29. 6.2005 - Edit

�il pentagramma
De educatione juventutis
et de harmonia in natura
di Patrizia Venucci Merdžo
Gentili lettori,
sono molto lieta di essere nuovamente assieme a
voi in questo angolino della nostra “coscienza musicale”
(ehm, ehm), nel nostro salottino “il pentagramma”,
per scambiarci in confi denza qualche pensiero e
far quattro chiacchiere tra noi. Già! Magari, qualcuno
si sarà chiesto, giustamente, perché mai abbiamo “imposto”
codesto curioso titolo alla nostra rubrichetta-preludio.
Presto detto. Come il pentagramma musicale nel
suo grembo di righe e spazi accoglie i simboli dei suoni
che si fanno Vita, così noi, in queste righe nel nostro
piccolo, (ma proprio minimo) riverseremo rifl essioni e
pensieri, suggerimenti, note critiche ecc. inerenti alla
vita musicale del nostro microcosmo come pure quella
di più ampia portata. Bene. Sono entrata nel confessionale.
Oggi ho voglia di lamentarmi. Urge spalla su cui
versare “una furtiva lacrima”. Il fatto è che ogni qualvolta
mi dispongo ad assistere ad un concerto alla CI (e
ce ne sono di belle serate musicali), pur nel godimento
sempre nuovo dello splendido ambiente e delle musiche
in esecuzione, mi si insinua dentro, un sottile senso di
disagio, di frustrazione, la sensazione che qualcosa non
quadri ... e poi “ci arrivo”! Riesco a spiegarmi il “perché”
e il “come mai” di queste sensazioni. Non c’è un
giovane! Nemmeno uno! Salvo eccezioni. E allora quel
concerto non è una vera festa della musica ma diventa
una specie di svolgimento di programma culturale canonico
di una CI per un gruppo di appassionati e maturi
abitué. Questa assenza giovanile così “presente!”.
Questa latitanza così tangibile! E visibile. Perché?
Si capisce che i ragazzi oberati da impegni scolastici
non appena possono se la svignino per sfogare la loro
energia e stress. Il problema - anzi, i problemi- è un altro,
e ci pone tutta una serie di quesiti. Qual’è la funzione
della CI e dei suoi programmi culturali? A chi sono
destinati? Quali sono i rapporti (e in che misura esistono)
tra CI e la Scuola del GNI a Fiume? (Non saranno
rapporti un po’...”mozartiani” tipo “Là ci darem la
mano...” - “Vorrei, e non vorrei...”?) La Scuola Italiana
a Fiume cosa si propone di essere? Un’istituzione statale
che svolge un certo programma ministeriale (magari
anche discutibile), oppure anche una realtà formativa
dei gusti, della personalità dei giovani, un punto di riferimento
che propone indirizzi, esempi educativi e valori
universalmente condivisibili?
Non intendiamo muovere facili critiche alle parti in
causa (non è facile educare i ragazzi oggi, nel senso di
farne degli esseri criticamente pensanti piuttosto che dei
“mangiatutto” passivi ed omologati), però certi fenomeni
destano preoccupazione e fanno rifl ettere. È vero che
la scuola porta i ragazzi nelle gite d’istruzione, nei luoghi
dell’Olocausto, a conoscere la natura, agli spettaco-
li del DI ecc. Tuttavia non abbiamo
mai notato la presenza di
liceali o di ragazzi delle settime ed
ottave ad un concerto o a una mostra
alla CI. (Sarebbe veramente impossibile
portarli una volta all’anno ad
una serata musicale?) Le materie artistiche
vanno trasmesse e “vissute” soprattutto
nei luoghi dove l’Arte accade (sempre che
di arte di tratti); ciò rientra in un’ottica educativa
moderna che già si sta realizzando in Francia
ed in altri paesi europei su basi legislative ministeriali.
E tutto questo non perché si voglia farne, a forza, degli
“artisti” o, uomini “di cultura”, ma per metterli nella
condizione di scoprire un mondo e dei valori che meritano
di essere conosciuti, e che contrastino, in qualche
modo, il bombardamento di “scovaze” al quale i ragazzi
(e non solo) vengono quotidianamente sottoposti, in
primo luogo dai media. I “deserti interiori”, oggi così
largamente diffusi in modo particolare presso i giovani,
non si curano con il pattume, ma con le cose belle, le
cose vere.Eppoi la CI non dovrebbe rappresentare una
specie di contenitore naturale, di punto d’incontro di
connazionali e “simpatizzanti”? Salutiamo i programmi
educativi integrativi, decollati quest’anno - dovuti alla
CI e alle SEI di Fiume - volti pure a far familiarizzare
i ragazzi con la CI, tuttavia l’offerta culturale della
Comunità rappresenta già di per sè un programma integrativo
valido il quale altrettanto abituerebbe i ragazzi
alla frequentazione della nostra sede.
Il nostro mondo minoritario lo vedo come un piccolo
sistema ecologico nel quale tutti i suoi elementi - dagli
esseri unicellulari, alle piante, uccelli, mammiferi
– sono legati da una catena biologica la quale, se indebolita
o spezzata in uno dei suoi anelli genera squilibri,
mettendo a repentaglio l’esistenza del sistema stesso;
quindi i concetti di “sinergia”, “interazione”, (o se vogliamo
“materialismo dialettico”) esistono da tempi immemori,
nell’ordine delle cose, nell’atomo, nella Natura
stessa. (Esiste perfi no nella musica, nella polifonia, nella
quale le voci si intrecciano e completano a vicenda in
un unico pensiero multiplo). Principi ai quali nemmeno
la società umana, come neppure il singolo, possono
sfuggire. Quindi il dialogo, la comunione, la collaborazione
tra Scuola - CI - connazionali - istituzioni ci pare
fondamentale per il mantenimento della nostra identità
e sopravvivenza.
Ah! A proposito. I succitati personaggi mozartiani,
Don Giovanni e Zerlina, alla fi ne del loro corteggiamento,
superando reticenze e titubanze, concludono,
“tubando”: “Là, ci direm di... sì!”.
Musicalmente vostra
DEL POPOLO
musica
www.edit.hr/lavoce Anno I • n. 2 • Mercoledì, 29 giugno 2005

2 musica
VITA NOSTRA - “QUEL MAZOLIN DE FIORI!”
Cori, vivide fi accole delle nostre
tradizioni culturali
E’ doveroso dare spazio alla problematica
dei cori misti, femminili, maschili e/o
gruppi vocali operanti in seno alle Comunità
Italiane dell’Istria. La tematica è complessa
e delicata perciò mi sento chiamato
ad esprimere un giudizio (mio personale)
che contempli i vari aspetti e punti di vista
i quali, spero, potranno rispecchiare almeno
in parte la problematica, di ieri e di oggi,
come pure le prospettive future dei nostri
complessi corali.
Le manifestazioni alle quali prendono
parte le varie corali, sotto forma di incontri
tra Comunita’, di sagre, di rassegne organizzate
dall’ Unione e da altre istituzioni sia in
Croazia, Slovenia che in Italia - in collaborazione
con o senza l’Università Popolare di
Trieste, sono a mio avviso attività valide e
da incoraggiare.
Le corali sono in gran parte le uniche
portatrici delle attività di tante Comunità del
GNI. Sono le fi accole che splendono e rendono
vive non solo le tradizioni culturali di
questi territori, ma sono e sono state, pure
segno di forza e di attitudine alla continuità
di un lavoro culturale, anche in tempi più o
meno diffi cili del nostro passato.
IL RECUPERO
DI CANTI OBLIATI
Le corali si sono mantenute durante i
decenni passati anche grazie al grande entusiasmo
dei maestri – musicisti validi e instancabili,
sia del nostro territorio che delegati
dall’ Universita’ Popolare di Trieste,
senza i quali le attività musicali sarebbero
state davvero messe a repentaglio.
Oltre ai compiti di direzione e d’interpretazione
di brani già noti, diversi maestri
Mercoledì, 29 giugno 2005
Ronjgov: il bardo della musica istro-quarnerina
FIUME - Procendendo in salita per la
lunga serpentina che partendo da Viškovo
sale costeggiando manciate di case e ancora
idilliaci paesaggi campestri, signoreggiando
man mano sul golfo del Quarnero,
si arriva alla sommità del colle dove,
incastonata tra verdure smeraldine, bianca
e lunga con l’immancabile e vetusta cisterna
nel cortile, si adagia l’avita e modesta
casa di Ivan Matetić Ronjgov, il bardo
della musica istro-quarnerina.
Ivan Matetić detto Ronjgov (1880-
1960) - così detto per via della località che
gli diede i natali, e cioè Ronjgi - riuscì a
L’armonio di Ronjgov nella sua casa
natale
mettere in codice, ossia su pentagramma,
quella stranissima, misteriosa ed aspra sequela
di sei note, che, da tempi immemori,
veniva usata dal popolo croato dell’Istria
e del Quarnero nei loro canti (del quotidiano
e delle feste) e la quale sarà defi nita
“scala istriana”.
hanno sentito il dovere «morale» di armonizzare,
adattare, trascrivere, elaborare anche
canti istriani che sussistevano unicamente
nella prassi popolare, i quali altrimenti
sarebbero stati destinati all’oblio. In
questa maniera non solo venivano recuperati,
ma veniva loro conferita dignità artistica
e data la possibilità di essere eseguiti in
modo valido e rappresentativo.
