Excellent Art 2020 - Exzellente Kunst 2020
The art gift book introduces 33 selected artists from 20 countries around the globe. Starting in Vol. 2 of the “Excellent Art” series, each book will also introduce one famous musical work that may contribute to the harmonious overall sound, alongside a topic related selection of haiku poetry. Inspired by the composer’s international experiences the editor has chosen “The Seasons” by Joseph Haydn. Ai-Wen Wu Kratz: Dreamy Visual Worlds; Angela P. Schapiro: Modulation and Impression; Aomi Kikuchi: Magical Effects; Betty Collier: Biomorphic Associations; Bingjib Huang: Poetic Reflections; Bogdan Dyulgerov: Trip to a Dominant Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer: Breaking through the Surface; Eriko Kaniwa: Transcendental Beauty; Franco Baldazzi: Undulating Compositions; Gerhard Rasser: Places of Contemplation; Gro Folkan: Vaporous Visions; Hee Sook Kim: Expanding the Scope of Interpretation; Herbert Hermans: Play with Constructive Lines; Hyun-Jin Kim: Poems; Irina Kassabova: The Sound of Painting; Jani Jan J.: Expansive Gestures; Karin Guni: Room for Interpretation; Kathleen Kilchenmann: Emotional Appeal; Kenan K.: From Plane to Plastic Perception; Kurt Freundlinger: Composing Colors and Shapes; Mae Jeon: Floral Vibrations; Makotu Nakagawa: Filigree Lightness; Michal Ashkenasi: Colors bringing out the Point; Nora Komoroczki: Cheerful Colorscapes; Patrick Joosten: Mental Materialization; Paul Hartel: Boisterous Symbolism; Peter Kadrmas: New Connections; Ramón Rivas: Thought Constructions; Rawan Ita: A Fleeting, Ephemeral World; Sylvia Langshausen: An Intuitive Language of Shapes; Valentina Anopova: Internal Dynamics Visualized; Wendy Yeo: Light and Poetic The printed book is available in the book trade and in internet bookshops. Hardcover: ISBN 978-3-98527-009-5, Softcover: ISBN 978-3-98527-002-6, Publisher: Re Di Roma-Verlag, Language: English, German, Size: 26 x 21 cm Das Kunst- und Geschenkbuch stellt 33 ausgewählte Künstler aus 20 Ländern rund um den Globus vor. Ab Band 2 der Reihe „Exzellente Kunst“ wird in jedem Buch neben einer themenbezogenen Auswahl an Haiku-Gedichten auch ein berühmtes Musikwerk vorgestellt, das in Harmonie mit den Kunstbildern erklingen mag und dazu anregen soll, Kunst und Poesie auch in ihrer tonalen Aussage zu erfassen. Angeregt von dem internationalen Lebensweg des Komponisten hat die Herausgeberin „Die Jahreszeiten“ von Joseph Haydn ausgewählt.
The art gift book introduces 33 selected artists from 20 countries around the globe. Starting in Vol. 2 of the “Excellent Art” series, each book will also introduce one famous musical work that may contribute to the harmonious overall sound, alongside a topic related selection of haiku poetry. Inspired by the composer’s international experiences the editor has chosen “The Seasons” by Joseph Haydn.
Ai-Wen Wu Kratz: Dreamy Visual Worlds; Angela P. Schapiro: Modulation and Impression; Aomi Kikuchi: Magical Effects; Betty Collier: Biomorphic Associations; Bingjib Huang: Poetic Reflections; Bogdan Dyulgerov: Trip to a Dominant Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer: Breaking through the Surface; Eriko Kaniwa: Transcendental Beauty; Franco Baldazzi: Undulating Compositions; Gerhard Rasser: Places of Contemplation; Gro Folkan: Vaporous Visions; Hee Sook Kim: Expanding the Scope of Interpretation; Herbert Hermans: Play with Constructive Lines; Hyun-Jin Kim: Poems; Irina Kassabova: The Sound of Painting; Jani Jan J.: Expansive Gestures; Karin Guni: Room for Interpretation; Kathleen Kilchenmann: Emotional Appeal; Kenan K.: From Plane to Plastic Perception; Kurt Freundlinger: Composing Colors and Shapes; Mae Jeon: Floral Vibrations; Makotu Nakagawa: Filigree Lightness; Michal Ashkenasi: Colors bringing out the Point; Nora Komoroczki: Cheerful Colorscapes; Patrick Joosten: Mental Materialization; Paul Hartel: Boisterous Symbolism; Peter Kadrmas: New Connections; Ramón Rivas: Thought Constructions; Rawan Ita: A Fleeting, Ephemeral World; Sylvia Langshausen: An Intuitive Language of Shapes; Valentina Anopova: Internal Dynamics Visualized; Wendy Yeo: Light and Poetic
The printed book is available in the book trade and in internet bookshops. Hardcover: ISBN 978-3-98527-009-5, Softcover: ISBN 978-3-98527-002-6, Publisher: Re Di Roma-Verlag, Language: English, German, Size: 26 x 21 cm
Das Kunst- und Geschenkbuch stellt 33 ausgewählte Künstler aus 20 Ländern rund um den Globus vor. Ab Band 2 der Reihe „Exzellente Kunst“ wird in jedem Buch neben einer themenbezogenen Auswahl an Haiku-Gedichten auch ein berühmtes Musikwerk vorgestellt, das in Harmonie mit den Kunstbildern erklingen mag und dazu anregen soll, Kunst und Poesie auch in ihrer tonalen Aussage zu erfassen. Angeregt von dem internationalen Lebensweg des Komponisten hat die Herausgeberin „Die Jahreszeiten“ von Joseph Haydn ausgewählt.
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International <strong>Art</strong>works and Poems —<br />
Internationale <strong>Kunst</strong>bilder und Gedichte<br />
Enter into <strong>Art</strong> — LOUNGE 3 — <strong>2020</strong><br />
With Music Suggestion:<br />
„The Seasons“ by Joseph Haydn 1
Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry from Twenty Countries<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong> und Poesie aus zwanzig Ländern<br />
140 artworks<br />
35 poems<br />
140 <strong>Kunst</strong>bilder<br />
35 Gedichte<br />
Cover: Rawan Ita; Title page / Titelseite: Ramón Rivas<br />
Back of the book / Cover-Rückseite: Ai-Wen Kratz, Aomi Kikuchi, Gro Folkan, Bogdan Dyulgerov, Eriko Kaniwa, Angela P. Schapiro<br />
Music pages / Musik-Seiten: Wendy Yeo, Kurt Freundlinger<br />
2 3
Contents / Inhalt<br />
Gerhard Rasser, Austria / Österreich<br />
page / Seite 10 - 11<br />
Eleanora Hofer, South Africa / Südafrika<br />
page / Seite 12 - 13<br />
Peter Kadrmas, Spain / Spanien<br />
page / Seite 14 - 15<br />
Herbert Hermans, The Netherlands / Niederlande<br />
page / Seite 18 - 19<br />
Aomi Kikuchi, Japan<br />
page / Seite 20 - 21<br />
Karin Guni, France<br />
page / Seite 24 - 25<br />
Ramón Rivas, Spain / Spanien<br />
page / Seite 26 - 27<br />
Jani Jan J., Austria / Österreich<br />
page / Seite 28 - 29<br />
Ai-Wen Wu Kratz, USA<br />
page / Seite 30 - 31<br />
Betty Collier, Australia / Australien<br />
page / Seite 32 - 33<br />
Sylvia Langshausen, Germany / Deutschland<br />
page / Seite 36 - 37<br />
Valentina Anopova, Russia / Russland<br />
page / Seite 38 - 39<br />
Franco Baldazzi, Italy / Italien<br />
page / Seite 40 - 41<br />
This art and gift book introduces 33 selected artists from 20 countries around the<br />
globe. The interpretations focus mainly on the visible, specific side of paintings and<br />
sculptures, mostly leaving out aspects related to the artists’ résumés. To learn more<br />
about the artists, please refer to their respective websites.<br />
The texts invite art lovers to connect with the artworks themselves. Based on the<br />
concept behind Enter-into-<strong>Art</strong>, feel free to pick a painting, mindfully dwell on it following<br />
our instructions for meditative art observation, and relax.<br />
As a PR specialist, I put my heart into designing art books based on brilliant ideas.<br />
Special art and poetry pages have been incorporated to give artists an opportunity<br />
to present their visual work alongside their poetry. Poems are usually published in<br />
their original language. Reading foreign texts resembles the sound of color tones<br />
and increases the intercultural effect.<br />
In the same vein, starting in Volume 2 of the “<strong>Excellent</strong> <strong>Art</strong>” series, each book will<br />
introduce one famous musical work that may contribute to the harmonious overall<br />
sound, alongside a topic related selection of my haiku poetry. By introducing a musical<br />
work, I hope to inspire readers to expand their perception to the tonal aspects<br />
of art and poetry.<br />
Inspired by the composer’s international experiences, and the way he uses notes<br />
like a painter in this work, I have chosen “The Seasons” by Joseph Haydn. After all, the<br />
seasons are of universal importance in the poetry of the world’s peoples.<br />
I would like to thank all artists for their excellent cooperation in this global community<br />
project and wish them every success!<br />
Gabriele Walter<br />
(Editor)<br />
Foreword<br />
In dem vorliegenden <strong>Kunst</strong>- und Geschenkbuch werden 33 ausgewählte Künstlerinnen<br />
und Künstler aus 20 Ländern rund um den Globus vorgestellt. Mit dem Ziel<br />
der Anschaulichkeit steht das Spezifische der Bilder und Skulpturen im Mittelpunkt<br />
der Interpretationen, während darin weitgehend auf Aspekte verzichtet wird, welche<br />
dem Lebenslauf der Künstlerinnen und Künstler entnommen werden können. Diese<br />
können auf deren Websites nachgelesen werden. Es handelt sich um Anregungen für<br />
<strong>Kunst</strong>freundinnen- und Freunde, sich mit den Werken selbst auseinanderzusetzen.<br />
Man suche sich ein Bild aus, vertiefe sich - gemäß dem „Enter-into-<strong>Art</strong>“-Konzept - mithilfe<br />
der Anleitung für eine meditative <strong>Kunst</strong>betrachtung achtsam in das <strong>Kunst</strong>werk<br />
und entspanne sich.<br />
Als PR-Fachfrau liegt es mir am Herzen, <strong>Kunst</strong>bücher basierend auf brillanten Ideen<br />
zu gestalten. Zudem bieten die speziellen <strong>Kunst</strong>- und Poesie-Seiten den <strong>Kunst</strong>schaffenden<br />
die Möglichkeit, ihre Werke im Zusammenspiel mit eigener Poesie zu präsentieren.<br />
Die Gedichte werden in der Regel in ihrer Muttersprache veröffentlicht, denn<br />
das Lesen fremdsprachiger Texte gleicht einem Farbklang und erhöht die interkulturelle<br />
Wirkung.<br />
Ebenfalls in diesem Sinne wird ab Band 2 der Buchreihe „<strong>Exzellente</strong> <strong>Kunst</strong>“ jeweils<br />
auch ein berühmtes Musikstück vorgestellt, das in Harmonie mit den <strong>Kunst</strong>bildern und<br />
einer jeweils themenbezogenen Auswahl meiner Haiku-Lyrik erklingen mag. Das Musikstück<br />
soll dazu anregen, <strong>Kunst</strong> und Poesie auch in ihrer tonalen Aussage zu erfassen.<br />
Angeregt durch den internationalen Lebensweg des Komponisten und die tonmalerische<br />
Eigenart des Werkes fiel meine Wahl dieses Mal auf „Die Jahreszeiten“ von Joseph<br />
Haydn. Die Jahreszeiten nehmen einen hohen universellen Stellenwert in der Lyrik der<br />
Völker ein.<br />
Ich danke allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern für die gute Zusammenarbeit in<br />
dem weltweiten Gemeinschaftsprojekt und wünsche ihnen viel Erfolg!<br />
Gabriele Walter<br />
(Herausgeberin)<br />
Vorwort<br />
Rawan Ita, USA<br />
page / Seite 52 - 53<br />
Bogdan Dyulgerov, Bulgaria / Malta<br />
page / Seite 54 - 55<br />
Gro Folkan, Norway / Norwegen<br />
page / Seite 58 - 59<br />
Kathleen Kilchenmann, Germany / Deutschland<br />
page / Seite 60 - 61<br />
Hee Sook Kim, USA<br />
page / Seite 62 - 63<br />
Nora Komoroczki, Hungary / Ungarn<br />
page / Seite 64 - 65<br />
Patrick Joosten, France / Frankreich<br />
page / Seite 68 - 69<br />
Carla Kleekamp, The Netherlands / Niederlande<br />
page / Seite 70 - 71<br />
Kurt Freundlinger, Austria / Österreich<br />
page / Seite 72 - 73<br />
Eriko Kaniwa, Japan<br />
page / Seite 76 - 77<br />
Paul Hartel, Ireland / Irland<br />
page / Seite 78 - 79<br />
Angela P. Schapiro, USA<br />
page / Seite 80 - 81<br />
Hyun-Jin Kim, Taiwan<br />
page / Seite 82 - 83<br />
Mae Jeon, South Korea / USA<br />
page / Seite 42 - 43<br />
Michal Ashkenasi, Israel<br />
page / Seite 44 - 45<br />
<strong>Art</strong>works selected for the book design:<br />
See p.1 / title page<br />
Haiku-Poems:<br />
<strong>Kunst</strong>werk-Auswahl für das Buchdesign:<br />
Siehe S. 1 / Titelseite<br />
Music Suggestion:<br />
Spring p. 22<br />
Musikalische Empfehlung:<br />
Frühling S. 23<br />
Wendy Yeo, United Kingdom<br />
Makotu Nakagawa, Japan<br />
"The Seasons" Joseph Haydn, p. 4 - 5<br />
Summer p. 34<br />
"Die Jahreszeiten" Joseph Haydn, S. 6 - 7<br />
Sommer S. 35<br />
page / Seite 46 - 47<br />
page / Seite 48 - 49<br />
Fall p. 56<br />
<strong>Art</strong> Meditation: p. 8<br />
<strong>Kunst</strong>meditation: S. 9<br />
Herbst S. 57<br />
Winter p. 74<br />
Winter S. 75<br />
Irina Kassabova, USA / Bulgaria<br />
