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„Allein“, Berlinale German Cinema „Aus der Tiefe des Raumes“, Berlinale German Cinema 26 Fragen, die einen bewegen VON HANNES STÖHR, REGISSEUR arum Filme machen?“, so einfach, so Wschwierig diese Frage. Ich habe erst drei lange Filme gemacht, bei jedem Film war der Ausgangspunkt ein anderer. Bei „Berlin is in Germany“ (2001) hörte ich von einer Bekannten, die im Brandenburger Knast als Sozialarbeiterin arbeitet, von Häftlingen, die noch vor der Wende als DDR-Bürger in den Knast gekommen waren und jetzt erst entlassen wurden. Da sitzt jemand irgendwo, kommt zurück, und alles ist anders als vorher. Diese absurde Vorstellung hat mich immer fasziniert. Ich besuchte die Häftlinge im Knast. Sie kannten die Welt zum Großteil nur noch über den Fernseher. Manche hatten einmal Freigang um die Ecke gehabt, mehr nicht. Einer von ihnen kam aus Ostberlin und kehrte elf Jahre nach der Wende zurück. Aus ihm wurde nach elf Drehbuchfassungen die Filmfigur Martin Schulz, die Jörg Schüttauf spielt. Der Weg dorthin war lang. Anfangs arbeitete ich wie ein Journalist, schrieb jedes Detail von jeder Biografie der verschiedenen Befragten auf. Zwischendrin erstickte ich in Material und war kurz vorm Aufgeben. Außerdem waren die Geschichten einfach auch oft sehr tragisch. Die Vorstellung, dass Martin Schulz wie ein Spiegel auf die Veränderungen der Wende in Ostberlin wirkt, und wahrscheinlich als Einziger die Wende noch mal wie im Zeitraffer erleben kann, brachte mich weiter. Er war wohl der Einzige, der mit naiven Augen sehen konnte, was sich alles verändert hatte. Waren das nun blühende Landschaften oder nicht ? So wurde „Berlin is in Germany“ auch ein Film über die Menschen vor meiner Haustür hier in Ostberlin. Aus den Gesprächen mit den Haftentlassenen aus Brandenburg bastelte ich mir die Kunstfigur Martin Schulz zusammen. Es gab einen Typen, der schon am Fahrscheinautomaten scheiterte. Ein anderer fand sein Haus nicht mehr und wollte Taxifahrer werden. Wiederum ein Anderer wollte um seine Frau und seinen Sohn kämpfen. Und viele landeten nach kurzer Zeit wieder im Knast, weil sie draußen einfach nicht klar kamen. Ein Film muss sowohl in seinem realistischen Umfeld, als auch als Überhöhung funktionieren. Wenn man am Ende die Leinwand schwarz malt, muss man verstehen warum. Und wenn man einen Grund zur Hoffnung sieht, dann muss man auch verstehen können, warum. Mir fällt dazu immer der Satz von Erich Kästner ein: „ Wer immer nur das Schlechte sieht, wird böse, wer immer nur das Gute sieht, wird dumm.“ Jeder Film ist Ausdruck der Weltsicht seiner Macher. Für mich ist die Welt eine Tragödie, die ohne Humor gar nicht zu ertragen ist. Deshalb ist „Berlin is in Germany“ auch eine Tragikomödie geworden. Natürlich beschäftigte ich mich auch mit Alfred Döblins Franz Biberkopf aus „Berlin- Alexanderplatz“ oder dem Roman von Hans Fallada „Wer einmal aus dem Blechnapf fraß“ oder Reinhard Hauffs Film „Endstation Freiheit“. Es geht gar nicht um Kopieren oder kluges Zitieren, es geht darum, den Ausschnitt seiner Geschichte präzise zu wählen. Jeder Film sollte etwas aussagen über die Zeit, in der er spielt. Natürlich war „Berlin is in Germany“ auch ein Film des Schauspielers Jörg Schüttauf. Hätte er Martin Schulz nicht gespielt, alle Drehbuchversionen wären umsonst gewesen. Man muss vor allem auch eine Faszination für Menschen haben, um einen Film zu drehen. Mein zweiter Film, der WDR-Tatort „Odins Rache“ (2003), hat viel mit einem Ereignis aus dem Sommer 1997 zu tun. Ich lebte damals in der Brunnenstrasse in einem Hausprojekt, welches eines Nachts von etwa 100 gewaltbereiten Skinheads über- fallen wurde. Sie bewarfen das Haus mit Molotowcocktails und hatten den Arm erhoben zum Hitlergruß. Während es im ersten Stock schon brannte, öffneten wir die Dachluken und hoben die total verängstigten Kinder aufs Dach. Von dort aus konnten wir über die Dächer gehen und alle in Sicherheit bringen. Wir feuerten dann zurück mit Steinen von den Dächern. Wenn ich damals eine Waffe gehabt hätte, ich glaube ich hätte geschossen. Meinen Hass und meine Ohnmacht in diesem Moment werde ich nie vergessen. Wer waren diese vom Hass geleiteten Menschen? Der WDR-Tatort hatte Interesse an einer Geschichte über die Neo-Nazis, und ich versuchte, die Gefühle von damals in einen „Für mich ist die Welt eine Tragödie, die ohne Humor gar nicht zu ertragen ist.