Questi maestri, sì ricompensati per il
loro lavoro, hanno dato non solo un alto
esempio alle nuove generazioni ma hanno
pure stimolato ed incoraggiato i giovani entusiasti.
NAŠ KANAT JE LIP
Le corali del gruppo nazionale italiano
hanno partecipato per decenni pure alla manifestazione
corale regionale istriana «Naš
kanat je lip» («Il nostro canto è bello») che
si svolge da decenni a Parenzo (inizio mese
giugno) dove i cori si esibiscono interpretando
canti popolari e composizioni nuove
basate sulla scala istriana e in dialetto ciacavo.
Le corali delle Comunità come ospiti di
questa manifestazione, non sono obbligate
ad eseguire brani in ciacavo, bensì a presentare
brani popolari di questi territori, in lingua
italiana o dialetto istro-veneto.Questo e’
un buon esempio di rispetto della multiculturalità
in Istria: rispetto che si concretizza
dando spazio pure alla presenza italiana con
le sue tradizioni autoctone in quest’ area.
A propria discrezione i cori delle Comunità
possono pure eseguire brani in ciacavo
e «nel modo istriano» (scala istriana molto
specifi ca e interessante). A volte succede
che nel programma di certi cori delle CI prevalgano
(forse per godere di maggiore con-
Al suo primo ascolto uno straniero rimarrà
magari sconcertato da questi astrusi
intervalli eseguiti dal penetrante suono
delle “sopile” e delle “roženice” (quali ancestrali
caratteri, quali impulsi, fermenti e
spinte interiori avranno nel corso dei secoli
forgiato codesto peculiarissimo “modus”,
o scala, composta da sei note governate
da rapporti ed attrazioni armoniche
che verranno defi nitivamente “decifrate”
e stabilite del “Nostro”). Effettivamente
quei bicordi (caratteristica la terza diminuita
che si risolve all’unisono) risultano
perfettamente estranei e pure irritanti ad
un orecchio europeo, avezzo alla morbida
e piacevole scorrevolezza della scala temperata.
E qui sta il mistero. Come si spiega
che quest’enclave da sempre e completamente
e “accerchiata” dall’imperante tradizione
musicale europea si sviluppa un
modo di sentire e cantare la musica così
diverso, oserremmo dire contrapposto?
Ecco un bel giallo di etnomusicologia.
L’unica risposta che ci viene in mente
è, che tali canti siano il rifl esso e la
testimonianza di una cultura rurale, di
un’identità etnica compatta e chiusa, op-
siderazione) i canti in ciacavo; come avvenuto
nell’ultima edizione di «Naš kanat je
lip» tenutasi il 4 giugno scorso, dove il coro
di Visignano «Arpa» ha eseguito due canti
in ciacavo e un solo canto in italiano. Da
rilevare che la scelta dei canti spetta solo al
maestro/a della corale e non è frutto della
programmazione annuale della Comunita’
stessa. Credo che le corali delle Comunità
(praticamente tutte) abbiano fi nora rappresentato
con molto successo, alla manifestazione,
il Gruppo Nazionale Italiano e auspichiamo
che pure in futuro sia così.
Questa dimostrazione di rispetto richiede
reciprocità in questo senso. Alle rassegne
dell’ Unione si dovrebbe dare spazio anche
a qualche coro della maggioranza in Istria
e litorale Croato e Sloveno comec prova di
disponibilità anche da parte dell’ Unione nei
confronti dei cori della maggioranza.
INVOGLIARE
I GIOVANI AL CANTO
CORALE
Per mancanza di mezzi fi nanziari le
corali non fanno molte uscite durante
l’anno.Certi cori così perdono l’entusiasmo
e si stanno spegnendo. Ci saranno anche degli
altri motivi quali lo scarso interesse per il
canto corale tra i giovani, molte più offerte
in attività più facili che non implicano traguardi
da raggiungere, responsabilita’, ma
il mero divertimento. Bisognerebbe provvedere
forse stimolando i giovani a fare musica
in gruppi corali con arrangiamenti di
brani musicali a loro piu’ vicini, e poi gradatamente
iniziarli al mondo della musica
classica o popolare, con arrangiamenti piu’
liberi...
pure sommamente refrattaria, all’infl uenza
musicale (e culturale) esterna, nel corso
dei secoli. La scala istriana è un po’
come il “kažun” istriano, anch’esso particolarissimo
e caratterizzante dei croati
N asceva centoventicinque anni fa tra queste
mura uno spirito tenace e inquieto, il cui
operato, vera “pietra d’angolo”, ha determinato in
ambito regionale, una svolta decisiva nel senso del
recupero, della salvaguardia e della valorizzazione
di una ricchezza musicale e spirituale che in ultima
istanza è pure patrimonio dell’umanità.
dell’Istria.
Matetić Ronjgov con pazienza ed amore
sintetizza i tanti canti entro la scala di
cui prima e cogliendo i germi dello spirito
popolare lo innalza a dignità di arte.
Infatti egli con semplicità canterà la vita
popolare del quotidiano, nella sua festosità
(“Bela nedeja beli dan, homo mi doma
na samanj...”), nel suo dolore (come non
ricordare il suo capolavoro, una delle sue
“sinfonie per coro”, il toccante “lamento
funebre” per coro e voce solista “Ćaće
moj!”, composto in ricordo dei minatori
periti nella tragedia di Albona negli anni
‘40!), la bellezza del paesaggio natale (la
lirica per canto e pianoforte su testo di
Gervais “Pod Učkom kućice bele”) e tanti
altri brani per coro, pianoforte, voce solista
ecc. sempre basati sulla “scala istriana”.
Ronjgov è stato l’iniziatore di un percorso
molto fruttuoso con il quale si sono
IMPERATIVO
CATEGORICO,
SPECIALIZZARSI
Il mio pensiero per il futuro. Credo che
i complessi corali dovrebbero specializzarsi
in un campo o stile musicale compatibilmente
con le capacita’ vocali dei membri
del coro, la loro preparazione, l’eta’ (corale
con un repertorio rinascimentale, corale di
musica liturgica, corale folkloristica, corale
gospel-blues ....... ). Nell’epoca di internet
urge specializzarsi in campi e repertori
diversi.... Bisognerebbe pubblicizzare sulle
pagine web i nostri complessi corali specializzati
come sopra citato.Tutti cerchino e
trovino il loro spazio e posto nel mondo della
musica.I maestri vadano a seminari di direzione
corale (non solo di direzione corale
ma pure di tecnica respiratoria e d’ interpretazione).
Bella l’iniziativa intrapresa l’anno
scorso a Momiano, ossia, il corso (un po’
breve ) di canto corale. Speriamo si continui
in questo senso. Per concludere: è bello fare
musica, stare insieme, cantare e divertirsi.
Il canto è la più facile e meno costosa attività
musicale. Perché per cantare non serve
nient’altro che essere intonato, avere voglia
ed entusiasmo per la musica corale, essere
socievole; non servono strumenti, cantare
si può dapperttutto, in tutti gli ambienti, in
tutte le occasioni e circostanze... per di più,
il canto rilassa, diverte, è una forma di psicoterapia,
(innumerevoli sono le dimostrazioni
in questo senso) rende la persona più
aperta, dà l’opportunità di nuovi incontri,
amicizie, supera i confi ni, rende più felici e,
a mio parere, prolunga la vita .....
Dario Bassanese
Ivan Matetić Ronjgov
confrontati e continuano a farlo, tutti i
massimi compositori della regione (e non
solo) quali Slavko Zlatić, Boris Papandopulo,
Josip Kaplan, Brajković, Radaković-
Dekleva e altri.
Presso la casa natale di Ronjgov adibita
a museo opera l’Associazione “Ivan
Matetić Ronjgov” - promossa e guidata
dal maestro Dušan Prašelj - la quale, con
tutta una serie di manifestazioni ed iniziative
promuove questo patrimonio spirituale
come pure il suo Patriarca, al quale
sono state intitolate le Scuole di musica di
Fiume e Pola.
Patrizia Venucci Merdžo

Mercoledì, 29 giugno 2005
LA RECENSIONE - “VIVACE CON SPIRITO”
TRIESTE - Una delle “furbate” tipiche
del mondo dello spettacolo ed anche la più
antica, è quella di sfruttare la popolarità di
personaggi e “miti” d’ogni tempo per imbastirne
su un’azione teatrale, poetica o cinematografi
ca, che esponga in vetrina in bella
vista il detto personaggio o “mito”, con la
certezza assoluta che attirerà di per se stesso
l’attenzione del pubblico. Come tutti gli
“espedienti”, l’operazione sarà di due tipi, a
seconda della validità intrinseca del “prodotto”:
un’opera d’arte di spessore autonomo,
oppure solo una “trovata” parassitaria,
ovvero un’etichetta specchietto per le allodole.
Nel caso di Maria Callas, personaggio
e mito popolarissimo, molti sono stati
indotti in questa “tentazione” (e molti ancora
lo saranno) con esiti del primo o del secondo
“tipo”.
