Dossier PéDagogique - Le Parvis

Le Parvis centre d’art contemporain
Service éducatif
Dossier PéDagogique
Hybrides & CHimères
Une exposition des oeuvres des Abattoirs / Frac Midi-Pyrénées, Toulouse
23 juillet - 29 octobre 2010
Thomas Grünfeld, Misfit Ane/Coq, 2010

UNE EXPOSITION A VISITER AVEC VOS CLASSES ET VOS GROUPES
JUSQU’AU 29 OCTOBRE 2010
L’exposition collective présentée actuellement au Parvis, inaugurée pendant les vacances scolaires,
couvre toute la période de la rentrée 2010-2011.
Réalisée en partenariat avec les Abattoirs de Toulouse, elle donne l’occasion aux élèves et aux
enseignants de découvrir une sélection d’oeuvres multipliant les techniques et les représentations
(vidéos, sculptures, dessins, photographies...) appartenant à la collection du Frac Midi-Pyrénées.
Voici une belle opportunité de s’intéresser, en ce début d’année, à ces institutions incontournables de
l’art contemporain en France que sont les Fonds Régionaux d’Art Contemporain et par là-même, plus en
détail puisqu’il nous est proche, à celui de Midi-Pyrénées qui représente une partie majeure des activités
des Abattoirs (qui est aussi un musée... et un centre d’art !) et fête cette année ses 10 ans d’existence.
Qu’est ce qu’un Frac, comment ça marche, quelles sont ses missions, quelle est la collection du Frac
Midi-Pyrénées, a t’elle une ou des particularités ?... sont autant de questions que nous pourrons aborder
au cours de la visite et qui vont nous permettre d’en savoir un peu plus sur cet organisme des plus actifs
et créatifs sur notre territoire.
Regroupées au Parvis sous la thématique générique du féérique et du monstrueux, les onze oeuvres
présentées dans l’exposition Hybrides & Chimères convoquent aussi bien la mythologie et les contes,
que la génétique et ses enjeux éthiques actuels. Organisée autour de figures à la lisière entre le réel et
l’imaginaire, la visite d’exposition a de quoi passionner les plus curieux !
Cette programmation annonce l’exposition suivante, celle de Myriam Méchita Les architectures du désir ou
mourir dans les bras de la foudre qui ouvrira mi-novembre. Projet spécifique pour le lieu, on pourra y voir
des corps d’animaux transformés, hybridés, entre figures monstrueuses et trophées fantastiques.
Les visites que nous vous proposons avec vos classes et vos groupes, les ateliers, les différents workshops
et rencontres sont autant d’entrées possibles pour une approche sensible et créative des oeuvres
présentées dans cette exposition collective.
Retrouvez le programme détaillé des activités autour des expositions en dernière partie de ce dossier.
Les visites + ateliers et les différents événements liés à l’exposition sont gratuits et s’adaptent à tous les
niveaux scolaires.
Réservation obligatoire au : 05 62 90 60 82 - centredart@parvis.net

1ère partie
Présentation de l’exposition
Hybrides & Chimères
Marianne Plo, Les Hordes, vidéo , 2007

LES OEUVRES ET LES ARTISTES DE L’EXPOSITION
1 ère
L’exposition présente onze oeuvres d’artistes différents et aux techniques diverses : sculptures,
vidéos, dessins, photographies. Elles ont toutes la particularité de montrer des êtres ou des
formes extraordinaires et en mutation. Ces représentations de l’humain et de l’animal semblent
se confondre avec un imaginaire fantasque, celui de l’artiste qui les a produit. Or, la chimère
n’est en rien une antithèse du réel : être fantastique et hybride lié à la mythologie, le monstre
apparaît très tôt dans les représentations que l’homme fait de lui-même et de sa présence au
monde. Il réapparaît régulièrement surtout à des moments de transformations profondes des
sociétés humaines. Aujourd’hui, le «réel» se confronte à la science moderne et à ses applications
dans le domaine de la génétique notamment, aux nouvelles techniques de communication
convoquant le virtuel par les divers logiciels, palettes graphiques et autre morphing, à la
philosophie qui remet en cause l’étanchéité de la relation entre objet et sujet, à la psychologie
même qui fait du réel le lieu incertain d’un dialogue entre perception et projection subjective...
Dans la mythologie, les créatures chimériques sont les fruits de l’accouplement des dieux et des
hommes, des hommes et des bêtes (Minotaure, centaures et autres sirènes). Les Chimères qu’invente
l’art contemporain tiennent à la fois de l’animal antique et du chimérique moderne, entre
obsessions, mauvais rêves et la grâce et l’humour des cadavres exquis.
La question du monstre est présente dans l’exposition. Même si des monstres réels ont été
représentés dans les arts, se sont surtout les monstres fictifs qui prédominent. L’imagination
humaine a complété le réel par tout un univers fantasmagorique très riche et très varié. On
pourra pour celà se référer à Gilbert Lascault qui a répertorié dans son Essai de classification formelle
des monstres les nombreux procédés pour inventer des monstres. L’auteur a aussi montré
combien l’humanité a de tout temps aimé les monstres. La fabrication du monstre constitue
d’abord un jeu savant, une pratique combinatoire qui compose et mélange des membres d’animaux
divers. Les monstres sont parfois ornementaux et décoratifs. Parfois, ils provoquent des
interprétations éthiques, religieuses, alchimiques, philosophiques, politiques. Simultanément,
ils fascinent ceux qui les regardent : ils séduisent et ils angoissent. Le monstrueux est un écart
par rapport à la nature. Il se nourrit de fantasmes et, en retour, il nourrit d’autres fantasmes
nouveaux.
Dans l’exposition
L’exposition présente deux sculptures dans le demi-niveau, à l’entrée du centre d’art. La suite
des oeuvres se trouve dans la salle d’exposition.
Quand on entre ici, on est frappé par l’atmosphère étrange qui s’en dégage. L’espace, sombre
et enveloppant, est ponctué de hallos de lumière qui viennent éclairer les oeuvres. On peut
penser au cabinet de curiosité, au sanctuaire ou encore au muséum d’histoire naturelle. Les
oeuvres apparaissent ainsi plus saisisantes encore, telles des apparitions, à la fois isolées dans
leur source lumineuse par ce qu’elles convoquent de notre imaginaire et en dialogue les unes
avec les autres par ce qu’elles révèlent de nos représentations du réel.
Nous pouvons aborder les oeuvres de l’exposition Hybrides & Chimères selon deux
catégories :
- les oeuvres représentant la figure humaine
- les oeuvres représentant la figure animale

