Le Opere donate dagli Artisti - Delphi International

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Le Opere
donate
dagli Artisti

Cristina Anna Adani
L’artista, modenese di nascita e centese di adozione,
propone all’interno della scultura contemporanea
uno spazio creativo originale di forte impatto visivo e
cognitivo.
La sua formazione scientifica e psicologica la porta a
cogliere gli elementi archetipici delle figure femminili che
modella nella terra oppure che fonde nel bronzo. È la
plasticità della mente, della materia mnestica governata
da segni e simboli, che rimanda alla potenzialità della
materia plastica, duttile nella sapiente e reiterata manipolazione
dello scultore.
Donne, dee oppure ninfe vaganti è pur sempre
l’immagine della femminilità che emerge in un gioco
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compositivo, in un grumo pulsante di linee di forza, che
cantano la bellezza infinita delle creature e riportano
all’interno della materia il mistero della fertilità.
La serie delle “Dee bianche” dell’anno 2006 permette
al visitatore di cogliere il senso di questa ricerca che Adani
continua con determinazione e con nuovo vigore ogni
volta. Le sei dee in terra refrattaria hanno l’audacia della
tradizione e la decisione del nuovo.
I panneggi richiamano altri tempi delle divinità antiche,
altri movimenti della danza dei corpi, altri spazi
della prossemica. Bella, maestosa nella sua solitudine, la
dea irradia da dentro le forze che tutto tengono assieme
e legano, ostinate, i fili della vita. Eppure mai le dee ieratiche
e impassibili del passato hanno potuto dichiarare
l’autonomia della persona come solo Cristina Anna Adani
riesce a loro infondere.

Dea bianca, 2006
Terra refrattaria, cm 145x60x40
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Aurelio Alabardi
L’artista è nato a Castelfidardo (Ancona), dove vive
e lavora. Dopo il diploma all’Accademia di Belle Arti di
Macerata sotto la guida dello scultore Valeriano Trubbiani,
Alabardi concretizza una sua attività espositiva
come pittore e come scultore. Da anni gestisce, insieme
alla moglie, l’azienda zeta arte studio, ditta rinomata
in Italia e all’estero nel settore degli articoli da regalo in
argento. A lui è affidata la progettazione e la realizzazione
delle piccole sculture, dei bassorilievi e di ogni forma di
plastica. Questi modelli testimoniano il livello di qualità
raggiunto dal nostro artista.
Nella sua pittura, dagli anni Settanta ad oggi, la natura
morta, il paesaggio, la figura umana hanno assunto
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valenze diverse, dando rilevanza specifica ora all’uno ora
all’altro tema. Nell’ultimo decennio il fuoco attentivo
dell’artista è volto soprattutto alla progressiva ricerca
dello schiarimento del colore. Nel rendere il colore meno
acceso, la purezza dei pigmenti non viene smorzata,
acquista anzi una luminosità intrinseca che si diffonde
sopra tutta la composizione.
Alabardi realizza nelle sue opere una poetica della quotidianità.
È, il suo, un occhio innamorato della realtà che
ci circonda, che ci avvolge in un abbraccio creaturale, che
ci rende consapevoli e partecipi di un comune destino.
Due tondi di ceramica dipinta e una scultura rappresentano
bene gli ambiti artistici in cui si esprime. Nelle
due nature morte il bacile di terracotta smaltata all’interno,
usato per l’acqua, ci porta sentori del passato e della
sacralità dell’acqua dentro un mondo contadino del tutto
perduto. Le forme dei fiori aprono altre riflessioni sulla
bellezza: anche i fiori di campo posso essere belli al di
là della loro classificazione botanica o del loro utilizzo
commerciale.

Tondi
Ceramica dipinta, cm 80 diametro
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Giovanni Ariano
Artista complesso, amante delle tecniche e dei materiali
diversi, Ariano è una figura di spicco tra i pittori
e scultori del secondo Novecento in Campania. Vive e
lavora a Sant’Anastasia (Napoli).
La formazione autonoma in campo artistico lo ha
indirizzato verso una forma di sperimentazione sulla
materia con la quale continua a mantenere un rapporto
vivo e significativo.
Le variate esperienze del suo curricolo testimoniano
la continuità di questo spirito di ricerca e dell’intimo
rapporto che, nel descrivere la realtà del mondo, lega
l’interiorità dei soggetti e la materia.
La sua attività espositiva è di lunga data. Ha collabo-
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rato anche come sceneggiatore all’allestimento in molti
spettacoli nei teatri di avanguardia napoletani.
Ariano sperimenta tecniche diverse e materiali diversi:
è un artista polimaterico convinto. Accanto alla scultura
compaiono non solo i collages e la calcografia ma anche
dipinti tutti bianchi su cui navigano rare macchie di
colore.
Nelle composizioni rivela una sua curiosità immensa
per tutto quanto lo circonda. I temi di attualità sono
colti con una sua particolare intuizione e attenzione. La
grande sensibilità dell’artista trova nella realtà delle cose
una sorta di controcanto ad un processo di decantazione
e di raffinamento che assomiglia alla ricerca della tradizione
alchemica.
L’opera donata è in questo senso significativa per
esprimere gli elementi che legano arte, musica, alchimia
e la ricerca del suono filosofale. Nella sua “Lira” le sette
note fanno riferimento allo statuto particolare del numero
sette. Quattro sono gli elementi: terra aria fuoco
acqua ai quali si assomma il numero tre che rappresenta
lo spirito trinitario che tutto regge. La musica inoltre ha
come principio il suono primordiale e simbolico, il Logos.
Entro questa prima griglia interpretativa si possono
intessere infinite trame.

Lira
Polimaterico cm 140x62x20
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Galeazzo Auzzi
Artista fiorentino, felice di essere nato nel quartiere
di San Frediano, dove ha abitato sino ai trent’anni, in
un ambiente in cui arte e artigianato hanno saputo da
sempre colloquiare in modo diretto e continuo sui saperi
e le tecniche della tradizione.
Ora vive e lavora in pieno centro a Firenze con una
visione diretta sull’antico che affascina. Il suo studio
spazia tra gli incanti dell’arte fiorentina. A ben capire, se
i luoghi hanno un’anima, qui si è di certo in presenza di
un luogo magico con un supplemento d’anima.
Tutta l’opera di Auzzi si snoda tra acutezza di osservazione,
volontà di ripresa e capacità di trasformazione. È,
il suo, un occhio innamorato del mondo e della fiorenti-
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nità, in particolare prende e trasforma, riportandole nel
nostro quotidiano, tecniche e modalità del dipingere che
sembravano appartenere ineludibilmente al passato e che,
invece, tramite il suo intervento, riescono a colloquiare
pienamente con la contemporaneità.
La riproposizione della tecnica della pittura a muro, ad
esempio, gli permette di studiare e di ristabilire una modalità
a buon fresco che sembrava relegata al passato. Fare
un affresco per Auzzi è saggiare il passato per descrivere
il mondo attuale. Il codice espressivo può accogliere una
richiesta di ascolto del presente, può prestarsi benissimo
al gioco dell’arte di creare il sogno del passato... Eppure
quella di Auzzi non è un’operazione di filologia utopica
fine a se stessa ma ha in sé una tensione etica imprescindibile.
È la volontà agente propria dell’uomo che sente il
suo tempo, la società in cui vive e lavora, che ama e sogna
ideali e che mai svia dai propri diritti e doveri.

Crocifissione sospeso nell’immenso (in ricordo di Mara)
Affresco, cm 70x50
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Giorgio Balboni
Giorgio Balboni è nato a Ferrara, dove vive e lavora.
Nel 1966 si diploma Maestro d’Arte all’Istituto “Adolfo
Venturi” a Modena. Da quel momento cerca i suoi
Maestri nei musei, tra i grandi artisti del passato.
Nel 1968 tiene la sua prima mostra alla Galleria “Schreiber”
a Brescia, nel 1972 a Roma presso la “Galleria
Valle Giulia”, nel 1978 al Palazzo dei Diamanti a Ferrara.
Altre importanti esposizioni collettive da ricordare
sono: nel 1987 alla “Galleria Forni” di Bologna, all’Arte
Fiera a Milano, al Castello Estense con “La natura morta”,
al Castello Estense di Mesola con “Il ritratto”
Nel 2011 è stato invitato ad esporre al Padiglione Italia
per la 54 a Mostra Internazionale d’Arte della Biennale
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di Venezia.
Balboni è il maestro riconosciuto di una figurazione
dalla inquietante evidenza rappresentativa. Le sue opere
ad olio su tela di grande formato rappresentano “figure”
e “manichini come figure”. Il mondo che viene delineato
dall’artista è ad un tempo realistico ed irreale. In effetti
i soggetti rappresentati articolano posture e sentimenti
rinvenibili solo nel melodramma, nelle soap-opera o nelle
riviste patinate di moda. È proprio nella teatralizzazione
del gesto “del personaggio” che si vuole esorcizzare la
paura della scomparsa della “persona”.
Le pennellate non evidenti sono di una grande sapienza
e tensione. Nella sua esasperata chiarezza ogni cosa è
meno certa nel suo apparente manifestarsi. Le sue figure
vivono totalmente irrorate di luce sull’orlo di fondi del
tutto scuri, quasi caravaggeschi. Seducenti, fluttuano nella
scia luminosa dei riflettori. Tengono lo spazio come su di
un proscenio in cui si rappresenta la virtualità della vita.

Senza titolo, 2007
Olio su tela, cm 100x70
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Vincenzo Balsamo
Nato a Brindisi, vive a Roma dagli inizi degli anni
Cinquanta, solo recentemente è andato ad abitare a
Corchiano (Viterbo).
Un lungo, invidiabile curricolo artistico ha permesso
a Balsamo di perfezionare al massimo grado un suo
particolare linguaggio espressivo che riesce a mediare le
istanze delle grandi correnti innovatrici con una componente
lirica di grande qualità e originalità.
Entrare nel suo lavoro di artista significa ritrovare
visivamente accenni agli stilemi dei grandi astrattisti del
Novecento, pur lasciando dei margini grandissimi di
autonomia all’artista, che forse li ama più per il colore
che non per le loro soluzioni estetiche.
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Balsamo risolve le sue composizioni intercalando al
flusso delle linee quello delle cromie che creano continui
equilibri nelle forme. All’energia dei colori caldi del
rosso e delle terre contrappone quella dei colori freddi.
In realtà l’artista crea equilibri e tensioni all’interno delle
superfici. Tutto sembra immobile e allo stesso tempo
tutto è in movimento.
Una perpetua metamorfosi si realizza carica di valenze
operative e critiche insieme, ma soprattutto etiche. È
come riconoscere in queste energie lineari, create dal
pittore, le riflessioni sulla possibilità di una libertà che
proprio nel movimento trova una sua giustificazione ed
un limite.
I suoi quadri sono una testimonianza dell’assoluta,
empatica simbiosi che nasce tra l’artista e la superficie del
supporto nel momento in cui valenze critiche ed operative
moltiplicano le soluzioni proposte di volta in volta.
L’attività creatrice di Balsamo combinando e ricombinando
i suoi criptici accostamenti porta fuori la forma
dalle secche dell’apparenza, la fa scorrere in una dimensione
circolare ed infinita dove hanno senso le dicotomie
(caldo-freddo, affermazione-negazione, maschile-femminile)
ed i loro inesauribili giochi di rimandi. In questo
gioco continuo, forse, l’artista riconosce il nostro comune
cammino. La pittura di Vincenzo Balsamo diventa allora
una serena, ma non per questo meno profonda, meditazione
sul destino del mondo e dell’uomo.

Senza titolo
Acqueforte e acquerellate a mano, cm 55x108, (la carta) esemp. 3165/75

Senza titolo
Acquerellate a mano dall’artista, cm 50x70, esemp. 2/25
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Senza titolo
Acquerellate a mano dall’artista, cm 70x50, esemp. 52/85
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Paolo Baratella
Nato a Bologna da genitori ferraresi, nella città estense
si trasferisce all’inizio della seconda guerra mondiale per
rimanervi sino agli anni Sessanta quando si trasferisce
a Milano. Inizia la sua attività espositiva a Milano, per
proseguire in molte altre città italiane ed europee, quali
Bonn, Parigi, Berlino, Barcellona, Basilea, Helsinki,
Bruxelles, Mosca, oltre che a New York, San Francisco,
Toronto e Montreal. Negli anni Settanta lavora in stretto
contatto con Giangiacomo Spadari, Fernando De Filippi
e Umberto Mariani, formando un gruppo che, senza
intenti di convergenze formali, rappresenta una delle più
interessanti esperienze artistiche e culturali di quel tempo.
Nel 1973 espone al Palais des Beaux Arts di Bruxelles
e nel 1974 al Musée d’Art Moderne de la Ville de
Paris mentre, nel 1976, gli viene assegnata dal senato
di Berlino la borsa del D.A.A.D. che darà luogo a una
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serie di mostre in varie città tedesche. Il suo curricolo
riempie molte pagine. Sviluppa la sua arte componendo
vasti cicli pittorici ispirati al soggetto contemporaneo;
vengono così realizzate serie di opere riunite sotto titoli
significativi quali, per citarne alcuni: “Cronaca di un
mal di testa” (1968), “Come se mi alzassi e prendessi
coscienza” (1971), “Vita morte e miracoli di Joe Ditale”
(1974), “Toccata e fuga da/per il potere” (1977), “Bach
Hotel” (1980), “Il 1984 & l’officina ferrarese” (1983),
“Oh specchio delle mie brame!” (1985), “Orfeo/Euridice”
(1987), “Zarathustra: il viaggio di ritorno” (1988),
“La parte mancante” (1989/90), “Fuga della scuola di
Atene” (1992), “Achille e la tartaruga” (1999), “Nemici”
(2000/2003), sino al recente “Canto del Capro nel giardino
delle Esperidi”. A Baratella si deve la decorazione
della nuova sagrestia del Duomo di Ferrara. Tutta la sua
pittura è una riflessione sulla pittura, come linguaggio, e
dei suoi rapporti con gli altri mezzi di comunicazione di
massa, in un mondo che continua a darsi al riguardante
come immagine-spettacolo della tecnica. Eppure la
memoria della grande cultura occidentale si sovrappone
continuamente alla contemporaneità. L’immaginazione
dell’artista sembra fondarsi sul lavoro di queste associazioni.
La preoccupazione fondante diventa allora, come
dice Vittorio Fagone in un’intervista all’artista, quella
di interrogarsi, con gli altri e per gli altri, sul presente
e sul futuro del mondo: speranza, delusioni, utopie e
spiegazioni più o meno praticabili, tutto questo dentro le
metamorfosi di una immagine riconoscibile e permutante
come oggi sono tutte le immagini che amano incrociarsi
secondo modelli costitutivi che favoriscono il moltiplicarsi
di un senso interpretativo”.

Centauromachia, 2011
Tecnica mista su tela, cm 120x100
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Giuseppe Barone
L’artista è nato a Palmi ma è ormai toscano di adozione:
da anni, infatti, vive e lavora a Prato.
Dopo una formazione scientifica e la laurea in Scienze
Naturali, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze,
sotto la guida di Ferdinando Farulli, e il corso di nudo di
Rinaldo Frank Burattin. Insegna successivamente Tecniche
Calcografiche presso la scuola d’Arte “Leonardo”
di Prato.
Partecipa ad importanti concorsi di pittura e grafica
ed espone in diverse città italiane e straniere. Si distingue
anche nell’attività di illustratore. Nel 1990 illustra il poemetto
“Calabria” di Leonida Rèpaci, edito dalla Grafica
d’arte Lombardi di Roma. Grazie alla sua lunga attività
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è presente nel Repertorio degli Incisori Italiani (volume
III) Edit Faenza, 2001.
Come argutamente ha sottolineato Franco Patruno
«... Barone fortunatamente possiede quella che, anche
nel greco biblico, è definita “dynamis”, “energia”. Nel
contesto della letteratura tale terminologia designa sia il
parlare con autorità che la forza dell’enunciato, cioè la sua
naturale capacità di coinvolgere e di non lasciare il lettorespettatore
in quella sospensione degli affetti che, per
l’estetica fenomenologia, è naturale premessa per lasciare
che l’opera sveli la sua verità senza pre-comprensioni».
La sua pittura in effetti ha una carica di vitalità immensa.
La forza delle cromie prorompe con la maestà di
un fiume in piena. Tutto avvolge e tiene nel suo andare.
Nel flusso che definisce la composizione il valore tonale
dei pigmenti spinge avanti, sommerge e fa riemergere
le forme. È allora un procedere di pulsioni naturali
inarrestabili che sospingono la percezione visiva dello
spettatore ad uscire dalle partiture delle tele e arrivare a
vedere di nuovo il mondo.

Paesaggio, trittico
Olio su tela, cm 170x300
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Clara Bartolini
Nata a Venezia, vive a Milano. Oltre agli studi di psicologia
e scenografia, fin dall’infanzia scrive poesie, disegna
e fotografa. La partecipazione ai corsi di recitazione e
di comunicazione, così come lo studio delle filosofie
orientali le hanno permesso di sviluppare una creatività
complessa ed estremamente ricca di sollecitazioni che
le consentono di spaziare autonomamente in vari campi
dell’arte. Lavora come scenografa per la pubblicità,
collabora con importanti agenzie di pubblicità d’Italia e
con famosi fotografi per la realizzazione di campagne,
cataloghi e allestimenti fieristici. Cura e progetta mostre
per artisti e gallerie; collabora con molte aziende internazionali
per progettare eventi e manifestazioni.
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La complessità cui si ispira la porta a elaborare soprattutto
progetti creativi multimediali in cui la parola
(poetica) si aggrega alla pittura, alla fotografia, al suono.
La sollecitazione dei sensi le permette così di indagare
aree di confine della sensorialità moderna più incline a
perdere, a smorzare le nostre potenzialità piuttosto che
affinarle. Non a caso Clara Bartolini fa parte del gruppo
di artisti di “Arte da mangiare”.
La sua attività espositiva, a partire dal 1984, testimonia
una produzione di una grande libertà e intelligenza
nell’affrontare le dinamiche del mondo contemporaneo
di cui mette in luce le incongruenze, le dissonanze ma
anche le molte fascinazioni. In questo senso l’installazione
del mappamondo trafitto su di una sedia spagliata ci
parla, a globo spento, di rappresentazioni dello spazio
geografico e, a globo acceso, di frantumazioni geopolitiche
continue. I giornali sparsi intorno diventano il
sostrato mediatico di tutto questo parlare. L’insieme alla
fine suggerisce la percezione di aspetti “interiori” rispetto
alle sole superfici tangibili.
È proprio nella sintesi artistica che Clara Bartolini
crea gli aspetti esterni degli oggetti immediatamente colti
che vengono scardinati e ricomposti, facendo emergere
i significati segreti della simultaneità multidimensionale.

