fitainforma_estate_2023

fitainforma
ANNO XXXVI - N. 1/2
luglio/agosto 2023
1

copertina
Non potevamo non ricordare Alberto Sordi,
a vent’anni dalla scomparsa, dedicandogli
anche la copertina di questo numero estivo.
È stato uno dei più grandi e significativi attori
italiani, capace di lasciare una traccia indelebile
nella cultura del nostro Paese, dando
un volto e un’anima all’italiano medio, con
i suoi vizi e le sue virtù. Ci ha fatto ridere e
piangere, sorridere a denti stretti delle nostre
contraddizioni. E continua a farlo.
fitainforma
Bimestrale
del Comitato Regionale Veneto
della Federazione Italiana
Teatro Amatori
ANNO XXXVI
luglio/agosto 2023
Registrazione Tribunale
di Vicenza n. 570
del 13 novembre 1987
Direttore responsabile
ANDREA MASON
Direzione e redazione
Stradella delle Barche, 7
36100 VICENZA
tel. 0444 324907
fitaveneto@fitaveneto.org
www.fitaveneto.org
Responsabile editoriale
MAURO DALLA VILLA
Caporedattore
Alessandra Agosti
Grafica
Stefano Rossi
Segreteria
Eleonora Tovo
indice
01 EDITORIALE di Mauro Dalla Villa
02 Pillole di Teatro vola verso la finalissima
04 60° Teatro dalla Scuola.
Il concorso dei giovani continua a regalare emozioni
05 Fita nazionale / A Vicenza una conferenza quadri
aperta a istituzioni e territorio
06 MASCHERA D’ORO / Un finale scintillante
per l’edizione più diffcile di sempre
09 Gran Premio del Teatro Veneto / Una finale per sei
10 GIULIANA MUSSO / INTERVISTA
Ma il teatro può essere politicamente corretto?
12 Progetti / Nel 2024 si celebra il centenario della morte
di Eleonora Duse
14 Anniversari / Alberto Sordi. Vent’anni dopo
ci racconta ancora chi siamo

Editoriale
Un insieme coordinato
che non sia autoreferenzialità
Un numero estivo ricco di molte iniziative per Fitainforma: alcune
appena concluse, altre ancora in corso nella nostra regione; tante
altre, soprattutto delle nostre compagnie, non riescono a trovare
posto in queste pagine.
Una carrellata per sottolineare lo spessore di molte di esse, più
che per il gusto di raccontarsi. E, naturalmente, approfondimenti
su quanto è teatro in generale, per aprire lo sguardo e allargare
l’orizzonte di ognuno di noi.
Possiamo dire che le nostre attività come associazioni culturali e
teatrali sono in pieno svolgimento e che, in tanti casi, sono persino
riprese con una marcia in più, caricati forse dalla voglia di fare
che ci portiamo dietro dopo questi anni di incertezza.
Ancora una volta Fitainforma ci rende partecipi di quanto sia
articolata e diffusa l’azione che F.I.T.A. nel Veneto propone agli associati
e più in generale alla cittadinanza, spesso in collaborazione
con Enti e Istituzioni che ci vedono come partner affdabili.
L’azione costante di chi rappresenta la nostra Federazione è,
però, talvolta indebolita da alcuni (pochi per la verità) che, probabilmente
per disattenzione, agiscono in maniera personale e
alcune volte inopportuna.
Nel fare teatro è naturale cercare, anche in modo inconsapevole,
l’approvazione, il riconoscimento, l’applauso. È giusto, per chi
aspetta questo momento dopo mesi di preparazione e di impegno:
ma quando ciò avviene avendo di proposito prevaricato se
non i meriti almeno l’attività di altri, non è salutare.
Spesso i successi di tanti sono frutto anche del lavoro, a volte
silenzioso, di pochi, che il più delle volte restano in ombra. Non
riconoscerlo, o addirittura sopraffare, appare un atto di prepotenza.
Ancora una volta queste azioni sono compiute, il più delle volte,
da chi non partecipa agli appuntamenti e alla vita federativa,
pertanto fatica a rendersi conto che, spesso, ciò che gli consente
o gli offre l’occasione di sentirsi appagato è possibile in virtù
dell’operare di altri che lo fanno per un obiettivo comune e non
personale.
Impariamo a comprendere che nessuno è suffciente a se stesso
e al suo fare teatro e che la forza della nostra Federazione è
l’azione dei tanti che, certamente anche un po’ per se stessi, ma
in modo generoso si spendono anche per tutti gli altri.
Buone vacanze e buon teatro a tutti.
Mauro Dalla Villa
Presidente F.I.T.A. Veneto
1

FESTIVAL REGIONALE
«Pillole di Teatro»
vola verso la finalissima
Saranno dodici, due per ciascuna selezione provinciale, i candidati alla vittoria
Serata conclusiva venerdì 8 settembre alle 21 a Rovigo, in piazza Annonaria
2

Si preannuncia davvero
brillante la terza edizione di
Pillole di Teatro, il festival regionale
del monologo che Fita
Veneto propone d’intesa con i
propri comitati provinciali e in
collaborazione con i Comuni
che, tra giugno e luglio, sono
stati scelti come scenario delle
selezioni provinciali per Padova,
Rovigo, Treviso, Venezia,
Verona e Vicenza. Il tutto con
obiettivo la finalissima in programma
venerdì 8 settembre
come sempre a Rovigo: è qui
infatti che il festival è nato nel
2020, come rassegna polesana,
per poi ampliarsi e divenire
apprezzatissimo concorso
regionale.
A contendersi il premio, che
consistente nell’ingresso diretto
alla finale di un concorso
nazionale del monologo, saranno
dodici interpreti, vale a dire
i due vincitori di ciascuna delle
sei selezioni provinciali.
La kermesse è iniziata a Vicenza,
sabato 17 giugno ai Chiostri
di San Lorenzo, dove l’appuntamento
è stato inserito
anche nella rassegna “Teatro in
Corso”, promossa dal Comitato
provinciale Fita per i suoi 40
anni dalla fondazione. Per la
provincia di Rovigo è proseguita
venerdì 30 giugno al
palazzetto dello sport di Polesella,
mentre sabato 1 luglio la
serata di selezione è andata in
scena al Teatro Polivalente di
Abano Terme. Venerdì 7 luglio,
per Verona, appuntamento
all’esterno di Villa Carrara Bottagisio
a Bardolino, e venerdì
14 luglio, per Treviso, tappa
nella Loggia della Ragione in
Piazza Gabriele D’Annunzio ad
Asolo. Per Venezia, infine, selezioni
venerdì 21 luglio in Piazza
Celso Costantini a Concordia
Sagittaria.
Concluse le selezioni, dunque,
l’appuntamento sarà venerdì 8
settembre alle 21 in piazza Annonaria
a Rovigo, dove questo
evento, così come la tappa di
selezione polesana, sarà realizzato
anche con il contributo di
Fondazione Rovigo Cultura.
«Siamo molto orgogliosi del
nostro festival – commenta
Mauro Dalla Villa, presidente
FITA Veneto – che ha incontrato
fin da subito grande
apprezzamento sia da parte
del pubblico, che non manca
mai agli appuntamenti provinciali
e alla finale a Rovigo, sia
Tutti i candidati
VICENZA - Marco Barbiero,
Claudia Beggiato, Davide
Berna, Eugenio Berti,
Marcello De Boni, Marilena
Lievore, Erika Magnabosco,
Sladjana Markovic, Stefania
Matrangolo, Rita Pellizzari,
Sara Peretti e Gabriele
Serraglio
ROVIGO - Roberta Bazzan,
Cristina Bellettati, Marco
Bottoni, Angelo Brenzan,
Margherita Cercolato, Elena
Crepaldi, Carlo Alberto
Ferrari, Alberto Garbellini,
Raffaela Longhini, Enrico
Maggiolo, Roberto Pinato
ed Elena Tomasi.
PADOVA - Mariano Agostinelli,
Andrea Boscolo,
Maila Donin, Rossella
Fondello, Roberto Menin,
Marina Moscato, Beniamin
Robert Puiu, Enrico Testa,
Elena Vettorato e Cristiana
Zangrandi.
VERONA - Matteo Bertassello,
Giulia Giordano, Antonio
Guardalben, Daniela
Felzani, Francesca Marchesini,
Catia Meneghinello,
Arnaldo Pernigo, Giulia
Rigoni e Giovanni Vit.
TREVISO - Anna Bernardi,
Giacomo Bernardi, Sebastiano
Boschiero, Elena Camporeale,
Fabio Devercelli,
Daniele Gobbo, Pasqualina
Milano, Marianna Patres,
Laura Presazzi, Fabio Sala,
Alessandra Tesser e Sara
Tozzato.
VENEZIA - Orietta Cappoia,
Paolo Ius, Daniela Mazzon,
Lucia Pantarotto, Giuseppe
Pertile e Luana Scomparin.
da parte degli stessi interpreti
che, provenienti da numerose
compagnie Fita Veneto,
in questa occasione hanno
la possibilità di proporre un
teatro più “personale”, frutto
dei propri gusti e delle proprie
inclinazioni».
L’edizione 2022 è stata vinta da
Alberto Felisati, della compagnia
El Canfin di Baricetta (Rovigo),
con il brano La notte poco
prima della foresta di Bernard-
Marie Koltès.
Poltronissima
Davvero numerosi i titoli che nei prossimi mesi riempiranno le
stagioni dei teatri veneti, fra grandi nomi della scena a talenti
emergenti, tutti da scoprire. In queste colonne proponiamo
qualche segnalazione promettente per le nostre future serate a
teatro (da spettatori!).
Sette a Tebe
Dalla tragedia di Eschilo, drammaturgia di
Gabriele Vacis e PEM, con gli interpreti di
Potenziali Evocati Multimediali
Regia di Gabriele Vacis
In prima nazionale dal 21 al 23 settembre al
Teatro Olimpico di Vicenza per il 76° Ciclo degli
spettacoli classici, con la direzione artistica di
Giancarlo Marinelli. I tebani assistono a una
tragedia della quale sono essi stessi protagonisti:
un’opinione pubblica onnipresente capace di
trasformare in “mercato” anche il più drammatico
degli eventi.
Odisseo, colui che corse al di là del mare
Giuseppe Pambieri e Tema Cultura Academy
Per il 76° Ciclo dei classici all’Olimpico di Vicenza
la prima nazionale dello spettacolo dal 13 al 15
ottobre, con coreografie di Silvia Bennett,
testo e regia di Giovanna Cordova. Tutto inizia
con un Odisseo giovanissimo, davanti al mare
nordico dell’Ulisse di Joyce. Al suo ritorno tutto
sarà cambiato, dentro di lui e nella casa che ha
lasciato.
Tipi umani seduti al chiuso
Di Lucia Calamaro, con Riccardo Goretti e Simona
Senzacqua
Transiterà per diversi teatri del Veneto (tra i
quali il Verdi di Padova dall’8 al 12 novembre)
questo progetto della celebre drammaturga,
che racconta una biblioteca di quartiere (ma
simbolo di tutti questi luoghi) come spazio di
incontro e di scontro.
Boomers
Di Marco Paolini e Michela Signori, con consulenza
alla drammaturgia di Simone Tempia e Marco
Gnaccolini
Ancora uno spettacolo che si potrà vedere su
diversi palcoscenici (tra i quali il Del Monaco di
Treviso dal 10 al 12 novembre). Sul palcoscenico
lo stesso Paolini con la cantante e attrice Patrizia
Laquidara e con Luca Chiari, Stefano Dallaporta
e Lorenzo Manfredini. I figli del boom al centro
di un racconto ambientato nel bar della Jole, tra
parole e musica.
3

