Musiker Magazin 3/2019

C 10973 F | N o 3/19 | 6,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
37. Deutscher
Rock & Pop Preis
am 14. Dezember 2019
in der Siegerlandhalle, Siegen
50 Jahre
Peter Maffay
Pünktlich zu seinem siebzigsten
Geburtstag erschien
das Jubiläumsalbum JETZT!
Die Historie
der Rock- & Popmusik:
The Rolling Stones
»Rechte Hand spielt Tarang – linke Hand spielt Gitarre«
Albert Böhne
spricht über seine
Karriere und
die Zusammenarbeit
mit Tony Liotta
Der vielsaitige Champion
SIGI
SCHWAB

DEuTSCHER RoCK & PoP MuSIKERVERBAND E.V.
DEuTSCHE PoPSTIFTuNG uND MuSIKER MAGAzIN
PRäSENTIEREN
Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise
werden in folgenden Sparten verliehen:
8 Hauptkategorien:
Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul,
Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country
118 Sonderkategorien:
Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age,
Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock,
Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager
Filmmusik, Kinderlieder, Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal,
Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella
Tonstudio, Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent,
Förderung der Rock- & Popmusik, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), CD-Album (englischsprachig),
Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig),
Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, Instrumentalband, Instrumentalsolist,
Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger,
bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument
an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger*innen sowie an Profimusiker
Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.)
Teilnahmegebühr: € 150,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans)
INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg
Tel: 0 41 31/ 23 30 30 • Fax: 0 41 31/2 33 03 15 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de
ANMELDEFORMuLAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung
Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung,
des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.
Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1.
Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften.
14. Dezember 2019 – Siegen
Kongresszentrum Siegerlandhalle

EDITORIAL 03
am 14. Dezember 2019,
im Kongresszentrum Siegerlandhalle, Siegen
LIEBE BEWERBER DES DIESJÄHRIGEN 37. DEUTSCHEN ROCK & POP PREISES 2019
Die Festivalreihe des seit nunmehr 37 Jahren durchgeführten kulturellen
Musikwettbewerbes „Deutscher Rock & Pop Preis“ und dessen Preis -
träger konnten im Verlauf dieser fast vier Jahrzehnte eine sich von Jahr zu
Jahr größere und umfangreichere Presseresonanz in den seriösen Tages -
zeitungen in ganz Deutschland generieren. Allein in 2018/19 berichteten
bundesweit über 680 Tageszeitungen über die Preisträger aus 2018 und
den 36. Deutschen Rock & Pop Preis 2018 (www.musiker-online.com/
wp-content/uploads/2019/07/DRPP18_Presseveroeffentlichungen.pdf).
Nach einer Jahresanalyse/-statistik unseres beauftragten Zeitungsaus -
schnitt dienstes gibt es in Deutschland seit Jahrzehnten kein Einzelkonzert
und kein Einzelfestival, das über eine derartig umfangreiche Presse -
resonanz verfügt. Das allein ist das Ergebnis unserer aller gemeinsamen
37-jährigen kontinuierlichen, und zumeist ehrenamtlichen Kulturarbeit
für die uns alle verbindenden Ideale der Rock & Popmusik aller musikstilistischen
Be reiche.
Die Pressemedien in Deutschland schenken uns mit diesen kontinuierlichen
umfangreichen Berichterstattungen ein großes Maß an Anerkennung!
Darüber dürfen und können wir alle gemeinsam glücklich und auch
stolz sein! Wenn ihr jetzt aufgrund des Entscheides der Bundesjury eine
Ein ladung zum diesjährigen 37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019 für
den 14. Dezember in der Siegerlandhalle in Siegen erhaltet, könnt ihr
zuversichtlich zu den Zeitungsredaktionen eurer Stadt gehen und um eine
Bericht erstattung zu dieser Einladung / Vorauszeichnung bitten. Werdet
ihr am 14. Dezember in Siegen seitens der dortigen Jury mit einem
Deutschen Rock & Pop Preis 2019 ausgezeichnet, könnt ihr danach wieder
die Re dak tionen aufsuchen. Die Chancen für eine Berichterstattung
über euch und den „37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019“ waren nie
besser als in diesem 37 Festivaljahr!
GEWINNER DER DEUTSCHEN ROCK & POP PREISE:
PUR (1986), Lars Niedereichholz (MUNDSTUHL / THE AUTOMANIC –
1994), JULI (SUNNYGLADE – 2000), KLIMA (2004), Pasquale Aleardi (BIG
GEE – 2005), LUXUSLÄRM (2008), Carlotta Truman (2011 – Gewinnerin der
deutschen Vorentscheidung zum Eurovision Song Contest mit dem Duo
„S!Sters“).
Weitere informationen: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE
Pressedokumentation 2018: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/WP-
CONTENT/UPLOADS/2019/06/DRPP18_PRESSEDOKUMENTATION.PDF
3/2019 musiker Magazin

10 FESTIVAL
37. DEUTSCHER
ROCK & POP PREIS 2019
am 14. Dezember 2019
Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen
ZIEL/KONZEPT
2019 werden zum 37. Mal insgesamt über
In
125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten
musikalischen Bereiche an herausragende
Nachwuchsmusikgruppen, Nach -
wuchs einzelkünstler*innen sowie durch eine
Fachjury ausgewählte professionelle Musik -
grup pen und Einzelkünstler*innen mit Ton träger -
ver trag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr
Künstler so unterschiedlicher musikstilistischer
Bereiche wie Rock, Pop, Country, Hard & Heavy,
Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul
u.v.a.m. geehrt werden. Einziges Kriterium ist
dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer kulturellen
und künstlerischen Ausrichtung steht
diese Kulturveranstaltung damit im be wussten
Gegensatz zu bisherigen Veranstal tungs ze re -
mo nien von Industriepreisen und TV-Anstalten.
Durch die Auszeichnung in über 125 verschiede-
nen Musikgenres wird der heutigen musikalischen
Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik
Rechnung getragen. Damit soll er reicht werden,
dass sich möglichst viele Musik gruppen,
Einzelkünstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik
wiederfinden.
Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als
Plattform des kreativen Nachwuchses, aber auch
als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler*innen
und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen
Umfeldes dienen.

11
FINANZIERUNG
Kulturveranstaltung wird im Wesent -
Diese
lichen – wie in den vergangenen Jahren
auch – durch die Deutsche Popstiftung, den
Deutschen Rock & Pop Musikerverband e. V. und
die am Wettbewerb beteiligten Musikgruppen
und Künstler*innen finanziert.
Von allen Bewerbern dieses bundesweiten
kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in
den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form
einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle
durch die Bundesjury ausgewählten Finalteil -
neh mer sowie durch die Bundesjury nominierten
Preisträger der Neben- und Sonder kate go -
rien zahlen außerdem einen Teilnahmebetrag pro
Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses
musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes -
ebene zu gewährleisten. Diese solidarische Ge -
meinschaftsfinanzierung ist in Deutschland ein -
malig: Damit wird auch der 37. Deutsche Rock
& Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert
durch die Stiftungs- und Verbandsträger, die
ca. 3 000 Musikgruppen, Musikerinnen und
Musiker im Deutschen Rock & Pop Musikerver -
band e.V. sowie durch die über 1 000 Teilnehmer
dieses Festivals.
KATEGORIEN
Gegensatz zu anderen deutschen Musik -
Im
preisen werden die Deutschen Rock & Pop
Preise 2019 in über 125 verschiedenen musikstilistischen
Bereichen verliehen. Weitere Preise
können an herausragende etablierte Musik -
grup pen, Musikerinnen und Musiker sowie in
den Sonderkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester
Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester
Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen
werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben.
Die Bundesjury entscheidet, ob besondere
Leistungen in diesen Bereichen vorliegen.
FOLGENDE
EINZELKATEGORIEN
WERDEN AUSGESCHRIEBEN:
8 Hauptkategorien
118 Sonderkategorien
Durch die differenzierte Auswahl an Sonder -
kategorien wird gewährleistet, dass eine große
Anzahl vielversprechender Mu sikgruppen, In ter -
preten und Künstler*innen in musikhistorisch
bedeutenden, aber bisher bei Preisverlei hungen
vernachlässigten Musikrich tungen ebenfalls
gewürdigt werden können. In den acht Haupt -
ka tegorien werden die Final aus scheidungen
(und/oder Halbfinal vorent scheide) tagsüber live
am Festivalort auf der Bühne er folgen. In den
übrigen Kategorien entscheidet die Bundesjury
allein aufgrund des eingeschickten Materials
über eine Nominierung bzw. Aus zeichnung bei
der Preisverleihung.
Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich
mit dem künstlerischen und technischen Umfeld
einer CD-Produktion und des Musik mana -
gements auseinandersetzen (Studio produktion,
CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur
etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese ansons -
ten im Schatten von künstlerischen Auszeich -
nungen stehenden Firmen und Personen ge -
ehrt werden.
Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer
CD/ einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst
eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop -
stif tung für die verschiedenen Kategorien be -
werben.
8

ANMELDEGEBÜHR
20, – Euro
drMV-Mitglieder
30, – Euro
drMV-nicHtMitglieder
Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige
Expertenjuroren, die von der Deutschen
Popstiftung eingesetzt werden, die Teilnehmer am
Finale und die Preisträger der Neben- und
Sonder kategorien des 37. Deutschen Rock &
Pop Preises 2019. Mithilfe eines detaillierten
Bewertungsbogens (Arran ge ment, Instrumen tie -
rung, Gesang, Text, Kom po sition, Originalität,
Kreativität etc.) ermittelt die Festivaljury die live
im Finale des 37. Deutschen Rock & Pop
Preises 2019 auftretenden Musik gruppen und
Einzelinterpreten der Haupt kate gorien. Um eine
gerechte Preisverleihung zu gewährleisten,
kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den
Juroren passend erscheint, Preise auch in
anderen als den durch die Künstler ursprünglich
beworbenen Kategorien zuerkennen.
TEILNAHME
Teilnehmer am Finale des 37. Deut -
Die
schen Rock & Pop Preises 2019 erhalten
durch die Deutsche Popstiftung eine Einladung
nebst Teil nahmeformular. Die in allen Sparten
und Be reichen nominierten Bands und Künst -
ler*innen werden persönlich eingeladen. Erst die
Rück sen dung des ausgefüllten Teilnahme for mu -
lars und die Entrichtung der Teilnahme ge bühr
in Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie und je
erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro)
garantieren die Teilnahme am 37. Deutschen
Rock & Pop Preis 2019.
Die Fina listen (Einzelkünstler*innen und Musik -
gruppen) der Hauptkategorien und die ausgezeichneten
Preisträger der Sonderkategorien
erhalten im Ge genzug je 50 Eintrittskarten (mit
Publikums ab stim mung) im Gesamtwert von
1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis.
Mit der Nichtrücksendung des Anmelde for mu -
lars und der Nichtentrichtung der Teilnah me -
ge bühr verfallen die Teilnahme und Preiszuer -
ken nung.
Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung
durch die Festivaljury werden auf der Website
des DRMV www.musiker-online.tv und durch
die Kulturzeitschrift MusikerMagazin nach dem
Festival veröffentlicht.
PREISVERLEIHUNG
umfassende Preisverleihung aller Preis -
Die
träger findet am 14. Dezember 2019 zum
Schluss des 37. Deutschen Rock & Pop Preises
2019 in der Siegerlandhalle in Siegen statt. Dafür
werden zuerst alle Preisträger der Sonder kate -
gorien auf die Bühne ge rufen und dann der Reihe
nach ausgezeichnet. Dann werden alle Preis -
träger der Haupt ka te gorien auf die Bühne ge -
rufen und ebenfalls feierlich ausgezeichnet.
Zum Schluss beider Preis verleih un gen werden
alle Preisträger für die anwesenden Journa listen,
Fotografen und Video ka meras unter Ein spie lung
der Festivalhymne im Halb kreis gruppiert, um für
die zahlreichen Bericht erstattungen der bundesweiten
Tages zeitungen geeignete Medien -
fotos zur Ver fü gung zu haben. (s. Dokumen tation
Presseberichter stat tung 2018/2019).
Web: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV
TexT: OLE SEELENMEYER
FoTos: LUDWIG CZAPLA

STORIES 13
Der vielsaitige Champion
SIGI
SCHWAB
Bereits seit über 50 Jahren ist
Land zwischen Jazz und Anrainern
Sigi Schwab erfolgreich als Gitarrist und der ethnologischen Musik Südamerikas,
Komponist tätig. Dabei lässt er sich
nicht in Schablonen pressen:
Mit dem Diabelli Trio spielt er Wiener
Klassik, aber auch Musik der Avantgarde
und in eigenen Bearbeitungen Walzer,
Tangos sowie Ragtime. Mit dem
Afrikas und Asiens aus.
Darüber hinaus komponierte er Musik
zu Fernsehserien und Filmen
sowie Ballett- und Bühnenstücken.
Im Musiker Magazin spricht er über seine
Karriere, oder wie er es ausdrücken mag,
Percussion Project lotet er das weite über seine Passion (!)
8
3/2019 musiker Magazin

14 STORIES
MM: Du hast Gitarre und Kontrabass an der
Musikhochschule Mannheim studiert. Woher
kam damals dein Wunsch, Musiker zu werden?
SIGI SCHWAB: Na ja, mit einem heutigen Stu -
dium kannst du das natürlich nicht vergleichen:
Das war so eine Art geregelte Mängel verwal tung
– denn wir hatten eigentlich, außer unserer
Passion für die Musik, fast weniger als nichts!
Ich erlernte bei meinem Handwerk (erstrangig
Kontrabass und nur als Zweitinstrument die
Gitarre) nur das Nötigste, nach kaum vorhandenen
Noten, die Hochschulinstrumente in einem
schlechten Zustand, kaum noch spielbar. Als
ich dann fertig war mit dem Studium, fing es
bei mir mit dem Studieren der Realitäten, aber
auch der Schönheit des Musikerdaseins, erst an.
Der Wunsch, Musiker zu werden? Das war
kein Wunsch, das war ein Muss! Wir Schwaben -
kinder (2) wurden nur mit einem Blechlöffelchen
ge boren, aber wir waren reich, denn wir hatten
uns und die Musik. Meine Eltern, sie seien un -
vergessen, hatten die Klassik, mein großer
Bruder und ich, wir hatten alles andere: Blues,
Jazz, Rumpelmusik und und und … Ja, lieber
Ole, der Wunsch, Musiker zu werden, war wahr -
scheinlich schon vor mir da!
MM: 1965 wurdest du dann von der RIAS
Big Band Berlin als Gitarrist engagiert. Wie
war das für dich?
SIGI SCHWAB: Eine Traumband, Traum kolle gen,
Traumstadt – aber das Kern ge schäft der Band
war ein einziges Trauma für mich!
Ole, weißt du, wie es ist, wenn du statt einer
satten Gage ein sattes Schmerzensgeld be -
kommst?
Ich kam aus der Mannheimer Gitarrenszene:
Ich spielte bereits Blues, Jazz, Rock, Latin-Folk,
Country … Alles gut soweit, aber nicht Rosenthal
live begleiten! Der Mann war der RIAS-Star, ein
Riesentyp, ihn mochte ich, aber nicht seine
Show. Die war nicht spitze, not only for me.
MM: Anschließend warst du viel als Studio -
musiker tätig und hast im Verlauf deiner
Studiophase über 15 000 Einzeltitel eingespielt.
Was reizte dich an den Aufgaben als
Studiomusiker?
SIGI SCHWAB: Ehrlich gesagt: Alles! Direkt nach
der RIAS-Nummer, nur ein Jahr im Vertrag, war
ich total offen für Neues. Zunächst floh ich quasi
hinter die Mauern der jungen Berliner Freien
Universität und hier gab es ganz andere Noten:
Welche in bürgerlichem Recht (Assistent Horst
Mahler, Jüngere sollten ihn mal googeln), welche
fürs Strafrecht, Staatsrecht (mein Prof war
der spätere Bundespräsident Roman Herzog).
Studentische Vollversammlungen mit Ober de -
mo krat Dutschke und Genossen – heute alles
schon uralte Geschichten – in vieler Hinsicht
kann ich sagen: „Ich war dabei!“
Aber ich schweife ab, okay. Ole, zu deiner
Frage: Ganz klar die Studios! Erst mal die in
Berlin, dann die im Rest Deutschlands. Dann
kamen die Randländer, Österreich und die
Schweiz dazu. Nie werde ich Brüssel vergessen,
wo mich der Produzent in einem Puff einquartiert
hatte … Dann natürlich, damals noch
unwillkommen, ein deutscher Gitarrist, im heiligen
London, aber auch hier: Traummusiker,
Traumstudios, Traumstadt und? Traumkohle!
Yes indeed! Good play – good pay.
Die Studios waren meine Hochschule, waren
das Härteste an Ausbildung: Leute, das war a
kind of a war! Warst du nicht in der Lage, prima
vista vom Blatt zu spielen, warst du schneller
draußen, als du drinnen warst. Die Engländer
waren nicht nur die besten Live-Musiker (die
göttlichen Beatles!), sondern auch die besten
Studiomusiker, und ich tauchte in diesem er -
lauchten Kreis auf. Die schwerste Aufnahme
meines Lebens – first Take – Silhouettes, Solist
Chris Hinze, London Sym phonic, der Arran -
musiker Magazin 3/2019

STORIES 15
»Natürlich ist es ein
schönes Ge fühl,
wenn man ein paar Tage
mal vor Michael Jackson in
den Charts steht,
wo wir die Nummer eins
waren, aber das sind
Schlachten von gestern.
Das interessiert heute
überhaupt niemanden, am
allerwenigsten mich
selbst.«
geur war Michael Gibs, der später mit Michael
Jackson arbeiten konnte. Not bad! Und einer
aus der Pfalz mittendrin: Really not bad.
MM: Du warst aber nicht nur im Studio,
sondern hast auch mit vielen Bands (Jazz,
Blues und Klassik) gespielt … Wie kam es
dazu?
SIGI SCHWAB: „Es“ kam immer zu mir! Lieber
Ole, ich habe das schon immer so gemacht.
Das Spiel in einer Band war für mich schon
immer meine Leidenschaft, meine Passion. Jetzt
sage ich dir, aber auch allen, die es hören wollen,
wer mein großes Vorbild ist. Kein Gitarrist,
kein Komponist, keine Band, sondern ein Kauf -
mann. Ein Musikkaufmann mit einer unfassbaren
Passion für die Musik, der uns allen zeigt:
Leute, ihr könnt alles erreichen, wenn ihr es mit
Passion betreibt! Natürlich habe ich meine
ersten Musikerjahre verpennt, vergeudet, irgend -
wie … Die Bands könnt ihr noch auf Wikipedia
nachlesen, aber eines steht da nicht drin: Die
coolsten, die Jazzer, waren ganz schön intolerant,
arrogant, hielten sich immer für was Bes -
seres (Ausnahmen nicht ganz undenkbar), die
wilden, die Rocker waren dagegen die sanftes -
ten, die tolerantesten und die angenehmsten
(Ausnahmen fast undenkbar) – und die Klassiker?
Da schweigt der Sänger gleich gänzlich.
MM: Außerdem bist du Komponist zahlreicher
Fernseh-, Film- und Bühnenmusiken.
Der Titel „The Lions & The Cucumber“ wurde
in Quentin Tarantinos Film Jackie Brown
verwendet und der von Guillermo Marchena
ge sungene Titel „My Love Is A Tango“ aus der
Fernsehserie Anna war ein Nummer-eins-Hit.
Was war dein Erfolgsrezept?
SIGI SCHWAB: Weißt du, Ole, das ist alles gutes,
solides Handwerk. Aber auch wenn ich das
alles selbst gespielt habe, bin ich mir oft recht
unbekannt. Es gibt immer was Neues, es ist nie
langweilig. Ich versuche, authentisch zu sein,
selbstkritisch, aber nie ohne die Leidenschaft,
die unbedingte Passion! Tarantino, „My Love Is
A Tango“, das war schlicht gestern! Eigentlich
war das Handwerk das wahre Ziel zum Broter -
werb, und ich musste natürlich ein gutes Hand -
werk liefern, sonst hätte ich diese Aufgaben
nicht erfüllen können. Aber ich muss ganz ehrlich
sagen, dass diese Musik eigentlich relativ
wenig mit mir zu tun hat, weil als Auftraggeber
hat man ja immer Regisseure oder Produ zen ten.
Meine Musik hat viel unspektakulärer geklungen,
viel verhaltener, meditativ, verinnerlicht, eigentlich
ganz anders!
Weil du fragst, natürlich ist es ein schönes
Ge fühl, wenn man ein paar Tage mal vor Michael
Jackson in den Charts steht, wo wir die Nummer
eins waren, aber das sind Schlachten von
gestern. Das interessiert heute überhaupt niemanden,
am allerwenigsten mich selbst.
Das Erfolgsrezept? Alles, was du machst,
musst du mit Leidenschaft machen, sonst
kannst du es vergessen! Und jetzt verrate ich
noch ein Geheimnis: Mein großes Vorbild ist
kein Gitarrist, kein Kommunist, nicht mal ein Mu -
siker. Ihr werdet staunen: Es ist Hans Thomann,
der zwar auch ein Musiker war, aber dann mit
einer unfassbaren Passion und Leidenschaft sein
Musikhaus gegründet hat.
Da lassen wir uns beide nicht überbieten:
Leidenschaft für die Musik, ich in der Praxis, er
in der Versorgung, im Weiterbringen, ständigem
Sich-Neues-Ausdenken, ständig die Grenzen
8
3/2019 musiker Magazin

16 STORIES
»Das, was man erreicht hat,
ist ganz gewiss eine schöne Sache,
zählt aber nur für Leute,
die rückwärtsorientiert sind!
Ich selbst bin aber ausschließlich
nach vorne orientiert
und habe natürlich noch viele
musikalische Ziele.«
ausloten. So, wie ich das in der Musik auch
versuche, tut er das in der Technik der Musik.
Das ist einfach großartig und mit seiner globalen
Denkweise das große Vorbild. Hans hat die
Zei chen der Zeit erkannt, wir werden immer
technischer, und das Handwerk, auch das aller -
schönste, des Musikers geht immer weiter
zurück.
MM: Schließlich hast du dir ein eigenes Ton -
studio eingerichtet. Welche Vorteile brachte
das?
SIGI SCHWAB: Das ist eine ganz normale Kon -
sequenz gewesen, irgendwo muss man ja hin
mit der Kohle, aber es war auch eine Frage der
persönlichen Freiheit. Ich konnte jetzt kreativ
sein, weil ich es wollte, nicht, wenn der Termin -
kalender mir Vorschriften gemacht hat. Also das
Studio war wirklich eine wunderbare Sache und
ich habe mich auch rechtzeitig wieder davon
getrennt. Das Studio steht heute in Mannheim.
Eigentlich wollte ich es den Mannheimern
schenken, aber das war nicht möglich. Ich musste
es ihnen verkaufen, so sind die Regeln im
deutschen Markt.
MM: 1987 wurdest du als erster Europäer
mit dem Ovation Award ausgezeichnet.
Dieser Preis wurde zuvor an Larry Coryell und
Al Di Meola verliehen, 2000 mit der Pfalzsäule
geehrt, 2003 mit der Peter-Cornelius-Plakette
ausgezeichnet, 2008 mit dem Kulturpreis der
Bayerischen Landesstiftung, und 2013 wurde
dir auch der Bayerische Kulturpreis verliehen.
Was bedeuten dir all diese Auszeich nun gen?
SIGI SCHWAB: Ich würde lügen, lieber Ole, wenn
ich sagen würde, dass es mir nichts be deutet
hat, aber Preise sind immer Teil der Vergangen -
heit und ich lebe für die Zukunft. Natürlich ist
es schön, wenn die Gesellschaft dir irgendwo
Respekt entgegenbringt, das ist auch ein
Lebens elixier, aber mein eigentliches Tun ist in
die Zukunft gerichtet und da gibt es mehr
Frage zeichen als Ausrufezeichen.
MM: Du arbeitest mit einigen literarischmu
si kalischen Acts zusammen. Was fasziniert
dich an der Verbindung von Text und
Musik?
SIGI SCHWAB: Das habe ich in der letzten Zeit
drastisch eingeschränkt. Ich konzentriere mich
nur noch auf ganz wenige Tickets. Ich bin
schließlich nicht mehr der Jüngste und kann
mich einfach nicht mehr so auf viele Tickets
verzetteln. Das geht leider nicht, so schmerzhaft
das auch für den einen oder die andere
Pro tagonist*in sein wird.
An der Verbindung von Text und Musik fasziniert
mich eigentlich die Tatsache, dass es
fast das Gleiche ist. Rhythmus ist eine total faszinierende
Geschichte und wird wahrscheinlich
die nächste Zeit noch ganz entscheidend.
MM: Welche weiteren musikalischen Pro jekte
liegen und lagen dir besonders am Herzen?
SIGI SCHWAB: Ja, jetzt taue ich doch langsam
auf! Weißt du, ich habe in der letzten Zeit einen
wunderbaren Musikanten kennengelernt, Klaus
Hampl, mit dem möchte ich meine Zukunft ge -
stalten, weil ich finde, es gibt sowieso nichts
Schöneres als eine spontane Kommunikation
auf der Bühne: Life is live!! Ich habe immer Leute,
die alleine auftreten mussten, alleine in den
Hotels saßen, alleine in Russland gereist sind,
nicht gerade beneidet.
Ganz im Gegensatz dazu fand ich es immer
wunderbar, mit anderen zusammen auf der
Bühne zu stehen!
Noch ganz wichtig: Ein Duo ist die Kernzelle,
die Brennkammer jeglichen Musizierens! Das
Schwierigste und das Leichteste zugleich in
der musikalischen Kommunikation.
Ich liebe es, in kleinen Gruppen zu spielen,
ich möchte hören können, was jeder Einzelne
macht. Sitze ich in einem großen Orchester, bin
musiker Magazin 3/2019

