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AMPIA ESPOSIZIONE AL PIANO SUPERIORE

Sommario ottobre 2018 

6 La retrospettiva di Sauro Cavallini all’Accademia delle Arti del Disegno 

9 L’eccellenza della manifattura toscana a Villa Caruso 

10 Marina Abramovic protagonista a Palazzo Strozzi 

12 Il sigaro toscano: duecento anni di storia quotati in borsa 

13 Arte del vino: I Veroni, pregiatissimo Sangiovese 

14 Fondazione Romualdo Del Bianco: accordo per valorizzare l’artigianato fiorentino 

17 Firenze mostre: omaggio a Jane Fortune, paladina dell’arte femminile 

18 Dalla natura all’uomo: il percorso fotografico di Barbara Cerri 

19 Spunti di critica fotografica: William Eugene Smith, pioniere del reportage 

21 Speciale Pistoia: la settima edizione di Un altro parco in città 

22 Personaggi: Donatella Milani, cantante e compositrice toscana 

24 Invito a teatro: Ferruccio Soleri, una vita per Arlecchino 

26 Arkiwine: Silvano Evangelista, professionista dell’ABI 

27 Incontro con Mario Celotti, presidente dell’ADAM 

28 Il gusto della tradizione: l’Antica Macelleria Falorni 

30 Ritratti d’artista: l’amore nel nuovo millennio secondo Franca Vannoni 

32 L’avvocato risponde: la tutela giuridica dei brevetti 

36 Eccellenze toscane in Cina: il Salumificio Lombardi 

38 Percorsi nella natura: le montagne di San Martino di Castrozza 

40 A Reus il museo dedicato al genio di Antoni Gaudì 

43 A Gualdo la mostra dedicata al pittore sestese Ennio Pozzi 

44 Obbiettivo fotografia: il “mosso creativo” di Fabio Canali 

45 Ritratti d’artista: Giovanni Garrubba, pittore innamorato della realtà 

46 Alle Serre Torrigiani il festival del cinema in bianco e nero 

47 La tradizione del teatro giapponese a Palazzo Medici Riccardi 

48 Solidarietà con Cure2Children al Parco dei Renai di Signa 

50 A Palazzo Vecchio la XXXIII edizione del Premio Lorenzo il Magnifico 

61 L’astrazione contemporanea in mostra alla Galleria d’Arte Mentana 

63 I libri del mese: Il fiore dell’amicizia di Lenio Vallati 

Periodico di attualità, arte e cultura 

La Nuova Toscana Edizioni 

di Fabrizio Borghini 

Viale F. Redi 75 

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Anno 1 - Numero 9 

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Paolo Bini 

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Elisabetta Mereu 

Alessandro Michelazzi 

Carlo Midollini 

Duccio Paoli 


Barbara Santoro 

Silvano Silvia 

William Eugene Smith 

In copertina: 

Sauro Cavallini, Natura (1973), 

bronzo (ph. courtesy Centro 

Studi Cavallini) 

Premio Letteratura SpoletoFestivalArt 2018 

a Simone Fagioli per il volume La struttura 

dell'argomentazione nella Retorica di Aristotele 

(Società Editrice Fiorentina) 

Simone Fagioli è poeta, scrittore e saggista. 

Ha ricevuto numerosi premi letterari e 

riconoscimenti nazionali e internazionali. 

Si è laureato con lode in Filosofia teoretica 

e in Etica delle relazioni Umane. È 

professore di Filosofia e Storia presso il 

Liceo Classico Europeo “Santa Maria degli 

Angeli” di Firenze ed è Presidente dell’Associazione 

Culturale #FareCultura. Con La 

struttura dell'argomentazione nella Retorica 

di Aristotele, edito dalla S.E.F., l’autore 

ci invita a riflettere sull’analisi dei discorsi 

politici e a cogliere i quadri socio-culturali 

della vita neo-moderna, nella prospettiva 

del mondo greco. Si tratta, pertanto, di un 

testo, che per la sua originalità e per il suo 

rigoroso scavo teoretico, offre degli strumenti 

essenziali per interpretare e abitare 

il nostro presente, cercando, nel pensiero 

di Aristotele, nuove vie e possibili soluzioni 

ai problemi del mondo post-moderno. 

4

Un tuffo nel passato, un tuffo nella moda... 

nella storia della moda! 

Dall'archivio dell'Atelier Giuliacarla Cecchi 

uno scatto che racconta lo stile e le tendenze 

degli anni Ottanta 

Atelier GIULIA CARLA CECCHI 

Via Jacopo da Diacceto, 14 - 50123 Firenze 

Showroom: Tel: 055284269 - Cell: 335437934 

Email: polacecchi@gmail.com

Firenze 

Mostre 

Sauro Cavallini 

Luce e Ombra è il titolo della retrospettiva 

dedicata al noto scultore dall’Accademia 

delle Arti del Disegno di Firenze 

Oltre settanta opere, molte delle quali inedite, ricostruiscono 

la ricerca formale ed espressiva dell’artista a poco più di due 

anni dalla scomparsa 

di Barbara Santoro / foto courtesy Centro Studi Cavallini 

A 

distanza di poco più di due anni 

dalla sua scomparsa, Sauro Cavallini 

è protagonista di una grande 

mostra nella Sala delle Esposizioni 

dell’Accademia delle Arti del Disegno, in 

via Ricasoli 68 a Firenze. Luce e Ombra 

è il titolo di questa antologica curata da 

Domenico Viggiano che si aprirà il 4 ottobre 

e resterà aperta al pubblico fino al 

giorno 30 dello stesso mese. Promossa 

dall’Accademia delle Arti del Disegno 

e dal Centro Studi Sauro Cavallini, con 

il prezioso contributo della Fondazione 

Cassa di Risparmio di Firenze, dell’Ufficio 

Promotori Finanziari di Firenze della 

Banca Mediolanum e del Consiglio Regionale 

della Toscana, è patrocinata da: 

Comune di Firenze, Regione Toscana, 

Città Metropolitana, Comune di Fiesole, 

Fondazione Michelucci. Si può considerare 

quasi un omaggio alla città di Firenze 

che accolse l’artista alla fine degli anni 

’30 del Novecento, quando la sua famiglia 

si trasferì qui da La Spezia. Riunite 

per l’occasione oltre 70 opere che rivelano 

l’intenso lavoro di Sauro Cavallini 

che per oltre mezzo secolo ha mostrato 

forme dalle curve gentili, sinuose in un 

continuo movimento senza fine, donando 

un’ eleganza sottile che faceva parte 

anche della personalità dell‘uomo, raffinato 

anche con la tuta da lavoro o con 

gli occhiali da saldatore. Alle pareti della 

grande sala saranno esposte più di 40 

opere pittoriche a colori assolutamente 

inedite realizzate dall’artista nel momento 

di massima maturità. Opere talmente 

care al maestro da non aver mai visto la 

luce al di fuori del suo studio sulle colline 

di Fiesole (oggi sede del Centro Studi Cavallini) 

perché gelosamente conservate e 

Sauro Cavallini 

mostrate solo a pochi amici. La stessa 

sala ospiterà importanti sculture in bronzo 

come Natura (simbolo dell’esposizione) 

assieme a circa un’altra diecina di 

bronzi e ferri. Nella sala piccola potranno 

essere ammirati invece una ventina 

di disegni eseguiti negli anni ’60, caratterizzati 

dallo studio della linea, così importante 

per la formazione degli scultori. 

Nello spazio esterno, sotto il porticato, 

fra le volte che si affacciano su Piazza 

San Marco, verranno posizionate tre 

opere monumentali in bronzo: i due Titani 

e il Ginnasta (opera che fu esposta 

nel 1975 al Salon d’Automne del Grande 

Palais di Parigi ) accompagnate da un 

allestimento con i versi che il maestro 

pubblicò nel suo libro di poesie Cantici 

del mare e della vita edito nel 1998 da 

Polistampa. Tra le sculture nella grande 

sala sarà esposta anche quella dell’Ultima 

Cena, che Cristina Acidini, presidente 

dell’Accademia, ha definito simbolo 

altissimo della potenza inventiva di Cavallini 

e altresì retaggio incompiuto. Per 

comprendere meglio le dimensioni finali 

di questo monumento (più di 16 metri 

di lunghezza per 7 di altezza) sarà esposto, 

accanto al bozzetto, un busto in gesso 

dell’opera definitiva ancora in attesa 

di essere fusa in bronzo e attualmente 

conservata al Centro Studi Cavallini di 

Fiesole. Una magnifica esposizione che 

andrà a sottolineare l’intensa relazione 

che Sauro Cavallini ha avuto con Firenze, 

dove i suoi tanti monumenti pubblici 

6 

SAURO CAVALLINI

arredano luoghi significativi del capoluogo 

toscano. Tra questi ricordiamo il 

grande Crocifisso che ci accoglie nel Cimitero 

delle Porte Sante di San Miniato 

al Monte (dove l’artista ora riposa nella 

cappella di famiglia accanto alle tombe 

di Annigoni e Spadolini), il Monumento 

alla Pace posizionato al centro del parco 

del Palazzo dei Congressi in Piazza Stazione, 

Il volo dei gabbiani davanti alla sede 

RAI in piazza De Gasperi e le cinque 

opere che in Piazza Ferrucci compongono 

La fontana della maternità. Nato a 

La Spezia da genitori ed avi liguri; il padre, 

che per tanti anni aveva lavorato nella 

Marina Militare, fu trasferito a Firenze 

ed assunto alle Ferrovie dello Stato. Sauro 

trovò subito il contatto giusto con la 

città dell’arte. Nel 1957 espose da autodidatta 

alcune opere in una collettiva a 

Firenze; in seguito aprì uno studio in via 

Orsanmichele dove ebbero inizio le sue 

prime sperimentazioni con vari materiali. 

Nel 1960, dopo aver acquistato un pezzo 

di terra sulla collina fiesolana, costruì 

la casa e lo studio; qui, appagato dalla 

bellezza della natura e dalle piante che lo 

circondano, cominciò a scolpire notte e 

giorno le grandi sagome che scaturivano 

dalla sua fantasia creativa. Dall’esordio 

della sua carriera artistica avvenuta 

nel lontano 1965 quando la scultura Il 

Gatto vinse il primo premio al XVI edizione 

del Fiorino d’Oro, Sauro Cavallini è 

stato protagonista di innumerevoli commesse 

internazionali, collocando le sue 

opere in collezioni molto prestigiose come 

quella del Consiglio d’Europa di Strasburgo, 

del Principato di Monaco e del 

Vaticano, e molte altre raccolte di istituti 

bancari e di privati. Moltissimi i riconoscimenti 

ricevuti in vita, anche se 

dalla sua scomparsa nel 2016 c’è stata 

una vera e propria consacrazione del suo 

lavoro grazie all’attenzione della critica 

e ad una serie di eventi che hanno dato 

l’opportunità ad un pubblico sempre più 

vasto di conoscerne l’opera in maniera 

più approfondita. Dall’apertura del Centro 

Studi a lui dedicato all’interno del suo 

atelier sulla collina di Fiesole nel 2017, 

prosegue quindi il successo di un artista 

che ha votato tutta la vita alla realizzazione 

di opere di grande impatto emotivo, 

studiando la forma sia dal punto di 

vista scultoreo che grafico e raggiungendo 

livelli altissimi di approfondimento e 

perfezione. Moltissimi infatti gli eventi 

dedicati a Sauro Cavallini in questi due 

Natura, bronzo, 1973 

La Creazione, tempera su carta, cm93x69, 2001 

anni, dall’esposizione Intrusioni, voluta 

dall’amministrazione Comunale di Fiesole 

per celebrare l’artista la scorsa estate, 

all’assegnazione di due premi internazionali, 

il Lifetime Achivement Award alla 

carriera durante il Visionary Art Show 

di Lecce e il Premio Lorenzo il Magnifico 

alla carriera durante la XI edizione della 

Biennale Internazionale dell’Arte a Firenze, 

all’esposizione personale in Svizzera 

presso la Galleria Marval di Neuchatel 

nella passata stagione invernale, alla 

mostra collettiva Presenze nell’Arte Contemporanea 

assieme ai maestri Guttuso, 

Annigoni, Carrà, Sironi e Rosai nel Salone 

Donatello della Basilica di San Lorenzo 

di Firenze lo scorso giugno, fino 

alla grande esposizione monumentale in 

Piazzetta San Martino a Pietrasanta appena 

conclusa. Questa nuova esposizione 

personale presso l’Accademia più 

antica del mondo rappresenta quindi 

un’imperdibile occasione per appassionati 

e collezionisti. 

SAURO CAVALLINI 

7

Una storia di passione e tradizione 

nel cuore di Firenze 

Un gioiello Paolo Penko è un’armoniosa unione tra passato e presente, tradizione e innovazione, creatività e saper 

fare. Unico e riconoscibile, lo stile Penko intreccia bellezza e qualità della materia con il fascino dei richiami a 

forme e simbologie della pittura e dell’architettura fiorentina. Senza dimenticare che in questa bottega si perpetua 

ancora oggi la storia del fiorino d’oro. Una passione condivisa con la moglie Beatrice - esperta in gemmologia 

- e i figli Alessandro e Riccardo, che affiancano il padre con ruoli diversi: il primo seguendolo in giro per il mondo, 

suggerendo nuove idee ed occupandosi della pubblicità sui social, il secondo disegnando alcune linee di gioielli 

in sintonia con la tradizione familiare. Un connubio di talenti e creatività che detta il successo della bottega Penko, 

la cui nuova sede, ancora più grande ed elegante della precedente, si trova in via delle Oche 20r, a pochi passi dal 

duomo di Santa Maria del Fiore e da via dei Calzaiuoli. 

Contatti 

www.paolopenko.it info@paolopenko.com + 39 055. 2052577

A Villa Caruso sfilano passato, presente e 

futuro del manifatturiero toscano 

di Elisabetta Mereu / Foto courtesy www.mitacademy.it / www.museopaglia.it 

Da sinistra: Agostino Apolito, Antonella Vitiello, Anna Maria Addabbo e Massimiliano Guerrini 

(ph. Elisabetta Mereu) 

Le lavorazioni del Made in Italy sono 

rappresentate da tecniche antiche 

e sedimentate dal saper fare tipico 

del nostro paese. Questo il motivo ispiratore 

della serata evento Lumières de la mode 

che si è svolta domenica 30 settembre 

nella suggestiva terrazza di Villa Caruso nel 

comune di Lastra a Signa. In questa scenografica 

cornice gli studenti della Fondazione 

ITS MITA di Scandicci hanno sfilato 

per presentare vari accessori moda che 

loro stessi avevano realizzato utilizzando 

materiali tradizionali del territorio, reinterpretandoli 

in un gioco creativo fra passato 

e presente, elegantemente sottolineato 

dall’accompagnamento musicale del maestro 

Leandro Cosco e del soprano Federica 

Alcione. La Fondazione MITA ha abbracciato 

l’idea di rivisitare attraverso i corsisti dei 

propri percorsi formativi le attività legate alla 

lavorazione della maglieria e soprattutto 

della paglia, con il cappello storico (fiorente 

industria nata nel 1714 ad opera di Domenico 

Michelacci ndr.), importante accessorio 

diventato famoso anche grazie a tanti 

divi del cinema e della canzone che hanno 

indossato vari modelli, alcuni dei quali 

diventati iconici. «La serata, cui ha partecipato 

come ospite d’onore la regista Cinzia 

TH Torrini - ha detto il presidente della 

Fondazione MITA, il giovane imprenditore 

Massimiliano Guerrini - è stata magistralmente 

presentata dalla professoressa Anna 

Maria Addabbo, dirigente dell’Istituto Tecnico 

Liceale Russell-Newton di Scandicci, 

scuola superiore di riferimento per noi, 

e dal vicedirettore di Confindustria Firenze, 

Agostino Apolito. Fondamentale per la riuscita 

di questo evento - ha aggiunto Guerrini 

- è stata la costruzione di una rete di 

relazioni e sinergie importantissime messe 

in campo da tante figure istituzionali che 

vogliamo ringraziare: il sindaco di Lastra 

a Signa, Angela Bagni, Alberto Cristianini 

e Giampiero Fossi, sindaco e assessore 

alla Formazione e Lavoro del Comune di 

Signa, Silvia Parretti dell’Associazione Villa 

Caruso e Angelita Benelli, presidente del 

Museo della Paglia, dove i ragazzi del MI- 

TA andranno presto in visita». «Questa sfilata 

- ha detto l’architetto Antonella Vitiello 

direttrice del MITA - è stata un piacevole 

spunto per promuovere quelle che sono le 

attività formative del nostro istituto di specializzazione 

professionale, cioè la possibilità 

di affrontare tecniche e lavorazioni che 

hanno radici profonde nella storia manifatturiera 

italiana, con una duplice valenza: 

quella del re-shoring degli antichi mestieri, 

contemporaneamente alla conservazione 

Modella del Mita (ph. Duccio Paoli) 

Arti & Mestieri 

di importanti tasselli della storia produttiva 

e lavorativa. Il design dei capi permette 

di realizzare forme e volumi che hanno 

una ricchezza progettuale che riporta alla 

luce modalità in grado di essere trainanti 

per profili lavorativi nell’ambito della moda. 

Settore che - com’è noto - è continuamente 

alla ricerca di innovazione, però sempre 

collocata all’interno di una forte connotazione 

artigianale». 

Un momento della sfilata (ph. Duccio Paoli) 

ARTI & MESTIERI 

9

Firenze 

Mostre 

Marina Abramovic 

La pioniera della performance art protagonista di 

una grande mostra retrospettiva in corso fino a gennaio 

a Palazzo Strozzi 

Installazioni, video e performance ripercorrono la storia di una 

delle più controverse protagoniste dell’arte contemporanea 

di Barbara Santoro / foto Guido Mencari 

Dal 21 settembre 2018 al 20 

gennaio 2019 Palazzo Strozzi 

ospita The Cleaner, la grande 

mostra retrospettiva dedicata a Marina 

Abramovic, una delle personalità 

più controverse dell’arte contemporanea, 

e curata dal direttore generale della 

Fondazione Palazzo Strozzi Arturo Galansino. 

Il percorso espositivo si estende 

dal sottosuolo della Strozzina fino a 

tutto il piano nobile del palazzo rinascimentale: 

oltre cento le opere protagoniste, 

che raccontano i cinquant’anni 

della sua carriera e offrono ai visitatori 

una panoramica sui lavori più noti 

dagli anni ’60 agli anni 2000. Video, 

fotografie, oggetti, installazioni e dipinti, 

ma anche l’esecuzione dal vivo di 

alcune celebri performance della Abramovic 

da parte di un gruppo di artisti, 

specificatamente formati e scelti in occasione 

della mostra, che si alterneranno 

ogni giorno in quaranta posizioni. E’ 

la prima volta che Palazzo Strozzi dedica 

una retrospettiva ad una donna ed 

è sorprendente come proprio l’Italia e 

Firenze in particolare abbia accolto la 

sua arte. L‘Italia è per Marina uno dei 

tanti luoghi in cui, con il compagno di 

vita Ulay (Frank Uwe Laisiepen), ha vissuto 

e creato trascorrendo dodici anni 

d’amore, attività lavorativa e condivisione 

spirituale. Il loro percorso vitale 

si è concluso sulla Muraglia Cinese 

con un video che è stato visto da milioni 

di persone. Il furgoncino Citroen che 

Marina Abramovic con Ulay nel 1980 in occasione della performance intitolata Rest Energy 

acquistarono ad Amsterdam era stato 

un cellulare della polizia. In questo 

veicolo hanno vissuto per tre anni viaggiando 

in Europa con dentro solo un 

materasso, uno schedario, un fornello, 

una macchina da scrivere e pochi abiti. 

Un po’ malridotto ma perfettamente 

restaurato, è ora esposto nel cortile 

di Palazzo Strozzi, quasi a dare il benvenuto 

in contrasto con la ausetra cornice 

rinascimentale del palazzo. I due 

artisti scelsero una vita nomade con regole 

precise esposte nel loro manifesto 

Art vital. Nessuna residenza fissa, 

grande energia, un movimento continuo, 

un contatto diretto, esposizione al 

caso, nessuna fine prestabilita o decisa, 

superare i limiti il più possibile anche 

correndo grossi rischi, nessuna prova, 

nessuna ripetizione. Quando presentarono 

Imponderabilia negli anni Settanta, 

furono quasi arrestati ed oggi i due 

corpi nudi (uno di donna l’altro di uomo) 

accolgono il pubblico nella prima 

sala, l’uno di fronte all’altro pronti a sfidare 

e costringere la platea degli astanti 

a passare di traverso nel mezzo per non 

sfiorare le due nudità. Ma chi è Marina 

Abramovic? Nata a Belgrado, è la nipote 

di un patriarca della Chiesa ortodossa 

serba, successivamente proclamato 

santo. Entrambi i genitori furono partigiani 

durante la seconda guerra mondiale: 

il padre Vojo fu riconosciuto eroe 

nazionale e la madre Danica, maggiore 

dell’esercito, fu nominata direttore del 

Museo della Rivoluzione e Arte a Belgrado. 