Nel caso del “Maria Callas, la voix des
choses”, prodotto dall’Ensemble di Micha
Van Hoecke e presentato a conclusione del
“Trittico di Danza” dal Teatro Verdi, assegnarlo
alla categoria degli “specchietti” non
pare punto ingeneroso. M.V. Hoecke assomma
agli istinti iconoclasti dei “registi”
TRIESTE - Non posso sostenere di aver
conosciuto bene Bruno Tonazzi, né tantomeno
di averlo frequentato. In tutto lo avrò
incontrato al massimo quattro o cinque volte,
sempre nella sua casa di Trieste, in un
arco di tempo di pochi mesi; a ciò si aggiunga
solo qualche conversazione telefonica.
E’ tutto.
Eppure, nei miei ricordi occupa un posto
rilevante e ben delineato.
Agli inizi degli anni ottanta frequento la
Facoltà di Lettere dell’Università di Padova
con l’intenzione di laurearmi in Storia della
Musica; nel 1979 mi ero diplomato in Chitarra
al Conservatorio “C.Pollini” di Padova
ed avevo cominciato a frequentare a Trivero
i corsi estivi di perfezionamento di Angelo
Gilardino. Mi sembra normale chiedere
ad Angelo un argomento per la mia tesi:
“Giulio Regondi!” mi consiglia prontamente,
“ma devi sentire assolutamente Ruggero
Chiesa e Bruno Tonazzi!”
Chiesa lo sento subito: tornando da Trivero
mi fermo a Milano: mi riceve nella
d’oggi anche l’integralismo del coreografo
“maître de ballet” abituato a “servirsi” dell’elemento
musicale, sonoro o vocale che
sia, quale “supporto” ai contorcimenti dei
corpi (di ballo) per “avvicinarsi al mistero
attraverso il gesto” (parole sue). In quanto al
“mistero” ci azzecca in pieno. Restano “misteriosi”
infatti i motivi che lo hanno spinto
ad intercalare, a registrazioni “live” della
Callas, “rumori” della strada, vocii da prova,
sirene dei pompieri, scoppi assordanti di
percussioni, applausi lontani, sciabordìo di
acque ecc. Ancora più misteriose e irriverenti
le sovrapposizioni di Callas su Callas
in brani diversi, le interruzioni improvvise
del canto, gli inserimenti di Edith Piaf e Billie
Holiday, il ricorso a nenie islamiche per
completare il polpettone sonoro.
Altro mistero è cosa avvenga in scena e
perché avvenga. Lodevole l’intento di “rifuggire
da ogni banalità biografi ca” (sic).
Ma fra ciò e mischiare candelotti onnipresenti
da veglia funebre con spazzacamini in
tuba che giocano con una scaletta, impiccato
e maschere giapponesi, mega giochi al
“ripiglino” con nastri elastici, gondolieri
sua abitazione, per la prima di una serie di
chiacchierate; anch’egli mi dice: “Devi consultare
anche Tonazzi. E’ una vera miniera
di informazioni.”
E così subito dopo l’estate mi decido e
telefono: voce gentile, tono basso, gli spiego
le mie intenzioni. “Venga a trovarmi: ne
parliamo direttamente!” Poche parole: l’in-
dirizzo, l’appuntamento per una mattina di
pochi giorni più in là. Questa conversazione
sarà l’unica tra noi a svolgersi in italiano.
Viale D’Annunzio: le vecchie case austroungariche
a cinque, sei piani. Senza
ascensore. In due puntate arrivo al quinto
piano. Mi apre la porta. Ho il ricordo di
un ometto piccolo e gentile, dai movimenti
silenziosi. Mi fa entrare in casa e subito in
uno studiolo, del quale chiude la porta, isolandoci
dal resto della casa e della famiglia
(non vedrò mai nessun altro in quella casa,
anche se ne avverto la presenza). Mi si rivolge
in dialetto triestino: “Go de parlarghe
in lingua o se capimo anche cussì?” (“Devo
parlarle in lingua –italiana, ovviamente- o ci
senza gondola con nodosi bastoni al posto
del remo, panneggi interminabili che scendono
dalla soffi tta avviluppando le fi gure ed
altre amenità di questo tipo... ci corre. Il tutto
immerso nella tetraggine da incubo, quasi
allucinazione di malato terminale, data dal
quadro generale. Sembrerebbe quasi che la
capiamo anche così?”) Gli spiego che capisco
perfettamente, dal momento che ho una
madre istriana e che il mio dialetto non è
poi tanto diverso dal suo. “Dal suo cognome
l’avrei immaginato”. Da questo momento
aboliamo l’italiano. Parliamo a lungo, di
Regondi, dell’Ottocento chitarristico, del
lavoro che intendo fare. Lui mi riempie di
informazioni bibliografi che, di indirizzi di
biblioteche di tutta Europa (“Qui scriva al
direttore, che si chiama ecc. ecc.; gli faccia
pure il mio nome. Ah, è uno con gli occhialetti,
molto antipatico”) e mi traccia un percorso
operativo che in realtà poi mi avrebbe
permesso di risolvere tutte le mie necessità
di ricerca da casa, per posta. Mi mostra anche
l’edizione originale dell’op. 23 di Regondi,
della quale aveva pubblicato una revisione
per l’editore Zanibon. Il mio sguardo
cade subito alla fi ne della prima riga
dove un’ignota mano, forse ottocentesca,
aveva rotto l’omoritmia di una successione
di accordi in crome differenziando con un
tratto di inchiostro seppia la nota dell’ultimo
basso facendola tardare di un sedicesimo,
e questa variante, oggettivamente arbitraria,
si trova nella revisione Tonazzi pubblicata
da Zanibon. Colgo immediatamente
l’arbitrio e guardo Tonazzi con fare interrogativo,
forse un po’ stupito. Con la massima
ingenuità, come un bambino colto a rubare
la marmellata, giustifi ca il suo comportamento:
“Mi piaceva così.” Non una parola
in più. Mi fornisce articoli da riviste rare
e voci da dizionari musicali. “Questi se li
deve fotocopiare.” Cerca, nel darmi aiuto,
di essere il più completo possibile. Anche a
suo svantaggio. Nel fornirmi la bibliografi a
per le ricerche su Regondi mi passa anche
un paio di suoi articoli da L’Arte Chitarristica:
sono articoli scritti in un italiano alquanto
particolare, specie per ciò che concerne
l’uso degli ausiliari (tanto che il mio relatore
penserà ad errori miei e … mi correggerà
le citazioni). Con grande onestà Tonazzi
mi consegna questi articoli ma, lo vedo
bene, un po’ se ne vergogna, ne minimizza
l’importanza, mette – come si dice –le mani
avanti: “Sa, li ho scritti tanti anni fa…”. A
casa, leggendoli con calma, vedrò che aveva
espresso un giudizio negativo sull’opera
di Castelnuovo Tedesco, giudizio di cui evidentemente
si era pentito.
Parliamo più volte di revisioni; ha le idee
piuttosto chiare: “Eh, Tizio non sa assolutamente
diteggiare…”. Tizio è un nome importante,
una fi gura preminente nel mondo
dell’editoria chitarristica italiana e mondiale,
ma mi sia concesso di non renderne esplicito
il nome. E’ alla fi ne del nostro primo incontro,
sono già sulla porta del suo studio,
che mi ferma dicendo: “Devo mostrarle una
musica 3
L’insostenibile strumentalizzazione di un mito
IL PERSONAGGIO - “CHITARRANDO”
Omaggio a Bruno Tonazzi
Il noto concertista, pedagogo e musicologo triestino
nel ricordo di Alessandro Boris Amisich
Bruno Tonazzi
Maria Callas
vicenda umana di Maria Callas sia stata solo
una cosciente preparazione alla sofferenza
ed alla morte e che la diva sia stata tanto
sventurata da con conoscere amore, letizia,
passioni, quotidianità, ironia, schermaglie,
senso dell’umorismo, ironia, carisma divistico,
battaglie vinte e perdute, perché tesa
alla meta fi nale dell’incenerimento e della
dispersione delle sue ceneri in mare.
C’è indubbiamente, nello spettacolo,
qualche elemento di suggestione e di autentica
emozione. Ciò avviene puntualmente
quando la sua voce, d’inimitabili timbro e
drammaticità, viene lasciata libera di fl uire
senza aggiunte né artifi ci dalle registrazioni,
con pochi e non soffocanti inserimenti
visivi. Il progetto “elettroacustico” era di
“Tempo reale” di Firenze, gruppo fondato
dal compianto Luciano Berio, non crediamo
per fi nalità del genere.
Pubblico scarso, in Sala Tripcovich, ma
cordialmente plaudente. Del “Trittico di
Danza” restano memorabili solo le serate
del Balletto Georgiano. “Kibbuz” e “Callas”
sono da archiviare senza rimpianti.
Fabio Vidali
Il chitarrista e musicologo Alessandro
Boris Amisich
cosa.” Mi fa tornare indietro, apre uno scaffale,
ne trae delle fotocopie e mi si avvicina,
come se in mano avesse una reliquia. Un
articolo in croato. Ancora più sottovoce del
solito, come un cospiratore: “Lei, con quel
cognome, saprà certamente capire cosa c’è
scritto in questo articolo.” Ivan Padovec: è
la prima volta che sento quel nome. “Il più
importante chitarrista croato dell’Ottocento;
sto raccogliendo del materiale, tra Lubiana,
Vienna, Zagabria ed altre biblioteche.” Purtroppo
non sono in grado di aiutarlo direttamente:
“No, maestro, non so tradurre dal
croato, ma mio padre è di madrelingua croata;
se le fa piacere, chiederò a lui di riassumere
i contenuti di questo articolo.” Mio padre,
in realtà, si appassiona al personaggio
di Padovec e traduce l’intero articolo, così
che in una delle mie visite successive a Trieste
ho modo di riportare a Tonazzi l’articolo
con la relativa traduzione, completa.