Kenan K., Turkey / Türkei<br />
Imprint: p. 84<br />
Impressum: S. 84<br />
page / Seite 66 - 67<br />
page / Seite 50 - 51<br />
42 53<br />
Haiku-Lyrik:<br />
<strong>Art</strong> and Poetry / <strong>Kunst</strong> und Poesie<br />
Bingjib Huang, USA<br />
page / Seite 16 - 17
But the whole world understands my language.<br />
Joseph Haydn<br />
Joseph Haydn (1732 – 1809)<br />
One of the most popular musical creations of the Viennese School is the oratorio “The<br />
Seasons” by Joseph Haydn. With his last major work, Haydn made a significant contribution to<br />
the development of program music. Surrounded by a beautiful orchard, he wrote it in his Gumpendorf<br />
home near Vienna after moving into the newly refurbished house in 1797. On two triumphant<br />
trips to England, he had celebrated his greatest successes, which finally earned him a<br />
well-deserved fortune.<br />
Influenced by Rousseau’s philosophy, “The Seasons” is based on depictions of nature and a<br />
romanticized view of country life. It is known as a moral tale conveying a free-thinking world<br />
view, and the laudable approach of the European Enlightenment, which had culminated in the<br />
discovery that, in a meaningful world, man was obliged to act according to Humanist ethics. The<br />
libretto written by Baron Gottfried van Swieten, was an abridged German rendering of the famous<br />
epic poem “The Seasons” by James Thomson. Although the German version was not received<br />
well, Haydn’s music conquered audiences’ hearts. Written for a large late-classical orchestra<br />
and a chorus singing mostly in four parts, “The Seasons” are arguably more beautiful than the<br />
more famous “Creation”. In the context of their time, they were a highly avant-garde work.<br />
The three vocal soloists Simon, the old peasant (bass), his daughter Hanne (soprano), and Lucas,<br />
the young peasant (tenor), represent archetypal country folk. In arias, trios, and recitatives,<br />
they articulate the emotions nature evokes in them. The two-and-a-half-hour oratorio consists<br />
of four parts: Spring, Summer, Fall, and Winter. The musical journey through the seasons ends<br />
with the metaphor of a dying winter landscape. It is palpable how this parable of nature made<br />
the aging composer painfully aware of life’s transient nature.<br />
Joseph Haydn was a generous supporter of young composers like Mozart and Beethoven.<br />
Beethoven, for example, was inspired by “The Seasons” to write his “Pastoral Symphony” after<br />
following his invitation to Vienna. Known among his contemporaries for his pleasant, optimistic<br />
personality, Haydn cultivated a warm working environment. An aria in the oratorio written from<br />
the perspective of a dog bears witness to his famous sense of humor. As an art lover, he collected<br />
numerous copperplate engravings, 140 of them during his time in London, mostly contemporary<br />
works.<br />
According to Goethe, “The Seasons” are marked by an idiosyncratic type of “musical painting”.<br />
The work is often described as visually oriented. A hunting song is illustrated with the sound of<br />
French horns, a raging storm comes alive as the voices of the chorus are unleashed in dramatic<br />
gusts, a prayer for a good harvest is sung, a wine festival celebrated by dancing peasants, and<br />
fittingly concluded by the “tipsy fugue”, as Haydn himself called it. The oppressive midday heat is<br />
made palpable with flickering sounds, a bird virtually succumbs to a bang on the timpani. Winter<br />
starts with a thick mist spreading throughout the c-minor adagio. Disoriented by it, the wanderer<br />
gets lost. In the end, warm sounds in E-major welcome him to a chalet.<br />
64<br />
Music Suggestion 75
Meine Sprache versteht die ganze Welt.<br />
Joseph Haydn<br />
Joseph Haydn (1732 – 1809)<br />
Zu den beliebtesten Klangschöpfungen der Wiener Klassik gehört das Oratorium „Die Jahreszeiten“<br />
von Joseph Haydn. Mit seinem letzten großen Werk leistete Haydn einen zukunftsweisenden<br />
Beitrag zur Programmmusik. Das Werk entstand in dem von einem schönen Obstgarten<br />
umgebenen Haus im Wiener Vorort Gumpendorf, das er nach Umbauten im Jahre 1797 bezogen<br />
hatte. Auf zwei ruhmreichen Reisen nach England hatte er seine größten Erfolge gefeiert und<br />
war endlich zu einem wohlverdienten Vermögen gelangt.<br />
Vom Einfluss der Philosophie Rousseaus geprägt, basiert das Werk auf Naturschilderungen<br />
und einer Verklärung des Landlebens. Es gilt als Lehrstück eines freidenkerischen Weltentwurfs<br />
und des vorbildlichen Daseinsverständnisses der gemeineuropäischen Aufklärung, welche in<br />
der Erkenntnis mündete, dass in einer sinnvoll gefügten Welt eine humanistische Handlungspflicht<br />
galt. Das Libretto hatte Baron Gottfried van Swieten gestaltet, in Form einer deutschen<br />
Wiedergabe von Auszügen des berühmten englischen Versepos „The Seasons“ von James Thomson.<br />
Obwohl die deutsche Bearbeitung nicht gut aufgenommen wurde, eroberte sich Haydns<br />
Musik die Herzen des Publikums. Geschrieben für ein großes spätklassisches Orchester und einen<br />
vielstimmigen Chor und vielleicht noch schöner als sein berühmtes Werk „Die Schöpfung“ waren<br />
„Die Jahreszeiten“ im damaligen Kontext reine Avantgardemusik.<br />
Die drei Vokalisten - der Landwirt Simon (Bass), seine Tochter Hanne (Sopran) und der junge<br />
Bauer Lukas (Tenor) - repräsentieren archetypisch das Landvolk. In Arien, Terzetten und Rezitativen<br />
artikulieren sie die Empfindungen, welche die Natur in ihnen hervorruft. Das zweieinhalbstündige<br />
weltliche Oratorium besteht aus vier Teilen: Frühling, Sommer, Herbst und Winter.<br />
Die musikalische Jahreszeiten-Reise endet mit der Metapher der sterbenden Winterlandschaft.<br />
Spürbar wird dem hochbetagten Komponisten durch dieses Naturgleichnis die Vergänglichkeit<br />
bewusst.<br />
Joseph Haydn förderte auch andere talentierte Komponisten wie Mozart und Beethoven. So<br />
ließ sich Beethoven, nachdem Haydn ihn nach Wien berufen hatte, durch „Die Jahreszeiten“ für<br />
seine „Pastorale“ inspirieren. Unter Zeitgenossen für seine liebenswürdige und optimistische<br />
Persönlichkeit bekannt, pflegte Haydn eine herzliche Arbeitsatmosphäre. Als <strong>Kunst</strong>liebhaber<br />
hinterließ er eine Sammlung zahlreicher Kupferstiche, davon 140 aus seiner Londoner Zeit, überwiegend<br />
zeitgenössisch. Seinem Ruf als Humorist machte er in einer Arie des Oratoriums alle<br />
Ehre - verfasst aus der Perspektive eines Hundes.<br />
Laut Goethe heben sich „Die Jahreszeiten“ durch ihre „musikalische Malerei“ hervor. Vielfach<br />
wird das Werk auch als illustrativ bezeichnet. Zu hören sind beispielsweise ein Jagdlied mit Waldhornklängen,<br />
ein wütender Sturm, ausgedrückt durch die entfesselte Stimmdramatik des Chores,<br />
ein Chorgebet für eine reiche Ernte oder ein Weinfest mit tanzenden Bauern, sowie, passend<br />
dazu, die „besoffenen Fuge“, wie Haydn selbst sie nannte. Weiterhin wird die drückende Mittagshitze<br />
mit flirrenden Klängen spürbar gemacht und ein Vogel quasi mit dem Paukenschlag erlegt.<br />
Der Winter beginnt mit einem dicken Nebel, der sich im c-Moll-Adagio ausbreitet und in dem<br />
sich auch der Wanderer verirrt. In einer Hütte empfangen ihn dann warme Klänge in E-Dur.<br />
86 Musikalische Empfehlung<br />
97
<strong>Art</strong> Meditation<br />
Imagine you are at an exhibition featuring these works, mindfully<br />
observing them. Close your eyes and observe your breath, or listen<br />
to it, until you feel pleasantly calm. Pick an artwork:<br />
• What is this artwork about? What is special about it?<br />
• Take your time and analyze the colors and shapes in this work.<br />
Feel their sound!<br />
• What spontaneous associations does this artwork trigger in<br />
you?<br />
• What would you say is “that certain something” about it - that<br />
mysterious aspect that is difficult put into words, and that has<br />
sprung directly from the artist’s soul?<br />
<strong>Kunst</strong>meditation<br />
Stell dir vor, du würdest eine Ausstellung mit den <strong>Kunst</strong>werken besuchen<br />
und sie in achtsamer Weise betrachten. Schließe deine Augen<br />
und beobachte bzw. höre deinen Atem so lange, bis du angenehme<br />
Ruhe in dir spürst und suche dir danach ein <strong>Kunst</strong>werk aus:<br />
• Worum geht es in dem <strong>Kunst</strong>werk? Welche Besonderheiten<br />
weist es auf?<br />
• Nimm dir Zeit und analysiere die Farben und die Formen! Spüre<br />
ihren Klang!<br />
• Welche Assoziationen weckt das Werk bei dir spontan?<br />
• Worin liegt das Geheimnisvolle, Unaussprechliche, das wohl<br />
rein aus der Seele quellende der Künstlerin oder des Künstlers?<br />
10 8<br />
911
Austria / Österreich<br />
Places of Contemplation<br />
Color virtually wants to withdraw from Gerhard Rasser‘s paintings,<br />
and dissolve into a pale transparency. It is one of the artist’s programmatic<br />
decisions to construct his compositions of scarce elements<br />
and move them away from mid-space, putting expansiveness<br />
and stillness at the center. This gives observers the impression<br />
of a floating scene. The reduced color scheme seems to swallow up<br />
the light, whilst the subtle variety in color shades poses a challenge<br />
to the eye and requires mindful concentration. Now and then,<br />
Rasser’s colors drift out of their physical presence, expanding the<br />
depicted scene beyond the boundaries of the painting into an imaginary<br />
space.<br />
1. Searching XI-I, 2019, mixed media, 14 x 14 cm<br />
Searching XI-II, 2019, mixed media, 14 x 14 cm<br />
Searching XI-III, 2019, mixed media, 14 x 14 cm<br />
1<br />
Orte der Besinnung<br />
Die Farbe will der Malerei Gerhard Rassers geradezu entzogen sein,<br />
um sich in hellster Durchsichtigkeit aufzulösen. Es gehört zur programmatischen<br />
Entscheidung des Künstlers, seine Kompositionen<br />
aus spärlichen Elementen aufzubauen und diese aus der Bildmitte<br />
herauszurücken, sodass im Zentrum Weite und Stille stehen. Dadurch<br />
wird der Bildeindruck in einen gewissen Schwebezustand<br />
versetzt. Scheinbar schluckt die reduzierte Farbgebung das Licht,<br />
wobei die zarten Abstufungen der Tonwerte für das Auge des Betrachters<br />
auch eine Herausforderung sind und achtsame Konzentration<br />
erfordern. Zuweilen verlassen die Farben ihre physische<br />
Präsenz und weiten das Sujet über das Format hinaus in einen imaginären<br />
Raum hinein.<br />
2. Searching X-I, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm<br />
Searching X-II, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm<br />
Searching X-III, 2018, watercolor, crayons, 14 x 14 cm<br />
2<br />
10 https://www.blickfang-gerhardrasser.com<br />
11
Breaking through the Surface<br />
South Africa / Südafrika<br />
Skillfully correlating language and image, Eleanora Hofer’s painted collages<br />
conjure up a poetic, melancholic mood. The divided fields of color lead to a specific<br />
spatial experience, a recurring shade of wine-red marks the different works<br />
as a homogenous overall composition. The underlying arboretum motif resembles<br />
mysterious, papercut-like silhouettes. Through the partial use of collage<br />
elements, a relationship is set up between literary imagination and the components<br />
of visual expression. Language holds a special position in this series. Word<br />
fragments generate a conversation. The visual perception of words challenge<br />
onlookers to read and observe simultaneously.<br />
Durchbrechen der Oberfläche<br />
1<br />
Durch die Wechselbeziehung von Sprache und Bild erzeugen die von Eleanora<br />
Hofer gemalten Collagen eine poetisch-melancholische Stimmung. Die geteilten<br />
Malflächen ermöglichen eine spezifische Raumerfahrung, während der<br />
weinrote Ton die Werke zu einer Gesamtkomposition zusammenführt. Das zugrunde<br />
liegende Arboretum-Motiv gleicht geheimnisvollen, scherenschnittartig<br />
anmutenden Schattenrissen. Durch den partiellen Einsatz von Collagenelementen<br />
versehen, wird eine Beziehung zwischen literarischer Imagination und<br />
den Komponenten bildnerischer Mittel hergestellt. Einen besonderen Stellenwert<br />
in der Bildserie nimmt die Sprache ein. Wortfragmente ermöglichen eine<br />
