Excellent Art 2020 - Exzellente Kunst 2020

meditaterra

The art gift book introduces 33 selected artists from 20 countries around the globe. Starting in Vol. 2 of the “Excellent Art” series, each book will also introduce one famous musical work that may contribute to the harmonious overall sound, alongside a topic related selection of haiku poetry. Inspired by the composer’s international experiences the editor has chosen “The Seasons” by Joseph Haydn.

Ai-Wen Wu Kratz: Dreamy Visual Worlds; Angela P. Schapiro: Modulation and Impression; Aomi Kikuchi: Magical Effects; Betty Collier: Biomorphic Associations; Bingjib Huang: Poetic Reflections; Bogdan Dyulgerov: Trip to a Dominant Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer: Breaking through the Surface; Eriko Kaniwa: Transcendental Beauty; Franco Baldazzi: Undulating Compositions; Gerhard Rasser: Places of Contemplation; Gro Folkan: Vaporous Visions; Hee Sook Kim: Expanding the Scope of Interpretation; Herbert Hermans: Play with Constructive Lines; Hyun-Jin Kim: Poems; Irina Kassabova: The Sound of Painting; Jani Jan J.: Expansive Gestures; Karin Guni: Room for Interpretation; Kathleen Kilchenmann: Emotional Appeal; Kenan K.: From Plane to Plastic Perception; Kurt Freundlinger: Composing Colors and Shapes; Mae Jeon: Floral Vibrations; Makotu Nakagawa: Filigree Lightness; Michal Ashkenasi: Colors bringing out the Point; Nora Komoroczki: Cheerful Colorscapes; Patrick Joosten: Mental Materialization; Paul Hartel: Boisterous Symbolism; Peter Kadrmas: New Connections; Ramón Rivas: Thought Constructions; Rawan Ita: A Fleeting, Ephemeral World; Sylvia Langshausen: An Intuitive Language of Shapes; Valentina Anopova: Internal Dynamics Visualized; Wendy Yeo: Light and Poetic

The printed book is available in the book trade and in internet bookshops. Hardcover: ISBN 978-3-98527-009-5, Softcover: ISBN 978-3-98527-002-6, Publisher: Re Di Roma-Verlag, Language: English, German, Size: 26 x 21 cm

Das Kunst- und Geschenkbuch stellt 33 ausgewählte Künstler aus 20 Ländern rund um den Globus vor. Ab Band 2 der Reihe „Exzellente Kunst“ wird in jedem Buch neben einer themenbezogenen Auswahl an Haiku-Gedichten auch ein berühmtes Musikwerk vorgestellt, das in Harmonie mit den Kunstbildern erklingen mag und dazu anregen soll, Kunst und Poesie auch in ihrer tonalen Aussage zu erfassen. Angeregt von dem internationalen Lebensweg des Komponisten hat die Herausgeberin „Die Jahreszeiten“ von Joseph Haydn ausgewählt.

International Artworks and Poems —

Internationale Kunstbilder und Gedichte

Enter into Art — LOUNGE 3 — 2020

With Music Suggestion:

„The Seasons“ by Joseph Haydn 1


Relax and Rejoice with Art and Poetry from Twenty Countries

Entspannung und Genuss mit Kunst und Poesie aus zwanzig Ländern

140 artworks

35 poems

140 Kunstbilder

35 Gedichte

Cover: Rawan Ita; Title page / Titelseite: Ramón Rivas

Back of the book / Cover-Rückseite: Ai-Wen Kratz, Aomi Kikuchi, Gro Folkan, Bogdan Dyulgerov, Eriko Kaniwa, Angela P. Schapiro

Music pages / Musik-Seiten: Wendy Yeo, Kurt Freundlinger

2 3


Contents / Inhalt

Gerhard Rasser, Austria / Österreich

page / Seite 10 - 11

Eleanora Hofer, South Africa / Südafrika

page / Seite 12 - 13

Peter Kadrmas, Spain / Spanien

page / Seite 14 - 15

Herbert Hermans, The Netherlands / Niederlande

page / Seite 18 - 19

Aomi Kikuchi, Japan

page / Seite 20 - 21

Karin Guni, France

page / Seite 24 - 25

Ramón Rivas, Spain / Spanien

page / Seite 26 - 27

Jani Jan J., Austria / Österreich

page / Seite 28 - 29

Ai-Wen Wu Kratz, USA

page / Seite 30 - 31

Betty Collier, Australia / Australien

page / Seite 32 - 33

Sylvia Langshausen, Germany / Deutschland

page / Seite 36 - 37

Valentina Anopova, Russia / Russland

page / Seite 38 - 39

Franco Baldazzi, Italy / Italien

page / Seite 40 - 41

This art and gift book introduces 33 selected artists from 20 countries around the

globe. The interpretations focus mainly on the visible, specific side of paintings and

sculptures, mostly leaving out aspects related to the artists’ résumés. To learn more

about the artists, please refer to their respective websites.

The texts invite art lovers to connect with the artworks themselves. Based on the

concept behind Enter-into-Art, feel free to pick a painting, mindfully dwell on it following

our instructions for meditative art observation, and relax.

As a PR specialist, I put my heart into designing art books based on brilliant ideas.

Special art and poetry pages have been incorporated to give artists an opportunity

to present their visual work alongside their poetry. Poems are usually published in

their original language. Reading foreign texts resembles the sound of color tones

and increases the intercultural effect.

In the same vein, starting in Volume 2 of the “Excellent Art” series, each book will

introduce one famous musical work that may contribute to the harmonious overall

sound, alongside a topic related selection of my haiku poetry. By introducing a musical

work, I hope to inspire readers to expand their perception to the tonal aspects

of art and poetry.

Inspired by the composer’s international experiences, and the way he uses notes

like a painter in this work, I have chosen “The Seasons” by Joseph Haydn. After all, the

seasons are of universal importance in the poetry of the world’s peoples.

I would like to thank all artists for their excellent cooperation in this global community

project and wish them every success!

Gabriele Walter

(Editor)

Foreword

In dem vorliegenden Kunst- und Geschenkbuch werden 33 ausgewählte Künstlerinnen

und Künstler aus 20 Ländern rund um den Globus vorgestellt. Mit dem Ziel

der Anschaulichkeit steht das Spezifische der Bilder und Skulpturen im Mittelpunkt

der Interpretationen, während darin weitgehend auf Aspekte verzichtet wird, welche

dem Lebenslauf der Künstlerinnen und Künstler entnommen werden können. Diese

können auf deren Websites nachgelesen werden. Es handelt sich um Anregungen für

Kunstfreundinnen- und Freunde, sich mit den Werken selbst auseinanderzusetzen.

Man suche sich ein Bild aus, vertiefe sich - gemäß dem „Enter-into-Art“-Konzept - mithilfe

der Anleitung für eine meditative Kunstbetrachtung achtsam in das Kunstwerk

und entspanne sich.

Als PR-Fachfrau liegt es mir am Herzen, Kunstbücher basierend auf brillanten Ideen

zu gestalten. Zudem bieten die speziellen Kunst- und Poesie-Seiten den Kunstschaffenden

die Möglichkeit, ihre Werke im Zusammenspiel mit eigener Poesie zu präsentieren.

Die Gedichte werden in der Regel in ihrer Muttersprache veröffentlicht, denn

das Lesen fremdsprachiger Texte gleicht einem Farbklang und erhöht die interkulturelle

Wirkung.

Ebenfalls in diesem Sinne wird ab Band 2 der Buchreihe „Exzellente Kunst“ jeweils

auch ein berühmtes Musikstück vorgestellt, das in Harmonie mit den Kunstbildern und

einer jeweils themenbezogenen Auswahl meiner Haiku-Lyrik erklingen mag. Das Musikstück

soll dazu anregen, Kunst und Poesie auch in ihrer tonalen Aussage zu erfassen.

Angeregt durch den internationalen Lebensweg des Komponisten und die tonmalerische

Eigenart des Werkes fiel meine Wahl dieses Mal auf „Die Jahreszeiten“ von Joseph

Haydn. Die Jahreszeiten nehmen einen hohen universellen Stellenwert in der Lyrik der

Völker ein.

Ich danke allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern für die gute Zusammenarbeit in

dem weltweiten Gemeinschaftsprojekt und wünsche ihnen viel Erfolg!

Gabriele Walter

(Herausgeberin)

Vorwort

Rawan Ita, USA

page / Seite 52 - 53

Bogdan Dyulgerov, Bulgaria / Malta

page / Seite 54 - 55

Gro Folkan, Norway / Norwegen

page / Seite 58 - 59

Kathleen Kilchenmann, Germany / Deutschland

page / Seite 60 - 61

Hee Sook Kim, USA

page / Seite 62 - 63

Nora Komoroczki, Hungary / Ungarn

page / Seite 64 - 65

Patrick Joosten, France / Frankreich

page / Seite 68 - 69

Carla Kleekamp, The Netherlands / Niederlande

page / Seite 70 - 71

Kurt Freundlinger, Austria / Österreich

page / Seite 72 - 73

Eriko Kaniwa, Japan

page / Seite 76 - 77

Paul Hartel, Ireland / Irland

page / Seite 78 - 79

Angela P. Schapiro, USA

page / Seite 80 - 81

Hyun-Jin Kim, Taiwan

page / Seite 82 - 83

Mae Jeon, South Korea / USA

page / Seite 42 - 43

Michal Ashkenasi, Israel

page / Seite 44 - 45

Artworks selected for the book design:

See p.1 / title page

Haiku-Poems:

Kunstwerk-Auswahl für das Buchdesign:

Siehe S. 1 / Titelseite

Music Suggestion:

Spring p. 22

Musikalische Empfehlung:

Frühling S. 23

Wendy Yeo, United Kingdom

Makotu Nakagawa, Japan

"The Seasons" Joseph Haydn, p. 4 - 5

Summer p. 34

"Die Jahreszeiten" Joseph Haydn, S. 6 - 7

Sommer S. 35

page / Seite 46 - 47

page / Seite 48 - 49

Fall p. 56

Art Meditation: p. 8

Kunstmeditation: S. 9

Herbst S. 57

Winter p. 74

Winter S. 75

Irina Kassabova, USA / Bulgaria

Kenan K., Turkey / Türkei

Imprint: p. 84

Impressum: S. 84

page / Seite 66 - 67

page / Seite 50 - 51

42 53

Haiku-Lyrik:

Art and Poetry / Kunst und Poesie

Bingjib Huang, USA

page / Seite 16 - 17


But the whole world understands my language.

Joseph Haydn

Joseph Haydn (1732 – 1809)

One of the most popular musical creations of the Viennese School is the oratorio “The

Seasons” by Joseph Haydn. With his last major work, Haydn made a significant contribution to

the development of program music. Surrounded by a beautiful orchard, he wrote it in his Gumpendorf

home near Vienna after moving into the newly refurbished house in 1797. On two triumphant

trips to England, he had celebrated his greatest successes, which finally earned him a

well-deserved fortune.

Influenced by Rousseau’s philosophy, “The Seasons” is based on depictions of nature and a

romanticized view of country life. It is known as a moral tale conveying a free-thinking world

view, and the laudable approach of the European Enlightenment, which had culminated in the

discovery that, in a meaningful world, man was obliged to act according to Humanist ethics. The

libretto written by Baron Gottfried van Swieten, was an abridged German rendering of the famous

epic poem “The Seasons” by James Thomson. Although the German version was not received

well, Haydn’s music conquered audiences’ hearts. Written for a large late-classical orchestra

and a chorus singing mostly in four parts, “The Seasons” are arguably more beautiful than the

more famous “Creation”. In the context of their time, they were a highly avant-garde work.

