Kurzfilm - Kommunales Kino guckloch

Kommunales Kino guckloch | VS-Villingen 

< Oktober 

Mittwoch 02.10.2013 20:15 Uhr (Seite 6 - 8) 

Kurzfilm: Singning off 

Langfilm: Hitchcock mit VHS (englisch) 


Kurzfilm: H2OCHSCHWARZWALD | Premiere 

Langfilm: Kampf der Königinnen 


Kurzfilm: Die Liebenden vom Hotel Osman 

Langfilm: Müll im Garten Eden 

Oktober, November, Dezember 2013 

Kommunales Kino guckloch VS-Villingen e.V. 

VS-Villingen, Donaueschingen und Titisee-Neustadt 


Langfilm: Sein oder Nichtsein | Filmreihe (1) 


Kurzfilm: Bernies Magic Moment-Fife Easy Pizzas 

Langfilm: Der Tag wird kommen 

< November 


Langfilm: Just the wind 


Kurzfilm: C4 

Langfilm: De Pouille et d'Os - Der Geschmack von 

Rost und Knochen mit VHS (französisch) 


Langfilm: Ihr werdet euch noch wundern 

Filmreihe (2) 


Kurzfilm: Gefahr im Wald 

Langfilm: Fuck for Forest 

< Dezember 


Langfilm: The Broken Circle 


Kurzfilm: 5 Minutes Love Story 

Langfilm: Un Amor mit VHS (spanisch) 


Kurzfilm: Ebony Society 

Langfilm: Cäsar Muss Sterben | Filmreihe (3) 

Donnerstag 26.12.2013 20:15 Uhr (Seite 46 - 48) 

Langfilm: Weihnachtswunschfilm | Motto: Einige 

Lieblingsfilme der guckloch Mitarbeiter 

(zum auswählen siehe Extra-Flyer) 

Filmreihe: Theaterträume (1-3)

guckloch im CINEMA | Donaueschingen 

< Oktober 

Montag 30.09.2013 20:15 Uhr (Seite 6 - 8) 

Kurzfilm: Singning off 

Langfilm: Hitchcock mit VHS (englisch) 


Langfilm: Vergissmeinnicht (Arbeitskreis Demenz) 

Sonntag 13.10.2013 20:15 Uhr (Seite 15 - 17) 

Langfilm Danube Sounds 

im Museum Biedermann 


Kurzfilm: H2OCHSCHWARZWALD | Premiere 

Langfilm: Der Tag wird Kommen 

Kommunales Kino guckloch Villingen-Schwenningen e.V. 

Filmreihe / Schwerpunkt: 

Theaterträume (1-3) 

(1) Sein oder Nichtsein VS-Villingen Mi. 23.10.2013 

(S. 20 - 22) 

(2) Ihr werdet Euch noch wundern VS-Villingen Mi. 20.11.2013 

(S. 34 - 36) 

(3) Cäsar muss sterben Tittisee-Neustadt Do. 12.12.2013 

(S. 44 - 45) Donaueschingen Mo. 16.12.2013 

VS-Villingen Mi. 18.12.2013 

< November 


Langfilm: Herr Felde und der Wert der Dinge 


Kurzfilm: C4 

Langfilm: De Pouille et d'Os - Der Geschmack von 

Rost und Knochen mit VHS (französisch) 


Kurzfilm: Gefahr im Wald 

Langfilm: Fuck for Forest 

Cäsar muss sterben 

| Neustadt Do. 12.12.2013 | Donaueschingen Mo.16.12.2013 | VS-Villingen Mi. 18.12.2013 

< Dezember 


Kurzfilm: 5 Minutes Love Story 

Langfilm: Un Amor mit VHS (spanisch) 


Kurzfilm: Ebony Society 

Langfilm: Cäsar Muss Sterben | Filmreihe (3) 

Donnerstag 26.12.2013 20:15 Uhr (Seite 46 - 48) 

Langfilm: Weihnachtswunschfilm in Villingen 

Motto: Einige Lieblingsfilme der 

guckloch Mitarbeiter 

(zum auswählen siehe Extra-Flyer) 

Kinderkino VS-Villingen und 

Donaueschingen Extra Flyer 

Möchten Sie uns unterstützen mit einer absetzbaren Spende oder mit 

einer Mitgliedsschaft? Anträge im Kino oder im Programmheft auf 

der letzte Seite. Newsletter bestellen unter: info@guckloch-kino.de. 

Weitere Infos unter www.guckloch-kino.de 

5

Technische Revolution im kommunalen Kino guckloch VS 

Alles hat ein 

Ende nur die 

Wurst hat zwei. 

... Ähm und 

Filmrollen. 

Nichtsdestotrotz 

die Schlepperei 

hat jetzt ein 

Ende! 

Technische Revolution im kommunalen Kino guckloch VS 

Kilian Schmidt 

Technische Revolution 

im guckloch-Kino! 

Liebe Filmfreunde, 

das Kommunale Kino guckloch Villingen – Schwenningen e.V. präsentiert 

sich, wenn Sie dieses Heft in den Händen halten, in einem 

technischen Umbruch. Bislang zeigen wir unsere Filme entweder im 

35mm analog Format über unsere zwei Projektoren (also klassisch 

mit großen Spulen) oder als Blu-Ray über einen Beamer. 