LE CORPS
Fabien Verschaere, Black clown and mystery,
2004
Céramique, acrylique, socle bois
Le clown de Fabien Verschaere est la première
oeuvre qui nous accueille dans l’exposition. Dressée
sur un socle, cette sculpture à la fois très gaie
et un peu inquiétante nous apparaît comme une
idole, la représentation fantaisiste au premier
abord d’un esprit, d’un dieu, d’un démon ou d’un
personnage célèbre... En tout cas, ce clown sombre
et solaire à la fois est peut être le gardien du temple
dans lequel nous entrons. Nez de clown, cornes
de diablotin, pieds fendus, ailes de papillon, étoiles
de mer, branches d’arbre, il y a du végétal, du minéral
et de l’animal dans cet autoportrait surprenant
que fait l’artiste de lui-même
Qui est Fabien Verschaere ?
L’univers de Fabien Verschaere est peuplé de princesses, de clowns, de sirènes, de crânes, d’ étoiles, de
squelettes, de centaures, de lutins et de bien d’autres personnages imaginaires qui se déploient avec
frénésie dans un monde tour à tour féérique et cauchemardesque. Céramiques, fresques, aquarelles, sons
et vidéos composent des expositions foisonnantes qui grouillent de personnages en tout genre, rappelant
les fresques du jugement dernier peintes sur les façades des églises au moyen-âge. Ces personnages
carnavalesques et grotesques évoquent sans détour le goût prononcé de l’artiste pour l’iconographie
mexicaine où la mort et la fête sont omnipresentes et intimement liées. Son univers est aussi proche
de celui de Jérôme Bosch et comme lui, Fabien Verschaere porte sur le monde une vision tout à la fois
éblouie et hallucinée, festive et inquiète.
Fabien Verschaere est né en 1975 à Paris où il vit et travaille.

Guillaume Pinard, Hydrocéphalus, 2003
Vidéo
Dans ce film d’animation, sorte de road movie
comique, nous suivons la trajectoire d’un petit
bonhome, vampirisé par un énorme mollusque qui
lui suce le cerveau, à la recherche de nourriture
toujours inassouvie pour son corps et son esprit. Il
finira par rencontrer un énorme cerveau.
Là encore, il s’agit d’une sorte de portrait de l‘artiste
par lui-même qui se représente sous les traits
sommaires et naïfs d’un petit bonhomme, sorte
de Playmobil dessiné d’une manière ludique et
régressive. Il apparaît ici comme un personnage de
conte ou de fiction onirique qui n’en est pas moins
un être dangereux et féroce pour lui-même et ce
qui l’entoure. Son corps modulable à l’infini permet
à l’artiste de tester ses limites jusqu’a le rendre
monstrueux.
Qui est Guillaume Pinard ?
Les dessins et les peintures de Guillaume Pinard sont empreints d’un imaginaire alimenté en grande partie
par des souvenirs d’enfance. Il a créé un personnage fétiche appelé Con-Con, celui-là même que l’on
peut voir dans la vidéo présentée au Parvis, à l’apparence enfantine mais aux pratiques aussi naïves que
perverses. A travers ce personnage notamment, mais aussi dans toutes ses autres productions, c’est un
monde aux apparences trompeuses que l’artiste nous donne à voir. Son art, nourri de rêves et de cauchemars,
procède d’une poésie des contraires où les corps polymorphes de ses personnages peints ou
animés expriment l’exploration sempiternelle de l’art et de ses limites.
Guillaume Pinard est né en 1971 à Nantes. Il vit et travaille à Toulouse.

Evru, Bureau de Flux Evrugo Mental State, 2008
2 photographies 190 x 120 cm chaque
et 10 photographies 37 x 21 cm chaque
Dans l’exposition, on pourra aussi voir une série
de photographies de personnages représentés
en pied pour la plupart, ou en buste, comme
dans l’art traditionnel du portrait. Cependant, les
codes de représentation ont ici changé : l’identité
sexuelle, sociale ou culturelle de ces gens est
brouillée voire dépassée. Par des postiches, des
masques et autres gadgets lors de la prise de vue,
ou même avec des collages réalisés directement
sur la photographie (peinture, dessin, écriture,
fils, divers objets...), l’artiste travaille les corps
mêmes de ses modèles qui ont endossé, le temps
de la pose, une nouvelle identité, souhaitée par
l’artiste et vécue par eux comme une véritable
métamorphose d’eux-mêmes.
Les deux grandes photographies en dyptique
représentent un homme et une femme sorte
d’Adam et Eve contemporains.
Les petits formats évoquent aussi la tradition de
l’iconographie religieuse avec des portraits de
personnages aux identités troubles, les saints
contemporains, mi hommes-mi femmes, mi
anges-mi démons, affichant les marques d’une
animalité mêlée de végétal et de minéral.
Qui est Evru ?
Evru est le pseudonyme d’Alberto Porta, artiste catalan qui se définit comme artiste, scientifique et mystique
tout à la fois ce qu’il désigne sous le vocable générique de «ArtScienMyst» pour se présenter.
Son travail explore la nature humaine cachée dans chaque personne, les limites de notre espace mental
ou physique, et les constructions culturelles qui définissent des concepts tels que la santé et la maladie,
la sexualité et la pornographie, la folie et la raison. Evru a crée « l’Etat Mental d’Evru » possédant son propre
alphabet, ses billets de banque, un passeport , un drapeau... Chacun de nous peut devenir un citoyen
de cet Etat : il suffit pour celà de se rendre à l’ambassade d’Evru appelée «Le Bureau des Flux», de quitter
ses habits pour revêtir masques et vêtements mis à disposition par l’artiste. En retour, un enregistrement
photographique de cette métamorphose citoyenne est réalisé. Derrière cet engagement quelque peu
excentrique que nous propose Evru, c’est tout un espace hybride qu’il construit, englobant les rituels et
la complexité de notre époque.
Evru est né en 1946 à Barcelone où il vit et travaille.