The three vocal soloists Simon, the old peasant (bass), his daughter Hanne (soprano), and Lucas,

the young peasant (tenor), represent archetypal country folk. In arias, trios, and recitatives,

they articulate the emotions nature evokes in them. The two-and-a-half-hour oratorio consists

of four parts: Spring, Summer, Fall, and Winter. The musical journey through the seasons ends

with the metaphor of a dying winter landscape. It is palpable how this parable of nature made

the aging composer painfully aware of life’s transient nature.

Joseph Haydn was a generous supporter of young composers like Mozart and Beethoven.

Beethoven, for example, was inspired by “The Seasons” to write his “Pastoral Symphony” after

following his invitation to Vienna. Known among his contemporaries for his pleasant, optimistic

personality, Haydn cultivated a warm working environment. An aria in the oratorio written from

the perspective of a dog bears witness to his famous sense of humor. As an art lover, he collected

numerous copperplate engravings, 140 of them during his time in London, mostly contemporary

works.

According to Goethe, “The Seasons” are marked by an idiosyncratic type of “musical painting”.

The work is often described as visually oriented. A hunting song is illustrated with the sound of

French horns, a raging storm comes alive as the voices of the chorus are unleashed in dramatic

gusts, a prayer for a good harvest is sung, a wine festival celebrated by dancing peasants, and

fittingly concluded by the “tipsy fugue”, as Haydn himself called it. The oppressive midday heat is

made palpable with flickering sounds, a bird virtually succumbs to a bang on the timpani. Winter

starts with a thick mist spreading throughout the c-minor adagio. Disoriented by it, the wanderer

gets lost. In the end, warm sounds in E-major welcome him to a chalet.

64

Music Suggestion 75


Meine Sprache versteht die ganze Welt.

Joseph Haydn

Joseph Haydn (1732 – 1809)

Zu den beliebtesten Klangschöpfungen der Wiener Klassik gehört das Oratorium „Die Jahreszeiten“

von Joseph Haydn. Mit seinem letzten großen Werk leistete Haydn einen zukunftsweisenden

Beitrag zur Programmmusik. Das Werk entstand in dem von einem schönen Obstgarten

umgebenen Haus im Wiener Vorort Gumpendorf, das er nach Umbauten im Jahre 1797 bezogen

hatte. Auf zwei ruhmreichen Reisen nach England hatte er seine größten Erfolge gefeiert und

war endlich zu einem wohlverdienten Vermögen gelangt.

Vom Einfluss der Philosophie Rousseaus geprägt, basiert das Werk auf Naturschilderungen

und einer Verklärung des Landlebens. Es gilt als Lehrstück eines freidenkerischen Weltentwurfs

und des vorbildlichen Daseinsverständnisses der gemeineuropäischen Aufklärung, welche in

der Erkenntnis mündete, dass in einer sinnvoll gefügten Welt eine humanistische Handlungspflicht

galt. Das Libretto hatte Baron Gottfried van Swieten gestaltet, in Form einer deutschen

Wiedergabe von Auszügen des berühmten englischen Versepos „The Seasons“ von James Thomson.

Obwohl die deutsche Bearbeitung nicht gut aufgenommen wurde, eroberte sich Haydns

Musik die Herzen des Publikums. Geschrieben für ein großes spätklassisches Orchester und einen

vielstimmigen Chor und vielleicht noch schöner als sein berühmtes Werk „Die Schöpfung“ waren

„Die Jahreszeiten“ im damaligen Kontext reine Avantgardemusik.

Die drei Vokalisten - der Landwirt Simon (Bass), seine Tochter Hanne (Sopran) und der junge

Bauer Lukas (Tenor) - repräsentieren archetypisch das Landvolk. In Arien, Terzetten und Rezitativen

artikulieren sie die Empfindungen, welche die Natur in ihnen hervorruft. Das zweieinhalbstündige

weltliche Oratorium besteht aus vier Teilen: Frühling, Sommer, Herbst und Winter.

Die musikalische Jahreszeiten-Reise endet mit der Metapher der sterbenden Winterlandschaft.

Spürbar wird dem hochbetagten Komponisten durch dieses Naturgleichnis die Vergänglichkeit

bewusst.

Joseph Haydn förderte auch andere talentierte Komponisten wie Mozart und Beethoven. So

ließ sich Beethoven, nachdem Haydn ihn nach Wien berufen hatte, durch „Die Jahreszeiten“ für

seine „Pastorale“ inspirieren. Unter Zeitgenossen für seine liebenswürdige und optimistische

Persönlichkeit bekannt, pflegte Haydn eine herzliche Arbeitsatmosphäre. Als Kunstliebhaber

hinterließ er eine Sammlung zahlreicher Kupferstiche, davon 140 aus seiner Londoner Zeit, überwiegend

zeitgenössisch. Seinem Ruf als Humorist machte er in einer Arie des Oratoriums alle

Ehre - verfasst aus der Perspektive eines Hundes.

Laut Goethe heben sich „Die Jahreszeiten“ durch ihre „musikalische Malerei“ hervor. Vielfach

wird das Werk auch als illustrativ bezeichnet. Zu hören sind beispielsweise ein Jagdlied mit Waldhornklängen,

ein wütender Sturm, ausgedrückt durch die entfesselte Stimmdramatik des Chores,

ein Chorgebet für eine reiche Ernte oder ein Weinfest mit tanzenden Bauern, sowie, passend

dazu, die „besoffenen Fuge“, wie Haydn selbst sie nannte. Weiterhin wird die drückende Mittagshitze

mit flirrenden Klängen spürbar gemacht und ein Vogel quasi mit dem Paukenschlag erlegt.

Der Winter beginnt mit einem dicken Nebel, der sich im c-Moll-Adagio ausbreitet und in dem

sich auch der Wanderer verirrt. In einer Hütte empfangen ihn dann warme Klänge in E-Dur.

86 Musikalische Empfehlung

97


Art Meditation

Imagine you are at an exhibition featuring these works, mindfully

observing them. Close your eyes and observe your breath, or listen

to it, until you feel pleasantly calm. Pick an artwork:

• What is this artwork about? What is special about it?

• Take your time and analyze the colors and shapes in this work.

Feel their sound!

• What spontaneous associations does this artwork trigger in

you?

• What would you say is “that certain something” about it - that

mysterious aspect that is difficult put into words, and that has

sprung directly from the artist’s soul?

Kunstmeditation

Stell dir vor, du würdest eine Ausstellung mit den Kunstwerken besuchen

und sie in achtsamer Weise betrachten. Schließe deine Augen

und beobachte bzw. höre deinen Atem so lange, bis du angenehme

Ruhe in dir spürst und suche dir danach ein Kunstwerk aus:

• Worum geht es in dem Kunstwerk? Welche Besonderheiten

weist es auf?

• Nimm dir Zeit und analysiere die Farben und die Formen! Spüre

ihren Klang!

• Welche Assoziationen weckt das Werk bei dir spontan?

• Worin liegt das Geheimnisvolle, Unaussprechliche, das wohl

rein aus der Seele quellende der Künstlerin oder des Künstlers?

10 8

911


Austria / Österreich

Places of Contemplation

Color virtually wants to withdraw from Gerhard Rasser‘s paintings,

and dissolve into a pale transparency. It is one of the artist’s programmatic

decisions to construct his compositions of scarce elements

and move them away from mid-space, putting expansiveness

and stillness at the center. This gives observers the impression

of a floating scene. The reduced color scheme seems to swallow up

the light, whilst the subtle variety in color shades poses a challenge

to the eye and requires mindful concentration. Now and then,

Rasser’s colors drift out of their physical presence, expanding the

depicted scene beyond the boundaries of the painting into an imaginary

space.

1. Searching XI-I, 2019, mixed media, 14 x 14 cm

Searching XI-II, 2019, mixed media, 14 x 14 cm

Searching XI-III, 2019, mixed media, 14 x 14 cm

1

Orte der Besinnung

Die Farbe will der Malerei Gerhard Rassers geradezu entzogen sein,

um sich in hellster Durchsichtigkeit aufzulösen. Es gehört zur programmatischen

Entscheidung des Künstlers, seine Kompositionen

aus spärlichen Elementen aufzubauen und diese aus der Bildmitte

herauszurücken, sodass im Zentrum Weite und Stille stehen. Dadurch

wird der Bildeindruck in einen gewissen Schwebezustand

versetzt. Scheinbar schluckt die reduzierte Farbgebung das Licht,

wobei die zarten Abstufungen der Tonwerte für das Auge des Betrachters

auch eine Herausforderung sind und achtsame Konzentration

erfordern. Zuweilen verlassen die Farben ihre physische

Präsenz und weiten das Sujet über das Format hinaus in einen imaginären

Raum hinein.

2. Searching X-I, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm

Searching X-II, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm

Searching X-III, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm

2

10 https://www.blickfang-gerhardrasser.com

11


Breaking through the Surface

South Africa / Südafrika

Skillfully correlating language and image, Eleanora Hofer’s painted collages

conjure up a poetic, melancholic mood. The divided fields of color lead to a specific

spatial experience, a recurring shade of wine-red marks the different works

as a homogenous overall composition. The underlying arboretum motif resembles

mysterious, papercut-like silhouettes. Through the partial use of collage

elements, a relationship is set up between literary imagination and the components

of visual expression. Language holds a special position in this series. Word

fragments generate a conversation. The visual perception of words challenge

onlookers to read and observe simultaneously.

Durchbrechen der Oberfläche

1

Durch die Wechselbeziehung von Sprache und Bild erzeugen die von Eleanora

Hofer gemalten Collagen eine poetisch-melancholische Stimmung. Die geteilten

Malflächen ermöglichen eine spezifische Raumerfahrung, während der

weinrote Ton die Werke zu einer Gesamtkomposition zusammenführt. Das zugrunde

liegende Arboretum-Motiv gleicht geheimnisvollen, scherenschnittartig

anmutenden Schattenrissen. Durch den partiellen Einsatz von Collagenelementen

versehen, wird eine Beziehung zwischen literarischer Imagination und

den Komponenten bildnerischer Mittel hergestellt. Einen besonderen Stellenwert

in der Bildserie nimmt die Sprache ein. Wortfragmente ermöglichen eine

Konversation. Das optische Erfassen von Wörtern erfordert gleichzeitiges Lesen

und Betrachten.

2

1. Arboretum I, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm

2. Arboretum II, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm

3. Arboretum V, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm

4. Arboretum III, 2016 watercolour, 16,5 x 16,5 cm

3

12 Eleanora Hofer

13

4


Spain / Spanien

3

1

New Connections

Peter Kadrmas‘ Hayter style etchings bear witness to the artist’s masterful

printing skills. His works are not only composed of colored areas but also contain

figurescapes marked by a distinct artistic diction and an expansive scope

of interpretation. The subtle colors make the artist’s mental processes emerge

in irreproducible dynamic detail, leading to a surreal picture that conveys new

messages. The different color tones produce an exquisite sound, conjure up

vague visions and poetic reflections on perception, memory, and reality. The

painter’s translation of iconic subjects is one of the basic principles in his œuvre.

Neue Sinneszusammenhänge

1. Romeo und Julia, 2000, Hayter Technik, 40 x 60 cm

2. Der Morgen, 1990, Hayter Technik, 30 x 40 cm

3. NewYorkNewYork, 1995, Collage, 72 x 100 cm

4. Primus Inter Paris, 2010, Hayter Technik, 40 x 60 cm

2

Die Hayter-Radierungen von Peter Kadrmas zeugen von den großen druckgrafischen

Fähigkeiten des Künstlers. Seine Werke sind nicht allein Flächenkompositionen,

sondern auch Figurenlandschaften, geprägt von einer eigenen künstlerischen

Diktion und einem erweiterten Deutungsschema. In subtilem Kolorit

erwächst aus Gedankengebilden eine im Detail nicht wiederholbare Dynamik,

die zu einem surrealen Bildkontext führt und neue Botschaften vermittelt. Dabei

erzeugen verschiedene Farbnuancen einen erlesenen Klang, wecken schemenhafte

Visionen und poetische Reflexionen über Wahrnehmung, Gedächtnis

und Realität. Die malerische Übersetzung ikonischer Sujets gehört zu den

Grundprinzipen im Œuvre des Künstlers.