Konversation. Das optische Erfassen von Wörtern erfordert gleichzeitiges Lesen<br />
und Betrachten.<br />
2<br />
1. Arboretum I, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm<br />
2. Arboretum II, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm<br />
3. Arboretum V, 2016, watercolour, 16,5 x 16,5 cm<br />
4. Arboretum III, 2016 watercolour, 16,5 x 16,5 cm<br />
3<br />
12 Eleanora Hofer<br />
13<br />
4
Spain / Spanien<br />
3<br />
1<br />
New Connections<br />
Peter Kadrmas‘ Hayter style etchings bear witness to the artist’s masterful<br />
printing skills. His works are not only composed of colored areas but also contain<br />
figurescapes marked by a distinct artistic diction and an expansive scope<br />
of interpretation. The subtle colors make the artist’s mental processes emerge<br />
in irreproducible dynamic detail, leading to a surreal picture that conveys new<br />
messages. The different color tones produce an exquisite sound, conjure up<br />
vague visions and poetic reflections on perception, memory, and reality. The<br />
painter’s translation of iconic subjects is one of the basic principles in his œuvre.<br />
Neue Sinneszusammenhänge<br />
1. Romeo und Julia, 2000, Hayter Technik, 40 x 60 cm<br />
2. Der Morgen, 1990, Hayter Technik, 30 x 40 cm<br />
3. NewYorkNewYork, 1995, Collage, 72 x 100 cm<br />
4. Primus Inter Paris, 2010, Hayter Technik, 40 x 60 cm<br />
2<br />
Die Hayter-Radierungen von Peter Kadrmas zeugen von den großen druckgrafischen<br />
Fähigkeiten des Künstlers. Seine Werke sind nicht allein Flächenkompositionen,<br />
sondern auch Figurenlandschaften, geprägt von einer eigenen künstlerischen<br />
Diktion und einem erweiterten Deutungsschema. In subtilem Kolorit<br />
erwächst aus Gedankengebilden eine im Detail nicht wiederholbare Dynamik,<br />
die zu einem surrealen Bildkontext führt und neue Botschaften vermittelt. Dabei<br />
erzeugen verschiedene Farbnuancen einen erlesenen Klang, wecken schemenhafte<br />
Visionen und poetische Reflexionen über Wahrnehmung, Gedächtnis<br />
und Realität. Die malerische Übersetzung ikonischer Sujets gehört zu den<br />
Grundprinzipen im Œuvre des Künstlers.<br />
4<br />
14 www.kadrmas.eu<br />
15
<strong>Art</strong> and poetry<br />
<strong>Kunst</strong> und Poesie<br />
Poetic Reflections<br />
The Chinese/Taiwanese artist Bingjib Huang is a painting poet of exceptional<br />
creative prowess. In his childhood, he studied traditional Chinese<br />
calligraphy. Today, he transforms the poetry of its black characters into an<br />
artistic message by combining them with color. Using two famous ancient<br />
Chinese spring poems as a background, he immediately drizzles thick, black<br />
ink onto them like tears. This is the artist’s way of remembering the victims<br />
of the Corona virus pandemic in the spring of <strong>2020</strong>. In the modern adaptation<br />
that produces his distinct style, the combination of these dynamic<br />
forces leads to a visual language of supreme poetic expression. The white<br />
background is another typical element of East Asian art.<br />
4<br />
USA<br />
The Visual Poetry of Calligraphy:<br />
In Chinese culture, the written character is almost sacrosanct. Chinese calligraphy<br />
is not only an abstract, but also an aesthetic medium. Its characters<br />
can sing their own semantic melodies, seducing the eye of the observer to<br />
enjoy every stretch of movement in their brushstroke. At the crossroads<br />
between word and image, for example, a thick brushstroke fading into<br />
emptiness may express strength, elegance, or dynamic momentum.<br />
1. Chimes At Midnight, 2018, colors / black ink on rice paper, 36 x 36 cm<br />
2. Zen, 2004, black ink on rice paper, 60 x 46 cm<br />
3. Under the Heaven one Family – Earth, 2007, red / black ink on rice paper, 46 x 62 cm<br />
4. The Spring Of <strong>2020</strong>, <strong>2020</strong>, red / blue / black ink on rice paper, 72 x 36 cm<br />
1<br />
Poetische Reflexionen<br />
Der aus China/Taiwan stammende Künstler Bingjib<br />
Huang ist ein malender Poet mit schöpferischer<br />
Kraft. In seiner Kindheit erlernte er die traditionelle<br />
chinesische Kalligraphie. Die Poesie der<br />
schwarzen Schriftzeichen transformiert er in eine<br />
künstlerische Aussage, indem er sie mit Farben<br />
und Grafiken verbindet. So werden im Hintergrund<br />
zwei berühmte altchinesische Frühlingsgedichte<br />
dargestellt und gleich Tränen mit dicken schwarzen<br />
Flecken beträufelt. Damit möchte der Künstler den<br />
Pandemie-Opfern im Frühjahr <strong>2020</strong> gedenken. In<br />
seiner neuartigen Adaption führt das Zusammenspiel<br />
dieser dynamischen Kräfte zu einer stilprägenden<br />
Bildsprache von höchster Poesie. Auch der<br />
weiße Bildgrund ist typisch für die traditionelle<br />
ostasiatische <strong>Kunst</strong>.<br />
Die bildhafte Poesie der Kalligraphie:<br />
Das geschriebene Zeichen hat in der chinesischen<br />
Kultur einen beinah sakrosankten Charakter. Die<br />
chinesische Kalligraphie ist nicht nur ein abstraktes,<br />
sondern auch ein ästhetisches Medium. Ihre<br />
Schriftzeichen können eine eigene Sprachmelodie<br />
wiedergeben. Das Auge des Betrachters wird dazu<br />
verführt, jede Bewegung der Pinselführung auszukosten.<br />
Am Übergang zwischen Wort und Bild<br />
vermag zum Beispiel ein dicker oder ausgetrocknet<br />
ins Leere laufender Pinselstrich Kraft, Eleganz oder<br />
Dynamik auszudrücken.<br />
2<br />
3<br />
16 www.bingjibhuang.com<br />
17
The Netherlands / Niederlande<br />
1<br />
2 3<br />
Play with Constructive Lines<br />
Im Spiel konstruktiver Linien<br />
In Herbert Hermans‘ oil paintings, the principles of graphical projection<br />
perspective play a vital role. Almost like the Old Masters, he brings out his<br />
motifs’ aesthetics by elevating them through his viewing angle. His art is<br />
all about combining modern art, architecture, and history. With his hyperrealist<br />
approach, the artist challenges the intact image of present day<br />
mainstream lifestyle. In addition to the aesthetic experience, art lovers are<br />
given an incentive to visit the places in his pictures and take a closer look<br />
at their topography. The artist’s fiery color scheme resembles a light show.<br />
The statics of the brightly lit rooms appear realistically precise, communicating<br />
something of both the architectural object’s and the planner’s point<br />
of view.<br />
In Herbert Hermans‘ Ölmalerei spielt die grafische Projektionsperspektive eine<br />
entscheidende Rolle. In fast altmeisterlicher Manier wird die Ästhetik der Motive<br />
durch ihre malerische Überhöhung sichtbar. Inhaltlich geht es um die Verknüpfung<br />
von moderner <strong>Kunst</strong>, Architektur und Geschichte. Mit hyperrealistischen<br />
Zügen hinterfragt der Künstler die heile Welt des Lifestyle-Mainstreams.<br />
Neben dem ästhetischen Erlebnis erhält der <strong>Kunst</strong>freund einen Anreiz, diese<br />
Örtlichkeiten zu besuchen und sich mit ihrer Topografie zu befassen. Die feurige<br />
Farbigkeit gleicht einer Lichtaufführung. Die hell erleuchteten Räumlichkeiten<br />
erscheinen statisch nachrechenbar und vermitteln auf diese Weise sowohl architektonische<br />
als auch dokumentarische Erfahrungen.<br />
1. Time is On My Side Panorama, 2019, oil on canvas, 240 x 80 cm<br />
2. The Last Civil Servant, 2019, oil on canvas, 60 x 80 cm<br />
3. Royal Waiting Room The Hague, <strong>2020</strong>, oil on canvas, 60 x 80 cm<br />
4. Civil Hall Town Hall Rotterdam, <strong>2020</strong>, oil on canvas, 120 x 80 cm<br />
4<br />
18 www.berthermans.kunstinzicht.nl<br />
19
Magical Effects<br />
Japan<br />
Using her own combination of different stylistic devices, Aomi Kikuchi breaks<br />
with established standards, and develops her very own distinct signature. Flat<br />
surfaces and three-dimensional space perception are engaged in conversation,<br />
allowing her to move through the tense borderland between representationalism<br />
and abstraction. The observer is inspired to look and marvel at her works<br />
in a sensual manner. At times, Kikuchi’s art conjures up tragic associations.<br />
Her unique sculptures and objects are marked by her idiosyncratic imagination.<br />
Cobweb veils, glowing wires, and strange furniture produce poetic visual<br />
structures exuding a psychedelic atmosphere that represents the world of the<br />
unconscious mind.<br />
Magische Effekte<br />
1<br />
Aomi Kikuchi bricht durch die Verknüpfung verschiedener Stilmittel mit bekannten<br />
Normen und entwickelt daraus eine ganz eigene Handschrift. Die Fläche<br />
des Bildraums und die plastische Wahrnehmung stehen in ihrem Œuvre im<br />
steten Dialog. Künstlerisch bewegt sie sich im Spannungsfeld zwischen Gegenständlichkeit<br />
und Abstraktion. Der Betrachter wird zum sinnlichen Bestaunen<br />
animiert. Zum Teil werden tragische Assoziationen heraufbeschworen. Die unikalen<br />
Skulpturen und Objekte sind von individueller Fantasie geprägt. Spinnwebenartig<br />
verschleiert, glühend verdrahtet oder seltsam möbliert gleichen sie<br />
visuell poetischen Destillaten, die eine psychodelische Atmosphäre verströmen<br />
und die Welt des Unbewussten repräsentieren.<br />
1. Cage of Life, 2016, copper wire LED, 68 x 28 x 22 cm<br />
2. Born To Be An Actress, 2019, cotton, 73 x 33 x 12 cm<br />
3. Dim Sum Suffering, 2019, cotton, 20 cm round each<br />
4. Transiton, <strong>2020</strong>, knit and lace, 208 x 218 cm<br />
2<br />
3<br />
4<br />
20 https://www.aomikikuchi.com/<br />
21
All of a sudden<br />
The cuckoo‘s call among the<br />
White, juicy petals.<br />
Auf einmal der<br />
Kuckucksruf mitten im<br />
Saftigen Blütenweiß.<br />
The apple blossoms<br />
Join yellow dandelions<br />
With their frilly seams.<br />
Zum Löwenzahngelb<br />
Die Apfelblüten ihre<br />
Rüschchen entfalten.<br />
Quiet - in the shade<br />
The fragrant hawthorn recounts<br />
Mysterious tales.<br />
Still im Schatten der<br />
Weißdornduft geheimnisvolle<br />
Weisen erzählt.<br />
As it opens up,<br />
The bud of the peony<br />
Gives off pink perfume.<br />
Die Pfingstrosenknospe<br />
Beim Erblühen ihr rosa<br />
Parfüm versprüht.<br />
The dance of the hail<br />
In April. Dark clouds dropping<br />
Crepuscular veils.<br />
Hageltanz im April.<br />
Die dunklen Wolken Schleier<br />
fallen lassen.<br />
Trees full of petals -<br />
Fairies bustling in the clouds<br />
Of their sky palace.<br />
Die Blütenbäume<br />
Lauter Märchenfeen im<br />
Blauen Wolkenpalast.<br />
22 23
France / Frankreich<br />
Room for Interpretation<br />
Karin Guni’s work is marked by a fascinating idiosyncratic color scheme, which takes<br />
observers on a trip through a liquid, biological territory. Again and again, biomorphic<br />
structures and bizarre creatures appear in the artist’s collages dominated by shades<br />
of blue and red. The vitality constructed from several painted layers unleashes an<br />
entire world of possible interpretations. The graphic symbols have an archaic touch<br />
and are put together in compositions of ornamental, overlapping shapes. Seemingly<br />
random minimalist elements lead to memorable narrative levels, and at times, the<br />
very deepest of them may be glimpsed.<br />
1<br />
Spielraum für eigene Interpretationen<br />
Charakteristisch für das Schaffen von Karin Guni ist eine faszinierende delikate Farbigkeit,<br />
welche auf eine Reise in eine <strong>Art</strong> flüssiges, biologisches Gelände entführt.<br />
Immer wieder tauchen in den von Blau- und Rottönen dominierten Bildcollagen<br />
der Künstlerin biomorphe Strukturen und skurrile Wesen auf. Die aus mehreren<br />
Schichten unterschiedlicher Malerei aufgebaute Vitalität eröffnet eine ganze Welt<br />
an Deutungsmöglichkeiten. Die archaisch anmutenden grafischen Bildzeichen werden<br />
zu ornamentierten und sich überlagernden Formengebilden komponiert. Aus<br />
scheinbar zufälligen minimalistischen Elementen entstehen einprägsame Erzählebenen,<br />
und zuweilen gelingt es sogar, sie bis zur untersten Schicht zu durchblicken.<br />
2<br />
1. Without Title, 2016, mixed media, 26 x 32 cm<br />
2. Without Title, 2019, mixed media, 26 x 32 cm<br />
3. Without Title, <strong>2020</strong>, mixed media, 18 x 24 cm<br />
4. Without Title, 2016, mixed media, 26 x 32 cm<br />
3<br />
4<br />
24 Karin Guni<br />
25
Spain / Spanien<br />
2<br />
