stylus Magazin München 1/2019

MÜNCHEN 

Das Metropolmagazin. 

Architektur. Interieur. Design. Fotografie. Lebensstil. 

DORTMUND 

HAMBURG 

KÖLN/BONN 

MÜNSTER 

OSNABRÜCK 

AUSGABE 01/2019 

SCHUTZGEBÜHR 8 EURO 

LEICHTIGKEIT 

IN DER ARCHITEKTUR 

UND IM LEBEN 

MF | 1 stylus. München 2019

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Man könnte dieses Sofa auch Meilen stein nennen. 

Wenn das nicht so ungemütlich klingen würde. 

Dass unsere Conseta nach 55 Jahren 

noch so gut in Form ist, liegt an ihrer 

zeitlosen Schlichtheit. Und an ihrem 

raffinierten Modul-System, das sich 

zu unzähligen Kombinationen konfigurieren 

lässt. Und daran, dass wir sie 

unaufhörlich erneuern. 

Zum 55. Geburtstag gibt es deshalb 

auch einen neuen exklusiven Wollstoff 

in zwölf Farben sowie sechs edle 

PURO-Leder – beides zum besonders 

günstigen Vorzugspreis. Wenn das 

nicht mal ein festlicher Grund ist, 

bei uns reinzuschauen. 

cor.de/conseta55 

COR interlübke Studio München 

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Casa Idea Ottobrunn Putzbrunner Str. 75 t. +49.(0)89.81 30 55 35 casa-idea.de

STARTEN SIE MIT STYLUS IN DAS JAHR 2019! 

EDITORIAL 

Liebe Leserinnen und Leser, 

der Winter hatte uns fest im Griff ... Zeit, über neue Geschichten für stylus nachzudenken. 

Und unser Team ist fündig geworden. Die Leichtigkeit ist ein bestimmendes 

Thema – in der Architektur wie im Leben. Die Definition von Leichtigkeit ist im 

Grunde einfach: Sich frei fühlen, beinahe schon ein wenig beschwingt sein. So beneidet 

beispielsweise der italienische Stararchitekt Renzo Piano Dichter und Musiker, 

die mit ihren Stilmitteln sehr viel einfacher Leichtigkeit ausdrücken können als ein 

Architekt, der mit Stahl und gegen die Schwerkraft arbeiten muss. Wir führen Sie zu 

einem kleinen architektonischen Ausflug, nämlich zum Bauhaus, und von da zur 

Architektur des Bungalows – die mit Leichtigkeit und Sachlichkeit spielt. 

Wir freuen uns auch über Anregungen, 

Fragen und natürlich über Lob 

oder Kritik. Schreiben Sie uns: 

kontakt@stylus-das-magazin.com 

Ein ganz besonders interessantes und vor allem umfangreiches Projekt beschäftigte 

uns im Münchner Osten: das Werksviertel. Gott sei Dank hatten wir einen kompetenten 

Gesprächspartner an unserer Seite: Johannes Ernst, der nicht nur geschäftsführender 

Gesellschafter des erfolgreichen Architekturbüros Steidle Architekten 

ist, sondern auch für die gesamte architektonische Planung dieses neuen Stadtteils 

verantwortlich zeichnet. Ein sehr spannendes Thema, das uns sicher wieder beschäftigen 

wird, spätestens, wenn das Konzerthaus in das Areal integriert sein wird. 

Ein Blick zu Design und Kunst. Hier machte es uns große Freude, die Geschäftsführerin 

von „Foldart“ zu treffen. Sie entwickelte eine gänzlich neue Kunstform, die an 

Origami erinnert – aber im extravaganten Luxusbereich angesiedelt ist. Sensationell. 

Außerdem hat uns die Kunst des guten Schlafs beschäftigt und die Erfindung einer 

„Wortuhr“, die gleichzeitig auch Wandschmuck und Designobjekt ist. 

Schließlich darf die Kulinarik nicht vernachlässigt werden: Wir durften uns von Mun 

Kim mit seinen leichten, koreanischen Köstlichkeiten verwöhnen lassen und lernten, 

wie aus einem Stück Stahl eine kunstvolle Feuerstelle für Grilliertes entsteht. 

Für unsere Leserinnen und Leser haben wir ganz am Schluss noch einen wirklichen 

Leckerbissen: stylus verlost, gemeinsam mit dem legendären Bachmair am See, zwei 

Drei-Gänge-Menüs im Panorama-Restaurant in Rottach-Egern. Ein wahrer Genuss ... 

stylus wünscht Ihnen auf jeden Fall viel Glück! 

Meine lieben Leserinnen und Leser, das war nur ein kleiner Blick auf die vielen, 

neuen Ideen und interessanten Geschichten der Frühjahrsausgabe von stylus 

München. Ich wünsche Ihnen auf jeden Fall gute Unterhaltung – bleiben Sie uns 

gewogen. 

Ihre Nina Schmid 

Chefredakteurin stylus München 

2 | 3 stylus. München 2019

12 

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22 

INHALT 

Architektur und Leichtigkeit 06 

Das Überwinden der Schwerkraft trotz Stahl und Beton 

Die Lust am Bungalow 12 

Vom „Haus am Horn“ bis zu Mies van der Rohe 

Die Dynamik des Werksviertel in München 16 

Ein Gespräch mit Johannes Ernst, Steidle Architekten 

Das Sofa Conseta hat Geburtstag 22 

Zeitlose Schlichtheit und ein raffiniertes Modulsystem 

AVITRUM – Die exklusive Outdoor-Küche 26 

Luxusgenuss unter freiem Himmel 

Sinnliche, zeitlose und extravagante Design-Objekte 32 

Foldart & Foldwall – außergewöhnlich kreativ 

56 

Möbel mit Charakter 36 

Die Manufaktur Janua und Designer Stefan Knopp 

Think New Work 42 

Ein Blick nach Österreich zu Wiesner-Hager 

Möbel für den Sommer im Grünen 46 

DENDON, Gloster und B&B Italia bei böhmler 

Sleep on Nature 52 

Ruhiger, wohltuender Schlaf mit Coco-Mat 

Eine Uhr ohne Zeiger und ohne Ziffern 56 

Wer steckt hinter QLOCKTWO 

42 

Fine-Dining-Küche im Kellergeschoss 60 

Mun Kim – von der Wallstreet zum genialen Koch 

60 

Ein Kunstobjekt trifft den Nerv unserer Zeit 64 

Skulptur und zugleich zeitloser Feuerplatz 

Unsere Liste der Experten dieser Ausgabe 67 

Ein 44 Meter hohes Ei mitten im Wald 68 

Unverfälschtes Erlebnis mit spektakulärer Aussicht 

SIAN DESIGN und die Algorithmen 72 

Faszinierender Schmuck durch mathematische Strukturen 

6 

New Heritage auf der Praterinsel in München 74 

Ein Festival der Sinne 

Loden – zwischen Lifestyle und Tradition 78 

Das Mode-Label Monaco Duck und die neuesten Kreationen 

Impressum 81 

Ein Erlebnis der Sinne in Rottach-Egern 82 

Gewinnen Sie ein fantastisches Drei-Gänge Menü mit stylus 


ARCHITEKTUR VERBINDET KUNST UND TECHNIK, ABER AUCH FORMEN, LICHT, 

TRANSPARENZ UND LEICHTIGKEIT. VOR ALLEM DIE LEICHTIGKEIT STEHT GERNE 

IM VORDERGRUND – ALS EINE PHYSISCHE UND MENTALE QUALITÄT. SIE IST DIE 

SCHWESTER DES LICHTS UND DER TRANSPARENZ. RENZO PIANO BEISPIELSWEISE 

BENEIDET DICHTER UND MUSIKER, DIE MIT IHREN MITTELN VIEL EINFACHER 

LEICHTIGKEIT ZUM AUSDRUCK BRINGEN KÖNNEN. DIE ARCHITEKTUR HINGEGEN 

KÄMPFT IMMER GEGEN DIE SCHWERKRAFT UND MIT STAHL UND BETON. 

DIE LEICHTIGKEIT 

DER ARCHITEKTUR 

Text: Nina Schmid 

Renzo Piano, einer der bedeutendsten Architekten unserer Zeit und Träger des Pritzker-Architekturpreises, 

stammt aus Genua und gilt als ein Meister der Bautechnik. Seine Bauwerke sind von 

einem einzigartigen Zusammenspiel funktionaler, technischer und ästhetischer Aspekte geprägt 

und spielen mit Licht und Leichtigkeit. Pianos Leidenschaft für das Meer und den Segelsport ist 

sicher mit ein Grund für seine leichte, präzise Bauart und die Begeisterung für das Offene. 

Ein Beispiel dafür ist das faszinierende „Astrup Fearnley Museum“. Fließend, 

transparent und filigran – so schmiegt sich das Bauwerk mit seiner Sammlung 

moderner und zeitgenössischer Kunst an den Oslofjord auf der Halbinsel 

Tjuvholmen, der Insel der „Diebe“. Wo sich früher Prostituierte und 

Gauner trafen, schlendern heute Kunstliebhaber durch die 

Modellstadt. Auch bei diesem Entwurf wurde Piano 

erneut vom Schiffsbau inspiriert, deutlich zu 

erkennen an der Fassade und der Dachkonstruktion.

Foto: © Nic Lehoux 

Text: Nina Schmid 


Foto: © RPBW

EIN WEITERES BEISPIEL FÜR DIE LEICHTIGKEIT IN RENZO PIANOS ENTWÜR- 

FEN WIRD GERADE AUF DEM GELÄNDE EINES ALTEN KRAFTWERKS AUF DER 

MOSKWA-INSEL BALTSCHUG IN MOSKAU FERTIGGESTELLT. HIER SOLL DAS 

NEUE ZENTRUM FÜR ZEITGENÖSSISCHE KUNST UND KULTUR ENTSTEHEN. 

Die zentral gelegene Insel Bolotnaja Damm bekommt die Chance, ein modernes Viertel mit viel Anziehungskraft 

zu werden. Auch dieses Projekt wird das Gesicht Moskaus verändern. Das Bauwerk GES 2 wird eindeutig 

die jungen Generationen ansprechen. „Ich werde auf dieses Gelände, auf dem einst Strom produziert wurde, 

wieder Leben zurückbringen. Es wird zur magischen Laterne im Herzen Moskaus werden“, so beschreibt Piano 

sein Projekt. 

Auch „The Shard“, ein Wolkenkratzer in Londons Stadtteil Southwark mit 310 Metern und 72 nutzbaren Stockwerken, 

zählt zu den besonderen Projekten Pianos und beweist ebenfalls den Stil der Leichtigkeit. Der Name 

„shard (Splitter oder Scherbe) passt genau: Das pyramidenförmige Gebäude besteht aus 11.000 Scheiben und 

besitzt eine Glasfassade von 56.000 m². Das Gebäude wurde als vertikale Stadt entworfen und bietet auf seiner 

Aussichtsplattform einen atemberaubenden Blick über London. 

Nach dem verheerenden Brückeneinsturz in Genua wird Renzo Piano den Wiederaufbau mit seinen Plänen 

verantworten. „Die neue Brücke soll kein ´Monument für die Gefallenen`werden, es wird eine nüchterne Brücke 

sein, sicher und leicht zu warten, die tausend Jahre hält und die ganze Stadt repräsentiert“, sagte der 81-jährige 

Architekt bei der Präsentation seines Entwurfs. 

8 | 9 stylus. München 2019 

Foto: © William Matthews

Foto: www.123rf.com 

EINE HOMMAGE AN DIE LEICHTIGKEIT VON FORM UND MATERIAL 

Nicht nur Renzo Piano liebt die Leichtigkeit in der Architektur. Das 1972 eröffnete Olympiastadion wurde zu einer baulichen Ikone, zum 

Sieg der Leichtigkeit über die Schwerkraft, stellte Renzo Piano fest. Frei Otto entwickelte zusammen mit Günther Behnisch die Dachkonstruktion 

des Münchner Olympiastadions. Otto war ebenfalls einer der bedeutendsten Architekten unserer Zeit, einer der großen Baumeister, 

der bis dahin nie gesehene, schwerelose Dachkonstruktionen ersann. Er hatte Visionen und die Fähigkeit, sie in exakte Grundrisse, in 

Räume, Häuser und Städte umzusetzen. Frei Otto war Künstler und Handwerker zugleich, und er war der Meister des Filigranen. Vor allem 

seine Arbeiten im Leichtbau mit Seilnetzen und Gitterschalen gelten als herausragend. 

MIT ELEMENTARER LEICHTIGKEIT, 

IMPROVISATION UND FARBAKZEN- 

TEN BAUTE AUCH DER MÜNCHENER 

ARCHITEKT OTTO STEIDLE. 

Er setzte seit den 1970er-Jahren 

Schwerpunkte für den Wohnungsbau in 

Deutschland und suchte mitten in der 

architektonischen Wüste des Baubooms 

der Wirtschaftswunderzeit nach neuen 

Formen des Wohnens. Zu den Hauptwerken 

seiner immer leicht wirkenden 

Bauten gehören das Verwaltungsgebäude 

Foto: Bildarchiv Marburg/Rose Hajdu 

Gruner + Jahr in Hamburg und der Universitätscampus 

auf dem Ulmer Eselsberg. 

Nach dem unerwarteten Tod des Architekten 

und Städteplaners Professor Otto 

Steidle 2004, führten die damaligen Mitarbeiter 

Johannes Ernst, Johann Spengler, 

Martin Klein und Hans Kohl das Architekturbüro 

Steidle und Partner unter dem 

Namen „Steidle Architekten“ weiter. Mit 

großem Erfolg. 

Universität auf dem Ulmer Eselsberg (1988 - 1994), Foto mit freundlicher Genehmigung von Steidle Architekten

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Haus Am Horn (1923), Architekt: Georg Muche · Foto:© Tillmann Franzen, tillmannfranzen.com© VG Bild-Kunst, Bonn 2018 

DIE LUST AM „BAUHAUS-BUNGALOW“ 

Das „Haus Am Horn“ gilt als Vorläufer moderner 

Wohnideen. Hier zeigen sich ganz klar die 

revolutionären Ideen des Bauhauses. Das Musterhaus 

wurde zur ersten großen Bauhaus-Ausstellung 

1923 präsentiert und ist das einzige 

vom Bauhaus realisierte Gebäude. Der Entwurf 

stammt vom Bauhaus-Meister Georg Muche 

mit Unterstützung des Architekturbüros Walter 

Gropius. Das Projekt wurde unter Mitwirkung 

aller Bauhauswerkstätten und zahlreicher Studierender 

ausgestattet und errichtet, sozusagen 

in Teamwork. 

Das Haus am Horn zeigt bereits das Leichte, Kubische 

– weltoffen und modern mit der Grundeigenschaft 

des Bungalows: eine Mischung 

aus Großzügigkeit und Understatement. Der 

Bungalow klotzt nicht mit Höhe, sondern lässt 

sich von der Umgebung umarmen und zeigt die 

minimalistische Ästhetik der Moderne. So gesehen 

ist das Haus am Horn der erste Bungalow 

in Deutschland. 

BIS HEUTE STEHT DAS 

BAUHAUS FÜR KÜHNE, 

RATIONALE UND FUNKTI- 

ONALE ENTWÜRFE. WAL- 

TER GROPIUS, VORDEN- 

KER UND GRÜNDER DER 

KUNSTSCHULE „STAATLI- 

CHES BAUHAUS IN WEI- 

MAR“, PRÄGTE DIESE ZEIT 

– NICHT NUR ALS WAGE- 

MUTIGER ARCHITEKT, DER 

KUNST UND HANDWERK 

VEREINEN WOLLTE. ER 

GILT AUCH, NEBEN LUD- 

WIG MIES VAN DER ROHE 

UND LE CORBUSIER, ALS 

MITBEGRÜNDER DER MO- 

DERNEN ARCHITEKTUR. 

Dessau-Roßlau Bauhausgebäude (1925-26), 

Architekt: Walter Gropius, Foto:© Tillmann 

Franzen, tillmannfranzen.com 

© VG Bild-Kunst, Bonn 2018

Viele Architekten des Bauhaus waren 

Liebhaber des Bungalows. So findet 

sich diese sachliche Architektur mit 

dem einfachen, klaren Stil bei Ludwig 

Mies van der Rohe in seinem 1933 entwickelten 

Haus Lemke in Berlin wieder. 

Mit diesem Bau zeigt Mies van der 

Rohe vor allem, dass sich die Wohnbedürfnisse 

des modernen Menschen 

auch mit wenigen Mitteln verwirklichen 

lassen. Haus Lemke ist ein wichtiger 

Schritt auf der Miesschen Suche 

nach der „Wahrheit“ in der Architektur. 

Hier setzte er bereits das Konzept des 

„fließenden Raumes“ um, ebenso wie 

beim Pavillon des Deutschen Reiches 

auf der Internationalen Ausstellung 

Barcelona. 

„Verwechseln Sie bitte nicht 

das Einfache mit dem Simplen.“ 

Mies van der Rohe 

Fotograf: René Müller, mit freundlicher Genehmigung Mies van der Rohe Haus 

1930 NAHM MIES VAN DER ROHE DIE BERUFUNG ZUM DIREKTOR DES BAUHAUSES IN DESSAU AN UND BE- 

GANN DAMIT SEINE AKADEMISCHE LEHRTÄTIGKEIT. WIE VIELE SEINER BAUHAUS-KOLLEGEN EMIGRIER- 

TE AUCH ER SPÄTER IN DIE VEREINIGTEN STAATEN VON AMERIKA. 

