Musiker Magazin 3/2019

C 10973 F | N o 3/19 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

37. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 14. Dezember 2019 

in der Siegerlandhalle, Siegen 

50 Jahre 

Peter Maffay 

Pünktlich zu seinem siebzigsten 

Geburtstag erschien 

das Jubiläumsalbum JETZT! 

Die Historie 

der Rock- & Popmusik: 

The Rolling Stones 

»Rechte Hand spielt Tarang – linke Hand spielt Gitarre« 

Albert Böhne 

spricht über seine 

Karriere und 

die Zusammenarbeit 

mit Tony Liotta 

Der vielsaitige Champion 

SIGI 

SCHWAB

DEuTSCHER RoCK & PoP MuSIKERVERBAND E.V. 

DEuTSCHE PoPSTIFTuNG uND MuSIKER MAGAzIN 

PRäSENTIEREN 

Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise 

werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

118 Sonderkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager 

Filmmusik, Kinderlieder, Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, 

Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella 

Tonstudio, Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), CD-Album (englischsprachig), 

Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, Instrumentalband, Instrumentalsolist, 

Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger*innen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 150,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Tel: 0 41 31/ 23 30 30 • Fax: 0 41 31/2 33 03 15 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

ANMELDEFORMuLAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

14. Dezember 2019 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle

EDITORIAL 03 

am 14. Dezember 2019, 

im Kongresszentrum Siegerlandhalle, Siegen 

LIEBE BEWERBER DES DIESJÄHRIGEN 37. DEUTSCHEN ROCK & POP PREISES 2019 

Die Festivalreihe des seit nunmehr 37 Jahren durchgeführten kulturellen 

Musikwettbewerbes „Deutscher Rock & Pop Preis“ und dessen Preis - 

träger konnten im Verlauf dieser fast vier Jahrzehnte eine sich von Jahr zu 

Jahr größere und umfangreichere Presseresonanz in den seriösen Tages - 

zeitungen in ganz Deutschland generieren. Allein in 2018/19 berichteten 

bundesweit über 680 Tageszeitungen über die Preisträger aus 2018 und 

den 36. Deutschen Rock & Pop Preis 2018 (www.musiker-online.com/ 

wp-content/uploads/2019/07/DRPP18_Presseveroeffentlichungen.pdf). 

Nach einer Jahresanalyse/-statistik unseres beauftragten Zeitungsaus - 

schnitt dienstes gibt es in Deutschland seit Jahrzehnten kein Einzelkonzert 

und kein Einzelfestival, das über eine derartig umfangreiche Presse - 

resonanz verfügt. Das allein ist das Ergebnis unserer aller gemeinsamen 

37-jährigen kontinuierlichen, und zumeist ehrenamtlichen Kulturarbeit 

für die uns alle verbindenden Ideale der Rock & Popmusik aller musikstilistischen 

Be reiche. 

Die Pressemedien in Deutschland schenken uns mit diesen kontinuierlichen 

umfangreichen Berichterstattungen ein großes Maß an Anerkennung! 

Darüber dürfen und können wir alle gemeinsam glücklich und auch 

stolz sein! Wenn ihr jetzt aufgrund des Entscheides der Bundesjury eine 

Ein ladung zum diesjährigen 37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019 für 

den 14. Dezember in der Siegerlandhalle in Siegen erhaltet, könnt ihr 

zuversichtlich zu den Zeitungsredaktionen eurer Stadt gehen und um eine 

Bericht erstattung zu dieser Einladung / Vorauszeichnung bitten. Werdet 

ihr am 14. Dezember in Siegen seitens der dortigen Jury mit einem 

Deutschen Rock & Pop Preis 2019 ausgezeichnet, könnt ihr danach wieder 

die Re dak tionen aufsuchen. Die Chancen für eine Berichterstattung 

über euch und den „37. Deutschen Rock & Pop Preis 2019“ waren nie 

besser als in diesem 37 Festivaljahr! 

GEWINNER DER DEUTSCHEN ROCK & POP PREISE: 

PUR (1986), Lars Niedereichholz (MUNDSTUHL / THE AUTOMANIC – 

1994), JULI (SUNNYGLADE – 2000), KLIMA (2004), Pasquale Aleardi (BIG 

GEE – 2005), LUXUSLÄRM (2008), Carlotta Truman (2011 – Gewinnerin der 

deutschen Vorentscheidung zum Eurovision Song Contest mit dem Duo 

„S!Sters“). 

Weitere informationen: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

Pressedokumentation 2018: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/WP- 

CONTENT/UPLOADS/2019/06/DRPP18_PRESSEDOKUMENTATION.PDF 

3/2019 musiker Magazin

10 FESTIVAL 

37. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2019 

am 14. Dezember 2019 

Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

ZIEL/KONZEPT 

2019 werden zum 37. Mal insgesamt über 

In 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an herausragende 

Nachwuchsmusikgruppen, Nach - 

wuchs einzelkünstler*innen sowie durch eine 

Fachjury ausgewählte professionelle Musik - 

grup pen und Einzelkünstler*innen mit Ton träger - 

ver trag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr 

Künstler so unterschiedlicher musikstilistischer 

Bereiche wie Rock, Pop, Country, Hard & Heavy, 

Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul 

u.v.a.m. geehrt werden. Einziges Kriterium ist 

dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer kulturellen 

und künstlerischen Ausrichtung steht 

diese Kulturveranstaltung damit im be wussten 

Gegensatz zu bisherigen Veranstal tungs ze re - 

mo nien von Industriepreisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiede- 

nen Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll er reicht werden, 

dass sich möglichst viele Musik gruppen, 

Einzelkünstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik 

wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Plattform des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler*innen 

und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen 

Umfeldes dienen.

11 

FINANZIERUNG 

Kulturveranstaltung wird im Wesent - 

Diese 

lichen – wie in den vergangenen Jahren 

auch – durch die Deutsche Popstiftung, den 

Deutschen Rock & Pop Musikerverband e. V. und 

die am Wettbewerb beteiligten Musikgruppen 

und Künstler*innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Finalteil - 

neh mer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonder kate go - 

rien zahlen außerdem einen Teilnahmebetrag pro 

Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische Ge - 

meinschaftsfinanzierung ist in Deutschland ein - 

malig: Damit wird auch der 37. Deutsche Rock 

& Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbandsträger, die 

ca. 3 000 Musikgruppen, Musikerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musikerver - 

band e.V. sowie durch die über 1 000 Teilnehmer 

dieses Festivals. 

KATEGORIEN 

Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

Im 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2019 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

grup pen, Musikerinnen und Musiker sowie in 

den Sonderkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben. 

Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE 

EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

8 Hauptkategorien 

118 Sonderkategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonder - 

kategorien wird gewährleistet, dass eine große 

Anzahl vielversprechender Mu sikgruppen, In ter - 

preten und Künstler*innen in musikhistorisch 

bedeutenden, aber bisher bei Preisverlei hungen 

vernachlässigten Musikrich tungen ebenfalls 

gewürdigt werden können. In den acht Haupt - 

ka tegorien werden die Final aus scheidungen 

(und/oder Halbfinal vorent scheide) tagsüber live 

am Festivalort auf der Bühne er folgen. In den 

übrigen Kategorien entscheidet die Bundesjury 

allein aufgrund des eingeschickten Materials 

über eine Nominierung bzw. Aus zeichnung bei 

der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Umfeld 

einer CD-Produktion und des Musik mana - 

gements auseinandersetzen (Studio produktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese ansons - 

ten im Schatten von künstlerischen Auszeich - 

nungen stehenden Firmen und Personen ge - 

ehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/ einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stif tung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

8

ANMELDEGEBÜHR 

20, – Euro 

drMV-Mitglieder 

30, – Euro 

drMV-nicHtMitglieder 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige 

Expertenjuroren, die von der Deutschen 

Popstiftung eingesetzt werden, die Teilnehmer am 

Finale und die Preisträger der Neben- und 

Sonder kategorien des 37. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2019. Mithilfe eines detaillierten 

Bewertungsbogens (Arran ge ment, Instrumen tie - 

rung, Gesang, Text, Kom po sition, Originalität, 

Kreativität etc.) ermittelt die Festivaljury die live 

im Finale des 37. Deutschen Rock & Pop 

Preises 2019 auftretenden Musik gruppen und 

Einzelinterpreten der Haupt kate gorien. Um eine 

gerechte Preisverleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den 

Juroren passend erscheint, Preise auch in 

anderen als den durch die Künstler ursprünglich 

beworbenen Kategorien zuerkennen. 

TEILNAHME 

Teilnehmer am Finale des 37. Deut - 

Die 

schen Rock & Pop Preises 2019 erhalten 

durch die Deutsche Popstiftung eine Einladung 

nebst Teil nahmeformular. Die in allen Sparten 

und Be reichen nominierten Bands und Künst - 

ler*innen werden persönlich eingeladen. Erst die 

Rück sen dung des ausgefüllten Teilnahme for mu - 

lars und die Entrichtung der Teilnahme ge bühr 

in Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie und je 

erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro) 

garantieren die Teilnahme am 37. Deutschen 

Rock & Pop Preis 2019. 

Die Fina listen (Einzelkünstler*innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien und die ausgezeichneten 

Preisträger der Sonderkategorien 

erhalten im Ge genzug je 50 Eintrittskarten (mit 

Publikums ab stim mung) im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis. 

Mit der Nichtrücksendung des Anmelde for mu - 

lars und der Nichtentrichtung der Teilnah me - 

ge bühr verfallen die Teilnahme und Preiszuer - 

ken nung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Website 

des DRMV www.musiker-online.tv und durch 

die Kulturzeitschrift MusikerMagazin nach dem 

Festival veröffentlicht. 

PREISVERLEIHUNG 

umfassende Preisverleihung aller Preis - 

Die 

träger findet am 14. Dezember 2019 zum 

Schluss des 37. Deutschen Rock & Pop Preises 

2019 in der Siegerlandhalle in Siegen statt. Dafür 

werden zuerst alle Preisträger der Sonder kate - 

gorien auf die Bühne ge rufen und dann der Reihe 

nach ausgezeichnet. Dann werden alle Preis - 

träger der Haupt ka te gorien auf die Bühne ge - 

rufen und ebenfalls feierlich ausgezeichnet. 

Zum Schluss beider Preis verleih un gen werden 

alle Preisträger für die anwesenden Journa listen, 

Fotografen und Video ka meras unter Ein spie lung 

der Festivalhymne im Halb kreis gruppiert, um für 

die zahlreichen Bericht erstattungen der bundesweiten 

Tages zeitungen geeignete Medien - 

fotos zur Ver fü gung zu haben. (s. Dokumen tation 

Presseberichter stat tung 2018/2019). 

Web: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV 

TexT: OLE SEELENMEYER 

FoTos: LUDWIG CZAPLA

STORIES 13 

Der vielsaitige Champion 

SIGI 

SCHWAB 

Bereits seit über 50 Jahren ist 

Land zwischen Jazz und Anrainern 

Sigi Schwab erfolgreich als Gitarrist und der ethnologischen Musik Südamerikas, 

Komponist tätig. Dabei lässt er sich 

nicht in Schablonen pressen: 

Mit dem Diabelli Trio spielt er Wiener 

Klassik, aber auch Musik der Avantgarde 

und in eigenen Bearbeitungen Walzer, 

Tangos sowie Ragtime. Mit dem 

Afrikas und Asiens aus. 

Darüber hinaus komponierte er Musik 

zu Fernsehserien und Filmen 

sowie Ballett- und Bühnenstücken. 

Im Musiker Magazin spricht er über seine 

Karriere, oder wie er es ausdrücken mag, 

Percussion Project lotet er das weite über seine Passion (!) 

8 


14 STORIES 

MM: Du hast Gitarre und Kontrabass an der 

Musikhochschule Mannheim studiert. Woher 

kam damals dein Wunsch, Musiker zu werden? 

SIGI SCHWAB: Na ja, mit einem heutigen Stu - 

dium kannst du das natürlich nicht vergleichen: 

Das war so eine Art geregelte Mängel verwal tung 

– denn wir hatten eigentlich, außer unserer 

Passion für die Musik, fast weniger als nichts! 

Ich erlernte bei meinem Handwerk (erstrangig 

Kontrabass und nur als Zweitinstrument die 

Gitarre) nur das Nötigste, nach kaum vorhandenen 

Noten, die Hochschulinstrumente in einem 

schlechten Zustand, kaum noch spielbar. Als 

ich dann fertig war mit dem Studium, fing es 

bei mir mit dem Studieren der Realitäten, aber 

auch der Schönheit des Musikerdaseins, erst an. 

Der Wunsch, Musiker zu werden? Das war 

kein Wunsch, das war ein Muss! Wir Schwaben - 

kinder (2) wurden nur mit einem Blechlöffelchen 

ge boren, aber wir waren reich, denn wir hatten 

uns und die Musik. Meine Eltern, sie seien un - 

vergessen, hatten die Klassik, mein großer 

Bruder und ich, wir hatten alles andere: Blues, 

Jazz, Rumpelmusik und und und … Ja, lieber 

Ole, der Wunsch, Musiker zu werden, war wahr - 

scheinlich schon vor mir da! 

MM: 1965 wurdest du dann von der RIAS 

Big Band Berlin als Gitarrist engagiert. Wie 

war das für dich? 

SIGI SCHWAB: Eine Traumband, Traum kolle gen, 

Traumstadt – aber das Kern ge schäft der Band 

war ein einziges Trauma für mich! 

Ole, weißt du, wie es ist, wenn du statt einer 

satten Gage ein sattes Schmerzensgeld be - 

kommst? 

Ich kam aus der Mannheimer Gitarrenszene: 

Ich spielte bereits Blues, Jazz, Rock, Latin-Folk, 

Country … Alles gut soweit, aber nicht Rosenthal 

live begleiten! Der Mann war der RIAS-Star, ein 

Riesentyp, ihn mochte ich, aber nicht seine 

Show. Die war nicht spitze, not only for me. 

MM: Anschließend warst du viel als Studio - 

musiker tätig und hast im Verlauf deiner 

Studiophase über 15 000 Einzeltitel eingespielt. 

Was reizte dich an den Aufgaben als 

Studiomusiker? 

SIGI SCHWAB: Ehrlich gesagt: Alles! Direkt nach 

der RIAS-Nummer, nur ein Jahr im Vertrag, war 

ich total offen für Neues. Zunächst floh ich quasi 

hinter die Mauern der jungen Berliner Freien 

Universität und hier gab es ganz andere Noten: 

Welche in bürgerlichem Recht (Assistent Horst 

Mahler, Jüngere sollten ihn mal googeln), welche 

fürs Strafrecht, Staatsrecht (mein Prof war 

der spätere Bundespräsident Roman Herzog). 

Studentische Vollversammlungen mit Ober de - 

mo krat Dutschke und Genossen – heute alles 

schon uralte Geschichten – in vieler Hinsicht 

kann ich sagen: „Ich war dabei!“ 

Aber ich schweife ab, okay. Ole, zu deiner 

Frage: Ganz klar die Studios! Erst mal die in 

Berlin, dann die im Rest Deutschlands. Dann 

kamen die Randländer, Österreich und die 

Schweiz dazu. Nie werde ich Brüssel vergessen, 

wo mich der Produzent in einem Puff einquartiert 

hatte … Dann natürlich, damals noch 

unwillkommen, ein deutscher Gitarrist, im heiligen 

London, aber auch hier: Traummusiker, 

Traumstudios, Traumstadt und? Traumkohle! 

Yes indeed! Good play – good pay. 

Die Studios waren meine Hochschule, waren 

das Härteste an Ausbildung: Leute, das war a 

kind of a war! Warst du nicht in der Lage, prima 

vista vom Blatt zu spielen, warst du schneller 

draußen, als du drinnen warst. Die Engländer 

waren nicht nur die besten Live-Musiker (die 

göttlichen Beatles!), sondern auch die besten 

Studiomusiker, und ich tauchte in diesem er - 

lauchten Kreis auf. Die schwerste Aufnahme 

meines Lebens – first Take – Silhouettes, Solist 

Chris Hinze, London Sym phonic, der Arran - 

musiker Magazin 3/2019

STORIES 15 

»Natürlich ist es ein 

schönes Ge fühl, 

wenn man ein paar Tage 

mal vor Michael Jackson in 

den Charts steht, 

wo wir die Nummer eins 

waren, aber das sind 

Schlachten von gestern. 

Das interessiert heute 

überhaupt niemanden, am 

allerwenigsten mich 

selbst.« 

geur war Michael Gibs, der später mit Michael 

Jackson arbeiten konnte. Not bad! Und einer 

aus der Pfalz mittendrin: Really not bad. 

MM: Du warst aber nicht nur im Studio, 

sondern hast auch mit vielen Bands (Jazz, 

Blues und Klassik) gespielt … Wie kam es 

dazu? 

SIGI SCHWAB: „Es“ kam immer zu mir! Lieber 

Ole, ich habe das schon immer so gemacht. 

Das Spiel in einer Band war für mich schon 

immer meine Leidenschaft, meine Passion. Jetzt 

sage ich dir, aber auch allen, die es hören wollen, 

wer mein großes Vorbild ist. Kein Gitarrist, 

kein Komponist, keine Band, sondern ein Kauf - 

mann. Ein Musikkaufmann mit einer unfassbaren 

Passion für die Musik, der uns allen zeigt: 

Leute, ihr könnt alles erreichen, wenn ihr es mit 

Passion betreibt! Natürlich habe ich meine 

ersten Musikerjahre verpennt, vergeudet, irgend - 

wie … Die Bands könnt ihr noch auf Wikipedia 

nachlesen, aber eines steht da nicht drin: Die 

coolsten, die Jazzer, waren ganz schön intolerant, 

arrogant, hielten sich immer für was Bes - 

seres (Ausnahmen nicht ganz undenkbar), die 

wilden, die Rocker waren dagegen die sanftes - 

ten, die tolerantesten und die angenehmsten 

(Ausnahmen fast undenkbar) – und die Klassiker? 

Da schweigt der Sänger gleich gänzlich. 

MM: Außerdem bist du Komponist zahlreicher 

Fernseh-, Film- und Bühnenmusiken. 

Der Titel „The Lions & The Cucumber“ wurde 

in Quentin Tarantinos Film Jackie Brown 

verwendet und der von Guillermo Marchena 

ge sungene Titel „My Love Is A Tango“ aus der 

Fernsehserie Anna war ein Nummer-eins-Hit. 

Was war dein Erfolgsrezept? 

SIGI SCHWAB: Weißt du, Ole, das ist alles gutes, 

solides Handwerk. Aber auch wenn ich das 

alles selbst gespielt habe, bin ich mir oft recht 

unbekannt. Es gibt immer was Neues, es ist nie 

langweilig. Ich versuche, authentisch zu sein, 

selbstkritisch, aber nie ohne die Leidenschaft, 

die unbedingte Passion! Tarantino, „My Love Is 

A Tango“, das war schlicht gestern! Eigentlich 

war das Handwerk das wahre Ziel zum Broter - 

werb, und ich musste natürlich ein gutes Hand - 

werk liefern, sonst hätte ich diese Aufgaben 

nicht erfüllen können. Aber ich muss ganz ehrlich 

sagen, dass diese Musik eigentlich relativ 

wenig mit mir zu tun hat, weil als Auftraggeber 

hat man ja immer Regisseure oder Produ zen ten. 

Meine Musik hat viel unspektakulärer geklungen, 

viel verhaltener, meditativ, verinnerlicht, eigentlich 

ganz anders! 

Weil du fragst, natürlich ist es ein schönes 

Ge fühl, wenn man ein paar Tage mal vor Michael 

Jackson in den Charts steht, wo wir die Nummer 

eins waren, aber das sind Schlachten von 

gestern. Das interessiert heute überhaupt niemanden, 

am allerwenigsten mich selbst. 

Das Erfolgsrezept? Alles, was du machst, 

musst du mit Leidenschaft machen, sonst 

kannst du es vergessen! Und jetzt verrate ich 

noch ein Geheimnis: Mein großes Vorbild ist 

kein Gitarrist, kein Kommunist, nicht mal ein Mu - 

siker. Ihr werdet staunen: Es ist Hans Thomann, 

der zwar auch ein Musiker war, aber dann mit 

einer unfassbaren Passion und Leidenschaft sein 

Musikhaus gegründet hat. 

Da lassen wir uns beide nicht überbieten: 

Leidenschaft für die Musik, ich in der Praxis, er 

in der Versorgung, im Weiterbringen, ständigem 

Sich-Neues-Ausdenken, ständig die Grenzen 

8 


16 STORIES 

»Das, was man erreicht hat, 

ist ganz gewiss eine schöne Sache, 

zählt aber nur für Leute, 

die rückwärtsorientiert sind! 

Ich selbst bin aber ausschließlich 

nach vorne orientiert 

und habe natürlich noch viele 

musikalische Ziele.« 

ausloten. So, wie ich das in der Musik auch 

versuche, tut er das in der Technik der Musik. 

Das ist einfach großartig und mit seiner globalen 

Denkweise das große Vorbild. Hans hat die 

Zei chen der Zeit erkannt, wir werden immer 

technischer, und das Handwerk, auch das aller - 

schönste, des Musikers geht immer weiter 

zurück. 

MM: Schließlich hast du dir ein eigenes Ton - 

studio eingerichtet. Welche Vorteile brachte 

das? 

SIGI SCHWAB: Das ist eine ganz normale Kon - 

sequenz gewesen, irgendwo muss man ja hin 

mit der Kohle, aber es war auch eine Frage der 

persönlichen Freiheit. Ich konnte jetzt kreativ 

sein, weil ich es wollte, nicht, wenn der Termin - 

kalender mir Vorschriften gemacht hat. Also das 

Studio war wirklich eine wunderbare Sache und 

ich habe mich auch rechtzeitig wieder davon 

getrennt. Das Studio steht heute in Mannheim. 

Eigentlich wollte ich es den Mannheimern 

schenken, aber das war nicht möglich. Ich musste 

es ihnen verkaufen, so sind die Regeln im 

deutschen Markt. 

MM: 1987 wurdest du als erster Europäer 

mit dem Ovation Award ausgezeichnet. 

Dieser Preis wurde zuvor an Larry Coryell und 

Al Di Meola verliehen, 2000 mit der Pfalzsäule 

geehrt, 2003 mit der Peter-Cornelius-Plakette 

ausgezeichnet, 2008 mit dem Kulturpreis der 

Bayerischen Landesstiftung, und 2013 wurde 

dir auch der Bayerische Kulturpreis verliehen. 

Was bedeuten dir all diese Auszeich nun gen? 

SIGI SCHWAB: Ich würde lügen, lieber Ole, wenn 

ich sagen würde, dass es mir nichts be deutet 

hat, aber Preise sind immer Teil der Vergangen - 

heit und ich lebe für die Zukunft. Natürlich ist 

es schön, wenn die Gesellschaft dir irgendwo 

Respekt entgegenbringt, das ist auch ein 

Lebens elixier, aber mein eigentliches Tun ist in 

die Zukunft gerichtet und da gibt es mehr 

Frage zeichen als Ausrufezeichen. 

MM: Du arbeitest mit einigen literarischmu 

si kalischen Acts zusammen. Was fasziniert 

dich an der Verbindung von Text und 

Musik? 

SIGI SCHWAB: Das habe ich in der letzten Zeit 

drastisch eingeschränkt. Ich konzentriere mich 

nur noch auf ganz wenige Tickets. Ich bin 

schließlich nicht mehr der Jüngste und kann 

mich einfach nicht mehr so auf viele Tickets 

verzetteln. Das geht leider nicht, so schmerzhaft 

das auch für den einen oder die andere 

Pro tagonist*in sein wird. 

An der Verbindung von Text und Musik fasziniert 

mich eigentlich die Tatsache, dass es 

fast das Gleiche ist. Rhythmus ist eine total faszinierende 

Geschichte und wird wahrscheinlich 

die nächste Zeit noch ganz entscheidend. 

MM: Welche weiteren musikalischen Pro jekte 

liegen und lagen dir besonders am Herzen? 

SIGI SCHWAB: Ja, jetzt taue ich doch langsam 

auf! Weißt du, ich habe in der letzten Zeit einen 

wunderbaren Musikanten kennengelernt, Klaus 

Hampl, mit dem möchte ich meine Zukunft ge - 

stalten, weil ich finde, es gibt sowieso nichts 

Schöneres als eine spontane Kommunikation 

auf der Bühne: Life is live!! Ich habe immer Leute, 

die alleine auftreten mussten, alleine in den 

Hotels saßen, alleine in Russland gereist sind, 

nicht gerade beneidet. 

Ganz im Gegensatz dazu fand ich es immer 

wunderbar, mit anderen zusammen auf der 

Bühne zu stehen! 

Noch ganz wichtig: Ein Duo ist die Kernzelle, 

die Brennkammer jeglichen Musizierens! Das 

Schwierigste und das Leichteste zugleich in 

der musikalischen Kommunikation. 

Ich liebe es, in kleinen Gruppen zu spielen, 

ich möchte hören können, was jeder Einzelne 

macht. Sitze ich in einem großen Orchester, bin 


STORIES 17 

ich verloren. Klar, ich habe auch für große Be - 

setzungen geschrieben, auch erfolgreich, aber 

meine Lieblingsprojekte sind definitiv kleine 

mu sikalische Ensembles. 

MM: Nachdem du schon so viel erreicht hast, 

hast du da noch musikalische Ziele? 

SIGI SCHWAB: Das, was man erreicht hat, ist 

ganz gewiss eine schöne Sache, zählt aber 

nur für Leute, die rückwärtsorientiert sind! Ich 

selbst bin aber ausschließlich nach vorne orientiert 

und habe natürlich noch viele musikalische 

Ziele. 

Ich würde liebend, liebend gerne der Jugend 

assistieren, neue Perspektiven zu finden, sie von 

diesen ewigen in amerikanischen Fußstapfen 

hinterherlatschenden Reflexen zu befreien. Viel - 

leicht entdecken sie einmal die Schönheit der 

europäischen Quellen: Wir haben auch so etwas 

Ähnliches wie den Blues entwickelt! 

Wir haben sogar eine unfassbare Zahl an 

Improvisationsstrukturen gehabt in der Renais - 

sance, im Barock ... Vielleicht kann man mal das 

Augenmerk der Leute auf eine Chaconne La 

Follia lenken, dann werden wir bald eine genuin 

europäische Musik genießen dürfen. Eine Musik, 

die unser europäisches Erbe in den Vorder - 

grund stellen und nicht ständig afroamerikanischen 

Blues-Elementen hinterherhecheln würde, 

wo wir immer nur zweiter Sieger sein können. 

Also, lieber Ole, ich bin extrem positiv eingestellt 

für die Zukunft: Ich weiß, der Konti nent 

hat fantastische Musiker, hat ein herrliches 

musikalisches Gen-Material – und was soll 

passieren? Überrascht die Technik uns Musiker, 

kreieren wir doch auch eine überraschend fantasievolle 

Musik! 