Bereits seit mehreren Jahren zeichnet sich ab, dass die analoge Technik 

verschwindet, und jetzt ist es tatsächlich so weit. Die großen 

Filmverleiher stellen die Belieferung mit 35mm Kopien zum 

1.10.2013 ein, die kleinen ziehen bis Ende des Jahres nach. Dies 

bedeutet, dass wir unsere Filmkopien zukünftig – neben Blu-ray- 

Discs – nur noch in digitaler Form erhalten werden. 

Wir haben uns daher entschlossen, eine digitale Vorführanlage einzubauen. 

Dies ist allerdings mit Kosten in Höhe von Euro 46.000,00 

verbunden. 

Das Kommunale Kino guckloch erhält für diese Investition nach derzeitigem 

Stand keine Zuschüsse von außen, inwieweit mit einem Beitrag 

der Stadt Villingen-Schwenningen zu rechnen ist ist derzeit 

noch unklar. Wir konnten zwar Rückstellungen in den vergangenen 

Jahren bilden, aber selbstverständlich nicht in dieser Höhe. Derzeit 

wird die Differenz durch Privatkredite von Kinomitgliedern abgedeckt. 

Wir würden uns aber über weitere Spenden sehr freuen, Spendenbescheinigungen 

werden umgehend erstellt. Auch Spenden von 

Unternehmen sind selbstverständlich möglich und willkommen. 

Hitergrundinfo von Klaus Peter Karger: 

Also erst mal zum Paket: Ein Film von 90 min. Laufzeit wird üblicherweise 

ohne Spulen auf Wickelkernen und in 6 Akten à ca. 4-500 m geliefert, 

zusammen also 2400 m. Eine Faustregel sagt: 100 m 35mm-Film = 700 gr., 

sodaß also das Gesamtgewicht dieses Kartons bei etwa 17 kg liegt. 

(Kilian sagt es sind mindestens 25 kg!) 

Üblicherweise wurden die Filme in schwarzen, stabilen Pappkartons verschickt. 

Insofern drückt dieses Foto auch den Niedergang des Analog-Films 

aus und daß zumindest einzelne Verleiher am Ende nicht mal mehr in 

gescheite Kartons investiert haben... 

Was erwartet Sie durch die neue Technik ? 

Nein, wir zeigen weiterhin keine 3d – Action Filme, aber wir sind in 

der Lage, technisch hochwertig und in (sehr) guter Projektion weiterhin 

alle Filme zu zeigen, die wir Ihnen als unserem Publikum zeigen 

möchten, ohne in der Auswahl eingeschränkt zu sein. Einer der beiden 

alten Projektoren bleibt ebenfalls für Sondervorstellungen (Filmkopien 

aus Filmmuseen, Privatbeständen, Darstellung der alten 

Technik für Schüler…) erhalten. 

In unserer Außenstelle in Donaueschingen bleibt vorläufig alles beim 

alten, dort haben wir bereits vor mehreren Jahren ein Vorläufermodell 

der Digitalanlage installieren können, so dass wir auch dort auf 

dem aktuellen Stand der Technik sind. 

In diesem Sinne hoffe ich im Namen des gesamten guckloch-Teams 

auf viele weitere anregende, spannende, unterhaltsame und einfach 

gute und sehenswerte Filme und hoffe, dass Sie uns als Zuschauer 

weiterhin treu bleiben. 

Wir wünschen Ihnen eine gute Vorstellung – Bonne Projection! 

Viele Grüße Kilian Schmidt 

(Vorstand) 

6 7

Themenschwerpunkt Filmreihe: Theaterträume | Einleitung 

Einführung Richard Hehn 

8 

Filmreihe: Theaterträume 

3 Träume über ein Theater ohne Publikum. 

3 Träume über ein anderes Theater. 

3 Träume über die Kraft des Theaters. 

3 Filme über Theater. 

Früher – vor nicht allzulanger Zeit – war es nicht ungewöhnlich, Kinos 

als „Lichtspiel-Theater“ zu bezeichnen. Ein Ausdruck der eine gewisse 

Wesensverwandtheit zwischen Kino und Theater nahelegt. Und zumindest 

architektonisch scheint dies nicht von der Hand zu weisen. Vor 

einem abgedunkelten Zuschauerraum hebt sich der Vorhang und das 

Publikum folgt (zumeist) einer von Schauspielern präsentierten Spielhandlung. 

Doch jeder, der irgendwann beginnt, sich mit dem einen oder anderen 

dieser beiden Medien zu beschäftigen, wird sehr bald feststellen, dass die 

Gemeinsamkeit sich hier auch schon erschöpft. 

Die frühesten Filme waren – in heutiger Definition – Dokumentarfilme. 

Die frühesten „Spielfilme“ waren alles andere als abgefilmtes Theater. 

Bereits Georges Melliès, der als Erfinder des Spielfilms gelten darf, 

erkannte, dass der Film einer anderen Dramaturgie folgen muss als das 

Theater. 

Die Erkenntnis, dass Film und Theater nicht die beiden Kehrseiten der 

selben Medaille sind, ist also eine Binsenweisheit. Doch die beiden Kunstformen 

können sich ergänzen. Das Kino kann die Flüchtigkeit einer 

Theater-Aufführung konservieren. Peter Brooks Film-Version seiner 

Marat/Sade Inszenierung beispielsweise ist sicher mehr als nur abgefilmtes 

Theater. Dennoch wird in jeder einzelnen Einstellung deutlich, 

dass es sich um die Dokumentation einer Bühnen-Inszenierung handelt. 