Fotograf: René Müller, mit freundlicher Genehmigung Mies van der Rohe Haus 


© Kanzlerbungalow, mit freundlicher Genehmigung 

von Haus der Geschichte. Foto: Axel Thünker 

DER KANZLERBUNGALOW – 

DIE LEICHTE ARCHITEKTURFORM 

Die Konstruktion eines Bungalows ist 

schlicht, das Mauerwerk leicht. Spannbeton, 

Stahl und Glas sind die entscheidenden Baumaterialien. 

Eigentlich kreiert als preiswertes 

Familienmodell, entwickelte sich der Bungalow 

zu einer der exklusivsten Bauformen 

mit einer neuen Leichtigkeit des Wohnens 

auf einer Ebene. Dieser Form huldigten namhafte 

Architekten wie Hans Scharoun, Egon 

Eiermann, Gottfried Böhm und Sep Ruf. 

1963 beauftragte auch Bundeskanzler Ludwig 

Erhard – noch in seiner Funktion als 

Wirtschaftsminister – den Architekten Sep 

Ruf mit dem Bau einer Residenz als „Symbol 

weltoffener und moderner Gesinnung der 

Bundesrepublik Deutschland“. Es sollte ein 

repräsentatives und modernes Gebäude in 

der Tradition der klassischen Moderne werden. 

So entstand der „Kanzlerbungalow“, der 

heute als eindrucksvolles Beispiel westdeutscher 

Nachkriegsarchitektur gilt und gerne 

als die Wohnhaus-Variante der Berliner Nationalgalerie 

von Mies van der Rohe bezeichnet 

wird. 

Architekt: Werner Sobek, Stuttgart/Deutschland, 

Fotograf: Zooey Braun, Stuttgart/Deutschland

DER BUNGALOW 

IST NICHT VERSCHWUNDEN 

Ganz im Gegenteil – die neue Lust am Bungalow 

ist sehr gegenwärtig. Das liegt einerseits 

an den Wohn-Anforderungen unserer 

Gesellschaft, andererseits aber auch an Innovationen 

in Architektur, Gestaltung und 

Bauweise. So spielt das Thema „Wohnen im 

Alter“ eine große Rolle, oder die Gestaltungsfreiheit: 

Vom Grundriss bis zur Raumaufteilung, 

vom Garten bis zur Dachform bietet 

der Bungalow alle Freiheiten, und man lebt 

sozusagen auf Augenhöhe mit der Natur. 

Ein gutes Beispiel ist das eingeschossige Einfamilienhaus 

von Architekt Werner Sobek. 

Prägende Elemente des Gebäudes sind zwei 

parallele Wandscheiben. Der Raumabschluss 

erfolgt durch eine großzügige Verglasung. 

Eine umlaufende, großzügige Terrasse, geschützt 

durch das weit auskragende Flachdach, 

verbindet Innen- und Außenraum. 

Die Faszination der Flachdach-Moderne ist 

bis heute ungebrochen und lebt weiter – der 

Bungalow als Bautyp ist noch lange nicht 

ausgestorben. 


Der Bauplatz für die Medienbrücke mit seiner schwierigen Hinterhoflage 

hätte Nachteile für ein konventionelles Hochhaus bedeutet. 

Zum Beispiel dass die unteren Geschosse unattraktive Sicht- und 

Lichtbedingungen gehabt hätten. Die eigenwillige Lösung von Steidle 

Architekten: Sie legten das Hochhaus einfach quer, abgehängt von 

zwei 46 Meter hohen Pfeilern. 90 Meter lang und 23 Meter breit, 

überragt das Gebäude eine Straße. So schwebt die 7.500 Quadratmeter 

große Architektur in einer Höhe von 50 Metern über dem Areal 

und bietet einen Panoramablick bis zu den Alpen – vor allem von 

der ausladenden Dachterrasse des „level 10“. 

© Steidle Architekten

EIN HOCHHAUS QUER 

ÜBER DEM WERKSVIERTEL 

Text & Interview: Nina Schmid 

2017 entstand hinter dem Ostbahnhof in München auf 39,5 Hektar Münchens spannendste Baustelle: das Werksviertel. 

Auf dem früheren Industriegelände hatten Pfanni, Zündapp, Konen und Optimol ihre Betriebsstätten – bis sie ab 

Mitte der 1980er-Jahre nach und nach den Standort verließen. Es folgte eine Zeit der Improvisation: In den 

90er-Jahren wurde das leerstehende Fabrikgelände zur Partymeile, nannte sich Kunstpark-Ost und 

Kultfabrik und beherbergte Diskotheken, Clubs, Bars, Restaurants, Spielhallen, Künstlerateliers und 

Kleinunternehmen. Bis die Stadt München 2017 dem Konzept und Bebauungsplan für ein neues, 

außergewöhnliches Stadtviertel zustimmte. Im Januar 2018 fanden die letzten Partys statt – 

und anschließend wurde das ehemalige Fabrikareal abgerissen. Ein neues Kapitel wurde auf 

dem historischen Gelände aufgeschlagen – ein urbanes Trend-Quartier entsteht, 

das Kultur, Leben, Arbeit und Wohnen verbinden soll. 

Einige Gebäude wurden schon sehr früh errichtet, wie beispielsweise 2011 

die Medienbrücke, ein Projekt des Münchner Büros Steidle Architekten: 

Das architektonische Highlight wurde sofort ein Sinnbild für die 

moderne, unangepasste und souveräne Gestaltungsart des „Werksviertels 

München“. Das exklusive Bürogebäude scheint über den 

Bestandsbauten zu schweben und präsentiert sich als richtungsweisend 

für den neuen Stadtteil. Schon vor der Fertigstellung 

waren rund 80 Prozent der circa 7.000 qm Bürofläche vermietet – 

überwiegend an Unternehmen der Medienbranche, die sich in 

dieser besonderen Immobilie mit Loftcharakter und Zertifizierung 

(LEED – Silber bis Gold) präsentieren wollen. Aber auch 

die sichtbaren Überschneidungen von Bestands- und Neubauten 

und die spannende Nutzungsmischung machen das groß angelegte 

städtebauliche Projekt „Werksviertel“ so attraktiv. 


DAS WERKSVIERTEL – 

EINE GELUNGENE 

SYMBIOSE AUS TRADITION 

UND AUFBRUCH 

Im Werk 4 entsteht auf einem alten Kartoffelsilo 

eines der spektakulärsten Gebäude der Stadt: 

ein Hotel mit 234 Studios und Apartments 

sowie einem preisgünstigen Hostel. 

© Steidle Architekten 

Ein neues Stadtviertel für München entsteht – ein spannender 

Prozess, an einem Ort mit lebendiger Geschichte. Früher wurden 

dort beispielsweise Kartoffeln zu Knödeln verarbeitet, Motorräder 

zum Rollen gebracht und Kleidungsstücke geschneidert. 

Zwar sind die Maschinen von früher längst verstummt, aber der 

Geist von damals ist noch gegenwärtig und wird auch weiter das 

Viertel beeinflussen. Viele historische Baukörper sind verblieben, 

als spannender Kontrast zu den modernen Neubauten. Die 

Planung führt die einzelnen Projekte sinnvoll zusammen, damit 

ein urbanes Stadtviertel mit perfekter Verbindung zu den wichtigen 

Verkehrsadern Münchens entsteht. So sind alle Lebensbereiche 

im Werksviertel miteinander verknüpft. In dieser gelungenen 

Symbiose aus Tradition und Aufbruch hat sich im Münchner 

Werksviertel eine kreative und erfolgreiche Szene etabliert: 

aufregende Architektur, einzigartige Räume für Gastronomie, 

Handel und Unterhaltung, Loft-Büros für 7.000 Arbeitsplätze, 

Einzelhandelsflächen und Hotels. Hinzu kommen Parkanlagen, 

Kindertagesstätten, eine Grundschule und – für München ganz 

besonders wichtig – zirka 1.300 Wohnungen. 

stylus hatte die Möglichkeit, sich mit Johannes Ernst von Steidle 

Architekten zu unterhalten. Das Münchner Architekturbüro 

hat die Medienbrücke nicht nur entworfen und gebaut, Johannes 

Ernst ist auch für die gesamte architektonische Planung des 

Werksviertel verantwortlich. 

stylus: Sehr geehrter Herr Ernst, danke zunächst für Ihre Zeit. Das ist 

nicht selbstverständlich bei Ihrem straffen Terminplan. Sie sind nicht nur 

einer der geschäftsführenden Gesellschafter von Steidle Architekten, sondern 

auch der Chefplaner des Werksviertel München. Welche Aufgaben 

umfasst dieser Job? 

Johannes Ernst: Ich weiß nicht, wer diesen Titel erfunden hat … 

Ich habe mit meinem Büro den Masterplan für das Quartier gemacht, 

mit den Eigentümern das Konzept erarbeitet und die komplexen 

Schichten des städtebaulichen Entwerfens zusammengebracht. Ich 

stehe aber nicht jeden Tag im „War Room“ der tatsächlichen Umsetzung. 

Hierfür haben wir hervorragende Spezialisten: Straßenplaner, 

Bauablaufkoordinatoren und die städtischen Referate. Was da gemacht 

wird, schaue ich mir mit Freude an! Und die Architekturprojekte 

werden im Gestaltungsbeirat und bei Wettbewerben besprochen. 

stylus: Das Werksviertel kann man als „kleine Stadt“ innerhalb Münchens 

bezeichnen, hier gibt es jetzt schon vieles rund ums Leben: Kunst, 

Kultur, Gastronomie, Clubs, Handel und Sportaktivitäten. Das Werk 4 

haben Sie entworfen, Fertigstellung soll 2020 sein. Ein preiswertes Hostel 

und ein Luxushotel, erbaut auf dem historischen „Kartoffelsilo“ von 

Pfanni. Hört sich verwegen an ... 

Johannes Ernst: Die wichtigste Idee im Werksviertel ist es, auf den 

bestehenden Potenzialen aufzubauen und hierbei nicht nur die Bestandsbauten 

zu nutzen, sondern auch die bestehenden Nutzungen 

zu erhalten. 

Das Werk 4 baut auf dem ehemaligen Kartoffelmehlsilo der Firma 

Pfanni auf und beherbergte bereits seit über 20 Jahren Münchens 

höchste Kletteranlage. Diese wird im Rahmen der Überbauung erweitert 

und wird dann eine spektakuläre Außenkletterwand bieten. 

Die massiven Betonröhren mit hoher Verkehrslast haben sich wiederum 

optimal geeignet, um darauf aufzubauen. Die Mischung von 

Hostel und eher gehobenem Hotel, also die Gleichzeitigkeit und 

Akzeptanz unterschiedlicher Nutzergruppen, ist die Basis für einen 

bunten und belebten öffentlichen Raum: weg von der modernistischen 

Trennung der Bereiche und Gesellschaftsschichten hin zur urbanen 

Mixtur.

Mit dem Werk 3 im ehemaligen Pfanni-Produktionsgebäude entstand 

das Herzstück des Werksviertel, mit einem spannenden Nutzungsmix, 

der Teil des Konzepts ist. Ein außergewöhnliches Highlight von Werk 3 ist 

die Dachbegrünung, mit einer Kräuter- und Blumenwiese sowie Gruppen 

von Felsenbirnen. Im Sommer weidet auf dieser Wiese eine kleine Herde 

Schafe – inmitten der Stadtlandschaft entsteht so ein außergewöhnliches 

und schönes Stück Natur. 


stylus: Das Werk 3 lief auch unter Ihrer Projektplanung. 

Johannes Ernst: Das Werk 3 war für uns alle 

zugleich Inspiration und Inkubator für das 

neue Viertel. Zunächst äußerlich in ruinösem 

Zustand, haben sich schnell die Potenziale 

offenbart: große Raumhöhen, weite Stützabstände, 

fabrikartige Fensteröffnungen und 

eine bereits sehr interessante Nutzerstruktur 

aus der Zeit der Kunstparks. 

Wir haben das schon sehr große Gebäude 

dann nochmals erweitert, zwei Geschosse in 

die Höhe und einen gesamten Bauabschnitt 

in die Länge, denn wir mussten dieses Gebäude 

so stark machen, dass es ganz alleine als 

Motor für die weitere Entwicklung des Areals 

funktionieren kann. 

Das hat sensationell funktioniert, vor allem, 

weil der Vermieter das Konzept der kleinteiligen 

Vermietung radikal umgesetzt hat. Über 

70 Mieter teilen sich die 25.000 qm großen 

Flächen – von Thinktanks großer DAX-Konzerne, 

Agenturen, Architekten bis hin zu 

kleinsten Läden und Restaurants. 

stylus: Das Werksviertel hat neun Eigentümer, 

wie brachte man sie gemeinsam hinter eine Idee? 

Johannes Ernst: Nachdem man lange versuchte, 

das Gebiet klassisch zu sanieren, hat 

sich schließlich doch unser Vorschlag, mit allen 

Eigentümern und allen Nutzungsformen 

zu arbeiten, als der richtige Weg erwiesen. Es 

macht ja auch mehr Spaß, Menschen einzuladen, 

bei einer spannenden Sache mitzumachen 

– die auch noch lukrativ ist –, als von 

dem interessanten Ort in ein Gewerbegebiet 

vertrieben zu werden. Einzige Bedingung der 

Integration der Nutzungen und Nutzer war 

es, dass jeder seine Schnittstellen zum öffentlichen 

Raum und den Nachbarn so gestalten 

muss, dass sie sozialverträglich sind. Und so 

haben wir es geschafft einen Großhändler 

neben eine Schule neben ein Wohngebäude 

neben einen Konzertsaal zu platzieren. Und 

alle freuen sich darüber! 

stylus: Relativ spät fiel die Entscheidung, den 

neuen Konzertsaal im Werksviertel zu integrieren. 

Gab es deswegen viele Probleme? 

Johannes Ernst: Nun ja, zunächst mussten 

wir schauen, ob es überhaupt noch einen 

nicht verplanten Standort mit räumlichem 

Potenzial für ein Konzerthaus gibt. Dann 

kam die Überlegung, ob eine solche Nutzung 

dem Quartier insgesamt nutzt: beispielsweise 

die vorwiegende Abendnutzung, 

sehr große, monofunktionale Gebäudemaße 

etc. Die Erschließung – Pkw und Fußgänger 

– stellte auch eine große Herausforderung 

dar. 

Dann studierten wir die Oper am Josephsplatz, 

das Gärtnerplatztheater und das 

Prinzregententheater und stellten fest, dass 

diese herausragenden Kulturbauten immer 

Teil der städtischen Strukturen waren – und 

nicht das frei gestellte Objekt. Ab da ging alles 

ganz leicht …. 

stylus: Das Werksviertel-Mitte ist ja bereits 

gut ausgebaut. Aber was passiert mit dem Gelände 

westlich, südlich und östlich von Werkviertel-Mitte? 

Sind die 1.300 Wohnungen 

schon im Bau? 

Die neue Heimat des 

Symphonieorchesters des 

Bayerischen Rundfunks: 

Der Entwurf stammt von 

dem Architektenteam 

Cukrowicz Nachbaur. 

Läuft alles nach Plan, 

kann das Konzerthaus bis 

2025 eröffnet werden. 

© Architekturbüro 

Cukrowicz Nachbaur 


Das Optimol-Gelände: Nach den Plänen von Nieto Sobejano Arquitectos 

entsteht auf 32.000 m 2 oberirdischer Geschossfläche ein 

Gebäudeensemble mit innovativer Ästhetik. 

Eigentümer ist die Familie Maltz. 

© WÖHR + BAUER GmbH 

Johannes Ernst: Derzeit werden die ersten 

Konzepte und Projekte in diesem Bereich entwickelt. 

Die Wohngebäude gruppieren sich ja 

um den Werksviertelpark herum, es wird wie 

ein grünes Wohnzimmer werden. 

Wie es aussieht, wird es keine Eigentumswohnungen 

geben. Wie im größten Teil des 

Werksviertel bleiben die Eigentümer Bestandshalter. 

Insbesondere im Bereich der 

Wohnungsbauten wird das für eine hohe 

Qualität und Nachhaltigkeit sorgen, die vor 

allem den Mietern zugutekommen wird. Wie 

ich es jetzt bereits sehen kann, werden hier 

sehr spannende Wohnprojekte entstehen. 

Auch im Bereich der Vertiefung der gewerblichen 

Nutzungen gibt es im Bereich um Rohde 

& Schwarz herum bereits sehr spannende 

Projekte, so zieht die größte Kommunikationsagentur 

Münchens hierher, und daneben 

entsteht ein Haus mit einer ganz neuen Form 

der Produktion und Verwaltung. 

stylus: Wie sieht es mit Grünanlagen, Bäumen 

und Sträuchern aus? Oder bleibt es beim Dachgarten 

auf Werk 3 mit der kleinen Schafherde? 

Johannes Ernst: Auch im Bereich der Wohnungsbauten 

werden wir intensiv begrünte 

und privat nutzbare Dachgärten haben. Darüber 

hinaus gibt es den Werksviertelpark, 

mit der grünen Mittelzone als Rückgrat der 

Außenräume. Unsere Landschaftsarchitekten 

von Jühling und Partner sowie WGF haben 

ein schönes, feines Netz von Freiräumen aufgebaut. 

