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IMPRONTE ARTA ntis.info 12 UN’ALTRA STORIA Arte Italiana dagli anni Ottanta agli anni Zero di Enrico Maria Sestante Il libro Un’altra storia raccoglie le mostre omonime che si sono tenute a Como, a Milano e a Torino, curate e ideate da Eduardo Di Mauro e con un contributo di Alessandro Carrer. Il volume raccoglie 84 schede fotografiche e documentative e una trentina di interventi critici. Di Mauro è protagonista di primo piano del dibattito curatoriale contemporaneo, sia per l’originale proposta, nota come “italianissimo molteplicismo” (titolo di una lunga ricerca scaturita dalla collaborazione con Renato Barilli), sia per la riflessione sviluppata intorno alle tematiche del postmoderno e sia la sistemazione del materiale in esposizione. Di Mauro è critico d’arte e soprattutto organizzatore culturale, dal 1994 al 1997 è stato condirettore artistico della Galleria d’Arte Moderna e dei Musei Civici Torinesi. Attualmente è Direttore Artistico del Museo d’Arte Urbana del capoluogo piemontese e, nella stessa città, condirettore dello Spazio Sansovino, dove alla fine di quest’anno approderà Un’altra storia. Il pregio del volume in esame risiede proprio nell’offrire spunti per approfondimenti di un modello curatoriale italiano e delle tematiche ad esso legate, con l’accessibilità di contenuto e linguaggio propri del format espositivo. I cataloghi delle mostre di Di Mauro sono un buon esempio della discussione sulla possibilità di un ‘metodo’ della curatorialità e dell’utilità di una sua applicazione in ambito artistico: “Nuove tendenze in Italia”, “Ge Mi To: l’ultima generazione artistica del triangolo industriale”, “Sotto osservazione: arte e poesia di fine secolo”, “Eclettismo”, “Carpe diem … una generazione italiana”, “Va’pensiero. Arte Italiana 1984/1996”, “Art Fiction” e, in questo decennio, “Una Babele postmoderna: realtà ed allegoria nell’arte italiana degli anni ‘90”, “Punto e a capo: nuova contemporaneità italiana”, “Interni Italiani”, “Anni Zero. Arte Italiana del nuovo decennio”. Fortunatamente, l’intento del libro di Di Mauro non è quello di aggiungere un mattone alla costruzione di una ‘scolastica postmodernista’ e nemmeno quello di parlare direttamente di critica ed estetica, ma di riaprire una riflessione intorno alle sue stesse competenze, che riguardano l’arte Ottanta/2000, tentando di riordinare con grande difficoltà le tracce del pensiero ‘postmodernistico italiano’ nei Critical Studies, illuminando i legami con la teoria dei sistemi artistici contemporanei e ricostruendo il confronto tra il contributo di ABO, Germano Celant, Renato Barilli, Maurizio Calvesi, Enrico Crispolti e Gabriele Perretta. Come Di Mauro ci ricorda: “Un’Altra Storia ... è una rassegna che si pone l’obiettivo di proporre una visione diversa dell’arte italiana dell’ultimo quarto di secolo rispetto a quella che ci è stata imposta da un sistema ed un’informazione artistica i cui limiti sono evidenziabili dal ruolo subalterno della nostra scena recente nel panorama internazionale”. Detto ciò, secondo i ludici criteri curatoriali, gli 84 artisti, selezionati da Di Mauro, saranno dislocati nelle tre sedi in maniera da unificare site specific e pratica del circuito semi-Establishment. Il pensiero di Di Mauro, debole di una “teoresi curatoriale”, cerca di dispiegarsi nei campi suddetti con ragguardevole lucidità critica, non abbandonando mai quel sostegno post-modernista proprio degli anni ‘80. Partendo dalle considerazioni barilliane sulla problematicità del superamento della metafisica artistica, Di Mauro cerca di far vedere come una radicale assunzione della propria condizione di abitanti del “sistema artistico italiano al tramonto” è l’unica via per affrontare la situazione visuale italiana: “L’obiettivo