agenda - 491

© Alice Dison
Le mot qui résumerait le mieux l’état d’esprit de l’album ?
Un peu l’idée d’aller dans une sorte de géographie, comme
un paysage un peu mythique qui serait imaginaire tout
en faisant référence à un paysage précis. Le mot-clé…
Peut-être au-delà des frontières. Comme une idée de
wilderness. Une sorte de désert ou lieu désertique. J’ai
la sensation qu’il y a, à l’intérieur de moi, cette forme
de désert, cet espace sans repères. Dans lequel je me
trouve lorsque j’écris, dans lequel je me balade, dans
lequel je note, je vois, je ressens des choses. Ensuite je
reviens avec ce cahier, je repasse la frontière, il y a des
murs et là… je me mets à écrire. Dans cet au-delà il y
a quelque chose de familier et sûr. Il y a aussi l’idée
d’être perdu pour se retrouver ensuite.
D’où la pochette, peut-être (un autoportrait en forme
de collages) ?
Je vois un peu chaque chanson comme un paysage différent.
J’ai aussi joué sur l’idée qu’on est tous un assemblage
de géographies différentes. D’où cet autoportrait sur la
pochette. Qui est fait de bouts du monde. Les cheveux
sont des chemins de randonnée des Cévennes, la peau
est le Sahara, la chemise est striée par les routes du
Texas et du Mississippi…
Quelles recettes de travail pour faire aboutir une
chanson ?
Ça dépend des titres, en fait. No Reply, par exemple, est
au départ un poème. J’ai ensuite trouvé une tournerie
à la guitare qui rappelait les tarentelles italiennes. Et je
me suis dit que ce poème était fait pour être porté par
une chanson. Il y a d’autres morceaux où je fais d’abord
la musique pour ensuite coller le texte dessus. The Branches
Grow fait un peu exception, puisque j’ai démarré la
mélodie au piano. Alors que je suis plutôt guitariste !
C’est souvent presque par accident que je trouve des sons
que j’aime bien. Une fois que j’ai trouvé un truc qui
sonne bien, il y a une mélodie qui se pose dessus.
Ensuite, généralement, il y a une phrase qui va tomber
parfaitement dans la musique. Et cette phrase constitue
une forme de noyau. Autour de ce noyau je vais
construire les autres paroles et le reste de la chanson.
Peut-on parler de fil rouge dans votre travail ?
Je crois qu’il y a une sorte de combinaison de couleurs
propre à chaque auteur-compositeur ou songwriter. Et
une fois qu’on se rend compte de cette palette particulière,
musique
Interview par Anne Huguet
L’homme est cérébral. Il est aussi un
génial touche-à-tout : tout à la fois
peintre, guitariste et simplement
musicien, mais encore chanteur,
compositeur et auteur. Poète certainement
aussi à sa manière. Parce
que chez lui tout est images. “Même
en musique, j’ai l’impression de voir
des images. Mes chansons sont
autant de paysages différents dans
lesquels je vois des rochers, du sable,
de l’eau, des forêts, un chemin, une
petite route. Comme si, à force d’avoir
été dans le visuel, tout se mélangeait”,
explique-t-il. Piers Faccini a sorti il
y a peu son 4 e album (My Wilderness),
étrange voyage onirique qui s’affranchit
d’étiquettes et marie sublimement blues
du Mississippi, sonorités africaines,
folk terrestre, cadences de tarentelles
italiennes, mélodies orientalo-slaves,
voire même mélopée médiévale.
On y entend la trompette magique
d’Ibrahim Maalouf, le violoncelle ami
de Vincent Ségal, le n’goni du copain malien Tounkara, qui viennent enlacer la voix
douce et ample de ce vagabond dans l’âme. Le résultat est intrigant avec toutes ces
sonorités, ces modulations et ces envolées qui tissent, par touches, la trame d’une
musique sans frontières à la fois mélancolique et radieuse. Voyage en 3D au pays de
My Wilderness.
PIERS FACCINI
le travail consiste à creuser et à aller toujours plus loin,
mais sans chercher à changer radicalement. Pour moi,
le rôle de l’artiste, surtout lorsqu’il écrit, c’est de comprendre
déjà les chansons qu’il a en lui, que j’ai donc
en moi. Écrire des chansons, ce n’est pas écrire de zéro,
mais plutôt aller chercher quelque chose qui est presque
enfoui en soi. Ce qui m’intéresse quand j’écoute d’autres
artistes, c’est justement de m’immerger profondément
dans toutes ces couleurs et palettes… pour souvent me
rendre compte qu’ils évoquent la même chose que moi.
Comme une sorte d’universalité, mais en passant par
leur cœur, leur système nerveux, leurs muscles, leurs
pensées… Le fil rouge, c’est avant tout de rester fidèle
à moi-même. Mais c’est aussi, paradoxalement, d’être
toujours en mouvement. Ainsi, même si j’ai l’impression
de regarder la même chose, ce n’est en fait jamais
pareil, avec toujours la sensation d’être dans un
endroit ou dans un point de regard différent. Ainsi on
peut aborder chaque thème (chanson d’amour, sujet
politique, histoire…) d’un angle différent, et, parce
qu’on est en mouvement, ça n’a finalement rien à voir
avec ce qu’on a fait avant.
En quoi vos influences vous inspirent-elles ?
On ne choisit pas ses influences, on les subit. […]
J’aime à penser qu’on vous montre le chemin, après on
le prend et on va plus loin, il est infini. Je me rends
compte qu’il y a dans mes influences primaires ce
mélange entre l’Afrique (Boubacar Traoré, Ali Farka Touré,
des artistes qui m’ont bouleversé), les États-Unis (Skip James
et le blues du Mississippi) et le folk britannique (John
Martyn et les auteurs-compositeurs anglais des 70s). Mais
je suis aussi allé chercher dans mes racines italiennes,
cette fois-ci, avec des couleurs plus méditerranéennes.
La scène, autre moment fort pour faire vivre votre
musique ?
Un bon concert, c’est l’acceptation de tout ce que l’on
ressent. Et se dire que tout ce que l’on ressent à ce
moment-là on le met au service de la musique. Mais un
concert, c’est aussi un partage. Parce qu’on n’est rien
sans public. C’est le public qui rend chaque concert
unique. Enfin, si l’on accepte de recevoir et partager. Si
on se laisse porter par l’émotion des gens, il se passe
un truc… et c’est ça qui m’intéresse.
Le 9 mars au Train-Théâtre et le 15 mars à l’Épicerie moderne
MARS 2012
N° 179
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