ViVaVerdi n. 2 - Siae

complimenti a.... 

di Vivaverdi 

FEDERICA DIMITA 

Ha vinto il Premio ”Siae-Lumsa,Tullio Kezich” consistente 

in una borsa di studio e una targa d’argento 

per il miglior saggio sul tema “Il cinema italiano: 

arte e industria”. Il premio è stato consegnato 

il 13 maggio presso l’Università Lumsa, alla 

presenza di Alessandra Levantesi e Carlo Lizzani. 

Il riconoscimento è stato istituito dalla Siae 

nell’ambito del progetto formativo dell’Università 

Lumsa “La Settima Arte – lezioni d’autore” che si 

propone di avvicinare i giovani alla cinematografia 

mettendoli in contatto con i grandi professionisti 

del cinema italiano. 

Foto Nicolas Guerin 

PAOLO SORRENTINO 

Fa parte -insieme a Marco Tullio Giordana, Fred 

Breinersdorfer, i fratelli Dardenne, Agnès Jaoui, 

Roger Michell, Radu Mihãileanu, Bertrand Tavernier 

e Jaco Van Dormael - del Consiglio della Society 

of Audiovisual Authors, una nuova organizzazione 

creata a Bruxelles su iniziativa di registi, 

autori e lavoratori dell’audiovisivo. Alla Saa ha aderito 

anche la Siae insieme alle società di autori di 

Francia (Sacd e Scam), Germania (Bild-Kunst e VG 

Wort), Spagna (Sgae e Dama), Portogallo (Spa), 

Repubblica Ceca (Dilia), Estonia (Eaal), Olanda (Vevam), 

Romania (Dacin-Sara), Svizzera (Ssa e Suisseimage) 

e Regno Unito (Alcs e Directors UK) per 

difendere i diritti economici e morali degli autori 

dell’audiovisivo e assicurare loro un equo compenso 

per lo sfruttamento delle loro opere. 

VASCO ROSSI 

Si è esibito, per la prima volta in carriera, a Londra. 

Il suo concerto del 4 maggio all’Hammersmith 

Apollo, tutto esaurito davanti a ottomila fan scatenati 

in un clima da stadio , è stato l’avvio del 

tour europeo che ha toccato poi Bruxelles, Zurigo 

e Berlino. In una intervista, il rocker italiano 

aveva dichiarato: “Come a Bob Dylan è vietato 

suonare in Cina, anche a me per 20 anni è stata 

negata Londra…Ne sono convinto: è uno dei tanti 

‘regali’ che ci ha lasciato l’America dopo la seconda 

guerra mondiale. Favorire qui da noi l’importazione 

della musica anglosassone e scoraggiare 

l’esportazione all’estero dei nostri talenti. 

Comunque sia, adesso ce l’ho fatta”. 

FERZAN OZPETEK 

Il suo ultimo film Mine Vaganti ha ottenuto la menzione 

speciale al Tribeca Festival di New York, la 

rassegna di cinema indipendente ideata da Robert 

De Niro. Mine vaganti è stato acquistato da una 

casa distributrice americana e sarà quindi proiettato 

a breve negli Stati Uniti. “Per averci fatto ridere, 

piangere e immediatamente voler prenotare 

un viaggio in Italia meridionale ci congratuliamo 

con Ozpetek e il suo ottimo cast e collaboratori”, 

recita la motivazione del riconoscimento. 

MICAELA RAMAZZOTTI 

Ha vinto il David di Donatello come Miglior attrice 

protagonista per La prima cosa bella di Paolo Virzì, 

suo marito (che l’aveva lanciata col precedente 

Tutta la vita davanti). Il film di Virzì ha avuto anche 

il riconoscimento per la migliore sceneggiatura (scritta 

dal regista insieme a Francesco Bruni, Francesco 

Piccolo, Giorgio Diritti e Giovanni Galavotti) e il 

miglior attore protagonista (Valerio Mastandrea). 

PUPI AVATI 

E’ stato premiato per i 40 anni di carriera al Festival 

Internazionale di Bergamo. Regista, sceneggiatore, 

scrittore, da ultimo la biografia Sotto 

le stelle di un film, il cineasta bolognese ha legato 

fortemente la sua vita alla passione per la 

musica. Il jazz è stato il suo primo grande amore 

prima di dedicarsi alla settima arte. Il suo ultimo 

film, Il figlio più piccolo, è un ritratto amaro della 

società italiana. 

1 

Foto Francesco Ciccone 

VIVAVERDI

complimenti a.... 

di Vivaverdi 

ROBERTO GUERRAZZI 

E’ stato eletto, a fine aprile, nuovo presidente Univideo 

per il biennio 2010/2011. Guerrazzi è uno dei 

cofondatori dell’Associazione che rappresenta il settore 

dell’Home Entertainment in Italia e raggruppa al 

suo interno le principali aziende attive nell’industria 

dell’audiovisivo. Guerrazzi ha ricoperto già in passato 

cariche di consigliere e di vicepresidente. 

PAOLO FRANCHINI 

Paolo Franchini, già Amministratore Delegato della 

casa discografica Edel Italia srl, è il nuovo Segretario 

Generale di FEM, la federazione degli editori 

musicali. La nomina va a rafforzare l’attività dell’associazione 

degli editori nella tutela del diritto d’autore 

e nella promozione dei diritti degli autori ed editori 

musicali. Il nuovo Segretario Generale affiancherà 

il presidente Filippo Sugar. “E’ un onore e un 

privilegio lavorare al fianco dei più grandi editori Italiani 

e Internazionali” ha dichiarato Paolo Franchini, 

“il mondo della musica vive un periodo di cambiamenti 

epocali, un periodo per certi versi difficile, ma 

anche eccitante, ricco di innovazioni tecnologiche 

e artistiche e di possibili nuove opportunità che richiedono 

la capacità di interpretare i cambiamenti 

, coglierne le potenzialità assicurandosi che i diritti 

di tutti siano tutelati”. 

JOVANOTTI 

Per la prima volta un musicista italiano è stato invitato 

a tenere una lezione all’università di Harvard. 

Così, martedì 27 aprile, Jovanotti ha incontrato 

gli studenti tenendo una relazione su ‘’Musica e 

Diritti Umani’’, partendo dalla diffusione della musica 

popolare americana e dalle battaglie per i diritti 

civili. Il cantante toscano ha compiuto, nell’occasione, 

una breve tournée negli Stati Uniti e in Canada, 

con concerti a Boston, Montreal, Toronto e 

Chicago. E ha vinto il David di Donatello per la migliore 

canzone originale con Baciami ancora. 

LINA WERTMULLER 

E’ stata festeggiata al Quirinale. nella cerimonia 

dei David di Donatello. La regista ha avuto un riconoscimento 

speciale alla carriera (insieme a 

Tonino Guerra, Terence Hill e Bud Spencer) e sta 

lavorando alla riduzione teatrale del musical Gian 

Burrasca (scritto e adattato da lei, autrice della 

serie tv Il Giornalino di Gian Burrasca, 1964). Protagonista 

Elio delle Storie Tese, musica di Nino 

Rota, che sarà l’inaugurazione al Festival della letteratura 

di Mantova, il 9 settembre. 

ANDREA ROSI 

E’ il nuovo presidente e amministratore delegato 

di Sony Music Italia. Ha lavorato nella discografia 

(Cgd, Warner e Polygram) poi alla fine degli anni 

’90 è stato tra gli artefici di Vitaminic, il sito pioniere 

in Italia della musica digitale e poi è diventato 

responsabile del business digitale di Sony 

Bmg nella regione del Mediterraneo. “Trovo 

un’azienda con grandi prospettive, in un momento 

storico molto delicato e difficile per il settore”, 

ha dichiarato Rosi dopo la nomina. “Il cast artistico 

straordinario e il gruppo di lavoro sono ideali 

per affrontare i cambiamenti e le innovazioni che 

sono oggi necessari per un’azienda che produce 

musica”. 

ILARIA OCCHINI 

All’Accademia di Francia, a Villa Medici, l’attrice 

ha ricevuto il Nastro d’Argento alla Carriera (insieme 

con Armando Trovajoli e Ugo Gregoretti). 

Ha debuttato al cinema alla metà degli anni ’50 

partecipando a Terza liceo di Luciano Emmer e Il 

medico e lo stregone di Mario Monicelli. Ha lavorato 

in molti sceneggiati televisivi e a teatro. E’ 

tornata sul grande schermo negli anni novanta con 

Don Milani. Il suo recente ruolo in Mine vaganti, 

l’ultimo film di Ferzan Ozpetek, ha ottenuto anche 

il David di Donatello come miglior attrice non protagonista.

viale della letteratura 30 

VITA DIGITALE 

FATTI SALVI I DIRITTI 

DEGLI AUTORI, MA... 

di Sapo Matteucci 

Seguendo i vari dibattiti che si susseguono 

attorno al diritto d’autore, sui giornali, 

nei convegni, nelle dichiarazioni dei 

politici italiani ed europei, mi verrebbe 

da dire: “Evviva i pirati digitali dichiarati!”. 

Almeno loro, non solo hanno le idee 

chiare (“su Internet si ruba quel che si 

può”), ma dicono esplicitamente che il 

diritto d’autore, nell’epoca liquida e senza 

confini in cui viviamo, non ha più alcun 

senso e che Internet deve essere lasciata 

nella più totale deregulation. 

Non sono d’accordo, ma apprezzo la coerenza 

di chi non vuole alcuna governance 

della rete, alcuna regola e quindi ramazza 

quel che può, gira in lungo e largo 

senza freni, non rispettando nulla, non 

solo il diritto d’autore. Quelli che destano 

il mio sospetto sono invece coloro che 

iniziano sempre i loro ragionamenti in 

questo modo: “Fatti salvi i sacrosanti diritti 

degli autori”…. e poi continuano: 

“non possiamo imbrigliare la rete, fermare 

il digitale, censurare gli scambi, 

bloccare la meraviglia della condivisione 

spontanea del sapere, porre steccati all’accesso 

sempre più ampio alla cultura, 

ecc.” Come se il rispetto dei diritti d’autore, 

quindi il rispetto d’un lavoro altrui, 

bloccasse e inibisse la rete. Col principio 

generale del libero e gratuito scambio, 

non per la merce, né per le connessioni, 

sempre profumatamente pagate e rispettate, 

ma per le cosiddette opere dell’ingegno, 

i libertari della rete si alleano ai 

liberisti, come direbbe Daniel Olivennes 

autore di La gratuità è un furto, senza accorgersene. 

O meglio forse fanno finta di 

I libertari della rete peccano spesso d’ipocrisia, talvolta anche di malizia, non 

volendo affrontare concretamente il problema del download selvaggio e illegale 

che, da anni, danneggia pesantemente gli autori e l’industria dei contenuti. 

Ogni volta che si parla di tutela delle opere, contrappongono principi generali 

di libertà e democrazia, come se il diritto d’autore fosse il maggior ostacolo 

allo sviluppo digitale. Ma la tecnologia non è neutra, anzi si fa pagare 

profumatamente e Steve Jobs non è San Francesco. 

non accorgersene, ma in questo modo, di 

fatto ogni volta, frantumano il presupposto 

di far salvo il diritto d’autore. Infatti 

non dicono mai come si potrebbe 

intervenire concretamente contro il download 

selvaggio e illegale, mentre argomentano 

a iosa sui principi generali della 

libertà nella rete e sui pericoli dietro 

l’angolo, insiti in ogni regolamentazione. 

E’ un modo di ragionare singolare. Se 

portato alle logiche conseguenze, dovrebbe 

postulare la gratuità assoluta per 

tutto ciò che è digitale. Per sviluppare la 

rete, per diffonderla, per non frenarne 

l’accesso, non si capisce perché si debbano 

pagare computer, software, abbonamenti 

a bande larghe o strette ecc. Se 

tutto fosse gratuito, infatti, la cosiddetta 

alfabetizzazione digitale (i contenitori, 

si sa, ormai contano più dei contenuti) 

sarebbe molto più semplice. 

Il problema è che nulla nella rete è gratuito, 

che la tecnologia non è neutra, ma gli 

alfieri del libertar-liberismo digitale si 

guardano bene dal dichiarare che Steve 

Jobs non è San Francesco e le varie telecom 

non sono la San Vincenzo de Paoli. 

Amano paragonare chi giustamente pretende 

il rispetto del diritto d’autore anche 

in Internet, ai venditori di biada che 

all’inizio del XX secolo volevano imporre 

ai governi la proibizione di viaggiare 

in automobile. Oppure a quei pittori che 

avessero preteso di mettere al bando la 

fotografia. Chi fa questi arditi paragoni 

dimentica che fin dall’inizio le automobili 

si pagavano e costavano di più dei cavalli 

e che i quadri venivano comprati e 

venduti anche in presenza di dagherrotipi 

o fotografie. Nessuno si sognava di 

rubare un’automobile e nemmeno un cavallo. 

Ben venga dunque come è venuta, 

l’offerta di musica o cinema legale (cioè 

scaricata pagando i diritti) in rete. Peccato 

che gli scaricamenti illegali, anche 

di fronte all’offerta legale, non si fermino, 

anzi. Secondo l’Agcom, la pirateria 

digitale ha causato nel 2008 perdite di 10 

miliardi di euro per mancate vendite in 

Gran Bretagna, Spagna, Francia, Germania 

e Italia, che potrebbero crescere tra i 

32 e i 56 miliardi di euro nel 2015, con 

una perdita di 610 mila posti di lavoro. 

Per questo servono regole precise, condivise 

con tutti i soggetti e con gli Internet 

service provider in particolare. I diritti 

delle grandi industrie tecnologiche, 

sono sempre “fatti salvi” automaticamente: 

si pagano prima e nessuno si sogna 

di contestarli. 

3 

VIVAVERDI

VIVAsommario 

6 

20 

S E R V I Z I 

VIALE DELLA LETTERATURA 30 3 

TEATRO Dario Fo, un grammelot da Nobel 6 

LETTERATURA Vincenzo Talarico, un calabrese a Roma 20 

MUSICA De Angelis, fratelli di successo 24 

MUSICA Enrico Riccardi, armonia e canzoni 28 

CINEMA Piero Tellini, uno scrittore per lo schermo 32 

CINEMA Massimo Sani, l’occhio della Storia 36 

RADIO L’isola senza tempo della filodiffusione 38 

CINEMA I 60 anni di Filmcritica 40 

RADIO Fiamma Satta, 25 anni davanti al microfono 42 

MUSICA Fabrizio De Rossi Re, tra jazz e tradizione 46 

EDITORIA Ecco il libro virtuale 49 

TEATRO Eleonora Danco, una ragazza al muro 52 

CULTURA Storia Siae: la sfida di Marco Praga 56 

MUSICA Sergio Iodice, artigiano di sogni 60 

LIRICA Il dramma barocco di D’Avalos 62 

MUSICA Nel rock dei Marlene Kuntz 68 

MUSICA Ernesto Bassignano, il ritorno 75 

FOTOCREDITI 

In riferimento alle immagini pubblicate, l’editore e la direzione di Vivaverdi dichiarano la propria disponibilità 

all’assolvimento dei diritti di riproduzione per gli eventuali aventi diritto che non è stato possibile accertare 

Distribuzione gratuita 

Le opinioni espresse negli articoli pubblicati su Vivaverdi impegnano esclusivamente i loro autori e non rappresentano 

la linea editoriale della Società 

28 

32 

42 

Guido Harari è l’autore della foto di copertina, che fa parte 

di un ampio servizio in bianconero sulla coppia Dario 

Fo e Franca Rame.“Fin da piccolo musica e fotografia sono 

state le mie due grandi passioni” racconta Guido Harari, 

nato nel 1952 a Il Cairo, gran talento milanese che 

ha inseguito rockstar per tutta la vita cercando con la 

macchina fotografica di tiragli fuori un pezzo d’anima, un 

aspetto autentico e interessante. “A diciannove anni ho 

avuto la fortuna di intrecciarle in qualcosa che potesse 

assomigliare ad una professione. Solo più tardi ho capito 

che usavo la fotografia non come un lavoro, ma più 

semplicemente come un modo di relazionarmi agli altri. 

Negli ultimi vent’anni ho allargato il mio orizzonte anche 

oltre i confini della sola musica, sempre spinto dal bisogno 

di confrontarmi con persone con una storia da raccontare 

e di creare una “memoria”, in questo caso visiva, 

come progetto di definizione del mio mondo interiore. 

Credo ad un approccio discreto, al dovere, da parte 

del fotografo, di non sovrapporsi o addirittura sostituirsi 

al suo soggetto. E' questo, il soggetto, il centro dell'immagine: 

è lui il cosiddetto "messaggio". Il fotografo ha il 

dovere di coglierne al meglio l'essenza, di definirne compiutamente 

l'identità, la personalità, il carattere. Il ritratto 

è la mia dimensione ideale: fotografo e fotografato si 

specchiano l’uno nell’altro, ci si cerca, ci si stana quasi. 

Fino a riconoscersi nell'altro, a perdersi nell'altro e a ritrovarcisi 

di nuovo. Conta il magnetismo della persona, 

la sua storia e quello che vuole proiettare di sé”. Sin dall’inizio 

Harari ha realizzato numerosi libri dai suoi lavori, 

cominciando con Lindsay Kemp (editoriale Domus, 1982), 

un reportage fotografico dietro le quinte del leggendario 

mimo e danzatore, e poi Claudio Baglioni, Paolo Rossi, 

Pippo Delbono, Vasco Rossi e Fabrizio De André, un sodalizio 

durato oltre vent’anni, celebrato nel volume Una 

goccia di splendore (edizioni Rizzoli, 2007), un volume di 

grande formato, a metà tra pubblico e privato, tra gli scatti 

“rubati” alla vita quotidiana e gli appunti, considerazioni, 

aforismi spesso inediti, un’autobiografia per parole e 

immagini (realizzata con la collaborazione della Fondazione 

Fabrizio De André onlus di Siena e di Dori Ghezzi). 

Il suo libro più recente è Mia Martini, l’ultima occasione 

per vivere (Tea,2009).

68 

52 

R U B R I C H E 

COMPLIMENTI A…. 1 

VIVAIDEE Pensieri & Parole. Internet e copia privata 17 

ANTEPRIME 18 

VIVAIDEE Riflessioni Doc. Il contratto di servizio Rai 31 

VIVAMITID’OGGI Quando Joyce scriveva in italiano 39 

VIVAIDEE Appunti & Contrappunti. La Siae e la comunicazione 45 

VIVAHANNODETTO 54 

VIVAINBREVE 66 

NOVANTANOVENOVITA’ 72 

VIVADALL’INTERNO La Responsabilità del Provider 76 

Racconti dal carcere 80 

Palermo, laboratorio d’autore 82 

Biella e Novara, gli slogan antipirateria 83 

Concorsi 84 

L’ULTIMO APPLAUSO 86 

BOLLETTINO SOCIALE 90 

24 

40 

AVVISO AI LETTORI 

Si ricorda a tutti coloro che ricevono presso il 

proprio domicilio più copie di Vivaverdi (perché 

residenti con altri associati Siae oppure in qualità di 

rappresentanti di società editoriali associate) che è 

possibile chiedere la cancellazione di una o più 

posizioni dalla lista dei destinatari, inviando una mail 

a ufficio.editoriale@siae.it 

oppure un fax al n. 06.5990.2882 

Anno 82 – Nuova serie 

Numero 2 

Marzo – Aprile 2010 

Bimestrale 

Direzione, redazione 

e amministrazione 

Viale della Letteratura, 30 

00144 Roma 

V I V A V E R D I 

Centralino: 06.59901 

Redazione: 06.5990.2795/2629 

Fax: 06.5990.2882 

ufficio.editoriale@siae.it 

www.siae.it 

Direttore responsabile 

Sapo Matteucci 

Comitato editoriale 

Linda Brunetta, Gianni Minà, Dario Oliveri 

Oscar Prudente, Mimmo Rafele 

Linea e Coordinamento editoriale 

Stefano Micocci 

Capo redattore 

Flaviano De Luca 

Grafica e impaginazione 

Digitalialab S.r.l. - Roma 

Stampa 

Grafica Giorgetti S.r.l. - Roma 

Registrazione alla Cancelleria del Tribunale 

di Roma n. 234 del 24.7.1948 

Questo giornale è pubblicato ai sensi della 

normativa della Siae e del Regolamento per 

l’esecuzione della legge 22 aprile 1941, n. 633, 

approvato con R. D. 18 maggio 1942, n. 1369 

Di questo numero sono state distribuite 

99.000 copie 

Concessionaria di Pubblicità: 

Argentovivo srl 

Viale G. da Cermenate, 70 - 20141 Milano 

Tel. 02/89515424 Fax 02/89515565. 

walter.boscarello@argentovivo.it 

Chiuso in tipografia il 14 maggio 2010 

5 

VIVAVERDI 

Redazione 

Antonella Gargiulo (segr. redaz. e ricerca fotografica), 

Daniela Nicolai 

Hanno collaborato a questo numero: 

Giorgio Calabrese, Piergiuseppe Caporale, Marco 

Caselgrandi, Giacomo Ceccarelli, Maurizio Costanzo, 

Franco Daldello, Daniela d’Isa, Alberto Ferrigolo, 

Maria Cristina Locori, Corrado Lo Iacono, Valerio 

Magrelli, Franco Montini, Nicola Ravera, Giovanni 

Russo, Fiamma Satta, Massimo Tellini, Ferdinando 

Tozzi, Cristina Wysocki 

ISSN 1972-6694

VIVAVERDI 

6 

teatro 

DARIO FO 

QUANDO LA COMMEDIA DELL’ARTE 

DIVENTA LETTERATURA DA NOBEL 

di Gianni Minà 

Quella di Dario Fo (che racconto in due 

puntate) è un’avventura artistica che, 

dopo quasi sessant’anni, non accenna 

a tramontare. Mentre scrivo questo articolo 

su un “giullare” premiato nel 1997 

con il Nobel della letteratura, a Parigi è 

stata montata una nuova versione di Mistero 

buffo: Mystère bouffe et fabulages 

in scena alla Salle Richelieu della Comédie 

Française fino al 19 giugno 2010. 

Bene, Dario, a ottantaquattro anni, ma 

con la vitalità di un saltimbanco instancabile, 

a marzo è volato nella capitale 

francese per perfezionare la messa 

in scena di quelle sue due opere storiche. 

Si può dire che è l’eterno omaggio 

del mondo dei teatranti a chi ha regalato 

una vita nuova alla commedia dell’arte, 

alla capacità dell’uomo di rappresentarsi 

e di ridere di sé, ma è anche 

il riconoscimento ad un autore che, 

come Brecht, non si è tirato indietro 

quando si è trattato di fare del teatro un 

luogo della politica, rifiutando di non 

farlo perché “in teoria l’attore, l’artista 

è una proprietà di tutti, al di sopra delle 

parti”. Per Fo, invece, non è mai stato 

così. Emblematico, a proposito del 

ruolo dell’attore, l’exploit del Nobel 

Ci vorrebbe almeno un libro per raccontare l’avventura artistica, politica e umana 

di Dario Fo e di Franca Rame che insieme non hanno solo imposto al mondo una 

nuova dimensione del teatro, ma hanno ridato vita alla commedia dell’arte, 

rinnovando un linguaggio e una tradizione profondamente italiani. Gianni Minà 

propone, per i lettori di Vivaverdi, un loro ritratto inedito in due puntate. 

dell’8 aprile al teatro Carcano di Milano, 

con attori migranti, professionisti 

e dilettanti, in molti casi testimoni di 

esperienze che frantumavano il pregiudizio 

su chi arriva da fuori, senza certezze. 

Uno spettacolo che gli è venuto in 

mente il primo marzo, quando per la 

prima volta, in un’ Italia ormai prigioniera 

di mille contraddizioni e ambiguità, 

gli immigrati, quelli che nella nostra 

società attuale assicurano in molti 

casi la sopravvivenza e l’unità delle nostre 

famiglie, hanno scioperato. “Quel 

giorno – mi ha detto Dario Fo – è accaduto 

qualcosa di straordinario, anche 

se qualche telegiornale non se ne è accorto. 

In quella passeggiata da piazza 

della Scala al castello Sforzesco di Milano 

c’era anche quell’umanità ritenuta 

da molti “invisibile”, ma questa volta 

con il coraggio di mettersi in mostra, 

di coinvolgere i residenti. Molti quel 

giorno ci raccontarono le loro storie, 

Una scena di Lo svitato, un film del 1956, con la 

regia di Carlo Lizzani. Dario Fo nei panni di 

Achille, un fattorino della redazione di un giornale 

milanese che viene scambiato per un giornalista. 

Foto Archivio DuFoto - dufoto@gmail.com 

con una proprietà di linguaggio inattesa. 

Un africano aveva perfino citato a 

memoria Antonio Gramsci. Erano persone 

con un’inaspettata cultura politica, 

che non pensavano solo al loro problema, 

ma ragionavano in modo più vasto 

e conoscevano il luogo e lo spazio in 

cui si trovavano. Insomma italiani, anche 

se molti se lo erano dimenticati e se 

lo dimenticano. Fu un pomeriggio straordinario, 

che ci impose, a breve, una 

rappresentazione teatrale”. 

“Il teatro di Dario Fo e Franca Rame”, 

perché Franca, fin dall’inizio, è stata la 

compagna inseparabile d’arte e di vita 

di Dario, è sempre stato così, ispirato 

dal sociale, dalla politica, anche quando 

usava i modi della farsa, ed ha girato 

il mondo fino a diventare, con quello 

di Goldoni, Pirandello e De Filippo il 

teatro italiano più rappresentato. 

Australia, Austria, Belgio, Brasile, Giappone, 

Bulgaria, Russia e Repubbliche ex

VIVAVERDI 

8 

teatro 

sovietiche, Danimarca, Finlandia, Francia, 

Gran Bretagna, Stati Uniti: se si fa 

una ricerca negli scaffali di Flavia Tolnay, 

componente dell’Assemblea della 

Siae che li rappresenta con tutti i teatri 

del mondo, è entusiasmante accorgersi 

che quasi non c’è posto dove il “mistero 

buffo” di questa coppia non abbia 

fatto storia. Non poteva essere altrimenti 

per una scrittura teatrale, quella 

di Fo, che, per esempio, alla Comédie 

Française, il santuario della prosa nel 

mondo, ha trovato casa, unico italiano, 

ancora dopo Goldoni, Gabriele D’Annunzio, 

Pirandello ed Eduardo De Filippo. 

È singolare, ma anche emblematico, 

che Dario Fo abbia trovato invece 

poco spazio al cinema, il linguaggio più 

moderno per chi scrive rappresentazioni 

da recitare, ma forse la colpa non 

è stata solo dell’industria filmica. Fu Dario, 

come lui stesso ammette, a farsi travolgere 

dal teatro, nonostante il mondo 

del cinema, a Roma, lo avesse accolto 

subito con molta curiosità. 

L’esordio nel ’56 con Lo svitato di Carlo 

Lizzani fu, infatti, positivo. Era 

un’opera che anticipava i tempi della 

moderna comicità, anche se non risparmiava 

citazioni a Buster Keaton o 

Jaques Tati. C’era in quell’opera il piacere 

del sarcasmo, il gusto della satira 

sociale e l’inventiva, già prorompente, 

di un autore–attore che da allora avrebbe 

segnato il teatro, la televisione, la cultura 

e, in un certo modo, anche la società 

del nostro paese. Il suo modo di 

intendere il teatro traeva le sue origini, 

come ho già detto, dai giullari, dagli affabulatori 

della commedia dell’arte, dalle 

farse, dalla rivista. 

Io, adolescente, lo ricordo alla radio in 

trasmissioni come Chicchirichì, e poi 

con Franco Parenti e Giustino Durano 

con Il dito nell’occhio e I sani da legare, 

spettacoli di critica beffarda che in- 

frangevano i limiti del teatro di rivista. 

Poi, dopo il matrimonio con Franca, era 

venuta la parentesi di Cinecittà, come 

attore ne Lo svitato e poi come sceneggiatore 

e aiuto di Antonio Pietrangeli, 

il regista di Io la conoscevo bene. Infine, 

l’incontro scontro con la televisione 

democristiana, che cercava nuovi 

percorsi e nuovi linguaggi ma temeva il 

sarcasmo tagliente di Fo. 

“Non gli hai mai dato requie al potere” 

gli ho fatto notare in una memorabile 

puntata di Storie per Rai Due. 

“Ho fatto il possibile per rendere il 

nostro dialogo vivace” mi ha risposto 

ridendo. 

“Hai sempre avuto un irrefrenabile spirito 

anarchico” ho insistito. 

“Mi dava fastidio l’ipocrisia, la finzione, 

la falsificazione – mi ha spiegato - 

A scuola poi ho avuto la fortuna di avere, 

al liceo artistico di Brera, il più evoluto 

che ci fosse allora in Italia, dei 

professori straordinari, che amavano 

sviscerare, o meglio capovolgere, quelli 

che erano i luoghi comuni dell’odio, 

del banale, del risaputo, e mi hanno 

insegnato così a leggere la storia, i fatti, 

la politica”. 

Una vera scuola di libertà. Fo ne è orgoglioso: 

“Ho qualche merito. Dopo il 

liceo ho frequentato contemporaneamente 

a Milano il Politecnico e l’Accademia 

di Brera. I miei amici sono stati 

da subito Tadini, Cavaliere, Traccani, 

Crippa, Trevisani, Lizzani, Morlotti, 

perfino Vittorini, il meglio dell’invenzione 

artistica del primo dopoguerra italiano. 

Frequentavamo latterie e bar e lo 

scambio intellettuale fra noi era ricchissimo, 

insieme alle beffe che riempivano 

molte delle nostre serate”. 

Ma non venivano solo dall’esperienze 

con quella “bella gioventù”, assetata di 

riscatto, gli strumenti di quello che sarebbe 

stato il suo teatro. Ci fu, fin dal- 

l’inizio, una ricerca costante, ininterrotta, 

sulle forme rappresentative della 

cultura popolare. “Io sono nato in un 

paesetto del lago Maggiore, Sangiano, e 

sono cresciuto in un altro paese, poco 

più grande, Porto Valtravaglia, dove hanno 

sempre convissuto varie forme di 

rappresentazione, quasi sempre basate 

sul racconto. I ‘fabulatori del lago’ 

erano conosciuti e fin da ragazzino ho 

sentito da loro storie di pescatori, di 

contrabbandieri, di soffiatori di vetro. 

Ognuno aveva la sua chiave, il suo modo 

di essere. Per me è stata una scuola. 

Quando andavo al liceo a Milano, il treno 

dei pendolari è stato il mio primo 

palcoscenico. Ero figlio di ferrovieri, 

viaggiavo ogni mattina e sul vagone proponevo 

storie. Allora nelle vetture non 

c’erano gli scompartimenti, così io mi 

mettevo in piedi sul sedile e iniziavo i 

miei racconti. Chi saliva nelle stazioni 

successive chiedeva: ‘A che punto siamo 

della storia? Chi ci fa un sunto?’. Io 

stesso lo facevo e riprendevo il filo degli 

accadimenti”. 

Dario si è sempre divertito molto a ricordare 

quel tempo: “Arrivavo a Milano, 

quasi sempre senza voce, tanto che 

i miei compagni, Tadini, Crippa, per 

scherzo mi prendevano da parte e mi dicevano 

“Non ce la racconti una storia 

anche a noi?”. In tutto questo c’era 

l’eredità del carnevale, dei giullari, del 

folle del paese, e quella dei clown, dei 

travestimenti a vista, che permetteva di 

provare differenti personificazioni. Ma 

Fo giura che tutto questo teatro nacque 

in lui, compresa la maschera burlesca, 

senza saperlo. “Ho scoperto dopo che 

tutte quelle storie che raccontavo e che 

prendevo dalla tradizione popolare, da 

scritti che cominciavo a cercare e trovare, 

da tante letture, erano antichissime, 

provenivano addirittura dal Medioevo 

e dalla storia greca”.

Il corpo disarticolato, la plastica gestualità 

contagiosa e carnale, la mimica travolgente, l’uso 

del grammelot sono alcuni tratti tipici del teatro 

di Dario Fo abituato fin da ragazzo a esibirsi sui 

treni locali, che collegavano Milano con Porto 

Valtravaglio (il suo paese in provincia di Varese) 

e il resto della Lombardia 

Foto Archivio DuFoto - dufoto@gmail.com 

“E il grammelot?” gli chiesi. 

“Il grammelot l’ho scoperto 

proprio nel linguaggio dei fabulatori. 

Qualcuno di loro ogni 

tanto infilava nel racconto frasi 

in francese o in tedesco, che 

in realtà erano espressioni di 

dialetto, di gergo proprio del 

mestiere che facevano. Bisogna 

tener conto, d’altro canto, che dalle mie 

parti, in provincia di Varese, molte persone 

avevano radici e nomi stranieri. 

Erano fonditori, soffiatori di vetro, arrivati 

lì da tutte le scuole artigianali 

d’Europa, che conoscevano le chiavi e 

le strutture del parlare di tutto il nord 

del continente. Tieni presente che il 

grammelot è in sostanza un dialetto di 

gente che tendenzialmente aveva fame, 

e la fame è sempre stata la base dei racconti 

popolari, anche se poi il racconto 

prendeva le forme del buffo o del grottesco, 

perché la grande comicità popolare 

trae lo spunto quasi sempre dalla 

tragedia, cioè dalla fame, dalla disperazione, 

dalla violenza fisica e morale, dalla 

mancanza di libertà. Pensa che c’è stato 

un periodo in cui il grammelot è servito 

per non essere censurati. Al tempo 

della repressione in Francia, i comici 

dell’arte, alla fine del ‘600, si inventarono 

questo linguaggio per non essere 

perseguitati a causa dei loro lazzi, delle 

loro battute. Ma i censori ad un certo 

punto impararono a capirli e il grammelot 

non li salvò più”. 

“Normalmente non si ride dei ricchi?” 

gli chiesi. 

Fo fu esplicito: “Si ride se si pompano, 

se li gonfiamo o li riempiamo di strapotere 

per poi sgonfiarli. La chiave è 

sempre quella del grottesco: spingere 

la situazione sempre più avanti, farli volare, 

vestirli con mantelli che si riempiono 

di vento per la gioia, alla fine, di 

vederli cadere”. 

Quel pomeriggio, 

negli studi Rai 

della Dear, con 

Franca a fianco, 

Dario ci 

impartì una 

vera lezione di 

teatro, dei 

meccanismi 

scenici, del 

grottesco, 

della satira, 

della farsa. 

E ci suggerì 

anche 

una lezio- 

ne di vita. 

Ci feci due puntate di 

Storie, un programma che andava 

in onda dopo mezzanotte e che, 

non a caso, aveva come sottotitolo Viaggio 

nella vita di persone non banali. 

A ricordare tutti i momenti di quell’incontro 

con Fo e la Rame, non mi basterebbero 

due interi numeri di Vivaverdi, Così 

mi pare giusto riassumerli in piccoli capitoli: 

la prima parte, quella della nascita del 

loro teatro, in questo numero e la seconda, 

quella della loro consacrazione artistica e 

umana, nel prossimo. 

MISTERO BUFFO, LA CHIESA 

E IL GRAMMELOT 

istero buffo – gli chiesi su- 

“M bito - è lo spettacolo che 

alla fine degli anni ’60 ti ha reso 

un drammaturgo famoso e rispettato 

in tutto il mondo, ma 

che ti caratterizzò anche come 

un intellettuale critico nei riguardi 

della chiesa”. 

“No – mi corresse - la mia critica 

è stata sempre e solo contro 

l’abitudine di leggere il Vangelo 

in modo scorretto o contro la mercificazione 

della fede. I giullari, per 

esempio, non risparmiavano mai il 

mercato delle indulgenze. Spettacoli 

come quelli che ricorda Mistero 

buffo venivano realizzati nelle 

chiese, specialmente in certe ricorrenze 

come la Pasqua. 

Recentemente ho trovato le 

prove che, a molte di queste feste 

grottesche, erano 

9 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

10 

teatro 

invitati clown e fabulatori perché bisognava 

soddisfare il “risus pascualis”, 

cioè la possibilità di liberare il popolo 

con la gioia. Era un modo di concedere 

un giorno di liberazione ad un’umanità 

oppressa. 

Dopo l’angoscia della morte di Cristo, 

la gioia della Resurrezione vissuta come 

festa ed allegria totale. E’ assurdo 

che la chiesa abbia nascosto e poi censurato 

questi riti, queste abitudini”. 

“E tu invece, per aver resuscitato queste 

tradizioni, sei stato più volte denunciato”. 

“Purtroppo anche fior di storici della 

religione non avevano capito nulla. Ad 

un certo momento (mi pare nel ’76, dopo 

la riforma della Rai e il nostro ritorno 

in tv) il Vaticano prese 

addirittura posizione 

e mandò in azienda 

tre personaggi in teoria 

esperti di cultura 

popolare religiosa. 

Vennero a vederci.Era- 

no vescovi o monsignori e ridevano come 

matti. Uscirono dalla sala con le lacrime 

agli occhi. 

Mistero buffo non è per caso una delle 

opere più rappresentate al mondo. Se 

dovessi metterlo in scena con tutte le 

aggiunte, gli aggiornamenti che nel tempo 

ho fatto avrei bisogno di almeno cinque 

giorni. La ragione del suo successo 

credo stia proprio nell’intuizione di recuperare 

le chiavi della tradizione. E non 

solo quelle dell’Italia, ma anche quelle 

del nord e del sud d’Europa, della Spagna, 

della Grecia. 

Ti racconto un aneddoto: quando siamo 

stati in Colombia mi hanno portato a conoscere 

un contadino inca che, accompagnandosi 

con il tamburo, raccontava 

un pezzo del Vangelo. Lo faceva con un 

linguaggio difficile, aiutandosi con degli 

spagnolismi. Ad un certo momento 

mi sono reso conto che era un mio testo. 

Glielo avevano dato tradotto in 

spagnolo, lui lo aveva riadattato ed alla 

fine era diventato un brano della 

loro tradizione. 

Pensavano fosse un testo dei 

padri, ma in realtà lo era 

solo diventato, perché 

aveva radici nella loro 

cultura che 

aspettavano 

“Oh, che pacchia, che cuccagna:/bella è la vita per 

chi la sa far!/ Ma tu, miracolato del ceto medio 

basso,/tu devi risparmiare, accetta ‘sto 

salasso:/non devi mangiar carne, devi salvar la 

lira/e, mentre gli altri fregano, tu fai l’austerità!” è 

un brano della canzoncina “Tutta brava gente” 

contenuta in Settimo ruba un po’ meno, una 

commedia di Dario Fo, scritta nel 1964. In basso, 

un’immagine dello spettacolo teatrale. 

Archivio digitale Franca Rame - Dario Fo 

solo di essere sviluppate”. 

“E perché – lo interruppi - questo 

grammelot, con cadenze e accenti diversi, 

viene inteso ovunque?” 

“Mi stupisco anch’io – rispose - perché 

viene capito anche all’estero, in Grecia 

come negli Stati Uniti. Ridono delle mie 

battute. Il segreto forse sta nella gestualità 

e, forse, nella scelta onomatopeica 

di imitare i suoni, i ritmi. Infine, 

non bisogna dimenticare che l’argomento 

di Mistero buffo (episodi di argomento 

biblico o racconti popolari sulla vita di 

Gesù ispirati o reinterpretati dai vangeli 

apocrifi) è una storia che tutti conoscono 

fin dall’infanzia, insieme ad un ele-

mento magico che è esplicito. 

All’inizio, su consiglio di Franca, volevamo 

proiettare delle immagini sul fondo 

del palcoscenico, miste ad una scrittura, 

poi abbiamo capito che il pubblico 

non aveva bisogno delle didascalie, 

le capiva prima. E questo è sempre stato 

un po’ misterioso”. 

LA RADIO E L’AFFERMAZIONE 

DELLA COMPAGNIA CON 

PARENTI, DURANO E FRANCA 

stata la radio, dove mi trascinò 

“È Franco Parenti, a farmi scoprire 

la mia strada definitiva, anche se ancora 

alternavo il lavoro di raccontatore in 

teatro con la mia frequenza alla facoltà 

di Architettura. Per essere sinceri, all’inizio 

sembrava un insuccesso – mi 

raccontò Dario divertito – Come mi sono 

affacciato al microfono mi hanno subito 

stangato. Recitavo ogni settimana 

un monologo su Caino e Abele che, tutte 

le mattine, quando si svegliava, levava 

le braccia al cielo e diceva cose banali 

tipo ‘Come sei bravo, Signore, che hai 

fatto tutto ‘sto creato, che hai inventato 

il cielo con il vento, l’aria, le nuvole 

e poi anche il mare, l’acqua, e non ti sei 

neanche sbagliato, non hai fatto confusione, 

bravo Deo, alleluja!’. Una retorica 

senza limiti, quasi a preparare una 

giustificazione per l’atto inconsulto, il 

fratricidio, che la storia ha attribuito a 

Caino. Ma si vede che ho esagerato nel 

sarcasmo. Così, all’improvviso, una 

mattina arrivò una comunicazione, anzi, 

un pezzettino di carta con su scritto 

‘Basta Fo’. Non so precisamente chi ordinò 

quel diktat, ma non ci fu possibilità 

di replica. Fu il mio primo impatto 

con la censura, che mi avrebbe perseguitato 

per tutta la vita”. 

Era l’epoca anche del poer nano. 

“Un intercalare che mi dette popolari- 

Improbabili abiti da gangster, salti acrobatici, contenuti 

anticonformisti per Il dito nell’occhio, una specie 

di antirivista, uno spettacolo scritto insieme 

a Franco Parenti e Giustino Durano nel 1952, 

che metteva in scena la storia dell’umanità 

in maniera irriverente e assai poco tradizionale. 


tà – mi spiegò Dario - voleva dire “povero 

cocco, povera creatura”. 

Un altro suo personaggio dell’epoca era 

l’impiegato Gorgogliati. Lo ricordavo 

benissimo: “Eravamo io, Stranghelli, la 

signorina Trabò quando è passato 

l’usciere Baracchini...”. 

Noi innamorati della radio lo avevamo 

individuato subito. Fu probabilmente 

l’antenato di Fantozzi. “E’ vero, dava ragione 

a tutti. In ufficio accettava tutto, 

senza fiatare. Stava sempre dalla parte 

dei capi, esprimeva una piaggeria da far 

schifo. Erano personaggi improvvisati, 

da me, da Franco Parenti e da Giustino 

Durano, critici con la società, molto 

nuovi, moderni, come quelli che negli 

stessi anni si inventava Alberto Sordi, 

da Mario Pio ai compagnucci della parrocchietta”. 

Era un teatro che si scrollava di dosso la 

retorica e che voleva far ridere non solo 

con gli equivoci dell’avanspettacolo

o della rivista. 

Fo finì per far compagnia con Franco 

Parenti e Giustino Durano (indimenticabile 

zio di Benigni ne La vita è bella) 

nello stesso tempo in cui Franca Valeri, 

Vittorio Caprioli e Alberto Bonucci davano 

vita alla Compagnia dei Gobbi. 

“Noi eravamo molto amici loro, specialmente 

di Alberto Bonucci – ricordò 

Fo – C’era un grande fermento creativo 

in quel finale degli anni ‘50 e il nostro 

trio si distinse subito per l’influenza di 

Jacques Lecoq, sperimentatore teatrale, 

mimo e pedagogo francese, con cui 

lavorammo un po’ di tempo. Era il coordinatore 

della nostra gestualità, direi 

meglio della disciplina gestuale che, nei 

nostri due primi spettacoli Il dito nell’occhio 

e I sani da legare, aveva un ordine 

preciso, una sintesi, uno stile. Si 

improvvisavano dei testi, si recitavano, 

si distruggevano e poi si ricomponevano 

e si ordinavano secondo uno stile e 

una misura. C’era un’improvvisazione 

in realtà geometrica, molto severa, e 

questa era la nostra forza. Come la capacità 

di cambiare. Il dito nell’occhio, 

ad esempio, all’inizio era molto diverso 

da come ha finito per essere dopo tre 

mesi consecutivi al Piccolo Teatro di Milano, 

un mese a Torino e un mese a Roma 

e un altro al Piccolo, dove Giorgio 

Strehler si nascondeva in galleria per 

ascoltarci, senza disturbare, ma poi si 

tradiva con i suoi sghignazzi. A Roma 

entrò in compagnia Franca. Per me fu 

un evento importantissimo e non solo 

perchè ci saremmo sposati e, a breve, 

sarebbe nato Iacopo”. 

L’INCONTRO 

CON FRANCA 

ranca l’avevi conosciuta alla ra- 

“F dio?” chiesi ad un certo punto. 

“No, l’avevo conosciuta nella compagnia 

delle sorelle Nava che all’epoca 

gareggiavano nei teatri di varietà con 

Totò, Macario, la Magnani e Billi e Riva. 

Era una rivista tradizionale e noi 

eravamo dei numeri, delle speranze, 

insomma il contorno, così come lo erano 

per esempio Nino Manfredi o Elio 

Pandolfi per Wanda Osiris, prima donna 

indiscussa del varietà dell’epoca. 

Franco Parenti era il più conosciuto fra 

i nuovi talenti e riusciva a trovare lavoro 

anche per noi”. 

“E Franca cosa faceva in quella compagnia? 

Era una soubrette o una soubrettina?” 

“Era una soubrettona – sorrise Dario – 

Era slanciata, lunga, bella. Ho detto soubrettona 

perchè oltre a recitare, danzava, 

cantava, condivideva la passerella 

con le Nava”. 

“Fu amore a prima vista?” 

“No, anche perché appena la vidi mi sono 

detto ‘E’ troppo, non è possibile, toglitela 

dalla testa. Non riuscirai mai a conquistare 

una donna così’. Lei era gentile, 

sorridente, ma le giravano attorno tanti 

di quei ‘vesponi’ che era inutile sperare. 

La adoravano. Le facevano regali che lei 

respingeva. Se da il giro a questi qua, pensa 

che corse farà fare a me! E invece, un 

giorno, a sorpresa, mi ha abbrancato dietro 

una tenda, mi ha spinto contro un muro 

e mi ha detto ‘Baciami scemo!’. Sono 

passati sessant’anni”. 

QUELLO CHE MI 

HA INSEGNATO IL CINEMA 

Il successo di I Sani da legare a Roma 

aprì a Dario Fo le porte del cinema e 

gli permise di sperimentare un mezzo 

espressivo che gli insegnò molte cose, 

ma non gli regalò un vero successo. Dopo 

Rosso e nero, antologia della risata 

di Domenico Paolella, Dario ebbe la 

possibilità di cimentarsi in un film tutto 

su di lui diretto da Carlo Lizzani, Lo 

svitato. 

Con Dario c’erano anche Franca Rame 

e Giorgia Moll e Alberto Bonucci e Franco 

Parenti in due partecipazioni straordinarie. 

Un film con delle aspirazioni, 

ma non completamente risolto. 

“C’erano molte citazioni, come Tempi

Un brindisi alla Terrazza Martini per Dario Fo e Franca Rame, alla fine degli anni cinquanta. 

Nello stesso periodo la coppia è protagonista di alcuni famosi filmati pubblicitari 

(Supercortemaggiore, Zoppas, ecc.) per Carosello, la trasmissione che dava il via alla prima 

serata televisiva. 

In basso, da sinistra, Franco Parenti, Giustino Durano e Dario Fo, in una scena di Il dito 

nell’occhio del 1953. L’anno successivo venne rappresentata al Piccolo Teatro I sani da 

legare, che racconta con sarcasmo episodi e avvenimenti dell’Italia di allora. Lo spettacolo 

venne pesantemente censurato e confinato in piccole sale, senza incassi assicurati. 

Quest’atmosfera determinò la fine della collaborazione tra i tre artisti. 


moderni di Chaplin o Il cameraman di 

Jacques Tati, che amò molto questo film 

tanto da acquistarlo per la Francia. Ma 

– ricordò Dario - forse quell’opera era 

prematura per il suo tempo. Il pubblico 

non era ancora preparato a quel ritmo, a 

quel gusto. Non a caso, quando a Milano 

ero andato a vedere per la prima volta 

Monsieur Hulot di Tati, in sala eravamo 

non più di dieci persone”. 

Ne Lo svitato Fo aveva rivelato un passo 

da atleta vero tanto che, qualche anno prima, 

aveva rischiato di seguire le orme dei 

suoi amici Missoni, Siddi, Paterlini, campioni 

che si allevano con lui al vecchio 

campo della Gallaratese, che poi finirono 

in nazionale. Ma lui, come Missoni che 

lasciò per diventare un grande stilista, 

aveva altre ambizioni. “Io correvo per 

davvero – mi rivelò Dario – Avevo una falcata 

importante. Pensa che nella scena de 

Lo svitato, dove io ero costretto a rincorrere 

dei ragazzi, raggiungerli e superarli, 

avevano scelto come controfigure dei 

giovani che erano delle vere promesse. 

Non pensarono nemmeno di risolvere il 

problema aumentando la velocità delle 

immagini in moviola. Tutto era tremendamente 

reale, tanto che ad un certo punto, 

con il poco fiato che mi era rimasto in 

gola dopo tanti ciak, li avevo supplicati 

‘Andate più piano, altrimenti mi ammazzate!’. 

Il cinema, che mi ha fatto conoscere 

persone meravigliose come Rossellini, 

che viveva con la sua grande famiglia 

di fronte a noi, mi ha insegnato an- 

13 

che molte cose. Mi ha dato, per esempio, 

la possibilità di imparare il mestiere della 

scrittura, la scansione delle scene, un 

segreto fondamentale per quello che sarebbe 

stato nel futuro il mio teatro. In quei 

due anni di accademia nel cinema come 

sceneggiatore di Souvenir d’Italie e Nata 

di marzo, dell’indimenticabile Antonio 

Pietrangeli, o anche come aiuto di Guido 

Leoni in Rascel Fifi, ho acuito l’agilità nello 

scansionare la funzione narrativa delle 

sequenze, ho appreso la ritmica del 

montaggio e la sinteticità del messaggio. 

Quell’esperienza mi ha fatto cambiare anche 

il modo di concepire il linguaggio teatrale. 

Ho imparato perfino a dirigere gli 

sketch pubblicitari per Carosello, dove 

lavoravo con attori bravissimi, che improvvisavano 

con me anche battute astratte, 

metafisiche. Nei caroselli per la benzina 

Supercortemaggiore del 1958, per 

esempio, ho formato con Gino Bramieri 

una coppia esilarante. Bramieri era un allora 

un uomo grosso ma di una leggerezza 

incredibile. Io ho visto poche persone 

massicce come Gino fare salti mortali, 

rovesciarsi, muoversi con quella agilità”. 

Mi pareva singolare che tutto questo 

stesse per convivere con quello che sarebbe 

stato il suo teatro politico. 

“Non devi sorprenderti – mi spiegò – 

nella pubblicità usavo le stesse chiavi 

che caratterizzavano il nostro teatro che 

stava crescendo: l’assurdo, il paradosso, 

il metafisico”. In quel momento della 

sua vicenda artistica e umana, Fo era 

alla vigilia del suo storico scontro con la 

censura della Rai nella Canzonissima 

del ‘62. Eppure i successivi cinquant’anni 

avrebbero segnato l’affermazione 

definitiva del suo teatro e anche 

il suo riconoscimento come figura 

preminente della nostra cultura e della 

nostra società. 

Ma questo è il racconto che affronteremo 

nel prossimo numero di Vivaverdi. 

(1-continua) 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

14 

teatro 

DARIO FO 

“IL MIO GRAMMELOT 

ISPIRATO DAL JAZZ” 

di Oscar Prudente 

La prima pièce di Dario Fo a cui ho partecipato 

(La passeggiata della domenica 

del francese Georges Michel, di cui Fo 

aveva riadattato il testo e curato la regia) 

ritraeva la tranquilla gita di una famiglia 

borghese sullo sfondo della guerra del 

Vietnam e le lotte studentesche, la seconda 

(La signora è da buttare, con Fo 

autore e interprete) era un’allegoria della 

storia degli Stati Uniti. 

