BILLBOARD AR 96 Julio 2021

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Neo Pistea

AIRBAG

·

CLAUDIA

BRANT

·

DREFQUILA

·

GIRL

IN RED

·

JUSTIN LEE

SCHULTZ

·

LAS PELOTAS

·

LENNY

TAVAREZ

·

MIKE

AMIGORENA

·

NOEL

SCHAJRIS

Voces

DAMN

-

Power Players

Lyor Cohen

ISSN 2344-9276 · Año 7 · Nº 96

Julio 2021 · Argentina: $500

Recargo interior: $10

NEO

PISTEA

Adrián

Barilari

Charlie

Freeman

Mati

Fernández

Pili

Pascual

Snow Tha

Product


2 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Semana del 19 de julio

Bizarrap y Nicky Jam

llegan al 1º

Semana

pasada

2

Esta

semana

1

Título

Nicky Jam || BZRP Music Sessions #41

Artista

Bizarrap & Nicky Jam

variación


BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA

EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES

DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE

TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

La “Nicky Jam || BZRP Music Sessions #41” encabeza

el chart y Rusherking y Duki debutan en el puesto 31º

con “Bailando Te Conocí”

Una semana después de su debut, la sesión de bizarrap y nicky

Jam sube del 2º puesto a lo más alto del Billboard Argentina Hot 100.

Bandido, Duki y Rei llegan al 2º con “No Me Conocen” (Remix)

y “Qué Más Pues?” de J Balvin y Maria Becerra descienden al 3º.

“2:50” (Remix) de MYA, Tini y Duki cae del 3º al 4º. Bad Bunny escala del 10º

al 8º con “Yonaguni” y “Cazame” de María Becerra y Tiago PZK ingresa al Top

10 después de un ascenso de 11º al 10º.

Por otra parte, “Bailando Te Conocí” de Rusherking y Duki se une en el 31º y

marca el Hot Shot Debut de la semana. Cuatro pasos atrás, “Prende La Cámara”

de FMK y Tiago PZK debuta en el 35º.

Hay más buenas noticias para Tiago PZK: “Entre Nosotros” junto a Lit Killah

comienza en el 44º. Los artistas españoles Marc Seguí y Pol Granch hacen su

primer debut con “Tiroteo” en el 54°. “Permission To Dance” de BTS se inclina

en el 84° y “ME PASE” de Enrique Iglesias y Farruko ingresa en el 87°.

Finalmente, Lola Indigo, TINI y Belinda llegan con “Niña De La Escuela” al

94º. La canción forma parte del último disco de Indigo, La Niña. •

4

1

3

5

6

7

10

9

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2

3

4

5

6

7

8

9

10

No Me Conocen (Remix)

Qué Más Pues?

2:50 (Remix)

Todo De Ti

Miénteme

AM (Remix)

Yonaguni

Pareja Del Año

Cázame

Bandido, Duki, Rei, Tiago PZK

J Balvin & María Becerra

Mya, Tini y Duki

Rauw Alejandro

TINI y María Becerra

Nio García, J Balvin, Bad Bunny

Bad Bunny

Sebastián Yatra & Myke Towers

María Becerra & Tiago Pzk


-2


-

-

-


-


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3


H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 19 DE JULIO

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

variación

18

21

Te Necesito

Khea & María Becerra


23

22

Yo Sé Que Tú

Fmk,Tiago Pzk, Lit Killah, Rusherking


25

23

Pistola (Remix)

L-Gante, Dt.Bilardo, El Más Ladrón


24

24

2/Catorce

Rauw Alejandro

-

39

25

Loba

Rusherking


26

26

Chano

Mecha

-

34

27

Beggin

Maneskin


22

28

Eladio Carrión: Bzrp Music Sessions, Vol. 40 Bizarrap y Eladio Carrión


28

29

Canción Bonita

Carlos Vives & Ricky Martin


40

30

911

Sech


31

Bailando Te Conocí

Rusherking & Duki

NEW

27

32

Panamá

Trueno & Duki


44

TIAGO PZK

& LIT KILLAH

Entre nosotros

NEW

32

33

29

30

33

34

35

36

37

Wacha

Bandido

Prende La Cámara

Perfecta

No Toque Mi Naik

Khea & Duki

Myke Towers & Juhn

Fmk & Tiago Pzk

Reik & Maluma

Nicki Nicole & Lunay



NEW



Semana

pasada

12

13

16

8

14

17

15

20

19

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

18

Título

Ram Pam Pam

Fiel

Poblado (Remix)

Save Your Tears (Remix)

El Makinón

Perrito Malvado

Además De Mí (Remix)

Artista

L-Gante: Bzrp Music Sessions, Vol.38 L-Gante, Bizarrap

Acaramelao

Natti Natasha & Becky G

Los Legendarios, Wisin & Jhay Cortez

J.Balvin, Karol G, Nicky Jam, Crissin,

Totoy El Frio, Natan & Shander

The Weeknd & Ariana Grande

Karol G & Mariah Angeliq

Damas Gratis FT. L-Gante & Marita

Rusherking, Tiago Pzk, Khea,

LIT Killah, Duki, María Becerra

Maria Becerra

variación









-

31

35

37

75

52

36

62

44

38

43

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38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

49

good 4 u

Olivia Rodrigo

Baila Conmigo

Selena Gomez & Rauw Alejandro

Millones

Camilo

Bad Habits

Ed Sheeran

3 De La Mañana

Mau Y Ricky, Sebastin Yatra & Mora

Leave The Door Open Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic

Entre Nosotros

Tiago Pzk & Lit Killah

Levitating

Dua Lipa Feat. Dababy

512

Mora & Jhay Cortéz

Peaches

Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon

Problema

Daddy Yankee

La Noche De Anoche

Bad Bunny & Rosalía







NEW






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21

20

Butter

BTS


55

50

Blunted 5

Mesita, Bruno Lc, Blunted Vato


4 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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5


H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 19 DE JULIO

Semana

pasada

41

Esta

semana

51

Título

Love Again

Artista

Dua Lipa

variación


NEW

BTS

Permission

To Dance

84

94

52

Turraka (Remix)

Kaleb Di Masi y Locura Mix


42

53

California

Lit Killah


54

Tiroteo (Remix)

Marc Seguí ft. Rauw Alejandro y Pol Granch

NEW

45

55

Ella No Es Tuya

Rochy Rd, Myke Towers & Nicki Nicole


50

56

Snow Tha Product: Bzrp Music Sessions #39 Bizarrap & Snow Tha Product


48

57

Perreito Salvaje

Emilia & Boza


51

58

Dime Donde

Cazzu & Justin Quiles



49

59

International Love 420

L-Gante, Fidel Nadal, Dt.Bilardo


58

60

Tan Enamorados

CNCO


Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

variación

57

61

Explícito

Myke Towers


72

81

Blinding Lights

The Weeknd


56

62

Malbec

Duki (Prod. Bizarrap, Yesan, Asan)


79

82

Sal Y Perrea

Sech


53

63

Golden

Harry Styles


86

83

Dákiti

Bad Bunny & Jhay Cortez


59

64

High

María Becerra, Tini & Lola Indigo


84

Permission To Dance

BTS

NEW

61

65

Tinty Nasty

Dt.Bilardo, L-Gante, Omar Varela


81

85

Animal

María Becerra & Cazzu


54

66

Amor En Coma

Manuel Turizo & Maluma


91

86

Nathy Peluso: Bzrp Music Sessions, Vol. 36

Nathy Peluso & Bizarrap


69

67

Una Locura

Ozuna, J Balvin & Chencho Corleone


87

Me Pasé

Enrique Iglesias Feat. Farruko

NEW

46

68

98

76

71

63

66

64

60

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70

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73

74

75

76

77

78

79

Bebé

Camilo & El Alfa

Te Mentiría

Luck Ra

Casamiento

Juan Ingaramo

Dynamite

BTS

Ropa Cara

Camilo

De Mí, Contigo

Abel Pintos & Camila

Miedito O Qué? Ovy On The Drums, Karol G & Danny Ocean

Montero (Call Me By Your Name)

Lil Nas X

Que Rico Fuera

Ricky Martin & Paloma Mami

Kiss Me More

Doja Cat Feat. Sza

Chica Ideal

Guaynaa & Sebastián Yatra

Vida De Rico

Camilo













78

70

88

80

90

82

97

85

93

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88

89

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91

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93

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95

96

97

98

99

Bésame

Luis Fonsi & Myke Towers

Flaca

Andrés Calamaro

Combi Nueva Papichamp, Ecko, Blunted Vato, L-Gante

Que A Pasao

Big Apple,Omar Varela

Confiésalo

María Becerra & Rusher King

Higher Power

Coldplay

La Niña De La Escuela

Lola Indigo, Tini & Belinda

Malianteo 420

L-Gante & DT.Bilardo

Bobo

Mariah Angeliq, María Becerra & Bad Gyal

L-Gante Rkt

Papu Dj Ft. L-Gante

Bichota

Karol G

Telepatía

Kali Uchis







NEW

RE





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77

80

Hawái (Remix)

Maluma & The Weeknd


100

Dónde Están Los Guachos

Me Dicen Fideo, L-Gante, Dt.Bilardo

RE

6 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Su nuevo éxito global

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7


R

REDES

PRESIDENTE

Jorge R. Arias

CEO

Juan Pedro Dondo

DIRECTOR

Santiago Torres

CONTENIDOS

Santiago Torres

Gustavo Serna

Julián Mastrángelo

Josefina Armendáriz

COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING

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0810 444 ABC1 (2221)

Paula Alfaro

ADMINISTRACIÓN

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Dardo Rocha 2188 (1640)

Martínez, Buenos Aires

COLABORADORES

DISEÑO

Juan Angel Maldonado

FOTOGRAFÍA

Tute Delacroix

VIDEO

Popi Graña

COLABORAN EN ESTA EDICIÓN

Alfredo Rosso, Flor Mauro y Benjamín García.

DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)

011 4301 3601 (líneas rotativas)

DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR

D.G. P. (Distribuidora General de Publicaciones S.A.)

Alvarado 2118 / C.A.B.A.

Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores

Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 444 ABC1 (2221)

info@billboard.com.ar · www.billboard.com.ar

EDITORIAL DIRECTOR

Hannah Karp

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

VP/LATIN INDUSTRY LEAD

Leila Cobo

Billboard Argentina 2021. Prohibida la reproducción total o parcial de los

artículos sin la previa autorización del director. El material periodístico es

de absoluta responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798

8 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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Contenidos

CHARTS

3 La “Bizarrap Music Sessions, vol. 41”

encabeza el chart y Rusherking y Duki

debutan en el puesto 31º con “Bailando Te

Conocí” en el Billboard Argentina Hot 100.

INTRO

13 MTV MIAW 2021, Tini y Rauw Alejandro

entre los ganadores.

ENTREVISTAS Y PERFILES

20 DAMN!

24 YouTube / Lyor Cohen

26 Mike Amigorena

28 María Peluffo

30 Kally´s Mashup

32 Neo Pistea

42 Justin Lee Schultz

44 Airbag

46 Girl in Red

47 Mando

48 Noel Schajris

50 Claudia Brant

54 Las Pelotas

56 MYA

58 Nobeat

60 Silvestre y la Naranja

62 Sofía Valdés

64 Lenny Tavárez

66 DrefQuila

LIVES

68 Snow Tha Product

70 Matías Fernández Burzaco

72 Charlie Freeman

73 Adrián Barilari

74 Pilar Pascual

76 Bodas de Oro – 50 Años de Álbumes

Clave: Fireball, Deep Purple.

78 Emergentes: Federico Yuyo, Axel

Noguera, Fly Fly Caroline y Joaquín Plada.

ESPECIALES

41 Premios Juventud

52 Movistar Fristyle y su noche de

campeones

-

EN LA TAPA

Neo Pistea por Mikeila Borgia

-

10 BILLBOARD AR | JULIO, 2021

FOTOGRAFÍA POR TUTE DELACROIX


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11


12 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Tini y Lunay.

Intro

EL SEMÁFORO

MTV MIAW 2021

Tini y Rauw Alejandro entre

los ganadores

Ambos artistas, junto a Christian Nodal, Bad Bunny y Sebastián Yatra, entre

otros, se llevaron los premios más importantes de la noche.

la octava edición de los premios mtv miaw, después

de un año de ausencia, fueron conducidos por dos famosas

estrellas femeninas: la cantante colombiana Kali Uchis y la

influencer mexicana Kenia Os.

Por supuesto tuvo presentaciones musicales especiales

con Danna Paola, Christian Nodal, C. Tangana, Rauw Alejandro,

Justin Quiles y Gera Mx y se entregarán 32 premios

a las personalidades más hot de la cultura pop de este año

—TikTokers, Influencers, artistas y hasta protagonistas de

momentos virales, como el ‘Niño del Oxxo’ o López Gatell

en la playa—.

La primera presentación estuvo a cargo de la anfitriona

Kali Uchis, quien entregó una presentación en vivo de

“Telepatía”. Su actuación musical incluyó un avión privado,

autos deportivos y llevó al clímax en su fiesta de pirotecnia y

fuegos artificiales. Christian Nodal hizo su debut en el escenario

de los MIAW entre autos y fuego con la presentación

de “Botella tras botella”, tema que también le valió a Nodal y

Gera MX su primer premio por “Hit del año”.

Desde su inicio en el 2013, los MTV MIAW se han caracterizado

por ser dinámicos: ninguna edición es igual

a otra, pues los fans son los que deciden qué categorías

premiar y a quiénes otorgar el galardón. Pero este año se

añadió la categoría “Transforma MIAW”, otorgada a agentes

de cambio en sus comunidades en materia de género y

derechos LGBTQ+.

De esta forma, se entregaron 32 estatuillas, entre ellas: Artista

MIAW: Bad Bunny; Artista + duro Colombia, Sebastián

Yatra; Artista + Ido Argentina: Tinim y Hit global del año:

Harry Styles – Golden.

Después de un año

y medio, la vuelta

de los festivales en

Estados Unidos como el

Lollapalooza en Chicago

o en España (Canet Rock

y Cruilla), y en Argentina

con L-Gante en el Movistar

Arena o Luciano Pereyra en

el Luna Park, traen una luz

de esperanza.

Britney Spears anunció que

se retira de la música hasta

que su padre deje de ser su

tutor.

Tras sufrir un ACV, murió

a los 55 años Willy Crook,

músico que formó parte de

bandas como Patricio Rey y

los Redonditos de Ricota, y

tocó junto a Charly García,

Los Fabulosos Cadillacs,

Sumo o Andrés Calamaro,

entre muchos otros.

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13


I

INDUSTRIA

Vinilos

Hora de imprimir velocidad

SE CONVIRTIÓ EN EL FORMATO DE ÁLBUM MÁS VENDIDO EN ESTADOS UNIDOS JUSTO CUANDO LA

PANDEMIA RETRASÓ LA FABRICACIÓN. ¿CÓMO VAN AHORA LAS PLANTAS DE PRENSADO?

POR ED CHRISTMAN

principios de 2020,

justo antes de que la pandemia

interrumpiera la

A

cadena de suministro de

vinilo y retrasara los tiempos de respuesta,

la industria manufacturera

ya miraba un futuro difícil.

En enero, Rainbo Records, uno

de los fabricantes de vinilo más

grandes y antiguos de la industria,

cerró después de perder su contrato

de arrendamiento (sus máquinas

de prensado se vendieron y ahora

están en uso en otros lugares), y en

febrero, la única planta de lacas de

EE. UU., Apollo Masters, se quemó.

abajo. Fue uno de los dos lugares

del mundo, junto con MDC en Japón,

que produce los discos de laca

que se convierten en moldes maestros

de metal que se utilizan para

sellar discos de vinilo.

Meses antes, en 2019, las principales

discográficas comenzaron a

despedir al personal que trabajaba

con productos físicos. “Estas eran

las personas que entendían el negocio

del vinilo: su empaque, diseño y

precio”, dice un ejecutivo minorista,

y sus reemplazos estaban luchando

con problemas de entrega, y mucho

menos con lo que vendría después.

“Todas las malas noticias llegaban

al mismo tiempo”, dice el ejecutivo.

Luego, en marzo, cuando llegó el

COVID-19, las cosas realmente se

volvieron locas.

Inicialmente, el cierre económico

pareció empañar las perspectivas en

toda la economía. Pero en la industria

de la música, el sector del vinilo

pareció ser el más afectado de inmediato,

ya que los sellos retuvieron los

lanzamientos en todos los formatos

físicos debido a la incertidumbre sobre

cuándo reabrirían las tiendas.

Una vez que lo hicieron, el verano

pasado, luego de las restricciones

de seguridad y capacidad impuestas

por el gobierno, las etiquetas

comenzaron a abrir sus programas

de lanzamiento, lo que provocó un

retraso instantáneo en la fabricación.

Debido a una combinación

de cierres de almacenes, escasez de

conductores de camiones y la interrupción

de los vuelos comerciales,

lo que resultó en el envío de materiales

y productos terminados por

barco, lo que podría más del doble

de los tiempos de llegada, los envíos

se atrasaron.

Además, un brote de COVID-19

en un punto determinado de la cadena

de suministro podría interrumpir

o retrasar todo el proceso. En Furnace

Record Pressing en Alexandria,

Va., La empresa tuvo que “analizar

cómo hacemos el trabajo”, dice el

presidente y director ejecutivo Eric

Astor. La pandemia “literalmente nos

hizo repensar y reconfigurar toda

nuestra operación, no solo desde

el punto de vista de las ventas, sino

también desde el punto de vista logístico,

físicamente en la planta.

Para nuestras líneas de montaje,

solíamos poder acomodar de 12 a 15

personas, pero si tenemos que separarlas

por seis pies, solo podríamos

caber tal vez seis u ocho. Entonces,

de repente, tenemos un retraso en la

asamblea, porque no tenemos ningún

lugar donde poner a todos “.

Además de eso, la cadena de suministro

de vinilo es complicada y

vulnerable incluso fuera de una pandemia.

“Hay un número limitado de

personas que enchapados, hay un número

limitado de personas que hacen

cortes”, dice Astor, refiriéndose a las

placas de estampación que se utilizan

para presionar el vinilo y el corte del

master en una laca. “Pone mucha

presión sobre esas industrias para

que den un paso al frente, y eso no es

algo que pueda cambiar de la noche a

la mañana. Toma mucho tiempo.”

Otro tema que surgió en los últimos

dos meses es el aumento del

costo de la mano de obra. “Aquí en

Nueva Jersey, es muy competitivo para

la mano de obra porque estamos ubicados

en un área de almacenamiento

realmente pesada”, dice Sean Rutkowski,

sello de GM / vp y relaciones con

los clientes de Independent Record

Pressing, quien agrega que el estado

está aumentando su salario mínimo.

“Eso aumenta los salarios de todos los

empleados en el mercado”, dice. Don

MacInnes, propietario de Record Technologies,

agrega que no es el único

precio en alza, apuntando a aumentos

en los costos del combustible y, a partir

de abril, un aumento del 17% en el

costo de las pastillas de vinilo.

Desde 2020, la demanda de vinilo

se ha fortalecido a medida que

los consumidores de repente tenían

más tiempo en casa. Rutkowski

dice que “la gente no gastaba dinero

en entradas para espectáculos,

no salía a comer tanto, por lo que

había más ingresos disponibles en

el mercado” para el vinilo. Brandon

Seavers, cofundador y director ejecutivo

de Memphis Records, agrega:

“El vinilo es la mejor manera de

experimentar la música cuando no

estás en movimiento”.

Aun así, Seavers señala que “ninguna

de las plantas de prensado

estaba preparada para la demanda

de vinilo que provocó la pandemia.

Nadie pensó que estarían casi completamente

reservados hasta fines de

2021 en abril “.

El año pasado, el formato subió

un 46% con respecto a 2018,

según la RIAA. En lo que va del

año, está aumentando a un ritmo

del 97,5%, o duplicando el crecimiento

del año pasado, y lo está

ayudando a convertirse en el formato

de álbum más vendido del

año hasta la fecha, superando las

ventas de CD y descarga.

(Sin embargo, en las últimas cuatro

semanas, cuando las plantas de

vinilo comenzaron a atascarse en

preparación para el Record Store

Day, que seguirá el calendario del

año pasado y tendrá dos fechas de

lanzamiento, el CD superó al vinilo

en un recuento hasta la fecha de

14.37 millones a 14.2 millones)

Con el aumento de la demanda de

los consumidores, se produjo un aumento

correspondiente en los tamaños

de los pedidos, que se han duplicado,

según varios ejecutivos de etiquetas y

plantas de vinilo.

“Los sellos que solían hacer un par

de miles de copias de un título ahora

están haciendo 5.000, y los sellos

que estaban haciendo 5.000 copias

ahora están haciendo 10.000”, dice

Matt Earley, cofundador / vicepresidente

de ventas y marketing de Gotta

Grooves Records en Cleveland.

Esa demanda de profundidad

(más copias de un solo título) también

está afectando la variedad o la

extensión de la disponibilidad del

catálogo, dice Laura Provenzano,

vicepresidenta senior de compras

y marketing de Alliance Entertainment.

“Actualmente, tenemos

37.000 títulos de vinilo en stock”,

dice. “En esta época del año pasado,

teníamos 45.000 títulos de vinilo en

stock. Así que ahí es donde empiezas

a sentir la escasez “.

14 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Las plantas también lo sienten.

“Las discográficas quieren que sus

nuevos lanzamientos salgan antes

de reprimir el catálogo”, dice Chad

Kassem, propietario de Quality Records

Pressings en Salina, Kansas.

“No puedo obtener el catálogo en las

prensas debido a los nuevos lanzamientos

con una fecha en la calle”.

La creciente acumulación de títulos

de catálogo y la demanda de más

unidades en títulos de primera línea

han impulsado a algunas plantas a

agregar turnos o invertir en más máquinas

de prensado.

“Al final del verano, recibimos

tantos pedidos que no podíamos

mantener el ritmo”, dice Rutkowski,

“por lo que ahora tenemos turnos

los siete días de la semana”.

Es difícil decir si toda esta capacidad

adicional seguirá siendo

necesaria después de la pandemia.

Por ahora, sin embargo, Astor dice

que Furnace está “rechazando más

trabajo del que estamos aportando.

Puede llamar a 10 plantas y ocho de

ellas ni siquiera aceptarán su negocio;

están demasiado ocupadas”.

Satisfacer la demanda es un “dilema

que todo el mundo está tratando

de resolver, y es un problema

increíblemente bueno”, dice Kassem,

que fabrica vinilo desde 1986.

Desde entonces, dice: “He invertido

como si supiera esto Se acercaba el

día: Tenemos masterización, chapado,

prensado y una imprenta, pero

todavía no puedo satisfacer la demanda

actual. Sabía que nunca moriría,

pero nunca pensé que volvería

a ser tan bueno “.

Información adicional de Lyndsey

Havens.

BILLBOARD.COM.AR

15


Tiago PZK/

LIT Killah

“Entre nosotros”

Manuel Medrano

“Nenita”

Dua Lipa

“Love again”

Tones and I

“Welcome To The

Madhouse”

tiago pzk y lit killah, dos figuras

de la escena trap y urbana local,

presentan el single “Entre nosotros”.

Esta canción habla de la ruptura de

una relación, de cuando a veces eso

que cuidamos tanto se va desgastando,

del vacío que se siente y de

lo mal que hace que esa persona

que amas deje de ser demostrativa.

La canción se posicionó en el top

10 de las canciones más escuchadas

de Argentina en Spotify, entrando

además en el ranking Mundial en

cuestión de días. En la región, ingresó

a los charts de Uruguay, Bolivia,

Costa Rica, Chile, Perú, Paraguay,

Ecuador, El Salvador, España, Panamá,

Honduras, México y Colombia.

Este nuevo single fue producido por

Big One (María Becerra, Cazzu, J

Quiles, LIT killah) y es un R&B. “El

track, con tempo de blues, permite

seguir disfrutando del despliegue

vocal de ambos artistas en sus múltiples

facetas”, destacan.

Además de sus singles solistas,

ambos artistas vienen participando

en colaboraciones conjuntas

como “Además de mí (Remix)” que

alcanzó 71M de streams en Spotify

y 150M de reproducciones en You-

Tube y “Yo Sé Que Tu”, con 20M de

streams Spotify y 24M de reproducciones

en YouTube.

A su vez, Tiago lanzó recientemente

colaboraciones con María

Becerra -”Cázame”- y con Bandido,

Duki y Rei -”No me conocen (Remix)”-,

ambas canciones en el Top

10 del chart de Spotify Argentina.

Además, durante julio Tiago forma

parte de la campaña “Only You” de

Spotify con su mini documental “La

Plaza Me llama”

el artista presentó su segundo

adelanto de su próximo álbum de

estudio, trabajo que estará disponible

en septiembre. “Nenita” es el título

de este nuevo sencillo que bien

puede convertirse en una declaración

de amor más allá del tiempo y

la distancia. Una canción compuesta

por el mismo Manuel y dedicada a

un gran amor.

Este nuevo single, producido junto

a Juan Pablo Vega, cuyo videoclip

oficial, rodado en tres ciudades de

Colombia (Bogotá, Medellín y Cartagena),

fue dirigido por Film by

DAVE y su productora Smile not

Smile. El video desarrolla la historia

creada por el mismo Medrano en

la que la protagonista quiere ver a

su artista favorito cantando en la

Isla del Pirata. Es así como decide

embarcarse en este sueño junto a su

novio, y emprenden un mágico viaje

dentro de una maleta hacia esta isla

ubicada en Islas del Rosario (Cartagena,

Colombia). Su travesía tiene

el mejor final cuando logran vivir

a plenitud su amor al tiempo que

comparten esta experiencia de ver a

Manuel Medrano en vivo.

“Manuel Medrano, uno de los

artistas más auténticos del pop en

español”, destacan.

dua lipa sigue batiendo récords:

su último single y video “Love

Again” ya acumula más de 41 millones

de views en YouTube y Dua

conserva su posición como la artista

femenina más escuchada a nivel global

en Spotify. Con un sampleo del

clásico de culto de los 90 “Your Woman”

de White Town, “Love Again”

es el single más reciente extraído

del álbum de Platino y ganador del

premio Grammy y el BRIT, Future

Nostalgia, que también fue el disco

más reproducido en Spotify en 2020

e incluye los singles ‘Don’t Start

Now’, ‘Physical’, ‘Break My Heart’ y

‘Levitating’.

Desde el lanzamiento de su primera

canción en 2015, Lipa se

convirtió en una de las artistas jóvenes

más importantes del mundo.

Su álbum debut homónimo pasó

los 6 millones de ventas en todo el

mundo, con más de 80 millones de

ventas en singles y con el video de su

éxito “New Rules” (“la canción que

cambió mi vida”, dice ella) que la

convirtió en la artista femenina más

joven en llegar a los 1.500 millones

de reproducciones en YouTube. Dua

hizo historia en los Premios BRIT

en 2018 al conseguir cinco nominaciones

y dos premios: como Artista

Británica Revelación y Solista

Femenina Británica. Luego recibió

dos premios Grammy como Mejor

Artista Nueva y Mejor Grabación

Dance por “Electricity”, en colaboración

con Silk City. Dua es la artista

británica más escuchada en Spotify

en todo el mundo y la artista femenina

más escuchada en la plataforma.

Future Nostalgia es oficialmente

el álbum más vendedor en Reino

Unido de 2021, después de permanecer

37 semanas en el Top 10 desde

su lanzamiento. En la edición 2021

de los premios Grammy Dua obtuvo

8 nominaciones ganando en la categoría

“Mejor Álbum Vocal Pop” con

Future Nostalgia.

la artista australiana presenta

su esperado álbum debut el 16 de

julio. Acerca de la importancia de

Welcome To The Madhouse explicó:

“Este álbum para mí es muy

fluctuante y refleja mis siempre cambiantes

emociones. Hay canciones

en el álbum que fueron escritas antes

de ‘Dance Monkey’, en donde me

pregunto si el arte callejero fue bueno

para mí. Hay canciones sobre el

fallecimiento de mi amigo T y sobre

no querer enfrentar esas emociones.