Senza titolo, installazione
cm 95x95x100
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Nedda Bonini
Nata a Bondeno (Ferrara), si diploma nel 1985 in
Pittura con Concetto Pozzati all’Accademia di Belle
Arti di Bologna, dove ha seguito le lezioni di Incisione
di Luciano De Vita. Dal 1995 è docente di Tecniche
dell’Incisione all’Accademia di Belle Arti, prima a Catania,
poi a Macerata e a Venezia dove dal 2005 tiene i corsi
di Editoria d’Arte, dal 2010 insegna a Bologna.
Fin dagli inizi della sua attività artistica alterna la
propria creatività nei campi della pittura, della grafica
pubblicitaria, dell’incisione. La sua ricerca si è orientata
soprattutto verso la sperimentazione della multimedialità
della stampa d’arte, cogliendone i valori contenutistici,
concettuali e comunicativi e fondendo discipline artisti-
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che, senza preclusioni di sorta dal punto di vista tecnico.
Anche questo diventa un modo di fare incisione fuori
dalle modalità che la tradizione ci ha consegnato.
L’uso di strumenti non canonici (trapani dei dentisti o
strumenti degli orafi) e di tecniche no toxic le permette
di cogliere sollecitazioni di altre professionalità e di percorrere
nuove vie di ricerca. Allo stesso modo i materiali
di recupero (ferri, legni, riporti di pelle, plexiglas), reperiti
spesso casualmente, diventano forme che entrano nelle
sue opere. La curiosità dell’occhio dell’artista apre insomma
all’arte la possibilità di incrociare le complessità
di altre operatività.
Spesso è l’intervento di tecniche a monotipo a dare
effetti sgranati alle sue opere lasciando trasparire nelle sovrapposizioni
dei materiali effetti particolari di luminosità
e di colore. L’opera acquista allora la tensione della visione,
apre i visitatori al cambiamento, alla trasformazione
della luce, alla percezione della trasparenza degli spessori.
Segni e simboli creano un linguaggio universale che
l’artista utilizza anche in modo trasversale, mediando
forza dell’immagine e qualità estetica delle forme. Dentro
alla sua poetica c’è sempre un richiamo, un ritorno costante
all’immagine simbolica del cuore ed al significato
che essa contiene.

Il volo, 2010
Olio su tela, cm 140x130
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Gianni Cagnoni
Nato a Rovigo, dove vive e lavora, risiede spesso a
New York. Comincia giovanissimo a dipingere e fino agli
anni Ottanta realizza numerosi lavori a tema figurativo.
Dopo una intensa attività pittorica si dedica al disegno
realizzando numerosi ritratti a matita e grafite dei
personaggi che incontra durante lo svolgimento della
sua attività professionale. Dal 2000 ritorna alla pittura.
Nascono serie importanti come “Africa”, “Mutazioni”,
le “Isole” e i “Rifiuti”.
Sono cicli pittorici che, pur se ispirati a suggestioni
naturalistiche, mediano esperienze di vita e rivelano
aspetti antinaturalistici che portano l’occhio del riguardante
a saggiare un mondo di emozioni, volizioni, ricordi
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che spostano l’attenzione verso una sensibilità del tutto
astratta.
L’immagine segna allora il discrimine tra due ambiti:
della soggettività dell’artista e quella della realtà del
mondo.
Cagnoni riesce molto bene a mediare tensioni e pulsioni
realizzando il giusto equilibrio tra i fenomeni percettivi
e la loro problematica rappresentazione.
Specie nelle serie “Africa” e “Mutazioni” l’alterazione
delle cromie, che sembra suggerire spazi della realtà,
slitta invece verso un linguaggio più serrato, concettuale
e mentale.
Dagli impasti del colore emergono stranianti geologie
in cui le striature per piani orizzontali sembrano alludere
ad uno scavo interiore che porta ad un confronto fra
l’interiorità del fluire della coscienza e l’esteriorità dei
dati della vita.
Sono come scrive il critico d’arte Giorgio Rizzi «pseudo
paesaggi che ondeggiano tra sogni astrali e ghiacci
preistorici, tra suggestioni lunari e nostalgie africane».

Africa, 2007
Acrilico su tela, cm 70x100
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Francoise Calcagno
L’artista, francese di origine, è ormai veneziana di
adozione. Con la città lagunare ha instaurato un rapporto
molteplice fatto di molte sfumature e di infinite
sollecitazioni. La sua galleria-atelier nel quartiere ebraico
del ghetto è anche un modo di instaurare un colloquiare
apertamente vivo con la città, con la sua cultura, le sue
istituzioni, le sue fascinazioni. La formazione stessa si
compie a Venezia dove si diploma con Giovanni Soccol
in scenografia all’Accademia di Belle Arti.
Ben presto all’attività scenografica si accompagna
quella pittorica e incisoria, tradizionale e sperimentale.
Molti sono i riconoscimenti italiani ed internazionali che
continuamente riceve.
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Le sue opere sono come mappe della memoria che
vengono tracciate sui terreni insidiosi della non-memoria.
Come lei stessa afferma, nel suo lavoro cerca di lasciare
una traccia del tempo, mette in evidenza la mutevolezza,
l’instabilità, la perdita, creando strati di colore e materia
che in parte celano, in parte svelano ciò che è sotto.
In questa affermazione di poetica troviamo gli elementi
fondanti la sua ricerca fatta di silenzi e di narrazioni,
di materia e memoria, per citare un testo famoso di
Bergson, ma anche di intelligenza del fare e di curiosità
nello sperimentare. Non è a caso che l’artista ami tanto
uno scrittore come Italo Calvino, al che viene un po’ da
pensare quello che l’imperatore dei Tartari dice a Marco
Polo ne “Le città invisibili”: Torni da paesi lontani e tutto
quello che sai dirmi sono i pensieri che vengono a chi
prende il fresco la sera sulla soglia di casa. A che ti serve,
allora, tanto viaggiare?». Eppure in questa piccola eversione
di segni e di sensi consiste tutto il viaggio dell’arte.

Grande verde
Olio su tela, cm 140x100
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Cinzia Calzolari
L’artista ferrarese, a partire dagli anni Novanta, si è
dedicata in modo prevalente all’attività progettuale in
ambito grafico-artistico. È docente all’Istituto “Dosso
Dossi” di Ferrara e all’Istituto Superiore di Industrie
Artistiche di Faenza. Presenta opere spesso realizzate a
stampa su tela con oggetti e paesaggi che sono sempre,
per l’artista, anche “paesaggi dell’anima”.
Nelle sue opere realizza una sua precisa azione di
mappatura di coinvolgente fattura. Per questa operazione
Cinzia usa spesso l’intermediazione dell’immagine
fotografica in bianco e nero.
Le sue visioni-inquadrature si stendono sulla parete
secondo possibilità diverse di sguardi che occhieggiano
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il mondo interrogandolo e indagandolo.
Sono indicazioni giocate sempre tra le istanze dei
moduli grafici e la potenzialità dei fondi da velare, schermare,
bucare, ma anche da tenere uniti con gli strumenti
del cucito.
Cinzia è una delle seguaci dell’arte lenta in cui le
azioni tintorie o di ricamo hanno una valenza estetica
determinata. Le stratificazioni dei pigmenti oppure delle
carte danno come esito finale una visione che rifiuta una
messa a fuoco cristallina e scientifica del reale.
Quella che viene proposta al visitatore è piuttosto una
visione velata del mondo. Le cose hanno un loro lato
oscuro che nessuno strumento riuscirà mai a cogliere
pienamente. L’artista sembra allora suggerire ad esempio
che l’idea “di luogo in cui si vive” può essere non solo
un “trovarsi” in un luogo fisico ma anche in un’azione
del tutto mentale e che, allo stesso modo, la presenza
di un oggetto naturale o artificiale libera sempre una
narrazione di significati.

Senza titolo, dittico
Tecnica mista su tela, cm 160x80
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Paola Campidelli
Paola Campidelli nasce a Longiano (Forlì-Cesena)
alla fine degli anni Quaranta e attualmente vive e
lavora a Cesena. Si diploma al Liceo Artistico di Ravenna
e si dedica successivamente all’insegnamento.
Dagli anni Ottanta si dedica completamente alla ricerca
pittorica esponendo in Italia come all’estero: fra i tanti
eventi che l’hanno vista protagonista, fondamentale per
il successivo sviluppo delle sue opere sarà la mostra “In
nuce noctis”, tenutasi nel 1993 presso la Galleria “San
Fedele” di Milano. In quell’occasione sviluppa un ciclo
pittorico legato al tema del volto umano che, tramite un
uso violentemente espressionistico del colore, mette in
scena un profondo disagio esistenziale.
50
In seguito, dopo il 1997, matura una pittura sempre
più materica nei confronti della quale il critico e storico
dell’arte Enrico Crispolti denota il «cercarsi e confessarsi
attraverso l’immersione partecipe in un’organicità
metamorfica, che si fa dunque anche corpo, ma che si fa
anche in qualche modo orizzonte del tutto».
Così dal monocromo espressionismo dei lavori iniziali
ora Campidelli si esprime nella più piena trasfigurazione
cromatica, compiendo forse non l’ultima delle sue brillanti
evoluzioni pittoriche.
Nel trittico proposto, la materia si fonde con il soggetto
di ispirazione palustre, trasformando l’atmosfera
in un liquido denso, dai colori brillanti e vitalistici: in una
sorta di pulsazione amniotica, il colore stesso si fa linfa
vitale da cui le forme della natura prendono vita, in cui
terra, acqua e aria si mischiano. Di notevole interesse l’uso
di contrasti cromatici freddi, che traspongono l’acqua
in un blu quasi notturno, mentre i piccoli fiori gialli si
accendono, quasi trattati come fonti di luce autonome.
Così di colpo la pittura di Campidelli si fa acqua e cielo,
comprendendo nell’attenzione per il microcosmo vegetale
tutto il misticismo di un cielo stellato, in cui diviene
impossibile non immergersi.
(f.z.)

Ninfee, trittico, 2008
Acrilico su tela, cm 80x240
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Mario Capuzzo
Nato a Badia Polesine (Rovigo) nel 1902, Capuzzo è
un artista ferrarese di adozione e codigorese per scelta
dal 1953 sino alla morte avvenuta nel 1978. L’artista si
sposta in continuazione in Italia e all’estero.
Nel “primo” Capuzzo è presente la grande lezione
della pittura ottocentesca che l’artista porta fin dentro alla
seconda metà del Novecento in un intenzionale disimpegno
dalle avanguardie. Come pittore rimane estraneo
alle tensioni che percorrono le vicende del gruppo di
“Novecento”, sponsorizzato a livello locale da Balbo e
dal Corriere Padano e rappresentato da Achille Funi, per
appoggiarsi alla committenza di Emilio Arlotti e della
borghesia che gravita intorno alla sempre più fiorente
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industria saccarifera.
Capuzzo lascia Ferrara dopo “la lunga notte del 43”
e resta per un lungo periodo a Portorose. Le difficili
condizioni politiche istriane nel secondo dopoguerra lo
costringono assieme alla moglie a rientrare definitivamente
in Italia. Si sposta in varie città alla ricerca di una
residenza. La scelta cade su Codigoro e lui e la moglie
vivono su due peate venete sul Po di Volano. Nei primi
anni Sessanta si trasferisce presso la vicina frazione di
Pontemaodino. Il pittore conserva la residenza a Codigoro
ma continua ad essere domiciliato a Milano dove
vive e lavora.
Tra la fine degli anni Cinquanta e i primi anni Sessanta
Capuzzo modifica sensibilmente il modo di stendere il
colore sul supporto utilizzando modalità fluenti delle
mescole che stende a campiture strisciate, mentre l’organizzazione
della composizione è sempre più essenziale.
Nasce quella cifra stilistica caratteristica che il grande
pubblico riconosce immediatamente e spesso identifica
con l’intera opera del pittore.

Ritratto, 1954
Olio su tela, cm 57x43 tavola
Bozzetti di cavalli, 1960
Olio su tela, cm. 50x70
Deposito di attrezzi, 1971
Olio su tela, cm 50x70cm. 70x50
53

laura Caramelli
Nata a Montelupo Fiorentino, alle porte di Firenze,
famoso centro per la produzione della ceramica artistica.
Fino dall’infanzia frequenta laboratori e fornàci.
Nei primi anni Ottanta affronta, nello studio di Patrick
Hamilton, il disegno dal vero ed in particolare del nudo,
sia nella forma classica sia come indagine del movimento.
Successivamente frequenta l’atelier di Marco Lisa dove
viene attratta dall’uso degli stucchi metallici e dove riprende
a modellare la terracotta.
Nella stessa epoca segue per un biennio la scuola di
ceramica di Montelupo Fiorentino, con specifico interesse
per l’applicazione al tornio. L’incontro con Roger
Partridge la indirizza alla scultura in pietra e in marmo
54
eseguita sia in atelier che alle cave di Pietrasanta.
Per alcuni anni lavora con Frances Raynolds, artista
a cui fa risalire il suo approccio al minimalismo e alla
lavorazione del legno come materia primitiva.
Collabora con Pietro Antonio Bernabei, antesignano
della Bioarte europea, con lavori ed esposizioni in comune
e successivamente con Primo Biagioni, scultore
versatile nell’espressione e nelle tecniche. La sua ricerca
attuale è distribuita equamente tra pittura e scultura.
Le sue opere propongono uno stile nuovo in cui
l’alleggerimento materico è compensato da un minimalismo
formale di forte impatto simbolico e percettivo.
La decantazione della materia e della forma alla fine di
un lungo processo, che molti hanno interpretato come
alchemico, portano un respiro vitale all’interno delle
sue opere.

Pendolo, 1997
Legno, ferro e materiali vari (marmi, pietre, specchio ecc. per il pendolo), cm 55 336x40x40

daniela Carletti
L’artista ferrarese affascina con la sua ricerca pittoricoplastica
sul regno vegetale. Coglie aspetti della creazione
del mondo che l’uomo contemporaneo ha trascurato o,
forse, ha volutamente cercato di rimuovere.
Con molto acume e sapienza porta alla ribalta nelle
sue opere quello che non poteva essere confuso con
altre esistenze e che, grazie al suo lavoro, torna a farsi
vedere nella sua completezza. Il suo occhio ha esplorato,
studiato, catalogato e fatto calchi di un mondo infinito di
forme naturali e di vite silenziose, finite ai margini delle
strade e dei canali.
Daniela realizza affascinanti territori dell’ambiguità
tra la scultura e la pittura in cui è possibile sconfinare
56
dalla certezza della mimesi e formulare altre incursioni
nella convenzione delle forme “reali” che vengono paradossalmente
proposte, tra reticenze e scavalchi, come
“calchi” di quelle.
Il piacere della lentezza diventa palpabile nella preparazione
delle matrici, nel prendere consistenza dei
materiali gessosi, nella variazione delle velature.
Le sue manipolazioni colgono nuove dimensioni
della temporalità. È il tempo della natura, dello scorrere
ciclico delle stagioni ma anche dei movimenti dell’intuizione,
della percezione viva delle forme e della loro
realizzazione.
Tra materia e memoria la nostra artista articola ritmi
di calchi, di matrici, di rilievi di gesso, di imprimiture, di
cromie che hanno la lentezza delle cose che decantano
e che in quest’azione trovano senso. La forma ritorna
ad essere “forma” con la leggerezza di un andante musicale
in cui ogni sforzo viene annullato dalla volontà di
compiere la partitura complessiva.

Grande impronta n. 2
Gesso in rilievo e colori acrilici, cm 180x240x5
57

Antonio Carotenuto
Antonio Carotenuto di Boscotrecase (Napoli) si diploma
in scultura all’Accademia di Belle Arti di Napoli,
sotto la guida di Augusto Perez.
La scultura però non è l’unica sua forma di espressione.
L’artista, infatti, pratica contestualmente la pittura.
I due ambiti espressivi gli permettono di esperire una
visione dello spazio e delle forme che richiedono ambiti
e codici sempre maggiori di manovra. È la stessa personalità
dell’artista che non vuole sentirsi costretta da
modalità definite già in partenza.
Tutta la sua ricerca è volta quindi a sperimentare i due
mezzi espressivi, della pittura e della scultura, che gli sono
necessari per il grande coinvolgimento di energie che
58
esse comportano ma anche dei rischi cui esse portano.
Scegliere o l’una o l’altra significa, infatti, toccare
specificità e paradigmi diversi, negarsi o aprirsi alle autonomie
del codice. Ci sono ritorni e passaggi nello spaziotempo.
È però la ricerca del momento emozionante del
fare arte a dare senso a tutto il percorso, spesso colto
nello sguardo all’indietro verso il mondo dell’infanzia
perduta.
Le sue sculture in pietra lavica sono molto conosciute
e apprezzate. È un materiale che fa parte della sua terra,
delle sue origini: in questo modo l’artista riconosce la
possibilità di un operare al di fuori degli schemi pur se
di certi schemi rispettoso. Il rapporto con i materiali del
territorio gli permette allora di far emergere un mare di
emozioni, di percezioni, di volizioni che portano il sogno
della vita all’interno del sogno dell’arte. Per Carotenuto è
come ritrovare la linfa vitale alla quale sente di dovere la
propria energia, la propria creatività, la propria ragione
di uomo e di artista.

Crocefissione
Ferro, cm 84x25x80
59

Marcello Carrà
È un giovane ingegnere-artista ferrarese che realizza
disegni di grandi dimensioni a mano libera con la penna
Bic. Le sue opere propongono immagini di animali. Icone
che, dalla grotta di Lascaux in poi, conoscono fortune
alterne sino ad approdare ai bestiari medievali, alle pagine
illustrate dei volumi scientifici e ai rotocalchi. Sono,
quelli di Carrà, animali posti comunque in difficoltà da
una antropizzazione invasiva, eccessiva, spesso di rapina.
I grandi rotoli di carta da scenografia hanno la misura
standard di centocinquanta centimetri di altezza mentre
la lunghezza è determinata unicamente dal fare dell’artista
che traccia su di una quadrettatura a carboncino una
prima bozza della forma.
60
Tutto il resto è frutto di un maniacale quanto entusiasmante,
meticoloso procedere. È un itinerario visivo
di straordinario nitore in cui si mediano le istanze tassonomiche
della ricerca dell’entomologo, le pulsioni
sadiche di un bambino, che vuole esperire il limite, e la
libertà dell’artista che saggia i percorsi del ductus della
penna a sfera.
Eppure ogni pezzo è un pezzo unico che racconta
una sua storia: di incontro di vita e di morte. Per questo
motivo i titoli o le didascalie che accompagnano le sue
opere segnano la fine tragica di questo incontro.
Carrà rivoluziona la nostra rassicurante visione del
mondo degli insetti che, un po’ come Gulliver tra i Lillipuziani,
trattiamo dall’alto in basso, gasiamo e sterminiamo
con spietata determinazione. È proprio partendo
da questo fatto, per la maggior parte di noi assodato, che
il nostro artista va all’avventura della sua realizzazione
artistica.
Il grande formato diventa allora la rivendicazione di
uno statuto ontologico di prorompente vitalità. L’ingrandimento
fuori scala serve a far tornare in equilibrio
il piatto della bilancia.
Carrà ha visto premiata la sua ricerca artistica con
l’invito alla 54 a Biennale di Venezia - Padiglione Italia.

Arrostita da una lampada alogena
Penna biro su carta, cm 150x237
61

Flora Bellinazzi Cattabriga
Nata a Gaiba (Ferrara) nel 1919, è stata allieva prima
del professor Soriani e, successivamente, di Marcello
Tassini per la pittura e di Laerte Milani per la scultura nei
corsi tenuti presso l’Accademia di San Nicolò, organizzati
dal Club Amici dell’Arte all’interno della sconsacrata
chiesa di San Nicolò a Ferrara.
Ha sempre vissuto e lavorato nella città estense sino
alla morte avvenuta nel 2007.
Ha al suo attivo molte personali e diverse mostre
collettive in cui ha spesso conseguito premi e menzioni
di merito.
Ha distribuito la sua passione artistica in ugual misura
tra pittura e scultura. È riuscita con un lungo lavoro
62
personale ad acquistare una sua riconoscibile autonomia
espressiva.
Se nelle tele è presente quel vibrante dialogo con il
mondo della natura che tanto l’ha affascinata, nella scultura
è soprattutto ad incantarla la figura umana declinata
in mille modi.
Armonia, percezione dello spazio, trattamento cromatico
(sostituito nella scultura dalla patinatura o dalla
doratura della terracotta) danno vita a un mondo di
rappresentazioni e di percezioni di qualificata tensione.
Come scultrice ha sempre amato la grande scultura
che è stata la sua referenza iniziale. L’opera “Omaggio a
Michelangelo”, data in donazione, ne è un bell’esempio.
Eppure Flora Cattabriga con passione e studio è riuscita
a sviluppare e ad accogliere momenti più sintetici nella
realizzazione delle sue sculture.
Le sue opere hanno la forza della strutturazione coerente
di una grande spontaneità nell’operare, mediata
dall’impulso dell’autocontrollo e dell’ironia.