Quando Marina aveva quattordici 

anni, chiese al padre di comprare dei 

colori. Lui, portò una tela che cominciò 

a tagliare; poi, stesala a terra, la rivestì 

di colla, sabbia, pietrisco, bitume, 

di colori dal giallo al rosso ed infine co- 

10 

MARINA ABRAMOVIC

sparse il tutto di trementina e, con un 

fiammifero messo al centro della composizione 

la fece esplodere e dicendo 

alla figlia: «Questo è il tramonto». Dal 

1965 al 1972 Marina ha studiato all’Accademia 

di Belle Arti. Dal 1973 al 1975 

ha insegnato presso l’Accademia di Belle 

Arti di Novi Sad e ha cominciato a creare 

le sue prime performance. Nel 1974 

è venuta in Italia, dove a Milano ha presentato 

alla Galleria Diagramma Rhytm 

4. Nel 1976 ha lasciato la Jugoslavia e si 

è trasferita ad Amsterdam. Nello stesso 

anno ha iniziato la collaborazione e relazione 

con Ulay, artista tedesco, e nel 

1997 ha vinto il Leone d’Oro alla Biennale 

di Venezia. Tanti i riconoscimenti 

ed i premi, fra questi il Premio alla 

Carriera Lorenzo il Magnifico assegnatole 

nel 2009 alla VIII Biennale di Firenze, 

e nel 2008 in Austria la Medaglia per 

le Scienze e per le Arti. Oggi Marina ha 

settanta anni e a chi le chiede se si sente 

una pioniera della performing art risponde 

che certamente lo è stata, anche 

perché in Italia non ci sono donne artiste 

ma solo mogli di artisti se si esclude 

Marisa Merz. Interessante anche il suo 

pensiero a proposito dell’arte contemporanea:«Dal 

Vaticano ai Medici fino 

ad oggi l’arte è sempre stata merce di 

scambio. Oggi ad usarla sono le grandi 

corporazioni piuttosto che le grandi 

famiglie di una volta. L’arte che mi interessa 

è quella che reca un messaggio 

universale, che parla di spiritualità umana, 

l’arte libera di esprimere opinioni e 

sentimenti. Per questo ho voluto accanto 

a me il mio compagno Ulay in veste 

però di ospite d’onore». Sul perché della 

scelta di questo titolo The Cleaner, 

l’artista sembra non voler rispondere. 

Toccherà al pubblico alla fine della visita 

dare la propria interpretazione. 

Marina Abramovic 

The Cleaner 

22 settembre 2018 

20 gennaio 2019 

Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 

Firenze 

Orario mostra: 

tutti i giorni inclusi i festivi 

10.00 / 20.00 - giovedì: 10.00 / 23.00 

+39 055 2645155 

info@palazzostrozzi.org 

In questa e nelle altre foto alcune sezioni della mostra 

11

Eccellenze toscane 

nel Mondo 

Il sigaro toscano 

Duecento anni di storia per un’eccellenza 

italiana conosciuta nel mondo e oggi quotata 

in borsa dopo un’efficace azione di rilancio 

di Barbara Santoro 

Era l’estate del 1815 quando a Firenze 

ci fu un gran temporale 

(oggi la chiameremmo bomba 

d’acqua). Una grossa partita di tabacco 

Kentucky (dal luogo americano dove 

veniva coltivato) che era stato messo a 

seccare, s’inzuppò velocemente e avendo 

cominciato a fermentare per il gran 

caldo, fu messo al macero. Il direttore 

della fabbrica pensò di utilizzarlo come 

ripieno per sigari da vendere a pochissimo 

prezzo essendo ormai un prodotto 

di scarto. Nacque così un sigaro piccolo 

e bitorzoluto che messo in vendita nei 

quartieri d’Oltrarno, ebbe molto successo. 

A causa della sua forma irregolare in 

Toscana veniva chiamato anche stortignaccolo. 

Visto l’inaspettato riscontro, la 

Manifattura Granducale iniziò a produrre 

il sigaro su larga scala, e già nel 1818 fu 

regolarmente messo in vendita. Il sigaro 

toscano ha certamente rappresentato 

un settore di rilievo nell’economia regionale 

almeno fino a tutto l’Ottocento, visto 

che nella sola Firenze esistevano 

numerosi opifici adibiti a Manifattura Tabacchi 

e tutti collocati in edifici di grande 

capienza e di indubbio prestigio. Così 

dopo aver occupato i locali dell’ex Convento 

di Sant’Orsola, la produzione del 

toscano venne allargata alla sede autonoma 

posta nell’ex Chiesa di San Pancrazio, 

oggi sede del Museo Marino 

Marini. Il sigaro è stato una presenza costante 

tra le dita di Garibaldi, Toscanini, 

Verdi, Mascagni, Churchill, Mario Soldati, 

Gianni Brera, Amedeo Modigliani e 

tanti altri. I pochi che osavano accendere 

lo “stortignaccolo” in pubblico, venivano 

considerati nostalgici perché ormai 

il tempo del toscano era superato. Poi, 

nei primi anni ’80, Giuseppe Spaziante, 

direttore della Manifattura di Lucca, 

scommise sul rilancio del toscano originale. 

Da allora molte cose sono cambiate. 

La proprietà dell’azienda, che dal 

2006 è del Gruppo Maccaferri dopo esser 

stata, dal 2004 al 2006, della British 

American Tobacco, aumenta di continuo 

il proprio fatturato. Nel 2017 è stata toccata 

la quota di 102 milioni di euro. Oggi 

le varietà di sigari sono tantissime: Sementa, 

Antica Tradizione, Antica Riserva, 

Soldati, fino a quelli aromatizzati. Prossimamente 

uscirà il Duecento per celebrare 

l’anniversario e la quotazione in 

Borsa. Luca Cordero di Montezemolo, 

attuale presidente di Manifatture Sigaro 

Toscano, è davvero soddisfatto di questo 

rilancio, e noi, da toscani veraci, ci rallegriamo 

con lui. 

Winston Churchill con l'immancabile sigaro 

toscano 

Una panoramica della Manifattura Tabacchi a Firenze, uno dei luoghi storici per la produzione del sigaro 

12 

IL SIGARO TOSCANO

A cura di 

Paolo Bini, relatore Associazione Italiana Sommelier 

Arte del 

Vino 

I Veroni: pregiatissimo Sangiovese 

di Paolo Bini / foto courtesy dell’azienda 

info e consulenza: wine@bini.eu 

Oltre quattro secoli di storia: la 

fattoria I Veroni venne riportata 

già nel 1582, in documenti 

ufficiali dell’epoca, come complesso 

agricolo intorno Pontassieve. Una lunghissima 

tradizione nell’areale vinicolo 

di Rùfina che oggi si estende per oltre 

70 ettari coltivati prevalentemente a 

olivo e vite e che si sviluppa fino ai 350 

metri di altitudine dell’antica pieve di 

San Martino a Quona. Declivi espressivi 

di Toscana dove la nostra uva Sangiovese 

trova il naturale habitat per esprimersi 

al meglio e, grazie a un’ottima 

escursione termica e all’ideale esposizione 

dei filari verso sud-ovest, sfrutta 

quegli aspetti determinanti per raccontare 

nel calice l’essenza del Chianti Rufina: 

freschezza, gusto, longevità. Di 

proprietà Malesci da fine '800, l’azienda 

deve il suo nome agli ampi terrazzamenti 

(“veroni”, appunto, in toscano 

Lorenzo Mariani 

Vini DOP I Veroni 

antico) che un tempo esistevano e su 

cui probabilmente si essiccavano le foglie 

di tabacco raccolte lungo le rive del 

vicino Arno. La notorietà odierna si deve 

invece a Lorenzo Mariani, proprietario 

di quarta generazione, che a inizio 

anni ’90 investì su un quasi completo 

reimpianto dei vigneti conscio delle 

grandi potenzialità concentrate in questo 

esclusivo terroir. L’estrema cura in 

vigna e la meticolosità in cantina fanno 

da cornice a un quadro complessivo di 

massima qualità, anche all’interno della 

denominazione stessa, a riprova del 

successo e dei riconoscimenti ottenuti 

fra moltissimi esperti di settore. Conduzione 

biologica certificata dal 2013, 

il rispetto ambientale è un concetto da 

cui non si prescinde così come il senso 

di appartenenza e l’identificazione del 

Sangiovese come vitigno eletto e prediletto 

da sempre, sia in vigna che in 

bottiglia. Una realtà agricola completa 

quella de I Veroni, aperta al 

pubblico per visite guidate, degustazioni, 

ma anche per soggiorni 

agrituristici in raffinati appartamenti 

colonici; da non perdere il 

loro olio extravergine di oliva biologico 

da cultivar Frantoio, Moraiolo 

e Leccino. 

Dura selezione quella delle etichette 

da proporvi; ci concentriamo 

oggi sul Chianti Rufina riserva 

DOCG Vigneto Quona. L’annata 

2015 al momento irrora di porpora 

il calice e attira i sensi con immediati 

profumi di amarena, viola, 

cannella e noce moscata che sfumano 

su note di mora e lavanda, 

cacao, humus ed erbe aromatiche 

con costante piacevole pungenza 

di pepe rosa. Il percorso gustativo 

è entusiasmante, ricco di 

freschezza e corpo, un lungo sapore 

sostenuto da tannini magistrali 

che ora regalano un caldo 

finale di liquirizia e scorza d’agrume 

e che negli anni garantiranno 

una longevità ragguardevole. Vero 

cru dal rapporto qualità-prezzo eccezionale, 

un prodotto ideale per la 

lepre alla cacciatora o formaggi di malga 

semistagionati. Le uve Canaiolo e 

Sangiovese vanno invece ad arricchire 

le tradizionali Trebbiano e Malvasia 

per il Vin Santo del Chianti Rufina “Occhio 

di pernice” DOC 2008. Ben 9 anni 

di affinamento in caratelli che alla mescita 

donano un colore ambrato brillante 

propagando intensi aromi di fico, 

mango essiccato, noce, giuggiola, miele 

di castagno e ancora anice stellato 

e resina su letto di pot-pourri floreale. 

La dolcezza in bocca e il caldo abbraccio 

sensoriale lasciano una persistente 

scia gustativa di agrume candito e 

pesca caramellata e lo rendono perfetto 

per accompagnare crostate con confettura 

gialla o per sedurre, assieme a 

un pecorino stagionato, gli amanti delle 

emozioni forti e contrapposte. 

ARTE DEL VINO 13

Centro congressi 

al Duomo 

L’artigianato è cultura: accordo per valorizzarlo 

Intesa di Fondazione Del Bianco e Confartigianato Firenze 

Le due realtà fiorentine hanno firmato un Memorandum di Collaborazione 

per la diffusione del Movimento Life Beyond Tourism anche tra gli affiliati 

all’associazione di categoria fiorentina 

di Beatrice Botticelli / foto etaoin media & comunicazione 

Una nuova sinergia per valorizzare 

il lavoro degli artigiani fiorentini 

e farli diventare parte 

integrante del percorso di visita alla città. 

Non una visita “mordi e fuggi” con 

tappe da rispettare segnate in rosso sulla 

cartina ma un viaggio “culturale” nel 

viaggio, pensato per i visitatori che vogliono 

conoscere la Firenze vera e autentica 

immersi nell’atmosfera dei suoi 

laboratori artigiani. L’accordo vede unite 

la Fondazione Romualdo Del Bianco 

e Confartigianato Firenze che hanno siglato 

un Memorandum di Collaborazione 

per la diffusione del Movimento 

Life Beyond Tourism. La collaborazione 

punta a diffondere tra gli affiliati a 

Confartigianato Imprese Firenze una 

nuova concezione di offerta culturale-commerciale 

che coniughi sviluppo 

sostenibile e diffusione dei valori di 

conoscenza orientato a favorire il dialogo 

tra culture. Continua quindi l’impegno 

della Fondazione Del Bianco, 

con l’Istituto Internazionale LBT, per la 

diffusione del Movimento Life Beyond 

Tourism e la promozione della visibilità 

del saper fare contemporaneo fiorentino, 

già suggellata dai Memorandum 

siglati a novembre 2016 con l’Associazione 

Esercizi Storici Tradizionali e Tipici 

Fiorentini e, a febbraio 2017, con 

l’Osservatorio Mestieri d’Arte (Oma). 

Un nuovo accordo per la diffusione 

del Movimento Life Beyond Tourism è 

stato firmato nei giorni scorsi con l’Università 

Politecnica Statale di Volgograd 

(Russia) all'Auditorium al Duomo 

a testimonianza del virtuoso lavoro in 

sinergia con l’Istituto Internazionale 

LBT che Fondazione Del Bianco si propone 

di portare avanti in tutto il mondo. 

L’accordo, firmato dai presidenti 

della Fondazione Romualdo Del Bianco 

e di Confartigianato Imprese Firenze, 

rispettivamente Paolo Del Bianco e 

Alessandro Vittorio Sorani, prevede la 

definizione di un quadro generale di cooperazione 

per le attività da realizzare in 

sinergia ispirandosi ai valori del Movimento 

Life Beyond Tourism: l’obbiettivo 

è esplorare e promuovere le migliori 

pratiche per presentare il saper fare del 

territorio fiorentino a chi visita la cit- 

Un momento dell'incontro all'Auditorium al Duomo di Firenze 

14 

MOVIMENTO LIFE BEYOND TOURISM

tà. I visitatori avranno la garanzia della 

Certificazione per il Dialogo tra culture 

(DTC-LBT 2018) che gli affiliati di Confartigianato 

potranno ottenere diventando 

“Membri” Life Beyond Tourism, 

poi “Autocertificati”, infine, se vorranno, 

soggetti “Certificati”. Presenti alla 

firma l’assessore allo Sviluppo Economico 

del Comune di Firenze, Cecilia Del 

Re e Michele Taccetti, project manager 

Life Beyond Tourism. «Un accordo 

dall’Amministrazione che va nella direzione 

già intrapresa - ha detto Cecilia 

Del Re -. Un’occasione importante per 

fare rete e proseguire nella valorizzazione 

dell’artigianato, anche in vista della 

candidatura di Firenze a città Unesco 

per l’artigianato. Proprio dai tavoli per 

la candidatura è emersa l’idea di rafforzare 

tutte le azioni utili a far emergere 

questo aspetto». «La sottoscrizione 

di questa intesa - ha detto Alessandro 

Sorani - ribadisce i valori che animano 

la nostra associazione, che coincidono 

con quelli della Fondazione. La necessità 

di promuovere il territorio fiorentino 

e il settore dell'artigianato, in particolare 

dell'artigianato artistico, è il collante 

di questo accordo. È importante 

- ha proseguito Sorani - che nel protocollo 

vi sia il progetto Vo per botteghe 

® perché da sempre riteniamo che 

il modo migliore per comunicare l'artigianato 

sia farne esperienza in prima 

persona». Nell’intesa, infatti, è incluso 

anche il riconoscimento del progetto 

Vo per Botteghe ® - itinerari per 

incontrare gli artigiani e le attività storiche 

nel centro di Firenze - come uno 

degli strumenti prioritari per lo sviluppo 

locale ed internazionale delle aziende 

storiche e artigiane e come una delle 

pratiche applicazioni di maggior successo 

e di forte impatto internazionale 

per esplicitare l’orientamento Life 

Beyond Tourism. Proposta attualmente 

agli ospiti delle strutture del Centro 

Congressi al Duomo, ma che si intende 

estendere anche ai circa 250 alberghi 

del portale Viva Firenze. che aderiranno 

all’iniziativa, iscrivendosi al Movimento 

e certificandosi. «La presentazione del 

saper fare - ha spiegato Paolo Del Bianco 

- è fondamentale per la comprensione 

della cultura del territorio medesimo 

e parte insostituibile per contribuire al 

dialogo tra culture che è la missione del 

Movimento Life Beyond Tourism avviato 

dalla Fondazione e presentato anche 

al 42° Comitato Patrimonio Mondiale 

Unesco lo scorso 2 luglio a Manama, 

in Bahrein. L’adesione al Movimento Life 

Beyond Tourism avvicinerà l’artigiano 

sempre più a condividere che “presentare 

il proprio prodotto” è in primo luogo 

presentare la propria sensibilità, il 

proprio contesto, la propria intuizione, 

il proprio saper fare, la propria capacità 

di esecuzione. In altre parole con l’adesione 

al Movimento s’intende in primo 

luogo presentare la propria cultura con 

la volontà di aprirsi a un dialogo senza 

lo schermo della vetrina a frapporsi 

tra produttore e visitatore. La Certificazione 

Life Beyond Tourism (DTC-LBT 

2018) per il Dialogo tra Culture accompagnerà 

l’artigiano nelle fasi di crescita 

(da “membro” e poi “membro autocertificato”), 

garantendo la partecipazione 

alla costruzione del dialogo tra culture 

per contribuire alla crescita della comunità 

internazionale in pacifica coesistenza. 

Con la volontaria Certificazione 

per il Dialogo tra Culture si dichiarano 

gli obiettivi e si consente di misurarne i 

risultati anche ai clienti che prima di tutto 

sono ospiti della città». 

Paolo Del Bianco, presidente della Fondazione 

Romualdo Del Bianco 

Stretta di mano tra i presidenti Paolo Del Bianco e Alessandro Sorani alla presenza dell'assessore Cecilia Del Re e Michele Taccetti, Project 

Manager Movimento LBT 

MOVIMENTO LIFE BEYOND TOURISM 15

31

Firenze 

Mostre 

Jane Fortune 

Fondatrice e presidente dell’Advancing Women Artists, 

si è spenta lo scorso 23 settembre ad Indianapolis 

Una mostra in corso alla Fondazione Cassa di Risparmio di Firenze 

le rende omaggio attraverso le opere delle artiste toscane da lei 

studiate e riscoperte 

di Barbara Santoro 

Domenica 23 settembre nella 

sua casa di Indianapolis 

si è spenta Jane Fortune che 

qui era nata nel 1942. Questa donna, 

chiamata anche amorevolmente “Indiana 

Jones”, è stata la fondatrice e 

presidente dell’AWA (Advancing Women 

Artists), organizzazione no-profit 

per la ricerca, il restauro e la valorizzazione 

di opere realizzate da donne 

artiste e conservate in chiese e musei 

della Toscana. Il suo libro Invisible 

Women: Forgotten Artists of 

Florence che ha ispirato l’omonimo 

documentario, è stato importante 

perché ha salvato dall’oblio e dal 

deterioramento 55 lavori di 

donne artiste che hanno coperto 

cinque secoli di storia. 

Ne è un esempio il recupero 

dell’opera di Plautilla Nelli 

che ha permesso la mostra 

dedicata a questa pittrice rinascimentale 

nel 2017 agli 

Uffizi. La sua Ultima cena a 

restauro finito sarà esposta 

permanentemente nel Museo 

di Santa Maria Novella. Jane 

Fortune soleva dire: «Mentre 

lavoro per dare a queste donne 

una voce nella storia, trovo 

anche la mia voce». Pochi 

giorni prima della sua dipartita, 

si è inaugurata a Firenze 

una raffinata mostra ospitata 

fino al prossimio 18 novembre 

nello spazio mostre 

della Fondazione Cassa di 

Risparmio di Firenze. Questa 

esposizione è incentrata 

sul lavoro di pittrici e scultrici 

che operarono a Firenze 

nella prima metà del '900, in 

una situazione assai variegato 

di proposte e sollecitazioni. Fulcro 

nevralgico del catalogo edito da Polistampa 

sono le esperienze di alcune 

donne come Fillide Levasti Giorgi 

e Leonetta Cecchi Pieraccini accomunate 

anche da una grande amicizia 

e legate entrambe a personalità 

assai note della cultura di quegli anni. 

Insieme con loro sono presenti in 

mostra Evelyn Scarampi, Vittoria Morelli, 

Flavia Arlotta, Elisabeth Chaplin, 

Marisa Mori, Adriana Pincherle ed 

Elena Salvaneschi in un affascinante 

affresco che rivela il mondo femminile 

di quel tempo ed abbraccia letteratura, 

arte, musica e pittura. Un ultimo 

La Madonna con Bambino e quattro angeli di suor Plautilla Nelli, 

una delle artiste riscoperte da Jane Fortune 

Jane Fortune (ph. courtesy GoNews) 

atto d’amore verso questa città 

che l’ha vista tanti anni fa studentessa 

innamorata di Firenze 

e che il sindaco Dario Nardella 

ha voluto premiare con il Fiorino 

d’oro nel 2016 eleggendola 

“grande fiorentina”. Nel 2013 

aveva ricevuto il Tuscan American 

Association per il contributo 

dato alla cultura della 

nostra città. La valorizzazione 

del mondo artistico femminile 

è stato uno dei suoi obbiettivi 

principali anche in America, 

per questo nel 2010 ha ricevuto 

la laurea honoris causa in 

Lettere dall’Indiana University. 

Il suo sogno era quello di 

costruire il più grande database 

mondiale su artiste donne 

dal Cinquecento all’ Ottocento. 

Questa giornalista, storica 

dell’arte e filantropa statunitense 

è stata ricordata lo scorso 9 

ottobre con una cerimonia nella 

chiesa di Santa Croce alla quale 

hanno partecipato migliaia di 

fiorentini. 

JANE FORTUNE 17

Obbiettivo 

Fotografia 

Barbara Cerri 

Un percorso fotografico dalla natura all’uomo, passando 

attraverso le suggestioni degli spazi abbandonati 

di Maria Grazia Dainelli / foto Barbara Cerri 

Attratta fin da giovanissima dalla 

fotografia paesaggistica, la sua 

passione cambia rotta negli anni, 

aprendosi alle variegate suggestioni degli 

spazi abbandonati, in particolar modo 

fabbriche, luoghi di cura e di aggregazione 

che raccontano, tra sporcizia e macerie, 

un passato che oggi forse esiste solo nella 

memoria di chi l'ha vissuto. Attualmente 

Barbara Cerri si cimenta in una diversa 

interpretazione fotografica, con cui esprime 

il proprio sentirsi parte dell’ambiente 

circostante. Si passa così dalla totale assenza 

della figura umana ad una presenza 

eterea e confusa. Mentre prima l’uomo 

era un elemento di disturbo nella scena, gli 

ultimi scatti lo rendono invece protagonista, 

ponendolo al centro della narrazione 

fotografica. Nel 2012 diventa socia del 

Circolo Fotografico Il Gruppo di Colignola 

e dal 2013 al 2016 fa parte del direttivo. 