Ähnliches gilt für Arianne Mnouchkine, die einige ihre monumentalen 

Inszenierungen als Film adaptierte. Nur durch solche Film-Dokumente 

ist es uns heute noch möglich, diese wegweisenden Inszenierungen nachzuvollziehen. 

Ohne Kenntnis ihres historischen, theatralen Kontextes sind 

diese Filme jedoch kaum Kino-tauglich. Jonas Mekas gelang es mit seinem 

Film „The Brig“ (1964) vielleicht erstmals, die Intensität des Live- 

Erlebnisses einer Inszenierung (von Julian Beck) in ein anderes Medium 

zu transportieren. 

Doch ohne das, was damals, vor fast 50 Jahren auf einer winzigen Bühne 

stattgefunden haben mag, gesehen zu haben, ohne wirklichen Vergleich 

also, bleibt auch dies nur Mutmaßung. Aber allein schon die Erfahrung 

„The Brig“ zu sehen, auf grobkörnigem, schwarz-weißem 16mm-Film 

gedreht (oder wie ich, vor Jahren auf einer mehrfach kopierten VHS- 

Kassette, die eine Freundin aus New York mitbrachte) lässt uns die Intensität 

der Experimente von Julian Beck erahnen. Weiter zurück reicht das 

filmische Gedächtnis des Theaters leider nicht. Max Reinhardts Film- 

Adaption seiner Sommernachtstraum-Inszenierung von 1935 ist sicherlich 

beeindruckend, eine Vorstellung von der ursprünglichen Bühnen- 

Version vermittelt sie kaum. Die Arbeiten vieler anderer Theater-Regisseure 

im 20. Jahrhundert blieben filmisch komplett undokumentiert. Hier 

bleiben uns nur Fragmente – Fotografien bestenfalls, oder auch nur 

Kulissen und Kostüme, Regiebücher und Skizzen von musealem Wert. 

Für einen audiovisuellen Eindruck der Uraufführung von Lessings 

„Nathan“ oder der Probenarbeit von Artaud gäbe manch ein Theaterhistoriker 

sicherlich nicht nur seine rechte Hand. Doch all dies wird uns 

Themenschwerpunkt Filmreihe: Theaterträume | Einleitung 

für immer verborgen bleiben. Eine Jahrtausende-alte Nofretete können wir im 

Museum besichtigen. Von „Antigone“ bleibt uns ein raunender Text. Literatur 

als Leitfossil einer Kunst, die nicht zuletzt durch ihr permanentes Verschwinden 

fasziniert. 

Dann gibt es aber auch die zahllosen Filme aus dem Theater-Milieu, von sehr 

guten wie John Cassavetes „Opening Night“ bis hin zu eher schlechten wie 

Roland Emmerichs „Anonymous“. Darum soll es in dieser Reihe aber genauso 

wenig gehen wie um die vielen Verfilmungen von Bühnenstücken, die unser Bild 

dieser Stücke stärker prägen als jede Bühnenaufführung. Filme wie „Die Katze 

auf dem heißen Blechdach“, „Wer hat Angst vor Virgina Wolf?“ oder „Endstation 

Sehnsucht“. Wie kann man heute noch diese Stücke auf der Bühne sehen 

ohne die Gesichter von Elizabeth Taylor, Richard Burton, Marlon Brando oder 

Paul Newman vor Augen zu haben? Oder noch extremer im Musik-Theater: 

Wer heute „Hair“, „Anatevka“ oder die „Rocky Horror Show“ auf der Bühne 

sieht, vergleicht diese Aufführungen unweigerlich mit den entsprechenden Verfilmungen. 

Umgekehrt macht sich aber kaum jemand Gedanken bei der Besichtigung einer 

Renè-Pollesch-Inzenierung, wie viel diese Form des Theaters mit den Filmen von 

Fassbinder oder Godard zu tun hat. Doch auch darum soll es hier – im Kino – 

nicht gehen. 

Es soll auch nicht um jene Künstler gehen, die im Grenzbereich von Kino und 

Theater arbeiten, oder beide Medien gleichermaßen nutzen – Patrice Chereau, 

David Mamet, Sam Mendes – um nur einige wenige zu nennen. Nein, in dieser 

Reihe soll es um einen ganz anderen Aspekt gehen. 

Durch seine Möglichkeit, Räume und Träume sichtbar zu machen, die ansonsten 

für das Publikum unsichtbar bleiben würden, kann das Kino nämlich auch 

Theater-Visionen, die aus unterschiedlichsten Gründen unsichtbar bleiben 

müssten, sichtbar machen. Der Film dokumentiert und kommentiert dabei nicht, 

was auf der Bühne statt fand oder stattfinden sollte, sondern macht das sichtbar, 

was als Theater nicht möglich wäre, aber genuines Theater sein muss – und vor 

allem – sein will. Gleichzeitig gelingt diesen Filmen aber auch das Kunststück, 

uns zu zeigen, warum diese Stücke, diese Inszenierungen sich nicht auf einer 

öffentlichen Bühne vor einem Publikum manifestieren konnten. Und genau um 

diese „Theater-Träume“, die sich erst im Kino realisieren können, soll es in 

dieser Reihe gehen – mit drei Filmen, die kaum unterschiedlicher sein könnten. 