“ Krimiplot bringen. Entscheidend war, einen Blickwinkel zu finden auf die rechtsradikale Szene. Außerdem sollten wir in Köln drehen. Köln ist nicht Berlin. Der Anfang war schwierig, und ich recherchierte über die Aussteigerorganisation „Exit“, ging zu bestimmten Fußballspielen oder durchforschte das Netz. Ich stieß auf den Brandanschlag von Solingen, und es gab seltsame Gerüchte, um die Beteiligung eines V-Mannes des Verfassungsschutzes an der Straftat. Ab da war der Krimi wie ein Schachspiel. Der V–Mann war der Zugang zu einem interessanten, aktuellen Blickwinkel. Bin ich dafür, dass man die rechtsradikale Szene mit V-Männern bekämpft? Die Antwort konnte für mich nur Ja heißen. Dann stellte sich die Frage: Was ist ein guter V-Mann? Die newsletter@filmstiftung.de – Deutschland 2005 Recherche führte zu einer bitteren Erkenntnis. Je tiefer ein V-Mann im Sumpf steckt, desto besser sind seine Infos. Um die Figur des V- Mannes strickte ich den Krimi- Plot. Zwei Skinheads der militanten rechten Szene werden umgebracht. Beide waren angeklagt, bei einem Brandanschlag auf ein türkisches Lokal vor Jahren beteiligt gewesen zu sein. Rächen sich die Opfer von früher? Die zunächst im Verdacht stehende Familie Aydin hat ein wasserdichtes Alibi. Die beiden Kölner WDR-Kommissare Ballauf (Klaus Behrendt) und Schenk (Dietnar Bär) müssen im rechtsradikalen Milieu ermitteln, müssen die Strukturen des rechten Terrornetzwerkes verstehen. Sie arbeiten mit einem V–Mann des Verfassungsschutzes zusammen, der einerseits Informationen gibt, andererseits auch Infos zurückhält. Zum Erzählen dieses Plots kehrte ich immer wieder zurück zu meiner Ausgangsfrage. Wer sind diese Neonazis eigentlich? Und wie kann man sie wirksam bekämpfen? Ich denke, man sollte Filme machen über die Fragen, die einen bewegen. Der Ausgangspunkt von „One Day in Europe“ (2005) steckt schon in der deutschen Übersetzung des Titels. „Ein Tag in Europa“ ist Gegenwart, oder man übersetzt „Eines Tages in Europa“, das ist Zukunft und könnte auch eine Utopie sein. Zu den spannendsten Seiten Berlins der letzten Jahre gehörte, dass man Menschen aus ganz Europa hier treffen konnte. Ich erinnere mich an Situationen, da stand man mit Russen, Franzosen, Ungarn, Polen, Türken, Spaniern, Norwegern, Tschechen, Engländern, Deutschen oder Italienern an der Bar und versuchte krampfhaft, ein vernünftiges Gespräch zu führen, meist auf Basic English oder Basic German, wenn einem die Wor-
„Sommersturm“, Berlinale German Cinema „Männer wie wir“, Berlinale German Cinema te in der jeweiligen Landessprache fehlten. Ich war ich in den letzten Jahren viel in Europa unterwegs, zuerst mit dem Rucksack dann mit dem Film „Berlin is in Germany“ bei Kinostarts und Festivals. Egal, ob Moskau, Budapest oder Warschau, Paris, London, Göteborg, Istanbul oder Barcelona, überall waren die „United States of Europe“ Thema. Und überall stellte man sich dieselbe Frage: Europa schön und gut, aber wie reden wir miteinander ? Denglisch oder Spanglish, Franglais oder Frallemand? Und wie sollte ich einen Film machen über die unterschiedlichen Mentalitäten in Europa – was doch der Ausgangspunkt der Idee war? Mir fiel ein Satz ein, den ich auf meiner Filmschule, der DFFB, gelernt habe. Wenn du einen Film über die Post machen möchtest, dann mach´ einen Film über eine Briefmarke. Man kann unmöglich einen Film über ganz Europa machen und den Anspruch haben, allem gerecht zu werden. Welche Städte würde man nehmen? Die Städte sollten etwas aussagen über Europa. Außerdem sollten die Städte praktisch sein. Papier ist geduldig, aber ich wollte den Film ja auch noch drehen. In Berlin wohne ich, in Santiago de Compostela habe ich gewohnt, in Istanbul habe ich Freunde und kenne mich aus. Und Moskau ? Auch dort war ich schon paar Mal, habe Bekannte, aber kann man da drehen ? Egal Moskau muss dabei sein, denn über Europa nachzudenken und Moskau zu vergessen, das geht nicht. Aber was verbindet diese Städte ? Jeder amerikanische Film, ob Scorcese, Jarmush oder Spielberg, verkauft uns en passant den American way of life. Aber was ist der European way of life ? Okay, alle Länder haben sich gegenseitig irgendwann Mal oder in naher Vergangenheit ganz heftig, barbarisch auf die Mütze gehauen. Nicht ausreichend, wenn man eine kulturelle Gemeinsamkeit sucht im Zeitalter 2000. Was sagt die Realität? Fußball, die Champions League, das ist doch der größte, gemeinsame, kulturelle Nenner. Fußball ist einfach, und Film muss auch einfach bleiben. Und Fußball schaut man überall, Religion hin oder her. Also fragte ich mich: Was wäre, wenn Galatasaray Istanbul gegen Deportivo La Coruna in Moskau im Champions-League-Finale spielen würde? In Moskau ginge es ab, in Istanbul sowieso, in Santiago de Compostela und in Berlin auch. Fußball als erzählerische Klammer, das hat Poesie, fand ich. Fußball als Leitmotiv. So, aber was „Der Film erzählt vom hier und jetzt, gleichzeitig berichtet er von einer Utopie.