e-xilant öffentlich versteckt - brut Wien

www.brut-wien.at
e-xilant
öffentlich versteckt
Freischwimmer-
Festivalzeitung 2011
8. bis 16. April 2011

Impressum
Medieninhaber und für den Inhalt verantwortlich:
Koproduktionshaus Wien GmbH
Karlsplatz 5 • 1010 Wien
Tel: +43 (0) 1 587 87 74 • Fax: +43 (0) 1 587 87 74 31
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www.brut-wien.at
Redaktion Christopher Bader, Eliška Cikán,
Alisa Findling, Tanja Füreder, Birte Gemperlein,
Petra Gschwendtner, Theresa Naomi Hund,
Kristina Kirova, Eva-Maria Kleinschwärzer,
Nathalie Knoll, Olivia Lefford, Ada Mumajesi,
Luca Lidia Pályi, Florian Peter Pesel,
Katja Poloubotko, Maria Rauch, Annamaria Rohner,
Raimund Rosarius, Tea Sahačić, Vanessa Scharrer,
Daniela Scheidbach, Sebastian Schley,
Victoria Schopf, Lisa Schöttel, Katharina Sindelar,
Frederique Trautmann, Jennifer Vogtmann,
Simon Weyer, Christoph Wingelmayr,
Anna Katharina Wuzella
Koordination Hannah Egenolf, Eva Geißler,
Haiko Pfost Grafik Atzgerei
02
Freischwimmer-Blogs
http://glasfront.wordpress.com
Christopher Bader, Ada Mumajesi,
Annamaria Rohner, Simon Weyer
http://freischwimmerwien.wordpress.com/
Petra Gschwendtner, Maria Rauch,
Frederique Trautmann, Anna Katharina Wuzella
http://krisfreischwimmer.wordpress.com/
Kristina Kirova
Wir danken Hannah Egenolf vom Institut für Theater-,
Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien
herzlich für Ihre Unterstützung.
Inhaltsverzeichnis
e-xilant 04
von Hannah Egenolf und brut-Team
Mit dem Strom ins öffentliche Exil schwimmen! 05
von Lisa Schöttel
Junges Theater im Exil! 06
von Katharina Sindelar
fant. Virt. Reisen: Die Anatomie des Freskos
verlangt nach Schmiererei 07
von Raimund Rosarius
Vom Seepferdchen zum Freischwimmer 09
von Vanessa Scharrer und Daniela Scheidbach
Barbara Ungepflegt: NOTSTAND
Not macht erfinderisch? 12
von Florian Peter Pesel
Wien im Notstand 13
von Olivia Lefford
„So schön kann Notstand sein“ 14
von Theresa Naomi Hund
„Angenehm, Ungepflegt.“ 15
von Nathalie Knoll und Kristina Kirova

Institut für Hybridforschung: Furry Species
Back to Basics 17
von Christoph Wingelmayr und Birte Gemperlein
„Menschliche Mittelmäßigkeit“ 18
von Sebastian Schley
You never howl alone! 20
von Christoph Wingelmayr
Pelz auf den Augen 21
von Vanessa Scharrer
Bericht einer Bühnengeburt 22
von Raimund Rosarius
mariamagdalena und Gäste: Bis dass der Tod
uns scheidet
(K)Ein Bund fürs Leben ... 23
von Alisa Findling
Disco-Polo-Utopie 24
von Eva-Maria Kleinschwärzer
Wir drehen uns, bis wir alle sterben 25
von Eva-Maria Kleinschwärzer
Die Freuden und Leiden 26
von Tanja Füreder
Alex Deutinger & Marta Navaridas: Your Majesties
„Der nackte Obama“ 27
von Victoria Schopf und Katja Poloubotko
Let us reach for the world 28
von Victoria Schopf
Obama als Marionettenfigur 30
von Katja Poloubotko
Martin Schick und Laura Kalauz: CMMN SNS PRJCT
Who wants that? 31
von Lisa Schöttel
Can we stop participating? 32
von Alisa Findling
Does common make sense? 33
von Katharina Sindelar
Das große Spiel mit der Spielregel 34
von Luca Lidia Pályi
TH D BHND 35
von Alisa Findling und Katja Poloubotko
Verena Billinger und Sebastian Schulz:
Romantic Afternoon
Romantic Afternoon 36
von Eliška Cikán
Mit Kuss und Gruß 37
von Victoria Schopf
Ein Kuss für Blickfänger 38
von Eliška Cikán
Niemand bleibt ungeküsst 38
von Jennifer Vogtmann
Auf der anderen Seite 39
von Theresa Naomi Hund
Liebeszombies küssen besser! 40
von Eliška Cikán, Ada Mumajesi und Olivia Lefford
Publikumsstimmen 42
von Victoria Schopf und Theresa Naomi Hund
Chuck Morris: souvereines
Macht und Märchen 43
von Kristina Kirova
Die gläserne Königin 44
von Eva-Maria Kleinschwärzer
Verbeugt euch - die Königin kommt 44
von Christoph Wingelmayr
Behind the crown 45
von Tanja Füreder
Skandal bei den Royals 46
von Eva-Maria Kleinschwärzer und Nathalie Knoll
„Ob die Ballett machen?“ 47
von Sebastian Schley
Lovefuckers: King of the Kings
Gaddafi Superstar 48
von Tea Sahačić
Handpuppen im Kugelhagel 49
von Jennifer Vogtmann
„Let‘s fetz“ sprach MC G 50
von Lisa Schöttel
King of the Kings 51
von Daniela Scheidbach und Birte Gemperlein
MC G, der Hanswurst des Orients 53
von Birte Gemperlein
„The weird world of Gaddafi on stage“ 53
von Birte Gemperlein und Daniela Scheidbach
Was Künstler und ihr Publikum ... 54
von Katja Poloubotko
Das Oeuvre zum Schluss 54
von Theresa Naomi Hund
Gegen den Strom freigeschwommen 55
von Florian Peter Pesel
Raus aus dem Wasser 57
von Luca Lidia Pályi
Mehr als nur die Summe seiner Einzelteile 58
von Kristina Kirova
Land in Sicht 59
von Tea Sahačić
033

Bereits zum dritten Mal hatten StudentInnen des Instituts
für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität
Wien die Möglichkeit, im Rahmen des Freischwimmer-Festivals
journalistische Beiträge zu den einzelnen Produktionen
des Festivals zu schreiben. Sie führten Interviews mit den
eingeladenen Künstlern und Teams, verfassten Vorberichte
und Kritiken, setzten sich mit dem diesjährigen Thema
„Rückzug ins Öffentliche“ auseinander und führten Publikumsbefragungen
durch.
Überdies bot sich ihnen die Möglichkeit, die Produktionsabläufe
eines Festivals kennenzulernen, sich mit den Künstlern
auszutauschen und hinter die Kulissen des brut zu blicken.
Sämtliche Beiträge der StudentInnen waren während der
Dauer des Festivals bereits als Wandzeitung in den Spielstätten
des brut nachzulesen. Die gesammelten Beiträge werden
überdies auf der brut-Homepage zum Download zur
Verfügung gestellt. Zudem nahmen einige StudentInnen am
diesjährigen – vom Freischwimmer-Festival ausgeschriebenen
– Blog-Battle teil und bloggten tagesaktuell über das
Festival, gestalteten eigene Beiträge, Videoclips und Liveticker
und formulierten Kritiken und assoziative Gedanken zu den
einzelnen Produktionen.
Die Festivalzeitung entstand in Kooperation mit dem Institut
für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität
Wien und der Lehrveranstaltung
„Schreiben für die Freischwimmer-Festivalzeitung 2011 im
brut“ unter der Leitung von Hannah Egenolf.
Sämtliche Beiträge wurden von den StudentInnen in eigener
Organisation und inhaltlicher Verantwortung verfasst, das
brut-Team stand als Gesprächspartner unterstützend zur Seite.
Wir wünschen allen LeserInnen eine gute Leküre und bedanken
uns bei den StudentInnen für das große Engagement und
beim Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft für
die Kooperation.
Mit herzlichen Grüßen
Das brut-team & Hannah Egenolf
04
e-xilant – öffentlich versteckt im brut
Freischwimmer-Festivalzeitung 2011
Bildrechte: Theresa Naomi Hund

Mit dem Strom ins öffentliche Exil schwimmen!
von Lisa Schöttel
freischwimmen. Wir schwimmen mit dem Strom oder
machen uns frei? Wahrscheinlich benötigen wir auch ein
Abzeichen, um uns endlich freischwimmen zu können, oder
müssen uns einfach vom Leben freischwimmen. Die Kunst,
das Theater, die Performance sind anerkannte Freischwimmer-Abzeichen,
in einem gewissen Rahmen, das begeistert.
Man zwängt sich aus einer Form und hält anderen einen
Spiegel vor die Augen. Oder man schwimmt weiter in Bahnen
und taucht nur manchmal unter Wasser, um Luft zu holen.
Dafür gibt’s sogar manchmal Abzeichen, in Form von Ruhm
und Ehre, oder man fällt einfach durch und geht unter.
Auch dieses Jahr haben sich wieder tapfere Freischwimmer
den kritischen Augen und Ohren der Studierenden der
Theater-, Film- und Medienwissenschaften gestellt und dabei
auf voller Linie begeistert. Daraus ist nun unsere Zeitung
entstanden, eine Sammlung der interessantesten Artikel,
Interviews und Berichte über das Freischwimmer-Festival
2011 im brut.
e-xilant. öffentlich versteckt. Jeden Tag bewegen wir uns in
der Öffentlichkeit. Gehen auf die Straße, besuchen öffentliches
Eigentum, fahren mit öffentlichen Verkehrsmitteln. Und
wir kommen nach Hause, drehen den Fernseher an, sehen
Menschen, die in der Öffentlichkeit stehen, drehen den Fernseher
ab, um uns ein bisschen zurückzuziehen. Und finden
uns im World Wide Web wieder. Die virtuelle Öffentlichkeit.
Wir schreiben darin, wie es uns geht, was wir machen, wo
wir uns befinden. Die Grenzen zwischen Privatem und Öffentlichem
verschwimmen, wir werden in die Öffentlichkeit
getrieben und zu Exilanten.
Auch mit unserer Zeitung haben wir uns ein Exil in der
Öffentlichkeit geschaffen und können uns hinter unseren
Worten noch ein bisschen öffentlich verstecken.
Eine Woche voller Eindrücke, Gedankenspiele und manchmal
Verwirrungen haben zur Entstehung der Zeitung geführt, die
uns auch die Möglichkeit gab, im Schreibprozess Eindrücke
und Gedanken verarbeiten zu können. Eine intensive Woche
mit viel Kunst und Unterhaltung hat uns zu diesem Ergebnis
gebracht, auf das wir alle sehr stolz sind.
Zum Schluss. An dieser Stelle möchten wir uns auch bei unseren
beiden Betreuerinnen Eva Geißler und Hannah Egenolf
bedanken, die mit viel Elan und Engagement einen großen
Anteil zur Entstehung dieser Zeitschrift beigetragen haben.
Ich glaube, ich kann im Namen der ganzen Gruppe sprechen,
wenn ich sage, dass es uns eine große Freude war, mit euch
zusammenzuarbeiten. Weiters möchte ich darauf hinweisen,
dass wir uns im Vorfeld dazu entschieden haben, in der Gender-Frage
einen pluralistischen Ansatz zu verfolgen, sodass
es jedem Redakteur und jeder Redakteurin selbst überlassen
war, ob er oder sie auch die weibliche Formulierung mit in
den Artikel nimmt oder nicht.
Et voilà. e-xilant – öffentlich versteckt. Gedanken, Kritiken,
Essays und Stimmen zum Freischwimmer-Festival 2011. Viel
Spaß beim Lesen.
05

Junges Theater im Exil!
Gedanken zum Festival und zur Festivalzeitung
von Katharina Sindelar, 06.04.2011
Das Freischwimmer-Festival kommt nach Wien, und alle
schwimmen mit beim „Rückzug ins Öffentliche“. Junges
neues Theater erkundet Exile in der Öffentlichkeit.
Das Freischwimmer-Festival kommt auch 2011 wieder nach
Wien ins brut, diesmal unter dem Motto „Rückzug ins
Öffentliche“. Nach den Sophiensaelen in Berlin und Kampnagel
in Hamburg macht das Festival on tour nun halt im brut in
Wien, um danach auch noch das Theaterhaus Gessnerallee in
Zürich und das FFT in Düsseldorf zu erkunden. Sieben neue
Theaterperfomances von jungen Künstlern haben auch dieses
Jahr wieder die Chance, dem Publikum zu zeigen, was sie
können. Alle Stücke sind Uraufführungen, die mit den Förderungen
des Festivals realisiert werden konnten. Nur die achte
Show, Your Majesties, war schon fertig bei der Bewerbung, bekommt
jedoch im brut die Gelegenheit aufgeführt zu werden,
passt sie doch so gut zum Thema des Festivals.
Ob Barbara Ungepflegt mit dem Notstand oder das Institut für
Hybridforschung mit Furry Species, Laura Kalauz und Martin
Schick mit dem CMMN SNS PRJCT oder die Lovefuckers mit
King of the Kings, mariamagdalena und Gäste mit Bis dass
der Tod uns scheidet, Verena Billinger und Sebastian Schulz
mit Romantic Afternoon oder Chuck Morris mit souvereines,
sie alle haben sich mit dem Thema „Rückzug ins Öffentliche“
beschäftigt und einige außergewöhnliche Stücke kreiert. Diese
werden nun im Rahmen des Festivals aufgeführt und erstmals
der Öffentlichkeit gezeigt.
Doch was ist ein Rückzug ins Öffentliche? Ist es nicht eigentlich
ein selbst gemachtes Exil, dass man dann doch mit der
Öffentlichkeit teilt, mit den Menschen, die man eigentlich
aus seinem Leben ausgesperrt hat? Immer öfter sieht man,
dass Menschen lieber zu Hause sind und vor dem Computer
mit den Menschen in ihrer Umgebung interagieren, als vor
die Haustür zu gehen und diese im realen Leben zu treffen. So
baut sich der Mensch seine Wohnung zu einem eigenen kleinen
Exil um, bezieht dieses freiwillig und verlässt es nur für die
notwendigen Dinge wie Arbeit, Uni oder Einkaufen. Das wirkliche
Leben spielt sich im Cyberspace ab. Auf Facebook, Twitter,
My Space und diversen anderen Social-Media-Plattformen.
Diese Exile begleiten einen immer mehr auf seinem Lebensweg,
unbemerkt davon, dass man sich selbst in die Verban-
06
nung seiner eigenen vier Wände schickt. Früher wurde diese
Maßnahme als Strafe vollzogen, um sich unliebsamer Gegner
zu entledigen, heute ist es für viele ein Glück, alleine, vor dem
PC zu sitzen. Aber warum werden dann Statusmeldungen geschrieben
und somit jedwede Gemütslage und unnütze Tätigkeit
einer breiten Masse berichtet? Niemand würde sich freiwillig
auf einen großen Platz stellen und seinen momentanen
emotionalen Zustand aller Welt preisgeben, aber in unseren
selbst geschaffenen Exilen fühlen wir uns sicher genug, um
dies zu tun. Somit bringen uns diese Exile, die kleinen privaten
Räume, die nur wir betreten dürfen, mehr in die Öffentlichkeit,
als wir es jemals wagen würden, wären wir nicht gerade im
Internet unterwegs.
Aus diesem Grund sind unsere Exile schon so weit in der
Öffentlichkeit, dass unser eigener kleiner Rückzugsraum mehr
von uns preisgibt als ein Face-to-Face-Gespräch in der Bar um
die Ecke.
Mit diesen Gedanken hat sich eine Gruppe von Theater-, Film-
und Medienwissenschaftsstudenten der Universität Wien zusammengefunden,
die das Festival besuchen, kritisch betrachten
und vielleicht auch daraus lernen wollen. So entsteht auch
diese Zeitung. Sie will mehr über die Künstler schreiben, die
hinter den Stücken stehen, dem Publikum Informationen über
die Stücke mitteilen und eine kritische Reflektion nicht nur der
Darbietungen, sondern des ganzen Festivals an die Öffentlichkeit
bringen. Hier soll allerdings kein Exil geschaffen werden,
sondern eine Möglichkeit, sich genauer zu informieren. Das
Theater, das eher im geschlossenen Rahmen stattfindet, wird
so in die Öffentlichkeit gebracht, um die Masse zu unterhalten.
Nicht der Rückzug ist hier das Ziel, sondern das Hinaustreten
in die Öffentlichkeit, um Menschen für junges Theater zu begeistern
und noch nicht etablierten Künstlern den Weg nach
oben einfacher zu gestalten.

fant. Virt. Reisen: Die Anatomie des Freskos verlangt
nach Schmiererei • Gedanken zu Freischwimmer 2011
von Raimund Rosarius, 06.04.2011
Dem Körper ist Zeit gestohlen, den Augen Ruhe.
Das genaue Wort verliert seinen Ort. Der Schwindel
Fliegt auf mit dem Tausch von Jenseits und Hier
In verschiedenen Religionen, mehreren Sprachen.
Überall sind die Rollfelder gleich grau und gleich
Hell die Krankenzimmer. Dort im Transitraum,
Wo Leerzeit umsonst bei Bewusstsein hält,
Wird ein Sprichwort wahr aus den Bars von Atlantis.
Reisen ist ein Vorgeschmack auf die Hölle.
Durs Grünbein
Mit dem Reisen hat es also angefangen, eine sich zusammenziehende
Welt, die bald an ihrer geballten globalen Dörflichkeit
erlahmte; die Entfremdungsprozesse¹ setzten ein.
Der nächste Schritt, Couch, Bett und Hundekorb gar nicht erst
zu verlassen, ist ein konsequenter. Wozu den Körper ermüden,
für nichts und wieder nichts; Phantomvibrationsklingelei ist
Muskelkontraktion genug und Entnervung ohnehin die Königsdisziplin
der Ermüdung.
Ohne den Tränenfilm, vom Bildschirmflackern evaporiert, kein
Funkeln in den Augen; der Körper ist unendlich humorlos. Der
Reiz der Ferne aus den Augen geklaubt, die Fantasie hat sich
verzogen angesichts der evidenten Alltäglichkeit der großen,
weiten Welt.
Wieso nicht gleich und gleich zwingend das Grau in Grau über
die Tasten schicken? Und schwärmen von der toten Fremde
aus der nun wüsten Fantasie, hinein in die bewusste, in die
tätliche Fiktion.
Und dann doch ein letztes Aufbäumen, Packen der verbliebenen
sieben Sachen zur Flucht. Der Körper versucht eine
Flucht nach vorn, einen Rückzug ins Öffentliche, eine Flucht ins
Exponat. Aus Feigheit vor der nur folgerichtigen Maschinenwerdung
Mensch: Flucht in die Körperlichkeit, Flucht in den
Pelz, Flucht in Säfte.
Bei Freischwimmer 2011 haben wir ja alles, wofür es sich zu
fliehen lohnt.
Das Reisen: Wie überflüssig, als Freischwimmer durch die
Lande zu tingeln und dabei die selbsterklärten Kulturmetropolen
des deutschsprachigen Europas mit körperlichen Ertüchtigungen
zu beglücken, lässt sich doch alles von der Couch aus
streamen, was sich von der Couch aus futtern lässt. Und eben
das Virtuelle, doch das ist – gebannt durch die Zügel und
Ketten der Bühne zum Anschauungsobjekt – eine gefährliche
Harmlosigkeit. Rückzug auf Bühnen oder bühnenähnliches
Territorium, also Welt – wie man Alles nannte, bevor auch das
virtuell wurde.
Doch was begegnet uns dort? Tiere und Puppen. Verstreut
aus Riten, allesamt Fetische. Die, die wir anschicken, die Welt
für uns zu erfahren, sind Halbwesen, humanoide Avatare: ein
wenig noch wir und doch schon ganz anders.
Vor einigen Wochen wurde „Das blinde Geschehen“ von Botho
Strauß in Wien uraufgeführt. Held John Porto tippt sich dort,
natürlich liegend, seine ganz eigenen Parallelwelten zusammen,
die sich vom Gros der Parallelwelten selbstredend wenig
unterscheiden. In diesen sterilen Kammern versucht er dann
die alltäglichen Problemchen des Zwischenmenschlichen zu
lösen oder doch wenigstens zu verdrängen, was ihm so kläglich
misslingt wie dem Autisten der Zungenkuss.
Eilverfahren zur Welterklärung: dort Freya Genetrix (auf ein
opulentes Weibchen verzichtet John Porto in seinem künstlichen
Paradies naturgemäß nicht, wenn er schon ihren Namen
nach antiker Dekadenz schreien lässt) und hier nun die teuren
Pelzviecher, Furry Species, des Instituts für Hybridforschung.
Die, die wir anschicken –
Fantasy metastasiert zum ganzheitlichen Mythos.
Zum guten Ton gehört ja heute, sich nicht ernst zu nehmen.
Der kokett-coole Unernst wird dabei mit größter Ernsthaftigkeit
nach außen getragen. Die Betäubung liegt im Spiel ohne
Einsatz, in der ironischen Risikovermeidungsmaschinerie der
Popkultur. Ein Spiel als Spiel, nichts weiter, auch hier kläglich.
Lovefuckers impliziert eine Konventionalität des Gegenteils.
Getaucht in ein Becken von Körperlichkeit um der Körperlichkeit
willen ist der Lovefuck groteskes Alleinstellungsmerkmal.
Was sollen da die Nachbarn sagen? Die Lovefuckers seismografieren
sich mit einer putzigen Muammar al-Gaddafi-Puppe
durch die scheinbar asexulle Weltpolitik. Kann der Gaddafi
geliebt werden? Taugt er doch ganz offensichtlich als King of
the Kings, als ultimative Popikone.
Auch jetzt noch? Die Anteilnahme beziffert sich wohl numerisch:
die Zahl der Toten. Das Kampfgewicht der Bunga-Bunga-
Objekte. Am Ende gar die Zahl der Wangen? Überhaupt Liebe,
dieses insektoide Zeugs; fühlen sich Internetbekanntschaften
doch per se schäbig an. Dann lieber gleich offen praktizierte
Lust statt Lüsternheit im Fiktiven.
Abhilfe sollte Romantic Afternoon von Verena Billinger und
07

Sebastian Schulz schaffen. Mit echtem Zungenzeugs, Gruppenzungenküssen,
allerdings, das sei erwähnt, durchchoreografiert.
Die vierte Wand bleibt – schade, wenngleich gesund.
Billinger und Schulz operieren am Reiz der Grenze, stimulieren
die Ambivalenz zwischen Jenseits und Hier und pieksen in
flimmernd hoher Frequenz in die Unentschiedenheit.
Das Zuschauen ist eine halbe Körperübung, findet sich genau
zwischen Partizipation und Voyeurismus ein und steht permanent
in Spannung zwischen beiden Polen. Das stumme
Zuschauen als einzige große Kontraktion.
Auch das Dargebotene lebt im Graubereich zwischen Inszenierung
und Regung. Ist da nur körperliche Ertüchtigung und
Choreografie? Ergibt sich aus dem Vorgang allein nicht schon
zumindest ab und an Gefühl? Was ist wahr und was ist Spiel?
Öffentlichkeit scheint bei Freischwimmer 2011 restauriert
aus einer Anatomie der Liebe, separiert in mehr oder minder
saubere Fleischfetzen vor den Spots.
Es wird geliebäugelt, gezüngelt, bedient und (schließlich
doch?) geheiratet, und zwar auf Polnisch: Hochzeitsgeschenke
erwünscht, ein Anlegen von Abendgarderoben, Bis dass der Tod
uns scheidet. Als wäre da nicht schon genug Fraktionierung,
Partition.
Man flieht aus dem elektronischen Gewebe und nimmt dessen
Gepflogenheiten mit – es gibt kein Entkommen: Real heißt
nunmehr nicht virtuell. Außerdem: „Ich weiß ja, dass du weißt,
dass das nicht so ernst gemeint ist.“
Das bühnenähnliche Territorium expandiert durch Ablasshandel,
Befriedung von Aufrichtigkeiten; an den Territorialgrenzen
kalauert es heftig.
Aus der Not geboren, ein Gestell: Der Notstand von Barbara
Ungepflegt macht aus der Not eine Tugend und ruft schließlich,
endlich, den Notstand aus, bedient so lange, bis alle
bedient sind. Wann ist der Reiz ausgereizt? Steigert er sich bis
zur fulminanten Kulmination mit punktgenauem Finish, bleibt
die Masse non-finito stehen oder plätschert das Ganze bis zur
Apathie nach?
Hinzu kommt: Die Wirklichkeit ist doch sowieso schon witzig.
In Zeiten, in denen ein Gaddafi ohnehin witziger ist als alle
auch nur denkbaren Hofnarren, wird es Zeit, auch einmal etwas
Neues auszuprobieren, eine echte Kunstfigur in den Weltenlenkerstand
zu erheben. Endlich die Jonathan Meesianische
„Diktatur der Kunst“, fleischgeworden in Chuck Morris, von
und mit und über und durch Chuck Morris, das schweizerischdänische
Künstlerinnenduo. Ausgebildet in der hessischen
08
Semiprovinz und zugleich einmal mehr in Chuck Morris – im
Herbst zur Königin gekrönt, von den Pressediensten weitgehend
unbemerkt. Der Beiträge tollster Etikettenschwindel:
souvereines.
Dieses Festival ist ein einziges Wagnis.
Es begegnet dem Zeitgeist mit dessen ureigenen Mitteln. Man
möchte den Künstlern gar „Modernität“ vor die Füße speien.
Vielleicht weil Ersterer der Kunst die Klauen geklaut hat:
Verfremdung und das gänsefüßige Als-ob sind im Dunstkreis
der Freischwimmer-Stationen längst mehrheitsfähig. Und was
die Leute sowieso schon machen, hat a priori einen schalen
Eigengeschmack. Am deutlichsten vielleicht wenn es um einen
Austausch der ganz anderen Art geht, so einen Austausch
ohne Saft, wie er im CMMN SNS PRJCT von Laura Kalauz und
Martin Schick praktiziert wird. Schnöde Waren und Juristereien,
eingespielte und wohlgeformte Vorgänge aus anständigen
Berufen. Eben solchen, in denen Entscheidungen neuerdings
aus Alternativlosigkeit gefällt werden.
Auf wessen Seite wird sich das Festival Freischwimmer 2011
schlagen? Wird es den Zeitgeist mit seinen eigenen Waffen
über den Löffel barbieren oder begnügt es sich mit schmarotzerhafter
Koexistenz bis schrankenloser Anbiederung?
¹ Und wir lauschen dicken Männern mit Bärten, die Männer
mit dicken Bärten zitieren, die das alles immer schon
gewusst haben.

Vom Seepferdchen zum Freischwimmer
Interview mit Haiko Pfost von Vanessa Scharrer und
Daniela Scheidbach, 05.04.2011
brut Künstlerhaus. Haiko Pfost. Wasser und Zigaretten. Unser
Aufnahmegerät und jede Menge Fragen zum diesjährigen
Freischwimmer-Festival. „Rückzug ins Öffentliche“ ist das politisch
angehauchte Thema des Festivals 2011. Entsprechend
brisant sind auch einige Produktionen, die in diesem Jahr
aufgeführt werden und sich im künstlerisch-ästhetischen Feld
an die Thematik heranwagen. Haiko Pfost hat uns Rede und
Antwort gestanden.
e-xilant: Seit wann und warum arbeitet das brut mit dem
Freischwimmer-Festival zusammen?
Haiko Pfost: Seit 2007, eigentlich seitdem wir hier das brut
übernommen haben. Im Herbst haben wir eröffnet, und schon
im Vorfeld haben wir uns mit den Partnern getroffen und
unser Interesse bekundet, in das Freischwimmer-Festival einzusteigen.
Das waren vorher vier Partner, die Sophiensaele in
Berlin, Kampnagel Hamburg, Forum Freies Theater Düsseldorf
und das Theaterhaus Gessnerallee in Zürich. Es hat aber in Österreich
ein Partner gefehlt, das lag einfach daran, dass es kein
Koproduktionshaus gab in dem Sinne, wie es die anderen sind.
Und eine unserer Aufgaben besteht auch darin, eine internationale
Vernetzung voranzutreiben.
e: Wie koordiniert man ein Festival, das in fünf verschiedenen
Städten und drei verschiedenen Ländern stattfindet?
HP: Dafür gibt es eine Produktionsleitung und eine Produktionsassistenz,
die sitzen in Berlin, die koordinieren das ganze
Festival-Touring. Das heißt, die Dinge werden zwar vor Ort
produziert, gehen dann aber als Paket zur Premiere nach
Berlin, und das muss auch organisiert werden. Es gibt auch
einen Freischwimmer-Coach, Markus Droß, der die Gruppen
auch inhaltlich noch mal begleitet, und es gibt auch jemanden
für die organisatorische Abwicklung, der die Organisation der
Fracht und der Unterbringung organisiert.
e: Wer trifft die Entscheidungen über die Reihenfolge der
Städte? Beginnt das Festival immer in Berlin?
HP: Ja, es beginnt immer in Berlin. Das liegt zum einen an
der Tradition und zum anderen auch am Landeshauptstadt-
Kulturfond, der durch die Finanzierung den Anspruch auf die
Uraufführung hat. Und dann tourt es durch die Städte, und es
kommt auf die Spielpläne der Häuser an, da spricht man sich
ab, wann es am besten passt.
e: Wie kam es zum Thema „Rückzug ins Öffentliche“? Es unterscheidet
sich durch seine genaue Definition deutlich von den
Themen „Rausch“ (2008) und „Schock“ (2009/10). Wurde es
von den freien Produktionshäusern gemeinsam beschlossen?
HP: Wir arbeiten zusammen bei der Entwicklung des Festivals.
Es gibt fünf Kuratoren, von jedem Haus einer, der dafür
zuständig ist und das Festival auch betreut. Nachdem wir
zwei eher ästhetische Begriffe hatten, also eben „Rausch“
und „Schock“, wollten wir dieses Jahr politisch etwas konkreter
werden. Die Ausschreibung lief aber noch sehr allgemein
unter dem Begriff „Öffentlich“. Und wir haben uns dann erst
nachdem wir die Projekte kannten entschieden, den Titel noch
mal zu verschärfen. „Rückzug ins Öffentliche“ als Kontrapunkt
zu „Rückzug ins Private“, was ja mal ein politischer Slogan war,
der aber heute so nicht mehr gilt, weil eigentlich alles privat
ist und die Frage ist: Was für eine Öffentlichkeit kann man
eigentlich noch schaffen? Muss man sich nicht auch eine andere
Form von Öffentlichkeit generieren, und was ist das dann,
was könnte das für ein Rückzug sein? Das hat für uns dann
auch als Slogan funktioniert, um auch das Festival noch mal
präziser zu transportieren.
e: Was muss eine Künstlergruppe tun, um bei dem Festival
mitwirken zu können?
HP: Es gibt eine Ausschreibung im Internet, dort findet maneinen
kleinen formalen Text, also was für Bedingungen es gibt
(Uraufführung, Konzept), und dann gibt es ein Bewerbungsformular
mit einer kurzen Zusammenfassung und der Vita
der Künstler. Dabei ist es sehr unterschiedlich, wie konkret
die Künstler sein wollen. Wir versuchen deshalb auch bei den
Stücken, die wir in die nähere Auswahl nehmen, uns mit den
Leuten zu treffen und mit ihnen vorab ein Gespräch zu führen,
um das Projekt besser einschätzen zu können.
e: Wie groß war der Bewerbungspool? Haben sich die Bewerbungen
in den letzten Jahren in einer besonderen Weise
verändert, dadurch, dass das Festival bekannter wird?
HP: Es pendelt immer so zwischen 120 und 160 Bewerbungen,
allein in Wien haben wir zwischen 30 und 40 Bewerbungen.
Und in den letzten Jahren, also seitdem wir dabei sind, hat sich
die Anzahl erhöht.
e: Lässt sich qualitativ auch ein Unterschied feststellen?
HP: Jein, es ist immer unterschiedlich. Es gibt stärkere und
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schwächere Jahrgänge, aber es ist oft so, dass es herausragende
Positionen gibt, aber auch Sachen, die überhaupt nicht
funktionieren. Es gibt aber auch Jahrgänge, in denen das
Niveau gleich gut ist. Nachdem es sich um ein Nachwuchsfestival
handelt, geht es eher darum, die Entwicklung zu begleiten,
um zu sehen, wo geht jemand hin. Es geht nicht darum,
dass man die Highlights erwarten kann oder soll. Es ist eine
Art Spielwiese.
e: Nach welchen Kriterien wurden dann die Vorschläge der
Künstler ausgesucht, um produziert zu werden?
HP: Es ist ja eine Ausschreibung und man kann sich bei einem
der Häuser bewerben. Wir machen eine Liste und tauschen
die Projekte dann auch aus. Das heißt, jeder kann die Projekte
der anderen auch einsehen. Und dann diskutieren wir eine
nähere Auswahl an Künstlern in der ersten Runde, so eine Art
Shortlist, wo wir uns dann auch Videomaterial anschauen und
Erfahrungsberichte austauschen. Schließlich geht es darum
ein breites Spektrum an ästhetischen Ansätzen abzudecken,
zum andern auch darum die einzelnen Koproduktionshäuser
abzudecken. Das heißt, jedes der Häuser produziert mindestens
eine Position. In der Regel gibt es dann noch eine sechste
Position, die noch offen ist, um auch eine Flexibilität zu haben.
Die kann dann mal aus Wien oder aus Zürich kommen. Dieses
Jahr haben wir einen Spezialfall, dass wir uns sogar für sieben
Produktionen entschieden haben. Es war uns auch wichtig,
dass die Stücke unterschiedlich sind, also Performance und
Live Art und Puppenspiel, dass ein breites Spektrum an ästhetischen
Positionen zustande kommt.
e: Handelt es sich also dabei um schon aufgeführte Stücke?
HP: Nein überhaupt nicht, das sind nur Konzepte, das ist ein
Produktionsfestival, und das ist auch ganz wichtig.
e: Wie kann man sich dann schon Videomaterial ansehen?
HP: Von den schon aufgeführten Stücken – nicht von den
vorgestellten Projekten. Dieses Jahr haben wir den Sonderfall
in der Wiener Ausgabe: Your Majesties. Das ist so eine Spezialsache
von Alexander Deutinger und Marta Navaridas. Die
haben sich auch für das Festival beworben, und wir fanden
die Produktion sehr interessant, sie war aber schon fertig,
deswegen ist sie auch aus formalen Gründen ausgeschieden,
andererseits hat sie inhaltlich sehr gut gepasst, deswegen präsentieren
wir sie als Spezialprogramm nur in Wien. Aber fast
jedes Haus macht so eine Art Rahmenprogramm, ob das jetzt
eine spezielle Installation ist oder eine Diskussionsrunde oder
wie wir, die eine Festivalzeitung anbieten. Und wir machen
meistens noch ein Gastspiel dazu.
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e: Von wem werden die Kosten übernommen?
HP: Es handelt sich um eine Mischfinanzierung, das heißt, die
Häuser sind mit einem Beitrag von 7500 € beteiligt. Aber die
Gruppen versuchen dann noch, durch zusätzliche Anträge
Geld zu bekommen. Das Festival hat nämlich noch die zusätzliche
Finanzierung vom Hauptstadtkulturfonds in Berlin. Und
aus diesem ganzen Pott werden sowohl die Produktionskosten
anteilig übernommen als auch das komplette Touring bezahlt.
e: Was hört man noch von den ausgewählten Künstlern?
Macht sich die Förderung direkt bemerkbar?
HP: Für das Haus ist es immer gut gelaufen. God's Entertainment
haben sich beispielsweise schon sehr stark durchgesetzt.
Sie zeigen sehr viel auch im Ausland, sie sind viel unterwegs
und machen auch Koproduktionen mit Kampnagel Hamburg
oder mit dem Hebbel am Ufer in Berlin. So auch die Rabtaldirndln.
Das ist genau das, was erreicht werden soll, eben eine
Anbindung an andere Produzenten zu finden.
e: Gab es bei den Lovefuckers mit King of the Kings keine
Angst vor dem heiklen politischen Thema?
HP: Die Angst kam erst später. Denn die politische Lage war
eine andere, als das Stück ausgewählt wurde. Die Gruppe
wurde von den Ereignissen überrollt. Es handelt sich um eine
musicalhafte Inszenierung über Muammar al-Gaddafi, er
sollte auf der einen Seite karikiert werden, aber einige seiner
Thesen sollten auch beleuchtet werden, die durchaus relevant
sein können. Es hätte ein Spiel ohne größere politische Belastung
werden können. Einerseits sagt man dann, dass man den
richtigen Riecher hatte, andererseits ist es schwierig für die
Produktion in einem Klima, in dem Menschen sterben. Wenn
man davon gewusst hätte, wäre man anders an die Produktion
herangegangen. Nichtsdestotrotz denke ich, dass das Publikum
weiß, dass es sich hier um ein Problem handelt, und es
auf dieser Folie lesen kann.
e: Nur Barbara Ungepflegt geht mit Notstand auf die Straße,
in die echte Öffentlichkeit. Gingen die Überlegungen nicht in
die Richtung, das Thema auch auf die Räume zu übertragen?
HP: Wir waren voll aufgeschlossen, wir dachten, es gibt mehr
Bewerbungen, die in den öffentlichen Raum wollen, das ist
aber nicht geschehen und deswegen war es uns auch sehr
wichtig, dass die Produktion von Barbara Ungepflegt mit dabei
ist, weil sie auch eine andere Wirkung hat. Eine Inszenierung
im öffentlichen Raum ist immer eine andere, und ich finde,
es ist wichtig, dass es gerade bei diesem Thema diesen
Beitrag gibt.

