Magazine PEEL #12

#12 avril - MAi 17

ffluves printanières = [S] & [Cl]
Du Hip Hop et des allumettes. À lire ces mots on pourrait vite penser, effrayés par quelques vains discours
extrémistes, que l’émeute couve. Que nenni messire ! Laissons ces oiseaux de mauvais augure à
leurs poubelles, qui, au risque de les décevoir, ne vont pas brûler dans cette courte scène. Ici, il s’agit de
culture, chose qui leur est quasiment étrangère. Il s’agit tout d’abord, de beatbox, cette technique du Hip
Hop qui consiste à se muer en homme-orchestre avec rien d’autre que le son de sa bouche. Vous pourrez
ainsi découvrir, en poursuivant votre lecture, le travail d’Adrien Contesse qui a élaboré un alphabet
du beatbox avec son projet Vocal Grammatics. Il s’agit par ailleurs d’allumettes, ou plutôt d’hommes
allumettes, œuvres totémiques du plasticien berlinois Wolfgang Stiller que vous avez sans doute pu
voir exposées place des Vosges à Paris. Avec le mot Sushis, l’ambiance est tout de suite beaucoup plus
chic et apaisée (sauf pour les poissons). Ici, nous vous parlerons des créations de la nouvelle carte de
Guillaume Libert, le chef du restaurant japonais Matsuri, simplement exquises et (sub)aquatiques. On
pourrait presque, accompagnés par quelques paroles Gainsbourguiennes aller se retrouver au fond de
la piscine. Sous l’eau, ou sans eau. Vous vous souvenez sans doute de la soirée Underwater qui eut lieu
dans le bassin vide de la piscine Talleyrand à Reims le 28 février 2004 ? Révolutionnaire ! Cette soirée,
qui avait vu des groupes rémois (Klanguage et MyPark) ainsi que deux DJ (Ark et Krikor) se succéder
jusqu’à une heure tardive au fond du bassin restera parmi les événements mythiques de la vie nocturne
rémoise. Pour ceux qui ne connaitraient pas ou ceux qui voudraient se souvenir, nous avons procédé à
une sorte de « déstratification », à découvrir plus loin. Si les flashs stroboscopiques ne vous aveuglent
plus, vous pourrez percevoir, dans notre cahier spécial, l’hommage que nous rendons au grand photographe,
hélas disparu, Gérard Rondeau, dont une des dernières grandes expositions eut lieu au cellier,
à Reims, fin 2015. Explorer, c’est ce que font à leur manière les artistes de l’expocollective organisée
dans le prolongement de la nuit numérique au Centre St Exupéry : un événement Magique, Joyeux et
Créatif. Après quelques images d’une charmante playlist musicale dessinée par Anne-Sophie Velly, nous
convions enfin Feu Robertson et son univers psyché-stratosphérique pour vous inviter à tourner les
pages de ce douzième numéro du magazine Peel, qui peut, le cas échéant, vous servir d’éventail en cas
de forte chaleur soudaine. Joli printemps !
Ce numéro comporte un supplément de 24 pages
sur l’œuvre du photographe Gérard Rondeau en double page centrale.
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08 / grand peel board
10 / peel good
12 / Wolfgang stiller
Métaphore de l'impermanence
18 / magnifique society
20 / Adrien contesse
24 / GÉRARD RONDEAU
32 / EXPOCOLLECTIVE
[kin stezi]
38 / Manuela Marques
La force de Coriolis à l'épreuve du Cellier
40 / Feu Robertson
les troubles de l’amour romantique
44 / 28.02.2004
UNDERWATER
contributeurs
48 / guillaume LIBERT
chef référent des restaurants matsuri
ALEXIS
JAMA-BIERI
dirigeant culturel
Reims
BENOÎT
PELLETIER
directeur créatif
photographe
Reims
JULES
FÉVRIER
journaliste
& photographe
REIMS
AGATHE CEBE
rédactrice &
journaliste freelance
REIMS
Jérôme
Descamps
réalisateur
& montreur de films
Reims
JEAN
DELESTRADE
souplesse &
décontraction
Reims
SYLVÈRE
HIEULLE
OVNI (& accessoirement
photographe)
Reims
Anne-sophie
velly
DA de Maison Vide
art contemporain,
musiques & confettis
Reims

La playlist dessinée
d'anne-sophie velly
www.mixcloud.com/salsifi-velly/
Karaocake
Summertime
La voix de Camille Chambon et les arrangements
de Stéphane Laporte nous emportent dans un spleen
dans lequel on se love sans réfléchir. Un « summertime »
ravissant, tout en nuance… C’est beau.
Aldous RH
Sensuality
Prince made in Manchester mixé avec Connan Mockasin :
un mariage de goûts tout à fait maîtrisé qui attise la gourmandise.
À l'écoute de « Sensuality » on se laisse aller à
bouger la tête puis les épaules pour descendre lentement
jusqu’au creux des reins… Souriez, vous ondulez.
Alden Penner
Lost the skin
En boucle pendant 8 jours je dirais… Fragile et d’une
jolie simplicité on s’accroche à la voix d'Alden Penner
comme si elle ne tenait qu’à un fil. C’est lumineux comme
un matin d’automne. Comme lorsqu'on entre dans l’hiver
mais qu’on s’accroche à l’été avec obstination.
Malik Djoudi
Peur de rien
« Tu sais j’ai peur de rien, à part du vide, qu’il anime mes
lendemains ». Malik nous emmène avec lui dans cette apesanteur
personnelle. On le suit les yeux fermés dans un
rassurant brouillard, parce que tu sais, j’ai peur de rien…
Juliette Armanet
L’indien
« Flèche, pas farouche Full bouche à bouche ».
L’amour acidulé, ça pique et c’est bon. Pour l’amour d’un
sioux, on ferait n’importe quoi.
Kumisolo
Ping-Pong Machine
« Tu ne peux pas perdre au ping-pong machine ».
Une partie de ping-pong en Yukata dans un western
franco-japonais des année 60 ? Nous y sommes.
C’est frais, c’est pop, c’est Kumisolo. Jouez votre coeur
au ping pong, il n’y a pas de perdant.
Andy Shauf
The magician
Difficile de choisir un morceau d'Andy Shauf, j’éprouve
un intérêt complètement déraisonnable pour chacun
d’eux. Une voix timide, des mélodies fortes, une atmosphère
cotonneuse, un personnage fragile. C’est fin, c’est
juste, c’est simple. Andy Shauf c’est un musicien-équilibriste
qui irait du sommet d’une montagne à un autre en
marchant sur une corde sensible, sans filet de sécurité,
en observant ce qui se passe en bas sans jamais vaciller.
Drugdealer & Weyes blood
Suddenly
Retour vers le futur, nous sommes dans les 60’s.
Dans le salon une boule à neige prend la poussière sur
la cheminée, et puis tout a coup quelqu’un décide de
la secouer et l’atmosphère change. Dans « suddlenly »
Natalie Mering, l’énigmatique chanteuse de Weyes blood
nous souffle à l’oreille une douce et agréable solitude.
On passe d’un plan fixe à un traveling au ralenti tout en
finesse. On flotte.
Black bones
you're the tomb
Quand une bande de joueurs de baseball coiffés de sombreros
fluos se mettent à jouer des maracas la nuit sur
une plage à Cancun tout en buvant des verres de Mezcal.
Forcément, c’est joyeux, et ça ressemble à un aller simple
dans une dimension parallèle.
Un projet indéfinissable et addictif, on reprendrait bien
un verre de Mezcal avec eux sous la lune.

8 évènements à ne pas rater
en avril - Mai
QUOI " Province ",
une exposition sur
un livre.
Quand Jusqu'au 30
avril.
Où Lieu minuscule.
: L'agence d'architecture
GENS publie
" Province ", un livre
d'images illustrant le
travail d'un peu plus
d'une décennie.
le-lieu-minuscule.tumblr.com
QUOI Moyen Âge
et publicité.
Quand Du 29 mars
au 31 décembre.
Où Tour Jean Sans
Peur, 20 rue Étienne
Marcel - Paris.
: Comment communiquer
sur les événements
commerciaux, les
festivités, les condamnations
en justice dans
un monde où le petit
peuple ne sait pas lire
et où les journaux
n'existent pas ?
www.tourjeansanspeur.com
© dr © dr
© dr
© dr
QUOI The radical Eye
Quand Jusqu’au
21 mai.
Où La Tate Modern -
Londres
: Cette exposition met
en lumière une sélection
de photographies datant
de 1920 à 1950, prêtées
gracieusement par Elton
John. Un must-see
à Londres.
www.tate.org.uk
QUOI Le Grand Jeu,
de Céline Minard
(Éditions Payot Rivages)
Où Dispo dans toutes
les bonnes librairies.
: Un roman magnifique
sur la solitude, quand
une femme quitte
tout pour vivre dans
un refuge high tech
accroché à la paroi d’un
massif montagneux.
Face à soi-même et face
aux éléments. Un récit
beau et intense.
www.payot-rivages.net
QUOI Mécaniques
remontées.
Quand Du 23 mars
au 06 août.
Où Le CENTQUATRE,
5 rue Curial - Paris.
: Zimoun investit
les espaces avec ses
sculptures sonores pour
sa plus grande exposition.
Constituées de
petits objets, ses œuvres
envoûtent le visiteur,
tout en modifiant sa
perception de l’espace.
www.104.fr
QUOI Duo des halles,
une démarche artistique
au cœur des marchés...
Quand 2017-2018.
Le calendrier des
interventions adoptera
le rythme des saisons.
Premières sessions fin
avril-début mai.
Où Halles du Boulingrin.
: La démarche
de Romuald Ducros,
est de photographier
les clients des marchés
de façon étudiée et
artistique dans une
structure démontable
installée parmi les
commerçants.
© dr © dr
© dr
QUOI Les rendez-vous
culinaires du Boulingrin.
Quand Chaque 1 er
vendredi du mois
de 10h à 12h.
Où Halles du Boulingrin.
: Chaque 1 er vendredi
du mois, un chef vient
concocter en public une
recette de son choix.
QUOI Les Puces
de Reims.
Quand Chaque 1 er
dimanche du mois
à partir de 9h à 17h.
Où Halles du Boulingrin.
www.europuces.com
© r. ducros

