Fitainforma - febbraio 2020

fitainforma 

ANNO XXXIII - N. 1 

febbraio 2020 

TEATRO E POLITICA 

Quando il palcoscenico 

sceglie di schierarsi

IL NUOVO MODO 

DI LEGGERE 

FITAINFORMA 

Da questo numero di Fitainforma di febbraio 2020 

cambia il modo di leggere la rivista di Fita Veneto, con 

un formato nuovo che coniuga le riviste di un tempo 

con l’attualità e la potenza di Internet. Il giornale 

infatti si può sfogliare online quasi come fosse 

reale, ma chi volesse potrà anche scaricarne una 

copia completa in formato pdf, oppure stamparlo 

tutto o solo una parte. Inoltre, questo metodo di 

pubblicazione permette anche di usufruire di 

comodità pratiche, come ad esempio inserire 

link all’interno della rivista (l’indice con un 

click può portarvi direttamente all’argomento 

che avete scelto di leggere) o anche esterno, 

per consultazioni in Rete. 

Ma non finisce qui. 

All’interno delle pagine “virtuali” sono 

infatti stati inseriti anche alcuni video 

che si possono guardare direttamente 

senza chiudere il giornale. Infine, le 

pagine (e gli articoli, ovviamente) si 

possono ingrandire o ridurre a 

proprio piacimento per meglio 

godere della lettura. Il tutto 

sia dal pc di casa o dell’ufficio, 

sia dal nostro smartphone o 

tablet, essendo la rivista 

ottimizzata anche 

per la lettura su questi 

nuovi dispositivi. 

Insomma... 

Buona lettura!

EDITORIALE 

DA OGGI 

SI CAMBIA 

Apriamo il 33° anno di pubblicazione del 

nostro periodico con una nuova veste grafica 

che lo rende più accessibile, più leggibile, 

ma certamente non snatura l’impostazione 

editoriale che da tempo abbiamo voluto dargli: 

per farne, cioé, uno strumento di informazione 

e diffusione della cultura teatrale attraverso 

notizie e contenuti per un pubblico sia di 

appassionati che di addetti ai lavori. 

A cambiare è la veste grafica, per la quale 

abbiamo trovato un punto d’incontro fra 

tradizione e innovazione, tra l’impatto visivo di 

una rivista nel senso più classico del termine e la 

fruibilità di un prodotto online, con l’aggiunta di 

una serie di “optional” che ci auguriamo possano 

renderne ancora più piacevole la letturanavigazione: 

elementi come lo sfogliatore, lo 

zoom, il link a pagine d’interesse interne alla 

rivista o esterne (a partire dalle voci dell’indice) 

o ancora l’inserimento di alcuni video e la 

possibilità, per chi lo volesse, di scaricare una 

copia completa del numero in formato pdf o di 

stamparlo tutto o in parte. 

Torniamo, per certi versi, all’impostazione 

grafica del periodico stampato, per 

accontentare chi era abituato a sfogliarne le 

pagine; manteniamo però la distribuzione 

gratuita online che negli ultimi anni ci ha 

permesso di raggiungere un folto numero 

di lettori che supera quello comunque 

ragguardevole degli abbonati alla versione 

cartacea. 

Inauguriamo il nuovo corso del nostro periodico 

nel pieno della stagione teatrale 2019-2020, in 

concomitanza con inizio del festival nazionale 

“Maschera d’Oro” che in questo mese di 

febbraio apre la sua 32^ edizione. Spazio 

però, come sempre, agli approfondimenti ed 

agli interventi di personalità del mondo della 

cultura. 

Pubblicare Fitainforma è per FITA Veneto un 

impegno non da poco, ma anche una precisa 

scelta per rendere un servizio, oltre che alla 

cultura teatrale, anche ai nostri Associati, che 

primi fra gli altri ne sono i destinatari. Pensare 

che per molti possa essere uno strumento di 

accrescimento personale e culturale ci rende 

orgogliosi e anche consapevoli che il ruolo 

della nostra Federazione non sia solo di tipo 

burocratico o amministrativo. Ci piacerebbe 

fossero di più gli Associati che ci parlano 

di quanto scritto su Fitainforma, anche 

dissentendo magari, ma comunque rinnovando 

ed ampliando le proprie conoscenze. Lo 

riteniamo importante, se non indispensabile. 

Troppi di noi si limitano a fare teatro con il 

proprio gruppo, rimanendone evidentemente 

appagati; non comprendono, però, quante 

possibilità perdono non ampliando la propria 

visione e conoscenza. Leggere Fitainforma 

non è certo sufficiente, ma questo, affiancato 

magari a qualche spettacolo di altri generi e 

compagnie, può essere uno stimolo fra gli altri. 

Fitainforma vuole essere un punto da cui 

partire, non a cui arrivare. Un invito a muoversi 

per scoprire, comprendere, imparare. È un 

pochino quello che diciamo ai ragazzi che 

incrociamo nell’attività teatrale nelle diverse 

situazioni che vengono loro proposte, quali i 

concorsi per gli studenti o gli stages formativi. 

Per loro natura queste iniziative hanno una 

durata limitata, ma se possono contribuire ad 

allargare la visione personale e la conoscenza 

culturale e artistica crediamo siano energie 

bene impiegate, anche se spesso non ne 

raccogliamo molte soddisfazioni. 

Chiudiamo con l’augurio che il contenuto di 

questo numero, come per gli altri in passato, 

sia di utilità e piacere per i lettori. Siamo certi 

di esserci impegnati per questi (forse piccoli) 

risultati. Ci piacerebbe capire se le energie sono 

bene impiegate. 

Buona lettura e buon teatro a tutti. 

Mauro Dalla Villa 

Presidente FITA Veneto 

3

03 

05 

indice 

Editoriale 

32ª Maschera d’Oro 

Le sette finaliste 

fitainforma 

Bimestrale 

del Comitato Regionale Veneto 

della Federazione Italiana 

Teatro Amatori 

ANNO XXXIII - febbraio 2020 

08 

10 

Il selezionatore del Festival 

Roberto Cuppone 

Teatro e Politica 

Quando il palco si schiera 

10 

Registrazione Tribunale 

di Vicenza n. 570 

del 13 novembre 1987 

Direttore responsabile 

ANDREA MASON 

15 

18 

20 

Mauro Dalla Villa 

Quattro anni di Fita Veneto 

Giovani 

Marco Faccin racconta ITAF 

FITA Rovigo “Oltre la scena” 

Responsabile editoriale 

MAURO DALLA VILLA 

Redazione 

Alessandra Agosti 

Stefano Rossi 

Virgilio Mattiello 

Valerio Dalla Pozza 

Germano Nenzi 

22 

24 

Compagnie 

La Nogara e il teatro che non c’era 

Cultura 

Klaus Kinski artista maledetto 

15 

Direzione e redazione 

Stradella delle Barche, 7 

36100 VICENZA 

tel. 0444 324907 

fitaveneto@fitaveneto.org 

www.fitaveneto.org 

05 

08 

24 

18

FESTIVAL NAZIONALE 

MASCHERA D’ORO 

APPUNTAMENTO A VICENZA PER LA 32ª EDIZIONE DELLA KERMESSE 

DI SCENA A PARTIRE DA SABATO 8 FEBBRAIO 

LE PREMIAZIONI SABATO 28 MARZO CON UN INTENSO SPETTACOLO

FESTIVAL 

È in partenza 

la 32ª edizione 

della kermesse 

nazionale, 

che si svolgerà 

al Teatro 

S. Marco 

di Vicenza 

a partire 

dall’8 febbraio, 

con serata di gala 

e premiazioni 

il 28 marzo 

Sette in lizza per la M 

8 febbraio 

COMPAGNIA 

LO SCRIGNO 

Vicenza 


FILODRAMMATICA 

DI LAIVES 

Bolzano 


TEATRODRAO 

E TEATROTRE 

Ancona 


IL DIALOGO 

Cimitile 

(Napoli) 

Ad aprire sarà lo spettacolo 7 

minuti di Stefano Massini, per 

la regia di Amer Sinno. Una 

multinazionale è interessata 

ad acquisire la Vianello & Rossi, 

fabbrica tessile dal grande passato 

ma ormai in crisi. Per farlo 

chiede però che i dipendenti 

accettino una riduzione della 

pausa garantita e la decisione, 

a nome di tutte le maestranze, 

è demandata alle nove rappresentanti 

delle lavoratrici. Sulle 

prime, il sacrificio chiesto appare 

minimo e le donne sembrano 

intenzionate ad accettare. 

Secondo appuntamento con Il 

marito di mio figlio di Daniele 

Falleri, per la regia di Roby De 

Tomas. Una moderna commedia 

degli equivoci sul tema del 

matrimonio gay. Ma l’obiettivo 

non è una scelta di campo, 

quanto la volontà di portare 

in primo piano un tentativo di 

convivenza di una coppia di ragazzi 

che si amano e che non 

vogliono farsi condizionare 

dalle convenzioni degli adulti. 

L’inattesa notizia crea il caos e 

tra mogli e mariti capita letteralmente 

di tutto. 

Terzo spettacolo in gara sarà 

Equus di Peter Shaffer, per la 

regia di Davide Giovagnetti. 

Perché il giovane Alan Strang, 

dopo essersi preso amorevole 

cura di alcuni cavalli, all’improvviso 

li ha accecati? Il magistrato 

chiede aiuto a un amico psichiatra 

infantile, per comprendere i 

motivi dell’atto e riportare Alan 

a un equilibrio che gli permetta 

di vivere nella società. Nel viaggio 

spirituale e sessuale di Alan 

nella pazzia, il medico scoprirà 

molto anche di se stesso e della 

propria vita priva di passioni. 

Quarte serata dedicata a Napoli 

milionaria di Eduardo De Filippo, 

per la regia di Ciro Ruoppo. 

La guerra è lo scenario diretto, 

ma si va ben oltre, indagando 

l’uomo e il suo rapporto con i 

valori fondamentali della vita. 

Gennaro è una brava persona, 

che non vuole piegarsi al compromesso 

in fatto di onestà. Sua 

moglie Amalia, invece, aiutata 

dai figli Amedeo e Rosaria entra 

nel vile mercato della borsa 

nera. Ritenuto disperso, finita 

la guerra torna all’improvviso e 

trova una famiglia alla deriva. 

6

Un momento della consegna, al teatro 

Olimpico, del Premio Faber ai vincitori 

della Maschera d’Oro 2019: la compagnia 

Soggetti Smarriti di Treviso 

È diventato da trentadue anni un appuntamento 

imperdibile dell’inizio dell’anno a Vicenza: il Festival 

nazionale Maschera d’Oro attira pubblico e 

compagnie per la qualità delle proposte e la validità 

della formula della kermesse, organizzata 

dal Comitato veneto della Federazione Italiana 

Teatro Amatori (Fita) d’intesa con Regione del 

Veneto, Comune di Vicenza, Il Giornale di Vicenza 

e Confartigianato Imprese Vicenza e con il patrocinio, 

tra gli altri, di Ministero dei Beni e delle 

Attività culturali, Amministrazione Provinciale di 

Vicenza e Fita nazionale. 

Quest’anno le finaliste provengono da Piemonte, 

Trentino-Alto Adige, Campania, Marche, Toscana 

e Veneto. Sette le prescelte, fra la settantina 

di candidature pervenute da tutta Italia: Lo 

Scrigno di Vicenza in 7 minuti di Stefano Massini, 

regia di Amer Sinno; Filodrammatica di Laives 

(Bolzano) ne Il marito di mio figlio di Daniele 

Falleri, regia di Roby De Tomas; Teatrodrao & 

TeaTroTre di Ancona, in Equus di Peter Shaffer, 

regia di Davide Giovagnetti; Il Dialogo di Cimitile 

(Napoli) in Napoli milionaria di Eduardo De Filippo, 

regia di Ciro Ruoppo; I Pinguini di Firenze 

in La colpa è del giardino di Edward Albee, regia 

di Pietro Venè; Compagnia dell’Orso di Lonigo 

(Vicenza) in Le Chat Noir, scritto e diretto da Paolo 

Marchetto; La Corte dei Folli di Fossano (Cuneo) 

in Nel nome del padre di Luigi Lunari, regia di 

Stefano Sandroni. 