e: Wie sehr unterscheiden sich die Produktionen in den einzelnen
Städten voneinander?
HP: Also die Produktion Notstand wird in Zürich oder Berlin
ganz anders aussehen als in Wien, da die Orte bzw. die
Aufführungsmöglichkeiten unterschiedlich sind.
Ich kann das gerade für Barbara Ungepflegt nicht einschätzen,
ich habe sie nur in Berlin gesehen. Aber es unterscheidet sich
grundsätzlich immer sehr, weil die Räume andere sind, weil die
Institutionen mit ihrem Programm auch immer ein anderes
Publikum haben, andere Sehgewohnheiten und eine andere
Mentalität in der Zuschauerschaft. Ich denke aber, das ist das
Interessanteund das, was das Freischwimmer-Festival bieten
kann. Dass die Künstler die Erfahrung machen können, dass
etwas in Hamburg super funktioniert und in Zürich überhaupt
nicht. Dass der Raum in Berlin zu groß ist und in Wien zu klein.
Es handelt sich also um fünf unterschiedliche Erfahrungen und
das schätzt man am Anfang gar nicht so ein, aber es ist wichtig,
diesen Weg als Künstler zu gehen und diese Erfahrung zu
machen. Das ist, wie ich finde, einer der wesentlichen Punkte,
warum wir beim Freischwimmer-Festival mitmachen.
Von daher ist es nicht nur für Barbara Ungepflegt wichtig,
sondern für alle anderen ebenso.
Bildrechte: Nathalie Knoll
e: Was wäre der Wunsch für die Zukunft? Sollen noch mehr
Städte oder Länder dazukommen?
HP: Es gibt immer Anfragen von Leuten, die mitmachen wollen,
aber das bedeutet immer auch einen größeren Aufwand.
Und um alles zusammenhalten zu können, braucht es eine
Überschaubarkeit und man müsste vielleicht alles neu denken.
Es hat sich aber auch in dieser Form etabliert, von daher sehe
ich jetzt keinen großen Drang danach, etwas zu verändern. Die
Frage wäre eher, wie man die Gruppen besser unterstützen
kann. Auch was die finanziellen Möglichkeiten und die Betreuung
angeht. Man sollte darauf achten, dass man den Leuten
Raum und Möglichkeiten einräumt, damit sie ihre Chance
nutzen können.
11

Not ist eine Tugend? – Moment, das war doch die Geduld.
Aber, da der Bauer in der Not die Wurst auch ohne Brot frisst,
macht diese dann erfinderisch!? Oder war's am Ende doch
etwas ganz Anderes? Das, oder so etwas in der Art, muss sich
wohl Barbara Ungepflegt gedacht haben, als sie die ersten
Ideen zu ihrem Projekt Notstand geboren hatte, mit dem sie
an dem diesjährigen Freischwimmer-Festival teilnimmt und
bereits erste Erfolge in Berlin und Hamburg verzeichnen kann.
Hinter dem Projekt steht eine Dame, die sich selbst als Bedienerin
bezeichnet und laut ihrer Homepage für einen Escortservice
arbeitet – alles was der Kunde wünscht, nur zu gewissen
Konditionen, versteht sich. Wer jetzt glaubt, Frau Ungepflegt
würde eher horizontal als genial arbeiten, der täuscht sich.
Denn das Einzige, womit sie sich und andere bedient, ist das
Spiel mit Worten und deren Doppeldeutigkeit. Ergebnis daraus
ist die entstehende Inhaltsveränderung, die am Ende manchmal
verstörender wirken kann als so manch anderes Spiel.
Unbekannt dürfte die österreichische Künstlerin für den Szenegänger
in Wien jedoch nicht mehr sein, da sie schon in den
vergangenen Jahren durch eigene Projekte wie die Misswahl
2010 im Rathauspark oder als Mitwirkende in Julius Deutschbauers
Werken in den medialen Vordergrund rückte.
Notstand ist eine Mischung aus Installation und kleinen Minidramen.
Die Entourage um diese doch eher geheimnisvolle
Person Ungepflegt besticht durch konzeptionelles Chaos. Ein
Hochstand, der als Notstand dienen muss, jedoch nicht um
einen entspannten Ausblick auf die Welt zu erhaschen, sondern
um den Eindruck zu vermitteln, dass der erste Blick auch
trügerisch sein kann, wenn man genauer hinsieht. So heißt es,
dass man beim Besteigen des Notstands notwendigerweise
gesichert wird, damit das rustikale Flair genossen werden
kann, das notgedrungen entsteht, sobald die Lebkuchenherzen
und die restlichen selbstgebastelten Wanddekorationen auf
die Netzhaut gelangen. Wer bei dieser Beschreibung an eine
spießbürgerliche Wohnstube denken muss, wird leider (oder
doch zum Glück?) enttäuscht werden, denn die Schriftzüge auf
den kalorienreichen Kitschherzchen lassen deutlich die Thematik
des Notstands erkennen, ohne aber jedoch den „I mog
di“-Charme zu verlieren. Doch nicht nur Süßes hängt dort an
den Wänden. Der Mutige wie auch beschämende ÖVP-Notnagel-Spruch
„Mut zu Eliten“ ziert das Interieur – passend nicht
in Stein gemeißelt, sondern fein gestickt,rot auf weiß. Doch
12
Not macht erfinderisch? – oder: Not, erfinderisch gemacht!
Vorbericht von Florian Peter Pesel, 06.04.2011
genau nach dem Motto: Wo das herkommt, gibt’s noch viel
mehr, kann jede(r) BesucherIn sich selbst auf die Entdeckungsreise
zu den von Barbara Ungepflegt aufgezeigten Nöten machen.
Erwarten muss und darf man viel Kitschiges, Spießiges,
Belustigendes, Erschreckendes, Kreatives und Beschämendes.
Zu entdecken gibt es jedenfalls genug, und nicht nur weil die
Stadt Wien ihren Teil dazu beigetragen hat, dass das ganze
Vorhaben der ungepflegten Frau ein Erfolg werden kann.
Denn auch die Vielfalt der Ideen wird nicht aus der Not heraus
auf das Essenziellste beschränkt, das heißt platt gesagt: alles
für alle, oder mit den Worten der Künstlerin: Kunst für alle!
Letztendlich heißt es dann wohl Überfluss im Notstand, oder
aus der Not eine Tugend machen. Die Tatsache, dass Frau Barbara
Ungepflegt an jedem Festivaltag eine Vorstellung ihres
Notstands gibt, die täglich variiert, zeugt allerdings auch von
enormem Mitteilungsbedürfnis und Spaß an der Freude.
Wem diese Beschreibung jedoch zu undurchsichtig ist und wer
noch nicht ganz begriffen hat, worum es Frau Ungepflegt eigentlich
geht, dem ist es wärmstens empfohlen, der notleidenden
Welt der Barbara Ungepflegt einen Besuch abzustatten
und sich davon einen eigenen Eindruck zu schaffen – natürlich
ganz nötigungsfrei!

Wien im Notstand – Now or never?
Kritik von Olivia Lefford, 08.04.2011
Verwunderung. Verwirrung. Staunen. Das sind einige jener
Attribute, die den Zustand beschreiben, in den einen das „Bühnenbild“
des Stückes unmittelbar versetzt. Die Regisseurin Barbara
Ungepflegt stößt uns damit noch vor dem eigentlichen
Beginn des Stückes ins Thema. Indem sie den Theaterraum ins
Öffentliche verlegt, schafft sie einen performativen Raum an
der Schnittstelle zwischen Privatheit und Öffentlichkeit, der
uns unmittelbar die Verschränkung dieser beiden dissonanten
Räumlichkeiten erfahren lässt. Durch die Schaffung eines in
solcher Art gestalteten Zeitraumes wird der Zuseher in die unklare
Position hinsichtlich der räumlichen als auch zeitlichen
Struktur des Stückes versetzt. Ganz nach dem Motto gemeinsam
einsam zu sein – in einer Welt der „Social Media“, in der
Verbindlichkeit und Nähe weniger Platz zu haben scheinen als
die ewige Selbstdarstellung von Individuen.
Barbara Ungepflegt nennt sich die Akteurin, die eine Bedienerin
darstellt. Als solche bedient sie laut eigenen Aussagen andere
und bedient sich jedoch selbst auch von anderen. In einer
One-Woman-Show eröffnet sie die Aktion mit feierlicher und
dennoch einsamer Blasmusik. Sie marschiert in rhythmischen
Schritten gezielt auf ihren nicht übersehbaren Hochstand zu.
Was der Hochstand nicht zu sein scheint, und zwar stabil, das
gleicht Barbara Ungepflegt gekonnt aus, indem sie ihre eigene
Standhaftigkeit im Gefüge des wackeligen Notstandes unter
Beweis stellt.
Noch immer weht ein leichter Wind der Verwirrung durch das
Publikum. Liegt dies vielleicht an Barbaras rosa Turnschuhen
oder ihrem Trachtenkostüm mit dazu passendem Hut? Ratlos
steht das Publikum um Frau Ungepflegt und ihrem Notstand
herum und grübelt: Wozu das Ganze? Statt Klärung fordert
sie das Publikum auf, mit ihr gemeinsam die Teilnahmebedingungen
für den Notstand im Chor zu lesen, was nicht nur zum
dramaturgischen Teil des Stückes gehört, sondern auch zur
rechtlichen Absicherung dient.
Die Künstlerin fordert einen Notstand, der für alle leistbar ist.
Mit spontanen Pointen und einem nicht identifizierbaren Lied,
das sie dann zu singen beginnt, schöpft man als Zuschauer
langsam Vertrauen in das, was sie tut.
Es folgt traditionsgemäß die Taufe des Notstands, in dem sie
eine Flasche Sekt mit Schwung auf dem Gerüst zum Platzen
bringen möchte. Der Flasche zum Trotze, die sich nicht und
nicht zerstören lassen will, sind laut Frau Ungepflegt aller
guten Dinge nicht drei, sondern hundert, und so lässt sie den
Sekt großzügig ans Publikum verteilen, was definitiv guten
Anklang fand. Prost!
Nach dem „spontanen“ Umtrunk lädt Frau Ungepflegt dann
jeden Einzelnen ein, ihren wackeligen Notstand zu besteigen.
Somit löst sie die Unterscheidung zwischen Akteur und Publikum
auf und lässt den Zuseher so wiederholt die Dialektik
von Freiheit und Sicherheit erfahren. Schnell findet sich ein
tapferer Freiwilliger aus dem Publikum, der den Thron des
Notstands als Erster besteigen will. Getreu dem Prinzip „safety
first“ wird der Sicherheitsgurt umgeschnallt, und schon startet
der Mann in Richtung Glück. Raus aus dem Alltag. Rein in
den Notstand. In der Folge finden sich noch weitere Mutige,
die sich auf den Gipfel des Notstands wagen, sei es aus Neugierde
oder aus Verzweiflung.
Obwohl Realität und Performance permanent vermischt
werden und dies mit Sicherheit für Verunsicherung gesorgt
hat, war es auf jeden Fall ein gelungener Auftakt zum
Freischwimmer-Festival!
Eine nicht nur wetterbedingte Erfrischung scheint diese
Produktion ohnehin zu werden. Wer zur Premiere nicht
anwesend sein konnte, der hat bis zum Festivalende noch
jeden Tag die Gelegenheit, seinen persönlichen Notstand
zu erklimmen. Abwechslung ist dabei garantiert! Ein handschriftlich
geschriebenes Gewinnspiel wird ans Publikum
verteilt und bringt Schwung in die relativ banale Handlung.
Mit ein bisschen Glück kann man nach Ausfüllen des Teilnahmescheins
vielleicht ein romantisches Candle-Light-Dinner
für eine Person gewinnen.
13

„So schön kann Notstand sein“
Die ersten drei Tage Notstand in Wien
von Theresa Naomi Hund, 11.04.2011
Notstand. Laut der Bundeszentrale für politische Bildung bezeichnet
dieser allgemein „einen die Lebensbedingungen gefährdenden
Zustand, der nur mit außergewöhnlichen Mitteln
beseitigt werden kann (…)“ Barbara Ungepflegt hat da(zu) eine
Idee. Schließlich macht Not erfinderisch. Tag 1: Ein Standort in
Not? Ein Notstand auf dem Vorplatz des Künstlerhauses. Dessen
Besitzerin ist Barbara Ungepflegt, welche am 08.04.2011
gegen 19.10 offiziell den Notstand in Wien eröffnet hat. Der
Notstand wird hier verkörpert durch einen Hochstand, welcher
von Notbedürftigen täglich für eine Stunde bestiegen werden
darf. Anstatt rauszugucken, schaut man hier rein. Steigt
die Holztreppe hinauf und begibt sich in den Innenraum des
Außenraumes, dann gibt es allerlei zu entdecken. Lebkuchen,
Postkarten, ein Video von und mit Frau Ungepflegt, ein akustisches
Klangerlebnis, welches durch Ziehschnüre aktiviert
werden kann, eine Sitzbank, ein Gästebuch, welches anhand
der Abnutzungsspuren bereits in vielerlei Händen gewesen
zu sein scheint. Ein Notstand mit Geschichte. Erinnerungen
an frühere Kindheitstage, an Wald und Wiesen, an heimliche
Versteckspiele in Hochsitzen. Im Gegensatz zu früher kommt
heute aber kein Jäger mehr, der einen verjagt – im Gegenteil.
Die Gegenwart meint es gut mit uns und schickt uns Frau Ungepflegt,
welche zwar in Jagdgewand gekleidet, jedoch nicht
als Moralpredigerin, sondern als Bedienerin fungiert. Sie fragt
nach unseren Notständen und versucht, ganz im Sinne ihrer
Bedienerrolle, diese zu lindern. Bereits in den ersten Minuten
ihrer Live-Art-Performance wird deutlich, dass im Notstand
ein anderer Ton angeschlagen wird. Da ist tatsächlich jemand,
der helfen will, ohne dafür eine Gegenleistung zu verlangen –
Irritation. Man ist ja eher skeptisch als beglückt. Wen wundert
es? Wo gibt es denn heute noch was umsonst? Nichtsdestotrotz,
der Notstand interessiert. Hier tritt er nun endlich für
jeden sichtbar, fühlbar, sogar begehbar in Erscheinung. Aber
das ist für die meisten dann doch zu viel, sie bleiben lieber in
sicherer Distanz.
Notstand bildet. Tag 2: Heute auf dem Programm? Notstandsjapanisch
für Fortgeschrittene und die Ziehung des
Gewinners des gestrigen Gewinnspiels. Bei diesem konnten
alle Besucher des Eröffnungstages teilnehmen, der Sieg ist
eine Übernachtung mit Candle-Light-Dinner im Notstand, das
mögliche Notstandsessen: „Falscher Hase“. Der Glückliche ist
Eduard, doch leider erfährt dieser aufgrund seiner Abwesenheit
erst später von seinem Gewinn. Die Anwesenden haben
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zuvor schon Glück, so lernen sie, dank Langenscheidt, ein paar
japanische Wörter. Der Notstand ist aktuell, greift globale
und gesellschaftspolitische Themen auf. Einzelne Besucher
werden auch heute wieder nach ihren Notständen befragt.
Frau Ungepflegt, ganz Menschenfreund, posaunt die Antwort
ihrer Notleidenden nicht in die Runde, sondern versucht visà-vis
zu helfen. Immer mal wieder traut sich ein Notdürftiger
empor, und manchmal wird der Abstieg mit einem Hornblasen
belohnt. Das Japanischüben geht weiter, das Wörterbuch wird
zwischenzeitlich auch gerne aus der Hand gegeben. Integration
statt Segregation. Man ist Teil der ganzen Szenerie, die
Bühne ist dabei der ganze Vorplatz und die Protagonisten sind
wir, die Besucher, die Interessierten, geführt und gelenkt von
Barbara Ungepflegt.
Not macht hungrig. Tag 3: Sonntag Ruhetag? Nicht im Notstand.
Dieser öffnete wieder um 19 Uhr seine Pforten. Doch
heute scheint alles anders. In Jeans und Pulli, ohne Blashorn
und Hut bedient Frau Ungepflegt an ihrem Arbeitsplatz. Heute
steht der Notstand ganz für sich, ohne viel Tamtam. Warten.
Warten auf Godot? Nein, auf den Pizzaboten. Der gestrige
Hunger mancher Notleidender ist wohl am Ort haften geblieben.
Eine Notstandshelferin ruft beim Pizzataxi an: „Eine Pizza
zum Notstand, bitte.“ Der Taxifahrer lässt sich sicherheitshalber
die Handynummer geben. Denn wo bitte ist der Notstand?
Warten. Immer mal wieder kommen Interessierte vorbei, einige
wenige trauen sich. Kein Blasen, kein Applaus. Ist der Notstand
heute im Ruhestand? Morgen ist Montag - vielleicht ist
es auch die Ruhe vor dem Sturm. Der Notstand sollte entdeckt
werden. Ob es acht Tage braucht, um die Mission Notstand zu
erfüllen, ist zu hinterfragen. Doch warum die Hetze? Vielleicht
ist es gerade das, was Frau Ungepflegt uns hier auf dem Notstand
schenkt - Zeit. Sie ist die Antagonistin zu Momos grauen
Männern, welche dem Kind in uns die Zeit stehlen wollen. Hier
haben wir sie nun täglich von 19 bis 20 Uhr für uns und mit
Barbara Ungepflegt. Zwischenbilanz: Ein Notstand ist nicht
gleich ein Stand in Not. So stellte der erste Besucher des Notstandes
folgerichtig fest: „So schön kann Notstand sein.“

„Angenehm, Ungepflegt.“
Wildspezialitäten im Notstand
Interview mit Barbara Ungepflegt von Nathalie Knoll
und Kristina Kirova, 07.04.2011
Am Tag vor dem Festivalbeginn machen wir uns auf den Weg
ins brut. Wir sind in freudiger Erwartung des Interviews mit
der Künstlerin Barbara Kremser alias Barbara Ungepflegt.
Kaum biegen wir ums nächste Eck, sehen wir schon ihre
Installation. Eine Jagdhütte mitten auf dem Vorplatz des brut
in sechseinhalb Meter Höhe. Neugierig nähern wir uns dem
Objekt und versuchen hineinzuspähen, als uns von innen heraus
jemand entgegenlacht. Es ist Barbara Ungepflegt höchstpersönlich.
Barbara Ungepflegt versteht sich als Bedienerin
jeder Art. Außerdem ist sie Schauspielerin, Künstlerin und
Performerin. Sie studierte Kunstgeschichte und Theaterwissenschaft
und tourt nun mit ihrem Notstand im Rahmen des
Freischwimmer-Festivals durch Deutschland, Österreich und
die Schweiz.
Bildrechte: Nathalie Knoll
e-xilant: Was hat es mit dem Namen Barbara Ungepflegt auf
sich?
Barbara Ungepflegt: Barbara Ungepflegt hat den Namen
Ungepflegt gewählt, weil sie sich als Bedienerin sieht. Das
heißt, ich fühle mich als Frau oft als Bedienerin gebraucht,
andererseits bediene ich mich auch ganz vieler anderer Dinge,
und diese Wechselwirkung in unserer auch serviceorientierten
Gesellschaft finde ich ganz spannend und damit setze ich
mich auch sehr oft auseinander. Ich find es einfach auch
schön, wenn man vorgestellt wird und man sagt dann:
„Angenehm, Ungepflegt.“
e: Du betreibst ja einen Escortservice, worum geht es dabei
eigentlich genau?
BU: Mein Escortservice ist in erster Linie ein Begleit- und Bedienungsservice,
das heißt, dass ich sehr viele Lebensumstände
sehr gerne begleite. Ich biete z. B. sämtliche Verhinderungen
an, sämtliche Begleitservices bei Problemfällen, wie z. B. das
Angebot, dass ich anstelle von Eltern zum Elternsprechtag
gehe. Wenn jemand sein Steckenpferd verloren hat, dann
stelle ich ihm ein Neues zur Verfügung. Also ganz praktische
Tipps und Serviceleistungen. Ein nächstes größeres Projekt im
Escortservice Ungepflegt wird sein, eine Plattform zu schaffen,
die „Baby to Go“ heißt. Das ist für alle Eltern, die nicht Eltern
werden konnten oder wollten.
e: Wie ist die Verbindung zwischen dem Thema „Rückzug ins
Öffentliche“ und dem Notstand?
BU: „Rückzug ins Öffentliche“ hat ja großteils im Fokus, dass
aufgrund der Globalisierung und der neuen Medien wie Internet
Leute sich immer mehr zurückziehen. Sie gehen in ihrer
Gestalt nicht nach außen in die Öffentlichkeit, sind aber in
diesem Rückzug aufgrund von Facebook und diesen ganzen sozialen
und nicht sozialen, asozialen Netzwerken sehr suchend
nach einer Verbindung mit der Welt. Und Notstand ist für
mich in jederlei Hinsicht da vorhanden, zum einen emotionaler
Notstand, dass man mit allen möglichen Leuten befreundet
ist, die man überhaupt nicht kennt, das finde ich auch immer
ganz merkwürdig. Zum anderen aber auch der Notstand, dass
wir alle mitverfolgen, wie es eine Wirtschaftskrise gibt, und
dann werden den Leuten, die überhaupt nie gezockt haben
oder ganz absurde Geldgeschäfte gemacht haben, die Beträge
dann auf die Steuern raufdividiert. Das erleben wir ununterbrochen,
Notstand. Das schreit zum Himmel.
15

Aber ursprünglich war für mich der Anlass für den Notstand
der ganze Kindesmissbrauch in der katholischen Kirche, und
ich wollte den Notstand auch so stellen, dass man den Blick
auf eine Kirche hat. Das ist in diesem Fall auch ganz gut
gelungen. Man hat innen jetzt eine notdürftige Aussicht
auf die Karlskirche.
e: In welcher Not muss man sein, um im Notstand Unterschlupf
zu finden?
BU: Also das obliegt natürlich jedem Besteiger selbst, und
es ist ja ganz individuell, was man als Not empfindet oder
ob man sich selbst als notdürftig erlebt oder im Notstand
befindet. Es ist jeder herzlich willkommen im Notstand. Der
Notstand ist jetzt hier insgesamt sechseinhalb Meter hoch,
aber ich finde, er könnte ruhig noch höher sein, er kann gar
nicht hoch genug sein, aber dann würden es die Behörden
wahrscheinlich überhaupt nicht mehr genehmigen.
e: Wie war die Entwicklung der Installation vom Konzept bis
zur Umsetzung, also bis zum Endprodukt?
BU: Ich habe zuerst an diesen Notstand innerhalb der Kirche
gedacht und es ist dann immer weiter gegangen, in verschiedenste
Notstandsgebiete, was man auch wirklich in den
Medien hört und liest. Für mich haben auch immer so solitäre
Gebäude oder Objekte eine große Faszination ausgeübt.
Außerdem habe ich mit Jagen eigentlich überhaupt nichts zu
tun und persönlich auch nie was miterlebt. Aber die Tatsache,
dass man ein Haus auf Stelzen baut, um rauszuschauen und
etwas zu erlegen, fand ich dann schon sehr faszinierend. Weil
ich auch sehr mit Sprache arbeite, hat mich natürlich dieses
Sprachwortspiel „Hochstand-Notstand“ schon einmal sehr gereizt.
Daher kam es überhaupt zu dieser Idee einen Hochstand
als Notstand zu deklarieren.
e: Wie ist das gemeint: „etwas erlegen?“
BU: Man erlegt ja in einem Hochstand das Wild. Da sitzen
dann die Jäger und Jägerinnen und erschießen das Rehschnitzel.
Deswegen gibt es im Notstand nur eine notdürftige
Aussicht. Man kann also leider niemanden erlegen. Man hat
dazu nicht die Macht, außer man schlägt die Scheiben ein. Es
soll auch eine sehr einladende Hütte sein, da oben auf Stelzen,
darum steht auch „Zimmer frei“und „Bus willkommen“ drauf.
Es passt zwar leider keine Busladung hinein, aber man kann es
ja mal anbieten. „Wildspezialitäten“.
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e: Das Festival hat ja bereits in Berlin und Hamburg Station
gemacht. Wie waren die Reaktionen?
BU: Es kommt vollkommen darauf an, wo der Notstand steht.
In Berlin stand er in einem Innenhof von den Sophiensaelen.
Aber so, dass man erst in einen Innenhof ging und dann erst
sah man den Notstand. Und das war eine vollkommen andere
Situation, nicht auf einem offenen Platz wie hier mit traditionellen
Gebäuden, wie in einer geschlossenen Atmosphäre.
Da waren die Leute auch überrascht, aber etwas überrumpelt.
Es gab nämlich keinen Platz zum Ausweichen. Da stand man
im Hof und gleich vor dem Notstand. Ich lade die Leute ja zu
einem Besuch in den Notstand ein, der auch kostenlos ist. Und
dann waren viele natürlich irritiert, manche haben lächelnd
gesagt: „Haha, ich bin ja schon im Notstand.“
e: Wie lang braucht man, bis man den Notstand aufgebaut
hat?
BU: So vier Stunden. Beim ersten Mal aufbauen haben wir
neun Stunden gebraucht. Es wird immer schneller. In Düsseldorf
wird’s dann ganz schnell gehen. Fast aufblasbar.
e: Wir haben gelesen, dass sich der Notstand immer verändert.
BU: Es kommt immer wieder ein bisschen was dazu. Ab morgen
wirds am Dach auch eine Neonaufschrift mit „Notstand“
zu sehen sein, sodass man auch am Abend aufmerksam darauf
wird. Es gibt auch innen ein notdürftiges Video zu sehen, Themen
wie „Genuss im Notstand“ und „Anstand im Notstand“.
e: Der Notstand ist ja vollgestopft mit allen möglichen Kuriositäten.
Was haben die Lebkuchenherzen zu bedeuten?
BU: Die sind zum Teil Zitate aus der Bibel, zum Teil auch aufgeschnappte
Kommentare von Menschen. Die habe ich selbst
beschriftet. Man kann sie auch essen, wenn man will. Sie sind
aber schon dreimal nass geworden, weil es so viel geregnet
hat. Ich habe es innen so gestaltet, dass es wie in so einer
geschmacklosen Skihütte aussieht, auch diese ganze Spaßgesellschaft
finde ich ganz spannend.
e: Was wäre dein Wunsch, wie sollen die Besucher den Notstand
verlassen?
BU: Mit viel Not. Ich habe eigentlich keine Wünsche in dem
Sinn. Manche Dinge muss man einfach tun.