Virginie Loze, Mural pour film séquence n°6,
essai vidéo n°1, 2005
Projection vidéo sur dessins, crayon noir, crayon
de couleur et fusain sur papier
Le dessin monumental de Virginie Loze se déroule
sur le mur du fond de la salle d’exposition, sorte
d’immense travelling sans début, ni fin. Quelque
chose de la lithanie et de l’épopée (on peut par
exemple penser à la tapisserie de Bayeux) nous
apparaît ici en même temps qu’un regain de
bande-dessinée, de croquis d’adolescents ou de
graffitis. Du dessin, de l’écriture et des images en
mouvement projetées sur les motifs composent
l’oeuvre. Un «homme-pain» qui fume une cigarette,
un arbre-humain dont les racines sont en
réalité un squelette humain, une tête de diable,
d’autres figures hybrides encore, entre conte de
fée et cauchemar, nous racontent leur histoire, les
malheurs et les menaces qui pèsent sur eux.
Qui est Virginie Loze ?
Le travail de Virginie Loze se nourrit d’un bestiaire étrange, de personnages fantasmagoriques entre réel
et imaginaire, aussi bien dessinés que filmés et projetés sur ses dessins. Ses immenses compositions
captent nos regard et nos corps, elles nous mettent littéralement face à nous-mêmes : face à nos doutes,
nos peurs et nos souffrances. Elle n‘a de cesse de montrer une forme de monstruosité qu’engendrent
la propagande, l’avidité, la perversion, les conventions religieuses et sociales qui codifient les relations
humaines. Par ces corps mutilés, ces arbres tronconnés l’artiste dit la torture, ce que subissent les populations
déplacées,bafouées, l’humanité malmenée.
Virginie Loze est née en 1964 à Toulouse. Elle vit et travaille à Caraman près de Toulouse

Nicolas Primat, Homonculus et Homonculus
Sensitifs
Deux photographies, 200 x 150 cm
Deux photographies montrent un personnage
mi-humain mi monstre. L’un est nu, c’est l’homme
originel dans son plus simple appareil, l’autre est
recouvert d’une combinaison de cosmonaute,
c’est l’homme technologique en devenir. Reste
que l’homme demeure le même : regard fixé sur
l’objectif, il nous regarde et ouvre devant lui ses
mains démesurées en tirant une langue énorme
que ne peut même plus contenir une bouche en
excroissance.
Ce dyptique insiste sur les distorsions corprorelles
du sujet humain qui ne cesse d’évoluer depuis
la nuit des temps. Comme il suffit de peu pour
être un monstre, le modèle de l’humain entre
aujourd’hui, hier et demain est un monstre à part
entière. Le portrait qu’en fait ici Nicolas Primat
exprime cet état de fait : l’homme est un être de
sens et de communication dont les mains, la langue
et la bouche sont les zones les plus sensibles
du corps et par là-même les éléments les plus
importants dans sa connaissance, inscription et
relation au monde qui l’entoure.
Qui est Nicolas Primat ?
L’oeuvre deNicolas Primat se situe à la limite de l’art et de la science. L’artiste, aujourd’hui disparu, s’intéressait
particulièrement à la dualité homme-animal. L’essentiel de ce travail consistait à interagir, en
collaboration avec des équipes de chercheurs en éthologie et neurosciences, avec différentes familles de
primates : des bonobos, des babouins et des saïmiris. Le projet s’attachait à montrer que nous ne descendons
pas du singe mais que nous sommes bien des singes selon la théorie suivante : nous partageons
l’agressivité du chimpanzé en bien pire, et l’altruisme du bonobo en bien meilleur. Le chimpanzé est le
seul primate mis à part l’homme à pratiquer la guerre, tuer tout les males d’un autre groupe pour s’approprier
les femelles et leur territoire. Le bonobo et l’homme bien luné, partagent le fait de faire l’amour
pas la guerre, la sexualité intragroupe vient réguler les tensions.
Nicolas Primat est né en 1967. Il est mort en 2009.

L’ANIMAL
Jan Fabre, Still life with artist, 2004
Paon naturalisé sur cercueil en bois intégralement
recouvert d’ailes de scarabées, 130 x 340 x
120 cm
Un étrange objet mixte nous attend dans l’exposition
: un paon dont le corps est composé en
son centre d’un cercueil entièrement recouvert
de carapaces de scarabées, le tout posé sur deux
traiteaux. Le titre de l’oeuvre l’inscrit d’emblée
dans la tradition de la nature morte et de la
vanité, genre pictural qui a connu son essor au
XVIIème siècle et qui tend à représenter les éphémères
éléments de l’existence pour en souligner
la fragilité. Ici, la vanité est un portrait de l’artiste
par lui-même qui développe dans son art protéiforme
les thèmes de la mort et de la résurrection,
du sacrifice, de l’argent, du carnaval et de la folie.
Qui est Jan Fabre ?
Prolifique et inclassable Jan Fabre est un artiste polymorphe. Simultanément metteur en scène, chorégraphe,
écrivain, poète et plasticien, il travaille à la lisière du réel et crée un univers fantasmatique souvent
inspiré par le monde animal et organique. Comme son aïeul, Jean-Henri Fabre, entomologiste français,
l’artiste s’intéresse aux insectes…et plus particulièrement aux scarabées, qui constituent un motif récurrent
de son oeuvre.
Que ce soit au théatre, dans ses dessins ou dans ses sculptures, les êtres hybrides et inquiétants prolifèrent
dans son oeuvre. Yann Fabre est fasciné par la chair, par la combinaison de substances à la fois
dures et molles qui compose tout être vivant. Il crée des êtres de chair et de carapaces, étranges chimères
de vertébrés et d’invertébrés, qui évoquent la mort, mais aussi la vie, une vie à rebours de l’évolution, une
virtualité non réalisée par la nature mais issue des bizzareries de l’imagination, comme pour révéler ainsi
les mystères de la nature.
Yann Fabre est né en 1958 à Anvers (Belgique) où il vit et travaille.

Sophie Dubosc, Cheval d’arçon, 2007
Cheval d’arçon, chanvre
Le cheval d’arçon est un des agrès de la gymnastique
masculine. Mais à l’origine, il s’agit d’un objet imitant
le dos d’un cheval et servant à entreposer une selle,
l’arçon étant une pièce de bois cintrée qui forme la
structure de la selle d’équitation.
En revêtant l’objet de chanvre, ce qui nous renvoie à
la crinière du cheval, l’artiste rend toute son animalité
à cet instrument de la gymnastique scolaire. Drôle et
poétique, l’hybride se part ici d’une vitalité à la fois
sauvage, puissante et... odorante.
Qui est Sophie Dubosc ?
Sophie Dubosc développe une oeuvre d’une insolente étrangeté. Elle patine ainsi ses sculptures d’un
authentique vernis de réalité touchant directement à la mémoire et aux sentiments. Qu’elles soient prises
dans le béton, dans le plâtre, noyées sous l’huile de vidange, sous l’encre de chine ou dans le thé, ses pièces
prisonnières semblent crier leur désir d’évasion en même temps qu’elles prennent le parti du souvenir
pour dresser le décor d’une délicate poétique.
Sophie Dubosc est née en 1974 à Paris. Elle vit et travaille à Château-Thierry et à Paris.