También están los altos y bajos de la

vida en confinamiento y las luchas

y desafíos mentales. Algunos temas

me hacen reír y otros, llorar, pero no

hay un tema o una vibra constante

en todo el álbum: las canciones son

el reflejo de cómo me sentía en el

día en que las compuse”. Acerca de

“Cloudy Day” su último single, Tones

And I reflexionó en sus orígenes:

“Después de la muerte de mi amigo

T, no quería escribir canciones

alegres o que incluso me gustaran.

Me encontré con un amigo que me

hizo un comentario de su madre

fallecida: ‘en un día nublado, levanta

la vista hacia el cielo y busca el sol’.

Quise utilizar esa frase y la siguiente

vez que entré a un estudio escribí

‘Cloudy Day.’”

Tones And I sentó las bases de

Welcome To The Madhouse el año

pasado, con el lanzamiento de “Fly

Away”, una composición poética y

potente que acumuló más de 190

millones de reproducciones y que

Tones and I presentó en los programas

Jimmy Kimmel Live! y The

Ellen DeGeneres Show. En 2021 siguió

con “Won’t Sleep”, junto al video

oficial dirigido por Tones And I, Nick

Kozakis y Liam Kelly, que continuó

lo que ya es una tradición de videos

imprevistos e inolvidables. “Ambas

canciones reflejan la idiosincrasia y

el estilo inimitable de Tones And I,

destacando su talento impredecible y

su indiscutida habilidad para los ganchos

musicales”, señalaron.

16 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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Doja Cat

Bienvenidos al

planeta Doja

Planet Her es el nombre del

tercer y nuevo álbum de la

artista.

el disco compuesto por 14 canciones,

entre las que se cuentan colaboraciones con SZA

y Ariana Grande, acompañó su lanzamiento con

el estreno del video clip de la canción “You Right”

junto a The Weeknd, dirigido por Quentin

Deronzier.

Este video sigue a una dupla de videos futuristas

lanzados en los últimos meses por la joven artista:

“Need To Know” y “Kiss Me More” con SZA.

Desde su lanzamiento “Kiss Me More” integra

las listas de éxitos: acaba de obtener la certificación

Platino de la RIAA, alcanzó el número 1 en

la radio Rhythm, se encuentra en el número 4 del

Billboard Hot 100 y cuenta con más de 678 millones

de reproducciones en todo el mundo.

El mes pasado, Doja Cat junto con SZA se

unieron para la primera presentación de “Kiss

Me More” en los Billboard Music Awards. Además,

esa noche se llevó a casa el BBMA a la Mejor

Artista Femenina de R&B. También actuó en los

iHeart Radio Music Awards, donde ganó el premio

a Mejor Nuevo Artista Pop.

“La creatividad y el talento para el espectáculo

de Doja como intérprete han sido elogiados una

y otra vez, ha ofrecido actuaciones únicas y espectaculares

en casi todos los principales escenarios

de entregas de premios, incluidos los premios

GRAMMY, los premios American Music Awards,

los premios Billboard y los MTV VMA y EMA.

Su última gira se agotó en 10 minutos y ha tocado

en numerosos festivales, incluidos Rap Caviar

Live Miami, Posty Fest, Day n Vegas y Rolling

Loud LA”, destacan.

Nacida y criada en Los Ángeles, la tres veces

nominada al Grammy hizo su primera subida

a Soundcloud en 2013 con solo 16 años. De

niña estudió piano y danza, y en la adolescencia

aprendió sola cómo componer en un controlador

midi. Firmó su primer contrato en 2014, lanzó su

Purrr! EP y siguió con su álbum debut Amala en

la primavera de 2018, pero fue el lanzamiento de

“Mooo!”, en agosto de 2018, lo que la catapultó y

le valió elogios de la crítica. Su segundo álbum

Hot Pink, lanzado a fines de 2019, fue recibido

con gran éxito por la crítica, y recibió la certificación

de platino con más de 10,3 mil millones

de reproducciones en todo el mundo. Hot Pink

cuenta con “Juicy”, que alcanzó el número 1 en

la radio Rhythm, “Say So”, su disco de gran éxito

nominado al Grammy, y “Streets”, la sensación

viral que puso la banda sonora al “Silhouette Challenge”,

una de las mayores tendencias de TikTok

hasta la fecha.

El éxito de “Say So”, que alcanzó el número

1 en el Billboard Hot 100 y fue certificado por

la RIAA 3x platino y streameado más de 5.400

millones de veces, catapultó a Doja al estrellato

mundial. En 2020 se llevó a casa el premio a

la Mejor Artista Revelación en los MTV VMA,

los MTV EMA y los AMA (donde también ganó

el premio a la Mejor Artista de Soul / R & B

femenina). Ha sido nominada a innumerables

premios, incluidos 3 premios Grammy, 4 premios

estadounidenses Premios de la música, 4

premios MTV VMA, 2 premios BET y 2 premios

People’s Choice Award.

DAVID LACHAPELLE

18 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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V

VOCES

DAMN!

“Un espacio hecho por raperos

para raperos”

COMENZÓ COMO UN PROGRAMA DE RADIO Y LUEGO MUTÓ A UN CANAL QUE HABLA DE LA CULTURA HIP

HOP CON TRANSMISIONES EN VIVO A TRAVÉS DE TWITCH Y SESIONES DE FREESTYLE. PLUZITO Y VEEYAM,

JUNTO A JULO, SON SUS PROTAGONISTAS.

egún cuentan sus

protagonistas, DAMN!

S

nace como un programa

de radio tradicional. La

historia dice que de a poco comenzó

a sumar algunos recortes del programa

a YouTube, y casi sin darse

cuenta, se estaba creando contenido

pensando en ser consumido on-demand,

pero grabado en vivo desde

una radio. El canal comenzó a crecer

muy rápidamente, y fue lo que sentó

las bases para lo que significó la siguiente

etapa del proyecto. “Lo que

comenzó como una mala noticia

con la desvinculación de la radio,

resultó ser una oportunidad de crear

un nuevo espacio”, destacan.

Hoy, en su espacio los lunes,

miércoles y viernes de 18 a 20hs en

Twitch representa uno de los medios

de hip hop más relevantes de habla

hispana. “Y probablemente uno de

los más elegidos por los referentes

del género para ir a charlar sobre sus

lanzamientos, freestylear, debatir,

etcétera. Y si bien pasaron muchos

integrantes, y hubo diferentes enfoques

en el transcurso de las temporadas,

hoy estamos cubriendo la

actualidad de la escena del rap, del

freestyle, del trap, y de todos los elementos

que incluyen la cultura hip

hop a nivel global”.

¿Qué objetivos se marcaron?

- Pluzito: DAMN! es una misión

y un compromiso responsable con

los valores esenciales sobre los que

se construyó la cultura del hip hop.

El objetivo principal es informar,

compartir conocimiento, y generar

una plataforma de exposición para

todos los artistas de este género y

otros relacionados. Acercamos información

sobre los nueve elementos,

tutoriales, debates, informes

detallados, entrevistas, sesiones de

freestyle, análisis, lanzamientos,

noticias y un sinfín de contenido

de valor que no existía en nuestro

idioma. Siempre atentos a nuestra

comunidad y en sintonía con los

artistas, ya que, a diferencia de la

mayoría de los medios de comunicación,

más allá de periodistas, primero,

nosotros somos raperos.

Veeyam: Es un espacio de toda

la comunidad de hip hop en habla

hispana. Un universo para todos

los amantes de la cultura como

también el hogar de todos los artistas

del género. Hecho por raperos

para raperos.

¿Cómo se compone el equipo?

- Julo: Al independizarnos tuvimos

que ir armando de a poco un

enorme equipo de trabajo. De los

cuatro que éramos haciendo un

programa de radio, pasamos a ser

15 personas entre operadores del

streaming, pre y post producción,

conductores y columnistas, equipo

de marketing, redes, etc. Y como

si fuera poco, esta temporada se

sumaron Taty Santa Ana para continuar

cubriendo el campo del freestyle,

Facu Loz que aparte de ser

un genuino “rapólogo” es uno de

los melómanos que mejor conoce la

escena del trap en Latinoamérica,

seguimos difundiendo la sabiduría

sin límite de Mr Linch (Tomás

Linch) tanto literaria, como musical,

cultural, gastronómica o canábica,

y con Nico de Eleven Games

empezamos a jugar un poco con la

mezcla de los universos del rap y el

gamming.

¿Quiénes son sus referentes en

la industria?

- Pluzito: Respeto a gente que

pavimentó el camino que nosotros

transitamos, como Stretch & Bobito,

Sway, Big Boi, Angie Martínez, entre

otras leyendas radiales del hip hop.

Hablando de medios de comunicación

Complex Network es un modelo

a seguir, y como plataforma no

puedo dejar de mencionar a Apple

Music y Beats Radio. Por suerte, y

a diferencia de hace 20 años atrás

cuando empezaba a sumergirme

en este mundo, hay cada vez más y

mejores contenidos, donde podría

sumar a Genius, Tiny Desk, Colors,

Revolt TV, This is 50 o Shade45.

Veeyam: Sinceramente no estoy

mirando otros contenidos periodísticos

del género, creo que justamente

DAMN! tiene como característica

que los que estamos en la mesa somos

raperos antes que comunicadores.

Mi tiempo lo paso produciendo

tanto mi música como para otros

artistas, haciendo y escuchando

música nueva, y luego toda esa experiencia

la vuelco en la mesa durante

las dos horas del programa. Mis referentes

no son comunicadores, sino

músicos, desde productores como J

Dilla hasta artistas de otros géneros

como D’angelo o Isaac Hayes.

¿Cuáles son las claves para

crecer en este ámbito?

- Veeyam: Creo que jamás tuvimos

tanto poder en nuestras manos

como hoy. Y no hablo solo de

DAMN!, sino de cualquier persona

que pueda acceder a una computadora

con internet. La independencia

que nos dan las nuevas plataformas

de streaming y de difusión de contenido

nos otorgan una total libertad

a la hora de expresarnos, y eso siempre

es beneficioso.

DAMN! luego de haber sido un

programa de radio convencional

con tangibles límites de crecimiento,

pasó a ser un pequeño medio de

entretenimiento con una enorme

proyección, total libertad de contenido,

generando puestos de trabajo,

con infinitas posibilidades de crecimiento.

Es indudablemente nuestro

mejor momento.

- Pluzito: Considero que los medios

tradicionales están imitando y

sumándose cada vez más rápido a

las nuevas tendencias y modalidades

de comunicación y generación de

contenidos. Con vista al futuro considero

que el contenido audiovisual

seguirá predominando, en sus distintas

duraciones (vLogs, TikToks,

Reels, Stories, Episodios, Series),

pero la clave será más que nunca la

calidad. Hay que prestarle atención

a los formatos de audio como los

podcast y ver qué tanto de revolucionario

sucede con Clubhouse y

plataformas similares.

¿Qué evaluación hacen del hip

hop en la Argentina de hoy?

- Veeyam: Si bien el hip hop en

Argentina se encuentra en su mejor

momento, creo firmemente que el

punto más elevado aún no llegó.

Como productor musical vengo

trabajando junto a muchos colegas

(y hermanos) en impulsar y dar

lo mejor de nosotros. Y puedo ver

también que muchos otros colegas o

invitados que pasan por el programa

también están dejándolo todo y

rompiendo sus propios límites día a

día. Soy un fiel creyente de la música

como estilo de vida y elevación espiritual,

y creo en la idea que si todos

continuamos con el mismo “mindset”,

el futuro sin dudas será mejor

que el ayer.

¿Qué momento en esta carrera

de DAMN! Recuerdan

especialmente?

- Pluzito: Sin dudas entrevistar

a Havoc de Mobb Deep, compartiendo

un Hennessy y brindando

por Prodigy fue más que épico. Una

charla entre amigos, muy distendida

y cómoda que culminó con esta

leyenda del rap soltando unas barras

clásicas sobre un beat de Veeyam.

- Veeyam: No hay dudas, estar

charlando con Havoc y que luego

20 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Pluzito y Veeyam.

IRISH SUAREZ

que se tire las barras de “Survival of

the Fittest” arriba de un beat mío fue

uno de los momentos más increíbles

que me dio DAMN!.

¿Qué hace falta para que

esta cultura forme parte de

la identidad argentina?

- Pluzito: El que sabe, sabe, y

el que no, critica. Lo mejor que le

puede pasar al hip hop es tomar el

control de todos los mercados, medios

de comunicación, géneros, noticias,

de todo. Que se vuelva parte

del ADN de nuestra cultura, como

sucedió hace años en Estados Unidos.

Generar puestos de trabajo, riqueza,

identidad propia, productos

de exportación. Y cuando hablo de

tomar el control no hablo de likes,

plays y followers solamente, hablo

de ser dueños, hablo de mentalidades

como las de Jay-Zs, Dr. Dres,

50 Cents. Hablo de crear compañías,

tener altos puestos dentro de

multinacionales, y tomar decisiones

importantes respecto al curso y futuro

de este movimiento y cultura.

Hablo de jefes. Hablo de tener el

control de lo que tantos años nos

llevó crear, de cosechar los frutos

del esfuerzo y dedicación que le

pusimos a esto. Que nos pertenece.

Que no tenemos que regalarlo,

ni regalarnos, ni dejar en mano de

buitres lo que construimos con tanto

amor y respeto.

- Veeyam: La música es una y no

entiende de fronteras ni etiquetas,

me parece importantísimo que

los géneros se mezclen y la música

evolucione. Si es hecha con amor

esa luz va a prevalecer ante cualquier

título.

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21


¿Los avatares matarán a las

estrellas de la radio?

LOS NUEVOS “SELLOS DISCOGRÁFICOS DE ARTISTAS VIRTUALES” ESTÁN APOSTANDO A QUE LA

PRÓXIMA GENERACIÓN DE ARTISTAS SE HARÁ, NO NACERÁ

POR TATIANA CIRISANO

ace dos años, la hija

H adolescente de Anthony

Martini le mostró un

perfil de Instagram de un

rapero de cabello verde con brazos

tatuados, estilo hypebeast que consiguieron

cientos de miles de reproducciones

en SoundCloud.

Martini, un ex gerente de artistas

que ayudó a desarrollar artistas como

Lil Dicky y MadeinTYO, y en marzo

se convirtió en CEO de Royalty Exchange,

firmó al rapero, que ahora se

conoce como FN Meka, con su sello

discográfico, Factory New. Desde

entonces, FN Meka ha lanzado tres

sencillos oficiales y adquirió 9,7 millones

de seguidores en TikTok.

Es una historia típica sobre el desarrollo

de artistas en línea, pero con

un giro: FN Meka no es real y Factory

New no es para artistas humanos.

FN Meka es un avatar virtual,

diseñado por el socio comercial de

Martini, Brandon Le, que interpreta

música creada con algoritmos de inteligencia

artificial. Martini y Le ejecutan

Factory New para desarrollar

actos virtuales y “firmar” los creados

por otros desarrolladores. “Estamos

siguiendo las señales de una empresa

como Marvel en lugar de un sello

discográfico”, dice Martini. “Hay

una manera de permitir una carrera

mucho más larga si construyes una

franquicia, y vamos a empezar a

crear un universo de personajes musicales”.

Como los héroes de Marvel,

estos artistas no envejecerán, ni siquiera

pedirán un aumento.

Los artistas virtuales no son nuevos:

la banda animada Gorillaz,

creada por el músico Damon Albarn

y el artista visual Jamie Hewlett,

vendió el equivalente a más de

24 millones de álbumes en todo el

mundo (según su sello, Parlophone)

y ganó un premio Grammy por

su éxito “Feel Good C ª.”; Hatsune

Miku, un personaje de estrella del

pop japonés que vende las entradas

en los estadios en su país de origen,

RYAN INZANA

22 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


estaba programado para actuar

como un holograma en Coachella

el año pasado. Ahora, el negocio de

la música está emergiendo de una

pandemia que cerró las giras, en un

momento en que la realidad virtual

y la tecnología de inteligencia artificial

están dando pasos importantes,

y la inversión fluye hacia compañías

como Spirit Bomb, un sello discográfico

de artistas virtuales respaldado

por Warner Music Group. Studio

Strangeloop Studios y Authentic

Artists, una startup lanzada en abril

con fondos del cofundador de Linkin

Park, Mike Shinoda.

Una estrella a seguir es Lil Miquela,

una modelo / estrella pop

brasileña-estadounidense de 19

años perpetua con 250.000 oyentes

mensuales en Spotify y acuerdos de

patrocinio con Calvin Klein y Prada.

Fue creada por el estudio Brud, que

se especializa en personalidades de

redes sociales virtuales y ha recaudado

$ 6.1 millones, según Crunchbase.

(Lil Miquela genera más de $

10 millones al año, según el mercado

en línea del Reino Unido OnBuy).

Cuando el cofundador Trevor Mc-

Fedries lanzó el perfil de Instagram

de Lil Miquela en 2016, donde ahora

tiene 3 millones de seguidores (con el

mismo número en TikTok), dice que

sus compañeros “no podían entender”

la idea de una celebridad virtual.

Pero pensó que los adolescentes de

hoy consumen tanta cultura pop en

línea que ya no importa mucho si las

personas a las que siguen ni siquiera

existen fuera de línea.

“Se hizo realmente evidente que los

jóvenes no diferenciaban entre Miquela

y otras celebridades a las que seguían”,

dice McFedries, quien ha realizado

giras como DJ con Katy Perry y ha producido

música para Azealia Banks bajo

el nombre de Yung Skeeter.

“Si tienes 11 o 12 años, algunos de

tus primeros amigos probablemente

sean jugadores de Roblox o Minecraft”

de las interacciones virtuales.

“Y la relación entre Miquela y un fan

[versus] entre Rihanna y un fan, interactuando

a través de estos dispositivos

móviles, se siente bastante similar”.

Al igual que los artistas humanos,

los virtuales necesitan una narrativa

que los fans puedan seguir, ya sea

que se pueda relacionar con ellos o

sea futurista. Las publicaciones de

Instagram de Lil Miquela son una

mezcla de la estética femenina de

la Generación Z “It” (piense en los

bolsos Telfar y los sombreros de pescador)

y la defensa política (como

una publicación sobre cómo quitarle

fondos a la policía); FN Meka es básicamente

un personaje de videojuego

cyborg que juega a los bolos

y usa una velocidad inhumana para

preparar comidas en videos de Tik-

Tok; Los artistas futuristas y extraterrestres

de la lista de Spirit Bomb

han sido enviados atrás en el tiempo

para salvar el mundo.

“Lo que permite que las personas

se conecten es ver su historia y

su personalidad y querer seguir el

siguiente paso en su viaje”, dice Ian

Simon, cofundador de Spirit Bomb y

Strangeloop, con sede en Los Ángeles,

que ha creado imágenes de gira

para artistas como Kendrick. Lamar

y SZA, y comenzaron a trabajar más

seriamente en artistas virtuales cuando

la pandemia detuvo las giras.

La música también importa, por

supuesto. Mientras que las canciones

para actos como FN Meka se crean

con IA, otros artistas virtuales confían

en colaboradores humanos. La

voz de Lil Miquela combina voces

de cantantes reales con sonidos generados

por computadora, y McFedries

recurre a talentos como el productor

Jasper Harris, la compositora

Sarah Aarons y la cantante Teyana

Taylor para crear su música.

El grupo de chicas de K-pop virtual

de League of Legends, Riot Games,

K / DA, que tiene 2.8 millones

de oyentes mensuales en Spotify,

cuenta con un equipo de música interno

de 20, así como con las voces

de artistas como Kim Petras, Becky.

G y el grupo femenino de K-pop de

la vida real (G) -IDLE.

Trabajar para un avatar puede

tener sus ventajas. Simon dice que

sin un artista real que gane regalías

por la música grabada, Spirit Bomb

puede ofrecer a los productores de

música “ofertas considerablemente

más favorables”. Y los artistas virtuales

están en una posición ideal para

aprovechar las nuevas fuentes de

ingresos digitales, como tokens no

fungibles y bienes digitales para jugadores

de videojuegos. En marzo, FN

Meka vendió una animación NFT de

un “súper inodoro” por $ 6,400, y la

primera “tarjeta de personaje” de Spirit

Bomb, con el artista virtual XEN,

se vendió por $ 4,000 en abril. Por

unos pocos dólares cada uno, League

of Legends vende “máscaras” que

permiten a los jugadores aparecer en

el juego como miembros de K / DA.

Ese dinero podría sumar: los jugadores

gastaron alrededor de $ 50 mil

millones en todo el mundo en tales

elementos del juego en 2020, según

MIDiA Research, más de lo que ganó

el negocio de la música.

Los siguientes pasos incluyen experiencias

interactivas que podrían permitir

a los fanáticos influir en la música

y las historias de los artistas virtuales.

Authentic Artists, una startup en

etapa inicial lanzada en abril por

Chris McGarry, un ex estratega musical

de Oculus de Facebook, permite

a los fanáticos influir en cómo se

desempeñan estos artistas durante los

espectáculos virtuales en Twitch, que

ya tienen tiempos de reproducción

promedio de más de 30 minutos.

Y McFedries de Brud pronto

permitirá que los fanáticos voten

esencialmente sobre las acciones

que toman los personajes virtuales

como Lil Miquela. “Puedes imaginar

un mundo en el que los artistas

[virtuales] vayan o no a los Grammy

es un voto que los fanáticos pueden

tomar”, dice, refiriéndose a la decisión

de The Weeknd de no asistir

este año. “Si los fans dicen, ‘No, nos

solidarizaremos con The Weeknd’,

entonces el artista no irá”.

¿Qué significa esto para los artistas

del mundo real? Existe el temor

de que lo virtual pueda reemplazar

lo real, así como el escepticismo de

que la música creada por la IA pueda

estar a la altura de lo real, como

cuando un algoritmo “entrenado” en

la música de Nirvana creó una canción

al estilo de la banda. Por otra

parte, ¿qué tan diferente es la idea de

que los ejecutivos creen una estrella

virtual de los consejos y la dirección

creativa dados por los gerentes, directores

de sellos, ejecutivos de A&R

y varios consultores que ayudan a

los artistas de la vida real?

“Estaba hablando con alguien y me

decía: ‘Estás haciendo artistas virtuales.

¿Qué les hace eso a los artistas

humanos? ‘”, Recuerda McGarry. “Mi

respuesta fue:‘ ¿Por qué debería ser

Scooter Braun la única persona a la

que se le permite fabricar artistas? •

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YOUTUBE / LYOR COHEN

“ Los artistas latinos están

empujando los límites con

locura”

Desde Capri, Italia, el ex CEO de Warner Music Group, legendario creador de

Def Jam Records -posteriormente Atlantic- y actual Director Global de Música

de YouTube, YouTube Music y Google, supervisa las asociaciones globales

entre artistas y sellos. Mientras tanto, a los 61 años, disfruta de su reciente

paternidad y recuerda sus aventuras por Argentina junto a los Beastie Boys.

Desde su ingreso a

Google en 2016, Lyor

Cohen une a la industria

de la música con

YouTube para difundir

música. “El mundo está al revés, la

gente está polarizada y el mundo entró

en pandemia. Tenemos que acercar

la música a la gente”, exclama.

Desde sus inicios, la plataforma

asegura contribuir a la democratización

del arte aunque como Cohen

indica, no se lleva todo el crédito.

“Mirá a L-Gante. Amo a ese tipo, es

increíble. ¿Creés que una gran estación

de radio hubiera reproducido a

L-Gante hace 20 años?”.

Antes de llegar al cargo actual,

Cohen creó el sello Def Jam Recordings,

que evolucionó a The Island

Def Jam. Luego fue reclutado para

ser Chief Creative Officer de Warner

Music Group (WMG) donde llegó a

ser su CEO y Chairman. En ese espacio

se involucró en las carreras de

The Killers, fun., Ed Sheeran, Bruno

Mars, The Black Keys, Jay-Z, Kanye

West, Elvis Costello, Bon Jovi, Mariah

Carey, entre otras.

Tiempo después, comenzó 300

Entertainment: una compañía que

descubre, cultiva y promueve artistas

emergentes con un enfoque boutique.

Maria Becerra es una de las

artistas que se sumaron a su familia:

“Ella es increíble. Acabo de ver su

video, qué talento. Creo que hay

algo muy especial en las aguas de

Argentina, hay mucha creatividad

sucediendo allá”, destaca.

¿Cómo manejás este proceso

global?

- Estoy rodeado por gente significativamente

mejor que yo. Hay

mucha coordinación, delegación.

Intentamos traer claridad a la organización,

tener un objetivo claro y

comunicarlo y comunicarlo y comunicarlo

de nuevo. Me gustó mucho

la idea de trabajar desde donde sea.

Pasé cinco meses y medio en St.

Barths, desafortunadamente quedé

atrapado en la guerra en Israel y después

de eso vine acá a Capri. Trabajo

por la tarde y tengo las mañanas libres

para mi bebé, es muy hermoso.

¿La cantidad de dinero que

los artistas reciben de You-

Tube seguirá creciendo?

- Sí, creo que va a seguir creciendo.

Tenemos un nuevo producto

con nuestro negocio de suscripción.

El negocio de la publicidad está creciendo

y creciendo. La buena noticia

es que verdaderamente creemos en

el “twin-engine growth story” (historia

del crecimiento a dos motores).

Las industrias creativas más sanas

van a tener dos motores: los avisos

(advertising) y las suscripciones.

Creo que un joven de 15 años sin

trabajo no puede pagar una suscripción,

pero está muy comprometido

con la música, por ende lo considero

muy valioso. Una de las fortalezas de

la compañía es que llega a los fans

donde están. Si no pueden pagar

por una suscripción y quieren pagar

con sus pestañas, estaremos ahí para

ellos. Lo que quiero decir es que todos

los consumidores que aman la

música son y los consideramos valiosos

para nosotros.

¿Qué pensás de la música en

español respecto a YouTube

Music?

- La razón por la que la música

latina tiene semejante lugar en la

mesa, diría que el lugar dominante

en la mesa es una: la música es realmente

buena. Mucha gente quiere

hablar de muchas otras cosas, pero

empieza en la música, en la canción.

Para mí no hay mucho más alrededor,

hay una creatividad increíble

sucediendo en Latinoamérica. Por

encima de eso, diría que las comunidades

de artistas se volvieron PHDs

de YouTube y las plataformas. Las

entienden. Si vas a Inglaterra hay

una industria radial bien establecida,

hay muchas revistas dedicadas a

la música, muchas formas diferentes

de que un artista entre al juego. En

Latinoamérica, YouTube es la primera

alfombra para montar para conectar

con todos los consumidores

que aman la música latina. Es muy

hermoso de ver. A mí me emociona

mucho ver que hay muchos nuevos

en lo que está sucediendo y es emocionante

ver los diferentes estilos de

música que están surgiendo y cómo

los artistas están moviéndose… No

siento que los artistas latinos están

aislados en la caja de la creatividad.

Creo que están empujando los límites

con locura y es hermoso de ver.

¿Cuánto influyen las plataformas

en este proceso?

- El fan no tenía voto. Alguien decidía

qué iba a ser popular, qué iba

a alimentar al consumidor, qué iba

a funcionar. Hoy creo que se democratizó:

puede venir del barrio, de

Argentina o de donde venga, pero

está disponible la opción de ser subido.

Mirá a L-Gante. Amo a este tipo,

es increíble. ¿Creés que una gran estación

de radio hubiera reproducido

a L-Gante hace 20 años?

¿Se está democratizando la

música globalmente?

- Creo que las plataformas dieron

la oportunidad, pero no les daría el

crédito, porque para mí la puerta

estaba abierta pero los artistas

tenían que entrar, la industria tenía

que atravesarla. Tenías que tener el

coraje para decir “Yo represento la

música latina, no es la tradicional,

o la que entendés, pero igual es im-

portante para mí”. La creatividad, su

poder y el coraje para tomar riesgos

está ocurriendo en Latinoamérica es

lo que me emociona.

¿Cómo describirías la relación

YouTube y YouTube

Music como marcas?

- YouTube, la plataforma YouTube

tiene una enorme cantidad de música

siendo consumida ahí. Para mí es

muy emocionante para la industria

porque nosotros nos estamos volviendo

muy sofisticados al entender

cuándo un consumidor que está

en YouTube, viendo avisos, decide

abonar la suscripción. YouTube es

un embudo para nosotros, la idea es

traer los fans al embudo y llevarlos

al servicio de YouTube Music, el servicio

premium.