è una rilettura, fuori dagli schemi e dalle convenzioni tipiche degli ultimi anni ... L’arte italiana all’estero è generalmente rappresentata da singole individualità spesso avulse dal contesto di un territorio variegato, quindi è importante lavorare per diffondere aspetti poco approfonditi della nostra scena, considerato che la percezione dell’arte italiana dell’ultimo trentennio al di fuori dei nostri confini è talvolta assai diversa da quella che viene divulgata da ambiti comunicativi e di sistema predominanti. Per parlare degli ultimi trent’anni circa non si può non partire da un inequivocabile, quasi scontato, dato di fatto, cioè che gli ultimi due movimenti innalzatisi ad un riconoscimento internazionale, sono stati l’Arte Povera e la Transavanguardia, con percorsi diversi che di recente si sono intrecciati in una sorta di reciproco riconoscimento, da cui non era difficile prevedere l’attuazione di una sottile logica di esclusione di quanto sta al di fuori di quel recinto. La fascia generazionale maggiormente penalizzata ..., è stata quella, di non indifferente qualità, emersa subito dopo la Transavanguardia, tra la metà degli anni ’80 ed i primi anni ’90, periodo nel quale è, tra l’altro, avvenuta la mia formazione critica ... Il fatto di Bruno Zanichelli Nebbia brina morde il radiatore durante l’Intifada, 1987 acrilico su tela, cm 70x100 avere sostanzialmente ‘saltato’ una generazione sta all’origine, a mio modo di vedere, della sostanziale irrisolutezza dell’arte italiana lungo tutto il corso degli anni ’90”. Demistificare le ideologie di queste prospettive, svelandone l’arcaismo o l’esotismo italianistico, e mettere in evidenza il disprezzo per l’internazionalismo che si cela dietro la loro demagogia, sarebbe un approccio noioso, considerata la moltitudine di organizzazioni e di tendenze esistenti nella pratica artistica italiana degli anni 80, ciascuna delle quali rivendica una propria originalità ideologica, politica e culturale. Più che le idee, conviene criticare il tipo di attività, come il fatuo militantismo, che si è visto arrancare ai tempi di una mostra di pochi mesi e poi dissolto in quella successiva. Nella situazione post-Ottanta lo spazio dell’arte non sempre è un luogo, non sempre accoglie la presenza del vivente e se ne fa dimora. Bisogna quindi ricostruire i luoghi e le opere, creare comunanza, farsi tana. Di Mauro non ammette che l’arte, italiana o straniera che sia, nel dominio totalitario del capitale, ha perso importanza, perché essa, ormai da tempo, non è più riconoscibile. L’artista non è più una garanzia, non crea luoghi per sé, per la propria unicità, bensì depositi per le merci e modi di circolazione intensiva per il valore di scambio. Le sue case sono sedi per stoccare la merce-opera, la sua mente è ormai un ubuesco ipermercato. Forma e sostanza della merce sono le due facce della distopia generalizzata, dove la morte che neghiamo, dopo aver negato dapprincipio vita e passione, è solo un paravento per nasconderci la morte che è già qui, che è già nelle relazioni col mondo che manchiamo. Parafrasando Debord, che a sua volta citava i trattatisti del seicento, potrei dire che l’arte Italiana ha fondato la propria causa sul volto anonimo della globalizzazione, poiché per creare la necessità di un’arte non ha bisogno del proprio volto. Ciò che appare difficile è chiudere gli occhi e far fiorire il mondo, toccare l’altro e magari farne poesia, attraversare la soglia e magari non ritrovarsi imminente nello stesso mondo. E’ un ‘male di esserci’, una dannazione al malinteso, una difficoltà di spiegarsi che si fa male di vivere: credo di conoscerla ormai fino al punto di estenuazione, di averla conosciuta sin dai tempi di Nuove tendenze ... Non appena si esce da un terreno di lotta direttamente generazionale, in