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Ausgabe 1 – Februar 2005
Berlinale
Geförderte
Filme
Making of
One Day
in Europe
Der Brancheninformationsdienst der Filmstiftung NRW
Setbericht
Ein Freund
von mir
Dominik Graf
Tom Tykwer
Til Schweiger
Vanessa Jopp
Ruth Toma
Oskar Roehler
Nina Hoger
Hannes Stöhr
Kadir Sözen
Andreas Dresen
Jakob Claussen
Michael
Schmid-Ospach
im Schwerpunkt
Deutschland 2005
1

Deutschland 2005
Das Land auf
der Leinwand?
n seinem Film „Sullivans Reisen“ lässt Preston
ISturges 1941 einen erfolgreichen Regisseur
anspruchsloser Lustspiele auf Sinnsuche gehen.
Dem Spross wohlhabender Eltern reicht die
leichte Unterhaltung nicht mehr. Realistisch, sozialkritisch
und unbestechlich soll sein neuer
Film „Oh Brother, Where Art Thou“ den harten
Existenzkampf der einfachen Leute schildern.
Diese fixe Idee können ihm auch seine
beiden Produzenten nicht ausreden, die im
Gegensatz zu Sullivan dieses Leben in ihrer Jugend
schmerzlich kennen gelernt haben. Vom
Fundus als Tramp verkleidet, kehrt Sullivan Hollywood
den Rücken und begibt sich – gefolgt
von seinem Butler – auf eine Recherchereise ins
wahre Leben, um am Ende
festzustellen, dass die Menschen
auch in größter Not lieber
lachen als begreifen.
Wenn es darum geht,
was Film soll, kann, muss, gibt
es kaum einen Film, der so oft
zitiert wird wie Sturges´ „Sullivans
Reisen“. Wann macht
Sullivan es richtig? Wenn er
die Menschen zum Lachen
bringt, oder wenn er ihre Probleme
auf die Leinwand holt?
Das Box-Office kennt auf diese
Frage eine eindeutige Antwort.
Nur: Quantität hatte
noch nie etwas mit Qualität
zu tun. Wir haben Regisseure
und Filmemacher aus
Deutschland gefragt. Worin
sehen sie ihre Aufgabe: Die
Gegenwart wiederzugeben, Utopien zu entwickeln
oder vom grauen Alltag abzulenken?
Sind wir ein Volk von „7 Zwergen“ oder doch
eher wie Herr Mux, der Held aus „Muxmäuschenstill“?
Findet man das Deutschland des Jahres
2005 auf der Leinwand wieder, oder ist allein
die Fragestellung schon anachronistisch?
Wir haben gefragt. Die Antworten von Tom
Tykwer, Til Schweiger, Oskar Roehler, Nina Hoger,
Andreas Dresen, Dominik Graf, Jakob Claussen,
Vanessa Jopp, Kadir Sözen, Ruth Toma, Michael
Schmid-Ospach und Hannes Stöhr können
Sie in unserem Schwerpunkt „Deutschland
2005“ auf den Seiten 18 bis 30 nachlesen.
Aber das ist natürlich nicht alles, was das
neue Heft zu bieten hat. Auf den ersten Seiten
finden sie die NRW-relevanten Informationen
über die Berlinale inklusive der geförderten Filme
der Filmstiftung NRW, die in Berlin zu sehen
sein werden, sowie ein „Making of“ von Hannes
Stöhrs gefördertem Wettbewerbsbeitrag
„One Day in Europe“. Darüber hinaus gibt es
die bewährten Infos aus der und über die Branche,
einen bilderreichen Rückblick auf die Vergabe
der Jahresfilmprogramm-Prämien sowie
einen Ausblick auf die anstehenden Dreharbeiten
und die kommenden Kinostarts geförderter
Produktionen, die wir ihnen besonders ans Herz
legen möchten. Außerdem berichten wir von ei-
Titel: „One Day in Europe“, Foto: Moneypenny Film
nem Besuch am Set von Sebastian Schippers neuem
Film „Ein Freund von mir“, der Ende 2004 in
Düsseldorf gedreht wurde.
Das nächste Heft finden Sie Mitte März in
ihrem Briefkasten. Dann geht es um die Festival-Szene
in Nordrhein-Westfalen.
Viel Spaß beim Lesen und – für die, die dabei
sein werden – tolle und erkältungsfreie Tage
auf der Berlinale.
Rüdiger Bertram
Chefredakteur
Inhalt
Berlinale
4 Filme und Nachrichten aus NRW
6 Mit Händen und Füßen
Making of „One Day in Europe“
8 Meldungen
Branche, Aus- und Weiterbildung, Festivals, Preise, Kinos
16 Preisregen in Köln
Die Verleihung der Jahresfilmprogramm-Prämien
17 MEDIA-News
ACE und der neue Reelport in Oberhausen
Schwerpunkt: Deutschland 2005
Mit Beiträgen von
18 Dominik Graf
21 Ruth Toma
22 Nina Hoger
22 Vanessa Jopp
23 Kadir Sözen
24 Til Schweiger
25 Tom Tykwer
26 Hannes Stöhr
27 Andreas Dresen
28 Jakob Claussen
29 Oskar Roehler
30 Michael Schmid-Ospach
31 Location
Grüne Lungen
32 Dreharbeiten in NRW
34 Eine schwere, mühevolle Reise
Am Set von Sebastian Schippers „Ein Freund von mir“
35 Mit besten Empfehlungen
Kinostarts: Schöne Frauen, Die syrische Braut,
Kammerflimmern, Creep
Schwerpunkt
Festivals
Editorial – newsletter@filmstiftung.de
Der nächste Newsletter erscheint Mitte
März und wird sich in seinem Schwerpunkt
der Festival-Szene in Nordrhein-
Westfalen widmen. Ab dem 16. März ist
das Heft auch online unter www.film
stiftung.de zu finden.
3

Ein Bär für Stöhr?
Dafür, dass Fatih Akin im vergangenen Jahr den
„Goldenen Bären“ gewann, konnte Berlinale-Leiter
Dieter Kosslick nichts. Das war die Entscheidung
der internationalen Jury. Wofür man
ihn sehr wohl verantwortlich machen kann, sind
die kontinuierlichen Einladungen deutscher Filme
in den Wettbewerb, wobei ihm das derzeit hohe
Niveau heimischer Produktionen die Entscheidungen
sicher erleichtert hat.
Auch bei der 55. Berlinale (10. – 20.02.)
stehen wieder drei deutsche Filme im Wettbewerb,
darunter die von der Filmstiftung
NRW geförderte Produktion „One Day in Europe“
von Hannes Stöhr. In vier Episoden erzählt
er seinen Film, der in Moskau, Berlin, Istanbul
und Santiago de Compostella am Tag des
fiktiven Champions-League-Endspiels Galata-
Kleine Monster im
Kinder-Wettbewerb
Was machen Monsterkinder, wenn sie nachts
nicht schlafen können? Sie erfinden Hunderte
von Ausreden, mit denen sie ins elterliche Monsterbett
krabbeln – genau wie Menschenkinder.
Wie eine kleine Monsterin dennoch lernt, alleine
im eigenen Bett zu schlafen, erzählen Alexandra
Schatz und Ted Sieger in ihrem
achtminütigen Animationsfilm „Die kleine Monsterin“,
der im Wettbewerb des Kinderfilmfestivals
der Berlinale zu sehen ist und der
nach einem Kinderbuch von Andrea und Ted
Sieger entstand. Realisiert wurde das von der
Filmstiftung NRW geförderte Projekt, an
dem auch ZDF und DRS beteiligt sind, von der
Alexandra Schatz Filmproduktion im
Kölner Trickstudio Lutterbeck.
Orte und Zeiten
Leider standen zu Redaktionsschluss des Newsletters die
Vorführungsdaten der 22 von der Filmstiftung NRW
geförderten Berlinale-Filme noch nicht endgültig fest.
Wer dennoch schon im Vorfeld seinen Festivalbesuch
perfekt vorbereiten möchte, findet Anfang Februar unter
www.berlinale.de das komplette Programm der
Filmfestspiele mit allen Ort- und Zeitangaben.
4
saray Istanbul gegen Deportivo La Coruna spielt
(siehe auch das „Making of“ auf Seite 6). Die
deutsch-spanische Koproduktion der Berliner
Moneypenny entstand in Zusammenarbeit
mit ZDF/arte und wird von Piffl Medien in
die Kinos gebracht.
Als internationale Koproduktion erhielt der
ebenfalls geförderte Kinofilm „Paradise Now“
von Hany Abu-Assad eine Einladung in den
Wettbewerb. Der palästinensische Regisseur, der
vor allem durch seinen Film „Rana’s Wedding“
bekannt wurde, erzählt die Geschichte zweier
Jungen, die sich als Selbstmordattentäter mit einer
scharfen Bombe an ihrem Körper nach Israel
aufmachen. Gedreht wurde die Produktion
der Berliner Razor Film 2004 in Nablus, Nazareth
und Tel Aviv.
NRW berät
in Berlin
NRW-Talents auf dem Campus
Über 2500 junge Talente aus 105 Staaten haben
sich mit ihren Filmen beworben. 500 aus
89 Ländern erhielten eine Zusage und können
sich nun auf eine aufregende Woche auf dem
3. Talent Campus der Berlinale freuen. Motto
des Campus, der vom 13. bis 17. Februar im
Haus der Kulturen stattfindet, ist in diesem
Jahr „Designing Your Future“. Aus Nordrhein-
Westfalen werden sieben junge Talente ihre Zukunft
gestalten: Jaime Barrios, Sandra
Stallmeier, Miriam Gröber, Frances Soeder,
Robert Wiezorek, Atischeh Hannah
Braun und Karsten Scheunemann.
Alle Teilnehmer und das volle Programm, das
Fragen zur Filmförderung in Nordrhein-Westfalen?
Dann treffen Sie die Mitarbeiter der Filmstiftung
NRW in Berlin. Auch in diesem Jahr
finden Sie die Filmstiftung während der Berlinale
wieder auf dem Potsdamer Platz am Stand
von Focus Germany, dem Zusammenschluss
der deutschen Filmförderungen. Die Adresse:
European Film Market im Atrium des Debis-Hauses,
German Boulevard, Eichhornstr. 3.
Für den European Film Market heißt es nach
der Berlinale Abschied nehmen vom Potsdamer
Platz. Ab 2006 wird der Markt im benachbarten
Gropius-Bau stattfinden.
Filmstiftung NRW auf der Berlinale,
Tel. (030) 25291799;
Fax (030) 60034387
sich vor allem dem Bereich Production Design
widmet und täglich ab 14 Uhr auch den inoffiziellen
Talenten offen steht, unter www.berlinale-talentcampus.de.
Die ifs internationale filmschule Köln
ist auf dem Campus nicht nur mit einem Stand
vertreten, sondern bietet auch eine eigene Veranstaltung
an: Am Beispiel des russischen Blockbusters
„Night Watch“, der auch auf der Berlinale
läuft, werden am 17. Februar Promotion,
Design und Marketingstrategien analysiert.
Talent Campus, Tel. (030) 25920515;
info@berlinale-talentcampus.de
Till Endemanns
„Das Lächeln der Tiefseefische“
in der Perspektive.
Foto: Zieglerfilm Köln
Konrad R. Müller:
„Klimt“ im Focus
Er hat Golda Meir, Sadat und Arafat ebenso
fotografiert wie die deutschen Bundeskanzler.
Seit Anfang des Jahres begleitet der Fotograf
Konrad R. Müller nun mit seiner Kamera die
Dreharbeiten zu Roul Ruiz’ Künstlerbiographie
„Klimt“ (siehe auch Seite 32) in Wien und
Nordrhein-Westfalen.
Während ihres Berlinale-Empfangs in der
Landesvertretung NRW präsentiert die Filmstiftung
mit dem Land NRW 20 ausgewählte
Aufnahmen, die der 64-jährige Fotograf
mit den Hauptdarstellern John Malkovich
und Veronica Ferres am Set in Wien geschossen
hat.
Die Ausstellung mit hochformatigen (80x60)
Schwarz-Weiß-Bildern, die in Berlin nur an diesem
einen Abend zu sehen sein wird, soll zu einem
späteren Zeitpunkt auch in NRW präsentiert
werden. Der Newsletter wird Sie frühzeitig
über Ort und Zeit informieren.
Shooting Stars
127 junge Schauspieltalente können sich bislang
mit dem Titel Shooting Star schmücken.
In diesem Jahr kommen 21 neue dazu, die die
European Film Promotion (EFP) während
der Berlinale wieder der Öffentlichkeit vorstellen
wird. Aus Österreich ist die 24-jährige Franziska
Weisz dabei, die bereits 2004 Jahr beim
Festival de Cannes in Jessica Hausners
„Hotel“ einen Auftritt auf dem roten Teppich
hatte. Der Kinofilm, der im Januar auch auf dem
Festival Max-Ophüls-Preis in Saarbrükken
lief, wurde von der Filmstiftung NRW
gefördert. Aus Deutschland wurde Max Riemelt
ausgewählt. Der 21-jährige Schauspieler
war in beiden „Mädchen, Mädchen“-Filmen zu
sehen und spielt die Hauptrolle in Dennis Gansels
aktuellem Kinofilm „Napola“.
EFP, Tel. (040) 3906252;
info@efp-online.com
newsletter@filmstiftung.de – Berlinale
„Die kleine Monsterin“
kann nicht schlafen.
Foto: Schatz Filmproduktion
Im Wettbewerb: „Paradise Now“
von Hany Abu-Assad

Sechs Regisseure, sechs Filme: „Lost and Found“
eröffnet das Forum. Foto: Icon Film
Der Osten
wird farbig
Nach Sundance nun
auch im Panorama
der Berlinale:
„Stranger“. Foto:
Bavaria Film International
Herbert Schwering und Christine Kiauk,
Produzenten der Kölner Icon Film, sind auf der
Berlinale mit gleich vier Filmen präsent. Drei
davon erhielten eine Förderung von der Filmstiftung
NRW. So wird das 35. Internationale
Forum des Jungen Films am 11.
Februar 2005 mit der Uraufführung des Kinofilms
„Lost and Found“ eröffnet. Die sechs Episoden
zum Thema „Generation“ wurden von
jungen Filmemachern aus Osteuropa gedreht.
Icon Film koproduzierte den Film mit relations,
einem Initiativprojekt der Kulturstiftung des
Bundes und sechs Produktionsfirmen aus Bulgarien,
Rumänien, Serbien, Bosnien, Ungarn und
Estland. Außerdem von Icon produziert und auf
den Filmfestspielen zu sehen sind: „Crash Test
Dummies“ von Jörg Kalt (Forum), „Saratan
– Hochsommer“ von Ernest Abdyshaparov
Panorama: Go East
Das Gerd-Ruge-Stipendium, das die Filmstiftung
NRW seit 2002 an junge Dokumentarfilmer
vergibt, trägt Früchte. Mit ihrem
Film „Weisse Raben - Alptraum Tschetschenien“
über den Krieg im Kaukasus erhielt die Gerd-
Ruge-Stipendiatin Tamara Trampe eine Einladung
ins Panorama der Berlinale. Die Koproduktion
der zero Film mit ZDF/arte ist
eine von sechs geförderten Produktionen, die
in der Sektion zu sehen sind und die – abgesehen
von Lutz Hachmeisters „Das Goebbels-Experiment“
– alle im Osten oder Nahen
Osten spielen.
In seiner neuen Doku begibt sich Hachmeister
gemeinsam mit Michael Kloft auf die
Spuren von Joseph Goebbels. Ohne Stimmen
von Zeitzeugen und Kommentierungen durch
Historiker verlassen sie sich in ihrer Koproduktion
mit dem ZDF ganz auf alte Archivaufnahmen
und Udo Samel, der aus den Tagebüchern
des Propagandaministers vorliest.
Im Mittelpunkt der deutsch-polnischen Koproduktion
„Stranger“ von Regisseurin Malgorzata
Szumowska steht eine junge Frau,
die sich für oder gegen ihr ungeborenes Kind
entscheiden muss. Die Koproduktion der Warschauer
STI mit der Kölner Pandora war bereits
auf dem Festival in Sundance zu sehen.
Ebenfalls als Ost-West-Koproduktion entstand Ernest
Abdyjaparovs Kinofilm „Saratan“, in dem
er von den Bewohnern eines kirgisischen Bergdorfs
erzählt, die schon lange nicht mehr an „besseren
Zeiten“ glauben. Die deutsch-kirgisische Koproduktion
entstand in Zusammenarbeit des
Kyrgis Filmstudio, der Berliner Viet Filmproduktion
und der Kölner Icon Film.
In ihrer Doku „Massaker“ schließlich erzählen
Monika Borgmann, Lokman Slim
und Hermann Theißen von den Massakern
in Sabra und Shatila, dem 1982 1000 bis 3000
palästinensische Zivilisten zum Opfer fielen. Die
Täter stammten aus den Reihen der Forces Libanaises.
Die Doku über das Verbrechen produzierte
die Kölner Lichtblick als internationale
Koproduktion mit dem WDR.
(Panorama) und die Doku „Was lebst Du?“ von
Bettina Braun (Perspektive). Die von Schwering
gegründete Filmfirma ist seit 1998 in Köln
tätig und machte sich in den vergangenen Jahren
vor allem mit ambitionierten Jugend-Filmen
(u.a. „Fickende Fische“) einen Namen. Zugleich
knüpften die Kölner intensive Kontakte zu Filmschaffenden
in Mittel- und Osteuropa und speziell
in Kirgisien. Kurz vor der Berlinale sprach der
Newsletter mit Herbert Schwering über sein Engagement
im Osten.
Beim Forum des Jungen Films spiegeln
Filme wie „Lost and Found“ ein neues
Selbstverständnis der jungen Generation
von Filmschaffenden aus Mittel- und
Osteuropa wider. Welche Erfahrungen haben
Sie als Produzent gemacht?
Es gab die Idee eines Netzwerks zwischen
uns und den beteiligten Filmemachern aus sechs
Ländern. Tatsächlich sind neue Zusammenhänge
entstanden, auch ganz ohne uns. So wurde et-
Int. Forum:
Lost and Found
Mit einer geförderten Produktion der Filmstiftung
NRW eröffnet das Internationale
Forum des Jungen Films sein Programm
auf der Berlinale. „Lost and Found“ heißt das
multinationale Projekt, bei dem sechs junge Filmemacher
aus Mittel- und Osteuropa Kurzfilme
zum Thema „Generation“ entwickelten, die
mit einer eigenständigen Animations-Geschichte
umrahmt werden. Die Filmemacher
(Mait Laas, Nadejda Koseva, Cristian
Mungiu, Jasmila Zbanich, Kornél Mundruczó
und Stefan Arsenijevic) realisierten
ihre Filme in ihrem Heimatland, die Postproduktion
fand in Deutschland statt. Produziert
wurde das Initiativprojekt der Kulturstiftung
des Bundes von der Kölner Icon Film, die
im Forum auch mit dem ebenfalls geförderten
Kinofilm „Crash Test Dummies“ vertreten ist. In
der deutsch-österreichischen Koproduktion mit
der Wiener amour four und dem WDR erzählt
Jörg Kalt die tragikomische Geschichte
eines jungen rumänischen Pärchens, das ohne
Geld in Wien strandet.
In den Ortschaften zwischen Bonn und Köln
hat sich Regisseurin Alexandra Sell für ihre
Doku „Durchfahrtsland“ umgesehen. In dieser
Region, die weder städtisch noch ländlich ist,
begleitet sie fünf Menschen, die ihre Ziele trotz
Rückschlägen weiter verfolgen. Die Produktion
der Kölner 2 Pilots entstand in Zusammenarbeit
mit ZDF/Das kleine Fernsehspiel.
wa grenzüberschreitend Technik ausgetauscht.
Weil die Produktion sehr gut gelaufen ist, wird
das auch für die zukünftigen Projekte von Icon
Film nicht ohne Folgen bleiben. Mit Stefan Arsenijevic
und seinem
Produzenten in Belgrad
gibt es konkrete Pläne
für weitere Projekte.
Wie gehen Sie
bei Produktionen in
mittel- und osteuropäischen
Ländern
mit unterschied-
Herbert Schwering,
lichenVor-Ort-Ge- Icon Film
gebenheiten um?
Man muss sich die Strukturen immer wieder
neu erschließen. In Belgrad etwa war es ein
Problem, für „Lost and Found“ eine 35 mm-Kamera
zu finden, die auch bezahlbar war. Über
kleine Umwege sind wir an die Technik von Emir
Kustorica gekommen, der uns nach Kräften
Perspektive:
Lächelnde Fische
Mit den letzten drei Ausgaben seiner Berlinale-Reihe
Perspektive Deutsches Kino hat
es Alfred Holighaus geschafft, eine starke
Leistungsschau des deutschen Kinos auf die Beine
zu stellen. Umso gespannter darf man auf
die vierte Ausgabe sein, bei der die Filmstiftung
NRW mit der geförderten Produktion
„Das Lächeln der Tiefseefische“ vertreten ist. In
seinem Debütfilm, den Regisseur Till Endemann
in vergangenen Sommer in Mecklenburg-Vorpommern
in Szene setzte und der auch
im Wettbewerb des Festivals Max-Ophüls-
Preis zu sehen war, erzählt er eine Coming-of-
Age-Geschichte, die auf einer Ostsee-Insel spielt.
Jakob Matschenz, Alice Dwyer und Peter
Kurth spielen die Hauptrollen in der Produktion
der Zieglerfilm Köln und
WDR/arte.
In ihrem ebenfalls geförderten Episodenfilm
„Weltverbesserungsmaßnahmen“ wollen
die Regisseure Jörn Hintzer und Jakob
Hüfner mit ihrer Produktionsfirma Datenstrudel
liebevoll kritisch und auf satirische Art
und Weise zeigen, wie es ist, wenn Deutsche
versuchen die Welt zu verändern und dabei
ganz nebenbei den Utopiemuskel trainieren.
Als Ehrengast erhielt Nico von Glasow
eine Einladung in die Perspektiven. Dort stellt
er seinen geförderten Film über die „Edelweisspiraten“,
die in der Nazi-Zeit in Köln Widerstand
leisteten, als Europapremiere vor.
German Cinema
Für akkreditierte Besucher der Berlinale hat Heinz Badewitz in der Reihe German Cinema
wieder die interessantesten deutschen Produktionen des letzten Jahres zusammengestellt. Die Filmstiftung
NRW ist in diesem Jahr mit acht Filmen vertreten: „Allein“ von Thomas Durchschlag,
„Agnes und seine Brüder“ von Oskar Roehler, „Aus der Tiefe des Raumes“ von Gil Mehmert,
„Kammerflimmern“ von Hendrik Hölzemann, „Männer wie wir“ von Sherry Hormann, „Kebab
Connection“ von Anno Saul, „Sommersturm“ von Marco Kreuzpaintner und die verleihgeförderte
WDR-Produktion „Alles auf Zucker“ von Dani Levy, die im Januar am Startwochenende
einen hervorragenden Kopienschnitt von über 1000 Besuchern erzielte.
unterstützt hat. In Kirgisien merkt man, dass das
Land im Aufbruch ist. Als wir vor fünf Jahren für
den Dokumentarfilm „Milch und Honig aus Rotfront“
dort waren, mussten wir in schwarz-weiß
drehen und viel improvisieren. Jetzt war es möglich,
„Saratan“ in Farbe zu realisieren.
Welche Rolle spielen Sie als hiesiger
Produzent in einer west-östlichen Koproduktion?
Von unserer Seite sollte man mehr darauf
achten, wie ein Film auf internationale Festivals
kommt und ihn so verkaufen, dass Geld zurückfließt.
Wichtig ist, nicht von hier aus allein
produzieren zu wollen, sondern gemeinsam Verantwortung
zu übernehmen. Es geht ja nicht um
Filme, die nur in Deutschland funktionieren.
Gleichzeitig gilt, dass diese Filme nur entstanden
sind, weil wir sie von hier aus angeschoben
haben.
Icon Film, Tel. (0221) 322053;
info@icon-film.de
Berlinale – newsletter@filmstiftung.de 5

Einen Film über Europa
wollte Hannes Stöhr
machen, über dieses Mosaik
der vielfältigen Regionen,
Kulturen und Mentalitäten
und die Probleme der
Menschen, sich einander
mitzuteilen. Die zwischen-
menschliche Verständigung
war nicht nur Thema
des Films „One Day in
Europe“, sondern auch das
der Produktion.
enn Regisseur Hannes Stöhr an die
Wvergangenen Neunziger zurückdenkt,
beschleicht ihn sofort wieder „dieses
europäische Gefühl“. Nach dem Fall
des Eisernen Vorhangs lag überall Neugierde
und Aufbruch in der Luft. Man traf
Menschen aus vormals fremden Ländern
wie Polen oder Russland, kam mit ihnen
ins Gespräch, ebenso wie mit den Engländern,
Franzosen oder Skandinaviern,
die schon früher mit dabei waren. Mit der
neuen Offenheit stellte sich die Frage
nach der Verständigung: „Intellektuelle
sind natürlich im Vorteil, weil sie eine
Fremdsprache meist einigermaßen beherrschen“,
sagt Stöhr. „Aber auch sie reden
häufig mit Händen und Füßen. Am
Ende landet man meist bei diesem Basic
English.“ Doch das hat ebenfalls seine
Tücken, denn selbst wenn Deutsche und
Russen die gleichen Vokabeln benutzen,
müssen sie nicht immer das Gleiche meinen.
Stöhr kennt diese Situationen aus eigener
Erfahrung. Er war viel unterwegs,
studierte in Santiago de Compostela in
Spanien und lebte längere Zeit in Istanbul.
Für seinen Film „Berlin is in Germany“
war er häufiger in Moskau. Vier Sprachen
spricht er fließend. Irgendwann kam
dann die Idee, einen Film über Europa zu
machen, über dieses Mosaik der vielfältigen
Regionen, Kulturen und Mentalitäten
und ihre alltäglichen Probleme, sich
einander mitzuteilen.
„One Day in Europe“ erzählt diese Ge-
6
Making of „One Day in Europe” von Hannes Stöhr
Mit Händen und Füßen
VON WOLFGANG HIPPE
schichten, wobei die deutsche Übersetzung
des Titels schon wieder die Vieldeutigkeit
der sprachlichen Kommunikation
signalisiert: Sie kann sowohl „Ein Tag
in Europa“ wie „Eines Tages in Europa“
heißen. In jedem Fall haben es eine englische
Geschäftsfrau und eine Rentnerin
in Moskau, ein deutscher Rucksacktourist
und ein Taxifahrer in Istanbul, ein ungarischer
Pilger in Santiago de Compostela
und ein französisches Straßenkünstler-
Pärchen in Berlin an diesem einen Tag und
zur gleichen Zeit mit der Polizei zu tun: vier
Städte, vier Diebstähle, vier Polizeiwachen
und ein Großereignis, das den ganzen
Kontinent in seinen Bann zieht und vor die
Fernseher zwingt. „Man kann Fußball mögen
oder nicht“, bekennt der Filmemacher,
erklärter Fußballfan und aktiver Freizeitkicker,
„aber wenn man ein kulturelles
Event benennen soll, das von Moskau
bis Istanbul und Lissabon, von Spanien
über England bis Helsinki wahrgenommen
wird, dann ist es das Finale der Champions
League. Hier spürt man so etwas wie europäische
Identität.“ Stöhr hat keinen Fußballfilm
gemacht. Ihn interessiert die Faszination,
die der Sport ausstrahlt. Die Momente,
in denen die Spannung des Endspiels
nicht nur die Fans im Stadion erfasst,
nutzt er als roten Faden. Im Film ist das
Spiel stets über den Fernseher präsent –
und über die Fans, die sich, das Spiel und
die Vereinsfarben immer wieder ins Bild
schieben. Die Auswahl der beiden Mann-
Szenen aus Europa. Istanbul: Florian (Florian Lukas) und Attila (Erdal
Yildiz), Moskau: Elena (Luidmila Tsvetkova) und Kate (Megan
Gay) und Santiago: Gabor (Peter Scherer) und Sarxento Barreda
(Miguel de Lira). Foto: Moneypenny Film.
newsletter@filmstiftung.de – Making of
schaften des fiktiven Finales ist zugleich
eine ironische Metapher auf den von dem
amerikanischen Politologen Samuel
Huntington schon vor einigen Jahren prophezeiten
„Clash of Civilisation“ der Weltreligionen.
An diesem Tag stehen sich Galatasaray
Istanbul und Deportivo La Coruna
gegenüber. Der vielfache türkische
Meister spielt traditionell in Gelb-Rot (was
auch die spanischen Nationalfarben sind),
feiert 2005 sein hundertjähriges Bestehen
und steht für die islamische Türkei, die in
der Europäischen Fußballunion UEFA
mitmacht und jetzt auch der „richtigen“
Europäischen Union beitreten will. Der
mehrfache spanische Meister Deportivo
(traditionell in Blau-Weiß) führt seit seiner
Gründung vor 99 Jahren ein blaues Kreuz
im Vereinswappen. Die Stadt liegt nur ein
paar Kilometer von Santiago de Compostela
weg, dem „apostolischen Mekka“
des katholischen Abendlandes. Moschee
gegen Basilika also. „Geht Europa vielleicht
mit dem Eintritt der Türkei in die EU
unter?“, fragt Stöhr eher rhetorisch und
gibt sich gleich die Antwort: „Im Endeffekt
werden alle Fußball gucken.“ Verständigungsprobleme
gibt es ja selbst in
Kerneuropa: Weil er aus Marseille und sie
aus Paris stammt, redet das französische
Pärchen in Berlin manchmal aneinander
vorbei. Und der ostdeutsche Tourist kann
in Istanbul seinem türkischen Taxifahrer
auch deshalb nicht folgen, weil der astrein
schwäbelt.