STORIES 17
ich verloren. Klar, ich habe auch für große Be -
setzungen geschrieben, auch erfolgreich, aber
meine Lieblingsprojekte sind definitiv kleine
mu sikalische Ensembles.
MM: Nachdem du schon so viel erreicht hast,
hast du da noch musikalische Ziele?
SIGI SCHWAB: Das, was man erreicht hat, ist
ganz gewiss eine schöne Sache, zählt aber
nur für Leute, die rückwärtsorientiert sind! Ich
selbst bin aber ausschließlich nach vorne orientiert
und habe natürlich noch viele musikalische
Ziele.
Ich würde liebend, liebend gerne der Jugend
assistieren, neue Perspektiven zu finden, sie von
diesen ewigen in amerikanischen Fußstapfen
hinterherlatschenden Reflexen zu befreien. Viel -
leicht entdecken sie einmal die Schönheit der
europäischen Quellen: Wir haben auch so etwas
Ähnliches wie den Blues entwickelt!
Wir haben sogar eine unfassbare Zahl an
Improvisationsstrukturen gehabt in der Renais -
sance, im Barock ... Vielleicht kann man mal das
Augenmerk der Leute auf eine Chaconne La
Follia lenken, dann werden wir bald eine genuin
europäische Musik genießen dürfen. Eine Musik,
die unser europäisches Erbe in den Vorder -
grund stellen und nicht ständig afroamerikanischen
Blues-Elementen hinterherhecheln würde,
wo wir immer nur zweiter Sieger sein können.
Also, lieber Ole, ich bin extrem positiv eingestellt
für die Zukunft: Ich weiß, der Konti nent
hat fantastische Musiker, hat ein herrliches
musikalisches Gen-Material – und was soll
passieren? Überrascht die Technik uns Musiker,
kreieren wir doch auch eine überraschend fantasievolle
Musik!
Kontern wir die maschinenkontrollierten Struk -
turen der Technikfreaks. Vielleicht finden wir
beide gemeinsam etwas ganz Neues, etwas
Le bendiges.
IntervIew: OLE SEELENMEYER
Fotoquelle: SIGI SCHWAB
»tempus fugit –
… oder wie Konfuzius
sagt:
take it busy«

18 STORIES
ALBERT BÖHNE
Der Gewinner des Deutschen Rock und Pop Preises spricht über
seine Karriere, seine Zusammenarbeit mit Tony Liotta
und ihre gemeinsame David Bowie Tribute Band „Stardust Memories“
MM: Wo liegen deine musikalischen Wurzeln?
ALBERT BÖHNE: Schon als Kind habe ich in der
Musik das Außergewöhnliche, Facettenreiche ge -
mocht. Und ich mochte Geschichten – vor allem
die, die sich mit dem Unbekannten beschäftigten,
also Science Fiction und Fantasy. So war ich
besonders fasziniert, als ich mit zehn Jahren im
Radio das erste Mal „Space Oddity“ von David
Bowie hörte.
Ich kaufte direkt am nächsten Tag das Album
und merkte sofort, dass das genau meine Musik
ist. In den nächsten Wochen gab ich mein
Taschen geld für alle weiteren erschienenen Platten
aus. „Ziggy Stardust“ war damals das aktuelle
Album, und das war dann auch meine Lieblings -
scheibe. Die Musik war genial und abwechslungsreich,
und Bowie sang die Stücke nicht nur, er
lebte sie. Hinzu kam noch, dass es sich um ein
Konzeptalbum handelt, es erzählt also eine Ge -
schichte. Es war eine Kombination all dessen, was
ich liebte. Dass Bowie mein musikalisches Vorbild
wurde, war also fast schon unausweichlich.
Natürlich gab es auch andere Musik, die ich
hörte und bis heute höre, wie zum Beispiel Jeff
Lynne und sein Electric Light Orchestra, die Kinks
und Achim Reichel, aber Bowie war für mich
immer mein größtes musikalisches Vorbild.
»Ich hatte schon lange
darüber nachgedacht, mal
ein Bowie-Tribute zu
machen. Im Laufe der
Jahrzehnte habe ich seine
Songs so verinnerlicht,
dass ich auch seine Art zu
singen übernommen
habe.«
ALBERT BÖHNE: Ich hatte Klavierunterricht bei
Klaus Melchers von der bekannten „Chris Braun
Band“. Er unterrichtete mich vor allem im Jazz.
Dadurch lernte ich zu improvisieren. Von da war
es nur ein kleiner Schritt zur Komposition. Zuerst
schrieb ich die Songs nur für mich selbst, quasi
als Hobby.
In den Achtzigern legte ich mir ein paar Syn -
thesizer sowie einen kleinen Mixer und einen
Acht spurrecorder zu. Damit hatte ich endlich alle
Werkzeuge, die ich brauchte, um meine Ideen zu
verwirklichen.
das für mich so etwas wie eine Offenbarung. Ich
wusste sofort, dass ich mir so meine Zukunft
vorstellen konnte.
Ich fragte dann im Studio nach, ob ich dort
aushilfsweise arbeiten könne, und erhielt tatsächlich
die Möglichkeit. Im Laufe der Zeit habe ich
dort immer mehr gemacht und die Tontechnik
von Grund auf gelernt. Ich nahm dort auch mein
erstes Album „Different Faces“ auf.
Während meiner Zeit im Studio trat ich immer
wieder mal live als Gastmusiker auf, vorwiegend
mit Bowie-Songs, aber auch mit eigenen. Nach -
dem mein Album erschienen war, habe ich mit
verschiedenen Musikern ein zweistündiges Pro -
gramm auf die Bühne gestellt, das auch sehr gut
ankam.
Du hast deiner Studiokarriere aber den Vor -
zug gegeben?
ALBERT BÖHNE: Ich hatte noch so viele Ideen, die
ich im Studio verwirklichen wollte. Und meine Frau
und ich standen damals kurz vor der Heirat. Als wir
uns ein Haus suchten, war von Anfang an klar, dass
ich darin auch ein eigenes Studio einrichten würde.
So konnte ich gleichzeitig Auf träge annehmen und
meine eigenen Projekte verwirklichen.
MM: Wie entwickelte sich dann dein musikalischer
Werdegang?
Als ich 1988 ein Tonstudio aufsuchte, um mal
einen meiner Songs richtig zu produzieren, war
So hatte ich neben der Studioarbeit noch genug
Zeit für meine Familie. Ich habe viel Zeit mit meinen
musiker Magazin 3/2019

19
Die Musiker der Band von links nach rechts:
GRANT JONES (BASS), JÖRG KÜPPER (GUITAR),
TONY LIOTTA (DRUMS), ALBERT BÖHNE (VOCALS),
ANIKA BOBB (BACKING VOCALS),
ANDREA DE PAOLI (KEYBOARDS)
Kindern verbracht, und das würde ich auf keinen
Fall missen wollen.
MM: An welchen Projekten hast du während
der Studiozeit gearbeitet?
ALBERT BÖHNE: Zuallererst muss ich da meine
Zusammenarbeit mit Wolfgang Hohlbein erwähnen.
Ich habe seine Bücher schon damals mit
Begeisterung gelesen und dachte, dass man sie
musikalisch wunderbar umsetzen könnte. Irgend -
wann habe ich mich mit ihm in Verbin dung gesetzt,
und er lud mich ein vorbeizukommen. Ein paar
Tage später fuhr ich zu ihm und zeigte ihm ein
paar meiner Songs. Und am selben Abend noch
waren wir uns einig, dass wir etwas zusammen
machen würden.
Wir veröffentlichten damals die beiden Kon -
zept alben „Hexer von Salem“, ein Mix aus erzählter
Story, vorwiegend elektronischer Musik und Ge -
sangsstücken, aus heutiger Sicht natürlich nicht
mehr zu vergleichen mit späteren Werken, in
denen ich mit Musikern vom Starlight Express in
Bochum und der Dortmunder Philharmoniker
sowie Rockgrößen wie Udo Dirkschneider oder
Steve Whalley von Slade zusammenarbeitete.
Hervorzuheben wären hier „Die Rück kehr der Zau -
be rer“ und das Kindermusical „Teufelchen“.
Ansonsten hat sich mein Tätigkeitsfeld bis heute
immer mehr in Richtung Hörspiele und Hör bücher
verlagert. Auch hier habe ich den Großteil mit Glück hat sich auch meine Stimme so entwi -
Wolfgang Hohlbein gemacht. Die umfangreichsten ckelt, dass sie dem Sound von Bowies Stimme
Serien sind hierbei die Hörbuchreihe „Hexer von schon sehr nahe kommt, wie mir auch bei den
Salem“ sowie die Hörspiele „Operation Nautilus“. Auftritten immer wieder gesagt wurde.
MM: Warum hast du dich entschlossen, nun Als Bowie dann leider starb, war das Thema
wieder auf der Bühne zu stehen?
für mich aktueller denn je. Meine Kinder sind jetzt
auch schon größer, und meine Frau hat mich bei
ALBERT BÖHNE: Ich hatte schon lange darüber dieser Idee unterstützt. Sie sagte: „Mach das. Du
nachgedacht, mal ein Bowie-Tribute zu machen. brauchst das jetzt.“
Im Laufe der Jahrzehnte habe ich seine Songs
so verinnerlicht, dass ich auch seine Art zu singen
übernommen habe. Und zu meinem großen unserem David-Bowie-Tribute-Projekt „Stardust
Und so kam es letztendlich zur Gründung von
Memories“.
»„Ziggy Stardust“ ist
bis heute für mich
eines von Bowies besten
Alben, und deswegen
fand ich, die Erinnerung
an „Ziggy Stardust“
wäre eine gute Basis für
einen Bandnamen.
So entstand der Name:
MM: Wie ist deine Verbindung zu Tony Liotta,
mit dem du Stardust Memories gestartet
hast?
ALBERT BÖHNE: Mit Tony habe ich schon vor
30 Jahren auf der Bühne gestanden. Wie es der
Zufall wollte, hat Tony sich im Laufe der letzten
Jahre auf Tributes spezialisiert und ist mit seinem
Projekt „Groove Attack“ in ganz Europa erfolgreich.
Ich rief ihn also an und fragte ihn, was er davon
halten würde, ein Bowie-Tribute zu machen. Er
fand die Idee grundsätzlich gut, wollte aber na -
türlich erst einmal etwas hören. Ich schickte ihm
also ein Demo, das er gut fand. Ich bin dann auf
„Stardust Memories“.« seiner „Groove Attack“-Jubiläumsshow als Bowie 8
3/2019 musiker Magazin

20 STORIES
»Tony war mir auch in jeder
anderen Hinsicht eine große Hilfe,
denn er zeigte mir von Anfang an,
dass er an das Projekt glaubt.
Und das war für mich ein großer
Ansporn.«
aufgetreten, und die Resonanz übertraf unsere
Erwartungen. Wir überlegten also, was als Nächs -
tes passieren sollte, also, ob wir die Sache unter
„Groove Attack“ laufen lassen oder ein eigenes
Projekt gründen sollten. Wir haben uns dann für
Letzteres entschieden.
MM: Wie habt ihr die richtigen Musiker für
das Projekt gefunden?
ALBERT BÖHNE: Darum hat sich Tony gekümmert.
Er hat für seine Live-Projekte immer die passenden
Musiker an der Hand. Darum ist auch eine
Topbesetzung zustande gekommen.
Tony war mir auch in jeder anderen Hinsicht
eine große Hilfe, denn er zeigte mir von Anfang
an, dass er an das Projekt glaubt. Und das war
für mich ein großer Ansporn.
MM: Warum hast du dich für den Bandnamen
Stardust Memories entschieden?
ALBERT BÖHNE: Wie gesagt, war „Ziggy Star -
dust“ mein damaliges Lieblingsalbum. Es ist bis
heute für mich eins seiner besten, und deswegen
fand ich, die Erinnerung an „Ziggy Stardust“
wäre eine gute Basis für einen Bandnamen. So
entstand der Name: „Stardust Memories“.
MM: Ihr habt einige Outfit-Wechsel bei euren
Bühnenauftritten. Was steckt dahinter?
ALBERT BÖHNE: Wir versuchen bei unserer
Show, die verschiedenen Stationen in Bowies
Werdegang festzuhalten. So kommt es, dass
zwischendurch auch mal ein Kostümwechsel statt -
findet. Es macht auch Spaß, sich der jeweiligen
Ära entsprechend zu kleiden. Man fühlt sich dann
besser in die Rolle ein, und das springt dann auf
das Publikum über. Witzig dabei ist, dass ich normalerweise
überhaupt nichts für Verklei dungen
übrighabe.
MM: Auch beim Deutschen Rock & Pop Preis
warst du mit Stardust Memories erfolgreich
und hast zusammen mit Tony die Preis ver lei -
hung erlebt. Wie war das für euch?
ALBERT BÖHNE: Ich hatte gerade erst das Demo
von „Scary Monsters“ fertiggestellt und bekam in
derselben Woche eine E-Mail, dass der Ein -
sende schluss zur Teilnahme am Deutschen Rock
und Pop Preis verlängert wurde. Ich be schloss
ganz spontan, das Demo einzuschicken für die
Kategorie „Beste Tribute-/Coverband“. Und um
die Chancen etwas zu erhöhen, habe ich mich
gleich noch unter drei weiteren Kategorien be wo r -
ben: Beste Komposition, bester Popsong und
bestes Kinderliederalbum.
Ich hatte das Ganze eigentlich schon vergessen,
als ich einen Brief bekam, in dem man mich
informierte, dass ich tatsächlich in allen vier Ka -
te gorien nominiert worden war. Also sind Tony
und ich im Dezember nach Siegen gefahren und
»Mit Tony habe ich schon
vor 30 Jahren auf der
Bühne gestanden.
Wie es der Zufall wollte,
hat Tony sich im
Laufe der letzten Jahre auf
Tributes spezialisiert.«
haben dort für unser „Stardust Memories“ immerhin
den zweiten Preis überreicht bekommen. Bei
den Kategorien „Beste Komposition“ und „Bester
Popsong“ kam ich auch auf Platz 2 und bei den
Kinderliedern reichte es immerhin noch für den
dritten Platz. Es ist auf jeden Fall ein erhebendes
Gefühl, wenn die Arbeit, die man geleistet hat,
gewürdigt wird.
Ein paar Wochen nach der Preisverleihung
wurde bei Rock TV eine Reportage gedreht, in
der wir mit den Songs „Let‘s Dance“, „Heroes“
und „Scary Monsters“ live aufgetreten sind, und
dort gibt es auch noch mal ein umfangreiches
Interview mit Tony und mir.
WEB: WWW.ANDARA.DE
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOS: CHRISTIAN LASKE; CHRISTOPHER
BÖHNE; PETER SCHEPERS
musiker Magazin 3/2019

STORIES 21
LINDA B.
»Meine Songs erzählen
unterschiedliche Geschichten.
Es gibt Songs, die zum
Nachdenken anregen sollen
oder bei denen ich möchte,
dass sich der Zuhörer
selbst wiederfindet. Und dann
gibt es Songs, die einfach
nur zum Entspannen dienen ;).
Natürlich ist immer wieder
auch eine gewisse
„Selbstreinigung“ von meiner
Seite aus dabei
(ich habe deswegen auch
sehr viele unfertige Songs)
bzw. ein gewisses Bedürfnis,
mich selbst auszudrücken
und die dabei entstehenden
Gefühle zu teilen.«
MM: Wie bist du zur Musik gekommen?
LINDA B.: Das hat schon relativ früh mit der musikalischen Früherziehung
angefangen. Dann sang ich im Kinderchor der staatlichen Jugend musik -
schule, bis ich mit sieben Jahren zu den „Hamburger Alsterspatzen“,
dem Kinderchor an der Hamburger Staatsoper, kam. Ich hatte dort, in
den fast acht Jahren meiner Zugehörigkeit im Chor, die Möglichkeit, in
vielen Opern mitzuwirken und mit namenhaften Dirigenten zusammenzuarbeiten.
Dies war sicherlich auch der Auslöser für meine Liebe zum
klassischen Gesang. Aber auch Pop und Musical habe ich dort gesungen.
So wirkten wir z. B. bei der HSV-Gala und „ABBA – die Show“ in
der Barclaycard-Arena mit. Seit dem 11. Lebensjahr erhalte ich Gesangs -
unterricht im Popular-Bereich und wurde mit 14 zum Songwriting inspiriert.
Durch den Kon takt zu meiner damaligen Flötenlehrerin bekam ich bereits
mit 12 Jahren das erste Mal die Möglichkeit, als Gesangssolistin mit einem
Blasorchester auftreten zu dürfen.
MM: Du singst nicht nur Klassik, Musical und Pop, sondern tanzt
auch. Erlebst du einen Unterschied in der Wiedergabe eines Songs,
wenn du dazu tanzt?
LINDA B.: Das kann ich gar nicht so genau sagen. Ich glaube, dass ich
die Musik anders wahrnehme, wenn ich dazu tanze. Wenn ich meine
Songs spiele, sitze ich meist am Klavier, und ich versuche, mich vor allem
durch Worte und Melodie auszudrücken.
Beim Tanz spüre ich diese Energie, indem ich sie bekomme und weitergebe.
Beim Singen bin ich eher der Produzent dieser Energie. Ich hoffe,
man versteht, was ich damit ausdrücken will (lacht).
MM: Dein erster Text war auf Englisch und danach hast du ausschließlich
deutsche Texte geschrieben. Kannst du dir vorstellen,
auch wieder englische Songs zu schreiben?
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3/2019 musiker Magazin

22 STORIES
»Wenn ich meine
Songs spiele, sitze ich
meist am Klavier,
und ich versuche, mich
vor allem durch
Worte und Melodie
auszudrücken.
Beim Tanz spüre ich
diese Energie, indem
ich sie bekomme und
weitergebe.
Beim Singen bin ich
eher der Produzent
dieser Energie.«
LINDA B.: Ja, auf jeden Fall. Ich liebe die englische Sprache, weil sie
sehr melodisch ist und teilweise freundlicher klingen kann. Durch meinen
Auslandsaufenthalt vor ein paar Jahren habe ich einige internationale
Freundschaften geschlossen, die allerdings der deutschen Sprache
nicht mächtig sind, und natürlich ist es dann hilfreich, wenn ich meine
Geschichten auf Englisch mit ihnen teile. ;) Vielleicht kommt auch bald
mal wieder ein Song auf Englisch, denn jetzt sind Semesterferien und
ich habe wieder mehr Zeit zum Songwriting.
MM: Du hast bereits eine CD aufgenommen. Wie war die Studio -
arbeit für dich, welche Erfahrungen konntest du dabei feststellen?
LINDA B.: Dies war eine sehr spannende Zeit, zumal das in einer anderen
Stadt war und wir uns vorher gar nicht direkt kannten. Ich war total
begeistert davon, wie gut er die Wünsche und Vorstellungen von meinen
Songs umsetzen konnte und wie vollkommen alles am Ende klang,
zum Beispiel, als aus einer Piano-Ballade plötzlich ein schneller Akustik-
Song mit Gitarre und Cajon wurde.
LINDA B.: Ich schaue mir gern ein Musical an, gehe auch gern mal in
die Oper oder in ein klassisches Konzert. Aber richtig in der Musik verlieren
kann ich mich erst auf Konzerten von Rock- und Popkünstlern
(am liebsten Open-Air!). Im August war ich in Barcelona, wo ich das erste
Mal Katie Melua live gesehen habe. Und zum Geburtstag habe ich Kon -
zertkarten für Freya Ridings bekommen. Beides wundervolle Künst le -
rinnen, die vor allem auch tiefgründige Texte schreiben und ohne große
Bühnenshows das Publikum mitreißen können. Von beiden habe ich ja
auch schon ein Lied gecovert …
MM: Was möchtest du mit deiner Musik erreichen?
LINDA B.: Da meine Songs unterschiedliche Geschichten erzählen, kann
ich das gar nicht so pauschal sagen. Es gibt Songs, die zum Nach denken
anregen sollen oder bei denen ich möchte, dass sich der Zuhörer selbst
wiederfindet. Und dann gibt es Songs, die einfach nur zum Entspannen
dienen ;). Natürlich ist immer wieder auch eine gewisse „Selbst reini -
gung“ von meiner Seite aus dabei (ich habe deswegen auch sehr viele
unfertige Songs) bzw. ein gewisses Bedürfnis, mich selbst auszudrü -
cken und die dabei entstehenden Gefühle zu teilen.
MM: Da du ja verschiedene Gesangsrichtungen beherrschst, be -
suchst du sicherlich auch die unterschiedlichsten Veranstaltungen.
Bevorzugst du dabei eine Richtung?
MM: Wie wichtig sind beispielsweise YouTube und Instagram für
dich?
LINDA B.: Diese Plattformen haben schon eine große Bedeutung für mich,
weil ich dadurch den größten Teil des Feedbacks meiner Zuhörer erhalte.
Außerdem ist es natürlich leichter, mit anderen (vor allem Künstlern) in
Kontakt zu treten, und ich entdecke beim Stöbern immer wieder neue,
spannende Songs, Musiker etc.
MM: Welche Auftritte sind dir in besonderer positiver oder gar
negativer Erinnerung geblieben?
LINDA B.: Es gab eigentlich viele positive Momente, die ich bis jetzt erleben
durfte. Seien es die Auftritte mit den Hamburger Alsterspatzen oder
musiker Magazin 3/2019

23
Ready to go
den Sinfonischen Blasorchestern. Aber auch der Auftritt in der Sieger -
landhalle beim Deutschen Rock & Pop Preis 2018 war überwältigend
und eines meiner persönlichen Highlights. Natürlich gab es auch schon
Konzerte, bei denen nicht alles glatt ging oder ich nicht zufrieden war,
aber ich habe gemerkt, dass ich auch aus ihnen immer etwas Positives
entnehmen kann. Manchmal waren es die netten Worte eines Zuhörers
oder mein persönlicher Ehrgeiz, beim nächsten Mal eine Schippe
draufzulegen.
MM: Wann kann man dich demnächst wieder auf der Bühne
erleben?
LINDA B.: Anfang Oktober habe ich einen klassischen Gesangsauftritt
in Salzhausen mit einem Trompeter und einer Organistin. Dies sind
Termine, die bereits feststehen, aber mal sehen, was noch kommt. Ich
bin da für alles offen. Mit einem Kommilitonen werde ich im Sommer auf
jeden Fall auch Straßenmusik machen. Darauf freue ich mich schon sehr,
weil das auch immer eine besondere Erfahrung ist, da man ja mit dem
Publikum wieder auf eine ganz andere Weise in Kontakt tritt.
MM: Was sind deine Ziele für die Zukunft?
LINDA B.: Musik, Musik, Musik!!! Ich möchte gerne regelmäßiger Songs
schreiben, um bald wieder ein neues Album aufnehmen zu können,
und nebenher natürlich viel Auftrittserfahrung sammeln.
INSTAGRAM: _LINDAB._
YOUTUBE: LINDAB.ESTOFMUSIC
ROCKTV: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV/INTERVIEW-MIT-LINDA-B
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOqUELLE: LINDA B.
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24 STORIES
Das Album ist ein Aufbruch und steht
zugleich in einer Kontinuität,
die langjährige Fans zu Recht erwarten
dürfen. Es entsteht der Eindruck,
dass bei Peter Maffay
die nächsten 1000 Wege gerade
erst begonnen haben.
Wir durften Peter Maffay in Hagen im
Woodhouse Studio interviewen:
PETER MAFFAY
„JETZT!“
VÖ: 30. AUGUST 2019
MAFFAY.DE
WWW.FACEBOOK.COM/MAFFAY.DE
WWW.INSTAGRAM.COM/MAFFAY.DE
musiker Magazin 3/2019

STORIES 25
Pünktlich zu seinem siebzigsten Geburtstag am 30. August
veröffentlichte Peter Maffay
sein Jubiläumsalbum JETZT! – mit 14 neuen Titeln.
MM: Der Albumtitel „JeTzT!“, mit roter Schrift und Ausrufezeichen,
drückt ja eine gewisse Alarmstimmung aus – ein klares zeichen,
jetzt gemeinsam etwas gegen so viele Missstände zu tun?
PeTer Maffay: Unbedingt. Das JeTZT zählt – das Vergangene lassen wir
hinter uns, denn darauf haben wir keinen einfluss mehr. JeTZT ist heute,
heute können wir etwas bewegen, Morgen ist noch ungewiss.
Was ist jetzt wichtig? Wo und wofür stehen wir? Ich interessiere mich
dafür, was heute ist. Natürlich wurden wir von der Vergangenheit geprägt
und sie hat uns oft weitergebracht, aber wir können die Vergangenheit
nicht mehr ändern. Hier und jetzt können wir entscheidungen treffen und
etwas verändern. Jetzt ist es möglich.
MM: Johannes Oerding spielte schon bei der Unplugged-Tour eine
große Rolle, einige Texte auf dem neuen Album stammen auch von
ihm. Ist hier an eine dauerhafte zusammenarbeit zu denken?
PeTer Maffay: Johannes ist ein fantastischer Künstler, ich schätze ihn
und seine arbeit sehr. Ich hoffe, dass wir uns noch oft begegnen. aber
Johannes hat genau wie wir eigene Projekte.
ten Tour geben. Man könnte auf dieser Bühne auch schön Motorrad
fahren (lacht).
MM: Gibt es einen bestimmten Grund, warum diese Tour ausschließlich
bestuhlt sein wird?
PeTer Maffay: Das bedeutet ja nicht, dass man sitzen muss. aber bei den
Balladen möchten sich vielleicht viele Leute setzen. es bringt auch etwas
ruhe rein. Der Wechsel zwischen Sitzen und Stehen ist außerdem fantastisch
für die Durchblutung (lacht).
MM: Wird es Gäste während der Tour geben?
PeTer Maffay: Ja, ganz sicher. Bisher hatten wir immer Gäste dabei. es
steht aber noch nicht fest, wer genau dies sein wird.
MM: Gibt es bei den Konzerten auch wieder einen Unplugged-
Moment?
PeTer Maffay: Nein. Theoretisch kann man jeden Titel unplugged spielen,
jedoch dieses Mal ist das nicht geplant.
MM: Bald geht es auf Tour: Kannst du uns etwas über den Bühnen -
plan zur Tour verraten? Man kann einen Steg ins Publikum erahnen,
der auch wieder die Nähe zum Publikum bedeutet …
PeTer Maffay: auf der 96er-Tour gab es die Bühne in form einer Gitarre,
mit langem Steg ins Publikum. So etwas in der art wird es bei der nächs -
MM: Wie schöpfst du für dich Kraft, in den heißen Tour-Phasen
alles durchzuhalten?
PeTer Maffay: Disziplin, Schlaf, Sport … Sport unbedingt, sonst steht
man keine 2,5 Stunden auf der Bühne durch. auch die Bandmitglieder treiben
gerade während der Tour regelmäßig Sport.
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3/2019 musiker Magazin