4

14 www.kadrmas.eu

15


Art and poetry

Kunst und Poesie

Poetic Reflections

The Chinese/Taiwanese artist Bingjib Huang is a painting poet of exceptional

creative prowess. In his childhood, he studied traditional Chinese

calligraphy. Today, he transforms the poetry of its black characters into an

artistic message by combining them with color. Using two famous ancient

Chinese spring poems as a background, he immediately drizzles thick, black

ink onto them like tears. This is the artist’s way of remembering the victims

of the Corona virus pandemic in the spring of 2020. In the modern adaptation

that produces his distinct style, the combination of these dynamic

forces leads to a visual language of supreme poetic expression. The white

background is another typical element of East Asian art.

4

USA

The Visual Poetry of Calligraphy:

In Chinese culture, the written character is almost sacrosanct. Chinese calligraphy

is not only an abstract, but also an aesthetic medium. Its characters

can sing their own semantic melodies, seducing the eye of the observer to

enjoy every stretch of movement in their brushstroke. At the crossroads

between word and image, for example, a thick brushstroke fading into

emptiness may express strength, elegance, or dynamic momentum.

1. Chimes At Midnight, 2018, colors / black ink on rice paper, 36 x 36 cm

2. Zen, 2004, black ink on rice paper, 60 x 46 cm

3. Under the Heaven one Family – Earth, 2007, red / black ink on rice paper, 46 x 62 cm

4. The Spring Of 2020, 2020, red / blue / black ink on rice paper, 72 x 36 cm

1

Poetische Reflexionen

Der aus China/Taiwan stammende Künstler Bingjib

Huang ist ein malender Poet mit schöpferischer

Kraft. In seiner Kindheit erlernte er die traditionelle

chinesische Kalligraphie. Die Poesie der

schwarzen Schriftzeichen transformiert er in eine

künstlerische Aussage, indem er sie mit Farben

und Grafiken verbindet. So werden im Hintergrund

zwei berühmte altchinesische Frühlingsgedichte

dargestellt und gleich Tränen mit dicken schwarzen

Flecken beträufelt. Damit möchte der Künstler den

Pandemie-Opfern im Frühjahr 2020 gedenken. In

seiner neuartigen Adaption führt das Zusammenspiel

dieser dynamischen Kräfte zu einer stilprägenden

Bildsprache von höchster Poesie. Auch der

weiße Bildgrund ist typisch für die traditionelle

ostasiatische Kunst.

Die bildhafte Poesie der Kalligraphie:

Das geschriebene Zeichen hat in der chinesischen

Kultur einen beinah sakrosankten Charakter. Die

chinesische Kalligraphie ist nicht nur ein abstraktes,

sondern auch ein ästhetisches Medium. Ihre

Schriftzeichen können eine eigene Sprachmelodie

wiedergeben. Das Auge des Betrachters wird dazu

verführt, jede Bewegung der Pinselführung auszukosten.

Am Übergang zwischen Wort und Bild

vermag zum Beispiel ein dicker oder ausgetrocknet

ins Leere laufender Pinselstrich Kraft, Eleganz oder

Dynamik auszudrücken.

2

3

16 www.bingjibhuang.com

17


The Netherlands / Niederlande

1

2 3

Play with Constructive Lines

Im Spiel konstruktiver Linien

In Herbert Hermans‘ oil paintings, the principles of graphical projection

perspective play a vital role. Almost like the Old Masters, he brings out his

motifs’ aesthetics by elevating them through his viewing angle. His art is

all about combining modern art, architecture, and history. With his hyperrealist

approach, the artist challenges the intact image of present day

mainstream lifestyle. In addition to the aesthetic experience, art lovers are

given an incentive to visit the places in his pictures and take a closer look

at their topography. The artist’s fiery color scheme resembles a light show.

The statics of the brightly lit rooms appear realistically precise, communicating

something of both the architectural object’s and the planner’s point

of view.

In Herbert Hermans‘ Ölmalerei spielt die grafische Projektionsperspektive eine

entscheidende Rolle. In fast altmeisterlicher Manier wird die Ästhetik der Motive

durch ihre malerische Überhöhung sichtbar. Inhaltlich geht es um die Verknüpfung

von moderner Kunst, Architektur und Geschichte. Mit hyperrealistischen

Zügen hinterfragt der Künstler die heile Welt des Lifestyle-Mainstreams.

Neben dem ästhetischen Erlebnis erhält der Kunstfreund einen Anreiz, diese

Örtlichkeiten zu besuchen und sich mit ihrer Topografie zu befassen. Die feurige

Farbigkeit gleicht einer Lichtaufführung. Die hell erleuchteten Räumlichkeiten

erscheinen statisch nachrechenbar und vermitteln auf diese Weise sowohl architektonische

als auch dokumentarische Erfahrungen.

1. Time is On My Side Panorama, 2019, oil on canvas, 240 x 80 cm

2. The Last Civil Servant, 2019, oil on canvas, 60 x 80 cm

3. Royal Waiting Room The Hague, 2020, oil on canvas, 60 x 80 cm

4. Civil Hall Town Hall Rotterdam, 2020, oil on canvas, 120 x 80 cm

4

18 www.berthermans.kunstinzicht.nl

19


Magical Effects

Japan

Using her own combination of different stylistic devices, Aomi Kikuchi breaks

with established standards, and develops her very own distinct signature. Flat

surfaces and three-dimensional space perception are engaged in conversation,

allowing her to move through the tense borderland between representationalism

and abstraction. The observer is inspired to look and marvel at her works

in a sensual manner. At times, Kikuchi’s art conjures up tragic associations.

Her unique sculptures and objects are marked by her idiosyncratic imagination.

Cobweb veils, glowing wires, and strange furniture produce poetic visual

structures exuding a psychedelic atmosphere that represents the world of the

unconscious mind.

Magische Effekte

1

Aomi Kikuchi bricht durch die Verknüpfung verschiedener Stilmittel mit bekannten

Normen und entwickelt daraus eine ganz eigene Handschrift. Die Fläche

des Bildraums und die plastische Wahrnehmung stehen in ihrem Œuvre im

steten Dialog. Künstlerisch bewegt sie sich im Spannungsfeld zwischen Gegenständlichkeit

und Abstraktion. Der Betrachter wird zum sinnlichen Bestaunen

animiert. Zum Teil werden tragische Assoziationen heraufbeschworen. Die unikalen

Skulpturen und Objekte sind von individueller Fantasie geprägt. Spinnwebenartig

verschleiert, glühend verdrahtet oder seltsam möbliert gleichen sie

visuell poetischen Destillaten, die eine psychodelische Atmosphäre verströmen

und die Welt des Unbewussten repräsentieren.

1. Cage of Life, 2016, copper wire LED, 68 x 28 x 22 cm

2. Born To Be An Actress, 2019, cotton, 73 x 33 x 12 cm

3. Dim Sum Suffering, 2019, cotton, 20 cm round each

4. Transiton, 2020, knit and lace, 208 x 218 cm

2

3

4

20 https://www.aomikikuchi.com/

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All of a sudden

The cuckoo‘s call among the

White, juicy petals.

Auf einmal der

Kuckucksruf mitten im

Saftigen Blütenweiß.

The apple blossoms

Join yellow dandelions

With their frilly seams.

Zum Löwenzahngelb

Die Apfelblüten ihre

Rüschchen entfalten.

Quiet - in the shade

The fragrant hawthorn recounts

Mysterious tales.

Still im Schatten der

Weißdornduft geheimnisvolle

Weisen erzählt.

As it opens up,

The bud of the peony

Gives off pink perfume.

Die Pfingstrosenknospe

Beim Erblühen ihr rosa

Parfüm versprüht.

The dance of the hail

In April. Dark clouds dropping

Crepuscular veils.

Hageltanz im April.

Die dunklen Wolken Schleier

fallen lassen.

Trees full of petals -

Fairies bustling in the clouds

Of their sky palace.

Die Blütenbäume

Lauter Märchenfeen im

Blauen Wolkenpalast.

22 23


France / Frankreich

Room for Interpretation

Karin Guni’s work is marked by a fascinating idiosyncratic color scheme, which takes

observers on a trip through a liquid, biological territory. Again and again, biomorphic

structures and bizarre creatures appear in the artist’s collages dominated by shades

of blue and red. The vitality constructed from several painted layers unleashes an

entire world of possible interpretations. The graphic symbols have an archaic touch

and are put together in compositions of ornamental, overlapping shapes. Seemingly

random minimalist elements lead to memorable narrative levels, and at times, the

very deepest of them may be glimpsed.

1

Spielraum für eigene Interpretationen

Charakteristisch für das Schaffen von Karin Guni ist eine faszinierende delikate Farbigkeit,

welche auf eine Reise in eine Art flüssiges, biologisches Gelände entführt.

Immer wieder tauchen in den von Blau- und Rottönen dominierten Bildcollagen

der Künstlerin biomorphe Strukturen und skurrile Wesen auf. Die aus mehreren

Schichten unterschiedlicher Malerei aufgebaute Vitalität eröffnet eine ganze Welt

an Deutungsmöglichkeiten. Die archaisch anmutenden grafischen Bildzeichen werden

zu ornamentierten und sich überlagernden Formengebilden komponiert. Aus

scheinbar zufälligen minimalistischen Elementen entstehen einprägsame Erzählebenen,

und zuweilen gelingt es sogar, sie bis zur untersten Schicht zu durchblicken.

2

1. Without Title, 2016, mixed media, 26 x 32 cm

2. Without Title, 2019, mixed media, 26 x 32 cm

3. Without Title, 2020, mixed media, 18 x 24 cm

4. Without Title, 2016, mixed media, 26 x 32 cm

3

4

24 Karin Guni

25


Spain / Spanien

2

1

Thought Constructions

In his complex mixed media works, Ramón Rivas generates philosophical depth

based on content-related antitheses. By juxtaposing incompatible factors, he

challenges observers to build bridges whenever they encounter impossible

gaps. In hours of elaborate precision work, the artist creates images with a visually

gripping depth, marked by motifs of impressive density. Rivas’ ambiguous

works oscillate between reality and unreality. They convey simultaneous experiences

in different rooms and worlds. Walking past individual elements of his

paintings, and through several different levels of perception is a key experience

in the reception of his works, which challenge the mundane and charge it up

with entirely new spheres of meaning.

3

1. Experiental Cubes & Jars, 2019, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm

2. Experiental Habitat In The Cosmos, 2017, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm

3. Experiental Nest, 2018, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm

4. Experiental Universe, 2019, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm

Dynamische Gedankengebilde

In seinen komplexen Mischtechnik-Werken generiert Ramón Rivas aus inhaltlichen

Antithesen eine philosophische Tiefsinnigkeit. Indem er Unvereinbares

gegenüberstellt, fordert er dazu auf, an Schnittstellen Unüberwindbares zu

überbrücken. In unendlicher Feinarbeit und eindrucksvoller Motivdichte entstehen

Bilder mit optisch packender Tiefe. Rivas‘ mehrdeutige Arbeiten schwanken

zwischen Realität und Irrealität. Sie vermitteln simultane Erlebnisse, die sich in

verschiedenen Räumen und Welten abspielen. Der Spaziergang vorbei an einzelnen

Bildelementen und durch mehrere Wahrnehmungsebenen stellt eine

zentrale Erfahrung in der Rezeption seiner Werke dar. Das Banale wird hinterfragt

und mit völlig neuen Bedeutungen aufgeladen.