Con questo gruppo organizza e partecipa 

alla manifestazione Insieme per la Fotografia, 

oggi alla 17ª edizione, dove è stata premiata 

nel 2013 e nel 2015. Vince il primo 

premio per la sezione Portfolio negli anni 

2013 e 2017 partecipando alla manifestazione 

annuale degli intercircoli della provincia 

di Pisa e nel 2016 il primo premio 

nell’ambito del concorso artistico letterario 

Fuori dal tempo organizzato da MDS Editore. 

barbarinic@tiscali.it 

Le forme dell'amore 

18 BARBARA CERRI

A cura di 

Maria Grazia Dainelli in collaborazione con Nicola Crisci 


Considerato uno dei più significativi fotoreporter 

del Novecento, ha raccontato la guerra e il lavoro 

nelle fabbriche con bianchi e neri carichi di pathos 

Spunti di critica 

Fotografica 

di Nicola Crisci / foto Williama Eugene Smith 

William Eugene Smith nacque a 

Wichita (Kansan) nel 1918 e 

iniziò a fotografare giovanissimo, 

appena quattordicenne. Nel 1939 iniziò 

a collaborare con la rivista Life come 

fotografo di guerra documentando il teatro 

bellico del Pacifico. Nel 1945 fu ferito 

al volto dall’esplosione di una granata e 

si sottopose a dolorosi interventi e a una 

lunga riabilitazione. La prima foto realizzata 

dopo la malattia, A walk to Paradise 

Garden, si trova attualmente al Castello 

di Clervaux in Lussemburgo e simboleggia 

perfettamente la rinascita dell’autore e 

la speranza di un mondo migliore alla fine 

del secondo conflitto mondiale. Questa immagine, 

che ritrae i suoi figli Juanita e Patrik 

nel sottobosco in una radura bagnata 

dal sole, fu selezionata dal Moma di New 

York nel 1955 per una mostra sulla condizione 

umana. In breve tempo, questa foto 

divenne leggendaria, emblema del desiderio 

di pace e di positività. Sempre nel 1955 

si trasferì per tre anni a Pittsburgh per realizzare 

un lavoro per la Magnum sull’industria 

siderurgica della città a duecento anni 

dalla sua fondazione; un’opera complessa 

che non portò a compimento, anche se alcuni 

di questi scatti furono pubblicati nel 

Photography Annual, occupando ben trentasei 

pagine. Molti ritratti di questo nuovo 

progetto ricordano i volti dei personaggi di 

Salgado, con la differenza che Smith tiene 

conto della drammaticità e della passione, 

mentre Salgado trasfigura il pathos in 

una particolarissima eleganza formale. Nel 

1971 per Life realizzò uno dei suoi reportage 

più riusciti Minamata ambientato in 

Giappone − dove intanto si era trasferito 

− e incentrato sui tragici effetti dell’inquinamento 

da mercurio. Tra queste foto ricordiamo 

Tomoko Uemura nel suo bagno, 

considerata una delle cento foto più famose 

tra quelle pubblicate da Life. Per finire, 

riportiamo un pensiero del grande fotografo 

e documentarista statunitense: «A cosa 

serve una grande profondità di campo 

se non c’è un’adeguata profondità di sentimento?». 


A walk to Paradise Garden 

Tomoko Uemura nl suo bagno 

WILLIAM EUGENE SMITH 19

Speciale 

Pistoia 

Ritorna a Pistoia la settima edizione 

di Un altro parco in città 

Natura e arte s’incontrano nelle due principali piazze 

del centro storico trasformate per l’occasione in un 

grande giardino 

Testo e foto Laura Del Puglia 

Lo scorso 16 settembre si è svolta 

a Pistoia la settima edizione 

dell’evento Un altro parco in città 

che ha trasformato piazza della Sala 

e piazza dell’Ortaggio in luoghi d’incontro 

tra arte e natura. Avviata nel 2012 

da un’idea dei Vivai Giorgio Tesi, questa 

iniziativa si propone di far vivere ai cittadini 

pistoiesi ed ai turisti italiani e stranieri 

un’esperienza unica, allestendo un 

vero giardino di 1700 metri quadrati, 

con manto erboso e piante, che ricopre 

entrambe le piazze del centro storico. 

Quest’ultima edizione ha offerto l’occasione 

per presentare Growing Creativity, 

un progetto che, unendo tre elementi 

terra, arte e creatività, vuole far diventare 

il verde dei vivai della Giorgio Tesi un 

grande palcoscenico per opere d’arte 

esclusive, che avranno il duplice ruolo 

di sensibilizzare a una nuova consapevolezza 

ambientale e stimolare la creatività 

in tutti gli spazi che ci circondano 

quotidianamente e quindi anche in città. 

Nel giardino creato su piazza della Sala 

è stata esposta la prima di un gruppo di 

grandi installazioni intitolate Il giardino 

della mente. Quest’opera è stata realizzata 

in collaborazione con l’artista pistoiese 

Michele Fabbricatore, il quale ha 

immaginato la nostra mente come una 

bella e rigogliosa pianta che per rimanere 

tale deve essere nutrita e coltivata. 

Le altre tre opere del gruppo sono state 

posizionate all’interno del vivaio, che 

si estende attorno alla sede dell’azienda 

Giorgio Tesi, e sono ben visibili dall’autostrada. 

Il totem in piazza della Sala 

L'artista Michele Fabbricatore con l'installazione Il giardino della mente 

Uno scorcio di piazza della Sala durante la 

manifestazione 

SPECIALE PISTOIA 21

Personaggi 

Donatella Milani 

La cantante e compositrice valdarnese ha collaborato con 

grandi nomi della musica italiana come Pupo, Gerardina 

Trovato, Franco Fasano e Zucchero Fornaciari 

Due volte sul palco di Sanremo, dove si è classifica seconda nel 1983, 

ha scritto brani celebri come Ma non ho più la mia città e Un’altra estate 

di Serena Gelli / foto courtesy Blogo 

Ospite con Pupo della trasmissione Senza 

Parole in onda su Rai 1 nel 2015 

Donatella Milani si dedica al canto 

e alla musica fin da piccola. 

A quattro anni la sua prima 

grande esperienza sul palco dello Zecchino 

d’Oro. A 16 anni inizia a scrivere 

le prime canzoni per Pupo e con lui firma 

successi come Su di noi, Cosa farai, 

Un nuovo giorno e Piccola tu. Nel 

1982 vince Castrocaro con la canzone 

Perché mi sento sola e l’anno successivo 

si classifica seconda al Festival di 

Sanremo nella categoria big con il brano 

Volevo dirti, firmato con Zucchero 

Fornaciari. Nel 1983, insieme a Mauro 

Micheloni, è chiamata dalla RAI a condurre 

il programma Hit Parade - Discoring 

Estate, incide un altro brano, sigla 

del programma, e presenta a Saint Vincent 

Lontani noi. Nel 1984 torna sul palco 

di Sanremo con la canzone Libera, 

registrata negli studi di Londra, rilevando 

un'altra crescita professionale come 

compositrice e cantante. Nel 1986 torna 

a Saint Vincent, dove con la collaborazione 

e la produzione 

di Piero Cassano (membro 

dei Matia Bazar e 

produttore di Eros Ramazzotti) 

realizza un disco 

intitolato Vorrei farti 

capire. Nel 1987 dopo un 

tour internazionale, rientra 

in Italia ed incide Nel 

segno del leone, collaborando 

con un altro amico 

cantante e autore, Franco 

Fasano. Nel 1988 ritorna 

in RAI (Rai Stereo 

Donatella Milani 

2) per condurre un programma radiofonico 

chiamato FM Musica, un piacevole 

diversivo alla sua carriera di cantante 

e autrice, che la qualifica per la seconda 

volta ottima conduttrice; scrive la sigla 

del programma (un simpatico rap) 

Ci stai?, che canta insieme a Miriam 

Fecchi, realizzando anche la versione 

remix in spagnolo intitolata Te gusta?. 

Per quattro anni vive prima in America 

poi in Inghilterra, dove conosce artisti 

stranieri che l’aiutano ad ampliare 

la sua esperienza di compositrice e autrice. 

Nel 1989 inizia a collaborare con 

il gruppo Steve Rogers Band (musicisti 

storici di Vasco Rossi), e con Maurizio 

Solieri scrive il brano Sono donne. Nello 

stesso periodo collabora con Massimo 

Riva, anche lui chitarrista di Vasco 

Rossi, per il quale scrive Vizi. Nel 1994 

Caterina Caselli la chiama come autrice 

all'interno della casa discografica Sugar. 

Così inizia a scrivere canzoni per 

Gerardina Trovato − altra nuova esperienza 

anche come arrangiatore − per 

la quale compone successi come Ma 

non ho più la mia città (seconda classificata 

al Festival di San Remo,1994) 

e La mia luna. Nel 1997, consacrato il 

sodalizio Milani - Trovato, firma ancora 

successi come Piccoli già grandi e 

Cambierò domani. Nel 2006, insieme a 

Gerardina Trovato, scrive la sigla di Castrocaro, 

poi divenuta hit estiva, Un’altra 

estate. Nel 2012, inaspettatamente, 

tre dj di fama nazionale e molto conosciuti 

nel mondo delle discoteche, Alex 

Farolfi (Radio DJ), Sangio e Pigna rielaborano 

e producono in versione dance 

la canzone più conosciuta Volevo dirti. 

Oggi Donatella Milani ha una scuola 

di canto moderno per la formazione 

artistica e l’interpretazione della musica 

leggera. Collabora con varie case 

discografiche come art director, visore 

della scelta dei brani che andranno 

a far parte di progetti per nuovi talenti; 

in più si occupa anche degli arrangiamenti. 

E’ spesso ospite televisiva in 

vari programmi Rai e Mediaset, si esibisce 

in serate live (locali, piazze, teatri) 

e quando la sua vena ispiratrice la chiama, 

scrive ancora canzoni, la sua più 

grande passione. 

22 DONATELLA MILANI

Invito a 

Teatro 

Ferruccio Soleri: una vita per Arlecchino 

Interprete da oltre cinquant’anni della celebre 

maschera goldoniana, l’attore toscano racconta 

la meravigliosa avventura del teatro 

di Luigi Del Fante / foto courtesy Piccolo Teatro di Milano 

Ferruccio Soleri, il più grande Arlecchino, 

attore, regista, drammaturgo, 

nasce a Firenze il 6 novembre 

1929. Da bambino desidera lavorare in 

un circo, lasciando i genitori sconcertati. 

Egli stesso confessa: «Portai perfino mia 

sorella a vedere acrobati, domatori, 

clown. Sognavo di essere protagonista. 

A casa saltavo dal tavolo da pranzo, atterrando 

con una capriola finale, davanti 

agli occhi terrorizzati di mia sorella. Appresi 

così a muovermi, a scattare e flettere. 

A governare il corpo». Si iscrive 

dapprima alla Facoltà di matematica e fisica, 

ma al terzo anno abbandona. Nel 

frattempo comincia a frequentare l'Accademia 

teatrale di Firenze, insieme a Ilaria 

Occhini, Paolo Poli, Renzo Montagnani. 

Un amico, un altro fiorentino, Beppe Menegatti, 

che diventerà il celebre regista e 

futuro marito di Carla Fracci, lo spinge a 

seguire il suo istinto d'artista, consigliandogli 

di andare a Roma: «Se vuoi fare 

teatro, all'Accademia Silvio d'Amico 

troverai i maestri giusti. Credo di avere 

imparato molto da Sergio Tofano, Annibale 

Ninchi e Orazio Costa. Dopo 

qualche mese fu Orazio Costa a dirmi: 

tu sei Arlecchino, sei sputato a quella 

maschera. Te lo ha mai detto nessuno? 

No, lei è il primo, risposi perplesso». 

Eh sì, Orazio Costa Giovangigli, vero 

grande “maestro”, il quale oltre ai notevoli 

meriti acquisiti con le sue memorabili 

regie, non si finisce mai di apprezzare 

proprio per quella sua notevole dote di 

sensibilità nel comprendere la fisionomia, 

il carattere, le attitudini di ciascun allievo, 

stimolando ognuno a valorizzare al 

meglio il proprio talento. Tra gli altri 

“grandi” scoperti da Costa, basta citarne 

uno per tutti: Nino Manfredi. Soleri aggiunge: 

«I gesti, la voce, il corpo soprattutto. 

Dentro di me vibrava un terremoto. 

Le mosse, i salti, le capriole, i balzi - che 

avevo imparato grazie al circo - li trasferii 

in Arlecchino. Ne feci una figura acrobatica. 

Ero già maschera senza saperlo». 

Ferruccio Soleri mentre si trucca da Arlecchino 

Ed è grazie a Costa, suo maestro d'Accademia, 

che debutta nel 1957 al Piccolo 

Teatro di Milano recitando ne La favola 

del figlio cambiato di Luigi Pirandello. 

Qui non passa inosservato, e Strehler, 

notandone la straordinaria agilità fisica e 

duttilità interpretativa, lo sceglie nel 1959 

come sostituto di Marcello Moretti, il primo 

grande Arlecchino, per il ruolo di protagonista 

nel Servitore di due padroni di 

Carlo Goldoni. Per l'esattezza secondo la 

drammaturgia di Strehler, il ruolo principale 

contempla Arlecchino, anziché Truffaldino, 

e lo spettacolo viene presentato 

come Arlecchino servitore di due padroni. 

Soleri dà il cambio a Moretti una volta 

alla settimana. «La prima volta per me fu 

nel '60 a New York, sostituendo Marcello 

Moretti: tremavo dalla paura e fu Paolo 

Grassi a darmi una spinta per entrare in 

scena», ricorda Soleri. Due anni dopo la 

morte di Moretti, Strehler gli affida il ruolo 

del servo goldoniano. Confessa Soleri:«Ringrazio 

Dio di avermi dato un fisico 

così, piccolo e atletico. In più da ragazzo 

avevo studiato danza classica e acrobazia, 

perché volevo fare il circo». Così, da 

quel momento ha intrapreso la sua fulgida 

carriera fino ai giorni nostri al Piccolo 

Teatro di Milano nei panni di Arlecchino, 

una maschera che recita ininterrottamente 

da 55 anni (58 se si conta la prima 

tounée a New York nel '60), in 50 paesi 

del mondo e per milioni di spettatori, tremila 

repliche, riscuotendo sempre un 

successo eccezionale, grazie al linguaggio 

magico del teatro, alla perfetta drammaturgia 

strehleriana; ma soprattutto 

grazie alle straordinarie doti interpretative 

e poetiche di Ferruccio Soleri. L’incontro 

con Giorgio Strehler è quello della 

vita: «È stato lavorando con lui che ho 

capito cosa era Arlecchino e cosa era stata 

la Commedia dell'Arte, ben al di là dei 

libri che avevo letto. Da parte mia gli portavo 

la mia abilità nell'acrobazia, la mia 

voglia di fare, le mie caratteristiche, la 

mia gioventù. Ma la mia voce l'ho trovata 

solo nel secondo anno; prima ero troppo 

preoccupato dell'incontro con il pubblico 

e con la critica. Il mio Arlecchino lo devo 

proprio a Strehler, che mi ha dato tutto. 

Quando morì nel 1997, ci fu una piccola 

sospensione; arrivò Ronconi che faceva 

le cose sue e Arlecchino venne fatto poche 

volte, ma poi naturalmente riprese 

24 

INVITO A TEATRO

Soleri in scena con Arlecchino servitore di due padroni 

perché il cda non voleva dar retta a Ronconi». 

E meno male, aggiunge il sottoscritto, 

ben conoscendo i meriti ma 

anche i demeriti del regista scomparso. 

Una sera, a Londra, dopo lo spettacolo, il 

celebre attore inglese Sir Laurence Olivier, 

nel 1967, vedendolo recitare gli confessa: 

«Stasera avrei voluto essere te». 

Insomma, questo Arlecchino di Ferruccio 

Soleri, vero protagonista della storia del 

Teatro. Nel 2006 il regista Maurizio Scaparro, 

direttore del Festival del Teatro 

della Biennale di Venezia gli ha assegnato 

il Leone d'Oro alla carriera. Dal maggio 

2007 è stato nominato ambasciatore 

dell'Unicef. Attualmente è Grande Ufficiale 

della Repubblica Italiana. Senza dubbio 

fondamentale in questa prestigiosa carriera 

è stato il ruolo della disciplina, continua 

e ferrea, che la “vita” di Arlecchino 

esige dal suo interprete. Ma Ferruccio 

Soleri è straordinario proprio per questo, 

perché, appunto, quella disciplina, il continuo 

esercizio non gli hanno mai pesato: 

«No, gli allenamenti li faccio ancora volentieri: 

ogni giorno tre piani di scale, salire 

e scendere, e 20 minuti di marcia. 

Poi, un mese prima dello spettacolo aggiungo 

anche 20 minuti di ginnastica 

stretching e una volta al mese, più o meno, 

il mio fisioterapista che mi segue da 

anni, mi massaggia, perché la spina dorsale, 

invecchiando, è la parte più delicata. 

E poi c'è la dieta. Comincio dalla frutta sia 

a pranzo che a cena, poi a mezzogiorno 

insalata o contorno e carne bianca o pesce, 

e per terzo un piatto di spaghetti o riso. 

Sì, all'incontrario. La sera niente 

primo. E il pomeriggio bevo il Kee mun, il 

te nero degli imperatori cinesi che non 

danneggia il cuore e dà energia ai muscoli». 

Davvero curiosa anche la buona 

abitudine di fare un “riposino” tra una 

scena e l'altra, come confessa con giovanile 

candore:«Sì, sì. Riesco a dormire anche 

solo per due minuti e mi ridà carica». 

Qualcuno potrebbe pensare, poi, che, in 

fondo, impersonare sempre lo stesso 

personaggio per più di mezzo secolo, anche 

se con pause alterne, potrebbe, forse, 

creare qualche disagio, noia, 

abitudine, in una paola routine. In realtà il 

personaggio di Arlecchino vive ogni sera, 

così miracolosamente, per metà, anche 

dell'empatia del pubblico, potremmo dire 

“in presa diretta”, dove l'attore vero, generoso, 

quale è Soleri, trova sempre ogni 

volta spunto e vigore: «Sono contento 

perché è un personaggio che piace alla 

gente, allegro, ingenuo, ma anche un misto 

di corpo e anima, fame e poesia che 

per Strehler è la poetica più vera del teatro. 

Il suo teatro». Ecco allora che in questa 

fattispecie la parola routine assume in 

sé l'accezione positiva descritta dal Vocabolario 

Treccani, precisamente: routine 

‹rutìn› s. f., fr. (…) Pratica, esperienza... 

abilità che si è acquistata per mezzo 

dell’esperienza”. Ed è proprio nel suo 

“farsi” e “ricrearsi” ogni sera che prende 

corpo l'interpretazione, mai eguale a se 

stessa. «Sono un uomo normale, che per 

sessant'anni ha fatto Arlecchino. Ne conosco 

i più nascosti segreti, le sfumature, 

starei per dire l'anima. Perché di 

anima si può dire di lui, come di Pulcinella». 

Quanto al rapporto con Strehler, Soleri 

confessa che litigavano: «Meglio, lui 

litigava con me, perché era esigente, uno 

che pretendeva. Ma poi faceva spettacoli 

pieni di umanità, emozione». In effetti, 

avendo avuto il sottoscritto la fortuna di 

assistere per ore alle prove dirette dal regista 

del Piccolo Teatro, non posso che 

condividere le parole di Soleri. Strehler 

era capace di fare partacce agli attori più 

famosi, ma aveva l'entusiasmo generoso, 

la creatività straordinaria e il carisma 

istantaneo di balzare sul palco a far vedere 

e sentire, oltre al movimento ed alla 

mimica, come lui, quasi un “rabdomante 

della vita”, avvertiva dentro di sé quello 

che per lui era “il giusto modo”. Tempo fa 

a chi gli chiedeva come mai sorrida così 

poco, l'attore ha risposto con estrema 

umiltà, quasi con pudore: «Forse perché 

sono abituato a stare sotto la maschera, 

che nasconde le mie emozioni. Il mio volto 

lo mostro solo se il pubblico lo chiede 

alla fine, agli applausi». «È stata un’avventura 

meravigliosa − conclude Soleri − 

sono stato felice di ogni recita: mi ha 

riempito la vita senza rimpianti...». Un’avventura 

che Strehler definiva sempre 

uguale e sempre diversa, libera dal tempo 

che passa. 

INVITO A TEATRO 

25

A cura di 


ABI e i suoi professionisti: il cofondatore 

Silvano Evangelista 

Testo e foto di Elena Maria Petrini 

Silvano Evangelista, milanese, quarantasei 

anni, sguardo vivace e 

baffetti alla Pedro Armendàriz, 

elegantissimo nella sua giacca bianca 

impeccabile, si orienta su Firenze e 

dal maggio 2008 ricopre il ruolo di capo 

barman al Grand Hotel Villa la Massa. 

Nel bellissimo Bar Mediceo con lui 

regnano stile e ricercatezza, sue qualità 

imprescindibili, e vista la presenza 

di una clientela di classe, molto esigente, 

raffinata e difficile da soddisfare, Silvano 

pretende il massimo dal suo staff, 

in modo da poter soddisfare a pieno le 

I vini liquorosi utilizzati nelle due versioni del 

cocktail: a partire da sinistra, l’incanto dell’azienda 

Tenuta Moriano e lo cherry Heering 

della Danimarca 

molteplici esigenze degli ospiti. Insomma, 

classe e ricerca continua 

della perfezione, due doti che gli 

hanno consentito di partecipare ad 

importantissime competizioni internazionali: 

rappresentante italiano al 

World Cocktail Competition a Berlino 

nel 2009, membro della squadra 

italiana alla finale del Remy Martin 

Bartender Style Master nel 2006, 

tanto per citarne alcune. Non ancora 

maggiorenne, dopo un’esperienza 

di lavoro a Folkestone in Inghilterra, 

rientra in Italia e dopo il servizio 

militare si occupa di degustazioni 

e vendite di spumanti di qualità 

per un’azienda milanese di rappresentanza 

che aveva le etichette più 

prestigiose sia italiane che francesi. 