26 STORIES
MM: Du sagtest von dir selbst, dass du nicht immer der geduldigste
Mensch bist – wie findest du trotzdem zu einem Stück Gelassenheit,
hast Du hierfür ein Rezept?
als Band und die Zeit mit dem Publikum. Ohne das Publikum wären wir
nicht da, wo wir sind. Wir möchten Danke sagen für so viel Treue und
Verbundenheit.
PeTer Maffay: Ich versuche, mich auf die jeweilige Situation einzustellen.
Wenn ich genau weiß, bei der Vorbereitung alles, was in meiner Macht steht,
getan zu haben, bin ich schon gelassener. Wenn ich zum Beispiel weiß, ich
habe genug Sport gemacht, um auf die Bühne zu gehen, dann bin ich schon
viel relaxter.
MM: ein Titel deines Albums, „100 000 Stunden“, das bedeutet der
Kampf um eine Liebe?
PeTer Maffay: Ganz genau, es lohnt sich, um eine Liebe zu kämpfen,
das ist der Hintergrund es Liedes.
MM: Was steckt hinter dem Song „Größer als Wir“?
PeTer Maffay: Damit ist Gott gemeint! eine höhere Kraft, der Glauben.
Wenn nichts mehr geht, dann habe ich meine Kraftquelle, meinen Glauben,
Gott … Wie auch immer er aussieht, egal wo er ist. Das ist nicht ausschließlich
ans Christentum geknüpft.
MM: „Für immer jung“, auch ein Titel deines Albums, sehe ich hier
eine zeitreise?
PeTer Maffay: Ganz genau …50 Jahre Bühne, es tauchen viele Zitate
aus alten Songs in dem Text auf. Wir feiern die gemeinsame Zeit von uns
MM: Wie jung fühlst du dich?
PeTer Maffay: (schmunzelt) Jung genug! Jungsein ist ein Zustand. Ich
habe in meiner Branche mit vielen jungen Menschen zu tun, das macht
sehr viel aus … es ist ein positiver einfluss, Lebendigkeit. Mit dem Älterwerden,
das verschiebe ich noch ein wenig nach hinten. alter ist nur eine Zahl,
wichtig ist, wie man sich fühlt, und das ist bei mir keineswegs alt. Jedoch
kann das morgen anders sein, denn die Gesundheit ist ein entscheidender
faktor.
MM: „Jetzt!“ – gibt mir die Botschaft, den Moment bewusst zu leben.
Schaffst Du das im Wesentlichen für dich persönlich?
PeTer Maffay: Ich gebe mir Mühe, den Moment so anzunehmen, wie er
kommt. Jetzt zählt, gestern war gestern und morgen, das liegt vor uns.
MM: „Morgen“ – ein sehr aufrüttelnder, provokanter Song, mit
eben solchen Bildern, bei der auch die ablaufende Sanduhr eine
deutliche Rolle spielt. Was wünschst du dir noch für deine zeit, die
sich hoffentlich noch lange und gesund gestalten wird?
PeTer Maffay: Gesundheit! Ganz klar Gesundheit … Das ist der Grund -
stock, die Basis. Gesundheit für mich und meine lieben Menschen um
mich herum.
musiker Magazin 3/2019

STORIES 27
»Natürlich wurden wir von der
Vergangenheit geprägt
und sie hat uns oft
weitergebracht, aber wir können
die Vergangenheit nicht
mehr ändern.
Hier und jetzt können wir
Entscheidungen treffen und etwas
verändern.
Jetzt ist es möglich.«
Versicherungen für
alle Eventualitäten ®
MM: Du singst über Spuren, die wir hinterlassen …
Welche Spuren möchtest du hinterlassen?
PeTer Maffay: Werte – die möchte ich gerne hinterlassen.
Insbesondere auch an meine beiden Kinder möchte ich gewisse
Werte vermitteln, das ist mir sehr wichtig.
MM: Vermittelst du auch mit dem Song „1000 Wege“
eine Botschaft an die nächste Generation?
PeTer Maffay: Nein … „1000 Wege“ erscheint als kurzes
Intro zu Beginn und als letzter Song. So schließt sich der Kreis.
Jeden Tag beginnt der Trip neu. Solange du lebst, gehst du
noch 1000 Wege. 1000 Wege, die wir bereits gegangen sind,
aber auch 1000 Wege, die wir noch gehen werden.
Ganz gleich, gegen was Sie sich schützen möchten:
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rund um das Thema Entertainment
und Events. Und sogar freundlicher Besuch
aus dem All ist bei uns mitversichert.
INTerVIeW: ALEXANDRA KERSTEN-SPENGLER
fOTOS: MAGENTA MUSIK 360; WOLFGANG KÖHLER

28 STORIES
MM: Am 10. Mai erschien dein neues Album
AmmeRica. Woher kommt dein starker
Ame rika-Bezug?
ACHIM AMME: Das hat biografische und mu -
sikalische Gründe. Mein Vater war ein großer
Jazz-Fan und seine Favoriten waren eben amerikanische
Musiker. Vielleicht hat er das aus der
amerikanischen Gefangenschaft mitgebracht …
Ich selbst habe ungefähr ab Mitte der 60er-
Jahre regelmäßig die amerikanischen Top 20 im
Deutschlandfunk gehört. Die britischen Sender
habe ich natürlich auch eingeschaltet. Schließlich
standen wir ja unter dem Einfluss der Besat zungs -
mächte. Als ich 15 Jahre alt war, hatten wir einen
amerikanischen Austauschschüler in meiner
Familie. Ich selbst war 1968/69 auf einer amerikanischen
High School und habe dort auch meinen
Abschluss gemacht. Ich bekam in dem Jahr
einen tiefen Einblick ins amerikanische Familien -
leben. Tiefer, als mir manchmal lieb war. Trotzdem:
Vielen Dank an Mom and Dad. Gott habe sie
selig! Und an die Brüder, die ihre Liebe mit mir
teilen mussten.
ACHIM AMME
„Ammerica“
VÖ: 10. MAI 2019
ACHIM-AMME.DE
MM: Wie lief die Produktion des Albums?
ACHIM AMME: Julian Dawson war schon als
Musiker auf meiner CD „Ich habe dich so lieb“
vertreten. Als ich dann hörte, dass er Niedecken
von BAP produziert hat, dachte ich, es wäre eine
gute Wahl, ihn dabeizuhaben, sowohl als musikalischen
Berater und Musiker als auch bei der Kor -
rektur der Texte – sofern das noch nötig war.
Die Musiker, die er wiederum dabeihaben wollte,
kannte ich – bis auf Fontaine Burnett (b) – von
früheren Produktionen, also Uli Kringler (g) und
Heinz Lichius (dr). Zwei Songs habe ich unabhängig
von Julian produziert, mit Jens Wrede (b)
und Volkwin Müller (v). Vor allem aus zeitlichen
Gründen war es nicht anders möglich.
MM: Was hat es mit dem Cover auf sich?
ACHIM AMME: Na ja, mit dem Cover gab es diverse
Probleme. Ich habe erst eine Umfrage unter
Freunden mit verschiedenen Entwürfen gestartet.
Plötzlich kam meine Designerin Evelyn Engel
mit dieser Idee an (eine Dollarnote in den Grenzen
der USA auszuschneiden). Ich war sofort begeis -
tert. Schließlich haben wir nur noch das Foto auf
dem Geldschein ausgetauscht. Für die Erlaub nis
ACHIM AMME
»AMMERICA«
bin ich der Fotografin Rosa Frank sehr dankbar. Tempowechsel, was Julian nicht gefiel. Und ich
Sie zeigte sich sofort kooperativ.
muss zugeben, dass er recht damit hatte.
MM: Wie entscheidest du, welche Songs es MM: Du bist nicht nur Musiker, sondern auch
auf das Album schaffen?
Schauspieler und Autor. Sind dir da die Texte
besonders wichtig?
ACHIM AMME: Im Großen und Ganzen habe ich
das mit Julian gemeinsam entschieden – bis auf ACHIM AMME: Ja, genau. Das ist der Haupt grund,
die beiden Ausnahmen: „The Clown“ und „My weshalb ich mit dem Theater aufgehört habe.
Ego And I“. Die beiden Titel waren mir wichtig. Ich wollte meine eigenen Texte schreiben, nicht
immer nachplappern, was andere sich ausgedacht
hatten. Und wenn es noch so gute Autoren
Wenn man bedenkt, dass ich in dem Aus -
tausch jahr 19 Songs geschrieben habe, ist der waren. Ich wollte meine eigene Sprache entdecken
Output gar nicht mal so übel. Auf der LP ist noch und weiterentwickeln. Dass ich jetzt noch gelegentlich
im Fernsehen zu sehen bin, ist ein Über -
ein zusätzlicher Song, sodass letztlich nur vier
Songs rausgeflogen sind. Die enthielten extreme bleibsel aus alten Tagen. Es ist finanziell interes-
musiker Magazin 3/2019

STORIES 29
Es hilft beim Einfühlen. Bei John Lennon hat
mich vor allem interessiert, welche persönlichen
Erfah run gen dazu geführt haben, dass die Beatles
so erfolgreich werden konnten. Im Grunde eine
tragische Geschichte.
MM: Obwohl du schon lange mit verschiedenen
Programmen auf der Bühne stehst,
hast du immer noch Spaß an der Sache.
Wie bewahrt man sich das?
ACHIM AMME: Das ist der große Unterschied
zum Theater: Ich bin mein eigener Regisseur.
Daneben noch Dramaturg, Produzent, Manager,
Fahrer. Niemand kann mir reinreden, höchstens
das Publikum mit seinen Reaktionen und die
Mitspieler, die ich immer häufiger dabeihabe.
Und die freuen sich, dabei sein dürfen. Ganz
wichtig noch: Ich muss nicht jeden Tag auf der
Bühne stehen. Aber wenn, dann mit ganzer
Leidenschaft. Das bin ich mir und dem Publikum
schuldig. Meinen Mitspielern sowieso. Ich glaube,
dabei kommt auch rüber, dass die Leute
merken, da hat jemand sein Hobby zum Beruf
ge macht. Kann es etwas Schöneres geben?!
»Dem vielseitigen Künstler gelingen
veritable Pop-Songs, die eine bestens aufgelegte
Band in Ton gegossen hat. (…)
Es treffen sich die Stilrichtungen Mainstream
Rock’n’Roll, hanseatischer Charme
und lennoneske Melodien.
Wie könnte ein Mann das fünfzigste Jubiläum
seiner ersten Reise in die USA besser feiern
als mit diesen inspirierten und beseelten Songs?«
santer als Theater und kostet nicht so viel Zeit. Für
die grauen Zellen ist es auch nicht schlecht.
MM: Du tourst unter anderem mit Program -
men über John Lennon oder Bob Dylan zum
Beispiel. Die Lesungen werden mit Einspielungen
aufgelockert und auch du selbst in -
ter pretierst ihre Songs. Wie stellst du deine
Programme zusammen?
ACHIM AMME: Aus dem Bob-Dylan-Programm
ist leider nichts geworden – zu wenig Interesse
bei den Veranstaltern. Aber Ringelnatz mache ich
nach wie vor gerne. Mich interessiert stets die
Geschichte hinter den Geschichten. Also ich
stürze mich in die Biografien und versuche herauszufinden,
was die Menschen im Innersten
bewegt hat. Wenn ich Parallelen zu meinem
eigenen Leben entdecke – umso besser.
MM: Gibt es rechtliche Probleme, wenn man
zu den verschiedenen Interpreten ein Pro -
gramm zusammenstellt und aufführt?
ACHIM AMME: Klar. Da muss man Genehmi gun -
gen einholen oder schauen, wer ist schon 70 Jahre
tot. Bei Lennon benötigte ich z. B. die Ge neh mi -
gung vom Droemer Verlag, der die Bio grafie von
Philip Norman rausgegeben hat, auf der mein Pro -
gramm wesentlich fußt. An dieser Stelle noch einmal
mein herzliches Dankeschön an den Verlag,
der mich bis heute großzügig dabei unterstützt.
MM: Was sind deine musikalischen Ein flüsse?
ACHIM AMME: Angeblich ist das bei dieser Schei -
be besonders deutlich zu hören. In erster Linie
waren es die Beatles, die mich aus meinem musi -
kalischen Dornröschenschlaf geweckt haben.
Überhaupt die Musik der 60er-Jahre, mit der ich
aufgewachsen bin, also Kinks, Stones, Motown
usw. Ich war auch immer ein großer Fan der Beach
Boys mit ihrem mehrstimmigen Gesang. Noch so
eine tragische Geschichte hinter dem Erfolg dieser
Band. Oft ist Erfolg eben teuer erkauft.
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTO: NIKOLA_STOCK.ADOBE.COM
3/2019 musiker Magazin

30 STORIES
The greatest Rock & Roll
im Jahr 1970 kursierten in den
Irgendwann
Schulen unter verschiedenen Titeln Bootleg-
LPs eines Konzert-Mitschnittes der Rolling
Stones vom 9. November 1969 in Oakland/
USA. Anders als zahlreiche Bootlegs aus der
Zeit war die Tonqualität überraschend gut. Eine
Version hieß „Greatest Group On Earth“ und
nannte lieber nicht die Band beim Namen. Zu
der Zeit besaßen die Rolling Stones in der
internationalen Pop- und Rockmusik längst
einen Status ähnlich dem der Beatles: Sie
waren ebenfalls sichere Hit-Lieferanten, hatten
die zeitgenössische Musik revolutioniert und
einen enormen gesellschaftlichen Einfluss ausgeübt.
Greatest Group On Earth ist gewiss ein
vollmundiger Superlativ und spielt sehr wahrscheinlich
auf das Etikett „the greatest Rock &
Roll band in the world“ an. Sein Urheber ist der
Stage Manager Sam Cutler, der die Band vor
ihrem legendären Hyde-Park-Konzert am 5. Juli
1969 mit diesen Worten ankündigte. Die Rolling
Stones bezeichneten sich selbst nie so, das
Etikett hat sich jedoch bis heute gehalten.
Hatte die Publicity die Beatles zu den „Good
Boys“ gemacht, waren die Rolling Stones die
„Bad Boys“, die das Klischee ausgiebig be dien -
ten. Ihr rüpelhaftes Image, jedenfalls Jaggers,
Jones’ und Richards’ exzessiver Lebensstil, zu
dem auch harte Drogen gehörten, was ihnen
lange Probleme mit der Justiz eintrug, ließ sie
jedenfalls nicht als Schwiegersohn-Typen aussehen.
Wie die von ihnen geschätzten Musiker
bedienten sich auch die eigenen Songs der
Rolling Stones einer zuweilen drastischen, sex -
betonten Sprache. So landeten Platten der Band
in Großbritannien und in den USA auf dem Index
und wurden damals nicht im Radio gespielt.
Später wurde im Begleittext von Tonträgern darauf
hingewiesen, man könne Anstoß an der
Sprache der Rolling Stones nehmen, sie sei somit
nichts für Jugendliche. Songtitel wie „Cock-
sucker Blues“ (von Decca zurückgehalten) und
„Starbucker“ (auf Intervention von Atlantic
Records geändert in „Star Star“) sprechen für
sich, und auch in dem absoluten Superhit „(I
Can’t Get No) Satisfaction“ geht es unter ande-
Jenseits von Schlagermusik
und Beat entwickelten
die im Rhythm and Blues,
im Blues und im
Rock ’n’ Roll verwurzelten
Rolling Stones ab 1962
einen ureigenen Stil.
Damit gehörten sie zu den
ganz frühen Vertretern
des British Blues
und unterschieden sich
von nahezu allen anderen
britischen und
US-amerikanischen Bands. 8
musiker Magazin 3/2019

STORIES 31
band in the world|TEIL 1
3/2019 musiker Magazin

32 STORIES
rem um sexuelle Frustration. All das hat den
Rolling Stones als Musikern nicht nachhaltig ge -
schadet. Im Gegenteil wurden sie zu der mit
Ab stand erfolgreichsten Rockband der Musik -
geschichte mit fantastischen Gagen. Im großen
Stil bringen sie immer wieder neue Bild- und
Ton träger auf den Markt und füllen, mittlerweile
weit im Rentenalter, auch im Jahr 2019 generationsübergreifend
mit ihren Konzerten Stadien.
ZURÜCK INS JAHR 1962:
Da spielte der 1942 geborene blues-begeis -
terte Brian Jones als Gitarrist hin und wieder
bei Alexis Korners Blues Incorporated, die eine
Keimzelle des British Blues waren. Nach eigener
Einschätzung der Rolling Stones hätte es sie
ohne Korner nie gegeben, und im Laufe der
Zeit gehörten Korners Blues Incorporated einige
der später bekanntesten Vertreter des Bluesrock
an. Jones war von Elmore James’ „Dust
My Broom“ und dessen Slide-Gitarre so fasziniert,
dass er als Elmo Lewis mit Blues
Incorporated begann, die damals in Großbri -
tannien praktisch unbekannte Slide-Gitarre mit
ihrem mitreißenden Sound bekannt zu machen.
Mick Jagger und Keith Richards, beide Jahr gang
1943 und Fans von Chuck Berry und Muddy
Waters, erlebten Jones im April 1962 live im
Londoner Ealing Club und waren hingerissen.
Kurz darauf wurde Jagger der Sänger von Blues
Incorporated. Dort hatte zuvor auch schon der
1941 geborene Drummer Charlie Watts gespielt,
war aber aus Zweifeln an seiner musikalischen
Qualität ausgeschieden. Im Juni 1962 suchte
Jones in der Zeitungsanzeige Musiker für eine
neue Band. Darauf meldete sich der 1938 ge -
borene Keyboard-Spieler Ian Stewart, der als
Sänger Jagger vorschlug, der seinerseits
Richards als Gitarristen mitbrachte. Die Rollin’
Stones, die sich bald Rolling Stones nannten,
waren entstanden. Am 12. Juli 1962 gaben sie
im Londoner Marquee Club ihr erstes Konzert.
Erste Kontakte mit Plattenfirmen fruchteten
allerdings nicht. Kurz darauf verließ der Bassist
Dick Taylor die Band. Stewart war aber auf den
1936 geborenen Bassisten Bill Wyman aufmerksam
geworden und schlug ihn als Ersatz
vor. Nach einem Vorspielen im Dezember 1962
wurde Wyman Mitglied der Rolling Stones.
Schließlich wurde im Januar 1963 auf Jones’
Betreiben auch der Drummer Tony Chapman
durch Charlie Watts ersetzt. Wyman und er
waren fortan eine der besten Rhythmusgruppen.
In der Besetzung waren die Rolling Stones bald
die Hausband des Londoner Crawdaddy Clubs,
der von Giorgio Gomelsky geleitet wurde und
der die junge Band vorübergehend unter seine
Fittiche nahm. Dessen Werbebemühungen lockten
im April 1963 den Werbefachmann Andrew
Loog Oldham zu einem Auftritt der Rolling
Stones im Crawdaddy. Oldham war so überwältigt,
dass er ihr Manager wurde und sie unter
seiner Führung von Erfolg zu Erfolg eilten.
Richards dazu: „Wir waren das Dynamit,
Andrew Oldham der Zünder.“ Allerdings passte
Stewart wegen seines vorstehenden Kinns
nach Oldhams Geschmack nicht in das Er -
schei nungsbild der Rolling Stones. Deswegen
gab er ihm als Band mitglied den Laufpass.
Stewart blieb der Band jedoch bis zu seinem
Tod im Dezember 1985 als Roadmanager und
Studio musiker treu.
Anfang Mai 1963 konnte Oldham Dick Rowe
vom Label Decca zum Besuch eines Auftrittes
der Rolling Stones bewegen. Hatte Rowe im
März 1962 die Beatles nicht unter Vertrag nehmen
wollen, gab er den Rolling Stones nach
dem Auftritt einen Plattenvertrag. Anfang Juni
1963 erschien ihre erste Single mit dem
Chuck-Berry-Titel „Come On“, den die Band
nur auf Anraten von Oldham eingespielt hatte.
Kaum typisch für die Rolling Stones hatte die
Single jedenfalls einen gewissen Erfolg. Noch
war dies die Zeit, als die Band ganz überwiegend
Songs anderer Autoren coverten, darunter
den Beatles-Titel „I Wanna Be Your Man“.
Um das individuelle Erscheinungsbild der Rolling
Stones zu schärfen und den Fokus auf die Band
zu richten, stilisierte Oldham sie zu einem Gegen -
stück der Beatles: zu einer Band als Bürger -
schreck, die junge Leute begeisterte und „die alle
Eltern hassen“.
Hatte die Band seit Juli 1962 schon etliche
Auftritte absolviert, steigerte sich dies über die
nächsten Jahre zu nahezu tagtäglichen Auftrit -
ten im In- und Ausland, die dies- und jenseits
des Atlantiks in schneller Folge herausgebrachten
Singles, EPs und LPs zu promoten. Genau
wie die Beatles verbuchten die Rolling Stones
in den USA enorme Erfolge, sodass auch sie in
die Ed Sullivan Show eingeladen wurden, in
der sie erstmals Ende Oktober 1964 auftraten.
Mick Jagger gilt heute noch als ausdrucksstarker
»Hatte die Publicity die
Beatles zu den „Good Boys“
gemacht, waren die Rolling
Stones die „Bad Boys“,
die das Klischee ausgiebig
bedienten. Ihr rüpelhaftes
Image, jedenfalls
Jaggers, Jones’ und Richards’
exzessiver Lebensstil,
zu dem auch harte
Drogen gehörten, was ihnen
lange Probleme
mit der Justiz eintrug,
ließ sie jedenfalls nicht
als Schwiegersohn-Typen
aussehen.«
musiker Magazin 3/2019

STORIES 33
Die frühen Aufnahmen der Rolling Stones
nach „Come On“ klangen, auch auf ihren drei
ersten Alben, erfrischend rau und ungeschliffen,
was der Musikauffassung des damaligen Band-
Leaders Brian Jones entsprach. Sein Einfluss auf
die musikalische Richtung der Band schwand
jedoch nach und nach. Jagger und Richards,
die von 1963 bis 1965 zuweilen unter dem
Pseu donym Nanker/Phelge als Songwriter firmierten,
entwickelten sich zum bedeutendsten
am meisten gecoverten Songs und ist längst zum
musikalischen Allgemeingut geworden. Trotz aller
Aufregung um ihn in den 1960er-Jahren wurde
er sogar mit Quetschkommode und Heimorgel
auf Seniorenveranstaltungen intoniert, wie man
in der TV-Dokumentation „Sätisfäktschn“ aus
dem Jahr 1995 zum 30. Jahrestag der deutschen
Single-Erstveröffenlichung vom Herbst 1965
bestaunen konnte. Realsatire lässt sich eben
überall finden.
und erfolgreichsten Komponisten-Duo der Rock -
Rock-Performer par excellence. Bei seinem Auf -
tritt in der US-TV-Show von 1964 erschien er
allerdings noch leicht verlegen lächelnd wie ein
College-Student vor der Kamera – welch eine Ent -
wicklung! Von Verlegenheit war nichts mehr zu
spüren, als die Rolling Stones im Januar 1967 mit
dem provozierenden Hit „Let’s Spend The Night
Together“ auftreten wollten. Der Titel war für
Sullivan zu starker Tobak. Daher verlangte er, ihn
für die Show in „Let’s Spend Some Time Together“
zu ändern. Jagger und Richards fügten sich.
musik neben John Lennon und Paul McCartney,
das in schneller Folge hervorragende Songs mit
ungewöhnlichen musikalischen Ideen vorlegte.
Prominentes Beispiel ist die siebte Single der
Rolling Stones, die so etwas wie ein Synonym
der Band ist: „(I Can’t Get No) Satisfaction“. Der
Song ist mit einem gesellschaftkritisch-provozierenden
Text und eindringlichem Gesang nicht
nur musikalisch originell, sondern auch ein frühes
Beispiel dafür, wie sich der Sound der elektrischen
Gitarre rasant entwickelte und welche
Bedeutung in der Rockmusik Riffs zukommt,
die durch Mark und Bein gehen. Keith Richards
kreierte noch viele andere eingängige Riffs und
gilt als „Human Riff“. Seine markant verzerrte
elektrische Gitarre bei „(I Can’t Get No) Satis -
faction“ geht allerdings auf Ian Stewart zurück,
der während der Aufnahmen einen Verzerrer der
Marke Maestro Fuzz-Tone besorgte, mit dem
Richards die Wucht des Intros erzeugen konnte.
„(I Can’t Get No) Satisfaction“ gehört zu den
Als in der Bravo angekündigt wurde, dass die
Rolling Stones am 13. September 1965 zweimal
in der Hamburger Ernst-Merck-Halle spielen
würden, hätte ich mir nur allzu gern ein Ticket
gekauft. Ein striktes elterliches „Nein!“ beendete
sofort meine Hoffnungen. Solchen ungehobelten
Burschen dürfe man nicht noch Geld dafür in den
Rachen werfen, dass sie sich schlecht benähmen
und Krach anstatt Musik machten. Mit den
beiden je nur 20 Minuten dauernden Hamburger
Konzerten versetzte die Band ihre jugendlichen
Bewunderer gleichwohl in die damals übliche
Verzückung. Einen guten Eindruck aus jener Zeit
gibt der erst 2012 veröffentlichte Dokumentar -
film „Charlie Is My Friend“ über die beiden Irland-
Auftritte der Band im September 1965, der
sowohl hinter die Kulissen blickt als auch mit
Konzert-Ausschnitten aufwartet. Parallel zur
Ham burger Begeisterung schienen aber auch
die mahnenden Eltern recht zu behalten. Um die
Konzerte kam es vor der Ernst-Merck-Halle zu 8