1<br />
Thought Constructions<br />
In his complex mixed media works, Ramón Rivas generates philosophical depth<br />
based on content-related antitheses. By juxtaposing incompatible factors, he<br />
challenges observers to build bridges whenever they encounter impossible<br />
gaps. In hours of elaborate precision work, the artist creates images with a visually<br />
gripping depth, marked by motifs of impressive density. Rivas’ ambiguous<br />
works oscillate between reality and unreality. They convey simultaneous experiences<br />
in different rooms and worlds. Walking past individual elements of his<br />
paintings, and through several different levels of perception is a key experience<br />
in the reception of his works, which challenge the mundane and charge it up<br />
with entirely new spheres of meaning.<br />
3<br />
1. Experiental Cubes & Jars, 2019, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm<br />
2. Experiental Habitat In The Cosmos, 2017, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm<br />
3. Experiental Nest, 2018, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm<br />
4. Experiental Universe, 2019, mixed media - acrylic, 195 x 195 cm<br />
Dynamische Gedankengebilde<br />
In seinen komplexen Mischtechnik-Werken generiert Ramón Rivas aus inhaltlichen<br />
Antithesen eine philosophische Tiefsinnigkeit. Indem er Unvereinbares<br />
gegenüberstellt, fordert er dazu auf, an Schnittstellen Unüberwindbares zu<br />
überbrücken. In unendlicher Feinarbeit und eindrucksvoller Motivdichte entstehen<br />
Bilder mit optisch packender Tiefe. Rivas‘ mehrdeutige Arbeiten schwanken<br />
zwischen Realität und Irrealität. Sie vermitteln simultane Erlebnisse, die sich in<br />
verschiedenen Räumen und Welten abspielen. Der Spaziergang vorbei an einzelnen<br />
Bildelementen und durch mehrere Wahrnehmungsebenen stellt eine<br />
zentrale Erfahrung in der Rezeption seiner Werke dar. Das Banale wird hinterfragt<br />
und mit völlig neuen Bedeutungen aufgeladen.<br />
4<br />
26 http://www.rivismo.com/ - http://ramonrivas-rivismo.blogspot.com/<br />
27
Expansive Gestures<br />
Austria / Österreich<br />
Jani Jan J’s works seem like passionate emotional outbreaks on behalf of the<br />
painter. With his expressive, dynamic individual style, he applies pure colors<br />
to the painting panel. Contrast plays a vital role. The movements of his green<br />
figures, luminous against a red background, are manipulated by his dynamic<br />
approach to shapes. Seemingly born from color, his figures are exuberant.<br />
Thoughtfully and individually placed, their gestures are so expansive that they<br />
threaten to burst out of the picture. The dynamic relationship between shape<br />
and color is set against a complementary energy field, enabling observers to<br />
keep looking for deeper aspects emerging behind the more obvious layers of<br />
meaning and folkloristic narrative.<br />
Mit überschwänglichem Gestus<br />
1<br />
Jani Jan J.s <strong>Kunst</strong>werke wirken wie temperamentvolle Gefühlsausdrücke des<br />
Malers. In expressiver Weise und mit kräftigem Duktus bringt er reine Farbwerte<br />
auf den Bildträger. Dabei spielen starke Farbkontraste eine tragende Rolle.<br />
Aus dem roten Hintergrund heraus leuchtende Grünwerte werden durch eine<br />
schwungvolle Formenhandschrift bewegt. Scheinbar aus der Farbe geboren,<br />
sind die Figuren voller Überschwang. Individuell und durchdacht gesetzt, drohen<br />
sie mit ausladender Gestik das Bildformat zu sprengen. Die dynamische<br />
Beziehung zwischen Farbe und Form spielt sich in einem komplementären<br />
Kraftfeld ab, sodass hinter der offensichtlichen Bedeutungsebene und der folkloristischen<br />
Erzählstruktur munter weitergelesen werden kann.<br />
1. Transformation in Motion Nr. 218, <strong>2020</strong>, iron painting, mixed media, 17,2 x 17,5 cm (all artworks: on for this series own developed surface)<br />
2. Transformation in Motion Nr. 237, <strong>2020</strong>, iron painting, mixed media, 18,2 x 17,9 cm<br />
3. Transformation in Motion Nr. 227, <strong>2020</strong>, iron painting, mixed media, 18,3 x 17,7 cm<br />
4. Transformation in Motion Nr. 217, <strong>2020</strong>, iron painting, mixed media, 17,4 x 17,5 cm<br />
2<br />
3<br />
28 http://www.janijanj.com/timeline/<br />
29<br />
4
USA<br />
Dreamy Visual Worlds<br />
The complex, nested grid compositions by Ai-Wen Wu<br />
Kratz invite observers to walk right into them and feel the<br />
sunny colors of flora and fauna. An imaginary floral scent<br />
wafts through her paintings. Brilliant worlds of colors and<br />
impressive, almost abstract shapes unfold vitality and<br />
elegance. Put together to create impressions of outdoor<br />
sceneries, they read like elaborately landscaped parks<br />
and gardens exuding a happy atmosphere. Displaying<br />
remarkable continuity, the native Chinese artist likes to<br />
experiment with shapes. Her juxtaposition of colors leads<br />
to a rhythmically pulsating permeation of surfaces with a<br />
seductive multitude of shapes and colors.<br />
1<br />
1. Renewal I, 2014, acrylic on canvas,152 x 105 cm<br />
2. Transformation, 2016, acrylic on canvas, 80 x 83 cm<br />
3. Renewal III, 2014, acrylic on canvas, 51 x 102 cm<br />
4. Renewal II, 2014, acrylic on canvas,130 x 152 cm<br />
5. From The Elysium, 2016, acrylic on canvas,76 x 76 cm<br />
6. Echo Of The Seasons, 2017, aycrylic on canvas, 76 x 244 cm<br />
2<br />
3<br />
Traumversunkene Bildwelten<br />
Die komplex verschachtelten Rasterkompositionen von<br />
Ai-Wen Wu Kratz laden dazu ein, hineinzuspazieren, um<br />
5<br />
die sonnige Farbigkeit von Flora und Fauna zu spüren.<br />
Durch ihre Bilder zieht ein imaginärer Blütenduft. Brillante<br />
Farbwelten und impressive, fast ins Abstrakte abgleitende<br />
Formen entfalten Vitalität und Eleganz. Gebündelt<br />
zum Eindruck landschaftlicher Gefilde liest man in ihnen<br />
die kunstvolle Gestaltung von Park- und Gartenanlagen.<br />
Sie verströmen eine freudige Atmosphäre. Mit bemerkenswerter<br />
Kontinuität beschäftigt sich die gebürtige<br />
Chinesin mit der experimentellen Formgestaltung. Das<br />
Nebeneinander der Farben führt zu einer rhythmisch<br />
pulsierenden Durchdringung von Oberflächen mit einer<br />
verführerischen Farb- und Formenvielfalt.<br />
4<br />
6<br />
30 https://www.aiwenwukratzartstudio.com/<br />
31
Australia / Australien<br />
1<br />
1. Sculpture, 2015, cluster formation, alabaster on granite, 29 x 68 x 26 cm<br />
2. Sculpture, 2014, desert nymph, zebra stone on granite, 50 x 30 x 26 cm<br />
3. Sculpture, 2019, jemima, bronze on perspex, 12 x 23 cm<br />
4. Sculpture, 2014, beyond the bend, pilbara jade on granite, 31 x 29 x 31 cm<br />
Biomorphic Associations<br />
2<br />
In Betty Collier‘s œuvre, sculpures hold a special position. Created through the<br />
sculpting energy of her hands, the expressive force of her work is also determined<br />
by the intriguing variety of materials she uses - mainly bronze, alabaster<br />
and jade. The reduction of shapes to an essential, meditative simplicity stands<br />
in contrast with the precious stones. Sometimes massive, sometimes seemingly<br />
fragile and light, Collier‘s sculptures seem to have emerged from the material<br />
themselves. The artist masterfully succeeds in bringing out their features and<br />
qualities without explicit body imagery. Roundness stands for harmony and<br />
elevates the exquisite aesthetics of the materials.<br />
Biomorphe Assoziationen<br />
In Betty Colliers Œuvre nehmen Skulpturen einen besonderen Stellenwert ein.<br />
Mit der modellierenden Energie der Hände gestaltet, wird die Ausdruckskraft<br />
der <strong>Kunst</strong>werke auch von den verschiedenen Materialien bestimmt. Die formale<br />
Reduktion auf das Wesentliche und Meditative steht im Kontrast zu den wertvollen<br />
Gesteinen. Die vorwiegend benutzten Werkstoffe sind Bronze, Alabaster<br />
und Jade. Mal massiv, mal scheinbar zerbrechlich und leicht wirken die Figuren<br />
wie aus dem Material erwachsen. Die Künstlerin versteht es, deren Merkmale<br />
und Eigenschaften ohne explizite Körperdarstellungen in eindrucksvoller Weise<br />
4<br />
herauszuarbeiten. Das Runde steht dabei als Symbol für Harmonie und hebt die<br />
3<br />
edle Ästhetik der Ausgangsmaterialien hervor.<br />
32 bettycollier.com<br />
33
Birch trees in the wind<br />
Among the wild chamomile<br />
Bouquets of poppies.<br />
Bei den wehenden<br />
Birken in wilder Kamille<br />
Mohnblumensträuße.<br />
In the evening light<br />
The terrace sighs honeysweet<br />
Wisteria dreams.<br />
Im Abendlicht der<br />
Terrasse honigsüß verträumt<br />
Der Blauregen.<br />
Ivory yellow<br />
In the quiet wind, wheat ears<br />
Dandle and whisper.<br />
Elfenbeingelb im<br />
Leisen Wind Kornähren sich<br />
Wiegen und tuscheln.<br />
Wine-red velvet rose<br />
Standing alone by the well<br />
With its sweet fragrance.<br />
Aus weinrotem Samt<br />
Nur eine Rosenblüte<br />
Am Brunnen duftet.<br />
At night, a pigeon<br />
Grunts, as the terns are trilling<br />
Their soft melody.<br />
Am Abend unkt ein<br />
Täubchen und die Seeschwalben<br />
Trällern sanft ihr Lied.<br />
Bees buzzing paeans<br />
Praising the blue hydrangea<br />
Growing by the pond.<br />
Vom Summen der Bienen<br />
Besungen die blaue<br />
Hortensie am Teich.<br />
34 35
An Intuitive Language of Shapes<br />
Germany / Deutschland<br />
I discovered Sylvia Langshausen’s powerful paintings at her solo exhibition in<br />
the village of Nerja on the coast of Spain, where she temporarily resides. Doubtlessly,<br />
her works reflect the barren, sunny landscape of Andalusia. Her titles and<br />
materials give us a hint what kind of artistic experience she seeks to create. Refraining<br />
from representationalism, her metamorphoses of color and stone lead<br />
to dreamy image worlds. Observers are invited to meditate on this structural<br />
input and use it as a starting point for their own associations and images. The<br />
lively dialogue between rhythm and color tones comes together in a relief-like<br />
overall impression.<br />
Intuitive Formensprache<br />
1<br />
Auf die kraftvollen Werke von Sylvia Langshausen wurde ich durch ihre umfassende<br />
Einzelausstellung im spanischen Küstenort Nerja aufmerksam, wo die<br />
Künstlerin zeitweilig lebt. Zweifelsohne spiegelt sich die karge sonnige Landschaft<br />
Andalusiens in ihrem Schaffen wider. Bildtitel und Malmittel weisen darauf<br />
hin, welche <strong>Art</strong> von <strong>Kunst</strong>erlebnis sie dem Betrachter bescheren möchte. Bei<br />
vollem Verzicht auf Gegenständlichkeit führt die Metamorphose von Farbigkeit<br />
und Gestein zu träumerischen Bildwelten. Der Betrachter soll sich meditativ darauf<br />
einlassen und die strukturellen Vorgaben mit eigenen Vorstellungen und<br />
Assoziationen verbinden. Der lebendige Dialog von Rhythmus und Farbklang<br />
vereint sich in einem reliefartigen Duktus.<br />
1. Spuren, 2019, Struktur auf Leinwand, 50 × 150 cm<br />
2. Spuren, 2018, Struktur auf Leinwand, 50 × 50 cm<br />
3. Spuren, <strong>2020</strong>, Struktur auf Leinwandpappe, 15 × 15 cm<br />
4. Spuren, 2018, Struktur auf Leinwand, 50 × 50 cm<br />
2<br />
3<br />
36 www.langshausen-art.de<br />
37<br />
4
Russia / Russland<br />
3<br />
1<br />
Internal Dynamics Visualized<br />
With eloquent colors and a style verging on expressionism, Valentina Anopova<br />
follows established artistic traditions and remains true to an oldfashioned style<br />
in her own authentic way. Shapes are playfully distorted into figures simplified<br />
through reduced bodily gestures. Melting into each other, they occasionally<br />
appear grotesque and caricatured, resembling woodcuts animated through the<br />
artist’s untethered use of vivid colors. Their clear contours painted onto partly<br />
monochrome backgrounds make them radiate liveliness and energy. Beside<br />
mythical elements, Anopova’s paintings also convey an emotional narrative.<br />
Durchzogen von innerer Dynamik<br />
1. The Carnival is Finish, 2011, oil on canvas, 60 x 50 cm<br />
2. The Lovers, 2013, oil on canvas, 60 x 50 cm<br />
3. Carnival, 2016, acrylic on canvas, 90 x 100 cm<br />
4. Dance, 1995, oil on canvas, 80 x 100 cm<br />
2<br />
Mit expressionistisch anmutender Ausdrucksweise und stimmungsvollem<br />