Un gran bel mix di generi, dunque, in questa 

nuova edizione che, dopo una prima scelta affidata 

ad una commissione di giornalisti di settore, 

vede come selezionatore finale Roberto Cuppone, 

drammaturgo e docente all’Università degli 

Studi di Genova (col quale abbiamo parlato della 

Maschera e non solo nel corso di un’intervista 

pubblicata nelle pagine a seguire), scelto per questo 

delicato incarico dopo la scomparsa, l’estate 

scorsa, di Luigi Lunari, a lungo selezionatore del 

festival e direttore artistico di Fita Veneto. 

Il calendario si snoderà dall’8 febbraio al 21 marzo, 

sempre il sabato sera alle 21. La serata di premiazioni 

- accompagnata dallo spettacolo fuori 

concorso A republica dei mati di Roberto Cuppone, 

messo in scena dalla compagnia trevigiana 

Il Satiro - si terrà sabato 28 marzo; ai premi per 

la compagnia vincitrice e ai riconoscimenti individuali 

e collettivi, si affiancheranno quello di 

critica La Scuola e il Teatro per gli studenti delle 

scuole superiori e il Premio Renato Salvato per la 

diffusione della cultura teatrale. 

In palio come sempre, da 26 anni a questa parte 

grazie alla collaborazione con Confartigianato 

Imprese Vicenza, c’è anche il palcoscenico del 

Teatro Olimpico di Vicenza: per i vincitori della 

Maschera, infatti, ci sarà il Premio Faber Teatro, riconoscimento 

che consente alla compagnia che 

lo conquista di esibirsi per una sera nel teatro coperto 

più antico del mondo. 

aschera d’Oro 2020 

7 marzo 

COMPAGNIA 

I PINGUINI 

Firenze 

14 marzo 

COMPAGNIA 

DELL’ORSO 

Lonigo (Vicenza) 

21 marzo 

LA CORTE 

DEI FOLLI 

Fossano (Cuneo) 

28 marzo 

SERATA DI GALA 

E PREMIAZIONI 

DEL FESTIVAL 

La colpa è del giardino, di 

Edward Albee per la regia di Pietro 

Venè, è il quinto spettacolo 

in programma. Jenny e Richard 

potrebbero essere una coppia 

felice, ma la congenita mancanza 

di denaro non aiuta. Mrs 

Toothe, una donna misteriosa 

e dai modi aristocratici, propone 

a Jenny un modo semplice 

e veloce per dare una sterzata 

in positivo al bilancio familiare. 

Una black comedy animata da 

personaggi cinici, superficiali e 

crudeli, specchio di una società 

che guarda solo all’apparenza. 

Paolo Marchetto è autore e 

regista de Le Chat Noir, penultima 

serata che racconta storie e 

personaggi di un bar, attraverso 

i quali toccare tutte le corde 

dell’anima, allegre o drammatiche, 

fra risate e momenti di 

riflessione. In quel fitto via via 

di vite che è Le Chat Noir ecco 

però entrare, all’improvviso, un 

personaggio inquietante, che 

mette gli avventori con le spalle 

al muro, obbligandoli a far 

uscire allo scoperto, una volta 

per tutte, la propria verità. 

Ma sarà davvero così? 

Ultimo spettacolo di quest’anno 

è Nel nome del padre di Luigi 

Lunari, per la regia di Stefano 

Sandroni. Un uomo e una donna 

si incontrano in una sorta 

di limbo. Entrambi hanno un 

passato pesante, dal quale devono 

liberarsi per poter andare 

oltre. In comune hanno avuto 

padri ingombranti, uomini politici 

schierati su fronti opposti. 

Insieme devono trovare una via 

d’uscita da quell’esperienza annichilente, 

un modo per trovare 

se stessi, la propria identità e 

la propria strada. 

La serata finale di quest’edizione, 

oltre alla cerimonia di premiazione, 

vedrà anche Il Satiro 

Teatro di Paese (Treviso) presentare 

il proprio spettacolo A 

republica dei mati, testo e regia 

di Roberto Cuppone. Nel 1948 

l’Italia sceglie di essere una repubblica. 

A quello storico voto, 

dopo la disperazione della seconda 

guerra mondiale, partecipano 

tutti, anche le donne. 

Ma non Ugo, “mato de guera” 

che però, dopo averne viste e 

subite tante, nella sua testa ha 

le idee molto chiare. 

7

INTERVISTA 

ROBERTO 

CUPPONE

L’amatoriale sia teatro di libertà 

FESTIVAL 

A colloquio con il nuovo selezionatore finale del festival Maschera d’Oro 

di Alessandra Agosti 

Roberto Cuppone, classe 1955, 

salentino di origine e veneto 

di adozione, attore, autore e 

regista, docente al Dipartimento 

di Italianistica, Romanistica, 

Antichistica, Arti e Spettacolo 

dell’Università di Genova, è il 

nuovo selezionatore finale del 

Festival nazionale Maschera 

d’Oro. 

Un ruolo importante e un’eredità 

altrettanto di alto livello, 

visto che Cuppone è stato 

chiamato a succedere a Luigi 

Lunari, drammaturgo, scrittore 

e saggista scomparso la scorsa 

estate, per molti anni selezionatore 

del festival. 

Per questo abbiamo voluto 

scambiare qualche battuta con 

lui all’indomani della sua prima 

esperienza alla Maschera, 

anche per conoscere meglio il 

suo rapporto con il teatro amatoriale, 

che peraltro frequenta 

da molto tempo. 

Come ha accolto la proposta 

di Fita Veneto? 

Ne sono stato molto contento, 

naturalmente. È una responsabilità, 

ma una bella responsabilità, 

perché la Maschera d’Oro 

è senz’altro il più importante 

festival di teatro amatoriale 

che c’è in Italia e presenta ogni 

anno delle novità che fanno 

bene al teatro in assoluto, non 

solo al teatro amatoriale. 

Questa prima selezione 

com’è andata? 

Prima di me ha agito un 

gruppo di quattro selezionatori 

che voglio ringraziare, 

perché hanno fatto una parte 

molto importante del lavoro, 

visto che delle oltre settanta 

candidature arrivate, per me 

ne hanno scelte venti. Il mio 

compito è stato decidere, 

all’interno di questa rosa, quali 

spettacoli potessero ambire ai 

sette posti della finale. Il mio, 

insomma, non è stato un lavoro 

solitario e ne sono felice, 

perché mi considero un uomo 

di squadra; e non l’ho vissuto 

neanche come un lavoro da 

“giudice”, quanto semmai da 

talent-scout: credo che questo 

Cuppone nella duplice veste di attore e autore per Pigafetta. Non si farà più tal viagio 

sia un concorso che cerca di 

dare spazio a idee, a proposte 

nuove, a cose che confortino la 

passione di chi fa teatro. 

Proposte nuove anche 

nell’affrontare un “classico”? 

Non ci sono stati e non ci 

saranno ostracismi né di autori, 

né di epoche, né di repertorio. 

Credo che il senso di un buon 

festival di teatro amatoriale 

non dovrà mai essere quello 

di premiare le compagnie che 

sentono di dover “assomigliare” 

al teatro professionistico 

e credo anche che vincolare 

l’idea del teatro amatoriale 

ad una certa epoca sia nocivo. 

Semmai dobbiamo cercare e 

valorizzare la specificità del 

teatro amatoriale: dobbiamo 

chiederci che cosa può fare 

questo teatro che non può fare 

nessun altro? La risposta penso 

sia sperimentare con coraggio, 

trovare strade alternative, 

scrivere cose proprie, testimoniare 

cose nuove... Quindi non 

è questione di essere moderni 

o essere antichi: è che, a parità 

di qualità complessiva, tra 

la proposta di un modello di 

imitazione, magari fatto bene 

(anche benissimo, in certi casi), 

e un testo nuovo, o un lavoro 

sviluppato con originalità, di 

certo preferisco una cosa che 

porti in sé l’emozione della 

novità. 

Su quali criteri si è basato 

nella scelta? 

Premesso che tutti i lavori che 

mi sono stati presentati erano 

di notevole qualità, ho cercato 

prima di tutto di fare una 

valutazione tecnica complessiva 

e di base del gruppo. Poi 

ho guardato la recitazione, 

anche in questo caso cercando 

soprattutto l’interazione fra 

gli attori e anche l’emozione 

trasmessa: non tanto quella 

(per carità, assolutamente 

legittima) del piacersi narcisistico 

del bravo attore, quanto 

quella dell’attore che si sente 

portatore di una scrittura, di 

un’idea nuova. Infine, terzo 

criterio (ma primo per me), è 

stato il senso globale dell’operazione: 

perché si è scelta una 

certa idea? perché si è deciso di 

scrivere un testo, di recuperarne 

uno, di adattarlo? 

Lei conosce il teatro amatoriale 

da molto tempo. Un 

pregio? 

Mi riallaccio a quanto ho detto 

prima per ribadire che il teatro 

amatoriale deve approfittare 

della sua libertà. Ci sono stati 

episodi nella storia in cui un 

teatro fatto non a scopi profes- 

sionali è stato un laboratorio 

eccezionale: penso alle improvvisazioni 

che faceva lo stesso 

Goldoni a Bagnoli o a Bologna 

con l’Albergati, e credo che 

la sua scrittura sarebbe stata 

diversa se non avesse vissuto 

queste esperienze; oppure, nel 

cuore dell’Ottocento, George 

Sand e altri romantici che avevano 

laboratori privati in case 

di campagna; o tanti altri che 

nel Novecento hanno portato 

avanti la ricerca, magari in 

gruppi di lavoro o in “comuni”, 

lontano dalla città... Insomma, 

la parola amatoriale è un po’ 

riduttiva nell’accezione comune: 

diciamo che la possibilità 

di fare un teatro non vincolato 

ad una prestazione professionale 

è una grandissima risorsa 

per tutti, per il teatro e per la 

cultura. E poi c’è la lingua... 

Vale a dire? 

Per il teatro l’italiano è una 

lingua morta, difficile da gestire, 

mentre tutti i dialetti sono 

materia viva e quindi azione; 

per questo mi sono sempre 

interessato al teatro dialettale. 

Importante, quindi, è lo spazio 

che il mondo amatoriale ha 

sempre dato al teatro nelle 

lingue regionali, nel bene e nel 

male: nel male, per un certo 

compiacimento nostalgico; nel 

bene sperimentando contaminazioni 

linguistiche e tenendo 

viva anche una tradizione 

linguistica e lessicale. 

Un ricordo di Lunari? 

Un personaggio che ha avuto 

una grande storia, fin dagli 

anni in cui è stato nella stanza 

dei bottoni al Piccolo Teatro. 

Io l’ho sempre percepito come 

una persona di grande indipendenza 

intellettuale. Penso che 

non si sia adagiato in queste 

occasioni che la vita gli ha 

offerto proprio per spirito di 

indipendenza. Ho apprezzato 

molte sue pubblicazioni, sia 

come traduttore dei francesi, 

sia come divulgatore, e non 

ultimo, ovviamente, la sua opera 

come autore teatrale: era 

uno che scriveva per l’attualità, 

con l’attualità e con un grande 

senso dell’ironia. 

9

FOCUS 

Bertolt 

Brecht 

(Bundesarchiv) 

L’antesignana 

(dichiaratamente) 

politica può essere 

la Commedia 

dell’Arte del ‘500 

TEATRO POL 

Quando i 

diventa 

Gli esempi sono veramente infi 

di Filippo Bordignon 

“Io mi ribello, dunque esisto” ebbe a dichiarare il filosofo e scrittore 

francese Albert Camus parafrasando la più celebre locuzione 

cartesiana “Cogito ergo sum”. Che la politica sia una formula non 

violenta per operare in seno alla società dei cambiamenti - talvolta 

persino delle rivoluzioni - è affare assodato e incontrovertibile. 