Furry Species –
Back to Basics, denn Isegrim war gestern!
Interview mit Corinna Korth von Christoph Wingelmayr
und Birte Gemperlein, 07.04.2011
Furry Species, das erste Bühnenwerk der Hamburger Künstlerin
Corinna Korth, ist anders als so manch anderes Theater. Und
weil es so anders ist, hat e-xilant sie gleich mal zum ausführlichen
Interview getroffen. Mit dabei: Wolfshund Kojote.
e-xilant: Corinna, in Furry Species geht es um das Hybridwesen
Menschwolf oder Wolfsmensch. Wann haben Sie sich erstmals
mit dem Thema Wolf auseinandergesetzt und warum?
Corinna Korth: Ich beschäftige mich mit der Hybridwerdung
seit 1995. Was mich interessiert hat, war der Gegensatz von
mythologischem und biologischem Wolf. Der mythologische
Wolf ist negativ besetzt und wird in Fabeln und Märchen auch
so dargestellt. Dort erscheint er als gefräßig, dumm und verliert
gegen Reineke Fuchs. Der biologische Wolf hingegen ist
sozial, hochintelligent und eher scheu. Dieser Gegensatz hat
mich erst mal interessiert. Ich hab viele Bücher dazu gelesen,
Filme geschaut und das mit Fabeln abgeglichen. Dann hab ich
überlegt, was das mit mir zu tun hat, weil ich auch immer sehr
viel mit Hunden zu tun hatte. Das Domestizierte beim Hund
gefällt mir nicht, ich mag diesen Wildheitsaspekt beim Wolf.
Er lässt sich nur bis zu einem gewissen Grad domestizieren, sobald
es um die Ehre oder den Stolz geht, lehnt er sich auf. Das
Verhalten des Wolfs ist also unberechenbar. Ich hab angefangen,
verschiedene Verhaltensweisen beim Tier zu untersuchen
und diese mit menschlichem Verhalten zu vergleichen. So
hab ich beim Menschen z. B. Dachstypen, Hundetypen oder
Katzentypen entdeckt. Es geht darum, wie man sich zueinander
verhält: Bildet man Rudel, geht man auf Distanz, ist man
der Jäger oder ist man die Beute?
e: Was kann man sich unter dem Institut für Hybridforschung
vorstellen?
CK: Das Projekt umfasst meine Arbeit seit 1995. Dabei habe
ich mit vielen Leuten zusammengearbeitet. Diesmal arbeite
ich mit einem Schönheitschirurgen zusammen, bei anderen
Arbeiten mit Aikido-Sportlern. Die Athleten sollten sich z. B.
in Tiere hineinversetzen und passende Kampfstile entwickeln,
wie Schlangen-, Kranich- oder Drachentechnik. Dann fand ein
zweistündiger Kampf mit Tiermasken statt und die Kontrahenten
haben sich allmählich mit ihren Rollen identifiziert. Sie haben
angefangen zu knurren oder tierartige Abwehrhaltungen
einzunehmen. Für mich macht das Institut aus, Projektpartner
und tierisches Restverhalten im menschlichen Verhalten zu
finden, daran zu arbeiten und das zu verbildlichen.
e: Was sagen Sie zu der Aussage „Tier ist das neue queer“?
CK: Das ist sowas wie „Pink is the new black“, ein Slogan,
der besagt, dass es wieder „in“ ist, zu seinen tierischen
Wurzeln zurückzufinden.
e: Wie kamen Sie auf die Idee, Furry Species auf die Bühne zu
bringen?
CK: Die Hamburger Dramaturgin Nadine Jessen hat mich
angesprochen und geeint: „Eigentlich machst du Theater.“
Ich hab bisher aber einen anderen Zugang gehabt, da ich aus
dem Bereich der bildenden Kunst komme. Hauptsächlich führe
ich Inszenierungen und Performances auf, die einen hohen
wissenschaftlichen Anteil haben. Wir haben dann erst mal
drei Monate daran gearbeitet und überlegt, wie man mein
künstlerisches Schaffen sinnvoll innerhalb einer Stunde auf die
Bühne bringen kann. Das unterscheidet sich wirklich nicht so
sehr von dem, was ich sonst mache, nur dass ich mich normalerweise
nicht auf einen zeitlichen und räumlichen Rahmen
festlegen lasse.
e: Wir haben in einem Interview gelesen, dass Sie Furry Species
nicht als Kunst ansehen. Als was würden Sie es denn bezeichnen?
CK: Für mich ist das ein Vortrag, der natürlich eine gewisse
Fiktion beinhaltet, aber auch nur erst mal. Weil ich denke,
dass der Weg, sich zu wandeln, passieren muss und dass wir
als Menschen nicht mehr ausreichend sind, gerade wenn man
sich jetzt so das Weltgeschehen anschaut. Es gibt kein Tier, das
so viel zerstört oder so viele komische Dinge erfindet, die nicht
zu Ende gedacht sind und die man dann nicht mehr beherrschen
kann. Also so was wie „die Geister, die ich rief, werd ich
nicht mehr los“. Und ich glaube, dass irgendeine Veränderung
passieren muss, dass man sich wieder auf Urinstinkte besinnen
muss. Man muss ein bisschen gucken, was die tierischen
Mitbewohner so treiben, und das wieder neu erlernen. Es gibt
ja viel Urwissen und ein paar Generationen vor uns konnten
die Leute Wetter- und Tierverhalten lesen und sind anders damit
umgegangen. Ich glaube, dass kaum jemand von uns das
noch beherrscht oder sich damit beschäftigt.
e: Für Ihre Untersuchungen sind Sie regelmäßig mit Wolfspelz
und Wolfsmaske gekleidet als Mensch-Wolf-Mischwesen unterwegs.
Was haben Sie dabei für Erfahrungen gemacht?
CK: Viele Menschen haben wirklich die Fabel im Kopf.
17

Wenn ich als Wolf unterwegs bin, sagen die meisten Eltern
ihren Kindern: „Guck mal, da ist der böse Wolf.“ Obwohl ich
nichts tue. Oder wenn ich öffentliche Verkehrsmittel benutze,
dann will niemand neben mir sitzen. Das ist schon diskriminierend.
Ich nutze zwar Masken oder ein anderes Verhalten,
aber eigentlich geht es um Anderssein und wie das von
außen aufgenommen wird.
e: Zu guter Letzt haben wir uns noch ein paar Stichworte überlegt.
Was fällt Ihnen spontan dazu ein?
Gläserner Mensch.
CK: Unheimlich.
e: Zivilisation.
CK: Domestiziert, Zwangsjacke, mehr Wildheit.
e: Arielle, die kleine Meerjungfrau.
CK: Nett für Kinder, sprechende Tiere, Comics und Zeichentrick.
Für Kinder sicher der richtige Schritt, um dann später beim
Institut für Hybridforschung zu landen.
18
e: Corinna, vielen Dank für dieses aufschlussreiche Interview!
„Menschliche Mittelmäßigkeit“
Besuch bei Dr. Dr. Hohl
Kritik von Sebastian Schley, 09.04.2011
Gerade haben die Zuschauer ihre Plätze wieder eingenommen,
Haiko Pfost vom brut und Corinna Korth vom Institut für Hybridforschung
entschuldigen sich für die technische Panne und
die dadurch bedingte kurze Unterbrechung der Vorstellung.
Wenig später funktionieren Bild- und Tonebene der Videoinstallation
endlich, wie sie es offenbar von Anfang an sollten.
So war der Ausfall der Bildebene offenbar kein dramaturgisch
geplantes Ereignis. Schade eigentlich. Denn was die kommenden
sechzig Minuten folgen sollte, hätte so manch einen
unvorhersehbaren überraschenden Moment – das, was in
der Sprache der Dramaturgen unter dem Begriff „plot point“
bekannt ist – gut vertragen.
Das Stück beginnt mit einer kurzen Videocollage, in der die verschiedensten
Mensch-Werwolf-Mutationsprozesse der Filmgeschichte
gezeigt werden. Im Anschluss stellt sich Corinna Korth
als Mitarbeiterin des Institut für Hybridforschung vor. Ihre
These: Hybrid statt Hybris. Oder anders: Mensch und Tier sollten
miteinander zu einem neuen und besseren Hybridwesen
verschmelzen. Diese Mensch-Tier-Werdung könne zum einen
durch Fortpflanzung, zum anderen operativ erreicht werden.
Warum das Erreichen dieses Hybridzustandes überhaupt
erstrebenswert ist, erklärt Korth anhand einer im Hintergrund
ablaufenden Powerpoint-Präsentation, in der wissenschaftliche
Standardkenntnisse, mystische Halbwahrheiten und schierer
Unsinn fließend ineinander übergehen. Einige Fakten werden
genannt, die offenbar zum tatsächlichen Nachdenken über
die Vorteile eines Mensch-Tier-Hybridwesens anregen sollen.
An und für sich wäre das eine gute Idee im Inszenierungskonzept
– die voreingenommen schnell als Unsinn abgetane These
plötzlich argumentativ gut zu belegen. Allerdings tut Korth
dies nicht.
Denn die wenigen wissenschaftlichen Fakten, die genannt
werden, dürften niemanden mehr wirklich vom Hocker reißen.
Fledermäuse hören besser als Menschen, Leoparden laufen
schneller, im Vergleich der Föten sehen einige Tiere dem Menschen
erstaunlich ähnlich. Ja. Stimmt.
Zusätzlich werden einige Argumente auf abenteuerliche Weise
ideologisch aufgeladen. Der Mensch sei ein Wesen, welches
sich durch eine Mittelmäßigkeit auf allen Gebieten auszeichne,
Tiere also die besseren Menschen. Wie sich ein solch
nichtskönnendes, durchweg mittelmäßiges Wesen im Zuge
der inzwischen als sehr wahrscheinlich geltenden Evolution
gegenüber sämtlichen anderen Tierarten behaupten konnte,
wird nicht erklärt.

Stattdessen kommen plötzlich ganz andere Kontexte hinzu:
Der Mensch macht sich von der Technik abhängig und
schwächt seine Position dadurch selbst. Tiere tun dies nicht, da
sie nicht auf Technik angewiesen sind. Ja. Stimmt auch. Aber
sind sie deshalb freier als Menschen? Besser als Menschen?
Man bekommt allmählich den Eindruck, dem Vortrag einer
ideologisierten Tierliebhaberin zu lauschen. Es sind Momente,
in denen man befürchtet, dass Korth hier ihr tatsächliches
Menschenbild preisgibt. Denn für eine groteske Klamauknummer
ist das Gesprochene und Gezeigte einfach nicht lustig,
nicht komisch genug. Für eine ernsthafte Auseinandersetzung
allerdings zu oberflächlich. Somit bleibt die Frage, was Furry
Species eigentlich will.
Im weiteren Verlauf des Stücks verkündet Korth ihr Vorhaben,
zu einem Mensch-Wolf-Hybriden zu werden. Operativ – ironischerweise
von Dr. Dr. Hohl. Als Beleg hierzu wird ein viel zu
langes Video gezeigt. Korth sitzt beim Kieferorthopäden und
lässt sich einen Gebissabdruck machen. Unzählige Minuten
vergehen, bis der Abdruck endlich fertig ist. Der Mehrwehrt
dieser Information: gleich null. Stattdessen bekommt die Inszenierung,
deren Konzept bisher „nur“ einfach nicht wirklich
aufgegangen zu sein schien, nun zusätzlich einen sehr amateurhaften
Charakter.
Abschließend verschwindet Korth von der Bühne, um kurze
Zeit später von zwei Ärzten auf einer Krankenliege wieder in
den Raum geschoben zu werden. Die Wolfs-OP beginnt. Einige
Milliliter Blut werden in die erste Reihe gespritzt, die zuvor mit
einer Folie geschützt wurde. Es ist, als hätte Korth irgendwo
gelesen, dass man im zeitgenössischen Theater auf alle Fälle
noch das Publikum einbinden und im Optimalfall sogar gegen
selbiges vorgehen müsse.
Schließlich wird der Hybridwilligen ein Wolfschwanz an die
Strumpfhose genäht. Ihr Hund betritt die Bühne, und beide
heulen zu einer abgewandelten Version von David Bowies
„Heroes“, die auf die Thematik des Werwolfs umgedichtet
wurde. Den wenig glorreichen Text gibt’s zum Mitlesen auf der
Projektionsfläche. Das war’s dann.
Furry Species lässt einen mit einem Gefühl von Gleichgültigkeit
zurück. Die grundthematische Idee ist gar nicht schlecht,
wurde allerdings wenig kreativ und noch weniger mitreißend
umgesetzt. Was schon zu Beginn, innerhalb der ersten fünf
Minuten, thematisch eingeführt wurde, hat man auf sechzig
Minuten ausgedehnt, ohne zu brechen, ohne zu hinterfragen,
ohne zu überraschen.
Zugleich stellt sich die Frage nach der Intention des Stücks.
Was wollte uns Korth eigentlich sagen? Eine mögliche Message
verschwimmt an der Oberfläche.
Es war, als würde man ein Fragment, ein noch unausgereiftes
Konzept auf einer Probebühne betrachten. Dabei hätte die
Thematik Potenzial gehabt – und Corinna Korth, die ihre Rolle
im Übrigen gut und recht überzeugend gespielt hat, hat die
Fähigkeit, diese umzusetzen.
Es ist schade, wenn man abschließend sagen muss, dass der
dramaturgisch spannendste Part der Inszenierung die unvorhergesehe
Technikpanne zu Beginn war.
Bildrechte: Gerhard F. Ludwig
19

You never howl alone!
Heraus aus der „zivilisierten“ Welt – hin zu unseren Urinstinkten
Kritik von Christoph Wingelmayr, 08.04.2011
Mit diesen Appellen brachte Corinna Korth vom Institut
für Hybridforschung das Publikum in Wallung. Begleite sie
auf ihrer Transformation hin zum Tier. Beobachte sie dabei
– live. Sie führt in ihrer aktuellen Produktion Furry Species
eine neue Form der Menschwerdung vor. Wir brauchen
keine Hybris mehr, die Überheblichkeit hat uns nicht weit
gebracht, der Hybrid ist das neue Konzept. Stärker, besser,
überlegen, ein paar Schlagworte. Treffender kann man diese
neue Schöpfung nicht beschreiben. Im Gegensatz dazu der
mittelmäßige Mensch, dem es an Vielem mangelt. Auf der
Suche nach einer neuen Identität können wir die Protagonistin
begleiten, wie sie sich schrittweise zum Wolf wandelt.
Sie wählt für sich den operativen Weg: kurz und schmerzlos,
um so die Vorteile beider Spezies nutzen zu können.
Ein Traum könnte wahr werden.
Tatkräftig wird sie dabei unterstützt von Dr. Dr. Hohl und
Bildrechte: Christoph Wingelmayr
20
seinem Operationsteam. Auf einer Gratwanderung zwischen
Traum und Realität erleben wir eine Operation, die uns näher
an das Animalische heranbringt.
Der Handlungsstrang kratzt teilweise jedoch leider nur an der
Oberfläche. Mehr Tiefgang hätte der Story gut getan. Dieses
Thema bietet sich geradezu an, um noch tiefer zu graben
und dem Publikum zahlreichere Facetten unserer degenerierten
Zivilisation darzubieten. Zu Beginn schwächelt das
Inszenatorische, hinkt an seinem videolastigen Vortrag. Mit
der fortschreitenden Darbietung putzt sich das Bühnenwerk
allmählich heraus und wird zu einer schaurig, aber liebevoll
umgesetzten Performance. In dieser ist die Künstlerin zu Hause,
hier liegen ihre Stärken. Ein sehenswertes Stück, mit dem
uns Corinna Korth zum Nach- und Umdenken anregt.
Heulen wir gemeinsam mit den Wölfen!!!

Pelz auf den Augen –
Wie Furry Species schockiert
Kritik von Vanessa Scharrer, 08.04.2011
In letzter Zeit fühle ich mich so unwohl in meiner Haut! Angefangen
bei den körperlichen Defiziten der Spezies Mensch, ein
ständiger Aufwand, sich bei Kälte durch Kleidung zu wärmen
oder sich bei Hitze zu kühlen, und weiter über die soziale
Verstümmelung unseres natürlichen Gruppenverhaltens durch
Arbeits- und Lebensverhältnisse, die uns zu funktionierenden
Maschinen machen wollen. Ich will das so nicht mehr! Wer
kann mir helfen?
Das Institut für Hybridforschung hat meine Sorgen und
Probleme erkannt und bietet mir endlich eine Lösung an, so
zumindest die Versprechung. Befinde ich mich nun also im
Konzerthaus des brut Wien in einer Lehrveranstaltung oder in
einer Performance? Worin liegt die Grenze zwischen künstlerischer
Performance und praktischer Lebenshilfe? Corinna Korth
zumindest spricht ganz ernst und hochprofessionell zu mir als
Partizipant einer Lehrveranstaltung. Sie will mir theoretisch
erklären und praktisch zeigen, wie sie zum Wolf werden wird
und was Hybride für einen Fortschritt in unserer Gesellschaft
bedeuten würden.
Die Menschen sind im Vergleich zu Tieren oft nicht so gut
entwickelt, deutlich wird das am Frequenztest, bei dem selbst
Fledermäuse besser abschneiden als der Mensch – verkörpert
durch das Publikum. Noch immer haben Tiere eine untergeordnete
Stellung bei uns Menschen, und die Verwandlung
zum Tier wird in der Horrorfilmgeschichte gänzlich unzureichend
dargestellt. Es wird mir zur Demonstration ein Zusammenschnitt
aus verschiedenen Horrorfilmen gezeigt und ich
werde gewarnt, dass es eventuell später Blut zu sehen geben
wird. Vor lauter Angst interpretiere ich in die Bilderfolge von
„Mond“ und Closeup auf ein „Auge“ die Szene aus Luis Buñels
Film Un Chien Andalou hinein und warte auf den Einschnitt in
das Auge, aber bis zum Schluss bleibt jegliches „Shocking“ aus.
Weiter geht es mit renommierten Mitarbeitern des Instituts,
darunter auch Kojote, der Wolfshund, der als Berater der tierischen
Seite zur Stelle ist. Er kommt auch als zweite Chorstimme
zusammen mit Corinna Korth zum Finale auf die Bühne.
Was für Möglichkeiten habe ich nun, wenn ich mich für den
besseren Weg der Tierwerdung entschieden habe? Zum
einen können die Hybridmerkmale vererbt werden, gemäß
der Mendel'schen Regeln, aber das ist keine Möglichkeit für
den Menschen, der ohne solche Merkmale geboren wurde.
Zunächst muss ich mich entscheiden, welchem Tier ich mich
annähern möchte. Für Corinna Korth kommt der Wolf infrage;
als Kind wusste sie nicht, zu welchem Tier sie tendiert, und es
bedarf dafür einer gewissen Reife (das erinnert an den Konflikt,
den auch Transsexuelle empfinden).
Und dann folgt ein langes Video, in dem gezeigt wird, wie
Corinna Korth zum Kieferorthopäden geht, aber die Praxis
wird als eine spezielle Tierwerdungspraxis verkauft. Hier wird
der komische Moment deutlich, weil jeder die Täuschung
erkennen kann, aber weiterhin davon gesprochen wird, dass
Corinna Korth eine Schnauze aus ihrem Gesicht machen will.
Es bleibt aber bei ein paar aufgeklebten Vampirzähnchen.
Weitergeführt wird der unrealistische Moment dann im
großen Finale, als Corinna Korth schließlich operiert werden
soll. Es wird feierlich eine Plastikplane unter roter Beleuchtung
auf die erste Reihe zugetragen, und zwei Ärztinnen im grünen
Kittel sprühen mit Desinfektionsmittel herum. Jetzt zumindest
angespannte Stille unter den Zuschauern, aber Entwarnung.
Ihr wird nur ein kleines Schwänzchen an die Stoffhose genäht,
und das Publikum wird mit Kunstblut bespritzt. Nach der Operation
folgt das schon erwähnte gesangliche Duett mit Kollege
Kojote mit der wichtigen Botschaft, dass Wildheit Freiheit
bedeutet und wir als Hybride niemals allein heulen müssen.
Nachdem die Ernsthaftigkeit ein wesentlicher Teil der Performance
ist, liegt hier das gemeinsame Moment in einer
praktischen Lebenshilfe. Aber wenn wir auf die Anwendbarkeit
schauen, finden wir Täuschung. Dadurch liegt die Vermutung
nahe, die Hybridwerdung mit anderen ernsten Themen zu vergleichen,
ob auch sie uns etwas vorspielen. Denn die Theorie
enttäuscht uns oft, wenn es darum geht, sie mit der Wirklichkeit
in Verbindung zu bringen. Alternative Lebensmodelle wurden
verfasst, um das Leben der Menschen zu verbessern, aber
sie verbleiben oft in der grauen Theorie, so wie ein Leben ohne
Konsumterror oder absolut umweltfreundlicher Lebensweisen.
Nicht schlecht, wie mich das Institut fast veralbert hätte, beinahe
hätte ich Corinna ernst genommen.
21

Juroren an Schauspielschulen haben ein besonderes Interesse
am Scheitern ihrer Bewerber. Genauer: am Zusammenbruch,
am Platzen ihrer Konzepte, vorbeugend säuberlich über- und
zurechtgelegt. Der Schauspieler trennt sich von der Spreu
derer, die unbedingt Schauspieler sein wollen, von den onanistischen
Selbstdompteuren also, wenn es gilt, mit Pannen
umzugehen. Just in dem Moment, in dem er den Boden unter
den Füßen verliert, muss er sich ungebrochen in einen alternativen
Bereich der Bühnenwelt flüchten. Ein Schauspieler
entschuldigt sich nicht, schon gar nicht für Pannen, er weiß sie
wie selbstverständlich in seine Bühnenwelt aufzunehmen, gar
zwingend erscheinen zu lassen.
Der Fehler erschließt zwei Optionen: mit ihm umzugehen oder
ihn zu umgehen. Konfrontation und Vermeidung eines Problems
aus denselben Wortbausteinen: Die deutsche Sprache
scheint schon veranlagt zur Risikovermeidung. Dabei setzt erst
der GAU die Kreativitätspotenziale des Menschen frei, wie sich
im Vergleich der beiden Vorstellungen des Instituts für Hybridforschung
wieder erwiesen hat.
Am 8. April wäre dies wohl ein Verriss geworden. Die Technik
funktionierte fast reibungslos, ansonsten nichts. Zu sehen war
das schamhafte Ablesen eines Konzepts ohne Entäußerung,
eine hölzerne Dressur, kleinlichst einstudiert. Der Versuch, sich
unangreifbar zu machen, endete wie immer in der Peinlichkeit.
Pointen kamen, kaum mehr zu detektieren, in wie komponierter
Regelmäßigkeit zu spät, der Schauder des schlecht
gemachten Witzes, in erkennbarer Unfreiwilligkeit. Man nahm
Corinna Korth nichts ab. Dabei lebt ihre Performance vom
Spannungsverhältnis zwischen Ernsthaftigkeit, dem wohl
möglich echten Glauben an die Überlegenheit von Mensch-
Tier-Mischwesen und der unmöglichen praktischen Realisation
des Transformationsprozesses auf der Bühne. Man hätte die
Verwandlung, das Annähen eines Schwanzes an die fleischfarbene
Nylonhose, durchaus als bloße Illustration empfinden
können und hätte sich gefragt, wie es wohl um die geistige
Gesundheit der guten Frau Korth bestellt ist.
Die Art der Verwandlung ließ allerdings keinen Zweifel daran,
dass es sich nur um Bühnenshow handelt. Wenn Realität
reklamiert wird, wo keine Realität sein kann, fliegt die Tarnung
auf und endet im Bewusstsein des Beiwohnens einer großen,
dazu schlecht gemachten Schau. Leider ist unweigerlich festzustellen:
Corinna Korth ist gesund.
22
Bericht einer Bühnengeburt
Vergleich der beiden Vorstellungen von
Furry Species von Raimund Rosarius, 10.04.2011
Und bei der zweiten Sitzung? Am 9. April geht alles schief,
was schiefgehen kann. Hier ist von Glück zu sprechen, denn
sonst hätte es diese Ehrenrettung für Corinna Korth nie
gegeben. Gleich zu Beginn fällt die Technik aus, kein Bild, kein
Ton, das System hat sich heillos verrannt. Zunächst vorsichtige
Täuschungsversuche, als sich aber so gar nichts tut, wird
schließlich ein Techniker herbeigerufen – die zuckersüße
Sichtbarwerdung der Abhängigkeit vom Gegenfüßler, der
die Technik dem Tier allein schon vorzieht, weil sie ihm den
Lebensunterhalt sichert. Dann wird das Publikum in eine
neuerliche Vorbereitungspause entlassen, das Ganze ist als
Ganzes nicht mehr zu retten.
Doch nach der Unterbrechung, vorrangig genutzt zur Besänftigung
tierischer Triebe, erlebt das Publikum eine völlig
verwandelte Corinna Korth. Das Konzept kann nicht mehr
aufgehen wie durchgeplant, sie hat ihren scheinbar so sicheren
Halt verloren, und genau deswegen ist alle Nervosität,
alle Hölzernheit wie weggewischt und nur ein leichtes Zittern
in den Händen gibt noch Auskunft über die Qualität der früheren
Aufführung. Wir erleben eine Bühnengeburt.
Das Publikum reagiert beständig, zumal die Pointen dieses
Mal sitzen. Der Applaus ist nicht vergleichbar mit dem des
ersten Abends, an dem die heutigen Bravo-Rufe blanker Hohn
gewesen wären.
Die Versatzstücke aus Vortrag, Filmausschnitten und Demonstration
an Modellen hatten ohnehin eine eigene Qualität. Es
fehlte lediglich der verbindende Kitt, eine Rhythmik, die Prise
Improvisation, die zu jeder Bühnendarbietung unbedingt
notwendig ist.
Ratsam wäre, die Versatzstücke weniger starr aneinanderzureihen
und den Abend mit viel Improvisation aus dem
lebendigen Vortrag heraus zu gestalten, mit Streichungen und
Zugaben aus dem Forschungs- und Ideenrepertoire, über das
Corinna Korth ganz offensichtlich verfügt. Das sture Abarbeiten
des ersten Abends könnte sich so nicht wiederholen.

(K)ein Bund fürs Leben
maria magdalena und Gäste: Bis dass der Tod uns scheidet
Vorbericht von Alisa Findling, 06.04.2011
Geschenke bereits gekauft? Nein? Dann sollte man sich
beeilen, denn am Eröffnungsabend des Freischwimmer-
Festivals im Wiener brut wird zu einer polnischen Hochzeitsfeier
geladen. Die Gäste werden gebeten, entsprechend dem
feierlichen Anlass in festlicher Abendkleidung zu erscheinen
und gute Laune mitzubringen, denn mariamagdalena und
Gäste entführen die Zuschauer auf eine traditionell polnische
Hochzeit mit reichlich Wodka, deftigem polnischem Essen und
landestypischer Musik im Polkastil.
Hinter dem Künstlernamen mariamagdalena verbirgt sich die
1983 in Polen geborene Künstlerin Magdalena Chowaniec.
2003 emigrierte sie nach Österreich und besuchte in Linz
die Anton Bruckner-Privatuniversität. Nun ist die talentierte
Polin bereits seit 2004 als Tänzerin, Performerin, Sängerin
und Choreografin in Österreich tätig. 2007 rief sie schließlich
das Künstlerkollektiv mariamagdalena ins Leben und arbeitet
seitdem unter diesem Namen immer wieder mit unterschiedlichen
KünstlerInnen zusammen.
Beim diesjährigen Freischwimmer-Festival präsentiert uns
Magdalena Chowaniec mit der Unterstützung von Mirjam
Klebel, Georg Hobmeier und Thomas Proksch ihr neues Projekt
mit dem Titel Bis dass der Tod uns scheidet. Den Stoff für ihre
aktuelle Arbeit schöpft die gebürtige Polin aus ihren Wurzeln,
bringt dem westlichen Publikum einen Teil ihrer Heimat näher.
Dies ist mittlerweile das vierte Projekt der jungen Künstlerin.
Die Vorgänger Hold Your Horses, Empathy Project Vol. I und The
MOb: Fixing Freedom Tour waren in Österreich (u. a. im brut),
Polen, Deutschland und den Niederlanden zu sehen, und daher
wird möglicherweise auch der eine oder andere brut-Besucher
Magdalena Chowaniec wiedererkennen.
Aber nicht nur auf der Theaterbühne ist Magdalena Chowaniec
anzutreffen, sie kann auch häufig als Frontfrau des
Punk-Duos VALYA an der Seite des russischen Performancekünstlers
Oleg Soulimenko, aber auch mit The MOb auf
Rockbühnen bewundert werden. beim Auftritt von The MOb
bei der Freischwimmer-Abschlussparty am 16. April im brut
kann man sich vom musikalischen Können der polnischen
Künstlerin live überzeugen.
Zuerst wird aber auf einer polnischen Hochzeit mit mariamagdalena
und Gästen gefeiert, getanzt und getrunken. Diese
Gäste sind wir! Das unbekannte Publikum wird zum Teil der
Performance. Magdalena Chowaniec, selbst ledig, feiert mit
uns, also ihren Gästen, in der Rolle der Braut den bekanntlich
schönsten Tag im Leben. Der Hochzeitsgesellschaft wird ein
Einblick in eine fremde Kultur mit all ihren Klischees und Bräuchen
gewährt. mariamagdalena inszeniert ein gewöhnlich
privates Ereignis und überträgt es in einen öffentlichen Raum,
in ein Theater, macht es einer unbekannten Masse zugänglich
und lässt sie am ursprünglich Privaten teilhaben. Bis dass der
Tod uns scheidet bzw. bis die Performance zu Ende geht, lautet
das Motto des Abends. Also, Geschenke nicht vergessen! Der
Wodka wartet bereits. Na zdrowie!
Bildrechte: Eliška Cikán
23

Alle, auch jene, die eine Hochzeit noch nicht am eigenen Leibe
erfahren durften, haben doch eine gemeinsame Vorstellung
von ihr: schicke Kleider, Musik, amüsante bis peinliche Spiele,
natürlich reichlich Verpflegung und die Hoffnung, nicht neben
dem langweiligen Onkel des Bräutigams sitzen zu müssen.
Mit der Produktion Bis dass der Tod uns scheidet laden mariamagdalena
und ihre Gäste Mirjam Klebel, Georg Hobmeier
und Thomas Proksch zu einem rauschenden Fest.
Eine Hochzeit: der schönste Tag im Leben, an dem man sein
privates Glück in die Öffentlichkeit hinausträgt, es politisch
und moralisch unantastbar macht und an dem man diesen
Beschluss mit seinen „Liebsten“ in intimem Kreise feiert.
Die Künstlerin Magdalena Chowaniec macht sich als mariamagdalena
diesen Widerspruch zunutze und geht einen Schritt
weiter: Sie feiert dieses Ritual der Öffentlichkeit denn auch
mit selbiger. Und dabei gibt sie sich nicht etwa nur mit einem
schönsten Tag im Leben zufrieden. Nein, an fünf Tagen, in fünf
Städten soll Hochzeit gefeiert werden. Eine polnische Hochzeit.
Eine „mythische Tradition“ mit Disco Polo, Wodka, Hochzeitsgeschenken
und rührseligen Reden. Doch bei dieser Idylle
allein soll es nicht bleiben. Denn der Gast erlebt nicht nur, wie
sich zwei Menschen fürs Leben binden, sondern auch, wie es
sein kann, wenn Menschen getrennt werden, weil der Mann
ein polnischer Gastarbeiter ist, gezwungen, in seinem LKW zu
leben. Die Party geht weiter. Aber für einige Augenblicke wird
die Utopie der Realität weichen.
Damit sich der geladene Gast auch auf solch unbekanntem
Terrain zurechtfindet, gibt es Spielregeln:
1. Tanze und singe deinen Weg zur Verkörperung einer ande
ren Kultur.
2. Schmecke das „Polnische“ und mach es zu einer kurzfristigen
gemeinsamen Utopie, was mehr ist, als du mit deinen
Sinnen wahrnehmen kannst.
3. Reise durch die Momente der Freude, Verwirrung, Aufregung
und der großen Emotionen.
4. Begegne einer fremden Geschichte, vorhandenen Klischees,
Schönheit der alten Zeiten und heutigem Kitsch.
5. Sei betrunken – genieße es!
6. Sieh dich um und finde die „echten“ Gesichter. Stelle einem
Paar Fragen.
7. Höre die Geschichten des polnischen Gastarbeiters.
8. Fühle, denke, gleich dich an.
9. Schmecke den Unterschied*.
24
Disco-Polo-Utopie
Vorbericht von Eva-Maria Kleinschwärzer, 06.04.2011
*zwischen: Utopie und Realität/verschiedenen Realitäten/unterschiedlichen
Utopien
Die Künstlerin Magdalena Chowaniec, 1983 in Polen geboren
und seit 2006 in Wien tätig, arbeitet seit jeher mit Zwischenräumen,
in denen man sich etwas verloren fühlt und
nicht entscheiden kann, ob es sich nun um Theater, Fiktion,
Dokumentation oder gar Realität handelt. So zeigt sie sich in
ihrem Empathy Project Vol. 1 als drogenabhängiger Junkie am
Karlsplatz oder inszeniert mit The MOb: Fixing Freedom Tour
den Abschied einer Punkband vom Bühnenleben.
Der Künstlername mariamagdalena lässt sich auf die biblische
Figur zurückführen und ist eine Anspielung auf den starken
Einfluss der katholischen Kirche in Polen. Durch die Wahl
einer so provokanten Frau betont Magdalena Chowaniec die
Möglichkeit einer kritischen Meinung im „heiligen Tempel der
Kunst“. Und kritisch ist sie, denn sie versucht in ihrer Arbeit
auch, das Theater wegzubringen von einem Bildungsbürgertum
und zugänglich zu machen für alle. In ihrer aktuellen
Performance lädt sie deshalb auch gezielt solche ein, die nicht
zum Stammpublikum des brut gehören. Dabei spielt ihre Herkunft
eine maßgebliche Rolle: Nicht nur polnische Partybands
aus den jeweiligen Städten werden für die Hochzeit gebucht,
sondern ebenso polnische Mitbürger eingeladen, mitzufeiern.
Bleibt nur noch, das passende Hochzeitsgeschenk für das
glückliche Paar zu finden, sich in Schale zu werfen und sich in
die Öffentlichkeit zu stürzen. Oder sich ins brut zurückzuziehen?
Auf eine Party zu gehen? Oder Theater zu sehen?