Da ist Ernst Lubitsch, der ein fiktives, unaufführbares Stück erfindet, nur um 

seine Schauspieler dann in eine noch viel groteskere, aber ebenso fiktive Realität 

zu entlassen, in der sie verdammt sind, weiterzuspielen. 

Da ist eine Shakespeare-Inszenierung im Hochsicherheitstrakt eines italienischen 

Gefängnisses, bei sich der die Erfahrungen der Gefangenen im Laufe des Proben 

mit der Handlung des Stückes vermischen. 

Und da ist ein alter Regisseur, der seine Schauspieler zu einem Theater-Film 

einlädt, bei dem sich Film und Bühne nicht nur ergänzen sondern auch ersetzen. 

Die drei Filme der Reihe „Theaterträume“ sind drei höchst unterschiedliche 

Beispiele dafür, wie sich Kino und Theater ergänzen können, wenn sie sich ihrer 

Verschiedenheit bewusst werden. 

Eben so wenig wie die Ausstellung der historischen Kulissen die Theateraufführung 

für die sie einst angefertigt wurden, sichtbar werden lassen kann, ersetzen 

diese Filme die Intensität einer Theateraufführung. Als Xerografien eines imaginären 

Theaters wollen sie Theaterträume transportieren. < 

Richard Hehn 

9

Neustadt 29.09.13 | Donau Mo 30.09.13 | VS-Villingen Mi 02.10.13 

Hitchcock 

Beginn: 20:15 Uhr, Kurzspielfilm in Villingen und Donaueschingen 

Singing off – Kurzfilm 

Neuseeland 1996 | Dauer 15 Min., OF mit dtsch. UT | ab 6 Jahren 

Regie Robert Sarkies | Kamera Stephe Downes | Musik Bruce Lynch | 

Darsteller David Corballis, Pamela Pow, Paul Barrett | Verleih Kurzfilmagentur 

Hamburg 

Ein in die Jahre gekommener Radiomoderator wird entlassen. In seiner 

letzten Sendung möchte er den Musikwunsch einer treuen Hörerin erfüllen. 

Jedoch kommt es zu einigen Komplikationen... < 

Hitchcock 

USA 2012 

Regie 

Sacha Gervasi 

Buch 

John J. McLaughlin, 

Stephen Rebello 

Musik 

Danny Elfman 

Darsteller 

Anthony Hopkins, Helen Mirren, 

Scarlett Johansson, Toni Collette 

Produktion 

Fox Searchlight Pictures 

Laufzeit 

98 Minuten, Farbe, 

Format: 1 : 2,35 

FSK 

ab 12 

Kino im Original mit VHS 

Alfred Hitchcock war nicht nur 

einer der besten Regisseure seiner 

Zeit, er war auch ein Meister der 

Selbstinszenierung. Nicht nur 

dadurch, dass er immer wieder 

eigene Kurzauftritte in seinen Filmen 

einbaute, oder dass er in den 

Originaltrailern seine Filme persönlich 

vorzustellen pflegte, ließen 

seine voluminöse Gestalt und sein 

markantes Profil zu einem Markenzeichen 

werden, welches auch 

heute, mehr als 30 Jahre nach seinem 

Tod noch fast ebenso viel Wiedererkennungswert 

besitzt, wie 

manches Firmenlogo. 

Wenn dann innerhalb eines Jahres 

gleich zwei Filme erscheinen, die 

Episoden aus dem Leben dieses 

Regisseurs behandeln, wird der 

Vergleich zwischen Darstellung und 

Wirklichkeit nur noch interessanter. 

Im Sommer 2012 war in den USA 

die HBO-Produktion „The Girl“ zu 

sehen, in der Hitchcock von Toby 

Jones verkörpert wird. Leider 

erreichte der Film, in dem es um 

das zwiespältige Verhältnis des 

Regisseurs zu Tippi Hedren, seiner 

Hauptdarstellerin in „Die Vögel“ 

und „Marnie“ ging, nicht die deutschen 

Kinos. Nur wenige Monate 

später trat dann Anthony Hopkins 

in diesem Film auf, den wir nun im 

Guckloch zeigen. 

Gervasis Film beginnt 1959 mit der 

Premiere von „North by Northwest“ 

(Der unsichtbare Dritte), Hitchcocks 

bis dahin größtem Erfolg. 

Von einem Journalisten muss sich 

der Regisseur die Frage gefallen lassen, 

ob es mit 60 Jahren nicht langsam 

an der Zeit wäre, sich aus dem 

aktiven Filmgeschäft zurück zu ziehen. 

Welch eine Frage! Bis jetzt war 

Hitchcock als routinierter Meister 

ausgefallener und spannungsreicher 

Krimis bekannt, doch mit seinen 

nächsten beiden Filmen sollte er 

Filmgeschichte schreiben und das 

Genre von Grund auf neu erfinden. 