4

26 http://www.rivismo.com/ - http://ramonrivas-rivismo.blogspot.com/

27


Expansive Gestures

Austria / Österreich

Jani Jan J’s works seem like passionate emotional outbreaks on behalf of the

painter. With his expressive, dynamic individual style, he applies pure colors

to the painting panel. Contrast plays a vital role. The movements of his green

figures, luminous against a red background, are manipulated by his dynamic

approach to shapes. Seemingly born from color, his figures are exuberant.

Thoughtfully and individually placed, their gestures are so expansive that they

threaten to burst out of the picture. The dynamic relationship between shape

and color is set against a complementary energy field, enabling observers to

keep looking for deeper aspects emerging behind the more obvious layers of

meaning and folkloristic narrative.

Mit überschwänglichem Gestus

1

Jani Jan J.s Kunstwerke wirken wie temperamentvolle Gefühlsausdrücke des

Malers. In expressiver Weise und mit kräftigem Duktus bringt er reine Farbwerte

auf den Bildträger. Dabei spielen starke Farbkontraste eine tragende Rolle.

Aus dem roten Hintergrund heraus leuchtende Grünwerte werden durch eine

schwungvolle Formenhandschrift bewegt. Scheinbar aus der Farbe geboren,

sind die Figuren voller Überschwang. Individuell und durchdacht gesetzt, drohen

sie mit ausladender Gestik das Bildformat zu sprengen. Die dynamische

Beziehung zwischen Farbe und Form spielt sich in einem komplementären

Kraftfeld ab, sodass hinter der offensichtlichen Bedeutungsebene und der folkloristischen

Erzählstruktur munter weitergelesen werden kann.

1. Transformation in Motion Nr. 218, 2020, iron painting, mixed media, 17,2 x 17,5 cm (all artworks: on for this series own developed surface)

2. Transformation in Motion Nr. 237, 2020, iron painting, mixed media, 18,2 x 17,9 cm

3. Transformation in Motion Nr. 227, 2020, iron painting, mixed media, 18,3 x 17,7 cm

4. Transformation in Motion Nr. 217, 2020, iron painting, mixed media, 17,4 x 17,5 cm

2

3

28 http://www.janijanj.com/timeline/

29

4


USA

Dreamy Visual Worlds

The complex, nested grid compositions by Ai-Wen Wu

Kratz invite observers to walk right into them and feel the

sunny colors of flora and fauna. An imaginary floral scent

wafts through her paintings. Brilliant worlds of colors and

impressive, almost abstract shapes unfold vitality and

elegance. Put together to create impressions of outdoor

sceneries, they read like elaborately landscaped parks

and gardens exuding a happy atmosphere. Displaying

remarkable continuity, the native Chinese artist likes to

experiment with shapes. Her juxtaposition of colors leads

to a rhythmically pulsating permeation of surfaces with a

seductive multitude of shapes and colors.

1

1. Renewal I, 2014, acrylic on canvas,152 x 105 cm

2. Transformation, 2016, acrylic on canvas, 80 x 83 cm

3. Renewal III, 2014, acrylic on canvas, 51 x 102 cm

4. Renewal II, 2014, acrylic on canvas,130 x 152 cm

5. From The Elysium, 2016, acrylic on canvas,76 x 76 cm

6. Echo Of The Seasons, 2017, aycrylic on canvas, 76 x 244 cm

2

3

Traumversunkene Bildwelten

Die komplex verschachtelten Rasterkompositionen von

Ai-Wen Wu Kratz laden dazu ein, hineinzuspazieren, um

5

die sonnige Farbigkeit von Flora und Fauna zu spüren.

Durch ihre Bilder zieht ein imaginärer Blütenduft. Brillante

Farbwelten und impressive, fast ins Abstrakte abgleitende

Formen entfalten Vitalität und Eleganz. Gebündelt

zum Eindruck landschaftlicher Gefilde liest man in ihnen

die kunstvolle Gestaltung von Park- und Gartenanlagen.

Sie verströmen eine freudige Atmosphäre. Mit bemerkenswerter

Kontinuität beschäftigt sich die gebürtige

Chinesin mit der experimentellen Formgestaltung. Das

Nebeneinander der Farben führt zu einer rhythmisch

pulsierenden Durchdringung von Oberflächen mit einer

verführerischen Farb- und Formenvielfalt.

4

6

30 https://www.aiwenwukratzartstudio.com/

31


Australia / Australien

1

1. Sculpture, 2015, cluster formation, alabaster on granite, 29 x 68 x 26 cm

2. Sculpture, 2014, desert nymph, zebra stone on granite, 50 x 30 x 26 cm

3. Sculpture, 2019, jemima, bronze on perspex, 12 x 23 cm

4. Sculpture, 2014, beyond the bend, pilbara jade on granite, 31 x 29 x 31 cm

Biomorphic Associations

2

In Betty Collier‘s œuvre, sculpures hold a special position. Created through the

sculpting energy of her hands, the expressive force of her work is also determined

by the intriguing variety of materials she uses - mainly bronze, alabaster

and jade. The reduction of shapes to an essential, meditative simplicity stands

in contrast with the precious stones. Sometimes massive, sometimes seemingly

fragile and light, Collier‘s sculptures seem to have emerged from the material

themselves. The artist masterfully succeeds in bringing out their features and

qualities without explicit body imagery. Roundness stands for harmony and

elevates the exquisite aesthetics of the materials.

Biomorphe Assoziationen

In Betty Colliers Œuvre nehmen Skulpturen einen besonderen Stellenwert ein.

Mit der modellierenden Energie der Hände gestaltet, wird die Ausdruckskraft

der Kunstwerke auch von den verschiedenen Materialien bestimmt. Die formale

Reduktion auf das Wesentliche und Meditative steht im Kontrast zu den wertvollen

Gesteinen. Die vorwiegend benutzten Werkstoffe sind Bronze, Alabaster

und Jade. Mal massiv, mal scheinbar zerbrechlich und leicht wirken die Figuren

wie aus dem Material erwachsen. Die Künstlerin versteht es, deren Merkmale

und Eigenschaften ohne explizite Körperdarstellungen in eindrucksvoller Weise

4

herauszuarbeiten. Das Runde steht dabei als Symbol für Harmonie und hebt die

3

edle Ästhetik der Ausgangsmaterialien hervor.

32 bettycollier.com

33


Birch trees in the wind

Among the wild chamomile

Bouquets of poppies.

Bei den wehenden

Birken in wilder Kamille

Mohnblumensträuße.

In the evening light

The terrace sighs honeysweet

Wisteria dreams.

Im Abendlicht der

Terrasse honigsüß verträumt

Der Blauregen.

Ivory yellow

In the quiet wind, wheat ears

Dandle and whisper.

Elfenbeingelb im

Leisen Wind Kornähren sich

Wiegen und tuscheln.

Wine-red velvet rose

Standing alone by the well

With its sweet fragrance.

Aus weinrotem Samt

Nur eine Rosenblüte

Am Brunnen duftet.

At night, a pigeon

Grunts, as the terns are trilling

Their soft melody.

Am Abend unkt ein

Täubchen und die Seeschwalben

Trällern sanft ihr Lied.

Bees buzzing paeans

Praising the blue hydrangea

Growing by the pond.

Vom Summen der Bienen

Besungen die blaue

Hortensie am Teich.

34 35


An Intuitive Language of Shapes

Germany / Deutschland

I discovered Sylvia Langshausen’s powerful paintings at her solo exhibition in

the village of Nerja on the coast of Spain, where she temporarily resides. Doubtlessly,

her works reflect the barren, sunny landscape of Andalusia. Her titles and

materials give us a hint what kind of artistic experience she seeks to create. Refraining

from representationalism, her metamorphoses of color and stone lead

to dreamy image worlds. Observers are invited to meditate on this structural

input and use it as a starting point for their own associations and images. The

lively dialogue between rhythm and color tones comes together in a relief-like

overall impression.

Intuitive Formensprache

1

Auf die kraftvollen Werke von Sylvia Langshausen wurde ich durch ihre umfassende

Einzelausstellung im spanischen Küstenort Nerja aufmerksam, wo die

Künstlerin zeitweilig lebt. Zweifelsohne spiegelt sich die karge sonnige Landschaft

Andalusiens in ihrem Schaffen wider. Bildtitel und Malmittel weisen darauf

hin, welche Art von Kunsterlebnis sie dem Betrachter bescheren möchte. Bei

vollem Verzicht auf Gegenständlichkeit führt die Metamorphose von Farbigkeit

und Gestein zu träumerischen Bildwelten. Der Betrachter soll sich meditativ darauf

einlassen und die strukturellen Vorgaben mit eigenen Vorstellungen und

Assoziationen verbinden. Der lebendige Dialog von Rhythmus und Farbklang

vereint sich in einem reliefartigen Duktus.

1. Spuren, 2019, Struktur auf Leinwand, 50 × 150 cm

2. Spuren, 2018, Struktur auf Leinwand, 50 × 50 cm

3. Spuren, 2020, Struktur auf Leinwandpappe, 15 × 15 cm

4. Spuren, 2018, Struktur auf Leinwand, 50 × 50 cm

2

3

36 www.langshausen-art.de

37

4


Russia / Russland

3

1

Internal Dynamics Visualized

With eloquent colors and a style verging on expressionism, Valentina Anopova

follows established artistic traditions and remains true to an oldfashioned style

in her own authentic way. Shapes are playfully distorted into figures simplified

through reduced bodily gestures. Melting into each other, they occasionally

appear grotesque and caricatured, resembling woodcuts animated through the

artist’s untethered use of vivid colors. Their clear contours painted onto partly

monochrome backgrounds make them radiate liveliness and energy. Beside

mythical elements, Anopova’s paintings also convey an emotional narrative.

Durchzogen von innerer Dynamik

1. The Carnival is Finish, 2011, oil on canvas, 60 x 50 cm

2. The Lovers, 2013, oil on canvas, 60 x 50 cm

3. Carnival, 2016, acrylic on canvas, 90 x 100 cm

4. Dance, 1995, oil on canvas, 80 x 100 cm

2

Mit expressionistisch anmutender Ausdrucksweise und stimmungsvollem

Kolorit knüpft Valentina Anopova an visuelle Traditionen an und bleibt einem

aus der Zeit gefallenen Stil treu. Formen werden zu spielerischen Figuren verzerrt,

die durch reduzierte Mimik in ihrer Physiognomie stark vereinfacht werden.

Ineinander verschmelzend wirken sie zuweilen grotesk und karikiert. Sie

gleichen Holzschnitten, werden jedoch belebt durch den freien Umgang mit

klaren, leuchtenden Farben. In scharfen Konturen auf zum Teil monochrome

Hintergründe gemalt, versprühen die farbgewaltigen Figurengruppen Leben

und Energie. Neben dem mythischen manifestiert sich auch ein emotionales

Narrativ in den Bildern.

4

38 https://www.artintheworld.net/drupal/category/artists/painters/anopova-valentina

39


Undulating Compositions

Italy / Italien

Franco Baldazzi‘s playfully arranged elements inspire both imagination and association.

Bringing together symbols with assertive contours, the artist composes a tangle

of polychrome fields. Organic, colorful snake structures, labyrinthine rectangles,

and circles are stylized into an intriguing overall aesthetic. His geometric abstraction

does not make him shun the tried and tested tools of a painter. Everything radiates,

fresh and striking. The strongly simplified language of his shapes is kept in check

by graphic black lines. Some elements are static and clearly defined, others seem

to be constantly moving. The eye jumps back and forth between textures of circles

and waves.