Così come è inequivocabile che ogni artista, il quale crea a partire 

dal proprio pensiero morale ed etico, è volente o nolente il megafono 

di un preciso pensiero politico. Ci si può dichiarare apertamente 

a-partitici ma il cosiddetto “pensiero a-politico” è una contraddizione 

di impossibile applicazione sotto il profilo teorico. 

Va da sé che, nella storia del teatro, sono infiniti e infinitamente 

diversificati gli esempi di drammaturghi attivamente schierati rispetto 

a un’ideologia o più semplicemente a un’idea forte, tanto 

che una lista che si professasse esaustiva sarebbe impossibile. Più 

ragionevole evidenziare alcuni esempi significativi che hanno contribuito, 

con la perspicacia del proprio pensiero, a fare dell’intrattenimento 

a forma di propaganda, poggiando sulla buona fede 

che un Credo abbracciato per l’interesse collettivo non possa che 

fruttificare azioni positive. 

L’antesignana del teatro (dichiaratamente) politico potrebbe venire 

identificata - per restare nella nostra Penisola - nella cinquecentesca 

Commedia dell’Arte, laddove gli spettacoli, parzialmente 

emancipatisi dallo svolgimento nei soli luoghi di culto e di corte, 

uscivano nelle strade caricandosi di una libertà fino a prima impensabile 

e meno soggetta alla sudditanza al potere costituito. 

Trattandosi di rappresentazioni rivolte a un pubblico popolare, la 

visione di fondo, mascherata in maniera da non attirare alla compagnia 

condanne di vario genere, prendeva le difese dei più deboli 

mettendo in scena vicende di sopraffazione che si risolvevano con 

il riscatto del buono nei confronti del malvagio. 

La funzione catartica nel “teatro dell’oppresso” - ben nota nelle più 

antiche manifestazioni della tragedia greca già teorizzate da Aristotele 

intorno al 330 a.C. - nella prima parte del Novecento cede 

invece il passo a una drammaturgia allegorica che, proprio perché 

non esplicita nei nomi e nei fatti storici o cronachistici, spesso nega 

allo spettatore il sollievo di un riscatto, dipingendo il ritratto di una 

società opprimente in cui il debole è schiacciato dagli ingranaggi 

dell’apparato statale. Tra i primi e certamente più originali esempi 

di teatro politico così teorizzato va riconosciuto quello del tede- 

10

ITICO 

l palcoscenico 

una barricata 

niti e infinitamente diversificati 

FOCUS 

sco naturalizzato austriaco Bertolt Brecht. Poeta e cantautore per 

diletto fin dall’adolescenza, egli pervenne a un ibrido di dramma 

grottesco, cabaret e teatro musicale percorso da una filosofia nichilista 

dell’esistenza. I suoi anti-eroi tentano disperatamente di 

ribellarsi al sistema finendo vittime dei propri sogni e aspirazioni. 

Seppellendo la figura dell’eroe romantico (si pensi alla fine ingloriosa 

del Baal datato 1923) e iniettando nella propria estetica dosi 

massicce di socialismo marxista, lo scrittore conferì alla sua drammaturgia 

più celebre, L’opera da tre soldi del 1928, uno spietato 

attacco alla società capitalista (ancor più oltranzista risultò, sei 

anni più tardi, il suo Romanzo da tre soldi che sfruttò lo stesso soggetto 

cavalcandone il favore del pubblico). In molti punti del testo, 

ambientato nella Londra vittoriana, i personaggi si rivolgono direttamente 

al pubblico, concretizzando così uno sfondamento della 

“quarta parete” e mettendo in pratica lo straniamento brecthiano 

in contrapposizione all’immedesimazione finora richiesta a teatro. 

Ciò pone un tassello imprescindibile per tutto il teatro politico a 

seguire e per il teatro di narrazione oggi sdoganato da personaggi 

noti quali Marco Paolini o Ascanio Celestini. Eppure già al tempo si 

palesò una situazione paradossale che tende a manifestarsi anche 

ai giorni nostri: L’opera da tre soldi doveva essere un lavoro a preciso 

appannaggio del proletariato che si dimostrò invece particolarmente 

freddo nell’accoglienzaa differenza della borghesia, che 

ne decretò il successo. 

Anche nel 2020 della crisi globale la partecipazione culturale a 

espressioni artistiche di dichiarata matrice politica non irretisce 

grandi numeri appartenenti alle classi disagiate, desiderose piuttosto 

di semplice svago e di un intrattenimento disimpegnato. 

Sono le classi più elevate, piuttosto, che, possedendo gli strumenti 

intellettuali per codificare i linguaggi di denuncia esposti sovente 

mediante escamotage e allegorie, possono fruire con maggiore 

Albert Camus (foto Robert Edwards) 

trasporto le opere di denuncia e critica sociale. A ciò si aggiunga il 

disinteresse quando non addirittura il fastidio, da parte del “proletariato”, 

nel veder esposta e “artisticizzata” la propria sofferenza. 

Con la seconda e terza rivoluzione industriale e l’avvento di fenomeni 

quali il sistema di fabbrica post-fordista andarono a modellarsi 

nuove maniere di intendere il lavoro. Le rivendicazioni sindacali 

innescate già a partire dai primi decenni dell’800 nella forma 

embrionale delle trade unions, presero una forma e una consapevolezza 

ben più consistente nella seconda metà del Novecento; la 

lotta di classe divenne così uno dei temi prediletti di certo teatro 

politico, che si propose lo scopo di sensibilizzare il proletariato raccontando 

le bassezze dei padroni, si trattasse della classe politica 

al governo o di altri depositari del cosiddetto “Potere”. Ogni nazione 

sviluppò perciò, facendo i conti con le specificità delle proprie 

tradizioni e della propria attualità, esempi di drammaturgia “impegnata” 

nell’ambito civile. In Italia una delle massime espressioni 

fu il premio Nobel per la Letteratura Dario Fo; in sinergia con 

l’attrice Franca Rame, per oltre sessant’anni egli scrisse e interpretò 

spettacoli passati alla storia quali Mistero buffo, Coppia aperta, 

quasi spalancata e Morte accidentale di un anarchico. Impiegando 

la farsa e, saltuariamente, un grammelot di derivazione giullaresca, 

la coppia Fo-Rame dipinse un ritratto dell’Italia acuto e mai 

accondiscendente, attirandosi le ire di certe fazioni politiche (so- 

11

FOCUS 

Dario Fo (foto CarassioJoel) 

prattutto di destra, quando ancora il mondo si divideva in due fazioni 

di pensiero sociale) come anche di quella ecclesiastica. Con 

Morte accidentale di un anarchico del 1970, il dito venne puntato 

su un ancor oggi irrisolto fatto di cronaca nera che riguardò la 

caduta e la morte dell’anarchico Giuseppe Pinelli da una finestra 

della Questura di Milano nel 1969. Pinelli era in un momento di 

pausa durante l’interrogatorio voluto dal commissario Luigi Calabresi 

per accertamenti su un eventuale coinvolgimento nella strage 

di Piazza Fontana quando “precipitò” dalla finestra dell’ufficio, 

schiantandosi al suolo. A partire da questa vicenda Fo costruì una 

narrazione che sposta la storia nella New York degli Anni ’20 con 

protagonista l’anarchico Andrea Salsedo. La ricostruzione operata 

da Fo non fece che enfatizzare il clima di tensione in un’Italia già 

minata da fatti di terrore provenienti da ambo le fasce estreme 

del pensiero politico, una tensione culminata nell’uccisione dello 

stesso Calabresi nel maggio del ‘72. 

Alla luce di questo conclamato omicidio, le pesanti critiche mosse 

dall’intellighenzia di destra ai firmatari di una lettera aperta sul 

caso Pinelli pubblicata da L’Espresso nel giugno del 1971 (vi figuravano 

nomi come quello di Fo ma anche l’architetto Gae Aulenti, 

il regista Marco Bellocchio, il giornalista Giorgio Bocca e il critico 

d’arte Gillo Dorfles, ben 757 personaggi autorevoli) destarono 

nell’opinione pubblica la sensazione che il Paese fosse paralizzato 

a causa di una “guerra interna”. Bastarono pochi anni e, con 

l’avvento del nuovo decennio, le fabbriche e le scuole occupate, 

i prezzi “politici” per i biglietti delle rappresentazioni teatrali e dei 

concerti, i dibattiti pubblici e i chilometrici cortei di protesta parvero 

ricordi di un’epoca lontanissima. Il boom economico venne cavalcato 

al di sopra delle reali possibilità dello Stivale e ben presto 

le compagnie indipendenti finirono con lo “stanziare” nei Centri 

Sociali autogestiti, sorta di “riserve” culturali, precludendosi così 

un dialogo efficace anche con quel pubblico non ancora persuaso 

della necessità di una democratizzazione sociale. 

Nonostante il clima apparentemente sfavorevole non mancarono 

certo la nascita, la crescita e la definitiva consacrazione di talenti di 

prim’ordine, come nel caso dell’irriverente e provocatoria comicità 

di Paolo Rossi, degno continuatore della blasonata formula artistica 

Fo-Rame. 

Impossibilitati dal processo di burocratizzazione a rimanere “autogestiti”, 

i Centri Sociali andarono man mano mutando la propria 

identità in quella di spazi poli-culturale dove tenere concerti di 

punk rock o presentazioni di libri di case editrici a bassissimo budget 

dichiaratesi astutamente “alternative” e la cassa di risonanza 

del teatro politico si ridusse ulteriormente nell’ambito di Feste 

dell’Unità e manifestazioni simili. Negli Anni ’90 la satira politica 

trovò però un nuovo spazio grazie a una generazione di attori che 

seppero bucare il piccolo schermo televisivo e colmare i teatri: i 

fratelli Sabina e Corrado Guzzanti sono uno degli esempi illustri di 

quel nuovo periodo aureo, azzoppato però, nel corso degli anni, 

dalla censura operata da rappresentanti di partito presenti nei 

consigli di amministrazione della televisione di Stato. Più recentemente 

l’opzione della stand up comedy ha conferito a mordaci 

monologhisti in tutto il mondo la possibilità di esprimere opinioni 

precise rispetto a questo o quel personaggio politico, corroborando 

di risate e sarcasmo al vetriolo spettatori che, ci si augura, anche 

grazie all’arte del teatro e dei suoi generi sapranno diventare 

elettori consapevoli e avveduti. 

TESTIMONI 

Le Scoasse 

Se il “civile” 

sceglie 

di far ridere 

Le Scoasse in un momento di “Godersela con manco” 

A.A. Il primo obiettivo del loro impegno civile 

lo portano impresso nel nome: Le Scoasse. La 

compagnia di cabaret di San Vito di Leguzzano 

(Vicenza) nasce infatti nel 1990 come reazione 

ad un problema ambientale che all’epoca 

interessava il territorio. Nel 1998, dopo alcuni 

spettacoli presentati solo nel paese d’origine, 

la formazione decide di aprirsi ad argomenti 

più generali e di uscire dai confini locali. Lo 

fa con L’Otto Smarso: te la do io la mimosa, 

stigmatizzando quelle che, ancora oggi, sono 

due delle sue caratteristiche principali: l’essere 

un compagine prevalentemente al femminile; 

e l’usare il registro (intelligentemente) comico 

per parlare di cose serie. Ne abbiamo parlato 

con Lavinia Bortoli, co-fondatrice e autrice 

di questo gruppo “con un occhio attento 

alle incongruenze ed al ridicolo del mondo 

contemporaneo e del travagliato nord-est”. 

Fare teatro civile e farlo con la risata: da 

dove sono nate queste scelte? 