Questo incarico lo arricchisce e 

lo orienta a ritornare verso il bartending, 

tanto che nel 1999 si iscrive 

all’AIBES, dove dal 2003 è assistente 

docente. Sempre a Milano, prima 

il passaggio dal Businnes Palace al 

Diana Majestic e al Doria, dopo bar 

manager alle Rotonde di Garlasco e 

infine responsabile del bar dello Starhotel 

Ritz. Poi, dal 2008 a Villa la Massa di 

Firenze, consorella di Villa d’Este di Cernobbio, 

e quell’anno è particolarmente 

favorevole per lui poiché vince a San 

Remo il concorso nazionale AIBES, per 

la sezione Free, con un cocktail chiamato 

Lucia, in onore della figlioletta. 

Tra le sue esperienze successive a Villa 

La Massa ricordiamo all’Argentario il 

Golf Resort, nel ruolo di bar manager, e 

a Firenze la Start Up Osteria del Pavone. 

Oggi, oltre che essere cofondatore, è 

Consigliere Nazionale ABI Professional, 

dove per il primo anno è stato responsabile 

degli istituti alberghieri e dal secondo 

anno in poi, invece, responsabile 

Il barman manager Silvano Evangelista all’interno 

dell’Osteria il Pavone di Firenze mentre 

prepara il cocktail Singapore Sling 

delle risorse umane. Silvano Evangelista 

è un grande fautore del bere responsabile, 

che spinge specialmente le giovani 

generazioni ad un bere di qualità e con la 

giusta moderazione, vista la loro spiccata 

tendenza a bere male, in fretta e troppo: 

questa “evangelizzazione” sarà per 

loro sicuramente un valido aiuto e sostegno. 

Per Arkiwine ha realizzato il cocktail 

Singapore Sling nella versione classica 

codificata da IBA e in quella in cui ha sostituito 

lo cherry con un vino liquoroso 

tutto italiano (realizzato con uve merlot 

e macerazione di amarene). 

26 

ARKIWINE

L’Associazione Degustatori di Acque 

Minerali e i suoi professionisti: il 

presidente nazionale Mario Celotti 

di Elena Maria Petrini / Foto Maurizio Mattei 

L’appuntamento con il Cavalier Mario 

Celotti, presidente nazionale 

dell’ADAM (Associazione Degustatori 

di Acque Minerali) è presso uno dei 

suoi ristoranti: Baita La Tiperia a Montefiore 

Conca, sull’Appennino riminese, ad 

oltre quattrocento metri di altitudine. Il posto 

è magico: un bosco, che sembra quello 

delle fiabe, di enormi castagni secolari che 

circondano, quasi a volerlo proteggere, un 

piccolo locale dalla bellissima struttura in 

legno chiaro e rivestito di grandi lastre di 

cristallo, che lasciano intravedere tra le 

possenti chiome degli alberi un panorama 

mozzafiato sull’estrema propaggine della 

Romagna che quasi si fonde con l’azzurro 

del Mar Adriatico. Da un piccolo giardino 

si entra nella sala centrale del ristorante: 

splendide travi in legno a vista ed un grande 

camino sullo sfondo; a sinistra una 

breve scala in pietra fa accedere ad una deliziosa 

saletta con il bar (compatto ma ben 

fornito), e al centro una stufa in muratura 

in originale stile bavarese. L’atmosfera 

è molto intima, accogliente e gradevole. Il 

Cavaliere della Repubblica, elegante in una 

giacca celeste, è cordialissimo: spiccato 

accento romagnolo, subito molto gentile 

ed ospitale; si vede che è un professionista 

appassionato del suo lavoro, di grande 

esperienza acquisita “sul campo” e presso 

le associazioni di Sommellerie, ed altre... 

magnifico chef e profondo conoscitore del 

mondo della ricezione turistica e della ristorazione, 

delle quali tratteggia, con abilità 

e capacità di sintesi, punti deboli e pregi. 

Gestisce anche un altro locale, il Ristorantino 

Tuf Tuf in località Morciano di Romagna. 

ADAM, fondata a Bologna nel 2002 

da cultori della buona cucina, supportati 

da uno staff di medici, nutrizionisti, geologi 

e chimici, vuole favorire la conoscenza e 

la valorizzazione di quella preziosissima risorsa 

che è l’acqua minerale, ma senza trascurarne 

anche il giusto abbinamento con 

il cibo. Oggi, dopo attenta valutazione dei 

suoi preparatissimi idrosommelier, l’associazione 

classifica da un punto di vista 

Particolare della via di accesso al ristorante 

igienico, gustativo e sensoriale, le acque 

minerali in commercio nel nostro paese; 

una certificazione ADAM è segno inequi- 

Elena Maria Petrini con il Cavalier Mario Celotti, 

presidente dell'ADAM 

vocabile di qualità e garanzia di un ottimo 

livello per tutti i consumatori, magari senza… 

perdersi in un bicchier d’acqua. 

Veduta interna del ristorante Baita - La Tiperia 

ARKIWINE 27

A cura di 


Il gusto della tradizione: 

l’Antica Macelleria Falorni 

di Elena Maria Petrini / Foto Maurizio Mattei 

Stefano Bencistà Falorni, per sua 

stessa ammissione, è una persona 

fortunata. Un’affermazione che non 

è certo da tutti: la sua fortuna deriva dalla 

sua famiglia, dai suoi genitori e dai nonni. 

Fin da bambino andava col sidecar del 

babbo ad acquistare bestiame dai contadini 

e si è trovato a dover crescere durante 

gli anni difficili del dopoguerra tra 

vitelli, maiali e capretti, ma sempre affrontando 

serenamente quel periodo arduo e 

complesso della ricostruzione di un’intera 

nazione e questo grazie all’affetto della 

propria famiglia, tanto amore per la sua 

terra e verso le persone che gli sono state 

vicine. I ricordi sopraggiungono dolci e 

impetuosi come onde di alta marea: i nonni 

Caterina e Ulisse, e soprattutto la nonna 

Beppa; il papà Raffaello e mamma Venturina; 

la zia Alda; i suoi fratelli, ma senza 

dimenticare Carbonella (il gatto di casa) 

e Turco (il cane). La loro casa, con accesso 

diretto alla bottega, non aveva il 

bagno, ma la grande cucina era sempre 

animata e accogliente e con il focolare 

costantemente acceso, dove si cucinava 

davvero di tutto. Un luogo di altri tempi 

che emanava calore in tutti i sensi: la 

“cucina economica”; le mensole coi barattoli 

di conserva di pomodoro e di peperoni 

sottaceto da mettere di contorno 

al lesso; le pentole di ferro e di coccio; 

il grande tavolo di marmo… La nostalgia 

è struggente, non solo per il tempo 

passato ma anche nel rammentare i suggestivi 

profumi e i sapori di quegli anni 

lontani e che ancora oggi, per Stefano, 

conservano un prezioso e grande potere 

evocativo, proprio “come le cose che 

non tornano più”. La Macelleria Falorni 

vanta una grande tradizione familiare iniziata 

nel 1806, quando il fondatore Lorenzo 

Falorni apre un punto vendita di 

carni sotto il porticato della piazza centrale 

nel borgo di Greve in Chianti. Stefano 

ci ha aperto la porta del suo nuovo 

stabilimento con temperature, pH e umidità 

controllate, per inebriarci la vista, 

l’olfatto e il gusto con queste autentiche 

opere d’arte insaccate. 

Stefano Bencistà Falorni con la sua iconica 

bistecca alla fiorentina (lombata di chianina) 

La finocchiata di Monte Fioralle, produzione esclusiva dell’Antica Macelleria Falorni 

La gota grande impepata 

Stefano Bencistà Falorni, proprietario 

dell’Antica Macelleria Falorni insieme al cofondatore 

di ABI Professional Paolo Baldini 

28 

ARKIWINE

Ritratti 

d’artista 

Franca Vannoni 

Io vado in moto: l’ultimo dipinto della pittrice fiorentina offre 

una riflessione sulle relazioni d'amore nel nuovo millennio 

di Franca Vannoni 

Ho dipinto con i colori ad olio un’opera 

di 2,50 x 2,50 metri che ho 

intitolato Io vado in moto. La tela 

l’ho preparata in modo spartano, usando 

la cementite ad acqua. Un “pezzo” di stoffa 

di canapa comprato un lunedì al mercatino 

dell’usato di piazzetta Maccari a soli 

due euro. Allo studio ho spostato la credenzina 

bianca, che si trovava 

sull’angolo tra una 

paretina e la finestra, per 

stendere la tela su tutta la 

parete adiacente. Con piccoli 

e ravvicinati chiodini 

d’acciaio, ho applicato la 

tela sul muro. Mi sono 

compiaciuta di essere riuscita 

a farlo da sola e con 

un buon risultato. Ho preso 

la fusaggine ed ho cominciato 

a disegnarvi 

sopra, senza aver programmato 

niente. Ciò che 

nasceva era quello che 

doveva esserci e non mi 

ponevo nessuna domanda. 

Andavo avanti liberamente 

e con tranquillità. 

Ho iniziato il lavoro disegnando 

sulla tela a settembre 

2016 e ho 

terminato nell’aprile 

dell’anno successivo. Ho 

scelto di lasciare le pennellate “fresche” e 

alcuni elementi non completamente approfonditi, 

altri invece fortemente determinati. 

Forse qualche pennellatuccia la darò 

in qua e in là. Devo iniziare a familiarizzare 

con la pittura che ho ultimato. Non ho ancora 

sentito l’emozione dell’appartenenza. 

La scena che ho dipinto, è nata così velocemente 

che devo ancora meditarla per 

comprenderne a fondo il significato. A ben 

guardare, alcune posizioni dei personaggi 

descrivono intenzioni e pensieri che io dovrei 

riuscire a capire, mentre invece, al 

momento, continuo solo a sorprendermi. 

Le scoperte e le letture dei significati che 

lentamente riesco a scorgere, mi confermano 

la “magia” del nostro “complesso 

autonomo”, “quell’albero” che cresce 

dentro di noi autonomamente. Carl Gustav 

Jung scrive di questa sua teoria in vari 

testi di psicologia. “Quell’albero” è la 

struttura comunicativa del nostro inconscio 

collettivo collegato a tutti gli esseri viventi 

e all’intero universo. L’inconscio 

Io vado in moto, olio su tela, m 2,50x2,50, 2016 -2017 

collettivo utilizza tutta la conoscenza della 

sua/nostra storia, sia genetica che evolutiva 

ed esistenziale. Dipingendo il personaggio 

centrale vicino alla moto, ero 

convinta che fosse lui il centauro. Continuando 

ad avanzare con il colore sulla tela, 

mi sono resa conto che il solo e vero 

centauro, invece, era il personaggio femminile 

magro e di pelle scura. Il personaggio 

maschile al centro, con la ragazza 

appoggiata alla sua spalla, è invece intento 

ad altri pensieri e ad altre azioni. 

Quell’uomo sembra dirci cose piuttosto 

particolari ed anche pesanti. Ad un primo 

sguardo, avevo l’idea che questo personaggio 

centrale con la giacca nera indicasse 

la sua donna come responsabile 

dell’andatura prudente che aveva tenuto alla 

guida della sua moto. Sembrava affermasse 

che la ragazza, avendo timore della 

velocità, lo avesse costretto ad un’andatura 

da lumaca, e di questo l’uomo intendeva 

scusarsi. Ho avvertito subito un legame 

con la figura femminile appoggiata alla 

spalla del suo uomo, 

m’incoraggiava ad andare 

avanti nella pittura, nonostante 

mi chiedessi perché 

questa ragazza 

avesse le gambe molto 

lunghe e gli stivaletti rossi. 

La sua espressione 

tranquilla ed aperta verso 

l’osservatore era garanzia 

di una sincera comunicazione. 

Ho ultimato il resto 

della tela, poi nuovamente 

ho rafforzato il rosso 

della cintura della ragazza; 

a quel punto tutti i significati 

che vedevo 

espressi dalle due figure 

mi sono apparsi diversi. 

Mi sono sentita tradita da 

quella ragazza. Inizialmente 

ero convinta, infatti, 

che stesse protestando 

contro la violenza nei 

confronti delle donne, 

mettendo in mostra i suoi stivaletti rossi. 

Ora avrebbe invece, con facilità e noncuranza, 

violentato l’uomo che le faceva da 

appoggio. Un atto quasi mimato, sotto gli 

occhi un po’ sorpresi degli altri due personaggi 

in primo piano. Passato qualche 

giorno e con prudenza, ho cercato di guardare 

senza preconcetti la scena. La ragazza 

si appoggia al suo uomo con fiducia, ma 

non si fonde con lui. Mantiene la propria 

personalità, così come i personali principi e 

ideali, pronta a difenderli e quindi a difendersi. 

La ragazza è d’indole mite, con la 

mano delicata vela la vista del suo organo 

genitale posto sotto i pantaloni verdi. Quella 

mano e parte dell’avambraccio mi fanno 

30 FRANCA VANNONI

pensare ad un organo genitale maschile, in 

questo caso però appartenente alla ragazza. 

Immagino così che il complesso d’Elettra 

teorizzato da Freud abbia indotto in lei la 

compensazione dell’organo mancante al 

femminile. I pantaloni verdi sono il complementare 

cromatico degli stivaletti rossi e 

della cintura rossa. Potrebbe verificarsi un 

“massimo contrasto” tra rosso e verde se 

messi a contatto, una forte vibrazione, una 

lotta. Potrei così pensare che la ragazza sia 

“armata” per eventuali atti di difesa o d’offesa. 

Sembrano estranei a questa scena e 

concetto i due personaggi in secondo piano 

a destra. Una bicicletta fuori moda porta 

in salvo dalle classiche e insistenti attenzioni 

da “pappagallo” una donna che pedala 

con vigore. La moto è rossa e a poca distanza 

si trova un acrobata, anche lui vestito 

di rosso e slanciato nello spazio con un 

salto dinamico. Moto ed acrobata sembrano 

indicare la libertà e le possibilità creative 

insite in ogni persona. Il casco però è in 

mano alla ragazza mulatta e i suoi stivali sono 

blu: è lei, quindi, il centauro. Quello che 

a molti di noi può sembrare improbabile e 

difficile si rivela invece spesso realizzabile, 

e nel dipinto appare facile e contemporaneo. 

Incredibile poi che una figura così longilinea 

ed eterea possa portare un tale 

bolide in strada, e m’immagino anche che 

lo spinga a forte velocità! Libera e indipendente 

come la sua moto. Continuo a sorprendermi, 

e non lo prevedevo, poiché ero 

sicura che fosse l’uomo al centro della tela 

a “guidare”, a “reggere” tutta la situazione. 

Rifletterò con calma su queste sensazioni. 

L’operazione del “vedere” è importante e 

difficile. Occorre allenare la nostra parte più 

etica e mantenere la distanza da cose e persone 

per poter avere una corretta lettura 

degli eventi. Di recente, ad esempio, ho notato 

sull’arcata sopraciliare e su parte dello 

zigomo della figura maschile centrale un 

grande ematoma. Non lo avevo mai notato, 

forse perché parteggiavo a priori per la figura 

femminile centrale. Devo dedurre che 

ci siano stati atti di violenza da parte della 

ragazza al centro del dipinto, con gli stivaletti 

rossi, verso la figura maschile centrale. 

Così come riconsiderando il riflesso rosso 

sul volto della ragazza (dagli stivaletti rossi), 

ho iniziato a pensare che forse il suo 

non era un atteggiamento di prevaricazione 

gratuita verso il compagno, ma probabilmente 

di autodifesa e di ribellione. Insomma, 

le sorprese dipingendo non mancano 

mai; ogni opera è un combattimento pittorico 

tra me e il mio “albero interiore”. In 

questo dipinto sembra che siano messi in 

evidenza tre tipi d’approccio amoroso. Una 

tipologia un po’ vecchia maniera dei due 

personaggi in secondo piano: lei se la svigna 

velocemente in bicicletta per sfuggire 

alle avance dell’uomo “pappagallo”. L’altra 

coppia moto - acrobata rappresenta invece 

l’indipendenza personale, e quindi relazioni 

amorose “innovative” e lontane dagli stereotipi. 

Lo slancio dell’acrobata che si capovolge, 

vicino alla moto, fa da spartiacque 

tra le coppie e rafforza l’idea di questa ritrovata 

libertà. La terza coppia potrebbe 

essere rappresentata dalla ragazza di colore 

e dal personaggio maschile posto all’estrema 

sinistra della tela. Lui volge con 

naturalezza le spalle al centauro indicando 

così una distesa e libera armonia comportamentale. 

I due personaggi esprimono 

con libertà i propri sentimenti, le relazioni 

con il mondo esterno e quello interno alla 

loro coppia. Dietro i personaggi si estende, 

per tutta la lunghezza della tela, un paesag- 

Franca Vannoni, fiorentina, ha iniziato 

ad esprimersi artisticamente 

già nell’adolescenza ed il suo interesse 

è rimasto attivo e costante ancora 

oggi. Ha studiato Scultura all'Accademia 

di Belle Arti di Firenze e all'Università della 

stessa città si è laureata in Architettura. 

Ha fatto parte di vari gruppi artistici 

fra cui: Gruppo A , Associazione Culturale 

Arteria, Manodopera, Associazione per 

l'Arte Contemporanea (XL'A). Varie e significative 

sono state le mostre personali 

realizzate dall'artista negli anni. Da 

menzionare anche il suo interesse per la 

Franca Vannoni (ph. Lorenzo Chiari) 

gio urbano con insolite architetture. In lontananza 

si notano parabole semoventi 

come girasoli che accolgono la forza del 

sole per far funzionare la ”macchina città”. 

Forme allungate, verdi, simili ad enormi fili 

d’erba immagazzinano energia che sarà 

utilizzata variamente dall’essere umano. 

Percorsi continui collegano tutte le strutture. 

Deduco che la sottolineatura architettonica 

e strutturale che percorre tutta la tela, 

serva ad immaginare l’utilizzo di tale opera 

urbana da parte di una nuova e operosa 

umanità che produce e crea idee innovative 

per nuovi comportamenti sociali. Immagino 

finite le lotte, in nome di una 

convivenza fruttuosa, creativa e nobile. In 

altre parole, una nuova e più giusta società. 

Sul profilo Facebook dell'artista (Franca 

Vannoni) è possibile visualizzare il 

video che documenta tutte le fasi di realizzazione 

dell'opera. 

scrittura, incentrata sia sull’indagine delle 

forme espressive dell'inconscio che 

sull’oggetto artistico come nel testo Immagini 

scritte del 1991 e nella raccolta di 

racconti 1989-1999 Eugenia, ti pare che 

in amore è tutto giusto?, (reperibili sia 

alla Biblioteca Nazionale che alla Biblioteca 

Canova di Firenze). Per Edizioni Morgana 

nel Minimum n°14 ha pubblicato il 

racconto Sferro. In via di pubblicazione 

il libro La vita umana degli animali, un 

omaggio agli animali domestici che hanno 

accompagnato e anche oggi accompagnano 

la vita dell’artista. 

FRANCA VANNONI 31

L’avvocato 

Risponde 

Il brevetto per invenzione 

Il caso di Octopod, il rivoluzionario brevetto sulle 

catene da neve con telecomando 


Il brevetto è il titolo giuridico attraverso 

il quale il titolare può ottenere 

un’esclusiva sulla propria invenzione, 

intesa come soluzione ad un problema 

tecnico non ancora risolto. Il brevetto 

per invenzione industriale è uno strumento 

giuridico fondamentale per le imprese 

che, investendo in ricerca ed innovazione 

tecnica e tecnologica, intendano assicurarsi 

lo sfruttamento in esclusiva del frutto 

dei propri investimenti garantendosi 

un’adeguata remunerazione. Ne parliamo 

con uno dei più autorevoli esperti italiani 

in diritto industriale: Aldo Fittante, titolare 

dello studio legale omonimo con sede 

a Firenze e varie partnerships nel mondo, 

docente in Diritto della Proprietà Industriale 

presso l’Ateneo fiorentino ed autore 

di molte pubblicazioni dedicate alla 

materia, tra le quali la più recente è la monografia 

Brand, Industrial Design e Made 

in Italy: la tutela giuridica edita da Giuffrè 

Editore e alla sua 2^ edizione nel 2017. 

Parleremo anche di una rivoluzionaria invenzione 

– denominata Octopod e della 

quale Aldo Fittante ha curato le procedure 

di brevettazione – destinata a rivoluzionare 

il settore nel quale si colloca: si 

tratta delle prime catene da neve al mondo 

azionabili stando comodamente seduti 

nel proprio veicolo, tramite apposito telecomando 

e con veicolo in movimento. 

In estrema sintesi, cos’è un brevetto? 

Un brevetto è un titolo giuridico, concesso 

dagli uffici competenti, che conferisce 

al suo titolare un monopolio consistente 

nel diritto esclusivo di realizzare, di fare 

realizzare da altri, di utilizzare e di offrire 

in commercio un’invenzione. Secondo 

una molto nota sentenza della Cassazione 

(la n.1454/72): «L'invenzione industriale 

si concreta nella soluzione di un problema 

tecnico non ancora risolto, atto ad 

avere concrete realizzazioni nel campo industriale 

e tale da apportare un progresso 

rispetto alla tecnica ed alle cognizioni 

preesistenti». 

Quali sono i requisiti affinchè l’inventore 

possa effettivamente ottenere il 

brevetto e utilizzare l’invenzione in 

totale esclusiva? 

I presupposti perché un trovato possa 

essere protetto dal diritto esclusivo 

di privativa conferito dal brevetto 

sono essenzialmente tre: la novità, 

nel senso che il trovato non deve già 

essere presente nella tecnica nota; 

l’originalità o attività inventiva, ovvero 

l’invenzione per essere brevettabile 

non deve risultare in modo evidente 

dallo stato della tecnica, cioè non deve 

essere evidente od ovvia per un 

tecnico del settore; l’industrialità, nel 

senso che deve essere atto ad avere 

applicazione industriale, espressione 

da intendersi in senso ampio e comprendente 

qualsiasi settore della tecnica, 

inclusa l’agricoltura. 

Nell’immaginario collettivo l’invenzione 

viene associata sempre all’idea 

di un prodotto con certe caratteristiche 

tecniche o ad un macchinario, 

ma è possibile brevettare anche altro? 