¿Pretenden una relación

directa entre los fans y You-

Tube?

- Correcto, y sabemos sofisticadamente

cuándo están listos para suscribirse.

Y ahí empezamos a mostrar

las oportunidades de suscripción.

¿Cómo trabajan con el algoritmo?

- Digamos que la compañía más

sofisticada, que pasó más tiempo,

que tiene los mejores ingenieros es

Google, YouTube. Son sofisticados,

ayudan al consumidor, a más lo usa,

mejor es para él. Responde mejor. Y

es muy bueno, mejora cada día.

¿Creés que la pandemia aceleró

el crecimiento en el consumo

de bienes culturales?

- Creo que la pandemia… la gente

en su casa, pero creo que fue una

tendencia general en la que la gente

está cortando la cuerda de su forma

tradicional de consumir medios.

Están usando los teléfonos, el living,

el living es nuestro crecimiento

más rápido, la pantalla. Creo que la

gente, particularmente los chicos,

quieren desentenderse de los medios

tradicionales. Estuvo creciendo dramáticamente

con la gente en casa.

Le damos la oportunidad de digerir

y consumir medios de todo el mundo.

Tenemos una plataforma global

y muy rica en contenido.

¿Cuál creés que es el futuro

de los medios tradicionales?

- Creo que seguirá habiendo cierta

programación más basada en eventos

en los medios, pero será fragmentada.

Sospecho que las compañías de

medios tradicionales están empezando

a reconocer la fragmentación que

viene y tienen que empezar a pensar

en segundas y terceras ventanas. Los

24 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


videos ondemand… con la gente viviendo

vidas ocupadas, quiere digerir

su programación favorita cuando le

conviene. Así que creo que los medios

tradicionales van a atravesar un

montón de realineaciones. Creo que

va a haber más razones, pero la fragmentación

está pasando y la gente

está haciendo contenido muy rico

sin ser de los medios tradicionales, e

igual es muy entretenido.

¿YouTube tendrá su propio

canal de TV, premios o sello

discográfico?

- No sé si sellos, pero sí estamos

pensando en el futuro de los

shows de premiación. Como sabés,

la mayoría de las galas de premiación

perdió su rating, es muy difícil

y creo que los consumidores y los

fans no los consideran la “fuente real

de la verdad”. Tienen que recuperar

la credibilidad, así que estamos

pensando en cómo debería verse un

show de premiación en un mundo

digital. Nos estamos divirtiendo.

¿Cuál es tu desafío personal

hoy?

- Aunque no parezca, siempre tuve

un jefe. (Muestra a su bebé) Hoy este

es el gran jefe. Todos los emprendedores

saben que son responsables.

Responsables de sus empleados, de

su banco. Esta idea de libertad como

emprendedor no es precisa. El emprendedor

es responsable del banco,

de la gente que le dio dinero, de los

empleados que confían en él, de los

artistas que firmaron, ellos son sus

jefes. La idea de la libertad está sobrevalorada.

Me gusta poner un pie,

otro pie, otro pie, con el norte de que

mis esfuerzos y mi acción ayudará

a tener más artistas y compositores

viviendo de eso y eso es un trabajo

glorioso. Dejé Nueva York, pero vas a

conferencias de padres y estás con los

padres y te preguntan: “¿Quién sos?

¿Quién es tu hijo?” y digo. Mi vida es

ayudar artistas y compositores a vivir

de eso, de hacer música. Arrojo el

micrófono. Eso hago para vivir. Aún

lleno de burocracia, hay una escala:

hay dos mil millones de personas y

estoy preparado para sufrir lo que

suceda: una criatura musical, una

era musical. Verdaderamente creo

que estoy haciendo un trabajo de

Dios. Porque apagás el soundtrack

y el mundo apesta hoy. Es un lugar

tenebroso, la gente no se está oyendo,

está polarizada, pero si ponés un

gran hit... podés ser republicano, demócrata,

pero todos están bailando y

sonriendo. La música es la fuerza que

une por excelencia, deberían sacar a

los políticos de las calles y poner DJ’s

en los espacios públicos.

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MIKE AMIGORENA

“Me queda mucho por descubrir”

El artista lanzó “La Pelu”, tercer corte de su próximo disco, acompañado de un videoclip

dirigido por Matias Sinay y Vicky Dragonetti.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

saliendo del electropop que propone daä,

su disco más reciente, “La Pelu” es un hip hop

con sello personal y sonoro aventurero con letras

llenas de imágenes y un ritmo que invita a bailar.

La canción llega con un videoclip rodado enteramente

en una de las peluquerías más lindas del

momento. El single marca un nuevo camino musical

para el artista.

Daä, el último disco de Mike, cuenta con 8 canciones,

producido por Dante Saulino. Sonidos inéditos

pop y electrónicos con melodías bailables,

lenguaje propio y beats urbanos.

¿Cómo fue trabajar con un nuevo

sonido en “La Pelu”? ¿Hasta dónde te

gustaría llevar tu música?

- Trabajar con el sonido de “La Pelu” fue muy enriquecedor,

me metí por primera vez en el mundo del

hip hop y la verdad es que fue un crecimiento trabajar

con ese sonido, con las letras, con el universo de la

peluquería, el sonido que me propuso mi productor

Dante Saulino. Me gustaría llevarlo a toda Latinoamérica

para que vibre, que baile con mi sonido y que

llegue a todo al mercado, a todo el mundo.

¿Pensás hacer nuevos lanzamientos en

lo que queda del año?

- “La Pelu” es el tercer corte de mi nuevo disco

que aún no tiene nombre y va a salir antes

de fin de año y antes de eso estimo sacar dos

lanzamientos más.

¿Qué te inspira?

- “La Pelu” me inspira buena vida, un pre-dance,

un sonido muy fresco y compañero que te permite

disfrutar un trago, un viaje, etc.

Cantás, actuás, cocinás, emprendés…

¿Qué te falta hacer?

- Soy multifacético por lo inquieto que soy, por

la necesidad de descubrir, por la curiosidad y eso

me hace investigar diferentes disciplinas, claro que

siento que me queda mucho por descubrir, por

ejemplo, el desenvolvimiento de la paternidad, que

es una incógnita teniendo una hija tan pequeña,

que es algo que me enorgullece día a día.

¿Algo que nos puedas adelantar sobre

tu participación en la serie de María

Marta García Belsunce?

- Este año está atravesado por la obra de teatro

Art con dirección de Ricardo Darín y la próxima

semana empiezo con las grabaciones de la

nueva miniserie de María Marta García Belsunce,

a interpretar el personaje del fiscal Molina Pico,

un personaje muy interesante, que me tiene muy

atrapado junto con la gastronomía que no tiene

nada que ver, pero el proyecto es Mike-Poccard es

un proyecto que cocinamos con Carolina Poccard

y disfruto muchísimo.

¿Qué te gustaría que ocurra este año

en el mundo y con tus proyectos?

- Me gustaría que nos relajemos, es una

utopía, pero me gustaría que nos relajemos a

cuanto a nuestra ambición ciega a la obsesión

de tener y tener, y que mis proyectos acompañen

a la gente en este año, entretener, cambiar

la cabeza por lo menos un rato, eso es lo que

generan mis proyectos.

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I

INDUSTRIA

¿Qué acciones son las que definen a

tu agencia?

- La flexibilidad, integración y pasión nos definen

sin lugar a duda. Si bien las acciones creativas

nos distinguen, el trabajo integral de la comunicación

es uno de los factores más importantes

en nuestro vínculo con nuestros clientes, además

de los años de experiencia viajando con artistas

por todos los países para poder enriquecernos

en cada área y generar lazos potenciales para que

los artistas de MP puedan expandirse mucho

más fácilmente. El año pasado nos puso a todos a

prueba, y fue sumamente importante poder adaptarnos

y recrearnos. Desde shows en streaming,

IG Lives, presentaciones digitales, comunicación

directa con la audiencia, generar un ida y vuelta

genuino con los medios de comunicación, etc.

fueron algunas de las piedras fundamentales para

forjar vínculos más fuertes en la industria de la

música en Latinoamérica.

MUJERES EN LA MÚSICA :: María Peluffo

“Es un placer trabajar con

artistas y potenciar su

poder creativo”

CON MÁS DE 17 AÑOS TRABAJANDO EN EL ENTRETENIMIENTO, HOY

COMANDA SU AGENCIA MP MARKETING Y COMUNICACIÓN CON LA CUAL

EXPORTA TALENTO ARGENTINO A LATINOAMÉRICA.

¿Cómo fue tu experiencia en la industria?

- Comenzó en medios y luego con MTS Producciones

me especialicé en la producción de

shows, prensa y comunicación. También trabajé

en discográficas, en productoras grandes de Argentina

y directamente con artistas. Actualmente

dirijo mi agencia MP Marketing y Comunicación,

donde trabajo con artistas locales e internacionales

en distintos territorios. Los últimos años aumentó

notoriamente la necesidad de un desarrollo

global de distintos artistas. Por eso mismo, la

búsqueda es potenciar los proyectos en diferentes

mercados. Para eso realizamos un trabajo integral

para Latinoamérica y Europa. Además, contamos

con un área ligada a managers asociados donde

trabajamos en sincronía para cada artista y asesoramos,

que fue lo más solicitado el año pasado.

¿Por qué elegiste esta carrera?

- La música tiene un eje central en la vida de las

personas. Y por eso es un placer trabajar con los

artistas y potenciar todo su poder creativo. Además,

resulta importante destacar el rol preponderante

que tiene la música en el español a nivel

mundial actualmente y el intercambio y apoyo

que se genera entre los artistas de diferentes regiones.

Las fronteras no son un limitante para la

música y la integración enriquece muchísimo las

ideas y las potencialidades de los artistas.

También estuviste dando capacitaciones

en la pandemia, ¿cuán importante es el

hecho de dar un servicio comunitario?

- Nos sentimos súper halagados en la agencia

de poder realizar las capacitaciones y más aún

que varias sean gratuitas. De esta forma pudimos

demostrar que la unión hace la fuerza. Pertenezco

a la Asociación Argentina de Agentes de

Prensa del Arte y la Cultura (AAAPyC) y a la

Asociación Civil de Managers Argentinos (AC-

MMA) y en la Asociación Latinoamericana de

Managers y agentes musicales (MMF LATAM)

donde siempre trabajamos en conjunto para lograr

fortalecer a la industria tanto a nivel nacional

como regional y potenciar las posibilidades

para cada uno de los partícipes.

Por último, tengo el honor de ser parte de

Unidxs por la música, que realizó durante todo

el año pasado, junto a la colaboración de “Fundación

Sí”, la venta de artículos donados por

músicos y artistas para juntar fondos y con ellos

comprar cajas de alimentos para ayudar a muchos

miembros de la industria como técnicos,

agentes de prensa, carga y descarga, entre otros.

que no estaban pudiendo trabajar.

Este año Unidxs por la Música realizará otra

colecta que esperamos sea todavía más exitosa.

¿Qué es lo que más disfrutas de tu trabajo?

- El hecho de poder tener ideas específicas para

cada uno de los proyectos y poder realizarlas para

potenciar el desarrollo musical de los artistas es

algo que me llena de felicidad. Siempre buscamos

potenciar la identidad de cada uno y fortalecer

todos los aspectos que sean necesarios. Armar en

conjunto esa estrategia es para nosotros sumamente

importante.

¿Qué cosas crees que tiene que tener

un artista para crecer?

- En primer lugar, tiene que tener fe en lo que

está haciendo y trabajar mucho. Es necesario que

se rodee de un buen equipo que lo asesore, donde

pueda plantear sus deseos y dudas. Creo que es vital

que no se deje engañar por espejitos de colores

que la industria suele mostrar. Si no existe un diálogo

sincero con el artista, se pierde tiempo. Es importante

establecer un plan de marketing y comunicación,

con objetivos claros a corto y largo plazo.

Con el talento y el trabajo, todo lo demás llega.

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KALLY’S MASHUP/ MAIA REFICCO Y ALEX HOYER

aspiramos a un montón de cosas tanto en la música

como en la actuación. Personalmente, siempre

dije que mi sueño es hacer la película del musical

Despertar De Primavera, pero también estoy muy

agradecida y disfruto lo que estoy viviendo, el estar

acá, hacer esta película y tener la posibilidad

de trabajar de lo que amo. A mí me cuesta hacerlo,

pero estoy intentando disfrutar el hoy, intento

estar bien presente porque es muy zarpado lo que

estamos viviendo con la película.

- Alex: Creo que el sueño de los que nos dedicamos

a esto es estar en Hollywood y trabajar en

esas producciones enormes, pero para nosotros

esto es aprender y en mi caso esta es mi primera

experiencia en este formato de cine y ha sido

súper linda. En las dos temporadas de Kally todo

era mucho más acelerado, pero acá tenemos la

oportunidad de bajar un poco las revoluciones y

encontrarnos un poco más como actores, le dimos

más profundidad a los personajes.

- Maia: Yo tampoco había hecho cine antes y

noté que nos entablamos desde un lugar más maduro,

profundo y verdadero, fue muy especial.

“Es muy zarpado

lo que estamos viviendo

con la película”

Luego de dos temporadas en la pantalla de Nickelodeon, Maia como

Kally y Alex como Dante vuelven a co-protagonizar el film “Kally’s

Mashup: ¡Un cumpleaños muy Kally!”

con un elenco que se completa con saraí

Meza (Tina), Celeste Sanazi (Stefi), Tom CL (Kevin),

Johann Vera (Storm), Danielle Arciniegas

(Wintir) y Carolina Ribon (Lisa). la tira infanto

juvenil llega a la pantalla grande. El guión escrito

por Peter Barsocchini, creador de High School

Musical y High School Musical 3, Senior Year

- cuenta además con el aporte de Adam Ander,

- conocido por Glee y el musical de Netflix The

Prom -. El estreno será el 30 de julio a través de

Nickelodeon Latinoamérica y Paramount+.

¿Cómo es trabajar en Colombia en este

momento?

- Maia: Es un privilegio muy grande tener

la tranquilidad de poder ir a trabajar todos los

días en este contexto, estamos muy conscientes

de eso y muy agradecidos porque es una locura.

En Argentina se vive y se siente la urgencia de

volver a trabajar, desde el equipo técnico hasta

nosotros los actores así que demostrar que con

protocolo se puede trabajar nos hace muy felices.

La película se estrenará muy rápido…

- Maia: Sí, a fines de julio, cercano a nuestros

cumpleaños.

- Alex: La verdad es que se ha hecho un gran

trabajo, no tienes idea del esfuerzo y de los profesionales

que son aquí en Colombia. Nos ha tocado

un equipo de producción muy bueno y estamos

contentos, esperamos que les guste mucho.

¿Se imaginan trabajando en Hollywood?

- Maia: Sin duda creo que los dos soñamos y

¿Cuándo sale tu EP, Maia?

- Maia: El próximo mes, ya está saliendo todo

de a poco así que estoy muy emocionada, además,

el próximo tema lo producimos con Andrés

y Mauricio, fue una locura haber trabajado con

ellos y estoy muy manija de que ya lo escuchen.

- Alex: Yo ya lo escuché y está muy bueno, es

una bomba. Mai es una genia y me encanta ver su

evolución de la Mai que conocí hace 4 años a la

que es ahora y que se todo el potencial que tiene.

¿Pensaron alguna vez que iban a llegar

al cine con este proyecto cuando comenzaron?

- Maia: No, nunca me atreví siquiera a soñar

con esto, me pone muy sensible porque para mí

es un sueño. Realmente me siento muy afortunada

y me moviliza mucho porque esto es una locura

y sé que hay mucha gente que confía en mí más

de lo que yo confío en mi misma.

¿Alex, además de la película en qué

estás trabajando?

- Alex: El año pasado me dediqué 100% a componer

y a producir, empecé a producir también

para otras personas lo que fue todo un mundo

nuevo porque es una responsabilidad, pero me

lancé a hacerlo.

- Maia: Quiero aclarar que es un capo, hay temas

que entiendo cómo los hace, es un desquiciado

de talento.

Imagino que ya armaron algo juntos…

- Maia: Total, aparte nos conocemos hace muchos

años como artistas y como personas.

Alex: Además creo que es el momento perfecto

porque yo me desarrollé mucho como compositor

y Maia también, ambos encontramos

nuestra identidad como artista y estamos planeando

algo que esperemos que se dé. Es muy

lindo salir de esa zona de pensar solamente en

hacer algo para mí y sentarme a pensar en qué

puedo aportar para la carrera de otra persona y

buscarle el hit. Es un honor increíble que me lo

permitan y confíen en mí.

JUAN MANUEL GARCIA

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L- Gante

MIKEILA BORGIA


A los 21 años, el artista oriundo

de General Rodríguez, Provincia

de Buenos Aires, irrumpió en la

escena gracias a su combinación

de cumbia con elementos urbanos

y letras que describen las vivencias

y costumbres de los barrios más

humildes de Argentina. Los roles

claves de su productor Kevin Rojas

a.k.a. DT Bilardo y su mánager Maxi

“El Brother”, la normalización del

cannabis y cómo la música refleja

una verdadera opción de vida para

los talentos aún sin descubrir.

Neo Pistea

POR SANTIAGO TORRES

FOTOGRAFIADO POR ZEPE

"AMO EL TRAP"

Desde 2014 Sebastián Ezequiel “Tony” Chinellato

forjó los pilares de lo que hoy se conoce

mundialmente como “Movimiento Urbano

Argentino”. Con el himno local “Tumbando El

Club” y su ópera prima “Punkdemia” unió a

una camada de artistas que renuevan la escena

a fuerza de hip hop, autotune, home studios,

grafitis, tatuajes e historias de los barrios.

El barrio se

apodera de los

charts

POR SANTIAGO TORRES

Y JULIÁN MASTRÁNGELO

FOTOGRAFIADO POR MIKEILA BORGIA

Y TUTE DELACROIX


neo pistea también conocido

como Tony The Kid, escribe la

historia del trap local a base de

singles propios como “Messi”,

“Criminal” o “Mario”, y colaboraciones

como “Tumbando El Club

Remix”, “Tu Cintura” o el más

reciente “Teca Remix”, todos ellos

acompañado de colegas y amigos

como Cazzu, Ysy A, Rei o Duki,

entre otros.

Después de su EP en 2017 “Oro

y Perfume”, en el que participaron

C.R.O, Lara91K y Mike Southside

y una seguidilla de singles junto

a Khea, Bhavi, Quan, Eladio Carrión

o Dante Spinetta, el artista

oriundo de Merlo - casa del Club

de Fútbol Argentino de Merlo,

lugar donde nos recibió - presentó

su primer álbum “PUNKDE-

MIA”, bajo Sony Music Argentina.

En este trabajo, él mismo afirma

haber buscado la expresión de su

infancia, su familia y su lugar de

origen. “Uno de chiquito guarda

los mejores recuerdos, tenga la

vida que tenga. Todos tus amigos

están bien, están todos vivos, nadie

está preso… Ya de grande uno

se va adaptando a las cosas que le

pasan y siento que lo que te pase

de “wachín” te va a quedar para

siempre”, dice.

El inicial “Gracias a Dios”;

“Tengo”, con C.R.O y Kaydy Cain;

“Keloke”, con De La Ghetto y Fuego;

“Tonythekid”; “Veneno”, junto

a Neutro Shorty, Pablo Chill-E

y Químico Ultramega; “Dame

Dinero”, con Ysy A; “TNT”, con

ObieWanshot o el single homónimo

“PUNKDEMIA”, son algunos

de los tracks que conforman un

álbum que consolida una carrera

marcada por colaboraciones con

artistas de diversos géneros y que

reconocen en Tony a un referente

y soldado de la causa.

Tus colegas te consideran

como uno de los padres del

movimiento, ¿lo sentís así?

- Siento mucho cariño por todos

mis compañeros y mis compañeras,

siempre me tienen en

cuenta para todo, siento un amor

especial. Además, es mutuo, los

respeto y admiro un montón a

cada uno de ellos. Con el tiempo

la gente empieza a valorar lo auténtico

y personal.

Decidiste quedarte en el

barrio…

- Me cuesta adaptarme. Me

mudé a Caballito un año y me costaba

muchísimo, siempre termino

volviendo. Estoy cómodo, aparte

está mi vieja y no la puedo sacar

de acá ni “a palos”, ya tiene sus

amigas y su vida acá.

¿Te considerás un representante

del barrio?

- A pleno. De las raíces más

que nada, siento que las personas

tienen que respetar sus raíces. Si

venís del barrio, respetar el barrio

y si venís de un country o de cualquier

lado, también respetarlo, no

ir en contra. Hay que reforzar las

raíces y no mentir o “caretearla”.

El 19 de mayo de 2014 en el

canal de YouTube de PowerLine

Shop se estaba realizando una

serie de sesiones en vivo llamada

“Powerline Sessions”. Ese sería

el comienzo de una vida dentro

de una escena en formación que

estaba repartida entre artistas y

cantantes underground y los freestylers

y MC´s que se presentaban

a competencias de batallas de

rap como “Halabalusa” - siendo

ésta una de las más recordadas de

aquellos tiempos - donde figuras

nacionales como Dtoke comenzaban

a mostrar su nivel.

“Tony The Kid”, recuerda esa

época como uno de los pocos que,

junto a Obiewanshot, MalaJunta

o Marciano, entre otros, no terminaron

de interesarse 100% por las

batallas, sino que prefirieron dedicarse

por completo a la producción

de canciones que terminarían

convirtiéndose en éxitos años más

tarde. A mediados de 2015, ya

como NEO PISTEA presentó su

primer mixtape, White Chocolate,

junto a Lil Baby, con canciones

como “Me Mira”, “No Se Acuerda

De Mí” o “No Cree En Nada”,

entre otras.

“Nadie escuchaba trap, eras el

raro. Me tocó vivir las tres cosas: el

freestyle, el rap underground y el

trap underground”, recuerda.

¿Cómo se origina el movimiento

del trap en Argentina?

- Viene del rap. Del 2010 en

adelante se generó una unión muy

zarpada por el rap, la zona norte

de Buenos Aires se juntaba con la

sur, este con oeste, todos con todos…

Se generó algo enorme con

el género: el beatbox, los grafitis y

el break. En un momento se volvió

muy fuerte, había eventos antes

del Quinto donde iban freestylers

de todos lados. Por ejemplo, Alejo

organizaba “Quién Habló De División”,

y ahí se volvió más grande

todavía, había freestylers batallando

y luego los raperos tocaban,

creo que esa fue la primera vez.

Mientras tanto, del otro lado ya

habían algunos artistas como Obi,

MalaJunta, Marciano, Los Pibes de

la Triple Flow o el Coqee que ya

empezaban con el trap. Algunos

mezclaban con R&B pero no se sabía

bien qué era, solo se sabía que

no era el Boom Bap clásico.

¿Quién manejaba ese sonido?

- Era medio no saber qué era y

que te llevara a conocer cada vez

más. Estabas escuchando y haciendo

trap pero sin saber cómo

decirle. Hacer trap era mucho más

underground que hacer rap, que

ya metían 1000 personas por show

con gente como Nach, The Phsyco

Realm o cualquier otra banda.

Nadie escuchaba trap, eras el raro.

Me tocó vivir las tres cosas: el

freestyle, el rap underground y el

trap underground.

El 21 de septiembre de 2017

llegaría la canción que posicionaría

la escena del trap nacional

como una de las más prometedoras:

“Tumbando El Club”. La

versión original fue lanzada por

Neo junto a C.R.O, Mike Southside

y Coqeéin Montana y producida

por 0-600. A hoy, ese trabajo

cuenta con más de siete millones

de reproducciones en su canal de

YouTube, siendo de los más vistos

por aquel entonces - hasta el momento

de la llegada del remix, conocido

como “El Himno Del Trap

Argentino” -.

Meses más tarde y ya afianzado

en la escena, Neo uniría fuerzas

y conocimiento con dos grandes

amigos, Duki e Ysy A, en

Modo Diablo. Gracias a singles

como “Quavo”, “UH” o “Trap

N’ Export”, el trío es considerado

actualmente como una de las

agrupaciones más importantes

de la historia del trap nacional,

sumando cientos de millones de

reproducciones entre todas las

plataformas digitales - siendo

“Quavo” la más popular, con más

de 100 millones solo en YouTube

-.“Mi mamá es evangelista y mi

abuela súper religiosa, imagínate

cómo se puso cuando se enteró

que nos llamábamos ‘Modo Diablo’.

Me quiso matar”, ríe.

Finalmente, el 27 de marzo de

2019 llegó el momento de presentar

“Tumbando El Club Remix”,

trabajo que Neo recuerda como la

“representación de la unión de la

escena nacional”. Todos los artistas

que formaron parte de esa producción

estaban dedicados a sus

respectivas carreras individuales,

por lo que ese remix marcó un antes

y un después en las relaciones

que tendrían entre cada uno de

ellos. Ysy A, Cazzu, Khea, Lucho

SSJ, Marcianos Crew & Duki fueron

los artistas que se sumaron a

Neo, C.R.O. y Coqeéin Montana

en este exitoso trabajo, que cuenta

a día de hoy con más de 239 millones

de reproducciones tan solo en

YouTube.

¿Qué te genera hoy “Tumbando

El Club”?

- Lo de “Tumbando El Club” fue

una locura, representa el momento

donde se unió todo. Porque antes

de eso capaz no había guerras,

quilombos ni nada por el estilo

pero cada uno estaba apostando

a lo suyo y a la individualidad.

En “Tumbando…” había mucha

buena onda y todos queríamos lo

mismo, eso hizo que fluyera como

lo hizo.

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TUTE DELACROIX


Qué piensa Neo de

C A Z Z U

M A R Í A

B E C E R R A

P A U L O

L O N D R A

L - G A N T E

T I N I

La amo y la respeto

mucho. Me parece

una figura muy

fuerte e imponente.

Para mí es un placer

compartir con ella

y ser amigos. Estoy

muy agradecido de

poder haberla visto

crecer de forma tan

zarpada. La gente no

sabe lo difícil que es

llegar y mantenerse.

Me acuerdo que

escuché uno de sus

primeros temas y

lo compartí o se

lo comenté. Me re

gustó y todo lo que

pasó después fue una

locura. El salto que

pegó tan rápido...

Es muy talentosa y

tiene una energía muy

linda.

Realmente no lo

conozco en persona.

En su momento era

un polo opuesto

a lo nuestro, pero

siempre súper

respetable y

respetado. Es una

pieza fundamental

de lo que fue el

crecimiento en la

Argentina. De lo

que estoy seguro es

que es un gran pibe,

por eso también me

duele lo que le está

pasando.

Es un capo, estoy re

contento con que

pase eso con él. Es

el ejemplo de todo lo

que realmente quiero

ver que pase acá

hace mucho. Siento

que se lo merece,

me gusta mucho lo

que hace y que había

un lugar que alguien

tenía que ocupar.

La gente lo ve y

le gusta, se siente

representada y eso

me encanta.

No es mi palo. La

respeto y sé que es

una mina que viene

hace muchos años

trabajando duro. La

ves y canta bien,

es una diosa… Es

una de esas mega

estrellas que surgen

de la Argentina cada

cierto tiempo.

¿Por qué surgió?

- Era una visión, quería hacerlo.

Soy una persona que respeta mucho

el talento de los artistas. Amo compartir

momentos con mis amigos y

cuando de verdad hacemos algo que

nos gusta, disfruto mucho el resultado.

Siempre tuve la visión de hacer

algo así, pero era medio un sueño,

estoy súper agradecido con todos y es

importante que haya quedado en la

mente como algo que hicimos juntos.

¿En qué momento dijiste “estoy

donde tengo que estar”?

- Cuando tenía 18 o 19 años. Vivía

en una casa en Ramos Mejía y no

teníamos nada. En ese momento fue

cuando empecé a grabar en serio, teníamos

una compu y un micrófono

barato, pero servía. Hacíamos mucha,

pero mucha música. Si bien venía hace

años haciendo música, ahí dije “quiero

hacer esto de verdad, tengo que profesionalizarme”.

Me acuerdo de que tuve

que abrirle un show a Marciano solo

como “Neo Pistea” por primera vez y

fue el show más zarpado de mi vida.