“ passiert? Um Sprache sollte es gehen. Wie wäre es mir persönlicher Erfahrung? Reisen, Reisende in Europa. Jeder kennt das: Man kommt irgendwo an, wird bestohlen oder man verstrickt sich in eine blöde Situation, schon muss man reden, kann die Landessprache nicht, und schon wird es schwierig oder komisch. Vier einfache Geschichten sind daraus geworden. Eine Engländerin in Moskau, zwei Deutsche (Florian Lukas und Erdal Yildiz) in Istanbul, ein Ungar in Santiago de Compostela und zwei Franzosen in Berlin werden in Diebstähle verwickelt. Es ist der Tag des Champions-League-Finales zwischen Galatasaray und Deportivo, welches jede Stadt auf seine Art wahrnimmt. Es ist ein Film der kleinen Momente geworden, Momente die ich so oder ähnlich erlebt habe. Immer ging es mir um den europäischen Moment, das Aufeinandertreffen der verschiedenen europäischen Mentalitäten. Der Film erzählt vom hier und jetzt, gleichzeitig berichtet er von einer Utopie. Die United States of Europe wird es geben – irgendwann auch mit Istanbul, viel später mit Moskau. Die Frage ist, wie wir uns unterhalten. Ich tippe auf European English – mit den europaweit bekannten Wörtern Leitmotiv und kaputt, mit mise en scene und siesta, mit ciao und chill out area, mit wodka und mit merhaba. Warum Filme machen? Ich empfinde die Welt als eine große Tragödie, ohne Humor wäre sie nicht zu ertragen. Im Kino können wir lachen, über was man sonst nicht lacht. Wir können Leben leben, die wir nicht gelebt haben und nie leben werden. Wir können durch die Lupe des Films Dinge verstehen, die wir sonst nicht verstehen würden. Und wir können Utopien bauen, uns eine bessere Welt vorstellen. Was man sich nicht vorstellen kann, wird auch nie passieren. And last but not least ist Filmemachen ein Handwerk. Der Mensch lebt nicht vom Brot allein, Geschichten sind doch wie ein Grundnahrungsmittel, zumindest für den Kopf, das Herz und die Seele. Die einen backen Brötchen, andere machen Filme... Geist der Gegenwart VON ANDREAS DRESEN, REGISSEUR ohlstand ist tödlich – für die Kreati- Wvität jedenfalls. Das hat die Geschichte immer wieder gezeigt. Meist blühte die kulturelle Szene eher dann, wenn es gesellschaftlich oder politisch kriselte. In Phasen großer sozialer und politischer Spannungen, von Orientierungssuche und gesellschaftlicher Polarisierung ist es natürlich anregender, in Auseinandersetzung und Kommunikation einzutreten, als wenn man satt und zufrieden ist und es allen gut geht. Und uns ging es lange sehr, sehr gut! Hinzu kommt aber auch, dass es immer leichter ist, sich gegen Dinge zu wehren, wenn sie sich eindeutig zeigen. Hierzulande hingegen erscheinen die Strukturen oft eher schwammig, wie im Nebel. Ein wirklicher „Feind“, den man bekämpfen möchte, der emotionalisiert oder auch Hass weckt, ist sehr schwer auszumachen. Der demokratische Konsens verhindert in gewisser Weise zugespitzte Haltungen. Dabei gehören Liebe und Hass doch zu den Grundpfeilern dramatischen Erzählens! Das Problem einer Filmkultur kann werden, wenn es keine wirklichen Probleme gibt. Das hat sich in den letzten Jahren allerdings zum Teil verändert. Mitte der 90er Jahre gab es so gut wie keine radikal erzählten Filme. Das deutsche Kino war am Boden. Heute hingegen arbeitet es, und ich bin im Großen und Ganzen sehr erfreut über das, was sich auf den Leinwänden tut. Es gibt eine Menge verschiedener Handschriften und auch unterschiedliche Genres, die bedient werden. Unsere Kinoszene ist sehr viel farbiger geworden, und es gibt eine Reihe von Filmen, die sich mehr und mehr der Realität stellen. Manchmal würde ich mir das zwar noch radikaler wünschen, aber nichtsdestotrotz ist eine Ent- Deutschland 2005 – newsletter@filmstiftung.de 27
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