Im Bilde 02/2006 - BBK-Bayern

BBK Niederbayern
12
Eröffnung der Jubiläumsausstellung im Kulturmodell Bräugasse
20 JAHRE BBK NIEDERBAYERN E.V.
(Einführung: Dr. Maximilian Seefelder, Bezirksheimatpfleger)
Jubiläumsfeiern – und sei es eben das zwanzigjährige
Bestehen einer etablierten Kulturinstitution
wie des Berufsverbands Bildender
Künstler Niederbayern e.V. – folgen in der
Regel einem Muster: Der Blick schweift
zurück, die Reden rühmen die Erfolgsgeschichte
und die Jahre harter Arbeit. Lob den
Verantwortlichen und aller Dank dazu.
Nicht zu vergessen bei Anlässen wie dem
heutigen: Wert und Nutzen der bildenden
Kunst sind hervorzuheben – im Allgemeinen
wie im Besonderen. Es darf philosophiert
werden. Wo sonst, wenn nicht hier? Es gilt,
möglichst blumige Worte für bunte Bilder
finden.
Gerne wird dabei die Formel vom ‚Traumberuf
Künstler’ bemüht, den wir um seine
geistig kreative Freiheit beneiden, der uns die
Aura des mystisch Schöpferischen atmen
lässt – ein ‚creator mundi’, fähig seine eigene
kleine Welt zu erschaffen.
Die Realität indes sieht anders aus. Der
Welt des Künstlers sind oft sehr enge, schier
unüberwindbare Grenzen gesetzt. Freilich,
das ist nicht der Stoff, aus dem man Festreden
macht. Tatsache bleibt aber: Neun von
zehn Kunststudierenden schaffen es nicht,
nach dem Kunststudium von ihrer Kunst zu
leben. Und dann - aus der Traum von der ungehinderten
Verwirklichung der eigenen kreativen
Fähigkeiten, von den Freiheiten, die mit
einem gewöhnlichen Beruf nicht zu erreichen
sind?!
Diese Freiheit hat ihren Preis – und wirklich
bewusst ist dies oft weder Kunstliebhabern
noch angehenden Künstlerinnen und
Künstlern. Schnell wird dann mehr Anerkennung
für die unverzichtbare Arbeit Kunst-
und Kulturschaffender gefordert – vor allem
mehr Förderung und finanzielle Unterstützung.
Nur, Realität ist auch: Die Zahl entsprechender
Fördertöpfe ist überschaubar, die
eingestellten Mittel sind endlich. Und bei der
Diskussion über die wirklichen Notwendigkeiten,
über das Unentbehrliche und Unverzichtbare
zieht zumeist die Kunst – die edle,
schöne Muse – den Kürzeren.
Dennoch, es bleibt dabei: Kunst ist ein Gewinn.
Sie bereichert das Leben – nicht nur im
Wortsinn das des einzelnen Sammlers und
des Kunstliebhabers, sondern auch das öffentliche.
Mehr noch: Ein Demokratisierungsprozess
hat stattgefunden. Kunst ist
nicht mehr wie ehedem den Musentempeln
und elitären Minderheiten vorbehalten, sondern
sie ist beinahe allgegenwärtig in Bahnhofshallen,
Parkgaragen oder Kneipen erlebbar.
Sie lädt ein, regt an oder provoziert zur
Beschäftigung mit ihr. Diese Auseinandersetzung,
diesen Luxus kann und sollte sich jeder
leisten. Er ist nicht von materiellen Mitteln
abhängig.
im Bilde 2/06
Die Künstler sind es, die konventionelle
Sichtweisen überwinden und neue Perspektiven
eröffnen – Ihnen, mir, allen. Und, das ist
das Faszinierende daran, sie schaffen es ohne
Worte.
Doch ehe ich ins Schwärmen gerate – Tatsache
bleibt auch: Kunst ist und war auch immer
schon ein Geschäft. Die romantisch verklärte
Vorstellung vom Maler, der mit Picknickkorb
und Staffelei ins Grüne zieht, an
den Wochenenden in den Salons der Gesellschaft
zuhause ist und seine Arbeiten zwischen
Kanapees und Champagner quasi im
Vorbeigehen zu gutem Geld macht, fand in
der Realität kaum ihre Entsprechung. Selbst
die Gunst großzügiger Mäzene musste oft auf
erniedrigende Weise gewonnen und erhalten
werden und nicht selten lebte unbeachtet und
verarmt, wer heute als großer Meister gerühmt
wird.
In Zeiten knapper öffentlicher Mittel und
der verschärften Situation auf allen Märkten
wird den Kunstschaffenden ein großes Maß
an Realitätsbezug, Unternehmergeist und Engagement
abverlangt. Es ist notwendig, Allianzen
zu schmieden und Kooperationen einzugehen,
um gemeinsame Interessen vertreten
und so neben ideellem auch materiellen
Gewinn aus der aktiven Arbeit mit und an der
Kunst ziehen zu können.
