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Alessio Vaccari
Galleria Ghelfi Vicenza
di Giovanna Grossato
Si è protratta con successo fino alla fine di agosto presso la
Galleria Ghelfi di Vicenza la bella mostra di Alessio Vaccari,
giovane artista pisano (1977) formatosi all’Accademia di
Belle Arti di Roma ed ora notevolmente affermato a livello
nazionale. Già nel 2000 Vaccari viene selezionato al Premio
Arte Mondadori e nel 2010 allestisce con suoi dipinti una sala
nel Centro per l’Arte “Diego Martelli” di Castiglioncello in occasione
della mostra “Coincidenze allievo/maestro”. Sempre
al 2007 risale la personale “Intime Armonie” presso la
Galleria le Opere di Roma e l’avvio di un’attività espositiva
piuttosto intensa, soprattutto presso la Gagliardi Gallery, una
delle più antiche gallerie londinesi per l’arte contemporanea.
Dotato di una grande sensibilità per gli elementi formali
e di una straordinaria capacità di tradurre sulla tela il mondo
circostante, Vaccari ne cristallizza l’attimo in una sorta di reportage
fotografico che fissa gli aspetti vitali più caratterizzanti
di persone e cose. La sua pittura, soffusa di atmosfere
rarefatte e senza tempo, immette in una situazione oggettiva
costruita però secondo canoni ideali, assimilabili a quelli
che dal primo Rinascimento, soprattutto da Piero della Francesca,
attraversando il realismo europeo secentesco, giungono
alla metà dell’Ottocento fino a Georges Seurat e, nel
Novecento, a Balthus. Schematizzando s’intende - e tuttavia
con poche differenze di metodo rispetto a quegli autori
“classici” -, anche la classicità di Vaccari mira ad individuare
la purezza delle linee e delle forme geometriche insite nella
comune quotidianità, organizzandole nella tela secondo un
valore assoluto del tempo. Si crea così una sorta di gabbia
entro la quale gli elementi naturali, semplificati e mondati
dagli accessori occasionali o irrilevanti di persone e cose,
rimangono fissati in un assoluto spazio-temporale denso di
atmosfere quanto sottilmente inquietante. E’- una successione
di istanti che vengono intrappolati, o meglio, convinti
con la seduzione della pittura a rimanere per sempre dentro
il quadro, assecondando la composizione e spezzando
volontariamente la relazione con quella realtà che sembra
a tutti gli effetti essere protagonista della rappresentazione.
Alessio Vaccari attua quello che Federico Fellini definirebbe
“quell’universo di segni in cui si concentra la memoria pittorica”
secondo modalità ricche di un’energia intensa che
utilizzano un linguaggio attuale, confutando sia certi “ritorni”
contemporanei al figurativo, sia cert’altri atteggiamenti di
reazione nei confronti del linguaggio astratto degli anni Ottanta.
E’ lo stesso artista a dichiarare il suo metodo di lavoro
e di pensiero con precisa scansione dei percorsi attraverso
i quali vi è giunto: “La mia ricerca - scrive - è fondata su
Crocefissione 2009
olio su tavola, cm 56x35x1
un’attenta osservazione del veduto. Dopo anni di studio e
confronto con la tradizione, ho scelto come mezzo espressivo
prediletto il disegno e la pittura ad olio, impiegati con
una tecnica attenta e lenta nella ricostruzione della trama
luministica delle “cose” osservate. I soggetti sui quali concentro
l’attenzione sono il ritratto e soprattutto gli spazi del
mio studio, assieme agli oggetti che lo abitano.” Un universo
privato solo apparentemente circoscritto, ma che in realtà
spazia nell’esperienza e nella memoria del mondo riconosciuto
e rappresentato non solo come l’artista lo vede e ma
anche e soprattutto come egli sa che è. Oltre alla ventina
di “interni” e ritratti, non mancano poi nella mostra alla Galleria
Ghelfi alcuni paesaggi costruiti con lo stesso puntiglioso
impegno ma, ovviamente, con una maggiore e diversa
estensione spaziale, in cui l’orizzonte vaporizza i confini tra le
colline, i boschi, il cielo e l’acqua.
Nero su nero 2006
china acquarellata su documento originale del XIX secolo, cm 30x42
Visitare una mostra di opere in una pinacoteca, un museo,
uno spazio dedicato, è alquanto ovvio e naturale. Ma gli spazi
espositivi propriamente detti, quelli dei centri istituzionali e delle
gallerie d’arte, non sono sempre facilmente accessibili al grande
pubblico; così sempre più spesso accade di imbattersi in
iniziative espositive nei luoghi più impensati, per le vie e per le
piazze, in pub e caffè letterari, librerie, sale congressi, strutture
ricettive, e perfino stazioni e aeroporti che, seppure luoghi di
transito o “nonluoghi”, hanno il vantaggio di essere frequentati
da una grande moltitudine di persone. Non estraneo a esposizioni
in gallerie d’arte e siti istituzionali, il percorso espositivo di
Pino Manzella lo scorso agosto è approdato al Tus’Hotel, nella
ridente località marinara della costa messinese, Tusa, con “Acquerelli
dei conti che non tornano”, una panoramica significativa
di opere realizzate in un trentennio di attività pittorica.