Questi pochi incontri con Tonazzi hanno
segnato la mia attività per circa un ventennio:
su Regondi ho sviluppato la mia tesi di
laurea e poi una serie di articoli per Il Fronimo,
un volume per le edizioni Ottocento di
Ancona, un inserto monografi co su Guitart.
Il progetto che Tonazzi aveva su Padovec
è stato interrotto dalla scomparsa del maestro.
A me è sembrato normale subentrare a
lui col desiderio di riqualifi care il chitarrista
croato e di riproporne l’opera. Ho dapprima
pubblicato sul Fronimo ciò che era
contenuto nell’articolo che avevo ricevuto
da Tonazzi, ho continuato le ricerche, ho inciso
un CD con le cinque Fantasie su temi
belliniani, ho avuto contatti con la Società
Croata di Musicologia, che nel 2000 mi ha
invitato –unico italiano- a Zagabria per un
convegno internazionale su Ivan Padovec
nel bicentenario della nascita. Gli atti del
convegno stanno per uscire in Croazia, ma
molti dei contributi sono stati pubblicati sulla
rivista Guitart.
Alessandro Boris Amisich

4
musica
Mercoledì 29 giugno 2005 Mercoledì 29 giugno 2005
A LA RECHERCHE DE LA MÉMOIRE PERDUE - “LIBIAMO, LIBIAMO NEI LIETI CALICI CHE LA BELLEZZA INFLORA!”
Fulcro e cuore pulsante della vita culturale fi umana
Il Teatro di Fiume «Ivan de Zajc», già Comunale «Giuseppe Verdi» compie centovent’anni: fasti, glorie e miserie di un’istituzione
di Patrizia
Venucci Merdžo
FIUME - “Verso le ore 7 l’animazione era già
grandissima, sicchè poco prima che principiasse
l’opera il teatro presentava uno spettacolo realmente
stupendo.
Platea, palchi, galleria tutto era occupato – gli
abiti a svariati colori delle signore e delle signorine
formavano un vago contrasto col rosso cupo del-
Toti Dal Monte si esibì in concerto a Fiume
nel l936 e fù Madame Butterfl y nel 1940
l’addobbo dei palchi e col tradizionale abito nero
dei signori. L’oro, le stuccature, le pitture del soffi tto,
messe in risalto dalla luce del magnifi co lampadario,
spiccavano in modo straordinario - ed ognuno
ch’entrava prorompeva in un oh! d’ammirazione,
tanto il teatro si presentava bello, grazioso, elegante!
Erano presenti l’illustrissimo governatore, conte
Augusto Zichy, colla sua nobile consorte, il magnifi
co podestà comm. Giov. de Ciotta colla famiglia,
i signori Fellner ed Hellmer colle loro consorti, poi
il fi or fi ore della cittadinanza nonché parecchi distinti
forestieri”. Queste righe che sembrano rievocare
certe immagini mondane dei romanzi di Dumas
o di Ohnet sono in realtà l’articolo di cronaca
de “La Bilancia” dell’ottobre 1885 che fa riferimento
all’avvenimento assolutamente più importante e
magnifi co nella vita culturale del capoluogo quarnerino
accaduto centoventicinque anni fa, vale a
dire l’inaugurazione del “Teatro Comunale”. Cuore
pulsante della vita artistica di Fiume il “Teatro Comunale”,
erede del magnifi co “Teatro Adamich”, ha
fortemente irradiato la cultura lirica, concertistica e
drammatica del più alto livello, ospitando spesso nel
suo splendido ambiente molti degli artisti più rinomati
e facendo, in questo modo, partecipe il capoluogo
quarnerino di eventi artistici di levatura europea
e persino mondiale.
Poggiante sulle fondamenta costruite con le pietre
del vecchio Teatro Adamich, con una facciata rinascimentale
e l’interno in stile barocco, il Comunale,
oggi “Ivan de Zajc”, è uno dei cinquanta edifi ci
teatrali con i quali la premiata ditta viennese Fellner
e Helmer aveva ingioiellato l’Europa, da Amburgo
e oltre, fi no a Odessa. “L’edifi zio ha un’area di
1970 metri quadrati, contiene comodamente 1200
persone...ha 168 posti in platea, 77 palchi... e 200
posti in galleria. ...”continua la particolareggiata
cronaca. Lo splendido soffi tto dipinto dal pittore
Matsch di Vienna è composto di sei ovali (allegoria
delle arti) che girano attorno allo stupendo lampadario
della ditta Hess Wolf di Vienna, mentre l’illuminazione
– fatto abbastanza sensazionale – consiste
in 800 lampade a luce incandescente e 6 grandi
lampade ad arco voltaico per illuminare il piazzale
antistante il Teatro. Sulla scena un’ “Aida”, “spettacolo
complessivamente degno del sontuoso teatro,
diretta dal distinto maestro Gaetano Cimini” con superbe
interpreti Medea Borelli, Clotilde Sartori e
Tobia Bertini.
Non è facile raccontare centoventanni di storia
teatrale, per cui noi ci limiteremo, grosso modo, all’attività
lirica la quale, perseguendo l’alta tradizione
operistica, precedentemente espletata dal Teatro
Adamich, diede lustro alla città diventando addirittura
un suo segno distintivo.
La stagione d’oro della lirica
Alla sfarzosa apertura del Teatro fece seguito
una felicissima stagione lirica contrassegnata da
una tale varietà e quantità di prime al cui confronto,
il cartellone d’opera odierno, stile “vacche magre”,(
due “riallestimenti solenni” ha passato il convento
quest’anno; ma quanta “solennità” c’è di in
giro. Proprio da andare fi eri.) suscita nient’altro che
un’amaro sogghigno. Qualora i responsabili dell’
“Ivan Zajc”, fossero provvisti di una qualche reminiscenza
di onestà intellettuale non potrebbero che
recitare il “mea culpa”; ma a quanto pare, la contrizione
non va di moda, è roba “ottocentesca”.
Insomma, sì, al Comunale era onnipresente
l’opera italiana con Verdi, Bellini, Donizetti,
Rossini, Puccini, Ponchielli, Giordano, Catalani,
Boito...ma pure l’opera francese con Mayerbeer,
Thomas, Berlioz (“La dannazione di Faust”) Gounod,
Halevy, Auber, Saint Saens, Massenet, Flotow,
Bizet e... Wagner!! Si signori, proprio quello
di Bayreuth con i suoi “gigantorchestroni” e le parti
vocali da suicidio. E mica un titolo unico, “riscaldato”
e “riallestito solennemente” dieci volte ma:
“Lohengrin”, “Tannhauser”, “Walkiria”, “I maestri
cantori”, “Tristano e Isotta”. Lasciamo perdere, tanto
è fantascienza per i criteri odierni.
Si andava da tre - quattro prime per stagione lirica
( in primavera), a sei - nove titoli nelle stagioni
doppie (primaverile e autunnale), più gli spettacoli
delle compagnie d’operetta o di prosa e qualche
concerto, non di rado a scopo benefi co. Troppa grazia
per le nostre “ascetiche” abitudini liriche.
Il 4 e 5 maggio del 1895 al Comunale capitò
Puccini per assistere alla sua “Manon Lescaut”.
Trentaquattro chiamate per il maestro Puccini alla
fi ne che, come riferisce “La Bilancia”, “venne , vide
e vinse”. Dopo lo spettacolo si fece banchetto in
onore del Maestro nella Sala Deak (Dom sindakata
Belulović) all’inizio del quale il cav. Luppis, presidente
della direzione teatrale, alzò il calice in onore
del grande compositore di Lucca.
Il giovane Caruso fu fi schiato nel 1998, ne “La
Bohéme”. Nel 1901 fu dato il balletto “Coppelia”.Il
1913 vide il concerto di Pablo Casals, nel 1915 fu
la volta del grande violinista boemo Jan Kubelik,
mentre l’anno prima c’era stato il suo illustre collega
ungheresese von Vecsey. Toscanini con la sua orchestra
tenne concerto nel 1920 eseguendo brani di
Vivaldi, Beethoven, Sinigaglia, Debussy, Respighi,
Verdi e Wagner.
Il Teatro Comunale che a partire dal 1913 venne
intitolato a “Giuseppe Verdi” rimase chiuso durante
la Grande Guerra. Nel periodo 1919 – 1945 invece,
Beniamino Gigli tenne concerto a Fiume nel 1930
il “Verdi” ospitò le stagioni d’opera e d’operetta in
alternanza con il nuovo Teatro “Fenice”, il meglio
del meglio dell’epoca, manco a dirlo, il quale fu
inaugurato nel 1914 con la “Tosca” di Puccini e “Un
ballo in maschera” di Verdi. Costruito secondo i più
avanzati criteri edilizi e architettonici del tempo il
“Fenice” accoglierà stagioni liriche e operettistiche
di straordinaria ricchezza e qualità, delle quali i vecchi
fi umani conservano tuttora vivissima memoria e
ne parlano sempre con grande entusiasmo.