GIOVANI
60° Teatro dalla Scuola
«La zattera della Medusa»
sul gradino più alto
È l’IISS «Albert Einstein» di
Piove di Sacco (Padova) con La
zattera della Medusa il vincitore
della 60ª edizione di “Teatro
dalla Scuola”, manifestazione
dedicata ai laboratori teatrali
delle scuole superiori della
regione, organizzata dal Comitato
Veneto della Federazione
Italiana Teatro Amatori
(FITA) e inserita, quest’anno,
in un progetto sostenuto da
UPI – Unione Province Italiane,
condiviso dalla Provincia
di Vicenza (ente capofila), da
Comune, Provveditorato, Liceo
Quadri e Accademia Olimpica
di Vicenza, oltre che dalla Provincia
di Rovigo. La premiazione
si è svolta venerdì 9 giugno
al Teatro San Marco di Vicenza,
che nei giorni precedenti aveva
ospitato le esibizioni dei gruppi
giunti alla finale sui diciotto
candidati.
Diretto da Giancarlo Schiavon e
Antongiulio Barbujani. Il testo
ha convinto la giuria (composta
da Alessandra Agosti, Francesco
Maria Ara, Filippo Bordignon
e Annarita Scaramella),
che così ha motivato il riconoscimento:
«Ispirato al celebre
dipinto del francese Théodore
Géricault, lo spettacolo ha dato
prova di sintesi e astrazione,
secondo un linguaggio che ha
nei corpi dei suoi protagonisti
uno degli elementi più evocativi
ed emozionanti. Impiegando
elementi di scena minimi e
senza l’ausilio di particolari scenografie,
La zattera della Medusa
dimostra un lavoro registico
coeso e originale, avvalendosi,
in aggiunta, di musiche non
scontate e di un funzionale
lavoro sulle luci. Altro grande
elemento di pregio è il lavoro
drammaturgico sul testo, un
patchwork che alterna brani di
Melville, De Andrè e Baudelaire,
fondendoli con liriche degli
studenti stessi e pervenendo a
un amalgama omogeneo e, a
tratti, commovente. Il tema del
naufragio viene affrontato senza
ricorrere a scontati parallelismi
con fatti di cronaca della
società contemporanea, caricandosi
così di un’universalità
in grado di lanciare, con una
forza ancora più dirompente,
il grido di chi si sta aggrappando
alla propria vita come se
questa fosse una zattera in un
mare tempestoso».
La giuria ha assegnato altri due
riconoscimenti. Per la migliore
regia è stato premiato l’IS
«Antonio Scarpa» di Motta di
Livenza (Treviso) per La guerra
di Troia non si farà: «Riuscire
a coinvolgere l’interprete
nella propria visione - si legge
nella motivazione - è uno
degli elementi che fanno la
differenza tra una regia e una
buona regia. Così avviene in
questo spettacolo liberamente
ispirato a un testo di Jean Giraudoux
e firmato da Giacomo
Bisceglie, sapientemente
condiviso con i suoi giovani
attori, essenziali nel rendere
Diciotto i gruppi
partecipanti
alle selezioni
del concorso
riservato
ai laboratori
teatrali degli
istituti scolastici
superiori
del Veneto.
l’ironia e la giocosità del testo,
pur nello spessore della tematica
espressa». Per la migliore
recitazione collettiva, invece,
premio all’ITC «Pier Fortunato
Calvi» di Padova di scena con
V.V., scrittura condivisa da tutto
il cast partendo da un testo di
Patrizia Tramarin, anche alla
regia con Annalisa Toniolo.
Questa la motivazione del
riconoscimento: «La riuscita
interazione tra generazioni
(giovani e adulti) e tra ruoli
(studenti e insegnanti, gli uni
e gli altri pronti a mettersi in
gioco e a condividere emozioni,
fragilità, sogni e passioni)
rappresenta la marcia in più
di questo spettacolo fresco e
coinvolgente. Il vivace dialogo
tra i personaggi sulla scena
rivela in filigrana un divertirsi
e crescere insieme che è senza
dubbio tra gli obiettivi più
auspicabili per un Laboratorio
teatrale scolastico».
La premiazione, presentata da
Manola Borgato e intervallata
da spezzoni dello spettacolo Il
peso delle cose proposto dall’Istituto
Tecnico Agrario Statale
4