Wogende Kompositionen

1

Franco Baldazzis spielerisch arrangierte Elemente regen zu Imagination und Assoziation

an. Aus kräftig konturierten arabesken Zeichen komponiert der Künstler ein

Geflecht polychromer Flächen. Die organisch wirkenden farbenfrohen Schlangengebilde,

labyrinthischen Rechtecke und Kreise werden zu einem ästhetischen Gesamteindruck

stilisiert, wobei die geometrische Abstraktion nicht auf malerische Mittel

verzichtet. Alles erstrahlt frisch und plakativ. Die stark vereinfachte Formensprache

wird durch grafisch-schwarze Linien im Zaum gehalten. Einige Elemente sind statisch

und klar definiert, andere scheinen ständig in Bewegung zu sein. Das Auge

springt freudig zwischen Texturen aus Kreisen und Wellen hin und her.

4

2

1. Trasformazione, 2018, acrylic on canvas, 130 x 73 cm

2. Viaggio Nel Tempo, 2020, acrilyc on canvas, 70 x 50 cm

3. Street, 2020, acrylic on canvas, 50 x 60 cm

4. Connessioni, 2020, acrylic on canvas, 50 x 60 cm

3

40 www.gigarte.com/franco-baldazzi

41


1. Streaming Hope, 2018, digital art, 107 x 63.5 cm

2. Heavenly Triumph, 2012, digital art, 45.75 x 61 cm

3. Divine Tongue, 2017, digital art, 50.8 x 50.8 cm

4. Willing Mind, digital art, 2015, 50.8 x 61 cm

South Korea / USA

1

Floral Vibrations

Through the transformation of photographic spaces into three-dimensional

entities, South Korean artist Mae Jeon literally adds a new dimension to the

medium of photography. With her masterful compositional and technical skill,

she employs sculptural flower shapes as the basic chords of her work, while repeating

their color tones in the structure of their background. Her works may be

classified as flower still lives, while their three-dimensional feel makes them

look like the surreal creations of an ikebana artist. The compositional treatment

of motifs, colors and other inherent qualities of the photographic material is

guided by intuition, leading to novel, unusual flower arrangements.

2

Florale Schwingungen

Durch die Transformation fotografischer Flächen zu Raumerscheinungen

verleiht die aus Südkorea stammende Künstlerin Mae Jeon dem Medium

der Fotografie eine ganz eigene Dimension. Unter ihrer kompositorischen

und technischen Meisterhand bilden plastische Blütenformen, deren

Farbklänge sich in der Struktur des Hintergrundes wiederfinden, den

Grundakkord der Kunstwerke. Einzureihen sind sie in die Gattung der

Blumenstillleben. Aufgrund ihrer plastischen Wirkung könnte man auch

von surrealen Ikebana-Werken sprechen. Der kompositorische Umgang

mit dem Motiv, den Farben und anderen Eigenschaften des Fotomaterials

erfolgt intuitiv, sodass neuartige, ungewöhnliche Blumenarrangements

entstehen.

3

4

42 www.maejeon.com

43


Colors bringing out the Point

Israel

Michal Ashkenasi‘s acrylic paintings are marked by intense color and simplicity.

His large colored areas and simplified, synoptic motifs are completed as soon as

the observer looks at them. The bodies of the minimalist human figures serve

as a formal element of his compositions. Man is dressed in empty clothing, present

only through intensely colored wrappings. Through his unfinished, fragile

appearance, his presence in no man’s land is moved to the forefront of the colored

spaces vaguely remindful of landscapes. Color and contrast are the main

elements that make the artist’s paintings come alive. His flower motifs are no

exception, radiating in front of powerful background shades.

1

Akzentuierung durch Farbwahl

Michal Ashkenasis Acrylbilder zeichnen sich durch ihre farbintensive und zugleich

simplifizierte Manier aus. Die flächigen Darstellungen in vereinfachten,

zusammenfassenden Formen werden vom inneren Auge des Betrachters ergänzt.

Die Körper der reduziert gestalteten menschlichen Figuren dienen als

formales Kompositionselement. Der Mensch ist in leeren Kleidern und quasi

nur durch eine farbintensive Umhüllung präsent. Sein Dasein im Niemandsland

wird durch die nicht fertig geformte, fragile Gestalt im Landschaft-assoziierenden

Raum in den Vordergrund gerückt. Dabei lebt die Malerei des Künstlers vor

allem von Farben und ihren Kontrasten. So erstrahlen auch die Blütenmotive

des Künstlers vor farbgewaltigen Hintergründen.

2

1. Red Trees On Yellow, 2019, acrylic on canvas, 60 x 80 cm

2. Two Lakes, One Point , 2020 , acrylic on canvas, 70 x 100 cm

3. Longings, 2011, acrylic on canvas, 80 x 120 cm

4. Gaya, Earth Mother, 2019, acrylic on canvas, 60 x 80 cm

3

4

44 https://www.michalashkenasiart.com

45


Art and poetry

United Kingdom

Crashing waves on rocks

White foam stretches along coast

Heavy rain now falls.

A busy robin

Nesting in an ivy bush

I watch and marvel.

High waving branches

Large flock of birds now perch

Against dark grey clouds.

Magpie swoops past me

Flies high across the blue sky

How swift and graceful.

Crimson sunset

Reflects on small fish pond

Bird chorus at dusk.

Patterned sands stretch far

Estuary at low tide

Gulls call fills the air.

1

A line of raindrops

Hangs on long smooth branch

Forms bright round mirrors.

3

Between soft white clouds

Patchwork fields seen below

Slowly we descend.

In warm spring breeze

Shiny new green leaves sway

I stand and relish.

Little white blossoms

Fragrance fills the warm spring air

Eyes closed I inhale.

Light and Poetic

Voller Leichtigkeit und Poesie

Wendy Yeo’s abstract landscape visions are marked by a masterful

understanding of movement and a knowledge of nature that

seems both deep and astute. Appearing immaterial, they seem

to exist between make-belief and reality. Liberated and carefree,

the artist rejoices in the dynamics and velocity of her paintings.

Her motifs seem to be engaged in a wild dance triggered by a

mighty storm. With spontaneous gestures, Yeo reduces what she

sees to colorful brushstrokes of calligraphic quality, conjuring up

the traditions of haiku poetry. Although she captures nothing

but a fleeting moment, her paintings – just like her poems – are

magnificent symphonies marked by a powerful emotional mode

of expression.

Wendy Yeos stark abstrahierte Landschaftsvisionen sind von einer

virtuosen Bewegungsdarstellung und Wesensschau der Natur

gekennzeichnet. Ohne materiell zu wirken, sind sie zwischen

Schein und Wirklichkeit angesiedelt. Befreit und unbeschwert

empfindet die Künstlerin Freude an Dynamik und Geschwindigkeit.

Wie von einem gewaltigen Sturm erfasst, gleichen die Formen

einem entfesselten Tanz. Mit spontaner Geste reduziert Yeo das

Gesehene zu farbigen Pinselstrichen kalligraphischer Qualität

und knüpft damit an die Haiku-Dichtung an. Obwohl nur ein

flüchtiger Moment festgehalten wird, handelt es sich - ebenso

wie in ihren Gedichten - um rauschende Symphonien von großem

emotionalem Ausdruck.

2

1. Fish and Rocks, 2019, acrylic on canvas, 66 x 76 cm

2. Mountain Stream, 2020, acrylic on canvas, 76 x 101 cm

4

3. Autumn Sunset, 2018, acrylic on canvas, 76 x 101 cm

4. Ebb Tide, 2017, acrylic on canvas, 76 x 101 cm

46 https://www.wendyyeo.com/

47


Japan

1

Filigree Lightness

Makotu Nakagawa‘s photographic œvre is marked by a type of graphic alienation

located somewhere in the tense space between abstraction and transformation.

His artistic photographs emanate a distinct atmosphere. Rather than

presenting a fixed position, they are aimed at communication. Resembling encrypted

records from the universe, Nakagawa’s motifs radiate lightness. Fleetingly

isolated from an empty background, their tectonic structures are remindful

of cobwebs – or even delicate moonstone structures. The vague, blurred areas

of his works reveal the artist’s tendency to reduce his motifs and emphasize

their essential shape, leading to a mysterious, enigmatic type of poetry.

2

Filigrane Leichtigkeit

Das fotografische Œuvre Makotu Nakagawas bewegt sich im Spannungsfeld

zwischen Abstraktion und Transformation in grafischer Verfremdung. Von den

Bildern geht eine ganz eigene Atmosphäre aus. Die Fotografien präsentieren

keine vorgefertigte Position, sondern zielen auf Kommunikation hin. Gleich verschlüsselten

Aufzeichnungen aus dem Universum strahlen Nakagawas Motive

Leichtigkeit aus, schwebend isoliert vor einem leeren Hintergrund, deren tektonische

Strukturen an Spinnengewebe - oder gar feinstes Mondgestein erinnern.

Mit nicht ausdifferenzierten, unscharfen Bildpartien zeigt der Künstler eine

Neigung zur Reduktion und zur Betonung des Formalen, was zu Rätselhaftigkeit

und geheimnisvoller Poesie tendiert.

1. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm

2. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm

3. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm

4. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm

4

3

48 www.makotu.net

49


Turkey / Türkei

1

From Plane to Plastic Perception

Kenan K. moves between styles, techniques, and modes of expression, visualizing

his themes across different media. His multimedia talent allows him to

bring together tradition and modernity. In addition to painting with a markedly

free brushstroke, he also works as a sculptor. His abstract painting style in vivid

colors developed by the New York School and its followers, is marked by an archaic

oriental shade of light and its inherent melancholy. Appearing organically

throughout the painting process, it is at peace with its own reality. The artist’s

mystic mindset is also apparent in his sculptures, which shine like golden icons.

2

Von Fläche zu plastischer Wahrnehmung

Kenan K. ist ein Grenzgänger zwischen Stilarten, Techniken und Ausdrucksformen,

denn er visualisiert seine Themen in verschiedenen Medien. Als multimediales

4

Talent besitzt er die Fähigkeit, Tradition und Moderne zu verbinden. Ne-

ben seiner Malerei, bei der er dem Pinsel absolute Freiheit gewährt, ist er auch

als Bildhauer tätig. Sein farbintensiver abstrakter Malstil, wie er von der New

Yorker Schule und deren Nachfolgern entwickelt wurde, trägt ein archaischorientalisches

Licht und die ihm eigene Melancholie in sich. Stimmungsvoll

1. Desperate, 2018, oil enamel on canvas, 110 x 140 cm

entsteht es durch den Malprozess, um in seiner eigenen Wirklichkeit zu ruhen.

2. Infinity Within Nihility, 2020, horns metal holders stone acrylic on plywood, 40 x 60 x 12 cm

Auch in den Skulpturen des Künstlers, die gleich goldenen Ikonen schimmern,

3. Suffocation, 2020, polyurethane resin coated acrylic on plywood, 40 x 60 x 8 cm

offenbart sich seine mystische Grundhaltung.

4. Twinkles, 2019, scarves paper bands enamel oil on plywood, 83 x 62 cm

3

50 www.kenank.art

51


A Fleeting World that Blows you Away

USA

The pale blues and pinks in Rawan’s abstract compositions produce an exquisite

soundscape. Set at the center of dematerialized backgrounds, her motifs

appear unreal like fatamorganas. Beside the dominant two-color scheme, dynamism

and structure mark the artist’s work. In search of the origin of the creative

process, she applies acrylic colors to her canvas using broad brush strokes

and quick movements. This results in a distinct, meditative sphere. It is striking

how her brush literally seems to fly across the canvas. Observers are invited to

associate their own thoughts and discover her figurescapes based on their own

emotional outlook.