Venti opere tratte dai principali cicli tematici, dagli “Alberi” agli
“Scrittori”, o realizzate in occasione di mostre a tema, tracciano
le linee guida di un discorso artistico coerente da cui emerge
una cifra stilistica originale, facilmente riconoscibile, che si
manifesta attraverso un personale codice espressivo di segni e
simboli, tracce e cromie, sapientemente disposti e giustapposti
su supporti informali. Pino Manzella è un artista dal tratto elegante,
raffinato, socialmente impegnato. La sua è una pittura
colta, simbolica, allusiva, mai fine a se stessa, spesso di denuncia,
che racconta sommessamente per analogie e metafore,
o lascia intuire verità scomode che le coscienze perbeniste
rinnegano. Una pittura acquosa, di velature a tinte tenui, attraverso
cui i concetti e le emozioni si materializzano in cose e persone,
animali e paesaggi: alberi, farfalle, libri, limoni, serpenti,
rinoceronti, poeti, scrittori. Leggendo tra le tinte pastello e le
righe sbiadite si possono rintracciare suggestioni letterarie che
il pittore desume dalle pagine dei suoi autori preferiti, anzitutto
quelli che hanno fatto grande la Sicilia, Sciascia e Giovanni
Meli, Consolo Pirandello Camilleri ... , ma anche Borges, Picasso
e molti altri. Un giardino con un grande ficus e uno scorcio
marino con la torre Molinazzo (località del comune di Cinisi, in
provincia di Palermo, dove l’artista vive ed opera). Il giallo dei
limoni roso da muffe verdognole e il monte Pecoraro (anch’esso
a Cinisi) nelle sembianze di un bassotto in quella che si appalesa
come una trasposizione figurativa di un’impressione del
critico d’arte Francesco Carbone. Un omaggio a Guttuso e un
riferimento a Dϋrer. Una pittura preziosa, ricercata nel segno,
nel simbolo, nel concetto, e anche nel supporto. Perché Pino
Manzella non stende i suoi colori su supporti convenzionali, tele
o tavole, non si accontenta di semplici fogli di carta tirati in
Acquerelli dei conti che non tornano
Pino Manzella
di Giuseppe Viviano
serie. Le sue opere sono, con un’espressione dell’artista, “chine
acquerellate”, ossia dipinti su documenti originali del XVII, XVIII
e XIX secolo, fortunosamente recuperati e adoperati come
supporto materico del racconto pittorico e talvolta anche
come spunto creativo o come appiglio figurativo al quale associare
il contenuto del dipinto. Forte dell’esperienza maturata
negli anni, lente di ingrandimento alla mano, il pittore si trasforma
in studioso, veste i panni del filologo, ricerca alla maniera
di un archeologo, legge i reperti cartacei ingialliti, tarlati, dai
margini sdruciti, mantiene ed esalta i segni del tempo, le imperfezioni
casuali dell’incuria, interpreta le grafie approssimative
di “carte” comuni come i tratti eleganti di atti ufficiali nobilitati
da bolli, stemmi e sigle svolazzanti, lasciandosi suggestionare
dal sottile filo di china nera tracciato a mano nei secoli passati,
una frase, un inciso, un appunto a margine, da cui talvolta
origina l’intervento pittorico. Manzella comunica messaggi attuali,
contemporanei, spesso facendosi interprete di un sentimento
collettivo, e lo fa guardando al passato, alla piccola
storia, alla realtà quotidiana, avvalendosi di materiali della cultura
umana che, rivisitati attraverso l’intervento creativo nello
stile dei ready-made, divengono opere d’arte. L’impiego degli
acquerelli, anche quando l’artista ricorre alla tecnica del
collage, è una scelta operativa che consente al contenuto
originale dei documenti di affiorare in un gioco di velature e
trasparenze in cui il passato rivive in una dimensione altra e
si propone come memoria del presente. Il risultato è un prodotto
nuovo che coniuga il pregio estetico con una spiccata
connotazione concettuale, un’opera in cui due piani materici,
semantici e temporali, quello antico in cui il documento è stato
creato e quello più recente dell’intervento creativo, convivono
e dialogano in una sintesi di segni, disegni e valori simbolici.
da sinistra
Picasso visita il Trionfo della Morte a Palermo 1992
china acquarellata su documento originale del XIX secolo, cm 30x42
Il poeta cieco. Omaggio a Borges 2005
china acquarellata su documento originale del XX secolo, cm 30x42
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