Pragma, Antichità Chiavacci, Arte
Atelier, Bottega Penko, Istituto Fanfani, Biblioteca dell’Isolotto,
Blu Clinic.
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La Maison GIULIACARLA CECCHI
Presenta
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Eventi in
Toscana
Nella sala San Sebastiano a Sesto Fiorentino una
mostra promossa dall’associazione LiberArte rende
omaggio al maestro Elio Toniutti giunto al traguardo
dei novant’anni dopo una vita dedita alla pittura
di Fabrizio Finetti, vice presidente associazione LiberArte / foto courtesy dell’artista
Elio Toniutti nasce a Roma il
27 ottobre del 1929. La sua
passione per la pittura inizia
preparando i colori e pulendo i pennelli
nelle botteghe dei decoratori
fino all’età di quasi diciotto anni.
Frequenta per alcuni anni l’Accademia
delle Belle Arti di via Ripetta.
Nel 1951 viene trasferito a Novara
al 19° reparto mobile della Polizia di
Stato, con cui prende parte ai soccorsi
durante l’alluvione del Polesine.
Un suo dipinto esposto al museo
storico della Polizia di Stato in via
Castro Pretorio a Roma rappresenta
il salvataggio della popolazione
ad opera dei reparti di cui Toniutti
faceva parte. Torna nella Capitale
tra il 1955 e il 1956 per un corso
di specializzazione durato un anno
al termine del quale viene trasferito
a Firenze. Nei primi anni Sessanta si
sposta a Sesto Fiorentino. A Firenze,
nello storico caffè letterario Giubbe
Rosse, incontra grandi protagonisti
della pittura passati alla storia:
Pietro Annigoni, Silvio Loffredo, Dino
Migliorini, Ottone Rosai ed altri
illustri personaggi. Ha conosciuto
inoltre Giorgio De Chirico, Carlo
Domenici e Renato Natali. Intensa la
sua attività espositiva nel corso degli
anni; si ricordano in particolare
le mostre all’abbazzia di Vallombro-
Mostra promossa da
Con il patrocinio di
Con il gentile contributo di
Toniutti nel suo studio a Sesto Fiorentino
6
ELIO TONIUTTI

sa e le partecipazioni alla Triennale
di Torino. Le opere di Elio Toniutti
sono state esposte in gallerie d’arte
di Milano e di via Margutta a Roma.
Ha eseguito su commissione dei religiosi
del convento domenicano
di San Marco in piazza San Marco
a Firenze una Madonna con bambino,
opera semiovale di oltre 3 metri
dipinta su tela ed esposta in una
chiesa della Toscana. Dopo il 2005
diventa membro dell’Associazione
Culturale LiberArte di Sesto Fiorentino,
alla quale più volte ha offerto
con grande generosità le proprie
opere quale contributo alle iniziative
di beneficenza promosse dall’associazione.
Attualmente residente a
Prato, il maestro Elio Toniutti ha dovuto
definitivamente abbandonare
la pittura a causa di alcuni problemi
alla vista. La mostra che si terrà
dal 7 al 29 aprile nella Sala San Sebastiano
della Pieve di San Martino
in piazza della Chiesa a Sesto Fiorentino
ne ricostruisce la lunga storia
artistica e i periodi che l’hanno
caratterizzata.
Elio Toniutti
Dal 7 al 29 aprile 2018
Sala San Sebastiano, Pieve di San Martino,
piazza della Chiesa 84, Sesto Fiorentino
Inaugurazione sabato 7 aprile ore 17:00
Orari di apertura:
Feriali 10:00 - 12:00 e 16:00 - 18:00
Festivi 9:00 - 12:00
Cristo
Zingaro
Nudo
ELIO TONIUTTI
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Eventi in
Toscana
Elio Toniutti nel 1969 premiato dallo storico dell’arte Umberto Baldini
Rose
L’artista premiato da Alberto Magnolfi e dallo scultore Antonio Berti
Nel 2004 durante una premiazione alla presenza di Valdo Spini e Olvida Leardi
Bona
Ritratto di bimba
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ELIO TONIUTTI

Un busto in marmo raffigurante Michelangelo donato
al Regno del Bahrain: così la Fondazione Romualdo
Del Bianco avvia la collaborazione con lo stato arabo
per i corsi Life Beyond Tourism a Manama
di Beatrice Botticelli / foto courtesy Fondazione Romualdo Del Bianco
Fondazione
Romualdo Del Bianco
Un busto di marmo raffigurante
Michelangelo donato al ministero
della Cultura e delle Antichità
del Bahrain: così la Fondazione Romualdo
Del Bianco avvia la collaborazione
per i corsi Life Beyond Tourism a Manama.
L’opera in marmo bianco di Carrara
raffigurante uno dei simboli della
genialità artistica italiana nel mondo farà
parte delle opere d’arte esibite stabilmente
nel Bahrain National Museum di
Manama. La donazione è avvenuta nei
giorni scorsi, in occasione dell’apertura
della 44ª edizione della Bahrain Fine
Arts Exhibition: la Fondazione Romualdo
Del Bianco ha formalmente donato il busto,
opera dell’artista versiliese Dino De
Ranieri, al Ministero della Cultura e delle
Antichità del Bahrain. Alla cerimonia,
durante lo scambio di saluti e ringraziamenti
con il primo ministro principe del
Regno del Bahrain Khalifa bin Salman
Al Khalifa, il presidente Paolo Del Bianco
ha rinnovato il forte legame di stima
e collaborazione della Fondazione
con il governo bahreinita, e in particolare
con il ministro della Cultura e delle
Antichità, Sua Eccellenza Shaikha Mai
bint Mohammed Al Khalifa, a sua volta
presente alla cerimonia. Tra le altre autorità
che hanno partecipato alla presentazione
del busto erano presenti Sheikh
Rashid bin Khalifa Al Khalifa, membro
della famiglia reale e presidente onorario
della Bahrain Arts Society, l’ambasciatore
d’Italia a Manama, Domenico
Bellato, il direttore del Bahrain National
Museum, Khalifa Ahmed Al-Khalifa,
Mounir Bouchenaki, consigliere Unesco,
Shadia Touqan, direttore del Centro Regionale
Arabo per il Patrimonio Mondiale
(ARC-WH), Filippo Fantechi, presidente
della Italian-Bahraini Friendship Association.
Si è tenuto poi un incontro con
Shadia Toquan, direttore del Centro Regionale
Arabo per il Patrimonio Mondiale
(ARC-WH), centro UNESCO per l’attuazione
della Convenzione del patrimonio
mondiale, la formazione di specialisti e
la cooperazione tra i diciotto Stati arabi
membri. Sono stati delineati gli sviluppi
della futura collaborazione con il Centro
(con il quale la Fondazione ha siglato
un apposito Memorandum nel 2016), in
particolare la partecipazione di specialisti
del centro al corso di formazione Life
Beyond Tourism che si è svolto a Firenze
dal 12 al 15 febbraio scorsi allo scopo
di trasferire e implementare in Bahrain
le buone pratiche della Fondazione in tema
di valorizzazione delle espressioni
culturali tradizionali locali e relativa gestione
dei flussi dei visitatori L’incontro
si è concluso con l’invito alla Fondazione
da parte del Centro di tenere uno specifico
forum per giovani dedicato a Life
Beyond Tourism durante la prossima 42ª
Assemblea del World Heritage Committee
a Manama dal 24 giugno al 4 luglio
2018. Un’opportunità che nella precedente
41ª edizione (Cracovia) era stata
appannaggio di organizzazioni prestigiose
quali WHC, IUCN, ICCROM, ICOMOS,
Europa Nostra.
La presentazione del busto al primo ministro principe del Regno del Bahrain Khalifa bin Salman
Al Khalifa
Da destra, Sua Eccellenza Shaikha Mai bint Mohammed Al Khalifa, ministro della Cultura e Antichità del
Bahrain, Paolo Del Bianco, presidente della Fondazione Romualdo Del Bianco, l’ambasciatore d’Italia a
Manama, Domenico Bellato, e Filippo Fantechi, presidente della Italian-Bahraini Friendship Association
FONDAZIONE ROMUALDO DEL BIANCO
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Etiopia
Il Natale copto di Lalibela
nel reportage fotografico
di Stefano Pensotti
Un viaggio alla scoperta delle
antiche origini del Cristianesimo
Storie dal
Mondo
Testo e foto di Stefano Pensotti
Un viaggio tra le ambe e le
montagne che superano i
4000 metri, nella cultura e
nelle tradizioni dell’Etiopia copta,
tra le stupefacenti basiliche di Lalibela,
intagliate in un unico blocco
di roccia a simboleggiare spiritualità
e umiltà. Un viaggio con i pellegrini
in cammino dalle prime luci
dell’alba e fin dopo il tramonto, avvolti
nelle loro “shamme” bianche
ed accompagnati dall’immancabile
bastone del viandante, scalzi, verso
mete per noi sconosciute. Nei
giorni che precedono il 6 gennaio
questi pellegrini viaggiano verso
Lalibela, la Gerusalemme africana
con le sue undici chiese monolitiche
scavate nel tufo rosa tra il XII
e XIII secolo. Migliaia di fedeli ogni
anno si mettono in cammino da regioni
remote, attraversando valli e
montagne per essere qui nella notte
del 6 gennaio e celebrare, nella
fossa di Bete Maryam (la Casa
di Maria), il Natale copto. Uomini,
donne, bambini si spingono fin
qui per chiedere una grazia, avvolti
nella candida “shamma” di cotone,
tra centinaia di fiaccole accese nella
notte benedetta; insieme a loro
sacerdoti in preghiera recanti enormi
croci copte.
Vista della chiesa Beta Gabriel Raphael
Dal 29 dicembre 2018 al 10
gennaio 2019 Stefano Pensotti
organizza un viaggio a
Genna (Etiopia) in occasione del Natale
copto; per informazioni scrivere
a spensotti@alice.it oppure visitare il
sito www.stefanopensotti.com
Veglia nella notte della vigilia di Genna, il Natale Copto
STEFANO PENSOTTI 11

I libri del
Mese
Vita immaginata
Il primo libro non scientifico della biologa marina
Stefania Gaspari
di Elisabetta Mereu / foto courtesy Stefania Gaspari
Nata a Cortina d’Ampezzo nel 1966,
da circa quattordici anni Stefania
Gàspari vive sulle colline della
provincia di Firenze. Laureata in Biologia
e Zoologia Marina presso l’Università del
Galles, sempre in Gran Bretagna ha conseguito
il Master in Ecologia Avanzata e il
dottorato di ricerca in Ecologia Molecolare
e Comportamentale. Ha coordinato e
partecipato a progetti di ricerca in Italia e
all’estero (Canada, Stati Uniti e Messico) e
ha pubblicato numerosi articoli scientifici.
Dopo aver svolto la propria attività professionale
per diversi anni presso l’Università
degli Studi di Firenze, attualmente collabora
con il Consiglio Nazionale delle Ricerche
(CNR - ISMAR). Vita Immaginata (Pagnini
Editore) è il suo primo libro non scientifico.
Il peregrinare di un immenso capodoglio
che abbandona le profondità dell’oceano,
il suono e la luce che prendono
sembianze umane, alberi giganteschi che
collegano cielo e terra, l’evoluzione di un
embrione che trae origine prima da un pesce
e poi da un serpente. Vita immaginata
è il primo libro non a carattere scientifico
di Stefania Gaspari, biologa marina e ricercatrice
di ecologia molecolare (si occupa
della genetica di delfini e balene ndr.)
per il CNR. Supportata da una fervida fantasia,
l’autrice utilizza i suoi racconti come
metafore della vita, conferendo tratti e caratteristiche
umane alle varie forze della
Natura, sia nelle sue esternazioni più belle
e positive che nelle sue più infime aberrazioni,
nell’eterno conflitto fra il Bene e il
Male, fra la luce e le tenebre, fra il frastuono
e l’intensità del silenzio, che - persino
nell’era della comunicazione - spesso “parla”
più di tante frasi. E così l’uomo scopre
che ciò che lo sostiene maggiormente e lo
fa andare avanti con forza sono le emozioni,
più del pensiero razionale! I brevi ma
intensi racconti, intervallati dalle caleidoscopiche
illustrazioni dell’artista argentino
Fernando José Shapira, fluiscono all’interno
di mondi spesso animati da animali
e situazioni immaginarie, che però hanno
radici comuni con quella quotidianità che
appartiene ad ognuno di noi. Le sue parole
che si susseguono come un dòmino in
azione riescono a scandagliare le pieghe
più profonde dei sentimenti umani, arrivando
a toccare le corde più sensibili del
lettore. Seppur “mascherati” dal racconto
di fantasia, in questo libro emergono nettamente
temi fondamentali come il rapporto
fra la vita e la morte, fra il sacro e il materiale,
fra il passato, il presente e il futuro,
l’importanza dei legami familiari ed affettivi
in generale, gli interrogativi sul perché della
propria esistenza, anche dopo la morte,
gli stati d’animo più o meno contrastanti di
piacere e di dolore che ogni persona prova
nel corso della vita. Sono tangibili gli opposti,
che si manifestano nel fluire dinamico
della Terra e nell’animo delle persone,
creando continui conflitti ma anche prese
di coscienza, riflessioni e possibilità di rimettersi
in gioco, riscattandosi dalle meschinità.
Sensazioni e riflessioni spesso
negative che quasi sfociano in uno stato
di paranoia, come per una delle protagoniste,
Adele, che trova nell’arte un conforto, il
solo possibile e, nella pittura, una scappatoia
per i suoi incubi ricorrenti, persino ad
occhi aperti. La capacità di questa scrittrice
è stata quella di affondare a piene mani
anche in argomenti molto delicati con fantasia
quasi infantile, dunque illimitata. E aggiungerei,
con piacevole leggerezza ma in
maniera tutt’altro che superficiale, suscitando
così profonde ed attente riflessioni
su chi siamo, dove andiamo e anche da
chi proveniamo. Vita immaginata è un libro
che cattura, da leggere tutto d’un fiato e al-
lo stesso tempo da assaporare lentamente,
frase dopo frase, come un piacevole viaggio
in questa metafora della vita fra fantasia
e realtà, lasciandosi dondolare sull’altalena
dell’esistenza, sempre oscillante fra sogno
e quotidianità.
Tuoni e fulmini, una delle illustrazioni di
Fernando José Shapira pubblicate nel libro
12 STEFANIA GASPARI

A cura di
Maria Grazia Dainelli
Obbiettivo
Fotografia
Marco Bartolini
Drammi, misteri e riti del West Africa negli scatti del fotografo toscano
Nato a San Giovanni Valdarno
(AR) nel 1961, Marco Bartolini
vive a Montevarchi. Ha iniziato
a fotografare a metà degli anni Ottanta,
dedicandosi soprattutto al genere
del reportage che gli permette di unire
alla passione per la fotografia quella
per il viaggio. Tra il 2013 e il 2015 ha
preso parte a diversi concorsi fotografici
nazionali e internazionali ottenendo
premi in oltre cinquanta paesi nel mondo.
Nel 2016 un suo progetto fotografico
su una miniera abbandonata in Cile
è stato in mostra al Museo della fotografia
e delle arti visive contemporanee
di Kazanlak in Bulgaria, mentre una
sua immagine esposta nell’ambito della
manifestazione Paris Photo è entrata
a far parte della prestigiosa collezione
permanente della Bibliothèque Nationale
de France. Da due anni porta avanti
nella propria associazione fotografica
un laboratorio di fotografia a cui partecipano
in modo continuativo circa trenta
fotoamatori.
Rito del fuoco animista: ritmo crescente dei tamburi e danze convulse, accompagnano i danzatori
ad entrare in contatto diretto con il fuoco senza tuttavia riportare ustioni o mostrare
alcun segno di dolore
mm250689@gmail.com
+39 3483723530
African Beach: questa spiaggia ripresa al tramonto dalla fortezza St. George’s Castle in
Ghana, raccoglie attimi e situazioni di vita spensierata della gente del luogo, ma ha alle spalle
un triste passato essendo stata una tappa tra le più importanti nella tratta degli schiavi
MARCO BARTOLINI 13