Non è che all’inizio pensassimo di fare una 

cosa del genere... Poi, però, la continua 

frequentazione di certi ambienti, la lettura di 

certi testi, l’impegno sociale e quello - breve - 

politico che ho avuto mi hanno portato a voler 

12

FOCUS 

fare qualcosa che potesse scuotere le coscienze: 

e siccome, salvo rare eccezioni, la gente 

preferisce divertirsi, allora abbiamo sempre 

puntato a proporre qualcosa che potesse far 

uscire da teatro le persone con un sorriso, ma 

anche con un pensiero in più. 

Nel tempo il vostro pubblico è cambiato? 

Si è alzata la fascia d’età. Per altre realtà magari 

sarà diverso, ma i nostri spettatori, in generale, 

hanno dai 40-45 anni in su e sono persone che 

cercano qualcosa di un po’ alternativo. Giovani 

pochi. Certo sarebbe più comodo prendere un 

testo, riadattarlo e metterlo in scena: ma mi 

annoierei a morte. 

Nel tempo avete affrontato diversi 

argomenti: dalle problematiche ambientali 

alla crisi del modello economico del nordest, 

dalla parità alla “decrescita felice”. 

Quando sente che è ora di affrontare un 

certo argomento? 

Quando lo sento mio. Adesso, ad esempio, 

stiamo pensando di riprendere Godersela con 

manco, rivedendolo in profondità. L’economia 

non può andare oltre i limiti a cui è arrivata, 

i giovani sono diventati molto attenti 

all’emergenza climatica... quindi adesso sarebbe 

ora di educare un po’ anche gli adulti. 

Un tema a voi molto caro fin dalla nascita del 

gruppo... 

Il business più grande della mafia e della mala 

è quello dei rifiuti. Il Veneto, in materia, ha 

grosse problematiche da affrontare, dai terreni 

inquinati ai Pfas. Lo spettacolo è nato nel 2013 

e l’emergenza è sempre più forte: penso sia 

importante battere questo chiodo ma stiamo 

pensando anche ad un altro lavoro possibile, 

dedicato agli anni democratico-cristiani. 

Fra tanti mezzi di comunicazione, il teatro 

può ancora essere uno strumento politico e 

civile? 

È sopravvissuto a guerre e carestie. Penso 

potrà sopravvivere anche all’invasione dei 

media. Passata questa follia dei social (che pure 

sono utili, se usati con misura e buonsenso), 

il rapporto personale e il guardarsi in faccia 

contano sempre e torneranno a contare sempre 

di più, ne sono certa. Le emozioni passano più 

sul palco che non in rete e credo ci sarà una 

riscoperta di questa dimensione. Basta guardare 

quanti corsi di teatro o di lettura espressiva ci 

sono, quante attività di gruppo nel territorio... 

La gente ha bisogno di ritrovarsi. Ad un certo 

punto si tornerà indietro. O almeno lo spero. 

Proposta 

Teatro 

Collettivo 

L’impegno 

Proposta Teatro Collettivo in “Macbett” di Ionesco 

F.B. Un teatro politicamente “impegnato” non 

prevede soltanto una forma di drammaturgia 

schierata sotto il profilo partitico o etico; si 

tratta di una maniera ben precisa di intendere 

l’intrattenimento che nel corso della storia si 

è appropriata di spazi solitamente estranei 

al teatro, quali fabbriche e scuole occupate 

o quartieri problematici a causa di tensioni 

sociali: un concetto di fare arte che richiede 

ai suoi “players” non solo di interpretare un 

ruolo ma di abbracciare un’ideologia con forza 

e convinzione. Giorgio Libanore, già dal 1975 

attore nella compagnia di Arquà Petrarca 

Proposta Teatro Collettivo e oggi attivo come 

regista per la stessa, racconta la sua esperienza. 

Che aria tirava negli Anni Settanta? 

In Italia durante gli Anni ’70 si percepiva un 

vento speciale che, come artisti, ci indirizzava 

in una precisa direzione; la nostra intenzione 

era quella di metterci insieme e costruire 

testi teatrali di senso compiuto secondo una 

logica specifica e, dunque, anche politica. 

Abbiamo affrontato le più disparate tematiche 

sociali; ricordo in particolare la questione 

della liberazione dei manicomi che ci portò a 

collaborare con l’istituto psichiatrico di Ferrara. 

Tra le opere più significative del tempo va 

ricordata la coseddetta Tetralogia del Potere,

FOCUS 

sviluppata tra il ’77 e l’81 e che comprendeva 

Classici come I due gemelli veneziani di Goldoni 

e il Macbett di Ionesco arrivando a lavori quali 

Il Bertoldo a corte di Massimo Dursi e Presa di 

potere di Antonio Porta. 

Pur trattandosi di lavori drammatici e spesso 

dolenti non mancava una componente ironica 

e divertente, che riusciva a stemperare agli 

occhi e orecchie del pubblico gli aspetti più 

claustrofobici della “macchina del Potere”. 

Negli Anni ’80 approfondimmo il rapporto tra 

cittadino e società attraverso un filo conduttore 

arrivato ai giorni nostri grazie a lavori come 

Donne in guerra della vicentina Sonia Residori. 

Esistono però delle differenze innegabili tra 

gli Anni ’70 e il secondo decennio del nuovo 

millennio: allora ci guidava una speranza 

di libertà molto forte e, mediante il teatro, 

sentivamo un grande senso di liberazione 

rispetto al decennio precedente; attualmente 

avverto un’atmosfera di commercializzazione 

poiché il teatro, anche l’amatoriale, deve fare 

i conti con ferree dinamiche economiche. Il 

senso di rivendicazione e di denuncia c’è ancora 

in alcune compagnie, in alcuni testi, in alcuni 

attori, ma non sento quell’anelito di libertà. 

Oggi è senso di denuncia e rivendicazione, ma 

non di libertà. Si è perso quel gusto di scovare 

nuovi linguaggi e anche gli esperimenti più arditi 

in poco tempo si fanno “maniera” venendo 

assorbiti dal sistema. Però un teatro politico o 

comunque impegnato ha ancora senso: ognuno 

di noi può avere una precisa funzione sociale, 

attirando a teatro persone diverse tra loro e 

lanciando il seme di una riflessione, un dibattito 

per rileggere determinati fatti storici del 

passato e, così, capire meglio anche il presente. 

Toni 

Andreetta 

Cooperative 

importanti 

Dall’impegno, il talento e talvolta il genio di 

alcuni protagonisti del teatro sono derivati 

sottogeneri oggi sdoganati al grande pubblico 

che pure tende a ignorarne le classificazioni. 

Sviluppando la modalità del monologo, ad 

esempio, è nato negli Anni ’80 il Teatro di 

Narrazione, formula che prevede, con la 

sola parola e rinunciando all’impiego attivo 

di scenografie, luci e costumi, il rivolgersi 

direttamente agli spettatori raccontando una 

storia. Quando la storia è realmente accaduta 

e concerne un fatto d’interesse pubblico, 

magari dimenticato ma che contiene in nuce 

un significato dal quale derivare una precisa 

coscienza morale, si parla solitamente di Teatro 

Civile. L’elevazione di un teatro eticamente 

impegnato ha assurto l’appellativo di Terzo 

Teatro, con nomi consegnati alla Storia come 

Jerzy Grotowski e Peter Brook. Con il Teatro 

Sociale s’intendono invece pratiche teatrali con 

metodologie attraverso le quali professionisti 

coinvolgono cittadini specifici (carcerati, ragazzi 

Toni Andreetta 

con famiglie difficili, portatori di handicap ecc.). 

Tante modalità per intendere una missione 

che non si limiti a intrattenere le persone ma 

ad ampliarne la consapevolezza e, con essa, le 

relazioni con gli altri esseri umani. E oggi che 

accade? Ne abbiamo parlato con Toni Andreetta, 

regista, attore e docente universitario padovano 

attivo già a partire dalla prima metà degli Anni 

’70 con Cooperativa Teatro Ora Zero. 

Le figure si sovrapponevano... 

Dal punto di vista teatrale il periodo che va dalla 

fine degli Anni ’70 a buona parte del decennio 

successivo si caratterizzò per un’organizzazione 

di tipo cooperativo; magari non c’erano veri 

e propri scritturati ma ognuno era allo stesso 

tempo capocomico, attore e altro. Attraverso 

il distaccamento padovano della compagnia 

Cooperativa Teatro Ora Zero, nata in realtà 

a Udine per volontà dell’attore friulano Luigi 

Candoli, potei sperimentare alcune opere che 

ebbero un’ampia eco nazionale come il Sigfrido 

a Stalingrado, basato sulla grande recitazione 

di Angela Cavo e Luigi Sportelli. Si trattava di 

una drammaturgia che, riprendendo l’estetica 

dell’assurdo portata ai massimi livelli da 

Ionesco, Arrabal come anche dal nostro Achille 

Campanile, veniva addirittura premiata anche 

a livello istituzionale dal Ministero del Turismo 

e della Cultura. La mia seconda esperienza di 

quegli anni iniziò nel 1977 a nome Teatro Citet, 

altra forma di cooperativa nella quale affrontai 

i lavori più entusiasmanti sotto il profilo della 

regia e produzione con titoli come Dieci giorni 

senza fare niente di Roberto Mazzucco (il padre 

della scrittrice Melania Mazzucco). 

Recentemente con Il male oscuro della 

democrazia lei ha attinto ad alcuni scritti 

di Giuseppe Berto nei quali si prevedeva 

il crollo della partitocrazia con 30 anni di 

anticipo. 

Fermo restando che ogni opera teatrale o 

letteraria è sempre stata ideata, da Dante a 

Shakespeare, tenendo l’impegno civile come 

perno centrale, ancora oggi possiamo vantare 

in Italia alcuni nomi dirompenti che pure sono 

il traslato degli Anni Settanta: basti pensare a 

realtà come Societas Raffaello Sanzio, Babilonia 

Teatri, Motus e Anagoor, compagnia trevigiana 

ormai celebre in tutto il mondo. Eppure non 

credo che oggi sia possibile operare una 

rivoluzione culturale mediante il teatro poiché 

lo spettatore si nutre da altri sportelli, sia per 

catarsi che per contenuti. In questo senso il 

teatro amatoriale potrebbe incarnare l’idea non 

di copiare/scimmiottare i professionisti ma di 

fare della sana sperimentazione. Non scordiamo 

che gente come Artaud e Stanislavskij erano 

dilettanti che divennero professionisti poiché 

non avevano la testa ingombrata di accademia 

ed espressività manierata.

Consolidare 

e progredire 

Mauro Dalla Villa, presidente regionale 

FITA Veneto, propone un bilancio degli 

ultimi quattro anni, fra rappresentanza, 

servizi, manifestazioni, giovani e scuola 

VITA ASSOCIATIVA 

Con l’avvicinarsi delle elezioni 

in casa FITA a tutti i livelli, il 

presidente regionale Mauro 

Dalla Villa traccia un bilancio 

dei quattro anni trascorsi, 

toccando tematiche quali il 

ruolo della rappresentanza, 

la relazione con i giovani 

e il mondo della scuola, 

l’attività artistica di comitati 

e compagnie e l’impegno per 

la crescita qualitativa delle 

proposte spettacolari. 

Guardando a questi quattro 

anni appena trascorsi, come 

sta Fita Veneto? 

Il “sistema Veneto” tiene bene 

su tutti i fronti, a cominciare 

dal numero degli iscritti, 

fisso su livelli consistenti, che 

portano la nostra regione al 

primo posto in Italia nel grande 

mondo FITA. 

Come nuovo direttivo che 

andava a sostituire un comitato 

consolidato, ci eravamo 

proposti come obiettivo di 

riuscire a mantenere la (buona) 

situazione esistente. Ci siamo 

senz’altro riusciti: abbiamo 

confermato tutte le iniziative 

storicamente proposte, ma 

abbiamo anche cercato di 

capire e soddisfare nuove 

esigenze e modalità d’azione, 

intervenendo nella gestione 

complessiva con azioni 

magari in apparenza piccole 

ma comunque significative: 

come esempio, porto il 

concorso Teatro dalla Scuola, 

di cui abbiamo modificato le 

modalità di svolgimento per 

poter venire incontro alle 

scuole. 