„Die zwischenmenschliche Verständigung
war nicht nur Thema des Film,
sondern auch das der Produktion“, sagt
Produzentin Anna Leppin von der Berliner
moneypenny filmproduktion im Rückblick
– und mit einem kleinen Seufzer. Denn es
galt, den Dreh in einem sehr engen Zeitplan
und in vier Städten quer über den
ganzen Kontinent zu organisieren. Das
klappte nicht immer reibungslos. Die logistischen
Schwierigkeiten mit dem Zoll
zwischen Moskau und Istanbul etwa waren
beträchtlich. Der Inhalt jedes der mitgeführten
63 Behältnisse (Gesamtgewicht
mehr als eine Tonne) musste auf einer beglaubigten
Liste einzeln aufgeführt und
vorab mitgeteilt werden. Die Kisten wurden
ein- und ausgepackt, was dauert.
Leppin: „Die großen amerikanischen Produktionsgesellschaften,
die damals gerade
in Moskau gedreht haben, mussten
zehn Tage auf ihre Technik warten. Wir
hatten nur drei Tage angesetzt und haben
ziemlich gezittert, dass es in dieser Zeit
klappt.“ Es klappte dann irgendwie mit nur
einem Tag Verzögerung.
Insgesamt legte die zwölfköpfige
Kern-Crew mit Regisseur, Produzentin und
Heads of Departments knapp 10.000 Kilometer
zurück. Vor Ort war jeweils zusätzliches
lokales Personal engagiert, so
dass insgesamt rund 150 Personen am
Projekt beteiligt waren. „Die Zusammenarbeit
im Team war wirklich gut“, lobt
Stöhr seine Mitarbeiter, „Filmhandwerk
hat eine universelle Sprache“. Die Schauspieler
wurden nach der Muttersprache
besetzt: So spielt eine Engländerin die Engländerin
im Film, ein Ungar den Ungar
und so fort. Der Ton wurde direkt am Set
aufgezeichnet. Produzentin Leppin: „Es
gibt im ganzen Film keinen nachsynchronisierten
Satz.“ So sprechen die Darsteller
ihre Sprache oder radebrechen je
nach Bedarf – eben wie im richtigen Leben.
Eine „saubere deutsche Übersetzung“
hätte den Charme der Story zerstört.
Auf gelegentliche Untertitel wollte
man allerdings nicht verzichten. „Aber“,
so Leppin, „ der Film funktioniert auch ohne
sie. Man kann, aber braucht sie nicht
zu lesen.“ Am Ende erwartet die Zuschauer
ein furioses Finale. ZDF-Sportreporter
Rolf Töpperwin kommentiert, die
Fans bangen, und die Galatasaray-Kurve
skandiert rhythmisch: „Europa, Europa –
hörst Du unsere Rufe ?! Europa, Europa
– hörst Du unsere Hufe ?!“ – europäischer
Alltag.
One Day in Europe (90 min. color, 35 mm, Cinemascope),
Regie und Drehbuch: Hannes Stöhr
Kamera: Florian Hoffmeister, Produzentin:
Anna Leppin, Mit: Florian Lukas, Erdal Yildiz,
Rachida Brakni, Miguel Deleda u.a. Eine Koproduktion
von moneypenny filmproduktion
mit Filmanova S.L, Filmanova Invest S.A,
workshop, ZDF - Das kleine Fernsehspiel in
Zusammenarbeit mit Arte und Televisión de
Galicia S.A, www.pifflmedien.de
Making of – newsletter@filmstiftung.de
Pictorion Pictures präsentiert
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CINCOTTI UND WILLIAM ULLRICH ALS JUNGEN BOBBY CASTING JOANNA COLBERT CASTING EUROPA MARY SELWAY CDG FIONA WEIR RISA KES JIL GREEN CDG
ASSOCIATE PRODUCER ANNA CAMPEAU CHRISTIAN FROHN JEREMY WHELEHAN HERSTELLUNGSLEITUNG GUY TANNAHILL EXECUTIVE PRODUCER MICHAEL BURNS PETER BLOCK
JASON CONSTANTINE JIM REEVE STEVE ROBBINS THIERRY POTOK HENNING MOLFENTER JOANNE HOROWITZ DOUGLAS E. HANSEN MARK DAMON
MUSIKLEITUNG JOHN WILSON MUSIKPRODUZENT PHIL RAMONE CHOREOGRAPHIE ROB ASHFORD MAKE UP & FRISUREN PETER SWORDS KING KOSTÜME RUTH MYERS SCHNITT TRE-
VOR WAITE SZENENBILD ANDREW LAWS KAMERA EDUARDO SERRA ASC AFC PRODUZIERT VON ARTHUR E. FRIEDMAN PRODUZIERT VON ANDY PATERSON JAN FANTL KEVIN
SPACEY BUCH KEVIN SPACEY UND LEWIS COLICK REGIE KEVIN SPACEY
Soundtrack erhältlich bei
Rhino/Warner Strategic Marketing
www.beyondthesea-derfilm.de
AB 17. FEBRUAR IM KINO!

Egoli Tossell:
Tochter im Westen
Das in der Medienregion vorhandene Knowhow
bei internationalen Kino-Produktionen und
die Nähe zu Frankreich und Benelux waren für
die Berliner Egoli Tossell Film AG ausschlaggebend,
in Köln die Tochterfirma Egoli
Tossell Film Köln GmbH zu gründen
(Neue Maastricher Str.12-14, 50672 Köln). Geschäftsführer
der Firma sind Jens Meurer, Judy
Tossell und Oliver Damian. Ihr erstes
Spielfilmprojekt „Shooting Dogs“ ist derzeit in
der Postproduktion. Das Drama, das den Genozid
in Ruanda thematisiert, wurde an Originalschauplätzen
unter der Regie von Michael
Caton-Jones („Rob Roy“) realisiert. Die Hauptrollen
spielen Hugh Dancy und John Hurt.
Als Produzenten zeichnen Meurer, David Belton
(BBC Films) sowie Pippa Cross (Cross
Day Productions) verantwortlich. ZDF/arte
ist als deutsch-französischer Koproduzent beteiligt.
Ebenfalls in der Postproduktion befindet
sich das Feel-Good-Movie „Lively up Yourself“,
das unter der Regie von Ed Herzog in Köln
und auf Jamaika gedreht wurde – mit Heike
Makatsch als Countrysängerin Helen, die es
auf die Reggae-Insel verschlägt.
Neben mehreren neuen Spielfilmprojekten
haben die Kölner für 2005 auch ein internationales
Dokumentarfilmprojekt in Planung.
„Menachmem und Fred“ erzählt die Geschichte
von zwei in Deutschland geborenen jüdischen
Brüdern, die sich nach dem Zweiten Weltkrieg
Richtung Amerika und Palästina trennten und
nun nach 50 Jahren wieder begegnen. Die Regie
führen Ofra Tevet und Ronit Kertsner.
Egoli Tossell Film Köln,
contact@egolitossell.com
Gabriele Hübner-Voß und Christoph Hübner
Orden für Hübner
Die Wittener Filmemacher Gabriele Hübner-
Voß und Christoph Hübner wurden am 21.
Dezember von NRW-Ministerpräsident Peer
Steinbrück für ihre „Verdienste um die Filmkultur
in Nordrhein-Westfalen und ihre Filmarbeit
im Ruhrgebiet“ mit dem Verdienstorden des
Landes NRW ausgezeichnet. Ihr gemeinsames
Werk fand jüngst in der von der Filmstiftung
NRW geförderten Kinodoku „Die Champions“
einen weiteren vorläufigen Höhepunkt, der im
Frühjahr 2005 nicht nur im WDR ausgestrahlt
wird, sondern zudem ab sofort auf DVD erhältlich
ist. Darüber hinaus findet auch Christoph
Hübners „Dokumentarisch arbeiten“ mit den
Teilen 15 und 16 ihre Fortsetzung. Im Februar
und März strahlt 3sat zwei neue Folgen der Gesprächsreihe
aus, dieses Mal mit den Regisseuren
Harun Farocki (20.2.) und Nikolaus
Geyrhalter (20.3.).
Hübner Filmproduktion, Tel. (02302)
25300; huebner-film@t-online.de
8
Technik-Oscar nach Bonn
Mit ihrem Technik-Oscar würdigt die amerikanische
Academy of Motion Picture Arts
and Sciences in diesem Jahr bahnbrechende
Erfindungen im Bereich der Kamera-Kran-
Technologie. Neben einem französischen Erfindertrio
wird 2005 auch der Bonner Horst
Burbulla ausgezeichnet. Vor rund zwanzig Jahren
entwickelte er in Eigenbau einen Teleskop-
Kamera-Kran, der die Aufnahmemöglichkeiten
revolutionierte: „Mit seinem elektronisch gesteuerten,
ausfahrbaren, leichtgewichtigen und
überaus präzisen Kopf erlaubte er der Kamera,
während der Aufnahme zu schwenken“, so die
Academy. Eine Voraussetzung für den Sci-Tech-
Oscar ist, dass die prämierten Neuerungen „ihren
Nutzen über Jahre bewiesen und der Filmindustrie
zu Erfolg verholfen haben“.
Burbulla freut sich über die Auszeichnung.
Muy bien von
Hebestreit
Philipp Hebestreit war Schauspieler, schrieb
Drehbücher und hat als Filmemacher Industrieund
Werbefilme realisiert. Im letzten Oktober
gründete er in Düsseldorf zusammen mit Partnern
die Hebestreit Film Ltd. i.G. Das
Unternehmen mit zwei festen und drei freien
Mitarbeitern will sich auf die Herstellung von
Spielfilmen konzentrieren. In Vorbereitung ist
der Spielfilm „Muy bien“ über einen jungen Börsianer,
der auf Mallorca ein Abenteuer erlebt
und seine große Liebe findet. Weitere Projekte
sind der Kinofilm „Visionary“ und die Dokumentation
„Werte inbegriffen!?“.
Hebestreit Film; Tel. (0211) 6218894;
info@hebestreitfilm.com
Schubert Film
Die Firma des Dokumentarfilmers Dietrich
Schubert ist umgezogen. Die neue Adresse
der Filmproduktion Dietrich Schubert:
Weg 24, 53949 Dahlem-Kronenburg. Zu erreichen
ist die Produktionsfirma unter der neuen
Telefonnummer 06557-7258 oder per Mail
unter DSchubertFilm@aol.com.
Der erste Kran-Prototyp bei Dreharbeiten in Rom 1987 zu dem Kurzfilm
„Im Exil der ertrunkenen Tiger“ von Gi Brenig. Foto: Horst Burbulla
In den vergangenen zwei Jahrzehnten habe sich
der Teleskop-Kran mehr als bewährt, aber „insgesamt
war es nur ein kleiner Schritt im großen
Filmgeschäft“. An der Erfindung war auch der
Medienstandort NRW nicht ganz schuldlos. Gebaut
hat Burbulla den Kran für seinen Spielfilm
„Liebe und Tod“, der 1985 auf dem Filmfestival
von Locarno uraufgeführt wurde. Weil es mit
dem Filmemachen danach nicht mehr recht
weiterging, spezialisierte er sich auf die entsprechende
Technik. Heute arbeitet Burbulla in
führender Position bei dem weltweit agierenden
Unternehmen Technocrane. Am 12. Februar
wird Burbulla die begehrte Trophäe in Beverly
Hills entgegen nehmen.
Horst Burbulla,
Tel. (0171) 7101834;
horst@supertechno.com
Demo-DVD
Die Agentur Ulrike Boldt in Meerbusch hält
ab sofort eine neue Agentur-DVD mit Demobandausschnitten
und Interviews mit 24 Schauspielern
und sieben Nachwuchsdarstellern bereit.
Außerdem ist der aktuelle Schauspiel-Katalog
2005/2006 erschienen.
Agentur Ulrike Boldt,
Tel. (02150) 206562;
office@agentur-ulrike-boldt.de
ZBF: Neue Leitung
Sybille Steinfartz ist seit Januar 2005 neue
Leiterin der Stab- und Technik-Vermittlung der
ZBF-Agentur in Köln (Zentrale Bühnen-, Fernseh-
und Filmvermittlung). Die ZBF Stab/Technik
vermittelt Produktionsleiter, Aufnahmeleiter,
Kameraleute, Cutterinnen, Kostümbildnerinnen
und anderes Fachpersonal für Fernsehsowie
Filmproduktionen und ist in der Inneren
Kanalstraße 69 zu erreichen.
ZBF, Tel. (0221) 55403306;
sybille.steinfartz@arbeitsagentur.de
newsletter@filmstiftung.de – Meldungen
Update
Gründerzentrum
Möglichst bald soll ein audiovisuelles Gründerzentrum
in Köln-Mülheim Absolventen von
Film- und Medienhochschulen eine Chance zur
Unternehmensgründung geben und sie so an
den Medienplatz NRW binden. An der AV-
Mediengründerzentrum GmbH, deren
Gründung der Kölner Stadtrat unlängst beschlossen
hat, beteiligt sich neben der Stadt
Köln auch die Filmstiftung NRW. Geschäftsführer
Michael Schmid-Ospach will
„das Projekt mit allem erdenklichen Know-how
unterstützen.“ Auch die IHK Köln will sich an
der Gesellschaft beteiligen. Aktuell laufen Gespräche
mit weiteren potenziellen Gesellschaftern.
Wolfgang Fuchs als Leiter der
stadtkölnischen Medienstabsstelle ist sich sicher,
„dass wir im ersten Vierteljahr zum Notar gehen
können“. Die Stadtsparkasse Köln hat
für die nächsten Jahre finanzielle Unterstützung
am Aufbau des ambitionierten Projektes zugesagt.
Für „außerordentlich wichtig“ hält auch
Norbert Schneider, Direktor der NRW-Landesanstalt
für Medien (LfM) die Idee des
Gründerzentrums. Auf Nachfrage sagte Schneider,
die LfM werde sich zwar nicht als Gesellschafterin
beteiligen, aber in Köln „von Fall zu
Fall gezielt Projekte fördern.“ Vor Ort in Mülheim
hält Investor Bernd Odenthal ein Gründerzeit-Gebäude
mit rund 3000 qm Fläche bereit,
in dem sich Gründer mit etablierten Firmen
kombinieren können. Ankermieter wird die Colonia
Media.
Medienstabsstelle Köln,
Tel. (0221) 22124571;
josefine.woithe@stadt-koeln.de
Cineworld
Entertainment
Die Bochumer Cineworld Entertainment,
die bislang vor allem im Bereich des Lizenzhandels
aktiv war, beschreitet 2005 neue Wege
und wird auch als Filmanbieter aktiv. Mitte
Februar 2005 erscheint bei Cineworld der Arthaus-Titel
„Two Small Bodies – Zwei Körper“ auf
DVD. Die New Yorker Kultregisseurin Beth B.
hat die Koproduktion von Produzent Daniel
Zuta mit dem ZDF in Szene gesetzt. Die
Hauptrollen in dem Kammerspiel spielen Fred
Ward und Suzy Amis. Fast zeitgleich veröffentlicht
Cineworld in Zusammenarbeit mit der
Münchner Eurovideo „Alles nur Tarnung“ von
Peter Zingler. Die DVD wird neben einem
Making Of, auch ein Interview mit dem Produzenten
und dem Regisseur des Films, in dem
Mario Adorf, Ben Becker, Muriel Baumeister
und Heinz Hoenig die Hauptrollen
spielen, enthalten. Cineworld sieht sich dabei
nicht nur als kommerzieller Anbieter. „Die Verramschung
des Films im Allgemeinen und der
Big-Budget-Kommerz zerstören immer mehr die
tatsächliche Absicht des Films. Film soll zum
Nachdenken anregen und zur Bereicherung des
Alltags beitragen“, so Cineworld Inhaber Oliver
Bartkowski. Mehr Infos über das Programm
unter www.cineworld-entertainment.com
Cineworld, Tel. (0234) 300011;
Cineworld1@aol.com

Pictorion mit Komplett-Programm
Die Hürther Postproduzenten Pictorion das
Werk melden den Erwerb ihres neuen Filmscanners
Imager XE Advanced. Weltweit
sind erst sieben solcher Geräte im Einsatz, davon
nur eines in Europa. Die Kombination des
Imagica Scanners mit dem Colour Grading System
Baselight und dem bereits vorhandenen
Arri-Laser ermöglicht ab sofort, ein komplettes
Filmprojekt mit Spielfilmlänge ohne Qualitätsverlust
in einem lückenlosen, datenbasierten
Workflow zu bearbeiten. Dieses weit über
HD-Standard hinaus gehende Niveau wird in
Deutschland in dieser Form, so Pictorion, erstmalig
realisiert. Nach Testläufen werden derzeit
erste Aufträge bearbeitet.
Pictorion das Werk, Tel. (2233)
7934249; s.laux@das-werk.de
Schwelmer Scoop
Im Städtchen Schwelm bei Wuppertal gibt es
kein First Class Hotel und kaum teure Büros in
erstklassiger Lage – so ist das in der Provinz. Gerade
deshalb hat die PR-Agentur Scoopcom!
hier ihren Firmensitz genommen – man spart
Kosten und kann deshalb, so der Firmenslogan,
„erstklassige Leistungen für zweitklassige Preise“
bieten. Firmeninhaber Philip Militz leistet
sich mit Tina Wallert auch nur eine feste
Mitarbeiterin. Die Referenzliste umfasst von
RTL über VIVA, ZDF bis zum WDR alle möglichen
Sender sowie Show-Größen wie Reinhold
Beckmann, Bärbel Schäfer, Barbara
Schöneberger und Dieter Gorny. Für
ProSieben begleitet Scoopcom! im Februar
eine Woche lang die Oscar-Verleihung. Täglich
werden für interessierte Redaktionen der
Print- und Radio-Partner in Deutschland kostenlos
exklusive Oscar-News, Beiträge und
Interviews mit ProSieben-Moderatorin Miriam
Pielhau „direkt aus Hollywood“ produziert.
Kürzlich übernahmen die Schwelmer auch die
Print-, Funk- und Online-PR für den Film „Status
yo“ – einen Monat vor der Premiere.
Scoopcom!, Tel.( 02336)
870750;mail@scoopcom.de
Trauer um
Werner Possardt
Über 225.000 Menschen starben bei der Flutkatastrophe
in Asien. In der unvorstellbaren Höhe
bleiben die Toten abstrakt, konkret erfahrbar
wird die Katastrophe erst durch das Einzelschicksal.
Eines der Tsunami-Opfer ist der Kölner
Regisseur und Produzent Werner Possardt,
der im thailändischen Khao Lak seinen
Urlaub verbrachte.
1980 drehte Possardt gemeinsam mit
Frank Döhmann seinen ersten Film „Fünf Flaschen
für Angelika“ und sechs Jahre später seinen
Kultfilm „Xaver“, für den er selbst das Drehbuch
schrieb. Danach verlegte er sich aufs Produzieren
und realisierte mit seiner 1980 gegründeten
Produktionsfirma Calypso, mit der
er 2002 auf Grund der Branchenkrise Insolvenz
anmelden musste, u.a. Produktionen wie „Fandango“,
„Schnapper“, „Swimming Pool“ und
„Am Ende die Wahrheit“.
Digitales Konzept
aus Düsseldorf
Ein neues Finanzierungs- und Logistikmodell für
das digitale Kino steht in den Startlöchern. Der
Düsseldorfer Kinoausstatter Filmtontechnik
Rüttgers (FTT) stellt es gemeinsam mit dem
Lütticher Dienstleister XD Cinema vor. Es könnte
den Durchbruch zum digitalen Kino bringen.
Das Konzept richtet sich sowohl an Verleiher
als auch an Kinos. Filmverleiher können über
das XDC-Netzwerk alle Dienstleistungen von der
Digitalisierung bis zur Distribution der Filme über
Festplatte, Satellit oder Glasfaser in Anspruch
nehmen. Für sie rechne sich das Angebot ab
Starts von etwa zehn digitalen Kopien. Das Einsparpotenzial
liege zwischen 20 und 35 Prozent,
so Egon Gräfen von FTT. Besonderes Augenmerk
richten die Anbieter auf die sichere Verschlüsselung
der Daten.
Filmtheaterbetreibern bietet das Modell eine
hochwertige technische Ausstattung an. Hierin
sind Satellitenschüssel, Server und Projektor
enthalten, je nach Leinwandgröße eines Saals
Lucky Luke reitet
wieder
Für die Deutschen ist Lucky Luke der Held, die
Franzosen drücken den Daltons die Daumen.
Kulturelle Unterschiede lassen sich oft an Kleinigkeiten
festmachen. Nur gut, dass Phillippe
Haims von der Filmstiftung NRW geförderte
Comicverfilmung „Die Daltons vs. Lukky
Luke“ für die Fans beider Lager etwas zu bieten
hat. Seit dem Kinostart in Frankreich am 8.
Dezember haben sich schon über 1,7 Millionen
Besucher über die räuberischen Brüder und Til
Schweiger als einsamen Cowboy amüsiert.
Der Film schaffte es in der ersten Woche sogar
auf Platz zwei der Kinocharts, geschlagen nur
von „Bridget Jones – Am Rande des Wahnsinns“.
Für die deutschen Kinos plant die Falcom
Media Group einen Kinostart des erfolgreichen
Comic-Helden noch in diesem Frühjahr.
Mehr Infos über den Film unter www.
falcom.ch.
Indien-Infos
Kassenschlager in Frankreich,
Deutschlandstart im Frühjahr:
„Die Daltons vs. Lucky Luke“.
Foto: Falcom Media Group AG
Die Indien-Reise der NRW-Filmdelegation Ende
2004 (siehe Newsletter Nov./Dez.) hat großes
Interesse für den Subkontinent erregt. Mehr
Infos über Land und Film bietet eine Broschüre,
die das DGB-Bildungswerk herausgeben
hat. Unter dem Titel „Realität und Illusion – Der
indische Film im Globalisierungsstrudel“ liefert
die Dokumentation Artikel und Daten über den
indischen Film. Das Heft kann für eine Schutzgebühr
von 3,50 Euro bestellt werden.
DGB Bildungswerk,
Tel. (0211) 4301258;
nord-sued-netz@dgb-bildungswerk.de
mit 6.000 bis 12.000 Lumen Lichtstärke und einer
Bildauflösung bis zu 2 K im Wert von 70.000
bis 150.000 Euro enthalten. Dafür sind einschließlich
Installation und Wartung Monatsgebühren
zwischen 500 und 1.500 Euro fällig.
Der Einbau der ersten Hardwareanlagen könnte
schon im Frühjahr 2005 beginnen, wenn der
Markt Interesse zeigt. Die Verträge haben nur
zwölfmonatige Laufzeiten, Kinos können mit
überschaubaren Kosten wieder aus dem Netzwerk
aussteigen. Wird die Projektionstechnik für
Vorführungen von Filmen genutzt, die nicht von
XDC geliefert werden, fallen zusätzliche Nutzungsgebühren
zwischen 35 Cent und einem Euro
pro Minute an. „Ein fairer Preis“, so Gräfen.
In die Vertragsbeziehungen zwischen Kino
und Verleih greift das Konzept bewusst nicht ein.
Ob und welcher Höhe Verleihe ihre Einsparungen
an die Filmtheater weitergeben, dürfte das
Ergebnis noch zu führender Verhandlungen werden.
FilmTonTechnik Rüttgers,
Tel. (0211) 373047;
office@ftt-online.de
Wenders als
NRW-Botschafter
Wim Wenders, in Düsseldorf geborene und
in Oberhausen aufgewachsene Filmgröße, wurde
der Verdienstorden des Landes NRW verliehen.
Ministerpräsident Peer Steinbrück
würdigte in seiner Laudatio nicht nur Wenders’
Leistungen als Regisseur von Filmklassikern, sondern
auch seine Verdienste als „inoffizieller Kulturbotschafter“
des Bundeslandes. Hervorzuheben
sei darüber hinaus Wenders’ Einsatz für
die Nachwuchsförderung und sein Engagement
für den Europäischen Film in der European
Film Academy.
Neu: Broadcast
Magazine
Am 21. Januar erschien die erste Ausgabe einer
neuen Medienzeitschrift. Das Broadcast
Magazine wird von Düsseldorf aus jeden Monat
als „Fachzeitschrift für TV und Radio“ Interviews,
Analysen, Trends und Kommentare zum
Thema liefern. Im ersten Heft widmet sich die Redaktion
um Chefredakteurin Sabine Schlosser
den weltweiten Bestsellern der deutschen Fernsehsender
und beschäftigt sich mit der neuen Rolle
der Telefondienstleister im Produktionsgeschäft.
Schlosser möchte das Magazin „zur Diskussionsplattform
der TV- und Radiobranche“
machen. Zuvor war die Diplom-Kauffrau bei der
Fachzeitung Horizont für die Ressortleitung
Medien und Media verantwortlich. Die Zeitschrift
erscheint im neu gegründeten Verlag
Broadcast Press, einer Tochter von T&F Informa.
In Holland erscheint ein Broadcast Magazine
bereits seit 15 Jahren.
Broadcast, Tel. (0211) 96863182;
wibke.greeven@broadcastpress.de
Catering mit
eigener Kantine
Hermann Koenens 1990 gegründeter Cateringservice,
der u.a. die Teams von „Der bewegte
Mann“, „Speer und Er“ und „Papa und
Mama“ verpflegte, vermietet in Köln-Nippes
nun auch Räume. Im Angebot sind eine circa
460 qm große, helle, renovierte Werkskantine
und Büros mit großem Parkplatz sowie Strom,
Wasser und Telefonanschluss, die für Abschlussfeste,
Produktionsbüros und als Studio
gemietet werden können.
Catering, Tel. (0221) 7787070;
cateringhermann@gmx.de
Meldungen – newsletter@filmstiftung.de 9

Olga Benario um 1925. Foto: Neue Visionen
NRW trifft Belgien
Es war als Kennenlern-Treffen gedacht: Auf Einladung
der Filmstiftung NRW und des
Wirtschafts- und Handelsattachés für
die Region Brüssel-Hauptstadt trafen sich
am 17. Januar in Düsseldorf 12 belgische und
24 Produzenten aus NRW. An Fallbeispielen wie
der geplanten Tradewind-Produktion „Mr.
Average“ und der bereits abgedrehten Koproduktion
von typhoon und Fanes „Die Hochzeitsfeier“
wurden erfolgreiche Kooperationen
erläutert und das belgische Steuersystem vorgestellt,
das Filmproduktionen durch ein Tax-
Shelter-Modell fördert. Durch einen Steuerkredit
können dabei 30 bis 50 Prozent des Budgets
finanziert werden, wenn 90 Prozent der Gesamtinvestitionen
in Belgien ausgegeben werden.
Als Anreiz für belgische Investoren gilt, dass
sie bis zu 50 Prozent ihres Vorsteuergewinnes
in Filmproduktionen investieren und diese zu
150 Prozent abschreiben können. Bedingung
ist, dass der Produzent belgischer Steuerzahler
oder als belgischer Koproduzent an den Erlösen
beteiligt ist.
Talking Heads
Mit dem Thema „Mehr Rechtssicherheit für die
Filmbranche? – Der 2. Korb der Urheberrechtsreform“
beschäftigt sich Rechtsanwalt
Dieter Frey am 14. Februar im Rahmen der
Reihe Talking Heads. Der nächste Gast von
VFFVmedia Verband der Fernseh-,
Film-, Multimedia- und Videowirtschaft
e. V. ist WDR-Unterhaltungschef Axel Beyer,
der am 7. März die Unterhaltungsstrategie
des Senders vorstellt. Die Veranstaltungen
finden jeweils um 19 Uhr im Hilton Cologne
statt.
VFFVmedia e.V., Tel. (0221) 577750;
info@vffv.de
10
Revolutionär:
Olga Benario
In der DDR wurden Kindergärten nach ihr benannt,
in Brasilien ist sie eine der bekanntesten
Deutschen, ihm Westen kennt sie kaum jemand:
Olga Benario trat 1923 im Alter von
15 Jahren in München der Kommunistischen
Jugend bei und lebte fortan für die Revolution.
Nach einer bewaffneten Gefangenenbefreiung
musste sie nach Moskau fliehen und wurde kurze
Zeit später von der Kommunistischen Internationale
zusammen mit Louis Carlos Prestes
nach Brasilien geschickt, um dort den
Volksaufstand vorzubereiten. Die Revolte scheiterte,
sie wurde verhaftet und 1936 hochschwanger
an Nazi-Deutschland ausgeliefert.
Im April 1942 wurde sie in den Gaskammern
des KZ Bernburg ermordet.
Nun hat der in Ankara geborene und seit
1973 in Deutschland lebenden Cutter und Regisseur
Galip Iyitanir einen Film über sie gedreht.
Der Verleih Neue Visionen wird die geförderte
Semidokumentation „Olga Benario –
Ein Leben für die Revolution“, an der auch
ZDF/arte beteiligt ist, in den nächsten Monaten
in ausgewählten Programmkinos in NRW
zeigen. Die DVD ist für das laufende Jahr geplant.
Elias Film, Tel. (02236) 381172;
eliasfilm@t-online.de
Filme für KFOR
Gemeinsam mit dem deutschen Verbindungsbüro,
das die Deutsche Botschaft von Serbien-Montenegro
im Kosovo vertritt, organisiert
netzwerkfilm aus Münster eine Deutsche
Filmwoche in Pristina. Noch bis zum 30. Januar
werden insgesamt 20 Langfilme sowie ein
Kurzfilmprogramm mit neun Filmen gezeigt. Neben
großen Publikumserfolgen wie „Good Bye,
Lenin!“ oder „Das Wunder von Bern“ stehen
auch kleinere Produktionen wie „Fremder
Freund“ und „Ghetto Kids“ auf dem Programm.
Das Goethe Institut leistet finanzielle Hilfe
und stellt Filmkopien bereit. Ein Teil des Zielpublikums
sind die 3200 im Kosovo stationierten
deutschen Soldaten des KFOR-Kontingents.
Netzwerkfilm, Tel. (0251) 16254 50;
info@netzwerkfilm.de
Marktforschung
fürs Kino
Von Köln aus bietet die 1986 in Los Angeles gegründete
und international tätige Theatrical
Entertainment Services (TES) Marktforschung
und Überprüfungsdienste für Kinos, Verleiher
und Produktionsfirmen an. Projektleiter
und Ansprechpartner im deutschen Büro der
TES ist Rüdiger Schmidt-Sodingen. TES
führt deutschlandweit Trailer- und Lobbychekks
durch und bietet für Kinobesitzer verdeckt
Servicekontrollen und offene Teamcoachings an.
Für Produktionsfirmen führt TES außerdem Zuschauerbefragungen
durch, die Hinweise zur
Akzeptanz und Wirksamkeit von Marketingmaßnahmen
geben.
TES, Tel. (0221) 9697667;
ruedigerdirk@web.de
IFS: Drei neue
Professoren
Zum Abschluss des Jahres 2004 präsentierte Geschäftsführerin
Simone Stewens die sechs
neuen Teilzeitprofessoren, die in Zukunft an der
ifs internationale filmschule köln (ifs) lehren
werden. Neben den bereits gemeldeten Professoren
Dominik Graf (Spielfilmregie), Gerd
Haag (Kreativ Produzieren) und Peter Henning
(Drehbuch/Dramaturgie) wurden auch
Dietmar Hochmuth (Dokumentarfilmregie),
Oksana Bulgakowa (Filmgeschichte/Filmanalyse)
und Gundolf S. Freyermuth (Ästhetik
und Kommunikation) berufen. Ihre eher
theoretisch ausgerichteten Bereiche komplettieren
das Lehrangebot und erweitern seine
Qualität insgesamt. Daneben setzt die ifs wie
bisher auf das Engagement von Branchenprofis.
Seit 1996 wurden rund 220 Experten mit
Praxiserfahrung an die Schule berufen, die rund
50 Vollzeitstudenten und etwa 150 Teilnehmer
von Weiterbildungsveranstaltungen unterrichten.
Eine Erhöhung der Studienplätze ist jedoch
nicht geplant. NRW-Staatssekretärin Miriam
Meckel bei der Vorstellung der neuen Professoren:
„Wir wollen klein bleiben und setzen
auf Qualität.“ Die Zahl der Bewerbungen auf die
Studienplätze der bundesdeutschen Filmhochschulen
ist etwas zurück-gegangen. Früher
seien auf einen Studienplatz rund 20 Bewerber
entfallen, mittlerweile sind es nur noch
acht. Allerdings habe sich die individuelle Qualität
der Bewerber erheblich erhöht, so ifs-Kuratoriumsmitglied
Georg Feil (Colonia Media).
ifs, Tel. (0221) 9201880;
info@filmschule.de
„Schultze“: reif für den Psychiater.
Foto: filmkombinat Nordost
Analyse im Kino
„Kinosessel statt Couch“ heißt es von nun an
jeden zweiten Sonntagnachmittag im Monat
im Kölner Off Broadway. Die Psychoanalytische
Arbeitsgemeinschaft Köln-
Düsseldorf lädt dann zu ihren Filmpsychologischen
Betrachtungen, bei denen
nach der Filmvorführung nach dem Film hinter
dem Film geforscht wird. Die nächste „Filmtherapie“
widmet sich am 13. Februar, schon
vom Titel her passend, dem Film „Schultze gets
the blues“, der von Dr. med. Sabine Wollnik
analysiert wird. Alle weiteren Termine unter
www.psa-kd.de.
PSA, Tel. (0221) 135901;
psa.k-d@t-online.de
newsletter@filmstiftung.de – Meldungen
Location
Ostbelgien
Burgen, Schlösser, Kathedralen, alte Mühlen und
Bauernhöfe – in den belgischen Ostkantonen
gibt es viele Sehenswürdigkeiten und damit viele
Motive. „Historische Gebäude sind eine unserer
Stärken“ sagt André Sommerlatte, Location-Manager
im Auftrag des belgischen Ministeriums
der deutsprachigen Gemeinschaft.
Sommerlatte, im Hauptberuf TV-
Producer beim deutschsprachigen Belgischen
Rundfunk in Eupen, will dafür sorgen, dass
das Nachbarland als Drehort für deutsche Filmund
TV-Firmen kein Geheimtipp bleibt. Die
Hürther Action Concept und ihre neu gegründete
Tochter Action Concept Cinema
kennen sich in Ostbelgien bereits bestens aus.
So wurden unlängst auf einem Gleis im Bahnhof
von Verviers Teile des Spielfilms „Lasko“ gedreht.
Für Außenaufnahmen stand sogar die Kathedrale
von Lüttich zur Verfügung. Sommerlatte:
„Wenn nötig, würden wir auch das Atomium
in Brüssel besorgen.“ Die Drehgenehmigungen
beantragt Sommerlatte, der die Drehs
auch vor Ort unterstützt – und das auch in französisch-
und flämisch-sprachigen Landesteilen.
André Sommerlatte,
Tel. (0032) 87591900;
a.sommerlatte@brf.be
medienforum.nrw:
Türkei als Partner
Die Türkei ist Partnerland des 17. medienforum.nrw,
das vom 3. bis 5. Juli in Köln stattfindet.
Deshalb bemüht sich die Staatskanzlei
NRW derzeit intensiv um prominente
Gäste vom Bosporus. In Vorbereitung sind auch
der Internationale Filmkongress der
Filmstiftung NRW und das Internationale
Film- und Fernsehfestival Cologne
Conference – beide herausragende Veranstaltungen
des Branchentreffs. Veranstalter
des medienforum.nrw sind das Land NRW,
die NRW-Landesanstalt für Medien und
die Stadt Köln. Die Projekt-Koordination übernimmt
erneut die Kölner Agentur HMR International.
HMR International, Tel. (0221)
4543510; info@hmr-international.de
Int. Filmkongress, Tel. (0211) 930500;
filmkongress@filmstiftung.de
Doku-Reihe in
Düsseldorf
„Bilder aus der Wirklichkeit“ heißt eine neue Dokumentarfilm-Reihe
der Filmwerkstatt Düsseldorf.
Sie beginnt am 25. Februar mit einer
intellektuellen Achterbahnfahrt, auf die Lutz
Dammbeck die Zuschauer seines Films „Das
Netz“ mitnimmt. Am 1. April steht „Traumgewalten“
auf dem Programm. Die von der Filmstiftung
NRW geförderte Produktion von Erwin
Michelberger und Oleg Tcherny wird
im HD-Format aufgeführt. Veranstaltungsort ist
jeweils die Black Box - Kino im Filmmuseum
Düsseldorf.
Filmwerkstatt, Tel. (0211) 4080701;
mail@filmwerkd.de