Su relación con el fútbol habla de

que intentó jugar profesionalmente

cuando era más joven. A lo largo de

su carrera se acercó en varias ocasiones,

sobre todo con el lanzamiento

de “Messi” a mediados de 2018, su

single homenaje al astro argentino

que ha sabido llegar a las cercanías

del club del “10” en Barcelona.

En sus redes sociales siempre

se lo puede ver con una pelota al

lado, haciendo jueguitos o formando

parte de su vida de alguna

forma u otra. Su abuela fue la que,

cuando él era joven, convenció

a sus padres para que fuera a un

colegio artístico, porque a pesar

de que la pasión por el deporte

siempre estuvo presente, su lado

musical nunca se apagó.

¿Tenés algo de futbolista?

- Me encanta el fútbol, a veces

incluso me domina, tuve que dejarlo

de lado porque a veces me

ponía loco. De chiquito quise ser

jugador pero también estaba muy

presente mi lado artista. Totalmente

que uno puede relacionar la

música con el fútbol: hay que ser

constante, darlo todo siempre y a

veces tener un poco de suerte.

¿Qué le dirías a Messi si lo

tuvieras enfrente?

- Nada… ¿qué le voy a decir?

Lo miraría y ya sabría que lo

quiero. Siento que no debe querer

ver a nadie

¿Te pasa algo similar?

- Lo que me puede llegar a molestar

es cuando estoy en mi casa

o con mi familia pero al contrario,

estoy siempre agradecido y con la

mejor cara. Son cosas normales,

uno escoge esto.

¿Hay algo que no te guste

de la industria?

- Me molesta que el que tiene

plata puede hacer lo que quiera, es

algo del siglo XXI. Tiene que haber

otros valores, más hablando de

música. Veo que hay una especie de

dictadura, igualmente a la música

buena no le gana nada, ni la plata.

Sebastián comenzó a presentarse

en vivo desde que tenía 17 o 18

años, él mismo recuerda preparar

y organizar los shows con los

mánagers diciéndoles que tenía la

agenda apretada, para así asegurarse

de que lo quisieran y no lo

rechazaran, incluso teniendo que

formar parte de cuatro o cinco

eventos por noche. “Era muy gitano

por aquel entonces, lo único

que quería hacer era tocar y que la

gente me escuchara. Me acuerdo

de que mi primer show lo di ante

más de 200 personas, lo recuerdo

como el mejor de mi vida, lejos”.

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37


La línea de tiempo

1994

Nace el 5 de octubre en

Merlo, zona oeste del

Gran Buenos Aires.

-

2010 - 2014

Forma parte de la

escena underground del

trap en la Argentina.

2014

Se presenta en las

“PowerLine Sessions”,

una de las primeras

publicaciones en que se

lo conocería como “Neo

Pistea”.

2015

Se une como miembro

de agrupaciones de la

escena urbana como

Stúpida Ambición, King

Team o Vasuras Crew.

Lanzó los temas “Tony

The Kid” o “White

Chocolate”, nombre

también de su primer

Mixtape presentado

este mismo año.

2016

Publica “Medusa”, el

primer track que uno

puede encontrar hoy en

su canal de YouTube.

-

2017

El año más productivo

para Neo. Lanzó temas

como “Rivotril”, “La

Calor” o “Tumbando el

Club”.

Comienza a presentar

tracks junto a Duki e

Ysy A, con quienes

formarían “Modo

Diablo”. En este año se

38 BILLBOARD AR | JULIO, 2021

MIKEILA BORGIA


que pasa es que no creo que me

pueda llegar a servir para lo que

estoy buscando hoy en día. Quiero

encontrar un sonido más oscuro

y subir el rango de edad de mi

público. Me está costando porque

tenemos un público muy chico y

siempre voy a querer nutrirlos con

material y nuevas canciones.

TUTE DELACROIX

Dejando de lado los eventos underground

y las presentaciones callejeras

o en pequeños venues, en

estos últimos años, Neo ha estado

presente en algunos de los shows

más importantes a nivel nacional,

como pueden ser el “Buenos Aires

Trap” o “Lollapalooza”. Además,

durante la época de cuarentena el

año pasado fue el encargado de inaugurar

la serie de shows en vivo

online de Suena En Vivo - realizando

su primera presentación

durante el mes de septiembre -.

¿Cómo te estás preparando

para el regreso de los

shows en vivo?

- Estoy empezando a ensayar.

Estuve muy activo durante este

tiempo, pero sin presentarme en

ningún lado, cuando vuelva quiero

hacerlo con todo. Personalmente

estoy muy ansioso, tengo muchas

ganas de tocar y sé que estamos

todos igual. Si bien siempre valoré

los shows y estuve muy agradecido,

creo que ahora vamos a empezar

a verlos como lo que son, todo

para nosotros.

¿Ahora tenés la mirada

puesta en grandes festivales?

- Ojalá, a eso estamos apostando,

siempre estamos viendo qué

hacer para poder crecer y cómo

hacerlo de la mejor manera.

En el disco sumaste instrumentos

como violines y

muchos invitados…

- Quedó mejor. Le tenía muchas

ganas hace tiempo. En un momento

dije: “Quiero volcar todas las

ideas que tengo hace tiempo”, y sabía

que era el tiempo justo. Llamé

a Lean y nos encargamos de todo.

Lo elegí a él porque me llevo muy

bien y principalmente porque me

parece que tiene un talento musical

espectacular. Amo el trap pero

también amo la música en general,

poder volcar todo lo que tenía en

mi cabeza en forma de trap es una

manera difícil, y creo que solo él

podía hacerlo.

¿Cuándo eras chico en tu

casa se escuchaba rock,

tango, folklore…?

- Mucha música, mi abuelo era

músico y mi mamá lo es a día de

hoy, toca la guitarra y canta.

¿Te bancaron con la música?

- Al contrario, diría. Tuve el

apoyo necesario, pero muchas

veces les he sacado canas verdes.

Hicieron que me haga hombre y

pudiera crecer. La que siempre me

apoyó en el sentido musical fue mi

abuela Lía. Recuerdo que me iban

a llevar a una escuela industrial

y ella convenció a mi mamá para

que me mande a una artística.

¿Tu desafío es perdurar en

el tiempo?

- Perdurar para siempre, hasta

cuando no estemos. Los artistas

pasan de moda en algún momento,

por eso lo más importante es

intentar mantenerse durante los

años. Solo el tiempo puede decir

qué pasará con nosotros

¿Qué dirías si te llaman

para trabajar con alguna de

las chicas de la escena?

- Las chicas son unas genias, lo

¿Ayuda que haya polos

opuestos en la industria?

- Creo que es como el Ying y el

Yang, tiene que haber dos polos

porque eso forma un círculo.

Durante todos estos años, las

colaboraciones también han sido

un papel fundamental en la carrera

de Neo, quien no solamente

ha unido sus fuerzas y sus letras

con colegas, sino también con

amigos. “Muchas de las canciones

que hemos hecho han sido

entre amigos y disfrutando de lo

que estábamos haciendo. Se nota

un montón cuando un trabajo

sale orgánicamente y no estamos

presionados por ningún lado. No

solamente “Tumbando El Club”,

sino que también hay algunas

canciones más nuevas o más viejas

que surgen del cariño mutuo

que nos tenemos.

El tiempo de encierro también

le sirvió al artista para pensar en

su futuro como artista acompañado

de una banda, algo a lo que

no tiene muy acostumbrado a

su público. “Estoy trabajando y

ensayando con una banda para

presentarnos juntos cuando todo

vuelva a la normalidad. Quiero

apuntar a un sonido más oscuro y

serio”, afirmó.

de Neo Pistea

presenta “Wanda Nara”

y “Me Dejaste Así”.

-

2018

Llega “Messi”, su

videoclip y canción

homenaje a Lionel.

2019

27 de marzo,

lanzamiento de

“Tumbando El Club

Remix”, el “Himno del

Trap Argentino”.

Se presenta en vivo en

el Buenos Aires Trap.

-

2020

Año de lanzamientos

como “Coroné”, “Duro”,

“Hotel” o “Mario”.

Inauguró las sesiones

de presentación online

de Suena En Vivo en

formato streaming.

2021

Llega su primer

álbum de estudio,

PUNKDEMIA, junto

a Sony Music y

compuesto por trece

canciones.

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Premios Juventud

Camilo y Karol G, los

más nominados para la

edición 2021

La ceremonia organizada por Univision desde 2004, se realizará el

22 de julio en el Wastco Center de la Universidad de Miami, con

público en vivo y nuevas categorías.

la ceremonia organizada por univision

desde 2004, se realizará el 22 de julio en el Wastco

Center de la Universidad de Miami, con público

en vivo y nuevas categorías.

Tras haber ganado un Grammy Latino 2020,

Cazzu vuelve a ser destacada y cuenta con cinco

nominaciones para estos galardones como “Álbum

Del Año”, “Girl Power” (dos veces nomina-

do en esta categoría) y “Artista De La Juventud

Femenino”, en esta categoría al igual que Nathy

Peluso, la otra revelación argentina. Ambas compiten

con Becky G, Rosalía y Mariah Angeliq,

entre otras.

Por otro lado, se adelantó que ya está todo listo

para que los artistas brillen en el escenario de Premios

Juventud 2021 que transmitirá Univision.

Los chicos de CNCO serán parte de la fiesta

y el ritmo de Karol G pondrá a todos a bailar: la

cantante colombiana deleitará a los asistentes con

su más reciente éxito “200 Copas”.

Sebastián Yatra pisará el escenario para cantar

en vivo junto a Myke Towers el éxito mundial

“Pareja del Año”. Con dos nominaciones en las categorías

“La Mezcla Perfecta” (canción con la mejor

colaboración) y” La Más Pegajosa” (canción

que no puedes dejar de cantar) con el tema “Chica

Ideal” al lado de Guaynaa, el colombiano estará

presente en esta fiesta.

Además de estar nominado en la categoría “La

Mezcla Perfecta” junto a Feid, J Balvin Ft. Maluma,

Nicky Jam y Sech, el cantante y compositor

estadounidense Justin Quiles también dirá presente

interpretando por primera vez en TV su

nuevo tema “Loco” junto con el dúo reguetonero

Zion y Lennox y el dominicano rapero urbano

Chimbala.

La cantante dominicana Natti Natasha se encuentra

entre los artistas con más nominaciones

de la noche, y también desplegará su música con

el estreno mundial de su último simple.

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42 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


JUSTIN LEE SCHULTZ

“Amo la música latina porque

es muy divertida de tocar”

El músico sudafricano de 14 años es considerado un niño prodigio. Confeso admirador

de Stevie Wonder, lanzó su álbum debut “Gruv Kid” con el que llamó la atención de la

industria por su virtuosismo.

POR SANTIAGO TORRES

KINDALE GODBEE

Nacido en sudáfrica,

se mudó a Estados

Unidos en 2015 y allí

estuvo hasta el año

pasado cuando su

familia decidió irse

a Durham, Inglaterra. A los cinco

años ya dominaba el piano. Poco

después, tomó la guitarra.

En Sudáfrica, su padre, Julius, tuvo

una carrera como guitarrista de jazz

profesional y lanzó tres álbumes

como solista. Cuando sus hijos comenzaron

a mostrar interés por la

música, los alentó aunque al principio

se resistió, recordando sus propias

experiencias en lo que él describe

como una industria inestable. Esa

fue la razón principal por la que se

mudaron a Estados Unidos, señala el

padre que en sus conciertos a veces

presentaba a su hija Jamie-Leigh para

tocar la batería. A diferencia de su

hermana mayor, el joven Justin-Lee

inicialmente mostró poco interés por

la música. Luego eso cambió.

Pronto, Schultz y su hermana se

unían regularmente a su padre en

el escenario, y su perfil creció en

Sudáfrica. Cuando Julius consiguió

un trabajo como director musical en

una iglesia en Michigan y la familia

se mudó a Estados Unidos.

La influencia de Stevie Wonder

en su música es notable: su álbum

Gruv Kid incluye una versión de

“Do I Do” de Wonder. Grabado y

producido de forma remota desde

el estudio casero de Schultz en Durham,

presenta colaboraciones con

el teclista Bob James y el grupo de

fusión de jazz con sede en Filadelfia

Pieces of a Dream. Julius compuso

siete de los temas, reinventando algunos

de sus lanzamientos anteriores

como guitarrista.

Estás dándole vida nuevamente

a los instrumentos...

- Muchas gracias, lo estoy intentando

de verdad.

¿Qué pensás de los charts y

la música popular?

Trato de mantener mis oídos

abiertos a todo tipo de música.

Me gustan las estrellas de pop

como Bruno Mars, Michael Jackson.

Personas y artistas como ellos me

encantan.

¿Te sentís diferente a los chicos

de tu misma edad?

- No realmente, no lo creo. Pienso

que escucho muchos géneros de

música diferente e intento estar al

tanto de todas las novedades en diferentes

ámbitos.

¿Pensás mucho en el futuro

de tu carrera o preferís vivir

el momento?

- Sí, estoy constantemente pensando

en el futuro. Ya sabes, preparándome

para diferentes situaciones

y eventos de ese estilo.

¿Preferirías tocar en el Madison

Square Garden o en

Lollapalooza?

- Madison Square Garden. Es un

lugar icónico, me encantaría tocar

en frente de tanta gente en un recinto

con una historia como la suya.

¿Qué opinión tenés del

Autotune?

- Es una buena herramienta

para buscar un nuevo sonido.

Creo que depende de lo que sea

que estés buscando.

¿Autotune y la producción

es otro tipo de instrumento?

- Claro, me gusta experimentar

con todo tipo de efectos diferentes y

explorar, sobre todo explorar.

¿Cuál es el instrumento más

difícil de tocar?

- Todos son difíciles. Hay que

practicar muchísimo para llegar a

una cierta comodidad con ellos.

¿Qué es más importante, el

talento o la práctica?

- Ambas cosas son importantes

y una se relaciona con la otra. Uno

puede ser talentoso, pero tiene que

trabajar para moldearlo a la forma a

la que lo quiere llevar.

¿Qué es para vos la composición?

¿Cuál es la diferencia

entre tocar un instrumento o

empezar la música desde cero?

- Amo hacer las dos. Soy algo

nuevo en la composición, hace

solo tres años que escribo y más

de nueve que toco así que es más

fácil eso para mí. Sigo practicando

para hacerlo mejor y si me surge

una nueva idea, es súper divertido

para mí desarrollarla y ver en qué

se convierte desde cero.

¿Qué valor le das a la popularidad?

- No estoy realmente seguro. Creo

que la fama llega de la mano de

oportunidades. Tocar en muchos escenarios,

conocer diferentes países,

reunirse con más gente… Diría que

la parte mala sería la falta de privacidad,

pero creo que puede estar

bueno, no soy tan famoso aún.

¿Qué les dirías a chicos de

tu edad que no cuentan con

el apoyo de su familia?

- Dirían que sigan trabajando duro

y siguiendo sus sueños. El trabajo

duro paga al final. Lo más importante

es disfrutar lo que uno está haciendo,

si lo pasan bien, ve por ello.

¿Tuviste la oportunidad de

conocer música en español?

- Sí, amo ese tipo de música, es

muy divertida de tocar. El ritmo

latino se maneja mucho sobre el

beat así que creo que es muy bueno,

me gusta.

¿Cuál es tu relación con la

escritura en la música?

- Generalmente toco de oído porque

aún no puedo leer del todo bien.

Es bueno tener ambos, si estás en

un escenario donde no podés leer es

buenísimo poder tocar de oído. Y si

estás en una orquesta o en un club

de jazz y no te dan la música antes,

es genial poder leer y seguirlos.

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44 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


AIRBAG / PATRICIO SARDELLI

“Hicimos un tributo

a una canción legendaria”

Su nueva versión de “La Balada del diablo y la muerte” tuvo muy buena repercusión.

El material forma parte de una celebración especial del álbum “Despedazado por mil

partes” de La Renga, del que se cumplen 25 años de su edición.

POR WALTER GAR

DIEGO ROLDAN

Afuerza de guitarras

distorsionadas y potencia

familiar, Airbag

mantiene su popularidad

sin abandonar el

espíritu hard rockero.

La banda fundada por los hermanos

Gastón, Patricio y Guido Sardelli

tiene en su haber seis discos de estudio

y actualmente se encuentran

preparando el nuevo álbum, el cual

aún no tiene fecha de salida pero

que Patricio confirmó será este año.

Ahora en este nuevo cover están celebrando

a “La Renga”, cuya trayectoria

los inspira.

¿Cómo están transitando

estos tiempos de pandemia?

- Ya es parte de nosotros, nos

amoldamos. Ya somos una especie

de arena que se acomoda. Así es el

ser humano y su capacidad de adaptación.

Por suerte se empieza a ver

como una luz, la gente se empieza

a vacunar y ves en otros países que

hay una vuelta a la vida anterior,

entonces aparece esta esperanza de

volver a ese tiempo que fue mejor.

¿En qué momento estabas en tu

vida en 1996 cuando salió “La

Balada del Diablo y la muerte”?

- Todavía no tocábamos ningún

instrumento, éramos muy chicos.

Así que estábamos en otra, jugando

al fútbol y videojuegos con amigos.

La música en casa siempre estuvo

presente: siempre se cantó en los

cumpleaños, las navidades… en las

reuniones. Siempre la postal era una

guitarra, algún tío y todos cantaban.

De más chico aún escuchaba tango

en casa, y yo cantaba. Era una fija

que cantaba un tango o dos. Así que

hasta ese momento nuestras inquietudes

pasaban más por el futbol, los

videojuegos y también la mecánica,

la electricidad. A fines del año siguiente,

tomo la guitarra.

¿Qué te motivó a inclinarte

hacia el rock?

- Cuando empezamos a descubrir

cosas que quizás veníamos escuchando

accidentalmente. Nosotros

vivíamos en Don Torcuato y había

muchas obras de construcción con

albañiles y se escuchaban dos cosas:

mucho Creedence [Clearwater Revival]

y cumbia. Estaban las dos ramas.

Entonces cuando empezamos a tocar

por primera vez fue por Creedence,

Chuck Berry -por cosas como “Johnny

B. Goode” en Volver al Futuro-,

Deep Purple y Los Beatles, la conexión

era muy fuerte con esas bandas

que son como una escuela, es como

ir a un curso avanzado de cómo tocar.

Lo nacional apreció después para

nosotros.

¿Cuál fue el primer acercamiento

que tuvieron con

La Renga?

- En principio, cuando empezamos

a tocar allá por el 99´ siempre

venían amigos a la sala de ensayo

que también tenían inquietudes

respecto a tocar, y una vez vino

un amigo de Gastón y trajo esta

canción: “La balada del diablo y

la muerte”. Todos la empezamos a

tocar y nos pareció increíble y era

uno de los covers que hacíamos,

que los nacionales eran pocos, un

tanto colgados, como “Popitos” y

“Perro Dinamita”. Entonces el primer

acercamiento fue como fan,

como algo que te gusta y no podés

que exista, como era el caso de esta

banda. La música en ese momento

no tenía la inmediatez de ahora que

en un año ya es vieja, entonces un

disco tenía como tres años de locura,

nosotros la descubrimos como

algo nuevo unos años después que

salió el disco. Después nos conocimos

con Chizzo [Gustavo Nápoli]

y tocamos en un concierto de otra

banda. Después surge la invitación

a tocar, tuvimos mucha conexión,

son unos genios totales. Y ahora la

vida nos encuentra grabando una

versión como en aquella sala de

Don Torcuato pero con un poco

más de experiencia y pudiendo llegar

al sonido que buscábamos. Así

que es muy lindo y estamos muy

entusiasmados con la repercusión

que tuvo la canción.

¿Por qué eligieron esa canción

y no otra?

- La elegimos porque creemos que

representa ese disco de La Renga,

y tiene en su letra y melodía una

cosa mística. Un mensaje muy

profundo y la parte de instrumentación

siempre me hizo acordar a

esas canciones que existen en el

folclore mundial y que no tienen

autor. Está agarrada a las raíces argentinas

de una manera increíble.

Me encanta.

Con este cover volvieron las

guitarras a estar dentro de

las tendencias ¿Qué opinas

de este tipo de referencias?

- Milagro. El rock nunca va morir

porque tiene una cosa muy visceral

con el cuerpo a través de los conciertos,

que otros géneros no tienen.

Pero por supuesto que hoy no es el

tipo de música más escuchado ni

está pasando por el gran momento.

La audiencia está más predispuesta

a escuchar otro tipo de música, por

una cuestión de que la música pasó

a ser puro entretenimiento para

bailar y no ese compromiso que requiere

sentarse a escuchar un disco,

de descubrir nuevos instrumentos

o de asociarte a una banda o a un

músico para siempre, cosa que nos

pasó a todos. Pero bueno, uno no es

quien para decir que está bien o mal,

así están las cosas hoy, pero eso a

nosotros no nos va a hacer cambiar

nuestro estilo. Siempre vamos a hacer

lo que a nosotros nos gusta, si en

algún momento coqueteamos con

otros estilos lo haremos como siempre.

Airbag siempre sumó estilos sin

prejuicios, sin pensar que es lo que

va a decir el otro.

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GIRL IN RED

“Quiero hacer algo que perdure”

En su debut discográfico “If I could make it go quiet”, que fue co-producido

por Matias Tellez y FINNEAS, la artista cuenta sus vivencias desde

Noruega para el mundo.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

la cantautora y productora noruega -cuyo

verdadero nombre es Marie Ulven Ringheimlanzó

su ópera prima con once canciones que

condensan aventuras diarias del crecimiento:

amor, sexo, relaciones y más, todo eso combinado

en la sensibilidad de su música.

Detrás de los millones de reproducciones que

tienen sus canciones, la artista, que cumplió 22

años el febrero, revela que atravesó un cambio y

que ahora trabaja en construirse una nueva vida:

juntarse con amigos, buscar un hogar, decorarlo,

leer más e inspirarse musicalmente.

¿Cómo te sentís con el lanzamiento

del álbum?

- Ahora estoy en mi departamento, al lado del

piano y me siento muy emocionada, esperanzada

y hay mucho sucediendo en mi vida personal, en

mis relaciones, mi carrera. Mi disco ya salió hace

más o menos tres meses y medio. Soy muy afortunada

de ser yo y estar en esta vida.

¿No dejás de hacer música?

- Obviamente quiero hablar de este disco y

darle la vida que merece porque creo que es un

gran álbum. Dejé de hacer algunas cosas por este

álbum y quiero volver a eso.

En una entrevista mencionaste que

nunca hablaste de tu salud mental

como lo hiciste en tu álbum, ¿qué sentís

ahora que se hizo público?

- Siento que es una buena experiencia. Creo que la

gente está muy “abierta a la apertura” y a la honestidad

en estos días. No me arrepiento de nada de lo que

dije en ninguna canción y honestamente siento que

es cool decir exactamente lo que sentís. Es muy válido

escribir de eso. Tuve una buena experiencia, se sintió

bien y no me asusta ser honesta en lo próximo que

haga tampoco. Si algo me da el coraje para continuar

siendo honesta en mi música, lo seguiré siendo.

¿Para quién escribís?

- Creo que lo saco por otros, pero lo escribo por

mi propio bien. Está bueno escribir cuando funciona,

no tanto cuando estoy bloqueada y nada sale,

pero siempre intento hacer música que me interesa

a mí y se relaciona conmigo. Eso me emociona a

mí, al igual que crear algo que no escuché en ninguna

canción. No escribo para que todos se relacionen,

creo que no es un punto de partida válido

para hacer música. Pero definitivamente la saco

para compartirla y que la gente la escucha. Eso me

hace muy feliz, compartir música.

¿Qué descubriste de vos en este proceso

del álbum?

- Aprendí que ser un músico profesional lleva

mucho trabajo. Dar a diario en el estudio, aunque

a veces no sepas qué hacer o decir, tenés que dar tu

mejor esfuerzo y hacerlo. También aprendí a darle

tiempo a lo que hacés. Sobre todo, hoy, que salen

singles todo el tiempo. Quiero tomarme el tiempo

para hacer algo que perdure y esté bueno. Obviamente,

aprendí muchas cosas que no sé aún.

Se viene World in Red tour con más

de veinte fechas por Estados Unidos,

¿qué se siente?

- Estoy muy nerviosa y emocionada. Nerviosa

porque estoy fuera de estado, no recuerdo cuánto,

pero ir de gira fue muy duro para mí. Es como una

carrera, una experiencia muy rara. Recuerdo tener

una idea de ir de gira por lo que oía o miraba en las

películas – rock and roll, drogas, emoción – pero en

verdad no es así. Es despertarse en un lugar y saber

que vas a hacer lo mismo que hiciste el día anterior,

pero la gente que te va a ver no te vio, entonces tenés

que darlo todo para divertirte y hacer una experiencia

especial. No me considero música profesional,

pero estoy en el proceso. Estoy tan emocionada de

tirarme encima de la gente y gritar los amo.

¿Qué querés que pase este año?

- Me quiero inspirar musicalmente, más de

lo que estoy. Como dije, estoy cambiando quién

soy y quiero que eso entre en la música. También

quiero alimentar las amistades que comencé, seguir

leyendo y creciendo. Tener mi propio hogar,

ahora estoy alquilando, pero quiero mi propia

casa. Quiero encontrar una linda silla, muebles.

Me siento una persona nueva y muy diferente y

me emociona. Quiero ver buen arte, encontrar un

lindo cuadro para mi cuarto, pasear mi perro, encontrarme

con amigos.

JONATHAN KISE

46 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


MANDO

“Tengo una

verdadera

conexión con mis

canciones”

Con su tercer álbum “Hasta Que

Llegaste” marca una nueva etapa en su

camino y busca llevar el pop regional

mexicano a todo el mundo.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

con el single que le da nombre a su último

trabajo en colaboración con el grupo español Lérica,

el artista independiente de 24 años, superó el

millón de reproducciones en YouTube reivindicando

su cultura local.-.

En su nuevo álbum, Mando participa como

compositor, además de co-productor. “Este álbum

representa el sonido que yo estaba buscando en

estos siete años de carrera en el cual presento mis

influencias”, dice.

¿Estás en tu estudio?

- Así es, estoy en mi cuevita en Monterrey.

Aquí sale toda la magia y todos los trucos.

¿La canción mexicana está traspasando

fronteras?

- Es impresionante lo que el regional mexicano

y el folklore está logrando internacionalmente.

Hay varios exponentes que están dejando a México

en lo más alto y es muy bueno para toda la

cultura de nuestro país.

¿Cómo surge la relación con Lérica?

- La conexión fue algo que surgió súper natural.

Nunca había tenido el placer de conocerlos y

recuerdo que mi mánager me dijo “necesito que

vueles a Ciudad de México porque mañana tenemos

una nueva sesión”. Volé a primera hora y nos

encontramos con Lérica, nos conocimos y surgió

este tema que a los dos nos gustó muchísimo.

Estamos realmente contentos con el recibimiento

que tuvo el tema.

¿Escribiste las canciones por experiencias

propias?

- Claro que sí, para mí siempre ha sido súper

importante que todas las canciones que cante

tengan una verdadera conexión conmigo. La interpretación

es muchísimo más potente si sientes

de verdad lo que estás cantando. Muchos de los

sucesos que me han tocado vivir o ver han sido

ejemplo y fuente de inspiración para mis temas

¿Cuál es tu canción favorita?

- Todas son bien diferentes… Diría que “Hasta

Que Llegaste” es una de mis favoritas. Me gusta

mucho también “Ni Que Fueras Quien”, es algo

mucho más tradicional musicalmente hablando.

“Distinta” es otra que también me gusta mucho,

difícil elegir una.

¿Cómo es conectar con tu público a

través de Tik Tok?

- Le estoy agarrando la onda últimamente, son

tantas redes sociales que ya uno no sabe qué hacer.

Hay públicos diferentes al igual que puede

pasar con las plataformas de música, creo que es

súper importante estar en Tik Tok y redes de ese

estilo. Es una manera de poder estar en contacto

con todo el público que ha estado escuchándome

de una forma natural, no tanto como Instagram o

Facebook, que son fotos mejor tomadas.