Certamente sì. Un brevetto può riguardare 

un’entità fisica, quale un 

dispositivo o un prodotto come abbiamo 

appena detto e come siamo 

abituati ad immaginare un’invenzione, 

ma anche un’attività, quale un procedimento 

o un processo industriale, i 

quali pertanto sono anch’essi giuridicamente 

invenzioni potenzialmente 

brevettabili. 

L’inventore che abbia brevettato la 

propria invenzione per quanto tempo 

gode del monopolio nel relativo sfruttamento 

economico? 

Il brevetto conferisce al titolare un’esclusiva 

limitata nel tempo ed in particolare 

della durata massima di 20 

anni, non rinnovabili. Successivamente 

il contenuto dell'innovazione 

oggetto del brevetto diventa patrimonio 

della collettività e diventa così a 

sua volta punto di partenza per lo sviluppo 

di ulteriori innovazioni. Si può 

dire che questo meccanismo – giuridicamente 

si parla di caduta in pubblico 

dominio dell’invenzione oggetto 

del brevetto scaduto – è fondamentale 

per il progresso stesso della nostra 

civiltà. 

Facciamo un esempio pratico di invenzione 

brevettata: Octopod, le 

prime catene da neve al mondo azionabili 

con telecomando. 

Octopod – invenzione di proprietà di 

una start-up fiorentina e della cui brevettazione 

ho avuto modo di occuparmi 

direttamente – è un sistema rivoluzionario 

destinato a cambiare radicalmente 

il mondo delle catene da neve. Si tratta 

delle prime catene da neve automatiche 

al mondo attivabili con telecomando e 

con veicolo in movimento. Octopod, infatti, 

realizza il sogno di poter azionare le 

catene da neve senza dover arrestare il 

proprio veicolo e stando comodamente 

seduti all’interno dell’abitacolo, inserendo 

e disinserendo il dispositivo elettronicamente, 

attraverso un semplice 

telecomando che ne consente l’impiego 

solo ove necessario, ovvero nei soli tratti 

di strada innevati o ghiacciati. 

Com’è nata l’idea di Octopod? 

Si tratta di un brevetto rivoluzionario, frutto 

di ricerche tecnologiche di molti anni e 

sul quale la società fiorentina titolare ha 

investito ingenti risorse, perché su di esso 

punta decisamente per il futuro date le 

enormi potenzialità applicative e di mercato 

che il sistema è in grado di soddisfare. 

L’invenzione, frutto di anni di studio 

alla ricerca di soluzioni innovative, è parti- 

32 

L’AVVOCATO RISPONDE

ta dall’attenta osservazione del panorama 

dei sistemi di catene da neve esistenti: i 

limiti applicativi dei sistemi esistenti sono 

evidenti ad ogni automobilista, ed a 

fortiori ai conducenti di mezzi pesanti e 

veicoli commerciali, siano essi adibiti al 

trasporto di merci o passeggeri. Il disagio 

di dover arrestare il proprio veicolo 

– trovandosi a sostare ai margini della 

sede stradale con possibile intralcio della 

carreggiata ed operando in condizioni 

di scarsa sicurezza – per procedere alle 

sempre macchinose operazioni di montaggio 

e rimozione delle catene da neve, 

è noto a tutti. 

E come riesce Octopod ad ovviare ai 

limiti intrinseci di tutti i sistemi di 

catene da neve tradizionali? 

Octopod è in grado di superare radicalmente 

tutti gli inconvenienti dei dispositivi 

tradizionali i quali – al di là delle 

soluzioni tecniche proposte dalle diverse 

case costruttrici – sono tutti caratterizzati 

dalla necessità di dover essere montate 

nel momento in cui il veicolo si trova 

a dover affrontare fondi scivolosi, per poi 

dover essere rimosse quando il veicolo 

torna a muoversi su strada in buone condizioni 

di aderenza. Il sistema brevettato 

Octopod invece consente l’azionamento 

ed il disinserimento del dispositivo 

di aderenza supplementare necessario 

in caso di neve o ghiaccio direttamente 

dall’interno dell’abitacolo, semplicemente 

premendo i pulsanti On (estensione) e Off 

(ritrazione) dell’apposito telecomando. 

L’aderenza supplementare di cui il veicolo 

necessita in caso di superficie stradale 

innevata o ghiacciata è garantita da una 

serie di segmenti antiscivolo che vanno 

gradualmente ad avvolgere con un cingolo 

il battistrada lungo l’intera circonferenza 

dello pneumatico. 

Quali sono pertanto i punti di forza 

dell’invenzione Octopod? 

La rivoluzionaria invenzione 

frutto di approfonditi studi 

tecnici soddisfa appieno 

ogni esigenza di semplicità, 

praticità e comodità 

d’impiego, garantendo al 

tempo stesso massima 

efficacia e piena sicurezza 

della relativa applicazione. 

Ciò in quanto, semplicemente 

azionando 

un telecomando e stando 

comodamente seduti nel 

proprio veicolo, Octopod consente 

di passare dalla posizione 

di riposo del sistema a quella di lavoro 

e viceversa, garantendo la massima 

aderenza su fondi innevati solo 

laddove necessario, ovviando al problema 

di affrontare l’alternanza di tratti di 

strada innevata e tratti di strada ove cessa 

l’esigenza di aderenza supplementare 

(si pensi, a puro titolo esemplificativo, 

all’esigenza di percorrere una galleria). 

L’invenzione è inoltre in grado di soddisfare 

una ulteriore esigenza che nessun 

altro dispositivo al mondo attualmente 

in commercio è in grado di garantire: 

quella di azionamento del sistema senza 

la necessità di arrestare il veicolo, bensì 

a bassa velocità ma con veicolo in movimento. 

Davvero Octopod è in grado di 

migliorare enormemente la vita di automobilisti 

ed ancor di più di conducenti 

di mezzi pesanti e veicoli commerciali, 

siano essi adibiti al trasporto di merci 

che di persone. 

E tornando alla tutela delle invenzioni 

ed ai brevetti, come è stato tutelata 

l’invenzione Octopod? 

Ho avuto il piacere di curare personalmente, 

per conto della start up fiorentina 

titolare, la protezione giuridica di Octopod. 

Sull’invenzione è stata ottenuta la 

concessione di tre brevetti italiani ed un 

brevetto internazionale, attualmente in fase 

di nazionalizzazione in Unione Europea 

e nei più importanti Paesi a livello internazionale, 

in particolare in USA, Canada, 

Cina, Australia, Corea del Sud, Russia, 

Giappone. Quanto sopra a riprova di come 

il brevetto per invenzione industriale 

sia uno strumento giuridico fondamentale 

per le imprese che – investendo in ricerca 

ed innovazione tecnica e tecnologica – intendano 

assicurarsi lo sfruttamento in 

esclusiva del frutto dei propri investimenti 

garantendosi in tal modo un’adeguata remunerazione. 

www.octopod.it 

Aldo 

Fittante 

Avvocato in Firenze e Bruxelles, docente in Diritto della Proprietà Industriale 

e ricercatore Università degli Studi di Firenze, già consulente 

della “Commissione Parlamentare di Inchiesta sui Fenomeni 

della Contraffazione e della Pirateria in Campo Commerciale” della Camera 

dei Deputati. 

www.studiolegalefittante.it 

L’AVVOCATO RISPONDE 

33

CONTEMPORARY ART MEETING 

Galleria Flori 

15 - 30 ottobre 2018 

Inaugurazione lunedì 15 ottobre ore 17.00 

Montecatini Terme - Viale Giuseppe Verdi 2 

Roberto Doda antiquario e titolare 

della prestigiosa ed antica 

Galleria Flori di Montecatini 

Terme 

Stephanie Holznecht, 

Dangerous Beauty 

Margherita Blonska Ciardi, 

artista e curatrice della mostra 

Contemporary ArtMeeting 

aperta tutti i giorni nei seguenti orari: 

10.00-13.00 /17.00-20.00 e 21.30 / 23.00

Nella bellissima cornice della Galleria Flori di Montecatini Terme si inaugurerà il 15 ottobre 

alle ore 17.00 la mostra Contemporary Art Meeting, rassegna di arte contemporanea. La 

scelta di questa storica location accentua il fattore tempo, che è un vero spartiacque tra 

passato e presente. L'arte di ieri considerata oggi come antica, a sua volta era “contemporanea”. 

Con il passare degli anni e l’evoluzione delle correnti artistiche, i gusti e le mode sono 

cambiati, portando con sè importanti variazioni nella percezione estetica. Il ruolo dell’artista, 

infatti, è raccontare il momento storico che sta vivendo, rivelando alla società le verità 

nascoste e facendo vedere il mondo con occhi diversi. Contemporary Art Meeting dimostra 

che l'arte di oggi dialoga bene con quella del passato, portando con sé freschezza ed energia 

e valorizzando ancora di piu la bellezza classica della tradizione. La mostra montecatinese 

ospiterà quattro artiste - Michal Ashkenasi, Stephanie Holznecht, Paula Haapahti e Margherita 

Blonska - e sarà ripresa dalla rete televisiva Toscana TV di Fabrizio Borghini. La 

Galleria Flori è situata nel cuore di Montecatini Terme in viale Verdi 2, a pochi passi dagli 

stabilimenti termali, ed è aperta tutti i giorni. Il titolare Roberto Doda ha iniziato a lavorare 

in questa galleria nel 1988 come battitore d'asta. Un lavoro faticoso a cui deve l’esperienza 

che gli consente di conoscere in maniera profonda le opere e gli oggetti d’arte proposti in 

collezione con passione, professionalità ed attenzione al cliente. 

Michal Ashkenasi 

Artista israeliana, ha inventato la tecnica d’arte 

multimediale chiamata multifusion 

Paula Haapalahti 

Fotografa finlandese, è sponsorizzata 

dal Ministero dei Beni Culturali 

del suo paese per poter viaggiare 

e realizzare i suoi reportage 

fotografici. 

Michal Ashkenasi, Light Flawers in Blue, multifusion 

Stephanie Holznecht 

Artista americana specializzata nell’arte 

astratta, sperimenta la ricerca del gesto e la 

linea emozionale. 

Paula Haapahti, Burgundi, fotografia 

Magherita Blonska 

Artista, architetto di origine polacca, curatrice ed 

esperta d’arte, si colloca artisticamente nel genere 

del pop espressionismo. 

Stephanie Holznecht, Life on the Run, acrilico su tela 

Margherita Blonska, L'Appennino toscano, tecnica mista

Eccellenze toscane 

in Cina 

A cura di 


Salumificio Lombardi 

Tradizione ed innovazione di una storica 

azienda toscana lanciata con successo sul 

mercato cinese 

foto www.salumificiolombardi.com 

Lo stabilimento a Ginestra Fiorentina 

Nel cuore della Toscana, tra le 

bellissime colline della Ginestra 

Fiorentina, possiamo trovare 

lo stabilimento del Salumificio 

Lombardi, che dal 1923 è specializzato 

nella produzione di salumi tipici 

toscani (salsiccia fresca, salame 

toscano, finocchiona toscana, salame 

piccante, pancetta toscana). L’azienda 

porta avanti da tre generazioni 

la tradizione toscana nota nel mondo 

anche per i salumi e si dimostra attiva 

e dinamica sia sul mercato nazionale 

che internazionale attraverso le capacità 

di adattamento ai nuovi mercati 

e la commercializzazione di salumi 

di vario genere e di differenti formati 

per soddisfare le diverse richieste 

della grande distribuzione e degli importatori 

tradizionali. Una delle caratteristiche 

peculiari del Salumificio 

Lombardi è sicuramente la flessibilità 

nell'accogliere e produrre gli articoli 

secondo i gusti e le preferenze del 

cliente finale ed in tempi molto brevi, 

grazie sia all’esperienza maturata negli 

anni sia al supporto di un team giovane 

ed efficace di collaboratori che 

sono in grado di offrire servizi e soluzioni 

commerciali interessanti. Il Salumificio 

Lombardi si avvale di uno 

stabilimento di circa 1200 metri quadri, 

modernamente ampliato e ristrutturato 

secondo le normative europee, 

oltre che di circa 15 addetti stabili 

che assicurano con una produzione 

annua in continua crescita. La scelta 

delle carni e la completa lavorazione 

interna avviene secondo altissimi 

standard di qualità: nel 2005 l’azienda 

ha ottenuto la certificazione qualità 

UNI EN ISO 9001/2008 e UNI EN ISO 

22000/2005, nel 2013 l'autorizzazione 

del Consorzio Prosciutto Toscano 

per affettare il prosciutto toscano 

DOP e nel 2015 l'autorizzazione IGP 

per la finocchiona. Il livello qualitativo 

è quindi molto alto e capace di soddisfare 

qualsiasi esigenza e, ciò nonostante, 

il salumificio pone continua 

attenzione a mantenere un criterio di 

lavorazione artigianale. Quest’anno 

il salumificio Lombardi ha deciso di 

guardare alla Cina con l’azienda China 

2000 Srl aderendo al programma 

ItalyLifeStyle e anche in questa occasione 

si è posta in evidenza per la 

serietà e la decisione che ha contraddistinto 

la propria storia aziendale e 

36 

ECCELLENZE TOSCANE IN CINA

con una capacità imprenditoriale rivolta 

a progetti a medio e lungo termine. 

Il mercato cinese negli ultimi 

anni ha investito moltissimo nel settore 

dei salumi e delle carni in genere 

e, soprattutto, nelle carni di maiale 

per le quali l’allevamento locale offre 

moltissimi capi. Oltre all’avvio di 

produzioni Made in China di affettati 

(specie di prosciutto) è iniziata una 

discreta vendita degli stessi sul mercato 

domestico, grazie anche a collaborazioni 

in joint venture con aziende 

italiane e spagnole. Pur essendo un 

grosso consumatore di carne di maiale, 

fino a pochi anni fa il cinese medio 

non conosceva i salumi e la loro 

varietà: l’ingresso di prodotti e stili di 

vita occidentali, soprattutto a partire 

dalle grandi città, ha sedotto tuttavia 

le nuove generazioni che, insieme 

al buon vino, amano abbinare salumi 

che sono molto graditi nelle degustazioni 

ufficiali o negli aperitivi offerti in 

alberghi con standard elevato o presso 

wine bar (sempre più numerosi e 

frequentati). Se è vero che la cucina 

tradizionale cinese forse non vedrà 

mai un antipasto di salumi e formaggi 

come apertura di una cena o pranzo 

tradizionale, è anche vero che sempre 

più spesso è facile trovare nei supermercati 

cinesi prosciutti da affettare o 

già pronti affettati in vaschetta, così 

come gli affettati figurano ora nelle 

colazioni a buffet di tipo continentale 

non solo nelle catene degli alberghi 

internazionali ma anche in quelle con 

prevalenza di clienti cinesi. Le prime 

iniziative del Salumificio Lombardi in 

Cina hanno prodotto risultati incoraggianti 

e confermato un’attenzione per 

questi prodotti e per questo nuovo 

modo di mangiare oltre alla curiosi- 

tà per i prodotti tipici che provengono 

da terre ricche di fascino e storia come 

la Toscana che, anche per i cinesi, 

costituisce sinonimo di eccellenza, 

arte, storia ed esempio di qualità del 

lifestyle. 

Salumificio F.lli Lombardi 

Via degli Artigiani, 4 

50020, Ginestra Fiorentina (FI) 

+39 055 8713671 

www.salumificiolombardi.com 

Una foto storica 

Michele 

Taccetti 

Laureato in Scienze Politiche con una tesi sugli scambi economici tra Italia 

e Cina ed erede della propria famiglia, operante con il grande paese 

asiatico fin dal 1946, assiste da oltre un ventennio le aziende italiane interessate 

ad aprire il mercato cinese in vari settori merceologici e, in particolare, 

alla promozione del Made in Toscana in Cina. Svolge attività di formazione in materia 

di Marketing ed Internazionalizzazione ed è consulente per il Ministero dello 

Sviluppo Economico. 

Per info: 

michele.taccetti@china2000.it 

China 2000 srl 

@Michele Taccetti 

taccetti_dr_michele 


ECCELLENZE TOSCANE IN CINA 37

Percorsi nella 

Natura 

Un’escursione sulle montagne di San Martino di 

Castrozza insieme al Gruppo Sportivo Gualdo di 

Sesto Fiorentino 

di Oscar Nicolai / foto courtesy GS Gualdo di Sesto Fiorentino 

Era da tempo che non stavo da queste 

parti in estate. L’anno scorso ci 

sono stato in inverno per una ciaspolata 

di tre giorni indimenticabile, sempre 

con il Gruppo Sportivo Gualdo di Sesto 

Fiorentino, mentre questa di fine agosto è 

stata una permanenza significativa. Una 

settimana intera per gustare a fondo il piacere 

di tanta bellezza che non ricordavo. Il 

colore di quel cielo azzurro intenso e l’aria 

cristallina che ti fa quasi toccare con mano 

le montagne che vi si stagliano contro, 

montagne che ti inebriano di un piacere incontenibile 

che non vedi l’ora di mettere gli 

scarponi e partire. Il piacere di poter camminare 

accompagnati da Fosco Masini, 

la nostra consueta guida, ci dà un misto 

di sicurezza e di euforia. I sentieri scorrono 

sotto le scarpe come tappeti, ti sembra 

che non esistano ostacoli che ti possano 

fermare; poi, a poco a poco, la fatica comincia 

a presentare il suo conto ed allora 

ti accorgi di essere di fronte a quella realtà 

che ogni volta ti porta a riflettere su ciò 

che la montagna rappresenta, su ciò che 

la montagna richiede, ma intanto si cominciano 

a vedere le malghe per i pendii e 

più giù verso valle, ed il panorama intorno 

assume una straordinaria bellezza. Si sale 

ancora, la schiena è bagnata di sudore, 

Foto di gruppo dei partecipanti all'escursione 

il sole non ci risparmia, batte forte, l’aria 

così leggera lo lascia fare ed i suoi raggi 

sono inesorabili. Creme, occhiali, berretti 

e si continua a salire. Raggiunta la “cima” 

si tira un sospiro di sollievo e ci si affaccia 

a quel balcone naturale che è all’arrivo 

di ogni scalata, ed è a questo punto 

che si aggrovigliano soddisfazione, fatica, 

piacere dello spettacolo offerto da queste 

montagne, la curiosità sempre diversa di 

riconoscere in lontananza le cime col loro 

nome o di scoprirne di nuove. Anche 

in questa occasione, il GS Gualdo ha proposto 

questa escursione in montagna con 

molteplici possibilità di trekking e arrampicate 

possibili per diversi partecipanti, 

comprese alcune ferrate affrontate dai più 

esperti. La zona è la stupenda Valle del Primiero 

(Trentino) esattamente San Martino 

di Castrozza (1.487 mt); da qui le possibilità 

di fare escursioni sono innumerevoli 

a partire dal trekking del Cristo Pensante 

raggiungibile da Passo Rolle (1.986 mt) 

all’interno del Parco Naturale Paneveggio, 

con splendida vista sulle Pale di San 

Martino fino ad arrivare alla Cima Monte 

Castellazzo (2.333 mt). Anche la Rosetta 

è qualche cosa di straordinario: arrivi e ti 

appare un esteso paesaggio lunare fatto di 

dolomia e ti sembra di essere sbarcato in 

un altro mondo. Il sole oramai, in cammino 

da un paio d’ore, non ti risparmia quel 

riverbero pungente fino a farti bagnare le 

palpebre che ti costringe a inforcare gli occhiali. 

Adesso puoi scegliere che escursione 

affrontare, dalla cima Rosetta (2.741 

mt) da cui puoi godere di un panorama 

unico, al ghiacciaio della Fradusta, Rifugio 

Colverde, Passo Pradidali e tante altre: c’è 

l’imbarazzo della scelta. Le giornate sono 

trascorse molto velocemente, i rientri nel 

tardo pomeriggio si susseguivano, con i 

nostri volti stanchi ed assolati, ma con il 

solito entusiasmo a raccontarci l’esperienza 

fatta ripassando mentalmente la giornata 

trascorsa e progettando già quella 

del giorno successivo. La sera, dopo cena 

“nell’angolo” dei ricordi, alcuni veterani 

sollecitati dai più giovani davano fondo a 

racconti epici delle escursioni sul trekking 

in Perù, lo sci sul Jbel Toubkal in Marocco, 

e ancora il deserto dell’Akakus in Libia o la 

ciaspolata nella regione dei grandi laghi in 

Canada. Una gradita sorpresa è stata quella 

di poter godere di due serate dedicate 

alla Cultura con la C maiuscola sgorgata 

dal racconto di Alessandro che ci ha deliziati 

srotolando in anteprima il racconto 

del suo ultimo libro intitolato In difesa 

della “dolce libertà” / L’assedio di Firenze. 

La mente viaggiava assieme all’immaginazione 

seguendo il filo che piano piano dipanava 

la storia affascinante del racconto 

intorno alla vicenda dell’assedio della città 

da parte di Carlo V dall’ottobre del 1529 

all’agosto del 1530. Con dovizia di particolari 

e con inconfutabile precisione, abbiamo 

ascoltato un pezzo di storia che ci 

riguarda tutti quanti e che ci ha fatti rimanere 

assorti ad ascoltare una “piece” teatrale 

straordinaria. Il giorno del rientro si 

stava avvicinando e cominciava a trasparire 

una certa rassegnazione: ahimè, siamo 

alla fine della vacanza. Nella notte aveva 

nevicato sulle cime, ed il pensiero è corso 

all’anno prima con le stesse montagne coperte 

di candido manto. Una cosa diversa 

con la neve che copre tanta bellezza. 