L’impresario: fi gura chiave
La qualità del programma veniva garantita dall’impresario
- fi gura chiave nell’organizzazione della
vita teatrale fi umana dal 1885 al 1943 - il quale,
scelto, per una o più stagioni, dalla direzione del
Teatro, doveva ottemperare a obblighi ben precisi
e soddisfare criteri estremamente esigenti. Compito
suo era di allestire tre prime d’opera nella stagione
primaverile e quaranta spettacoli drammatici,
o quindici d’operetta, nella stagione autunnale con
compagnie ed artisti del più alto rango. A Carnevale
doveva organizzare fi no a dodici serate danzanti
in maschera, le popolari “cavalchine” o “veglioni”.
Per le rappresentazioni d’opera doveva assicurare
un’orchestra di almeno cinquantacinque elementi
(in frac) di sicura esperienza (trenta orchestrali per
le operette), un coro composto da almeno sessanta
cantanti, come pure ballerini a seconda delle esigenze,
il maestro del coro, il suggeritore, il direttore di
scena, scene e costumi di prima scelta. Alla prova
generale la direzione teatrale dava il suo benestare o
meno, e se necessario, i cantanti che non soddisfavano
venivano sostituiti.
Mascagni sul podio
Nel periodo 1919-1940 gli autori lirici più rappresentati
furono Verdi e Puccini. Di quest’ultimo
la “Turandot” venne allestita a solo un anno di distanza
dalla prima assoluta. Seguivano Donizetti,
Bellini, Catalani (“La Wally”), Wolf-Ferrari, Rossini,
Mascagni (il quale nel 1924 diresse personalmente
“Il piccolo Marat” a soli tre anni dalla prima
mondiale), Boito (“Mefi stofele”), Cilea, Zandonai
(“Francesca da Rimini”), Giordano (“Andrea Chenier”)
e altri. Purtroppo assai poco presente risultava
essere l’opera francese, tedesca (“L’oro del Reno”),
rispetto al periodo precedente, e slava (“Boris Godunov”...).
Te la dò io l’operetta!
Che poi l’operetta la facesse da padrona, attirando
in massa e facendo sognare tante generazioni
di fi umani non c’è dubbio. Basti pensare che nella
stagione del 1926, al “Verdi” e il “Fenice” furono
allestite complessivgamente sette opere liriche e
...ventotto titoli d’operetta!! La media comunque si
aggirava tra i 16 e 20 titoli operettistici, e come resistere
a titoli appetitosi e promettenti come “Ma-
dame Pompadour”, “La Vedova allegra”, “La contessa
Maritza”, “La principessa della csarda”, “Der
zigeunerbaron”, “La granduchessa olala”, (ah, il fascino
“noblesse”), “Frasquita”, “Clo-clo”, “Il pierrot
nero”, “La casa innamorata”, “La duchessa di
Hollywood”, “Bajadera”, “La principessa del circo”,
“La principessa dei dollari” (qui andiamo sul
venale...), “Fascino azzurro”, “Tuffolina”(!), “La
donna perduta”(ehm,ehm...), “Il birichino di Parigi”
(wow!), “Il controllore dei vagoni letto”... e meglio
che ci fermiamo qui, data la piega “scollacciata” che
il cartellone va prendendo.
Quando Gigli cantava...
Quando a fi ne stagione poi, spesso si organizzavano
dei concerti d’arie d’opera con cantanti celebri.
Nel 1930 Beniamino Giglio tenne concerto in
Riva dinanzi ad un pubblico che saliva, in piedi, fi no
in Belvedere. Nel 1936 fu la volta di Toti Dal Monte,
ma pure di Gina Cigna, Mafalda Favero, Maria
Caniglia e altre.
La lirica, radicato costume locale
Ad ogni modo il Teatro Comunale (e poi, il “Fenice”)
non rappresentavano per i fi umani unicamente
“il tempio delle muse”, ma erano parte del costume,
della vita, delle abitudini locali. A teatro ci si in-
contrava, si discuteva, ci si accalorava magari “barufava”
per via di pareri diversi. Poi, intendiamoci,
ai tempi dell’Ungheria a teatro non si andava in “traperice”.
In omaggio e rispetto all’istituzione e a ciò
che essa rappresentava, i fi umani, trattassesi pure di
“scarigadori de porto”, la sera in galleria venivano
in abito scuro e “bombetta”e seguivano l’opera con
il libretto, quando non lo sapevano a memoria. Se
poi con l’abito scuro ci portassero anche la cassetta
di verdure marce per eventuali lanci contro i cantanti
che non soddisfacessero i loro criteri, non era
cosa inusuale.
Tanti fi schi per Caruso
Intanto fi schiarono Caruso. Poi nel 1886 fi schiarono
la seconda recita dell’”Ebrea” di Halevy man-
Il Teatro di Fiume prima della ristrutturazione
dando a monte tutta la stagione lirica. Nel 1891 fu
la volta de “La Cenerentola” di Rossini “...che non
sopravvisse alla prima prova”. La grandissima Toti
dal Monte, che nel 1940 cantò a Fiume la “Madama
Butterfl y”, dichiarò di temere il pubblico di Parma e
quello di Fiume. Avesse il pubblico odierno un pizzico
dei quel pepe che era peculiare agli amanti della
lirica di una volta. .. Invece no, cortese e passivo applaude
a tutto, sempre e comunque.
Il dopoguerra
Nel secondo dopoguerra il teatro dell’Opera visse
un periodo d’oro grazie ad un equipe di cantanti di
prim’ordine (“All’epoca non c’era bisogno di ingaggiare
cantanti ospiti per gli spettacoli; semmai erano
i nostri artisti lirici ad essere invitati dagli altri enti
teatrali”), ad un’ottima orchestra (“Prima del spettacolo,
quando i orchestrali i se ‘scaldava’, ti sentivi
sonar i concerti de Bruch, Mendelssohn, Čajkovski,
Brahms, Beethoven.... el primo violin el era stado
tale, ani prima, anche a ‘La Scala’ de Milano”) ed
a maestri quali Papandopulo, Matačić, Alessandro
Petterin.
“Papandopulo era amato da tutti e ...ambito dalle
donzelle. Paziente e bonario tirava fuori tutto il suotalento
e autorità quando dirigeva. Aveva delle braccia
lunghe e magre che compivano tutto un balletto
sinuoso, vibrante, che affascinava. I musicisti, che
in lui riconoscevano istitivamente il Maestro’, lo seguivano
dando tutto di se stessi”. Lungo, magro, dinoccolato,
capelluto, con il nasone ed il mento che
sembravano congiungersi, quando dirigeva, era tutto
braccia e uno svolazzar di chiome (la calvizie venne
dopo). Avrebbe fatto la gioia dei caricaturisti.
Lovro von Matačić era erudita e musicista di
straordinaria profondità. Lui sapeva tutto, spiegava
tutto. Era un visionario. Aveva curato a Fiume, una
memorabile regia dell’”Orfeo” di Gluck. “Ricordo
quando Orfeo faceva la sua entrata in scena portato
su uno scudo. Bellissimo. Invece, quando dirigeva
le prove, aveva una strana mania, che consisteva
– sempre dirigendo - nello mostrare ‘i fi ghi’ al
musicista che suonava una nota falsa”. (Più tardi in
Germania teneva perfi no lezioni di dizione ai cantanti
tedeschi che interpretavano Wagner). Nel 1954
l’Opera di Fiume lo licenziò e fu spedito ‘in castigo’
a Skoplje. Accusa: collaborazionismo con l’NDH.
Accuse infondate – che furono mosse pure a Furtwangler
– e sucessivamente sfatate. Non fu degnato
di una spiegazione, di una parola da parte della direzione
del Teatro. Nient’altro che una laconica comunicazione,
in una misera busta azzurra, da prelevare
presso la portineria del Teatro. Il Maestro, che come
sappiamo successivamente prese la via della Germania,
diventò uno dei più grandi direttori d’orchestra
del Novecento.
Cantanti eccelsi
Come non ricordare Karmen Vilović appassionata
Violetta, vivacissima Rosina e Norina, nonché
pedagoga che lascierà un segno su tanti giovani cantanti?
O Irma De Moris, Štefanija Lenković, Dante
Sciaqui, il tenore Gino Bonelli (aveva cantato a “La
Scala” e nei grandi teatri della lirica), la cui voce incantava
per la dolcezza di timbro?
“Non avremo mai più un secondo Milan Pichler,
impareggiabile Scarpia, Boris Godunov...Bastava
che entrasse in scena per scatenare l’entusiasmo del
pubblico. Cantanti così, oggi non li trovi nemmeno
al ‘Metropolitan’!”, viene ricordato in questi termini
dal pubblico delle generazioni passate il baritono
Milan Pichler.
Una ristrutturazione infelice
Dopo la ristrutturazione e restauro del Teatro, che
rappresentò una gestazione diffi cilissima e oltremodo
lunga (1969-1980), l’ente lirico di Fiume non è
stato più quello di una volta. A causa di interventi
costruttivi alla galleria, l’acustica del teatro, una
volta, ottima, è stata seriamente compromessa. La
“buca” dell’orchestra è stata fortemente ridimensionata
per poter permettere l’introduzione della scena
a rotazione, di modo che, di fatto, è preclusa (!)
l’esecuzione di tutto il repertorio wagneriano, il quale
notoriamente esige un apparato orchestrale molto
nutrito e massiccio. Addio Wagner, addio! (Se questa
non si chiama incoscienza! Ed è dir poco.).