LA
CARTONNERIE
PRINTEMPS MMXVII
AOU
CHA CHA CHA
ET MES YEUX DANS TES YEUX
D E L U X E
JOSÉ JAMES I TEENAGE KICKS #4
MOUNTAIN BIKE I WILLIAM Z VILLAIN
POGO CAR CRASH CONTROL
LADY SIR I TOOTS & THE MAYTALS
LA MAGNIFIQUE SOCIETY
19, 20 & 21 MAI AU PARC DE CHAMPAGNE
AIR I MODERAT I JAMIE CULLUM
AGNES OBEL I CAMILLE I VITALIC ODC LIVE
BOYS NOIZE I GREGORY PORTER
MØME I HER I THEE OH SEES
FISHBACH I TALISCO I JACQUES
PARADIS I LORENZO I THYLACINE
et tellement d’autres choses encore
AOU CHA CHA CHA ! est une citation empruntée à “L’Amour à la Plage” de Niagara
LA CARTONNERIE
scène des musiques actuelles i reims
84 RUE DU DR. LEMOINE 51100 REIMS I T. 03 26 36 72 40
WWW.CARTONNERIE.FR
LACARTONNERIEDEREIMS
@ C A R T O R E I M S

par
agathe cebe
andy shauf
Il est Canadien, originaire du Saskatchewan.
Et s’il est peu connu du grand
public, il est l’un des artistes les plus
talentueux de la musique folk contemporaine,
l’égal d’un Sufjan Stevens.
Comme le songwriter américain,
il creuse son propre sillon, sur les traces
d’un Elliot Smith trop tôt disparu.
L’ancien musicien punk aux mélodies
désormais bien adoucies est rare en
Europe. Son passage à Reims est
exceptionnel. Pour le reste, le « concert
à emporter » qu’il a donné pour
la Blogothèque voici un an devrait
achever de vous convaincre.
Le vendredi 16 juin, au Cryptoportique,
dans le cadre de Place aux Spectacle,
sur une invitation de Velours
Brel ressuscité
Il n’y a pas besoin d’hologramme pour faire
revivre un artiste. Et, pour preuve, du 4 au 13 mai,
au Bar de la Comédie, on entendra du Brel. C’est
Olivier Vaillant, auteur, compositeur, interprète
et multi-instrumentiste, qui se charge de donner
un second souffle au chanteur. Accompagné de
musiciens, d’un vidéaste designer sonore et d’un
scénographe, il met à profit son nouvel univers
musical, et, en gardant l’authenticité des textes
de Brel, propose aux spectateurs un voyage
sonore électronique. L’ensemble va bien au-delà
des grandes orchestrations de l’époque, et une
écoute inédite de Brel s’impose, dans une ambiance
conviviale de cabaret. C’est du sang neuf
qui circule dans les veines de notre cher Jacques,
qui ne nous quitte jamais vraiment pour de bon.
Cabaret Brel – du 4 au 13 mai – Bar de la Comédie
Infos et réservations : 03 26 48 49 00
Transistor
fantôme
Bruit Fantôme hante à nouveau le
spectre de la musique rémoise. Transistor
Galaxii sort un nouvel EP, Origamii,
cinq morceaux qui vibrent de plusieurs
influences. Stan Adry, derrière le masque
de Bruit Fantôme, derrière le masque
de Transistor Galaxii, musicien et
membre du collectif Vapeur, propose
un parcours nocturne, embarquant dans
une hypnose mélancolique et spleenétique.
Flottant entre des univers spatioculturels,
le son de Transistor Galaxii
résonne dans l’inconscient de chacun,
se plie et se déplie, pour se recomposer
à chaque écoute. Ce poltergeist musical
est chez Highlife Recordings, en écoute
et en téléchargement sur Spotify,
Deezer et Itunes.
Infos : facebook @transistorgalaxii
et @highliferec
Aux pieds du mur
Parce que mai est le mois des festivals,
il en est un qui virevolte, du 16 au 23 mai.
Hors les Murs propose des spectacles et
performances de danse contemporaine,
sur diverses scènes rémoises, au Cellier,
au Conservatoire, au Manège. Le Laboratoire
Chorégraphique compose cette 12 e
édition du festival à travers les thèmes
des légendes, du désir et de la sagesse :
vaste programme pour célébrer le corps
et l’espace. Bien installé sur la scène
culturelle rémoise, le festival Hors les
Murs fait découvrir au public des artistes
émergents, des prestations surprenantes,
des créations rémoises, et des compagnies
étrangères. Dans ou hors les murs,
l’art vivant de la danse sait toujours se
faire une place.
Festival Hors les murs – 16-23 mai
Infos et résas : 03 26 40 02 41

Lapie qui parle
L’artiste rémois Christian Lapie se prête
à un dialogue avec Yves Laval, président
de la Société des Amis des Arts et de
Musée. Le 3 mai, dès 18h30, dans la salle
La Môme Moineau du Cellier, l’artiste évoquera,
sur le thème de « L’homme dressé »
ses sculptures monumentales. Erigés
partout dans le monde, ces géants de
bois brut et comme brûlé sont issus d’une
inspiration mystique de la forêt amazonienne.
Aujourd’hui, une de ces œuvres
est visible dans la cour du musée des
Beaux-Arts de Reims, et cette conférence
est l’occasion, pour les rémois, de mieux
comprendre le processus créateur d’un
artiste proche de sa ville, et qui emporte
malgré tout dans la grande diversité
esthétique du monde.
Conférence / échange au Cellier
2 rue de Mars – 3 mai à 18h30
Infos et réservations
03 26 24 58 20
Dédale de Glass
9
Pendant ses trois jours d’Avant-Garde, la Magnifique
Society propose des concerts qui n’ont jamais si
bien porté leur nom. Car avant-gardistes, ils le sont,
si l’on en croit l’œuvre de Philip Glass, jouée le 18
mai, au Palais du Tau. Le Centre des monuments
nationaux, partenaire du concert, a rendu possible
son accueil dans ce haut lieu patrimonial. D’ailleurs,
plus qu’un concert, il s’agit d’une performance
musicale et sonore inédite, où une grande partie
de l’orchestration est laissée à la magie du hasard.
« Music with Changing Parts » est une composition
construite en 1970 et qui doit sa longévité à son
ouverture. En effet, la partition fait la part belle à
la liberté d’évoluer, au gré des interprétations et des
représentations. Philip Glass a écrit des modules
répétitifs, qui sont joués, les uns après les autres,
et qui se distinguent par leurs instrumentalisations
et leurs durées. En concert, habituellement, c’est
Philip Glass qui permet de passer d’un module
à un autre, quand ça lui chante, quand la création
musicale le permet. Chaque représentation est
unique, et c’est pour cela que la Magnifique Society,
dans le versant expérimental de son festival, a
décidé de vous le proposer, comme une aventure
sonore inédite, ondulant entre le passé et le futur.
Le 18 mai, c’est l’ensemble DEDALUS qui prend
à bras le corps ce monument musical pour en
donner une interprétation nouvelle et singulière.
Saxophones, piano, percussions, flûte et guitare
s’entêtent autour de la partition de Philip Glass.
Un moment hypnotique, assurément. Le concert
sera précédé d’une conférence, à 18h30, à la médiathèque
Falala, de Joseph Ghosn, sur les répétitifs
américains, dont mister Glass. Un before instructif.
« Music with Changing Parts », de Philip Glass,
par l’ensemble Dédalus Le 18 mai au Palais du Tau
2 place du Cardinal Luçon
Infos et réservations : lamagnifiquesociety.com

ASPERGE VERTE
DE ROBERT BLANC,
CHAMPIGNON, BOUILLON LÉGER
par arnaud lallement
Recette pour 4 personnes
Temps de préparation : 20 mn
Temps de cuisson : 20 mn
ASPERGE
8 asperges | 20 g de beurre
Couper les pointes de huit asperges. Faire blanchir pendant 2 à
3 mn. Glacer au moment avec du beurre. Dans les deux asperges
restantes couper huit lamelles fines.
morille
150 g de petites morilles | 10 g de beurre | sel | poivre
Parer les morilles. Réserver les parures. Poêler au beurre. Assaisonner.
Bouillon de champignons
200 g de champignons de paris et parures de morilles | 50 g de
beurre | 500 g d’eau
Faire revenir les champignons et les parures au beurre. Ajouter
l’eau. Faire cuire et réduire à 100 g. Monter le bouillon au beurre.
Jus vert
200 g de pousses d’épinard
Faire blanchir les pousses d’épinards. Mixer avec un peu d’eau. Passer
au chinois. Verser un peu de cette purée dans une pipette.
CROUTONS
2 tranches de pain de mie
Couper huit ronds de 2 cm. Poser sur une plaque. Arroser d’un filet
d’huile d’olive. Cuire au four à 180°C pendant 5 mn.
Avec Julien, nous nous connaissons depuis
vingt ans, raconte Arnaud Lallement,
nous avons vécus ensemble des moments
extraordinaires. Je trouve sa cuvée Saint
Vincent superbe, particulièrement le millésime
1996, très droit dans les premières
gorgées, et qui se révèle croquant au fil
de la dégustation. Ce parallèle me fait
penser à l’asperge verte, moins connue
que la blanche en Champagne. J’ai découvert
celles du producteur Robert Blanc il
y a vingt ans chez Alain Chapel et j’en suis
tombé amoureux. À l’époque, personne
n’en faisait d’aussi belles. Elles étaient
magnifiques, alignées bien droites, les
unes à côté des autres, assemblées,
calibrées, fagotées en cortège harmonieux.
J’aime le côté sauvage, presque
mystérieux de l’asperge. C’est un végétal
particulièrement délicat en cuisson si l’on
veut en saisir toute la subtilité. Son apparente
raideur dévoile en bouche une riche
palette où les amers se combinent à des
notes douces et pulpeuses, où le craquant
se fait tendre et fondant…
Dressage
Poudre de champignons
Faire un rond de poudre de champignons dans chaque assiette.
Disposer deux pointes et deux lamelles d’asperges. Ajouter deux
croûtons. Disposer trois morilles autour. À l’aide de la pipette,
faire un trait de jus vert. Servir le bouillon à table.
ASPERGE VERTE DE ROBERT BLANC, CHAMPIGNON, BOUILLON LÉGER © matthieu cellard

écit de cuisine
Le thé à la menthe
de Alassane
un récit autour d'une recette
ou une recette autour d'un récit
par Jérôme descamps
Ingrédients
2 boîtes de 25 gr de thé vert de Chine
1 bouquet de menthe fraiche
Sucre (à votre goût)
1 broc d’eau claire
Ustensiles nécessaires
1 saladier ou récipient en métal avec un peu d’eau
4 petits verres à thé
1 braséro + charbon de bois
2 petites théières en métal
1 gobelet en métal pour transvaser le thé
Au Sénégal et au Fouta particulièrement, le thé
à la menthe accompagne tout moment de convivialité.
C’est une cérémonie quotidienne à laquelle
Alassane, jeune homme souple et rieur, apporte
le plus grand soin tout en se mêlant aux conversations
de la cour. Il faut être patient, ce temps fait
partie de l’échange, il doit être prolongé. Le service
se fait en trois thés, du plus fort au plus léger
(à Dakar on dit que le premier thé est amer comme
la mort, le deuxième doux comme la vie et le troisième
sucré comme l’amour).
Alassane allume le charbon de bois dans le braséro,
verse la boîte de thé et l’eau dans l’une
des théières qu’il met à bouillir directement
sur les braises.
Pendant ce temps, il nettoie ses ustensiles, rince
les verres et la menthe et mange une tranche
de pastèque.
Dans la seconde théière, il met le sucre (ici on sert
le premier thé assez sucré) puis il verse le thé bouillant
dans cette théière et reverse de l’eau dans
la première qu’il remet à bouillir (il prépare toujours
par avance les autres services).
Le transvasement commence de la seconde théière
vers le gobelet en aérant bien le thé pour progressivement
dissoudre complètement le sucre et créer de
la mousse. J’ai compté plus de vingt transvasements
d’un récipient à l’autre, Alassane dit qu’il aime ce
geste d’équilibriste.
Il goûte et réajuste le sucre si nécessaire. Quand
une très légère odeur de caramel flatte les narines
et que la mousse se densifie, il commence à en
verser dans chaque verre.
Puis, il plonge la poignée de menthe fraiche dans
le thé et recommence les transvasements. Tous les
deux / trois transvasements, il recueille la mousse,
la dépose dans chaque verre et verse le trop plein
de liquide des fonds de verre dans le gobelet.
Quand les verres sont pleins de mousse, il fait
réchauffer le thé en prélevant un peu du précieux
liquide. Il regarde ses sms puis verse le trop plein
prélevé dans un verre pour faire descendre la
mousse au fond et renouvelle l’opération dans
chaque verre.
Il verse le thé jusqu’à ce que la mousse déborde
légèrement et fait servir immédiatement. La fabrication
dure autant qu’il y a d’invités.
Aspirer la mousse, c’est déjà boire le thé à la
menthe, la cuisine moléculaire existe dans toute
l’Afrique depuis quelques centaines d’années,
cet espuma de thé est une merveille.
Ce sont les plus jeunes qui servent le thé. Où que
vous vous trouviez dans la concession, ils vous
retrouveront pour que vous buviez vos trois thés.
Comme dans les communions ou les mariages en
France, les petits serveurs, finissent les verres car
le thé est réservé aux adultes. J. D.
La recette simple
de Guillaume Libert
chef référent des restaurants matsuri
Tartare de coquilles Saint-Jacques
Saint-Jacques sans corail | Pommes Granny Smith | Jus
de yuzu | Huile d’olive | Pâte de miso blanc | Ciboulette
Découpez les Saint-Jacques et les pommes
en dés. Réservez au frais dans des bols
séparés. Préparer la sauce en mélangeant
le jus de yuzupon, l’huile d’olive et un peu
de pâte de miso blanc. Juste avant de servir,
brasser délicatement dans un saladier
les dés de Saint-Jacques et de pommes
et la sauce. Servez en petits bols parsemés
de ciboulette ciselée.
" Ceci n’est pas
un bouquet ",
mais une création de Marie
Guillemot, une fleuriste
(qui " ne voulait pas faire
fleuriste " cf Peel 8)
à la démarche singulière,
spécialiste du pas de côté
végétal. Un bouquet
presque traditionnel pour
ce numéro 12. Presque.
www.marieguillemot.fr