Già in molti dei suoi lavori precedenti 

la poliedrica genialità di Fo si era manifestata 

nell’aver utilizzato spesso attori 

anche non professionisti i quali, oltre 

che nella recitazione, si esibivano in 

balletti, pantomime e nel canto: in queste 

due commedie il meccanismo veniva 

portato alla sua piena espressione con 

l’utilizzo di un’orchestrina, sempre presente 

in scena, utilizzata a mo’ di “coro 

greco”. Nella Passeggiata, assieme al 

sottoscritto nelle vesti di “cantattore” 

c’era anche un gruppo beat, i genovesi 

Bit-Nik che commentavano la trama con 

i loro interventi; ne La signora, invece, 

avevo portato con me una band formata 

da valenti musicisti destinati a un 

grande carriera (il flauto/sassofonista 

Claudio Pascoli, il batterista Walter Cal- 

Non capita a tutti di poter raccontare di aver collaborato con un Premio Nobel della 

Letteratura, oltretutto nel campo musicale: ma io posso vantarmi di aver scritto 

(nonché interpretato) alcune canzoni con Dario Fo e di aver partecipato tra il 1967 e 

il 1968 a due sue importanti commedie: La passeggiata della domenica, del francese 

Georges Michel e La signora è da buttare. Sono anche abbastanza famose le 

collaborazioni di Fo, in ambito musicale, con Fiorenzo Carpi ed Enzo Jannacci. 

loni, il bassista Massimo Spinosa, il tastierista 

Giuliano Salerni). Ma l’interesse 

di Fo per la musica è multiforme. 

Oltre all’invenzione della presenza delle 

band in scena e le collaborazioni con 

importanti musicisti (in primis Fiorenzo 

Carpi ed Enzo Jannacci) vi sono 

le ricerche musicologiche delle radici 

della tradizione popolare (vedi le varie 

edizioni di Ci ragiono e canto) e i numerosi 

e felici sconfinamenti nel campo 

sinfonico e operistico: Pierino e il 

Lupo di Prokof’ev, di cui Fo è stato voce 

narrante, e l’allestimento e la regia 

di opere di Rossini, Stravinskij e Weill. 

Il mio ricordo più vivo è però sicuramente 

legato a La signora è da buttare e 

alla sua ambientazione circense (con 

tanto di veri clown e acrobati, i “Colombaioni”), 

memorabile fin dalla prima 

scena. 

Ambientato in un circo, con personaggi tutti clown, 

La signora è da buttare (nella foto Franca Rame, in una 

scena) è una commedia di Dario Fo, scritta nel 1967. 

La signora è la personificazione degli Stati Uniti 

d’America, con dialoghi legati alla situazione politica del 

tempo (in particolare la guerra del Vietnam 

e l’opposizione pacifista) e critiche alle mire imperialiste 

e di potenza del gigante economico americano. 


Iniziava con il tuo esilarante ingresso 

danzato a ritmo di blues, mentre imbracciavi 

o meglio eri abbracciato da 

un’antica tuba romana e alternavi vocalizzi 

e frasi musicali in stile. Da chi hai 

ereditato la tua esuberante musicalità? 

Da ragazzino avevo scoperto il jazz, la 

prima musica che veniva da oltreoceano: 

mi fece impazzire da subito. Il ritmo, 

la sintassi di una musica completamente 

fuori chiave rispetto a quella 

che conoscevo. 

Hai ascoltato molto questo genere di 

musica? 

Moltissimo. Ho inventato il “Grammelot” 

imitando il cantare dei neri: prima 

ancora di sapere cosa volesse dire il suono 

imitavo i timbri, gli andamenti. Riuscivo 

a convincere addirittura gli americani 

che stessi cantando blues. 

Ti sei mai dedicato allo studio di uno

strumento musicale? 

L’unico per cui ho preso delle lezioni è 

stato per quella tuba: era in “do”, ed assai 

difficile perché non si poteva mai 

uscire da quella tonalità, tant’è vero che 

l’orchestra che mi accompagnava era 

impostata su quella tonalità. 

Che importanza ha avuto la musica per 

te e come ha influenzato il tuo linguaggio 

teatrale? 

Prima di tutto io lavoravo con grandi 

personaggi del mondo musicale, con 

tutti quelli che allora facevano jazz e dato 

che in quel momento lavoravano al- 

la Rai, abbiamo potuto fare degli spettacoli 

interi. Per esempio, ce n’era uno 

che ha anticipato Canzonissima e che si 

chiamava Chi l’ha visto? (varietà televisivo 

del 1962 di Dario Fo, Leo Chiosso 

e Vito Molinari, trasmesso su Rai 2, 

ndr). Questo spettacolo è andato in onda 

con grande successo e vi parteciparono 

molti musicisti importanti, tutti i 

più grandi jazzisti italiani che suonavano 

a Milano. C’era Enrico Intra con il 

suo gruppo, cinque o sei solisti, fra cui 

Gianni Basso, Oscar Valdambrini, Dino 

Piana... 

E poi c’erano anche alcuni dei giovani 

jazzisti emergenti, che suonavano in 

quel locale dietro al Duomo, il “Santa 

Tecla”. Lì avevo trovato il meglio: ogni 

sera si andava ad ascoltare, a vedere, arrivavano 

i primi americani, i primi jazzisti 

neri. E poi c’erano anche le band 

locali, quelle che si legavano al nome dei 

fiumi come l’Original Lambro Jazz Band. 

Le conoscevo tutte e ogni tanto cantavo 

con loro, inventandomi andamenti e ritmi. 

Poi chi traduceva tutto in musica seria 

era Fiorenzo Carpi, che metteva giù 

le tonalità e gli arrangiamenti.

Uno straordinario musicista e amico col 

quale hai collaborato per un quarantennio, 

come spieghi anche nelle note 

di copertina del cd Fo canta Fo; che cosa 

ha rappresentato per te? 

La disciplina e la professionalità. Prima 

noi eravamo dei “fioristi”, “andavamo 

alla fiora” (“improvvisavamo”, ndr) 

e poi ad un certo punto con lui ed altri 

musicisti, per esempio quello con cui 

ho fatto moltissime canzoni... 

Enzo Jannacci? 

Beh, certamente! Jannacci è un professionista, 

è uno che sa la musica, che ha 

studiato... 

Ed è anche un eccellente jazzista, suona 

bene il pianoforte... 

Certo, benissimo! 

Come nascevano le tue canzoni? 

A caso, a caso. Per esempio cominciavamo 

con un motivo... bello, andiamo, 

oplà! Uno improvvisava un andamento, 

anche di parole e poi io a casa sul “mascherone” 

cominciavo a mettere a posto. 

Poi ci vedevamo con Jannacci e con 

gli altri e finivamo la canzone. 

Per gli autori non iniziati, che cos’è il 

“mascherone”? 

Il mascherone è la chiave di timbri e di 

andamenti di metrica fatto con parole 

anche a vuoto. Ad esempio: “strabullà 

che non farebbe – neanche il centro ne 

verrebbe – alla sera nel mangiare – pirimpò 

che cosa fare…..” 

Chi ti ha ispirato i versi di Stringimi forte 

i polsi, brano che contribuì a creare 

il mito dell’allora 22enne Mina e che io 

considero la tua più bella canzone 

d’amore? 

Mia moglie Franca. 

Non trovi che questo brano, che poi era 

la sigla di chiusura della famigerata Canzonissima 

’62 (la trasmissione sollevò 

numerose polemiche, finendo con il licenziamento 

di Dario e Franca Rame, 

ndr) si distacchi un po’ per testo e musica 

dalle altre tue canzoni? 

No. Quella è una canzone che veniva direttamente 

da un mio testo teatrale. Era 

il leitmotiv della commedia... 

Per caso Gli Arcangeli non giocano a 

flipper? 

Sì. Loro sono persone serie! 

In questa commedia si ascolta, tra le altre, 

la canzone Non fare tilt, che parla 

di flipper e biliardini come metafore di 

una città. E’ vero che hai avuto in casa 

svariati flipper? 

No, non svariati. Avevo un solo flipper, 

che mi cambiavano quando avevo vin- 

Una scena di Gli arcangeli non giocano a flipper (1959) 

commedia in tre atti ispirata a un racconto di Augusto 

Frassineti. Lo sbaglio anagrafico per cui il protagonista il 

Lungo (Dario Fo) viene registrato come cane, mette in 

moto una serie di situazioni paradossali. Si satireggia 

sulla burocrazia di stato, sulla retorica delle istituzioni e 

la loro corruzione. Siamo però ancora lontani dalle 

accuse esplicite alla classe politica di Settimo: ruba un 

po’ meno del 1964 


to troppo: lo scaricavamo e me ne davano 

un altro. 

Le tue incursioni nella musica includono 

anche quella “colta”, soprattutto 

l’opera di Gioacchino Rossini. Da dove 

deriva quest’interesse per il grande 

compositore pesarese? 

La cosa che mi ha divertito è il fatto di 

essermi accorto che per esempio Rossini 

era un autore che si rifaceva veramente 

alla Commedia dell’Arte. Quando 

è arrivato in Francia - questo bisogna 

ricordarlo – ha scoperto che là c’era 

una visione, un modo di leggere la Commedia 

dell’Arte completamente diverso 

dal nostro, perché loro erano rimasti 

all’epoca pre-Goldoni, mentre invece 

noi siamo arrivati a Goldoni. E allora 

Rossini ha preso tutti i testi della tradizione 

francese e li ha tradotti – anche 

per quanto riguarda le maschere, che 

poi erano italiane, legate a Molière – in 

personaggi della sue opere. Meglio, i 

suoi librettisti si uniformavano a quello 

che era la macchina teatrale di cui 

aveva bisogno appunto questo straordinario 

compositore. Io mi sono accorto 

di questo e perciò mi sono buttato subito 

nella Commedia dell’Arte: ho scoperto 

che era proprio la base, il mascherone 

fondamentale della musica e 

dello svolgimento scenico. 

Ho visto sul tuo blog il disegno Evviva 

gli orchestrali di Sanremo, in cui rappresenti 

gli elementi dell’orchestra che 

buttano per aria spartiti e strumenti in 

segno di protesta nei confronti del verdetto 

finale decretato dal televoto. Che 

ne pensi del loro gesto ? 

Bellissimo! Ho visto finalmente un atto 

di dignità straordinaria, di coraggio: 

questi musicisti hanno rischiato il posto. 

I dirigenti si sono incazzati moltissimo 

per questo fatto ed era giusto applaudirli 

a nostra volta.

VIVAidee 

Foto Giuseppe Ziliotto 

PENSIERI & PAROLE 

DALLI 

ALL’UNTORE... 

INTERNET E 

COPIA PRIVATA 

di Mimmo Rafele 

La disinformazione o informazione a 

senso unico si strappa i capelli per il 

decreto Bondi sull’equo compenso 

per la copia privata, paventando 

aumenti e rialzi dei prezzi degli 

apparecchi tecnologici destinati a 

registrare musica, video, film, 

fotografie, ecc.. Ho così mandato un 

commento a un articolo di una 

importante testata on line ribadendo 

che il compenso per la copia privata è 

un’importante risorsa per gli autori e 

per tutta l’industria culturale di fronte 

ai nuovi strumenti di riproduzione 

digitale. È il sacrosanto 

riconoscimento del diritto del lavoro 

degli autori, di chi ha prodotto quei 

contenuti che arricchiscono 

broadcaster e internet provider 

Piccolo aneddoto personale, che può 

però interessare tutti noi. E rappresenta 

uno spaccato curioso sulla democrazia 

della rete, sulla tecnocrazia dilagante 

e sulla fruizione dei contenuti, creati 

dagli autori. Su Repubblica.it del 26 

aprile scorso esce un articolo a firma di 

Mauro Munafò in cui si rende conto dei 

rialzi sul prezzo di listino dei dispositivi 

di archiviazione dei dati, in seguito al 

decreto Bondi sull’equo compenso per 

la copia privata, esteso a ogni apparecchio 

che possa registrare musica, video, 

film, ecc. Si tratta, a scorrere l’allegata 

tabella, di qualche centesimo per le apparecchiature 

più diffuse, che diventa 

qualche euro, fino a oltre 20, per gli hard 

disk con memoria superiore ai 250 gb, 

ovvero con una capacità davvero enorme. 

Per l’autore del pezzo non ci sono 

dubbi: si tratta di un “balzello”, addirittura 

una “multa preventiva”, una “tassa” 

a beneficio della Siae, che introita 

così un centinaio di milioncini rapinati 

dalle tasche dei consumatori per farne 

poi non si capisce cosa. Non si fa 

cenno al fatto che si tratta di un diritto 

pagato una tantum agli autori di musiche, 

di video, di film che verranno registrati 

su centinaia di migliaia di quei 

dispositivi e “fruiti” milioni di volte 

senza che agli autori arrivi un centesimo 

in più. Per chi avesse qualche dubbio, 

l’autore correttamente indica il link 

col sito della Siae, ma immagino che non 

siano stati in molti a consultarlo. Invece 

i commenti “postati” dai lettori, aizzati 

dal nostro scopritore di tasse oc- 

culte, sono ovviamente indignati, ancora 

una volta la Siae viene dipinta come 

un esattore vampiresco, che succhia 

soldi ai consumatori. Indignato anch’io, 

per opposti motivi, “posto” a mia volta 

un commento, così concepito: “È veramente 

scandaloso che anche Repubblica 

definisca ‘balzello’, ‘multa preventiva’ 

e addirittura ‘tassa sull’innovazione’ 

(!) quello che è il normalissimo, sacrosanto 

compenso per chi ha prodotto 

con la propria creatività quei contenuti 

su cui broadcaster, provider e altri 

diffusori campano e di cui usufruiscono 

milioni di utenti, praticato per di 

più in tutta Europa. Così non mi stupisco 

se la gente ‘normale’ si indigni 

e s’incazzi… Si chiama ‘disinformazione’ 

ed è una pratica diffusa. La tristezza 

è che la pratichi il mio giornale”. 

Non ho ovviamente avuto risposta 

dall’autore dell’articolo, un lettore invece, 

che mi ha cortesemente apostrofato 

“manica di cretino”, si firma 

“artista siae” e sostiene di non avere 

alcuna fiducia che la Siae gli ridia indietro 

il malloppo che intanto incassa 

a spese di tutti. Il che dimostrerebbe 

quanto l’immagine della Società sia 

degradata anche al suo interno. Seguono 

altre contumelie da altri lettori 

ancora più inviperiti dal trovare in 

mezzo a loro uno che si ostina ancora 

a credere che la creatività debba essere, 

in qualche modo compensata. 

È la rete, bellezza… 

mimmo@rara.fastwebnet.it 

17 

VIVAVERDI

VIVAanteprime 

di Vivaverdi 

ITALIA WAVE, CINQUE GIORNATE 

DI MUSICA DAL VIVO 

Un giorno in più per Italia Wave Love Festival 2010: 

dal 21 al 25 luglio cinque giornate di grande musica 

dal vivo con tre band in data unica e un’esclusiva 

estiva. Approdano a Livorno gli Underworld, 

pionieri della musica elettronica moderna. Vanno 

ad aggiungersi alla programmazione di Medwave, 

il progetto musicale dedicato al Mediterraneo che 

si svolgerà la prima serata del festival (21 luglio) 

con la produzione inedita di Daniele Silvestri e Orchestra 

di Piazza Vittorio e con artisti in esclusiva 

provenienti da Marocco, Francia, Algeria, Spagna 

e Libano. E poi ancora Italia Wave 2010 propone 

il concerto-fiesta dei Ojos de brujo e il reggae di 

Julian Marley, figlio del mitico Bob domenica 25 luglio. 

Rock, elettronica, musiche dal mondo, reggae 

e festa per il festival italiano con un cartellone 

di un centinaio di eventi tra musica e altre arti. 

VALERIO SCANU IN TUTTI I LUOGHI TOUR 

Il tour del vincitore di Sanremo 2010, organizzato 

da Live Nation Italia srl, vedrà il giovane cantante 

sardo al centro di un palco nato con lo scopo di 

sottolineare la sua voce e la sua interpretazione 

anche grazie ad una band (Gabriele Gagliardo alla 

chitarra, Claudio Ghioni al basso, Giorgio Bellia alla 

batteria, Francesco Lazzari al pianoforte, Andrea 

D’Aguì alla chitarra acustica, cori e tastiere) 

capace di accompagnarlo in questo lungo viaggio 

musicale durante il quale presenterà al pubblico i 

brani del suo ultimo disco “Per tutte le volte che” 

insieme ai successi dei lavori precedenti (“Sentimento” 

e “Valerio Scanu”). 

In scaletta oltre ai brani dei suoi album Valerio eseguirà 

brani di alcuni dei suoi artisti preferiti come 

“Listen” di Beyonce e “I wanna know what love is” 

di The Foreigner. Il 10 luglio sarà a Grugliasco (To), 

il 17 a San Vito lo Capo (Tr), poi il 18 a Carlentini 

(Sr), il 25 a Delianova (Rc), il 31 a Trinità (Cn), per 

concludere il 6 settembre a Vicenza. 

IV EDIZIONE DEL FESTIVAL DINO CIANI 

Dal 24 luglio al 28 agosto Cortina d’Ampezzo 

ospiterà il Festival Dino Ciani, dedicato al giovane 

pianista scomparso nel 1974. Alla rassegna concertistica 

internazionale si affiancano i corsi estivi 

dell’Accademia che riuniranno giovani pianisti e 

cantanti di età compresa tra i 18 e i 35 anni, musicisti 

e musicologi. Tra le novità di quest’anno la 

possibilità di studiare e accompagnare i cantanti 

del Mahler/Schumann Workshop nella seconda settimana 

del Festival in un Lieder Workshop con Claudio 

Desderi. 

FESTIVAL DI SPOLETO 

La 53° edizione del 

Festival dei due Mondi 

di Spoleto si svolge 

dal 18 giugno al 4 

luglio. Dopo l’inaugurazione, 

con l’opera di 

Hans Werner Henze 

“Gogo No Eiko” ispirata 

all’omonimo romanzo di Yukio Mishima, un ampio 

programma ricco di ospiti di fama internazionale 

anima la manifestazione. “Nell’età dell’incertezza 

per antonomasia – ha commentato il presidente 

e direttore artistico Giorgio Ferrara – sempre 

nuova e multiforme, l’arte non può che essere 

il rispecchiamento di tale condizione ma è anche, 

insieme, il solo possibile tentativo di superarla 

grazie alle virtù del pensiero e alla forza della bellezza. 

Il pensiero e la bellezza: due prospettive, 

due vocazioni, che da sempre Spoleto e il suo festival 

sollecitano, animano, connettono”. La Siae, 

il 26 giugno, consegna il Premio alla creatività allo 

scenografo Dante Ferretti e 3 ulteriori riconoscimenti 

ad un coreografo, uno scenografo e ad 

un autore teatrale.

JAZZ ASCONA 2010 

Foto Raphael Lemonnier 

Dal 24 giugno al 4 luglio si svolge la 26° edizione 

del JazzAscona, la più importante rassegna europea 

dedicata al jazz classico e tradizionale della tradizione 

afroamericana di New Orleans. Il meglio del panorama 

americano ed europeo sarà di scena sul lungolago 

di Ascona per presentare più di 200 concerti con 

300 artisti da tutto il mondo. Nutrita la rappresentanza 

femminile, quella di artisti italiani e le iniziative collegate 

al Festival. Fra gli artisti che saranno presenti 

a JazzAscona, China Moses (nella foto), Howard Alden, 

Nicki Parrott, Attilio Troiano, Biréli Lagrène, la Pasadena 

Roof Orchestra, Niki Haris e tanti altri. 

MARCO MENGONI, RE MATTO TOUR 

Dopo l’uscita del disco Re matto su etichetta Rca/Sony 

Music, Marco Mengoni porta sulle piazze d’Italia 

il “Re matto tour”, nato da un’idea di Marco Mengoni, 

Luca Tommassini e Stella Fabiani, con la regia di 

Luca Tommassini, la direzione artistica di Piero Calabrese 

e la produzione dei Cantieri Musicali. Sul palco 

accompagnano Marco Mengoni: Aidan Zammit 

(pianoforte, tastiere e programmazioni), Stefano Calabrese 

(chitarre), Davide Sollazzi (batteria), Giovanni 

Pallotti (basso), Peter Cornacchia (chitarre), Mattia 

Davide Amico, Davide Colomba (cori). Con lui ci 

sono anche i ballerini Antonio Fiore, Salvatore Dello 

Iacono, David Cipolleschi, Bruno Centola. Le coreografie 

sono di Luca Tommassini e Francesco Sarracino. 

Queste le tappe del tour: il 5 luglio, Ronciglione 

(Vt), il 15 luglio Genova, Arena del mare, il 18 

luglio Marina di Massa, il 24 luglio Sottomarina di 

Chioggia (Ve), il 12 agosto Agropoli (Sa), e infine, 

l’8 settembre Luogosanto (Ot). 

JAPAN ANIME LIVE 

Per la prima volta fuori dal Giappone le più importanti 

case di produzione e di edizione giapponesi 

del genere si sono riunite per realizzare un tour europeo 

dedicato ai protagonisti del fumetto nipponico. 

Il tour sarà in Italia il prossimo novembre: il 

6, al Mediolanum Forum (Milano), per poi approdare 

a Firenze l’11 novembre, al Mandela Forum, e a 

Roma, il 13 novembre, al Palalottomatica. Sulla scena, 

un mega schermo di 10x5 metri, gli attori giapponesi 

ufficiali delle serie Anime, tanti costumi, effetti 

speciali, la recitazione “live” degli episodi da parte 

dei doppiatori italiani sul palco, e la musica dal vivo, 

un’occasione unica per cantare tutti insieme con 

i musicisti giapponesi e con l’aiuto del karaoke, tutte 

le sigle originali delle serie Tv. 

VOLTERRA TEATRO 

Dal 19 luglio al 1° agosto 2010 Volterra e i Comuni 

di Pomarance, Castelnuovo Val di Cecina, 

Montecatini Val di Cecina, e Monteverdi Marittimo 

ospitano la XXIV edizione del Festival VolterraTeatro, 

organizzato dall’Associazione Carte Blanche, 

con la direzione artistica di Armando Punzo. Nuove 

idee, nuovi fermenti, nuove visioni per l’edizione 

in arrivo, a partire dall’atteso debutto di Hamlice 

– Saggio sulla fine di una civiltà, liberamente ispirato 

all’Alice nel Paese delle meraviglie, ultimo lavoro 

della nota e pluripremiata Compagnia della Fortezza, 

composta dai detenuti attori del Carcere di 

Volterra e presentato lo scorso anno sotto forma di 

primo studio (Carcere di Volterra 26, 27, 28, 29 luglio 

e Teatro Persio Flacco 31 luglio). 

ROCK IN ROMA 

19 

VIVAVERDI 

TUSCAN SUN FESTIVAL 

Dal 30 luglio al 6 agosto Cortona ospita la VIII 

edizione del Tuscan Sun Festival, che presenta un 

cartellone di star internazionali che spaziano dal 

genere rock alla classica. Autentici miti della musica 

mondiale come Sting, Renée Fleming o Joshua 

Bell ma anche giovani talenti emergenti come 

il compositore Anthony Arcaini, il pianista Nobuyuki 

Tsujii, e il violinista Chad Hoope. 

Paul Sting con la moglie Trudie Styler rievocheranno 

in Twin Spirits la storia d’amore tra il compositore 

Robert Schumann e sua moglie, la pianista 

Clara Wieck. Ci sarà anche Gabriele Lavia accompagnato 

dall’arpa di Cecilia Chailly che interpreterà 

il monologo di Feodor Dostoevskij Il sogno 

di un uomo ridicolo. I primi ballerini dell’American 

Ballet Theater, Maxim Beloserkovsky e Irina Dvorovenko 

danzeranno in Stars of the Bolshoi and 

Mariinsky. Come di consueto non mancano benessere 

ed enogastronomia, che affiancheranno 

gli spettacoli musicali e teatrali. 

Si concluderà il 30 luglio con il concerto di Shaggy 

il Festival Rock in Roma 2010, la rassegna 

internazionale che si terrà per tutto il mese 

all’ippodromo delle Capannelle. Un ricco cartellone 

di star nazionali e internazionali, che vedrà esibirsi 

The Cranberries, Mika, i 99 Posse, i Baustelle, gli 

Ska-P, the Hormonauts, Piotta, Nina Zilli, Skunk 

Anansie, Gossip, ZZTop, Afterhours, Litfiba, Daniele 

Silvestri e l’Orchestra di Piazza Vittorio, Gary Moore, 

e The Cult nell’unica data italiana il 26 luglio. Il sito 

del Festival è www.rockinroma.com.

VIVAVERDI 

20 

letteratura 

VINCENZO TALARICO 

L’INEFFABILE CANTORE 

DELLA “BELLE EPOQUE ROMANA” 

di Giovanni Russo 

Ho conosciuto Vincenzo Talarico in 

quella comitiva di giornalisti e letterati, 

a cui giovanissimo venni ammesso 

anch’io, che si incontrava la sera nei caffè 

Rosati e Canova in Piazza del Popolo. 

Erano gli inizi degli anni Cinquanta, 

quando esisteva ancora una società della 

conversazione e la televisione non 

aveva distrutto l’abitudine di intrattenersi 

insieme senza correre a isolarsi 

davanti al video. Aveva una collaborazione 

quotidiana con un giornale del pomeriggio, 

Momento sera, dove curava 

la rubrica “Gazzettino romano” e scriveva 

critiche cinematografiche, teatrali 

e letterarie. 

Arrivava dal giornale verso le sette di 

sera in Piazza del Popolo, dove d’estate 

occupavamo i tavolini all’aperto con 

Sandro De Feo, Ercole Patti, Mario Pannunzio, 

Ennio Flaiano, Vitaliano Brancati, 

Alfredo Mezio e Leo Longanesi, ai 

quali si aggregavano talvolta Sandro 

Penna e Franco Monicelli, fondatore del 

giornale satirico, antifascista e anticlericale 

del dopoguerra, Cantachiaro, di 

cui Talarico fu condirettore. Era una 

compagnia di nottambuli sfiorata da 

quella più contegnosa, che non supera- 

Amico di Flaiano, Cardarelli, Longanesi e Brancati, fu uno dei 

protagonisti dei cenacoli letterari capitolini, che si riunivano da 

Aragno, Rosati e nella Libreria Rossetti di Via Veneto. Ironico e 

brillante, passava con disinvoltura dal giornalismo alla 

sceneggiatura, facendo perfino l’attore in film di successo. Scrisse 

libri che aiutano a conoscere Roma tra gli anni ’40 e i ’60. 

va mai la mezzanotte, composta da Alberto 

Moravia, Elsa Morante e Pier Paolo 

Pasolini ai quali si univano spesso Enzo 

Siciliano e Alberto Arbasino. Di frequente 

si aggiungevano Vittorio Gassman 

insieme a Franco Rosi, Elio Petri e Ettore 

Scola, registi all’inizio della carriera. 

Tutti gli amici che erano abituati a ritrovarsi 

nelle redazioni, nei ristoranti, 

nei caffè (una vita di società oramai 

scomparsa), si distinguevano con soprannomi 

diventati celebri come “il più 

grande poeta morente” Vincenzo Cardarelli, 

”la picassata alla siciliana” Renato 

Guttuso, ”l’amaro Gambarotta” Alberto 

Moravia e “il Vecchio Tastamento” 

Francesco Trombadori, “il brutto 

addormentato nel basco” Alberto Savinio, 

“l’incantatore di sergenti” Filippo 

De Pisis, “la salma” Ercole Patti e “pan- 

A destra, Vincenzo Talarico nei panni 

dell’avvocato difensore di Raf Vallone, 

il protagonista di Non c’è pace tra gli ulivi (1950) 

famoso film neorealista di Giuseppe De Santis. 

cia competente” o ”il pizzicato” Sandro 

De Feo. E Mario Pannunzio detto “il piedone” 

o anche “lo sfaccendato”: quest’ultimo 

coniato da Talarico, che faceva 

a gara con lo scultore Marino Mazzacurati 

nel creare nomignoli che restavano 

impressi sui personaggi che prendevano 

di mira. Anch’egli non sfuggiva alla 

regola del soprannome: il suo era “il 

lepre” per la fisionomia, occhi strabici, 

nasone, faccia un po’ storta e labbro superiore 

sporgente, appioppatogli anche 

per la rapidità con cui, alto e ben piantato 

com’era, attraversava con ampie falcate 

Piazza del Popolo spostandosi dal 

gruppo che sedeva davanti a Rosati a 

quello che si trovava da Canova. 

Talarico ha rotto il conformismo della 

società letteraria passando disinvolto 

dal giornalismo, alla sceneggiatura, ai

VIVAVERDI 

22 

letteratura 

soggetti cinematografici non disdegnando 

di interpretare ruoli comici in 

alcuni film che l’hanno reso noto al 

grande pubblico. Erano tempi in cui gli 

intellettuali, arrivati quasi tutti dalla 

provincia a Roma, facevano di tutto: come 

molti, arrotondava in questo modo 

il compenso allora scarso di giornalista, 

ed era ricercato almeno quanto Ennio 

Flaiano per la sua facile vena nella commedia 

all’italiana in cui primeggiavano 

Totò e Alberto Sordi. 

Ha preso parte a numerosi film, tra gli 

altri di Rossellini, De Sica, Risi e Zampa 

con cui ha sceneggiato Anni facili per 

il quale è stato premiato con il “Nastro 

d’argento”. Il mondo del cinema, del 

giornalismo, della letteratura viveva in 

una felice osmosi e Talarico, proprio per 

la sua fisionomia, era chiamato a inter- 

pretare parti come quella dell’avvocato 

che difende Sordi in Un giorno in Pretura 

e nel Vigile, o quella di un deputato 

in Un americano a Roma, il suo film 

di maggiore successo. Nell’episodio Guglielmo 

il dentone del film I complessi 

c’è l’esilarante scena di Alberto Sordi 

che partecipa a un concorso della Rai- 

Tv per conduttore del telegiornale e che 

mostra enormi denti; invano il commissario 

della giuria, Talarico, cerca di 

fargli commettere qualche errore per 

poterlo bocciare, dato che il suo aspetto 

avrebbe terrorizzato gli spettatori. 

Forse proprio per questa sua disponibilità 

a fare l’attore o a partecipare come 

sceneggiatore a film leggeri, ne erano 

state sottovalutate le doti di scrittore 

e la finezza culturale che gli viene riconosciuta 

da una scrittrice esigente e 

Nella foto in basso, Vincenzo Talarico 

a sinistra, accanto a Mario Soldati 

nella giuria del 9° Premio Strega. 

Sul cartellone si vede il titolo Un gatto che 

attraversa la strada di Giovanni Comisso 

che si aggiudicò il primo premio. 

(Le foto sono tratte da Vincenzo Talarico – 

Un calabrese a Roma Edizioni Rubettino) 

raffinata come Elena Croce, che lo definisce 

un “prosatore squisito”. 

Alcuni suoi libri sulla Roma dagli anni 

’40 ai ’60, oggi quasi impossibili a trovarsi, 

come I passi perduti meriterebbero 

di essere ripubblicati perché fanno 

rivivere un mondo altrimenti dimenticato 

come sarebbe avvenuto per 

8 Settembre italiani in fuga, fortunatamente 

ristampato dalla Fondazione Vincenzo 

Padula. In esso racconta, con 

aneddoti divertenti e con un sorriso dietro 

cui nasconde la drammaticità della 

situazione, la fuga degli intellettuali da 

Roma per sottrarsi ai tedeschi. Protagonisti, 

oltre allo stesso Talarico, sono 

il poeta Diego Calcagno, gli scrittori Ercole 

Patti, Vitaliano Brancati, Mario Soldati 

e Sandro De Feo, gli indivisibili 

amici che si frequentavano a Roma. Cal-

cagno rischia, per la sua incoscienza, di 

farsi scoprire dai tedeschi ma, cosa ancora 

più grave, di fare arrestare l’amico 

Talarico quando al segretario fascista di 

Sulmona, dove si erano rifugiati, ascoltando 

alla radio un notiziario in cui si denunciava 

il tradimento di certi intellettuali 

e si faceva il loro nome, chiede sfacciatamente: 

“Se avesse tra le mani Talarico 

cosa gli farebbe?” al che il fascista risponde: 

“Lo strozzerei senza esitazione”. 

Fortunatamente qualcuno viene a chiamare 

il gerarca e Talarico si salva. 

Chi legge questi libri si rende conto che 

Talarico fu molto più di un cronista 

mondano, uno scrittore che sapeva cogliere 

gli aspetti della realtà con un 

umorismo che lo fa paragonare a Ennio 

Flaiano e allo scrittore che forse più gli 

somiglia, Giancarlo Fusco, altro indimenticabile 

protagonista della Roma di 

allora con i suoi spiritosi e inverosimili 

aneddoti. 

Era molto riservato. Poco si sapeva della 

sua vita privata di scapolo meridionale. 

Si sussurrava di un amore sfortunato 

per una famosa attrice, ma nella 

comitiva non se ne parlava quasi mai, 

sicché il suo rapporto con le donne è 

rimasto sempre misterioso. La sua vocazione 

di osservatore di costume si 

esprimeva nella rubrica del Momento 

Sera, che ci ridà l’atmosfera di quegli 

anni, dal ‘50 al ‘60, dove racconta le 

persone che frequentavano via Veneto, 

piazza del Popolo, Trinità dei Monti, 

i corridoi e la buvette di Montecitorio 

e Palazzo Madama, le gallerie d’arte, 

i ritrovi mondani, i salotti letterari. 

E’ una galleria di scrittori e artisti 

celebri, divi del cinema, attori di teatro, 

registi ma anche personaggi poco 

noti o addirittura oscuri, descritti nelle 

loro vanità, nelle loro virtù ma anche 

nei loro “vizietti”. Sullo sfondo c’ 

è la Roma con le trasgressioni della co- 

siddetta “gioventù bruciata” e le prime 

ragazze in minigonna. 

Chi vuole capire quella Roma, perché 

si abbandonò il caffè Aragno per i caffè 

di piazza del Popolo, quali osterie e 

ristoranti si frequentavano, l’atmosfera 

del caffè Greco e della libreria Rossetti 

a via Veneto dove scrittori, giornalisti 

e registi facevano corona intorno 

al poeta Vincenzo Cardarelli, non 

può fare a meno di leggere I passi perduti, 

in cui Talarico fotografa un periodo 

che si potrebbe definire la “bell’époque 

romana”, del quale va considerato 

a pieno titolo l’unico cantore. 

Alcuni dei suoi personaggi restano incancellabili 

come Marino Piazzolla “il 

Un calabrese a Roma 

Imparammo a conoscerlo al cinema con quel 

nasone, gli occhi stralunati e un’ espressività 

quasi feroce in film come Un americano a Roma, 

Un giorno in pretura, Il vigile, I mostri. Vincenzo 

Talarico s’imponeva subito con la sua 

espressività tra l’arguto e il ferino. Sembrava 

nato per fare l’attore, il caratterista d’alto rango. 

In realtà era un giornalista e un critico di 

talento, brillante e caustico: sue le definizioni 

di Cardarelli come “L’ultimo poeta morente” e 

di Sandro De Feo come “Cavaliere del lavoro 

altrui”; Longanesi, invece, era il “Supercortomaggiore”. 

Il bel libro Vincenzo Talarico, un calabrese 

a Roma (Rubettino Editore) a cura di 

Antonio Panzarella e Santino Salerno nato per 

conto della Fondazione Vincenzo Padula, ne ripercorre 

le tappe essenziali. Ricco di contributi 

scritti e immagini, riporta le testimonianze, tra 

gli altri, di Raffaele La Capria, Giovanni Russo, 

Ugo Gregoretti, Ettore Scola, Franca Rame con 

Dario Fo, Walter Pedullà e Walter Veltroni. Un 

libro da avere per sentire il polso della Roma 

vitale, colta e ironica del dopoguerra. 

sa.m. 

23 

VIVAVERDI 

galantuomo” (così chiamato perché con 

barba e baffi rassomigliava a Vittorio 

Emanuele II), scrittore di filosofia e di 

epigrammi, grande ammiratore e affettuoso 

compagno di serate del poeta Cardarelli. 

Sono citati episodi che riguardano 

scrittori come Alberto Arbasino, 

giornalisti come Silvio Negro o Corrado 

Sofia, personaggi della politica, della 

letteratura e dell’arte da Antonello 

Trombadori a Alba De Cespedes, da Carlo 

Levi a Renato Guttuso al critico d’arte 

Alfredo Mezio al poeta Ungaretti e 

tanti altri. 

Era nato ad Acri, in Calabria, nel 1909, 

ma si era trasferito a Roma giovanissimo 

all’inizio degli anni Trenta. In breve 

tempo entrò a far parte della società 

letteraria, tanto è vero che risulta tra i 

sei soci fondatori del Premio Strega accanto 

a Maria Bellonci, Guido Alberti, 

Giambattista Angioletti, Corrado Alvaro 

ed Ermanno Contini. 

E’ stato redattore e collaboratore di numerosi 

quotidiani e settimanali tra i 

quali L’Europeo, Epoca, Il Messaggero, 

La Stampa e di settimanali satirici 

come Il Travaso e ha lavorato per la televisione 

sceneggiando racconti e romanzi. 

Tra i suoi libri bisogna ricordare 

anche Vita romanzata di mio nonno, 

dopo il 25 luglio 1943 Pasquino insanguinato, 

che rievoca l’occupazione tedesca 

a Roma e Mussolini in pantofole, 

Claretta fiore del mio giardino sugli 

amori del dittatore che gli attirò le ire 

di Mussolini, che lo definì nel suo scritto 

Il bastone e la carota “ignobile libellista” 

e gli valse da parte di Indro Montanelli 

l’appellativo di “il colpo di spillo 

antifascista”. 

Apparteneva, come Vitaliano Brancati, 

a quel mondo borghese meridionale di 

tradizioni liberali che rifiutava il conformismo, 

non era comunista, era soprattutto 

ironico.

VIVAVERDI 

24 

musica 

PERSONAGGI 

GUIDO E MAURIZIO DE ANGELIS, 

FRATELLI DI SUCCESSO 

di Stefano Micocci 

Fratelli di successo, siete riusciti ad andare 

sempre d’accordo, a rimanere 

creativi e allo stesso tempo imprenditori, 

per più di quarant’anni di collaborazione. 

È stato difficile? 

(Guido) Per noi è stato naturale, dagli 

studi al Conservatorio -Maurizio la chitarra, 

io il flauto- ad oggi, attraversando 

la musica, il cinema, la fiction, la nostra 

fantasia è diventata artigianato e 

l’artigianato industria. Sempre insieme. 

Oggi, dopo tanti anni, i ruoli si sono 

maggiormente delineati, Maurizio 

adora la musica e continuerà a comporla, 

concentrandosi su questo aspetto 

della nostra produzione. Come presidente 

del gruppo, sono totalmente rapito 

dalle produzioni televisive e cinematografiche, 

con il valido aiuto dei miei 

figli Nicola e Marco e altri valenti collaboratori. 

Viaggio in continuazione, in 

tutto il mondo, per i contatti con i nostri 

partner internazionali. 

È bello essere fratelli legati anche da una 

passione in comune… 

(Maurizio) Abbiamo due caratteri complementari: 

quando abbiamo cominciato, 

io non mi ritenevo pronto a produrre 

ma Guido pensava che avremmo 

Nati come arrangiatori negli anni ’60 (Lucio Dalla, Gabriella Ferri, Nicola Di 

Bari, Gianni Morandi), Guido e Maurizio De Angelis hanno composto centinaia 

di colonne sonore di successo, dal 1970 ad oggi. Hanno vinto dischi d’oro per 

canzoni come Sandokan, Dune Buggy e Orzowei con lo pseudonimo di “Oliver 

Onions”. Tanto pe’ cantà, di Petrolini e Simeoni arrangiata da loro e presentata 

al Festival di Sanremo da Nino Manfredi, e la composizione della colonna 

sonora di Per grazia ricevuta, rappresentano il momento-chiave di una grande 

carriera, premiata dalla Siae nel 1986 per le vendite all’estero dei due 

compositori italiani. Dal 1983, Guido e Maurizio hanno iniziato una seconda 

carriera come produttori: film e serie televisive per il mercato nazionale e 

internazionale. In Italia, tra le più popolari, Incantesimo e Elisa di Rivombrosa. 

Nel 2000 hanno fondato la Dap Italy, nella quale lavorano anche Nicola e Marco, 

figli di Guido De Angelis. 

potuto farlo e aveva ragione lui: ha trionfato 

la sua capacità di guardare avanti. 

In un team di lavoro, all’esterno, non 

deve arrivare mai chi ha fatto cosa, quello 

che conta è il prodotto finale. Tutti e 

due lavoriamo per il bene comune, lui 

è sempre stato più imprenditore e organizzatore 

di me. Io amo la fase della 

post-produzione, tento di spiegare le 

immagini, raccontando a mia volta, attraverso 

la suggestione della musica. Sono 

a tutt’oggi un entusiasta, e ritengo 

che la lunga esperienza non debba mai 

Guido (in alto) e Maurizio (in basso), hanno iniziato la 

carriera come arrangiatori per artisti come Dalla, 

Morandi, Gabriella Ferri, Nicola di Bari. Hanno poi 

composto colonne sonore di grande successo 

e venduti milioni di dischi come “Oliver Onions” 

prendere il sopravvento. 

Come avete iniziato? 

(Guido) Il primo disco che abbiamo 

pubblicato si intitolava La goccia d’acqua, 

per la Dischi Ricordi, nel 1963: abbiamo 

trovato un discografico di talento, 

romano a Milano, per due giovani 

musicisti e autori nati a Rocca di Papa, 

poco lontano da Roma, partiti per cercare 

una identità artistica e un po’ di fortuna. 

In seguito, alla Rca di Roma, Maurizio 

era un chitarrista richiestissimo, 

praticamente “viveva” negli studi di re-

gistrazione…Quando sono andati via 

arrangiatori come Ennio Morricone e 

Luis Bacalov, abbiamo iniziato a lavorare 

noi agli arrangiamenti: tre album 

di Gabriella Ferri, Itaca di Lucio Dalla, 

i Ricchi e Poveri, Il cuore è uno zingaro… 

per citare solo alcuni titoli e nomi 

di artisti. 

Quando siete diventati autori? 

(Guido) Arrangiando e realizzando Tanto 

pe’ cantà di Ettore Petrolini per Nino 

Manfredi! Al Festival di Sanremo, 

Manfredi si accende una sigaretta (del 

resto era già un attore di successo e non 

era “in gara”), voleva apparire tranquillo 

perchè era lì “tanto pe’ cantà, pe’ fa’ 

quarche cosa…”. Invece si volta verso 

di me e mi dice: “a Mauri’ tu sarai pure 

pronto ma io me sto a caca’ sotto!”. Durante 

la registrazione del disco, dovetti 

sostenerlo anche con qualche intervento 

vocale. Fu un successo enorme, 

di pubblico e di vendite. Poi abbiamo 

composto la colonna sonora del suo film 

Per grazia ricevuta, “suo” perché profondamente 

autobiografico e perché ne 

era il regista. Arbore e Boncompagni 

25 

usavano come sigla e tormentone W 

S.Eusebio, era come se fosse un canto 

italiano dialettale sempre esistito, sembrava 

una marcia ideale per una processione, 

era come se facesse parte del 

nostro patrimonio popolare, invece era 

un brano originale di Guido e Maurizio 

De Angelis! 

Si può dire che dal 1970 in poi, vivevate 

già abbastanza bene di diritti d’autore? 

(Maurizio) Provenendo da una famiglia 

meravigliosa, ma modesta dal punto di 

vista dei mezzi economici, possiamo dire 

che dal 1970 in poi abbiamo iniziato 

a vivere abbastanza bene del lavoro che 

amavamo fare. Anche se già nella seconda 

metà degli anni sessanta l’attività 

di session men ci offriva una certa 

tranquillità economica: eravamo stimati 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

26 

I fratelli De Angelis sono gli autori delle 

colonne sonore della fortunata serie 

cinematografica con Bud Spencer e Terence 

Hill (nella foto in Doc West). Nel 1973 hanno 

vinto il Nastro d’Argento per Più forte ragazzi. 

per le nostre capacità tecniche ma anche 

per la nostra “cultura” musicale. 

Nel primo arrangiamento di Una favola 

blu di Claudio Baglioni, nella melodia 

italiana tradizionale scorreva un suono 

nuovo e la nostra voglia di vivere. Abbiamo 

pensato ad Everybody’s talkin’ 

cantata da Henry Nilsson, in Midnight 

Cowboy. Ascoltavamo Bob Dylan, Simon 

e Garfunkel, usavamo chitarre acustiche, 

elettriche, banjo, sonorità piene di 

fascino. Insomma, in quel periodo, eravamo 

portatori di un gusto nuovo, pur 

nel rispetto della tradizione italiana. Io 

suonavo la 12 corde per tutti, non ce 

n’erano altri, in questa chiave andrebbe 

riascoltato il nostro arrangiamento 

de La bambola di Patty Pravo. 

Quando gli “Oliver Onions” diventano 

nuovamente Guido e Maurizio De 

Angelis? 

(Guido) Quel nome era stata un’idea di 

Susan Duncan Smith, che lavorava alla 

Rca, del resto abbiamo sempre cantato 

In poche righe... 

Dal 1970, anno di Tanto pe’cantà di Nino Manfredi, 

i fratelli di latte, di musica e di cinema 

compongono la colonna sonora di Per grazia 

ricevuta nel 1971 e quella di Continuavano a 

chiamarlo Trinità, con la coppia Hill-Spencer, 

nel 1972. Nel 1973, premiata con il Nastro 

d’Argento, quella di Più forte ragazzi. Altrimenti 

ci arrabbiamo è del 1974. Il 1975 è l’anno di 

Porgi l’altra guancia, del Zorro con Alain Delon, 

e di Quaranta giorni di libertà il cui tema conduttore, 

Verde, viene inciso da ben 54 artisti 

diversi in Europa e nel mondo. Nel 1976, Il bestione 

con Giancarlo Giannini, e Sandokan con 

Kabir Bedi. Ma anche di Piedone lo sbirro, con 

il solo Bud Spencer. In Rai, ma alla radio, i fratelli 

conducono Radiodiscoteca. Per non perdere 

tempo, fra un film e l’altro, nel 1977, le 

colonne sonore di Due superpiedi quasi piatti, 

e pensato in inglese e aspiravamo al 

mercato internazionale: Flying to the 

air, che era nella colonna sonora di Più 

forte ragazzi con Terence Hill e Bud 

Spencer, oltre ad averci fatto vincere il 

Nastro D’Argento come migliori autori 

Orzowei, Furia, Piedone a Hong Kong e Il corsaro 

nero producono anche 1.400.000 copie 

di dischi venduti. L’anno dopo, Pari e dispari 

(Hill-Spencer), Lo chiamavano Bulldozer e Piedone 

l’africano con Bud Spencer. Seguono, anno 

dopo anno, tra colonne sonore e produzioni 

cine-televisive, Agenzia Riccardo Finzi, Il cacciatore 

di squali, Uno sceriffo extraterrestre 

nel 1979, e poi Viva i re magi, Santamaria, Cenerentola 

’80, Iron Masters, Molly ‘O, Dance 

Academy, nel 1988; Quando ancora non c’erano 

i Beatles, War Dancing, Passi d’amore, Faith, 

La storia spezzata, La moglie nella cornice, Il 

cielo non cade mai, Vite a termine, Un amore 

rubato, Forte come l’amore, La storia di Chiara, 

Addio e ritorno, Mia per sempre, la colonna 

sonora de Il maresciallo Rocca, Il ritorno di 

Sandokan, Dove comincia il sole. 

di colonne sonore del 1973, è stato un 

grande successo europeo. Quando siamo 

andati ad Amburgo, ospiti della televisione 

tedesca, abbiamo trovato 20 

paparazzi all’aereoporto che erano lì solo 

per noi, non potevamo crederci. Ol- 

Per quanto riguarda le produzioni televisive, Incantesimo 

che inizia con 20 puntate co-prodotte 

da Rai, nel 1997, proseguirà fino a Incantesimo 

10, anno di produzione 2008. 

Ricordiamo il grande successo del primo capitolo 

della saga Elisa di Rivombrosa per Canale 

5, diretta da Cinzia Th. Torrini (anno 2001-2002) 

mentre il “Capitolo II” di “Elisa” è del 2004, sempre 

diretto dalla Torrini. 

Nel 2004, Don Gnocchi, l’anno dopo, La signora 

delle camelie. Da ricordare la miniserie 

tv in due puntate, per la Rai, Gli ultimi del Paradiso 

con Massimo Ghini ed Elena Sofia Ricci, 

del 2009, e, nello stesso anno, Il falco e la colomba, 

serie tv in 6 puntate co-prodotte con 

RTI, con Giulio Berruti e Anna Safroncik. E infine 

18 anni dopo, una produzione del 2009, diretta 

da Edoardo Leo.

tre ad essere due compositori affermati 

eravamo gli “Oliver Onions”, due artisti 

di successo al loro primo “Disco 

d’Oro”: in tv ci misero in braccio due 

giovani ragazze vestite da cipolla! Evidentemente 

era un nome artistico azzeccato. 

Ci chiamiamo “Oliver Onions” 

anche con Dune Buggy tratto da Altrimenti 

ci arrabbiamo interpretato sempre 

da Hill e Spencer. Gli anni ’80 sono 

il tempo dei primi o secondi posti 

nelle hit parade di Germania, Austria, 

Olanda, Belgio e Spagna e dei relativi 

concerti in giro per l’Europa: Santamaria 

è una grande hit, con moltissime cover-versions. 

Ma nasce Nicola, mio figlio, 

e con lui la voglia di fermarmi un 

po’…Come artista, dico. Con un fratello 

è stato più facile spiegarmi, e 

Maurizio mi ha capito perfettamente. 

Oddio, fermi 

non siamo stati 

molto…Componiamo 

la 

musica di Cenerentola ’80 con Bonnie 

Bianco e Pierre Cosso, e Stay, cantata 

dai due giovani protagonisti, sale ai primi 

posti della classifica delle vendite in 

Italia. A quel punto eravamo arrivati a 

comporre 300 colonne sonore per altrettanti 

film, 10-15 all’anno, eravamo 

sempre in moviola. Allora ci siamo detti: 

“Con l’esperienza che abbiamo, di set 

e sala, facciamoli noi questi film!”. La 

prima produzione è stata Dance Academy, 

un film a cui abbiamo lavorato per 

più di un anno. Un musical girato negli 

Stati Uniti con artisti e ballerini 

americani. Il film diventa 

un grande hit in molti 

paesi e specialmente in 

Germania, anche dal punto 

di vista discografico. 

A cosa state lavorando 

oggi, a più di vent’anni 

dalla prima produzionecinematografica? 

Una scena di Elisa di Rivombrosa la serie 

televisiva di successo che Guido e Maurizio 

De Angelis hanno prodotto per la televisione. 