Auf dem Platz vor Werk 3 kann man bereits 

heute die aus der Geschichte des Ortes 

abgeleitete Atmosphäre der Außenräume 

erkennen: fahrbare Möbel und Bäume in 

Kartoffelwägen auf den alten Schienen, Betonwerksteine 

oder Vordächer, um Zwischenbereiche 

zu definieren. 

stylus: Das Werk 12 wird im Mai eröffnet. Wie 

kam es zu der Zusammenarbeit mit dem Architekturbüro 

MVRDV, die ja auch gerade KoolKiel 

planen und gerne experimentell unterwegs sind? 

Johannes Ernst: Unser Bauherr und sein 

wichtigster Entwickler, Werner Eckart und 

Eric Heppt, sind daran interessiert, die Dinge 

anders zu machen als normalerweise. Das 

Werk 12 hat eine herausragende Bedeutung 

für den Platzraum, eine Art kleine Oper. Wir 

haben dann verschiedene Kandidaten für das 

Gebäude angeschaut und sind am Holländischen 

Pavillon der Expo Hannover hängen geblieben. 

Dieses Ding hat den beiden gefallen.

Das Werk 4 umfasst 7.000 m² Loft-Flächen für 

Büro, Fitness & Entertainment und fällt ganz 

besonders durch die kurzen Comic-Statements an 

der Fassade auf. Geplante Eröffnung ist das 

Frühjahr 2019 – dann wird auch das neue 

body + soul Fitness & Wellness über drei Stockwerke 

auf 4.500 m²seine Pforten öffnen. 

© MVRDV 

Zunächst wollten wir den Pavillon importieren, 

haben dann aber gemerkt, dass es mehr 

Spaß macht und auch sinnvoller ist, MVRDV 

mit einem neuen Projekt zu beauftragen. Auf 

der bereits wegen der fortgeschrittenen Tiefgaragenplanung 

feststehenden Grundstruktur 

des Gebäudes hat Jacob van Rijs dieses 

tolle Gebäude entwickelt. Ich überlege mir 

tatsächlich, dem Fitnessclub beizutreten, der 

demnächst dort eröffnet wird. Aber vielleicht 

gehe ich doch lieber regelmäßig ins Restaurant 

im Erdgeschoss … 

stylus: Schließlich noch eine Frage zu Otto Steidle, 

der die Medienbrücke noch vor seinem Tod 

entworfen hatte. Steidle Architekten haben das 

außergewöhnliche Gebäude fertiggestellt. Wie 

viel Otto Steidle steckt in Steidle Architekten? 

Johannes Ernst: Wir haben an dem Thema 

Medienbrücke schon länger gearbeitet. 

Zu Otto Steidles Zeit war das Gebäude noch 

keine Brücke, sondern ein etwas expressiverer 

Aufbau auf einer Blockranderweiterung. 

Erst einige Zeit nach seinem Tod, nachdem 

das Projekt länger ruhte, kam der Gedanke 

auf, den unteren Teil der Bebauung wegzulassen 

und eine wolkenbügelartige Konstruktion 

vorzuschlagen. Das hatte den einfachen 

Grund, dass niemand sich vorstellen konnte, 

in diesem damals vollkommen verlassenen 

Hinterhof Räume anzumieten. Mit der exponierten 

Erscheinung konnten wir dann 

attraktive Flächen anbieten und die Kraft 

nutzen, um dem ganzen Quartier eine neue 

Richtung zu geben. Das ist vielleicht der 

Punkt, wo bei uns noch am stärksten Otto 

Steidle wirkt: Die Dinge über die reine Aufgabe 

hinaus zu denken, gesamtgesellschaftliche 

Beziehungen herstellen, die Wechselwirkung 

von Architektur und Stadt bewusst zu bearbeiten 

und zu nutzen. Er hat uns da neue 

Wege aufgezeigt, auch den Mut gegeben, 

sich in solche Themen einzumischen. Er ist 

für uns immer noch eine Art Batterie, aus der 

wir Energie schöpfen. 

stylus: Die elementare „Leichtigkeit“, mit der 

Steidles Bauten den städtischen Raum in Besitz 

nehmen, sie hatte immer schon etwas „Unerhörtes“. 

So charakterisierte Gottfried Knapp Otto 

Steidles Lebenswerk. Wie sehen Sie heute die 

Leichtigkeit und das „Unerhörte“ in der Architektur? 

Johannes Ernst: Über unsere Welt des Bauens 

hat sich etwas Bleiernes, Schweres gelegt, 

gerade in der großformatigen Welt der investorengenerierten 

Architektur. Da kommen 

einige Sachen zusammen, das internationale 

Kapital, das nur noch sichere Renditemaschinen 

produziert, die Umstellung auf das serielle 

Entwerfen und Bauen mit dem Computer, 

Retro-Tendenzen nach jahrzehntelanger 

Domination des internationalen modernen 

Stils. Aber auch die öffentliche Hand hat als 

Bauherrin immer mehr Angst vor Experimenten 

und Leichtigkeit. Umso erfrischender ist 

es, hier im Werksviertel mit einem echten 

Bauherrn, der gar kein Immobilienprofi war, 

wieder da anzuknüpfen, wo wir vor längerer 

Zeit stehen geblieben sind: Optimistische, 

freie und experimentelle Gedanken in Architektur 

umzusetzen, die einfach Spaß machen. 

stylus: Sehr geehrte Herr Ernst, vielen herzlichen 

Dank für Ihre interessanten Ausführungen. 

Das stylus-Team freut sich schon auf die komplette 

Fertigstellung des faszinierenden „Werksviertel 

in München“. 

www.steidle-architekten.de 

2010 schlug die Medienbrücke ein neues 

Kapitel der Architektur in München auf – ein erster 

Vorbote der den Wandel am Ostbahnhof einläutete. 


Steidle Architekten: v.l.n.r. Martin Klein, Johannes Ernst, Johann Spengler 


Friedrich-Wilhelm Möller (1931-1996), der Schöpfer von „Conseta“, kam über das Tischlerhandwerk 

und Studium der Innenarchitektur zum Möbeldesign. Als Handelsvertreter bei COR beschloss er, 

neue Möbel zu entwickeln, und begann mit Skizzen zu der „Uridee zum Sitzen auf Sofas“ – so entstand 

das Sitzmöbel „Conseta“, das von COR kontinuierlich weiterentwickelt wurde. Der Anspruch seines 

Schöpfers, „schnelle Pferde schneller machen“, gilt bis heute. 

1964: Auf der Kölner Möbelmesse erblickt die erste Conseta das 

Licht der (Fach-)Welt. Die Reaktionen: verhalten. Aber: während der 1960er-Jahre, 

als im Wirtschaftswunder-Deutschland sechs Millionen Wohnungen neu gebaut werden, zieht nicht selten Conseta gleich mit ein. 

80er-Jahre: Conseta kommt jetzt ganz groß raus: Der Mitte der 1980er-Jahre eingeführte Hochlehner gibt dem Klassiker eine ganz neue Anmutung. 

90er-Jahre: Das Kufen-Modell wird wieder neu aufgelegt – und beweist, dass Conseta in mehr als drei Jahrzehnten nichts von ihrer Modernität verloren hat. 

2000er-Jahre: Genau wie vor 50 Jahren wird jede Conseta – mit Ausnahme weniger Zulieferteile – immer noch komplett bei COR hergestellt. Nur so kann 

die Fertigungs- und Produktqualität gewährleistet werden, für die Conseta seit so vielen Jahrzehnten steht.

Text: Monika Segl | Bildmaterial. COR interlübke 

CONSETA 55: 

HEUTE UND GESTERN 

CONSETA IST EIN SOFA, DAS GESCHICHTE GESCHRIEBEN HAT – UND TROTZDEM: ALLES 

BLEIBT BEIM NEUEN – ZEITLOSE SCHLICHTHEIT, EIN RAFFINIERTES MODULSYSTEM UND 

UNZÄHLIGE KOMBINATIONSMÖGLICHKEITEN. DIESES ELEGANTE UND BEQUEME SITZ- 

MÖBEL WAR IMMER SCHON SEINER ZEIT VORAUS – DESWEGEN KANN ES NICHT ALTERN! 

ZUM 55. GEBURTSTAG HAT SICH STYLUS CONSETAS GESCHICHTE GENAUER ANGESEHEN ... 

UND ZWAR BEI JÜRGEN FRANKE IN MÜNCHEN UND OTTOBRUNN. 

Im COR Interlübke Showroom in München treffen wir Jürgen Franke und wollen uns mit ihm über das Möbelkonzept „Conseta“ 

unterhalten. Jürgen Franke ist seit frühester Jugend „möbelbegeistert“, also ein echter Einrichtungsexperte. Den 

schlichten, aber genialen Möbelentwurf von Designer und Architekt Friedrich-Wilhelm Möller nennt er das „Chamäleon“ 

unter den Sofas. Faszinierend ist, dass die Neuentwicklung bei ihrer damaligen Präsentation auf der internationalen Möbelmesse 

in Köln 1964 nur zwei Aufträge einbrachte, also eher kein Senkrechtstarter war. Die Erklärung ist einfach: Die Idee 

eines ganzheitlichen Polstermöbelsystems, dessen Elemente sich vielfach kombinieren lassen, war 

seiner Zeit tatsächlich voraus und stieß damals auf Unverständnis. 

Wir sitzen mit Jürgen Franke auch auf einer „Conseta“ – was so viel bedeutet wie zusammensitzen. Stimmt, 

auch dafür ist sie erdacht worden. „Obwohl das Sofa in Köln in den 60er-Jahren kein Erfolg war, brachte 

COR dieses Sinnbild für Wandelbarkeit trotzdem auf den Markt. Mit Recht, denn es feiert dieses Jahr seinen 

erfolgreichen 55. Geburtstag. Dieser Design-Klassiker ist für mich auch ein Symbol für den Pioniergeist des 

Herstellers COR“, sagt Jürgen Franke. 

„Conseta“ wird durch die zurückhaltende Gestaltung in gradlinig und strenger Form mit minimal gewölbten 

Sitzpolstern bestimmt. Das Besondere ist das Modulsystem – so kann das Möbelkonzept zu einer Vielzahl von 

Sitzgruppen verkettet werden. Zusätzlich lassen sich einzelne Elemente – wie Hocker, Sessel oder Eckteile – 

zu Zwei-, Drei- oder Mehrsitzern verbinden. Immer entsteht ein ganzes System, ästhetisch und funktional. 

Durch das vorausschauende Handeln des Herstellers COR entwickelte sich dieses Prinzip zum Bestseller. 


„MICH REIZTE DAS ADDITIVE 

ELEMENT, DAS SICH 

DURCH HOHE VARIABILITÄT DEN 

SICH STÄNDIG ÄNDERNDEN 

ANSPRÜCHEN DER MENSCHEN 

ANPASST.“ 

Friedrich-Wilhelm Möller

Seit 1956 begeistert die Unternehmerfamilie Franke die Münchener 

für Design-orientiertes Wohnen mit Einrichtungskonzepten der 

Marken COR und interlübke – ein Modell mit Zukunft: Denn heute 

verleiht Jürgen Franke nicht nur dem COR interlübke Studio in der 

Rosenheimer Straße 145i, sondern auch dem neu eröffneten Einrichtungsstudio 

„Casa Idea“ in Ottobrunn seine eigene Handschrift. Auch 

hier steht selbstverständlich der Designklassiker „Conseta“. 

„Durch die Idee und das Konzept der „Conseta“ können wir und unsere 

Kunden unserer Fantasie freien Lauf lassen. Über 400 Stoffe gibt 

es zur Auswahl – und mehr als 100 Lederausführungen. Jede 

„Conseta“ lässt sich tatsächlich genau so zusammensetzen, 

wie es ihrem Besitzer gefällt: Es gibt sie in verschiedenen 

Sitzhöhen, -tiefen und -breiten, mit unterschiedlich 

geformten Eck- und Liegeelementen und diversen Armlehnen 

und Fußvarianten. Man kann sozusagen aus dem 

Vollen schöpfen“, berichtet uns Jürgen Franke. 

So können dann ein Sofa, eine Sitzlandschaft, ein Sessel, Hocker oder Schlafsofas 

entstehen. Kreativität pur. Seit nunmehr 55 Jahren erobert das Polstermöbelprogramm 

private und öffentliche Räume, es steht in Wohnungen, Häusern, Hotels, 

Unternehmen, Museen und Botschaften weltweit. Rund 850.000 Einzelelemente 

wurden bisher produziert. Zum Geburtstag wurde zusätzlich ein exklusiver, hochwertiger 

Wollstoff in zwölf Farben entworfen, den es zu einem besonders günstigen 

Vorzugspreis gibt. Und damit nicht genug: Zur Feier des Jahres gibt es auch sechs 

neue Puro Leder zu sehr attraktiven Preisen. 

„Ich finde, dass die Schönheit und Langlebigkeit dieses Polstermöbelkonzepts noch 

wichtiger sind, denn teilweise leben heute die Kinder oder Enkel der Erstbesitzer 

mit Möllers Zukunftsentwurf zusammen, das hätte 1964 wirklich kein Mensch 

vermutet“, sagt Jürgen Franke. 

Oft gelangt auch eine „Conseta“ zurück ins Werk, um neu bezogen oder aufgepolstert zu werden. Und in der SAMMLUNG 

COR, einem kleinen Museum im COR und interlübke Haus, belegen Zeitzeugen verschiedener Epochen die Entwicklung vom 

Urmodell zum Designklassiker. stylus gratuliert auf jeden Fall dem großartigen Entwurf und wünscht „Conseta“: for ever 

young! Vielen Dank, lieber Herr Franke, für Ihre Einblicke. 


www.casa-idea.de in Ottobrunn · www.cor-interluebke.de in München

LUXUS-GENUSS 

UNTER 

FREIEM HIMMEL 

Text: Nina Schmid | Bildmaterial: AVITRUM 

SO ETWAS HABE ICH NOCH NICHT GESEHEN. 

ENDLICH GIBT ES EINE VORZEIGBARE OUTDOOR-KÜCHE, 

BEI DER GAST UND KOCH ZUSAMMENKOMMEN … 

FÜR MODERNE HOTELGASTRONOMIE EIN PERFEKTES ERLEBNIS. 

Tim Mälzer, Fernsehkoch und Buchautor

Outdoor-Küchen werden immer beliebter – kein Wunder, die lebhafteste Kommunikation fand immer schon 

in der Küche statt. Wenn man also das Kochen, die Unterhaltung mit der Familie oder den Gästen mit kulinarischem 

Genuss unter freiem Himmel und in der Natur verbinden kann – was kann es Schöneres geben? Ein 

einzigartiger Perfektionist für genau dieses „Draußen-Feeling“ ist das Unternehmen AVITRUM aus Memmingen 

im Allgäu. 

„UNS TREIBT DIE LEIDENSCHAFT FÜR DAS BESONDERE AN. MIT UNSEREN OUTDOOR-KÜCHEN 

WOLLEN WIR HERAUSRAGENDE ERLEBNISOBJEKTE SCHAFFEN, DIE DIE SCHÖNSTEN PLÄTZE 

DER WELT ZU ORTEN HÖCHSTEN GENUSSES VERWANDELN.“ 

Sagt Dr. Klaus Hörmann, CEO von AVITRUM. Das Unternehmen ist eine Tochter der FABRINO Produktionsgesellschaft 

mbH und hat sich auf hochwertige OpenSky Outdoor-Küchen für anspruchsvolle Privat- und 

Geschäftskunden spezialisiert. 


Das Design der AVITRUM OpenSky Kitchen brauchte mehr 

als fünf Jahre visionäres Kreativdenken und gestalterische 

Höchstleistung, um realisiert zu werden. Durch die Inspiration 

außergewöhnlicher Standorte und Locations, durch den 

Einfluss der Natur und internationaler Genusswelten konnte 

ein Design kreiert werden, das in Form und Eleganz wirklich 

einzigartig ist. Diese Visionen des Gründers von AVITRUM, 

Dr. Klaus Hörmann, wurden gemeinsam mit dem Schweizer 

Designstudio greutmann & bolzern umgesetzt. 

AVITRUM OpenSky Kitchen – Design-Studie von 2013 

© greutmann bolzern designstudio 

Der AVITRUM-Korpus – im typischen Curved-Design gestaltet 

– wird aus einem Stück glasfaserverstärkten Kunststoffs 

gefertigt und passt sich jeder Umgebung an. Das Material 

wird eigentlich im Bootsbau eingesetzt und ist dadurch 

hervorragend für den Outdoorbereich geeignet. Diese Technologie 

ermöglicht es, alle RAL-, Pantone- oder NCS-Farben 

umzusetzen und auch bestimmte einzigartige Effekte zu 

erzielen. Ob edles Anthrazit, bestechendes Blau, aufregendes 

Pink, industrielle Betonoptik oder lebendiges Orange: In der 

Farbwelt von AVITRUM gibt es keine Grenzen, und jede Outdoor-Küche 

erhält ihre persönliche Note. Ein professionelles 

Experten-Team aus Landschaftsarchitekten, Ingenieuren, 

Designern, Meisterhandwerkern und professionellen Köchen 

berät gemeinsam mit dem Kunden alle Möglichkeiten individueller 

Oberflächen und setzt die Auswahl mit höchstem 

Qualitätsanspruch um.