art contemporain
1_
2_

2
art contemporain
Wolfgang
stiller
Métaphore de l'impermanence
Il y a quelques semaines, alors
que je me rendais d’un pas
rapide au Centre Pompidou,
mon regard fut attiré ou plutôt
aspiré, alors que je traversais
la place des Vosges, par
l’exposition des Matchstick
men de l’artiste berlinois
Wolfgang Stiller à la galerie Mark
Hachem. Poussé par le besoin
d’explorer son œuvre, je franchissais
l‘entrée de la galerie
d‘art, pour une rencontre avec
les Matchstick men, sortes
d’allumettes géantes dont
l’extrêmité représente une tête
consummée. On imagine alors
l’odeur du souffre qui habituellement
accompagne le craquement
de l’allumette, l’écair
instantanné et la combustion
rapide de la tête d‘allumette.
Mystique et totémique.
Wolfgang Stiller est un artiste
allemand né en 1961 en RFA
qui a suivi des études d’art à
Düsseldorf. Il a vécu et travaillé
notamment à New-York et Pékin
et s’est installé depuis plusieurs
années à Berlin.
Interview.
Quelle est la première œuvre que vous
avez réalisée ?
Je ne suis certainement pas ce genre
d'artiste qui a déjà commencé à peindre
à l’âge de trois ans. Evidemment, nous
avons tous peints en étant enfants, mais
sans créer d‘oeuvre intentionnellement.
J'ai envisagé l'art comme un sujet
majeur lorsque j'ai commencé à étudier
le design graphique. Je réalisais notamment
des études de natures mortes et
des dessins de nus. Puis je me suis inscrit
à l'académie d'art de Düsseldorf qui
était à l'époque la meilleure école d'art
en Allemagne. J'ai toujours travaillé
avec les lignes et l'espace. À un certain
moment j'ai commencé à appliquer du
fil à la toile pour y connecter des objets.
Au fil du temps, j'ai abandonné la
toile et commencé en 1984 à créer des
dessins à partir de fils : je les considère
comme mes premières sculptures
réelles, même si ces fils ont simplement
opéré une description de l'espace.
par des artistes tels qu'Alberto Giacometti,
Francis Bacon et Joseph Beuys.
Partez-vous d’une idée ou plutôt d‘un
matériau pour concevoir vos œuvres ?
J'ai deux façons différentes d'aborder
une nouvelle série d'œuvres.
La première est celle que j'utilise le plus
souvent : je pars d‘une idée ou d‘un
concept qui me vient à l'esprit et je
recherche le matériel idoine pour transformer
l'idée ou le concept en un travail
en trois dimensions. L'autre approche
part de matériaux que je rencontre
accidentellementet qui ne demandent
qu'à être transformés en œuvre d'art.
Par exemple, j'ai effectué, il y a quelques
années, une résidence d'artiste de deux
mois à Taiwan et je prévoyait réaliser
des travaux en latex pour l'exposition
de rendu de résidence, quand j'ai
accidentellement découvert des pièges à
crevettes qui ont changé la direction de
ma réflexion. J'ai alors utilisé ces pièges
à crevettes pour créer une installation,
radicalement différente de mon idée
originelle.
Quelles sont vos influences majeures ?
Pour n'en citer que quelques-unes,
j'ai pour diverses raisons été influencé

art contemporain
3_
Avec quels matériaux préférez-vous
travailler (latex, métal, verre, bois,
résine…) ?
Comme je l'ai mentionné précédemment,
je choisis le matériau qui me
semble le plus adapté pour le travail
que j'ai à l'esprit. Dans l’absolu, j'utilise
pour mes œuvres tous types de matériaux
en les détournant de leur usage
d'origine, et j'apprécie particulièrement
en exploiter de nouveaux.
Le lieu d’exposition a-t-il une importance
particulière dans la conception
de vos œuvres?
Je travaille toujours avec le lieu
d'exposition, car beaucoup de mes
œuvres sont des installations. En tant
qu'installateur, je prête une attention
particulière à l'espace que j'inclus
comme élément de l'œuvre finale.
Une même œuvre peut donc en effet
sembler tout à fait différente dans un
espace différent. Parfois un espace va
m’inspirer particulièrement et m'amener
à créer quelque chose que je n'avais
pas pensé avant. Il est donc très important
pour moi de montrer mes œuvres
dans l'environnement approprié.
Par exemple, l'année dernière j'ai
choisi de refuser une exposition solo
en France qui était organisée dans un
bâtiment ancien converti en espace
d'art parce que je n'ai pas ressenti de
connexion avec le lieu.
Vous avez réalisé des sortes de « cabinets
de curiosités », puis diverses formes
d’installations avant de concevoir les
Matchstick men. Comment vous est
venue cette idée d’hommes allumettes ?
Alors que je vivais à Pékin, j'ai été
amené à concevoir des mannequins
pour un film sur l'occupation japonaise
en Chine sur lequel je travaillais.
Durant mes recherches documentaires,
j'ai découvert des photographies de
décapitations qui m'ont perturbées.
En voyant ces images de décapitations,
je me suis rendu compte à quel
point une tête humaine était différente
lorsqu'elle était séparée de son corps.
J'ai alors conservé les moules des têtes
que j'ai utilisés pour ce film. Puis plus
tard, j'ai commencé à jouer avec des
morceaux de bambou que j'avais dans
mon atelier en y attachant les têtes.
Peu à peu, ces bâtons surmontés de

4
art contemporain
4_

art contemporain
5_
6_
têtes humaines devinrent des allumettes
et avec celà s'est développé le
concept de ma série Matchstick men.
En tant que sculpteur je m'intéresse aux
possibilités de montrer la tête humaine
sans corps. Alors, je poursuis mon
exploration.
Pour les lecteurs de Peel qui découvriraient
ces oeuvres en images, pouvezvous
dire si les têtes de ces Matchstick
men sont réellement brûlées ou s’il
s’agit d’un trompe l’œil ?
Les matchstickmen n'ont jamais approché
la moindre source de chaleur. Tout
est sculpté et peint.
Vous présentez des boites d’allumettes
géantes où sont rangés les Matchstick
men. Pensiez-vous au cercueil lorsque
vous les avez conçues : Est-ce une allégorie
de la mort ?
Bien sûr, c'est certainement une façon
dont elles peuvent être interprétées.
En même temps, je les utilise dans mes
installations d'art comme une sorte de
point d'équilibre vis à vis des Matchstick
men qui sont distribués au hasard
dans l’espace d‘exposition.
Ces personnages en allumettes consumées
ou non peuvent-ils être interprêtés
comme des sortes de " Vanités " contemporaines
?
J'essaie toujours de laisser la possibilité
au public de répondre avec ses propres
idées. Ces personnages peuvent être
interprêtés de nombreuses façons, mais
j'aime les voir comme une métaphore
de l'impermanence. Nous avons tous
une durée de vie limitée, mais nous
aimerions l'oublier. Certains brûlent
plus longtemps que d'autres. Naturellement,
ils peuvent aussi être considérés
comme une critique de la manière dont
nous nous traitons, du gaspillage des
ressources humaines et de l'exploitation
mutuelle. Ils ont aussi un côté
drôle dans ces œuvres que les enfants
peuvent facilement percevoir.
Les Matchstick ment peuvent-ils être vus
comme des êtres totémiques ?
Pour certaines personnes ils peuvent
représenter des êtres totémiques, pour
d’autres les Matchstick men peuvent
rappeler, lorsqu‘ils sont alignés contre
un mur, les guerriers de terre cuite
chinois.
w w w . w o l f g a n g s t i l l e r . c o m
texte
Alexis Jama Bieri

6
art contemporain
1_ Matchbox 2008, dim. 90 x 40 x 190 cm,
wood, paint, PU © Achim Kukulies
2_ Matchstickmen 2008, dim. 15 x 15 x 150 cm each,
wood, paint, PU © Xiaoni Li
3_ Remembrance 2016, dim. 120 x 83 x 26 cm each,
bronze, burned wood, paint © Xiaoni Li
4_ Matchbox 2008-2012, dim. 160 x 34 x 60 cm,
wood, paint, PU © artist
5_ Matchstickmen 2012-2014, dim. 15 x 15 x 160 cm
each, wood, paint, PU © artist
6_ Matchstickmen installation 2008, dimensions
variables, wood, paint, PU © Achim Kukulies

festival incontournable
Carton
plein
Du 19 au 21 mai, le rythme cardiaque de la ville de
Reims va s’accélérer sensiblement. Et pour cause :
le festival organisé par Césaré et la Cartonnerie
voit les choses en grand : la Magnifique Society
s’installe au Parc de Champagne, mais pas seulement…
En effet, plusieurs rendez-vous s’égrènent
dans Reims, et sur le line-up du festival, les grands
noms de la scène musicale actuelle et avertie font
des ricochets.