1. Change In Direction, 2020, mixed media on paper, 23 x 30 cm

2. Rapidly, 2020, mixed media on paper, 30 x 30 cm

3. Safe, 2020, acrylic on canvas, 40 cm x 50 cm

4. Count It All Joy, 2020, mixed media on paper, 23 x 30 cm

1

Schwebend und verwehend

Rawan Itas abstrakte Kompositionen in Blassblau und Rosa bilden einen edlen

Farbklang. In die Mitte entmaterialisierter Hintergründe gesetzt, erscheinen

ihre Motive unwirklich wie Fatamorganas. Neben der dominierenden Zweifarbigkeit

prägen die Themen Dynamik und Struktur die Arbeiten der Künstlerin.

Auf der Suche nach dem Ursprung des Schöpferischen bringt sie mit breitem

Pinsel und schnellen Bewegungen Acrylfarben auf Papier und Leinwand. Dabei

erzeugt sie eine einzigartige meditative Sphäre. In verblüffender Weise scheint

sie mit dem Pinselstrich regelrecht über die Leinwand zu fliegen. Assoziationen

auf Seiten des Betrachters sind erwünscht, es steht ihm frei, eine auf persönlichen

Emotionen beruhende Figurenlandschaft zu entdecken.

4

2

3

4

52 ProjectTheraPaint.com

53


Bulgaria / Malta

Trip to a Dominant Beige

With his well-established imagery and gestural lines, Bogdan Dyulgerov is a

representative of abstract art. Using a pastose painting style, the Bulgarian resident

of Malta applies his reflections to large canvasses in oil. Looking at his paintings,

one can feel the obsessive way and the urgency present as the artist sets

to work and creates his shapes. It makes one want to paint and think of nothing

else. His loose brush stroke ventures into dramatic and tempestuous territory,

supported by his sound sense of color. Possibly inspired by the sandstone-colored

temples of his dream island, the colors radiate an occult mysticism as if the

artist had laid a mysterious mist across the canvas.

Reise in ein dominantes Beige

Mit seiner etablierten Bildsprache und gestischen Lineatur ist Bogdan Dyulgerov

ein Vertreter der ungegenständlichen Kunst. In pastoser Malweise trägt der auf

Malta lebende bulgarische Künstler seine Reflexionen mit Ölfarben auf großformatige

Malgründe auf. Beim Betrachten spürt man seine obsessive Arbeitsweise

und die Lust, Formen entstehen zu lassen. Man möchte malen und an nichts anderes

mehr denken. Der lockere Pinselstrich geht ins Dramatische und Stürmische,

wobei ihm ein glückliches Farbgefühl zu Hilfe kommt. Möglicherweise von

den sandsteinfarbenen Tempeln seiner Trauminsel inspiriert, strahlen die Farben

eine okkulte Mystik aus, als hätte der Künstler einen geheimnisvollen Nebel über

die Leinwand gelegt.

1

1. Seal of the Sun, 2019, mixed media on canvas, 120 x 100 cm

2. The Process, 2018, acrylic on canvas, 120 x 100 cm

3. Untitled 167, 2019, mixed media on canvas, 120 x 100 cm

4. Untitled 171, 2018, mixed media on canvas, 100 x 100 cm

5. Impression 8, 2017, acrylic on canvas, 40 x 40 cm

6. Reflection, 2019, mixed media on canvas, 100 x 100 cm

4

5 6

2 3

54 www.bogdansartwork.com

55


Gold-plated poplars

floating on the velvet waves

of the Rhine River.

Spiegelvergoldet

Die Pappeln im samtenen

Wallen des Rheinstroms.

The vineyards rosy

in their splendor and fragrant

with fall’s red wine notes.

Die Weinberge in

Rosiger Pracht vom Rotweinduft

Des Herbstes umweht.

On the smooth blue lake

quietly and peacefully

autumn’s gold lies down.

Auf den blauen See

Still und schweigend das Herbstgold

Sich niedergelegt.

The silken tears of

the weeping willows run down

to the village pond.

In den Dorfteich

Die seidenen Tränen der

Trauerweiden rinnen.

On a fragrant note

of saffron the larches

celebrate their requiem.

Im Duftton der

Safranfarben die Lärchen

Ihr Requiem feiern.

Fall’s last outcry sounds

like a dream in all the hues

and colors alive.

Der letzte Aufschrei

Des Herbstes traumhaft in

Allen Farben erklingt.

56 57


Norway / Norwegen

1. Lillith, 2017, acrylic on canvas, 150 x 100 cm

2. Inanna, 2017, acrylic on canvas, 150 x 108 cm

3. Awakening, 2019, acrylic on canvas, 150 x 110 cm

4. Freya, 2019, acrylic on canvas, 160 x 120 cm

1 2

Vaporous Visions

Gro Folkan has been inside every single one of her strange human figures, experiencing

their alienation and vitality firsthand. It is this transformation that

makes her half abstract, half figurative creatures so authentic. The artist’s inner

dialogue with her creative self is expressed in cool color shades and challenges

observers’ habitual ways of using their eyes. Her remarkable human images of

her project "Female Rune" resemble the silhouettes of sculptures derived from

light and shade, whose haptic nature wants to be grasped in its totality. The

figurative images at the center of these compositions send observers on a search

of crystalline structures and abduct them into a kaleidoscopic visual experience.

Schemenhafte Visionen

Mit aller Vereinzelung und Lebhaftigkeit hat Gro Folkan viele ihrer seltsamen

Menschenerscheinungen in ihrem Innersten selbst durchlebt. Eben diese Verwandlung

macht ihre Wesen, die sich formal zwischen Figuration und Abstraktion

bewegen, so glaubhaft. Der in eher kühlen Tönen gehaltene innere Dialog

der Künstlerin mit ihrem kreativen Selbst hinterfragt die Sehgewohnheiten des

Betrachters. Die erstaunlichen Menschendarstellungen ihres Projektes "Weibliche

Rune" gleichen Silhouetten von Skulpturen aus Licht und Schatten, deren

4

Haptik in ihrer Ganzheit erfasst werden will. Die im Fokus stehenden figürlichen

Bildnisse schicken den Betrachter auf die Suche nach kristallinen Strukturen

und entführen ihn in eine kaleidoskopische Seherfahrung.

3

4

58 https://www.grofolkan.no/

59


Germany / Deutschland

1

Emotional Appeal

2

Kathleen Kilchenmann shows individual shapes of abstraction based not

only on the internal laws of her pictures, but also on her personal emotions.

Without concrete models, she finds inspiration in nature and the

universe, more concerned with her works’ aesthetic appeal than their concrete

messages. Her works convince through balanced color compositions.

The dominant earth tone takes observers on a trip through the language

of perception and interpretation. Breaking through the surface and creating

openings with unusual painting materials, she creates a fascinating

imagery. The artist gives observers a lot of space and challenges them to

decipher her geometric structures.

Emotionale Ansprache

3

Kathleen Kilchenmann zeigt individuelle Formen der Abstraktion, die

nicht allein auf bildinternen Gesetzmäßigkeiten, sondern auch auf persönlichen

Emotionen beruhen. Ohne konkrete Vorbilder findet sie Inspiration

in der Natur oder im Kosmos. Dabei geht es mehr um die Ästhetik als

um eine eindeutige Aussage. Ihre Werke bestechen durch die ausgewogene

farbliche Gestaltung. Der dominierende erdige Ton lädt zu einer Reise in

die Sprache von Wahrnehmung und Auslegung ein. Durch das Öffnen und

Durchbrechen der Oberfläche mit außergewöhnlichen Malmaterialien

wird eine faszinierende Erscheinungsform geschaffen. Die Künstlerin lässt

viel Raum für den Betrachter und fordert dazu auf, die geometrischen

Strukturen zu enträtseln.

1. Variation Of Landscape I, 2018, 100 x 140 cm

2. Bei Tag, 2019, Mischtechnik, Collage, Papiere, Erden, 50 cm diameter

3. Standort, 2019, Mischtechnik, Collage, Stroh, Erden, 50 cm diameter

4. Am Anfang des Frühlings, 2020, Mischtechnik, Collage, Papier, Sand, Asche, 100 x 100 cm

4

60 http://kathleen-kilchenmann.de

61


USA

Expanding the Scope of Interpretation

Resembling calligraphic art, Hee Sook Kim’s work gives painting a poetic

aura culminating in the illusion of a two-fold effect. Her complex language

of shapes enchants the onlooker with their spiritual charisma. In a pallet of

yellows and reds, as well as shades of blue and green, she symbolically embellishes

her bold mixed media compositions with delicate colors. Elaborate

ornaments are reassembled to form a new unit. The cheerful, positive aura

of these visual gems communicates lightness and happiness. At the same

time, the artist employs a sensual objectivity. In her works, nature and culture

merge with poetic beauty.

1. Nirvana 17, 2019, mixed media on canvas, 76 x 76 cm

2. Nirvana 12, 2019, mixed media on canvas, 101 x 101 cm

3. Nirvana 4, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm

4. Nirvana 1, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm

5. Nirvana 3, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm

6. Nirvana 2, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm

Erweiterung der Deutungswege

Ähnlich der kalligraphischen Kunst wirken die Bilder Hee Sook Kims auf

malerisch-poetische Weise, wobei ihr die Illusion einer doppelten Bildwirkung

gelingt. Ihre komplexe Formensprache verzaubert mit spiritueller Ausstrahlung.

In einer Palette aus Gelb- und Rottönen sowie Blau- und Grünabstufungen

schmückt sie ihre kühn komponierten Mischtechnik-Leinwände

symbolträchtig mit sanften Farben aus. Virtuose Ornamente werden zu einer

neuen Einheit zusammengefügt. Die fröhlich positive Aura dieser visuellen

Kleinode vermittelt Leichtigkeit und Heiterkeit. Dabei besinnt sich die Künstlerin

auch auf eine sinnliche Gegenständlichkeit. In ihren Bildern verschmelzen

Natur und Kultur mit poetischer Schönheit.

1

4

5 6

2 3

62 www.heesookkim.com

63


Hungary / Ungarn

1

3

Cheerful Colorscapes

Landscapes painted in oil on canvas are the ideal subject for Nora Komoroczki.

Marked by an optimism as bright as sunshine, they are synonymous of her work,

which focuses on conventional travel motifs. Each painting serves as a refuge

for the observer’s dreamy imagination. Under the pseudonym “Mano”, the artist

paints especially magnificent sceneries, artfully combining reflection and

reflexes. The way she plays with light makes observers long for a perfection that

can only be found in nature. The appealing reflections on the water make them

pause and relax into welcome moments of serenity. Another recurring subject is

the sea with its intensity and fascination.

1

Mit frohmütigem Kolorit

Die ausschließlich in Öl auf Leinwand dargestellten Landschaften sind für die

4

Malerin Nora Komoroczki das optimale Sujet. Mit sonnigem Optimismus stehen

sie synonym für ihr Werk, wobei sie sich auf gängige Reisemotive konzentriert.

Die Bilder sind Zufluchtsorte für die träumerische Imagination des Betrachters.

Unter dem Alias „Mano“ setzt die Künstlerin besonders reizvolle Szenerien in

1. Sunset, Before Storm, 2013, oil on canvas, 130 x 90 cm

prächtige Spiegelungen und Reflexe um. Dieses Spiel mit dem Licht erzeugt

2. Peace, 2019, oil on canvas, 100 x 70 cm

beim Betrachter eine gewisse Sehnsucht nach einer Vollkommenheit, die nur

3. Winter River, 2014, oil on canvas, 60 cm x 50 cm

in der Natur zu finden ist. Der Reiz reflektierender Wasseroberflächen lässt ihn

4. Storm At Lake Balaton, 2014, oil on canvas, 60 x 80 cm

innehalten und zu beschaulicher Ruhe kommen. Ebenso beschäftigt die Künstlerin

auch das Meer in seiner Intensität und Faszination.