Maternità
Terracotta patinata, altezza cm 48x37x52
63

Volto di donna
Terracotta patinata, cm 53x30x19
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Omaggio a Michelangelo
Terracotta patinata, cm 50x30x25

Ferrara ferita
Terracotta patinata, cm 47x35x46
Cormorano del Golfo, 1992
Terracotta patinata, cm 65 72x46x28

Gianni Cestari
L’artista vive e lavora a Bondeno (Ferrara). Nella sua
formazione due figure hanno giocato un ruolo importante:
Marcello Tassini e Gianfranco Goberti. Il primo
gli ha insegnato il mestiere di pittore a partire dall’utilizzo
di pochissimi colori. Il secondo lo ha coinvolto nel gioco
dell’ironia nel rapporto tra realtà e finzione. È il sodalizio
quinquennale con Gianfranco Goberti, però, a segnare
una vera svolta nella sua vicenda artistica.
Tutta la ricerca del nostro artista è connotata dalla
metamorfosi del sogno, dalla volontà di uscire da una
condizione esistenziale complessa attraverso la forma
liberatoria del segno. Il fantastico diventa allora una
forma di conoscenza.
66
L’occhio dello spettatore è continuamente sollecitato
a sovrapporre le percezioni, a cercare il significato del
movimento nelle immagini e nel gesto stesso della mano
dell’artista che disegna e dipinge le sue rappresentazioni.
Cestari inventaria un repertorio infinito di uno spazio
grafico e narrativo. Davanti ai nostri occhi si aprono
mondi nuovi in cui vanno insieme (di)segno e poesia.
Ogni creatura del suo “bestiario” oppure ogni brano di
un suo “paesaggio” è come animato da una ritmica interna
alla visione che rivendica alla fine l’aspetto poetico
del mondo.
La tensione che si realizza tra i due universi del sensibile
e del figurativo è di un grande equilibrio, pieno
di fascino e di capacità di stare al centro della visione
e della narrazione. Sono alla fine le dimensioni segrete
che ci portiamo dentro, sotto forma di affetti volizioni
sogni, che ci aiutano ad affrontare le cose del mondo con
maggiore adeguatezza e libertà.

Fari dopo la pioggia, dittico
Acrilico su tela, cm 200x280
67

Conte
Conte (Luigi Colombi) nasce a Castelnuovo di Sotto
in provincia di Reggio Emilia. Attualmente vive e
lavora a Poviglio. La sua pittura si pone a ridosso della
modalità Informale, attraverso pulsazioni cromatiche e
paste materiche che si espandono sulla tela come onde
sonore. Non a caso l’amore per la musica sembra essere
il motivo trascinante della sua produzione: variazioni
tonali, movimento strutturale, scale cromatiche, vibrati
e stoccate fanno spesso delle sue tele una pulsazione
quasi più sonora che visiva. Conte sa attuare soluzioni
personali, scostandosi dalla mera tradizione informale,
attraverso una concettualità che si esprime nelle tensioni
e nelle variabili di tecniche miste abilmente controllate,
68
in grado di far emergere la più intima espressività.
Commentando la sua produzione, il saggista e critico
d’arte Paolo Levi ha detto che l’intenzione espressiva
dei suoi lavori è spirituale e drammatica, trasmettendo
una concezione dello spazio pittorico come espansione
macrocosmica di un pensiero filosofico.
Conte stesso dichiara opportunamente che il punto
centrale del proprio lavoro consiste nella dialettica tra
moti interiori dell’animo e suggestioni esterne: a suo
avviso l’artista è colui che sa reagire ai molteplici e frammentari
impulsi esistenziali per conferire loro la logica
del pensiero o per opporvi una reazione di carattere
sentimentale.
Nelle recenti opere presentate, Conte affronta ancora
con più vigore la materia, che si fa sensuale e spessa, spaziale,
lasciando emergere il colore in uno spazio ben poco
virtuale: quello dello spettatore. L’emozionalità emanata
è caricata anche dai titoli scelti che spesso si riferiscono
a ricordi o immagini della vita privata dell’artista, simbolicamente
espressa da paste e pigmenti e liberata sulla
tela con energica concretezza.
(f.z.)

Il colore contro il dolore, 2009
Tecnica mista su tela, cm 100x150
69

Marisa da Bondeno
Marisa Frignani, nata a Stellata di Bondeno (Ferrara),
è la vedova del pittore Mario Capuzzo che ha sposato
giovanissima nel secondo dopoguerra.
Continuatrice della memoria del marito, è la custode
della sua arte; a lei si rivolgono i collezionisti per expertises
delle opere di Capuzzo.
Organizza ogni anno, prima a Codigoro ora a Bondeno,
l’Aprile Capuzzianocon iniziative varie che nelle
festività del mese di aprile servono a promuovere e salvaguardare
la conoscenza dell’arte di Mario Capuzzo, a
ricordarne gli interessi musicali e culturali e a raccogliere
dei fondi destinati a fini umanitari (unicef).
Durante la sua carriera Mario Capuzzo ha avuto molti
70
allievi nell’insegnamento privato. Marisa da Bondeno,
come firma le sue opere, è la più coerente continuatrice
della lezione capuzziana di fare della buona pittura.
Gli stilemi del maestro sono rimasti a lungo presenti
nei suoi quadri sino a quando ha evoluto una sua modalità
originale di espressione.
Il mondo che Marisa ama è quello della natura, dei
paesaggi aperti e dei fiori. Ama soprattutto che lo sguardo
si perda all’infinito. Ama la bellezza anche nelle piccole
cose che il mondo quasi di nascosto ci offre.
La sua tavolozza è densa, piena di intense cromie.
L’uso del colore dato a pasta serve a sostenere la forma
e a dare struttura a tutta la composizione.

Il ciliegio di San Antonio in Polesine, 1985
Olio su tela, cm 60x80
71

luce delhove
Luce Delhove è nata a Uccle (Belgio). Trascorre la
sua infanzia in Africa. A nove anni si stabilisce a Roma
con la famiglia. Nella capitale compie i suoi studi in arte
della stampa, all’Istituto d’Arte, e in decorazione, all’Accademia
di Belle Arti.
Vive e lavora tra Roma e Milano.
Designer, incisore, pittrice e scultrice. È titolare della
cattedra di Grafica d’arte presso l’Accademia di Belle
Arti di Brera.
Fin dagli esordi si occupa di incisione, approfondendone
i linguaggi e le tecniche. Successivamente al
1998 sperimenta nuovi materiali per la grafica e realizza
sculture con carte stampate, cellulosa e materiale tessile.
72
Ha una lunga e ricca attività espositiva. Partecipa a
collettive e realizza personali in Italia e all’estero.
Dopo uno stage di lavorazione e sperimentazione
dell’ardesia in Valle Argentina (Imperia), si dedica alla
realizzazione di gioielli con metalli preziosi e pietre dure.
È soprattutto la formazione legata all’arte dell’incisione
a connotare tutta l’attività dell’artista. Tra materia
e memoria, tra volontà cognitiva e tensione costruttiva,
tutta la sua ricerca muove da “sensate esperienze” che
invadono ora la bidimensionalità della lastra ora la tridimensionalità
della scultura per spingere il riguardante a
investire in percezioni visive, volizioni, desideri, sogni.

Senza titolo, 2002
Acrilico su tessuto e legno, cm 150x150x10
73

Giovanni Fabbri
Nasce a Meldola (Forlì) alla fine degli anni Quaranta
da una famiglia di mezzadri. A dodici anni interrompe
gli studi quando la famiglia si trasferisce a Castiglione
di Cervia nel ravennate. Dal 1960 per un decennio si
dedica alla musica. Studia il clarinetto e il sax tenore e si
esibisce in orchestra.
Nel 1980 inizia la sua attività artistica: si iscrive
all’Accademia di Belle Arti di Ravenna e segue i corsi di
Umberto Folli. I compagni lo conoscono come “l’uomo
della pioggia”, per la frequenza nei soli giorni di pioggia
quando non può seguire i lavori di campagna.
È una immersione totale nella pittura del Novecento
con riflessioni e innamoramenti. La ricerca sulla natura
74
delle cose e la riflessione sulle cose della natura lo portano
progressivamente a decantare le forme per arrivare ad
una immagine sintetica, quasi astratta.
Il sodalizio con il gallerista cesenate Albo Sirri lo
introduce nel mondo delle gallerie, dei concorsi e delle
fiere d’arte. Fabbri viene in contatto con i principali
protagonisti dell’arte contemporanea. Sono relazioni che
hanno positive ripercussioni sull’arte del nostro pittore e
gli permettono di giungere ad una maturazione artistica
del tutto originale.
Il nostro artista ama molto la materia, ma ama soprattutto
la vita che dalla materia si origina. La sua pittura è
piena di esperienze attive e allo stesso tempo conosce la
felicità di chi è riuscito a cogliere il lato poetico delle cose.
Le sue opere sono come cosmogonie in cui gli elementi
fondanti descrivono sulle malte cementizie dei supporti
inesauribili narrazioni di pulsioni vitali, di ritorni ciclici,
di pause e riprese.
Vive e lavora a Castiglione di Cervia (Ravenna).

Valle, 2009
Tecnica mista su tela, cm 150x130
75

Fabbriano
Fabbriano è nato a Ferrara dove vive e lavora. Come
artista, intorno all’immagine disegnata, dipinta e mediatizzata
ha sviluppato un suo originale curricolo e una sua
particolare ricerca che non dimentica mai la lezione del
passato, anzi da quello deriva gli archetipi senza tempo e
le suggestioni che si prolungano sin dentro la modernità.
La frequentazione negli anni Sessanta di gruppi quali
l’Actionem Aktionismus o il Gruppo Sintesis Informale
non ha mai disperso la direttrice classica di provenienza.
Una piegatura del foglio, una pennellata che sgrana il
colore, un frammento di immagine della storia dell’arte
sono questi i punti di partenza per le sue tecniche miste.
È un mondo, prodotto e riprodotto, che il nostro
76
artista utilizza per un viaggio all’interno della visione in
cui coinvolgere lo spettatore. Lo tiene anzi legato con le
seduzioni di una equilibrata partitura di segni e di sensi
in una lenta alchimia di decantazioni e cambiamenti. In
quello stesso spostamento dall’immagine creata sulla tela
alla sua riproduzione che ritorna sulla tela, frantumata
e scambiata di ruolo, si gioca una messa a distanza delle
immagini nelle immagini.
I lavori di Fabbriano vanno alla ricerca di un mondo
immaginale futuro; sono sempre un’avventura, visiva e
concettuale insieme. Le sue opere non hanno mai nulla
di illustrativo o di simbolico da svelare. Vi è piuttosto
una forza interiore che dolcemente, com’è d’altronde la
personalità dell’artista, ma con molta decisione scardina,
piega, sconvolge e ricompone pazientemente gli infiniti
flussi delle immagini che le attraversano.
È un modo di vedere che enfatizza gli stati operazionali,
le sovrapposizioni dei passaggi continui, le sprezzature
del colore, le fragilità ontologiche delle forme. È
una visione non naturalistica che recupera ed allontana
con la stessa cadenza di un respiro, di un battito cardiaco,
del ritmo delle onde sulla spiaggia. Tutto parte dal
quadro tutto a lui ritorna. Sono respiri visivi che hanno
la forza delle maree.

Diesseits (al di qua)
Tecnica mista, cm 81x95
77

Alfredo Filippini
Nato a Ferrara alla metà degli anni Venti, ama esprimersi
indifferentemente nella pittura e nella scultura.
Ha frequentato la “Libera Scuola di Nudo” presso l’Accademia
di Belle Arti di Bologna. È stato allievo e successivamente
collaboratore dello scultore Laerte Milani.
Nel 1945 fonda assieme ad un gruppo di giovani
aspiranti artisti ferraresi il Circolo Artistico Dilettanti di
cui viene aperta l’anno successivo una sezione a Cento.
Artista dalla raffinata cultura tecnica, ama l’uso della
materia pittorica che stende secondo la tradizione coloristica
che discende dai veneti. Ha tra l’altro una notevole
attività di copista, in particolar modo dal Tiepolo e da altri
maestri antichi. Nella pittura ama soprattutto il paesaggio
78
della pianura padana che riprende secondo ascendenze
tardo impressioniste. Il mondo delle fattorie perse nelle
campagne, le boarie delle terre vecchie, la ciclicità delle
stagioni hanno un posto determinante nella sua opera
pittorica.
Nella scultura è la figura a costituire il fondamento
della sua poetica. La lezione di Milani viene rivissuta e
rifondata sulla giusta mediazione tra le istanze dell’interiorità
e le valenze simboliche che le diverse figure si
portano appresso.
Lo spazio che la figura tiene nel gioco delle posture
e degli atteggiamenti si dilata a poco a poco sino a dare
risalto a tutto l’impianto compositivo. Sono quelle del
nostro artista figure che sembrano fiorire nello spazio,
lasciando scorrere linfa vitale sotto le malte cementizie
e le polveri di marmo di cui sono costituite.
Filippini ha al suo attivo anche un valente curricolo
di illustratore.
È, fin dall’anno di fondazione, tra i soci del Club
Amici dell’Arte alle cui collettive non ha mai mancato
di partecipare.
Vive e lavora a Ferrara.

Autunno sereno
Olio su faesite, cm. 60x50
79

Danza
Cemento e polvere di marmo, altezza cm. 96x63x57
80

Federica Finotti
Nasce a Verona, dove vive e lavora, ereditando dal
padre scultore, Novello Finotti, la passione per un’arte
immaginifica, dettata dall’inconscio, espressa attraverso
la pittura e l’oreficeria.
Nel 2002 arriva terza al Concorso di Pittura di Bardolino
Verona; nel 2003 espone alla Galleria d’Arte
“Cortina” di Milano; l’anno successivo è a Carrara con
una personale e nel 2007 è impegnata alla Galleria “Ecke
Galerie” di Augsburg. Dal 2008 ad oggi vediamo il susseguirsi
di una personale alla Galleria “Arianna Sartori” di
Mantova, delle collettive nel Chiostro di Sant’Agostino
a Marina di Pietrasanta e a Palazzo Ducale di Mantova.
La pittura di Federica Finotti è intensa ed essen-
82
ziale, un racconto dell’io che si traduce in suggestioni
cromatiche in grado di animare sottili ombre sulla tela,
che l’artista produce senza l’uso del pennello. Finotti
infatti dipinge direttamente con le mani o con pezzi di
stoffa, quasi a voler eliminare ogni distanza tra lei e la
tela, tra l’emozionalità più intima ed il momento della
sua espressione.
Nei suoi dipinti il colore assume un ruolo fondante,
si fa portatore di percezioni rarefatte a cui Finotti affida
la trasposizione dei suoi stati d’animo abbinando ad
ogni variazione cromatica un differente livello emotivo.
Ultimo punto di approdo in questa sua ricerca è l’uso
dell’oro e del bronzo quasi per illuminare e purificare le
forme che di volta in volta emergono o si rituffano nel
flusso cromatico. «L’oro rappresenta il punto massimo
dell’alchimia, del processo di purificazione, l’arrivo ad
una profonda ed antica saggezza».
(f.z.)

Presenza di luce, 2008
Olio su tela, cm 100x100
83

Novello Finotti
Nato a Verona, lavorando tra la provincia veronese
e la Lucchesia, Finotti conferma una lunga tradizione
poetico-scultorea in bilico tra Toscana (Marino Marini)
e Veneto (Arturo Martini). Si forma infatti a Pietrasanta,
centro di scultura internazionale non molto distante da
Carrara, e a soli ventisette anni espone già su invito un
gruppo di opere alla 33 a Biennale Internazionale d’Arte
di Venezia. Una decina di anni dopo, lo vediamo impegnato
nel panorama internazionale, con esposizioni che
vanno da Tel Aviv, a Ginevra, a New York, dal Festival
dei Due Mondi alla FIAC - Foire Internationale d’Art
Contemporain di Parigi.
In una lunga carriera, con più di trentacinque anni
84
di esposizioni, Finotti sviluppa una scultura evocativa,
in grado di segnare una rottura con il passato, con una
produzione che ha il «coraggio, anzi il piacere della provocazione».
Plasticità visionaria e metamorfica, dal sapore neosurrealista,
Finotti fa di ogni sua opera un autentico
amalgama visivo-concettuale, un condensato di realtà e
sogno grazie ad una estrema libertà ideativa ed esecutiva.
Nelle sue sculture si modellano con levità forme oniriche
in cui ogni cosa può assumere la funzione di un’altra,
anche quando le associazioni sembrano contraddittorie.
La figura organica, sia umana che animale, emerge indistintamente
dal freddo del marmo più nero come dal
calore della terracotta, animandosi di una fisicità vitale,
palpitante e sensuale.
Nell’ultimo decennio, alla produzione privata Finotti
affianca anche la realizzazione di importanti committenze
pubbliche d’arte sacra, tra le quali si ricordano: l’intervento
completo sulla facciata della Basilica padovana di
Santa Giustina; il decoro in bronzo dorato per l’altare
del Beato Giovanni XXIII nella Basilica di San Pietro
in Roma; la grande figura in marmo bianco di Carrara
di Santa Maria Soledad, collocata nella Basilica di San
Pietro in Vaticano.
Dal 2004 è inoltre possibile ammirare il suo monumento
in bronzo dedicato al poeta veronese Berto
Barbarani, collocato nella piazza delle Erbe della sua
natia Verona.
(f.z.)

Galli nella notte,1990
Terracotta, cm 50x43x20
85

ervardo Fioravanti
Il pittore, nato a Calto (Rovigo) nel 1912, ma ferrarese
di adozione, è stato una figura di intellettuale oltremodo
interessante della cultura della seconda metà del Novecento
a Ferrara. Come pittore, giornalista, docente
e poeta ha stimolato l’ambiente culturale cittadino ad
interrogarsi sulla società contemporanea. Lo ha fatto
con arguzia, ironia, passione e serietà anche nei momenti
più drammatici.
La sua apertura verso la vita gli ha permesso di cogliere
in profondità quanto ogni produzione del lavoro umano,
anche la più semplice, costituisca sempre l’aspetto “serio”
del destino delle generazioni. L’uso dei diversi codici gli
è servito proprio per cogliere meglio, attaccandola da
86
fronti diversi, la complessità del mondo reale. Dal Polesine
dell’infanzia alle lotte per l’occupazione del secondo
dopoguerra, la sua attenzione è sempre stata pronta a
sollecitare la sua mano di artista impegnato.
A volte è appena il segno caratterizzante la postura dei
corpi altre volte è la narrazione che si svolge a partire da
poche schermature di colore. In ogni modo è presente
un’analisi attenta e precisa delle vicende degli uomini e del
loro mondo, dei desideri, dei sentimenti, delle volizioni,
delle pulsioni vitali.
Dai primi anni Cinquanta a tutti gli anni Ottanta: dai
paesaggi della ricostruzione del secondo dopoguerra ai
disegni su carta grossa di una sapida padana realtà, dalle
figure declinate in tutta la complessità del loro essere
alle opere grafiche di una finezza di segno notevole. In
questo fluire della visione si coglie l’amore che l’artista
ha sempre avuto per la sperimentazione delle tecniche
così da adeguare il suo modo di comunicare ad un mondo
in continuo cambiamento. Quanto resta di carica
critica, di senso ironico o di burlesco, di immensamente
drammatico nella sua pittura conferma ogni volta la sua
adesione al reale ma la mette contemporaneamente in
dubbio, lasciando al visitatore il compito di interrogarsi
seriamente sul valore delle nostre rappresentazioni.