Kolorit knüpft Valentina Anopova an visuelle Traditionen an und bleibt einem<br />
aus der Zeit gefallenen Stil treu. Formen werden zu spielerischen Figuren verzerrt,<br />
die durch reduzierte Mimik in ihrer Physiognomie stark vereinfacht werden.<br />
Ineinander verschmelzend wirken sie zuweilen grotesk und karikiert. Sie<br />
gleichen Holzschnitten, werden jedoch belebt durch den freien Umgang mit<br />
klaren, leuchtenden Farben. In scharfen Konturen auf zum Teil monochrome<br />
Hintergründe gemalt, versprühen die farbgewaltigen Figurengruppen Leben<br />
und Energie. Neben dem mythischen manifestiert sich auch ein emotionales<br />
Narrativ in den Bildern.<br />
4<br />
38 https://www.artintheworld.net/drupal/category/artists/painters/anopova-valentina<br />
39
Undulating Compositions<br />
Italy / Italien<br />
Franco Baldazzi‘s playfully arranged elements inspire both imagination and association.<br />
Bringing together symbols with assertive contours, the artist composes a tangle<br />
of polychrome fields. Organic, colorful snake structures, labyrinthine rectangles,<br />
and circles are stylized into an intriguing overall aesthetic. His geometric abstraction<br />
does not make him shun the tried and tested tools of a painter. Everything radiates,<br />
fresh and striking. The strongly simplified language of his shapes is kept in check<br />
by graphic black lines. Some elements are static and clearly defined, others seem<br />
to be constantly moving. The eye jumps back and forth between textures of circles<br />
and waves.<br />
Wogende Kompositionen<br />
1<br />
Franco Baldazzis spielerisch arrangierte Elemente regen zu Imagination und Assoziation<br />
an. Aus kräftig konturierten arabesken Zeichen komponiert der Künstler ein<br />
Geflecht polychromer Flächen. Die organisch wirkenden farbenfrohen Schlangengebilde,<br />
labyrinthischen Rechtecke und Kreise werden zu einem ästhetischen Gesamteindruck<br />
stilisiert, wobei die geometrische Abstraktion nicht auf malerische Mittel<br />
verzichtet. Alles erstrahlt frisch und plakativ. Die stark vereinfachte Formensprache<br />
wird durch grafisch-schwarze Linien im Zaum gehalten. Einige Elemente sind statisch<br />
und klar definiert, andere scheinen ständig in Bewegung zu sein. Das Auge<br />
springt freudig zwischen Texturen aus Kreisen und Wellen hin und her.<br />
4<br />
2<br />
1. Trasformazione, 2018, acrylic on canvas, 130 x 73 cm<br />
2. Viaggio Nel Tempo, <strong>2020</strong>, acrilyc on canvas, 70 x 50 cm<br />
3. Street, <strong>2020</strong>, acrylic on canvas, 50 x 60 cm<br />
4. Connessioni, <strong>2020</strong>, acrylic on canvas, 50 x 60 cm<br />
3<br />
40 www.gigarte.com/franco-baldazzi<br />
41
1. Streaming Hope, 2018, digital art, 107 x 63.5 cm<br />
2. Heavenly Triumph, 2012, digital art, 45.75 x 61 cm<br />
3. Divine Tongue, 2017, digital art, 50.8 x 50.8 cm<br />
4. Willing Mind, digital art, 2015, 50.8 x 61 cm<br />
South Korea / USA<br />
1<br />
Floral Vibrations<br />
Through the transformation of photographic spaces into three-dimensional<br />
entities, South Korean artist Mae Jeon literally adds a new dimension to the<br />
medium of photography. With her masterful compositional and technical skill,<br />
she employs sculptural flower shapes as the basic chords of her work, while repeating<br />
their color tones in the structure of their background. Her works may be<br />
classified as flower still lives, while their three-dimensional feel makes them<br />
look like the surreal creations of an ikebana artist. The compositional treatment<br />
of motifs, colors and other inherent qualities of the photographic material is<br />
guided by intuition, leading to novel, unusual flower arrangements.<br />
2<br />
Florale Schwingungen<br />
Durch die Transformation fotografischer Flächen zu Raumerscheinungen<br />
verleiht die aus Südkorea stammende Künstlerin Mae Jeon dem Medium<br />
der Fotografie eine ganz eigene Dimension. Unter ihrer kompositorischen<br />
und technischen Meisterhand bilden plastische Blütenformen, deren<br />
Farbklänge sich in der Struktur des Hintergrundes wiederfinden, den<br />
Grundakkord der <strong>Kunst</strong>werke. Einzureihen sind sie in die Gattung der<br />
Blumenstillleben. Aufgrund ihrer plastischen Wirkung könnte man auch<br />
von surrealen Ikebana-Werken sprechen. Der kompositorische Umgang<br />
mit dem Motiv, den Farben und anderen Eigenschaften des Fotomaterials<br />
erfolgt intuitiv, sodass neuartige, ungewöhnliche Blumenarrangements<br />
entstehen.<br />
3<br />
4<br />
42 www.maejeon.com<br />
43
Colors bringing out the Point<br />
Israel<br />
Michal Ashkenasi‘s acrylic paintings are marked by intense color and simplicity.<br />
His large colored areas and simplified, synoptic motifs are completed as soon as<br />
the observer looks at them. The bodies of the minimalist human figures serve<br />
as a formal element of his compositions. Man is dressed in empty clothing, present<br />
only through intensely colored wrappings. Through his unfinished, fragile<br />
appearance, his presence in no man’s land is moved to the forefront of the colored<br />
spaces vaguely remindful of landscapes. Color and contrast are the main<br />
elements that make the artist’s paintings come alive. His flower motifs are no<br />
exception, radiating in front of powerful background shades.<br />
1<br />
Akzentuierung durch Farbwahl<br />
Michal Ashkenasis Acrylbilder zeichnen sich durch ihre farbintensive und zugleich<br />
simplifizierte Manier aus. Die flächigen Darstellungen in vereinfachten,<br />
zusammenfassenden Formen werden vom inneren Auge des Betrachters ergänzt.<br />
Die Körper der reduziert gestalteten menschlichen Figuren dienen als<br />
formales Kompositionselement. Der Mensch ist in leeren Kleidern und quasi<br />
nur durch eine farbintensive Umhüllung präsent. Sein Dasein im Niemandsland<br />
wird durch die nicht fertig geformte, fragile Gestalt im Landschaft-assoziierenden<br />
Raum in den Vordergrund gerückt. Dabei lebt die Malerei des Künstlers vor<br />
allem von Farben und ihren Kontrasten. So erstrahlen auch die Blütenmotive<br />
des Künstlers vor farbgewaltigen Hintergründen.<br />
2<br />
1. Red Trees On Yellow, 2019, acrylic on canvas, 60 x 80 cm<br />
2. Two Lakes, One Point , <strong>2020</strong> , acrylic on canvas, 70 x 100 cm<br />
3. Longings, 2011, acrylic on canvas, 80 x 120 cm<br />
4. Gaya, Earth Mother, 2019, acrylic on canvas, 60 x 80 cm<br />
3<br />
4<br />
44 https://www.michalashkenasiart.com<br />
45
<strong>Art</strong> and poetry<br />
United Kingdom<br />
Crashing waves on rocks<br />
White foam stretches along coast<br />
Heavy rain now falls.<br />
A busy robin<br />
Nesting in an ivy bush<br />
I watch and marvel.<br />
High waving branches<br />
Large flock of birds now perch<br />
Against dark grey clouds.<br />
Magpie swoops past me<br />
Flies high across the blue sky<br />
How swift and graceful.<br />
Crimson sunset<br />
Reflects on small fish pond<br />
Bird chorus at dusk.<br />
Patterned sands stretch far<br />
Estuary at low tide<br />
Gulls call fills the air.<br />
1<br />
A line of raindrops<br />
Hangs on long smooth branch<br />
Forms bright round mirrors.<br />
3<br />
Between soft white clouds<br />
Patchwork fields seen below<br />
Slowly we descend.<br />
In warm spring breeze<br />
Shiny new green leaves sway<br />
I stand and relish.<br />
Little white blossoms<br />
Fragrance fills the warm spring air<br />
Eyes closed I inhale.<br />
Light and Poetic<br />
Voller Leichtigkeit und Poesie<br />
Wendy Yeo’s abstract landscape visions are marked by a masterful<br />
understanding of movement and a knowledge of nature that<br />
seems both deep and astute. Appearing immaterial, they seem<br />
to exist between make-belief and reality. Liberated and carefree,<br />
the artist rejoices in the dynamics and velocity of her paintings.<br />
Her motifs seem to be engaged in a wild dance triggered by a<br />
mighty storm. With spontaneous gestures, Yeo reduces what she<br />
sees to colorful brushstrokes of calligraphic quality, conjuring up<br />
the traditions of haiku poetry. Although she captures nothing<br />
but a fleeting moment, her paintings – just like her poems – are<br />
magnificent symphonies marked by a powerful emotional mode<br />
of expression.<br />
Wendy Yeos stark abstrahierte Landschaftsvisionen sind von einer<br />
virtuosen Bewegungsdarstellung und Wesensschau der Natur<br />
gekennzeichnet. Ohne materiell zu wirken, sind sie zwischen<br />
Schein und Wirklichkeit angesiedelt. Befreit und unbeschwert<br />
empfindet die Künstlerin Freude an Dynamik und Geschwindigkeit.<br />
Wie von einem gewaltigen Sturm erfasst, gleichen die Formen<br />
einem entfesselten Tanz. Mit spontaner Geste reduziert Yeo das<br />
Gesehene zu farbigen Pinselstrichen kalligraphischer Qualität<br />
und knüpft damit an die Haiku-Dichtung an. Obwohl nur ein<br />
flüchtiger Moment festgehalten wird, handelt es sich - ebenso<br />
wie in ihren Gedichten - um rauschende Symphonien von großem<br />
emotionalem Ausdruck.<br />
2<br />
1. Fish and Rocks, 2019, acrylic on canvas, 66 x 76 cm<br />
2. Mountain Stream, <strong>2020</strong>, acrylic on canvas, 76 x 101 cm<br />
4<br />
3. Autumn Sunset, 2018, acrylic on canvas, 76 x 101 cm<br />
4. Ebb Tide, 2017, acrylic on canvas, 76 x 101 cm<br />
46 https://www.wendyyeo.com/<br />
47
Japan<br />
1<br />
Filigree Lightness<br />
Makotu Nakagawa‘s photographic œvre is marked by a type of graphic alienation<br />
located somewhere in the tense space between abstraction and transformation.<br />
His artistic photographs emanate a distinct atmosphere. Rather than<br />
presenting a fixed position, they are aimed at communication. Resembling encrypted<br />
records from the universe, Nakagawa’s motifs radiate lightness. Fleetingly<br />
isolated from an empty background, their tectonic structures are remindful<br />
of cobwebs – or even delicate moonstone structures. The vague, blurred areas<br />
of his works reveal the artist’s tendency to reduce his motifs and emphasize<br />
their essential shape, leading to a mysterious, enigmatic type of poetry.<br />
2<br />
Filigrane Leichtigkeit<br />
Das fotografische Œuvre Makotu Nakagawas bewegt sich im Spannungsfeld<br />
zwischen Abstraktion und Transformation in grafischer Verfremdung. Von den<br />
Bildern geht eine ganz eigene Atmosphäre aus. Die Fotografien präsentieren<br />
keine vorgefertigte Position, sondern zielen auf Kommunikation hin. Gleich verschlüsselten<br />
Aufzeichnungen aus dem Universum strahlen Nakagawas Motive<br />
Leichtigkeit aus, schwebend isoliert vor einem leeren Hintergrund, deren tektonische<br />
Strukturen an Spinnengewebe - oder gar feinstes Mondgestein erinnern.<br />
Mit nicht ausdifferenzierten, unscharfen Bildpartien zeigt der Künstler eine<br />
Neigung zur Reduktion und zur Betonung des Formalen, was zu Rätselhaftigkeit<br />
und geheimnisvoller Poesie tendiert.<br />
1. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm<br />
2. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm<br />
3. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm<br />
4. Uro No Ena - Afterbirth Of Emptiness, 2018, photography, 20,3 x 25,4 cm<br />
4<br />
3<br />
48 www.makotu.net<br />
49
Turkey / Türkei<br />
1<br />
From Plane to Plastic Perception<br />
Kenan K. moves between styles, techniques, and modes of expression, visualizing<br />
his themes across different media. His multimedia talent allows him to<br />
bring together tradition and modernity. In addition to painting with a markedly<br />
free brushstroke, he also works as a sculptor. His abstract painting style in vivid<br />
colors developed by the New York School and its followers, is marked by an archaic<br />
oriental shade of light and its inherent melancholy. Appearing organically<br />
throughout the painting process, it is at peace with its own reality. The artist’s<br />
mystic mindset is also apparent in his sculptures, which shine like golden icons.<br />
2<br />
Von Fläche zu plastischer Wahrnehmung<br />
Kenan K. ist ein Grenzgänger zwischen Stilarten, Techniken und Ausdrucksformen,<br />
denn er visualisiert seine Themen in verschiedenen Medien. Als multimediales<br />
4<br />
Talent besitzt er die Fähigkeit, Tradition und Moderne zu verbinden. Ne-<br />
ben seiner Malerei, bei der er dem Pinsel absolute Freiheit gewährt, ist er auch<br />
