Spieltriebe - Burgtheater

vorspiel 

Das Magazin Des wiener Burgtheaters 

März / april / Mai 2008 

nr. 44 

wisst ihr noch wisst ihr noch 

wisst ihr noch wisst ihr noch 

wisst ihr noch die alten zeiten? 

»Pool (kein Wasser)« von Mark Ravenhill 

in Kooperation mit

IMPRESSUM 

titelbild: Sylvie Rohrer als a und Christian nickel als D 

in »Pool (kein Wasser)« von Mark Ravenhill 

vorspiel. Das Magazin des Wiener Burgtheaters 

erscheint fünfmal jährlich als Sonderbeilage der 

tageszeitung »Der Standard« 

Medieninhaber und herausgeber: 

Direktion Burgtheater Gesmbh 

1010 Wien, Dr. Karl lueger-Ring 2 

Redaktion: Dramaturgie Burgtheater 

Gestaltung: herbert Winkler, annika Rytterhag 

Collettiva Design 

herstellung: Goldmann-Zeitungsdruck Gesmbh 

3430 tulln, Königstetter Straße 132 

Saison 2007/2008 

Inhalt 

Inhalt 

4 leitartikel: »Wurzeln sind ein hindernis« aus der Rede von Jorge Semprún 

6 »Ich bin alle meine Figuren auf einmal« – Yasmina Reza über »Der Gott des Gemetzels« 

9 Rund um Shakespeares Geburtstag – tagung der Shakespeare Gesellschaft in Wien 

10 Zu Gert Jonkes Stück »Freier Fall« – Jochen Jung über Gert Jonke 

12 Robert lehniger und Johannes Schrettle über ihr neues Projekt 

»Ich habe King Kong zum Weinen gebracht« 

15 »Das lächeln am Fluss« von henry Miller und »Die Präsidentinnen« von Werner Schwab 

16 Spieltriebe: »Der mystische Grund der Zivilisation« von David lindemann, 

»lichtscheu« von Stephan lack und »Mein arm« von tim Crouch 

18 Ein Gespräch mit Jürgen Kuttner über seine Videoschnipselabende 

21 Über die Verpflichtung zur Verantwortung – henning Mankell im Burgtheater 

23 Porträt: Dr. Gerhard Blasche 

24 Rund um die Uhr: Das Burgtheater vor der Vorstellung – 17 bis 20 Uhr 

27 Magazin 

Wichtiger hinweis 

für Wahlabonnenten! 

Da das Burgtheater im Juni wegen 

der Fan-Meile der Euro 2008 nicht 

bespielt werden kann, können 

die Wahlabonnenten ihre Schecks 

für das Burgtheater auch noch im 

September 2008 einlösen. 

achtung: Für das akademietheater 

müssen die Schecks wie bisher bis 

Ende Juni 2008 eingelöst werden. 

autoren 

der Gegenwart 

im Burgtheater 

Von Ingeborg Bachmann und Werner 

Schwab bis zur jüngsten österreichischen 

Dramatik ist das Burgtheater 

Schauplatz gegenwärtiger literarischer 

Unternehmungen: 

texte von Ingeborg Bachmann, Gert 

Jonke, Götz aly, henning Mankell, 

Werner Schwab, Yasmina Reza, tim 

Crouch, David lindemann, Johannes 

Schrettle und Stephan lack ergänzen 

in diesem Frühjahr den umfangreichen 

Spielplan des Burgtheaters. 

3

Leitartikel 

4 

Wurzeln sind ein Hindernis 

Auszug aus der Rede von Jorge Semprún, gehalten im Burgtheater am 12. März 2008 

Vor siebzig Jahren, als die Panzer von Hitlers 

Wehrmacht langsam durch die Straßen von 

Wien rollten, trug Sigmund Freud zwei lateinische 

Worte in sein Tagebuch ein, nur zwei 

Worte: Finis Austriae. 

Der Mann, der diese beiden schneidend 

knappen Worte schrieb, Finis Austriae, und 

so ein kurzes und kategorisches Epitaph für 

eine historische Epoche verfasste, war der 

Erfinder einer revolutionären Theorie, die 

die Beziehungen des Menschen zu sich selbst 

zu seinem eigenen In-der-Welt-Sein, als Individuum 

und als geschichtliches Wesen, substantiell 

und definitiv veränderte. 

Ich möchte zwei Aspekte dieses Werks betonen, 

dieses Lebens, das sich der Erforschung 

der Wirklichkeit verschrieben hatte, denn sie 

stehen in einer gewissen Beziehung zu der 

Erinnerung an jenes weit zurückliegende Datum, 

vor siebzig Jahren, das nicht nur den 

Untergang Österreichs, Finis Austriae, sondern 

auch – wie wir gleich sehen werden – 

den Untergang Europas anzeigt. 

Der erste Aspekt aus dem Werk von Sigmund 

Freud, den ich betonen möchte, bezieht 

sich auf seine stetige Anstrengung, die 

kontradiktorischen Umstände und Entwicklungen 

der gesellschaftlichen Realität 

zu erhellen. Ich möchte das Interesse an 

einem Essay aus dem Jahre 1921 hervorheben: 

»Massenpsychologie und Ich-Analyse« 

aus dem Jahr 1921 enthält in nuce durch die 

Untersuchung gesellschaftlicher Phänomene 

wie der Vermassung, des Herdentriebs, des 

Personenkults um den Führer, eine erste und 

in die Zukunft weisende Analyse des Totalitarismus, 

der ein Jahrzehnt später Europa 

überrollen und vernichten würde. 

Neben diesem analytischen Scharfsinn 

Freuds möchte ich gerne einen zweiten Aspekt 

seines Lebens und seines Werks hervorheben: 

es ist seine Zugehörigkeit zum 

Judentum, seine Eingliederung in jene jüdische 

Kultur deutscher Sprache, die besonders 

in Wien in den 20er und 30er 

Jahren in Blüte stand und ohne die es unmöglich 

wäre, all das zu verstehen, was damals 

in Europa geschah. 

Es genügt, an die bedeutendsten Namen jener 

Epoche zu denken, und zwar in allen 

Bereichen der Wissenschaft, der Literatur 

und der Künste: wir öffnen ein Verzeichnis 

jüdischer Namen. Wir schlagen einen 

Almanach einer Epoche auf, in der es ei- 

nige Jahrzehnte lang möglich schien, dass 

die deutsche Sprache der universalistischen 

Kultur des europäischen Judentums, das 

sich dank des Geistes der Aufklärung und 

der revolutionären Utopie von seinen eigenen 

Beschränkungen emanzipiert hatte, eine 

Heimstatt bieten und Schutz gewähren würde: 

hier konnte man Wurzeln schlagen, dies 

war der fruchtbare Boden, auf dem man seinen 

Wohnsitz nehmen konnte. 

All das endet 1938, an jenem Märztag. Alle 

Jorge Semprún 

Möglichkeiten, die die Geschichte – zumindest 

virtuell – noch für die Aufrechterhaltung 

und die Entwicklung eines politischen Pluralismus 

und der demokratischen Vernunft anbot, 

alle diese Möglichkeiten wurden zerschlagen. 

Sigmund Freud hätte seinen kurzen Ausruf 

von vor siebzig Jahren, Finis Austriae, eigentlich 

so erweitern können, Finis Europae. 

Drei Jahre zuvor, 1935, hatte schon jemand 

die Aufmerksamkeit auf die Gefahren gelenkt, 

dass Europa der Barabarei nicht widerstehen 

könnte: der Philosoph Edmund 

Husserl. 1935 hatte Husserl zunächst hier in 

Wien, und ein paar Monate später in Prag, 

einen Vortrag über Europa und die Krise der 

Philosophie gehalten. 

Für mich handelt es sich hier in gewisser Weise 

um einen Gründungstext, weil es ein Text 

ist, der zum ersten Mal klar und deutlich das 

Projekt formuliert, die dynamische und be- 

wegliche Idee, die die moderne europäische 

Gemeinschaft begründet. 

Wenn wir über Europa nachdenken, wenn 

wir daran denken, was Europa im Lauf der 

historischen Entwicklung seit Jahrhunderten 

ausgemacht hat, werden wir gleich feststellen, 

dass Europa seine politisch-kulturelle 

Gestalt (seine geistige Figur, wie Husserl sagen 

würde) verändert hat. Manchmal geschah 

das auf radikale, revolutionäre Weise. 

2007/2008 Saison

So hat sich Europa in seinen Anfängen als 

Christentum definiert und behauptet, selbst 

dann, als es unmenschliche und arrogante 

Exzesse wie Inquisition und Kreuzzüge 

durchführte. 

Dann hat sich Europa nach und nach mithilfe 

der Ideen der Renaissance und der Aufklärung 

definiert, die genau das Gegenteil des 

Christentums bedeuten, da sie unter anderem 

die Bestätigung der Rechte der kritischen 

Vernunft sind, des laizistischen Rechtsstaats, 

der sozialen Marktwirktschaft. 

Wie kann man Europa denken, ohne dabei – 

zum Beispiel – an die Französische Revolution 

zu denken, die Erklärung der Menschen- 

und Bürgerrechte? 

Aus all dem Gesagten geht hervor, dass es 

sinnlos und unnütz ist, wenn man ausschließlich, 

wie es jetzt in gewissen Kreisen Mode 

geworden ist, auf die christlichen Wurzeln 

Europas verweist, weil das einengend und 

engstirnig ist, weil es letztlich sogar das Gegenteil 

bewirkt. 

Europa ist keine Pflanze, kein Baum, Europa 

hat keine Wurzeln noch braucht es sie. Europa 

braucht die Erinnerung und das Projekt der 

Zukunft, mit einer homöopathischen Dosis 

von Illusion und Utopie, wie jedes realistische 

Projekt. Wurzeln wären da lediglich 

ein Hindernis. 

Wenn also die historische Essenz Europas, 

ihre Einzigartigkeit innerhalb der Zivilisatio- 

nen des Universums, genau in der Unterschiedlichkeit 

ihrer Ursprünge, ihrer Sprachen, 

ihrer Bürgerkulturen oder Religionen 

liegt: worauf kann dann die Einheit, die Europäische 

Union, die wir alle anstreben, 

gründen, worauf kann sie aufbauen? 

Edmund Husserl hat die Antwort auf diese 

entscheidend wichtige Frage bereits formuliert, 

und er tat es hier im Wien von Klimt 

und Schiele, Musil und Broch, Wittgenstein 

und Moritz Schlick, Mahler und Schönberg, 

im Wien Sigmund Freuds. 

Er sagte in seinem Vortrag, dass es nicht 

um ein »Nebeneinander verschiedener, 

nur durch Handel und Machtkämpfe sich 

beeinflussender Nationen« gehe, sondern 

um den Aufbau einer Übernationalität, einer 

Supra-Nationalität – ein völlig neues 

Konzept, das auf dem kritischen Geist, 

der Freiheit, dem Erbe der besten europäischen 

Traditionen gründe. 

Das heißt: die Einheit Europas kann nicht 

Saison 2007/2008 

auf einer Normalisierung oder Homogenisierung 

ihrer Unterschiede gründen, die bestehen 

bleiben müssen in ihrer operativen 

Originalität, sondern auf einem Kern von gemeinsamen 

politischen Werten: den Werten 

der kritischen, demokratischen Vernunft. 

Aus diesem Grund appellierte Husserl 

eindringlich an ein »Heldentum der Vernunft«. 

Und er beendete den Vortrag mit 

dem Ausruf: Europas größte Gefahr ist 

die Müdigkeit. 

Muss man heute diese Warnung wiederholen? 

Natürlich ist es offensichtlich, dass sich 

die historische Situation radikal verändert 

hat. Als wir 1935 den großen Aufschwung 

verschiedener Totalitarismen 

erlebten, war die parlamentarische Demokratie 

schwach, fühlte sich verachtet und 

wurde sowohl von der Rechten wie von 

der Linken angegriffen. Heute befinden 

wir uns in einer anderen Situation. 

Das größte und wichtigste Zeichen des 

Wandels der letzten Jahrzehnte ist die Existenz 

der Europäischen Union, die Rea- 

lität einer Supra-Nationalität, die auf 

die Ideen Edmund Husserls reagiert und 

antwortet, auf die klaren und vorausblickenden 

Reflexionen dieses alten deutschen 

und jüdischen Philosophen, den die 

Nazis mit Repressalien verfolgten. 

Man könnte die Verdienste und Ergebnisse 

der europäischen Konstruktion lange 

und ausführlich aufzählen – angefangen 

mit der deutsch-französischen Aussöhnung 

und der Schaffung eines friedlichen 

Raumes bis zur Akzeptanz der kulturellen 

Unterschiedlichkeit und unserer gemeinsamen 

Verteidigungspolitik. 

Aber in Zeiten von Wachstumskrisen, in 

denen wir jetzt leben, von Orientierungskrisen, 

wo es an charismatischer und fester 

politischer Führung fehlt, sollte man den eindringlichen 

Appell Husserls, Aufmerksamkeit 

zu bewahren, nicht vergessen. 

Was auch immer die Fortschritte sein mögen: 

Müdigkeit und Skepsis, auch wenn 

sie sich heute anders manifestieren, da 

keine Gefahr eines wachsenden staatlichen 

Totalitarismus wie in den 30er Jahren 

existiert, bleiben doch die größten Gefahren 

für Europa. 

Es würde keinen Sinn machen, an die Ereignisse 

von vor siebzig Jahren zu erin- 

Leitartikel 

nern, wenn wir dieses Gedenken nicht 

dazu nutzen würden, ein neues Übereinkommen 

und Engagement mit der Zukunft 

unseres Europas zu schließen. 

Denn Europa braucht keine Wurzeln: es 

braucht Beweglichkeit, gemeinsame Projekte 

und Ziele. Europa braucht Zukunft, 

nicht nur als sozial-ökonomisches Gebilde, 

sondern auch als geistige Figur, wie 

Husserl gesagt hat. 

Übersetzung Michi Strausfeld 

Jorge Semprún, zunächst aufgewachsen in 

einer großbürgerlichen, linksliberalen Familie 

in Madrid, ging 1936 beim Ausbruch 

des spanischen Bürgerkriegs mit seiner Familie 

ins Exil nach Den Haag. Nach dem 

Sieg des Franco-Regimes übersiedelte die Familie 

nach Paris. Dort begann Semprún an 

der Sorbonne das Studium der Philosophie. 

1941 trat er der Résistance bei und wurde 

ein Jahr später Mitglied der Kommunis 

tischen Partei Spaniens (PCE). Bei seiner Arbeit 

im Untergrund gegen die deutschen Besatzer 

wurde Semprún 1943 von der Gestapo 

verhaftet und nach Verhören und Folter in 

das Konzentrationslager Buchenwald deportiert. 

Dort beteiligte er sich am lagerinternen, 

von den Kommunisten aufgebauten Widerstand. 

Nach der Befreiung des KZ Buchenwald 

kehrt er nach Paris zurück. 

Von 1953 bis 1962 koordonierte Semprún 

die geheime Tätigkeit der PCE gegen das 

Franco-Regime. 1964 wurde er wegen 

parteischädigenden Verhaltens aus der 

Exil-PCE ausgeschlossen. Von der Regierung 

Felipe González wurde er 1988 zum 

Kulturminister berufen; als Parteiloser übte 

er das Amt bis zum Jahr 1991 aus. Heute 

lebt Jorge Semprún in Paris. 

Im Jahre 1963 veröffentlichte er sein erstes 

Buch, »Die große Reise«, für das er mit 

dem »Prix Formentor« ausgezeichnet wurde. 

Er veröffentlichte weitere Bücher und 

schrieb Drehbücher, z. B. für den Film »Der 

Krieg ist aus« (1966) für den Politthriller 

»Z« (1968) über das griechische Militär- 

regime und »Das Geständnis« (1979). 

2006 wurde ihm der Österreichische Staatspreis 

für Europäische Literatur verliehen. 