Conferenza-quadri
di Fita Nazionale
di scena a Vicenza
In città l’incontro della Federazione,
che ha visto la presenza del consiglio
direttivo e di tutti i presidenti regionali
«Alberto Trentin» di Lonigo,
ha visto la partecipazione, per
Fita Veneto, del presidente
regionale Mauro Dalla Villa e
del consigliere Gianfranco Ara,
anche componente della giuria
itinerante che ha selezionato
gli spettacoli in tutta la regione
(commissione completata da
Urbano Bonato, Aurora Zarantonello,
Luisa Vigolo, Isabella
Trevisi, Virgilio Mattiello e da
Liliana Boni, che con Antonio
Baldo è stata fondatrice della
manifestazione). Per la Provincia
di Vicenza ha partecipato
alla cerimonia la vicepresidente
Maria Cristina Franco, che ha
ribadito il ruolo essenziale del
teatro nelle scuole, come fattore
di crescita personale e culturale,
concetto ribadito anche
dal presidente della Regione
del Veneto, Luca Zaia, nel suo
messaggio di congratulazioni a
organizzatori e partecipanti.
La cerimonia è stata seguita
anche dalla folta rappresentanza
di Fita nazionale, presente a
Vicenza per la propria conferenza
quadri: al San Marco
erano presenti tutti i presidenti
regionali Fita d’Italia, oltre
all’intero consiglio direttivo, al
vicepresidente Ado Zordan e al
presidente nazionale Carmelo
Pace.
Nella pagina accanto,
la premiazione
dell’IISS «Einstein».,
Qui sopra, dall’alto, la premiazione dell’IS
«Scarpa» e dell’ITC «Calvi»
In alto, un momento dei lavori della conferenza quadri
In basso, la premiazione di Tiziana Grillo
È stata un’intensa tre-giorni di incontri tra dirigenti e di dialoghi
con rappresentanti delle Istituzioni e del territorio la conferenzaquadri
che Fita nazionale ha tenuto a Vicenza dal 9 all’11 giugno
scorsi. Per la Federazione si è trattato di un’occasione di informazione,
aggiornamento e confronto per comunicare i progetti in
cantiere, ma soprattutto per ascoltare e poter raccogliere suggerimenti
per l’attività, le prospettive e gli sviluppi futuri. Numerosi
gli ospiti e le autorità che hanno voluto portare il proprio saluto
e il proprio contributo di esperienza alla dirigenza Fita, guidata
dal presidente nazionale Carmelo Pace e dal vicepresidente Aldo
Zordan. Tra loro il presidente del Consiglio regionale del Veneto,
Roberto Ciambetti, e la consigliera Manuela Cecchetto.
Tra le riunioni non è mancato, naturalmente, lo spazio da dedicare
al teatro. I partecipanti alla conferenza hanno assistito venerdì
9 giugno, al Teatro San Marco, all’evento di premiazione del 60°
concorso di Fita Veneto “Teatro dalla Scuola”, mentre sabato
hanno potuto applaudire il documentario “Il teatro vive solo se
brucia”, regia di Marco Zuin, dedicato ai Carrara, storica famiglia
del teatro viaggiante. Sempre sabato, consegna a Tiziana Grillo
del Premio nazionale «Paolo Giacomini» per l’impegno in favore
del teatro e della Federazione.
5

FESTIVAL
La 32ª Maschera d’Oro
“Nel nome del padre”
(e del teatro di Luigi Lunari)
La Corte dei Folli di Fossano
(Cuneo) ha vinto l’edizione numero
32 del Festival nazionale
“Maschera d’Oro”, salendo sul
gradino più alto della kermesse
grazie a Nel nome del padre
di Luigi Lunari, per la regia di
Stefano Sandroni. Suo anche il
premio per il gradimento del
pubblico, che sabato 25 marzo,
al Teatro San Marco di Vicenza,
è tornato ad applaudire le sette
finaliste di questa che sarà
ricordata come la più complicata
edizione del concorso, interrotta
per pandemia nel 2020 e
conclusa, dopo quasi tre anni
di attesa, nella primavera 2023.
«Tutto – recita la motivazione
della giuria, composta
da Carmelo Rigobello, Sofia
Teresa Bisi, Antonio Stefani,
Armando Carrara ed Emma
Gasparato - è all’insegna della
sobrietà: musiche essenziali;
calibrati effetti luminosi;
una scenografia metafisica;
un’intelligente regia, quella
di Stefano Sandroni, fatta di
piccoli ma fondamentali interventi.
Questo allestimento
insegna che, frequentemente,
i migliori spettacoli risultano
ben riusciti allorquando sono
interpretati egregiamente da
attori, come Cristina Viglietta
e Pinuccio Bellone, che sanno
calarsi nei personaggi in modo
così straordinario da rendere
palpabile la loro adesione
umana, e quando sono scritti
da una penna magistrale come
quella del compianto Luigi Lunari.
Che anche in questo testo
si rivela un grande autore».
Ma viva soddisfazione anche
per gli altri due super-finalisti
del Festival, TeatroDrao/TeatroTre
di Ancona e Teatro del
Corvo di Padova, che con La
Corte dei Folli hanno composto
la terna dei candidati
alla “Maschera”. I marchigiani,
6
in gara con Equus di Peter
Shaffer, hanno conquistato
il premio alla migliore regia,
andato a Davide Giovagnetti,
e quello per il migliore attore
giovane, vinto da Alessandro
D’Elia. Doppia affermazione
anche per i veneti, che con
Tre sull’altalena di Luigi Lunari
hanno conquistato i premi
per i migliori attori protagonisti,
andato a Gianfranco Ara,
Federico Barlani e Alessandro
Rossetto, e quello per il migliore
allestimento.
Una scena di Nel nome del padre di Luigi Luunari, spettacolo con cui La Corte dei Folli ha conquistato
la Maschera d’Oro (qui sotto la consegna del trofeo) oltre al premio del pubblico
Tra le attrici si è imposta Tina
Spampanato de Il Dialogo, apprezzata
nel ruolo di Amalia in
Napoli milionaria di Eduardo De
Filippo, mentre tra i caratteristi
doppia vittoria per la Compagnia
dell’Orso di Lonigo, in
provincia di Vicenza, sia tra le
donne, con Linda Balsemin, sia
tra gli uomini, con Paolo Marchetto,
anche autore e regista
dello spettacolo Le Chat Noir. A
Marchetto, inoltre, la giuria del
Festival ha voluto assegnare
una menzione speciale proprio
per il suo testo, «opera prima
di complessa ma ben armonizzata
costruzione narrativa e di
effcace scrittura».
Conclusione anche per il
sempre atteso concorso di
critica riservato agli studenti
“La Scuola e il Teatro”, che ha
visto l’affermazione di Emma
Lanaro dell’Istituto tecnico
«Piovene», seguita da Alois
Gradinaru dell’Istituto di
istruzione superiore «Rosselli-

L’ALBO D’ORO
2020/2023
La Corte dei Folli, Cuneo
2019
Soggetti Smarriti, Treviso
2018
Compagnia Nuovo Teatro Stabile
Mascalucia, Catania
2017
Accademia Teatrale
Campogalliani, Mantova
2016
La Barcaccia di Verona
2015
Ad Hoc di Roma
2014
Al Castello di Foligno (PG)
2013
Accademia Teatrale
Campogalliani, Mantova
2012
I Cattivi di Cuore, Imperia
2011
L’Arsenale delle Apparizioni, Asti
2010
Il Teatro dei Picari, Macerata
2009
G.A.D. Città di Pistoia
2008
La Barcaccia, Verona
2007
Il Teatro dei Picari, Macerata
2006
Compagnia di Lizzana
Rovereto (TN)
2005
La Barcaccia, Verona
2004
Estravagario Teatro, Verona
2003
Accademia Teatrale
Campogalliani, Mantova
2002
Accademia Teatrale
Campogalliani, Mantova
2001
Piccolo Teatro al Borgo
Cava de’ Tirreni
2000
Piccolo Teatro del Garda, Verona
1999
Compagnia Patavina di Prosa
“Valentino Lago”, Padova
1998
La Trappola, Vicenza
1997
Estravagario Teatro, Verona
1996
La Formica, Verona
1995
La Barcaccia, Verona
1994
G.A.D. Città di Pistoia
1993
Estravagario Teatro, Verona
1992
La Mandragola, Grosseto
1991
Cooperativa del Giullare, Salerno
1990
Gruppo Teatro d’Arte Rinascita,
Treviso
1989
La Barraca, Vicenza
Sartori» di Lonigo e, al terzo
posto, di Beatrice Fantuzzi del
Liceo classico «Pigafetta» di
Vicenza. Quest’anno, per la
prima volta, oltre ai buoni libro
agli studenti premiati è stato
assegnato anche un premio di
500 euro all’istituto del primo
classificato.
IInfine, applausi ed emozioni
per Virgilio Mattiello e Isabella
Trevisi, coppia nella vita e nel
teatro, ai quali è stato assegnato
il Premio Salvato, per
l’impegno nella diffusione
della cultura teatrale, della
Davide Giovagnetti premiato per la regia
Teatro del Corvo premiato per l’allestimento e per gli attori
Tina Spampanato, migliore attrice Caratterista, Linda Balsemin Caratterista, Paolo Marchetto
Menzione speciale della giuria a Paolo Marchetto della Compagnia dell’Orso
(continua alla pagina seguente)
Attore giovane, Alessandro D’Elia
Isabella Trevisi e Virgilio Mattiello: a loro il Premio Salvato
7