Kontern wir die maschinenkontrollierten Struk - 

turen der Technikfreaks. Vielleicht finden wir 

beide gemeinsam etwas ganz Neues, etwas 

Le bendiges. 

IntervIew: OLE SEELENMEYER 

Fotoquelle: SIGI SCHWAB 

»tempus fugit – 

… oder wie Konfuzius 

sagt: 

take it busy«

18 STORIES 

ALBERT BÖHNE 

Der Gewinner des Deutschen Rock und Pop Preises spricht über 

seine Karriere, seine Zusammenarbeit mit Tony Liotta 

und ihre gemeinsame David Bowie Tribute Band „Stardust Memories“ 

MM: Wo liegen deine musikalischen Wurzeln? 

ALBERT BÖHNE: Schon als Kind habe ich in der 

Musik das Außergewöhnliche, Facettenreiche ge - 

mocht. Und ich mochte Geschichten – vor allem 

die, die sich mit dem Unbekannten beschäftigten, 

also Science Fiction und Fantasy. So war ich 

besonders fasziniert, als ich mit zehn Jahren im 

Radio das erste Mal „Space Oddity“ von David 

Bowie hörte. 

Ich kaufte direkt am nächsten Tag das Album 

und merkte sofort, dass das genau meine Musik 

ist. In den nächsten Wochen gab ich mein 

Taschen geld für alle weiteren erschienenen Platten 

aus. „Ziggy Stardust“ war damals das aktuelle 

Album, und das war dann auch meine Lieblings - 

scheibe. Die Musik war genial und abwechslungsreich, 

und Bowie sang die Stücke nicht nur, er 

lebte sie. Hinzu kam noch, dass es sich um ein 

Konzeptalbum handelt, es erzählt also eine Ge - 

schichte. Es war eine Kombination all dessen, was 

ich liebte. Dass Bowie mein musikalisches Vorbild 

wurde, war also fast schon unausweichlich. 

Natürlich gab es auch andere Musik, die ich 

hörte und bis heute höre, wie zum Beispiel Jeff 

Lynne und sein Electric Light Orchestra, die Kinks 

und Achim Reichel, aber Bowie war für mich 

immer mein größtes musikalisches Vorbild. 

»Ich hatte schon lange 

darüber nachgedacht, mal 

ein Bowie-Tribute zu 

machen. Im Laufe der 

Jahrzehnte habe ich seine 

Songs so verinnerlicht, 

dass ich auch seine Art zu 

singen übernommen 

habe.« 

ALBERT BÖHNE: Ich hatte Klavierunterricht bei 

Klaus Melchers von der bekannten „Chris Braun 

Band“. Er unterrichtete mich vor allem im Jazz. 

Dadurch lernte ich zu improvisieren. Von da war 

es nur ein kleiner Schritt zur Komposition. Zuerst 

schrieb ich die Songs nur für mich selbst, quasi 

als Hobby. 

In den Achtzigern legte ich mir ein paar Syn - 

thesizer sowie einen kleinen Mixer und einen 

Acht spurrecorder zu. Damit hatte ich endlich alle 

Werkzeuge, die ich brauchte, um meine Ideen zu 

verwirklichen. 

das für mich so etwas wie eine Offenbarung. Ich 

wusste sofort, dass ich mir so meine Zukunft 

vorstellen konnte. 

Ich fragte dann im Studio nach, ob ich dort 

aushilfsweise arbeiten könne, und erhielt tatsächlich 

die Möglichkeit. Im Laufe der Zeit habe ich 

dort immer mehr gemacht und die Tontechnik 

von Grund auf gelernt. Ich nahm dort auch mein 

erstes Album „Different Faces“ auf. 

Während meiner Zeit im Studio trat ich immer 

wieder mal live als Gastmusiker auf, vorwiegend 

mit Bowie-Songs, aber auch mit eigenen. Nach - 

dem mein Album erschienen war, habe ich mit 

verschiedenen Musikern ein zweistündiges Pro - 

gramm auf die Bühne gestellt, das auch sehr gut 

ankam. 

Du hast deiner Studiokarriere aber den Vor - 

zug gegeben? 

ALBERT BÖHNE: Ich hatte noch so viele Ideen, die 

ich im Studio verwirklichen wollte. Und meine Frau 

und ich standen damals kurz vor der Heirat. Als wir 

uns ein Haus suchten, war von Anfang an klar, dass 

ich darin auch ein eigenes Studio einrichten würde. 

So konnte ich gleichzeitig Auf träge annehmen und 

meine eigenen Projekte verwirklichen. 

MM: Wie entwickelte sich dann dein musikalischer 

Werdegang? 

Als ich 1988 ein Tonstudio aufsuchte, um mal 

einen meiner Songs richtig zu produzieren, war 

So hatte ich neben der Studioarbeit noch genug 

Zeit für meine Familie. Ich habe viel Zeit mit meinen 


19 

Die Musiker der Band von links nach rechts: 

GRANT JONES (BASS), JÖRG KÜPPER (GUITAR), 

TONY LIOTTA (DRUMS), ALBERT BÖHNE (VOCALS), 

ANIKA BOBB (BACKING VOCALS), 

ANDREA DE PAOLI (KEYBOARDS) 

Kindern verbracht, und das würde ich auf keinen 

Fall missen wollen. 

MM: An welchen Projekten hast du während 

der Studiozeit gearbeitet? 

ALBERT BÖHNE: Zuallererst muss ich da meine 

Zusammenarbeit mit Wolfgang Hohlbein erwähnen. 

Ich habe seine Bücher schon damals mit 

Begeisterung gelesen und dachte, dass man sie 

musikalisch wunderbar umsetzen könnte. Irgend - 

wann habe ich mich mit ihm in Verbin dung gesetzt, 

und er lud mich ein vorbeizukommen. Ein paar 

Tage später fuhr ich zu ihm und zeigte ihm ein 

paar meiner Songs. Und am selben Abend noch 

waren wir uns einig, dass wir etwas zusammen 

machen würden. 

Wir veröffentlichten damals die beiden Kon - 

zept alben „Hexer von Salem“, ein Mix aus erzählter 

Story, vorwiegend elektronischer Musik und Ge - 

sangsstücken, aus heutiger Sicht natürlich nicht 

mehr zu vergleichen mit späteren Werken, in 

denen ich mit Musikern vom Starlight Express in 

Bochum und der Dortmunder Philharmoniker 

sowie Rockgrößen wie Udo Dirkschneider oder 

Steve Whalley von Slade zusammenarbeitete. 

Hervorzuheben wären hier „Die Rück kehr der Zau - 

be rer“ und das Kindermusical „Teufelchen“. 

Ansonsten hat sich mein Tätigkeitsfeld bis heute 

immer mehr in Richtung Hörspiele und Hör bücher 

verlagert. Auch hier habe ich den Großteil mit Glück hat sich auch meine Stimme so entwi - 

Wolfgang Hohlbein gemacht. Die umfangreichsten ckelt, dass sie dem Sound von Bowies Stimme 

Serien sind hierbei die Hörbuchreihe „Hexer von schon sehr nahe kommt, wie mir auch bei den 

Salem“ sowie die Hörspiele „Operation Nautilus“. Auftritten immer wieder gesagt wurde. 

MM: Warum hast du dich entschlossen, nun Als Bowie dann leider starb, war das Thema 

wieder auf der Bühne zu stehen? 

für mich aktueller denn je. Meine Kinder sind jetzt 

auch schon größer, und meine Frau hat mich bei 

ALBERT BÖHNE: Ich hatte schon lange darüber dieser Idee unterstützt. Sie sagte: „Mach das. Du 

nachgedacht, mal ein Bowie-Tribute zu machen. brauchst das jetzt.“ 

Im Laufe der Jahrzehnte habe ich seine Songs 

so verinnerlicht, dass ich auch seine Art zu singen 

übernommen habe. Und zu meinem großen unserem David-Bowie-Tribute-Projekt „Stardust 

Und so kam es letztendlich zur Gründung von 

Memories“. 

»„Ziggy Stardust“ ist 

bis heute für mich 

eines von Bowies besten 

Alben, und deswegen 

fand ich, die Erinnerung 

an „Ziggy Stardust“ 

wäre eine gute Basis für 

einen Bandnamen. 

So entstand der Name: 

MM: Wie ist deine Verbindung zu Tony Liotta, 

mit dem du Stardust Memories gestartet 

hast? 

ALBERT BÖHNE: Mit Tony habe ich schon vor 

30 Jahren auf der Bühne gestanden. Wie es der 

Zufall wollte, hat Tony sich im Laufe der letzten 

Jahre auf Tributes spezialisiert und ist mit seinem 

Projekt „Groove Attack“ in ganz Europa erfolgreich. 

Ich rief ihn also an und fragte ihn, was er davon 

halten würde, ein Bowie-Tribute zu machen. Er 

fand die Idee grundsätzlich gut, wollte aber na - 

türlich erst einmal etwas hören. Ich schickte ihm 

also ein Demo, das er gut fand. Ich bin dann auf 

„Stardust Memories“.« seiner „Groove Attack“-Jubiläumsshow als Bowie 8 


20 STORIES 

»Tony war mir auch in jeder 

anderen Hinsicht eine große Hilfe, 

denn er zeigte mir von Anfang an, 

dass er an das Projekt glaubt. 

Und das war für mich ein großer 

Ansporn.« 

aufgetreten, und die Resonanz übertraf unsere 

Erwartungen. Wir überlegten also, was als Nächs - 

tes passieren sollte, also, ob wir die Sache unter 

„Groove Attack“ laufen lassen oder ein eigenes 

Projekt gründen sollten. Wir haben uns dann für 

Letzteres entschieden. 

MM: Wie habt ihr die richtigen Musiker für 

das Projekt gefunden? 

ALBERT BÖHNE: Darum hat sich Tony gekümmert. 

Er hat für seine Live-Projekte immer die passenden 

Musiker an der Hand. Darum ist auch eine 

Topbesetzung zustande gekommen. 

Tony war mir auch in jeder anderen Hinsicht 

eine große Hilfe, denn er zeigte mir von Anfang 

an, dass er an das Projekt glaubt. Und das war 

für mich ein großer Ansporn. 

MM: Warum hast du dich für den Bandnamen 

Stardust Memories entschieden? 

ALBERT BÖHNE: Wie gesagt, war „Ziggy Star - 

dust“ mein damaliges Lieblingsalbum. Es ist bis 

heute für mich eins seiner besten, und deswegen 

fand ich, die Erinnerung an „Ziggy Stardust“ 

wäre eine gute Basis für einen Bandnamen. So 

entstand der Name: „Stardust Memories“. 

MM: Ihr habt einige Outfit-Wechsel bei euren 

Bühnenauftritten. Was steckt dahinter? 

ALBERT BÖHNE: Wir versuchen bei unserer 

Show, die verschiedenen Stationen in Bowies 

Werdegang festzuhalten. So kommt es, dass 

zwischendurch auch mal ein Kostümwechsel statt - 

findet. Es macht auch Spaß, sich der jeweiligen 

Ära entsprechend zu kleiden. Man fühlt sich dann 

besser in die Rolle ein, und das springt dann auf 

das Publikum über. Witzig dabei ist, dass ich normalerweise 

überhaupt nichts für Verklei dungen 

übrighabe. 

MM: Auch beim Deutschen Rock & Pop Preis 

warst du mit Stardust Memories erfolgreich 

und hast zusammen mit Tony die Preis ver lei - 

hung erlebt. Wie war das für euch? 

ALBERT BÖHNE: Ich hatte gerade erst das Demo 

von „Scary Monsters“ fertiggestellt und bekam in 

derselben Woche eine E-Mail, dass der Ein - 

sende schluss zur Teilnahme am Deutschen Rock 

und Pop Preis verlängert wurde. Ich be schloss 

ganz spontan, das Demo einzuschicken für die 

Kategorie „Beste Tribute-/Coverband“. Und um 

die Chancen etwas zu erhöhen, habe ich mich 

gleich noch unter drei weiteren Kategorien be wo r - 

ben: Beste Komposition, bester Popsong und 

bestes Kinderliederalbum. 

Ich hatte das Ganze eigentlich schon vergessen, 

als ich einen Brief bekam, in dem man mich 

informierte, dass ich tatsächlich in allen vier Ka - 

te gorien nominiert worden war. Also sind Tony 

und ich im Dezember nach Siegen gefahren und 

»Mit Tony habe ich schon 

vor 30 Jahren auf der 

Bühne gestanden. 

Wie es der Zufall wollte, 

hat Tony sich im 

Laufe der letzten Jahre auf 

Tributes spezialisiert.« 

haben dort für unser „Stardust Memories“ immerhin 

den zweiten Preis überreicht bekommen. Bei 

den Kategorien „Beste Komposition“ und „Bester 

Popsong“ kam ich auch auf Platz 2 und bei den 

Kinderliedern reichte es immerhin noch für den 

dritten Platz. Es ist auf jeden Fall ein erhebendes 

Gefühl, wenn die Arbeit, die man geleistet hat, 

gewürdigt wird. 

Ein paar Wochen nach der Preisverleihung 

wurde bei Rock TV eine Reportage gedreht, in 

der wir mit den Songs „Let‘s Dance“, „Heroes“ 

und „Scary Monsters“ live aufgetreten sind, und 

dort gibt es auch noch mal ein umfangreiches 

Interview mit Tony und mir. 

WEB: WWW.ANDARA.DE 

INTERVIEW: RONJA RABE 

FOTOS: CHRISTIAN LASKE; CHRISTOPHER 

BÖHNE; PETER SCHEPERS 


STORIES 21 

LINDA B. 

»Meine Songs erzählen 

unterschiedliche Geschichten. 

Es gibt Songs, die zum 

Nachdenken anregen sollen 

oder bei denen ich möchte, 

dass sich der Zuhörer 

selbst wiederfindet. Und dann 

gibt es Songs, die einfach 

nur zum Entspannen dienen ;). 

Natürlich ist immer wieder 

auch eine gewisse 

„Selbstreinigung“ von meiner 

Seite aus dabei 

(ich habe deswegen auch 

sehr viele unfertige Songs) 

bzw. ein gewisses Bedürfnis, 

mich selbst auszudrücken 

und die dabei entstehenden 

Gefühle zu teilen.« 

MM: Wie bist du zur Musik gekommen? 

LINDA B.: Das hat schon relativ früh mit der musikalischen Früherziehung 

angefangen. Dann sang ich im Kinderchor der staatlichen Jugend musik - 

schule, bis ich mit sieben Jahren zu den „Hamburger Alsterspatzen“, 

dem Kinderchor an der Hamburger Staatsoper, kam. Ich hatte dort, in 

den fast acht Jahren meiner Zugehörigkeit im Chor, die Möglichkeit, in 

vielen Opern mitzuwirken und mit namenhaften Dirigenten zusammenzuarbeiten. 

Dies war sicherlich auch der Auslöser für meine Liebe zum 

klassischen Gesang. Aber auch Pop und Musical habe ich dort gesungen. 

So wirkten wir z. B. bei der HSV-Gala und „ABBA – die Show“ in 

der Barclaycard-Arena mit. Seit dem 11. Lebensjahr erhalte ich Gesangs - 

unterricht im Popular-Bereich und wurde mit 14 zum Songwriting inspiriert. 

Durch den Kon takt zu meiner damaligen Flötenlehrerin bekam ich bereits 

mit 12 Jahren das erste Mal die Möglichkeit, als Gesangssolistin mit einem 

Blasorchester auftreten zu dürfen. 

MM: Du singst nicht nur Klassik, Musical und Pop, sondern tanzt 

auch. Erlebst du einen Unterschied in der Wiedergabe eines Songs, 

wenn du dazu tanzt? 

LINDA B.: Das kann ich gar nicht so genau sagen. Ich glaube, dass ich 

die Musik anders wahrnehme, wenn ich dazu tanze. Wenn ich meine 

Songs spiele, sitze ich meist am Klavier, und ich versuche, mich vor allem 

durch Worte und Melodie auszudrücken. 

Beim Tanz spüre ich diese Energie, indem ich sie bekomme und weitergebe. 

Beim Singen bin ich eher der Produzent dieser Energie. Ich hoffe, 

man versteht, was ich damit ausdrücken will (lacht). 

MM: Dein erster Text war auf Englisch und danach hast du ausschließlich 

deutsche Texte geschrieben. Kannst du dir vorstellen, 

auch wieder englische Songs zu schreiben? 

8 


22 STORIES 

»Wenn ich meine 

Songs spiele, sitze ich 

meist am Klavier, 

und ich versuche, mich 

vor allem durch 

Worte und Melodie 

auszudrücken. 

Beim Tanz spüre ich 

diese Energie, indem 

ich sie bekomme und 

weitergebe. 

Beim Singen bin ich 

eher der Produzent 

dieser Energie.« 

LINDA B.: Ja, auf jeden Fall. Ich liebe die englische Sprache, weil sie 

sehr melodisch ist und teilweise freundlicher klingen kann. Durch meinen 

Auslandsaufenthalt vor ein paar Jahren habe ich einige internationale 

Freundschaften geschlossen, die allerdings der deutschen Sprache 

nicht mächtig sind, und natürlich ist es dann hilfreich, wenn ich meine 

Geschichten auf Englisch mit ihnen teile. ;) Vielleicht kommt auch bald 

mal wieder ein Song auf Englisch, denn jetzt sind Semesterferien und 

ich habe wieder mehr Zeit zum Songwriting. 

MM: Du hast bereits eine CD aufgenommen. Wie war die Studio - 

arbeit für dich, welche Erfahrungen konntest du dabei feststellen? 

LINDA B.: Dies war eine sehr spannende Zeit, zumal das in einer anderen 

Stadt war und wir uns vorher gar nicht direkt kannten. Ich war total 

begeistert davon, wie gut er die Wünsche und Vorstellungen von meinen 

Songs umsetzen konnte und wie vollkommen alles am Ende klang, 

zum Beispiel, als aus einer Piano-Ballade plötzlich ein schneller Akustik- 

Song mit Gitarre und Cajon wurde. 

LINDA B.: Ich schaue mir gern ein Musical an, gehe auch gern mal in 

die Oper oder in ein klassisches Konzert. Aber richtig in der Musik verlieren 

kann ich mich erst auf Konzerten von Rock- und Popkünstlern 

(am liebsten Open-Air!). Im August war ich in Barcelona, wo ich das erste 

Mal Katie Melua live gesehen habe. Und zum Geburtstag habe ich Kon - 

zertkarten für Freya Ridings bekommen. Beides wundervolle Künst le - 

rinnen, die vor allem auch tiefgründige Texte schreiben und ohne große 

Bühnenshows das Publikum mitreißen können. Von beiden habe ich ja 

auch schon ein Lied gecovert … 

MM: Was möchtest du mit deiner Musik erreichen? 

LINDA B.: Da meine Songs unterschiedliche Geschichten erzählen, kann 

ich das gar nicht so pauschal sagen. Es gibt Songs, die zum Nach denken 

anregen sollen oder bei denen ich möchte, dass sich der Zuhörer selbst 

wiederfindet. Und dann gibt es Songs, die einfach nur zum Entspannen 

dienen ;). Natürlich ist immer wieder auch eine gewisse „Selbst reini - 

gung“ von meiner Seite aus dabei (ich habe deswegen auch sehr viele 

unfertige Songs) bzw. ein gewisses Bedürfnis, mich selbst auszudrü - 

cken und die dabei entstehenden Gefühle zu teilen. 

MM: Da du ja verschiedene Gesangsrichtungen beherrschst, be - 

suchst du sicherlich auch die unterschiedlichsten Veranstaltungen. 

Bevorzugst du dabei eine Richtung? 

MM: Wie wichtig sind beispielsweise YouTube und Instagram für 

dich? 

LINDA B.: Diese Plattformen haben schon eine große Bedeutung für mich, 

weil ich dadurch den größten Teil des Feedbacks meiner Zuhörer erhalte. 

Außerdem ist es natürlich leichter, mit anderen (vor allem Künstlern) in 

Kontakt zu treten, und ich entdecke beim Stöbern immer wieder neue, 

spannende Songs, Musiker etc. 

MM: Welche Auftritte sind dir in besonderer positiver oder gar 

negativer Erinnerung geblieben? 

LINDA B.: Es gab eigentlich viele positive Momente, die ich bis jetzt erleben 

durfte. Seien es die Auftritte mit den Hamburger Alsterspatzen oder 


23 

Ready to go 

den Sinfonischen Blasorchestern. Aber auch der Auftritt in der Sieger - 

landhalle beim Deutschen Rock & Pop Preis 2018 war überwältigend 

und eines meiner persönlichen Highlights. Natürlich gab es auch schon 

Konzerte, bei denen nicht alles glatt ging oder ich nicht zufrieden war, 

aber ich habe gemerkt, dass ich auch aus ihnen immer etwas Positives 

entnehmen kann. Manchmal waren es die netten Worte eines Zuhörers 

oder mein persönlicher Ehrgeiz, beim nächsten Mal eine Schippe 

draufzulegen. 

MM: Wann kann man dich demnächst wieder auf der Bühne 

erleben? 

LINDA B.: Anfang Oktober habe ich einen klassischen Gesangsauftritt 

in Salzhausen mit einem Trompeter und einer Organistin. Dies sind 

Termine, die bereits feststehen, aber mal sehen, was noch kommt. Ich 

bin da für alles offen. Mit einem Kommilitonen werde ich im Sommer auf 

jeden Fall auch Straßenmusik machen. Darauf freue ich mich schon sehr, 

weil das auch immer eine besondere Erfahrung ist, da man ja mit dem 

Publikum wieder auf eine ganz andere Weise in Kontakt tritt. 

MM: Was sind deine Ziele für die Zukunft? 

LINDA B.: Musik, Musik, Musik!!! Ich möchte gerne regelmäßiger Songs 

schreiben, um bald wieder ein neues Album aufnehmen zu können, 

und nebenher natürlich viel Auftrittserfahrung sammeln. 

INSTAGRAM: _LINDAB._ 

YOUTUBE: LINDAB.ESTOFMUSIC 

ROCKTV: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV/INTERVIEW-MIT-LINDA-B 


FOTOqUELLE: LINDA B. 

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24 STORIES 

Das Album ist ein Aufbruch und steht 

zugleich in einer Kontinuität, 

die langjährige Fans zu Recht erwarten 

dürfen. Es entsteht der Eindruck, 

dass bei Peter Maffay 

die nächsten 1000 Wege gerade 

erst begonnen haben. 

Wir durften Peter Maffay in Hagen im 

Woodhouse Studio interviewen: 

PETER MAFFAY 

„JETZT!“ 

VÖ: 30. AUGUST 2019 

MAFFAY.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/MAFFAY.DE 

WWW.INSTAGRAM.COM/MAFFAY.DE 


STORIES 25 

Pünktlich zu seinem siebzigsten Geburtstag am 30. August 

veröffentlichte Peter Maffay 

sein Jubiläumsalbum JETZT! – mit 14 neuen Titeln. 

MM: Der Albumtitel „JeTzT!“, mit roter Schrift und Ausrufezeichen, 

drückt ja eine gewisse Alarmstimmung aus – ein klares zeichen, 

jetzt gemeinsam etwas gegen so viele Missstände zu tun? 

PeTer Maffay: Unbedingt. Das JeTZT zählt – das Vergangene lassen wir 

hinter uns, denn darauf haben wir keinen einfluss mehr. JeTZT ist heute, 

heute können wir etwas bewegen, Morgen ist noch ungewiss. 

Was ist jetzt wichtig? Wo und wofür stehen wir? Ich interessiere mich 

dafür, was heute ist. Natürlich wurden wir von der Vergangenheit geprägt 

und sie hat uns oft weitergebracht, aber wir können die Vergangenheit 

nicht mehr ändern. Hier und jetzt können wir entscheidungen treffen und 

etwas verändern. Jetzt ist es möglich. 

MM: Johannes Oerding spielte schon bei der Unplugged-Tour eine 

große Rolle, einige Texte auf dem neuen Album stammen auch von 

ihm. Ist hier an eine dauerhafte zusammenarbeit zu denken? 

PeTer Maffay: Johannes ist ein fantastischer Künstler, ich schätze ihn 

und seine arbeit sehr. Ich hoffe, dass wir uns noch oft begegnen. aber 

Johannes hat genau wie wir eigene Projekte. 

ten Tour geben. Man könnte auf dieser Bühne auch schön Motorrad 

fahren (lacht). 

MM: Gibt es einen bestimmten Grund, warum diese Tour ausschließlich 

bestuhlt sein wird? 

PeTer Maffay: Das bedeutet ja nicht, dass man sitzen muss. aber bei den 

Balladen möchten sich vielleicht viele Leute setzen. es bringt auch etwas 

ruhe rein. Der Wechsel zwischen Sitzen und Stehen ist außerdem fantastisch 

für die Durchblutung (lacht). 

MM: Wird es Gäste während der Tour geben? 

PeTer Maffay: Ja, ganz sicher. Bisher hatten wir immer Gäste dabei. es 

steht aber noch nicht fest, wer genau dies sein wird. 

MM: Gibt es bei den Konzerten auch wieder einen Unplugged- 

Moment? 

PeTer Maffay: Nein. Theoretisch kann man jeden Titel unplugged spielen, 

jedoch dieses Mal ist das nicht geplant. 

MM: Bald geht es auf Tour: Kannst du uns etwas über den Bühnen - 

plan zur Tour verraten? Man kann einen Steg ins Publikum erahnen, 

der auch wieder die Nähe zum Publikum bedeutet … 

PeTer Maffay: auf der 96er-Tour gab es die Bühne in form einer Gitarre, 

mit langem Steg ins Publikum. So etwas in der art wird es bei der nächs - 

MM: Wie schöpfst du für dich Kraft, in den heißen Tour-Phasen 

alles durchzuhalten? 

PeTer Maffay: Disziplin, Schlaf, Sport … Sport unbedingt, sonst steht 

man keine 2,5 Stunden auf der Bühne durch. auch die Bandmitglieder treiben 

gerade während der Tour regelmäßig Sport. 

8 


26 STORIES 

MM: Du sagtest von dir selbst, dass du nicht immer der geduldigste 

Mensch bist – wie findest du trotzdem zu einem Stück Gelassenheit, 

hast Du hierfür ein Rezept? 

als Band und die Zeit mit dem Publikum. Ohne das Publikum wären wir 

nicht da, wo wir sind. Wir möchten Danke sagen für so viel Treue und 

Verbundenheit. 

PeTer Maffay: Ich versuche, mich auf die jeweilige Situation einzustellen. 

Wenn ich genau weiß, bei der Vorbereitung alles, was in meiner Macht steht, 

getan zu haben, bin ich schon gelassener. Wenn ich zum Beispiel weiß, ich 

habe genug Sport gemacht, um auf die Bühne zu gehen, dann bin ich schon 

viel relaxter. 

MM: ein Titel deines Albums, „100 000 Stunden“, das bedeutet der 

Kampf um eine Liebe? 