Siobhan Hapaska, Becoming cyclonic, 1996
Fibre de verre, fourure de différents animaux, agathe
A l’entrée l’exposition, sur le demi niveau, est installé
un étrange monstre poilu et carapaçonné, arnaché
d’une sorte de traineau sur lequel repose une forme
blanche indéfinissable.
Ce monstre est une sorte de yack tibétain, on peut
le rapprocher des créatures cinématographiques qui
abondent dans les films de Star Wars par exemple. En
celà, il concentre différents aspects à la fois archaïques
et futuristes. Traînant son propre fardeau, sa forme
originelle (un fœtus) transpercée d’une lance meurtrière,
la créature semble avoir régressé d’une origine
« hyper tech » en une machine de guerre barbare et
primitive.
Qui est Siobhan Hapaska ?
Son oeuvre est peuplée de formes mutantes plus ou moins identifiables, monstres extraterrestres, sculptures
abstraites et toutes sortes de réalisations proches de l’artisanat comme des travaux couture ou de
tricot. Une oeuvre hybride par elle-même qui joue du rapport contradictoire entre le naturel et l’artificiel
au travers de sculptures qu’elle considère comme de véritables êtres vivants, avec un passé et un devenir.
En effet, toute son oeuvre semble provenir d’un futur indéterminé qui viendrait prendre à revers nos
conceptions de la civilisation.
Ses réalisations sont des métaphores et provoquent une réflexion sur les fondements de la vie, les thèmes
de la fertilité mais aussi de le technologie étant prépondérants dans son travail.
Sibhan Hapaska est née en 1963 à Belfast. Elle vit et travaille à Londres.

Todt, Exurbia, 2007
Polyuréthane expansé, objets en plastique
Dans l’exposition, nous pourrons aussi devenir les explorateurs
d’une étrange forêt en miniature. C’est un
jardin extraordinaire où prolifèrent des végétations
exubérantes, des minéraux bizarres, des insectes proches
des verres de terre et des papillons et encore
des animaux mutants....
Cette sculpture est une petite partie d’un ensemble
beaucoup plus vaste qui se présente comme un jardin
à première vue paradisiaque, composé d’îlots et
dans lequel le visiteur peut entrer et se promener, à
part qu’ici tout est en plastique ! L’installation Exurbia
fait référence à ce qui existe au-delà de l’urbain
dans les périmètres délaissés, comme les friches,
les échangeurs d’autoroutes ou les jachères, qui
sont des zones non contrôlées et non anthropiques.
Ces sortes de « niches écologiques » sont d’ailleurs
propices au développement d’espèces endémiques,
parfois mutantes. Étudiées de près par les scientifiques
et les urbanistes, elles sont considérées comme
des modèles possibles de développement.
Qui est TODT ?
Todt est un groupe composé de trois artistes (deux hommes et une femme) qui travaillent ensemble
depuis les années 1970. Originaires de New York, les membres de TODT, qui composent aussi une fratrie,
sont parmi les premiers artistes à avoir revendiqué une seule et même identité collective. TODT développe
un travail radical et exubérant qui attaque de plein fouet les outrances de nos sociétés de surconsommation
et d’hyper médiatisation. Ils se définissent eux-mêmes comme des «résistants» et dénoncent
les effets pervers de la normalisation des individus et de leur environnement physique ou mental.

Thomas Grünfeld, Misfit Ane/Coq, 1996
Taxidermie, corps d’âne avec tête de coq
L’âne/coq de Thomas Grünfeld est l’exemple même
d’un animal hybride et chimérique, créature à la fois
coq (la tête) et âne (le corps) qui nous déroute et nous
trouble tant la distance est mince entre ce que nous
croyons reconnaitre (un animal familier) et le monstre
qui nous apparaît (une création contre nature).
La sculpturepeut être aussi perçue comme la manifestation
visible de l’expression populaire «passer du coq
à l’âne».
Qui estThomas Grünfeld ?
Critique ironique du bon goût allemand, Thomas Grünfeld se passionne d’abord pour la décoration intérieure
avant de composer ses premiers misfits, sorte de bestiaire inspiré de contes et légendes populaires
bavarois, les volpertigers et fait œuvre de taxidermiste. Ses misfits, véritables sculptures, sont des spécimens
empaillés dont les configurations mélangent plusieurs espèces animales. Souvent exposés dans
une vitrine, ces animaux hybrides s’inscrivent parfaitement dans la tradition des cabinets de curiosité de
la renaissance qui traduisaient tous un intérêt particulier pour les phénomènes étranges, qu’ils soient
naturels ou artistiques.
Thomas Grünfeld est né en 1956 à Opladen (Allemagne). Il vit et travaille à Cologne.

Art Orienté objet, Le Tout Autre, 2008
Agneau taxidermisé, acier inoxydable doré
Un mouton taxidermisé est transpercé de toute
part par des lances d’acier doré. C’est à la fois un
animal triomphant (il n’est pas représenté souffrant
ou mort) et aussi le symbole du sacrifice (c’est
l’animal qu’on tue pour se nourrir, celui aussi sur
lequel on s’acharne). Cette sculpture mêle la référence
à la peinture de l’agneau mystique de Jan van
Eyck (1432) auréolé de rayons solaires symboles de
la force divine, à une représentation plus triviale
et violente de l’animal martyre, celui qu’on mène à
l’abattoir et qu’on exploite à outrance.
Qui est Art Orienté objet ?
Art orienté objet est un duo artistique créé en 1991 à Paris composé de Marion Laval-Jeantet et Benoît
Mangin. Depuis 1991, ils travaillent l’installation, la performance, la vidéo et la photographie autour du
thème du Vivant. Ce qui les conduit à aborder aussi bien la biologie, que les sciences du comportement
(psychologie et éthologie, d’où la forte présence animalière dans leur travail), l’écologie ou l’ethnologie
dans des créations poétiques et inattendues, autant politiques que visionnaires. Au-delà des problématiques
actuelles qu’il croise régulièrement (transgénie, réduction de la biodiversité, pandémies, mutations
et nouvelles technologies), leur art se cristallise dans une dimension à la fois bio éthique et expérimentale.
Il participe ainsi à l’un des questionnements les plus importants de notre époque : celui de la redéfinition
des frontières intangibles entre les domaines humains, animaliers et technologiques.

