Wer macht, macht Macht? Der Präsident, die UdK und wir - eigenart

Die Enquete-Kommission vollzog eine
Bestandsaufnahme des Kunst- und Kultursektors in
Deutschland und veröffentlichte am 11. Dezember 2007
ihren Bericht. Das darin verwendete Künstlerverständnis
entspricht dem theoretischen Konzept von Prof. Dr.
Wolfgang Ruppert. Die eigenart interviewte Prof.
Ruppert zu diesem Konzept, sowie zum „Scheitern“ in
und mit der Kunst.
Unsere aktuelle eigenart-Ausgabe thematisiert
die „Kunst des Scheiterns“. Das Scheitern kann bei
Künstlern als eine bestimmte Geste wahrgenommen
werden. Was bedeutet es in Ihren Augen?
Das Scheitern ist nicht nur eine bestimmte Geste
bei Künstlern, sondern traurige Realität. Man geht
davon aus, dass sich lediglich drei bis fünf Prozent der
Absolventen von Kunsthochschulen aus dem Bereich
der „freien“ Kunst mit ihrer Kunst finanzieren können.
Alle anderen müssen Jobs annehmen, um in Form
einer Randexistenz ihr Leben und weiteres Schaffen
finanzieren zu können. Das Scheitern bezieht sich
auf einen Misserfolg in den institutionellen Ebenen
des Kunstbetriebs, den Ausstellungsinstitutionen, der
Kunstkritik und dem Kunstmarkt, in dem der Verkauf der
eigenen Werke auch über die Anerkennung entscheidet.
Die Enquete-Kommission hat Ihr theoretisches Konzept
zur Beschreibung und Erklärung des „Künstlers“
übernommen. Wie sieht der moderne Künstler in Ihrem
Konzept aus?
Die Institutionen des Kunstbetriebs sind als normative
Medien zu verstehen, in die man reinkommen muss, um
längerfristig als Künstler zu bestehen. Wenn man diesen
Sprung geschafft hat und mit der eigenen Kunst Geld
verdienen kann, wird man als erwerbstätiger Künstler
in den Statistiken geführt. Den modernen Künstler
zeichnet aus, dass er zum eigenschöpferischen Ausdruck
befähigt ist. Das war ja nicht immer so, sondern ganz
im Gegensatz dazu konnte die Arbeit des Künstlers bis
Mitte des 19. Jahrhunderts auch in der Imitation von
anderen Kunstwerken bestehen. Doch beim modernen
Künstler geht es um das, was ich als Kompetenz zum
eigenschöpferischen Ausdruck bezeichnet habe, also
nicht um ein Wiederholen von Vorhandenem, sondern
um die Originalität des Werkes. Das Künstlerindividuum
wird zum zentralen Repräsentanten der schöpferischen
Individualität.
Die Kommission empfiehlt, die Förderung von Kunst und
Kultur im Grundgesetz zu verankern. Finden Sie eine
staatliche Unterstützung sinnvoll?
Eine staatliche Förderung eröffnet dem Künstler
die Möglichkeit, sich ästhetisch, unabhängig vom
marktgängigen Geschmack, zu individualisieren.
Mehr Van Goghs fördern
Das Konzept des
Künstlers im
Enquete-Bericht
zur „Kultur in
Deutschland“
// Interview und Foto: Anna Grieben
In Deutschland gibt es im Gegensatz zu den USA
traditionell eine gute Grundfinanzierung. Insbesondere
seit dem 20. Jahrhundert gibt es staatliche Mittel mit
dem Ziel, die Arbeit an Kunst möglich zu machen.
Vor allem ist es wichtig, denjenigen Künstler, der
unkonventionell und kritisch arbeitet, zu fördern.
Der staatlich finanzierte Rahmen muss in erster Linie
diesem Zweck dienen, um die Unabhängigkeit vom
Zeitgeist und vom Markt zu stärken.
In der Diskussion um öffentliche und private Förderung
scheint es, dass private Kunstsammler künftig den
Markt stark mitbestimmen. Bleibt es dabei?
Den selbstlosen Kunstsammler als eine allgemeinere
Erscheinung kann man als Mythos ansehen. Er schaut
nicht nach dem eigenschöpferisch Neuen, sondern
nach dem, was finanziell attraktiv ist. Er ist nicht
unbedingt ein „Liebhaber“ der Kunst im idealistischen
Sinn. Seine Kaufentscheidung kann von den jeweiligen
Trends und Moden abhängen, die auch seinen
Geschmack beeinflussen. Daher ist es notwendig,
einen staatlich finanzierten Rahmen von Kunst- und
Kulturprogrammen zu finden, um innerhalb dieses
Rahmens eine bestimmte Pluralität künstlerischer
Arbeitsrichtungen zu garantieren. Ich bin für die
Künstler, die „gegen den Strom schwimmen“, die
der konventionellen Auffassung widersprechen, die
unbequem sind.
Gibt es einen Künstler, der in Ihren Augen gescheitert
ist?
Selbstverständlich gibt es viele Künstler, die man als
gescheitert – auch an sich selbst – betrachten kann.
Doch liegt es oftmals nicht an dem Künstler selbst,
sondern daran, dass zu dem Zeitpunkt, in dem er
etwas Wichtiges, etwas Innovatives macht, dieses von
den Zeitgenossen nicht wahrgenommen, erkannt und
entschlüsselt wird. Ein bekanntes Beispiel ist Van Gogh.
Die Förderung der ästhetischen Darstellungen, der
variierenden Wahrnehmungen und unterschiedlichen
Erfahrungen der menschlichen Existenz muss durch eine
demokratische Kultur in ihren Widersprüchlichkeiten
gewährleistet werden.
Prof. Dr. Wolfgang Ruppert lehrt seit 1988
Kulturgeschichte an der UdK Berlin. Das für den im
Enquete-Bericht verwendete Konzept des Künstlers
geht auf sein zentrales Werk Der moderne Künstler.
Zur Sozial- und Kulturgeschichte der kreativen
Individualität in der kulturellen Moderne im 19. und
frühen 20. Jahrhundert, Frankfurt 2000
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