als Bildhauer tätig. Sein farbintensiver abstrakter Malstil, wie er von der New<br />
Yorker Schule und deren Nachfolgern entwickelt wurde, trägt ein archaischorientalisches<br />
Licht und die ihm eigene Melancholie in sich. Stimmungsvoll<br />
1. Desperate, 2018, oil enamel on canvas, 110 x 140 cm<br />
entsteht es durch den Malprozess, um in seiner eigenen Wirklichkeit zu ruhen.<br />
2. Infinity Within Nihility, <strong>2020</strong>, horns metal holders stone acrylic on plywood, 40 x 60 x 12 cm<br />
Auch in den Skulpturen des Künstlers, die gleich goldenen Ikonen schimmern,<br />
3. Suffocation, <strong>2020</strong>, polyurethane resin coated acrylic on plywood, 40 x 60 x 8 cm<br />
offenbart sich seine mystische Grundhaltung.<br />
4. Twinkles, 2019, scarves paper bands enamel oil on plywood, 83 x 62 cm<br />
3<br />
50 www.kenank.art<br />
51
A Fleeting World that Blows you Away<br />
USA<br />
The pale blues and pinks in Rawan’s abstract compositions produce an exquisite<br />
soundscape. Set at the center of dematerialized backgrounds, her motifs<br />
appear unreal like fatamorganas. Beside the dominant two-color scheme, dynamism<br />
and structure mark the artist’s work. In search of the origin of the creative<br />
process, she applies acrylic colors to her canvas using broad brush strokes<br />
and quick movements. This results in a distinct, meditative sphere. It is striking<br />
how her brush literally seems to fly across the canvas. Observers are invited to<br />
associate their own thoughts and discover her figurescapes based on their own<br />
emotional outlook.<br />
1. Change In Direction, <strong>2020</strong>, mixed media on paper, 23 x 30 cm<br />
2. Rapidly, <strong>2020</strong>, mixed media on paper, 30 x 30 cm<br />
3. Safe, <strong>2020</strong>, acrylic on canvas, 40 cm x 50 cm<br />
4. Count It All Joy, <strong>2020</strong>, mixed media on paper, 23 x 30 cm<br />
1<br />
Schwebend und verwehend<br />
Rawan Itas abstrakte Kompositionen in Blassblau und Rosa bilden einen edlen<br />
Farbklang. In die Mitte entmaterialisierter Hintergründe gesetzt, erscheinen<br />
ihre Motive unwirklich wie Fatamorganas. Neben der dominierenden Zweifarbigkeit<br />
prägen die Themen Dynamik und Struktur die Arbeiten der Künstlerin.<br />
Auf der Suche nach dem Ursprung des Schöpferischen bringt sie mit breitem<br />
Pinsel und schnellen Bewegungen Acrylfarben auf Papier und Leinwand. Dabei<br />
erzeugt sie eine einzigartige meditative Sphäre. In verblüffender Weise scheint<br />
sie mit dem Pinselstrich regelrecht über die Leinwand zu fliegen. Assoziationen<br />
auf Seiten des Betrachters sind erwünscht, es steht ihm frei, eine auf persönlichen<br />
Emotionen beruhende Figurenlandschaft zu entdecken.<br />
4<br />
2<br />
3<br />
4<br />
52 ProjectTheraPaint.com<br />
53
Bulgaria / Malta<br />
Trip to a Dominant Beige<br />
With his well-established imagery and gestural lines, Bogdan Dyulgerov is a<br />
representative of abstract art. Using a pastose painting style, the Bulgarian resident<br />
of Malta applies his reflections to large canvasses in oil. Looking at his paintings,<br />
one can feel the obsessive way and the urgency present as the artist sets<br />
to work and creates his shapes. It makes one want to paint and think of nothing<br />
else. His loose brush stroke ventures into dramatic and tempestuous territory,<br />
supported by his sound sense of color. Possibly inspired by the sandstone-colored<br />
temples of his dream island, the colors radiate an occult mysticism as if the<br />
artist had laid a mysterious mist across the canvas.<br />
Reise in ein dominantes Beige<br />
Mit seiner etablierten Bildsprache und gestischen Lineatur ist Bogdan Dyulgerov<br />
ein Vertreter der ungegenständlichen <strong>Kunst</strong>. In pastoser Malweise trägt der auf<br />
Malta lebende bulgarische Künstler seine Reflexionen mit Ölfarben auf großformatige<br />
Malgründe auf. Beim Betrachten spürt man seine obsessive Arbeitsweise<br />
und die Lust, Formen entstehen zu lassen. Man möchte malen und an nichts anderes<br />
mehr denken. Der lockere Pinselstrich geht ins Dramatische und Stürmische,<br />
wobei ihm ein glückliches Farbgefühl zu Hilfe kommt. Möglicherweise von<br />
den sandsteinfarbenen Tempeln seiner Trauminsel inspiriert, strahlen die Farben<br />
eine okkulte Mystik aus, als hätte der Künstler einen geheimnisvollen Nebel über<br />
die Leinwand gelegt.<br />
1<br />
1. Seal of the Sun, 2019, mixed media on canvas, 120 x 100 cm<br />
2. The Process, 2018, acrylic on canvas, 120 x 100 cm<br />
3. Untitled 167, 2019, mixed media on canvas, 120 x 100 cm<br />
4. Untitled 171, 2018, mixed media on canvas, 100 x 100 cm<br />
5. Impression 8, 2017, acrylic on canvas, 40 x 40 cm<br />
6. Reflection, 2019, mixed media on canvas, 100 x 100 cm<br />
4<br />
5 6<br />
2 3<br />
54 www.bogdansartwork.com<br />
55
Gold-plated poplars<br />
floating on the velvet waves<br />
of the Rhine River.<br />
Spiegelvergoldet<br />
Die Pappeln im samtenen<br />
Wallen des Rheinstroms.<br />
The vineyards rosy<br />
in their splendor and fragrant<br />
with fall’s red wine notes.<br />
Die Weinberge in<br />
Rosiger Pracht vom Rotweinduft<br />
Des Herbstes umweht.<br />
On the smooth blue lake<br />
quietly and peacefully<br />
autumn’s gold lies down.<br />
Auf den blauen See<br />
Still und schweigend das Herbstgold<br />
Sich niedergelegt.<br />
The silken tears of<br />
the weeping willows run down<br />
to the village pond.<br />
In den Dorfteich<br />
Die seidenen Tränen der<br />
Trauerweiden rinnen.<br />
On a fragrant note<br />
of saffron the larches<br />
celebrate their requiem.<br />
Im Duftton der<br />
Safranfarben die Lärchen<br />
Ihr Requiem feiern.<br />
Fall’s last outcry sounds<br />
like a dream in all the hues<br />
and colors alive.<br />
Der letzte Aufschrei<br />
Des Herbstes traumhaft in<br />
Allen Farben erklingt.<br />
56 57
Norway / Norwegen<br />
1. Lillith, 2017, acrylic on canvas, 150 x 100 cm<br />
2. Inanna, 2017, acrylic on canvas, 150 x 108 cm<br />
3. Awakening, 2019, acrylic on canvas, 150 x 110 cm<br />
4. Freya, 2019, acrylic on canvas, 160 x 120 cm<br />
1 2<br />
Vaporous Visions<br />
Gro Folkan has been inside every single one of her strange human figures, experiencing<br />
their alienation and vitality firsthand. It is this transformation that<br />
makes her half abstract, half figurative creatures so authentic. The artist’s inner<br />
dialogue with her creative self is expressed in cool color shades and challenges<br />
observers’ habitual ways of using their eyes. Her remarkable human images of<br />
her project "Female Rune" resemble the silhouettes of sculptures derived from<br />
light and shade, whose haptic nature wants to be grasped in its totality. The<br />
figurative images at the center of these compositions send observers on a search<br />
of crystalline structures and abduct them into a kaleidoscopic visual experience.<br />
Schemenhafte Visionen<br />
Mit aller Vereinzelung und Lebhaftigkeit hat Gro Folkan viele ihrer seltsamen<br />
Menschenerscheinungen in ihrem Innersten selbst durchlebt. Eben diese Verwandlung<br />
macht ihre Wesen, die sich formal zwischen Figuration und Abstraktion<br />
bewegen, so glaubhaft. Der in eher kühlen Tönen gehaltene innere Dialog<br />
der Künstlerin mit ihrem kreativen Selbst hinterfragt die Sehgewohnheiten des<br />
Betrachters. Die erstaunlichen Menschendarstellungen ihres Projektes "Weibliche<br />
Rune" gleichen Silhouetten von Skulpturen aus Licht und Schatten, deren<br />
4<br />
Haptik in ihrer Ganzheit erfasst werden will. Die im Fokus stehenden figürlichen<br />
Bildnisse schicken den Betrachter auf die Suche nach kristallinen Strukturen<br />
und entführen ihn in eine kaleidoskopische Seherfahrung.<br />
3<br />
4<br />
58 https://www.grofolkan.no/<br />
59
Germany / Deutschland<br />
1<br />
Emotional Appeal<br />
2<br />
Kathleen Kilchenmann shows individual shapes of abstraction based not<br />
only on the internal laws of her pictures, but also on her personal emotions.<br />
Without concrete models, she finds inspiration in nature and the<br />
universe, more concerned with her works’ aesthetic appeal than their concrete<br />
messages. Her works convince through balanced color compositions.<br />
The dominant earth tone takes observers on a trip through the language<br />
of perception and interpretation. Breaking through the surface and creating<br />
openings with unusual painting materials, she creates a fascinating<br />
imagery. The artist gives observers a lot of space and challenges them to<br />
decipher her geometric structures.<br />
Emotionale Ansprache<br />
3<br />
Kathleen Kilchenmann zeigt individuelle Formen der Abstraktion, die<br />
nicht allein auf bildinternen Gesetzmäßigkeiten, sondern auch auf persönlichen<br />
Emotionen beruhen. Ohne konkrete Vorbilder findet sie Inspiration<br />
in der Natur oder im Kosmos. Dabei geht es mehr um die Ästhetik als<br />
um eine eindeutige Aussage. Ihre Werke bestechen durch die ausgewogene<br />
farbliche Gestaltung. Der dominierende erdige Ton lädt zu einer Reise in<br />
die Sprache von Wahrnehmung und Auslegung ein. Durch das Öffnen und<br />
Durchbrechen der Oberfläche mit außergewöhnlichen Malmaterialien<br />
wird eine faszinierende Erscheinungsform geschaffen. Die Künstlerin lässt<br />
viel Raum für den Betrachter und fordert dazu auf, die geometrischen<br />
Strukturen zu enträtseln.<br />
1. Variation Of Landscape I, 2018, 100 x 140 cm<br />
2. Bei Tag, 2019, Mischtechnik, Collage, Papiere, Erden, 50 cm diameter<br />
3. Standort, 2019, Mischtechnik, Collage, Stroh, Erden, 50 cm diameter<br />
4. Am Anfang des Frühlings, <strong>2020</strong>, Mischtechnik, Collage, Papier, Sand, Asche, 100 x 100 cm<br />
4<br />
60 http://kathleen-kilchenmann.de<br />
61
USA<br />
Expanding the Scope of Interpretation<br />
Resembling calligraphic art, Hee Sook Kim’s work gives painting a poetic<br />
aura culminating in the illusion of a two-fold effect. Her complex language<br />
of shapes enchants the onlooker with their spiritual charisma. In a pallet of<br />
yellows and reds, as well as shades of blue and green, she symbolically embellishes<br />
her bold mixed media compositions with delicate colors. Elaborate<br />
ornaments are reassembled to form a new unit. The cheerful, positive aura<br />
of these visual gems communicates lightness and happiness. At the same<br />
time, the artist employs a sensual objectivity. In her works, nature and culture<br />
merge with poetic beauty.<br />
1. Nirvana 17, 2019, mixed media on canvas, 76 x 76 cm<br />
2. Nirvana 12, 2019, mixed media on canvas, 101 x 101 cm<br />
3. Nirvana 4, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm<br />
4. Nirvana 1, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm<br />
5. Nirvana 3, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm<br />
6. Nirvana 2, 2019, mixed media on canvas, 152 x 152 cm<br />
Erweiterung der Deutungswege<br />
Ähnlich der kalligraphischen <strong>Kunst</strong> wirken die Bilder Hee Sook Kims auf<br />
malerisch-poetische Weise, wobei ihr die Illusion einer doppelten Bildwirkung<br />
gelingt. Ihre komplexe Formensprache verzaubert mit spiritueller Ausstrahlung.<br />
In einer Palette aus Gelb- und Rottönen sowie Blau- und Grünabstufungen<br />
schmückt sie ihre kühn komponierten Mischtechnik-Leinwände<br />
symbolträchtig mit sanften Farben aus. Virtuose Ornamente werden zu einer<br />
neuen Einheit zusammengefügt. Die fröhlich positive Aura dieser visuellen<br />
Kleinode vermittelt Leichtigkeit und Heiterkeit. Dabei besinnt sich die Künstlerin<br />
auch auf eine sinnliche Gegenständlichkeit. In ihren Bildern verschmelzen<br />
Natur und Kultur mit poetischer Schönheit.<br />
1<br />
4<br />
5 6<br />
2 3<br />
62 www.heesookkim.com<br />
63
Hungary / Ungarn<br />
1<br />
3<br />
Cheerful Colorscapes<br />
Landscapes painted in oil on canvas are the ideal subject for Nora Komoroczki.<br />
Marked by an optimism as bright as sunshine, they are synonymous of her work,<br />
which focuses on conventional travel motifs. Each painting serves as a refuge<br />
for the observer’s dreamy imagination. Under the pseudonym “Mano”, the artist<br />
paints especially magnificent sceneries, artfully combining reflection and<br />
reflexes. The way she plays with light makes observers long for a perfection that<br />
