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6 N° 179 MARS 2012 musique MUSIQUES EN SCÈNE 2012 Michael Jarrell orchestre les 20 ans de la biennale Par Caroline Faesch Pour célébrer ses 2 décennies d’innovations, qui ont offert le nec plus ultra de l’électronique musicale, la biennale Musiques en scène 2012 programme pas moins de 58 compositeurs, joués par plus de 40 interprètes, avec pour la 1re fois des séances nocturnes au Hot Club de Lyon, dans un vrai festival de concerts étendu jusqu’au Lux de Valence et à la Rampe d’Échirolles, en passant par l’Opéra-Théâtre de Saint-Étienne. Et c’est l’une des figures emblématiques de la musique contemporaine, Michael Jarrell, déjà en résidence dans les studios du Grame en 2009 pour le projet multimédia Chute(s), qui en est l’invité de marque. Il ouvrira cette biennale – aux côtés de Jérôme Combier, qui offrira une œuvre pour grand orchestre – par la création mondiale de son concerto pour violoncelle et orchestre, à l’Auditorium de Lyon (1er mars). Une autre grande œuvre de ce maître du halo sonore et des résonances diaphanes est à l’affiche de l’Auditorium (3 mars) : il s’agit de Cassandre (1994), monodrame pour comédienne, ensemble instrumental et électronique, devenue l’une des partitions de référence du théâtre musical contemporain, et qui sera interprétée par la voluptueuse Fanny Ardant. À noter que Musiques en scène s’est aussi offert, pour l’occasion, un “nouveau cœur” (sic) destiné aux programmations électroniques du festival : le Théâtre Laurent-Terzieff de l’École nationale des arts et techniques du théâtre (Ensatt). On y entendra notamment les quatuors Arditti (6 mars) et Béla (13 mars). Enfin, le théâtre lyonnais des Ateliers s’associe pour la 1re fois à cette édition, histoire de convier musicalement plusieurs auteurs, dont Not I de Samuel Beckett (10 mars), sur la partition Nacht und Träume de Richard Barrett pour piano, violoncelle et électronique… Biennale Musiques en scène 2012, du 1er au 24 mars © C. Daguet - Éditions Lemoine HELMET Par Laurent Zine Le gang de Page Hamilton revient à Lyon en mars pour jouer intégralement l’album Meantime à l’occasion des 20 ans de sa parution. Et les fondations du Kao en chancellent d’avance. 24 octobre ’92. Si Faith No More est attendu comme le messie (…) ce soir-là au club The Edge à Orlando, c’est un jeune quatuor new-yorkais assurant la 1re partie qui met tout le monde d’accord en moins de 40 minutes ; le temps d’exécuter de main de maître les 10 titres de leur déjà 2e album. Sauf que si je continue cette chronique dans ce sens, je crois que je ne vais pas tarder à m’appesantir sur les racines du blues dans le Delta… Il n’empêche qu’à ce moment-là, pas grand monde ne connaissait Helmet – suite au très aride et néanmoins rageur 1er album Strap it on paru 2 ans plus tôt chez Amphetamine Reptile – et c’est peu de dire, 20 ans après, que Meantime aura marqué des générations de groupes hardcore, noise, metal et consorts. Simplement parce que leur façon saccadée et agressive de jouer, adoubée à un son brut et sans artifices, était un tantinet révolutionnaire pour l’époque. Frappes plombées et millimétrées, riffs primitifs et ciselés, ersatz de mélodies pop qui tournent en boucle ; si la recette peut de prime abord paraître fadasse, le rendu est tout bonnement explosif. Quant à l’opportunité pour un groupe de paraphraser ce qu’il a déjà fait en guise d’anniversaire, on peut toujours s’interroger… Il serait pourtant malvenu de bouder son plaisir, surtout si comme moi vous êtes amateurs de rouleau compresseur. Et les anciens combattants qui les avaient vus au Glob dans les années ’90, comme ceux qui étaient au Brise-Glace l’an passé, pourraient vous certifier qu’après un concert de Helmet, rien ne repousse. In the