In basso Nino Manfredi per il quale i fratelli 

De Angelis hanno arrangiato Tanto pè cantà e 

composto la colonna sonora del film di cui 

l’attore fu regista e protagonista Per grazia 

ricevuta del 1971 

27 

(Maurizio) Non so se i titoli siano quelli 

definitivi, ma sto componendo la musica 

per due serie televisive che abbiamo 

in produzione: una è per Mediaset, 

è intitolata La famiglia Gambardella, con 

la regia di Claudio Norza, con Marisa 

Laurito, Lello Arena e Pietro Taricone, 

una commedia italiana di qualità, ma 

anche molto divertente; mentre per la 

Rai, c’è Il commissario Nardone, con la 

regia di Fabrizio Costa, ispirato ad un 

personaggio realmente esistito a Milano, 

negli anni ’40-’50. Amo questo lavoro, 

e mi piace anche che conti sempre 

e soltanto quello che sto facendo, di 

sentirmi comunque sotto esame, perché 

la tua esperienza e la tua storia personale 

contano, ma alla fine ti vengono 

richiesti estro creativo e possibilmente 

originalità. Seguo le indicazioni dei 

registi, so ascoltarli, ma mi piace anche 

riuscire a sorprendere chi mi ha commissionato 

il lavoro. Non so se è per tutti 

così, per me è così. Ricordo che per 

Doc West, girato interamente nel Nuovo 

Messico, il mio sforzo è stato quello 

di far rivivere al pubblico quelle 

sensazioni che ricevevo dai film di 

John Ford con John Wayne, da quelle 

figure di cow-boys e nativi indiani, da 

quei panorami, da quelle visioni di 

cieli azzurri e sabbie rosse…Era 

appena morta nostra 

madre, soffrivo molto, 

ma sono riuscito a ritrovare 

momenti di profonda 

ispirazione. 

Per tornare ai progetti futuri, 

The merchant of flowers 

di Diego Cugia diventerà una 

serie di 12 ore televisive, 

sceneggiate dal grande Lionel 

Chetwynd, supervisionate 

dallo stesso Cugia. Destinata 

al mercato internazionale, 

in Italia sarà trasmessa 

da Mediaset. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

28 

musica 

ENRICO RICCARDI 

“UNA BELLA CANZONE 

NON E’ UN COMPITO D’ARMONIA” 

di Oscar Prudente 

Cosa l’ha spinto ad andare a vivere in 

Gallura? 

Negli anni Settanta collaboravo con 

Gianni Saint Just alle produzioni Ricordi 

(etichetta discografica ora acquisita dalla 

Sony Music, ndr), di cui il giovane 

Saint Just era il direttore artistico. Ero 

responsabile di artisti come Drupi, Milva, 

Petula Clark (artista britannica che 

negli anni Sessanta ebbe successo anche 

da noi con le versioni italiane dei 

suoi principali hit, ndr), mi affidarono 

persino la realizzazione di un disco di 

Patty Pravo; poi però mi sono nauseato: 

il problema non era tanto il rapporto 

con gli artisti, quanto quello con i loro 

parenti. Pensa che praticamente tutti 

i giorni mi ritrovavo in ufficio Mario 

Piave, il compagno di Milva: voleva sapere 

come andava, se guadagnava, cosa 

faceva... questa cosa mi ha esasperato. 

Inoltre a un certo punto mi accorsi che 

l’ambiente scricchiolava; la Ricordi era 

diventata una casa dai muri di cartone: 

non vibrava più niente, sentivi che si 

andava spegnendo. Allora io, che avevo 

un’esclusiva, mi sono detto: piuttosto 

che rimanere qui a perdere del tempo, 

me ne torno a Tortona. 

“Una cosa da bar”. Enrico Riccardi minimizza, ma la sua collaborazione con 

Luigi Albertelli – compaesano di Tortona e dirimpettaio – ha prodotto una 

canzone vincitrice di Sanremo, Zingara (Iva Zanicchi e Bobby Solo, 1969) e 

altre perle quali Sereno è, Piccola e Fragile (entrambe per Drupi), Io mi fermo 

qui (Donatello e i Dik Dik a Sanremo ’70, poi Ornella Vanoni). Ciliegina sulla 

torta, è il caso di dirlo, Ma che bontà, che vede Mina nei panni di una saccente 

sciura milanese alle prese con la sua ignoranza culinaria, diventata un cult 

delle trasmissioni di genere: un hit del 1977 di cui Riccardi scrisse testo e 

musica. Trasferitosi in Sardegna, ha continuato a scrivere: ad esempio, le 

musiche per la serie televisiva Extralarge, con protagonista Bud Spencer. 

Finché un amico non le propose di acquistare 

il club di Portobello, in Gallura, 

allora in fase di sviluppo. 

Sentivo che c’era da fare, c’era la possibilità 

di andare molto avanti. Così sono 

venuto giù, e dopo ho un anno di prova 

ho comprato questo carrozzone che nell’arco 

del tempo ho rimesso a posto. 

Com’è nata la sua passione per la musica? 

Nasce da ragazzo: mio padre era un lucidatore 

di mobili e aveva portato a casa 

un pianoforte di una famiglia genovese. 

Io mi ero messo lì a strimpellare 

e un accordatore di pianoforti amico di 

mio padre che frequentava il suo laboratorio 

gli disse: “Questo ragazzo fallo 

studiare, ha l’orecchio assoluto...”. 

Enrico Riccardi è autore, 

compositore, arrangiatore, 

produttore; vive attualmente in 

Gallura. E’ anche membro della 

Commissione dei Ricorsi della Siae 

Avendo l’orecchio assoluto, mi diventava 

tutto facile: perché riconosco le note, 

me le ricordo tutte... 

È nato con questa dote? 

Sì, credo di averla ereditata dal mio 

nonno paterno: suonava qualsiasi strumento 

prendesse in mano. 

Ma poi ha studiato? 

Certo! Sono andato a lezione di solfeggio, 

poi a scuola di pianoforte, ma mi 

sono trovato in una condizione che non 

mi piaceva perché non era quello che 

volevo fare. Finché un giorno Pino Calvi 

mi presentò Mario Bertolazzi. Lui mi 

ha insegnato tutto quello che c’era da 

imparare. 

Con la musica ha fatto di tutto: autore,

compositore, arrangiatore, produttore... 

Ma cosa le è piaciuto di più? 

Scrivere le canzoni. 

Una volta esistevano i compositori puri, 

gli autori del testo e gli interpreti, che 

riuscivano a vivere più o meno bene solo, 

diciamo così, della rispettiva specializzazione. 

Adesso invece sono diventati 

tutti cantautori: come spiega 

questo cambiamento? 

Ritengo che il fenomeno abbia elementi 

quasi diseducativi, se parliamo di opera 

dell’ ingegno, che comunque la Siae 

deve proteggere. Oggi l’opera arriva attraverso 

l’editore che, almeno secondo 

me, ha perso peso. Penso che sia una figura 

in crisi e il suo compito dovrebbe 

essere svolto da qualcun altro. Allora ritornerebbero 

anche gli specialisti, della 

parte musicale e di quella letteraria. 

Invece con i cantautori, come ad esempio 

quelli che nascevano nel Cenacolo 

(una sorta di campus-studio romano organizzato 

alla fine degli anni Sessanta 

dalla Rca e frequentato dai principali 

songwriters della capitale, ndr) era diverso, 

tutti facevano tutto: l’ho scritta 

io, l’ho scritta io... 

Per esempio? 

Quando iniziai io la carriera, Alfredo 

Rossi, il mio primo editore, mi affidò a 

Corrado Lojacono, che scriveva canzoni 

popolari per interpreti come Caterina 

Valente. Canzoni allegrotte com’era 

lui, per esempio Carina (che nell’interpretazione 

della Valente e in quella di 

Nicola Arigliano divenne uno dei maggiori 

successi a 45 giri degli anni Sessanta, 

ndr). Un giorno, mentre ero negli 

studi dell’Ariston (la casa discografica 

ed editoriale di Rossi, ndr), entrò 

Bruno Martino che mi chiese: “Hai 

qualcosa di nuovo?”; io gli feci sentire 

una canzone, Cammina, che era la mia 

29 

prima composizione. Martino mi disse: 

“Per adesso te la registro, ma non 

servirà a niente: ricordati che questo 

non è un compito di armonia: deve essere 

una canzone!”. Aveva ragione, perché 

ad ogni quarto ci mettevo dentro le 

settime maggiori, le tredicesime.... Comunque 

Cammina finì lo stesso in televisione: 

mentre Bruno Martino cantava 

in playback, si vedeva Paolo Gozlino 

(ballerino, coreografo e attore, ndr) 

che camminava e il regista Enzo Trapani 

lo faceva girare per tutta la cornice 

dello schermo, saliva sulla sinistra, a testa 

in giù, poi a destra, in senso orario. 

Quindi, quali sono gli elementi fondamentali 

per scrivere una canzone? 

Nella costruzione della canzone il pericolo 

principale è l’involuzione. Su questo 

tema ho seguito l’esempio del maestro 

Carlo Donida, il quale mi ha sempre 

detto una cosa precisa: scrivere cose 

semplici, armonicamente gradevoli 

e una melodia che stia bene dentro le 

armonie; era un concetto che non potevi 

fare a meno di portare avanti. Poi la 

canzone nasce anche dalla sensibilità, 

non solo dalla tecnica. Bisogna far sì che 

non sia troppo o solo cerebrale: quando 

si passano delle ore su un testo pur 

di trovare la parola ad effetto non si dà 

più nessun senso alla composizione. Invece 

oggi spesso si tende a privilegiare 

un discorso soprattutto cerebrale e questo 

vale anche per l’armonia, che è frutto 

della sensibilità non dell’aritmetica. 

Racconto un aneddoto: una volta uscii 

dagli uffici della Ricordi, ero stanchissimo, 

passai davanti al Lirico e in cartellone 

c’era la rivista di Gino Bramieri, 

Felicibumta. Felici-bum-ta... ma che 

bontà... ma che bontà...: mi misi in 

macchina a farne la gag e in un attimo 

nacque la canzone (Ma che bontà, appunto, 

sull’lp Mina con Bigné, ndr). 

Questa è la dimostrazione che la canzone 

è sorta spontaneamente da dentro. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

30 

musica 

Foto Archivio DuFoto-dufoto@gmail.com 

In basso, Iva Zanicchi e Bobby Solo, 

vincitori del Festival di Sanremo nel 

1969 con la canzone Zingara di Enrico 

Riccardi su testo di Luigi Albertelli 

Chi le ha dato più soddisfazione nell’interpretare 

le tue canzoni? 

Mina in Fiume azzurro, di cui ho curato 

anche l’arrangiamento. Poi ricordo con 

piacere Mina e Caterina Caselli ridere 

come pazze quando gli presentai Ma che 

bontà. Ci volle un bel coraggio, perché 

c’era da farsi sbattere fuori dall’ufficio... 

ecco, è proprio lì che secondo me casca 

l’asino: oggi nessuno più scrive azzardando, 

si va sull’onda della moda quando 

invece bisognerebbe osare. 

Nel ’91 ha musicato la fortunata serie 

dell’investigatore privato Jack Costello 

(Bud Spencer), detto “Extralarge”. Come 

mai è passato alla sonorizzazione 

delle fiction e alle commedie musicali, 

come “i Cavalieri della Tavola Rotonda, 

storia di Graal e di corna”? 

Volevo ancora fare musica e mi stavo 

rendendo sempre più conto che – vivendo 

in Sardegna – se non sei a Milano 

o a Roma non hai spazio, non esiste 

più il contatto con l’ambiente. Nonostante 

questo, scrivo sempre tutte le 

canzoni che mi passano per la testa e 

ogni tanto c’è qualcuno che vuol sentire 

qualcosa. Come Mònica Naranjo 

(cantante catalana che nel 2000 ha dedicato 

un album di cover a Mina, ndr), 

che reinterpretando in lingua spagnola 

Fiume azzurro, col nuovo titolo Sobreviviré 

ha venduto più di un milione 

di dischi. 

Ma allora è sempre sulla breccia! 

Sì. Però, come dicevo prima, mi manca 

fortemente la figura dell’editore. Di un 

editore forte: Mariano Rapetti per me 

era l’Editore. E poi ritengo che la Siae 

oggi abbia il dovere di spiegare a tutti 

che il diritto d’autore non è una tassa, 

ma una difesa del lavoro creativo.

VIVAidee 

RIFLESSIONI DOC 

IL RITO DEL 

CONTRATTO 

DI SERVIZIO 

di Linda Brunetta 

Il contratto di servizio Rai-Governo, 

approvato e aggiornato 

periodicamente, prevede che l’ente 

pubblico radiotelevisivo debba 

realizzare un’offerta complessiva di 

trasmissioni di qualità. Un precetto che 

viene rispettato assai poco, guardando 

il palinsesto quotidiano. Così come 

viene disapplicata l’altra indicazione 

che vorrebbe il rispetto dei diritti dei 

terzi, ossia autori e produttori, nella 

grande offerta di contenuti sui portali 

internet. Un business in forte crescita 

nel nostro paese. 

Ogni due anni si rinnova il rito del contratto 

di servizio Rai-Governo in virtù del 

quale la concessionaria “è tenuta a realizzare 

un’offerta complessiva di qualità, rispettosa 

dell’identità, dei valori e degli 

ideali diffusi nel Paese, della sensibilità 

dei telespettatori e della tutela dei minori, 

rispettosa della figura femminile e del- 

la dignità umana, culturale e professionale 

della donna, caratterizzata da una ampia 

gamma di contenuti e da una efficienza 

produttiva, in grado di originare presso 

i cittadini una percezione positiva del 

servizio pubblico in relazione al costo sostenuto 

attraverso il canone di abbonamento 

nonché sotto il profilo dell’adeguatezza 

dei contenuti della programmazione 

rispetto alla specificità della missione 

che è chiamata a svolgere”. 

Era ora di mettere nero su bianco quello 

che dovrebbe essere la Rai! Accendo la tv 

e mi sintonizzo su RaiDue: va in onda un 

sapido dibattito su una puntata dell’ Isola 

dei Famosi nel programma pomeridiano 

L’Italia sul Due, perché evidentemente 

nell’ambito “dell’offerta complessiva di 

qualità” si ritiene necessario un approfondimento 

delle tematiche affrontate dai 

naufraghi dell’isola. Ho scoperto che il figlio 

di uno dei Pooh ha molto pianto e sofferto 

e spera di essere stato degno dell’educazione 

di mamma e papà. Laureandosi 

in ingegneria? No, arrivando finalista 

all’isola, dove è approdato, non 

perché è famoso perché figlio di famosi, 

ma per meriti personali, che però mi sono 

sfuggiti. Per quanto riguarda l’efficienza 

produttiva abbiamo avuto notizia che si è 

diffusa nell’azienda la pratica del risparmio, 

proposito encomiabile che si effettua 

però in esclusiva sulla pelle dei dipendenti 

più deboli, cioè quelli di fascia più 

bassa e sui collaboratori esterni più deboli, 

cioè gli autori. Per esempio si declassano 

i programmi facendoli uscire dai generi 

tutelabili Siae e dilazionando quanto 

è possibile (al momento circa due anni) le 

trattative del contratto Siae-Rai. L’ immediata 

conseguenza non può essere che l’abbassamento 

della qualità dei programmi. 

Quindi a fronte di un modesto risparmio 

sul piano economico si produce un grave 

danno, perché la percezione meno positiva 

del servizio pubblico da parte del cittadino, 

provoca una maggiore evasione del 

31 

VIVAVERDI 

canone. In questo contratto di servizio però 

si dà ampio spazio all’offerta multimediale. 

La Rai si impegna ad incrementare 

l’offerta di contenuti radiotelevisivi sui 

propri portali, “compatibilmente con il 

rispetto dei diritti dei terzi”. Chi sono “i 

terzi”? Ricorrendo a Lapalisse dovrebbero 

essere coloro che detengono i diritti dei 

contenuti, autori e produttori. Inoltre la 

Rai si accinge a sperimentare, sempre nel 

rispetto dei diritti dei terzi, la possibilità 

per gli utenti di scaricare, modificare e ridistribuire 

i contenuti radiotelevisivi già 

trasmessi dalle reti televisive e radiofoniche. 

Noi autori sappiamo bene che ci viene 

richiesta nei contratti la cessione totale 

dei diritti, in questo caso il nostro contenuto 

può essere utilizzato, ma se c’è 

un’opera commissionata Siae, come spesso 

avviene per gli sketch comici che si possono 

trovare su YouTube con il logo Rai 

sempre preceduti da uno spot pubblicitario, 

i cui diritti non vengono al momento 

in alcun modo retribuiti, dovremmo constatare 

che non vi è “rispetto dei diritti di 

terzi” come invece recita il Contratto di 

servizio. Niente paura: 

“La Rai è tenuta a trasmettere al Ministero, 

all’Autorità e alla Commissione Parlamentare, 

per ciascun esercizio, entro i successivi 

tre mesi, una dettagliata informativa 

circa il numero dei contenuti pubblicati 

e del traffico giornaliero generato dall’utenza, 

con riferimento particolare agli 

utenti unici, ai tempi medi di fruizione, 

alle tecnologie impiegate per accedere e 

alla provenienza degli utenti”. Perfetto, se 

magari lo facesse sapere anche alla Siae… 

Possiamo solo aspettare che tutti gli attori 

di questo nuovo business basato sui contenuti 

si accordino, speriamo presto dato 

che secondo l’ e-Media Institute i ricavi 

degli audiovisivi via internet-web in Italia 

raggiungeranno i 200 milioni di euro 

entro due-tre anni, con un tasso di crescita 

annuo del 65%. 

linda.brunetta@gmail.com

VIVAVERDI 

32 

cinema 

PIERO TELLINI 

UN PADRE NOBILE 

DEL NEOREALISMO 

di Massimo Tellini 

È uno dei personaggi importanti del 

neorealismo eppure non ci sono attendibili 

biografie su di lui e scarseggiano 

anche le foto. Famoso per quelli della 

sua generazione e per quelli che l’hanno 

conosciuto direttamente o attraverso 

i suoi film, mio padre Piero Tellini 

era uno scrittore riservato che amava lavorare 

senza fronzoli, dotato di un’attenzione 

formidabile al mondo esterno, 

di una capacità descrittiva scrupolosa 

e paziente. Un personaggio importante 

del nostro cinema, della televisione 

tanto da meritare questo giudizio 

di un critico degli anni ’50: “Tra gli 

scrittori di cinema soltanto tre possono 

considerarsi degni della letteratura. 

Questi sono: Amidei, Tellini e Zavattini”. 

Cominciamo dal momento decisivo 

della sua formazione: la partenza per 

Roma, appena ventunenne, per vivere 

nella “città del cinema” e guardarsi intorno. 

Lui, fiorentino di nascita e cultura, 

aveva frequentato a Milano le scuole 

superiori. A Roma s’iscrisse ai corsi 

di regia del Centro Sperimentale e incontrò 

una giovanissima allieva delle 

classi di recitazione, Liliana, che diventerà 

sua moglie (lei stessa futura at- 

Uomo di cinema per oltre trent’anni, autore televisivo, saggista, Piero Tellini è 

oggi poco noto al grande pubblico. I suoi capolavori da sceneggiatore e regista, 

Uno tra la folla del 1946 con Eduardo De Filippo e Nel blu dipinto di blu del 

1958 con Domenico Modugno, sono decisamente famosi anche se lo scrittore 

fiorentino ha firmato decine di copioni cinematografici importanti, da Campo 

de’ fiori a Guardie e ladri, collaborando con Fellini, Antonioni, Lattuada. Schivo, 

generoso, artista dal talento poliedrico che ha segnato un’epoca, era sicuro che 

la fantasia fosse- come diceva l’amico Leo Longanesi- “la figlia diletta della 

libertà”. Ne traccia un affettuoso ricordo il figlio. 

trice di cinema-teatro-radio-tv). Diventa, 

anche, assistente regista e/o sceneggiatore 

di Camillo Mastrocinque 

(L’orologio a cucù, 1938), Julio Flechner 

de Gomar (Il segreto inviolabile, 1939), 

Duilio Coletti (Capitan Fracassa, 1940), 

Alfredo Guarini (Senza Cielo, 1940 e È 

caduta una donna, 1941). 

Intanto, nella pensioncina vicino piazza 

di Spagna, dove alloggia dall’arrivo, 

matura la sua svolta personale e quella 

del cinema italiano, forse ignaro che sta 

producendo qualcosa di nuovo, davvero 

originale per i “tempi stretti” in cui 

vive. Il dato di cronaca è: la cameriera 

della pensione in cui abita che è stata 

messa incinta e abbandonata dal “fidanzato”. 

Ha bisogno che qualcuno l’ac- 

compagni nella sua vecchia casa di campagna 

e si finga “il marito”, altrimenti 

i familiari la cacceranno via per sempre. 

Gli dice di aver perso tutto: l’amore 

in cui, stupidamente aveva creduto, 

la fiducia nel prossimo, le motivazioni 

più forti dell’esistenza. È disperata. Lui 

solo potrà salvarla! Lei, anche se da poco, 

lo conosce bene: sta sempre chino 

sullo scrittoio a lavorare. È buono e generoso: 

lo può dimostrare ancora una 

volta! È praticamente, la trama del film: 

basta aggiungervi che il protagonista, 

un rappresentante di cioccolatini, ricondotta 

la giovane in famiglia, riuscirà 

a convincere i suoi a essere comprensivi 

e affettuosi. Gino Cervi, protagonista 

del film, è il commesso viag-

giatore che tornerà alla sua grigia vita di 

sempre. Per lui è stata una parentesi o, 

forse, un sogno. É nata così Quattro passi 

tra le Nuvole del 1942, pellicola di cui 

Alessandro Blasetti, che veniva da ben 

altre esperienze, curò la regia e che, al 

di là della sua innegabile dimensione 

storica, rimarrà profondamente radicata 

nell’immaginazione di tanti, dai 

semplici spettatori ai critici più smaliziati. 

Vanterà, inoltre, svariati tentativi 

di imitazione e ben due remake (Era di 

Venerdì 17, con Fernandel, regia di Mario 

Soldati, 1956 e Il profumo del mosto 

selvatico, con Keanu Reeves, regia 

di Alfonso Arau, 1995). In questa storia 

si possono già rintracciare lo stile e la 

filosofia del nuovo cinema: la vita prima 

di tutto. È lei ad essere al centro. La 

sincerità, l’immediatezza dei sentimenti, 

le domande che cadono leggere 

nel vissuto di ognuno, l’amore per i personaggi 

mediocri, più o meno umili, appassionati 

o indifferenti, le periferie 

che rivelano, in modo suggestivo e inconsueto 

il vero volto della città, riempiono 

la scena. E poi, la natura come rifugio, 

ritorno alle forme ancestrali. È 

questo uno dei momenti della collaborazione 

con Zavattini che ritroviamo an- 


Piero Tellini è nato il 17 gennaio 1916, a Firenze, 

la sua città, dove è morto il 22 giugno 1985. Sua 

madre, il celebre soprano Ines Alfani Tellini, la “prediletta” 

di Arturo Toscanini, si trasferì con tutta la famiglia 

ben presto a Milano per motivi professionali. 

Diplomatosi al Centro sperimentale di cinematografia 

a Roma, esordì nel ’38 come aiuto regista 

per dedicarsi in seguito all’attività di soggettista e 

sceneggiatore, affermandosi nel dopoguerra tra le 

personalità più importanti del nostro cinema neorealista. 

Sono più di 50 i suoi film firmati come soggetto 

e sceneggiatura (e in molti altri, non compare 

nei crediti), da Ettore Fieramosca del 1938 a Ca- 

che nell’impegno successivo di Avanti 

c’è posto…:storia di una cameriera che 

dopo essere stata derubata di una ingente 

somma, viene aiutata dal bigliettaio 

dell’autobus su cui è avvenuto 

il furto, ma s’innamora del suo collega,conducente 

della stessa vettura. 

Nello stesso anno Se io fossi onesto, che 

lo farà incontrare, per la seconda volta 

(la prima era stato nell’ Orologio a cucù), 

col giovane De Sica. Non fu l’ultima 

occasione tra i due: nel 1958 (a poca 

distanza dal Generale della Rovere) 

Vittorio sarà un abile, romantico truffatore 

in Nel blu dipinto di blu, tratto 

dalla canzone di Modugno, vincitrice 

del festival di Sanremo. Il 1943 fu un 

momento denso di partecipazioni a film 

“neorealisti” (ad alcuni dei quali non 

appose nemmeno la firma) e segnò il 

consolidarsi dell’amicizia con Federico 

Fellini, spesso ospite sia del suo studio 

che nell’abitazione di via Caroncini, 

ai Parioli dove il nonno di Piero, 

Ubaldo fu ritratto in un disegno a matita 

dello stesso Fellini. Insieme realizzeranno 

almeno quattro pellicole: Chi 

l’ha visto?, Quarta pagina, Campo de’ 

Fiori, Il delitto di Giovanni Episcopo. Il 

1944 ed il ‘45 furono anni di transizio- 

pitan Fracassa, 1940, e poi Uno tra la folla, la sua 

prima regia, 1946, anno record nel quale firma pure 

i copioni di Senza Famiglia, Ritorno al nido, Il bandito, 

Tombolo paradiso nero e Vivere in pace, premiato 

dalla critica americana come miglior film straniero. 

Nel 1952 vinse il premio per la migliore sceneggiatura 

al festival di Cannes con Guardie e ladri. 

Praticamente, negli anni sessanta-settanta, a parte 

la parentesi romana imperniata sul film Roma come 

Chicago (1968), operò tra Stati Uniti, Inghilterra, 

Francia e Spagna dove, nella zona di Malaga, 

strinse amicizia con alcuni scrittori della “beat generation” 

(Ferlinghetti, Ginsberg, Gregory Corso,ecc.) 

33 

ne. Dopo il 25 luglio e l’ 8 settembre 

molte cose stavano cambiando. Mio padre 

si trasferì oltre la linea gotica e scrisse 

dei testi di sicuro rilievo storico, collocati 

nello scenario della guerra e delle 

sue terribili conseguenze: Pian delle 

Stelle e Uno tra la folla di cui curò anche 

la regia con Ennio Cerlesi (il film 

ha ottenuto, tra l’altro, la coppa Volpi 

nella retrospettiva all’ultimo festival di 

Venezia).Vi si narra la storia di un modesto 

impiegato, Paolo Bianchi, a Torino 

durante l’occupazione nazifascista. 

Arrestato per aver raccolto un giornale 

clandestino, viene perquisito, malmenato, 

ritenuto un pericoloso sovversivo 

comunista. L’intervento di un influente 

amico che, per evitargli ulteriori guai, 

lo doterà di un documento della Gestapo, 

consente il suo rilascio. Ma, con 

l’arrivo degli alleati, sarà di nuovo arrestato 

per “collaborazionismo”. A trarlo 

d’impaccio “il solito amico”. Scrive 

anche Il Bandito per Alberto Lattuada e 

per Luigi Zampa Vivere in pace che ebbe 

il riconoscimento della critica americana 

come miglior film straniero e, in 

Italia, il Nastro d’argento per il soggetto. 

Un altro film importante, sempre per 

Zampa (con cui continuerà la collabo- 

che frequentò a lungo anche negli States. Ha lavorato 

a numerose inchieste televisive, da Giovani d’oggi, 

1960 a Giovani in America a Tv7 e Odeon, negli 

anni settanta. Ha scritto numerosi libri, in particolare 

sull’amata archeologia, come la cultura di Ansedonia 

e ha pure insegnato al Centro Sperimentale 

di Cinematografia e all’Università degli Studi Sociali 

Pro Deo (oggi Luiss). Il figlio Massimo Tellini ha 

in mente di rendergli omaggio riprendendo e realizzando 

il suo ultimo progetto, il film Io, la prossima 

dimensione, il soggetto al quale stava lavorando, 

negli anni ottanta, insieme con Michelangelo 

Antonioni. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

34 

cinema 

razione tra il ‘49 e il ‘50 in Campane a 

Martello e Cuori senza frontiere), è 

L’Onorevole Angelina, ritratto del doloroso 

dopoguerra in uno dei quartieri, 

Pietralata, più poveri di Roma, che si avvale 

di una carismatica interpretazione 

di Anna Magnani. Sembra, a questo proposito, 

che per “Nannarella” Piero Tellini 

abbia scritto, in assoluto, il maggior 

numero di copioni. Nel 1946, Tombolo, 

paradiso nero, regia di Giorgio Ferroni, 

rivelava un momento drammatico 

del nostro paese, nell’area tra Pisa e 

Livorno, ”la famigerata pineta di Tombolo”, 

attraversata da contrabbandieri, 

prostitute e delinquenti comuni. Come 

già in Pian delle stelle, qui, s’incrociò 

con Indro Montanelli che favorì per 

mezzo di un articolo-racconto l’origine 

del soggetto. Qui, ancora, la presenza di 

Aldo Fabrizi con il quale, da Avanti c’è 

posto… a Guardie e ladri, costituirà un 

binomio affiatato e indissolubile. Ritroviamo, 

di nuovo, la Magnani affiancata 

da Massimo Girotti in Molti sogni 

per le strade (1948), regia di Mario Camerini 

e, l’anno dopo, scopriamo una 

giovanissima Gina Lollobrigida con 

Eduardo de Filippo nel citato Campane 

a martello. Questo è anche il periodo in 

cui Piero Tellini viene chiamato anche 

all’estero: Stati Uniti, Inghilterra, Francia.Tornato 

in Italia sceneggia sia Napoli 

Milionaria (1950) che Filumena 

Marturano (1951) per l’amico Eduardo. 

La Magnani lo vorrà, ancora, tra gli sceneggiatori 

di Vulcano (1950) con cui, tra 

l’altro, intendeva “vendicarsi” del tradimento 

di Rossellini e della Bergman 

in coppia, oltreché nella vita, nel film 

Stromboli. Gli si avvicinava, in quell’anno, 

Michelangelo Antonioni (allora 

solo documentarista) che, in veste di 

critico, lo conosceva bene dai tempi in 

cui era redattore della rivista “Cinema” 

e che, ora, gli chiederà un contributo 

fondamentale per il suo primo lungo- 

metraggio, Cronaca di un amore con 

Massimo Girotti e Lucia Bosè. L’idea 

iniziale di Antonioni si trasforma nelle 

mani di Tellini che aggiunge al soggetto 

il punto di partenza:l’inchiesta sul 

passato della moglie del ricco industriale 

milanese. La storia era lineare: due ex 

-fidanzati si ritrovano,dopo anni, casualmente 

e decidono di eliminare il 

marito di lei. Lui, però, muore in un incidente 

stradale. Anche il loro amore finisce, 

così. Piero, in quei momenti, ha, 

comunque, troppo da fare per fermarsi 

su un solo progetto: idea, architetta, 

svolge ogni spunto con umorismo ma 

pure una passione sottaciuta per l’intreccio 

complesso, l’intrigo, il “giallo”, 

dovuta, forse, alla frequentazione del 

regista Robert Siodmak per cui scrive, 

non accreditato, il trattamento e la sceneggiatura 

de Il corsaro dell’isola verde 

con Burt Lancaster, 1952. E gli sarebbe 

piaciuto il protagonista del Delitto 

perfetto di Hitchcock, Ray Milland, 

per il suo Prima di sera (1953), la vicenda 

di un assicuratore che, stufo del 

menage familiare e della routine lavorativa, 

decide di concedersi “un giorno 

d’evasione”.Si appropria di una piccola 

cifra dell’assicurazione presso cui è 

impiegato per andare in giro o, forse, 

fuggire con una bella ragazza Ma una serie 

di equivoci, a cominciare da un veleno 

preso in farmacia, gli cambieranno 

la giornata. Oggi questa pellicola, 

realizzata allora con appena 80 milioni, 

suscita interesse critico e rischia di diventare 

un “cult” come Uno tra la folla, 

il suo primo film da regista. Non arrivò 

Ray Milland ma Paolo Stoppa (che pur offrì 

un’ interpretazione memorabile) e, 

nei ruoli femminili, si puntò su due giovani 

promesse alle prime prove (Giovanna 

Ralli e Lyla Rocco). Per una serie di 

contrattempi il film partecipò, esclusivamente 

“fuori concorso”, a Venezia dove 

fu acclamato, alla proiezione, con ol- 

Ubaldo, nonno di Piero Tellini, qui in un disegno 

di Federico Fellini, suo grande amico, che nel 1943, 

frequentava assiduamente il suo studio e casa 

a via Caroncini ai Parioli a Roma 

tre 10 minuti di applausi. Vinse, però, poco 

tempo dopo, il festival di Edimburgo. 

Di quel periodo rimane uno splendido 

ricordo: nel 1951 il soggetto-trattamento 

di Guardie e Ladri, con cui vinse il festival 

di Cannes. Guardie e ladri era la 

storia di un ladruncolo che, dopo aver 

truffato ai Fori un cittadino americano, 

inguaiava anche un tutore dell’ordine 

colpevole, agli occhi dei suoi superiori, 

di esserselo fatto sfuggire. Per non perdere 

il posto, quest’ ultimo cercava di 

riacciuffarlo, insinuandosi nella di lui 

famiglia, arrivando, perfino, a servirsi 

della propria, del tutto inconsapevole. 

Alla fine si generavano, tra i due, sentimenti 

imprevedibili: simpatia, amicizia, 

comprensione. Le parti s’invertivano:e, 

così, era il ladro a farsi “portare 

in galera” dalla guardia. La pellicola, 

pur osteggiata dalla censura, divenne 

campione d’incassi, risultando, anche, 

il film di Totò più significativo. Veniva, 

finalmente, rappresentata un’Italia 

in attesa della ricostruzione e vi si rifletteva 

un mondo contradditorio sì ma 

profondamente cambiato. In primo piano 

si evidenziava il senso della solidarietà, 

capace di superare gli steccati della 

situazione personale-sociale. 

La coinvolgente atmosfera del neorealismo 

si andava, però, diradando e mio 

padre cominciava a credere meno nel 

cinema. Aveva di fronte il quadro delle 

nuove tecnologie che stavano, rapidamente, 

avanzando. Cominciava a pensare 

che la televisione fosse il “mezzo 

del domani” e già nel 1951, quando ancora 

il nostro piccolo schermo era lontano 

dal decollare, redigeva le linee portanti 

di due programmi davvero avveniristici: 

”Qui l’Europa” e “Le Olimpiadi 

del cervello”. Intanto scriveva e realizzava, 

insieme a Sergio Palmieri, la 

struttura narrativa di “Suoni e Luci”, 

prima per il Foro Romano e, dopo, per 

Villa Adriana. Si dedicava, inoltre, alle

Aldo Fabrizi e Totò in una scena di Guardie e ladri 

di Mario Monicelli e Steno, 1951. Fu presentato in 

concorso al Festival di Cannes nel 1952 

e Piero Tellini vinse il premio per la migliore 

sceneggiatura 

invenzioni di cui la più interessante era 

una tenda da campeggio, applicabile sopra 

il tetto delle vetture, che si apriva in 

20 secondi e poteva ospitare al suo interno 

4 persone. Un’idea rivoluzionaria 

se si considera che negli anni 50 per 

montarne una qualsiasi occorrevano 

circa 3 ore! Veniva anche invitato alla 

trasmissione ”Siamo tutti inventori” e, 

in seguito, esponeva la scoperta in uno 

Stand della Fiera di Milano. Ma rimaneva, 

sempre, ben radicata in lui la 

grande passione per l’archeologia. Ne 

furono contagiati collaboratori e amici, 

dal professore di topografia italica 

Castagnoli, al musicista 

Nascimbene, dal dirigente 

televisivo 

Carlo Alberto 

Chiesa (con cui 

realizzò per la Rai, 

il reportage 

Giova- 

ni d’oggi, 1960) a Mimmo Modugno che 

a furia di seguirlo nella zona di Ansedonia 

finì, su sua indicazione, per comprarvi 

una villa. Cercava, in un primo 

tempo, reperti etruschi spostandosi tra 

Talamone, Capalbio, Ansedonia, Porto 

Ercole e Torre in Pietra. Poi fu attratto 

da i “segni di un’antichissima civiltà, 

oggi scomparsa”, pietre di varie tipologie 

e forme che presentavano, a volte, 

in superficie, profili umani. Raccolse, 

così, migliaia di oggetti durante numerosi 

viaggi in varie zone della terra. Da 

questa esperienza trasse anche due saggi, 

La cultura di Ansedonia, Il mezzo 

di espressione e la società 

umana ed un soggetto-sceneggiatura 

cinematografici, 

L’uomo delle pietre (Io, la 

prossima dimensione), 

il sogno della 

parte finale della sua vita. 

In tale progetto coinvolse 

lo stesso Antonioni che lo 

apprezzava moltissimo e aveva 

sostenuto, in varie occasioni, 

di considerarlo uno degli scrittori 

più “immaginifici” e creativi che 

avesse mai incontrato. Quell’idea, 

almeno per ora, 

si è spenta, con 

la fine 

35 

di Tellini e di Antonioni. Mio padre Piero 

Tellini non cercò mai la gloria ma fu, 

sempre, pieno di attenzione per le vicende, 

le difficoltà e le sofferenze di quei 

poveri diavoli, di quei tanti antieroi che 

da Quattro passi tra le nuvole a Nel blu 

dipinto di blu, a Giovani d’ America ci 

appaiono i veri protagonisti delle sue 

narrazioni. Aveva ”una vera e propria 

vocazione umanitaria”. Così lo rievocava 

Alberto Lattuada: “Era un uomo delizioso, 

uno sceneggiatore spiritoso, capace 

di ironizzare sui mali della vita. Ho 

di lui un buon ricordo. Quando scrivemmo 

insieme il Bandito eravamo 

usciti dalla guerra, avevamo mille 

idee e pochi mezzi. E c’eravamo 

affezionati entrambi 

alla storia di quell’eroe 

romantico, quasi un 

simbolo dell’Italia ferita 

e confusa del primo 

dopoguerra. Poi lo persi 

di vista. So che lavorò a 

lungo in America. 

Mi dispiace, mi 

dispiace molto. 

E’ un altro 

pezzo di cinema 

che 

se ne va”. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

36 

cinema 

MASSIMO SANI 

QUANTE VITE 

IN UNA 

di Mimmo Rafele 

Ci sono personalità che è difficile classificare, 

ingabbiare in una definizione, 

e Massimo Sani è sicuramente una di 

queste. Raffinato e profondo documentarista, 

certo, e al tempo stesso dirigente 

della più antica associazione degli autori 

cinematografici italiani, l’Anac. Ma 

anche, in gioventù, negli anni ’50, ricercatore 

al Mit, il prestigioso istituto 

statunitense di ricerche tecnologiche 

(studiava la gomma sintetica), e poi, una 

decina d’anni dopo, corrispondente dalla 

Germania di Epoca di Enzo Biagi… 

Molte vite in una, un’esistenza invidiabile 

se si pensa all’attuale immobilità 

sociale, a quanto ci mette un giovane oggigiorno, 

a raggiungere un obiettivo, un 

traguardo, ammesso che ci riesca. Eppure 

ancora oggi, che non è più esattamente 

un ragazzino, Massimo Sani parla 

della sua vita, del suo lavoro, delle sue 

passioni mai col tono dell’ has been, di 

chi si adagia sui ricordi di un passato 

pieno e gratificante, ma con l’entusiasmo 

e la proiezione verso il futuro di chi 

ha ancora un sacco da fare… Ed è lui 

stesso a suggerirmi la chiave, il “segreto” 

di tanta energia intellettuale e creativa: 

essere stato un adolescente alla fi- 

Negli anni cinquanta faceva ricerche sulle gomme sintetiche al Mit, il 

prestigioso Istituto di ricerca statunitense, poi è stato corrispondente di Epoca 

allora diretta da Enzo Biagi. Alla fine s’è imposto come un raffinato e profondo 

autore di magistrali documentari, capaci di divulgare ad alto livello grandi 

eventi della nostra storia. E da allora si è sempre battuto, in prima fila, per 

difendere al meglio la dignità e i diritti degli autori cinematografici. 

ne della guerra, quando tutto è finito e 

tutto è ricominciato. Sfollato a Verona 

durante i mesi più duri del conflitto, 

torna nella natìa Ferrara in tempo per 

prendere la maturità al liceo Ariosto, 

con Lanfranco Caretti. All’università si 

iscrive guardando al futuro, a una carriera 

che gli apra delle prospettive: sceglie 

chimica e si laurea brillantemente. 

Intanto, però, frequenta l’Afu, l’associazione 

ferrarese universitaria, detta 

anche 4S, ovvero Siamo Studenti Senza 

Soldi. Si faceva la fame in senso letterale, 

all’epoca, ma quei ragazzi erano 

sicuramente affamati anche di tutto 

quello che durante gli anni bui del fascismo 

era stato nascosto, censurato, rimosso. 

Così, insieme alla letteratura, 

all’arte, alla filosofia dell’Occidente libero, 

irrompe anche il cinema, i grandi 

autori scandinavi (Sjostrom, Mur- 

nau, Dreyer), quelli sovietici (Ejzenstejn, 

Pudovkin, Dziga Vertov), l’espressionismo 

tedesco, i drammi sociali di 

Renoir… In una piccola sala, l’Apollino, 

alla domenica mattina, Sani e i suoi 

amici (tra i quali Florestano Vancini, 

che sarebbe diventato anche lui un grande 

regista) guardano a occhi sbarrati tutta 

quella bellezza. Un impatto che ti può 

cambiare la vita. Massimo, infatti, comincia 

a lavorare alla Montecatini, studia 

il polistirolo, ma coi primi soldi che 

guadagna si compra una cinepresa 8 

mm., una Bauer, poi una Bolex Paillard 

16 mm. e usa ogni ritaglio di tempo per 

cominciare a girare i ‘suoi’ film. Documentari 

sulla sua città, arricchiti da piccole 

storie minimaliste. Uno di questi, 

Incontro sul fiume, lo vede il grande 

Blasetti e resta stupito dalla grazia e dalla 

profondità che questo ragazzo dimo-

Massimo Sani sul set del film-inchiesta 

Torino mezzo secolo del 1967, controlla 

l’allestimento e la ripresa insieme al direttore 

della fotografia Sandro Messina, alla sua sinistra 

stra. “Tu devi fare il cinema!”, gli dice. 

Ma l’onda della vita è ancora troppo forte, 

c’è una borsa di studio per Cambridge, 

Massachusetts, come si fa a dire 

di no. Eppure il cinema gli è ormai 

entrato nel sangue. Quando, al ritorno 

in Italia, è di nuovo posto di fronte al 

bivio: diventare uno scienziato e manager 

di sicuro avvenire (era pronto per 

lui un ricco contratto della Dunlop canadese), 

o andare a Roma a girare dei 

documentari, stavolta non ha dubbi. 

Sceglie il cinema e non tornerà mai più 

indietro. Comincia così la sua lunga carriera 

di documentarista. Lavora con la 

realtà, Sani, ma la inquadra pensando 

sempre a quei grandi film che ha visto 

da ragazzo. Mentre lavora per la Rai in 

Belgio sull’allora neonata comunità europea, 

riceve una telefonata da Roma: è 

appena successo un disastro, una miniera 

è crollata seppellendo tanta povera 

gente, la sua è la troupe più vicina, 

deve andare subito sul posto. Corre, 

Massimo, verso questo villaggio che 

nessuno ha mai sentito nominare e che 

invece da quel momento diventerà tristemente 

famoso: Marcinelle. E, arrivando, 

si chiede come farà, lui che non 

è un reporter, a comunicare con le immagini 

quella immane tragedia, e gli 

viene in mente un film tedesco, uno di 

quelli che ha visto da ragazzo all’Apollino, 

La tragedia della miniera, di Georg 

Pabst… E’ a quelle immagini, scabre 

e rigorose, che si ispira per raccontare 

l’orrore, per riuscire a racchiuderlo 

nel rettangolo dello schermo, e prima 

che una scelta estetica è una scelta 

etica, contro la pornografia del dolore, 

che oggi invece, ahimé, infesta tanti talk 

show. Altri tempi e altre tempre. Quello 

stesso rigore ispira Sani in tutto il resto 

della sua carriera. I suoi documentari 

storici sui grandi eventi del dopo- 

guerra, i suoi film inchiesta, le sue docufiction 

su momenti chiave della nostra 

epoca, sono frutto di mesi di studio, 

di approfondimento. Il regista si fa 

storico per poter raccontare col massimo 

di obiettività e di efficacia. Diventa 

questa la cifra del suo lavoro: un incrocio 

virtuoso di realtà e finzione, che consenta 

una divulgazione ad alto livello dei 

grandi eventi della nostra storia. Anno 

dopo anno, la filmografia di Sani si arricchisce 

di grandi inchieste di questo 

tipo. Nascono così Persia. Anniversario 

di un impero, La guerra al tavolo della 

pace, ricostruzione delle conferenze 

di pace durante le quali i potenti della 

terra ridisegnano il mondo, Italia in 

guerra, grande affresco sulla guerra degli 

italiani. Prigionieri, sui soldati italiani 

nei campi di concentramento dal 

’40 al ’47, arriva in finale al “Prix Italia” 

del 1987. Non vince perché il giurato 

americano, irritato dalla cruda denuncia 

su come i campi di prigionia statunitensi 

non avessero molto da invidiare 

al lager nazisti, rifiuta di votarlo. 

Ma a Massimo una vita non basta, vuole 

viverne un altro paio… Così dopo essere 

stato un po’ scienziato e continuando 

a fare i suoi documentari, diventa anche 

giornalista. Gli capita perché, oltretutto, 

parla anche tre lingue (francese, tedesco 

e spagnolo) e tra un’inchiesta e l’altra in 

giro per l’Europa scrive qualche articolo 

per ‘Epoca’. Enzo Biagi, che lo dirige, 

gli propone così di diventare il corrispondente 

dalla Germania del settimanale 

di Mondadori. Di cui, qualche anno 

dopo, farà nascere e curerà l’edizione 

tedesca. Ma la vera vocazione di Sani 

resta la grande inchiesta filmata. Così la 

parentesi nella carta stampata si chiude 

quando la Rai gli dà la possibilità di realizzare, 

a Monaco, La giustizia tedesca 

di fronte al nazismo, delicatissimo re- 

37 

VIVAVERDI 

portage su come vengono giudicati i crimini 

nazisti nella Germania democratica 

del dopoguerra, vincitore del Premio 

Nazionale Inchiesta filmata. Torna 

quindi al suo antico mestiere, Sani, ma 

naturalmente non gli basta… Ed ecco 

quindi nascere la sua ultima (per ora) 

identità: il dirigente dell’associazione 

dei cineasti italiani, il difensore dei diritti 

degli autori. Si iscrive all’Anac, l’Associazione 

Nazionale Autori Cinematografici 

nei primi anni ’70 ed è subito in 

prima linea nella lotta per il diritto d’autore. 

Sono gli anni eroici delle battaglie 

contro la censura e per il diritto morale 

a impedire lo scempio delle opere da 

parte di produttori e distributori. Insieme 

con Francesco Maselli, altro autore 

“prestato” all’associazionismo, Sani 

capisce che queste battaglie vanno 

combattute a livello continentale. Nasce 

così la Fera, Federazione Europea 

dei Registi dell’Audiovisivo, di cui diventerà 

vice presidente. Negli anni ’80 

promuove una serie di incontri dei 

grandi registi europei, durante i quali, 

di fronte alle nuove sfide tecnologiche, 

viene lanciato un obiettivo ancora più 

ambizioso: unire tutto il cinema mondiale 

nella difesa dei propri diritti e della 

propria identità. Così nel 2007, durante 

le “Giornate degli autori” della 

64.a Mostra di Venezia, Sani firma insieme 

a Maselli e Monicelli per l’Italia 

e a Woody Allen, Ken Loach e altri 

grandi registi di ogni parte del pianeta 

l’Alleanza Mondiale del Cinema. 

Chissà se in quel momento Massimo 

ha ripensato a quelle mattinate all’Apollino 

di Ferrara, quando il mondo, 

visto da laggiù, gli sembrava lontano 

e incantato, eppure poteva guardarlo 

e addirittura viverci dentro lasciandosi 

trasportare dalle immagini e dalle 

storie del grande cinema…

RADIO/FILODIFFUSIONE 

CONTRAPPUNTO BESTIALE 

di Giacomo Ceccarelli 

A causa di ripetitori circolari a bassa potenza 

(perché installati nella città) e della 

non compressione audio, l’ascolto gratuito 

via radio della filodiffusione risulta 

piastrellato di cordiali ronzii e cicalecci. 

Rognosi walzer interferenziali che sembrano 

magicamente evocare spazi antichi, 

vecchi profumi e grammofoni polverosi. 

La minuzia e i preziosismi del palinsesto 

sono fiabeschi almeno quanto le voci 

che lo presentano: annunciatori senza 

volto e senza tempo con perfette cadenze 

e funamboliche dizioni d’ogni luogo sono 

l’unica presenza altra dalla musica. Poche 

voci posate ma decise, ormai familiari, 

che tendono all’immutabilità (eccetto 

rari raffreddori) dirigono e ammorbidiscono 

la mole di una programmazione 

quasi fetish per finezza e precisione. 

Era il 1958 quando la Rai creò il pacchetto 

Filodiffusione: trasmesso via doppino 

telefonico fu un balzo tecnologico comparabile 

all’avvento delle linee digitali ad 

alta velocità. E ancora oggi sono sei canali. 

I primi tre sono Radiouno, Radiodue e 

Radiotre; il quarto, che si chiama Filomusic, 

è il canale della musica definita 

“leggera” (pop internazionale, canzone 

italiana d’autore, successi del rock, qualche 

pillola di disco music e Round Midnight: 

novanta minuti di jazz nella notte); 

mentre il quinto e il sesto si sommano 

in un unico discorso tecnico e musicale 

dando vita al suggestivo programma 

Una giornata ascoltando la “sorella povera” delle onde radio, la filodiffusione, 

oggi sempre più dimenticata con lo sviluppo delle tecnologie digitali, delle 

radio via web, dei podcast. Due musicisti, Massimo Di Pinto e la giapponese 

Kiyomi Nakamura, curano la programmazione, che vanta alcuni titoli noti come 

Auditorium, 24 ore al giorno di musica classica senza stop, e Round Midnight, 

selezione jazzistica notturna. 

stereofonico Auditorium, che irradia musica 

classica senza spot, ventiquattro ore 

al giorno, trecentosessantacinque giorni 

l’anno. E’ quest’ultimo il vero fiore all’occhiello 

del servizio, un’oasi inalterata 

nella quale domina la musica, una certezza 

cristallizzata che non scende a patti 

con alcun sistema. Due musicisti, Massimo 

Di Pinto e la giapponese Kiyomi Nakamura, 

curano la programmazione, 

mentre le oniriche vocine amiche, più 

che annunciare, recitano a qualsiasi ora 

un rullo compressore di titoli organizzati 

in fior di rubriche e percorsi tematici 

molto di nicchia dai nomi oscuri e poeticamente 

anguilleschi: Cantus planus, K 

come Mozart, Non solo Danubio, Sillabario 

del Novecento, Contrappunto bestiale, 

Cantate, ninfe, Soli deo gloria, Dall’aulos 

alla zampogna e così via. Lo svolgersi 

del programma sembra svolazzare 

libero e privo di turbamenti tra opera, 

musica sinfonica, cameristica, canti gregoriani, 

avanguardie, musica per bande, 

da film, commedie musicali e così via. 

Inoltrandosi nei più remoti angoli della 

storia, dei luoghi e delle pronunce senza 

disdegnare occasionali incontri di generi 

confinanti con il jazz, il folk e la musica 

elettronica. 

Chiunque oggi può andare su Internet e 

seguire in streaming la Filodiffusione scaricando 

Real Audio, ma solo cinque fortunate 

città (Roma, Milano, Torino, Napoli 

e Ancona) hanno il privilegio di poter 

ascoltare gratis il quinto canale in FM. 

Spesso capita di sentire capolavori sempiterni 

da poggiarsi le mani in faccia, così 

come altrettanto spesso si guerreggia 

con indigeste sciroppate di Novecento 

spinto, guarnite di fantasiose forme - o 

difformità- sonore molto invasive. 

Ma è benaccetta costumanza di Auditorium 

donare una rara pregevolezza delle 

registrazioni proposte, anche delle più 

aggressive. Tutto sotto l’atipico dettame 

di emarginare l’illusione pubblicitaria e 

le dinamiche che ne derivano. La Filodiffusione 

è un laborioso micromondo, 

simile ad un vecchio carro armato che 

procede lento sull’infinito percorso di 

una maratona cominciata nel ’58, al cospetto 

di un’Italia ipnotizzata dai teleschermi.