38 

PERCORSI NELLA NATURA

ornella 

gioielli 

Ornella Gioielli 

Piazza Ginori 8, Sesto Fiorentino (FI) 

leggieri.poccianti@gmail.com 

+ 39 055 4480339

Personaggi 

Antoni Gaudì 

Il Gaudì Centre di Reus, un museo dove conoscere 

l’opera magica e complessa di uno dei geni indiscussi 

dell’architettura moderna 

di Barbara Santoro / foto courtesy www.gaudicentre.cat 

È 

stato davvero piacevole percorrere 

a piedi le stradine di Reus, 

la cittadina della Costa Dorada 

che ha dato i natali ad Antoni Gaudì 

(1852 -1926) e osservare le tante costruzioni 

in stile liberty, i balconcini in 

ferro battuto decorati da magnifiche 

maioliche, i sottotetti e i cornicioni riccamente 

rifiniti da legni istoriati ispirati 

a foglie e fiori dalle larghe corolle, inframezzati 

da volti di giovani donne dalle 

chiome fluenti che avrebbero sicuramente 

affascinato Gabriele D’Annunzio. 

In questo substrato culturale è cresciuto 

il maestro del modernismo che fu 

definito da Le Courbusier “il plasmatore 

della pietra, del laterizio, del ferro”. 

Antoni Gaudì 

Questo paese, non avendo niente delle 

mirabili costruzioni di Gaudì, ha voluto 

rendere omaggio al suo celebre cittadino 

realizzando un edificio a tre piani che 

attraverso immagini, foto, modellini, visioni 

multimediali, cartelloni e manifesti 

potesse far rivivere al visitatore l’eccezionale 

mondo ricco di mistero, curiosità, 

magia di questo enigmatico autore 

di architetture ricche di simboli, forme 

geometriche e antropomorfe che si sono 

poi rivelate nella costruzione della Sagrada 

Familia di Barcellona. Ma chi era 

Antoni Gaudì? Nato a Reus il 25 giugno 

del 1852, quinto figlio del calderaio 

Francesc Gaudì i Serra e di Antònia 

Cornet i Bertran, fin da piccolo manifestò 

un grande amore per la sua terra e 

per i manufatti creati dal padre. La sua 

vita fu funestata da lutti fin dalla tenera 

età: la madre e due fratelli lo abbandonarono 

bambino e fu da subito afflitto 

da reumatismi che lo costrinsero a seguire 

la dieta dell’abate Kneipp, che prevedeva 

un regime frugale, vegetariano 

e restrittivo che certamente non contribuirono 

alla socievolezza della persona, 

che fu, in effetti, sempre solitaria. A diciassette 

anni si trasferì a Barcellona, 

dove si laureò con una tesi sul portale Barbara Santoro in visita al museo (foto courtesy Barbara Santoro) 

40 ANTONI GAUDÌ

di un cimitero che fu molto apprezzata 

per la ricchezza dei particolari. Lavorò 

con grande impegno alla realizzazione 

dei lampioni per la Placa Reial di 

Barcellona. Il successo dell’esuberante 

architetto fu apprezzato moltissimo 

dall’industriale mecenate Eusebi Güell 

che gli permise la costruzione dell’affascinante 

Parco Güell soddisfacendo tutti 

i suoi capricci estetici. Nacquero così 

le straordinarie costruzioni di Casa Batllò, 

Casa Milà (detta anche La Pedrera) e 

cominciò l’edificazione della chiesa della 

Sagrada Familia. Nel 1910 fu inaugurata 

a Parigi la grande mostra dedicata a 

Gaudì che riscosse un enorme successo. 

Nel 1918 morì il mecenate Eusebi 

Güell, mentre una crisi economica rallentò 

l’afflusso dei finanziamenti per la 

costruzione del tempio, lavoro che oramai 

assorbiva tutte le energie di Gaudì. 

La sera del 7 giugno 1926 terminato 

il lavoro stava tornando a casa quando 

fu investito da un tram di passaggio. 

Non subito riconosciuto, fu trasportato 

in una clinica locale, dove morì dopo 

tre giorni d’agonia. Dopo la morte 

anche la sua opera cominciò ad essere 

criticata e nei tumulti del 1936, all’inizio 

della guerra civile, alcuni gruppi 

anticlericali incendiarono la cripta della 

chiesa che ospitava lo studio e il laboratorio 

di Gaudì distruggendone così tutti 

gli schizzi, i modellini in scala e i disegni. 

Ciononostante l’opera dell’architetto 

spagnolo è andata avanti basandosi 

su fotografie dei modellini recuperati 

dall’incendio. La chiesa gode di grande 

considerazione e nomi illustri hanno 

espresso la loro ammirazione per l’opera 

di Gaudì: basti pensare a Santiago 

Calatrava e a Norman Foster che si 

sono detti suoi debitori. Secondo Le 

Corbusier, Guadì possedette la maggior 

forza architettonica tra quelli della 

sua generazione, mentre per Louis Sallivan 

la Sagrada Familia rappresenta “il 

più bel pezzo di creazione architettonica”. 

La grande basilica ha continuato a 

crescere grazie alle donazioni dei fedeli 

e al lavoro di vari architetti, ma tutto 

va molto a rilento fra mille difficoltà anche 

burocratiche. Il 7 novembre 2010, 

con una messa solenne, Papa Benedetto 

XVI ha consacrato la navata centrale 

dichiarando la chiesa Basilica Minore. 

L’attuale direttore dei lavori, l’architetto 

Jordi Faulì, ipotizza che sarà completata 

nel 2026. Dobbiamo crederci? 

In questa e nelle altre foto alcune sale del Gaudì Centre di Reus 

41

Eventi in 

Toscana 

Ennio Pozzi 

A Gualdo la mostra Essenza e Consistenza 

dedicata al pittore sestese 


Presso la chiesa di San Giusto a 

Gualdo, sul Monte Morello, ha 

aperto i battenti nel pomeriggio di 

sabato 15 settembre la personale dedicata 

al maestro sestese Ennio Pozzi, incentrata 

su alcuni aspetti poco noti della sua 

produzione. Ad aprire la mostra, oltre ai 

due curatori Francesco Traversi e Stefano 

Garosi, e ai membri del Gruppo Gualdo, 

c’erano il vicesindaco di Sesto Damiano 

Sforzi e Alessandro Biagiotti, governatore 

della Misericordia di Sesto Fiorentino. 

Presenti, inoltre, il nipote dell’artista Ettore 

Pozzi in compagnia del proprio figlio. 

Fu grazie all’incitamento di Giulio Bargellini, 

maestro simbolista amante dell’arte di 

Donatello, che Ennio Pozzi (1893-1972) 

lavorò drapprima come decoratore nelle 

manifatture di ceramica del suo paese 

e successivamente si iscrisse al corso di 

Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di 

Firenze. Arruolatosi nel corpo dell’Aeronautica 

di Roma in qualità di disegnatore, 

vi rimase fino alla fine della Grande Guerra 

ed ebbe modo di frequentare i circoli 

artistici e culturali della capitale. A questo 

periodo, in cui sviluppò i suoi primi concetti 

figurativi, risalgono una serie di nudi, 

ritratti e un paesaggio, realizzati ad olio su 

vari supporti (tela, tavolette, cartoncini), 

che mostrano il suo amore per gli antichi 

maestri (in questo caso Courbet e Delacroix). 

L’esposizione prosegue affrontando, 

tramite dipinti e disegni, la tematica 

religiosa. Il Pozzi non fu un assiduo frequentatore 

della chiesa, ma nella sua produzione 

artistica emerge una notevole 

quantità di opere sacre, attraverso le quali 

si può notare l’evoluzione del suo percorso 

pittorico. Oltre ai ritratti della sorella 

suor Elena, della figlia Maria nel giorno 

della Cresima e di Pietrino Buono, anima 

caritatevole amata dai sestesi e fondatore 

della nuova Misericordia, al Gualdo sono 

stati esposti un monumentale San Sebastiano, 

che domina la scena essendo collocato 

sulla parete di fondo dietro l’altare 

maggiore, una commovente Deposizione 

realizzata per il Cimitero della Misericordia 

a Prato nel 1951, e altri dipinti degli 

anni ’60, oramai sviluppati con un nuovo 

stile dal suo autore, caratterizzati da una 

pennellata gestuale, accesi colori e un’interpretazione 

ai limiti dell’espressionismo. 

Altri disegni e fotografie accompagnano le 

pitture e spiegano il metodo di lavoro del 

pittore. A chiudere questa monografica 

sono varie illustrazioni, fra cui alcune eseguite 

per la famosa rivista Scena Illustrata, 

oltre ad un libro di poesia del siciliano 

Giuseppe Zagarrio, per il quale Pozzi disegnò 

la copertina e sei scene al suo interno. 

Accompagnata da un catalogo curato 

dagli ideatori della mostra, l’esposizione è 

rimasta aperta fino al 30 settembre. 

A Sesto Fiorentino il restaturo del labaro della Misericordia 

e di due dipinti di Ennio Pozzi 

di Maria Grazia Dainelli 

Sabato 8 settembre, in occasione 

dell’annuale festa della Confraternita 

di Misericordia di Sesto Fiorentino, 

nei locali della stessa, il governatore Alessandro 

Biagiotti ha presentato il restauro 

di alcune opere appartenenti alla Confraternita, 

che sono rimaste in mostra fino al 

termine della festa. Al centro della sala è 

stato esposto il labaro della Confraternita, 

seta dipinta dal pittore Pilade Donnini, firmato 

e datato 1934, nel quale sono raffigurati 

San Martino, simbolo di Sesto, e 

il simbolo della Misericordia con al centro 

l’immagine di San Sebastiano ripresa dal 

Le opere restaurate: al centro lo stendardo della Misericordia di Sesto Fiorentino e ai 

lati i due dipinti di Ennio Pozzi 

dipinto del Sodoma conservato agli Uffizi. 

Ai lati del labaro, due dipinti di Ennio Pozzi: 

il Ritratto di Pietro Azzarri, detto Pietrino 

Buono, figura di spicco della Misericordia 

sestese (Sesto, 1868-1926), dipinto 

da Pozzi poco dopo la morte di Pietrino, e 

la grande tela raffigurante San Sebastiano, 

firmata e datata 1927. Le opere sono state 

affiancate da pannelli con foto e didascalie 

che illustrano le varie fasi dei restauri. 

Stefano Garosi, curatore insieme a Francesco 

Traversi della mostra di Ennio Pozzi 

a Gualdo, ha illustrato sinteticamente le 

cause del degrado dei due dipinti e le fasi 

del loro restauro, mentre la restauratrice 

Elena Gualandris ha parlato della tecnica 

d’esecuzione della pittura sulla seta, delle 

condizioni in cui si trovava lo stendardo 

e delle cause del suo degrado, esponendo 

in modo chiaro e dettagliato le varie fasi 

del restauro. 

ENNIO POZZI 

43

Obbiettivo 

Fotografia 

A cura di 


Fabio Canali 

Il “mosso creativo” negli scatti del fotografo toscano 

protagonista della personale Graffi d’Autunno conclusasi 

lo scorso 27 settembre al Gruppo Donatello 

Testo e foto Fabio Canali 

Il mio progetto si basa sulla tecnica 

del mosso creativo, vale a dire 

un altro modo di interpretare e di 

utilizzare sul piano espressivo un’immagine 

mossa, la quale solitamente 

è considerata un errore in ambito 

fotografico. Ciò è esatto se il mosso 

è frutto di un tempo di scatto troppo 

lungo, della mancanza di luce o 

di una vibrazione nell’attimo in cui si 

scatta, mentre qui il movimento non 

è il nemico da contrastare, bensì un 

prezioso alleato per attribuire all’immagine 

un particolare valore comunicativo. 

Con questa idea in testa, ho 

strizzato l’occhio agli impressionisti 

che con l’estro di un pennello dipingono 

l’immagine che hanno di fronte, 

mentre io provo a far altrettanto impugnando 

una fotocamera e scrivendo 

con la luce. Fotografo ormai da 

tanti anni, ho iniziato quando ancora 

si viaggiava con la scorta di rullini, 

usando una macchinetta a pellicola, 

per passare poi alla mia prima digitale 

che ho spremuto per anni prima di 

approdare ad una reflex. Scatto perché 

mi piace, non so se posso definirla 

passione o divertimento, ma 

cerco sempre di ritrarre la mia versione 

del soggetto che ho di fronte, 

catturando le emozioni che mi portano 

a premere il pulsante. Amo tantissimo 

la luce dell’alba, quando le 

tenebre lasciano il posto all’amata luce, 

anche se questo significa rinunciare 

ad ore di riposo. 

fabiocanali@libero.it 

44 FABIO CANALI

Ritratti 

d’artista 

Giovanni Garrubba 

Un pittore innamorato della realtà 

Definizione della pennellata e attenzione ai particolari caratterizzano 

uno stile intento a catturare l’essenza del visibile e delle emozioni 

di Francesca Caggiati 

Pittore di origini crotonesi e parmigiano 

di adozione, Giovanni 

Garrubba inizia a disegnare sui 

banchi di scuola i personaggi dei fumetti 

e dall'età di dodici anni dipinge 

con colori ad olio su tela, che ha affiancato 

al carboncino e alla matita. E' un 

autodidatta puro, amante delle linee definite 

e della dovizia nei particolari, e si 

è sempre ispirato ai grandi maestri, in 

particolare al Caravaggio. Ritrae prevalentemente 

Melissa, suo paese d’origine, 

e i suoi abitanti, ma anche visuali 

del centro storico di Parma, paesaggi 

e castelli del parmense e ritratti di vario 

genere, che esegue anche su commissione. 

Una via, uno scorcio, un paesaggio 

campestre, ma anche ritratti che 

esprimono un vissuto e mille emozioni. 

Se la scelta di dipingere olio su tela 

è rimasta pressochè una costante in 

Garrubba, la definizione della pennellata, 

l’utilizzo delle ombre e della prospettiva 

si sono perfezionate nel tempo. E’ 

un pittore emergente che sta iniziando 

ad ottenere l’attenzione e i riscontri che 

merita e si sta facendo apprezzare anche 

come ritrattista. «Spesso mi chiedono 

di dipingere figli o parenti - afferma 

Garrubba - probabilmente perché un 

quadro ha un sapore diverso da una fotografia 

e in casa diventa un oggetto di 

arredo. Ho ricevuto anche richieste per 

dipingere coppie di sposi a cui gli amici 

hanno voluto fare un regalo di nozze 

diverso dal solito». Negli anni ha esposto 

in personale e in collettiva in Emilia 

Romagna, Puglia e Toscana; in alcune 

occasioni ha dipinto e disegnato dal vivo, 

spiegando come nasce un quadro: 

dall’idea al bozzetto disegnato a matita, 

dalle diverse fasi realizzative fino ai ritocchi 

finali. I suoi quadri, olio su tela o 

cartone telato, coprono un periodo che 

va dagli anni ’90 ad oggi e mostrano l’evoluzione 

del suo stile, sempre più curato 

e attento ai dettagli. «Dipingere è 

una ricerca continua – chiarisce l’artista 

– che permette di evolversi e trovare 

anche nuove forme di espressione». 

giovanni.garrubba@virgilio.it 

http://giovannigarrubba.blogspot.it 

Giovanni Garrubba - Pittore 

Ufficio Stampa & RP: 

Dott.ssa Francesca Caggiati 

francesca.caggiati@tin.it 

+39 338 5219408 

Giovanni Garrubba con due suoi dipinti 

Ritratto di uomo anziano, olio su tela, cm 

50x60, 2014 

GIOVANNI GARRUBBA 

45

Eventi in 

Toscana 

Il Sequence Shot Film Festival quest’anno diventa 

Monochrome, una manifestazione cinematografica 

tutta in bianco e nero alle Serre Torrigiani 

Di Maria Grazia Dainelli / Foto Alessandro Michelazzi 

Una manifestazione cinematografica 

tutta in bianco e nero: 

stiamo parlando di Monochrome, 

titolo scelto quest’anno per la 3ª 

edizione del Sequence Shot Film Festival 

svoltosi lo scorso 20 settembre a Firenze 

presso le Serre Torrigiani. Diretta 

da Graziano Staino, la manifestazione 

è organizzata da Blindivision AC e Universofoto 

in collaborazione con le Serre 

Torrigiani. Un incontro all’insegna della 

convivialità con un rinfresco offerto dalle 

Serre Torrigiani e dall’Azienda Agricola 

Francesca e uno shooting fotografico 

realizzato con le pellicole monocrome 

Instax Fujifilm e le maschere dello studio 

Crea FX. All’interno della serra sono 

state proiettate le dodici opere brevi selezionate 

tra le tante pervenute da tutto 

il mondo. Nel corso della serata è stato 

assegnato il premio al film A mighty nice 

man di Jonathan Dee come miglior 

opera 2018. Un riconoscimento deciso 

dal pubblico e da una giuria composta 

dall’attrice Giusi Merli, tra gli interpreti 

del film La Grande Bellezza, la visual 

designer Chiara Feriani, la presidente 

dell’Italian Film Commission Stefania 

Ippoliti, l’artista Giacomo Costa, il designer 

Piero Angelo Orecchioni e il cantante 

e produttore Piero Pelù. 

Da destra, Andrea Berni di Universo Foto e Graziano Staino, direttore del Sequence Shot Film Festival 

La premiazione 

Un momento della proiezione alle Serre Torrigiani 

46 

MONOCHROME

Eventi in 

Toscana 

Il Giappone a Firenze: balli, canti e maschere 

del teatro No a Palazzo Medici Riccardi per 

una serata all’insegna del dialogo culturale 

tra Oriente ed Occidente 

Testo e foto Maria Grazia Dainelli 

Lo scorso 28 giugno la splendida 

Sala Luca Giordano di Palazzo 

Medici Riccardi ha fatto 

da cornice ai balli e alle maschere della 

tradizione giapponese ospitando una 

rappresentazione del teatro No − abbreviazione 

di Nogaku −, la prima delle tre 

grandi forme del teatro classico in Giappone. 

Protagonista della serata, l’attore 

Kazufusa Hosho, ventunesimo maestro 

della scuola maggiore Hosho. Lo spettacolo 

ha visto riuniti tre diversi tipi di 

linguaggio: verbale attraverso il canto, 

musicale, con l’utilizzo di strumenti 

a fiato e a percussione, e gestuale 

con i passi di danza classica giapponese. 

L’evento è stato impreziosito dalla 

collezione di ventagli antichi e moderni 

messa a disposizione dalla dottoressa 

Luisa Moradei, la quale ha anche tenuto 

un’interessante conferenza sui rapporti 

tra Oriente ed Occidente. Con questa 

iniziativa prosegue l’incontro culturale 

tra la città di Firenze e il Giappone iniziato 

a Palazzo Medici Riccardi nel 2012 

con la mostra di ben cinquantadue maschere 

di diverse epoche − dal Duecento 

ad oggi − ancora in ottimo stato di 

conservazione. 

Junko Fukui, artista ed organizzatrice dell'evento 

Il No è una delle forme teatrali più 

antiche della tradizione giapponese 

essendo stata introdotta nel 

XIV secolo. Nacque come forma di 

arte colta che presumeva una buona 

cultura degli spettatori a cui lasciava 

ampio spazio di interpretazione. 

Il principale linguaggio utilizzato era 

la danza, intrepretata da attori che si 

esibivano con movimenti lenti ed aggraziati 

e con il volto coperto da maschere. 

Questa forma d’arte, ancora 

oggi praticata in Giappone, si articola 

in quattro scuole - Hosho, Komparu, 

Kita e Kongo - che ne custodiscono 

regole e tradizioni. 

La Sala Luca Giordano, splendida location dell'evento 

Un momento dello spettacolo 

EVENTI IN TOSCANA 47

Eventi in 

Toscana 

Signa fa il pieno di solidarietà 

Due giorni per Cure2Children al Parco dei Renai 

Grande partecipazione per Eliche, lanterne e musica, 

la manifestazione organizzata dall’associazione Pollicino 

Onlus per sostenere un progetto intitolato a Davide Astori. 

Sul palco anche Lorenzo Baglioni 

di Fabrizio Borghini / foto courtesy Cure2Children 

Una festa pensata per donare un 

sorriso ai bambini: quelli che vi 

hanno partecipato ma soprattutto 

quelli per cui da 12 anni si batte 

Cure2Children. È stata un successo per 

affluenza e partecipazione Eliche, lanterne 

e musica, la manifestazione che 

si è tenuta lo scorso 22 e 23 settembre 

al Parco dei Renai di Signa (FI): una 

due giorni a scopo benefico promossa 

dall’associazione signese Pollicino 

Onlus presieduta da Beppe Bonardi. 

Alla base di tutto, la volontà di raccogliere 

fondi a favore della Fondazione 

Cure2Children, onlus impegnata nel 

promuovere la cura dei bambini affetti 

da malattie oncologiche nei Paesi poveri 

e in via di sviluppo. I fondi raccolti durante 

i due giorni saranno destinati in 

particolare al nuovo progetto di Cure- 

2Children in Ghana, all’ospedale Greater 

Accra Regional Hospital, nel quale è 

nata la prima Unità di Trapianto di Midollo 

Osseo di tutta l’Africa subsahariana 

che servirà a guarire i bambini affetti 

da anemia falciforme, grave malattia del 

sangue frequente tra i più piccoli. L’unità 

è stata intitolata alla memoria di Davide 

Astori, per testimoniare l’impegno 

che il calciatore avrebbe voluto continuare 

a mettere in questo progetto e 

portare avanti il messaggio che lui stesso 

aveva scelto per sostenere bambini 

di Cure2Children: «Ogni bambino ha il 

diritto di giocare la Sua partita, sosteniamo 

Cure2Children!». Sono tante 

le iniziative dedicate a grandi e piccoli 

che hanno animato il Parco dei Renai, 

trasformato per due giorni in un grande 

contenitore di eventi: tra le più spettacolari 

la possibilità di fare un volo in 

elicottero o assistere al lancio dei paracadutisti. 

