Daniela Sacco, Pensiero in azione. Bertolt Brecht ... - Engramma

Daniela Sacco
Qe 03• Pensiero in azione
incarnata individualmente dal personaggio teatrale in cui ‘risuona’ il valore universale. Il
concetto di risonanza, che ricava dalla conoscenza dell’uso del suono nel teatro Nō, è indicativo
per Sellars dell’importanza della musica nel teatro al punto da fargli affermare tra i due una
perfetta equivalenza o – che è lo stesso – di non essersi mai occupato di prosa in vita sua
(DELGADO 1999, p. 28). Per questo considera l’opera il genere teatrale da privilegiare, per
l’utilizzo della musica che, se da un lato ha una formulazione completamente astratta – gli artisti
cantano note e non si confonde il cantante dal ruolo che impersona – dall’altra implica anche
una identificazione emozionale totale, e questi due aspetti sono simultanei, implicando al tempo
stesso distanziamento e immediatezza emotiva (TROUSDELL 1991, pp. 67-70). Per questa stessa
ragione può affermare come la poetica brechtiana sia stata redenta dalla musica e che la musica
implica di per sé un effetto di straniamento. L’opera è da privilegiare in un’epoca in cui la
questione dei rapporti e delle interazioni tra le cose è centrale:
“Per la sua dimensione multilingue, multiculturale, multimediale, per il suo aspetto diacronico,
dialogico, dialettico, per quel strano diletto che provoca, è la sola forma capace di evocare e di
rappresentare la simultaneità degli eventi, la loro confusione, la loro giustapposizione, l’amara
tragedia del mondo – in breve, tutto il caos che costituisce la trama della storia contemporanea”
(SELLARS [1989] 2003, p. 16).
Sellars intravvede nell’opera la tragedia greca analizzata da Aristotele: “Nella Poetica sostiene
una sintesi ibrida composta da musica, danza, poesia, di pittura e di spirito civico”, genere che è
stato continuamente reinventato nel corso delle epoche fino ad arrivare alla contemporaneità.
L’amore per l’opera lo ha portato ad occuparsene di frequente e a essere il più delle volte
iconoclasta rispetto alla tradizione consolidata del genere.
Un esempio significativo di reinvenzione di opera è Kafka Fragments andato in scena per la
prima volta nel 2005 a New York, e portato in Italia nel novembre del 2010 al Teatro Palladium
di Roma, in occasione del Roma Europa Festival. Quest’opera, come molte altre, affronta un
tema ricorrente nelle produzioni di Sellars: il confronto tra culture diverse che si ritrovano a
vivere assieme, la questione della condivisione, della comunione. Il regista infatti non si stanca
mai di ripetere che la questione fondamentale del XXI secolo è come condividere il territorio e
le risorse pianeta: è la massa di persone che abbandonano le loro terre in cerca di cibo,
protezione, asilo nel mondo occidentale. Kafka Fragments è messa in scena dell’opera
composta da György Kurtág per soprano e violino su una tessitura di frasi tratte dai diari, lettere
e aforismi privati di Franz Kafka. I Kafka Fragmente, creati tra il 1985 e il 1986 dal
compositore romeno naturalizzato ungherese, sono costituiti da quaranta frammenti, divisi in
quattro parti, che musicati durano da una manciata di secondi fino a sette minuti.
I frammenti che il compositore seleziona da Kafka sembrano corrispondere allo stile aforistico
che lo contraddistingue, in cui brevità e profondità fanno la qualità delle sue ricerche sul suono.
Questi frammenti sono estratti dal contesto d’origine e ridisposti secondo delle costellazioni a
cui Kurtág dà una coloratura esistenziale e psicologica, e non a caso dedicherà l’opera alla sua
psicoanalista. I temi che emergono dalla selezione sono vari: si spazia dall’amore, il sogno, la
disperazione, l’esilio, alla salvezza, gli animali, il sentiero, il suolo. Portati sulla scena i
frammenti sono cantati da un soprano e musicati da un violino, accostamento ardito, ma
coerente alle sperimentazioni di Kurtág, se si pensa che il suono risulta più acuto della voce
diversamente dal canone che vuole il suono più grave rispetto alla voce. Soprano e violino si
avvicendano così per tessere la partitura dei frammenti, che sono scollegati come in un flusso di
coscienza ma trovano un fil rouge proprio in questo duetto di voce e suono, in cui spesso il
violino gioca con le onomatopee aiutando così la recezione del testo cantato. Ma soprano e
violino sono anche personaggi: Sellars attribuisce alla prima il ruolo di una casalinga e al
secondo quello di un musicista da strada. Per cui i frammenti, altissimi nella tensione poetica
che sprigionano, vengono catapultati a terra, perché cantati dalla casalinga impegnata tra una
faccenda e l’altra. Il passaggio tra un atto e l’altro è scandito dall’avvicendarsi della casalinga
tra una tavola da stiro, un secchio, uno straccio, una ramazza, nella volontà di creare un
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