„Psycho“, dessen Entstehungsgeschichte 

hier erzählt wird, ist nicht 

nur jener Film, der die angestaubten 

Regeln des Wer-war's?- Kriminalfilms 

komplett über den Haufen 

warf, sondern nebenbei auch noch 

zwei ganz neues Genres – den Slasher- 

und den Serienkiller-Film hervorbrachte. 

Insofern eine schöne 

Koinzidenz, dass ausgerechnet 

Anthony Hopkins, der mit „Das 

Schweigen der Lämmer“ den Serienkiller-Film 

im Mainstream-Kino 

etablierte, nun als Alfred Hitchcock 

zu dessen Wurzeln zurück kehrt. 

Insbesondere, da Psycho“ und 

„Das Schweigen der Lämmer“ auf 

die selbe Quelle zurück gehen. 

Vieles an „Psycho“ war ungewöhnlich 

– nicht nur für das Hollywood 

der 50er Jahre. 

Mit der Wahl des Buches von 

Robert Bloch über den Serienmörder 

Ed Gein, der zwischen 1944 

und 1957 mindestens 15 Menschen 

ermordete, stieß Hitchcock auf 

totale Ablehnung. Zu wiederwärtig, 

zu geschmacklos und dem breiten 

Publikum nicht zu zumuten 

lautete die einhellige Meinung. 

Hitchcock ging das extreme Wagnis 

ein, den Film ohne Finanzierung 

eines der großen Filmstudios zu 

drehen und verpfändete sein 

gesamtes Privatvermögen für die 

Produktionskosten. Die Dreharbeiten 

fanden zwar auf dem Gelände 

der Paramount statt (wo auch heute 

noch das berühmte Motel steht), 

doch die Dreharbeiten würden 

komplett abgeschottet – weder 

Journalisten noch anderen war es 

möglich auch nur den kleinsten 

Hinweis auf den entstehenden Film 

10 11

Hitchcock 

zu erhaschen. „Psycho“ sollte das 

Publikum völlig unvorbereitet treffen, 

im Trailer war nicht eine Einstellung 

des Films zu sehen (ein 

weiterer genialer Einfall des Regisseurs). 

Darüber hinaus hatte Hitchcock 

aber auch immer wieder mit 

der amerikanischen Zensurbehörde 

zu kämpfen, die bereits nach dem 

ersten Drehbuchentwurf drohte, 

den Film komplett zu verbieten. 

Sacha Gervasis „Hitchcock“ zeigt 

einen Mann mit einer überwältigenden 

künstlerischen Vision. Für 

Inh. Claudia Seyfried 

Marktstrasse 4 

78054 VS-Schwenningen 

Tel.: 0 77 20-32020 

Fax: 0 77 20-80070 

buecherstube@t-online.de 

www.buecherstube-vs.de 

deren Verwirklichung er bereit ist, 

den höchsten Preis zu bezahlen und 

am Ende – triumphierend – Recht 

behält. Gervasis Autoren konzentrieren 

sich auf zwei wesentliche 

Handlungselemente: den Kampf 

um die Fertigstellung von „Psycho“ 

sowie das besondere Verhältnis 

Hitchcocks zu seiner Frau Alma. 

Die war nicht nur die Cutterin der 

meisten seiner Filme, sondern hatte 

auch ansonsten großen Einfluss auf 

die Filme ihres Mannes. Die dunkleren 

Seiten des Charakters, der ja 

spätestens seit Donald Spotos 1983 

erschienen Skandal-Biografie mehr 

als befleckt ist, kommen hier kaum 

zum Vorschein. Dies ist auch der 

größte Unterschied zu Julian Jarrolds 

„The Girl“. Dort steht nicht 

der große Filmkünstler im Mittelpunkt 

sondern ein von dunklen 

Obsessionen getriebener, sexistischer 

und sadistischer Psychopath, 

der den Figuren mancher seiner 

Filme bedenklich nahe kommt. Der 

Vergleich ist überaus spannend. 

Mehr als nur die Frage welcher der 

beiden Darsteller, Toby Jones oder 

Anthony Hopkins, dem verkörperten 

Original – visuell und darstellerisch 

– nun näher kommt. < 

Richard Hehn 

Donaueschingen Montag 07. Oktober 2013 

Beginn: 20:15 Uhr nur in Donaueschingen 

Den Film zeigen wir in Zusammenarbeit 

mit dem Arbeitskreis 

Demenz, Gesundheitsnetzwerk 

Schwarzwald-Baar 

Ein Dokumentarfilm von 

David Sieveking 

„Aus der Tragödie meiner dementen 

Mutter ist kein Krankheits-, sondern 

ein Liebesfilm entstanden, der 

mit melancholischer Heiterkeit 

erfüllt ist.“ 

David Sieveking 

Deutschland 2012 

Laufzeit 

88 Minuten 

Verleih 

Farbfilm 

FSK o.A. 

Prädikat besonders wertvoll 

Vergissmeinnicht 

David zieht wieder zu Hause ein und 

übernimmt für einige Wochen die 

Pflege seiner demenzerkrankten 

Mutter Gretel, um seinen Vater 

Malte zu entlasten, der sich seit seiner 

Pension vor fünf Jahren um 

seine Frau kümmert. Während 

Malte in der Schweiz neue Kraft 

tankt, versucht sich David als Pfleger 

seiner Mutter. Mit dem Einverständnis 

der Familie dokumentiert 

er seine Zeit mit Gretel: David ist 

plötzlich Sohn, Betreuer und Dokumentarfilmer 

in einer Person. Seine 

Gegenwart und die Anwesenheit des 

Filmteams wirken erfrischend auf 

die Mutter, die endlich wieder Eigeninitiative 

entwickelt und neue 

Lebensfreude zeigt. Trotz ihrer zeitlich 

wie örtlichen Orientierungslosigkeit 

bleibt Gretel heiter und gelassen: 

Sie hält sich für eine junge Frau 

und David für ihren Mann Malte. 