VIVAmiti d’oggi 

Fototeca della Biblioteca Panizzi di Reggio Emilia 

QUANDO 

JOYCE 

SCRIVEVA 

IN ITALIANO 

di Valerio Magrelli 

Esiste un’antica tradizione di opere 

letterarie composte in italiano da 

narratori stranieri, probabilmente 

sull’onda delle storiche strette 

relazioni tra il nostro paese e 

l’Europa, un omaggio all’Italia tra 

suggestioni classiche e viaggi da 

Grand Tour. Se ne occupa un recente 

libro di Furio Brugnolo intitolato La 

lingua di cui si vanta Amore. Scrittori 

stranieri in lingua italiana dal 

Medioevo al Novecento, che presenta 

una gran quantità di esempi illustri, 

da Milton a Quevedo, da Rabelais 

a Pound e Joyce. 

La letteratura italiana degli ultimi anni si 

è arricchita di nuove voci provenienti da 

paesi europei ed extraeuropei. Si è parlato 

a questo proposito di “scrittori migranti”, 

che hanno cioè attraversato 

l’esperienza dell’integrazione all’interno 

di una realtà culturale e linguistica diversa 

da quella di origine. Sarebbe improprio 

stabilire paragoni con quanto accade 

in Gran Bretagna o in Francia, paesi 

dove il passato coloniale ha favorito un 

sostanziale incremento del patrimonio 

letterario nazionale: basti pensare all’apporto 

fornito da autori asiatici da un 

lato (Rushdie, Naipul, Kureishi), caraibici 

o africani dall’altro (da Senghor fino 

a Glissant o Marie Ndaye). Certo, in area 

italiana la documentazione risulta ancora 

scarsa. Rispetto a questa apertura sull’avvenire, 

però, esiste anche un’antica 

tradizione che affonda le sue radici nel 

Medioevo, e che consiste nella formazione 

di un piccolo tesoro fatto di opere che 

vennero redatte in italiano da scrittori 

stranieri. Esiste insomma un “italiano in 

Europa” nato dalle fittissime relazioni fra 

il nostro paese e il continente. Proprio a 

questo sorprendente serbatoio poetico e 

narrativo si rivolge un acutissimo studio 

di Furio Brugnolo uscito da Carocci con 

il titolo La lingua di cui si vanta Amore. 

Scrittori stranieri in lingua italiana dal 

Medioevo al Novecento. 

Non che mancassero precedenti illustri, 

a cominciare dalle ricerche di Gianfranco 

Folena sull’italiano di Voltaire o di Mozart. 

Illuminante, d’altronde, fu già l’intuizione 

di Leopardi, deciso ad attirare 

l’attenzione sul “Menagio, Regnier Desmarais, 

Milton ecc. che scrissero e poetarono 

in lingua italiana”. Ma si trattò di 

semplici tasselli, mentre Brugnolo offre 

la prima sistematica presentazione del 

fenomeno. Dopo una ricca introduzione 

(in cui spiccano un inserto italiano di Ra- 

39 

VIVAVERDI 

belais e la pagina oscena che Diderot incluse, 

sempre in italiano, nei Gingilli indiscreti), 

il saggio passa a esaminare undici 

casi esemplari. 

Si comincia dal trovatore provenzale 

Raimbaut de Vaqueiras, con un contrasto 

bilingue (in provenzale e in genovese) e 

un discordo plurilingue (in provenzale, 

italiano, francese, guascone e galegoportoghese). 

Seguono due francesi, 

Louise Labé e Michel de Montaigne, una 

con il ricorso alla forma-sonetto, l’altro 

con alcuni stralci del suo Viaggio in 

Italia. E’ poi la volta del sommo Quevedo, 

con un “soneto en toscano”, cui segue 

John Milton. Se altri nomi saranno 

meno noti al grande pubblico, come 

quelli di Christina Rossetti, Viaceslav 

Ivanov, Ghiorgos Sarandaris o Murilo 

Mendes, restano impressionanti le ultime 

due presenze, quelle di James Joyce 

e di Ezra Pound. 

Nel primo caso, con l’autotraduzione di 

due passi di Finnegans Wake (l’inizio e 

la fine di Anna Livia Plurabella), siamo 

di fronte, osserva Brugnolo, alla testimonianza 

forse più celebre e stupefacente 

di letteratura italiana fuori d’Italia: 

“Trasponendo nella nostra lingua 

l’arduo e composito tessuto linguistico 

della sua opera estrema, Joyce fornisce 

un inarrivabile esempio di come si possa 

rinnovare radicalmente la lingua d’arrivo 

restando profondamente fedele alla 

lingua di partenza”. Quanto ai due 

canti di Pound, il 72 e il 73, Brugnolo li 

definisce addirittura come il più notevole 

esempio, nella letteratura italiana 

del Novecento, di poesia epica, “ma si 

tratta, né più né meno, di epica fascista”. 

Al di là del giudizio politico, rimane 

il fatto che questi scrittori volessero 

rendere omaggio alla nostra lingua, e 

insieme, così facendo, le recassero doni 

tanto inattesi quanto preziosi.

VIVAVERDI 

40 

cinema 

I 60 ANNI DI FILMCRITICA 

DA GODARD 

A CAMERON 

di Franco Montini 

Quando nel dicembre 1950 uscì il primo 

numero di Filmcritica, che in copertina 

aveva una fotografia di Farley Granger e 

Adele Jergens, tratta dal film La porta dell’inferno 

di Mark Robson, Edoardo Bruno 

aveva 22 anni. Da allora la direzione della 

rivista non è mai cambiata e anche oggi 

il fondatore continua a lavorare alla sua 

creatura con l’entusiasmo di un ragazzino. 

“Il segreto della longevità di Filmcriticaspiega 

Edoardo Bruno, docente universitario 

di storia del cinema ed autore nel 

1969 di un film come regista, intitolato La 

sua giornata di gloria- sta proprio nella voglia 

e nella scelta di dedicare la maggior 

parte del mio tempo e delle mie energie 

creative alla rivista. Confesso che Filmcritica 

è la cosa che più mi ha interessato e alla 

quale ho sacrificato, senza alcun rimpianto, 

numerose occasioni di lavoro e di 

carriera. 

Ma naturalmente -prosegue Bruno- 

Filmcritica non sarebbe potuta vivere tutti 

questi anni e continuare a godere di buona 

salute, se non avessimo potuto contare 

sull’apporto di molti collaboratori illustri 

e prestigiosi, a cominciare proprio dalla 

nascita. La rivista, infatti, poté avvalersi 

della protezione e dell’incitamento di tre 

Per il cinema sessant’anni rappresentano uno spazio temporale equivalente ad 

un’era glaciale. Fra il cinema del 1950 e quello di oggi le differenze sono abissali, 

sia sul versante artistico, che tecnologico, che economico. In questi sessant’anni è 

cambiato il linguaggio del cinema; sono tramontati generi di successo e ne sono 

nati di nuovi ed inediti; si è registrata una rivoluzione per ciò che riguarda le 

tecniche di ripresa e le modalità produttive; sono profondamente mutate le forme 

di consumo dei film. Insomma qualsiasi confronto è impossibile, perché ci 

troviamo di fronte a due mondi distanti anni luce, senza alcun elemento in 

comune, tranne l’eccezione di una rivista, Filmcritica; perché la pubblicazione, 

fondata da Edoardo Bruno, che nacque proprio in quel cinematograficamente 

lontanissimo 1950, continua regolarmente ad uscire ed ha brillantemente superato 

il seicentesimo numero. Ne parliamo col suo direttore. 

sacri numi tutelari: il regista Roberto Rossellini, 

il filosofo Galvano Della Volpe e il 

critico Umberto Barbaro. La presenza di 

queste tre figure, tre intellettuali difficilmente 

etichettabili, tutti nel proprio campo 

in qualche modo eretici, prefigura la 

caratteristica saliente della politica culturale 

di Filmcritica, che si batte per il buon 

cinema, aborrendo ogni ideologismo, spaziando 

a 360° in tutti i continenti, mescolando 

interessi e attenzione per la produzione 

di Hollywood e per quello che fu il 

cinema sovietico; per il classicismo e la 

sperimentazione; con una particolare sensibilità 

a cogliere il nuovo e l’emergente”. 

In effetti consultando anche sommaria- 

La copertina del primo numero della famosa 

rivista cinematografica fondata e diretta fino ad 

oggi da Edoardo Bruno. Sui 60 anni della rivista è 

uscita in questi giorni una bella antologia dal titolo 

Il senso come rischio Le mani editore 

mente la collezione di Filmcritica, ci si accorge 

che gli autori di culto della rivista sono 

numerosi e assai diversi fra loro. Sul 

fronte del cinema italiano, i registi sicuramente 

più amati sono stati e sono Rossellini, 

Pasolini, Bellocchio; per ciò che riguarda 

gli stranieri si va da Robert Bresson 

e Jean-Luc Godard, ad Alfred Hitchcock 

e Clint Eastwood; da Orson Welles 

e Manuel de Oliveira, a Straub/Huillet e 

Raoul Ruiz; da Blake Edwards ad Amos 

Gitai. A conferma delle predilezioni di 

Filmcritica basterebbe, del resto, scorrere 

l’elenco del premio “Maestri del Cinema”, 

ideato dalla rivista con l’appoggio del 

Comune di Roma, che, in tredici anni, ha

premiato anche Billy Wilder, Vincent Minnelli, 

Stanley Donen, Roman Polanski e 

Martin Scorsese. 

“Filmcritica- fa notare Bruno- ha sempre 

preferito assumere il rischio di una critica 

militante, esercitata sui film, senza troppi 

salvagenti teorici, nella convinzione che 

i film siano parte integrante e determinante 

della teoria stessa, che essi, anzi, 

possano contribuire a fondarla, più che riceverne 

legittimazione a posteriori”. Come 

scrive Alessandro Cappabianca, uno 

dei più assidui collaboratori della rivista 

nella postfazione al volume Senso come 

rischio/60 anni di Filmcritica, appena 

pubblicato da Le Mani, in occasione dell’ 

anniversario: “Questo spiega perché, nel 

periodo di maggior virulenza accademica 

di mode tipo ‘semiotica e/o psicanalisi’, la 

rivista non se ne lasciasse sommergere, 

pur ospitando importanti contributi di 

C.Metz (Sulla connotazione), Bellocchio 

(Cinema come terapia), Sainati (La semiotica 

del film e il problema del sentire), 

ecc. Sul piano della psicanalisi, l’incontro 

con certe formulazioni lacaniane era in una 

certa misura inevitabile, ma teniamo a sottolineare 

il contributo originale apportato 

in proposito da un outsider come Matte 

Blanco (come si evince dal suo intervento 

Sulla creazione artistica). Analogamente 

all’infatuazione per il presunto 

‘cinema politico’, che aveva portato a 

sopravvalutazioni e grosse cantonate, la 

rivista era sfuggita grazie alla nozione 

di cinema ‘poetico-politico’, che intendeva 

significare l’illusorietà di veicolare 

qualunque contenuto progressista 

o rivoluzionario senza contemporaneamente 

modificare o rivoluzionare 

le forme del linguaggio”. 

Come si legge nel numero 1 della rivista, 

la prima redazione di Filmcritica era ubicata 

a Roma in via Aurelio Saffi 20. “Eraspiega 

ancora Bruno- la casa di mia madre 

e in una stanzetta ci riunivamo per discutere 

dei film e impostare il timone di 

ciascun numero. Fra i primi e più assidui 

collaboratori ricordo Callisto Cosulich, 

Nino Ghelli, Virgilio Tosi, Enrico Rossetti. 

La distribuzione e la diffusione della 

rivista era affidata alla Federazione dei 

Circoli del Cinema, all’epoca un circuito 

di cineclub e cineforum, legato al PCI, assai 

attivo e diffuso su tutto il territorio nazionale. 

Da molti anni la redazione, sempre 

romana, si è trasferita in piazza del 

Grillo 5, mentre lo storico archivio della 

rivista, ricchissimo di immagini, documenti 

e materiali vari, è stato recentemente 

donato al Museo del Cinema di Torino, 

che sta provvedendo alla sua catalogazione 

e digitalizzazione. 

L’importanza culturale di Filmcritica è fuori 

discussione; anche se le riviste cinematografiche 

italiane non hanno avuto lo stesso 

peso e la stessa importanza di analoghe 

pubblicazioni prodotte in altri paesi, si 

pensi solo ai Cahiers du cinema in Francia, 

è grazie a Edoardo Bruno e al suo gruppo 

che nel nostro paese si sono potuti conoscere 

testi altrimenti destinati a restare 

ignoti. Fu proprio Filmcritica a pubblicare 

in un apposto quadernetto negli anni 

’50 Il verosimile filmico, un fondamentale 

testo di Della Volpe e La poesia del 

film di Barbaro, titolo quasi sacrilego per 

un testo a firma di un giornalista che all’epoca 

era il critico de L’Unità. Ma sulla 

rivista sono apparse anche illuminanti interventi 

di André Bazin; di Sergej Eizenstejn 

quando in Italia non sia era ancora 

pubblicato nulla; di Tullio Kezich, che, con 

un articolo sul western, suscitò un lungo 

dibattito a proposito del realismo nel cinema 

americano. Un’altra firma che ricorre 

spesso sulla rivista è quella di Pier 

Paolo Pasolini: “Lo incontrai per la prima 

volta -ricorda Bruno- alla festa per il numero 

100 della rivista, che organizzammo 

presso la galleria d’arte di Mario Penelope 

a via Margutta. Non so come, arrivò anche 

Pasolini, il quale ci esternò tutta la sua 

ammirazione e il suo interesse per il no- 

41 

stro lavoro e si offrì di scrivere qualcosa 

per noi. Da allora ci fu sempre molto vicino 

e si mostrò assai disponibile a intervenire 

anche per incontri, dibattiti, tavole 

rotonde. Non posso dimenticarne una assai 

interessante organizzata con lui e con 

Mauro Bolognini”. 

Ma la redazione di Filmcritica è stata anche 

una palestra di serrati confronti culturali, 

dove si sono formati e sono cresciute 

intere generazioni di critici destinati a più 

vari e diversi approdi. Negli anni più intensi 

della contestazione, poco prima del 

mitico 1968, si registrò anche una sorta di 

fuoriuscita dalla rivista con un gruppo di 

allora giovani critici, Adriano Aprà, Luigi 

Faccini, Maurizio Ponzi, Stefano Roncoroni, 

che abbandonarono polemicamente 

Filmcritica per dar vita all’intensa e breve 

stagione di un’altra rivista di tendenza 

Cinema e Film. 

Infine sarebbe interessante sapere come, 

dal 1950 ad oggi, si sia modificato il rapporto 

fra Filmcritica e il proprio pubblico. 

“E’ una domanda alla quale- fa notare 

Edoardo Bruno- non è affatto semplice rispondere. 

Filmcritica, come del resto tutte 

le riviste italiane di cinema, ha avuto e 

continua ad avere una diffusione limitata. 

Da tempo immemorabile abbiamo dovuto 

rinunciare ad una distribuzione nelle 

edicole ed oggi sta diventando sempre più 

complicato essere presenti anche nelle librerie. 

Direi che il rapporto con i lettori è 

cambiato nella misura in cui si è trasformata 

la cinefilia, fino a qualche anno fa, 

molto rigorosa, oggi per fortuna, più aperta, 

più spensierata, più disponibile al confronto, 

senza più l’ostracismo nei confronti 

di tutto ciò che raggiunge un successo popolare, 

come se questa cosa fosse necessariamente 

sinonimo di scarsa qualità e 

nessun interesse. In uno degli ultimi numeri 

della rivista, ci siamo ampiamente 

occupati di un film come Avatar; in tempi 

passati, riuscire a scrivere del film di Cameron 

sarebbe stato meno scontato”. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

42 

personaggi 

RADIO 

I MIEI VENTICINQUE ANNI 

DAVANTI A UN MICROFONO 

di Fiamma Satta 

Il primo programma cui presi parte (La 

strana casa della formica morta) fu frutto 

di sperimentazione estiva (luglio, agosto 

e settembre) fortemente voluta dal 

Direttore di allora, Corrado Guerzoni e 

dalla sig.ra Lidia Motta, storico capostruttura 

di Radio2. Affidarono tre ore di 

diretta pomeridiana, fra parole e musica 

a cinque ragazzi che avrebbero dovuto fingere 

di essere rinchiusi in una casa di 

campagna, lontani da amici e parenti. Lì 

avrebbero messo alla prova la loro compatibilità, 

le loro idiosincrasie, le loro capacità 

o incapacità nella preparazione di 

idee e materiali audio per un programma 

che sarebbe andato in onda in ottobre. 

Inoltre le loro personali unicità, così lontane 

le une dalle altre in fatto di scelte 

musicali e non, avrebbero composto tendenze 

e gusti giovanili, tutto all’insegna 

della diversità come valore. I cinque erano 

“inconsapevoli” di essere continuamente 

spiati dalla rete con microfoni nascosti 

nella casa, in modo che quel loro 

stare insieme e quei loro goffi tentativi di 

preparazione del futuro programma autunnale 

rappresentavano in realtà la diretta 

del programma stesso. Oggi è inevitabile 

trovare in quell’idea assoluta- 

Mi son seduta per la prima volta in vita mia davanti ad un microfono di Radio2 

il primo luglio 1985 e mi sono alzata il primo gennaio 2010: venticinque anni 

dopo. Una semplice informazione che non serve ad introdurre anniversari o 

autocelebrazioni, ma la mia obiettiva opportunità di osservare sul campo 

alcuni cambiamenti radiofonici di questi ultimi venticinque anni. Ad esempio la 

scomparsa dei rumori, importante ausilio dell’immaginazione e la mancanza di 

pause nella conduzione, due dei tanti fattori di un’omologazione dei programmi 

radiofonici che puntano ormai, invariabilmente, sull’intervento quotidiano degli 

ascoltatori tra mail, sms e telefonate. 

mente folle un’eco anticipatrice del Grande 

fratello, ma allora la follia di quello 

strampalato programma aveva un nome: 

sperimentazione. Ma un po’ di ardimento, 

di ottimismo e di follia non sono forse 

alla base di ogni esperimento? All’epoca, 

dunque, davanti ai miei occhi avvenivano 

continuamente sperimentazioni 

fra i giovani aspiranti autori-conduttori, 

con la consapevolezza che i giovani 

costituiscono energia vitale che spinge in 

avanti il mondo, rivoluzionandolo. Ricordo 

bene come storcevo la bocca davanti 

ai suggerimenti di chi pretendeva 

tra uno spazio e l’altro, una situazione e 

l’altra, i cosiddetti “siparietti”. Solo la parola 

mi faceva rabbrividire. E allora spingevamo, 

noi giovani di allora, sempre un 

Fiamma Satta coautrice e conduttrice insiema a Fabio 

Visca della notissima trasmissione radiofonica 

Fabio e Fiamma in onda su Radio Rai 2 dal 1987 

Foto Patrizia Savarese 

poco più in là la volontà di annullare quei 

benedetti “siparietti” considerandoli reperti 

di antiquariato. E venivano inventati 

nuovi modi di rivolgersi al pubblico, 

magari anche con la rappresentazione di 

un finto privato che fosse in grado di 

esprimere i cambiamenti reali della società. 

Ed è così che sono nate le sit-com 

quotidiane di Fabio e Fiamma che hanno 

raccontato, per esempio, lo stato dei 

single e successivamente la crisi della 

coppia, in varie formule: dalla litigiosa 

convivenza in casa di due amici non legati 

sentimentalmente, alla litigiosa convivenza 

dei medesimi davanti ai microfoni 

di uno studio radiofonico, alle prese 

con una folle e surreale “Posta del cuore”, 

in cui i loro problemi tragicomici

(fiction) erano preponderanti rispetto a 

quelli degli ascoltatori (realtà). Così, sotto 

lo sguardo attento di Sergio Valzania, a 

lungo direttore di Radio2, Fabio e Fiamma 

e la trave nell’occhio ha raccontato una 

lunga storia seguendo il filo continuo delle 

1800 puntate di una sit-com a due voci 

e centinaia di personaggi, e scritta quotidianamente. 

Senza mai perdere di vista 

una lontana ma ben precisa provenienza: 

conservo ancora molto gelosamente 

una cassetta audio che la signora Motta, 

nel febbraio del 1987, ci consegnò con 

aria solenne alla vigilia del primo Fabio e 

Fiamma, suggerendoci di ascoltarla (in 

realtà era un ordine!). Conteneva un paio 

di formidabili sketch interpretati da 

Rina Morelli e Paolo Stoppa nei panni di 

“Eleuterio e Sempre mia”, nel Gran Varietà 

di Radio2. E’ banalmente vero che 

ogni rivoluzione si trasforma pian piano, 

ma inesorabilmente, in tradizione, però 

ritengo che nella radiofonia, di rivoluzione 

in rivoluzione, forse qualcosa di 

prezioso si sia comunque perso per strada. 

Per esempio i rumori. Ma è un vero 

peccato averne fatto a meno perché essi 

sono fondamentali per evocare un’atmosfera 

e per stimolare l’immaginazione di 

chi ascolta, che non può e non deve essere 

esclusivamente riservata e relegata alla 

domanda: “che aspetto avrà quel conduttore, 

quella conduttrice?”. Proprio 

perché viviamo in un mondo stracolmo 

di immagini sarebbe stato forse opportuno 

mantenerne privo lo spazio radiofonico 

(webcam permettendo!). 

I rumori sono in grado di mostrare davvero 

quel che sta avvenendo in quel momento, 

in quello spazio radiofonico. A 

questo proposito mi viene in aiuto il teatro: 

la versione televisiva del 1962 di Sabato, 

Domenica e Lunedì di Eduardo De 

Filippo andò irrimediabilmente perduta 

per la disattenzione di un funzionario 

che registrò, su quel nastro prezioso, altro 

materiale. Fortunatamente ne esiste 

una versione radiofonica conservata gelosamente 

dalle Teche Rai. Alla fine del 

primo atto Rosa, la straordinaria Regina 

Bianchi, è sola in cucina. Nel testo della 

commedia Eduardo scrisse questa didascalia: 

“Ora va alla dispensa e trae da essa 

una cartata di maccheroni di zita e una 

grande insalatiera. Sempre lentamente 

si avvicina al tavolo e si dispone a spezza-

VIVAVERDI 

44 

personaggi 

re i maccheroni. Il sipario scende lentamente 

e allontana insieme ai singhiozzi 

repressi della donna e qualche frase mozza, 

pure quel tinnire allegro e promettente 

degli ziti spezzati che la mano esperta 

lascia cadere nella grande stoviglia di 

porcellana.” E davvero, ascoltando la versione 

radiofonica di Sabato, Domenica e 

Lunedì, quel “tinnire allegro”, quel piccolo 

rumore cadenzato nel vuoto radiofonico, 

diventa straordinario e mostra 

tutta la solitudine e la tristezza della protagonista. 

Tornando all’oggi, ricordo sempre 

con piacere l’uso geniale che Fiorello 

ha sempre fatto del rumore in radio. 

Ne ebbi la netta percezione un giorno che 

ho assistito in sala B ad una puntata di Viva 

RadioDue: era ospite Daniel Ezralow, 

il noto ballerino-coreografo che fu convinto 

da Fiorello a inscenare con lui un 

balletto “radiofonico” salendo insieme 

su fogli di giornale stesi per terra. Un paio 

di microfoni erano stati abbassati all’altezza 

delle loro scarpe e quando i due 

hanno cominciato a ballare tenendo i piedi 

più incollati possibile a terra, i giornali 

strusciati in quel modo producevano 

una particolarissima sonorità... Ricordo 

bene anche quella volta che Fiorello irruppe 

in studio mentre eravamo in diretta 

portando in dono un grande uovo di 

Pasqua in segno di augurio. Mi sedette accanto 

e volle stropicciare vicino al microfono 

la carta stagnola con cui era avvolto 

l’uovo “per far sentire agli ascoltatori” il 

rumore prodotto e farli partecipare così 

alla “verità” e all’atmosfera di quel momento 

gioioso. A parte Fiorello, la percezione 

del valore del rumore in radio è andata 

quasi completamente perduta, e i rumori 

sono stati archiviati, e addirittura 

sconsigliati come inutili accessori. 

C’è anche un altro elemento che è pian 

piano sparito dall’etere: le pause durante 

un discorso, un dialogo, un semplice 

commento. Ovviamente in radio il vuoto 

è spaventoso, ma la pausa, quando non è 

eccessivamente prolungata, non è sempre 

un vuoto perché può rappresentare 

un momento di riflessione, un ripensamento, 

può far immaginare un tormento 

interno, può precedere uno scoppio di 

risa, può essere voluta per sottolineare 

ironia o disappunto, può far intendere 

intenzioni nascoste o far immaginare un 

sottotesto, può insomma far trapelare il 

reale stato d’animo del conduttore. Una 

giusta pausa può concorrere quindi a rafforzare 

la magnifica e auspicabile intimità 

con gli ascoltatori, attenti e ben attrezzati 

ad interpretare anche il significato 

di un sospiro. Eppure ormai la parola 

d’ordine per i conduttori sembra essere 

“chi si ferma è perduto”, in una ricerca 

spasmodica e frenetica di ritmo, rapidità, 

velocità. Il risultato è un’omologazione 

del cosiddetto “sound” in cui tutti 

parlano con gli stessi ritmi, con cadenze 

simili, con la stessa velocità. Ciò che è 

invece aumentato a dismisura è l’uso pubblico 

del privato. Mi riferisco all’intervento 

massiccio degli ascoltatori che, attraverso 

mail, sms e telefonate, si raccontano, 

determinano tendenze e rappresentano 

ormai l’ossatura sostanziale 

dei programmi che sono fatti da loro e 

non più scritti da autori, per loro. Così il 

lavoro stesso degli autori risulta notevolmente 

ridotto ma, ancora una volta, si rischia 

un’ulteriore omologazione dei programmi 

la cui struttura risulta molto simile 

(lancio del tema, interventi degli 

ascoltatori) e il risultato è una certa uniformità 

della programmazione. Credo che 

fra i compiti di un autore, soprattutto 

quelli che lavorano nel servizio pubblico, 

ci dovrebbe essere l’impegno di mettere 

la propria creatività e professionalità 

proprio al servizio del pubblico, e non 

il contrario. Dal 2005 anche l’ultima formula 

di Fabio e Fiamma si è dovuta adeguare 

a questa tendenza (mi viene in 

mente lo slogan arboriano “non capisco 

ma mi adeguo”) e son stati abban- 

donati personaggi, situazioni surreali e 

non, storie, ambientazioni, rumori per 

dedicarsi esclusivamente alla posta del 

cuore, con i relativi commenti telefonici 

degli ascoltatori. 

Per concludere, nel corso di questi 25 anni 

davanti ai microfoni di Radio2 qualcosa 

invece non è cambiato mai: la mia convinzione 

che la radio non è assolutamente 

mai stata “la sorella povera della televisione” 

e mai lo sarà, ma se proprio deve 

pregiarsi di una parentela allora sì, è 

quella con il teatro. Anche per questo mi 

ha sempre fatto un po’ sorridere chi ha 

pensato di rivoluzionare la radio portandovi 

dentro “i televisivi”. Il percorso è 

sempre stato poco fruttuoso perché la radio 

possiede ciò che alla tv mancherà 

sempre, la capacità di stimolare nel pubblico 

l’immaginario. E perché chi vive di 

sola immagine si troverà forse un po’ a 

disagio nel regno della parola. Anche il 

percorso inverso mostra notevoli difficoltà, 

per questo è stato spesso molto difficile 

trasportare in tv programmi radiofonici 

di successo, a volte impossibile. E’ 

riuscito a pochissimi, forse solo a Fiorello, 

ma lui è un caso a parte, un’eccezione 

che conferma non solo la sua indiscutibile 

bravura (sia davanti ad un microfono, 

ad una telecamera o alla platea di un 

teatro) ma anche la regola dei difficili travasi 

dalla radio alla tv e viceversa. 

Vorrei finire esprimendo una mia convinzione 

nata dall’esperienza di autrice e 

conduttrice: gli ascoltatori radiofonici 

non sono affatto un “pubblico bue” ma, 

al contrario, sanno ben apprezzare l’intrattenimento 

intelligente, divertito e divertente, 

fatto da creatività, cultura, poesia, 

garbo e ironia. E che sia perciò fondamentale 

responsabilità dell’autore radiofonico 

(e televisivo) offrire tutto questo. 

E poi, in fondo, è risaputo che scrivere 

è facilissimo: basta sedersi davanti 

al computer finché la fronte non comincia 

a sanguinare…

VIVAidee 

foto Paolo Ranzani 

APPUNTI & CONTRAPPUNTI 

SE LA SIAE MANCA 

DI COMUNICAZIONE 

E NON SE NE 

ACCORGE 

di Gianni Minà 

Nell’ultima riunione dell’Assemblea 

della Siae è stato deciso il passaggio 

della periodicità di Vivaverdi, da 

bimestrale a trimestrale, per ridurre i 

costi. Io ho votato contro e qui provo 

a spiegare perché. 

Ad un certo punto dell’ultima Assemblea 

della Siae, in un momento di stanca dopo 

quasi tre ore di discussioni snervanti sugli 

assetti futuri e i problemi attuali dell’azienda, 

è stato posto in votazione anche 

l’argomento riguardante la riduzione dei 

costi di Vivaverdi. 

Noi del comitato editoriale ne avevamo 

parlato nelle settimane precedenti con il 

direttore generale, dott. Blandini, facendo 

l’elenco di tutte le iniziative che si potevano 

intraprendere per raggiungere questo 

obiettivo. Riduzione del formato, incontro 

con la direzione delle Poste per possibili 

agevolazioni, visto che quella della 

spedizione è la spesa più alta del bilancio 

della nostra rivista, razionalizzazione delle 

spese grafiche e tipografiche, ricerca di 

sponsor, riduzione delle uscite di Vivaverdi 

da bimestrale a trimestrale. 

Quest’ultima era da parte nostra l’eventualità 

meno auspicabile, per tanti e chiari 

motivi che più avanti spiegheremo, e che 

quindi reputavamo dovesse essere l’ultima 

delle azioni da intraprendere. La riduzione 

delle uscite è stata invece votata, con 

il voto contrario del sottoscritto e l’astensione 

di Antonella Bolelli-Ferrera, senza 

che ci fosse una preventiva discussione, 

credo per stanchezza di tutti, anche mia 

che sono l’unico del comitato editoriale ad 

essere membro dell’Assemblea. 

Pochi minuti dopo questa votazione ho, 

però, recuperato e riproposto il tema interrompendo 

la discussione già in corso 

sul successivo argomento all’ordine del 

giorno e ho capito che molti degli stessi 

membri che avevano votato quella diminuzione 

alla circolazione di Vivaverdi erano 

già perplessi su una decisione che penso 

di poter definire autolesionistica. 

Avevamo già attuato, nell’ultimo numero, 

la riduzione del formato e delle spese 

di tipografia e grafica. Pensavamo, così, 

di dover aspettare il risultato degli incontri 

con le Poste o con i possibili sponsor 

prima di prendere qualunque altra decisione, 

ma evidentemente non c’è stata 

possibilità di chiarire adeguatamente ai 

membri dell’Assemblea il nocciolo del 

problema. 

Un nocciolo che, come iscritto a cinque 

sezione dell’azienda, come componente 

dell’Assemblea per la sezione Olaf e come 

militante da cinquant’anni del mondo dei 

media, ho individuate, in sintonia con i 

colleghi del comitato editoriale, proprio 

nella mancanza di una adeguata comunicazione 

della Siae con l’esterno. 

Ma come? Siamo un’azienda assediata, che 

non riesce a chiarire con l’esterno i sacrosanti 

diritti di chi produce opere di inge- 

45 

VIVAVERDI 

gno e la prima cosa che facciamo è quella 

di diminuire la circolazione della nostra 

rivista, che non è solo l’unico mezzo di informazione 

sulla vita e sulle esigenze della 

Siae, ma anche l’unica rivista di cultura 

musicale, cinematografica, letteraria, televisiva, 

teatrale, e di arti grafiche e figurative 

che affronta con un tono elevato il 

racconto di questo mondo. 

Oltretutto la difesa della cultura, al di là di 

qualunque interesse, è la risorsa indiscutibile 

che giustifica la nostra stessa esistenza 

come Società Autori ed Editori. 

Siamo infatti un’associazione che, semmai, 

avrebbe bisogno di un incremento 

più consistente, di investimenti nella 

comunicazione e non di una riduzione 

degli spazi. 

Ci sono tanti altri settori dove si può risparmiare 

o tanti altri modi di farlo, come 

ad esempio tentare di far uscire Vivaverdi 

allegato ad un quotidiano nazionale. 

Infine, per esperienza diretta, come piccolo 

editore, voglio segnalare che nel caso 

in cui si pensasse di mettere Vivaverdi 

nel web, bisognerebbe prendere atto che 

questa scelta presupporrebbe, attualmente, 

un incremento e non una riduzione di 

costi a causa del personale necessario ad 

una simile operazione. 

Ridurre ora le uscite di Vivaverdi, insomma, 

significherebbe trasmettere un segnale 

di precarietà, non di buona salute 

dell’azienda. 

I media già ci ignorano o ci indicano incorrettamente 

come sfruttatori dei giovani 

clienti del nostro prodotto. Vi sembra 

opportuno, chiedo allora alla base associativa, 

rinunciare anche solo a due numeri 

in più all’anno dell’unica pubblicazione 

che spiega il nostro mondo, i nostri 

problemi e racconta parte della storia della 

cultura italiana con una tiratura, ogni 

numero, di centomila lettori di partenza? 

g.mina@giannimina.it

VIVAVERDI 

46 

musica 

INTERVISTA A FABRIZIO DE ROSSI RE 

TRA JAZZ E TRADIZIONE 

di Cristina Wysocki 

Mio padre, avvocato, era anche un pianista 

di jazz. Stimolato da lui come jazzista, 

sono molto legato all’improvvisazione, 

a una artigianalità di famiglia un 

po’ spicciola, su cui però si è innestato 

il fattore tecnico, dato dal conservatorio: 

le due strade hanno una forza viva, 

che mi serve a realizzare quello che più 

mi interessa. La pratica artigianale legata 

all’improvvisazione e la scrittura 

fatta di nozioni tecniche, di strutture, 

di forma, mi hanno messo nelle condizioni 

di crearmi una strada originale, 

che può essere bella, può piacere o no, 

ma essere comunque personale, per cui 

scrivo sempre più spesso musica che è 

vicina a quella che improvviso. Ho dei 

grandi predecessori sotto quest’aspetto, 

a partire da Chopin, la cui musica è 

tutta una trascrizione delle sue improvvisazioni, 

strutturate poi in un tema e 

uno sviluppo, o anche Debussy, in grado 

di improvvisare tranquillamente per 

ore. Compositori che hanno un certo 

spirito jazzistico. La scrittura musicale, 

da metà dell’800 in poi, ha fatto un po’ 

da padrona, con una scuola intimamente 

legata alla partitura, mentre in tutti i secoli 

precedenti la pratica improvvisati- 

Ha scritto lavori cameristici e opere radiofoniche, teatro musicale e colonne 

sonore di scena. Più che di ricerca, nel caso di Fabrizio De Rossi Re, bisogna 

parlare della realizzazione effettiva di uno stile personalissimo, di una sintesi 

che innesta il jazz sulla tradizione, l’improvvisazione sulla notazione in 

partitura, il teatro antico su un teatro dinamico, ‘performativo’. Un talento 

multiforme che si esprime in tante diverse proposte concrete per il futuro della 

composizione musicale. 

va era fondamentale. Tutto ciò mi ha 

aiutato anche per il teatro musicale. Più 

che a un teatro museale come si usa fare, 

cioè l’opera con tutti gli orpelli tipici, 

come i cantanti e l’orchestra, credo 

in un teatro che fa paradossalmente riferimento 

al teatro più antico. Nelle partiture 

della scuola napoletana, Leo, Jommelli, 

Paisiello, c’erano degli spazi immensi 

per l’improvvisazione e per l’armonizzazione 

al basso continuo. Io ho 

adottato questa pratica in tutto il mio 

teatro abbastanza recente, dal 2002 in 

poi, sempre con musicisti dentro alla 

scena, proprio per permettere questo 

spirito performativo. 

Lei dimostra un certo interesse per i 

timbri degli strumenti a fiato, un timbro 

che si collega alla voce, quindi alla 

vocalità e al teatro… 

Il filo rosso è assolutamente giusto. Vi- 

sta la mia formazione di base jazzistica, 

il suono dello strumento a fiato è una 

componente importante della mia logica 

musicale. Nel jazz l’uso della voce 

è abbastanza strumentale e le grandi 

cantanti, come Ella Fitzgerald, hanno 

una duttilità grandissima, piegano anche 

una canzone semplice a una drammaturgia. 

Questo, per me, è già teatro 

puro. Sono un musicista che si muove 

nelle pieghe di un mondo che offre una 

tavolozza estremamente ricca. Il teatro 

è un passo immediatamente successivo, 

perché un teatro che funziona, oggi, 

ha bisogno di uno spirito performativo. 

Abbiamo tali e tanti monumenti 

nel teatro musicale passato, lavori scritti 

straordinariamente bene, che hanno 

un po’ esaurito il genere…Oggi è assolutamente 

necessario trovare un’altra 

strada, fatta di una mescolanza di lin-

guaggi. Le mie opere sono piene di suggestioni 

varie, possono esserci improvvisi 

tanghi, poi situazioni astrattissime, 

poi magari una canzone…tutto questo 

richiede però una particolare scelta degli 

interpreti. Ho lavorato splendidamente 

con Paola Cortellesi, un’attrice 

che gioca tutto sulle voci, sulle imitazioni, 

sui suoni, per Musica senza cuore, 

tratta dal libro Cuore di Edmondo de 

Amicis, su libretto di Francesca Angeli, 

dove lei faceva tutti i personaggi con 

le varie voci: la maestra, l’insegnante, il 

bimbo, tutte al femminile. Il teatro andrebbe 

proprio creato in questa dimensione, 

sfruttando le attitudini particolari, 

improvvisando in un certo modo, 

prendendo questo dato e immettendolo 

all’interno del discorso di 

un’opera. 

Parliamo anche dell’interesse e dell’intervento 

sui testi da musicare, testi tradizionali 

che vengono rimanipolati… 

Anzi trasgressivamente trasformati… 

Una delle esperienze per me più interessanti 

è stata un’opera radiofonica, 

Terranera, tratta da un libro splendido, 

Esercizi di Tiptologia di Valerio Magrelli, 

e commissionata da Rai Radiotre. In 

quell’occasione mi sono veramente reso 

conto del peso del testo: quando scrive 

un’opera, il compositore cambia, taglia, 

sposta, toglie l’aggettivo…poi in 

scena il canto fa funzionare tutto. Pensavo 

che il testo dovesse essere schiavo 

della musica, che non solo è un valore 

aggiunto, ma anzi può aprire un mondo. 

Ma dal testo di Magrelli non ho tolto 

una virgola, c’era un flusso di suono 

poetico assolutamente musicale! 

Un linguaggio musicale e una ricerca 

espressiva che si stanno indirizzando 

verso… 

Anche se oggi è una parola abusata, parlerei 

di contaminazione…può voler dire 

tutto o niente, ma è difficilissimo rispondere 

bene se non con delle frasi 

fatte. Al di là della mia formazione jazzistica 

sono sempre stato molto legato 

alla musica barocca, con uno strano innesto 

delle due forme. Sento di essere 

alla ricerca di questa fusione tra musica 

estremamente tradizionale, con 

idee che invece siano estremamente 

trasgressive, riuscendo a mettere l’uno 

dentro l’altro con consequenzialità, 

senza giustapporli ma creando quasi 

dei linguaggi paralleli tra uno e l’altro: 

questo per me è un vero divertimento! 

Così mi trovo a scrivere pezzi che ab- 

biano anche una dimensione ludica, 

con una voglia di fare al di là delle convenzioni, 

anche dal punto di vista della 

ricerca musicale. 

Come viene accolta la musica “seria” attuale 

da parte delle istituzioni? 

All’estero c’è una vitalità che purtroppo 

noi non abbiamo. Non è tanto il solo 

fatto economico, è anche una mentalità. 

Ho scritto sempre con grandissimo 

piacere musica per i documenta-

i, sceneggiati, serial tv: anche questo 

significa esistere nella musica. Ma volendo 

incontrare qualche direttore artistico 

era un settore un po’ da nascondere, 

cosa che ho riscontrato solo nel 

nostro Paese. In Inghilterra o in America, 

soprattutto, un compositore può 

da una parte scrivere la musica per lo 

spot pubblicitario e dall’altra un’opera 

per la Carnegie Hall, perché è un musicista! 

Qui invece no. Perché questa schizofrenia 

dei due mondi? Spero che le 

cose in Italia stiano cambiando e non ci 

sia più l’idea del musicista con la M maiuscola, 

che compone solo cose di un 

certo tipo, e poi c’è la musica di serie a, 

b, c, d…Secondo me tutto parte dalla 

formazione musicale che abbiamo in 

Italia, il problema è sempre lì. Il pubblico 

americano o inglese, anche di generazioni 

diverse, è abituato a mettere 

sullo stesso piano Schönberg e Ray 

Charles o Stravinskij e Frank Zappa. Qui 

abbiamo invece un pubblico falsamente 

indirizzato a pensare che ci sia la musica 

seria, quella leggera, eccetera. Ecco 

perché poi abbiamo dei vuoti impressionanti, 

un enorme distacco dal 

pubblico. 

Solopiano, l’ultima fatica, fatto di memoria, 

di immaginazione… 

E’ una composizione particolarissima, 

nata in uno studio di registrazione. Ho 

suonato per due ore di fila… ne è stato 

tratto un montaggio stranissimo in 10- 

11 pezzi, dando una forma a una serie di 


Fabrizio De Rossi Re è nato il primo agosto 

1960 a Roma. Si è diplomato al conservatorio 

di Santa Cecilia ma nella sua formazione sono 

stati importanti anche gli incontri con Sylvano 

Bussotti, Salvatore Sciarrino e Luciano Berio. 

Iscritto alla Siae dal 1979, attualmente insegna 

Elementi di composizione per didattica della 

musica presso il Conservatorio Giovan Battista 

Pergolesi di Fermo. Nella sua copiosa produzione 

(che comprende collaborazioni illustri 

con il Teatro dell’Opera di Roma, l’Accademia 

Filarmonica Romana e l’Accademia Nazionale 

S.Cecilia) si segnalano opere di teatro musicale 

come Biancaneve ovvero il perfido candore, 

su libretto proprio (1993), Cesare Lombroso o 

il corpo come principio morale, su libretto di 

Adriano Vianello (2001), Musica senza cuore, 

azione musicale grottesca liberamente tratta 

dal libro Cuore su libretto di Francesca Angeli 

con Paola Cortellesi, rappresentata a Roma nel 

2003, le opere radiofoniche Terranera (radiofilm 

su testo di Valerio Magrelli prodotto dalla 

Rai per la regia di Giorgio Pressburger, 1994) 

e Orti di guerra (striscia quotidiana di musica 

e poesia su testi di Edoardo Albinati, prodotta 

da Rai RadioTre, 1995) e la musica scritta per 

la danza, L’ombra dentro la pietra (gruppo Entr’acte 

- produzione di Roma Europa Festival 

1996 e del Teatro Hebbel di Berlino 1997). Ha 

scritto ed interpretato le musiche di scena per 

lo spettacolo Elettrotauri, su testo di Luis Gabriel 

Santiago (Spoleto, 2004). 

Paola Cortellesi in Musica senza cuore, azione musicale 

grottesca per attrice, voce femminile, flauto, pianoforte, 

tastiera ed elettronica del compositore Fabrizio De Rossi 

Re, liberamente tratta dal Cuore di Edmondo De Amicis su 

libretto di Francesca Angeli. Festival I Concerti nel Parco, 

Estate 2003 

improvvisazioni che spesso erano una 

dentro all’altra. Mentre suono il pianoforte 

faccio riferimento a canti popolari 

tratti da un libro dell’ etnomusicologo 

Roberto Leydi: tanti canti siciliani, 

come quelli delle tonnare, o del carrettiere, 

canti per issare le vele, frammenti 

di canto, che ho messo dentro a questo 

viaggio del solopiano che gioca un po’ 

sugli estremi opposti. Partendo dal canto 

del carrettiere siciliano, che è estremamente 

sgraziato, tutto si trasforma 

piano piano in un canto quasi mozartiano. 

Questo gioco dello sfalsamento 

dei due registri crea un percorso molto 

incidentato, come un viaggio che ha ogni 

tanto delle trasgressioni, delle situazioni 

inattese. Ora sto scrivendo un’opera 

che si intitola King Kong amore mio, 

su libretto di Luis Gabriel Santiago su cui 

punto molto perché gli elementi teatrali 

vi si trovano inseriti tutti insieme, attori, 

danzatori…un tipo di teatro che è 

antichissimo e modernissimo allo stesso 

tempo. Non ci si inventa nulla, ma ci 

si distacca dal solito museo. Mi auguro 

che questo prenda sempre più piede, non 

solo per me, ma anche perché una generazione 

si apra un po’ a questo. Ho degli 

allievi al conservatorio che sono molto 

orientati verso composizioni in cui c’è il 

musical, poi addirittura la canzone, o 

l’aria finto-ottocentesca, segno che c’è 

una necessità in questo senso, una sorta 

di lettura della storia ormai sedimentata 

che bisogna ritirare fuori per creare 

cose nuove, altrimenti saremo sempre 

legati a stilemi che anche per i grandi 

musicisti sono senza via d’uscita. Si dice 

che il teatro è in crisi, specialmente 

oggi che non ci sono fondi da nessuna 

parte, ma finché il teatro resta quello che 

era per Donizetti, è normale che non ci 

sia più niente da dire, anche con opere 

splendide, scritte benissimo, con un libretto 

straordinario, che però rimane lì, 

è un qualcosa che è fuori dalla vita di oggi. 

E non è certamente il momento di gettare 

l’ancora.

editoria 

DIGITALE 

LIBRO VIRTUALE, 

ECOLOGIA DIGITALE 

di Alberto Ferrigolo 

Dalla carta al web, dal reale al virtuale. 

Il libro, per come l’abbiamo conosciuto 

finora, passa la mano alla nuova realtà 

e ai nuovi “supporti” tecnologici. 

Così, dopo teorie e infiniti dibattiti sul- 

Nel mondo dell’editoria arriva un altro protagonista, il libro virtuale, ossia quel 

volume che vive e si acquista solo online. Un centinaio di pagine scaricabili da 

Internet e leggibili esclusivamente sullo schermo ma con la remota possibilità 

di stamparle o di richiederle anche in formato libro tradizionale. È il caso di 

Noi, robot di Diego Pierini, pubblicato dalla Cooper editore, che abbatte 

pesantemente i costi industriali e ha anche il vantaggio di poter essere 

aggiornato progressivamente, tenendo conto dei blog e del dialogo in rete. 

l’argomento – la libreria online di Amazon, 

la piattaforma Kindle, l’iPhone, il 

nuovo iPad di Apple, il Pc… – arriva finalmente 

in Italia (dove? non in libreria…) 

il primo libro virtuale. Niente 

carta, solo online. Uscito a metà marzo, 

per i tipi della Cooper editore, piccolo 

marchio di qualità dell’editrice romana 

Banda Larga, s’intitola Noi, robot, e 

l’argomento di cui tratta non poteva esser 

più in sintonia di così con la sua materiale 

sperimentazione. Interrogativo 

di fondo: “Un giorno le macchine saranno 

umane?” Domanda da un milione 

di dollari, per un pamphlet che indaga 

l’individuo artificiale tra scienza e 

fantascienza, ma anche storia, filosofia, 

tecnologia, cibernetica e neuroscienze, 

immaginazione allo stato puro, in un 

mix di discipline & saperi. Scritto, per 

altro, da un giovane posato quanto ta- 

49 

lentuoso autore – Diego Pierini, trent’anni, 

precoce e coriaceo collezionatore 

di titoli accademici, due lauree, una 

terza in gestazione, appassionato cinefilo 

ma non solo, culturalmente onnivoro 

e anche autore televisivo d’un programma 

cult come Parla con me di Serena 

Dandini su Raitre –, che ha accettato, 

soi malgré, di fare da cavia rinunciando 

al piacere tattile, visivo e al fascino 

narcisista che ha il libro “di carta” 

per uno scrittore. Tanto più se alla 

sua opera prima. Noi, robot è solo online. 

Vive in una terza dimensione, quasi 

un ologramma. Non ha visibilità in 

questo mondo ma solo in quello web. 

Immateriale. Totalmente ed esclusivamente 

leggibile su schermo, acquistabile 

e scaricabile da Internet. Meglio, 

dal sito della casa editrice (www.coopereditore.it) 

o da quello di Lampi di 

VIVAVERDI

stampa (www.lampidistampa.it) primo 

editore italiano di print on demand. 

Stampa su richiesta. 

Qui, dunque, non parleremo di contenuti 

(il lento, inarrestabile, forse tragico 

e sorprendente reciproco avvicinamento 

tra uomini e robot…) – con presumibile 

disappunto dell’autore –, bensì 

parleremo solo di “contenitore”, perché 

mai come in questo caso è vero e 

tangibile il sillogismo di McLuhan che 

“il medium è il messaggio”. In sé Noi, 

robot è un libro del genere “pilota”, destinato 

a inaugurare una nuova frontiere 

dell’editoria italiana. Un titolo che 

precorre i tempi, perché nelle intenzioni 

del suo editore “è destinato a prefigurare 

la possibile nascita di una collana 

tutta e-book” spiega Emanuele Bevilacqua, 

socio di maggioranza di Cooper. 

Di fatto, in Italia qualcosa di simile 

non esiste. I principali editori producono, 

per lo più, ancora libri “tradi- 

zionali” su carta, che poi mettono in 

vendita anche attraverso i rispettivi siti. 

Ciò che, di fatto, li rende per lo più 

“negozi online”. E mentre i colossi editoriali 

appaiono guardinghi nello sfruttare 

le possibilità online offerte da una 

library come Amazon.com, più disinvolto 

è l’approccio dei piccoli editori, i 

cui “numeri” – tirature, distribuzione, 

vendite - restano tutto sommato sempre 

piuttosto contenuti: “Mettere il nostro 

catalogo in Internet – spiega Bevilacqua 

– ci aiuta ad allargare il bacino di 

utenza del marchio, contribuisce a farlo 

conoscere e a realizzare in termini 

economici e pubblicitari qualcosa in più 

rispetto alla libreria, essendo ormai lo 

strumento telematico decisamente in 

espansione, soprattutto tra una fascia 

di pubblico medio-alta che legge e fa 

pure acquisti online”. 

E veniamo ora agli aspetti più prettamente 

pratici di un libro solo online. 

Diego Pierini, scrittore e autore televisivo. La sua 

opera prima Noi Robot è solo on-line. E’ possibile 

scaricarla dal sito www.coopereditore.it 

Tecnicamente Noi, robot si scarica in 

pdf dal sito di Cooper editore o da Amazon.com 

al costo di 1,90 euro, prezzo 

davvero basso o ridotto all’essenziale 

perché si tratta di un prodotto immateriale: 

oltre ai contenuti, al lavoro dell’autore 

e all’impaginazione, l’apporto 

d’un grafico, non c’è null’altro. Niente 

carta, niente stampa, niente rilegatura, 

nessuna distribuzione. Tolto tutto ciò, 

il prezzo di copertina inevitabilmente 

s’abbatte da sé. Ma possibile che un libro 

possa costare così poco? E come si 

calcolano i diritti? Rispettati oppure no? 

Bevilacqua non si sottrae all’interrogativo, 

e con matita e taccuino alla mano 

fa con noi un po’ di conti: “Quando offro 

a un autore il 10% sul prezzo di copertina, 

in realtà gli sto proponendo circa 

il 25% dei miei ricavi” calcola Bevilacqua. 