Wir drehen uns, bis wir alle sterben
Kritik von Eva-Maria Kleinschwärzer, 08.04.2011
Ein Herr mit Schnurrbart und schillernd rotem Anzug
empfängt die knapp 150 Gäste und bedankt sich für die
wunderbar gelungene Zeremonie in der Kirche gerade eben.
Nun sei es aber Zeit, auch angemessen zu feiern. Und da
kommt auch schon das Auto des glücklichen Paares, das wir
am Vorplatz gebührend in Empfang nehmen. Im Festsaal
dann erst mal Wodka. Und natürlich die mitgebrachten
Geschenke abgeben. Doch lange bleibt man nicht an der
Tafel sitzen … Bei einer polnischen Hochzeit lacht ein Auge,
das andere weint. Und gemäß diesem Sinnspruch wurde
am 8. April im brut gefeiert, mit Wodka, Essiggurken und
polnischer Tanzmusik.
Wenn man sich nach der Vorstellung nach dem Stimmungsbild
erkundigte, bekam man ein Wort häufig zu hören:
„Genial.“ In diesem Fall sogar grenzgenial, im wahrsten
Sinne des Wortes. Denn polnische Kultur konnte man hier
am eigenen Leibe spüren, sei es auf der Tanzfläche, sei es
bei diversen Partyspielen oder wenn es wieder hieß: Na
zdrowie! Und so feierten echte Polen mit solchen, die es für
einen Abend waren, und dabei konnte man fast vergessen,
dass man ja eigentlich im Theater war, was sich nicht zuletzt
daran zeigte, dass einfach weiter gefeiert wurde. Innerhalb
dieser zwei Stunden verschieben sich nicht nur Landesgrenzen.
Man ist Zuschauer. Aber man interagiert auch, tanzt
mit Braut und Bräutigam, fischt beim nächsten Trinkspiel
einen Wikingerhelm aus einer Plastiktüte oder kann
improvisieren. Dabei konnte man teilweise nicht mehr
beurteilen, wer nun „echt“ ist und wer nicht. Aber das war
dann auch irgendwie egal.
Und das weinende Auge? Die wunderbare Idylle der Hochzeit
erwies sich an manchen Stellen als brüchig. Wenn die Braut
von einer weißen Möwe singt, die davonfliegt, oder wenn unter
den Tischen Briefe vorgelesen werden von solchen, die ihr
Glück in der weiten Welt suchten und nun doch nur arbeiten
müssen und folglich nicht mit uns tanzen können.
mariamagdalena und ihren Gästen gelingt hier die großartige
Inszenierung einer fremden Kultur, in die man sofort aufgenommen
wird, und so brüllt man nach einer Stunde schon
„Gorzko!“ Ohne eigentlich recht zu wissen, was das heißt. Ah,
das Brautpaar soll sich küssen und wir wieder Wodka trinken.
Bildrechte: Eliška Cikán
25

Offiziell, gesellschaftlich, öffentlich – Hochzeiten mitsamt
Feierlichkeiten präsentieren nicht nur all das, gleichsam findet
sich darin eine ordentliche Portion Theater. Die Künstlergruppe
mariamagdalena und Gäste nahmen sich das zu Herzen und
inszenierten in Bis dass der Tod uns scheidet eine Hochzeitsfeier
mit Höhen und Tiefen. Mit dem zugrunde liegenden Thema
„Polnisch“ wird Leichtsinn und Spass geboten, aber auch
Denkwürdiges aufgegriffen. Die Gäste des Banketts dürfen
natürlich nicht fehlen.
Die aus Polen stammenden jungen Verliebten Maria Magdalena
und Tomasz haben also soeben geheiratet und müssen
öffentlich empfangen werden. „Nicht trödeln, das Brautpaar
kommt jeden Moment aus der Kirche“, ruft ein in einen
schillernd roten Anzug gekleideter Trauzeuge, Organisatoroder
auch Animateur, und schon findet man sich selbst als Teil
eines Menschentunnels wieder. Traditionelles Spalierstehen
als Beginn einer Kette von klischeehaften Bräuchen, kitschigen
Tänzen und hemmungslosen Partyspielen.
Bereits in den ersten Minuten der inszenierten Hochzeitsfeier
fühlt man sich mehr als Gast denn als Zuschauer. Das soll
auch so sein, denn nicht nur die Künstlergruppe mariamagdalena,
sondern auch ihr Publikum trägt zur Inszenierung
bei, weshalb in der Aufführung, wie auch oft bei Hochzeiten,
die Hauptaufgabe darin besteht, die Nebendarsteller bei
Laune zu halten. In diesem Fall mit reichlich Wodka, polnischer
Tanzmusik, Tanzeinlagen der Künstler und einem
aufgeweckten Gastgeber.
Eine Besonderheit findet sich in Bis dass der Tod uns scheidet
folglich darin, dass jeder im Publikum selbst darüber entscheiden
kann, auf welche Weise er an dieser Veranstaltung teilnehmen
möchte. Manch einer sieht selbst bei dem Disco-Polo-
Gruppentanz gerne nur zu, andere wiederum stürzen sich ins
Geschehen und nehmen mutig an den doch etwas peinlichen
Spielen teil, wie beispielsweise um die Wette Runden mit dem
Miniscooter zu drehen oder auf eigentümliche Weise Luftballons
zum Platzen zu bringen. Die Sieger allerdings gewinnen
einen kurz kommentierten Steckbrief über sich selbst in der
Rolle einer fiktiven polnischen Person, etwa eines Niedriglohnarbeiters
in Deutschland oder einer Nachtclubbesitzerin. Nicht
zuletzt erfahren wir so auch etwas über Magdalena Chowaniecs
Werdegang. Diese kurzen Anekdoten zu verschiedenen
26
Die Freuden und Leiden einer zahlenden Hochzeitsgesellschaft
Kritik von Tanja Füreder, 08.04.2011
Menschen bilden einen roten Faden, der in einer abschließenden
Darbietung mündet.
In jenen letzten Minuten wird es schließlich etwas besinnlicher
und auch ernüchternd. Die Lichter gehen aus, Ruhe kehrt
ein und Maria Magdalena verliest Briefe verhinderter Freunde
aus Polen, die über deren tragische Geschichte erzählen.
Doch auch wenn am Ende Fremdenpolitik und gesellschaftliche
Problematiken aufgegriffen werden und der Versuch stattfindet,
dem feuchtfröhlichen Fest eine gewisse Ernsthaftigkeit
und eine kritische Note zu verleihen, bleibt es letztendlich
doch nur ein lebhaft inszeniertes polnisches Hochzeitsfest, auf
das zusätzlich noch eine Abschlussfeier mit den versprochenen
deftigen Speisen folgt.

„Der nackte Obama“
Wenn ein globaler Hoffnungsträger choreografisch offengelegt wird
Vorbericht von Victoria Schopf und Katja Poloubotko, 06.04.2011
In Wien gesellt sich zu den bereits in Berlin und Hamburg
gezeigten Aufführungen die Performance Your Majesties der
Künstler Alexander Deutinger und Marta Navaridas, wobei diese
sich nur auf eine Aufführung und den Aufführungsort Wien
beschränkt und somit gut und gern als Special des Festivals zu
betrachten ist. Gewählt wurde diese Performance aufgrund
ihrer augenscheinlichen Parallelität zur diesjährigen Thematik,
die mit den Termini Öffentlichkeit und Privatheit agiert und die
Unterschiede sowie Übereinstimmungen diskutiert.
Parallelen finden sich auch bei dem Künstlerduo untereinander:
Beide studierten Translationswissenschaften in Graz; sie, gebürtige
Spanierin, Englisch und Deutsch, er, gebürtiger Salzburger,
Spanisch und Englisch. Übereinstimmung in drei Sprachen,
wobei jeweils der andere die Muttersprache studiert. So war
der nächste logische Schritt, dass Marta Alexander eine andere
Leidenschaft von ihr näherbrachte: Tanz und Performance.
Bereits als Kind war sie bewegungsfreudig, wobei sie die Leidenschaft
fürs Tanzen nach einer langen Pause als Studentin in
Barcelona und Graz in diversen Tanzworkshops wiederaufflammen
ließ. Nach ihrem Studium der Translationswissenschaften
fand ihre Tanzbegeisterung den Höhepunkt in der Ausbildung
als Tänzerin und Choreografin an der Kunstuniversität Arnheim
und der Theaterschool in Amsterdam.
Angesteckt von Marta probierte auch Alexander einige Tanzkurse
aus, bis er am Institute for Dance Arts der Bruckner-Universität
in Linz aufgenommen wurde und eine intensive dreijährige
Ausbildung durchlief. Sie gründeten zusammen die Gruppe
„Unicorn“ und wählten nach einigen internationalen Studienengagements
Graz als Dreh- und Angelpunkt für ihr künstlerisches
Schaffen aus.
Ihre Werke sind vielfältig und in verschiedenen Tanzdisziplinen
ausgeführt, die Konzepte meist ebenso einfach und klar wie
genial. Zugleich arbeiten sie gerne und erfolgreich mit der choreografischen
Interpretation von Texten. Dies findet sich auch
in ihrer aktuellen Performance Your Majesties wieder, bei der die
Übersetzungswissenschaft ein geglücktes Stelldichein mit der
Performance- und Tanzkunst eingeht: Das Öffentliche und Heroische
wird ins Private transzendiert. Dass diese Mischung erfolgreich
ist und sein kann, beweist der Theaterpreis „bestOFFstyria
2010“, den sie als erste Tanzproduktion erhalten haben.
Nicht umsonst, denn Your Majesties ist etwas, das es so noch
nicht gab: keine schnöde Parodie eines Politikers, sondern die exakte
Wiedergabe seiner Worte, in Originalsprache, der Präsident
nur durch den Tänzer Alexander Deutinger ersetzt, während
Marta Navaridas als Teleprompterin im Hinterhalt ihm gestikulierend
das Bewegungsmaterial zuspielt. Auch wenn es leicht
lächerlich wirken kann, wenn ein Mann springend und sich am
Boden fläzend Barack Obamas Nobelpreisrede wiedergibt: Wer
könnte auch einen so sympathischem und charismatischem
Mann wie Obama ernsthaft Böses wollen und eine Karikatur
seinesgleichen zeichnen? Von ihm, der doch in seinen Reden mit
großen Ideen, willensstarken Vorstellungen und idealistischen
Träumen seine Zuhörer berührt und wieder Glauben schenkt,
dass eine bessere Welt in Einklang und Frieden möglich ist.
Als er ein halbes Jahr nach seiner Inauguration den Friedensnobelpreis
überreicht bekam, war keine seiner Heldentaten
schon erfüllt, aber sein Auftritt, seine Worte rührten alle zu
Tränen und ließen die Proteststimmen vor dem Rathaus in Oslo
verstummen. Er war damit der Erste, der den größten Preis,
den die Menschheit zu vergeben hat, nur für Reden bekommen
hat. Man könnte ihn glatt als einen der größten Performer der
Weltpolitik bezeichnen, ihn in eine Reihe mit Martin Luther King
Jr., Mahatma Gandhi und John F. Kennedy stellen, hätte nicht er
selbst verboten.
Doch was passiert, wenn man den großen Worten die noch viel
größeren Gesten des zurzeit sympathischsten Staatsoberhauptes
der Welt entzieht? Was geschieht mit all den Hoffnungen,
Idealen und Träumen hinter den Worten, wenn der Commander-in-Chief
des größten Heeres der Welt den Krieg seines
Landes im Irak und in Afghanistan auf einmal sich am Boden
wälzend verteidigt, wenn er daumenlutschend von „just peace“
redet oder den Bürgerkrieg in Darfur thematisiert, während er
wie vom wilden Affen gebissen auf und ab hüpft? Da stehen
plötzlich keine Überzeugungen und Visionen einer besseren
Welt vor uns, sondern lediglich ein paar leere Worthülsen,
kontextlos, lächerlich, und bringen uns vielleicht trotzdem oder
gerade deswegen zum Nachdenken. Denn ohne die charismatische
und positive Präsenz Barack Obamas und seiner geradezu
messianischen Gesten werden all seine Intentionen nur noch
zu grammatikalisch (meist) richtigen Anordnungen, nicht mehr.
Ein Konzept, das in Your Majesties seine Richtigkeit prüfen will.
27

Man darf also gespannt erwarten, ob das Publikum bei denselben
Stellen lacht, nachdenkt oder gar applaudiert wie die
geladenen Gäste bei Obamas Vortrag im Dezember bei der
Verleihung des Friedensnobelpreises. Wahrscheinlich nicht, am
besten machen Sie sich selbst ein Bild davon. Aber seien Sie
gewarnt: Es könnte ihren Glauben in die Politik und vielleicht
sogar die Sympathie, welche Sie gegenüber dem hoffnungsgeladensten
Politiker seit Martin Luther King Jr. hegen, trüben.
28
Bildrechte: A. Deutinger, M. Navaridas
Let us reach for the world
that ought to be
Kritik von Victoria Schopf, 09.04.2011
Man nehme die Friedensnobelpreisrede des amerikanischen
Präsidenten, ersetze diesen durch einen Tänzer, stelle ihm eine
wortwörtliche Fädenzieherin seiner Gesten gegenüber und
schaue, was dabei herauskommt. Politik, Realität, Fiktion?
Am Ende waren es nur noch weiße Zettel und ein paar Schuhe,
die verloren im schwarzen Raum liegen blieben. Die ursprünglich
30-minütige Friedensnobelpreisrede Barack Obamas hatte
viel verloren, vor allem an Glaubwürdigkeit, ganz im Gegensatz
zu den performenden Künstlern, aber dennoch blieb man
schlussendlich hin- und hergerissen zwischen Faszination auf
künstlerischer Ebene und dem inhärenten politischen Gehalt,
der eigentlich zum Nachdenken anregen sollte.
Am Anfang jedoch war der Stuhl. Außer diesem aber auch recht
wenig. Inmitten einer ausnahmslos schwarzen Bühne stand er,
alleine und wartete auf den Redner des Abends, welcher mit
Alex Deutinger auch nur wenige Minuten verspätet seinen Weg
auf die Bühne fand. Ihm gegenüber, in den Zuschauergefilden,
seine Marionettenspielerin Marta Navaridas, welche scheinbar
an unsichtbaren Fäden ziehend alle seine Bewegungen koordinierte.
Als er die Bühne betrat, hatte man noch ein wenig das
Gefühl einer gewissen Ähnlichkeit mit dem Originalredner,
nicht nur optisch, denn Alex Deutinger kam in den ersten fünf
Minuten mit der gemäßigten, immer wieder auf sein Publikum
eingehenden Sprechweise Barack Obama schon sehr nahe.
Da stand er nun, mit den Zetteln zur Unterstützung in der
Hand, gab die Worte der Friedensnobelpreisrede des amerikanischen
Präsidenten in bestem akzentfreiem Englisch wieder
und bedankte sich auch noch in derselben bescheidenen Art
und unterstrich mehrmals, dass diesen Preis viele andere doch
wesentlich mehr verdienen würden. Doch spätestens als die
Zettel fielen und es sich der Künstler auf dem Stuhl, die Beine in
alle Himmelsrichtungen schlagend, bequem machte, während
er über „just war“ philosophierte, wurde klar, dass dies nicht
nur die simple Darbietung einer politischen Rede war. Und auch
das Spiegelbild zwischen ihm und seiner Gegenspielerin auf
der anderen Seite, wie es anfangs schien, begann nicht mehr
durchgängig zu funktionieren, wurde mit der Zeit doch immer
klarer, dass sie ihm immer einen Schritt voraus war, gerade so,
als ob ihre Handlung den Gedanken dazu erst in seinen Kopf
setzen würde. In Anbetracht der Tatsache, dass Barack Obama
keine seiner Reden selbst schreibt, ist der Vergleich mit einem
Marionettenspieler wohl in mehrerlei Hinsicht passend.

Doch der Sessel war in keinster Weise nur der Rückzugsort
eines Orators, der in diesen Momenten immer wieder den
Anschein erweckte, er würde sich die Worte vielmehr erst aus
den Fingern saugen müssen und seiner Sekretärin diktieren,
als sein Publikum ernst zu nehmen und die großen Worte
Martin Luther Kings über „permanent peace“ auch nur im
Geringsten so zu meinen, wie er sie mit den noch größeren
Gesten unterstrichen darstellte. Am Boden sitzend, sich in aller
Seelenruhe die Schuhe ausziehend und seine Zehen begutachtend
wandte er sich schließlich den Themen der NATO sowie
auch der UNO und den „failed states“ zu, wobei die Entdeckung
eines Fussels auf seinem Fuß sicherlich nicht nur zufällig,
sondern vielleicht auch mit Hintergedanken gespielt war.
Denn vielleicht ist ja auch in dem in seiner Ansprache sonst
so hochgepriesenen amerikanischen System, welches er mit
stolzgeschwellter Brust immer wieder als Friedenskämpfer Nr.
1 betonte, auch ein kleiner schwarzer Fleck, den er am liebsten
verstecken möchte, und sei es nur durch seine anscheinende
geografische Unkenntnis; denn Dakar links oben zu deuten ist
bei jeder Spiegelverkehrtheitsentschuldigung unentschuldbar.
Verstecken jedoch lässt sich in einer Welt wie der unseren
heutzutage nichts mehr, Fehler werden grundsätzlich sanktioniert
oder mit genügend Korruption ausradiert, was auch
in Your Majesties Eingang findet, bekommt der Präsident, der
eigentlich schon längst keiner mehr ist, im Laufe der Performance
nicht nur die gelbe, rote, blaue und grüne Karte
gezeigt, sondern ist auch jedes Mal darauf verwiesen, seinen
Redefluss deswegen zu unterbrechen, ob durch Händeschütteln
mit dem Publikum, Pfeifen oder aber sich zu weigern und
stur weiterredend durch die Gänge des brut zu marschieren,
hinter Vorhängen und Türen zu verschwinden und an unerwarteten
Stellen wieder aufzutauchen, um seinen Auftritt
fortzusetzen. Als Zuschauer ein kleines örtliches sowie auch
politisches hide-and-seek-Spiel, fast so wie in der Realität.
Doch da stellt sich die Frage: Was ist überhaupt die Realität?
Die Originalrede, ein Mann, sein Publikum. Nur mit seiner
Gestik, geleitet von der stummen Gegenspielerin, verzerrt
er dann doch das Bild der Wirklichkeit. Denn so sportlich der
amerikanische Präsident auch wirkt, Yogaübungen, Froschhüpfen
sowie Beinahe-Brücken traut man ihm dann doch wieder
nicht zu, vor allem nicht während er dabei über die drei Wege
zur Erhaltung bzw. Herstellung von Frieden referiert.
Schlussendlich ist der Mann mit Anzug und ohne Schuhe aber
immer öfter ein Spiegelbild des Präsidenten, den wir vielleicht
gerne sehen würden. Ratlos, verletzt, die Schultern hängen
lassend oder sich an den Ärmeln verschämt zupfend steht er
verloren in diesem schwarzen Raum und weiß nicht wohin,
seine Marionettenspielerin auf der anderen Seite wirkt ihm
trotz ihrer Stummheit überlegen, hat sie doch wenigstens
eine Idee, was als Nächstes folgen wird. Er nicht, er folgt nur
nach. Der Performer auf der Bühne wird zum Spiegelbild des
vom Publikum imaginierten privaten Obama selbst, hofft man
zumindest. Denn auch wenn zurzeit der wahrscheinlich sympathischste
Politiker, möchte man doch versichert sein, dass
auch er nur ein Mensch mit Fehlern und Schwächen ist.
Als mit den Worten „Thank you very much“ die Performance
endet, bleibt es still. Im Gegensatz zum laut applaudierenden
Publikum, welches sich Sekunden nach diesem Satz bei der
Nobelpreisverleihung in Oslo mit Begeisterung auf den so
charismatischen Originalpräsidenten stürzte, bleibt in Wien
zunächst einmal die Verwunderung. Teils vielleicht, weil es
schwierig fiel, der Rede und ihrem Inhalt bei der wesentlich
interessanteren Komponente der Gestik zu folgen. Teils allerdings
vielleicht auch, weil gerade diese irreale Wiedergabe einer
stattgefundenen Realität den Blickwinkel auf die Redepolitik
Obamas ein wenig verändert hat. Es bleiben viele Fragen
offen, darunter nicht nur jene, ob der Krieg in Afghanistan
wirklich so „just“ ist, wie der Präsident mit seinen Argumenten
zu unterstreichen versucht, sondern auch ob Barack Obama
nach einer solchen Rede genauso verschwitzt ist wie Alex
Deutinger und Marta Navaridas, denn auch wenn die körperliche
Anstrengung wegfällt, so steht für ihn vielleicht moralisch
mehr auf dem Spiel. Hoffen wir doch zumindest, oder?
29

Obama als Marionettenfigur –
wenn ein Teleprompter zu viel Macht besitzt
Kritik von Katja Poloubotko, 09.04.2011
Das Special des diesjährigen Festivals beginnt und kommt
sogar ohne Spektakel aus: Auf die Bühne tritt ein angenehm
und seriös wirkender Mann mittleren Alters in einem gut sitzenden
Anzug, durch ein dezentes Scheinwerferlicht beleuchtet.
Er hält einen Stoß Blätter in seiner Hand und beginnt
mit würdevoller Stimme eine Rede in englischer Sprache.
Dabei handelt es sich um die Dankesrede des US-Präsidenten
Barack Obama anlässlich der Verleihung des Friedensnobelpreises
im Jahre 2009.
In den ersten Minuten erscheint die Gestik des Künstlers
seinen Worten angemessen. Bedächtig und erhaben. Im weiteren
Verlauf nehmen seine Gestik und Bewegungen immer
groteskere Formen an. Zunächst werden seine Armbewegungen
ausladender, danach entledigt er sich sogar seiner Notizen
und schreitet die Bühne auf und ab. Die Bewegungen erhalten
einen immer alltäglicheren Zug; er setzt sich auf einen Stuhl,
noch ziemlich gesittet, und wird dann immer legerer. Er präsentiert
uns seine nackten Füße, lässt uns an einer oberflächlichen
und schnellen Pediküre teilhaben und rollt sich auf dem
Boden. Die alltäglichen Bewegungen transformieren sich in
showähnliche Einlagen, so hüpft er umher, macht Tanzbewegungen,
formt mit seinen Fingern Teufelshörner, pfeift, geht
von der Bühne und spricht weiter, geht auf die Zuschauer zu
und winkt ihnen.
Mitten im Publikum, etwas erhöht auf einem Podest, steht
eine junge Frau in sportlicher Freizeitkleidung. Sie ist die Ursache
für den Bewegungsausbruch des Mannes auf der Bühne,
sie liefert ihm sein Bewegungsmaterial wie ein Teleprompter.
Springt sie, springt er auch, zeigt sie ihm die rote Karte, so
geht er von der Bühne ab. Er ist abhängig von ihr, er ist ihre
Marionette. So wie auch Obama?
Obama ist mehr als abhängig von der Wirkung seiner Ausstrahlung
und seines Auftretens. Seine Worte wirken leer,
solange sie nicht von adäquaten Bewegungen unterstrichen
werden. Sie werden zu Phrasen und es wird deutlich, wie
wenig Logik seine Rede über die Notwendigkeit eines Krieges
beinhaltet. Das zeigt das Stück auf. Theoretisch.
Sicherlich erschließt sich die Aussage des Stücks einigen
geübten Theaterzuschauern, jedoch muss man anmerken,
dass die weniger alltagstaugliche englische Sprache einige
30
Schwierigkeiten in dieser Hinsicht bereitet, wobei zu betonen
ist, dass der Fokus ja weniger auf dem Inhalt der Rede lag als
auf den Bewegungen. Trotzdem führte dieser Aspekt zu einem
etwas eintönigen Empfinden der Performance. Diese Eintönigkeit
wurde auch durch die Dauer des Stücks, welche etwa 45
Minuten betrug, und durch das Fehlen anderer Elemente oder
Instrumente wie Musik oder besonderes Lichtspiel verstärkt.
Die Reaktionen des Publikums waren auch eher verhalten, es
wurde selten einheitlich und weniger stark als wohl erhofft
oder geplant auf eine gewisse Aktion reagiert. Es fehlten ein
wenig die Wow- und Aha-Momente.
Dennoch hat diese Performance ihren Reiz und ihre Berechtigung.
Denn sie lebt eher von den feinen Details und den
subtilen Tönen als von viel Spektakel und Effekthascherei. Der
Fokus liegt auf den Körpern der beiden Protagonisten, die
sehr gut damit umzugehen wissen, und es ist faszinierend,
die beiden dabei zu betrachten. Ihre Bewegungen unterscheiden
sich zudem voneinander, obwohl sie scheinbar dieselben
ausführen. Die der Künstlerin Marta Navaridas wirken sehr
artifiziell und stilisiert, fast leblos, wie von einer Maschine
ausgeführt, da sie ihre Bewegungen ganz exakt verrichtet.
Jene des Künstlers Alexander Deutinger dagegen wirken sehr
authentisch, lebendig und fast auch schon zufällig ausgeführt,
sie erscheinen auch passend zu seiner Mimik. Hier zeigt sich
sehr gekonnt das Zusammenspiel von Teleprompter und dem
Performer auf der Bühne. Auch der Teleprompter liefert nur
lebloses Zeichenmaterial, welches vom Performer verwendet,
interpretiert und somit auch belebt wird, wie es auch bei den
beiden Protagonisten der Fall ist.
Die körperliche Leistung der beiden ist somit mehr als
bewundernswert, und auf jeden Fall sollte man sich dieses
Stück als tanz- und performanceinteressierte Person nicht
entgehen lassen. Bestaunen Sie die Harmonie des Zusammenspiels
und lassen sie sich auf dieses amüsante Bewegungsexperiment
ein!

Who wants that and what would you give me in return?
Über den Common Sense der Tauschgeschäfte
Kritik von Lisa Schöttel, 12.04.2011
Schon lange habe ich auf meinen Erdäpfelschäler gewartet.
Letzten Mittwoch war es dann so weit. Nachdem ich auf Martin
Schicks Frage („Who wants that?“) mit einem kurzen Handzeichen
geantwortet hatte, war ich stolze Besitzerin dieses
nützlichen Küchenutensils. Ein Geschenk im Theater. Eher eine
Seltenheit, weshalb das Publikum auch sofort Feuer und Flamme
war und sogar der verschenkte Toaster, zum Leidwesen der
beiden Künstler, wie wir beim Interview erfahren haben, am
Ende mit nach Hause genommen wurde.
Eigentum und Transfer von Besitz sind Themen, denen sich
Laura Kalauz und Martin Schick auf humorvolle, aber auch
nachdenkliche Art und Weise in ihrer einstündigen Performance
widmen. Diese Fragen werden immer im Kontext des
Common Sense betrachtet. Wirtschaftliche und gesellschaftliche
Mechanismen werden auf der Bühne im Mikrokosmos neu
erprobt und erfahren.
Nach der Geschenksrunde war dann das Publikum an der Reihe,
seinen Beitrag zu leisten. So mussten die Körper der beiden
Künstler mit Kleidung bedeckt werden. Sehr zögerlich zog sich
eine junge Dame ihre Hose aus und verpachtete diese für nur
10 Euro an den Künstler. Österreich verschenkt wohl nichts.
Dafür teilen diese beiden sehr gerne.
„I would like to share something with you.“
Mit dieser Aussage wird geistiges Eigentum transferiert. Anschließend
auch das Blatt Papier, auf dem der Text geschrieben
steht. Was ist mehr wert? Gehört es nun dem, der das Papier
in den Händen hält? Wenn ich eine Kaffeemaschine zu Hause
habe und damit zwei Wochen lang Kaffee koche, gehört sie
dann automatisch mir? „It felt it was mine“, sagt Laura Kalauz
im Zuge dieser Diskussion. „Property is not a feeling“, lautet
Martin Schicks Antwort.
Und weil beide einfach gerne geben und nehmen, wurden
auch die Rechte des Stücks CMMN SNS PRJCT an den Mann
gebracht. Um 50 Euro wurden das Skript, sowie eine exklusive
CD der einschläfernden Fahrstuhlmusik an den netten Herrn in
der ersten Reihe verkauft. War das im Vorhinein abgemacht?
Oder hat der arme Mann gar nicht damit gerechnet, dass er
wirklich fünf Scheine locker machen musste? Oder ist er gar
wirklich interessiert an dieser Musik? Diese Fragen bleiben
offen, niemand verzieht eine Miene. Geschäft ist Geschäft.
Am Ende der Performance wurden die Einnahmen und Ausgaben
des CMMN SNS PRJCTs dem Publikum vor Augen geführt
mit dem für beide Künstler erstaunlichen Ergebnis, dass sie
noch 75 Euro übrig hatten. Was tun mit so viel Geld? Sollte
das Publikum eigentlich ergriffen sein von der eher nicht dem
Common Sense entsprechenden Selbstlosigkeit mit der beide
ihr Geld öffentlich zur Verfügung stellen, wollte eine junge
Dame sofort 15 Euro für sich beanspruchen, da sie zuvor den
Film Titanic richtig erraten hatte. Aber das Publikum entschied
sich gegen ihren Vorschlag. Und so wurde das Geld auf den Boden
gelegt. Just nachdem das Stück aus war, haben sich schon
die richtigen Leute alles gekrallt. Von Ideen zum Spenden, wie
es in Berlin der Fall war, keine Spur. Die Wirtschaftskrise hat
wohl auch Österreich heftigst gebeutelt. Und der arme Mann
hatte seine 50 Euro wohl endgültig verloren.
Beide Künstler haben Fragen zum Common Sense im Hinblick
auf Besitz und Eigentum auf sehr humorvolle und abwechslungsreiche
Art und Weise aufgemacht. Anscheinend nahm
aber im Publikum eher die Frage „Alles meins?“ am Ende des
Stückes die Überhand. War wohl nicht die Intention der beiden.
Leider schlich sich auch ein bisschen Langatmigkeit in ihre
Performance. Nachdem die Szene aus einem Film von Pedro
Almodovar auch nach dem dritten Anlauf nicht erraten wurde,
konnte ich schon die versteinerte Miene meines Sitznachbarn
erkennen, als sich Martin Schick schon wieder daran machte,
mit der Bohrmaschine zu flirten. Auch ein wenig schauspielerisches
Training hätte Laura Kalauz nicht geschadet, wirkte
ihr Auftritt oft ein bisschen unsicher und konnte nicht wirklich
überzeugen. Das Konzept ist großartig gestaltet, leider verliert
die Umsetzung durch zu lange Umbauarbeiten oder unüberzeugende
Performance oftmals die Spannung. Man hatte am
Ende schon das Gefühl, dass viele Zusehende mit ihren Gedanken
an der Bar verweilten.
Aber beide Künstler wirkten auf der Bühne so sympathisch,
dass man die kurzen Momente der Langeweile gerne auf sich
nahm, um anschließend durch einen neuen Part des Stücks
überrascht zu werden.
31