8
festival incontournable
a Magnifique Society veut rassembler, et la musique
étant le meilleur lien fédérateur, une fois n’est pas coutume,
la Cartonnerie et Césaré misent tout sur une programmation
éclectique qui distingue deux temps forts dans le festival.
Les 16-17-18 mai, l’Avant-Garde va agir comme un tour de
chauffe. Qualifié de « versant expérimental », l’Avant-Garde
propose des performances qui sortent de l’ordinaire. Des installations
vous attendent au Cellier, à la médiathèque Falala, à
l’Appart Café et au Cryptoportique. Mais aussi, une programmation
musicale insolite se nichera au Palais du Tau et l’Atelier
de la Comédie. C’est d’ailleurs là-bas que vous pourrez entendre
« Présages », de Laurent Durupt dont nous vous parlions dans
le précédent Peel. Spécifique aussi, un concert au casque est
organisé au Parc de Champagne : musique et plein air, à la fois
individuel et collectif, expérience inédite « into the wild ».
Les trois jours suivants, comme vous serez échauffés, étirés,
vous serez prêts pour le marathon musical prévu par la Magni-
INSERTION
fique Society. Les 19-20-21 mai, au Parc de Champagne, quatre
scènes joueront à cache-cache – ou pas ! – sous les grands arbres
verts.
JNG
L’espace Tokyo Space Odd, scène venue de loin, est une installation
qui accueillera le public pour des concerts came from Japan,
neuf artistes, hip-hop, pop music et DJ set, qui illustrent la
magnificence musicale encore méconnue du Japon. Mais aussi,
c’est dans cet espace dédié qu’une salle d’arcades sera installée,
pour (re)découvrir vos jeux vidéo favoris dans un contexte atypique.
Sur la Scène Cristal, vous retrouverez les dignes incarnations
de la scène actuelle française, et même rémoise et limitrophe.
Judy, Puzupuzu, Fishbach, entre autres, représenteront cette génération
musicale dynamique et proche de nous, car en pleine
ascension dans notre périmètre. Au pied de la Scène Club, vous
pourrez danser, non-stop, sur les bonnes basses ininterrompues
d’une programmation décapante, entre, par exemple, Lorenzo,
Requin Chagrin ou MØME. Enfin, la Grande Scène se distingue
par une programmation internationale de grandes têtes
d’affiche. Le punch de Talisco, ou encore Agnès Obel, planante,
mais aussi sacré Air ou Moderat et ses ambiances cinématographiques,
ou enfin Jamie Cullum, génie du piano jazz.
D’une scène l’autre, les festivaliers de la Magnifique Society ont
donc la possibilité d’onduler d’une préférence à l’autre. Le vendredi,
dès 19h, le samedi à partir de 14h ou le dimanche à partir
de 15h : le Parc de Champagne se veut comme un second lieu
de vie, pendant ces trois jours de plaisir partagé.
En choisissant tous ces lieux de rendez-vous, la Magnifique
Society souhaite, plus encore que l’expérience musicale, mettre
en valeur Reims et les Rémois. Elégant, le festival met en lumière
des hauts lieux de la culture rémoise, mais également des
repères historiques de grande valeur. Le Parc de Champagne
en est un, précisément pour son lien avec l’enfance, pour le
soin de ses espaces verts, en perpétuelle évolution, ou encore
pour ses recoins anecdotiques et familiers. Et si certains univers
musicaux se marieront parfaitement à cet écrin bucolique, la
Magnifique Society n’hésite pas à y mettre sa griffe, impertinente
et espiègle, en cassant les codes attendus. Nul doute que
le rap décapant de Tommy Cash fera frémir les marronniers
comme jamais.
La billetterie est d’ores et déjà ouverte. Vous pouvez réserver
vos places directement à la Cartonnerie ou en ligne sur le site
Le Trésor, mais les points de ventes habituels sont aussi en service.
Pour organiser au mieux votre festival, plusieurs solutions
s’offrent à vous : le pass 3 jours (19-20-21 mai), le pass 2 jours
(19-20 mai) ou les billets jours.
Cette première édition de la Magnifique Society, dans le sillage
de son prédécesseur Elektricity, s’annonce déjà comme unique
et incontournable. C’est toujours important les premières fois.
Et c’est encore plus précieux de pouvoir dire « J’y étais… » Avec
les beaux jours, l’énergie nouvelle et les bonne vibes printanières,
et parce qu’il n’est pas de plus magnifique society qu’une
society qui danse à l’unisson, soyez citoyens responsables :
venez faire vibrer notre ville, dans son petit cœur tout vert de
Champagne.
l a m a g n i f i q u e s o c i e t y . c o m
Un Hors série du magazine
Peel entièrement consacré
à La Magnifique Society
disponible la deuxième
semaine du mois de mai !
texte
Agathe Cebe

le champollion du beatbox

le champollion du beatbox
adrien
contesse
808 Snaze Roll, Inward Hollow,
Sharp Shaker, Reversed Open Hi Hat
nouvelle poésie vocale
Adrien Contesse est un jeune
designer graphique rémois qui,
au gré de différentes sollicitations,
n’a jamais cessé de
poursuivre des projets personnels
de recherche. Il en est un,
en particulier, spécialement en
exergue et qui s’égrène en particules
géniales : Vocal Grammatics,
le système d’écriture pour
le beatbox.
Tout commence il y a quinze ans, quand Adrien, alors adolescent
et digne héritier de la culture 80s, veut s’essayer au beatbox
à travers des tutoriels sur internet. Déjà, il est interpelé : la
théorie du son est utile, certes, mais il manque une technique
d’écriture pour mémoriser, pérenniser et progresser. Dans un
carnet, il griffonne un alphabet, une transcription très arbitraire
: les premiers balbutiements d’un projet de longue haleine.
Plus tard, en 3 e année à l’ESAD d’Amiens, le sujet de réflexion
en fil rouge est « le code ». Adrien se tourne vers ses amours
adolescentes et essaie de travailler sur le beatbox avec l’alpha-
texte
Agathe Cebe
portrait
Benoît Pelletier
Terme phonétique : Rétroflex.
Description : la pointe de la langue est posée contre le milieu du palais.

le champollion du beatbox
bet phonétique international, mais le manque d’intuitif ne le
satisfait pas. Il faut aller plus loin, il faut créer, il faut explorer
un terrain vierge. Et c’est en 5 e année, lors de ses travaux de
mémoire thématique et de projet graphique qu’Adrien élabore
son alphabet beatbox, avec des modules faciles à mémoriser,
combinables à l’infini, pour répondre à l’ouverture évolutive et
perpétuelle du beatbox.
Graphiquement, Adrien s’est inspiré de l’alphabet coréen. Pour
le système, il s’agit d’organiser les éléments indispensables à la
pratique du beatbox. C’est de la dissection : un son, fragmenté,
observé sous toutes les coutures, analysé, transcrit élément par
élément, et recomposé. Vocal Grammatics est en open source.
Il s’adapte à toutes les possibilités sans cesse inventées et démultipliées
par les performeurs. Et en amont, la conception du langage
obéit à une rigueur essentielle.
Les problématiques principales : où et comment ? Où et comment
se place un son ? À travers ces deux questions, Adrien
utilise une tablature de la bouche et la rend interactive, via un
vocabulaire phonétique international : Vocal Grammatics outrepasse
toutes les frontières. Vocal Grammatics est universel.
Chaque signe est conçu comme un assemblage de plusieurs
modules qui se différencient par leurs tailles, et donc, au-delà,
par leurs natures. Les plus gros signes montrent où se situe le
son. Les plus petits, comment se fait le son. Une combinaison de
deux signes, au minimum, est obligatoire pour obtenir un son.
Les gros signes sont les signes d’organes : lèvres, dents, cavité
nasale, langue, palais, larynx, etc. Ils sont dessinés en fonction
de la forme de l’organe en question, pour une compréhension
intuitive. La langue, quant à elle, possède neuf formes différentes,
car neuf variations de positions. Ces signes sont ceux
des points d’articulation, points de départ essentiels à l’élaboration
d’un son.
Au-delà de cette position de base, les petits signes complètent
la composition pour orienter l’apprenti vers une technique de
production (durée) et une dynamique respiratoire. Les petits
signes indiquant le ponctuel sont à l’intérieur du grand signe,
ceux indiquant une durée se placent à côté. Ces petits signes
précisent donc comment effectuer un son, dans la durée, dans
le souffle, dans les variations tonales, dans les résonnances, et
dans les différentes apertures. Les petits signes indiquent les
précisions morphologiques, détails millimétrés qui peuvent,
dans une variante insignifiante, transformer un son en un autre.
Aujourd’hui, Vocal Grammatics est pensé, articulé, utilisé.
Le système fonctionne et séduit. Mais Adrien veut ouvrir la
connaissance au plus grand nombre. L’objectif de ce langage
neuf reste le partage : le partage des compositions, le partage
des techniques, le partage didactique. Il travaille donc sur une
application qui permet de comprendre, d’assimiler et d’utiliser
l’écriture pour le beatbox.
Très intuitive, cette application s’adresse à un public large. Apprentissage,
bibliothèque participative de sons et d’enregistrements,
outil de composition : si le beatbox est une communauté,
Adrien l’ouvre pour une approche universelle et évolutive.
« Il faut démocratiser la connaissance au-delà de la technique »
affirme-t-il. Adrien est intellectuellement généreux, et son projet
aussi.
Pourtant, dans la course folle de cette recherche, le projet a
besoin de financements. Pour que l’application puisse arriver
sur vos tablettes, Adrien va lancer une campagne de crowdfunding.
Aussi, la suite est pleine de promesses : Vocal Grammatics
attire déjà l’attention des pédagogues ainsi que des rééducateurs
du langage. En effet, la recherche continue, et le système d’écriture
d’Adrien, par sa proximité avec les outils phonétiques et
son inédite articulation morphologique, permettrait d’aider
médicalement les différents dysfonctionnements du langage.
C’est ambitieux, et cela nécessite une évolution du système, par
l’introduction de signes de voyellisation, inutiles au beatbox,
utiles à l’être humain qui veut se réapproprier le langage. Aussi,
des outils didactiques et ludiques manquent encore, même si,
après expérience, une petite fille de 9 ans a mis 15 minutes à
comprendre et utiliser le système d’Adrien…
Il faut bien de l’audace et du génie pour oser toucher au langage
et à l’écriture. Adrien Contesse possède les deux, langés
d’humilité et de talent. Vocal Grammatics en a encore sous le
pied et c’est assez excitant de pouvoir être témoins de l’évolution
d’une telle ambition. Le beatbox n’a jamais autant été à portée
de main, et le système d’écriture d’Adrien réveille notre instinct
joueur, rythmique, mais aussi la conscience de nos possibilités
multiples : tout s’apprend, à force de travail et de persévérance,
quand les outils sont solides, adaptés et, cherry on the cake,
made in Reims.
a d r i e n c o n t e s s e . c o m
@ v o c a l g r a m m a t i c s s u r f a c e b o o k

2
le champollion du beatbox
Identification des organes de la phonation.
Exemples de composition de signes.
Outil pour composer ses propres signes.

photographie

4
photographie
Dans
la boite
ronde
des
pellicules
gérard rondeau
Écrire sur Gérard Rondeau,
témoin du monde, c’est
une réflexion d’ombres
et de lumières, un vertige.
En écoutant parler ses
proches, on découvre une
richesse humaine rare
et subtile, cette même
richesse qui transparaît
dans l’ensemble de son
œuvre. Le parcours de
Gérard Rondeau et les
photos qui en sont nées
laissent croire que, de
toute évidence, le seul
mérite de la passion peut
suffire à la postérité.
Gérard Rondeau est sans pareil. Classieux et distingué, son
travail photographique est un miroir tendu vers l’homme qu’il
était : attaché à ses valeurs, à sa région, à l’humain, mais aussi
ouvert sur son monde contemporain, acteur conscient de l’Histoire
sous ses pieds. Et tout a commencé avec Cartier-Bresson :
noir et blanc, captures sensibles d’instants furtifs, journal
intime du temps qui passe, portraits vivants. « Le travail de
Gérard est toujours attaché à une histoire » nous confie son épouse,
Sylvie Rondeau.
Il y a eu des rencontres, comme des prétextes. En décembre
1989, son ami Patrick David, de Médecins du Monde, est
passé le voir, chez lui, impromptu. Un avion part cette nuit.
Il faut prendre une décision immédiate. L’accompagner ou non.
Gérard Rondeau a dit oui, à cette mission, aux missions suivantes,
à vingt ans d’aventures intenses. De ces aventures
naissent des engagements personnels. Comme à Sarajevo, où il
…