Obbiettivo
Fotografia
Italo Zepponi
Emozioni e sensazioni in bianco e nero
Testo e foto di Italo Zepponi
La fotografia mi accompagna
da oltre quarant’anni, dalle prime
foto scattate in famiglia alle
esperienze in vari club fotografici, tra
cui Idea fotografica di cui sono attualmente
consigliere. Mi piace fotografare
la città in cui vivo, Firenze, per quanto
non sia facile darne un’interpretazione
originale essendo stata immortalata
molte volte nella storia della fotografia.
I temi modaioli e i mirabolanti viaggi in
località esotiche non mi hanno mai interessato
e oggi ho abbandonato i colori
sgargianti in favore del bianco-nero. Da
tempo ho tralasciato anche l’interesse
per la foto da “concorso” per dedicarmi
invece al racconto per immagini. Storie
incentrate su temi apparentemente
semplici: una ciminiera oppure un
breve viaggio, nella speranza di stuzzicare
la fantasia e il ricordo di esperienze
analoghe in chi osserva le mie
fotografie. Immagini che catturano segnali,
sensazioni, emozioni evidenziate
dal bianco e nero, eliminando il superfluo
con tagli poco canonici. Un lungo
percorso durante il quale ho sempre
evitato di mettermi in mostra, facendo
tesoro sia delle mie esperienze che di
quelle altrui. Il mio intento è elaborare
uno stile personale che rappresenti in
maniera autentica la mia idea di fotografia.
italozepp@gmail.com
+39 3393004691
14 ITALO ZEPPONI

I libri del
Mese
Brevi emozioni
Giovane autrice alla sua prima prova editoriale,
Serena Gelli si racconta in questa autobiografia per
dare speranza a quanti come lei convivono con la
malattia
di Fabrizio Borghini
Superare le avversità della vita
senza mai perdere la speranza:
questo il profondo
messaggio che si coglie leggendo
il libro Brevi emozioni di Serena
Gelli. E’ un’autobiografia che inizia
dall’infanzia dell’autrice ed arriva
all’età adulta segnata dall’ingresso
nella sua vita della malattia di Von
Hippel Lindau. Un male manifestatosi
nel suo caso durante la gravidanza,
quando Serena e la creatura
che porta in grembo rischiano la vita.
La giovane donna non si arrende,
anzi trova la voglia e la forza
di andare avanti e superare la difficile
sfida. Questo libro raccoglie
il suo grido di speranza estendendolo
a quanti come lei affrontano
le avversità con coraggio e tenacia.
Se è vero, come ci ricorda il titolo,
che la vita è fatta di “brevi emozioni”,
il nostro compito, quindi, è goderne
appieno giorno dopo giorno,
dando importanza ad ogni attimo.
«Questa malattia - spiega Serena -
è ereditaria; non è molto conosciuta
e determina la predisposizione a
sviluppare neoplasie benigne e maligne
che possono colpire diversi
organi». Una patologia non facile
da gestire, per quanto sia possibile
contrastarla con una prevenzione
accurata (protocollo di Cambridge).
Il libro contiene una relazione
clinica curata dal dottor Del Santo
e dalla dottoressa Gelli, esperti
in materia, e una pagina dedicata
all’Associazione Nazionale Famiglie
Von Hippel Lindau. «Il mio scopo -
prosegue l’autrice - è costruire una
rete di medici che possano prendersi
cura dei pazienti affiancandoli
durante la malattia». La prossima
primavera il libro di Serena Gelli
sarà presentato a Firenze presso
il Consiglio Regionale della Toscana
alla presenza di vari specialisti della
malattia.
Nata a Pietrasanta (LU) nel
1980, Serena Gelli vive a
Certaldo, paese famoso
per aver dato i natali a Boccaccio.
Si diploma come Operatore
dei Servizi Turistici all’istituto
Leonardo da Vinci di Empoli e
nel 2006 consegue la laurea in
Scienze Politiche all’Università di
Siena. Il libro Brevi emozioni è la
sua prima prova come scrittrice.
Collaboratrice del Tirreno (redazione
di Empoli) e di altre testate
locali, è ideatrice del blog turismoculturacomblog.wordpress.
com. Coltiva una profonda passione
per la musica e per le arti
in generale.
SERENA GELLI 15

Rime sparse
la voce dei poeti
Parole d’amore
dedicate agli
innamorati
di Francesca Ulivelli, poetessa contemporanea
Il bacio che percepisco
Chiudendo gli occhi
bocca e udito,
scollego me stessa alla vita circostante.
Collegando il pensiero
al cervello che vaga…
un pensiero intrigante come danzante,
mi coinvolge.
Profumo nell’aria
profumo di pelle…
che emana brividi a pelle.
Mani che coprono gli occhi
parole che sussurrano futuro…
labbra a stampo
sino alla realtà del bacio,
di cui percepisco il sapore.
Assaporando vorrei…
non ricollegare me stessa,
continuando il viaggio all’infinito.
Occhi di poeta
Con occhi di poeta
cerco di carpire,
quando il sole va a dormire…
osservando
tutto quanto mi è d’intorno:
persone che si amano
si prendono per mano
e l’immaginazione vaga…
nel percepire,
quando gli amori vanno a dormire:
il raccontarsi
confortarsi…
il suono del bacio,
fruscio della carezza…
immaginar non è certezza.
Oggi è concretezza…
e scrivo l’amore,
con occhi sognanti nella notte.
Casa dell’amore
Immergersi con un tuffo
nell’oceano di baci…
Evidente come bollicine
l’ossigeno che pullula spaiato
sino alla risalita.
Bacio in attesa
bacio che toglie il respiro…
insieme al calore,
delle possenti mani.
Ecco il seme della vita
che inonda il corpo inerme procreando.
Amore per la vita
e salir sul tram senza pensieri
con sentimenti veri
sino alla fermata che porta al cuore:
CASA DELL’AMORE e DELLA FELICITÀ.
Morsa d’amore
Distanti nel tempo
cercati negli anni…
in ogni angolo del mondo,
Fra gli sguardi della gente.
Incontrarsi nel presente e percepire…
che eravamo noi
riuniti dopo il chissà,
di Romeo e Giulietta.
Lunga l’attesa
di anime predestinate…
e forte la stretta
come morsa d’amore…
che affonda le mani,
nella pelle liscia e delicata.
Piccole gocce sgorgano
a sigillo della forte passione…
alimentando quella morsa,
senza lasciar respiro.
Francesca Ulivelli
francesca.ulivelli@gmail.com
Petto che racchiude l’anima
Sul petto che racchiude l’anima
appoggiare l’orecchio ed ascoltare…
il forte battito del cuore.
Percepire emozione
voglia di stare insieme…
sul cuscino che concilia il sonno.
Orecchio che ascolta
con la paura dell’arrestarsi,
ed il piacere del silenzio…
che rende immortale quell’attimo.
Fra le tue braccia
Pulsa d’amore il cuore
e dopo la notte vissuta,
e l’alba trascorsa…
il profumo,
ancora addosso…
non è paradosso alla logica.
Vivendo il presente
mi immergo nei tuoi occhi…
e senza respiro,
cerco la bocca…
il tuo ossigeno,
e poi risalgo…
emergendo amore,
fra le tue braccia.
16 FRANCESCA ULIVELLI

Case
d’artista
Vicoli, piazze e scorci senza tempo:
Firenze nelle opere di Rodolfo Marma
Testo e foto di Barbara Santoro
Nella zona di Porta a Pinti, vicino
a quel Cimitero degli Inglesi che
come un’isola “galleggia” circondato
dai viali, lungo via Pier Capponi,
in un lussuoso caseggiato al quarto
piano esiste tuttora la casa dell’artista
Rodolfo Marma, pittore e illustratore di
una Firenze variopinta che trasuda energia
anche dalle pietre antiche, dai muri
scortecciati, dai manifesti strappati,
dalle insegne scolorite. Nato a Firenze
nel 1923, sotto la guida di Ugo Capocchini
si diplomò all’Accademia di Belle
Arti nel 1948 e con grande entusiasmo
frequentò lo studio di Emanuele Cavalli.
Fu in America per due anni dal 1956
al 1958 e nonostante in quel paese fosse
molto ben inserito e apprezzato dai
galleristi statunitensi (come dimostra
il Marma’s Day che subito gli americani
gli dedicarono nel 1965), la sua città
gli mancava. Negli States non c’era
quell’ossigeno vitale che ogni mattina
Marma respirava andando in giro con
la sua bici nei vari quartieri della città,
osservando tutto e salutando con grande
cordialità chi incontrava lungo la via,
soprattutto gli umili artigiani di cui aveva
grande stima. La luce soffusa di certe
mattine in San Frediano, gli angoli
silenti, i vicoli alti e stretti, i tetti a scala
dai rossi accesi, i luoghi appartati, il
verde delle finestre semi aperte e tutto
quell’andirivieni di donne al mercato,
insomma questa Firenze “lirica” gli dava
un’energia particolare e per questo
decise di tornare a casa. Da un grande
ingresso sul quale si aprono quattro
porte entriamo nel salotto spazioso
dove siamo accolti da poltrone e divani.
Due piccoli stilofori in marmo bianco
posizionati in basso all’ingresso ci
danno il benvenuto, mentre i nostri occhi
sono attirati dai bellissimi ritratti alle
pareti: due autoritratti del maestro e
uno di Marisa bambina. Dietro il divano
rosso i famosi acquerelli del pittore: La
volta della vecchia, La Sinagoga vista dai
tetti, e un particolare del Mercato di San
Lorenzo (che purtroppo oggi non c’è
più) rivelano la grande maestria di Rodolfo
come acquerellista. Ci colpiscono
le porte accuratamente contornate
da cornici di legno massello, lo stesso
legno che rifinisce gli oli posizionati
con grande buon gusto sopra le porte:
quattro tele rettangolari che ci fanno
vedere una porzione di Lungarno con
una carrozza da passeggio e i classici
lampioni, alcune visioni di quartieri popolari
e sopra la porta che guida alla cucina
un mercato di frutta e verdura con
massaie indaffarate a comprare il cibo
per i loro cari. Sulla parete di fronte alla
porta d’ingresso una splendida specchiera
settecentesca di vetro di Murano
Rodolfo Marma
è contornata da cinque quadretti a tema
unico: Le Poggioline. Queste collegiali
con le loro mantelle e i classici cappellini
bianchi con la fascia rossa sono le
alunne che frequentavano l’educandato
della S.S. Annunziata nella villa Medicea
del Poggio Imperiale e che Marma
ha più volte dipinto insieme alle suore
chiamate le “Cappellone” per il grande
velo bianco montato quasi a cappello.
Il pittore dava forma al reale, osservando
con occhi minuziosi tutto ciò che si
Barbara Santoro con Ida Hemmerich Marma
18 RODOLFO MARMA
La Sinagoga, olio su tela, 1968

muoveva intorno a lui, con composizioni
di squisita fattura, testimonianze
di una città che stava trasformandosi.
Un ininterrotto “figurativismo” che
non l’ha mai abbandonato e che l’ha reso
amato da tutti i fiorentini. Refrattario
alle nuove tendenze è rimasto fedele
sino alla fine a queste composizioni di
cantore poetico innamorato della citta’
del Giglio. Ha però illustrato vari testi
fra cui: Il giardino del cavaliere di Mario
Mattolini e Quando Firenze era capitale
di Marcello Vannucci. Nello studio
osserviamo alcune nature morte, un
delicato mazzo di fiori colorati e tanti
ritratti: quelli della prima moglie americana
Geraldine Cortese e quelli della
figlia Marisa Marmaioli bambina. A
lei si deve la trascrizione delle Lettere
da New York del 2013 ed il testo paterno
edito nel 2015 da Polistampa dal
curioso titolo: Gli uomini passano le pietre
restano - Il romanzo di formazione di
uno scrittore fiorentino. Un appassionato
racconto autobiografico scritto in circa
vent’anni che rivela episodi di vita vissuta
raccontati con semplicità ma che evidenziano
un narratore di grande qualità.
Ospite della gentile signora Ida Hemmerich
Marma, mi affaccio sul terrazzo ed
osservo incuriosita la sagoma di una figura
in terracotta appoggiata su un muretto
divisorio. Ida mi dice che è opera di
Bruno Paoli (1915-2005), pittore, scultore
e ceramista fiorentino grande amico
del marito e mi fa vedere anche altre piccole
opere di Paoli incorniciate. Le opere
di Rodolfo Marmaioli si trovano in collezioni
pubbliche e private in Europa ed
in America, nel Museo di Sant’Antonio
nel Texas ed alla Casa Bianca di Washington.
L’artista ci ha lasciato nel 1998 il
24 giugno per la festa di San Giovanni.
Chi più di lui meritava di lasciare l’adorata
città in occasione della festa del
santo patrono? Segno del destino o casualità.
A voi il responso.
Ritratto di mia figlia, olio su tavola, 1966
Vicolo di San Paolino, olio su tela, 1968
RODOLFO MARMA 19

Ritratti
d’artista
Silvano Galletti
Artista libero da ogni condizionamento dettato dal mercato
e dalla critica, è stato instancabile sperimentatore e acuto
indagatore dell’animo umano
di Daniele Galletti / foto Carlo Midollini
Il maestro Silvano Galletti (1925 -
2016) ha trascorso la sua lunga vita
artistica nel Palazzo dei Pittori in
viale Milton a Firenze, dove ancora oggi
si trovano le sue opere. Decide di non
seguire un percorso accademico tradizionale
e di assecondare la spontaneità
del proprio talento artistico. Dopo
gli esordi figurativi negli anni Quaranta,
già nel decennio successivo abbandona
la pittura ad olio su tela per sperimentare
l’astrattismo, lavorando con tempere
e forme su compensato. Alla fine
degli anni Sessanta integra la bidimensionalità
spazio-colore con la terza dimensione
inserendo sagomature che
danno profondità all’opera. Si dedica poi
alle tecniche grafiche, cimentandosi prima
nella serigrafia e poi ampliando la
propria esperienza con l’acquisto di un
torchio a stella. Un percorso culminato
nel 1984 con una raccolta di stampe
d’arte dove utilizza ben ventiquattro
tecniche, tra cui zincografia, xilografia,
acquaforte, serigrafia, acquatinta, ceramolle
e puntasecca. Alla fine degli anni
Ottanta sperimenta la fusione a cera
persa, realizzando numerose sculture
e bassorilievi bronzei (tra cui un autoritratto)
sia di genere astratto che
figurativo. Gli anni Novanta lo vedono
ritornare alla ceramica, linguaggio
già praticato in gioventù: plasma, cuoce
e decora - con varie tipologie di forni
e talvolta anche autoproducendosi
la creta - vasellame, piatti, bassorilievi
Silvano Galletti
e sculture. Nel nuovo millennio, nonostante
l’età avanzata, continua ad essere
creativo e curioso, realizzando opere
in multistrato e integrando l’astratto col
L’artista con la raccolta di ventiquattro opere grafiche realizzate con altrettante tecniche
20 SILVANO GALLETTI

figurativo, nell’ostinata ricerca di perfezione
formale e cromatica. L’ultima parte
della sua vita prosegue all’insegna di
un’incessante sperimentazione: realizza
opere composte anche da più di cinquecento
tasselli sagomati singolarmente
con il seghetto a traforo, continua a dedicarsi
alla ceramica e alla grafica, avvicinandosi
finanche alla computer art. Le
sue opere contengono profonde riflessioni
sull’evoluzione umana, sugli effetti
prodotti dall’uso sconsiderato della tecnologia
e sul disorientamento etico della
nostra epoca. Studioso di scienza e
filosofia, sue compagne e consolatrici
negli ultimi anni di vita, Silvano Galletti
è sempre stato un artista libero da
ogni condizionamento dettato dal mercato
e dalla critica. «Aspetto l’ispirazione
che si può manifestare con un colpo
d’occhio in qualunque momento della
vita quotidiana», annota nel suo taccuino
di appunti, dove si legge, tra le tante
riflessioni, che l’arte è inutile. Quello
di Galletti è stato un percorso artistico e
umano straordinario che merita di essere
attentamente riscoperto e valorizzato.
Figurativo, colori acrilici su tela
Figura animale, ceramica patinata
Senza titolo, bassorilievo in bronzo
Duellanti, computer grafica
SILVANO GALLETTI 21