Die OpenSky Kitchens vereinen unverwechselbares Architektur-Design 

mit faszinierenden Materialien und professioneller Ausstattung. Immer 

steht dabei die Natur im Vordergrund, denn jede Küche wird von den 

Ausstattungs-Experten individuell für einen besonderen Standort kreiert 

– und auch passend zum gewünschten Stil und dem speziellen Ambiente. 

Während der Entwicklungsphase testeten Experten unterschiedliche 

Materialien für die Arbeitsplatte. Fazit: Für diese attraktiven Küchen 

werden nur hochwertigste Materialien verarbeitet: edles, robustes Teakholz 

oder Eiche, klassischer Edelstahl, Granit, seltener Lavastein oder 

kratzfeste Keramik. 

Und auch bei den Küchengeräten gibt es nichts, was es nicht gibt. Eine 

umfangreiche Auswahl zertifizierter Geräte, die alle für den Außenbereich 

entwickelt wurden, lassen nahezu jeden (Koch-)Traum wahr 

werden. Ob Sand, Salz, Regen, Schnee oder Wind – es werden nur 

Ausstattungen installiert, die jeder Witterungsgegebenheit dauerhaft 

standhalten. Zu guter Letzt kann man aus verschiedenen Befeuerungsarten 

wie Gas, Kohle oder Strom wählen – damit der Grill, Wok oder 

Pastakocher, die Induktionsplatten und das Teppanyaki perfekt und für 

jeden Geschmack individuell funktionieren. 

Ein zusätzliches Highlight bietet der Michelin-Stern-prämierte Chef de 

Cuisine, Rainer Sigg, der als Chefkoch im Berliner Adlon tätig war. 

Er kennt die AVITRUM OpenSky Kitchen und ihre Eigenschaften genau 

und berät bei der Auswahl fertiger „Set-ups“. Das „Set-up Asia“ beispielsweise 

verfügt über alle Geräte, die man in der asiatische Küche benötigt 

– inklusive Wärme- und Kühlschubladen. 

stylus ist auf jeden Fall begeistert von der Perfektion dieser Küchen und 

hat sich besonders gefreut, mit Dr. Hörmann noch ein kurzes Interview 

führen zu können. 


stylus: Sehr geehrte Herr Dr. Hörmann, wir treffen 

uns hier auf der bauma 2019 auf dem Stand 

Ihres Unternehmens FABRINO, bei dem Kunststoff-Hochleistungsfasern 

und Architekturbeton 

im Vordergrund stehen. Aber unser eigentliches 

Gesprächsthema ist ja Ihre Leidenschaft für einzigartige 

Outdoor-Küchen. Wie hat denn alles 

begonnen? 

Dr. Klaus Hörmann: 

Ich hatte 

immer schon den 

Wunsch, eine perfekte 

Küche unter 

freiem Himmel 

zu kreieren, denn 

mehr als den üblichen 

Grill gab es 

nicht. 2009 packte 

ich es an: Zunächst 

haben wir 

einen Design-Pitch ausgeschrieben, den das 

Schweizer Studio greutmann bolzern für sich 

entschied. Nun war zwar das exklusive Design 

umgesetzt, danach ging es aber erst richtig 

los. Nach vielem Experimentieren entschieden 

wir uns für GFK (Glasfaserkunststoff) 

als Werkstoff für den Korpus. Das Material 

wird auch im Yachtbau und mittlerweile bei 

Automobilen verarbeitet. Der Vorteil: Mit 

GFK lassen sich die ausgefallensten Formen 

herstellen – aus einem Stück. Es ist robust, 

langlebig, und Kratzer oder sogar Löcher im 

Korpus lassen sich hervorragend ausbessern. 

Zudem kann man den Korpus von matt auf 

glänzend polieren, oder umgekehrt. 

stylus: Nachdem das Design und das Basismaterial 

feststanden – mit welchen Schwierigkeiten 

und Komplikationen mussten Sie noch kämpfen? 

Dr. Klaus Hörmann: Nun ja, ich hätte zu 

Beginn nicht gedacht, dass es so aufwendig 

werden würde, die perfekten Geräte für unsere 

Outdoor Kitchen zu finden. Ich wollte draußen 

die gleichen Möglichkeiten haben wie in 

einer Innenküche. Das war eine wirkliche 

Herausforderung: Minusgrade, Regen, Hitze, 

Schnee, alles musste bedacht werden, natürlich 

auch die verschiedenen Befeuerungsarten. 

Als unser Prototyp dann so realisiert wurde, 

wie ich es mir vorgestellt habe, kam das 

nächste zeitaufwendige Problem auf uns zu: 

die notwendigen Genehmigungen und Zulassungen 

für eine gewerbliche Nutzung – auch 

international. Schließlich musste man auch 

bedenken: Wie wird die Küche zum Kunden 

transportiert. Wie schon gesagt, es handelt 

sich um ein komplettes Stück aus GFK ... 

stylus: 2015 konnte der Prototyp schließlich 

getestet werden ... 

Dr. Klaus Hörmann: Richtig, und wir haben 

ihm nichts erspart. Alle Witterungsbedingungen 

musste unsere erste Outdoor Kitchen 

erleben, sie wurde sozusagen auf Herz und 

Nieren geprüft – und das über einen langen 

Zeitraum. Schwächen wurden behoben, Nachteile 

korrigiert und Verbesserungen im täglichen 

Umgang ausgeführt. Deswegen können 

wir auch sagen: Was AVITRUM nicht kann, 

wissen wir heute noch nicht. 

stylus: Sie haben gesagt, dass eine AVITRUM 

Outdoor Kitchen mit einem Maßanzug zu vergleichen 

ist ... können Sie uns das erklären? 

Dr. Klaus Hörmann: Zurzeit gibt es vier 

Grundformen unserer Outdoor Kitchen, diese 

werden genau auf den Bedarf des Kunden 

angepasst. Jeder Wunsch kann von uns erfüllt 

werden, ob es Farben, Materialien oder 

Küchengeräte betrifft, bisher sind wir nicht an 

unsere Grenzen gestoßen. Auch wenn es eine 

gänzlich andere Grundform sein soll – kein 

Problem. Wir können die Küche auch mobil 

und autark designen, also quasi „beweglich“. 

Der Kunde wird schließlich seine perfekte 

Outdoor-Küche besitzen, eben maßgeschneidert. 

stylus: Ganz neu ist Ihr Showroom auf Mallorca. 

Dr. Klaus Hörmann: Ja, auf der Insel können 

wir in einem Showroom seit Kurzem 

unsere AVITRUM OpenSky Kitchen präsentieren. 

Sozusagen zum „Anfassen“. 

stylus: Sehr geehrter Herr Dr. Hörmann, vielen 

Dank für das informative Gespräch über diese 

exklusive Küche. 

© www.avitrum.com

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Text: Monika Segl | Fotos: Foldart 

perfektes 

sinnliches 

design MADE IN GERMANY 

LUXURIÖSER PURISMUS, ELEGANTES UNDERSTATEMENT, ZEITLOSES, MINIMALISTISCHES DESIGN. 

DAS VERBINDET MAN MIT FOLDART. STYLUS TRAF HEIDRUN KEIM IN IHREM SHOWROOM IN KOL- 

BERMOOR UND KONNTE SICH HAUTNAH VON DEN DESIGNOBJEKTEN „EINFANGEN“ LASSEN. DIE GE- 

SCHICHTE DES UNTERNEHMENS FOLDART IST MINDESTENS GENAUSO INTERSSANT UND AUSSERGE- 

WÖHNLICH WIE DIE HERSTELLUNG DER ÄSTHETISCHEN EXPONATE. 

Heidrun Keim, 

Geschäftsführerin FOLDART 

Alles begann mit der Kombination aus 

Wissenschaft, Technologie und ... Faltkunst: 

Professor Klaus Drechsler entwickelte 

2007 mit seinem Team eine neue 

Falt-Leichtbaustruktur, deren Faltkerne 

bemerkenswerte mechanische, thermische 

und akustische Eigenschaften vereinten. 

Aus dieser Idee entstand das inzwischen 

weltweit agierende Unternehmen 

FOLDCORE, deren weiterentwickelte 

Technologien nicht nur in der Luft- und 

Raumfahrt eingesetzt werden. 

Heidrun Keim, Geschäftsführerin von 

FOLDART, war von den einzigartigen 

Faltungen so sehr fasziniert, dass sie 

die Idee in Design umsetzen wollte: Mittels 

Kupfer, Aluminium, Gold oder Papier 

wurden neue Faltungen kreiert, aus denen 

schließlich diese außergewöhnlichen 

Kunststücke entstanden. 2016 gründete 

Heidrun Keim mit Prof. Dr. Drechsler 

und Dr. Yves Klett das Unternehmen und 

die Marke FOLDART. Die Faszination der 

Objekte beruht nicht nur auf den unterschiedlichen 

Materialien, es ist vielmehr 

die Kunst des exakten Faltens dieser Materialien 

– was wir uns bei zwei Millimeter 

Kupferblech nur sehr schwer vorstellen 

können. „Die vielfältigen Falttechniken 

sind das Geheimnis des Unternehmens“, 

lacht Frau Keim, „und wir arbeiten stetig 

an neuen Faltmöglichkeiten mit interessanten, 

ungewöhnlichen Werkstoffen.“ 

Die dreidimensionale Gestaltung und 

die Struktur lassen das Objekt je nach 

Betrachtungswinkel immer wieder anders 

erscheinen. Dieser Effekt intensiviert 

sich bei Exponaten mit unterschiedlichen 

Farbflächen – Licht und Schatten 

verstärken diesen optischen Eindruck –, 

obwohl das Prinzip der reinen Faltung, 

ohne Schnitte und Klebungen, stets gleich 

bleibt. 

Bei der Herstellung der FOLDARTS werden 

modernste Algorithmen mit feinster 

Handarbeit kombiniert – alles zu 100 

Prozent „Made in Germany“. 


Endkunden sind nicht nur anspruchsvolle Privatpersonen 

und Sammler, sondern auch Unternehmen, die sich mit einem 

außergewöhnlichen Designobjekt umgeben möchten. 

Zudem besteht die Möglichkeit einer individuellen Auftragsarbeit, 

bei der beispielsweise auch das Firmenlogo optisch 

integriert werden kann, und selbstverständlich kann 

man FOLDART jederzeit nach Absprache besuchen und 

sich persönlich ein Bild machen. 

WELTERFOLD 

Eine außergewöhnliche Kooperation gelang bei der Serie „WELTERFOLD“. 

Die Berliner Manufaktur Welter designt Wandunikate für einen individuellen 

und luxuriösen Wohn- und Lebensstil. 

Speziell für FOLDART wurden einzigartige Papiere kreiert, die sich, in einem 

Bogen gefaltet sowie ohne Schnitt oder Klebung, zu einem außergewöhnlichen 

WELTERFOLD-Designobjekt verwandeln. Eingebettet in eine schwarz 

glänzenden Acrylbase und limitiert auf 88 Exemplare, ist diese Art des Designs 

an Sinnlichkeit kaum zu übertreffen. 

Jedes einzelne Designobjekt ist auf 888 Stück weltweit 

limitiert, einzeln nummeriert und 

wird als „Collection One“ präsentiert. 

Einzigartig ist auch die edle Verpackung 

– schwarzer Karton, 

schwarze Handschuhe, Reinigungspinsel 

und hochwertig gestaltete 

Anleitungen zur Installation. 

Bei FOLDART macht schon das Auspacken Freude.

FOLDWALL – MEHR ALS NUR EINE WANDVERKLEIDUNG 

Niemals stehen bleiben. Aus diesem Statement 

entwickelte sich „FOLDWALL“. Eine für Architekten 

und Designer eindrucksvolle, neue Gestaltungsvariante, 

ein Eye-Catcher, der vielseitige 

Designs möglich macht. Alle Foldwall-Einzelelemente 

sind in zwei Größen und in zahlreichen 

Oberflächen- und Farbvariationen erhältlich. 

Die stabilen und hochwertigen FOLDWALL-Elemente 

bestehen aus Aluminium mit RAL-pulverbeschichteten, 

Metallic- oder Organoid-Oberflächen. 

Mit FOLDWALL werden Wände sozusagen 

„befaltet“ – und so entsteht ein eindrucksvolles 

3D-Wanddesign. 

FOLDWALL ist auch bei der Befestigung einzigartig: 

Die Elemente werden mit Magneten an 

Flacheisenstreifen, die an der Wand befestigt 

sind, angebracht. Einfach, schnell und stabil – 

und bei Bedarf sofort wieder abnehmbar. Eine 

weitere Innovation dieser außergewöhnlichen 

Falttechnik – mit vielversprechendem Potenzial 

für die Zukunft. 

2019 erhielt 

FOLDWALL den 

German Design 

Award 2019 

für excellentes 

Produktdesign. 

© www.foldart.de | www.foldwall.de 


LUST 

AUF MÖBEL MIT 

CHARAKTER 

Text: Nina Schmid | Fotos: JANUA 

WOHNEN MIT HOLZ IST LÄNGST WIEDER EN VOGUE. VOR 

ALLEM HOLZ MIT AUSSERGEWÖHNLICHEN OBERFLÄCHEN 

STEHT IM FOKUS. EIN MEISTER AUF DIESEM GEBIET IST DIE 

MÖBELMANUFAKTUR JANUA. DIE MARKE KENNT KEINE RE- 

GELN UND FOLGT KEINEN TRENDS – SIE KREIERT EINFACH 

ZEITLOSES UND IST DADURCH SO EINZIGARTIG. STYLUS BE- 

SUCHTE JANUA IN ST. WOLFGANG UND KONNTE SICH NICHT 

NUR MIT CHRISTIAN SEISENBERGER ÜBER LEIDENSCHAFT, 

NEUGIER UND VERTRAUENSVOLLE TEAMARBEIT UNTER- 

HALTEN – WIR BLICKTEN AUCH IN DIE WERSTATT UND DEN 

FANTASTISCHEN SHOWROOM.

Tischplatte Eiche, geköhlt und gekalkt 

Für die Herstellung werden aus dem Kernbereich eines ca. 70 cm breiten Eichenstamms die 

beiden mittleren Bohlen ausgewählt und aufgefaltet. Es entsteht eine unverwechselbare Tischplatte aus 

zwei gespiegelten Bohlen, mit einer offenen oder geschlossenen Stirnseite – der „SK 08 Butterfly“. 


CChristian Seisenberger, Gründer und Geschäftsführer von Janua, 

gilt als Tausendsassa der Kreativität, den Kopf voller verrückter Ideen 

und immer mit Leidenschaft am Werk. Seine Erfolgsformel: 4A + B heißt 

„Anders als alle anderen und besser!“ Wer Christian kennt, weiß, dass 

er keine leeren Versprechungen macht. Das gilt auch für die Unternehmensphilosophie 

und die Werte im Umgang mit Möbeln und Menschen: 

ehrlich, natürlich, geradlinig, echt und unverfälscht. 

Die Marke Janua, die seit 2005 existiert, entwickelte sich in den letzten 

vierzehn Jahren kontinuierlich und dynamisch – aber mit ruhiger 

Hand. Über Qualität und Nachhaltigkeit wird nicht viel geredet – die 

Möbel sprechen für sich, und jeder Kunde soll nicht nur zufrieden, sondern 

begeistert sein. Dieses Ziel erreicht das Unternehmen mit aufsehenerregenden 

Innovationen, handwerklicher Perfektion und höchster 

Präzision. Zu verdanken ist das den über 50 festangestellten und freien 

Mitarbeitern, die mit ihrem grenzenlosen Willen aus jedem Kunden einen 

Fan machen. 

JANUA LEBT NICHT NUR DURCH SEINE PRO- 

DUKTE, SONDERN VOR ALLEM VOM EINSATZ 

ZAHLREICHER MENSCHEN UND PERSÖN- 

LICHKEITEN, DIE MIT IHREN IDEEN, IHRER 

KREATIVITÄT UND IHREM DESIGN IMMER 

WIEDER NEUES UND BEEINDRUCKENDES UM- 

SETZEN. SO KONNTE JANUA IM LAUFE DER 

JAHRE EIN TEAM FORMEN, DAS MIT FLEXI- 

BILITÄT UND ENTHUSIASMUS EINDRUCKS- 

VOLLES DESIGN ERSCHAFFT – UND DAS MIT 

SPÜRBARER LIEBE ZUM DETAIL. 

Die Zusammenarbeit im Team beschränkt sich nicht nur 

auf die Mitarbeiter im Unternehmen. Es gehören auch 16 

externe Designer dazu, denn eine Möbelmarke ohne die 

Inspiration von äußeren Impulsen droht an ihrem eigenen 

Anspruch zu scheitern. 

So fließen immer wieder neue Ideen und Ansichten von außen 

ein, und es entwickeln sich verschiedene Möbel unterschiedlicher 

Designer mit einzigartigen Persönlichkeiten 

– sie sprechen aber alle eine gemeinsame Sprache: Janua. 

Denn sie setzen alle auf natürliche Materialien, arbeiten fokussiert 

und denken nachhaltig.

Ergänzend zur bisherigen Kollektion 

wurde die neue gewaschene Oberfläche 

aus der Edition Stefan Knopp 

2019 als innovative Neuheit vorgestellt. 