34 STORIES
Randale und einer regelrechten Straßenschlacht
mit Hamburger Rockern, sodass die Polizei Ein -
sätze fahren musste. In der Presse wurde darüber
ausführlich berichtet.
Bei diesen Vorzeichen war es fast ein Wunder,
dass ich mir 1966 das aktuelle Rolling-Stones-
Album „Aftermath“ kaufen durfte. Nach einer
ganzen Reihe durchschlagender Hit-Singles war
dies die erste LP der Rolling Stones mit Songs
unterschiedlicher Stilrichtungen ausschließlich
aus der Feder von Jagger und Richards. Über -
raschend waren sogar Balladen dabei, die die
beiden Songwriter viel mehr schätzten, als das
veröffentlichte musikalische Werk der Band ver -
muten lässt. Jones glänzt auf den Studioauf nah -
men als Muli-Instrumentalist. Bei der Ballade
„Lady Jane“ spielt er zum Beispiel das zitherartige
Saiteninstrument Dulcimer. „Aftermaths“
ungewöhnlichstes Stück aber ist „Goin’ Home“.
Trotz seiner Länge von fast zwölf Minuten, die
die übliche Song-Dauer von rund zwei Minuten
sprengte, ist „Goin’ Home“ mit seiner Mi -
schung aus Country Rock und Rhythm and
Blues so eindringlich, dass man sich das Stück
nach den letzten Tönen gleich noch einmal
anhöre möchte.
Alle weiteren neu eingespielten Studio-Alben
der Band während der bis 1970 dauernden
Decca-Periode stehen ebenso wenig in der Tra -
dition der ersten drei Studio-LPs, erst recht auch
nicht die Singles „Get Off Of My Cloud“, „19th
Nervous Breakdown“, „As Tears Go By“ und
„Paint It Black“. „Between the Buttons“ von An -
fang 1967, woran der vielseitige Rockpianist
Nicky Hopkins erstmals als Studiomusiker mitwirkte,
ist ein psychedelisches Album jener Tage,
das richtungslos wirkt. Die Rolling Stones hatten
es nach eigenen Angaben „im bekifften
Zustand“ aufgenommen.
Drogeneinfluss und Richtungslosigkeit wurden
erst recht bei der nächsten LP „Their Satanic
Majesties Request“ offenbar, auf dem Jones
wiederum mit mehreren unterschiedlichen In -
strumenten zu hören ist. Auf die Vorderseite des
Album-Covers war ein Vexier-Wackelbild mit den
Bandmitgliedern als mittelalterliche Zauberer und
Gaukler in geheimnisvollen Trachten geklebt;
bei Wiederauflagen wurde das Bild nur noch
zweidimensional aufgedruckt. Mit „Their Satanic
Majesties Request“ hatten die Rolling Stones
ein Werk vom Kaliber des Beatles-Albums
„Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band“
prä sentieren wollen. Geglückt ist dies trotz einiger
hervorragender Einfälle nicht. Zu hören sind
auf der einen Seite ausgezeichnete Stücke wie
„2 000 Man“, „She’s A Rainbow“, „2 000 Light -
years From Home“ und „In Another Land“ (dieses
aus der Feder von Bill Wyman). Andere gute
Ansätze scheinen gleichsam im LSD-Rausch
unterzugehen. Das letzte, fast neun Minuten
lange Stück „Sing This All Together (See What
Happens)“ wirkt, wie schon sein Zusatz nahezulegen
scheint, wie ein aus dem Ruder gelaufenes
Programm. Zum Zeitpunkt der Veröffent -
li chung des Albums im Dezember 1967 war
Oldham nicht mehr Manager der Band. Man
hatte sich im gegenseitigen Einvernehmen ge -
trennt, gab aber unterschiedliche Gründe an.
Oldham behauptete, man habe begonnen, „sich
gegenseitig zu langweilen“, während die Rolling
Stones der Auffassung waren, keinen Manager
mehr zu benötigen. Anstelle ihres Ex-Managers
produzierte der erfolgreiche Jimmy Miller bis
1973 einige der bedeutendsten Alben der Rolling
Stones. Oldham hingegen widmete sich seinem
Platten-Label Immediate, das er im August 1965
gegründet hatte. Es ging in Konkurs und schloss
im März 1970 die Pforten.
Jones hatte schon vor der Gründung der
Rolling Stones ein ausschweifendes Leben ge -
führt. Dies hatte er fortgesetzt, und unter dem
Einfluss von immer mehr Drogen wurde sein
Lebenswandel immer erratischer. Die Drogen
hatten gesundheitliche Spuren hinterlassen.
Jones war zudem mit der musikalischen Ent -
wick lung der Band nicht einverstanden. Über -
dies wäre er gern ein gefeierter Popstar gewesen,
stand aber im Schatten von Jagger und
Richards. Sichtbar war das zum Beispiel bei dem
Videoclip-artigen Film, den die Band zu ihrer
Ende Mai 1968 erschienenen Hit-Single „Jumping
Jack Flash“ mit Jagger im Zentrum gedreht hat.
Es war einfach atemberaubend, die fantastisch
aufgelegte Band mit diesem Rock-Klassiker
damals im legendären Beat-Club auf der
Mattscheibe zu erleben. Von ihren psychedelischen
Ausflügen hatten sich die Rolling Stones
verabschiedet.
Jimmy Miller produzierte mit dem Meilenstein-
Album „Beggar’s Banquet“ von Dezember 1968
sein erstes Rolling-Stones-Album. In Deutsch -
land kam es auf einem cremefarbigen Cover
heraus, das vorn nur mit dem Titel des Albums
versehen war. Das von den Rolling Stones ausgewählte
Bild einer verschmutzten öffentlichen
Der Erfolg hatte der Band bald Wohlstand
be schert. Das rastlose Leben zwischen Studio,
Bühne, Funk, Film und Fernsehen, der Star-
Ruhm mit all seinen Möglichkeiten, reichlich Sex
zu haben, sowie der verbreitete schnelle Griff
zu Drogen bereitete aber zumindest Jagger,
Jones und Richards zugleich massive persönliche
Probleme. In den 1960er-Jahren gerieten
die drei mit dem britischen Strafgesetzbuch in
Konflikt, Jagger und Richards kamen vorübergehend
ins Gefängnis. Die Single „We Love You“
vom September 1967, ein würdiger Nachfolger
der vorausgegangenen Single-Titel „Let’s Spend
The Night Together“ und „Ruby Tuesday“, be -
schäftigte sich unter anderem damit und
be ginnt akustisch mit zuschlagenden Ge fäng -
nis toren.
musiker Magazin 3/2019

STORIES 35
werten Film „One Plus One“ fest, der in anderer
Schnittfassung als „Sympathy For The Devil“
bekannt ist. Godard verdichtet die Rolling Stones
und ihre Musik mit politischen Dokumentar -
szenen aus Vergangenheit und Gegenwart zu
einer Analyse der jugendlichen Gegenkultur der
1960er-Jahre.
War Jones bei dem im Dezember 1968 ge -
filmten Rolling Stones „Rock and Roll Circus“
noch dabei, nahm er im Frühjahr 1969 an den
Aufnahmen zur nächsten LP nur noch an zwei
Songs teil. Völlig den Drogen verfallen, hatten
ihn körperliche und psychische Probleme aus
der Bahn geworfen. Seine musikalischen Pläne
hatten sich zerschlagen und seine Freun din Anita
Pallenberg hatte ihn verlassen, um künftig mit
Richards zusammen zu leben. In der Band galt
Jones, der einmal eine Quelle der Inspiration
für sie gewesen war, nicht länger als zuverlässig.
Deswegen eröffneten ihm Jagger,
Richards und Watts im Juni 1969, er müsse die
Band verlassen. Sie boten ihm dafür lebenslang
eine namhafte jährliche Zahlung. Danach soll
Jones laut Alexis Korner geplant haben, eine
blues orientierte Band zu gründen. Vollge pumpt
mit Drogen ertrank Jones jedoch am 3. Juli 1969
im Swimming Pool seines Anwesens. Wie Jimi
Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison und Alan
Wilson wurde er nur 27 Jahre alt. Die Ermitt lun gen
gingen von einem Unglück aus; bis heute hält
sich aber das Gerücht, er sei ertränkt worden.
Seit April 1967 waren die Rolling Stones bis
auf einen Live-Auftritt im Londoner Wembley
Stadion im Mai 1968 nicht mehr öffentlich auf
der Bühne gewesen. Zum Start einer neuen
Tournee hatten sie für den 5. Juli 1969 im
Londoner Hyde Park ein eintrittsfreies Konzert
vorgesehen. Bei dieser Gelegenheit sollte ihr
neuer Gitarrist Mick Taylor, Jahrgang 1949,
erstmals mit ihnen auftreten. Taylor kam von
John Mayalls Bluesbreakers und hatte mit den
Rolling Stones bereits den Mega-Hit „Honky
Tonk Women“ eingespielt, der auch auf dem
Programm des Konzertes stand. Als die Band
von Jones’ Tod erfuhr, funktionierte sie den
Hyde-Park-Auftritt um in ein Gedächtniskonzert
für Jones. Jagger rezitierte eingangs eine Ge -
dicht-Passage und 3 500 Schmetterlinge wurden
aus Kartons in die Freiheit entlassen. Das
Konzert wurde fürs britische Fernsehen gefilmt
und gekürzt gesendet. Eingeschnitten wurden
Passagen eines Interviews mit Jagger, der dabei
wohl unter Drogeneinfluss stand. Im deutschen
Fernsehen präsentierte der Beat-Club kurze
Ausschnitte aus dem TV-Film, bevor er Anfang
Mai 1970 im Nachmittagsprogramm der ARD
zu sehen war.
»War Jones bei dem
im Dezember 1968
Toilette mit reichlichen Wandschmierereien
wurde hierzulande erst Jahre später abgedruckt.
Jones wirkte an dem Album nur noch
eingeschränkt mit. Wunderbar kommt seine
ge filmten Rolling Stones
Slide-Gitarre bei dem Song „No Expectations“
„Rock and Roll Circus“ zur Geltung, der thematisch wie auf Jones’ Ver -
fassung zugeschnitten wirkt. „Beggar’s Banquet“
noch dabei,
ist ein Meisterwerk. Auf der einen Seite hat sich
nahm er im Frühjahr 1969 die Band auf ihre musikalischen Wurzeln zurück -
besonnen. Andererseits aber hat sie Country
an den Aufnahmen
und Blues für sich selbst neu definiert und damit
zur nächsten LP nur
noch an zwei Songs teil.
ihre musikalischen Ursprünge eigenständig
weiter entwickelt. Thematisch sind der berühmte
Eingangssong „Sympathy For The Devil“ und
die spätere Single-Auskopplung „Street Fighting
Völlig den Drogen
Man“ Ausdruck ihrer Zeit und gegen den Strich
verfallen, hatten ihn
gebürstet. Die Reporter-Frage, ob die Band sub -
versiv sei, beantwortete Richards mit: „Natürlich
körperliche und psychische sind wir subversiv!“
Probleme aus der Bahn
geworfen.«
Das Zustandekommen von „Beggar’s Ban -
quet“ hielt der französische Nouvelle-Vague-
Re gisseur Jean-Luc Goddard in seinem sehens -
8
3/2019 musiker Magazin

36 STORIES
Drogen und Alkohol blieben auch künftig
eine schwere Bürde der Band. Lediglich Wyman
und Watts hielten sich von harten Substanzen
fern. Jedoch verfiel Watts über lange Zeit dem
Alkohol, von dem er sich aus eigener Kraft wieder
befreien konnte. Auch Jones’ Nachfolger
Mick Taylor und Ron Wood hatten solche Pro -
bleme. Wood sagt von sich selbst, über Jahr -
zehnte hinweg nie nüchtern auf der Bühne ge -
stan den zu haben. Vor allem belastete Richards’
Drogenkonsum jahrelang die Band. Wie zum
Beispiel Eric Clapton kam er von harten Drogen
los, verfiel dafür aber dem Alkohol. Ein solcher
Raubbau an der Gesundheit hätte vermutlich
manch anderen früh ins Grab gebracht, nicht
aber Richards. Man sagte, sein Gesicht sehe
aus wie ein ungemachtes Bett, und wunderte
sich, dass er noch lebte. 2006 überlebte er auf
den Fidschi-Inseln den Sturz von einem Baum;
zuvor hatte es geheißen, ihm sei dort eine Kokos -
nuss auf den Kopf gefallen. Offensichtlich verfügt
Richards über eine einzigartige Konsti tu tion,
die ihn auch heute noch mit fast 76 Jahren auf
der Bühne stehen lässt.
Die Anfang Dezember 1969 veröffentlichte
LP „Let It Bleed“, ebenfalls ein Meilenstein der
Rolling Stones, zählt zu ihren besten Alben. Das
umwerfende Stück „Gimme Shelter“, der sinistere
Killer-Song „Midnight Rambler“, der kraftvolle
Bluesrock „Monkey Man“ mit Richards’
grandioser Gitarre und Nicky Hopkins’ einprägsamem
Klavier-Intro sowie der majestätisch
anmutende Abschluss „You Can’t Always Get
What You Want“ mit Al Koopers Waldhorn und
Keyboards stechen aus diesem Klasse-Album
hervor. „Gimme Shelter“ und „Midnight Rambler“
gehörten besonders häufig zum Live-Reper toire
der Rolling Stones.
Taylor wirkte auf „Let It Bleed“ nur bei zwei
Songs mit. Ry Cooder spielte bei Robert
Johnsons herrlichem Blues „Love In Vain“ Man -
doline und bei einem anderen Song eine fantas -
tische Bottleneck-Gitarre, was erst später ver öf -
fentlicht wurde. Es gab aber auch noch eine
Jam-Session mit ihm, Nicky Hopkins, Jagger,
Watts und Wyman, die 1972 als „Jamming With
Edward“ auf den Markt geworfen wurde. Man
hatte ohne Produktionsabsichten gejammt und
das Tonbandgerät mitlaufen laufen. Besondere
Erwartungen an musikalische Höhenflüge sollte
man daher nicht haben. In seinen Liner-
Notes schrieb Jagger, hoffentlich verbrächten
die Plattenkäufer mehr Zeit mit dem Zuhören
als die Musiker mit der Aufnahme. An die
Zusammenarbeit mit den Rolling Stones hatte
Cooder keine guten Erinnerungen und be -
haup tete, man habe ihn ausgenutzt.
„Get Yer Ya-Yahs Out“ ist das letzte Album,
das die Rolling Stones für Decca eingespielt
haben. Es sind Live-Aufnahmen aus vier Kon -
»Der Erfolg hatte der Band
bald Wohlstand be schert.
Das rastlose Leben
zwischen Studio, Bühne,
Funk, Film und Fernsehen,
der Star-Ruhm mit
all seinen Möglichkeiten,
reichlich Sex zu haben,
sowie der verbreitete
schnelle Griff zu Drogen
bereitete aber zumindest
Jagger, Jones und
Richards zugleich massive
persönliche Probleme.«
zerten der Band von Ende November 1969 im
New Yorker Madison Square Garden. Ton tech -
nisch ist das Album von September 1970 der
Live-LP „Got Live If You Want It“ vom Dezember
1966 klar überlegen. Die Band präsentierte sich
mit ihrem neuen Gitarristen Taylor in bester Ver -
fassung. Ein zeitgenössischer Kritiker bezeich-

STORIES 37
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nete „Get Yer Ya-Yahs Out“ als „das beste Rock-Konzert, das je auf Platte erschienen ist“.
Mitt lerweile sind weitere Aufnahmen aus diesen Konzerten in Ton und Bild erhältlich und
dazu Konzerte von B.B. King und Ike und Tina Turner, die im Vorprogramm auftraten.
Das Jahr 1969 endete für die Band zum Schluss ihrer US-Tournee am 6. Dezember mit
ihrem Auftritt am Altamont Speedway. Während des Konzertes wurde der 18-jährige Meredith
Hunter vor der Bühne vor den Augen der Band von einem Mitglied der Rocker-Gang Hells
Angels erstochen, die auf dem eintrittsfreien Open-Air-Festival als Ordner eingesetzt wurden.
Nicht einmal vier Wochen nach dem berühmten Woodstock-Festival schienen die
Hoffnungen der Love-and-Peace-Generation in Chaos und Gewalt versunken zu sein. Fest -
gehalten wurde dieses traumatische Ereignis im Film „Gimme Shelter“.
Zum Ende des Decca-Vertrages wurde Ende Oktober 1970 noch Jaggers Solo-Single „Memo
From Turner“ und „Natural Magic“ mit Cooders herrlicher Bottleneck-Gitarre herausgegeben,
beides Aufnahmen aus dem Spielfilm „Perfor mance“ von 1970, in dem Jagger zum zweiten Mal
als Schauspieler vor die Kamera getreten war. Die Rolling Stones schulde ten Decca aber noch
einen Song. Aus Verärgerung über die Ent wicklung des Vertragsver hältnisses provozierten sie
das Label daraufhin mit dem „Cocksucker Blues“. Diesen Brocken schluckte das Label nicht
und wollte den Song nicht veröffentlichen. Nur durch ein Versehen kam er 1984 für kurze Zeit
doch noch offiziell auf den Markt. Der „Cocksucker Blues“ wurde der Neuauflage der im Vorjahr
herausgekommenen LP-Box „The Rolling Stones Story – Part 2 (The Rest Of The Best – Single-
Tracks And Rarities From The Decca-Period)“ als Single beigelegt. Ganz schnell wurde das neue
Paket wieder aus dem Verkehr gezogen. „Cocksucker Blues“ ist aber (natürlich) als Bootleg zu
bekommen. Decca verfügte noch über andere Reste und füllte damit 1971 und 1975 die Alben
„Stone Age“ und „Meta mor phosis“, dieses mit der Rolling-Stones-Version von „Memo From
Turner“. So etwas hat schon seinen Reiz. Fraglos machen jedoch die Platten-Veröf fent lichungen
bis 1970 das Decca-Werk der Rolling Stones aus, mit dem auch eine Ära zu Ende gegangen war.
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THE ROLLING STONES – TEIL 2
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38 STORIES
HAZEL THE NUT
»Animal Birthday Party«
MM: Im April wurde euer Album „Animal Birthday Party“ veröffentlicht.
Seid ihr zufrieden mit dem Ergebnis?
HAZEL THE NUT: Auf jeden Fall! Die Reaktionen zum Album waren unglaublich,
von Hardcore-Fans bis zu unseren Omis waren alle mehr als zufrieden
mit unserem Werk. Es war wirklich großartig, so viel positives Feedback zu
erhalten, nachdem wir so viel viel Herzblut und Schweiß reingesteckt haben.
Unsere Fans mussten leider auch wirklich lange darauf warten, aber es hat
sich gelohnt.
MM: Anschließend seid ihr direkt auf Tour gegangen. Wie war’s und
wo habt ihr überall gespielt?
HAZEL THE NUT: Der Hammer! Es war schlicht ein einmaliges Erlebnis, mit
Band und Crew die Städte zu besuchen und neue Menschen kennenzulernen.
Wir wurden immer wieder überrascht von Fans, die bereits sehr
textsicher mitsingen konnten, aber auch von Leuten, die aus den unwahrscheinlichsten
Entfernungen zu unseren Konzerten gekommen sind.
Unsere Tour hat uns in zahlreiche Clubs und Hallen in ganz Deutschland
geführt. Angefangen haben wir im B-Hof in unserer Heimatstadt Würzburg.
Dann sind wir weiter ins Wild At Heart in Berlin, ins 8 Below in München,
in den Ponyhof Frankfurt und und und …
HAZEL THE NUT: Unsere Band ist eigentlich aus unserer Coverband
APPLEjUiCE hervorgegangen. im jahr 2012 waren wir es leid, Songs von
anderen auf Dorffesten im fränkischen Outback nachzuspielen. Deshalb
haben wir angefangen, eigene Songs zu schreiben, und schon war die
Band HAZEL THE NUT geboren. Wir sind alle seit langer Zeit miteinander
befreundet und haben sehr früh gemerkt, dass wir gleiche musikalische
Vorbilder haben. Es schadet auch nicht, dass wir gerne miteinander ab -
hängen oder mal ein Bier gemeinsam trinken gehen.
MM: Warum habt ihr euch für Pop-Punk entschieden?
HAZEL THE NUT: Das war absolut alternativlos! Wir sind früher Skateboard
gefahren, haben dazu Blink 182 gehört und abends Filme wie American
Pie geguckt. Pop-Punk ist der Soundtrack dieser Zeit und damit unserer
jugend. Punkrock hat so viel Energie und nichts geht über poppige
Melodien – das wollten wir auch machen.
MM: Stefan Beham/Sbäm ist für euer Artwork verantwortlich. Was
ist euch dabei besonders wichtig und wie kam die Zusammen -
arbeit zustande?
HAZEL THE NUT: Wichtig ist für uns ein stimmiges Artwork, das wir dann für
unser Merch, unsere Website und Social-Media-Kanäle verwenden können.
MM: Wie habt ihr euch eigentlich zusammengefunden und ge -
gründet?
Stefan hatte uns vor jahren angeschrieben, ob wir Lust auf ein von ihm
entworfenes Artwork hätten. Das hat uns auf Anhieb so gut gefallen, dass
musiker Magazin 3/2019

STORIES 39
In der unterfränkischen Einöde unweit
von Würzburg trafen sich einst
vier begeisterte Musiker, um ihrer Liebe
zum Pop-Punk zu folgen.
Sie gründeten im Jahr 2012 die Band
Hazel The Nut. Seitdem nehmen die vier
jedes Konzert zwischen
provinziellem Jugendzentrum und
großem Open Air Festival mit.
Für das Jahr 2019 wagen sich die vier
Jungs an das Projekt Album Nummer 3,
das komplett in Eigenregie entsteht.
wir ihn auch für das letzte Album gefragt haben. Als wir seinen ersten
Entwurf für unsere Animal Birthday Party gesehen haben, sind wir förmlich
im Kreis gehüpft vor Freude über das Design. Er weiß einfach, unsere lustigen
ideen, die uns so durch den Kopf schwirren, direkt umzusetzen. Hinzu
kommt noch, dass er einfach der verdammte Designer von einigen unserer
Lieblingsbands wie The Offspring ist. Da führt kein Weg dran vorbei.
MM: Habt ihr Vorbilder in der Musikbranche?
HAZEL THE NUT: Na klar, wer hat die nicht? Obwohl es viele Bands und
Künstler gibt, die wir bewundern, hat uns eine Band so sehr beeinflusst
wie keine andere: Blink 182. Travis, Mark und Matt / Tom haben uns in
unserer musikalischen Laufbahn immer wieder inspiriert.
8
3/2019 musiker Magazin

40
HAZEL THE NUT
„Animal Birthday Party“
VÖ: 29. MÄRZ 2019
WWW.HAZELTHENUT.DE
FACEBOOK.COM/HAZELTHENUTBAND
INSTAGRAM.COM/HAZELTHENUTBAND
MM: Wie entstehen eure Songs?
HAZEL THE NUT: Meist bringt Sebastian oder Michael eine Melodie für
einen Refrain oder ein Gitarrenriff zur Bandprobe mit. Dort wird dann
gemeinsam an dem Song gearbeitet und es werden Schritt für Schritt
die einzelnen Parts des Songs ausgearbeitet. Das Ganze nehmen wir
immer gleich auf und hören uns im Anschluss das Ergebnis an. Es kann
dann schon mal je nach Song eine Weile dauern, bis wir einen neuen Hit
à la Hazel The Nut geschaffen haben. Es kann aber auch passieren,
dass wir den Song noch mal komplett über den Haufen werfen. Dann
arbeiten wir an der nächsten idee und so weiter und so weiter …
MM: Was waren eure größten Erfolge bisher?
HAZEL THE NUT: Wir durften als Support von Bands wie Madsen,
Manfred Mann’s Earth Band oder Künstlern aus anderen Musik rich -
tungen wie SDP spielen. Als Vorband ein fremdes Publikum einzuheizen,
ist der Hammer und eine große Ehre. Fernab von Supports können wir
mittlerweile auf drei Alben und eine Vielzahl von Gigs zurück blicken.
Ende 2018 haben wir zudem den Deutschen Rock und Pop Preis in
der Kategorie beste Punkband gewonnen und im April 2019 ist für
uns ein Traum in Erfüllung gegangen, als wir unsere erste eigene Tour
durch Deutschland mit Gigs in zwölf Städten gespielt haben.
MM: Ihr habt die letzten Jahre auch einige Festivals gerockt ...
HAZEL THE NUT: Bekannte Festivals wie das Schlossgrabenfest in
Darmstadt, das Ab Geht die Lutzi in Rottershausen, Lakesound Festival
in Edertal / Hemfurth oder das U&D in Würzburg durften wir bereits
bespielen. Man kommt bei solchen Festivals immer mit vielen anderen
Bands zusammen und kann Kontakte knüpfen. Bei Festivals genießen
wir immer das besondere Flair, das die Veranstaltung und die feierwütigen
Fans versprühen.
MM: Was sind eure weiteren Pläne mit der Band?
HAZEL THE NUT: Wir arbeiten wieder an neuen Songs und wollen
baldmöglichst wieder etwas veröffentlichen. jedoch gibt es noch keinen
konkreten Veröffentlichungstermin. Auch für nächstes jahr ist erneut
eine Tour durch Deutschland geplant. Generell versuchen wir, jedes
jahr die Anzahl der Gigs zu steigern und auch mal den Fuß in die Tür
bei größeren Festivals zu bekommen. Wir sind gespannt, was da so
noch kommt, und hoffen, ihr seid es auch?!
WEB: WWW.HAZELTHENUT.DE
iNTERViEW: RONJA RABE
FOTOS: PHILEMON GÖTTLE

STORIES 41
»Wir sind früher Skateboard gefahren,
haben dazu Blink 182 gehört
und abends Filme wie American Pie
geguckt. Pop-Punk ist
der Soundtrack dieser Zeit und
damit unserer Jugend.«
3/2019 musiker Magazin