Eccellenze toscane
in Cina
A cura di
Michele Taccetti
Luce Gioielli
Un brand nato da un’idea di Cecilia Bassi Luciani, giovane designer
del gioiello, alla conquista del mercato cinese
Cecilia Bassi Luciani, titolare dell’azienda,
nasce a Livorno e cresce
con i profumi del mare e la luce
del sole. Appassionata d’arte, frequenta
il liceo scientifico ad indirizzo artistico.
Si trasferisce poi a Firenze, dove frequenta
la facoltà di Architettura e l’Accademia
delle Belle Arti. I suoi interessi si spostano
verso l’arte orafa; studia e si diploma
all’istituto CFP, specializzandosi in microscultura
della cera. Approfondisce lo studio
dell’arte orafa etrusca presso il Museo
Etrusco di Murlo sotto la guida dei professori
Formigli e Pacini. Consolidata la
sua esperienza, crea il marchio Luce Gioielli
nel 2006. Espone regolarmente i suoi
gioielli in mostre nazionali e internazionali
e, collaborando con altri artigiani, partecipa
a eventi nell’ambito della moda e
del design. I suoi gioielli sono frutto di
una personale ricerca stilistica che parte
dal disegno e dalla progettazione per
arrivare alla creazione di vere e proprie
micro-sculture in cera che poi, con la tecnica
della fusione a cera persa, diventano
prototipi o pezzi unici nei vari metalli. L’ispirazione
proviene da un’attenta osservazione
e successiva elaborazione della
natura. La scelta dei colori la porta ad acquisire
una profonda conoscenza delle
pietre semi preziose e preziose di svariati
tagli e forme, sempre utilizzate in modo
sapiente e innovativo. L’azienda, seppur
di piccole dimensioni, è dinamica e guarda
ai mercati internazionali, soprattutto a
quelli emergenti come la Cina. Proprio nel
grande paese asiatico nel 2017, a distanza
di pochi mesi, partecipa a due eventi
legati alla moda italiana: il primo a Shenzhen
durante l’estate e l’altro a dicembre
a Zhuhai presso il Lakewood Golf Club
(abbiamo avuto modo di illustrare l’evento
in questa rubrica nella pubblicazione di
gennaio scorso). Durante l’esposizione di
Zhuhai gli ospiti cinesi che partecipano
all’evento si soffermano a lungo sulla collezione
esposta, chiedendo informazioni
soprattutto sulla “linea pesci” che è forse
la più identificativa dell’azienda. La buona
fattura del prodotto e il giusto rapporto
Cecilia Bassi Luciani
qualità/prezzo rendono i prodotti di Luce
Gioielli interessanti anche per un mercato
difficile ed altamente concorrenziale come
quello cinese. Ed è proprio dopo que-
22

sto secondo evento cinese, incoraggiata
anche dalle reazioni di mercato, la società
decide di pianificare una serie di attività
in Cina per il 2018 attraverso l’adesione
al gruppo di eccellenze italiane organizzato
da China 2000 che permette di essere
presenti sul mercato cinese con esposizione
permanente, attività promozionali
con cadenza mensile e contatti commerciali
ed istituzionali di alto livello. Il problema
delle piccole e medie imprese italiane,
soprattutto per quelle produttrici di articoli
che rientrano nella fascia del lusso, è sicuramente
la visibilità e l’affermazione del
brand che spesso, nei paesi emergenti, è
prioritaria alla valutazione del prodotto.
Decidere di posizionare il prodotto in modo
stabile in esposizione e vendita in una
città come Shanghai è sicuramente una
scelta coraggiosa, ma certamente giusta
se si considera che Shanghai è una città
internazionale al pari di New York, Londra,
Dubai, Singapore, Hong Kong, ed è quindi
una presenza utile e necessaria per il mercato
cinese, ma anche una vetrina internazionale
capace di aprire sbocchi in altri
Paesi. Naturalmente questa è una strategia
valida solo se accompagnata dal coraggio
dell’imprenditore e dal valore del
prodotto che si vuole proporre e queste
due caratteristiche sono ben presenti nella
collezione Luce Gioielli.
Michele
Taccetti
Laureato in Scienze Politiche con una tesi sugli scambi economici tra Italia
e Cina ed erede della propria famiglia, operante con il grande paese
asiatico fin dal 1946, assiste da oltre un ventennio le aziende italiane interessate
ad aprire il mercato cinese in vari settori merceologici e, in particolare,
alla promozione del Made in Toscana in Cina. Svolge attività di formazione in materia
di Marketing ed Internazionalizzazione ed è consulente per il Ministero dello
Sviluppo Economico.
Per info:
michele.taccetti@china2000.it
China 2000 srl
@Michele Taccetti
taccetti_dr_michele
Michele Taccetti
CECILIA BASSI LUCIANI 23

Invito a
Teatro
Il Padre di August Strindberg in una memorabile
interpretazione di Gabriele Lavia al Teatro della
Pergola di Firenze
di Luigi Del Fante / foto courtesy Teatro della Pergola
Maestosi drappi di velluto
rosso con le loro “canne”
assolutamente verticali discendono
dall’alto, quasi perdendosi
nell’oscurità del palcoscenico...
tutta la scena è permeata del medesimo
velluto che trascorre da una parte
all’altra, come un fiume di sangue
che passa da sotto le porte, enormi,
scure, posizionate in cima a gradini,
che esaltano questo “fluire”, quasi
un magma incandescente pronto
ad appiccare un incendio di sentimenti,
di ricordi, di passioni, di rimorsi
che affiorano dal profondo dell’anima.
«Quelle quattro tende rosse mi
fanno pensare a dei sipari dietro cui
si provino dei drammi direi di sangue»
(tratta dal Temporale di August Strindberg).
Come non ricordare, inoltre,
l’ambientazione rossa degli interni del
capolavoro di Ingmar Bergman Sussurri
e grida (1972). L’impianto scenico
di Alessandro Camera genera nello
spettatore un’attesa, predisponendolo
a partecipare alle vicende dei personaggi.
Nel controluce del finestrone
verticale, nel chiarore della neve che
scende nella notte, le figure umane appaiono
minuscole, “schiacciate” dal gigantismo
di uno spazio che accresce la
vertigine, il disorientamento di un’anima.
Lo stesso pavimento pare sprofondare
in una sorta di bradisisma, dove
la mobilia s’inclina, s’affossa, in un’atmosfera
surrealista, come un incubo,
un sogno o un’allucinazione, che trascolora
nella follia. Dirà il protagonista,
il Capitano: «La casa sprofonda». Una
pendola, anch’essa inclinata, scandisce
imperterrita il fluire delle ore della notte
inesorabile del dubbio, sottolineando
le tre unità aristoteliche d’azione, di
tempo e di luogo, che sono l’essenza
stessa del dramma. Il luogo è la stanza,
immensa, dove tutto avviene nel dipanarsi
della stessa notte, carica di tragedia,
sullo sfondo silenzioso di una
neve “innocente” che cade senza far
rumore nel suo biancore luminescente.
Il Padre dirà: «Nel silenzio si ascoltano
i pensieri (…) e i pensieri non mentono».
In apparenza la stanza, ovattata
dai tendaggi ampi e pesanti, parrebbe
garantire al protagonista una sorta
di salvezza, protezione, il quale invece
più volte dirà: «Fa freddo…freddo».
Il tema della stanza, quest’idea
di sempre, di qualcosa che ritorna, del
dubbio, del rimorso; c’è qualcosa nel
passato che riaffiora. Ci sono un padre,
una madre, marito e moglie, con
una figlia. Ad un certo punto s’insinua
il sospetto che questa figlia non
sia figlia sua ma di un tradimento della
moglie. Da questo momento quello
che viene chiamato il “padre” entra in
una forma di incertezza di essere padre;
incertezza che, tuttavia, diviene
simbolicamente rappresentativa della
“incertezza dell’essere”. Questo il tema
fondamentale. Il protagonista di
questa tragedia moderna appare “titanico”,
paradossalmente, in contrasto
all’annientamento ad opera della moglie.
La sua figura attraversa l’immenso
vuoto della scena, trasmigrando da
una parte all’altra, come un leone in
gabbia, che non si rassegna al forzato
isolamento dalla vita al di là delle
sbarre. C’è un climax, sapientemen-
Visione d’insieme della scenografia al Teatro della Pergola
24

Alcuni dei personaggi sulla scena
Gabriele Lavia, regista ed interprete del dramma di Strindberg
te orchestrato da Strindberg, che arriverà
alla pazzia e successiva morte del
protagonista: un “duello” tra la moglie
Laura ed il Capitano Adolf sull’educazione
della figlia Berta, combattuto
con lucida abilità dalla donna, coinvolgendo
a mano a mano nel diabolico
disegno, con una progressione lenta
ma inesauribile, come in spire sempre
più strette e soffocanti, il medico
di famiglia, il fratello Pastore, la figlia
stessa Berta e la vecchia Balia, quasi
il fedele “angelo custode” del Capitano
fin da quando era in fasce. Non a
caso il secondo tempo dello spettacolo
presenta uno spazio totalmente
confinato, senza finestre, né porte,
né mobilia, solo la selva di drappeggi
verticali altissimi, come quelle “tende
rosse”, “sipari” dietro i quali si provano
“drammi di sangue”. I personaggi
si muovono lentamente, come ingranaggi,
mentre al centro della scena è
il Capitano: reso finalmente pazzo, soprattutto
perché così giova allo scopo
della moglie e per salvare le apparenze.
La parola “pazzo” gridata a gran voce
da tutti contribuisce a inchiodare definitivamente
il Padre sulla croce della
follia, quasi anticipando l’epilogo de
Il berretto a sonagli di Pirandello, con
Ciampa che grida alla signora Beatrice:
«E’ pazza! E’ pazza!». Ed è proprio
qui la modernità, l’attualità di Strindberg:
colui che va controcorrente rispetto
alle convenzioni e le ipocrisie
della società, commette un atto rivoluzionario,
una “colpa” non riparabile, e
come tale ritenuto un folle da rigettare
dal consesso sociale, come il Capitano,
ormai senza la libertà delle braccia,
bloccate e rese inermi dalla camicia di
forza, come un animale ferito a morte,
determinato con tutte le sue forze
a vendere cara la sua pelle. Bellissimo
il finale, l’ultimo sguardo al firmamento
attraverso il gesto del cannocchiale
e l’ultima parola: stelle. Bella, sentita,
interpretazione “naturalmente” credibile
ed intensa di Gabriele Lavia e di Anna
Chiara Colombo, così compresa della
sua parte. Infatti, il protagonista e regista
dello spettacolo ci offre, forse, la
sua più alta e profonda interpretazione
ed è così straordinariamente convincente
da coinvolgere emotivamente la
giovanissima ed altrettanto brava Anna
Chiara Colombo, nel delicatissimo ruolo
della figlia, tanto che nel momento
massimo di empatia, le sgorgano copiose
le lacrime dagli occhi. Un particolare
apprezzamento per Giusi Merli,
convincente, affettuosa tata del tempo
che fu. Bravi tutti gli altri interpreti.
Suggestive le musiche di Giordano Corapi
che s’innestano perfettamente con
lo sviluppo del dramma. Uno spettacolo
che non esito a mettere insieme ad
altri due grandi allestimenti di drammi
di Strindberg altrettanto memorabili:
Sonata di fantasmi con la regia straordinaria
di Ingmar Bergman (Rassegna
Internazionale dei Teatri Stabili, Teatro
della Pergola, Firenze, 1973) e Temporale
(1981), prodotto dal Piccolo Teatro
di Milano, con l’ineguagliabile regia di
Giorgio Strehler.
AUGUST STRINDBERG 25

Eventi in
Toscana
La nuova bottega di Paolo Penko nel cuore del
centro storico fiorentino
Inaugurata lo scorso 10 febbraio nell’antica torre medievale dei Visdomini in via
delle Oche 20r alla presenza del sindaco di Firenze Dario Nardella e del presidente
del Consiglio Regionale Eugenio Giani
di Alessandro Penko / foto di Emanuele Stangarone
Un gioiello Paolo Penko è un’armoniosa
unione tra passato e
presente, tradizione e innovazione,
creatività e saper fare. Unico e riconoscibile,
intreccia bellezza e qualità
della materia con il fascino dei richiami
a forme e simbologie della pittura e
dell’architettura fiorentina. Una bottega
dove ancora si mantiene viva l’arte di
“batter” l’antico Fiorino d’oro.
Il maestro orafo Paolo Penko (da sinistra) con il sindaco Dario Nardella e il presidente del Consiglio
Regionale Eugenio Giani; con lui anche la moglie Beatrice e il figlio Alessandro
Un momento dell’inaugurazione
Il taglio del nastro
26
Una storia di passione e tradizione
nel cuore di Firenze
Contatti
www.paolopenko.com info@paolopenko.com + 39 055. 2052577

La galleria d’arte Il Quadrivio nasce da un’idea di Patrizia Zuccherini. Inaugurata di recente,
ospita mostre dedicate a vari linguaggi artistici - pittura, scultura, fotografia, grafica -
ed altri eventi culturali, come conferenze e presentazioni di libri
Il Quadrivio - Galleria d’Arte - Viale Sonnino 100 - Grosseto
www.galleriailquadrivio.it
info@galleriailquadrivio.it
patrizia.zuccherini@alice.it
+ 39 339. 2357824

Spazio imprese in
Toscana
Belle con l’anima
Artigianato e glamour nelle creazioni di Sapaf Atelier 1954
di Fabrizio Borghini / foto Leonardo Calistri
Stare al passo con il mercato significa
saper intercettare il gusto e
anticipare i trend senza mai tradire
la propria natura. È quello che Sapaf
Atelier 1954 ha voluto fare con le sue
nuove creazioni, svelate in anteprima
in occasione di due dei più importanti
appuntamenti con le nuove tendenze
per l’autunno inverno 2018/2019:
Moda Italia, a Tokyo, e il Mipel 113 a
Milano. Nell’ambito delle due kermesse
l’azienda di pelletteria fiorentina
guidata dalla famiglia Calistri, ha presentato
due nuove linee che segnano
una netta evoluzione nell’immagine del
brand Sapaf. Si tratta di Twin Peacocks
e Class, due collezioni che, pur utilizzando
due linguaggi differenti, sono
caratterizzate da uno spirito glam e un
design contemporaneo. La loro realizzazione
si basa ovviamente sui principi
di qualità artigianale a cui l’azienda
rimane fedele da oltre sessant’anni virando
maliziosamente su un’immagine
nuova e accattivante. Un’immagine
che non ti aspetteresti di associare alla
produzione di un’azienda “storica”. Ma
si sa, sono i dettagli a fare la differenza
e Sapaf Atelier 1954 senza dubbio
ne era consapevole quando ha pensato
e disegnato le due nuove arrivate di
casa. Basta dare un’occhiata più appprofondita
ai cinque modelli di Twin
Peacocks, la collezione che mette a nudo
l’anima rock di Sapaf Atelier 1954.
Una linea dal carattere deciso che mixa
nero e metallo argentato ammettendo
solo una piccola variante di colore.
Dalla borsa a mano alla pochette, i modelli
riportano il disegno del pavone,
simbolo dell’azienda, ricamato tono su
tono abbinando texture differenti. Alla
versione “all black” si affianca quella
con il ricamo nero su fondo panna: un
contrasto deciso capace di catalizzare
l’attenzione. Nella scelta dei pellami e
nell’attenzione ai dettagli, si ritrova la
qualità artigianale che caratterizza tutta
la produzione di Sapaf. Class, dal canto
suo, si presenta con un design vintage
irresistibilmente contemporaneo. La
28 SAPAF

collezione riunisce quattro borse icona
della produzione degli anni Ottanta
riproposte in versione attuale. Realizzati
nei colori nero e rosso, con qualche
variante pastello per la pochette
(tra cui un azzeccato “blue Tiffany”),
i quattro modelli hanno tutti un design
che segue linee pulite ed essenziali.
Il risultato è una collezione dall’aspetto
sofisticato e molto chic. Il fascino
vintage di Class però non si ferma
solo all’aspetto. Il passato torna a fare
capolino nei dettagli: ogni modello,
infatti, è impreziosito da minuterie
in metallo originali degli anni Ottanta,
ormai pressoché introvabili. «Il nostro
obbiettivo – spiega il maestro artigiano
Andrea Calistri – è sempre stato quello
di realizzare un prodotto di qualità superiore,
utilizzando pellami, tecniche di
lavorazione, rifiniture che collocano le
nostre creazioni nella nicchia della pelletteria
di lusso. Con Class e Twin Peacocks
abbiamo voluto dare una svolta
dimostrando che “artigianale” non è
solo sinonimo di passato e tradizione.
L’artigianato può, e deve essere, profondamente
contemporaneo e, senza
abbandonare la ricerca dell’eccellenza,
competitivo e glamour». Insomma,
l’artigianato può essere fashion. E anche
un po’ spregiudicato.
SAPAF ATELIER 1954
via del Padule 76
Scandicci (FI)
+ 39 055.721023
info@sapaf54.it
www.sapaf54.it
Sapaf Atelier 1954
SAPAF 29