Bei dem aufwändigen, mechanischen 

Verfahren, das der Holzfußbodenveredler 

Schotten & Hansen entwickelt und 

über Jahre perfektioniert hat, wird die 

Eiche in mehreren Schritten gewaschen. 

Durch das Waschen werden die Poren des 

Holzes geöffnet. Ungewünschte Inhaltsstoffe 

können entweichen, somit lässt sich 

auch ein unerwünschter Rotweinfleck 

sorglos wieder entfernen. Im Gegenzug 

können Pflegestoffe ins Holz eingearbeitet 

werden, wie Öle, Wachse, Harze und 

Farbpigmente. Die Tischplatten halten 

sich in den Farbtönen „Roheffekt“ und 

„Graphit“ wohltuend zurück – und strahlen 

in „Gold“ von innen heraus. 

ANGREIFEN. ZUPACKEN. HANDWERKEN! 

Für Janua sind Möbel ein Stück echte 

Lebensqualität. Individuell gefertigt, 

verbinden sie puristische Eleganz mit 

erstklassigen Materialien, wie zum 

Beispiel hochwertige Massivhölzer aus 

Eiche in 42 verschiedenen Oberflächen 

oder Nussbaum. 


Was Janua und Stefan Knopp gemeinsam 

haben? Sie atmen Natur. Ein – und aus. 

Deshalb passt ihre Philosophie auch so gut 

zusammen. Eine sinnvolle wie sinnenreiche 

Kooperation, die nachhaltig in gemeinsame 

Produkte und Oberflächenveredelungen 

einzahlt – und hier sichtbar wird: in der 

Stefan Knopp Edition von und für Janua. 

Kraftvoll, ursprünglich, einzigartig 

Vor über 25 Jahren begann der Designer Stefan Knopp, mit Holz zu experimentieren 

und Feuer als gestalterisches Element einzusetzen, um das Außergewöhnliche eines 

Stammes herauszuarbeiten. Das ist ihm gelungen: Möbel von Stefan Knopp sind ein 

Erlebnis. In ihnen vereint sich die natürliche Ausstrahlung des Werkstoffs Holz mit einer 

einzigartigen Oberflächenbehandlung. Durch seine Arbeit entstehen Unikate, die 

durch ihr pures Design – mit ihren natürlichen Linien, Rissen und Kanten – überzeugen. 

Daraus entstand die Edition Stefan Knopp von Janua, eine wirklich spannende, konsequente 

und außergewöhnliche Zusammenarbeit. In der eigens von Janua entworfenen 

360°-VR-Experience kann man Stefan Knopp sogar in der Werkstatt über die Schulter 

schauen, wie der legendäre SK 01 Monolith entsteht. 

Die Veredelungstechnik des Köhlens beginnt mit dem Hobel, dann kommt die Kettensäge 

zum Einsatz und verleiht der planen Fläche eine markante Struktur. Anschließend wird die 

Oberfläche des Holzes so lange mit dem Bunsenbrenner bearbeitet, bis die oberste Schicht verkohlt. 

Durch das Verbrennen und nachfolgende Bürsten bleiben die harten Holzteile stehen, 

Astlöcher, Risse und die Spuren der Kettensäge fließen sanft ineinander über und hinterlassen 

eine charaktervolle Holzstruktur. Es entstehen harte, widerstandsfähige Oberflächen in unterschiedlichen 

Farbtönen und mit spannender Haptik. 

„Irgendwann lebt der Baum dann als Tisch weiter und wird zu einem 

Ort der Begegnung. Seine Ausstrahlung gibt Sicherheit und Geborgenheit. 

Und wer ihn nutzt, der schreibt seine Geschichte weiter.“ 

Stefan Knopp

DDer Monolith ist das Meisterwerk von Stefan Knopp. Aus 

einem einzigen Stück Baumstamm gefertigt, ist jeder Tisch 

ein Einzelstück. Er zeichnet sich durch seine ursprüngliche 

Natürlichkeit aus, die durch eine ganz spezielle Oberflächenbearbeitung 

veredelt wird: So entsteht ein unverwechselbares 

Designobjekt. Knapp 60 Arbeitsstunden benötigt Stefan Knopp 

für einen Monolith-Tisch, bis er aus einer Eichenbohle das Einzigartige 

des alten Baums herausgeholt hat. Wenn man fragt, 

was das Besondere an den Möbeln von Janua ist, gibt es nur 

eine klare Antwort: Sie lassen wirklich Herzen höherschlagen. 

stylus bedankt sich bei Christian Seisenberger für die interessanten 

Einblicke und die ausgesprochen entspannte Gesprächsatmosphäre. 

© janua-moebel.com

Das modulare Polstermöbel-Programm element wurde speziell für 

Mittelzonen in Open-Space-Büros entwickelt. Die Rückenelemente der 

Couch lassen sich einzeln – und unterschiedlich kombiniert – vertikal 

aufeinander stecken. Die Höhe des Polstermöbels bestimmt den Grad der 

visuellen und akustischen Abschirmung. Räumlich lässt sich element vom 

Einzel-Sofa bis zu großen Konfigurationen gruppieren. Damit eignet sich 

das Polstermöbel besonders für neue Formen der Kommunikation, als 

Rückzugsort oder als temporärer Arbeitsplatz. Design: Boris Klimek

think 

new 

work 

Text: Nina Schmid | Fotos: Wiesner-Hager 

DIE NEUEN ARBEITSWELTEN HABEN NUR NOCH WENIG MIT DEM BÜRO VON FRÜHER 

ZU TUN. ES FINDET EIN UMDENKEN STATT, WEG VOM EINZELNEN SCHREIBTISCH, HIN ZUM 

GANZHEITLICH GEDACHTEN BÜRO. DIE DIGITALISIERUNG ERMÖGLICHT NEUE, HOCHMOBILE 

ARBEITSFORMEN UND DIE UNTERNEHMEN MÜSSEN AUF DIE ERWARTUNGEN DER NEUEN ARBEIT- 

NEHMER-GENERATIONEN REAGIEREN. FLEXIBLE ARBEITSMODELLE, FLACHE ORGANISATIONS-STRUKTUREN 

UND BÜROS IM GEMÜTLICHEN WOHNZIMMER-STIL SIND GEFRAGT. SO ENTSTEHEN ZAHLREICHE, UNTERSCHIED- 

LICHE BÜROBEREICHE, WIE COWORKING SPACES, SILENT ROOMS UND HOCH TECHNIFIZIERTE KOMMUNIKATIONS- 

ODER KREATIVRÄUME. WIR HABEN UNS BEI DEM FAMILIENUNTERNEHMEN WIESNER- HAGER UMGESEHEN. DENN 

DER SPEZIALIST FÜR BÜROMÖBEL AUS OBERÖSTERREICH SAGT VON SICH SELBST: „WIR BRINGEN BÜROS IN SCHWUNG“. 


m.zone besteht aus einzelnen Elementen wie Paravents, 

Kombinations- und freistehenden Möbeln. Diese werden 

zu modularen Möbeln zusammengefügt, aus denen sich 

neue Arbeitswelten kreieren lassen – ganz nach den individuellen 

Vorstellungen des Kunden. Design: Lucy.D

Good Vibrations im Büro: Arbeiten im Spannungsfeld 

von Produktivität und Emotion. Mit etio hat Wiesner-Hager 

ein Bürotischprogramm entwickelt, das 

effizientes Arbeiten emotional auflädt und ein energetisches 

Umfeld schafft. Design: neunzig° design 

INDIVIDUELLE LÖSUNGEN, DIE PASSEN. 

Aus klassischen Büros zeitgemäße Kreativstätten 

für dynamische Arbeitsformen zu 

machen, darin sieht Wiesner-Hager seine 

Kernaufgabe. In Zusammenarbeit mit internationalen 

Designern entwickelt das Unternehmen 

innovative Produkte für Büros, 

Veranstaltungen und Kongresse, den Bildungsbereich 

und das Gesundheitswesen. 

Darüber hinaus beraten sie in puncto moderne 

Bürolösungen von der Konzeption bis 

hin zur Innenarchitektur. 

Für Geschäftsführer Markus Wiesner arbeiten 

und kommunizieren Menschen zusehends 

im Spannungsfeld von Produktivität 

und Emotion. „Mit unseren Bausteinen für 

das Neue Arbeiten kreieren wir flexible Umwelten, 

die einen innovativen Rahmen für 

die Aufgaben im Arbeits- und Lebensraum 

Büro bieten. Unsere Erfahrung zeigt, dass 

man mit dem richtigen Konzept die Motivation 

der Mitarbeiter und damit auch die 

Produktivität nachhaltig steigern kann“, erklärt 

Wiesner. „Wir empfehlen nur Bürolösungen, 

die auch wirklich zu den Prozessen, 

der Kultur und den Menschen im Unternehmen 

passen. Dies ist einer der wesentlichen 

Bestandteile unserer Beratungsqualität,“ erläutert 

Wiesner. 

Aber der Trend in der Arbeitswelt geht auch 

zum generationsübergreifenden Miteinander. 

Jedoch hat jede Gruppe ihre eigenen 

Bedürfnisse und Vorstellungen vom idealen 

Arbeitsplatz. War Arbeit für Generation X 

noch zentraler Lebensinhalt, setzen Y und 

Z auf die Konzepte der „Work-Life-Balance“. 

Und der Druck auf Unternehmen zur Nachhaltigkeit 

und Corporate Social Responsibilty 

wächst und wird immer stärker zum 

Wettbewerbsfaktor. Nachhaltigkeit bezieht 

sich dabei nicht allein auf die ökologische, 

sondern auch die soziale und ökonomische 

Dimension. 

Das Büro wird zum Ort der Begegnung, der 

Zusammenarbeit und Kommunikation. Es 

entstehen neue kollaborative Zonen, die die 

ideale Umgebung für Meetings und Projektarbeit 

bieten. Attraktiv gestaltete „zufällige“ 

Begegnungszonen sind eine Win-win-Situation 

für alle. Erlaubt ist, was gefällt – egal 

wie unkonventionell die Bereiche gestaltet 

sind. Eines sollten diese Zonen aber schon: 

zur Unternehmenskultur passen, sonst wirken 

sie aufgesetzt und werden auch nicht genutzt. 

Wiesner-Hager bietet auch einen neuen 

Office-Blog: ThinkNewWork.com. Hier 

geht es um alle Themen rund um das Neue 

Arbeiten. Es werden Trends gesammelt und 

veröffentlicht, Expertenmeinungen eingeholt 

und Interviews geführt. Der Office-Blog 

lädt zum Stöbern und Lesen ein und liefert 

wertvolle Informationen für das Büro der 

Zukunft. 

Seit 2019 hat Wiesner-Hager eine Ausstellung 

in Münchens Designerwerkschau am 

Gotzinger Platz. Hier kann man sich vor Ort 

direkt und umfassend von den erstklassigen 

Produkten, Ideen und Konzepten zum Thema 

„Neues Arbeiten“ informieren. 

www.designerwerkschau.de · © www.wiesner-hager.com 

Mit yuno Office hat Wiesner-Hager ein unkonventionelles Büroprogramm 

speziell für die mobilen Anforderungen von Coworking 

Spaces entwickelt – unkomplizierter Büronutzung in der New Work 

Arbeitswelt. Design: Andreas Krob

SUMMER 

OUTDOOR-FEELING 

Text: Monika Segl | Fotos: Böhmler, Gloster, DEDON und B&B Italia 

IM FOKUS DER DIESJÄHRIGEN 

OUTDOOR-AUSSTELLUNG 

STEHEN DIE HOCHWERTIG 

GEARBEITETEN HIGHLIGHTS 

UND NEUHEITEN VON DEDON. 

MIT DER KOLLEKTION „BREA“ 

KREIERTE DAS LONDONER 

DESIGN DUO EDWARD BARBER & 

JAY OSGERBY EIN HÖCHST 

KOMFORTABLES LOUNGE- 

SYSTEM, DAS DURCH SEINE 

SCHLICHTE ELEGANZ UND 

UNKOMPLIZIERTE HAND- 

HABUNG BESONDERS DIE 

JUNGE, URBANE ZIELGRUPPE 

ANSPRICHT.

Freuen Sie sich auch so über die wärmeren Tage? „Der Frühling lässt sein blaues Band wieder 

flattern durch die Lüfte“, so beschrieb schon Eduard Mörike die wunderbare Zeit nach einem 

kalten, dunklen Winter. Endlich kommen wieder Licht und Leidenschaft in unser Leben – und 

damit auch der Wunsch sich so oft wie möglich draussen aufzuhalten. Da kam die Einladung 

zur Eröffnung der diesjährigen Garten-Möbelausstellung (samt thematisch passender Lesung) 

bei böhmler in München zum richtigen Zeitpunkt. Die Designs, Farben und Formen 

inspirieren, um die Freiluftsaison 2019 so richtig zu genießen, ob auf dem Balkon, 

im Garten oder auf der Terrasse. 


FÜR EINE DER SCHÖNSTEN ZEITEN DES JAHRES PRÄSENTIERT BÖHMLER DIE DESIGNS VON DEDON, B&B ITALIA 

UND GLOSTER UND DAMIT DIE AKTUELLEN OUTDOOR-TRENDS – KOMFORTABEL, WOHNLICH, HOCHWERTIG, ZEIT- 

LOS UND „EN VOGUE“. 

„Bei der Auswahl unserer Kollektionen werden die aktuellen 

Trends genau analysiert und wir stellen fest, dass Gartenmöbel 

immer wohnlicher werden und das „Draußen“ mittlerweile 

mit der gleichen Sorgfalt wie das „Drinnen“ eingerichtet wird. 

Die großen Marken zeigen den Trend zur gehobenen Qualität 

im Outdoor-Bereich, dementsprechend zeigen wir dieses Jahr 

Möbel, die sowohl im Innen- als auch im Außenbereich perfekt 

funktionieren“, so Georg Böhmler, Geschäftsführer böhmler 

Inneneinrichtung. 

Copyright: B & B Italia 

Eine der schönsten Neuheiten ist das Sofa 

RIBES – entworfen von Antonio Citterio. 

Die Möglichkeit individueller Konfiguration 

ist ein besonderes Highlight dieser Kollektion, 

ebenso wie die ausgefallenen Farben 

und sorgfältig ausgewählten Materialien. 

Auf den großzügigen Sitzkissen kann man 

es sich wirklich bequem machen – zum Entspannen 

und Träumen. 

Für farbliche Akzente sorgen neben der vielseitig-bunten 

Stoffauswahl die anthrazit-, 

salbei- und tonfarben lackierten Gestelle. 

Ganz neu bei B&B ITALIA 

ist die Kollektion COSMOS 

OUTDOOR von Jeffrey 

Bernett. Die Serie minimalistischer 

Beistelltische 

ist flexibel einsetzbar und 

eignet sich auch dank der 

kleineren Formate perfekt für 

Balkons und Terrassen.

Copyright: böhmler/Marcus Hassler 

DIE SERIE MBRACE VON DESIGNTALENT SEBASTIAN HERKNER HÄLT WAS IHR NAME VERSPRICHT: DIE EINZELNEN 

MÖBEL HALTEN UND STÜTZEN DEN SITZENDEN MIT EXTRA-BREITEN LEHNEN WIE IN EINER WOHLIG-WARMEN 

UMARMUNG. EIN ANGENEHMES, SICHERES COCOONING-GEFÜHL ÜBERFÄLLT EINEN, WENN MAN SICH IN DEN 

STUHL KUSCHELT. EINE DER AUFFÄLLIGSTEN MERKMALE DER KOLLEKTION IST DAS OFFENE, MASCHENARTIGE 

TRIAXIALGEWEBE, DAS AUS DREI VERSCHIEDENEN FASERN BESTEHT. FRÖHLICH UND UNKONVENTIONELL SIND 

DIE FARBPALETTE, DER MATERIAL-MIX UND DAS GESTELL AUS TEAKHOLZ. ZUM ERSTEN MAL WERDEN SITZFLÄ- 

CHEN AUS DEDON-FASERN MIT EINEM GESTELL AUS MASSIVEM TEAKHOLZ KOMBINIERT. MBRACE VERSPRÜHT 

EIN LUXURIÖSES, NATÜRLICHES FLAIR. 


Qualität, exzellentes Design und innovative Materialien – das alles garantiert 

B & B Italia für eine urbane Lebensart im Outdoor-Bereich. Stardesigner Antonio 

Citterio hat die Kollektion ERICA weiterentwickelt. Böhmler präsentiert die Stühle 

in seiner Gartenschau in zwei unterschiedlichen Ausführungen: als stapelbare Variante 

und mit kunstvoll geschnürten Armlehnen. Der Stuhl ERICA besticht durch 

federleichtes, funktionales Design und ein Flechtwerk aus Kunstfaser. 

Copyright: B & B italia

Zeitlos skandinavisch 

und wie ein herzliches 

Willkommen: So zeigt 

sich der Sessel KAY 

von Teak-Spezialist 

GLOSTER. Mit der 

dramatisch geschwungenen 

Rückenlehne, 

der ausladenden Form 

und dem Teakrahmen 

schenkt der Lounge-Sessel 

von Designer Henrik- 

Pedersen ein Stück 

Geborgenheit. 

Copyright: 

Gloster 

Ein toller Hingucker für jedes Outdoor-Ambiente: 

die farbigen Körbe und Schalen der Serie KARAM. 