cui nella localizzazione il rapporto sociale, i soggetti siano chiari, in cui si possa concepire un’azione comune indipendente, diretta, senza alcuna possibilità di sovradeterminazioni, ‘transfert’, alienazione, la definizio- Nello Teodori Compagno di classe, 2008 tecnica mista (manuale e digitale), cm 40x30 Ernesto Jannini Progetti di guerra, 2007-2008 installazione (Fusion Art, Torino) ne di un punto di vista e di una linea di condotta diventa esercizio di estrema complessità. Ogni asserto, infatti, rischia di essere soggetto a deformarsi, degradarsi, a conoscere una contraddittorietà continua, una concatenazione di effetti secondari, confusioni semantiche e concettuali tra smentite, auto-confutazioni, rinvii continui a piani meta-discorsivi, imponendo sottigliezze e incessanti sfumature incomunicabili. “Transavanguardia” o “arte povera”, come parlare d’altro! Ci riempiono pagine, scaffali e adesso anche il web con i personaggini di Celant e ABO. Ma, caro Di Mauro, è ovvio che in giro c’è di meglio. La pigrizia e la neghittosità di critici e di lettori non ci obbligano ad adeguarci. E’ chiaro che tutta l’arte della neo e post è un gioco di mera imitazione. Duchamp e Picasso lasciano tracce; il mercato si contenta di poco, ci si può campare sopra. Nell’epoca della totale globalizzazione, mi pare che ha lavorato meglio Perretta, che con il suo medialismo dà la paga ad ABO e a Celant ad ogni pagina. Questo napoletano, con totale consapevolezza, usa il romanzo nero dell’arte italiana per parlare d’altro ed ha il coraggio di farvi vedere gli artisti che ha seguito fuori da qualsiasi dialettica nostrano/internazionale! Perretta può cadere nel romanticume, Perretta è dottore in niente (come osava definirsi Debord), cerca la pagina difficile e sfiora il baratro del ridicolo mediale, Perretta è il filosofo che si trasforma in scrittore e critico e che si lascia trascinare dal testo, da tutto quello che fino ai cinquant’anni non ha potuto raccontare, ed ora magari esagera, si lascia prendere la mano. Ma c’è vera rabbia e vera dolcezza nelle sue pagine, vero coraggio. Mette tutto in gioco. Cita senza ritegno rovesciandoci addosso le sue letture semiologiche, sonore. Poi c’è la ricostruzione di una medialità riscattata dal sogno di una generazione che si voleva sentire libera: esagerazione emozionale, ricostruzione mitica, città sfavillante, ventre oscuro ma forse proprio per questo più protettivo di una criticità neo-moderna in grado di anticipare tutte le favole del mediale, del tecnologico e del virtuale. E c’è soprattutto la sua cifra più significativa, quel modo personale di parlare duramente di politica e di fare critica radicale al sistema attraverso la poesia. Il romanzo critico come elaborazione del lutto e, al tempo stesso, come testimonianza di una generazione post-77 che non ha niente a che vedere con i sulfamidici tiratigli addosso da Luca Beatrice. Perché la narrazione non è mai pura, ma ci vuole coraggio, ci vuole condizione, e si devono sentire con forza ARTA ntis.info 13
ARTA ntis.info 14 certe idee per piegare così il racconto, senza che appaia forzato il discorso “a tesi”. A onore di Perretta va proprio questo, scrive perché ne ha bisogno e perché ha qualcosa da dire. All’opposto degli altri critici che hai indicato - caro Di Mauro - lui, che ci parli di medialità, o degli occhi della dissidenza a/spettacolare, o della lingua del virtuale, o di qualsiasi altra sciocchezza, non scende mai dalla tribuna dell’intellettuale dis/organico. Perretta parla sempre a qualcuno, da pari a pari. Le prime pagine dei saggi mediali sono scritti come lettera a curatori della sua/tua stessa genesi. Le pagine di Medialismo ci prendono per mano e ci impongono il loro tema, la vita quotidiana degli artisti di una generazione, sans domicile