¿Cuál es tu opinión sobre hacer una

canción pensando en su repercusión en

las redes sociales?

- Hay mucha gente que no le gusta esa onda,

pero en lo personal no me molesta. Al final del

día creo que todos somos creativos y no hay límites

para la creatividad. Si haces una canción

específica para redes, seguramente va a durar lo

que lo soporte esa red. Pienso que definitivamente

tenemos que estar activos y pensar en cómo la

gente va a conectar con nuestras canciones.

¿Qué te genera la recepción que tenés

en el norte de Argentina?

- Lo primero que se me pasa por la cabeza es

agradecimiento. El poder lograr esto toma mucha

disciplina y ver que el público lo recibe de esa manera

y aprecia el trabajo que haces es realmente

gratificante. Que digan “escuché tu rola y no puedo

dejar de cantarla”, ahí ya gané. Como artista,

sé que el público argentino es súper emocionante,

cantan, gritan, saltan… Tengo muchas ganas de

viajar y disfrutarlos.

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Noel Schajris 2.0

El cantautor latino celebra 20 años en la industria con el lanzamiento de su

carrera independiente y su propio modelo de suscripción.

POR LEILA COBO

En el verano de 1997,

Noel Schajris llegó a

México desde Argentina

con 600 dólares en el

bolsillo, las ganancias de

la venta de su piano vertical. Había

dejado atrás a su madre enferma y

una incipiente carrera musical por la

promesa del estrellato como cantante

de una banda de funk mexicana.

El grupo no llegó a ninguna parte,

pero Schajris firmó como solista con

Sony México y lanzó su álbum debut,

Cita en las Nubes (Fecha en las

nubes), en 1999. Marcó el comienzo

de una carrera que ha durado dos

décadas y siete en solitario. álbumes,

así como cinco más como la mitad

del dúo Sin Bandera, nominado al

premio Grammy.

El sonido de Schajris, tanto solo

como con Sin Bandera, toma prestado

de diferentes épocas, tradiciones

y géneros, trazando un futuro que

cruza fronteras y generaciones en la

música latina. Sin Bandera, que se

traduce como “Without a Flag”, se

formó apenas un año después del

lanzamiento del debut en solitario

de Schajris. Junto al cantautor y

guitarrista mexicano Leonel García,

Schajris creó una forma única de

balada latina, con toques de jazz y

R&B, que muestra su tenor conmovedor

y lastimero.

Comenzando con De Viaje

(2003), el dúo colocó tres títulos

en el top 10 en la lista de Top Latin

Albums de Billboard, incluido

el campeón de una semana Una

Ultima Vez en 2016. El acto también

obtuvo cinco top 10 en la lista

Hot Latin Songs, liderado por el

éxito número uno “Mientes Tan

Bien”, que gobernó durante ocho

semanas en 2003. Schajris también

consiguió un top 10 en solitario en

álbumes de pop latino con Uno Es

Uno en 2009.

Si bien la pandemia de CO-

VID-19 retrasó los planes del vigésimo

aniversario de Schajris, también

lo abrió a nuevas empresas creativas.

“Fue un despertar”, dice. En 2020,

lanzó una plataforma multimedia en

su sitio web (noelschajris.fan) que

brinda acceso exclusivo a contenido,

mercadería, boletos, transmisión y

venta de álbumes a más de 500 suscriptores

mensuales.

“La pandemia me hizo darme

cuenta de dónde estaba parado y

dije: ‘Es hora de mudarse’”, dice. “Mi

objetivo era estar muy cerca de los

aficionados; para llevar todo de la

cocina directamente a ellos. Para hacer

eso, necesitaba tener mi propio

negocio “. Schajris todavía graba y

realiza giras con Sin Bandera, que es

administrado y reservado por Westwood

Entertainment y firmado bajo

la bandera de Sony.

Durante los últimos dos años, ha

sido totalmente independiente en su

propio sello Dynamo Productions,

que se distribuye a través de Altafonte,

con sede en España; y está dirigido

por Diana Rodríguez de Criteria

Entertainment, cuyos clientes

incluyen a Moby y Draco Rosa.

“Noel tiene un rango vocal espectacular,

y su dominio del piano,

así como su habilidad para componer,

crece día a día”, dice García. “A

través de los años, hemos llegado

a comprender la importancia sentimental

y musical que tiene este

proyecto, tanto para nosotros como

para nuestros fans. Nuestras carreras

en solitario le han permitido a Sin

Bandera alimentarse de nuestras experiencias

individuales”.

En octubre, Schajris comenzará

una gira por 15 ciudades por

América del Norte, promovida por

Sound Talent Group, en apoyo de

Mi Presente (My Present), un nuevo

álbum con 20 pistas. Mientras celebra

el vigésimo aniversario de su

debut en solitario, el compositor de

46 años habla sobre su fandom de

Elon Musk y por qué dejar atrás las

Grandes Ligas le permitió apostar

por sí mismo.

Has tenido éxito tanto como

solista como con Sin Bandera.

¿Cómo sucedió eso por

primera vez?

- Me estaba preparando para

componer mi segundo disco en solitario

y Leo [García] me dijo: “¿Quieres

probar algunas canciones? Sonamos

bien juntos “. Mucha gente pensó

que estaba loco por formar parte

de un dúo. Pero tuve conciertos por

toda la Ciudad de México, y cada

vez que invitaba a Leo a cantar conmigo,

recibíamos la mayor ovación

de la noche, tocando canciones que

nadie conocía. Sin Bandera fue diferente.

Al principio, la gente pensaba

que era aburrido: las canciones eran

demasiado largas, demasiado lentas;

no tenían un gran coro. Tomó un

tiempo, pero cuando explotamos,

realmente explotamos. El éxito es

mucho trabajo y es agotador, y Leo

necesitaba un descanso.

No había lanzado un álbum en

solitario y necesitaba explorar su

identidad. Y ahora, cuando miro

hacia atrás en mis 20 años, celebrando

tantas cosas, veo el crecimiento

de nuestras carreras en solitario y

Sin Bandera, y ambos brillan. Es un

momento hermoso para celebrar la

música.

¿Cuál es la mayor diferencia

entre los discos de Noel

Schajris y Sin Bandera?

- Es una exploración musical

diferente. Sin Bandera es balada y

R&B y un poco de hip-hop. Es una

tercera energía sónica que Leo y yo

solo generamos cuando nos juntamos.

Es imposible de explicar. Pero

es como el yin y el yang. Soy un

poco la sonrisa, Leo el ceño fruncido.

Históricamente, soy el tipo de

la melodía. Soy como Elton John y

él es Bernie Taupin. Pero cada vez

más, quizás no me estoy volviendo

“un pequeño Taupin” sino quizás

un “pequeño ‘Pin’”. (Risas.) Estoy

aprendiendo y adquiriendo más

confianza en mi composición, que

tiene que ver con la libertad de tener

mi propia etiqueta y tomando

mis propias decisiones.

¿Cuál es tu mayor activo

como compositor?

- Cuando se trata de escribir

canciones, soy un poco de la vieja

escuela. No entiendo esas canciones

que tienen 10 escritores. Una canción

es algo muy personal, muy del

corazón. Yo diría [que] como máximo,

cuatro personas pueden coescribir.

De lo contrario, es demasiado.

Es un proceso que debe tratarse con

mucho respeto.

Tienes tanto una carrera

independiente como una de

las grandes discográficas.

Eso es muy inusual en este

negocio, ¿no?

- Sí, y muy original, porque los

que rompemos con las mayores

solemos hacerlo al 100%. Quería

hacer lo mejor para mí. Quería explorar

mi carrera en solitario a través

de mi propia plataforma, pero

con Sin Bandera, todavía estamos

con una especialización. Tengo un

pie en los canales convencionales

y no estoy luchando contra lo que

funciona. Sony administra mi publicación

y estoy muy contento con

eso. El catálogo que he creado es

importante; es mi legado. Simplemente

miro la realidad y decido

cómo puedo administrar mejor mi

carrera en solitario, que es lo que

controlo al 100%.

¿Estabas preocupado por

dejar un contrato con una

gran discográfica?

- Lo pensé durante mucho tiempo.

No busqué otro acuerdo de sello

porque todos tienen la misma estructura

y filosofía. Lo que llegué a

comprender poco a poco, y especialmente

durante la pandemia, que nos

obligó a quedarnos en casa, es que

MARVIN

48 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


los programas representan entre el

70% y el 80% de mis ingresos.

Y ahí fue cuando me di cuenta de

cuánto genera mi música [para mí],

y no genera mucho. Estaba tratando

de hacer crecer esas métricas, pero

si no eres dueño de tus masters y tu

música, no obtienes mucho.

¿Cómo están tus ingresos

ahora?

- Sin Bandera genera entre ocho

y diez veces más ingresos. Después

de todo, he sido artista de grabación

durante 20 años, pero he sido

dueño de mis masters durante solo

dos. Como puede imaginar, existe

un catálogo importante de álbumes

y canciones exitosos que todavía son

administrados y pertenecen a Sony.

Pero si mi catálogo genera una gran

cantidad por mes, es posible que

solo obtenga el 10% de eso. Pero en

mi propia plataforma, lanzada hace

solo seis meses,

Consigo el 100%. La belleza será

cuando hablemos en un par de años,

podré decir que soy dueño de mi

catálogo y tengo más de 10,000 suscriptores,

y podemos tomarnos unas

excelentes vacaciones.

Para ir solo, también tenías

que construir un nuevo

equipo. ¿Cómo te acercaste

a eso?

- Algo que he aprendido en

los últimos años es que necesitas

un gerente que esté a tu lado y, si

quiere estar contigo, un apretón de

manos es suficiente. Si quieres hacer

algo, lo harás tanto si tienes un

papel firmado como si no. Cuando

tienes ese impulso y esa fe en un

proyecto, eso es todo lo que importa.

Tengo a Diana Rodríguez;

Manuel Vera, mi publicista, que

anteriormente fue mi gerente; y Altafonte

me distribuye. Todo es un

gran trabajo en equipo. Todas mis

relaciones en este momento se basan

en apretones de manos.

Su nuevo orgullo y alegría es

su sitio web, que funciona

como una plataforma multimedia

que ofrece un modelo

de suscripción. ¿Como

funciona?

- Nuestro equipo de ingenieros

lo construyó desde cero. Ricardo

Arjona tenía algo similar, pero en

realidad, construimos una plataforma

completamente nueva. En mi

caso, mi objetivo era estar muy cerca

de la afición y llevarles todo directamente.

Esa cercanía e interacción

ha sido fundamental. Ofrezco clases

magistrales de canto. Vendemos

camisetas. Si compra su CD, lo firmo

y se lo envío por correo. Es una

experiencia que nunca antes había

tenido. Hemos enviado unos 500

CD y unos 600 álbumes de vinilo.

Definitivamente hay nostalgia por

los formatos físicos y presto mucha

atención a los créditos.

¿Ha invertido mucho en esta

nueva empresa?

- Si. No puedo dejar de ver videos

de Elon Musk donde habla de sus

inversiones. Obviamente, no me

estoy comparando con Elon Musk,

pero seis meses después del lanzamiento,

las señales indican que vamos

en la dirección correcta. En mi

opinión, aquí es hacia donde se dirige

la industria. La cuota de mercado

de las indies está creciendo. Puedes

controlar tu contenido, conectarte

con tus fans y obtener un retorno de

lo que genera tu música.

Tienes cerca de 800.000

seguidores en Spotify y más

de 500.000 suscriptores

en YouTube. ¿Está aprovechando

esas audiencias

para hacer crecer la nueva

plataforma?

- Sí, pero también se trata de volver

a la realidad.

Ya sea que tengas 500, 600 o 1,000

personas que te siguen, es un logro

increíble como artista. Y esos 1,000

suscriptores en su plataforma son

iguales o mejores a un millón en

otros lugares. Puedes vender millones

de álbumes, como hicimos nosotros

[con Sin Bandera], pero lo que obtienes

después de avances y devoluciones

es mínimo. Lo que genero con mi

plataforma, mi producto y mi tienda

puede ser pequeño por ahora, pero

es mucho más gratificante porque me

acerca a mis fans y a mi arte.

¿Por qué este modelo de negocio

tiene sentido para ti?

- Como solista, me di cuenta de

que algunas personas estaban interesadas

en grandes cantidades de

dinero y no en desarrollar conceptos.

Hay una audiencia, y me voy a

conectar con ellos y voy a generar

números reales, no esos números

inflados que te hacen pensar

que cualquier video que tenga

menos de 200 millones de vistas

es un fracaso. Es una locura. Que

cualquier número de personas

vea y aprecie lo que haces es algo

increíble. Noel Schajris, el guerito

[chico rubio] de Sin Bandera es un

artista en desarrollo. A mi modo

de ver, me encanta la música en

cualquier formato o estilo, y tengo

la suerte de vivir de ello. Gracias a

Dios, lo he hecho durante más de

20 años.

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CLAUDIA BRANT

“Escribir una canción

es algo muy íntimo”

Presentó Manuscrito Delux, trabajo que cuenta con nuevas

grabaciones de sus éxitos más reconocidos como “Quién te dijo

eso”, “Ni rosas ni juguetes”, “Invierno” y “No me doy por vencido”.

argentina, radicada en estados unidos

hace 23 años, ha logrado diversos premios a lo

largo de su extensa carrea – Premio Grammy y

Grammy Latino, entre otros -, y se ha caracterizado

por formar parte en la composición de canciones

de álbum de grandes artistas.

Ahora, regresó para presentar Manuscrito

Deluxe, una nueva versión de su álbum de 2011.

“Estoy muy contenta con la salida del disco nuevo

y con el sencillo con Nahuel. Estoy trabajando,

como siempre, haciendo entrevistas y sesiones de

composición”, señala.

¿Cómo fue trabajar con Nahuel en

“Hojas del Viento”?

- Soy fan de Nahuel, yo lo conocía hace muchos

años, un amigo me había mostrado un video de él

y me voló la cabeza. Fui a Buenos Aires a visitar a

mis amigos y le mandé un mensaje por Facebook

diciéndole que lo quería conocer, me contestó

enseguida, arreglamos y vino para mi casa en

Buenos Aires, estuvimos toda una tarde juntos y

pegamos muy buena onda.

Después de eso me lo encontré varias veces

en los Latin Grammy, siempre nos quedábamos

charlando y hablábamos sobre hacer algo juntos,

pero por diferentes circunstancias no se había

dado. Hace como seis meses la gente de mi editorial

me comentó que Nahuel iba a ir a componer

un disco y me dijeron si no me gustaría juntarme

con él a componer por Zoom, a lo que dije que sí,

obviamente, nos conectamos e hicimos una sesión

junto a León Cuye, donde hablamos sobre de

qué sería la canción.

Nahuel dijo que le gustaría hablar de cómo

extraña a sus amigos y a toda la gente que quiere.

Me puse a llorar porque no solo era Nahuel con

su sensibilidad y su arte diciéndolo, sino también

era yo en Los Ángeles con esta rutina de que

dos veces por año me iba a Buenos Aires a ver a

la gente que más quiero y ya llevaba un año sin

poder hacerlo. Eso me pegó en un lugar muy particular,

así que escribimos esta canción hablando

sobre las cosas que nunca se van, sobre los lazos

que uno tiene aunque pase el tiempo. Hicimos

la canción y terminó no quedando en el disco de

Nahuel, pero yo la quería grabar igual así que se

lo plantee y la grabamos a la distancia, la producción

se hizo en Rio de Janeiro y finalmente se dio,

la amo profundamente.

¿Por qué decidiste incluir un dibujo

como arte de tapa?

- Yo tengo una relación muy cercana y particular

con Sergio Arauz. Él hizo la tapa de mi álbum

Por Capricho, lo admiro un montón, y cuando

decidí hacer la versión nueva de Manuscrito no

quería poner una foto mía, así que lo llamé, le

conté mi idea, le mandé algunas canciones y le

dije que haga lo que quiera. La primera tapa que

me mandó fue la de Manuscrito, la cabeza con

los jeroglíficos, y no hubo discusión de nada, me

pareció espectacular. Luego de eso hizo la tapa de

“Juntos”, “Hojas del Viento” y “No Me Doy Por

Vencido”, todos son dibujos diferentes y hermosos

que además los usamos para hacer el video

de “Hojas del Viento“, supongo que eso le habrá

llamado mucho la atención a la gente porque llevamos

una semana de que salió el video y tiene

algo de 70.000 views.

¿Cómo llevás ser tan sincera en esta industria?

- No es una tarea fácil porque hay muchísima

política y trastienda, decir siempre lo que uno

piensa y mantener la ética y la verdad no resulta a

veces el mejor condimento en la adecuación, yo te

diría que he sobrevivido casi 3 décadas de seguir

reciclándome y trabajando en la industria, hablando

a veces más y a veces menos, pero siempre

manteniendo mi lugar. Es algo altamente complicado

sobre todo en los tiempos que corren en los

cuales hay managers, abogados y otros integrantes

de la industria que a veces tienen ciertas prácticas

no tan convencionales, a los que uno tiene

que adaptarse pero cuando algo no le gusta, al

menos en lo personal, no te podes callar la boca,

entonces a veces se complica, pero he sobrevivido.

¿Fue fácil adaptarse a hacer colaboraciones

entre compositores?

- Vengo de una escuela en la que las canciones

se hacían de a uno, dos o tres, entonces para mí

que diez personas escriban una canción, que ni siquiera

tiene el nivel de una obra maestra en la que

se requería que haya tantas personas escribiéndola,

me parece absurdo.

Trato de estar en sesiones en las que no hay

más de cuatro personas, cuando hay uno que está

sirviendo café y otro que está en WhatsApp no

entiendo la relación de esa persona con lo que se

está haciendo. Creo que una canción no se puede

hacer con disez personas, ahí hay alguno que no

está haciendo nada, escribir una canción es una

cosa de artesano, yo no necesito sentarme con

Soledad o Diego Torres y veinte personas alrededor

y tampoco necesitaría sentarme con CNCO y

otras diez.

Lo que pasa es que algunas sesiones en particular,

en especial en el género urbano, hay mucha

gente, yo hago algunas de ellas, pero trato de que el

grupo sea más reducido. Si te fijas en las canciones

de Manuscrito, que son todas conocidas y estuvieron

en los charts, no hay ninguna que tenga más

de tres autores y yo tengo un catálogo entero de 60

canciones de Luis Fonsi y todas son mitad y mitad.

Escribir una canción es algo muy íntimo, uno debe

tener un contacto muy estrecho con el artista y se

necesita hablar casi como si se hiciera un psicoanálisis

para poder escribir la canción, eso habiendo

diez personas no se puede hacer.


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52 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


NOCHE DE

CAMPEONES

Papo, Stuart y Dtoke deslumbraron en el evento transmitido en vivo

a través del canal oficial de YouTube de Movistar Argentina.

En la quinta edición del movistar

Fristyle, el público disfrutó de la destreza

y habilidad de los traperos más

importantes de nuestro país: Stuart,

Papo y Dtoke, juntos lograron una

explosión de rap deslumbrando la atención de

miles de personas que lo vieron desde todos los

puntos del país.

Por primera vez en el rol de host en un FriStyle,

Dtoke se lució atrevido y dinámico. Fue el encargado

de presentar a sus amigos, juntos se divirtieron

y rieron sin parar durante toda la velada,

y recordaron anécdotas de los distintos freestyle

de los que han participado. Se lo vio cómodo

sorteando el desafío de animar esta edición con

rapidez para que cada momento fuera una fiesta

repleta de emociones.

La presentación inicial fue para PAPO, que es

parte de la elite consagrada del freestyle competitivo

hispanohablante, además de ser un reconocido

influencer digital creador de contenido rapero

para YouTube y Twitch con millones de reproducciones

y vistas. Como si esto fuera poco, participó

junto a Trueno en la segunda edición del Movistar

FriStyle que fue un verdadero éxito.

Luego fue el turno de darle la bienvenida a

STUART, campeón en la última edición de la

FMS Argentina. Es uno de los mejores freestylers

y raperos de la Argentina, y su destreza se caracteriza

por el ingenio en sus respuestas.

El show se inició en el momento que Dtoke les

propuso que comiencen con una improvisación

compuesta de palabras que los fans compartían

y la temperatura del Movistar FriStyle comenzó

a subir sin escala. Luego con el “Piedra papel o

tijera”, fue la antesala para ver quien daba comienzo

al trapeo usando 12 palabras extraídas

del ping pong.

Luego, la transmisión tuvo su toque mágico

y emocionante cuando poco a poco se fueron

develando videos y fotos retro de los artistas generando

un clima ideal para charlar de recuerdos

cargados de anécdotas divertidas. Pasado

este momento, Dtoke propuso cortar y tirar más

leña al fuego y hacer que el ambiente cambie por

completo con el juego “Adivinar el personaje” y

cada uno de los participantes rapeó utilizando

12 palabras hasta que adivinaron de quién se trataba.

Para cerrar la quinta edición del Movistar

FriStyle, Stuart y Papo fueron sorprendidos por 2

videos de amigos de ellos, donde los saludan y les

dejan a cada uno, una pregunta picante para que

respondieran. Si querés ver como terminó, no te

lo pierdas ingresando en Movistar Fristyle 2021.

Este es el comienzo de más ediciones del Movistar

FriStyle que se irán dando a lo largo del año

para traer entretenimiento y música al público joven.

Con este tipo de acciones, la marca acerca de

manera gratuita entretenimiento y diversión llegando

así a los jóvenes de todo el territorio argentino,

logrando una mayor identificación, afinidad

y acercamiento y confirmando al freestyle como

un movimiento musical que convoca multitudes

en todo el mundo. •

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54 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


LAS PELOTAS / GERMÁN DAFFUNCHIO- GABRIELA MARTÍNEZ

“El álbum es una forma de

mantenernos vivos”

“Versiones Desde Casa” es un trabajo compuesto de ocho canciones propias

en formato acústico y grabadas a la distancia, que la banda realizó durante

los meses de cuarentena.

POR SANTIAGO TORRES

Alo largo de sus

más de 30 años de

carrera, Las Pelotas

ha llegado a presentar

18 álbumes entre

grabaciones de

estudio, shows en vivo y recopilaciones.

A principios del 2020, antes de

que el confinamiento llegara a la Argentina,

presentaron Es Así, álbum

compuesto por 10 tracks entre los

que se encuentran “Mira”, “Ya Lo Sabes”

o “Díselo”, entre otras, que aún

no pudieron presentar formalmente

en un show.

A lo largo del año, afectado por

el confinamiento, el grupo estuvo

trabajando desde sus casas para

traer un nuevo disco: “Versiones…”.

Sobre esto hablamos con la voz y

guitarra, Germán Daffunchio ,y con

la bajista de Las Pelotas, Gabriela

Martínez.

¿Grabar es la mejor manera

de estar activos en este contexto?

- Germán Daffunchio: Claro que

sí. Es una forma de mantenerse activo

y vivo, si no te aplasta la realidad.

- Gabriela Martínez: Es una forma

de atravesar esta pandemia tan

compleja, en la que habíamos quedado

todos tan aislados y de poder

compartir, estar cerca y despejar la

cabeza de todo lo que pasó.

¿Se ha emparejado el nivel

de audio que se puede

lograr desde las casas a un

estudio profesional?

- G.D.: Que el disco sea acústico

es una consecuencia de los desafíos

que teníamos que enfrentar

para hacer el proyecto. Gustavo

no podía grabar la batería con

muchos micrófonos.

Que el audio esté bien, también

quiere decir que algo aprendimos

con los años.

- G.M.: Somos bastante obsesivos

con el sonido. Y como decía

Germán, a través de los años y de

los discos hemos ido aprendiendo

a identificar qué es lo que queremos

buscar, y tenemos más claro

cómo llegar a ese objetivo, que antes

quizás perdíamos mucho tiempo en

eso… o bueno, quizás tampoco teníamos

una buena guitarra acústica.

También escuchamos otros

sonidos como arpas…

- G.D.: En “Víctimas del cielo” el

arpa la grabó Soni en su casa y nada

más, es todo magia lo nuestro (ríe).

¿Qué opinás Germán de

esta generación nueva que

hace música con elementos

tecnológicos?

- G.D.: Cuando éramos chicos con

Ale [Alejandro Sokol], usábamos

grabadores: tocábamos y grabábamos

arriba de lo anterior. Ahora es

mucho más fácil poder hacerlo. Hoy

ser artista, dedicarte a ser músico, es

otra cosa, de todas maneras, podés

tocar sobre bases pero tenés que

tener talento y un gran espíritu de

lucha y sacrificio.

¿Qué tan presente lo sintieron

a Sokol durante el

armado del álbum?

- G.D.: ¿Por qué pensás que está

presente? En realidad, una persona

que se fue de este mundo te aparece

en cualquier momento no solo

cuando estás grabando. Si la pregunta

refiere a la selección de temas,

fue una cuestión más emocional y

espontánea que otra cosa. Buscamos

a ver qué temas nos caían mejor

para reversionarlos por una cuestión

netamente de gustos. Hay temas

más fáciles de elegir porque son más

fáciles de reversionarlos y otros que

no. El único tema que agarramos de

la época de Ale es “Bombachitas rosas”,

que en una época hacíamos una

versión parecida a la que sacamos

pero la hacíamos cargando al mismo

tema, imitando a Julio Iglesias. A

esa canción le hacíamos cualquier

cosa, según el estado de ánimo. La

que presentamos ahora, es una versión

te diría de cuarentena, porque

si algo representa “Bombachitas…”

en los shows es un momento en que

la gente explota y salta y se crea toda

esa cosa. Entonces, esta versión es

para escucharlas entado, tiene más

melancolía y con otro fondo de la

original.

- G.M.: Respecto a la elección de

los temas, creo que lo único que

teníamos claro es que no fuesen

canciones del último disco porque

no había ni llegado a presentarse; es

como que estábamos compitiendo

con nosotros mismos, de hecho, ya

es extraño lanzar un disco cuando

todavía no se presentó el otro.

¿Cómo se vinculan este y su

álbum anterior a la hora de

armar lo que será su show

en vivo?

- G.M.: En realidad, teníamos preparado

un set acústico para el show

de abril, estábamos en el armado de

hacer una parte acústica.

G.D.: Igualmente es una visión muy

optimista pensar en presentar el

disco, porque me parece que todavía

falta mucho tiempo para poder

pensar en un mundo más o menos

parecido al que teníamos, al menos

al nivel de un show con gente pudiendo

saltar delante nuestro.

¿Los shows que ya se hacen

en España o Estados Unidos

son la antesala de lo que sucederá

pronto en Argentina?

- G.D.: Ojalá, esperamos algún

día volver a tocar, después veremos

cómo armamos. Hay muchas ganas

acumuladas, imagínate: cuando

estuviste toda tu vida tocando y de

golpe nos encontramos recluidos

sin poder hacer nada. Por eso el disco

es una gran terapia que hicimos

como banda en la que nos entretuvimos

desafiándonos a nosotros mismos.

Además, de la misma manera

que fue una terapia para nosotros,

buscamos que fuera una terapia para

los que están encerrados en sus casas.

Sobre el show, seguramente la

parte acústica que teníamos pensada

para tocar en el Hipódromo ahora es

mucho más grande, y ahora… va a

ser más difícil elegir los temas (ríe).

¿Como banda le encontraron

algún aspecto positivo a este

parate?

- G.D.: Lo de descansar y bajar

un cambio puede ser que te haga

bien los primeros tiempos para no

deprimirte. El viaje interno de cada

uno lo tuvimos los primeros meses

pero después llegó un momento

que la realidad te aplasta. Te empieza

a trabajar la cabeza, porque ¿de

qué vivimos? Necesitamos tocar, es

la fuente de alimento de un montón

de familias. •

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MYA

¿Cómo se dio este remix?

- Agustín: No lo podemos creer todavía, TINI

y Duki son dos grandes artistas, los admiramos

mucho. Se dio cuando menos lo esperábamos. Una

noche nos juntamos con amigos a comer algo y tocar

la guitarra. Estaban Enzo, FMK, estaba el Duki

también. Como siempre, post mesa sale la guitarra

y nos ponemos a tocar temas acústicos de fogón,

nos escanta ese plan. Ahí Duki se re copó con lo

que hicimos, tocamos “2.50”, le re gustó y tiró un

freestyle. Después de eso pensamos en hacer el remix,

había pasado un año de la original y nos pareció

bueno que tome vida de nuevo, con condimentos

nuevos. A los dos días nos metimos al estudio

con Duki, que la rompió toda y grabó sus partes.