meantime, vous pouvez toujours vous entraîner à passer la tondeuse. Le 13 mars au Ninkasi Kao © Tom Hoppa - BW BAISERS VOLÉS DU ROCK & ROLL © Richard Bellia Par Laurent Zine Éponyme de son livre Un œil sur la musique, l’exposition photographique de Richard Bellia rhabille joliment le club du Transbordeur, et ce, jusqu’au printemps. À cet instant T, Lux Interior lévite au-dessus de la scène en se touchant de façon suggestive, Joe Strummer, la guitare en bandoulière, semble vous scruter de l’intérieur, Nirvana préfigure sans le savoir le suicide de Kurt Cobain, Bashung n’est déjà plus qu’une ombre lointaine et le sourire déchiré de Fela Kuti vous irradie de l’intérieur. Des photographies en noir et blanc comme autant de baisers volés à la mort. Mais pas seulement, puisque les 65 tirages originaux ici présents The Cramps donnent également à voir quelques icônes et autres énergumènes encore bien vivants, tels Iggy Pop, Manu Chao, Frank Black ou Robert Smith, etc. Et c’est sûrement une première en termes d’expo pour le Transbordeur, mais quoi de plus pertinent au final que de croiser en entrant dans une salle de concert le regard de quelques bêtes de scène, qu’enfante irrégulièrement le monde de la pop music depuis 30 ans. Quant à son auteur, Richard Bellia, personnage plutôt singulier et/ou fort en gueule, il est également du genre à déposer le terme rock and roll à l’INPI. Notez qu’un catalogue édité de l’expo est disponible au prix de 15 €, et, in fine, faites donc confiance à votre œil. Sur la musique. Transbordeur jusqu’au 3 avril
© Alice Dison Le mot qui résumerait le mieux l’état d’esprit de l’album ? Un peu l’idée d’aller dans une sorte de géographie, comme un paysage un peu mythique qui serait imaginaire tout en faisant référence à un paysage précis. Le mot-clé… Peut-être au-delà des frontières. Comme une idée de wilderness. Une sorte de désert ou lieu désertique. J’ai la sensation qu’il y a, à l’intérieur de moi, cette forme de désert, cet espace sans repères. Dans lequel je me trouve lorsque j’écris, dans lequel je me balade, dans lequel je note, je vois, je ressens des choses. Ensuite je reviens avec ce cahier, je repasse la frontière, il y a des murs et là… je me mets à écrire. Dans cet au-delà il y a quelque chose de familier et sûr. Il y a aussi l’idée d’être perdu pour se retrouver ensuite. D’où la pochette, peut-être (un autoportrait en forme de collages) ? Je vois un peu chaque chanson comme un paysage différent. J’ai aussi joué sur l’idée qu’on est tous un assemblage de géographies différentes. D’où cet autoportrait sur la pochette. Qui est fait de bouts du monde. Les cheveux sont des chemins de randonnée des Cévennes, la peau est le Sahara, la chemise est striée par les routes du Texas et du Mississippi… Quelles recettes de travail pour faire aboutir une chanson ? Ça dépend des titres, en fait. No Reply, par exemple, est au départ un poème. J’ai ensuite trouvé une tournerie à la guitare qui rappelait les tarentelles italiennes. Et je me suis dit que ce poème était fait pour être porté par une chanson. Il y a d’autres morceaux où je fais d’abord la musique pour ensuite coller le texte dessus. The Branches Grow fait un peu exception, puisque j’ai démarré la mélodie au piano. Alors que je suis plutôt guitariste ! C’est souvent presque par accident que je trouve des sons que j’aime bien. Une fois que j’ai trouvé un truc qui sonne bien, il y a une mélodie qui se pose dessus. Ensuite, généralement, il y a une phrase qui va tomber parfaitement dans la musique. Et cette phrase constitue une forme de noyau. Autour de ce noyau je vais construire les autres paroles et le reste de la chanson. Peut-on parler de fil rouge dans votre travail ? Je crois qu’il y a une sorte de combinaison de couleurs propre à chaque