fixe. Barboni e immigrati dell’arte e del sistema che non solo vivono un loro mondo, ma hanno una loro visione del nostro mondo. Perretta ci sbatte in faccia questo suo punto di vista. Si discute molto e spesso della medialità e tutti, ormai, sanno che «chi trova un artista trova un tesoro». Ma come fare a custodire questo tesoro? Come alimentare, giorno dopo giorno, questo rapporto? Uno dei mezzi fondamentali per riuscire a preservare questo splendido “fiore” potrebbe essere la scrittura, visto che la curatela è pronta a consumarli. Scrivere è, infatti, un modo per relazionarsi all’artista ma, prima di tutto, per conoscere se stessi. È un modo per mettere nero su bianco la propria vita, perché la parole diventino “portatrici sane” dei nostri sdegni neo-moderni e illuministi. Ogni teoria artistica, ogni poetica, dura nel tempo ed è quella carta scritta, apparentemente semplice, che parla di noi e dice veramente chi siamo. Perché dentro c’è la disapprovazione e le sensazioni più varie, perché scrivere spinge a dar voce ai sommessi impulsi dell’animo illuministico che tenta di sconfiggere questo piattume post-moderno. Perretta potrebbe dire: «Sine medialità nihil criticità», perché anche la vita dell’attuale sistema diventerebbe monotona, priva di quegli argomenti essenziali, che solo la scrittura valutativa ci permette di trovare. Avremmo bisogno di parole che riescano a scaldare critica, ontologia e politica, parole che siano dolci o severe, ma eternamente “vere” e che soprattutto non denuncino il presupposto di ignorare la nostra generazione per poi nei fatti emarginarla e considerarla alla stregua del niente. Se ci si lamenta del pericolo del Salon des Refusès, allora si trovi il coraggio di dire cosa è veramente stato il medialismo e che prospettiva ha veramente aperto nell’arte italiana e internazionale. Una saggio critico sull’arte italiana, caro Di Mauro, andrebbe scritto solo se quello che viene messo nero su bianco è vero almeno per le successive quattro settimane del tuo rapporto col sistema. Altrimenti diventa una prova schiacciante contro di te e una fonte di ricatto. E’ indubbio il fascino delle frasi fissate sulla carta, della busta che si schiude pian piano e della sorpresa di chi legge. Con un saggio vero sull’Altra Storia potresti scegliere il colore del foglio e delle tue idee, mettere a nudo la tua calligrafica criticità (più che curatorialità) e magari completare l’opera con due gocce di profumo radicale e rivoluzionario. Questo una mail non te lo permetterà mai. Ma il vero motivo, per cui una missiva radicale quanto un saggio in carta è da preferire, è la perdita della maledetta immediatezza e l’esercizio del pensiero su ciò che viene detto. Perché, parliamoci chiaro, con cataloghi e-mail a costo zero si rischia di scrivere all’altro dell’Altra Storia delle veloci, assurde, irreversibili scemenze. Gli artisti di Un’Altra Storia: Gianantonio Abate, Salvatore Anelli, Francesca Arri, Cornelia Badelita, Angelo Barile, Enzo Bersezio, Ennio Bertrand, Corrado Bonomi, Domenico Borrelli, Walter Bortolossi, Paolo Brenzini, Alessandro Bulgini, Carmine Calvanese, Cinzia Ceccarelli, Daniele Contavalli, Francesco Correggia, Giorgio Cutini, Ferruccio D’Angelo, Aldo Damioli, Domenico David, Nebojsa Despotovic, Matilde Domestico, Attilio Esposito, Roberta Fanti, Raffaello Ferrazzi, Francesca Ferreri, Octavio Floreal, Silvia Fubini, Enzo Gagliardino, Luciano Gaglio, Michelangelo Galliani, Theo Gallino, Francesca Maranetto Gay, Tea Giobbio, Carlo Gloria, Paolo Grassino, Gaetano Grillo, Ale Guzzetti, Enrico Iuliano, Ernesto Jannini, Gabriele Lamberti, Marco Lavagetto, Paolo Leonardo, Paolo Maggi, Bruno Mangiaterra, Stefano Martino, Jill Mathis, Antonella Mazzoni, Iler Melioli, Mercurio, Paolo Minioni, Vinicio Momoli, Roberto Morone, Giordano