Marianne Plo, Les Hordes, 2007 / Orion, 2007
Vidéos
Les Hordes et Orion sont deux vidéos que Marianne
Plo a réalisées à partir de série de dessins. Les
motifs renvoient à des mythes ou des histoires
fantastiques où la figure animale prend à chaque
fois le dessus. Tout est à inventer dans ces histoires
où nous n’avons que des bribes de sens.
Dans la première vidéo, Marianne Plo nous
entraîne dans une forêt paradisiaque remplie
d’animaux fabuleux et de végétaux luxuriants.
Suit une série de portraits utilisant la technique
du morphing mêlant têtes d’animaux sauvages
et d’humains dans une sorte de jeux de masques.
Orion se présente comme un conte, hommage à
Gérard Manset et à son album mytique La mort
d’Orion, dont peut d’ailleurs entendre les premières
paroles : « Où l’Horizon prend fin, où l’œil
jamais de l’homme n’apaisera sa faim, au seuil
enfin de l’Univers, sur cet autre revers trouant le
ciel de nuit, d’encre et d’ennui profond, se font et
se défont les Astres »
Qui est Marianne Plo ?
L’oeuvre de Marianne Plo procède par assemblage de formes, de volumes et de pratiques hétérogènes.
«Mes dessins sont des collages inspirés de l’actualité, des contes, des légendes et des icônes populaires
afin de créer un jeu de coïncidences, une mythologie personnelle. Les objets du monde juxtaposés offrent-ils
une lisibilité ? L’intention serait d’expérimenter des agencements, un tenir-ensemble d’éléments
hétérogènes, où se croisent de multiples récits que nous aurions à décypter.»
Par associations, attractions ou tensions, les dessins se répondent, s’activent et mettent en mouvement
une pensée dynamique. Un récit est toujours en train de se mettre en œuvre, une histoire
potentielle est toujours en train de se jouer. Un dispositif de récits croisés et proliférant engendre à
l’infini la simultanéité et la multiplicité des lectures.
Marianne Plo est née en 1977. Elle vit et travaille à Toulouse.

artie
2 ème partie
Avec la classe :
Préparer et approfondir la visite de
l’exposition
Hybrides & Chimères
Visite de l’exposition Botto & Bruno Le Quartier de l’enfance avec les 5èmes du collège de Tournay

MONSTRES D’HIER ET D’AUJOURD’HUI
QU’EST CE QU’UN MONSTRE ?
L’exposition Hybrides & Chimères nous donne à voir comment les artistes contemporains se sont
emparés d’un motif très ancien : le monstre. Cet être qui relève de l’imaginaire n’en parle pas
moins de notre époque, de ses angoisses et de ses désirs.
Définition :
Un monstre est une « Créature légendaire, mythique, dont le corps est composé d’éléments disparates
empruntés à différents êtres réels, et qui est remarquable par la terreur qu’elle inspire ».
C’est aussi, toujours d’après la définition du Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales,
un « individu dont la morphologie est anormale, soit par excès ou défaut d’un organe, soit
par position anormale des membres ».
COMMENT FABRIQUER DES MONSTRES ?
Léonard de Vinci donne une véritable recette de fabrication de monstres : « Si tu veux donner
apparence naturelle à une bête imaginaire, supposons un dragon, prends la tête du mâtin ou
du braque, les yeux du chat, les oreilles du hérisson, le museau du lièvre, le sourcil du lion, les
tempes d’un vieux coq et le cou de la tortue. »
Le monstre est donc un montage d’éléments hétérogènes dont on masque l’assemblage pour
conférer un plus grand réalisme.
Gilbert Lascaux s’est essayé à classer les monstres en fonction de ces modes d’assemblage :
- Hybrider l’humain et l’animal
- Hybrider des animaux terrestres avec des animaux du ciel ou des eaux
- Hybrider le végétal avec l’humain ou l’animal
- Le changement de couleur ou de matière, changement d’échelle….

LE MONSTRE DANS LES PROGRAMMES SCOLAIRES
1. L’histoire des arts au Collège
Thématique « Arts, mythes et religions ».
Etude d’un personnage mythique : le monstre
- La représentation du mal dans l’art sacré puis dans l’art moderne : condamnation/
éloge, fascination/répulsion, convertir, sauver les chrétiens/libérer l’homme de la
morale sociale…..
- Le métissage des cultures : Relations entre la culture chrétienne et les motifs issus
des mythologies de l’antiquité gréco-romaines, celtes, orientales, égyptiennes….
- De la peinture à l’huile aux logiciels numériques : L’évolution des techniques du
trompe l’œil pour représenter un monstre : un effet de réel pour susciter la peur.
2. L’histoire de l’art au lycée
Champ anthropologique : Thématique « Arts, réalités, imaginaires ».
Champ technique : Thématique « Arts, sciences et techniques », L’art et son discours sur les
sciences et techniques (utopie, critique).
3. Les Arts Plastiques au collège
En classe de 5ème : Images, œuvre et fiction.
POUR ALLER PLUS LOIN : OUVRAGES, DOCUMENTS ET ARTICLES A CONSULTER
* Dossier de presse de l’exposition Hybrides & Chimères en ligne sur le site du Parvis : www.parvis.
net
* Gilbert Lascault, «Essai d’une classification formelle des monstres dans l’art» [Extrait de Sciences
de l’art, Tome II paru en 1965]
* Gilbert Lascault, «Le Monstre Dans L Art Occidental - Un Problème Esthétique», Editions Klincksieck,
2004
* Emmanuel Molinet, « L’hybridation : un processus décisif dans le champ des arts plastiques », Le
Portique [En ligne], http://leportique.revues.org/index851.html