5

Burgtheater 

6 

Ich bin alle meine Figuren auf einmal 

Yasmina Reza im Gespräch über »Der Gott des Gemetzels« 

Sie ist die erfolgreichste Gegenwartsdramatikerin weltweit: Yasmina Reza. Mit ihren 

wenigen Stücken, darunter den beiden am Burgtheater aufgeführten »Kunst« und »Drei 

Mal Leben«, eroberte sie in kürzester Zeit die Bühnen und wurde in drei Dutzend Sprachen 

übersetzt. Sie ist eine Autorin, die aus der Praxis kommt, eine Schauspielerin, die 

um die Notwendigkeit funktionierender Dialoge weiß und um die Unabdingbarkeit von 

Psychologie und Atmosphäre, damit aus Figuren Menschen werden. Die österreichische 

Erstaufführung ihres jüngsten Stückes »Der Gott des Gemetzels«, in dem ein Nachmittag 

heillos aus den Fugen gerät, wird in der Inszenierung von Dieter Giesing im Burgtheater 

zu sehen sein. 

Yasmina Reza, die nur selten Interviews gibt, sprach mit dem Nouvel Observateur über 

ihr kürzlich auch auf Deutsch erschienenes Buch über Nicolas Sarkozy »Frühmorgens, 

abends oder nachts« und ihr Stück »Der Gott des Gemetzels«. 

Haben Sie sich von dem Sturm erholt, den 

Ihr Buch über Nicolas Sarkozy im vergangenen 

August entfesselt hat? 

Es war wohl Naivität oder Arroganz meinerseits, 

dass ich dachte, das Buch würde 

nicht auf sein Thema reduziert. Aber 

das Thema ist stärker gewesen. Es hat die 

Oberhand gewonnen. Ich hatte geschrieben: 

»Ich glaube nicht, dass der Innenminister 

[Sarkozy war zu dieser Zeit Innenminister 

und noch nicht Präsident] stärker ist als 

ich.« Er war es nicht während des Schreibens, 

aber bei der Aufnahme des Buches 

durch die Medien. »Frühmorgens, abends 

oder nachts« befindet sich paradoxerweise 

in einer sehr zwiespältigen Situation. Das 

Buch hat einen enormen kommerziellen 

Erfolg, der aber leider auf einem Missverständnis 

beruht, weil das Buch aus einer 

sehr eingeschränkten Perspektive rezipiert 

wird. Dabei ist dieses Buch sehr persönlich, 

es offenbart intime Dinge durch den 

Versuch, wie Sie bemerkt haben werden, 

in der Hohlform seines Gegenstandes ein 

Selbstporträt zu entwerfen. Das ist auch 

der Grund, weswegen es mich ein wenig 

schmerzt, in diesem Zusammenhang karikiert 

oder als Mittelmaß eingestuft zu werden. 

Ich spreche erst gar nicht von all diesen 

Schnüfflern, die so weit gegangen sind, die 

Angehörigen des Präsidenten zu befragen, 

wie »sich das mit mir abgespielt hätte«. Ich 

habe wirklich viele Dummheiten und Unwahrheiten 

gelesen. 

Haben Sie Sarkozy seither gesehen? 

Nein. Wir haben uns ein einziges Mal am 

Telefon gesprochen, einen Monat nach dem 

Erscheinen des Buches. Ich glaube, er denkt 

– übrigens gerade aufgrund des Titels –, das 

Buch handle nicht wirklich von ihm. Ich 

sehe »Frühmorgens, abends oder nachts« 

als eine Art Kohlezeichnung, mit klaren Linien 

und unscharfen oder radierten Linien. 

Ich habe einen Mann im Aufstieg »gezeichnet«, 

während einer bestimmten 

Zeit – die zentrale Figur einer Gruppe 

von Männern, die ich seit langer Zeit beobachte 

und zu verstehen versuche. Es ist 

weder ein politisches Buch noch ein Buch, 

das auf die Konjunktur dieses bestimmten 

Politikers schielte. 

Selbst wenn die Politik nicht das Thema 

Ihres Stückes »Der Gott des Gemetzels« 

ist, illustriert sie perfekt dessen zentrales 

Thema: das zivilisierte Wesen ist nur ein 

Wilder, der sich beherrscht, und es genügt 

ein Nichts, damit die falsche Höflichkeit in 

die wahre Barbarei kippt. 

Ich glaube nicht, dass der Mensch friedliebend 

ist. Ich glaube, dazu haben wir uns seit 

der Steinzeit nicht entwickelt, und der Lack 

der Zivilisiertheit, der uns vor der Rohheit 

bewahrt, ist so beunruhigend dünn, dass er 

nur darauf wartet, jeden Moment zu platzen. 

Stecken Sie vier Leute in einen Lift, der 

eine Panne hat, und die werden verrückt. 

Es genügt der Ausbruch von Panik, und alle 

zertrampeln einander. Beobachten Sie Kinder 

in der Sandkiste, sie haben keine andere 

Wahl als sich gegenseitig zu schlagen, um 

irgendetwas, irgendein Ding zu behalten. 

Ich schreibe darüber, wie wir von unseren 

Nerven gesteuert werden. Alle Figuren, die 

ich bislang geschaffen habe, sind wohlerzogene 

Leute, die einander versprochen haben, 

sich gut zu benehmen. Aber sie sind 

zugleich so impulsiv, dass es ihnen nicht ge- 

lingt, den Kurs zu halten, den sie sich selbst 

vorgegeben haben. Sie entgleisen, gegen ihren 

Willen, um den sie selbst im Affekt noch 

wissen. Dieser Kampf gegen sich selbst ist 

genau der Punkt, der mich interessiert. 

Woher kam Ihnen die Idee für dieses 

Stück? 

Mein Sohn erzählte mir, als er zwölf war, 

die Geschichte eines seiner Freunde, dem 

ein Klassenkamerad mit einem Stock den 

Zahn ausgeschlagen hat. Nach der Schule 

traf ich auf die Mutter des Opfers und 

fragte sie, ob es ihrem Sohn schon besser 

ginge. Da antwortete sie: »Stellen Sie sich 

vor, wir haben den Eltern des Jungen, der 

unseren Sohn angegriffen hat, eine Nachricht 

auf dem Anrufbeantworter hinterlassen, 

und sie haben uns nicht einmal zurückgerufen!« 

Ich habe gespürt, dass das ein 

ideales Thema für mich ist. 

Es ist das beklemmende Porträt von Eltern, 

die – wie es Annette in dem Stück sagt – 

»absolut kindisch die Partei ihrer Kinder 

ergreifen.« 

Eltern von Schulkindern bilden zum Teil einen 

etwas terroristischen Menschenschlag. 

In den Elternversammlungen interessieren 

sich gewisse Eltern mit verblüffender Ernsthaftigkeit 

dafür, das Gemeinschaftsleben 

ihrer Kinder zu organisieren. 

Verkürzt gesagt: Ihre beiden Paare sind 

eher »links« und tragen ihre gute Gesinnung 

stets vor sich her. 

Ich habe meine Figuren niemals politisch 

eingeordnet, und ich bin nicht sicher, ob 

die gute Gesinnung das Vorrecht der Linken 

ist. Es ist insofern wahr, als die Linke es 

besser als die Rechte verstand, das Gute zu 

repräsentieren – ein Nachteil, den die Rechte 

niemals aufholen wird. In dem Stück stellen 

die vier Personen anfangs, ich würde sagen: 

den guten Willen zur Zivilisiertheit zur 

Schau. So wie ich es an ihrer Stelle auch tun 

würde. Ich schreibe nämlich nicht, um mit 

dem Finger auf andere zu zeigen, im Gegenteil, 

ich entziehe mich selbst auch nicht der 

Bewertung. Ich betrachte meine Figuren 

niemals aus der Warte des Moralisten oder 

2007/2008 Saison

Yasmina Reza 

des Zoologen. Oder, wenn ich es tue, so ist 

das eine Perspektive von innen. In diesem 

Fall bin ich alle vier auf einmal, ich verstehe 

sie bis ins Innerste und ich würde sogar sagen, 

dass es sich bei meiner Darstellung dieser 

Figuren um eine Fragmentierung meiner 

Person handelt. 

Und dennoch ist es in diesem Stück weniger 

Véronique, die Intellektuelle und Mutter 

des Opfers, als Alain, der Rechtsanwalt 

und Vater des Angreifers, der ständig an 

seinem Handy klebt, den man als Ihnen am 

nächsten empfindet. Jener Alain glaubt »an 

den Gott des Gemetzels. Das ist der einzige 

Gott, der seit Anbeginn der Zeiten uneingeschränkt 

herrscht.« 

Ich mag die Idee nicht, eine Figur sei Träger 

von Parolen. Im Übrigen, der Gedanke, 

ich will sagen, die Ideen über die Welt, 

die Meinungen sind oft das am wenigsten 

Interessante an einem Menschen. Ja, es 

gibt bestimmte Sätze von Alain, die ich 

mir unter Umständen aneignen würde. Er 

ist der einzige, der, indem er kühlen Kopf 

bewahrt, das Geschehene zu relativieren 

versucht. Wenn er zu Véronique sagt: »Wir 

Saison 2007/2008 

alle möchten gern daran glauben, dass es 

besser werden könnte. Gibt es das?« oder: 

»Sie schreiben ein Buch über Darfur, um 

sich selbst zu retten«, – das sind auch 

meine Gedanken. Aber es gibt auch bei 

den anderen Reaktionen, Gefühle, die mir 

nahe sind. Selbst bei Véronique, die am 

entferntesten scheint. 

Als Sie das Stück zu schreiben begannen, 

wussten Sie da, dass es in einem Gemetzel 

enden wird? 

Ich wusste zwei Dinge: dass es in »Echtzeit« 

ablaufen würde und in einem Gemetzel 

endet. Aber die Art des Verlaufs kannte 

ich natürlich nicht. Ab einem bestimmten 

Augenblick folgen die Charaktere ihren 

eigenen Gesetzen, ich kann sie nicht mehr 

ziehen, wohin ich will. Ich denke nicht, 

dass ich noch einmal ein Stück in »Echtzeit« 

schreiben würde. Die Zwänge der 

»Echtzeit« sind schrecklich. Sie verpflichten 

dazu, eine Spannung zu halten, die nicht 

künstlich sein soll. Das lässt wenig Atem. 

Das ist ebenso schwierig, als wollte man 

Pferde anhalten, die gerade im vollen Galopp 

durchgehen. 


Es ist das erste Mal, dass Sie selbst eines Ihrer 

Stücke inszenieren. Warum? 

Bis heute habe ich, in Frankreich wie im 

Ausland, meine Stücke von anderen inszenieren 

lassen, denn ich glaubte an die 

Überlegenheit des »Blickes von außen« 

auf meine Texte. Und dennoch haben 

mich die Regisseure, aber auch die Schauspieler 

oft gebeten, dass ich mich in ihre 

Arbeit einschalte, was ich immer mit Vergnügen 

und Interesse getan habe. Als ich 

in meinen eigenen Stücken gespielt habe 

[»Drei Mal Leben«, »Im Schlitten Arthur 

Schopenhauers«], habe ich bemerkt, dass 

ich Lust hatte, in meiner Darstellung das, 

was ich selbst geschrieben hatte, umzuformen. 

Ich habe innerlich die Schauspielerin 

von der Schriftstellerin getrennt. Bei 

»Der Gott des Gemetzels« schien mir die 

Zeit gekommen, den neuen Schritt zu 

wagen – mit dem Team meiner Wahl –, 

über das Bühnenbild zu entscheiden, die 

Kostüme, das Licht und vor allem über 

die Besetzung. 

Sind Sie streng, wenn Sie Regie führen? 

Man muss die Spieler fordern. Streng? 

Nein, das glaube ich nicht. Genauer gesagt: 

doch … 

Möchten Sie weitere Stücke inszenieren? 

Ja. Jetzt möchte ich das Werk eines anderen 

Autors inszenieren. Ich habe festgestellt, 

dass Regieführen eine andere Art 

des Schreibens ist. 

Jérôme Garcin im Exklusiv-Interview mit Yasmina 

Reza vom 14.02.2008 

Der Gott des Gemetzels 

von Yasmina Reza 

Deutsch von Frank Heibert und 

Hinrich Schmidt-Henkel 

Regie: Dieter Giesing 

Bühne: Karl-Ernst Herrmann 

Kostüme: Janina Audick 

Musik: Jörg Gollasch 

Mit Maria Happel, Christiane von Poelnitz; 

Roland Koch, Joachim Meyerhoff 

H Premiere / Österreichische Erstaufführung 

am 29. März 2008 im BURGTHEATER 

7


8 

»Frühmorgens, abends oder nachts« 

Yasmina Reza präsentiert im Burgtheater ihr faszinierendes Buch über Sarkozy 

Anlässlich der Premiere von »Der Gott des Gemetzels« sowie der deutschen Übersetzung 

ihres Buchs über Nicolas Sarkozy kommt die französische Autorin Yasmina Reza zu einem 

ihrer äußert seltenen öffentlichen Auftritte ins Burgtheater. 

Yasima Reza anlässlich der Uraufführung von »Drei Mal Leben« mit Luc Bondy Oktober 2000 

Ob sie ihn auf seiner Wahlkampftour begleiten 

dürfe, hat Yasmina Reza im Frühjahr 

2006 den damaligen französischen Innenminister 

Nicolas Sarkozy gefragt, und er hat 

sofort zugestimmt: Ein Jahr ist sie Sarkozy 

gefolgt, von Paris bis in die tiefste Provinz, 

nach New York, London und Berlin, in Stahlfabriken, 

Schulen und Krankenhäuser und 

zu internen Besprechungen. Sie erlebt den 

heutigen Präsidenten aus nächster Nähe. 

Scharfsichtig, distanziert und bisweilen ironisch 

erzählt sie vom Leben Sarkozys, vom 

Pathos und der Monotonie des politischen 

Alltags. Die Autorin beschreibt die Politik als 

suggestive Inszenierung. Rezas Wahlkampf 

Tagebuch ist voller brillanter Beobachtungen 

und Details – eine Begegnung von Literatur 

und Politik auf höchstem Niveau. 

»Eine minutiöse, faszinierend zu lesende 

Schilderung, wie es einem ehrgeizigen, 

selbstverliebten und hochbegabten politischen 

Schauspieler gelang, die Mehrheit 

seiner Landsleute für sich einzunehmen 

und den Wahlsieg und die Macht in der 

Republik zu erlangen.« Die Welt 

Am 15. Mai 2008 im BURGTHEATER 

Sonntagsspaziergang 

fürs Hirn 

Kommen Sie am Nachmittag ins Theater! 

Die Möglichkeit für einen Theaterbesuch am Sonntagnachmittag erleichtert 

unseren Gästen aus den Bundesländern die Reiseorganisation. 

Junge Eltern und ältere Menschen sind am Abend wieder zu Hause. 

Mehr Information unter www. burgtheater.at oder Tel. 01/ 514 44-4178 

BURGTHEATER www.burgtheater.at 

ABO 

2008/09

Rund um Shakespeares Geburtstag: 

»Shakespeares Essen: Bühne und Bankett« Tagung der Shakespeare Gesellschaft 2008 

6 x Shakespeare an 5 Tagen! 

Die deutsche Shakespeare Gesellschaft lädt 

ihre Mitglieder und Freunde zur diesjährigen 

Jahrestagung vom 24. bis 27. April 

2008 nach Wien ein. Alljährlich findet die 

zentrale Jahrestagung der Gesellschaft – 

stets rund um Shakespeares Geburtstag 

– in einer anderen Stadt des deutschsprachigen 

Raumes statt. Der große ShakespeareZyklus 

des Burgtheaters war nun 

der Anlass zur Kooperation zwischen Theater 

und Wissenschaft bzw. zur Zusammenführung 

von ShakespeareFreunden, ShakespeareExperten 

und Shakes peareManiacs 

verschiedenster Provenienz. Neben dem 

Burgtheater ist auch die Universität Wien 

kooperierender Partner der diesjährigen 

Shakes peareTage, zu denen mehrere hundert 

Teilnehmer erwartet werden. 

Das überraschende Motto der Tagung 

»Shakespeares Essen. Bühne und Bankett« 

verweist auf die enge Verschränkung von 

theatralischer und kulinarischer Kultur und 

auf die Absicht der Veranstalter, alles andere 

als eine knochentrockene Tagung von 

Wissenschaftlern zu organisieren. 

Das Burgtheater nimmt die Tagung zum 

Anlass, an den fünf Tagen rund um Shakespeares 

Geburtstag fünf ShakespeareStücke 

zu spielen: »Maß für Maß«, »Romeo und 

Julia«, »Sturm«, »König Lear« sowie »Viel 

Lärm um nichts« – fünf Inszenierungen 

(von Karin Beier, Sebastian Hartmann, Barbara 

Frey, Luc Bondy und Jan Bosse), wie 

sie in ihrem ShakespeareVerständnis unterschiedlicher 

nicht sein könnten. 