“Questo perché circa il 60% del 

prezzo al pubblico va alla distribuzione 

e non all’editore. Se un libro costa 10 

euro, a me editore vanno 4 euro per ogni 

copia venduta mentre all’autore un euro”. 

E su 1,90 euro? “Su 1,90 euro, il 

dieci per cento è il dieci per cento... cioè 

19 centesimi…”. 

“La verità – dice Bevilacqua – è che 

adesso si apre un interessante dibattito 

che nessuno ha ancora affrontato: 

quello di ridisegnare le regole del gioco 

dell’editoria italiana. Ci saranno, già 

ci sono, più opportunità per l’autore, 

che può diventare un editore in proprio 

con un maggiore controllo sul distribuito 

e sul venduto”. In che senso? “A 

parte il bollino Siae, che sui grandi numeri 

di tiratura è e resta garanzia di certificazione 

per l’autore sulle copie effettivamente 

distribuite e vendute, in 

verità ciascun editore potrebbe dichia-

Emanuele Bevilacqua, scrittore, docente 

universitario e fondatore della Cooper edizioni. 

Attualmente è docente di Marketing dei media presso 

la facoltà di Scienze della Comunicazione di Lugano 

rare quel che gli pare, e non sono infrequenti 

infatti i contenziosi…, ma con 

il download la certificazione è precisa 

quanto immediata: tanti click, tante copie 

scaricate, tante copie vendute, tante 

copie effettivamente pagate”. Più certezza 

dei diritti…? “In cosa consiste il 

mestiere dell’editore?” si chiede Bevilacqua. 

“Nello scegliere i libri, definire 

il packaging, decidere il prezzo, 

istruire il canale di distribuzione e, dimenticavo, 

fare l’editing del libro, cioè 

suggerire modalità di scrittura, consigliare 

tagli, aggiunte, ecc… Con l’e-book 

ci sono i costi della creatività, fino 

all’impaginato, mentre spariscono del 

tutto i costi industriali”. 

Quindi il lettore scarica dal sito della 

casa editrice il suo libro e poi lo può leggere 

come un qualsiasi documento sul 

Pc oppure su Kindle, l’iPad, etc. Però, 

se lo vuole, lo può anche stampare con 

la sua stampante casalinga, ma dovrà 

mettere in conto il costo della risma di 

carta in formato A4, l’inchiostro delle 

cartucce. Oppure può averlo in formato 

libro tradizionale con copertina e al 

costo di 15 euro ordinandolo attraverso 

il sito Lampidistampa.it, che opera 

però in maniera indipendente dalla casa 

editrice d’origine del prodotto, cioè 

Cooper. 

“Per un libro più complesso – spiega 

Elena Giacchino, responsabile dell’ufficio 

stampa Cooper – con iconografie, 

ecc, sarebbe certamente più difficile poterselo 

stampare da sé, per tutti i costi 

conseguenti, fogli, cartucce del colore… 

Ma l’idea che sta alla base di questo nostro 

progetto è quella di sfruttare i nuovi 

sistemi di lettura come Kindle o l’iPad 

che considerano la stampa un passaggio 

superato”. 


Classe ’53, Emanuele Bevilacqua – cultore della 

Beat Generation – è giornalista e manager 

editoriale. Ha lavorato alla Curcio editore, al 

Gruppo Benetton, spostando la rivista Colors 

da New York in Italia, al Gruppo Espresso, Einaudi 

Stile Libero. Ha contribuito alla progettazione 

e al successo di numerosi periodici come 

National Geographic, Darwin, Limes, MicroMega. 

È amministratore delegato del settimanale 

Internazionale ed editore in proprio con 

l’editrice Cooper-Banda Larga, che dal 2005 

offre una produzione fortemente caratterizzata 

dalla grande attenzione per i temi della geopolitica 

e della cultura americana, di tanto in 

tanto contaminati da brevi incursioni nella narrativa 

di qualità. 

51 

Non è tutto. Noi, robot sarà anche il primo 

libro work in progress. Diego Pierini 

avrà la possibilità di aggiornare il 

suo lavoro continuamente, consegnando 

all’editore le nuove versioni di 

passi e capitoli, aggiungendone di nuovi 

o togliendone altri che ritiene superati, 

rinverdendo bibliografia e note. 

“È un libro che procede di pari passo 

con l’innovazione tecnologica – aggiunge 

la Giacchino –, editoria X.0”. 

Cioè, possibilità editoriali infinite o 

all’ennesima potenza per qualsiasi 

piattaforma digitale. E l’autore che dice? 

A parte l’ovvia soddisfazione, anche 

nel far da “cavia”, Diego Pierini introduce 

un’ulteriore nota di riflessione: 

“Grazie al compendio del blog e degli 

aggiornamenti, l’opportunità è poter 

sviluppare teorie e argomentazioni 

a partire da commenti, critiche, confronto 

con l’esterno, i lettori: viene a 

cadere anche la sostanziale autoreferenzialità 

dello scritto classico, in cui 

il processo di analisi e controargomentazione 

è comunque appannaggio 

solo dell’autore. Il libro diviene quindi 

una sorta di scintilla per la creazione di 

una teoria più vasta generata dal dialogo 

in Rete: supponendo la partecipazione 

al dibattito, il testo risulterà frutto 

di contributi innumerevoli. E poi, in 

ogni caso – conclude Pierini – il cartaceo 

non rimane escluso dal novero delle 

possibilità. Acquistare il libro in formato 

tradizionale, su carta, si può sempre, 

attraverso il sistema on demand, 

che ha un suo senso non soltanto in termini 

di costi e distribuzione, ma anche 

sul piano degli sprechi, perché la carta 

è sempre più un bene prezioso”. Ecologia, 

nel corpo e nella mente. Per editoria 

e autori un test importante. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

52 

teatro 

INTERVISTA A ELEONORA DANCO 

ME VOJO SARVA’! 

di Linda Brunetta 

Qual è stato il percorso che l’ha portata alla 

scrittura per il teatro? 

A scuola ho fatto un corso di teatro e mi 

piaceva moltissimo, sebbene tutti gli spettacoli 

che avevo occasione di vedere non 

mi piacevano. Poi sono andata a vedere la 

Carmen di Peter Brook in francese, non 

capivo, ma capivo tutto: i personaggi sembrava 

volassero. Ho scoperto che quello 

era il teatro che avrei voluto fare: universale. 

Ho iniziato a fare l’attrice per il cinema 

e la televisione, ma non mi bastava. 

Avevo un mio modo di vedere le cose. Facendo 

la scuola di Proietti nell’85 avevo 

scritto un testo per due donne che si perdevano 

in un supermercato e riempivano 

i carrelli di cose inutili. Poi ho scritto 

Ragazze al muro, la cui protagonista è una 

ragazza-adulta che non riesce ad uscire 

dall’adolescenza, che non ha coscienza di 

sé, non si rende conto della sua condizione, 

ma semplicemente la vive. Nel 

quartiere la chiamano il “10 di denari”, 

cioè la matta. Ho interpretato questo testo 

insieme ad una ragazzetta di San Lorenzo, 

che non aveva mai recitato, in un 

locale sotto casa mia ed è stato un successo 

che non avrei mai immaginato, tanto 

che l’ho portato in giro a lungo per tut- 

“Vorei prende ‘e sembianze de ‘n uccello...un giorno solo...du’ minuti, aprì l’alette 

e annamene lontano...me vojo sarvà, me vojo sarvà!” . Ho conosciuto Eleonora 

Danco quando, alla Tv delle Ragazze, interpretava il ruolo comico della perenne 

“provinante” ogni volta respinta per palese incapacità. Oggi con il suo corpo 

efebico, adolescenziale e il sorriso disarmante da bambina, è sempre “una 

ragazza al muro”, una ragazza arrabbiata che racconta la condizione umana 

degli invisibili e degli emarginati, con un originale senso dell’umorismo. 

ta Italia. La prima recensione fu di Nico 

Garrone, a cui devo molto. 

E infatti ha scritto: “Scatenata energia, 

profonda palpabile disperazione, contagiosa 

euforia, un raro e mai comune senso 

dell’umorismo”. Perché utilizzare lo 

slang romano? 

In quel periodo vivevo a San Lorenzo, dove 

passavo ore da una fruttivendola. Ascoltandola 

ho assorbito naturalmente il dialetto 

romano. Io sono di Terracina e credo 

che non essere nata in una città possa 

aiutarti a capire meglio una lingua, a cogliere 

dall’esterno le sfumature e i comportamenti. 

Il dialetto romano ha un’arroganza 

poetica, non ha mediazioni, è poetico 

nel senso che è infantile, se lo usi in 

questo modo, non legato alla battuta. 

Il successo ha costituito la spinta per continuare 

a scrivere? 

Eleonora Danco in una scena dello spettacolo 

teatrale Sabbia, di cui è autrice ed interprete 

Al contrario, mi sono fermata e per un lungo 

periodo molto intenso dal punto di vista 

della vita vissuta, ho fatto solo piccoli 

lavori, anche la comparsa. Quando finalmente 

ho ripreso a scrivere, non mi sono 

fermata più. Ho scritto un atto unico in italiano 

Nessuno ci guarda, dove il personaggio 

ha invece una coscienza: entra ed 

esce dall’infanzia, mette in discussione 

tutto, non riesce ad uscire di casa, perché 

ogni volta c’è un ricordo che la riporta indietro. 

E’ stato scrivendo questo testo che 

ho cominciato ad ispirarmi alla pittura di 

Jackson Pollock, una pittura in apparenza 

casuale, scarabocchi infantili all’apparenza, 

ma io ci vedo un percorso ossessivo, 

matematico. Un suo quadro mi sembrava 

cervello schizzato su una parete. Secondo 

me l’essere umano è apparente casualità 

in una coazione a ripetere: entrare e usci-


Attrice per Moretti, Bellocchio, Scola, Muccino, Avati, nel 1998 debutta con il suo primo spettacolo Ragazze 

al muro. Inizia una collaborazione con il regista napoletano Mario Martone per cui scrive Mignotta 

’56. Nel 1999 su commissione dello Stabile di Parma scrive Bocconi amari. Nel 2000 vince il festival 

di Casalbuttano sulla nuova drammaturgia con il monologo Nessuno ci guarda ispirato alla pittura di 

Jackson Pollock. Per Radio Rai Tre realizza il documentario Il vuoto e il monologo Non parlo di me. 

Nel 2005 scrive, dirige ed interpreta Me vojo sarvà al Teatro Piccolo Jovinelli di Roma. Nel 2007 debutta 

al Teatro Palladium di Roma con Sabbia, per la rassegna Garofano Verde, e al Piccolo Eliseo con 

il monologo La giornata infinita. Per 4 settimane è al Teatro India con Ero purissima, titolo del libro che 

ha pubblicato per Minimum Fax. Sta ultimando la lavorazione del documentario Il collo e la collana da 

lei scritto e diretto e la serie di corti Centocretine. In maggio è andata in onda su Sat2000 una monografia 

sul suo lavoro. Il giudizio della critica sul lavoro di Eleonora Danco è unanime: “Un vero talento, i 

suoi monologhi fanno ridere e fanno male, sono crudi e struggenti…”, scrive Marco Lodoli. “Le sue parole 

sono getti di colore, getti umani, sofferti e vitali”, secondo Mario Martone. “E’ un fenomeno di culto, 

come scrittrice e interprete di testi corsari…Bravissima” , per Rodolfo di Giammarco, che l’ha sempre 

sostenuta e incoraggiata. Noi ci auguriamo, come Renato Nicolini, di vedere i suoi spettacoli anche 

nei musei d’arte contemporanea. 

re da se stessi. 

Negli spettacoli l’uso del corpo è così importante 

ed estremo che potrebbero essere 

definiti performance artistiche? 

Uso molto il mio corpo, ma il mio tipo di 

scrittura è classico, non è scrittura scenica, 

non uso il corpo improvvisando e trovando 

così il testo. Prima scelgo la condizione 

che voglio rappresentare, poi scrivo 

il testo, che deve avere una sua architettura. 

Scavo nei personaggi per farli arrivare 

in modo diretto, senza dover spiegare, né 

fare morali, con l’aiuto del suono, del ritmo. 

Sono molto rigorosa, tolgo tutto quello 

che non mi sembra necessario per arrivare 

ad un’essenza, una verità. Devo prima 

convincere me stessa, il mio primo 

spettatore, poi lavoro sul corpo durante le 

prove. Anche se i miei spettacoli sembrano 

in apparenza casuali, sono molto costruiti, 

non cambio mai niente, i movimenti 

sono come delle coreografie. In 

Nessuno ci guarda volevo usare il corpo 

come colore. Le luci sono molto importanti 

nel mio lavoro. Per me la luce rappresenta 

l’inconscio, è come un altro personaggio, 

come la musica, che ha sempre 

montato per me Marco Tecce, utilizzando 

musiche già esistenti. 

L’impressione è che le emozioni vengano 

vissute con l’intensità di una trance, 

è vero? 

É una trance lucida. In scena io controllo 

tutto, vedo tutto, ma secondo me non si 

deve mai spegnere l’ispirazione, anche 

quando scrivi devi “andare sotto botta”. 

C’è un testo commissionato da Martone 

nel 2003 per una rassegna di autori che 

venne molto lodato. Si può considerare 

Pasolini un punto di riferimento, sia per 

l’utilizzazione del dialetto che per l’umanità 

periferica, disperata ma anche comica 

dei personaggi ? 

Ho visto Accattone a 25 anni e sono rimasta 

folgorata. Ammiro Pasolini, per il modo 

passionale, diretto, erotico di raccontare 

le cose, perché è ironico e leggero, ma 

anche fortemente lirico. Lo ammiro perché 

si è sporcato le mani con la realtà. Seguire 

l’esempio di Pasolini è incoraggiante, 

ti dà molta libertà, ma ti induce ad assumerti 

anche tutte le responsabilità. Per 

quella rassegna scelsi di ispirarmi ad un 

pezzo in cui attraverso due personaggi Pasolini 

racconta come stava cambiando la 

periferia. La trasformazione della periferia 

è un tema che mi interessa molto, spesso 

scrivo i miei testi dopo una serie di interviste 

a ragazzi che vivono nelle periferie. 

Non voglio giudicare se prima fosse 

meglio o peggio, ma mi rendo conto che 

oggi la felicità delle persone passa attraverso 

“i negozi”. Sono i nuovi punti di riferimento. 

Non si dice più dietro la chiesa, 

ma dietro la Standa, l’Upim. Su questo 

tema sto realizzando Centocretine, una serie 

di flash filmati in cui un personaggio 

recita all’interno di una vetrina di un negozio 

mentre la gente passa senza sentire 

quello che dice. La sua vita è la vetrina, ma 

lei non lo sa. 

È l’unica esperienza nel campo dell’audiovisivo? 

La mia è una scrittura visiva, per immagini 

e mi è venuto naturale iniziare 

un docu-film su mio padre che vive con 

una badante rumena, ispirandomi per 

le inquadrature alla poetica metafisica 

di De Chirico. È un’esplorazione sul tema 

della vecchiaia. 

Qual è la storia del libro, Ero purissima 

pubblicato di recente da Minimum Fax? 

É un testo che nel 2007 Albertazzi, direttore 

del Teatro di Roma, mi diede la 

possibilità di rappresentare al Teatro India. 

E’ stata per me una grande opportunità 

e devo ringraziare Albertazzi per aver 

creduto nella mia scrittura. Nel libro non 

c’è Scroscio rappresentato all’Ambra Jovinelli, 

in cui una donna questa volta borghese 

ottusa e anche violenta invischiata 

in un enorme barattolo di crema, né 

Sabbia un monologo sull’omosessualità, 

commissionato da Rodolfo Di Giammarco, 

in cui non volevo partire dall’accettazione 

della diversità, ma affermando 

che siamo tutti “diversi”, parlando di 

chi si nasconde, chi reprime l’omosessualità. 

Sono flash, come disegni sulla 

sabbia che poi svaniscono. Il nostro rapporto 

con il corpo è segnato dal senso di 

colpa, spesso condizionato dalla religione, 

mentre viviamo in un mondo in cui 

il corpo viene continuamente esibito, soprattutto 

in televisione. E’ un messaggio 

contrassegnato dall’ipocrisia, perché non 

è liberatorio, è una continua allusione al 

sesso di cui però non si può parlare correttamente. 

Gli scrittori di teatro sono spesso commissionati? 

Ho avuto molte occasioni fortunate, ma 

sempre casuali. A differenza della Francia, 

dove i teatri pubblici sostengono i 

drammaturghi contemporanei, sovvenzionando 

sia la scrittura che la messa 

in scena, per gli autori italiani non 

c’è questa possibilità. All’inizio un artista 

deve lottare, rimanendo il più possibile 

un tiratore libero, provocare parlando 

dell’essere umano, mettere in discussione 

per far riflettere, divertire, 

non deve passare per forza dall’istituzione, 

perché l’istituzione non crea i talenti, 

ma deve dare loro la possibilità 

che questo diventi un lavoro vero, serio, 

non casuale. É difficilissimo far girare 

un testo di drammaturgia contemporanea, 

vendere spettacoli di scrittura 

contemporanea agli Stabili, senza un 

produttore importante alle spalle. Mario 

Martone ha provato a Torino l’anno 

scorso un cartellone di drammaturgia 

contemporanea. Speriamo che sia andato 

bene.

VIVAhanno detto 

a cura di Daniela Nicolai 

SYLVANO 

BUSSOTTI 

Nei linguaggi del 

suono e della musica 

non vedo grandi 

differenze. A volte la 

canzonetta, che viene 

banalmente presentata come una cosa 

minore, è in realtà assai più bella e riuscita 

di tante pretenziose opere della grande 

musica. Lo capì perfettamente Proust che a 

proposito della musica popolare disse: è la 

grazia e il pensiero per milioni di persone. 

La Repubblica, 7 aprile 2010 

Foto Sophie Bassouls-Sigma 

MOGOL 

L’Italia ha vissuto per 

anni di snobismo 

accademico, ora si sta 

scoprendo che 

Battisti e De André 

erano importanti. Il 

secondo errore è che si apre troppo al 

mondo amatoriale. Si cerca il petrolio dove 

non ci può essere. Una volta non c’erano le 

scuole, ma c’era una discografia che 

lavorava. Uno come Dalla, quanto ci ha 

messo a diventare quello che è? Oggi non è 

possibile. Al secondo disco, se non 

funziona,vai già a casa. 


ANNA OLIVERIO 

FERRARIS, 

PSICOLOGA 

La parola lascia uno 

spazio da riempire. La 

mente è libera di 

creare, pescando 

anche dalle proprie esperienze. Questo è 

utile soprattutto nella fase evolutiva perché 

sviluppa tutte le potenzialità del cervello. 

Quando un bimbo legge silenziosamente è 

più attivo che quando si dimena davanti ad 

un videogame. 

Corriere della Sera, 10 aprile 2010 

ROBERTO MARONI 

Non rinuncio mai 

alla musica: in aereo 

ho sempre l’iPod e 

anche in ufficio c’è 

sempre musica di 

sottofondo. Fra lo 

stupore dei tecnici 

del ministero, mi 

sono fatto anche installare eMule sul pc 

per scaricare gratis. La mia è e vuole 

essere una provocazione, perché credo 

che la soluzione non sia quella francese di 

tagliare il collegamento a chi scarica 

illegalmente canzoni. La soluzione è 

creare un sito protetto, sicuro e legale, 

dove i ragazzi possano scaricare brani i 

cui diritti d’autore sono garantiti 

dall’intervento di uno o più sponsor. 

Questa è la via maestra per tutelare sul 

serio i diritti di tutti. Altrimenti, diventa 

difficile convincere mio figlio di 13 anni a 

non prendersi la musica da internet. La 

situazione di oggi è come scendere in 

strada e trovare un banchetto con la 

scritta “frutta gratis”. 

Panorama.it, 13 aprile 2010 

LUCA RONCONI 

Il conformismo è più 

forte, i tempi non 

sono felici per il 

teatro, c’è 

disattenzione da 

parte del potere 

politico ma anche 

della stampa. Si danno alcune notizie, 

poche, e si abbandona una qualsiasi 

analisi, anche critica. Ma sotto la cappa 

dell’indifferenza istituzionale, il pubblico 

è numeroso e in cerca di qualità. Peccato 

che sia penalizzato, è un potenziale che 

non va fatto deperire. 

La Stampa, 20 aprile 2010 

Foto Attilio Marasco 

ROSSANA 

CARRETTO 

(sulla lotta alla 

pirateria) di certo il 

giovane non ama che 

gli si punti il dito, 

preferisce invece 

che il concetto gli 

venga comunicato attraverso il proprio 

linguaggio ed essere trattato come 

individuo responsabile… A mio avviso 

bisognerebbe potenziare sia l’aspetto 

didattico-formativo che il supporto che 

permetterà loro di inserirsi nel mondo 

del lavoro, creare un vero e proprio 

“ponte” che possa collegare l’autore di 

talento con l’industria dello spettacolo e 

delle arti in genere. E’ anche vero che 

oggi un certo tipo di televisione ha 

abituato il giovane a pensare che per fare 

l’artista basta avere successo in un 

qualche talent show. In realtà per l’arte 

non è cambiato nulla: per vivere di questo 

mestiere ci vuole, oltre che il talento, 

tanta gavetta e tanto sudore per non 

sapere, alla fine, dove si arriverà. 

www.siae.it, 27 aprile 2010 

OSCAR MAGI 

GIUDICE DELLA IV 

SEZIONE PENALE 

DEL TRIBUNALE 

DI MILANO 

Internet è un 

formidabile 

strumento di 

comunicazione fra le persone, ma non 

può essere una prateria sconfinata dove 

tutto è permesso e niente può essere 

vietato pena la scomunica mondiale del 

popolo del web, anche perché non c’è 

peggior dittatura di quella esercitata in 

nome della libertà assoluta. 

Adnkronos, 12 aprile 2010

LEOPOLDO 

LOMBARDI 

Non credo di fare 

della demagogia 

rivendicando il 

diritto di poter 

proteggere la 

proprietà 

intellettuale di fronte 

alla pirateria su internet. In termini di 

normative internazionali, non c’è solo 

l’Hadopi francese che punisce chi scarica 

illegalmente musica, film, serie Tv e 

software. Già a fine 2009 la Spagna aveva 

inserito la violazione della proprietà 

intellettuale fra i motivi che possono 

giustificare l’interruzione del servizio da 

parte degli ISP. Ora anche il Regno Unito 

ha la sua nuova legge anti P2P illegale. 

Segno che ovunque si avverte la necessità 

di garantire PIL e posti di lavoro 

soprattutto in un momento come l’attuale. 

Comunicato AFI del 12 aprile 2010 

GILLO DORFLES 

E’ tempo che i critici 

ritornino a fare il 

loro mestiere. Nella 

mia mostra milanese 

recente, a Palazzo 

Reale, mi ha colpito 

come non mi sia stato mosso nessun 

rilievo veramente critico: né in positivo, 

né in negativo. Niente. Solo entusiasmo 

di facciata senza il coraggio di formulare 

un vero giudizio. Il che è una abitudine 

sempre più frequente. 

Corriere della Sera, 11 aprile 2010 

Foto Basso Cannarsa 

GABRIELE 

MUCCINO 

Il più grande limite 

di Roma, e di tutto il 

paese, è che non si 

guarda fuori. Ci 

accontentiamo di 

quello che il nostro 

compagno di banco sta facendo, siamo in 

competizione solo col vicino. Questo 

restringe molto la qualità del prodotto 

finale. I prodotti nostrani, quindi, 

rischiano di essere ingenui e poco 

competitivi; chi deve fare cinema si 

impigrisce, perché sa che il competitor è 

alla portata. Quando ho fatto film negli 

Usa mi sono confrontato con i giganti del 

cinema internazionale: una dimensione 

angosciosa e agonistica, che mi ha 

costretto a tirare fuori tutto il talento e 

tutte le armi possibili. 

Il Sole 24 Ore Roma, 14 aprile 2010 

RENZO ARBORE 

Oggi si è andati 

troppo oltre e la 

trasgressione è 

diventata una parola 

conformista. Tutti 

fanno trasgressione 

pur di andare sui 

giornali oppure per guadagnare di più al 

botteghino e per conquistare un punto di 

share in più in tv. La colpa è del mercato: 

oggi si fa tutto rigorosamente in funzione 

del mercato. Noi facevamo umorismo 

goliardico, scherzavamo con i tabù, 

sapevamo ridere delle nostre stesse battute 

perché era l’umorismo dell’ingegnere che 

scherza con chi sta in basso per ridere della 

sua stessa battuta. Oggi invece la goliardia è 

diventata sinonimo di volgarità. Oggi esiste 

solo l’umorismo usa e getta basato 

sull’attualità che ti fa andare sui giornali ma 

che tra dieci anni non farà più ridere 

nessuno. 

Agi news on, 20 aprile 2010 

Foto A. Primavera 

55 

MALIKA AYANE 

Nei reality show ci 

sono luci ed ombre. 

La cosa interessante è 

che vengono offerte 

chance reali a ragazzi 

seri e preparati. Ma spesso passa l’idea che 

avere un minimo di talento vocale conduca 

automaticamente a una carriera di cantante. 

Ecco, questo non è vero e fa male a tutti. 

Alla musica e a chi si illude. 

Panorama, 22 aprile 2010 

LORIN MAAZEL 

E’ grave il 

comportamento di 

quei critici che fanno 

una guerra spietata 

contro tutti i giovani 

con idee originali, 

mentre non dicono una parola contro gli 

affaristi senza scrupoli che girano intorno al 

mondo della musica classica. Mi sembrano 

come quei poliziotti che si concentrano 

sulle multe agli automobilisti e chiudono gli 

occhi di fronte alla mafia. 


Foto Bill Bernstein 

ROBERTA TORRE 

Da spettatrice mi 

sembra che il nostro 

cinema si sia un po’ 

involuto, sono 

pochissimi i film che 

sceglierei di vedere. 

Uno dei maggiori problemi è l’autocensura 

preventiva legata al rapporto coi 

produttori… Mi sembra che certi 

argomenti siano considerati tabù, di morte 

di malattia, di sesso, di violenza non si può 

parlare. E poi si tende a riciclare gli stessi 

attori all’infinito, sempre gli stessi, negli 

stessi ruoli, sia in tv che al cinema. 

Insomma, non mi pare che questo sia, per 

la nostra cinematografia, un momento 

meraviglioso. 

La Stampa, 27 aprile 2010 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

56 

cultura 

STORIA DELLA SIAE/4 

LA SFIDA 

DI MARCO PRAGA 

di Maria Cristina Lòcori 

Nella scorsa puntata si è parlato della 

natura giuridica della Società degli Autori, 

che nata a Milano nel 1882 come 

associazione approda nel 1891 al riconoscimento 

come ente morale. Negli 

anni a cavallo fra ‘800 e ‘900 la Società 

Italiana degli Autori comincia a strutturarsi 

come organizzazione in un Paese 

dall’economia ancora prevalentemente 

agricola. Migliaia di italiani varcano 

l’Oceano in cerca di fortuna. E’ 

l’Italia umbertina delle carrozze a cavallo 

e delle mongolfiere, ma anche dei 

primi tranvai e delle ferrovie; delle innovative 

encicliche di Leone XIII, il primo 

Papa senza potere temporale, che 

fonda la moderna dottrina sociale cristiana, 

affrontando il problema dei diritti 

e dei doveri del capitale e del lavoro, 

e di Pio X, fiero avversario delle teorie 

moderniste e socialiste. Il corpo elettorale 

del paese si amplia: se con la riforma 

elettorale Depretis del 1882 era 

passata dal 2% al 7% della popolazione, 

con la legge giolittiana del 1912 raggiungerà 

il 23%, ma le Camere respingeranno 

all’unanimità il suffragio femminile. 

Nel frattempo in tutta l’Europa si afferma 

il positivismo con l’esaltazione del 

All’inizio del Novecento la Società Italiana degli Autori opera a pieno titolo in un 

mondo culturale in grande fermento. Dalla sua sede di Milano la Sia muove con 

passo deciso verso una organizzazione più complessa, radicandosi sul 

territorio e stabilendo contatti proficui con le istituzioni e con gli utilizzatori. 

La nuova figura del Direttore Generale è affidata a Marco Praga, che pone le 

basi per la Siae del futuro. 

metodo scientifico e del progresso, che 

porta benefici nella vita quotidiana 

(dall’energia elettrica ai servizi igienici, 

fino alla sconfitta delle malattie) e 

un conseguente ottimismo. Molti scienziati, 

in qualità di autori delle proprie 

pubblicazioni, aderiscono alla Sia: dall’antropologo 

Paolo Mantegazza a Cesare 

Lombroso, discusso padre della criminologia 

forense, e all’astronomo Giovanni 

Schiaparelli; dall’abate Antonio 

Stoppani, geologo, paleontologo ed archeologo 

a Francesco Brioschi, genio 

indiscusso del calcolo algebrico; fino ai 

medici Malachia De Cristoforis, che dà 

dignità di disciplina autonoma alla ginecologia 

e combatte battaglie per l’igiene 

e per la cremazione, e Gaetano Pini, 

impegnato nel sociale per contenere la 

mortalità. Accomunati da una vicenda 

particolarissima i sacerdoti Roberto Ardigò, 

fondatore della psicologia italia- 

na, e Gaetano Trezza, scrittore e filologo, 

che, posti di fronte al dilemma fra i 

dogmi della Chiesa cattolica e il positivismo 

e l’evoluzionismo di Darwin, abbracciano 

entrambi queste ultime correnti 

di pensiero e dismettono l’abito 

ecclesiastico. 

Le tecnologie dei mezzi di diffusione 

della stampa registrano innovazioni tali 

da consentire la costruzione di nuove 

tipografie; libri e giornali diventano 

maggiormente accessibili a più ampi 

strati sociali: quotidiani, periodici, collane 

di poesia, narrativa e teatro sono 

distribuiti con una rapidità senza precedenti. 

E’ il momento degli editori che 

sanno adeguarsi alle nuove esigenze di 

mercato. Fra i Soci più attivi della Sia 

troviamo i nomi illustri dell’editoria libraria 

e musicale, da Giulio Ricordi 

(Consigliere dal 1889) a Emilio Treves 

(primo Vicepresidente della Sia), da Er-

Il libretto di La Bohème rappresentata per la prima 

volta al Teatro Regio di Torino il primo febbraio 

1896, diretta dal ventinovenne Arturo Toscanini. 

57 

VIVAVERDI 

manno Loescher ad Annibale Rechiedei. 

Tra questi Ulrico Hoepli (più volte 

Vicepresidente), l’inventore dei celebri 

manuali, che consentono per poca 

spesa di documentarsi su ogni materia. 

Anche Edoardo Sonzogno, importante 

editore nel settore delle collane economiche, 

dei quotidiani e dell’editoria 

musicale, dove è diretto concorrente 

della ditta Ricordi: mentre la Scala è 

considerata un feudo di Ricordi, Edoardo 

Sonzogno rifinanzia e fa restaurare 

il Teatro Lirico di Milano, le cui stagioni 

sono per lo più improntate al melodramma 

verista. Aveva fondato Il Secolo 

che per molti anni era stato il quotidiano 

italiano a più alta tiratura, con 

un’impronta democratica, in contrapposizione 

con il conservatore La Perseveranza, 

diretto da un altro socio della 

Sia, Ruggero Bonghi. Entrambi i giornali 

subiscono però il crescente successo 

del Corriere della Sera, fondato e 

diretto da un altro aderente alla Sia, Eugenio 

Torelli Viollier. Quest’ultimo, 

giornalista e politico, ex-garibaldino e 

poi conservatore moderato, ideatore e 

co-fondatore nel 1876 del Corriere della 

Sera, è personaggio fiero della indipendenza 

del suo giornale innovativo 

sotto diversi aspetti. Parola d’ordine: 

“Informare prima di tutto”, anche 

quando, a costo di far perdere copie al 

suo foglio, si affretta ad anticipare alla 

cittadinanza le notizie più importanti 

(come l’esito delle elezioni) affiggendo 

cartelli alle finestre della redazione 

e battendo sul tempo i concorrenti. 

In un contesto così articolato e composito, 

nel 1896 interviene a porre le basi 

della Sia quel Marco Praga che riunisce 

in sé molte caratteristiche spesso 

considerate incompatibili: la creatività 

del commediografo di successo, la for-

VIVAVERDI 

58 

cultura 

mazione tecnico-contabile (ama definirsi 

“ragioniere milanese”), la capacità 

di leggere i segnali provenienti dalla 

realtà sociale che, in Italia e all’estero, 

è in continua evoluzione. 

Il nuovo Direttore generale – che lascerà 

l’incarico solo nel 1911, optando per 

la direzione della Compagnia stabile del 

Teatro Manzoni di Milano, salvo poi tornare 

in veste di Presidente nel primo 

dopoguerra - si attiva prima di tutto 

per sanare il deficit di bilancio e per organizzare 

quella rete territoriale capillare 

che sarà in futuro una delle più preziose 

peculiarità della Sia, di cui evidenzia 

la funzione di Agenzia intermediaria. 

Lavora indefessamente per questi 

obiettivi, con “cure assidue, vigili e 

minuziose”, condividendo con gli agen- 

ti distribuiti sul territorio (il cui numero 

cresce in modo esponenziale) gli elogi 

che gli provengono dagli Autori, soddisfatti 

dei tangibili progressi nelle funzioni 

di riscossione dei diritti. Inflessibile 

con gli impresari e i capocomici, 

ma anche con i Soci Autori se provano 

a forzare le regole, ottiene visibilità per 

la struttura e fiducia personale: basti 

pensare che alcuni Soci gli accordano 

prestiti anche cospicui per sanare provvisoriamente 

il bilancio del 1896 e dare 

nuovo impulso alla Società. Non 

mancano, naturalmente, occasioni per 

polemiche con i soggetti danneggiati 

dalla sua determinata volontà di promuovere 

il repertorio nazionale e di effettuare 

energici controlli sulle produzioni 

francesi importate in Italia: dopo 

I problemi economici degli autori sono talmente 

diffusi e conosciuti da ispirare la pittura di genere, 

legata ad una concezione aneddotica della realtà. 

Questa arguta rappresentazione dell’artista 

bohémien di Karl Spitzweg (Il poeta povero, Monaco. 

Collezioni statali bavaresi), richiama le iniziative 

anche solidaristiche della Società degli autori 

anni di acceso confronto con Adolfo Re 

Riccardi (principale importatore di opere 

drammatiche francesi) e con la Società 

degli Autori d’Oltralpe, si pongono 

le basi per i rapporti di reciprocità 

con quest’ultima, mentre la gestione 

dell’intero repertorio del primo è assunta 

dalla Sia nel 1904. 

Avvalendosi poi della conquistata stabilità, 

Praga dà attuazione ad un fine statutario 

che – fino a quel momento – era 

stato accantonato per motivi economici: 

dal 1903 la Società istituisce il Mutuo 

Soccorso, attraverso il quale il Consiglio 

Direttivo elargisce, con grande 

oculatezza, sussidi e prestiti ai Soci in 

difficoltà, oltre a coprire le spese processuali 

in occasione di procedimenti a 

difesa della violazione del diritto d’au-

tore degli associati. 

Sotto la presidenza di Leopoldo Pullè 

(dal 1906 al 1913) e di Arrigo Boito (dal 

1913 al 1916), il Consiglio Direttivo della 

Sia vede l’alternanza di nomi illustri 

che subentrano ai Fondatori: fra i Consiglieri 

figurano nomi di spicco come, 

fra gli altri, Antonio Fogazzaro, Giaco- 

WAGNER E PUCCINI 

mo Puccini, Sabatino Lopez, Tito Ricordi, 

Pietro Mascagni. 

Con il passare degli anni anche il testo 

dello Statuto si evolve in funzione delle 

esigenze della base associativa e delle 

loro priorità: modifiche sono apportate 

dall’Assemblea nel 1900 (R.D. 21 

febbraio 1901, n. LV) e nel 1905 (R.D. 

Alla fine del XIX secolo il diritto d’autore è regolato in Europa in modo ancora disomogeneo, anche 

relativamente alla sua durata. In Austria il diritto di rappresentazione o esecuzione di un’opera drammatica 

o musicale è accordato, oltre all’Autore, agli eredi per soli dieci anni dalla sua morte. Accade 

così che con il 31 dicembre del 1893, a dieci anni dalla scomparsa di Richard Wagner, la moglie 

e i figli rischino di perdere ogni diritto sul repertorio del grande maestro, ancora richiesto da tutti i 

più grandi teatri. Il Governo austriaco, sensibilizzato sul problema, coll’assenso delle due Camere 

dell’Impero, provvede, con una legge generale, a prorogare per tutti di due anni la durata dei diritti 

d’autore. 

Analoga situazione si presenta in Italia, alla scadenza dei diritti d’autore su Il barbiere di Siviglia di 

Gioacchino Rossini, il cui beneficiario è il Liceo Musicale di Pesaro. “La legge vigente (L. 19 settembre 

1882, n.1012) fissa in ottanta anni la durata del diritto di proprietà delle opere adatte a pubblico 

spettacolo, di azioni coreografiche e di qualunque composizione musicale e stabilisce che tale 

durata abbia principio dal giorno in cui ebbe luogo la prima rappresentazione o la prima pubblicazione 

dell’opera. Il Re Umberto I, ritenuto che l’opera musicale Il Barbiere di Siviglia di Gioacchino 

Rossini (…) cadrebbe nel dominio pubblico il 16 febbraio 1896 e che il Liceo Musicale di Pesaro vive 

in gran parte cogli utili che ricava dalle rappresentazioni dell’opera suddetta, e che tali utili cesserebbero 

col passaggio di essa nel dominio pubblico, turbando per tal modo l’andamento di questo 

nobile Istituto creato dalla munificenza dell’immortale Gioacchino Rossini, interviene con un Decreto 

Reale (che non richiede il previo esame delle Camere) e proroga di due anni il termine della durata 

del diritto di proprietà stabilito per l’opera Il Barbiere di Siviglia di Gioacchino Rossini”. 

Il sommo giurista Enrico Rosmini confronta i due casi su “I diritti d’autore – Bollettino degli atti e notizie 

della SIA”, anno XV, aprile 1896, n.4, pag. 31, e commenta: “..e così si provvide agli interessi 

della famiglia Wagner; le opere del grande alemanno non dovevano in Austria cadere nel dominio 

pubblico prima che in Germania e negli altri Stati, ma ciò fu fatto con una disposizione d’ordine generale 

ed estesa a tutti gli abitanti dello Stato che potevano trovarsi nelle medesime condizioni. Successivamente, 

con la nuova legge austriaca 26 dicembre 1895 concernente i diritti d’autore sulle 

opere di letteratura, d’arte e di fotografia, §43, si portò la durata di questi diritti fino a 30 anni dopo 

la morte dell’autore. Il nostro Decreto-legge del 10 febbraio 1896, invece, non ha osservato le 

forme dell’art. 3 dello Statuto (Albertino, ndr), il quale dice il potere legislativo esercitarsi collettivamente 

dal Re e dalle due Camere: è una legge ad personam, che potrà invocare le attenuanti delle 

buone intenzioni”. 

59 

VIVAVERDI 

1° febbraio 1906). Con quest’ultimo Statuto 

è introdotta la distinzione fra Soci 

effettivi e aderenti. I Soci effettivi pagano 

una tassa di ammissione, un contributo 

annuo, l’aggio, prendono parte 

alle Assemblee generali, sono eleggibili 

alle cariche sociali, hanno i diritti di 

tutela stabiliti dallo Statuto e fruiscono 

del Mutuo Soccorso. I Soci aderenti sono 

esonerati dalla tassa di ammissione 

e dal contributo annuo, ma non dall’aggio; 

hanno i diritti di tutela stabiliti dallo 

Statuto ma non intervengono alle Assemblee, 

non fruiscono del Mutuo Soccorso 

e non sono eleggibili alle cariche 

sociali (salvo per la Commissione per i 

Piccoli Diritti Musicali). 

Sfogliando il Partitario (ovvero il registro 

nel quale si annotavano coloro che 

maturavano proventi) dei primi 15 anni 

del secolo, si trovano Soci effettivi 

dai nomi ancora noti, come Ferdinando 

Bideri e Carisch&Janichen, ma colpisce 

che avessero optato per la qualifica 

di aderenti, almeno in quegli anni, 

personaggi del calibro di Ildebrando 

Pizzetti, Libero Bovio, Luigi Illica, Salvatore 

Di Giacomo, Edoardo Di Capua 

e persino Giacomo Puccini. 

Tra gli autori di opere drammatiche o letterarie, 

ecco iscriversi Matilde Serao, Annie 

Vivanti Chartres, Gabriele D’Annunzio, 

Aldo De Benedetti, Sem Benelli, 

Ettore Petrolini, Luigi Pirandello, Ermete 

Zacconi, e le regine delle scene Adelaide 

Ristori ed Eleonora Duse. 

Di fatto la base associativa nel 1906 è 

rifondata sulla base dei nuovi criteri: da 

circa 300 Soci nel 1906, il traguardo dei 

mille è superato nel 1910 fino a raggiungere 

1500 nel corso della I Guerra 

mondiale: interessante notare che il dato 

non deflette in corrispondenza dell’evento 

bellico.

VIVAVERDI 

60 

musica 

INTERVISTA A SERGIO IODICE 

“SONO UN ARTIGIANO DI SOGNI, 

COI PIEDI PER ARIA” 

di Flaviano De Luca 

Chi l’ha dimenticato lo scialle della 

mamma? La prima timida copertura 

dello spogliarello di una ragazza ( E lo 

scialle della mamma/ guarda un po’ che 

fine fa… La camicia di velluto/ lentamente 

cade giù, poi mi dici/” Non sta 

bene tu non puoi veder di più”). Era la 

strofa acchiappa uditorio, il gancio verbale 

di Non lo faccio più, la canzone 

vincitrice del Festival di Sanremo 1976, 

cantata da Peppino di Capri ( al suo secondo 

successo sulla riviera ligure) e 

scritta da Sergio Iodice per il testo e 

Depsa (Salvatore De Pasquale) per la 

musica. “Quello è stato un grande riconoscimento 

pubblico del nostro lavoro 

– confessa Sergio Iodice, napoletano, 

per tanti anni avvocato di un importante 

istituto di credito, profondamente innamorato 

del pentagramma e delle parole 

giuste - Eravamo un gruppo di ragazzi, 

animati da un grumo di passioni, 

innanzitutto la musica, instancabili 

ascoltatori di Sanremo e del Festival di 

Napoli, e le poesie, i bigliettini che scrivevamo 

alle ragazze, poi quello che ci 

succedeva intorno, le trasformazioni 

della nostra società meridionale. Venni 

in contatto con Peppino Di Capri, al- 

Ha scritto centinaia di canzoni compresi grandi successi come Champagne per 

Peppino Di Capri, Balliamo per Fred Bongusto e Vola per Eduardo De 

Crescenzo, brani che sono diventati classici dei locali notturni e dei pianobar. 

Eppure Sergio Iodice, autore di testi da oltre trent’anni, si entusiasma a 

raccontare del suo ultimo progetto, titolo provvisorio Opere d’arte, la versione 

italiana del nuovo disco di Toquinho, dodici canzoni con le liriche del poeta 

cileno Antonio Skarmeta, quello di Il Postino, che verrà pubblicato in autunno 

contemporaneamente in spagnolo, portoghese e italiano. 

lora in un periodo di stanca della sua 

carriera, e gli detti un parere spassionato 

su alcuni brani che aveva in pre- 

Sotto, la copertina del 45 giri Champagne 

in edizione francese, con la fascetta “n. 1 en Italie” 

su una bottiglia di una famosa marca . 

A fianco, Antonio Pecci Filho in arte Toquinho con 

Sergio Iodice, suo collaboratore fin dal 1997 

parazione. A me non piacevano granché. 

Lui apprezzò la mia sincerità e cominciammo 

a collaborare… Il primo 

brano fu Barbara, un 45 giri del 1970, 

uno dei primi per l’etichetta discografica 

fondata proprio da Peppino, la 

Splash. Un brano nato sulle ali dell’entusiasmo 

e scritto per la moglie del cardiologo 

Christian Barnard, in quel periodo 

in vacanza a Capri. Il primo grande 

successo fu, invece, Champagne, un 

singolo del 1973, scritto con Di Francia 

e Depsa, che inizialmente stentò, poi si 

affermò in Italia e in Europa”. 

La leggenda racconta che il motivo cominciò 

a farsi largo in un taxi, sulla tortuosa 

via Tasso che collega il Vomero alla 

città storica, Sergio era in compagnia 

di Mimmo Di Francia che aveva in men-

te questo motivo da giorni. “Un brano 

che espone un po’ la mia filosofia. Il titolo 

è importante e farà sì che la canzone 

verrà associata alle feste e ai brindisi. 

Ma è il secondo verso che dà il senso 

giusto e indirizza l’andamento. 

Champagne/ per brindare a un incontro/ 

con te che già eri di un altro/ …./ 

Champagne/ per un dolce segreto/per 

noi/ un amore proibito” . Peppino di 

Capri lo portò a Canzonissima ma si 

classificò solo quinto poi negli anni il 

brano è diventato un classico con milioni 

di copie vendute in tutto il mondo 

(ed è la canzone italiana più eseguita nei 

night club e locali notturni all’estero). 

Fino al 1979, l’anno in cui le strade dei 

due amici si separano, Iodice scrive decine 

di canzoni per Di Capri, tra cui Auguri, 

Magari, Incredibile voglia di te, 

Fiore di carta (la versione italiana di 

How deep is your love dei Bee Gees), 

Ammore scumbinato (in napoletano) .” 

Il secondo grande personaggio della sua 

carriera è Fred Bongusto, “ meticoloso, 

appassionato, grande giocatore di tennis”. 

Nacque un po’ per caso, “gli portai 

Facciamo pace, scritta insieme con 

Paolo Moscarelli”. Da subito la collaborazione 

produsse buoni frutti come 

Balliamo (1977), un classico del pianobar, 

grande successo nei locali notturni, 

la canzone tipica per un tenero 

guancia a guancia (Balliamo, è da tanto 

tempo che non lo facciamo/ balliamo, 

c’è la musica che piace pure a te/ 

andiamo, questa sera sono in vena di 

follie/, noi due stretti stretti come tanto 

tempo fa) alcuni brani della colon- 

na sonora di La cicala, di Alberto Lattuada 

(che vince il Nastro d’Argento 

per la migliore colonna sonora, nel 

1980), Cantare (1986) e Scusa (1989), 

entrambe presentata al festival di Sanremo. 

Negli anni novanta scrive Vola 

per Edoardo De Crescenzo, sulla musica 

di Maurizio Morante. 

“Fu abbastanza piacevole mettere su il 

tour Due ragazzi irresistibili (una produzione 

dell’impresario Fausto Paddeo) 

con Bongusto e Di Capri, uno spettacolo 

davvero entusiasmante, una raffica 

di canzoni melodiche davvero importanti 

tra il tono confidenziale di Bongusto 

e la voce carezzevole di Peppino. Si 

erano trovati sul palco l’uno accanto all’altro 

d’estate a Sant’Angelo di Ischia, 

in una magica serata d’agosto e proprio 

lì nacque l’idea di fare una tournée insieme. 

Ognuno con la propria band, 

scambiandosi i brani, così Bongusto 

cantava Nun è peccato e Peppino Doce 

doce, raccontando la nascita e la fortuna 

delle varie canzoni, fino a Fatti così, 

cantato insieme dai due (scritta da Iodice 

insieme a un giovane musicista, 

Giovanni Di Gennaro,ndr), che diventerà 

anche un cd live, registrato nel 

1996. Un vero trionfo di spettatori, con 

date anche all’estero”. Successivamente 

ci fu anche il tour insieme di Fred 

Bongusto con Toquinho, il chitarrista e 

cantante brasiliano che ha lavorato lungamente 

con Vinicius de Moraes, e ha 

lontane origini molisane. Da quell’incontro 

venne fuori Brasiliando, una 

canzone e un album di successo. (Io che 

sono nato brasiliano/ potrei essere ita- 

61 

liano/differenza non ce n’è/ Noi che abbiamo 

il mare nelle vene/ siamo frutti 

di stagione, siamo uguali a te/ quanti innamorati 

sogneranno/ quante notti balleranno 

se tu canti insieme a me) e un 

rapporto d’amicizia, duraturo nel tempo. 

Così , dopo aver scritto Aeroplani di 

Toto Cutugno (su musica di Claudio Romano 

e dello stesso Cotugno, presentato 

all’ultimo Sanremo), Iodice è al lavoro 

sulla dozzina di canzoni scritte da 

Toquinho, col testo di Skarmeta in spagnolo, 

un album prodotto da RaiTrade 

che uscirà in autunno. ”Ho passato 

un’intera giornata con un ragazzo di madrelingua 

brasiliana per decifrare il testo 

di Toquinho. Ci vuole grande attenzione 

perché una cosa è il senso della 

canzone che si può riprendere e va bene, 

un’altra cosa la scelta delle parole 

per adattare le sonorità originali. Ma è 

un lavoro entusiasmante, un’abilità manuale 

da artigiano dei sogni, uso la penna 

invece del bulino per far venire fuori 

situazioni e frasi che trasmettano 

emozioni, che funzionino con la musica”. 

Ma esiste un segreto per afferrare 

il momento e l’ispirazione per mettere 

giù le liriche di una canzone? “Nel nostro 

mestiere quello che conta è l’entusiasmo 

e la passione, anche e sopratutto 

nei momenti di stanca perché poi arrivano 

sempre nuove emozioni. Tra queste 

attualmente c’è la collaborazione 

musicale con mia figlia Vanina che alterna 

il suo lavoro di scrittrice, ha appena 

pubblicato il suo primo romanzo, 

(Il broncio, per Kairos Edizioni) con 

quello di autrice. Proprio in questi giorni 

abbiamo ultimato un nuovo brano che 

già amo da morire su musiche di Gabriella 

Barbagallo, giovane e valente musicista 

siciliana. Scrivere con la propria 

figlia è un’esperienza magica. La magia 

che ci rende uguale ai bambini quando 

sono seduti: non stiamo mai con i piedi 

per terra”. 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

62 

lirica 

FRANCESCO D’AVALOS 

MARIA E FABRIZIO, 

IL PIU’ TRAGICO 

ADULTERIO DEL BAROCCO 

di Dario Oliveri 

Genio e follia: questo binomio si adatta 

perfettamente all’esperienza del “principe 

dei musici” Carlo Gesualdo di Venosa 

(1566-1613), le cui ultime opere - 

tra cui il Quinto e il Sesto libro dei madrigali 

a cinque voci e i Tenebræ Responsoria, 

tutti pubblicati nel 1611 - riflettono 

il furore e le ombre del Barocco 

italiano al pari dei versi iperbolici di 

Giambattista Marino (È del poeta il fin 

la meraviglia/.../chi non sa far stupir, 

vada alla striglia”), delle colonne vitinee 

concepite da Bernini per il baldacchino 

di San Pietro, delle immagini affioranti 

dal buio di Caravaggio, enfant prodige 

e artista maledetto del suo tempo, colpevole 

- come Gesualdo - di omicidio e 

costretto alla fuga. A Malta e in Sicilia il 

Caravaggio realizza alcune delle sue opere 

più drammatiche (La decollazione di 

San Giovanni Battista, La sepoltura di 

Santa Lucia, La resurrezione di Lazzaro), 

che vedono la luce tra il 1608 e il 

1609, negli stessi anni cioè che Gesualdo 

trascorre in solitudine nel suo Castello 

dell’Irpinia, “arroccato su un monte”. 