42 STORIES
MM: Was sind eure musikalischen Einflüsse?
MM: Warum habt ihr zwei Schlagzeuger?
DECADANCE DANCE: Vom klassischen Rock der 70er wie Led
Zeppelin und Black Sabbath bis hin zum Grunge und Rock der End-
Achtziger/Anfang der 90er a la Guns’n’Roses, Pearl Jam, Nirvana, aber
auch Monster Magnet.
MM: Ihr seid schon lange befreundet. Wie habt ihr als Band
zusammengefunden?
DD: Wir waren schon befreundet, bevor wir Musik gemacht haben. Es
war eher so, dass wir als Freunde beschlossen haben, eine Band zu
gründen, und uns dann überlegten, wer was spielen könnte.
»We All Get Lost ...
Sometimes«
DD: Unsere beiden Drummer Jörn und Marc hatten wir früher in
unterschiedlichen Phasen, Jörn zu Beginn der Band und Marc in der
Phase danach. Nachdem wir die Bandaktivitäten ein paar Jahre auf
Eis gelegt haben und uns im Sommer 2016 überlegten, wieder anzufangen,
haben wir beide Drummer gefragt, ob sie Lust haben, und
beide haben Ja gesagt. Wir haben uns dann entschieden, mit beiden
weiterzumachen, und finden das mittlerweile eine Spitzenlösung. Wir
spielen mit beiden Drummern nur eine kleine Anzahl gemeinsamer
Songs, ansonsten hat jeder Drummer sozusagen „seine Songs“.
MM: Wie liefen die Aufnahmen zu eurem Longplayer „We All
Get Lost ... Sometimes“?
DD: Es war einfach nur Spaß … Zunächst haben wir uns ein langes
Wochenende in einem alten Bauernhof in Winterswijk (NL) eingeschlossen
und die letzten Feinarrangements, Tempodefinitionen und
Groove-Abstimmungen gemacht. Dann sind wir ein Wochenende ins
Tonstudio gegangen und haben die Basictracks (Drums, Bass,
Rhythmus gitarren, Ghostvox) eingespielt.
In den darauffolgenden Wochen haben wir dann in Ruhe diese veredelt
mit Vox, Backing-Vox und Gitarrensoli. Als dann die Songs an
sich fertig waren, haben wir lange an der richtigen Reihenfolge und
den Übergängen zwischen den Songs gefeilt. Unsere Vision war immer
ein Album, das der Hörer von vorne bis hinten durchhören können soll,
sozusagen mehr ein Gesamtwerk als eine An sammlung von Songs.
MM: Warum habt ihr auch ein Album auf Vinyl veröffentlicht?
DD: Wir haben VOR ALLEN DINGEN ein Album auf Vinyl veröffentlicht!
Wir hören alle selbst bevorzugt Vinyl und schätzen einfach die
Soundqualität und Dynamik, die nur Vinyl bieten kann. Genau in dieser
Qualität wollten wir unser Album veröffentlichen und haben dies
von der ersten recordeten Note bis zum finalen Mastering und zur
Pressung durchgezogen. Wir wissen, dass unsere Fans genau dies
zu schätzen wissen und der Verkauf der LPs läuft auch wesentlich
besser als der der CDs. In der gesamten Produktion und Wert -
schöpfung haben wir nur High-End-Zutaten eingesetzt, angefangen
von super-dynamischen Mikrofonen bis hin zur 180-Gramm-Pressung
im wohl aktuell besten Presswerk in Europa.
MM: Eure Single „World Under Glass“ gibt es mit einer Akustik -
version auf der B-Seite. Warum habt ihr euch für eine Akustik -
version entschieden und was gefällt euch daran besonders?
DD: Wir wollten zunächst unseren Fans etwas Neues bieten, was sie
nicht schon vom Album kennen. Außerdem wollten wir – da es ja nur
DECADANCE DANCE
musiker Magazin 3/2019

STORIES 43
eine Digital-Veröffentlichung ist – auch potenziell andere Fangruppen
ansprechen. Deswegen haben wir auch die junge Sängerin Nina Hahn
mit hinzugenommen, die sonst eigentlich mehr R&B und Soul macht.
Die digitale Welt ist nun mal eine andere als die Vinyl-Welt. Für uns
war es ein Riesenspaß, den Song auch einmal akustisch zu spielen,
immerhin ist er ja auch so entstanden und somit mehr eine Ur -
sprungs version. Wir haben diese Version auch extra relativ einfach
und reduziert gehalten, kaum Overdubs eingesetzt, um den Charakter
eines Live-Jams im Wohnzimmer zu kreieren.
MM: Wer macht bei euch die Promotion? Welche Rolle spielen
dabei Radio, Print und soziale Medien?
DD: Zunächst erst mal muss man feststellen, dass die drei Bereiche
Radio, Print und Social Media doch sehr unterschiedliche Kanäle sind
und auch jeweils andere Anforderungen haben. Bei Radio- und Print-
Promotion nutzen wir das Expertenwissen unseres Labels und seiner
Kooperationspartner. Hier geht es eben auch viel über persönliche
Beziehungen und fachspezifische Themen.
Den Bereich Social Media machen wir alleine als Band. Wir versuchen
hier, regelmäßig unsere Follower mit aktuellen Infos, Storys und
netten Backstage-Geschichten upzudaten. Das ist eher spontan mal
aus dem Proberaum oder von einem Gig. Das ist zwar viel Arbeit, macht
aber unglaublichen Spaß, weil wir eben auch direkt und live Feedback
bekommen.
MM: Was waren eure bisherigen Konzerthighlights?
DD: Das ist nicht eindeutig zu beantworten, natürlich die Live per -
formance von unserer ersten Single „Stay“ bei dem Deutschen Rock
& Pop Preis in Siegen letztes Jahr (riesige Bühne, erstmals einen Song
unseres Albums live gespielt). Aber auch einige Gigs in coolen Clubs
in Köln wie dem Luxor, Tsunami oder Volta in diesem Jahr vor einem
Publikum, das uns vorher nicht kannte, aber eben auf harte Rock -
musik steht und schnell Zugang zu unseren Songs gefunden hat und
richtig abgegangen ist. Unvergesslich bleibt natürlich unsere Album -
präsentation in unserem Stammclub in Gelsenkirchen, dem L.O.N.,
vor 250 eingefleischten Fans, die jeden unserer Songs kennen und
mitsingen können. Das war schon sehr bewegend und emotional.
MM: Wie bereitet ihr euch auf Auftritte vor?
DD: Proben, Proben, Proben … Und dann reisen wir in der Regel
relativ früh an, sodass wir häufig den ganzen Tag miteinander verbringen.
Dadurch entsteht auch einfach diese unglaubliche Nähe, die
dann auf der Bühne so authentisch rüberkommt.
MM: Wie ist euer Bezug zum Ruhrgebiet?
DD: Da kommen wir her, da fühlen wir uns wohl. Leider ist der Ruf viel
schlechter als die Wirklichkeit und es wird immer wieder vergessen,
dass das gesamte Ruhrgebiet eigentlich eine bzw. die größte
Metropole in Deutschland ist mit dem wahrscheinlich einzigartigsten
Angebot an Kultur und einer riesigen Musikszene.
MM: Eure Website ist in Englisch geschrieben. Habt ihr auch
Pläne, außerhalb von Deutschland aufzutreten?
»Wir hören alle selbst bevorzugt Vinyl
und schätzen einfach
die Soundqualität und Dynamik,
die nur Vinyl bieten kann.
Genau in dieser Qualität wollten wir
unser Album veröffentlichen
und haben dies von
der ersten recordeten Note bis zum
finalen Mastering und
zur Pressung durchgezogen.«
DECADANCE DANCE
„We All Get Lost ... Sometimes“
(Doppelvinyl)
VÖ: 23. MÄRZ 2019
WWW.DECADANCEDANCE.COM
WWW.FACEBOOK.COM/DECADANCE.DANCE.ROCKBAND
DD: Na klar und daran arbeiten wir gerade aktiv; dies ist für 2020 auf
der Agenda. Durch Social Media ist heute eh alles international und
wir haben bereits heute Fans und Supporter auf der ganzen Welt. So
gibt es zum Beispiel in Japan eine kleine Decadance Dance Fan
Community, die keine Kosten und Mühen gescheut haben, sich unser
Album zu kaufen. In einem Genre wie unserem gibt es eine weltweite
Community und Fangemeinde. Die wollen wir adressieren.
WEB: WWW.DECADANCEDANCE.COM
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOQUELLE: SPLITT-RECORDS / DECADANCE DANCE
3/2019 musiker Magazin

44 STORIES
UDOMAT
MM: Warum eine Udo Lindeberg Tribute Band? Wie ist dein
Zugang zu Udo Lindenberg und welche Gemeinsamkeiten
habt ihr vielleicht?
UDOMAT: Ich habe mal für ein Konzert ein Double gesucht. Da
kam mir die Idee, es selbst mal auszuprobieren. Von 2016 an jeden
Tag drei Interviews gehört, gesungen und Bewegungsabläufe studiert.
Klamotten wurden angefertigt, der Hut, die Haare … Es war
quasi schon ein Suchtverhalten und Liebe auf den ersten Blick.
Dann musste ein Künstlername her und UDOMAT ist draus entstanden.
Ich bin mit einer Soloshow von 45 Minuten deutschlandweit
unterwegs und versuche, das Lindenberg-Feeling auf Firmen-
Events, Geburtstagen oder auch anderen Anlässen rüberzubringen
und zu vermitteln. Panische Zeiten und so … Nach den Reso -
nanzen zu urteilen gelingt das eigentlich ganz gut. Der Zugang zu
Udo ist nicht nah und nicht fern. Ich denke, er beobachtet das
Ganze und freut sich, dass ein weiterer Vertreter, Praktikant und
Zauberlehrling existiert, der seine Musik in die Welt verstreut. Ge -
meinsamkeiten gibt es tatsächlich einige. Wir haben beide Schlag -
zeug studiert, sind beide Liebhaber der deutschen Sprache und
wir haben am selben Tag Geburtstag (17.5.) Wirklich ein gigantischer
Zufall …
MM: Wie habt ihr euch gegründet und die richtigen Musiker
gefunden?
UDOMAT: Nach einem Sologig in München entstand die Idee, eine
Lindenberg Tribute Band zu gründen. Thomas Jung, der bei mir
die Technik macht und den ich auch schon viele Jahre kenne (als
Keyboarder), hat den Satz bei der vierstündigen Fahrt gebracht:
„Das müsste man mal mit Band machen.“ Ja, und so wurde das
Telefon in die Hand genommen und losgelegt. So einsam und alleine
loszuziehen ist manchmal auch nicht so lecker. Der Ge danke war:
„Man kennt ja viele Leute in der Szene“, und dann habe ich auch
geschaut, dass es vom Alter her authentisch aussieht, aber auch
menschlich funktioniert. Heiko Rühl (Schlagzeug) war mit einer der
Ersten, der sofort ja gesagt hat. Carsten Kries (Gitarre und Band -
leader) folgte mit großem Interesse, da er diese Musik auch liebt
und zu 100 % dahintersteht. Peter Adler (Gitarre), Andreas Zamojski
(Gitarre), Torsten Risch (Bass), Christian Morgenstern (Piano) und
Thomas Jung (Keyboard) bilden seit 2018 die Panikgenossen. Der
eine kennt den, der andere wiederum den, und so entstand ein
Haufen voller Experten, die wild drauf sind, die Bühnen Deutschlands
mit Songs von Udo zu rocken. Natürlich gab es auch Beset zungs -
wechsel. Man muss auch erst mal alles abchecken, und für den
musiker Magazin 3/2019

STORIES 45
»Beide Trommler,
beide am selben Tag
Geburtstag und
beide Liebhaber der
deutschen Sprache.
Mehr braucht
man dazu gar nicht
mehr zu sagen.«
& Panikgenssen
Mit einem einfachen schwarzen Hut
entstand im November 2016 die Idee
zum Udo-Lindenberg-Double.
Die Entwicklung dauerte seine Zeit
und brachte den originalen Hut,
die originale Sonnenbrille,
eine Sonderanfertigung der Outfits,
Anzüge und Accessoires sowie
tägliches Vocalcoaching.
einen oder anderen war es dann doch nicht so, aus zeitlichen oder
privaten Gründen. Außerdem haben wir drei ganz tolle Ladys am
Start: Peggy Lienhop, Inna Kellermann und ganz neu dabei Laura
Gerlach, die nicht nur im Background-Bereich, sondern auch solis -
tisch glänzen. Eine Thekenbesetzung von meinem Freund Ralf Ullrich
und ein tolles Technik-Team.
halt. Man hat natürlich auch viele Möglichkeiten, Songs umzusetzen,
denn jeder ist flexibel und alle lieben den Eierlikör.
MM: Du hast Udo Lindenberg auch schon persönlich kennengelernt.
Wie war das Treffen und was hält er von den Panik -
genossen?
MM: Was ist das Besondere an dieser großen Band?
UDOMAT: Besonders ist die Schwere der Kommunikation, denn elf
Leute zusammenzuhalten ist schon eine Aufgabe für sich.
Menschlich harmoniert diese Besetzung grandios und ich könnte
sie mir auch nicht anders vorstellen! Der Spaßfaktor ist riesig und
man geht offen miteinander um. Musikalisch wächst man auch von
Tag zu Tag immer mehr zusammen. Nordhessische Panik Family
UDOMAT: Sein Satz war: „Gut genießen, die Genossen“. Er freut sich
natürlich, wenn seine Musik weiterverbreitet wird, egal ob von uns
oder auch den anderen Kollegen, die es gibt. Er ist im Bilde darüber,
was so abgeht, und es ist schön, wenn das Original das Ganze auch
befürwortet. Das erste Treffen 2017 war schon aufregend. Ge sun -
gen, getrunken und geschnackt über die Planungen, die ich vorhatte.
Das letzte Treffen im Oktober 2018 war auch sehr entspannt und ein
weiteres wird in diesem Jahr hoffentlich noch klappen.
8
3/2019 musiker Magazin

46 STORIES
»Es ist eine große Freude, die Bühne mit so vielen zu teilen,
und die Panik Kids machen das Ganze noch bunter.«
MM: Was erwartet den Zuschauer bei euren Konzerten?
UDOMAT: Gute Frage … Uns ist es wichtig, dass die Zuschauer
den Eindruck bekommen, sie seien auf Udos Konzert. Wir können
halt nur das möglich machen, was in unserer bürgerlichen Macht
geht. Wir legen sehr viel Wert auf Sound und auf Abwechslung, daher
auch der Aspekt, dass wir mit einigen Gastsängern kooperieren. Die
Datenbank vergrößert sich natürlich auch. Das schönste Kom pli ment
war: „Ihr seht aus wie eine große Familie, die eine Party feiert.“ So
etwas freut uns natürlich. Verschiedene Showeinlagen, bunte Kla -
motten und ein wenig Pyrotechnik dürfen auch nicht fehlen. Ebenso
das Projekt mit unserem Kinderchor, den PANIK KIDS, ist eine große
Bereicherung. Die Besetzung wächst und gedeiht.
können, um für den Weltfrieden zu singen. Es ist eine große Freude,
die Bühne mit so vielen zu teilen, und die Panik Kids machen das
Ganze noch bunter.
MM: Wie wichtig sind soziale Netzwerke für euch?
UDOMAT: Für wen sind die heute nicht mehr wichtig? Wir haben
schon ziemlichen Alarm gemacht und pflegen unsere Kontakte. Es
gibt ja immer mal News, die wir mit der Welt teilen wollen. Auch
viele Veranstalter schauen heutzutage in die sozialen Netzwerke.
Da dürfen wir natürlich nicht fehlen. Gut bedacht und informativ.
Die Kanäle sind gekoppelt und man kommt eigentlich gar nicht
mehr drum herum …
MM: Wer sind die Gastsänger, mit denen ihr ab und zu auftretet?
MM: Was sind die weiteren Pläne für Udomat und die Panik -
genossen?
UDOMAT: Das ist immer unterschiedlich. Im Grunde sind es alles
Geheimräte, die Bock darauf haben, ihr Können zu beweisen, und
natürlich Spaß daran haben, so eine fantastische Mucke zu machen.
Ein guter Freund, Ben Black, Singer und Songwriter aus Homberg,
der selbst mit Band und eigenen deutschen Songs loszieht, ist eine
fantastische Abwechslung für die Leute und passt sehr gut rein.
Aber auch andere tolle Künstler finden ihren Platz bei uns. Finden und
gefunden werden …
MM: Seit April habt ihr den Kinderchor Panik Kids dabei.
Wie ist es dazu gekommen?
UDOMAT: Udo hat ja auch die Kids on Stage im Gepäck. Darum
haben wir einen Aufruf gestartet und von über 130 Kindern 25 Kids
in einem Casting bei unserem Sponsor „Hotel Gude – die nordhessische
Panikzentrale“ auserwählt. Es ist schön zu wissen, dass wir
uns nach und nach immer weiter vergrößern, und vor allem, dass
die Eltern der Kinder auch dahinterstehen. Die Kids sind in einem
Alter zwischen 7 und 14 Jahren. Wir haben sogar zwei Kinder mit
Erfahrung dabei, die jeweils bei der Sendung The Voice Kids dabei
waren. Wir wollen damit auch ein Zeichen setzen, dass genera -
tionsübergreifend Menschen zusammen auf der Bühne stehen
UDOMAT: Pläne sind gut und wichtig. Immer groß denken und so
… aber auch nach und nach. Wir wollen vielleicht mal ein Unplugged-
Konzert geben. Vielleicht auch mal auf einem Schiff spielen, wie es
Udo ja schon gemacht hat (Rock Liner). Im Dezember werden wir die
Udo Lindenberg Stiftung mit einem Club-Konzert unterstützen. Wir
möchten den Lindenberg-Fans den Eindruck verschaffen, als seien
sie bei seinem Konzert, und das an Orten, wo Udo nie war oder
aus logistischen Gründen nicht hinkommen wird. Wir wollen seine
Texte und Songs weiter in der bunten Republik verbreiten. Es sind
schon viele Menschen im lindischen Fieber, aber da geht hoffentlich
noch mehr. Vielleicht vergrößern wir die Besetzung noch mit
einer Bläser-Section oder einem Rudel voll Tänzerinnen und Tänzern,
wer weiß …
So, zum Schluss noch ein kleiner Feierlikör auf die goldenen Zeiten
und schaut doch mal vorbei …
WEB: WWW.UDOMAT-DOUBLE.COM
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOQUELLE: UDOMAT & DIE PANIKGENOSSEN
Ahoi sagt
euer Panik-Prinz!

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© 2019 Shure Incorporated. See shure.com/trademarks.

48 STORIES
… WENN MAN MUSIKERHERZEN ÖFFNET –
IST DA DIE GANZE WELT ZU HAUSE
MM: Ihr spielt eine sehr tanzbare Mischung
aus Reggae, Rock, Hip-Hop, Funk, Soul und
Cumbia. Was sind eure musikalischen Ein -
flüsse und wie bekommt ihr das alles unter
einen Hut?
MAKIA: Ein großer Anteil der Band sind Musiker
aus Mexico und Kuba, die dort als professionelle
Musiker unterwegs waren. Aus dieser Richtung
kommt auch der Großteil unserer Einflüsse. Das
wird mit den Ideen der restlichen Band in einen
Topf geworfen, einmal kräftig geschüttelt und
kommt dann als groovige Latin-Fusion wieder
raus – funktioniert zuverlässig :).
MM: Wie ist eure aktuelle Besetzung?
MAKIA: Raidel Bandera Lacret (Gesang), Anneli
Richter (Saxophon, Backingvocals), Antonio
Mandujano (Bass), Marcel Hochstrasser (Drums),
Erick Hernandez (Gitarre, Gesang), Rainer Herr
(Trompete) und Lukas Groos (Gitarre).
MM: Ihr textet auf Spanisch. Was inspiriert
euch und worum geht es in euren Texten?
MAKIA: Unsere Texte sind vom Leben inspiriert,
sie fordern auf, zu träumen und sich nicht zu limitieren,
für die eigenen Rechte zu kämpfen und
niemals aufzugeben.
musiker Magazin 3/2019

Feuer, Temperament und Herz –
so lässt sich der Makia-Stil am besten
beschreiben. Ein bunter Cocktail
aus Sommer, Sonne, Strand!
In der mitreißend explosiven Fusion
von Reggae, Funk, Soul, Rock, Cumbia
und Hip-Hop sind die teils
mexikanischen und kubanischen
Wurzeln deutlich zu hören und bringen
jede Hüfte zum Schwingen!
STORIES 49
WWW.FACEBOOK.COM/MAKIABAND | WWW.INSTAGRAM.COM/MAKIA.MUSIC
natürlich geht es auch um Liebe – mal glücklich,
mal unglücklich, wie das Leben eben ist …
MM: Letztes Jahr erschien euer erstes Album
„Siente La Musica“. Wie waren die Reak tio -
nen?
MAKIA: … Umwerfend!! – Es ist schon ein tolles
Gefühl, wenn man durch die Stadt schlendert
und einem Autos entgegenkommen, aus denen
gerade MAKIA-Songs klingen. Mit den Songs
des Albums haben wir uns ja auch für den Deutschen
Rock und Pop Preis 2018 erfolgreich
beworben.
Museumsuferfest, Schlossgrabenfest Darmstadt,
Bad Homburger Summer Beats, Stoffel Frankfurt,
Trebur und Karben Open Air. Auch Support für
Stephanie Heinzmann und Jamaram sind be -
sondere Highlights in unserer Band-Historie.
MM: Eine siebenköpfige Band inklusive einer
Bläser-Section, wie koordiniert man so viele
Leute?
MAKIA: Das ist eine gute Frage … Wo deutsche
Pünktlichkeit und Latino-Mentalität aufeinandertreffen,
wird schon mal heiß diskutiert. Am Ende
siegt aber immer amor y paz :).
MM: Wer macht bei euch das Booking?
MAKIA: Wir sind bereits seit einiger Zeit auf der
Suche nach einer professionellen Booking-
Agentur. Dabei haben wir leider erfahren müssen,
dass viele Booking-Agenturen nicht das halten,
was sie versprechen.
Demnach organisieren wir bis jetzt alles selber.
Somit verlieren wir auch nicht die Beziehung zur
Basis und zum eigentlichen Veranstalter.
MM: Welche Art von Veranstaltungen eignen
sich am besten für euer Genre? Wo spielt ihr
am liebsten?
sichtigt, denn von Speisen und Getränken allein
bezahlen sich Transport, Unterkunft, Instru mente,
Gitarrensaiten und Co. leider bis heute nicht.
Da unsere Musik ein breites Publikum an spricht,
werden wir auch immer wieder gerne für Stadt -
feste, Firmenveranstaltungen, Konzerte gebucht.
Leider werden bei vielen größeren Festivals die
altbekannten Booking-Agenturen eingesetzt.
Somit haben wir als Selbstverwalter eher selten
eine Chance, auf den richtig großen Bühnen
unsere Show zu präsentieren. Unser Traum wäre
unter anderem, mal beim Afrika Karibik Festival
in Aschaffenburg einen Slot zu ergattern …
MM: Ihr konntet beim Deutschen Rock & Pop
Preis 2018 gleich fünf erste und einen zweiten
Preis mit nach Hause nehmen! Was war
das für ein Gefühl und wie ging es danach
für euch weiter?
MAKIA: Wir waren völlig geflasht und haben dies
gebührend gefeiert. Das ist natürlich eine schöne
Auszeichnung, die unsere Wertigkeit steigert.
Allerdings haben wir allein durch diese Preise
nicht mehr Auftritte oder Möglichkeiten als sonst
er hal ten. Das Musik-Business ist eben hart :).
MM: Möchtet ihr sonst noch etwas loswerden?
MM: Ihr seid viel live unterwegs. Was waren
eure bisherigen Konzerthighlights?
MAKIA: Konzerte in Berlin, Düsseldorf, Leipzig,
Köln und Holland. Wir sind natürlich viel in der
Rhein-Main-Region unterwegs, wie z. B. beim
MAKIA: Wir spielen sehr gerne auf Festivals aller
Art, da wir mit unserer Musik unterschiedliche
Menschen und deren Kulturen ansprechen und
begeistern können. Außerdem spielen wir ehrlich
gesagt auch da am liebsten, wo man unseren
Einsatz und wirtschaftlichen Aufwand berück-
MAKIA: Wenn ihr mehr über unsere Musik und
Konzertdaten wissen wollt, schaut einfach auf
Instagram oder Facebook bei uns vorbei!
WEB: WWW.MAKIA-MUSIC.COM
InTERVIEW: RONJA RABE
3/2019 musiker Magazin

50 MUSIKBUSINESS
Mit Musik
auf
Einnahmen erzielen
LEKTION 2:
DEINE MUSIKKARRIERE AUF ANDERE ARTEN
ÜBER YOUTUBE VORANTREIBEN
und Abos sind die wichtigsten
Anzeigen
Einnahmequellen auf YouTube. Es gibt
jedoch weitere Möglichkeiten für Interpreten, Ein -
nahmen auf der Plattform und anderswo zu er -
zielen. Sobald du eine aktive Community und einen
Katalog an Musikvideos auf deinem Kanal hast,
kannst du diese Optionen erkunden, um dein
Umsatz potenzial komplett auszuschöpfen.
MARKENINHALTE:
ALBEN:
Ähnlich wie bei Merchandising-Artikeln können
Interpreten auch ihren Onlineshop oder ge -
neh migte Websites verlinken, auf denen ihre
Musik downloads, CDs, DVDs oder Schallplatten
verkauft werden. Vor der Veröffentlichung eines
Albums kannst du dein Kanalbranding mit dem
Albumcover und dem Veröffentlichungsdatum
aktualisieren und Videos produzieren.
Einige Agenturen und Marken möchten für
Erwähnungen, einzelne Videos oder integrierte
Kampagnen auf verschiedenen Plattformen mit
Interpreten zusammenarbeiten. Die Preise für die
Zusammenarbeit sind von deiner Beliebtheit, dem
geistigen Eigentum und der Dauer der Zusammen -
arbeit abhängig.
MERCHANDISING:
Viele Fans kaufen gern Merchandising-Artikel
von ihren Lieblingsinterpreten. Du kannst genehmigte
Merchandising-Websites direkt in deinem
YouTube-Kanal verlinken und auf diese Art T-Shirts,
Poster oder Accessoires verkaufen. So kannst du
deine Merchandising-Artikel bewerben:
Erstelle Videos mit Bildern und Beispielen deiner
Merchandising-Artikel. Du kannst auch
Fans vorstellen, die deine T-Shirts oder andere
Bekleidung tragen.
Teile Links zu deiner Merchandising-Website
durch Infokarten oder Abspanne mit konkretem
Call-to-Action. Du kannst diese Links auch
zu deinem Kanal und deinen Videobeschrei bun -
gen hinzufügen.
Nutze Cross-Promotion mit anderen Inter preten
auf YouTube, die eine ergänzende Fange -
mein de haben, für deinen Kanal und deine
Merchan dising-Artikel.
TOURNEE:
YouTube eignet sich hervorragend, um Daten
für Konzerttouren bekannt zu geben und zu
bewerben, da du schnell Fans in vielen verschiedenen
Ländern erreichst. Diese Arten von Videos
eignen sich hervorragend, um Werbung für deine
Tour zu machen:
Tourneetrailer oder -teaser
Backstage- oder Hintergrundvideos
Livestreams oder aufgezeichnete Liveauftritte
Vlogs von verschiedenen Tourorten
CROWDFUNDING:
Möchtest du deine Fans bitten, deine kreativen
Ideen mitzufinanzieren? Crowdfunding über
eine genehmigte Website kann dich bei wiederkehrenden
Kampagnen oder bei einem be -
stimmten Projekt unterstützen, z. B. bei einem
neuen Album, Musikinstrument oder Studio auf -
nahmen.
❢ Hinweis:
Du solltest dich vorab über die Offen le gungs -
anforderungen für bezahltes Produkt-Place -
ment und bezahlte Produkt em pfeh lungen
informieren. Interpreten, die unter Vertrag stehen,
können auch bei ihrem Label nachfragen,
ob ihre Vereinbarungen be stimmte Werbe -
strategien umfassen.
Wie findest
du heraus, ob du mit
deinem Kanal
deine Geschäftsziele
erreichst?
YOUTUBE ANALYTICS
YouTube Analytics bietet eine Vielfalt an Daten,
mit denen du beurteilen kannst, was gut funktioniert.
Du erfährst, wo Zuschauer deine Inhalte
ent decken, welche Videos die höchste Wieder -
gabezeit haben und wie Fans mit deinen Inhalten
interagieren.
Wenn du deinen Kanal monetarisierst, solltest
du dir die verschiedenen Umsatzberichte ansehen,
um Antworten auf folgende Fragen zu erhalten:
Welche Einnahmen erziele ich mit meinem
YouTube-Kanal?
Was sind die wichtigsten Einnahmequellen
(Anzeigen, YouTube Premium usw.)?
Welche Regionen tragen am meisten zu meinen
Einnahmen bei?
Wie ändert sich mein Umsatz in verschiedenen
Zeiträumen?
musiker Magazin 3/2019