Anmeldung und weitere Informationen 

zum Tagungsprogramm, zu Diskussionen, 

Workshops und Vorträgen internationaler 

Spezialisten sowie einem Shakespeare- 

Bankett finden sich auf der Website unter: 

www.shakespeare-gesellschaft.de 

24.04. / 16.30 Uhr 

Eröffnung der Tagung durch den Präsidenten der 

Deutschen Shakespeare Gesellschaft, Andreas Höfele. 

Anschließend: Rede zum Shakespeare-Tag von 

Daniel Kehlmann 

für die Öffentlichkeit zugänglich / Euro 7,- 

Saison 2007/2008 

Bühne und Bankett 

Regina Fritsch, Hermann Scheidleder, Nicholas Ofczarek, Peter Wolfsberger, Simon Eckert 

und Juergen Maurer in »Maß für Maß« 

Gert Voss und Birgit Minichmayr 

in »König Lear« 

Joachim Meyerhoff und Johann Adam Oest 

in »Sturm« 

Christiane von Poelnitz und Dorothee Hartinger 

in »Viel Lärm um nichts« 

Kirsten Dene und Julia Hartmann 

in »Romeo und Julia« 

9

Akademietheater 

10 

Der Wunsch, Zauberer zu werden 

Jochen Jung über Gert Jonke, dessen Stück »Freier Fall« in der Regie 

von Christiane Pohle im Akademietheater uraufgeführt wird 

Nichts ist komischer als der Tod. Das wusste das Mittelalter in seinen Totentänzen, das 

ist gerade in Wien, nicht nur im vorletzten Fin de siècle, allgemeines Bewusstsein. Denn 

der Tod ist nicht nur Drohung, sondern auch Verheißung: Erlösung vom Hier und Jetzt. 

Und sei es durch Selbstmord. Nichts wesentlich anderes als diese Freiheit ist auch die 

Kunst, die sich nach dem Wunsch und Willen von Jonkes neuer Künstlerfigur ERICH 

erst in ihrer Selbstvernichtung ereignen soll. Nichts anderes als diese Freiheit ist auch die 

Utopie einer Liebe, nicht aber irgendeiner Liebe, sondern der Liebe an sich, wie sie sich 

in »Freier Fall« zwischen ER-ICH und SIE-DU ereignet. 

Von all dem erzählt Gert Jonke in seinem jüngsten, als Auftragswerk fürs Burgtheater 

entstandenen Stück. Aber es wäre kein Text von Jonke, wenn er nicht zugleich von der 

Unerträglichkeit und Unsinnigkeit der Erlösung von der Welt handelte, wenn die Romantik 

des mit sich selbst und dem Kosmos eins Seiens – sei es in der Kunst, dem Tod, 

der Liebe – nicht scheiterte und sich an der Wirklichkeit in ihrem Schmutz, ihrer Unerträglichkeit 

brechen müsste. Und sogar wollte: Denn das ist doch der wahre Tod und 

Horror: dass alles in und von sich selbst erlöst ruhen könnte – Stillstand und vollkommene 

Harmonie als Utopie. Da hilft, so scheint der mit romantischen Topoi spielende 

Jonke sagen zu wollen, nur die Flucht in die widerspruchsgeladene Realität in das Ende, 

der Abbruch von jeglicher Kunst, von jeglichem Theater... 

Mit »Freier Fall« inszeniert Christine Pohle nach »Chorphantasie« und »Die versunkene 

Kathedrale«die dritte Uraufführung eines Stücks von Gert Jonke am Burgtheater. 

Gert Jonke ist unter den Autoren, die in 

deutscher Sprache schreiben, der Fremdeste. 

Wenn Fremdsein das ist, was uns immer 

rätselhaft bleibt, gerade weil wir etwas 

darin wittern, was tief in uns selbst steckt, 

sich mit den üblichen Formeln aber nicht 

erschließen lässt, dann ist er der Fremdeste. 

Und darum ist er uns auch der Nächste. 

Er lässt uns ahnen, dass dieses Fremde hinter 

seinem ersten Schrecken etwas verbirgt 

und dann auf einmal leuchtend zeigt, was 

hier nicht Glück heißen soll oder Erfüllung 

oder Utopie, sondern Poesie. Und die Poesie 

zielt immer direkt in unsere Mitte. 

Es geht Jonke nicht um die intensivere 

Wahrnehmung der Innenwelt der Außenwelt; 

nicht um das Erkennen, was alles lächerlich 

ist angesichts des Todes; Gier und 

Lust zu untersuchen zieht ihn ebensowenig 

an wie das mit einer schwarzen Tinte gemalte 

rote Blut. Im Literaturbetrieb macht 

er Feierabend, das Feuilleton ist für ihn 

tatsächlich Blätterrascheln. Dass wieder 

erzählt wird, soll ihm recht sein, Anerkennung 

und Preise sind ihm billig. Den einen 

ist er ein Wolkenkuckuck, den anderen 

ein Paradieskakadu, in Wahrheit aber ist 

er einfach Amsel, Drossel, Fink und Star: 

der Vogel, der geflogen kommt, sich niedersetzt 

und uns etwas vorsingt, das wir so 

noch nie gehört haben, um uns an etwas zu 

erinnern, was wir immer schon wussten. 

Jonke kennt die Welt, in der wir leben, 

und zwar sehr gut. Er sieht deswegen keinen 

Grund, sie zu wiederholen, er ist kein 

sogenannter Realist. 

Seine Welt entsteht nicht, sie ist da, auf 

einmal und unvermittelt. Es gibt keine 

Brücken, die dort hinführen. Wer beim 

ersten Sprung hinüber zu kurz gesprungen 

ist und ins Wasser fällt, muss eben ein 

zweites Mal springen. Beim dritten Mal 

ist er dann drüben, wie von einem Magnet 

hinübergezogen, und will am liebsten nie 

mehr zurück. 

Denn einmal dort angekommen, bewegt 

man sich wie mit Siebenmeilenstiefeln, federt 

hoch wie auf dem Mond, der Nacht, 

der Sonne entgegen. 

Als Jonke gezeugt wurde, war der Krieg 

gerade vorüber, er konnte also am 8. 

Februar 1946 als Friedenskind geboren 

werden Zugleich aber war er ein Nachkriegskind 

und ist das, wie alle Nachkriegskinder, 

auch lange geblieben, die 

Zeiten waren so. 

In Klagenfurt geboren werden, bedeutet, 

ein Kärntner zu sein, und irgendwann ist 

man dann so alt, dass man weiß, was das 

heißt. Natürlich ist es schön, ein Kärntner 

zu sein, so schön wie als Sachse oder Appenzeller 

auf die Welt zu kommen. Andererseits 

ist es aber auch nicht schön, denn 

einige Kärntner mögen andere Kärntner 

überhaupt nicht und zeigen das auch sehr 

gern. Das geht dann vor sich wie über- 

all auf der Welt, für die anderen Kärntner 

aber besonders schlimm. Man versteht 

zwar, warum so viele Sachsen nach 

Kärnten kommen und dann und wann 

auch ein Appenzeller, aber man muss 

doch begreifen, dass ein Kärntner zu sein 

auch eine große Sehnsucht nach der Welt 

außerhalb Kärntens bedeutet. Die Liebe 

zum Wörthersee bleibt aber ewig. 

Von daher, von der Sehnsucht nach Nicht- 

Kärnten, kommt gewiss Jonkes große Liebe 

zu den Verkehrsmitteln. Über die Straßenbahnen 

von Wien hat er sozusagen ein 

ganzes Buch geschrieben, und in den Zügen 

in Österreich und aus Österreich hinaus ist 

sehr viel von dem entstanden oder jedenfalls 

erfunden, was wir von ihm kennen. 

Jonke kann sich, wie niemand sonst, in den 

Zug setzen und sagen: Zug, fahr los! Und 

der fährt dann auch los, und Gert Jonke 

sitzt da mittendrin, und so lange der Zug 

fährt, wird ihm immer leichter. In dieser 

Zeit kann niemand von ihm verlangen, 

dass er zum Beispiel Geld verdienen soll 

oder wenigstens Rechnungen anschauen 

oder eigentlich überhaupt alles richtig machen. 

In dieser Zeit ist er nämlich ganz allein 

für sich, und diese Art Alleinsein ist die 

freundliche Schwester der Einsamkeit. 

Die nicht so freundliche ist die andere, die 

kommt eher nachts. Oder gleich frühmorgens, 

und weil sie dann schon mal da ist, 

bleibt sie gleich den ganzen Tag, minde- 

Die Poesie sollte eigentlich 

in allem drinnen sein. 

stens. Man wird sie da gar nicht mehr los, 

sie kann eine fatale Treue zeigen, diese 

Einsamkeit. Sie lässt auch nicht wirklich 

mit sich reden, aber man bringt dann ja eh 

kaum den Mund auf, man hört nur Zähneknirschen. 

Über das Reden, das gute und das 

schlechte, hat Jonke übrigens ein ganzes 

Stück geschrieben, Redner rund um die 

Uhr, einen Monolog aus mehreren Stimmen, 

falls es so etwas gibt. Vielleicht ist 

es aber einfach ein großes Gedicht. Auch 

da kommen übrigens Straßenbahnen und 

Straßenbahnhaltestellen vor, denen es allerdings 

nicht sehr gut geht, leider. Wenn 

man so will, sind vermutlich alle Stücke 

2007/2008 Saison

von Jonke Monologe aus oder für oder 

gegen mehrere Stimmen. 

Der Vorhang öffnet sich, und alles ist da, 

auf einmal und unvermittelt. Die Bühne 

ist dann sofort eine Hebebühne, irgendwie 

geht gleich alles nach oben. Unten ist 

es nämlich oft höllisch ungemütlich, oben 

jedoch, oben fliegen die Vögel, Jonke hat 

das ja nicht vergessen. Auf Jonkes Bühne 

kann aber fast alles fliegen, nicht nur die 

Vögel, und manchmal wird das ein ziemliches 

Durcheinander da oben, aber was 

für ein Durcheinander ist das! 

Der Jonke macht nämlich die schönsten 

Durcheinander, die man sich nur wünschen 

kann. Heilige Cäcilie, was wirbelt 

da nicht alles durch die Gegend und uns 

um die Ohren! Jonke ist nämlich der einzige 

Dichter der Welt, dem es gelingt, die 

Schwerkraft aufzuheben. Ein Griff in die 

Tasten, ein Dominantseptakkord: und alles 

ist möglich, alles schwebt. 

Wie er das macht, wie das geht? Nun, das 

geht vor allem nur, wenn man die Schwerkraft 

kennt in ihrer ganzen Schwere und ihrer 

ganzen Kraft, und wenn man weiß, dass 

sie sich nur mit Musik bezwingen lässt. 

Jonke liebt die Musik, und die Musik liebt 

Jonke. Ersteres ist leicht zu sehen: Einige 

Saison 2007/2008 

Gert Jonke 

seiner schönsten Texte hat er über Komponisten 

geschrieben, wirkliche und halberfundene; 

viele seiner Arbeiten tragen 

den Titel von Musikstücken, von Schule 

der Geläufigkeit und Der Ferne Klang bis 

zu Chorphantasie und Die versunkene 

Kathedrale. Überhaupt weiß kein Dichter 

unserer Zeit so viel über Musik, hört so 

genau und so wesentlich wie er. 

Das Besondere aber bleibt, dass die Musik 

ihn liebt. Sie hat ihn auch nicht verlassen, 

als er sie scheinbar verließ, um es 

mit der Literatur, mit der Sprache aufzunehmen. 

Mit einem Quintenzirkel hat sie 

einen schützenden Kreis um ihn gezogen, 

hat ihn die Geheimnisse von Punkt und 

Kontrapunkt gelehrt, ihn vor Trugschlüssen 

und enharmonischen Verwechslungen 

gewarnt und ihn vor allem in Harmonielehre 

unterwiesen. Melos und Rhythmus, 

sagte sie ihm, musst du selbst finden. Und 

das ließ er sich nicht zweimal sagen. 

Von daher kommen seine kunstvoll ineinandergefügten 

Hypotaxen ebenso wie die 

zusammengirlandierten Worterfindungsketten 

wie Unterbewusstseinsdarbietung, 

Sommernachtswindstille oder Weltgeistgesellschaftsmitglied, 

um nur ein paar der 

einfacheren zu nennen. 


Vor allem hat sie seiner mit offenem Visier 

auf das Einzigartige, Unverwechselbare, 

das Fremde und Allerallervertrauteste 

zielenden Rede einen Hörkompass mitgegeben, 

der sie immer ins Zentrum treffen 

lässt. Die Musik beschützt ihn. Sie zeigt 

ihm, wo es langgeht. 

Wahrscheinlich gab es von Anfang an den 

Wunsch, Zauberer zu werden. Ja, zaubern 

zu können, das war es. Gedichte sind 

ja nichts anderes als Zaubersprüche, die 

bewirken, daß du außer dir bist. Daß du 

neben dir stehst und dich betrachtest und 

von dir betrachtet wirst, während etwas, 

was noch in dir drinnen ist und von dem 

du rätselst, was das sein kann, aus dir herausgetreten 

ist, und du stehst neben dir 

und schaust, wie das her austritt. Das ist 

ein Punkt von Erkenntnis, glaube ich, ein 

Punkt, eine Sekunde, in der du begreifst 

zu verstehen, wie die ganze Welt, der Kosmos 

zusammengesetzt ist. Zehn Sekunden 

später hast du es wieder vergessen, weil 

man sich so etwas ja nicht merken kann, 

aber diesen Punkt immer wieder zu haben, 

möglichst oft möglichst viele Punkte dieser 

Erkenntnis zu haben, das war und ist 

der Wunsch und zugleich die Gewißheit, 

daß man das mit Poesie erreichen kann. 

Gert Jonke ist ein Grenzüberschreiter. Er 

geht direkt auf das Ziel los, auch wenn 

es zunächst nur verschwommen vor ihm 

liegt. Er geht darauf zu und wird, wenn er 

angekommen ist, die Grenzen, die er dabei 

überschritten hat, nicht bemerkt haben. 

In dieser Unfähigkeit, die ein großes 

Können ist, ist er uns allen über. 

Jochen Jung ist Leiter des Verlags »JungundJung« 

in dem auch die Werke Gert Jonkes erscheinen. 

Freier Fall 

von Gert Jonke 

Regie: Christiane Pohle 

Bühne: Maria Bahra 

Kostüme: Katrin Lea Tag 

Video: Robert Lehniger 

Mit Libgart Schwarz, Adina Vetter; Sven 

Dolinski, Markus Hering, Gerrit Jansen, 

Johannes Krisch, Branko Samarovski 

H Premiere / Uraufführung 

am 24. Mai 2008 im AKADEMIETHEATER 

11

Kasino 

12 

Ich habe King Kong zum Weinen gebracht 

Robert Lehniger und Johannes Schrettle im Gespräch über die Arbeit an ihrem Projekt 

Nachdem sie für »BOAT PEOPLE TM – Das Label ist schön« in der letzten Spielzeit die 

Bühne des Kasinos in einen Laufsteg verwandelt haben, begeben sich Regisseur 

Robert Lehniger und Autor Johannes Schrettle in ihrer zweiten Zusammenarbeit am 

Burgtheater nun mitten in das Filmset von »King Kong«. Fünf Schauspielerinnen 

brechen zu einer abenteuerlichen Reise in ein theatrales Making-Of auf und stehen vor 

der einmaligen Chance, ihren eigenen Film zu machen, und ahnen: das Drehbuch 

zum Film ihres Lebens ist noch gar nicht geschrieben. 

Für das Projekt »Ich habe King Kong zum 

Weinen gebracht« tretet ihr zu Probenbeginn 

nicht mit einem fertigen Stück an die 

Schauspielerinnen heran, sondern der Text 

entwickelt sich erst während des Probenprozesses 

mit allen Beteiligten gemeinsam. 

Was ist der Vorteil an dieser Arbeitsweise 

im Gegensatz einer »herkömmlichen« Inszenierung 

eines Theaterstücks? 