Infi ne, ciliegina sulla torta, i magnifi ci drappi
purpurei sono stati sostituiti da altrettanti
drappi...”funebri”, o quasi. Ora, questo teatro in
Il grande Matacic
5
Carmen Vilović al suo debutto in “La Traviata”,
suo cavallo di battaglia
marrone creò, al tempo, forte perplessità e malcontento
tra la popolazione teatrale e artistica. “Non è
un caso che i teatri siano rivestiti di rosso. Un cantante
quando entra in scena è come il toro nell’arena;
ha bisogno di essere stimolato, ‘eccitato’ per l’impresa,
e quale colore è più adatto del rosso, a tale
scopo?” diceva il grande Mario del Monaco. E basterebe
questa ragione per giustifi care la gamma del
rosso per ammantare i “templi della lirica”.
Pure i maestri Vladimir Benić e Davorin Hautfeld
lasceranno un segno signifi cativo sia a livello
di apliamento del programma sinfonico e operistico
(Bruckner, Strauss, Fauré, Dvorak...), che con
le uscite del Teatro dell’Opera a Palma de Majorca,
Lussemburgo, Bruxelles, Ungheria.
Ora siamo trionfalmente approdati nell’era degli
“riallestimenti solenni”, brevetto assolutamente
originale e autoctono nonché eufemismo di comodo
che sta per “minestrina riscaldata”. Come dire...
“Trovatore al rosmarino”, “Trovatore alla besciamella
e cognac”, all’aglio, olio e peperoncino, “Trovatore
tuttifrutti”...
Bene, bene, il futuro si presenta eccitante. Vedremo
come si uscirà dall’inghippo per mantenere almeno
i rimasugli di dignità e non prendere per fesso
il pubblico, da noi sempre troppo buono.
Ma basta con le recriminazioni. La Vecchia Signora
compie centoventanni! Bacio le mani Madame,
e cento di questi giorni!

6 musica
L’ANNIVERSARIO - “TANTI AUGURI A TE!”
Quarant’anni con passione
TRIESTE - Una profi cua e nobilitante
presenza quarantennale espletata sul territorio
con il suo alto messaggio di arte e cultura,
un repertorio articolato che va dai grandi
classci del ‘700 ai maestri moderni, delle
collabazioni con artisti di fama anche internazionale
sfociati in concrete e felici realizzazioni
discografi che. Stiamo parlando della
Nuova Orchestra da Camera “Ferruccio
Busoni” di Trieste, istruita dal valente maestro
Massimo Belli le cui preganti e raffi nate
qualità musicali, tecniche, sonore e l’eccellente
affi atamento abbiamo avuto modo
di apprezzare in varie località dell’Istria e
pure alla CI Fiume. Ultimo in ordine di tempo
– sul territorio istriano – il concerto piranese
tenutosi il 27 maggio scorso a “Teatro
Tartini” con brani di maestri del Settecento
e con la partecipazione dell’esimio pianista
di reputazione internazionale Massimo
Gon, che ha riscosso vivissimo successo di
pubblico interpretando un concerto di Mozart
per pianoforte e orchestra.
La “NUOVA ORCHESTRA DA CA-
MERA FERRUCCIO BUSONI”, riprende
le tradizioni artistiche della già esistente Orchestra
“F. Busoni”, complesso storico fondato
nel 1965 da Aldo Belli. In quarant’anni
di attività l’orchestra ha tenuto importanti
concerti in Italia e all’estero, presentando al
pubblico lavori dei più importanti compositori
triestini quali Viozzi, Bugamelli, Sofi
anopulo, Merkù, Zanettovich, Zafred, Pipolo,
Coral, Levi; collaborando con la radio
e la televisione Italiana ed altre emittenti
estere.
In occasione del centenario ha inaugurato
il Teatro Politeama Rossetti. Per anni
è stata ospite nella Chiesa della Pietà di
Venezia, dove operava Antonio Vivaldi e
per mantenere viva questa realtà, nell’anno
2000 l’orchestra è stata rifondata con un
adeguamento e aggiornamento dello statuto
originario. Il gruppo riveste un importanza
storica in quanto è stato uno dei primi del
suo genere, sorti nel dopoguerra, a svolgere
un’attività artistica di livello per quarant’anni.
La Nuova orchestra si è già posta all’attenzione
del pubblico e della critica suonando
in Slovenia, Croazia, Germania e Italia,
con solisti d’eccezione, quali Domenico
Nordio, Michael Flaksman, Lucio Degani,
Federico Agostini, Massimo Gon, Friedemann
Eichhorn, Peter Bannister, Giuseppe
Barutti, Markus Placci, Mauro Maur ecc.
Nell’ottobre 2002 ha tenuto un concerto
a Trieste per l’iniziativa Adriatico-Jonica,
in occasione della visita del Presidente
del Consiglio e dei ministri degli esteri di
diversi paesi
Recentemente si è esibita per i festeggiamenti
del 700° anniversario della Cattedrale
di San Giusto a Trieste, nel Duomo di Loreto
e in quello di Ascoli Piceno a favore dell
iniziativa “Ascoli Piceno Festival”.
Il 6 marzo 2004 ha tenuto un concerto a
Vittorio Veneto col violinista Markus Placci,
vincitore del 26esimo concorso nazionale
di Vittorio Veneto, dove nel corso della
serata è stato assegnato il “Premio Musicarchi
2004 alla Carriera” a Renato Zanettovich
(importante riconoscimento assegnato
in precedenza a Claudio Abbado, Riccardo
Muti, Salvatore Accardo e Piero Farulli).
L’orchestra è formata da affermati strumentisti
che possono vantare una lunga
esperienza concertistica nel campo solistico
i quali ricoprono ruoli di prestigio in formazioni
cameristiche e importanti orchestre;
inoltre l’ensemble ha inciso un CD per la
casa discografi ca “Velut Luna”, con Domenico
Nordio e per l’etichetta Rainbow, un
CD con Lucio Degani e una con Markus
Placci. Per l’anno 2005 sono programmate
diverse iniziative per festeggiare il 40 esimo
anniversario di attività artistica dell’orchestra
Mercoledì, 29 giugno 2005
La «Ferruccio Busoni» è stata fondata dal Maestro Aldo Belli nel 1965
MUSICA SACRA - “CANTABO DOMINO...”
Pensieri musicali di papa Benedetto XVI
Lo sapevate che papa Benedetto XVI,
“architrave della dottrina del cattolicesimo”,
l’uomo più dotto della cristianità
è pure un eccellente musicista, suona
il pianoforte ed ama in modo particolare
Bach, Mozart e Beethoven? D’altra parte
i Ratzinger la musica ce l’hanno nel sangue
tant’è vero che il fratello del pontefi -
ce è musicista di professione,ossia Kantor,
vale a dire Maestro di Cappella in una
chiesa della Baviera. Vi proponiamo due
pensieri estremamente profondi ed articolati
del pontefi ce romano inerenti la pratica
contemporanea della musica sacra.
“E’ divenuto sempre più percepibile il
pauroso impoverimento che si manifesta
dove si scaccia la bellezza e ci si assoggetta
solo all’utile.
L’esperienza ha mostrato come il ripiegamento
sull’unica categoria del ’comprensibile
a tutti’ non ha reso le liturgie
davvero più comprensibili, più aperte, ma
solo più povere. Liturgia ‘semplice’ non
signifi ca misera o a buon mercato: c’è la
semplicità che viene dal banale e quella
che deriva dalla ricchezza spirituale, culturale,
storica….. Anche qui si è messa
da parte la grande musica della Chiesa
in nome della ‘partecipazione attiva’: ma
questa ‘partecipazione’ non può forse signifi
care anche il percepire con lo spirito,
con i sensi? Non c’è proprio nulla di ‘attivo’
nell’ascoltare, nell’intuire, nel commuoversi?
Non c’è qui un rimpicciolire l’uomo,
un ridurlo alla sola espressione orale, proprio
quando sappiamo che ciò che vi è in
noi di razionalmente cosciente ed emerge
alla superfi cie è soltanto la punta di un
iceberg rispetto a ciò che è la nostra totalità?
Chiedersi questo non signifi ca certo
opporsi allo sforzo per far cantare tutto il
popolo, opporsi alla ‘musica d’uso’: signifi
ca opporsi a un esclusivismo (solo quella
musica) che non è giustifi cato né dal Con-
cilio né dalle necessità pastorali”.“Una
Chiesa che si riduca solo a fare della musica
‘corrente’ cade nell’inetto e diviene
essa stessa inetta. La Chiesa ha il dovere
di essere anche ‘città della gloria’, luogo
dove sono raccolte e portate all’orecchio
di Dio le voci più profonde dell’umanità.
La Chiesa non può appagarsi del solo ordinario,
del solo usuale: deve ridestare la
voce del Cosmo, glorifi cando il Creatore
e svelando al Cosmo stesso la sua magnifi
cenza, rendendolo bello, abitabile, umano”.