Dimensione
Salute
Silvio Zuccarini
Intervista al medico chirurgo specialista in Oftalmologia e responsabile
dell’attività oculistica di Villa Donatello, per parlare di prevenzione,
diagnosi e terapia dei disturbi oculari
di Fabrizio Borghini
Com’è cambiata l’oculistica negli ultimi
anni?
La tecnologia e l’informatica
hanno modificato questa branca
medico-chirurgica in maniera
significativa. L’evoluzione in questo
settore, come in altri, è velocissima e
molte volte anche le strutture più moderne
fanno fatica a mantenerne il
passo. Infatti, l’impegno culturale e finanziario
che si rendono necessari sono
molto importanti.
Quali aspetti dell’oculistica sono
cambiati?
Silvio Zuccarini
Un po’ tutto, dalla diagnostica clinico strumentale
alla chirurgia. Basti pensare ad
uno strumento il cui nome è oramai entrato
nella pratica clinica ed è diventato
molto popolare: l’OCT. La sigla OCT sta
per tomografia a coerenza ottica ed indica
uno strumento che tramite la riflessione
di un raggio di luce analizza i vari strati
di tessuti come retina e cornea. L’elaborazione
del raggio di luce permette di avere
una rappresentazione reale in vivo e tridimensionale
del tessuto analizzato. Questo
consente di fare diagnosi precoci e monitorare
patologie come la degenerazione
maculare senile o la retinopatia diabetica
evitando l’esecuzione di esami molto più
invasivi e costosi come la fluorangiografia.
Ma molti altri sono gli strumenti di cui
oggi disponiamo e che ci rendono più efficaci
e completi nel nostro lavoro che in
qualche modo lo rendono più facile e
complesso. Nella chirurgia uno strumento
oggi davvero rivoluzionario è il laser. Il
laser è controllato da un computer e quindi
è intuitivo quanto sia preciso e sicuro.
Oggi è possibile con il laser eseguire, ad
esempio, la chirurgia della cataratta: in
questo campo il laser rende più ripetibile
l’atto chirurgico per la sicurezza e la comodità
dei nostri pazienti e quindi annulla
le differenze tra i vari chirurghi. Pensiamo
cosa voglia dire questo: oggi vengono
eseguiti circa quindici milioni di interventi
l’anno nel mondo, tale numero arriverà
a ventidue milioni nel 2020. L’uso del laser
non rende solo più sicuro l’intervento
ma rende molto più prevedibili i risultati
per la comodità dei nostri pazienti. Ma anche
in chirurgia sono tante le evoluzioni
tecnologiche.
La Degenerazione Maculare Senile,
comunemente chiamata “maculopatia”:
cos’è e come si cura?
La Degenerazione Maculare Senile è
una malattia della retina centrale o macula
che, appunto, è di tipo degenerativo
cioè legata all’invecchiamento. Sono
fattori di rischio la familiarità, alcune
condizioni di vita in cui è presente un’esposizione
alla luce intensa e prolungata
o un’alimentazione sregolata ed il fumo.
Si parla molto di questa malattia oggi
perchè la popolazione invecchia sempre
più e perchè i metodi di diagnosi e cura
sono molto cambiati. Per la diagnosi
l’OCT appunto ha consentito una diagnosi
sempre più precoce e accurata. Di
degenerazione maculare senile esistono
essenzialmente due forme: una secca ed
una umida. La forma secca consiste in
una atrofia progressiva dell’area retinica
maculare. Si accompagna ad una perdita
funzionale visiva lentamente progressiva
e difficilmente gravissima. Non prevede
metodi di cura se non regole di vita
più salutari: alimentazione ricca in verdure
e pesce, antiossidanti naturali, protezione
dai raggi ultravioletti, assoluta
astensione dal fumo. La forma umida si
associa allo sviluppo di piccoli capillari
sotto la retina. Può associarsi ad una improvvisa
perdita della funzione visiva per
la comparsa di gravissime emorragie. Si
cura oltre che con le regole sopra descritte
con l’iniezione intraoculare di sostanze
(Anti VEGF) che vanno a bloccare
lo stimolo allo sviluppo di questi neovasi
con il controllo della malattia. Peraltro
si tratta di una malattia cronica che
per essere controllata e gestita adeguatamente.
Se posso vorrei però dire che
questa malattia non conduce mai alla cecità:
questi pazienti non arriveranno mai
ad essere al buio.
30 SILVIO ZUCCARINI

Ci può dire qualcosa sul glaucoma?
Il glaucoma è una malattia gravissima
in cui un aumento della pressione
endoculare si associa ad un danno
del nervo ottico e ad una perdita progressiva
del campo visivo. E’ una
malattia gravissima perchè la funzione
perduta non può mai ed in nessun
modo essere recuperata. E’ gravissima
perchè molto subdola e quindi
necessità di una diagnosi precoce
soprattutto in presenza di familiarità:
attendere che il paziente se ne accorga
vuol dire gestire una condizione di
grave infermità proprio per la irreversibilità
del danno funzionale. Si cura
con medicazioni sottoforma di colliri,
trattamenti parachirurgici con il laser,
interventi chirugici dedicati.
Il diabete: ha implicazioni oculari?
Purtroppo sì: il diabete è una malattia
metabolica che coinvolge anche le
strutture oculari. La malattia diabetica
determina l’insorgenza di cataratta
in un rapporto di 1 a 3 anche in pazienti
giovani e, comunque, in età in
cui la cataratta senile non è comune.
L’altro tessuto oculare interessato dal
diabete è la retina. La retinopatia diabetica
è un’importante causa di cecità:
va diagnosticata precocemente e
trattata in modo adeguato. Dal punto
di vista metabolico generale è fondamentale
che la emoglobina glicata
resti al di sotto di 7 e che vengano
trattate condizioni associate come
la ipertensione arteriosa e l’aumento
del colesterolo. Importante anche qui
l’astensione dal fumo. Si cura con l’iniezione
intraoculare di sostanze come
gli AntiVEGF od il cortisone, con
il laser ed anche con la chirurgia.
Oggi si sente parlare della possibilità
di togliere gli occhiali con interventi
con il laser. Ce ne può parlare?
E’ vero, oggi è molto diffusa la chirurgia
volta ad eliminare o ridurre l’uso
delle lenti. Non si tratta di una
chirurgia voluttuaria ma di una chirurgia
di migliorare in modo significativo
la qualità della vita dei pazienti
e diventa terapeutica se inserita in un
concetto di salute globale. Si possono
trattare pressochè tutti i difetti di
vista: miopia, astigmatismo, ipermetropi,
presbiopia. Si può usare il laser
sulla cornea con tecniche come
PRK, LASIK, Smile. Ma si può usare
anche l’estrazione laser di un cristallino
trasparente per sostituirlo
con una lente in grado di correggere
il difetto di vista. Infine è possibile
correggere i difetti di vista con
l’inserimento all’interno dell’occhio
di una lente al di dietro della pupilla
senza rimuovere il cristallino naturale:
si parla tecnicamente di lenti
fachiche (ICL: intraocular contact
lens). Sono interventi semplici, rutinari
e sicuri il cui limite resta comunque
quello della risposta biologica.
A quale età si deve iniziare a fare
controlli oculistici?
In eta infantile la prima visita in assenza
di elementi sospetti va eseguita
a 3 anni. Le visite successive a 6 ed
11 anni. Successivamente se non esistono
problemi è bene fare una visita
dai 40 anni con cadenza quinquennale
salvo diverse indicazioni da parte
del medico. Naturalmente queste sono
indicazioni generali: qualora esista
un minimo sintomo è bene ricorrere ad
una valutazione approfondita attraverso
una visita specialistica.
SILVIO ZUCCARINI 31

Firenze
Mostre
Ilaria in Waterland
La mostra personale di Ilaria Finetti al Florence Dance Center
di Daniela Pronestì / foto Maria Grazia Dainelli
Si è da poco conclusa al Florence Dance
Center diretto da Marga Nativo la
mostra personale dell’artista senese
Ilaria Finetti intitolata Ilaria in Waterland ed
inserita nella rassegna Etoile Toy/ Visual Art
Florence. Liberamente ispirato al racconto
di Lewis Carroll, il titolo pone l’accento
sul tono evocativo e visionario delle opere
dell’artista senese, il cui “viaggio” fantastico
si svolge, in questo caso, in un mondo
dominato dall’acqua e dalla sua forza generativa.
Dopo il diploma in pittura, conseguito
all’Istituto d’Arte di Siena, la formazione
presso la prestigiosa Scuola Internazionale
d’Illustrazione di Sarmede ha consentito
ad Ilaria Finetti di maturare una profonda
familiarità con il tema onirico/fantastico, indirizzandola
verso quei “luoghi dell’immaginario”
nei quali ancora oggi si colloca la
sua ricerca artistica. Dal genere illustrativo
deriva la capacità di procedere in maniera
coerente da un’opera all’altra, come capitoli
di un solo racconto che si sviluppa, immagine
dopo immagine, avendo come filo
conduttore il linguaggio del colore, con le
sue densità, velature e trasparenze. Un processo
creativo sempre sospeso tra controllo
e casualità, grazie anche all’adozione di
una tecnica, quella dell’acquerello, che si
presta all’effetto imprevisto, alla magia di
una forma generata dall’interazione tra acqua
e colore e dall’azione di queste sulla
carta. «Traggo continua ispirazione dall’acqua
- afferma l’artista - della quale mi servo
per trasferire sul foglio pensieri ed emozioni.
» Oltre che tramite espressivo, l’acquerello
compartecipa, quindi, al significato
dell’opera, richiamando un’idea dell’acqua
come microcosmo in cui l’artista idealmente
s’immerge per risalire all’origine della vita.
In questo “paese delle meraviglie”, Ilaria
incontra creature dalle sembianze primordiali,
avvolte o collegate tra loro da filamenti
fluttuanti e distribuite in modo da formare
strutture complesse, scorci naturalistici,
orizzonti immaginari. Dipinte con un tratto
che unisce la fantasia creativa dell’illustrazione
all’accuratezza scientifica, queste forme
rivelano un forte interesse per il mondo
microbiotico, inteso quale metafora di un
mondo invisibile all’occhio umano. Se in
ambito scientifico è il microscopio a svelare
questa realtà nascosta, nell’opera di Ilaria
Finetti la chimica degli elementi - colore ed
acqua - si unisce alla fantasia per raccontare
questa vita segreta e silenziosa che scorre
sotto la superficie delle cose e che qui
conquista un formato macroscopico. Una
dimensione sconosciuta ed affascinante
che l’artista esplora alla ricerca di una bellezza
primaria ed incorrotta.
www.ilariafinetti.it
Un momento del balletto ideato dalla coreografa Benedetta Ghiglia ispirandosi alle opere in mostra
Da sinistra, Daniela Pronestì, curatrice della mostra e della rassegna Etoile Toy, l’artista Ilaria Finetti,
la coreografa Benedetta Ghiglia e Marga Nativo, direttore artistico del Florence Dance Center
32 ILARIA IN WATERLAND

A cura di
Paolo Bini, relatore Associazione Italiana Sommelier
Arte del
Vino
Querce Bettina: fra gusto e incanto
Quello del vino è un universo dove
spesso si incrociano esperienze
e storie eterogenee fatte
di aneddotica, cultura e sapori che ci accarezzano
il palato solo dopo aver arricchito
la nostra mente con la suggestione
dei racconti e dei ricordi. Montalcino è
il cuore pulsante di una Toscana proiettata
verso la promozione dell’eccellenza
alimentare, un luogo conosciuto nel
mondo per la bontà del Brunello e il suo
forte legame con la tradizione agreste di
questi luoghi dove i morbidi e suggestivi
declivi panoramici nascondono terreni
tanto ardui quanto fecondi per la mano
del vignaiolo. Cultura contadina è anche
saper conservare e tramandare le storie
che un tempo i vecchi narravano fra
verità e fantasia, fra mistero e incanto,
fra sogno e vita quotidiana. Bettina era
una “fata buona” che nella campagna ilcinese
era solita lavorare la lana sotto le
fronde di una grande quercia situata ad
ovest del paese e confortava con la sua
voce e la sua purezza i pastori di passaggio.
Querce Bettina, grazie alla tradizione
popolare, oggi è diventato un toponimo
e, dagli anni Novanta, il nome di un’azienda
agricola che produce vino cercando
di racchiudere in quella bottiglia
tutte le espressioni di un territorio dove
cultura e sapori sono tramandate da secoli.
Roberto Moretti s’innamorò di questi
luoghi e decise di lasciare un mondo
fatto di successi, la Milano della finanza
e del controllo aziendale per vivere
una nuova esperienza, a misura di famiglia,
circondato da trenta ettari di natura
poco distante dalle pendici del Monte
Amiata. La sua attività agricola è cresciuta
in questi anni sotto la principale
spinta dei prodotti vinicoli, i suoi Rosso
di Montalcino e Brunello di Montalcino,
che negli anni hanno mostrato una qualità
costantemente crescente per merito
di oculate scelte agronomiche e enologiche
ma inevitabilmente anche frutto
della maestosità dell’uva Sangiovese
che, maturata in vigne su terreni di marna
e argille con ideale microclima, dona
al succo quelle componenti ideali per la
ricchezza gustativa e il lungo invecchiamento.
Il Rosso di Montalcino 2015 con
il suo color rubino-purpureo semitrasparente
ci catapulta in briosi profumi di
lampone, ciliegia, rosa rossa e cannella;
l’assaggio è vibrante e snello con sapori
di ribes, ritorni di agrume e tannini delicati
che contengono l’alcol assieme ad
una fresca acidità. Non possiamo non
immaginarlo in abbinamento con tagliatelle
al ragù di papero o ravioli di patate
con salsiccia. Il Brunello di Montalcino
2013 Querce Bettina ne conserva
l’eleganza ma induce naturalmente
ad una degustazione più approfondita:
i suoi riflessi granati introducono a
complessi profumi di amarena e fragola
con evoluzione di noce moscata
e vaniglia su sfondo balsamico e di
spezie orientali. La buonissima persistenza
gustativa dal sapore di frutta
rossa, dove la calda sensazione alcolica
è controbilanciata da piacevoli
pungenze sapide, lo rende prodotto
di assoluto pregio e adesso ideale per
accompagnare un aromatico piatto di
fagiano in salmì o di costine di maiale
in umido con olive. Febbraio sarà il
mese in cui la Toscana vinicola d’eccellenza
mostrerà al grande pubblico
le sue nuove produzioni; siamo convinti
che queste e le altre etichette di
Querce Bettina ben figureranno ancora
una volta in Benvenuto Brunello, la
manifestazione che ospiterà per quattro
giorni gli esperti internazionali del
settore e la stampa di tutto il mondo.
Info e consulenza: wine@bini.eu
La querce di Bettina
Rosso di Montalcino 2015 e Brunello di Montalcino
2013, Querce Bettina
ARTE DEL VINO 33

Angeli Neri
Vernissage della mostra e party Angeli Neri
Caffè Storico Letterario Giubbe Rosse - Firenze
Sabato 10 marzo dalle ore 17:00
Vanessa Katrin
La tecnica artistica di Vanessa
Katrin già matura
e sapiente, è basata sulla
sintesi tra segno e colore:
il primo, rapido e vibrante,
insegue l’idea, traccia
la forma, scalfisce la materia;
il secondo, entità viva
e sensibile ai valori atmosferici
e luministici, si fa
liquido a simulare l’immediatezza
dell’acquerello o si
addensa per poi sfumare in
velature e trasparenze d’emozione.
Una pittura meditata
e gestuale al contempo,
frutto di una ricerca continua
e appassionata, di un
dialogo profondo e sincero,
riflesso dell’anima, del sentimento,
della vita.
Programma della serata:
• Messaggio di benvenuto da parte di Jacopo Chiostri, direttore
artistico delle Giubbe Rosse
• Presentazione degli artisti a cura di Alessio Salvestrini
• Presentazione del tema Angeli Neri di Vanessa Katrin e
Orlando Poggi
• Seguirà un reading di poesie con diversi autori: Yuleisi
Cruz Lezcano (collegamento in diretta per la lettura di
una sua poesia ispirata alla mostra), Gianni Calamassi con
la poesia L’Angelo Nero, Roberta Degli Innocenti e Maria
Grazia Bianchi con altri componimenti a tema
• Performance dell’artista Vanessa Katrin accompagnata
da Eka Project con lo strumento bandura
Alla fine del vernissage inizierà il party Angeli Neri che vedrà
protagonista lo staff delle Giubbe Rosse e il barman che
per l’occasione ha ideato il cocktail Angelo Nero. Una festa
nel corso della quale potrebbero svolgersi anche performance
a sorpresa da parte dei due artisti.
L’evento sarà ripreso da Toscana Tv nell’ambito della rubrica
Incontri con l’Arte.
Orlando Poggi
Lontana dai canoni della verosimiglianza
naturalistica, l’opera di
Orlando Poggi riunisce suggestioni
che vanno dal simbolismo
figurativo all’illustrazione, dai
preziosismi dell’Art déco all’arte
tribale. Le sue donne hanno corpi
flessuosi e seducenti, sempre
caratterizzati dal contrasto tra
bianco e nero e dall’inserimento
di elementi decorativi e simboli
nati dalla fervida immaginazione
dell’artista. Uno stile unico e
riconoscibile dove segno e figura,
ricondotti entro un’originale
sintesi, sono indizi di un mondo
popolato di visioni interiori e proiezioni
oniriche.