FESTIVAL
quale da tempo i due sono testimoni
competenti, generosi e
instancabili.
Condotta con brio e leggerezza
dalla giornalista
Elisa Santucci, affancata dal
presidente del Festival, Aldo
Zordan, anche vicepresidente
nazionale Fita, la serata ha
visto la partecipazione di numerosi
rappresentanti di enti,
istituzioni e partner del Festival,
a cominciare da Regione
del Veneto, Amministrazione
Provinciale di Vicenza, Comune
di Vicenza, Il Giornale di Vicenza
e Confartigianato Imprese
Vicenza. A fare gli onori di casa,
per Fita Veneto, il presidente
regionale Mauro Dalla Villa,
mentre Fita nazionale è stata
rappresentata dal segretario
generale Pasquale Manfredi e
dai consiglieri Giunio Lavizzari
Cuneo e Diego Navone. Tra le
autorità che non hanno voluto
mancare all’appuntamento anche
il presidente del Consiglio
Comunale di Vicenza, Valerio
Sorrentino, la vicepresidente
della Provincia, Maria Cristina
Franco, e il presidente di
Co.F.As Trentino, Gino Tarter.
Per Confartigianato Imprese
Vicenza ha assistito alla serata
il presidente Gianluca Cavion:
grazie al Premio “Faber”,
istituito dell’organizzazione
imprenditoriale, lo spettacolo
vincitore della “Maschera”
è andato in scena sabato 27
maggio sul palcoscenico del
Teatro Olimpico di Vicenza,
gioiello di Andrea Palladio e
teatro coperto più antico del
mondo.
La serata delle premiazioni,
vivace e divertente come
sempre, è stata conclusa dalla
rappresentazione fuori concorso
de A Republica dei mati,
pluripremiato allestimento
scritto e diretto da Roberto
Cuppone e interpretato da
Gigi Mardegan de Il Satiro di
Treviso. Intensa e vibrante
l’interpretazione dell’attore
della Marca, al quale il pubblico
del San Marco ha tributato un
lungo applauso.
I FINALISTI
Lo Scrigno (Vicenza)
“7 minuti” di Stefano Massini
Regia di Amer Sinno
Filodrammatica di Laives (Laives - Bolzano)
“Il marito di mio figlio” di Daniele Falleri
Regia di Roby De Tomas
Teatrodrao e Teatrotre (Ancona)
“Equus” di Peter Shaffer
Regia Davide Giovagnetti
Il Dialogo (Cimitile - Napoli)
Napoli Milionaria di Eduardo De Filippo
regia di Ciro Ruoppo
Teatro del Corvo (Padova)
Tre sull’altalena di Luigi Lunari
Regia della compagnia
Compagnia dell’Orso (Lonigo - Vicenza)
Le Chat Noir di Paolo Marchetto
Regia di Paolo Marchetto
La Corte dei folli (Fossano - Cuneo)
Nel nome del padre di Luigi Lunari
Regia Stefano Sandroni
Serata di gala e premiazioni
FUORI CONCORSO
Il Satiro (Paese - Treviso)
A Republica dei mati di Roberto Cuppone
regia di Roberto Cuppone
spettacolo
Il primo premio è andato a Emma Lanaro
Alois Gradinaru, secondo classificato
Beatrice Fantuzzi, al terzo posto
MASCHERA D’ORO
33ª EDIZIONE
Iscrizioni entro
il 3 settembre 2023
Bando pubblicato nel sito
www.fitaveneto.org
8

FESTIVAL REGIONALE
In palio la finale dell’omologo concorso nazionale
Saranno le compagnie La
Zonta di Thiene (Vicenza)
con Medusa di Giampiero
Pozza, La Calandra di Dueville
(Vicenza) con L’altro lato del
letto di Giovanni L. Badellino,
El Gavetin di Negrar (Verona)
con El cavalier de la trista
figura di Franco Antolini, La
Moscheta di Colognola ai Colli
(Verona) con Ladro di razza di
Gianni Clementi, Arte Povera di
Mogliano Veneto (Treviso) con
Riccardo III di Matteo Tarasco
e la Compagnia dell’Orso di
Lonigo (Vicenza) con Trappola
per un uomo solo di Robert
Thomas a contendersi la sesta
edizione del Gran Premio
Regionale Veneto organizzato
da Fita regionale: concorso
che al gruppo vincitore aprirà
anche le porte della finalissima
nazionale del Gran Premio del
Teatro Amatoriale, rassegnaconcorso
promossa da Fita
nazionale e ospitato in diverse
regioni italiane (i vincitori di
quest’anno vi parteciperanno
nel 2024).
Giuria al lavoro, dunque, nel
corso di questa estate e fino
alla fine di settembre, per visionare
i sei lavori scelti da una
giuria tecnica.
Variegata, come sempre,
la rosa delle proposte, che
spazia dal teatro brillante alla
rilettura di grandi classici, da
drammaturgie originali alla
commedia d’autore del Novecento
e contemporanea.
Dal 2019 - anno in cui il concorso
nazionale è divenuto un
vero e proprio festival live - il
Gran Premio ha visto brillare il
teatro Fita del Veneto a livello
nazionale: nel 2021 vittoria
assoluta di Teatroimmagine di
Salzano (Venezia) con La strana
storia del Dottor Jekyll e Mister
Hide, da Robert Louis Stevenson,
scritto e diretto da Benoit
Roland e Roberto Zamengo;
nel 2022 premio per il migliore
allestimento a Teatro Insieme
di Sarzano (Rovigo) per Le done
de casa soa di Carlo Goldoni, regia
di Marna Poletto e Roberto
Pinato; quest’anno, infine, si
attende l’esito dell’edizione
attualmente in corso a Forlì,
dove a giugno la compagnia
Einaudi-Galilei di Verona ha
proposto Rumori fuori scena di
Michael Frayn, per la regia di
Renato Baldi e Marco Frassani.
«Questo concorso è ormai
entrato nel cuore delle nostre
Una sfida a sei
per il Gran Premio
Regionale Veneto
compagnie – commenta
il presidente Fita Veneto,
Mauro Dalla Villa – che hanno
l’occasione di mettersi alla
prova sia a livello regionale sia,
attraverso l’abbinato premio
La Zonta in Medusa
El Gavetin in El cavalier de la trista figura
Arte Povera in Riccardo III
nazionale, in un’ottica ancora
più ampia. Al di là della soddisfazione
di una compagnia o di
un interprete nel conquistare
un riconoscimento, credo che
proprio questo debba essere
La Calandra in L’altro lato del letto
La Moscheta in Ladro di razza
Compagnia dell’Orso in Trappola per un uomo solo
l’elemento più significativo di
festival e concorsi: offrire ai
gruppi e ai singoli la possibilità
di vedere “il teatro degli altri”,
traendone spunti di riflessione
e di stimoli per il proprio».
9

ARGOMENTI
Da una considerazione di Mel Brooks, lo spunto
per una riflessione con l’attrice e autrice Giuliana Musso
di Filippo Bordignon
La questione del politically
correct si sta allargando a macchia
d’olio a livello mondiale:
un numero crescente di artisti
di prima grandezza denuncia
pubblicamente l’insofferenza
nel doversi attenere, rispetto
alle proprie scelte creative, a
tutti i paletti imposti da una
società globalizzata che, per
il proprio benessere, cavalca
il baluardo dell’inclusività a
tutto tondo, anche a costo di
escludere chi non è disposto
ad adeguarsi a questo nuovo
corso.
Perché il rischio è duplice:
trascurando di rispettare i
valori di un qualche gruppo
minoritario, ci si preclude di
rimando una papapile fetta di
pubblico pagante e, oltre a ciò,
si rischia, nei casi peggiori, una
denuncia per aver leso, anche
indirettamente, dignità o
sensibilità di un dato soggetto.
È un rischio sempre più concreto,
soprattutto nell’attuale
periodo storico, in cui l’opinione
pubblica si plasma a partire
da social network in cui conta
chi ragiona con la pancia, per
mantenere visibile il miraggio
di uno scandalo costante.
Fa riflettere, perciò, il grido
d’allarme lanciato da un colosso
della comicità Made in Usa,
il regista e attore Mel Brooks,
il quale ha evidenziato come
oggi sarebbe impossibile girare
Ma il teatro può essere
politicamente
corretto?
una commedia al vetriolo quale il
suo Mezzogiorno e mezzo di fuoco
e aggiunge: «La commedia deve
destreggiarsi sul filo del rasoio,
deve correre rischi. La commedia
è il piccolo elfo lascivo che sussurra
nell’orecchio del re, dicendo
sempre la verità sul comportamento
umano».
In occasione della trasposizione
teatrale prevista per il 2024 del
capolavoro dei Monty Python
Brian di Nazareth, è stato invece
chiesto all’attore John Cleese, cofondatore
del leggendario gruppo
comico britannico, di rimuovere lo
sketch dove uno dei protagonisti
maschili dichiara l’intenzione di
essere considerato una donna e
di generare un figlio; a offendere
la comunità lgbt, la battuta che
definisce queste intenzioni una
Giuliana Musso
in una foto Matteo Lavazza
10
11