Lehniger: Die Projektarbeit ist für mich eine 

Arbeitsweise, die es möglich macht, mehr zu 

erzählen – mehr von dem, was im Prozess 

entsteht, mehr von dem, was man selbst sagen 

möchte, mehr von dem, was die Gruppe, 

mit der man sich auf so eine Suche begibt, 

für Gedanken und Positionen entwickelt. Ich 

suche also sowohl nach einer Probenform 

als auch nach einem Theaterformat, das 

das möglich macht. Bei einer »herkömmlichen 

Inszenierung« eines fertigen Stückes, 

zumindest waren das meine bisherigen Erfahrungen, 

bleibt immer etwas davon auf 

der Strecke. Am Ende steht dann zwar dieses 

Stück auf der Bühne, aber gleichzeitig wurde 

so vieles nicht erzählt. 

Bei den Projektarbeiten ohne Johannes 

kommt das Material aus allen möglichen 

Schubladen, aus Texten, Filmen, Songs, aus 

der Sprache der Schauspieler. Daraus stückelt 

man sich die eigene Erzählung zusammen 

und kommt auch zu einem Ergebnis, in dem 

alles enthalten ist – aber etwas fehlt doch: 

eine durchgängige sprachliche Ästhetik. Bei 

»BOAT PEOPLE« habe ich schließlich 

das erste Mal mit Johannes gearbeitet. Er 

ist mit seinem Schreiben in der Lage, diesen 

Arbeitsprozess und das, was da entsteht, zu 

formulieren und mit seiner Sprache in den 

Prozess zurückzuspiegeln. Und meine Hoffnung 

ist jetzt, dass sich das ergänzt – dass das 

Theater, das ich machen möchte, das eine 

kollektive Autorenschaft versucht, plötzlich 

einen Autor mit seiner Sprache hat. Und so 

kann man gemeinsam etwas entwickeln, was 

am Ende ein Stück ist. 

Am Anfang ist die Arbeit trotz vieler Ideen 

und Konzepte eine Reise ins Ungewisse. 

Macht das nervös? 

Lehniger: Ja, natürlich. Aber das ist ja auch 

Programm. Die eigentliche Angst gibt es 

nur davor, dass jemand sagen könnte: »Ich 

mache diesen Prozess nicht mit, ich halte die 

Unsicherheit nicht aus.« Aber in diesen Unwägbarkeiten, 

in diesen unklaren Bereichen 

sind oft Schätze verborgen, die man nicht 

findet, wenn man von vornherein schon alles 

weiß. Das sind Leerstellen, die sich während 

der Arbeit durch die Suche nach einem 

gemeinsamen Gedanken erst füllen. Dieser 

Arbeitsprozess ist natürlich absolut abhängig 

davon, wie weit die Schauspieler mitgehen, 

wie weit sie sich darauf einlassen, diese 

gemeinsame Verantwortung zu tragen. 

Was reizt dich als Autor an dieser prozesshaften 

Art der Arbeit? 

Schrettle: Einer der Gründe, warum ich 

mich für Theater interessiere, ist, dass es 

da mehr Perspektiven als nur eine gibt, 

dass man die Möglichkeit hat, zu einem 

Gegenstand mehr als nur eine Stimme 

wahrzunehmen. Ich habe bei »Stücken« 

oft das Gefühl, dass es auf irgendeine 

Weise dann doch nur verschiedene Stimmen 

des Autors sind, die sich im Endeffekt 

auf eine einzige Wahrheit berufen, die 

der Autor formuliert hat. 

Dann gibt es im Theater immer Fiktionen: 

einen Grenzbereich zwischen dem, 

was echt ist, und dem, was erfunden ist, 

zwischen der »Figur« und dem Schauspieler 

bzw. der Schauspielerin. Ich finde die 

Schauspielerin viel interessanter als die 

Figur, weil ihr der wirklich etwas passiert. 

Allein den Begriff Figur finde ich extrem 

schwierig, ich habe damit mittlerweile 

fast schon ein moralisches Problem. Ich 

kann und will nicht einfach aufschreiben: 

»Doris, 40 Jahre alt, Bürokauffrau, mag 

gern Spiegelei«, und das dann den Schauspielern 

geben. 

Das hat eine fiktive Geschlossenheit und hat 

weder etwas mit mir, noch mit den Schauspielerinnen 

zu tun. Dann geht die vierte 

Wand hoch, und wir reden über irgendjemanden, 

von dem wir beide glauben, dass 

sie Doris heißt und 40 Jahre alt ist, und dass 

es die da draußen irgendwo gibt und wir 

unsere Vorstellungen hineinpacken können. 

Ich will nicht behaupten, dass wir in unserem 

Prozess nicht mit solchen Fiktionen 

oder Erfindungen oder auch Figurenkonstruktionen 

arbeiten. Aber wir nehmen sie 

nicht aus einer fiktiven Logik, sondern aus 

dem, was wir konkret als Schauspielerinnen 

und Autoren an dem Abend brauchen. 

Also ist es wirklich eine kollektive Autorenschaft, 

die über deine Sprache strukturiert 

wird? 

Es gibt ein Vertrauen darauf, dass wir Ähnliches 

denken, dass sich das treffen könnte, aber wir 

kommen von völlig verschiedenen Seiten. 

Schrettle: Es gibt auch Texte, die erst einmal 

meine Subjektivität beschreiben. Es geht 

nicht darum, einfach Improvisationsergebnisse 

umzuformulieren, damit sie theatertauglich 

werden, sondern darum, dass man 

Dinge formuliert und sich dann damit gegenseitig 

konfrontiert. 

Ich habe Arbeitserfahrungen mit verschiedenen 

Regisseuren, aber das Interessante 

an der Arbeit mit Robert ist, dass 

er auf einer anderen Ebene am gleichen 

Gegenstand entlangzudenken scheint. 

Es gibt ein Vertrauen darauf, dass wir 

Ähnliches denken, dass sich das treffen 

könnte, aber wir kommen von völlig verschiedenen 

Seiten. 

Ändert sich deine Position als Regisseur 

durch die starke Zusammenarbeit mit der 

Gruppe? 

2007/2008 Saison

Sachiko Hara, Stefanie Dvorak, Myriam Schröder, Alexandra Henkel, Elisa Seydel 

Lehniger: Ich glaube nicht, denn darin besteht 

ja das Prinzip unserer Arbeit. Wenn 

es im Probenprozess jemanden gibt, dessen 

Denken in dem Moment eine ganz wichtige 

Rolle spielt, dann trete ich zur Seite 

und gebe dem erst einmal Raum. Das ist 

oft überraschend – und lässt manche Ideen 

sofort wie Seifenblasen zerplatzen, oder 

aber es entwickelt sich etwas Neues. Aber 

es ist definitiv nicht so, dass nur die Fantasie 

eines Einzelnen umgesetzt wird. Das 

Zentrale ist für mich, dass etwas Gemeinsames 

dabei herauskommt. 

Den Dialog, der während der Proben 

entsteht, zwischen Autor und Schauspielerin 

zum Beispiel, den kann ich mir 

anschauen und mir dabei Gedanken machen 

über die richtige Umsetzung, also 

die Frage der Formgebung. Die Verantwortung 

fürs Ganze gebe ich ja deswegen 

nicht ab. Es bleibt auch meine Aufgabe, 

ein Vertrauen herzustellen, dass trotz der 

Ungewissheit etwas Richtiges entsteht, 

was dann auch Spaß macht. 

Wie kam die Idee, »King Kong« als Material 

zu verwenden? Wegen der Schauspielerinnenfigur 

Ann Darrow? 

Schrettle: Es gab schon von Anfang an, noch 

bevor wir uns für »King Kong« entschieden 

haben, das Thema »Zeugnis von sich selbst 

Saison 2007/2008 

ablegen«, »ein Bild von sich abgeben«, als 

Problem. Das auf Schauspielerinnen und ihren 

Beruf anzuwenden, hat eine Logik, aber 

das Problem an sich sehe ich nicht als reines 

Schauspielerproblem, das hat eher was mit 

einer Arbeitsgesellschaft zu tun, in der ich 

stecke. Bewerbungsschreiben abgeben, Lebensläufe 

schreiben, sich in Interviews aus 

der Masse hervorheben und so weiter. Dies 

mit der SchauspielerinnenFigur aus »King 

Kong« zu verbinden, fand ich ziemlich einleuchtend. 

Was bei »King Kong« passiert, ist die Begegnung 

mit einem monströsen Etwas, 

das durch die Bildproduktionsmaschine 

sofort eliminiert wird. Das Unternehmen 

Film kreiert das Monster und bringt es 

dann um – weil es in seiner ganzen Lebendigkeit 

den Rahmen des Films sprengen 

würde. Das führt mich zu dem Gedanken: 

Was passiert mit dem Anderen? In dem 

Bild, das man von sich selbst produziert, 

in der Geschichte, die man erzählt, muss 

man es letztendlich domestizieren, also 

eigentlich: umbringen. So sehe ich die Geschichte 

von King Kong, die an unserem 

Abend im Rückblick erzählt wird. 

In dieser Situation des Geschichtenerzählens 

ist für mich wichtig, dass wir im Arbeitsprozess 

zurückblicken auf Begegnungen und auf 

Verluste – Verluste, die passieren, um eine 

Geschichte erzählen zu können. Man kann 

Kasino 

über ein Monster nicht sprechen, aber: ein 

bisschen Monster braucht man schon auch. 

Dass eine große Personalvermittlungsagentur 

monster.de heißt, ist ja kein Zufall. 

Lehniger: Ein Stoff wie King Kong eignet 

sich gut, um uns da hinein zu projizieren 

und unsere eigenen Geschichten zu erzählen 

und dabei neu zu erfinden. Etwaige Ähnlichkeiten 

mit lebenden Personen kann man 

natürlich hineindeuten, wenn man will: In 

»King Kong« müssen ein Filmregisseur und 

ein Autor eine Schauspielerin davon überzeugen, 

mit ihnen auf ein Schiff zu gehen 

und bei einem Projekt mitzumachen, dessen 

Ausgang völlig ungewiss ist – aber eine 

große Chance in sich birgt. 

Das Gespräch führte Judith Liere 

Ich habe King Kong zum Weinen gebracht 

von Johannes Schrettle 

Regie: Robert Lehniger 

Bühne: Alain Rappaport 

Kostüme: Dagmar Bald 

Video: superjeans 

Mit Stefanie Dvorak, Sachiko Hara, Alexandra 

Henkel, Elisa Seydel, Myriam Schröder 


am 6. April 2008 im KASINO 

13

Das Lächeln am Fuße der Leiter 

Annemarie Düringer liest aus Henry Millers Erzählung 

Die Präsidentinnen 

Von Werner Schwab 

Erna trifft ihre beiden Freundinnen Grete 

und das Mariedl zum gemeinsamen 

Fernsehabend: eine Live-Übertragung 

der Papstmesse. Dazu ein paar gesellige 

Glaserl Wein, Gespräche, Lebensgeschichten, 

Streit, gegenseitige Beschimpfungen, 

Bloßstellungen ... bis sich die drei 

Saison 2007/2008 

Ich muss lernen als August glücklich zu 

sein. Als der Clown, der ich bin. Möglicherweise 

ist dies die letzte Gelegenheit, 

die sich bietet. Ich steige noch einmal aus 

dem Nichts empor. 

Kammerschauspielerin Annemarie Düringer 

liest aus Henry Millers erzählerischem 

Kabinettstück: Die Geschichte 

vom Clown, der sich nicht damit zufriedengeben 

mag, die Leute zum Lachen zu 

bringen, sondern ihnen Glückseligkeit 

schenken will. 

Der Zirkus öffnet eine winzige Lücke in 

der Arena der Vergesslichkeit. Für eine 

kurze Spanne dürfen wir uns verlieren, 

uns auflösen in Wunder und Seligkeit, 

vom Geheimnis verwandelt. Wir tauchen 

wieder empor zur Verwirrung, betrübt 

und entsetzt vom Alltagsanblick der Welt, 

kraft ihrer Phantasie auf einem Volksfest 

wiederfinden. Da fällt die zugeknöpfte 

Erna endlich in die Arme des lange schon 

begehrten Fleischers Wottila, die männermordende 

Grete träumt sich ins Eheglück, 

und die schüchterne Mariedl? Die 

befreit gemäß ihrer großen Berufung ei- 


eine Welt voll Magie, voll unausschöpflichen 

Zaubers. Wie der Clown führen 

wir unsere Bewegungen aus, täuschen wir 

vor, bemühen wir uns, das große Ereignis 

hinauszuschieben. 

Henry Miller war ein Außenseiter der modernen 

amerikanischen Literatur. Viele 

Jahre lebte er als Bohemien im freiwilligen 

Exil in Paris, wo er in literarischen Emigrantenzirkeln 

verkehrte. Sein erster Roman 

»Wendekreis des Krebses«, mit dem 

er radikal moralische und formale Maßstäbe 

in Frage stellte, war in den USA und 

Großbritannien lange Zeit verboten. 

Das Lächeln am Fuße der Leiter 

von Henri Miller 

Leitung: Klaus Pohl 

H Premiere am 19. April 2008 

im AKADEMIETHEATER 

nen verstopften Abort nach dem anderen 

von eigens für sie vom Pastor hineingelegten 

»Geschenken«, bis sie den gemeinsamen 

Traum an sich reißt und Erna und 

Grete zurück in die nackte, grausame Realität 

holt, worauf die beiden ihr gründlich 

das Maul stopfen. 

Von Regisseur Jan Bosse, der im Burgtheater 

Shakespeares »Viel Lärm um nichts« 

inszenierte, ist jetzt Werner Schwabs Erstlingswerk 

»Die Präsidentinnen« in Wien 

zu sehen. Das Stück, das zunächst von 

Bühnen und Verlagen abgelehnt wurde, 

ist mittlerweile mit seinem aberwitzig bissigen 

Humor in die Literaturgeschichte 

eingegangen. 

Leitung: Jan Bosse, Stéphane Laimé, Kathrin 

Plath, Arno P. Jiri Kraehahn 

Mit Olivia Grigolli, Yvon Jansen, 

Karin Neuhäuser 

Am 28. und 29. Mai 2008 


Gastspiel des Maxim Gorki Theaters Berlin 

15

Spieltriebe 

16 

Spieltriebe 27 

Der mystische Grund der Zivilisation 

Ein dreiteiliges Westernepos von David Lindemann 

Kaum ist mit der blutigen Eroberung des 

Wilden Westens die Amerikanische Nation 

geografisch hergestellt, wird dieser Prozess 

zum Gegenstand des Spektakels. Eben noch 

Widersacher auf der Prärie, treffen die Geister 

der Geschichte nun als Angestellte des 

Showbusiness aufeinander. Berühmte Wild- 

West-Shows, die auch durch Europa tingeln, 

verklären die gewaltsamen historischen Ge- 

schehnisse zu glorreichen Ursprungslegenden 

der herrschenden Ordnung. 

In der KasinoBar wird einschlägiges Wild- 

West-Personal zur Schau gestellt: Der Offizier, 

Anwalt und Präsident a.D. Young 

DeBuin, der Apache KenNiTay, der Viehbaron 

Chisum und die Banditin Liberty 

präsentieren eine glanzvolle Vergangenheit 

und setzen sie aufs Spiel. 

VERBUND ALS SPONSOR DER GEGENWARTSDRAMATIK – 

EINE GELEBTE PARTNERSCHAFT! 

Seit dieser Spielzeit zählt der Verbund 

zu den Hauptsponsoren des Burgtheaters 

und richtet in seiner Unterstützung 

den Fokus auf die Gegenwartsdramatik. 

So werden im Besonderen Produktionen 

zeitgenössischer Autoren, Uraufführungen, 

deutsche oder österreichische Erstaufführungen 

gefördert. 

Dies stellt eine gelungene Ergänzung zum 

Engagement des Verbunds im Bereich 

der bildenden Kunst dar. Die Sammlung 

zeitgenössischer Fotografie des Verbunds 

ist durch ihre hochkarätige Zusammenstellung 

und den großen Umfang herausragend. 

Dieses Engagement ist im 

Unternehmen allgegenwärtig, am Verbund-Hauptsitz 

in Wien begegnet man in 

den Gängen der Mitarbeiterbüros unmittelbar 

der geförderten Kunst. 

Auch beim Engagement für das Burgtheater 

nimmt die Mitarbeitermotivation einen 

wichtigen Stellenwert ein: Probenbesuche, 

exklusive Führungen sowie Gewinnspiele 

mit Verlosung begehrter Burgtheaterkar- 

ten fördern das Verständnis und die Begeisterung 

für Kunstsponsoring. 