Eventi in
Toscana
La Via dell’Arte: un percorso sulle
tracce di Michelangelo
Giunto quest’anno alla settima edizione, unisce Montignoso e
Pietrasanta in una grande e unica mostra a cielo aperto
Testo e foto di Marco Garrisi
Scultore, pittore e architetto, Michelangelo
è sicuramente uno
fra i più grandi maestri del Rinascimento.
Nato a Caprese (AR) da una
famiglia fiorentina, si trasferisce da piccolo
a Firenze ed all’età di tredici anni
incomincia a frequentare la bottega
del Ghirlandaio, dove studia la pittura
di Giotto e Masaccio, anche se ben presto
si accorge che la sua indole lo guida
alla scultura. Fondamentale è l’invito alla
corte di Lorenzo de’ Medici, dove ha
modo di studiare una delle più importanti
collezioni di statue antiche. Nasce
da qui la passione per il marmo, in particolare
per quello della zona apuo-versiliese.
Questo territorio che va da
Carrara a Camaiore è unico al mondo
per la sua conformazione: il mare e le
spiagge in prima linea e nell’entroterra
un paesaggio montano, aspro e collinare,
con le cave di marmo ed altezze
di 1000 metri. Michelangelo adorava
questi posti ed anche se sempre impegnato
fra Firenze e Roma tornava di
continuo in questo territorio per antico
amore. Anch’io sono affascinato da
questa zona, anch’io sono fiorentino,
purtroppo non artista, ma con l’amore
che provo per questo territorio, ho voluto
insieme al Comune di Montignoso
e Lodovico Geirut lasciare un’impronta,
un segno importante per la cultura artistica
del luogo. In occasione del prelievo
di marmi alla cava di Tambiserra
per la facciata della chiesa fiorentina di
San Lorenzo (della famiglia de’ Medici),
Michelangelo creò una via che da
Serravezza giungesse al mare per il trasporto
del materiale a Firenze prima per
mare e poi per la via fluviale dell’Arno;
all’altezza di Ripa la via de’ marmi s’incrocia
con la via dell’arte che parte da
Montignoso e collega Pietrasanta. Su
questo percorso della via Francigena si
svolge da tempo la manifestazione La
Via dell’Arte, un progetto artistico nato
nel 2012 dalla collaborazione tra il Comune
di Montignoso e la Proloco dello
stesso comune. Gli artisti invitati regalano
al Comune di Montignoso opere
che riprodotte su di un cavalletto stilizzato
vengono posizionate sul percorso,
mentre gli originali sono esposti in una
pinacoteca, per ora solo al Comune di
Montignoso e in futuro anche in quel di
Pietrasanta, dove il 19 gennaio 1518,
come riporta un’epigrafe, fu stipulato
il contratto per la facciata della chiesa
di San Lorenzo, con obbligo, per scelta
del papa Leone X (figlio di Lorenzo
de’ Medici detto il Magnifico), di usare
marmo di Seravezza. Presenti alle
scorse edizioni gli artisti: Vidà, Maranghi,
Bonnefoit, Nesi, Calvetti, Staccioli
e Fusi. Quest’anno sarà protagonista
il pittore Elio De Luca, seguito il prossimo
anno da Paladini e poi da Cipolla.
Ringrazio questi posti magnifici cui sono
profondamente legato fin da ragazzo
e gli artisti che prendendo parte a questa
manifestazione da me curata contribuiscono
a consolidare il legame di
continuità tra l’arte del passato e quella
del presente.
In questa e nell’altra foto alcuni degli artisti
che hanno preso parte alle passate edizioni
della manifestazione
LA VIA DELL’ARTE 35

Eventi in
Toscana
Inaugurata a Pontassieve la mostra di
Mauro Boninsegni dedicata a Pinocchio
di Fabrizio Borghini / foto courtesy dell’artista
Sabato 17 febbraio il sindaco di
Pontassieve Monica Marini ha ufficialmente
inaugurato la mostra
Le avventure di Pinocchio raccontate
per immagini da Mauro Boninsegni, ennesima
tappa del percorso espositivo
di una serie di opere dedicate dal pittore
fiorentino al celebre burattino. Prima
di approdare alla Biblioteca Comunale
di Pontassieve, ha toccato località importanti
fra le quali Collodi dove è stata
proposta nel 2015 dalla Fondazione
Nazionale Carlo Collodi nel Laboratorio
delle Figure, naturale punto di arrivo di
quanto viene prodotto a livello mondiale
sulle mirabolanti avventure della
creatura collodiana. In quell’occasione
fu pubblicato da Masso delle Fate
Edizioni in collaborazione con Toscana
Cultura un prezioso catalogo, dove
il presidente Pier Francesco Bernacchi
ebbe a scrivere: «I personaggi del Pinocchio
di Boninsegni, lineari, essenziali
e con tutti i loro giunti in evidenza,
come costruzioni realizzate col meccano,
hanno risvegliato in tutti un’immediata
simpatia. I personaggi, gli arredi,
ritagliati nel cartoncino, “imbullonati”
spesso a mostrarne le articolazioni invece
di nasconderle o sfumarle, prendono
non solo un rilievo materiale, ma
diventano giocattoli nella loro accezione
familiare e universale, di oggetti che
rappresentano il mondo e che ad imparare
a rapportarsi col mondo servono.
Proprio quello che Pinocchio è, da
molte generazioni, per i bambini di tutti
i Paesi». Innumerevoli sono state le
interpretazioni artistiche di Pinocchio.
«A me - ha dichiarato Boninsegni durante
il vernissage - Geppetto è sempre
sembrato una specie di geniaccio
che studia e pensa, un artigiano dotato
di tecnica e intuizione artistica, che
si mette un bel giorno al lavoro per assemblare
i pezzi e costruire quella specie
di burattino ‘robot’. Creandolo, ha
inteso assoggettarlo a delle leggi che
mi hanno ricordato le tre leggi della robotica
di Asimov: un robot non può recare
danno agli esseri umani, un robot
deve obbedire agli ordini impartiti dagli
esseri umani, un robot deve salvaguardare
la propria esistenza. Ho sempre
pensato che il proposito di Geppetto
non sarebbe andato a buon fine se non
avesse infuso nel burattino la vita umana,
accompagnata da tutti i valori che
ad essa si legano, e quel meraviglioso
spirito toscano, tanto da indurmi a rileggere
il bel libro di Maledetti toscani
di Curzio Malaparte». La mostra, che
chiuderà i battenti il 22 marzo, è stata
presentata ad un pubblico composto
soprattutto da bambini, dal pinocchiologo
Bernardo Fallani che ha condotto
per mano grandi e piccini alla scoperta
dei simboli e delle allegorie che costellano
la fiaba.
36 MAURO BONINSEGNI

Firenze
Nascosta
Nel cuore di Firenze
I segreti di via Lambertesca
Testo e foto di Amedeo Menci
La finestra su via Lambertesca
Nel centro storico di Firenze c’è una
piccola strada, via Lambertesca, che
va dal piazzale degli Uffizi a via Por
Santa Maria. Questa strada di origine medievale
ha subito, nel tempo, molti cambiamenti.
Nel 1560, durante la costruzione degli
Uffizi, Giorgio Vasari fece abbattere molte case
mantenendo l’accesso da via Lambertesca
e Bernardo Buontalenti ne decorò l’ingresso
con l’arco che ancora oggi possiamo ammirare.
Entrati in via Lambertesca provenendo
dal piazzale degli Uffizi, se si alza lo sguardo
verso l’arco si nota, al di sopra di questo, una
finestra di fattura identica a quelle che si aprono
sul piazzale degli Uffizi. Il complesso architettonico
del museo fu concepito dal Vasari
come struttura del tutto autonoma dagli edifici
circostanti immaginando questi come costruiti
successivamente e addossati al corpo
primario degli Uffizi: la finestra sull’arco testimonia
la genialità dell’idea vasariana.
La finestra su via Lambertesca
La Porta delle Suppliche
Entrando in via Lambertesca,
sempre provenendo dal piazzale
degli Uffizi, al numero civico
2 si trova un portale conosciuto
come Porta delle Suppliche. Progettato
da Bernardo Buontalenti nel 1580,
il portale precorre lo stile barocco ed
è caratterizzato da una particolarità: le
due metà che costituiscono il timpano
sono posate “a rovescio” rispetto
ai canoni architettonici a formare due
ali che accolgono il busto di Francesco
I de’ Medici, questo opera di Giovanni
Bandini altrimenti noto come Giovanni
dell’Opera. La Porta delle Suppliche
deve il nome alla presenza di un’apertura
a forma di bocca, collocata
alla sua destra, con la scritta “Per le
suppliche”: una buca delle lettere ante
litteram, utilizzata dai fiorentini dell’epoca
per inoltrare al Granduca le loro
richieste.
Un particolare del timpano: il busto di Francesco I de’
Medici opera di Giovanna Bandini
La “buca” della Porta delle Suppliche
La Porta delle Suppliche progettata da
Bernardo Buontalenti
I SEGRETI DI VIA LAMBERTESCA 37

Omaggi
Ricordando Lalla Azzaroli
Scomparsa nel 2017, è stata conservatore del Museo della
Specola per oltre venticinque anni e donna impegnata in
diversi ambiti culturali
Testo e foto di Barbara Santoro
La copertina del libro di Lalla Azzaroli edito da Sarnus
nel 2016
Ho conosciuto Maria Luisa Azzaroli,
meglio nota come Lalla,
al club del punto in croce.
Allora ero segretaria nazionale della
FIDAM (Federazione Italiana Amici
dei Musei) ed avevo preso l’abitudine
di accompagnare questo bel gruppo
di signore abilissime nel ricamo e
nel cucito in luoghi solitamente inaccessibili
per ricambiarle delle tante
gentilezze che loro usavano a me.
Era il 1989 e Lalla entrò subito nel
mio cuore. Si appassionò così tanto
a queste gite che convinse anche il
marito Augusto, noto paleontologo, a
prenderne parte. Così i coniugi Azzaroli
mi hanno seguito in tanti itinerari
interessanti ed il loro entusiasmo era
così contagioso che coinvolsero altre
coppie a partecipare a queste iniziative.
Negli anni Novanta organizzavo
incontri con il professor Giovanni Cipriani
per parlare della storia di una
nobile famiglia nella cui casa, villa o
giardino si svolgeva la conferenza.
Lalla ed Augusto erano sempre presenti
ed anzi fu lei che un giorno mi
chiese se poteva ospitare a casa sua,
la domenica, questi incontri e se la
potevo aiutare nell’organizzazione.
Ne fui ben felice. Lalla allargò il cerchio
delle conferenze inserendo personaggi
di scienza e di cultura varia
suoi amici. Durante i viaggi spesso
mi raccontava la sua vita avventurosa
ed io sempre le chiedevo di scrivere
qualcosa perché sarebbe stato
interessante far sapere quale donna
speciale fosse. Ma lei rispondeva
di no perché non sarebbe interessato
a nessuno conoscere la sua vita.
Quando poi Augusto cominciò ad
avere problemi con l’Alzaimer, Lalla
decise che era arrivato il momento di
incominciare a scrivere il libro. E’ nato
così Non avevo voglia di studiare,
un’opera composita, un
vademecum di vita e di saggezza
che davvero meriterebbe di
partecipare a qualche concorso
letterario. La piacevolezza
del testo, la struttura in capitoli
e per argomenti permette di
sorvolare sulle parti più specifiche
per leggere direttamente
le pagine che ogni lettore ritiene
più interessanti e vicine al
proprio gusto. Con mano leggera
Lalla ci porta a scoprire la
malaria a Khartum, il Natale in
Equatoria, facendo un erudito
accenno sulla storia del Sudan,
raccontando la triste esperienza
dell’alluvione e la paura avuta
per Augusto, che si trovava
a Praga mentre c’erano i carri
armati russi. Ci delizia con il
racconto della riqualificazione
del castello di Sarre in Val d’Aosta
e del Museo delle Corna a
Gressoney (collezione di caccia
dei baroni Beck Peccoz). Ci porta alle
Galapagos, alle Maldive e nella Terra
del Fuoco. In Israele a Eilat e sul
Golfo di Aqaba, in Somalia, Etiopia,
Eritrea, India, Afghanistan, Namibia e
Cina, insomma un viaggio in quattro
continenti, a contatto con culture diverse
tra loro e tutte interessanti. Un
libro che narra storie, usanze e costumi,
dandone descrizioni così vivide
che ci sembra di essere lì, insieme
all’autrice. Spesso quelle descritte
sono realtà oggi profondamente cambiate
che Lalla racconta con garbo
alle nuove generazioni che non hanno
più la fortuna di poterle conoscere.
La passione che ha accomunato i
coniugi Azzaroli ed i loro figli è stata
quella per la montagna. Lalla ci racconta
alcune arrampicate in Val d’Aosta:
Aiguille de Rochefort, Aiguille
des Glaciers, Cresta Sud dell’Herbetet
– Gran Paradiso, Cresta Signal
al Monte Rosa, Lyskamm, la traversata
dei Breithorn. La grande disponibilità
verso gli altri, l’amore per la
musica e per la pittura (era stata allieva
in gioventù della signorina Nerina
Simi, nota pittrice fiorentina) le
ha permesso straordinari incontri e la
grande abilità nel creare rapporti l’ha
portata a inventare o a partecipare ad
associazioni per le quali ha profuso
tante energie come il Musicus Concentus
e il Soroptimist. La prima fu
voluta da valenti musicisti del Teatro
Comunale, del Conservatorio Cherubini
e della Scuola di Musica di Fie-
38 LALLA AZZAROLI

sole. Si riunivano alla Sala
Vanni della Chiesa del Carmine
per fare musica da camera.
Spesso utilizzavano
anche l’Auditorium del Palazzo
dei Congressi messo
a disposizione da alcuni soci
sostenitori. L’intento era
avvicinare il pubblico all’ascolto
della musica classica,
obiettivo raggiunto con successo.
Un altro suo grande
amore è stato il Soroptimist
presente in cinque continenti
e in oltre ottanta nazioni. L’amica
Anna Archi che l’ha ricordata
qualche tempo fa in
occasione dell’anniversario
della sua dipartita, ne ha tratteggiato
in maniera perfetta
le finalità e la costruzione gerarchica,
comunicando a tutti
i presenti come Lalla abbia di
anno in anno raggiunto le più
alte vette del club con spirito
di servizio e sempre spinta
all’affermazione della donna
professionalmente qualificata.
Oggi penso che la cara
Lalla, nell’immensità del cielo,
sia la promotrice di iniziative
culturali che la rendono
amatissima da tutti, così come
lo è stata in terra.
Barbara Santoro con Lalla Azzaroli
Maria Luisa Puccetti Azzaroli,
per tutti Lalla, è
nata e vissuta a Firenze,
dove si è spenta nel 2017.
È stata conservatore del Museo
della Specola (Museo Zoologico
dell’Università) per oltre venticinque
anni, professione che le
ha consentito di fare ricerca naturalistica
in quattro continenti,
prevalentemente Europa ed Africa
ma anche Sud America e Asia.
Sposata con Augusto Azzaroli,
professore ordinario di Paleontologia
dell’Università di Firenze,
ha condiviso con lui un’intensa
passione per l’alpinismo. La profonda
conoscenza dell’ambiente valdostano
e delle sue montagne l’ha portata anche
ad occuparsi della museologia di
quel territorio. La varietà degli interessi
scientifici le ha consentito di acquisire
competenze sulla biologia marina favorendo
la fondazione in Italia dei centri
di soccorso per Cetacei. Appassionata
della sua città, si è poi concretamente
impegnata in attività in ambito culturale,
musicale e di servizio, ricoprendo incarichi
di rilievo sia nazionali che internazionali.
LALLA AZZAROLI 39