«lotta contro la realtà». Cleese
si è limitato a ribattere che,
nonostante la sensibilità
moderna, lo sketch non verrà
rimosso.
Contro Cleese, Brooks e tanti
altri artisti maiuscoli, si ergono
i paladini del wokeism, una
giovane generazione di persone
che si è scoperta capace
di raddrizzare ogni stortura,
denunciando a pieni polmoni
ogni battuta, sketch o opera
artistica che si permetta di
ironizzare o fare satira su una
qualche minoranza etnica o di
altro genere.
Una prima perplessità rispetto
ai “ragazzi woke” è questa:
la cosiddetta generazione Z
vanta oggettività e capacità di
analisi tali da permetterle di
separare la fuffa dalla sostanza?
In breve, è sveglia abbastanza
per arrogarsi un tale
fardello ma, soprattutto, lo è
nei fatti imprescindibili e non
di superficie?
La questione è complessa e
delicata sicché, per meglio
eviscerarne i punti salienti,
abbiamo chiesto alla regista
e attrice di origini vicentine
Giuliana Musso, autrice di un
teatro della compassione che
scandaglia fatti della contemporaneità
con originalità e
pluripremiato talento, di darci
il suo punto di vista.
L’opinione di Giuliana Musso
«I linguaggi della comicità
e della satira vanno difesi,
questo è certo. Ma va fatta una
considerazione: chi ride dei
deboli, delle vittime, sta prendendo
una posizione precisa a
fianco ai loro carnefici» attacca
lapidaria.
La “cancel culture” imperante,
però, non si limita a rimuovere
le statue e i simboli del male
conclamato (pensiamo alle
statue di sanguinari dittatori
abbattute alla caduta dei loro
regimi); sta prendendo piede
infatti l’intenzione di censurare
quelle opere artistiche del
passato che non rispettano la
già citata sensibilità moderna.
L’iterazione della parola
“negro”, ad esempio, fa sì che
gli studenti afroamericani negli
States condannino il capolavoro
della lettura picaresca
di Mark Twain Le avventure di
Huckleberry Finn, così come
alcuni storici cartoni animati di
Walt Disney. Per Disney si parla
addirittura di rimuovere le scene
incriminate dalle prossime
edizioni in dvd, modificando
così un’opera senza il volere
del suo creatore, avvalendosi
al massimo dell’autorizzazione
di quelle società che ne detengono
i diritti e non vogliono rischiare
un calo di gradimento.
«Certo, possiamo rimuovere la
statua di un dittatore, poiché
si tratta di un simbolo negativo
ben preciso - prosegue la
Musso - Se lei vedesse in una
piazza una statua di Hitler,
cosa penserebbe? Rimuoviamo
uno di quei simboli perché è
chiaro che ci ricorda l’omaggio
a qualcosa che non vogliamo
omaggiare. Credo si possa
modificare l’iconografia, a
patto che la ragione per cui
si fa sia una ragione compresa
e condivisa, motivata e
rispettosa. Però mi chiedo:
è più importante rimuovere
una statua o osservarla con lo
sguardo giusto? Il problema va
spostato sulla consapevolezza,
sul rispetto delle vittime della
Storia. È questo che deve essere
assurto come punto zero».
E anche sulla questione della
censura a opere d’arte del passato,
l’attrice espone una posizione
non scontata: «Si tratta
di un falso problema. L’unica
forma di censura che dobbiamo
temere è quella che viene
imposta da chi ha il potere. Il
resto possono essere discorsi
aperti, il vero problema non
sta lì. Pensiamo all’Huckleberry
Finn: è più importante bandire
un testo dove compare iterata
la parola ‘negro’ o passare il
messaggio di cosa sia significata
questa parola in un epoca
di terribili violenze, mancanza
di diritti e sfruttamento della
popolazione di colore?».
E l’artista? Come si dovrebbe
muovere un artista, sospeso
sulla tela di ragno della sensibilità
moderna? E se la censura
del potere avesse educato le
nuove generazioni a una prudente
autocensura, per scansare
seccature e rischi più grandi?
«Nell’arte, l’autenticità di un
artista non è un lusso - replica
netta la Musso - è un fattore
organico e indispensabile. Il
problema non è dell’arte ma
della società, che può consentire
o non consentire l’espressione
artistica per ciò che è.
Ciò che stiamo perdendo, a
ben guardare, è la capacità di
tenere insieme nella società le
posizioni diverse. Questo è un
momento drammatico. In una
società veramente democratica,
non ci dovrebbe preoccupare
così tanto se viene espresso
qualcosa che non ci trova
d’accordo: anzi, ci dovrebbe
preoccupare l’opposto, e cioè
che quel qualcosa in cui non
siamo d’accordo non possa essere
esposto. E invece stiamo
solo stringendo le maglie».
Mel Brooks in una foto di Angela George, CC BY-SA 3.0
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=10257010
Una celebre massima, erroneamente
attribuita a Voltaire,
recita: «Non la penso come
te ma darei la vita per farti
dire quello che pensi». È quel
che accade nell’Italia multiculturale
del 2023? «È esattamente
l’opposto - conclude
l’attrice -. Oggi a teatro ciò
che è lievemente disturbante
o perturbante fa fatica a
trovare spazio. Sono decenni
che la cosa va avanti e adesso
noi artisti la sentiamo più che
mai e riguarda ogni settore,
dalla prosa alla satira e fino alla
scrittura per la televisione. È
questo che ci deve preoccupare.
Filosoficamente parlando,
il punto è che troviamo molto
conforto nell’adattamento e
nell’adeguamento alla struttura
gerarchica della società:
per fare contenti i capi, siamo
disposti a tutto. E, di conseguenza,
pretendiamo la stessa
cosa da chi ci sta sotto. Il diritto
alla Parola, dunque al Pensiero,
non è più un diritto naturale
ma acquisito, a seconda della
nostra posizione gerarchica.
In una situazione del genere
l’unico antidoto, a mio avviso,
è tenersi saldi al nostro cuore.
Sembra una risposta assurda,
ma in realtà ho molta fiducia
nel sentimento, quel sentimento
che è legato alla verità
dei corpi e che è più forte del
pensiero».
Per chiudere il cerchio su una
situazione a oggi irrisolta,
torniamo alle dichiarazioni di
Brooks. Il regista, denunciata
«la società del politically
correct che sarà la morte
della commedia», aggiunge
nella già citata intervista una
postilla che ribalta la situazione.
Quando il giornalista gli
chiede se esiste un soggetto
che non impiegherebbe per
scopi comici egli evidenzia
che, sì, temi come le camere
a gas e la tragedia degli ebrei
per mano dei nazisti dovrebbero
essere intoccabili. E qui,
crolla l’effcacia della denuncia
brooksiana: perché se ogni
artista rivendicasse paletti etici
e morali in base alla propria
appartenenza a una qualche
etnia o gruppo specifico (nel
caso di Brooks, le origini ebraiche),
ci ritroveremmo al punto
di partenza, nell’immobilismo
di una società globalizzata in
cui ogni passo solleva il polverone
di un’indignazione vicina
o lontana, gettando l’artista
nell’incapacità di raccontare
la propria storia senza una
mordacchia che, giorno dopo
giorno, lo ridurrà incapace di
pensare liberamente.
11