Verbund Generaldirektor Dr. Pistauer, 

selbst großer Theaterliebhaber, lebt beispielhaft 

vor, wie eine Partnerschaft in der 

Unternehmenskultur von der Konzernspitze 

bis zu den Mitarbeitern lebendig in 

ein Unternehmen integriert werden kann. 

Er und seine Vorstandskollegen besuchen 

alle Premieren, sei es im Burg- oder Akademietheater, 

wo vorwiegend zeitgenössische 

Stücke inszeniert werden. 

In der laufenden Spielzeit darf man sich 

noch auf einiges freuen: Yasmina Rezas 

»Der Gott des Gemetzels« (ÖEA), Johannes 

Schrettles »Ich habe King Kong zum Weinen 

gebracht« (UA), Gert Jonkes »Freier 

Fall« (UA). 

Die Produktionen der 

Gegenwartsdramatik 

werden unterstützt von 

David Lindemann (*1977) lebt als freier 

Autor in Berlin. Während seines Studiums 

arbeitete er in der Dramaturgie der Volksbühne 

in Berlin und schrieb erste Stücke. 

»Koala Lumpur« wurde 2003 beim Stückemarkt 

des Berliner Theatertreffens ausgezeichnet. 

Die ersten beiden Teile seiner Westerntrilogie, 

»Ulzanas Rache« und »Das 

Wiegenlied vom Recht«, wurden bereits aufgeführt 

und als Hörspielbearbeitungen gesendet. 

Michael Höppner, seit 2007 Regieassistent 

am Burgtheater und zuvor ebenfalls an der 

Volksbühne in Berlin tätig, bringt nun zusätzlich 

auch den letzten, bisher unaufgeführten 

Teil »Irgendeiner wartet immer« auf 

die Bühne der KasinoBar. 

Leitung: Michael Höppner, Maren Greinke, 

Nina Gundlach, Karl Stirner 

Mit Julia Hartmann; Karim Chérif, Moritz 

Vierboom 

H Premiere / Österreichische Erstaufführung 

am 16. April 2008 in der KASINOBar 

Dr. Michael Pistauer und Klaus Bachler 

2007/2008 Saison


Lichtscheu 

von Stephan Lack 

Jan: Hören Sie auf, die Natur zu manipulieren. 

Hören Sie auf, uns Menschen als Versuchskaninchen 

zu benutzen. – Schließen 

Sie Ihre Firma. 

Anton: Denken Sie an die ganzen Probleme, 

die wir lösen könnten. Den 

Welthunger etwa, hm? Robuste Pflanzen 

unter allen Bedingungen. Getreide in 

der Wüste. – Ich dachte, Sie sind Wissenschaftler. 

Was geschieht, wenn bioethische Entscheidungen 

unser Leben in Frage stellen? Die 

Frau des Bioethikers Unis versucht mit 

beunruhigenden, dessen Prinzipien verletzenden 

Forschungen die Stoffwechselkrankheit 

ihres Sohnes zu heilen. Stellt sich 

der Bioethiker auf die Seite seiner Familie 

oder bleibt er seinen Grundsätzen treu? 

Gene sind berechenbar, Menschen nicht. 

Professor Unis hat einen kranken Sohn, 

aber eine feste Überzeugung sowie eine 

Schwiegermutter, die von Helden träumt. 


Mein Arm 

von Tim Crouch 

Saison 2007/2008 

Seine Frau fragt sich, wie viel Heldentum 

ihr Kind erträgt. Und ein gewisser Anton 

verstreut die goldene Saat. 

Stephan Lack, geboren 1981 in Wien, studierte 

Theater- und Kommunikationswissenschaft 

an der Universität Wien. 2006 

erhielt er den Dramatikerpreis des Landestheaters 

Niederösterreich. Mit seinem 

Ich kam mir vor wie ein Superheld. Mir 

war, als würde es jetzt viel anstrengender 

sein, mit gesenkter Hand zu leben als mit 

hocherhobenem Arm. Am folgenden Montag 

brüllte mein Vater mich an, gab mir ein 

paar Ohrfeigen, schüttelte mich durch und 

ging mit mir zum Arzt. Innerhalb eines 

Monats bekam ich meine eigene Kinderpsychologin 

gestellt. Ich war der Junge mit 

dem Arm. 

Ein Mann tritt vor das Publikum und erzählt 

seine Lebensgeschichte, die ganz unspektakulär 

beginnt. Geboren in Ostfriesland, 

aufgewachsen in einer ganz normalen 

Familie – Vater, Mutter, zwei Kinder, Hund, 

zwei Autos – folgt er mit zehn Jahren einer 

plötzlichen Eingebung und hebt seinen linken 

Arm, streckt ihn in die Höhe und lässt 

ihn nie wieder fallen. 

Was aus dieser lapidaren Bewegung folgt, 

gleicht einem absurden Martyrium. Er wird 

Spieltriebe 

Stück »Lichtscheu« war er Autor bei den 

Werkstatttagen 2007. 

Leitung: Barbara Nowotny, Viktoria Rautscher, 

Angelika Höckner, David Müllner 

Mit Ulli Fessl, Alexandra Henkel; Daniel Jesch, 

Christian Nickel 


am 23. April 2008 in der KASINOBar 

zum Außenseiter und durchläuft psychiatrische 

Kliniken, in denen er Gleichaltrige 

mit ähnlichen »idiosynkratischen Manifestationen« 

trifft. Zuhause angefeindet folgt 

er seinem Bruder, der sich zum Künstler 

berufen fühlt, nach Berlin und wird dort 

vom Kunstbetrieb entdeckt. Sein hochgestreckter, 

allmählich abfaulender Arm 

macht ihn zu einem begehrten Kunstobjekt. 

Schließlich wird ein berühmter Kunsthändler 

in New York auf ihn aufmerksam 

und will die Rechte über die künstlerische 

Verwertung des Lebenden und die Vermarktung 

der Leiche erwerben. 

Der britische Autor Tim Crouch hat mit 

»Mein Arm« eine bissige Satire auf den 

Kunstmarkt und zugleich eine berührende 

Lebensgeschichte geschrieben. 

Leitung: Anik Moussakhanian, Aurel Lenfert 

Mit Markus Meyer 

H Premiere am 6. Mai 2008 im Vestibül 

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18 

Der Ehrgeiz ist, Verwirrung zu stiften 

Ein Gespräch mit Jürgen Kuttner über seine Videoschnipselabende – die wegen der 

großen Publikumsnachfrage im April vom Kasino ins Akademietheater übersiedeln 

Wie ist die Idee zu den Videoschnipsel- 

Abenden entstanden? 

Das ist wie bei allen Sachen, die ich mache: 

Ich muss zum Jagen getragen werden. Ich 

selber käme nicht darauf. Die Idee dazu 

ist anlässlich eines großen zweitägigen 

Spektakels an der Volksbühne am Rosa- 

Luxemburg-Platz in Berlin entstanden. 

Das war 1996 – sieben Jahre Mauerfall. 

Als Volksbühnen-Assoziierter haben sie 

zu mir gesagt: »Du musst auch was machen.« 

Und ich: »Was soll ich denn machen?« 

Und die: »Zeig doch« – ich habe 

damals beim Fernsehen gearbeitet – »zeig 

doch ein paar Fernsehausschnitte und erzähl 

ein bisschen dazu.« 

Was hast Du beim Fernsehen gemacht? 

Ich hatte eine Art Talkshow. Im Radio 

mache ich das ja seit vielen, vielen Jahren: 

Talkradio, und das Format lief dann vier, 

fünf Jahre auch im Fernsehen. 

Ich habe zugestimmt, weil ich mir dachte: 

»Ja, das kann ich schon machen. Den 

Roten Salon in der Volksbühne bespielen, 

das schaffe ich. Hundert Leute zu unterhalten 

ist ja keine Kunst.« Mit einem Mal 

fand ich mich aber auf der Großen Bühne 

wieder, denn mein Auftritt war eingebettet 

in eine große Revue, wo vorher und 

nachher was kam, ganz verschiedene Programmpunkte. 

Da saßen dann also plötzlich 

siebenhundert Leute unten. Ich hab 

einfach angefangen, und zwei Stunden 

später sind dann sowohl ich als auch das 

Publikum aus so etwas wie einem Rausch 

erwacht. Damals ging es vor allem um 

den Ost-West-Vergleich: Polizisten im 

Westen, Polizisten im Osten, wie sieht 

das Bermudadreieck Mann-Frau-Auto im 

Westen aus, wie im Osten? Darüber ließ 

sich schon relativ viel erzählen, auch über 

die ganze Umbruchsituation in Berlin. 

Alle waren begeistert, deshalb sollte ich 

das dann noch mal wiederholen. Seit fünfzehn 

Jahren mache ich das nun monatlich 

in der Volksbühne. Mir war schnell klar, 

dass ich nicht ein Programm endlos wiederholen 

wollte und konnte, sondern mir 

jeden Monat ein neues Thema suchen 

musste, mit neuen Ausschnitten, neuem 

Material. Die Abende leben von der Im- 

provisation. Manchmal bedaure ich es natürlich, 

dass ich kein Programm erarbeitet 

habe, das sich einfach wiederholen lässt. 

Aber andererseits: Ich muss mir ja selber 

auch zuhören und da würde ich mich sehr 

bald langweilen. 

Wie triffst Du die Auswahl der Fernsehausschnitte? 

Über die Jahre hat sich ein relativ großes 

Archiv angesammelt. Ich schneide am 

Computer Fernsehsendungen mit, hauptsächlich 

Archiv-Sendungen. Ich finde älteres 

Material interessanter als aktuelles. 

Das aktuelle Material verführt nur zu einer 

Ironie, die den Mainstream bedient. Dass 

Kerner scheiße ist, Beckmann ein Idiot, ist 

Konsens. Das wissen alle. Dazu muss man 

sich nicht verhalten. Wenn das Material 

aber zwanzig Jahre alt ist, hat das eine 

überraschende Fremdheit. Das gefällt mir, 

weil wir in einer komisch geschichtslosen 

Zeit leben. Ich bin Fan von diesem großartigen 

Satz bzw. Buchtitel von Alexander 

Kluge: »Der Angriff der Gegenwart auf 

die übrige Zeit«. Jetzt leben wir in einer 

Zeit, in der die Gegenwart komplett gewonnen 

hat. Es gibt keine Vergangenheit 

und keine Zukunft mehr, höchstens noch 

als Exotikum. Man kann sich nicht daran 

erinnern, dass es mal eine Zeit ohne Handys 

gab oder wie in Berlin der Kudamm 

vor dreißig Jahren aussah. Auch nicht daran, 

dass die Unterschiede zwischen Ost 

und West gar nicht so groß waren, wie 

sie heute dargestellt werden. Das ist alles 

ideo logisch befrachtet. Ich finde es schön, 

zu den älteren Sachen zurückzugehen und 

sie zu den heutigen in Bezug zu setzen. 

Auf diese Weise historisierst Du in der 

Umkehr auch den Blick auf die Gegenwart. 

Was versprichst Du Dir von dieser 

Perspektive? 

Die Wut auf die Gegenwart lässt sich dadurch 

gut erklären. Diese ganzen Ideologien, 

die zu Selbstverständlichkeiten 

geronnen sind, werden sichtbar. Dieses 

Denken »Das geht doch gar nicht anders« 

… lässt sich widerlegen, indem man 

zeigt, dass es selbst da, wo wir leben, noch 

oder schon vor fünfzehn Jahren anders 

war und anders ging. Diese herrschende 

Vergangenheitslosigkeit hat mit der Zukunftslosigkeit 

zu tun. Man kann sich gar 

keine Zukunft mehr vorstellen. Selbst vor 

zwanzig Jahren gab es noch utopische Zukunftsversionen, 

und sei es nur »Wir werden 

nicht mehr laufen müssen, die Straßen 

werden Laufbänder sein, wir werden mit 

dem Hubschrauber zur Schule fliegen, es 

wird Atomlokomotiven geben…..«. Wenn 

man heute über die Zukunft redet, dann 

geht es um Mindestlohn, Krankenkassenbeiträge 

und Abgeltungssteuer. Das sind 

die Kategorien, in denen man heute Zukunft 

denkt. Offensichtlich gibt es das Bewusstsein: 

So schön wie jetzt wird es wohl 

nie wieder werden. Es herrscht ein ganz 

resignatives Zukunftsverhältnis: »Ach, 

wollen wir mal lieber alles so lassen wie 

es ist, wollen wir mal nicht dran rühren.« 

Zukunftsvorstellungen sind bestenfalls 

noch dumpfe, vermeintlich unabwendbare 

Katastrophen: Klima, Demographie 

und Rente. 

Hast Du Vermutungen, woher diese negative 

Sicht auf die Zukunft herrührt? 

Wahrscheinlich hängt das schon mit dem 

Zusammenbruch des Ostblocks zusammen, 

der ja vermeintlich die Zukunft gepachtet 

hatte. Der war ja etwas anderes. 

Nicht etwas Besseres, aber man konnte 

sehen, dass es auch anders geht. Vielleicht 

nicht besonders schön. Das hat dann zu 

diesem Backlash geführt, dass man sagt: 

»Ja, der Markt macht das, das kann nur 

der Markt.« Das war zumindest die letzten 

fünfzehn Jahre so. Jetzt wird der Markt ja 

auch wieder in Zweifel gezogen, weil man 

sieht, dass sich da auch Inder und Chinesen 

tummeln. So hatte man sich das ja nicht 

vorgestellt. Der Markt ist ja immer unser 

Markt. Unser Gegenwartsmarkt. Wenn 

da plötzlich ganz andere kommen, ist der 

Markt nicht mehr so schön. Da merkt 

man, wie diese Ideologie bröckelt. 

Wann hast Du Dein doch sehr auffälliges 

Talent des Redens entdeckt? 

Kunstproduktion ist ja meistens eine 

sublimierte Defizit-Erfahrung, und wenn 

man der Kleinste in der Klasse ist, hat 

2007/2008 Saison

man den Drang, sich hervorzutun oder 

abzuheben. Wobei ich das Glück hatte, 

nicht der Kleinste, sondern nur der 

Zweitkleinste zu sein. Von daher hatte 

ich nie ein gebrochenes Selbstbewusstsein, 

aber doch den Antrieb, quasi auf 

den Putz zu hauen und Alarm zu machen. 

Mit dem Reden hat sich das eher zufällig 

ergeben. Ich habe ja noch im Osten 

ein Blasorchester mitbegründet, die so 

genannte »Bolschewistische Kurkapelle 

Schwarz-Rot«. Da ich kein Instrument 

spielen konnte und auch kein Organisationstalent 

bin, habe ich mir den Freiraum 

erobert, die Musiktitel anzusagen, die 

wir gespielt haben. Das waren immer so 

komische Cover-Versionen, Musik aus 

chinesischen Revolutionsopern oder das 

Einheitsfrontlied als Walzer. Ich hab die 

Titel angesagt und kommentiert, und das 

hat im Verlauf unserer Konzerte immer 

größeren Raum eingenommen. Auch zur 

Unzufriedenheit der Musikerkollegen, 

weil ich zehn Minuten erzählt habe, 

dann war wieder zwei Minuten Musik 

zu hören, dann habe ich wieder zehn 

Minuten gequatscht. Da entstand dieses 

Grundprinzip, Sachen aufzuladen, bedeutungsvoller 

zu machen und die Aufmerksamkeit 

zu organisieren. So funktioniert 

es bei den Videoschnipseln ja auch: 

Die Ausschnitte sind zwei, drei Minuten 

lang. Allerdings habe ich da auch noch 

eine andere Legitimation. Man muss sich 

ja nur überlegen, wie viel Arbeit in einem 

dreiminütigen Fernseh-Schnipsel steckt. 

Damit sind acht Leute einen Tag lang 

beschäftigt. Im Grunde müsste man eine 

Woche lang darüber reden, nur um dem 

Arbeitsaufwand, der da drin steckt, auf 

der Rezeptionsseite gerecht zu werden. 

Der Trick besteht darin, dass Du die 

Kommentare anbringst, bevor man den 

Ausschnitt sieht. Das heißt, der Blick und 

die Aufmerksamkeit auf Details werden 

von Dir manipuliert. 