2

64 https://artnow0.webnode.com

65


Art and poetry

USA / Bulgaria

1. One‘s Back, 2011, Charcoal, 76 x 55 cm

2. The Ram, 2019, charcoal and pastel, 55 x 76 cm

3. Tuning, 2019, charcoal and pastel, 76 x 55 cm

4. The Scroll, 2019, charcoal and pastel, 76 x 55 cm

Craquelure

(About a Violin)

Dark dye

Varnish viscous

Dry paint

Underneath

Smooth the surface

Second time

With varnish

Layers tie

Dull finish

Ancient call

Layers, secrets

Craque the code

2

1

The Sound of Painting

Classical music is a vital inspiration in Irina Kassabova’s work. Educated in classical

music, the artist has forged a life-long connection with it. The way she portrays

musical instruments bears witness to her musical sensitivity. Harmoniously,

their sound emerges from the white background, artistically challenging the

non-colors of black and white. The way she plays the lines in her charcoal and

pastel drawings allows observers a look at the fascinating inner workings of her

musical mind. Every line she draws embodies a chord. The dialogue between

music and visual art is also reflected in Kassabova’s poems, making their tonal

message especially captivating.

Den Klang heraushören

In Irina Kassabovas Werken lebt die klassische Musik. Die Künstlerin hat eine

musikalische Ausbildung genossen und fühlt sich schon Zeit ihres Lebens tief

mit der Musik verbunden. In ihren Bildern wird das Einfühlungsvermögen

deutlich, mit dem sie Musikinstrumente in Szene setzt. Harmonisch klingen sie

aus dem weißen Hintergrund hervor und fordern die Nichtfarben Schwarz und

Weiß künstlerisch heraus. Im Spiel der Linienverläufe ihrer Kohle- und Pastellzeichnungen

entfaltet eine musische Geisteswelt ihren Charme. Jeder gezeichnete

Strich verkörpert einen eigenen Akkord. Der Dialog zwischen Musik und

bildender Kunst spiegelt sich auch in Kassabovas Dichtkunst wider. So ist auch

die tonale Aussage ihrer Poesie besonders fesselnd.

3 4

66 www.irinakassabova.com

67


France / Frankreich

1

Mental Materialization

2

Patrick Joosten‘s flowing gestures are full of emotional dedication. His artworks

convince predominantly with the pathos of their colors. With his acrylic paintings,

Joosten takes observers to a new reality, created by his wide brush stroke,

and his way of scraping one color across the next to create unique transitions.

The traces of his tools bear witness to his process-oriented way of working. The

texture of colored spaces is a special focus in his work. The resulting stretches of

painting become screens of projection for the observer’s thoughts, emotions,

and dreams. Abstraction seems to have grown a soul. At times, a deep sky blue

starts a conversation with bright red structures, or an immaterial lemon yellow

runs into a figure sporting a gray design.

Umsetzung des Geistigen

4

Patrick Joostens fließende Effekte sind voller emotionaler Hingabe. Die Kunstwerke

beeindrucken vor allem durch ihr Farbpathos. Mit seinen Acrylgemälden

entführt der Künstler in eine neue Realität, die er mit breitem Pinselduktus

und durch ineinander verspachtelte Farben entstehen lässt. Malspuren vergegenwärtigen

seine prozessuale Arbeitsweise. Dabei widmet er der Flächenhaftigkeit

besondere Aufmerksamkeit. Farbzonen werden zu Projektionsflächen

für die Gedanken, Emotionen und Träume des Betrachters. Die Ungegenständlichkeit

1. Triptych, 2019, acrylic on canvas, 90 x 70 cm

wirkt beseelt. Mal nimmt ein tiefes Himmelblau mit knallroten

2. Simply Green, 2020, acrylic on canvas, 90 x 90 cm

Strukturen den Dialog auf, mal begegnet ein immaterielles Zitronengelb einer

3. Waves, 2019, acrylic on canvas, 150 x 100 cm

gräulich gemusterten Figur.

4. Bodies, 2019, acrylic on canvas, 150 x 100 cm

3

68 https://www.patrick-joosten.com/

69


Fake News

The Netherlands / Niederlande

With her etchings, Carla Kleekamp wants to draw attention to the fact that

the news we hear about our planet are often based on a world of entangled

interests. There are realities, however, that cannot be denied, including climate

change, dwindling biodiversity, and bad air quality in many places. Her collagelike

composition alludes to a three-column newspaper layout. By repeating

the motif, while skillfully implementing color changes, she produces a sense of

uncertainty in the observer. Are the bright colors and the cheerfulness of the

figures trying to gloss over an undeniably dark reality? Her graphic, linear story

told in pictures puts content over form.

Fake News

1

Carla Kleekamp möchte in ihren Radierungen darauf aufmerksam machen,

dass die Nachrichten über unseren Planeten häufig auf der Verstrickung von

Interessen beruhen. Gleichwohl gibt es Realitäten, die man nicht leugnen kann,

wie beispielsweise den Klimawandel, das Schrumpfen der biologischen Vielfalt

oder die vielerorts schlechte Luftqualität. Eine collagenhafte Komposition assoziiert

ein dreispaltiges Zeitungslayout. Durch die Wiederholung des Motivs

und die raffinierte Farbveränderung stellt sich beim Betrachter eine gewollte

Verunsicherung über das Gesehene ein. Täuschen die farbenfrohe Palette und

die Ausgelassenheit der Figuren über eine unwiderrufliche Realität hinweg? Die

grafisch-lineare Bildergeschichte gibt dem Inhalt mehr Gewicht als der Form.

1. Fake News I, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm

2. Fake News II, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm

3. Fake News III, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm

4. Fake News VI, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm

2

3

70 www.carlakleekamp.nl

71

4


Austria / Österreich

1. Rote Symphonie, 2002, Öl, Wachs und Sand, 100 x 100 cm

2. Blaue Symphonie, 2002, Öl, Wachs und Sand, 100 x 100 cm

3. Lichtbogen, 2014, Öl, Wachs und Sand, 80 x 70 cm

4. Zentrale Linien, 2012, Öl, Wachs und Sand, 60 x 80 cm

3

Composing Colors and Shapes

1

Professor Kurt Freundlinger has spent decades developing his own distinct

style, marked by powerful colors and a way of painting that makes them shine

exceptionally bright. With their deep emotionality, his masterful compositions

appeal to the sensual eye, contrasting colors play a major role. The artist is

keenly aware of the power of color. To him, it is all about emotions and energy.

At times, atop a layer of colored spaces moving through different degrees of intensity,

we find a second layer displaying cryptic symbols, usually consisting of

black lines. The artist finds inspiration in the mutually influential relationships

between painting and the beauty of landscape and nature, between dance and

music.

Komponist von Farben und Formen

Über Jahrzehnte hinweg entwickelte Professor Kurt Freundlinger seinen eigenen

unverkennbaren Stil, geprägt von einem kraftvollen Kolorit und einer Maltechnik,

mit der er die Farben zum Leuchten bringt. Seine meisterhaften Kom-

4

positionen sprechen mit ihrem tiefen Empfinden die sinnliche Wahrnehmung

an, wobei die starken Farbkontraste eine tragende Rolle spielen. Der Künstler

weiß um die Kraft der Farben, es geht ihm um Emotionen und Energie. Über der

Schicht aus Farbräumen unterschiedlicher Intensität liegt zuweilen eine zweite

Bildebene mit kryptischen Zeichen, meist aus schwarzen Linien. Inspiration

vermag der Künstler aus der wechselseitigen Beeinflussung von Malerei, landschaftlicher

Schönheit und Natur, sowie aus Tanz und Musik zu ziehen.

2

72 http://www.kurt-freundlinger.com

73


The moon is pure gold

Moving through the old pear tree

Onward and onward.

Pures Gold der Mond

Im alten Birnenbaum wandert

Weiter und weiter.

The murmur has died

Down by the creek. In the sun,

A trickle gurgles.

Das Rauschen am Bach

Erfroren. In der Sonne ein

Rinnsal plätschert.

All the many tears

Of winter hanging golden

On the hazel bush.

Die vielen Tränen

Des Winters golden am

Haselnusssstrauch hängen.

Right there in the snow,

The white birch tree has laid down

Its silver shadow.

Die weiße Birke

Ihren silbernen Schatten in

Den Schnee gelegt.

Crow quills printed

Into the snow. The puddles

Golden with ice flowers.

Rabenfedern in den

Schnee gedruckt. In den Pfützen

Eisblumengold.

On a clear, blue day

In winter, the moon’s face shows

Up in the puddles.

Am klaren blauen

Wintertag der Mond sich in

Den Pfützen spiegelt.

74 75


Japan

1

Transcendental Beauty

Photographer Eriko Kaniwa has found the perfect motif for her exquisite artworks

in majestic exotic birds, which embody a bridge of longing between man

and nature. By amplifying their beauty, she draws attention to their aesthetic

power. The birds are robbed of their original surroundings and given a dreamy

aura through diffuse lighting. This leads to a brilliant aesthetic unachievable in

the world outside her art. In an elaborate postproduction process, motifs are

edited, retouched, and choreographed into a dramatic dream dance. Kaniwa’s

hyperrealist compositions shine with seductive grace.

Überirdische Schönheit

Die Fotografin Eriko Kaniwa hat in exotischen Wundervögeln das optimale Sujet

für ihre exquisiten Kunstwerke gefunden, welche eine Sehnsuchtsbrücke

zwischen Mensch und Natur schlagen. Dadurch, dass sie die Schönheitsmerkmale

der Tiere überhöht, verweist sie auf deren ästhetische Kraft hin. Die Vögel

werden ihrer ehemaligen Umgebung beraubt und durch diffuse Beleuchtung in

eine verträumte Aura versetzt. Auf diese Weise entsteht eine brillante Ästhetik,

welche in der Realität nicht reproduzierbar ist. In aufwändiger Postproduktion

werden die Motive bearbeitet, retuschiert und so zu einem perfekt anmutenden

theatralischen Traumtanz inszeniert. Kaniwas hyperrealistische Kompositionen

brillieren mit betörendem Charme.

4

1. Peacock #1, 2020, digital art, 60 x 40 cm

2. Tancho Crane, digital art, 80 x 80 cm

3. Pelican of “Aesthete” series, digital art, 40 x 60 cm

4. Horned Pigeon of “Mutant” series, 2019, 54 x 60 cm

2

3

76 www.sensegraphia.jp

77


Boisterous Symbolism

Ireland / Irland

Paul Hartel’s acrylic paintings are based on the contrast between bold colors and

simple lines. Resembling Willem De Kooning they are marked by a headstrong,

free-spirited mindset. With ambiguously drawn stick people, the artist examines

the world inside and outside the mind, finds artistic and erotic vibes, as well

as voices expressing social criticism. On this double stage, he expresses what he

thinks about, and what questions he is asking, focusing on what he puts at the

center, on colors, shapes, and lines, as independent individuals. In addition to

freely emerging “inner shapes” and fantasies, light conditions also play a role in

the multilayered nature of the paintings. Soft color notes are juxtaposed with a

dynamic, action-oriented brushstroke.

Ungestüme Zeichensprache

1

In Paul Hartels Acrylbildern steht das Malerische im Kontrast zum Linearen.