Ominidi, 1968
Olio su tela, cm 100x100
87

Franco Fontanella
Nasce a Osimo, in provincia di Ancona, dove vive e
lavora.
Autodidatta e precoce, già a quindici anni si approccia
alla pittura dando prova di innegabile disinvoltura, riproducendo
i grandi maestri neoclassici e impressionisti e
sperimentando con passionale curiosità le più svariate
tecniche pittoriche.
Un’innata predisposizione alla pittura lo porta ben
presto alla sua prima personale a soli diciannove anni, la
prima di numerose mostre ed eventi che si susseguiranno
nei cinquanta anni della sua carriera.
L’abilità pittorica di cui sa dare prova porta Fontanella,
già dagli anni Novanta, da un vivace iperrealismo
88
pittorico, alla riscoperta dell’affresco – a lui congeniale
per precisione nei dettagli e velocità d’esecuzione –, fino,
negli anni recenti, a cimentarsi con la realizzazione di
vetrate per edifici religiosi, istoriate a grisaille.
Con l’eclettismo tecnico non va comunque confusa
una sperimentazione poetica che si fa invece delle più
coerenti e tenaci nel promuovere una pittura figurativa
che Fontanella, così indagatore della disciplina, ripropone
nei suoi soggetti pittorici madidi di citazionismo
manierato della pittura di genere, culla della concezione
moderna del quadro.
Le sue nature morte, passando dalle vanitas della maniera
nordica, alle escursioni ‘extrapittoriche’ del primo
Seicento spagnolo, sanno bagnarsi, come nel caso dei
“Girasoli”, di un’abbagliante luce contemporanea che li
proietta nel mondo concreto; un mondo su cui Fontanella
fa calare un occhio indagatore e chirurgico, in cui ogni
bagliore non è mai lasciato al caso.
Una realtà così vivida da farsi scenica, letteralmente
“arte-fatta”, che Franco Fontanella sa portare alla ribalta
per invitarci a godere della riscoperta di quei piccoli
particolari che diversamente ci sfuggirebbero.
(f.z.)

Girasoli, 2009
Olio su tela, cm 102x72
89

Flavia Franceschini
Nelle serie di opere di periodi diversi che costituiscono
il suo animato curricolo, l’artista ferrarese propone
un filo rosso di continuità. All’interno della ricerca che
da anni sta compiendo, pittura, scenografia, decorazione,
scultura, calcografia delineano nuovi territori in cui
diventa possibile movimentare ed esaltare le forme delle
figure che si iscrivono nella magia della vita che vive.
La bidimensionalità del supporto viene scavalcata da
apporti di scagliola e dall’inserimento dei materiali più
vari. Sono alla fine le sue opere come bassorilievi bloccati
durante un processo di produzione/mutazione che
ricorda i procedimenti degli alchimisti.
È l’amore che l’artista porta per la materia a condurla
90
a studiarne i transiti di stato. È la passione infinita che
ha nei confronti delle grande domande dell’essere nel
mondo che la fa mettere in ascolto di tante voci interiori,
la sua e quella degli altri.
In modo particolare è il fascino della femminilità che
viene colto, indagato, giocato in tutte le possibili variabili
archetipiche. Flavia realizza un mondo di arcane follie e di
struggente sapienza, abitato da figure volanti, da divinità
lunari, da varianti assiro-babilonesi di divinità greche e
molto altro ancora.
Quello che affascina maggiormente nella sua arte
è però il gioco sapiente del trattamento della materia
e del colore. Le iridescenze delle cromie sono appena
accennate, tanto da svelare ancora la trama della materia
sottostante. I legni di cirmolo, di tiglio, i rialzi di scagliolasono
impreziositi da velature leggere, insistite di quel
tanto che basta a far cantare i toni ed a creare un effetto
di indomabile vitalità.

Tutte le voluttà della terra(da Roland Barthes), 1991
Tecnica mista, pannello di legno e scagliola dipinti con bassorilievi in legno di tiglio, cm 62x96
Come era azzurro il cielo (da Roland Barthes), 1991
Tecnica mista, pannello di legno e scagliola dipinti con 91 bassorilievi in legno di tiglio, cm 62x96

enzo Gentili
Nato a Ferrara, ha avuto come maestri Giulio Soriani
e Marcello Tassini per la pittura e Laerte Milani per
la scultura. Proprio con Milani collabora fin dall’età di
tredici anni alla realizzazione di cartoni animati per la
“Pubblicine Ferrara”, casa cinematografica ferrarese
specializzata in spot pubblicitari.
Gentili frequenta scultura e pittura con uguale passione,
distribuendo nel tempo opere dell’una e dell’altra
sua creatività. Partecipa attivamente a molte collettive
e personali realizzando in tal modo un buon curricolo
espositivo confermato da premiazioni e riconoscimenti.
Molte sue opere hanno una collocazione pubblica all’interno
delle mura cittadine e nella provincia ferrarese.
92
Come artista Gentili propone una operatività dell’arte
che si esplica con pari impegno e serietà nelle due forme.
In quanto pittore e scultore sa ben governare le posture
dei corpi e riesce a fare “tenere lo spazio” alle sue figure.
La poetica del nostro artista consiste nella messa a
fuoco del “fare”. È un intervento, apparentemente giocato
sull’estrema semplicità dei materiali (la tempera, la
terracotta patinata), che porta l’osservatore direttamente
nell’officina di un artista che con determinazione raggiunge
i risultati previsti.
Il minimalismo dei materiali utilizzati rende ancora
più evidente l’azione creativa del pittore e dello scultore.
La luce fa risplendere le patine, esplode in scintillii
improvvisi, si rifrange nelle figure dalle epidermidi
lunari oppure sui corpi degli animali dalla muscolatura
esemplare. Un sottile simbolismo aggrega le forme e le
disperde all’interno della composizione in una infinita,
straniante narrazione.

Autunno in valle
Olio su tela, cm 100x80
93

Il vento
Terracotta patinata, cm 140x48x36
94

Gianfranco Goberti
Gianfranco Goberti nasce a Ferrara, dove intraprende
già giovanissimo gli studi pittorici all’allora Istituto d’Arte
“Dosso Dossi”, di cui in seguito sarà prima docente e
poi direttore e dove, a diciassette anni, vince il primo
premio di pittura “Il Pennello d’Oro”. Completa poi
la sua formazione presso l’Accademia di Belle Arti di
Bologna che, all’inizio degli anni Sessanta, si presentava
come uno centri più fervidi del mondo artistico ed intellettuale
italiano.
A seguito del diploma nel 1965, partecipa alla Quadriennale
di Roma sviluppando in questa prima fase della
sua ricerca pittorica una riflessione che si colloca a metà
tra la Nuova Figurazione e l’Espressionismo astratto.
96
Durante gli anni Settanta, la sua poetica si ‘raffredda’
attingendo al territorio dell’arte concettuale, anche attraverso
un approccio mediato dalle percezioni ‘optical’. Da
qui in poi la sua attività è in piena ascesa ed i suoi lavori
sono presto notati da grandi critici quali Gillo Dorfles o
Pierre Restany, il grande teorico del Nouveau Realisme.
Nel tempo Goberti concretizza una pittura sempre
più impostata sullo spaesamento percettivo, sulle sollecitazioni
ottiche, sull’oggettivazione di frammenti comuni,
quasi banali, come poltrone o giacche, in cui si rincorre
il motivo della linea o meglio della riga. Da qui i lavori di
Goberti iniziano a caratterizzarsi per una fisica realtà, in
cui i volumi degli oggetti acquistano letteralmente corpo,
come nella bella serie delle “camicie”, quasi abitate da
impalpabili ma presentissime entità che ci vengono anche
suggerite dai titoli, come il “Ritratto d’Ignoto”.
L’occhio anatomico di Goberti si fa vicinissimo, ingigantendo
trame e tessuti che, se da un lato si dimostrano
inquietantemente evocativi di una presenza che resta solo
citata, in una “costante metafisica” propria della cultura
ferrarese dechirichiana, dall’altro si traducono in segni
autonomi, liberi di misurare la loro stessa portata pittorica,
instaurando un dialogo continuo tra figura e sfondo.
(f.z.)

Il mare, sei fasi, 1972
Acrilico su tela, cm 120x170
97

oberto Greco
Roberto Greco nasce a Bengasi in Libia a metà degli
anni Trenta da genitori italiani, formandosi poi artisticamente
in Italia, prima al Liceo Artistico di Firenze poi
presso l’Accademia di Belle Arti della stessa città, dimostrando
già da giovanissimo un grande amore per l’arte.
Dagli anni Settanta inizia la sua carriera in ambito toscano
esponendo, fra le altre, alla Galleria Cennini (1971)
e alla Ken’s Art Gallery (1973) di Firenze.
La piena maturità pittorica lo porterà ad abbandonare
un atteggiamento inizialmente figurativo non senza passare
per una corrente più impressionistica. Dopo varie
ricerche pittoriche, condotte con una sperimentazione
rigorosa, nel 1986 approda ad una pittura gradualmente
98
più informale, dando nuovo impulso all’attività espositiva
che lo vede presente in ambito nazionale come ad
Arte Fiera di Bologna, alle Fiere d’Arte Contemporanea
di Padova o Firenze e all’estero, dove ritroviamo le sue
opere in collezioni private e pubbliche.
L’opera di Roberto Greco diviene così un percorso
introspettivo nella ricerca delle infinite potenzialità della
materia pittorica, che diviene docile mezzo espressivo
di valori visivi e sensoriali, di umore e verità in grado
di fondersi e di vibrare all’unisono, in un unico esistere.
Il gesto, consumato nella ricerca nobile e appassionata
all’interno delle forme in continuo divenire e dei materiali
di cui si compongono, si distende e si amplifica, aggiunge
luce al già luminoso assemblaggio cromatico, schiarisce
e modula i toni, li veste di orecchiabili armonie, nella
matura consapevolezza di avere raggiunto una chiarezza
mentale ed espositiva tale da rendere sincero e profondo
il dialogo con l’osservatore.
(f.z.)

Senza titolo, 1992
Olio su tela, cm 140x140
99

Giovanni Gromo
Nipote di Mario Gromo, scrittore, giornalista e critico
cinematografico della prima metà del Novecento, Giovanni
Gromo nasce a Torino alla fine degli anni Venti.
Durante la sua prima infanzia, la famiglia si stabilisce
ad Alassio, in Liguria, dove ancora giovanissimo conosce
Carlo Levi. Lo stesso Gromo ricorda quegli anni
come «un’indigestione di quadri, di conversazioni sulla
pittura, sull’arte» oltre che come l’inizio di un lungo e
“fraterno”legame. Ma sarà solo anni dopo, durante il
servizio militare a Vicenza, che Gromo coglie l’occasione
per studiare la grande pitture veneta nei musei di Vicenza,
Padova e Venezia, oltre che per venire a contatto con
l’opera di De Pisis, di cui in quegli anni si teneva proprio
100
a Ferrara la prima grande retrospettiva.
La formazione di Gromo si conferma così tutta museale
e, dopo una parentesi romana ed un primo approccio
al mestiere più affine alle attività decorative, torna in
Liguria per dedicarsi più concretamente alla pittura e
alla ceramica, fino ad arrivare all’attenzione della galleria
“La Colonna” di Milano allora diretta da Renata Usiglio.
Per tutti gli anni Sessanta si dedica principalmente
all’attività plastica, instaurando con la tela e la pittura un
rapporto quasi morboso che lo porterà a fare e letteralmente
e a disfare ogni suo quadro di quel periodo. Ma
alla soglia dei quarant’anni, Giovanni Gromo non può
più rimandare una necessità, ancor più che una passione,
e passa definitivamente alla pittura inaugurando una
lunga carriera espositiva, con una personale, di nuovo
a Milano, alla Galleria di Renzo Cortina, presentato
dall’amico Carlo Levi.
Il temperamento di teorico e studioso delle Belle Arti
si riflette da subito nella sua pittura, cauta e meditativa,
ricca di introspezione, prediligendo un universo rurale,
in contatto con la natura. Nei primi lavori non di rado
ci si ritrova invischiati tra una pacata contemplazione e
presenza (uomini o cose) ricche di un sentimento dolente
e persino ‘ostile’.
Un’atmosfera soffusa ed intima si dispiega invece nelle
opere della piena maturità, in cui spesso le ombre giocano
un contrappunto ancora più importante delle luci, sempre
esterne ed estranee all’ambiente, nel disegnare scorci o
nel lasciare emergere un racconto.
(f.z.)

Musica di alcuni giovani, 2002
Olio su tela, cm 80x100
101

luigi Grossi
Artista di origini napoletane, nel suo lavoro Luigi
Grossi gioca con una maliziosa pregnanza semantica
degli elementi che di volta in volta inscena. L’artista con
“Mare” ci pone dinnanzi non certo uno studio sulla
strutturazione astratta dello spazio-opera ma, come
evoca nel titolo, ci sprona a riflette sulle valenze stesse
del fare arte: il pittore non ci fa vedere quel che anche
da soli avremmo visto nel mondo concreto, ma ce ne
restituisce una visione inedita, ci mostra le cose con un
occhio diverso da quello abituale.
La pittura di Luigi Grosso, scoprendo alla nostra vista
quel che ci sfuggiva, suscita lo stupore nel ritrovarci di
fronte ad una pittura “naturalistica”, smentendo le facili
102
scelte di uno linguaggio “naturale” strutturato in base a
mere convenzioni culturali.
Così Grossi concretizza il pensiero platonico secondo
il quale le idee, sensibilmente invisibili, solo grazie
al lavoro e allo sforzo del pensiero, possono rendersi
intelligibilmente visibili.
«L’invisibile, che la pittura rende visibile, non è il
‘fuori’ del mondo, ma al contrario è il suo ‘dentro’, la
sua più propria intimità, che come tale non si trova mai
platealmente esposta».
L’opera di Grossi articola all’interno del quadro un
gesto informale che anima la superficie del supporto,
fuoriuscendone. La vibrazione materica di “Mare” si
fa spazio tridimensionale, seppur breve, attraverso un
concatenarsi di piani in cui la materia si dà con straordinaria,
densa monocromia. Le stesure di pasta danno a
‘vedere’ la strenua tensione di una pluralità di direttrici,
portando Grossi non a rappresentare, come un improprio
spettacolo, la natura, ma a far esistere dentro di noi,
come nostro patire, la materia nuova nel momento della
sua produzione.

Mare
Zinco, cm 100x100
103

Alessandro Guerrini
Guerrini nasce a Porto Recanati alla metà degli anni
Quaranta e, dopo un avvicinamento alla pittura da autodidatta,
frequenta prima lo studio del pittore Mario
Lupo a Grottammare e poi l’Accademia di Belle Arti di
Macerata.
Partendo dalla bipolarità che la ricerca artistica della
perfezione estetica passi o dallo studio dell’eccellenza
delle opere dei grandi maestri che ci hanno preceduto,
o dallo studio della natura, di fronte alla quale l’artista è
solo, il critico e storico dell’arte Massimo Bignardi, commentando
l’opera di Guerrini, ci porta a considerare che
in questa seconda via il paesaggio si carica di inquietudini
fino a diventare il luogo delle espressioni individuali. Ed
104
è in quest’ottica che la natura nutre e riempie le tele di
Alessandro Guerrini, «che ama la pittura così come la
sua immagine riflessa […] ritmando l’impianto cromatico
condotto da una pennellata nervosa, che si offre ai soffi
del vento, che non guarda a nessuna regola compositiva».
Guerrini capta e filtra ogni esperienza della quotidianità
esterna per rielaborarla nell’intimità dello studio, dove
immaginario e meditazione si rincorrono in una paesaggio
che è spesso metafora di una più ampia cultura
figurativa: dal Surrealismo lirico al concretismo plastico
che fu prima di Cézanne e poi dei Cubisti, fino a riallacciarsi
alla tradizione tutta italiana del secondo Futurismo.
Da tele sature di oggetti reiterati in uno spazio caleidoscopico
a nature morte di estremo rigore e semplicità,
Guerrini non rinuncia ad assemblare immagini, come in
un collage pittorico, che di volta volta ed indistintamente
sa prelevare dal sogno come dalla realtà ed accostare in
piena libertà espressiva, con un’apparente levità.
«Quella di Guerrini è una pittura intrisa di poesia,
di ansie, di incertezze esistenziali, di irrequietezza, di
ripensamenti: è però un suo preciso e sentito modo di
essere presente, di sentire la pelle vicina alla vita» (Massimo
Bignardi).
(f.z.)

Il drappo, 2009
Olio su tela, cm 70x80
105

Gianni Guidi
Gianni Guidi originario di Bologna (classe 1942), vive
e lavora da più di cinquant’anni a Ferrara, dove, all’assidua
attività artistica, ha affiancato l’insegnamento fino
alla fine degli anni Novanta con la cattedra di Discipline
Pittoriche presso l’allora Istituto d’Arte “Dosso Dossi”.
Da sempre figura tra gli artisti di spicco della città,
ha esposto in più occasioni al PAC, Padiglione d’Arte
Contemporanea di Ferrara, ed è attivo già dagli anni
Settanta presso svariate galleria che lo vedono esporre da
Roma, a Milano, Bologna o Venezia, dal centro Culturale
di Knokke a quello di Anversa in Belgio, terra in cui da
anni espone regolarmente.
Durante il suo percorso artistico Gianni Guidi ha
106
saputo raccontare lo spazio attraverso opere a cui la sola
definizione di scultura può non bastare; ma dalle grandi
installazioni ‘aeree’ degli anni Novanta, in cui l’evocazione
dell’elica conferiva alla pesantezza del ferro tutta la
lirica del volo, fino alle recenti terrecotte, raccolte nella
personale “Natura Naturans” alla Galleria del Carbone,
il filo conduttore della poetica di Guidi è il sapiente dialogo
tra una visione filosofica della genesi universale e
le pulsazioni più intime dell’Io.
Gli uomini-albero di Guidi nella sapida ruvidezza della
terra refrattaria esprimono un vortice inarrestabile. È
un continuum biologico che non conosce limiti. La trasformazione
è un flusso, un gioco della materia: non c’è
mai sforzo ma continuo nascente vigore della creatività.
Così tra sciamaniche figure di tartarughe alate, immagine
collassante l’ideologia della stabilità dell’universo, ed
intrecci sinuosi tra l’ibridazione del mondo animale con
quello vegetale, le opere di Gianni Guidi ci conducono
su di un piano simbolico di enigmatica suggestione.
(f.z.)