Poco più di vent’anni prima, egli 

aveva sposato la bellissima cugina Maria 

d’Avalos (1560-1590): “Il matrimo- 

A Napoli, a pochi passi dalla Chiesa di san Domenico Maggiore, basilica gotica e 

luogo di sepoltura dei nobili aragonesi, c’è la misteriosa, inquietante e sublime 

Cappella Sansevero, ricca di opere d’arte di valore inestimabile, e l’imponente e 

cupo palazzo dei principi di Sansevero. Nel Seicento fu teatro di un terribile 

delitto, organizzato da Carlo Gesualdo di Venosa, aristocratico e proprietario 

terriero che coltivò la musica per diletto, diventando un eccezionale madrigalista. 

L’uccisione dei due amanti Maria d’Avalos e Fabrizio Carafa, nobili di famiglia e 

di celebrata bellezza, si è impressa profondamente nella coscienza del popolo 

napoletano ed è stata ricordata, per diversi secoli, da cantastorie di strada come 

da autori colti. Un posto di rilievo merita il dramma in due parti Maria di Venosa, 

scritto nel 1992 dal compositore e direttore d’orchestra Francesco d’Avalos, 

discendente della sfortunata principessa. 

nio”, scrive Giovanni Iudica, “fu celebrato 

nel 1586 nella chiesa di San Domenico 

Maggiore con magnificenza. Il 

cardinale di Napoli e il cardinale d’Aragona 

concelebrarono l’uffizio. Era presente, 

a fianco dei parenti degli sposi, il 

viceré, duca di Ossuna. [...] Quando Carlo 

e Maria si affacciarono sul sagrato, il 

popolo restò per un attimo senza fiato e 

poi uno scroscio di applausi e di grida 

accolse gli sposi”. Assediata da complimenti 

e galanterie di ogni genere, Maria 

riuscì a respingere perfino la corte 

dello zio del marito Giulio Gesualdo, che 

pure tentò varie volte di “farla pieghe- 

Francesco d’Avalos, compositore e direttore 

d’orchestra, autore del dramma musicale 

Maria di Venosa sulla figura della sfortunata 

principessa, che fu sua antenata 

vole alle sue voglie”, ma cedette alla corte 

del duca Fabrizio Carafa, incontrato 

per la prima volta a una festa da ballo. 

Nell’ottobre del 1590, quando “la storia 

di quell’adulterio era ormai sulla bocca 

di tutti” e il popolino già “si eccitava in 

racconti scurrili di crapule amorose“, 

Gesualdo decise di tendere una trappola 

ai due amanti e di ucciderli con l’aiuto 

dei suoi fedelissimi. L’istruttoria del 

processo durò meno di un giorno e si 

concluse con un’annotazione del viceré, 

conte Miranda, in cui si ordinava l’archiviazione 

del caso “stante la notorietà 

della causa giusta dalla quale fu mos-

Carlo Gesualdo, sorretto da San Carlo Borromeo, riceve 

il perdono dei suoi peccati. Un particolare della “ Pala 

del perdono” (1609), il dipinto di Giovanni Balducci 

che si trova nella Chiesa di Santa Maria delle Grazie 

di Gesualdo, il paese in provincia di Avellino. 

Torquato Tasso scrisse a proposito della tragica sorte 

di Maria e Fabrizio,” Piangi, Napoli mesta, in bruno 

ammanto/ Di beltà, di virtù l’oscuro occaso/E in lutto 

l’armonia rivolga il canto” 

so don Carlo Gesualdo principe di Venosa 

ad ammazzare sua moglie e il duca 

d’Andria come sopra”. Dopo un anno di 

volontario esilio nel suo castello, Gesualdo 

fece ritorno a Napoli, “attratto e 

come calamitato da quella casa [...] in 

cui si era consumata la sua tragedia” e 

nel febbraio del 1594 sposò Eleonora 

d’Este, nipote di Alfonso II duca di Ferrara 

e di Urbino (che a sua volta era nipote 

di Lucrezia Borgia e aveva sposato 

in prime nozze una figlia di Cosimo de’ 

Medici): un mese prima delle nozze, a 

Gesualdo venne recapitata una lettera di 

congratulazioni e di augurio del re di 

Spagna Filippo II. 

La tragica fine di Maria d’Avalos e Fabrizio 

Carafa si impresse profondamente 

nella coscienza del popolo napoletano 

(che prese fin dall’inizio le parti dei due 

amanti) e fu cantata sia da artisti popolari 

come Giovanni della Carriola e lo 

Sbruffapappa, “un omone gigantesco [...] 

e dal passato burrascoso, che intonava 

rime tenere e delicate”, che da autori ben 

più colti come Ascanio Pignatelli e in seguito 

Giambattista Marino e persino 

Torquato Tasso, “l’amico di famiglia, il 

beneficiato, il mantenuto di casa Gesualdo”, 

che scrisse un sonetto in cui 

piangeva la sorte dei due amanti, ma non 

certo del marito. Tra i compositori del 

nostro tempo che hanno portato sulle 

scene l’amara vicenda, si ricordano invece 

Gino Negri, autore dell’atto unico 

Diario dell’assassinata (1978), interpretato 

a suo tempo da Milva; Arthur 

Schnittke, al quale si deve un controverso 

Gesualdo (1995) in cui la tragedia 

cinquecentesca si trasforma un semplice 

fatto di cronaca nera; Salvatore Sciarrino, 

che al “principe dei musici” rende 

un doppio, raffinatissimo omaggio: 

quasi cifrato il primo, l’opera in due atti 

Luci mie traditrici (1996-98), in cui 

la “Malaspina brucia d’amore per l’Ospite 

/ il suo sposo sa del tradimento / mostra 

alla donna di perdonare / tuttavia si 

vendica sanguinosamente”; più esplicito 

(seppure stilizzato) il secondo, la Terribile 

e spaventosa storia del Principe di 

Venosa e della bella Maria (1999), nel 

quale i pupi siciliani e il cunto di Mimmo 

Cuticchio svelano gli aspetti più 

“eroici, patetici e farseschi” del tema. In 

63 

questo scenario di evocazioni, occupa 

tuttavia una posizione assolutamente 

unica il dramma in due parti Maria di 

Venosa, ultimato nel 1992 dal compositore 

e direttore d’orchestra Francesco 

d’Avalos (Napoli 1930), discendente della 

sfortunata principessa. Allievo di 

Francesco Vitale al Conservatorio di San 

Pietro a Majella e di Paul van Kempen, 

Sergiu Celibidache e Franco Ferrara al- 

VIVAVERDI

VIVAVERDI 

64 

lirica 

l’Accademia Chigiana di Siena, Francesco 

d’Avalos ha scritto alcune pagine di 

musica da camera (tra cui un bel quaderno 

di Composizioni per pianoforte, 

recensito da Quirino Principe sul “Sole 

24 Ore” e inciso da Francesco Libetta) e 

varie partiture per orchestra: Sinfonia 

n. 1 (1957), Hymne an die Nacht (“Inno 

alla notte”, 1958), Studio sinfonico 

(1956-82), Lines (1963) e Die stille Stadt 

(“La città silenziosa”, 1994). Inoltre, ha 

realizzato due importanti opere di teatro 

musicale, Maria di Venosa e Qumrãn 

(2002), in cui sviluppa una sua personalissima 

concezione drammaturgica: 

“Ritengo”, scrive l’autore, “che l’opera 

abbia raggiunto nel Settecento il suo 

equilibrio nella divisione tra Recitativo 

e Aria. Si dava così spazio da un lato all’azione 

e dall’altro all’espressione. [...] 

Con l’opera romantica e poi con quella 

verista, il libretto, tutto musicato, è passato 

in secondo piano e non sempre è rimasto 

comprensibile all’ascolto. [...] Per 

chi non è informato in precedenza, è 

quasi impossibile dare un senso, se non 

per ipotesi, all’azione scenica: è difatti 

difficile riuscire a percepire le parole 

cantate. [...] Queste considerazioni, mi 

hanno spinto a concepire un Dramma 

musicale per teatro senza un effettivo libretto 

in senso tradizionale. L’azione 

scenica si svolge così come in un film 

muto e l’orchestra, il coro e alcune parti 

soliste si sostituiscono alle parole che 

non vi sono, ma che, se vi fossero, egualmente 

(come avviene per tutte le opere) 

non si riuscirebbero a comprendere. 

Nella mia visione del teatro musicale, i 

personaggi agiscono ma non cantano. 

Quando cantano, significa che lo farebbero 

anche nella realtà: così, per esempio, 

avviene nella Maria di Venosa con 

la cantilena di Maria, con il canto della 

veggente e con il Requiem æternam, così 

come tutti i cori maschili del mio 

dramma Qumrãn“. 

Pubblicata dalla Casa Musicale Sonzogno 

e sino ad oggi “colpevolmente trascurata 

da qualsiasi programmazione 

teatrale” (Principe), Maria di Venosa è 

stata eseguita e incisa in forma di concerto 

a Londra nell’agosto 1994, insieme 

con Susan Bullock (soprano), Hilary 

Summers (contralto), il quintetto 

Apollo Voices e la Philharmonia Orchestra 

and Chorus diretti da Francesco 

d’Avalos (Chandos). I personaggi dell’azione 

sono Carlo Gesualdo, Maria 

d’Avalos, Fabrizio Carafa, Giulio Gesualdo 

zio di Carlo, un Prete musico al 

servizio del principe, Laura Scala cameriera 

di Maria e Una Veggente. L’esecuzione 

musicale prevede due voci femminili, 

un ensemble a cinque voci (due 

soprani, contralto, tenore e basso), un 

gruppo strumentale (con due violini, due 

flauti dolci, viola, viola da gamba, violoncello, 

liuto e clavicembalo), grande 

orchestra e un coro misto di 46 elementi. 

La struttura formale, con due parti simmetriche 

di sette scene/sequenze ciascuna, 

ambientate in luoghi diversi e collegate 

da intermezzi, allude forse all’architettura 

del Wozzeck (1925) di Berg, 

che d’altronde racconta anch’esso di un 

tradimento e un delitto: l’omicidio di 

un’altra Maria. Del maestro viennese, 

Francesco d’Avalos rievoca d’altronde 

anche la tensione espressiva e l’esigenza 

di porre l’orchestra al centro dell’azione, 

facendo emergere dal flusso sonoro 

materiali remoti: in questo caso le 

opere di alcuni autori minori del tempo 

(Andrea Ansalone, Jean de Macque, 

etc.), insieme con una Gagliarda e due 

madrigali dello stesso Gesualdo: “Moro 

lasso al mio duolo” e “Io pur respiro in 

così gran dolore” (dal Sesto libro). La 

prima e l’ultima scena si svolgono entrambe 

nel castello di Gesualdo, la notte 

dell’8 settembre 1613: il principe “è 

Libri, cd e dvd su Gesualdo 

La bibliografia in lingua italiana su Gesualdo si è 

arricchita nel 2010 di due nuovi titoli, che si aggiungono 

dunque al volume di Pietro Misuraca, 

Carlo Gesualdo da Venosa. Principe dei musici 

(L’Epos, Palermo 2000). Si tratta di Gesualdo da 

Venosa di Orsola Tarantino Fraternali e Katy Toma 

(pubblicato da Luciano de Venezia) e della Giostra 

del principe. Il dramma di Carlo Gesualdo di Salvatore 

La Vecchia (pubblicato da Mephite, con una 

bella prefazione di Ruggero Cappuccio). Sul piano 

della ricostruzione biografica, con particolare 

riguardo alla “triste vicenda” dell’ottobre 1590, va 

inoltre segnalato, quale testo di assoluto riferimento, 

il libro di Giovanni Iudica Il principe dei musici. 

Carlo Gesualdo di Venosa, pubblicato per la 

prima volta nel 1993 e riproposto quattro anni dopo 

con l’aggiunta di un’ampia documentazione iconografica 

e d’archivio (Sellerio, Palermo 1997). Il 

regista tedesco Werner Herzog (Nosferatu, Fitzcarraldo...) 

ha dedicato a Gesualdo il film-documentario 

Death for Five Voices (“La morte a cinque 

voci”, 1995) in cui descrive, con il suo sguardo 

tipicamente visionario, i luoghi in cui ha vissuto 

il principe-musicista, portando sullo schermo 

anche Milva, Alan Curtis e Francesco d’Avalos, che 

esegue al pianoforte alcuni frammenti da Maria di 

Venosa. Tra le incisioni delle opere di Gesualdo, 

rimangono tutt’oggi imperdibili l’ormai storica registrazione 

del Quinto libro dei madrigali realizzata 

nel 1983 dal Consort of Musicke diretto da Anthony 

Rooley (L’Oiseau Lyre) e la più recente, magnifica 

esecuzione dei Tenebræ Responsoria realizzata 

dall’Hilliard Ensemble (Ecm New Series). 

Tra le rarità, si segnala infine la registrazione del 

Monumentum pro Gesualdo di Venosa ad CD annum 

(1960) di Igor Strawinsky, diretta dall’autore 

con la Columbia Symphony Orchestra (Sony Classical): 

si tratta della trascrizione per orchestra di 

tre madrigali dal Quinto e Sesto libro, da cui emerge 

una “forza d’espressione cromatica” che non 

riusciamo più a comprendere “perché le nostre 

orecchie sono state corrotte dalla musica successiva” 

(Strawinsky). da. o.

La copertina del disco Maria di Venosa, registrato in 

forma di concerto a Londra nel 1994 con Susan 

Bullock (soprano), Hilary Summers (contralto), 

il quintetto Apollo Voices e la Philarmonia Orchestra 

and Chourus diretta da Francesco d’Avalos 

seduto in poltrona, le forze l’abbandonano, 

sente che la morte è vicina, ma ancora 

prova a comporre musica. Va al 

cembalo e inizia a suonare (un gruppo 

di musicisti, al lato della scena, suona 

un breve frammento che va inteso come 

realizzazione del pensiero musicale di 

Gesualdo); ma in quel momento egli vede, 

nel quadro che effigia la sua seconda 

moglie, Eleonora d’Este, la figura viva 

della prima moglie Maria d’Avalos, 

vestita di bianco”. Durante la notte, il 

principe “rievoca in se stesso il corso 

drammatico della sua vita” di cui si costituisce 

il soggetto del dramma vero e 

proprio: le ore successive al matrimonio 

con Maria, il canto melanconico di 

lei, la violenza dei rapporti con la moglie, 

una tempesta in cui “ambedue avvertono 

un presagio di tragici eventi”, il 

primo incontro di Maria con Fabrizio 

Carafa a una festa nel palazzo del viceré 

di Napoli. Nella parte iniziale, s’impone 

soprattutto il blocco drammaturgico 

formato dalla terza e dalla quarta scena, 

che inizia con un madrigale a cinque voci, 

cui fa eco il canto struggente di Maria 

che si dispiega, come limpida linea 

di luce, sui glissando degli archi con sordina, 

e prosegue in un cupo, tenebroso 

crescendo. Tra gli episodi conclusivi appare 

invece magnifica l’ottava scena: “Sul 

balcone del palazzo del viceré Maria 

d’Avalos e Fabrizio Carafa iniziano i loro 

primi colloqui d’amore. Sulla spiaggia 

circostante [...] alcuni uomini portano 

a braccio un uomo e una giovane 

donna morti, accoltellati, che vengono 

adagiati sulla rena; alcune donne, che 

seguono i due uccisi, piangono la loro 

morte con un lugubre canto. [...] Una 

donna sola ammantata, una veggente, 

discosta di poco dalle altre donne, profetizza 

un’altra morte tragica per amore 

[...]”. Tenue, delicatissima, notturna è 

anche la scena undicesima; mentre la 

sequenza del delitto viene sottratta agli 

sguardi del pubblico e si svolge quando 

la veggente intona alcuni versi dello 

stesso Francesco d’Avalos. Nella scena 

finale, in cui l’azione ritorna nel castello 

di Gesualdo, fiorisce tra i suoni 

tenuti degli archi il testo del sonetto 

composto da Torquato Tasso in memoria 

dei due amanti: “Alme leggiadre a 

meraviglia e belle / Che soffriste morendo 

aspro martirio”. La voce del contralto 

s’intreccia ai vocalizzi soavi del 

soprano, mentre d’un tratto il coro intona 

sommesso “Requiem æternam 

dona eis Domine”: “Gesualdo è in poltrona, 

sul punto di morire. [...] Come 

65 

una visione, egli vede la cerimonia funebre 

della prima moglie Maria, allestita 

dai monaci nella chiesa di San Domenico 

[...]. Al termine di questa visione, 

Gesualdo ha un tremito e muore. 

Nell’attimo in cui Gesualdo spira la 

stanza diventa buia. Dal fondo appare 

un giardino fantastico e luminoso dove 

la prima moglie Maria, vestita di 

bianco, insieme con altre persone anch’esse 

vestite di bianco, chiama Gesualdo 

per condurlo in un mondo remoto 

senza tempo e senza passioni”. 

La musica rallenta gradualmente e infine 

s’arresta, perdendosi nel nulla. 

VIVAVERDI

VIVAin breve 

a cura di Alberto Ferrigolo 

I PIRATI ALL’ARREMBAGGIO 

DI MONTECITORIO 

Si sono spinti fin sotto la Camera dei deputati, 

a volto scoperto e svelando le proprie 

identità, i “pirati digitali” che a marzo 

si sono riuniti al Teatro Capranica in 

una “festa del peer-to-peer”. Ladri di 

guadagni da copyright, che si trincerano 

dietro “la battaglia per la libera circolazione 

delle idee”. L’iniziativa ha sollevato 

le proteste di Tullio Camiglieri, responsabile 

Comunicazione di DGTVi, associazione 

per la promozione della tv digitale 

terrestre, già alle Relazioni esterne 

di Sky, e coordinatore del Centro studi 

per la difesa dei diritti degli Autori: “La 

festa dei pirati lascia sbigottiti, senza i ricavi 

non avrà più senso destinare risorse 

alla realizzazione di film, documentari 

o produzioni musicali”. 

IL DECLINO DELL’IMPERO 

BLOCKBUSTER 

La grande catena mondiale di videonoleggio 

(6.500 negozi, 4.000 sedi solo 

negli States) sta per chiudere i battenti 

sotto il peso di 1 miliardo di dollari di 

debiti e della concorrenza di rivali tecnologicamente 

agguerriti, primo tra tutti 

Internet e la pirateria. Nel 2009 le 

perdite sono state pari a 558,2 milioni 

di dollari, le vendite crollate di un quinto 

a 4,06 miliardi. Forte la concorren- 

za di Coinstar e Netflix, affermatisi con 

gli ordini online e consegna a domicilio 

dei film. 

MUSICA UK, PIU’ ROYALTY 

DAL DIGITALE? 

Il condizionale è d’obbligo, la cautela pure. 

Tuttavia Robert Ashcroft, a.d. della società 

di autori britannica PRS For Music, 

conferma che per la prima volta nel Regno 

Unito le royalty incassate nel 2009 

da autori ed editori grazie alla musica digitale 

hanno più che compensato il calo 

dei diritti fonomeccanici sul mercato tradizionale, 

per un fatturato pari a 623 milioni 

di sterline (+2,6%). 

SPAGNA, UNA LEGGE 

ANTIDOWNLOAD… 

Anche in Spagna è stata approvata una 

legge per la creazione di una Commissione 

per la proprietà intellettuale con 

pieni poteri per chiedere la chiusura rapida 

dei siti attraverso cui si scaricano 

illegalmente contenuti protetti da copyright. 

BOLLY&HOLLY 

UNITI NELLA LOTTA 

Bollywood e Hollywood, le due principali 

industrie cinematografiche del 

mondo hanno unificato i propri sforzi 

contro i Dvd piratati e i film scaricati 

dalla Rete. L’accordo è avvenuto tra la 

Motion Picture Association of America 

e 7 produttori cinematografici indiani 

che hanno formato un alleanza su un tema 

spinoso ma cruciale per l’industria. 

JAMES MURDOCH JR: 

“IL FILESHARING È UN FURTO” 

Durante l’Abu Dhabi Media Summit il 

figlio del magnate Rupert, chief executive 

di News Corporation per Europa e 

Asia è stato esplicito contro la pirateria: 

“Far p2p è come andare a rubare una 

confezione di Pringles o una borsetta. 

Non vi è nessuna differenza tra pirateria 

digitale e fisica. Dovrebbe esserci lo 

stesso livello di protezione dei diritti di 

proprietà, sia che si parli di una casa che 

di un film”. 

GLI USA VANNO 

A CACCIA DI PIRATI 

Lo Us Copyright Group si prepara a perseguire 

decine di migliaia di “pirati” e 

quanti utilizzano il p2p via internet di 

film protetti dal diritto d’autore. Più di 

20 mila utenti sono già stati denunciati 

a Washington e almeno altri 30 mila 

si aggiungeranno a breve. Appare al tramonto 

la strategia dell’Mpaa per colpire 

solo i pochi condivisori a scopo “educativo”.

NUOVO IMAIE, 

PUBBLICATO IL DECRETO 

Il decreto legge 30 aprile 2010, n.64, 

“Disposizioni urgenti in materia di spettacolo 

e attività culturali” pubblicato 

sulla Gazzetta Ufficiale n. 100 del 30-4- 

2010 contiene, tra l’altro, disposizioni 

sull’Imaie, l’ente mutualistico degli artisti, 

interpreti ed esecutori. Il nuovo 

istituto ha personalità giuridica di diritto 

privato, disciplinata dal Codice Civile. 

“Il nuovo Imaie - secondo l’art. 7 

– opera sotto la vigilanza congiunta della 

Presidenza del Consiglio dei Ministri 

- Dipartimento per l’informazione e 

l’editoria, del Ministero per i beni e le 

attività culturali e del Ministero del lavoro 

e delle politiche sociali, che ne approvano 

lo statuto e ogni successiva modificazione, 

il regolamento elettorale e 

di attuazione dell’articolo 7 della legge 

n. 93 del 1992, assicurando che l’assetto 

organizzativo sia tale da garantire efficaci 

forme di tutela dei diritti degli artisti 

interpreti esecutori. Il Ministero 

del lavoro e delle politiche sociali nomina 

il presidente del collegio dei revisori, 

il Ministero per i beni e le attività 

culturali e il Ministero dell’economia 

e delle finanze nominano un componente 

ciascuno del collegio”. 

E-BOOK A VARIO PREZZO 

Con l’iPad alle porte, Amazon – il più 

grande portale internazionale di vendita 

di libri online – ha deciso di fare uno 

strappo alle regole e alla sua politica 

commerciale, consentendo a due dei 

principali editori degli Stati Uniti di al- 

zare il prezzo dei libri elettronici per il 

lettore Kindle. Attraverso due specifici 

accordi rinuncerà a tenere il prezzo 

delle nuove uscite sotto i 10 dollari. Alcuni 

nuovi best seller continueranno a 

costare 9,99 dollari ma la maggior parte 

oscillerà tra i 12,99 e i 14,99 dollari. 

LA NUOVA FRONTIERA 

DEI LIBRI DIGITALI 

Con un’intervista al Corriere della Sera 

del 24 marzo l’a.d. di Mondadori, 

Maurizio Costa, ha annunciato che “il 

2010 è l’anno della svolta e del darsi una 

bella mossa e chi lo farà avrà un bel vantaggio 

perché ci sarà la selezione della 

specie”. L’annuncio è epocale: “Per questo 

contiamo di fare un’operazione di 

apertura di mercato: in ottobre sbarcheremo 

sul segmento degli ebook con 400 

novità e 800 best-seller degli ultimi mesi” 

dichiara Costa. Secondo l’a. d. di Segrate, 

“l’ereader sarà il regalo di Natale 

2010”. Sarà iPad o Kindle? “Certo, ci saranno 

barriere psicologiche per il costo. 

L’iPad costerà tra i 4-600 euro. Ma arriveranno 

quelli più economici e ognuno 

conquisterà la sua quota di mercato. 

Quello che è sicuro è che non ci sarà uno 

standard unico, e infatti il nostro obiettivo 

è essere fruibili su tutti”. 

67 

VIVAVERDI 

I TRECENTO ANNI DEL COPYRIGHT 

Correva l’anno 1710 e in Inghilterra diventò 

legge. Attribuiva agli autori ed ai 

“loro aventi causa” il diritto esclusivo 

di stampare le proprie opere per una 

durata di 14 anni, con la possibilità di 

un rinnovo per altri 14. La Regina istituì 

anche un pubblico registro nel quale 

gli autori dovevano anche indicare il 

titolo delle opere per le quali chiedevano 

la protezione. Qualche decennio dopo, 

nel 1790, anche gli Stati Uniti adottarono 

– dopo la guerra di Indipendenza 

– una disciplina del tutto analoga a 

quella inglese. 

DIGITAL ECONOMY BILL, 

LA HADOPI INGLESE 

Anche il Regno Unito ha la sua legge antipirateria 

sul modello francese. In particolare 

contro la pirateria digitale, approvata 

dalla House of Lords con 189 

voti favorevoli e 47 contrari a poche ore 

dallo scioglimento delle Camere prima 

delle elezioni politiche del 6 maggio. Le 

nuove disposizioni approvate in Gran 

Bretagna, prevedono la collaborazione 

tra major, internet provider e società 

di gestione collettiva dei diritti 

per l’invio di “lettere di avvertimento” 

ai downloaders incalliti, nella speranza 

che questo tipo di “persuasione/dissuasione” 

possa bastare a mettere un 

freno alla pirateria online. Qualora il 

tasso di download illegali non dovesse 

regredire, allora la Ofcom passerà a introdurre 

direttamente nuove misure 

tecniche più efficaci, quali la sospensione 

della linea telefonica, così come 

previsto dalla legge francese.

VIVAVERDI 

68 

musica 

INTERVISTA A CRISTIANO GODANO 

NUOTANDO NEL ROCK 

DEI MARLENE KUNTZ 

di Nicola Ravera 

Fin dal loro disco d’esordio, quel Catartica 

che nel 1994 diventa rapidamente 

oggetto di culto tra gli appassionati, 

i Marlene portano una scossa di 

novità, che proietta nel futuro le atmosfere 

del rock italiano dei primi ’90. Si 

sente nelle tessiture scure di chitarra, 

in quelle sferzate elettriche che richiamano 

alla mente i newyorchesi Sonic 

Youth, caposcuola delle nuove sonorità 

noise e post-punk d’oltreoceano, come 

nelle dolcezze improvvise di ballate come 

Nuotando nell’aria, una energia e 

una consapevolezza che pochi dischi 

d’esordio hanno avuto. 

In questi 15 anni, i Marlene Kuntz (Luca 

Bergia, Cristiano Godano e Riccardo 

Tesio) sono diventati grandi. Sono usciti 

dalla nicchia della musica indipendente 

per passare alla Virgin record, 

hanno raccolto per strada collaboratori 

del calibro di Warren Ellis (violinista 

di Nick Cave), Rob Ellis (collaboratore 

di P.J.Harvey), Greg Cohen (già con Tom 

Waits) e Skin, il cui duetto con Cristiano 

Godano su La canzone che scrivo per 

te ha forse più di ogni altra cosa sancito 

il successo commerciale della band. 

Oggi i Marlene sono un gruppo consa- 

Quella dei Marlene Kuntz è una storia a lieto fine. In un paese dove la musica è 

sempre più prigioniera dei reality, il box office cinematografico è in mano ai 

comici televisivi, e dove spesso il talento si perde in territori lontani dal grande 

pubblico, i Marlene Kuntz sono una piacevole eccezione. In quindici anni di 

carriera, hanno portato originalità e voglia di sperimentare nel panorama del 

nuovo rock italiano. 

crato, uno dei punti di riferimento del 

panorama del rock italiano, hanno 

preso il volo, ma per farlo non si sono 

alleggeriti della voglia di sperimentare, 

del coraggio, dell’originalità della 

scrittura. Per questo la loro è una storia 

a lieto fine, la storia di un gruppo 

che è riuscito a trovare il grande successo 

senza fare mediazioni, ma via via 

calibrando sempre meglio una voce 

originale e profonda. 

Ne parliamo con Cristiano Godano, 

classe ’66, che dei Marlene Kuntz è anima, 

autore dei testi e cantante. 

Parliamo di questi 15 anni di musica, e 

non solo. Perchè Cristiano nel frattempo 

ha pubblicato un libro di racconti (I 

Vivi, Rizzoli, 2008), e ha esordito al cinema 

con Tutta colpa di Giuda, di Davide 

Ferrario, di cui i Marlene hanno pure 

firmato parte della colonna sonora. 

Partiamo dal presente: siete in studio a 

registrare... 

Ancora per qualche giorno siamo in fase 

creativa, poi registreremo i pezzi. Sarà 

un disco più rock, più vigoroso del 

precedente (Uno, 2007). Questo perché 

stiamo cercando di riportare in studio 

l’amalgama che abbiamo trovato nei due 

anni di tour, anche con i due nuovi acquisti 

Davide Arneodo (violino e tastiere) 

e Luca “Lagash” Saporiti (basso). Stiamo 

lavorando molto in fretta. La realtà di 

oggi, in cui sta sparendo la fruizione del 

disco come la conoscevamo, impone di 

lavorare con maggiore rapidità. 

In effetti oggi alcuni artisti propongono 

nuovi tipi di fruizione, come la pubblicazione 

di brani direttamente su internet, 

magari 3 o 4 pezzi “sfusi”, invece 

del classico formato da 10/12 brani 

del cd. Che ne pensa? 

Penso che sia una deriva. Tra i ragazzi si 

è perso il gusto di ascoltare un disco co-

Da sinistra Riccardo Tesio (chitarra), Luca Bergia 

(batteria), Cristiano Godano (voce e chitarra) 

me collezione di canzoni, come percorso 

che va ascoltato dall’inizio alla fine, 

in un certo ordine. L’ascolto frazionato 

di due o tre pezzi infilati in una compilation 

da iPod è molto diverso. Per 

questo oggi diventa complicato pensare 

a un disco fatto nei modi e nei tempi 

con i quali si lavorava prima. 

Voi nascete in un biennio (93/94) d’oro 

per la musica rock in Italia. Oltre al vostro 

primo disco, esce Ko de mondo dei 

Csi, esce Stanze dei Massimo Volume, e 

poi Afterhours, La Crus, eccetera. Sembra, 

quello, uno degli ultimi momenti 

in cui c’è stato un vero e proprio movimento 

culturale. Oggi cosa è cambiato? 

E’ vero, le cose sono molto cambiate. In 

parte ha a che fare con la crisi del disco, 

e poi è cambiata la fruizione 

sociale della musica. All’iniziode- 

gli anni ’90 una delle priorità dei ragazzi 

era andare ai concerti. Era un modo diffuso 

di divertirsi, c’era una frenesia, 

un’eccitazione che oggi si è persa. 

Oggi i concerti sono diventati per appassionati. 

E poi negli ultimi anni si è 

ecceduto nella moda, da parte di molti 

gruppi, di cantare in inglese. Una scelta 

che ha allontanato il pubblico. 

Ecco. Ha parlato del cantare in inglese. 

Come vede la situazione produttiva 

della musica in Italia, 

per esempio rispetto all’Inghilterra? 

Ha la sensazione 

che qui da noi sia più difficile 

arrivare al grande pubblico 

senza fare mediazioni? Che a 

Londra ci sia più curiosità per determinate 

sonorità? 

Sì. Le differenze sono parecchie. 

Semplicemente l’Italia non è un 

paese rock. Anche in Inghilterra, 

o in America, non è facile 

passare dalla scena underground 

alle grandi vendite, se si resta sé 

stessi. Penso a un grandissimo 

come Nick Cave, che è molto amato, 

ma certo non vende come i Coldplay. 

Però in Inghilterra o in 

America c’è più rispetto per 

69 

la figura del musicista rock. 

Quando in Italia dico che faccio il musicista, 

mi rispondono: “Sì, va bene. Ma 

qual è il tuo lavoro vero?”. Questo a Londra 

è impensabile. In Italia abbiamo una 

straordinaria tradizione musicale anche 

di musica classica e contemporanea. 

Penso a Berio, Scelsi, Maderna, a 

Busoni. Gente che all’estero è 

più famosa che qui. Del 

resto guardi qual è l’atteggiamento 

del governo 

verso la musica. 

Basta pensare 

all’Iva sui 

dischi: non viene 

favorita la 

musica come 

cultura, viene 

VIVAVERDI 

Foto Nicola Garzetti

VIVAVERDI 

70 

musica 

considerata come opera di intrattenimento, 

e quindi penalizzata da un iva 

mortificante. (L’Iva sui cd è al 20%, la 

più alta d’Europa, mentre quella sui libri, 

considerati cultura, è al 4%. Ci sono 

varie proposte di equiparazione). 

In molti parlano di una cesura all’interno 

del vostro percorso: una prima 

parte più noise, e una seconda più cantautorale. 

Lei che ne dice? Come cambia 

l’approccio verso la canzone dopo 15 

anni di carriera? 

Noi non abbiamo mai fatto mediazioni, 

abbiamo fatto un percorso, il più onesto 

possibile. Poi ovviamente le cose 

cambiano. Io sono cresciuto, non ho più 

voglia di andare tutto il giorno in sala 

prove e massacrarmi le orecchie con 

pezzi violenti. 

Secondo me, la grande chance della musica 

popolare sta nella forma canzone. 

Quando il rock si intellettualizza perde 

di senso, finendo per banalizzare un linguaggio 

usato meglio da chi fa musica 

contemporanea o classica. 

Il rock si muove su percorsi tonali, poi 

si può lavorare sui suoni, sulle dissonanze, 

ma il senso della musica popolare 

sta nella melodia. 

Agli esordi con i Marlene Kuntz sicuramente 

“picchiavamo” di più, c’era più 

distorsione, un suono più noise, ma anche 

allora tra i miei punti di riferimento 

c’era prima di tutto Neil Young. Non 

ho mai pensato che la musica potesse 

essere solo aggressione e distorsione. 

Il punto di partenza è sempre un buon 

songwriting. 

Sicuramente un filo rosso vi lega ai 

CCCP/CSI, che vi hanno fatto esordire 

nel 1994. Come, musicalmente, qualcosa 

vi lega ai Sonic Youth. Ma negli ultimi 

lavori il vostro “segno” sembra 

sempre più sicuro. Come funziona il 

percorso di affrancamento di un artista 

dai propri “padri”? 

Maroccolo (bassista dei Csi oggi nei Pgr 

e con i Marlene Kuntz, ndr) è la nostra 

chioccia da sempre, anche se adesso 

suona meno con noi...Quello che mi ha 

influenzato di più è sicuramente Giovanni 

Lindo Ferretti (Cccp/Csi), ma da 

subito ho cercato di allontanarmi dalle 

cose che faceva lui. Ferretti è inimitabile, 

proprio perché non è un cantante 

nel senso stretto del termine: è un interprete 

marziano delle sue composizioni. 

Un incredibile giocoliere con le 


I Marlene Kuntz sono composti da Cristiano Godano 

(voce e chitarra), Riccardo Tesio (chitarra), 

Luca Bergia (batteria), Luca Lagash Saporiti (basso) 

e Davide Arneodo (tastiere e violino). 

La loro carriera inizia nel 1994 con Catartica, 

prodotto dal Consorzio Produttori Indipendenti 

di G.L. Ferretti. Parte da qui, da questo disco 

per intenditori, la scalata di Cristiano Godano 

e soci verso l’olimpo della musica italiana. 

Le tappe della scalata sono Il vile (1996), 

Ho ucciso paranoia (1999), Che cosa vedi 

(2000), Senza Peso (2003), Bianco Sporco 

(2005), e Uno (2007). A questi vanno aggiunti 

tre album live, con la recente uscita di Cercavamo 

il silenzio (novembre 2009, cd + dvd), 

e un Best of (2009). 

Nella pagina accanto, Cristiano Godano, 

voce solista dei Marlene Kuntz, 

nel 2008 ha pubblicato I vivi (Rizzoli). 

In basso, il loro ultimo disco Cercavamo il silenzio, 

live dal Teatro Sannazzaro di Napoli 

parole, che ha inventato un modo nuovo 

di usare la lingua italiana in un contesto 

rock. In questo è stato davvero un 

maestro. Poi proprio la mia passione 

per Neil Young, o per Nick Cave mi ha 

spinto verso strutture melodiche più variegate. 

I Sonic Youth sono un altro mio grande 

amore. Ancora oggi li adoro, anche se 

forse da troppi anni sono abbarbicati ad 

un’idea di guitar band un po’ ripetitiva. 

Ha cantato cover spaziando da Gaber, a 

Mina, dalla Pfm ai Diaframma. Come 

si approccia all’opera di un altro artista? 

La vostra versione de La libertà di 

Gaber è molto bella... 

Di quella sono molto contento, anche 

perché abbiamo ricevuto i complimenti 

di persone che conoscevano bene 

Gaber. Ci hanno detto che abbiamo 

centrato l’anima del pezzo. All’epoca 

Gaber non era molto felice dell’uso che 

era stato fatto di quella canzone: era 

diventato un inno politico sulla partecipazione 

popolare, mentre nella sua 

mente quel discorso sulla libertà e sulla 

partecipazione era più intimo, meno 

celebrativo. Per questo abbiamo abbassato 

il ritornello, rendendolo, appunto, 

più “privato”. 

Nel caso di Non gioco più di Mina invece 

abbiamo stravolto il brano, perché 

eravamo alla ricerca di qualcosa da 

prendere e fare nostro. Ma anche lì abbiamo 

cercato di non tradire lo spirito 

originale della canzone. Una cover è 

sempre un atto d’amore di rispetto verso 

il lavoro di un altro artista. 

Nel 2008 ha pubblicato il libro di racconti 

I vivi. Come cambia la scrittura e

come cambia l’immaginario tra musica 

e letteratura? 

Con la prosa hai più spazio. Sei meno costretto 

dagli schemi poetici, dai versi. 

Sei meno legato alla ricerca della parola 

preziosa, la parola poetica, che 

deve suonare e significare al tempo 

stesso. 

Io ho usato la letteratura per concedermi 

più ironia. La musica dei 

Marlene difficilmente è ironica, 

nella scrittura musicale viriamo 

sempre su una chiave “drammatica”, 

intensa. Avevo bisogno di 

tirare fuori la mia anima più leggera, 

allegra. Del resto i Marlene 

sono stati anche un po’ imprigionati 

in un cliché di gruppo che fa 

musica “scura”, cupa, rabbiosa. 

Non è affatto così, sono etichette 

un po’ fastidiose. 

Quali sono i suoi riferimenti letterari, 

gli scrittori che ama di più? 

Vladimir Nabokov, sicuramente, 

per il voluttuoso piacere della parola che 

è capace di evocare. Poi John Updike, 

Martin Amis, John Banville tra i contemporanei. 

Tra gli italiani il libro che 

mi influenzato di più è La cognizione del 

dolore di Gadda, a cui abbiamo anche 

dedicato una canzone (in Bianco Spor- 

co, 2005). 

Nell’ultimo anno ha fatto l’attore per 

Davide Ferrario, in Tutta colpa di 

Giuda. Avete scritto una canzone per 

i titoli di coda del film, ma le piace- 

rebbe scrivere una vera e propria colonna 

sonora? 

Mi piacerebbe, ma solo potendo lavorare 

in piena libertà. Magari scrivendo 

prima delle riprese, capendo lo spirito 

del film e apportando un mio contributo 

di sensibilità alle immagini. 

Nel frattempo avete musicato dei film 

muti... 

Sì, ed è stata un’esperienza fantastica. 

Tra l’altro da poco è uscito un dvd delle 

nostre sonorizzazioni de La signorina 

Else, un film muto del 1928, di 

Paul Czinner, tratto da un’opera 

di Schnitzler. Un’ora e mezza 

completamente improvvisata. 

Torniamo alla musica. Nel 2009 

sono usciti un live e un best of. 

E’ un po’ un modo per tirare le 

somme della prima parte della 

carriera dei Marlene? 

Direi di no. Le somme le tiriamo 

da sempre, disco dopo disco. 

Certo, ormai abbiamo un bel 

pezzo di strada alle spalle, cosa 

rara per un gruppo rock in Italia. 

Trovo molto bello che gruppi 

come il nostro, o gli Afterhours, 

siano riusciti a fare un 

percorso così lungo, che continua, 

nonostante, come si diceva, 

fare il musicista rock in Italia sia 

un’avventura un po’ folle. 

Legge Vivaverdi? 

Sì, voi di Vivaverdi fate un lavoro bellissimo, 

perché riuscite a dare la giusta 

visibilità a tutto, dal rock alla musica 

classica. 

Foto Annalisa Russo

VIVAnovantanovenovità 

di VivaVerdi 

Patrizia Debicke van der 

Noot 

L’UOMO DAGLI OCCHI 

GLAUCHI 

Zibba e Almalibre 

Corbaccio 

UNA CURA PER 

Paolo Sorrentino 

Autrice di romanzi a IL FREDDO 

HANNO TUTTI RAGIONE 

sfondo storico, Patrizia Universal 

Feltrinelli 

Debicke (cognome lus- Il nuovo terzo album del 

Lo avevano definito “un best seller annunciato”, quesemburghese ma fioren- cantautore ligure consisto 

Hanno tutti ragione del Paolo Sorrentino regitina) ci trasporta nell’Euderato una rivelazione 

sta e sceneggiatore (L’uomo in più, 2001, Le conropa della Controrifor- per il pubblico e la critiseguenze 

dell’amore, 2004, L’amico di famiglia, ma, sconvolta dalle tenca. Un cappello, un bic- 

2006 e Il divo, 2008, Prix du Jury al Festival di sioni fra protestanti e chiere di vino, l’abbrac- 

Cannes). Il Paolo Sorrentino romanziere è strabi- cattolici. Un enigmatico cio di un amico. Tutte 

liante, del resto è già considerato tra i più bravi giovane aristocratico in- cure per il freddo, sia 

scrittori italiani, e il suo Tony Pagoda “cantante meglese appassionato del- quello dell’anima, sia 

lodico con tanto passato alle spalle” è un persol’Italia, chiede al grande quello atmosferico. Per 

naggio letteralmente straordinario: “come un Fal- Tiziano di fargli un ritrat- il cantautore sono due 

staff contemporaneo svela con comica ebbrezza to. Ma chi sia veramen- gli aspetti più importan- 

di cosa è fatta la sostanza degli uomini, di quelli te quest’uomo, nessuno ti della musica: la capa- 

che vincono e di quelli che perdono. Perché que- lo sa. In un susseguirsi cità di creare emozioni 

sto è il gioco. Bisogna comprendere gli altri anche di colpi di scena, di fu- e quella di far sorridere. 

nel momento in cui ti stanno uccidendo. Senza mai ghe e scoperte, si sco- Ha scritto viaggiando in 

sottovalutare la forza sbilenca dell’ironia”. Quanprirà che il giovane mi- giro per il mondo queste 

do le leggerete, vedrete aleggiare inevitabilmente sterioso è Lord Temple- quindici canzoni che par- 

l’immagine di Toni Servillo, anche perché è il suo viton, figlioccio del potenlano d’amore e portano 

so, sormontato da una parrucca rossiccia e da Ray- te Duca di Norfolk, fini- la fantasia a volare dai 

Ban azzurrati, che ha guidato la creazione di Tony to in Italia per una mis- ghetti del Mississipi fino 

Pagoda. Ma sappiate che è anche merito della fasione segreta. Una spe- al quartiere San Lorenzo 

miglia di questo nuovo grande autore italiano (i ficie di spy-story del Ri- a Roma, passando per 

gli Anna e Carlo e la moglie Daniela “motori e guinascimento, che parte le strade bagnate di Duda” 

della sua vita), se Sorrentino ha potuto dare li- dal meraviglioso dipinto blino e le terrazze in ribero 

sfogo alla sua creatività, superare tempi bui conservato nel museo di va al mare della Liguria. 

e oggi permettersi “il lusso” di crogiolarsi “nel fa- Palazzo Pitti di Firenze e L’amore è vissuto in ogni 

cile, impagabile ruolo del portapacchi che si gode si dipana nell’intricata singola parola come uno 

il venticello sul tetto”. Chi ama gli aggettivi scono- selva d’intrighi della cor- specchio di esperienze 

sciuti e le metafore impossibili, il cinema e la mute inglese di Enrico VIII e e nuove amicizie, inconsica, 

deve leggere questo romanzo. 

quella del Papa. tri e amori. 

Marco Taggiasco 

THIS MOMENT 

Mr.T Records 

Ha cominciato coi Fulltime Dance, un supergruppo 

romano dai fiati jazz, negli anni ’80 ma oggi il lavoro 

di Marco Taggiasco – compositore, arrangiatore 

e produttore – è molto apprezzato negli States 

e in Giappone, un po’ meno conosciuto in Italia. 

Probabilmente il suo stile, molto pop-rock oriented 

con tastiere in primo piano, suoni eleganti e armonie 

complicate, rispecchia quel classico prodotto 

americano - da Elmer Bernstein a Burt Bacharach, 

i suoi amati punti di riferimento- non troppo in voga 

nel paese di Amici e X Factor. Recentemente 

ristampato dall’etichetta giapponese Vivid Sound 

Corporation, il suo second album solista This Moment, 

registrato tra Roma, Copenhagen e Los Angeles, 

contiene nove brani, tutti molto originali e 

accattivanti, con due inediti di Eric Tagg e un remake 

di You’ve Been Runnin’ che viene dal repertorio 

degli Orleans. La maggior parte delle canzoni, 

tutte prodotte e arrangiate da Taggiasco, è interpretata 

da Andrea Sanchini, che firma anche due 

tracce dell’album, continuando così un sodalizio artistico 

che dura ormai da anni. Oltre ad Eric Tagg - 

che regala un cameo nel brano di apertura - tra gli 

special guest spicca il nome di David Pack, interprete 

della title track e vincitore di un Grammy 

Award, e la cantante danese/americana Anne Marie 

Bush, coautrice e interprete di una suggestiva 

ballad dagli splendidi intrecci vocali.

Ligabue 

ARRIVEDERCI, MOSTRO! 

Warner Music 

“Ognuno di noi ha i propri mostri, i propri fantasmi. Li 

si possono chiamare ossessioni, paure, condizionamenti, 

senso di inadeguatezza, aspettative e chissà in 

quali altri modi ancora. Sappiamo, però, che sono vivi 

e sono il filtro attraverso cui chiunque matura la propria, 

personale visione del mondo” dice Ligabue. “Credo 

di conoscere abbastanza bene i miei ‘mostri’, mi 

fanno compagnia da tanto tempo… Alcuni di loro li 

ho affrontati in questo album ma era solamente per 

fargli sapere che li stavo salutando. Loro come tutti gli 

altri. So benissimo che sarebbe fin troppo bello che 

fosse un saluto definitivo. Infatti non mi sono permesso 

di dire: ‘Addio, mostro’ ma un più prudente e realistico:’Arrivederci, 

Mostro!’ “. L’album è prodotto da 

Corrado Rustici, che ha inciso anche diverse parti di 

chitarra; ingegnere del suono è Chris Manning. Gli altri 

musicisti coinvolti nel progetto sono gli stessi che 

hanno accompagnato Ligabue in tour in questi ultimi 

anni: Michael Urbano (batteria), Kaveh Rastegar (basso), 

Fede Poggipollini (chitarre), Niccolò Bossini (chitarre), 

Luciano Luisi (tastiere). A questi si aggiungono 

alcuni ospiti presenti in un paio di pezzi: il Solis String 

Quartet in Quando mi vieni a prendere, José Fiorilli alle 

tastiere e Lenny, il figlio undicenne di Luciano, alla 

batteria in Taca banda. 

Piero Montanaro 

CANTE’ MIA TERA 

Autoproduzione 

Un cd che contiene dieci 

canzoni che l’autore 

ha composto dopo anni 

dedicati alla televisione 

per rivalutare le canzoni 

della lingua piemontese. 

“E’ un album 

importante – dichiara 

Montanaro – con testi intrisi 

di ricordi, frutto di 

numerose collaborazioni 

musicali con colleghi 

della sua regione e con 

altri che si esprimono 

nelle diverse parlate. I 

brani sono firmati con 

autori storici come l’astigiano 

Remigio Passarino, 

Luciano Ravasio, 

Piergiorgio Graglia, Bruno 

Conti. I temi sono 

quelli dell’amore per la 

propria terra, la giovinezza 

nel proprio paese. 

L’autore dice di sentirsi 

come un panda in via di 

estinzione che scrive in 

piemontese “contro i 

mulini dell’indifferenza” 

coltivando, come gli ultimi 

contadini, le vigne 

di Langa e Roero che crescono 

in un terreno erto 

e difficile come il dialetto 

di quei luoghi. L’album si 

apre con 2000, una data 

simbolica che segna il rinnovo 

per un’intera generazione. 

Mario Brunello 

BACH, SEI SUITES 

A VIOLONCELLO SOLO 

SENZA BASSO 

Egea 

Un elegante cofanetto per 

i tre cd pubblicati da parte 

di Egea con le suites di 

Bach interpretate da Mario 

Brunello. Una pubblicazione 

che risulta particolarmente 

gradita. Brunello 

fissa per la seconda 

volta, dopo 15 anni, su 

cd, una nuova ed originalissima 

interpretazione della 

grande opera di Bach. 

In secondo luogo Egea, 

etichetta dedita alla frequentazione 

di generi non 

rigorosamente classici, si 

cimenta nel difficile compito 

di realizzare una produzione 

che possa competere 

con quelle presenti 

sul mercato. Le suites 

sono state eseguite e 

pubblicate innumerevoli 

volte, ma in questo caso 

una particolare attenzione 

del grande Maestro ha 

generato una versione 

davvero preziosa. Scrive 

Brunello: “Mi piace paragonare 

le Suites a delle 

galassie sonore, infinitamente 

piccole nella forma 

rispetto alla loro sterminata 

profondità”. 

73 

VIVAVERDI 

Sveva Antonini - Josep Coll i Rodriguez 

MANUALE DI SOPRAVVIVENZA PER MUSICISTI 

Paolo Emilio Persiani 

Una guida fondamentale per tutti i musicisti e i professionisti 

del settore con desiderio di conoscere i 

propri diritti, approfondire gli aspetti legati alla prassi, 

alla contrattualistica e le informazioni necessarie 

per prodorre, promuovere e distribuire musica autonomamente. 

E’ incluso un formulario con interviste ad 

autorevoli musicisti, editori, etichette discografiche, 

managers, agenzie di comunicazione. L’idea del libro 

nasce dal gemellaggio di Idealex, centro di consulenza 

per tutela e promozione delle arti a Bologna e 

Asesoria Juridica de las Artes di Barcellona, studio 

specializzato in diritto d’autore. L’avv. Sveva Antonini, 

partner di Idea lex con la collaborazione del collega 

spagnolo avv. Josep Coll i Rodriguez ha pensato di 

offrire uno strumento equipollente a quello spagnolo 

adattandolo alla normativa italiana. 

Algebra 

JL 

Ams 

Gli Algebra, band beneventana nata nel periodo buio 

del rock progressive degli anni Ottanta, anticipò tra alti 

e bassi, scioglimenti e riunioni la rinascita del neoprogressive. 

Pubblica, 16 anni dopo, il suo secondo 

disco che si intitola JL ed esce su etichetta Ams. E’ un 

concept album liberamente ispirato al romanzo di Richard 

Bach Il gabbiano Jonathan Livingston. Gli Algebra 

sono composti dal cantante-chitarrista Mario Giammetti 

ed il tastierista Rino Pastore a cui si aggiungono 

il batterista Francesco Ciani, la sassofonista Maria 

Giammetti, il fisarmonicista Roberto Polcino. Mario 

Giammetti, musicista di lungo corso, è più conosciuto 

come giornalista e saggista, senz’altro il massimo 

esperto dei Genesis. E sta lavorando ad un nuovo volume, 

un dizionario delle canzoni della mitica band inglese, 

che verrà pubblicato da Arcana Editrice. L’idea 

di partenza, i testi e le musiche elaborate all’epoca sono 

di Giammetti, ma il disco può considerarsi in tutto 

e per tutto un lavoro di gruppo.