Copyright: B&B Italia 

Eine „nordische Brise“ versprüht der Stuhl AIIR von 

GamFratesi: Vertikale Ausschnitte verleihen dem 

klassischen Schalensessels eine luftige 

Leichtigkeit. Die akkurat geformte Sitzschale liegt 

auf konisch zulaufenden Teakholz-Beinen, 

während die samtig-matte Oberfläche die materielle 

Wertigkeit des Möbelstückes unterstreicht. 

Copyright: Dedon 

Der gut besuchte Eröffnungsabend der Gartenmöbel-Ausstellung 

bei böhmler war wirklich 

sehr inspirierend. Und auch das höchst 

unterhaltsame Buch „Meine Frau will einen 

Garten“, aus dem der Autor Gerhard Matzig an 

diesem Abend selbst las sorgte nicht nur für 

Heiterkeit unter den vielen geladenen Gästen, 

sondern auch für den Wunsch, sich jetzt draußen 

einzurichten. Gerhard Matzig erzählt die 

turbulente Geschichte einer Familie, die aus- 

SZ-Autor Gerhard Matzig (li.) und Geschäftsführer 

Georg Böhmler (re.). ©: böhmler/Marcus Hassler 

zog, ein Haus zu bauen: Er berichtet von Pleiten, 

Pannen und Katastrophen – und warum 

am Ende doch noch alles gut wird! Perfekte 

Outdoor-Lektüre also! 

Der Autor, 1963 geboren, schreibt Bücher und ist Leitender 

Redakteur der Süddeutschen Zeitung. Für seine 

Essays und Reportagen wurde er vielfach ausgezeichnet, 

zuletzt erhielt er den DAI-Literaturpreis. 

„Meine Frau will einen Garten“ 

erschienen im Goldmann Verlag, 

ISBN 978-3-442-15630-6 


COCO-MAT 

S L E E P O N 

NATURE 

Text: Nina Schmid | Bildmaterial. Coco-Mat

WER KENNT DAS NICHT: MAN LIEGT IM BETT UND KANN NICHT EINSCHLAFEN. MAN 

DREHT UND WENDET SICH, UND MANCHE MENSCHEN – NACHDEM SIE WAHRSCHEIN- 

LICH DAS 5.000. SCHAF GEZÄHLT HABEN – STEHEN AUF UND FANGEN AN ZU BÜGELN. 

VIELE MENSCHEN LEIDEN AN SCHLECHTEM SCHLAF, MEHR ODER WENIGER OFT UND 

AUS VERSCHIEDENEN GRÜNDEN. WAS TUN? EIN WICHTIGER TEIL GUTEN SCHLAFS IST 

NATÜRLICH DAS BETT. „HERRLICHER SCHLAF FÜR JEDEN, DER UNSERE BETTEN UND 

MATRATZEN BENUTZT“ – DAS IST DAS CREDO VON COCO-MAT-GRÜNDER PAVLOS EF- 

MORFIDIS. BASIEREND AUF DER IDEE, DASS UNSER KÖRPER WEISS, WAS RICHTIG FÜR 

IHN IST, ENTWICKELTE ER 1989 ELASTISCHE MATRATZEN IN MEHREREN LAGEN AUS 

NATÜRLICHEN MATERIALIEN, DIE ÜBEREINANDER LIEGEN. UND DIESE PASSEN SICH 

PERFEKT JEDER FIGUR UND FORM AN. 

Die Firmenlegende erzählt, dass Efmorfidis als junger Mann am 

Meer über seine Zukunft nachdachte. Dabei gefiel es ihm so gut, 

auf trockenem Seegras zu liegen, dass er dieses Wohlbefinden 

anderen Menschen auch zukommen lassen wollte. Der nächste 

Schritt: Er entwickelte die ersten Matratzen aus Naturprodukten 

ohne Metallfedern. Bei härteren Lagen, die dem Körper 

maximale Unterstützung bieten sollen, werden beispielsweise 

Kokosnussfasern verwendet. Elastische Materialien, wie natürlicher 

Latex, passen sich dagegen an die Körperform perfekt an, 

umarmen sozusagen zart jede Kurve. So bietet Coco-mat statt 

metallenem Federkern Matratzen an, die sich unserem Körper 

wohlig anpassen. Das ist das orthosomatische Prinzip! So nutzen 

die Macher von Coco-mat die Weisheit der Natur als Kraft 

und Inspirationsquelle und kreieren innovative Produkte und 

Möbel aus natürlichen Materialien. 


Auch bei seiner Marketingstrategie verfolgte 

Coco-Mat neue Wege: Die Vermarktung 

der Produkte findet überwiegend über Partner-Hotels 

statt. Auslöser für diese Strategie 

war das positive Echo des Hotels Sofitel am 

Flughafen Athen. Die Gäste waren so begeistert 

von ihrem „göttlichen“ Schlaf, dass sie 

sich die Matratzen bis nach Australien und 

Alaska liefern ließen. 

Mittlerweile schlafen in mehr als 1.500 

Hotels Gäste auf Matratzen von Coco-Mat. 

Auch das Barefood-Hotel von Tilo Schweiger 

am Timmendorfer Strand gehört dazu. „Mit 

dem Barefoot-Hotel zusammenzuarbeiten, 

freut mich ganz besonders, da uns die Natur 

ebenso als Inspirationsquelle dient wie dem 

Barefoot-Hotel. Auch wenn COCO-MAT 

weltweit in unzähligen namhaften Hotels 

vertreten ist, so ist das Barefoot-Hotel mit 

seinem Gesamtkonzept doch eine besondere 

Adresse für mich“, sagt der Firmengründer 

Paul Efmorfidis. 

Coco-Mat überraschte immer schon in vielen 

Bereichen mit außergewöhnlichen Ideen. 

Eine davon ist das Pillow-Positive-Kissen. 

Ein weiches Kissen in Herzform, das entworfen 

wurde um Frauen zu helfen, die sich einer 

Brustkrebsoperation unterzogen haben. 

Die Form ermöglicht es das Kissen unter 

dem Arm zu halten, Schmerzen zu lindern 

und Schwellungen zu reduzieren; außerdem 

schützt es die Narbe des Eingriffs. 

Das Unternehmen ist schnell gewachsen und 

stellt mittlerweile eine international führende 

Marke dar. Inzwischen produziert Coco-Mat 

nicht nur alles rund um den „besten“ 

Schlaf, sondern auch Möbel, Accessoires und 

Textilien. Alle Matratzen, Kissen und Schlafprodukte 

werden in der hauseigenen Fabrik 

in Xanthi, Nordgriechenland, handgefertigt, 

deswegen kann fast jeder Sonderwunsch 

erfüllt werden. Die Fabrik hat eine nahezu 

neutrale Klimabilanz und eine Recycling-Rate 

von 96 %. Außerdem werden ausschließlich 

nachwachsende Rohstoffe (Baumwolle, 

Algen, Wolle und Holz) verwendet, die vor 

Ort aus Griechenland bezogen werden. Alles 

für ein einziges Ziel: ruhigen, wohltuenden 

Schlaf. 

Pavlos Efmorfidis, ein begeisterter Radfahrer, hat inzwischen auch eine Holzfahrradserie kreiert: die schönste und bequemste Art 

der Fortbewegung in der Natur und in der Stadt. Die Rad-Familie wird aus weißer Esche mit zwei oder sieben Gängen hergestellt – 

für phantastische Touren – und besteht aus „Penelope, Odysseus, Telemachus, Telegonus und Argos“. stylus fasziniert vor allem die 

Philosophie des Unternehmen. Sie basiert auf einfachen Werten: Ehrlichkeit, Verantwortung und Gastfreundschaft. Das Unternehmen 

unterstützt aktiv Nichtregierungsorganisationen und befürwortet eine nachhaltige Produktion, achtet auf die Umwelt und fördert die 

Chancengleichheit seiner Mitarbeiter und vereint Menschen aus allen ethnischen, kulturellen oder religiösen Bereichen. 

© www.coco-mat.com

„WIR SIND STOLZ DARAUF, 

DIE BESTEN BETTEN DER WELT 

HERZUSTELLEN, ABER NOCH 

WICHTIGER IST ES UNS, DIE WELT 

ZU EINEM BESSEREN ORT ZU 

MACHEN.“ 

Paul Efmorfidis 


echts: Marco Biegert · links: Andreas Funk 

ZWEI SCHWABEN, DIE 

EINE UHR OHNE ZEIGER 

UND OHNE ZIFFERN 

ERFUNDEN HABEN. 

Text: Nina Schmid | Fotos: QLOCKTWO 

Die Zeit – und vor allem die Uhr – neu 

zu definieren hatte es Marco Biegert 

und Andreas Funk schon vor über 20 

Jahren angetan. Die beiden Freunde 

starteten 1999 als „Biegert & Funk“ 

in Gmünd mit ihrer eigenen Werbeagentur 

und nebenbei beschäftigten 

sie sich mit der Frage: „Es müsste doch 

möglich sein, die Zeit statt mit Zeigern 

oder Zahlen mit Worten anzuzeigen“. 

Immer wieder durchdachten sie den 

Ansatz, vergaßen das Projekt wieder, 

fertigten Zeichnungen an und legten 

sie doch wieder zur Seite. Bis es dann 

so weit war, die Zeit in Worten darzustellen 

und die erste „Wort-Uhr“ kreiert 

wurde: ein hölzerner Korpus, eine 

Platine, LEDs und eine Diffusionsfolie, 

alles von Hand verlötet und darüber 

ein quadratisches Acrylglas mit 110 

scheinbar sinnfrei angeordneten Buchstaben. 

Im Fünf-Minuten-Takt wurden 

diese von hinten beleuchtet und 

man konnte lesen: „ES IST FÜNF VOR 

EINS“ oder „ES IST HALB ACHT“. Die 

QLOCKTWO war geboren. 


Das Prinzip der QLOCKTWO ist faszinierend, wie von Zauberhand 

liest man ganz selbstverständlich die Uhrzeit in Worten – wie man 

es im Gespräch machen würde. Das unbeleuchtete Buchstabenquadrat 

scheint auf den ersten Blick sinnfrei, doch wenn es sich erklärt 

– durch die Beleuchtung weniger Worte – dann „liest“ man die Zeit 

in der gewünschten Sprache: „IT IS TWENTY PAST NINE“ oder „IL 

EST SEPT HEURES ET DEMIE“. Auch an die einzelnen Minuten wurde 

gedacht: sie werden mit vier LED-Punkten in jeder Ecke der Uhr 

angezeigt, erst leuchtet ein Punkt, dann zwei bis vier und dann: „IT 

IS TWENTYFIVE PAST NINE“. 

Das reduzierte Design, die Buchstabenkonstellation, die Technik 

und die Programmierung – alles wurde von den beiden Tüftlern alleine 

entwickelt. 2009 ist es dann so weit, Biegert und Funk präsentieren 

zehn Unikate der neuartigen Designuhr auf der Stuttgarter 

Messe – die Resonanz war phänomenal. „Unser Stand wurde von 

Menschentrauben umlagert“, erinnert sich Marco Biegert. „Viele 

wollten unbedingt eine Uhr haben.“ 

Das war die Initialzündung für die Herstellung der „QLOCKTWO“ 

und als Werkstatt fungiert eine kleine Fabrik im Gmünder Stadtteil 

Straßdorf mit 45 Mitarbeitern. Konsequent wird bis heute mit örtlichen 

Handwerkern zusammengearbeitet. Dazu gehört auch ein eigener 

Siebdrucker, der die Schrift auf jedem Korpus einzeln anbringt. 

Ein Perfektionismus der den Firmenchefs wichtig ist. In Straßdorf 

werden die Uhrenteile auch zusammenmontiert, verpackt und verschickt 

– in die USA, nach China, in die Arabischen Emirate und 

nach Aus tralien. Trotz des Erfolgs sind Marco Biegert und Andreas 

Funk bodenständig geblieben und stemmen weiter alles aus eigener 

Kraft, ohne Investoren. 

Das Produkt-Portefolio hat sich weiterentwickelt und vergrößert. 

Mittlerweile liegen fünf Modelllinien auf: Drei unterschiedliche 

Größen, von 45 x 45 cm bis 180 x 180 cm, die elegante Tischuhr mit 

Alarmfunktion und eine einzigartige Armbanduhr für Mann und 

Frau. Außerdem gibt es die QLOCKTWO in verschiedenen Materialien 

wie buntem Acrylglas, pulverbeschichtetem Edelstahl oder 

kunstvoll gestalteten Oberflächen. Alle Modelle sind in über 20 

Sprachen erhältlich, darunter auch Chinesisch, Arabisch und sogar 

Schwäbisch. Auf Sonderwunsch entstehen auch Einzelstücke, wie 

die monumentale 5,20 × 5,20 Meter große und 5,5 Tonnen schwere 

„QLOCKTWO GAMUNDIA“ am Bahnhof von Schwäbisch Gmünd. 

Alle Uhren wurden mit nationalen und internationalen Design-Preisen 

überhäuft, wie dem iF-Design Award, dem Good Design Award, 

dem Plus X Award für Funktionalität und Design, dem Red Dot Design 

Award und den ICONIC AWARDS 2019. Und selbst im Store des 

berühmten Museums of Modern Art in New York findet man diesen 

edlen Zeitmesser. Die QLOCKTWO ist wirklich mehr als eine Uhr, 

sie ist ein Wand- und Kunstobjekt zugleich. 

© store.qlocktwo.com


Text: Monika Segl | Fotos: David Koplin, Stefan Herx 

FOLLOW ME 

DOWNSTAIRS ... 

DIESER EINLADUNG SIND WIR NUR ZU GERNE GEFOLGT, VOR ALLEM, WEIL SIE VON MUN 

KIM KAM, DER MANN, DER ÜBER KOREA, HONOLULU, LOS ANGELES UND ARGENTINIEN 

SCHLIESSLICH IN MÜNCHEN SEINE HEIMAT FAND UND GENAU HIER EIN AUSSERGEWÖHN- 

LICHES „KELLER-RESTAURANT“ ERÖFFNETE. ABER BEGINNEN WIR VON ANFANG AN: 

Wir steigen die Treppen vom kleinen, eleganten Entrée 

in den einzigartigen Keller in Haidhausen und sind 

sofort von der warmen, relaxten Atmosphäre in den 

Räumen gefangen. Im „Separée“, hinter einer der 

großen, historischen Holztüren, treffen wir Mun und 

seinen Geschäftspartner Cary. Die sympathische, unkomplizierte 

Stimmung der beiden springt augenblicklich 

auf uns über, und es entwickelt sich ein 

interessantes und vor allem amüsantes Gespräch! 

Muns Werdegang ist unkonventionell: Geboren in 

Seoul, lebte er einige Zeit mit seinen Eltern in Honolulu, 

kehrte der Wallstreet nach 20 Jahren den Rücken und 

entschied sich, in Kalifornien bei Makoto Okuwa – dem 

Großmeister des Sushi – das Handwerk zu erlernen. In 

Mendoza, Argentinien, gründete er dann sein erstes 

Restaurant, das Casa Mun – und genau hier begegnete 

er dem Mann, der ihn schließlich nach München lockte, 

Eric Dolatre. So wurde aus dem Wallstreet-Banker 

Mun Kim ein begabter Koch in Haidhausen, der 

niemals zuvor in Europa gewesen war. 

2015 begann die Suche nach einer geeigneten Location 

für das Restaurant. Zwar riet man Mun und Cary 

dringend von einem Kellerlokal ab – aber die zwei 

setzten sich durch. Mit Recht. Das historische Gebäude 

von 1899 ist ein außergewöhnlicher Platz. Ein Jahr 

später, nach aufwendigen Renovierungen, wurde das 

liebevoll eingerichtete „Tiefgeschoss“ eröffnet.

Muns Ideen für die 

Inneneinrichtung setzte die Agentur 

format.works in München um. 


Das Konzept des Restaurants beruht auf einer 

eigentlich einfachen Idee: „Behandle deine 

Gäste so, wie du Freunde bei deiner privaten 

Dinnerparty verwöhnen würdest“, sagt Mun. Die 

Einrichtung unterstützt dieses Feeling: Das irische 

Moos an den Wänden spiegelt den Garten wider, 

das kanadische Holz erinnert an eine Terrasse, 

und wenn man in den Himmel schaut, wirken die 

Hängelampen wie Sterne und Planeten. Das Design 

an der Wand lässt in der Fantasie einen Fluss 

und Berge erkennen, und die sparsam angeordneten 

Deko-Objekte sind Grüße aus Korea. 

Gedämpftes Licht und Kerzenschein sind auf das 

edel-schlichte Interieur abgestimmt, in dem warme 

Grün- und Brauntöne dominieren. Selbst das Logo, 

das Schriftzeichen „GA“, bedeutet „Zuhause“. Der 

Kellerraum bietet keine Ablenkung, man konzentriert 

sich ganz auf den Abend und die Kreationen 

aus der Küche. Es ist ein entspanntes Auspannen, 

ein Abschalten von der Welt „da oben“. Eine Pause 

bei Freunden. In Muns Restaurant 

fühlt man sich wie auf einer lauschigen Wohlfühl- 

Gartenparty, in der übrigens kein Wert auf die 

typische Münchener Schickeria gelegt wird. 