Senza titolo, 2008
Terracotta patinata, altezza cm 64x21x21
107

ernesto lombardo
Nasce nel messinese negli anni Quaranta e, dopo
la prima attività artistica giovanile in Sicilia, dalla fine
degli anni Sessanta si trasferisce prima a Milano poi ad
Albissola, in Liguria, ed infine a Roma dove attualmente
vive e lavora.
Nei dipinti degli anni Ottanta del maestro siciliano si
ripetono similarmente tre cardini di tutta la sua pittura di
paesaggio, come variazioni del medesimo tema: il mare
in lontananza, una landa desolata e qualche tocco di
vegetazione residua. Elementi questi che non mancano
di caricarsi metaforicamente, così come avviene anche
per la strutturazione dello spazio che si dà nelle tele di
Lombardo con gradi inquadrature, a volo d’uccello, tut-
108
te a favore di una visione terrena, che limita altrettanto
metaforicamente lo spazio aereo, mai visto come fuga.
L’aspetto materico di una terra greve ed opaca si perde
in una profondità che lascia lo sguardo incollato al suolo
senza trovare conforto in un cielo spesso velato.
I paesaggi di Lombardo si caricano di ulteriore tensione
rivelandosi vuoti o, allorquando animati, restando
sempre nel più imperioso silenzio, anche di fronte alla
contraddizione che si gioca tutta nel titolo. Come in
“Canto delle sirene” in cui l’unica presenza in una terra
magmatica è un grammofono d’altri tempi, che si trova
nella più completa inutilità dell’essere: per quanto plausibile
l’ipotesi del suo funzionamento, non vi è anima
viva che potrebbe udirlo. O come nella tela “Dal piccolo
oracolo”, in cui ancora una volta l’unico elemento ad
intromettersi nella natura è un manufatto: una piccola
sfinge di pietra a cui il tempo o l’incuria hanno inesorabilmente
distrutto la testa. Così la statua resta lì, carica
di tutte le aspettative che l’umanità può averle riversato
addosso, in cerca di risposte, di un oracolo appunto, che
non verrà, lasciando imperare su tutto la natura.
Il suo linguaggio pittorico contribuisce a rafforzare le
ideologie delle tematiche: la mancanza di pittoricismi, o di
ricorsi ad un romanticismo patemico, fanno della pittura
di Lombardo una pittura senza “gesto”, tutta incentrata
sul lucido calcolo e sulla struttura analitica della composizione.
Anche il sapiente uso dei contrasti cromatici si
piega ad un clima gelido, non fantasioso, bensì visionario
che non abbandona mai una realtà di base.
(f.z.)

Dal piccolo oracolo, 1989
Olio su tela, cm 100x120
109

Piero Maggioni
(Monticello Brianza 1931 – Viganò 1995)
Nel 1933, a causa della morte dei genitori, entra
nell’Istituto Don Guanella di Como dove resterà sino al
1944. All’inizio del secondo dopoguerra si iscrive al corso
serale di disegno presso il Castello sforzesco. Dopo una
esperienza come disegnatore di gioielli si dedica maggiormente
all’arte ponendosi a cavallo delle due linee
che in quel momento catalizzano il mondo dell’arte: il
neorealismo e l’arte astratta.
Negli anni Sessanta l’esperienza di Albissola gli permette
di venire a contatto con un ambiente artistico
particolarmente interessante. La coroplastica diventa il
110
naturale accesso al mondo della scultura.
In quegli anni stringe amicizia con molti artisti famosi:
tra gli altri si lega in particolare Wifredo Lam, l’artista cinese-cubano
che sarà il principale fattore di cambiamento
della pittura di Maggioni. L’incontro con Picasso, amico
di Lam, porta il nostro artista a riflettere sul suo stile e la
sua arte. È la scoperta della scomposizione geometrica
a discapito della figurazione. L’ispessimento della trama
materica segna anche la sua piena maturità pittorica.
Maggioni comincia a riscuotere grandi consensi nazionali
e internazionali e le sue opere si trovano in moltissime
importanti gallerie pubbliche italiane ed estere.
Negli anni Ottanta il tema sacro diventa prioritario
con un conseguente ritorno al figurativo. Riprende un’attività
intensa soprattutto in campo scultoreo. La pittura
riprende nelle intermittenze della malattia negli anni
Novanta con le “Microstorie ciclistiche”. La bicicletta è
stata l’altra grande passione di Maggioni.
Muore a Viganò nel 1995, sconfitto dalla malattia che
lo tormentava da anni.

Oggiono
Olio su tela, cm 40x50
111

Valle, 1991
Olio su tela, cm 25x70
Autunno nella valle, 1990
Olio su tela, cm 30x90
112

113

Alessandro Marzetti
Lo scultore è nato a Volterra (Pisa), dove vive e lavora.
Dopo il diploma di maturità all’Istituto d’Arte di
Volterra nella sezione alabastro, si diploma in scultura
all’Accademia di Belle Arti di Carrara. Ha un fornito
curricolo come docente e scenografo.
Nel 2001 partecipa come docente di scenografia ai
corsi di formazione professionali annuali di teatro indetti
dalla Provincia di Pisa. Dallo stesso anno è scenografo
della Compagnia della Fortezza, diretta da Armando
Punzo. Successivamente realizza una collezione di modelli
di studi architettonici di “spaziologia” dell’architetto
Vittorio Giorgini, noto rappresentante della scultura
informale.
114
Vanta una intensa attività espositiva in Italia e all’estero.
Partecipa a numerosi simposi di scultura nazionali e
internazionali.
L’opera donata è una installazione di alabastro e di
ferro. La scultura fa parte della serie che l’artista chiama
“disegni di pietra”. Al centro della ingabbiatura di ferro,
in cui gabbia e piano formano un unico pezzo, un torso
femminile di alabastro galleggia nella trasparenza della
luce.
Quella dei “disegni di pietra” è una sorta di disegno
tridimensionale che Marzetti ama molto. Sono sculture
in alabastro realizzate da un unico blocco di pietra che
viene scarnificato fino all’esasperazione, fino a far rimanere
visibile solo l’essenza del soggetto rappresentato.
Il materiale asportato è di molto superiore a quello che
rimane.
È questo processo artistico un voluto portare all’eccesso
la lavorazione manuale in un’epoca in cui l’arte
dà molta importanza unicamente all’idea, al concetto,
tralasciando spesso l’esecuzione che viene delegata
all’artigiano.
Nei suoi disegni di pietra è il vuoto che dà la forma;
sono dei bellissimi nastri di pietra lavorata che racchiudono
porzioni di vuoto. Come nello svolgimento di una
partitura musicale anche nella scultura senza la pausa, il
vuoto, la materia non avrebbe da sola il potere di rappresentare
un’immagine.

Torso femminile
Installazione in alabastro e ferro, cm 82x37,5x37,5
115

dino Masella
Nasce in provincia di Benevento nella metà degli anni
Cinquanta, ma si trasferisce presto a Roma, subendo il
fascino di un ambiente dove storia, archeologia e arte
non hanno confini. È qui che a tutt’oggi vive e lavora,
dividendo la sua passione per l’arte con la professione
medica.
Il suo approccio alla pittura è avvenuto tramite un
lungo percorso, in cui anche la scoperta del variare dei
toni all’interno di un colore ha avuto il sapore di uno
straordinario traguardo.
Sarà l’incontro con Marcello Venturoli, autorevole
critico d’arte, giornalista e saggista, a fargli superare
ogni residua incertezza e a sviluppare in lui una maggior
116
consapevolezza della pratica artistica.
La pittura di Dino Masella si svolge nella sfera esistenziale
dell’individuo, tenta di dar luce alle motivazioni
dell’essere attraverso una espressione affine alla grande
stagione informale americana, come quella che possiamo
ritrovare nell’opera di Mark Tobey.
Nelle sue tele lo spazio riemerge in una superficie
continua, in una dinamica, in una ritmica che proiettano
la tela nella mondanità contemporanea. Le linee graffite
si dispiegano con una persistenza organica, quasi di
scrittura interiore, priva di inizio come di fine e incidono
il colore-materia con una ossessiva ricerca di equilibrio.
Masella affronta l’aspetto cromatico delle sue tele
con sfumature piene, in densi strati, con cui esplora il
mondo poetico ed irrazionale dell’immaginazione, in
dipinti dalla grande carica interiore tendente ad affermare
una realtà “altra”, una realtà spirituale. La forza di alcuni
dei suoi quadri risiede proprio nella capacità di arrivare
all’osservatore e di incoraggiare la meditazione, pur senza
alcun riferimento visibile al mondo reale, grazie alla loro
grande carica gestuale.

Senza titolo, 2008
Olio su tela, cm 100x140
117

Adriana Mastellari
Adriana Mastellari, ferrarese, dopo aver frequentato
la Scuola del Libro di Urbino, l’Istituto d’Arte “Dosso
Dossi” di Ferrara, si diploma in scultura all’Accademia
delle Belle Arti di Bologna dove ha avuto come maestri
Umberto Mastroianni e Dante Carpigiani.
Dai busti e dai ritratti degli esordi, alle sculture sulla
ritualità del potere degli anni Ottanta, dai paesaggi
dell’anima degli anni Novanta alle grandi sculture
simbolico-evocative degli anni Duemila, tutto testimonia
la straordinaria vitalità espressiva e la qualificata abilità
tecnica che la nostra scultrice possiede in alto grado.
Quella che emerge nell’arte di Adriana, come ama farsi
conoscere, è la permanenza di una grande intelligenza
118
dello spazio che viene indagato con infinita passione,
senso d’ironia e di autentica convinzione creativa. La
sua è veramente una coscienza agente sempre presente
a se stessa.
Le figure femminili sono preminenti nelle sue opere.
Tensioni diverse aprono lo spazio concettuale del suo
mondo secondo modulazioni che indagano il rapporto
problematico che l’individuo organizza con lo spazio
che lo circonda. Uno spazio che, occorre ricordare, non
è solo naturalistico ma anche sociale, politico, culturale
e religioso.
Si comprendono in questo senso gli slittamenti di
segno tra le tensioni del potere e le pulsioni individuali.
Anche l’urlo disperato e autentico di rivendicazione
dell’unità della persona assume allora pienamente il suo
significato.

L’urlo, 1980
Bronzo, cm 52x21x57
119

terry May
Terry May nasce alla fine degli anni Sessanta, si forma
presso l’Accademia di Belle Arti di Roma con il Maestro
Enzo Brunori. Trasferitasi a Ferrara, instaura uno stretto
legame con la città, che cita spesso nei suoi lavori, come
‘luogo’ per eccellenza, e dove da alcuni anni ha avviato
la “Terry May Home Gallery”.
Il titolo del suo lavoro qui presentato, estremamente
biografico, si riferisce alla cagnolina nota come Laika che
fu, suo malgrado, uno dei protagonisti della conquista
spaziale da parte dell’umanità: i sovietici la lanciarono in
orbita nello spazio il 3 novembre del 1975 a bordo della
capsula spaziale Sputnik 2.
Terry May le rende omaggio attraverso la piccola
120
immagine di un aereo e una stella cometa, ottenuta dal
frottage di un oggetto puerile, come un vecchio campanello
per bicicletta. La stessa May confessa di essere
molto affascinata da questa storia, tanto che questo
riferimento compare in più di una sua opera e apre un
ciclo pittorico dedicato appunto a Laika.
Sfondo all’evocazione di questo personaggio lost in
space, un frammento della mappa della città di Ferrara,
nel particolare del castrum bizantino, zona di residenza
della stessa autrice, in cui al posto delle nomenclature
delle vie sono stati sostituiti altrettanti frottage presi da
lapidi sacre presenti negli stessi luoghi, sotto forma di
preghiere e raccomandazioni per l’anima.
«L’unica frase che ho voluto aggiungere è quella che
recita: - perché la terra è nuova e non si sa come camminarla
- .Volevo far sì che ci si affidasse alle parole che
si trovano, alle strade già segnate». Il lavoro lascia così
trapelare il desiderio di ridisegnare il significato dei gesti
quotidiani, anche con un semplice intervento pittorico
libero da qualsivoglia ipocrisia.
(f.z.)

Laika, 2010
Tecnica mista, cm 172x141
121

elio Mazzella
Nato a Napoli, Elio è il minore dei fratelli Mazzella
che costituiscono una presenza particolarmente attiva e
preziosa nel complesso scenario artistico contemporaneo
napoletano. Elio Mazzella (classe 1938) segue studi
umanistici e si laurea in giurisprudenza. Eppure la sua
pulsione verso il mondo dell’arte lo induce a seguire le
orme del padre, Mariano, pittore e restauratore, allievo
di Michele Cammarano. È in questo contesto parentale
che Elio matura il suo tirocinio artistico.
Le sue prime prove vengono accolte positivamente
dagli artisti che frequentano d’abitudine lo studio paterno.
Le potenzialità del giovane Mazzella trovano la giusta rispondenza
nel mecenatismo di Armando D’Abundo che
122
ne favorisce l’esordio nel mondo dell’arte. Elio partecipa
a mostre collettive e personali.
Altro significativo incontro per la sua vita professionale
è quello con Palma Bucarelli, direttrice della Galleria
d’Arte Moderna di Roma e ascoltata critica d’arte, che
ne apprezza il talento e interviene più volte a segnalare
l’artista in varie occasioni.
In particolare è proprio la ricerca sui “cementi” a interessare
la critica. Il cemento nell’eleganza del monocromo
bianco segna come la messa a nudo del significante.
Elio Mazzella vuole con questa sua scelta nell’ambito
dell’Informale spogliare la sua pittura dei significati stabiliti,
non tanto per operare una rivelazione di un senso
nascosto quanto per agire in una esplorazione insistita
dei costituenti del segno.
Dal 1990 si dedica anche alla scultura. Realizza con “I
fantasmi della guerra” delle opere che recuperano reperti
bellici della seconda guerra mondiale. Come giustamente
scrive Mimma Sardella. «La forma e l’armonia appaiono
nei manichini del maestro come un progetto virtuoso,
eseguito con perizia d’autore. Al di là del materiale che
le compone, le figure portano dentro e fuori le loro fattezze
mimate, rese con i reperti bellici, ma con la dignità
taumaturgica che solo un esperto curatore può conferire».
L’artista che ha nel suo curricolo numerose mostre
personali e collettive in Italia e all’estero, nel 2011 ha
partecipato alla 54 a Biennale di Venezia.
Vive e lavora a Napoli e Roma.

Senza titolo, 2006
Tecnica mista, cm 100x125
123

luigi Mazzella
Nato a Napoli, Luigi è il secondo per età dei tre
fratelli Mazzella che costituiscono una presenza particolarmente
attiva e preziosa nel complesso scenario
artistico contemporaneo napoletano. A partire dal 1970
la loro presenza diventa sempre più significativa in ambito
nazionale e internazionale, a dimostrazione di quanto il
processo autonomo e originale delle loro ricerche sappia
rinnovare continuamente una produzione di alta qualità
tecnica e poetica.
Luigi Mazzella (1936) a Napoli vive e lavora. È allievo
di Ennio Tomai (L’Aquila 1893-Napoli 1969) che comprende
le inclinazioni del giovane allievo e le asseconda.
La lezione è duplice sia a livello delle acquisizioni tecniche
124
sia sul grado di affinamento del gusto e del sentire.
Si dedica anche all’insegnamento mentre prosegue la
sua ricerca nel mondo complesso della scultura del Novecento.
È nello studio di Villa Haas, lasciatogli in eredità
dal suo adorato maestro, che persegue la sua battaglia con
la materia e la sua natura polimorfa. Inerzia e dinamicità
segnano il ritmo delle azioni da compiere per cogliere le
dinamiche dello spazio e delle tensioni.
Il bronzo, il legno, l’argento, la ceramica, il ferro, il
marmo e la pietra ma anche il piombo servono al nostro
artista per esprimere quanto la scultura, pur partendo
dal reale, riesca ad esprimersi senza darsi uno statuto
figurativo.
Eppure Palma Bucarelli osserva come «il sentimento
di una forma primaria piena e monumentale è così intrinseco
al suo pensiero che certe sue piccole sculture si
potrebbero facilmente immaginare in grandi dimensioni
in un contesto urbano». Quello che interessa al nostro
artista è proprio la contestualizzazione nella scultura di
un sentire diffuso e partecipato.
Luigi Mazzella prosegue la sua attività con molte
mostre personali e collettive in Italia. Nel 2011, su invito,
partecipa alla 54 a Biennale di Venezia.

Forma
Bronzo, cm 65x25x15
125

osario Mazzella
Nato a Napoli (1932), dove vive e lavora, Rosario è il
maggiore dei tre fratelli Mazzella che costituiscono una
presenza particolarmente attiva e preziosa nel complesso
scenario artistico napoletano contemporaneo. Dopo aver
lavorato insieme per un ventennio, dagli anni Sessanta
agli anni Ottanta, dal 2011 i tre fratelli hanno ripreso a
lavorare e ad esporre insieme.
La formazione artistica di Rosario avviene presso
l’Istituto d’Arte “Filippo Palizzi” di Napoli dove ha
come docenti Carlo Striccoli, Alberto Chiancone e Pietro
Barillà. In effetti è l’ambiente stesso di famiglia che
motiva la sua scelta: il padre, Mariano Mazzella, pittore
e restauratore, è stato allievo di Michele Cammarano.
126
Versato alla figurazione, sin dalle prime prove lascia
intendere lo sviluppo della sua arte. Si trasferisce dopo
il diploma a Pozzuoli per rientrare a Napoli intorno alla
fine degli anni Cinquanta. Viene nominato docente di
Discipline pittoriche nello stesso Istituto d’Arte in cui
era stato studente.
Nel mondo di sollecitazioni dei movimenti del secondo
dopoguerra il nostro artista «assume una cifra
autonoma, affatto distante dalle più spinte esercitazioni
della ricerca. Si avvale di tecniche raffinate, dalla pittura
postimpressionistica, al simbolismo e all’espressionismo
europeo senza dimenticare il classicismo e il secentismo
puro» (Giuliana Albano). Quella di Rosario è un’arte
che coniuga impegno e poesia. La scena pittorica che la
sua visione del mondo squaderna davanti agli occhi del
riguardante testimonia la confluenza di fonti diverse e del
tutto eterogenee tra loro che trovano un loro equilibrio
sullo spazio della tela. Dalle istanze della classicità alla
cultura delle saracinesche dipinte, tutto nelle sue opere
vi compare di più istintivo, fluido e lucido al massimo
grado. È una lettura intelligente del mondo in piena
metamorfosi; è la cosciente presa d’atto della memoria
storica della città. Questo contesto gli permette di sviluppare
quella modalità espressionistica che lo condurrà
all’astrattismo informale.
Partecipa a numerose mostre personali e collettive in
Italia e all’estero. Nel 2011 partecipa, su invito, alla 54 a
Biennale di Venezia.

Sinopia di edicola urbana
Tecnica mista su iuta, cm 138x110
127

Mario Minarini
Nasce a Firenze, dove vive e lavora. Qui, ripercorrendo
la tradizione fiorentina che da sempre vede giovani
artisti, in primis Sandro Botticelli, sviluppare il senso del
disegno e della composizione d’arte grazie alla formazione
in botteghe orafe, Minarini si diploma in oreficeria
presso l’Istituto d’Arte della sua città.
Agli inizi del millennio fa il suo ingresso nel mondo
espositivo anche grazie al pittore Valerio Mirannalti,
artista con il quale condividerà un ininterrotto percorso
tematico. La sua formazione prosegue studiando pittura
ad olio con il Maestro Alessandro Berti, oltre che Figura
disegnata alla Scuola Libera del Nudo dell’Accademia di
Belle Arti di Firenze, con Sandra Batoni.
128
Nel 2005 entra nel Gruppo Mazzon, dove frequenta
il maestro Osvaldo Curandai. Da allora i riconoscimenti
non tardano ad arrivare, ricevendo nel 2008 il Fiorino
d’Argento al “Premio Firenze”, con l’opera “Manichino”,
mentre nel 2010 viene pubblicato in catalogo Alinari con
una menzione speciale per il concorso “Premio Vittorio
Alinari”.
Minarini trasmette nei suoi dipinti tutto il mestiere
sapiente della precisione artigiana, affrontando la tecnica
pittorica e disegnativa con ossessiva diligenza, senza
trascurarne il racconto figurativo.
I suoi lavori, raggruppabili in grandi serie tematiche,
vanno dai primi paesaggi toscani in cui si evince il suo
rapporto con la terra d’origine e la sua storia, alla ritrattistica
in cui, grazie alla precisione derivante dall’esperienza
orafa, Minarini sa eccellere rubando l’intima psicologia
di ogni soggetto, tra cui si ricorda la serie omaggio al gallerista
ferrarese Renzo Melotti, fondatore dell’omonimo
Studio già nel 1978 e personaggio di spicco nel mondo
artistico, che con il suo lavoro a Ferrara ha contribuito
alla diffusione di artisti di fama internazionale.
(f.z.)