photographie
veille et chronique le quotidien pendant le siège. Gérard Rondeau
n’a eu que des engagements du cœur, des engagements
humains et passionnels. Cela se considère aussi dans ses projets
culturels, toujours intéressés par les arts et la littérature :
il travaille près du peintre Paul Rebeyrolle, des romanciers Yves
Gibeau et Bernard Frank, du quatuor Ysaÿe. Il voyage en terre
familière avec Jean-Paul Kauffmann, le long de la Marne, et la
photo se mêle aux mots, pour ne jamais s’en dissocier.
L’image photographique se considère comme une poésie et
Gérard Rondeau joue avec la composition de ses clichés, de
signe en signaux. Il est poète, et c’est ainsi que le caractérise
son ami Jean-Paul Kauffmann, tantôt en « Voyant » rimbaldien,
tantôt en dandy baudelairien.
Fasciné par les destins, Gérard Rondeau se distingue dans sa
pratique du portrait. Il portait sur lui son petit Leica, et toutes
les poches déchirées de ses vestes en témoignent encore : la discrétion
de ses clichés est une religion. Et quand le sujet s’attend
à être croqué par l’objectif, l’intimité entre lui et le photographe
n’admet pas beaucoup d’épreuves : en une ou deux prises de vue,
Gérard Rondeau savait capturer le regard, la lumière, les lignes,
les pensées. Un fossile sur pellicule. La marque unique d’un instant
et d’un destin fixé, en héritage, pour le futur.
L’élégance et la pudeur de l’homme définissent chacun de ses
projets photographiques. Gérard Rondeau est un passeur.
« Il voyait tout et autrement. Aucun fait ne lui échappait, son regard
perçant scannait le moindre détail. « Ce qui m’intéresse, c’est
ce qui ne se voit pas », répétait-il. Mais lui, le voyait de son œil
impitoyable. » nous souffle Jean-Paul Kauffmann. Son sérieux
et son souci du détail se manifestaient jusqu’à l’installation de
ses expositions. Au millimètre près. « Il travaillait jour et nuit
pour placer exactement ses tirages et parvenir à l’équilibre parfait.
» témoigne encore son ami. Et son épouse insistera aussi
sur ce point, prenant à cœur, aujourd’hui, ce travail pointilleux
d’accrochage : « J’installe les expositions de Gérard de manière à
ce que tout soit comme s’il l’avait fait lui-même. »
Les photos de Gérard Rondeau sont des outils historiques et
philosophiques. Des livres aux films, l’œil curieux est emporté,
sans filtre, dans une partition photographique qui émeut, qui
instruit, et qui se souvient. Son art n’est pas ingrat : Gérard
Rondeau sait ce qu’il doit à l’Histoire et à la culture. C’est cette
reconnaissance qui donne toute la force aux témoignages photographiques.
Où qu’il aille, à son passage, les lieux et les gens
ont pris du sens. Il savait « retenir le sens caché du monde invisible
» nous dit joliment Jean-Paul Kauffmann.
Cet héritage généreux, comme une collection d’instants précieux,
se moque bien du temps qui file. L’essence est capturée,
la grâce est préservée. C’est un poing qui se referme sur une
luciole indisciplinée. La discrétion a forgé la force de Gérard
Rondeau, lui laissant aussi la place et l’énergie d’un prédateur à
l’affût des sujets doués de beauté et de sens. Son travail transpire
l’intelligence de celui qui ne veut ressembler à personne, qui ne
veut appartenir à aucun courant, qui ne veut que se faire oublier
pour avoir l’aisance d’un cliché unique et inimitable. D’ailleurs,
ses photos ne disent pas tout, elles laissent aussi la part belle à la
suggestion du public : complice à perpétuité.
Aujourd’hui, le flambeau est dignement repris par ceux qui l’aiment.
Son épouse prépare les collections et dispose les œuvres
avec patience et application sur les divers lieux d’expositions.
Ses amis proches, Jean-Paul Kauffmann le premier, s’adonnent
à des discours éclairés lors des vernissages. Ils sont des témoins.
Les lucioles ont changé de poings. Mais la passion bienveillante
ne change pas.
Gérard Rondeau était « très sensible au tragique de la vie » nous
confie Jean-Paul Kauffmann. Et pourtant, son travail photographique
offre une belle contradiction à cette tragédie humaine,
celle qui nous est commune, cette fatalité omnipotente. Plus
qu’une contradiction : un antidote. L’éternité.

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photographie
Le Taittinger, le prix des chefs
La dernière commande passée à Gérard Rondeau honore
à la fois la cuisine, l’humain et le patrimoine rémois
rayonnant. « Le Taittinger, le prix des chefs », paru
aux éditions du signe, propose un voyage culinaire et
artistique autour des grands pôles de ce prix de grande
renommée. Derrière une organisation du détail, derrière
tant d’exigeantes recettes, il y a des êtres humains.
Gérard Rondeau a su, dans une galerie de portraits,
sensible et singulière, montrer, tout en contrastes, la
diversité humaine, vivante, qui lustre le prestige du
Prix Taittinger, saison après saison. Si l’année 2016
est figée dans l’encre de cet ouvrage, c’est bien toute
l’histoire passée qui se dessine, comme fortification
de l’esprit Taittinger. En perpétuelle évolution, le Prix
Taittinger puise dans l’héritage des années l’ouverture
vers le futur, vers les futurs. Hommes et femmes, chacun
des portraits de Gérard Rondeau incarne la force
de l’héritier, fier et solide, en équilibre parfait entre tradition
et projection. « Le Taittinger, c’est une affaire de
cœur », préface Pierre-Emmanuel Taittinger, et nul autre
objectif que celui de Gérard Rondeau ne pouvait, dans
un éternel noir et blanc, rendre meilleur hommage à la
grandeur, à la fierté, à l’humilité, au talent, au doute, à
la satisfaction, à l’effort, au don, le tout concentré en un
seul regard.
_Paul Bowles

photographie

8
photographie
Le regard
envisagé
Sur la page d’accueil du site de Gérard Rondeau, une route.
Chemin de terre qui semble brûler sous une lumière pourtant
grise. Le ciel est nuageux, il n’y a personne. Une simple
légende accompagne cette photographie, Chemin des Dames,
France 2003. On peut imaginer que l’origine lointaine de cette
route, c’est l’histoire meurtrie par la guerre qui a tant marqué
le travail de Gérard Rondeau. Mais l’origine de cette route, c’est
aussi le corps du photographe. On le devine sans le voir. Toute
image commence par l’effacement de l’artiste pour figurer un
monde, ou seulement l’interroger. Quand Gérard Rondeau
photographie les ruines de Sarajevo après la guerre, des détails
hallucinatoires de la cathédrale de Reims, ou encore le visage
crépusculaire de Paul Bowles à Tanger, dans chacune de ces
images, il célèbre la fragilité d’une présence. L’imminence
même de sa disparition. Une de ses photographies n’a jamais
cessé de me marquer : un portrait en noir et blanc d’Yves
Bonnefoy réalisé en 2001, dans son petit bureau du deuxième
étage de la rue Lepic, à Paris. Le poète est assis sur une chaise,
mains jointes, dos à la fenêtre. Il regarde avec une attention
évasive celui que l’on ne voit pas : Gérard Rondeau. Autour de
Bonnefoy, le temps semble s’être arrêté. Un rideau flottant est
traversé par le soleil, on distingue aussi quelques livres dans la
bibliothèque, masqués par une ombre — toujours douce dans
l’œuvre de Rondeau. Quelques années après, je me suis trouvé
à la place du photographe. J’avais rendez-vous avec Yves Bonnefoy.
Devant l’écrivain, j’ai repensé au portrait de Rondeau,
et au titre du livre de Clément Rosset sorti soudainement de
ma mémoire. « Le réel et son double ». Regarde-t-on autrement
quelqu'un après l’avoir d’abord découvert dans une image ?
Ce portrait fut en quelque sorte la promesse d’une rencontre
humaine. En juillet 2016, le poète s’est éteint. J’ai écrit alors
pour « Le Monde » un long article accompagné de cette photographie
dans laquelle — miraculeusement — deux regards ne
cessent encore dialoguer dans le silence et l’absence.
Amaury da Cunha
Écrivain, journaliste au Monde, photographe
www.amaurydacunha.com
_Cabu
_Jean-Paul Gaultier
_Yves Bonnefoy

photographie
_Paul Rebeyrolle

photographie
d a n s l ' i n t i m i t é d u m o n d e
e s p a c e r e b e y r o l l e à e y m o u t i e r s
j u s q u ’ a u 2 1 m a i 2 0 1 7
h o r s c a d r e . d e s m u s é e s , d e s a r t i s t e s
c h â t e a u d e c o u r c e l l e s à m o n t i g n y - l e s - m e t z
d u 7 a v r i l a u 2 j u i l l e t 2 0 1 7
e n t r e s i l e n c e e t o m b r e
f e s t i v a l p h o t o m e d ,
g a l e r i e b a r t h é l é m y d e d o n à s a n a r y - s u r - m e r
d u 1 8 m a i a u 1 1 j u i n 2 0 1 7
w w w . g e r a r d r o n d e a u . c o m
texte
Agathe Cebe
photographies
Gérard Rondeau

1_
art contemporain

2
art contemporain
2_
[kin
stezi]
Expocollective
Prolongeant la nuitnumérique #14, l’expocollective
est présentée au Centre culturel numérique St
Exupéry jusqu’au 24 mai. Elle permet de découvrir
les installations de plusieurs artistes dont Lawrence
Malstaf, qui créé des pièces sensorielles immersives
; Nicolas Canot, qui centre son travail sur la
musique électronique et électroacoustique et
GMTW, qui utilise les potentialités de l'image et la
pluralité des modes de production, du dessin à la
maquette, en passant par l'installation ; le collectif
One Life Remains qui crée des jeux vidéo ; et Dan
Gregor qui travaille la lumière.
texte
Alexis Jama Bieri

art contemporain
3_
Quelles sont vos influences ?
Lawrence Malstaf : Tinguely, le Jazz, le design industriel.
Je collabore avec des danseurs et des chorégraphes, en créant
des engins motorisés destinés à concurrencer ou compléter le
corps humain.
Nicolas Canot : Le jazz, le rock, la techno... J’écoute Rashad
Becker, Susana Santos Silva ou le trio In Love With qui ont en
commun une attention à la rigueur formelle. Concernant les
arts numériques, j’apprécie Tristan Perich ou Ryochi Kurokawa.
GMTW : L’imagerie médiévale, le motif et ses déclinaisons sur
papier peint. J’en avais d’ailleurs longuement parlé dans Peel #3.
One Life Remains : L’influence de la philosophie se retrouve
dans La discipline du rectangle que nous présentons à l’expocollective.
Le jeu vidéo est aussi une source d’inspiration.
Dan Gregor : La nature, la science, le monde urbain et la musique.
Comment définiriez-vous votre art ?
NC : Mes créations couvrent divers horizons sonores selon que
je travaille seul ou en collaboration. Je pense que ce qui lie l’ensemble
se situe quelque part entre brutalisme et minimalisme.
En général, j’essaye de ne pas trop polir les choses.
GMTW : Mon travail est une forme de graphisme hybride,
déambulant entre dessin, maquette, installation et photographie.
OLR : Nous faisons des jeux vidéo à la croisée du punk et de l’art
conceptuel. Le jeu vidéo est un medium de la main, de l’agir, de
la performance, mais aussi un medium du système, de la règle,
de l’intangible. Notre travail consiste à questionner cette tension.
DG : Je travaille surtout dans le cadre du " New media " la lumière
et la projection. Mon expression artistique est très proche
du minimalisme.
Que représente pour vous la Kinesthésie ?
LM : Un système de rétroaction sensorielle important dans ce
qui implique le déplacement de notre corps. Pourtant, notre
industrie occidentale a développé très peu d'outils permettant
l'interaction et / ou la communication à ce niveau.

