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UN’ALTRA STORIA
Arte Italiana dagli anni Ottanta agli anni Zero
di Enrico Maria Sestante
Il libro Un’altra storia raccoglie le mostre omonime che si
sono tenute a Como, a Milano e a Torino, curate e ideate
da Eduardo Di Mauro e con un contributo di Alessandro
Carrer. Il volume raccoglie 84 schede fotografiche e documentative
e una trentina di interventi critici. Di Mauro è protagonista
di primo piano del dibattito curatoriale contemporaneo,
sia per l’originale proposta, nota come
“italianissimo molteplicismo” (titolo di una lunga ricerca
scaturita dalla collaborazione con Renato Barilli), sia per la
riflessione sviluppata intorno alle tematiche del postmoderno
e sia la sistemazione del materiale in esposizione. Di
Mauro è critico d’arte e soprattutto organizzatore culturale,
dal 1994 al 1997 è stato condirettore artistico della Galleria
d’Arte Moderna e dei Musei Civici Torinesi. Attualmente
è Direttore Artistico del Museo d’Arte Urbana del
capoluogo piemontese e, nella stessa città, condirettore
dello Spazio Sansovino, dove alla fine di quest’anno approderà
Un’altra storia. Il pregio del volume in esame risiede
proprio nell’offrire spunti per approfondimenti di un modello
curatoriale italiano e delle tematiche ad esso legate,
con l’accessibilità di contenuto e linguaggio propri del format
espositivo. I cataloghi delle mostre di Di Mauro sono un
buon esempio della discussione sulla possibilità di un ‘metodo’
della curatorialità e dell’utilità di una sua applicazione
in ambito artistico: “Nuove tendenze in Italia”, “Ge Mi
To: l’ultima generazione artistica del triangolo industriale”,
“Sotto osservazione: arte e poesia di fine secolo”, “Eclettismo”,
“Carpe diem … una generazione italiana”, “Va’pensiero.
Arte Italiana 1984/1996”, “Art Fiction” e, in questo decennio,
“Una Babele postmoderna: realtà ed allegoria
nell’arte italiana degli anni ‘90”, “Punto e a capo: nuova
contemporaneità italiana”, “Interni Italiani”, “Anni Zero.
Arte Italiana del nuovo decennio”. Fortunatamente, l’intento
del libro di Di Mauro non è quello di aggiungere un
mattone alla costruzione di una ‘scolastica postmodernista’
e nemmeno quello di parlare direttamente di critica
ed estetica, ma di riaprire una riflessione intorno alle sue
stesse competenze, che riguardano l’arte Ottanta/2000,
tentando di riordinare con grande difficoltà le tracce del
pensiero ‘postmodernistico italiano’ nei Critical Studies, illuminando
i legami con la teoria dei sistemi artistici contemporanei
e ricostruendo il confronto tra il contributo di ABO,
Germano Celant, Renato Barilli, Maurizio Calvesi, Enrico
Crispolti e Gabriele Perretta. Come Di Mauro ci ricorda:
“Un’Altra Storia ... è una rassegna che si pone l’obiettivo di
proporre una visione diversa dell’arte italiana dell’ultimo
quarto di secolo rispetto a quella che ci è stata imposta da
un sistema ed un’informazione artistica i cui limiti sono evidenziabili
dal ruolo subalterno della nostra scena recente
nel panorama internazionale”. Detto ciò, secondo i ludici
criteri curatoriali, gli 84 artisti, selezionati da Di Mauro, saranno
dislocati nelle tre sedi in maniera da unificare site
specific e pratica del circuito semi-Establishment. Il pensiero
di Di Mauro, debole di una “teoresi curatoriale”, cerca di
dispiegarsi nei campi suddetti con ragguardevole lucidità
critica, non abbandonando mai quel sostegno post-modernista
proprio degli anni ‘80. Partendo dalle considerazioni
barilliane sulla problematicità del superamento della
metafisica artistica, Di Mauro cerca di far vedere come
una radicale assunzione della propria condizione di abitanti
del “sistema artistico italiano al tramonto” è l’unica
via per affrontare la situazione visuale italiana: “L’obiettivo
è una rilettura, fuori dagli schemi e dalle convenzioni tipiche
degli ultimi anni ... L’arte italiana all’estero è generalmente
rappresentata da singole individualità spesso avulse
dal contesto di un territorio variegato, quindi è importante
lavorare per diffondere aspetti poco approfonditi della nostra
scena, considerato che la percezione dell’arte italiana
dell’ultimo trentennio al di fuori dei nostri confini è talvolta
assai diversa da quella che viene divulgata da ambiti comunicativi
e di sistema predominanti. Per parlare degli ultimi
trent’anni circa non si può non partire da un inequivocabile,
quasi scontato, dato di fatto, cioè che gli ultimi due
movimenti innalzatisi ad un riconoscimento internazionale,
sono stati l’Arte Povera e la Transavanguardia, con percorsi
diversi che di recente si sono intrecciati in una sorta di
reciproco riconoscimento, da cui non era difficile prevedere
l’attuazione di una sottile logica di esclusione di quanto
sta al di fuori di quel recinto. La fascia generazionale maggiormente
penalizzata ..., è stata quella, di non indifferente
qualità, emersa subito dopo la Transavanguardia, tra la
metà degli anni ’80 ed i primi anni ’90, periodo nel quale è,
tra l’altro, avvenuta la mia formazione critica ... Il fatto di
Bruno Zanichelli
Nebbia brina morde il radiatore durante l’Intifada, 1987
acrilico su tela, cm 70x100
avere sostanzialmente ‘saltato’ una generazione sta all’origine,
a mio modo di vedere, della sostanziale irrisolutezza
dell’arte italiana lungo tutto il corso degli anni ’90”. Demistificare
le ideologie di queste prospettive, svelandone l’arcaismo
o l’esotismo italianistico, e mettere in evidenza il
disprezzo per l’internazionalismo che si cela dietro la loro
demagogia, sarebbe un approccio noioso, considerata la
moltitudine di organizzazioni e di tendenze esistenti nella
pratica artistica italiana degli anni 80, ciascuna delle quali
rivendica una propria originalità ideologica, politica e culturale.