Bereits vor Vorstellungsbeginn stellt man sich als Zuschauer
die Frage nach dem Common Sense und was einen in der Performance
von Laura Kalauz und Martin Schick wohl erwarten
mag, denn viel kann ich mir im Vorhinein nicht vorstellen, also
lautet mein Motto einfach überraschen lassen.
Beim Betreten des Aufführungsortes wird man bereits von den
zwei halbnackten Künstlern (nur in Unterwäsche und Socken)
erwartet. Hinter den beiden ist ein Tisch mit zahlreichen
Alltags- und Haushaltsgegenständen aufgestellt, die mit den
Worten „Who wants that?“ an das Publikum verschenkt werden.
Das Wiener Publikum erweist sich als gar nicht scheu und
reißt sich vieles unter den Nagel. Vom Toaster, Wäscheständer
über eine Klobürste, Luftschlangen bis hin zum Reisepass und
sogar einem 5-Euro-Schein gab es so einiges abzustauben.
Nach der Geschenkaktion wurden die Rollen getauscht, denn
nun sollten die Zuschauer den beiden Künstlern etwas von
sich geben. Und nicht nur irgendwas, sondern Kleidungsstücke
für die Dauer der Performance. Nun kommt der materielle
Aspekt ins Spiel. Den Zuschauern wird für den Verleih ihrer
Sachen Geld angeboten, denn in unserer Gesellschaft ist
nichts umsonst, eine Gegenleistung wird stets erwartet. Hier
wird einem langsam auch der Common Sense bewusst, womit
der gesunde Menschenverstand gemeint ist. Unser Leben
beruht auf Konventionen, gesellschaftlichen Vereinbarungen
und Übereinkünften. Wir handeln nach gewissen Prinzipien
und Kriterien, ohne bewusst darüber nachzudenken, da es zur
Gewohnheit geworden ist. In ihrer Performance konfrontieren
uns Kalauz/Schick genau mit den Dingen, die als selbstverständlich
erachtet und nicht mehr infrage gestellt werden.
Does common make sense? Can we stop participation?
Diese Fragen legen den Grundstein und stehen im Mittelpunkt
der Performance. Das Künstlerduo liefert jedoch keine Antworten,
sondern bietet dem Publikum reichlich Denkanstöße. Es
wird einfachen Fragen Platz geboten und das Publikum wird
beispielsweise interaktiv mit unserem kapitalistischen Gesellschaftssystem
auf humorvolle Art und Weise konfrontiert.
Trotz der interessanten Fragestellung und guten Denkansätzen
schwächelt die Performance hier und da. Sie wirkt wie eine
Aneinanderreihung von Fragmenten und Miniperformances.
Es gibt zwar den Grundgedanken des Common Sense, aber
dieser kommt nicht überall gleich zum Vorschein. Das Erraten
berühmter Romane und Filme war ziemlich unterhaltsam,
aber durch das mehrfache Wiederholen der einzelnen Szenen
kam man sich vor allem bei der Darstellung eines Almodóvar-
32
Can we stop participating?
Kritik von Alisa Findling, 12.04.2011
Films wie in einer Dauerschleife gefangen vor und war am
Ende froh darüber, als das Internet zur Hilfe herangezogen
wurde. Einen Bruch in der Performance stellt die Tanzeinlage
nach etwa der Hälfte dar. Die sinnlosen Verrenkungen auf der
Bühne machten einen eher stutzig als nachdenklich. Nach
dem Ausdruckstanz wurde die Darbietung immer schwächer
und zog sich in die Länge. Die Debatte über Eigentum und
Besitz bot zwar wiederum interessantes Gedankengut, wirkte
aber im Endeffekt zu langatmig.
Mit ihrem CMMN SNS PRJCT hat das Künstlerduo mit dem
Ausrichten des Großteils ihrer Performance auf die Interaktion
mit dem Publikum ein riskantes Unterfangen gewagt, denn
der Schuss kann auch genauso gut nach hinten losgehen. In
unserem Fall hatten die Performer mit dem Wiener Publikum
jedoch viel Glück, denn der Großteil hat sich prächtig amüsiert,
wie man an den Publikumsreaktionen sehen konnte.
Dem Künstlerduo Kalauz/Schick ist trotz Schwächen ein unterhaltsamer
Abend gelungen.
Bildrechte: Gerhard F. Ludwig

Does common make sense?
Vergleich von Katharina Sindelar, 13.04.2011
Nach dem Besuch beider Vorstellungen des CMMN SNS PRJCTs
stellt sich mir die Frage immer noch. Und danach auch was
mir die Künstler mit dem Stück sagen wollten. Doch ich denke,
dass dies auch beabsichtigt ist.
Ging ich gestern noch mit merklicher Verwirrung aus der
Vorstellung, war es diesmal so, dass die Verwirrung zwar nicht
weniger war, ich diesmal aber wusste, dass man sich einfach
auf das Stück einlassen muss.
Die Aneinanderreihung verschiedener Quotes und Texte sowie
die Auktion der Rechte an dem Stück wollten sich mir gestern
einfach nicht ganz erschließen. Auch wurde ich etwas verwirrt,
da das Zitat, welches eindeutig aus „Krieg und Frieden“ von
Leo Tolstoi stammt und gestern auch noch als das erkannt
wurde, heute als „The Importance of Being Earnest“ gewertet
wurde. Doch der Satz „You can love a person dear to you with a
human love, but an enemy can only be loved with divine love“
stammt definitiv aus der Feder von Tolstoi.
Allerdings lebt das Stück von der Publikumsbeteiligung. So
konnte man sehr gut sehen, wie Menschen sich verhalten. Die
Länge des Stückes hängt mehr von den Zuschauern als von
Martin Schick und Laura Kalauz ab. Immerhin sind sie darauf
angewiesen, wie schnell sie die Bekleidung am Anfang der
Show bekommen und wie lange es dauert, bis man sich am
Ende dafür entschieden hat, was mit dem Geld passieren soll,
das von der Vorstellung übrig geblieben ist. Aber auch das
Erraten der Szenen und die Versteigerung der Lizenz am Stück
können mit unterschiedlichem Publikum ganz andere Wendungen
nehmen. Mussten die beiden Schauspieler gestern
noch alle Szenen zwei- bis sogar dreimal spielen und bei der
Auktion ziemlich lange warten, bis jemand das Erstgebot von
50 Euro zahlen wollte, ging dies heute sehr schnell vonstatten.
Dafür musste man bei der zweiten Aufführung Durchhaltevermögen
beweisen, als es darum ging, die beiden Darsteller mit
Kleidung auszustatten. Hier konnte man gut sehen, wie unterschiedlich
Menschen darauf reagieren, geht es darum, etwas
von ihrem Eigentum fremden Menschen, teilweise gegen Geld,
zu verleihen. Oder wie unterschiedlich Ideen verschiedener
Menschen sein können, wenn es darum geht, das Geld, welches
Martin und Laura innerhalb der Performance eingenommen
haben, zu verteilen. Merkte man gestern noch, dass nur
ein paar wenige das Geld wirklich haben wollten, war heute
die Beteiligung an der Abstimmung schon um einiges reger.
So fanden beide Vorstellungen einen ganz anderen Schluss;
in der ersten wurde das Geld einfach auf den Boden gelegt,
und letztendlich nahmen sich diejenigen, die Geld hergegeben
hatten, ihres wieder, in der zweiten gab es ein Gratisgetränk
für alle an der Bar. Der Schluss war dadurch heute ein offener,
alle waren an der Bar, der Applaus fiel aus.
Aber dadurch, dass so viel vom Publikum abhängt, ist man als
Zuschauer eher dazu verleitet, seine Sitznachbarn zu beobachten,
als sich wirklich mit dem Geschehen auf der Bühne zu
beschäftigen, vor allem bei der zweiten oder dritten Wiederholung
einer Szene aus einem spanischen Film. Diese Unterschiede
in den Vorstellungen haben mich jedoch mehr zum
Nachdenken angeregt als das Stück selbst. Warum reagieren
Menschen so anders, wenn es darum geht, jemandem seine
Hose zu borgen oder sich gratis einen Toaster oder einen Wäscheständer
zu nehmen? Warum ist es manchen wichtiger ein
Gratisgetränk zu bekommen, als zu sehen, wie andere ihr Geld
wieder zurückerhalten? All diese Fragen hat das Stück für mich
aufgeworfen, aber ob dies die Absicht hinter dieser Aufführung
war, das ist mir nicht klar.
Und die Frage, die mir die ganze Zeit durch den Kopf geht,
ist: „Does common make sense?“ Denn das Bekannte und
Alltägliche scheint bei näherer Betrachtung öfters nicht
das Sinnvollste.
33

Das große Spiel mit der Spielregel:
„Gesunder Menschenverstand“
Gedanken zu CMMN SNS PRJCT von Luca Lidia Pályi, 15.04.2011
Im Grunde ist das Thema der Performance CMMN SNS PRJCT
eines, das nichts Neues bietet. Es lüftet kein Geheimnis und öffnet
auch nicht die Augen der Zuschauer. Der wahre Wert dieses
Stückes liegt in der Sanftheit der Inszenierung. Es rüttelt nicht
an der Tür, klopft nur ganz sanft und hält einem einen Spiegel
vor das Gesicht. Jetzt, ein paar Tage danach, sehe ich die Welt
nicht anders, sondern genau so, wie ich sie kenne. Und das ist
nicht gut so.
Laura Kalauz und Martin Schick haben sich dem gesunden Menschenverstand
gewidmet. Zumindest lautet der Titel so. Aber
schon während der Performance wird einem klar, dass das nicht
so einfach ist. Weder es zu begreifen noch es aufzuarbeiten.
Sie beginnen ihre Vorstellung mit dem Austeilen von Gegenständen.
Keiner davon ist wirklich anziehend oder wertvoll, doch
mit der Nachfrage steigt auch der Wert. Am Anfang sind es
irgendwelche Dinge, die nicht viel Geld kosten und die sowieso
schon jeder hat oder sich leisten kann. Langsam findet aber fast
alles seinen Besitzer, und die paar Dinge, die noch übrig sind,
erscheinen kostbar. Erstens, weil jeder sie haben will, und zweitens,
weil sie umsonst sind.
Jeder hat sich an den Kampf um die materiellen Werte gewöhnt.
Die Regeln kennen auch alle und die Sprache des Geldes
ebenfalls. Auf dieses Übereinkommen der Menschen wurde
die Performance CMMN SNS PRJCT aufgebaut. Es kann gar
nichts schiefgehen, denn bestimmte Aktionen lösen immer
die entsprechenden Reaktionen aus. So verlässlich sind wir, die
Konsumenten. Und während das Publikum mit den Performern
das große Spiel spielt, wird einem klar, dass sich alles um dieses
dreht. Hier im Theater und „da draußen“ auch. Mitmachen kann
und muss jeder, die Spielregeln beruhen auf dem Hausverstand.
Alles so schnell und einfach wie möglich zu bekommen, ohne
viel Aufwand und ohne dabei allzu große Gefahren auf uns zu
nehmen. Wir haben uns alle irgendwo in diesem materiellen
Labyrinth verloren.
Beobachtet man das Publikum, zeichnen sich die unterschiedlichsten
„Geschäftstypen“ ab. Sie unterscheiden sich in der Taktik
der Aneignung, nicht aber im Willen, Energie zu investieren,
um an Besitz zu gelangen. Auch die, die nichts wirklich brauchen,
wollen etwas von den Sachen, die dort stehen. Bis zum
Schluss gibt es noch die Möglichkeit, den persönlichen Besitz zu
vergrößern. Ob man mit einem Geschenk nach Hause ging, hing
nur von der eigenen Initiative ab. Es war wirklich faszinierend
zu sehen, wie unverschämt man werden kann, wenn es darum
geht, sich gegenüber den anderen zu behaupten.
34
Niemand war zu extrem und niemand brauchte sich zu schämen.
Schnell wurde einem klar, dass die Zeit, die man in das
Nachdenken über die anderen investierte, eine verschwendete
war. Schließlich ging die Auktion weiter, und niemand wartete
auf einen. Der Rhythmus musste eingehalten werden, die
Stimme sollte laut sein und Rücksicht brauchte man wirklich
auf niemanden zu nehmen. Aber was passiert mit denen, die
da nicht mitmachen wollen? Sie werden einfach leer ausgehen.
Aber wie lange kann man sich gegen diesen materiellen
Wahnsinn wehren?
Das Überleben der Menschen ist auf den gesunden Menschenverstand
angewiesen. Die Vereinbarungen zwischen Mensch
und Mensch sind alles bestimmende Regeln, die niemand
brechen darf, sonst ist man raus. Raus aus dem Spiel bedeutet
raus aus dem Leben.
Interessant war auch, wie die zwei Performer erreichten, dass
sich die Zuschauer entspannten. Gleich von Anfang an konnten
sie all ihre materiellen Wünsche in den Vordergrund positionieren.
Kalauz und Schick waren nämlich nackt. In Unterwäsche
erwarteten sie das Publikum. Das hatte nichts Sexuelles an
sich, eher waren sie ausgeliefert und wehrlos. Durch diese gut
durchdachte Selbstpositionierung fühlte sich das Publikum
sicher. Aber auch die allseits bekannten „Verhandlungsmethoden“
halfen dabei, schnell auf einen gemeinsamen Nenner zu
kommen. Das Aneignen von materiellem und geistigem Gut
kennt jeder. Manchmal ist es Kauf, manchmal Diebstahl, Tausch
oder ein Geschenk. Irgendwie findet jeden Tag ein Transfer
von Besitz statt. Und deshalb wusste auch jeder im Publikum,
was er tun musste. Es konnte nicht nur mit Geschick gepunktet
werden, auch eine gute Allgemeinbildung wurde belohnt.
Allerdings nur mit den Worten: „Sie haben gewonnen!“ Aber
was? Der eindeutige materielle Gewinn blieb aus.
Kalauz hatte recht, als sie beim Interview sagte, das Stück
passiert eigentlich danach. In den 45 Minuten wurde so viel angesprochen.
Es war wie ein Stillstand, bei dem uns Zuschauern
ein Blick in das System unserer Lebensweise gewährt wurde.
Seitdem gebiert ein Gedanke den nächsten, und während die
beiden Künstler vielleicht schon auf dem Nachhauseweg sind,
zerbreche ich mir den Kopf darüber, wie die ganze Performance
denn eigentlich zu interpretieren ist.
Alles in allem konnte man ziemlich viel von dieser Performance
mitnehmen. Nicht nur Geld oder eine Plastikblume, sondern
auch vor allem die Frage: „Does Common make Sense?“

TH D BHND – The idea behind
Auszug aus dem Interview mit Martin Schick und Laura Kalauz von
Alisa Findling und Katja Poloubotko, 13.04.2011
„Does common make sense?“ Eine Frage, die nicht nur in dem
Stück CMMN SNS PRJCT gestellt wird, sondern die sich auch der
Zuschauer letztendlich fragen wird. Generell hinterlässt das
Stück meist einen verwirrten und nachdenklichen Zuschauer,
weshalb wir es als hilfreich empfunden haben, uns mit den
Künstlern Martin Schick und Laura Kalauz zusammenzusetzen,
um ein wenig Licht ins Dunkel zu bringen und einige Fragen
zu beantworten. Auch den Künstlern selbst erschien diese
Möglichkeit zu reden als wichtig, da, um mit Martin Schicks
Worten zu sprechen, „gerade Performancekünstler sich mit
dem intensiv beschäftigen, was sie tun, und viel zu erzählen
haben, aber sehr selten gefragt werden, während Filmschauspieler
ständig interviewt werden, obwohl sie selbst weniger
mit dem Entstehen des Werkes zu tun haben“.
e-xilant: Sie arbeiten seit 2009 zusammen als Duo. Wie ist es
zu dieser Zusammenarbeit gekommen?
Laura Kalauz: Wir haben uns eigentlich 2006 kennengelernt. Es
war diese praktische Beziehung zwischen Performer (Martin
Schick) und Choreografin (Laura Kalauz). Wir haben in dieser
Konstellation zwei Projekte realisiert. 2009 kam es zu dieser
natürlichen Idee für eine Zusammenarbeit. Wir haben über
unterschiedliche Ideen geredet und sind dann ganz natürlich
zu einer Zusammenarbeit und diesem Projekt gekommen. Wir
mussten dabei beide auf der Bühne performen, weil es sonst
eigentlich keiner machen konnte.
Martin Schick: Wir sind bisschen so eine Art Schrumpfteam.
Wir versuchen auch immer wieder, Leute zu involvieren, aber
landen schlussendlich immer in dieser Kleinformation. Also
eigentlich hätten wir gerne jemanden, der uns nach außen
vertritt oder der für uns gewisse Dinge auch erledigt, aber
schlussendlich schaffen wir es gar nicht, was abzugeben, da wir
an allem beteiligt sein, an allem dran sein wollen.
LK: Unsere Projekte sind in Handarbeit entstanden, es ist nichts
Industrielles. Wir machen vom Anfang bis zum Schluss alles
selbst, Administration, Management usw., eigentlich alles.
MS: Alles kommt am Schluss auch ein Stück mit auf die Bühne.
Die ganzen Vorgänge, die bei der Administration passieren,
wären sonst nicht in unsere Arbeit mit eingeflossen, weil wir
gar nichts damit zu tun gehabt hätten – diese absurden Vorgänge,
die wir erleben, dadurch, dass wir uns selbst verkaufen,
uns selbst vermarkten und vertreiben. Es gibt Situationen, wo
wir mehr mit Zahlen beschäftigt sind als z. B. mit dem Text.
Diese Zahlen landen schlussendlich auf der Bühne, weil wir von
Grund auf alles selbst machen und zwar nicht weil wir keine
anderen Möglichkeiten hätten, sondern weil wir es gar nicht
loslassen können. Es ist ein Teil der Arbeit.
LK: Dies verleiht der Performance eine gewisse Qualität. Wir
sind immer voll da. Deshalb habe ich es vorhin als Handarbeit
bezeichnet. Wir werden in unserer Arbeit von niemandem
manipuliert und sind sehr unabhängig. Der andere Grund für
unsere Zusammenarbeit ist die Tatsache, dass wir Theater
eigentlich nicht wirklich mögen. Wir versuchen aber trotzdem,
Theater zu machen, jedoch ein untypisches. Wir überlegen uns
immer, was man Neues im Theater machen könnte.
e: Wie ist die Idee zum CMMN SNS PRJCT entstanden? Hatten
sie diese schon vor der Ausschreibung des Freischwimmer-
Festivals oder ist sie erst im Zuge dessen entstanden?
MS: So eine Mischung eigentlich. Wir hatten schon ein Zwischenprojekt,
das „Common Sense“ hieß. Das war eine
Recherche in Japan, wo wir einen Monat auf der Suche nach
Fragen und Antworten zum Thema Common Sense waren,
die auch ziemlich kulturell bedingt sind. Ein Common Sense
in Japan wird sicher anders interpretiert. Wir haben als Abschluss
dieser Zwischenarbeit eine Installation gemacht und
sind dann bei diesem Thema irgendwie hängen geblieben,
wollten es aber nicht Common Sense nennen, weil es uns
zu plakativ war. Wir haben dann versucht, irgendwie einen
Schritt weiter zu gehen. Wir sind schnell darauf gekommen,
dass es den Common Sense gar nicht so gibt, weder zwischen
Publikum draußen im Alltag, noch zwischen Publikum und
Performern oder zwischen uns Performern. Es gibt eigentlich
nur individuelle Standpunkte, die kommen manchmal
zusammen und manchmal eben auch nicht. Deshalb sind wir
dann bei dieser Zwischenform, von CMMN SNS PRJCT gelandet,
wo quasi das Performative, das auf der Bühne passiert,
im Titel bereits vorhanden ist. Du als Leser des Titels musst
gewisse Lücken selbst füllen. Da jeder die Lücken gleich füllt,
gibt es doch einen gewissen Common Sense. Es gibt ein Gespür
für ein Etwas, das schon da ist, welches einem gar nicht
bewusst ist.
LK: Aber ich meine schon, dass es einen Common Sense gibt.
Ich glaube nicht, dass alles individuell zusammenkommt.
Ich sehe den Common Sense in unserer „Tierlichkeit“. Wir
haben uns schon weit weg von diesem animalischen Aspekt
entfernt, wir sind nun voll individuell. Es gibt eine Reise zwischen
dem Tier und dem Individuum. Ich habe den Common
Sense in der tierischen Seite des Menschen gefunden. Wir
bewegen uns in der westlichen Gesellschaft immer weiter
35

weg von dieser tierischen Seite. Alle Menschen haben aber
noch immer tierische Triebe, etwa in der Liebe.
MS: Jeder hat einen unterschiedlichen Umgang mit diesen
Sachen, die Common Needs sind. Man liebt, aber jeder hat eine
andere Vorstellung von Liebe. Wir finden uns aber dabei nicht
wirklich. Es ist immer ein Hauch von Common Sense vorhanden,
da alle „CMMN SNS“ gleich ausfüllen. Aber es gibt auch
Leute, für die es nur eine Auflistung von Buchstaben ist, die
nicht dieses durchgehende Gemeinsame haben.
LK: Unser Projekt hat einen Bezug zum ökonomischen Aspekt.
Wir versuchen, den theatralen Raum in einen ökonomischen
Zusammenhang zu rücken. Das war mein großes Anliegen bei
diesem Projekt. Wir haben in diesem ökonomischen Handeln
einen Raum für den Common Sense gefunden. Jeder kennt
Geld und weiß, wie man damit umgeht. Niemand fühlt sich
merkwürdig oder beschämt. Auf dieser gemeinsamen Basis
können wir wieder eine Wende machen, mit Absurdität spielen.
MS: Schlussendlich geht es eigentlich fast darum, was das Geld
an Zwischenmenschlichem produziert, was es bei uns auslöst.
Wir erzählen eigentlich nicht über das Geld an sich, sondern
was durch diesen Geldwert oder durch den Geldtausch
passiert, den Geldtausch zwischen dir persönlich oder den
zwischen euch.
LK: Wie fühlst du dich, wenn ich dir das Angebot mache, dir
10 € für 5 € wiederzugeben? Du sagst natürlich ja, oder? Zum
Schluss der Vorstellung haben wir zu viel Geld, aber es geht
eigentlich nicht um Geld, sondern um das Handeln mit diesem.
e: Was ist die eigentliche Intention Ihrer Performance?
MS: Es geht um eine Verlagerung, eine Veränderung der Wahrnehmung
von Dingen ohne vorzugeben, wie die Wahrnehmung
nun sein soll. Es soll eher zu einem Antrieb bei den Leuten
kommen, über die eigene Wahrnehmung oder das Verhältnis zu
Wertvorstellungen von Dingen nachzudenken. Wir geben keine
Lösungen vor, sondern wollen diesen Prozess nur ankurbeln. Das
ist unsere Intention. Wir haben kein politisches Statement. Das
Bild für die Produktion erklärt eigentlich die ganze Sache sehr
gut, weil es zu diesem Moment kommt, wo es zum Selbstmord
des eigenen Gedankenkonstrukts kommt. Man bringt alles um
und macht etwas ganz Neues.
LK: Es wirft ein neues Licht auf die Dinge, die uns nahestehen,
die wir gar nicht mehr richtig sehen, z. B. die Art, wie wir im
kapitalistischen Alltags leben und handeln. Die kapitalistischen
Aspekte sind für uns sehr natürlich, aber ich möchte unsere
Beziehung zum Kapitalismus aus einer Alltagssicht verfremden.
Ich möchte nicht aus der Sicht ökonomischer Theorien darüber
reflektieren, sondern vom Hier und Jetzt ausgehen.
36
Romantic Afternoon
Vorbericht von Eliˇska Cikán, 06.04.2011
Eine Stunde Dauerknutschen. Das bekommt man in der Choreografie
Romantic Afternoon von Verena Billinger und Sebastian
Schulz zu sehen. Das ist aber im Endeffekt spannender, als
es sich anhört. Weil man von den Darstellern gänzlich ignoriert
wird, ist man umso mehr mit sich selbst konfrontiert. Beim Beobachten
dieses Zärtlichkeitenaustauschs entsteht ein Gefühl
von Scham und Voyeurismus. Man fühlt sich wie beim Kauf
von Liebesheften, wenn man dabei von der eigenen Mutter erwischt
wurde. Eigentlich möchte man gar nicht hinsehen, was
man im echten Leben und vor allem in der Öffentlichkeit auch
nicht tun würde. Aber im Theater geht es eben nicht anders,
denn dafür geht man ja hin.
Eine Gruppe von sechs Menschen tauscht eine Stunde lang
Zärtlichkeiten, Positionen und Partner ohne Rücksicht auf
Gleich- oder Andersgeschlechtliche. Jeder knutscht mit jedem.
Es ist ein Kuss, der auf der einen Seite Vertrautheit und auf
der anderen wieder Befremdung hervorruft. Jeder kennt das
Gefühl, die Bewegungen und die Art, sich anzufassen. Und
genau damit spielen die Darsteller: Sie nähern sich an, bis sich
die Nasenspitzen und dann die Lippen berühren, bis sie eng
umschlungen da stehen und sich liebkosen- aber nur so lange,
bis die Zeit zum Partnertausch gekommen ist. Sie tun das mit
Gelassenheit, ohne wilde Leidenschaft, die einen das Schauspiel
dahinter erahnen lässt. Als Zuschauer kann man über eine
Intimität mutmaßen, fragt sich jedoch, wie sich die Darsteller
dabei fühlen müssen. Ob sie nicht auch Gefühle dabei haben?
Denn der Kuss ist ja bekanntlich einer der größten Liebesbeweise.
Und genau das wollen Billinger und Schulz bezwecken: Die
Art der Küsse und Umarmungen rufen im Zuschauer Gedanken
und Gefühle hervor, die in Wahrheit nicht vorhanden sind.
Man wird mit diesen Gedanken jedoch allein gelassen, denn
die Darsteller sind mit sich selbst beschäftigt, und man wartet
gespannt auf jeden Huster des Publikums, um die gespaltene
und vielleicht doch etwas gespannte Stimmung ein wenig aufzulockern.
Diese Gefühlsachterbahn ist aber auch angenehm,
denn alles wirkt für uns irgendwie vertraut. In diesem Fall heißt
es jedoch: Mund ist Mund.
Verena Billinger und Sebastian Schulz studierten u. a. Choreografie
und Performance in Gießen und Frankfurt. Sie nutzen als
Ausgangpunkt für ihre Arbeiten gesellschaftliche und alltägliche
Fragen der künstlichen Modellierung und Inszenierung. Im
Fokus der Choreografie steht die Rolle des Körpers, mit dessen
Bewegungen Bilder und Lebenszeichen vermittelt werden. Diese
sollen die ZuschauerInnen berühren und zum Nachdenken
anregen, was in dieser Choreografie wohl gelungen ist.

Mit Kuss und Gruß … und Nachdenklichkeit
Kritik von Victoria Schopf, 12.04.11
Die bohrendste Frage des Abends war wohl jene, wie viel
Labello während der Probenzeit zu Romantic Afternoon verwendet
wurde. Nun gut, vielleicht nicht die bohrendste, aber
auf jeden Fall eine davon, denn nach einer Stunde Lippenkontakt
ohne Unterbrechung waren nicht nur die Münder der
Performer, sondern auch ein wenig die Nerven der Zuschauer
wund geküsst. Nichtsdestotrotz ging die Performance nahe,
sie sprach unsere voyeuristische Neugierde an und zog in
ihren Bann, selbst wenn die vermutliche Aussage auch in zehn
Minuten hätte vermittelt werden können.
Sechs erwachsene Menschen, drei Männer und drei Frauen,
die eine Stunde lang nichts anderes tun, als sich zu küssen.
In allen möglichen Kombinationen, den wildesten Posen, mit
mehr oder weniger Zärtlichkeit, authentisch, vor Aufregung
mit geschlossenen Augen blinzelnd oder streng durchchoreografiert.
In diesen 60 Minuten ist alles dabei. Von der anfänglichen
schüchternen Befangenheit, sowohl die echte aufseiten
des Publikums, als auch die gespielte aufseiten der Performer,
wechselt man schnell zum Rausch des Kusses selbst über, die
zwischenmenschlichen Interaktionen werden von der Vertikale
in die Horizontale verlegt, und schon bald rollen mal Dreier-,
mal Zweiergespanne auf dem Boden und küssen, als gäbe es
kein Morgen. Anfangs zuerst ganz leise, geradezu beschämt,
tippen sie einander auf die Schulter, um den jeweiligen Lippenakrobat
abzulösen, doch immer eher wird auch die besitzergreifende
Seite des Kusses selbst und dessen, der selbigen ausführt,
deutlich, nicht nur wenn sich die Paare gegenseitig mit
einer solchen Wucht gegen die schwarze Holzwand werfen,
dass einen schon selbst die einzelnen Wirbel schmerzen. Die
Performance der unermüdlichen Tänzer, welche sich trotz allzeitlicher
Kussbeschäftigung auch immer im Raum fortbewegen,
was vor allem ihn der Horizontalen etwas beschwerlich
wird, wirkt immer anstrengender. Bis sich schließlich alle sechs
zwischenzeitlich auch in einem großen Kussgelage wiederfinden,
welches ein wenig an das Bild Grenouilles erinnert, der in
Patrick Süskinds Roman Das Parfum von den Menschen aufgrund
seines Duftes aufgefressen wird. Doch hier herrschen
sehr egalitäre Kussverhältnisse: jeder mit jedem, gleichzeitig,
nacheinander oder überhaupt alle zugleich, wobei alle küssbaren
Körperteile zum Einsatz kommen.
Das einzige Ermüdende daran ist vor allem die unendliche Stille,
welche die gesamte Performance begleitet. Kein gesprochenes
Wort, nur zwei kurze Musikeinspielungen und die immerwährenden
Nebengeräusche küssender Menschen erreichen
die leicht unterforderten Ohren des Publikums. Dafür werden
die Augen durchgehend mit neuen Eindrücken versorgt, auch
wenn man sich manchmal etwas mehr erwartet, wenn sich
zwei der küssenden Parteien auf einmal ihrer Hosen zu entledigen
beginnen. Schlussendlich werden Kleidungsstücke aber
nur getauscht und so schnell wie möglich wieder angezogen.
Nur die einmal ausgezogenen Schuhe bleiben bis zum Ende
der Aufführung fein säuberlich in Reih und Glied aufgestellt
am Rande der Bühne stehen. Vielleicht um uns zu erinnern,
dass auch wir immer alles in Reihen und Spalten ordnen,
selbst wenn wir dies nicht einmal intendieren.
Neben der Frage, ob man nun selbst auch so aussieht, wenn
man sich küsst (auch wenn die wenigstens währenddessen
auch ernsthaft schon einen Rückwärtspurzelbaum gemacht
haben), stellt sich vor allem auch jene, was am Kuss selbst so
interessant ist. Natürlich ist da die voyeuristische Lust, aber
dazu kommt auch noch das verzweifelte Suchen nach Halt,
meist an jemandem, ob männlich oder weiblich (emanzipiert
und tolerant sind wir doch alle), welches in fast jedem von uns
tief verankert ist. Auch das greift die Performance auf, wenn
die endlich kurz pausierenden Tänzer nach Minuten ohne
sichtbares Luftholen während ihrer Kussmarathons selbst in
den wenigen Sekunden, in welchen sie keinen zweiten in ihren
Armen halten und trotzdem benebelt vom Kussrausch sind, in
die leere Luft küssen, um nicht allein auf der kalten, schwarzen
Bühne stehen zu müssen. Fast so wie wir, die wir doch immer
auch ein wenig fürchten, allein auf der kalten, schwarzen
Weltbühne unser Leben fristen zu müssen. Deshalb lieber
jemanden küssen, denn da fühlt man sich doch gleich weniger
allein und ein wenig mehr geliebt.
Wobei Liebe in Küssen nicht inkludiert sein muss, genauso
wenig wie gesprochene Worte in einer Sprache oder aber auch
eine tiefsinnige Aussage in einer Performance. Nach 60 Minuten
des Küssens gehen die sechs Künstler kurz zu einer Tanzperformance
über, bevor sie sich, nach getaner Arbeit, brav
verbeugen, vielleicht ein wenig schelmisch grinsend, und ihre
Zuschauer wieder sich selbst und ihren unterschiedlichsten Interpretationen
des Gesehenen überlassen. Natürlich sieht man
Tag für Tag sich küssende Menschen in der Öffentlichkeit, es
ist schon fast zu einer alltäglichen Erscheinung geworden, und
trotzdem fühlt man sich nachher ein wenig, als hätte man zu
viel gesehen. Zu viel als eigentlich erlaubt. Und trotz der rauen
Lippen, welche man schon allein beim Zusehen bekam, oft
auch eher des Gefühls eines zwischenmenschlichen Distanzbedürfnisses
und der kurzzeitigen Konfusion den Inhalt sowie
auch dessen Rezeption betreffend fiel das fast urtümlichste
Ritual unserer Gesellschaft auch bei der Verabschiedung der
einzelnen Zuschauer untereinander nicht aus. Raten sie einmal,
was sie zum Abschied taten. Richtig, sich küssen.
37