David gelingt es, mit seiner verwirrten 

Mutter wunderbar lichte 

Momente zu erleben. Sie verliert ihr 

Gedächtnis, ihren Sinn fürs Sprechen, 

aber sie gewinnt etwas 

anderes: eine entwaffnende Ehrlichkeit 

und Unschuld, gepaart mit 

überraschendem Wortwitz und weiser 

Poesie. 

12 13

Vergissmeinnicht | nur in Donaueschingen 

VS-Villingen Mi 09.10.2013 | Donaueschingen Mo 14.10.2013 

Ein Ausflug zu Gretels Schwester 

wird zur emotionalen Reise in die 

Familiengeschichte. Nach und nach 

lernt David das Leben seiner Mutter 

besser kennen und entdeckt ihre 

rebellisch-politische Vergangenheit. 

Wie ein Puzzle setzt er das beeindruckende 

Leben einer Frau zusammen, 

die Sprachwissenschaftlerin, Frauenrechtlerin, 

Revolutionärin, Lehrerin, 

Ehefrau und Mutter war. Als David 

zusammen mit Gretel in die Schweiz 

fährt, um Malte aus seinen Ferien 

abzuholen, recherchiert er auch dort 

weiter. Er erfährt, dass Gretel, während 

seine Eltern in den 70er Jahren 

hier lebten, vom Schweizer Staatsschutz 

überwacht wurde, da sie sich 

in einer marxistischen Gruppierung 

engagierte. 

David begegnet alten Genossen und 

Weggefährten, erfährt ungeahnte 

Geschichten aus dem Liebesleben 

seiner Eltern, von den Krisen ihrer 

„offenen Ehe“. Nun, am Ende ihrer 

mehr als 40-jährigen Beziehung, die 

sich durch liebevolle Distanz und 

gegenseitigen Respekt der Freiheit 

des anderen auszeichnete, kommen 

sich Gretel und Malte so nah wie 

noch nie. Ohne den Ballast ihrer 

Erinnerungen, Vorstellungen und 

Konzepte bringt Gretel eine neue 

Intimität und Zärtlichkeit in ihre 

Beziehung, die Malte zu schätzen 

lernt. Zu seinem Hochzeitstag fährt 

das Paar nach Hamburg, wo ihre 

Liebe begann. Es wird ihre letzte 

gemeinsame Reise. 

Aus Gretels Krankheit entsteht ein 

Neuanfang, und aus Davids biografischem 

Filmprojekt wird eine Liebeserklärung 

an das Leben und die 

Familie ¨C eine Reise in die Vergangenheit 

seiner Eltern, dem Schlüssel 

seiner eigenen Geschichte. 

„Mit viel Sinn für kleine Gesten und 

für den Zauber des Augenblicks 

schafft er ein feinfühlig heiteres 

Familienporträt. Eine würdevolle, 

niemals rührselige Reise durch ein 

Menschenleben, an dessen Ende ein 

Anfang steht und in dem die Familie 

neu zueinander findet.“ 

Bayerischer Rundfunk 

„‚Vergiss mein nicht‘ ist ohne Frage 

ein sehr einfühlsamer, respektvoller 

Film. Sieveking will das langsame 

Sterben seiner Mutter nicht für sensationalistische 

Zwecke ausbeuten, 

viel mehr will er ihr ein Denkmal 

setzen und schreibt ihr dabei einen 

rührenden, filmgewordenen Liebesbrief.“ 

< 

Spiegel-Online 

Zusammengestellt 

Henry Probst 

Quellen: vergissmeinnicht-film.de 

farbfilm-verleih.de 

H2OHSCHWARZWALD 

guckloch Villingen | Mittwoch 09.10.‘13 

guckloch Donaueschingen CINEMA 

Montag 14.10.2013 

zu Gast Simon Straetker 

– Kurzfilm / Filmpremiere 

Deutschland 2013 | Dauer 6:45 

Drehbuch, Schnitt Simon Straetker | Kamera Simon Straetker, 

Sven Löffler, Manuel Löffler | Musik Dexter Britain | 

Effekte, Farbkorrektur Sven Löffler 

Filmpremiere: Der junge Filmemacher Simon Straetker stellt 

seinen Kurzfilm erstmalig der Öffentlichkeit vor. 

Einst geprägt von tiefen Gletscherspalten und meterhohen 

Eisschichten sind die Schluchten im Hochschwarzwald heute 

Heimat einer herausragenden Artenvielfalt. Die zahlreichen 

Flusslandschaften und Sumpfwiesen beherbergen selten 

gewordene Tiere und Pflanzen wie Graureiher, Roter Milan, 

Eisvogel sowie viele Arten von Orchideen. Im Zentrum dieser 

in Deutschland einzigartigen Biodiversität steht das wohl 

wichtigste Element von Allen – Wasser. Ein Geflecht an zahlreichen 

Wasserwegen, Sümpfen und Mooren bilden die 

Grundlagen für die außergewöhnliche Vielfalt. 