Più che le idee, conviene criticare il tipo di attività,
come il fatuo militantismo, che si è visto arrancare ai tempi
di una mostra di pochi mesi e poi dissolto in quella successiva.
Nella situazione post-Ottanta lo spazio dell’arte non
sempre è un luogo, non sempre accoglie la presenza del
vivente e se ne fa dimora. Bisogna quindi ricostruire i luoghi
e le opere, creare comunanza, farsi tana. Di Mauro non
ammette che l’arte, italiana o straniera che sia, nel dominio
totalitario del capitale, ha perso importanza, perché
essa, ormai da tempo, non è più riconoscibile. L’artista non
è più una garanzia, non crea luoghi per sé, per la propria
unicità, bensì depositi per le merci e modi di circolazione
intensiva per il valore di scambio. Le sue case sono sedi per
stoccare la merce-opera, la sua mente è ormai un ubuesco
ipermercato. Forma e sostanza della merce sono le
due facce della distopia generalizzata, dove la morte che
neghiamo, dopo aver negato dapprincipio vita e passione,
è solo un paravento per nasconderci la morte che è
già qui, che è già nelle relazioni col mondo che manchiamo.
Parafrasando Debord, che a sua volta citava i trattatisti
del seicento, potrei dire che l’arte Italiana ha fondato la
propria causa sul volto anonimo della globalizzazione, poiché
per creare la necessità di un’arte non ha bisogno del
proprio volto. Ciò che appare difficile è chiudere gli occhi
e far fiorire il mondo, toccare l’altro e magari farne poesia,
attraversare la soglia e magari non ritrovarsi imminente nello
stesso mondo. E’ un ‘male di esserci’, una dannazione al
malinteso, una difficoltà di spiegarsi che si fa male di vivere:
credo di conoscerla ormai fino al punto di estenuazione,
di averla conosciuta sin dai tempi di Nuove tendenze
... Non appena si esce da un terreno di lotta direttamente
generazionale, in cui nella localizzazione il rapporto sociale,
i soggetti siano chiari, in cui si possa concepire un’azione
comune indipendente, diretta, senza alcuna possibilità
di sovradeterminazioni, ‘transfert’, alienazione, la definizio-
Nello Teodori
Compagno di classe, 2008
tecnica mista (manuale e digitale), cm 40x30
Ernesto Jannini
Progetti di guerra, 2007-2008
installazione (Fusion Art, Torino)
ne di un punto di vista e di una linea di condotta diventa
esercizio di estrema complessità. Ogni asserto, infatti, rischia
di essere soggetto a deformarsi, degradarsi, a conoscere
una contraddittorietà continua, una concatenazione
di effetti secondari, confusioni semantiche e concettuali tra
smentite, auto-confutazioni, rinvii continui a piani meta-discorsivi,
imponendo sottigliezze e incessanti sfumature incomunicabili.
“Transavanguardia” o “arte povera”, come
parlare d’altro! Ci riempiono pagine, scaffali e adesso anche
il web con i personaggini di Celant e ABO. Ma, caro Di
Mauro, è ovvio che in giro c’è di meglio. La pigrizia e la
neghittosità di critici e di lettori non ci obbligano ad adeguarci.
E’ chiaro che tutta l’arte della neo e post è un gioco
di mera imitazione. Duchamp e Picasso lasciano tracce;
il mercato si contenta di poco, ci si può campare
sopra. Nell’epoca della totale globalizzazione, mi pare che
ha lavorato meglio Perretta, che con il suo medialismo dà
la paga ad ABO e a Celant ad ogni pagina. Questo napoletano,
con totale consapevolezza, usa il romanzo nero
dell’arte italiana per parlare d’altro ed ha il coraggio di
farvi vedere gli artisti che ha seguito fuori da qualsiasi dialettica
nostrano/internazionale! Perretta può cadere nel
romanticume, Perretta è dottore in niente (come osava
definirsi Debord), cerca la pagina difficile e sfiora il baratro
del ridicolo mediale, Perretta è il filosofo che si trasforma in
scrittore e critico e che si lascia trascinare dal testo, da tutto
quello che fino ai cinquant’anni non ha potuto raccontare,
ed ora magari esagera, si lascia prendere la mano.
Ma c’è vera rabbia e vera dolcezza nelle sue pagine, vero
coraggio. Mette tutto in gioco. Cita senza ritegno rovesciandoci
addosso le sue letture semiologiche, sonore. Poi
c’è la ricostruzione di una medialità riscattata dal sogno di
una generazione che si voleva sentire libera: esagerazione
emozionale, ricostruzione mitica, città sfavillante, ventre
oscuro ma forse proprio per questo più protettivo di una
criticità neo-moderna in grado di anticipare tutte le favole
del mediale, del tecnologico e del virtuale. E c’è soprattutto
la sua cifra più significativa, quel modo personale di parlare
duramente di politica e di fare critica radicale al sistema
attraverso la poesia. Il romanzo critico come
elaborazione del lutto e, al tempo stesso, come testimonianza
di una generazione post-77 che non ha niente a
che vedere con i sulfamidici tiratigli addosso da Luca Beatrice.
Perché la narrazione non è mai pura, ma ci vuole coraggio,
ci vuole condizione, e si devono sentire con forza
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