Ja, es wird wirklich richtig geküsst, und ja, es dauert auch
wirklich eine Stunde, und noch mal: Ja, es wird nichts anderes
gemacht außer eben küssen. Mal langsam, mit Leidenschaft,
mal mit Akrobatik, und zum Schluss ein Abschiedstänzchen.
Mit der Performance Romantic Afternoon haben Verena Billinger
und Sebastian Schulz das Thema wie den Nagel auf den
Kopf getroffen: Küssen=privat, Küssen+Öffentlichkeit=Rückzug
ins Öffentliche.
Man wird kurz von den Schauspielern durch einen Gedankengang
geführt, der einen in eine sehr angenehme und
verträumte Stimmung versinken lässt. Denn man kennt das
Gefühl eines Kusses, der langsam, aber spannend, dann wieder
intensiv und atemlos ist. Man fragt sich auch, ob die sechs
Schauspieler nicht etwas beim Küssen fühlen. Vielleicht erregt
werden. Durch die kleinen Lacher, die die Schauspieler ab
und zu von sich geben, lässt sich doch eine Art Zufallsprinzip
der Partnerwahl und Spontaneität des Stücks spüren. Diese
Gedanken verfliegen aber schnell und man landet wieder
im beleuchteten Zuschauerraum. Die akrobatischen Künste,
die die Performer beim Küssen auf der Bühne hinlegen wie z.
B. Purzelbäume, im sich abwechselnd tragend, beim Küssen
auf den Schenkeln des Partners sitzend, lassen einen doch
die Theatralität spüren. Von Intimität, die ein Kuss eigentlich
vermitteln sollte, spürt man nach einiger Zeit wenig. Der Kuss
wird zu einer Orgie, jeder küsst jeden, und es wird fast zu einer
lächerlichen Angelegenheit.
Von einer Art von Scham und Voyeurismus merkt man beim
Beobachten wenig, wohl weil in der wirklichen Öffentlichkeit
zu wenig geküsst wird oder aufgrund der Tatsache, dass man
im Theater sitzt und man des Zusehens wegen hingeht. Oder
vielleicht auch deswegen, weil man einfach von Erotik aus dem
Alltag so überladen ist, dass man nach zwanzig Minuten genug
gesehen hat – gegangen ist jedoch niemand, und der Applaus
des Publikums spricht dafür, dass es einigen gefallen hat.
Obwohl die Blicke während der Aufführung oft abwesend
wirkten und man vielleicht durch das helle Licht öfter eingeladen
war, die Reaktionen anderer zu beobachten, haben einige
immerhin ihre Einkaufsliste in der Stunde fertiggedacht.
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Ein Kuss für Blickfänger
Kritik von Eliˇska Cikán, 12.04.2011
Niemand bleibt ungeküsst
Kritik von Jennifer Vogtmann, 13.04.2011
Der Kuss gilt in vielen Kulturen als Ausdruck von Liebe und
Zuneigung und wird je nach Dauer und Intensität auch als
sexuelle Handlung verstanden. Durch das Berühren der Lippen
(und Zungen) zweier Menschen wird die körperliche Distanz
beinahe vollständig aufgehoben. Daher küssen sich meist Menschen,
die in einem intimen Näheverhältnis zueinander stehen.
In einigen Kulturen gilt es aufgrund der dem Kuss zugeschriebenen
sexuellen Komponente als verpönt, sich in der Öffentlichkeit
zu küssen. Mancherorts ist dies sogar verboten.
Was passiert nun aber, wenn das Küssen aus dem ansonsten
kulturell üblichen Kontext gerissen und auf der Bühne zur
Schau gestellt wird?
Romantic Afternoon. Sechs Menschen stehen am Bühnenrand.
Der Raum ist hell erleuchtet. Langsam nähern sich die Darsteller
wortlos und Schritt für Schritt einander an. Dann die
ersten Küsse, die immer intensiver werden. Partnerwechsel. Es
küssen sich Frauen und Männer, Frauen und Frauen, Männer
und Männer, und siehe da, ein Raunen wird im Publikumsraum
hörbar. Kuss-Staffellauf. Das Licht wird gedimmt. Die Darsteller
räkeln sich miteinander am Boden. Sie küssen sich unentwegt.
Sie küssen zu zweit, zu dritt, zu sechst. Berühren sich gegenseitig.
Sexuelle Handlungen werden angedeutet. Zwei Darsteller
tauschen ihre Hosen. Kein gesprochenes Wort. Kaum musikalische
Untermalung. Nur Küsse, Schmatz- und Atemgeräusche.
Und das Publikum? Einige verlassen den Raum. Andere blicken
schmunzelnd und gebannt auf die Bühne. Wieder andere
sehen sich unschlüssig um. Ein Paar lächelt sich an und schließt
sich den küssenden Darstellern an. Das Paar zieht einige Blicke
im Publikum auf sich. Sie werden angelächelt. Und auf der
Bühne wird unterdessen unentwegt weitergeküsst. Jeder mit
jedem und jeder für sich. Schattenküssen. Doch wo ist die Romantik
in dieser einstudierten Performance? Vermutlich liegt
sie in jedem von uns. Der Anblick dieser zur Schau gestellten
Küsse löst wohl in jedem von uns etwas aus. Manche fühlen
sich womöglich peinlich berührt, andere aber denken vielleicht
an ihren oder ihre Liebste(n). Einige überkommt möglicherweise
der Wunsch, sich auch wieder einmal einem Menschen
auf diese intime Weise zu nähern, oder sie werden erinnert an
eigene Kuss-Erfahrungen“.
In Romantic Afternoon wird die intime zwischenmenschliche
Handlung des Küssens, die meist in den eigenen vier Wänden
oder zumindest abgeschieden von der Öffentlichkeit vollführt
wird, nach außen gestülpt und als Choreografie auf die Bühne
gebracht. Die Auflösung liegt wohl in jedem einzelnen Zuseher
selbst. Welche Gefühle, Erinnerungen, Emotionen löst der
Anblick der küssenden Darsteller in jedem von uns aus? Die
Antworten mögen unterschiedlich sein, doch in jedem Fall
haben Verena Billinger und Sebastian Schulz mit ihrer Performance
Romantic Afternoon etwas in uns ausgelöst.

Auf der anderen Seite
Die Macht des Publikums im Kusstaumel
Kritik von Theresa Naomi Hund, 13.04.2011
Die Küssenden Die Beobachtenden
6 Künstler (3 Frauen, 3 Männer) küssen
sich 60 Minuten lang, im
Wechsel, in Zweierpaarungen, zu dritt oder auch
allein. Ja, doch der Kuss allein ist tatsächlich
möglich, pantomimengleich wird er
vollzogen, der imaginäre Partner dient als
Projektionsfläche. Sie küssen sich überwiegend
mit geschlossenen Augen, es ist die reine
Form des Kusses, ohne Speichelflüssigkeiten
miteinander auszutauschen. Eine Kusschoreografie
ist es, welche wir hier zu sehen bekommen.
Geschlechtsauflösungen, Konventionsbrüche,
aber schockieren tut das längst nicht mehr. Viele
Schritte werden routiniert ausgeübt, manche
wiederum sind improvisiert. Der ganze Bühnenraum
wird durch und mit dem Küssen eingenommen, im
Stehen, im Sitzen, im Liegen – jede Form der Kussakrobatik
wird uns hier geboten. Zweierkonstellationen lösen sich
immer wieder auf und werden neu formiert.
Münder, Beine, Hände, Schultern,
Knie, Waden, fast alle Gliedmaßen
werden mit einem Kuss versehen. Es
wird sich durch die Haare gefahren, das
Gesicht mit Händen gestreichelt, ein Hauch von Zärtlichkeit
kommt auf, jedoch wird diese wieder durch die
routinierten, ja fast maschinellen Bewegungsabläufe
unterbrochen. Viele Formen des Kusses werden
ausprobiert, dominant, gefühlvoll, exzessiv. Es
fällt auf, dass manche Kusspaarungen dabei besser
harmonieren als andere. Gibt es verborgene
Kusspräferenzen? Gibt es eine
Kusshierarchie?
Empfinden die Küssenden überhaupt noch etwas
oder wird der Kuss zur Routine? Wenn ja, wie
schade. Küssende Schlafwandler, die suchen, sich
verlieren, einander spüren, sich dem anderen
wieder entziehen, weil sie eben nicht finden.
Sich (nicht) finden?
Gebannte, gespannte, neugierige
Blicke. Die ersten beginnen zu schmunzeln, zu flüstern, sich zu
räuspern. Einige ziehen sich ihre Jacken aus,
Handyspiele, manche lesen
im Programmheft. Was ist hier los, was geschieht hier
auf der heute deutlich spürbaren anderen Seite des
Raumes?Unruhe, Unwohlsein, Unsinn? Was genau
sehe ich denn da? Es ist zwar
etwas scheinbar Intimes, aber eben
nichts sexuelles, die Intimität wird durch die Blicke, die Nervosität
des Zuschauers gar nicht zugelassen.
Es ist kein romantischer Nachmittag,
sondern ein mechanischer Abend. Der Blick vieler geht
lieber in die Publikumsrunde, als auf das
Spektakel auf der Bühne. Es liegt etwas in der Luft.
Aggressivität, Genervtheit, Langeweile, Ratlosigkeit. Es
kommt zu einem Rollenwechsel.
Das Publikum ist heute der
eigentliche Protagonist des
Kusstaumels. Von uns
aus wird das Stück regiert.
Immer mal wieder kurze Blicke der Küssenden
auf die andere Seite. Bekommen sie
mit, was hier gerade passiert? Einige setzen
eine persönliche Botschaft, indem sie den Raum verlassen.
Fragende, aber auch verständliche Blicke. Ist
es die Langeweile, die Ideenlosigkeit? Das öffentliche
Küssen schockiert nicht mehr, täglich sehen wir
dort wie auch hier wird es inszeniert. Die Sehnsucht
nach dem Ende wegen der Gewohnheit des Blickes? Es wird
sich nicht auf das Geschehen eingelassen, dadurch kann es
sich nicht entfalten.
Der Kuss hatte von Anbeginn keine Chance. Zumindest heute.
Selten habe ich die Rampe zwischen
Publikum und Bühne so
intensiv empfunden wie heute. Die triadische Kollusion ist
gescheitert. Wir haben ein Kussspiel auf der einen
und Spielverderber auf der anderen Seite.
39

Kunst und Küsse. Performance und Intimität. Ein großes
imaginäres Fragezeichen schwebt über unseren Köpfen. Ist das
möglich? Absolut! Das finden zumindest Verena Billinger und
Sebastian Schulz, die sich in die tiefen Abgründe des Kusses
und der menschlichen Berührung gewagt haben, um ihre
gemachten Erfahrungen mit der Öffentlichkeit zu teilen. Die
beiden Theaterwissenschafts-Studenten haben sich nicht erst
während des Studiums, sondern schon viel früher kennengelernt.
Im selben Ort aufgewachsen, paaren sie ihre Interessen
und Ideen. Es entsteht etwas Sonderbares. Romantic Afternoon
heißt die Frucht, eines ihrer größten Projekte bisher. Aber warum
das ganze Spektakel? Vor welchem Hintergrund? Sind die
Küsse echt? Kann man jemanden küssen und ihn gleichzeitig
betrügen? Fragen über Fragen, die alle hemmungslos beantwortet
wurden.
e-xilant: Wo seht ihr den Schnittpunkt zwischen eurem
Stück und dem diesjährigen Thema des Festivals
„Rückzug ins Öffentliche“?
Verena Billinger: Es ist eigentlich ein schneller Link. Küssen ist
ein intimer Akt, dem man nie so zusieht, außer man befindet
sich im öffentlichen Raum. Dadurch fanden wir es interessant,
das in diesem Rahmen auf die Bühne zu bringen.
Sebastian Schulz: Idee war erst mal das Thema, dann was
uns an dem interessiert. Wir sind dann eben auf das Küssen
gekommen, da das sehr körperbezogen ist. Wir fragten uns:
Kann ein öffentlicher Kuss überhaupt klappen? Denn der
private und öffentliche Raum wird in so einer Situation durchkreuzt,
wenn das in der Öffentlichkeit stattfindet. So gesagt,
dass der öffentliche Moment nicht stattfinden kann, solange
der private nicht eingeschrieben wird, und umgekehrt.
Wir denken, dass jede Intimität durch eine Art von Öffentlichkeit
durchkreuzt ist, und glauben nicht an die Entgegensetzung
von öffentlichem und privatem Raum.
VB: Wenn wir mit Darstellern arbeiten und auf der Bühne
stehen, repräsentieren wir auch etwas – wir wollen jedoch
nicht schauspielern. Das ist für uns immer diese
Gratwanderung zwischen privat und öffentlich.
e: Ist das Stück zum Festival entstanden?
SS: Ja.
e: Sind die Küsse echt?
VB: Ja!
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Liebeszombies küssen besser!
Interview mit Verena Billinger und Sebastian Schulz von Eliˇska Cikán,
Olivia Lefford und Ada Mumajesi, 14.04.2011
e: Welche Gefühlslage wollt ihr im besten Fall beim
Publikum erreichen?
SS: Das ist bei uns die ganze Zeit die Knackpunktfrage, wie
das die Performer eben machen, welche Haltungen sie
einnehmen. Denn je fragiler sie das machen, umso eher
kann das Publikum mehrere verschiedene Assoziationen und
Gefühle haben. Es gibt auch manchmal fast zu viel Intimität,
dass man sich diverse Fragen stellt: Möchte man eigentlich
hinsehen? Könnte zwischen den Darstellern etwas laufen?
Mögen die sich eigentlich? Ist ihnen das unangenehm? Uns
war wichtig, dass es sich nicht nur in eine Richtung entwickelt.
Es soll weder nur emotional und psychologisch sein
noch banal oder gespielt.
e: Glaubt ihr wirklich, dass man von Scham betroffen wird?
Es besteht doch ein Unterschied, ob man Leute in der U-Bahn
oder im Theater beobachtet.
SS: Klar gibt es einen Unterschied. Das kann auch eines der
Gefühle sein, die der Zuschauer während der Aufführung hat.
VB: Es gibt viele Zuschauerkommentare, die dahin gehen,
dass sie eine gespaltene Aufmerksamkeit haben. Also dass
sie zusehen, weil sie eben im Theater zusehen sollen, es aber
irgendwie komisch finden. Es gibt auch manche Aktivitäten im
Publikum, bei denen man anfängt, die anderen zu beobachten.
Es muss nicht unbedingt Scham sein, aber wichtig ist, zu beobachten,
wie man sich zu unterschiedlichen Handlungen und
Situationen verhält. Wichtig war uns, dass man auch versteht,
was auf der Bühne passiert, denn der Kuss an sich ist simpel,
dass man aber in der Zeit Durchblicke bekommt und Vermutungen
aufstellt. So wird dieser selbstverständliche Vorgang
immer undurchsichtiger.
e: Man bemerkt auch mehrere Abstufungen. Von romantisch
und zärtlich, dann wieder eine Orgie, im Sinne von jeder mit
jedem. Hat mich ein wenig an Gang-Bang erinnert, wo man
versucht hat, eine Orgie romantisch zu inszenieren. Hat sich
das während der Proben so entwickelt?
SS: Klar ist es in eine bestimme Richtung choreografiert. Wir
geben aber nicht vor, was der Zuschauer in dem Geschehen
sehen soll. Jeder sieht anders.
VB: Wir spielen schon in eine Richtung, indem wir ein Bild
vorgeben, z. B. eben die Orgie auf eine groteske Art. Es kommt
auch schon in der Literatur vor, wo genau so was beschrieben
wird und wo Arme und Beine ihren Träger verloren haben.

Das ist bei uns natürlich nicht der Fall, aber man kann das in
die Szene hinein assoziieren. Im Prinzip versuchen wir, eben
solche Bilder anzubieten.
e: Glaubt ihr nicht, dass man schon etwas übersättigt ist von
Liebe, Leidenschaft und Erotik im Alltag? Dass man vielleicht
schon als Zuschauer abgestumpft ist und diese Denkstufen
nicht mehr durchmacht?
SS: Wir bieten auf jeden Fall was anderes an, als es die
Werbung tut.
e: Aber Erotik ist es schon. Nur verkauft wird damit nicht.
SS: Es fängt ja mit offenen, fragilen Küssen an, die sehr
langsam und nicht erotisch sind, die man auch so nicht in der
Werbung sieht.
e: Das steigert sich doch immerhin bis zu Orgie und Ausziehen.
SS: Es gibt auf jeden Fall eine Körperlichkeit, die wir versuchen
zu zeigen und auch nicht zu zeigen. Aber dieser Imperativ, sexy
zu sein, wie in der Werbung - das ist nicht unser Ziel. Natürlich
spielen wir auch die Themen an, die mit Erotik verbunden sind.
Uns interessiert eher, dass das Material für potenzielle
Kontexte geöffnet und nicht auf Pornografie oder Erotik
reduziert wird.
VB: Es geht für uns vor allem um den Vorgang, bei dem die
Handlung in verschiedene Richtungen geöffnet wird.
e: In alle Richtungen. Ist das nicht zu willkürlich? Habt ihr
Grundpfeiler in eure Choreografie gesetzt? Oder: Was waren
die Aspekte des Kusses, die euch interessiert haben im Gegensatz
zu einer absolut pornografischen Darstellung?
SS: Wir haben am Anfang sehr viel über den Kuss und sein
Bedeutungspotenzial recherchiert, z. B. woher Menschen das
Küssen überhaupt haben oder über den Judaskuss. Denn ein
Kuss, das haben wir herausgefunden, bedeutet nicht immer,
dass alles in Ordnung ist, wie wir das aus den Filmen kennen.
Was uns letztlich interessiert hat, war, dass diese Form für eine
Emotion benutzt wird, ohne gerechtfertigt zu sein, und dass
das für die Leute, die das tun und für das Publikum nicht ohne
Folgen ist. Also, dass man den Kuss wiederholt, wobei hierbei
ohne Grund Reaktionen produziert werden. Diese ganzen
minimalen Halluzinationen, die man hat, sind genau das, was
uns im Endeffekt interessiert.
e: Eine Frage zum letzten Lied: Fred vom Jupiter von Die Doraus
& Die Marinas (Anmerkung: Die Choreografie zum Lied
wurde aus dem Originalvideo übernommen). Bezweckt das
einen Bruch oder weist es auf die Flüchtigkeit des Kusses hin?
SS: Das Stück ist an sich in zwei Teile geteilt, die in Dysbalance
zueinander stehen. Der erste Teil ist vom Küssen aus entwickelt
und geht dann in Bewegung bis zur Entleerung über und
wird als Inszenierung sichtbar. Beim zweiten Teil steht die Choreografie
an erster Stelle. Es geht uns beim Lied auch darum,
die Situation zu beenden und zu brechen.
e: Hattet ihr am Anfang der Proben Hemmungen? Ich meine,
im normalen Leben küsst man ja nicht willkürlich jemanden.
SS: Ehrlich gesagt fanden wir es am Anfang ein bisschen
„krass“, dafür verantwortlich zu sein, dass sich fremde Leute
jetzt küssen. Es war von unserer Seite eine ganz neue Erfahrung.
Angefangen haben wir harmlos mit Flaschendrehen, um die
Spannung aufzubauen. Lacht.
e: Wart ihr mit den Aufführungen in Berlin und Hamburg
zufrieden? Wie ist Romantic Afternoon beim Publikum angekommen?
VB: Ja, wir waren zufrieden und es ist sehr gut gelaufen. Das
ist eigentlich ganz schön bei dem Stück, weil relativ viele Leute
auf uns zukommen und uns Sachen erzählen, die sie gesehen
haben. Das ist oft unterschiedlich, welche Eindrücke und Assozia
tionen sie uns schildern.
e: Also Unklarheiten klären?
SS: Es ist für uns interessant zu hören, da es meistens ein
Grundverständnis für solche Dinge gibt. Dann herrscht
Irritation, jeder weicht bestimmten Dingen aus und fokussiert
auf andere Dinge. Interessant, die vielen Eindrücke zu hören
und wie sich Leute dazu verhalten. Diese Eindrücke sind sehr
unterschiedlich.
e: Was gibt es bisher für Stimmen?
SS: Eine Meinung war, dass es um das Thema Jugend geht
und man sich alt fühlt, wenn man das sieht. Man merkt auch,
dass Leute bestimmten Sachen ausweichen und in anderen
Momenten wieder vertraut sind.
VB: Es kamen auch Vorschläge, dass man das mit Senioren
oder mit anderen Darstellern machen könnte. Vielleicht wird
das ja unser nächstes Stück. Die Menschen verhandeln ständig
mit sich selbst, ob das jetzt okay ist, was auf der Bühne passiert,
oder nicht. Man hat auch gemerkt, wo die Leute ihren
Schwerpunkt gesetzt haben, ob sie auf die Küsse achteten
oder das ganze „Drumherum“ total interessant fanden.
e: Ist es Zufall oder Absicht, dass die Schauspieler ins Publikum
geschaut haben?
SS: Nein, das ist Absicht! Lacht. Es sind verschiedene Szenen,
wo eben auch mit der Zuschauersituation gespielt wird, z. B.
gibt es den einen Kuss, wo der Blick ganz bewusst ins Publikum
gerichtet wird, und das ist für uns so eine Art Ausformulierung
von Betrug. Es ist eine Szene, um den Judaskuss
umzusetzen. Ab dem Moment ist es möglich, jemanden zu
küssen und gleichzeitig zu betrügen.
e: Herzlichen Dank an Sebastian Schulz und Verena Billinger
für das aufschlussreiche Interview.
41

Es hat mich nicht mitgerissen, etwas dafür zu tun.
Hat mich leider nicht berührt. Es hat Potenzial gehabt,
aber es hat sich verloren. Mein Fazit: Nee. Viele Ansätze,
aber nicht zu Ende gedacht.
Die auditive Seite, also die Musik, war ganz angenehm.
Als es ruppiger wurde, war es spannender.
Ist es eine Performance?
Ekstase braucht einen Rhythmus –
es war ein bisschen wenig rhythmisch.
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Publikumsstimmen zu Romantic Afternoon
aufgezeichnet von Theresa Naomi Hund und Victoria Schopf, 12.04.2011
Provozierend, ganz klar.
Bildrechte: Eliška Cikán

Macht und Märchen
Ein Künstlerduo zum Thema hoheitliche Souveränität
Vorbericht von Kristina Kirova, 06.04.2011
souvereines heißt die Performance des schweizerisch-dänischen
Künstlerinnenduos Chuck Morris. 2008 haben sich Lucie
Tuma und Cecilie Ullerup Schmidt am Institut für Angewandte
Theaterwissenschaft in Gießen zusammengeschlossen. In
souvereines beschäftigen sie sich konzentriert mit Fragen,
Attributen und Darstellungen von Macht. Dabei untersuchen
sie die Attribute und Strategien vergangener, heutiger und
kommender Herrscherinnen und verbinden in ihrem Projekt
märchenhafte Fiktion mit tatsächlichen Machtstrukturen.
Souveränität(en)
Am europäischen Hof wird eine Königin gekrönt. Ihr Name
lautet Chuck Morris. Sie steht über allem und hat absolute
Macht. Sie versinnbildlicht ein Ideal und einen Hoffnungsträger,
zu dem alle emporblicken. Sie dirigiert Gesetz, Religion
und Finanzen. Chuck Morris ist ein Souverän und besitzt
per definitionem das Monopol über die Staatsgewalt. Wenn
man darüber nachdenkt, scheint Chuck Morris kein normaler
Mensch, sondern eine Gottheit zu sein. Man wird neugierig.
Was bedeutet die kommende Königin? Wie verführt Chuck
Morris das Volk? Was bedeutet Arbeit? Für wen arbeitet Chuck
Morris? Ihr Status und die Erwartungen an ihre Position nähren
das Bild einer unfehlbaren Kreatur und einer ikonenhaften
Diva. Erwartungen muss man erfüllen, wie man Ansprüchen
gerecht werden muss. Auf diese Weise bleibt einem das Bild
einer makellosen Exzellenz im Gedächtnis. So wie man eine
Königin sehen will, taucht sie am Horizont der Wirklichkeit auf
und ihr Porträt brennt sich auf ewig in die Netzhaut und alle
Erinnerungen ein.
Der Freud’sche Versprecher
Ließe man den sich aufdrängenden Freud'schen Versprecher
zu, würde man doch glatt das „M“ in seinen Nebenbuhler verwandeln
und hätte auf einmal „Chuck Norris“ herausposaunt
und müsste über dessen unterbewusste Bedeutung grübeln.
Seltsamerweise scheint ebenjener Chuck Norris die Inkarnation
einer Actiongestalt mit übernatürlichen Kräften zu sein.
„Chuck Norris hat nicht Angst vor der Dunkelheit. Die Dunkelheit
hat Angst vor Chuck Norris“, lautet eine der kursierenden
Floskeln, derer es tausende gibt. Ein Mensch wird in ein völlig
neues Bild gerückt. Er wird zu einer neuen Person gekrönt und
mit einem völlig anderen Status bemessen. Doch manipuliert
das staunende Publikum die Person oder bestimmt die Person
über Denkstrukturen? Wer übt hier Macht auf wen aus? Es
kommt einem verzwickten Teufelskreis gleich, ähnlich der
Frage, ob denn zuerst das Huhn oder das Ei da war.
Publikumsbefragung
Chuck Morris bat bereits das Publikum in Berlin und in Hamburg
zur Sitzung. Die Konfrontation schien unterschiedliche
Eindrücke und Meinungen zutage zu bringen. Die Besucher der
Souveränitäten schienen der Vorstellung einerseits hinterherzu
hinken, sie andererseits als entspannt zu empfinden. „So
gleitet diese schöne und ruhige Kontemplation an einem vorbei
und es bleibt leider ein ‚Was soll’s?, das der Rezensent auch
am Morgen danach nicht aufklären kann und auch keinen
Ansatz findet“, lautet ein kritisches Urteil. „Es sind sehr schöne
Bilder entstanden, aber es war zeitweise sehr langatmig“, tönt
andernorts aus einer Publikumsbefragung. Scheinbar schweben
einige Fragezeichen über den Köpfen der Besucher.
Der Blickwinkel macht’s
Um was geht es hier eigentlich? Was ist die Verbindung
dieser souveränen Machtdemonstration mit dem Rückzug in
die Öffentlichkeit? Über Kunst lässt sich bekanntlich streiten,
weil sie im Auge des Betrachters liegt. Der Blickwinkel, aus
dem heraus das Objekt betrachtet wird, fördert erst die Interpretation
zutage. Deshalb bleiben wir gespannt und mischen
uns unter das Volk, um baldigst den Souveränitäten höchstpersönlich
zu frönen.
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Die gläserne Königin
Bericht über die Porträtmalaktion
Das Künstlerduo Chuck Morris zeigt sich nicht nur als bereits
gekrönte Monarchin der Öffentlichkeit, sondern auch ihr Werdegang
wird offen dargelegt. Und zu einer Königin gehört das
Symbol der Unsterblichkeit schlechthin: das Porträt. Jenseits
von Schnelllebigkeit und Photoshop nimmt sich die neue Herrscherin
auch die Zeit, sich in jeder der angestrebten Städte mit
Farbe und Pinsel verewigen zu lassen und so ihre Macht zu
demonstrieren. In diesem Fall war es die Galerie Rauminhalt
in der Schleifmühlgasse, die den hohen Besuch beherbergen
durfte. Doch Chuck Morris ist eine zeitlose Königin, die sich
in jedes Zeitalter fügt, und so war nicht nur der Maler selbst
anwesend, sondern auch eine Vielzahl von Fotografen, die ihr
Bild in die Welt hinaustragen.
Gemäß dem Motto des diesjährigen Festivals verweilten
Chuck Morris zurückgezogen in einem geschlossenen Raum,
der für einige Passanten doch genug Barriere darstellte.
Gleichzeitig befanden sie sich jedoch in einem goldenen (oder:
gläsernen) Käfig, nämlich in einem Schaufenster, und waren so
für alle, auch solche, die nur zufällig mit der Einkaufstüte ihrer
Wege gingen, gut sichtbar. Dabei stellt sich Chuck Morris auch
immer die Frage: Für wen arbeitet die Königin? Wem gehört
sie? Dem Publikum? Will das Publikum Chuck Morris? Oder
nimmt sich Chuck Morris diese Aufmerksamkeit einfach? Ist
das Luxus? Macht? Oder Aufopferung in unangenehmen Posen?
Und obwohl alles offen dargelegt wird: Kann man jemals
einen privaten Blick auf die Königin erhaschen? Oder agiert sie
konsequent in ihrer öffentlichen Rolle?
Chuck Morris wird in die Geschichte eingehen. Oder zumindest
vielfach in die Ahnengalerie.
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von Eva-Maria Kleinschwärzer, 13.04.2011
Verbeugt euch –
die Königin kommt!
Kritik von Christoph Wingelmayr, 15.04.2011
Im Foyer kommt die Vorhut an. Hofdamen ihrer Majestät
erscheinen und kündigen ihr baldiges Eintreffen an. Benimmregeln
werden mit auf den Weg gegeben. Das Theatrale und
der reale Raum wagen eine erstmalige Verschmelzung. Kurzes
Warten. Wir erhalten Einlass in diese wundersame Welt.
Streng geregelt, der Ablauf. Nach Protokoll, versteht sich.
Chuck Morris empfängt uns. Wortstakkato, Gestammel,
Adjektive prasseln auf das Publikum hernieder. Die Königin
steht auf.
Ihre Herkunft wird bekanntgegeben, Österreich, Spanien,
überall. Lange ist sie schon Königin. Einzigartig, verstört,
siegessicher, ruhig, cholerisch. Attribute einer Herrscherin,
gefangen in ihrer Zwiespältigkeit. Schon bildhaft zerrissen in
zwei Personen. Ihr höchstes Gut: die Abbildung. Im Internet,
Fernsehen, in den Bildern, Symbole ihrer Macht.
Kriegerisch, im Marschschritt, stolziert sie über die Bühne.
Gleichzeitig unsicher und verlegen. Diese Herrscherin kann
nicht glücklich sein. Das Öffentliche und das Private in einer
Person. Schizophren, gefangen in diesem Dualismus des
Seins. Ihr Tanz, ein Sinnbild ihrer puppenhaften, inszenierten,
zuckenden Zweiteilung.
Doch der Zuschauer wird phasenweise auf eine harte Probe
gestellt. Zu wenig erschließt sich die Bedeutung der Darbietung.
Stumm verfolgt man das Werk und versucht, ihm einen
Sinn zu entlocken. Ohne Aufklärung wird man entlassen. Erst
nach und nach bahnen sich erste Ansätze des Verstehens
ihren Weg.
Ein eigener Dramaturg hätte der Aufführung gutgetan. Zusammenhangslos
und unstrukturiert plätschert sie dahin. Die
Idee hätte Potenzial, die Umsetzung hinkt jedoch hinterher. Es
fehlen Spannungsbögen und Höhepunkte. Dennoch lohnt die
Rezeption. Ein wohlüberlegtes Stück Theater.