51
LEKTION 3:
YOUTUBE-DATEN NUTZEN, UM DEINEN ERFOLG VORANZUTREIBEN
Je nach deinen Antworten solltest du deine
Kreativ- oder Uploadstrategie überdenken. Wenn
du beispielsweise bemerkst, dass viele Fans deiner
Musik aus einem anderen Land kommen, kannst
du Videotitel und -beschreibungen übersetzen,
damit deine Videos einfacher zugänglich sind.
Oder angenommen, du entdeckst hohe Klick -
raten für Abspanne auf Mobilgeräten. Wenn du
mehr Merchandise-Artikel oder Alben verkaufen
möchtest, kannst du dein neues Wissen nutzen,
um deinen neuen Musikvideos für Mobilgeräte
optimierte Abspanne hinzuzufügen.
❢ Hinweis:
Wenn dein Kanal mit einem Musiklabel, einem
Musikvertrieb oder anderen Rechteinhabern
verknüpft ist, hast du möglicherweise keinen
Zugriff auf Umsatzdaten in YouTube Analytics.
MUSIKCHARTS
UND STATISTIKEN
Unter „Musikcharts und Statistiken“ findest du
wöchentliche Platzierungen der beliebtesten Musik
auf YouTube. Du kannst die 100 beliebtesten
Videos (nach Aufrufzahlen) oder eine Übersicht
über angesagte Videos (neue Musikvideos, die
gleich nach der Veröffentlichung zum Hit wurden),
Songs oder Künstler ansehen.
Künstler und Labels können anhand dieser
Daten beispielsweise die Beliebtheit von be -
stimmten Musiktiteln oder genres auf YouTube
ermitteln, um die Wiedergabe von Titeln im Radio
zu fördern oder Markendeals zu verhandeln.
Oder sie können das Interesse von Nutzern we -
cken, indem sie ihre Platzierung in den YouTube
Musikcharts in den sozialen Medien teilen.
Du kannst auch prüfen, wo ein Künstler am
beliebtesten ist. Diese Daten kannst du nutzen,
um Konzerte in Städten mit einer großen Fan ge -
meinde zu planen oder um Marketing kampagnen
auf bestimmte Regionen auszurichten.
❢ Hinweis:
Die Rubrik „Musikcharts und Statistiken“
umfasst auch Künstler, für die wir branchenübliche
Metadaten erhalten haben, meist von einem
Label oder einem Musikvertrieb. Sie enthält Daten
ab 1. Januar 2017. Auf YouTube werden den
Daten banken laufend neue Künstler und Orte
hinzugefügt.
NÄCHSTE FOLgE: DEINE TOURS UND
VERÖFFENTLICHUNGEN BEWERBEN
qUELLE: CREATORACADEMY.YOUTUBE.COM
FOTO: © DIMA_SIDELNIKOV / ADOBE STOCK
3/2019 musiker Magazin

52 MUSIK & RECHT
Fundamentale Weichenstellung:
EUGH-URTEIL ÜBER SAMPLING IN DER
MUSIKPRODUKTION
Produzenten bewegen
sich beim Sampling
im urheberrechtlichen
Graubereich.
Der Europäische
Gerichtshof beurteilte
nun die Verwendung
von Musikausschnitten.
die Beteiligten geht es wohl vor allem
Für
ums Prestige, für die Musikwelt aber um
eine fundamentale Weichenstellung: Seit 20 Jahren
streiten sich Mitglieder der Elektro-Pioniere Kraft -
werk mit dem Produzenten Moses Pelham vor
Gericht. Letzterer hatte eine markante, zwei Se -
kunden lange Sequenz aus dem Kraftwerk-Song
„Metall auf Metall“ für den von ihm produzierten
Titel „Nur mir“ von Sabrina Setlur verwendet. Die
Sequenz wird im Song fortlaufend wiederholt und
bildet als Loop das rhythmische Grundgerüst.
Die Kraftwerk-Mitglieder stören sich vor allem
daran, dass Pelham nicht um Erlaubnis gefragt
hatte, bevor er die Sequenz einbaute.
Inhaltlich geht es bei der Auseinandersetzung
also um die grundsätzliche Frage, inwieweit man
Teile von fremden Songs für eigene Projekte be -
nutzen darf, und vor allem, ob man beim Schöpfer
beziehungsweise dem „Tonträgerhersteller“ als
Rechteinhaber eine Erlaubnis oder eine kostenpflichtige
Lizenz einholen muss.
Pelham und die Kraftwerk-Mitglieder gingen
über die Jahre durch viele Instanzen – alleine der
Bundesgerichtshof (BGH) beschäftigt sich derzeit
zum dritten Mal mit dem Fall. Im Juni 2017
hatte das oberste deutsche Gericht dazu dem
Europäischen Gerichtshof (EuGH) Fragen zu einer
Verletzung der Rechte des Tonträgerherstellers
durch Sampling vorgelegt. In den Fragen geht es
um mögliche Auslegungen der EU-Urheber rechts -
r ichtlinie in der noch gültigen Version aus dem
Jahre 2001 (2001/29/EG).
DIE NICHTERKENNBARKEIT
VON AUDIOFRAGMENTEN
Der EuGH (Urteil vom 29.07.2019 – C-476/17)
kommt zunächst zum Ergebnis, dass die Weiter -
verwendung eines – auch nur sehr kurzen – Audio -
fragments grundsätzlich als eine urheberrechtlich
relevante Vervielfältigung anzusehen ist. Daher
kann ausschließlich der Tonträgerhersteller be -
stimmen, ob diese Nutzung erlaubt ist – er muss
also befragt und auf Wunsch auch entlohnt werden.
Die gesetzlichen Vorgaben sollen dem EuGH
zufolge ein hohes Schutzniveau für das Urheber -
recht gewährleisten. Sie dienen demnach dem Ziel,
finanzielle Investitionen des Tonträgerherstellers
zu schützen.
Beim Musik-Sampling gibt es jedoch nach der
Entscheidung des EuGH zwei Ausnahmen von
der harten Regel. Die erste liegt dann vor, wenn
ein Künstler „in Ausübung der Kunstfreiheit einem
Tonträger ein Audiofragment“ entnimmt, um es
in „geänderter und beim Hören nicht wiedererkennbarer
Form in einem neuen Werk zu nutzen“.
musiker Magazin 3/2019

MUSIK & RECHT 53
Dann nämlich liege keine Vervielfältigung vor,
sodass der Künstler grundsätzlich auch ohne Zu -
stimmung und Vergütung mit dem Sample arbeiten
darf. Ergo: Erstellt also der Künstler ein Sample
und macht es zum Teil eines neuen Audiowerks,
so darf er das, wenn er das Fragment so verwendet,
dass das original im neuen Werk nicht
erkennbar ist.
Doch wie genau bestimmt sich diese „Nicht-
erkennbarkeit“ und wer entscheidet darüber?
Der EuGH erläutert diesen wichtigen Punkt in
seiner Entscheidung nicht und scheint die nähere
Prüfung den nationalen Gerichten überlassen
zu wollen. offen bleibt auch, ob die Beurteilung
einem Hörer obliegen soll, der das genutzte fremde
Werk ebenfalls kennt und gar Musikprofi ist – oder
ob es sich bei diesem Hörer um einen „Durch-
schnitts hörer“ handelt, sodass auch ein Gericht
aus eigener Anschauung und Sach kunde entscheiden
kann.
ZITATE NUR IN GRENZEN
Wie erwähnt, erkennt der EuGH noch eine
zweite Möglichkeit für die Verwendung fremder
Werkteile ohne Erlaubnis an: das Zitat. Es kommt
dann in Betracht, wenn das verwendete Frag -
ment beim Hören des neuen Werks eindeutig
wiedererkennbar ist. Beim Zitat im rechtlichen
Sinn muss laut EuGH die Nutzung „den anständigen
Gepflogenheiten“ entsprechen und „in ihrem
Umfang durch den besonderen Zweck ge recht -
fertigt“ sein.
Die Nutzung für Zitate dürfe daher nicht die
Grenzen dessen überschreiten, was „zur Er -
reichung des mit dem fraglichen Zitat verfolgten
Ziels erforderlich ist“. Dieses Ziel könne darin liegen,
„Aussagen zu erläutern, eine Meinung zu
verteidigen oder eine geistige Auseinander set zung
zwischen dem Werk und den Aussagen des Nut -
zers zu ermöglichen“. Entscheidend sei, dass
der Nutzer eines geschützten Werks das Ziel verfolgen
muss, mit diesem Werk zu interagieren.
An diesen Passagen wird deutlich, dass das Zitat -
recht eigentlich auf Textpassagen gemünzt und
hier notdürftig auf Musik übertragen ist.
KÜNSTLERISCHES INTERAGIEREN
Es spricht auf Basis des EuGH-Urteils immerhin
einiges dafür, dass die Voraussetzungen für
das „künstlerische Interagieren“ nicht allzu hoch
anzusetzen sind. Hierfür spricht schon, dass das
Gericht Sampeln klar als Kunstform anerkennt,
sodass die erforderliche Interaktion regelmäßig
gegeben sein wird.
Im vorliegenden Fall von „Metall auf Metall“
hatte der BGH in seiner Entscheidung aus dem
Jahr 2017 übrigens klargestellt, dass Pelhams
Verwendung des Kraftwerk-Beats den An sprüchen
an ein Musikzitat nicht genügt: „Erforderlich ist
aber auch in einem solchen Fall, dass die Hörer
das Musikzitat als fremden Bestandteil erkennen
können“, woran es beim verwendeten Kraftwerk-
Fragment fehle. Maßgeblich ist demnach, ob der
Hörer das Sample erkennen und der original -
quelle zuordnen kann.
In „Nur mir“ hat Pelham das Kraftwerk-Sample
unter anderem dem Tempo und der Tonart des
Songs angepasst – eine in der Musikproduktion
meist notwendige Technik, bei der das Sample
aber nicht unkenntlich gemacht wird. Zu klären
wäre nun, ob solche üblichen Anpassungen bei
einem Musikzitat künftig erlaubt sind oder ob das
Sample unverändert übernommen werden muss.
Das EuGH-Urteil enthält noch ein weiteres
praxis relevantes Detail: Wer zitiert, muss die Quelle
angeben – soweit dies möglich ist. Das gilt auch
bei der offenen Nutzung von Samples. Doch wann
und wo genau muss bei der Verwendung fremder
Audiosequenzen in welchem Umfang die
Quelle angegeben werden? Packt man das Er -
gebnis auf einen Datenträger wie CD oder Vinyl,
so mag man dort ja einen Platz für derartige An -
gaben finden. Was aber ist bei der Verbreitung
von Songs über Streaming-Dienste? Schwierig
könnte es zuweilen werden, überhaupt herauszufinden,
wer die Rechte an dem gesampelten
Abschnitt hält – vor allem, wenn bereits die vermeintliche
Quelle Samples eingebaut hat.
PARAGRAF 24 GEKIPPT
Quasi im Vorübergehen erklärt der EuGH dann
auch noch die sogenannte „freie Benutzung“ aus
Paragraf 24 des deutschen Urheberrechts ge setzes
(UrhG) für europarechtswidrig. Dieser erlaubt etwa
die freie Nutzung von Fotos für Kollagen, schließt
eine freie Verwendung von Melodien aber explizit
aus. Unter diese Regelung fielen bislang solche
Fälle, bei denen aus einer Kombination von ge -
schützten Werken etwas Neues entsteht.
Die „freie Benutzung“ ist im vorliegenden
Rechts streit sehr umstritten. 2016 etwa kassierte
das Bundesverfassungsgericht ein Urteil des BGH
in der Metall-auf-Metall-Sache, weil dieser den
Paragrafen 24 zu eng ausgelegt und Pelham die
Nutzung des Kraftwerk-Samples untersagt hatte.
Das Verfassungsgericht sah jedoch eine künstlerische
Auseinandersetzung von Pelham mit dem
Kraftwerk-Sample und stellte fest, dass das
Sample als freie Benutzung erlaubt sein könnte.
Diese Ausnahme des deutschen Rechts ist
jedoch nach Ansicht des EuGH nicht mit den in
den europäischen Vorgaben enthaltenen Ausnah -
me bestimmungen vereinbar und stelle daher eine
unzulässige Beschränkung der Rechte der Ton -
trägerhersteller dar. Deshalb muss nun die freie
Benutzung nach Paragraf 24 ersetzt werden durch
die europäisch vorgesehenen Regelungen für
aus nahmsweise gesetzlich erlaubte Nutzungen
fremder Werke.
RECHTSKONFORMES
SAMPLING
Für Musiker führt die Entscheidung des
EuGH bis zur Klärung der offenen Fragen
nur begrenzt zu mehr Rechtssicherheit. Das
Gericht hat zwei Möglichkeiten für die Nut -
zung fremder Sequenzen ohne Erlaub nis des
Rechteinhabers vorgegeben.
Erlaubt ist sie zum einen, wenn das Sample
„in geänderter und beim Hören nicht wieder -
erkennbarer Form“ in einem neuen mu si ka -
lischen Werk verwendet wird. Alter nativ kann
sie auch unter das Zitatrecht fallen, wenn
das übernommene Audiosegment „beim
Hören des neuen Werks wiedererkennbar
ist“. Allerdings muss „die Nutzung zum Ziel
haben, mit dem Werk, dem das Audio frag -
ment entnommen wurde, zu interagieren“.
Zudem muss in diesem Fall das Zitat durch
einen Quellennachweis gekennzeichnet werden,
was im Audiobereich zu erheblichen
Problemen führen kann. Von einem „Recht
auf Remix“ und einem Freibrief für neue kreative
Pro zesse ist die Entscheidung noch weit
entfernt.
Dennoch sieht sich Produzent Pelham bestätigt:
„Die Entscheidung ist eine wichtige Stär kung
der Kunstfreiheit“, kommentierte er das EuGH-
Urteil. Und: „Musik braucht die künstlerische
Aus einandersetzung mit anderen Werken.“ Im
konkreten Fall von „Metall auf Metall“ hat nun erneut
der BGH zu entscheiden. Drei Möglichkeiten stehen
zur Wahl: Entweder hat Pelham das Kraft -
werk-Sample durch seine Bearbeitung unkenntlich
gemacht oder er hat den Beat rechtskonform
zitiert – was wegen der fehlenden Quellen angabe
kaum der Fall sein dürfte. Verlieren würde er
sicher, wenn die Richter entscheiden, dass seine
Bearbeitung eine unzulässige Veränderung eine
Musikzitats ist – dann würden die Kraftwerk-
Mitglieder recht behalten.
QUELLE: WWW.HEISE.DE
TExT: JOERG HEIDRICH, DR. HENRIKE MAIER
FoTo: © SUTIPOND STOCK / ADOBESTOCK
GRAFIK: © SERGEY / ADOBESTOCK
3/2019 musiker Magazin

54 PRODUKT-NEWS
SHURE STELLT UPGRADES FÜR ALLE SE-OHRHÖRER VOR: MIT HOCHAUFLÖSENDER BLUETOOTH® 5
AUDIO-QUALITÄT UND ERWEITERTER AKKULAUFZEIT IM KABELLOSEN BETRIEB
Auf dem Arbeitsweg, auf Reisen oder beim Sport – Shure-Ohrhörer mit neuen Premium-Features bieten jetzt noch mehr Hörgenuss
Flexibilität, verbesserte Audioqualität und längere drahtlos-
Akkulaufzeit gehören zu den wichtigsten Features. Wie Shure
heute bekannt gibt, ist die innovative Reihe der SE-Sound-
Isolating-Ohrhörer ab sofort mit erweiterten Features er hält lich,
die eine noch bessere Klangqualität, längere Akkulauf zeiten
und die praktische Wahlmöglichkeit zwischen kabellosem
oder kabelgebundenem Betrieb bieten.
Die bekannte Produktlinie der Shure-SE-Ohrhörer beinhaltet
den High Resolution Bluetooth® 5 Ohrhörer-Adapter mit Fern -
bedienung und Mikrofon (RMCE-BT2), das Musiklieb habern
und Hörern unterwegs das bislang beste Klangerlebnis in
einem kabellosen System bietet.
Aus den gleichen Präzisionskomponenten bestehend, die
auch von Profi-Musikern verwendet werden, bieten die über -
arbeiteten und erweiterten Konfigurationen einen detailreichen
Klang und Langlebigkeit. Dank der neuen BT2-Inte gration
können Hörer mit der SE-Ohrhörer-Lösung ihrer Wahl ganz
einfach von kabelgebundenem zu kabellosem Betrieb
wechseln – unabhängig von Preis oder Modell.
AUDIO FÜR HÖCHSTE ANSPRÜCHE
Ganz gleich, welche Verbindungsart gewählt wird, das
bequeme Sound Isolating Design unterdrückt Außen ge -
räusche und verwandelt den täglichen Arbeitsweg, den
Besuch im Fitness-Studio oder eine Flugreise in ein persönliches
Konzert.
Selbst die kritischsten Klangpuristen ebenso wie Ge -
legenheitshörer profitieren vom Komfort und der Mobilität
der kabellosen Technik, ohne Abstriche bei der Qualität
machen zu müssen. Der dedizierte Hochleistungs kopf hö rer -
verstärker bietet niedrigere Rausch- und Verzerrungswerte,
einen unverfälschten Frequenzgang und unterstützt die
gängigen Audio-Codecs, darunter Qualcomm® Audio HD,
Low Latency, AAC und SBC. Mit einer Reichweite von bis zu
10 Metern erhält die SE-Serie auch in der Distanz die
Signalqualität aufrecht.
ganze Woche lang auf ihren Fahrten nutzen können, ohne
den Akku wieder aufladen zu müssen. Selbst ein schnelles
15-minütiges Nachladen ermöglicht bis zu zwei Stunden
kabellosen Hörgenuss.
EINFACHER WECHSEL ZWISCHEN DRAHTLOS-
UND KABELBETRIEB
Falls die Ladung für den Drahtlosbetrieb aufgebraucht ist,
erlauben die SE-Ohrhörer dank des innovativen abnehmbaren
Kabels den schnellen und bequemen Wechsel zu einer
Kabelverbindung mit einem Apple- oder Android-Gerät.
Unsere SE-Ohrhörer sind bei Künstlern, Musikern und
Musikliebhabern in aller Welt schon seit Langem eine feste
Größe. In den letzten Jahren haben wir daran gearbeitet,
diese Produktfamilie noch weiter zu verfeinern, wobei wir
unser Augenmerk auf die kabellose Anbindung und Features
für das mobile Hören gelegt haben. Uns ist bewusst, dass
moderne Alltagssituationen wie lange Flüge und Arbeits -
wege sich nicht immer dauerhaft kabellos meistern lassen,
und deshalb bieten wir die Lösung an, vom Drahtlos- zum
Kabelbetrieb zu wechseln. Ein kurzes Drehen an den Ohr -
hörern gibt Nutzern mehrere Optionen an die Hand, um die
Verbindung in jeder Lage und mit jedem Gerät sicherzustellen.
me Steuerung von Lautstärke und Wiedergabe. Kein wichtiges
Detail geht dabei unter.
PRODUKT-OPTIONEN
Shure bietet in der SE-Serie verschiedene Optionen für
unterschiedliche Hörgewohnheiten und Vorlieben. Jedes
Modell ist in einer breiten Auswahl an Farben erhältlich, um
dem persönlichen Stil jedes einzelnen Nutzers Rechnung zu
tragen.
• SE215 Wireless Sound Isolating Ohrhörer bieten
transparenten Klang und umwerfende Bässe, mit ab -
nehmbarem Kabel, sicherem Halt und verschiedenen
Ohrpassstücken für passgenauen Sitz und dauerhaften
Tragekomfort.
• SE425 Wireless Sound Isolating Ohrhörer verfügen über
zwei High-Definition-Treiber für präzisen und aus ge wo -
genen Klang mit hohem Tragekomfort.
• SE535 Wireless Sound Isolating Ohrhörer verfügen
über drei High-Definition-Treiber für ein breites Klang -
spektrum und satten Bass bei gleichzeitig hohem Trage -
komfort und schlankem Profil.
Nicht nur unsere Ohrhörer genießen das Vertrauen von
Profi-Musikern, sie nutzen auch die Mikrofone und andere
Audio-Ausrüstung von Shure für Aufnahmen und Live-
Auftritte, so Sean Sullivan, Associate Director of Global Product
Management bei Shure. Von der Stimme des Künstlers und
dem Ton des Instruments bis zum Ohr des Hörers, das
gesamte Klangerlebnis beginnt und endet mit Shure.
25 PROZENT LÄNGERE AKKULAUFZEIT
UND SCHNELLES LADEN
Die aufgewertete Kabellos-Option bietet nun bis zu zehn
Stunden hochwertigen Klang im Betrieb mit einem beliebigen
Bluetooth-Gerät – eine Verbesserung von 25 Prozent
gegenüber der Vorgängerversion. Bei zehn Stunden Wieder -
gabedauer bedeutet dies, dass Pendler die Ohrhörer eine
PASSFORM UND FUNKTIONSWEISE
Sicheres Design garantiert den rutschfesten Sitz der Ohr -
hörer für einzigartigen, dauerhaften Tragekomfort. Das Sound
Isolating Design beinhaltet ein Fit Kit mit verschiedenen
Ohrpassstücken für passgenauen Sitz und eine Ver min de -
rung der Außengeräusche um bis zu 37 dB für intensiven
Hörgenuss, egal an welchem Ort, ob im Flug zeug oder Bus,
in der Schule, beim Sport oder zu Hause.
TELEFONKONFERENZ UND ANRUFE
Die Flexibilität der SE-Ohrhörer reicht bis hin zu den
Anruffunktionen, bei denen der ausgezeichnete Klang sich
ebenfalls bemerkbar macht. Das integrierte Mikrofon und
die Drei-Tasten-Fernbedienung bieten Transparenz für
Telefonate und Sprachbefehle und ermöglichen die beque-
• SE846 Wireless Sound Isolating Ohrhörer bieten mit
vier High-Definition-Treibern eine erweiterte Höhen -
wiedergabe und erreichen mit einem einzigartigen Tief -
passfilter wahre Subwoofer-Leistung. Mit individuell
anpassbarem Frequenzgang und einem innovativen,
abnehmbaren Kabelsystem bieten SE846-Ohrhörer
ein perfekt abgestimmtes Hörerlebnis.
Die aktualisierten SE Sound Isolating Ohrhörer von Shure
sind ab sofort erhältlich, zu Preisen ab 169 Euro für das
Modell SE215 Wireless mit Bluetooth 5. Das High Resolution
Bluetooth-5-Kabel ist separat zum Preis von jetzt nur noch
149 Euro erhältlich.
Alle Modelle sind ab sofort auf www.shure.de und bei
teilnehmenden Vertragshändlern verfügbar.
musiker Magazin 3/2019