Ritratto di Renzo Melotti, 2009
Olio su tela, cm 70x50
129

Natura morta
Olio su faesite, cm 82x112
Ritratto di Renzo Melotti, 2009
Olio su tela, cm 70x50
130

131

Valerio Mirannalti
Valerio Mirannalti è un giovane artista fiesolano che
unisce all’operatività del grafico multimediale quella del
pittore e dello scultore. La manualità diventa una sorta
di gioco di compensazione della virtualità dell’immagine
che nasce sul supporto. Creare un luogo per essere. La
natura dipinta dal nostro artista non è tanto volta alla
ricerca della mimesi fine a se stessa quanto piuttosto alla
sollecitazione di un gioco in cui il ricordo di incidenze e
stilemi riportano alla tradizione macchiaiola.
Quello di Mirannalti diventa insomma un corteggiamento
del mondo circostante da parte di un occhio
affascinato, pronto a rilevare pieni e vuoti, silenzi e ritmi
delle cromie. Con l’opera “Faggi alla Colla” l’artista
132
movimenta il supporto facendolo diventare quasi un
bassorilievo. Lo splendido bosco di faggi del Passo della
Colla, sull’Appennino toscano, sopra Borgo San Lorenzo
(Firenze), diventa un’occasione per saggiare una nuova
frontiera della pittura.
Il supporto, costituito dalle pagine gialle degli elenchi
telefonici incollate sulla tela, assume il ruolo o, come
suggerisce l’artista, diventa anche un modo di raccontare
una sua storia. Non più supporto inerte e fungibile, si fa
parte importante della narrazione. Diventa esso stesso
“racconto” nella storia che l’artista ci rappresenta per
immagini.
Il bosco autunnale con la precaria stabilità delle foglie
viene reso con tagli rinforzati che escono dalla dimensionalità
del supporto per permettere allo spettatore di
entrare in una realtà frantumata e ricomposta dall’occhio
dell’artista e del riguardante. La tecnica mista di tempera,
olio con rialzi di gessetto e di acrilico rende bene la sinfonia
cromatica dell’autunno. Pittura-scultura, l’opera segna
il passaggio alla nuova fase creativa dell’artista segnata da
una stagione di sculture di grandi dimensioni.

Faggi alla Colla
Tecnica mista su tela, cm 120x120
133

Matteo Nannini
Nato a Bologna, vive e lavora a Cento (Ferrara). È il
fratello minore del pittore Nicola Nannini.
Si diploma presso il liceo artistico “F. Arcangeli” di
Bologna e successivamente presso l’Accademia di Belle
Arti di Bologna. Dal 1998 insegna disegno e pittura presso
la Scuola di Artigianato Artistico di Cento. Dal 2001 è
insegnante di disegno e pittura presso il Club delle Arti
di Finale Emilia (Modena).
Tagli fotografici e suggestioni proprie della comunicazione
di massa rappresentano una sorta di smodata
variante dell’uomo come personaggio. In un continuo
corteggiare o negare gli stilemi dell’illustrazione, gli
stereotipi, i vissuti del nostro tempo il nostro artista
134
esplora un suo spazio totalmente aperto alle problematiche
esistenziali.
Quasi scatti di un movimento franto e ripreso al rallentatore,
quella di Matteo Nannini è una approfondita
riflessione sulla pittura figurativa nel nostro tempo. Ogni
suo personaggio descrive una ritmica sequenza di azioni
colte con il fermo-immagine. Le sue serie sono una
messa a fuoco dell’azione del dipingere. La variazione
della materia pittorica, infatti, è costruita in parallelo al
variare del dislocamento e della distribuzione del corpo
illuminato nei diversi stati della materia in cui si trova.
La serie delle “discariche”, di cui l’opera donata fa
parte, è una personale riflessione dell’artista sul nostro
periodo storico. Anche se non esplicitamente espressa,
la serie è la narrazione visiva delle critiche di Zygmunt
Bauman alla moderna società liquida. A Matteo Nannini
interessa soprattutto la meditazione sull’attuale condizione
in cui versa lo spirito umano, incurante e alla deriva,
totalmente governato da regie occulte. In realtà tali
regie sono ancor più subdolamente oscure visto che lo
“smistamento dei rifiuti” (o lo stoccaggio per categorie)
avviene alla luce del sole.

Area 51, 2008
Olio su tela, cm 150x240
135

Nicola Nannini
Nato a Bologna, vive e lavora a Cento (Ferrara). È
il fratello maggiore del pittore Matteo Nannini. Dopo
il liceo classico frequenta l’Accademia di Belle Arti di
Bologna.
Conosciuto dal grande pubblico e dagli specialisti soprattutto
per i suoi “Notturni”, il pittore non dimentica
quella che è stata la sua passione iniziale per la figura. Le
sue figure navigano in uno spazio che possiede lo straniamento
della familiarità. Le istanze del reale colloquiano
con precise coordinate cognitive per una riformulazione
del fenomeno percettivo che coinvolge insieme il pittore
e l’osservatore.
Quella di Nicola Nannini è una pittura colta, per
136
ascendenze e referenze. Le sue passioni per la pittura
nordica, in particolare mitteleuropea, sono note e lasciano
testimonianze e margini di riprese continue nelle
sue composizioni. È la volontà di creare un “vedere di
nuovo” che non rinnega mai i saperi della tradizione,
ma non esclude la riflessione della pittura sul labirinto
del mondo.
Nannini riformula sulle tele “cose” che sono piccoli
spaccati di mondi antropologicamente in bilico tra la
rivendicazione di uno statuto di autonomia e il rischio
della perdita di identità personale. La vera difficoltà della
vita è di provare la sensazione di essere sempre cacciati
fuori da un Eden perduto e mai pronti a riformularne
uno nuovo.
Le figure che il nostro artista delinea nelle grandi tele
si giocano la partita della vita mentre galleggiano in uno
spazio in cui solo gli oggetti sembrano definire precisi
ambiti di appartenenza.
Giochi di ruolo, di potere, di status rinviano ad una
dimensione della vita dove non si smette mai d’imparare,
deviando da altre direzioni dell’esistenza.
La finezza delle cromie equilibra la prontezza delle
pennellate, ora più evidenti ora totalmente fuse nelle
mestiche. La capacità della composizione si apre di volta
in volta ad una narrazione figurata di grande impatto
emotivo e visivo, continuamente sospesa tra attrazione e
timore per le infinite aperture che il “possibile” consente.

Interno, 2003
Olio su tela, cm 200x150
137

olando Nicodemi
Nasce nei primi anni Venti a Ferrara, dove vive e
lavora. Fino dall’infanzia si dimostra appassionato del
disegno e della pittura. Autodidatta, nella seconda metà
degli anni Quaranta inizia a interessarsi sistematicamente
di pittura. Dipinge en plein air sulle rive del Po.
La sua prima mostra collettiva, insieme a Masotti,
De Stefani e Sfarzi, è del 1961 alla Galleria “Isonzo”
di Ferrara, seguita nel 1967 dalla prima personale alla
Galleria “La Linea”, sempre nella città estense. Altra
tappa importante nel suo percorso la personale del 1970
alla Galleria “Borgo dei Leoni”. Inizia un curricolo che
lo vede ugualmente impegnato come scultore e come
pittore.
138
Fino a pochi anni fa il nostro autore gestiva una
galleria-atelier molto frequentata da artisti amici e da
estimatori.
Nell’opera di Nicodemi oltre alla lezione di Morandi
sono presenti altre voci di artisti che hanno significato
molto e l’impronta dei quali è ancora ben visibile. Possono
essere citati Degas e Toulouse-Lautrec, per fare un
esempio, ma anche altri francesi contemporanei, come
Balthus.
Dopo moltissime personali e collettive di successo in
molti luoghi espositivi italiani, Nicodemi matura una sua
cifra stilistica che lo ha reso famoso e stimato ovunque.
Le sue opere come tarsie di legni chiari e preziosi
descrivono un mondo che è insieme familiare e surreale,
quotidiano e straniante. La luce estenuata nei toni viene
esaltata dal colore dato a corpo.
È uno stile tutto suo, in cui la leggerezza, l’eleganza
cromatica e la onnipresenza di una luce diffusa divengono
le chiavi identificative della sua espressività.
Una lucida tensione trascorre in queste epifanie
dell’esistere. Il passato e il presente nel fluire degli attimi
prendono forma. L’arte e la vita congiungono nelle figure
parvenze infinite di finzioni e di statuti di realtà.

Il pittore e la modella
Olio su tela, cm 130x160
139

Bimba con melograni
Terracotta patinata, cm 115x42x35
140

141

teresa Noto
L’artista è nata a Palermo, vive e lavora nella sua casastudio
a Correggio Micheli, nel Parco del Mincio, nel
comune di Bagnolo San Vito, in provincia di Mantova.
Al suo attivo si contano numerose mostre personali
e collettive, in Italia e all’estero, che documentano una
ben determinata operatività e una volontà di mettersi in
gioco ogni volta per stabilire nuovi traguardi e raggiungere
nuove mete nel percorso che sta intraprendendo.
Le figure giganti sono una caratteristica della sua
modalità di artista. Dal periodo iniziale a quello più recente
il colloquio con il corpo è diventato una cifra ben
riconoscibile del suo curricolo.
In queste figure fuori scala si possono anche vedere
142
delle affinità con la Transavanguardia, ma è attraverso
tappe successive che l’impatto visivo di quei corpi si è a
poco a poco smorzato nella esplosione vitale delle forme.
È prevalsa, infatti, un’altra istanza quella, cioè, dell’insopprimibile
fisicità del corpo, ora visto come un corpo/
pietra, ora statua ora come ritaglio di cielo.
In questa ricerca sugli statuti del corpo è proprio la
conoscenza dei materiali e delle materie pittoriche a suggerire
alla fine l’approccio tecnico più adatto ad affinare
nuove modalità espressive.
Come scrive Vittorio Sgarbi, la nostra pittrice è
«l’artista maieuta, che asseconda la materia, la legge, la
interpreta, stabilisce un rapporto vitale con essa, senza
mai dimenticarsi di considerarla come “grande madre”».
La materia contiene in sé la prima luce della creazione.
Spetta proprio all’artista con le sue manipolazioni, con
le sue arti portare fuori, allo scoperto, quanto di più delicato
possa esserci nei nostri rapporti con la realtà fisica
e psichica del mondo.

Torso, 2005
Olio su tela, cm 140x140
143

Marisa occari
Carolina Marisa Occari, nata nella transpadana estense,
vive e lavora a Ferrara. L’artista appartiene alla linea
più bella della storia dell’incisione del nostro secondo
Novecento e di questo primo decennio del nuovo millennio.
Non tutti sanno quanto il burbero Giorgio Morandi,
suo maestro all’Accademia di Bologna, sia stato prodigo
di attenzioni per questa allieva che avrebbe dovuto essere
la sua assistente alla cattedra d’incisione. La personalità
riservata di Marisa ha deciso altrimenti, anteponendo le
ragioni della famiglia a quelle della carriera.
Eppure l’opera incisoria che è riuscita a realizzare ci
parla di una qualità altissima della mano, di una estrema
144
finezza dell’occhio che guarda e di una sapiente visione
e conoscenza del mondo della calcografia. I luoghi del
Polesine e del delta del Po sono i luoghi della famiglia,
della quotidianità dei sentimenti, ma sono pure i “luoghi
dell’anima”, della sua anima. Sono come sublimazioni
della sua passione incisoria; è insieme l’intensità e la
purezza di un segno che canta sullo spazio della lastra la
sua raggiunta autonomia. I registri del bianco, del nero e
del grigio rivendicano allora lontane ascendenze di una
tradizione alta, riportata nella modernità con il vigore
della leggerezza.
C’è però in tutta l’opera di Marisa Occari una sorta
di dolcissima “sprezzatura”. Accanto alle conoscenze
delle tecniche tradizionali convivono i colpi d’ala del suo
modo originalissimo di porsi nello scoprire il lato segreto
delle cose. È nella dolcezza del ricordo che lo sguardo
dell’artista si fa più incisivo e capace di cogliere il senso
del fluire della vita.

Pestasale con rose secche, 1996
Acquaforte, mm 310x300, esemplare XIX/XX
145
Cactus con ciotola, 1996
Acquaforte, mm 300X150, esemplare X/X

Grande pioppo sul Po, 1999
Acquaforte, mm 235x320, esemplare XV/XX
Vecchio ciliegio e colombaia, 1991
Acquaforte, mm 180x329, esemplare
146

Frutti autunnali, 1998
Acquaforte, mm 210x300, esemplare 9/40
Porta degli Angeli, 1997
Acquaforte, mm 127x240, esemplare 14/60
147

Villa Camerini controluce, 1989
Acquaforte, mm 150x287, prova di stampa
Alla foce, 1995
Acquaforte, mm 115x284, esemplare 35/60
148

149

Maria l. onestini
Allieva del maestro ferrarese Giorgio Balboni, Maria
Luisa Onestini presenta una dozzina di coloratissimi oli
su tela di grande formato. Il tema ricorrente è la bellezza
naturale della fauna alata che popola, “libera”, le acque
interne oppure costiere. Il cielo aperto che le ospita viene
come riflesso nelle posture che ce le rendono visibili.
La nostra pittrice, accanto ad un lavoro di filologica
adeguatezza, propone sempre le istanze della pitturapittura:
l’occhio dello scienziato e del poeta possono
finalmente trovarsi d’accordo. L’avifauna che l’Onestini
delinea nelle sue tele ha proprio il fascino della mimesi
della realtà ed insieme l’irrealtà di un impianto scenografico
di contestualizzazione.
150
Nella realizzazione del suo teatro naturale del mondo
alato le specie vivono come su di un palcoscenico della
visione. Del tutto inconsapevoli, si concedono all’ammirazione
dell’occhio dell’osservatore.
In questi ultimi anni Maria Luisa Onestini, ferrarese
pur se nata in Argentina, dedica agli animali un suo
sguardo attento, puntuale e, direi, empatico. La cura con
cui realizza, attraverso un uso prezioso della pennellata
non evidente, il piumaggio degli uccelli oppure le loro
posture nell’ambiente palustre richiama alla mente dello
spettatore la necessità di superare una visione puramente
ottica di questi “amici” per arrivare a cogliere un insieme
di percezioni che riguardano un essere in carne ed ossa,
pieno di paure, tensioni ed istinti. Ed è questa un’operazione
mai neutrale, perché richiede una decostruzione del
nostro modo di porci nei confronti del mondo naturale
senza egoismi e sopraffazioni. Guardare gli animali diventa
un nuovo modo per ricollocarci nel mondo.

“Pellicani” - Olio su tela, cm. 80x80
151
“Gheppio” - Olio su tela, cm. 80x80

Nemesio orsatti
Nato a Pontelagoscuro (Ferrara) il 28 agosto del
1912, frequenta l’Istituto d’Arte “Dosso Dossi” sotto la
guida di Angelo Longanesi Cattani e, successivamente,
l’Accademia di Belle Arti di Bologna con Virgilio Guidi.
Dal 1950 entra a far parte del corpo docente del “Dosso
Dossi”.
L’attività espositiva di Orsatti è ricchissima, comincia
nel 1934, quando è ancora studente, mentre l’ultima sua
personale si tiene nel 1985, tre anni prima della morte.
Quello che affascina sempre nella sua sicurezza di
espressione è la capacità di muoversi attraverso le diverse
tecniche artistiche con indifferenziata bravura. La calcografia
non ha segreti per lui, così come l’affresco. Allo
152
stesso modo alla pittura si accompagna la scultura. È un
potenziale immaginativo enorme che si attua secondo
codici diversi.
In tutte queste sue realizzazioni Orsatti coglie l’importanza
della figura umana e dello spazio in cui essa vive.
La Figura è l’elemento fondante della sua poetica. Ogni
cosa comincia dal modo in cui la figura tiene lo spazio.
Eppure i labirinti testuali dei corpi attivano una sorta di
materializzazione di uno spazio narrativo che racconta
il movimento interno ed esterno di essere nel mondo.
Le opere donate connotano il luogo natale lungo le
rive del Po. È un mondo anfibio di acque e terre che il
grande fiume crea e distrugge. Le quattro incisioni sono
un esempio di questa attenzione a partire dalla vecchia
dogana (testimone di un tempo in cui il fiume era confine
tra stati diversi) alle capanne in valle quando il fiume indugia
a gettarsi in mare. Le terre bonificate sotto gli argini
hanno la vitale importanza di cogliere la vita delle stagioni.
Le acquaforti “Nevicata” e “Campagna ferrarese”
richiamano le terre emerse al di qua e al di là del grande
fiume. Allo stesso modo la tela con le aringhe riporta
certe fascinazioni del realismo del secondo dopoguerra.

Natura morta con aringhe, 1954
Olio su tavola, cm 50x60
153

Campagna ferrarese, 1955
Acquaforte, mm 180x246, esemplare 9/15
Vecchia dogana, 1956
Acquaforte, mm 190x245, esemplare 60/60
154

Fattoria sotto la neve 1956
Acquaforte, mm 80x246, esemplare
Villaggio di pescatori, 1956
Acquaforte, mm 780x255, esemplare 21/50
155

Paolo Pallara
Nato a Ferrara, dove vive e lavora, da molti anni
sperimenta una pittura materica nella quale tensioni
informali si accompagnano ad una matrice figurativa
mai dimenticata.
La sua pittura si presenta come un’avventura dello
spirito in cerca di ragioni per l’esistenza e in questo
andare trova immagini che mettono a fuoco i momenti
fondamentali.
Pallara ama la serialità. Ha bisogno, infatti, di ritornare
ad approfondire, a scrutare le minime modificazioni
degli aspetti indagati, tante e tali sono le variazioni dello
spirito e del cuore, tanto numerose sono le sfaccettature
dell’identità personale, tanto infinito è il lavoro di analisi
156
che come artista continuamente compie.
All’interno del tema principale sono diverse le serie
di approfondimento, complice non solo la scansione
spaziale dei luoghi ma anche degli argomenti toccati. In
tal modo la figura simbolo diventa riflessione di una più
ampia considerazione sugli stati d’animo, sulle pulsioni
di vita di ognuno di noi.
Le sue opere, in quanto interpretazioni dei sentimenti
provati dall’artista nei vari periodi della sua vita, sollecitano
nello spettatore momenti di identificazione.
Alcune serie sono maggiormente improntate al segno
e meno al gioco delle sovrapposizioni o sottrazioni di
materiali e smalti, dei piccoli inserti di carta o di garza,
altre esaltano una sequenzialità che ricorda scansioni
affettive, pulsioni, desideri ed emozioni.
La pittura si fa in ogni caso meditazione del segmento
di esistenza che spetta ad ognuno di noi, alla nostra
piccola storia. Eppure la possibilità di creare legami con
il destino di tutti offre una modalità di difesa di fronte
alle forze della vita, alle sue problematiche ed ai suoi
giochi di potere.