Gleich Willem De Kooning spontan hingezeichnet, zeugen sie von Eigensinn

und Freigeistigkeit. Mit doppeldeutigen Strichfiguren erforscht der Künstler die

Innen- und Außenwelt, welcher zuweilen eine künstlerisch-erotische oder sozialkritische

Aussage innewohnen mag. Auf dieser Doppelbühne spielt sich ab,

was ihn beschäftigt, welche Fragen sich ihm stellen. Dabei werden die Bildmittel

Farbe, Form und Linie in ihrer Eigenständigkeit thematisiert. Neben „inneren

Formen“ und Fantasien, die sich frei ergeben, finden auch Lichtverhältnisse

Eingang in die Mehrschichtigkeit der Bilder. Weiche Farbklänge stehen einem

dynamischen, handlungsbetonten Pinselduktus gegenüber.

4

1. Unquiet Sentiment, 2016, mixed media on canvas, 102 x 76 cm

2. Grande Donna Grassa, 2018, mixed media on canvas, 102 x 71 cm

3. Looking Forward, 2020, mixed media on paper, 30 x 21 cm

4. Girl With Flowers, 2018, mixed media on canvas, 76 x 102 cm

2

3

78 hartelart.com

79


Modulation and Impression

USA

1

Angela P. Schapiro‘s emotional photographs converse are engaged in a lively

conversation with the poetry of nature and genre. To Schapiro, art is a catalyst

for the alchemical transformation of real situations. Her stylistic device to achieve

this is a sometimes radical reduction in the language of her shapes. Her idiosyncratic

approach alienates objects and landscape motifs in a transformative

process, giving them a new communicative function. Detached from their usual

representation, they become triggers for associative and dreamy thought processes.

Used as an artistic medium, the photographs invoke a wonderful sense

of peace and exude an almost magical atmosphere. The bright orange room is a

joy to the sensual eye.

Modulation und Impression

Angela P. Schapiros emotionale Fotografien stehen im Dialog mit der Lyrik von

Natur und Genre. Die Kunst dient Schapiro als Katalysator zur alchimistischen

Verwandlung realer Situationen. Dabei setzt sie als Stilmittel eine zuweilen radikale

Reduzierung der Formensprache ein. Mit speziellem Vorgehen werden

die gegenständlichen und landschaftlichen Motive durch Transformation verfremdet

und in einen neuen Kommunikationssinn gestellt. Herausgelöst aus

ihrer gewöhnlichen Wiedergabe werden sie Auslöser von Assoziationen und

träumerischen Denkprozessen. Eingesetzt als künstlerisches Medium rufen die

Fotos eine wunderbare Ruhe hervor und verströmen eine beinahe magische

Atmosphäre. Das intensiv orangene Zimmer wird zum Genuss für das sinnlich

sehende Auge.

2

4

1. Beach Grass, 2020, digital photo, 34 x 27 cm

2. Low Tide, 2020, digital photo, 34 x 26 cm

3. Giverny #2, 2018, digital photo, 34 x 23 cm

4. Chair, 2018, digital photo, 34 x 27 cm

3

80 angela.schapiro@gmail.com ― https://www.angelapschapirophotography.com

81


Taiwan

2

1

Poems

Hyun-Jin Kim starts painting on a whim, letting a lot of emotion flow into her

abstract compositions. Her small-sized works are part of a series inspired by the

Psalms. Listening closely, one can translate their tonal and formal messages

into the language of poetry. Winner of the “Enter-into-Art” award (1 st Jury-Prize

2019), Kim convinces with a mysterious artistic signature full of symbolism that

appeals to the deepest layers of the subconscious. Just like reading a poem

whose message can be found in the music of the sound it leaves behind rather

than its semantic content, looking at her paintings allows observers to experience

a poetic message that seems to come directly from the muse.

Gedichte

Hyun-Jin Kim malt aus einer Stimmung heraus und lässt viel Gefühl in ihre

abstrakten Kompositionen einfließen. Ihre kleinformatigen Kunstwerke sind

Teil einer von Bibelpsalmen inspirierten Bildserie. Man hört in sie hinein und

3

übersetzt ihre tonale und formale Aussage in die Sprache der Poesie. Das Werk

der „Enter into Art“-Preisträgerin (1. Jury-Preis 2019) zeichnet sich durch eine

geheimnisvolle Handschrift voller Symbole aus, mit der die tiefen Schichten des

1. Poem#24, 2020, mixed media, 20 x 28,7 cm

Unterbewusstseins angesprochen werden. Ebenso wie beim Lesen eines Gedichtes,

2. Poem#31, 2020, mixed media, 20 x 28,7 cm

dessen Sinnhaftigkeit eher im tonalen Nachklang als in einer direkten

3. Poem#37, 2020, mixed media, 20 x 28,7 cm

Aussage zu suchen ist, wird den Bildern eine poetische Inspiration zuteil, die

4. Poem#3, 2019, mixed media, 20 x 28,7 cm

dem direkten Einfluss der Muse zu entspringen scheint.

4

82 https://flytoart.com/

83


EXCELLENT ART

Relax and Rejoice with Art and Poetry from

Twenty Countries

Book Series: Enter-into-Art – LOUNGE 3

Editor: Gabriele Walter

EXZELLENTE KUNST

Entspannung und Genuss mit Kunst und Poesie aus

zwanzig Ländern

Buchreihe: Enter into Art – LOUNGE 3

Herausgeber: Gabriele Walter

Imprint:

Written by: Gabriele Walter

Cover / artistic design by: Kurt Ries

Translated into English by: Anna Sanner

Copyright:

Gabriele Walter

Pützstücker Straße 45

D-53639 Königswinter

Tel. 0049 2244 3823

www.meditaterra.de

www.enterintoart.com

www.enter-into-art.com

Impressum:

Text: Gabriele Walter

Cover / künstlerische Gestaltung: Kurt Ries

Übersetzung ins Englische: Anna Sanner

Copyright:

Gabriele Walter

Pützstücker Straße 45

D-53639 Königswinter

Tel. 0049-2244-3823

www.meditaterra.de

www.enterintoart.com

www.enter-into-art.com

Übersetzung der künstlerischen Techniken:

acrylic - Acrylmalerei

aquarelle blindfolded - Aquarell auf Blindprägung

bronze on perspex - Bronze auf Plexiglas

canvas - Leinwand

cotton - Baumwolle

copper wire - Kupferdraht

crayons - Zeichenkreide

dry point - Kaltnadel

etching - Radierung

glassy polymers - Glaspolymere

ink - Tusche

knit and lace - Verschnüren

oil enamel – Emaille-Farbe

plywood - Sperrholz

resin coated - harzbeschichtet

silk dye - Seidenmalfarbe

woven felt pieces - gewebte Filzstücke

Bibliographic information of the German National Library:

The German National Library lists this publication in the German National Bibliography; detailed bibliographic data

are available on the Internet – http://dnb.ddb.de

All rights reserved. Any reprinting in full or in part, any distribution by film, broadcasting, or television, any publication

on the internet, or through photomechanical reproduction, sound recording, or data processing systems of any

kind requires the written consent of the publisher.

© Königswinter, 2020

Bibliographische Information der Deutschen Bibliothek:

Die Deutsche Bibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliographie, detaillierte bibliographische

Daten sind im Internet über http://dnb.ddb.de abrufbar.

Alle Rechte vorbehalten. Nachdruck, auch auszugsweise, sowie die Verbreitung durch Film, Funk, Fernsehen und Internet,

durch fotomechanische Wiedergabe, Tonträger und Datenverarbeitungssysteme jeglicher Art nur mit schriftlicher

Genehmigung der Herausgeber.

84 85


Relax and Rejoice with Art and Poetry

from Twenty Countries

Australia, Austria, Bulgaria, France, Germany, Hungary, Ireland, Israel, Italy,

Japan, Norway, Russia, South Africa, Spain, Taiwan, The Netherlands, Turkey,

United Kingdom, United States

Ai-Wen Wu Kratz: Dreamy Visual Worlds; Angela P. Schapiro: Modulation and

Impression; Aomi Kikuchi: Magical Effects; Betty Collier: Biomorphic Associations;

Bingjib Huang: Poetic Reflections; Bogdan Dyulgerov: Trip to a Dominant

Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer: Breaking through the Surface;

Eriko Kaniwa: Transcendental Beauty; Franco Baldazzi: Undulating Compositions;

Gerhard Rasser: Places of Contemplation; Gro Folkan: Vaporous Visions;

Hee Sook Kim: Expanding the Scope of Interpretation; Herbert Hermans: Play

with Constructive Lines; Hyun-Jin Kim: Poems; Irina Kassabova: The Sound of

Painting; Jani Jan J.: Expansive Gestures; Karin Guni: Room for Interpretation;

Kathleen Kilchenmann: Emotional Appeal; Kenan K.: From Plane to Plastic

Perception; Kurt Freundlinger: Composing Colors and Shapes; Mae Jeon: Floral

Vibrations; Makotu Nakagawa: Filigree Lightness; Michal Ashkenasi: Colors

bringing out the Point; Nora Komoroczki: Cheerful Colorscapes; Patrick Joosten:

Mental Materialization; Paul Hartel: Boisterous Symbolism; Peter Kadrmas: New

Connections; Ramón Rivas: Thought Constructions; Rawan Ita: A Fleeting, Ephemeral

World; Sylvia Langshausen: An Intuitive Language of Shapes; Valentina

Anopova: Internal Dynamics Visualized; Wendy Yeo: Light and Poetic

Entspannung und Genuss mit Kunst

und Poesie aus zwanzig Ländern

Australien, Bulgarien, Deutschland, Frankreich, Irland, Israel, Italien, Japan,

Niederlande, Norwegen, Österreich, Russland, Südafrika, Spanien, Taiwan,

Türkei, Ungarn, Vereinigtes Königreich, Vereinigte Staaten

Ai-Wen Wu Kratz: Traumversunkene Bildwelten; Angela P. Schapiro: Modulation

und Impression; Aomi Kikuchi: Magische Effekte; Betty Collier: Biomorphe

Assoziationen; Bingjib Huang: Poetische Reflexionen; Bogdan Dyulgerov:

Reise in ein dominantes Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer:

Durchbrechen der Oberfläche; Eriko Kaniwa: Überirdische Schönheit; Franco

Baldazzi: Wogende Kompositionen; Gerhard Rasser: Orte der Besinnung; Gro

Folkan: Schemenhafte Visionen; Hee Sook Kim: Erweiterung der Deutungswege;

Herbert Hermans: Im Spiel konstruktiver Linien; Hyun-Jin Kim: Gedichte;

Irina Kassabova: Den Klang heraushören; Jani Jan J.: Mit überschwänglichem

Gestus; Karin Guni: Spielraum für eigene Interpretationen; Kathleen

Kilchenmann: Emotionale Ansprache; Kenan K.: Von Fläche zu plastischer

Wahrnehmung; Kurt Freundlinger: Komponist von Farben und Formen;

Mae Jeon: Florale Schwingungen; Makotu Nakagawa: Filigrane Leichtigkeit;

Michal Ashkenasi: Akzentuierung durch Farbwahl; Nora Komoroczki: Mit

frohmütigem Kolorit; Patrick Joosten: Umsetzung des Geistigen; Paul Hartel:

Ungestüme Zeichensprache; Peter Kadrmas: Neue Sinneszusammenhänge;

Ramón Rivas: Dynamische Gedankengebilde; Rawan Ita: Schwebend und verwehend;

Sylvia Langshausen: Intuitive Formensprache; Valentina Anopova:

Durchzogen von innerer Dynamik; Wendy Yeo: Voller Leichtigkeit und Poesie

Poems: Wendy Yeo, Irina Kassabova, Gabriele Walter

Gedichte: Wendy Yeo, Irina Kassabova, Gabriele Walter

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