Der Kurzfilm H2OCHSCHWARZWALD soll die Schönheit 

dieser einzigartigen Tier- und Pflanzenwelt im Hochschwarzwald 

zeigen. Vor allem jedoch soll er die Bedeutung von Wasser 

als Lebenselixier für Tiere und Pflanzen beleuchten. 

Von Zeitraffer über Makro bis zu Luftaufnahmen zeigt der 

junge Filmemacher, wie virtuos er unterschiedliche Aufnahmetechniken 

und Schnittmöglichkeiten beherrscht. < 

14 15

VS-Villingen Mittwoch 09.10.2013 | nur im guckloch VS-Villingen 

Kampf der Königinnen 

Kampf der Königinnen 

Beginn: 20:15 Uhr 

Deutschland/Schweiz 2011 

Buch/Regie 

Nicolas Steiner 

Kamera 

Markus Nestroy 

Montage 

Kaya Inan 

Produktion & Verleih 

Filmakademie Baden-Württemberg 

Darsteller 

Beat Brantschen, Andreas Herzog, 

Déborah Métrailler u.v.a. 

Weltpremiere 

Berlinale 2011 

„Perspektive Deutsches Kino“ 

Laufzeit 

70 Minuten 

schwarz/weiß 

Französisch und Deutsches 

Original mit deutschen Untertiteln 

In der Schweiz, genauer im Wallis, 

finden alljährlich Kuhkämpfe statt, 

bei denen tonnenschwere Rinder 

aufeinandertreffen und versuchen, 

sich aus der Arena zu drängen. Jene 

Kuh, die zurückweicht, verliert. Im 

Gegensatz aber zum Stierkampf 

verletzen sich die Kühe jedoch 

nicht. Einen dieser Wettbewerbe 

begleitet der Dokumentarfilm des 

Regisseurs Nicolas Steiner. 

Da ist der Zürcher Journalist 

Andreas Herzog, der eine Reportage 

über den Kuhkampf machen 

will, um ihm unbekannte Bereiche 

der Schweizer Kultur zu entdecken. 

Und da ist der Bauer Beat, der mit 

seiner Kampfkuh Dominga gegen 

den ehrgeizigen Titelverteidiger 

antritt. Dieser wiederum trainiert 

sein Tier schon seit einem halben 

Jahr. Junge Walliser versuchen derzeit 

die Aufmerksamkeit einer 

attraktiven Tierzüchterin auf sich 

zu ziehen… 

„Kampf der Königinnen“ ist ein 

moderner Heimatfilm über eine 

skurrile Schweizer Tradition, 

gedreht in schwarz-weiß. Großartige 

Bilder mit einer ganz eigenen 

Ästhetik, unterlegt mit einem treibenden 

Rhythmus. Und der Feststellung: 

Schwarz-weiß hat viele 

Farben. 

Bei den Kühen handelt es sich um 

die Eringer Rasse, eine regionale 

Rasse, die ausschließlich aus dem 

Kanton Wallis stammt. Sie ist für 

die moderne Landwirtschaft nur 

sehr eingeschränkt verwendbar, da 

alle Versuche zu höherer Milchleistung 

gescheitert sind. Schon sehr 

früh haben die Bauern auf ihren 

Alpen und in den steilen Bergregionen 

gemerkt, dass Eringerkühe 

eine Rangfolge in der Sippe unter 

sich ausmachen. Das machen sich 

die Züchter in ihren „Combat des 

reines“ zunutze und veranstalten 

zweimal jährlich einen Wettkampf. 

Der Film zeigt das Finale im französisch 

sprachigen Teil des Wallis, im 

kleinen Ort Aproz, zu dem jedes 

Jahr im Mai Zehntausend Zuschauer 

anreisen und für Chaos sorgen. 

Der Regisseur Nicolas Steiner hat 

hier seinen ersten Langfilm verwirklicht, 

nach seinem mit zahlreichen 

Preisen dekorierten Kurzfilm 

„Ich bin´s, Helmut“ aus dem 

Jahr 2009, für den er zum deutschen 

Kurzfilmpreis 2010 nominiert 

wurde. Er stammt selbst aus 

dem Wallis (geboren 1984 in Turtmann) 

und erzählt: „…(die Traditionen 

dieser Region) sind einfach 

grandios, und dazu gehört auch der 

Ringkuhkampf. Früher habe ich die 

Züchter und ihre Lieblingstiere 

eher belächelt. Es war mir ein Rätsel, 

wie meine Fussballerkollegen, 

die auch Kühe besassen, ein Spiel 

haben sausen lassen, weil die Kühe 

in Aproz einmarschieren. Das 

ganze noch am nächsten Tag in der 

regionalen Presse zu lesen fand ich 

einfach zu absurd um wahr zu sein. 

Als ich mich dann aber vor ein paar 

Jahren überreden ließ, mir mal so 

einen traditionellen Kampf anzuschauen, 

durfte ich mit Erstaunen 

feststellen, dass das Ganze schon 

ein sehr fulminantes Spektakel mit 

sich bringt und es um viel mehr 

geht…“ 

Der Kameramann Markus Nestroy 

ist 1979 in Graz geboren. Er studiert 

seit 2006 Kamera an der Filmakademie 

Baden-Württemberg und 

wurde für seinen Kurzfilm „The 

night father Christmas died“ für 

den Studenten Oscar 2010 nominiert. 