Altro fronte su cui abbiamo 

agito è stato quello di aprirci 

ancora di più a realtà culturali 

significative del territorio, 

creando collaborazioni e 

convenzioni, come quelle con 

il Teatro La Fenice di Venezia 

e lo Stabile del Veneto, con 

agevolazioni a beneficio dei 

nostri associati per le stagioni 

del “Verdi” di Padova e del 

“Goldoni” di Venezia. 

Un momento della premiazione del Liceo «Giuseppe Veronese – Guglielmo Marconi» di 

Chioggia (Venezia), che con lo spettacolo Rane da Aristofane ha vinto l’edizione 2019 di 

“Teatro dalla Scuola”, la 59ª in assoluto e la 27ª a livello regionale 

Grande attenzione è stata 

riservata anche al dialogo 

con gli enti locali, a tutti i 

livelli... 

Ogni elemento della nostra 

Federazione presente 

nel territorio ha un ruolo 

importante per far sì che FITA e 

la sua attività siano conosciute 

e riconosciute. Questo 

vale a partire dalle singole 

compagnie associate, che 

interagiscono con le istituzioni 

a livello locale, così come 

per i Comitati provinciali che 

devono rappresentare questo 

15

mondo artistico e agevolarne 

l’attività e per il Comitato 

regionale, che ha lo stesso 

ruolo ad un livello ancora più 

ampio. La nostra azione di 

rappresentanza ha ricadute 

pratiche rilevanti, che credo 

sia importante sottolineare. 

Pensiamo al Registro regionale 

dell’associazionismo, ad 

esempio: come FITA Veneto 

facciamo da sportello di 

ricevimento per le domande 

e le veicoliamo, nella forma 

richiesta dalla Regione, 

agli uffici preposti; se 

ogni compagnia dovesse 

arrangiarsi, invece, certamente 

avrebbe un bel po’ di problemi 

in più... Ecco, questa è una cosa 

che di per sé non sembra così 

eclatante, ma in realtà facilita 

la vita alle compagnie e questo 

è uno dei nostri obiettivi. E 

se possiamo farlo è perché 

abbiamo creato e coltivato, 

negli anni, un rapporto di 

dialogo e fiducia con la 

Regione. 

In effetti, con la Regione del 

Veneto il dialogo è aperto da 

anni. Su quali basi? 

Il rapporto è consolidato 

e molto produttivo, ma 

questo non significa che 

possiamo dormire sugli 

allori. Relazionarsi con 

l’amministrazione pubblica 

richiede una cura continua, 

perché le persone e le 

situazioni cambiano ed è 

fondamentale mantenere 

sempre il dialogo aperto. Se 

continuiamo da anni ad essere 

riconosciuti come partner 

affidabili da una Regione 

grande e complessa come 

il Veneto è perché abbiamo 

lavorato e continuiamo a 

lavorare bene, con serietà e 

concretezza. 

Relazionarsi 

con l’amministrazione 

pubblica richiede 

una cura continua. 

È fondamentale 

mantenere sempre 

il dialogo aperto. 

in generale, studenti e non. 

La risposta potrebbe essere 

migliore, e il motivo non 

sta certamente nel fatto 

che non vengono informati 

sulle opportunità a loro 

disposizione: tra Facebook, 

newsletter, comunicazioni 

attraverso i presidenti di 

compagnia e altro ancora 

le informazioni vengono 

date, ma evidentemente, 

in mezzo ai tanti input che 

ricevono da più parti, finiscono 

con non porre sufficiente 

attenzione alla sostanza dei 

messaggi. Peccato, perché 

perdono opportunità davvero 

preziose, tra l’altro con tutte le 

agevolazioni che assicuriamo 

loro (a partire dal costo, dato 

che cerchiamo sempre di 

rendere gli appuntamenti per i 

giovani gratuiti o quasi). 

E con il mondo della scuola 

come sono i rapporti? 

Quando si parla di giovani, 

il rapporto con il mondo 

della scuola è naturalmente 

fondamentale. Guardando ai 

soli quattro anni del nostro 

mandato, ci sono stati 

risultati importanti come 

il Programma Operativo 

Nazionale (PON) condotto 

con l’Istituto Comprensivo 

di Villadose (Rovigo) come 

capofila, dal titolo Per la scuola 

- Competenze e ambienti per 

l’apprendimento, finanziato 

dal Fondo Sociale Europeo 

e volto all’inclusione e alla 

lotta al disagio. FITA Veneto è 

stata coinvolta come partner, 

accanto ai Comuni di Villadose 

e San Martino di Venezze e 

alla compagnia di FITA Rovigo 

Briciole d’Arte. Un bell’esempio 

di sinergia tra Federazione, 

mondo della scuola ed 

enti locali. Ma accanto a 

tante situazioni positive, 

nel rapporto con il mondo 

della scuola non mancano le 

difficoltà... 

Che genere di difficoltà? 

Abbiamo sempre più conferma 

A Villadose (Rovigo) FITA Veneto ha collaborato al PON “Per la scuola - Competenze e ambienti per l’apprendimento” 

Altro fronte d’azione 

importante è quello dei 

giovani. Qual è la situazione? 

Fita Veneto ha uno sguardo 

privilegiato verso i giovani 

16

che a fare la differenza, 

anche nella scuola, sono le 

persone: se in un istituto 

c’è un insegnante referente 

appassionato di teatro o che 

comunque ne riconosce il 

fondamentale ruolo nella 

crescita dei ragazzi, allora il 

teatro in quella scuola entra, 

altrimenti le speranze sono 

quasi nulle, nonostante i 

reiterati tentativi di aprire 

un dialogo: o, peggio, di 

“riaprirlo”, magari dopo anni 

di produttiva collaborazione, 

per il semplice fatto che 

l’insegnante in questione 

si è trasferito o è andato in 

pensione. Indubbiamente le 

nostre principali proposte per 

la scuola - come il concorso 

per laboratori Teatro dalla 

Scuola o il concorso di critica 

La Scuola e il Teatro, legato 

al festival Maschera d’Oro - 

ottengono un’ottima risposta; 

ma questo non fa che rendere 

ancora più incomprensibile 

l’atteggiamento di chiusura di 

certi istituti. 

Un progetto di grande 

successo nel 2019 è stato 

Fondamenta. Com’è andata? 

Fondamenta - Una rete di 

giovani per il sociale è stato 

un progetto eccezionale, nato 

dalla Federazione nazionale: 

ha coinvolto tutte le realtà 

territoriali; ha riguardato la 

nostra materia principale, 

cioé il teatro, ma non solo 

quello, approfondendo il suo 

ruolo sociale; è stato rivolto 

ai giovani e al volontariato 

sociale, di cui facciamo parte. 

Insomma, è stato fortemente 

costruttivo, e ha portato 

risultati significativi. In Veneto 

ne abbiamo proposto due 

edizioni, una ad Adria, in 

provincia di Rovigo, e una 

a Monticello Conte Otto, 

in provincia di Vicenza, in 

collaborazione con le rispettive 

Amministrazioni comunali 

e con realtà del territorio 

attive nel sociale. Siamo 

Un momento di Fondamenta a Monticello Conte Otto (Vicenza) e, in alto, ad Adria (Rovigo) 

soddisfatti della risposta dei 

partecipanti, molto coinvolti 

e attivi. E siamo soddisfatti di 

come abbiamo organizzato 

questi due appuntamenti 

residenziali occupandoci di 

tutto, dalla ricerca dei partner 

alla gestione amministrativa, 

fino alla cura prestata 

all’accoglienza dei corsisti. 

Passiamo al fronte artistico 

e di spettacolo e cominciamo 

con il festival nazionale 

Maschera d’Oro, che 

quest’anno compie 32 anni... 

La Maschera d’Oro è il festival 

che meglio ci rappresenta, 

conosciuto e apprezzato 

in tutta Italia e da 26 anni 

legato al Premio Faber 

Teatro di Confartigianato 

Imprese Vicenza: un esempio 

luminoso di come mondo 

imprenditoriale e mondo 

dell’arte possano creare grandi 

cose, operando in sinergia. 

Per il festival mettiamo in 

campo un’organizzazione 

“millimetrica”, un meccanismo 

di assoluta garanzia e certezza 

di cui siamo giustamente 

orgogliosi come gruppo, visto 

che le decisioni, benché ci sia il 

coordinamento di una persona 

di grande esperienza, sono 

condivise dall’intero consiglio 

federale regionale. 

La Maschera è il fiore 

all’occhiello di un’attività 

di spettacolo dai numeri 

davvero eccezionali. Qualche 

dato? 

Promuoviamo direttamente 

o tramite le compagnie 

associate più di un centinaio 

di manifestazioni annue. Le 

nostre compagnie effettuano 

più di 5 mila spettacoli all’anno. 

Coinvolgiamo oltre 1 milione 

e 600 mila spettatori. Si va 

dai festival più blasonati alle 

rassegne di paese e ogni 

singolo evento ha una sua 

valenza nel territorio in cui 

si colloca; soprattutto quelli 

promossi dalle compagnie 

hanno un valore sociale 

strabiliante, proprio perché 

agiscono profondamente nelle 

comunità, anche in quelle più 

piccole. 

Che posto occupa per FITA 

Veneto la crescita della 

qualità delle compagnie? 

Un posto di primissimo 

piano. Soprattutto in questi 

ultimi anni, abbiamo cercato 

di dare un forte impulso 

in questo senso. Abbiamo 

cercato di sollecitare le 

compagnie ad operare le 

proprie scelte di repertorio 

con sempre maggiore 

cura e consapevolezza, 

indipendentemente dal 

genere di teatro che scelgono 

di praticare. 

È servito? Io credo di sì: se 

tante nostre compagnie 

vengono segnalate o premiate 

in occasione di concorsi 

e festival e propongono 

repertori di tutto rispetto, 

forse sarà anche perché 

abbiamo detto, scritto, 

consigliato a tutte loro di 

andare oltre, ricercando un 

po’ di più e andando al di 

là della superficie. Gli stessi 

nostri congressi regionali non 

sono solo assemblee delle 

associazioni, ma momenti 

di autentico scambio e 

formazione, nei quali non 

abbiamo mai perso l’occasione 

di sottolineare l’importanza 

della qualità nelle proposte 

con le quali le compagnie si 

presentano al pubblico. 

17

GIOVANI 

MARCO 

FACCIN

INTERVISTA 

A.A. Marco Faccin, vent’anni 

ad aprile, con il teatro ha un 

rapporto speciale. 

Appena diciottenne è stato, 

per quanto narrano le 

cronache, il più giovane regista 

a debuttare sul cinquecentesco 

palcoscenico dell’Olimpico 

di Vicenza, teatro coperto 

più antico del mondo: lo ha 

fatto per il Festival Vicenza in 

Lirica, con l’adattamento del 

testo, la regia drammaturgica 

e l’impegno anche tra 

le voci recitanti del King 

Arthur di Henry Purcell 

(1659-1695), eseguito in 

forma di concerto a cura del 

progetto Crescere in Musica 

Baroque del Liceo “Corradini” 

di Thiene in collaborazione 

con il Conservatorio vicentino 

“Arrigo Pedrollo”. Ma 

insieme ad alcuni amici ha 

anche fondato una propria 

compagnia, Il Colore del 

Grano, e si è dedicato anche 

al teatro di prosa con la 

compagnia Teatroinsieme di 

Zugliano, guidata da Gabriella 

Loss. Anzi, è stata proprio lei 

a invitarlo a candidarsi, nel 

2019, alla sesta edizione di 

ITAF (International Theater 

Academy of FITA), il percorso 

riservato ad un gruppo di 

giovani iscritti alla Federazione, 

diretto da Daniele Franci e 

articolato in alcune settimane 

residenziali da svolgere, 

nel corso dell’anno, tra la 

sede del Centro nazionale 

di formazione FITA a Reggio 

Emilia e il Creative College di 

Utrecht in Olanda. 