Und auch sein „Fine-Dining-Konzept“ ist aufgegangen. 

Es beruht auf der klassischen, koreanischen 

Kochkunst – verbunden mit der asiatisch-japanischen 

Küche sowie nord- und südamerikanischen 

Einflüssen. Dafür wurde ihm 2018 der begehrte 

Gourmet Award in München verliehen. 

Man wird unbeschreiblich verwöhnt von Muns 

„Fine-Dining-Küche“, den außergewöhnlichen Zutaten, 

Mischungen und Verbindungen, die die Geschmacksnerven 

verzaubern, begleitet von fantastischen Weinen 

– übrigens viele davon aus Deutschland ... 

Auf die eigens kreierten Saucen verwendet Mun ganz 

besonders viel Muße – und in Verbindung mit Mash 

Potatos, Kimchi oder Meeresfrüchten (keine Fischsuppe!) 

sind sie ein besonderes Erlebnis. Selbstverständlich 

fehlen nie das grandiose Sushi und Sashimi – oder 

Bossam, der koreanische Schweinebauch (übrigens mit 

einem hervorragenden Spätburgunder serviert). Zum 

Abschluss gibt es noch ein faszinierendes Sesam-Eis mit 

Chestnut ... 

Apropos serviert – vollendet wird der Abend durch einen 

mehr als perfekten Service, geleitet von Cary Gilbert: 

professionell, amüsant und aufmerksam. Ein rundum 

gelungenes Konzept, das Liebe, Leidenschaft und 

Begeisterung ausstrahlt – und das liegt alleine an den 

„Machern“. stylus bedankt sich für einen wunderbaren 

Abend – und da sich Mun und Cary in München verliebt 

haben, können wir darauf hoffen, dass Mun noch sehr 

lange für solche Abende sorgen wird. 

STYLUS: WAR ES NICHT RISKANT, 

EIN RESTAURANT IN EINER STADT ZU 

ERÖFFNEN, IN DER MAN NOCH 

NIE ZUVOR GELEBT HAT? 

MUN: „WE LOVE CHALLENGES!“ 

© www.munrestaurant.de


«DA ICH BILDHAUER BIN UND DIE 

ÄSTHETIK FÜR MICH WESENTLICH IST, 

SUCHTE ICH EINE PURISTISCHE 

UND VISUELL SCHÖNE FORM FÜR 

DEN FEUERRING», sagt Andreas Reichlin.

Text: Nina Schmid | Fotos: Dennis Savini | Roger Harrison 

EIN ÄSTHETISCH-SINNLICHES KUNSTOBJEKT 

TRIFFT DEN NERV UNSERER ZEIT 

Jetzt ist es wieder so weit: Das Wort Grillen liegt in 

der Luft, und jeder bereitet sich auf diese Freiluftsaison 

vor. Eine Alternative zum eher langweiligen „Normal-Grill“ 

ist für uns der unverwechselbare Feuerring. 

Das Grundprinzip bleibt gleich: Es wird Feuer gemacht 

und Grillgut aufgelegt – aber hier bietet sich eine wesentlich 

authentischere Art des Grillierens, und zwar durch 

die einzigartige Kombination von Funktion, Ästhetik 

und Ökologie. Der Feuerring vom Zugersee wird aus reinem 

Stahl hergestellt, eine überdimensionale Schale mit 

breitem Rand, puristisch und schnörkellos. Erfunden hat 

ihn ein Schweizer, Andreas Reichlin, dem das übliche 

Grillen im wahrsten Sinne des Wortes „auf den Magen 

geschlagen ist“. Qualm, Ruß und verkohltes Fleisch waren 

der Grund. Der Künstler und Bildhauer entwickelte 

deswegen in seinem Atelier in Immensee das einmalige 

Design des Feuerrings, den ersten seiner Art! 

Eine Skulptur und zugleich ein zeitloser Feuerplatz, der 

inzwischen für sein kompromissloses Design und die 

Perfektion der Herstellung eine Reihe von Preisen verliehen 

bekam, wie den Red Dot Award 2016 „best of the 

best“ und den German Design Award 2017. 


Aber der Feuerring ist nicht nur elegant, 

das Grillieren auf ihm ist ausgesprochen 

gesund, denn der Grillring wird zwar eingeölt, 

aber es gelangt kein Fett ins Feuer. 

Das heißt, es können keine karzinogenen 

Stoffe ans Grillgut gelangen. Durch die verschiedenen 

Temperaturzonen vom Innenrand 

zum Außenrand zwischen 300 bis 150 

Grad gelingt die perfekte Zubereitung von 

Fleisch, Fisch, vegetarischer Kost, Crêpes, 

Raclette, Rösti, aber auch Desserts. Nachzulesen 

im 2016 erschienenen Rezeptbuch, 

das übrigens ebenfalls ein Kunstwerk ist 

und diverse Auszeichnungen erhalten hat. 

Es scheint, dass das Power-Paar, Andreas 

Reichlin und Beate Hoyer, Kreativität und 

Formsprache schon immer inhaliert hat. 

Zusammen mit Lebenspartnerin Beate Hoyer 

führt Andreas Reichlin die seit 2009 bestehende 

Feuerring GmbH in Immensee im Kanton Schwyz. 

Darüber hinaus ist die formschöne Feuerschale 

äußerst pflegeleicht – obwohl sie 

das ganze Jahr im Freien stehen kann. 

Durch die regelmäßige Nutzung wird der 

Ring geölt und kann so, ähnlich wie eine 

Gusspfanne, nicht korrodieren. Zum Reinigen 

benötigt man nur einen Stahlspachtel 

und -besen und etwas Speiseöl. Die Qualität 

und Langlebigkeit des Feuerrings machen 

ihn außerdem zu einem wertvollen 

Erbstück, das mit regelmäßigem Gebrauch 

immer schöner und robuster wird. 

Wer Wert auf Nachhaltigkeit legt, sich Zeit 

für die Essenszubereitung nimmt und die 

Gemeinschaft beim Grillieren liebt, für den 

ist der Feuerring genau das Richtige. Hier 

verschmelzen Gemütlichkeit, Lifestyle, 

Freundschaft, Entspannung und Genuss. 

Die entstehende Atmosphäre ist einzigartig, 

denn die fröhliche Geselligkeit, die sich 

neben der lodernden Flamme entwickelt, 

hat auch etwas Archaisches und erinnert 

an längst vergessene Lagerfeuer, die das 

Zentrum des gemeinschaftlichen Lebens 

waren, der Mittelpunkt, an dem man sich 

abends traf, um die Wärme und das Essen 

zu genießen und sich auszutauschen. 

Mittlerweile gibt es 15 verschiedene Ausführungen, 

und jede einzelne gibt ein Stück 

Lebensphilosophie weiter: Vergnügen, Qualität, 

Ästhetik und wohltuende Kulinarik, 

also mit allen Sinnen genießen. Damit trifft 

der Feuerring tatsächlich den Nerv der Zeit. 

© www.feuerring.ch

STYLUS 

VORSCHAU 

In der Sommer- Ausgabe 2019 werden wir uns mit Nachhaltigkeit, Umweltbewußtsein 

und Sozialverantwortung beschäftigen – das ist nicht erst seit „Friday 

for Future“ ein bewegendes und wichtiges Thema. Wir planen ein Interview mit 

Architekt Werner Sobek, der weltweit für Engineering, Design und Nachhaltigkeit 

steht und sprechen mit verschiedenen Manufakturen und Start-ups. Und es wird 

wieder viel Überraschendes und Unterhaltsames geben – wir legen schon los! 

Apropos: Schauen Sie doch mal auf unser neues Online-Portal: 

www.stylus-das-magazin.com. Hier können Sie sich von unseren neuesten 

Beiträgen rund um Architektur, Design, Stil, Kulinarik und Lifestyle inspirieren 

lassen. Ein Blick auf stylus_magazin bei Instagram lohnt sich auch ... 

UNSERE EXPERTEN DIESER AUSGABE: 

Hier finden Sie die Köpfe und Unternehmen, die den Input 

für unsere Ausgabe gegeben haben: Architekten, Designer, 

Innenarchitekten, Gewerke ... und ihre Projekte. 

Architektenteam Cukrowicz Nachbaur 

www.cn-architekten.com/ 

Architekt: Werner Sobek 

www.wernersobek.de 

Architekturbüro MVRDV 

www.mvrdv.nl 

AVITRUM – Luxury OpenSky Kitchen 

www.avitrum.com 

Bachmair am See | Rottach-Egern 

www.bachmair.de/ 

böhmler 

www.boehmler.de 

Büromöbel Wiesner-Hager 

www.wiesner-hager.com 

casa idea 

www.casa-idea.de 

COCO-MAT | Naturbetten 

www.coco-mat.com 

COR interlübke München 

www.cor-interluebke.de 

DIE FLIESE ART + DESIGN 

www.die-fliese.com 

Erlebnis Akademie AG | Baumwipfelpfad 

www.eak-ag.de/eakag/ 

Feuerring das Original 

www.feuerring.ch 

Foldart Objektdesign 

www.foldart.de 

JANUA Möbel 

www.janua-moebel.de 

Bezugsmöglichkeiten 

stylus München erscheint dreimal jährlich und wird im Raum 

München im gehobenen Einzelhandel, in der exklusiven 

Gastronomie, in Arztpraxen, Rechtsanwalts- und 

Steuerkanzleien, Architekturbüros, bei Immobilienmaklern, 

bei Dienstleistern und kulturellen 

Einrichtungen kostenlos zur Mitnahme 

ausgelegt. 

Urheber- und Verlagsrecht 

Das Magazin und alle in ihm enthaltenen 

einzelnen Beiträge und Abbildungen 

sind urheberrechtlich geschützt. Jede 

Verwertung außerhalb der durch das 

Urheberrechtsgesetz festgelegten Grenzen 

ist ohne Zustimmung von stylus München 

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von stylus München stehen unter www. 

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Gebrauchsnamen 

Die Wiedergabe von Gebrauchsnamen, Handelsnamen, Warenbezeichnungen 

und dergleichen in diesem Magazin berechtigt nicht zu der Annahme, 

dass solche Namen ohne Weiteres von jedermann benutzt werden dürfen. Oft 

handelt es sich um gesetzlich geschützte, eingetragene Warenzeichen, auch wenn 

sie nicht als solche gekennzeichnet sind. 

Licht im werkhaus 

www.licht-im-werkhaus.de 

Monaco Duck 

www.monacoduck.com 

MUN Restaurant 

www.munrestaurant.de 

New Heritage Festival 

www.new-heritage.de 

Qlocktwo 

www.qlocktwo.com 

RPBW Architects 

www.rpbw.com 

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SIAN Design 

www.sian-design.com 

steidle architekten 

www.steidle-architekten.de 


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Stiftung Haus der Geschichte 

Bundesrepublik Deutschland 

www.hdg.de 

Werksviertel München 

www.werksviertel.de 

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Mit der Idee und dem Konzept der Baumwipfelpfade haben die 

Erlebnis Akademie AG und ihr Vorstandssprecher Bernd Bayerköhler 

ganz sicher den Nerv der Zeit getroffen: Ruhe, Erholung 

und Natur versus Alltagshektik und Stress. Ein entspannter 

Spaziergang mitten durch den Wald und dann hoch hinauf zu 

den Baumkronen. Ein unverfälschtes Erlebnis, an dessen Ende 

sich in 44 Metern Höhe eine spektakuläre Aussicht bietet. 

Dabei ist es dem Unternehmen auch wichtig, Informationen 

zum Thema Umweltschutz zu vermitteln und eine möglichst 

umweltverträgliche Errichtung der Anlagen zu gewährleisten. 

„WIR KÄMPFEN UM JEDEN BAUM, DEN 

WIR ERHALTEN KÖNNEN. DAS 

GEHÖRT ZU UNSERER GLAUBWÜRDIGKEIT.“ 

Bernd Bayerköhler, 

Vorstandssprecher der Erlebnis Akademie AG 

Bevor sich die Erlebnis Akademie AG auf das Konzept der 

Baumwipfelpfade konzentrierte, war das Unternehmen schon 

mit Hochseilgärten und Erlebnispädagogik sehr erfolgreich. 

Da man jedoch in diesem Segment kein Wachstumspotenzial 

mehr sah, wurden neue Herausforderungen eruiert. 2009 war 

es dann so weit: In Neuschönau im Bayerischen Wald wurde 

der erste begehbare „Baumturm“ fertiggestellt, entworfen von 

Architekt Josef Stöger aus Schönberg. Das „Baum-Ei“, wie die 

Konstruktion liebevoll genannt wird, beeindruckt durch seine 

luftige, architektonische Form und die Art und Weise, wie der 

Turm die drei uralten und bis zu 38 Meter hohen Tannen und 

Buchen umschließt. Die Ei-Form entstand durch 16 gekrümmte 

BSH-Träger, und der spiralförmig nach oben geführte Holzsteg 

mit einer Länge von 520 Metern wurde über Stahlhängungen 

und Stahlquerträger verlegt. Josef Stöger setzte beim Bau 

auf zwei Holzarten: Lärche und Douglasie. Letztere weist gute 

mechanische Eigenschaften auf und wächst relativ gerade und 

schnell heran. 

EIN 

BAUM-EI 

MITTEN 

IM WALD 

Text: Monika Segl | Fotos: Erlebnis Akademie AG 

Den Part der Montage im Wald übernahmen die Zimmerer von 

Holzbau Dengler aus Rinchnach. Sie haben Enormes geleistet, 

vor allen Dingen, als es darum ging, die 30 Meter langen und 

bis zu fünf Tonnen schweren Einzelteile der Stege mühsam 

zwischen den Bäume hindurch zu führen. Denn von Anfang an 

war das Ziel, keine Schneise in den Wald zu schlagen, sondern 

den Pfad sanft „einzupflanzen“, ohne zu viele Bäume entfernen 

zu müssen. Mit Recht, sagen heute alle Beteiligten. Denn jetzt 

gibt es keine Trasse durch den Wald, in der ein Steg verläuft, 

sondern man wandelt auf einem echten Baumwipfelpfad, der 

bei seiner Eröffnung der weltweit längste seiner Art war und 

der erste, der sich mit seiner überwiegend aus Holz bestehenden 

Konstruktion harmonisch in den Wald einfügt. 

Der Baumwipfelpfad Bayerischer Wald ist – wie alle Baumwipfelpfade 

der Erlebnis Akademie AG – barrierearm und ermöglicht 

so auch Eltern mit Kinderwagen einen bequemen und 

unbeschwerten Besuch. Seit seiner Eröffnung am 8. September 

2009 hat sich das architektonische Highlight gepaart mit baulichem 

Geschick zu einem Besuchermagnet entwickelt und alle 

Erwartungen übertroffen: Mehr als 30.000 Menschen konnten 

allein in den ersten vier Wochen gezählt werden.

SEIT 2009 KANN MAN MITTEN IM 

BAYERISCHEN WALD IN UNBERÜHRTER 

NATUR SPAZIEREN GEHEN UND EINZIG- 

ARTIGE PERSPEKTIVEN ERLEBEN. DER 

HÖHEPUNKT IST DER AUSSICHTSTURM 


IN 44 METERN HÖHE, DER EINEN ATEM- 

BERAUBENDEN BLICK ÜBER DEN BAYE- 

RISCHEN WALD BIS HIN ZU DEN ALPEN 

BIETET.

In Zusammenarbeit mit der Deutschen 

Bundesstiftung Umwelt (DBU) errichtete 

die Erlebnis Akademie AG auf Rügen ihren 

zweiten deutschen Baumwipfelpfad. Eingebettet 

in den Jasmunder Bodden und 

die Prorer Wiek, vereint die DBU-Naturerbefläche 

Prora neben einer bemerkenswerten 

Artenvielfalt auch die drei 

Ökosysteme „Wald“, „Offenland“ und 

„Feuchtgebiet“, welche im Mittelpunkt 

des Naturerbe Zentrums Rügen stehen. 

Gemeinsam mit der Erlebnis Akademie AG hat Josef Stöger in 

Deutschland, Österreich, Tschechien und der Slowakei weitere sieben 

Baumwipfelpfade realisiert – mit ähnlichen Erfolgen wie im 

Bayerischen Wald. Die ausgeklügelten Konstruktionen aus Holz 

und Stahl werden stetig weiterentwickelt, um das Ziel zu erreichen, 

Menschen, die sich von der Natur entfremdet haben, in den Wald zu 

locken und ihnen Flora und Fauna wieder näherzubringen. 

Jeder Turm ist ein Unikat, und zugleich spiegeln sich in der Konstruktion 

die Erfahrungswerte und Erkenntnisse aus den vorherigen 

Entwürfen wider. Für die Macher war es von Beginn an von 

größter Wichtigkeit, dass die Baumwipfelpfade barrierearm und 

familienfreundlich konzipiert sind – so erfolgt der Aufstieg über 

behindertengerechte Rampen, und von dort führen ebenfalls barrierearme 

Holzstege mit einer geringen Neigung von zwei bis sechs 

Grad die Besucher über mehrere Podeste ganz nach oben. Diese 

sanfte Art des Aufstiegs ermöglicht es auch Rollstuhlfahrern, älteren 

Menschen und Kleinkindern, selbstständig die luftigen Höhen 

von 40 Metern und mehr zu erreichen. Dabei kann der Besucher 

sich Zeit lassen und die Natur und Landschaft um sich herum ungestört 

genießen, denn die Geländer erlauben eine freie Durchsicht. 