Con eso grabado se lo mandamos a TINI, que tenemos

una relación de muchos años de amistad,

de compartir escenarios y estar pendientes mandándonos

canciones. Le mandamos la versión, le

re gustó y se sumó también. Pasó todo muy rápido,

pero estamos muy felices de cómo se dio.

¿Se siguen sorprendiendo?

- Maxi: Por supuesto, sí. Nunca habíamos tenido

una sorpresa tan grande como la de “2:50” (remix)

y todas las sorpresas, sean del tamaño que sea, si

simplemente un artista nos dice “Qué buena canción”,

todo. Vivimos con mucha alegría todos los

pasos que damos. Si bien tenemos cuatro años en la

industria – para mí poco tiempo – todavía estamos

por lanzar nuestro segundo álbum y tener reconocimiento

con alguna canción o generar esta conexión

con gente es muy importante para nosotros.

¿Se imaginaban compartir un tema

con Duki?

- Agus: Uno sueña muchísimo con seguir

compartiendo la música y hacer canciones con

otros artistas. Admiramos una banda a Duki,

es el abanderado del trap, un movimiento muy

grande que puso a Argentina en otro lugar. Este

es un caso más de que no hay que encasillarse en

un estilo, se pueden combinar tranquilamente.

Hoy en día estamos viviendo una época muy linda

con las colaboraciones, con canciones que se

comparten entre tres, cuatro artistas que se unen

y hacen crecer mucho la canción, por el estilo y

la cultura de cada uno. Estamos muy felices de

habernos unido a TINI y Duki y creo que nos

combinamos muy bien los tres.

“ Vivimos con mucha alegría

los pasos que damos”

A un año de su versión original, el dúo convocó a TINI y Duki para

el remix de “2:50” logrando su mejor ubicación histórica en los charts.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

una fórmula explosiva: de eso se trata “2:50

(Remix)”, la nueva canción del grupo. A un año

del lanzamiento que posicionó a Maxi Espíndola

y Agustín Bernasconi como una de las propuestas

más sólidas del género urbano en Argentina, llega

la nueva versión, que ya se encuentra en el 5º del

Billboard Argentina Hot 100. Para esta nueva

entrega, MYA reclutó una vez más a sus productores

aliados Mapache & Mosty y además sumó

a Big One, productor y amigo que también colaboró

en otras canciones de su segundo álbum,

próximo a salir.

Ya hablamos de 2:50, hoy llega el remix…

- Maxi: Hace un año que sacamos “2:50” original.

Nos marcó muchísimo y no esperábamos

el remix, se dio de forma orgánica y lo estamos

disfrutando a pleno.

¿Qué es lo que más les gusta de hacer

música hoy?

- Maxi: Elegiría siempre la actualidad. Hay un

nivel de globalización, de compañerismo y de

fusión increíble. Hoy en día las colaboraciones y

la actitud de los artistas de querer hacer música

juntos, reunirse en el estudio, buscar cosas nuevas

y mezclar estilos es muy enriquecedor para la música

en sí. Hace unos años se hablaba de que en

el género urbano “era todo igual”, pero siento que

hay muchísimas inyecciones de otros estilos combinándose

ahí y crece cada vez más.

¿Qué le aportó esta canción a MYA?

- Agustín: Siempre decimos que es de nuestras

canciones preferidas. Creo que es la preferida. Justamente

porque sentimos que apareció en un momento

clave del grupo, a aportar algo que necesitábamos,

una canción que nos defina 100% como somos:

cantantes de música romántica, melódica, del género

urbano. Estábamos buscando esa combinación,

tener una canción con una linda letra, que podamos

defender tocando con la guitarra, pero que tenga esa

inyección de lo urbano que te haga bailar un poquito…

y apareció en un momento clave.

¿Qué sigue?

- Agustín: Obviamente ahora estamos a full

disfrutando “2:50” (remix), haciendo la promo,

muy agradecidos con todos los medios que nos

están abriendo las puertas para que la canción

siga creciendo; pero ya estamos pensando en lo

que sigue: se vienen nuevas canciones, se viene el

álbum, los shows. Vamos a estar en Buenos Aires,

Córdoba, Rosario y Tucumán. Quizá agreguemos

fechas en otras provincias, pero estamos con nuevas

cosas que se vienen. •

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NOBEAT

¿Cuál fue la primera vez que escuchaste

a Khea?

- La primera vez creo que fue cuando salió

“Loca”, hace años ya. Personalmente, hace más de

un año en Miami, la química entre los dos es muy

buena. Tenemos canciones guardadas incluso,

“Medio Crazy” surgió de todo ese proceso, tenemos

una relación bastante real. Fuera del estudio

también compartimos mucho tiempo, vamos juntos

“molestando” por las calles de Miami (risas)

Los imagino en el mismo peluquero…

- Totalmente, él me dijo “tienes que hacerte

trenzas, si no, no grabo contigo” (risas). No, mentira,

no me dijo eso pero sí me dijo que me haga

las trenzas para combinar en el videoclip.

¿Qué tiene Colombia que surgen tantos

artistas de estilo urbano?

- Creo que Colombia tiene mucho folklore,

mucha música y mucha diversidad. Uno crece

con eso inconscientemente y desde pequeño ya se

le van pegando los diferentes estilos y los diversos

géneros musicales. En mi caso, que soy de la

costa, tenemos una vibra más de playa y relajada,

más extrovertida.

¿Cómo es tu proceso de creación tanto

como cantante como productor?

- Siempre estoy pendiente de todos los puntos

de la canción. Algunas veces empiezo desde la

composición, otras desde la melodía… Como

conozco tanto el programa y las notas musicales,

a veces armo la canción entera en mi cabeza y

después solamente lo bajo a la realidad. Mi cabeza

está muy programada a siempre ser parte de las

dos cosas, igualmente estoy completamente abierto

a trabajar con otros productores. El proceso

es chévere, ser parte de todo, qué mejor que uno

mismo para elevar lo que tenemos pensado en un

principio.

“ Soy fanático de todo lo

pasa en Argentina, haría

colaboraciones sin parar”

El artista colombiano presentó “Medio Crazy” junto a Khea,

compañero en Interscope Records.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

ganador de una beca otorgada por los

Grammy en 2015, estudioso de la música clásica,

productor y cantante. Estas características han

hecho que Nobeat sea uno de los nombres más

relevantes dentro de la música urbana en estos

últimos años, habiéndose sumado a Interscope

Records y producido canciones como “Ayer Me

Llamó Mi Ex”, de Khea.

En esta ocasión, el colombiano volvió a reunirse

con Ivo para presentar “Medio Crazy”, su último

lanzamiento y que ya cuenta con más de 2.8 millones

de reproducciones en su canal de YouTube. “La

química entre los dos es muy buena. Tenemos canciones

guardadas incluso, surgió de todo ese proceso,

tenemos una relación bastante real”, afirmó.

¿Estás contento con la recepción de

“Medio Crazy”?

- Claro que sí, va súper bien. La gente la ha

apoyado bastante y los comentarios son realmente

positivos. Es el comienzo de una nueva etapa,

desde aquí darle las gracias a Khea por unirse. Lo

que viene también está durísimo.

¿Cuán importante es estudiar la teoría?

- Hoy no es tan necesario gracias a la tecnología.

La mayoría de los programas te ayudan a

armar una melodía o secuencias de nota sin la necesidad

de saber mucho. Sí tengo que ser sincero

con que la música es música, uno necesita saber

qué son las notas, una melodía, un acorde… Sobre

todo si son productores importantes.

Saber de música es un bonus enorme, a mí por

lo menos me acelera el proceso de una forma increíble.

El día de mañana, voy a hacer una pista

para mí o para otra persona y puedo estar seguro

de lo que está sonando, un “do”, un “re”, tenemos

un bajo por ahí, meto eso por el otro lado… Me

gusta saber dónde voy a pisar y cómo voy a pisar,

como si fuera un chef, no voy a ponerme a probar

todos los ingredientes antes de mezclaros, ya hay

que conocerlos.

Si uno va a una sesión, la canción tiene que

estar en cuatro o cinco horas, como productor no

podemos estar ese tiempo solo haciendo un beat.

Cuando voy al estudio en Miami y me cruzo con

otros productores que la están rompiendo pienso:

“Tengo que sacar un beat en 20 minutos, no puedo

tardar más”. Imagínate no saber de música y

tener que probar nota por nota con esa presión de

tiempo, es imposible.

¿Tenés algo en mente con otro artista

argentino?

- Soy fanático de todo lo pasa en Argentina, si

fuera por mí haría colaboraciones sin parar. Tengo

un par en mente pero no están pisadas ni concretadas,

pero hay varias cositas pensadas que quisiera

seguir haciendo con artistas argentinos. •

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SILVESTRE Y LA NARANJA

“Nos motiva que

esté renaciendo una

nueva escena”

la pre pandemia?

- Estamos acostumbrados a tocar los temas que

venimos ensayando cuando salen los discos. Históricamente

era así. Ahora medio que se nos está

juntando un poco todo, porque el disco anterior

tampoco lo pudimos tocar mucho.

ANIM4LES es de 2019, no tuvieron muchas

chances de tocarlo

- Justo: ¡No! Tuvimos un verano nada más

para moverlo que ni siquiera. Tuvimos un show

de fin de año, una girita sureña y después estábamos

arrancando el 2020 con toda la intención

de tocarlo con toda y bue… A dos semanas de

que arranque la cuarentena teníamos dos shows

y ahí quedaron.

¿Cómo suelen componer?, ¿primero

música y después letras?

- Fran: En general se nos va dando la música

antes que la letra. La letra siempre es lo que

más trabajo nos llevó, cada vez le estamos dando

más bola y las trabajamos a la par. Pero históricamente

siempre es así. Este disco fue maqueteado

antes de ser grabado, no pudimos ni ensayarlo,

fue pandémico, a los bifes. Recién ahora estamos

ensayándolo. Estamos en ese proceso, trabajando

la letra lo antes posible, darle la importancia

que merece desde el principio, aunque después

la tiene. Pero a veces uno después se ve forzado a

encajar la letra en la melodía, quizá si uno la lleva

a la par fluye más naturalmente.

Después de preparar el terreno con cuatro singles lanzaron

“Supersticiones”, un álbum de diez canciones donde colaboran Goyo

Degano de Bandalos Chinos y Esmeralda Escalante de AINDA.

POR WALTER GAR

supersticiones está compuesto por canciones

producidas por ellos mismos, grabadas

durante 2020 en Estudios Aguaribay, NN y NAK,

mezclado por Nicolás Kalwill y masterizado por

Carlos Laurenz.

Si bien aguardan con ansiedad al momento de

salir a los escenarios, la banda es consciente de

que está en un contexto único para hacer música.

“Nos motiva que esté renaciendo una nueva escena

en manos de una nueva generación”, confiesa

vocalista del grupo nacido en Pacheco, Provincia

de Buenos Aires durante el 2011.

¿Cómo se sienten con el lanzamiento

de este nuevo álbum?

- Justo: Estamos ahí en el post disco, recontentos.

Tuvo buena respuesta, estamos con muchas

ganas de tocarlo. Así que mostrándolo de todas

las formas que podemos, pero re-manijas. Por un

lado, el post disco es una sensación de alivio, de

que el trabajo más fuerte ya se terminó; y por otro

hay una ansiedad de moverlo para que la gente lo

escuche. Estamos en eso.

¿Qué cosas cambiaron con respecto a

¿Cómo eligieron los feats?

- Fran: La participación de Goyo pintaba para

este tema, nos debíamos una colaboración con

él, medio tácitamente porque nunca lo habíamos

hablado, pero estamos bastante hermanados con

los Bándalos. El tema pedía que se sume Goyo, es

bailable y el Goyo nos hace bailar. La grabamos

en plena pandemia, en agosto del año pasado,

vernos en ese contexto fue hermoso. Ponernos al

día, tener esa energía. Lo de Esme fue lo último

que grabamos en el disco, faltaba ese toque femenino,

el disco lo necesitaba. Quisimos un color

que salga de la paleta de una banda de pibes. Creo

que la escuchamos en un registro más grave al

que solemos escuchar, muchos no la reconocían.

Es la primera vez que hicimos feats y quisimos

que sean lo más orgánicos posibles. Abrimos la

puerta a las colaboraciones y nos gustó.

¿Qué tienen pensado para cuando puedan

tocar en vivo?

- Justo: Estamos súper atentos a ir al acecho

cuando se abra la ventana. Es muy distinto todo,

los shows, todo. Pero estamos dispuestos a mover

el disco con los medios que tenemos, todos

los espacios, redes, esta charla. Tenemos muchas

ganas de salir a tocar apenas podamos, estamos

aprovechando el tiempo que tenemos para ensayar

y para componer el próximo disco.

- Fran: Yendo a la teoría de la fácil cancelación,

queremos arreglar y anunciar fechas cuando

sepamos que va a poder ser. Pero somos optimistas

con la primavera y cuando sea, pero creo

que van a ser shows divertidos, así que estamos

a la espera. •

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SOFÍA VALDÉS

“ Me siento

vulnerable

cuando canto

en español”

Luego de presentar su EP debut,

la artista panameña presentó una

versión de “Amsterdam” en español.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

sofía se conecta a la videollamada desde

la calidez de su hogar en Panamá. Es una de esas

artistas beneficiadas por la pausa global que trajo

la pandemia. Luego de una reconexión con su

familia y amigos después de un largo tiempo, dejará

su país para subirse a los escenarios. Además

de sus futuras presentaciones en el Lollapalooza

y el Austin City Limits, Valdés fue invitada por

el también latino Omar Apollo para abrir su tour

por Estados Unidos.

Durante 2020 comenzó a mostrar su música:

dio a conocer los adelantos “Little Did I Know”,

“Handful of Water” y el cover “The Sweet Escape”

(Gwen Stefani). En 2021, adelantó “So Lonely”

y finalmente presentó su EP debut, Ventura.

Ahora Valdés rinde homenaje a sus orígenes

hispanos y presenta una versión en español de

“Amsterdam”, canción parte del EP. “En Panamá

“Amsterdam” era la favorita y yo quería darles

algo de vuelta”, relata. “Me siento mucho más

vulnerable cuando canto en español”, confiesa.

Si te decían hace cinco años que ibas

a estar preparándote para el Lollapalooza,

el Austin City Limits, el tour de

Omar Apollo… ¿Te lo creías?

- Hace cinco años tenía 15, 16 y juraba que iba

a ser Hannah Montana. No tenía el sense of reality

de lo que era estar en la industria. Recuerdo

que a mis 11 años hice un cuaderno con cada

año y las cosas que iba a hacer por año. Lo tengo

hasta los 22. Todo lo que puse, pasó en el tiempo

que definí. Sofía a los 11 años era mucho más

segura que Sofía a los 21. En cambio, a los 19 yo

iba a dejar de hacer música. Estaba en un momento

muy difícil, estaba en Inglaterra y nada

funcionaba. Iba a dejar la música y volverme

profesora de yoga. Puse mis papeles para dejar

la escuela y al día siguiente estaba cantando mis

canciones en un lugar y alguien de la industria

me reconoció e invitó a quedarme. Pasó de la

nada. He tenido mucha suerte, de verdad me iba

a hacer profesora de yoga.

¿Qué aprendiste de cantar en español?

¿Es un primer paso o algo de una vez?

- Me siento mucho más vulnerable cuando

canto en español. Por eso me gusta más cantar

en inglés porque siento que hay un character

más que yo. Cuando estaba cantando en español

siento que es demasiado, muestro mucho. La

traducción la hice porque no tenía una canción

en español en el EP y porque en Panamá “Amsterdam”

era la favorita y yo quería darles algo

de vuelta. La sacamos bien, estoy muy contenta;

pero para el futuro… siento que el idioma

español es tan rico y para algo tan simple hay

muchas formas de decir. Mis dos artistas escritores

latinos favoritos son Jorge Drexler y Natalia

Lafourcade. Es poderoso cómo escriben. Es algo

que quiero hacer, pero lo tomo a tiempos. Es un

craft, lo quiero hacer y lo quiero hacer bien.

La canción comienza con un poema de

Borges, ¿de dónde salió la idea?

- Mi mamá me recitaba ese poema de chica y en

la escuela también lo hacían. Ese poema del mar

me recordó mucho al primer amor: la primera vez

que ves algo, el cielo, el mar. Conecté mucho con el

poema y quise ponerlo en la canción. Le planteé al

productor poner un poema y al otro día el productor

me preguntó por “El Mar” de Borges. Los dos

pensamos el poema aparte, fue súper cósmico. Lo

pusimos y quedó súper bien. Era una idea extraña

sumada a los aplausos de la canción.

¿Te gusta trabajar en equipo?

- Me gusta mucho. A veces me cuesta en ciertas

cosas porque el business de música es completamente

diferente al arte de música. A veces a un

artista, tan sensible y “loco”, que vive en su mundo,

alguien emocional; choca con alguien más racional,

más business. La gente con la que trabajo

ha sido súper paciente conmigo, tengo la suerte

de trabajar con gente abierta a mis ideas.

¿Qué cambió en vos?

- Creo que me da menos miedo pisar firme.

Creo que me siento más cómoda con guiar mi

trabajo. Creo más en mi visión, en los sonidos

que me gustan, en la música que estoy creando

y en mí misma también. Suena súper cliché,

pero eso de que nunca sabes qué puede pasar es

la cosa más real que escuché en mi vida entera.

Todavía me siento esa niña de 11 años escribiendo

sus deseos en un papel y hoy en día me

parece algo muy loco que cosas así puedan pasar.

Obviamente hubo mucho esfuerzo y perdí

muchas cosas intentando llegar a esto, pero sí se

puede y es una locura pero en verdad hay formas

de llegar a los sueños tan grandes y extraños

que tenemos. •

GENTILEZA WARNER

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LENNY TAVÁREZ

“Hacer colaboraciones es mi universidad”

Luego de anticiparlo en tres entregas o “seasons”, el cantante, compositor, bailarín y productor

discográfico puertorriqueño presentó “Krack Season 4”, culminando así su nuevo álbum Krack.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

tavarez define al título de la obra como

un modo de pensar, como una forma de cristalizar

su experiencia como artista: “Cuando buscas ser

lo mejor de ti todos los días. Estás todo el tiempo

tratando de perseguir eso, luchas todos los días y te

conviertes en la mejor versión de ti, en un crack”.

Krack consiste en 14 canciones: 10 de ellas son colaboraciones

junto a artistas de América Latina.

La primera temporada trajo los éxitos “La Pared

360” junto a Justin Quiles; “La Mujer Traiciona”

con Beéle; “Acerola” con Cauty y Rafa Pabón

y “La Neta”. Para la segunda temporada, lanzó

“Discípulo” con Dalex; el video musical “A 100”;

“TBT” con Brytiago y “Enfermo de Riqueza”, con

Natanael Cano y Ovi.

Más adelante, la temporada tres de Krack incluyó

la colaboración con Zion & Lennox “Me

Enamora”, “Sorpresa” y “Rutina” junto a Alexis

y Fido y Kevvo. En esta última entrega, Tavárez

presentó “Lo Tengo Todo”, “Kush” y el junte con

Nicky Jam, “Imagínate”.

¿Por qué Krack?

- Krack para mí se convirtió en una manera de

pensar. Creo que es como una mentalidad, una

forma de ser. Cuando buscas ser lo mejor de ti

todos los días. Estás todo el tiempo tratando de

perseguir eso, luchas todos los días y te conviertes

en la mejor versión de ti, en un crack.

Le puse así también porque para un puertorriqueño

es algo muy negativo y oscuro, el estancamiento

en drogas. Para mí, como puertorriqueño,

que me empezaran a decir crack luego de viajar

para empezar a perseguir mi sueño, por una razón

totalmente distinta, era ilógico. ¿Cómo puede

representar algo tan negativo cuando yo soy lo

opuesto? Lucho, trabajo, me esfuerzo: representa

lo mejor de mí. Descubrí que luchando y dando

lo mejor de ti puedes transformarte de algo totalmente

oscuro a algo totalmente brillante.

¿Qué le dirías al Lenny de los comienzos?

- A lo largo de mi carrera y mis dificultades, a

pesar de tener mi familia o pareja no me sentía

solo, no tenía razones para sentirme solo. Perseguir

la fama te va a costar, porque tienes que

entender a dónde vas, tu propósito, tienes que

buscar algo que te llene más allá del dinero. Está

probado que el éxito no tiene nada que ver con

eso. Le digo a todos que empiecen a tratar de crecer

espiritualmente lo más que puedan, que busquen

conectar, perseguir su sueño de una forma

no material. Cuando mueres haciendo algo que te

gusta no se hace un trabajo. Buscándome internamente

me encontré con Cristo, con Dios. No

hago nada sin ponérselo en las manos, siento que

ha sido la fuente de energía más positiva que he

encontrado en mi vida.

¿Qué se siente hacer música con

colegas, amigos?

- Colaborar es, para alguien como yo, entender

que no me las sé todas. Hacer colaboraciones

es mi universidad, es la única manera que tengo

de crecer, de entender otra música, otra cultura,

otras vivencias. De donde yo vengo, no viene

Rauw Alejandro, no viene Nicky Jam, a pesar de

que somos boricuas. Imaginemos con Cazzu,

Paulo Londra. Estas colaboraciones son mi universidad

dentro del género, me gusta más colaborar

que hacer canciones solo. Cuando me invitan

a colaborar, siempre quiero hacer que la canción

conecte más con más gente. Digo “¿qué falta decir?,

¿qué puedo decir?, ¿le falta sexualidad?, ¿le

falta picardía?, ¿le hace falta seriedad?”. Busco

complementar lo que había. Es una lotería, nunca

sabes bien cómo lo tomará el público.

¿Qué es lo que te motiva a seguir?

- El hecho de que estoy vivo. Que respiro. El

mundo no para de girar y yo tampoco. Tengo

mucha hambre, qué más puedo hacer, en qué me

puedo convertir. Es una lucha inalcanzable por

seguir experimentando de qué estoy hecho, cuántas

cosas positivas más puedo aportarle al mundo,

más allá de música o el entretenimiento. La música

es solo el carrito que me permite conectar con

la gente, pero creo que detrás de eso vienen muchas

cosas para hacer. Falta mucha música, colaboraciones,

juntes que mis seguidores están esperando.

Yo vivo para eso, vivo para vivir experiencias

diferentes toda mi vida, componer y tratar de

dejar un mundo mejor que el que encontré.•

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DREFQUILA

“ Este álbum me sanó”

Su nuevo trabajo “Aunque Estén Todos

Mirando”, es un EP con seis canciones

que incluyen “Buenos Días” con el artista

argentino Bhavi.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

drefquila comenzó su carrera musical en

la escena del freestyle chileno hace ya cinco años

– momento de sus primeros videos en YouTube -.

A lo largo de estos años, ha colaborado con artistas

como Duki, en “Sin Culpa”, hoy en día con más de

130 millones de reproducciones en YouTube, Bhavi

o Polimá WestCoast, entre muchos otros.

¿Qué significa “Sin Culpa” para ti?

- Para mí “Sin Culpa” es la consagración de la

amistad con Duki, de decir “lo logramos”. De haber

hecho cosas en la calle batallando a un Spotify

Camp en Miami, sabíamos que era un hitazo, es

una locura completamente. Es el lanzamiento más

explosivo que he tenido en toda mi vida, estoy

muy agradecido con Duki.

¿Te consideras un puente entre Chile y

Argentina?

- Siento que tengo muchas historias con Argentina,

una de mis batallas más conocidas es

con Kodigo, de mis mejores amigos del freestyle

es MKS… Con Paulo estuvimos de gira… Los

conozco a todos desde antes de la fama. Disfruto

mucho de su trabajo porque viví la transición del

freestyle a los escenarios.

¿Se hizo difícil grabar el años pasado?

- Es un disco muy necesario, me mantuvo con

la mente activa explorando. Nace de querer innovar

y querer hacer algo nuevo, quería romper

barreras. Ya rompimos la barrera del freestyle a

la música, así que ahora quiero romper la barrera

dentro de la propia música. Este álbum me sanó

musicalmente, fue el mejor tiempo invertido de

toda la pandemia.

“Agüita de Horchata” sorprende…

- Tal cual, quise traer un poco más de música a

la música. El trap tiende a ser muy digital así que

quise pasar por ese filtro de llamar a músicos y

hacer que la arreglen como corresponde.

Se te ve activo en Tik Tok

- ¡Sí! Me lo armé por una cierta presión social

porque si no estás activo en todas las plataformas

te quedaste en el pasado

¿Vives con esa presión?

- Alto punto hermano. En el freestyle uno se

pone nervioso el día del evento pero va, batalla

y listo. Ahora no, todo depende de ti y de

lo que puedas hacer. Creo que la mayor presión

que vivimos es superar lo que ya hicimos.

Un hit es fácil pero es muy difícil mantenerte

y seguir superándote.

La colaboración con Bhavi fue de lo mejor

en cuanto a recibimiento, los comentarios

fueron: “Necesitábamos esto”.

- Se volvió loca la gente. Con Bhavi nos mandábamos

cosas desde 2018, hasta salí en su último

álbum. Calzaba mucho con el proyecto, era el mensaje

de “ser tú mismo aunque estén todos mirando”.

¿Qué diferencia encuentras con el DrefQuila

batallero?

- Es una diferencia abismal hasta en actitud.

Aquel Dref era tranquilo, reservado, no se metía

en nada… Ahora no, es totalmente distinto, tengo

que estar, soy metódico, más serio… Al Dref

antiguo no le cambiaría nada, ojo, fue necesario

para poder vivir este arco de personaje, como si

fuera un animé.

¿Por qué seis temas en este EP?

- La verdad es que tenía 30 hechos. El filtro fue

decir “esta canción es increíblemente buena”, y

eso fue tan fuerte que solo nos dejó con seis. No

nos quisimos dar el lujo de hacer doce canciones

y que solo cuatro sean buenas. Quisimos ir con lo

mejor desde el principio.

Por último, ¿volverías a las batallas?

- Uff… Es muy difícil, están todos en un

máximo nivel, me llevan años de entrenamiento,

me demolerían. •

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Snow Tha Product

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“Siempre quise ser

muy como soy”

Después de presentar “Te Va A Gustar”, con Alemán y ser la

primera artista en cantar en inglés y español con Bizarrap en

su Music Session #39, volvió a escena con el lanzamiento de

“Qué Oso”, una vuelta a sus raíces mexicanas.

POR SANTIAGO TORRES

Comenzó su carrera

artística hace más de

una década, fecha

en la que comienzan

a aparecer sus producciones

a través de plataformas

digitales como YouTube. “La mexicana”

se ha caracterizado por ser

una representante del rap hispano

pero con la particularidad de poder

rapear y escribir en inglés, como

deja claro en su tema “Bilingue”, por

ejemplo, uno de los más populares

de su recorrido.

El pasado 28 de abril, Claudia Feliciano

- su nombre completo - formó

parte de la serie de producciones

a cargo de Bizarrap, las “Bizarrap

Music Session”, y se convirtió automáticamente

en un éxito tanto en la

Argentina como en el resto de países

hispanohablantes - hoy día con más

de 97 millones de reproducciones en

YouTube -. Fue la primera sesión en

la que algún artista cantó en inglés

por lo que también marcó tendencia

para sesiones siguientes, como la de

Nicky Jam.

Además de sus producciones musicales,

Snow también cuenta con un

podcast junto a su novia y su madre

llamado “Everynightnights”, que se

transmite los martes y jueves y dónde

cuenta aspectos de su vida cotidiana

y la relación de su familia con

su carrera artística, entre muchos

otros temas. “Me encanta poder hablar

tan libremente de ser lesbiana,

mexicana y rapera. Fue muy difícil

al principio, sobre todo en la comunidad

anglosajona. Pienso que lo

agradecida que estoy con los fans

me hace querer seguir haciendo más

cosas sin parar. Se están pegando algunas

de mis canciones así que estoy

agradecida con todo”, cuenta.