LE MONSTRE DANS L’HISTOIRE DE L’ART
Comme le montre André Leroi-Gourhan (Préhistoire de l’art occidental), dès les premières
figurations qu’il trace sur les parois de ses grottes, l’homme fait apparaître des formes monstrueuses.
Cependant certaines esthétiques sont plus favorables au monstre que d’autres.
On notera deux tendances opposées :
- La condamnation du monstre associé au mal et au désordre dans le monde chrétien, depuis
le moyen âge jusqu’au XIXe siècle. La peur qu’il suscite doit conduire à des comportements
vertueux. Ce qui n’exclut pas une certaine délectation du monstrueux.
- L’éloge du monstre comme expression d’un imaginaire non contraint par la raison et la société,
que l’on trouve chez les romantiques et les surréalistes.
Le monstre et le mal au Moyen-Age
Les bestiaires sont des livres illustrés qui font l’inventaire de tous les animaux créés par Dieu,
accompagnés de leur sens symbolique et moral : le christianisme médiéval classe les animaux
selon qu’ils manifestent un comportement vertueux ou diabolique. Dans ces bestiaires, on
trouve les animaux qui peuplent l’Europe et l’Afrique, mais aussi des animaux imaginaires
issus des traditions païennes : l’hydre, le basilic, la licorne, le cynocéphale, le phénix… Leur
anormalité les situent du coté du diable, exceptée la Licorne. Pour le Moyen-Age ces animaux
existent vraiment.
Dragons, chapiteau de la nef côté nord,
église St-Pierre, XIIe siècle, Aulnay de Saintonge
Le dragon appartient à la culture antique grecque et
aussi à celle de l’orient et des celtes. Au XIIe siècle, la
chrétienté va se réapproprier cet animal fabuleux en
transformant sa signification pour en faire une incarnation
du mal. La représentation de saint Georges, sainte
Marthe, saint Clément ou d’un chevalier combattant le
dragon symbolise un combat spirituel avec le diable.
La forme du dragon n’est pas fixe. C’est un reptile ailé qui
comporte de nombreuses variantes.

Le monstre à la Renaissance
La présence du monstre durant le XVe et début du XVIe siècle relève d’une double
influence : celle du moyen âge qui perdure dans les arts des XV et XVIe siècles, malgré le désir
de rupture radicale prônée par Alberti et Vasari : celle de la mythologie antique qui devient un
thème privilégié pour la Renaissance.
Sandro Botticelli, Minerve et le Centaure, 1482
Laurent de Médicis et Sandro Botticelli introduisent la
mythologie antique comme thème dans la peinture du
XVe siècle en Italie. Ici le centaure, créature au corps de
cheval et au buste humain qui personnifie la domination
des pulsions et des forces sauvages, ne suscite pas la
peur. Il est dominé par la sagesse de Minerve. Autrement
dit la bestialité et le désordre sont vaincus par la raison et
la civilisation.
Jérôme Bosch, Le Jugement dernier, 1504, détrempe à
l’huile sur bois, 164 × 127cm
Au même moment, les peintres de l’Europe du Nord
développent une représentation du réel fondée sur la très
grande précision des détails et non sur l’idéalisation de la
forme comme en Italie. Grünewald ou Jérôme Bosch vont
user de cette précision pour représenter les monstres.
Ce triptyque représente sur le panneau gauche le paradis
et sur celui de droite l’enfer. Au centre le Christ, entouré
d’anges et de saints se tient dans le ciel, et juge l’action
des hommes sur terre. Pour figurer le mal Bosch recourt
à des figures monstrueuses issues de montage de formes
disparates : un homme à tête de canard, une tête
associé à des pieds sans le corps…. Mais il les représente
avec tout « le réalisme » propre à la renaissance du nord
: suggestion du volume, anatomie juste, ton local, précision
des détails, effet de profondeur : le but de ce type de
peinture était bien moral, visant à provoquer la peur pour
détourner du péché. Par ailleurs, le grouillement de ces
monstres dans un vaste paysage donne l’impression que
le chaos règne sur la terre.

Le rejet du monstre a l’âge classique
« Il n’est point de serpent ni de monstre odieux
Qui par l’art imité ne puisse plaire aux yeux »
Boileau, L’Art poétique, 1674. Chant III, v. 1-2
Le refus du monstrueux, du difforme, de l’irrégulier, du désordre fonde, depuis «La Poétique»
d’Aristote et surtout «L’Art poétique» d’Horace, l’esthétique classique. Son traité commence
par la description d’un monstre qui se pose comme un contre exemple : Il distingue le fou
et son imagination libre d’avec le vrai poète gouverné par la raison. Dans son «Histoire de la
folie» Michel Foucault a montré comment l’âge classique exclut les malades mentaux de la
société, sépare radicalement folie et raison, enferme les fous.
Nicolas Poussin, Bacchanale devant un
terme de Pan, 1634, huile sur toile, 100 ×
143 cm
Considéré comme le maître de la peinture
classique en France, Nicolas Poussin garde
de son admiration constante de l’art antique
de la sévérité et de la noblesse.

Le monstrueux à l’âge baroque
Pour la sensibilité Baroque le tableau n’est pas à comprendre, à lire, avec distanciation comme
dans l’esthétique classique. L’image est un trompe l’œil qui doit emporter le spectateur dans
des émotions intenses, le captiver, le bouleverser. Le monstre trouve donc sa place afin de
montrer la face sombre de l’homme. Nous sommes proches de la jouissance déclenchée par le
sublime.
Le Caravage, Tête de Méduse, 1598, huile sur
cuir marouflé sur un bouclier en bois de peuplier,
60 cm x 55 cm, Galerie des Offices, Florence
Caravage, sans relever tout à fait du Baroque,
œuvre dans ce sens par son utilisation dramatique
de la lumière, ses «arrêts sur image» , sur un instant
dramatique et cruel.
Méduse est l’une des Gorgones, trois monstres de
la mythologie grecque qui inspiraient l’épouvante
aux mortels comme aux immortels. Leur tête était
entourée de serpents, elles avaient de grosses
défenses de sangliers, des mains de bronze et des
ailes d’or. Quiconque les regardaient était changé
en pierre. Persée pu décapiter Méduse en lui
renvoyant sa propre image à l’aide d’un boucliermiroir
qui la pétrifia.
Caravage peint la tête de méduse décapitée sur
un bouclier de parade, usage fréquent au XVIe
siècle afin de terroriser les ennemis. Il saisit l’instant
de la pétrification et de la décapitation. Le visage
surmonté de serpents enchevêtrés, son regard effrayant
doublé d’un cri sauvage, le sang qui coule
du cou participent à l’effroi que provoque cette
représentation.