PeTer Maffay: Ganz genau, es lohnt sich, um eine Liebe zu kämpfen, 

das ist der Hintergrund es Liedes. 

MM: Was steckt hinter dem Song „Größer als Wir“? 

PeTer Maffay: Damit ist Gott gemeint! eine höhere Kraft, der Glauben. 

Wenn nichts mehr geht, dann habe ich meine Kraftquelle, meinen Glauben, 

Gott … Wie auch immer er aussieht, egal wo er ist. Das ist nicht ausschließlich 

ans Christentum geknüpft. 

MM: „Für immer jung“, auch ein Titel deines Albums, sehe ich hier 

eine zeitreise? 

PeTer Maffay: Ganz genau …50 Jahre Bühne, es tauchen viele Zitate 

aus alten Songs in dem Text auf. Wir feiern die gemeinsame Zeit von uns 

MM: Wie jung fühlst du dich? 

PeTer Maffay: (schmunzelt) Jung genug! Jungsein ist ein Zustand. Ich 

habe in meiner Branche mit vielen jungen Menschen zu tun, das macht 

sehr viel aus … es ist ein positiver einfluss, Lebendigkeit. Mit dem Älterwerden, 

das verschiebe ich noch ein wenig nach hinten. alter ist nur eine Zahl, 

wichtig ist, wie man sich fühlt, und das ist bei mir keineswegs alt. Jedoch 

kann das morgen anders sein, denn die Gesundheit ist ein entscheidender 

faktor. 

MM: „Jetzt!“ – gibt mir die Botschaft, den Moment bewusst zu leben. 

Schaffst Du das im Wesentlichen für dich persönlich? 

PeTer Maffay: Ich gebe mir Mühe, den Moment so anzunehmen, wie er 

kommt. Jetzt zählt, gestern war gestern und morgen, das liegt vor uns. 

MM: „Morgen“ – ein sehr aufrüttelnder, provokanter Song, mit 

eben solchen Bildern, bei der auch die ablaufende Sanduhr eine 

deutliche Rolle spielt. Was wünschst du dir noch für deine zeit, die 

sich hoffentlich noch lange und gesund gestalten wird? 

PeTer Maffay: Gesundheit! Ganz klar Gesundheit … Das ist der Grund - 

stock, die Basis. Gesundheit für mich und meine lieben Menschen um 

mich herum. 


STORIES 27 

»Natürlich wurden wir von der 

Vergangenheit geprägt 

und sie hat uns oft 

weitergebracht, aber wir können 

die Vergangenheit nicht 

mehr ändern. 

Hier und jetzt können wir 

Entscheidungen treffen und etwas 

verändern. 

Jetzt ist es möglich.« 

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MM: Du singst über Spuren, die wir hinterlassen … 

Welche Spuren möchtest du hinterlassen? 

PeTer Maffay: Werte – die möchte ich gerne hinterlassen. 

Insbesondere auch an meine beiden Kinder möchte ich gewisse 

Werte vermitteln, das ist mir sehr wichtig. 

MM: Vermittelst du auch mit dem Song „1000 Wege“ 

eine Botschaft an die nächste Generation? 

PeTer Maffay: Nein … „1000 Wege“ erscheint als kurzes 

Intro zu Beginn und als letzter Song. So schließt sich der Kreis. 

Jeden Tag beginnt der Trip neu. Solange du lebst, gehst du 

noch 1000 Wege. 1000 Wege, die wir bereits gegangen sind, 

aber auch 1000 Wege, die wir noch gehen werden. 

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fOTOS: MAGENTA MUSIK 360; WOLFGANG KÖHLER

28 STORIES 

MM: Am 10. Mai erschien dein neues Album 

AmmeRica. Woher kommt dein starker 

Ame rika-Bezug? 

ACHIM AMME: Das hat biografische und mu - 

sikalische Gründe. Mein Vater war ein großer 

Jazz-Fan und seine Favoriten waren eben amerikanische 

Musiker. Vielleicht hat er das aus der 

amerikanischen Gefangenschaft mitgebracht … 

Ich selbst habe ungefähr ab Mitte der 60er- 

Jahre regelmäßig die amerikanischen Top 20 im 

Deutschlandfunk gehört. Die britischen Sender 

habe ich natürlich auch eingeschaltet. Schließlich 

standen wir ja unter dem Einfluss der Besat zungs - 

mächte. Als ich 15 Jahre alt war, hatten wir einen 

amerikanischen Austauschschüler in meiner 

Familie. Ich selbst war 1968/69 auf einer amerikanischen 

High School und habe dort auch meinen 

Abschluss gemacht. Ich bekam in dem Jahr 

einen tiefen Einblick ins amerikanische Familien - 

leben. Tiefer, als mir manchmal lieb war. Trotzdem: 

Vielen Dank an Mom and Dad. Gott habe sie 

selig! Und an die Brüder, die ihre Liebe mit mir 

teilen mussten. 

ACHIM AMME 

„Ammerica“ 

VÖ: 10. MAI 2019 

ACHIM-AMME.DE 

MM: Wie lief die Produktion des Albums? 

ACHIM AMME: Julian Dawson war schon als 

Musiker auf meiner CD „Ich habe dich so lieb“ 

vertreten. Als ich dann hörte, dass er Niedecken 

von BAP produziert hat, dachte ich, es wäre eine 

gute Wahl, ihn dabeizuhaben, sowohl als musikalischen 

Berater und Musiker als auch bei der Kor - 

rektur der Texte – sofern das noch nötig war. 

Die Musiker, die er wiederum dabeihaben wollte, 

kannte ich – bis auf Fontaine Burnett (b) – von 

früheren Produktionen, also Uli Kringler (g) und 

Heinz Lichius (dr). Zwei Songs habe ich unabhängig 

von Julian produziert, mit Jens Wrede (b) 

und Volkwin Müller (v). Vor allem aus zeitlichen 

Gründen war es nicht anders möglich. 

MM: Was hat es mit dem Cover auf sich? 

ACHIM AMME: Na ja, mit dem Cover gab es diverse 

Probleme. Ich habe erst eine Umfrage unter 

Freunden mit verschiedenen Entwürfen gestartet. 

Plötzlich kam meine Designerin Evelyn Engel 

mit dieser Idee an (eine Dollarnote in den Grenzen 

der USA auszuschneiden). Ich war sofort begeis - 

tert. Schließlich haben wir nur noch das Foto auf 

dem Geldschein ausgetauscht. Für die Erlaub nis 

ACHIM AMME 

»AMMERICA« 

bin ich der Fotografin Rosa Frank sehr dankbar. Tempowechsel, was Julian nicht gefiel. Und ich 

Sie zeigte sich sofort kooperativ. 

muss zugeben, dass er recht damit hatte. 

MM: Wie entscheidest du, welche Songs es MM: Du bist nicht nur Musiker, sondern auch 

auf das Album schaffen? 

Schauspieler und Autor. Sind dir da die Texte 

besonders wichtig? 

ACHIM AMME: Im Großen und Ganzen habe ich 

das mit Julian gemeinsam entschieden – bis auf ACHIM AMME: Ja, genau. Das ist der Haupt grund, 

die beiden Ausnahmen: „The Clown“ und „My weshalb ich mit dem Theater aufgehört habe. 

Ego And I“. Die beiden Titel waren mir wichtig. Ich wollte meine eigenen Texte schreiben, nicht 

immer nachplappern, was andere sich ausgedacht 

hatten. Und wenn es noch so gute Autoren 

Wenn man bedenkt, dass ich in dem Aus - 

tausch jahr 19 Songs geschrieben habe, ist der waren. Ich wollte meine eigene Sprache entdecken 

Output gar nicht mal so übel. Auf der LP ist noch und weiterentwickeln. Dass ich jetzt noch gelegentlich 

im Fernsehen zu sehen bin, ist ein Über - 

ein zusätzlicher Song, sodass letztlich nur vier 

Songs rausgeflogen sind. Die enthielten extreme bleibsel aus alten Tagen. Es ist finanziell interes- 


STORIES 29 

Es hilft beim Einfühlen. Bei John Lennon hat 

mich vor allem interessiert, welche persönlichen 

Erfah run gen dazu geführt haben, dass die Beatles 

so erfolgreich werden konnten. Im Grunde eine 

tragische Geschichte. 

MM: Obwohl du schon lange mit verschiedenen 

Programmen auf der Bühne stehst, 

hast du immer noch Spaß an der Sache. 

Wie bewahrt man sich das? 

ACHIM AMME: Das ist der große Unterschied 

zum Theater: Ich bin mein eigener Regisseur. 

Daneben noch Dramaturg, Produzent, Manager, 

Fahrer. Niemand kann mir reinreden, höchstens 

das Publikum mit seinen Reaktionen und die 

Mitspieler, die ich immer häufiger dabeihabe. 

Und die freuen sich, dabei sein dürfen. Ganz 

wichtig noch: Ich muss nicht jeden Tag auf der 

Bühne stehen. Aber wenn, dann mit ganzer 

Leidenschaft. Das bin ich mir und dem Publikum 

schuldig. Meinen Mitspielern sowieso. Ich glaube, 

dabei kommt auch rüber, dass die Leute 

merken, da hat jemand sein Hobby zum Beruf 

ge macht. Kann es etwas Schöneres geben?! 

»Dem vielseitigen Künstler gelingen 

veritable Pop-Songs, die eine bestens aufgelegte 

Band in Ton gegossen hat. (…) 

Es treffen sich die Stilrichtungen Mainstream 

Rock’n’Roll, hanseatischer Charme 

und lennoneske Melodien. 

Wie könnte ein Mann das fünfzigste Jubiläum 

seiner ersten Reise in die USA besser feiern 

als mit diesen inspirierten und beseelten Songs?« 

santer als Theater und kostet nicht so viel Zeit. Für 

die grauen Zellen ist es auch nicht schlecht. 

MM: Du tourst unter anderem mit Program - 

men über John Lennon oder Bob Dylan zum 

Beispiel. Die Lesungen werden mit Einspielungen 

aufgelockert und auch du selbst in - 

ter pretierst ihre Songs. Wie stellst du deine 

Programme zusammen? 

ACHIM AMME: Aus dem Bob-Dylan-Programm 

ist leider nichts geworden – zu wenig Interesse 

bei den Veranstaltern. Aber Ringelnatz mache ich 

nach wie vor gerne. Mich interessiert stets die 

Geschichte hinter den Geschichten. Also ich 

stürze mich in die Biografien und versuche herauszufinden, 

was die Menschen im Innersten 

bewegt hat. Wenn ich Parallelen zu meinem 

eigenen Leben entdecke – umso besser. 

MM: Gibt es rechtliche Probleme, wenn man 

zu den verschiedenen Interpreten ein Pro - 

gramm zusammenstellt und aufführt? 

ACHIM AMME: Klar. Da muss man Genehmi gun - 

gen einholen oder schauen, wer ist schon 70 Jahre 

tot. Bei Lennon benötigte ich z. B. die Ge neh mi - 

gung vom Droemer Verlag, der die Bio grafie von 

Philip Norman rausgegeben hat, auf der mein Pro - 

gramm wesentlich fußt. An dieser Stelle noch einmal 

mein herzliches Dankeschön an den Verlag, 

der mich bis heute großzügig dabei unterstützt. 

MM: Was sind deine musikalischen Ein flüsse? 

ACHIM AMME: Angeblich ist das bei dieser Schei - 

be besonders deutlich zu hören. In erster Linie 

waren es die Beatles, die mich aus meinem musi - 

kalischen Dornröschenschlaf geweckt haben. 

Überhaupt die Musik der 60er-Jahre, mit der ich 

aufgewachsen bin, also Kinks, Stones, Motown 

usw. Ich war auch immer ein großer Fan der Beach 

Boys mit ihrem mehrstimmigen Gesang. Noch so 

eine tragische Geschichte hinter dem Erfolg dieser 

Band. Oft ist Erfolg eben teuer erkauft. 


FOTO: NIKOLA_STOCK.ADOBE.COM 


30 STORIES 

The greatest Rock & Roll 

im Jahr 1970 kursierten in den 

Irgendwann 

Schulen unter verschiedenen Titeln Bootleg- 

LPs eines Konzert-Mitschnittes der Rolling 

Stones vom 9. November 1969 in Oakland/ 

USA. Anders als zahlreiche Bootlegs aus der 

Zeit war die Tonqualität überraschend gut. Eine 

Version hieß „Greatest Group On Earth“ und 

nannte lieber nicht die Band beim Namen. Zu 

der Zeit besaßen die Rolling Stones in der 

internationalen Pop- und Rockmusik längst 

einen Status ähnlich dem der Beatles: Sie 

waren ebenfalls sichere Hit-Lieferanten, hatten 

die zeitgenössische Musik revolutioniert und 

einen enormen gesellschaftlichen Einfluss ausgeübt. 

Greatest Group On Earth ist gewiss ein 

vollmundiger Superlativ und spielt sehr wahrscheinlich 

auf das Etikett „the greatest Rock & 

Roll band in the world“ an. Sein Urheber ist der 

Stage Manager Sam Cutler, der die Band vor 

ihrem legendären Hyde-Park-Konzert am 5. Juli 

1969 mit diesen Worten ankündigte. Die Rolling 

Stones bezeichneten sich selbst nie so, das 

Etikett hat sich jedoch bis heute gehalten. 

Hatte die Publicity die Beatles zu den „Good 

Boys“ gemacht, waren die Rolling Stones die 

„Bad Boys“, die das Klischee ausgiebig be dien - 

ten. Ihr rüpelhaftes Image, jedenfalls Jaggers, 

Jones’ und Richards’ exzessiver Lebensstil, zu 

dem auch harte Drogen gehörten, was ihnen 

lange Probleme mit der Justiz eintrug, ließ sie 

jedenfalls nicht als Schwiegersohn-Typen aussehen. 

Wie die von ihnen geschätzten Musiker 

bedienten sich auch die eigenen Songs der 

Rolling Stones einer zuweilen drastischen, sex - 

betonten Sprache. So landeten Platten der Band 

in Großbritannien und in den USA auf dem Index 

und wurden damals nicht im Radio gespielt. 

Später wurde im Begleittext von Tonträgern darauf 

hingewiesen, man könne Anstoß an der 

Sprache der Rolling Stones nehmen, sie sei somit 

nichts für Jugendliche. Songtitel wie „Cock- 

sucker Blues“ (von Decca zurückgehalten) und 

„Starbucker“ (auf Intervention von Atlantic 

Records geändert in „Star Star“) sprechen für 

sich, und auch in dem absoluten Superhit „(I 

Can’t Get No) Satisfaction“ geht es unter ande- 

Jenseits von Schlagermusik 

und Beat entwickelten 

die im Rhythm and Blues, 

im Blues und im 

Rock ’n’ Roll verwurzelten 

Rolling Stones ab 1962 

einen ureigenen Stil. 

Damit gehörten sie zu den 

ganz frühen Vertretern 

des British Blues 

und unterschieden sich 

von nahezu allen anderen 

britischen und 

US-amerikanischen Bands. 8 


STORIES 31 

band in the world|TEIL 1 


32 STORIES 

rem um sexuelle Frustration. All das hat den 

Rolling Stones als Musikern nicht nachhaltig ge - 

schadet. Im Gegenteil wurden sie zu der mit 

Ab stand erfolgreichsten Rockband der Musik - 

geschichte mit fantastischen Gagen. Im großen 

Stil bringen sie immer wieder neue Bild- und 

Ton träger auf den Markt und füllen, mittlerweile 

weit im Rentenalter, auch im Jahr 2019 generationsübergreifend 

mit ihren Konzerten Stadien. 

ZURÜCK INS JAHR 1962: 

Da spielte der 1942 geborene blues-begeis - 

terte Brian Jones als Gitarrist hin und wieder 

bei Alexis Korners Blues Incorporated, die eine 

Keimzelle des British Blues waren. Nach eigener 

Einschätzung der Rolling Stones hätte es sie 

ohne Korner nie gegeben, und im Laufe der 

Zeit gehörten Korners Blues Incorporated einige 

der später bekanntesten Vertreter des Bluesrock 

an. Jones war von Elmore James’ „Dust 

My Broom“ und dessen Slide-Gitarre so fasziniert, 

dass er als Elmo Lewis mit Blues 

Incorporated begann, die damals in Großbri - 

tannien praktisch unbekannte Slide-Gitarre mit 

ihrem mitreißenden Sound bekannt zu machen. 

Mick Jagger und Keith Richards, beide Jahr gang 

1943 und Fans von Chuck Berry und Muddy 

Waters, erlebten Jones im April 1962 live im 

Londoner Ealing Club und waren hingerissen. 

Kurz darauf wurde Jagger der Sänger von Blues 

Incorporated. Dort hatte zuvor auch schon der 

1941 geborene Drummer Charlie Watts gespielt, 

war aber aus Zweifeln an seiner musikalischen 

Qualität ausgeschieden. Im Juni 1962 suchte 

Jones in der Zeitungsanzeige Musiker für eine 

neue Band. Darauf meldete sich der 1938 ge - 

borene Keyboard-Spieler Ian Stewart, der als 

Sänger Jagger vorschlug, der seinerseits 

Richards als Gitarristen mitbrachte. Die Rollin’ 

Stones, die sich bald Rolling Stones nannten, 

waren entstanden. Am 12. Juli 1962 gaben sie 

im Londoner Marquee Club ihr erstes Konzert. 

Erste Kontakte mit Plattenfirmen fruchteten 

allerdings nicht. Kurz darauf verließ der Bassist 

Dick Taylor die Band. Stewart war aber auf den 

1936 geborenen Bassisten Bill Wyman aufmerksam 

geworden und schlug ihn als Ersatz 

vor. Nach einem Vorspielen im Dezember 1962 

wurde Wyman Mitglied der Rolling Stones. 

Schließlich wurde im Januar 1963 auf Jones’ 

Betreiben auch der Drummer Tony Chapman 

durch Charlie Watts ersetzt. Wyman und er 

waren fortan eine der besten Rhythmusgruppen. 

In der Besetzung waren die Rolling Stones bald 

die Hausband des Londoner Crawdaddy Clubs, 

der von Giorgio Gomelsky geleitet wurde und 

der die junge Band vorübergehend unter seine 

Fittiche nahm. Dessen Werbebemühungen lockten 

im April 1963 den Werbefachmann Andrew 

Loog Oldham zu einem Auftritt der Rolling 

Stones im Crawdaddy. Oldham war so überwältigt, 

dass er ihr Manager wurde und sie unter 

seiner Führung von Erfolg zu Erfolg eilten. 

Richards dazu: „Wir waren das Dynamit, 

Andrew Oldham der Zünder.“ Allerdings passte 

Stewart wegen seines vorstehenden Kinns 

nach Oldhams Geschmack nicht in das Er - 

schei nungsbild der Rolling Stones. Deswegen 

gab er ihm als Band mitglied den Laufpass. 

Stewart blieb der Band jedoch bis zu seinem 

Tod im Dezember 1985 als Roadmanager und 

Studio musiker treu. 

Anfang Mai 1963 konnte Oldham Dick Rowe 

vom Label Decca zum Besuch eines Auftrittes 

der Rolling Stones bewegen. Hatte Rowe im 

März 1962 die Beatles nicht unter Vertrag nehmen 

wollen, gab er den Rolling Stones nach 

dem Auftritt einen Plattenvertrag. Anfang Juni 

1963 erschien ihre erste Single mit dem 

Chuck-Berry-Titel „Come On“, den die Band 

nur auf Anraten von Oldham eingespielt hatte. 

Kaum typisch für die Rolling Stones hatte die 

Single jedenfalls einen gewissen Erfolg. Noch 

war dies die Zeit, als die Band ganz überwiegend 

Songs anderer Autoren coverten, darunter 

den Beatles-Titel „I Wanna Be Your Man“. 

Um das individuelle Erscheinungsbild der Rolling 

Stones zu schärfen und den Fokus auf die Band 

zu richten, stilisierte Oldham sie zu einem Gegen - 

stück der Beatles: zu einer Band als Bürger - 

schreck, die junge Leute begeisterte und „die alle 

Eltern hassen“. 

Hatte die Band seit Juli 1962 schon etliche 

Auftritte absolviert, steigerte sich dies über die 

nächsten Jahre zu nahezu tagtäglichen Auftrit - 

ten im In- und Ausland, die dies- und jenseits 

des Atlantiks in schneller Folge herausgebrachten 

Singles, EPs und LPs zu promoten. Genau 

wie die Beatles verbuchten die Rolling Stones 

in den USA enorme Erfolge, sodass auch sie in 

die Ed Sullivan Show eingeladen wurden, in 

der sie erstmals Ende Oktober 1964 auftraten. 

Mick Jagger gilt heute noch als ausdrucksstarker 

»Hatte die Publicity die 

Beatles zu den „Good Boys“ 

gemacht, waren die Rolling 

Stones die „Bad Boys“, 

die das Klischee ausgiebig 

bedienten. Ihr rüpelhaftes 

Image, jedenfalls 

Jaggers, Jones’ und Richards’ 

exzessiver Lebensstil, 

zu dem auch harte 

Drogen gehörten, was ihnen 

lange Probleme 

mit der Justiz eintrug, 

ließ sie jedenfalls nicht 

als Schwiegersohn-Typen 

aussehen.« 


STORIES 33 

Die frühen Aufnahmen der Rolling Stones 

nach „Come On“ klangen, auch auf ihren drei 

ersten Alben, erfrischend rau und ungeschliffen, 

was der Musikauffassung des damaligen Band- 

Leaders Brian Jones entsprach. Sein Einfluss auf 

die musikalische Richtung der Band schwand 

jedoch nach und nach. Jagger und Richards, 

die von 1963 bis 1965 zuweilen unter dem 

Pseu donym Nanker/Phelge als Songwriter firmierten, 

entwickelten sich zum bedeutendsten 

am meisten gecoverten Songs und ist längst zum 

musikalischen Allgemeingut geworden. Trotz aller 

Aufregung um ihn in den 1960er-Jahren wurde 

er sogar mit Quetschkommode und Heimorgel 

auf Seniorenveranstaltungen intoniert, wie man 

in der TV-Dokumentation „Sätisfäktschn“ aus 

dem Jahr 1995 zum 30. Jahrestag der deutschen 

Single-Erstveröffenlichung vom Herbst 1965 

bestaunen konnte. Realsatire lässt sich eben 

überall finden. 

und erfolgreichsten Komponisten-Duo der Rock - 

Rock-Performer par excellence. Bei seinem Auf - 

tritt in der US-TV-Show von 1964 erschien er 

allerdings noch leicht verlegen lächelnd wie ein 

College-Student vor der Kamera – welch eine Ent - 

wicklung! Von Verlegenheit war nichts mehr zu 

spüren, als die Rolling Stones im Januar 1967 mit 

dem provozierenden Hit „Let’s Spend The Night 

Together“ auftreten wollten. Der Titel war für 

Sullivan zu starker Tobak. Daher verlangte er, ihn 

für die Show in „Let’s Spend Some Time Together“ 

zu ändern. Jagger und Richards fügten sich. 

musik neben John Lennon und Paul McCartney, 

das in schneller Folge hervorragende Songs mit 

ungewöhnlichen musikalischen Ideen vorlegte. 

Prominentes Beispiel ist die siebte Single der 

Rolling Stones, die so etwas wie ein Synonym 

der Band ist: „(I Can’t Get No) Satisfaction“. Der 

Song ist mit einem gesellschaftkritisch-provozierenden 

Text und eindringlichem Gesang nicht 

nur musikalisch originell, sondern auch ein frühes 

Beispiel dafür, wie sich der Sound der elektrischen 

Gitarre rasant entwickelte und welche 

Bedeutung in der Rockmusik Riffs zukommt, 

die durch Mark und Bein gehen. Keith Richards 

kreierte noch viele andere eingängige Riffs und 

gilt als „Human Riff“. Seine markant verzerrte 

elektrische Gitarre bei „(I Can’t Get No) Satis - 

faction“ geht allerdings auf Ian Stewart zurück, 

der während der Aufnahmen einen Verzerrer der 

Marke Maestro Fuzz-Tone besorgte, mit dem 

Richards die Wucht des Intros erzeugen konnte. 

„(I Can’t Get No) Satisfaction“ gehört zu den 

Als in der Bravo angekündigt wurde, dass die 

Rolling Stones am 13. September 1965 zweimal 

in der Hamburger Ernst-Merck-Halle spielen 

würden, hätte ich mir nur allzu gern ein Ticket 

gekauft. Ein striktes elterliches „Nein!“ beendete 

sofort meine Hoffnungen. Solchen ungehobelten 

Burschen dürfe man nicht noch Geld dafür in den 

Rachen werfen, dass sie sich schlecht benähmen 

und Krach anstatt Musik machten. Mit den 

beiden je nur 20 Minuten dauernden Hamburger 

Konzerten versetzte die Band ihre jugendlichen 

Bewunderer gleichwohl in die damals übliche 

Verzückung. Einen guten Eindruck aus jener Zeit 

gibt der erst 2012 veröffentlichte Dokumentar - 

film „Charlie Is My Friend“ über die beiden Irland- 

Auftritte der Band im September 1965, der 

sowohl hinter die Kulissen blickt als auch mit 

Konzert-Ausschnitten aufwartet. Parallel zur 

Ham burger Begeisterung schienen aber auch 

die mahnenden Eltern recht zu behalten. Um die 

Konzerte kam es vor der Ernst-Merck-Halle zu 8

34 STORIES 

Randale und einer regelrechten Straßenschlacht 

mit Hamburger Rockern, sodass die Polizei Ein - 

sätze fahren musste. In der Presse wurde darüber 

ausführlich berichtet. 

Bei diesen Vorzeichen war es fast ein Wunder, 

dass ich mir 1966 das aktuelle Rolling-Stones- 

Album „Aftermath“ kaufen durfte. Nach einer 

ganzen Reihe durchschlagender Hit-Singles war 

dies die erste LP der Rolling Stones mit Songs 

unterschiedlicher Stilrichtungen ausschließlich 

aus der Feder von Jagger und Richards. Über - 

raschend waren sogar Balladen dabei, die die 

beiden Songwriter viel mehr schätzten, als das 

veröffentlichte musikalische Werk der Band ver - 

muten lässt. Jones glänzt auf den Studioauf nah - 

men als Muli-Instrumentalist. Bei der Ballade 

„Lady Jane“ spielt er zum Beispiel das zitherartige 

Saiteninstrument Dulcimer. „Aftermaths“ 

ungewöhnlichstes Stück aber ist „Goin’ Home“. 

Trotz seiner Länge von fast zwölf Minuten, die 

die übliche Song-Dauer von rund zwei Minuten 

sprengte, ist „Goin’ Home“ mit seiner Mi - 

schung aus Country Rock und Rhythm and 

Blues so eindringlich, dass man sich das Stück 

nach den letzten Tönen gleich noch einmal 

anhöre möchte. 