warm up im K21
Die Freude über den Kinoerfolg von Dani Levys
WDR-Produktion „Alles auf Zucker“ war eines
der Themen auf dem „warm up“, zu dem
die Filmstiftung NRW Mitte Januar ins Düsseldorfer
Museum K 21 einlud. „Die Filmstiftung
war die erste, die an einen Kinoerfolg geglaubt
und uns unterstützt hat“, betonte X Filme-Produzentin
Manuela Stehr. Auch Filmstiftungs-
Chef Michael Schmid-Ospach freute sich über
den hervorragenden Kopienschnitt, blickte aber
auch nach vorne und kündigte einige viel versprechende
Produktionen des neuen Jahres an,
wie z.B. „Schneeland“ von Hans W. Geissendörfer,
Til Schweigers neuen Film „Barfuss“ oder
Heinrich Breloers „Speer und Er“. Sein Dank galt
dem WDR und der Landesregierung für die kontinuierliche
Unterstützung der Filmförderung in
NRW. Heinrich Breloer war eigens aus der Postproduktion
angereist und erzählte gemeinsam
mit seinem Hauptdarsteller Sebastian Koch von
den Dreharbeiten zu seinem Mehrteiler.
450 Gäste waren der Einladung gefolgt und
nutzen die Gelegenheit, alte Branchenkontakte
aufzufrischen und neue zu knüpfen. Maria
Schrader holte sich dabei Regietipps von dem
neuen ifs-Professor Dominik Graf, denn die
Schauspielerin wird - wie sie an dem Abend bekannt
gab - bei der Verfilmung des Romans „Liebesleben“
erstmals Regie führen. Weitere Gäste
waren die NRW-Minister Axel Horstmann,
Ute Schäfer und Wolfram Kuschke, sowie Marc
Conrad, Wolfgang Hahn-Cremer, Joachim Król,
Wolfgang Becker, Gruschenka Stewens, Stefan
Arndt, Miriam Meckel, Kadir Sözen, Bettina Böttinger
und viele andere mehr. Darunter auch
zwölf Produzenten aus Belgien, die sich vor dem
„warm up“ in Düsseldorf mit ihren NRW-Kollegen
zu einem ersten Erfahrungsaustausch getroffen
hatten (siehe auch S. 10).
Alle Fotos: Filmstiftung NRW/Heike Herbertz
Minister Horstmann, Ministerin Ute Schäfer und
Michael Schmid-Ospach
Dominik Graf und Joachim Król
Das K21 in Düsseldorf:
Festlich
beleuchtet für den
warm up der
Filmstiftung NRW
Die X Filmer Stefan Arndt, Wolfgang Becker,
Maria Schrader, Manuela Stehr überreichen
Michael Schmid-Ospach einen „Billardhocker“
als Dankeschön für die „Zucker“ Förderung.
Tom Spieß, Christoph Ott und Claus Boje
Sebastian Koch und Heinrich Breloer berichteten
von ihrem Projekt „Speer und Er“
Michael Schmid-Ospach, Bettina Brokemper (Neue
Impuls/Heimatfilm) und RTL-Chef Marc Conrad
Meldungen – newsletter@filmstiftung.de 11

Abschied von
der KHM
„Nichts soll vergessen werden, so dass sich nichts
wiederholt.“ Was Liv Ullmann 1988 als argentinische
Maria, eine der Mütter der Plaza de
Mayo, im Spielfilm „La Amiga“ sagt, hat ihr Jeanine
Meerapfel in den Mund gelegt. Die Regisseurin,
Drehbuchautorin und Professorin wurde
am 20. Januar nach 15 Jahren Lehre an der
Kunsthochschule für Medien Köln (KHM)
von ihren Kollegen in den Ruhestand verabschiedet.
Die Erinnerung, das Angehen gegen
das Vergessen und die Suche nach der eigenen
Identität sind zentrale Themen der neun Spielund
Dokumentarfilme, die die gebürtige Argentinierin
seit 1981 realisiert hat – im (kultur-)
politischen Spagat zwischen Südamerika, wohin
ihre Eltern vor den Nazis geflüchtet waren,
und Deutschland, wo sie „Im Land meiner Eltern“
1981 cineastisch auf Spurensuche ging.
In ihrem letzten Film „Annas Sommer“ (2001)
geht Ángela Molina als Anna einen Sommer
lang im griechischen Haus ihrer Eltern auf eine
Reise in die Vergangenheit. Meerapfel sei damit
„ein köstlich leichter Film über Abschied und
Tod“ gelungen, urteilte ihr Regie-Kollege Horst
Königstein.
Die Regisseurin, die seit 1964 in Deutschland
lebt, studierte am Institut für Filmgestaltung
an der Hochschule für Gestaltung, Ulm.
Gleich für ihren ersten Spielfilm „Malou“ erhielt
sie 1981 in Cannes den Internationalen Kritikerpreis.
Neben vielen weiteren Preisen wurde
12
Meerapfel mit dem Künstlerinnenpreis des
Landes NRW 2000 im Bereich Filmregie ausgezeichnet.
Seit 1990 war die Filmfrau Professorin
an der KHM mit dem Schwerpunkt Regie
von Dokumentar- und Spielfilmen. Als eine der
Gründungsrektorinnen hat sie die Ausbildung
im Bereich Fernsehen/Film maßgeblich aufgebaut.
Seitdem hat Meerapfel praktisch eine Generation
deutscher Filmemacher mit ausgebildet
und geprägt – als Betreuerin der Arbeiten
etwa von Susanne Ofteringer, Hans
Weingartner, Bernd Lichtenberg, Ruth
Olshan und Züli Aladag. Der Newsletter begleitete
den KHM-Abschied mit drei Fragen an
Jeanine Meerapfel.
In vielen Ihrer Filme geht es um Identitätskonflikte,
deren Ursachen nicht nur
in der familiären, sondern vor allem auch
in der politischen Vergangenheit liegen.
Welche Bedeutung kann einem Film bei
der Aufarbeitung von Vergangenheit im
besten Fall zukommen?
Ich glaube nicht, dass es so etwas wie
„Aufarbeiten“ gibt. In Filmen kann man Geschichten
erzählen, die die Vergangenheit aufheben.
Filme können Erinnerung erhalten, können
dazu anregen, das eigene Schicksal wie das
von Fremden besser zu verstehen. Im besten Fall
ist Film Aufklärung, die auch gute Unterhaltung
ist.
Gibt es für den filmischen Umgang
mit Vergangenheit allgemein gültige Vor-
Die Filmstiftung Nordrhein-Westfalen GmbH
sucht zum nächstmöglichen Zeitpunkt eine/n
überdurschnittliche/n engagierte/n und flexible/n
Referent/in für den
Geschäftsführer
Das Aufgabengebiet des/der Referenten/in des
Geschäftsführers umfasst u.a. die Bearbeitung
der den Geschäftsführer betreffenden aktuellen
Themen, die inhaltliche Vorbereitung und Begleitung
seiner Termine sowie die Bearbeitung filmpolitisch
relevanter Themen.
Er/Sie sollte möglichst über ein abgeschl. Hochschulstudium
oder hinreichende Erfahrungen
im Film/Fernseh- bzw. Kulturbereich verfügen.
Wir bieten einen modernen Arbeitsplatz mit
angemessener Vergütung und einem hohen Maß
an Selbständigkeit und Eigenverantwortung in
einem engagierten Team.
Ihre schriftliche Bewerbung richten Sie bitte an :
Filmstiftung Nordrhein-Westfalen GmbH
z.H. Herrn Martin Schneider,
Kaistraße 14,
40221 Düsseldorf
www.filmstiftung.de
gaben, oder muss jede Generation von
Filmschaffenden auf neue Art ihren Blickwinkel
finden?
Die einzige Vorgabe ist Authentizität –
beim Drehbuch, bei der Regie, bei der Wahl der
filmischen Erzählmittel, beim Spiel der Schauspieler.
Selbstverständlich gilt das nicht nur für
den filmischen Umgang mit Vergangenheit, sondern
eigentlich für alle Themen. Auf jeden Fall
muss man gegen die Angst, gegen Vorurteile,
gegen falsche Schuldgefühle arbeiten, wenn
man sich im Film mit der Vergangenheit beschäftigt.
Und sicher ist, dass jede Generation
andere Formen des Erzählens und neue Perspektiven
suchen wird.
Jeanine Meerapfel
Haben Sie weitere Filme geplant?
Ich werde mich wieder verstärkt der Filmarbeit
widmen. Gerade entsteht ein Drehbuch
für meinen neuen Spielfilm. „Topos“ spielt heute
in Berlin Mitte und handelt von Menschen auf
der Suche nach „ihrem“ Ort.
ZDF: Agenda 2020
Wie werden wir in 15 Jahren leben, fragt man
sich bei ZDF/Das kleine Fernsehspiel und
bittet junge Filmemacher um Antworten. Unter
dem Titel „Agenda 2020“ sollen sie einen
Blick in die Zukunft werfen und Ideen entwikkeln,
die sich als 60-Minüter mit einem Budget
von 100.000 Euro realisieren lassen. Die Exposés
(bis zu fünf Seiten) sowie Angaben über die
persönliche Motivation und eine Filmografie gehen
an: ZDF/Das kleine Fernsehspiel, Stichwort
Agenda 2020, 5510 Mainz. Weitere Infos unter
www.daskleinefernsehspiel.de.
Kurze Schnitte in Köln
Rainer Komers erhielt für seinen Dokumentarfilm
„Nome Road System“ Anfang Dezember
den ersten Jurypreis des Kurzfilmfestivals
Short Cuts Cologne. Gestiftet wurde der
mit 1500 Euro dotierte Preis von der Kölner
Geißendörfer Film- und Fernsehproduktion
GmbH. Zweite Preisträger sind Eugen
Schlegel und Sebastian Heinzel. Sie
überzeugten die Jury mit dem zwölf Minuten
langen Dokumentarfilm „Samagon – Moonshine“.
Das Preisgeld in Höhe von 750 Euro stiftete
das Label 131 der Colonia Media
Filmproduktions GmbH. Den dritten, vom
Amt des Oberbürgermeisters der Stadt Köln
gestifteten Jurypreis (300 Euro) erhielt Gregor
Maria Schubert für seinen dokumentarischen
Elf-Minüter „Ball of Fame“. Der WDR stiftete
1000 Euro für den Publikumspreis im internationalen
Wettbewerb, mit dem Gil Alkabetz
für „Morir de Amor – Dying of Love“ ausgezeichnet
wurde. Der Publikumspreis Cologne
newsletter@filmstiftung.de – Meldungen
Filmstiftung intern
Katharina Blum wird in der Filmstiftung
NRW den Bereich Kongresse und Internationale
Kontakte übernehmen. Zu ihren Hauptaufgaben
gehören nun die Leitung des Internationalen
Filmkongresses, der mit Paneldiskussionen,
dem Koproduktionstreffen und
Filmpremieren im Rahmen des Medienforums
(03. – 05.07.) stattfindet sowie von der Filmstiftung
initiierte oder unterstützte filmpolitische
Veranstaltungen. Außerdem betreut sie für die
Filmstiftung weiterhin Projekte wie den Kamerapreis
und Film+. Dem Redaktionsteam
des Newsletter bleibt Katharina Blum erhalten.
Filmstiftung NRW, Tel. (0211) 930500;
info@filmstiftung.de
Stadt der Engel
Anfang März kommt das Los Angeles Philharmonic,
das sich unter Leitung seines Chefdirigenten
Esa-Pekka Salonen in die erste
Reihe der amerikanischen Orchester gespielt
hat, für eine Woche nach Köln. Das Kölner
Filmhaus begleitet das einzige Europa-Gastspiel
der kalifornischen Musiker in der Philharmonie
Köln mit einer Filmreihe im Filmhaus
Kino. Das Programm eröffnet am 26. Februar
Thom Andersens filmisches Essay „Los
Angels plays itself“. Eine Vertiefung dieser Eindrücke
ermöglichen Filme wie „Blade Runner“,
„Sunset Boulevard“ und „L. A. Confidential“
(Programm unter www.koelner-filmhaus
.de).
Für die IHK-zertifizierte Weiterbildung „Regieassistent/in“
des Kölner Filmhauses, die
am 7.März beginnt, werden noch Nachrücker
gesucht. Die Weiterbildung wendet sich insbesondere
an Mitarbeiter von Sendern und Produktionsfirmen,
die ihre Kenntnisse erweitern
und sich im Bereich Regieassistenz qualifizieren
wollen, sowie an Seiteneinsteiger aus anderen
Berufsgruppen mit Erfahrungen in der Medienbranche.
Weitere Infos ebenfalls unter
www.koelner-filmhaus.de.
Kölner Filmhaus, Tel. (0221) 2227100;
info@koelner-filmhaus.de
Shorts der Filmzeitschrift choices (700 Euro)
ging an „Goodbye“ von Steve Hudson. Den
mit 500 Euro dotierten Publikumspreis Studentenfilme
NRW, den Regina Wahle für
„Eins zu eins” erhielt, stiftete die Dortmunder
Winkelmann Filmproduktion GmbH.
Zuvor hatte die Jury aus Karola Gramann,
Corinna Schnitt, Thomas Palmen
und Jan Harlan ihre Auswahl aus 2.200 Einreichungen
aus 69 Ländern getroffen. Das Kölner
Filmhaus als Veranstalter registrierte durch
die Verlegung des Festivals vom Spätsommer in
den Dezember einen „deutlich gesteigerten Besucherandrang“,
so Festival-Leiterin Marita Lenze.
Weil sich Filmemacher und Friseure mit Short
Cuts auskennen, wurde die Veranstaltung nicht
nur von der Filmstiftung NRW unterstützt,
sondern auch von der Friseurinnung Köln.
Short Cuts Cologne,
Tel. (0221) 2227100;
info@koelner-filmhaus.de

Film+ 04: Die Sieger
Der von der Filmstiftung NRW mit 7.500 Euro
dotierte Schnitt-Preis Spielfilm ging Ende
November an Editor Andrew Bird für „Gegen
die Wand“, während Inge Schneider den
erstmals verliehenen und vom Kulturwerk
der VG Bild-Kunst gleichwertig dotierten
Schnitt-Preis Dokumentarfilm für „Die Spielwütigen“
erhielt. Die gemeinsame Verleihung
von Schnitt-Preis und Jahresfilmprogramm-Prämie
der Filmstiftung stellte den Abschluss der
vierten Ausgabe von Film+ dar. Das vom Filmmagazin
Schnitt in Zusammenarbeit mit der
Filmstiftung NRW und der Stadt Köln durchgeführte
dreitägige Forum für Filmschnitt und
Montagekunst bot zahlreiche Gespräche und
NRW
Frauenfilmfestival
Kurz vor Redaktionsschluss bekundete NRW-
Kulturminister Michael Vesper seine Zuversicht,
dass es im Jahre 2006 ein gemeinsames
Frauenfilmfestival in NRW geben werde. Bei Gesprächen
mit der femme totale, der Feminale
sowie den Städten Köln und Dortmund
sei verabredet worden, aus beiden Vereinen
einen neuen Trägerverein zu gründen, der
– unter gemeinsamer künstlerischer Leitung –
ab 2006 das Internationale Frauenfilmfestival
Nordrhein-Westfalen im Wechsel in Köln und
Dortmund durchführen soll. Die Vertreter beider
Städte seien gewillt, die Mittel auch in den
Folgejahren kontinuierlich zur Verfügung zu stellen.
Vesper will für die Feminale in Köln im Jahr
2005 einen Sonderzuschuss gewähren, damit
sichergestellt wird, dass auch in der Domstadt
die Arbeit im festivalfreien Jahr 2005 weitergehen
kann.
Mehr Infos im Festival-Schwerpunkt
der März-Ausgabe
Inge Schneider erhielt den Schnitt-Preis für
„Die Spielwütigen“. Foto: timebandits
Screenings im Kölner Off Broadway zum Thema.
Höhepunkte bildeten u.a. die Hommage an
die Fassbinder-Editorin Thea Eymèsz und eine
Diskussion zwischen den Regisseuren Dominik
Graf und Christian Petzold über
Filmmontage. Als gelungenes Experiment entpuppte
sich zudem das Nachwuchsforum, in
dem Studenten der ifs internationale filmschule
köln, der KHM Köln, der Filmakademie
Baden-Württemberg und der
HFF Potsdam-Babelsberg unabhängig
voneinander gleiches Material schnitten und
über das verblüffende Ergebnis diskutierten.
Film+, Tel. (0221) 2858703;
info@filmpluskoeln.de
Zinnober Film
Die Aachener Zinnober Film- und Fernsehproduktion
GmbH hat unnötigen Ballast
abgeworfen: Ab sofort firmiert die Firma von
Dieter Zeppenfeld unter dem Namen Zinnober
Film GmbH.
Zinnober, Tel. (0241) 970180;
mail@zinnober.de
Growing up
in Münster
Ab sofort können Filmemacher und Produktionsfirmen
aus Deutschland, Österreich und der
Schweiz ihre neuen Kurzfilme für das 11. Filmfestival
Münster (19.-23.10.) einreichen. Unter
www.filmfestival.muenster.de ist das
Anmeldeformular abrufbar, Einsendeschluss ist
der 1.Juli.
Bis zum 1. August sind auch Langfilme willkommen,
denn das Festival wird um einen europäischen
Langspielfilm-Wettbewerb erweitert,
für den ein mit 10.000 Euro dotierter Regiepreis
ausgesetzt ist. Unter dem Motto „Growing up“
werden Produktionen vorgestellt, die Kindheit
und Jugend in Europa thematisieren.
Filmwerkstatt Münster, Tel. (0251)
230 36 21; film@muenster.de
New Sound
Cologne
Der Dialog zwischen Geschichtenerzählern, Bildermachern,
Klangschöpfern, Publikum und Kritik,
den die Bonner Filmmusik Biennale an
den Rhein brachte, wurde einige Kilometer flussabwärts
fortgeführt, vertieft und auf den gesamten
Bereich der Musik und der Tongestaltung
in den Medien ausgeweitet. Sound-
Track_Cologne 1.0 (19.-21.11.04) zieht eine
erfolgreiche Bilanz: Über 300 Dauerakkreditierte
und zusätzliche 570 (Fach-)Besucher der
öffentlichen Veranstaltungen kamen zu insgesamt
19 Diskussionen, Workshops und Werkstattgesprächen
ins Museum Ludwig in
Köln. Gekrönt wurde der erste Kongress zum
Thema Film- und Medienmusik mit der feierlichen
Verleihung des „New Sound in European
Film - Europäischer Filmmusikpreis 2004“.
Den Nachwuchspreis Filmscore erhielt Juhan
Vihterpal aus Estland für seine Komposition
zu dem Kurzfilm „Grau“ von Wolfgang Fischer.
Der Nachwuchspreis Sounddesign ging
an Tom Werner, Michael Schlappa und
Ralf Herrmann aus Düsseldorf für ihre Arbeit
an dem Kurzfilm „Fenster mit Aussicht“ von
Vera Lalyko. SoundTrack_Cologne 2.0 findet
im Rahmen des Musikfestivals c/o Pop vom 26.
bis 28. August in Köln statt.
Televisor GmbH, Tel. (0221) 9318440;
info@soundtrackcologne.de
Bewerben für den
Kamerapreis
Noch bis zum 1. April läuft die Bewerbungsfrist
für den 15. Deutschen Kamerapreis, der
am 5. Juli während des medienforum.nrw
verliehen wird. Der Preis gilt als bedeutendste
deutsche Auszeichnung für Kameraleute und
Cutter und wird in den Kategorien Kinospielfilm,
Fernsehfilm, Kurzfilm, Bericht/Magazinbeitrag,
Reportage, Dokumentarfilm/Feature und
Fernsehserie verliehen. Teilnahmeberechtigt sind
deutsche und in Deutschland lebende Bildgestalter
und Cutter sowie ausländische Kollegen,
die für deutsche TV-Sender tätig waren.
Träger des Preises ist das Kuratorium des
Vereins Deutscher Kamerapreis Köln e.V.,
dem nun auch der Bayerische Rundfunk
beigetreten ist. „Für uns ist es ein großer Erfolg,
dass wir eine weitere ARD-Anstalt gewonnen
haben, denn es beweist, dass der Deutsche Kamerapreis
nach der Pionierarbeit der ersten Jahre
in der Medienbranche mehr und mehr an Bedeutung
gewinnt“, freut sich Heinz-Joachim
Weber, Geschäftsführer des Vereins, dem u.a.
auch die Stadt Köln, der WDR, das ZDF, die
Landesanstalt für Medien und die Filmstiftung
NRW angehören.
Bewerbungen: Organisationsbüro Deutscher
Kamerapreis Köln e.V., Maybachstraße
111, 50670 Köln. Alle Infos auch unter www.
deutscher-kamerapreis.de.
Meldungen – newsletter@filmstiftung.de 13