Le surréalisme : l’éloge du monstre
A partir de 1924, le surréalisme va faire l’éloge de l’irrationnel, de l’inconscient et de tout ce qui
permet leurs expressions. Il s’agit d’échapper à la raison et au surmoi qui interdisent les vrais
désirs. La folie et les monstres sont donc envisagés comme la manifestation d’une liberté de
l’individu qui échappe à l’autocensure et aux conditionnements sociaux.
Cette approche trouve de nombreux échos dans l’art d’aujourd’hui.
Dans l’exposition Hybrides & Chimères :
Max Ernst, Collage tiré d’Une semaine de bonté,
éditions Le lion de Belfort ,1933
«Une semaine de bonté» est le troisième romancollage
de Max Ernst (1891-1976). Il est constitué de
184 collages réalisés à partir de gravures sur bois
issues de romans populaires illustrés, de journaux de
sciences naturelles ou encore de catalogues de vente
du XIXe siècle. Le collage permet de constituer des
images qui montrent un univers à la fois ordinaire et
fantasmatique sur un mode figuratif.
Pour Max Ernst chaque jour possède un élément.
Partant de ce postulat, il va travailler sur chaque
jour pour étudier les relations entre les hommes et
la nature humaine. Ainsi dimanche se compose de
l’élément « La boue » et du « Lion de Belfort », lundi
est associé à « l’eau », mardi au « feu », mercredi au
« sang », jeudi « le noir », vendredi à « la vue » et samedi
à « l’inconnu ». Chacun dénonçant soit la violence
de la religion ou des hommes envers les femmes,
mais montrant aussi la force de la nature ainsi que les
désirs de la bourgeoisie et les « envies » des femmes.
Grâce à une technique de collage complexe, Max
Ernst intrigue et captive lelecteur. Quelle image est
la base ? Laquelle est rajoutée ? Un jeu débute, une
plongée dans le monde des surréalistes.
Les êtres hybrides dessinés par Virginie Loze expriment, par leur configuration, le malaise qu’ils ressentent
face aux menaces que font peser sur l’homme l’actualité mondiale.
Dans ce travail, le monstre n’est pas un trompe-l’œil mais un dessin simplifié semblable à ceux des enfants
ou des dessins automatiques surréalistes. Il est l’expression des pulsions avant que le mental, le
surmoi, ne cherche à contrôler, à transformer ce qui se dit.

« Le Post Humain » ou le corps mutant au XXIe siècle
En 1992 à Lausanne, l’exposition Posthuman présentait le bilan scientifique des possibilités des
transformations génétiques, de celles de la chirurgie plastique et de l’intelligence artificielle.
Elle présentait aussi les relations diverses que les artistes, tels Orlan, Sterlac, Aziz et Cucher,
entretenaient avec ces nouvelles technologies et les questions existentielles qu’elles
posent : espoir d’un monde meilleur, crainte d’un monde infernal, mutation du genre humain
et de la nature… Dans l’exposition présentée au Parvis, Hybrides & Chimères, ces questions
sont envisagées par Thomas Grünfeld, Siobhan Hapaska, TODT.
Dans l’exposition Hybrides & Chimères :
Aziz + Cucher, Pam and Kim, 1995
Dans la série Dystopia (1994-1995),
Aziz + Cucher représentent des visages aux
orifices hermétiquement clos. La peau a
recouvert les yeux les narines, la bouche. Ils
utilisent un logiciel de morphing pour donner
un effet de réalité saisissant et d’autant
plus effrayant.
Thomas Grünfeld réalise des monstres à la manière des cabinets de curiosité de la Renaissance. Les faux
vrais squelettes d’animaux mythiques, les fausses-vraies têtes de licornes fabriquées en assemblant une
corne torsadée de narval avec une tête de cheval, côtoyaient des animaux empaillés comportant des
anomalies physiques réelles. Mais Tjomas Grünfeld fait aussi écho aux manipulations génétiques bien
réelles que la science du XXIe siècle produit, qui ici s’avèrent absurdes.
L’ animal imaginaire de Siobhan Hapaska est une fiction futuriste : une créature mutante, appartenant à
un monde primitif, celui qui adviendrait après une catastrophe qui verrait notre civilisation technologique
détruite. Ce monstre incarne donc notre peur du futur.

3 ème partie
Visites et ateliers
Atelier archi avec l’Ecole Supérieure d’Architecture de Toulouse et les élèves de 5ème du collège Pyrénées, Tarbes
autour des expositions Stratum des frères Chapuisat et Le Quartier de l’enfance de Botto & Bruno

AUTOUR DE LA VISITE D’EXPOSITION - POUR LES SCOLAIRES
A chaque exposition, le Service éducatif du Parvis imagine en concertation avec des artistes intervenants
différents ateliers de pratiques artistique et d’analyse d’image qui permettent aux élèves d’aborder de
manière interactive et ludique les différents champs de la création contemporaine.
Centrés sur la présence et la pratique de l’artiste ou plus simplement appuyés sur l’histoire de l’art, les
formes et les expressions représentées dans les expositions, ils s’adaptent à toutes les classes d’âges et
constituent la base même d’un apprentissage créatif et convivial !
UNIQUEMENT SUR RENDEZ-VOUS AU 05 62 90 60 82 OU PAR MAIL centredart@parvis.net
LA VISITE D’EXPOSITION ET SON ATELIER DE CREATION - (POUR TOUS)
LA VISITE :
La visite d’exposition est conçue par le service éducatif du Parvis selon le niveau des élèves.
Elle peut également être élaborée en amont avec les enseignants en fonction des disciplines dispensées.
Ludique et interactive, elle favorise la prise de parole des élèves avec l’intervention du médiateur.
Dans son déroulé, la visite permet ainsi une découverte et une réflexion devant les œuvres elles-mêmes
des processus de création utilisés par les artistes.
L’ATELIER : « Le monstre qui est en nous »
Conduit par un artiste intervenant, l’objet de l’atelier consistera pour les élèves à produire un autoportrait
en monstre. Rajouter un doigt, raccourcir un bras… Il suffit parfois de très peu de chose pour faire apparaître
le monstre. Mais qu’est ce qui fait le monstre au juste ?
SANS OUBLIER :
LA VISITE DE L’EXPOSITION LE QUARTIER DE L’ENFANCE DE BOTTO & BRUNO ET SON ATELIER DE
CREATION
Pour ceux qui ne l’auraient pas encore vue, la visite de l’exposition Hybrides & Chimères peut se compléter
avec celle de Botto & Bruno Le Quartier de l’enfance présentée dans le Hall du Parvis jusqu’au 29 octobre.
L’atelier photomontage est aussi proposé sur demande.
Atelier photomontage animé par Arnaud Pora de l’Ecole Supérieure d’Art et de Céramique de Tarbes.
Sur le thème «inventer ma ville», cet atelier consiste à réaliser une nouvelle photographie à partir de
prises de vue dont on aura au préalable découpé et classé les éléments par catégorie : les ciels, les sols, les
architectures, les personnages...