can only be found in nature. The appealing reflections on the water make them<br />
pause and relax into welcome moments of serenity. Another recurring subject is<br />
the sea with its intensity and fascination.<br />
1<br />
Mit frohmütigem Kolorit<br />
Die ausschließlich in Öl auf Leinwand dargestellten Landschaften sind für die<br />
4<br />
Malerin Nora Komoroczki das optimale Sujet. Mit sonnigem Optimismus stehen<br />
sie synonym für ihr Werk, wobei sie sich auf gängige Reisemotive konzentriert.<br />
Die Bilder sind Zufluchtsorte für die träumerische Imagination des Betrachters.<br />
Unter dem Alias „Mano“ setzt die Künstlerin besonders reizvolle Szenerien in<br />
1. Sunset, Before Storm, 2013, oil on canvas, 130 x 90 cm<br />
prächtige Spiegelungen und Reflexe um. Dieses Spiel mit dem Licht erzeugt<br />
2. Peace, 2019, oil on canvas, 100 x 70 cm<br />
beim Betrachter eine gewisse Sehnsucht nach einer Vollkommenheit, die nur<br />
3. Winter River, 2014, oil on canvas, 60 cm x 50 cm<br />
in der Natur zu finden ist. Der Reiz reflektierender Wasseroberflächen lässt ihn<br />
4. Storm At Lake Balaton, 2014, oil on canvas, 60 x 80 cm<br />
innehalten und zu beschaulicher Ruhe kommen. Ebenso beschäftigt die Künstlerin<br />
auch das Meer in seiner Intensität und Faszination.<br />
2<br />
64 https://artnow0.webnode.com<br />
65
<strong>Art</strong> and poetry<br />
USA / Bulgaria<br />
1. One‘s Back, 2011, Charcoal, 76 x 55 cm<br />
2. The Ram, 2019, charcoal and pastel, 55 x 76 cm<br />
3. Tuning, 2019, charcoal and pastel, 76 x 55 cm<br />
4. The Scroll, 2019, charcoal and pastel, 76 x 55 cm<br />
Craquelure<br />
(About a Violin)<br />
Dark dye<br />
Varnish viscous<br />
Dry paint<br />
Underneath<br />
Smooth the surface<br />
Second time<br />
With varnish<br />
Layers tie<br />
Dull finish<br />
Ancient call<br />
Layers, secrets<br />
Craque the code<br />
2<br />
1<br />
The Sound of Painting<br />
Classical music is a vital inspiration in Irina Kassabova’s work. Educated in classical<br />
music, the artist has forged a life-long connection with it. The way she portrays<br />
musical instruments bears witness to her musical sensitivity. Harmoniously,<br />
their sound emerges from the white background, artistically challenging the<br />
non-colors of black and white. The way she plays the lines in her charcoal and<br />
pastel drawings allows observers a look at the fascinating inner workings of her<br />
musical mind. Every line she draws embodies a chord. The dialogue between<br />
music and visual art is also reflected in Kassabova’s poems, making their tonal<br />
message especially captivating.<br />
Den Klang heraushören<br />
In Irina Kassabovas Werken lebt die klassische Musik. Die Künstlerin hat eine<br />
musikalische Ausbildung genossen und fühlt sich schon Zeit ihres Lebens tief<br />
mit der Musik verbunden. In ihren Bildern wird das Einfühlungsvermögen<br />
deutlich, mit dem sie Musikinstrumente in Szene setzt. Harmonisch klingen sie<br />
aus dem weißen Hintergrund hervor und fordern die Nichtfarben Schwarz und<br />
Weiß künstlerisch heraus. Im Spiel der Linienverläufe ihrer Kohle- und Pastellzeichnungen<br />
entfaltet eine musische Geisteswelt ihren Charme. Jeder gezeichnete<br />
Strich verkörpert einen eigenen Akkord. Der Dialog zwischen Musik und<br />
bildender <strong>Kunst</strong> spiegelt sich auch in Kassabovas Dichtkunst wider. So ist auch<br />
die tonale Aussage ihrer Poesie besonders fesselnd.<br />
3 4<br />
66 www.irinakassabova.com<br />
67
France / Frankreich<br />
1<br />
Mental Materialization<br />
2<br />
Patrick Joosten‘s flowing gestures are full of emotional dedication. His artworks<br />
convince predominantly with the pathos of their colors. With his acrylic paintings,<br />
Joosten takes observers to a new reality, created by his wide brush stroke,<br />
and his way of scraping one color across the next to create unique transitions.<br />
The traces of his tools bear witness to his process-oriented way of working. The<br />
texture of colored spaces is a special focus in his work. The resulting stretches of<br />
painting become screens of projection for the observer’s thoughts, emotions,<br />
and dreams. Abstraction seems to have grown a soul. At times, a deep sky blue<br />
starts a conversation with bright red structures, or an immaterial lemon yellow<br />
runs into a figure sporting a gray design.<br />
Umsetzung des Geistigen<br />
4<br />
Patrick Joostens fließende Effekte sind voller emotionaler Hingabe. Die <strong>Kunst</strong>werke<br />
beeindrucken vor allem durch ihr Farbpathos. Mit seinen Acrylgemälden<br />
entführt der Künstler in eine neue Realität, die er mit breitem Pinselduktus<br />
und durch ineinander verspachtelte Farben entstehen lässt. Malspuren vergegenwärtigen<br />
seine prozessuale Arbeitsweise. Dabei widmet er der Flächenhaftigkeit<br />
besondere Aufmerksamkeit. Farbzonen werden zu Projektionsflächen<br />
für die Gedanken, Emotionen und Träume des Betrachters. Die Ungegenständlichkeit<br />
1. Triptych, 2019, acrylic on canvas, 90 x 70 cm<br />
wirkt beseelt. Mal nimmt ein tiefes Himmelblau mit knallroten<br />
2. Simply Green, <strong>2020</strong>, acrylic on canvas, 90 x 90 cm<br />
Strukturen den Dialog auf, mal begegnet ein immaterielles Zitronengelb einer<br />
3. Waves, 2019, acrylic on canvas, 150 x 100 cm<br />
gräulich gemusterten Figur.<br />
4. Bodies, 2019, acrylic on canvas, 150 x 100 cm<br />
3<br />
68 https://www.patrick-joosten.com/<br />
69
Fake News<br />
The Netherlands / Niederlande<br />
With her etchings, Carla Kleekamp wants to draw attention to the fact that<br />
the news we hear about our planet are often based on a world of entangled<br />
interests. There are realities, however, that cannot be denied, including climate<br />
change, dwindling biodiversity, and bad air quality in many places. Her collagelike<br />
composition alludes to a three-column newspaper layout. By repeating<br />
the motif, while skillfully implementing color changes, she produces a sense of<br />
uncertainty in the observer. Are the bright colors and the cheerfulness of the<br />
figures trying to gloss over an undeniably dark reality? Her graphic, linear story<br />
told in pictures puts content over form.<br />
Fake News<br />
1<br />
Carla Kleekamp möchte in ihren Radierungen darauf aufmerksam machen,<br />
dass die Nachrichten über unseren Planeten häufig auf der Verstrickung von<br />
Interessen beruhen. Gleichwohl gibt es Realitäten, die man nicht leugnen kann,<br />
wie beispielsweise den Klimawandel, das Schrumpfen der biologischen Vielfalt<br />
oder die vielerorts schlechte Luftqualität. Eine collagenhafte Komposition assoziiert<br />
ein dreispaltiges Zeitungslayout. Durch die Wiederholung des Motivs<br />
und die raffinierte Farbveränderung stellt sich beim Betrachter eine gewollte<br />
Verunsicherung über das Gesehene ein. Täuschen die farbenfrohe Palette und<br />
die Ausgelassenheit der Figuren über eine unwiderrufliche Realität hinweg? Die<br />
grafisch-lineare Bildergeschichte gibt dem Inhalt mehr Gewicht als der Form.<br />
1. Fake News I, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm<br />
2. Fake News II, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm<br />
3. Fake News III, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm<br />
4. Fake News VI, etching, aquarelle blindfolded, dry point, 16 x 16 cm<br />
2<br />
3<br />
70 www.carlakleekamp.nl<br />
71<br />
4
Austria / Österreich<br />
1. Rote Symphonie, 2002, Öl, Wachs und Sand, 100 x 100 cm<br />
2. Blaue Symphonie, 2002, Öl, Wachs und Sand, 100 x 100 cm<br />
3. Lichtbogen, 2014, Öl, Wachs und Sand, 80 x 70 cm<br />
4. Zentrale Linien, 2012, Öl, Wachs und Sand, 60 x 80 cm<br />
3<br />
Composing Colors and Shapes<br />
1<br />
Professor Kurt Freundlinger has spent decades developing his own distinct<br />
style, marked by powerful colors and a way of painting that makes them shine<br />
exceptionally bright. With their deep emotionality, his masterful compositions<br />
appeal to the sensual eye, contrasting colors play a major role. The artist is<br />
keenly aware of the power of color. To him, it is all about emotions and energy.<br />
At times, atop a layer of colored spaces moving through different degrees of intensity,<br />
we find a second layer displaying cryptic symbols, usually consisting of<br />
black lines. The artist finds inspiration in the mutually influential relationships<br />
between painting and the beauty of landscape and nature, between dance and<br />
music.<br />
Komponist von Farben und Formen<br />
Über Jahrzehnte hinweg entwickelte Professor Kurt Freundlinger seinen eigenen<br />
unverkennbaren Stil, geprägt von einem kraftvollen Kolorit und einer Maltechnik,<br />
mit der er die Farben zum Leuchten bringt. Seine meisterhaften Kom-<br />
4<br />
positionen sprechen mit ihrem tiefen Empfinden die sinnliche Wahrnehmung<br />
an, wobei die starken Farbkontraste eine tragende Rolle spielen. Der Künstler<br />
weiß um die Kraft der Farben, es geht ihm um Emotionen und Energie. Über der<br />
Schicht aus Farbräumen unterschiedlicher Intensität liegt zuweilen eine zweite<br />
Bildebene mit kryptischen Zeichen, meist aus schwarzen Linien. Inspiration<br />
vermag der Künstler aus der wechselseitigen Beeinflussung von Malerei, landschaftlicher<br />
Schönheit und Natur, sowie aus Tanz und Musik zu ziehen.<br />
2<br />
72 http://www.kurt-freundlinger.com<br />
73
The moon is pure gold<br />
Moving through the old pear tree<br />
Onward and onward.<br />
Pures Gold der Mond<br />
Im alten Birnenbaum wandert<br />
Weiter und weiter.<br />
The murmur has died<br />
Down by the creek. In the sun,<br />
A trickle gurgles.<br />
Das Rauschen am Bach<br />
Erfroren. In der Sonne ein<br />
Rinnsal plätschert.<br />
All the many tears<br />
Of winter hanging golden<br />
On the hazel bush.<br />
Die vielen Tränen<br />
Des Winters golden am<br />
Haselnusssstrauch hängen.<br />
Right there in the snow,<br />
The white birch tree has laid down<br />
Its silver shadow.<br />
Die weiße Birke<br />
Ihren silbernen Schatten in<br />
Den Schnee gelegt.<br />
Crow quills printed<br />
Into the snow. The puddles<br />
Golden with ice flowers.<br />
Rabenfedern in den<br />
Schnee gedruckt. In den Pfützen<br />
Eisblumengold.<br />
On a clear, blue day<br />
In winter, the moon’s face shows<br />
Up in the puddles.<br />
Am klaren blauen<br />
Wintertag der Mond sich in<br />
Den Pfützen spiegelt.<br />
74 75
Japan<br />
1<br />
Transcendental Beauty<br />
Photographer Eriko Kaniwa has found the perfect motif for her exquisite artworks<br />
in majestic exotic birds, which embody a bridge of longing between man<br />
and nature. By amplifying their beauty, she draws attention to their aesthetic<br />
power. The birds are robbed of their original surroundings and given a dreamy<br />
aura through diffuse lighting. This leads to a brilliant aesthetic unachievable in<br />
the world outside her art. In an elaborate postproduction process, motifs are<br />
edited, retouched, and choreographed into a dramatic dream dance. Kaniwa’s<br />
hyperrealist compositions shine with seductive grace.<br />
Überirdische Schönheit<br />
Die Fotografin Eriko Kaniwa hat in exotischen Wundervögeln das optimale Sujet<br />
für ihre exquisiten <strong>Kunst</strong>werke gefunden, welche eine Sehnsuchtsbrücke<br />
zwischen Mensch und Natur schlagen. Dadurch, dass sie die Schönheitsmerkmale<br />
der Tiere überhöht, verweist sie auf deren ästhetische Kraft hin. Die Vögel<br />
werden ihrer ehemaligen Umgebung beraubt und durch diffuse Beleuchtung in<br />
eine verträumte Aura versetzt. Auf diese Weise entsteht eine brillante Ästhetik,<br />
welche in der Realität nicht reproduzierbar ist. In aufwändiger Postproduktion<br />
werden die Motive bearbeitet, retuschiert und so zu einem perfekt anmutenden<br />
theatralischen Traumtanz inszeniert. Kaniwas hyperrealistische Kompositionen<br />
brillieren mit betörendem Charme.<br />
4<br />
1. Peacock #1, <strong>2020</strong>, digital art, 60 x 40 cm<br />
2. Tancho Crane, digital art, 80 x 80 cm<br />
3. Pelican of “Aesthete” series, digital art, 40 x 60 cm<br />
4. Horned Pigeon of “Mutant” series, 2019, 54 x 60 cm<br />
2<br />
3<br />
76 www.sensegraphia.jp<br />
77
Boisterous Symbolism<br />
Ireland / Irland<br />