Eventi in
Toscana
Il Faro di Capel Rosso all’Isola del Giglio
Da un’idea di tre sorelle e impenditrici fiorentine nasce un
progetto di recupero volto a trasformarlo in una struttura
ricettiva dove trascorrere il tempo a contatto con la natura
di Veronica Mura / foto Stephanie Gengotti
La gestione e la ristrutturazione
del Faro di Capel Rosso all’Isola
del Giglio (GR) è molto
impegnativa e costosa. Il nostro progetto
di recupero intende preservare
l’aspetto originario di questa struttura,
escogitando soluzioni conservative
mirate a rispettarne tanto le
caratteristiche architettoniche quanto
il contesto naturalistico. L’intento
è consentire a coloro che soggiorneranno
nel Faro di godere del tempo
da dedicare a se stessi. Contemplare
la natura, meditare, dipingere, leggere
un libro seduti sulla terrazza del
Faro o su uno scoglio, riscoprire il
piacere di cucinarsi la cena: piccole
e semplici cose che spesso i ritmi
frenetici della quotidianità ci impediscono
di fare. Vorremmo promuovere
inoltre attività educative di tipo
naturalistico, proponendo iniziative
volte a scoprire e valorizzare le peculiarità
ambientali di questo luogo.
Al Capel Rosso, infatti, ci sono piante
dalle mille proprietà, minerali, uccelli
che hanno scelto questa parte dell’isola
per sentirsi protetti e procreare,
senza dimenticare il passaggio dei
cetacei. All’interno del Faro saranno
realizzati quattro alloggi ciascuno
dei quali composto da due stanze e
servizi igienici, quanto basta per garantire
agli ospiti una permanenza
comoda e piacevole. Sarà possibile
anche affittare la struttura per celebrare
momenti importanti, girare un
film o realizzare shooting fotografici.
Per informazioni:
www.faropuntadelcapelrosso.it
Gilda, Veronica e Viola Mura, le tre sorelle e imprenditrici fiorentine ideatrici del progetto di recupero del faro di Capel Rosso visibile sullo sfondo
40 CAPEL ROSSO

A cura di
Giorgia Armellini
Sfaccettature
Fiorentine
Piazza della Passera
A
Firenze, a pochi passi da piazza
Pitti, ci s’imbatte in uno dei
luoghi più vivaci e caratteristici
dell’Oltrarno: piazza della Passera.
Lo slargo ha assunto la pittoresca forma
attuale all’inizio del secolo scorso,
quando si decise di abbattere una casa
per dare luce al labirinto di viuzze su
cui oggi si affacciano diverse botteghe
e attività legate alla movida fiorentina.
Esistono ben due versioni che spiegherebbero
il curioso nome di questo
slargo. La più accreditata fa riferimento
al termine che i fiorentini usano per
indicare in modo scherzoso l’organo
femminile o, più in generale, una bella
ragazza. Inoltre pare che proprio qui nel
Cinquecento esistesse un bordello. Un
postribolo così famoso che le malelingue
dicevano frequentato dallo stesso
granduca Cosimo I. E sebbene le case
chiuse vennero con il tempo dismesse
il nome restò invariato. Con l’avvento
del Fascismo, che imponeva di coprire
anche le nudità marmoree delle statue,
si decise di mutare il nome “osceno”
dello slargo in piazza dei Pagoni, una
storpiatura del nome della famiglia Pavoni
che aveva molte proprietà nella zona.
Con la caduta del regime, i fiorentini
ripristinarono il nome della piazza che
è giunto invariato sino ai giorni nostri.
L’altra storia che viene tramandata
ricollega l’origine del nome alla peste
che colpì Firenze nel 1348. Sembra che
poco prima dello scoppio dell’epidemia
alcuni ragazzi trovarono nell’attuale
piazza un passero morente che invano
tentarono di salvare. La vicenda di per
sé sarebbe banale se non fosse che dalla
morte di quell’uccellino femmina ebbe
iniziò la peste che falciò oltre 40.000
fiorentini in pochi mesi portando la città
sull’orlo dell’annientamento.
Il pane “sciocco”
Il pane noi fiorentini lo definiamo
“sciocco” non perché non abbia sale
in zucca, ma perché di sale non
ne ha proprio. Quella del pane senza sale
è una tradizione fiorentina talmente
antica e radicata che addirittura Dante,
nella Divina Commedia, arriva ad indicare,
nella necessità di adattarsi al pane
salato, la sua condizione di esule da
Firenze. Ma com’è che a Firenze nasce
l’uso di mangiare il pane “sciocco”? Si
racconta che la particolarità del pane
“senza sale” risalga al XII secolo, durante
le guerre tra Firenze e la Repubblica
Marinara di Pisa, quando questa
interruppe il commercio di sale con le
zone interne nella speranza che Firenze
cedesse. Ma i fiorentini, a cui non
manca l’ingegno, con il prezzo del sale
alle stelle, decisero di panificare senza
quell’ingrediente. Attenzione però,
guai a considerarlo insipido! La lievitazione
naturale con cui viene preparato
conferisce al pane un aroma e un sapore
che si combina magicamente con
i piatti genuini della cucina regionale. Il
salame, il prosciutto, l’olio d’oliva, la ribollita,
la salsa di fegatini, la pappa al
pomodoro si accompagnano perfettamente
al pane sciocco. Oltretutto non
dimentichiamo che una delle merende
preferite dai nostri contadini per riprendere
energie dal duro lavoro nei campi
era il pane inzuppato nel vino. Dunque
una tradizione divenuta prassi su tutte
le tavole fiorentine, il pane lo si serve
così, “sciocco”, perché l’ideale è mangiarlo
sempre accompagnato.
SFACCETTATURE FIORENTINE 41

Omaggi
Vinicio Polidori
Un ritratto per rendere omaggio ai fratelli Mauro e Manolo Bolognini:
così l’artista pistoiese ha voluto ricordare i due noti protagonisti del
cinema italiano nel corso di una cerimonia alla Camera dei Deputati
Testo e foto di Vinicio Polidori
L’idea di fare questo ritratto è nata
grazie ad un’amicizia in comune
tra me e Carlotta Bolognini, una
vecchia amica delle elementari, Alessandra
Vannetti proprietaria del Bar Nazionale
a Pistoia in piazza Leonardo da Vinci.
Alessandra ha fatto una cosa eccezionale:
ha tolto le slot machine dal proprio bar per
adibire la sala a biblioteca dove chiunque
vada a prendere un caffè può dedicarsi alla
lettura. Proprio qui si trova in esposizione
il mio dipinto ad olio dedicato a Pistoia
capitale italiana della cultura 2017; dopo
tante promesse cadute nel vuoto, sia della
passata amministrazione che della nuova,
ho preferito lasciarlo in buone mani a chi
sa riconoscere e apprezzare l’arte davanti
a un buon caffè. Alessandra organizza
quasi a cadenza settimanale eventi culturali
con presentazione di nuovi libri e scrittori.
In una di queste occasioni fu invitata
Carlotta Bolognini, figlia di Manolo, noto
produttore cinematografico, e nipote del
famoso regista Mauro Bolognini, per presentare
il suo libro dal titolo Manolo Bolognini:
la mia vita nel cinema. Su una
parete, Alessandra aveva appeso alcuni
miei lavori fra i quali un’interpretazione
della Ragazza con l’orecchino di perla
di Vermeer e il Ritratto all’amato Berio,
splendido cavallo del Palio di Siena vincitore
di ben 4 edizioni. A Carlotta piacquero
molto anche altri miei lavori dedicati alla
Francia, agli Stati Uniti, alle Hawaii oltre
che alle tre contrade del Bruco, della Torre
e della Tartuca, e per questo Alessandra
combinò un nostro incontro a distanza di
pochi mesi. Nacque così un’amicizia e rimasi
affascinato dai suoi racconti su suo
padre e suo zio. Tra l’altro i miei zii erano
dei famosi ristoratori di Pistoia titolari del
ristorante Orfeo-Loredana e conoscenti
dei Bolognini; ricordo ancora che da piccolo
me li indicarono nella sala da pranzo.
Decisi subito di dedicare un ritratto a Mauro,
il regista di Metello. Quando Manolo è
Manolo Bolognini
Nella foto Carlotta Bolognini insieme a Vinicio Polidori durante lo scoprimento del quadro dedicato
a Mauro e Manolo Bolognini
venuto a mancare lo scorso dicembre, ho
deciso di fare una sorpresa a Carlotta ritraendo
suo padre assieme al fratello Mauro
in un’unica posa. La consegna del dipinto
è avvenuta lo scorso 16 febbraio alla
Camera dei Deputati nella Sala del Mappamondo
dove la cerimonia è stata spostata
dalla Sala della Regina per proiettare
dei filmati sul grande Manolo e sulla sua
straordinaria carriera di produttore. Tanti
gli interventi di attori, collaboratori, registi
e produttori, tutti molto commoventi e
pieni di stima: erano presenti Claudio Risi,
Saverio Vallone, Antonella Lualdi, Blasco
Giurato, Olga Bisera e numerosi altri personaggi
del mondo dello spettacolo. Ho
voluto che Carlotta scoprisse il ritratto ed
è stata una grande soddisfazione personale
vederla commuoversi fino al pianto. Il
disegno è stato fatto con gli ottimi materiali
degli amici Zecchi di Firenze: carta Fabriano
50% cotone, matite secco-grassa,
formato 100x70.
42 VINICIO POLIDORI

Manolo Bolognini: da calciatore a produttore
di Lorenzo Borghini
Venerdi 30 novembre 2012 alla biblioteca
San Giorgio il famoso produttore
cinematografico Manolo
Bolognini ricevette il premio Brigata del Leoncino
alla carriera insieme ad un altro pistoiese
doc, Ardico Magnini terzino della
Nazionale e della Fiorentina del primo scudetto,
durante la presentazione del libro Magnini
il terzino d’acciaio di Fabrizio Borghini e
Luca Giannelli (Ed.Scramasax). In quella occasione
raccogliemmo questa intervista.
Cosa la lega a Magnini?
Intanto siamo nati entrambi a Pistoia, io in
via Dalmazia nel 1925 e lui in piazza d’Armi
nel 1928. Inoltre, abbiamo indossato la maglia
arancione della squadra della nostra città
anche se come calciatore lui ha avuto una
carriera superiore alla mia che lo ha portato a
indossare la maglia azzurra.
Anche lei, però, ha avuto una carriera non
da poco...
Sì, ma nel cinema...
Partiamo da quel 1925. I suoi genitori come
si chiamavano?
Mio padre Arduino era un commerciante di
bestiame e la mia mamma, Natalina Giovannini,
era di Montecatini.
Quanti eravate in famiglia?
Oltre ai genitori, la nostra famiglia era composta
da me e dai miei due fratelli, Mauro,
che poi è diventato un regista importante, e
Marcello che ha fatto per tutta la vita il commercialista.
Qual era il suo ruolo e quanti campionati
ha disputato in maglia arancione?
Ero mediano destro e ho indossato la maglia
della Pistoiese fino al termine della stagione
1950-51.
Dal Monteoliveto a Cinecittà; com’è avvenuto
il passaggio?
Nel 1948 mio fratello Mauro si era già trasferito
a Roma per frequentare il Centro Sperimentale
di Cinematografia e io lo raggiunsi
nel 1952. Aveva debuttato con Ci troviamo in
galleria e quando ci incontrammo nella capitale
era impegnato nel doppiaggio del film.
Gli dissi che mi sarebbe piaciuto lavorare nel
cinema e lui mi chiese: «Preferisci fare il regista
o il produttore?». Gli risposi: «Il regista lo
fai già tu, scelgo il produttore...»
Com’è entrato nel mondo della celluloide?
Proprio grazie ai miei trascorsi calcistici.
All’epoca si organizzavano parecchie partite
di calcio fra le troupe cinematografiche che
erano molto più numerose di oggi. Avendo
giocato da professionista, ero determinante.
Quindi, chi prendeva me era sicuro di vincere.
Grazie a queste doti calcistiche ho cominciato
ad essere sempre più richiesto per
giocare e venivo ingaggiato dalle produzioni
per l’ultimo ruolo di un set: aiuto segretario
di produzione.
Qual è stato il film d’esordio?
Due notti con Cleopatra di Mario Mattoli con
Sophia Loren e Alberto Sordi.
Com’è arrivato da quell’ultimo gradino cinematografico
della produzione al primo,
quello di produttore?
Come ispettore di produzione lei era considerato
uno dei primi in Italia ed ha lavorato
anche con Fellini.
In due pellicole: Il Bidone e Le notti di Cabiria.
Nel 1958 ha debuttato come direttore di
produzione con il regista francese René
Clement.
Il film s’intitolava La diga sul Pacifico. Di quel
periodo ricordo che entrai nella lavorazione
di Totò e Marcellino dove mi inserii in maniera
autorevole perché dovetti gestire il piccolo
Pablito Calvo divenuto una star dopo il successo
di Marcellino pane e vino. Il bambino
spagnolo non amava il regista Antonio Musu,
che era nelle grazie del produttore, e piangeva
continuamente.
Quando ha collaborato per la prima volta
con suo fratello Mauro?
Nel 1959 in Arrangiatevi! dove sostituii Oscar
Brazzi, fratello di Rossano, che era dovuto
partire. Fu una lavorazione piacevole e divertente
per gli equivoci generati dal soggetto
del film che era ambientato in una ex casa
chiusa.
Come direttore di produzione è stato a
fianco anche di Rossellini, Godard, Pasolini
fino al 1965 quando ha debuttato come
produttore...
E dopo un anno sono subito diventato campione
d’incassi con Django interpretato da
Franco Nero; dopo altri western all’italiana ho
prodotto il primo film di qualità, Teorema di
Pasolini che ha aperto la strada ad altre produzioni
di eccellenza per mio fratello ed altri
autori del calibro di Nanni Moretti, Liliana Cavani,
Lattuada, Werthmuller, Tarkowski.
Quando ha cominciato a giocare a calcio?
Mentre frequentavo l’istituto tecnico si facevano
dei campionati studenteschi e fui notato
dai dirigenti dell’Unione Sportiva Pistoiese
che era stata rifondata dopo il passaggio della
guerra nel 1945. Nel 1946 debuttai nel
campionato a girone unico e l’anno seguente
nel girone A della serie B. Ardico, essendo
più giovane di me di tre anni, a quell’epoca
militava ancora nella squadra riserve e per
debuttare in prima squadra dovette aspettare
il finale di campionato del 1947-48 che si
concluse con la retrocessione in serie C.
C’era allora un percorso obbligato da percorrere
per fare la carriera in produzione. Era
obbligatorio fare cinque film come aiuto segretario
per poter conquistare il ruolo di segretario
di produzione e poi dieci da ispettore
di produzione ed infine si poteva sostenere
un esame per essere ammessi fra i direttori
di produzione per finalmente accedere al
ruolo di produttore.
Una bella gavetta...
Sotto il segno, com’era consuetudine nel cinema
di allora, dell’arte di arrangiarsi.
L’ultimo film prodotto?
Quello del debutto nella regia di mio figlio Andrea,
Raul/Diritto d’uccidere. Era il 2005.
Con Magnini vi siete più visti?
Siamo rimasti sempre in contatto. Ogni volta
che veniva a giocare a Roma o con la Fiorentina
o con la Nazionale andavo a prelevarlo
in albergo e lo portavo a Cinecittà sul set di
qualche film in lavorazione.
MANOLO BOLOGNINI 43