PRODUKT-NEWS 55
SHURE STELLT NEUEN
VPH MIKROFONHANDGRIFF VOR
SM86, SM87A, Beta® 58A, Beta 87A, Beta 87C, VP68, KSM8 und
KSM9 Kapselmodelle ausgewählt werden. Für die Strom ver sorgung
des VPH wird eine externe Phantomspeisung benötigt.
Shure hat mit dem VPH einen innovativen, langen Mikrofonhandgriff
auf den Markt gebracht, der speziell für Interviews sowie Live-
Bericht erstattung vor der Kamera entwickelt wurde. Er zeichnet
sich durch seine flexible Schnittstelle zum Austausch von drahtlosen
Shure RPW-Kapseln und die praktische XLR-Verbindung für eine
einfache und sichere Verbindung zu Mischpulten und Recordern aus.
„Unsere Kunden haben uns gebeten, die Flexibilität von austauschbaren
Funkmikrofonköpfen mit einem drahtgebundenen Mikrofon
zu verbinden, sodass es einfach ist, zwischen verschiedenen Richt -
charakteristiken oder von dynamischen zu Kondensator mikro fonen
zu wechseln“, sagt Frank Lemmert, Director Pro Audio Group DACH.
„Mikrofonkapseln wie die KSM8-Kapsel haben sich in diesem Markt
aufgrund ihres nahezu kaum vorhandenen Nahbes pre chungs effekts
als äußerst beliebt erwiesen. Der lange Griff des neuen VPH bringt
die KSM8-Kapsel nun in eine Form, die auch für Broadcast-Pro -
duktionen geeignet ist.“
Berichterstattungen vor der Kamera können sich je nach Situation
drastisch verändern. Mit dem kabelgebundenen VPH können Re -
porter aus einer Vielzahl von austauschbaren, hochwertigen Shure-
Kapseln aus dem Drahtlosportfolio wählen, die die Möglichkeit bieten,
den Klang den Anforderungen entsprechend zu optimieren. Es
kann aus verschiedenen Richtcharakteristiken einschließlich Niere,
Superniere, Hyperniere und Kugelcharakteristik der PG58, SM58®,
Mit einem Griff, der lang genug ist, um Broadcast-Flags anzubringen,
bietet VPH den Reportern genügend Reichweite, um jedes einzelne
Zitat zu erfassen. VPH ist ideal für den Einsatz bei Sportevents,
um beispielsweise auf der Seitenlinie und in Umkleideräumen mit
dem Trainer oder Spieler Interviews zu führen. Zudem wurde es
auch für Nachrichtenreporter im Außendienst, bei der Übertragung
von Eil meldungen oder auf dem roten Teppich bei Preisverleih ungen
konzipiert.
Weitere Informationen: www.shure.de
18800 KEYBOARDTISCH
»OMEGA-E«
18800-000-55 – schwarz
Komfort pur und ergonomisch optimiertes Spielvergnügen im Sitzen
oder Stehen bietet dieser elektrisch höhenverstellbare Keyboard -
ständer. Als Basis dient das Keyboardtisch-Modell »Omega« mit
seinen vielen Erweiterungsmöglichkeiten. Die Höhe des »Omega-E«
lässt sich schnell und stufenlos an die bevorzugte Sitz- und Steh -
position elektrisch durch den integrierten Motor anpassen. Mit dem
Memory-Schalter (inklusive Display) können bis zu vier verschiedene
Spielhöhen gespeichert werden. Danach reicht ein Antippen der
Steuerung auf die jeweilige Speicherposition und der Tisch fährt in
die zuvor hinterlegte Spielhöhe. Die einstellbare Höhe liegt zwischen
597 und 1257 mm. Über die App „Desk Control“ mit Bluetooth-
Technologie können Sie die Höhe auch komfortabel über Ihr Smart -
phone einstellen. Die Steuerungseinheit kann beidseitig am Tisch
montiert werden. Ein integriertes Kabelmanagement sorgt für
Ordnung. Rahmen und Fußgestell sind aus Stahl und ergeben insgesamt
eine Tragkraft von bis zu 80 kg.
Weitere Informationen: www.k-m.de
PRODUKTDATEN:
Auflagenabstand: von 180 bis 678 mm
Auflagentiefe: 345 mm
Aufstellmaß: 1.136 x 550 mm
Ausführung: schwarz
Besonderheit: stufenlose Höhenverstellung; bis zu vier Spiel -
höhen können gespeichert werden; kann auch über die App
„Desk Control“ verstellt werden
EAN: 4016842108145
Form: Keyboardtisch
Gewicht: 24,5 kg
Höhe: von 597 bis 1.257 mm
Höhenverstellung: Elektromotor
Material: Stahl
max. Belastbarkeit: 80 kg
Produktkategorie: Starline
3/2019 musiker Magazin

56 PRODUKT-NEWS
NORBERT ROSCHAUER
GARANTIERT GITARRE LERNEN
FÜR KINDER!
HEUTE HAU’N WIR IN DIE SAITEN
Das Spielbuch zur Bestseller-Methode –
75 Songs für Melodiespiel und Begleitung
KEMPER PROFILER STAGE
Modeling-Floorboard mit
Kemper-Profiling-Technologie
GARANTIERT GITARRE LERNEN FÜR KINDER ist eine der
erfolgreichsten Gitarrenschulen für Kinder ab sechs Jahren.
Seit mehr als zehn Jahren lernen junge Einsteiger mit dieser
bewährten Methode in zwei systematisch aufeinander
aufbauenden Bänden das Gitarrespielen.
Mit dem Kemper Profiler Stage folgt Kemper dem Wunsch
unzähliger Gitarristen und verpackt die revolutionäre Kemper-
Profiling-Technologie zusammen mit der Funktionalität der
Kemper Remote in einem praktischen Floorboard, das
sowohl auf der Bühne als auch im Recording-Studio erstklassige
Klangerlebnisse verspricht. Neben dem Zugriff auf
einen umfangreichen Pool mit erstklassigen Profilen stellt
das Kemper Profiling Floorboard eine umfangreiche
Effektbibliothek in höchster Qualität bereit. Als zusätzliches
Extra spendiert Kemper dem Profiler Stage außerdem einen
integrierten Loop-Recorder, der über einen eigenen Fuß -
schalter gesteuert wird. Für eine komfortable Bedien barkeit
sowohl auf den dunkelsten Bühnen als auch auf Open Airs
mit direktem Sonnenlicht sorgt darüber hinaus das hell be -
leuchtete LC-Display des Kemper Profiler Stage, während die
gewohnt umfangreiche Anschluss-Ausstattung das revo lu -
tio näre Floorboard vervollständigt.
Mit HEUTE HAU’N WIR IN DIE SAITEN! ist jetzt das dazugehörige
Spielbuch da.
Mit einer bunten Mischung aus insgesamt 75 Liedern er -
gänzt es das Spielmaterial aus den beiden ersten Bänden
umfangreich und sinnvoll.
Egal, ob man auf der Gitarre gerne Melodien spielt oder mit
Akkorden begleitet, es ist für jeden etwas dabei. Das Kon -
zept der ersten Bände wird konsequent fortgeführt, indem
alle Lieder den Tonraum der ersten Bünde der Gitarre verwenden
sowie viele der bereits bekannten Akkord griffe, Zupf -
muster und Rhythmen Anwendung finden. Neben den neuen
Liedern gibt es in diesem Spielbuch aber noch eine ganze
Menge mehr, wie neue Begleitakkorde, Zupf muster, Rhyth -
men, Duostücke und einige Quizaufgaben, zu entdecken.
Olli die Gitarrenmaus führt natürlich auch durch dieses
gelungene Spielbuch.
ISBN-13: 978-3-947998-10-4 | Buch & CD | 20278G
18,95 Euro
Weitere Informationen: www.alfredmusic.de
DER KEMPER PROFILER STAGE IM ÜBERBLICK:
• Modelling Floorboard mit Kemper-Profiling-Technologie
• Zugriff auf eine umfangreiche Bibliothek bestehender
Profile
• Integrierte Effekte
• Integrierter Loop-Recorder
• Beleuchtetes LC-Display, auch bei direktem Sonnenlicht
gut ablesbar
• Browser- und Performance-Modus
• Speicherplätze für bis zu 125 „Performances“ mit jeweils
fünf „Rigs“
• Zwei Fußschalter zum Wechseln der „Performance“
• Fünf Fußschalter zum Wechseln der „Rigs“ innerhalb einer
„Performance“
• Zwei serielle Effektwege
• Vier frei belegbare Fußschalter zum Steuern einzelner
„Rig“-Parameter
• Symmetrische und unsymmetrische Stereo-Main-Outputs
• Stereo-Monitor-Outputs
• S/PDIF-Ein- und -Ausgänge
• Vier Anschlüsse für optional erhältliche Expression-Pedale
oder Fußschalter
• Kopfhöreranschluss
• MIDI-In und -Out
• USB-Anschlüsse für Firmware-Updates
• Extrem stabiles Metallgehäuse
Weitere Informationen: www.musicstore.de
(GIT0050976-000)
musiker Magazin 3/2019

PRODUKT-NEWS 57
TASCAM BASS-XL-KOPFHÖRER
JETZT WELTWEIT ERHÄLTLICH
TASCAM ERWEITERT SEINE INSTALLATIONSREIHE UM EINEN
PROFESSIONELLEN BLU-RAY-PLAYER
Nach dem großen Erfolg in den USA liefert Tascam seine
Monitoring-Kopfhörer TH-06 mit Bass-XL-Technik nun
auch in anderen Ländern aus. Das bequeme, vielseitige
Modell soll mit hervorragender Audioqualität und weichen,
extra tiefen Bässen überzeugen und ideal sein für DJ,
Produzent oder Remixer bei der Produktion von EDM, Hip-
Hop, Metal, R&B und anderen Genres. Tascam nennt diesen
Kopfhörer eine ausgezeichnete Wahl für Musikbe geis terte,
die Sound mit tiefem Low-End lieben.
Tascam stellt einen robusten und zuverlässigen professionellen
Blu-Ray-Player vor, der auf dem Erfolg seines Vor -
gängers BD-01U aufbaut. Der neue BD-MP1 verfügt über
dynamische Funktionen wie HDCP und Wiedergabebeginn
bei Stromzufuhr sowie Schutzfunktionen für die Benutzer -
steuerung und eignet sich daher besonders gut für öffentliche
Einrichtungen, Bildungseinrichtungen, Ladengeschäfte,
Theater sowie Vergnügungsparks und andere Entertain -
ment-Bereiche.
Der mit nur einer Höheneinheit äußerst kompakte BD-MP1
spart Platz, da im Rack keine separaten Audio-/Video-
Wieder gabegeräte mehr benötigt werden. Zudem akzeptiert
er eine Vielzahl von Medien und Dateiformaten auf drei
verschiedenen Wegen: Discs (Blu-Ray/DVD/CD), USB-
Speichergeräte oder SD-Karten. Alle Wiedergabefunktionen
sind lokal über die Frontplatte zugänglich, können aber
auch gesperrt werden, um die versehentliche Änderung
von Einstellungen oder unbefugten Zugriff zu verhindern.
Darüber hinaus lässt sich der Spieler über RS-232C oder
Ethernet steuern, was ihn für integrierte Mediensysteme
prädestiniert.
Für professionelle Audioqualität in praktisch jeder Instal -
lation bietet der BD-MP1 von Tascam Anschlüsse für 7.1-
Surround, symmetrische (XLR) und unsymmetrische
(Cinch) Stereoausgänge sowie einen koaxialen Digital -
ausgang für Dolby, DTS und andere digitale Audioformate
einschließlich zweikanaligem LPCM.
Weitere Informationen: www.tascam.eu
TASCAM KÜNDIGT PROGRAMMIERBARES STEUERMODUL
FÜR DEN WANDEINBAU AN
Der TH-06 ist mit einem
besonders kräftigen 45-mm-
Treiber mit Neodym-Magnet
ausgestattet und verfügt
über Bass XL, eine spezielle
Klang f ormung, die für verbesserte Tiefton wieder gabe sorgt,
einen überragenden Dynamik bereich bietet und gleichzeitig
durch hervorragende Klarheit und minimale Verzerrung überzeugt.
Dank seines Komforts, seiner An passungs fähigkeit,
des verzerrungsfreien Klangs und der Entkopplung von
Außen ge räuschen können Nutzer mit dem TH-06 auch längere
Zeit ohne Ermüdung der Ohren hören.
Der TH-06 ist auf lange Lebensdauer ausgelegt, nicht
zuletzt durch die Verwendung von sauerstofffreiem Kupfer
(OFC) für seine internen Leitungen. Das lange Kabel (3 m)
bietet viel Bewegungsfreiheit und ist mit einem vergoldeten
3,5-mm-Stecker und einem 6,3-mm-Adapter versehen.
Weitere Informationen: www.tascam.eu
Unter der Bezeichnung RC-W100 stellt Tascam ein in Wände
einbaubares, programmierbares Steuermodul vor, das den
Komfort und die Zuverlässigkeit eines jeden Be schallungssystems
erweitern soll, bei dem der Matrix mischer MX-8A
aus gleichem Hause im Mittelpunkt steht.
Vier Umschalttasten und ein Drehgeber mit Drucktasten -
funktion ermöglichen es dem Benutzer, in einem fest installierten
Audiosystem zwischen vier oder acht Audioquellen
zu wählen, die Lautstärke einzustellen und den Ton stumm
zu schalten. Das gut ablesbare, beleuchtete Display infor-
miert über die gewählte Audioquelle und die aktuelle Laut -
stärke einstellung.
Bis zu acht Steuergeräte lassen sich mit einem Mischer
verwenden – die Geräte werden einfach über eine RS-485-
Verbindung hintereinandergeschaltet, wobei die maximale
Kabellänge 200 Meter betragen darf. Der Systemeinrichter
kann mithilfe der Konfigurationssoftware Tascam MX Connect
den Bedienelementen nur die notwendigen Funktionen zuweisen
und dadurch Fehler beim Endanwender vermeiden.
Weitere Informationen: www.tascam.eu
3/2019 musiker Magazin

58 PRODUKT-NEWS
BEHRINGER MS-1
– WAS LANGE WÄHRT, WIRD ENDLICH GUT!
Der wohl beliebteste Spross aus Rolands SH-Reihe, die SH-
101, erblickte 1983 das Licht der Welt. Vor allem der markante
Klang, die fast selbsterklärende Bedienoberfläche
und natürlich die Kombination aus Keyboard, Sequenzer und
Arpeggiator verhalfen der SH-101 zu einer guten Verbreitung.
Als 1990 auf Warp Records „LFO“ von LFO erschien, war
es die mächtige Bass Line einer „101“ in diesem Track, die
etliche Lautsprechersysteme deutlich in ihre Schranken wies.
Lange musste die Synthesizer-Gemeinde auf den Nachbau
einer analogen (!) 101 warten, Behringer hat sich dieses
Wun sches angenommen und auf den ersten Blick alles
richtig gemacht.
In drei Farbvarianten liegt die MS-1 nun vor: rot, königsblau
und schwarz. Sie wird ihrem Ahnen absolut gerecht und ist
ebenso ein monophoner Analog-Synthesizer mit einer 32-
Tasten-Klaviatur und gleichem Aufbau der Funktions gruppen.
Vergleicht man die Bedienelemente der MS-1 mit der SH-101,
findet sich in Anzahl und Vielfalt alles wieder. Bei genauerer
Betrachtung fällt allerdings auf, dass Behringer ein paar
Extras hinzugefügt hat:
So hat es Behringer sich nicht nehmen lassen, den be -
kannten Curtis IC CEM3340 neu aufzulegen, um den charismatischen
Grundsound des Oszillators originalgetreu nachbilden
zu können. In der MS-1 ist der „Source Mixer“ nahezu
gleichbedeutend wichtig wie der Oszillator selbst; in der
Neu auflage findet sich neben Rechteck, Sägezahn, Sub -
oszillator und Noise sogar Dreieck unter den Oszillator-
Wellenformen und auch der Audioeingang hat seinen
eigenen Schieberegler bekommen. Dem Mixer folgt zum
Be arbeiten des Klangspektrums das wuchtige 24-dB-
Lowpass-Filter, ehe das Signal den Weg über den VCA in ein
Misch pult oder die DAW findet. Zu den klanglichen Merk -
malen der MS-1 gehört selbstredend auch die sehr schnelle
ADSR-Hüllkurve, welche in dieser Perkussivität wohl auch
weiterhin ein Unikum darstellt. Mehr Wellen formen hat der
LFO übrigens nicht dazubekommen, dafür gibt es nun drei
per Kippschalter wählbare Geschwindig keits be reiche, die
von gemächlich bis Metall-FM reichen.
Puristen darf man an dieser Stelle beruhigen: Die Er wei -
terungen findet man in Details, die man gerne mitnimmt;
ganz Hartgesottene können sie durch Nichtbenutzung einfach
ignorieren. So haben Arpeggiator und Sequenzer
einen gemeinsamen, eigenen Tempo-Regler erhalten und
sind somit nicht mehr an das Tempo des LFO gekoppelt.
Auch wurden die Bedienelemente für diese beiden Spiel -
hilfen erweitert, das vereinfacht die Bedienung und ermöglicht
den Zugriff auf 64 Pattern, die jeweils bis zu 32
Schritte lang sein können. Da nun das MIDI-Trio und USB
installiert sind, versteht sich das Instrument jetzt auch wunderbar
mit einer Studioumgebung jenseits des CV/Gate-
Standards. Audioübertragung via USB ist allerdings nicht
vorgesehen. Eine besondere Erweiterung kommt dem Filter
zugute: sechs Wellenformen von Oszillator und Suboszillator
einschließlich Noise stehen bereit, um den Cutoff zusätzlich Tatsächlich, es ist alles da, was das Original schon hatte,
stufenlos zu modulieren. Dieses Feature gab es beim SH- und viel mehr darüber hinaus: Mit nur wenig Übung gelingen
auch Anfängern mitreißende Bass- und Lead-Sounds,
101 nur durch nachträgliche Veränderung der Platine und
den Einbau zusätzlicher Regler.
die sich deutlich von Hubschrauberflug und Science-Fiction-
Effekten absetzen, die für das Instrument ebenso zum
Moderne Schnittstellen zu haben ist zum Glück nicht gleich - Repertoire gehören.
bedeutend damit, dass man die alten gar nicht mehr brauchen
würde. CV/Gate In & Out befinden sich ebenso auf der in Farbe und Form nur geringfügig vom Original abweicht,
Dass ein Clone, der 36 Jahre nach seinem Vorbild erscheint,
Rückseite wie Velocity Out, Cutoff CV In und der analoge fällt sicherlich unter die künstlerische Freiheit. Am schwers ten
Clock-Eingang. Da es keine feste Verbindung von der Anschlag - wiegt die klangliche Einschätzung: Wie viel Ur-101 steckt
dynamik der Klaviatur zu einer Funktionsgruppe des MS-1 denn nun im MS? Nun, 95 % sind es auf jeden Fal; muss
gibt, kann man sich eines Tricks behelfen, um den Cutoff mittels
Velocity zu steuern: einfach ein Mono-Klinkenkabel ten Toleranzen“ sprechen, fällt das hier weniger ins Ge wicht.
man bei Originalgeräten immer wieder von “bauteilbeding-
(3,5 mm) von Velocity Out zu VCF CV In patchen und sich Nicht nur angesichts des günstigen Anschaf fungs wider -
fortan über eine Klangnuance mehr freuen. Deftige Feed - standes erhält man mit der MS-1 ein Instrument, für das man
backorgien mit dem Filter erzielt man durch Verbinden des guten Gewissens sein betagtes 1983er-Schätzchen in die
externen Eingangs mit dem Kopfhörerausgang (alias: Feed - Vitrine legen kann. Die Verarbeitungsqualität geht absolut
back-Schleife).
in Ordnung und kann sich durchaus mit anderen messen
Man kann auch kurzerhand den Modulationsgriff an den lassen. Einziger Wermutstropfen ist ein leichtes Grund -
MS-1 montieren und den ebenso im Lieferumfang enthaltenen rauschen, dass erst dann in Erscheinung tritt, wenn die Mixer-
Gurt anlegen, schon steht man mit seinem liebsten Bass/Lead Pegel alle unten sind, das Filter komplett offen ist und der VCA
Synth neben dem Sänger auf der Bühne und spielt dem via Gate oder Hüllkurve geöffnet wird. Ansonsten schweigt
geneigten Publikum unglaubliche Lines vor.
der Nachfahre, wenn er zu schweigen hat.
Testbericht: Juli 2019, Jürgen Stiemert, Music Store Köln
Weitere Infos: www.musicstore.de / SYN0006878-000 (RD) / SYN0006946-000 (BU) / SYN0006945-000 (BK)
musiker Magazin 3/2019

PRODUKT-NEWS 59
ANDY GILLMANN
77 GROOVE ETÜDEN
MIT SPASS UND FREUDE ÜBEN!
Groove Etüden sind eine wichtige und didaktisch gut durchdachte
Ergänzung zum Unterricht für große und kleine
Drum set starter. Die behutsamen Schritte von Etüde zu
Etüde entsprechen den verschiedenen Entwicklungsstufen
von Technik, Koordination, Balance und Unabhängigkeit.
Nach den „88 Snare Etüden“ war es für Andy Gillmann der
nächste logische Schritt, eine Sammlung mit Groove Etüden
zu schreiben. Von der Snare zum Drumset. Von der Ein -
stimmigkeit zur Mehrstimmigkeit.
Die Groove Etüden fördern das präzise Nachspielen in einer
vorgegebenen Form und geben Ideen und Inspiration für
das Spielen eigener Grooves und Fill-ins. Beides ist enorm
wichtig, gerade in der Phase, wenn man endlich mal die
eingetretenen „Bumm Zack“-Pfade verlassen möchte. Der
Einstieg hier ist sehr behutsam, und es folgen viele kleine
Schritte, die das ganze Feld von Rhythmik, Technik und
Koordination und Form/Struktur bearbeiten und entwi ckeln.
Sodass es einerseits nicht zu schwer, andererseits auch
nicht zu langweilig ist und immer wieder kleine Heraus -
forderungen lauern. Die letzten 8 Groove Etüden sind schon
recht komplex und stellen hohe Ansprüche an Koordi nation,
Technik, Unabhängigkeit und Repertoire. Mit einem Blick
auf das „aktuelle Zeitgeschehen“ beschäftigen sie sich mit
bestimmten Themen wie z. B.: Offbeat Grooves, Bossa nova,
Paradiddles, Reggae, ungeraden Metriken, Jazz usw. und
erweitern so auch das stilistische Repertoire. Dieses
Buch ist ein sinnvoller Begleiter im Unterricht, der über
einen längeren Zeitraum interessante Impulse setzt. Auf
der beiliegenden CD finden sich 31 der Etüden als Hör -
beispiele, die Stücke sind zum Mitspielen oder einfach nur
zum Anhören in einem moderaten Tempo eingespielt.
Andy Gillmann ist Schlagzeuglehrer, Musiker, Autor und
Komponist. Seit dreißig Jahren unterrichtet er mit Herz und
Engagement Erwachsene, Jugendliche und Kinder. Er
coacht, gibt Workshops und trommelt auf Clinics und
Drummermeetings. Seine Bücher und DVDs (alle im Leu-
Verlag erschienen) sind mittlerweile Standardwerke im
Schlag zeugunterricht. Die berühmteste Webseite für
Drummer weltweit, „drummerworld.com“, widmet ihm unter
der Rubrik „Teachers“ eine ausführliche Präsentation. Andy
Gillmann hat einen Lehrauftrag am „Institut für Musik und
Medien“ der Robert Schumann Musikhochschule in
Düsseldorf und unterrichtet am „Drummers Institute“ in
Krefeld.
Weitere Informationen: www.leu-verlag.de
ISBN 978-3-89775-179-8, 88 Seiten kartoniert,
mit Audio-CD, 24,80 Euro