4
art contemporain
4_
5_
1_ La discipline du rectangle © Mylène Farcy
2_ Netykavkai © Dan Gregor
3_ Compass © Mylène Farcy
4_ Trace-s © Mylène Farcy
5_ La discipline du rectangle © François Christophe
6_ La discipline du rectangle © Mylène Farcy
7_ Netykavkai © Dan Gregor
6_ 7_

art contemporain
NC : La « mémoire proprioceptive » est un élément fondamental
du geste musical, une question d’équilibre entre l’énergie
déployée par le corps et un rendement sonore efficace. Bien
que je ne me définisse plus comme guitariste aujourd’hui, je
pense avoir conservé quelque chose de cette sensibilité dans ma
manière d’interagir avec mon ordinateur ou mes contrôleurs,
d’improviser.
GMTW : Cette notion m’évoque l’aller-retour à vélo entre Reims
(Fr) et Nida (Lt), à l’origine de l'élaboration de TRACE-S et la
perte de sensibilité de 3 doigts (majeur, annulaire et auriculaire)
due à des étapes longues et à un chargement lourd. J’étais alors
au cœur du sujet par la conscience immédiate des mouvements
et de leurs contraintes.
OLR : La kinesthésie est une question classique dans le jeu
vidéo car le jeu implique la mise en relation de plusieurs modalités
sensorielles. Face à un dispositif vidéoludique, le joueur,
immobile, semble comme absent aux yeux d’un observateur
extérieur. Pourtant, l’engagement corporel est total.
DG : Mes œuvres sont centrées sur le public, les interactions
de l'auditoire.
Pouvez-vous nous parler de l’installation que vous présentez à
l’expocollective [kin stezi] ?
LM : Compass est une machine d'orientation à porter autour de
la taille. L'appareil impose une attraction ou une répulsion sur
la taille, comme dans un champ magnétique. La machine est
programmée pour vous faire suivre une carte invisible, mais
vous pouvez choisir entre lui résister ou céder et vous laisser
guider.
NC : TRACE-S est une installation visuelle et sonore interactive
sur la mémoire des systèmes et l’accumulation involontaire des
traces numériques. Au départ, il y a la trace GPS du périple à
vélo pour lequel GMTW m’a demandé de concevoir un tracker
qui enregistrait sur carte SD les données topographiques et
cinétiques du voyage. Sans connexion au web le souvenir digital
est resté une trace personnelle qui n’aurait pas à être vue.
GMTW : TRACE-S est une superposition de strates où chaque
participant, par sa gestuelle écrit son passage dans l’œuvre tout
en effaçant les traces des participants précédents. Dans le même
temps, ma trace GPS participe à déformer davantage l’image et
le son. 2 motifs faits de lignes ou de points gris et rouges sont
tour à tour pliés, dépliés, froissés tels des cartes topographiques
glissées dans une poche. Ils forment une cartographie imaginaire
mouvante, synchronisée aux motifs sonores créés par les
participants.
OLR : Dans La discipline du rectangle il s’agit de se placer face
à une caméra et un écran où apparaît un rectangle blanc qui
se déplace, change de proportions. Il s’agit alors d’adapter la
position de son corps de manière à éviter toute collision avec
les bords du rectangle qui s’affichent autour de soi. Bien sûr,
chaque joueur dispose d’un corps qui lui est propre, mais le
programme ne prend pas en compte ces différences. Aveugle
à ces particularités, il continue d’émettre l’injonction qui est
la sienne – rester à l’intérieur du rectangle. Cette proposition
questionne le rapport à la norme, à l’image de soi, au visible et à
l’invisible à l’ère du numérique.
DG : Netykavka est directement influencé par le travail d'un
artiste d'avant-garde britannique Anthony McCall que j'ai eu
la chance de rencontrer à Berlin. Netykavka est une paraphrase
des œuvres de McCall avec une capacité de réponse supplémentaire
par le toucher.
Quelles ont été les particularités de sa mise en œuvre ?
LM : Il y a 13 ans, je portais mon jeune fils dans une sorte de
sac à dos. Quand nous allions au marché, il tendait les bras en
essayant de saisir les choses et son mouvement changeait mon
centre de gravité et d'orientation. Ce fut le point de départ du
projet Compass.
NC : GMTW et moi cherchions à utiliser les données de son
voyage. Jusqu’à ce que nous réalisions que la pratique du vélo
étant liée à cette question de la kinesthésie (ratio équilibre /
énergie / trajectoire / vitesse), nous pouvions jouer à mêler les
flux de données écrites et le temps-réel. Il a fallu travailler très
vite, TRACE-S étant une création ex-nihilo et le système numérique
mis en œuvre, assez complexe. Mais j’aime énormément
travailler vite, sans me retourner puisque c’est, après tout, exactement
ce qui motive ma pratique d’improvisateur !
OLR : La discipline du rectangle fut élaborée à Cluj (Ro) sous
forme de performance. Le prototype conçu alors a ensuite servi
de base de travail pour la réalisation en 2016 d’une installation
complète de 7 stèles intitulée Les disciplines du rectangle. Les
stèles sont depuis présentées ensemble, ou séparément comme
c’est ici le cas.
l e m a g a z i n e p e e l e s t p a r t e n a i r e
d e l a n u i t n u m é r i q u e # 1 4
e x p o c o l l e c t i v e [ k i n s t e z i ] d u 1 5 . 0 3 a u 2 4 . 0 5 2 0 1 7
à s a i n t - e x u p é r y
w w w . s a i n t e x - r e i m s . c o m

6
AIR MODERAT JAMIE CULLUM AGNES OBEL
CAMILLE VITALIC ODC LIVE BOYS NOIZE GREGORY PORTER
TRENTEMØLLER MØME JACQUES PARCELS SLEAFORD MODS
THEE OH SEES ALEX CAMERON HER LORENZO
FISHBACH ALLTTA (20SYL & MR. J. MEDEIROS) BON GAMIN (ICHON, MYTH SYZER, LOVENI)
THYLACINE PARADIS LESCOP LITTLE SIMZ GROUP DOUEH & CHEVEU PAPOOZ
REQUIN CHAGRIN JULIETTE ARMANET BON ENTENDEUR TOMMY CA$H THEY.
BUSTY & THE BASS SHOW ME THE BODY BCUC TALISCO BLACK BONES JUDY PUZUPUZU
BROTHERS GRINDI MANBERG 10LEC6 2080 WEDNESDAY CAMPANELLA SEIHO DÉ DÉ MOUSE
YMCK KILLA DOTAMA PINOCCHIOP SAM TIBA (CLUB CHEVAL) ARCADE MANIAC
16, 17 ET 18 MAI : L’AVANT-GARDE, 3 JOURS D’EXPÉRIENCES SONORES AU CŒUR DE REIMS
19, 20 ET 21 MAI : CONCERTS, ATELIERS, TOKYO SPACE ODD AU PARC DE CHAMPAGNE
LAMAGNIFIQUESOCIETY.COM
artwork agence Miracle

photographie
_Miroir 2, 2014 © Manuela Marques
_Cerf-volant 2 © Manuela Marques
_Main 3, 2014 © Manuela Marques

8
photographie
La photographe et vidéaste Manuela Marques va
se jouer de l'espace du Cellier où elle expose ses
œuvres du 13 mai au 30 juillet. Un espace minéral
où les deux travées symétriques répondent
parfaitement au principe de dédoublement dans
lequel l'artiste aime à conduire et parfois désorienter
son public.
L'exposition emprunte son titre à la force inertielle qui affecte
le mouvement des corps dans un milieu en rotation décrite
par l'ingénieur-mathématicien Gaspard-Gustave de Coriolis
au 19 e siècle. Cette force est un principe de la cinématique
dont l'énoncé est plutôt simple : tout objet en mouvement par
rapport à la Terre va être dévié, vers sa droite dans l'hémisphère
nord et vers sa gauche aux antipodes. Cela vaut pour
les courant aériens et marins.
En fait, c'est plutôt une pseudo-force car il n'y a pas d'interaction
entre les corps concernés, c'est seulement une façon
d'exprimer que les lois de la mécanique changent quand on
change de point de vue.
Et c'est bien de cela dont il s'agit dans le travail de Manuela
Marques, le vent, le minéral et la question du référentiel
pour appréhender la réalité. « L’ exposition est traversée par
le souffle : celui qui parcourt l’activité humaine, de la vitalité
d’un corps en mouvement jusqu’à la formation d’une bulle
de savon, comme celui qui émane de la nature, mouvements
de l’air par lesquels s’exercent des forces contraires ou se
déplacent les végétaux », écrit la commissaire de l'exposition
Audrey Illouz dans sa note d'intention.
L'immense cave du Cellier divisée en deux espaces parallèles
se prête idéalement à cette circulation de forces contradictoires
et complémentaires. " Le corpus d'images choisies pour
l'exposition est intimement lié à l'architecture du lieu qui
invite au dédoublement. Une partie du travail de Manuela
Marques explore les phénomènes optiques jusqu'aux aberrations,
en utilisant un miroir d'une façon récurrente comme
support de ses compostions, miroirs noirs plus ou moins
opaques qui perturbent le regard et lui imposent une distance
réflexive avec la réalité. L’ exposition oscille entre opacité et
dévoilement, mouvement et suspension, présence et effacement
comme autant d’amorces narratives ", indique-t-elle.
Au spectateur alors de se laisser porter par ce souffle qui
façonne la bulle de savon dans une lumière irisée ou cette
haleine chaude sur un mobilier qui y dépose son auréole ; de
s'étonner devant une nature qui semble en mouvement par
un détail de l'image, ou de se désorienter, comme une sensation
de déjà vu, en contemplant des surfaces troubles presque
abstraites où l'on peine à comprendre ce qui se cache en dessous.
texte
Jules Février
Manuela
Marques
La force de Coriolis
à l'épreuve du Cellier
Quel est votre rapport au minéral ?
Ce qui m'intéresse dans la minéralité
c'est la fausse apparence de l'inerte.
Dans le minéral je ne vois rien d'inerte,
j'y vois au contraire du vivant. La
question est de savoir comment je peux
retransposer cette idée d'inertie et comment
il devient par mon travail tout à
coup un élément dynamique.
Quel votre rapport au corps photographié
?
J'aime utiliser la photographie pour
son ambiguïté. Ce que je cherche dans
l'exercice du portrait c'est ce que le
visage ne dit pas, ce qui n'est pas apparent.
Je m'attache alors à donner corps
à cette absence. Les visages que je photographie
sont rarement frontaux, ne
se dévoilent pas d'une façon évidente,
j'aime révéler d'une certaine manière ce
qui est caché.
Quel est votre rapport à la réalité ?
Depuis 2013, je recompose le réel
dans beaucoup de mes photographies.
Tout un pan de mon travail s'opère
autour à la retranscription du réel
plutôt que d'une photographie directe.
Je prélève des détails d'une scène qui
m'intéresse et je les recompose en studio
ou alors je peux utiliser des miroirs
noirs dans le paysage. C'est ma façon
de m'approprier le réel en fabricant un
autre type de réalité, comme un énième
avatar du monde physique dans lequel
nous vivons tous. La photographie
me permet alors d'expérimenter ce que
je peux faire de ce réel.
Manuela Marques, vidéaste et photographe
née au Portugal, vit
et travaille à Paris. Elle est par
ailleurs enseignante à l’ESAD
de Reims. Elle est représentée par
la Galerie Anne Barrault à Paris et
Caroline Pagès Gallery à Lisbonne.
Elle présente jusqu'au 22 mai une
exposition, La face cachée du soleil
au Musée Calouste Gulbenkian à
Lisbonne.
" l a f o r c e d e c o r i o l i s "
l e c e l l i e r , 4 b i s r u e d e m a r s
5 1 1 0 0 r e i m s
e n t r é e l i b r e d u m e r c r e d i
a u d i m a n c h e d e 1 4 h à 1 8 h
w w w . i n f o c u l t u r e - r e i m s . f r
w w w . r e i m s . f r