Gucken kann man immer noch selbst. Natürlich 

lässt sich das als große Manipulation 

beschreiben, aber da bin ich dann doch 

Publikumsoptimist: alles, was ich sage, ist 

überprüfbar. Der Schnipsel kommt, und 

man kann widersprechen. Das Medium 

Saison 2007/2008 

Fernsehen hat einen eigentümlichen Verlauf 

in der Zeit. Wenn jemand Blödsinn 

schreibt, und man würde das am Ende der 

Seite merken, könnte man die betreffende 

Stelle noch einmal nachlesen und sagen: 

Der Ausgangspunkt war doch aber eigentlich 

ein ganz anderer… Im Fernsehen vergisst 

man das. Man vergisst, was jemand 

vor zehn Sekunden gesagt hat. Ich merke 

das als normaler Zuschauer ja auch nicht. 

Erst nachdem ich einen Schnipsel in der 

Vorbereitung so vier, fünf, achtmal gesehen 

habe, fallen mir diese Diskrepanzen 

auf: »Eben hat er noch das gesagt, jetzt 

landet er da… wie ist er denn dahin gekommen?« 

Man schaut noch mal nach 

und entdeckt diese ganzen rhetorischen 

Figuren, die da so selbstverständlich Platz 

nehmen, dass es zum Grausen ist. 

Wie gehst Du mit der wahnsinnigen Flut 

der Fernsehsendungen um, die es gibt? 


Wie kommst Du konkret zu deiner Auswahl 

für einen Abend? 

Ich schneide älteres Material blind mit. 

Das ist so, wie mit der Schrotflinte ins 

Dunkle schießen. Irgendetwas trifft man 

schon dabei. Wenn ich dann ein Thema 

für einen Abend bestimme, suche ich 

eher unsystematisch. Ich schaue rein und 

spring zehn Minuten weiter. 

Die Herausforderung für mich ist weniger, 

die Schnipsel zu finden, als die Fragestellung. 

Eine Fragestellung, die ich an 

das Material stellen kann, um zu sehen, 

wie beantwortet das Fernsehen meine 

Frage. 

Wir haben Dich gebeten, Dir für die 

Abende hier Deine Fragestellungen anhand 

unseres Spielplans zu suchen. Zu 

welchen haben Dich die Inszenierungen 

hier am Haus geführt? 

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Meine These ist, dass sich das Theater, 

das im deutschsprachigen Raum zu sehen 

ist, hauptsächlich mit den drei großen Gs 

beschäftigt: Gott, Geld und Geschlechtsverkehr. 

Das funktioniert bei Shakespeare 

ganz einfach. Als ich »Romeo und Julia« 

und »Maß für Maß« gesehen habe, kam 

ich sofort in ein Nachdenken über Liebesverhältnisse, 

natürlich auch über eine bestimmte 

Form von Historizität und Ideologie, 

was das Bild der Liebe betrifft oder 

überhaupt das geregelte Zusammensein 

von Mann und Frau im Sexuellen, aber 

auch im Institutionellen. Damit beschäftigten 

sich die ersten beiden Abende. Mein 

Arbeitstitel für den ersten Abend lautete: 

»Im Baumarkt der Ehe«. Man hat so eine 

ungefähre Zielvorstellung, so wie man ein 

Einfamilienhaus als Zielvorstellung hat, 

und die löst sich nicht ein. Es regnet dann 

ja doch durchs Dach, wenn man das Haus 

selber baut. Und so baut man ja auch eine 

Ehe und überlegt sich: Was nimmt man 

dazu, wie verhält man sich dazu. Dasselbe 

betrifft die Sexualität: Die ist ja so selbstverständlich 

auch nicht, aber auch wieder 

nicht so unselbstverständlich im Sinne 

Freuds. Natürlich ist sie überfrachtet, mit 

Erwartungen verbunden, die mit dem Eigentlichen 

gar nichts zu tun haben. 

Obwohl Du Dich dagegen wehrst und 

betonst, dass Deine Abende keine soziologischen 

Seminare sind, sondern der 

»Versuch, aus Scheiße Trillerpfeifen zu 

machen«, ist man doch sehr verblüfft über 

die Wahrheiten, die Deine zum Teil kühnen 

Verknüpfungen zutage fördern. Zumal sie 

einem weniger als solche verkauft werden, 

sondern wie Geröll an den Rändern entstehen. 

Die Erkenntnisse müssen auf der Seite des 

Zuschauers entstehen. Mein Ehrgeiz ist 

ja immer, dass der Zuschauer nicht ganz 

genau weiß, ob das Quatsch ist, was ich 

erzähle, oder ob das stimmt. Ich zitiere ja 

gerne, aber ich fälsche auch gerne Zitate. 

Dass das ein Unsicherheitsgebiet ist, wird 

dem Zuschauer aber auch schnell klar. Ich 

habe ja auch keine institutionelle Autorität, 

von der man sagen würde: Der Kuttner ist 

Kulturwissenschaftler und beschäftigt sich 

mit diesen und jenen Dingen seit zwanzig 

Jahren und hat die und die Veröffentlichungen 

vorzuweisen. Das ist überhaupt 

gar nicht so. So ein Kulturwissenschaftler 

bin ich nicht. Da steht einfach einer, der 

quatscht viel und bedient sich gerne des 

einen oder anderen Fremdwortes. Man 

weiß nicht ganz genau, meint der das ernst 

oder nicht. Ich meine es schon ernst, aber 

ich meine es auch unernst. Mein Ehrgeiz 

besteht eher darin, Verwirrung zu stiften. 

Und ist Verwirrung da, fängt man an nachzudenken. 

Was will man mehr? 

Und warum ist gerade das Theater jetzt 

für Dich zu so einem wichtigen Medium 

geworden? 

Für mich ist Theater ein wirklich interessanter, 

ein nostalgischer, rest-utopischer 

Ort. Damit meine ich nicht die rituelle Institution, 

in die man eigentlich nur geht, 

um hinterher ein Glas Wein trinken zu 

können. Es ist eine bestimmte Form von 

Öffentlichkeit – die Agora. Eine konkrete 

Öffentlichkeit, in der Belange verhandelt 

werden, die gesellschaftlich relevant sind 

und die dort Sitzenden betreffen. Das hat 

eine ganz andere Qualität als eine Talkshow. 

Insofern interessiert mich über die 

Kunst hinaus vor allem dieser öffentliche 

und gesellschaftliche Aspekt. Dass da Leute 

sich versammeln, um übereinander was 

zu erfahren. So gesehen ist die vierte Wand 

(das Publikum) auch im positiven Sinne 

eine Wand, wo die Blicke oder Bälle, die 

man wirft, auch wieder zurückgeworfen 

werden. Wo man von diesen Bällen getroffen 

wird oder vielleicht auch vom Blick des 

Nachbarn. Über Bande spielen, finde ich 

schön. 

Ich habe bei den Videoschnipsel-Abenden 

gemerkt, zum Beispiel in Berlin, wo ich 

eine Kontinuitätserfahrung habe, dass die 

Abende eine besondere Qualität haben, 

wenn ein wirkliches, politisches Ereignis 

in der Luft liegt, wie damals der Krieg im 

ehemaligen Jugoslawien oder im Irak, oder 

wenn eine Bundestagswahl ansteht. Wenn 

es Grundsatzdebatten gibt, wie bei der Einführung 

von Hartz IV. Da kommen dann 

Leute hin, nicht um von der Bühne Wahrheiten 

gepredigt zu bekommen, sondern, 

um sich über etwas zu verständigen in einer 

Art Gegenöffentlichkeit. Bei Ereignis- 

sen wie dem Jugo slawien- oder Irak krieg 

habe ich mich von den Medien nirgendwo 

repräsentiert gefühlt, nicht in der FAZ, 

nicht in der taz oder im SPIEGEL und 

nicht in den Fernsehtalkshows. Da habe 

ich gedacht: Da muss man eben seine eigene 

Öffentlichkeit schaffen. Das ist ja auch 

das Schöne am Improvisieren, dass man 

sich verreiten und totalen Quatsch reden 

kann, der einem dann aber auch schnell 

um die Ohren fliegt. Da gibt es dann schon 

deutliche Signale aus dem Publikum. Das 

ist so ein reelles, öffentliches Überlegen in 

Echtzeit, eine Verfertigung von Gedanken 

in der Öffentlichkeit, die sofort darauf reagiert. 

Weshalb hängst Du an dem Seriencharakter 

und bietest Deine Abende nur als Fortsetzung 

in Folgen an? 

Bei diesen Abenden kann nur etwas entstehen, 

wenn die Leute wissen, worum es geht, 

wenn sie vorbereitet sind. Sie müssen die 

Regeln kennen. Der dritte Abend schleppt 

noch den ersten und zweiten mit sich. Ich 

selbst habe mehr davon, die Leute aber 

auch. Das heißt nicht, dass man jede Folge 

gesehen haben muss. Mit einem solitären 

Abend läuft man Gefahr, dass man nur 

die besonderen, spektakulären Ausschnitte 

nimmt. Doch die Ausschnitte sollten sich 

ja nicht dadurch auszeichnen, dass sie besonders 

strange sind. Für mich, und ich 

glaube für die Zuschauer auch, ist es interessanter, 

wenn es ein relativ normaler 

Ausschnitt ist, den man in einem Zusammenhang 

sieht, der einem zeigt, dass das 

nicht so normal ist. Es gibt im Fernsehen 

nichts, was nicht inszeniert ist. Wenn man 

dann inszenierungsanalytisch draufguckt 

und immer fragt: warum, warum, warum, 

dann schaut man irgendwann anders. Und 

das stellt sich nicht beim ersten Abend her. 

Das Gespräch führte Judith Gerstenberg 

Shakespeare und Kuttner 

sehen fern (Folge 5) 

Ein Videoschnipselvortrag 

von und mit Jürgen Kuttner 

Am 11. April 2008 im AKADEMIETHEATER 

2007/2008 Saison

Henning Mankell 

Ö1 Zeitgenossen im Gespräch: Michael Kerbler spricht mit dem Schriftsteller 

über die Ursachen von Armut und Abhängigkeit und die Verpflichtung zur Verantwortung 

Früh am Morgen, wenn sich die Nacht ihrem 

Ende zuneigt, träumt Henning Mankell 

manchmal von der Vernunft. Genauer: 

von der Wiedergeburt der Vernunft. Davon, 

dass die Aufklärung eine Renaissance 

erfährt. Wie lange, fragt sich der träumende 

Autor, wie lange werden wir noch 

auf dem Ast sitzen können, den wir mit 

aller Kraft durchzusägen versuchen? Was 

geschieht mit uns, wenn wir den gesunden 

Menschenverstand weiterhin ignorieren? 

Henning Mankell hofft auf einen Neubeginn. 

Und darauf, dass die Menschen, die 

als einzige Art mit dem Bewusstsein vom 

Tod ausgestattet sind, endlich den Wert des 

Lebens erkennen. 

Der Autor, der »mit einem Fuß im Schnee 

und mit einem Fuß im Sand« steht – eine 

Metapher, mit der er versucht, seine gespaltene 

Existenz zwischen Europa und 

Afrika zu beschreiben –, bestreitet, dass 

durch die neuen Technologien die Welt zusammengerückt 

ist. Im Gegenteil: die neuen 

Technologien hätten erst sichtbar gemacht, 

wie groß die Welt wirklich sei und wie wenig 

wir voneinander wüssten. 

Es gilt Afrika zu verstehen, 

nicht es zu verurteilen. 

Als Henning Mankell erstmals im Jahr 1972 

Afrika bereiste, war er von dem Kontinent 

so fasziniert, dass er beschloss, längere 

Zeit in Sambia zu leben. Heute verbringt 

Mankell gut die Hälfte des Jahres in seiner 

zweiten Heimat. In Maputo, der Hauptstadt 

Mosambiks, leitet er, der 1968 als 

Theaterregisseur in Stockholm zu arbeiten 

begann, das »Teatro Avenida«. Im Februar, 

zu seinem 60. Geburtstag, bereitete er sich 

ein großes Geschenk: er inszenierte Tennessee 

Williams‘ »Endstation Sehnsucht«, jene 

Tragödie, in der die schwarze Südstaaten- 

Aristokratie untergeht und das neue Amerika 

sichtbar wird, jene USA, in denen das 

Gesetz des Dschungels gilt. 

Davon, dass sich der Autor der Krimiserie 

mit Kommissar Kurt Wallander in seinem 

siebenten Lebensjahrzehnt mehr Ruhe gönnen 

und nach weltweit 25 Millionen verkaufter 

Bücher ausspannen will, kann keine 

Rede sein. Mankell will eine Theaterschule 

aufbauen, engagiert sich für die Rechte der 

Saison 2007/2008 

Kinder und hat jüngst 1,6 Millionen Euro 

für den Bau eines SOS-Kinderdorfes gespendet. 

150 Kinder werden in Chimoio in der 

Provinz Manica ein neues Zuhause finden. 

»Habsucht ist ein großes Problem. Man soll 

doch das Geld für die Menschen einsetzen, 

die schwach sind. Ich finde es beschämend, 

dass es überhaupt notwendig ist, anderen 

Menschen zu helfen«, wird Mankell zitiert. 

Im Umkreis von Chimoio lebt eine halbe 

Million Menschen, die meisten davon in 

bitterer Armut. Tausende Kinder haben keine 

Eltern; viele von ihnen leben auf der Straße. 

»Es bräuchte tausende Kinderdörfer in 

Mosambik. Ich habe die Möglichkeit, eines 

zu bauen. Und das tue ich. Ich kann nicht 

allen helfen. Aber das ist keine Entschuldigung 

dafür, niemandem zu helfen«, so der 

Schriftsteller. 

Henning Mankell ist immer wieder unterwegs, 

um seine im Grunde einfachen Botschaften 

zu verkünden: alle Menschen sind 

gleich. Seien wir solidarisch. Es gilt, Afrika 

zu verstehen, nicht es zu verurteilen. Und: 

Afrika besteht aus vielen Afrikas. 

Sein Leben in Mosambik lieferte Mankell 

nicht nur den Stoff für »Der Chronist der 

Winde«, einen Roman über das Leben 

von Straßenkindern. In »Die rote Antilope« 

schildert Mankell die Geschichte 

eines Buschmannjungen, der von einem 

Forscher nach Schweden verschleppt wird. 

Und während er in dem Roman »Kennedys 

Hirn« den Umgang mit afrikanischen 

Aidskranken anprangert, hat er mit »Die 

flüsternden Seelen« ein Buch vorgelegt, das 

von der magischen Seite des schwarzen 

Kontinents erzählt. Mit seinem neuen Roman 

»Der Chinese« gelingt es ihm einmal 

mehr, eindrucksvoll Verschiebungen der 

globalen Machtstrukturen im Wirtschaftsbereich 

in einen Thriller zu verpacken, der 

auf mehreren Kontinenten spielt. 

Es beginnt an einem frostigen Tag im Jänner 

2006, als die Polizei von Hudiksvall 

eine grausige Entdeckung macht. In einem 

kleinen Dorf wurden 18 Menschen auf bestialische 

Weise getötet. Die Polizei vermutet 

die Tat eines Wahnsinnigen. Als die Richterin 

Birgitta Roslin von der Tat erfährt, 

wird ihr sofort klar, dass ihre Adoptiveltern 

August und Britta Andrén unter den Mordopfern 

sind. Und mehr noch: So gut wie alle 

Ermordeten haben etwas mit ihr zu tun. Als 


sie im Internet nach weiteren Informationen 

sucht, findet sie heraus, dass auch im US- 

Bundesstaat Nevada eine Familie Andrén 

ermordet worden ist. Am Tatort hat die 

Polizei ein rotes Seidenband gefunden. Ein 

Seidenband, das von einer Lampe in einem 

Chinarestaurant aus Hudiksvall stammt, 

wie Birgitta Roslin durch einen Zufall 

entdeckt. Sie erkennt, dass die Polizei eine 

falsche Spur verfolgt, und beginnt selbst zu 

recherchieren. Ihre Suche führt sie schließlich 

nach Peking, wo sie auf die grausamen 

Machenschaften der politischen Führungselite 

stößt. 