¿Cómo es ser “la mexicana”

y también cantar en inglés?

- Todo lo que he estado haciendo

durante todos estos años es lo mismo.

Mucha gente piensa que tienes

que cambiar, pero justamente lo que

lo está pegando ahora es lo que hacía

al principio. Siempre quise ser muy

como soy, por eso estoy contenta de

que lo honesto sea lo que me está llevando

a donde estoy ahora.

¿Por qué elegiste el rap y no

el pop?

- Estoy contenta de que mi carrera

ha sido siempre muy influenciada

por el rap agresivo. Me gusta ser muy

técnica y mis líricas con mis letras.

Ahora estamos cantando un poco más

y agregando el español así que me alegro

de que por fin le guste a la gente.

¿Cómo manejás la explosión

que tuviste en Sudamérica?

- Pienso que siendo la persona

que soy necesitaba que mi carrera

fuera paso a paso. Fue muy bueno

que no haya sido una explosión de

repente porque eso trae muchos

haters y muchas críticas de la mano.

Tengo mucha ansiedad y depresión

por lo que no me gustaría tener una

ola repentina de haters porque no sé

cómo podría manejar la situación.

Qué difícil es para una mujer mexicana

LGBT estar en esta carrera además,

me ha llevado mucho tiempo

porque me parece que soy única.

¿Qué sabés de las chicas

argentinas?

- No conozco a muchas realmente.

He hablado con Cazzu, Nicki

Nicole y algunas mujeres con las que

pienso colaborar próximamente. Estoy

trabajando con mucha gente y si

ellos de verdad quieren trabajar conmigo,

no soy difícil de encontrar.

¿Te manejás con la vibra del

artista?

- Exacto. Que tenga buena vibra,

buena energía… No puedo estar

pensando en que quizás este artista

tenga beef con otro o haya tenido

algún problema, tengo un hijo, mi

familia… No necesito más que eso.

¿Sentís que el mundo en

español está más unido en

estos últimos años?

- La cuarentena ayudó a colaborar.

Puerto Rico y República Dominicana

nos han enseñado al resto de

los latinos a colaborar mucho más

entre nosotros. Durante este último

año nos hemos dado cuenta de que

todos estamos en el mismo planeta y

de que todos hemos sufrido el mismo

lío de shows parados o cancelados.

Pudimos ver qué fácil es mandar

un mensaje directo a alguien y

empezar a tener una relación. •

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Matías Fernández Burzaco

ALEJANDRO GUYOT

70 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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“Trabajamos con la palabra y

tenemos que hacernos cargo”

Es periodista y rapero, tiene 23 años y acaba de publicar “En Formas Propias”, el libro donde

describe su enfermedad: fibromatosis hialina juvenil.

POR SANTIAGO TORRES

El libro debut de matías

fue editado por Tusquets

en la colección Mirada

Crónica, dirigida por la

escritora y editora Leila

Guerriero.

Si bien cuenta su dolorosa historia,

hace foco en el humor, lo que

oxigena el clima del relato. “Soy periodista

e intenté hacer esta fusión

entre escribir letras improvisando

y mezclarlo con el periodismo y la

literatura, el humor negro. Agarro

mi enfermedad y trato de descansar

a medio planeta”, cuenta.

Eva de Dominici nos recomendó

tu música…

- La empecé a seguir por Instagram,

le mandé un corazón a ver qué onda

y me contó que había leído una nota

sobre mí, de una profesora que había

dicho que yo era producto de incestos

y venéreas. Me contó que había

flasheado un montón con mi manera

de contarlo, empezamos a hablar, hicimos

un par de videollamadas y quedamos

en hacer un videoclip juntos

cuando venga a capital.

¿Dicen cualquier barbaridad?

- Cualquier barbaridad. De todo,

mucho está en el libro “Formas

Propias”, que acaba de salir por Tusquets,

de Planeta.

¿Cómo armaste el libro?

- Lo hice todo yo. Me lo propuso

un profesor de la facultad el último

día de clases de segundo año de

Periodismo Deportivo. En primer

año había publicado notas en La

Nación, Perfil y Página 12, escribía

notas largas, yendo bien hasta

el fondo sobre otros personajes,

deportistas. Venía siguiendo a un

profesor que escribía crónicas, perfiles,

de esta fusión de periodismo y

literatura y quería escribir sobre mí.

Me dio un poco de miedo…

Si bien me había ido del todo bien

con mis primeros pasos, un libro

es otra cosa. Pensarlo, trabajarlo…

La idea es que hayan un montón

de conceptos y que el lector pase

por varios estados al leer. En ese

momento, no me sentía capacitado

o animado, venía de la secundaria,

fumar fasito con los pibes, rapear,

tener ataques de pánico, estar en

una. De golpe era mirar la enfermedad

de frente. Era parte de mí y

ya está. Tenía que estacionar en el

espejo, mirarme, hacerme preguntas

y mostrar la mirada de los otros. Eso

es muy loco.

¿Sos lector?

- Leo mucho: con el celu, novelas,

crónicas, cuentos. Soy periodista e

intenté hacer esta fusión entre escribir

letras improvisando y mezclarlo

con el periodismo y la literatura, el

humor negro. Agarro mi enfermedad

y trato de descansar a medio planeta.

¿Escribirías un guion para

cine?

- ¡Re estoy! Hace poco participé

en un corto que estuvo en BAFICI

y va circulando por varios festivales

internacionales como Toronto, Ámsterdam,

Cannes. Todo lo que tenga

que ver con la escritura y el rap está

conmigo. Duermo y sueño rapeando,

estoy despierto escuchando historias

de enfermeros vertiginosas y

sangrientas. Me encanta estar quieto

pero tener los ojos para retratar a los

demás. En el libro me tocó retratarme

a mí pero lo hice con todo el

placer y las ganas de poder contarle

a mis amigos.

¿Por qué rap y no rock, pop?

- Estoy viendo si saco un disco o

un tema, otro tema, otro tema. Pero

sí, no hago trap, sino rap. Hay algo

de rap, rock, punk, hay una mezcla

de géneros y no pienso cuál es. Lo

que sé es que rapeo, no soy un gran

cantante: sé hacer rimas y escribir,

manejo ese terreno.

¿Con quién trabajás?

- Con Bruno, un amigo de mi

hermano de la UNTREF. Es músico,

sabe de armonía, piensa e intenta

hacer un trabajo complejo, no ir por

las bases de rap predecibles.

No interesa el hit, sino lo

poético…

- Sí, soy medio anti trap. O anti

hegemonía. Me gusta demostrar que

aunque esté todo roto físicamente la

puedo pulir igual. Nos manejamos

en términos de conceptos, le paso la

letra, él me sugiere cambiar cosas,

hace la base, freestyleo. Todo en mi

pieza, que es mi propio estudio.

¿Por qué lo hacés?

- Porque amo hacerlo y es mi trabajo.

Y porque creo totalmente que

en algún momento voy a vivir de esto.

Estoy convencido. Creo mucho en la

ley de atracción, me pasó con el libro.

Lo tomó una editorial súper grande en

menos de 10 días. Por cómo me estoy

manejando, tengo 16 temas, creo que

te pasé 4. Me estoy volviendo loco,

quiero sacarlos todos y que se pudra.

¿Por qué dejaste la carrera

de periodismo?

- Siento que me aporta más hacer

talleres de escritura con Juan Sklar,

Leila Guerriero, Leila Suker, con

escritores piolas que saben editar

textos. Leila es la editora de mi libro,

la number one de la crónica.

Hice el libro solo, acompañado de

otra Leila y después pensé en ella

como editora porque es “la” cronista

de Latinoamérica. Además de ser

buena escritora es buena editora,

no es lo mismo escribir bien que

saber editar. Hay que saber editar a

otro y decirle las cosas de una manera

honesta, directa, ser tajante si

es necesario.

¿Qué tiene que tener un

artista que te interese?

- No me interesa que ostente, que

sea híper hegemónico y que hable

del amor, a favor de la vida y la reproducción:

lease putas, drogas, etc.

No me representa. Tampoco me representa

esto de colgarse de los lunfardos

de otros países, de ser argentino

y hablar como puertorriqueño.

“Estoy en la “caie” chico quién eres

tú”, teniendo un lenguaje argentino

tan rico y estupendo, me parece

un despropósito usar o copiar otras

culturas, sabiendo que es algo nuestro.

Respeto un montón de artistas

que lo hacen, pero no me representa.

Uno tiene que ser uno y no tiene

que cambiar su vocabulario o forma

de hablar para que los otros te escuchen

o sigan. Prefiero ser yo mismo.

Para mí es súper valioso lo argentino,

el folklore. L-Gante me cae súper

bien, por ejemplo. Dicen que inventó

un lenguaje, pero no, habla como

es él. Eso me representa a mí, la

crudeza del barrio, los pensamientos

introspectivos, las descripciones de

los personajes que uno crea en sus

letras o sobre uno mismo cuando

canta, escribe, improvisa. Estamos

trabajando con la palabra y tenemos

que hacernos cargo de eso.

¿Cómo te llevás con los

cuatro acuerdos?

- Creo que la ironía y el humor

negro es súper importante. Ser verdadero,

uno mismo. En mi caso

mezclo imágenes, pensamientos,

escenas de barrio, hospital, sangre,

enfermeros, con palabras. Con flow.

¿De qué barrio es Mati?

- Flores, cien por ciento. La Plaza

de Los Periodistas está a tres cuadras

de casa. •

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71


LIVESTREAMS

¿Hay algo que no sea positivo dentro

del álbum?

- Para ser sincero, hay algunas canciones que

son un tanto depresivas, pero quería representar

las dos caras de la moneda. Quiero que la gente

sea feliz cuando escucha mi música y también

que la disfrute en compañía para poder sentir la

conexión completa y entender que todo se trata

del amor.

Uno no puede conocer el verdadero

amor sin conocer primero su parte

mala…

- Exactamente. Si no conoces lo que es sentir

celos, no podés saber lo que significa la verdadera

libertad. Uno tiene que saber cómo es tanto la

luz como la oscuridad, pero al final siento que se

vuelven una sola.

El público en la Argentina se quedó con

ganas de verte.

- ¡Yo también! Tenemos planes para viajar a

Buenos Aires en diciembre. Quiero grabar música

allá, pero la principal razón es poder volver a tocar

en vivo junto con la banda.

Charlie Freeman

Todo lo que necesitas es amor

Love, es el nombre del segundo álbum solista del artista británico

que planea venir a tocar a Sudamérica a fin de año.

POR WALTER GAR

¿Cómo fue el proceso de creación del

álbum?

- El álbum que grabamos en pandemia saldrá

el año que viene. Love fue grabado justo antes de

que todo explotara. Estábamos a punto de viajar

para China a una gira de 26 fechas, estábamos

muy emocionados por eso, y tres días antes todo

se canceló. Cuando empezamos a grabar durante

la pandemia tuvimos mucha suerte porque ya habíamos

preparado un estudio casero en Portobello

Road. Cuando no había mucho más que hacer,

pasamos mucho tiempo creando música, por lo

que diría que realmente fue un salvavidas.

¿Por qué decís que la música te salvó

durante 2020?

- Creo que cuando uno está atrapado de cierta

manera debe manifestar su creatividad en alguna

parte. El nuevo álbum es el más creativo y el más

interesante musicalmente hablando. Todas las

energías que tenía las manifesté en ese trabajo así

que en cierto punto le doy las gracias a la pandemia

por eso, me hizo hacer un disco muy bueno

en mi opinión.

este álbum es para quienes “nos rodean y,

sobre todo, para nosotros mismos”. Su nuevo

trabajo fue grabado en JBJ Recording Studio, en

Londres, y producido por Jamie Brown.

“Me encuentro en España. Es una pena que

todavía tengamos que usar mascarilla porque ya

quiero que termine todo esto, pero amo este país

y me encanta tocar acá. Mañana estaré viajando

para Ibiza para la ronda de fiesta”, abre la charla

con Billboard AR.

Te vemos con un look distinto Charlie…

- Estoy con un estilo a lo Billy Idol.

¿Estás viviendo un buen año?

- Por suerte está siendo un año de trabajo.

El 15 de febrero salí de Londres y viajé a Costa

Rica, México y ahora España. Espero poder viajar

pronto a Sudamérica, ojalá para fin de año.

¿Por qué decidiste llamarlo Love?

- Es una gran temática. Es un álbum que

trata sobre todos los aspectos del amor en la

vida: amarse a uno mismo, que creo que es lo

más importante de tener antes de poder amar

a otra persona, amor hacia la gente, los altibajos

de una relación y todo tipo de complicaciones.

Siento que es un álbum súper positivo,

está hecho para ser tomado como una celebración

del amor.

¿Vamos a poder escuchar algo de ese

álbum este año?

- El álbum en sí saldrá el año que viene, pero

al menos dos singles los presentaré este año, alrededor

de septiembre. Mi equipo está en Londres

trabajando ahora mismo con ellos y dándole los

toques finales.

¿Cómo ves el rock and roll actual?

- Para mí siempre lo fue todo y siempre lo será.

Haremos todo lo posible para mantener el rock

vivo porque hay géneros hoy en día que están

muy fuertes. Siento que es lo mejor de la música y

hay muchos artistas que están dando todo lo mejor

para que se mantenga como lo que es. •

72 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


LIVESTREAMS

abrir el paso había que remar, invertir, trabajar.

Se trabajó mucho para eso y yo fui parte de eso:

invertir, dormir poco, ensayar mucho, viajar, no

ganar y perder, ganar poco. Es un trabajo, una inversión

lo que se hace. Con los años te das cuenta

que es la única forma, al menos en Argentina. Ir

para adelante, lograr el sueño, ponerle pasión,

hacer buena música, buenas canciones, respetar al

público, mostrarse como uno es. Es un aprendizaje

de muchos años: todos los días tenés que hacer

un poco y cada vez mejor.

Heavy metal, hard rock, punk… son

géneros que siempre la tuvieron difícil,

¿pero una vez que llegan se ganan el

corazón de la gente?

- Eso es real, porque uno va cosechando lo que

siembra. Todo lo que hicimos hasta hoy es para

ganar más público, Empezamos por Argentina,

seguimos por Latinoamérica, después nos fuimos

para Europa, más allá, Estados Unidos, se fueron

abriendo puertas. Pero eso es el trabajo, si uno no

pone el lomo y el tiempo, morís en el intento.

Adrián Barilari

“Se ensayó, se enchufaron

24 canales y salimos”

El vocalista presentó como solista su EP, Barilari X3. Volumen 1,

que contiene la reversión del clásico de U2, “Todavía no encontré lo

que estoy buscando”; “Sur”, de Aníbal Troilo y Homero Manzi;

y su canción “Egoman”.

el cantante de rata blanca, banda con la

cual grabó un total de ocho álbumes lanzó su

nuevo trabajo: “Un pack de canciones que ahora

hay que seguir por las plataformas. Es lindo sacar

algo para la gente en estos tiempos de pandemia

loca, con todos asustados en nuestras casas”.

¿Es conocido que cantás tango desde

chico?

- Sí, lo primero que empecé a cantar fue tango.

En la vida fui aprendiendo de rubros y aristas

musicales, pero de chico cantaba tango porque en

casa se consumía mucho tango y para mí era un

juego. Mi tío, que tocaba el bandoneón, me fue

guiando y enseñando y con el tiempo fui aprendiendo

de qué se trataba y que realmente es algo

que nos identificó a los argentinos y a los porteños

toda la vida. Hoy está devaluado, desvalorizado,

y de alguna manera, con el tiempo quiero

darme el lujo de cumplir lo que le prometí a él

cuando era pibe: grabar un disco de tangos. Se

dio la oportunidad, no la quería dejar pasar, me

POR WALTER GAR

siento con autoridad para hacerlo - no sé si bien o

mal, el público dirá - pero hicimos un trabajo digno.

Canto tangos clásicos, de aquella época: Gardel,

Julio Sosa, Cobián, Cadícamo. Me di el gusto,

uno de ellos va a salir en este pack junto a una

canción dorada de las que hice en 2007 y junto a

uno de mis temas de los cuatro discos solistas de

hard rock. Feliz porque están hechos en vivo, los

grabamos así. Se ensayó, se enchufó, 24 canales

y salimos. Es en vivo. Se mezcló en el momento

y todas las fallas son para darle a la gente una calidad

de audio de esa época.

Y también se filmó. Está bueno porque son distintas

bandas: una de rock, una de rock/pop y una

de tango. Hubo que ensayar y laburar bastante

para hacerlo, pero sabíamos que íbamos a darle

ese uso y la gente de Pelomusic dio la oportunidad

de presentarlo así.

¿Sos un laburante de la música?

- Vengo de un rubro difícil. El metal nacional

siempre fue complicado, más en los 80s. Para

¿En qué momento te diste cuenta de tu

talento en la voz?

- Mi mamá es la fan número uno. Ella incentivó

mi carrera desde muy chico, me llevó a la televisión,

insistía. Mi hermano, mi viejo, mi familia: si

estoy acá es por ellos. Es muy importante que la

familia apoye un sueño. Al principio era un juego,

no un sueño. Después sí se convirtió en algo que

quería hacer: grabar discos, tener bandas. Si no

era por ellos, no me daba cuenta, quizá abandonaba.

De adolescente me di cuenta que quería

cantar un poco más, hice de todo, canté folklore,

canté melódico, todo lo que se me puso adelante

que yo me animaba a cantar, yo lo hacía: era

un aprendizaje. Fue un aprendizaje de 30 años de

tocar, rodar, meterse en bares, pegar afiches para

que vayan 20 personas como mucho. Es un laburo,

ahí me di cuenta que era lo que me gustaba.

Qué importante el apoyo de la familia...

- Fui un privilegiado. En esa época, los padres

que veían a sus hijos con una banda no les gustaba,

decían que vayan a estudiar. Había que invertir

plata y tiempo. Mis viejos me apoyaron, yo

nunca dejé de estudiar, pero en los tiempos libres

invertía tiempo en la música. El fruto lo fui viendo

de a poco.

¿Cuánto laburo hay en la voz?

- Lo mío es un don. Creo que tuve la suerte de

nacer con el oído afinado y una voz privilegiada.

Esto vino puesto y agradezco que haya sucedido.

Hay gente con buena voz y sin oído y gente con

oído y sin buena voz. Yo vine con el combo y esa

fue la posibilidad que me dio de hacer esto. Es

un don, por eso tuve la suerte. Podría haber sido

cualquier otra cosa, pero tengo que reconocer que

los que me rodearon vieron en mí la posibilidad y

me apoyaron: familia, amigos. Todos me apoyaban.

“Seguí, seguí, seguí”, quizá no pasó nada, pero

seguí. Esa insistencia hizo que yo esté en el lugar

indicado por el 89’ con Rata Blanca, donde me di

cuenta que a los sueños hay que perseguirlos. •

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73


LIVESTREAMS

Pilar Pascual

“ Me gusta mucho la

historia que cuenta

la canción”

Así se refirió a su nuevo single

“Guardaré”, que completa una trilogía

junto a sus canciones anteriores “Si lo

hacemos los dos” y “Sólo me importa”.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

la artista neuquina que presentó la última

pieza de un trabajo que refleja una gran historia

de amor: se trata de una balada a la que

llamó “Guardaré”.

A su vez, la artista se encuentra en plena preparación

de Cielo grande, nueva serie de Netflix

en la que tiene un papel protagónico y que está

enfocada en el público adolescente. Se trata de

una serie musical que combina acción, misterio y

romance. Un grupo de adolescentes trabajan para

salvar un viejo hotel especializado en deportes

acuáticos y perdido en medio del delta argentino.

¿Cuándo comenzaste a sentir el apoyo

de la gente?

- Creo que ese momento podría ser cuando

empezó Go! Vive a tu manera; fue un boom de

un día para el otro. Hay gente que empezó en

ese momento y me sigue apoyando hasta el día

de hoy con otros proyectos. Son un amor y estoy

siempre súper agradecida.

¿Cómo se vive esa nueva popularidad?

- Es una locura, muchas veces me escriben diciéndome

que lo que hago los inspiró a meterse

en clases de canto o de baile. Y la verdad es que es

hermoso poder inspirar a alguien a que se dedique

a lo que le gusta y cumpla sus sueños.

¿Cuándo eras más chica a quien admirabas

como ellos te admiran a vos?

- En su momento me gustaba mucho Patito

Feo: era súper fan, fui a ver el show en vivo y me

encantaba. En ese momento recuerdo que me dije:

“Quiero hacer una serie así con temas musicales”.

¿De que se trata tu nuevo proyecto?

- Bueno, estamos en el proceso de grabación

de “Cielo grande”, así que estoy muy emocionada

porque está quedando todo muy lindo y sé que les

va a encantar. Ya quiero saber cuando se estrena

para poder decirlo.

¿Qué sentiste tener la posibilidad de volver

a grabar después de la cuarentena?

- Fue hermoso y emocionante volver a la grabación

y volver a trabajar después de tanto tiempo.

Obviamente con todos los protocolos que, por

ejemplo, nos obliga hisoparnos todas las semanas,

pero volver a trabajar es hermoso y somos afortunados

los que los estamos haciendo. Volver al set,

despertarse en la mañana para ir a grabar… son

cosas que disfruto mucho.

¿Cómo se conecta la actriz con la cantante?

- Creo que siempre que actué de un personaje

ese personaje tendrá algo de Pili, y en la música

todavía más porque muchas veces refleja algo que

hice, o una historia mía. Así que en la música hay

más de Pili todavía.

¿Cómo fue el proceso de creación

de “Guardaré”?

- Justo Damián y Ezequiel que son los que me

habían ayudado con “Sólo me importa” y “Si lo hacemos

los dos” me muestran poco de esta canción,

y yo les digo que bueno, y si le metemos un poco

de esto… y así empezamos a crear esta historia y

así se dio que fue la última de la trilogía. Me gusta

mucho la letra y la historia y encaja perfecto con

las anteriores. Fue un buen trabajo en equipo. Y

en el videoclip en casi todas las tomas lloré, y me

preguntaban por qué. Bueno es una canción en la

que la letra es un poco fuerte y habla del amor a

distancia, de la separación, y lo que duele cuando

terminas con la persona que amas. •

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Una bola de fuego de rock

El segundo álbum grabado por la formación clásica de Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice,

Fireball, afirmó definitivamente a Deep Purple en la senda del hard-rock progresivo,

con una energía y una química musical únicas.

Por Alfredo Rosso

La reputación de deep

Purple se edificó, sin

duda, en tres álbumes

que la banda grabó entre

1969 y 1971: Deep

Purple In Rock, Fireball y Machine

Head fueron piezas fundamentales

en la historia del hard-rock

progresivo.

Hacia mediados de 1970, Deep

Purple había pasado de ser prácticamente

desconocido en su país

natal, Inglaterra, con un par de

hits del otro costado del Atlántico,

a convertirse en una de las

bandas de mayor éxito comercial

de la década que comenzaba. El

álbum In Rock había permanecido

más de un año en los charts del

Reino Unido y Deep Purple era

ya un punto de referencia obligado

entre las nuevas corrientes del

rock inglés.

Este logro, sin embargo, tuvo su

precio. Ritchie Blackmore se sentía

reivindicado por haber sugerido el

curso más duro y progresivo que

adoptó la música de Purple y que

les dio aceptación masiva. Junto

con el cantante Ian Gillan, el guitarrista

era ahora el foco de atención

de la banda, y es factible que una

eventual incompatibilidad de personalidades

pueda haber encendido

la chispa inicial de futuros roces.

Las giras constantes también le habían

pasado a Purple su factura en

términos de deterioro físico: el organista

Jon Lord se quejaba de molestias

en la espalda y el bajista Roger

Glover debió ser atendido por

agudos dolores estomacales que

resultaron ser producto del stress.

Así y todo, el éxito servía por el

momento como panacea para esos

males y la prensa especulaba sobre

la futura dirección de la banda.

A fines de 1970, esa incógnita

quedó develada: en una movida

típica de la época: los músicos, con

sus novias, esposas y asistentes,

se habían ido al campo, a Devon,

para trabajar en nuevas canciones

en un entorno más natural y armonioso.

No faltaron las distracciones,

pero la banda se las arregló

para componer la base del que

sería su próximo single, “Strange

kind of woman”, y en enero

de 1971 aprovecharon una pausa

en su febril ritmo de actuaciones

para empezar a grabar Fireball

en los estudios De Lane Lea y en

Olympic, que ya tenía dieciséis

canales. Allí Deep Purple grabó

“The mule”, que tenía uno de los

riffs más memorables del álbum.

A los fans más perspicaces puede

haberles llamado la atención la

diferencia en el sonido de la batería

de Paice al principio y al final

del tema. Eso se debe a un error

del ingeniero de grabación, quien

por descuido borró parte del canal

de la batería al experimentar con

efectos de cintas pasadas al revés.

A esa altura, el instrumento de Ian

Paice ya había sido despachado a

Europa para las próximas actuaciones

de la banda, por lo cual la

única forma de salvar la grabación

era utilizar otra batería, pero no

lograron que sonara exactamente

igual, de allí la diferencia. En esas

sesiones se grabó también “Freedom”,

una canción pensada para

los bises de la banda –en reemplazo

de “Lucille”- que luego fue

descartada, hasta que se incluyó en

la edición expandida de Fireball,

editada en CD en 1996.

Otro tema registrado en enero

del 71 fue “I’m alone”, designado

para ser el lado B del simple

“Strange kind of woman” La última

canción grabada ese mes se

llamó “Slow Train”. Había sido

compuesta en el campo de Devon

y por alguna razón no sólo no integró

la edición en vinilo de Fireball,

sino que también permaneció

inédita hasta la citada reedición

expandida del ’96.

Deep Purple tocó en el Royal

Albert Hall en febrero de 1971 y

luego aprovechó otra pausa entre

actuaciones para volver al estudio.

El tema que grabaron esta vez fue

“No one came”, otro de los puntos

altos de Fireball. Un tema extenso,

con muy buenos solos de Lord y

Blackmore y un curioso falso final.

El grupo no estaba satisfecho con

la manera en que concluía, por eso

decidieron añadirle de vuelta el riff

principal al final y mezclar unos

cuantos compases del teclado de

Jon Lord sonando al revés. Ese mes

de febrero del 71, en medio de una

gira por Escocia, Purple volvió al

estudio para grabar el tema que no

sólo iba a abrir el álbum sino que,

además, le iba a dar su título. El

efecto del principio de “Fireball” es

el sonido del aire acondicionado

del estudio al encenderse.

Las sesiones de marzo de 1971

en Olympic dieron como resultado

“No no no”, un tema original

de Ritchie Blackmore de ritmo

sostenido y dinámica cambiante,

y también “Fools”, con sus pasajes

sinuosos y etéreos, acordes con la

temática de su letra, que habla de

una persona que muere y su espíritu

contempla al mundo que dejó y

lo ve gobernado por tontos y locos,

de allí el título.

Otra de las canciones fundamentales

de Fireball es “Demon’s

eye”, con un riff irresistible y un

toque de diabólico misterio, sumado

a la tradicional impronta

heavy de la banda. El tema debutó

en vivo en los recitales que Purple

realizó en Birmingham y Newcastle

en junio de 1971.

Si bien no todos los miembros de

Deep Purple lo consideran un clásico,

el cantante Ian Gillan ha tenido

cálidas palabras para el álbum: “La

razón por la que me gusta tanto”,

declaró, “es porque, desde mi punto

de vista de compositor, fue el comienzo

de grandes posibilidades

de expresión y varias canciones son

verdaderamente ingeniosas.”

Asimismo, es interesante comprobar

el efecto que Fireball tuvo

en futuras generaciones de músicos.

El guitarrista Yngwie Malmsteen

su hermana mayor se lo

regaló cuando tenía ocho años y

que “cambió todo para mí”. Por

su parte, Lars Ulrich, baterista de

Metallica, afirmó que después de

haber visto a Deep Purple en un

recital de Copenhage con su padre,

al día siguiente se compró Fireball

y que tanto el show como el disco

dispararon su interés por la música

de hard rock.