ock arty
Feu Robertson
les troubles de l’amour romantique

0
rock arty
Feu Robertson traine dans ses
pas un univers rock, arty, utopiste,
anticonformiste, poétique
et politique. Un rock de nuit
pluvieuse et d’arrière-cour
trempé à l’art contemporain.
Un rock d’insurgés et de
résidence entourée de barbelés
électrifiés, entre rage et
retenue. Le groupe rémois de 4
musiciens venus en partie des
musiques expérimentales, mené
par Charlotte Ganache qui signe
toutes les lyrics et les compositions,
a récemment sorti son 2 e
album studio « Sticky Situations
with Trouble » sur le label
Partycul System. Les 9 morceaux
de cet album sont tous
liés par le même thème : les
troubles de l’amour romantique
et de ses tourments inévitables.
Le 10 mars dernier, Feu Robertson
se produisait sur la scène
du club de la Cartonnerie à
Reims. Entrevue avec Charlotte
Ganache autour d’un café.
Quelles sont les influences de Feu
Robertson ?
La musique des années 60 et 70, c’està-dire
le rock qui devient adulte. Ça va
de Bob Dylan aux Beatles, en passant
par les Rolling Stones avec 2 groupes
essentiels qui sont The Doors et The
Velvet Underground. Autre musique
qui nous influence : la noise et la pop
des 90’s avec Sonic Youth et Beck.
Pourquoi le nom Feu Robertson ?
C’est parti d’un personnage historique
complexe, qui s’appelait Etienne-Gaspard
Robert, qui a vécu à mi-chemin
entre les 18 e et 19 e siècles. Ce personnage,
qui prend le pseudo de Robertson,
est fascinant parce qu’à la fois très
connu et inconnu et j’aime beaucoup
ce genre de personnage historique que
tout le monde croit connaître, comme
certains grands de l’histoire.
C’est un ecclésiastique très cultivé,
professeur de physique et d’astronomie
qui vit dans le Paris des Lumières et
qui se lance en 1783 dans la course aux
ballons volants en concurrence avec
les frères Montgolfier alors qu’il a seulement
20 ans. Dans cette compétition
effrénée à l’innovation, il va mettre au
point la nacelle, mais hélas il n’arrivera
que second avec son coéquipier appelé
le « professeur Charles », car il volera 2
mois après les frères Montgolfier.
Ensuite il va changer son orbite de
vie et va devenir Fantasmagore,
une profession du spectacle de cette
époque. Ce sont des gens, ancêtres
du cinéma, qui recréaient avec des
lanternes magiques des scènes, peintes,
en projection. Robertson va améliorer
le système pour en faire un spectacle
total en y ajoutant de la musique et les
premiers effets spéciaux en brulant des
écorces pour générer des parfums et
recréer des brouillards artificiels. Ce
qui est assez drôle c’est que Robertson
va être cité au milieu des 60’s en tant
que précurseur du cinéma par Jim
Morrison dans son mémoire de fin
d’études à l’Université de Californie de
Los Angeles. Et quelques années après,
Jim Morrison sera enterré au cimetière
du Père Lachaise, par hasard à 40 m de
Robertson.
Le terme « Feu » est lié à ma rencontre
avec ce personnage disparu lorsque je
suis allé sur la tombe de Jim Morrison.
J’avais alors remarqué en quittant
la tombe de Morrison un très beau
monument funéraire sur lequel étaient
inscrits 3 mots énigmatiques : Physique,
Aérostat, Fantasmagorie… et Etienne
Robertson - On voit d’ailleurs que
jusque sur sa pierre tombale Robertson
est présenté sous son pseudo : C’est un
personnage qui a toujours été dans la
recréation de lui-même et dans l’image.
Après cette intrigante découverte je me
suis renseigné sur ce personnage qui va
rester toute sa vie à Paris où il mourra
en 1837 à l’âge de 74 ans. Quand j’ai dû
trouver un nom au groupe pour lancer
le projet, j’ai alors voulu faire revivre le
nom de ce personnage comme un chamane,
un esprit qui pourrait venir nous
guider. C’est ainsi que Feu Robertson est
né en 2010.
Comment faites-vous évoluer votre
musique entre la sérénité, relative, du
studio et l’effervescence du Live ?
La musique c’est avant tout du jeu. Le
groupe est à géométrie variable, on peut
jouer sur une grosse scène ou dans un
petit bar, en groupe ou en duo. Quand

ock arty
tu fondes un groupe, tu sais qu’il y a
des écarts, des différences de vues entre
les membres et tu sais que certains le
quitteront un jour. C’est très difficile
de faire vivre un groupe. On n’a pas les
mêmes dispos et j’aime ça. C’est une vie
de troupe et de camaraderie.
Les morceaux sont composés au départ
pour le live. J’amène des morceaux tout
faits avec la volonté qu'ils puissent être
repris et interprétés par d’autres.
On met une première couche de
guitares lead et après on agrémente
d’une autre guitare, puis on apporte les
arrangements annexes : flutes, piano,
beat électronique… On distend chaque
morceau. D’une durée initiale de 4 min.
un morceau peut par exemple atteindre,
après arrangements, une durée de 9
min.
Comme pour le précédent album, le
nouvel album de Feu Robertson est sorti
sur le label Partycul System dont tu es
le directeur artistique. Peux-tu nous
dire dans quelles circonstances est né
le label?
Le label est né à Reims en juin 1999. En
créant Partycul System, l'idée était de
fédérer des énergies, de créer une véritable
dynamique de musiciens. D'ailleurs,
nous nous considérons plus (de
l'intérieur) comme un mouvement, une
coopérative d'initiatives obsédantes, un
collectif du rêve apprivoisé ou encore
une amicale de dynamiteurs sympathiques.
La première sortie du label fut
le premier album de Rroselicoeur.
On aura tous compris le jeu de mots
derrière l’intitulé du label…
Cet intitulé, c’est pour la blague
de potache évidemment ! Pour le
bilinguisme aussi. Et enfin pour
correspondre un peu à cette idée de
microcosme / macrocosme qui nous
plaît. L'idée d'être une galaxie à part au
sein de l'univers musical.
Quelles sont les récurrences de Partycul
System ?
Des fraternités constructives (des dadas
aux beatniks) nous influencent indirectement,
c'est évident. Pour les éléments
récurrents qui tendent et sous-tendent
Partycul System, il y a l'amour d'un
instrument en partyculier : la guitare.
Il y a aussi l'attirance perpétuelle pour
l'onirisme et le côté psychédélique de la
musique.
Pour toi, un label c’est simplement un
faiseur de disques?
Cela va bien au-delà ! Nous avons par
exemple monté 3 saisons de soirées
autour de l'écoute de poésies et de
musique (Les sonoramas) avec la
médiathèque cathédrale à Reims il y a
quelques années, où nous faisions intervenir
aussi bien des compositeurs que
des mélomanes, des lecteurs, des poètes
ou des comédiens. Nous avons aussi
organisé des rencontres de musique
improvisée (Equilibre instable) sur
plusieurs années (avec l’association Les
Pirates de l'Art). On peut aussi parler
du collectif Supersoft[14-18] qui peut
parfois apparaître comme l'orchestre du
label, par les directions qu'il donne ou
les musiciens qu'il fait intervenir.
Tu nous disais plus tôt que Rroselicoeur
a été un des premiers groupes du label.
Peux-tu nous en dire enfin quelques
mots ?
Rroselicoeur est un projet que j'ai
cofondé avec 3 autres personnes
(Deïns Larco, Lou Flanagan et Thomas
Dupuis). Nous avons évolué ensuite
en trio. Bien sûr, ce groupe fut le point
de départ de l'aventure du label, dans
le sens où il rassemblait lui-même
beaucoup d'énergies et d'initiatives.
Rroselicoeur, par son esthétique (rock
psyché à tendance noise et free) a aussi
contribué à définir l'esthétique du label.
s t i c k y s i t u a t i o n s w i t h t r o u b l e
f e u r o b e r t s o n , e d . p a r t y c u l s y s t e m
f a c e b o o k @ f e u r o b e r t s o n 1

2
texte
Alexis Jama-Bieri
portrait
Benoît Pelletier

archéologie musicale / concert mytique
28.02.2004
UNDERWATER

4
archéologie musicale / concert mytique
Souvenirs de la première et dernière
swimming pool party rémoise
J’attends le bus, arrêt Etape. Les yeux dans le vague. J’attends.
À quelques mètres de moi, deux ados attendent aussi. Le premier
dit à l’autre : « Tu sais quoi, le mec il est descendu avec une
bouteille en métal ». L’autre ricane, forcément. Le premier lui répond
que si, et qu’il le jure sur la vie de sa mère. De leurs oreilles
respectives pendouillent des écouteurs qui crachouillent de la
musique autotunée. Je lève la tête et jette un œil distrait sur
Royez Music, le Centre d’Information Jeunesse et la piscine
Talleyrand. J’attends le bus 9 direction Victoire. Je descendrais
à l’arrêt Baussonnet. Je m’amuse à faire mentalement le trajet
: les promenades, la gare, sous le pont, l’arrière de la gare.
C’est dingue d’ailleurs comme ce quartier de la gare a changé
en quelques années, il ne ressemble plus du tout à celui que
j’ai connu : il a été rasé pour en reconstruire un autre. Quinze
années déjà que je suis arrivé à Reims. Ça commence à faire. J’ai
connu le quartier de la gare avant les travaux. À partir de quand
peut-on dire que l’on est rémois ? « Je suis rémois ». Y a t’il un
délai, des critères ? Si je considère que c’est la ville dans laquelle
j’ai vécu le plus longtemps, que j’y ai rencontré la femme de ma
vie, que mon fils y est né. C’est marrant cette question d’appartenance
à un territoire. Je me souviens très bien d’un concert
des Shoes sur le parvis pour Elektricity. J’étais avec des amis
venus à Reims pour le week-end. L’un d’eux me dit qu’il trouve
ça super. Je lui réponds que moi aussi et que ce sont des mecs
d’ici. Et je le dis avec une certaine fierté. C’est peut-être là que je
suis devenu rémois. C’est aussi avoir des souvenirs en partage,
des concerts notamment : « Tu te souviens du concert de Jagga
Jazzist à Saint Ex pour Octob’Rock ? », « et celui des Western sous
le Magic Mirror ? » J’attends toujours le bus. La piscine Talleyrand.
Voilà un autre de mes souvenirs marquants de cette vie
rémoise. La soirée Underwater.
Une oasis dans le désert
Le souvenir d’une soirée dingue qui s’est déroulée le samedi 28
février 2004. Je fais appel à mes souvenirs qui, il faut bien le reconnaitre,
sont très flous. Quelques images me reviennent, des
sensations aussi. Il va me falloir de l’aide pour reconstituer les
éléments de la soirée. Rodolphe Rouchaussé me semble la personne
toute indiquée pour cela. Aujourd’hui au Polca, il était à
l’époque salarié de la REMCA qui organisait la soirée. Quelques
échanges de mails et nous nous retrouvons au Floor de la Cartonnerie.
Devant lui, une vieille chemise cartonnée « tirée des
archives » me dit-il « et que je m’attendais pas à ressortir, je ne sais
même plus ce qu’il y a dedans ». Pendant que nous discutons,
il tourne et retourne les feuilles, poussant des « c’est pas vrai »
pleins de surprise et de nostalgie. Des plans de scène, le plan de
sécurité du lieu, la feuille de route… « C’était la première vraie
soirée organisée par le REMCA. » La REMCA est la structure
qui a pensé et structuré le projet Cartonnerie. « La période était
un peu particulière pour la musique live à Reims. L’Usine avait
fermée et la Cartonnerie en cours de construction : la première
pierre venait d’être posée en mars 2003. Pendant près de cinq années,
les concerts ont été très rares voir inexistants faute de lieu.
C’était un peu le désert. » Et cette soirée Underwater se posait
un peu comme l’oasis dans ce désert. « Les places sont parties
super vite et nous avons dû malheureusement refuser pas mal de
monde. » Je me souviens effectivement que devant l’entrée de la
piscine, un attroupement s’était constitué et que la chasse aux
places disponibles était ouverte. Comment est venue cette idée
- avouons le - peu commune de faire un concert dans une piscine
: « À l’époque, Gérald Chabaud qui dirigeait la REMCA était
rattaché à la ville de Reims, ses bureaux étaient donc à la mairie.
Entre deux portes, il a entendu que la piscine Talleyrand devait
être vidangée pour entretien, il a sauté sur l’occasion. »
Dans mon petit pull marine
Rodolphe me montre les plans des installations qu’il avait dessinés
avec application pour la commission de sécurité. Je ferme
les yeux pour rassembler les images qui me restent. Et dans
mes souvenirs, c’était très impressionnant. « C’est Jean-Jacques
Frémaux et Stéphane Lebonvallet qui s’occupaient des lumières,
ils avaient fait un super boulot, les projecteurs posés au pied des
poteaux qui soutiennent les coursives donnaient une vraie sensation
de hauteur ». La scène ? Dans le bassin, évidemment.