»Der Chinese« erzählt somit auch davon, 

was passiert, wenn ein Land sich anschickt, 

zur wirtschaftlichen Supermacht 

zu werden, während im Inneren ein System 

politischer Unterdrückung herrscht. Dass 

der Thriller nicht nur in Europa, Asien 

und Amerika, sondern schlussendlich auch 

in Afrika spielt, wird niemanden überraschen, 

der Henning Mankell kennt. 

Michael Kerbler 

Eine Veranstaltung in 

Kooperation mit 

Zeitgenossen im Gespräch 

Michael Kerbler im Gespräch mit Hennig Mankell 

In englischer Sprache 

Am 20. Mai 2008 im BURGTHEATER 

21

Nachgefragt: 

Dr. Gerhard Blasche, Künstlerischer Generalsekretär 

Was wäre für Sie das größte Unglück? Krieg 

Wo möchten Sie leben? Wien. Zweimal im Jahr Südfrankreich am Meer 

Was ist für Sie das vollkommene irdische Glück? Gibt es nicht 

Welche Fehler entschuldigen Sie am ehesten? Die von Jugendlichen 

Ihre Lieblingsheldinnen in der Dichtung? Helene Altenwyl in »Der Schwierige« 

Ihre Lieblingshelden in der Dichtung? Mephisto in »Faust II« 

Ihre Lieblingsmaler? El Greco 

Ihr Lieblingskomponist? Mozart 

Welche Eigenschaften schätzen Sie Talent zur Freundschaft 

bei einem Mann am meisten? 

Welche Eigenschaften schätzen Sie Talent zur Freundschaft 

bei einer Frau am meisten? 

Ihre Lieblingstugend? Großzügigkeit 

Ihre Lieblingsbeschäftigung? Lesen, Schwimmen 

Wer oder was hätten Sie sein mögen? Der, der ich bin 

Ihr Hauptcharakterzug? Müssen andere beantworten 

Was schätzen Sie bei Ihren Freunden am meisten? Dass es sie gibt 

Ihr größter Fehler? Ungeduld 

Ihr Traum vom Glück? Mein Geheimnis 

Ihre Lieblingsfarbe? Blau 

Ihre Lieblingsblume? Tulpe 

Ihr Lieblingsvogel? Lieber Lieblingstier: Nashorn 

Ihr Lieblingslyriker? Goethe, Rilke 

Ihr Lieblingsdramatiker? Shakespeare, Tschechow, Schnitzler 

Ihr Lieblingsstück? Immer wieder neue, andere 

Ihre HeldInnen in der Wirklichkeit? Widerstandskämpfer (Nazizeit), Dissidenten (UdSSR) 

Ihre Lieblingsnamen? Aglaya, Hieronymus 

Was verabscheuen Sie am meisten? Geiz 

Welche geschichtlichen Gestalten Hitler, Stalin 

verachten Sie am meisten? 

Welche militärischen Leistungen Keine 

bewundern Sie am meisten? 

Welche Reform bewundern Sie am meisten? Die Einführung der Allgemeinen Schulpflicht 

Welche natürliche Gabe möchten Sie besitzen? Absolutes Gehör 

Wie möchten Sie sterben? Schnell. Bewusst 

Ihre gegenwärtige Geistesverfassung? Neugierig 

Saison 2007/2008 

Porträt 

Viele Theaterbesucher kennen 

Gerhard Blasche, ohne dass er 

in der Besetzung angeführt wird. 

Sein Auftritt vor einer Vorstellung 

verheißt eine kurzfristige Vorstellungsänderung, 

eine sensationelle 

Umbesetzung, indisponierte 

Stimmen oder tapfere Schauspieler 

mit Arm- oder Beinverletzungen, 

die dennoch auf der Bühne stehen. 

Meist werden seine Offenheit und 

sein um Verständnis bittender 

Blick mit Applaus belohnt. In den 

letzten 22 Jahren trat er 192 Mal 

vor den Vorhang. Seit 1985 ist der 

Publizist und Theaterwissenschaftler 

Künstlerischer Generalsekretär 

des Burgtheaters und Mitglied der 

Direktion. Sein Weg zum Theater 

führte über Missouri – ein Stipendium 

für die School of Journalism 

– und die Kunstdruckerei und den 

Kunstbuch-Verlag »Brüder Rosenbaum« 

nach Hamburg ans Thalia 

Theater unter der Intendanz von 

Boy Gobert. Er begleitete den Generalintendanten 

Gobert als Künstlerischer 

Direktor neben Eberhard 

Witt ans Schiller Theater Berlin. 

Theater ist seine Leidenschaft, die 

bereits als Kind geweckt wurde. 

Im Alter von 6 Jahren sah er 

»Alpenkönig und Menschenfeind« 

am Burgtheater. Diese Liebe zur 

Bühne und seine enge Beziehung 

zum Burgtheater erfuhren eine 

besondere Auszeichnung: Am 22. 

Februar 2008 wurde Dr. Gerhard 

Blasche von Bundesministerin Dr. 

Claudia Schmied zum Ehrenmitglied 

des Burgtheaters ernannt. Sein 

Name auf der Marmortafel an der 

Feststiege Landtmannseite ist nun 

Zeugnis dieser Verbundenheit. 

23

Rund um die Uhr 

24 

Das Burgtheater vor der Vorstellung – 17 bis 20 Uhr 

Das Burgtheater, eines der größten Sprechtheater Europas, ist ein gewaltiger Betrieb, eine große Maschinerie, in der mehr als 600 

Menschen sieben Tage pro Woche arbeiten, fast rund um die Uhr. In der Vorspiel-Reihe werfen wir einen Blick in das Innere des 

Hauses und hinter die Kulissen und berichten in insgesamt fünf Folgen, was dort zwischen 6 und 24 Uhr passiert. 

17 Uhr: Im Kassenfoyer schaut Paul Glaser 

konzentriert auf den Sitzplan auf seinem 

Computerbildschirm. Momentan stehen nur 

zwei Kunden um Karten an. Wenn eine Stunde 

vor Vorstellungsbeginn die Abendkasse 

öffnet und Kurzentschlossene in letzter Minute 

versuchen, noch einen Platz zu ergattern, 

herrscht hier deutlich mehr Andrang. 

»Dass sich die Leute hier um die letzten Stehplätze 

streiten, ist selten, kommt aber durchaus 

vor.« Paul Glaser zwinkert seinem Kollegen 

vom Publikumsservice Adolf Franta 

verschmitzt zu, der gerade die Abendzettel, 

Mäanderplakate und Programmhefte richtet 

und die reservierten Karten alphabetisch 

sortiert. Heute steht die 33. Vorstellung von 

Shakespeares »Viel Lärm um nichts« auf 

dem Spielplan des Burgtheaters, im Vestibül 

feiert »Das Leben der Bohème« nach Aki 

Kaurismäki Premiere. 

Vor dem Haus hängt Angelika Loidolt, Mitarbeiterin 

im Pressebüro, das Foto zum 

neuen Stück in den Schaukasten. In den Fo- 

yers und Garderoben beginnen die insgesamt 

45 Billeteure und Billeteurinnen ihren Dienst. 

Peter Buichl ist für die Feststiege auf der 

Volksgartenseite zuständig: Neben der Kontrolle 

der Eintrittskarten ist er für das Wohl 

und die Sicherheit der Gäste verantwortlich 

und muss u.a. dafür sorgen, dass die Fluchtwege 

frei sind und die Beleuchtung eingeschaltet 

ist. Im oberen Teil der Stiege brennen 

noch nicht alle Luster und Buichl greift 

zum Telefon, um die E-Zentrale zu informieren. 

Wenige Minuten später wird es heller. 

Seine Kollegin Ingeborg Buchta kontrolliert 

die Logen im Parkett und rückt die Sessel in 

die richtige Position. Sie ist eine von jenen 

10 Billeteuren, die zusätzlich zum Hausfeuerwächter 

ausgebildet wurden, um in Notfällen 

direkt helfen zu können. »Einen kleinen 

Brand kann ich schon löschen, bis die 

Feuerwehr da ist; und stabile Seitenlage ist 

auch kein Problem«, erklärt Buchta. Ernste 

Zwischenfälle sind zum Glück selten, häufiger 

sind allerdings Zuschauer mit Husten- 

anfällen, die ins Foyer fliehen, um die Vorstellung 

nicht zu stören. Mit Zuckerln und 

einem Glas Wasser leisten die Billeteure auch 

hier »Erste Hilfe«. 

Sicherheit wird im Burgtheater großgeschrieben: 

Jeden Abend, 55 Minuten vor Vorstellungsbeginn, 

machen ein Vertreter der Magistratsabteilung 

36, der Polizei und der 

Hausfeuerwehr einen Rundgang durch alle 

Winkel des Hauses, um zu kontrollieren, ob 

auch alles den Vorschriften entspricht. Notbeleuchtungen 

werden kontrolliert, Notausgänge 

überprüft. 

Auch die Bühne wird beim Rundgang nicht 

ausgelassen: Der Eiserne Vorhang trennt im 

Falle eines Brandes Bühne und Zuschauerraum 

feuersicher voneinander ab. Jeden 

Abend wird überprüft, ob die Kurtine auch 

problemlos fährt und nicht durch Bühnenbildteile 

blockiert wird. Auf zwölf Meter 

Höhe ist Feuerwehrposten Josef Wernhart 

auf Position und meldet: »Schnürboden in 

Ordnung.« Am Ende des Rundgangs veran- 

2007/2008 Saison

lasst Löschmeister Wolfgang Klaus noch eine 

Sprechprobe durchs ganze Haus und nimmt 

Funkkontakt zu allen Hausfeuerwächtern 

auf. »Gibt es Einwände von Seiten der Behörde 

oder der Polizei?« fragt er anschließend 

seine beiden Begleiter. »Keine Einwände« 

kommt unisono zurück. »Das Haus ist 

freigegeben«, spricht Klaus daraufhin in sein 

Funkgerät. Erst nach dieser Mitteilung darf 

das Einlasspersonal die Zuschauer, die bisher 

in der Kassenhalle warteten, zu den Garderoben 

und zu ihren Plätzen lassen. 

Mittlerweile ist es 18.30 Uhr. Im Foyer hat 

sich schon eine Gruppe junger Theaterbesucher 

versammelt, die heute Gast der Aktion 

»Kostenlos ins Burgtheater« sind. Durch eine 

Kooperation zwischen dem Burgtheater, der 

Firma Magna und den Österreichischen Bundesbahnen 

kommen die Schüler, Lehrlinge 

und Studenten in den Genuss einer kostenlosen 

Anreise und eines Vorstellungsbesuchs. 

Bevor die Vorstellung losgeht, werden sie 

auf der Feststiege begrüßt. Die Dramaturgieassistentin 

Britta Kampert informiert die 40 

jungen Menschen noch mit Hintergrundwissen 

zum Stück und zur Inszenierung und beantwortet 

interessierte Fragen. 

Hinter der Bühne laufen die Vorbereitungen 

für die Vorstellung. Im Gang zwischen den 

Saison 2007/2008 

Schauspielergarderoben und dem Eingang 

zur Seitenbühne hat die Requisite schon 

drei Särge für Nicholas Ofczarek, Christian 

Nickel und Joachim Meyerhoff bereitgestellt 

– eine Minute vor Stückbeginn werden 

die Techniker sie auf die Bühne tragen. 

Aus den verschlossenen Särgen werden die 

drei Schauspieler in der ersten Szene überraschend 

hervorspringen. Doch bis dahin ist es 

noch Zeit, es ist 18.45 Uhr, und Nicholas Ofczarek 

sitzt noch in der Maske. Während der 

Maskenbildner ihn mit der Puderquaste bearbeitet, 

geht der Schauspieler noch einmal 

seinen Text durch. 

Eine Etage tiefer betritt Patrick O. Beck gerade 

seine Garderobe. Er spielt heute Abend 

die Rolle des Schaunard in »Das Leben der 

Bohème«. Bis zu seinem ersten Auftritt hat er 

eine halbe Stunde länger Zeit als die Kollegen 

von »Viel Lärm um nichts«, denn die Premiere 

im Vestibül beginnt erst um 20 Uhr. 

»Es ist 19 Uhr, das ist das erste Zeichen«, 

schallt es durch das Bühnenhaus und die 

Garderoben. Sonja Schmitzberger hat pünktlich 

ihren Platz am Inspizienten-Pult an der 

Bühnenseite eingenommen und die Gegensprechanlage 

und die Monitore eingeschaltet. 

Beim »ersten Zeichen« wissen alle an der 

Produktion Beteiligten, dass sie bis zum Vor- 

Rund um die Uhr 

stellungsbeginn noch eine halbe Stunde Zeit 

haben. Spätestens jetzt müssen alle Schauspieler 

im Haus und alle Requisiten an ihrem 

Platz sein. Gemeinsam mit den beiden Regieassistentinnen 

Cornelia Rainer und Carina 

Riedl kontrolliert die Inspizientin, ob vor 

und hinter der Bühne alles bereit ist. Nur das 

Becken im Bühnenbild wird gerade erst befüllt, 

damit das Wasser noch warm genug ist, 

wenn die Schauspieler in der zweiten Hälfte 

der Inszenierung »baden gehen«. 

Im Garderobengang warten Dorothee 

Hartinger und Christian Nickel fertig geschminkt 

und im Kostüm auf ihren Auftritt 

und nutzen die Zeit zum Einsingen. Wenige 

Minuten später kommt der Durchruf »Die 

Vorstellung hat begonnen.« Während Shakespeares 

Verse auf der großen Bühne zum Leben 

erweckt werden, regiert hinter den Kulissen 

des Vestibüls noch das Lampenfieber 

bei Schauspielern und Team. Regisseur Philip 

Jenkins spuckt allen beim »Toitoitoi«- 

Wünschen noch schnell über die linke Schulter, 

während sich der Zuschauerraum des 

Vestibüls füllt. In wenigen Augenblicken beginnt 

die erste Vorstellung von »Das Leben 

der Bohème«. Es ist 20 Uhr. 

Britta Kampert und Judith Liere 

25

ALLE TOTEN FLIEGEN HOCH 

TEIL 3: DIE BEINE MEINER 

GROSSMUTTER 

Von und mit Joachim Meyerhoff 

Als »wunderbare, süchtig machende Erlebnisminiaturen« 

beschrieb Der Standard die 

beiden ersten Teile der Reihe »Alle Toten 

fliegen hoch«, in der der Schauspieler Joachim 

Meyerhoff aus der eigenen Geschichte erzählt. 

Nach den Abenden über sein High- 

School-Jahr in der amerikanischen Provinz 

und sein Aufwachsen als Sohn eines Psychiatriedirektors, 

handelt der 3. Teil der Reihe 

von seinen Großeltern. 

Ein Zeichen der zunehmenden Schwäche 

meiner Großeltern wurde auch dadurch 

deutlich, dass der Begriff »leicht« eine immer 

größere und schließlich absurd riesige Rolle 

zu spielen begann. Alles musste so leicht wie 

möglich sein. Und meistens war das Allerleichteste 

noch lange nicht leicht genug. 

Alles Schwere wurde gemieden. Alles Schwere 

machte ihnen Angst. Bis auf den Wein. 

Der Rotwein war die einzige Ausnahme. 

Alles musste leicht sein, aber der Rotwein 

konnte gar nicht schwer genug sein. Der 

Rotwein und die Schlafmittel. Ja, auch die 

Schlafmittel wurden im Laufe der Jahre immer 

schwerer. In dieser hochempfindlichen 

Balance hielten sie sich äußerst diszipliniert 

die letzten Jahre ihres Lebens. 

Ausstattung: Sabine Volz 

H Premiere am 20. April 2008 im VESTIBÜL 

Saison 2007/2008 

DREI WEGE ZUM SEE 

Elisabeth Augustin liest Ingeborg Bachmann 

Ingeborg Bachmann, zu Besuch in der Stadt ihrer 

Kindheit, durchlebt erneut ihre Beziehungen 

zu Vater, Bruder, Schwester, Geliebten, wie Paul 

Celan, ihrer großen Liebe: »Er war mein Leben. 

Ich habe ihn mehr geliebt als mein Leben«. 