Paul Hartel’s acrylic paintings are based on the contrast between bold colors and<br />
simple lines. Resembling Willem De Kooning they are marked by a headstrong,<br />
free-spirited mindset. With ambiguously drawn stick people, the artist examines<br />
the world inside and outside the mind, finds artistic and erotic vibes, as well<br />
as voices expressing social criticism. On this double stage, he expresses what he<br />
thinks about, and what questions he is asking, focusing on what he puts at the<br />
center, on colors, shapes, and lines, as independent individuals. In addition to<br />
freely emerging “inner shapes” and fantasies, light conditions also play a role in<br />
the multilayered nature of the paintings. Soft color notes are juxtaposed with a<br />
dynamic, action-oriented brushstroke.<br />
Ungestüme Zeichensprache<br />
1<br />
In Paul Hartels Acrylbildern steht das Malerische im Kontrast zum Linearen.<br />
Gleich Willem De Kooning spontan hingezeichnet, zeugen sie von Eigensinn<br />
und Freigeistigkeit. Mit doppeldeutigen Strichfiguren erforscht der Künstler die<br />
Innen- und Außenwelt, welcher zuweilen eine künstlerisch-erotische oder sozialkritische<br />
Aussage innewohnen mag. Auf dieser Doppelbühne spielt sich ab,<br />
was ihn beschäftigt, welche Fragen sich ihm stellen. Dabei werden die Bildmittel<br />
Farbe, Form und Linie in ihrer Eigenständigkeit thematisiert. Neben „inneren<br />
Formen“ und Fantasien, die sich frei ergeben, finden auch Lichtverhältnisse<br />
Eingang in die Mehrschichtigkeit der Bilder. Weiche Farbklänge stehen einem<br />
dynamischen, handlungsbetonten Pinselduktus gegenüber.<br />
4<br />
1. Unquiet Sentiment, 2016, mixed media on canvas, 102 x 76 cm<br />
2. Grande Donna Grassa, 2018, mixed media on canvas, 102 x 71 cm<br />
3. Looking Forward, <strong>2020</strong>, mixed media on paper, 30 x 21 cm<br />
4. Girl With Flowers, 2018, mixed media on canvas, 76 x 102 cm<br />
2<br />
3<br />
78 hartelart.com<br />
79
Modulation and Impression<br />
USA<br />
1<br />
Angela P. Schapiro‘s emotional photographs converse are engaged in a lively<br />
conversation with the poetry of nature and genre. To Schapiro, art is a catalyst<br />
for the alchemical transformation of real situations. Her stylistic device to achieve<br />
this is a sometimes radical reduction in the language of her shapes. Her idiosyncratic<br />
approach alienates objects and landscape motifs in a transformative<br />
process, giving them a new communicative function. Detached from their usual<br />
representation, they become triggers for associative and dreamy thought processes.<br />
Used as an artistic medium, the photographs invoke a wonderful sense<br />
of peace and exude an almost magical atmosphere. The bright orange room is a<br />
joy to the sensual eye.<br />
Modulation und Impression<br />
Angela P. Schapiros emotionale Fotografien stehen im Dialog mit der Lyrik von<br />
Natur und Genre. Die <strong>Kunst</strong> dient Schapiro als Katalysator zur alchimistischen<br />
Verwandlung realer Situationen. Dabei setzt sie als Stilmittel eine zuweilen radikale<br />
Reduzierung der Formensprache ein. Mit speziellem Vorgehen werden<br />
die gegenständlichen und landschaftlichen Motive durch Transformation verfremdet<br />
und in einen neuen Kommunikationssinn gestellt. Herausgelöst aus<br />
ihrer gewöhnlichen Wiedergabe werden sie Auslöser von Assoziationen und<br />
träumerischen Denkprozessen. Eingesetzt als künstlerisches Medium rufen die<br />
Fotos eine wunderbare Ruhe hervor und verströmen eine beinahe magische<br />
Atmosphäre. Das intensiv orangene Zimmer wird zum Genuss für das sinnlich<br />
sehende Auge.<br />
2<br />
4<br />
1. Beach Grass, <strong>2020</strong>, digital photo, 34 x 27 cm<br />
2. Low Tide, <strong>2020</strong>, digital photo, 34 x 26 cm<br />
3. Giverny #2, 2018, digital photo, 34 x 23 cm<br />
4. Chair, 2018, digital photo, 34 x 27 cm<br />
3<br />
80 angela.schapiro@gmail.com ― https://www.angelapschapirophotography.com<br />
81
Taiwan<br />
2<br />
1<br />
Poems<br />
Hyun-Jin Kim starts painting on a whim, letting a lot of emotion flow into her<br />
abstract compositions. Her small-sized works are part of a series inspired by the<br />
Psalms. Listening closely, one can translate their tonal and formal messages<br />
into the language of poetry. Winner of the “Enter-into-<strong>Art</strong>” award (1 st Jury-Prize<br />
2019), Kim convinces with a mysterious artistic signature full of symbolism that<br />
appeals to the deepest layers of the subconscious. Just like reading a poem<br />
whose message can be found in the music of the sound it leaves behind rather<br />
than its semantic content, looking at her paintings allows observers to experience<br />
a poetic message that seems to come directly from the muse.<br />
Gedichte<br />
Hyun-Jin Kim malt aus einer Stimmung heraus und lässt viel Gefühl in ihre<br />
abstrakten Kompositionen einfließen. Ihre kleinformatigen <strong>Kunst</strong>werke sind<br />
Teil einer von Bibelpsalmen inspirierten Bildserie. Man hört in sie hinein und<br />
3<br />
übersetzt ihre tonale und formale Aussage in die Sprache der Poesie. Das Werk<br />
der „Enter into <strong>Art</strong>“-Preisträgerin (1. Jury-Preis 2019) zeichnet sich durch eine<br />
geheimnisvolle Handschrift voller Symbole aus, mit der die tiefen Schichten des<br />
1. Poem#24, <strong>2020</strong>, mixed media, 20 x 28,7 cm<br />
Unterbewusstseins angesprochen werden. Ebenso wie beim Lesen eines Gedichtes,<br />
2. Poem#31, <strong>2020</strong>, mixed media, 20 x 28,7 cm<br />
dessen Sinnhaftigkeit eher im tonalen Nachklang als in einer direkten<br />
3. Poem#37, <strong>2020</strong>, mixed media, 20 x 28,7 cm<br />
Aussage zu suchen ist, wird den Bildern eine poetische Inspiration zuteil, die<br />
4. Poem#3, 2019, mixed media, 20 x 28,7 cm<br />
dem direkten Einfluss der Muse zu entspringen scheint.<br />
4<br />
82 https://flytoart.com/<br />
83
EXCELLENT ART<br />
Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry from<br />
Twenty Countries<br />
Book Series: Enter-into-<strong>Art</strong> – LOUNGE 3<br />
Editor: Gabriele Walter<br />
EXZELLENTE KUNST<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong> und Poesie aus<br />
zwanzig Ländern<br />
Buchreihe: Enter into <strong>Art</strong> – LOUNGE 3<br />
Herausgeber: Gabriele Walter<br />
Imprint:<br />
Written by: Gabriele Walter<br />
Cover / artistic design by: Kurt Ries<br />
Translated into English by: Anna Sanner<br />
Copyright:<br />
Gabriele Walter<br />
Pützstücker Straße 45<br />
D-53639 Königswinter<br />
Tel. 0049 2244 3823<br />
www.meditaterra.de<br />
www.enterintoart.com<br />
www.enter-into-art.com<br />
Impressum:<br />
Text: Gabriele Walter<br />
Cover / künstlerische Gestaltung: Kurt Ries<br />
Übersetzung ins Englische: Anna Sanner<br />
Copyright:<br />
Gabriele Walter<br />
Pützstücker Straße 45<br />
D-53639 Königswinter<br />
Tel. 0049-2244-3823<br />
www.meditaterra.de<br />
www.enterintoart.com<br />
www.enter-into-art.com<br />
Übersetzung der künstlerischen Techniken:<br />
acrylic - Acrylmalerei<br />
aquarelle blindfolded - Aquarell auf Blindprägung<br />
bronze on perspex - Bronze auf Plexiglas<br />
canvas - Leinwand<br />
cotton - Baumwolle<br />
copper wire - Kupferdraht<br />
crayons - Zeichenkreide<br />
dry point - Kaltnadel<br />
etching - Radierung<br />
glassy polymers - Glaspolymere<br />
ink - Tusche<br />
knit and lace - Verschnüren<br />
oil enamel – Emaille-Farbe<br />
plywood - Sperrholz<br />
resin coated - harzbeschichtet<br />
silk dye - Seidenmalfarbe<br />
woven felt pieces - gewebte Filzstücke<br />
Bibliographic information of the German National Library:<br />
The German National Library lists this publication in the German National Bibliography; detailed bibliographic data<br />
are available on the Internet – http://dnb.ddb.de<br />
All rights reserved. Any reprinting in full or in part, any distribution by film, broadcasting, or television, any publication<br />
on the internet, or through photomechanical reproduction, sound recording, or data processing systems of any<br />
kind requires the written consent of the publisher.<br />
© Königswinter, <strong>2020</strong><br />
Bibliographische Information der Deutschen Bibliothek:<br />
Die Deutsche Bibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliographie, detaillierte bibliographische<br />
Daten sind im Internet über http://dnb.ddb.de abrufbar.<br />
Alle Rechte vorbehalten. Nachdruck, auch auszugsweise, sowie die Verbreitung durch Film, Funk, Fernsehen und Internet,<br />
durch fotomechanische Wiedergabe, Tonträger und Datenverarbeitungssysteme jeglicher <strong>Art</strong> nur mit schriftlicher<br />
Genehmigung der Herausgeber.<br />
84 85
Relax and Rejoice with <strong>Art</strong> and Poetry<br />
from Twenty Countries<br />
Australia, Austria, Bulgaria, France, Germany, Hungary, Ireland, Israel, Italy,<br />
Japan, Norway, Russia, South Africa, Spain, Taiwan, The Netherlands, Turkey,<br />
United Kingdom, United States<br />
Ai-Wen Wu Kratz: Dreamy Visual Worlds; Angela P. Schapiro: Modulation and<br />
Impression; Aomi Kikuchi: Magical Effects; Betty Collier: Biomorphic Associations;<br />
Bingjib Huang: Poetic Reflections; Bogdan Dyulgerov: Trip to a Dominant<br />
Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer: Breaking through the Surface;<br />
Eriko Kaniwa: Transcendental Beauty; Franco Baldazzi: Undulating Compositions;<br />
Gerhard Rasser: Places of Contemplation; Gro Folkan: Vaporous Visions;<br />
Hee Sook Kim: Expanding the Scope of Interpretation; Herbert Hermans: Play<br />
with Constructive Lines; Hyun-Jin Kim: Poems; Irina Kassabova: The Sound of<br />
Painting; Jani Jan J.: Expansive Gestures; Karin Guni: Room for Interpretation;<br />
Kathleen Kilchenmann: Emotional Appeal; Kenan K.: From Plane to Plastic<br />
Perception; Kurt Freundlinger: Composing Colors and Shapes; Mae Jeon: Floral<br />
Vibrations; Makotu Nakagawa: Filigree Lightness; Michal Ashkenasi: Colors<br />
bringing out the Point; Nora Komoroczki: Cheerful Colorscapes; Patrick Joosten:<br />
Mental Materialization; Paul Hartel: Boisterous Symbolism; Peter Kadrmas: New<br />
Connections; Ramón Rivas: Thought Constructions; Rawan Ita: A Fleeting, Ephemeral<br />
World; Sylvia Langshausen: An Intuitive Language of Shapes; Valentina<br />
Anopova: Internal Dynamics Visualized; Wendy Yeo: Light and Poetic<br />
Entspannung und Genuss mit <strong>Kunst</strong><br />
und Poesie aus zwanzig Ländern<br />
Australien, Bulgarien, Deutschland, Frankreich, Irland, Israel, Italien, Japan,<br />
Niederlande, Norwegen, Österreich, Russland, Südafrika, Spanien, Taiwan,<br />
Türkei, Ungarn, Vereinigtes Königreich, Vereinigte Staaten<br />
Ai-Wen Wu Kratz: Traumversunkene Bildwelten; Angela P. Schapiro: Modulation<br />
und Impression; Aomi Kikuchi: Magische Effekte; Betty Collier: Biomorphe<br />
Assoziationen; Bingjib Huang: Poetische Reflexionen; Bogdan Dyulgerov:<br />
Reise in ein dominantes Beige; Carla Kleekamp: Fake News; Eleanora Hofer:<br />
Durchbrechen der Oberfläche; Eriko Kaniwa: Überirdische Schönheit; Franco<br />
Baldazzi: Wogende Kompositionen; Gerhard Rasser: Orte der Besinnung; Gro<br />
Folkan: Schemenhafte Visionen; Hee Sook Kim: Erweiterung der Deutungswege;<br />
Herbert Hermans: Im Spiel konstruktiver Linien; Hyun-Jin Kim: Gedichte;<br />
Irina Kassabova: Den Klang heraushören; Jani Jan J.: Mit überschwänglichem<br />
Gestus; Karin Guni: Spielraum für eigene Interpretationen; Kathleen<br />
Kilchenmann: Emotionale Ansprache; Kenan K.: Von Fläche zu plastischer<br />
Wahrnehmung; Kurt Freundlinger: Komponist von Farben und Formen;<br />
Mae Jeon: Florale Schwingungen; Makotu Nakagawa: Filigrane Leichtigkeit;<br />
Michal Ashkenasi: Akzentuierung durch Farbwahl; Nora Komoroczki: Mit<br />
frohmütigem Kolorit; Patrick Joosten: Umsetzung des Geistigen; Paul Hartel:<br />
Ungestüme Zeichensprache; Peter Kadrmas: Neue Sinneszusammenhänge;<br />
Ramón Rivas: Dynamische Gedankengebilde; Rawan Ita: Schwebend und verwehend;<br />
Sylvia Langshausen: Intuitive Formensprache; Valentina Anopova:<br />
Durchzogen von innerer Dynamik; Wendy Yeo: Voller Leichtigkeit und Poesie<br />
Poems: Wendy Yeo, Irina Kassabova, Gabriele Walter<br />
Gedichte: Wendy Yeo, Irina Kassabova, Gabriele Walter<br />
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