Fireball salió en septiembre de

1971 y alcanzó el primer lugar en

Inglaterra y un alentador puesto

32 en Estados Unidos. La prensa,

en aquel momento, estuvo dividida

entre los que saludaron el nuevo

rumbo musical, más diverso y expansivo,

y los que lamentaron que

no hubiese quizás una unidad de

concepto tan sólida como la de In

Rock. Como fuere, el público consagró

a Fireball y, visto a la distancia,

fue otro de los peldaños en el

suceso descomunal que conseguiría

la banda en años sucesivos, sobre

todo con la aparición del siguiente

álbum, Machine Head, que le brindaría

a Deep Purple una popularidad

masiva sin precedentes, a escala

mundial.•

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77


E

EMERGENTES

Fede Yuyo

“Parque Camet”

Axel Noguera

“La fuente de tu voz”

se trata de ocho canciones agrupadas en forma de

disco que lleva el nombre del parque marplatense, icónico

para el músico.

Fede Yuyo, músico y compositor argentino, tecladista de

la banda Pancita, lanzaó su primer disco solista titulado

Parque Camet, producido integralmente por Carli Arístide

-músico, productor musical y además guitarrista de Lisandro

Aristimuño-.

El álbum es un viaje simbólico a un lugar muy significativo

para el músico. A lo largo de las canciones invita a transitar

sus experiencias, pensamientos y sensaciones íntimas y

personales. “Un cruce entre nostalgia, expectativas, reflexión

y acción, conforman la imagen completa del disco, que se

abre paso en una sonoridad con gran presencia de ambientes

y climas, que el piano, los sintetizadores y las sutiles guitarras

proponen contemplar”, señala.

En el corte “Camet” – último track del disco- se concentra

gran parte de la conceptualidad y sonidos que tiene este

trabajo: “Un lugar donde suceden muchas cosas y atemporal

a su vez. Cerca del mar pero con los pies en la tierra. Hay

recuerdos y deseos, sueños y realidades. Sensaciones que

resumen muchos de mis procesos artísticos y personales en

uno mismo: el crecimiento”, sintetiza Fede.

“Una de las cosas más lindas que tiene Parque Camet es

todo el trabajo que hay puesto en la obra, no solo en lo musical

sino también en lo conceptual y visual”, agrega. El arte

de tapa es obra de Fernando Claps, y la foto de tapa es de

Brenda Sofía Molina.

se trata del primer adelanto del lp del músico, compositor

y productor oriundo del oeste del Gran Buenos Aires.

Axel Noguera presenta así “La fuente de tu voz”, una canción

compuesta luego de un sueño. Movilizado por el alivio

que sintió después de un sueño, escribió este single que adelanta

parte del concepto y estética que atravesará su primer

disco solista.

La canción -también basada en una novela que el artista

está escribiendo- mezcla rock progresivo, electrónica experimental,

pop y una estética lo-fi. Axel Noguera -de la mano

de Tertulia, su alter ego desde el que crea esta nueva obrada

vida a “La fuente de tu voz”. El sencillo abre un universo

poético, cálido e introspectivo que invita a la liberación de

emociones y al entendimiento de la naturaleza humana.

Axel revela que la canción surgió en 2009. Tanto la melodía

como la letra cayeron después de un sueño del que se despertó

triste, pero aliviado. “Era un momento de quiebre en mi

vida y, habiendo pasado tantos años con la regla absurda de

no llorar ni manifestar angustia en público por miedo al rechazo

y la burla de otros, esta canción surge desde mis adentros

como una necesidad de hacerme notar”, revela.

Agrega que la novela, que aún no está concluida, es la excusa

conceptual de todo el álbum. Compuesta y producida

por el mismo Noguera, la canción cuenta con la participación

de la cantante Lara Ferreiros y fue presentado junto a

un videoclip de animación realizado por Candela Robles en

conjunto con el compositor.

78

BILLBOARD AR | JULIO, 2021


Fly Fly Caroline

“La Tristeza”

Joaquín Plada

“Cabito”

se trata del lanzamiento más reciente de la banda

cordobesa, ecléctico proyecto musical que nace de la vocación

creativa de Carolina Merlo quien, en búsqueda de un

sonido propio, comenzó a fusionar diferentes géneros musicales

y expresiones artísticas.

Fly Fly Caroline presentó así el video de “La Tristeza”. La

canción fue compuesta por Carolina Merlo grabada durante

el 2020 en Arcadia (Córdoba Capital) y producida junto a

José Gabriel Gentile. El video de “La Tristeza” (Kanashimi)

fue dirigido por Pibito Pupa, la cámara y montaje de “La

Tristeza (Mahou)” estuvo a cargo de Maru Aparicio.

Carolina Merlo, compositora de la banda explica la doble

narrativa: “Los videos son muy opuestos al igual que las

versiones. Pareciera que son de dos mundos diferentes y a

la vez no, porque la canción y el mensaje es el mismo, pero

están narrados desde dos ángulos muy distintos. El primero

es la explosión, el vínculo con los demás. Y el segundo

es muchísimo más íntimo, donde quisimos mostrar lo que

sucede luego de la explosión: ese momento de reflexión, de

vacío interno que vivimos les artistas cuando retornamos al

momento donde no estamos haciendo arte.”

José Gabriel Gentile, productor de ambas versiones, describe

cada una de las versiones: “La Tristeza I (Kanashimi)

es permitirnos llevar la emoción y las palabras a un contexto

de alta energía, usando timbres no reales, guitarras fuera de

lo común, mucho sound-designing para crear un ambiente

inusual. Queríamos tener nosotros y darle al oyente una experiencia

sonora intrigante, poderosa, diferente, una pincelada

de animé musical. La Tristeza II (Mahou) “es la bajada

del mensaje a tierra. Es una versión más cercana al alma original

de la canción, sin embargo, no queríamos que sea solo

una versión al piano. Por eso es una orquestación del arreglo

original de piano y voz, desmembrando las melodías internas

del piano con diferentes timbres, como una orquesta de

sintetizadores y voces”.

el compositor y productor uruguayo sorprende con

su nuevo simple, tercer y último corte de lo que será su próximo

disco.

Esta nueva canción, compuesta por él y escrita en colaboración

con su pareja (Bárbara Abbott), describe con ternura,

profundidad y humor la cotidianidad de su perro Cabito.

“Cabito” homenajea el rock nacional de Charly y Fito en las

melodías y el Groove, y en la armonía se nota la influencia de

Donald Fagen, Prince y el funk de los 90.

Así como los demás temas de este álbum, “Cabito” fue producida

por el mismo y cuenta con la participación de músicos

como Guille Salort, Fran Azorai, Brian Vainberg, Ushi cerviño

y Fito Nicolau.

El mix, una vez más, a cargo de Guido “El dog” Ruggiero

(Lo Pibitos) y fue masterizada por Mariano Bilinkis

(Las Pelotas, Catupecu Machu, Estelares, Diego Frenkel y

muchos más).

“El videoclip fue dirigido por Juan Martin Cambariere

(De Cambas) quien logró captar el amor y la intimidad de la

relación entre Plada y Cabito con frescura y diversión. Por supuesto,

el perro es el protagonista del clip”, destacan.

Joaquín Plada es compositor, arreglador musical y productor

nacido en San Carlos, Uruguay en 1990. En 2009 graba su

primer LP Cómo Llegar a Ser Humano producido por Waldo

Madera y grabado en Buenos Aires. Luego en 2017 lanza el

EP Gurí Corcundo y en 2020 los primeros dos adelantos de

lo que será su próximo disco: “Los Días” ft Julian Kartun y “Al

Pie Del Cañón”. A lo largo de su carrera ha trabajado como

productor de una infinidad de proyectos y ha compartido

festivales con artistas y bandas como Chambao, Drexler y Fito

Páez entre otros.

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BILLBOARD GLOBAL 200

JUN.

26

2021

2 1 1 #1

3 WKS GOOD 4 U Olivia Rodrigo 1 5

1 2 2 BUTTER BTS 1 4

4

5 3 SAVE YOUR TEARS The Weeknd 1 24

- 3

4 YONAGUNI Bad Bunny 3 2

La canción en español

y japonés de la estrella

puertorriqueña (que

lleva el nombre de la

más occidental isla de

Japón) se mantiene

entre los cinco primeros

con 80,3 millones de

transmisiones y 2100

vendidas en todo el

mundo.

3 4 5 TODO DE TI Rauw Alejandro 3 4

5 6 6 LEVITATING Dua Lipa Feat. DaBaby 2 37

6 7 7 KISS ME MORE Doja Cat Feat. SZA 3 10

8 8 8 MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) Lil Nas X 1 12

9 9 9 PEACHES Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon 1 13

7 10 10 DEJA VU Olivia Rodrigo 3 11

11 11 11 ASTRONAUT IN THE OCEAN Masked Wolf 3 21

13 13 12 LEAVE THE DOOR OPEN Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak) 2 15

10 12 13 TRAITOR Olivia Rodrigo 7 4

12 14 14 DRIVERS LICENSE Olivia Rodrigo 1 23

21 22 15 RAPSTAR Polo G 3 10

17 18 16 BLINDING LIGHTS The Weeknd 2 41

HOT SHOT

DEBUT 17 HAVING OUR WAY Migos Feat. Drake 17 1

15 16 18 HAPPIER Olivia Rodrigo 14 4

18 19 19 DYNAMITE BTS 1 41

28 26 20 FIEL Los Legendarios, Wisin & Jhay Cortez 15 14

32 29 21 I WANNA BE YOUR SLAVE Maneskin 21 4

14 17 22 FAVORITE CRIME Olivia Rodrigo 14 4

25

25 23 FRIDAY Riton X Nightcrawlers Feat. Mufasa & Hypeman 18 17

42 38 24 BEAUTIFUL MISTAKES Maroon 5 Feat. Megan Thee Stallion 24 15

20 20 25 BUILD A BITCH Bella Poarch 20 5

NEW 26 SOLAR POWER Lorde 26 1

NEW 27 THOT SHIT Megan Thee Stallion 27 1

23

24 28 PAREJA DEL ANO Sebastian Yatra X Myke Towers 16 9

NEW 29 NEED TO KNOW Doja Cat 29 1

88 57 30 QUE MAS PUES? J Balvin & Maria Becerra 30 3

16 21 31 BRUTAL Olivia Rodrigo 11 4

36 37 32 HEAT WAVES Glass Animals 31 24

26 28 33 WITHOUT YOU The Kid LAROI 10 30

50 48 34 WANTS AND NEEDS Drake Feat. Lil Baby 2 15

30 30 35 THE BUSINESS Tiesto 12 32

125 15

36 LOST CAUSE Billie Eilish 15 3

- 106 37 BEGGIN Maneskin 37 2

NEW 38 NO RETURN Polo G Feat. The Kid LAROI & Lil Durk 38 1

34 32 39 DAKITI Bad Bunny & Jhay Cortez 1 33

NEW 40 AVALANCHE Migos 40 1

- 176 41 ALCOHOL-FREE TWICE 41 2

40 39 42 WATERMELON SUGAR Harry Styles 9 41

148 190 43 GG STRAIGHTENIN Migos 42 5

29 33 44 JEALOUSY, JEALOUSY Olivia Rodrigo 19 4

39 43 45 MOOD 24kGoldn Feat. iann dior 2 41

31 40 46 HEARTBREAK ANNIVERSARY Giveon 10 18

24 34 47 BODY Tion Wayne X Russ Millions 11 8

45 46

48 2/CATORCE Rauw Alejandro X Mr. Naisgai 45 6

35 45 49 GOOSEBUMPS Travis Scott & HVME 15 25

22

36 50 ZITTI E BUONI Maneskin 22 4

33 41 51 AM Nio Garcia X Flow La Movie 24 10

38 44 52 BOTELLA TRAS BOTELLA Gera MX + Christian Nodal 9 8

44 47 53 DANCE MONKEY Tones And I 16 41

43 49 54 EL MAKINON Karol G & Mariah Angeliq 39 12

19 31 55 ENOUGH FOR YOU Olivia Rodrigo 13 4

- 27

56 LATE AT NIGHT Roddy Ricch 27 2

53 54 57 DON’T START NOW Dua Lipa 30 41

52

55 58 RAM PAM PAM Natti Natasha & Becky G 52 5

47 51 59 UP Cardi B 4 19

86 147 60 GANG GANG Polo G & Lil Wayne 44 4

61 63 61 PERFECT Ed Sheeran 30 41

56 62 62 SOMEONE YOU LOVED Lewis Capaldi 24 41

49 53 63 TELEPATIA Kali Uchis 10 17

27 42 64 1 STEP FORWARD, 3 STEPS BACK Olivia Rodrigo 17 4

NEW 65 BLACK HEARTED Polo G 65 1

51 65 66 WELLERMAN Nathan Evans 16 21

54

67 67 YOUR LOVE (9PM) ATB x Topic x A7S 37 19

70 75 68 FOREVER AFTER ALL Luke Combs 4 26

57 66 69 COVER ME IN SUNSHINE P!nk + Willow Sage Hart 49 15

62

74 70 BED Joel Corry X RAYE X David Guetta 48 15

60 70 71 BEST FRIEND Saweetie Feat. Doja Cat 31 23

NEW 72 MODERN DAY Migos 72 1

NEW 73 MALIBU Migos Feat. Polo G 73 1

59 72 74 STREETS Doja Cat 8 23

- 23

75 HATS OFF Lil Baby, Lil Durk & Travis Scott 23 2

93 90 76 HIGHER POWER Coldplay 24 6

66 78 77 ROSES SAINt JHN 14 41

NEW 78 PAINTING PICTURES Polo G 78 1

72

77 79 RASPUTIN Majestic X Boney M. 72 8

55 73 80 ARCADE Duncan Laurence 36 20

NEW 81 LOST Maroon 5 81 1

NEW 82 DINERO Trinidad Cardona 82 1

63 68 83 WOCKESHA Moneybagg Yo 58 8

64 81 84 HOLD ON Justin Bieber 4 15

58 71 85 CALLING MY PHONE Lil Tjay Feat. 6LACK 2 18

77 86 86 SHAPE OF YOU Ed Sheeran 68 41

80 83

87 MIENTEME TINI X Maria Becerra 80 7

75 84 88 SUNFLOWER Post Malone & Swae Lee 47 41

101 99 89 LEAVE BEFORE YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers 89 4

NEW 90 TOXIC Polo G 90 1

69 79 91 BANDIDO Myke Towers & Juhn 11 25

- 129 92 TRANSPARENTSOUL Willow Feat. Travis Barker 92 2

76 87 93 HEAD & HEART Joel Corry X MNEK 17 41

107 108 94 HEARTBREAK ANTHEM Galantis, David Guetta & Little Mix 83 4

134 52

95 PALE BLUE Kenshi Yonezu 52 3

81 94 96 SAVAGE LOVE (LAXED - SIREN BEAT) Jawsh 685 x Jason Derulo 1 41

80 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


www.prensariomusica.com

Restricciones y cierres con la segunda ola

Buenas noticias desde el exterior

La segunda ola de Covid llegó antes de lo esperado

a nuestros países. Si bien permitió algunas aperturas

durante el verano, las nuevas variantes del virus le están

ganando en velocidad a la vacunación y los gobiernos

recurren nuevamente a las restricciones.

En Argentina el mensaje es confuso para la cultura y

el entretenimiento. Si bien se mantiene el compromiso

de no suspender las actividades, las restricciones en

la circulación (0 a 6 horas) y en los aforos (30% de

público habilitado para lugares cerrados), condiciona

aun más las posibilidades de trabajar. De todas formas

hay consenso en que la actividades con protocolo no

son un foco de contagio y la industria trabajó muy

fuerte con la autoridades para garantizar la seguridad

del público y los artistas. Las restricciones rigen para

todas las regiones del país declaradas con alto riesgo

epidemiológico.

Stream live de Ricardo Arjona, visto por

1.000.000 personas en todo el muindo

Sin embargo, al cierre de esta edición el Presidente

Alberto Fernández anunció nuevas medidas para el

AMBA, donde se concentra un tercio de la población

y gran parte de las actividades. Hasta el 30 de abril

quedaron suspendidas las actividades recreativas,

sociales, culturales, deportivas y religiosas en lugares

cerrados y se restringió la circulación nocturna entre

las 20 y las 6 de la mañana.

Un punto de vista optimista es que no hay marcha

atrás en muchos de los aprendizajes y logros que se

obtuvieron durante la pandemia, como que también

empieza a verse de a poco la industria musical futura.

En ese sentido, los mejores mensajes que mostramos

Love of Lesbian en Barcelona para 5000 personas

sin distancia social

en esta edición de Prensario son principalmente internacionales.

Por un lado está el show de Love of Lesbian

para 5.000 personas sin distancia social en el PalauSt.

Jordi de Barcelona, realizado exitosamente, y también

la proyección de los jugadores de la industria de Miami

como Felipe Pimiento, mánager de Marc Anthony de

Magnus en su primer reportaje, que trabajan certeramente

con el regreso de todas las giras este segundo

semestre en Estados Unidos.

Por el otro, está la realización de dos grandes live

streams internacionales promocionados a nivel regional

como si fueran presenciales: por un lado el de Ricardo

Arjona de Metamorfosis, visto por 1.000.000 personas

en todo el mundo, que protagoniza Fénix EntertainmentGroup

en su regreso masivo mientras avanza

con el Parque de la Costa y el Teatro Niní Marshal. Y

además, el del propio Marc Anthony con Loud&Live,

también reporteado en esta edición, que hace valer su

red de alianzas internacionales entre las que se destaca

MoveConcerts en nuestros países. Según nos dijo su

CEO Nelson Albareda, el proyecto del streaming a este

nivel estaba pensado para 2023 pero lo adelantaron.

Kevin Johansen en el Gran Rex,

Pimpinela en el Luna Park y Axel en el

Movistar Arena

Los shows nacionales siguen mientras tanto apostando

a la repetición de conciertos para equilibrar los

números. El Movistar Arena sigue con su agenda para

3.000 y anunció el show de Axel para el 8 de mayo,

mientras el Luna Park ya parte con shows para 2000

personas, por ahora con Pimpinela el 7 y 8 de mayo y

J Mena para el 24 de septiembre.

Ticketek sigue trabajando con el Gran Rex donde se

presentó Kevin Johansen el 10 de abril. Y el TeatroOpera

stuvo a Luciano Pereyra con espectaculares 13 fechas,

Ciro y Los Persas a principios de abril, y La Beriso.

Grandes shows para el segundo

semestre

Si bien depende de muchos factores políticos sociales

y económicos, para el segundo semestre también en

nuestros países hay grandes shows programados. Move

mantienen programados Aha en agosto, Kiss en octubre,

Michael Bublé en noviembre y BruceDickinsonpara fin

de año, mientras sigue siendo uno de los líderes de

streaming con LivePassPlay. PopArt por su parte, ya

confirmó a Gracias Totales el 18 y 19 de diciembre

para el Campo Argentino de Polo, otro venue que se

va a usar mucho más.

Luciano Pereyra

SPONSORS DESTACADOS 2021

Banco Patagonia

Plataforma Ticketek y Ticketek Live

BBVA

Plataforma Live Pass

Movistar

Se Siente desde Casa en el

Movistar Arena

Fiat

AutoShow Buenos Aires – Matías

Lynch

Renault

Renaul Drive In –PopArt

YPF

Estadio Obras - FOH

AxionEnergy

Plataforma – TicketeckLive

Banco Ciudad

Suena en vivo - Foggia

BILLBOARD.COM.AR

81


82

TRINIDAD CARDONA

“Dinero”

Al alternar entre inglés

y español, la canción

debuta en el n. ° 82

en Global 200 y en el

n. ° 69 en Billboard

Global Excl. EE. UU.

La innovadora pista

del nativo de Phoenix

ingresa a las listas con

aumentos del 121% en

las transmisiones a 14.6

millones y del 180% en

las ventas a 1,000 en

todo el mundo en la

semana que termina el

17 de junio. en 2017.

110

JUSTIN WELLINGTON

FEAT. SMALL JAM

“Iko Iko (My Bestie)”

El equipo de Wellington,

de Papúa Nueva

Guinea, y Small Jam,

de las Islas Salomón,

obtuvo 12 millones de

transmisiones (un 22%

más) y vendió 6.000

descargas (un 2% más)

a nivel mundial en la

semana de seguimiento.

Es la última versión

cartografiada de la

composición, cuyos

orígenes se remontan a

1953 en Nueva Orleans.

The Dixie Cups llevó

la canción por primera

vez al Billboard Hot 100

en 1965, alcanzando

el puesto 20, mientras

que The Belle Stars

la envió a su mejor

posición número 14 en

1989, ayudada por su

inclusión en la exitosa

película Rain Man de

1988.

82 91 97 34+35 Ariana Grande 2 33

90 97 98 BABY SHARK Pinkfong 38 40

100 104 99 CIRCLES Post Malone 49 41

103 92 100 POSITIONS Ariana Grande 1 34

37 58 101 HOPE UR OK Olivia Rodrigo 22 4

46 61 102 YOUR POWER Billie Eilish 6 7

83 88 103 LA NOCHE DE ANOCHE Bad Bunny & Rosalia 7 29

NEW 104 TYPE SHIT Migos & Cardi B 104 1

78 95 105 BELIEVER Imagine Dragons 70 41

65 80 106 WE’RE GOOD Dua Lipa 21 18

85 98 107 ROCKSTAR DaBaby Feat. Roddy Ricch 8 41

102 110 108 RUN OneRepublic 102 6

NEW 109 CLUELESS Polo G Feat. Pop Smoke & Fivio Foreign 109 1

- 157 110 IKO IKO (MY BESTIE) Justin Wellington Feat. Small Jam 110 2

41 69 111 MY.LIFE J. Cole, 21 Savage & Morray 4 5

92 100 112 BAD GUY Billie Eilish 54 41

94 105 113 HAWAI Maluma 3 41

71 101 114 RUNAWAY AURORA 22 11

96 116 115 DREAMS Fleetwood Mac 10 38

105 85

116 FOLLOW YOU Imagine Dragons 66 14

156 131 117 LIL BIT Nelly & Florida Georgia Line 117 7

97 111 118 SHALLOW Lady Gaga & Bradley Cooper 59 41

74 102 119 EVERY CHANCE I GET DJ Khaled Feat. Lil Baby & Lil Durk 27 7

48 76 120 PRIDE.IS.THE.DEVIL J. Cole & Lil Baby 9 5

- 182 121 PETROUCHKA Soso Maness Feat. PLK 121 2

109 113 122 LEMONADE Internet Money & Gunna Feat. Don Toliver & NAV 4 41

112 135 123 WAP Cardi B Feat. Megan Thee Stallion 1 41

121 127 124 MEMORIES Maroon 5 71 41

106 123 125 YOU BROKE ME FIRST. Tate McRae 16 41

NEW 126 PARTY LYFE Polo G Feat. DaBaby 126 1

114 124 127 SWEATER WEATHER The Neighbourhood 62 38

115 120 128 BOHEMIAN RHAPSODY Queen 107 37

NEW 129 PICASSO Migos & Future 129 1

95 115 130 TALKING TO THE MOON Bruno Mars 57 12

RE-ENTRY 131 EPIDEMIC Polo G 56 4

NEW 132 VACCINE Migos 132 1

- 89

133 BY YOUR SIDE Calvin Harris Feat. Tom Grennan 89 2

110 133 134 OLD TOWN ROAD Lil Nas X Feat. Billy Ray Cyrus 70 41

130 137 135 DESPACITO Luis Fonsi & Daddy Yankee Feat. Justin Bieber 120 37

133 161 136 YOU Regard x Troye Sivan x Tate McRae 113 8

154 139 137 RAIN ON ME Lady Gaga & Ariana Grande 22 41

84 114 138 BEAT BOX SpotemGottem Feat. Pooh Shiesty Or DaBaby 38 20

99 121 139 GOOD DAYS SZA 7 25

NEW 140 ANTISOCIAL Migos Feat. Juice WRLD 140 1

129 141 141 CLOSER The Chainsmokers Feat. Halsey 100 37

136 143 142 BEFORE YOU GO Lewis Capaldi 32 41

NEW 143 HEART OF A GIANT Polo G Feat. Rod Wave 143 1

124 144 144 RIDE IT. Regard 86 40

122 132 145 LOVELY Billie Eilish & Khalid 70 41

98

119 146 BIPOLAR MC Don Juan, MC Davi & MC Pedrinho 98 6

NEW 147 BOOM Polo G 147 1

89 112 148 POBLADO Crissin X Totoy El Frio X Natan & Shander 86 5

144 142 149 SENORITA Shawn Mendes & Camila Cabello 67 41

NEW 150 LIGHT IT UP Migos Feat. Pop Smoke 150 1

117 140 151 FOR THE NIGHT Pop Smoke Feat. Lil Baby & DaBaby 7 41

131 154 152 MONSTER YOASOBI 87 22

132 136 153 WHATS POPPIN Jack Harlow Feat. DaBaby, Tory Lanez & Lil Wayne 17 41

73 109 154 MISS THE RAGE Trippie Redd & Playboi Carti 13 6

135 148 155 YORU NI KAKERU YOASOBI 16 41

127 146 156 ANOTHER LOVE Tom Odell 99 10

123

151 157 LITTLE BIT OF LOVE Tom Grennan 123 7

NEW 158 GO PART 1 Polo G Feat. G Herbo 158 1

113

125 159 SAL Y PERREA Sech 113 4

111 126 160 911 Sech 48 16

RE-ENTRY 161 WILLOW Taylor Swift 2 23

NEW 162 BZRP MUSIC SESSIONS, VOL. 40 Bizarrap & Eladio Carrion 162 1

126 156 163 MY EX’S BEST FRIEND Machine Gun Kelly X blackbear 25 41

150 174 164 SAY SO Doja Cat 50 40

158 162 165 LA CURIOSIDAD DJ Nelson Presenta Jay Wheeler & Myke Towers 40 41

128 150 166 MY HEAD AND MY HEART Ava Max 32 20

120 149 167 WHOOPTY CJ 10 34

- 159

168 LOVE AGAIN Dua Lipa 159 2

157 173 169 SOMETHING JUST LIKE THIS The Chainsmokers & Coldplay 133 28

NEW 170 SO REAL Polo G 170 1

140 169 171 GOOSEBUMPS Travis Scott 102 38

119 158 172 NEXT LEVEL aespa 65 5

141 160 173 WHAT YOU KNOW BOUT LOVE Pop Smoke 11 41

138

152 174 512 Mora & Jhay Cortez 138 4

178 179 175 COUNTING STARS OneRepublic 143 19

NEW 176 BLOODY CANVAS Polo G 176 1

145 177 177 DON’T STOP BELIEVIN’ Journey 145 35

139 145 178 OUR SONG Anne-Marie & Niall Horan 93 4

NEW 179 FOR THE LOVE OF NEW YORK Polo G 179 1

NEW 180 BIRTHDAY Migos 180 1

162 178 181 SWEET CHILD O’ MINE Guns N’ Roses 162 24

152 188 182 HOTEL CALIFORNIA Eagles 149 35

161 180 183 I DON’T CARE Ed Sheeran & Justin Bieber 105 37

155 187 184 BREAKING ME Topic & A7S 21 41

87

134 185 PHANTOM THIEF back number 87 4

165 184 186 SMELLS LIKE TEEN SPIRIT Nirvana 165 24

91

155 187 TELL EM Cochise & $NOT 91 3

163 181 188 ALL OF ME John Legend 97 39

- 35

189 VOICE OF THE HEROES Lil Baby & Lil Durk 35 2

183 186 190 TAKE ME TO CHURCH Hozier 129 23

180 193 191 SAY YOU WON’T LET GO James Arthur 96 37

153 166 192 KIRARI Fujii Kaze 135 6

164 189 193 INTENTIONS Justin Bieber Feat. Quavo 65 40

104 163 194 DICK StarBoi3 + Doja Cat 94 7

170 191 195 THUNDERSTRUCK AC/DC 170 13

147 172 196 RELOJ Rauw Alejandro & Anuel AA 41 33

168 185 197 ADORE YOU Harry Styles 68 40

142 167 198 BAILA CONMIGO Selena Gomez With Rauw Alejandro 22 20

118 164 199 BACK IN BLOOD Pooh Shiesty Feat. Lil Durk 29 22

NEW 200 BROKEN GUITARS Polo G Feat. Scorey 200 1

82 BILLBOARD AR | JULIO, 2021


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