Behind the crown –
Die Beleuchtung „zweier Königin“
Kritik von Tanja Füreder, 15.04.2011
Die kommende Königin kommt. Ihre Audienz wird noch im
Foyer von den beiden Künstlerinnen Chuck Morris selbst angekündigt.
Belehrungen, wie man sich gegenüber Ihrer Majestät
zu verhalten hat, folgen, und dem Publikum wird ein Vorgeschmack
auf die in der Performance wesentlichen Elemente
wie königliche Artikulation und Wortschatz sowie strenger
Disziplin gegeben.
Die Vorinformationen über die Produktion souvereines von
Chuck Morris werfen schon im Voraus einige Fragen auf, das
aufliegende Protokoll über den Ablauf der Vorstellung ist dabei
nicht besonders hilfreich. Die Erwartungshaltung des Publikums
ist von einer gewissen Unsicherheit, jedoch auch von
Neugier geprägt – was wird passieren?
Was schließlich passiert, ist eine Performance, die durch eine
permanente Aneinanderreihung von Charakterbeschreibungen,
fragmentarischen Tanzschritten, regelmäßiger Kommentierung
und unterstützenden Details durch Ton und Beleuchtung
bestimmt ist. Eine Performance, die es sich zur Aufgabe
macht, auf abstrakte und sehr beherrschte Weise die totale
Durchleuchtung einer gespaltenen, tragenden Persönlichkeit
darzustellen. Die Königin Chuck Morris, verkörpert durch
die zwei am Rücken aneinandergebundenen Künstlerinnen
Chuck Morris, steht auf, stellt sich vor, kommt, erscheint, wird
angezogen, tanzt und spricht, denkt sogar vor dem Publikum,
dem Volk, in der Öffentlichkeit, bis sie sich schließlich zurückzieht
und das Stück ein offenes Ende findet. Die gesamte
Vorstellung steht ganz im Zeichen der Hervorbringung der
Gespaltenheit einer Königin als einerseits öffentliche, repräsentierende
und andererseits private Person. Beschreibungen
ihres Charakters in Form einer Aufeinanderfolge sich teilweise
widersprechender Adjektive, hörbar gemachte Gedanken der
divenhaften Herrscherin und das Spiel mit Licht und Schatten,
Beleuchtung und Verdunkelung, verdoppeln diese Aussage.
Obwohl die künstlerischen Elemente, der fragmentarische
Tanz- und Sprechstil wie auch die beiden Künstlerinnen in sich
absolut stimmig und stilvoll sind, mangelt es an einer ausreichenden
Sinnhaftigkeit des Inhalts. Die endlos erscheinende
Folge von Beschreibungen, Kommentaren, Phrasen wirkt nach
einiger Zeit wie ein Kreisen um nichts. Schließlich ist man hin
und her gerissen zwischen Ratlosigkeit, möglicherweise auch
Resignation, aber auch noch einem Funken Spannung, denn
neugierig ist man immer noch und wartet auf einen Bruch,
eine Auflösung, ohne zu wissen, wie diese eigentlich aussehen
könnte. Nach einer Gesangseinlage am Schluss zieht sich die
Königin Chuck Morris jedoch zurück, die Vorstellung endet und
hinterlässt verstörende Eindrücke.
souvereines beeindruckt zwar durch die ausgefeilte Performance,
enthält viele ansprechende Details und Stilmittel, doch
die im Mittelpunkt stehende Thematik der zweigeteilten Person
Königin scheint inhaltlich in dieser Form zu wenig zu sein,
um dem Stück die notwendige Bedeutung und Sinnhaftigkeit
zusprechen zu können.
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e-xilant: Wie verlief eure bisherige Zusammenarbeit?
Chuck Morris: Wir haben zum ersten Mal 2008 zusammengearbeitet
und in „Siebenschönchen“ das Medium Film ins
Theater übersetzt. Als Vorbild diente der tschechische Film
„Tausendschönchen“, der uns sehr viel Spielraum geboten hat,
weil ja die Nouvelle Vague auf allen Ebenen auch sehr viel
experimentiert, etwa mit Schnitt oder Farbe. Wir haben uns
in dieser Produktion mit der postrevolutionären Frage „und
was nun?“ auseinandergesetzt und damit, wie man überhaupt
noch politisch sein kann.
e: Wie kommt ihr zu eurem Namen?
C: Wir wollten bewusst einen gemeinsamen männlichen
Namen, es handelt sich dabei um ein Wort- und Klangspiel.
Von Boris zu Moris und eben auch Morris. Auch Philosophen,
die wir mögen, waren Vorbilder, daher Jacques, später dann
Chuck. Erst beim Googeln ist uns dann die Verbindung zu
Chuck Norris aufgefallen. So kommt es, dass wir oft Kommentare
zu hören bekommen wie: Ah ja, Chuck Morris, davon hab
ich schon gehört.
e: Entwickelt hat sich die Produktion souvereines ja mit eurem
Rechercheprojekt „souvereines Undressed”
C: Ja, das war im April letzten Jahres. Wir wollten auch den
Weg zu unserer Arbeit öffentlich machen, wir haben nämlich
im Schaufenster gearbeitet und so auch gezeigt, was man normalerweise
nicht sieht. Im Theater versteckst du dich ja bis zur
Premiere in deinem Proberaum. Dabei gab es jeden Tag einen
anderen Schwerpunkt wie etwa nackt arbeiten, und am Ende
der Woche kam dann das Krönungszeremoniell. Der Schwerpunkt
der Woche war: Für wen arbeitet Chuck Morris? Und
wem gehört Chuck Morris? Dem Publikum? Gleichzeitig diese
Geste von Souveränität: Wir nehmen uns Aufmerksamkeit, wie
ja z. B. bei der Porträtaktion. Hier findet auch ein Drehmoment
in der Zeit statt.
e: Und warum das Motiv der Königin?
C: Ein wichtiger Punkt war die gesellschaftliche Aussage, dass
alle gleich sind. Wir untersuchen, wie sich die Darstellung
von Macht, die ja heute durchaus noch vorhanden ist, verschoben
hat, denn es ist ja kein Zufall, welche Bilder in der
Öffentlichkeit auftauchen. Dabei waren ältere Inszenierungsformen
interessanter für uns, denn mit der Angleichung an
das Bürgertum beginnen diese sich sehr zu ähneln. Früher gab
es unterschiedlichste Darstellungen von Körpern, etwa die
volksnahe Mutter, die unantastbare Erscheinung oder aber die
starke, erotische Frau.
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Skandal bei den Royals: Chuck Morris packt aus!
Audienz bei Chuck Morris von Eva Kleinschwärzer und Nathalie Knoll, 14.04.2011
e: Was ist für euch Macht, mit welchen Symbolen spielt ihr?
C: Wir haben uns ja auch wissenschaftlich mit Machtattributen
beschäftigt. Das war früher vor allem Bildung, z. B. wenn
man sich vor einem Bücherregal malen ließ. Oder wenn man
seine Verbindung zur Nation körperlich darstellte. Elisabeth
I. ließ sich auf einer Weltkarte stehend porträtieren. Heute
demonstriert man Macht, indem man sich mit moderner und
abstrakter Kunst in Verbindung bringen lässt oder indem man
sich gelassen gibt, z. B. mit Jogginganzug und Baby. Dabei spielen
auch immer die aktuellen Wertvorstellungen der Gesellschaft
eine Rolle. Was bleibt, ist eine Struktur von Einschüchterung
und Schau-ich-hab-das-deshalb-bin-ich-mächtiger. Wir
beziehen uns also generell auf solche Körpertechniken. Heute
sieht man sich ja eher „released“. Durch diese Natürlichkeit
könnte man auch meinen, dass der Zuschauer ebenso gut auf
der Bühne stehen kann. Tut er aber nicht, und deshalb sind wir
im Endeffekt doch nicht alle gleich.
e: Warum identifiziert sich Chuck Morris über zwei Königinnen
in einer Person?
C: Inspiriert hat uns dabei die Aussage, dass Königinnen einen
natürlichen und einen politischen Körper haben. Das kann man
auf zwei Ebenen verstehen, nämlich so, dass der Körper der
Frau sowohl privat als auch öffentlich existiert, oder so, dass der
natürliche Körper vergänglich ist, während der politische Körper
von Herrscher zu Herrscher weitergereicht wird. So entsteht
auch das moderne Bürgersubjekt, wo jeder seinen Status, seine
Rechte und Pflichten hat, und so entstehen auch hier ein privater
und ein öffentlicher Körper, diese beiden sind quasi untrennbar.
Auch bei Königinnen verschmelzen diese Körper, denn um
politisch wirksam zu sein, muss der private Körper immer noch
gebären können. Wer in unserem Fall was repräsentiert, bleibt
der Überlegung des Zuschauers überlassen.
e: Wie waren die Reaktionen in Hamburg und Berlin bisher?
C: Wir erzeugen ja im Vorhinein schon eine Erwartungshaltung
von Perfektion, weil wir sehr systematisch und formell arbeiten.
So erziehen wir unser Publikum zu einem strengen Blick.
Und das ruft durchaus starke Reaktionen hervor, auch deshalb,
weil wir den Zuschauer am Ende mit seiner Meinung allein
lassen und wir dessen Erwartungen an zeitgenössische Kunst
im Allgemeinen vielleicht nicht erfüllt haben.
e: Habt ihr eine Lieblingskönigin?
C: Elisabeth I. !

„I hob’s net gechecked“ – „Ob die Ballett machen?“
Stimmungsbild von Sebastian Schley, 15.04.2011
Gerade hat sich die „kommende Königin“ hinter die kleine
Bühne des brut im Konzerthaus zurückgezogen. Die Audienz
ihrer Majestät scheint beendet. Langsam erlöschen die
Scheinwerfer, die Boxen verstummen und es wird dunkel und
still. Nur eine Handvoll Zuschauer begreift diesen inzwischen
ritualisierten, beinahe standardisierten Vorgang der theatralen
Dramaturgie und beginnt nun zögerlich damit, ihre
Handflächen aneinanderzuklatschen. Der mehrheitliche Rest
– darunter ich – verharrt in der Stille und reagiert erst, als das
große Saallicht zum kollektiven Mitmachen einlädt.
Was zurückbleibt, ist allumgreifende Ratlosigkeit. Floskeln machen
die Runde. „I glaub, I hob’s net gechecked“, „Aha“, „Was
war das denn?“.
Ich gehe in den Vorraum, schaue mich um und blicke ausschließlich
in irritierte und nachdenkliche Gesichter. „Ich
brauch wohl noch ein bisschen Zeit, bis sich mir der Sinn des
Ganzen erschließt“, erklärt ein e-xilant-Kollege, „vielleicht weiß
ich’s in drei Stunden.”
Bildrechte: Christoph Wingelmayr
Vielen scheint es da nicht anders zu gehen. Ein paar
Meter weiter treffe ich auf eine Kulturreferentin des Landes
Niederösterreich. „Mal was anderes, irgendwie passend zu
Österreich, das Monarchie-Thema“, erzählt sie. Ihre Freundin
fügt hinzu, dass vor allem die tänzerische Choreografie eine
Wahnsinnsleistung sei. „Ich arbeite im Bereich Theater und
Performancekunst und hab so was selber mal einstudiert –
das ist unglaublich anstrengend.”
Ich frage, was ihnen das Stück inhaltlich gesagt habe, und
ernte zunächst langes Schweigen. Die Kulturreferentin
versucht sich an der Interpretation der doppelmenschlichen
Beschaffenheit der „kommenden Königin“, was ihr allerdings
nicht so recht zu gelingen scheint. Anschließend ergänzt sie:
„Man hat sich aber wirklich wie das Volk gefühlt“, und ihre
Freundin bemerkt: „Die eine hatte so einen ganz durchdringenden
Blick, das hat wirklich funktioniert.”
Inzwischen hat sich der Vorraum fast vollständig geleert. Ich
beschließe zu gehen, um die Lovefuckers-Inszenierung im
Künstlerhaus nicht zu verpassen. Um mich herum scheint sich
die Irritation allmählich in verblüffte Anerkennung gewandelt
zu haben. Auch die Wortfetzen, die ich hier und da noch auf
der Stiege aufschnappe, sind jetzt andere:
„Große Leistung“, „Sich so zu bewegen, muss schwer sein“,
„Ob die Ballett machen?“.
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„Die Zeit ist reif für einen Politthriller über Muammar al-
Gaddafi“, erkannten die Lovefuckers aus Berlin lange vor den
aktuellen Ereignissen in Libyen. Die Gruppe um Ivana Sajevic,
Theaterwissenschaftlerin und Absolventin der Schauspielkunst
an der Ernst Busch-Hochschule, Abteilung Puppenspielkunst,
und Anna Menzel, ebenfalls Absolventin der Puppenspielkunst,
setzten sich mit dem nordafrikanischen Herrscher auseinander,
lange bevor er die Medien einnahm. Eben aufgrund der
fehlenden medialen Beschäftigung mit den haarsträubenden
Allüren des „Königs aller Könige“ hatte sich Regisseurin Sajevic
dieser Thematik angenommen und damit offensichtlich ins
Schwarze getroffen.
Am Anfang der Idee und auch zu Beginn der Proben waren
die Ereignisse im Wüstenstaat nicht einmal zu erahnen – im
Gegenteil: Sajevic war noch beim Ausbruch der Revolten in
Tunesien skeptisch gegenüber der Möglichkeit einer solchen
Entwicklung in Libyen; zu festgefahren, zu verschlossen sei das
System, Gaddafi habe „sein Volk unter eiserner Hand“. Seine
starke autoritäre Führung werde einen möglichen Aufstand
wohl schon im Vorfeld verhindern. Denn die Lovefuckers hatten
bereits die dramaturgische Setzung, zum Ende des Stücks
hin eine Revolution ausbrechen zu lassen, ohne eine solche als
realistisch anzusehen – doch dann geschah ebendies, und die
Truppe änderte ihr Vorhaben ein wenig ab; nicht etwa zum
aktuellen Geschehen hin, nein, von den Ereignissen weg.
Schließlich wäre es hinfällig, zu zeigen, was täglich ohnehin in
den Medien verfolgt werden könnte. Wer mit dem Bedürfnis
zu politischer Aufklärung das Stück besucht, wird nicht fündig
werden - davon zeugen auch Stimmen aus Berlin: „Stand das
Konzept schon vor den aktuellen Ereignissen?“ – „Vor einem
halben Jahr hätte ich es recht lustig und witzig gefunden“. Insgesamt
aber wurde das Konzept rund um Puppentheater, Videosequenzen,
Schauspiel und Musik, abgerundet durch einen
deutsch-englisch-italienisch-arabischen Akzentmix, bislang
äußerst lobend aufgenommen: Gaddafi als halbmetergroße
Puppe, mit schwarzer Lockenperücke, Las-Vegas-Sonnenbrille
und den für ihn so typischen pompösen Kaftanen; laut gegen
Amerika wetternd („Fuck USA!“), und sich als großer Revolutionsführer,
überzeugter islamischer Sozialist und Gegner aller
parlamentarischen Demokratien präsentierend.
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Gaddafi Superstar – Politthriller, Puppenporno, Popsensation
Vorbericht von Tea Sahǎcić, 06.04.2011
„Ich bin der König aller Könige!“
Warum Gaddafi als Puppe? Eine überzeugende Darstellung
durch einen Schauspieler hätte sich als schwierig erwiesen;
schließlich bleiben immer die eigene Präsentation und die Inszenierungsfreiheit
des Darstellers. Bei einer widersprüchlich
schillernden Figur wie Muammar al-Gaddafi wäre das aber ein
zu starker Kontrast gewesen – sind sein Auftreten, seine Reden,
Gesten und Handlungen, doch bereits diskrepant genug;
einerseits messiasgleich Weltfrieden, Gleichberechtigung und
Volksbestimmung aus seinem „Grünen Buch“ – einer möchtegern-utopiesozialistischen
Schrift – predigend; andererseits
mit despotischer Hand seine Untertanen führend, politische
Positionen und Milliarden von Dollar freimütig an Verwandte
verteilend. So unberechenbar wie Gaddafi selbst kann nur sein
Puppenabbild sein: eine leere Hülle, mal von einer Seite, mal
von der anderen geführt, die die Identität Gaddafis unreflektiert
annehmen kann, ihn in allen seinen Facetten zeigt. Dank
der Puppe ist Gaddafi nonexistent; es lässt sich leichter auf
den Inhalt konzentrieren, erlaubt einem das unbefangene
Lachen über diese widersprüchliche Figur.
Weiß Gaddafi eigentlich, dass er sich ständig selbst widerspricht?
Diese Frage tritt neben seinem spektakulären Lebens-
und Regierungsstil wohl oder übel in den Hintergrund. Denn
Superstar Gaddafi ist ein Meister der Selbstdarstellung; allein
durch diesen Umstand sprang er Ivana Sajević erst einmal ins
Auge: ein Mann, der sich eine Leibgarde, bestehend aus vierzig
weiblichen Jungfrauen, allesamt in einem eigens hierfür eingerichteten
Trainingslager in Tripolis ausgebildet, hält; der sich
strikt weigert, bei Staatsbesuchen in Hotels zu nächtigen, und
stattdessen vehement darauf besteht, sein Zelt – in guter alter
Beduinenmanier – mitten im Central Park aufzuschlagen um
angemessen logieren zu können; einer, der die UN Charta verbrennt
um seinen Standpunkt auszudrücken – das ist Muammar
al-Gaddafi, der 1969 durch einen Staatsstreich gegen den
vormaligen libyschen König Idris zu absoluter Macht gelangte,
und der von über zweihundert afrikanischen Königen und
Stammesherrschern zum „König aller Könige“ ausgerufene
dienstälteste Diktator der Welt.

Lachen erlaubt
Despotischer Herrscher, beherzter Idealist, träumerischer
Dichter und gewandter Monopolist in einer Person, ist ihm die
King of the Kings-Aufführung wie auf den Leib geschneidert:
bunt, laut, wild durcheinandergewirbelt, trashig; hier lassen
die Lovefuckers die Puppen wortwörtlich tanzen, und nicht
nur das; sie springen, fliegen, singen. Im Vordergrund steht
das unbegreifliche Leben und Wirken des libyschen Diktators,
der es wie kaum ein anderer versteht, sich zu inszenieren.
Jeder Auftritt ist eine große Show, die den von ihm initiierten
„Mythos Gaddafi“ unterstützen soll. Ein wahrer Performancekünstler,
der die Aufmerksamkeit sucht, sie liebt. So gesehen
ist King of the Kings lediglich eine Überspitzung des wahren
Lebens Gaddafis; eines Mannes, der den Unterschied zwischen
Öffentlichkeit und Privatheit, ganz dem Freischwimmer-Thema
„Rückzug ins Öffentliche“ gemäß, nicht mehr zu erkennen
vermag: Persönliche Wünsche und Vorstellungen werden auf
ein gesamtes Volk projiziert, unhaltbaren Handlungen wird
eine politische Ideologie zugrunde gelegt, das eigene private
Denken wird im Gesetz festgeschrieben. All dies wirft die
Fragen auf: Wie kann so jemand beinahe ein halbes Jahrhundert
an der Macht geblieben sein? Warum ließen ihn alle so
lange gewähren? Und was ihm da alles gewährt wurde, das
ist in der Vorstellung zu bestaunen: Gaddafi mit „best friend“
Berlusconi, der ihm im Falle des Falles vorsorglich schon das
Exil in Italien zugesichert hat, bei Sexspielchen mit Fesseln und
Peitschen; Gaddafi auf der Toilette, natürlich samt weiblicher
Leibgarde; Gaddafi beim alltäglichen Waffeneinkauf.
King of the Kings ist ein Stück mit großer Gestik, ein Stück
für die Massen, auch für solche, die nicht über das libysche
Geschehen informiert sind; eine krachende Komödie, die die
Zuschauer womöglich noch weiter von der ohnehin fernen
politischen Realität entfernt und sie, getragen durch offene,
wenngleich auch kritische Pointen, der persönlichen Verantwortung
entbindet. Ein Stück zum Lachen. Also: Lachen ist
erlaubt. Und erwünscht.
Handpuppen im Kugelhagel
Kritik von Jennifer Vogtmann, 15.04.2011
Der 2008 zum König der Könige von Afrika ausgerufene und
selbsternannte Revolutionsführer Muammar al-Gaddafi
stattete Wien im Rahmen einer Produktion der Lovefuckers
einen Besuch ab. Als Handpuppe inszenierte er sich selbst
als „King of the King“ im gleichnamigen Stück und residierte
natürlich wie üblich im Beduinenzelt. Seine persönliche Garde
hatte er selbstverständlich auch mitgebracht. Noch vor dem
ersten Auftritt des Revolutionsführers bekamen die Zuseher
via Videoprojektion eine Umfrage zur Person Muammar al-
Gaddafi zu sehen. Anschließend begann das rasante Stück.
Immer wieder fielen Schüsse. Immer wieder Entwarnung
durch die angespannte Leibgarde. Was braucht ein Mann wie
Gaddafi also, nachdem er seine Geschenke entgegengenommen
hat? Waffen. Also traf er sich erst einmal mit den Waffenexperten
und ließ sich vom Social Business, drei Handpuppen,
die neuesten Waffen vorführen. Nicht aber ohne sich vorher
frisch zu machen, und so bekamen die Zuseher, wie in jedem
Szenenwechsel, via Videoprojektion Einblicke in das Leben
des selbsternannten Revolutionsführers hinter den Kulissen.
Freund wie Feind hatten in King of the Kings ihren Auftritt.
Von Berlusconi ließ sich Gaddafi lustvoll den Hintern versohlen,
Jörg Haider bat er um sein Geld. In Reagans Grab wollte
Gaddafi sich verstecken und mit den Schweizern (Fingerpuppen),
die aus dem Vogelkäfig auf Gaddafis fliegendem Teppich
geflohen waren, gab es eine hitzige Verfolgungsjagd. Aber
auch die lyrische Seite Gaddafis fand mit dem Buch „Das Dorf,
das Dorf, die Erde, die Erde (...)“ Erwähnung. Das „Grüne Buch“
wurde den Zusehern während der Vorstellung von zwei um
die Wette feilschenden Darstellern zum Verkauf angeboten.
Und immer wieder hatte Muammar al-Gaddafi ein ihm selbst
huldigendes Lied auf den Lippen. Beinahe schon hätte ich mit
der exzentrischen Handpuppe sympathisiert, doch als ihm ein
Anhänger (ebenfalls eine Handpuppe) den neuesten Gaddafi-
Witz erzählte, zeigte sich die grausame Seite des „King of the
King“. Er beschloss: „Wer den Witz erzählt, wird erschossen,
und machte bei seinem Informanten den Anfang. Ganz ohne
Scham und mit viel überzeichnetem Humor brachten Lovefuckers
ihr fulminantes Stück auf die Bühne. Wer traut sich den
nächsten Witz zu erzählen?
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„Let‘s fetz” sprach MC G …
und flog mit dem goldenen Teppich davon
Kritik von Lisa Schöttel, 16.04.2011
Egal ob beim entspannten „Bunga Bunga“ mit Silvio Berlusconi
oder beim Kamelritt durch die Wüste: Gaddafi rockt, und jeder
schweigt, wenn er befiehlt.
Mit der Inszenierung des Wüstendiktators haben sich die Lovefuckers
an ein sehr brisantes Thema gewagt, das durch die aktuellen
Ereignisse entweder zum Top oder aber auch zum Flop
werden konnte. Sie wandern eine Stunde lang auf der Grenze,
treten ab und zu einen Schritt zu weit in den Klamauktopf und
überzeugen doch auf voller Linie.
Würde man nicht wissen, dass das Stück bereits vor den Kämpfen
der Rebellen mit Gaddafi entstanden ist, so würde man
sehr wohl an der Moral der Darsteller zweifeln.
Aber warum nicht das ganze Thema mal völlig in die Lächerlichkeit
ziehen, oftmals werden der Klamauk und die
Groteske politischer Prinzipien erst durch ihre Übertreibung
beim Zuseher wahrgenommen. Die vielen Skandale, die in der
Politik passieren, die vielen Menschen, die in der Öffentlichkeit
stehen, werden durch den Kakao gezogen und dabei nicht mal
mehr abgetrocknet.
Die Inszenierung des libyschen Diktators ist perfekt getimed
und choreografiert, es entstehen keine Lücken oder Unsicherheiten.
Und auch die Bewegungen und die Stimme der Puppe
Gaddafis wirken von Anfang an sehr authentisch. Zuerst noch
in unverständlichem Arabisch, erklärt uns Gaddafi schon bald
die Freuden des Diktatorendaseins auf Englisch. Egal ob er
über die Vormachtstellung des Mannes gegenüber der Frau
spricht, da diese ja durch Schwangerschaft und Stillen ständig
geschwächt ist, oder seine Untertanen zu Tänzen und Liedern
zwingt. Er ist sich seiner Macht bewusst und verfällt dadurch
in die Rolle eines kleinen Kindes, das sich über neue Waffen so
freut wie andere Kinder über einen neuen Bauklotz.
Und hinter ihm versammeln sich neben den internationalen
Business-People und Schweizer Bergtouristen auch bekannte
korrupte europäische Politiker, die uns einen Einblick in ihre
scheinbar wichtigen Aufgaben in der Weltpolitik gewähren.
Berlusconi schaut z. B. auf einen Sprung in Libyen vorbei, um
Gaddafi den Hintern zu versohlen. Oder Jörg Haider, der von
Gaddafi aus der Gruft geholt wird, um ihm geheime Kontodaten
zu entlocken, und der jedoch nur am Oberkörper Gaddafis
interessiert ist. Kärnten wäre empört!
Natürlich kann diese große Übertreibung auch als Witzvorstellung
abgetan werden, die à la Villacher Fasching die Politiker
auf die Schaufel nimmt. Aber King of the Kings fällt nicht in
diesen Topf, da trotz der humorvollen und grotesken Art und
50
Weise auch ein leiser kritischer Ton mitklingt. Gespräche
werden alle zwei Minuten von wildem Schießen unterbrochen.
Eine Realität, die sich zurzeit auch in Libyen abzeichnet. Schon
durch die Lautstärke der Pistolen überkam den Zuseher ein
mulmiges, wenn nicht sogar ängstliches Gefühl.
Auch in der Inszenierung der Figur Gaddafis zeigen die
Lovefuckers viele Facetten, die vielleicht auch in der Realität
helfen, das Schaffen dieses Mannes zu verstehen oder zumindest
nachvollziehbar zu machen. Was Gaddafi fehlt, ist
Menschlichkeit. Am Ende kann er sogar nur noch als Kopf ohne
Körper existieren. Wie ein Regenwurm, den man auszulöschen
versucht, der aber immer weiterleben kann.
Die Atmosphäre, die die Lovefuckers auf der Bühne schaffen,
ist sehr dicht und spannend. Von Puppenspielen, Tanzeinlagen
bis hin zu abenteuerlichen Verfolgungsjagden bleibt
kein Genre ausgespart. Trotzdem bleibt das Stück sehr an der
Oberfläche hängen. Kritik wird geübt, aber schon im nächsten
Satz wird einfach ein neuer Politiker aufs Korn genommen. Die
Lovefuckers wollten sich austoben und begeistern, Tiefgründigkeit
wird der Zuseher eher nicht finden. Aber vielleicht ist
das Stück genauso banal, wie es auch die Politik ist.
Und am Ende entlarvt sich Gaddafi eben nur als ruhmgeiler
Popstar, der die Aufmerksamkeit der Menschen braucht und
heilfroh darüber ist, dass die Lovefuckers nun endlich auch ein
Stück über ihn geschrieben haben. „Let's fetz” lautet seine Devise,
und wir hoffen mal alle, dass er bald wirklich auf seinem
Teppich über alle Berge fliegt.

„What is the question?”
Auszug aus dem Interview mit Lovefuckers von
Birte Gemperlein und Daniela Scheidbach, 15.04.2011
„I don’t like to be on television and give interviews“, so einmal
Gaddafis Worte während eines Fernsehinterviews. Gut,
dass die Lovefuckers um die Puppenspielerinnen Anna Menzel
und Ivana Sajevićc nicht so „scheu“ drauf sind wie der
selbsternannte „King of the King“. e-xilant wurde fleißig Rede
und Antwort gestanden, ganz ohne Gaddafi'sches „What is
the question?”
e-xilant: Wie ist die Idee aufgekommen, ein Theaterstück über
Gaddafi zu machen?
Ivana Sajevic: Die Idee liegt sehr lange zurück. Es hatte damit
zu tun, dass ich verschiedene politische Figuren herausgepickt
habe und eigentlich ein Stück machen wollte über viele
Politiker, und dann habe ich bei Gaddafi gemerkt, der gibt
ziemlich viel Stoff her für einen eigenen Abend. Und dann hat
sich im Rahmen des Freischwimmer-Festivals im letzten Jahr
die Möglichkeit ergeben, da ein Konzept einzureichen. Dann
hab ich das gemacht mit den Grundsäulen der Konzeption und
dann das Team zusammengestellt, und Anfang Januar gab's
die Proben.
e: Wie muss man sich das vorstellen? Wie hast du das Stück
zusammengebastelt?
IS: Gaddafi hat ja zwei Bücher geschrieben. Das war eine
wichtige Grundlage. Es gab so einen groben Szenenplot. Es
gab auch mal die Überlegung, ein Stück zu schreiben, also
ein Gerüst davor festzulegen. Aber dann hab ich immer mehr
gemerkt, das ist irgendwie Quatsch, weil ich schon wusste,
wer da so mitspielt, und die meisten auch kannte, und ich
habe mich dann entschlossen, anhand dieses groben Plots zu
improvisieren. Und die ersten vier, fünf Wochen haben wir entlang
der Szenen permanent improvisiert. Alle wurden gebrieft.
Die wurden irgendwann so gut wie möglich auf denselben
Stand gebracht, wie ich selber war. Wir haben in den Proben
die beiden Bücher gelesen, wir haben sehr viele Artikel über
ihn gelesen, wir haben sehr viel diskutiert, weil es immer viele
verschiedene Meinungen dazu gab. Und dann kam natürlich
auch sehr viel von den Spielern mit rein. Weil jeder hat selber
angefangen, mitzudenken, und da ja improvisiert wurde, hatten
sie immer die Möglichkeit, Sachen einzubringen. Und so
hat sich dann im Laufe der Probenzeit alles zusammengesetzt.
e: Hattet ihr keine Angst vor diesem doch eher
heiklen politischen Thema? Gab es nicht auch etwas
Beklemmung deswegen?
Annemie Twardawa: Angst auf keinen Fall. Aber ich hab auf
jeden Fall damit gerechnet, dass es mehr negative Reaktionen
gibt und auch eine Abwehrhaltung und Leute, die halt eher
sagen, man kann nicht so leichtfertig mit einem Diktator
umgehen, mit einer Person, die die Macht hat, Menschen umzubringen.
Die meisten haben das eher so gesehen, dass man
so gut mit dem Thema umgehen kann. Dadurch, dass die Lage
dann aber so ernst wurde, hat das immer mehr Sinn gemacht,
jetzt was über ihn zu machen. Und auch auf die Art. Weil man
auf die Art Sachen darstellen kann, die man anders einfach
nicht darstellen könnte. Wir haben das ja eigentlich alles nur
so nachgespielt.
Anna Menzel: Bei mir eigentlich gar nicht am Anfang. Wenn
du improvisierst, dann nimmst du dir erst mal den Raum und
musst auch alles machen dürfen, dafür ist die Probe ja auch da
– um alles auszuprobieren. Später hab ich schon mal überlegt,
wie finde ich das selber jetzt grade? Darf man das machen?
Ich hab mir dann gedacht, das ist nicht meine Aufgabe. Ich
mach es gerne und mir macht es Spaß und ich kann auch über
solche Sachen lachen – ich hab eh an schwarzen Humor.
Nils Zapfe: Ich fand's interessant, dass sich die Gegner im
Publikum für mich beim Entwickeln irgendwann geändert
haben. Als wir angefangen haben, im Januar gab es noch keine
arabische Revolution in irgendeiner Form, war immer meine
ängstliche Sorge: Wie weit reichen eigentlich die Arme von
Gaddafi? Was heißt denn das, wenn wir das in Berlin machen
und Aufmerksamkeit erregen? Was heißt das für mich? Was
heißt das für meine Familie? Und dann hat sich das aber total
geändert, durch die Revolution und die Überinformiertheit des
Publikums, mir war dann klar: Ok, die Leute, die es wirklich kacke
finden, werden die überinformierten Bildungsbürger sein,
und um die kümmere ich mich nicht.
e: Wie sehr hat sich denn das Stück verändert, dadurch dass
sich die Situation in Libyen zugespitzt hat?
IS: Also an der eigentlichen dramaturgischen Uridee - wir
benutzen seine Inszenierungskunst, die er selber mitbringt
real, und transportieren das auf die Bühne – hat sich eigentlich
gar nichts geändert. Es gab ursprünglich noch eine dramaturgische
Idee fürs Ende, die Revolution zu zeigen, zu einem
Zeitpunkt, zu dem keiner davon ausgegangen ist, dass sie
jemals möglich wäre in Libyen. Und dann ist die passiert, und
dann war die Entscheidung, es ist jetzt hinfällig das zu zeigen.
Aber an der Uridee hat das nichts verändert.
e: Sind die Änderungen zum Stück während der Proben entstanden
oder schon davor?
51

AM: Die sind während der Arbeit entstanden. Es war ja so,
dass wir den ganzen Januar am Plot gearbeitet haben, und
Mitte Februar, als es losging, haben wir erst mal verfolgt,
schwappt es jetzt von Ägypten über? Wahrscheinlich nicht.
Und dann plötzlich ist es passiert. Dann war eine Woche, die
ganz extrem war, und gerade zur Premiere war die ganze
Situation auf dem Höhepunkt. Es war schon heftig. Es waren
wirklich die letzten zwei Wochen, da haben wir ganz viel verändert.
Wir haben auch noch am letzten Tag noch unglaublich
viel verändert.
e: Wieso eigentlich eine Puppe als Diktator?
AM: Diese Puppe hat sehr viel Kraft. Wenn das einfach ein
Mensch wäre oder ein Schauspieler, dann hätte es glaube ich,
nicht so eine Kraft, dass er uns, den vier Bodyguards, Befehle
gibt. So ist das halt ganz stark, weil er ohne uns eigentlich
nichts tun kann, wir aber voll für ihn da sind und auch verantwortlich
sind. Das ist so ein Machtspiel, das hin und her
geht. Er braucht ja Menschen, die für ihn da sind, aber er hat ja
trotzdem eine ganz wichtige Position.
e: Heute habt ihr ja auch den Jörg Haider mit reingenommen
ins Stück. Variiert das von Stück zu Stück?
AM: Nein, der ist immer dabei. Das passt halt einfach sehr gut.
e: Waren die Rollenwechsel schwer? Weil ja praktisch jeder
mal den Gaddafi gespielt hat und auch sonst jeder von euch
ziemlich viele verschiedene Rollen im Stück hat.
AM: Es war von Anfang an so angelegt, dass wir alle Charaktere
zusammen entwickelt haben. Viele von den Szenen hat
irgendjemand improvisiert. Und dann hat jemand anderer
diese Erfahrung übernommen. Wir haben einfach geguckt, wie
es gerade gut passt.
AM: Ne, weil wir sind Puppenspieler. Wir haben das gelernt
sozusagen, sich da so ranzutasten an verschiedene Figuren.
Das ist unser täglich Brot, also war das nicht so schwer. Aber
Nils ist Schauspieler und nicht Puppenspieler.
NZ: Für mich war es das erste Mal mit Puppen, ich hab auch
nach fünf Wochen meinen Kollegen gestanden, dass ich auch
noch nie Puppentheater gesehen habe – das hab ich lange für
mich behalten. Also ich hab halt ganz oft Punkte gehabt, da
war das so dilettantisch, da schäm ich mich eigentlich, aber
Ivana hat da eine super Form gefunden, das alles zu führen,
uns Sicherheit zu geben und das anzuführen, dass man immer
52
in einem sicheren Raum war. Jeder kann etwas anderes besser,
der eine kann besser singen, der andere besser tanzen,
andere können besser Puppen führen. Dadurch verliert man
auch die Scham.
e: Wie waren bis jetzt die Publikumsreaktionen?
AM: Also ich kann das nur sagen von Gesprächen, die ich danach
geführt habe mit Leuten, die ich kenne. Es gab Leute, die
waren sehr begeistert, und es gab Leute, die fanden es furchtbar.
Was ich auch verstehen kann, weil wir machen ja auch
kein politisches Theater in dem Sinne, wenn man das erwartet,
kann ich mir gut vorstellen, dass die sagen: Was machen die da
für nen Scheiß? Ich hatte beim Spielen aber das Gefühl, dass
die Leute auch Lachen konnten.
AM: Es war schon sehr offen, das Publikum in Wien.
e: Ivana, hast du schon Pläne für den nächsten Politiker, den
du gerne als Hauptdarsteller inszenieren würdest?
IS: Möglicherweise. Vielleicht mache ich aber auch erst mal
auch was ganz anderes. Es gibt gerade Ideen, die in eine völlig
andere Richtung gehen, aber es gibt durchaus auch Überlegungen,
sich einzelne Figuren zu greifen und da noch mal was
draus zu machen. Es ist nur die Frage, macht man das wirklich
in demselben Format? Ich find's immer ganz interessant für
mich, zu schauen, was gibt so ein Inhalt her, und danach die
Form zu entscheiden, zu schauen, was bietet sich an, bei Gaddafi
hat sich das halt angeboten – das war für mich/uns der
einzige richtige Weg.
e: Lovefuckers, vielen Dank für's Interview!