(tratto dal cap. IX del volume Rapporto
sulla fede).“Resta per me un’esperienza
indimenticabile il concerto di Bach
diretto da Leonard Bernstein a Monaco
di Baviera dopo la precoce scomparsa
di Karl Richter. Ero seduto accanto al
vescovo evangelico Hanselmann. Quan-
Papa Benedetto XVI
do l’ultima nota di una delle grandi Thomas-Kantor-Kantaten
si spense trionfalmente,
volgemmo lo sguardo spontaneamente
l’uno all’altro e altrettanto spontaneamente
ci dicemmo: “Chi ha ascoltato
questo, sa che la fede è vera”. In quella
musica era percepibile una forza talmente
straordinaria di realtà presente da rendersi
conto, non più attraverso deduzioni, ben-
sì attraverso l’urto del cuore, che ciò non
poteva avere origine dal nulla, ma poteva
nascere solo grazie alla forza della verità
che si attualizza nell’ispirazione del compositore
“.
(Dalla rifl essione teologica che il
Card. Ratzinger scrisse per commentare
il tema dell’edizione 2002 del Meeting di
Rimini: “Il sentimento delle cose, la contemplazione
della bellezza”).

Mercoledì, 29 giugno 2005
musica 7
MUSICA FOLK - “LA CUCARACHA, LA CUCARACHA!!”
Lo straordinario fascino della musica etnica
La pittoresca creatività folkloristica patrimonio dell’umanità
Strumenti e lingue esotiche,
musicisti vestiti in abiti pittoreschi
tipici della loro terra, armonie
e melodie particolari… Si chiama
“world music” (musica del mondo)
il nuovo fenomeno musicale
che popola negli ultimi anni le
sale da concerto del mondo occidentale.
Che sia una conseguenza del
sempre più presente multiculturalismo
o di uno più spiccato interesse
per altre culture e le loro par-
Lidija Bajuk
ROCK - “FURIOSO”
ticolarità, fatto sta che il folklore
africano, asiatico, irlandese, gitano,
cubano e altri, è diventato parte
di un mosaico musicale internazionale
acclamato e popolare, i cui
elementi appaiono campionati e
fusi in innumerevoli brani di musica
occidentale, ma anche assaporati
in arrangiamenti e interpretazioni
originali. Il termine “world
music” (musica del mondo) è stato
coniato nell’ormai lontano 1987
nell’intento di diffondere il nuovo
“genere” musicale sul mercato internazionale.
Anche se l’interesse per la
musica popolare c’è sempre stato,
esso si intensifi ca appunto negli
Anni ’80, quando grandi nomi
della musica rock, tra i quali Peter
Gabriel, Paul Simon e David Byrne
introducono nei propri album
elementi folkloristici e si preoccupano
di diffondere e far conoscere
al mondo occidentale la musica etnica
da ogni parte del globo fon-
Concerto romano
per il Live 8: è polemica
ROMA - Sir Bob Geldof se l’è presa con le star italiane invitate a
esibirsi in occasione del Live 8 di Roma. L’attesissimo show, fi ssato
per il 2 luglio al Circo Massimo della Capitale, dovrebbe vedere
protagonisti on-stage Faith Hill, Tim McGraw e i divi nostrani Irene
Grandi, Jovanotti, Laura Pausini, Nek, Zucchero e Vasco Rossi. Ma
qualcosa potrebbe cambiare. In peggio.
Nel cast infatti potrebbero non esserci né il Blasco, che lo stesso
giorno deve esibirsi allo Stadio del Conero di Ancona, né Jovanotti,
che avrebbe chiesto delucidazioni sullo scopo della manifestazione
prima di accettare, e, Geldof non ha nascosto il proprio disappunto.
“Vasco è una grande star”, ha detto il rocker britannico, un grande,
grande artista, e io penso che dovrebbe salire sul palco…Noi abbiamo
bisogno di Vasco. Non perderà la sua voce. Deve cantare solo
due canzoni”.
Per chi ancora non lo sapesse, oltre al concerto romano, il Live
8 si svolgerà anche a Londra, Parigi, Berlino, Philadelphia, Tokyo,
Toronto e Johannesburg. Lo scopo di questa faraonica manifestazione,
20 anni dopo i due show, americano e britannico, Live Aid e
Band Aid, è il sostegno della campagna volta a ottenere la cancellazione
del debito pubblico dei Paesi del Terzo Mondo.
Jovanotti parteciperà all’attesissimo show romano il prossimo
2 luglio?
dando etichette discografi che. In
questo contesto bisogna menzionare
il famoso album “Graceland”
di Paul Simon, in cui l’artista si
avvale delle armonie e dell’atmosfera
della musica sudafricana dei
complessi Ladysmith Black Mambazo
e Savuka. E mentre agli inizi
della diffusione della “world music”
le doti musicali di innumerevoli
cantanti e strumentisti di
una qualche tribù remota venivano
sfruttate da “opportunisti” occidentali
che sapevano farne buon
uso a proprio favore, siamo ora testimoni
di nomi famosissimi che
possono giustamente godere dei
Ibrahim Ferrer
frutti del loro talento e popolarità
diffondendo la loro magia in tutto
il mondo: Cesaria Evora, cantante
africana divenuta famosa nel
quinto decennio della propria vita,
Ibrahim Ferrer, membro del complesso-fenomeno
cubano Buena
Vista Social Club sul quale è
stato fi lmato un documentario di
successo, il complesso portoghese
Madredeus, la cantante di fado
Mariza, Youssou N’Dour, il cantante
e multistrumentalista senegalese
scoperto da Peter Gabriel,
Nusrat Fateh Ali Khan, il cantante
virtuoso indiano… La lista
JAZZ - “IT DON’T MEAN A THING”
Ahmad Jamal, un maestro di sempre
Grande successo dell’ultimo
album del guru del jazz Ahmad
Jamal “After Fair” - come attestato
dall’autorevole critico Marco
Losavio - realizzato assieme a
Idriz Muhammad (percussioni) e
James Cammack (basso).
Ecco un maestro di sempre.
Ahmad Jamal...l’essenza del piano
in trio, il più emblematico dei
pianisti afroamericani che riassume
in ciò che fa l’essere realmente
africano e americano al tempo
stesso.
Jamal raccoglie un pugno di
note dalla sua incredibile creatività
per renderle discorso, elementi
descrittivi di un mondo musicale
che gli appartiene in modo
inscindibile. La sua persona, la
sua pelle, il suo essere è tutto là,
nel fl uido scorrere di “I’m Old
Fashioned”, vera lezione di come
si sviluppa un brano in trio. Nella
capacità narrativa di “Yours is my
heart Alone”. Splendida “Time on
my hands” che fugacemente abbandona
i binari per debordare
in piccoli cambi di accento, brevi
obbligati, colti impeccabilmente
dalla ritmica. Il tutto è come un
fi lm, un’opera, con vari movimen-
dei nomi è interminabile. A questo
trend si associano anche artisti
dei territori dell’ex Jugoslavia,
tra i quali spicca il nome di Goran
Bregović, ex leader di uno dei più
noti complessi jugoslavi – Bijelo
dugme – e ora a capo dell’Orchestra
per matrimoni e funerali, che
fonde nella sua musica elementi
della musica gitana e bulgara,
spopolando in tutto il mondo e
ottenendo consensi di pubblico e
di critica.
In Croazia, autori rispettabili
sono stati attratti dalla musica etnica,
che si presenta così diversa
e ricca di sfaccettature in un territorio
geografi camente limitato.
Troviamo così elementi della tradizione
musicale istriana in una
curiosa e particolare fusione con
ti come in una suite ideale. E’ un
gran maestro nel tocco, nel suono,
nella gestione del brano sviluppandolo
con rara intelligenza.
Un album che pur rimanendo nel-
Cesaria Evora
il jazz nello straordinario lavoro
di Tamara Obrovac, mentre a nord
del paese, Lidija Bajuk e Dunja
Knebl riscoprono l’incantevole tesoro
musicale dello Međimurje…
per menzionare soltanto alcuni
nomi. E non fi nisce qui la storia
della world music. La musica etnica
a livello mondiale non signifi ca
soltanto diffusione internazionale
di diverse espressioni folkloristiche,
ma anche combinazioni di
elementi musicali originari da diverse
parti del globo in soluzioni
sorprendenti e affascinanti. È questo
un “genere” musicale che invita
alla curiosità verso altre culture
e al rispetto della diversità intesa
come ricchezza… che è patrimonio
di tutto il mondo.
Helena Labus
le fi la di un pianismo tradizionale,
sa andare oltre, aggiungendo molti
valori innovativi alle esecuzioni
nelle dinamiche e nella interpretazione.

8 musica
IL FESTIVAL - “RITORNA VINCITOOOR!”
«La Gioconda» per un inizio
veronese alla grande
VERONA - L’83° Festival Lirico
di Verona che quest’anno si
svolge dal 17 giugno al 31 agosto
propone 5 titoli e 50 spettacoli:
ad inaugurare è stata “La Gioconda”
di Amilcare Ponchielli in
un nuovo allestimento affi dato a
Pier Luigi Pizzi che curerà regia,
scene e costumi. L’opera è diretta
da Donato Renzetti e tra gli interpreti
fi gurano Andrea Gruber,
Marco Berti, Ildiko Komlosi, Carlo
Colombara, Elisabetta Fiorillo e
la grande “stella” della danza Roberto
Bolle. Della Gioconda (che
manca in Arena dal 1988) sono
previste 7 recite dal 17 giugno al
30 luglio.