Ritratti
d’artista
Alvian Joy Sculptures: Gioielli che graffiano i sogni
Plasticismo ed eleganza in una visione da terzo millennio
di Lucia Raveggi / foto Gabriele Donati
«
Credo che l’arte sia la massima
forma espressiva di libertà, uno
strumento per oltrepassare la
materia, dare visibilità ai sogni, graffiandoli
a volte o accarezzandoli». E’ con questo
spirito che l’artista Andreana Piscopo
si avvicina alla scultura sul finire del 2010,
al seguito di una famosa scultrice senese
da cui apprende le tecniche primarie della
modellazione su argilla. Dalla terracotta
al metallo il passo è breve. Andreana realizza
statuine, pannelli polimaterici e poi
il primo monile, una scultura indossabile.
E’ il 2013 quando, con Alessandro Donati,
dà vita ad una linea di gioielli dinamici,
“perfettamente imperfetti”, siglati Alvian
Joy Sculptures, l’acronimo dei loro nomi
unito a due sostantivi importanti: la “gioia”
che li muove alla nuova avventura e la
struttura “scultorea” di ogni loro opera. Ed
è proprio la forma decisamente scultorea
delle loro creazioni ad aprirgli le porte di
gallerie d’arte e musei. Al principio si fanno
notare soprattutto all’estero, in Francia,
dove nel 2014 la gallerista Stella Kalinina
ne promuove l’immagine, affascinata dalla
loro sorprendente modernità. «I gioielli
Alvian - afferma Andreana - prendono vita
tra i fuochi ardenti del metallo fuso e blocchi
amorfi di cera scolpiti emotivamente.
Fiori forse, ma anche soli e stelle, assaggi
di una natura imprevedibile». «Nessun
modello o stampo a ricalcarne la forma -
prosegue Alessandro - perché ogni creazione
ha origine nella cera e con essa “si
perde”, lasciando di sé soltanto l’anima
scultorea definitiva con il sigillo di irriproducibilità».
Ogni loro creazione, dunque,
è un pezzo unico. Libero è il tipo di collaborazione
che unisce i due artisti dalle
personalità ben distinte; un’indiscutibile
autonomia che confluisce nel confronto e
nello scambio di opinioni quale stimolo allo
sviluppo di idee e sinergie creative. Da
ultimo un progetto in nuce che introdurrà
nella produzione anche gli oggetti di design:«Sarà
qualcosa di molto diverso, collegabile
ad un settore per cui la Toscana è
famosa; ne riparleremo alla prossima mostra»,
conclude Andreana sorridendo e lasciandoci
con un alone di mistero.
Il giglio (ciondolo), bronzo brunito con serpentinite
Sterlizia (ciondolo), bronzo rosato con Giada
I pampini (bracciale), bronzo brunito con serpentinite
Andreana Piscopo e Alessandro
Donati hanno esposto le loro
creazioni a Parigi, nella galleria
d’arte Ruskyi Mir; a Montecarlo,
Espace Leo Ferré e a Cannes, Salon
du port vieux. In Italia, oltre alla personale
tenuta a Gubbio nella cornice
di Palazzo Pretorio, hanno presentato
i loro lavori a palazzo Giureconsulti di
Milano e al Museo Bellini di Firenze.
Sempre a Firenze, a dicembre 2017,
hanno inoltre partecipato alla mostra
di artisti contemporanei dedicata
a Donatello, svoltasi nella Basilica
di San Lorenzo.
www.alviangioie.it
info@alviangioie.it
+39 3475128418 (Andreana Piscopo)
Alvian Joy Sculptures
Anello in bronzo rosato con effetti di brunitura
44 ALVIAN JOY SCULPTURES

Personaggi
Ambasciata del Cile a Roma: diploma di riconoscimento al
giornalista Roberto Savio per aver contribuito in maniera
decisiva e disinteressata a ristabilire la democrazia
nella nazione sudamericana
Testo e foto di Elena Maria Petrini
Martedì 23 gennaio 2018 presso
l’ambasciata del Cile a
Roma è stato consegnato
dall’ambasciatore Fernando Ayala, a nome
del Governo del Cile, un diploma di
riconoscimento al giornalista Roberto
Savio per aver contribuito in maniera
decisiva e disinteressata al recupero
della democrazia nel Paese sudamericano,
appoggiando la lotta democratica
e salvando la vita a molti perseguitati
politici durante gli anni oscuri della dittatura
militare. Questo tributo è stato
conferito in passato anche agli ex ambascatori
Roberto Toscano, Anna Sofia
Vergottini, Piero de Masi, Emilio Barbarani,
all’ex senatore Gilberto Bonalumi e
ad Elena Paciotti, presidente della Fondazione
Lelio Basso. Economista e giornalista,
Roberto Savio ha dedicato gran
parte della sua vita all’avvicinamento
dell’Italia all’America Latina, stabilendo
non soltanto con il Cile intense relazioni
politiche e forti vincoli di amicizia personali,
come ad esempio Eduardo Frei
Montalva, candidato alle elezioni presidenziali
del Cile nel 1963. Nel 1964,
assieme al giornalista argentino Pablo
Piacentini oggi scomparso, fonda l’agenzia
di notizie IPS, autentica voce del
Terzo Mondo e dell’area sudamericana
in particolare; durante gli anni della
Guerra Fredda l’agenzia - una cooperativa
di giornalisti liberi e indipendenti
da ideologie politiche - si dimostra subito
all’altezza di poter competere con
le grandi agenzie transnazionali come
la Reuters e l’Associated Press. Collaborano
con la IPS molti rilevanti appartenenti
al mondo politico, giornalistico,
culturale ed accademico, inclusi l’ex
ministro degli Affari Esteri ed ambasciatore
del Cile presso la Santa Sede
Mariano Fernàndez, il corrispondente
in Italia di Radio Cooperativa Jorge
Pina e Mario Dujisin dell’ufficio stampa
del presidente Allende che dopo il golpe
si incorporò nell’IPS. Savio ha collaborato,
tra gli altri, con l’ex segretario generale
dell’ONU Boutros Ghali, con Aldo
Moro e molti altri eminenti personaggi
della scena politica mondiale, godendo
della stima di tutti per i suoi valori di
coerenza e di onestà di principi che non
si possono eludere e che egli mantiene
oggi attraverso la pubblicazione on-line
Other News, il cui motto “raccoglie
le notizie che il mercato rifiuta”. A nome
della presidente del Cile Michelle Bachelet
e del ministro degli Affari Esteri
Heraldo Munoz, Roberto Savio riceve il
diploma, con il ringraziamento dell’ambasciatore
Fernando Ayala.
L’ambasciatore del Cile, Fernando Ayala, consegna il diploma di riconoscimento al giornalista Roberto Savio
ROBERTO SAVIO 45

Firenze
Mostre
Sirio Salimbeni
Fino al 28 febbraio l’Accademia delle Arti del Disegno ricorda
l’artista fiorentino nel centenario della nascita con settanta opere
pittoriche e grafiche
di Barbara Santoro
Dal 4 al 28 febbraio l’Accademia
delle Arti del Disegno ospita una
mostra dedicata all’artista Sirio
Salimbeni (1917-2006), esponente di
spicco della pittura fiorentina nel secondo
dopoguerra. La figlia Cecilia, promotrice
della mostra insieme ai fratelli Renato e Nicoletta,
è stata mia compagna di classe alle
scuole elementari e proprio in quest’occasione
ho avuto modo di ritrovarla a distanza
di sessant’anni. Ricordo bene suo
padre Sirio che l’accompagnava a scuola
con un’utilitaria grigia: portava curiosi baffetti
che sembrava si muovessero sotto
gli occhi chiari e vispissimi ed un’aureola
di capelli scuri intorno alla precoce calvizie
che accentuava la rotondità del suo
viso. Questa mostra gli rende omaggio riunendo
circa settanta opere comprese tra
il 1935 e il 2000. Quadri dai colori severi
e dalle pennellate decise raffiguranti nature
morte, fiori, ritratti di familiari e oggetti
comuni elevati a ricerche cromatiche di
grande qualità. Nato a Firenze il 29 maggio
del 1917, dopo aver frequentato con profitto
il Regio Ginnasio Michelangelo fino alla
quinta classe, Sirio Salimbeni passa al
liceo artistico, dove si diploma nel 1935.
Nel settembre dello stesso anno s’iscrive
all’Accademia di Belle Arti, dove studia con
Felice Carena e Carlo Rivalta diplomandosi
a pieni voti nel 1941. Su suggerimento
di alcuni professori partecipa giovanissimo
a vari premi, conseguendo nel 1939 il
Premio Bastianini di quattrocento lire e il
Premio Domenico Trentacoste. Nel 1942
Sirio Salimbeni
è tra gli organizzatori della mostra di Ottone
Rosai alla galleria Il Ponte sul Lungarno
Guicciardini. A questa seguirono le
mostre di Pregno, Zancanaro e Santomaso.
Nel 1946 diventa assistente alla catte-
Gruppo di famiglia, olio su tela, 1952
46 SIRIO SALMBENI

dra di Anatomia Artistica del policlinico di
Careggi e in seguito docente all’Accademia
di Belle Arti di Firenze, incarico conservato
per tutta la vita. Oltre ad un’intensa
attività pittorica ha realizzato anche diversi
affreschi, bassorilievi in cotto e un fonte
battesimale in travertino. Suo anche il restauro
eseguito per una chiesa nei pressi
di Rapolano Terme e i mosaici all’I.T.I.
di Firenze e nel convento di San Francesco
a Figline Valdarno. Nel 1956 l’opera Piani
dell’Aspromonte entra a far parte della
Galleria d’Arte Moderna di Firenze, seguita
nel 1968 dalla Figura di giovinetta, opera
del 1938. Molte le mostre personali in vari
luoghi della città, come quella di pittura e
grafica all’Accademia nel 1958. Il 30 marzo
del 1967 diventa accademico aggregato,
come ci ricorda puntualmente Cristina
Acidini, presidente dell’Accademia delle
Arti del Disegno. Si è dedicato inoltre alla
poesia, pubblicando nel 2005 la raccolta
di versi intitolata Poscritto. Domenico
Viggiano, curatore della mostra insieme
ad Enrico Sartoni, ha scritto nel catalogo
edito da Polistampa: «Senza mai perdere
la sua sensibilità, anche nelle mutate
forme espressive, Sirio Salimbeni ha percorso
il Novecento, e nel suo caso si tratta
di un’espressione veramente compiuta,
con la forza della propria consapevolezza
e la coscienza del proprio essere: come
docente, come artista e soprattutto come
uomo». Giuse Benignetti, storica dell’arte
e memoria vivente del Gruppo Donatello,
intervenendo all’inaugurazione ha ricordato
che anche la figlia Cecilia si era iscritta
all’Accademia per poi trasferirsi alla Facoltà
di Medicina. Rivedere Cecilia ha distanza
di molti anni è stato emozionante, come
se il tempo non fosse passato; abbiamo ricordato
la nostra maestra Fosca Ferretti e
le belle giornate trascorse nella mia campagna
a Pozzolatico.
Ritratto di massaia, olio su tela, 1939
Sirio Salimbeni 1917 - 2006
4 - 28 febbraio 2018
Accademia delle Arti del Disegno -
Firenze
Sala delle Esposizioni
(angolo Piazza San Marco)
Giorni e orari di apertura:
da martedi a sabato
10:00/13:00 - 17:00/19:00
domenica 10:00/13:00
Ingresso gratuito
Babbo, olio su tela, 1935
SIRIO SALIMBENI 47

Eventi in
Toscana
Riccardo Baldini
Le opere oniriche dell’artista pistoiese in mostra
dal 10 al 18 febbraio al Palazzo Datini di Prato
di Barbara Santoro / foto Stefano Di Cecio - Gutenberg
Dal 10 al 18 febbraio si è tenuta
a Palazzo Datini la personale
di Riccardo Baldini intitolata
Il teatro dell’onirico. Pitture di Riccardo
Baldini. Curata da Niccolò Lucarelli, la
mostra è stata promossa dall’associazione
culturale Asterisco con il patrocinio
del Comune di Prato. «Se in alcune
tele si ritrova il periodo blu di Picasso
con quelle atmosfere boreali, lattiginose
e sospese - afferma il curatore
della mostra - in altre, dalle prospettive
ampie e i fondali scuri, si assapora
il Simbolismo di Redon e Böcklin,
sempre però filtrato dalla personale interpretazione
pittorica dell’artista, il cui
Surrealismo non indulge all’esplorazione
di mondi impossibili o di fantasie
lisergiche, bensì è concentrato sull’interiorità
dell’individuo, che, moderno
argonauta, si muove lungo la china dei
pensieri». Una mostra intessuta di riferimenti
letterari, come evidenziato
da Niccolò Lucarelli che a questo proposito
afferma: «Quello di Riccardo
Baldini è un viaggio metaforico e silenzioso
che ricorda la discesa agli inferi
di dantesca memoria. L’artista però
non giudica nessuno, anzi egli stesso
è il primo ad interrogarsi; la quasi totalità
delle sue opere nasce, infatti, da
ricordi personali, incontri e suggestioni
che si materializzano sulla tela allo
scopo di rivelargli se stesso. Non c’è
malvagità nei suoi individui mascherati
che rimandano a Pirandello, anzi
sembra di scorgervi una timidezza
congenita, estremo baluardo per nascondere
un dolore esistenziale, o comunque
la debolezza dei tanti dubbi
che li tormentano. La poetica di Brecht
e Beckett emerge nei fondali scuri, che
sono altrettanti scenari della solitudine
contemporanea, dove gli individui indugiano
in attesa di un qualche Godot,
che cela molto spesso un loro alter ego.
Appena differente il discorso per quelle
nature morte sui generis, che l’artista
preferisce titolare Evocazioni. Qui si
raccoglie un mondo nuovo di oggetti
trovati per caso peregrinando in lande
dall’atmosfera lunare, la cui vena surreale,
sottilmente inquietante, è vicina
alla poetica di Lewis Carroll e crea
un mondo naturale e primitivo che accoglie
la vita umana e ne costituisce lo
sfondo per speculazioni dal sapore immaginifico».
Riccardo Baldini
48 RICCARDO BALDINI

Barbara Santoro con il curatore della mostra Niccolò Lucarelli
Relitto, olio su tela, cm 100x79
In questa foto e in quella accanto foto alcuni scorci della mostra nella Chiesa di S.Biagino a Pistoia
RICCARDO BALDINI 49

La Pragma srl, azienda di Prato,
opera nel settore dell’Outsourcing
Alberghiero e dei Servizi Fiduciari
La Pragma srl, fondata sull’esperienza
lavorativa acquisita dai soci nel corso
degli anni, opera nel settore dell’Outsourcing
Alberghiero e dei Servizi Fiduciari.
Il servizio base che l’azienda ha introdotto
sul mercato è la gestione di
appalti all’interno di Strutture Alberghiere,
Centri Commerciali, Cantieri
Edili e Strutture Pubbliche e Private,
attraverso accordi di Partnership che
tengano conto delle potenzialità recettive
del partner prescelto e della
volontà del cliente a voler sviluppare
il proprio core business, concentrandosi
su quest’ultimo e terziarizzando
il resto. L’Azienda è ormai una realtà
ben attestata sul territorio della Regione
Toscana, in particolar modo nelle
città di Firenze e Prato.
I soci Francesco Bellantuono e Marco Vignoli
La lunga esperienza maturata negli
anni, ha dato a PRAGMA l’opportunità
di servire importanti aziende leader
nel settore del turismo, riferendosi soprattutto
a strutture alberghiere a 3 e
4 stelle. La soddisfazione del Cliente è
massima quando riesce ad ottenere un
ottimo servizio; per il raggiungimento
di questo risultato PRAGMA è orientata
a una scrupolosa organizzazione e gestione
dei piani dell’Albergo, per permettere
al Cliente di mantenere sempre
alti gli standard di pulizia e qualità.
50 PRAGMA

PRAGMA s.r.l. opera specificamente
nel campo dei servizi di Vigilanza Non
Armata, di Guardianato e Sorveglianza,
di Portierato e Accoglienza Clienti.
Il punto di forza qualitativo di PRAG-
MA è nella sua capacità di essere
presente in modo capillare e radicato
sul territorio, del quale sviluppa una
conoscenza mirata, unita all’efficace
collaborazione con aziende che rappresentano
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PRAGMA 51