A conquistare i bambini ci 

hanno pensato lo show dei dinosauri e 

Un momento della manifestazione 

Lorenzo Baglioni 

lo spettacolo dei falconieri, il paintball e 

la fattoria, il planetario digitale e il trenino 

elettrico. Ma anche i mezzi delle Forze 

dell’Ordine: il Parco infatti ha ospitato 

anche alcune postazioni di Arma dei Carabinieri, 

Polizia di Stato, Polizia Penitenziaria, 

CRI Militare, Esercito Italiano 

e Protezione Civile che si sono resi disponibili 

a partecipare date le finalità 

benefiche dell’evento. Gran finale con lo 

show del testimonial di Cure2Children 

Lorenzo Baglioni che ha fatto divertire 

il pubblico con la sua comicità tagliente 

e una carrellata dei suoi successi, da 

Le ragazze di Firenze a Il congiuntivo, 

con cui il cantante toscano si è aggiudicato 

il secondo posto tra le Nuove Proposte 

all’ultimo Festival di Sanremo. 

Lo show di Baglioni è stato anticipato 

dalla proiezione del cortometraggio 

Fata Burgina di Piero Torricelli, premiato 

con il Pegaso Respect International 

Film Festival. Spenti i riflettori sulla manifestazione, 

resta accesa l’attenzione 

sulle attività di Pollicino Onlus e di Cure2Children 

perché, per usare il motto 

della Fondazione, nulla è più importante 

di un bambino. 

48 

PARCO DEI RENAI

Via dei Renai 9 

50058 Signa - Firenze 

Tel: 055 8996431 | Fax: 055 8999257 

segreteria@progettorenai.it 

www.parcorenai.it

Eventi in 

Toscana 

Nel Salone dei Cinquecento 

la XXXIII edizione del Premio 

Lorenzo il Magnifico 

Assegnati dall'Accademia Internazionale Medicea i 

riconoscimenti ad artisti, scrittori e personaggi della 

cultura, delle istituzioni e dell'imprenditoria 

di Lucia Raveggi / foto Silvano Silvia 

Nel Salone dei Cinquecento di 

Palazzo Vecchio si è tenuta sabato 

16 giugno la 33ma edizione 

del Premio Lorenzo Il Magnifico 

istituito nel lontano 1977 dall'Accademia 

Internazionale Medicea. Nel corso 

dei decenni che ci separano da quella 

data, hanno ricevuto l'ambito riconoscimento 

personaggi di levatura 

internazionale del mondo della politica, 

dell'imprenditoria, delle arti e dello 

spettacolo. Fra i nomi di spicco quelli 

degli statisti Willy Brandt, Amintore 

Fanfani, Bettino Craxi, François Mitterrand, 

Gorbachev, degli artisti Pietro 

Annigoni, Mario Ceroli, Mimmo Paladino, 

Aligi Sassu, Renzo Vespignani, 

Igor Mitoraj, Folon, dei giornalisti Sergio 

Zavoli e Arrigo Levi, degli attori Nino 

Manfredi, Vittorio Gassman, Melina 

Mercuri, Dario Fo, Alida Valli, Peter 

Ustinov, Virna Lisi. Anche questa edizione 

è stata nobilitata dalla presenza 

di personalità di grande spessore quali 

l'astronauta Paolo Nespoli, il grande 

artista cinese Li Ying Jie, il più famoso 

interprete di Arlecchino del mondo 

Ferruccio Soleri, il direttore del Corriere 

Fiorentino Paolo Ermini, il musicista 

Walter Savelli, il Presidente del Consiglio 

Regionale della Toscana Eugenio 

Giani, l'attore della seguitissima fiction 

"Gomorra" Salvatore Esposito, il 

critico e storico dell'arte Maurizio Vanni, 

il giornalista Giancarlo Mazzuca. 

Nel corso della manifestazione, che si 

è aperta con l'interpretazione del "Canto 

di Bacco" di Lorenzo il Magnifico da 

parte dell'attore Alessandro Calonaci 

e i saluti istituzionali della presidente 

della Commissione Cultura del Comune 

di Firenze Maria Federica Giuliani e 

della senatrice Rosa Maria Di Giorgi, 

è stato assegnato anche il Premio Caterina 

de' Medici alle pittrici fiorentine 

Elisabetta Rogai e Simona Dolci, all'assessore 

alla Cultura del Comune di Rosignano 

Marittimo Licia Montagnani e 

a Maria Cotroneo direttore del Telesia 

Museum di San Roberto (Reggio Calabria). 

Diciotto sono stati gli artisti che 

L'astronauta Paolo Nespoli premiato da Maria Federica Giuliani Presidente della Commissione Cultura del Comune di Firenze 

50 

PREMIO LORENZO IL MAGNIFICO

hanno ricevuto il Collare Laurenziano 

ed altrettanti i premiati con le Medaglie 

Laurenziane; fra questi, l'enologo 

Paolo Bini, le attrici Lavinia Parissi e 

Mery Nacci, lo scrittore Donato Massaro, 

il curatore d'arte Filippo Lotti, l'urologo 

Andrea Gavazzi, il pneumologo 

Massimo Pistolesi, il chirurgo Antonio 

Orlando, la cantante statunitense Josephine 

Carr, l'imprenditore Tonino Boccadamo, 

la poetessa Mary Bianchi, il 

Nucleo Tutela Patrimonio Culturale dei 

Carabinieri, il professor Francisco Javier 

Benedicto Ruiz responsabile del 

Sistema Galileo dell'Esa, l'agenzia spaziale 

europea, la dottoressa Ottaviana 

Giagnoli, Alessandro Bottacci del Nucleo 

Forestale dei Carabinieri. Numeroso 

come ogni anno il pubblico che 

è affluito in Palazzo Vecchio per partecipare 

all'evento che è stato patrocinato 

dal Comune di Firenze e dalla 

Regione Toscana. Oltre alla presidente 

dell'Accademia Anna Frabetti, hanno 

consegnato i premi i consiglieri Luigi 

Del Fante, Michele Coppola, Michele 

Cirrincione, Roberto Ariani, Stefano 

Cappelli, Giuseppe Fricelli e Costantino 

Tedesco. Ha presentato, nella doppia 

veste di giornalista e Rettore dell'Accademia, 

Fabrizio Borghini. 

L'attore Alessandro Calonaci riceve il Collare Laurenziano dal Rettore Fabrizio Borghini 

Il Presidente del Consiglio Regionale Eugenio Giani riceve il Premio 

Lorenzo il Magnifico dai consiglieri Stefano Cappelli e Roberto Ariani 

L'attrice Gianna Giachetti consegna il bassorilievo simbolo del Premio 

Lorenzo il Magnifico a Ferruccio Soleri 

PREMIO LORENZO IL MAGNIFICO 51

Eventi in 

Toscana 

La senatrice Rosa Maria Di Giorgi e Maria Federica Giuliani consegnano la Medaglia Laurenziana 

al Nucleo Tutela Patrimonio Culturale dei Carabinieri 

52 


Collare Laurenziano 

Joanna Aston è nata in Inghilterra, 

dove giovanissima ha 

studiato pittura. Successivamente 

si è trasferita a Firenze dove 

ha frequentato prima la scuola 

di Nerina Simi, figlia del noto pittore 

di fine Ottocento Filadelfo e 

poi l'Accademia di Belle Arti dove 

si è laureata in Pittura con il massimo 

dei voti. Ha lavorato come disegnatrice 

tecnica al Genio Civile 

di Firenze scegliendo la via del prepensionamento 

per potersi dedicare 

con continuità alla pittura. Ha 

esposto in diverse mostre collettive, 

molte delle quali organizzate 

dall'Associazione Toscana Cultura. 

Joanna Aston 

Julius Camilletti, nato a 

Melbourne nel 1960, rientra 

quasi subito in Italia, 

dove inizia il suo percorso artistico 

in età matura. L' amore 

viscerale per l'arte è confluito 

nell'ideazione di una tecnica 

"unica", il Trattilismo, che per 

l'artista significa "istante di vita". 

Le sue opere nascono da 

sentimenti riprodotti sulla superficie 

tramite tratti di pennarello 

dal forte impatto visivo. 

Non vi è un disegno preparatorio, 

le figure sono il risultato di 

un lavoro certosino, di raffinati 

incastri di colore e i supporti 

utilizzati sono i più diversi. 

Cristina Falcini, pittrice autodidatta, 

espone dagli anni Ottanta, 

sia in personale che 

partecipando a mostre estemporanee, 

collettive ed eventi Onlus. 

Julius Camilletti 

Cristina Falcini 

Franco Carletti è nato a Gaiole in 

Chianti nel 1954, vive e lavora a Siena. 

Ha iniziato a dipingere da giovanissimo 

spinto dalla sua insegnante che 

lo ha seguito anche dopo gli studi. La sua 

pittura affonda le radici nella migliore tradizione 

coloristica. Visioni espresse con 

essenzialità, aspetti del paesaggio e della 

natura, figure femminili, opere piacevoli 

pervase da un sottile senso romantico con 

un’impronta di singolare efficacia. Ha partecipato 

a molte manifestazioni in Italia e 

all’estero con il contributo di illustri critici 

come Paolo Levi, Vittorio Sgarbi, Giorgio 

Grasso e Loredana Trestin che lo hanno 

Franco Carletti 

seguito da Spoleto a Palermo, Venezia, 

Mantova, Bologna, Milano, Roma come a 

Bruxelles, Miami, New York, Parigi, Barcellona. 

Partecipa ai progetti Infinity e Genius 

a cura di Giammarco Puntelli con esposizione 

a Firenze a Palazzo Medici Riccardi 

e relative pubblicazioni editoriali Giorgio 

Mondadori; è stato inserito tra gli artisti di 

Spoleto Arte e negli Artisti della collezione 

Sgarbi, e da Paolo Levi nella rubrica Prima 

Scelta. Lo scorso giugno ha ricevuto il 

Collare Laurenziano dall’Accademia Internazionale 

Medicea, con cerimonia a Firenze 

nel Salone dei Cinquecento di Palazzo 

Vecchio. 


Eventi in 

Toscana 

Elena Migliorini, nata a Lastra a Signa 

nel 1950, vive a Scandicci, dove 

svolge la sua attività artistica. 

Nel 2007, dopo aver concluso gli anni di 

lavoro nella pubblica amministrazione, si 

dedica inizialmente al disegno e in seguito 

studia alcune tecniche, tra cui l’acquerello, 

sotto la guida della pittrice Fiorella Macchioni. 

Ha al suo attivo un’intensa attività 

espositiva sia in mostre personali che collettive. 

Di recente è stata premiata nell’ambito 

del 52° Concorso di pittura di Lastra 

a Signa 2018 con l’opera Magnolia in fiore. 

Nel giugno scorso è stata insignita del 

Collare Laurenziano dall’Accademia Internazionale 

Medicea a Firenze. 

Elena Migliorini 

Daniela Cappellini, ha iniziato a 

dipingere giovanissima, affinando 

le proprie tecniche attraverso 

la frequentazione della bottega del 

maestro Scardigli a Pescia e il laboratorio 

del maestro Giorgetti a Montecatini 

Terme. Ha esposto presso circoli 

culturali, biblioteche e gallerie ricevendo 

anche premi tra i quali Toscana Cultura 

Donna nell’anno 2015 e al Torrino di 

Firenze durante alcune rassegne artistiche. 

E’ presidente e fondatrice dell’Associazione 

Culturale Tusco Artis ed 

ha partecipato, con altri tre soci artisti, 

all’illustrazione del libro Le avventure 

di Pinocchio di Carlo Lorenzini con 

la collezione Pinocchio e la sua Collodi 

tra Fantasia e Realtà che ultimamente è 

stata esposta anche in Francia nella regione 

della Marna. Ha realizzato la collezione 

La Mia Merica, dedicata al nonno, 

con diciotto tele che ripercorrono la storia 

degli italiani dei primi del '900 che 

affrontavano un lungo viaggio verso l’America 

in cerca di un futuro migliore. Ha 

illustrato su carta del Settecento la pubblicazione 

Affresco Medievale, relativa al 

miracolo del 1399 avvenuto in Buggiano. 

Infine, ha realizzato la cosidetta Arte 

a Passeggio, ovvero borse dipinte a 

mano con tecnica del tutto personale, 

facendo diventare le borse qualcosa 

di unico e speciale, un oggetto d’arte a 

passeggio per le vie del mondo. Le stesse 

sono state anche esposte alla Biennale 

d’Arte di Alessandria. 

Daniela Cappellini 

Patricia Glauser nasce in Colombia 

e nel 1998 si trasferisce 

in Italia dietro il suo 

sogno di diventare artista. Studia 

all’Accademia di Belle Arti di Firenze 

e successivamente consegue un 

master in Arti Visive presso la LABA. 

Ha preso parte a diverse mostre sia 

personali che collettive in Italia e in 

altri paesi come Francia, Germania, 

Austria, Belgio, Spagna e Colombia. 

E’ stata insignita di diversi premi, tra 

cui il Collare Laurenziano, il premio 

di tutte le arti, il premio ArtAbitart e 

il premio Afrodite. Il suo tema principale 

è la denuncia sociale contro il 

maltrattamento della donna e la sublimazione 

del dolore attraverso lo 

sviluppo spirituale. Facendo uso del 

vestito femminino, esprime concetti 

come presenza e assenza, materia 

ed energia, interno ed esterno. Nelle 

sue sculture e istallazioni fa uso 

di svariati materiali e oggetti, sempre 

considerando che la tecnica segue 

l’idea e non il contrario. 

Patricia Glauser 

54 


Maurizio Masini 

Maila Stolfi 

Anna Nigro, pittrice e grafica 

pubblicitaria, nasce in Calabria, 

vive a Pistoia e opera 

su tutto il territorio nazionale e internazionale. 

Lavora costantemente 

solo su ordinazione per collezioni 

pubbliche e private. Non ha un tema 

specifico, ritrae tutto quello che 

la circonda, dal sacro al profano. 

Ogni sua opera nasce da un impulso 

irrefrenabile che riflette l’interiorità 

spirituale e creativa di una pittrice 

travolta dal bisogno di mettere a nudo 

il proprio animo. E’ riuscita a conquistarsi 

una fama anche nel settore 

grafico, diventando punto di riferimento 

per aziende e case editrici. 

“Un’emozione, un quadro” è il suo 

slogan. 

Maila Stolfi è nata a Prato dove 

ha iniziato a studiare incisione 

e pittura sotto la guida di Piero 

Caverni. Molte le sue partecipazioni a 

rassegne d'arte e mostre collettive; tra le 

più recenti si ricordano le mostre presso 

lo storico Caffè Letterario Giubbe Rosse 

e nella Saletta Campolmi del Polo Museale 

di Prato. Alcune sue opere si trovano 

a Prato nel Museo Casa delle Memorie di 

Guerra per la Pace. È stata insignita del 

Collare Laurenziano a Palazzo Vecchio 

e del premio alla carriera in memoria di 

Grazia Barsani Berti nell'ambito del Premio 

Nazionale di Castiglioncello 2018. 

Maurizio Masini, nato a San 

Gimignano (SI), dove tuttora 

risiede, dal 1975 al 2011 

è stato insegnante della sezione di 

Scultura dell'Istituto d'Arte Duccio di 

Boninsegna di Siena. Tra le sue opere 

pubbliche, il monumento a Bruno 

Bonci e i partigiani a Vagliagli, e 

quello ai minatori partigiani di Abbadia 

San Salvatore, la stele in marmi 

policromi per onorare la memoria 

delle sorelle Nissim presso la scuola 

primaria Saffi di Siena, e a San Gimignano 

la stele dedicata ai Martiri di 

Montemaggio e lo stemma dello stesso 

Comune. La sua fontana, L'Albero 

delle Cannelle situata al Piazzale 

Montemaggio di San Gimignano, è 

stata inaugurata nel 2011. Ha esposto 

in molte città italiane e all’estero. 

Ha inoltre eseguito diverse sculture 

per la Contrada dell'Istrice di Siena. 

Ha partecipato a molte mostre curate 

da Toscana Cultura a Firenze e a Castiglioncello 

dove nel 2017 ha vinto il 

premio come miglior scultore. 

Gian Luca Guasti, medico chirurgo 

dal 1983, impegnato come 

artista dal 1973, ha perfezionato 

negli anni le sue opere nell’ambito 

della ceramica, del graffito, della pittura 

ad olio ed acquarello. 

Anna Nigro 

Gian Luca Guasti 


Eventi in 

Toscana 

Salvatore Sardisco 

Salvatore Sardisco ha manifestato 

la sua vocazione artistica 

quando era ancora giovanissimo. 

Del suo talento si accorse Pietro 

Annigoni, quando Sardisco aveva 

solo tredici anni. La sua pittura spazia 

dal tema religioso al ritratto, dal 

linearismo continuo al disegno a 

carboncino, il tutto condito da un’ispirazione 

spirituale importante. La 

tela è per lui un’immagine simbolica 

che unisce l'umano al divino. 

Vinicio Polidori si è formato nella 

bottega di Pietro Annigoni, dove ha 

affinato la conoscenza del disegno 

e di molte tecniche pittoriche (olio, tempera, 

acquerello, affresco). Grande sperimentatore, 

si cimenta anche nella fusione a 

cera persa e nello sbalzo su oro, mostrando 

anche ampie competenze nell’ambito 

del restauro. Ottimo ritrattista, ha immortalato 

celebri personaggi come Lionel Richie, 

i componenti del gruppo musicale 

Earth Wind Fire e Teri Ann Linn Anderson, 

ex attrice di Beautiful. Suo il ritratto di Mauro 

e Manolo Bolognini presentato lo scorso 

febbraio nel corso di una cerimonia ufficiale 

alla Camera dei Deputati a Roma. Molti i 

premi ed i riconoscimenti ricevuti negli anni, 

tra cui il Collare Laurenziano conferitogli 

lo scorso giugno a Firenze nel Salone dei 

Cinquecento in Palazzo Vecchio. 

Skim 

Vinicio Polidori 

Skim è un giovane artista fiorentino. 

Il suo stile pittorico si caratterizza 

per i colori vivaci ed 

accattivanti, mentre la sua tecnica è un 

connubio perfetto tra graffito, pittura e 

innovazione. Con i suoi "Caos" interpreta 

le storie e le ambientazioni più disparate: 

analizza la quotidianità e la traduce 

in arte sorprendendo lo spettatore per 

il contrasto tra l’esplosione di colore e 

il messaggio mai banale. Collabora con 

diverse associazioni di ragazzi disabili 

e scuole, dove insegna l'arte del graffito. 

Con il suo motto In Color We Trust, 

Skim è ormai conosciuto ed apprezzato 

sia sul territorio nazionale che all'estero, 

dove ha più volte esposto. 

Medaglie Laurenziane 

Maria Grazia Bianchi 

Maria Grazia Bianchi, conosciuta 

in ambito letterario 

come Mary Bianchi, è laureata 

in Pedagogia, Lettere e Filosofia 

e in Scienze Storiche. Ha pubblicato 

sette libri di poesie, due di storia del 

Settecento in Toscana e vari articoli 

su diverse riviste italiane. Senatrice 

della Poesia all’Accademia di Vada, 

Livorno e Orbetello, è stata più volte 

premiata in diversi concorsi letterari. 

Tra questi si segnala, in particolare, 

il Premio Europeo Firenze-Europa 

Mario Conti e il Premio Internazionale 

Maestrale a Sestri Levante. Altri riconoscimenti 

le sono stati attribuiti 

da nomi celebri come Edoardo Sanguineti, 

Mario Luzi, Alessandro Parronchi, 

Giorgio Albertazzi, Franco 

Manescalchi e Anna Balsamo e da 

varie associazioni culturali fiorentine 

come la Camerata dei Poeti, Pianeta 

Poesia, Toscana Cultura e Incontri 

con l’Arte. Lo scorso giugno è stata 

insignita della Medaglia Laurenziana 

dall’Accademia Internazionale Medicea 

nel corso della cerimonia svoltasi 

a Palazzo Vecchio. Attiva come 

critico letterario, nutre una forte passione 

anche per la pittura e la fotografia. 

mg.bianchi545@gmail.com 

56 


Paolo Bini è nato a Firenze nel 

1971, è sommelier professionista 

e docente ai corsi di formazione 

per l'Associazione Italiana 

Sommelier, l'organizzazione di sommellerie 

più antica e nota d'Italia. La 

sua lunga esperienza professionale 

si è sviluppata negli anni con la specializzazione 

in ambito abbinamenti 

cibo-vino, con particolare attenzione 

al mondo del cioccolato e dei distillati 

che degusta e divulga per le più 

importanti associazioni nazionali. 

Come consulente enogastronomico 

di provata competenza collabora da 

anni con testate giornalistiche e media 

di settore raccontando il mondo 

della qualità con un linguaggio sempre 

alla portata dei palati più o meno 

esperti. E' attualmente articolista 

per Sommelier Toscana e La Toscana 

nuova per la quale cura la rubrica 

Arte del Vino. 

Paolo Bini 

Donato Massaro 

Donato Massaro vive a Firenze. 

Collabora a riviste e periodici 

culturali. Laureato in Economia 

e Commercio, è scrittore, poeta 

e accademico d'onore dell'Accademia 

delle Arti del Disegno. Socio della 

Società Dantesca Italiana, è inoltre 

Accademico dell'Accademia Internazionale 

Medicea. Tra le sue pubblicazioni 

si ricordano: Due o tre cose che 

so di Dante (2012, Masso delle Fate 

Edizioni); Il primo amore. Variazioni 

sul tema dei Promessi Sposi (2013, 

Masso delle Fate Edizioni); Le parole 

sono d'argento (2015, Nicomp); Alone 

nel paese delle conchiglie (2015, 

Masso delle Fate Edizioni); Chi coltiverà 

i sentimenti? (2016, Masso delle 

Fate Edizioni); Una Commedia che 

riguarda tutti / Sopra i versi di Dante 

/ I-Inferno 2017; II-Purgatorio 2018 

(Masso delle Fate Edizioni); Noi con 

Dante, I-Viandanti 2017 / II-Aspiranti 

2018 (Edizioni Toscana Oggi). 

Premio Caterina de’ Medici 

Premio Caterina de' Medici alla 

dottoressa Maria Cotroneo, 

responsabile e direttrice della 

Galleria Civica Telesiamuseum di 

San Roberto (RC). 

telesiamuseum@virgilio.it 

telesiaxx@alice.it 

Simona Dolci è pittore ed architetto. 