VIVAnovantanovenovità 

di VivaVerdi 

Diego Mondella 

SGRADEVOLE È BELLO 

Edizioni Pendragon 

“Il mondo nel cinema di Todd Solondz”, è il sottotitolo 

del libro di Diego Mondella dedicato ad una delle 

voci più provocatorie del cinema indipendente 

americano. “Il suo cinema è un coraggioso atto di 

ribellione culturale nei confronti dell’imperante società 

dell’immagine, in cui vige la regola della bellezza 

a tutti i costi” scrive il giovane giornalista e 

critico cinematografico, che ha già pubblicato due 

saggi dedicati al cinema di Michael Powell e Paul 

Thomas Anderson. Mondella ci racconta come da 

De Sica a Comencini, da Truffaut a Van Sant il cinema 

abbia avuto sempre uno sguardo privilegiato 

sul mondo dell’infanzia e dell’adolescenza, ma 

anche come nessun autore più di Todd Solondz, sia 

riuscito a comprendere quali “sommovimenti tellurici” 

si agitino all’interno del cuore e della mente 

delle generazioni più giovani. Grazie a film controversi 

come Fuga dalla scuola media, Happiness, 

Storytelling, Palindromi e Life During Wartime, Solondz 

“ha composto negli ultimi quindici anni un grottesco 

e surreale romanzo costellato di disperazione 

e infelicità”. 

Joanna Rimmer 

DEDICATED TO JUST ME 

Sam Production - 

Egea 

L’etichetta britannica 

Sam Production presenta 

Dedicated To… Just 

me!, distribuito da Egea, 

il primo disco di Joanna 

Rimmer un’artista che, 

dopo la carriera di modella, 

è approdata al 

mondo del jazz. Nel 

2000 esordisce come 

cantante nell’ambiente 

jazz Italiano e nel 2001 

registra 12 sigle per la 

trasmissione televisiva 

“Zelig” (Italia 1) con Claudio 

Bisio, realizzando 

due dischi di jazz “tradizionale” 

e varie tournée 

in tutta Italia. Il suo disco 

d’esordio, che ha 

voluto produrre, curare, 

arrangiare, registrare e 

mixare da sola, vede la 

presenza di alcuni dei 

migliori jazzmen internazionali: 

Charlie Mariano, 

Paolo Fresu, Stefano 

Bollani, che assieme 

a lei interpretano bellissimi 

standard, come 

Monk’s Mood, Midnight 

Sun, All Of You, Just 

You, Just Me ed alcuni 

brani originali di Joanna. 

Alibia 

MANUALE APOCRIFO 

DELLE GIOVANI 

MARMOTTE 

Emi Music Publishing 

/ Cni / Venus 

Suonato dal vivo e registrato 

in presa diretta da 

Daniele Grasso al The 

Cave di Catania, mixato 

al Kitchen Studio da Lorenzo 

Caperchi e masterizzato 

da Claudio 

Giussani al Nautilus di 

Milano, Manuale Apocrifo 

delle Giovani Marmotte 

(Emi Music Publishing 

/ Cni / Venus) è il 

terzo album degli Alibia. 

Un lavoro compatto ed 

elegante, in costante 

equilibrio tra provocazione 

e citazione, potenza 

e sensualità, ironia 

e rabbia, melodia e rumore, 

uomo e donna. In 

uscita anche il videoclip 

Fondamenti di immoralità, 

regia di Luca Granato, 

un divertente e ironico 

remake del Frankenstein 

Jr. di Mel Brooks 

che vede protagonisti gli 

Alibia, impegnati in tutta 

Italia con il loro Tour Multisensoriale. 

Nini Giacomelli 

OCCHI DI RAGAZZO 

Rugginenti Editore 

“Sergio Bardotti, un artista 

che non ha mai 

smesso di sognare” è il 

sottotitolo di questo volume 

dedicato alla figura 

di uno dei più importanti 

autori della musica 

leggera italiana, che ha 

scritto centinaia di canzoni 

e tanti successi come 

Occhi di ragazzo, 

Piazza Grande, E io tra 

di voi, Canzone per te. 

A tre anni dalla sua 

scomparsa, lo ricordano 

personaggi del mondo 

dello spettacolo e della 

cultura che hanno percorso 

un tratto di strada 

con lui: Luis Bacalov, 

Massimo Ranieri, Pippo 

Baudo, Vincenzo Mollica, 

Ornella Vanoni, Sergio 

Cammariere, Gino Paoli, 

Sergio Secondiano Sacchi, 

Mauro Pagani e molti 

altri ancora. Ne emerge 

il ritratto a più colori di 

un artista colto, sensibile 

e raffinato, ma allo stesso 

tempo divertente e divertito, 

autoironico e sorridente, 

che, tutto sommato, 

non si è mai preso 

troppo sul serio e che, 

forse, proprio a questo 

deve la sua grandezza. Il 

libro, reperibile anche nelle 

librerie, verrà presentato 

al Premio Bindi nel 

prossimo luglio. 

Mama.in.inca 

LENZUOLA IN DISORDINE 

CinicoDisicanto 

L’album è prodotto dalla 

Cinico Disincanto di Fabrizio 

Brocchieri (Premio 

Pimi come miglior produttore 

discografico). 

Sono undici tracce ispirate 

dall’arte e impreziosite 

dai ricordi, dai 

film preferiti, dai quadri, 

dalla poesia, in un sorprendente 

equilibrio. 

E’un album da ascoltare 

d’un fiato per coglierne 

appieno le capacità descrittive; 

pagine di vita 

preziose e intime. Un 

progetto curato nei minimi 

particolari fin dalla 

copertina disegnata da 

Emilio Baracco con l’intento 

di rappresentare la 

doppia anima, delicata e 

aggressiva, della musica 

che si esprime con linee 

sottili e sfumate alternate 

a colpi energici, 

tipici del rock sincretico 

di matrice inglese.

musica 

DISCHI 

ERNESTO BASSIGNANO 

UN RITORNO 

ALDILADELMARE 

di Piergiuseppe Caporale 

C’è da dire che questa volta è riuscito a tirar 

fuori una dozzina di canzoni (per l’esattezza 

sono 13) che, forse in altri tempi (stiamo 

parlando di quando la canzone d’autore 

era considerata il miglior prodotto nazionale 

e l’aria non era ancora impestata 

dei moderni, mortiferi suoni dell’hip hop, 

dell’industrial, ecc.), dicevamo, in altri 

tempi avrebbe fatto parte della schiera dei 

brani più amati dal pubblico. Oggi, quindi, 

con ogni probabilità, si dovrà accontentare 

di entrare nel manipolo “razza protetta”, 

cui appartengono le buone idee, le 

buone realizzazioni, la vera poesia e, soprattutto, 

la vera ispirazione. 

Completamente libero, quindi, questo Aldiladelmare, 

fatto di poesia e musica, entrambe 

pure, forse a volte ingenuamente 

cantate da uno che cantante non è mai stato 

ma che ci crede. Che ci prova, riuscendo 

a trasmettere, al di là della tecnica, sensazioni 

che sembravano dimenticate. O 

smarrite per strada. Ad uno come chi scrive, 

che, ormai, per continuare ad ascoltare 

musica, si è buttato a corpo morto sul 

jazz e sulla musica classica, l’apparizione 

di un pugno di canzoni che lo riportano… 

ai bei tempi, non può fare che bene. E qui 

il discorso si farebbe lunghissimo. Quin- 

Non ricordo da quanto tempo l’amico Ernesto fosse lontano dalla musica attiva 

(quella degli altri la sfiora quotidianamente insieme a Ezio Luzi su Rai Radiouno 

quasi tutti i giorni). Sta di fatto che questo cd – titolo Aldiladelmare, etichetta 

RaiTrade – arriva, almeno per chi scrive, abbastanza a sorpresa. Collega e compagno 

d’avventure, da tempo ha al suo attivo un vero e proprio geniaccio artistico 

cantautorale che, già più di una volta, ebbe a lasciare a bocca aperta amici, parenti, 

e, perché no, anche i disistimatori. Ernesto Bassignano ha cominciato al Folkstudio 

nel 1969, da allora ha inciso un pugno di album e il suo Compagno dove vai ha 

goduto di una certa popolarità negli ambienti politicizzati degli anni ’70. 

di evitiamo e torniamo a Bassignano ed alle 

sue canzoni. 

Indubbiamente è stato aiutato dagli arrangiamenti 

di Alberto Antinori, poliedrico 

personaggio che abbiamo già notato 

con gente come Bindi, Bungaro, Castelnuovo, 

Grazia Di Michele, Tosca (fra gli altri) 

e che qui troviamo come coautore (in 

un paio di brani), pianista, contrabbassista, 

chitarrista ecc. Il tutto per un prodotto 

musicale che oseremmo definire estremamente… 

pulito. Fatto apposta, insomma, 

per sottolineare dei testi poetici (finalmente) 

comprensibili, ispirati, intelligenti, 

evocativi e contemporaneamente 

attuali. Come Il bel paese, ad esempio, o 

come i due avventurosi Moby Dick e Capitani 

coraggiosi, o, ancora, come il bra- 

75 

no che da il titolo al cd. Una nota a parte 

per il solito, magnifico piano di Marco 

Spiccio nel live Sentirti dire (Teatro Brancaccio 

dicembre 1995). 

Inutile, a questo punto, insistere sui brani 

uno per uno: l’opera ha un corpus che, 

paradossalmente, pur essendo composto 

di differenti sensazioni, gode di una temperie 

unica, dettata soprattutto dal cuore, 

oltre che da una buona conoscenza anche 

della tecnica, sia poetica che musicale. Inutile 

dire, poi, che Ernesto Bassignano non 

è un cantante, e si nota. Ed è forse proprio 

questa caratteristica che conferisce al prodotto 

finale quella spontaneità, non naïve 

ma effettiva, che ne potrebbe fare un prodotto 

di successo. Insomma Ernè, ca custa 

l’on ca custa ce l’hai fatta. 

VIVAVERDI

VIVAdall’interno 

DIRITTO D’AUTORE 

LA RESPONSABILITA’ 

DEI PROVIDER 

di Ferdinando Tozzi* 

Appare ormai inconfutabile come il diritto 

di autore, nel nuovo contesto tecnologico, 

deve, sempre di più, essere 

una norma regolatrice per un corretto 

accesso ai contenuti creativi. Allo stesso 

tempo l’efficacia e l’utilità del suo 

ruolo è inversamente proporzionale agli 

spazi normativi indeterminati e dunque 

all’arbitrio del singolo. Il diritto 

d’autore, insomma, deve continuare ad 

Il diritto d’autore è nel ciclone delle nuove sfide tecnologiche. Oggi è più facile 

l’uso illecito di contenuti creativi navigando in rete, un Far West digitale dove 

Internet, benché esistano norme di tutela, è troppo spesso una terra di 

nessuno con libertà assoluta e mancanza totale di controlli. Un tema 

importante da affrontare è quello della responsabilità del provider ossia il 

dovere di correttezza e buona fede nell’agire da parte del prestatore di servizi 

che è tenuto “a informare senza indugio l’Autorità qualora sia a conoscenza di 

illeciti riguardanti un suo destinatario”. In questo senso va anche una recente 

ordinanza del Tribunale di Roma riguardante YouTube. 

operare con continuità sistematica, in 

armonia con le evoluzioni tecnologiche: 

va infatti compreso che utilizzare abusivamente 

un’opera dell’ingegno, in 

qualsiasi ambito, equivale ad utilizzare 

abusivamente un qualsivoglia bene di 

proprietà altrui. Solo così si potrà ottenere 

una corretta accessibilità alle opere 

dell’ingegno nel web ed avere un diritto 

di autore che – pur mantenendo 

intatta la sua funzione di tutela dei diritti 

– non sia di ostacolo, ma di incentivo 

ad un equilibrato sviluppo della cultura 

e dell’innovazione, garantendo un 

necessario, doveroso riconoscimento 

dei diritti degli autori e titolari sulle proprie 

opere e prodotti. 

Proprio la sfida portata dalle nuove tec- 

nologie al diritto di autore fa sì che detta 

normativa debba perseguire, ad avviso 

di chi scrive, un duplice, fondamentale, 

compito: garantire e preservare 

il corretto accesso alla conoscenza 

ed al contempo salvaguardare i diritti e 

la remunerazione delle attività creative, 

con piena coscienza che ogni opera 

è frutto di lavoro e professionalità ed è 

dunque doveroso salvaguardare il bene 

intellettuale che genera proventi economici. 

Proventi che rappresentano non 

solo la retribuzione dell’ingegno degli 

autori ma, soprattutto, l’incentivo alla 

futura creatività ed alla ulteriore produzione 

culturale del nostro Paese. E’ 

perciò necessario che, soprattutto, nell’on 

line venga fatta chiarezza su ciò che

è vietato e ciò che conseguentemente è 

lecito e che se ne dia informazione al 

mercato in modo che tutti gli operatori 

abbiano piena consapevolezza del discrimen 

tra uso lecito ed illecito di contenuti 

creativi, evitando opzioni di “congelamento” 

della normativa. 

Il più delle volte la violazione dei diritti 

sulle opere dell’ingegno avviene attraverso 

la loro immissione in un sistema 

di reti telematiche, perciò è necessaria 

un’applicazione più aderente alle 

esigenze di tutela del diritto di autore 

della normativa vigente a disciplina della 

responsabilità del provider (il c.d. 

prestatore di servizi). Si tratta di valorizzare 

le possibilità offerte dagli strumenti 

attuali e dunque, nell’attesa di 

eventuali interventi normativi ad hoc, 

cui pure si sta lavorando, ragionare al 

presente in punto di diritto positivo. 

Il Decreto Legislativo del 9 aprile 2003 

n° 70 emanato in attuazione della Direttiva 

UE n° 31 del 2000, contiene una 

serie di elementi che devono necessa- 

riamente essere valorizzati attraverso 

una interpretazione ed applicazione 

orientata proprio a sopperire allo stato 

di asimmetria funzionale e di squilibrio 

attuali. Uno squilibrio che, con l’avvento 

delle nuove tecnologie, si è venuto a cristallizzare 

nel “sistema” del diritto di 

autore. 

Come noto, in relazione al criterio di 

imputazione della responsabilità civile 

del prestatore, si possono configurare 

tre principali ipotesi: a) il caso in cui il 

prestatore è autore dell’illecito; b) il caso 

in cui ha una responsabilità concorrente; 

c) il caso in cui è responsabile per 

negligenza. Nel caso a), è lo stesso prestatore 

ad essere autore dell’illecito e 

quindi si tratta della responsabilità da 

illecito extracontrattuale, senza particolari 

problematiche dovute al contesto 

in rete. Nell’ipotesi b), per aversi responsabilità 

del prestatore occorre la 

conoscenza del fatto illecito compiuto 

da un terzo attraverso la propria infrastruttura 

tecnologica e la fornitura con- 

77 

VIVAVERDI 

sapevole dell’accesso ai dati illeciti. 

L’ipotesi c) ricalca un caso di responsabilità 

indiretta: il provider non vigila 

o non adotta le misure di sicurezza 

necessarie a garanzia della liceità dei 

contenuti immessi dall’esterno sul server 

da lui gestito, con l’inquadramento 

alternativo di una responsabilità oggettiva 

per difetti di sicurezza del servizio 

prestato oppure nella fattispecie dell’articolo 

2050 c.c. sulla responsabilità 

per l’esercizio di attività pericolose. 

In generale può sostenersi che non ci 

sono responsabilità sui contenuti, a meno 

che non vi siano modifiche degli 

stessi ad opera del provider. L’esenzione 

da responsabilità è infatti condizionata 

al fatto che il prestatore: non dia 

origine alla trasmissione; non selezioni 

il destinatario della trasmissione; non 

selezioni né modifichi le informazioni 

trasmesse. La normativa pone dunque 

una limitazione generale di responsabilità, 

in quanto statuisce che nel prestare 

i servizi di mere conduit, caching 

ed hosting, il prestatore non è assoggettato 

ad un obbligo di sorveglianza 

sulle informazioni che trasmette o memorizza, 

né ad un obbligo generale di 

ricercare attivamente fatti o circostanze 

che indichino la presenza di attività 

illecite. Però il legislatore aggiunge che 

il prestatore è comunque tenuto a: “informare 

senza indugio l’Autorità, qualora 

sia a conoscenza di illeciti riguardanti 

un suo destinatario” nonché a 

“fornire, sempre senza indugio, a richiesta 

dell’Autorità competente le informazioni 

in suo possesso che consentano 

di individuare il suo destinatario, 

ai fini di una attività preventiva degli 

illeciti”. La Direttiva prevede dunque 

che i fornitori dei servizi web rispondano 

quando siano consapevoli 

della illiceità delle attività del destinatario 

del servizio o dell’informazione da


esso fornita ovvero di fatti e di circostanze 

che rendano manifesta l’illiceità. 

Inoltre, la Direttiva consente ai singoli 

Stati membri cui è diretta di prevedere 

possibili azioni inibitorie che possano 

imporre ai provider di “porre fine 

a una violazione o impedirla, anche 

con la rimozione dell’informazione 

illecita o la disabilitazione 

dell’accesso alla medesima” (si 

pensi al metodo c.d. del notice 

and take down). Ancora, è da 

precisare come laddove il provider 

non presti meri servizi ancillari, 

ma collabori alla commissione 

di illeciti oppure presti 

servizi ulteriori a quelli previsti 

dalla Direttiva o anche che 

non adempia al dovere di diligenza, 

non può godere delle esenzioni 

previste dalla citata normativa. 

Proprio in tale direzione, valorizzando 

principi cardine del nostro ordinamento 

giuridico, pare allora possibile 

leggere una recente ordinanza del Tribunale 

di Roma (del 15 dicembre 2009 

e confermata in sede di reclamo l’11 

gennaio 2010) in cui è stata riconosciuta 

la responsabilità del provider (nello 

specifico “YouTube”) con una innovativa 

applicazione del dettato normativo 

che, per inciso, ad avviso di chi scrive, 

da un punto di vista strettamente giuridico 

ha poco di innovativo perché segue 

uno dei brocardi del nostro ordinamento, 

cioè il dovere di correttezza e di 

buona fede nell’agire (dunque innovativa 

la pronuncia lo è solo in relazione a 

quello che era il pregresso approccio sul 

tema medesimo). La Corte capitolina ha 

motivato la condanna del provider in 

quanto, nonostante numerose diffide, 

si è avuta una 

reiterazione di atti illeciti in rete e dunque 

il provider obiettivamente a conoscenza 

di una grave situazione illecita 

nulla ha fatto. Per di più il medesimo 

soggetto, pur avendo un potere di monitoraggio 

sulla attività degli utenti non 

si è mai premurato di escludere la pubblicazione 

dei file illeciti; per meglio 

comprendere la decisione è utile riportare 

un estratto del provvedimento del 

Tribunale di Roma, in particolare ove si 

deduce che: “[…] a fronte di una condotta 

così palesemente e reiteratamente 

lesiva dei diritti non è sostenibile la 

tesi delle resistenti su una presunta as- 

soluta irresponsabilità del provider 

[…vi è una] valutazione caso per caso 

della responsabilità del provider che 

seppur non è riconducibile ad un generale 

obbligo di sorveglianza rispetto 

al contenuto non ritenendosi 

in grado di operare una verifica 

di tutti i dati trasmessi che si risolverebbe 

in una inaccettabile 

responsabilità oggettiva, tuttavia 

assoggetta il provider a responsabilità 

quando non si limiti 

a fornire la connessione 

alla rete ma eroghi servizi aggiuntivi 

(p. es. caching o hosting) 

e/o predisponga un controllo 

delle informazioni e, soprattutto 

quando, consapevole 

della presenza di materiale sospetto 

si astenga dall’accertare la 

illiceità e dal rimuoverlo o se consapevole 

della antigiuridicità ometta 

di intervenire […]” aggiungendo a 

margine che “non possono valere le eccezioni 

e limitazioni di cui all’art. 65 lda 

relative all’esercizio del diritto di cronaca 

o dell’art. 70 lda della utilizzazione di 

brani o di parti di opera ad uso di critica 

e discussione in quanto è evidente il fine 

puramente commerciale […]”. 

Dunque è l’informazione, la conoscenza, 

ad apparire il vero discrimen tra la 

responsabilità e la non responsabilità 

dei provider. Secondo un parallelo con 

le teorie economiche dei giochi (in particolare 

del c.d. moral hazard) si può sostenere 

che l’agente che, conoscendo o 

dovendo conoscere l’illiceità dei contenuti 

immessi in rete, e, perciò, trovandosi 

in stato di simmetria informativa, 

abusa di tale informazione (insomma, 

non agisce per rimuovere tali

contenuti), tiene una condotta opportunistica 

non meritevole di tutela, per 

cui è responsabile. L’agente, che invece 

non conosce e non può conoscere con 

la diligenza richiesta, lo stato di illiceità 

(trovandosi dunque in condizione di 

asimmetria informativa) è tutelato e 

dunque, secondo i citati articoli del 

Ma il provider non puo’ 

stare a guardare …. 

Eppur si muove. Anche se lentamente, nel campo 

del Peer to peer, per ciò che riguarda la condivisione 

illegale on line di file con opere protette 

(causa di ingenti danni per tutta l’industria dei 

contenuti) qualcosa si muove. L’ordinanza del Tribunale 

Civile di Roma del 15 aprile rispetto all’istanza 

(a cui si era associata anche la Siae) della 

FAPAV (Federazione Anti-Pirateria Audiovisiva) 

contro la Telecom, stabilisce che quest’ultima 

non ha l’obbligo di sospendere il servizio di accesso 

ai siti venendo a conoscenza di illeciti. In 

pratica non ha l’obbligo d’impedire il servizio a 

fronte di pratiche illecite non essendo “responsabile 

delle informazioni trasmesse”. La stessa 

ordinanza però, stabilisce che, in caso di conoscenza 

di attività illecita a danno degli autori e 

degli aventi diritto, il prestatore dei servizi internet 

(ISP) ha il dovere d’informare senza indugio 

l’Autorità giudiziaria o Amministrativa di Vigilanza, 

affinché possano essere attivati gli ulteriori 

obblighi di protezione che, appunto, spettano agli 

autori e a tutti gli aventi diritto. Quindi i fornitori 

di servizi on line non possono stare a guardare, 

limitandosi ad incassare gli abbonamenti, contemplando 

il libero arbitrio degli utenti. Bisogna 

aggiungere che l’Agcom ritiene che per poter 

contrastare la pirateria digitale, siano essenziali 

accordi condivisi con gli stessi provider. (sa.m.) 

D.Lgs 70/2003 non sarà responsabile. 

Certo è che non intelligere quod omnes 

intelligunt significa violare un dovere 

di informazione riflessiva a carico di 

ogni agente del mercato e della rete. Deve 

dunque applicarsi il principio di responsabilità 

per combattere così l’abuso 

di informazione e le condotte opportunistiche, 

salvaguardando solo chi 

in buona fede ha svolto una attività che 

altrimenti, con la sussistenza del presupposto 

della conoscenza, determinerebbe 

punibilità. 

Le brevi considerazioni fin qui esposte 

permettono così di sostenere come attraverso 

una attenta esecuzione della 

normativa vigente, si potrebbe ugualmente 

garantire una tendenzialmente 

piena tutela al diritto di autore nell’on 

line con un equilibrato contemperamento 

degli (apparentemente) opposti 

interessi in gioco: diritto alla diffusione 

della cultura e dell’informazione e 

diritto a vedere garantita la proprietà 

intellettuale. Poiché le nuove sfide tecnologiche 

al diritto di autore sono state 

poste proprio dalla convergenza tra 

informatica e telecomunicazioni - che 

consente la riproduzione digitale delle 

opere ed il trasferimento dei dati in maniera 

capillare ed a costi sempre decrescenti, 

permettendo così a chiunque di 

79 

“impadronirsi” delle opere altrui - appare 

chiaro come bisogna ricondurre a 

sistema il ruolo e dunque la responsabilità 

dei provider. L’offerta lecita – a 

discapito della c.d. pirateria – potrà infatti 

trovare concreto sviluppo solo 

quando sarà possibile avere un corpus 

omogeneo di previsioni normative a tutela 

degli autori ed a garanzia dei diritti 

di accesso alla conoscenza per i fruitori. 

Al contempo bisogna poi che, non 

solo il giurista ma anche, il cittadino in 

quanto tale si ponga in una diversa prospettiva, 

facendo sì che la rete non sia 

una selvaggia terra di nessuno ma venga 

considerata quale una delle tante 

espressioni dell’essere umano, soggetta 

alle normali regole del vivere civile. 

Quanto sopra potrebbe portare ad una 

generale presa di coscienza con un mutamento 

radicale nell’approccio al problema 

non solo da parte dei Tribunali 

(che, si è visto, hanno sufficienti basi 

per un nuovo indirizzo di efficace contrasto 

a chi abusa delle nuove tecnologie) 

ma anche dei consumatori che potranno 

comprendere come la tutela della 

cultura risieda anche nella salvaguardia 

della proprietà intellettuale e nella 

remunerazione degli autori e dei loro 

aventi causa. Fino a che non vi sarà tale 

mutamento, culturale prima che giuridico, 

non sarà infatti possibile risolvere 

efficacemente alcuna problematica 

del diritto d’autore nel web. 

*Avvocato, Esperto del comitato consultivo 

permanente per il diritto d’autore, 

Dottore di Ricerca Università Federico 

II di Napoli. (ferdinandotozzi@hotmail.com). 

Le presenti considerazioni esprimono 

opinioni personali dell’autore. 

VIVAVERDI


SALONE DEL LIBRO DI TORINO 

LA VOCE DEGLI ULTIMI 

COI “RACCONTI DAL CARCERE” 

di Daniela d’Isa 

Ecco gli autori e scrittori che hanno offerto 

la loro penna per scrivere insieme 

ai detenuti di tutta Italia i “Racconti 

dal carcere”. Si tratta di Barbara Alberti, 

Edoardo Albinati, Gianni Bisiach, 

Giordano Bruno Guerri, Massimo Carlotto, 

Vincenzo Consolo, Maurizio Costanzo, 

Giuseppe D’Agata, Giancarlo De 

Cataldo, Erri De Luca, Daniele Del Giudice, 

Nicola Lagioia, Franca Leosini, 

Massimo Lugli, Liliana Madeo, Gianni 

Minà, Federico Moccia, Adriana Pannitteri, 

Sandra Petrignani, Lidia Ravera, 

Franco Scaglia, Susanna Tamaro, Enrico 

Vaime, Marcello Veneziani e Renato 

Zero. Tra tutti i racconti pervenuti (il termine 

è fissato al 15 giugno) ne saranno selezionati 

20 cui verrà affiancato un tutor 

d’eccezione tra gli autori che hanno aderito. 

Altri di loro andranno a far parte della 

giuria che sarà presieduta dal poeta e 

scrittore Elio Pecora. 

“La Siae ha anche il compito di assecondare 

la creatività. Credo che la solitudine 

e l’introspezione della vita in carcere 

possa facilitare la nascita di una 

creatività vera - ha dichiarato il Presidente 

della Siae, Giorgio Assumma, cui 

ha dato la parola il coordinatore del- 

Nel nome di Goliarda Sapienza, attrice e scrittrice che ha conosciuto la 

prigione e la reclusione, è stato presentato, al Salone del Libro di Torino, il 

premio letterario “Racconti dal carcere” ideato da Antonella Bolelli Ferrera, 

realizzato in collaborazione tra la Siae e il Dap. Detenuti che raccontano di sé, 

che esplorano la propria esistenza attraverso la scrittura e che potranno avere 

l’occasione di farlo con dei tutor d’eccezione, scrittori affermati che li 

aiuteranno a dare più compiuta espressione letteraria al racconto della propria 

vita. Il singolare concorso ha per madrina una scrittrice che nel corso della sua 

carriera si è spesso occupata di carceri, Dacia Maraini. 

l’incontro al Salone del libro, Mario 

Baudino, scrittore e giornalista de La 

Stampa - viviamo un tempo di svolta epocale 

per la creatività intellettuale. Internet 

fornisce occasioni inedite agli scrittori 

esordienti, ma rappresenta anche un 

pericolo: il rischio dell’uniformità di domanda 

ed offerta culturale con la conseguenza 

ultima dell’appiattimento culturale. 

E tale condizione è il presupposto 

per le tirannie delle industrie produttrici 

dei contenuti culturali”. 

“Ringrazio il Presidente Siae della opportunità 

che il Premio rappresenta per 

i detenuti- ha aggiunto il Capo del Dap, 

Dipartimento dell’Amministrazione Penitenziaria, 

Franco Ionta- Per inciso: 

l’anno scorso il Dap ha pubblicato i rac- 

conti del Personale dell’Amministrazione 

Penitenziaria. Condivido il pericolo 

del pensiero unico, omogeneizzato. 

Dare voce agli ultimi, creando un 

pensiero diverso e più vero. Da questa 

esperienza mi auguro vengano fuori non 

solo storie dure, dolorose ma anche di 

speranza. La detenzione è anche sforzo 

educativo. I detenuti hanno diritto a una 

seconda chance. Si spera che il passaggio 

da uomo di azione a uomo di riflessione 

conduca fino a uomo reintegrato, 

anche attraverso lo strumento della cultura, 

che è prima di tutto condivisione 

di valori”. 

“Da quando è stato bandito il concorso 

sono pervenuti numerosissimi racconti 

dalle carceri di tutt’Italia- ha detto

Nella pagina accanto, la giornalista e 

scrittrice Antonella Bolelli Ferrera, 

ideatrice del premio letterario. 

Sotto da sinistra, il capo del Dap 

Franco Ionta, Mario Baudino de 

La Stampa, il detenuto Marco, 

Massimo Lugli di Repubblica 

e il Presidente Siae, Giorgio Assumma 

Antonella Bolelli Ferrera- La cosa che 

più mi ha stupito è che ci abbiano scritto 

anche diversi stranieri in un italiano 

pressocchè perfetto. Un italiano imparato 

in carcere”. 

Grande suggestione nel folto pubblico 

che ha partecipato all’incontro hanno 

suscitato tre testimonianze: due interviste 

esclusive realizzate dalla Ferrera 

nel carcere romano di Regina Coeli 

(grazie alla collaborazione tecnica di 

Giovanni Balestriere) ed una testimonianza 

diretta di un detenuto in semilibertà. 

Nel filmato d’apertura la storia di 

un uomo di circa 70 anni, che ha approfondito 

proprio in carcere la sua passione 

per la lettura e la scrittura fino a poter 

scrivere lettere d’amore per conto dei 

compagni di detenzione così belle da conquistarsi 

il soprannome di “poeta”. 

Ha catturato l’attenzione del pubblico 

poi Marco, 32 anni: ha avuto il permes- 

so di venire al Salone dal direttore del 

carcere dove ancora deve rimanere due 

anni. Attualmente è in semilibertà e lavora 

come bibliotecario nella scuola torinese 

di scrittura Holden. “La scrittura 

consente, davanti a privazioni di ogni genere, 

di avere una alternativa. Chi guarda 

solo la televisione non pensa. La scrittura 

diventa un strumento di battaglia, 

una forma di comunicazione tra coloro 

che sono isolati dal mondo”. 

Massimo Lugli scrittore e giornalista, cronista 

di nera di Repubblica (il suo ultimo 

libro, edito da Newton &Compton si chiama 

Il carezzevole), dopo aver raccontato 

di essere stato giovanissimo qualche giorno 

in carcere, ha lodato l’iniziativa, ricordando 

anche un altro “tutor”, Massimo 

Carlotto, che dalla propria esperienza 

in carcere ha tratto la spinta per diventare 

un grande scrittore. 

“I detenuti- ha dichiarato in altre oc- 

81 

casioni Dacia Maraini- hanno dato la 

precedenza nella loro vita all’azione. Costretti 

al regime carcerario, riscoprono 

la loro vita interiore: riflessione, lettura, 

scrittura possono essere ottimo veicolo 

per il loro reinserimento sociale”. 

Infatti tra coloro che stanno inviando i 

racconti alla segreteria del Premio c’è 

chi ha preso la licenza media in carcere 

e ha cominciato la sua opera di scrittura 

dedicandosi alle lettere d’amore 

per gli altri detenuti; c’è l’extracomunitario 

che lì ha imparato l’italiano e ha 

voglia di raccontarsi; c’è chi, dopo essere 

passato da esperienze eversive, 

spiega come si è perso pur venendo da 

una famiglia borghese e apparentemente 

senza problemi. Per tutti la scrittura 

è non solo sfogo, ma anche fuga con 

la mente dalla situazione difficile che 

sta realmente vivendo e soprattutto 

“luogo” di riflessione interiore. 

VIVAVERDI 

Foto Filippo Gasparro


PALERMO 

LABORATORIO D’AUTORE 

PER BAND MUSICALI 

di Corrado Lo Iacono 

“La creatività è passione pura, non connessa 

a facili guadagni; il successo artistico 

è una bestia difficile da cavalcare e resti 

in sella soltanto se il pubblico ti vuole”. 

Questo il messaggio che Gino Paoli, cantautore 

eclettico che da circa 50 anni ci 

emoziona con la sua poesia musicale, ha 

indirizzato agli studenti siciliani. Un numeroso 

gruppo di ragazzi che, dopo essere 

stati coinvolti in seminari nell’ambito 

del “Progetto Laboratorio d’Autore” quale 

iniziativa didattico/informativa promosso 

dalla Sede Regionale della Siae di 

Palermo di concerto con l’Ufficio Organizzazione 

Eventi di Roma e realizzata dalla 

Lab Servizi Formativi, hanno preso parte 

il 5 maggio scorso presso il Teatro Orione/Pippo 

Spicuzza di Palermo alla IV Edizione 

della Rassegna “Rock 10 & Lode”. 

L’evento ha visto esibirsi 12 band musicali 

formate quasi esclusivamente da studenti 

delle scuole superiori siciliane. 

Davanti ad un numeroso pubblico sono 

state eseguite 12 canzoni inedite e composte 

dagli stessi esecutori. Una apposita giuria 

presieduta dal Maestro Marco Betta e 

costituita da autori, compositori e rappresentanti 

dello spettacolo e della cultura ha 

decretato quale vincitore il brano Over the 

gate/Helldorado (autori: A. Tripi, A. Alessandro, 

G. Croce, M. Schilleci, M. Signorino) 

eseguito dalla band Ingram. Secondo 

classificato Cut the plug eseguito dalla 

Nel capoluogo siciliano quarta edizione della rassegna Rock 10 & Lode, 

all’interno del Progetto Laboratorio d’Autore, organizzato dalla sede Siae. La 

giuria, presieduta dal maestro Marco Betta, ha premiato la canzone Over the 

gate/Helldorado del gruppo Ingram che ha vinto anche la targa ricordo per il 

miglior testo. I primi tre classificati hanno partecipato al Festival della Legalità, 

tenutosi a fine maggio a Capaci. 

band La Ventunesima Fobia e terzo classificato 

il brano strumentale Invisibili eseguito 

dalla band Vo hinh che ha vinto anche 

la targa speciale offerta dalla Provincia 

Regionale di Palermo. Infine la canzone 

prima classificata ha vinto un ulteriore 

targa ricordo per il migliore testo, 

assegnata dalla giuria composta dai 

giornalisti. 

Il conduttore della rassegna, Filippo Marsala, 

ha invitato sul palco alcuni ospiti particolari 

della serata. Piero Alongi, vicepresidente 

della Provincia Regionale di 

Palermo, nell’affermare che i giovani attraverso 

l’estro musicale possono veicolare 

valori etici e morali, ha confermato 

che le predette tre band parteciperanno al 

Festival della Legalità in programma a fine 

maggio a Capaci (Pa), mentre il brano 

Over the gate/Helldorado sarà inserito nel 

cd che la Provincia produrrà per la successiva 

distribuzione nelle scuole. 

Raul Russo, assessore alle Politiche Giovanili 

del comune di Palermo, ha annunciato 

l’imminente avvio del progetto “Acchiappasogni”, 

che contribuirà ad au- 

I vincitori della rassegna 

Rock 10 e Lode, la band Ingram 

con il brano Over the gate/Helldorado 

mentare la creatività dei giovani palermitani 

riscoprendo adeguati spazi per i 

progetti musicali e utilizzando alcuni 

beni immobili confiscati alla mafia. 

Marco Betta, noto compositore, ha detto 

semplicemente che la musica, quale 

alta forma dell’arte, rende libera la persona 

e aiuta a migliorare la società. 

Othello Man, cantautore e direttore artistico 

del Festival della Legalità, ha apprezzato 

i brani musicali in gara, eseguiti 

con sincera passione. Brani i cui 

testi hanno spaziato dal dramma del terremoto 

in Abruzzo al dilemma etico del 

“fine vita”. Creativi fuori concorso sul 

palco: Manuel Morgavi, studente dell’Itc 

di Stato “Fr Ferrara” di Palermo che 

ha letto il proprio componimento dal 

titolo Ma se io avessi un mondo …e Simona 

e Luca Trentacoste (vincitori dell’edizione 

2009 di “Rock 10 e lode”) che 

hanno eseguito il loro brano Soltanto 

noi. Hanno concluso la serata i Kolymbetra, 

gruppo musicale che accompagna 

il Progetto Laboratorio d’Autore 

dalla nascita.


BIELLA E NOVARA 

IN UN MARE DI MUSICA 

NON VOGLIAMO I PIRATI 

di Marco Caselgrandi 

Nella manifestazione di Biella del 15 

aprile, si sono svolte le fasi finali di due 

concorsi riservati agli studenti, il primo 

musicale, il secondo riguardante lo 

slogan antipirateria più originale. All’evento, 

hanno partecipato il sindaco 

di Biella Dino Gentile, il provveditore 

agli studi della Provincia di Biella Piergiorgio 

Giannone, il direttore della Sede 

Siae di Torino Filippo Gagliano e i 

testimonial della manifestazione, gli attori 

e autori Manuel Negro e Rossana 

Carretto, oltre a Massimiliano Scuriatti 

e Giorgio Pezzana. 

Nei brevi messaggi di saluto iniziali, il 

Sindaco Dino Gentile ha invitato i ragazzi 

ad amare la musica e ad esprimere 

al meglio la loro creatività però sempre 

nel rispetto del lavoro degli autori, 

la cui tutela rappresenta un baluardo 

fondamentale per lo sviluppo culturale 

del Paese. Ha inoltre elogiato la Siae evidenziando 

come tali importanti iniziative 

ne rafforzino l’immagine e il ruolo 

istituzionale. Il Provveditore Piergiorgio 

Giannone, ha sottolineato il carattere 

educativo della manifestazione. Filippo 

Gagliano, direttore della Sede Siae 

di Torino ha spiegato ai giovani che il 

diritto d’autore non è né un balzello, né 

una gabella ma, semplicemente, lo stipendio 

dell’autore e la Siae non è altro 

che la casa di tutti gli autori. 

Il concorso musicale è stato vinto dal 

gruppo Playladies formato da Giulia Osservati, 

Vittoria Atta, Jessica Briasco, Micol 

e Miriam Ottina del liceo scientifico 

Avogadro di Biella, con il brano Fight. Il 

concorso per lo slogan più originale è stato 

vinto da Martina Piga e Martina Barresi 

con lo slogan “La musica è emozione, 

la pirateria è illusione”. 

Il 28 aprile a Novara, la formula della 

manifestazione contro la pirateria si è 

ripetuta con successo. Presso il Teatro 

Coccia erano presenti, fra gli altri, l’assessore 

alle politiche giovanili del Comune 

di Novara Matteo Maranti, il 

provveditore agli studi della Provincia 

di Novara Giuseppe Bordonaro, Filippo 

Gagliano, Rossana Carretto, Massimiliano 

Scuriatti, Marina Crescenti, 

Massimo Negro e Giorgio Pezzana. 

Nei messaggi di saluto iniziali, l’assessore 

Matteo Maranti, dopo aver ringraziato 

la Siae per aver scelto Novara, ha 

sottolineato l’impegno dell’amministrazione 

municipale nel sostenere manifestazioni 

che valorizzino talento e 

creatività dei giovani, aggiungendo che, 

La premiazione dei Seaward, vincitori 

del concorso musicale di Novara 

Il 15 ed il 28 aprile a Biella e a Novara, si sono svolte due manifestazioni 

organizzate dalla Sede Siae di Torino e dall’Ufficio Scolastico Regionale del 

Piemonte, in collaborazione con i Comuni delle due città piemontesi per 

sensibilizzare i giovani sulle tematiche del rispetto del diritto d’autore e della 

lotta alla pirateria e per valorizzare il talento e la creatività dei giovani. Sono 

stati premiati gli slogan più originali e interessanti contro la pirateria. 

83 

VIVAVERDI 

secondo lui, quella intrapresa dalla Siae 

è la strada giusta per avere i giovani al 

proprio fianco nella lotta alla pirateria. Il 

provveditore Giuseppe Bordonaro, ha affermato 

di aver collaborato con convinzione 

soprattutto per l’importanza del risvolto 

educativo dell’iniziativa, confessando 

di essere egli stesso musicista per 

diletto. Filippo Gagliano, direttore della 

Sede Siae di Torino ha dichiarato di aver 

constatato con grande piacere l’attenzione 

che gli studenti riservano ai problemi 

del mondo autorale e che, pertanto, la via 

della sensibilizzazione è da ritenere di 

grande importanza nell’azione di contrasto 

alla pirateria. 

La giuria ha decretato la vittoria del concorso 

musicale del gruppo Seaward, formato 

da Lorenzo Familiari, Martina e 

Marco Picaro, Daniele Bassi dell’istituto 

Omar e del liceo scientifico Antonelli 

di Novara con il brano Beher not di 

Lorenzo Familiari. Il concorso per il miglior 

slogan antipirateria è stato vinto 

da Martina Rosati con lo slogan “In un 

mare di musica non vogliamo i pirati”.

VIVAconcorsi 

a cura di Daniela Nicolai 

Tutte le segnalazioni di concorsi e premi riportate in queste pagine sono fatte a 

scopo puramente informativo e senza alcuna responsabilità da parte della 

Siae. Per i testi integrali dei bandi e per conoscere le modalità di partecipazione 

è necessario rivolgersi agli organizzatori delle singole manifestazioni. Gli 

organizzatori di premi e concorsi sono pregati di inviare, a corredo del bando o del 

regolamento, un’illustrazione e, se possibile, una rassegna stampa relativa alla 

manifestazione, nonché una comunicazione circa i risultati della stessa. I concorsi 

che compaiono in questa rubrica saranno pubblicati anche in una apposita 

sezione del sito Internet della Siae (www.siae.it) insieme a quelli che non è stato 

possibile segnalare a causa dei tempi redazionali. 

CANTAMUSIC SHOW 2010 

La NV Records indice il festival nazionale Cantamusic 

Show 2010 ideato da Nello Villa, al quale 

possono partecipare cantanti, cantautori e 

gruppi a partire dal 16° anno di età. Si partecipa 

con un brano edito o inedito di durata massima 

di 4 minuti. Le domande di iscrizione, con 

le modalità previste dal bando, devono essere 

inviate entro il 15 luglio 2010 a: Nello Villa, Località 

Boeri 32, 17043 Plodio (Sv). E’ prevista 

una quota di partecipazione. Il primo premio 

consiste in un contratto discografico della durata 

di un anno. Per informazioni: tel. 

019519643, nvrecords@altervista.org. 

CONCORSO DI COMPOSIZIONE LAVAGNINO 

2010 

L’Orchestra Classica di Alessandria bandisce 

il Concorso Internazionale di Composizione Lavagnino 

2010, che si svolgerà a Gavi e Alessandria 

nell’ambito del Festival Internazionale 

Angelo Lavagnino. Sono ammessi a partecipare 

compositori di ogni nazionalità nati dopo 

il 1° gennaio 1965. Il termine per l’iscrizione 

scade il 2 agosto 2010. 

I partecipanti dovranno realizzare il commento 

musicale per una sequenza cinematografica 

della durata di 4-5 minuti circa, scelta fra 

due inviate preventivamente dall’organizzazione. 

Gli elaborati, con le modalità previste dal 

bando,devono pervenire entro il 9 ottobre 

2010 a “Concorso Internazionale di Composizione 

“Lavagnino2010”, c/o Associazione Alexandria 

Classica, Via U. De Foro 4, 15100 Alessandria, 

oppure via mail a info@mediadvdvideo.com. 

E’ prevista una quota di iscrizione. 

Per richiedere il bando completo e per ulteriori 

informazioni: tel. e fax: 347.8006826, 

340.8194806, 0131.226202, info@lavagninofestival.it,orchestraclassicadialessandria@virgilio.it, 

www.lavagninofestival.it 

CONCORSO DI COMPOSIZIONE 

ANTONIO MANONI 

L’associazione Musica Antica e Contemporanea 

di Senigallia indice il Concorso di composizione 

Antonio Manoni. Gli organici per 

questa edizione sono: organo solista, clarinetto 

in Sib, pianoforte, duo cl e organo, duo 

cl e pianoforte. Le domande di iscrizione, con 

la documentazione richiesta dal bando, dovranno 

essere inviate tramite raccomandata 

entro il 25 agosto 2010: Associazione Musica 

Antica e Contemporanea, Concorso Antonio 

Manoni, Via della Marina 16, 60019 

Montignano di Senigallia (An). E’ prevista una

quota di iscrizione. La composizione vincitrice 

sarà edita dalle Edizioni Berben e sarà 

eseguita in prima assoluta nell’ambito della 

rassegna Musica Nuova Festival di Senigallia. 

Per informazioni: 071.9190503, 

071.69215, 338.3886704, robertasilvestrini@libero.it. 

TROFEO DEL BERGAMOTTO 

L’associazione culturale Universum Calabria 

bandisce il concorso letterario internazionale 

Trofeo del Bergamotto suddiviso in quattro 

sezioni: poesia in lingua italiana a tema “il 

bergamotto”; poesia in lingua italiana a tema 

libero; poesia in vernacolo a tema libero; alunni 

delle scuole elementari e medie. E’ prevista 

una quota di iscrizione. Gli elaborati, con 

le modalità previste dal bando, dovranno pervenire, 

entro il 30 agosto 2010, a Universum 

Calabria, via Trapezi 19 trav. Priv., 

89134 Croce Valanidi (Reggio Calabria). Per 

informazioni: 0965.641256, 328.1244802, 

info@ilsaggio.it, www.ilsaggio.it, associazione 

universum.calabria@simail.it. 

CONCORSO DI COMPOSIZIONE 

MUSICA E ARTE 

Ogni compositore, di qualsiasi età e nazionalità, 

potrà partecipare al Concorso Musica 

e Arte con un’unica partitura. La composi- 

zione, per ensemble strumentale e piccolo 

coro, dovrà essere della durata massima di 

7 minuti, inedita e mai eseguita. E’ prevista 

una quota di iscrizione. Al vincitore andrà un 

premio di 1.500 euro e la targa d’argento 

Siae. Gli elaborati, con la documentazione richiesta 

dal bando dovranno essere inviati online 

tramite il sito www.musicaearte.it oppure 

tramite mail a concorso@musicaearte.it 

entro il 18 settembre 2010. Per informazioni: 

concorso@musicaearte.it, tel. 

06.58209051. 

DE MUSICA, CONCORSO DI COMPOSIZIONE 

PIANISTICA 

L’associazione culturale “De Musica” di Savona 

bandisce il nono concorso nazionale di 

composizione pianistica con la direzione artistica 

del M° Giusto Franco. La composizione 

classica, per pianoforte solo, dovrà essere 

inedita e della durata di 7 minuti. Gli elaborati, 

con le modalità previste dal bando, 

dovranno pervenire entro il 30 settembre 

2010 a: Associazione De Musica, via Corridoni 

5-7, 17100 Savona. E’ prevista una quota 

di iscrizione. Per informazioni: tel. 

019.853990, 329.4730217, franco.giusto@tiscali.it, 

http://web.tiscali.it.demusica. 

PREMIAZIONI 

LONDON SCHUBERT PLAYERS 

Il 31 marzo 2010, presso la Royal Academy 

of Music di Londra, si è svolto il lancio ufficiale 

del progetto “Invitation to Composers” 

indetto dal gruppo London Schubert Players 

e finanziato dalla Commissione Europea. Le 

composizioni scelte per quest’occasione sono 

state: “Crystals” di Bjørn Bolstad Skjel- 

85 

bred , “Evocations Rituelles” di Roberto Brisotto, 

“Quator pour Marguerite” di Carmen 

Maria Cârneci e “Clouds. Homage to Messiaen” 

di Salvador Torre tutte scritte per violino, 

violoncello clarinetto e pianoforte ed ispirate 

al “Quator pour la Fin du Temps” di Olivier 

Messiaen. 

CANTAUTORI BITONTO SUITE 

Carolina Da Siena e Pasquale Delle Foglie 

si sono aggiudicati la IV edizione di Cantautori 

Bitontosuite, premio nazionale di musica 

d’autore. 

PREMIO LETTERARIO I FIUMI 

I vincitori del Premio Letterario I Fiumi sono, 

per la poesia Vincenzo Antonucci, per 

la narrativa Monica Tavarner, per il teatro 

Guido Nahum, per la musica leggera Giorgio 

Simoni, per il premio cultura e futuro 

Eleonora Marin, per il premio Unità produttive 

Salvatore Nicolosi, Anita Peloso e Diana 

Villardi. Per il Festival del Piave sono stati 

premiati Paola Canino, Luca Tessarolo e 

Mauro Faravelli. 

PREMIO LETTERARIO MICHELE GINOTTA 

L’edizione 2009 del concorso letterario in 

forma chiusa del Cenacolo Studi Michele Ginotta 

si è conclusa con l’assegnazione del 

primo premio a Paolo Bezzi e del secondo 

premio a Giangiacomo Amoretti. 

ACCADEMIA DI SANTA CECILIA 

Il vincitore del Concorso internazionale di 

composizione 2009 bandito dall’Accademia 

Nazionale di Santa Cecilia e riservato quest’anno 

a una composizione originale per orchestra 

da camera è stato vinto da Christian 

Cassinelli con l’opera “Halak”. 

VIVAVERDI

l’ultimo applauso 

RAIMONDO VIANELLO 

GRAZIE 

PER 50 ANNI DI IRONIA 

di Maurizio Costanzo 

Foto TecheRai 

Quando cinquant’anni fa cominciai a 

fare il giornalista il primo personaggio 

che conobbi fu Raimondo Vianello (Roma 

7 maggio 1922- 15 aprile 2010) e da 

allora per 50 anni siamo stati amici e 

talvolta complici come quando nel ‘62 

volle dare a me che lavoravo in un settimanale 

della Mondadori l’esclusiva 

del matrimonio con Sandra. L’anno dopo, 

nel ’63, in occasione del mio primo 

matrimonio, gli chiesi e lui accettò di 

farmi da compare d’anello. Raimondo, 

portatore sano d’ironia. Nel 1998 con 

Enrico Mentana realizzammo a Milano 

uno speciale dal titolo I tre tenori e cioè 

Raimondo Vianello, Corrado e Mike 

Bongiorno. Con la morte di Raimondo 

quello speciale diventa archivio ma andrebbero 

ricordati sempre gli sguardi 

senza proferire parola di Vianello con 

Corrado quando Mike si abbandonava 

a qualche tirata un po’ retorica. 

In questo momento di mio personale 

dolore, condiviso lo so da tanti italiani, 

penso con malinconia a Sandra che ha 

condiviso con quest’uomo 48 anni di 

matrimonio e ha consegnato Casa Vianello 

che rimane un bel momento di televisione. 

Ma penso anche e con soddisfazione 

che finalmente la coppia Ugo 

Tognazzi e Raimondo Vianello si è ricomposta. 