PROGETTI
Nel 2024 saranno trascorsi cento anni dalla sua morte
di Alessandra Agosti
Non dovrebbe servire un
anniversario per ricordare la
straordinaria figura di Eleonora
Duse, un’attrice che come
poche altre ha contribuito a
cambiare il teatro italiano e
non solo, portando sulle scene
un nuovo modo di recitare
e aprendo il palcoscenico ad
autori innovativi e sperimentali
per la sua epoca, a cavalllo tra
la fine dell’Ottocento e i primi
decenni del Novecento.
Non dovrebbe servire, ma
segnaliamo comunque che nel
2024 saranno trascorsi cento
anni dalla morte di questa
icona dell’arte che si fonde con
la vita, vinta dalla polmonite
in una camera d’albergo a
Pittsburgh, il 21 aprile 1924.
Un’occasione speciale per
ripercorrerne l’eredità artistica
e la vita travagliata, ma anche
per allargare lo sguardo sul
ruolo della donna nel teatro e
nell’arte in generale, nelle sue
molteplici connotazioni - per
riprendere in qualche modo il
concetto espresso da Virginia
Woolf in Una stanza tutta per sé
- di personaggio, musa, autrice,
interprete e spettatrice.
Eleonora Duse
la donna, l’attrice
Eleonora Duse nacque a
Vigevano, in provincia di Pavia,
il 3 ottobre 1858 da Vincenzo
“Alessandro” Duse (1820-
1892) e Angelica Cappelletto
(1833-1906), artisti viaggianti
di scarsa fortuna. I suoi primi
anni furono diffcili, segnati
dai continui spostamenti e da
un’educazione frammentaria.
Aveva appena quattro anni
quando salì sul palcoscenico
per la prima volta, nel ruolo
di Cosetta ne I Miserabili di
Victor Hugo, come si legge in
un manifesto del marzo 1863.
Dieci anni più tardi fu Giulietta
all’Arena di Verona, parte
nella quale iniziò a mostrare
il suo talento e il suo sguardo
destinato ad andare oltre il
teatro impostato e rigido di
quell’epoca.
Iniziò a lavorare con diverse
compagnie, sia insieme al padre
che da sola. Tra gli incontri
più rilevanti di quel periodo vi
fu quello con Giacinta Pezzana
(1848-1919), attrice fuori dagli
schemi, innovativa nello studio
dei personaggi e coraggiosa
nelle scelte, che certamente
ebbe una notevole influenza
su di lei e sulla sua visione del
teatro e che la spinse a dedi-
carsi al genere drammatico.
Iniziarono i primi successi, che
la portarono sotto i riflettori
ma che la spinsero anche nel
vortice di una vita pubblica
e privata ricca tanto di luci
quanto di ombre: alcune particolarmente
profonde, come
la relazione con il direttore del
Corriere del mattino (che diventerà
Il Mattino), il napoletano
Martino Cafiero (1848-1884),
che la abbandonò quando
Eleonora rimase incinta di un
figlio, morto poche settimane
dopo il parto. Conobbe però,
in quegli stessi anni, Matilde
Serao (1856-1927), giornalista
e scrittrice che le sarà sempre
amica e che per lei, alla sua
morte, scriverà una celebre
lettera aperta agli italiani:
una denuncia della scarsa
considerazione che il Paese
aveva riservato all’artista, non
avendone compreso appieno
la straordinaria altezza.
Nel febbraio del 1882, a
Torino, la Duse aveva 24 anni
quando vide per la prima volta
sul palcoscenico Sarah Bernhardt,
allora trentaseienne, ne
La dama dalle camelie, rimanendone
profondamente colpita.
Si faceva largo in lei, intanto, la
volontà di dare una scossa a un
teatro che non sentiva vicino
alla realtà e alla sua sensibilità,
sia nella recitazione (era ancora
in voga la classica impostazione
del “grande attore”) sia
nella drammaturgia.
12

Iniziò a guardare ai nuovi autori
francesi, come Dumas figlio,
Henri Meilhac, Ludovic Halévy
e Victorien Sardou. Ma fu,
soprattutto, tra le prime interpreti
in Italia di Henrik Ibsen
(1828-1906), proponendo tra
l’altro Casa di bambola e ancora
- dopo il periodo dannunziano
- Hedda Gabler, La donna del
mare ,Spettri e Rosmersholm,
molto discusso dalla critica. E
fu proprio di Ibsen, nel 1909, il
testo che la Duse scelse per il
suo addio (che sarebbe durato
fino al 1920): La donna del
mare.
Sul fronte della drammaturgia
italiana, la Duse affrontò diversi
autori: Boito e D’Annunzio,
naturalmente, con i quali visse
anche intense storie d’amore,
ma anche Carlo Goldoni, Giovanni
Verga, Giuseppe Giacosa,
Marco Praga e i meno noti
Achille Torelli, Felice Cavallotti
e Paolo Ferrari.
Erano anni di grande fervore,
per la scena, soprattutto per
i venti di rinnovamento che
spiravano dalla Russia, dove
Konstantin Stanislavskij creava
i presupposti per un nuovo
modo di intendere il teatro, la
recitazione e la regia. Ma erano
anche gli anni di scenografi
aperti alla sperimentazione
come Gordon Craig (che
con la Duse ebbe una fertile
relazione professionale, poi
bruscamente interrotta) e
Adolphe Appia, di teorici come
Vsevolod Emil’evic Mejerchol’d
e Jacques Copeau, di artisti
visionari come Isadora Duncan
o Vaclav Fomič Nižinskij.
In questo panorama così vivo
e innovativo, la Duse proponeva
una recitazione diversa da
quella sovraccarica dell’epoca:
il suo recitare smussava la
drammaticità con una rarefatta
moderazione che d’improvviso,
però, era spezzata da momenti
di forte intensità, di nevrosi e
sofferenza, aprendo la strada
a una crescente naturalezza,
Eleonora Duse e Febo Mari sul set di Cenere
che si rifletteva anche negli
allestimenti, meno sovrabbondanti,
più contenuti e sobri.
Alleggerì fino addirittura ad
abolire il trucco, lasciando che
il viso rivelasse le sue emozioni
più profonde.
Con lei, dunque, l’attore fece
un passo indietro, lasciando
afforare appieno il personaggio,
mettendosi al suo servizio,
facendosi testimone dei suoi
sentimenti e delle sue emozioni.
Da capocomica, va detto,
puntò a fare dei personaggi
da lei interpretati il fulcro di
ogni allestimento, e non si fece
scrupoli a intervenire sui testi,
mantenendo per sé un ferreo
controllo sullo spettacolo:
fattore, questo, che le rese
indigesta la collaborazione
con colleghi che iniziavano a
proporre quella che, all’epoca
nascente, oggi intendiamo per
“regia”.
Sul fronte sentimentale, come
noto, Eleonora Duse visse relazioni
di grande passione e, in
alcuni casi, di grande dolore.
Il 7 settembre 1881, mentre
lavorava per la compagnia di
Cesare Rossi, già incinta sposò
Tebaldo Checchi, al secolo Teobaldo
Marchetti (1844-1918),
attore della stessa compagnia
Rossi di quattordici anni più
anziano di lei. Da quell’«errore
giovanile» (come lo definì
la Serao) il 7 gennaio 1882
nacque l’amata figlia Enrichetta.
Il matrimonio, comunque,
durò poco. Nel 1885, durante
una tournée in Sudamerica,
Checchi decise di rimanere
là, abbandonando il teatro e
dedicandosi alla diplomazia. La
Duse tornò in Italia con la bimba,
che crebbe un po’ in Italia e
un po’ all’estero.
Dal 1887 al 1998 l’attrice visse
una relazione - sempre mantenuta
segreta - con Arrigo Boito
(1842-1918), di sedici anni più
vecchio di lei. Con lui la Duse
avrebbe voluto creare una vera
famiglia, ma ciò non avvenne.
Sul fronte artistico, invece,
la loro fu un’intesa molto
positiva: Boito firmò per lei la
riduzione di alcuni drammi shakespeariani
e la fece crescere
culturalmente.
Tanto appassionato quanto
dammatico fu l’amore per Gabriele
D’Annunzio (1863-1938).
Il loro primo incontro avvenne
a Roma nel 1882, quando
l’attrice aveva 24 anni e il
futuro vate appena 19. Lui era
sfrontato, affascinante per la
sua spavalderia. «Già famoso e
molto attraente, con i capelli
biondi e qualcosa di ardente
nella sua persona», scrisse la
Duse in una memoria. Trascorsero
sei anni prima che le loro
strade si incrociassero di nuovo,
nel 1988, al Teatro Valle
di Roma, dopo una replica de
La signora delle camelie; e altri
quattro ancora per un altro
fugace incontro, nel 1892. ma
fu solo nel 1895, a Venezia, che
tra loro iniziò quella relazione
che tanto sarebbe costata alla
Duse: D’Annunzio aveva 31
anni, lei 36 ed era nel pieno
splendore della sua carriera artistica.
Prese a portare in scena
i suoi lavori (come Il sogno di
un mattino di primavera, La Gioconda,
Francesca da Rimini, La
città morta, La gloria, nessuno
dei quali coronato da un pieno
successo), spesso indebitandosi
pur di farli arrivare al palcoscenico
e mettendo in gioco la
propria reputazione affnché il
pubblico e la critica prestassero
loro attenzione. Volubile e
traditore come amante, però,
D’Annunzio lo fu anche come
drammaturgo, tanto da preferire
Sarah Bernhardt alla Duse
quando si trattò di portare a
Parigi La città morta, nel 1896.
Nel 1904, poi, tolse alla Duse
la parte principale ne La figlia
di Iorio, pure scritta per lei. Fu
la goccia che fece traboccare
il vaso di una relazione durata
un decina d’anni. Tanti, per la
Duse, i dolori inferti dal Vate:
tra questi, terribile, la pubblicazione
nel 1900 del romanzo Il
fuoco, per il quale D’Annunzio
si era chiaramente ispirato
alla sua relazione con l’attrice
(chiamandola Foscarina, Perdita,
Ghisola bella), rivelandone i
recessi più intimi.
Un legame rimase, comunque.
Nel 1923, D’Annunzio scrisse
alla Duse «Io ti amo meglio di
prima» e «Ti bacio le mani tanto
che te le consumo». Quando
poi l’attrice morì a Pittsburgh
nel 1924, D’Annunzio si rivolse
direttamente a Mussolini
perché facesse subito rientrare
in Italia quella che chiamò «la
salma adorabile». Dal canto
suo, sul finire della vita ancora
la Duse diceva di D’Annunzio:
«Gli perdono di avermi
sfruttata, rovinata, umiliata.
Gli perdono tutto, perché ho
amato». Quel D’Annunzio che
ebbe a scrivere: «Nessuno più
mi ha amato come Ghisola mi
amava. E di questo ho sofferto
e soffro sempre».
Abbiamo accennato al fatto
che tra il 1909 e il 1920 la Duse
si tenne lontana dalle scene.
In quel periodo si dedicò a vecchie
e nuove amicizie, da Boito
a Isadora Duncan, da Grazia
Deledda ad Ada Negri, da Giovanni
Papini a Matilde Serao,
che la introdusse anche nel
nascente movimento femminista.
Si rinsaldò ulteriormente
anche il rapporto con la figlia
Enrichetta, che proprio nel
1909 si sposò con il docente
universitario Edward Bullough
e andò a vivere a Cambridge,
divenendo fervente cattolica e
terziaria francescana (tra l’altro
i suoi due figli, Harry Edward
ed Eleonora Ilaria, presero i
voti nell’ordine domenicano).
Sempre in quegli anni, nel
1914 fondò a Roma la Libreria
delle attrici, con l’intento di
incentivare la crescita culturale
delle colleghe, soprattutto di
quelle più giovani: l’iniziativa
naufragò però un anno dopo,
nel febbraio del 1915, travolta
dal drammatico clima della
prima guerra mondiale.
Nel 1916, girò anche il suo unico
film, il muto Cenere, diretto
da Febo Mari, dall’omonimo
romanzo del 1904 di Grazia
Deledda.
Per il suo rientro, fra le tante
proposte la Duse scelse quella
della compagnia del vecchio
amico Ermete Zacconi, formazione
solida e pronta ad accettare
le sue scelte drammaturgiche.
Lo spettacolo del ritorno
si tenne il 5 maggio 1921 a
Torino: fu significativamente,
ancora una volta, La donna del
mare di Ibsen.
L’anno successivo la Duse
formò una sua compagnia e
riprese a girare per l’Italia e
l’Europa. Nel 1923 partì per gli
Stati Uniti, dove ottenne un
successo trionfale. Ma proprio
lì, a Pittsburgh, morì di polmonite.
Aveva recitato per l’ultima
volta il 5 aprile, ne La porta
chiusa di Praga.
La sua salma fu riportata in
Italia ed ebbe funerali di Stato
a Roma. Da allora riposa nel
cimitero di Asolo, centro del
Trevigiano nel quale l’attrice
aveva preso in afftto una casa
(poi acquistata dalla figlia),
nella quale intendeva ritirarsi.
13