femme totale: Kopf oder Zahl?
Vom 12. bis 17. April 2005 findet in Dortmund
zum 10. Mal das internationale Filmfestival femme
totale statt. Gezeigt werden insgesamt 90
Filme aus 20 Ländern. Im internationalen Spielfilmwettbewerb
für Regisseurinnen konkurrieren
acht aktuelle Filme um den von der RWE
Westfalen-Weser-Ems AG gestifteten und
mit 25.000 Euro dotierten Preis – darunter der
Eröffnungsfilm „Dear Frankie“ von Shona Auerbach
und Cate Shortlands „Sommersault“,
der bereits den Australian Film
Award 2004 bekam. Beim Schwerpunkt des
Festivalprogramms dreht sich alles ums Geld:
Woher kommt es, wer verdient es (nicht) und
wer zahlt die Rechnung, auch im übertragenen
Sinne? Das mit Mythen besetzte Thema ist gerade
in Zeiten leerer Kassen von ungebrochener
Aktualität. In Dortmund bieten mehrere Filmreihen
vielschichtige Zugänge. So hat Daniella
Marxer für ihren Film „Die Kinder des Geldes“
Treuhänder, Steuerberater und -fahnder
nach ihrem ganz persönlichen Verhältnis zum
Geld befragt. Marilyn Gaunt schildert in ihrer
Dokumentation „Kelly and her Sisters“ aus
der Sicht der 10-jährigen Kelly, was passiert,
wenn eine Familie durch alle sozialen Raster fällt.
Naomi Klein, bekannte Autorin und Globalisierungsgegnerin,
und Avi Lewis berichten
in „The Take“, wie Arbeiter nach Jahren der Resignation
leer stehende Firmen übernehmen.
Klein wird ihren Film persönlich zur Diskussion
stellen. Auch die Filmhistorie hat einiges zum
Oberhausen, das
Ich und das Andere
„Der gefallene Vorhang - Das Ich und das Andere
nach 1989“ lautet der Titel des Sonderprogramms
der diesjährigen Internationalen
Kurzfilmtage Oberhausen (05.-10.05). In
dem Programm beschäftigt sich das Festival mit
der Frage, wie die Menschen ihre Identität und
ihr Verhältnis zur Gesellschaft seit 1989 neu gestaltet
haben – und wie Kurzfilme im ehemaligen
Osten und Westen diese Suche spiegeln.
„;Das Ich und das Andere nach 1989‘ versteht
sich als eine Bestandsaufnahme grundsätzlicher
Fragen, die die Kunst an die Gesellschaft seit
1989 stellt”, so Kurator Marcel Schwierin.
Die verlorene Utopie einer anderen Gesellschaft,
der fallende Vorhang, Versuche, das
andere zu begreifen, Beziehungen, die Familie
als „Keimzelle der Gesellschaft”, Individuum und
Politik lauten die Themen, die aufgegriffen werden
sollen. Andere Programme beleuchten den
Materialismus als Grundlage von Sozialismus
und Kapitalismus, Science Fiction als weltumspannende
Utopie der 60er-Jahre und Verschwörungstheorien.
Kuratiert hat sie Christiane
Buechner.
Bis zum April sind die Kurzfilmtage noch mit
verschiedenen Kurzfilmprogrammen auf Tour:
Die Stationen der Tournee: Amsterdam, Antwerpen,
Berlin, Bern, Bochum, Bremen, Dortmund,
Eindhoven, Frankfurt, Freiburg, Glasgow,
Göttingen, Hamburg, Hannover, Karlsruhe, Kiel,
Köln, Leipzig, Paris, Tourcoing/Lille, Villingen-
Schwenningen und Weimar.
Kurzfilmtage, Tel. (0208) 8252652,
info@kurzfilmtage.de
14
Thema zu bieten. Im restaurierten Stummfilm
„Fräulein Else“ (D 1928/29) von Paul Czinner
etwa setzt Elisabeth Berger ihren Körper als
Gegenleistung für die Forderungen eines Gläubigers
ein, um die Familie nach dem Konkurs der
väterlichen Firma zu retten – eine der gefeierten
Wiederentdeckungen auf dem Archiv
Filmfestival in Bologna 2004. In einer Sondervorstellung
wird „Iron Jawed Angels“ von Katja
von Garnier gezeigt: Der für den US-Sender
HBO realisierte Spielfilm mit Starbesetzung
schildert den Kampf für das Frauenwahlrecht in
den Vereinigten Staaten und wurde eben für drei
Golden Globes 2005 nominiert.
Begleitend zeigt das Festival die Fotoausstellung
„Sitzungszimmer in Liechtenstein“ von
Barbara Bühler. Sie fotografiert Räume, in
denen die großen Geldtransaktionen verhandelt
werden – vorher und nachher, zurück bleiben
nur banale Alltagsspuren, die Tragweite der getroffenen
Entscheidungen bleibt unsichtbar.
Vom 13. bis 15. April bietet femme totale
außerdem drei praxisnahe Workshops an, die
sich mit Produktionsbedingungen, Fördermöglichkeiten
und Filmrecht befassen. Auch in
diesem Jahr ist der Kamerapreis der e-ms
new media AG ausgeschrieben. Der mit
5.000 Euro dotierte Wettbewerb richtet sich an
junge Bildgestalterinnen aus Deutschland. Alles
weitere unter www.femmetotale.de.
Femme totale, Tel. (0231) 5025162;
info@femmetotale.de
Schmitt/Teigler:
Beyond Lünen
Vor über 800 Zuschauern präsentierte Elfriede
Schmitt, neben Ute Teigler bislang Leiterin
des Kinofestes Lünen, am 8. Januar im
Castro-Kino in San Francisco „Bin ich sexy?“
von Katinka Feistl, den Gewinnerfilm des 15.
Kinofestes im November 04. Zu dem 2004 verdoppelten
und nun mit 10.000 Euro dotierten
Filmpreis der Stadt Lünen („Lüdia“) gehört
auch, den Siegerfilm zu untertiteln und ihn beim
Partnerfestival „Berlin & Beyond“ einem USamerikanischen
Publikum vorzustellen. Dem gefiel
„Bin ich sexy?“ so gut, dass es den Film mit
dem Publikumspreis auszeichnete.
Zuvor hatten Schmitt und Teigler nach 15
Jahren die künstlerische Leitung und Organisation
des Festivals niedergelegt, um sich neuen
Projekten zu widmen. Beim Auftritt des Kinofestes
im Rahmen der Berlinale wird am
15. Februar voraussichtlich ein neuer Festivalleiter
vorgestellt. Dem Vernehmen nach soll
künftig die künstlerische von der organisatorischen
Leitung getrennt werden. Die Organisation
soll eine NRW-weit tätige Agentur übernehmen.
Dass das Festival auf einer soliden konzeptionellen
und finanziellen Grundlage steht,
bestätigten Friedhelm Deuter und Erik
Pamp, Pressesprecher des Vereins Pro Lünen,
der das Event zusammen mit der Kommune
veranstaltet. Das 16. Kinofest Lünen findet vom
10. bis 13. November im Cineworld statt.
Pro Lünen, Tel. (02306) 202220;
www.kinofest-luenen.de
Zu Gast in Sundance
Noch immer gilt das Sundance International
Film Festival (20. – 30.01.) als eines der
spannendsten Festivals überhaupt. Umso erfreulicher
ist, dass in diesem Jahr gleich drei von
der Filmstiftung NRW geförderte Filme eine
Einladung nach Park City erhielten.
Der dänische Regisseur Thomas Vinterberg
reiste mit seinem neuen Film „Dear Wendy“
nach Utah. Das Drehbuch zu der internationalen
Koproduktion, die zu großen Teilen in
NRW gedreht wurde, stammt von Lars von
Trier. Produziert wurde der Film über die Liebe
eines Pazifisten zu seiner Pistole von der dänischen
Lucky Punch mit der ausführenden
Zentropa-Tochter Pain Unlimited aus Köln
und ZDF/Arte.
In seiner Romanverfilmung „Schneeland“ er-
Kino macht Schule
Nach den Erfolgen der letzten Schulfilmwochen
steht nun der Termin für die nächste Ausgabe
von „Lernort Kino“ in NRW fest: Vom 6. bis
10. Juni heißt es in vielen Schulen in NRW wieder
„Film ab“. Ziel des Projekts, das von der
Filmstiftung NRW unterstützt und vom Kölner
Institut für Kino- und Filmkultur (ikf)
durchgeführt wird, ist es, die Medienkompetenz
zu fördern, und den Schülern somit zu ermöglichen,
Filme nicht nur zu konsumieren,
sondern auch nach Inhalt und Form beurteilen
zu können. Nach der „Initialzündung“, der ersten
Schulfilmwoche 2002 in NRW, folgten viele
weitere Bundesländer dem Beispiel und veranstalteten
eigene Aktionen.
Mehr über die Schulfilmwoche 2005 und
die Arbeit des ikf unter www.film-kultur.de.
ikf, Tel. (221) 3974850;
info@film-kultur.de
newsletter@filmstiftung.de – Meldungen
Zu Gast in Sundance: Thomas Vinterbergs
neuer Film „Dear Wendy“. Foto: trust film
zählt der Kölner Regisseur Hans W. Geißendörfer
eine Geschichte über Trauer und
Liebe im verschneiten Lappland. Julia Jentsch,
Thomas Kretschmann, Joachim Król
und Maria Schrader spielen die Hauptrollen
in dem Kinofilm, den die Geißendörfer Filmund
Fernsehproduktion gemeinsam mit
dem WDR realisiert hat. In Deutschland ist
„Schneeland“ seit dem 20. Januar in den Kinos
zu sehen. In Sundance lief er zusammen mit
„Dear Wendy“ in der Sektion Sundance Film
Festival 2005 Premiere.
In der Reihe World Cinema Dramatic
startete die deutsch-polnische Koproduktion
„Stranger“ von Malgorzata Szumowska,
die auch im Panorama der Berlinale zu sehen ist
(siehe Seite 5).
Begegnungen
mit der Akademie
Die Deutsche Filmakademie lädt auch in
Köln zu ihrer Reihe „Begegnungen“ ein. Im Januar
stand Uli Hanisch, der für das Szenenbild
des gezeigten Films „Der Krieger und die
Kaiserin“ verantwortlich zeichnete, im Kölner
Odeon Kino Rede und Antwort. Der nächste
Kölner „Begegnungs“-Termin ist der 21.Febuar
um 20.15 Uhr. Gast und Thema stehen noch
nicht fest, werden aber demnächst unter
www.deutsche-filmakademie.de bekannt
gegeben.
Dt. Filmakademie,
Tel. (030) 88708350;
info@deutsche-filmakademie.de

Filmstiftung bilanziert 2004
„2004 war ein sehr gutes Kinojahr“, bilanzierte
Michael Schmid-Ospach auf der Bilanzpressekonferenz
der Filmstiftung NRW im Dezember
in Düsseldorf. Und damit meinte er nicht
nur die herausragenden Filme des vergangenen
Jahres, sondern auch die erfreulichen Zahlen an
der Kinokasse. „Der Einbruch von 2003 hat sich
nicht wiederholt und das war wichtig, denn nur
wenn es den Kinos gut geht, haben auch unsere
Filme eine Chance“, betonte der Geschäftsführer
der Filmstiftung, der sich besonders darüber
freute, dass der deutsche Film mittlerweile
konstant mit guten Produktionen überzeugen
kann. Der Lohn: Ein Marktanteil von 24 Prozent.
Die Zahlen, die Schmid-Ospach präsentierte,
sprechen für sich: Insgesamt förderte die
Filmstiftung 2004 101 Filme mit fast 30 Millionen
Euro und löste damit ein Gesamtproduktionsvolumen
von 170 Millionen aus. Besonders
berücksichtigt wurde dabei im letzten
Jahr wieder der Nachwuchs: Die Filmstiftung
unterstützte 22 Abschlussfilme und Debütfilme
von Hochschulabsolventen aus NRW mit insgesamt
288.000 Euro und erhöhte damit den
so genannten Studententopf im Vergleich zu
2003 um noch einmal 70.000 Euro. Auch die
Zahl der Drehtage in NRW stieg 2004 weiter an:
Max Ophüls: Wahrheit oder Pflicht
Auch in diesem Jahr war Jugend wieder Trumpf
beim Filmfestival Max Ophüls Preis (17.-
23.01.). Das Festival in Saarbrücken ist zu dem
Treffpunkt junger Regietalente geworden. Dass
die Filmstiftung NRW in diesem Jahr mit sieben
geförderten Filmen vertreten war, bestätigt die
gute Nachwuchsarbeit der Düsseldorfer. .
Im Wettbewerb liefen „Wahrheit oder
Pflicht“ von Jan Martin Scharf und Arne
Nolting (Produktion: Two Pilots und WDR),
„Allein“ von Thomas Durchschlag (Produktion:
Lichtblick und WDR), „Das Lächeln
der Tiefseefische“ von Till Endemann (Produktion:
Zieglerfilm Köln und WDR/arte),
„Crash Test Dummies“ von Jörg Kalt (Pro-
An 671 Drehtagen fiel irgendwo an Rhein und
Ruhe eine Filmklappe – darunter spektakuläre
Drehs wie Til Schweigers „Barfuss“, Heinrich
Breloers „Speer und er“, Dieter Wedels
„Papa und Mama“, Robert Glinskis
„Unkenrufe“ oder Rolf Schübels Zweiteiler
„Zeit der Wünsche“, der bereits Mitte Januar in
der ARD zu sehen war.
Einige dieser und viele andere geförderte
Produktionen haben das Potenzial, an die Ergebnisse
der erfolgreichsten Filme des letzten
Jahres anzuknüpfen. Die Filmstiftungs-Charts
2004 führen unangefochten die „7 Zwerge“ mit
weit über 6,5 Millionen Besuchern an, gefolgt
von „Lauras Stern“ (1,2 Mio.) und „Sommersturm“
(257.000). Das erlaubt die Hoffnung auf
weitere Rückflüsse, denn bei Erfolg fließt das
Geld an die Förderer zurück: So zahlten 2004
„Das Wunder von Bern“ und „Good Bye, Lenin!“
ihre Förderung ebenso zurück, wie der Bonner
schwarz-weiß Filmverleih seine Verleihförderung
für „Balzac und die kleine chinesische
Schneiderin“.
Alle Zahlen, Festivalerfolge, Dreharbeiten
und was sonst noch wichtig war im Filmjahr
2004 in Nordrhein-Westfalen unter www.
filmstiftung.de.
„Crash Test Dummies“: Härtetest in Saarbrücken. Foto: Icon Film
duktion: Icon Film, Amour Fou und WDR)
sowie „Hotel“ von Jessica Hausner (Produktion:
Essential Filmproduktion,
Coop99 Film, WDR und ZDF/arte). Im
Spektrum des Festivals war die Screwball-Komödie
„Kebab Connection“ von Anno Saul
(Produktion: Wüste Film und WDR/arte)
und im Kurzfilmwettbewerb „Goodbye“ des
Kölners Steve Hudson dabei.
Außerdem in Saarbrücken zu sehen: „Willkommen
im Club“ von Holger Borggrefe,
der an der ifs internationale filmschule
köln als Referent für Filmregie und Schauspiel
tätig ist. Die Preisträger standen bei Redaktionsschluss
noch nicht fest.
2004 gedreht und 2005 bereits erfolgreich im Ersten ausgestrahlt:
„Zeit der Wünsche“ von Rolf Schübel. Foto: WDR
Drehbuchpreis
Münster.Land
Bereits zum dritten Mal schreibt der Filmservice
Münster.Land seinen mit 3.000 Euro dotierten
Drehbuchförderpreis Münster.Land für
Autoren aus, die sich in herausragender Weise
mit Münster oder dem Münsterland beschäftigen.
Eingereicht werden müssen (in vierfacher
Ausfertigung) ein Drehbuchentwurf (deutsch
oder englisch) von maximal 30 Seiten, eine ausgearbeitete
Dialogszene, eine Kurzbiographie des
Autors und eine einseitige Inhaltsangabe des Projektes.
Über den Sieger, der zum Preisgeld eine
fachliche Begleitung bei der Drehbuchausarbeitung
durch einen erfahrenen Autoren sowie
die Kosten für einen zweiwöchigen Recherche-
Aufenthalt in Münster oder dem Münsterland
erhält, entscheidet eine Jury mit Christoph
Busch, Ellis Driessen und Michael
Schmid-Ospach. Einsendeschluss ist der 31.
August 2005. Der Preis wird im Rahmen des
Filmfestivals Münster (19.-23.10.) verliehen.
Filmservice, Tel. (0251) 4921380;
ebeln@stadt-muenster.de
Silver Star im Woki
Mit einer neuen Filmreihe will das Bonner Woki
ältere Filmfreunde locken. Unter dem Titel
Silver Star werden im Kino am Bertha-von-
Suttner Platz jeden Donnerstag um 15 Uhr Filme
gezeigt, über die im Anschluss bei einer Tasse
Kaffee oder Tee diskutiert werden soll. „Mit
dem Angebot wollen wir gerade dem älteren
Publikum das moderne Kino mit aktuellen, aber
auch Repertoire-Filmen wieder näher bringen“,
so Stephanie Hoffmann. Zum Auftakt der
Reihe zeigte des Woki „Mein Name ist Bach“.
Woki, Tel. (0228) 9768202;
woki@woki.de
Cinema Francais
in Herdecke
Vom 20. bis 23. Februar veranstaltet die Filminitiative
Herdecke im Onikon Kino ihre
Französischen Filmtage, die sie gemeinsam
mit der Deutsch-Französischen
Gesellschaft Hagen und der Auslandgesellschaft
NRW Dortmund organisiert.
Die Filme, u.a. „5 x 2“ von Francois Ozon,
werden im Original mit Untertiteln gezeigt.
Seit über 25 Jahren versorgt die Filminitiative
Herdecke mit anspruchsvoller Kinokost und
lädt einmal im Jahr einen Regisseur zu einem
Filmwochenende ein: Gast im November war
Andres Veiel. Infos: www.onikon.de.
Filminitiative, Tel. (02330) 3398
Beratung für
Bürgschaften
Seit Anfang des Jahres hilft Christine Radtke-Schramm
in der Filmstiftung NRW als
freiberufliche Beraterin bei der Bearbeitung der
„Filmbürgschaften“. Als Scharnier zwischen den
Hausbanken und der vom Land mit der Prüfung
der Anträge beauftragten PwC soll sie den Produzenten
helfen, das Verfahren zügig und störungsfrei
zu durchlaufen.
Zuvor war Christine Radtke-Schramm in leitender
Funktion bei der Treuarbeit AG mit
der Prüfung von Landesbürgschaftsverfahren
betraut und ist somit ausgewiesene Expertin auf
diesem Gebiet.
Anträge finden Sie unter www.filmstiftung.de/Download/infomaterial.php
Filmstiftung NRW, Tel. (0211) 930500;
info@filmstiftung.de
Meldungen – newsletter@filmstiftung.de 15

Filmstiftung NRW vergab ihre Jahresfilmprogramm-Prämien
Ausgezeichnete Kinos
ine tolle Idee, endlich mal einen Filmpreis
Enach einem Kinobetreiber zu benennen“,
freute sich Sönke Wortmann, der als erster den
neuen „Strate Preis“ aus den Händen von NRW-
Ministerpräsident Peer Steinbrück in Empfang
nehmen durfte. Gestiftet wurde der mit 20.000
Euro dotierte Preis, der an Herbert Strate erinnern
soll, von der Filmstiftung NRW und der FFA.
Vergeben wurde er bei der Verleihung der Jahresfilmprogramm-Prämien,
die am 29. November
im Cinenova-Kino stattfand.
Die Kino- und Regiestars Veronica Ferres,
Til Schweiger, Heino Ferch, Oskar Roehler, Martin
Weiss, Clelia Sarto und Catherine Flemming
hatten es sich nehmen lassen, persönlich nach
Köln zu reisen, um gemeinsam mit Ministerpräsident
Steinbrück und Filmstiftungs-Geschäftsführer
Michael Schmid-Ospach die Jahresfilmprogramm-Prämien
der Filmstiftung an
die Kinobetreiber zu übergeben. Die Betreiber
der 46 ausgezeichneten Kinos konnten sich dabei
über Prämien in einer Gesamthöhe von
413.000 Euro freuen. Die höchsten Prämiensummen
für ihr herausragendes Programm erzielten
dabei das Metropolis in Köln und das Cinema
in Münster.
Anlass zum Feiern gaben nicht nur die Prämien,
sondern auch die guten Kinobesucherzahlen
2004. Dass auch 2005 ein besonderer
Kinojahrgang werden kann, bewiesen die Trailer
zu „Die syrische Braut“ (Kinostart: 17.03.) und
die zwölf Minuten, die Til Schweiger aus seinem
neuen Film „Barfuss“ präsentierte
Bei den vielen Auszeichnungen kamen
schließlich auch die nicht zu kurz, die nicht dabei
sein konnten: Karin Clement warb vor Ort
um Spenden für die Elterninitiative herzkranker
Kinder und Jugendlicher Bonn e.V. sowie als
Schirmherrin für den Selbsthilfeverein „Lupus
Erythematodes“.
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Alle Fotos: Filmstiftung/Heike Herbertz
Ehrung für gutes Programm: NRW-Kinobetreiber
bei der Verleihung der Prämien
Veronica Ferres und Oskar Roehler mit den prämierten Düsseldorfer
Kinobetreibern Udo Heimansberg und Kalle Somnitz
Jochen Manderbach (Viktoria, Hilchenbach),
Til Schweiger,
Michael Meyer (Casablanca und
Metropolis in Bochum,
Schauburg in Gelsenkirchen)
Ministerpräsident Peer Steinbrück, Karin Clement und Michael Schmid-Ospach
Claudia Droste-Deselaers (Filmstiftung)
und RTL-Chef Marc Conrad
Britta Lengowski
(Filmstiftung NRW, Kinoförderung)
mit Andreas
Kramer (HDF)
Sönke Wortmann mit
Margarete Papenhoff
(links) und Gabriele
Rosslenbroich, die Kinos
in Mettmann (Studio)
und Ratingen (Kinocenter)
betreiben
Veronica Ferres bei ihrer Laudatio
auf Strate-Preisträger
Sönke Wortmann
Veronica Ferres meets Münster: Thomas Behm und
Jens Schneiderheinze (Cinema Münster) erhielten
die Spitzenprämie für ihr Kinoprogramm
Helga Juchmann (Babylon, Hagen), Veronica
Ferres, Oskar Roehler, Joachim Kühn (Kino im Filmhaus,
Köln), Jürgen Breuer (Babylon, Hagen)
newsletter@filmstiftung.de – Jahresfilmprogramm-Prämie
Bei der „Jafi“ dabei: Kölns Oberbürgermeister Fritz Schramma, Til Schweiger,
Sönke Wortmann, Veronica Ferres, MP Steinbrück und Karin Clement
Michael Schmid-Ospach erhält 120.000 Euro, die Rückzahlung des Verleihdarlehens
für „Balzac und die kleine chinesische Schneiderin“ vom Schwarz-Weiss
Filmverleih aus Bonn, von links: Dieter Hertel, Matthias Keuthen, Jürgen Lütz
Oskar Roehler und
Catherine Laakmann,
Metropolis in Köln
FFA-Besuch: Peter Dinges, Eberhard Junkersdorf
und Rolf Bähr (von links)
Ministerpräsident Steinbrück gratuliert Kinobetreibern
zu ihrer Prämie
Til Schweiger, Strate-Preisträger Sönke Wortmann,
Karl-Heinz Meier (Elite Kino, Espelkamp) und
Veronica Ferres
Paten für die Kinobetreiber: Heino Ferch und
Wendy Crewson. Beide kamen direkt vom Set
„Endspiel im Kosovo“ ins Cinenova.

Produzentennetzwerk
ACE - Ateliers du
Cinéma Européen
ie Idee eines europäischen Netzwerks
Dfür Produzenten, gekoppelt mit einer
Weiterbildung anhand eines konkreten Projektes,
empfand sie als „sehr sinnvoll“. Deshalb
entschied sich Produzentin Bettina
Brokemper der Kölner Firma Heimatfilm zur
Teilnahme an ACE, einer der renommiertesten
MEDIA-Fortbildungsinitiativen für unabhängige
Spielfilmproduzenten und zugleich
eines der wichtigsten Produzenten-
Netzwerke Europas. Über 140 Produzenten
aus zwanzig europäischen Ländern gehören
mittlerweile dem Netzwerk an, elf
aus Deutschland, unter ihnen Jens Meurer
(Egoli Tossell), Ralph Schwingel (Wüste Filmproduktion),
Martin Hagemann (Zero Film)
und Annette Pisacane (Cameo Film- und
Fernsehproduktion).
ACE richtet sich an Produzenten, die bereits
einen Kinospielfilm produziert haben
und nun ein weiteres internationales Kinoprojekt
voranbringen wollen. Brokemper
bewarb sich mit dem Spielfilmprojekt „MS
Constanze“: „Seit einiger Zeit entwickeln die
Autorin und Regisseurin Almut Getto und
ich gemeinsam die Geschichte der Binnenschifffahrts-Familie
Pellman, die auf dem
Rhein zwischen Basel und Rotterdam spielt.
Die zweite Drehbuchfassung war gerade fertig
und der Zeitpunkt günstig, diese Fassung
von den Dramaturgen analysieren zu lassen
und ein Feedback von potenziellen Finanziers
und Koproduzenten zu bekommen.“
Dem zweitägigen Pre-Workshop im November
in Paris (Schwerpunkt Drehbuchanalyse)
folgte ein einwöchiges Intensivseminar
in Cognac, das internationale Finanzierungs-
und Koproduktionsstrategien,
sowie Vertriebs- und Verleihstrukturen behandelte.
30 erfahrenen Experten betreuten
die Teilnehmer – Verleiher, Weltvertriebe,
Förderer, Medienanwälte, Produzenten
und Autoren. Case-Studies, Diskussionen,
Vorträge und Einzelgespräche
vermittelten die Inhalte besonders praxisnah.
„Unser Projekt hat bereits jetzt von ACE
profitiert. Zum einen haben wir in die neue
Drehbuchfassung die Kommentare der Dramaturgen
einbauen können. Und ich habe
wertvolle Informationen über Finanzierungsmöglichkeiten
in den gewünschten
Koproduktionsländern erhalten“, resümiert
Brokemper.
Auch während des restlichen Jahres
werden die Teilnehmer weiter vom ACE-
Team und Experten unterstützt. Außerdem
bieten viele Veranstaltungen die Möglichkeit,
die internationalen Kontakte zu intensivieren:
Für seine Mitglieder organisiert
ACE verschiedene Kurzseminare, eine jährlich
stattfindende Mitgliederversammlung
und „Networking Events“ auf Festivals und
Märkten.
Ab Mai gibt es die neuen Anmeldeformulare
für den 15. ACE Workshop. Anmeldeschluss
ist Anfang Juli 2005. Weitere
Infos: www.ace-producers.com.
Der reelport der Kurzfilmtage Oberhausen
Europas erste digitale
Auswertungskette für
Filmfestivals
ereits zum zweiten Mal unterstützte das
BMEDIA-Plus-Programm im August
2004 das Pilotprojekt reelport der Kurzfilmtage
Oberhausen. Zur Zeit wird die digitale
Plattform für Filmfestivals in der Praxis
erprobt. Seit September letzten Jahres
werden Filmemacher dazu aufgerufen, ihre
digital produzierten Filme über die Internetplattform
reelport (www.reelport.com)
online einzureichen. Nach diesem Probelauf
will Oberhausen die digitale Einreichung
als Standard anbieten. Langfristig soll
die Festivalarbeit bis zur Projektion auf die
Kinoleinwand komplett digital abgewikkelt
werden.
Der Newsletter sprach mit Projektleiter
Tilman Scheel über die jüngsten Entwikklungen.
Seit letztem September können
Filmemacher ihre Arbeiten über die
Internetplattform reelport bei den Festivals
Oberhausen, Göteburg, Tampere
und Vila do Conde einreichen.
Wie ist die neue Plattform bislang genutzt
worden?
Für Oberhausen sind bisher rund 500
Filme über reelport eingereicht worden, das
sind zehn Prozent der gesamten Einreichungen
und fünf Prozent mehr als wir erwartet
haben. Bemerkenswert ist auch, dass
mehr als ein Drittel aller Filme über das Internet
hoch geladen werden. Dabei kommen
die Filme aus der ganzen Welt, selbst aus
Schwellenländern wie Indien und Brasilien.
Besonders überraschend ist die technische
Qualität der Filme. Nahmen wir an, dass nur
etwa 60 Prozent der digital eingereichten
Filme für die Sichtung geeignet sein würden,
sind es tatsächlich über 90.
Welche Vorteile hat die Anmeldung
per Mausklick?
Pro Jahr erhalten die Kurzfilmtage
Oberhausen rund 5000 Filme als Video-Kassetten.
Die Umstellung auf ein digitales Einreichsystem
bietet entscheidende Vorteile:
Die Lagerung der Filme wird erheblich billiger
und deren spätere Vernichtung kostet
nichts mehr. Zusätzlich verringert sich der
Zeitaufwand bei der Einreichung, da die Ein-
gabe der Daten von den Einreichenden selber
vorgenommen wird.
Außerdem wünschen sich die Filmemachern
selbst immer mehr, auch digitale
Formate einreichen zu dürfen. Grund ist,
dass viele Filme schon digital hergestellt werden
und bisher für die Einreichung auf VHS
kopiert werden mussten. Mit reelport können
die Filme nun direkt vom Rechner
hochgeladen werden. Ein weiterer Vorteil
ergibt sich aus der Tatsache, dass für mehrere
Festivals gleichzeitig eingereicht werden
kann: Damit fällt der Verwaltungsaufwand
nur einmal an. Zudem ermöglicht
reelport eine effektivere Sichtung: Kommissionsmitglieder
und Filmmarktbesucher
können die Filme direkt über ein Bildschirmmenü
aufrufen, ohne sich mit einer
Vielzahl von Videokassetten abzumühen.
Wie reiche ich ein? Muss eine Gebühr
bezahlt werden, und was passiert
mit den Filmrechten?
Eine Einreichgebühr wird es auf absehbare
Zeit nicht geben, da sich reelport
derzeit aus Förderungen und Folgegeschäften
finanziert. Bei den Filmrechten ändert
sich zunächst nichts im Vergleich zum
analogen Ablauf; der Filmemacher gibt zu-
nächst nur die Freigabe für die Nutzung
durch die Festivals. Nur wenn der Filmemacher
es wünscht, wird der Film in einen
Online-Katalog aufgenommen, der Filmrechtekäufern
das internetbasierte Recherchieren
von Filmen ermöglicht. Für die
Einreichungen gilt weiter die Regel, dass alle
Filme, die direkt in Oberhausen eingereicht
werden, den Formatvorgaben von
Oberhausen entsprechen – also weiter auf
VHS eingereicht werden müssen. Nur wenn
die Filme über reelport eingereicht werden,
werden auch digitale Formate akzeptiert.
Wie sind die Filme vor Missbrauch
geschützt?
Soweit die Filme nur für den Festivalbetrieb
genutzt werden, ist ein Missbrauch
praktisch ausgeschlossen, da nur Festivalmitarbeiter
Zugriff auf die Filme haben. Die
Frage nach Missbrauch stellt sich daher erst
bei der Nutzung im Online-Katalog. Dieser
ist nur für Film-Professionals zugänglich, ein
Missbrauch also unwahrscheinlich. Darüber
hinaus lässt die Qualität der Filme eine Nutzung
praktisch nicht zu. Schließlich kann der
Filmemacher, gegen Aufpreis, eine Verschlüsselung
veranlassen, die nur er selbst
kennt.
Was ist die langfristige Zielsetzung
von reelport?
Kleineren Europäischen Filmen – also
Kurzfilmen, Dokumentarfilmen und kleineren
Spielfilmen – durch die Verringerung
der Verleihkosten und die Erschließung zusätzlicher
Nutzergruppen neue Vermarktungsmöglichkeiten
und neue Verleihchancen
zu öffnen.
MEDIA NEWS
Informationen über Fördermaßnahmen
und Einreichtermine erhalten
Sie bei der MEDIA Antenne Düsseldorf,
Tel. (0211) 9305014; media@filmstiftung.de
und auf der MEDIA-
Website www.mediadesk.de.
MEDIA – newsletter@filmstiftung.de 17

Ein Land und seine Bilder
oder die Frage
nach dem Warum
Wir haben deutsche Filmemacher gefragt, ob sie dieses Land
im Umbruch auf der Leinwand wieder finden? Ob die deutschen
Filme deutsche Befindlichkeiten widerspiegeln? Kurz, ob
die einheimischen Produktionen ausreichend gesellschaftliche
Relevanz haben. Unser Thema war Deutschland 2005,
und damit lagen wir eindeutig zu eng. Denn wenn man den
Gedanken weiterdenkt, gelangt man in wenigen Schritten
zu einer ganz anderen, viel wesentlicheren Frage:
Ist Relevanz überhaupt ein filmisches bzw. künstlerisches
Kriterium? Und noch einen kleinen Schritt weiter gedacht:
Warum macht man überhaupt Filme? Um die Realität
abzubilden, zu belehren, zu unterhalten, sich selbst zu
therapieren, reich und berühmt zu werden?
Viele der Filmemacher, die wir fragten, behandeln in ihren
Antworten genau diese persönliche Frage nach dem
Warum. Gestartet im relevant Politischen, landeten wir
im intim Persönlichen – und das verrät vielleicht mehr
über Deutschland 2005 als jedes gesellschaftspolitische
Statement. Lassen Sie sich überraschen.
18
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
Filme wie Schneewitt
EIN E-MAIL-INTERVIEW MIT
DOMINIK GRAF, REGISSEUR
Am 14.12.04 um 13:30 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
Deutschland steckt mitten in einem
Umbruch. Die Sozialsysteme werden
umgebaut mit Folgen für die Menschen.
Die Kluft zwischen reich und
arm wird größer, und selbst die
Mittelschicht fühlt sich vom Abstieg
bedroht. Finden Sie, dass man dieses
Land im aktuellen deutschen Film
wieder findet?
Am 15.12.04 um 09:19 Uhr antwortete
Dominik Graf:
ie politische, die mentale Situation ei-
Dnes Landes oder einer Zeit findet sich
von allen Kunstgattungen doch am deutlichsten
in den Filmen wieder, finde ich. Und
zwar seltsamerweise ganz egal, ob in sorgenfreien
Komödien oder in sozialrealistischen
Filmen. Kinohits von gestern kann
man sehr gut als Objekte zur Gesellschaftsforschung
verwenden, auch wenn ihr
Charme schon längst verblüht ist. Demnach
müsste man also im etwas groben Historismus
des deutschen Kinos zur Zeit vielleicht
mehr von unserer aktuellen Gesellschaft spüren
können, als in den Filmen, die sich mit
konkreten Sozialsituationen beschäftigen?
Denn im Zuckerguss, den das Publikumskino
über seine Filmen gießt, ist doch oft mehr
Wahrheit über die Verdrängungssehnsüchte
einer Gesellschaft verborgen als in einem Kino
der Sozialanalysen.
Am 15.12.04 um 20:56 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:

„One Day in Europe“, Berlinale Int. Wettbewerb „Die kleine Monsterin“, Berlinale Kinderfilm-Wettbewerb
chensärge
Von den in erfolgreichen Filmen verborgenen
Sehnsüchten ist ja auch
Siegfried Kracauer in seinem Analyseansatz
von Kino ausgegangen. Wie
würden Sie den Kassenerfolg von Filmen
dieses neuen Historismus einerseits
und andererseits des Kalauer-
Kinos im Stile von Bully, „Der Wixxer“
oder „7 Zwerge“ interpretieren?
Flucht ins Lachen zum einen und
Rückbesinnung auf Wurzeln zum anderen?
Am 18.12.04 um 07:43 Uhr antwortete
Dominik Graf:
ch glaube, das ist nicht so schwer, diese
IHits einzuordnen. Irgendwie scheint es,
als ob die deutschen Nachkriegs-Mythologien
sich gerade verselbstständigen. Ob
Ost oder West. Fußball WM, Wiedervereinigung,
Willy Brandt, Rosinenbomber, der
Tunnel unter der Mauer, Edgar Wallace-Filme
... alles sozusagen leuchtende vergangene
Traumschiffe, die sich jetzt von ihrer
eigentlichen Realität abgelöst haben und
am ansonsten etwas düsteren gesamtdeutschen
Himmel mythologisch dahinsegeln.
Was Hitler betrifft, so bleibt halt das
filmische Problem ungelöst. Vielleicht ist es
auch nicht zu lösen? Aber das Schwierigste
an all dem ist doch eigentlich nur, dass
uns im Umgang mit diesen Mythen etwas
Frisches, Radikales, Freches fehlt, so wie etwa
die Amerikaner in den 70ern mit ihren
Western umgegangen sind. Was wir gerade
betreiben – ob Guido Knopp oder
„Der Untergang“ – ist sozusagen eine Mythologisierung
der Mythen. Das heißt anstatt
diese teilweise absurden neudeutschen
Heldensagen ein wenig in den zugehörigen
Alltag, in ihre zugehörige Soziologie
herunterzuholen, stilisieren wir sie
noch mehr. Das ist halt ein bisschen klein-
geistig, aber es ist wohl erfolgreich.
Am 18.12.04 um 22:49 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
Sie sprachen – im Gegensatz zu diesen
Mythologisierungen – vom „Kino
der Sozialanalysen“, also Filmen, die
gesellschaftliche Um- und Missstände
direkt zum Thema machen. Hat
dieser deutsche Sozialrealismus, wie
er zur Zeit floriert, für Sie eher etwas
Pädagogisches, also etwas vom Filmemacher
aus nach außen Gerichtetes,
oder letztlich bloß etwas
Selbstreflexives, also auf den Filmemacher
selbst Bezogenes? Provokant
gefragt: Wem nützt ein solches Kino?
Am 19.12.04 um 09:12 Uhr antwortete
Dominik Graf:
as kann man so, glaube ich, nicht fra-
Dgen. Beim Kino ist es doch egal, wem
es letztlich nutzt. Irgendwann zählt nur
noch, ob ein Film gut ist, ob er Substanz
hat und ob er sich vor der Filmgeschichte
bewährt oder ob er verschwindet, oder?
Vielleicht drückt dieses andere, dieses ärmere,
„kleine“ deutsche Kino, das die Realität
erkunden will, eher eine Sehnsucht
der Autoren und Regisseure nach irgendeiner
nicht definierten Art von deutschem
„Independent“-Kino aus, während das teure
Mythen-Kino sich mehr am Zuschauer
zu orientieren versucht – dabei aber von
Idee und Ideologie her das amerikanische
Kino imitiert. Was uns teuer zu stehen
kommt. Und sozialrealistisches Kino ist ja
auch gewissermaßen billiger, was eher zu
uns zu passen scheint, denn wir haben ja
auch nicht viel Geld zur Verfügung. Schwierig
finde ich daran nur, dass es, seit ich denken
kann, diesen Gegensatz gibt, dass es
bei uns verschiedene Schubladen in den
Köpfen gibt; d. h. der einen Art von deutschem
Kino fehlt vorsätzlich ein gewisser
erzählerischer Glanz, dem anderen, dem
teureren deutschen Kino – wenn es denn
überhaupt Glanz hat – fehlt es komplett an
Analyse, an einer notwendigen Härte und
Kälte des Blicks und an Wahrhaftigkeitswillen.
Gemeinsam würde da vielleicht
irgendwann ein Schuh draus. Aber darauf
können wir lange warten in Deutschland,
glaube ich. Die jeweiligen Kommerz- und
Kunst-Schubladen sind weltanschaulich beiderseits
fest vernagelt in den Köpfen.
Am 22.12.04 um 15:45 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
Das Schubladendenken ist sicher problematisch,
aber eint nicht alle Filmemacher
im Grunde der tiefe
Wunsch, dass sein Werk von möglichst
vielen Menschen gesehen wird,
woraus sich dann unter Umständen
konzeptionelle Schwierigkeiten der
Erwartungserfüllung entwickeln?
Dahingehend auch meine Frage von
neulich nach dem Nutzen: Ist nicht ein
stimmiger, konsequenter und gelungener
Film einer, den der Filmemacher
auch zu einem gewissen Teil für
sich selbst gemacht hat?
Am 23.12.04 um 09:27 Uhr antwortete
Dominik Graf:
ch habe für mich und meine eigenen Fil-
Ime eher das Gefühl, dass ich sowieso nur
durch die Arbeit und die Leistung meiner
Autoren bislang in der Lage war, Filme zu
machen, von denen ich jetzt im Nachhinein
sagen kann, dass ich stolz auf sie bin;
dass ich einige dieser Filme auch für mich
als Zuschauer halbwegs erträglich finde.
Man möchte ja auch von seinen eigenen
Filmen möglichst fasziniert werden, nicht?
Man will ja die erfreulichen Dialoge, die
widersprüchlichen, spannenden Figuren,
die interessanten Konflikte, die man selbst
im Leben, im Kino und in der Literatur liebt,
im eigenen Film wieder finden ... Und dass
diese Art Freude an der eigenen Arbeit
überhaupt nur dann aufkommen kann,
wenn man die Chance hat, mit Autoren
wirklich konsequent zu arbeiten, das
stimmt sicher. Aber allein diese schrekklichen
Etiketten in Deutschland, dauernd
suchen sie den „neuen Fassbinder“! Ich
probier’s vielleicht mit den Schubladen auch
noch mal anders: Ein paar der – wie ich finde
– zur Zeit besten deutschen Regisseure,
Frauen wie Männer, machen doch fast
nur noch kleinere Filme. Ich vermute von
meinen eigenen Erfahrungen her: aus Bedenken,
dass ihnen bei uns gleichzeitig mit
den größeren Budgets die Filme sofort verwässert,
zerstört oder ganz und gar unmöglich
gemacht werden. Es ist schon ein
ökonomisches und psychologisches Problem,
glaube ich, dass die Art von deutschem
Kino, die offensiv auf das Publikum
zugeht, die „größer” daherkommt, dass
diese Art Kino fast immer auch erzählerisch,
inhaltlich und im Detail herbe Kompromisse
zu beinhalten scheint. Bei „Heimat 3“ dagegen
kann man sehen, finde ich, dass allein
schon die Art wie Reitz da die Tankstellenflaggen
im Hunsrück 1995 wehen
lässt, dass einem da um die Zukunft des damals
so satten, neuen Großkohldeutschland
noch mal nachträglich Angst und Bange
wird ... Ich meine damit, im scheinbar
kleineren Erzählen, in solchen Bildern heben
sich die Schubladen und die Widersprüche
unseres Kinos plötzlich für Momente
auf.
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 19

„Weisse Raben - Alptraum Tschetschenien“, Berlinale Panorama „Massaker“, Berlinale Panorama
Am 28.12.04 um 16:39 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
Ist es Ihnen selbst nicht ähnlich gegangen
mit „Der Felsen“, der angeeckt
ist? Mussten Sie dort auch den
Weg gehen: entweder Kompromisse
und höheres Budget oder konsequent
Ihren stilistischen und inhaltlichen
Weg gehen, dafür allerdings unterfinanziert?
Am 29.12.04 um 10:40 Uhr antwortete
Dominik Graf:
ch habe beim „Felsen” von Anfang an ei-
Igentlich sehr wenige inhaltliche Kompromisse
machen müssen. Ganz im Gegensatz
übrigens zu allen meinen anderen Kinofilmen
bislang. Dass so ein Stoff kein teures
Budget zugestanden bekommt, das war
uns ja klar. Dass es dann letztendlich aber
so knapp wurde mit dem Geld, das hat zu
den Entscheidungen geführt, die den Film
eben formal noch mal unbequemer werden
ließen als er ohnehin in der Erzählung
und in den Figuren schon geplant war. Ich
glaube, dass sehr oft die Ökonomie die treibende
Kraft hinter formalen Entscheidungen
im Kino ist. In „Spieler“ beispielsweise
habe ich damals die Figuren meistens nur
an Häuserwänden von rechts nach links
entlang gehen lassen, weil wir nicht genug
Zeit und Geld hatten, die Tiefen der Münchner
Strassen unter Kontrolle zu halten. Der
Film wurde dadurch viel abstrakter als geplant.
War das richtig? War das falsch? Keine
Ahnung. Publikumsfreundlich war es sicher
nicht, aber dafür budgetfreundlich. Time
will tell, welche Entscheidungen richtig
sind oder falsch, über die momentanen
Aufregungen über einen Film hinaus. Vielleicht
zeigt sich irgendwann, dass der „Felsen”
auch das Problem der meisten eher
20
avantgardistisch gemeinten Filme hat, dass
sie nämlich vor allem permanent damit beschäftigt
sind, möglichst avantgardistisch
zu sein, und dass sie dabei in den Menschenbildern
manchmal letzten Endes dann
doch genauso langweilig und kompromisslerisch
daherkommen wie eben das
meiste andere bei uns auch? Aber das sieht
man oft erst, wenn der Lack des formal
Neuen an solchen Filmen mal abgeblättert
ist. Mal sehen, was dann vom „Felsen“
noch übrig bleibt.
Am 02.01.05 um 15:49 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
Vielleicht ja die Poesie, mit der im
„Felsen“ die Welt betrachtet wird –
das ist ja auch nicht gerade gängig
im aktuellen Film. Sie werden künftig
an der ifs junge Filmemacher ausbilden.
Sehen Sie, wenn Sie ganz generell
zur Zeit Debüts anschauen, eine
zu bestimmende Generation heranwachsen?
Eine, die die Zeichen der
Ökonomie erkennt oder gar eine, die
sich davon befreien möchte?
Am 03.01.05 um 10:34 Uhr antwortete
schrieb Dominik Graf:
ch habe das Gefühl, dass die momenta-
Ine Regie-Generation sich stark an den
eher künstlerischen deutschen Regisseuren
und Regisseusen orientiert, und dass sie sich
– wie gesagt – dort dann eher erst mal an
den minimalistischen Erzählformen des ärmeren
deutschen Films entlang hangeln.
Thema Nummer eins ist dabei nach wie vor
das Familienleben in jeder Form. Man erlebt
nach wie vor – wie auch im Fernsehfilm
bei uns – unendlich viele Figuren, die
in ihren Leben wie in gläsernen Gefängnissen
aufbewahrt sind, die gleichsam hin-
ter den Glasscheiben ihres Zuhauses stehen
und die unhörbar um Hilfe schreien. Kommunikationsunfähigkeiten
ohne Ende. Figuren,
die rein wollen oder raus wollen aus
dem, worin sie gerade stecken – je nachdem.
Filme wie Schneewittchensärge, das
meiste zwischen den Personen irgendwie
seltsam in Watte gepackt. Formale Bundeskanzleramtsästhetik
sozusagen. Und auf
der anderen Seite gibt’s dann auch einen
Realismus-Begriff, der einen zwar nicht
brandneu vom Hocker haut, der aber ganz
sympathisch bescheiden daherkommt. Positiv
finde ich auf jeden Fall, dass – auch
durch die junge Producergeneration, die
ausgebildet wird – eine sichtbare Chance
besteht, diese Schubladen von Kommerz
und Kunst, von E und U bei uns doch vielleicht
mal gründlich durcheinander zu wirbeln.
Die jüngeren Produzenten haben
möglicherweise andere Kriterien bei der Beurteilung
eines Stoffs, glaube ich.
Am 03.01.05 um 18:21 Uhr
schrieb Oliver Baumgarten:
„Filme wie Schneewittchensärge“ -
treffender habe ich das noch nicht
gehört. Aber wer küsst uns rechtzeitig
wach, bevor wieder alles ungeschehen
ausgesessen ist?
Am 04.01.05 um 09:57 Uhr antwortete
Dominik Graf:
ommt drauf an, was man unter Wach-
Kheit versteht. Gemessen an den internationalen
Preisen und auch an der Publikumsresonanz
ist der deutsche Film zur Zeit
ja hellwach. Es gibt objektiv doch wenig zu
meckern. Die Filme erfüllen inzwischen fast
alle Disziplinen, lustig bis spannend bis poetisch,
sie werden handwerklich immer besser,
finde ich, sie beschreiben unser Land,
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
manche davon werden zu Hits usw. Aber
die Frage der Filmakademie vor einem Jahr,
was man hasst am deutschen Film, die war
trotzdem richtig gestellt, finde ich. Es gibt
zweifellos einen tiefen Riss bei uns. In der
Branche wird hinter dem Rücken auf die
jeweils anderen geschimpft, dass sich die
Balken biegen. Es gibt da Fronten, deren
Kampflinien eben ganz anders verlaufen,
glaube ich, als das die Schubladen von E
und U an der Oberfläche zunächst vermuten
lassen. Viel Hass und Neid untereinander
ist dauernd spürbar. Nicht, dass
es wirklich soviel Hassenswertes an unseren
Filmen gäbe, aber ich finde ja auch an
der Filmkultur, in der ich lebe, nach wie vor
recht wenig, was ich lieben kann. Also
wach küssen klar – aber zu welchem Leben?
Da haben hundert Leute hier hundert
verschiedene Meinungen dazu.

„Saratan“, Berlinale Panorama „Stranger“, Berlinale Panorama
In der eigenen Welt nach Wahrheit graben
VON RUTH TOMA,
DREHBUCHAUTORIN
ie den meisten Autoren fällt es mir
Wsehr viel leichter, ein ganzes Drehbuch
zu schreiben, als wenige Absätze über
das Schreiben zu verfassen. Ich weiß nicht,
warum ich so ungern darüber nachdenke,
was mich zum Schreiben treibt. Vielleicht
weil der Versuch, Worte dafür zu finden,
das Ganze klein und banal machen könnte.
Ähnlich wie mich oft eine Idee in Begeisterung
versetzt, und wenn ich versuche,
sie zu greifen, verliert sie ihren Glanz,
und das Versprechen, das sie in sich getragen
hat, löst sich in Luft auf.
Natürlich möchte ein Autor Filme schreiben,
die Bedeutung haben. Bedeutung für
ihn selbst, für seine Zuschauer. Geschichten,
die einen scharfen Blick auf die Zeit, die
Gesellschaft, den Menschen werfen. Doch
welche Filmerzählung taugt dafür? Geschichten
können ihre Kraft in höchst überraschender,
unvorhersehbarer Weise entfalten.
In dem Film „Balzac und die kleine
chinesische Schneiderin“ entwickeln Erzählungen
französischer Romanciers, die
von aufkeimender Liebe und Leidenschaft
berichten, eine derartige Sprengkraft, dass
sie von den Machthabern erbittert verfolgt
werden. Dieselben Romane locken in der
Deutschstunde keinen Gymnasiasten hinter
dem Ofen vor.
Als das Ende des Studiums näher rückte,
brach in der Drehbuchklasse der ifs internationale
filmschule köln große Ratlosigkeit
aus. Die Studenten fragten sich, worüber
sie um Himmels willen ihr Abschlussdrehbuch
schreiben sollten. Bisher diente alles
der Übung, doch nun sollte es ernst werden.
Was war ihnen wichtig? Was lohnte
sich? Und Panik angesichts der Erkenntnis,
dass sie das selbst herausfinden mussten.
Wer sonst?
Der Rat ihrer wohlmeinenden Tutoren
lautete, nahe bei sich selbst zu bleiben, in
ihrer Welt, in ihrem Erfahrungsbereich und
dort nach der Wahrheit zu graben. Bei ehrlichem
Bemühen besteht dabei vielleicht die
größte Chance, Originäres und Einmaliges
zu finden. Geliehene Welten, vielleicht bedeutsame,
aber ferne Probleme sind meist
nicht in der Lage, uns zu inspirieren. Zumindest
wenn man am Anfang des Schreibens
steht, läuft man Gefahr bekannte Muster
zu wiederholen, die andere vorgefertigt
haben.
Genauso wie sich oft heraus stellt, dass
regional verhaftete Filme, die in einer ganz
konkreten kleinen Welt spielen, oft universeller
wirken als solche, die in einer verallgemeinerten
Welt angelegt sind. Letzteres
wirkt erfunden, während ersteres nach
Wahrheit riecht. Wir genießen diese Filme
zweifach. Wir erfahren etwas Neues über
eine unbekannte Welt und finden in den Figuren
Vertrautes – letztlich uns selbst.
Jemand, der Filmgeschichten erfindet,
kann nur aus sich selber schöpfen. Aus dem,
was ihn selber umtreibt. Und er kann nur
hoffen, dass das auch in anderen etwas in
Gang setzt. Die Hoffnung ist nicht ganz abwegig.
Immerhin ist der Autor, wie seine Zuschauer,
ein Mensch und lebt wie sie in dieser
Zeit.
Aber auch wenn die Beziehung des Autors
zu seiner Geschichte eine sehr persönliche
ist, müssen wir uns darüber im Klaren
sein, dass wir eine große Verantwortung
tragen. Film prägt in unserer Zeit wie keine
andere Kunst das Weltbild der Menschen.
Das wird besonders deutlich bei historischen
Filmen. Bei jedem, der den
„Untergang“ gesehen hat, werden die Bilder,
die Drehbuch, Ausstattung, Kamera
und Regie vom Führerbunker geschaffen
haben, jede andere Vorstellung davon überdecken.
Im letzten Jahr gab es zwei Filme, die
sich ganz ausdrücklich mit dem gegenwärtigen
Zustand unserer Gesellschaft auseinandersetzen:
„Die fetten Jahre sind vorbei“
und „Muxmäuschenstill“. In beiden
Filmen vertreten die jeweiligen Helden vehement
politische Ideale – wenn auch mit
fragwürdigen Methoden. Und interessanterweise
scheitern die Helden beider Filme
auf ihre Weise an der Liebe. Eine gute, alte
Komplikation, die die Menschen schon
immer und in jeder Gesellschaft bei ihren
Plänen gestört hat. Die Natur des Menschen
ist seit jeher Hindernis für jedes Ideal.
Und Filme erzählen von Menschen,
nicht von Missständen.
Jemand hat Jan Schütte zu seinem Film
„Drachenfutter“ mal ein fragwürdiges
Kompliment gemacht: Es sei eine wunderbare
Idee, die Asylantenproblematik auf
diese Weise zu erzählen. Jan war nicht geschmeichelt.
Denn es war ihm nicht eingefallen
einen Film zum Thema Asyl zu machen.
Es ging ihm natürlich um mehr.
In der voran gestellten Themenstellung
klang ein gewisser Gegensatz an zwischen
der „Widerspiegelung gesellschaftlicher Realität“
und „Unterhaltung“. Billy Wilder hat
von einer Geschichte verlangt, sie solle nicht
langweilen, und das ist alles, was zum Thema
Unterhaltung zu sagen ist. Unterhaltung
ist nicht festgelegt auf Seichtes oder auf
wohlfeiles Gelächter oder was für schmutzige
Attribute einen noch in den Sinn kommen
mögen. Unterhaltung ist die Abwesenheit
von Langeweile. In dem Film „Der
neunte Tag“ macht der Held einen bewegenden
und äußert schmerzvollen Prozess
durch. Ihn quälen Zweifel, was richtig ist,
Zweifel, was er imstande ist, zu ertragen.
Und das ist so gut erzählt, dass wir gezwungen
sind, all die unangenehmen Gefühle
mit ihm zu durchleiden. Am Ende
muss er seinen moralischen Sieg mit phy-
sischem Leiden bezahlen, und wir sitzen mit
nassen Augen in den Kinostühlen, haben
etwas über das Leben erfahren – und fühlen
uns unterhalten. Wer erschüttert ist,
langweilt sich nicht.
„Widerspiegeln gesellschaftlicher Zustände“
hört sich so an, als schaffe man bloß
ein neutrales Abbild. Das funktioniert nicht
und ist auch gar nicht möglich. Jeder Autor
hat eine Haltung. Seine zwei Augen, durch
die er die Welt sieht. Diesen Blickwinkel können
wir uns ebenso wenig aussuchen wie
unsere Nase. Er hat damit zu tun, wer wir
sind, was wir geworden sind durch Charakter
und Erfahrung. Wir können uns unsere Sicht
nur bewusst machen und durch unsere jeweilige
Brille genauer gucken.
Eine dieser Brillen ist Humor und das ist
durchaus nicht immer lustig. Wenn man
sich etwa die Geschichten des großen Karl
Valentin anschaut, sieht man einen Menschen,
der an den Absurditäten der Realität
verzweifelt und die Welt solange verdreht,
bis er sie aushalten kann. Humor kann ein
lebensrettendes Element sein.
Ein Autor fragt sich ständig, ob das, was
er zu sagen hat, von Bedeutung ist. Er
horcht voller Zweifel in sich hinein, gleicht
außen und innen ab. Manchmal wissen wir
nicht so richtig Bescheid über den wahren
Gehalt unserer Geschichten. Es gibt etwas,
das uns an einer Idee fasziniert, wir können
aber nicht genau sagen, was. Die Versuchung
ist groß, die Bedeutung unserer Geschichte
im Vagen und Instinktiven zu lassen
und darauf zu vertrauen, dass es schon
heraus kommen wird, auch ohne unser Zutun.
Leider funktioniert das nicht. Wir müssen
uns der Mühe unterziehen und herausfinden,
was in unseren Ideen steckt.
Dann können wir vielleicht schaffen, was
wir uns wünschen: Geschichten von Bedeutung.
Wie sagte schon Karl Valentin?
„Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit.“
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 21

„Stranger“, Berlinale Panorama „Lost and Found“, Berlinale Int. Forum
22
Schnipsel
der Realität
VON VANESSA JOPP,
REGISSEURIN
ch mache Filme fürs Publikum. Unter-
Ihaltsam müssen sie sein, sonst will sie keiner
sehen. Ich will ja auch bei meinem Kinobesuch
unterhalten werden, gerührt, gepackt,
will mitfiebern, dranbleiben. Und
dann gibt es Filme, die darüber hinausgehen,
die außer, dass sie mich unterhalten,
in mir etwas bewegen. Das habe ich gerade
erst wieder bei dem tollen Dokumentarfilm
„Rhythm is it“ erlebt, der meinen
Blick auf Jugendliche und auf mein eigenes
Leben verändert hat. Diesen Anspruch
stelle ich auch an die Filme, die ich
mache.
Filmemachen ist aber noch mehr für
mich. Denn da tickt immer wieder eine Zeitbombe
in mir, die explodieren will, eine
Idee, die heraus will – Zuschauer hin oder
her. Die Realität enthält für mich dabei ein
unschätzbares Ideenpotential. In unterschiedlichen
Ausprägungen beleuchten
meine Filme dann einen Teil der Realität.
Deshalb investiere ich in jeden Film sehr viel
Recherchearbeit und führe intensive Gespräche.
Klar, es bleibt mein Teil der Realität,
mein Zeitausschnitt, meine Wahrnehmung.
Deshalb maße ich mir auch nicht an, allgemeingültige
Bilder zu entwerfen; es sind
Schnipsel der Realität, das Ergebnis meiner
Lust am Beobachten. Ich mache auch keine
sozialkritischen Filme, sondern erzähle
ohne zu werten. Ich beobachte zum Beispiel
eine Putzfrau, ohne dabei zwangsläufig ihre
Rolle als unterdrückte, unterbezahlte Frau
an den Pranger zu stellen. Auch der provokative
Realismus interessiert mich nicht
über Maß. Ich muss nicht sehen und zeigen,
was genau sich auf der Klobürste besagter
Putzfrau befindet. Mich interessiert viel mehr
die Frage: Was macht ihr Menschsein aus,
was sind die Aspekte des Lebens?
Mein aktuelles Projekt, „Im Licht der
Nacht“ (Arbeitstitel!), beschäftigt sich mehr
als jedes andere zuvor mit der gesellschaftlichen
Realität in Deutschland. Es ist
ein episodischer Film. Über allem steht das
Thema Einsamkeit und Sexualität und damit
die Einsicht, dass es in unserer Gesellschaft
viele verlorene, verlassene Menschen
gibt. Das ist aber nur der Ausgangspunkt,
denn das Problem an sich zu zeigen, interessiert
mich nicht, sondern wie Menschen
damit umgehen. Meine Arbeitsweise bei
„Im Licht der Nacht“ orientiert sich an der
von Mike Leigh und Ken Loach: Ich suche
mir Schauspieler, mit denen ich schon immer
arbeiten wollte, und spreche mit ihnen
intensiv über Menschen aus ihrer Umgebung,
meist Verwandte und Freunde. Aus
diesen Gesprächen über mehrere reale
Menschen kreieren wir dann eine Figur. So
sind sehr unterschiedliche Figuren mit unterschiedlichen
Berufen entstanden. Mit Hilfe
dieser Vorlage haben meine Autorin
Adrienne Bortoli und ich die Geschichten
entworfen. Die Schauspieler erfahren dann
erst am Set die Situation in der sich ihre Figur
befindet und müssen spontan reagieren.
Die Dialoge innerhalb der ausgefeilten
Dramaturgie entstehen also durch Improvisation.
Mich fasziniert das breite soziale
Spektrum, das sich in der intensiven Arbeit
mit den Schauspielern aufgetan hat. Die
Herausforderung ist, trotz des schweren
Themas humorvoll und eben unterhaltsam
zu sein. Im Februar beginnen die Dreharbeiten
in Berlin.
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
Unterhaltung muss ni
VON NINA HOGER,
SCHAUSPIELERIN
„Man muss die Realität in die
Medienwelt zurückbringen“
(Michael Haneke)
arum berühren und begeistern uns
Wenglische Filme? Oder dänische? Sie
spiegeln sehr wohl die Realität des Landes
wider, die soziale und multikulturelle Problematik
und erzählen trotzdem zum Beispiel
eine Liebesgeschichte, die aber eingebettet
ist, und nicht plötzlich die Außenwelt
außen vor lässt und im Privaten stekken
bleibt oder in einer Gaunerkomödie endet.
Als hätten wir Deutsche Angst, zuzugeben,
dass auch unser Land nicht frei von
Arbeitslosigkeit, Armut, sozialer Vereinsamung
und Fremdenhass ist. Und erst die
so genannte „Wiedervereinigung“ –
immerhin auch schon 15 Jahre her – spiegelt
sich in unserer Filmlandschaft meistens
„nur“ als Komödie wider. Bloß nicht nachfragen!
Warum eigentlich? Sind wir so
hochmütig oder glauben wir, dass unser
Publikum von der Realität nichts wissen
will? Gerade der englische/dänische Film
zeigt doch, dass er sein Publikum trotz –
oder sollte man besser sagen gerade
wegen – des genauen Blickes auf die Realitäten
und die Menschen unterhält. Sicherlich
gibt es die „kleinen“, wir nennen
sie gerne Low-Budged-Filme wie „Kroko“
von Sylke Enders oder „Berlin ist in Germany“
von Hannes Stöhr, aber die werden
verschämt in die kleinen Kinos verbannt,
vom Feuilleton beachtet, vom Fachpublikum
mit Wohlwollen bedacht und vom
Großteil des Publikums verschmäht.
Leider aber fehlt bei vielen Filmen die
emotionale Genauigkeit der Figuren und
Charaktere. Wir füttern unser Publikum mit
Behauptungen und Informationen und zei-

cht dümmlich sein
„Crash Test Dummies“, Berlinale Int. Forum „Durchfahrtsland“, Berlinale Int. Forum
gen keine Zustände. Es geht doch darum,
Emotionalität zu empfinden! Fatih Akin hat
in „Gegen die Wand“ geschafft, mit der
emotionalen Wucht seiner Geschichte und
seiner wunderbaren Schauspieler dem Publikum
eine Realität zu vermitteln, die berührt
hat und unterhält! Ja, unterhält! Auch
im Sinne von sich darüber unterhalten, verständigen,
austauschen. Ich habe bestimmt
noch zwei Stunden über den Film gesprochen,
ihn mir nochmals vor Augen geführt,
die Träne im Augenwinkel nochmals weggewischt.
Nochmals mitgefühlt mit den Protagonisten.
Nochmals mitgelitten über die
„Ich gehe auch nicht ins
Kino, um mich zu langweilen
oder weil ich dort
besser schlafen kann.“
Unlebbarkeit der Liebe. Der Film ist hängen
geblieben, hat sich in mir eingenistet so wie
zum Beispiel auch „Halbe Treppe“ von Andreas
Dresen.
Es geht also! Und natürlich muss ein
Film unterhalten! Alles andere wäre an den
Realitäten vorbei gedacht. Ich gehe auch
nicht ins Kino, um mich zu langweilen oder
weil ich dort besser schlafen kann. Aber was
bedeutet „nur“ unterhalten? Als wäre
Unterhaltung etwas Schlechtes, Undefinierbares,
wofür man sich auch schon wieder
schämen müsste.
Ich habe manchmal den Eindruck, in
Deutschland ist Unterhaltung gleichbedeutend
mit einer plumpen Sprache, einfältig
grölendem Humor, obendrein sexistisch
und gespickt mit Klischees, was zwar
den positiven Effekt hat, dass der Zuschauer
einen hohen Wiedererkennungswert hat,
aber das Gesehene auch schon oft gesehen
hat. Diese Sichtweise bildet immer weniger
genau unsere Welt ab, bleibt in einer Oberflächlichkeit
stecken und führt zu einer kulturellen
Aushöhlung. Aber Unterhaltung
muss nicht dümmlich und vordergründig
sein.
Was macht einen erfolgreichen Film
aus? „Das Drehbuch, das Drehbuch und
nochmals das Drehbuch“. Alle kennen dieses
Zitat von Billy Wilder, und es hat bis zum
heutigen Tag – so schlicht es scheint – nicht
an Wahrheit und Bedeutung verloren. Das
Wichtigste für ein gelungenes Drehbuch ist
doch die genaue Recherche.
Wie oft wird in Filmen (im
Fernsehen ist es noch extremer)
das zitiert, was man
irgendwo gesehen oder gelesen
hat. Der Film zitiert sich
selber und gibt dieses Zitat als
Wirklichkeit, als Wahrheit aus.
Einzig durch die Genauigkeit
des Blickes – man muss doch
nur hingucken, die Geschichten sind doch
da! – kann doch auch der Zuschauer erst
sehen, was er möglicherweise so noch nicht
gesehen hat, und sich begeistern und unterhalten
lassen.
Sowohl Film als auch Fernsehen sollte
die Lebensrealität unseres Landes widerspiegeln
und dadurch die kulturelle Vielfalt
unserer Gesellschaft aufzeigen, die es gilt
zu bewahren.
Sieben Zwerge auf dem Traumschiff
VON KADIR SÖZEN, REGISSEUR
UND PRODUZENT
ie letzte Klappe ist auch die erste Klap-
Dpe. Der deutsche Film ist auf dem Vormarsch.
Der deutsche Film boomt. Ein Erfolg
jagt den anderen. Nach den schweren,
bedrückenden vergangenen Jahren können
wir doch richtig stolz sein?! Die Filmindustrie
wetzt schon die Messer, rüstet sich für die
kommenden, noch größeren Jahre. Doch
die Realität relativiert so manches.
Versuchen wir, die erfolgreichsten Filme
des Jahres an der Kinokasse zu finden,
wird sehr schnell klar, dass die sieben Zwerge
auf dem Traumschiff die Reise gewonnen
haben. In wieweit diese Filme den Geschmack
des Kinozuschauers widerspiegeln
ist bereits – genau von diesem – abschließend
beantwortet worden.
Doch die spannendere Frage
ist, ob diese Filme die Realität
unseres Landes widerspiegeln.
Um die Antwort (die ich
mir für den Schluss aufbewahren
wollte) vorweg zu
nehmen: Ja!! Spiegelt nicht jeder
Film ein Stück weit die Realität
des jeweiligen Landes wider? Anders
ausgedrückt, wenn fast sieben Millionen Zuschauer
„7 Zwerge“ und sogar nahezu zehn
Millionen „(T)Raumschiff Surprise“ sahen,
spiegelt das nicht ein Stück weit auch den
Zeitgeist der Gesellschaft wider?
Einige werden sicherlich jetzt sagen: Der
Filmgott stehe uns bei! Recht haben sie! Nur
oft meint man, dass genau dieser hier und
da wichtigeres zu tun hatte. Filme wie „Der
Wixxer“, aber auch einige andere, haben
ihn so vermissen lassen, dass der Glaube an
ihn nahezu erloschen ist.
Nein, nein, damit die Gedanken erst gar
nicht in die falsche Richtung gleiten: Ich bin
der festen Überzeugung, dass diese Filme
gemacht und gefördert werden müssen. Sie
sind ein wesentlicher Bestandteil der Filmindustrie,
und sie sind ein Bestandteil unserer
Zuschauerphilosophie. Der Unterhaltungsanspruch
des Zuschauers ohne den
Zusatz des künstlerischen Tiefgangs ist
durchaus legitim. Die Unterhaltung ist so
weit gefächert wie die Seele des Zuschauers
nahezu unergründlich ist! Die Form der
Unterhaltung definiert jeder für sich selbst.
Das ist die Realität. Kein Filmemacher/Künstler
sollte sich seine eigenen Zuschauer zu
backen versuchen.
Sicher ist mein Traum und meine Vision
die Kombination aus Unterhaltung und
Kunst. Doch die Realität zeigt, dass dies die
Ausnahme bleiben wird. Wenn Filme wie
„Gegen die Wand“ bei 800.000 Zuschau-
„Den Menschen in seinem
Denken zu verändern,
das hat natürlich mit der
Kunst nicht funktioniert.“
ern die Segel streichen müssen, fragen wir
uns angesichts der oben genannten Zahlen
schon, was der „gemeine“ Zuschauer
im Schilde führt. Während für die meisten
Zuschauer Kusturica mehr an einen griechischen
Auflauf erinnert, als an einen der
größten Geschichtenerzähler, sind für die
anderen Zuschauer die sieben Zwerge der
kulturelle Untergang unserer zivilisierten Gesellschaft.
Und wenn wir ein wenig ehrlich sind,
war das in der Vergangenheit so, und das
wird auch in der Zukunft so bleiben. Ist das
auch gut so? Ich weiß es nicht.
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 23