Ha studiato architettura 

a Firenze con Leonardo Ricci, 

con cui collabora professionalmente 

e come assistente presso la Facoltà 

di Architettura. In seguito all’incontro 

con la pittrice Nerina Simi, segue 

la sua vocazione per l’arte e studia 

disegno e pittura. Completa la sua 

educazione nello studio Cecil-Graves 

nel 1991. Dal 1992 insegna presso la 

Florence Academy of Art. Come direttore 

del Programma di Disegno ha 

contribuito allo sviluppo ed al successo 

di questa scuola di realismo. 

Lavora nel proprio studio di Firenze, 

situato in un antico monastero nel 

cuore della città, portando avanti la 

sua ricerca artistica. 

simonadolci@gmail.com 

Maria Cotroneo 

Simona Dolci 


Alle Giubbe Rosse di Firenze la seconda 

edizione del premio internazionale 

Ut pictura poesis 2018 

La cerimonia di premiazione si terrà il 14 ottobre alle ore 17 

Il 14 ottobre alle ore 17, presso il prestigioso caffè letterario Giubbe Rosse di Firenze, si terrà la 

premiazione della seconda edizione del premio internazionale Ut pictura poesis 2018, sezione letteratura, 

organizzato dall’associazione abruzzese Irdidestinazionearte, presieduta dal critico d’arte 

e letterario Massimo Pasqualone. «Il premio - sottolinea Pasqualone che ha anche presieduto 

le giurie - nasce per valorizzare la scrittura e la cultura in tutte le sue forme e dopo lo straordinario 

successo della prima edizione, tenutasi all’Auditorium al Duomo sempre a Firenze, quest’anno 

ho voluto scegliere le Giubbe Rosse per la sua straordinaria valenza simbolica. E gli oltre 250 

partecipanti, anche dal Canada, hanno testimoniato con la loro partecipazione il carattere internazionale 

dell’evento». Anche quest’anno, oltre ai premiati delle sezioni previste dal concorso, la 

giuria, composta da Rosella Cardella, Liberata Mizzoni, Maria Basile, Sara Palladini, Alessandra 

Bucci, Mariacristina Luciani, Stefania Di Santo, Sara Caramanico, segretario generale, ha voluto 

premiare per la cultura alcune personalità abruzzesi e non: Jolanda Ferrara,giornalista; Arturo 

Bernava, scrittore ed editore; Vito Moretti, per i cinquant'anni di poesia; Nicola Serafini, presidente 

della proloco di Celenza sul Trigno; Loris Di Giovanni, responsabile cultura Unpli Abruzzo; 

Maurizio Lucci e Francesco Subrani, rispettivamente presidente e direttore artistico dell’Associazione 

Marasarte; Maurizio Di Fazio, scrittore e giornalista; Jacopo Chiostri, giornalista e scrittore; 

Nan Yar, artista belga; Emidio Mozzoni, artista; Concetta Daidone, artista; Carmine Galiè, artista; 

William Antonio Amighetti, scrittore; Giancarlo Ranalli, presidente dell’associazione culturale Villa 

Badessa; Luigi Di Giosaffatte, direttore generale di Confindustria.

Sez. A - Poesia Edita 

Primo classificato: Davide Rocco Colacrai, 

Polaroid (Ed. Cinquemarzo)Secondo 

Classificato: Giuseppe Vetromile, 

Il lato basso del quadrato (Ed. La 

vita felice) Terzo Classificato: Giovanni 

Bottaro, Verso l’epilogo (Ed. Prometheus) 

Menzioni Speciali: Maria Assunta 

Oddi, Non lasciarmi andare (GDC Editrice); 

Sandra De Felice, Dipinti poetici 

(Ermes Ed.); Marilena Ferrante, Un 

passo dal cuore (Volturnia Ed.); Marianna 

Della Penna, Con gli occhi e con 

il cuore (Publisfera); Augusto De Panfilis, 

Anime Senza Orizzonte (Meta Edizioni); 

Stefania Miola, Viole nel deserto 

(Le Mezzelane); Mariarosaria Franco, 

L’incantesimo della luna (Aletti Editore). 

Premio Speciale della giuria: Maria 

Pia Putignano, La rinascita dell’onda 

(Self Editrice); Giovan Pietro Passoni, 

Endon (Vitale Ed.); Antonio Di Biase, 

Poesie nascoste (Nuova Gutemberg 

Edizioni); Luca Di Bartolomeo, Poesie 

dell’immaturità (GPE). Segnalazioni: 

Marco Tabellione, L’eternità dell’acqua 

(Chiaredizioni); Lilly De Siati, Eterna 

Essenza (Il Convivio); Filomena De Paola, 

Ricordi (Cuzzola Ed.); Orietta Romanato, 

I Sassi nel cuore (Irda Ed.). 

Sez. B - Raccolta di poesia 

inedita 

Primo classificato: Cristian Danieli, 

La pioggia che non chiede. Secondo 

classificato: Enrica Recalcati, Urla 

Silenti. Secondo ex aequo: Cristina 

Roncilli, Il regno di una donna. Terzo 

classificato: Monica Ferri, Orli. 

Menzioni Speciali: Arnaldo Ippoliti, 

Perle di vita; Raffaella Bonazzoli, 

Identità; Giustino Carinci, Poesie di 

storia; Premio speciale della giuria: 

Adriana Capuano, Poesie varie. 

Segnalazioni della giuria: Bruno Ricci, 

poesie varie; Angelo Vaccari, Parole 

per colmare vuoti che fanno male; 

Alberta Titti Cardini, La strada con te. 

Sez. C - Saggistica Edita 

I premiati nelle varie sezioni 

Primo classificato: Isabella Cesarini-Luigi 

Iannone, Il cinema delle stanze 

vuote (La scuola di Pitagora Editrice). 

Secondo Classificato: Antonietta 

Di Santo Colonna, La chiave mancante 

(Aracne). Terzo Classificato: Marcello 

Stanzione-Angela Rossi, Angeli custodi 

(Sugarco). 

Menzioni Speciali: Leo Ferrante, Leader 

si diventa; Filomena De Paola, Gaetano 

de Vita ed il poema di lotta; Luisa 

Maria Parca, La maternità di Dio, 

Aletti. 

Sez. E - Narrativa Edita 

Primo classificato: Francesco Testa-Giulia 

Fera, Veleni e verità (Ed. Verità). 

Primo ex aequo: Elvira Sciurba, La 

silente colpa del peccato (Europa Edizioni). 

Secondo Classificato: Emanuele 

Pompilii, Ultimo venne il cocktail. Terzo 

classificato ex aequo: Maria Letizia 

Gangemi, Firenze Parigi Andata e ritorno 

(Pubblicazioni italiane). Terzo classificato: 

Francesco Gemito, Malacittà-Casoria 

e il suo racconto criminale (Milena 

Edizioni). 

Menzioni Speciali: Anna Maria D’Alò, 

Quando la luna si spezza (Ed. Divina Follia); 

Barbara Di Clemente, Al capolinea 

dell’ultimo sogno (Book a Book); Sergio 

Pietraforte, Il verso della direzione 

(Il Viandante); Daniela Di Ruzza, È l’aurora 

(Il Viandante); Filomena Grasso, 

Ovunque Andrai (Il Viandante); Argentino 

D’Auro, La bestia Umana; Teodoro 

Lorenzo, Le streghe di Atripalda (Bradipolibri). 

Segnalazioni: Osvaldo Neirotti, X segreto 

(Il Viandante); Simona Rea, Due Vite 

in una chat (Albatros); Riccardo Di Leva, 

Largo Gelso n.21; Massimo Della Penna, 

Lo specchio dell’angelo Perso (Ed. Efesto); 

Tiziana Iemmolo, Diario di una mente 

bipolare (Pluriversi Ed.); Simone Di 

Plinio, La mia mela marcia (Ed. Mondo 

Nuovo); Roberto Chirico, Diseredati (Tabula 

Fati); Maria Pia Vittorini, Il cuore in 

ogni passo (Chiaredizioni); Maria Teresa 

Antonarelli, La veneziana plissè; Valter 

Sao, Una nemesi (Altromondo); Enzo Carnevale, 

Buffoni e beffati. 

Premi speciali della giuria: Giuseppe Di 

Battista, L’era dei talenti (Il Viandante); 

Edoardo De Luca, Thomas vuol sapere 

(Lupi Editore). 

Sez. F - Narrativa Inedita 

Primo classificato: Manola Gugliara Livano, 

Origami di stelle. Secondo classificato: 

Maria Fini, Nico e gli altri. Terzo 

classificato: Martina Pace, Senza Titolo. 

Sez. G - Poesia edita o inedita 

Primo Classificato: Maria Tommasa 

Primavera, Alla luna. Primo Classificato: 

Rocco Maragna, Poem 1. Secondo 

Classificato: Aldo Palmas, Era mio padre. 

Terzo Classificato: Alberto Colazilli, 

Il mistero del tuo sguardo. Terzo Classificato 

ex aequo: Giovanna Gizzi, Dolce 

sirena dell’Adriatico. 

Menzioni Speciali: Roberta Placida, 

Come da un treno in corsa; Mariella Di 

Cioccio, Rintocchi di emozioni; Domenico 

Pujia, Il mio sangue; Tiziana Monari, Il 

mio nome è Giovanni; Erika Ledonne, Sirena 

Mannara; Maria Luisa Marini, Riflessi; 

Miriam Pasquali, Luminose solitudini; 

Patrizia Valerio, Sei vecchio; Wanda Bonavia, 

Sarò tutto ciò che mi chiederai; Muscèt, 

Il profumo dell’amore. 

Premi Speciali della Giuria: Cinzia Fiore 

Ricci, Chi ha l’anima come la mia; Concezio 

Del Principio, Senza parole (ovvero 

le Parole dell’Autismo); Mario Di Paolo, 

Pensiero di morire; Sergio Santoro, Comprendere 

il mondo; Alberta Flora Lembo, 

L’emigrante; Luigi Bernardi, Volo d’anima; 

Rosanna Zenobi, Bocciolo di rosa; Emilia 

Maria Di Federico, Quando credevo nelle 

fate; Umberto Bicaretti, Il grido della rosa; 

Alessandro Corsi, A mio padre; Rocco 

Palliani, Sgomento. 

Segnalazioni della giuria: Bernardino 

Dell’Aguzzo, Come una lontana notte d’estate; 

Pierlisa Di Felice, Ossimori; Liliana 

Capone, Temporale d’agosto; Giusy Valori, 

A mio padre; Renato Arosio, Abbracciami; 

Lilla Giancaterino, Verso la felicità; 

Diana Scutti, Pensami; Mirella Acciavatti, 

Il mare calmo; Roberto Lasco, Luce interiore; 

Silvio Di Cecco, Pelle di luna; Donato 

Tambone, Addò sta chiù?; Roberta 

Alejandra Russo, Lento trasmutare; Annamaria 

Di Lorenzo, Borgo antico; Luigi 

Buracchio, Sono io; Sara Galliani, In pace; 

Patrizia Lova, Tra le onde del mare; Roberto 

Bigotto, Morte a Napoli. 

Sezione H 

Primo Classificato: Fabio Di Cocco, Dove 

nasce la neve (Armando Curcio Editore). 

Secondo Classificato: Susanna Banchero, 

Né bianco né nero (Il Ciliegio Edizioni). 

Terzo classificato: Elena Maneo, Nel cubo. 

Menzioni Speciali: Assunta Di Cintio, Cinetica 

Pulviscolare; Anna Maria Pierdomenico, 

Il tuo nome sarà pace; Martina Anna 

Buffa, Un fiore per la vita; Irma Radica, Le 

farfalle di Villa Brilly. 

Segnalazioni della giuria: Vittorio Ciro 

Giovanni, Il Mago; Antonio Di Marino, Un 

giorno sulla Majella; Ileana Dorotea D’Emilio, 

Diversa diversamente (Il Viandante); Simona 

Veresani, Kelly Bloom Ritorno ad Inveraray; 

Mirko Denza, Vite Incastrate.

GALLERIA D’ARTE MENTANA FIRENZE 

Programma Mostre Galleria d’Arte Mentana - Firenze 

Lo scorso 22 settembre la storica Galleria d’Arte Mentana di Firenze ha inaugurato la 

nuova sede in via della Mosca 5 r − a pochi passi da piazza Mentana − con una mostra 

di arte contemporanea internazionale dal titolo Contempor-Arte. 

Dal 13 al 31 ottobre la galleria ospiterà la mostra Dimensioni Parallelle, dedicata ai due artisti 

internazionali Axel Becker e Mirta Diminić. 

La programmazione espositiva proseguirà con la rassegna Invito al Collezionismo, dove saranno 

presentate opere di artisti storicizzati come Renato Guttuso, Mario Schifano, Antonio 

Corpora, Franco Angeli ed altri. 

Dal 24 novembre avrà luogo la mostra di selezione dal titolo Individuazioni, che si concluderà 

il 10 dicembre 2018. 

E’ inoltre in programmazione il grande evento espositivo di Natale Valori di Continuità che si 

svolgerà sia presso la galleria che negli spazi di un importante hotel fiorentino, con cui è stata 

avviata di recente una bella collaborazione. 

Vi aspettiamo, 

Giovanna Laura Adreani 

Art Director 

+ 39 335 1207156 

Franco Angeli, America America, cm 80x120 (ph. courtesy Galleria d'Arte Mentana) 

GALLERIA D’ARTE MENTANA 

Via della Mosca 5r (angolo Piazza Mentana) - 50122 (FI) 

+39.055.211984 - www.galleriamentana.it 

galleriamentana@galleriamentana.it

Firenze 

Mostre 

Galleria d’Arte Mentana - Firenze 

Dimensioni parallelle: la mostra bipersonale degli artisti 

Axel Becker e Mirta Diminic in corso dal 13 al 31 ottobre 

di Daniela Pronestì 

Prosegue l’attività espositiva della 

Galleria d’Arte Mentana, da poco 

trasferitasi nella nuova sede di 

via della Mosca, con la mostra bipersonale 

Dimensioni parallele, in corso dal 

13 al 31 ottobre 2018. Riunite per l’occasione 

le opere di Axel Becker e Mirta 

Diminic, artisti diversi per formazione 

ed esperienza ma affini sul piano della 

sensibilità espressiva. Entrambi, infatti, 

si collocano nell’ambito dell’arte astratta, 

declinata, nel caso di Axel Becker, in 

chiave minimalista-concettuale e concentrata 

invece sull’energia gestuale 

nell’opera di Mirta Diminic. Quest’ultima 

trasforma la superficie del dipinto 

in uno schermo su cui proiettare sensazioni 

e pensieri; è la ricerca di un significato 

esistenziale che passa attraverso 

un processo di intima e profonda rielaborazione 

del proprio vissuto. L’azione 

pittorica s’imprime sul supporto generando 

un tracciato al contempo istintivo 

e meditato, una scrittura interiore 

− potremmo anche dire − che cattura 

l’attimo proiettandolo in un’illimitata dimensione 

temporale. Seppure affrancata 

dai vincoli della rappresentazione, la 

pittura dell’artista polacca mantiene un 

forte senso compositivo, privilegiando 

soprattutto il movimento verticale 

e alternando diluizione e concentrazione 

delle stesure al centro dell’opera. 

Per Axel Becker, invece, la tela è luogo 

di una riflessione sul presente, con 

Mirta Diminic, Pensieri, tecnica mista 

particolare attenzione al materialismo 

e al caos linguistico della società contemporanea. 

La ricerca di uno spazio 

neutro all’interno del quale ristabilire il 

valore delle cose e l’autenticità dei significati 

sembra essere il principale 

intento dell’artista tedesco, il cui linguaggio, 

volutamente minimale, si avvale 

soprattutto di stesure piatte, quasi 

sempre monocrome, e di pochi altri elementi 

inseriti sul piano come “unità” in 

cui si condensa il significato dell’opera. 

Talvolta, invece, prevale un ritmo più 

geometrico, con forme e linee che guidano 

lo sguardo dell’osservatore consentendogli 

di orientarsi in uno spazio 

immateriale. 

La mostra, con inaugurazione sabato 

13 settembre, si protrarrà fino al 30 del 

mese e sarà visitabile tutti i giorni dalle 

11 alle 13 e dalle 16.30 alle 19.30, 

esclusi domenica e lunedì mattina. 

Axel Becker, L'urlo, tecnica mista 

Axel Becker, Soldi per niente 1, tecnica mista 

Mirta Diminic, Quando arriva il momento, tecnica mista 

GALLERIA D'ARTE MENTANA 61

Circolo Amatori Arti Figurative 

Palazzo Ghibellino - Empoli 

Mostra collettiva di arte contemporanea 

Dal 5 al 21 ottobre 2018 

A cura di Lucia Raveggi 

Alessandro Andreuccetti Umberto Maggiorelli 

Joanna Aston 

Domenico Magnoli 

Silvia Baldacci 

Arnaldo Marini 

Maria Grazia Baldi 

Stefano Marrucci 

Laura Ballini 

Gabriella Martino 

Antonella Bardi 

Maurizio Masini 

Chiara Campigli 

Elena Migliorini 

Filippo Capperucci Anna Nigro 

Vincenzo Cirillo 

Chiara Piccardi 

Cristian Colella 

Alessandro Poggianti 

Luciano Faggi 

Vinicio Polidori 

Maria Grazia Fusi 

Stefania Pratesi 

Patrizia Gabellini 

Cristina Sibaldi 

Ionela Gheorghe 

Skim (Francesco Forconi) 

Elena Gheri 

Marta Tomaselli 

Ilaria Gori 

Mariella Rossi Tonelli 

Giusi Gramigni 

Angela Viti 

Corina Iuresi 

Giuseppina Maestrelli (Peppetta) 

Riprese televisive Toscana TV 

per la rubrica Incontri con l’Arte 

Inaugurazione venerdì 5 ottobre ore 17.30 

Orari: aperto tutti i giorni dalle 17 alle 19, da martedì a domenica 

Circolo Amatori Arti Figurative Il Ghibellino | Palazzo Ghibellino, Piazza Farinata degli Uberti 10, Empoli

I libri del 

Mese 

Il fiore dell’amicizia 

Il nuovo romanzo di Lenio Vallati 


Lenio Vallati è nato a Gavorrano 

(GR) nel 1953 e risiede a 

Sesto Fiorentino. Ha pubblicato 

tre volumi di poesie, tre libri di racconti 

e un romanzo, Graffio d’Alba. Dal 

2004 partecipa a concorsi di poesia e 

narrativa, ottenendo numerosi premi. 

Da ricordare: nel 2007 il 1° premio al 

“Molinello” di Rapolano Terme per la 

narrativa inedita. Il 15 dicembre 2012, 

in Palazzo Vecchio, Salone dei 500, gli 

viene assegnata una targa alla carriera 

letteraria. E’ presente in numerose antologie 

tra le quali ricordiamo Poeti in 

Toscana di Toscana Cultura. Dal 2012 

è in giuria in vari premi letterari. È referente 

per il Settore Letterario dell’Associazione 

Liberarte di Sesto Fiorentino, 

della quale dal 2019 assumerà la carica 

di presidente. Nel settembre 2018 

è stato pubblicato dalla Porto Seguro 

Editore il suo secondo romanzo, Il fiore 

dell’amicizia, che verrà presentato entro 

la fine di ottobre al Caffè Decò di Firenze. 

Il fiore dell’amicizia (2018, Porto Seguro 

Editore) è una storia moderna 

che può interessare i giovani, in quanto 

parla del mondo di Facebook e dell’amicizia 

virtuale così in voga al giorno d’oggi. 

In pratica è un thriller dove al centro di tutto 

sta una grande storia di amicizia. I colpi 

di scena non mancano. Il romanzo inoltre 

tratta problematiche sociali come la mancanza 

di lavoro tra i giovani, che è identica 

sia in Italia che in Argentina, dove la 

storia è ambientata, e affronta con umanità 

anche il tema della povertà, diffusa in 

ampi strati della popolazione. È ambientato 

in Argentina e precisamente a Buenos 

Aires, una metropoli moderna dal fascino 

inconfondibile, dove la vita scorre a ritmo 

del tango, tra le viuzze acciottolate del 

quartiere San Telmo e i negozietti di antiquariato, 

tra profumi e colori che affascineranno 

il lettore. Ma è proprio il tango il 

filo conduttore della storia, che porterà a 

una conclusione del tutto inaspettata, in 

un continuo susseguirsi di emozioni alla 

ricerca di una ragazza scomparsa. Si parte 

dalla fine, dove il protagonista, Enrico, 

noto scrittore di poesie e racconti, si trova 

costretto a vivere in un monolocale. Accanto 

a lui la figlia Paola, che lo aiuta a 

mettere a posto le sue cose in uno spazio 

angusto. La moglie, infatti, lo ha messo 

fuori di casa da circa un mese e la sua 

ira non accenna a placarsi. Ma qual è il 

motivo per cui si è creata questa situazione? 

Enrico da tempo medita di entrare 

nel mondo magico di Facebook, e per 

questo chiede aiuto alla figlia Paola. Dopo 

non poche difficoltà, entra nel mondo delle 

faccine colorate e conosce una ragazza 

argentina, Martina, residente a Buenos Aires. 

Anche lei è una brava poetessa, e tra 

i due si stabilisce un rapporto di intensa e 

profonda amicizia. Questo non piace però 

alla moglie Paola che si ritiene messa da 

parte. La ragazza è insidiata su Facebook 

da un uomo misterioso che minaccia di rivelare 

fatti compromettenti a suo marito, 

e questa neonata amicizia ne risente, fino 

al punto che Martina invia all’amico una richiesta 

di aiuto. Poche parole, che il pro- 

Lenio Vallati durante la presentazione del libro 

tagonista però non può ignorare. Enrico 

prende il primo aereo per Buenos Aires. 

Questo incontro virtuale porterà il protagonista 

a conoscere una realtà diversa 

dalla propria, affrontando una serie di peripezie 

e incontrando persone che cambieranno 

per sempre la sua vita. 

LENIO VALLATI 63

Ottobre x Web

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