MC G, der Hanswurst des Orients
King of the Kings in 200 Worten
von Birte Gemperlein, 17.04.2011
Aram sam sam, aram sam sam, guli guli guli guli, aaaaram
sam sam. Araaaavi, Araaavi. Guli guli guli guli aaaram sam
sam. Ein marokkanischer Nonsense-Kinderhit, präsentiert
in King of the Kings. Da allerdings nicht als Hit, sondern als
Zauberschwur. Für den fliegenden Teppich, versteht sich.
Wunderwaffe von „Sooocial Business!“, kurz SB, gefertigt für
den großen Muammar al-Gaddafi, kurz MC G, Shootingstar
Libyens, Afrikas, des Orients, der Welt! Neben Musiker auch
noch der Verfasser vom Bestseller „Das Dorf, das Dorf, die
Erde, die Erde und der Selbstmord eines Astronauten“ und
jetzt auch noch (Verzeihung: „endlich“) Schauspieler im
eigens kreierten „theatre piece“. Kennt sie alle: „Bella“sconi,
Ronald Reagan und Jörg Haider. Doch helfen kann ihm keiner.
Will ihm keiner. Sind ja auch schon halb tot. MC G auf der
Flucht. Nur wohin? Das Problem: die Bevölkerung macht
Stress. Aber Entertainment geht halt vor. Lasset die Puppen
tanzen! Mit Musik vom DJ. Plötzlich Maschinengewehre,
Durcheinander, Krawall. Die Bodyguards spielen verrückt.
Die Schweizer Käfiggarde auch, ist einfach entflogen. Es wird
gerannt, gehetzt, geschossen, gebissen, gestürzt, getötet,
gemordet – „Stopp! Ich hab jetzt kein Bock mehr!“, so MC G.
Und was MC G sagt, ist halt Gesetz, egal ob albern unglaublich
oder leider bizarr real …
„The weird world of Gaddafi
on stage“ • Was halten Sie davon?
von Birte Gemperlein und
Daniela Scheidbach, 15.04.2011
„Es hat sehr viel Spaß gemacht, zuzuschauen. Denen ist
irrsinnig viel eingefallen dazu. Es gab ja fast keine Minute
Stillstand. Ich find’s auch witzig, dass man sich auf diese
Weise einem ernsthaften Thema widmet. Denn Gaddafi war
ja vor der Revolution auch schon Sinnbild für Terrorismus und
Unterdrückung. Ähnlich wie Charlie Chaplin mit dem Diktator
geht man jetzt daher und verulkt diese Figur auf eine solche
Weise. Wirklich sehr, sehr gelungen!“
„Ich hab kurz überlegt, ob’s eigentlich ok ist, dass man solche
Scherze darüber macht. Dass man so eine ernste Sache so
behandelt, aber eigentlich ja, weil das Kunst ist, und Kunst ist
dazu da. Es war wirklich lustig.“
Bildrechte: Gerhard F. Ludwig
53

Die obligatorische Abschiedsfeier eines jeden Theaterfestivals
wurde dieses Mal begleitet von einem Konzert der Band The
MOb mit der Frontfrau Magdalena Chowaniec, die uns bereits
aus der Performance Bis dass der Tod uns scheidet bekannt ist.
Sie war kaum wiederzuerkennen, diese zierliche junge Frau,
die wir als strahlende Braut in einem unschuldigen weißen
Kleid kennengelernt haben und die nun auf der Bühne stand,
sehr modern und lässig gekleidet, in diverse Lichteffekte getaucht
(am Eingangsbereich warnte ein Schild davor, dass bei
dem Konzert ein Stroboskop eingesetzt wird), Musik, die dem
Genre Punk zugeschrieben werden kann, grölend.
Doch bevor es zu dieser Szene kam, gab es zugunsten des
Aufbaus der Instrumente im Saal, noch eine Pre-Konzert-Party
in der brut-Bar. Man sah dort bekannte Gesichter wie Künstler
des Festivals sowie auch Leute aus dem Publikum der vorangegangenen
Performance King of the Kings, aber auch viele,
die sich nur aufgrund des angekündigten Konzerts dazugesellt
haben. Dementsprechend voll war die brut-Bar, es war
schwierig, einen Sitzplatz zu ergattern. Was eine angenehme
Unterhaltung zusätzlich erschwerte, war die laute und düstere
Musik, die einen dazu zwang, sich den Inhalt des Gespräches
ins Ohr schreien zu müssen. Ein positiver und großzügiger
Aspekt seitens der Festivalveranstaltungsleitung war, dass es
kostenlosen Sekt und Verpflegung in Form von Wraps für die
Festivalmitarbeiter wie u. a. die Autoren der Festivalzeitung
und die Künstler gab.
Jedoch bin ich nicht aufgrund des Sekts gekommen, sondern
zum Konzert, und war auch kurz nach 23 Uhr im Veranstaltungsort
anwesend, so wie einige wenige auch. Da viel Platz
vorhanden war, setzten sich die meisten Zuschauer auf die Zuschauerränge,
was eine eher ungewohnte Konzertatmosphäre
generierte. Der Künstlerin sowie Frontfrau fiel dieser Umstand
auch auf, weshalb sie die Leute immer wieder zum Aufstehen
und Näherkommen aufforderte, dem vereinzelte Zuschauer
Folge leisteten. Es kamen immer mal wieder Zuschauer dazu,
jedoch änderte sich nichts an der ungelösten und gehemmten
Stimmung. Das Konzert dauerte auch nur etwa eine Stunde,
und trotz des Bemühens und guter Leistung der Band war es
aufgrund der passiven Zuschauer eine Enttäuschung.
Nach und während des Konzertes gab das DJ-Team TT Bretterbodendisko
sein Können in der brut-Bar zum Besten. Jedoch
hatten es eher wenige Zuhörer, was vielleicht daran lag, dass die
Party von den meisten an andere Orte verlegt worden ist, denn
kurz nach Konzertende strömten die meisten wieder hinaus ins
kalte Wien und damit vielleicht in ein heißeres Nachtleben.
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Was Künstler und ihr Publikum
noch so glücklich macht
Partybericht von Katja Poloubotko, 17.04.2011
Das Oeuvre zum Schluss
Endblick auf den Notstand
Partybericht von Theresa Naomi Hund, 17.04.2011
Der Notstand endet, wie er angefangen hat. Mit Barbara
Ungepflegt als Bedienerin, Clemens Stecher als glücklichem
Gewinner des Candle-Light-Dinners, vielen Schaulustigen,
Wagemutigen und Hungrigen. Auf der Speisekarte stehen
Armer Ritter, Strammer Max, Barbusige Kopflose, Falscher
Hase, Liebesknochen und, wie es sich gehört, ein Gruß aus
der Küche. Gang für Gang serviert Barbara ganz klassisch mit
Serviertuch und Haube auf einem mit einer Kerze angerichteten
Tablett Clemens die einzelnen Speisen. Immer wieder
bekommt er Besuch von anderen Notleidenden. „Heute
ausnahmsweise zu zweit im Notstand“, hallt es durch das
Megafon. Bevor Clemens mit seinem Mahl beginnt, fotografiert
er dieses, er kann sein Glück scheinbar nicht fassen. Mit
Plastikbesteck verspeist er den Strammen Max. Auch am
heutigen Abend geht Frau Ungepflegt wieder ganz in ihrer
Rolle als Bedienerin auf. „Wie schmeckt‘s?“ Beide Daumen
hoch. Frau Ungepflegt ist zufrieden. Neugierige Passanten
besuchen ihn in seinem Reich. Schließlich is(s)t Mensch lieber
zusammen als allein. Beim nächsten Gang, „Falscher Hase“
meint es Frau Ungepflegt besonders gut mit uns. „Diesen
Gang dürfen auch sie mitessen.“ Schließlich will sie die Not
aller Notleidenden stillen. Das Gewinnspiel des ersten Tages
bildet mit dessen Einlösung am letzten das Ende des Notstandes
in Wien. Resümierend stellt man fest, das Ganze
hat Konzept. Und passt mit diesem ausgezeichnet zum
Freischwimmer-Festival. So wundert es nicht, dass es ein
Hochstand ist, welcher auf dem Plakat des Festivals abgebildet
ist. Der Hochstand dient folglich als Versinnbildlichung,
als Sujet für das diesjährige Festivalmotto. Wir ziehen uns
von den anderen Blicken in den Hochstand zurück, um bei
unserem eigenen Beobachten nicht entdeckt zu werden. Der
Hochstand ist privat und öffentlich zugleich. Er steht frei in der
Natur, dient dabei als Deckungs- und Witterungsschutz bzw.
als Beobachtungspunkt, um Tiere zum Erliegen zu bringen.
Im Übertragenen Sinne lässt sich sagen, dass sich der Mensch
aus dem Öffentlichen ins Private zurückzieht und anhand von
sozialen Netzwerken aus der Defensive heraus wieder aus dem
privaten Raum in den öffentlichen eintritt. Ab nach Zürich und
Düsseldorf, um weiteren Notleidenden zu helfen, denn dass
es viele von ihnen gibt, ist mehr als eine Feststellung. In Zeiten
von Social Network und den Massen an virtuellen Freunden
wäre ein Nachahmungseffekt à la Barbara Ungepflegt in
diesem Falle ausnahmsweise wünschenswert.

Gegen den Strom freigeschwommen
Gedanken zum Festivalgeschehen von Florian Peter Pesel, 14.04.2011
„Wien ist anders“ – so lautet der Slogan, mit dem sich die
Stadt Wien stolz der Öffentlichkeit präsentiert. Doch ob dieser
Spruch nun eher als Anerkennung der positiven Andersartigkeit
dieses Ortes oder doch mehr als eine undurchsichtige
Warnung davor zu verstehen ist, sei einmal dahingestellt.
Würde man nun die verschiedenen Theaterhäuser Wiens
mit einigen europäischen Städten gleichsetzen, so wäre das
Pendant zu Wien, passend zu dem oben schon erwähnten
Werbespruch, eine Produktionsstätte, die sich darauf versteht,
anders zu sein – das brut.
„brut ist anders“. Dieses Haus besticht durch seine Andersartigkeit,
im Vergleich zu den restlichen Kunststätten der österreichischen
Hauptstadt. Daher verwundert es auch nicht, dass
das brut als eines der wichtigsten freien Produktionshäuser
des deutschsprachigen Raums einer der Veranstaltungsorte
der Theaterfestivalreihe Freischwimmer darstellt. Das Festival
tourt von Berlin nach Hamburg, um einen kurzen Zwischenstopp
in Wien einzulegen, bevor es weiter nach Düsseldorf
und Zürich zieht.
Den Auftakt zur Veranstaltungsreihe in Wien macht dieses
Jahr am Freitag, den 8. April, Barbara Ungepflegt mit ihrer
Eröffnung des Notstandes. Da die Flasche Sekt, die eigentlich
dafür gedacht war, das hölzerne Projekt von Frau Ungepflegt
auch offiziell auf den Namen „Notstand Wien“ zu taufen, sich
leider zu schade ist, ihren Inhalt sinnfrei zu vergießen, können
sich die Besucher an der prickelnden Flüssigkeit erheitern, um
sich währenddessen über ihre Freude auf die zu erwartenden
Darbietungen im Laufe der nächsten Woche mit den Umstehenden
auszutauschen. Gespannt sind sie alle.
Nach der erfolgreichen Einstimmung auf das Kommende geht
es dann auch schon gleich weiter zur ersten „Hybrid“-Performance
im Konzerthaus. Eine Stunde später macht man sich
mit der nicht so überraschenden Erkenntnis, dass Menschen
nicht perfekt sind, zurück auf den Weg ins Künstlerhaus, um
pünktlich zur nächsten Vorstellung zu sein. Immer noch in
Gedanken über die gerade gehörte Idee der Hybridwesen, ist
man plötzlich Teil eines menschlichen Spaliers für ein unbekanntes
polnisches Hochzeitspaar, und ehe man sich's versieht
steht man mit einem Gläschen Wodka an einer hundertköpfigen
Tafel und prostet sich gegenseitig auf Polnisch zu. Die
folgenden Stunden verbringen wir mit Partyspielen und Tanz,
doch gegen Ende des Abends ist es dann auch genug und das
Angebot des Bräutigams, der sich auch als DJ entpuppt, weiter
Party zu machen, wird meist nur angenommen, um sich den
Wanst mit köstlichem polnischem Essen vollzustopfen und
dann so leise und schnell wie möglich zu verschwinden,
passend zum Abend, eben „einen Polnischen machen“.
Der nächste Abend beginnt sehr politisch, denn die Worte
Barack Obamas anlässlich der Verleihung des Nobelpreises
werden akkustisch sowie visuell dargestellt. Eine Mischung
aus Bewunderung und Verwunderung lässt sich nach dieser
Vorstellung bei vielen Besuchern verzeichnen, die sich
anschließend zu einem kleinen Plausch zusammenfinden oder
aber eilig zum Konzerthaus laufen, um sich Corinna Korths
Ideen zum Hybridwesen anzuhören – manche zum ersten
Mal, andere aus Interesse zum zweiten Mal, andere gar nicht.
Als echter Festivalgänger nutzt man jedes Angebot und
lässt somit auch die an die letzte Vorstellung des Abends
anschließende Party nicht aus. Da sich aber anscheinend die
Einstellung eines Musikfestivalgängers völlig von der eines
Theaterfestivalgängers unterscheidet, ist die Hybrid-Party
eher ein gemütliches Zusammensitzen. Nachdem viele der
Besucher sich über die eben dargebotene Kunst ausgetauscht
haben und zu einer, mehrerer, oder keiner Erkenntnis gekommen
sind, verbringen die meisten den restlichen Abend wohl
doch eher mit einem Alternativplan. Die sehr bemühte DJane
versucht das Publikum zum Tanzen zu animieren, doch das
lässt sich lieber gemütlich auf den bereitgestellten Betten
nieder und philosophiert bei einem Bier oder einem Weißen
Spritzer über Gott, die Welt und natürlich die Kunst. Somit
klingt der Abend in geruhsamer Weise, und in kleiner Runde
ganz entspannt aus.
Die nächsten zwei Tage werden als kurze Verschnaufpause
genutzt, um sich von den vorhergehenden Festivaltagen zu
erholen – nur Frau Ungepflegt bemüht sich unermüdlich,
ihren Notstand der Wiener Bevölkerung näherzubringen.
Dienstag ist es dann endlich wieder so weit – das brut öffnet
erneut seine Tore, um seinem Publikum die neuesten Ideen
aus der bildenden und performativen Kunst zu offenbaren.
So zeigen uns Laura Kalauz und Martin Schick ein innovatives
Konzept, die Konsumgesellschaft öffentlich anzukreiden,
wohingegen Verena Billinger und Sebastian Schulz mit ihrem
Romantic Afternoon bei vielen wohl ein großes Fragezeichen
auf der Stirn hinterlassen haben.
55

Die anschließende Party, bei der sich einige Freischwimmer an
den Plattentellern versuchen, erweist sich als sehr gelungen.
Obwohl das Festivalpublikum nach ein oder zwei Stunden
vorzeitig aufgibt, was darauf zurückzuführen sein könnte, dass
sie ein wenig erschöpft von dem sehr abwechslungsreichen
Programm des Abends sind, tanzen sich aber die Künstler zu
„Wannabe“ von den Spice Girls in Fahrt, um die eigene Agilität
für die folgenden Songs zu steigern.
Bildrechte: Theresa Naomi Hund
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Die Stimmung ist ausgelassen, die Musik lässt die Herzen
höherschlagen und die Kaltgetränke tun den Rest.
Somit geht man nach einigen Stunden beschwingt und mit
guter Laune nach Hause und muss sich jetzt schon ein kleines
Tränchen der Trauer verdrücken bei dem Gedanken, dass die
Hälfte des Festivals schon vorüber ist.

Raus aus dem Wasser …
und die Schwimmflügel bitte mit nach Hause nehmen!
Abschließendes von Luca Lidia Pályi, 17.04.2011
Spätestens heute sind alle aus dem Wasser gestiegen, haben
sich abgetrocknet und sind wieder nach Hause gegangen.
Das Freischwimmer-Festival ist zu Ende und im brut kehrt
allmählich wieder Ruhe ein.
Am ersten Tag rief Barbara Ungepflegt gegen 19 Uhr den
Notstand aus und versuchte, den Hochstand mit dem
Zerbrechen einer Sektflasche einzuweihen. Ging nicht, macht
nix. Spätestens am letzten Abend wurde der dann feierlich
mit den Künstlern, dem Publikum und allen Mitarbeitern
des Festivals getrunken. Einen schönen Rahmen gaben dem
Festival auch mariamagdalenas Performances. Am ersten
Tag verheiratete sie uns noch mit dem Festival, am letzten
Abend wurden wir gemeinsam mit dem Gitarristen der Band
The MOb verabschiedet. Die polnische Art des Feierns und die
Achterbahnfahrt der Gefühle in einer Partnerschaft wurden
genauso ehrlich dem Publikum dargeboten wie Corinna Korths
Wunsch, ein Wolf zu werden. Sie zeigte uns, welche unglaubliche
Wirkung ein lebendiges Tier auf der Bühne haben kann,
und stimmte die Zuschauer schon mal aufs Freidenken ein.
Bei CMMN SNS PRJCT widmeten sich die Künstler dem
„gesunden“ Menschenverstand und fragten uns: „Does
common make sense?“. In Romantic Afternoon wurde auf
der Bühne herumgeknutscht und anschließend im Publikum
stark kritisiert. Mit der öffentlichen Präsenz der Macht
beschäftigten sich die Performances Your Majesties, King of the
Kings und souvereines. Allerdings beleuchteten alle drei
Produktionen das Thema auf unterschiedlichste Art und
Weise. Bei Your Majesties wurde Barack Obamas Nobelpreisrede
ein neuer Sinn gegeben. souvereines stellte mit Ästhetik
und Choreografie die Grazilität einer Königin dar, und die
Lovefuckers fegten uns mit hemmungsloser Gewalt und
professionellem Puppenspiel von den Sesseln.
Sowohl die Künstler als auch die Zuschauer gingen zusammen
zurück ins Öffentliche. Für- und miteinander schmissen sie
sich nackt und ohne Scham ins kalte Wasser. Die häusliche
Atmosphäre des Theaters ermöglichte den Austausch
zwischen dem Publikum und den Darstellern, die Stücke
verlangten einen hohen Grad an Partizipation, und der
Wunsch, Themen die einen beschäftigen, einfach in die Welt
hinausschreien zu können, machte sich stark bemerkbar.
Die Performances bauten sich zwar um das Thema „Rückzug
ins Öffentliche“, waren aber trotzdem sehr unterschiedlich.
Jeder fand etwas nach seinem persönlichen Geschmack und
konnte lachen, weinen, denken oder sich einfach ärgern.
Und all dem dann in der brut-Bar auch eine Stimme geben.
Das Freischwimmer-Team tat genau dies. Wir kritisierten,
schrieben und fotografierten, versuchten, uns an Abgabetermine
zu halten, und nutzten die Freiheit, die uns beim
Schreiben gegeben wurde. Wir bedanken uns bei Hannah
Egenolf, Haiko Pfost und Eva Geißler, verabschieden uns
schweren Herzens vom Festival, von manchen Künstlern, von
allen Festivalmitarbeitern, vom Balkon des brut und vom
Sekt-aus-Sektflöten-Trinken. Wir sahen, wie die Kunst Persönliches
im öffentlichen Raum besprach und wie Zuschauer im
Theatersaal privates fanden. Die befreiende Stimme der Kunst
hält sich nicht zurück, sie macht sich die Hände schmutzig
und spricht die verschwundene Grenze zwischen Geschlossenem
und Öffentlichem an. Ganz laut macht sie das. So wie
The MOb am letzten Abend des Festivals. Aus voller Kehle und
mit schnellem Rhythmus rüttelten sie das Publikum wach.
Und gerade als schon fast alle tanzten und sich auf die Wellen
des Festivals einließen, war es schon wieder aus. Aber keine
Angst, nächstes Jahr gibt es das Festival wieder! Und bis dahin
kann man sich ja die Wartezeit mit Schwimmunterricht und
Theaterbesuchen verkürzen.
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Das Freischwimmer-Festival –
Mehr als nur die Summe seiner Einzelteile
von Kristina Kirova, 16.04.2011
Das Freischwimmer-Festival 2011 tourt durch die Weltgeschichte.
Berlin, Hamburg, Wien, Düsseldorf, Zürich. Das
Festival ist immer ein anderes Erlebnis. Denn nicht nur die
Vorstellungen und die Künstler machen das Programm aus.
Wir wollten wissen, was im Hintergrund abläuft, und fragten
die Künstlerische Leitung gleich persönlich. Haiko Pfost über
Spannungsbögen, Dramaturgie, und das Konzept hinter dem
Freischwimmer-Festival in Wien.
e-xilant: Könntest du uns ein bisschen über die Dramaturgie
des Festivals hier in Wien erzählen?
Haiko Pfost: Das ist, als ob man ein Stück beschreiben würde.
Man kann ein Festival auch anders lesen, nämlich in der
Gesamtdramaturgie. Dabei stellt sich die Frage, ob ein Festival
mehr als nur die Summe seiner Einzelteile ist. Was ich mir
dabei gedacht habe, ist, dass es natürlich bestimmte Verhältnisse
und Relationen unter den Stücken geben kann. Ich habe
zum einen natürlich eine programmatische Vorgabe, also die
Räume. Auf der anderen Seite wollte ich einen thematischen
Bogen schaffen. Ich glaube, dass z. B. Chuck Morris und King
of the Kings in ihrer großen Unterschiedlichkeit doch ein
sehr ähnliches Thema haben, und trotzdem kann man damit
ästhetisch völlig andere Handschriften nebeneinanderstellen.
So kann man auch eine reflektierende Arbeit wie Your
Majesties nehmen, die sich auch noch mal um Herrschaft
und Macht dreht, aber andere Bezüge schafft. Die Frage von
Interaktion war auch ausschlaggebend. CMMN SNS PRJCT
hatte einen sehr interaktiven Moment mit dem Publikum.
Dieses nahe Verhältnis mit dem Kuss-Stück im Anschluss hat,
finde ich, eine bestimmte Korrespondenz. Insgesamt gab es
auch diesen Spannungsbogen mit mariamagdalena, die Eröffnungsperformance
und Abschlusskonzert gemacht hat. Es
ist wie in einem Stück. Es gibt einen Anfangspunkt und einen
Endpunkt und dazwischen eben auch ruhigere und konzentriertere
Momente.
e: Wie würdest du den roten Faden des Festivals in Wien
beschreiben?
HP: Der rote Faden sind eigentlich viele Fäden. Das Festival
ist eine Bündelung von sehr unterschiedlichen ästhetischen
Ansätzen, und gerade das macht es so reizvoll. Es gibt sehr unterschiedliche
Herangehensweisen und Darstellungsformen.
Gleichzeitig ist das Festivalthema für mich der rote Faden.
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Die Frage nach Öffentlichkeit und nach neuen Positionen der
Öffentlichkeit, die wir heute in der darstellenden Kunst ausdrücken
können. Das haben die Arbeiten auf sehr unterschiedliche
Weise getan.
e: Habt ihr die Wiener Szene aufgemischt?
HP: Ich glaube nicht, dass man die Wiener Szene aufmischen
muss. Die ist schon sehr präsent und sehr stark. Es ist eher so,
dass die Künstler die Chance haben, unterschiedliche räumliche
Erfahrungen durch die Häuser zu machen und damit auch
unterschiedliches Publikum erreichen können. Umgekehrt ist
es für das Publikum hier toll, innerhalb von einer Woche zu
sehen, was für eine lebendige Szene es im deutschsprachigen
Raum gibt.
e: Welches Resümee würdest du für das Freischwimmer-Festival
ziehen?
HP: Ein positives. Es hatte ein sehr großes Spektrum an
inte-ressanten und qualitativ hochwertigen Arbeiten, und
ich hoffe, dass wir das auch weiterhin fortsetzen können.
Das Festival ist oft sehr diametral, aber das ist auch das
Schöne daran. Das macht die Lebendigkeit des Festivals aus.
Die Leute haben die Chance, ein Risiko einzugehen und sich
dabei freizuschwimmen.

Land in Sicht
Rück- und Ausblick auf das Freischwimmer-Festival
mit Aussicht auf hohen Wellengang
von Tea Sahǎcić, 17.04.2011
Wir, die Theater-, Film- und Medienwissenschaftsstudenten
der Übung „Schreiben für die Festivalzeitung Freischwimmer
2011 im brut“, haben eine bewegte Woche hinter uns. Ebenso
natürlich alle anderen Beteiligten des dritten Freischwimmer-
Festivals im brut Wien – Künstler, Leiter, Mitarbeiter. Es gab
viel zu bestaunen, viel Neues, viel nachzudenken. Das bleibt
jedem selbst überlassen.
Wir leben aber auch in einer bewegten Zeit. Während der
Freischwimmer weiter nach Zürich und dann nach Düsseldorf
schwimmt, bleiben wir mit den Eindrücken der verschiedenen
Produktionen zurück. Leise, unbewusste Impressionen von
Chuck Morris; Amüsantes made by Barbara Ungepflegt oder
Laura Kalauz und Martin Schick; Auffälliges wie bei Verena
Billinger und Sebastian Schulz oder beim Institut für Hybridforschung;
wie auch Denkanstöße von mariamagdalena, Alex
Deutinger und Marta Navaridas sowie den Lovefuckers. Diese
bewegten Zeiten bringen eben solche Produktionen wie Your
Majesties oder King of the Kings hervor.
Während Your Majesties trotz seiner überspitzten Gestik
eine würdevolle Satire darstellte, waren die Reaktionen auf
King of the Kings, seiner schrillen Art diametral gegenüberstehend,
eher verhalten. Ein solches Stück, in einer solchen
Zeit – wie weit darf man gehen? Manche haben ein ungutes
Gefühl bei einem solchen Werk, sehen reserviert zu; andere
lachen verlegen; wiederum andere lassen sich mitreißen und
vergessen die brutale Realität. Aber wie ist nun tatsächlich
damit umzugehen?
Alex Deutinger als Barack Obama und die von den Lovefuckers
geführte Gaddafi-Puppe bilden diese Realität gar zu glaubwürdig
ab; ein eloquenter, sicher wirkender und doch hilflos
zappelnder Obama, dem schillernden und unkontrollierbaren
Gaddafi gegenüberstehend. Da werden Informationen ausgetauscht,
Verhandlungen abgehalten und Abkommen geschlossen,
die Hälfte der Bevölkerung verschwiegen bleiben. Und
dennoch: Schlussendlich macht jeder doch, was er will. Barack
Obama kann, sich windend und strampelnd, nicht aus seiner
Haut, ebenso wie Muammar al-Gaddafi das Einsehen nicht
findet – aber eigentlich auch nicht sucht.
Was übrig bleibt, ist, wie üblich, die Rolle des Zuschauers. Diese
Wechselwirkung mag der des Theaters durchaus nahekommen:
Es ist ein ungesehenes Ereignis, dessen Ausgang völlig
offen ist; Drama und Wendungen werden interessiert verfolgt,
aber persönliches Einschreiten findet nicht statt. Wie auch?
Es ist nicht die Sache des Zusehers, sich in die Dramaturgie
einzumischen. Die Menschen auf der Bühne wissen schließlich,
was sie tun.
Dies ist so lange der Fall, ehe die gesamte Produktion einen
nicht mehr zu tolerierenden Weg beschreitet; es mögen persönliche
Anschauungen und Moral verletzt sein und der Saal
daraufhin „verstört und empört“ verlassen werden, oder eben
Ausbeutung und Unterdrückung eine solche Dimension annehmen,
dass das Leben nicht mehr so viel Wert innehat wie
die Freiheit, für die man nun zu sterben bereit ist. Ebendies ist
heute in Libyen, Tunesien, Ägypten und anderen Ländern der
Fall. Ruhig zusehen ist unerträglich geworden, und die Notwendigkeit
zur direkten Partizipation drängt sich nach vorn;
die eine Frage, die bleibt, ist, ob sich Erdulden noch lohnt oder
ob das Einschreiten inzwischen nicht mehr hinauszuzögern ist.
Die Libyer haben sich, wie King of the Kings andeutet, für Letzteres
entschieden. Es gibt für alles Grenzen, die denen, die sie
konstant überschreiten, irgendwann aufgezeigt werden müssen.
Diese Grenzüberschreitungen werden von den Lovefuckers
abgebildet, während Your Majesties die Reaktion darauf
liefert. Ein dem Wiener Publikum vorbehaltenes Zwischenspiel,
das an Aktualität und Authentizität nicht zu übertreffen ist.
Somit können wir dieses Festival mit einem lachenden und
einem weinenden Auge beschließen – lachend, in freudiger Erinnerung
an die Stunden des Vergnügens, die uns hier geboten
wurden, und weinend zum einen aufgrund des Endes eines
spannenden Freischwimmers und zum anderen in Ausblick
auf die zu erwartende Zukunft. Doch die Aufklärung wird, wie
immer, früher oder später kommen – spätestens jedoch beim
nächsten Freischwimmer-Festival.
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Im Rahmen von Freischwimmer 2011 –
Neues aus Theater, Performance und Live Art
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