LES EVENEMENTS AUTOUR DE L’ EXPOSITION
EXPOSITION/CINEMA
(à partir de la 4ème - collège, lycée, enseignement supérieur)
Mardi 28 septembre
Jeudi 30 septembre
Vendredi 8 octobre
«Le monstre dans les arts plastiques et au cinéma»
Proposition croisée avec le cinéma à travers deux films programmés en septembre et octobre :
• La fiancée de Frankenstein du réalisateur américain James Whale (1935 – 1h15)
Mardi 28 septembre
Projection suivie d’une discussion autour de la figure épouvantable et fascinante de la créature créée de
la main de l’homme animée par Pierre Magne chargé du cinéma jeune public au cinéma du Parvis.
• Le labyrinthe de Pan du réalisateur espagnol Guillermo del Toro (2006 – 1h52)
Jeudi 30 septembre
Vendredi 8 octobre
Projection suivie d’une discussion autour de la figue du monstre réel et du monstre merveilleux animée
par Pierre Magne chargé du cinéma jeune public au cinéma du Parvis.
Ce programme se déroule sur une journée au Parvis.
10h-12h : visite de l’exposition Hybrides & Chimères (10h-12h).
12h-14h : Déjeuner au Café des Images (12h-14h).
14h30-16h30 : Projection du film et débat.
Tarif : 1,50 € par élève, dans le cadre du dispositif SCOLAIRES AU CINEMA
COMMENT CA MARCHE ?
(cycle 3, collège, lycée, enseignement supérieur)
Les oeuvres de l’exposition Hybrides & Chimères proviennent de la collection du Fonds Régional d’Art
Contemporain (FRAC) de Midi-Pyrénées. Une occasion rêvée d’en savoir plus sur ces institutions incontournables
de l’art d’aujourd’hui et rencontrer par la même occasion les membres de l’équipe du centre
d’art du Parvis qui parleront des métiers de l’exposition (médiation, communication, commissariat d’exposition...)
Cette présentation se poursuivra par une déambulation dans les couloirs du Parvis et de son théâtre à la
découverte de l’envers du décor et de nombreuses démonstrations de machinerie (plateau de théâtre,
grill vertigineux, régie, coulisses, loges, cabine de cinéma...)

POUR LE HORS-TEMPS SCOLAIRE
LES FAMILLES ET LES GROUPES SONT ACCUEILLIS LES MARDIS ET SAMEDIS
LE MATIN DE 10H à 12H ET L’APRèS-MIDI DE 14H à 16H - SUR INSCRIPTION
Les formules visite + atelier sont également proposées aux groupes du hors temps scolaires. Quelques
surprises spécialement aménagées pour vous autour de l’exposition Hybrides & Chimères ne manqueront
pas de vous enthousiasmer tout au long de sa programmation.
La visite d’exposition et son atelier :
Tous les mercredis de 10h à 12h et de 14h à 16h
Petits et grands découvrent ensemble une exposition et participent conjointement à un atelier de
création originale, expériences irremplaçables pour une approche conviviale des oeuvres d’art.
Une heure / une œuvre :
Tous les samedis après midi de 15h à 16h
Découverte et échange autour d’une œuvre d’art originale présentée dans l’exposition
Les mercredis-goûters :
Le dernier mercredi du mois 15h à 17h
Découverte de l’exposition, suivie d’un échange autour d’un goûter offert par le Parvis.
Visite à deux voix :
Le médiateur des expositions invite un artiste ou une personnalité (plasticien, écrivain, musicien,
scientifique, architecte…) et propose une visite de l’exposition animée par deux visions différentes mais
complémentaires : celle de l’historien d’art et celle de l’invité. (pour les dates se renseigner au 05 62 0 60
82)
EXPO / CINEMA - jeudi 30 septembre et mercredi 6 octobre
Deux propositions qui croisent le champ des arts plastiques avec celui du cinéma réunis autour de la
figure du monstre.
Jeudi 30 septembre : Soirée Monstrueusement Vôtre ! - à partir de 13 et 15 ans
17h : visite guidée de l’exposition Hybrides & Chimères
18h : projection du film la fiancée de Frankenstein (James Whale – 1935 – 1h15) suivie d’un débat autour
de la figure du monstre en art et au cinéma
20h : « Dîner Monstrueux » au Café des Images
21h : projection du film Le Labyrinthe de Pan (Guillermo Del Toro – 2006 – 1h52 – V.O). A partir de 15 ans
Tarif cinéma : 4,5 € la séance - Repas : 7 € / Pass monstre : 13 € (2 séances + repas)
Réservation obligatoire avant le 24 septembre au 05 62 90 60 82
Mercredi 6 octobre : L’après-midi chimérique - à partir de 13 ans
14h : visite guidée de l’exposition Hybrides & Chimères
15h : Projection du film La fiancée de Frankenstein - suivie d’une discussion animée par Pierre Magne,
programmateur ciné-jeunes, autour du film.
Tarif cinéma : 3,5 € pour les enfants / 4,5 € pour les adultes.
Pour les groupes et accueils de loisirs : 3,5 € pour les enfants / gratuité pour les accompagnateurs

Condition de visites
L’entrée de l’exposition, la visite commentée et les ateliers sont gratuits.
Les mardis, mercredis, jeudis et vendredis de 10h à 12h et de 14h à 16h
(horaires modulables sur demande)
Uniquement sur rendez-vous : 05 62 90 60 82
Visites et ateliers adaptés à tous les niveaux scolaires
Le Parvis scène nationale
Marie-Claire Riou, directrice
Contacts
Le Parvis, centre d’art contemporain :
Magali Gentet, responsable du centre d’art contemporain et
commissaire des expositions
Catherine Fontaine, accueil des publics à Ibos 05 62 90 60 82
centredart@parvis.net
Etienne Veillon, accueil des publics à Pau 05 59 80 80 65
parvis@wanadoo.fr
Relais éducatifs :
Philippe Caudron, professeur d’arts plastiques au lycée Marie Curie, chargé
de mission d’action culturelle philippe caudron@ac-toulouse.fr
Christian Sabathié, conseiller en arts visuels Inspection Académique 65
Ia65-csabathie@ac-toulouse.f
Olivier Espagnet, animateur science Inspection Académique 65
olivier.espagnet@ac-toulouse.fr