„Durchfahrtsland“, Berlinale Int. Forum „Das Lächeln der Tiefseefische“, Berlinale Perspektive Deutsches Kino „Weltverbesserer“, Berlin
Doch ich weiß, dass wir mit unseren Filmen
die Gesellschaft nicht verändern werden
(zumindest nicht im Großen). Endgültig
vorbei die Hoffnungen der 60er, 70er
und vielleicht der 80er Jahre.
Die großen Ideale, die Gesellschaft revolutionieren
zu können, den Menschen in
seinem Denken zu verändern, das hat natürlich
mit der Kunst nicht funktioniert. Ich
für meinen Teil bin bescheiden geworden,
aber sicherlich nicht hoffnungslos. Denn an
eines glaube ich: den ein oder anderen Zuschauer
erreichen zu können. Und an eines
glaube ich ganz fest: dass es immer noch
Geschichten gibt, die es wert sind, erzählt
zu werden, die es wert sind, die Hoffnung
nicht aufzugeben.
Und genau das ist uns zu wünschen:
Autoren, Regisseure, Sender und Filmförderer,
deren Visionen und Herzen noch am
Kino hängen und an den großen Geschichten,
die uns bewegen, die uns (be-)
rühren.
Damit noch viele Filme „Gegen die
Wand“ donnern, oder anders formuliert,
damit dieses Jahr nicht ganz so viele gegen
die Wand donnern! Daher hoffe ich, dass
die letzte Klappe auch immer wieder die erste
Klappe ist.
24
Die pure reine Liebe
SAMSTAG, 8. JANUAR, 17.30
UHR: EIN TELEFONGESPRÄCH
MIT TIL SCHWEIGER,
SCHAUSPIELER, REGISSEUR
UND PRODUZENT
Zwischen deinem Film „Knockin
on Heaven´s door“ und deinem neuen
Projekt „Barfuss“ hat sich viel verändert
in Deutschland, die Sozialsysteme
werden umgebaut, viele Menschen
fühlen sich bedroht. Findet sich
dieses Land in den deutschen Filmen
wieder?
In vielen Produktionen findet es sich
wieder, in meinen Filmen eher nicht, oder
wenn, dann eher auf einer emotionalen
Ebene. Vom Look her habe ich sogar versucht,
Deutschland zu verstecken. Nicht weil
Deutschland so hässlich ist, ganz im Gegenteil,
Deutschland ist ein wunderschönes
Land. Aber ich möchte eben versuchen,
Deutschland neu zu erzählen, so wie man
es nicht kennt. Köln beispielsweise so zu zeigen,
dass es einen Kinolook hat, das finde
ich eine Herausforderung und auch einen
Anreiz, jemanden ins Kino zu locken. „Barfuss“
könnte zum Beispiel in Frankreich oder
Holland spielen, die Bilder sind universell.
Und das Thema ist universell: Es
geht um die Liebe, ein Thema, das jeden
interessiert, das jeden angeht,
egal ob reich oder arm, ob Mann
oder Frau. Ein Thema aber auch, das
viele Schwierigkeiten birgt…
Klar, jeder kann bestätigen, dass es
nichts Schöneres gibt, als verliebt zu sein,
doch das hält nicht an. Manchmal stirbt so
ein Verliebtsein ab, manchmal wandelt es
sich aber auch in eine tiefe Liebe, die mit
Vertrauen zu tun hat. Bei all dieser Schönheit
fügt die Liebe dir aber auch den größten
Schmerz zu. Niemand kann dich so ver-
letzen, wie jemand, den du liebst, deswegen
quälen sich viele Liebende so. In
„Barfuss“ geht es um die pure, reine Liebe.
Es hat fast etwas Märchenhaftes, denn die
Hauptperson Leila, die Nick zu lieben lernt,
ist total rein und hat eine Kinderseele. Meine
Kinder können mich nicht wirklich verletzen,
sie tun mir für einen kurzen Moment
weh, aber da sehe ich sofort drüber hinweg,
weil es nie bösartig ist – was man ja in der
Partnerschaft dem Erwachsenen eher unterstellt,
ob das jetzt gerechtfertigt ist oder
nicht. Leila ist zwar eine Erwachsene, hat
aber aufgrund ihrer Sozialisation den Charakter
eines Kindes, sie kann dich nicht verletzen.
Aber „Barfuss“ ist kein didaktischer
Film darüber, wie man lernt, seinen Partner
wieder zu lieben, es ist ein Kinofilm, der dir
hilft zu träumen, denn das ist es, was Kino
kann, wenn es richtig gut ist, es nimmt dich
mit in eine andere Welt, gibt dir Mut, Spaß,
oder es verändert den Blickwinkel.
Wenn man sich als Zuschauer in
„Barfuss“ daran erinnert, was die Liebe
ist und wie viel Kraft sie hat, und
dass dieses Gefühl etwas damit zu
tun hat, offen auf einen anderen
Menschen zuzugehen, ohne Vorurteile,
mit einem wirklichen Interesse
an dem anderen, dann kann einen
das für einen Moment zu einem besseren
Menschen machen ….
… und im besten Fall noch eine ganze
Weile danach, denn das ist es ja, was
man sich von einem Film erhofft, dass er
noch eine Weile nachwirkt. Es gibt ja viele
Filme, da geht man hinein und sagt, okay,
ich habe mich ganz gut unterhalten, jetzt
gehen wir aber mal essen. Es gibt aber auch
Filme, die berühren wirklich – gestern habe
ich zum Beispiel mit meiner Frau den Film
„Ray“ gesehen. Ich bin ganz sicher, davon
wird was bleiben. Manchmal bewirken Fil-
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
me auch etwas für das eigene Leben. Nach
„Knockin´ on Heaven´s Door“ haben mir
Leute gesagt, dass sie todkrank seien, und
dass ihnen der Film Mut gemacht habe. Es
ist schön, zu hören, dass ein Film so viel
Kraft entwickeln kann.
Gehört das zur Aufgabe eines
Filmemachers, Mut zu machen? Oder
sollen Filme unterhalten? Haben sie
überhaupt eine Mission?
Ich denke, das sollte in erster Linie jeder
Filmemacher selbst entscheiden. Es gibt
wunderbare Filme, die nichts mit der Realität
zu tun haben, die einfach nur unterhalten.
Es gibt aber auch ganz tolle starke
Filme, die die Realität erzählen, und vor allen
Dingen gibt es eine neue Akzeptanz für
Dokumentarfilme. Wir haben in Deutschland
inzwischen sehr unterschiedliche Filme,
mutige Geschichten, große Komödien,
langsam setzen sich auch multikulturelle Filmemacher
durch: Dieser bombastische, extrem
verdiente Erfolg von Fatih Akins „Gegen
die Wand“, das ist eine tolle Sache.
Denkst du an den Erfolg eines
Films, wenn du das Drehbuch liest,
wenn du als Schauspieler mitarbeitest
oder wenn du Regie führst?
Wenn ich mich entscheide, einen Film
als Produzent und oder Regisseur zu machen,
denke ich schon daran, dass er beim
Zuschauer funktionieren soll. Ich meine, es
ist unglaublich arbeitsaufwendig, einen Film
zu machen. Du arbeitest ein Jahr daran, und
dann hast du vielleicht einen Verleiher, der
den Film nicht ganz so gut findet wie du,
oder du hast einen Kritiker, der den Film in
fünf Minuten in die Tonne packt, oder du
triffst gerade nicht den Nerv der Zeit. Wenn
man vier Kinder hat und eine Familie, dann
überlegt man sich das echt fünf Mal. Wenn
ich mich also entscheide, dann schon, weil

ale Perspektive Deutsches Kino „Edelweisspiraten“, Berlinale Perspektive Deutsches Kino
ich glaube, dass der Film von vielen Leuten
gesehen wird, den Anspruch habe ich.
Und jetzt muss ich für die besagten vier
Kinder etwas kochen…
Okay, dann nur noch eine Frage:
Gibt es etwas, das sich deiner Meinung
nach am deutschen Film ändern
muss?
Ich glaube, der deutsche Film ist auf
einem guten Weg, man könnte ihn noch
ein bisschen stärker unterstützen. In NRW
wird er unterstützt, in Hamburg haben sie
die Förderung zusammen gestrichen, das
war kein schönes Signal, gerade nach dem
Erfolg von Fatih. Auch nicht, dass jahrelang
die ganzen Gelder nach Hollywood fließen,
anstatt sie in Deutschland zu halten. Aber
hier tut sich in letzter Zeit was, da gibt es
neue Ansätze.
Mit Til Schweiger telefonierte Katharina Blum.
Jeder Film hat sein eigenes Potenzial
EIN INTERVIEW MIT
TOM TYKWER, REGISSEUR
Deutschland 2005 steht vor dem Umbruch.
Die Sozialsysteme werden umgebaut,
die Kluft zwischen Arm und
Reich wird immer größer, selbst die
Mittelschicht fühlt sich vom Abstieg
bedroht. Findet man dieses Land in
den deutschen Filmen wieder?
Aktuell findet man diese Probleme in
den Filmen, die Popularität erringen, nicht
wieder. Die Ausnahme sind solche, die präzise
und überdurchschnittlich originell einen
Ton treffen, in denen sich die Zuschauer
wieder erkennen, mit allen Problemen, und
die trotzdem unterhalten. „Die fetten Jahre
sind vorbei“ und „Gegen die Wand“ liefern
dafür Beispiele: Sie sind populär, ohne
inhaltliche Kompromisse zu machen. Das
finde ich sehr ermutigend, dass zwei Filme
dieses Jahr über die Maßen etwas bewegt
haben. Die Riesenhits dominieren zwar die
deutsche Szene und sorgen für außerordentliche
Zahlen, aber man merkt auch,
dass die Leute sich dem deutschen Film
gegenüber wieder geöffnet haben.
Ist es überhaupt ein Kriterium für
Filmemacher, Filme zu drehen, die die
Menschen sehen wollen? Kann man
Erfolg kalkulieren?
Wenn man Filme macht, die keiner sehen
will, hat man den falschen Beruf gewählt.
Aber nicht jeder Film kann mit dem
gleichen Maß gemessen werden, jeder hat
sein eigenes Potenzial. 700.000 Zuschauer
sind für „Gegen die Wand“ eine enorme
Zahl. Sieben Millionen erwartet da niemand.
Es gibt aber auch kleinere Filme, die viel
mehr auslösen könnten, wie etwa Michael
Kliers „Farland“, Christoph Hochhäuslers
„Milchwald“ oder Angela Schanelecs
„Marseille“, der sogar in Cannes gelaufen
ist. Das zeigt die Krise des deutschen Films:
Der Kreis von Regisseuren, deren Filme ihr
Publikum finden, ist unheimlich klein geworden.
Man müsste schon im Mittelfeld
viel größeres Interesse wecken. Das liegt natürlich
auch daran, dass die Kinos mittlerweile
gnadenlos von amerikanischen Verleihern
dominiert sind. Und außer in Tageszeitungen
– die würde ich da noch ausnehmen
– geben die Medien kleineren Projekten
keinen Raum.
Welche Aufgaben haben Ihrer
Meinung nach Filmemacher? Zu
unterhalten, das Land, wie es ist,
widerzuspiegeln, oder gar Utopien zu
entwickeln?
Weder noch. Man sollte einen Film
machen, den man selbst gerne sehen würde.
Er sollte eine individuelle Kraft besitzen
und sich trotzdem mit der Gegenwart auseinander
setzen. Ich glaube, wenn man einen
Film dreht mit einem sozialen Vorsatz,
kommt dabei eine pädagogische Schlaftablette
heraus.
Aber worum geht es: Den Zuschauer
über seine desolate Lage
aufzuklären oder ihm für 90 Minuten
zu erlauben, seine desolate Lage zu
vergessen?
Ich kann mit der Polarisierung nichts
anfangen. Jeder Film, der nur das eine oder
nur das andere macht, liefert zu wenig. Es
ist ja nichts dagegen einzuwenden, wenn
ein Zuschauer im Kino gut unterhalten wird.
Es geht ja keiner ins Kino, um schlechte
Laune zu bekommen.
Wann starten Sie mit Ihrem
nächsten Projekt, der Verfilmung von
„Das Parfüm“ nach Patrick Süßkind?
Im Sommer 2005. Das ist alles ziemlich
aufwändig, wild und sehr schön. Wir
haben jetzt auch ein tolles Drehbuch, das
ich mit Andrew Birkin und Bernd Eichinger
zusammen geschrieben habe. Wir haben
ein Jahr daran gesessen, aber jetzt beweist
es, dass in dem Roman ein Film steckt, was
viele nicht glauben wollten.
Wieso lag zwischen Ihrem letzten
Langfilmprojekt „Heaven“ (2002)
und dem jetzigen so eine lange Pause?
Das musste mal sein, um meine Gedanken
in die Seele ziehen zu lassen. Man
muss auch mal tief einatmen, man kann
nicht immer nur ausatmen. Außerdem beschäftige
ich mich jetzt bereits seit eineinhalb
Jahren mit dem „Parfüm“.
Sie drehen jetzt zum ersten Mal
einen historischen Film. Welche Herausforderung
bedeutet das für Sie?
Jedes Bild im Film ist ja sowieso gestaltet
und im Studio nachgebaut, egal welches
Jahrhundert. Schön ist, dass hierbei natürlich
die Erfindungskraft etwas mehr gefordert
wird.
Das Interview führte Anna Koskoda.
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 25

„Allein“, Berlinale German Cinema „Aus der Tiefe des Raumes“, Berlinale German Cinema
26
Fragen, die einen bewegen
VON HANNES STÖHR, REGISSEUR
arum Filme machen?“, so einfach, so
Wschwierig diese Frage. Ich habe erst
drei lange Filme gemacht, bei jedem Film
war der Ausgangspunkt ein anderer.
Bei „Berlin is in Germany“ (2001) hörte
ich von einer Bekannten, die im Brandenburger
Knast als Sozialarbeiterin arbeitet,
von Häftlingen, die noch vor der Wende
als DDR-Bürger in den Knast gekommen
waren und jetzt erst entlassen wurden. Da
sitzt jemand irgendwo, kommt zurück, und
alles ist anders als vorher. Diese absurde Vorstellung
hat mich immer fasziniert. Ich besuchte
die Häftlinge im Knast. Sie kannten
die Welt zum Großteil nur noch über den
Fernseher. Manche hatten einmal Freigang
um die Ecke gehabt, mehr nicht. Einer von
ihnen kam aus Ostberlin und kehrte elf Jahre
nach der Wende zurück. Aus ihm wurde
nach elf Drehbuchfassungen die Filmfigur
Martin Schulz, die Jörg Schüttauf spielt.
Der Weg dorthin war lang. Anfangs arbeitete
ich wie ein Journalist, schrieb jedes Detail
von jeder Biografie der verschiedenen
Befragten auf. Zwischendrin erstickte ich in
Material und war kurz vorm Aufgeben.
Außerdem waren die Geschichten einfach
auch oft sehr tragisch. Die Vorstellung, dass
Martin Schulz wie ein Spiegel auf die Veränderungen
der Wende in Ostberlin wirkt,
und wahrscheinlich als Einziger die Wende
noch mal wie im Zeitraffer erleben kann,
brachte mich weiter. Er war wohl der Einzige,
der mit naiven Augen sehen konnte,
was sich alles verändert hatte. Waren das
nun blühende Landschaften oder nicht ? So
wurde „Berlin is in Germany“ auch ein Film
über die Menschen vor meiner Haustür hier
in Ostberlin. Aus den Gesprächen mit den
Haftentlassenen aus Brandenburg bastelte
ich mir die Kunstfigur Martin Schulz zusammen.
Es gab einen Typen, der schon am
Fahrscheinautomaten scheiterte. Ein anderer
fand sein Haus nicht mehr und wollte
Taxifahrer werden. Wiederum ein Anderer
wollte um seine Frau und seinen Sohn
kämpfen. Und viele landeten nach kurzer
Zeit wieder im Knast, weil sie draußen einfach
nicht klar kamen. Ein Film muss sowohl
in seinem realistischen Umfeld, als auch als
Überhöhung funktionieren. Wenn man am
Ende die Leinwand schwarz malt, muss
man verstehen warum. Und wenn man einen
Grund zur Hoffnung sieht, dann muss
man auch verstehen können, warum. Mir
fällt dazu immer der Satz von Erich Kästner
ein: „ Wer immer nur das Schlechte sieht,
wird böse, wer immer nur das Gute sieht,
wird dumm.“ Jeder Film ist Ausdruck der
Weltsicht seiner Macher. Für mich ist die
Welt eine Tragödie, die ohne Humor gar
nicht zu ertragen ist. Deshalb ist „Berlin is
in Germany“ auch eine Tragikomödie geworden.
Natürlich beschäftigte ich mich auch mit
Alfred Döblins Franz Biberkopf aus „Berlin-
Alexanderplatz“ oder dem Roman von Hans
Fallada „Wer einmal aus dem Blechnapf
fraß“ oder Reinhard Hauffs Film „Endstation
Freiheit“. Es geht gar nicht um Kopieren
oder kluges Zitieren, es geht darum, den
Ausschnitt seiner Geschichte präzise zu
wählen. Jeder Film sollte etwas aussagen
über die Zeit, in der er spielt. Natürlich war
„Berlin is in Germany“ auch ein Film des
Schauspielers Jörg Schüttauf. Hätte er Martin
Schulz nicht gespielt, alle Drehbuchversionen
wären umsonst gewesen. Man
muss vor allem auch eine Faszination für
Menschen haben, um einen Film zu drehen.
Mein zweiter Film, der WDR-Tatort
„Odins Rache“ (2003), hat viel mit einem
Ereignis aus dem Sommer 1997 zu tun. Ich
lebte damals in der Brunnenstrasse in einem
Hausprojekt, welches eines Nachts von etwa
100 gewaltbereiten Skinheads über-
fallen wurde. Sie bewarfen das Haus mit
Molotowcocktails und hatten den Arm erhoben
zum Hitlergruß. Während es im ersten
Stock schon brannte, öffneten wir die
Dachluken und hoben die total verängstigten
Kinder aufs Dach. Von dort aus
konnten wir über die Dächer gehen und alle
in Sicherheit bringen. Wir feuerten dann
zurück mit Steinen von den Dächern. Wenn
ich damals eine Waffe gehabt hätte, ich
glaube ich hätte geschossen. Meinen Hass
und meine Ohnmacht in diesem Moment
werde ich nie vergessen. Wer waren diese
vom Hass geleiteten Menschen?
Der WDR-Tatort hatte Interesse an einer
Geschichte über die Neo-Nazis, und ich
versuchte, die Gefühle von damals in einen
„Für mich ist die Welt eine
Tragödie, die ohne Humor
gar nicht zu ertragen ist.“
Krimiplot bringen. Entscheidend war, einen
Blickwinkel zu finden auf die rechtsradikale
Szene. Außerdem sollten wir in Köln drehen.
Köln ist nicht Berlin. Der Anfang war
schwierig, und ich recherchierte über die
Aussteigerorganisation „Exit“, ging zu bestimmten
Fußballspielen oder durchforschte
das Netz. Ich stieß auf den Brandanschlag
von Solingen, und es gab seltsame Gerüchte,
um die Beteiligung eines V-Mannes
des Verfassungsschutzes an der Straftat. Ab
da war der Krimi wie ein Schachspiel. Der
V–Mann war der Zugang zu einem interessanten,
aktuellen Blickwinkel. Bin ich dafür,
dass man die rechtsradikale Szene mit
V-Männern bekämpft? Die Antwort konnte
für mich nur Ja heißen. Dann stellte sich
die Frage: Was ist ein guter V-Mann? Die
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
Recherche führte zu einer bitteren Erkenntnis.
Je tiefer ein V-Mann im Sumpf
steckt, desto besser sind seine Infos. Um die
Figur des V- Mannes strickte ich den Krimi-
Plot. Zwei Skinheads der militanten rechten
Szene werden umgebracht. Beide waren
angeklagt, bei einem Brandanschlag auf ein
türkisches Lokal vor Jahren beteiligt gewesen
zu sein. Rächen sich die Opfer von früher?
Die zunächst im Verdacht stehende Familie
Aydin hat ein wasserdichtes Alibi. Die
beiden Kölner WDR-Kommissare Ballauf
(Klaus Behrendt) und Schenk (Dietnar Bär)
müssen im rechtsradikalen Milieu ermitteln,
müssen die Strukturen des rechten Terrornetzwerkes
verstehen. Sie arbeiten mit einem
V–Mann des Verfassungsschutzes zusammen,
der einerseits Informationen
gibt, andererseits
auch Infos zurückhält. Zum Erzählen
dieses Plots kehrte ich immer
wieder zurück zu meiner
Ausgangsfrage. Wer sind diese
Neonazis eigentlich? Und wie
kann man sie wirksam bekämpfen?
Ich denke, man sollte
Filme machen über die Fragen, die einen
bewegen.
Der Ausgangspunkt von „One Day in
Europe“ (2005) steckt schon in der deutschen
Übersetzung des Titels. „Ein Tag in Europa“
ist Gegenwart, oder man übersetzt
„Eines Tages in Europa“, das ist Zukunft und
könnte auch eine Utopie sein. Zu den spannendsten
Seiten Berlins der letzten Jahre gehörte,
dass man Menschen aus ganz Europa
hier treffen konnte. Ich erinnere mich
an Situationen, da stand man mit Russen,
Franzosen, Ungarn, Polen, Türken, Spaniern,
Norwegern, Tschechen, Engländern, Deutschen
oder Italienern an der Bar und versuchte
krampfhaft, ein vernünftiges Gespräch
zu führen, meist auf Basic English
oder Basic German, wenn einem die Wor-

„Sommersturm“, Berlinale German Cinema „Männer wie wir“, Berlinale German Cinema
te in der jeweiligen Landessprache fehlten.
Ich war ich in den letzten Jahren viel in Europa
unterwegs, zuerst mit dem Rucksack
dann mit dem Film „Berlin is in Germany“
bei Kinostarts und Festivals. Egal, ob Moskau,
Budapest oder Warschau, Paris, London,
Göteborg, Istanbul oder Barcelona,
überall waren die „United States of Europe“
Thema. Und überall stellte man sich dieselbe
Frage: Europa schön und gut, aber
wie reden wir miteinander ? Denglisch oder
Spanglish, Franglais oder Frallemand?
Und wie sollte ich einen Film machen
über die unterschiedlichen Mentalitäten in
Europa – was doch der Ausgangspunkt der
Idee war? Mir fiel ein Satz ein, den ich auf
meiner Filmschule, der DFFB, gelernt habe.
Wenn du einen Film über die Post machen
möchtest, dann mach´ einen Film über eine
Briefmarke. Man kann unmöglich einen
Film über ganz Europa machen und den Anspruch
haben, allem gerecht zu werden.
Welche Städte würde man nehmen? Die
Städte sollten etwas aussagen über Europa.
Außerdem sollten die Städte praktisch
sein. Papier ist geduldig, aber ich wollte den
Film ja auch noch drehen. In Berlin wohne
ich, in Santiago de Compostela habe ich gewohnt,
in Istanbul habe ich Freunde und
kenne mich aus. Und Moskau ? Auch dort
war ich schon paar Mal, habe Bekannte,
aber kann man da drehen ? Egal Moskau
muss dabei sein, denn über Europa nachzudenken
und Moskau zu vergessen, das
geht nicht. Aber was verbindet diese Städte
? Jeder amerikanische Film, ob Scorcese,
Jarmush oder Spielberg, verkauft uns en
passant den American way of life. Aber was
ist der European way of life ? Okay, alle Länder
haben sich gegenseitig irgendwann Mal
oder in naher Vergangenheit ganz heftig,
barbarisch auf die Mütze gehauen. Nicht
ausreichend, wenn man eine kulturelle Gemeinsamkeit
sucht im Zeitalter 2000. Was
sagt die Realität? Fußball, die Champions
League, das ist doch der größte, gemeinsame,
kulturelle Nenner. Fußball ist einfach,
und Film muss auch einfach bleiben. Und
Fußball schaut man überall, Religion hin
oder her. Also fragte ich mich: Was wäre,
wenn Galatasaray Istanbul gegen Deportivo
La Coruna in Moskau im Champions-League-Finale
spielen würde? In Moskau ginge
es ab, in Istanbul sowieso, in Santiago
de Compostela und in Berlin auch. Fußball
als erzählerische Klammer, das hat Poesie,
fand ich. Fußball als Leitmotiv. So, aber was
„Der Film erzählt vom hier
und jetzt, gleichzeitig
berichtet er von einer Utopie.“
passiert? Um Sprache sollte es gehen. Wie
wäre es mir persönlicher Erfahrung? Reisen,
Reisende in Europa. Jeder kennt das: Man
kommt irgendwo an, wird bestohlen oder
man verstrickt sich in eine blöde Situation,
schon muss man reden, kann die Landessprache
nicht, und schon wird es schwierig
oder komisch. Vier einfache Geschichten
sind daraus geworden. Eine Engländerin
in Moskau, zwei Deutsche (Florian Lukas
und Erdal Yildiz) in Istanbul, ein Ungar
in Santiago de Compostela und zwei Franzosen
in Berlin werden in Diebstähle verwickelt.
Es ist der Tag des Champions-League-Finales
zwischen Galatasaray und Deportivo,
welches jede Stadt auf seine Art
wahrnimmt. Es ist ein Film der kleinen Momente
geworden, Momente die ich so oder
ähnlich erlebt habe. Immer ging es mir um
den europäischen Moment, das Aufeinandertreffen
der verschiedenen europäischen
Mentalitäten. Der Film erzählt vom
hier und jetzt, gleichzeitig berichtet er von
einer Utopie. Die United States of Europe
wird es geben – irgendwann auch mit Istanbul,
viel später mit Moskau. Die Frage ist,
wie wir uns unterhalten. Ich tippe auf European
English – mit den europaweit bekannten
Wörtern Leitmotiv und kaputt, mit
mise en scene und siesta, mit ciao und chill
out area, mit wodka und mit merhaba.
Warum Filme machen? Ich empfinde
die Welt als eine große Tragödie, ohne Humor
wäre sie nicht zu ertragen. Im Kino
können wir lachen, über was man sonst
nicht lacht. Wir können Leben
leben, die wir nicht gelebt haben
und nie leben werden.
Wir können durch die Lupe
des Films Dinge verstehen, die
wir sonst nicht verstehen würden.
Und wir können Utopien
bauen, uns eine bessere Welt
vorstellen. Was man sich nicht
vorstellen kann, wird auch nie passieren.
And last but not least ist Filmemachen ein
Handwerk. Der Mensch lebt nicht vom Brot
allein, Geschichten sind doch wie ein
Grundnahrungsmittel, zumindest für den
Kopf, das Herz und die Seele. Die einen
backen Brötchen, andere machen Filme...
Geist der
Gegenwart
VON ANDREAS DRESEN,
REGISSEUR
ohlstand ist tödlich – für die Kreati-
Wvität jedenfalls. Das hat die Geschichte
immer wieder gezeigt. Meist blühte
die kulturelle Szene eher dann, wenn es
gesellschaftlich oder politisch kriselte. In
Phasen großer sozialer und politischer
Spannungen, von Orientierungssuche und
gesellschaftlicher Polarisierung ist es natürlich
anregender, in Auseinandersetzung
und Kommunikation einzutreten, als wenn
man satt und zufrieden ist und es allen gut
geht. Und uns ging es lange sehr, sehr gut!
Hinzu kommt aber auch, dass es immer
leichter ist, sich gegen Dinge zu wehren,
wenn sie sich eindeutig zeigen. Hierzulande
hingegen erscheinen die Strukturen oft eher
schwammig, wie im Nebel. Ein wirklicher
„Feind“, den man bekämpfen möchte, der
emotionalisiert oder auch Hass weckt, ist
sehr schwer auszumachen. Der demokratische
Konsens verhindert in gewisser Weise
zugespitzte Haltungen. Dabei gehören Liebe
und Hass doch zu den Grundpfeilern
dramatischen Erzählens! Das Problem einer
Filmkultur kann werden, wenn es keine
wirklichen Probleme gibt.
Das hat sich in den letzten Jahren allerdings
zum Teil verändert. Mitte der 90er Jahre
gab es so gut wie keine radikal erzählten
Filme. Das deutsche Kino war am Boden.
Heute hingegen arbeitet es, und ich
bin im Großen und Ganzen sehr erfreut
über das, was sich auf den Leinwänden tut.
Es gibt eine Menge verschiedener Handschriften
und auch unterschiedliche Genres,
die bedient werden. Unsere Kinoszene
ist sehr viel farbiger geworden, und es gibt
eine Reihe von Filmen, die sich mehr und
mehr der Realität stellen. Manchmal würde
ich mir das zwar noch radikaler wünschen,
aber nichtsdestotrotz ist eine Ent-
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 27