Doch auch diese Erkenntnis ist nicht wirklich
neu. Mit dem Ziel, sich gemeinsam für
die Verbesserung der wirtschaftlichen Rahmenbedingungen
freier künstlerischer Arbeit
einzusetzen, wurde schon vor 150 Jahren die
„Allgemeine Deutsche Kunstgenossenschaft“
als erster nationaler Zusammenschluss regionaler
Kunstvereine gegründet. Sie vertrat
fortan die Interessen bildender Künstler gegenüber
Politik und Öffentlichkeit. Sie war
maßgeblich an der Erstellung der gesetzlichen
Grundlagen für das erste deutsche Urheberrecht
von 1876 beteiligt. Darüber hinaus
brachte sich die Allgemeine Deutsche Kunstgenossenschaft
auch normativ in die nationale
Kunstszene ein. Sie kontrollierte damit
nicht nur den Kunstmarkt, sondern ebenso
den Zugriff auf staatliche Förderungen.
Interne Auseinandersetzungen blieben nicht
aus, zumal insbesondere zeitgenössisch
„moderne“ Künstler kaum Unterstützung von
den bestehenden Organisationen erwarten
konnten. Bilder – z. B. die des norwegischen
Malers Edvard Munch, heute einer der Vertreter
der klassischen Moderne – wurden als
„abstoßend, hässlich und gemein“ bezeichnet
und von Ausstellungen ausgeschlossen. So
musste es letztendlich zum Bruch kommen
zwischen der progressiven, liberalen Künstlerschaft
und dem bis dahin dominierenden
traditionell akademischen Kunstbetrieb, den
auch die Allgemeine Deutsche Kunstgenos-
senschaft vertrat. Abspaltungen – treffend
als „Sezession“ bezeichnet – fanden an der
Wende zum 20. Jahrhundert in allen deutschsprachigen
Zentren moderner bildender
Kunst statt: München 1893, Wien 1897,
Berlin 1898.
Warum erzähle ich das? Weil daran auch
das generelle Dilemma moderner Kunst offensichtlich
wird: Innovativ, progressiv, visionär
und ihrer Zeit voraus soll und will sie
sein – mit dem Ergebnis, dass sie es dementsprechend
schwer hat, verstanden, toleriert
oder gar anerkannt zu werden.
Die Kunstgeschichte zeigt zahllose Beispiele
dieser immer wieder kehrenden Problematik.
Breitenwirksame, offiziell propagierte
Kunstdefinitionen halten sich oft hartnäckig
und lassen kaum Raum für Neues.
Dennoch überholen sich solch zeitgenössische
Kunstauffassungen regelmäßig selbst.
Ehedem verschmähte Künstler wie Munch,
Klimt und Co sind heute populär und nahezu
inflationär auf Kaffeetassen und Einkaufstüten
zu finden. Popularität allein – posthum
ebenso wenig wie zu Lebzeiten – kann es
aber nicht sein, was ein Künstler, eine Künstlerin
zum Leben braucht. Mit schillernden
Vernissagen und hoch gelobten Ausstellungen
ist es nicht getan, wenn dem nicht Aufträge
und Verkäufe folgen.
So gilt es grundlegende Akzeptanz zu
schaffen, Berührungsängste abzubauen,
Kunst für jedermann – sowohl inhaltlich als
auch finanziell – zugänglich zu machen. Dazu
bedarf es der gezielten Öffentlichkeitsarbeit
und des Marketings als vorrangige Aufgabe
und Ziel sowohl der öffentlichen Kulturarbeit,
der Kulturförderung, als auch von
Künstlervertretungen wie dem BBK und der
Kunstschaffenden selbst.
Sicher war es kein Zufall, dass die Gründungsinitiative
des BBK Regionalverbandes
ausgerechnet vom östlichen – um nicht zu sagen
„hintersten“ – Niederbayern ausging. Pionierarbeit
im eigentlichen Sinne war hier gefragt.
Es galt künstlerisches Terrain urbar zu
machen, mit dem Wesentlichen auszustatten
und auf unbürokratischem Weg einheitliche
Rahmenbedingungen zu schaffen, die die
Selbständigkeit bildender Künstler in der Region
fernab der großen Kunst- und Kulturzentren
erst möglich machten.
Die Einrichtung des „Kulturmodell Bräugasse“
als Präsentationsplattform, Arbeitsplatz
und Begegnungsstätte von Künstlern
und Laien war dabei ein großer Schritt. Der
Vorsitzende des BBK Landesverbandes Bayern,
Klaus von Gaffron, konnte bereits anlässlich
des 10jährigen Bestehens des BBK
Niederbayern e.V. 1996 konstatieren:
„10 Jahre BBK Niederbayern heißt: Aus einer
künstlerischen Diaspora ist ein lebendiges
Forum geworden, eine Schnittstelle an der
Künstler aus den verschiedenen Bundesländern,
aber auch aus den Nachbarländern Ausstellungsmöglichkeiten
fanden und anregend
auf die regionale Kunstszene wirkten.“