Nel 2019, dunque, Marco 

Faccin ha vissuto questa 

esperienza, che ha avuto anche 

una significativa appendice 

all’Università di Palermo, 

nel novembre scorso, con 

la partecipazione ad un 

seminario condiviso con una 

trentina di studenti del Dams 

dell’ateneo siciliano. Di tutto 

questo abbiamo parlato un 

po’ insieme, per rivivere le 

emozioni e il senso di questo 

percorso. 

Che cosa ti ha dato ITAF? 

Mi ha cambiato molto, 

migliorandomi come attore e 

come persona. Dal punto di 

vista teatrale, ti fa lavorare in 

profondità sul come metterti 

in scena, sull’autenticità del 

tuo essere lì. Necessita di un 

impegno costante, facendoti 

entrare in un teatro che ti 

fa mettere in gioco anche 

a livello fisico. Se uno deve 

trovare risposte, ITAF, con il 

lavoro su se stessi che richiede, 

Una fase del lavoro di ITAF 6 al Dams di Palermo, dove è stato riallestito lo spettacolo The Walls. A sinistra, Marco Faccin in una scena 

ITAF mi ha cambiato 

come attore e come 

persona. Se uno deve 

trovare delle risposte 

può servire. 

può servire. Anche per chi fa 

teatro classico tradizionale; 

per quello che mi riguarda, 

ho sempre fatto di tutto: 

lavori per bambini, teatro 

musicale, prosa tradizionale: 

perché fermarsi ad un genere? 

Insomma ITAF è molto più di 

una scuola di teatro: è una 

scuola di vita, ti fa scavare 

dentro di te. Per me è stato 

così, per le persone che ho 

incontrato, per le emozioni e 

le esperienze che ho vissuto... 

e Daniele Franci è un maestro 

meraviglioso. 

Perché avevi deciso di 

partecipare? 

Me lo aveva consigliato 

Gabriella Loss, la regista di 

Teatroinsieme con cui ho 

iniziato a collaborare nel 

2016: mi ha detto “Perché 

no? Provaci”. Ero in quinta 

superiore e ho provato: 

non avevo aspettative, non 

pensavo di passare, ma era 

comunque un modo per 

vedere come funzionava. 

ITAF ti porta a confrontarti 

anche con persone di 

realtà diverse, come quella 

olandese... 

Con gli olandesi ho lavorato 

qui in Italia, quando sono 

venuti a Reggio Emilia, 

perché in Olanda non mi 

è stato possibile andare 

per un problema di salute. 

Abbiamo lavorato insieme una 

settimana. Con loro si usano 

molto il corpo e le immagini, 

mentre qui abbiamo più il 

parlato e la voce. Anch’io 

sto vedendo i vantaggi e gli 

svantaggi di tecniche diverse: 

mi ha fatto bene osservare 

l’interpretazione teatrale 

olandese e cerco di inserire 

questi spunti anche nei miei 

nuovi lavori. 

A Palermo com’è andata? 

Abbiamo lavorato con la prof. 

Anna Sica, docente molto 

nota per i suoi studi in ambito 

teatrale, e con tanti ragazzi del 

Dams, della triennale e della 

magistrale. Il nostro ruolo era 

quello di essere a disposizione 

degli studenti, mettendo a 

frutto quello che avevamo 

appreso durante il percorso: 

questa responsabilità nei 

confronti di un gruppo è stata 

molto bella, il poter lavorare 

con ragazzi che studiano 

teatro e far vedere loro come 

si sviluppa un lavoro; per noi è 

stata un’intensa esperienza di 

“insegnamento”. 

Il tuo rapporto con ITAF 

oggi? 

Da dicembre sto seguendo un 

corso con Etoile, associazione 

di Reggio Emilia che collabora 

strettamente con ITAF anche 

a livello internazionale, 

insieme ad allievi ed ex allievi 

anche di altri scuole. Stiamo 

sviluppando uno spettacolo 

che andrà in scena a Roma 

e parteciperà a eventi come 

FitaLab. 

Pensi che il teatro sarà la 

tua vita anche da un punto di 

vista professionale? 

Non so se sarà come attore – 

sono ancora giovane, voglio 

vedere - ma sicuramente 

mi sto prearando: studio 

Gestione delle attività culturali 

all’Università di Venezia. 

Che tipo di teatro vai a 

vedere da spettatore? 

Cerco e guardo di tutto, ci 

vado spesso, ma sono attratto 

soprattutto dalla riscrittura in 

generale: il classico puro non 

mi interessa molto, preferisco 

che sia cucito al nostro tempo. 

Qualche nome? Mi piacciono 

Marta Cuscunà, Giuliana Musso 

e il teatro di narrazione in 

genere: se dovessi continuare 

come attore, seguirei le loro 

orme. Amo molto anche il 

teatro-danza che ho iniziato 

a conoscere proprio grazie a 

ITAF. 

19

TERRITORIO 

Tra marzo e 

maggio cinque 

gli spettacoli: 

due in carcere, 

tre in residenze 

per anziani 

Con FITA Rovigo il teatro 

si spinge “Oltre la scena” 

“Oltre la scena - Il teatro amatoriale entra in 

carcere e nelle case di riposo” è il titolo del 

progetto in corso di realizzazione per iniziativa 

di FITA Rovigo e grazie alla collaborazione 

dell’associazione L’Età della Saggezza 

Onlus Senior. 

Cinque gli spettacoli in programma, tra 

marzo e maggio: due nella Casa Circondariale 

di Rovigo e tre in altrettante residenze 

per anziani della provincia (CSA Adria, Casa 

Serena di Rovigo e Casa del Sorriso di Badia 

Polesine). 

“Siamo fortemente convinti - dichiara Rober- 

ta Benedetto, presidente di FITA Rovigo - del 

valore dello strumento teatrale in contesti 

difficili, seppure per motivi molto diversi, 

quali le case circondariali e le case di riposo, 

nei quali la dimensione dello spettacolo dal 

vivo rappresenta un’occasione importante di 

condivisione, riflessione e svago: un ‘ponte’ 

verso il mondo esterno alla struttura che 

restituisce, anche se per poco, una ‘normalità’. 

Per quanto ci riguarda, il progetto 

costituisce un’opportunità unica di mettere 

la nostra passione e le competenze acquisite 

al servizio del bene comune”. 

A.A. Oltre ad essere la direttrice 

della Casa Circondariale di 

Rovigo, Romina Taiani è un’appassionata 

del teatro e una 

convinta sostenitrice del ruolo 

che esso può rivestire nella 

crescita personale di ciascuno. 

Tutto questo ha certamente 

giocato un ruolo rilevante nella 

scelta di aderire al progetto 

Oltre la scena - Il teatro amatoriale 

entra in carcere e nelle 

case di riposo, promosso da 

FITA Rovigo. 

ROMINA TAIANI direttrice della Casa Circondariale di Rovigo 

Il teatro nelle carceri 

contro l’appiattimento 

Dottoressa Taiani, quale spazio 

ha il teatro nelle attività 

della Casa Circondariale di 

Rovigo? 

Quella con il mondo del teatro 

è una collaborazione che 

continua grazie ai colleghi che 

mi hanno preceduto, e che mi 

auguro si possa arricchire ulteriormente. 

Personalmente, appena 

ho saputo che qui c’erano 

atttività in questo senso ne 

sono stata molto contenta, 

perché sono molto aperta verso 

tutte le attività che aiutano 

ad uscire dal contingente, e 

trovo che il teatro sia uno dei 

più importanti strumenti per 

farlo, per liberarsi dal tempo e 

dallo spazio che ci circondano. 

Ha avuto esperienze positive 

in questo senso? 

Ho avuto modo tante volte di 

osservare detenuti impegnati 

in laboratori di teatro: ha 

davvero un effetto catartico, 

perché una persona esce dalla 

sua dimensione e si confronta 

con altro, cerca di immaginarsi 

in altro, il che non significa 

semplicemente vestire i panni 

di un personaggio ma entrare 

in un’altra dimensione. 

E questo in carcere ha certamente 

un significato molto 

profondo. 

Aiuta molto, agisce sulla 

crescita personale. Ho notato 

che chi partecipa a progetti 

teatrali poi tende ad assumere 

un atteggiamento migliore nei 

confronti della vita di tutti i 

giorni, anche spesa qui dentro. 

Viviamo in un’istituzione che 

certamente non è più “tota- 

le” ma comunque tende ad 

appiattire, semplicemente per 

un’esigenza organizzativa di 

ordine, perché un carcere è 

una comunità complessa che 

insiste in un’organizzazione 

altrettanto complessa: questa 

valvola di sfogo, fosse anche 

per pochi detenuti, è una 

grande cosa. 

In questo senso il teatro è 

utile sia che lo si viva come 

attori che come spettatori... 

Certamente, proprio come 

avviene nella società civile. E 

lo dico da spettatrice io stessa, 

La dottoressa Romina Taiani 

dirige la casa Circondariale di Rovigo 

perché proprio come l’attore 

anche lo spettatore entra in 

un’altra dimensione: quindi 

fare lo spettacolo e godere 

dello spettacolo teatrale 

sono due facce della stessa 

medaglia. In questo senso la 

20

collaborazione con FITA aiuterà 

certamente a portare un intrattenimento 

che vogliamo sia sì 

piacevole e in grado di regalare 

un momento di leggerezza ma 

anche, come fa sempre il teatro, 

che lasci dentro allo spettatore 

qualcosa per renderlo 

migliore: un pensiero critico, 

una riflessione, qualche parola 

sullo spettacolo scambiata con 

i compagni sono tutti risultati 

importanti. 

Applausi nazionali 

COMPAGNIE 

per due formazioni 

Nella scelta dei titoli, quali 

altri elementi state considerando 

con FITA Rovigo? 

Il target di riferimento, naturalmente. 

I nostri detenuti sono 

per il 75 per cento extracomunitari, 

certamente integrati 

e talvolta di seconda generazione; 

conoscono l’italiano e 

magari vivono nel territorio 

da parecchio tempo... ma 

ci rivolgiamo comunque a 

culture diverse e con un livello 

di scolarizzazione in generale 

piuttosto basso, per cui è importante 

proporre spettacoli 

che possano essere compresi 

con una certa facilità. 

La partecipazione dei detenuti 

come è gestita? 

È su base volontaria. Si tratta di 

proposte che l’amministrazione 

fa, ma poi sta al detenuto 

decidere a quali partecipare. 

L’adesione dipende molto da 

quello che si riesce a veicolare: 

lo spettacolo, come ogni 

attività, va presentato, spiegato, 

riempito di contenuto e 

reso interessante. Di questa 

comunicazione si occupano gli 

educatori, perché appartiene 

all’area pedagogica, come il 

lavoro e la scuola. Certamente 

veicolare con efficacia una proposta 

teatrale non è mai semplice, 

perché si pensa subito 

ad un’attività più impegnativa, 

piena di contenuti... come nella 

società civile, d’altra parte. 

Il primo spettacolo si svolgerà 

venerdì 27 marzo, Giornata 

Mondiale del Teatro, ma 

anche del Teatro in Carcere. 

Una coincidenza voluta? 

Sì, per noi è importante essere 

presenti, nel nostro piccolo, 

insieme a tanti altri istituti, 

alcuni dei quali sono addirittura 

realtà teatrali d’avanguardia. 

Un progetto per l’attività nel 

nostro istituto? Ci auguriamo di 

riuscire a dare una configurazione 

più teatrale a quella che 

attualmente è solo una grande 

sala con un palco, perché per 

lo spettatore è importante calarsi 

in quella scatola nera nella 

quale perdersi per entrare in 

un altro tempo e in un altro 

luogo. Speriamo di farcela già 

nel corso di quest’anno. 