Montorsi, Sandra Moss, Amira Munteanu, Pietro Mussini, Barbara Nahmad, Gianluca Nibbi, Leonardo Pivi, Plumcake, Pierluigi Pusole, Francesca Renolfi, Paola Risoli, Alessandro Rivoir, Gianluca Rosso, Alessandro Russo, Gianluca Russo, Bruno Sacchetto, Gianfranco Sergio, Francesco Sena, Massimo Spada, Vania Elettra Tam, Valerio Tedeschi, Silvano Tessarollo, Nello Teodori, Adrian Tranquilli, Vittorio Valente, Walter Vallini, Federico Vescovo, Mario Vespasiani, Bruno Zanichelli, Roberto Zizzo, Natale Zoppis. Silvano Tessarollo Preferisco guardare il cielo, 2002 installazione, scultura in cera courtesy La Giarina Arte Contemporanea, Verona Vinicio Momoli Frasi di primavera, 2009 gomma, cm 103x163 Locandine di alcune mostre curate dalla Galleria negli ultimi anni Arrivata quasi al suo decimo anno di attività, la Galleria Caffè Guerbois appare ormai come un punto di riferimento per la variegata e qualitativa offerta artistica che il suo fondatore e direttore, Alessandro Ammirata, programma con piglio battagliero. Supportato da curatori di primo piano, nel corso degli anni, la Galleria ha ampliato le proprie vedute verso panorami nazionali e internazionali senza mai abbandonare la specificità territoriale, la ricerca e la sperimentazione. Di particolare rilevanza le mostre allestite per Ugo Nespolo (2003, a cura di Francesco Gallo), Arman (2005, con testi in catalogo di Demetrio Paparoni e Marcello Palminteri) e, ancora, quelle più recenti (a cura di Marcello Palminteri) dedicate a Cesare Berlingeri, Marco Lodola, Enrico Manera. L’alternarsi della promozione di giovani artisti ai grandi maestri ha visto svilupparsi progetti interessanti e stimolanti che indagano la realtà contestuale siciliana come Da Capaci a Palermo, Desolazione e Speranza, dei fotografi Eduardo Di Miceli e Benedetto Tarantino. La mostra, omaggio a Giovanni Falcone, é stata una riflessione visiva raffinata e originale che prendeva spunto dai luoghi della strage per mostrarne il lato oscuro e quello estetico. Meraviglie e contraddizioni della terra siciliana che si esplicitavano anche nelle opere dei maggiori artisti isolani dal Novecento ad oggi, nella mostra Sicilia. Figura e paesaggio nella pittura siciliana, con nomi come Alfonso Amorelli, Totò Bonanno, Salvatore Fiume, Renato Guttuso, Piero Guccione, Gianbecchina, Gigi Martorelli, Vincenzo Nucci, Tino Signorini, Saverio Terruso e molti altri artisti. Così è venuto nel tempo a delinearsi il lavoro della Galleria Caffè Guerbois che offre una prospettiva allargata sulle ricerche figurative, spaziando tra astrazione e figurazione, segnalando ora le novità linguistiche, ora gli influssi, che offre la cultura artistica. Le collettive dedicate al Novecento (2009, Novecento2000) sembrano infatti quasi voler mappare un percorso in cui si intrecciano stili e tecniche differenti con le presenze di artisti come Carla Accardi, Agostino Bonalumi, Hermann Nitsch, Andy Wharol, Hans Hartung, nomi di cui la galleria dispone con opere in permanenza. Tra le opere in La Galleria Guerbois Caffè dall’alto e da sinistra Le sale espositive della galleria Mostra di Marco Lodola 2010 Inaugurazione della mostra di Cesare Berlingeri 2011 Palermo di Graziella Melania Geraci permanenza dei più giovani, si segnalano: Nicola Busacca, Giuseppe Cuccio, Maria Giovanna Peri, Fabio Marabello. La diffusione della cultura prosegue per la Galleria con le mostre di alcuni dei maggiori protagonisti della pittura contemporanea: Achille Perilli, l’astrattista geometrico, e, per il decennale dell’attività nel 2012, Mimmo Rotella. Galleria Caffè Guerbois Via Valdemone, 35 ABC - 90143 Palermo Tel. 091305004 Cell. 3394204529 galleria.caffeguerbois@gmail.com www.galleriacaffeguerbois.com ARTA ntis.info GALLERIE 15
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