Secondo titolo in programma
“Nabucco” di Giuseppe Verdi che,
dopo “Aida” e “Carmen”, è l’opera
più eseguita in Arena con 15
edizioni e 130 rappresentazioni.
Quest’anno sarà presente nell’an-
QUIZ - “ALLEGRO CON BRIO”
1.Quale delle seguenti dive
dell’opera lirica si è esibita a
Fiume negli Anni ‘40, ricoprendo
il ruolo di Madame Butterfl
y?
a) Toti Dal Monte
b) Maria Caniglia
c) Renata Tebaldi
2.Il famoso violinista-virtuoso,
nonché compositore, che, secondo
la leggenda, aveva venduto
la propria anima al diavolo
per suonare meglio il violino si
chiamava:
a) Giuseppe Tartini
b) Niccolò Paganini
c) Yehudi Menuhin
3.L’opera “Il barbiere di Siviglia”
è stata composta da:
a) Gaetano Donizetti
b) Giuseppe Verdi
c) Gioacchino Rossini
4.Come si chiama il gruppo
del cantautore australiano Nick
Cave?
a) The Good Times
b) The Wild Roses
c) The Bad Seeds
5.Una delle canzoni più famose
del cantautore italiano Fabrizio
de Andrè si intitola:
a) Andrea
b) Laura
c) Nicola
fi teatro dal 18 giugno al 26 agosto
con 13 recite affi date al direttore
Vjekoslav Šutej nell’allestimento,
già apprezzato dal pubblico negli
anni scorsi, di Graziano Gregori
(regia e scene) e Carla Teti (costumi).
Protagonista uno degli artisti
più grandi del mondo e amatissimo
dal pubblico areniano, Leo
Nucci affi ancato da Susan Neves
nel ruolo di Abigaille e da Giacomo
Prestia in quello di Zaccaria.
Sempre di Verdi, il 23 giugno
debutta “Aida” nell’allestimento
ormai celebre di Franco Zeffi relli
con i costumi di Anna Anni. Affi -
data alla bacchetta di Daniel Oren,
altro grande beniamino del pubblico,
Aida (che sarà in scena per ben
18 serate), avrà come protagonista
Micaela Carosi, trionfatrice anche
nell’edizione dello scorso anno,
affi ancata da un Radames di lusso
come Josè Cura (recite del 23 e
6.Quale dei seguenti musicisti
jazz era un maestro del clarinetto?
a) Miles Davies
b) Benny Goodman
c) Chet Baker
7.La cantante lirica Montserrat
Caballé ha cantato il famoso
duetto “Barcelona” con:
a) Freddie Mercury
b) Mick Jagger
c) Paul McCartney
8. Quale dei seguenti compositori
prese, in tarda età gli ordini
sacerdotale?
a) Frederic Chopin
b) Franz Liszt
c) Franz Schubert
9.Il famoso “Bolero” è stato
composto da:
a) Maurice Ravel
b) Claude Debussy
c) Manuel De Falla
10.Sono stati composti dal
grande J.S.Bach e la loro regi-
strazione è stata mandata nello
spazio come una delle massime
testimonianze della nostra civiltà.
Parliamo dei:
a) Concerti di Brandenburgo
b) Concerti di Lussemburgo
c) Concerti di Amburgo
Soluzioni: 1.a), 2.b), 3.c), 4.c), 5.a), 6.b), 7.a), 8.b), 9.a), 10.a)
26 giugno) mentre il ruolo fondamentale
di Amneris sarà sostenuto
da Tichina Vaughn.
Le ultime due opere del Festival
sono fra le più celebri e amate
di Giacomo Puccini: il 9 luglio
debutta “La Bohème” cui è riservato
il secondo nuovo allestimento
dell’estate 2005 affi dato dalla
Fondazione Arena ad Arnaud
Bernard per la regia e a William
Orlandi per scene e costumi. Anche
quest’opera si avvale della direzione
di Daniel Oren ed ha per
protagonisti due grandissime voci
come quelle di Fiorenza Cedolins
(Mimì) e di Marcelo Alvarez (Rodolfo).
L’opera avrà 6 repliche
fi no al 20 agosto.
Ultimo titolo in cartellone “Turandot”
con 5 rappresentazioni dal
13 al 20 agosto.
L’opera che è la più rappresentata
in Arena tra quelle di Puccini
con 13 edizioni e 103 rappresentazioni,
si potrà vedere nell’allestimento
del regista russo Yuri
Alexandrov (con scene e costumi
di Vjacheslav Okunev) che ha
debuttato con successo nell’estate
2003. Accanto ad Andrea Gruber
nella parte della principessa
ANEDDOTI E CURIOSITÀ - “VIVACE”
ORIGINE DEI CONCORSI MUSICALI
NELLA ROMA IMPERIALE
Il primo concorso musicale fu dato in Roma
nell’anno 17 d.C., e, sebbene più tardi Nerone
cercasse di farne una istituzione regolare, quinquennale,
essa ebbe assai breve durata.
Più fortunato in questo fu Domiziano, che
nell’86 istituì i Giuochi Capitolini – Capitolini
Ludi - che si mantennero per lungo tempo e che
erano celebrati ogni quattro anni nel magnifico
Odeon del Campo di Marte, ove potevano trovar
posto ben diecimila spettatori.
CEMBALI ITALIANI DEL ‘500
NELLE CORTI STRANIERE
Ad una perfetta tecnica musicale spesso i clavicembali
costruiti in Italia nel secolo XVI ac-
coppiarono altresì tutti i pregi dell’arte decorativa,
per la qual cosa non solo ebbero all’estero
ben meritata rinomanza, ma furono anche accolti
nelle corti come dono gradito.
Ricorderemo, a tal proposito, che nel 1573 la
Serenissima Repubblica di Venezia spedì al Sul-
Mercoledì, 29 giugno 2005
“Aida” all’Arena di Verona
di gelo, ritorna Josè Cura nel ruolo
di Calaf. Ulteriori informazioni
sul Festival Lirico 2005, anche relativamente
ai prezzi dei biglietti
e alle modalità di acquisto, si
possono trovare sul sito internet
www.arena.it o telefonando al numero
045/8005151.
tano un clavocimbalo ornato di pietre preziose
del prezzo di 800 zecchini per la imperatrice, che
aveva una schiava cristiana eccellentissima nella
musica; ed il 3 aprile 1593 la stessa Repubblica
inviò al suo ”Bailo in Costantinopoli un Gravicimbalo
lavorato di Madre di perle con due sedie
figurate guarnite d’oro et rimesse con bellissimi
intagli” perché ne facesse un presente alla
Sultana.
LA MUSICA NELLA VITA PRIVATA
DEGLI ANTICHI ROMANI
A differenza dei nostri tempi, nella vita privata
degli antichi Romani, si faceva della musica
quasi esclusivamente a tavola. Tale uso fu così
generalizzato, che anche un modesto desinare
richiedeva il suo bravo concerto, che nelle case
dei ricchi assumeva carattere di sontuosa magnificenza.
I più facoltosi patrizi avevano a loro disposizione
– come i boiardi russi prima dell’emancipazione
dei servi – delle vere orchestre di schiavi,
detti pueri simphoniaci, i quali non soltanto rallegravano
le cene dei padroni in Roma, ma li seguivano
ovunque si fossero recati.
Nella famosa Cena di Trimalcione, come scrive
Petronio, tutto procedeva a suon di musica, la
portata in tavola delle vivande e lo spezzamento
di esse, le libazioni dei commensali e perfino lo
sparecchiare della tavola.
UNA CROCE AD OGNI ERRORE…
Un giovane compositore presenta un suo spartito
a Rossini, pregandolo di esaminarlo e di fare
una semplice croce dove avesse trovato qualche
errore.
Alcuni giorni dopo Rossini restituisce lo spartito
all’autore, il quale lo scorre ansiosamente e
non trovandovi segni esclama con gioia:
- Non vi vedo nessuna croce; dunque non avete
trovato nessun errore!
- E Rossini di rimando: - Se avessi messa una
croce ad ogni errore avrei fatto un cimitero!
LA SINFONIA DELL’«OTELLO»
DI ROSSINI
Gioacchino Rossini narra: “Ho compiuto la
sinfonia dell’Otello in una cameretta del palazzo
Barbaja, ove il più calvo ed il più feroce degl’impresari
mi aveva rinchiuso per forza, senz’altra
cosa che un piatto di maccheroni e con la minaccia
di non poter lasciare la camera, vita durante,
finché non avessi scritto l’ultima nota”.
Anno 1 / n. 2 29 giugno 2005
“LA VOCE DEL POPOLO” - Caporedattore responsabile: Errol Superina
IN PIÙ, supplementi a cura di Errol Superina, progetto editoriale di Silvio Forza
edizione: MUSICA
Redattore esecutivo: Patrizia Venucci Merdžo / Art director: Daria Vlahov Horvat
Redattore grafi co: Vanja Dubravčić e Dean Cernecca
Collaboratori: Alessandro Boris Amisich, Dario Bassanese, Helena Labus, Fabio Vidali