C’è anche una compagnia veneta 

fra le cinque vincitrici 

del Premio Fitalia, il concorso 

promosso dalla Federazione 

Italiana Teatro Amatori (FITA) 

che, giunto alla sua 32ª edizione, 

si trasforma quest’anno in 

una rassegna dal vivo a tutti gli 

effetti: la compagnia Soggetti 

Smarriti di Treviso è infatti 

salita sul gradino più alto nella 

categoria Tragedia, convincendo 

la giuria con il suo Tramonto, 

di Renato Simoni, per la regia 

di Franco De Maestri. Una bella 

soddisfazione per la formazione 

della Marca, che lo scorso 

anno aveva già vinto, tra l’altro, 

il Festival nazionale Maschera 

d’Oro, kermesse promossa da 

FITA Veneto, la cui 32ª edizione 

è al via dall’8 febbraio al San 

Marco di Vicenza. 

Le altre formazioni premiate 

dal Fitalia sono: l’associazione 

CarMa di Reggio Calabria per 

1861 La brutale verità (vincitrice 

per la categoria Teatro di narrazione); 

la compagnia Quanta 

brava gente di Taranto, per la 

commedia Una volta nella vita 

di Gianni Clementi, per la regia 

di Carlo Dilonardo (categoria 

Comico/Brillante); 70cento di 

Bari per Il giorno della tartaruga 

di Garinei e Giovannini (categoria 

Commedia musicale/ 

Musical); e il Nuovo Teatro 

Stabile Mascalucia di Catania 

per Cyrano di Edmond Rostand 

(categoria Classico). Grazie alla 

vittoria, la compagnia Soggetti 

Smarriti parteciperà alla rassegna 

dal vivo che, per la prima 

volta nella lunga storia del premio 

nazionale, ne presenterà al 

pubblico i vincitori. A ospitare la 

cinquina sarà la Campania, tra 

marzo e maggio, coinvolgendo 

i Comuni di Pompei, Torre Annunziata, 

Ercolano, Boscoreale 

e San Vitaliano, con il patrocinio 

della Città Metropolitana di Napoli. 

Per FITA si tratta di un gradito 

ritorno nella regione, dopo 

il successo della prima edizione 

live di un altro suo storico concorso: 

il Gran Premio del Teatro 

Amatoriale, che nella primavera 

del 2019 si era mosso nel triangolo 

archeologico di Napoli, fra 

Soggetti Smarriti in una scena di Tramonto, Premio Fitalia 

Pompei, Torre Annunziata ed 

Ercolano. 

In quell’occasione, FITA Veneto 

era stata rappresentata dalla 

compagnia padovana Teatro 

del Corvo (con Tre sull’altalena 

di Luigi Lunari), in quanto vincitrice 

del Gran Premio regionale 

abbinato al concorso nazionale; 

nell’edizione attualmente 

in corso a Lamezia Terme, in 

Calabria, la stessa “responsabilità” 

è toccata alla compagnia 

La Moscheta, di Colognola ai 

Colli (Verona), che con Ben Hur 

di Gianni Clementi si è esibita al 

Teatro Grandinetti il 28 dicembre 

scorso. Il nome dei vincitori 

del Gran Premio si conoscerà il 

29 marzo. 

Selfie dietro le quinte del Teatro Grandinetti di Lamezia Terme 

per La Moscheta, portabandiera di Fita Veneto al Gran Premio 

21

COMPAGNIE

COMPAGNIE 

Cinque anni di lavoro, spinti da 

una grande determinazione 

e da una passione altrettanto 

grande. Tanto ci è voluto alla 

compagnia La Nogara di Cogollo 

di Tregnago, nel Veronese, 

per realizzare il proprio sogno: 

un teatro che non c’era e che 

ora c’è, costruito recuperando 

la palestra della locale scuola 

elementare, chiusa circa otto 

anni fa. 

Con i suoi centocinquanta 

posti, attrezzatura tecnica e 

camerini, il Teatro “Al Santo” è 

pronto ad ospitare, tra qualche 

mese, la sua prima rassegna di 

spettacolo. 

Ne abbiamo parlato con Paolo 

Cracco, anima di questo progetto 

che testimonia quanto si 

possa riuscire a fare mettendo 

insieme buona volontà, generosità 

e concretezza. 

Come è nata questa iniziativa? 

L’idea è partita cinque anni fa 

dalla compagnia, che sentiva 

l’esigenza di avere una sede. 

Fino al 2010, infatti, c’era un 

teatro, ma quasi inagibile; poi 

per dieci anni ci siamo trovati 

costretti a fare le prove di tutti 

i nostri spettacoli (tra i quali anche 

un musical) nella mansarda 

di casa mia: per fortuna anche 

mia moglie recita nella compagnia, 

altrimenti credo che sarei 

stato buttato fuori... 

Quindi avete pensato di recuperare 

questo spazio? 

Sette-otto anni fa erano state 

chiuse le Scuole elementari 

e questo stabile, di proprietà 

dell’Opera Pia Santa Teresa, 

era rimasto lì, non utilizzato. 

Qualche anno fa al primo piano 

è stato aperto il Circolo Noi. 

Allora abbiamo pensato di 

recuperare il piano terra, dove 

un tempo c’era la palestra, 

trasformandola in una sala 

principalmente teatrale. Abbiamo 

chiesto all’Opera Pia se 

ci concedeva lo spazio, mentre 

noi avremmo messo i soldi... 

che non avevamo. 

Ma poi siete riusciti a recuperare 

anche quelli. 

Pian piano abbiamo trovato un 

paio di ditte disposte ad aiutarci, 

altro è arrivato dalla Comunità 

Montana e naturalmente 

tutte le entrate della nostra 

compagnia abbiamo deciso 

di investirle nel nuovo teatro. 

Infine, all’inizio di quest’anno 

nel progetto è entrato anche 

Cinque anni di lavoro 

e la compagnia 

La Nogara 

ha realizzato 

il proprio sogno 

Il Comune, che ha preso in 

affitto lo stabile dall’Opera Pia 

per dare una sede alle varie 

associazioni del territorio. 

Qual è stato l’ostacolo maggiore 

che avete incontrato? 

Le carte che servono per un 

intervento di questo tipo. Per 

fortuna ci ha dato una grande 

mano Chiara Bonamini, che 

ha fatto parte della nostra 

compagnia ed è architetto. 

Ha elaborato gratuitamente 

il progetto e si è occupata 

della burocrazia. Ci abbiamo 

messo cinque anni, perché era 

praticamente tutto da fare: il 

pavimento, il soffitto, le pareti, 

l’insonorizzazione della sala, il 

palco, le porte, i bagni, lo scivolo 

e i servizi per i disabili... 

Cosa avete provato quando i 

lavori sono finiti? 

Un grande sollievo. Non si 

vedeva mai la fine. Ci siamo 

riusciti grazie a tanto volontariato, 

a tante persone che si 

sono date da fare: tutto quello 

che potevamo fare da soli lo 

abbiamo fatto. 

E adesso? 

Adesso a maggio proporremo 

la prima rassegna: cinque 

spettacoli, il sabato sera. A fine 

mese ci saremo anche noi, con 

il debutto della nostra nuova 

commedia Paolo meti la cotola, 

da un testo di Loredana Cont 

(ormai siamo abbonati al suo 

teatro), in dialetto come da 

nostro statuto. 

Una gioia per voi, ma anche 

per l’intera comunità... 

Un concerto si potrà fare lì, o il 

saggio dei ragazzi, o una serata 

culturale... Sì, questa iniziativa 

ha sicuramente un senso importante 

per la comunità.

CULTURA 

KLAUS KINSKI 

SUL PALCO

CULTURA 

E Gesù sguainò la spada 

In Jesus Christus Erloser un condensato della sua arte 

di Filippo Bordignon 

Se sono ben noti al grande pubblico, 

in Italia come all’estero, 

molti dei ruoli di “cattivo” interpretati 

dall’attore tedesco 

Klaus Kinski lungo una carriera 

durata quarantacinque anni, la 

sua avventura teatrale è meno 

nota ma in grado di rivelarci alcuni 

aspetti fondamentali del 

suo peculiare stile attoriale. 

Gli esordi furono, fresco di liberazione 

da due anni di prigionia 

al termine del secondo conflitto 

mondiale, in una piccola 

compagnia di Offenburg dove 

adottò il nome d’arte “Klaus 

Kinski”. Poco tempo dopo venne 

ingaggiato dal prestigioso 

Schlosspark-Theater di Berlino 

ma presto licenziato a causa 

del suo carattere instabile e collerico. 

Nel 1950 il tentativo di 

strangolamento di una donna 

gli aprì le porte dell’ospedale 

psichiatrico, dove gli fu riscontrata 

una seria psicopatia che lo 

condusse a un paio di falliti tentativi 

di suicidio. Nel ’55 divise 

per tre mesi un appartamento 

con la famiglia di Werner Herzog, 

tra i massimi registi del cinema 

tedesco moderno, allora 

poco meno che adolescente. I 

ricordi delle stranezze di Kinski 

verranno riportati da Herzog 

nel commovente documentario 

biografico del 1999 Kinski - il 

mio nemico più caro. L’anno successivo 

è a teatro con un ruolo 

nel Torquato Tasso di Goethe 

ma la sua instabilità gli precluse 

la stipula di un contratto, una 

costante che si ripeterà spesso 

in Germania e che lo porterà 

a trasferirsi a Vienna reinventandosi 

come monologhista. 

In queste vesti egli rileggerà 

in monologhi allucinati alcune 

opere in prosa e versi di Oscar 

Wilde, William Shakespeare e 

Francois Villon, imbarcandosi 

in turbolente tournée che 

toccarono l’Austria, la Svizzera 

e lo riportarono in Germania. 

La più significativa - oggi finalmente 

disponibile con discreti 

sottotitoli in italiano anche su 

YouTube - è il suo Jesus Christus 

Erloser (Gesù Cristo Salvatore) 

portato in scena con grande 

sdegno dell’opinione pubblica 

nel 1971. La pellicola diretta da 

Peter Geyer e presentata uffi- 

Attore cult dalla fama maledetta 

Nato il 18 ottobre 1925 a Sopot, nell’allora Città Libera di 

Danzica, Klaus Günter Karl Nakszynski si trasferì nel 1931 a 

Berlino insieme ai fratelli e ai genitori, il padre un ex cantante 

d’opera divenuto farmacista e la madre un’infermiera figlia 

d’un pastore religioso, in cerca d’una migliore condizione 

economica. Con lo scoppio della seconda guerra mondiale 

venne ritenuto abile e, diciassettenne, spedito nei Paesi Bassi 

dove fu fatto prigioniero nel 1944 dagli inglesi. Rilasciato 

nel ’46 tornò a Berlino dove seppe della morte dei genitori. 

È in questo periodo che ha inizio la sua carriera teatrale con 

il nome d’arte di Klaus Kinski; il suo primo ruolo cinematografico 

arriverà due anni più tardi, una piccola parte nella 

pellicola Morituri diretta da Eugen York. Da allora in avanti 

saranno il grande e piccolo schermo i suoi “palchi” principali, 

grazie a una carriera altalenante densa di decine e decine di 

ruoli da caratterista in B movie così come in una serie di film 

d’autore che lo hanno reso, nel corso dei decenni, attore cult 

dalla fama maledetta. Egli compare in titoli oggi consegnati 

alla storia quali Il dottor Zivago di David Lean e Per qualche 

dollaro in più di Sergio Leone, finendo per partecipare in Italia 

a un numero imprecisato di spaghetti western ricoprendo 

il ruolo del reietto e dell’antagonista. Di ben altro spessore 

fu invece la collaborazione col regista tedesco Werner Herzog, 

che volle Kinski protagonista di alcune delle sue opere 

più memorabili come Nosferatu (rifacimento della pellicola 

omonima diretta cinquantasei anni prima dal genio di Friedrich 

Wilhelm Murnau), Woyzeck (dal capolavoro teatrale del 

drammaturgo Georg Büchner), Fitzcarraldo e Cobra verde. Il 

suo testamento artistico è una controversa pellicola sperimentale 

di cui è attore protagonista e regista, il Paganini del 

1989. Morì per un arresto cardiaco nel 1991 in California; al 

suo funerale prese parte solo uno dei suo tre figli: Nicolai. Le 

altre due figlie, Pola e l’attrice Nastassja, ebbero a descriverlo 

come un padre tirannico e imprevedibile. 

cialmente solo nel 2008, ritrae 

un’esibizione berlinese che ben 

riassume il disturbante carisma 

per cui era conosciuto l’attore. 