A cura di
Elena Maria Petrini
Il gastronomo Arkiwine racconta...
Varietà e proprietà dei cereali
di Andrea Russo
I
cereali sono piante annuali: crescono,
fioriscono, producono frutti ed infine
muoiono. Un ciclo che si conclude
entro un anno dalla semina. I più importanti
sono otto: l’onnipresente grano, nella
versione tenero o duro, e a seguire, ma
non per importanza, farro, riso, mais, orzo,
avena, segale e miglio. L’etimologia
della parola “cereale” deriva dalla parola
latina Ceres, la dea romana del raccolto
e dell’agricoltura. Questo denota l’importanza
attribuita a questo alimento dai nostri
avi. I cereali non sono coltivati nel
medesimo modo ed hanno esigenze climatiche
diverse. Per esempio, il frumento,
la segale, l’aveva, l’orzo e il farro sono
cereali della stagione fredda, piante robuste
che amano climi moderati, cessano
di crescere quando le temperature salgono
vigorosamente mentre possono, invece,
prosperare negli inverni più rigidi. Riso,
mais e miglio sono cereali della stagione
calda, più delicati, preferiscono temperature
più elevate. Nell’alimentazione umana
i cereali sono consumati quotidianamente.
Tuttavia, la maggior parte della popolazione
si alimenta troppo con gli stessi. È
il caso del frumento e di tutti i suoi derivati
(pasta, biscotti, croissant), nonché del
mais (polenta e biscotti), entrambi per lo
più raffinati. In Italia e nei paesi sviluppati
il cereale principe dell’alimentazione è il
grano che viene usato per produrre pane,
pasta, biscotti, grissini, brioche e la maggior
parte dei prodotti da forno. In piccole
quantità invece vengono consumati: riso,
farro, mais, orzo e avena. Irrisorio, almeno
in Italia, è l’utilizzo di segale e miglio. Mangiare
a rotazione le tante varietà di cereali
garantisce la copertura di tutti gli elementi
nutrizionali di cui il nostro organismo ha
bisogno. È fondamentale, però, mangiarli
integrali e non raffinati, cioè non espropriati
del loro guscio esterno, lo strato
aleuronico, presente nella cariosside degli
stessi. Questo perché i numerosi elementi
preziosi in loro custoditi andrebbero
persi. Una variegata gamma di importanti
nutrienti: proteine, carboidrati, grassi,
enzimi, vitamine e minerali. Se un cereale
è integrale offrirà maggior nutrimento e
la giusta quantità di fibre per il nostro benessere
quotidiano. I cereali sono uno dei
pilastri della nostra catena alimentare insieme
a frutta, verdura e legumi.
Contatta il gastronomo:
andrearusso.gastronomo@gmail.com
L’autentico sapore del Giappone nel cuore di Firenze
In via Romana un ristorante dove gustare le specialità della cucina nipponica
di Elena Maria Petrini
E’ uno staff tutto giapponese quello
che accoglie gli appassionati di cucina
orientale al ristorante Il cuore
in via Romana 123 rosso a Firenze. La
parola d’ordine del giovane e gentilissimo
proprietario, Nikato Takayama, è “omotenashi”,
ovvero l’ospitalità, il tutto immerso
in una perfetta atmosfera nipponica.
Il cliente è considerato dalla cultura giapponese
alla stregua di una divinità; da qui
l’importanza di servirlo rispettandone tutte
le esigenze ed offrendogli un percorso
sensoriale attraverso i sapori tipici del Sol
Levante: ospitalità, dunque, ma autentica,
genuina e dettata dal cuore, come ricorda
anche il nome del locale. In cucina
due protagonisti ovviamente giapponesi:
lo chef Masa specializzato nei piatti di pesce
crudo e lo chef Jin che si occupa invece
dei piatti a base di carne e di pesce cotti.
Questi due “artisti” della cucina delizieranno
i vostri palati con le famose specialità
nipponiche, come il Sushi (pesce crudo
e riso bianco), il Sashimi (solo pesce crudo),
oltre al menù tipico giapponese à la
carte e il Kaseiki, il tradizionale menù degustazione
nelle due versioni “autentico”
e “il cuore”. Il Kaseiki segue dettami filosofici,
quasi di un’altra dimensione fatta di
sapori da scoprire lentamente, ingredienti
freschi, armonie di gusti e colori, ma anche
amore per i dettagli e la qualità. Le
portate sono elegantemente disposte su
piatti singoli, con molte proposte affascinanti,
come maiale grigliato con zenzero,
insalate di branzino fresco, tonno e avocado,
ma anche verdure marinate sottaceto,
magari da accompagnare con polpette di
pollo; il tutto sempre rispettando la stagionalità
della materia prima. Come dessert il
particolarissimo gelato Kuzumochi, da abbinare
ad altri prodotti made in Japan, come
il sake, varie qualità di tè verde, la birra
di Saitama, le bevande alcoliche Shochu
(d’orzo) e Umeshu (di prugna) e il Japanese
whisky. Non manca una selezione di vini
italiani a scelta tra bianchi, rosati e rossi.
Contattail gastronomo:
www.ristoranteilcuore.it
52 ARKIWINE

Dopo la recente visita alla Fondazione Franco Zeffirelli, i prossimi
eventi organizzati da Arkiwine nei mesi di marzo ed aprile
di Elena Maria Petrini / foto Maurizio Mattei
Arkiwine ha iniziato il nuovo anno
con la visita alla Fondazione
Franco Zeffirelli, dove abbiamo
potuto apprezzare la collezione d’arte
del maestro (oltre 250 opere, tra cui
bozzetti di scena, disegni e figurini di
costumi) all’interno dell’ex Tribunale
in piazza San Firenze, in uno dei pochi
esempi di palazzi fiorentini d’epoca barocca.
Tra le sale visitate l’ultima è stata
una bella sorpresa dedicata alla proiezione
di un cortometraggio che illustra
il progetto cinematografico Zeffirelli’s
Inferno ideato alla fine degli anni Settanta
e mai realizzato. Ringraziamo per
la partecipazione anche Vittorio Frabetti,
Paolo Baldini, Silvano Evangelista,
Giuseppe Alessandrino Dario Fantini,
Lorenzo Leonelli, Alessio Muzzoni,
Carmelo Abbate, Francesco Mondini,
Giovanni e Marco Maleci, Antonio Catania,
Luca Innocenti, Luisa Nocentini,
Marco Morana, Patrizio Pieri, Loriano
Aiazzi, il generale Giorgio Zanasi, Selin
Sanli, Daniela Mugnai, Alessandro Susini,
Cristiano Tafi, Matteo Dolfi, Patrizia
Biagiotti, Antonio Pieri, Anna Chiti
Batelli e tutti coloro che hanno partecipato
a questa magnifica serata.
L’evento di inaugurazione del nuovo Polo
Eno Tecno Art presso l’ICLAB di Firenze
si terrà sabato 21 aprile alle ore 16:30
anziché il 24 febbraio come indicato
nell’articolo pubblicato lo scorso mese.
Il prossimo 17 marzo alle ore 17 presso
l’Istituto di Scienze Militari dell’Aeronautica
a Firenze si svolgerà un evento
dedicato alla storia, alla letteratura e ai
prodotti del territorio per la riscoperta
delle caratteristiche profonde dell’italianità.
Per informazioni e prenotazioni scrivere a:
arteatavola2018@gmail.com
Elena Maria Petrini insieme a Gianni Morosini, Marco Masselli e Silvano
Evangelista
Col Professor Gian Marco Faorzi (da sx), Niccolò Lucarelli, Luca Innocenti,
Ricciardo Artusi, Piero Torricelli
Da sinistra, Stefano Perini, Carla Di Gregorio, Marcello Belgrado, Fabrizio
Borghini, Elena Maria Petrini e Maria Grazia Dainelli
Insieme a Piero Torricelli, Alessandra Gerini e Claudio Tongiani
Con Patrizia Sani, Giovanni Donnini, Monica Pignat, Antonio Brazzetti,
Luigi Di Meglio, la docente Maria Di Benedetto e Gilberto Cecchini
Paolo Baldini e Giuseppe Alessandrino
ARKIWINE
53

Un nuovo spazio espositivo Arte Atelier è stato inaugurato nel palazzo della famiglia Altoviti Avila edificato nel
XVI secolo in via di Peretola 45, nell’antico borgo situato nella storica e magica periferia ovest di Firenze, dove
sono nati illustri personaggi come Amerigo Vespucci e Zoroastro da Peretola, spericolato collaudatore
della “macchina per volare” di Leonardo da Vinci, e dove sono stati ambientati novelle e racconti di Giovanni
Boccaccio e di Francesco Redi. Inoltre, nel territorio di Peretola alcuni illustri storici hanno anche individuato
i luoghi dove Carlo Lorenzini ha ambientato Le avventure di Pinocchio e verosimilmente nel locale dell’atelier,
dove si trovava fino ai primi del ‘900 una pluriclasse frequentata dal discolo burattino. Arte atelier è uno
spazio/salotto accogliente ed informale dove è possibile parlare di arte e dove possono trovare ospitalità varie
espressioni artistiche come pittura, scultura, fotografia, arti letterarie, ecc.
Art director: Giuseppe Rizzo Schettino
www.arteatelier.net / info@arteatelier.net - +39 055 0500106 / + 39 393 388577794

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Eventi in
Toscana
37ª edizione del concorso di pittura Spiga d’Argento
Lo scorso 14 gennaio la cerimonia di premiazione alla presenza degli artisti e delle autorità
Testo e foto Foto courtesy dal Circolo Arci di Montagnana
Domenica 14 gennaio 2018, nella
sala consiliare del Comune
di Montespertoli, si è svolta la
cerimonia di premiazione dei vincitori
del concorso di pittura Spiga d’Argento,
alla presenza del sindaco di Montespertoli
Giulio Mangani, del presidente
del Consiglio Regionale della Toscana
Eugenio Giani e dell’assessore alla Cultura
di Montespertoli Elena Ammirabile,
di fronte ad una folta platea di artisti
e pubblico.
Il primo premio è stato assegnato ad
Alberto Vignoli per l’opera La sciarpa
Il secondo premio a Bruno Sabatini per
l’opera Senza confini
Il terzo premio a Vincenzo Montecalvo
per l’opera Le parole dell’anima
Il quarto premio a Lello Negozio per l’opera
Paesaggio
Il quinto premio a Silvano Sordi per l’opera
Sagome cento città
Il sesto premio a Michele De Niccolò per
l’opera Paesaggio con neve
La giuria ha inoltre segnalato i seguenti
artisti: Marco Chiarini, Giosuè Cino,
Alessandra Zago, Franco Ramerini, Giuseppe
Matera, Vittorio Braccesi e Bruno
Nardi.
La giuria del concorso era composta da
Elena Ammirabile, assessore alla Cultura
del Comune di Montespertoli, il professor
Ugo Barlozzetti, Andrea Nicita ed
Ernesto Piccolo; presidente della giuria
Andrea Pignataro, segretario Francesca
Di Natali.
Come da tradizione anche quest’anno
è stato assegnato il Premio speciale
Spiga d’Argento riservato a figure che
si sono distinte nel mondo della cultura,
della scienza, del giornalismo e delle
arti. Quest’anno il premio è andato a
Luca Alinari, artista tra i più significativi
nel panorama artistico contemporaneo.
A lui il presidente Eugenio Giani ha
consegnato la scultura Spiga d’Argento
realizzata dall’artista Andrea Nicita. Altra
premiata, Alessia Arena, cantante e
attrice impegnata nel sociale; anche a
lei è andata la scultura Spiga d’Argento
opera di Andrea Pignataro.
La mostra delle opere in concorso è stata
allestita al Circolo Arci di Montagnana
(Saletta della Spiga), con la supervisione
di Alessandro Poggianti, presidente
della Casa del Popolo, e Franco Giachi,
presidente del Circolo Arci ed organizzatore
del premio di pittura. Circa cinquanta
i partecipanti ed ottanta le opere
esposte, tutte di buon livello. Significativa
la risposta degli artisti, intervenuti
in grande numero sia all’apertura della
manifestazione il 6 gennaio che alla cerimonia
di premiazione.
Il presidente Eugenio Giani consegna il premio speciale Spiga d’Argento al maestro
Luca Alinari; insieme a loro Alessandro Poggianti (da sinistra), il sindaco di
Montespertoli Giulio Mangani, Andrea Pignataro, Andrea Nicita e Fabrizio Borghini
Al centro, la cantante e attrice Alessia Arena con il premio speciale
Spiga d’Argento assegnatole dall’assessore alla Cultura di Montespertoli
Elena Ammirabile (a sinistra); con loro Andrea Pignataro, autore
dell’opera
Un momento della premiazione; in foto l’artista Bruno Sabatini
La mostra delle opere in concorso al Circolo ARCI di Montagnana
56 SPIGA D’ARGENTO

Angela Viti
Anna Nozzoli
Alessandra Zago
Rinaldo Barnini
Bruno Nardi
Nadia Calosi
SPIGA D’ARGENTO
57

Eventi in
Toscana
Bruno Pagni
Luca Campaini
Bruno Sabatini
Chiara Campigli
Marco Chiarini
Cristina Falcini
Stefania Ballerini
Roberta Cibecchini
Gairy Gibbons
Lorella Consorti
58 SPIGA D’ARGENTO

Claudio Caioli
Cosetta Di Pietrantonio
Daniele Spisa
Franco Ramerini
Elena Migliorini
Domizio Poggiarelli
Alberto Vignoli
Francesca De Nicolo’
Elisa Sestini
Lello Negozio Michele De Nicolò Vincenzo Montecalvo
Luciano Cioni
Mara Faggioli
SPIGA D’ARGENTO
59

Eventi in
Toscana
Mauro Petralli
Giuseppe Matera
Caterina Lorenzo
Grazia Di Napoli
Maria Rosa Rabbene
Luciano Carpitelli
Maria Rosa Giuliani
Simone Masetto Maghe
Marta Carlesi
60 SPIGA D’ARGENTO

Simone Malizia
Saverio Bardi
Silvano Sordi
Nancy Yuckman Biagi
Stefania Natalicchi
Giosuè Chino
Natale Rosselli
Vittorio Baccesi
Giuseppe Setteducati
Stefania Sassoli
SPIGA D’ARGENTO
61

Eventi in
Toscana
Dall’11 al 25 febbraio alla Palazzina dei Cacciatori di Cerreto Guidi
Testo e foto di Claudio Caioli
La Palazzina dei Cacciatori, edificata
per volontà di Cosimo I dei Medici
contemporaneamente ai lavori
di costruzione della Villa Medicea di Cerreto
Guidi, era il ritrovo abituale dei frequentatori
delle cacce a Cerreto. In questa
suggestiva location si svolgerà, dall’ 11 al
25 febbraio, la seconda edizione di Carnevalarte,
mostra collettiva di pittura, scultura
e fotografia. La mostra, patrocinata
dal Comune di Cerreto Guidi, è a cura
di Claudio Caioli in collaborazione con la
Proloco di Cerreto Guidi e l’associazione
Toscana Cultura. Presenti in mostra
gli artisti: Valerio Savino, Diana Polo, Rosario
Fiandaca, Susi La Rosa, Maria Giulia
Broccardi Schelmi, Mauro Baroncini,
Margherita Biondi, Claudio Bellari, Cristina
Falcini, Lidia Atzori, Elena Bini, Valeria
Cappelletti, Linda Pucci, Jacqueline Magi,
Bruno Sabatini, Fippo Benci, Euro Elmi,
Grazia Di Napoli, Fulvio Persia, Cosetta
Dipietrantonio, Elena Migliorini, Alessandra
Zago, Fenice Animus, Carlo Magnolfi,
Michele Maioli, Alfonso Fantuzzi, Luigi
Viti, Lorenzo Viti, Susanne Jhon, Cloe Petrilli,
Annalisa Fusilli, Claudio Cavallini
(Kevo) e Roberto Guerri.
In collaborazione con
Con il patrocinio di
Comune di Cerreto Guidi
Un momento dell’inaugurazione; da destra Claudio Caioli, curatore della mostra, Simona Rossetti,
sindaco di Cerreto Guidi e il giornalista Fabrizio Borghini
La Palazzina dei Cacciatori a Cerreto Guidi, sede della mostra Carnevalarte
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