Alle weiteren neu eingespielten Studio-Alben 

der Band während der bis 1970 dauernden 

Decca-Periode stehen ebenso wenig in der Tra - 

dition der ersten drei Studio-LPs, erst recht auch 

nicht die Singles „Get Off Of My Cloud“, „19th 

Nervous Breakdown“, „As Tears Go By“ und 

„Paint It Black“. „Between the Buttons“ von An - 

fang 1967, woran der vielseitige Rockpianist 

Nicky Hopkins erstmals als Studiomusiker mitwirkte, 

ist ein psychedelisches Album jener Tage, 

das richtungslos wirkt. Die Rolling Stones hatten 

es nach eigenen Angaben „im bekifften 

Zustand“ aufgenommen. 

Drogeneinfluss und Richtungslosigkeit wurden 

erst recht bei der nächsten LP „Their Satanic 

Majesties Request“ offenbar, auf dem Jones 

wiederum mit mehreren unterschiedlichen In - 

strumenten zu hören ist. Auf die Vorderseite des 

Album-Covers war ein Vexier-Wackelbild mit den 

Bandmitgliedern als mittelalterliche Zauberer und 

Gaukler in geheimnisvollen Trachten geklebt; 

bei Wiederauflagen wurde das Bild nur noch 

zweidimensional aufgedruckt. Mit „Their Satanic 

Majesties Request“ hatten die Rolling Stones 

ein Werk vom Kaliber des Beatles-Albums 

„Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ 

prä sentieren wollen. Geglückt ist dies trotz einiger 

hervorragender Einfälle nicht. Zu hören sind 

auf der einen Seite ausgezeichnete Stücke wie 

„2 000 Man“, „She’s A Rainbow“, „2 000 Light - 

years From Home“ und „In Another Land“ (dieses 

aus der Feder von Bill Wyman). Andere gute 

Ansätze scheinen gleichsam im LSD-Rausch 

unterzugehen. Das letzte, fast neun Minuten 

lange Stück „Sing This All Together (See What 

Happens)“ wirkt, wie schon sein Zusatz nahezulegen 

scheint, wie ein aus dem Ruder gelaufenes 

Programm. Zum Zeitpunkt der Veröffent - 

li chung des Albums im Dezember 1967 war 

Oldham nicht mehr Manager der Band. Man 

hatte sich im gegenseitigen Einvernehmen ge - 

trennt, gab aber unterschiedliche Gründe an. 

Oldham behauptete, man habe begonnen, „sich 

gegenseitig zu langweilen“, während die Rolling 

Stones der Auffassung waren, keinen Manager 

mehr zu benötigen. Anstelle ihres Ex-Managers 

produzierte der erfolgreiche Jimmy Miller bis 

1973 einige der bedeutendsten Alben der Rolling 

Stones. Oldham hingegen widmete sich seinem 

Platten-Label Immediate, das er im August 1965 

gegründet hatte. Es ging in Konkurs und schloss 

im März 1970 die Pforten. 

Jones hatte schon vor der Gründung der 

Rolling Stones ein ausschweifendes Leben ge - 

führt. Dies hatte er fortgesetzt, und unter dem 

Einfluss von immer mehr Drogen wurde sein 

Lebenswandel immer erratischer. Die Drogen 

hatten gesundheitliche Spuren hinterlassen. 

Jones war zudem mit der musikalischen Ent - 

wick lung der Band nicht einverstanden. Über - 

dies wäre er gern ein gefeierter Popstar gewesen, 

stand aber im Schatten von Jagger und 

Richards. Sichtbar war das zum Beispiel bei dem 

Videoclip-artigen Film, den die Band zu ihrer 

Ende Mai 1968 erschienenen Hit-Single „Jumping 

Jack Flash“ mit Jagger im Zentrum gedreht hat. 

Es war einfach atemberaubend, die fantastisch 

aufgelegte Band mit diesem Rock-Klassiker 

damals im legendären Beat-Club auf der 

Mattscheibe zu erleben. Von ihren psychedelischen 

Ausflügen hatten sich die Rolling Stones 

verabschiedet. 

Jimmy Miller produzierte mit dem Meilenstein- 

Album „Beggar’s Banquet“ von Dezember 1968 

sein erstes Rolling-Stones-Album. In Deutsch - 

land kam es auf einem cremefarbigen Cover 

heraus, das vorn nur mit dem Titel des Albums 

versehen war. Das von den Rolling Stones ausgewählte 

Bild einer verschmutzten öffentlichen 

Der Erfolg hatte der Band bald Wohlstand 

be schert. Das rastlose Leben zwischen Studio, 

Bühne, Funk, Film und Fernsehen, der Star- 

Ruhm mit all seinen Möglichkeiten, reichlich Sex 

zu haben, sowie der verbreitete schnelle Griff 

zu Drogen bereitete aber zumindest Jagger, 

Jones und Richards zugleich massive persönliche 

Probleme. In den 1960er-Jahren gerieten 

die drei mit dem britischen Strafgesetzbuch in 

Konflikt, Jagger und Richards kamen vorübergehend 

ins Gefängnis. Die Single „We Love You“ 

vom September 1967, ein würdiger Nachfolger 

der vorausgegangenen Single-Titel „Let’s Spend 

The Night Together“ und „Ruby Tuesday“, be - 

schäftigte sich unter anderem damit und 

be ginnt akustisch mit zuschlagenden Ge fäng - 

nis toren. 


STORIES 35 

werten Film „One Plus One“ fest, der in anderer 

Schnittfassung als „Sympathy For The Devil“ 

bekannt ist. Godard verdichtet die Rolling Stones 

und ihre Musik mit politischen Dokumentar - 

szenen aus Vergangenheit und Gegenwart zu 

einer Analyse der jugendlichen Gegenkultur der 

1960er-Jahre. 

War Jones bei dem im Dezember 1968 ge - 

filmten Rolling Stones „Rock and Roll Circus“ 

noch dabei, nahm er im Frühjahr 1969 an den 

Aufnahmen zur nächsten LP nur noch an zwei 

Songs teil. Völlig den Drogen verfallen, hatten 

ihn körperliche und psychische Probleme aus 

der Bahn geworfen. Seine musikalischen Pläne 

hatten sich zerschlagen und seine Freun din Anita 

Pallenberg hatte ihn verlassen, um künftig mit 

Richards zusammen zu leben. In der Band galt 

Jones, der einmal eine Quelle der Inspiration 

für sie gewesen war, nicht länger als zuverlässig. 

Deswegen eröffneten ihm Jagger, 

Richards und Watts im Juni 1969, er müsse die 

Band verlassen. Sie boten ihm dafür lebenslang 

eine namhafte jährliche Zahlung. Danach soll 

Jones laut Alexis Korner geplant haben, eine 

blues orientierte Band zu gründen. Vollge pumpt 

mit Drogen ertrank Jones jedoch am 3. Juli 1969 

im Swimming Pool seines Anwesens. Wie Jimi 

Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison und Alan 

Wilson wurde er nur 27 Jahre alt. Die Ermitt lun gen 

gingen von einem Unglück aus; bis heute hält 

sich aber das Gerücht, er sei ertränkt worden. 

Seit April 1967 waren die Rolling Stones bis 

auf einen Live-Auftritt im Londoner Wembley 

Stadion im Mai 1968 nicht mehr öffentlich auf 

der Bühne gewesen. Zum Start einer neuen 

Tournee hatten sie für den 5. Juli 1969 im 

Londoner Hyde Park ein eintrittsfreies Konzert 

vorgesehen. Bei dieser Gelegenheit sollte ihr 

neuer Gitarrist Mick Taylor, Jahrgang 1949, 

erstmals mit ihnen auftreten. Taylor kam von 

John Mayalls Bluesbreakers und hatte mit den 

Rolling Stones bereits den Mega-Hit „Honky 

Tonk Women“ eingespielt, der auch auf dem 

Programm des Konzertes stand. Als die Band 

von Jones’ Tod erfuhr, funktionierte sie den 

Hyde-Park-Auftritt um in ein Gedächtniskonzert 

für Jones. Jagger rezitierte eingangs eine Ge - 

dicht-Passage und 3 500 Schmetterlinge wurden 

aus Kartons in die Freiheit entlassen. Das 

Konzert wurde fürs britische Fernsehen gefilmt 

und gekürzt gesendet. Eingeschnitten wurden 

Passagen eines Interviews mit Jagger, der dabei 

wohl unter Drogeneinfluss stand. Im deutschen 

Fernsehen präsentierte der Beat-Club kurze 

Ausschnitte aus dem TV-Film, bevor er Anfang 

Mai 1970 im Nachmittagsprogramm der ARD 

zu sehen war. 

»War Jones bei dem 

im Dezember 1968 

Toilette mit reichlichen Wandschmierereien 

wurde hierzulande erst Jahre später abgedruckt. 

Jones wirkte an dem Album nur noch 

eingeschränkt mit. Wunderbar kommt seine 

ge filmten Rolling Stones 

Slide-Gitarre bei dem Song „No Expectations“ 

„Rock and Roll Circus“ zur Geltung, der thematisch wie auf Jones’ Ver - 

fassung zugeschnitten wirkt. „Beggar’s Banquet“ 

noch dabei, 

ist ein Meisterwerk. Auf der einen Seite hat sich 

nahm er im Frühjahr 1969 die Band auf ihre musikalischen Wurzeln zurück - 

besonnen. Andererseits aber hat sie Country 

an den Aufnahmen 

und Blues für sich selbst neu definiert und damit 

zur nächsten LP nur 

noch an zwei Songs teil. 

ihre musikalischen Ursprünge eigenständig 

weiter entwickelt. Thematisch sind der berühmte 

Eingangssong „Sympathy For The Devil“ und 

die spätere Single-Auskopplung „Street Fighting 

Völlig den Drogen 

Man“ Ausdruck ihrer Zeit und gegen den Strich 

verfallen, hatten ihn 

gebürstet. Die Reporter-Frage, ob die Band sub - 

versiv sei, beantwortete Richards mit: „Natürlich 

körperliche und psychische sind wir subversiv!“ 

Probleme aus der Bahn 

geworfen.« 

Das Zustandekommen von „Beggar’s Ban - 

quet“ hielt der französische Nouvelle-Vague- 

Re gisseur Jean-Luc Goddard in seinem sehens - 

8 


36 STORIES 

Drogen und Alkohol blieben auch künftig 

eine schwere Bürde der Band. Lediglich Wyman 

und Watts hielten sich von harten Substanzen 

fern. Jedoch verfiel Watts über lange Zeit dem 

Alkohol, von dem er sich aus eigener Kraft wieder 

befreien konnte. Auch Jones’ Nachfolger 

Mick Taylor und Ron Wood hatten solche Pro - 

bleme. Wood sagt von sich selbst, über Jahr - 

zehnte hinweg nie nüchtern auf der Bühne ge - 

stan den zu haben. Vor allem belastete Richards’ 

Drogenkonsum jahrelang die Band. Wie zum 

Beispiel Eric Clapton kam er von harten Drogen 

los, verfiel dafür aber dem Alkohol. Ein solcher 

Raubbau an der Gesundheit hätte vermutlich 

manch anderen früh ins Grab gebracht, nicht 

aber Richards. Man sagte, sein Gesicht sehe 

aus wie ein ungemachtes Bett, und wunderte 

sich, dass er noch lebte. 2006 überlebte er auf 

den Fidschi-Inseln den Sturz von einem Baum; 

zuvor hatte es geheißen, ihm sei dort eine Kokos - 

nuss auf den Kopf gefallen. Offensichtlich verfügt 

Richards über eine einzigartige Konsti tu tion, 

die ihn auch heute noch mit fast 76 Jahren auf 

der Bühne stehen lässt. 

Die Anfang Dezember 1969 veröffentlichte 

LP „Let It Bleed“, ebenfalls ein Meilenstein der 

Rolling Stones, zählt zu ihren besten Alben. Das 

umwerfende Stück „Gimme Shelter“, der sinistere 

Killer-Song „Midnight Rambler“, der kraftvolle 

Bluesrock „Monkey Man“ mit Richards’ 

grandioser Gitarre und Nicky Hopkins’ einprägsamem 

Klavier-Intro sowie der majestätisch 

anmutende Abschluss „You Can’t Always Get 

What You Want“ mit Al Koopers Waldhorn und 

Keyboards stechen aus diesem Klasse-Album 

hervor. „Gimme Shelter“ und „Midnight Rambler“ 

gehörten besonders häufig zum Live-Reper toire 

der Rolling Stones. 

Taylor wirkte auf „Let It Bleed“ nur bei zwei 

Songs mit. Ry Cooder spielte bei Robert 

Johnsons herrlichem Blues „Love In Vain“ Man - 

doline und bei einem anderen Song eine fantas - 

tische Bottleneck-Gitarre, was erst später ver öf - 

fentlicht wurde. Es gab aber auch noch eine 

Jam-Session mit ihm, Nicky Hopkins, Jagger, 

Watts und Wyman, die 1972 als „Jamming With 

Edward“ auf den Markt geworfen wurde. Man 

hatte ohne Produktionsabsichten gejammt und 

das Tonbandgerät mitlaufen laufen. Besondere 

Erwartungen an musikalische Höhenflüge sollte 

man daher nicht haben. In seinen Liner- 

Notes schrieb Jagger, hoffentlich verbrächten 

die Plattenkäufer mehr Zeit mit dem Zuhören 

als die Musiker mit der Aufnahme. An die 

Zusammenarbeit mit den Rolling Stones hatte 

Cooder keine guten Erinnerungen und be - 

haup tete, man habe ihn ausgenutzt. 

„Get Yer Ya-Yahs Out“ ist das letzte Album, 

das die Rolling Stones für Decca eingespielt 

haben. Es sind Live-Aufnahmen aus vier Kon - 

»Der Erfolg hatte der Band 

bald Wohlstand be schert. 

Das rastlose Leben 

zwischen Studio, Bühne, 

Funk, Film und Fernsehen, 

der Star-Ruhm mit 

all seinen Möglichkeiten, 

reichlich Sex zu haben, 

sowie der verbreitete 

schnelle Griff zu Drogen 

bereitete aber zumindest 

Jagger, Jones und 

Richards zugleich massive 

persönliche Probleme.« 

zerten der Band von Ende November 1969 im 

New Yorker Madison Square Garden. Ton tech - 

nisch ist das Album von September 1970 der 

Live-LP „Got Live If You Want It“ vom Dezember 

1966 klar überlegen. Die Band präsentierte sich 

mit ihrem neuen Gitarristen Taylor in bester Ver - 

fassung. Ein zeitgenössischer Kritiker bezeich-

STORIES 37 

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nete „Get Yer Ya-Yahs Out“ als „das beste Rock-Konzert, das je auf Platte erschienen ist“. 

Mitt lerweile sind weitere Aufnahmen aus diesen Konzerten in Ton und Bild erhältlich und 

dazu Konzerte von B.B. King und Ike und Tina Turner, die im Vorprogramm auftraten. 

Das Jahr 1969 endete für die Band zum Schluss ihrer US-Tournee am 6. Dezember mit 

ihrem Auftritt am Altamont Speedway. Während des Konzertes wurde der 18-jährige Meredith 

Hunter vor der Bühne vor den Augen der Band von einem Mitglied der Rocker-Gang Hells 

Angels erstochen, die auf dem eintrittsfreien Open-Air-Festival als Ordner eingesetzt wurden. 

Nicht einmal vier Wochen nach dem berühmten Woodstock-Festival schienen die 

Hoffnungen der Love-and-Peace-Generation in Chaos und Gewalt versunken zu sein. Fest - 

gehalten wurde dieses traumatische Ereignis im Film „Gimme Shelter“. 

Zum Ende des Decca-Vertrages wurde Ende Oktober 1970 noch Jaggers Solo-Single „Memo 

From Turner“ und „Natural Magic“ mit Cooders herrlicher Bottleneck-Gitarre herausgegeben, 

beides Aufnahmen aus dem Spielfilm „Perfor mance“ von 1970, in dem Jagger zum zweiten Mal 

als Schauspieler vor die Kamera getreten war. Die Rolling Stones schulde ten Decca aber noch 

einen Song. Aus Verärgerung über die Ent wicklung des Vertragsver hältnisses provozierten sie 

das Label daraufhin mit dem „Cocksucker Blues“. Diesen Brocken schluckte das Label nicht 

und wollte den Song nicht veröffentlichen. Nur durch ein Versehen kam er 1984 für kurze Zeit 

doch noch offiziell auf den Markt. Der „Cocksucker Blues“ wurde der Neuauflage der im Vorjahr 

herausgekommenen LP-Box „The Rolling Stones Story – Part 2 (The Rest Of The Best – Single- 

Tracks And Rarities From The Decca-Period)“ als Single beigelegt. Ganz schnell wurde das neue 

Paket wieder aus dem Verkehr gezogen. „Cocksucker Blues“ ist aber (natürlich) als Bootleg zu 

bekommen. Decca verfügte noch über andere Reste und füllte damit 1971 und 1975 die Alben 

„Stone Age“ und „Meta mor phosis“, dieses mit der Rolling-Stones-Version von „Memo From 

Turner“. So etwas hat schon seinen Reiz. Fraglos machen jedoch die Platten-Veröf fent lichungen 

bis 1970 das Decca-Werk der Rolling Stones aus, mit dem auch eine Ära zu Ende gegangen war. 

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nächste FolGe: 

THE ROLLING STONES – TEIL 2 

WeB: WWW.ROLLINGSTONES.COM 

text: NORBERT APING 

Fotoquelle: UNIVERSAL MUSIC GROUP; 

WIKIPEDIA 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, 

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alfredverlag.de | alfredmusic.de

38 STORIES 

HAZEL THE NUT 

»Animal Birthday Party« 

MM: Im April wurde euer Album „Animal Birthday Party“ veröffentlicht. 

Seid ihr zufrieden mit dem Ergebnis? 

HAZEL THE NUT: Auf jeden Fall! Die Reaktionen zum Album waren unglaublich, 

von Hardcore-Fans bis zu unseren Omis waren alle mehr als zufrieden 

mit unserem Werk. Es war wirklich großartig, so viel positives Feedback zu 

erhalten, nachdem wir so viel viel Herzblut und Schweiß reingesteckt haben. 

Unsere Fans mussten leider auch wirklich lange darauf warten, aber es hat 

sich gelohnt. 

MM: Anschließend seid ihr direkt auf Tour gegangen. Wie war’s und 

wo habt ihr überall gespielt? 

HAZEL THE NUT: Der Hammer! Es war schlicht ein einmaliges Erlebnis, mit 

Band und Crew die Städte zu besuchen und neue Menschen kennenzulernen. 

Wir wurden immer wieder überrascht von Fans, die bereits sehr 

textsicher mitsingen konnten, aber auch von Leuten, die aus den unwahrscheinlichsten 

Entfernungen zu unseren Konzerten gekommen sind. 

Unsere Tour hat uns in zahlreiche Clubs und Hallen in ganz Deutschland 

geführt. Angefangen haben wir im B-Hof in unserer Heimatstadt Würzburg. 

Dann sind wir weiter ins Wild At Heart in Berlin, ins 8 Below in München, 

in den Ponyhof Frankfurt und und und … 

HAZEL THE NUT: Unsere Band ist eigentlich aus unserer Coverband 

APPLEjUiCE hervorgegangen. im jahr 2012 waren wir es leid, Songs von 

anderen auf Dorffesten im fränkischen Outback nachzuspielen. Deshalb 

haben wir angefangen, eigene Songs zu schreiben, und schon war die 

Band HAZEL THE NUT geboren. Wir sind alle seit langer Zeit miteinander 

befreundet und haben sehr früh gemerkt, dass wir gleiche musikalische 

Vorbilder haben. Es schadet auch nicht, dass wir gerne miteinander ab - 

hängen oder mal ein Bier gemeinsam trinken gehen. 

MM: Warum habt ihr euch für Pop-Punk entschieden? 

HAZEL THE NUT: Das war absolut alternativlos! Wir sind früher Skateboard 

gefahren, haben dazu Blink 182 gehört und abends Filme wie American 

Pie geguckt. Pop-Punk ist der Soundtrack dieser Zeit und damit unserer 

jugend. Punkrock hat so viel Energie und nichts geht über poppige 

Melodien – das wollten wir auch machen. 

MM: Stefan Beham/Sbäm ist für euer Artwork verantwortlich. Was 

ist euch dabei besonders wichtig und wie kam die Zusammen - 

arbeit zustande? 

HAZEL THE NUT: Wichtig ist für uns ein stimmiges Artwork, das wir dann für 

unser Merch, unsere Website und Social-Media-Kanäle verwenden können. 

MM: Wie habt ihr euch eigentlich zusammengefunden und ge - 

gründet? 

Stefan hatte uns vor jahren angeschrieben, ob wir Lust auf ein von ihm 

entworfenes Artwork hätten. Das hat uns auf Anhieb so gut gefallen, dass 


STORIES 39 

In der unterfränkischen Einöde unweit 

von Würzburg trafen sich einst 

vier begeisterte Musiker, um ihrer Liebe 

zum Pop-Punk zu folgen. 

Sie gründeten im Jahr 2012 die Band 

Hazel The Nut. Seitdem nehmen die vier 

jedes Konzert zwischen 

provinziellem Jugendzentrum und 

großem Open Air Festival mit. 

Für das Jahr 2019 wagen sich die vier 

Jungs an das Projekt Album Nummer 3, 

das komplett in Eigenregie entsteht. 

wir ihn auch für das letzte Album gefragt haben. Als wir seinen ersten 

Entwurf für unsere Animal Birthday Party gesehen haben, sind wir förmlich 

im Kreis gehüpft vor Freude über das Design. Er weiß einfach, unsere lustigen 

ideen, die uns so durch den Kopf schwirren, direkt umzusetzen. Hinzu 

kommt noch, dass er einfach der verdammte Designer von einigen unserer 

Lieblingsbands wie The Offspring ist. Da führt kein Weg dran vorbei. 

MM: Habt ihr Vorbilder in der Musikbranche? 

HAZEL THE NUT: Na klar, wer hat die nicht? Obwohl es viele Bands und 

Künstler gibt, die wir bewundern, hat uns eine Band so sehr beeinflusst 

wie keine andere: Blink 182. Travis, Mark und Matt / Tom haben uns in 

unserer musikalischen Laufbahn immer wieder inspiriert. 

8 


40 

HAZEL THE NUT 

„Animal Birthday Party“ 

VÖ: 29. MÄRZ 2019 

WWW.HAZELTHENUT.DE 

FACEBOOK.COM/HAZELTHENUTBAND 

INSTAGRAM.COM/HAZELTHENUTBAND 

MM: Wie entstehen eure Songs? 

HAZEL THE NUT: Meist bringt Sebastian oder Michael eine Melodie für 

einen Refrain oder ein Gitarrenriff zur Bandprobe mit. Dort wird dann 

gemeinsam an dem Song gearbeitet und es werden Schritt für Schritt 

die einzelnen Parts des Songs ausgearbeitet. Das Ganze nehmen wir 

immer gleich auf und hören uns im Anschluss das Ergebnis an. Es kann 

dann schon mal je nach Song eine Weile dauern, bis wir einen neuen Hit 

à la Hazel The Nut geschaffen haben. Es kann aber auch passieren, 

dass wir den Song noch mal komplett über den Haufen werfen. Dann 

arbeiten wir an der nächsten idee und so weiter und so weiter … 

MM: Was waren eure größten Erfolge bisher? 

HAZEL THE NUT: Wir durften als Support von Bands wie Madsen, 

Manfred Mann’s Earth Band oder Künstlern aus anderen Musik rich - 

tungen wie SDP spielen. Als Vorband ein fremdes Publikum einzuheizen, 

ist der Hammer und eine große Ehre. Fernab von Supports können wir 

mittlerweile auf drei Alben und eine Vielzahl von Gigs zurück blicken. 

Ende 2018 haben wir zudem den Deutschen Rock und Pop Preis in 

der Kategorie beste Punkband gewonnen und im April 2019 ist für 

uns ein Traum in Erfüllung gegangen, als wir unsere erste eigene Tour 

durch Deutschland mit Gigs in zwölf Städten gespielt haben. 

MM: Ihr habt die letzten Jahre auch einige Festivals gerockt ... 

HAZEL THE NUT: Bekannte Festivals wie das Schlossgrabenfest in 

Darmstadt, das Ab Geht die Lutzi in Rottershausen, Lakesound Festival 

in Edertal / Hemfurth oder das U&D in Würzburg durften wir bereits 

bespielen. Man kommt bei solchen Festivals immer mit vielen anderen 

Bands zusammen und kann Kontakte knüpfen. Bei Festivals genießen 

wir immer das besondere Flair, das die Veranstaltung und die feierwütigen 

Fans versprühen. 

MM: Was sind eure weiteren Pläne mit der Band? 

HAZEL THE NUT: Wir arbeiten wieder an neuen Songs und wollen 

baldmöglichst wieder etwas veröffentlichen. jedoch gibt es noch keinen 

konkreten Veröffentlichungstermin. Auch für nächstes jahr ist erneut 

eine Tour durch Deutschland geplant. Generell versuchen wir, jedes 

jahr die Anzahl der Gigs zu steigern und auch mal den Fuß in die Tür 

bei größeren Festivals zu bekommen. Wir sind gespannt, was da so 

noch kommt, und hoffen, ihr seid es auch?! 

WEB: WWW.HAZELTHENUT.DE 

iNTERViEW: RONJA RABE 

FOTOS: PHILEMON GÖTTLE

STORIES 41 

»Wir sind früher Skateboard gefahren, 

haben dazu Blink 182 gehört 

und abends Filme wie American Pie 

geguckt. Pop-Punk ist 

der Soundtrack dieser Zeit und 

damit unserer Jugend.« 


42 STORIES 

MM: Was sind eure musikalischen Einflüsse? 

MM: Warum habt ihr zwei Schlagzeuger? 

DECADANCE DANCE: Vom klassischen Rock der 70er wie Led 

Zeppelin und Black Sabbath bis hin zum Grunge und Rock der End- 

Achtziger/Anfang der 90er a la Guns’n’Roses, Pearl Jam, Nirvana, aber 

auch Monster Magnet. 

MM: Ihr seid schon lange befreundet. Wie habt ihr als Band 

zusammengefunden? 

DD: Wir waren schon befreundet, bevor wir Musik gemacht haben. Es 

war eher so, dass wir als Freunde beschlossen haben, eine Band zu 

gründen, und uns dann überlegten, wer was spielen könnte. 

»We All Get Lost ... 

Sometimes« 

DD: Unsere beiden Drummer Jörn und Marc hatten wir früher in 

unterschiedlichen Phasen, Jörn zu Beginn der Band und Marc in der 

Phase danach. Nachdem wir die Bandaktivitäten ein paar Jahre auf 

Eis gelegt haben und uns im Sommer 2016 überlegten, wieder anzufangen, 

haben wir beide Drummer gefragt, ob sie Lust haben, und 

beide haben Ja gesagt. Wir haben uns dann entschieden, mit beiden 

weiterzumachen, und finden das mittlerweile eine Spitzenlösung. Wir 

spielen mit beiden Drummern nur eine kleine Anzahl gemeinsamer 

Songs, ansonsten hat jeder Drummer sozusagen „seine Songs“. 