Il Gesù si svolge in un’imprecisata 

struttura coperta colmata 

da un variegato pubblico in cui 

è possibile distinguere hippy 

dell’ultima ora e un discreto 

dispiegamento di forze dell’ordine. 

Kinski sale sul palco agghindato 

secondo la moda del 

tempo: pantaloni di velluto blu 

aderenti sui fianchi e svolazzante 

camicia a pois bianchi e 

blu. I lunghi e liscissimi capelli 

incorniciano il viso di un quarantaseienne 

già scavato da 

una vita tormentata; gli occhi 

azzurri, pur sgranati e fissati 

apparentemente sulla videocamera, 

non tradiscono alcuna 

emozione o coinvolgimento. Il 

volto è rugoso, la pelle stanca è 

impietosamente solcata da accentuate 

rughe d’espressione. 

Il testo attacca definendo Gesù 

un “ricercato”, quasi si trattasse 

di un pistolero assassino sbucato 

da un western di serie B. La 

figura del Cristo viene disegnata 

come quella di un pericoloso 

rivoluzionario, alleatosi con gli 

emarginati della società e dunque, 

con una scelta drammaturgica 

che attualizza la vicenda, 

non solo con perseguitati, 

prostitute o mendicanti ma anche 

zingari, hippy, disoccupati, 

tossicodipendenti, comunisti e 

renitenti alla leva. Al pari di un 

qualsiasi senzatetto, del Cristo 

le autorità ignorano nazionalità 

e domicilio permanente e viene 

identificato dai suoi adepti con 

diversi nomi che vanificano il 

tentativo di stilarne un’identità 

univoca: è conosciuto infatti 

come “Figlio dell’uomo”, “Messaggero 

di pace”, “Luce del 

mondo” e “Salvatore”. L’atmosfera 

costruita dall’attore con 

una lentezza esasperante getta 

l’amo a un pubblico desideroso 

di partecipazione attiva e, dopo 

una manciata di minuti, cominciano 

a piovere le prime grida 

di protesta. Il monologo è così 

già divenuto happening grazie 

a un meccanismo elementare 

in cui ogni frase è pronunciata 

con una concentrazione assoluta; 

la parola (il Verbo?) è la sola 

protagonista del Jesus Christus 

Erloser. Alle spalle di Kinski nessuna 

scenografia, solo un buio 

totale che ammanta i gravi 

lineamenti dell’attore rendendolo 

una maschera grottesca e 

paurosa. Egli stringe l’asta del 

microfono al pari di un cantante 

rock suggerendo la grandiosità 

del Cristo come quella di un 

manipolatore di masse capace 

25

di rivoltarle contro l’ordine costituito. 

Un paio di incauti contestatori 

ottengono dunque di 

salire sul palco per dire la propria, 

sottolineando con modi 

pacati che il tono minaccioso 

adottato dal protagonista mal 

si sposa con quello del Figlio di 

Dio. A queste parole Kinski reagisce 

d’impulso con un guizzo 

di genio strappando violentemente 

di mano il microfono al 

malcapitato e sbraitando come 

un folle che il vero Gesù, al suo 

posto, non avrebbe esitato a 

impugnare la frusta “per spaccare 

la faccia” ai suoi detrattori. 

Questa uscita apparentemente 

blasfema e provocatoria si rifà 

in realtà alle stesse parole di 

Gesù di Nazareth il quale, nel 

Vangelo secondo Matteo (traduzione 

approvata dalla Cei) 

spiega ai suoi ascoltatori: “Non 

crediate che io sia venuto a portare 

pace sulla terra; non sono 

venuto a portare pace, ma una 

spada. Sono venuto infatti a 

separare il figlio dal padre, la 

figlia dalla madre, la nuora dalla 

suocera e i nemici dell’uomo 

saranno quelli della sua casa”. 

A questo punto Kinski getta 

a terra l’asta del microfono e 

abbandona il palco in preda 

all’ira minacciando il pubblico 

di non farvi ritorno a meno che 

non siano allontanati i “disturbatori”. 

La situazione si fa tesa 

ma, dopo alcuni minuti, l’attore 

torna e riprende da capo 

il monologo, sfoggiando un 

tono ancora più lento e basso. 

Poi ancora un abbandono e un 

nuovo ritorno. Alcuni spettatori 

abbandonano la sala. Kinski ha 

le lacrime agli occhi ma prosegue 

apparentemente animato 

da una missione invisibile ai più. 

Dalle sue labbra le parole del 

Cristo risuonano marziali, caricate 

di un’energia travolgente 

e distruttiva. Kinski non tollera 

il teatro “partecipativo” tipico 

di quegli anni, in cui il pubblico 

si sentiva in diritto di criticare 

sonoramente l’opera in cartellone 

allestendo talvolta dibattiti 

strampalati. Eppure il malcontento 

lo elettrizza, ricarica 

una rabbia animale contenuta 

appena in quel volto che pare 

sul punto di scoppiare. Dopo 

quasi due ore di spettacolo (la 

versione video taglia naturalmente 

i buchi in cui l’attore ha 

abbandonato il palco) si esce 

estenuati da un’esperienza di 

grande attorialità, scottati da 

un magnetismo inspiegabile 

che vanta pochi altri esempi 

nella storia del teatro. Quando 

l’arte si fa somma deve rinunciare 

spesso alla piacevolezza 

e immolarsi sull’altare dell’immortalità 

con fiducia e spirito 

di sacrificio. 

Giornata Mondiale 

del Teatro 2020 

Un portale internazionale per gli eventi FITA 

Il 27 marzo è la Giornata Mondiale 

del Teatro, istituita nel 

1961 dall’International Theatre 

Institute (Iti) dell’Unesco e celebrata 

dal 1962, con Jean Cocteau 

come primo testimonial. 

Obiettivo dell’evento è quello 

di sostenere il teatro, soprattutto 

tra i giovani e come strumento 

di dialogo tra i popoli. 

Per incentivare la diffusione di 

questo messaggio, l’Association 

Internationale du Théâtre 

Amateur - International Amateur 

Theatre Association (AITA- 

IATA), fondata a Bruxelles nel 

1952, mette a disposizione di 

FITA, come sua aderente, e di 

tutti i suoi iscritti un portale dedicato 

alla Giornata Mondiale 

del Teatro, nel quale i Comitati 

e le associazioni artistiche regolarmente 

iscritte per il 2020 

possono segnalare i propri appuntamenti 

in cartellone il 27 

marzo o intorno a quella data. 

Come inserire i propri eventi 

Per registrare un evento è sufficiente 

collegarsi al sito www. 

aitaiata.net (disponibile in inglese, 

oltre che in francese e 

spagnolo, ma di facile utilizzo) 

e cliccare sulla sezione AITA/ 

IATA Worls Theatre Day” presente 

in alto a destra nella barra 

del menu. Si può quindi accedere 

all’area Register your event 

(Registra il tuo evento) attraverso 

due strade: dalla barra 

del menu in alto, cliccando su 

Events e scegliendo l’opzione 

Register an event; oppure cliccando 

sull’icona Register your 

event visibile al centro della pagina, 

facendo scorrere leggermente 

il cursore verso il basso. 

Entrambe le strade portano ad 

un format (Submit your event) 

nel quale vengono chiesti, 

nell’ordine, il nome dell’evento 

e la data e l’ora di inizio e di fine 

dello stesso; dopo tre opzioni 

speciali (evento che dura un intero 

giorno, evento che non ha 

un’ora precisa di conclusione 

ed evento che si ripete), viene 

chiesta una breve descrizione 

dell’appuntamento segnalato, 

che può essere inserita solo in 

italiano o, se lo si desidera, anche 

in inglese. A seguire, vanno 

indicati il luogo dell’evento (cliccando 

sul pulsante Create new, 

sotto la voce Event Location 

Fields, e indicandone nome e indirizzo 

e ancora, ma solo se lo si 

desidera, coordinate e link), un 

eventuale link per informazioni 

e, infine, il proprio nome (quello 

dell’associazione artistica) e il 

proprio indirizzo email. 

Una volta completato il format, 

si clicca sul tasto di conferma, 

dando così il via alla registrazione 

dell’evento che, se tutto è 

in ordine, compare nel portale 

dopo qualche giorno. 

Trattandosi di un servizio reso 

alle organizzazioni aderenti, le 

associazioni artistiche dovranno 

indicare la propria appartenenza 

a FITA - ITALIA, anche 

semplicemente aggiungendo 

“- FITA ITALIA” o “(FITA ITALIA)” 

nel titolo, accanto al nome della 

propria compagnia e nella 

descrizione dell’evento. 

Una piccola curiosità 

Dal 1962, quando il primo artista a scrivere il 

messaggio per la Giornata Mondiale del Teatro 

fu Jean Cocteau, solo tre italiani hanno avuto 

questo onore: nel 1973 il regista Luchino Visconti 

(foto), nel 1995 l’attore Umberto Orsini 

(che da Visconti era stato diretto nel 1969 in 

La caduta degli dei e nel 1972 in Ludwig) e il 

drammaturgo e attore Dario Fo nel 2013, già 

premio Nobel per la Letteratura nel 1997. 

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COMITATO REGIONALE VENETO 

Stradella delle Barche, 7 - 36100 Vicenza 

Tel. 0444 324907 

fitaveneto@fitaveneto.org 

www.fitaveneto.org 

Comitato di Padova 

Via Gradenigo, 10 - 35121 Padova 

c/o Centro Servizi per il Volontariato 

Tel. 049 8686849 

fitapadova@libero.it 

Comitato di Rovigo 

Viale Marconi, 5 - 45100 Rovigo 

Cell. 349 4297231 

fitarovigo@gmail.com 

Comitato di Treviso 

Sede operativa Via Calmaggiore 10/4 

(Palazzo del Podestà) - 31100 Treviso 

Cell. 334 7177900 

info@fitatreviso.org 

www.fitatreviso.org 

Comitato di Venezia 

Cannaregio, 483/B - 30121 Venezia 

Tel. 041 0993768 - Cell. 340 5570051 

fitavenezia@libero.it 

Comitato di Verona 

Via Santa Chiara, 7/B - 37129 Verona 

Cell. 328 2263682 

verona.fita@gmail.com 

Comitato di Vicenza 

Stradella delle Barche, 7/a - 36100 Vicenza 

Tel. 0444 323837 

fitavicenza@libero.it 

I «numeri» di Fita Veneto 

Conta al proprio interno: 

- 1 Comitato regionale 

- 6 Comitati Provinciali 

- 235 compagnie 

- 4.578 soci 

Organizza il Festival Nazionale Maschera d’Oro 

Partecipa all’organizzazione del Premio Faber Teatro 

Promuove direttamente o tramite le compagnie associate 

più di un centinaio di manifestazioni annue 

Le compagnie associate effettuano più di 5.000 spettacoli 

annui, molti dei quali rivolti al mondo della scuola, alla 

solidarietà e in luoghi dove solitamente è esclusa l’attività 

professionistica 

Coinvolge più di 1.600.000 spettatori 

Per gli studenti delle scuole superiori organizza il concorso 

di critica “La Scuola e il Teatro” e il premio per laboratori 

teatrali “Teatro dalla Scuola” 

Organizza stages, seminari, incontri, corsi di formazione 

Pubblica il trimestrale online Fitainforma e il volume annuale 

Fitainscena con il repertorio delle compagnie 

Svolge un servizio di editoria specifica teatrale e gestisce 

una biblioteca di testi e una videoteca 

Gestisce il sito internet www.fitaveneto.org 

e una pagina Facebook 

Invia la newsletter Fita Veneto News

Fitainforma - febbraio 2020

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