60 CD-REZENSIONEN
GOLDSCHATZ
»Salt Of The Sea«
Ein illustres Duo mit spannender, weltumspannender Hinter -
grundgeschichte sind die offiziell in der Schweiz beheimateten
GOLDSCHATZ. Die als Rykka vom Eurovision Song
Contest bekannte Halb-Kanadierin Christina Rieder hat sich
musikalisch und auch menschlich mit Timothy Jaromir
zusammengetan, der ebenfalls starke Bezüge in die Musik -
szene Kanadas in seiner Vita stehen hat. Auf einem ge -
mein samen Trip in den Weiten Nordamerikas haben sie
sich musikalisch und kompositorisch ausgetobt und mit
dem kanadischen Produzenten David Gavan Baxter ein Album
eingespielt, das die ur-amerikanischsten Pop musik stile
bedient: Americana, Folk und Blues. Die immer als Duette
und oft unisono gesungenen Stücke versprühen den Geist
unendlicher Weite und junger, frischer Liebe, die durch
nichts erschüttert werden kann. Kompositorisch und klanglich
ist das hier ganz hohes Niveau.
Puristen werden wohl Ecken und Kanten im Soundgewand
vermissen. Positiv kann man sagen, dass das Album zeitgenössisch
und radiotauglich genug umgesetzt ist, um ein
breites Publikum anzusprechen und vielleicht den ein oder
anderen bislang Abgeneigten von den Vorzügen klassischer
amerikanischer Pop- und Volksmusik zu überzeugen. „Salt
Of The Sea“ ist nicht nur aufgrund der vergleichsweise kurzen
Spielzeit eine kurzweilige Angelegenheit, sondern auch
und gerade, weil die beiden Hauptprotagonisten es verstanden
haben, auf den Punkt unterhaltsame Songs zu schreiben.
goldschatzmusic.com
P.S.
düster. „At Your Service“ nimmt Tempo auf, das im Titeltrack
noch höher und tanzbarer wird. In „Silly Me“ ist das F***-
Wort provozierend in Szene gesetzt. Das Album „Lustfire“ von
KAT KOAN ist kompromisslos abseits vom Mainstream und
ein deutliches Goth-Wave-Statement. Ein Album, das den
Speakern an Druck einiges abverlangt – unbedingt hörensund
tanzenswert!
facebook.com/KATKOANmusic
C.S.
BARBARA ZANETTI
»Run For Life«
Die Südtirolerin Barbara Zanetti, die neben dem Gitarren spiel
auch die Zither beherrscht, präsentiert einen brandneuen
Song: „Run For Life!“ Das Multitalent sang in Musicals, wie
der Dreigroschenoper, moderierte eine Radio-Rock-
Sendung, sang Hymnen für Biathlon-Meisterschaften und
für die erste Eishockey-Liga beim HC Bozen. Auch im ZDF
bei Andrea Kiewel war sie schon zu Gast. 2015 erhielt sie
den Preis der deutschen Schallplattenkritik für das Album
„74“ in der Kategorie Singer-Songwriter/Folk. Mit „Run For
Life“ legt sie nach. Die Miss Südtirol von 2012 lässt aufhorchen
mit motivierender Message, im Stil einer Uptempo-
Hymne, poppig und positiv mitreißend. Radio aufdreh!
barbarazanetti.com
C.S.
Bands werden geweckt. Das liest sich zwar alles wie ein
wildes Sammelsurium verschiedenster Einflüsse, doch
GREAT RED SILENCE verstehen es, die unterschiedlichen
Stile ge konnt zu in sich stimmigen Songs und zu einem
runden Ganzen zu mischen, was ein einheitliches Bild in
exzellentem Soundgewand entstehen lässt. Für ungeübte
Hörer mag „White Shark Café“ etwas zu düster, etwas zu
verrückt, etwas zu trippy sein. Wer jedoch mit der Rock ge -
schichte der letzten 50 Jahre etwas anfangen kann und dabei
auch vor eingängigen Passagen nicht zurückschreckt, wird
hier seine oder ihre helle Freude haben.
www.facebook.com/GreatRedSilence
P.S.
ALWIN SMOKE
»Five Steps To Zero«
Alwin Smoke ist zurück. Nach dem Debüt „Sagattaria“ und
dem Vorgänger „Spirit’s Free“ erscheint das neueste Werk
von Alwin Smoke, dem Deutschen Rock und Pop Preisträger
in „Bester Rhythm-&-Blues-Song 2014“: Eine rockige und
poppige Platte ist „Five Steps To Zero“, oft im Stile der 80er.
Einige sehr persönliche Akustiksongs in deutscher Sprache
sind diesmal auch dabei („Dass es uns jemals gab ...“).
Außerdem findet sich auf dem Album eine respektabel folkigrockige
Version von „Greensleeves“. Alwin Smoke ist in fast
allen Genres unterwegs und bringt mit „Five Steps To Zero“
wieder eine hochambitionierte Scheibe heraus.
alwin-smoke-musik.de
C.S.
KAT KOA
»Lustfire«
„Artist in Spotlight“ kann man über KAT KOAN lesen. Ihr
kühler, erotischer Gesang wird durch ihre Erscheinung
noch unterstrichen. Das Album „Lustfire“ thematisiert die
menschliche Beziehungsarmut und den Beziehungsersatz
durch Liebesroboter. Das Debutalbum der Berlinerin orientiert
sich an Elektro-Pop, Post Punk und Wave. KAT KOAN
nimmt in „Lustfire“ kein Blatt vor den Mund. Der Sound ist
elektronisch bis industriell klingend. Ihre prominenten
Einflüsse sind das Who is Who von Stilikonen wie Björk,
Nick Cave oder Anne Clarke. Der Opener „Dream“ erinnert an
den Break-Beat-Sound von PJ Harvey, beschwörend und
GREAT RED SILENCE
»White Shark Café«
Als Progressive-Blues-Rock bezeichnen GREAT RED SILENCE
aus Österreich ihren Stil. Ob dies eine ernst gemeinte Be -
schrei bung oder lediglich eine Verballhornung zeitgenössischer
Absurditäten in Sachen musikalischer Selbstein -
ordnung ist, bleibt offen. Denn während die Band definitiv
einige progressive Elemente in ihren Sound einarbeitet, fehlt
die Blues-Komponente dann doch ziemlich. Was einem hier
stattdessen eher begegnet, sind Anleihen im Alternative
Rock und an so unterschiedliche Acts wie THE POLICE und
QUEENS OF THE STONE AGE. Doch die fünf Männer entwickeln
auch einen ganz eigenen Stil, der teilweise wesentlich
düsterer als genannte Referenzen daherkommt. So sind
moderne Prog-Rock-Elemente, wie man sie etwa von DEVIN
TOWNSEND kennt, ebenso herauszuhören. Auch Erin -
nerungen an die Musik von Bands wie den FOO FIGHTERS,
MUSE oder der berühmten modernen britischen Indie-
VOCALENSEMBLE MEMORIES
»Wishes And Hopes«
Mit dem Ziel, den Stimmen mehr Vorrang und Aufmerksam keit
zu schenken, begann das VOCALENSEMBLE MEMORIES 1985
in Essen. Teile des Repertoires sind sakrale Gospels, Sakro-
Pop, aber auch Hits aus Folk und Pop, beispielsweise von den
Beatles. 7 Frauen und 5 Männer bilden ein vielstimmiges chorales
Erlebnis. Teils a-cappella oder in Begleitung von Gitarren,
Keys und Percussion sind die Besetzungen. Der Chor tritt zu
kirchlichen sowie zu weltlichen Anlässen auf. Das neue Album
„Wishes And Hopes“ erfüllt dem Chor-Enthusias ten alle
Wünsche und Hoffnungen. Absolutes Highlight und um -
werfend arrangiert ist VOCALENSEMBLE MEMORIES’ Version
der Ballade „Mad World“ von Tears For Fears. Halleluja!
Memories-web.de
musiker Magazin 3/2019

CD-REZENSIONEN 61
MOIRA
»ANOTHER LESSON«
Einem wahren künstlerischen Multitalent können wir mit
MOIRA aka Carola Wirth bei ihrem musikalischen Solotrip
zuhören. Bereits in jungen Jahren war sie als Pianistin,
Ballett-Tänzerin, Sängerin und Zeichnerin aktiv gewesen. Als
gelernte Komponistin und Musikpädagogin verfügt sie zudem
nicht nur über das praktische, sondern auch das theoretische
Wissen, hochqualitative Musik zu schreiben – und so
präsentiert sie sich auf „Another Lesson“ dann auch. Die
Songs schaffen in ihrer Gesamtheit einen eindrucksvollen
Spagat: und zwar den zwischen Dynamik und eindrucksvoller
Verspieltheit sowie einer stets eindrücklichen und trotz
der persönlichen Themen unaufgeregten Entspanntheit. In
langsameren Momenten erinnern die Werke beispielsweise
an die Musik von Lana del Rey oder Portishead, aber da ist
noch viel mehr. Gesangstechnisch werden Erinnerungen
mit bekannten weiblichen Soulgrößen wach, die vielspurigen
Arrangements atmen den Geist solcher Größen wie Norah
Jones oder Katie Melua. Doch ist das Ganze mitnichten ein
reines Runterbeten von musikalischen Reminiszenzen. Eben
dieser Mix vereint über kurze Strecken so viele unterschied -
liche Eindrücke, dass Moira ihren ganz eigenen Stil zu kreieren
scheint, der zwar vertraut, aber zeitgleich trotzdem neu
und spannend klingt. Man kann Carola Wirth für „Another
Lesson“ und seine musikalische Klasse nur beglückwünschen
– hier wächst etwas heran, was jedem Musikinteres -
sierten, der etwas auf seinen Geschmack hält, ein Ohr Wert
sein sollte.
www.moiramusic.com
P.S.
HERR WITTE
»Wenn das Leben anders läuft«
Leise, tiefgründiger Humor, deutschsprachige Texte, die
Melancholie des Erzählten, die kleinen Dinge, die Emotionen
bei den Hörern auslösen sollen: Das alles zeichnet die
Musik des Liedermachers HERR WITTE und seine Band aus.
Nach dem 2014 veröffentlichten Album „Herr Witte … sagt
nicht alles“ ist mit „Wenn das Leben anders läuft“ im Mai
dieses Jahres das zweite Album der unter anderem mit dem
Deutschen Rock und Pop Preis 2016 ausgezeichneten, aus
der „Euregion Aachen“ stammenden Kappelle erschienen.
Auf diesem präsentiert das Trio, bestehend aus Jens Witte
(Gesang, Gitarre, Klavier & Percussion), Andreas Mosch
(Bass, Gitarre & Akkordeon) und Susanne Zielgens (Cello),
den Zuhörern erneut verträumte und entspannte Chansons.
Texte über die Merkwürdigkeiten des Lebens und die Un ge -
reimtheiten der Liebe lassen in ihren Aussagen die Frei heit
zur Interpretation durch den Zuhörer. Schräge Blick winkel –
verpackt in ruhig-heitere Melodien in spannender Instru men -
tierung. Insbesondere Susanne Zielgens schafft es immer
wieder mit ihren gezielt eingesetzten Cello-Pas sagen, den
Songs angenehme Stimmung und Tiefe zu verleihen und die
Texte damit in ein angemessenes musikalisches Licht zu
rücken (z. B. im Song „Wunderbar“). Im weiteren Verlauf des
Albums stößt man immer wieder auf spannende Instru -
men tierungen. Im Titelsong des Albums wird dem Refrain
durch den Einsatz einer Klarinette geradezu Ohrwurm -
charakter verliehen. „Der Gute“ besticht darüber hinaus durch
Textpassagen in rheinischer Mundart. Solche kleinen, sich
erst nach mehrmaligem Hören offenbarenden Feinheiten
sind es, die „Wenn das Leben anders läuft“ von HERR
WITTE im Zusammenspiel mit den einfühlsamen, intelligenten
Texten zu einer kurzweiligen Angelegenheit für alle Fans
deutschsprachigen Chansons machen sollten.
www.herrwitte.de
P.S.
DIE TAUCHER
»Landgang«
Mit „Landgang“ präsentieren DIE TAUCHER ihr erstes Album
seit sage und schreibe 28 Jahren – also fast seit der Geburt
des Rezensenten. Vor über 30 Jahren wurde die Truppe
gegründet. Was anfangs als Gag und nur für einen Auftritt
im örtlichen Jugendhaus gedacht war, verselbstständigte
sich innerhalb kürzester Zeit, zog immer größere Kreise und
wurde zum echten Abenteuer für die „chlorreichen Vier“ aus
der schwäbischen Provinz. Die erste Pressemappe ordnete
die Band wie folgt ein: „Das abwechslungsreiche Pro gramm
der vier aus dem Ulmer Raum stammenden Musiker reicht
vom Invasions-Punk bis zum schweren Schlager. Die
durchweg in deutscher Sprache gesungenen Texte handeln
von Sex & Bier & Rock’n’Roll, nehmen die menschlichen
Schwächen aufs Korn und machen vor nichts und niemandem
Halt. Am allerwenigsten vor ihnen selbst.“ Was 1986
galt, kann man nach dem ersten Hören von „Landgang“
auch heute noch attestieren. Die 13 Songs versprühen rohen,
teils fiesen Punk-Charme, der musikalisch Zartbesaitete mindestens
irritieren dürfte. Insbesondere die raue Stimme von
Sänger Dr. Elmex A. und die straighten, ohne allzu viel schmü -
ckendes Beiwerk auskommenden Kompositionen sollten
jedem Fan von hartem Punk und Rock alter Schule Freude
bereiten. Dabei gestaltet sich das Songwriting alles andere
als eintönig: Der Opener „Unsterblich“ drückt direkt aufs
Gaspedal und zollt den alten Zeiten Tribut. „Gott vom Schwer -
metallgewitter“ nimmt musikalisch die Neue-Deutsche-Härte-
Szene aufs Korn und „Diekönnunsnix“ erweist sich als tanzbarer
Live-Hit mit Bläsereinsatz, dem man fast schon Funk-
Einschlag attestieren kann. Auch textlich geht es bunt zu:
Von angesprochener Nostalgie, Kultur- oder Sozialkritik bis
zu reinen Stimmungssongs findet man eine Fülle an unterhaltsamen
Themen. Bewusst roh, bewusst einfach, bewusst
direkt – ganz wie damals und kein Stück aus der Zeit gefallen.
Willkommen zurück, lasst euch nicht wieder 28 Jahre Zeit!
www.dietaucher.net
P.S.
DACAPO
»Covers«
Seit einigen Jahren sind DACAPO in Baden-Württemberg
und darüber hinaus als Live-Act unterwegs. Nun hat die auf
Galas, Partys und Feste spezialisierte Coverband ihre erste
CD veröffentlicht, die passenderweise mit dem einfachen und
effektiven Titel „Covers“ versehen wurde. 15 stilistisch äußerst
unterschiedliche Titel präsentiert die Band, bestehend aus
Tatjana Gottschling (Gesang, Saxophon, Keyboards), Stefan
Miklic (Gesang, Trompete), Benjamin Tomec (Schlagzeug, Ge -
sang) und Jürgen Gottschling (Keyboards, Gitarre, Gesang)
den Hörern. Vom deutschen Schlager der Münchner Frei -
heit („Ohne Dich schlaf ich …“), Klassikern der 80er-Jahre
(„Time After Time“/Cindy Lauper) bis zum Stadion-Rock
(„Bed Of Roses”/Bon Jovi) und Neuer Deutscher Welle („Major
Tom“/Peter Schilling) musizieren sich DACAPO durch ein breites
Repertoire und zeigen ihre stilistische Band breite. Auch für
eine Band ungewöhnlichere Nummern wie „What Is Love“
von Haddaway oder der Klassiker „Trompetenecho“ haben
es auf die Scheibe geschafft und unterstreichen noch einmal
die Variabilität des Quartetts. Vor allem die mit Bläser-Ein -
sätzen versehenen Stücke wissen zu überzeugen und machen
Lust auf mehr.
www.tanzband-dacapo.de
P.S.
JØRG
»Angry Road«
Musikalisch faul auf der Haut zu liegen, kann man Jörg
Klein aka Jørg nun wirklich nicht vorwerfen. 2018 erschien
das Album „We Call It Blues“, Anfang 2019 das Tribute-
Album „Love!“ und nun mit „Angry Road” bereits das dritte
Album in kurzer Zeit. Nebenbei ist der Ingolstädter auch noch
8
3/2019 musiker Magazin

62 REZENSIONEN
als Musiklehrer aktiv – von so viel Umtriebigkeit können
sich viele junge Musiker eine gehörige Scheibe abschneiden.
Grundsätzlich hat sich Jörg Klein voll und ganz dem
klassischen Rock’n’Roll verschrieben. Doch schon im Teen -
ageralter ist er mindestens ebenso stark dem Blues anheim -
gefallen. Diese Verbindung spiegelt sich über die gesamte
Albumlänge deutlich wider. Mal dominiert der Blues („Can’t
Let You Go“), mal der Rock („Angry Road“), doch nie wirkt
die Symbiose unpassend, gezwungen oder unnatürlich. So
erschafft Jørg zum wiederholten Male ein starkes, vor alter
Schule (und zwar wirklich alter Schule) triefendes Werk,
das als Verbeugung an Koryphäen wie Joe Cocker, Jimi
Hendrix oder Stevie Ray Vaughn angesehen werden kann.
Musik ist für ihn nach eigener Aussage gleichermaßen
Vielfalt wie Präzision – und dies hört man seinen Stücken an.
Technisch blitzsauberes Musikhandwerk mischt sich mit
Spielfreude, Emotion und dieser lebendigen Mischung aus
Blues und Rock. Gesanglich erinnert Jørg dabei einige Male
angenehm an den eigentlich genrefremden Sivert Høyem,
was dem Album eine weitere Ebene verpasst.
Das hier ist die Musik, auf die Bands wie AC/DC oder Rose
Tattoo musikalisch aufbauten und dadurch Weltkarrieren
schufen. Für Jørg mag diese zwar ein bisschen zu spät
kommen – aber einen Überzeugungstäter wie ihn sollte das
nicht aufhalten, weitere Alben aufzunehmen. Weiter so!
joergausingolstadt.de
P.S.
ACHIM SCHULTZ
»Greetings«
Obwohl die Beatles auf lediglich etwa zehn Jahre aktive
Bandgeschichte zurückblicken können, avancierten sie zur
er folgreichsten und für die Popmusik darüber hinaus wohl
einflussreichsten Band der Geschichte. Da verwundert es
nicht, dass unzählige Musikschaffende das musikalische Erbe
der vier Jungs aus Liverpool nun bereits über Jahrzehnte weitertragen
– sei es als Coverbands oder als Acts, die den musikalischen
Geist der Beatles mit eigenen Kompositionen wieder
aufleben lassen. Einer von Letzteren ist der aus München
kommende Achim Schultz. In den 1960er-Jahren war er einer
der ersten Beatmusiker in Deutschland. Mit seiner Band „The
Masters“ konnte er zahlreiche Nachwuchspreise einheimsen.
Der laut eigener Homepage „letzte Beatle in und um
München“ veröffentlicht mit seiner neuen Scheibe „Greetings“
nun zehn neue Stücke, die den Geist der großen Jahre des
Beat atmen. Ganz auf heutige kompositorische Konventionen
pfeifend orientiert er sich ganz an seinen nordenglischen
Idolen. Acht Jahre nach seiner letzten Scheibe „Liverpool“
gedenkt er mit Songs wie „Time“, „Rain“ oder „The Long
Way“ George, John, Ringo und Paul und liefert zeitgemäß
interpretierte und produzierte Beatmusik „made in Germany“.
www.achim-schultz.de
P.S.
KANDA
»Hangover«
Mit „Hangover“ tritt die Band KANDA in die deutsche
Musikszene. Das Stuttgarter Duo ist online gar nicht so
leicht aufzufinden, was die Recherche recht schwierig
gestaltet. Die erst vor Kurzem gegründete Band, bestehend
aus Katrin Medde und Alexander Menichini, beschreibt sich
als „Kinder von gestern mit dem Spielzeug von morgen …“.
Die Leichtigkeit, die aus diesem Zitat sprüht, setzt sich
nahtlos in ihrer Musik fort (soweit man das anhand der vorhandenen
Single beurteilen kann). Stilistisch orientieren sich
KANDA am ehesten an Künstlern, die heutzutage gerne mit
dem Label „Deutschpoeten“ versehen werden: Johannes
Oerding, Clueso oder Andreas Bourani kommen einem da
schnell ins Gedächtnis – wenngleich sich KANDA natürlich
von den Genannten unterscheiden, weil Katrin Medde als
Sängerin den Songs hier ihre weibliche Stimme verleiht und
den Stücken damit einen eigenständigen Sound verpasst.
Kompositorisch ist das radiotaugliches, gehobenes Pop-
Niveau, und das ist gar nicht despektierlich gemeint, denn
offen hörbar ist dies auch das Ziel von KANDA: Gute,
handgemachte Popmusik, die gute Laune verbreitet und
die Hörer nicht mit plumpen Botschaften langweilt. Mit
„Hangover“ hat das Duo schon einmal den richtigen Schritt
gemacht.
www.facebook.com/Kanda-479137632838057 P.S.
MIR ZUR FEIER
»Mir zur Feier«
Metalbands setzen sich entgegen der landläufigen Massen -
meinung gerne mit philosophischen, tief- und abgründigen
und schwierigen Themen auseinander und lassen sich dabei
auch gerne von bekannter Literatur inspirieren. In diese
Kerbe schlagen auch MIR ZUR FEIER aus Bielefeld – wenngleich
es die Band um Sängerin Mara Bach sogar noch eine
Nummer bunter treibt. Die Ostwestfalen setzen sich nämlich
intensiv mit Rainer Maria Rilkes Gedichtband „Mir zur
Feier“ auseinander und umkleiden seine von Tod, Leid und
Sehnsucht geprägten Texte mit harten, modernen Metalriffs
und einem rohen, in diesem Genre nicht oft gehörten, authen -
tischen Sound. Dieser Sound ist es denn auch, der Text und
Musik hier zur Einheit werden lässt. Eine glattgebügelte Pro -
duktion würde die gesungenen Texte und die darin geschilderten
gedanklichen und seelischen Abgründe konterkarieren.
So fügen sich Klang und Inhalt zusammen und sorgen
für lang anhaltende Neugier beim Entdecken der Songs.
Auch kompositorisch kann sich das selbstbetitelte Debüt
der vierköpfigen Truppe hören lassen, da man stets bemüht
ist, für stilistische Varianz zwischen und innerhalb der Songs zu
sorgen. Zwar lässt sich das Ganze deutlich mit melodischem
Death Metal beschreiben, doch MIR ZUR FEIER legen darauf
Wert, keine Eintönigkeit aufkommen zu lassen und bedienen
sich sowohl klassischer als auch neuer Elemente. Das
Ganze ist für unbedarfte Rock- und Musikhörer sicherlich
mehr als gewöhnungsbedürftig. Freunde harter Musik, die
offen für neue Interpretationen ihres Lieblingsgenres sind,
kommen hier allerdings auf ihre Kosten und können eine
junge Band bei ihren ersten Schritten begleiten.
www.mirzurfeier.de
P.S.
DER C.A.S.S.R.O.L.L.
»Erkenntnis«
Eine Aneinanderreihung von Anfangsbuchstaben, also von
Namen und Begriffen, bildet den eigenartigen Bandnamen
C.A.S.S.R.O.L.L. – auffällig, kultig, andersartig. Der
C.A.S.S.R.O.L.L. aus Nürnberg-Langwasser hat beim 35.
Deutschen Rock & Pop Preis 2017 in der Kategorie „Bester
Hard-Rock-Song“ den 1. Platz gewonnen! Welche Er kenntn is?
Das aktuelle Album „Erkenntnis“ wird uns sogleich die notwendige
selbige akustisch liefern. Hervorzuheben ist die
Instrumental-Sektion, die rockig arrangiert gitarrenlastigen
Rock’n’Roll zelebriert. Bluesige und ausladende Soli reißen
mit. Um Krautrock handele es sich hier, gibt der Künstler zu
erkennen. „Ich bin die vergessene Legende aus Nürnberg-
Langwasser. Mein Sound ist echter Krautrock!“ bemerkt er
weiter. Der Gesang transportiert eindringlich die Botschaft.
In „Zeig uns“ wird ein durchaus christlich-spiritistischer Inhalt
erkennbar. Eine Begegnung mit Jesus wird zum Zwie ge -
spräch und Gebet zugleich. Und in „Alkohol“ wird der Zeige -
finger erhoben, der uns vor der vermeintlichen Intoxikation
warnt. Hier ist ein grooviges, Boogie-rockiges Album, das
dem christlichen Krautrock-Fan wohlige Schauer erzeugt.
cassroll.com
C.S.
FLORIAN W. HUBER
»Was bleibt«
Florian W. Huber ist ein musikalischer Frühstarter: Bereits
im zarten Kindesalter unternahm er im heimischen Schlaf -
zimmer der Eltern erste (heimliche) Gehversuche an der Gi -
tarre. Die frühen Ambitionen in „geordnete“ Bahnen gelenkt,
musiker Magazin 3/2019

REZENSIONEN 63
entwickelte er sich zu einem umtriebigen Jungmusiker und
lotete bis hin zur Neuen Deutschen Härte mit seiner Band
HERTZSCHLAG viele Stile aus. Angespornt durch die Aus -
zeichnung als bester Deutscher Singer-Songwriter widmet
er sich seit 2013 jedoch wieder den eher ruhigen Tönen,
wenngleich sich sein musikalisches Tun mitnichten nur in
akustischen Gefilden abspielt. Unterstützt durch seine Band
liefert er auf „Was bleibt“ moderne deutsche Popmusik mit
musikalischem und lyrischem Tiefgang und ohne Platti tü -
den. Anspruchsvoll und doch eingängig arrangiert und be -
eindruckend professionell und songdienlich produziert
kommen die acht Stücke daher und bieten Einblick in
Hubers Seelen leben. So mordern die Stücke klingen, hört
man seine musikalischen Wurzeln allerdings immer noch
deutlich raus. Alte Granden der deutschen Popularmusik
wie Heppner, Westernhagen oder Grönemeyer haben hier
neben einigen modernen Acts eindeutig ihre Spuren hinterlassen.
„Was bleibt“ nimmt die Hörer mit auf eine abwechslungsreiche
Reise durch die deutsche Popmusik der vergangenen
35 Jahre – und durch Hubers Gedanken. Bei der lyrischen
Umsetzung kommt dem Sänger dabei sein poetisches
Geschick zugute, das er in anderer Tätigkeit beispielsweise
auch in Schriften zur philosophischen Lebenskunst be weist.
florianwhuber.de
P.S.
PETER REIMER
»Whats Left«
Instrumentalmusik zum Wegträumen und Entschleunigen
ist das Metier von Peter Reimer. Auf seinem bereits 2017
veröffentlichten Werk präsentiert er reduzierte, aber stilistisch
vielfältige Gitarrenmusik. Seine als „World Pop“ bezeichnete
Musik kommt ohne viel Trara aus und weiß durch ihre Ein -
fachheit zu überzeugen. Leichte Percussion trifft hier auf
amerikanisch geprägtes akustisches Gitarrenpicking und
aus dem Flamenco stammende Twin Leads, die den Songs
Leichtigkeit verleihen. „Wenn Peter Reimer zur Gitarre greift
und seine einmaligen Looperperformances startet, kommt
man sich schnell vor, als würde man abheben und schwerelos
im Raum schweben oder fliegen. Räume öffnen sich,
Türen gehen auf, es entsteht Weite zum Atmen und man
möchte nur noch Eintauchen in diese einmaligen Klang welten
und hofft, dass das Stück noch etwas länger dauert. Fast
himmlisch.“ So heißt es auf seiner Homepage und genau
genommen muss man das so unterstreichen. Dies ist zwar
keine Musik für die Massen, aber zeitgleich doch für jeden
Menschen, der etwas mit entspannender Gitarrenmusik und
Kopfkino anfangen kann.
www.peter-reimer.de
P.S.
THE POOL
»Woow«
Mit „Woow“ präsentiert die Berliner Electro-Pop-Combo
THE POOL ihre neue Single. Was der Pool tut, ist wie im
Promo schreiben erwähnt nicht ganz leicht in Worte zu fassen.
Leichter, elektronischer Industrial trifft den Nagel in etwa
auf den Kopf. Die Band ist Teil der Berliner Clubszene und
eröffnet in der Regel Clubnächte als einziger Live-Act.
Diese Live-Souveränität mit gleichzeitigem Bezug zur elektronischen
Musik spiegelt sich gut in „Woow“ wider und
macht das Ganze mitsamt dazugehörigem, authentischem
Video zu einer kurzweiligen Angelegenheit für alle, die
schon mal wissen wollten, wie die oft besungenen „Kreuz-
berger Nächte“ im Zeitalter der elektronischen Musik wohl
so aussehen. Alle, die das bereits wissen, werden diesen
Song sowieso mögen.
www.facebook.com/thepoolbynight
ALEXANDRA LINETT
»Die weiße Taube«
„Die weiße Taube“ ist ein Konzertmitschnitt der Politologin
und Psychologin Alexandra Linett. Die ausgebildete Mu si -
kerin präsentiert Pop-Chansons für den Frieden. Ein neuer
Lieder zyklus zum Thema Frieden wurde von Linett mit Band
am 23.09.2018 im Goldbekhaus zu Hamburg vorgetragen.
Das Instrumentaltrio ist besetzt mit Piano, E-Bass und
Drums. Linett intoniert ihre Stücke im aufklärenden Stil,
dabei aufklärend theologisch erzählend. Ihre In spi rationen
entspringen Kinderliedern. Lichtblick ist die solide Band um
Joachim Kuipers. Gerne hätte man noch mehr In stru men tales
und weniger Sakrales gehört. Dem Anspruch, den Frieden
im Chanson oder gar Pop-Stil zu begegnen, wird Linett nicht
gerecht.
alexandra-linett.de
Rezensenten:
C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING
P.S. – PHILIPP STRUNK
P.S.
3/2019 musiker Magazin

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