Diesmal ging Elisabeth den Höhenweg über 

die Zillhöhe hinaus, obwohl es wieder regnete 

von Zeit zu Zeit, und sie lief hinunter, wo der 

Weg zum See führte, aber als sie aus dem Wald 

kam, verlief der Weg ohne Spuren in einer Wiese, 

und da jede Markierung fehlte, ging sie nach 

links und rechts und schließlich weit vor, um zu 

schauen, wo es weiterging. Im letzten Moment 

hielt sie inne, denn wenn sie, so in Gedanken, 

noch einen Schritt weitergegangen wäre, wäre 

sie abgestürzt, und sie sah vorsichtig, am äußersten 

Rand der Wiese, was da, wie ein Steilhang, 

den es früher nie gegeben hatte, vor ihr abbrach. 

Im Mai 2008 im Vestibül 

FREMD 

Ein Stück von Alfred Dorfer 

Magazin 

Ist es noch Kabarett oder schon Theater? 

Die Frage erübrigt sich. Es ist Alfred 

Dorfer. Der wie immer gekonnt zwischen 

Satire, Theater und schräger Philosophie 

balanciert. Man kennt den unverwechselbaren 

Sprach- und Spielartisten aus Wien 

mittlerweile im gesamten Sprachraum. 

Der Titel deutet es schon an. Reicht die 

Biografie, die man lebt, aus? Oder entsteht 

sie erst, wenn man die gelebte mit 

geträumten Biografien teilt? Dorfer nimmt 

individuelle Lebenssituationen oder 

politische Finali und erzählt sie bis zum 

Ursprung hin, klärt die Entstehung. 

Er fragt sich und uns, welche eigenen 

Bilder man vor einer visuellen Welt noch 

verteidigen kann, und untersucht mit 

schwarzem Humor, was geschieht, wenn 

den Menschen die eigenen Bilder abhanden 

kommen und durch unentrinnbar aufgedrängte 

ersetzt werden. Was macht unsere 

Freiheit zur Scheinfreiheit? Was die 

Demokratie zur Scheindemokratie? 

»fremd« ist nach den letzten Stücken 

»Alles Gute« 1993, »Ohne Netz« 1994, 

»Badeschluß« 1996 und dem mit dem 

»Deutschen Kleinkunstpreis« ausgezeichneten 

»heim.at« 2000 ein weiterer Schritt 

in eine theatralische Spielart, die sich den 

Etiketten entzieht. 

Mit den Musikern Peter Herrmann, 

Günther Paal und Lothar Scherpe. 

Am 6. und 31. Mai 2008 


27

Magazin 

28 

REDEN ÜBER EUROPA 4 

What Holds a Society Together? 

Eine Gesellschaft ist mehr als die bloße Summe ihrer Mitglieder. 

Dass Gemeinschaften nicht im Kampf aller gegen 

alle versinken und in Einzelwesen zerfallen, hängt unter anderem 

an Rechtsprinzipien, Glaubenssätzen und einer Kultur, 

der sich alle mehr oder weniger verpflichten. Migrationsprozesse 

und Immigration scheinen – vordergründig 

– die gemeinsamen Grundsätze zu stören. Gerne wird auch 

die Angst gegen den Fremden instrumentalisiert. Wie sähe 

eine gute gesellschaftliche Integration kultureller Unterschiede 

aus? Was ist der Boden, der eine Gesellschaft trägt? 

Die Reihe ist eine Initiative der Allianz Kulturstiftung in Zusammenarbeit mit dem Institut für die Wissenschaften vom 

Menschen (IWM), dem Tanzquartier Wien, dem Burgtheater und dem STANDARD. 

Giuliano Amato, Anthony Giddens, Alfred Gusenbauer, Jennifer L. Hochschild 

Wie viel Zusammenhalt – vor allem aber welche Art von 

Zusammenhalt – brauchen Gemeinschaften? 

Es diskutieren Giuliano Amato, seit 2006 italienischer Innenminister, 

der britische Soziologe Anthony Giddens, Bundeskanzler 

Alfred Gusenbauer und Jennifer L. Hochschild, 

Professorin für Government und African American Studies 

an der Harvard Universität. 

Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt. 

Am 27. April 2008 um 11:00 Uhr im BURGTHEATER 

Wo sitzen Sie First Class? 

Unter den Flügeln des Löwen. 

Generali First Class 

An jedem letzten Samstag im Monat* sitzen acht Zuschauer zum Preis 

einer Galeriekarte auf den besten Plätzen im Burgtheater! 

Mehr Informationen unter www.burgtheater.at oder Tel. 01/51444-4140 

* bei Samstags-Premieren verschiebt sich die Aktion auf den letzten Freitag im Monat. 

2007/2008 Saison

SUCHERS LEIDENSCHAFTEN 

Thomas Mann 

Thomas Mann (1875-1955) wurde berühmt durch seine Erzählungen 

und Romane, doch er schrieb auch Gedichte und 

ein Drama, das von den Bühnen längst verschwunden ist. Er 

versuchte sich in allen literarischen Gattungen; und er war ein 

fleißiger Briefeschreiber und führte akribisch Tagebuch. Hierin 

finden sich seine Sehnsüchte, seine Leidenschaften und seine 

Ängste – unverschlüsselt, offen. In seinen Werken chiffriert er 

sie. Aus erlebten Lieben werden verdichtete Leidenschaften. In 

vielen Figuren tritt der Autor auf, versteckt und zuweilen auch 

in Frauengestalten. Sein homosexuelles Begehren wird verwandelt 

in ein heterosexuelles. Wer indes genau liest, wird erkennen, 

wie stark das literarische Vermächtnis (auch) Lebensbericht 

ist: literarisierte Autobiographie. 

Am 17. April 2008 im KASINO 

Honoré de Balzac 

Honoré de Balzac hat ein Romanwerk hinterlassen, das 

größer und reicher ist als das von Dostojewski und Proust. 

In 91 Romanen zeichnet er die französische Gesellschaft 

der ersten Hälfte des 19.Jahhunderts: den Adel, die Bourgeoisie, 

die Bauern. Emporkömmlinge und Untergeher. 

Damen und Dirnen, Herren und Kerle. Er zeichnet diese 

Gesellschaft, er analysiert sie, er kommentiert sie. Seine 

»Comédie humaine«, die »Menschliche Komödie«, ist 

ein Zauberwerk. 2000 Personen treten darin auf – und 

593 von diesen Darstellern und Selbstdarstellern verbinden 

die einzelnen Werke, sodass ein Zyklus daraus wird. 

Einer, der es mit Shakespeares dramatischem Kosmos oder 

mit Dantes Welt aufnehmen kann. C. Bernd Sucher wird 

sich in seinem Balzac-Vortrag nicht allein mit diesem Werk 

beschäftigen, sondern auch mit Balzacs journalistischen 

Arbeiten. Und mit seinem Leben. Das heißt: mit Balzacs 

vielen Amouren und den vielen finanziellen und unternehmerischen 

Debakeln. Denn so genau er das Verhalten seiner 

Figuren erklären, beurteilen und verurteilen konnte, 

sein eigenes Verhalten konnte er nicht vernünftig regeln. 

Er verstand es nicht einmal. 

Am 15. Mai 2008 in der KASINOBar 

Saison 2007/2008 

WANDERER IN LOVE 

Die Brüder Wladigeroff präsentieren ihr Debüt-Album 

Magazin 

Seit 2004 firmieren die beiden in Wien lebenden Musiker Alexander und Konstantin 

Wladigeroff als »Wladigeroff Brothers & Band« und führen auf faszinierende Weise 

die musikalischen Welten der bulgarischen Folklore und des modernen Jazz zusammen. 

Dabei haben sie sich in die höchsten Ränge der nationalen wie internationalen Jazzszene 

hochgespielt. 

Ihr Debüt-Album, das die Brüder Wladigeroff zusammen mit ihrer Band präsentieren 

werden, verbindet Spielfreude und Virtuosität auf mitreißende Art. Dazu wird der Maler 

Iskren Iliev, seit langem ein Weg gefährte der Brüder, ihre Musik in Bildern visualisieren. 

»Wanderer in Love ist auch eine Balkan-Jazz-CD. Man hüte sich allerdings davor, 

Alexander und Konstantin Wladigeroff auf dieses Etikett zu beschränken. Denn da sind 

auch andere Seiten zu hören: Die der Jazzmusiker, die ohne Bezug auf osteuro- 

päische Traditionen auskommen. Und die der cinema tografisch inspirierten, kammermusikalischen 

Stimmungsmaler. Wanderer in Love deutet vielfältige Entwicklungs- 

möglichkeiten und Zukunftsperspektiven für zwei hochtalentierte junge Musiker an.« 

Andreas Felber, ORF 

Am 9. April 2008 im KASINO 

UNSER KAMPF 1968 - 

EIN IRRITIERTER BLICK ZURÜCK 

Götz Aly liest aus seinem neuen Buch 

Der Historiker und Zeitzeuge 

Götz Aly zieht in seinem neuen 

Buch »Unser Kampf 1968« 

Analogien zwischen den 33er 

und 68er Studentenprotesten. 

Götz Aly wirft einen irritierten 

und irritierenden Blick auf die 

Bewegung zurück, deren Teil er 

selbst war. Neben Utopismus 

und Revolutionsgeist verweist 

Aly aber auch auf Gemeinsamkeiten 

mit der Generation der 

Väter, von denen die 68er sich 

gerade absetzen wollten. Wie 

sehr ist der emanzipatorische 

Gestus der tabula rasa auch von totalitären Zügen unterwandert gewesen? 

– diese Frage sucht Aly in seinem neuen Buch zu beantworten. 

Es wurde über 68 bereits sehr viel Papier produziert, mit dem die einstigen 

Akteure sich selbst bespiegeln. Zudem veröffentlichten die 68er in ihrer 

aktiven Zeit ständig Broschüren, Zeitungen und Bücher, weil der Offsetdruck 

gerade billig geworden war. Aber diese Texte bieten immer dasselbe, 

sie sind langweilig und in einem hypertrophen Ton gehalten, den heute 

niemand mehr hören will. Ich bin dann einfach ins Bundesarchiv gegangen 

und habe mir die Akten der Bundesregierung durchgesehen, um in den von 

den Veteranen elend flach gemalten Historienschinken »Wir, die Helden 

von 1968« mehr Tiefenperspektive hineinzubekommen. Dabei bin ich auf 

recht erstaunliche Dinge gestoßen. 

Götz Aly im Standard 

Götz Aly lebt als freier Autor (»Die Endlösung, Völkerverschiebung und 

der Mord an den eropäischen Juden«, »Hitlers Volksstaat, Raub, Rassenkrieg 

und nationaler Sozialismus«) und Forscher in Berlin. 2002 erhielt er 

den Heinrich Mann-Preis für Essayistik, 2003 den Marion Samuel-Preis. 

Im Mai 2008 im KASINO 

29

Magazin 

30 

Spannung mit Entspannung ist angesagt 

Der April ist heuer buchmäßig besonders stark, so findet zum Beispiel in Wien zum allerersten 

Mal die »Criminale« statt, das ist d a s Treffen der deutschsprachigen KriminalschriftstellerInnen 

(16. - 20. April). Für unsere Krimisüchtigen ermöglicht die »Criminale« 

viele, viele Begegnungen mit den teilnehmenden (ca 300!) »Stoff-Lieferanten« und zwar 

an allen möglichen und unmöglichen Orten der Stadt – und dann der 23. April, der nicht 

nur Shakespeares Geburts- und Todestag ist, sondern auch der »Welttag des Buches« 

– ein Fest für das Buch und das Lesen. Eines der vielen Ereignisse wird wieder die Radio-Straßenbahn 

»Buch-am-Zug« mit einer kulinarischen Gästemischung aus Kultur, Politik, 

Sport und Musik sein. Das Geschenkbuch zum »Welttag des Buches« erhalten Sie 

natürlich im Leporello-im-Burgtheater, aber auch die besten Krimis der Saison sind immer 

vorhanden: Sogar noch gegen 22 Uhr können Sie Ihr »Nachtbuch« holen – und das 

täglich! Übrigens: einer der bekanntesten Krimiautoren Italiens, nämlich Andrea Camilleri, 

hat soeben ein neues Buch herausgebracht: es ist kein Krimi – aber eine wunderbare, 

zauberhafte, sizilianische Geschichte übers Erwachsenwerden und Entdecken der Liebe 

im Jahre 1945: hinreißend, meint 

Ihre Rotraut Schöberl – Buchhandlung Leporello im Foyer des Burgtheaters 

ABONNENT 

WIRBT 

ABONNENT! 

»Freundschaft hält stand in allen Dingen« heißt es in Shakes peares erfolgreicher 

Komödie »Viel Lärm um nichts«. 

Die Gewinner der Aktion »Abonnent wirbt Abonnent« des Burgtheaters in 

Zusammenarbeit mit dem Hotel Sacher stehen fest. Frau Olga Ugrinovich, 

langjährige Abonnentin des Burgtheaters, ist die glückliche Gewinnerin des 

»Romantik Wochenendes«. 

Im luxuriösen Ambiente des Hotel Sacher fand die Preisübergabe statt. Bei einem 

Glas »Sacher Rosé« im Hotel Sacher überreichte Frau Elisabeth Gürtler 

persönlich der Gewinnerin den Gutschein und führte sie auch gleich durch das 

neue Sacher Spa, um bereits einen Vorgeschmack auf die bevorstehende 

wohltuende Behandlung zu geben. Die Vorfreude war groß. 

Neben dem Luxus-Wochenende gab es auch 10 Sachertorten sowie exklusive 

Technikführungen im Burgtheater zu gewinnen. 

Die Gewinner wurden schriftlich verständigt – wir gratulieren recht herzlich! 

»Abonnent wirbt Abonnent!« gilt das ganze Jahr: Jeder werbende Abonnent bekommt einen Gutschein 

für zwei Freikarten für die laufende Spielzeit geschenkt. 

Sponsor der Porträtgalerie Sponsor der Gegenwartsdramatik Sponsor des Shakespeare-Zyklus 

Hauptsponsoren 

Unter der gebührenfreien Wahl abon nenten- 

Telekom-Nr. im Inland: 0800 95 29 67 

(Montag bis Freitag von 8 bis 17 Uhr) und aus 

dem Ausland: +43 1 513 2967-2967 

(Montag bis Freitag von 8 bis 17 Uhr) können 

unsere Wahlabonnenten direkt und mit 

möglichst geringen Wartezeiten durch die zeitliche 

Staffelung nach Preisgruppen von ihrem 

Vorkaufsrecht Gebrauch machen. 

Nähere Informationen finden Sie dazu unter 

www.burgtheater.at. 

Wir danken unserem Sponsor 

Service 

Freunde und Förderer 

agensketterl Druckerei GmbH, AirPlus, AKRIS, Austrian Airlines, BAWAG-PSK, Bösendorfer Klavierfabrik, Weingut Bründlmayer, Deutsche Lufthansa AG, Fernwärme, Kammer 

der Architekten und Ingenieurkonsulenten für Wien und NÖ und Bgld, Kartenbüro Jirsa, Möbelwerkstätten WITTMANN, OENB Oesterreichische Nationalbank, Österreichisches 

Verkehrsbüro AG, Palmers, Raiffeisen Capital Management, Römerquelle, S-Bausparkasse, Schlumberger Wein- und Sektkellerei AG, Schuhmanufaktur Ludwig Reiter, Staud's 

Wien, TELEKOM Austria, waagner-biro, WIENENERGIE, WIENER STÄDTISCHE Versicherung AG VIENNA INSURANCE GROUP, WKO Wirtschaftskammer Österreich 

NACHWEISE BILDER: Associated Press S.28/2; Carole Belaïche: S.7; Christian Brachwitz: Cover, S.9/1; Maurizio Cattelan: S. 17/2; Matthias Horn: S.9/4; Iskren »ISI« Iliev: S. 29/1; Sebastian Kaulitzki S.17/1; 

Marko Lipus: S.10; Joachim Meyerhoff (privat): S.27/3; Gabriela Mirescu: S.28/1; Ulla Montan: S.21; Isolde Ohlbaum: S.7; mss/Stadtmuseum St. Pölten: S. 27/1; Georg Soulek: S. 9/3, 9/5, 13, 23/1-3; SPÖ/Peter Rigaud S. 28/3; 

Peter Rigaud: S.28/2; Ruth Walz: S.9/2; Reinhard Werner: S.8, 15/1, 16, 19, 23/4, 24, 25; Leonard Zubler: S.15/2 TEXTE: S. 11: Jochen Jung für das Programmheft zu »Die versunkene Kathedrale«, S. 21: Originalbeitrag 

2007/2008 Saison

Spieltriebe - Burgtheater

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