Come quando dal 1954 al ‘59 

condussero il primo varietà della televisione 

italiana Un due tre. Continuando 

a pensare a Tognazzi e a Vianello 

chissà come staranno commentando le 

nostre parole, frasi anche di circostanza, 

archivi messi a soqquadro per proporre 

immagini. E forse staranno anche 

ripercorrendo gli anni delle riviste 

teatrali quando trionfavano i doppi sensi 

o quando un colpo di batteria copriva 

la parola licenziosa. Una volta Vianello 

disse: “Io, in vacanza, sono stato 

ad Ischia dove si canta, si balla, e si fischia” 

e Tognazzi di rimando: “Io, invece, 

sono stato a Giava, dove si balla, si 

canta e si …” break di batteria a coprire 

la rima. 

Erano molto divertenti le liti fra Sandra 

e Raimondo quando c’erano i mondiali 

di calcio o le Olimpiadi in quanto Raimondo 

si autosequestrava in casa, non 

voleva essere disturbato per nessun motivo 

e correva dietro al fuso orario per 

seguire anche lo sport più modesto trasmesso 

alle 5 di mattina. Perché non 

molti ricordano che Vianello fu Presidente 

di una piccola squadra di calcio 

che si chiamava Samo ovvero Sandra 

Mondaini e vi giocava anche lui e se è 

arrivato gagliardamente agli 88 anni lo 

si deve anche a questa passionaccia del 

gioco del pallone. 

Grazie Raimondo, per questi 50 anni, per 

tutti noi sarà impossibile dimenticarti.


NICOLA ARIGLIANO 

QUELL’ESTATE DEL’59 

di Giorgio Calabrese 

Estate 1959. “ ‘Rijàa! (Arigliano) Canta 

Singapore!” Cercare di spiegare all’ignoto 

“fan” che Nicola Arigliano 

(Squinzano 6 dicembre 1923- 30 marzo 

2010) che canta I sing ammore e Singapore 

non c’entra niente sarebbe tempo 

perso. La voce stentorea cavalca brusii 

e risate di “Riva Fiorita”, caffè, giardino 

e dancing di Porto San Giorgio. 

Poi, la stessa voce commenta: “quanno 

che viene Arigliano a cantà’, Marcotulli 

(il proprietario) mette li tavoli pure 

sopra le piante!”. La gente ride. Sono 

anni così. In altra sede, a fine spettacolo, 

Gorni Kramer si avvicina e quasi sollecitandolo 

gli dice: “ Dài, Nicola, sù, 

che andiamo a spaventare i bambini!..” 

Di venir definito “il brutto” non gli importava 

affatto. Anzi, la riteneva, forse, 

una sua prerogativa. D’altra parte, di 

“brutti fascinosi” è colma la letteratura 

e la cinematografia. 

A I sing ammore fece seguito My wonderful 

bambina immediatamente parodiata 

in Salvate la bambina e la serie dei 

piccoli swing come Milano, Dimmi di 

no e una “Canzonissima” con Arrivederci, 

Infine, un progetto ambizioso di 

disco con canzoni alternate a recitativi 

che facevano da filo conduttore. Il tutto 

sostenuto dall’orchestra di Pino Calvi. 

Il disco si chiamava Uno che sta pensando 

a te. Ci è piaciuto costruirlo pezzo 

dopo pezzo: vero, Nic? Nell’ambiente 

dei collezionisti e dei jazzaroli pare 

circoli ancora. Soprattutto Non importa 

quando. 

Poi, ancora tv per te e un “Sanremo” 

con Colpevole prima di dedicarti completamente 

ai “fermentati” (ortaggi vari 

conservati sotto acqua, sale e chissà 

quali altri accidenti) nel tuo buen retiro 

del “Vocabolo Berardelli” in località 

“Angeli” di Magliano Sabina, dove sei 

riuscito a far entrare, oltre ai boccali di 

verdure, anche un pianoforte mezza coda 

per ogni evenienza. 

CARLO ALBERTO ROSSI, 

L’ELEGANZA DELLA BELLEZZA 

di Franco Daldello 

87 

VIVAVERDI 

Sono pochi gli uomini di spettacolo che 

come Carlo Alberto Rossi (30 agosto 

1921-12 aprile 2010) hanno saputo spaziare 

con successo dall’attività creativa 

a quella imprenditoriale. Navigando 

su YouTube è possibile ammirare anche 

le sue capacità di entertainer in 

occasione di una sua performance come 

pianista cantante di alcune delle 

sue canzoni ospite, in una trasmissione 

di Mike Bongiorno di qualche anno 

fa. I lettori di VivaVerdi, soprattutto 

quelli della mia generazione, san


no già tutto di lui, che era nato a Rimini 

e che aveva mantenuto un legame 

molto stretto con la sua città d’origine 

conservando per tutta la vita le caratteristiche 

peculiari e la simpatia del carattere 

forte dei Romagnoli. Quindi non 

voglio fare qui l’elenco delle centinaia 

di canzoni da lui composte, molte delle 

quali seppero portare una piccola rivoluzione 

nel mondo della canzone italiana 

vestendo le sue creazioni con 

l’eleganza di un abile sarto che seppe 

cucire strette fra loro la melodia italiana 

e le armonie e gli accordi del più 

raffinato jazz d’oltre oceano. Spero, in 

queste poche righe, di riuscire a far risaltare 

quanto egli fece e si adoperò, 

come uomo, come artista e come imprenditore 

sempre volto alla ricerca 

della bellezza. 

Quando con suo fratello Alfredo fondò 

l’Ariston si circondarono di grandi 

talenti ognuno dei quali seppe imporsi 

nel firmamento della canzone italiana 

e non solo. Le sue canzoni erano 

l’immagine della bellezza che egli ricercava 

senza mai concedersi alla moda 

od allo stile del momento e lo stesso 

metro, ecco che ritorna la figura del 

bravo sarto artigiano, contraddistinse 

Carlo Alberto Rossi imprenditore. La 

sua CAR Juke Box fu una palestra dove 

si fecero i “muscoli” dei veri e propri 

talenti, alcuni dei quali innovativi rispetto 

alla moda del momento, quali: 

Joe Sentieri, Fausto Cigliano, Le Orme, 

Mimì Berté (Mia Martini), Pier 

Giorgio Farina ed Enzo Jannacci. 

I suoi studi di registrazione, noti come 

Fonorama, erano dotati della miglior 

tecnologia del momento e furono frequentati 

da molti importanti artisti. 

Tra questi voglio ricordarne, solo perché 

ne ho fatto parte, alcuni della “Numero 

Uno” quali Lucio Battisti e la Premiata 

Forneria Marconi. Qualcuno 

molto più autorevole di me ha detto che 

il mondo ha bisogno degli artisti e che 

la sua salvezza morale può solo venire 

dalla bellezza che essi sanno trasferire 

alla società civile. Bene, un grande 

grazie all’artista / imprenditore Carlo 

Alberto Rossi per aver fatto così bene 

la sua parte. 

GINO INGROSSO, 

FOLKSINGER SALENTINO 

Addio a Gino Ingrosso (16 giugno 1932- 

17 aprile 2010), cantautore e cantastorie 

della tradizione popolare salentina, 

un musicista legato alla tradizione 

folk della città, a lungo sotto contratto 

per un’etichetta milanese, autore di 

centinaia di brani e composizioni eseguite 

anche da cantanti di fama internazionale, 

tra i quali Gene Pitney 

(Quella che sa piangere e Verrò), The 

Everly Brothers (La luna è un pallido 

sole, con testo di Mogol), John Rowles 

(The pain goes on forever, versione inglese 

di Il viaggio dell’amore, scritta 

con Totò Savio). Ingrosso ha ereditato 

dal padre, suonatore di mandolino, 

la passione per la musica e presto ha 

imparato a suonare la chitarra, con la 

quale girava per feste da ballo e paesane, 

mischiando il dialetto salentino 

con ritmi da ballo in voga, dai valzer al 

boogie-woogie. 

Aveva meno di diciotto anni quando 

una troupe della Rai giunse a Castri, 

suo paese natale, e lo scelse per interpretare 

una sua composizione, Lecce 

mia in una registrazione di canti di 

lavoratori. Il successo cominciò ad arrivare: 

a Roma conobbe Paolo Bacilieri, 

che inserì nel suo disco due canzoni 

di Gino, quello fu il trampolino 

di lancio per ottenere un contratto discografico 

con la Sugar Music per la 

quale ha composto tantissime canzoni 

fra originali e versioni straniere: 

Non è la fine incisa da Bobby Solo, Incubo 

n. 4 per Caterina Caselli, Il rimpianto 

per Nicola di Bari, Noi siamo 

in tre per Betty Curtis. Dalla fine degli 

anni ’70 riscoprì la musica popolare 

della natìa terra salentina. Tra i 

suoi brani più noti: Torna pe’ sempre, 

Lu pompieri, Ieu pe’ tie, La fresedda 

e nel 1985 Lecce in serie A per celebrare 

la prima storica promozione del 

Lecce nella massima divisione. 

Fu l’organizzatore del primo Festival 

della canzone leccese “Lucerneddhe 

lucerneddhe” nel 1978. Poi, dagli anni 

ottanta, si è dedicato alla ripresa 

della pizzica, portandola di nuovo in 

auge. Aveva celebrato la sua carriera, 

con la pubblicazione del libro 1975- 

2000, venticinque anni di canzoni 

leccesi, dove raccontava, con modestia 

e buonsenso, la sua splendida storia, 

tra aneddoti personali e piccole 

riflessioni. Il suo ultimo album, Baraonda, 

del 2008, è una raccolta di 

successi, vecchi e nuovi.

FURIO SCARPELLI, 

HA DIPINTO L’AFFRESCO 

DELLA SOCIETÀ ITALIANA 

di Franco Montini 

Anche ad elencare soltanto i capolavori 

e i film che hanno segnato la storia 

del cinema italiano, e non solo, 

scritti da Furio Scarpelli la lista rischia 

di essere interminabile. Sedotta e abbandonata 

e Signore & signori per 

Germi; La marcia su Roma, I mostri, 

In nome del popolo italiano per Risi; 

Tutti a casa per Comencini; I soliti 

ignoti, La grande guerra, I compagni, 

L’armata Brancaleone per Monicelli; 

Riusciranno i nostri eroi…, Dramma 

della gelosia, C’eravamo tanto amati 

per Scola; Il buono, il brutto il cattivo 

per Leone; Ovosodo per Virzì. Un 

elenco che dà la vertigini, una produzione 

sterminata, nel segno della commedia, 

da intendersi nella versione 

più alta, ovvero un genere capace di 

suscitare ad un tempo sorrisi e lacrime, 

di comunicare messaggi importanti 

e profondi in forma piacevole e 

spettacolare. Una filmografia ricca di 

140 titoli, scritti in un arco di tempo 

di sessant’anni: dal 1949, Totò cerca 

casa, primo di una quindicina di film 

realizzati per il grande attore, al 2009, 

Christine Cristina, esordio in regia di 

Stefania Sandrelli. Perché Furio Scarpelli, 

nato a Roma il 16 dicembre 1919 

e scomparso a 90 anni compiuti lo 

Foto Farabola Foto 

scorso 28 aprile, è stato uno sceneggiatore 

instancabile, un autentico fiume 

in piena, attivo nella professione 

fino agli ultimi giorni. Oltre che un generoso 

maestro che ha insegnato i segreti 

del mestiere ad uno stuolo di allievi, 

fra i quali, tanto per citare un paio 

di nomi, ci sono Paolo Virzì e Francesco 

Bruni. 

La carriera di Scarpelli si è svolta in gran 

parte accanto e insieme al coetaneo Age, 

morto cinque anni fa, conosciuto nelle 

redazioni delle riviste umoristiche del 

dopoguerra, dove entrambi lavoravano 

come giornalisti. Impossibile scindere 

i contributi dell’uno da quelli dell’altro 

nel loro lungo e duraturo sodalizio. I 

tratti identificativi del cinema di Scarpelli 

(e di Age) si possono riassumere 

in un mix di umorismo e moralità, intelligenza 

e cultura, ironia e fantasia. 

Proprio in un’intervista pubblicata su 

questo giornale, così Scarpelli ricordava 

le caratteristiche del suo sodalizio con 

l’amico e collega: “Ciò che accomunava 

Age e me era un’etica della professione, 

ovvero alcuni principi morali: una comune 

convinzione politica, un’attenzione 

al sociale, una comprensione per 

il prossimo, una simpatia per i personaggi 

da narrare e l’individuazione di 

un preciso punto di vista, che non deve 

essere affatto quello dell’autore. Un autore 

è tanto più grande se riesce ad occultarsi 

nella sua storia”. 

Scarpelli c’è sempre riuscito; detestava 

89 

VIVAVERDI 

l’autore narciso che parla di se stesso, 

prediligeva il lavoro di gruppo ed odiava 

la cinefilia. Schivo per carattere, provava 

un sincero fastidio nei confronti di 

qualsiasi forma di omaggio e celebrazione; 

convincerlo a partecipare a rassegne 

che lo riguardavano non era semplice, 

anche se, una volta coinvolto, era generosissimo 

e non si risparmiava, capace di 

parlare per ore da straordinario affabulatore. 

Scarpelli amava le storie, i personaggi, 

le trame romanzesche; per essere 

un buon sceneggiatore- era solito ripetere- 

bisogna essere innanzitutto un narratore; 

la tecnica è la cosa che conta meno. 

“Ed anche la tecnologia- commentava 

nell’intervista già citata- non ha molta 

importanza. Confesso che nel mio lavoro 

non uso il computer e che, a volte, 

scrivo ancora a mano”. 

I suoi modelli di ispirazione, più che i 

registi, sono stati i giganti della letteratura: 

Balzac, Maupassant, Gogol, Turgenev, 

Fitzgerald, uniti alla straordinaria 

capacità di cogliere al volo i cambiamenti 

di costume, i modi di fare e di atteggiarsi, 

le novità linguistiche emergenti 

nella vita quotidiana. Davvero il 

cinema di Scarpelli (e di Age) rappresenta 

il più interessante e veritiero affresco 

sulla società italiana degli ultimi 

sessant’anni. Se, come sostengono gli 

americani, la sceneggiatura è l’elemento 

più importante nella realizzazione di 

un film, allora Furio Scarpelli merita di 

essere considerato il più importante cineasta 

italiano.

VIVAVERDI 

90 

ORGANI SOCIALI 

ASSEMBLEA 

RIUNIONE DEL 29 MARZO 2010 

L’Assemblea, riunitasi il 29 marzo 2010, ha ricevuto 

una informativa relativa all’andamento 

dei costi e dei ricavi, in vista della definizione 

degli indirizzi per la predisposizione del piano 

strategico per il triennio 2010- 2012. La stessa 

Assemblea ha rinviato la prosecuzione dell’esame 

dell’argomento ad una successiva riunione, 

da tenersi nel mese di maggio. 

CONSIGLIO DI 

AMMINISTRAZIONE 

RIUNIONE DEL 25 FEBBRAIO 2010 

Nella riunione del 25 febbraio 2010 il Consiglio 

di Amministrazione ha proseguito la discussione 

per la definizione degli obiettivi e 

degli indirizzi finalizzati alla redazione del piano 

strategico. 

Il Consiglio ha inoltre approvato, su parere 

conforme della Commissione della Sezione 

Musica, le condizioni contrattuali negoziate 

con la Fimi per la riproduzione delle opere su 

supporti fonografici e Dvd musicali. 


Ad inizio riunione il Consiglio di Amministrazione 

ha rivolto un saluto di benvenuto 

al nuovo Presidente del Collegio dei Revisori, 

dott. Benito di Troia, nominato dal Ministero 

dell’Economia e delle Finanze a seguito 

delle dimissioni presentate dal dott. 

Giancarlo Settimi. 

Il Consiglio di Amministrazione è stato quindi 

informato sulle trattative in corso in materia 

di diritti connessi ed ha discusso alcune 

questioni concernenti gli accordi per la determinazione 

dell’equo compenso spettante 

agli autori cinema (art. 46bis della legge sul 

diritto d’autore), decidendo in proposito di or- 

ganizzare uno specifico incontro con tutte le 

associazioni di categoria interessate. 

Il Consiglio ha poi approvato le ordinanze 

di ripartizione per l’anno 2010 per le Sezioni 

Musica e Dor e, su parere conforme 

della Commissione della Sezione Musica, i 

criteri della nuova licenza integrata per gli 

operatori telefonici. 

Il Consiglio infine ha nominato i componenti 

del “Comitato arti visive e altre figure autorali” 

ed ha proseguito la discussione sul piano 

strategico. 


Nella riunione del 22 marzo 2010 il Consiglio 

di Amministrazione ha deliberato di proporre 

all’Assemblea l’approvazione di una 

modifica all’art. 147 del Regolamento Generale. 

Il Consiglio ha quindi proseguito la discussione 

per la definizione degli obiettivi e degli 

indirizzi finalizzati alla redazione del piano 

strategico. 

Il Consiglio ha poi approvato l’accettazione 

in tutela da parte della Sezione Musica 

delle elaborazioni della parte musicale di 

opere tutelate, l’utilizzo dei criteri da adottare 

per il rilascio di licenze multiterritoriali 

relative all’utilizzazione del repertorio degli 

associati Siae, la revisione delle licenze 

per l’utilizzo del repertorio amministrato 

in siti internet di autopromozione degli 

autori ed editori (Apae) e dei produttori fonografici 

ed artisti esecutori (App) e l’introduzione 

di una tariffa agevolata per gli 

spettacoli teatrali che avvengono in teatri 

fino a 50 posti. 

Il Consiglio è stato infine informato dell’andamento 

della trattativa con Scf, ha approvato 

le modifiche relative ai generi teatrali 

proposte dalla Commissione della Sezione 

Dor ed ha deliberato il rinnovo per 

l’anno 2010 dell’accordo in materia di reprografia 

con le associazioni degli autori e 

degli editori. 


Nel corso della riunione il Consiglio di Amministrazione 

ha deliberato, su parere conforme 

della Commissione della Sezione Cinema, 

la disdetta del vigente accordo con 

Sky Italia relativo all’equo compenso previsto 

dall’art.46 bis della legge sul diritto 

d’autore. 

Il Consiglio, su parere della competente 

Commissione della Sezione Dor, ha quindi 

nominato un nuovo componente del Comitato 

Intersezionale copia privata. 

Il Consiglio ha poi ratificato il Documento 

Programmatico sulla sicurezza relativa ai 

dati personali, ha preso atto dell’informativa 

resa dal Direttore dell’Ufficio Affari Giuridici 

e Legali in merito ai ricorsi depositati 

da alcune società innanzi al Tar Lazio 

per l’annullamento del DM del 30.12.2009 

relativo alla determinazione dei compensi 

di copia privata, ha nominato presidente 

dell’Organismo di Vigilanza la dott.ssa Claudia 

Cattani, già componente dell’organismo, 

e quale ulteriore membro, il dottor 

Benito Di Troia. 

Il Consiglio ha infine proseguito, con riferimento 

agli esiti dell’Assemblea del 29 marzo 2010, 

la discussione sul piano strategico. 

RIUNIONE DEL 15 APRILE 2010 

Il Consiglio di Amministrazione è stato informato 

del’abbandono della richiesta di sospensiva 

da parte delle società che avevano 

impugnato di fronte al Tar Lazio il DM 

30.12.2009 relativo alla determinazione dei 

compensi di copia privata. 

Il Consiglio ha poi ricevuto il progetto di nuovo 

Statuto elaborato dal Comitato per la revisione 

dello Statuto e dei Regolamenti, unitamente 

alla relazione illustrativa e al documento 

contenente le posizioni minoritarie, rinviandone 

a successiva riunione l’esame. 

Il Consiglio ha infine proseguito la discussione 

sul piano strategico.

SEZIONI SERVIZI E UFFICI 

SEZIONE MUSICA 

RIUNIONE DELLA COMMISSIONE 

DI SEZIONE DEL 2 MARZO 2010 

Il giorno 2 marzo 2010 si è riunita presso la Direzione 

Generale la Commissione della Sezione 

Musica, presieduta dal M° Franco Micalizzi. 

Erano presenti alla seduta della Commissione 

il Direttore della Divisione Autori ed Editori 

dott.ssa Sabina Riccardelli, il Direttore della 

Sezione Musica dott. Antonio Coluccini con funzioni 

di Segretario, il Dirigente Responsabile 

dell’Ufficio Ripartizione e Utilizzazioni dott. Nazzareno 

Tirocchi, la dott.ssa Francesca Giovagnorio 

della Divisione Autori ed Editori e la 

dott.ssa Concetta Virgòpia del Supporto Gestionale 

della Sezione Musica. 

In apertura di seduta il Presidente avv. Giorgio 

Assumma ed il Direttore Generale dott. Gaetano 

Blandini sono intervenuti per dare un aggiornamento 

sullo stato delle trattative in corso 

con Sky, anche all’esito della richiesta di disdetta 

del contratto in scadenza al 30 giugno 

2010 con la suddetta emittente, avanzata da 

alcune Associazioni di autori cinematografici 

e televisivi. 

La Commissione ha espresso parere contrario 

sia in ordine alla ipotesi di disdetta per il repertorio 

musica sia in ordine alla richiesta delle 

medesime Associazioni di partecipazione di 

una rappresentanza di associati alle trattative 

con gli utilizzatori. 

La Commissione ha quindi approvato il verbale 

della precedente riunione dell’11 febbraio 

2010 ed ha, nell’ordine, reso i seguenti pareri 

di competenza in merito ai criteri ed al relativo 

schema tariffario posti rispettivamente a 

base di: 

1) una nuova Licenza elaborata per consentire 

l’utilizzo di opere musicali in servizi telefonici 

e via internet da parte degli operatori 

Telecom, Vodafone, Wind e H3G; 

2) una nuova Licenza elaborata per l’utilizzo 

del solo repertorio degli associati Siae da 

parte dell’operatore Beatport, con l’ulteriore 

previsione della possibile estensione 

ad altri contratti di licenza multiterritoriali; 

3) una nuova Licenza elaborata per consentire, 

in abbonamento, attività di downloading 

a tempo esclusivamente a mezzo telefono 

cellulare. 

La Commissione ha inoltre reso parere favorevole 

in merito: 

- alla revisione ed alla previsione di una nuova 

fascia tariffaria per le Licenze in vigore 

relative all’utilizzo del repertorio amministrato 

in siti internet di autopromozione sia degli 

autori ed editori (Licenze APAE - Auto Promozione 

Autori ed Editori) sia dei produttori 

fonografici ed artisti esecutori (Licenze 

APP - Auto Promozione Produttori fonografici), 

con introduzione in particolare di una 

ulteriore fascia tariffaria minima agevolata 

per gli artisti in relazione alla sola Licenza 

APP; 

- alla introduzione di una fascia tariffaria agevolata 

per le musiche di scena in spettacoli 

teatrali all’interno di teatri con capienza fino 

a 50 posti. 

La Commissione ha infine preso atto della informativa 

resa dagli Uffici in merito allo stato 

dei rapporti con YouTube. 

COMMISSIONE TECNICA 

ELABORAZIONI DI OPERE 

DI PUBBLICO DOMINIO 

La Commissione Tecnica per l’esame delle elaborazioni 

di opere di pubblico dominio si è riunita 

il giorno 16 marzo 2010, sotto la Presidenza 

del Direttore della Sezione Musica dott. 

Antonio Coluccini. 

La Commissione ha esaminato complessivamente 

n. 169 elaborazioni, formulando i pareri 

di competenza in relazione alla possibilità di 

accettazione in tutela e alla relativa assegnazione 

di quote di diritti in base alle previsioni 

della Delibera Commissariale n. 1 del 7 Gennaio 

2002. 

bollettino sociale 

ELENCO DEI CONTRATTI 

GENERALI DI CESSIONE PER 

L’ESTERO NOTIFICATI ALLA 

SIAE NEL CORSO DEL 

SECONDO SEMESTRE 2009 

Ai sensi della normativa sociale in materia, si dà 

notizia qui di seguito dei contratti generali stipulati 

da editori originali con sub-editori stranieri 

per la gestione da parte di questi ultimi del repertorio 

dell’editore cedente. 

Cedente: TORNADO EDIZIONI MUSICALI 

Cessionario: ROBA MUSIC VERLAG 

Data: 01/06/2009 

Territorio: GERMANIA, AUSTRIA, SVIZZERA, PO- 

LONIA 


Cessionario: K9 MUSIC PUBLISHING 

Data: 01/06/2009 

Territorio: ROMANIA 


Cessionario: CLIPPER’S EDICIONES MUSIC 

Data: 01/06/2009 

Territorio: SPAGNA, PORTOGALLO 

Cedente: ABRAMO ALLIONE EDIZIONI MUSICALI 


Data: 01/01/2010 



Cessionario: ROBA MUSIC VERLAG 

Data: 01/01/2010 

Territorio: GERMANIA,AUSTRIA,SVIZZERA,PO- 

LONIA 


Cessionario: CLIPPER’S EDICIONES MUSIC. 

Data: 01/01/2010 

Territorio: SPAGNA, PORTOGALLO

VIVAVERDI 

92 



Cessionario: ARTEMIS MUZIEKUITGEVERIJ B V 

Scaduto: 31/12/2009 

Territorio: MONDO 

Cedente: FMA EDIZIONI MUSICALI 

Cessionario: ARTEMIS MUZIEKUITGEVERIJ B V 

Scaduto: 31/12/2007 

Territorio: MONDO 



Data: 01/06/2009 



Cessionario: CLIPPER’S EDICIONES MUSIC. 

Data: 01/06/2009 

Territorio: SPAGNA, PORTOGALLO 

Cedente: THE SAIFAM GROUP 

Cessionario: TEDDYSOUND S A 

Rinnovato fino al : 31/12/2013 

Territorio: SPAGNA 

Cedente: THE SAIFAM GROUP 

Cessionario: MELODIE DER WELT 

Rinnovato fino al : 31/12/2010 

Territorio: GERMANIA, AUSTRIA, SVIZZERA 

Cedente: EDIZIONI MUSICALI ORLA SNC 

Cessionario: ALL MUSIC PUBLISHING 

Scaduto: 31/01/2010 

Territorio: BELGIO, OLANDA 

Cedente: SUGAR GROUP e Case ASSOCIATE 

Cessionario: BONNIER GAZELL MUSIC PUB- 

LISHING AB 

Scaduto: 31/12/2009 

Territorio: PAESI SCANDINAVI 

Cedente: ANTIBEMUSIC SRL 

Cessionario: ANKH 

Data :01/01/2009 

Territorio: GRECIA, CIPRO 

PREMI INTERNAZIONALI ASCAP 

Anche per il corrente anno la Società consorella 

americana ASCAP ha istituito il programma 

di Premi Internazionali destinato ad 

associati meritevoli le cui opere, licenziate 

dall’ASCAP, siano state eseguite nel territorio 

degli Stati Uniti in località non comprese 

nel campionamento-base dei diritti di pubblica 

esecuzione. 

La giuria che designa i beneficiari dei premi 

è composta da membri eminenti della comunità 

musicale che non sono né associati 

né dipendenti dell’ASCAP, è indipendente nelle 

sue determinazioni, che sono definitive. 

I requisiti per concorrere ai premi sono i seguenti: 

- le esecuzioni devono essere state autorizzate 

dall’ASCAP (e non da altra Società degli 

Autori statunitense); 

- le esecuzioni devono essere avvenute nel 

territorio degli Stati Uniti nel periodo 1° ottobre 

2009 – 30 settembre 2010; 

- possono concorrere esecuzioni dal vivo, incluse 

quelle in night-clubs, pubs, alberghi, parchi 

di divertimento, spettacoli multimediali. 

- il candidato non deve aver percepito più di 

25.000 dollari in diritti d’autore dall’ASCAP 

in tale periodo (questo requisito sarà verificato 

dall’ASCAP); 

- sono esclusi dalla partecipazione gli editori; 

- non possono partecipare neanche gli eredi 

di associati deceduti; 

- le composizioni eseguite devono essere regolarmente 

dichiarate all’ASCAP. 

Nella domanda dovranno essere indicati la 

data dell’esecuzione, il titolo/i dell’opera/e, 

l’esecutore ed il luogo dell’avvenuta esecuzione. 

Ogni esecuzione indicata dovrà essere corredata 

di idonea documentazione di supporto 

(ad es. programmi a stampa, annunci pubblicitari 

a stampa, recensioni, lettere di conferma, 

ecc.). 

Non dovranno essere allegati spartiti o registrazioni 

delle opere. 

I moduli di domanda possono essere richiesti 

alla Direzione Generale della SIAE - Tutela Repertori 

all’Estero (Segreteria: tel. 

06.59902255) – Viale della Letteratura, 30 - 

00144 ROMA (e-mail: Tutelaestero@siae.it) e 

alla stessa dovranno essere restituiti, debitamente 

compilati e corredati della documentazione 

richiesta, entro il 31 dicembre 2010. 

La SIAE, esperiti gli ulteriori adempimenti necessari 

(fra i quali l’inserimento nel modulo 

del numero IPI del candidato), provvederà all’invio 

delle domande di partecipazione all’ASCAP 

pervenute entro detto termine. 

SEZIONE CINEMA 


DI SEZIONE DEL 24 MARZO 2010 

La Commissione della Sezione Cinema, presieduta 

da Domenico Mezzatesta, si è riunita 

presso la sede sociale in data 24 marzo 2010 

-convocata con la procedura prevista per i casi 

d’urgenza dall’art.112 del Regolamento Generale- 

per rendere il parere di competenza in 

ordine all’eventuale disdetta del contratto per 

equo compenso in vigore con Sky, con la conseguente 

riapertura anticipata delle trattative 

rispetto alla previsione di rinnovo tacito dell’accordo 

per un ulteriore anno. 

Presenti i componenti autori Antonino Biocca, 

Laura Ippoliti, Serafino Murri, Massimo 

Sani e Vittorio Sindoni; assenti i componenti 

produttori Paolo Ferrari (Warner Bross Italia 

Spa) e Alessandro Fracassi (Racing Pictures 

srl , in liquidazione). 

Per la Siae hanno partecipato il Direttore della 

Divisione Autori ed Editori, Sabina Riccardelli, 

e il Direttore della Sezione, Lucia Bistoncini, 

anche in veste di segretario. 

Alla riunione è intervenuto in apertura anche 

il Direttore Generale, dott. Gaetano Blandini, 

che, dopo aver registrato sull’argomento in 

discussione la sostanziale unità di intenti 

emersa nell’incontro tenutosi il precedente


18 marzo con le rappresentanze allargate alle 

Associazioni degli autori, ha riassunto i profili 

tecnici della questione ed aggiornato la 

Commissione sugli approfondimenti svolti, 

anche sul piano giuridico/ legale, per fornire 

ai Commissari tutti gli elementi di valutazione 

necessari ad assumere le proprie determinazioni. 

I Commissari, nel corso della discussione che 

ha fatto seguito, hanno formulato e motivato 

le rispettive posizioni rispetto all’opportunità 

o meno di esercitare il diritto di recesso, 

esprimendo conclusivamente, a maggioranza 

dei presenti, parere favorevole alla disdetta 

del contratto con Sky, la cui durata termina 

quindi al prossimo 30 giugno 2010. 


DI SEZIONE DEL 14 APRILE 2010 

La Commissione della Sezione Cinema, presieduta 

da Domenico Mezzatesta, si è riunita 

presso la sede sociale in data 14 aprile 

2010, presenti i componenti autori Antonino 

Biocca, Laura Ippoliti, Serafino Murri, Massimo 

Sani, Vittorio Sindoni e, per i componenti 

produttori, Alessandro Fracassi (Racing Pictures 

srl , in liquidazione). 

Hanno partecipato alla riunione il Direttore 

della Divisione Autori ed Editori, Sabina Riccardelli 

e il Direttore della Sezione, Lucia Bistoncini, 

anche in veste di segretario. 

In apertura di riunione è intervenuto anche il 

Direttore Generale, dott. Gaetano Blandini, 

che ha fornito comunicazioni di carattere generale 

ed informato la Commissione che, dopo 

il passaggio in Consiglio di Amministrazione, 

la disdetta del contratto è stata notificata 

a Sky nei termini previsti per l’esercizio 

del diritto di recesso; sul punto ha richiesto 

che vengano formulate in tempi brevi, per la 

ripresa delle trattative, concrete proposte sulle 

quali gli uffici possano sviluppare valutazioni 

di ordine tecnico, propedeutiche ad impostare 

il nuovo negoziato. 

La riunione è stata dedicata all’esame delle 

problematiche relative al rinnovo degli accordi 

per equo compenso con Rai e Mediaset, le 

cui trattative sono in corso ed i cui effetti dovranno 

decorrere dal 1° gennaio 2009. Sulla 

base di un documento di aggiornamento 

dello stato delle trattative, corredato dalle valutazioni 

e dai dati di commento degli uffici, 

la Commissione è stata richiesta di valutare 

– per la prosecuzione delle trattative - l’opportunità 

di proseguire il confronto sulla base 

dello schema contrattuale a tariffa finora 

adottato che, per la notevole persistente distanza 

delle rispettive posizioni negoziali e 

per la rigidità del sistema, offre modesti margini 

di trattativa. In alternativa è stata prospettata 

una radicale modifica dell’assetto 

negoziale con il passaggio ad uno schema di 

contratto a percentuale. Di entrambe le opzioni 

sono stati illustrati vantaggi e criticità. 

Il Direttore Generale, pur condividendo le conclusioni 

degli uffici, che individuavano nel sistema 

a percentuale un percorso negozialmente 

più agevole, ha invitato la Commissione 

ad effettuare le valutazioni e a formulare le 

proposte di competenza tenendo presente 

che il cambio di linea negoziale - che pure riterrebbe, 

anche dal punto di vista dei tempi 

negoziali, più percorribile – presuppone la successiva 

definizione di un sistema ripartitorio, 

la cui elaborazione richiede che ci sia la più 

serrata, serena e costruttiva dialettica tra le 

componenti associative interessate al repertorio 

amministrato dalla Sezione. 

La Commissione, nel respingere in blocco le 

richieste delle controparti, ha optato, a maggioranza, 

per il mantenimento dello schema 

di contratto a tariffa. 


SEZIONE DOR 

ACCORPAMENTO GENERI 

TEATRALI 

Il Consiglio di Amministrazione, nella riunione 

del 22 marzo 2010, ha approvato la proposta 

espressa dalla Commissione della Sezione 

Dor il 24 novembre 2009 in merito all’accorpamento 

dei generi teatrali e alla revisione 

della nomenclatura delle opere tutelate 

dalla Sezione. 

Tali modifiche sono state apportate in quanto, 

anche se non alterano sostanzialmente le 

modalità di accettazione in tutela delle opere 

e non modificano le condizioni generali tariffarie, 

rendono la classificazione delle opere 

più chiara e più aderente alle forme di spettacolo 

che hanno assunto sempre maggior 

rilievo negli ultimi anni. 

Nel bollettino di dichiarazione i generi delle 

opere di pertinenza della Sezione avranno 

pertanto la seguente classificazione: 

OPERE DI PROSA 

Rientrano in tale genere: commedia, dramma 

o tragedia, scena teatrale, monologo 

teatrale, azione mimica, farsa, fiaba teatrale, 

produzione per bambini. 

BURATTINI E MARIONETTE 

OPERA DI CABARET E OPERE ANALOGHE 

CIRCO TEATRO 

TEATRO MUSICALE 

- Con musiche create appositamente. Vi rientrano: 

Operetta, Commedia musicale, fantasia 

musicale, fiaba musicale, Musical, 

Dramma musicale. 

- Con musiche preesistenti. Vi rientrano commedia 

musicale, fantasia musicale, fiaba 

musicale. 

COMPENSI MINIMI 

Il Consiglio di Amministrazione, nella riunione 

del 22 marzo 2010, ha approvato la pro

VIVAVERDI 

94 


posta espressa dalla Commissione della Sezione 

Dor il 4 novembre 2009 in merito all’introduzione 

di una tariffa agevolata per spettacoli 

teatrali rappresentati in teatri con capienza 

fino a 50 posti. 

Pertanto, i compensi minimi da applicare qualora 

ricorrano le condizioni suddette, sono i 

seguenti: 

Compenso minimo DOR 

per teatri con capienza fino a 50 posti 

(compagnie professionali e amatoriali) 

€ 40,00 

Naturalmente tale tariffa agevolata riguarda 

anche il compenso previsto per le musiche di 

scena, rapportato ad 1/3 dei compensi Dor. 

Compenso minimo Musica 

per teatri con capienza fino a 50 posti 

(pari a 1/3 del compenso DOR) € 13,33 

SEZIONE OLAF 


DI SEZIONE DEL 15 DICEMBRE 

2009 

La Commissione della Sezione Olaf si è riunita 

il giorno 15 dicembre 2009 alle ore 10.00. 

Presenti i Commissari Alberta Locati, Massimo 

Nardi, Alessandro Occhipinti, Franco Pallotta, 

Laura Piccarolo, Girolamo Potestà, Samantha 

Raugei e Natale Antonio Rossi. 

Il verbale relativo alla riunione precedente viene 

approvato all’unanimità. 

Il Segretario dà lettura della bozza di Ordinanza 

di ripartizione della Sezione Olaf per 

l’anno 2010 predisposta dalla struttura, che 

riporta in dettaglio i criteri già approvati dal 

Consiglio di Amministrazione, che viene approvata 

all’unanimità. 

Il Presidente Occhipinti riferisce circa la necessità, 

analogamente a quanto avviene per 

le altre tariffe praticate dalla Società, di incre- 

mentare per l’anno 2010 i compensi per le letture 

e recitazioni in pubblico (Pdl) dell’indice 

Istat pari all’1% così come da proposta degli 

Uffici. Dopo discussione, l’adeguamento proposto 

viene approvato all’unanimità. 

In ordine all’esame delle licenze utilizzazioni 

web per opere letterarie, il Segretario illustra 

ai Commissari le modalità, con le quali fino ad 

oggi la Sezione ha amministrato i diritti di riproduzione 

del repertorio letterario su internet, 

precisando altresì che in materia di diritti 

delle arti visive la Siae opera in base a tariffari 

Ola, soggetto associativo che riunisce 

le Società consorelle in ambito comunitario. 

Dopo una approfondita riflessione da parte dei 

Commissari con richieste di chiarimento puntuale 

sui dettagli operativi e sugli aspetti più 

complessi della fruizione via web, i Commissari 

decidono di delegare il Gruppo di 

lavoro per le Opere Letterarie ad effettuare 

approfondimenti in merito all’uso parziale 

dell’opera letteraria ai fini del trattamento 

delle utilizzazioni in regime di: “grande/piccolo 

diritto”. 

Il Segretario comunica che la Sezione Olaf, 

anche sulla base di quanto già operato dalle 

consorelle straniere (Adagp, Vegap, Ars, 

fra le altre), ha intrapreso, con la collaborazione 

del Servizio Pianificazione Bilancio 

e Controllo di Gestione uno studio di fattibilità 

per la creazione di una Banca Immagini, 

la quale a regime dovrebbe poter ospitare 

la massima parte del repertorio delle 

Arti Figurative degli artisti italiani amministrati 

dalla Siae. 

A tal proposito è stato inviato, a Fondazioni/Artisti 

scelti fra i più rappresentativi del 

Repertorio SIAE, un questionario al fine di 

poter sondare il reale interesse all’iniziativa 

da parte di detti soggetti, prima ancora 

di effettuare scelte impegnative per la 

struttura. 

Ida Baucia relaziona circa lo stato dei lavori 

dei Gruppi di lavoro Opere Letterarie 

e Arti Figurative. 

Il Segretario fornisce ragguagli ai Commissa- 

ri sullo stato degli incassi di reprografia e, per 

quanto riguarda il diritto di prestito, fa presente 

che il relativo decreto è all’esame degli 

organi di controllo e che se ne prevede l’emanazione 

nei primi giorni dell’anno nuovo. 

Alle ore 13.45, esauriti gli argomenti da trattare, 

la riunione viene sciolta ed aggiornata 

al prossimo 2 febbraio 2010. 


DI SEZIONE DEL 2 FEBBRAIO 

2010 

La Commissione della Sezione Olaf si è riunita 

il giorno 2 febbraio 2010 alle ore 10.30 

presso la Biblioteca e Raccolta Teatrale del 

Burcardo, Via del Sudario, 44 – Roma. Presenti 

i Commissari Alberta Locati, Massimo 

Nardi, Alessandro Occhipinti, Franco Pallotta, 

Laura Piccarolo, Girolamo Potestà, Samantha 

Raugei e Natale Antonio Rossi. 

La seduta si è tenuta presso la Biblioteca del 

Burcardo per dar modo ai Commissari di partecipare 

alla conferenza stampa, prevista per 

le ore 12.00 per la presentazione del concorso 

letterario Goliarda Sapienza “Racconti 

dal carcere” promosso dalla Siae e dal Dap 

(Dipartimento Amministrazione Penitenziaria). 

Il verbale relativo alla riunione precedente viene 

approvato all’unanimità. 

Nel merito della problematica internet/opere 

letterarie si sviluppa un ampio dibattito a 

conclusione del quale la Commissione all’unanimità 

richiede una immediata ripresa 

dei lavori del Comitato intersezionale affinché 

la materia possa essere al più presto valutata 

in tale ambito. 

Il Segretario illustra alcuni documenti presenti 

in cartella che si riferiscono al protocollo di 

intesa Siae/Aidro stipulato nel 2006 per regolare 

i flussi dei proventi di reprografia da 

e per l’estero. 

Per quanto riguarda i criteri di ripartizione dei 

proventi cosiddetti “non title specific”, la Commissione 

esprime, in linea generale, parere


positivo ad una forma di ripartizione collettiva 

che veda quali destinatarie le Associazioni 

di autori ed editori, analogamente a quanto 

stabilito per la ripartizione del diritto di prestito 

con il D.M.15 ottobre 2009 (pubblicato 

in Gazzetta Ufficiale in data 31 dicembre 

2009). 

Il Segretario fa presente che verrà quanto prima 

stilata una bozza di accordo integrativo 

dell’intesa Siae/Aidro che verrà sottoposta 

all’esame della Commissione per acquisirne 

il preventivo parere. 

Il Segretario illustra, inoltre, i prospetti contenenti 

lo stato degli incassi per i diritti di reprografia, 

sia italiani che esteri, e per il diritto 

di prestito. 

In ordine al sistema di gestione vidimazione 

delle opere librarie (Ge-Vi Print): contrassegno 

speciale per editoria scolastica, il Commissario 

Potestà riassume le esigenze editoriali 

legate ai testi scolastici in formato misto 

(carta + web), evidenziando alcune criticità 

tecniche, già rese note alla Commissione 

(v. verbale seduta dell’11.11.2009), che 

ancora persistono, assicurando la propria disponibilità 

a proseguire i contatti in sede tecnica 

con l’Arca per l’auspicato superamento 

degli inconvenienti riscontrati. 

Vengono distribuite ai Commissari le nuove 

tariffe Ola valide per il 2010, comunicate dal 

sodalizio alcuni giorni prima. 

Alle ore 14.30 la riunione viene sciolta ed aggiornata 

al prossimo 4 marzo 2010. 

SEZIONE LIRICA 

PORTALE ASSOCIATI 

Nell’area del Portale Associati riservata alla 

Sezione Lirica è stata attivata una nuova funzionalità 

dedicata alla visualizzazione degli 

incassi. 

Come noto, la Sezione Lirica effettua liquidazioni 

quadrimestrali. Con il nuovo servizio 

disponibile, gli iscritti al Portale, utilizzando i 

criteri di ricerca, possono prendere visione 

del dettaglio delle somme lorde di spettanza 

(data, locale, località e organizzatore della 

manifestazione, diritti riscossi, ecc.) subito 

dopo la loro verifica da parte degli Uffici, con 

congruo anticipo rispetto alla liquidazione. 

Gli incassi visualizzati sono riportati al lordo 

di tutte le trattenute previste. 

UFFICIO RAPPORTI 

INTERNAZIONALI 

RIUNIONI DELLA CIADLV DELLA 

CISAC 

Il 23 e 24 marzo, a Firenze, si è riunito il Consiglio 

Internazionale degli Autori di Opere Letterarie, 

drammatiche e audiovisive (Ciadlv) 

della Cisac. 

All’ordine del giorno l’analisi dei problemi sulla 

tutela delle opere di questo settore alla luce 

delle nuove tecnologie. 

Per la Siae, oltre al M° Lorenzo Ferrero, Consigliere 

di amministrazione della Società, erano 

presenti Manlio Mallia, capo dell’Ufficio di 

Diretta Collaborazione degli Organi Deliberativi, 

e Alessandro Conte, direttore dell’Ufficio 

Rapporti Internazionali. 

Biagio Proietti, autore e presidente della commissione 

della sezione Dor, ha introdotto gli 

aspetti generali della scena italiana, con particolare 

riferimento alla situazione degli autori 

delle opere radiotelevisive; l’autore di opere 

drammatiche Roberto Cavosi ha illustrato 

il panorama teatrale e il regista Citto Maselli 

ha analizzato i problemi degli autori di opere 

cinematografiche. 

Erano presenti numerosi autori membri di società 

estere che sono intervenuti con relazioni 

e repliche ad animare il dibattito. 

Con l’occasione sono stati tributati saluti ed 

auguri al Direttore Generale uscente della Cisac, 

Eric Baptiste, che andrà a ricoprire il 

ruolo di Direttore Generale della consorella 

canadese Socan. 


CONTRATTO DI RECIPROCA 

RAPPRESENTANZA SIAE/IRRO 

(INDIA) 

A partire dal 1° gennaio 2010 è entrato in vigore 

il contratto di rappresentanza reciproca 

in materia di reprografia tra la Siae e la 

società indiana Irro. 

CONTRATTO DI RECIPROCA RAPPRE- 

SENTANZA SIAE/MACA (MACAO) 

A partire dal 1° gennaio 2010 è entrato in vigore 

il contratto di rappresentanza reciproca 

in materia di diritti di esecuzione musicale 

tra la Siae e la società di Macao Maca.

VIVAVERDI 

96 

PRESIDENTE 

Giorgio ASSUMMA 

ORGANI SOCIALI 

CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE 

Paolo CORSI 

Domenico DE LEO 

Roby FACCHINETTI 

Lorenzo FERRERO 

Emidio GRECO 

Giancarlo LUCARIELLO 

Giovanni NATALE 

Alfredo TARULLO 

ASSEMBLEA 

MUSICA 

Autori 

Silvano Guariso 

Vittorio Costa 

Gregorio Mascaro 

Marco Mariani 

Carmine Santaniello 

Michele Maisano 

Renato Pareti 

Domenico Scuteri 

Corrado Castellari 

Fabio Massimo Colasanti 

Cristiano Minellono 

Nicola Piovani 

Valerio Negrini 

Franco Piersanti 

Roberto Pischiutta detto Pivio 

Giuseppe Pirazzoli detto Pino 

Editori 

Pieronero Edizioni Musicali Sas 

Sognando e Ballando Edizioni Musicali Sas 

Unione Edizioni Musicali Sas 

La Bambolina Edizioni Musicali Sas 

Abramo Allione Edizioni Musicali Srl 

Emi Virgin Music Publishing Italy Srl 

Sugar Srl 

Warner Chappell Music Italiana Srl 

Accordo Ed. Musicali 

Universal MCA Music Italy Srl 

Ala Bianca Group Srl 

Media Songs Srl 

Edizioni Leonardi Srl 

SM Publishing Italy 

CAM Creazioni Artistiche Musicali Srl 

Peermusic Italy Srl (già Peersongs Italy Srl) 

FILM E OPERE ASSIMILATE 

Autori 

Francesco Gregoretti detto Ugo 

Mario Paolinelli 

Andrea Purgatori 

Alessandro Bencivenni 

Produttori/Concessionari 

Biancafilm Srl 

Filmauro Srl 

Medusa Film Srl 

Italian International Film Srl 

DRAMMA E PROSA, RIVISTA E COMMEDIA 

MUSICALE, OPERETTA 

E OPERE RADIOTELEVISIVE 

Autori 

Manuela Marianetti 

Ennio Coltorti 

Riccardo Di Stefano 

Massimo Cinque 

Giovanna Flora 

Marco Posani 

Editori 

Grandi Firme della Canzone Edizioni Musicali Srl 

Edizioni Musicali Aromando Mario Srl 

Concessionari/Cessionari 

D’Arborio di Ficarelli M.P. e C. Snc 

Ditta Tolnay Flavia 

OPERE LETTERARIE, MULTIMEDIALI E DEL- 

LE ARTI PLASTICHE E FIGURATIVE 

Autori 

Elio Pecora 

Gianni Minà 

Maria Luisa Spaziani 

Antonella Bolelli 

Editori 

Hoepli Ulrico Casa Editrice Libraria SpA 

Garzanti Libri SpA 

Zanichelli Editore SpA 

Arnoldo Mondadori SpA 

OPERE LIRICHE, BALLETTI, ORATORI E 

OPERE ANALOGHE 

Autori 

Carlo Galante 

Luciano Cannito 

Editori 

Mercurio Srl 

Universal Music Publishing Ricordi (già BMG Ricordi 

Music Publishing SpA) 

Abici Ed. Mus. Srl 

Carisch Srl 

COMMISSIONI DI SEZIONE 

SEZIONE MUSICA 

Autori 

Giuseppe Amendola 

Giuseppe Andreetto 

Vincenzo Barbalarga 

Gianfranco Borgatti 

Bruno Mario Lavezzi 

Ezio Leoni 

Franco Micalizzi (Pres) 

Carlo Pedini 

Francesco Pagano detto Mario 

Giuseppe Vessicchio 

Editori 

Bideri Cevel Spa – Silvia Bideri Villevieille (Vice Pres.) 

Curci Edizioni Musicali – Alfredo Gramitto Ricci 

Di Più Srl – Pier Angelo Mauri 

Emergency Music Italy Srl – Pietro Colasanti 

Galletti-Boston Srl – Anna Galletti 

Montefeltro Edizioni – Giorgio Giacomi 

Novalis Edizioni Mus. e Discografiche – Roberto 

Rinaldi 

Sym-Music Srl – Anna Lombardoni 

Mascheroni – Andrea Cotromano 

Universal Music Italia Srl – Claudio Buja 

SEZIONE CINEMA 

Autori 

Antonino Biocca detto Tony 

Laura Ippoliti 

Domenico Mezzatesta (Pres.) 

Serafino Murri 

Massimo Sani 

Vittorio Benito Sindoni 

Produttori 

Warner Bros Italia Spa – Paolo Ferrari 

Racing Pictures Srl – Alessandro Fracassi (Vice 

Pres.) 

SEZIONE DOR 

Autori 

Valentina Amurri 

Flavio Andreini 

Linda Brunetta Caprini (Vice Pres.) 

Roberto Cavosi 

Michele Mirabella 

Biagio Proietti (Pres.) 

Concessionari 

D’Arborio Sirovich Paola – Paola Perilli 

Antonia Brancati Srl – Antonia Brancati 

SEZIONE OLAF 

Autori 

Massimo Nardi 

Alessandro Occhipinti (Pres.) 

Franco Pallotta 

Natale Antonio Rossi 

Editori 

Giunti Editore Spa – Samantha Raugei 

Giulio Einaudi Editore – Laura Piccarolo 

Principato Giuseppe Casa Editrice Spa – Girolamo 

Potestà (Vice Pres.) 

RCS Libri Spa – Alberta Locati 

SEZIONE LIRICA 

Autori 

Marco Betta (Vice Pres.) 

Carlo Boccadoro 

Dario Oliveri 

Editori 

Fonit Cetra Music Pub. Srl – Teresita Beretta (Pres.) 

Sonzogno Casa Musicale Sas – Piero Ostali 

Sugarmusic Spa – Alessandro Savasta 

COLLEGIO DEI REVISORI 

Presidente Benito di Troia 

Giuseppe Dell’Acqua 

Andrea Malfaccini 

Silvio Necchi 

Carlo Pontesilli 

Supplenti 

Riccardo Acernese 

Giampiero Riccardi 

CONTROLLO INTERNO Franco Tonucci 

DIRETTORE GENERALE Gaetano Blandini

ViVaVerdi n. 2 - Siae

You also want an ePaper? Increase the reach of your titles

Delete template?

Save as template?