„Männer wie wir“, Berlinale German Cinema „Agnes und seine Brüder“, Berlinale German Cinema
wicklung in diese Richtung zu sehen, gerade
bei jungen Filmemachern. Die neuen Techniken
erlauben es, mit kleineren Budgets zu
arbeiten und rotzigere Geschichten dicht
am Alltag zu produzieren. Diese Filme sind
oft auch deshalb die radikaleren, weil man
bei kleinen Budgets von weniger Ängsten
getrieben wird, und die Chance dadurch
größer ist, es „aus sich sprechen zu lassen“,
Dinge zuzulassen, die vielleicht jenseits des
Bewussten liegen. Das nimmt den Produktionen
die Bravheit.
Im Idealfall setzt dann in der Filmlandschaft
ein Prozess ein wie beim Billardspielen:
Eine Kugel stößt gegen die andere,
und es entstehen Bewegungen, geistige,
ästhetische Bewegungen. Einer macht
etwas, und andere fühlen sich angeregt.
Man spielt sich Bälle zu. Ein Film wie „Gegen
die Wand“ etwa wird weiter zu Radikalität
anregen. Und die Filmlandschaft ist
darüber hinaus in einen weltweiten Prozess
eingebunden, der beispielsweise Ende der
90er auch auf Deutschland wirkte. Als ich
„Nachtgestalten“ gemacht habe, hatten
mich die Filme von Ken Loach oder Mike
Leigh schon lange interessiert, sie haben
mich inspiriert. Und kurz zuvor hatten Wolfgang
Becker „Das Leben ist eine Baustelle“
und Jan Schütte „Fette Welt“ herausgebracht
– ein Anfang in Richtung eines radikaleren
Realismus war also gemacht, von
dem damals keiner gedacht hätte, dass er
in Deutschland möglich wäre. An „Nacht-
28
„Mitte der 90er Jahre gab
es so gut wie keine radikal
erzählten Filme.“
gestalten“ hatte vor der Berlinale 1999 keiner
geglaubt, der Film war über Jahre hinweg
hart erkämpft.
Aber so ist das immer: Plötzlich entsteht
ein neuer Geist, und das hat wohl etwas mit
einem gemeinsamen Empfinden für die
Welt zu tun. Wer sich dafür öffnet, dessen
Filme spiegeln das in irgendeiner Form. Dies
geschieht in letzter Zeit auf sehr wohl tuende
Art. Und auch, wenn es
manchmal bitter erscheint,
dass sich das Publikum aus
den deutschen Produktionen
noch eher die mainstreamorientierten
Komödien aussucht,
so muss man doch
festhalten, dass letztlich jeder
erfolgreiche deutsche Film
auch einem alternativen, anderen
Kino hilft. Insofern sollte man froh
darüber sein, das Publikum in der gegenwärtigen
gesellschaftlichen Situation ein
Stück weit zurück erobern zu können. Und
wir müssen dieses Vertrauen rechtfertigen,
in dem wir immer wieder Mut zu neuen
Wegen beweisen.
Das Publikum sucht Ablenkung
VON JAKOB CLAUSSEN
piegeln die in Deutschland gedrehten
SFilme die Realität des Landes wider? Die
fünf erfolgreichsten deutschen Filme im
Jahre 2004 sind „(T)Raumschiff Surprise“,
„7 Zwerger“, „Der Untergang“, „Der Wixxer“
„Lauras Stern“. Mit „Bibi Blocksberg 2“,
der auf Platz 6 folgt, ist der Club der deutschen
Zuschauermillionäre in 2004 komplett.
Drei Viertel aller deutschen Zuschauer,
die sich 2004 deutsche Filme angesehen
haben, waren in diesen sechs Filmen. Das
vierte Viertel verteilt sich auf über siebzig
weitere deutsche Filme.
„(T)Raumschiff Surprise“, „7 Zwerge“
und „Der Wixxer“ spielen in der Vergangenheit,
der Zukunft oder einer fiktiven,
nicht näher erklärten Zeit. Die drei Filme
wurden zu wesentlichen Teilen im Studio
gedreht. Ebenso wie „Bibi
Blocksberg 2“, der zwar im
Jetzt angesiedelt ist, aber als
Kinderfilm von seinen Fantasy-Elementen
lebt. „Lauras
Stern“ ist ein Kinder-Zeichentrickfilm.
„Der Untergang“
hat es sich zum Ziel gesetzt,
akribisch genau zu zeigen,
wie es damals im Führerbunker zugegangen
ist.
Keiner dieser Filme hat wirklich und dezidiert
mit dem heutigen Deutschland zu
tun. Interpretiert man den Umstand, dass
diese Filme so überaus erfolgreich sind,
muss man wohl erkennen, dass die meisten
Zuschauer im Kino von der Realität unseres
Landes abgelenkt werden wollen.
Aber wie ist dies mit dem Umstand in
Einklang zu bringen, dass „... eine Wiederkehr
des Politischen unter den stilbildenden
Gruppen in Deutschland zu beobachten ist.
Nicht als Durchschnittsphänomen, aber unter
denen, die den Takt vorgeben. Die Fra-
newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
ge der Politik, die die jungen Leute wieder
umtreibt, betrifft weder das Erlebnis von
Handlungsfähigkeit noch das Wissen um eine
bessere Welt, sondern die Frage, wie wir
leben wollen“? (Zitat: „Glück in der Politik“
von Heinz Bude, DIE ZEIT vom 5. Januar
2005)
Ist es nicht auch eine der wesentlichen
Aufgaben des Kinos, sich zumindest gesellschaftspolitisch
einzumischen, zu beteiligen,
Stellung zu beziehen und mitzugestalten?
Oder kann man im Kino in
Deutschland nur Erfolg haben, wenn man
genau das nicht tut?
Die erste Frage kann nur mit einem eindeutigen
JA beantwortet werden. Und für
die zweite gibt es ein klares NEIN. Neben
einigen, im Kino teilweise außerordentlich
erfolgreichen Dokumentarfilmen haben
Spielfilme wie „Gegen die Wand“ oder
„Die meisten Zuschauer
wollen im Kino von der
Realität unseres Landes
abgelenkt werden.“
„Kroko“ das im letzten Jahr eindrucksvoll
und äußerst unterhaltsam bewiesen. Und
mit „Zucker“ sowie „Sophie Scholl – Die
letzten Tage“ hat das neue Jahr bereits sehr
viel versprechend begonnen!

„Kammerflimmern“, Berlinale German Cinema „Kebab Connection“, Berlinale German Cinema
Unterhaltung plus Poesie
VON OSKAR ROEHLER, REGISSEUR
ch bin mit den Entwürfen, wie unsere Ge-
Isellschaft dargestellt wird, also auch in
den neueren deutschen Filmen, nicht immer
einverstanden. Sie nehmen sich selber
zu ernst (das ist ein Vorwurf, den ich mir für
meine früheren Filme in gewissem Sinne
vielleicht auch machen kann) und sind dann
zum Teil auch zu pathetisch. Der Film, der
für mich ein Highlight darstellt, das war
„Muxmäuschenstill“. Der war was Neues.
Der verkörperte wirklich ein anarchisches
Prinzip, gemischt mit einer ganz kalkulierten,
witzigen Intelligenz auf hohem Niveau.
Ich habe gegen die anderen Filme natürlich
nichts und bin auch froh, dass es sie
gibt. Weil daraus dann auch etwas entsteht,
man lernt ja mit jedem Schritt, der
unternommen wird. Da baut sich dann
auch eine Industrie auf. Das sind vielleicht
die Anfänge von so einer intelligenten
Selbstreflexion.
Dass Künstler gesellschaftliche Utopien
entwickeln, wäre natürlich am allerbesten.
Aber so weit sind wir noch nicht. Das wäre
dann der nächste Schritt, dass du wirklich
so Parabeln entwirfst, die die Gesellschaft
reflektieren. Ich denke an Filme wie
„American Beauty“ beispielsweise. Der
Mann, der das geschrieben hat, hat sich
zwanzig Jahre von Fernsehserie ernährt. Da
steckt eine Menge Routine und dramaturgisches
Wissen dahinter. Und das ist halt
das, was uns allen am meisten fehlt, was
vielleicht als einziger jemand wie Bernd Eichinger
in Deutschland hat. Was man lernen
muss:
Es gibt tausend Tricks, wie man einen
Film machen muss und kann. Es gibt tausend
Regeln für eine Komödie, und die
muss man verinnerlichen. Es nützt ja nichts,
wenn man da in einen Kurs geht und die
zwei Wochen lernt. Das lernst Du nur, wenn
Du im Kino sitzt und mitkriegst, wo sie wirklich
lachen.
Man macht Filme auch aus einer bestimmten
Persönlichkeitsstruktur heraus, die
einem vielleicht auch vorgibt, dass man mit
Menschen anders, eben über Kunst kommuniziert.
Sonst hätte man ja auch Manager
oder so werden können. Ich brauche
das Medium auch zur Auseinandersetzung
mit anderen Leuten, oder ich schiebe das
vor, weil ich sonst nicht weiß, was ich mit
anderen Menschen anfangen kann. Ich bin
kein kommunikativer Mensch. Ich bin im
„Ich glaube, dass kulturell in
Deutschland in den nächsten
zwanzig Jahren eine unheimliche
Blütezeit entstehen kann.“
Prinzip jemand, der wochenlang nicht vor
die Tür gehen muss. Ich fange in dem Moment
an zu kommunizieren, in dem ich meine
Idee vermitteln muss. Ich mag auch diesen
Lebensrhythmus, den Wechsel zwischen
den Phasen des Schreibens und des
Drehens, das ist ein gutes Gegengewicht.
Ich glaube, die Leute hier in Deutschland
sind unglaublich themenorientiert. Die
haben keinen Riecher für irgendwas, was
poetisch wäre. Die gucken sich eben „Stauffenberg“
im Fernsehen an oder rennen in
den Hitlerfilm, weil sie glauben, dass sie da
jetzt Bildung nachholen müssen. Es gibt ja
so eine Wunschvorstellung, was Filme erreichen
können: Die Menschen zwei Stunden
in eine andere Welt entführen und ihnen
etwas mitgeben, was für sie selber, für
ihren Umgang mit anderen Menschen vielleicht
auch entscheidend ist. Wobei das letztere
dann auch wieder so ein moralischer
Zeigefinger ist, das gefällt mir eigentlich gar
nicht. Ich glaube, es genügt vollkommen,
wenn du es schaffst, jemanden in eine andere
Welt zu versetzen. Aber dann ist wieder
die Frage, in was für eine Welt? Die reinen
Unterhaltungsfilme, wenn sie halbwegs
gut gemacht sind, schaffen das ja auch,
hinterlassen aber nichts. Für mich ist die Poesie
bei einem Film entscheidend, Unterhaltung
plus Poesie. Jemand muss aus dem
Kino kommen und fasziniert sein von der
Welt, die er gesehen hat, muss die mitnehmen
können, sie für eine Weile in seinem
Herzen bewahren können.
Ich habe das Gefühl,
dass wir uns heute wieder
da befinden, wo wir uns in
den 60ern schon mal befunden
haben. Es gibt heute
wieder so eine gewisse
Awareness, auch international.
Wir reflektieren heute
unser Land mehr oder
minder gut, die Stimmungslage, stehen da
auch so ein bisschen drüber und sind auch
unterhaltend. Für mich waren die 90er ein
absoluter Rückschritt, im Prinzip eine
Wiederholung der 50er. Das war so eine absolut
restaurative, dümmliche, reaktionäre
Welle. Diese ganzen Beziehungskomödien,
die Versuche, Starkomödien zu machen und
dabei wieder auf die primitivsten Bestandteile
deutscher Unterhaltung zurückzugreifen,
die du eigentlich schon aus Lieselotte-Pulver-
und Heinz-Rühmann-Filmen
kennst. Da war auch nichts Subversives dabei.
Ich habe damals ja angefangen und
echt so ein bisschen Pionierarbeit geleistet
mit „Silvester Countdown“ und diesen Filmen.
Die gab es ja damals überhaupt nicht.
Wenn man sich den Zustand unserer
Gesellschaft jetzt anguckt, dann kann man
wirklich nur auf diese aufgeklärte Generation
hoffen, die jetzt zwischen zwanzig und
dreißig ist. Die wieder anfängt nach Berlin
zu ziehen, sich für Kultur zu interessieren
und so ein waches Bewusstsein hat. Ich persönlich
habe vieles in diesem Land abgeschrieben,
die Hoffnung komplett aufgegeben,
dass sich das jemals noch mal zum
Besseren wendet. Ich habe das Gefühl, dass
wir langsam, aber stetig in so eine Grauzone
abtauchen. Das kann man am Bewusstsein
der Leute festmachen und an der Unfähigkeit
der Politik. Kulturell sieht das anders
aus. Ich glaube, dass kulturell in Deutschland
in den nächsten zwanzig Jahren eine
unheimliche Blütezeit entstehen kann. Ich
bin überzeugt, dass sich da viel bewegt in
den Köpfen, die haben sich alle unheimlich
emanzipiert und können jetzt auch loslegen.
Das ist alles sehr demokratisch geworden,
du brauchst die großen Majors nicht mehr.
Wenn du Billy Wilder bist und so intelligente
Dialoge schreiben kannst, kannst du zwei
Leute auf eine Wohnzimmercouch setzen
und die Videokamera einschalten, das kostet
dann zwanzig Euro. Du kannst einen
Film machen, mit dem du fünf Millionen
reinkriegen kannst, wenn du wirklich gut
bist. No Problem. Die ganzen erfolgreichen
Filme, auch „Halbe Treppe“ etwa, haben ja
nichts gekostet. Auf diesem Independent-
Level, da wird unheimlich viel passieren.
Aufgezeichnet von Christian Seebaum.
Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 29

Das Ende des ironischen Zeitalters
VON MICHAEL SCHMID-OSPACH
indet dieses Land mit seinen großen Brü-
Fchen und Themen auf der Leinwand
statt? Eine Frage, die Filmförderer weit weniger
angeht als Filmemacher? Sollte Filmförderung
nicht in erster Linie daran interessiert
sein, Finanzierungsstrukturen zu
durchleuchten, Vertriebe zu aktivieren, Produzenten
zu stärken? Ja, das sollte sie, sie
sollte sich darum kümmern, dass Gelder in
deutsche Filme fließen, dass die unterschiedlichsten
Ideen und Projekte eine
Chance bekommen, realisiert zu werden,
dass eine gut funktionierende Filmlandschaft
im Land existiert und die regionale
Branche stabilisiert wird, dass der Nachwuchs
eine dauerhafte Chance bekommt.
Nur, und man kann es nicht oft genug
betonen, Filmförderung hat zwei Ziele: den
wirtschaftlichen Erfolg voran zu bringen und
die Kultur zu befördern oder umgekehrt. Erfolg
und Anspruch müssen sich nicht ausschließen,
das zeigen nicht nur Erfolge wie
„Good bye, Lenin!“ oder die Dokumentation
„Tour d`Enfer“! Es gilt auch jene Filme
zu stärken, die von ihrer Erzählstruktur her
schwierig sind, kantiger, weniger gefällig,
die nicht auf Anhieb das große Publikum erreichen,
aber ein kleines, und das mit Wucht
und Nachhaltigkeit. Niemand hat so recht
geglaubt, dass „Alles auf Zucker“ ein großes
Publikum findet, wo er doch schon bald
nach dem Filmstart seine Fernsehausstrahlung
hat. Niemand? Doch, vor allem
die Produzentin, der Verleih und der Sender
haben daran geglaubt, und wir haben
diesen Glauben unterstützt. Es sahen den
Film über 70.000 Besucher am ersten Wochenende
mit einem überragenden Kopienschnitt
von über 1000.
Film greift auf die ein oder andere Art
gesellschaftliche Fakten auf, entweder indem
er die Befindlichkeit der Menschen
„Alles auf Zucker“, Berlinale German Cinema
schlicht darstellt, geheime Wünsche zu entdecken
sucht oder bewusst zum Nachdenken
auffordert, Stachel setzt, wo man
sich sicher glaubte. In wenigen, nicht sehr
glücklichen Momenten der Geschichte ist
der Film zum Mittel zum Zweck gemacht
worden, missbraucht, um Menschen für eine
niederträchtige Idee zu begeistern. Doch
genau dort kann man ansetzen, an jenem
Verdummungsprozess, den Film andererseits
auf die wunderbarste Weise mit zu verhindern
weiß. Dann nämlich, wenn er eingebettet
ist in eine Kultur des Films, wenn
man frühzeitig lernt, Bilder zu interpretie-
„Genau dort kann man
ansetzen, an jenem
Verdummungsprozess,
den Film andererseits auf
die wunderbarste Weise
mit zu verhindern weiß.“
ren, ganz so wie man lernt literarische Texte
zu verstehen. Wenn er gehegt wird und gepflegt,
wenn Politiker die Branche ernst nehmen.
Und das tun sie immer mehr, und das
ist erfreulich! Der französische Filmhistoriker
André Bazin hat es auf den Punkt gebracht,
wenn er schreibt: „Filmkultur ist
nicht nur notwendig, damit wir die Filme
besser verstehen lernen … sie hilft uns auch,
die Ideen zu erkennen, die der Film unter
dem betrügerischen Deckmantel der Realität
in unser Unterbewusstsein einschmuggeln
will“.
Gleichsam gibt es eine kulturelle Aufgabe,
und es gibt die gesellschaftliche Realität,
die da heißt: Deutschland verändert
sich stark und das nicht nur in der Organisation
der Sozialsysteme. Die Wirtschaft ver-
ändert sich, Stellenabbau wird zur alltäglichen
Sorge, Hartz IV zum neuen deutschen
Alarmwort und die Situation an Schulen
und in den Krankenhäusern ist ebenfalls
nicht viel besser.
Die Frage ist, wie der Film auf diese Veränderung
reagiert. Noch vor wenigen Jahren
wäre die Frage nach der gesellschaftlichen
Relevanz eines Films ein garantierter
Partykiller gewesen. Doch die Party ist vorbei,
es gibt eine neue Ernsthaftigkeit, das
ironische Zeitalter neigt sich dem Ende zu.
Aber ist es überhaupt die Aufgabe von Film,
auf gesellschaftliche Veränderungen zu reagieren?
Oder anders gefragt:
Warum macht man überhaupt
Filme? Um Geld zu verdienen?
Weil es einem zu peinlich ist,
zum Psychiater zu gehen? Um
die Welt zu verbessern? Zu
unterhalten? Die Antworten
darauf sind vielfältig, verlieren
sich in einem konsequenzlosen
Sowohl-als-auch: Film soll sowohl
unterhalten als auch anspruchsvolle
Geschichten erzählen,
er soll sowohl weltverbessernd wirken
als auch nicht langweilen, er soll tiefgründig
sein und gleichsam so allgemeingültig,
dass er Millionen von Zuschauern in
die Kinos lockt, und so weiter.
Interessanter scheint da die Frage nach
den Einzelwerken, nach den vielen starken
Geschichten, mit denen wir das ganze Jahr
konfrontiert sind. Da gibt es jene, die „nur“
die gesellschaftliche Realität widerspiegeln,
die sozusagen als Indikator für das menschliche
Zusammenleben unserer Zeit dienen,
da gibt es jene, die uns innehalten lassen
im hektischen Alltag, und da gibt es Filme,
die sich in den politischen und sozialen Diskurs
einmischen, die Stellung beziehen und
uns direkt oder indirekt auffordern, eine Haltung
einzunehmen.
30 newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005
Wenn zum Beispiel ein viel zitierter Film
wie „Die fetten Jahre sind vorbei“ vor Augen
führt, dass man der wirtschaftlichen
Veränderung mit der simplen Frage nach
gerechter Verteilung der Mittel begegnen
darf ohne als „Retro“ zu gelten, so ist das
eine radikale Form des Filmemachens, die
für die Diskussion wohltuend ist.
Oder wenn Filme wie „Yugotrip“ von
Menschen erzählen, die aus einem kriegsverwüsteten
Land zu uns gekommen sind,
um in Frieden zu leben, die jedoch den Krieg
in den Seelen nicht auslöschen können.
Oder wenn „Die syrische Braut“ (Kinostart:
17. März!) in eindrucksvollen Bildern darstellt,
was der Konflikt in Israel/Palästina für
eine einzelne Familie bedeutet, dann helfen
diese Geschichten, hinter den Schlagzeilen
in der Tagesschau und der Vermarktung
in Krimis, persönliche Schicksale
zu sehen. Sicher, Film macht die Menschen
nicht zwingend besser, aber er kann
helfen, die eigenen Erlebnisse in einem gesamtgesellschaftlichen
Rahmen einzuordnen
oder emotionale Sorgen zu teilen.
Im Fernsehen wie im Kino gibt es den
Strom der Unterhaltungswellen, von den
Zehnerstaffeln „Lauter tolle Mädels“ bis zu
dem großen Heer der Kommissare und
Kommissarinnen, deren Gesellschaftsbilder
wir oft gar nicht mehr analysieren. Im Kino
kommen die meisten Filme dieser Art
über den Teich. Gerade das deutsche Kino,
auf dem Weg nach Europa, darf sich – weder
von quicken TV-Managern noch von
den eigenen Ängsten – seine großen Chancen
abkaufen lassen. So viel Geld und so viel
guter Wille für ein Kino dieser Art war noch
nie da.

Ein verwunschener Park, in dem
eine Leiche gefunden wird,
ein alter Baum, in dessen Wipfel
eine zusammen gezimmerte
Hütte Zuflucht bietet, ein träg
dahin fließender Fluss, an
dessen Promenade der finale
Kuss romantisch in Szene
gesetzt werden kann: Urbane
Natur-Oasen lassen sich drama-
turgisch vielfältig einsetzen.
Inspirierende Vorlagen dafür
haben die Location-Scouts aus
NRW für unsere Location-Seite
des Berlinale-Newsletter aus-
gewählt. Die vorgestellten Bilder
und viele mehr präsentiert die
Filmcommission NRW auch auf
den Seiten ihrer Motivdatenbank
www.locationnrw.de.
Grüne Lungen
LocoMotiv
Tel. (0221) 1207821;
info@locomotiv.de
ZeitRaumRechercheLocation
Te.: (0221) 132527
stefanmoeller@goldmail.de
Location – newsletter@filmstiftung.de 31

Der vierte König
Eine Weihnachtsgeschichte vom vierten König,
der ein bisschen zu spät nach Bethlehem kam
– erzählt von seinem Kamel: Viel versprechend
hört sich die Story des animierten Weihnachtsfilms
„Der vierte König“ an, den die
Alexandra Schatz Filmproduktion ab
Anfang April realisiert. Der Film von Produzentin
Alexandra Schatz und den Koproduzenten
Ted Sieger (Schweiz), Michael Ekbladh
(Schweden) und John Bullivant (Großbritannien)
entsteht im Kölner TrickStudio Lutterbeck
für den WDR (Redaktion: Manuela
Lumb), Channel 4 (Jan Younghusband)
und SF DRS (Susann Wach). Das
Buch stammt von John Chambers, Ted Sieger
und Michael Ekbladh, der bei dieser Kinoproduktion
gemeinsam mit Ted Sieger auch
Regie führt.
Alexandra Schatz Filmproduktion,
Tel. (0511) 393315;
alexandra.schatz@t-online.de
Endspiel im Kosovo
Während der Kriegsgerichtshof in Den Haag
noch über die Verbrechen von Slobodan Milosevic
verhandelt, entsteht dazu ein TV-Drama:
Charles Binamés „Enspiel im Kosovo”,
eine Koproduktion der kanadischen Galafilm
Productions und der Kölner Tatfilm in Zusammenarbeit
mit WDR/arte und dem kanadischen
Sender CTV. Binamé hat die Dreharbeiten
in Montreal, Düsseldorf, Köln, Troisdorf,
Rheinbach und Mönchengladbach am 9.
Dezember abgeschlossen. Der Polit-Thriller, den
Christine Ruppert und Arnie Gelbart produzieren,
erzählt von der Kanadierin Louise Arbour,
die als Chefanklägerin in Den Haag gegen
massive Widerstände aus allen Lagern ihren
Kampf gegen die Kriegsverbrecher in Ex-Jugoslawien
führt. Voraussichtlich läuft der Film
im Sommer 2005 auf arte.
Tatfilm, Tel. (0221) 33000;
info@tatfilm.de
32
Heino Ferch und Wendy Crewson in „ Endspiel
im Kosovo“. Foto: Galafilm Inc. / Bertrand Calmeau
„Der vierte König“ hat Weihnachten verpennt. Foto: Schatz Filmproduktion
Papa und Mama
Dieter Wedel hat die Dreharbeiten für seinen
neuen Film „Papa und Mama“, der in
Bonn, Köln, Düsseldorf und Mallorca entstanden
ist, Mitte Dezember beendet. Die Geschichte
nach einem Buch von Wedel selbst
dreht sich um das Thema Scheidung, allerdings
auch mit einem Augenzwinkern. Jürgen Kriwitz
und die Berliner MedienKontor Movie
GmbH produzieren den Film für das ZDF
(Redaktion: Caroline von Senden und Pit
Rampelt). Ein Ausstrahlungstermin steht noch
nicht fest.
Medienkontor, Tel. (030) 254320;
info@medienkontor.de
Emmas Glück
Vor der Nachricht seines baldigen Krebstodes
will Max (Jürgen Vogel) an den schönsten
Platz der Welt flüchten: Mexiko. Als er auf dem
Hof der wackeren Schweinezüchterin Emma
(Jördis Triebel) landet, erkennt er jedoch,
dass wahres Glück viel näher liegt. Wüste Film
West realisiert in Zusammenarbeit mit dem
SWR (Redaktion: Sabine Holtgreve) das
Melodram „Emmas Glück“ im kommenden
Mai an Drehorten in NRW. Regie führt Sven
Taddicken nach einem Buch von Ruth Toma.
An der Kamera steht Daniela Knapp.
Für das Casting haben die Produzenten Hejo
Emons, Stefan Schubert und Ralph
Schwingel Casterin Simone Bär beauftragt.
Als weiterer Darsteller konnte bereits Hinnerk
Schönemann für das Projekt gewonnen werden,
das timebandits Filmverleih in die Kinos
bringen will.
Wüste Film West,
Tel. (0221) 5105067;
wueste@wueste-film-west.de
Der letzte Zug
Zwischen April und Juni plant Artur Brauners
Berliner CCC Filmkunst die Dreharbeiten für
die Kinoproduktion „Der letzte Zug“. Nach
einer Idee von Art Bernd erzählt Stephen
Glantz in seinem Drehbuch vom Schicksal der
letzten Juden, die im Zug aus Berlin nach Auschwitz
deportiert wurden. Für die Hauptrollen
konnte Produzent Brauner bereits Sibel Kekili
und Gedeon Burkhard verpflichten. Außer
NRW steht auch Litauen auf dem vorläufigen
Drehplan des 4,5 Millionen Euro teuren Kinodramas,
an dem auch die ARD beteiligt ist.
CCC Filmkunst, Tel. (030) 3230620;
info@ccc-film.de
Downloading
Nancy
Auf den Sommer haben sich die Dreharbeiten
der Münchner MagicWorx für ihr Psychodrama
„Downloading Nancy” verschoben.
Nach einem Drehbuch von Pamela Cumming,
Lee Ross und ihm selbst erzählt Musikvideo-Regisseur
Johan Renck, der schon mit
Madonna und Kylie Minogue gearbeitet
hat, die Geschichte einer Frau, die sich auf ein
Internet-Abenteuer mit fatalen Folgen einlässt.
„Leaving Las Vegas goes Internet” werben die
Produzenten Christian Arnold Beutel, Jan
Vocke und David Moore für ihre 6,5 Millionen
Euro teure internationale Kinoproduktion,
die in London und Köln gedreht werden soll.
MagicWorx, Tel. (089) 64981126;
info@magicworx.com
Für den
unbekannten Hund
Das Leben nimmt nicht gerade eine bessere
Wendung, als der 22-jährige Betonbauergeselle
Lukas aus dem Gefängnis entlassen wird: Ein
Zeuge erpresst ihn wegen eines ungesühnten
Mordes. Lukas flüchtet und schließt sich einer
Gruppe von Wanderhandwerkern an. Die Erfahrungen
auf der Walz verändern ihn. Aus dem
Mörder wird ein Mensch – und das bezahlt er
schließlich mit dem Leben. Ihren neuen Kinofilm
„Für den unbekannten Hund“ (AT)
realisieren die Brüder Dominik und Benjamin
Reding mit ihrer Berliner Eye!Warning
Filmproduktion. Erste Drehtage sind für Februar
im Sauerland geplant, danach geht es voraussichtlich
wieder ab Juli bis September in Essen,
Köln, Mayen, Recklinghausen und Meschede
weiter. Das Casting, für das die Brüder
Reding selbst verantwortlich zeichnen, ist noch
nicht abgeschlossen. Fest steht die weibliche
Hauptdarstellerin: Sara Löwenthal spielt Angie.
Die Bilder für das Drama soll Kameramann
Axel Henschel liefern, die Filmkopien für die
Kinos der Berliner Verleih Rekord Film.
Eye!Warning, Tel. (030) 69001108;
office@eye-warning.de
newsletter@filmstiftung.de – Dreharbeiten
porno!melo!drama!
Sex, Liebe, Single-Dasein oder feste Bindung,
Heirat oder Emanzipation: Das sind die Fragen,
um die die drei Freundinnen Nico (31), Ayse (30)
und Minju (31) auf der Suche nach dem richtigen
Mann kreisen. In einer wilden Kölner
Sommernacht überschlagen sich die Ereignisse:
Auf einmal sprechen die Sterne, und ein Wunder
geschieht. Franziska Petri, Jale Arikan
und Young Mi Park spielen die Hauptrollen
in dem Debütfilm „porno!melo!drama!“ von Regisseurin
Heesook Sohn nach dem Buch von
Dagmar Gabler. Die Produktion von
Dreamtool Entertainment im Auftrag des
WDR (Redaktion: Andrea Hanke) entsteht
im April/Mai 2005 in Köln. Für die Bilder sorgt
Kameramann Stefan Ditner. Für das Casting
haben die Produzenten Felix Zackor, Stefan
Raiser und Tina Böckenhauer verpflichtet.
Dreamtool, Tel. (089) 64981424;
wenzel@dreamtool.de
Pandora Film
Ist Francis verrückt? Oder ein Idealist? Als er mitbekommt,
wie ein angesehener Galerist ein Altarbild
aus einer Kirche entwendet, erpresst er
ihn. Doch er will kein Geld, er besteht nur darauf,
dass der Galerist das Bild zurückbringt. Noch
in der Planung befindet sich „Hope“, der neue
Kinofilm von Stanislaw Mucha, der die Geschichte
einer ungewöhnlichen Erpressung nach
einem Buch von Krzysztof Piesiewicz erzählt.
Gedreht werden soll das Drama in Polen
und in NRW. Für die Produktion von Pandora
Film und den Produzenten Reinhard
Brundig und Raimond Goebel wurde
Krzysztof Pakulski als Kameramann verpflichtet.
Nach Drehtagen im Himalaya, in Japan und
Köln ist „Valley of Flowers“ von Regisseur
Pan Nalin, eine Produktion der Pandora
Film mit Elzevir Film, nun abgedreht.
Pandora Film, Tel. (0221) 973320;
info@pandorafilm.com