MM: Wie liefen die Aufnahmen zu eurem Longplayer „We All 

Get Lost ... Sometimes“? 

DD: Es war einfach nur Spaß … Zunächst haben wir uns ein langes 

Wochenende in einem alten Bauernhof in Winterswijk (NL) eingeschlossen 

und die letzten Feinarrangements, Tempodefinitionen und 

Groove-Abstimmungen gemacht. Dann sind wir ein Wochenende ins 

Tonstudio gegangen und haben die Basictracks (Drums, Bass, 

Rhythmus gitarren, Ghostvox) eingespielt. 

In den darauffolgenden Wochen haben wir dann in Ruhe diese veredelt 

mit Vox, Backing-Vox und Gitarrensoli. Als dann die Songs an 

sich fertig waren, haben wir lange an der richtigen Reihenfolge und 

den Übergängen zwischen den Songs gefeilt. Unsere Vision war immer 

ein Album, das der Hörer von vorne bis hinten durchhören können soll, 

sozusagen mehr ein Gesamtwerk als eine An sammlung von Songs. 

MM: Warum habt ihr auch ein Album auf Vinyl veröffentlicht? 

DD: Wir haben VOR ALLEN DINGEN ein Album auf Vinyl veröffentlicht! 

Wir hören alle selbst bevorzugt Vinyl und schätzen einfach die 

Soundqualität und Dynamik, die nur Vinyl bieten kann. Genau in dieser 

Qualität wollten wir unser Album veröffentlichen und haben dies 

von der ersten recordeten Note bis zum finalen Mastering und zur 

Pressung durchgezogen. Wir wissen, dass unsere Fans genau dies 

zu schätzen wissen und der Verkauf der LPs läuft auch wesentlich 

besser als der der CDs. In der gesamten Produktion und Wert - 

schöpfung haben wir nur High-End-Zutaten eingesetzt, angefangen 

von super-dynamischen Mikrofonen bis hin zur 180-Gramm-Pressung 

im wohl aktuell besten Presswerk in Europa. 

MM: Eure Single „World Under Glass“ gibt es mit einer Akustik - 

version auf der B-Seite. Warum habt ihr euch für eine Akustik - 

version entschieden und was gefällt euch daran besonders? 

DD: Wir wollten zunächst unseren Fans etwas Neues bieten, was sie 

nicht schon vom Album kennen. Außerdem wollten wir – da es ja nur 

DECADANCE DANCE 


STORIES 43 

eine Digital-Veröffentlichung ist – auch potenziell andere Fangruppen 

ansprechen. Deswegen haben wir auch die junge Sängerin Nina Hahn 

mit hinzugenommen, die sonst eigentlich mehr R&B und Soul macht. 

Die digitale Welt ist nun mal eine andere als die Vinyl-Welt. Für uns 

war es ein Riesenspaß, den Song auch einmal akustisch zu spielen, 

immerhin ist er ja auch so entstanden und somit mehr eine Ur - 

sprungs version. Wir haben diese Version auch extra relativ einfach 

und reduziert gehalten, kaum Overdubs eingesetzt, um den Charakter 

eines Live-Jams im Wohnzimmer zu kreieren. 

MM: Wer macht bei euch die Promotion? Welche Rolle spielen 

dabei Radio, Print und soziale Medien? 

DD: Zunächst erst mal muss man feststellen, dass die drei Bereiche 

Radio, Print und Social Media doch sehr unterschiedliche Kanäle sind 

und auch jeweils andere Anforderungen haben. Bei Radio- und Print- 

Promotion nutzen wir das Expertenwissen unseres Labels und seiner 

Kooperationspartner. Hier geht es eben auch viel über persönliche 

Beziehungen und fachspezifische Themen. 

Den Bereich Social Media machen wir alleine als Band. Wir versuchen 

hier, regelmäßig unsere Follower mit aktuellen Infos, Storys und 

netten Backstage-Geschichten upzudaten. Das ist eher spontan mal 

aus dem Proberaum oder von einem Gig. Das ist zwar viel Arbeit, macht 

aber unglaublichen Spaß, weil wir eben auch direkt und live Feedback 

bekommen. 

MM: Was waren eure bisherigen Konzerthighlights? 

DD: Das ist nicht eindeutig zu beantworten, natürlich die Live per - 

formance von unserer ersten Single „Stay“ bei dem Deutschen Rock 

& Pop Preis in Siegen letztes Jahr (riesige Bühne, erstmals einen Song 

unseres Albums live gespielt). Aber auch einige Gigs in coolen Clubs 

in Köln wie dem Luxor, Tsunami oder Volta in diesem Jahr vor einem 

Publikum, das uns vorher nicht kannte, aber eben auf harte Rock - 

musik steht und schnell Zugang zu unseren Songs gefunden hat und 

richtig abgegangen ist. Unvergesslich bleibt natürlich unsere Album - 

präsentation in unserem Stammclub in Gelsenkirchen, dem L.O.N., 

vor 250 eingefleischten Fans, die jeden unserer Songs kennen und 

mitsingen können. Das war schon sehr bewegend und emotional. 

MM: Wie bereitet ihr euch auf Auftritte vor? 

DD: Proben, Proben, Proben … Und dann reisen wir in der Regel 

relativ früh an, sodass wir häufig den ganzen Tag miteinander verbringen. 

Dadurch entsteht auch einfach diese unglaubliche Nähe, die 

dann auf der Bühne so authentisch rüberkommt. 

MM: Wie ist euer Bezug zum Ruhrgebiet? 

DD: Da kommen wir her, da fühlen wir uns wohl. Leider ist der Ruf viel 

schlechter als die Wirklichkeit und es wird immer wieder vergessen, 

dass das gesamte Ruhrgebiet eigentlich eine bzw. die größte 

Metropole in Deutschland ist mit dem wahrscheinlich einzigartigsten 

Angebot an Kultur und einer riesigen Musikszene. 

MM: Eure Website ist in Englisch geschrieben. Habt ihr auch 

Pläne, außerhalb von Deutschland aufzutreten? 

»Wir hören alle selbst bevorzugt Vinyl 

und schätzen einfach 

die Soundqualität und Dynamik, 

die nur Vinyl bieten kann. 

Genau in dieser Qualität wollten wir 

unser Album veröffentlichen 

und haben dies von 

der ersten recordeten Note bis zum 

finalen Mastering und 

zur Pressung durchgezogen.« 

DECADANCE DANCE 

„We All Get Lost ... Sometimes“ 

(Doppelvinyl) 

VÖ: 23. MÄRZ 2019 

WWW.DECADANCEDANCE.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/DECADANCE.DANCE.ROCKBAND 

DD: Na klar und daran arbeiten wir gerade aktiv; dies ist für 2020 auf 

der Agenda. Durch Social Media ist heute eh alles international und 

wir haben bereits heute Fans und Supporter auf der ganzen Welt. So 

gibt es zum Beispiel in Japan eine kleine Decadance Dance Fan 

Community, die keine Kosten und Mühen gescheut haben, sich unser 

Album zu kaufen. In einem Genre wie unserem gibt es eine weltweite 

Community und Fangemeinde. Die wollen wir adressieren. 

WEB: WWW.DECADANCEDANCE.COM 


FOTOQUELLE: SPLITT-RECORDS / DECADANCE DANCE 


44 STORIES 

UDOMAT 

MM: Warum eine Udo Lindeberg Tribute Band? Wie ist dein 

Zugang zu Udo Lindenberg und welche Gemeinsamkeiten 

habt ihr vielleicht? 

UDOMAT: Ich habe mal für ein Konzert ein Double gesucht. Da 

kam mir die Idee, es selbst mal auszuprobieren. Von 2016 an jeden 

Tag drei Interviews gehört, gesungen und Bewegungsabläufe studiert. 

Klamotten wurden angefertigt, der Hut, die Haare … Es war 

quasi schon ein Suchtverhalten und Liebe auf den ersten Blick. 

Dann musste ein Künstlername her und UDOMAT ist draus entstanden. 

Ich bin mit einer Soloshow von 45 Minuten deutschlandweit 

unterwegs und versuche, das Lindenberg-Feeling auf Firmen- 

Events, Geburtstagen oder auch anderen Anlässen rüberzubringen 

und zu vermitteln. Panische Zeiten und so … Nach den Reso - 

nanzen zu urteilen gelingt das eigentlich ganz gut. Der Zugang zu 

Udo ist nicht nah und nicht fern. Ich denke, er beobachtet das 

Ganze und freut sich, dass ein weiterer Vertreter, Praktikant und 

Zauberlehrling existiert, der seine Musik in die Welt verstreut. Ge - 

meinsamkeiten gibt es tatsächlich einige. Wir haben beide Schlag - 

zeug studiert, sind beide Liebhaber der deutschen Sprache und 

wir haben am selben Tag Geburtstag (17.5.) Wirklich ein gigantischer 

Zufall … 

MM: Wie habt ihr euch gegründet und die richtigen Musiker 

gefunden? 

UDOMAT: Nach einem Sologig in München entstand die Idee, eine 

Lindenberg Tribute Band zu gründen. Thomas Jung, der bei mir 

die Technik macht und den ich auch schon viele Jahre kenne (als 

Keyboarder), hat den Satz bei der vierstündigen Fahrt gebracht: 

„Das müsste man mal mit Band machen.“ Ja, und so wurde das 

Telefon in die Hand genommen und losgelegt. So einsam und alleine 

loszuziehen ist manchmal auch nicht so lecker. Der Ge danke war: 

„Man kennt ja viele Leute in der Szene“, und dann habe ich auch 

geschaut, dass es vom Alter her authentisch aussieht, aber auch 

menschlich funktioniert. Heiko Rühl (Schlagzeug) war mit einer der 

Ersten, der sofort ja gesagt hat. Carsten Kries (Gitarre und Band - 

leader) folgte mit großem Interesse, da er diese Musik auch liebt 

und zu 100 % dahintersteht. Peter Adler (Gitarre), Andreas Zamojski 

(Gitarre), Torsten Risch (Bass), Christian Morgenstern (Piano) und 

Thomas Jung (Keyboard) bilden seit 2018 die Panikgenossen. Der 

eine kennt den, der andere wiederum den, und so entstand ein 

Haufen voller Experten, die wild drauf sind, die Bühnen Deutschlands 

mit Songs von Udo zu rocken. Natürlich gab es auch Beset zungs - 

wechsel. Man muss auch erst mal alles abchecken, und für den 


STORIES 45 

»Beide Trommler, 

beide am selben Tag 

Geburtstag und 

beide Liebhaber der 

deutschen Sprache. 

Mehr braucht 

man dazu gar nicht 

mehr zu sagen.« 

& Panikgenssen 

Mit einem einfachen schwarzen Hut 

entstand im November 2016 die Idee 

zum Udo-Lindenberg-Double. 

Die Entwicklung dauerte seine Zeit 

und brachte den originalen Hut, 

die originale Sonnenbrille, 

eine Sonderanfertigung der Outfits, 

Anzüge und Accessoires sowie 

tägliches Vocalcoaching. 

einen oder anderen war es dann doch nicht so, aus zeitlichen oder 

privaten Gründen. Außerdem haben wir drei ganz tolle Ladys am 

Start: Peggy Lienhop, Inna Kellermann und ganz neu dabei Laura 

Gerlach, die nicht nur im Background-Bereich, sondern auch solis - 

tisch glänzen. Eine Thekenbesetzung von meinem Freund Ralf Ullrich 

und ein tolles Technik-Team. 

halt. Man hat natürlich auch viele Möglichkeiten, Songs umzusetzen, 

denn jeder ist flexibel und alle lieben den Eierlikör. 

MM: Du hast Udo Lindenberg auch schon persönlich kennengelernt. 

Wie war das Treffen und was hält er von den Panik - 

genossen? 

MM: Was ist das Besondere an dieser großen Band? 

UDOMAT: Besonders ist die Schwere der Kommunikation, denn elf 

Leute zusammenzuhalten ist schon eine Aufgabe für sich. 

Menschlich harmoniert diese Besetzung grandios und ich könnte 

sie mir auch nicht anders vorstellen! Der Spaßfaktor ist riesig und 

man geht offen miteinander um. Musikalisch wächst man auch von 

Tag zu Tag immer mehr zusammen. Nordhessische Panik Family 

UDOMAT: Sein Satz war: „Gut genießen, die Genossen“. Er freut sich 

natürlich, wenn seine Musik weiterverbreitet wird, egal ob von uns 

oder auch den anderen Kollegen, die es gibt. Er ist im Bilde darüber, 

was so abgeht, und es ist schön, wenn das Original das Ganze auch 

befürwortet. Das erste Treffen 2017 war schon aufregend. Ge sun - 

gen, getrunken und geschnackt über die Planungen, die ich vorhatte. 

Das letzte Treffen im Oktober 2018 war auch sehr entspannt und ein 

weiteres wird in diesem Jahr hoffentlich noch klappen. 

8 


46 STORIES 

»Es ist eine große Freude, die Bühne mit so vielen zu teilen, 

und die Panik Kids machen das Ganze noch bunter.« 

MM: Was erwartet den Zuschauer bei euren Konzerten? 

UDOMAT: Gute Frage … Uns ist es wichtig, dass die Zuschauer 

den Eindruck bekommen, sie seien auf Udos Konzert. Wir können 

halt nur das möglich machen, was in unserer bürgerlichen Macht 

geht. Wir legen sehr viel Wert auf Sound und auf Abwechslung, daher 

auch der Aspekt, dass wir mit einigen Gastsängern kooperieren. Die 

Datenbank vergrößert sich natürlich auch. Das schönste Kom pli ment 

war: „Ihr seht aus wie eine große Familie, die eine Party feiert.“ So 

etwas freut uns natürlich. Verschiedene Showeinlagen, bunte Kla - 

motten und ein wenig Pyrotechnik dürfen auch nicht fehlen. Ebenso 

das Projekt mit unserem Kinderchor, den PANIK KIDS, ist eine große 

Bereicherung. Die Besetzung wächst und gedeiht. 

können, um für den Weltfrieden zu singen. Es ist eine große Freude, 

die Bühne mit so vielen zu teilen, und die Panik Kids machen das 

Ganze noch bunter. 

MM: Wie wichtig sind soziale Netzwerke für euch? 

UDOMAT: Für wen sind die heute nicht mehr wichtig? Wir haben 

schon ziemlichen Alarm gemacht und pflegen unsere Kontakte. Es 

gibt ja immer mal News, die wir mit der Welt teilen wollen. Auch 

viele Veranstalter schauen heutzutage in die sozialen Netzwerke. 

Da dürfen wir natürlich nicht fehlen. Gut bedacht und informativ. 

Die Kanäle sind gekoppelt und man kommt eigentlich gar nicht 

mehr drum herum … 

MM: Wer sind die Gastsänger, mit denen ihr ab und zu auftretet? 

MM: Was sind die weiteren Pläne für Udomat und die Panik - 

genossen? 

UDOMAT: Das ist immer unterschiedlich. Im Grunde sind es alles 

Geheimräte, die Bock darauf haben, ihr Können zu beweisen, und 

natürlich Spaß daran haben, so eine fantastische Mucke zu machen. 

Ein guter Freund, Ben Black, Singer und Songwriter aus Homberg, 

der selbst mit Band und eigenen deutschen Songs loszieht, ist eine 

fantastische Abwechslung für die Leute und passt sehr gut rein. 

Aber auch andere tolle Künstler finden ihren Platz bei uns. Finden und 

gefunden werden … 

MM: Seit April habt ihr den Kinderchor Panik Kids dabei. 

Wie ist es dazu gekommen? 

UDOMAT: Udo hat ja auch die Kids on Stage im Gepäck. Darum 

haben wir einen Aufruf gestartet und von über 130 Kindern 25 Kids 

in einem Casting bei unserem Sponsor „Hotel Gude – die nordhessische 

Panikzentrale“ auserwählt. Es ist schön zu wissen, dass wir 

uns nach und nach immer weiter vergrößern, und vor allem, dass 

die Eltern der Kinder auch dahinterstehen. Die Kids sind in einem 

Alter zwischen 7 und 14 Jahren. Wir haben sogar zwei Kinder mit 

Erfahrung dabei, die jeweils bei der Sendung The Voice Kids dabei 

waren. Wir wollen damit auch ein Zeichen setzen, dass genera - 

tionsübergreifend Menschen zusammen auf der Bühne stehen 

UDOMAT: Pläne sind gut und wichtig. Immer groß denken und so 

… aber auch nach und nach. Wir wollen vielleicht mal ein Unplugged- 

Konzert geben. Vielleicht auch mal auf einem Schiff spielen, wie es 

Udo ja schon gemacht hat (Rock Liner). Im Dezember werden wir die 

Udo Lindenberg Stiftung mit einem Club-Konzert unterstützen. Wir 

möchten den Lindenberg-Fans den Eindruck verschaffen, als seien 

sie bei seinem Konzert, und das an Orten, wo Udo nie war oder 

aus logistischen Gründen nicht hinkommen wird. Wir wollen seine 

Texte und Songs weiter in der bunten Republik verbreiten. Es sind 

schon viele Menschen im lindischen Fieber, aber da geht hoffentlich 

noch mehr. Vielleicht vergrößern wir die Besetzung noch mit 

einer Bläser-Section oder einem Rudel voll Tänzerinnen und Tänzern, 

wer weiß … 

So, zum Schluss noch ein kleiner Feierlikör auf die goldenen Zeiten 

und schaut doch mal vorbei … 

WEB: WWW.UDOMAT-DOUBLE.COM 


FOTOQUELLE: UDOMAT & DIE PANIKGENOSSEN 

Ahoi sagt 

euer Panik-Prinz!

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48 STORIES 

… WENN MAN MUSIKERHERZEN ÖFFNET – 

IST DA DIE GANZE WELT ZU HAUSE 

MM: Ihr spielt eine sehr tanzbare Mischung 

aus Reggae, Rock, Hip-Hop, Funk, Soul und 

Cumbia. Was sind eure musikalischen Ein - 

flüsse und wie bekommt ihr das alles unter 

einen Hut? 

MAKIA: Ein großer Anteil der Band sind Musiker 

aus Mexico und Kuba, die dort als professionelle 

Musiker unterwegs waren. Aus dieser Richtung 

kommt auch der Großteil unserer Einflüsse. Das 

wird mit den Ideen der restlichen Band in einen 

Topf geworfen, einmal kräftig geschüttelt und 

kommt dann als groovige Latin-Fusion wieder 

raus – funktioniert zuverlässig :). 

MM: Wie ist eure aktuelle Besetzung? 

MAKIA: Raidel Bandera Lacret (Gesang), Anneli 

Richter (Saxophon, Backingvocals), Antonio 

Mandujano (Bass), Marcel Hochstrasser (Drums), 

Erick Hernandez (Gitarre, Gesang), Rainer Herr 

(Trompete) und Lukas Groos (Gitarre). 

MM: Ihr textet auf Spanisch. Was inspiriert 

euch und worum geht es in euren Texten? 

MAKIA: Unsere Texte sind vom Leben inspiriert, 

sie fordern auf, zu träumen und sich nicht zu limitieren, 

für die eigenen Rechte zu kämpfen und 

niemals aufzugeben. 


Feuer, Temperament und Herz – 

so lässt sich der Makia-Stil am besten 

beschreiben. Ein bunter Cocktail 

aus Sommer, Sonne, Strand! 

In der mitreißend explosiven Fusion 

von Reggae, Funk, Soul, Rock, Cumbia 

und Hip-Hop sind die teils 

mexikanischen und kubanischen 

Wurzeln deutlich zu hören und bringen 

jede Hüfte zum Schwingen! 

STORIES 49 

WWW.FACEBOOK.COM/MAKIABAND | WWW.INSTAGRAM.COM/MAKIA.MUSIC 

natürlich geht es auch um Liebe – mal glücklich, 

mal unglücklich, wie das Leben eben ist … 

MM: Letztes Jahr erschien euer erstes Album 

„Siente La Musica“. Wie waren die Reak tio - 

nen? 

MAKIA: … Umwerfend!! – Es ist schon ein tolles 

Gefühl, wenn man durch die Stadt schlendert 

und einem Autos entgegenkommen, aus denen 

gerade MAKIA-Songs klingen. Mit den Songs 

des Albums haben wir uns ja auch für den Deutschen 

Rock und Pop Preis 2018 erfolgreich 

beworben. 

Museumsuferfest, Schlossgrabenfest Darmstadt, 

Bad Homburger Summer Beats, Stoffel Frankfurt, 

Trebur und Karben Open Air. Auch Support für 

Stephanie Heinzmann und Jamaram sind be - 

sondere Highlights in unserer Band-Historie. 

MM: Eine siebenköpfige Band inklusive einer 

Bläser-Section, wie koordiniert man so viele 

Leute? 

MAKIA: Das ist eine gute Frage … Wo deutsche 

Pünktlichkeit und Latino-Mentalität aufeinandertreffen, 

wird schon mal heiß diskutiert. Am Ende 

siegt aber immer amor y paz :). 

MM: Wer macht bei euch das Booking? 

MAKIA: Wir sind bereits seit einiger Zeit auf der 

Suche nach einer professionellen Booking- 

Agentur. Dabei haben wir leider erfahren müssen, 

dass viele Booking-Agenturen nicht das halten, 

was sie versprechen. 

Demnach organisieren wir bis jetzt alles selber. 

Somit verlieren wir auch nicht die Beziehung zur 

Basis und zum eigentlichen Veranstalter. 

MM: Welche Art von Veranstaltungen eignen 

sich am besten für euer Genre? Wo spielt ihr 

am liebsten? 

sichtigt, denn von Speisen und Getränken allein 

bezahlen sich Transport, Unterkunft, Instru mente, 

Gitarrensaiten und Co. leider bis heute nicht. 

Da unsere Musik ein breites Publikum an spricht, 

werden wir auch immer wieder gerne für Stadt - 

feste, Firmenveranstaltungen, Konzerte gebucht. 

Leider werden bei vielen größeren Festivals die 

altbekannten Booking-Agenturen eingesetzt. 

Somit haben wir als Selbstverwalter eher selten 

eine Chance, auf den richtig großen Bühnen 

unsere Show zu präsentieren. Unser Traum wäre 

unter anderem, mal beim Afrika Karibik Festival 

in Aschaffenburg einen Slot zu ergattern … 

MM: Ihr konntet beim Deutschen Rock & Pop 

Preis 2018 gleich fünf erste und einen zweiten 

Preis mit nach Hause nehmen! Was war 

das für ein Gefühl und wie ging es danach 

für euch weiter? 

MAKIA: Wir waren völlig geflasht und haben dies 

gebührend gefeiert. Das ist natürlich eine schöne 

Auszeichnung, die unsere Wertigkeit steigert. 

Allerdings haben wir allein durch diese Preise 

nicht mehr Auftritte oder Möglichkeiten als sonst 

er hal ten. Das Musik-Business ist eben hart :). 

MM: Möchtet ihr sonst noch etwas loswerden? 

MM: Ihr seid viel live unterwegs. Was waren 

eure bisherigen Konzerthighlights? 

MAKIA: Konzerte in Berlin, Düsseldorf, Leipzig, 

Köln und Holland. Wir sind natürlich viel in der 

Rhein-Main-Region unterwegs, wie z. B. beim 

MAKIA: Wir spielen sehr gerne auf Festivals aller 

Art, da wir mit unserer Musik unterschiedliche 

Menschen und deren Kulturen ansprechen und 

begeistern können. Außerdem spielen wir ehrlich 

gesagt auch da am liebsten, wo man unseren 

Einsatz und wirtschaftlichen Aufwand berück- 

MAKIA: Wenn ihr mehr über unsere Musik und 

Konzertdaten wissen wollt, schaut einfach auf 

Instagram oder Facebook bei uns vorbei! 

WEB: WWW.MAKIA-MUSIC.COM 

InTERVIEW: RONJA RABE 


50 MUSIKBUSINESS 

Mit Musik 

auf 

Einnahmen erzielen 

LEKTION 2: 

DEINE MUSIKKARRIERE AUF ANDERE ARTEN 

ÜBER YOUTUBE VORANTREIBEN 

und Abos sind die wichtigsten 

Anzeigen 

Einnahmequellen auf YouTube. Es gibt 

jedoch weitere Möglichkeiten für Interpreten, Ein - 

nahmen auf der Plattform und anderswo zu er - 

zielen. Sobald du eine aktive Community und einen 

Katalog an Musikvideos auf deinem Kanal hast, 

kannst du diese Optionen erkunden, um dein 

Umsatz potenzial komplett auszuschöpfen. 

MARKENINHALTE: 

ALBEN: 

Ähnlich wie bei Merchandising-Artikeln können 

Interpreten auch ihren Onlineshop oder ge - 

neh migte Websites verlinken, auf denen ihre 

Musik downloads, CDs, DVDs oder Schallplatten 

verkauft werden. Vor der Veröffentlichung eines 

Albums kannst du dein Kanalbranding mit dem 

Albumcover und dem Veröffentlichungsdatum 

aktualisieren und Videos produzieren. 

Einige Agenturen und Marken möchten für 

Erwähnungen, einzelne Videos oder integrierte 

Kampagnen auf verschiedenen Plattformen mit 

Interpreten zusammenarbeiten. Die Preise für die 

Zusammenarbeit sind von deiner Beliebtheit, dem 

geistigen Eigentum und der Dauer der Zusammen - 

arbeit abhängig. 

MERCHANDISING: 

Viele Fans kaufen gern Merchandising-Artikel 

von ihren Lieblingsinterpreten. Du kannst genehmigte 

Merchandising-Websites direkt in deinem 

YouTube-Kanal verlinken und auf diese Art T-Shirts, 

Poster oder Accessoires verkaufen. So kannst du 

deine Merchandising-Artikel bewerben: 

Erstelle Videos mit Bildern und Beispielen deiner 

Merchandising-Artikel. Du kannst auch 

Fans vorstellen, die deine T-Shirts oder andere 

Bekleidung tragen. 

Teile Links zu deiner Merchandising-Website 

durch Infokarten oder Abspanne mit konkretem 

Call-to-Action. Du kannst diese Links auch 

zu deinem Kanal und deinen Videobeschrei bun - 

gen hinzufügen. 

Nutze Cross-Promotion mit anderen Inter preten 

auf YouTube, die eine ergänzende Fange - 

mein de haben, für deinen Kanal und deine 

Merchan dising-Artikel. 

TOURNEE: 

YouTube eignet sich hervorragend, um Daten 

für Konzerttouren bekannt zu geben und zu 

bewerben, da du schnell Fans in vielen verschiedenen 

Ländern erreichst. Diese Arten von Videos 

eignen sich hervorragend, um Werbung für deine 

Tour zu machen: 

Tourneetrailer oder -teaser 

Backstage- oder Hintergrundvideos 

Livestreams oder aufgezeichnete Liveauftritte 

Vlogs von verschiedenen Tourorten 

CROWDFUNDING: 

Möchtest du deine Fans bitten, deine kreativen 

Ideen mitzufinanzieren? Crowdfunding über 

eine genehmigte Website kann dich bei wiederkehrenden 

Kampagnen oder bei einem be - 

stimmten Projekt unterstützen, z. B. bei einem 

neuen Album, Musikinstrument oder Studio auf - 

nahmen. 