archéologie musicale / concert mytique
_photos ci-dessous © Les 4 Éléments, Stéphane Bordonaro, Jean-jacques Fremaux

6
archéologie musicale / concert mytique
« Nous avions moquetté toute la piscine et la scène installée
du côté le plus profond ». Et donc le public dans le bassin.
« Pour y accéder, il fallait prendre les escaliers habituellement utilisés
par les nageurs, c’était bizarre ». Des filets de protections
étaient installés tout autour pour que le public ne tombe pas.
« La scène n’était pas très haute puisqu’il y avait la pente naturelle
du bassin. En fond, nous avions mis un pendrillon et un écran
sur lequel tournaient des images ». En continuant à fouiller dans
son dossier il retombe sur un document très important : « Je ne
me souvenais plus de ça ! La ville nous avait refusé la demande
de buvette temporaire : pas le droit de
vendre de l’alcool dans une enceinte
sportive… » Bizarre, je ne suis pas le
seul à me souvenir avoir bu quelques
coups, devait y avoir un réseau parallèle.
Prémisses et parfum Lancôme
Côté musique. « À l’époque, Gérald
avait évidemment un œil sur ce qui
se faisait musicalement à Reims ».
Et deux groupes retenaient clairement
son attention : Klanguage
et Park. Klanguage était le premier
groupe d’un certain Pierre-
Alexandre Busson aka Yuksek. « C’est
un groupe qu’il avait monté avec un
bassiste qui s’appelait Romain et une
chanteuse, Marianne-Elise. Lui, était
déjà aux machines. » Il avait 26 ans
à l’époque, un EP et quelques prestations
scéniques remarquées à Octob’Rock notamment. L’électro
prenait déjà une place prépondérante, prémisses de ce qui allait
se passer quelques années plus tard.
Park. Le groupe de François et Marie Pavan. Témoin du côté
scène, un autre François, Malnovic celui-là, pour qui cette soirée
avait un goût particulier. « François Pavan était mon prof de
gratte quand j’étais ado. Nous nous entendions plutôt pas mal et
on ne s’étaient pas croisés depuis un bout de temps. Je l’ai appelé,
il m’a proposé de passer chez lui : il venait tout juste de monter
Park avec Marie et m’a fait écouter quelques trucs. Il m’a ensuite
demandé un coup de main et nous avons commencé à bosser
ensemble sur la production d’un morceau. Et comme ça fonctionnait
bien, il m’a proposé de venir sur scène avec eux pour le jouer
en live. C’était le concert d’Underwater. J’avais 22 ans et c’était
mon premier vrai concert sur scène. Je peux te dire que je m’en
souviens… » Ce titre, c’était Seventeen, qui a connu son heure
de gloire puisque quelques temps plus tard il a été utilisé pour
la pub Hypnose, un parfum de Lancôme. « Olivier Vaillant est
aussi monté sur scène pour un morceau : Charity Business. »
Pendant le changement de plateau
entre les deux groupes, une scène
avait été installée sur les coursives
pour les Fils Funky « une formation
qui regroupait des membres des
Boules de Feu - la fanfare de médecine
- à qui nous avions demander
de travailler un répertoire spécial ».
Rodolphe se souvient que « pendant
plusieurs jours aux studios de répétition
de la Girafe Bleue, ils avaient
bossé sur des versions acoustiques de
grands standards de l’électro. »
À peine le concert de Klanguage
achevé, le relais a été pris par deux
DJ placés eux aussi dans les coursives
pour faire danser le public jusqu’à 3h
du matin : Ark et Krikor. Rodolphe
se rappelle que « Ark était un pote de
PA qui nous l’avait présenté, de son
vrai nom Guillaume Berroyer, le fils
de Jacky, qui a vécu à Reims ».
J’ai évoqué cette soirée avec un tas d’autres personnes. Tous en
gardent un souvenir vraiment particulier. Une soirée qui a marqué
les esprits. « Quand nous étions sur scène avec Park, nous
avions le sentiment que c’était un moment qui n’arriverait qu’une
fois, que ça n’aurait peut-être plus jamais lieu et qu’il fallait en
profiter » me dit François. « Un truc unique et je l’ai vécu sur
scène, une vraie chance. »
Le bus arrive.
Photographie © Sylvère Hieule • Graphisme © Romuald Gabriel
texte
Jean Delestrade
illustration
Hélène Paris

création & cuisine japonaise
L’homme
avec
une forêt
sur
l’avantbras
guillaume libert,
chef référent
des restaurants matsuri

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création & cuisine japonaise
Un homme jeune d’aujourd’hui,
piercing industriel, boucles et petits
écarteurs d’oreilles, coupe en brosse
et regard vif. Guillaume Libert est
chef de cuisine référent pour les
restaurants Matsuri. Rencontre à la
Défense juste avant le coup de feu de
11h30. Guillaume Libert, gant bleu
et manches relevées sur une forêt de
sapins tatouée tout en nuance sur son
avant-bras gauche est au centre du
célèbre convoyeur tournant. Il s’affaire,
va, vient, découpe un dos de saumon,
arrange des queues de crevettes sur un
plateau.
J’ai fait un lycée hôtelier à Saint-Quentin
dans le 02 et j’ai commencé en
brasserie mais ça ne m’a pas plu du
tout, travailler dans une brigade de vingt
personnes où ça hurle ne me disait rien,
j’ai arrêté pendant deux ans pour faire
des petits boulots. Ensuite, j’ai repris
un travail en brasserie et c’est là que le
chef de Matsuri / Reims m’a contacté, on
était en 2007. Je suis resté second de
cuisine quatre ans et je suis passé chef
de cuisine pour ouvrir le restaurant de
Matsuri / Saint-Etienne. Au bout de deux
ans, je suis arrivé sur Paris.
Guillaume Libert prépare des plateaux
Bento, il arrange du radis (daïkon,
radis jaune japonais) mariné et effilé
sur lequel il dépose des lamelles de
saumon.
Je suis allé deux fois au Japon, c’est une
culture que j’apprécie particulièrement.
Les japonais sont respectueux, nous,
européens, sommes des barbares.
Au Japon, tout est propre et calme,
même si ce sont des grands stressés
que l’on voit courir partout, ils restent
zen. La principale différence entre
la France et le Japon réside dans
les poissons employés. Les japonais
consomment très peu de saumon et
énormément de thon, chez nous, c’est le
contraire. Il consomme beaucoup
de thon gras, le otoro, mais ici, c’est hors
de prix. Et par exemple, il consomme
des crevettes d’eau douce crues dès
le matin, mais là, j’ai un peu de mal…
(sourire). Il travaille aussi l’alose avec la
peau, mais ici, les clients ne veulent pas
consommer la peau de poisson même
ébouillantée ou grillée. J’ai vu aussi un
sushi avec lard grillé, poireau et mayonnaise,
je ne peux en aucun cas présenter
ça ici, les clients vont me regarder
bizarrement.
Le riz roule dans la paume de la main
gauche de Guillaume, les sushis se
forment.
Je travaille avec un riz à sushi qui est
cultivé en Italie. C’est un grain long qui
se tient à la cuisson, ce n’est pas un riz
gluant, c’est un riz collant. Quand on
met la boulette de riz dans la bouche,
la salive doit dissocier chaque grain, en
aucun cas ce n’est une purée. Pour un
résultat optimum, nous mélangeons le
riz encore chaud au vinaigre de riz pour
qu’il pénètre bien chaque grain puis un
peu de sucre et du sel. En fait, nous en
revenons à la recette de base, le vinaigre
stoppe la prolifération microbienne,
ainsi les japonais pouvaient conserver
le poisson juste posé sur ce riz. Le sushi
était né.
Découpe et mélange d’un tartare de
saumon dans un grand saladier : saumon
+ concombre + radis daïkon +
shichimi (mélange de sept épices) +
sauce kamebishi (soja et yuzupon) +
quelques germes de poireaux au-dessus
au moment de servir.
J’ai appris avec M. Ichikawa, depuis
j’essaye de coller à la façon japonaise
de découper le poisson. Il faut suivre le
sens du poisson. Pour le saumon qui
vient de Norvège, le sens du gras est
travaillé en croix pour que ce soit le plus
joli possible. J’emploie le dos pour les
sashimis et le ventre pour les sushis.
Il faut plusieurs mois pour lever un filet
de saumon, pour qu’il soit propre et sans
pertes. Au début, j’ai fait beaucoup de
tartares (rire). Pour la cuisine japonaise,
il ne faut pas être trop pressé, il faut
apprendre de ses erreurs et rectifier.
C’est parti pour la préparation du
tartare de thon : thon + crémette + miso
blanc (pâte de soja légèrement fermentée)
+ concombre.
Je créé deux cartes par an. J’imagine des
mariages à mon bureau, j’écris la recette
puis je vais la tester en restaurant. Je
dois faire le lien entre la créativité, la
complexité de la recette et la modélisation
pour l’ensemble des restaurants.
Pour chaque produit qui entre, je dois
trouver deux ou trois recettes afin
qu’il y ait le moins de perte possible.
Pour ce printemps / été, je viens de
mettre au point trois nouveaux California
(Avocat + herbes fraîches / aneth et
ciboulette – Carotte + fromage frais
aux herbes – Crudités + fromage frais
+ herbes fraîches) et deux Usuzukuris
(fines tranches de poissons avec une
sauce Yuzupon / jus de yuzu et huile
d’olive) dont celui aux Saint-Jacques
avec betterave et mangue. Pour la
dynamique des treize restaurants de la
marque, nous communiquons entre nous
par Facebook et nous mettons aussi au
point des « Éditions éphémères » qui permettent
de tester des créations. Dès que
l’une d’entre elle plait aux clients, nous
la passons à la carte. Nous sommes
aussi à l’écoute des clients, en ce
moment nous nous ouvrons aux envies
de végétarisme et nous faisons attention
aux intolérances alimentaires.
Il découpe un filet d’anguille fumée,
le large couteau tranche la chair en
diagonal, il lisse chaque morceau et les
pose sur un plateau.
Au Japon, les hommes mangent avec les
doigts, les femmes avec des baguettes,
c’est une autre différence avec la France.
Ma recommandation principale est de
faire comme eux, tremper vivement le
sushi dans une sauce salée rehaussée
de wasabi, surtout pas sucrée. Croquer
la bouchée, poisson vers la langue, surtout
pas le riz. Le goût qui doit éclater en
bouche ce n’est pas le riz vinaigré, c’est
le poisson.
r e s t a u r a n t m a t s u r i
9 r u e d e c h a t i v e s l e , 5 1 1 0 0 r e i m s
w w w . m a t s u r i . f r 0 3 2 6 8 6 1 0 1 0
texte
Jérôme Descamps

UN CONNU
YOHANN DINIZ
NOM
Yohann Diniz.
PROFESSION
Athlète.
ÂGE
39 ans.
PLUS BEAU SOUVENIR
D'avoir battu le record du monde
du 50 000 mètres piste à Reims au stade
George Hebert en mars 2011.
un rêve
Allier son métier et sa passion.
une passion
La Culture.
photographie
Sylvère Hieule

0
atelier
coiffure
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51 rue de Talleyrand - 51100 Reims 03 26 47 49 85
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3 APPARTEMENTS D’EXCEPTION A LOUER POUR UN JOUR, UNE SEMAINE, UN MOIS...
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