ANNIVERSARI
Alberto Sordi,vent’anni dopo
ci racconta ancora chi siamo
di Filippo Bordignon
Tutto, in Sordi, lo conferma
come un mistero irrisolto a
cui il Bel Paese è, ancor oggi,
legatissimo.
A partire dal suo volto, quell’indescrivibile
combinazione di
lineamenti morbidi ma non
rassicuranti, gli occhi piccoli
eppure pronti a travolgere
l’osservatore con uno sguardo
raggelante; le labbra sottili
che, al primo sorriso, tradiscono
una smorfia di biasimo,
forse uno sfottò di presunta
arroganza.
E poi la sua esistenza: il riserbo
assoluto sulla vita sentimentale,
il disinteresse nel costituire
una famiglia, nel darsi una
discendenza, un “no grazie”
che restituì l’attore romano in
un nido a lui ben noto, servito
e riverito fino ai limiti della
senilità dalle adorate sorelle
Savina e Aurelia.
Perfino le voci sulla sua presunta
avarizia vengono puntualmente
smentite da colleghi di
lunga data, i quali assicurano
che egli devolvesse in anonimato
importanti somme a enti
di beneficenza.
Non ultima la rilevanza storica
nel panorama attoriale
italiano, dal suo esordio come
doppiatore nel 1937 e fino
all’ultima pellicola del 1998,
con una schiera non indifferente
di detrattori facente
parte della critica specializzata,
che lo accusavano di saper
interpretare soltanto se stesso.
Sordi: imprendibile, inclassificabile
per uno snobismo da piani
bassi, l’atteggiamento di colui
che non aspira al podio ma
14