Il sentiero degli erranti, dittico, 2009
Olio su tela, cm 95x209
157

Stefania Palumbo
Nasce in provincia di Brindisi. Attualmente vive e
lavora a Carrara dove, oltre ad essersi specializzata in
Mosaico Artistico Pavimentale, ha conseguito il Diploma
di Scultura presso l’Accademia di Belle Arti.
Negli anni ha partecipato a simposi internazionali di
scultura, a mostre collettive ed esposizioni personali. È
possibile ammirare alcune sue opere scultoree in spazi
pubblici come ad esempio nei comuni di Fontanarosa, in
provincia di Avellino, a San Pietro a Sieve, in provincia
di Firenze, o come nel Parco Nazionale del Gran Sasso.
La poetica del lavoro di Palumbo si pone al di là di
ogni semplice artificio, cercando nella scultura l’essenza
delle forme e delle cose, ricorrendo spesso alla rievoca-
158
zione di simboli atavici come la spirale, ma anche degli
archetipi formanti utilizzati dall’uomo per lasciare le
prime tracce della propria esistenza come il cerchio, il
triangolo, l’ovale, tutti elementi che Palumbo utilizza per
rievocare la base di ogni creazione naturale.
La sua scultura è nitida, pervasa da rigore e semplificazione
formale, unendo la passione per il marmo alla
lavorazione delle pietre dure, utilizzate spesso come brevi
inserti cromatici atti a sottolineare le parti più morbide
dei modellati, come preziose lumettature materiche che
emergono dalle superfici opache del marmo, come a
sottolineare gli andamenti ascendenti, o i ritmi interni.
(f.z.)

Dimora dei sogni
Marmo di Carrara, cm 80x46x25 159 Retro scultura

Massimo Patroni Griffi
Nato alla metà degli anni Cinquanta a Roma, si stabilisce
a Formia in provincia di Latina, dove a tutt’oggi
vive e lavora.
Artista che ha saputo distinguersi non solo nel panorama
partenopeo, annovera tra i suoi riconoscimenti,
la presenza nell’Archivio Storico per l’Arte Italiana del
Novecento per il Kunsthistorisches Institut in Florenz,
nell’Archivio CID –Centro di Informazione e Documentazione
per le Arti Visive – del Museo d’Arte Contemporanea
di Prato, oltre che in altri numerosi cataloghi.
Nel 2007 partecipa a Roma, in occasione del Centenario
Viscontiano, alla stesura della monografia del Maestro
Luchino Visconti; sempre nello stesso anno a Casal di
160
Principe, in provincia di Caserta, è chiamato a realizzare
un’importante commissione pubblica, con l’opera monumentale
“Albero della Legalità” primo monumento
contro le mafie; nel 2009 cura la regia dell’opera “La
Tosca” per la stagione lirica di Terni.
Evidente quindi come la personalità di Patroni Griffi
abbia saputo nel tempo spaziare indistintamente dalla
scultura alla scenografia, dal teatro al design e alla pittura,
dimostrando l’estro esuberante della sua spiccata
capacità produttiva. Da sempre il suo approccio all’arte
si concretizza nell’uso dei materiali più disparati tra loro
in piena dialettica con le forme non-oggettivanti di volta
in volta tratte, o meglio create.
Spaziando da un astrattismo geometrico di forme
pure, concettuali, capaci di un complesso gioco di riflessioni
e di speculazioni, Massimo Patroni Griffi sa
poi affrontare la pittura anche in termini di un forte
impeto creativo, piegando il colore a compenetrazioni e
strutturazioni spaziali, in grado di «comunicare l’urgenza
immediata di una senso assoluto e profondo di libertà».
L’effetto complessivo è quello di un’opera strutturata
e densa di riferimenti dove la materia vissuta, pulsata è
esibita attraverso un gesto potente e carico di energia.
(f.z.)

L’attimo è stato fermato, 2009
Tecnica mista su legno, ottone e tela resinata, cm 60x183
161

Maurizio Previtali
Lo scultore Maurizio Previtali nasce a Palazzolo
sull’Oglio, tra Bergamo e Brescia, terra in cui ancora
oggi vive e lavora dividendosi tra l’attività in studio e la
didattica.
Ha all’attivo numerosissime mostre, che lo hanno visto
esporre sia nel natio territorio bergamasco-bresciano,
che nel panorama nazionale. Diversi i riconoscimenti
ricevuti: è tra i vincitori, per ben quattro anni consecutivi
dal 1999 al 2002, nella sezione scultura del Concorso G.
Greppi di Bergamo.
Previtali ha anche dato prova di grande sensibilità
installativa, realizzando molte opere per spazi pubblici.
Nel corso della sua lunga attività scultorea, caratteriz-
162
zata da un’intensa attività in studio, Previtali ha elaborato
e sviluppato svariate forme stilistiche passando sovente
dal figurativo all’astratto, facendo della metamorfosi organica
della forma una ricerca costante nella sua poetica:
la figura umana si fitomorfizza e viceversa, in processi
generativi in continua evoluzione, in continuo divenire.
Nelle pietre alabastrine come nei marmi del nostro
artista le forme si aprono e si estendono in uno spazio
in continua evoluzione in cui il flusso vitale di un arto
si sviluppa nelle radici di un albero o dove «un nudo
femminile emerge imponente dalla propria crisalide».
Le sculture di Previtali appaiono sovente come nuove
forme organiche, embrionali, in fase di crescita, così in
grado di far nascere una nuova specie ibrida tra uomo,
animale o natura: sono per tanto figure primigenie della
vita, irradiano la loro poetica allo spazio circostante, riassumono
la linfa di tutto il lavoro scultoreo dell’artista.
(f.z.)

Parto
Alabastro, cm 35x40x20
163

elio roberti
Nasce a Lavenone in provincia Brescia. Le sue opere si
trovano oggi in importanti collezioni pubbliche e private
sia in Italia che all’estero.
Già a vent’anni inizia a dipingere perfezionandosi in
seguito presso l’Associazione Artisti Bresciani. Negli
anni di formazione il suo punto di riferimento saranno i
pittori bresciani quali Togni, Garosio e Solaro. Dopo aver
sperimentato prove vicine alle avanguardie informali e
cubiste, la svolta avviene verso il 1980 dopo un periodo
di lavoro a contatto con alcuni pittori livornesi.
Dopo questa esperienza di transizione, Roberti torna
ad una pittura figurativa, attualizzando, in una matrice
del tutto personale, il genere del paesaggio.
164
Elio Roberti è stato definito «pittore della natura nel
senso che nei suoi quadri ogni volta ingaggia un duello
virtuoso con la realtà, per mostrarla nella sua vera essenza,
per far parlare il colore».
L’aspetto cromatico è infatti uno degli stilemi di
questo artista che fa di ogni superficie una campitura
carica e luminosa, quasi di frutta matura, irradiante una
compartecipazione dei sensi che fa dei suoi quadri opere
da gustare oltre che da guardare. Pennellate larghe, metodiche
danno una consistenza solida ad ogni soggetto
che sembra formarsi sotto il pennello almeno quanto i
suoi contorni paiono sfaldarsi sotto la luce.
Interessante anche le composizioni dei suoi paesaggi,
che rispondono sottilmente alle armoniche di verticali e
orizzontali, quasi una ricostruzione ideale della natura, in
cui la linea dell’orizzonte interseca in perfetti equilibri i
pochi elementi verticali, ma ascendenti per antonomasia,
come gli alberi. Tutta sembra giocarsi nel posizionamento
della linea dell’orizzonte, nella visione sferoidale che ne
deriva lasciando ampio spazio a campi di grano che si
fanno infuocati nel loro ampliarsi a dismisura.
(f.z.)

Verso Sancino, 2009
Olio su tela, cm 100x50
165

Ragoli veduta da Saone
Olio su tela, cm 100x100
166

Rogazioni propiziatorie verso Canignone
Oio su tela, cm 100x100
167

enzo romagnoli
Nasce a Castelfidardo (Ancona). Dimostra ben
presto una vera passione per l’arte. Frequenta la scuola
del Maestro Antonio Gasparri da cui apprende i primi
rudimenti dell’arte.
Il desiderio di sperimentare nuove tecniche lo porta a
modificare l’impianto figurativo dei suoi scorci panoramici
della riviera del Conero e delle colline marchigiane,
per impegnarsi in opere di carattere religioso come la
"Crocefissione" nella chiesa di San Benedetto o la grande
pala dedicata ai santi patroni SS. Vittore e Corona,
collocata nella cripta della Collegiata di Santo Stefano.
Dal 1980 inizia una attività di modellazione scultorea,
applicata al settore argentiero. I primi modelli decorativi
168
diventano ben presto vere e proprie sculture.
Ha anche commissioni pubbliche come quella del
Monumento ai Caduti della sezione Marche dell’Associazione
Nazionale Alpini, con figure a grandezza naturale.
Dalle lastre d’argento passa alla fusione in bronzo con
cera persa. La ricerca del nuovo e la ripresa di antiche
tradizioni possono benissimo convivere.
La sua produzione attuale risente dell’amore per la
sperimentazione delle tecniche e dei materiali ma rivela
una profonda riflessione sul destino dell’uomo contemporaneo.
La complessità dei vissuti, la continua sollecitazione
al cambiamento conducono allo smarrimento di
quella necessaria forza interiore che occorre per abitare la
vita. È pertanto quella di Romagnoli una serena, convinta
ed etica affermazione dell’umana dignità.

Ostacoli - dittico
Olio su tela e collage, cm 75x150
169

Natale rosselli
Nasce negli anni Quaranta a Empoli, dove vive e
lavora.
Approcciandosi liberamente alla pittura e al disegno,
iniziando fin da subito un rapporto con la natura en
plein air e non tardando ad arrivare riconoscimenti ed
esposizioni, Rosselli comprende presto la necessità di
approfondire le proprie conoscenze tecniche e visive
delle arti figurative. Si dedica, con sempre maggior assiduità,
allo studio del paesaggio, che resterà tra i suoi
temi prediletti. Del 1992 la sua prima personale presso il
Palazzo Comunale di Empoli e l’anno successivo espone
già al Palazzo Ghibellino della stessa città. Nel 1994
viene inserito nel catalogo “Pittori in Toscana” curato da
170
Giorgio Calandra, Raffaele De Rosa ed Enrico Ugolini.
Da allora le esposizioni sia collettive che personali si sono
susseguite numerose.
La pittura di Rosselli si conferma come un coerente
e rigoroso discorso attorno alla poesia del paesaggio
toscano, riassunto in chiave simbolica e gusto moderno.
Definendo un ristretto nucleo di elementi autoctoni,
Rosselli li affronta con una tecnica pittorica particolarmente
materica, ricca di densità cromatiche, di colore
puro: è un viaggio territoriale privato ed intimistico che
non ammette intrusioni, tant’è che nelle sue tele è rigorosamente
assente ogni possibile personaggio umano,
imponendoci la visione del paesaggio, attraverso le sue
variazioni temporali, come il tentativo di ricostruire le
diverse emozioni della vita quotidiana, dei suoi accadimenti
improvvisi.
Il mondo poetico di Rosselli si muove con armonia
tra luoghi conosciuti ed amati: colline senesi, scogliere,
l’aspra maremma, gli alberi evocati nella luce toscana. La
sua è una pittura di sentimenti e grande forza cromatica
che si colloca nella tradizione della più alta arte contemporanea
italiana con esponenti come Ennio Morlotti,
Carlo Mattioli, Sergio Statizzi.
(f.z.)

Paesaggio toscano
Olio su tela, cm 130x105
171

Ada ruberti
Nata a Quistello (Mantova) nel 1929, l’artista incrocia
la città estense in più momenti della sua vita professionale:
a Ferrara si laurea e lavora per anni. Dal punto di
vista espositivo è attiva dagli anni Ottanta con mostre
personali e collettive continuativamente sino all’anno
della sua scomparsa, avvenuta nel 2004.
Una recente mostra alla Galleria del Carbone, curata
da Laura Gavioli e da Renzo Margonari, ha presentato al
grande pubblico un’antologica dei temi che compaiono
nella sua pittura dell’ultimo ventennio.
Artista solitaria ed isolata, riesce ad avere riscontri
critici qualificati della sua attività. Nelle sue opere il
visitatore coglie una intelligente visione e riflessione sul
172
mondo. È proprio questa capacità percettiva che la porta,
come osserva Margonari nel catalogo della mostra citata,
ad «indagare lenticolarmente il dettaglio di una forma
vegetale o restringere il campo spaziale sin quasi a far
sparire il connotato generale, oppure riassumere l’idea
complessiva di un paesaggio riducendone la struttura
ad una linea portante».
Le grandi dimensioni del supporto (cm 100x100) le
consentono da un lato una distribuzione delle pennellate,
ben cariche di colore, dall’altro le permettono di lasciare
chiaramente leggibile la gestualità della mano che dipinge.
Nel gioco delle campiture Ada Ruberti allude e ricrea
altre spazialità di luoghi e di cieli infiniti. In tutta la sua
carriera legge sempre la lezione dei maestri e utilizza una
sua messa a fuoco originale che mette fuori scala quanto
viene rappresentato e lascia sospesi i confini tra l’astrazione
e la realtà pure se a quest’ultima bene si vincola.

Paesaggio verde, 1998
Olio su tela, cm 90x70
173

Studio di minerali, 2-99,1999
Olio su tela, cm 90x80
174

Paesaggio di canne, 2-99, 1999
Olio su tela, cm 90x80
175

Gennaro Sardella
Nasce a Napoli e attualmente vive e lavora sulla suggestiva
costa di Sorrento. Fin da giovanissimo dimostra una
predisposizione per il disegno che unita ad un carattere
insofferente ed inquieto lo porteranno a spostarsi tra
Roma, Venezia, Firenze. Durante questi anni di “libero
vagabondaggio” i suoi disegni e i suoi acquerelli si
arricchiscono di ritratti, vedute paesaggistiche e scorci
cittadini come se si trattasse di un diario per immagini
delle sue esperienze vissute.
Così, in questo clima di assoluta libertà, l’artista
prosegue entusiasta la sua attività, arricchendo presto i
sui disegni di storie e racconti, che apriranno la strada
ad un percorso che esploderà solo più tardi, portando
176
alla ribalta il mondo fantasioso e grottesco di Sardella,
pervaso da una profonda forza espressiva, venato di
lirismo ed ironia.
Sarà infatti solo con il ritorno a Napoli nel 1975 e
l’incontro con il pittore Roberto Carignani che Sardella
arriverà alla maturità tecnica e conoscitiva della pittura,
che lo porterà ad incontrare maestri come De Chirico o
Pietro Annigoni.
La sua pittura testimonia palesemente un processo
creativo in cui la realtà subisce una profonda metamorfosi
a favore di una sua completa alterazione e deformazione.
I suoi dipinti rivelano, sotto assolati e brillanti panorami
del Sud, il caos e le tensioni di un surreale mondo contemporaneo,
assieme a momenti di alto lirismo e infinita
dolcezza. Ogni forma, ogni figura antropomorfa è collegata
l’una all’altra in un intreccio di relazioni che passano
dallo stato psichico allo stato fisico. Ogni elemento sulle
tele di Sardella si anima, ogni tocco è luminoso e vibrante
come un mosaico prezioso o come il riverbero del mare
in una giornata di sole, riportando letteralmente ad una
joie de vivre di matissiana memoria.
(f.z.)

Non mi dice mai quello che pensa, 2008
Olio su tela, cm 150x150
177

Anna Seccia
Nata a Ortona (Chieti), vive e lavora a Pescara, città
nella quale ha compiuto gli studi artistici e dove è stata
titolare della cattedra di Discipline Pittoriche e Plastiche
presso il locale Liceo Artistico.
A partire dal 1960 svolge un’intensa attività espositiva
condivisa, fino all’inizio degli anni Ottanta, con l’insegnamento.
Partecipa a prestigiose rassegne, mostre e fiere. È
presente alla 54 a Esposizione Internazionale d’Arte della
Biennale di Venezia, per la Sezione Regionale Abruzzo,
curata da Vittorio Sgarbi.
Dal 1994 inizia una sua innovativa ricerca artistica
(Globalart) volta alla creazione di un progetto di arte
sociale, collaborativa e partecipativa, denominato “La
178
Stanza del Colore”, legato ad una concezione dell’arte
come attivazione di processi per la realizzazione, attraverso
happening-performance, di opere pittoriche di grandi
dimensioni con persone di tutte le età che diventano
coautori dell’opera stessa.
In questo senso nel marzo di quest’anno a Pescara
è stato presentato “L’uovo della collettività”, percorso
ideato dalla nostra artista per i 150 anni dell’Unità d’Italia.
Attraverso l’interazione con l’artista le sinergie di
diverse personalità si incontrano dando origine ad un
momento corale. Cambiano completamente i rapporti tra
l’opera d’arte e i riguardanti che diventano protagonisti
oppure collezionisti delle opere collettive.
È proprio attraverso la pittura connettiva di Anna
Seccia che l’arte si rinnova ed ogni singola voce riesce a
sentirsi alla pari degli altri nella dinamicità creativa della
composizione finale.

Migrazione, 2003
Tecnica mista su tavola, cm 80x145
179

Gabriella Soavi
Originaria di Portomaggiore (Ferrara), vive lavora da
sempre a Ferrara, dove dal 1985 è docente presso il Liceo
Artistico "Dosso Dossi". Ha collaborato spesso con
associazioni ed enti pubblici, anche in qualità di docente
di Tecniche Calcografiche e Tecniche Pittoriche.
Gabriella Soavi si forma presso l’Accademia di Belle
Arti di Bologna, sviluppando il proprio linguaggio artistico
nella commistione tra le tecniche della pittura e quelle
dell’incisione e della grafica d’arte, professionalizzandosi
anche come graphic designer e visualizer, attività che la
vede impegnata presso alcune agenzie pubblicitarie a
cavallo tra gli anni Ottanta e gli anni Novanta.
Ha esposto in numerose mostre collettive in Italia e
180
all’estero, spaziando dall’originaria Ferrara a Parigi, fino
a Kuala Lumpur, Bristol o Mosca.
Negli anni ha saputo spaziare da opere installative
tridimensionali alle più eteree tecniche calcografiche,
dimostrando grande levità in entrambi i campi, portando
avanti con coerenza una personale poetica, fatta di intimi
richiami, di ricordi accennati, di un racconto delicato del
proprio vissuto.
Le opere di Soavi spesso si pongono come scorci di
diari personali, frammentari visivi che accennando ad
una storia mai completamente leggibile, ma pur sempre
toccante, lasciano all’osservatore il compito di ripercorrerne
il vissuto. Come nell’opera “Hai riso”?, esposto per
la prima volta nell’esposizione promossa dall’udi “Libere
per immagini - Opere di artiste ferraresi & manifesti”, il
cui titolo allusivo si riferisce in realtà ai ritratti enigmatici
di quattro mondine ferraresi.
(f.z.)