❢ Hinweis: 

Du solltest dich vorab über die Offen le gungs - 

anforderungen für bezahltes Produkt-Place - 

ment und bezahlte Produkt em pfeh lungen 

informieren. Interpreten, die unter Vertrag stehen, 

können auch bei ihrem Label nachfragen, 

ob ihre Vereinbarungen be stimmte Werbe - 

strategien umfassen. 

Wie findest 

du heraus, ob du mit 

deinem Kanal 

deine Geschäftsziele 

erreichst? 

YOUTUBE ANALYTICS 

YouTube Analytics bietet eine Vielfalt an Daten, 

mit denen du beurteilen kannst, was gut funktioniert. 

Du erfährst, wo Zuschauer deine Inhalte 

ent decken, welche Videos die höchste Wieder - 

gabezeit haben und wie Fans mit deinen Inhalten 

interagieren. 

Wenn du deinen Kanal monetarisierst, solltest 

du dir die verschiedenen Umsatzberichte ansehen, 

um Antworten auf folgende Fragen zu erhalten: 

Welche Einnahmen erziele ich mit meinem 

YouTube-Kanal? 

Was sind die wichtigsten Einnahmequellen 

(Anzeigen, YouTube Premium usw.)? 

Welche Regionen tragen am meisten zu meinen 

Einnahmen bei? 

Wie ändert sich mein Umsatz in verschiedenen 

Zeiträumen? 


51 

LEKTION 3: 

YOUTUBE-DATEN NUTZEN, UM DEINEN ERFOLG VORANZUTREIBEN 

Je nach deinen Antworten solltest du deine 

Kreativ- oder Uploadstrategie überdenken. Wenn 

du beispielsweise bemerkst, dass viele Fans deiner 

Musik aus einem anderen Land kommen, kannst 

du Videotitel und -beschreibungen übersetzen, 

damit deine Videos einfacher zugänglich sind. 

Oder angenommen, du entdeckst hohe Klick - 

raten für Abspanne auf Mobilgeräten. Wenn du 

mehr Merchandise-Artikel oder Alben verkaufen 

möchtest, kannst du dein neues Wissen nutzen, 

um deinen neuen Musikvideos für Mobilgeräte 

optimierte Abspanne hinzuzufügen. 

❢ Hinweis: 

Wenn dein Kanal mit einem Musiklabel, einem 

Musikvertrieb oder anderen Rechteinhabern 

verknüpft ist, hast du möglicherweise keinen 

Zugriff auf Umsatzdaten in YouTube Analytics. 

MUSIKCHARTS 

UND STATISTIKEN 

Unter „Musikcharts und Statistiken“ findest du 

wöchentliche Platzierungen der beliebtesten Musik 

auf YouTube. Du kannst die 100 beliebtesten 

Videos (nach Aufrufzahlen) oder eine Übersicht 

über angesagte Videos (neue Musikvideos, die 

gleich nach der Veröffentlichung zum Hit wurden), 

Songs oder Künstler ansehen. 

Künstler und Labels können anhand dieser 

Daten beispielsweise die Beliebtheit von be - 

stimmten Musiktiteln oder genres auf YouTube 

ermitteln, um die Wiedergabe von Titeln im Radio 

zu fördern oder Markendeals zu verhandeln. 

Oder sie können das Interesse von Nutzern we - 

cken, indem sie ihre Platzierung in den YouTube 

Musikcharts in den sozialen Medien teilen. 

Du kannst auch prüfen, wo ein Künstler am 

beliebtesten ist. Diese Daten kannst du nutzen, 

um Konzerte in Städten mit einer großen Fan ge - 

meinde zu planen oder um Marketing kampagnen 

auf bestimmte Regionen auszurichten. 

❢ Hinweis: 

Die Rubrik „Musikcharts und Statistiken“ 

umfasst auch Künstler, für die wir branchenübliche 

Metadaten erhalten haben, meist von einem 

Label oder einem Musikvertrieb. Sie enthält Daten 

ab 1. Januar 2017. Auf YouTube werden den 

Daten banken laufend neue Künstler und Orte 

hinzugefügt. 

NÄCHSTE FOLgE: DEINE TOURS UND 

VERÖFFENTLICHUNGEN BEWERBEN 

qUELLE: CREATORACADEMY.YOUTUBE.COM 

FOTO: © DIMA_SIDELNIKOV / ADOBE STOCK 


52 MUSIK & RECHT 

Fundamentale Weichenstellung: 

EUGH-URTEIL ÜBER SAMPLING IN DER 

MUSIKPRODUKTION 

Produzenten bewegen 

sich beim Sampling 

im urheberrechtlichen 

Graubereich. 

Der Europäische 

Gerichtshof beurteilte 

nun die Verwendung 

von Musikausschnitten. 

die Beteiligten geht es wohl vor allem 

Für 

ums Prestige, für die Musikwelt aber um 

eine fundamentale Weichenstellung: Seit 20 Jahren 

streiten sich Mitglieder der Elektro-Pioniere Kraft - 

werk mit dem Produzenten Moses Pelham vor 

Gericht. Letzterer hatte eine markante, zwei Se - 

kunden lange Sequenz aus dem Kraftwerk-Song 

„Metall auf Metall“ für den von ihm produzierten 

Titel „Nur mir“ von Sabrina Setlur verwendet. Die 

Sequenz wird im Song fortlaufend wiederholt und 

bildet als Loop das rhythmische Grundgerüst. 

Die Kraftwerk-Mitglieder stören sich vor allem 

daran, dass Pelham nicht um Erlaubnis gefragt 

hatte, bevor er die Sequenz einbaute. 

Inhaltlich geht es bei der Auseinandersetzung 

also um die grundsätzliche Frage, inwieweit man 

Teile von fremden Songs für eigene Projekte be - 

nutzen darf, und vor allem, ob man beim Schöpfer 

beziehungsweise dem „Tonträgerhersteller“ als 

Rechteinhaber eine Erlaubnis oder eine kostenpflichtige 

Lizenz einholen muss. 

Pelham und die Kraftwerk-Mitglieder gingen 

über die Jahre durch viele Instanzen – alleine der 

Bundesgerichtshof (BGH) beschäftigt sich derzeit 

zum dritten Mal mit dem Fall. Im Juni 2017 

hatte das oberste deutsche Gericht dazu dem 

Europäischen Gerichtshof (EuGH) Fragen zu einer 

Verletzung der Rechte des Tonträgerherstellers 

durch Sampling vorgelegt. In den Fragen geht es 

um mögliche Auslegungen der EU-Urheber rechts - 

r ichtlinie in der noch gültigen Version aus dem 

Jahre 2001 (2001/29/EG). 

DIE NICHTERKENNBARKEIT 

VON AUDIOFRAGMENTEN 

Der EuGH (Urteil vom 29.07.2019 – C-476/17) 

kommt zunächst zum Ergebnis, dass die Weiter - 

verwendung eines – auch nur sehr kurzen – Audio - 

fragments grundsätzlich als eine urheberrechtlich 

relevante Vervielfältigung anzusehen ist. Daher 

kann ausschließlich der Tonträgerhersteller be - 

stimmen, ob diese Nutzung erlaubt ist – er muss 

also befragt und auf Wunsch auch entlohnt werden. 

Die gesetzlichen Vorgaben sollen dem EuGH 

zufolge ein hohes Schutzniveau für das Urheber - 

recht gewährleisten. Sie dienen demnach dem Ziel, 

finanzielle Investitionen des Tonträgerherstellers 

zu schützen. 

Beim Musik-Sampling gibt es jedoch nach der 

Entscheidung des EuGH zwei Ausnahmen von 

der harten Regel. Die erste liegt dann vor, wenn 

ein Künstler „in Ausübung der Kunstfreiheit einem 

Tonträger ein Audiofragment“ entnimmt, um es 

in „geänderter und beim Hören nicht wiedererkennbarer 

Form in einem neuen Werk zu nutzen“. 


MUSIK & RECHT 53 

Dann nämlich liege keine Vervielfältigung vor, 

sodass der Künstler grundsätzlich auch ohne Zu - 

stimmung und Vergütung mit dem Sample arbeiten 

darf. Ergo: Erstellt also der Künstler ein Sample 

und macht es zum Teil eines neuen Audiowerks, 

so darf er das, wenn er das Fragment so verwendet, 

dass das original im neuen Werk nicht 

erkennbar ist. 

Doch wie genau bestimmt sich diese „Nicht- 

erkennbarkeit“ und wer entscheidet darüber? 

Der EuGH erläutert diesen wichtigen Punkt in 

seiner Entscheidung nicht und scheint die nähere 

Prüfung den nationalen Gerichten überlassen 

zu wollen. offen bleibt auch, ob die Beurteilung 

einem Hörer obliegen soll, der das genutzte fremde 

Werk ebenfalls kennt und gar Musikprofi ist – oder 

ob es sich bei diesem Hörer um einen „Durch- 

schnitts hörer“ handelt, sodass auch ein Gericht 

aus eigener Anschauung und Sach kunde entscheiden 

kann. 

ZITATE NUR IN GRENZEN 

Wie erwähnt, erkennt der EuGH noch eine 

zweite Möglichkeit für die Verwendung fremder 

Werkteile ohne Erlaubnis an: das Zitat. Es kommt 

dann in Betracht, wenn das verwendete Frag - 

ment beim Hören des neuen Werks eindeutig 

wiedererkennbar ist. Beim Zitat im rechtlichen 

Sinn muss laut EuGH die Nutzung „den anständigen 

Gepflogenheiten“ entsprechen und „in ihrem 

Umfang durch den besonderen Zweck ge recht - 

fertigt“ sein. 

Die Nutzung für Zitate dürfe daher nicht die 

Grenzen dessen überschreiten, was „zur Er - 

reichung des mit dem fraglichen Zitat verfolgten 

Ziels erforderlich ist“. Dieses Ziel könne darin liegen, 

„Aussagen zu erläutern, eine Meinung zu 

verteidigen oder eine geistige Auseinander set zung 

zwischen dem Werk und den Aussagen des Nut - 

zers zu ermöglichen“. Entscheidend sei, dass 

der Nutzer eines geschützten Werks das Ziel verfolgen 

muss, mit diesem Werk zu interagieren. 

An diesen Passagen wird deutlich, dass das Zitat - 

recht eigentlich auf Textpassagen gemünzt und 

hier notdürftig auf Musik übertragen ist. 

KÜNSTLERISCHES INTERAGIEREN 

Es spricht auf Basis des EuGH-Urteils immerhin 

einiges dafür, dass die Voraussetzungen für 

das „künstlerische Interagieren“ nicht allzu hoch 

anzusetzen sind. Hierfür spricht schon, dass das 

Gericht Sampeln klar als Kunstform anerkennt, 

sodass die erforderliche Interaktion regelmäßig 

gegeben sein wird. 

Im vorliegenden Fall von „Metall auf Metall“ 

hatte der BGH in seiner Entscheidung aus dem 

Jahr 2017 übrigens klargestellt, dass Pelhams 

Verwendung des Kraftwerk-Beats den An sprüchen 

an ein Musikzitat nicht genügt: „Erforderlich ist 

aber auch in einem solchen Fall, dass die Hörer 

das Musikzitat als fremden Bestandteil erkennen 

können“, woran es beim verwendeten Kraftwerk- 

Fragment fehle. Maßgeblich ist demnach, ob der 

Hörer das Sample erkennen und der original - 

quelle zuordnen kann. 

In „Nur mir“ hat Pelham das Kraftwerk-Sample 

unter anderem dem Tempo und der Tonart des 

Songs angepasst – eine in der Musikproduktion 

meist notwendige Technik, bei der das Sample 

aber nicht unkenntlich gemacht wird. Zu klären 

wäre nun, ob solche üblichen Anpassungen bei 

einem Musikzitat künftig erlaubt sind oder ob das 

Sample unverändert übernommen werden muss. 

Das EuGH-Urteil enthält noch ein weiteres 

praxis relevantes Detail: Wer zitiert, muss die Quelle 

angeben – soweit dies möglich ist. Das gilt auch 

bei der offenen Nutzung von Samples. Doch wann 

und wo genau muss bei der Verwendung fremder 

Audiosequenzen in welchem Umfang die 

Quelle angegeben werden? Packt man das Er - 

gebnis auf einen Datenträger wie CD oder Vinyl, 

so mag man dort ja einen Platz für derartige An - 

gaben finden. Was aber ist bei der Verbreitung 

von Songs über Streaming-Dienste? Schwierig 

könnte es zuweilen werden, überhaupt herauszufinden, 

wer die Rechte an dem gesampelten 

Abschnitt hält – vor allem, wenn bereits die vermeintliche 

Quelle Samples eingebaut hat. 

PARAGRAF 24 GEKIPPT 

Quasi im Vorübergehen erklärt der EuGH dann 

auch noch die sogenannte „freie Benutzung“ aus 

Paragraf 24 des deutschen Urheberrechts ge setzes 

(UrhG) für europarechtswidrig. Dieser erlaubt etwa 

die freie Nutzung von Fotos für Kollagen, schließt 

eine freie Verwendung von Melodien aber explizit 

aus. Unter diese Regelung fielen bislang solche 

Fälle, bei denen aus einer Kombination von ge - 

schützten Werken etwas Neues entsteht. 

Die „freie Benutzung“ ist im vorliegenden 

Rechts streit sehr umstritten. 2016 etwa kassierte 

das Bundesverfassungsgericht ein Urteil des BGH 

in der Metall-auf-Metall-Sache, weil dieser den 

Paragrafen 24 zu eng ausgelegt und Pelham die 

Nutzung des Kraftwerk-Samples untersagt hatte. 

Das Verfassungsgericht sah jedoch eine künstlerische 

Auseinandersetzung von Pelham mit dem 

Kraftwerk-Sample und stellte fest, dass das 

Sample als freie Benutzung erlaubt sein könnte. 

Diese Ausnahme des deutschen Rechts ist 

jedoch nach Ansicht des EuGH nicht mit den in 

den europäischen Vorgaben enthaltenen Ausnah - 

me bestimmungen vereinbar und stelle daher eine 

unzulässige Beschränkung der Rechte der Ton - 

trägerhersteller dar. Deshalb muss nun die freie 

Benutzung nach Paragraf 24 ersetzt werden durch 

die europäisch vorgesehenen Regelungen für 

aus nahmsweise gesetzlich erlaubte Nutzungen 

fremder Werke. 

RECHTSKONFORMES 

SAMPLING 

Für Musiker führt die Entscheidung des 

EuGH bis zur Klärung der offenen Fragen 

nur begrenzt zu mehr Rechtssicherheit. Das 

Gericht hat zwei Möglichkeiten für die Nut - 

zung fremder Sequenzen ohne Erlaub nis des 

Rechteinhabers vorgegeben. 

Erlaubt ist sie zum einen, wenn das Sample 

„in geänderter und beim Hören nicht wieder - 

erkennbarer Form“ in einem neuen mu si ka - 

lischen Werk verwendet wird. Alter nativ kann 

sie auch unter das Zitatrecht fallen, wenn 

das übernommene Audiosegment „beim 

Hören des neuen Werks wiedererkennbar 

ist“. Allerdings muss „die Nutzung zum Ziel 

haben, mit dem Werk, dem das Audio frag - 

ment entnommen wurde, zu interagieren“. 

Zudem muss in diesem Fall das Zitat durch 

einen Quellennachweis gekennzeichnet werden, 

was im Audiobereich zu erheblichen 

Problemen führen kann. Von einem „Recht 

auf Remix“ und einem Freibrief für neue kreative 

Pro zesse ist die Entscheidung noch weit 

entfernt. 

Dennoch sieht sich Produzent Pelham bestätigt: 

„Die Entscheidung ist eine wichtige Stär kung 

der Kunstfreiheit“, kommentierte er das EuGH- 

Urteil. Und: „Musik braucht die künstlerische 

Aus einandersetzung mit anderen Werken.“ Im 

konkreten Fall von „Metall auf Metall“ hat nun erneut 

der BGH zu entscheiden. Drei Möglichkeiten stehen 

zur Wahl: Entweder hat Pelham das Kraft - 

werk-Sample durch seine Bearbeitung unkenntlich 

gemacht oder er hat den Beat rechtskonform 

zitiert – was wegen der fehlenden Quellen angabe 

kaum der Fall sein dürfte. Verlieren würde er 

sicher, wenn die Richter entscheiden, dass seine 

Bearbeitung eine unzulässige Veränderung eine 

Musikzitats ist – dann würden die Kraftwerk- 

Mitglieder recht behalten. 

QUELLE: WWW.HEISE.DE 

TExT: JOERG HEIDRICH, DR. HENRIKE MAIER 

FoTo: © SUTIPOND STOCK / ADOBESTOCK 

GRAFIK: © SERGEY / ADOBESTOCK 


54 PRODUKT-NEWS 

SHURE STELLT UPGRADES FÜR ALLE SE-OHRHÖRER VOR: MIT HOCHAUFLÖSENDER BLUETOOTH® 5 

AUDIO-QUALITÄT UND ERWEITERTER AKKULAUFZEIT IM KABELLOSEN BETRIEB 

Auf dem Arbeitsweg, auf Reisen oder beim Sport – Shure-Ohrhörer mit neuen Premium-Features bieten jetzt noch mehr Hörgenuss 

Flexibilität, verbesserte Audioqualität und längere drahtlos- 

Akkulaufzeit gehören zu den wichtigsten Features. Wie Shure 

heute bekannt gibt, ist die innovative Reihe der SE-Sound- 

Isolating-Ohrhörer ab sofort mit erweiterten Features er hält lich, 

die eine noch bessere Klangqualität, längere Akkulauf zeiten 

und die praktische Wahlmöglichkeit zwischen kabellosem 

oder kabelgebundenem Betrieb bieten. 

Die bekannte Produktlinie der Shure-SE-Ohrhörer beinhaltet 

den High Resolution Bluetooth® 5 Ohrhörer-Adapter mit Fern - 

bedienung und Mikrofon (RMCE-BT2), das Musiklieb habern 

und Hörern unterwegs das bislang beste Klangerlebnis in 

einem kabellosen System bietet. 

Aus den gleichen Präzisionskomponenten bestehend, die 

auch von Profi-Musikern verwendet werden, bieten die über - 

arbeiteten und erweiterten Konfigurationen einen detailreichen 

Klang und Langlebigkeit. Dank der neuen BT2-Inte gration 

können Hörer mit der SE-Ohrhörer-Lösung ihrer Wahl ganz 

einfach von kabelgebundenem zu kabellosem Betrieb 

wechseln – unabhängig von Preis oder Modell. 

AUDIO FÜR HÖCHSTE ANSPRÜCHE 

Ganz gleich, welche Verbindungsart gewählt wird, das 

bequeme Sound Isolating Design unterdrückt Außen ge - 

räusche und verwandelt den täglichen Arbeitsweg, den 

Besuch im Fitness-Studio oder eine Flugreise in ein persönliches 

Konzert. 

Selbst die kritischsten Klangpuristen ebenso wie Ge - 

legenheitshörer profitieren vom Komfort und der Mobilität 

der kabellosen Technik, ohne Abstriche bei der Qualität 

machen zu müssen. Der dedizierte Hochleistungs kopf hö rer - 

verstärker bietet niedrigere Rausch- und Verzerrungswerte, 

einen unverfälschten Frequenzgang und unterstützt die 

gängigen Audio-Codecs, darunter Qualcomm® Audio HD, 

Low Latency, AAC und SBC. Mit einer Reichweite von bis zu 

10 Metern erhält die SE-Serie auch in der Distanz die 

Signalqualität aufrecht. 

ganze Woche lang auf ihren Fahrten nutzen können, ohne 

den Akku wieder aufladen zu müssen. Selbst ein schnelles 

15-minütiges Nachladen ermöglicht bis zu zwei Stunden 

kabellosen Hörgenuss. 

EINFACHER WECHSEL ZWISCHEN DRAHTLOS- 

UND KABELBETRIEB 

Falls die Ladung für den Drahtlosbetrieb aufgebraucht ist, 

erlauben die SE-Ohrhörer dank des innovativen abnehmbaren 

Kabels den schnellen und bequemen Wechsel zu einer 

Kabelverbindung mit einem Apple- oder Android-Gerät. 

Unsere SE-Ohrhörer sind bei Künstlern, Musikern und 

Musikliebhabern in aller Welt schon seit Langem eine feste 

Größe. In den letzten Jahren haben wir daran gearbeitet, 

diese Produktfamilie noch weiter zu verfeinern, wobei wir 

unser Augenmerk auf die kabellose Anbindung und Features 

für das mobile Hören gelegt haben. Uns ist bewusst, dass 

moderne Alltagssituationen wie lange Flüge und Arbeits - 

wege sich nicht immer dauerhaft kabellos meistern lassen, 

und deshalb bieten wir die Lösung an, vom Drahtlos- zum 

Kabelbetrieb zu wechseln. Ein kurzes Drehen an den Ohr - 

hörern gibt Nutzern mehrere Optionen an die Hand, um die 

Verbindung in jeder Lage und mit jedem Gerät sicherzustellen. 

me Steuerung von Lautstärke und Wiedergabe. Kein wichtiges 

Detail geht dabei unter. 

PRODUKT-OPTIONEN 

Shure bietet in der SE-Serie verschiedene Optionen für 

unterschiedliche Hörgewohnheiten und Vorlieben. Jedes 

Modell ist in einer breiten Auswahl an Farben erhältlich, um 

dem persönlichen Stil jedes einzelnen Nutzers Rechnung zu 

tragen. 

• SE215 Wireless Sound Isolating Ohrhörer bieten 

transparenten Klang und umwerfende Bässe, mit ab - 

nehmbarem Kabel, sicherem Halt und verschiedenen 

Ohrpassstücken für passgenauen Sitz und dauerhaften 

Tragekomfort. 

• SE425 Wireless Sound Isolating Ohrhörer verfügen über 

zwei High-Definition-Treiber für präzisen und aus ge wo - 

genen Klang mit hohem Tragekomfort. 

• SE535 Wireless Sound Isolating Ohrhörer verfügen 

über drei High-Definition-Treiber für ein breites Klang - 

spektrum und satten Bass bei gleichzeitig hohem Trage - 

komfort und schlankem Profil. 

Nicht nur unsere Ohrhörer genießen das Vertrauen von 

Profi-Musikern, sie nutzen auch die Mikrofone und andere 

Audio-Ausrüstung von Shure für Aufnahmen und Live- 

Auftritte, so Sean Sullivan, Associate Director of Global Product 

Management bei Shure. Von der Stimme des Künstlers und 

dem Ton des Instruments bis zum Ohr des Hörers, das 

gesamte Klangerlebnis beginnt und endet mit Shure. 

25 PROZENT LÄNGERE AKKULAUFZEIT 

UND SCHNELLES LADEN 

Die aufgewertete Kabellos-Option bietet nun bis zu zehn 

Stunden hochwertigen Klang im Betrieb mit einem beliebigen 

Bluetooth-Gerät – eine Verbesserung von 25 Prozent 

gegenüber der Vorgängerversion. Bei zehn Stunden Wieder - 

gabedauer bedeutet dies, dass Pendler die Ohrhörer eine 

PASSFORM UND FUNKTIONSWEISE 

Sicheres Design garantiert den rutschfesten Sitz der Ohr - 

hörer für einzigartigen, dauerhaften Tragekomfort. Das Sound 

Isolating Design beinhaltet ein Fit Kit mit verschiedenen 

Ohrpassstücken für passgenauen Sitz und eine Ver min de - 

rung der Außengeräusche um bis zu 37 dB für intensiven 

Hörgenuss, egal an welchem Ort, ob im Flug zeug oder Bus, 

in der Schule, beim Sport oder zu Hause. 

TELEFONKONFERENZ UND ANRUFE 

Die Flexibilität der SE-Ohrhörer reicht bis hin zu den 

Anruffunktionen, bei denen der ausgezeichnete Klang sich 

ebenfalls bemerkbar macht. Das integrierte Mikrofon und 

die Drei-Tasten-Fernbedienung bieten Transparenz für 

Telefonate und Sprachbefehle und ermöglichen die beque- 

• SE846 Wireless Sound Isolating Ohrhörer bieten mit 

vier High-Definition-Treibern eine erweiterte Höhen - 

wiedergabe und erreichen mit einem einzigartigen Tief - 

passfilter wahre Subwoofer-Leistung. Mit individuell 

anpassbarem Frequenzgang und einem innovativen, 

abnehmbaren Kabelsystem bieten SE846-Ohrhörer 

ein perfekt abgestimmtes Hörerlebnis. 

Die aktualisierten SE Sound Isolating Ohrhörer von Shure 

sind ab sofort erhältlich, zu Preisen ab 169 Euro für das 

Modell SE215 Wireless mit Bluetooth 5. Das High Resolution 

Bluetooth-5-Kabel ist separat zum Preis von jetzt nur noch 

149 Euro erhältlich. 

Alle Modelle sind ab sofort auf www.shure.de und bei 

teilnehmenden Vertragshändlern verfügbar. 


PRODUKT-NEWS 55 

SHURE STELLT NEUEN 

VPH MIKROFONHANDGRIFF VOR 

SM86, SM87A, Beta® 58A, Beta 87A, Beta 87C, VP68, KSM8 und 

KSM9 Kapselmodelle ausgewählt werden. Für die Strom ver sorgung 

des VPH wird eine externe Phantomspeisung benötigt. 

Shure hat mit dem VPH einen innovativen, langen Mikrofonhandgriff 

auf den Markt gebracht, der speziell für Interviews sowie Live- 

Bericht erstattung vor der Kamera entwickelt wurde. Er zeichnet 

sich durch seine flexible Schnittstelle zum Austausch von drahtlosen 

Shure RPW-Kapseln und die praktische XLR-Verbindung für eine 

einfache und sichere Verbindung zu Mischpulten und Recordern aus. 

„Unsere Kunden haben uns gebeten, die Flexibilität von austauschbaren 

Funkmikrofonköpfen mit einem drahtgebundenen Mikrofon 

zu verbinden, sodass es einfach ist, zwischen verschiedenen Richt - 

charakteristiken oder von dynamischen zu Kondensator mikro fonen 

zu wechseln“, sagt Frank Lemmert, Director Pro Audio Group DACH. 