auteur-compositeur ou songwriter. Et une fois qu’on se rend compte de cette palette particulière, musique Interview par Anne Huguet L’homme est cérébral. Il est aussi un génial touche-à-tout : tout à la fois peintre, guitariste et simplement musicien, mais encore chanteur, compositeur et auteur. Poète certainement aussi à sa manière. Parce que chez lui tout est images. “Même en musique, j’ai l’impression de voir des images. Mes chansons sont autant de paysages différents dans lesquels je vois des rochers, du sable, de l’eau, des forêts, un chemin, une petite route. Comme si, à force d’avoir été dans le visuel, tout se mélangeait”, explique-t-il. Piers Faccini a sorti il y a peu son 4 e album (My Wilderness), étrange voyage onirique qui s’affranchit d’étiquettes et marie sublimement blues du Mississippi, sonorités africaines, folk terrestre, cadences de tarentelles italiennes, mélodies orientalo-slaves, voire même mélopée médiévale. On y entend la trompette magique d’Ibrahim Maalouf, le violoncelle ami de Vincent Ségal, le n’goni du copain malien Tounkara, qui viennent enlacer la voix douce et ample de ce vagabond dans l’âme. Le résultat est intrigant avec toutes ces sonorités, ces modulations et ces envolées qui tissent, par touches, la trame d’une musique sans frontières à la fois mélancolique et radieuse. Voyage en 3D au pays de My Wilderness. PIERS FACCINI le travail consiste à creuser et à aller toujours plus loin, mais sans chercher à changer radicalement. Pour moi, le rôle de l’artiste, surtout lorsqu’il écrit, c’est de comprendre déjà les chansons qu’il a en lui, que j’ai donc en moi. Écrire des chansons, ce n’est pas écrire de zéro, mais plutôt aller chercher quelque chose qui est presque enfoui en soi. Ce qui m’intéresse quand j’écoute d’autres artistes, c’est justement de m’immerger profondément dans toutes ces couleurs et palettes… pour souvent me rendre compte qu’ils évoquent la même chose que moi. Comme une sorte d’universalité, mais en passant par leur cœur, leur système nerveux, leurs muscles, leurs pensées… Le fil rouge, c’est avant tout de rester fidèle à moi-même. Mais c’est aussi, paradoxalement, d’être toujours en mouvement. Ainsi, même si j’ai l’impression de regarder la même chose, ce n’est en fait jamais pareil, avec toujours la sensation d’être dans un endroit ou dans un point de regard différent. Ainsi on peut aborder chaque thème (chanson d’amour, sujet politique, histoire…) d’un angle différent, et, parce qu’on est en mouvement, ça n’a finalement rien à voir avec ce qu’on a fait avant. En quoi vos influences vous inspirent-elles ? On ne choisit pas ses influences, on les subit. […] J’aime à penser qu’on vous montre le chemin, après on le prend et on va plus loin, il est infini. Je me rends compte qu’il y a dans mes influences primaires ce mélange entre l’Afrique (Boubacar Traoré, Ali Farka Touré, des artistes qui m’ont bouleversé), les États-Unis (Skip James et le blues du Mississippi) et le folk britannique (John Martyn et les auteurs-compositeurs anglais des 70s). Mais je suis aussi allé chercher dans mes racines italiennes, cette fois-ci, avec des couleurs plus méditerranéennes. La scène, autre moment fort pour faire vivre votre musique ? Un bon concert, c’est l’acceptation de tout ce que l’on ressent. Et se dire que tout ce que l’on ressent à ce moment-là on le met au service de la musique. Mais un concert, c’est aussi un partage. Parce qu’on n’est rien sans public. C’est le public qui rend chaque concert unique. Enfin, si l’on accepte de recevoir et partager. Si on se laisse porter par l’émotion des gens, il se passe un truc… et c’est ça qui m’intéresse. Le 9 mars au Train-Théâtre et le 15 mars à l’Épicerie moderne MARS 2012 N° 179 7
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