In Zusammenarbeit mit Partnern wie etwa dem Nationalpark Bayerischer 

Wald, dem Naturpark Schwarzwald Mitte/Nord, der Deutschen 

Bundesstiftung Umwelt oder dem Tschechischen Staatsforst 

bietet die Erlebnis Akademie AG auch umweltpädagogische Informationen 

und Dienstleistungen, vermittelt themenbezogenes 

Fachwissen und will das Bewusstsein der Besucher für ökologische 

Belange stärken. 

Der zweite tschechische Baumwipfelpfad der eak befindet sich in Janské 

Lázně (Johannisbad) im Nationalpark Riesengebirge. Neu und bisher 

einzigartig bei eak-Projekten dieser Art: Der 1.500 Meter lange Pfad 

führt nicht nur hoch hinaus, sondern auch ganz tief hinunter: Unter dem 

Turm bietet er in einer künstlich angelegten Höhle seinen Besuchern 

einzigartige Einblicke in die Welt des Waldes – nämlich von unten.

Der Baumwipfelpfad im Salzkammergut ist das achte Projekt der Erlebnis 

Akademie AG und die erste österreichische Anlage des Unternehmens 

auf dem Grünberg in Gmunden. Zu den Höhepunkten zählt 

der 39 Meter hohe, architektonisch einmalige Aussichtsturm mit integrierter 

Tunnelrutsche. Von der obersten Plattform aus hat man einen 

einzigartigen Blick über das gesamte Salzkammergut vom Traunsee bis 

zum Dachstein. 

Die in Bad Kötzting gegründete Erlebnis Akademie AG begann mit 

drei Aktionären und einem festen Mitarbeiter – mittlerweile ist das 

Unternehmen börsennotiert und expandiert international. Nach wie 

vor steht aber das Unternehmen zu seinen Wurzeln in der Oberpfalz 

– und der Firmensitz in Bad Kötzting in dem alten Bauernhof stand 

auch nie infrage. „Wir arbeiten und leben hier in einem extrem positiven 

und sicheren Umfeld, und wir haben gute, motivierte Leute, die 

sich über Jobs in ihrer Region freuen“, sagt Bayerköhler. Deswegen 

entfalten sich in dieser entspannten Atmosphäre auch immer neue 

Ideen. Denn weitere Projekte befinden sich in der Planung, sowohl in 

den bereits erschlossenen Märkten als auch im weiteren europäischen 

Ausland und in Übersee. 

© erlebnis akademie ag 

Mit einer Gesamtlänge von 1.400 Metern und einer Höhe von 

bis zu 21 Metern schlängelt sich der Baumwipfelpfad Salzkammergut 

durch den Bergmischwald am Gipfel des Grünbergs – vorbei an 

zahlreichen Informations- und Erlebnisstationen. 


S C H Ö N H E I T 

DER REINEN FORM IN 

18KARAT GOLD 

Text: Nina Schmid | Fotos: SIAN 

Einen ganz neuen Ansatz um faszinierende Schmuckstücke zu kreieren hat SIAN DESIGN entwickelt: 

Ihr Anspruch ist die Verschmelzung von Klarheit und Schnörkellosigkeit mit komplexen mathematischen 

Strukturen – so wie sie am schönsten in der Natur zu finden sind. Antonia Frey und Simon Vorhammer stecken 

hinter dem Schmucklabel. Beide haben Architekturerfahrung und gründeten 2016 in München ihre kleine, feine 

Manufaktur. 2018 präsentierten sie ihre erste Kollektion, die sich durch die Kombination 

geometrischer Komplexität und minimalistischer Designsprache auszeichnet. Die 

Schmuckstücke aus 18 Karat Gold werden mit Hilfe von Algorithmen und dem kombinierten 

Einsatz digitaler und analoger Methoden erstellt. Für jeden Entwurf wird ein 

Computeralgorithmus berechnet, daraus ein virtuelles 3D-Modell und anschließend ein 

3D-Druck aus Wachs gefertigt. In enger Zusammenarbeit mit Spezialisten des Goldschmiedens, 

werden die Grenzen des technisch Machbaren überschritten und Gegenstände 

erschaffen, die mit rein traditionellen Mitteln nicht erreichbar wären. Eine wirklich 

außergewöhnliche und indivieduelle Art des Schmuckdesigns. 

© www.sian-design.com

„Da wir schon immer von komplizierten mathematischen 

Strukturen und minimalem Design fasziniert waren, 

greifen wir auf unsere Hintergründe in Konstruktions- und 

Architekturprojekten mit hochkomplexer Geometrie zurück, 

um diese in einem anderen Kontext und Maßstab anzuwenden. 

Was als Experiment begann, wurde schnell zu einer Lernreise 

über das traditionelle Handwerk der Schmuckherstellung sowie 

über neue additive Fertigungstechnologien.“ 

Sian Design 

Beim Iva-Ring geht eine komplexe Maschenstruktur auf 

der Aussenseite in eine Glatte Oberfläche auf der Innenseite 

über. Hier spricht man von Designentscheidungen 

und Toleranzen im Zehntel Millimeter Bereich. 


Lebensgefühl, 

Haptik, Ästhetik, 

und Handwerk – 

auf Münchens 

Praterinsel

IM MAI IST ES WIEDER SO WEIT: DIE NEW HERITAGE LÄDT ZUM DRITTEN MAL AUF DIE PRATERINSEL IN MÜNCHEN EIN. 

EIGENTLICH KANN MAN SIE GAR NICHT ALS MESSE BEZEICHNEN, DAS TRIFFT ES NICHT. DIE NEW HERITAGE IST VIEL MEHR: 

LEBENSGEFÜHL, HAPTIK, ÄSTHETIK UND HANDWERK. SIE IST EHER EIN FESTIVAL FÜR QUALITATIV HOCHWERTIGE 

PRODUKTE. ABER SIE BIETET AUCH INTERESSANTE WORKSHOPS ÜBER NACHHALTIGKEIT, KREATIVITÄT UND VOR ALLEM 

QUALITÄT. WER AUF DER SUCHE NACH LIEBLINGSSTÜCKEN, WERTIGKEIT UND ZEITLOSEM DESIGN IST, WIRD AUF DER NEW 

HERITAGE AM 11. & 12. MAI 2019 IN MÜNCHEN FÜNDIG! HIER KANN MAN GESCHÄFTLICHE KONTAKTE KNÜPFEN, SICH EINEN 

EINDRUCK ÜBER DIE THEMEN HANDARBEIT UND UMWELT VERSCHAFFEN ODER EINFACH NUR SPASS MIT ENTSPANNTEN, 

NETTEN MENSCHEN BEI KULINARISCHEN HIGHLIGHTS HABEN. 

Auf der New Heritage kann man die Produkte 

wirklich spüren, schmecken oder 

anfassen. Dabei achten die Veranstalter 

auf strenge Kriterien – von der Herstellung 

über Rohstoffe bis zum „Herzblut“, das die 

Aussteller investieren. Hier geht es nicht 

darum, kurzlebigen Trends hinterherzu 

laufen, es geht um Waren, die Zeitlosigkeit 

ausstrahlen, wie es beispielsweise kleinere 

Manufakturen und Unternehmen anbieten. 

Ihnen wird auf der Praterinsel, mitten 

im Herzen Münchens, eine Plattform geboten, 

um ihre Kunstfertigkeit und ihre Ideen 

einem größeren Publikum präsentieren zu 

können: qualitativ hochwertige und einzigartige 

Erzeugnisse der Bekleidungs-, Freizeit-, 

Wohn- und Genusskultur. Dinge, die 

bleibend sind und zu Erbstücken werden 

können. Aber unter den Ausstellern finden 

sich auch Global Player wie BMW Motorrad, 

Schiesser Revival und Manufactum. 

Eine gute Mischung eben. 

Informative kostenlose Workshops und 

Vorträge an beiden Festival-Tagen runden 

das Programm ab. Themen wie beispielsweise 

„Capsule Wardrobe“ informieren 

über den nachhaltigen Kleiderschrank. 

Denn wer seinen Geschmack und Stil 

kennt, braucht nicht mehr als 14 (!) Basics, 

mit denen sich eine Vielzahl von verschiedenen 

Styles kreieren lassen. Das spart 

Geld und schützt die Umwelt. 

Für das leibliche Wohl ist selbstverständlich 

auch gesorgt: Auf dem „New Heritage 

Festival“ in München kann man unterschiedlichste 

aromatische Drinks und kulinarisches 

Streetfood genießen. Natürlich 

darf auch der Sound nicht fehlen: Zwei 

Bands mit „handgemachten Beats“ lassen 

die Besucher am ersten Tag entspannt in 

den Abend gleiten. 


New Heritage & Munich Fabric Start – ein gelungener 

Zusammenschluss mit gleichen Werten. 

Das „New Heritage Festival“ hat sich seit 2017 enorm entwickelt. 

Da wundert es nicht, dass 2018 zusammenkam, was 

zusammengehört: Die „Munich Fabric Start“ Exhibitions 

GmbH beteiligt sich an der New Heritage – dem Festival für 

Zeitloses, das einmal pro Jahr in München und Düsseldorf 

stattfindet. 

Und auch bei der „Munich Fabric Start“ stehen die Werte Handwerkskunst, 

Qualität, Einzigartigkeit und Beständigkeit im Vordergrund. 

Sie ist eine der führenden internationalen Stoff- und 

Zutatenmessen in Europa. Zweimal im Jahr zeigt die Messe mehr 

als 1.800 Kollektionen von über 1.000 internationalen Anbietern 

und zieht jede Saison rund 20.000 internationale Besucher nach 

München. Die Überschneidungen von „New Heritage Festival“ und 

„Munich Fabric Start“ in den Bereichen B-to-B und B-to-C birgt Potenzial 

für die Zukunft. 

Mit diesem Schritt werden die Gemeinsamkeiten der beiden Veranstalter 

gebündelt und die Synergien und Ressourcen effizient 

genutzt. So kann man sich zusammen weiterentwickeln und bestehende 

und neue Themen ausbauen. Die Gründer und Erfinder 

der New Heritage, Moritz Fuchs und Ann Sophie Meier, sind sehr 

glücklich über diesen Zusammenschluss und schätzen das Engagement 

und die langjährige Erfahrung der Macher von „Munich Fabric 

Start“, Frank Juncker und Sebastian Klinder. 

„Es ist Zeit für den nächsten Schritt. Wir verstehen uns persönlich 

super und hatten von Beginn an die gleiche Vision, wohin die Reise 

der New Heritage gehen soll. Ich freue mich sehr auf die künftige 

Zusammenarbeit“, sagt Moritz Fuchs. 

Und Sebastian Klinder ergänzt: „Wir sind beeindruckt von den Machern 

der New Heritage, die eben nicht nur für Endkonsumenten 

funktioniert, sondern auch findige Retailer anlockte. Sie ist eine 

People-to-People-Messe! Dank der Bündelung unserer Stärken 

werden wir dieses Event gemeinsam erfolgreich weiterentwickeln 

können.“ 

© new-heritage.de | © www.munichfabricstart.com

NOCH EIN PAAR EINDRÜCKE VON 2018 


JULIAN HERMSDORF UND CARL WARKENTIN VERBINDEN 

IN IHREM MODELABEL „MONACO-DUCK“ HEIMATLIEBE 

UND DEN SINN FÜR GUTE QUALITÄT. SIE HABEN DAS 

TRADITIONELLE MATERIAL LODEN WIEDER NEU 

ENTDECKT UND LASSEN DARAUS HOCHWERTIGE, HAND- 

GEFERTIGTE SCHUHE UND TASCHEN FÜR MANN UND 

FRAU FERTIGEN. FÜR DIE IN ITALIEN HERGESTELLTEN 

PRODUKTE WERDEN BAYERISCHER, ROBUSTER LODEN 

UND WEICHES KALBSLEDER VERWENDET. DIE LEGERE 

SCHNÜRUNG UND DIE WIDERSTANDSFÄHIGE GUMMI- 

SOHLE SORGEN FÜR EIN BEQUEMES TRAGEGEFÜHL – 

SO KANN DER SOMMER KOMMEN. 

Text: Monika Segl | Fotos: Monaco Duck 

SNEAKER CHARLY – 

DAY & NIGHT. IN & OUT.


Die leidenschaftlichen Quereinsteiger Julian Hermsdorf 

und Carl Warkentin haben aus der jungen Marke 

ein mittlerweile sehr „erwachsenes“ Unternehmen 

geschaffen, das zwischen Lifestyle und Tradition lebt. 

Das Faszinierende ist die Machart, denn sie verwenden 

weltweit als einziges Unternehmen Loden als 

Grundmaterial für die Herstellung von Schuhen und 

Taschen. „Ihr“ Loden kommt aus der ältesten deutschen 

Textilfabrik in Bayern, und die Schuhe werden 

„handmade“ in Italien gefertigt. 

Loden war traditionell der widerstandsfähigste Kleidungsstoff 

der bäuerlichen Bevölkerung Europas, der 

in gewalkter Form wegen seiner Wind- und Regendichtigkeit 

geschätzt wurde, schon vor über 1.000 Jahren. 

Und da er aus Schafschurwolle besteht, muss auch 

kein Tier dafür leiden oder sein Leben lassen. Er verfügt 

über hohen Tragekomfort, Nachhaltigkeit, einen 

kontrollierten Wärmeausgleich und eine antibakterielle 

Wirkung. Das macht Monaco Duck lässig, schlicht, 

entspannt und doch hochwertig-schick – eine großartige 

Mischung. 

„UNSER LOGO IST EIN 

BISSCHEN WIE DER GEGENENTWURF 

ZUM POLOREITER“, LACHT CARL. 

So einzigartig, wie ihre Kreationen sind, ist auch das 

Logo: eine Ente mit Gamsbart-Hut – und das findet 

man auf fast allen Monaco-Duck-Schuhen und -Taschen 

nur, wenn man gezielt danach sucht. Ein Touch 

Understatement eben. 

„Der Sneaker ist neben dem Loafer unser Bestseller“, 

erzählt Carl, der in dem Duo für Marketing und Vertrieb 

zuständig ist, während Partner Julian sich um die 

Designs und Kollektionen kümmert. stylus wünscht 

Monaco Duck weiterhin viel Erfolg. 

Der Lowtop-Sneaker, 

sportliche City-Walker, 

Gummisohle, handgefertigt 

in Italien. 

Obermaterial: 

100 % bayerischer Loden 

Farbakzente: Rindsleder 

Futter-/Decksohle: 

Rindsleder 

© www.monacoduck.com

Impressum 

stylus. 

Das Metropolmagazin. Ausgabe München. 

Herausgeber 

cre.do. think tank 

Schlanderweg 1 · 83703 Gmund 

kontakt@stylus-das-magazin.com 

USt-IdNr.: DE 309 41 48 99 

Chefredaktion 

Nina Schmid 

Plinganserstr. 19 · 81369 München 

redaktion@stylus-das-magazin.com 

Telefon +49 89 78 74 92 24 

Mobil +49 170 44 10 935 

Jackboots aus echtem bayrischen Loden mit durchgenähter und 

ultraleichter „wearlight“-Gummiprofilsohle. Der spezielle Loden ist nicht nur 

äußerst wasser- und schmutzabweisend, sondern auch wärmend 

und verleiht dem Jackboot einen klassischen Look. 

Redaktion 

Monika Segl, Nina Schmid 

Grafik/Layout 

cre.do Think Tank 

www.credo-thinktank.de 

Lektorat 

Angela Braun, Schliersee 

www.lektorat-braun.com 

Druck 

Grafik + Druck GmbH 

www.grafik-druck.de 

Erscheinungsweise 

Drei Ausgaben 2019 

Damen-Slipper - 

das Münchner Original. 

Handgemachte Slipper 

aus angenehmem, 

hochwertigem Loden, 

einmalige Passform. 

Ideal zur Tracht, 

Freizeit und fürs Büro. 

Urheber- und Verlagsrechte 

Das Magazin und alle in ihm enthaltenen 

einzelnen Beiträge und Abbildungen sind 

urheberrechtlich geschützt. Jede Verwertung 

außerhalb der durch das Urheberrechtsgesetz 

festgelegten Grenzen ist ohne Zustimmung 

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Teilnahmeberechtigt sind ausschließlich volljährige, natürliche Personen mit einem ständigen Wohnsitz in Österreich, Deutschland 

oder der Schweiz. Das Gewinnspiel endet am 1.7.2019 um 10 Uhr. Auf den Gewinn gibt es keinen Gewähr- oder Garantieanspruch. 

Der Gewinn wird nicht bar ausbezahlt. Wir behalten uns das Recht vor, das Gewinnspiel zu jedem Zeitpunkt ohne Vorankündigung 

zu beenden. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. www.stylus-das-magazin.com/agb 

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Gaumenfreuden in der offenen Küche des Panoramarestaurants. 

Transparenz steht für Chefkoch Daniel Wolter und sein Team an 

erster Stelle: man kann zusehen wie und was kreiert wird. Das ganze 

Restaurantteam ist weit mehr als engagiert und kredenzt eine 

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mit seinem atemberaubenden Blick auf die Rottacher 

Bucht, munden die kulinarischen Kreationen ganz besonders 

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stylus Magazin München 1/2019

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