„Mikrofonkapseln wie die KSM8-Kapsel haben sich in diesem Markt 

aufgrund ihres nahezu kaum vorhandenen Nahbes pre chungs effekts 

als äußerst beliebt erwiesen. Der lange Griff des neuen VPH bringt 

die KSM8-Kapsel nun in eine Form, die auch für Broadcast-Pro - 

duktionen geeignet ist.“ 

Berichterstattungen vor der Kamera können sich je nach Situation 

drastisch verändern. Mit dem kabelgebundenen VPH können Re - 

porter aus einer Vielzahl von austauschbaren, hochwertigen Shure- 

Kapseln aus dem Drahtlosportfolio wählen, die die Möglichkeit bieten, 

den Klang den Anforderungen entsprechend zu optimieren. Es 

kann aus verschiedenen Richtcharakteristiken einschließlich Niere, 

Superniere, Hyperniere und Kugelcharakteristik der PG58, SM58®, 

Mit einem Griff, der lang genug ist, um Broadcast-Flags anzubringen, 

bietet VPH den Reportern genügend Reichweite, um jedes einzelne 

Zitat zu erfassen. VPH ist ideal für den Einsatz bei Sportevents, 

um beispielsweise auf der Seitenlinie und in Umkleideräumen mit 

dem Trainer oder Spieler Interviews zu führen. Zudem wurde es 

auch für Nachrichtenreporter im Außendienst, bei der Übertragung 

von Eil meldungen oder auf dem roten Teppich bei Preisverleih ungen 

konzipiert. 

Weitere Informationen: www.shure.de 

18800 KEYBOARDTISCH 

»OMEGA-E« 

18800-000-55 – schwarz 

Komfort pur und ergonomisch optimiertes Spielvergnügen im Sitzen 

oder Stehen bietet dieser elektrisch höhenverstellbare Keyboard - 

ständer. Als Basis dient das Keyboardtisch-Modell »Omega« mit 

seinen vielen Erweiterungsmöglichkeiten. Die Höhe des »Omega-E« 

lässt sich schnell und stufenlos an die bevorzugte Sitz- und Steh - 

position elektrisch durch den integrierten Motor anpassen. Mit dem 

Memory-Schalter (inklusive Display) können bis zu vier verschiedene 

Spielhöhen gespeichert werden. Danach reicht ein Antippen der 

Steuerung auf die jeweilige Speicherposition und der Tisch fährt in 

die zuvor hinterlegte Spielhöhe. Die einstellbare Höhe liegt zwischen 

597 und 1257 mm. Über die App „Desk Control“ mit Bluetooth- 

Technologie können Sie die Höhe auch komfortabel über Ihr Smart - 

phone einstellen. Die Steuerungseinheit kann beidseitig am Tisch 

montiert werden. Ein integriertes Kabelmanagement sorgt für 

Ordnung. Rahmen und Fußgestell sind aus Stahl und ergeben insgesamt 

eine Tragkraft von bis zu 80 kg. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

PRODUKTDATEN: 

Auflagenabstand: von 180 bis 678 mm 

Auflagentiefe: 345 mm 

Aufstellmaß: 1.136 x 550 mm 

Ausführung: schwarz 

Besonderheit: stufenlose Höhenverstellung; bis zu vier Spiel - 

höhen können gespeichert werden; kann auch über die App 

„Desk Control“ verstellt werden 

EAN: 4016842108145 

Form: Keyboardtisch 

Gewicht: 24,5 kg 

Höhe: von 597 bis 1.257 mm 

Höhenverstellung: Elektromotor 

Material: Stahl 

max. Belastbarkeit: 80 kg 

Produktkategorie: Starline 



NORBERT ROSCHAUER 

GARANTIERT GITARRE LERNEN 

FÜR KINDER! 

HEUTE HAU’N WIR IN DIE SAITEN 

Das Spielbuch zur Bestseller-Methode – 

75 Songs für Melodiespiel und Begleitung 

KEMPER PROFILER STAGE 

Modeling-Floorboard mit 

Kemper-Profiling-Technologie 

GARANTIERT GITARRE LERNEN FÜR KINDER ist eine der 

erfolgreichsten Gitarrenschulen für Kinder ab sechs Jahren. 

Seit mehr als zehn Jahren lernen junge Einsteiger mit dieser 

bewährten Methode in zwei systematisch aufeinander 

aufbauenden Bänden das Gitarrespielen. 

Mit dem Kemper Profiler Stage folgt Kemper dem Wunsch 

unzähliger Gitarristen und verpackt die revolutionäre Kemper- 

Profiling-Technologie zusammen mit der Funktionalität der 

Kemper Remote in einem praktischen Floorboard, das 

sowohl auf der Bühne als auch im Recording-Studio erstklassige 

Klangerlebnisse verspricht. Neben dem Zugriff auf 

einen umfangreichen Pool mit erstklassigen Profilen stellt 

das Kemper Profiling Floorboard eine umfangreiche 

Effektbibliothek in höchster Qualität bereit. Als zusätzliches 

Extra spendiert Kemper dem Profiler Stage außerdem einen 

integrierten Loop-Recorder, der über einen eigenen Fuß - 

schalter gesteuert wird. Für eine komfortable Bedien barkeit 

sowohl auf den dunkelsten Bühnen als auch auf Open Airs 

mit direktem Sonnenlicht sorgt darüber hinaus das hell be - 

leuchtete LC-Display des Kemper Profiler Stage, während die 

gewohnt umfangreiche Anschluss-Ausstattung das revo lu - 

tio näre Floorboard vervollständigt. 

Mit HEUTE HAU’N WIR IN DIE SAITEN! ist jetzt das dazugehörige 

Spielbuch da. 

Mit einer bunten Mischung aus insgesamt 75 Liedern er - 

gänzt es das Spielmaterial aus den beiden ersten Bänden 

umfangreich und sinnvoll. 

Egal, ob man auf der Gitarre gerne Melodien spielt oder mit 

Akkorden begleitet, es ist für jeden etwas dabei. Das Kon - 

zept der ersten Bände wird konsequent fortgeführt, indem 

alle Lieder den Tonraum der ersten Bünde der Gitarre verwenden 

sowie viele der bereits bekannten Akkord griffe, Zupf - 

muster und Rhythmen Anwendung finden. Neben den neuen 

Liedern gibt es in diesem Spielbuch aber noch eine ganze 

Menge mehr, wie neue Begleitakkorde, Zupf muster, Rhyth - 

men, Duostücke und einige Quizaufgaben, zu entdecken. 

Olli die Gitarrenmaus führt natürlich auch durch dieses 

gelungene Spielbuch. 

ISBN-13: 978-3-947998-10-4 | Buch & CD | 20278G 

18,95 Euro 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

DER KEMPER PROFILER STAGE IM ÜBERBLICK: 

• Modelling Floorboard mit Kemper-Profiling-Technologie 

• Zugriff auf eine umfangreiche Bibliothek bestehender 

Profile 

• Integrierte Effekte 

• Integrierter Loop-Recorder 

• Beleuchtetes LC-Display, auch bei direktem Sonnenlicht 

gut ablesbar 

• Browser- und Performance-Modus 

• Speicherplätze für bis zu 125 „Performances“ mit jeweils 

fünf „Rigs“ 

• Zwei Fußschalter zum Wechseln der „Performance“ 

• Fünf Fußschalter zum Wechseln der „Rigs“ innerhalb einer 

„Performance“ 

• Zwei serielle Effektwege 

• Vier frei belegbare Fußschalter zum Steuern einzelner 

„Rig“-Parameter 

• Symmetrische und unsymmetrische Stereo-Main-Outputs 

• Stereo-Monitor-Outputs 

• S/PDIF-Ein- und -Ausgänge 

• Vier Anschlüsse für optional erhältliche Expression-Pedale 

oder Fußschalter 

• Kopfhöreranschluss 

• MIDI-In und -Out 

• USB-Anschlüsse für Firmware-Updates 

• Extrem stabiles Metallgehäuse 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

(GIT0050976-000) 



TASCAM BASS-XL-KOPFHÖRER 

JETZT WELTWEIT ERHÄLTLICH 

TASCAM ERWEITERT SEINE INSTALLATIONSREIHE UM EINEN 

PROFESSIONELLEN BLU-RAY-PLAYER 

Nach dem großen Erfolg in den USA liefert Tascam seine 

Monitoring-Kopfhörer TH-06 mit Bass-XL-Technik nun 

auch in anderen Ländern aus. Das bequeme, vielseitige 

Modell soll mit hervorragender Audioqualität und weichen, 

extra tiefen Bässen überzeugen und ideal sein für DJ, 

Produzent oder Remixer bei der Produktion von EDM, Hip- 

Hop, Metal, R&B und anderen Genres. Tascam nennt diesen 

Kopfhörer eine ausgezeichnete Wahl für Musikbe geis terte, 

die Sound mit tiefem Low-End lieben. 

Tascam stellt einen robusten und zuverlässigen professionellen 

Blu-Ray-Player vor, der auf dem Erfolg seines Vor - 

gängers BD-01U aufbaut. Der neue BD-MP1 verfügt über 

dynamische Funktionen wie HDCP und Wiedergabebeginn 

bei Stromzufuhr sowie Schutzfunktionen für die Benutzer - 

steuerung und eignet sich daher besonders gut für öffentliche 

Einrichtungen, Bildungseinrichtungen, Ladengeschäfte, 

Theater sowie Vergnügungsparks und andere Entertain - 

ment-Bereiche. 

Der mit nur einer Höheneinheit äußerst kompakte BD-MP1 

spart Platz, da im Rack keine separaten Audio-/Video- 

Wieder gabegeräte mehr benötigt werden. Zudem akzeptiert 

er eine Vielzahl von Medien und Dateiformaten auf drei 

verschiedenen Wegen: Discs (Blu-Ray/DVD/CD), USB- 

Speichergeräte oder SD-Karten. Alle Wiedergabefunktionen 

sind lokal über die Frontplatte zugänglich, können aber 

auch gesperrt werden, um die versehentliche Änderung 

von Einstellungen oder unbefugten Zugriff zu verhindern. 

Darüber hinaus lässt sich der Spieler über RS-232C oder 

Ethernet steuern, was ihn für integrierte Mediensysteme 

prädestiniert. 

Für professionelle Audioqualität in praktisch jeder Instal - 

lation bietet der BD-MP1 von Tascam Anschlüsse für 7.1- 

Surround, symmetrische (XLR) und unsymmetrische 

(Cinch) Stereoausgänge sowie einen koaxialen Digital - 

ausgang für Dolby, DTS und andere digitale Audioformate 

einschließlich zweikanaligem LPCM. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 

TASCAM KÜNDIGT PROGRAMMIERBARES STEUERMODUL 

FÜR DEN WANDEINBAU AN 

Der TH-06 ist mit einem 

besonders kräftigen 45-mm- 

Treiber mit Neodym-Magnet 

ausgestattet und verfügt 

über Bass XL, eine spezielle 

Klang f ormung, die für verbesserte Tiefton wieder gabe sorgt, 

einen überragenden Dynamik bereich bietet und gleichzeitig 

durch hervorragende Klarheit und minimale Verzerrung überzeugt. 

Dank seines Komforts, seiner An passungs fähigkeit, 

des verzerrungsfreien Klangs und der Entkopplung von 

Außen ge räuschen können Nutzer mit dem TH-06 auch längere 

Zeit ohne Ermüdung der Ohren hören. 

Der TH-06 ist auf lange Lebensdauer ausgelegt, nicht 

zuletzt durch die Verwendung von sauerstofffreiem Kupfer 

(OFC) für seine internen Leitungen. Das lange Kabel (3 m) 

bietet viel Bewegungsfreiheit und ist mit einem vergoldeten 

3,5-mm-Stecker und einem 6,3-mm-Adapter versehen. 


Unter der Bezeichnung RC-W100 stellt Tascam ein in Wände 

einbaubares, programmierbares Steuermodul vor, das den 

Komfort und die Zuverlässigkeit eines jeden Be schallungssystems 

erweitern soll, bei dem der Matrix mischer MX-8A 

aus gleichem Hause im Mittelpunkt steht. 

Vier Umschalttasten und ein Drehgeber mit Drucktasten - 

funktion ermöglichen es dem Benutzer, in einem fest installierten 

Audiosystem zwischen vier oder acht Audioquellen 

zu wählen, die Lautstärke einzustellen und den Ton stumm 

zu schalten. Das gut ablesbare, beleuchtete Display infor- 

miert über die gewählte Audioquelle und die aktuelle Laut - 

stärke einstellung. 

Bis zu acht Steuergeräte lassen sich mit einem Mischer 

verwenden – die Geräte werden einfach über eine RS-485- 

Verbindung hintereinandergeschaltet, wobei die maximale 

Kabellänge 200 Meter betragen darf. Der Systemeinrichter 

kann mithilfe der Konfigurationssoftware Tascam MX Connect 

den Bedienelementen nur die notwendigen Funktionen zuweisen 

und dadurch Fehler beim Endanwender vermeiden. 




BEHRINGER MS-1 

– WAS LANGE WÄHRT, WIRD ENDLICH GUT! 

Der wohl beliebteste Spross aus Rolands SH-Reihe, die SH- 

101, erblickte 1983 das Licht der Welt. Vor allem der markante 

Klang, die fast selbsterklärende Bedienoberfläche 

und natürlich die Kombination aus Keyboard, Sequenzer und 

Arpeggiator verhalfen der SH-101 zu einer guten Verbreitung. 

Als 1990 auf Warp Records „LFO“ von LFO erschien, war 

es die mächtige Bass Line einer „101“ in diesem Track, die 

etliche Lautsprechersysteme deutlich in ihre Schranken wies. 

Lange musste die Synthesizer-Gemeinde auf den Nachbau 

einer analogen (!) 101 warten, Behringer hat sich dieses 

Wun sches angenommen und auf den ersten Blick alles 

richtig gemacht. 

In drei Farbvarianten liegt die MS-1 nun vor: rot, königsblau 

und schwarz. Sie wird ihrem Ahnen absolut gerecht und ist 

ebenso ein monophoner Analog-Synthesizer mit einer 32- 

Tasten-Klaviatur und gleichem Aufbau der Funktions gruppen. 

Vergleicht man die Bedienelemente der MS-1 mit der SH-101, 

findet sich in Anzahl und Vielfalt alles wieder. Bei genauerer 

Betrachtung fällt allerdings auf, dass Behringer ein paar 

Extras hinzugefügt hat: 

So hat es Behringer sich nicht nehmen lassen, den be - 

kannten Curtis IC CEM3340 neu aufzulegen, um den charismatischen 

Grundsound des Oszillators originalgetreu nachbilden 

zu können. In der MS-1 ist der „Source Mixer“ nahezu 

gleichbedeutend wichtig wie der Oszillator selbst; in der 

Neu auflage findet sich neben Rechteck, Sägezahn, Sub - 

oszillator und Noise sogar Dreieck unter den Oszillator- 

Wellenformen und auch der Audioeingang hat seinen 

eigenen Schieberegler bekommen. Dem Mixer folgt zum 

Be arbeiten des Klangspektrums das wuchtige 24-dB- 

Lowpass-Filter, ehe das Signal den Weg über den VCA in ein 

Misch pult oder die DAW findet. Zu den klanglichen Merk - 

malen der MS-1 gehört selbstredend auch die sehr schnelle 

ADSR-Hüllkurve, welche in dieser Perkussivität wohl auch 

weiterhin ein Unikum darstellt. Mehr Wellen formen hat der 

LFO übrigens nicht dazubekommen, dafür gibt es nun drei 

per Kippschalter wählbare Geschwindig keits be reiche, die 

von gemächlich bis Metall-FM reichen. 

Puristen darf man an dieser Stelle beruhigen: Die Er wei - 

terungen findet man in Details, die man gerne mitnimmt; 

ganz Hartgesottene können sie durch Nichtbenutzung einfach 

ignorieren. So haben Arpeggiator und Sequenzer 

einen gemeinsamen, eigenen Tempo-Regler erhalten und 

sind somit nicht mehr an das Tempo des LFO gekoppelt. 

Auch wurden die Bedienelemente für diese beiden Spiel - 

hilfen erweitert, das vereinfacht die Bedienung und ermöglicht 

den Zugriff auf 64 Pattern, die jeweils bis zu 32 

Schritte lang sein können. Da nun das MIDI-Trio und USB 

installiert sind, versteht sich das Instrument jetzt auch wunderbar 

mit einer Studioumgebung jenseits des CV/Gate- 

Standards. Audioübertragung via USB ist allerdings nicht 

vorgesehen. Eine besondere Erweiterung kommt dem Filter 

zugute: sechs Wellenformen von Oszillator und Suboszillator 

einschließlich Noise stehen bereit, um den Cutoff zusätzlich Tatsächlich, es ist alles da, was das Original schon hatte, 

stufenlos zu modulieren. Dieses Feature gab es beim SH- und viel mehr darüber hinaus: Mit nur wenig Übung gelingen 

auch Anfängern mitreißende Bass- und Lead-Sounds, 

101 nur durch nachträgliche Veränderung der Platine und 

den Einbau zusätzlicher Regler. 

die sich deutlich von Hubschrauberflug und Science-Fiction- 

Effekten absetzen, die für das Instrument ebenso zum 

Moderne Schnittstellen zu haben ist zum Glück nicht gleich - Repertoire gehören. 

bedeutend damit, dass man die alten gar nicht mehr brauchen 

würde. CV/Gate In & Out befinden sich ebenso auf der in Farbe und Form nur geringfügig vom Original abweicht, 

Dass ein Clone, der 36 Jahre nach seinem Vorbild erscheint, 

Rückseite wie Velocity Out, Cutoff CV In und der analoge fällt sicherlich unter die künstlerische Freiheit. Am schwers ten 

Clock-Eingang. Da es keine feste Verbindung von der Anschlag - wiegt die klangliche Einschätzung: Wie viel Ur-101 steckt 

dynamik der Klaviatur zu einer Funktionsgruppe des MS-1 denn nun im MS? Nun, 95 % sind es auf jeden Fal; muss 

gibt, kann man sich eines Tricks behelfen, um den Cutoff mittels 

Velocity zu steuern: einfach ein Mono-Klinkenkabel ten Toleranzen“ sprechen, fällt das hier weniger ins Ge wicht. 

man bei Originalgeräten immer wieder von “bauteilbeding- 

(3,5 mm) von Velocity Out zu VCF CV In patchen und sich Nicht nur angesichts des günstigen Anschaf fungs wider - 

fortan über eine Klangnuance mehr freuen. Deftige Feed - standes erhält man mit der MS-1 ein Instrument, für das man 

backorgien mit dem Filter erzielt man durch Verbinden des guten Gewissens sein betagtes 1983er-Schätzchen in die 

externen Eingangs mit dem Kopfhörerausgang (alias: Feed - Vitrine legen kann. Die Verarbeitungsqualität geht absolut 

back-Schleife). 

in Ordnung und kann sich durchaus mit anderen messen 

Man kann auch kurzerhand den Modulationsgriff an den lassen. Einziger Wermutstropfen ist ein leichtes Grund - 

MS-1 montieren und den ebenso im Lieferumfang enthaltenen rauschen, dass erst dann in Erscheinung tritt, wenn die Mixer- 

Gurt anlegen, schon steht man mit seinem liebsten Bass/Lead Pegel alle unten sind, das Filter komplett offen ist und der VCA 

Synth neben dem Sänger auf der Bühne und spielt dem via Gate oder Hüllkurve geöffnet wird. Ansonsten schweigt 

geneigten Publikum unglaubliche Lines vor. 

der Nachfahre, wenn er zu schweigen hat. 

Testbericht: Juli 2019, Jürgen Stiemert, Music Store Köln 

Weitere Infos: www.musicstore.de / SYN0006878-000 (RD) / SYN0006946-000 (BU) / SYN0006945-000 (BK) 



ANDY GILLMANN 

77 GROOVE ETÜDEN 

MIT SPASS UND FREUDE ÜBEN! 

Groove Etüden sind eine wichtige und didaktisch gut durchdachte 

Ergänzung zum Unterricht für große und kleine 

Drum set starter. Die behutsamen Schritte von Etüde zu 

Etüde entsprechen den verschiedenen Entwicklungsstufen 

von Technik, Koordination, Balance und Unabhängigkeit. 

Nach den „88 Snare Etüden“ war es für Andy Gillmann der 

nächste logische Schritt, eine Sammlung mit Groove Etüden 

zu schreiben. Von der Snare zum Drumset. Von der Ein - 

stimmigkeit zur Mehrstimmigkeit. 

Die Groove Etüden fördern das präzise Nachspielen in einer 

vorgegebenen Form und geben Ideen und Inspiration für 

das Spielen eigener Grooves und Fill-ins. Beides ist enorm 

wichtig, gerade in der Phase, wenn man endlich mal die 

eingetretenen „Bumm Zack“-Pfade verlassen möchte. Der 

Einstieg hier ist sehr behutsam, und es folgen viele kleine 

Schritte, die das ganze Feld von Rhythmik, Technik und 

Koordination und Form/Struktur bearbeiten und entwi ckeln. 

Sodass es einerseits nicht zu schwer, andererseits auch 

nicht zu langweilig ist und immer wieder kleine Heraus - 

forderungen lauern. Die letzten 8 Groove Etüden sind schon 

recht komplex und stellen hohe Ansprüche an Koordi nation, 

Technik, Unabhängigkeit und Repertoire. Mit einem Blick 

auf das „aktuelle Zeitgeschehen“ beschäftigen sie sich mit 

bestimmten Themen wie z. B.: Offbeat Grooves, Bossa nova, 

Paradiddles, Reggae, ungeraden Metriken, Jazz usw. und 

erweitern so auch das stilistische Repertoire. Dieses 

Buch ist ein sinnvoller Begleiter im Unterricht, der über 

einen längeren Zeitraum interessante Impulse setzt. Auf 

der beiliegenden CD finden sich 31 der Etüden als Hör - 

beispiele, die Stücke sind zum Mitspielen oder einfach nur 

zum Anhören in einem moderaten Tempo eingespielt. 

Andy Gillmann ist Schlagzeuglehrer, Musiker, Autor und 

Komponist. Seit dreißig Jahren unterrichtet er mit Herz und 

Engagement Erwachsene, Jugendliche und Kinder. Er 

coacht, gibt Workshops und trommelt auf Clinics und 

Drummermeetings. Seine Bücher und DVDs (alle im Leu- 

Verlag erschienen) sind mittlerweile Standardwerke im 

Schlag zeugunterricht. Die berühmteste Webseite für 

Drummer weltweit, „drummerworld.com“, widmet ihm unter 

der Rubrik „Teachers“ eine ausführliche Präsentation. Andy 

Gillmann hat einen Lehrauftrag am „Institut für Musik und 

Medien“ der Robert Schumann Musikhochschule in 

Düsseldorf und unterrichtet am „Drummers Institute“ in 

Krefeld. 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 

ISBN 978-3-89775-179-8, 88 Seiten kartoniert, 

mit Audio-CD, 24,80 Euro

60 CD-REZENSIONEN 

GOLDSCHATZ 

»Salt Of The Sea« 

Ein illustres Duo mit spannender, weltumspannender Hinter - 

grundgeschichte sind die offiziell in der Schweiz beheimateten 

GOLDSCHATZ. Die als Rykka vom Eurovision Song 

Contest bekannte Halb-Kanadierin Christina Rieder hat sich 

musikalisch und auch menschlich mit Timothy Jaromir 

zusammengetan, der ebenfalls starke Bezüge in die Musik - 

szene Kanadas in seiner Vita stehen hat. Auf einem ge - 

mein samen Trip in den Weiten Nordamerikas haben sie 

sich musikalisch und kompositorisch ausgetobt und mit 

dem kanadischen Produzenten David Gavan Baxter ein Album 

eingespielt, das die ur-amerikanischsten Pop musik stile 

bedient: Americana, Folk und Blues. Die immer als Duette 

und oft unisono gesungenen Stücke versprühen den Geist 

unendlicher Weite und junger, frischer Liebe, die durch 

nichts erschüttert werden kann. Kompositorisch und klanglich 

ist das hier ganz hohes Niveau. 

Puristen werden wohl Ecken und Kanten im Soundgewand 

vermissen. Positiv kann man sagen, dass das Album zeitgenössisch 

und radiotauglich genug umgesetzt ist, um ein 

breites Publikum anzusprechen und vielleicht den ein oder 

anderen bislang Abgeneigten von den Vorzügen klassischer 

amerikanischer Pop- und Volksmusik zu überzeugen. „Salt 

Of The Sea“ ist nicht nur aufgrund der vergleichsweise kurzen 

Spielzeit eine kurzweilige Angelegenheit, sondern auch 

und gerade, weil die beiden Hauptprotagonisten es verstanden 

haben, auf den Punkt unterhaltsame Songs zu schreiben. 

goldschatzmusic.com 

P.S. 

düster. „At Your Service“ nimmt Tempo auf, das im Titeltrack 

noch höher und tanzbarer wird. In „Silly Me“ ist das F***- 

Wort provozierend in Szene gesetzt. Das Album „Lustfire“ von 

KAT KOAN ist kompromisslos abseits vom Mainstream und 

ein deutliches Goth-Wave-Statement. Ein Album, das den 

Speakern an Druck einiges abverlangt – unbedingt hörensund 

tanzenswert! 

facebook.com/KATKOANmusic 

C.S. 

BARBARA ZANETTI 

»Run For Life« 

Die Südtirolerin Barbara Zanetti, die neben dem Gitarren spiel 

auch die Zither beherrscht, präsentiert einen brandneuen 

Song: „Run For Life!“ Das Multitalent sang in Musicals, wie 

der Dreigroschenoper, moderierte eine Radio-Rock- 

Sendung, sang Hymnen für Biathlon-Meisterschaften und 

für die erste Eishockey-Liga beim HC Bozen. Auch im ZDF 

bei Andrea Kiewel war sie schon zu Gast. 2015 erhielt sie 

den Preis der deutschen Schallplattenkritik für das Album 

„74“ in der Kategorie Singer-Songwriter/Folk. Mit „Run For 

Life“ legt sie nach. Die Miss Südtirol von 2012 lässt aufhorchen 

mit motivierender Message, im Stil einer Uptempo- 

Hymne, poppig und positiv mitreißend. Radio aufdreh! 

barbarazanetti.com 

C.S. 

Bands werden geweckt. Das liest sich zwar alles wie ein 

wildes Sammelsurium verschiedenster Einflüsse, doch 

GREAT RED SILENCE verstehen es, die unterschiedlichen 

Stile ge konnt zu in sich stimmigen Songs und zu einem 

runden Ganzen zu mischen, was ein einheitliches Bild in 

exzellentem Soundgewand entstehen lässt. Für ungeübte 

Hörer mag „White Shark Café“ etwas zu düster, etwas zu 

verrückt, etwas zu trippy sein. Wer jedoch mit der Rock ge - 

schichte der letzten 50 Jahre etwas anfangen kann und dabei 

auch vor eingängigen Passagen nicht zurückschreckt, wird 

hier seine oder ihre helle Freude haben. 

www.facebook.com/GreatRedSilence 

P.S. 