Klimt
John Malkovich spielt Klimt: Für seine Verfilmung
der letzten 20 Lebensjahre des österreichischen
Malers konnte Raoúl Ruiz („Die
verlorene Zeit“) den amerikanischen Schauspieler
gewinnen. An der Seite von Malkovich ist u.a.
Veronica Ferres als dessen Lebensgefährtin
Emilie Flöge zu sehen. Nach seinem eigenen
Buch dreht der französisch-chilenische Regisseur
„Klimt“ seit 4. Januar in Wien, danach vom 29.
Januar bis etwa 13. Februar in den Warner Studios
in Bottrop und anschließend in Paris. Kameramann
Ricardo Aronovich sorgt für die
passenden Bilder dieser um den Wechsel vom
19. ins 20. Jahrhunderts angesiedelten Geschichte.
Im Mittelpunkt steht Klimts ewige Suche
nach Vollkommenheit, Erotik und Liebe, die
sich in seinen Werken, die als Inbegriff des Wiener
Jugendstils gelten, wie auch in seinem leidenschaftlichen
Verhältnis zu der französischen
Tänzerin Cleo de Mérode (Saffron Burrows)
widerspiegeln. In weiteren Rollen sind Stephen
Dillane und Nicolai Kinski zu sehen. Pro-
Foto: Steinmetz Trick
duziert wird das 6,6 Millionen Euro teure Arthouse-Projekt
als Koproduktion der Münchner
Film-Line Productions mit der Wiener epofilm,
der Londoner Lunar Films und der Pariser
Gemini Films in Zusammenarbeit mit der
Degeto. Für den Verleih konnten Produzent
Arno Ortmair und seine Koproduzenten Dieter
Pochlatko, Matthews Justice, Paolo
Branco und Andreas Schmid bereits Arsenal
Film begeistern. Der Filmstart ist für
Herbst 2005 avisiert.
Am 23. und 24. Februar ist Veronica Ferres
in Roland Suso Richters Zweiteiler „Kein
Himmel über Afrika“ zu sehen. Die von der
Filmstiftung geförderte ARD-Produktion basiert
auf der Lebensgeschichte von Kerstin Cameon,
die nach dem Selbstmord ihres Mannes
in Tansania unschuldig wegen Mordverdachtes
eingesperrt wurde.
Film-Line, Tel. (089) 6495640;
info@filmline.de
John Malkovich spielt Klimt. Foto: Bernhard Berger
Nulli
und Priesemut
Der Hase Nulli und der Frosch Priesemut sind
die dicksten Freunde. So fangen alle Folgen der
Animationsserie in der „Sendung mit der
Maus“ an. Immer wird die ungewöhnliche
Freundschaft auf die Probe gestellt, doch am
Ende nehmen sich die beiden wieder in den
Arm. Sechs neue Folgen von „Nulli und Priesemut“
entstehen für den WDR (Redaktion:
Manuela Lumb) bis Mai 2005 bei Steinmetz
Trick in Köln. Für die Animation der putzigen
Freunde nach dem Buch von Matthias Sodtke
sorgen Cornelia Nass, Jurica Saravanja
und Gero Schlierkamp. Regie führt
Udo Steinmetz.
Steinmetz Trick, Tel. (0221) 517670;
steinmetz-trick@t-online.de
Colonia Media
In einer gesichtslosen Vorstadt zwischen Industriegebieten
und Wohnsilos hängen die Mitglieder
einer Mädchengang ab. Die Russlanddeutsche
Katharina (18) und ihre Freundinnen
Yvonne und Jenny verbringen jeden Tag gemeinsam
– ein fragiles Gefüge, das von Machtspielchen
bestimmt wird. Einbrüche gehören zur
Tagesordnung. Erst als Yvonne einen Hafttermin
antreten soll, eskalieren die Ereignisse. Die Geschichte
der „Prinzessin“ (AT), dem neuen Kinoprojekt
der Colonia Media, ist in der tristen
Zeit „zwischen den Jahren“ angesiedelt.
Vom 29. Januar bis 3. März soll diese Produktion
für den WDR (Redaktion: Andrea Hanke)
in Köln und Umgebung realisiert werden.
Regie führt Birgit Grosskopf nach einem
Drehbuch, das sie selbst mit Daniela Hilchenbach
geschrieben hat. Als Kameramann
ist Kolja Raschke von Produzentin Anke
Scheib, als Darstellerinnen sind Henriette
Müller, Irina Pardapenko, Desirée Jaeger
und Amina Schichterich verpflichtet
worden.
In Belgien, Berlin und an der Ostsee werden
ab 5. Februar die Dreharbeiten zu dem Kinofilm
„Der freie Wille“ fortgesetzt, die das Team
im Auftrag der Label 131/Colonia Media
Filmproduktion im vergangenen September
und Oktober nach Mülheim an der Ruhr geführt
hatten. Nun stehen wieder Jürgen Vogel, Sabine
Timoteo, Manfred Zapatka und André
Hennicke vor der Kamera von Matthias
Glasner, der auch Regie führt und das Buch
gemeinsam mit Jürgen Vogel und Judith
Angerbauer verfasst hat. Die Produktion von
Christian Granderath, Frank Döhmann,
Matthias Glasner und Jürgen Vogel mit
der Schwarzweiß Filmproduktion entsteht
in Zusammenarbeit mit dem WDR (Redaktion:
Andrea Hanke) und arte (Andreas
Schreitmüller). Im Mittelpunkt des Dramas
steht ein junger Mann, der mehrere Frauen
vergewaltigt hat, und nach zwölf Jahren Haft
Der Liebeswunsch
Nach der Vorlage des Bestsellers „Der Liebeswunsch“
von Dieter Wellershoff
schrieb Thorsten C. Fischer ein Drehbuch,
das er nun selbst in Szene setzt. Es erzählt von den
Paaren Lars (Ulrich Thomsen) und Marlene
(Barbara Auer) sowie Leonhard (Tobias Moretti)
und Anja (Jessica Schwarz), vier Personen,
die alle nicht aus ihrer Haut können, und
dadurch blind sind für die wichtigen Dinge, die
um sie herum geschehen. Bis Ende November
wurde die Produktion der AllMedia Pictures
und der Produzentin Heike Richter-Karst in
Köln und Bonn gedreht, anschließend zog das
Team mit Kameramann Teo Bierkens nach
Hamburg weiter. Nach einer weiteren Drehwoche
im Januar in Köln stehen noch Drehtage in
Südafrika auf dem Plan. An der Kinoproduktion
sind auch NDR (Redaktion: Barbara Beauvais),
ORF (Redaktion: Katharina Schenk)
und arte (Redaktion: Andreas Schreitmüller)
beteiligt. Wann der Verleih Nighthawks
Pictures den Film ins Kino bringt,
steht noch nicht fest.
AllMedia, Tel. (089) 2002710;
office@allmedia-pictures.de
Jürgen Vogel in „Der freie Wille“,
Foto: Colonia Media
wieder versucht, im normalen Leben Fuß zu fassen.
Er verliebt sich in Nettie, die zunächst nichts
von Theos Vergangenheit ahnt.
Bis Mitte Dezember dauerten die Dreharbeiten
für die neue Folge von „Schimanski“.
Natürlich stand Götz George wieder als raubeiniger
Ermittler im Zentrum dieser neuen Folge
mit dem Arbeitstitel „Das Tier“, die der
WDR (Redaktion: Wolf-Diedrich Brücker
mit Regisseur Manfred Stelzer nach dem
Drehbuch von Hansjörg Thurn einen Monat
lang in Duisburg, Köln und Belgien gedreht hat.
Mit von der Partie sind in dieser Produktion der
Colonia Media und von Produzentin Sonja
Goslicki die Darsteller Chiem van Houweninge,
Julian Weigand, Denise Virieux,
Sergej Moya, Christian Redl, Misel
Maticevic und Hermann Lause.
Ebenfalls abgedreht wurde in Köln und Umgebung
die neue Folge des Köln-Tatort „Erfroren“
(AT), den die Colonia Media ebenfalls
für den WDR (Redaktion: Katja De Bock) realisiert
hat. Diesmal müssen die Ermittler Dietmar
Bär, Klaus J. Behrendt und Tessa
Mittelstaedt den Mord an einem ehemaligen
Eiskunstlaufrichter aufklären.
Colonia Media, Tel. (0221) 9514040;
coloniamedia@coloniamedia.de
Maria an Callas
Für den mit Götz George, Claudia Michelsen,
Anna Thalbach, Esther
Schweins, Elisabeth Trissenaar, Inga
Busch und Model Eva Padberg hochkarätig
besetzten Kinofilm „Maria an Callas“, den
die Moonfilm Filmgesellschaft in Koproduktion
mit dem NDR (Redaktion: Barbara
Beauvais), BB Film und CH Media realisiert,
fiel im Dezember die letzte Klappe in NRW.
Nach den Drehtagen in Düsseldorf und Essen
setzt die Crew im März ihre Arbeit in Heiligendamm
fort. In dem Drama von Petra K.
Wagner, das sie mit Kameramann Peter Polsak
realisiert, geht es um den erfolgreichen Designer
Jost, der nach dem Tod seiner Frau in ihrem
Namen den Kontakt zu einer E-Mail-Freundin
weiter pflegt. Als er sich in die Unbekannte
verliebt, wird ein Treffen verabredet. Die Produzenten
Erik Stappenbeck und Michael
Braun konnten als Verleih bereits Nighthawks
Pictures gewinnen. „Maria an Callas“
soll voraussichtlich im Herbst in die Kinos
kommen.
Moonfilm, Tel. (030) 41107102;
post@moonfilm.de
Dreharbeiten – newsletter@filmstiftung.de 33

Auf einem abgesperrten,
schnurgeraden Straßenstück an
der Düsseldorfer Messe nehmen
zwei Autos Startaufstellung.
Kurzer Blickwechsel zwischen
den Fahrern, dann heulen
die Motoren auf und die Wagen
rasen los. Doch der PS-Rausch
endet nach wenigen Hundert
Metern an einer Straßenveren-
gung mit Warnlichtern und
rot-weißen Baken. Nur ein
Wagen passt hier durch, der
andere muss im letzten Moment
eine Vollbremsung hinlegen.
m Steuer des einen Wagens sitzt Jürgen
AVogel, im anderen Daniel Brühl. Wobei nur
Vogel wirklich selbst lenkt, denn Brühls silberner
Golf steht fest auf einem seltsamen Gefährt,
dessen vordere Hälfte einmal zu einem Cadillac
gehörte. Jetzt sind nur noch der 7,5 Liter-
Motor und die Kühlerhaube übrig, alles weitere
ist abgeschnitten bis zur Bodenplatte. Hinter
dem offenen Fahrersitz des extrem flachen
Trailers Marke Eigenbau ist so Platz für einen
PKW, in dem während der Fahrt mit Rundumsicht
gedreht werden kann, ohne dass ein
Zugauto ins Bild gerät. Einer der kleinen Kinotricks,
über die sich kaum ein Zuschauer Gedanken
macht, die aber die perfekte Illusion erst
ermöglichen.
Es ist der 23. Drehtag von Sebastian Schippers
„Ein Freund von mir“, es ist Dezember und
es ist kalt. Immer wieder fahren die beiden
Autos auf den künstlichen Engpass zu, immer
wieder Vollbremsung, dann zurück auf Anfang.
Hinter einem Tor zum Messegelände steht eine
ganze Palette weiterer Autos bereit, die an
diesem Tag noch zum Einsatz kommen werden.
Denn es wird viel gefahren in Schippers Film,
dessen Protagonisten sich als Angestellte einer
Autovermietung kennen lernen, für die sie Wagen
transferieren und am Flughafen für den erneuten
Verleih auf Vordermann bringen. Karl
(Daniel Brühl), begabter Mathematiker bei einer
Versicherung und gelangweilt von seiner
scheinbar so problemfreien Existenz, hilft hier
aus und trifft dabei auf Hans (Jürgen Vogel), einen
unbeschwerten „Was kostet die Welt?“-Typ.
Von ihm lernt Karl, dass man das Leben erst mal
wirklich spüren muss, um es richtig schätzen zu
können, nackt Porsche fahren inklusive. Das
Unterwegssein ist in „Ein Freund von mir“ kein
romantischer Aufbruch, bei dem man irgendwo
ankommt, wo man noch nicht war. Es sei
nämlich „kein Roadmovie“, betont der Regisseur,
allenfalls „Autobahnfilm“ lässt er gelten.
Worum es ihm eigentlich geht, das sind die
34
Am Set von Sebastian Schippers „Ein Freund von mir“
Eine schwere,
mühevolle Reise
VON CHRISTIAN SEEBAUM
Transiträume des Daseins, die „Non-Places“, wie
er sie auch nennt. Aber davon später.
Inzwischen ist Mittagspause am Set, willkommen
als Gelegenheit zum Aufwärmen im
ausrangierten Linienbus, der als Aufenthaltsraum
dient und aus dem große Heizstrahler mit
Mühe die Kälte draußen halten. Seit Tagen grassiert
im Team die Darmgrippe, und jetzt hat es
auch Daniel Brühl erwischt. Blass wie sein eigener
Geist schleicht er um das asiatische Büfett
im Catering-LKW. Wenigstens Jürgen Vogel
ist fit und sitzt bald darauf in seinem schikken
privaten Jaguar XKR und raucht. Ein guter
Ort für ein kurzes Gespräch, schon wegen der
Sitzheizung. Entspricht denn dieser freakige
Hans im Film in manchem dem privaten Jürgen?
„Als Schauspieler sucht man gar nicht so sehr
danach, was habe ich jetzt selber damit zu tun,
sondern man versteht ja so viele Sachen.“
Schauspielerei sei „eigentlich nicht so kompliziert“.
Was den Beruf kompliziert mache, sei das
Drumherum. Und ehe man sich versieht, legt
Vogel los: über die fortgeschrittene Boulevardisierung
des deutschen Filmjournalismus, die
Ängstlichkeit der Fernsehsender, wenn es darum
geht, auch mal ungewöhnlichere Filme mit
zu finanzieren, den Druck der großen US-Verleiher
auf die Kinos und die Vorteile, die eine
Quote für den deutschen Film bringen könnte.
Dann geht es zurück in die Kälte.
Sebastian Schipper muss den Umbau des
Trailers abwarten. Er wirkt sehr entspannt, aber
die Drehwochen sind an dem 36-Jährigen auch
nicht spurlos vorübergegangen. „Für das, was
wir hier machen, sind wir locker 500.000 Euro
unterfinanziert. Und das merkt man irgendwann“,
stellt er nüchtern fest. 2,7 Millionen beträgt
das Budget des Films. Die Filmstiftung
NRW stellt die Basisfinanzierung in Höhe von
einer Million, außerdem sind Telepool, FFA, Förderung
aus Berlin und Hamburg, das Bundesministerium
für Kultur sowie X-Filme und X-Verleih
mit im Boot. Wie bei Schippers Erstling „Ab-
solute Giganten“ ist einer der Produzenten Tom
Tykwer, den Schipper kennt, seit er bei dessen
„Winterschläfer“ als Schauspieler dabei war.
Schipper berichtet von langen Drehnächten und
vielen unbezahlten Überstunden für das Team.
Und von der Kraft, die es ihn als Regisseur koste,
trotzdem bei allen die nötige Motivation
aufrecht zu erhalten. „Man muss sich das so vorstellen
wie eine schwere, mühevolle, langwierige
Reise. Man stelle sich eine Reise vor, die 35
Tage dauert, das ist das, was wir eigentlich machen.
Und irgendwann ist man einfach müde
vom Reisen und will einfach schlafen und seine
Ruhe haben und will nichts davon erzählt bekommen,
wie wahnsinnig faszinierend die Landschaft
ist, durch die man gerade fährt.“
Vier Jahre hat Schipper an dem Drehbuch
gearbeitet, darum gerungen, seiner Vorstellung
von einer sehr persönlichen „kleinen“ Geschichte
– ohne Charaktere mit spektakulären
Krankheiten oder tiefsten Lebenskrisen – treu
zu bleiben und dennoch kinogerecht zu erzählen.
Anders als in „Absolute Giganten“ gehe
es hier eigentlich nicht um Freundschaft, sondern
um Nähe und um Einsamkeit. „Es ist eine
Geschichte, die an diesen Nicht-Orten, an
diesen Un-Orten spielt: Autobahn, Autobahnraststätten,
Flughafen, Flugzeug. Düsseldorf ist
auch irgendwie eine Autostadt. Es gibt hier so
ein paar absurde Brücken und viele solche Non-
Places, die für mich sehr attraktiv sind, sehr fotogen
auf eine ganz eigene Art. Ich finde das
nüchterne Düsseldorf unter diesem zugezogenen
Hochnebelhimmel sehr exemplarisch für
ein Stück Deutschland.“ Jemand hupt, der Umbau
ist beendet. Der Stuntfahrer mit Mütze und
Fliegerbrille am Steuer des abgesägten Cadillacs
hat seine gute Laune nicht verloren. Vorsichtig
manövriert er das Gefährt mit gerade mal fünf
Zentimetern Bodenfreiheit wieder raus aus dem
Messetor auf die Straße. Der Drehtag am Nirgendort
geht weiter.
newsletter@filmstiftung.de – Setbericht
Jürgen Vogel und Daniel Brühl: Die Hauptdarsteller
von „Ein Freund von mir“. Foto: X-Verleih
Impressum
Herausgeber:
Michael Schmid-Ospach;
Filmstiftung Nordrhein-
Westfalen GmbH
Chefredakteur:
Rüdiger Bertram
CvD:
Stefanie Hadding
Redaktion:
Oliver Baumgarten, Katharina Blum
Tanja Güß, Peter Hanemann, A.R.T.
Wolfgang Hippe, A.R.T.
Heike Meyer-Döring (MEDIA)
Mitarbeiter dieser Ausgabe:
Michael Glugosch, Anna Koskoda,
Uwe Mies, Christian Seebaum
Redaktionsassistenz:
Sonja Steinberg
Gestaltung/Layout:
inrhein, düsseldorf, alfred friese
Titelfoto:
„One Day in Europe“
Foto: Piffl Medien
Redaktionsschluss:
17. Januar 2004
Anzeigenbetreuung:
Sonja Steinberg
Tel. (0211) 9305024
Anzeigenschluss
für die nächste Ausgabe:
25. Februar 2005
Der newsletter ist kostenlos
und kann bei der Filmstiftung NRW
abonniert werden.
Danke an alle Produzenten und
Verleiher für die Bilder ihrer Filme.
Tel.: (0211) 93 05 00
Fax: (0211) 93 05 085
Kaistraße 14
D – 40221 Düsseldorf
newsletter@filmstiftung.de

Geförderte Kinofilme der Filmstiftung NRW
Mit besten Empfehlungen
Kammerflimmern
Kinostart: 3. Februar
Verleih: Constantin Film
in junger Rettungssanitäter, der von allen nur
ECrash genannt wird, ist auf den Straßen
Kölns im Einsatz. Die Eltern hat er einst bei einem
Autounfall verloren und ist seitdem auf sich
gestellt. Dem harten Alltag entzieht er sich in
Träume, in denen ihm das Gesicht einer jungen
Frau erscheint. Diese Frau glaubt er gefunden,
als er die schwangere November nach einem
Unglücksfall zu betreuen hat. Die beiden kommen
sich in der Folge zärtlich näher, doch das
Die syrische Braut
Kinostart: 17. März
Verleih: Timebandits Films GmbH
ona wird heiraten. Als Bräutigam hat ihre
MFamilie Tallel ausgesucht, einen entfernten
Verwandten, der populärer Schauspieler im syrischen
Fernsehen ist. Für Mona wird das Ja-Wort
noch in anderer Hinsicht einen bedeutsamen Einschnitt
beinhalten. Denn Mona (Clara Khoury, bekannt
aus „Rana’s Wedding“) lebt mit ihrer Familie
im von Israel besetzten Teil der Golan-Höhen.
Für die Heirat wird sie über die Grenze müs-
Schöne Frauen
Kinostart: 27. Januar
Verleih: Stardust Filmverleih
ünf junge Schauspielerinnen treffen zu einem
FCasting ein. Jede von ihnen bräuchte den
Job. Jede von ihnen erkennt aber auch, dass der
geplante Film nicht die ersehnte Traumrolle bietet.
Da man sie sowieso warten lässt, ziehen die
Zufallsbekannten kurzerhand gemeinsam los.
Aus dem spontanen Trip wird eine Reise ans
Meer. Dort tauschen sie sich eine ganze Nacht
Schicksal hat noch nicht das letzte Wort gesprochen.
Hendrik Hölzemann, der mit seinem Drehbuch
zu „Nichts bereuen“ einen immens erfolgreichen
Einstand als Autor feierte, gibt nun
auch als Regisseur sein Debüt und legt eine eindringliche
emotionale Achterbahnfahrt vor.
Traum und Wirklichkeit schaffen dabei auch visuell
extreme Gegensätze in diesem modernen
Märchen um das Leben, die Liebe und den Tod.
Die Innenaufnahmen entstanden in München,
Außendrehs fanden an Originalschauplätzen in
Köln statt.
Matthias Schweighöfer („Soloalbum“) und
Jessica Schwarz („Verschwende deine Jugend“)
Creep
Kinostart: 10. März
Verleih: X-Verleih
ie Deutsche Kate hat sich als Modelagen-
Dtin im Londoner Jet-Set etabliert. Entsprechend
aufgeregt ist Kate, als sie an diesem
Abend zu einem PR-Event mit George Clooney
eingeladen ist. Noch größer ist ihre Wut, als sie
merkt, dass sie von einer Freundin ausgebootet
wurde. Kurz entschlossen und alkoholisiert
begibt sich Kate zur U-Bahn, um eine andere
Party aufzusuchen und schläft auf dem Bahn-
sen, und wer einmal nach Syrien eingereist ist,
kann nicht mehr israelisches Territorium betreten.
Für Mona beginnt eine schmerzliche Zeit des Abschieds
von der Familie, von Freunden und vom
eigenen bisherigen Leben.
Auch wenn die Nachrichten es undenkbar
erscheinen lassen – es gibt ein Alltagsleben im
Krisenherd Naher Osten. In seinem neuen, siebten
Spielfilm lässt Eran Riklis keinen Zweifel an
den bitteren Realitäten in den Grenzgebieten,
weiß aber auch Hoffnung, Humor und Poesie
zu schöpfen. Monas einsamer Gang im strahlend
weißen Brautkleid entlang des Stacheldrahts
zur Grenze ist ein Bild, das man nicht
über ihre Träume und Hoffnungen aus.
„Schöne Frauen“ sollte keine „Meditation
über das Schauspielerdasein werden“, sagt Regisseur
Sathyan Ramesh, „und auch nie ein so
genannter Frauenfilm“. Ihm ging es vielmehr darum,
einen ganzen Film über eine jener Nächte
zu inszenieren, die das Leben für immer verändern.
Nächte, die trotz ihrer Prägnanz zu selten
auf der Leinwand zu sehen seien. „Nächte,
die mit einem unschuldigen Bier beginnen und
in einem Meer aus Alkohol, Schweiß und Tränen
enden. Man schlendert ahnungslos rein und
kriecht als anderer Mensch wieder ans Tages-
stehen als tragisch umflortes Pärchen an der Spitze
einer hochkarätigen Besetzung mit verdienten
Charakterveteranen und inspirierten Nachwuchskräften.
„Kammerflimmern“, das auf den Hofer Filmtagen
2004 erfolgreich uraufgeführt wurde, ist
Anfang Dezember auf dem Festival des deutschen
Kinos (Filmz) in Mainz mit dem Langfilmpreis
ausgezeichnet worden.
Deutschland 2004, Regie und Drehbuch: Hendrik
Hölzemann, Darsteller: Matthias Schweighöfer,
Jessica Schwarz, Jan Gregor Kemp, Florian Lukas,
Bibiana Beglau, Rosel Zech, Volker Spengler, Ulrich
Noethen, Produktion: Bavaria Film/Produktion in
Koproduktion mit Constantin Film Produktion in
Zusammenarbeit mit BR und arte, www.kammer
flimmern.film.de
steig ein. Als sie nach einem Geräusch aufschreckt,
ist sie allein. Sämtliche Ausgänge der
Station sind für die Nacht verschlossen. Dann
rollt doch noch ein Zug ein, der aber menschenleer
ist. Plötzlich wird es dunkel und eine
Nacht unbeschreiblichen Terrors beginnt.
Vier Jahre nach dem Kassenerfolg „Anatomie“
kehrt Franka Potente mit einer kraftvollen
Charakterskizze zum Horrorgenre zurück und
zeigt sich von einer bislang ungekannten aggressiven
Seite. Ihre Kate ist eine knallharte Society-Zicke,
eitel und selbstgefällig, aber flexibel
und pragmatisch. Was bitter nötig ist, denn eine
mörderische Bestie treibt im Londoner Unter-
mehr vergisst. Binnen eines Monats gewann
„Die syrische Braut“ im Spätsommer 2004 den
Publikumspreis in Locarno und in Montreal, wo
er auch von FIPRESCI und ökumenischer Filmkritik
ausgezeichnet wurde. Den Triumph dort
vervollständigte die Auszeichnung mit dem
Grand Prix of the Americas.
Frankreich/Deutschland/Israel 2004, Regie: Eran
Riklis, Buch: Suha Arraf, Eran Riklis, Darsteller: Hiyam
Abbas, Makram Khoury, Clara Khoury, Derar Sliman,
Ashraf Barhoum, Evelyn Kaplun, Produktion:
Neue Impuls Film GbR (Deutschland) und MACT
Productions (Frankreich) in Koproduktion mit Eran
Riklis Productions (Israel), www.syrianbride.com
licht.“ Ramesh wurde 1968 in Berlin geboren.
Er arbeitete zeitweilig als Filmkritiker und war Dozent
für Filmkunde. Nach seinem Drehbuch zu
„Das Jahr der ersten Küsse“ (2001) debütiert er
mit „Schöne Frauen“ erfolgreich als Regisseur:
Nachdem der Film bereits ins Repertoire mehrerer
deutscher Filmfestivals aufgenommen worden
war, erhielt er beim Filmfest Emden im Juni
2004 den Promotion-Film-Förderpreis.
Deutschland 2003
Regie und Drehbuch: Sathyan Ramesh
Darsteller: Floriane Daniel, Julia Jäger, Caroline
Peters, Ina Müller, Produktion: D & D Film, Roland
Willaert, www.stardust-filmverleih.de
grundsystem ihr Unwesen und zwingt Kate einen
brutalen Kampf ums Überleben auf.
Der Engländer Christopher Smith schrieb
und inszenierte mit seinem Spielfilmdebüt
„Creep“ nach eigenen Worten einen Treffpunkt
zwischen Bridget Jones und Alien. Den Schwerpunkt
aber legte er auf atmosphärisch dichten
Horror und geschickt eskalierende Hysterie. Nach
diesem Film steigt man nicht mehr ganz so unbefangen
in die nächtliche U-Bahn hinab.
Deutschland/GB 2004, Regie und Drehbuch: Christopher
Smith, Darsteller: Franka Potente, Vas Blackwood,
Ken Campbell, Jeremy Sheffield, Paul Rattray,
Produktion: Dan Films (GB) in Koproduktion mit
zero west Filmproduktion, www.creep-derfilm.de
Demnächst im Kino – newsletter@filmstiftung.de 35

Matthias Komm Foto: Heike Steinweg
Katharina Dalichau Foto: Alex Lipp
Dan van Husen Foto: Thomas Kost
Ulrike Tscharre Foto: Thomas Kost
m a x m a n a g e m e n t
Dominic Boeer Foto: Joachim Gern
m a x m a n a g e m e n t
Bianca Hein Foto: Nina Grützmacher
Annett Mohamed
m a x m a n a g e m e n t maxmanagement
Marion Kracht Foto: Ralf Wilschewski, Agentur Wolfram
Arved Birnbaum Foto: Thomas Kost
Ursela Monn Foto: Janine Guldener
Mathis Landwehr Foto: Martin Kurtenbach
Thomas Gumpert Foto: Thomas Kost
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Mirja Mahir Foto: Alex Lipp
Michael Schwarzmaier Foto: Janine Guldener
Toks Körner Foto: Christine Fenzl
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