Hai riso?, 2005
Tecnica mista su alluminio (lastre offset di recupero), cm 59x48
181

Jessica Steri
Nata in un’isola del sud-ovest della Sardegna, da parecchi
decenni vive a Ferrara. La pittura governa da tempo la
rotta della nave di Jessica Steri nel mare agitato della vita.
Le sue opere sono espressione della sua interiorità,
delle sue emozioni vitali. La dinamicità del vivere in un
continuo agitarsi, in un trasformarsi perenne di ritmi e di
condizioni affascina da sempre la nostra pittrice.
La consapevolezza della forza dei colori è una costante
della sua ricerca pittorica. È la percezione vitale della
forza-colore che Jessica declina nelle sue tele, tono su
tono sino alla monocromia.
I piaceri dell’immaginazione sovrappongono spesso
l’isola natale di San Pietro in Sardegna e il padano mare
182
di nebbia della sua città adottiva.
Jessica guarda il mondo con la meravigliosa follia del
suo desiderio di vivere nella luce: ora solare ora annebbiata,
non importa; sempre pronta a creare ogni volta sulla
tela sue private cosmogonie, alchimie perturbanti e rotte
segrete. La sua scoperta del mondo nasce e si sviluppa
totalmente su questa partizione binaria acqua-terra. Una
presenza fatta di consistenze equoree in cui fluttuano gli
elementi, in cui lucori e chiarori forano il velo che si pone
davanti agli occhi del visitatore, lasciando testimonianze
sulla tela di passaggi, di separazioni e di rigenerazioni.
Nella materia zuppa d’acqua, stilante per giorni di
nebbia prolungata, ogni cosa è avvolta come da un
pulviscolo di luce. In chiave compositiva, se da un lato
provoca un abbassamento del livello di realtà mimetica
dall’altro, per contro, produce un innalzamento lirico
della pulsione espressiva.

Senza titolo
Olio su tela, cm 100x100
183
Casolare ferrarese
Olio su tela, cm 100x120

Gianni tarli
Nato a Solothurn, la città svizzera capitale del cantone
omonimo, si trasferisce adolescente in Italia a Teramo.
Comincia a partecipare alle prime esperienze artistiche.
Dopo la scuola superiore si trasferisce a Cattolica dove
apre una sua galleria anche se continua a prediligere luoghi
espositivi in contesti di frequentazione quotidiana.
Dal 1996 abbandona l’attività commerciale e dedica tutto
il suo tempo alla ricerca artistica in pittura, scultura e
attività performative. Vive e lavora a Teramo.
Partecipa ad Arte Fiera di Bologna nel 1996, al Premio
Roma nel 2000, ad Arte Fiera di Bari e di Parma,
alla Biennale Internazionale d’Arte Contemporanea di
Firenze, tanto per citarne alcune. Ha una intensa attività
184
espositiva in Italia e all’estero.
Nella sua ricerca si libera progressivamente dal peso
materico privilegiando superfici fluide e tecniche nuove.
Nella sua pittura è presente una forma di neo-espressionismo
astratto che diventa ben presto la sua cifra distintiva.
Importante per il suo curricolo è il sodalizio con il
regista Flavio Sciolè che aumenta la volontà del nostro
artista di sperimentare il discrimine tra segno e immagine
e segno-parola.
Sono presenti nella sua attività progettazioni di design
e realizzazioni di oggetti di uso comune in cui la sua
ricerca si sposa alla funzionalità.
L’opera donata è una grande scultura, una installazione
alta cm 250, in cui la costruzione in legno fa da
supporto al suo interno ad una scultura luminosa di
policarbonato, che riprende la struttura del DNA. La
splendida lavorazione del legno introduce alla presenza
pregnante della luce. È una bellissima reazione al mondo
contemporaneo. In questa narrazione, in presentia,
dell’autonomia di ogni possibile variabile lo statuto della
scultura fiorisce nel momento stesso della sua percezione.

Clessidra, 2009
Legno, policarbonato e altri materiali, cm 250x80185

Nani tedeschi
Originario della provincia di Reggio Emilia, nelle cui
campagne tutt’ora vive e lavora, Nani Tedeschi nasce alla
fine degli anni Trenta.
Laureatosi in Medicina, non abbandona mai la sua
prima passione per il disegno e la pittura a cui dedica
ogni momento libero iniziando ad esporre dalla metà
degli anni Sessanta. Il successo internazionale non
tarda ad arrivare e nel 1972 è invitato alla 36 a Biennale
di Venezia, a seguito della quale lascia definitivamente
la professione medica per l’attività artistica che si farà
sempre più intensa. Negli anni espone a Nevers, Vienna,
186
Spalato, Hannover, Amburgo, Berlino, New York, Tokio.
Sue personali si sono tenute nelle principali città italiane
in gallerie private e musei dal Palazzo dei Diamanti di
Ferrara, a Palazzo Braschi di Roma, al Castello Sforzesco
di Milano, alla Fortezza del Priamar di Savona.
Molti sono i cicli cui si è dedicato negli ultimi quarant’anni
e i libri che ha illustrato, dall’Orlando Furioso
a Le avventure di Pinocchio.
Nei suoi lavori Nani Tedeschi dimostra una straordinaria
abilità di disegnatore, quasi genetica, come
estensione del rapporto con la sua terra, di una pianura
segnata dalla presenza del Po, in cui lo sguardo può spingersi
fino all’orizzonte, in cui ogni spazio è molto più
aereo che terreno. Tuttavia, accanto all’utilizzo sapiente
della linea, non possono essere dimenticate le invenzioni
coloristiche e grafiche ottenute anche con il collage che,
assieme alla pittura a forti contrasti di colore, segna una
costante nelle sue opere fin dagli esordi. Le sue tavole
sono così il risultato di uno squisito equilibrio in cui la
pittura si accompagna, con molta naturalezza, al disegno
a matita, a china, al pastello, in grado di ricreare ogni volta
gli accordi poetici di una delicatissima favola.
(f.z.)

Volo sul fiume, 2012
Acrilico su tavola, cm 100x70
Studio del Guercino
187 Tempera e collage su tavola, cm 80x60

Filippo Maria topi
Attivo dalla fine degli anni Novanta, Filippo Maria
Topi nasce a Firenze dove attualmente vive e lavora e
dove si forma negli anni Ottanta presso la Scuola d’Arte
del Maestro Mario Nuti, che nell’immediato dopoguerra
fece prima parte del gruppo Arte d’Oggi e nel 1950 fu tra
i firmatari del manifesto del primo Astrattismo classico.
Non è arduo quindi comprendere in quale ambiente,
prettamente non figurativo, Topi getta la basi per una
pittura concreta, capace di generarsi attraverso le riflessioni
sul proprio linguaggio e sugli elementi della propria
grammatica.
A completarne la formazione, un fruttuoso periodo
a New York durante gli anni Novanta, in cui viene a
188
diretto contatto con la pittura di Keith Haring e l’underground
graffitista della City. A questo periodo risalgono
alcune delle poche opere figurative di Topi, in bilico tra
l’eclettismo anni Ottanta ed un rinnovare gusto Pop per
la mercificazione dell’immagine.
Di ritorno in Italia, dall’inizio del millennio prosegue
la sua riscoperta a ritroso dell’arte americana contemporanea,
con particolare attenzione all’informale gestuale
di Franz Kline di cui riprende la strutturazione spaziale
a grandi impalcature nere, come nella serie “Trame”
del 2005. Fino ai recenti lavori, come la serie “Made in
Italy”in cui l’azione evocata dalle spatolate veloci lascia
via via spazio all’aumentato spessore della pasta cromatica
che sovente si combina di poche e calde tonalità
lumettate dal lavoro in togliere dei segni graffiti. In ogni
tela, al flusso vitalistico della composizione di grande
istintività organica fa da perno l’introduzione di un segno
iconico e artificiale come quello di un numero stampigliato
con cui Topi ripercorre un’altra tappa della storia
dell’arte contemporanea, rievocando un gusto newdada
nell’uso della scrittura dipinta al pari di un oggetto concreto
introdotto sulla tela.
(f.z.)

106, trittico, 2009
Tecnica mista su tela, cm 150x150
189

388:188, trittico, 2009
Tecnica mista su tela, cm 150x150
190

Particolari
191

Vittorio Vecchi
Nato a Ferrara, dove vive e lavora, da sempre ha amato
cimentarsi in esperienze artistiche.
All’inizio degli anni Ottanta mette a fuoco il rapporto
materia-segno-colore con il contributo di tre maestri ferraresi:
Maurizio Bonora per la scultura, Paola Bonora per
l’acquerello e le tecniche ad acqua ed infine Gianfranco
Goberti per la pittura.
Sviluppa da questo momento una sua originale cifra
espressiva in cui la ricerca della sintesi fra l’informale della
materia e gli schemi di organizzazione del materiale da
memorizzare trova un suo felice equilibrio.
La sua ricerca, libera di aprirsi alle molte sollecitazioni
del comunicare, esplora segni e simboli della modernità,
192
ne saggia le alchimie, sollecita percorsi creativi in continua
evoluzione.
Ha al suo attivo un ricco curricolo espositivo con
mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Lasko
in Slovenia, Madrid, New York, Orlando e Gainesville in
Florida, Cork in Irlanda e Gulpen nei Paesi Bassi tanto
per citarne alcune). Molte sue opere sono esposte in
collezioni pubbliche e private italiane ed estere.
L’opera donata è costituita da un trittico in cui sono
raffigurati tre momenti della religiosità dei Maya. Il primo
pannello, a partire da sinistra, è dedicato a Itzamna, dio
creatore degli aspetti celesti e terrestri della vita, inventore
della scrittura e signore del giorno e della notte. Il
pannello centrale è quello del dio serpente, Kukulkan,
creatore del calendario e della stella del mattino. Il pannello
a destra riunisce le divinità legate alla medicina
(Sakal Ix’chel, Ahau Chamahez, Cit Bolum Tum). Come
afferma lo stesso artista, «l’opera propone un’allegoria
dell’esperienza quotidiana dell’uomo nel partecipare
alla vita ed allo scorrere dei giorni, mentre i personaggi
evocati emergono dall’oblio del tempo in tutta la loro
luminosa cromaticità che l’accumulo dei detriti della
storia non ha potuto assolutamente scalfire».

Arcaiche presente, trittico, 2009
Tecnica mista su legno, cm140x260
193

Particolari
194

Segnali del tempo, 04, 2004
Tecnica mista su legno, cm 30x30
195

Paolo Volta
Nato nella città estense, dove vive e lavora, dopo
essersi diplomato all’Istituto d’Arte “Dosso Dossi” di
Ferrara, frequenta il corso di Pittura all’Accademia di
Belle Arti di Bologna.
Dal 2000 è il direttore artistico della Galleria del Carbone
di Ferrara che rappresenta una punta di eccellenza
nel quadro espositivo cittadino. In questi anni ha organizzato
oltre centottanta mostre di maestri dell’arte italiana
e di giovani artisti di interessante qualità e di promettente
carriera. La Galleria è anche l’espressione di un gruppo di
artisti che operano in associazione, collaborando con altre
realtà internazionali in Germania, Ucraina,Venezuela,
Texas, Cile, e che intendono valorizzare le peculiarità
196
delle espressioni dell’arte contemporanea.
Ha partecipato a diverse mostre collettive in Italia
e all’estero, suoi lavori sono presso il Museo di Arte
Orientale e Occidentale di Odessa.
L’attività di gallerista non gli fa trascurare quella di
pittore che, anzi, viene rafforzata dai frequenti contatti
con altre creatività. Come pittore preferisce la pittura
figurativa ed in special modo le architetture industriali o
di “passaggio” dell’attività umana. Utilizza un linguaggio
espressivo che rivisita le istanze della Metafisica e del
Razionalismo.
L’attività pittorica di Volta si struttura in special modo
sulla osservazione di forme e di colori immersi in territori
in cui l’uomo interviene con risultati alterni. Le sue
archeologie industriali, ad esempio, sono di grande forza
narrativa, compositiva e concettuale.
L’opera donata ha come criptico titolo: “Sezione
aurea”.
È un’indagine spaziale che, partendo in modo inconscio,
si realizza attraverso il piacere di costruire linee
perfette, equilibrate e di stendere le mestiche attraverso
ripetute sovrapposizioni cromatiche, in questo tutto
simili al gesto del muratore che di fila in fila, di mattone
in mattone, forma l’edificio. In tal modo l’artista vuole
dimostrare che solo con una più razionale osservazione
dell’opera le geometrie latenti possono emergere.

Sezione aurea, 1996
Olio su tela, cm 80x80
197

laura Zampini
Nata a Occhiobello (Rovigo), vive e lavora a Ferrara.
È cresciuta in una grande famiglia d’arte: la madre,
Carolina Occari, è conosciuta per le splendide incisioni, il
fratello Luigi è pittore e disegnatore, l’altro fratello, Luca,
è fotografo, la sorella, Licia, è la curatrice dell’archiviazione
delle opere, le nipoti Giuliana Zampini e Tosca Zampini
sono la prima ceramista, l’altra illustratrice e grafica.
Come in un’antica bottega d’arte o in una ritrovata
“officina” queste operatività diverse segnano il passaggio
delle generazioni e della permanente motivazione ad
esplorare incessantemente il mondo dell’arte nelle varie
sfaccettature e modalità tecniche.
La nostra artista si diploma in restauro di dipinti e
198
dorature a Firenze. Frequenta, in seguito, vari corsi di
ceramica e pittura. Tra l’altro è allieva della Scuola di
Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze.
La passione creativa per l’arte figurativa e per l’arredamento
la porta alla realizzazione di opere, in questi
due ambiti, nei quali è conosciuta per le sue qualità di
interior designer.
Ha al suo attivo diverse esposizioni.
Tutta la famiglia Occari-Zampini è legata al grande
fiume non solo perché tra la transpadana estense e Ferrara
trova gli affetti di una vita ma anche perché il grande
fiume è una costante della poetica di queste generazioni
di artisti.
Le opere donate sono due tecniche miste su cartone
che rappresentano due momenti sul fiume Po.

Momento del grande fiume I
Tecnica mista su cartone, cm 70x100
Momento del grande fiume II
Tecnica mista su cartone, cm 70x100
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Sergio Zanni
Sergio Zanni è nato a Ferrara, dove vive e lavora.
Diplomatosi all’Istituto d’Arte “Dosso Dossi” di
Ferrara, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Bologna.
Possiede un ricchissimo curricolo di mostre ed esposizioni
in Italia e all’estero. Ha visto premiata la sua ricerca
artistica con l’invito alla 54 a Biennale di Venezia.
Inizialmente predilige l’uso della terracotta per passare
successivamente alla sperimentazione di materiali più
leggeri dove i suoi personaggi raggiungono dimensioni
ciclopiche. L’artista stesso scrive a riguardo del suo itinerario
artistico: «Il mio “mestiere” mi permette viaggi
continui alla scoperta di “terre sconosciute”. Queste “terre”
si sono materializzate in una miriade di personaggi:
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eremiti, signori della pioggia, assassini, monumenti ai
caduti, diavoli, custodi delle pianure, zingare, osservatori,
camminatori. Palombari, attendisti, figure senza davanti,
piloti, cacciatori di nuvole, Oblomov, fumatori, pittori
di guerra, angeli misteriosi, canti delle sirene eccetera,
fino agli ultimi lavori, equilibristi, Ulisse e altri viandanti.
Verso la fine del XX secolo mi sono posto il problema
di realizzare lavori di grandi dimensioni: l’amata terracotta
è purtroppo pesante e fragile. In un certo senso
sono stato obbligato a sperimentare materiali più pratici
e molto meno nobili della terra. Ha quindi avuto inizio
in quest’ultima fase l’esperienza con il polistirolo ricoperto
con criptonite e iron ball (materiali molto recenti
da scenografia), vetroresina, tondino di ferro e assemblaggi
sempre con oggetti di ferro. Da questi materiali
sono nati i miei lavori più grandi: i kamikaze, il carro
dei vincitori, la foto di gruppo con i sei piloti bianchi, il
grande viandante».
In effetti mai come in queste grandi figure Zanni è
riuscito ad esaltare la “leggerezza” della materia utilizzata
e la pertinenza del senso del soggetto rappresentato. Il
codice oggettuale dell’artista riesce però a cogliere non
solo le dinamiche di differenziazione delle singole opere
ma anche, nello stesso tempo, a riportarle ad una vicenda
di identificazione comune con il riguardante. La possibilità
di creare legami con il destino di tutti offre una
modalità di difesa di fronte alle forze della vita, alle sue
problematiche sociali e ai suoi giochi di potere.

Palombaro
Terracotta patinata, altezza cm 39x100x41
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ermanno Zanotti
Ermanno Zanotti (Bologna 1938-2011) ha fatto della
coroplastica la passione dominante della sua vita. Non c’è
momento in cui non abbia smesso di modellare o abbozzare
forme, femminili soprattutto. Si portava appresso
una formella d’argilla con la stessa naturalezza di chi porta
con sé un album di schizzi o la macchina fotografica.
Zanotti si è formato una cultura artistica autonoma.
È strano però che questa sua vocazione non gli abbia
mai fatto incrociare un maestro che la incanalasse e che
rendesse meno faticosa la scoperta di quelle modalità
espressive che solo la lunga pratica gli ha reso “naturali”.
La mano che afferra, impasta e crea diventa pensiero,
si fa riflessione sul mondo e sul destino dell’uomo in un
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sereno, ironico ed empatico coinvolgimento.
L’esplorazione della sua mano sui corpi è governata
da una leggerezza e da una sapienza del tocco infinita.
Anatomie e torsioni gli appartengono per una lunga
meditazione sulle forme e sulla ricerca degli spazi che
esse occupano. Soprattutto gli appartiene l’intelligenza di
declinare attraverso il movimento il linguaggio del corpo
nelle sue infinite interazioni.
Flessuose, intriganti, sensuali le terrecotte patinate
di Ermanno Zanotti tengono splendidamente lo spazio.
Lo riempiono di linee che fluiscono dalle curvature dei
corpi, mentre i continui movimenti degli occhi, che le
inseguono, disegnano instancabili percorsi in un cosmo
infinito. Il nudo femminile raggiunge allora una connotazione
stilistica del tutto particolare, quasi che tra
il modello e l’artista si generasse un gioco continuo di
rimandi e di seduzioni.

Sensualità
Terracotta patinata, altezza cm 76x70x37
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Maternità
Terracotta patinata, altezza cm 107x60x24
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Patrizio Zona
Nato a Napoli negli anni Cinquanta, fin da piccolo
sente il fascino della manualità e dell’intelligenza delle
mani. Inizia ad occuparsi di artigianato ma ciò che lo
interessa davvero è la scultura in quanto è il contatto
diretto con la materia ad attrarlo. Frequenta le fonderie
e i laboratori artistici.
Da autodidatta sperimenta la lavorazione della pietra,
del marmo, del legno, del bronzo. Comincia a partecipare
a mostre collettive, a premi d’arte. I primi riconoscimenti
della sua arte lo incoraggiano a continuare nella ricerca
intrapresa. Patrizio Zona vive e lavora a Napoli ed è direttore
artistico del Parco delle Sculture della Valdichiana
di Poggio Sant’Angelo a Farneta di Cortona.
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Le opere di Patrizio Zona producono le stesse fluttuazioni
nei corpi della materia che i moti del vento nell’aria.
Le forme sono incessantemente percorse da correnti e
da flussi che le plasmano e le modellano. Come costruite
dall’aria, riportano i ritmi della terra, del fuoco, dell’acqua
e degli infiniti mondi che compongono l’universo. In queste
scansioni ognuno riconosce il flusso della sua anima
aerea, della sua vita, circolante nelle vene e nei nervi. La
scultura fissa un ritmo e nel contempo ne suggerisce la
prosecuzione nello spazio e nel tempo.
Nelle sue sculture sono presenti evocazioni di spazi
fisici, ma vi sono anche dei paesaggi mentali che riportano
il mondo ad un livello superiore di elaborazione, fatto
di forze motrici e di limitazioni. Eppure le spinte infinite
del mondo interiore riconducono sempre all’enigma
nascosto nel suo centro. Soltanto qui hanno un senso
le energie presenti, qui soltanto si producono tutte le
trasformazioni della materia e del nostro essere. I moti
dell’aria e quelli dell’animo accompagnano i nostri atti,
le nostre azioni, le nostre libertà.

Archetipo di un volo frenato
Legno di samba Africana, 207 cm 183x18x21