solo per la seccatura di dovervi
poi discendere.
Che si può dire di certo, di
questo irripetibile personaggio
della commedia italiana, a 20
anni dalla morte avvenuta il 23
febbraio 2003? Molto poco,
fortunatamente, poiché, come
per ogni grande Artista, a parlare
è il proprio lascito artistico.
L’eredità della sua arte
E il lascito artistico, si sa, passa
attraverso le trasformazioni
della società e della cultura,
sicché di decade in decade si
assiste a fenomeni di celebrazione
e ridimensionamento,
rivalutazione e svalutazione.
Qualcuno ricorderà, ad esempio,
la lapidaria dichiarazione
del protagonista del film Ecce
bombo di Nanni Moretti, che in
una delle scene più note esclamò,
con toni evidentemente
dispregiativi: «Rossi e neri sono
tutti uguali? Ma che, siamo in
un film di Alberto Sordi!?».
Era il 1978, il decennio delle
contestazioni a tutto tondo,
sicché, per edificare un nuovo
cinema d’autore, si avvertiva
la necessità di andare oltre i
maestri del passato per creare
quelli di un presente travagliato
e contraddittorio.
Proprio su quella contestazione
morettiana, interrogai
un giorno il poeta Pasquale
Panella, geniale paroliere
degli ultimi cinque album
di Lucio Battisti, il quale mi
replicò netto: «(…) Sordi,
come Totò e Peppino, il
loro cinema, sono gli originali
di cui Apocalypse now e Blade
runner sono il plagio spettacolare.
Essi sono entrati nelle
tenebre del cuore, e hanno
visto cose».
L’Albertone del “volemmose
bbene”, dunque, altro non sarebbe
che lo specchietto per le
allodole, la maschera comicodrammatica
con cui il massimo
esponente della romanità di
sempre ha parlato dell’universale
che ci attanaglia.
Letto a un livello alt(r)o,
il personaggio che tira a
campare con noncuranza e
fare sornione racconta non
tanto l’Italietta dal dopoguerra
in avanti, ma la condizione
umana di spaesamento verso
una realtà industriale e postindustriale
dove a emergere è
l’individuo, sì, ma nella propria
tragica solitudine.
Gli esordi nel professionismo
Singolari, ovviamente, furono
i suoi esordi nel mondo del
professionismo. Nel 1937
egli si aggiudicò, senza alcuna
esperienza pregressa nel
settore, il doppiaggio italiano
per l’attore Oliver Hardy,
divenendo così la voce storica
del personaggio di Ollio nel
duo comico Stanlio e Ollio.
L’anno seguente, debuttò nel
teatro di rivista della compagnia
di Guido Riccioli e Nanda
Primavera, affnando le sue
doti di imitatore e improvvisatore.
All’attività di doppiaggio
cominciarono ad aggiungersi
anche ruoli di comparsa per
pellicole con protagonisti d’eccellenza,
come nel caso del La
notte delle beffe, con protagonista
Amedeo Nazzari.
La gavetta teatrale durò, tra un
cambio di compagnia e l’altro,
dal 41 al ’53, anno in cui chiuse
la propria esperienza lavorativa
sul palcoscenico nella
compagnia storica di Wanda
Osiris per lo spettacolo Gran
baraonda.
I compagnucci... e gli atri
I primi segnali di un genio incipiente
vennero però dalla sua
partecipazione a programmi
radiofonici; fu in questa sede
che, ispirandosi all’ambiente
dell’Azione Cattolica, inventò i
personaggi detti de “I compagnucci
della parrocchietta”.
Quella macchietta irriverente
e, ancor oggi, spassosissima, divertì
il regista Vittorio De Sica
al punto, da far confezionare
per Sordi un film su misura, il
suo esordio come protagonista,
a titolo Mamma mia che
impressione.
Ha qui inizio, grazie al cinema,
un’ascesa inarrestabile,
un susseguirsi di pellicole
leggendarie che, nel corso
dei decenni, hanno trattato,
secondo l’impiego di svariati
registri, i fatti più spinosi della
società italiana.
Qualche esempio. Il tema
dell’influenza delle nuove
tecnologie sulla vita dell’essere
umano trattato in Io e Caterina
del 1980, oggi più attuale che
allora. Lo scontro tra sanità
pubblica e privata ne Il medico
della mutua. Gli abbagli della
spiritualità new age e, di risposta,
l’arida deriva relativista
che ne è conseguita in Sono un
fenomeno paranormale, 1985.
Per non parlare di un argomento
spinoso e delicato come la
vecchiaia, raccontato con interpretazioni
commoventi nei
sottovalutati Una botta di vita,
del 1988, e Nestore, l’ultima
corsa del 1994.
Tanti sono, inoltre, i riferimenti
cinematografici al mondo del
teatro e affni. L’esilarante
Polvere di stelle (1973), con una
Monica Vitti in stato di grazia,
è il racconto di una scalcagnata
compagnia di avanspettacolo
che cerca di destreggiarsi
all’indomani dall’ascesa del
regime fascista; la vicenda è
soprattutto un’amara riflessione
sull’impossibilità di far cassa
mantenendosi estranei ai cambiamenti
di potere. Ne deriva
perciò l’immagine dell’artista
eternamente giullare del
potere vigente, chiamato a
un intrattenimento innocuo
e, soprattutto, a mortificare
le proprie aspirazioni creative
in virtù di formule risapute
per un pubblico distratto e
mediocre. Con il meno riuscito
Gastone (1960), Sordi veste i
panni di uno dei più noti personaggi
ideati dall’immenso Ettore
Petrolini, di qui il regista del
film, Mario Bonnard, fu intimo
amico: sul grande schermo
sono riportati i tempi dei frac
e tabarin, un’atmosfera frivola
ma non al punto da innalzarsi
ai livelli del decadentismo
europeo, un film nel quale,
stranamente, Sordi concede
un’interpretazione sottotono.
Tra i titoli meno noti, va
citato il surreale episodio
L’elogio funebre dal film corale
I nuovi mostri (1977), summa
semi-improvvisata di sketch
farseschi e barzellette davanti
alla bara del clown Formighella.
Da non scordare, invece,
due celebri prove magistrali
tratte da Molière: Il malato
immaginario (1979) e L’avaro
(1989). Qui l’attore, diretto da
un ispirato Tonino Cervi, porta
ai massimi livelli quel suo stile
indolente e fatalista, calzando
Nella foto grande della pagina accanto,
Alberto Sordi nel 1962. In alto, immagini
tratte da Il conte Max, I complessi
(Guglielmo il dentone) e Bello, onesto,
emigrato Australia sposerebbe
compaesana illibata. In questa pagina
con Olga Villi in Ritorna Za-Bum, negli
studi radio della Rai nel 1950
e in Io e Caterina del 1980.
15

alla perfezione la figura di un
antieroe vinto dai difetti di
cui è riccamente costituito, e
raccontando un sistema Paese
evidentemente intramontabile,
in cui l’interesse privato va
oltre ogni ordine morale ed
etico.
E qui, trattando di teatro, va
messo un punto. Nel corso di
una carriera durata oltre 60
anni, Sordi non ha dimostrato,
a differenza dei colleghi Vittorio
Gassman e Nino Manfredi,
per disinteresse o per motivi ai
noi sconosciuti, l’ambizione di
affermarsi nell’arte teatrale. Il
set cinematografico, così come
quello televisivo (nelle sue rare
ma leggendarie apparizioni
in programmi di varietà), gli
furono suffcienti.
Il cinema, anche da regista
Preferì concentrare i suoi sforzi
nell’attività attoriale per la settima
arte, e nella regia di film
ancor oggi trasmessi con successo
di audience. Sì perché,
in pellicole storiche quali Fumo
di Londra, Amore mio aiutami e
Finché c’è guerra c’è speranza,
egli è protagonista davanti e
dietro la macchina da presa, offrendo
uno stile funzionale alla
narrazione anche se non privo
di piccole sbavature tecniche.
Non esistendo testimonianze
filmate della sua gavetta
teatrale, le prove tangibili della
capacità improvvisativa di Sordi
davanti a un pubblico vanno
ricercate nelle ospitate televisive.
Per tempi comici, uso parco
ma sostanziale della mimica
facciale e arguzia dell’umorismo,
egli si conferma mattatore
irresistibile, ancor più
coinvolgente di un Gassman
poiché, di fondo, egli lascia
trasparire una certa insofferenza
alle lusinghe del pubblico,
una volontà di tagliar corto per
tornare il prima possibile alla
tranquillità della propria vita
borghese.
Uno sguardo sulla borghesia
Quella borghesia raccontata
con una profondità sbalorditiva
in storie come Un borghese
piccolo piccolo o Il tassinaro,
ritratti di gente comune che,
alle avventure da romanzo,
preferiscono il percorso della
laurea che schiuderà le porte al
mondo del lavoro, il cantico del
posto fisso in uffcio, la stabilità
della relazione monogama,
l’atteggiamento pacioso di chi
si accontenta di quel che ha.
E sono forse questi motivi a
suscitare in alcuni le accuse di
superficialità, il sospetto di un
tanfo d’antan che certo non
può coinvolgere le generazioni
16
Qui accanto, una scena de L’avaro.
Sotto, Un borghese piccolo piccolo.
A seguire, due immagini iconiche della
filmografia di Sordi: la scena
dei maccheroni tratta da Un americano a
Roma del 1954 e il celebre...
saluto ai lavoratori
da I vitelloni del 1953
del mondo globalizzato, chiamate
a pretendere un futuro
di gusti forti e in continua
mutazione.
Uno stile irresistibile
Eppure. Eppure c’è in Sordi la
garanzia di uno stile irresistibile
che, qual che sia il soggetto,
se ne appropria rendendolo
parte di quello spirito un poco
anarcoide e sopra le righe. La
sua voce baritonale sapeva
carezzare senza diventare mai
svenevole, mantenendo la promessa
di una risata grazie a un
tic, un inciampo, una scelta inusitata
che ne faceva strumento
malleabile eppure riconoscibile
al primo respiro. Oltre all’attività
di doppiatore negli anni
di formazione, infatti, egli ha
rilasciato nei decenni successivi
alcune sporadiche ma notevoli
testimonianze discografiche
della propria vena compositiva
in veste di paroliere, con titoli
poi inseriti nelle sue pellicole
quali You never told me o Amore
amore amore amore, piccoli
gioielli di musica leggera impreziositi
dagli arrangiamenti
del maestro Piero Piccioni.
Sordi fu dunque una voce, una
mimica, uno sguardo che raccontò
la Storia d’Italia a modo
proprio; una visione mai accondiscendente
ma pur distante
da aspirazioni innovative o rivoluzionarie,
un borghese grande
grande che, negli ultimi anni
della propria vita, comprese di
non riconoscersi più in un Paese
che, inseguendo il miraggio
della globalizzazione, aveva
rinunciato alla sua identità in
nome di quella multiculturalità
che prometteva un futuro
migliore per le generazioni
future. Si spense così, amareggiato
in un mondo che gli era
ormai estraneo, e lasciando ai
posteri l’impossibile compito di
scovare il suo erede artistico.

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