ALWIN SMOKE 

»Five Steps To Zero« 

Alwin Smoke ist zurück. Nach dem Debüt „Sagattaria“ und 

dem Vorgänger „Spirit’s Free“ erscheint das neueste Werk 

von Alwin Smoke, dem Deutschen Rock und Pop Preisträger 

in „Bester Rhythm-&-Blues-Song 2014“: Eine rockige und 

poppige Platte ist „Five Steps To Zero“, oft im Stile der 80er. 

Einige sehr persönliche Akustiksongs in deutscher Sprache 

sind diesmal auch dabei („Dass es uns jemals gab ...“). 

Außerdem findet sich auf dem Album eine respektabel folkigrockige 

Version von „Greensleeves“. Alwin Smoke ist in fast 

allen Genres unterwegs und bringt mit „Five Steps To Zero“ 

wieder eine hochambitionierte Scheibe heraus. 

alwin-smoke-musik.de 

C.S. 

KAT KOA 

»Lustfire« 

„Artist in Spotlight“ kann man über KAT KOAN lesen. Ihr 

kühler, erotischer Gesang wird durch ihre Erscheinung 

noch unterstrichen. Das Album „Lustfire“ thematisiert die 

menschliche Beziehungsarmut und den Beziehungsersatz 

durch Liebesroboter. Das Debutalbum der Berlinerin orientiert 

sich an Elektro-Pop, Post Punk und Wave. KAT KOAN 

nimmt in „Lustfire“ kein Blatt vor den Mund. Der Sound ist 

elektronisch bis industriell klingend. Ihre prominenten 

Einflüsse sind das Who is Who von Stilikonen wie Björk, 

Nick Cave oder Anne Clarke. Der Opener „Dream“ erinnert an 

den Break-Beat-Sound von PJ Harvey, beschwörend und 

GREAT RED SILENCE 

»White Shark Café« 

Als Progressive-Blues-Rock bezeichnen GREAT RED SILENCE 

aus Österreich ihren Stil. Ob dies eine ernst gemeinte Be - 

schrei bung oder lediglich eine Verballhornung zeitgenössischer 

Absurditäten in Sachen musikalischer Selbstein - 

ordnung ist, bleibt offen. Denn während die Band definitiv 

einige progressive Elemente in ihren Sound einarbeitet, fehlt 

die Blues-Komponente dann doch ziemlich. Was einem hier 

stattdessen eher begegnet, sind Anleihen im Alternative 

Rock und an so unterschiedliche Acts wie THE POLICE und 

QUEENS OF THE STONE AGE. Doch die fünf Männer entwickeln 

auch einen ganz eigenen Stil, der teilweise wesentlich 

düsterer als genannte Referenzen daherkommt. So sind 

moderne Prog-Rock-Elemente, wie man sie etwa von DEVIN 

TOWNSEND kennt, ebenso herauszuhören. Auch Erin - 

nerungen an die Musik von Bands wie den FOO FIGHTERS, 

MUSE oder der berühmten modernen britischen Indie- 

VOCALENSEMBLE MEMORIES 

»Wishes And Hopes« 

Mit dem Ziel, den Stimmen mehr Vorrang und Aufmerksam keit 

zu schenken, begann das VOCALENSEMBLE MEMORIES 1985 

in Essen. Teile des Repertoires sind sakrale Gospels, Sakro- 

Pop, aber auch Hits aus Folk und Pop, beispielsweise von den 

Beatles. 7 Frauen und 5 Männer bilden ein vielstimmiges chorales 

Erlebnis. Teils a-cappella oder in Begleitung von Gitarren, 

Keys und Percussion sind die Besetzungen. Der Chor tritt zu 

kirchlichen sowie zu weltlichen Anlässen auf. Das neue Album 

„Wishes And Hopes“ erfüllt dem Chor-Enthusias ten alle 

Wünsche und Hoffnungen. Absolutes Highlight und um - 

werfend arrangiert ist VOCALENSEMBLE MEMORIES’ Version 

der Ballade „Mad World“ von Tears For Fears. Halleluja! 

Memories-web.de 


CD-REZENSIONEN 61 

MOIRA 

»ANOTHER LESSON« 

Einem wahren künstlerischen Multitalent können wir mit 

MOIRA aka Carola Wirth bei ihrem musikalischen Solotrip 

zuhören. Bereits in jungen Jahren war sie als Pianistin, 

Ballett-Tänzerin, Sängerin und Zeichnerin aktiv gewesen. Als 

gelernte Komponistin und Musikpädagogin verfügt sie zudem 

nicht nur über das praktische, sondern auch das theoretische 

Wissen, hochqualitative Musik zu schreiben – und so 

präsentiert sie sich auf „Another Lesson“ dann auch. Die 

Songs schaffen in ihrer Gesamtheit einen eindrucksvollen 

Spagat: und zwar den zwischen Dynamik und eindrucksvoller 

Verspieltheit sowie einer stets eindrücklichen und trotz 

der persönlichen Themen unaufgeregten Entspanntheit. In 

langsameren Momenten erinnern die Werke beispielsweise 

an die Musik von Lana del Rey oder Portishead, aber da ist 

noch viel mehr. Gesangstechnisch werden Erinnerungen 

mit bekannten weiblichen Soulgrößen wach, die vielspurigen 

Arrangements atmen den Geist solcher Größen wie Norah 

Jones oder Katie Melua. Doch ist das Ganze mitnichten ein 

reines Runterbeten von musikalischen Reminiszenzen. Eben 

dieser Mix vereint über kurze Strecken so viele unterschied - 

liche Eindrücke, dass Moira ihren ganz eigenen Stil zu kreieren 

scheint, der zwar vertraut, aber zeitgleich trotzdem neu 

und spannend klingt. Man kann Carola Wirth für „Another 

Lesson“ und seine musikalische Klasse nur beglückwünschen 

– hier wächst etwas heran, was jedem Musikinteres - 

sierten, der etwas auf seinen Geschmack hält, ein Ohr Wert 

sein sollte. 

www.moiramusic.com 

P.S. 

HERR WITTE 

»Wenn das Leben anders läuft« 

Leise, tiefgründiger Humor, deutschsprachige Texte, die 

Melancholie des Erzählten, die kleinen Dinge, die Emotionen 

bei den Hörern auslösen sollen: Das alles zeichnet die 

Musik des Liedermachers HERR WITTE und seine Band aus. 

Nach dem 2014 veröffentlichten Album „Herr Witte … sagt 

nicht alles“ ist mit „Wenn das Leben anders läuft“ im Mai 

dieses Jahres das zweite Album der unter anderem mit dem 

Deutschen Rock und Pop Preis 2016 ausgezeichneten, aus 

der „Euregion Aachen“ stammenden Kappelle erschienen. 

Auf diesem präsentiert das Trio, bestehend aus Jens Witte 

(Gesang, Gitarre, Klavier & Percussion), Andreas Mosch 

(Bass, Gitarre & Akkordeon) und Susanne Zielgens (Cello), 

den Zuhörern erneut verträumte und entspannte Chansons. 

Texte über die Merkwürdigkeiten des Lebens und die Un ge - 

reimtheiten der Liebe lassen in ihren Aussagen die Frei heit 

zur Interpretation durch den Zuhörer. Schräge Blick winkel – 

verpackt in ruhig-heitere Melodien in spannender Instru men - 

tierung. Insbesondere Susanne Zielgens schafft es immer 

wieder mit ihren gezielt eingesetzten Cello-Pas sagen, den 

Songs angenehme Stimmung und Tiefe zu verleihen und die 

Texte damit in ein angemessenes musikalisches Licht zu 

rücken (z. B. im Song „Wunderbar“). Im weiteren Verlauf des 

Albums stößt man immer wieder auf spannende Instru - 

men tierungen. Im Titelsong des Albums wird dem Refrain 

durch den Einsatz einer Klarinette geradezu Ohrwurm - 

charakter verliehen. „Der Gute“ besticht darüber hinaus durch 

Textpassagen in rheinischer Mundart. Solche kleinen, sich 

erst nach mehrmaligem Hören offenbarenden Feinheiten 

sind es, die „Wenn das Leben anders läuft“ von HERR 

WITTE im Zusammenspiel mit den einfühlsamen, intelligenten 

Texten zu einer kurzweiligen Angelegenheit für alle Fans 

deutschsprachigen Chansons machen sollten. 

www.herrwitte.de 

P.S. 

DIE TAUCHER 

»Landgang« 

Mit „Landgang“ präsentieren DIE TAUCHER ihr erstes Album 

seit sage und schreibe 28 Jahren – also fast seit der Geburt 

des Rezensenten. Vor über 30 Jahren wurde die Truppe 

gegründet. Was anfangs als Gag und nur für einen Auftritt 

im örtlichen Jugendhaus gedacht war, verselbstständigte 

sich innerhalb kürzester Zeit, zog immer größere Kreise und 

wurde zum echten Abenteuer für die „chlorreichen Vier“ aus 

der schwäbischen Provinz. Die erste Pressemappe ordnete 

die Band wie folgt ein: „Das abwechslungsreiche Pro gramm 

der vier aus dem Ulmer Raum stammenden Musiker reicht 

vom Invasions-Punk bis zum schweren Schlager. Die 

durchweg in deutscher Sprache gesungenen Texte handeln 

von Sex & Bier & Rock’n’Roll, nehmen die menschlichen 

Schwächen aufs Korn und machen vor nichts und niemandem 

Halt. Am allerwenigsten vor ihnen selbst.“ Was 1986 

galt, kann man nach dem ersten Hören von „Landgang“ 

auch heute noch attestieren. Die 13 Songs versprühen rohen, 

teils fiesen Punk-Charme, der musikalisch Zartbesaitete mindestens 

irritieren dürfte. Insbesondere die raue Stimme von 

Sänger Dr. Elmex A. und die straighten, ohne allzu viel schmü - 

ckendes Beiwerk auskommenden Kompositionen sollten 

jedem Fan von hartem Punk und Rock alter Schule Freude 

bereiten. Dabei gestaltet sich das Songwriting alles andere 

als eintönig: Der Opener „Unsterblich“ drückt direkt aufs 

Gaspedal und zollt den alten Zeiten Tribut. „Gott vom Schwer - 

metallgewitter“ nimmt musikalisch die Neue-Deutsche-Härte- 

Szene aufs Korn und „Diekönnunsnix“ erweist sich als tanzbarer 

Live-Hit mit Bläsereinsatz, dem man fast schon Funk- 

Einschlag attestieren kann. Auch textlich geht es bunt zu: 

Von angesprochener Nostalgie, Kultur- oder Sozialkritik bis 

zu reinen Stimmungssongs findet man eine Fülle an unterhaltsamen 

Themen. Bewusst roh, bewusst einfach, bewusst 

direkt – ganz wie damals und kein Stück aus der Zeit gefallen. 

Willkommen zurück, lasst euch nicht wieder 28 Jahre Zeit! 

www.dietaucher.net 

P.S. 

DACAPO 

»Covers« 

Seit einigen Jahren sind DACAPO in Baden-Württemberg 

und darüber hinaus als Live-Act unterwegs. Nun hat die auf 

Galas, Partys und Feste spezialisierte Coverband ihre erste 

CD veröffentlicht, die passenderweise mit dem einfachen und 

effektiven Titel „Covers“ versehen wurde. 15 stilistisch äußerst 

unterschiedliche Titel präsentiert die Band, bestehend aus 

Tatjana Gottschling (Gesang, Saxophon, Keyboards), Stefan 

Miklic (Gesang, Trompete), Benjamin Tomec (Schlagzeug, Ge - 

sang) und Jürgen Gottschling (Keyboards, Gitarre, Gesang) 

den Hörern. Vom deutschen Schlager der Münchner Frei - 

heit („Ohne Dich schlaf ich …“), Klassikern der 80er-Jahre 

(„Time After Time“/Cindy Lauper) bis zum Stadion-Rock 

(„Bed Of Roses”/Bon Jovi) und Neuer Deutscher Welle („Major 

Tom“/Peter Schilling) musizieren sich DACAPO durch ein breites 

Repertoire und zeigen ihre stilistische Band breite. Auch für 

eine Band ungewöhnlichere Nummern wie „What Is Love“ 

von Haddaway oder der Klassiker „Trompetenecho“ haben 

es auf die Scheibe geschafft und unterstreichen noch einmal 

die Variabilität des Quartetts. Vor allem die mit Bläser-Ein - 

sätzen versehenen Stücke wissen zu überzeugen und machen 

Lust auf mehr. 

www.tanzband-dacapo.de 

P.S. 

JØRG 

»Angry Road« 

Musikalisch faul auf der Haut zu liegen, kann man Jörg 

Klein aka Jørg nun wirklich nicht vorwerfen. 2018 erschien 

das Album „We Call It Blues“, Anfang 2019 das Tribute- 

Album „Love!“ und nun mit „Angry Road” bereits das dritte 

Album in kurzer Zeit. Nebenbei ist der Ingolstädter auch noch 

8 


62 REZENSIONEN 

als Musiklehrer aktiv – von so viel Umtriebigkeit können 

sich viele junge Musiker eine gehörige Scheibe abschneiden. 

Grundsätzlich hat sich Jörg Klein voll und ganz dem 

klassischen Rock’n’Roll verschrieben. Doch schon im Teen - 

ageralter ist er mindestens ebenso stark dem Blues anheim - 

gefallen. Diese Verbindung spiegelt sich über die gesamte 

Albumlänge deutlich wider. Mal dominiert der Blues („Can’t 

Let You Go“), mal der Rock („Angry Road“), doch nie wirkt 

die Symbiose unpassend, gezwungen oder unnatürlich. So 

erschafft Jørg zum wiederholten Male ein starkes, vor alter 

Schule (und zwar wirklich alter Schule) triefendes Werk, 

das als Verbeugung an Koryphäen wie Joe Cocker, Jimi 

Hendrix oder Stevie Ray Vaughn angesehen werden kann. 

Musik ist für ihn nach eigener Aussage gleichermaßen 

Vielfalt wie Präzision – und dies hört man seinen Stücken an. 

Technisch blitzsauberes Musikhandwerk mischt sich mit 

Spielfreude, Emotion und dieser lebendigen Mischung aus 

Blues und Rock. Gesanglich erinnert Jørg dabei einige Male 

angenehm an den eigentlich genrefremden Sivert Høyem, 

was dem Album eine weitere Ebene verpasst. 

Das hier ist die Musik, auf die Bands wie AC/DC oder Rose 

Tattoo musikalisch aufbauten und dadurch Weltkarrieren 

schufen. Für Jørg mag diese zwar ein bisschen zu spät 

kommen – aber einen Überzeugungstäter wie ihn sollte das 

nicht aufhalten, weitere Alben aufzunehmen. Weiter so! 

joergausingolstadt.de 

P.S. 

ACHIM SCHULTZ 

»Greetings« 

Obwohl die Beatles auf lediglich etwa zehn Jahre aktive 

Bandgeschichte zurückblicken können, avancierten sie zur 

er folgreichsten und für die Popmusik darüber hinaus wohl 

einflussreichsten Band der Geschichte. Da verwundert es 

nicht, dass unzählige Musikschaffende das musikalische Erbe 

der vier Jungs aus Liverpool nun bereits über Jahrzehnte weitertragen 

– sei es als Coverbands oder als Acts, die den musikalischen 

Geist der Beatles mit eigenen Kompositionen wieder 

aufleben lassen. Einer von Letzteren ist der aus München 

kommende Achim Schultz. In den 1960er-Jahren war er einer 

der ersten Beatmusiker in Deutschland. Mit seiner Band „The 

Masters“ konnte er zahlreiche Nachwuchspreise einheimsen. 

Der laut eigener Homepage „letzte Beatle in und um 

München“ veröffentlicht mit seiner neuen Scheibe „Greetings“ 

nun zehn neue Stücke, die den Geist der großen Jahre des 

Beat atmen. Ganz auf heutige kompositorische Konventionen 

pfeifend orientiert er sich ganz an seinen nordenglischen 

Idolen. Acht Jahre nach seiner letzten Scheibe „Liverpool“ 

gedenkt er mit Songs wie „Time“, „Rain“ oder „The Long 

Way“ George, John, Ringo und Paul und liefert zeitgemäß 

interpretierte und produzierte Beatmusik „made in Germany“. 

www.achim-schultz.de 

P.S. 

KANDA 

»Hangover« 

Mit „Hangover“ tritt die Band KANDA in die deutsche 

Musikszene. Das Stuttgarter Duo ist online gar nicht so 

leicht aufzufinden, was die Recherche recht schwierig 

gestaltet. Die erst vor Kurzem gegründete Band, bestehend 

aus Katrin Medde und Alexander Menichini, beschreibt sich 

als „Kinder von gestern mit dem Spielzeug von morgen …“. 

Die Leichtigkeit, die aus diesem Zitat sprüht, setzt sich 

nahtlos in ihrer Musik fort (soweit man das anhand der vorhandenen 

Single beurteilen kann). Stilistisch orientieren sich 

KANDA am ehesten an Künstlern, die heutzutage gerne mit 

dem Label „Deutschpoeten“ versehen werden: Johannes 

Oerding, Clueso oder Andreas Bourani kommen einem da 

schnell ins Gedächtnis – wenngleich sich KANDA natürlich 

von den Genannten unterscheiden, weil Katrin Medde als 

Sängerin den Songs hier ihre weibliche Stimme verleiht und 

den Stücken damit einen eigenständigen Sound verpasst. 

Kompositorisch ist das radiotaugliches, gehobenes Pop- 

Niveau, und das ist gar nicht despektierlich gemeint, denn 

offen hörbar ist dies auch das Ziel von KANDA: Gute, 

handgemachte Popmusik, die gute Laune verbreitet und 

die Hörer nicht mit plumpen Botschaften langweilt. Mit 

„Hangover“ hat das Duo schon einmal den richtigen Schritt 

gemacht. 

www.facebook.com/Kanda-479137632838057 P.S. 

MIR ZUR FEIER 

»Mir zur Feier« 

Metalbands setzen sich entgegen der landläufigen Massen - 

meinung gerne mit philosophischen, tief- und abgründigen 

und schwierigen Themen auseinander und lassen sich dabei 

auch gerne von bekannter Literatur inspirieren. In diese 

Kerbe schlagen auch MIR ZUR FEIER aus Bielefeld – wenngleich 

es die Band um Sängerin Mara Bach sogar noch eine 

Nummer bunter treibt. Die Ostwestfalen setzen sich nämlich 

intensiv mit Rainer Maria Rilkes Gedichtband „Mir zur 

Feier“ auseinander und umkleiden seine von Tod, Leid und 

Sehnsucht geprägten Texte mit harten, modernen Metalriffs 

und einem rohen, in diesem Genre nicht oft gehörten, authen - 

tischen Sound. Dieser Sound ist es denn auch, der Text und 

Musik hier zur Einheit werden lässt. Eine glattgebügelte Pro - 

duktion würde die gesungenen Texte und die darin geschilderten 

gedanklichen und seelischen Abgründe konterkarieren. 

So fügen sich Klang und Inhalt zusammen und sorgen 

für lang anhaltende Neugier beim Entdecken der Songs. 

Auch kompositorisch kann sich das selbstbetitelte Debüt 

der vierköpfigen Truppe hören lassen, da man stets bemüht 

ist, für stilistische Varianz zwischen und innerhalb der Songs zu 

sorgen. Zwar lässt sich das Ganze deutlich mit melodischem 

Death Metal beschreiben, doch MIR ZUR FEIER legen darauf 

Wert, keine Eintönigkeit aufkommen zu lassen und bedienen 

sich sowohl klassischer als auch neuer Elemente. Das 

Ganze ist für unbedarfte Rock- und Musikhörer sicherlich 

mehr als gewöhnungsbedürftig. Freunde harter Musik, die 

offen für neue Interpretationen ihres Lieblingsgenres sind, 

kommen hier allerdings auf ihre Kosten und können eine 

junge Band bei ihren ersten Schritten begleiten. 

www.mirzurfeier.de 

P.S. 

DER C.A.S.S.R.O.L.L. 

»Erkenntnis« 

Eine Aneinanderreihung von Anfangsbuchstaben, also von 

Namen und Begriffen, bildet den eigenartigen Bandnamen 

C.A.S.S.R.O.L.L. – auffällig, kultig, andersartig. Der 

C.A.S.S.R.O.L.L. aus Nürnberg-Langwasser hat beim 35. 

Deutschen Rock & Pop Preis 2017 in der Kategorie „Bester 

Hard-Rock-Song“ den 1. Platz gewonnen! Welche Er kenntn is? 

Das aktuelle Album „Erkenntnis“ wird uns sogleich die notwendige 

selbige akustisch liefern. Hervorzuheben ist die 

Instrumental-Sektion, die rockig arrangiert gitarrenlastigen 

Rock’n’Roll zelebriert. Bluesige und ausladende Soli reißen 

mit. Um Krautrock handele es sich hier, gibt der Künstler zu 

erkennen. „Ich bin die vergessene Legende aus Nürnberg- 

Langwasser. Mein Sound ist echter Krautrock!“ bemerkt er 

weiter. Der Gesang transportiert eindringlich die Botschaft. 

In „Zeig uns“ wird ein durchaus christlich-spiritistischer Inhalt 

erkennbar. Eine Begegnung mit Jesus wird zum Zwie ge - 

spräch und Gebet zugleich. Und in „Alkohol“ wird der Zeige - 

finger erhoben, der uns vor der vermeintlichen Intoxikation 

warnt. Hier ist ein grooviges, Boogie-rockiges Album, das 

dem christlichen Krautrock-Fan wohlige Schauer erzeugt. 

cassroll.com 

C.S. 

FLORIAN W. HUBER 

»Was bleibt« 

Florian W. Huber ist ein musikalischer Frühstarter: Bereits 

im zarten Kindesalter unternahm er im heimischen Schlaf - 

zimmer der Eltern erste (heimliche) Gehversuche an der Gi - 

tarre. Die frühen Ambitionen in „geordnete“ Bahnen gelenkt, 


REZENSIONEN 63 

entwickelte er sich zu einem umtriebigen Jungmusiker und 

lotete bis hin zur Neuen Deutschen Härte mit seiner Band 

HERTZSCHLAG viele Stile aus. Angespornt durch die Aus - 

zeichnung als bester Deutscher Singer-Songwriter widmet 

er sich seit 2013 jedoch wieder den eher ruhigen Tönen, 

wenngleich sich sein musikalisches Tun mitnichten nur in 

akustischen Gefilden abspielt. Unterstützt durch seine Band 

liefert er auf „Was bleibt“ moderne deutsche Popmusik mit 

musikalischem und lyrischem Tiefgang und ohne Platti tü - 

den. Anspruchsvoll und doch eingängig arrangiert und be - 

eindruckend professionell und songdienlich produziert 

kommen die acht Stücke daher und bieten Einblick in 

Hubers Seelen leben. So mordern die Stücke klingen, hört 

man seine musikalischen Wurzeln allerdings immer noch 

deutlich raus. Alte Granden der deutschen Popularmusik 

wie Heppner, Westernhagen oder Grönemeyer haben hier 

neben einigen modernen Acts eindeutig ihre Spuren hinterlassen. 

„Was bleibt“ nimmt die Hörer mit auf eine abwechslungsreiche 

Reise durch die deutsche Popmusik der vergangenen 

35 Jahre – und durch Hubers Gedanken. Bei der lyrischen 

Umsetzung kommt dem Sänger dabei sein poetisches 

Geschick zugute, das er in anderer Tätigkeit beispielsweise 

auch in Schriften zur philosophischen Lebenskunst be weist. 

florianwhuber.de 

P.S. 

PETER REIMER 

»Whats Left« 

Instrumentalmusik zum Wegträumen und Entschleunigen 

ist das Metier von Peter Reimer. Auf seinem bereits 2017 

veröffentlichten Werk präsentiert er reduzierte, aber stilistisch 

vielfältige Gitarrenmusik. Seine als „World Pop“ bezeichnete 

Musik kommt ohne viel Trara aus und weiß durch ihre Ein - 

fachheit zu überzeugen. Leichte Percussion trifft hier auf 

amerikanisch geprägtes akustisches Gitarrenpicking und 

aus dem Flamenco stammende Twin Leads, die den Songs 

Leichtigkeit verleihen. „Wenn Peter Reimer zur Gitarre greift 

und seine einmaligen Looperperformances startet, kommt 

man sich schnell vor, als würde man abheben und schwerelos 

im Raum schweben oder fliegen. Räume öffnen sich, 

Türen gehen auf, es entsteht Weite zum Atmen und man 

möchte nur noch Eintauchen in diese einmaligen Klang welten 

und hofft, dass das Stück noch etwas länger dauert. Fast 

himmlisch.“ So heißt es auf seiner Homepage und genau 

genommen muss man das so unterstreichen. Dies ist zwar 

keine Musik für die Massen, aber zeitgleich doch für jeden 

Menschen, der etwas mit entspannender Gitarrenmusik und 

Kopfkino anfangen kann. 

www.peter-reimer.de 

P.S. 

THE POOL 

»Woow« 

Mit „Woow“ präsentiert die Berliner Electro-Pop-Combo 

THE POOL ihre neue Single. Was der Pool tut, ist wie im 

Promo schreiben erwähnt nicht ganz leicht in Worte zu fassen. 

Leichter, elektronischer Industrial trifft den Nagel in etwa 

auf den Kopf. Die Band ist Teil der Berliner Clubszene und 

eröffnet in der Regel Clubnächte als einziger Live-Act. 

Diese Live-Souveränität mit gleichzeitigem Bezug zur elektronischen 

Musik spiegelt sich gut in „Woow“ wider und 

macht das Ganze mitsamt dazugehörigem, authentischem 

Video zu einer kurzweiligen Angelegenheit für alle, die 

schon mal wissen wollten, wie die oft besungenen „Kreuz- 

berger Nächte“ im Zeitalter der elektronischen Musik wohl 

so aussehen. Alle, die das bereits wissen, werden diesen 

Song sowieso mögen. 

www.facebook.com/thepoolbynight 

ALEXANDRA LINETT 

»Die weiße Taube« 

„Die weiße Taube“ ist ein Konzertmitschnitt der Politologin 

und Psychologin Alexandra Linett. Die ausgebildete Mu si - 

kerin präsentiert Pop-Chansons für den Frieden. Ein neuer 

Lieder zyklus zum Thema Frieden wurde von Linett mit Band 

am 23.09.2018 im Goldbekhaus zu Hamburg vorgetragen. 

Das Instrumentaltrio ist besetzt mit Piano, E-Bass und 

Drums. Linett intoniert ihre Stücke im aufklärenden Stil, 

dabei aufklärend theologisch erzählend. Ihre In spi rationen 

entspringen Kinderliedern. Lichtblick ist die solide Band um 

Joachim Kuipers. Gerne hätte man noch mehr In stru men tales 

und weniger Sakrales gehört. Dem Anspruch, den Frieden 

im Chanson oder gar Pop-Stil zu begegnen, wird Linett nicht 

gerecht. 

alexandra-linett.de 

Rezensenten: 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 

P.S. – PHILIPP STRUNK 

P.S. 


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Lektorat: 

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Musiker Magazin 3/2019

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