< 


Quellen: 

Presseinfo Film Festival Locarno 

2011, Berlinale Katalog – 

Perspektive Deutsches Kino 2011, 

Verleihinfo, Arte.de 

16 17

Donaueschingen Sonntag 13. Oktober 2013 | Im Museum Biedermann 


www.kuenstlerbund-bawue.de 

Dialog – Trialog # 1 

Jahresausstellung des 

Künstlerbundes 

Baden-Württemberg 

im 

Museum Biedermann 

Donaueschingen 

Museumsweg 1, 78166 Donaueschingen, 0771/89 66 89-0, www.museum-biedermann.de 

im Museum Biedermann 

Dokumentarfilm 


Regie und Buch 

Ben Mergelsberg 

Kamera 

Sam Muirhead, Ben Mergelsberg 

Kooperation mit 

Schnitt 

Matt Sweetwood 

Musikalische Leitung 

Bastian Kaletta 

Produktion und Verleih 

Wrangelfilm, Berlin 

Laufzeit 

60 Minuten 

Danube 

Sounds 

Die Donau verbindet. Daß das 

nicht nur eine leere Phrase ist, 

beweist eine kleine Gruppe von 

Musikern und Filmemachern mit 

ihrer Reise entlang der Donau bis 

ans Schwarze Meer. Zu sechst sind 

sie von Berlin aus in zwei alten 

Autos aufgebrochen, im Gepäck 

Kameras und Musikinstrumente, 

auf der Suche nach spannenden 

Begegnungen mit den Menschen in 

den Anrainerstaaten, und vor allem 

auf der Suche nach Musikern, mit 

denen sie jammen wollen. 

Fünf Wochen unterwegs, besuchen 

sie die Macher einer Radiostation 

in Budapest und Volksmusiker in 

einer alten Wohnung. Sie treffen ein 

paar Leute in der Bar eines serbischen 

Dorfs, trinken mit ihnen 

und bleiben für ein paar Tage. Sie 

werden zu einer Hochzeit eingeladen, 

und nehmen in einem Fischerdorf 

am Donaudelta die besten 

Sänger des Dorfes auf. Sie zelten 

am Fluss, freunden sich an mit den 

Fischern, und erleben einen Sturm, 

der die Bäume knickt. Es ist ein 

Roadmovie im besten Sinne: mit 

Fahrten durch Landschaften, zufälligen 

Begegnungen und der Vielfalt 

von Menschen und Musik entlang 

des Flusses. 

18 Mit freundlicher 

19 

Unterstützung von

Danube Sound | im Museum Biedermann | Donaueschingen 

Herdstraße 9 | 78050 VS-Villingen | Telefon: 0 77 21.20 61 366 

Fax: 0 77 21. 20 61 368 | www.naturundfein-vs.de 

Öffnungszeiten: Mo bis Fr 9:00 -19:00 Uhr | Sa 9:00 -14:00 Uhr 

Einladung zum Bio- Genießerabend 

Mittwoch, 16.10.2013 ab 19.30 Uhr 

Herzlich Willkommen! | Eintritt 5,-Euro 

10 Jahre Natur und fein! 

Eine Schallplatte aus Belgrad hatte 

die Musiker und Filmemacher zu 

dieser Reise inspiriert. Regisseur 

Ben Mergelsberg, 28, ist selbst an 

der jungen Donau aufgewachsen, in 

Seitingen-Oberflacht. War später 

an der Waldorfschule in Villingen- 

Schwenningen, hat nach dem Abitur 

in Afrika und Lateinamerika 

gelebt, in England Human Sciences 

studiert, visuelle Anthropologie, 

und lebt heute in Berlin in einem 

Netzwerk junger Leute, die ihre 

Film- und Musikprojekte realisieren. 

Zum Freundeskreis gehört 

auch der musikalische Leiter des 

Filmprojekts, Bastian Kaletta aus 

Trossingen. 

Anders als viele andere Dokumentarfilmproduktionen 

entstand 

„Danube Sounds“ ganz spontan, 

aus einer Idee heraus, ohne große 

Vorplanung. Die Macher hatten ein 

paar Adressen in Ungarn und Belgrad, 

und sind dann einfach losgefahren, 

mal schauen was passiert. 

Für Ben Mergelsberg auch eine Philosophie: 

„Wir glauben daran, daß 

Kino oder Dokumentarfilm eine 

Art von Begegnung im Moment ist. 

Und daß nicht notwendigerweise, 

aber oft das Standardprozedere das 

kaputt macht. Dieses Im-Moment- 

Sein,“ hat er bei der Premiere des 

Films gesagt. 

Zurück in Deutschland, wurde die 

Fertigstellung des Films durch 

„Crowdfunding“ finanziert. Durch 

den Aufruf im Internet kamen gut 

7000 Euro zusammen. Im Internet 

gibt es auch eine Seite zum Film, die 

nach und nach mit zusätzlichen 

Informationen, Interviews und 

Filmschnipseln gefüllt werden soll: 

www.danubesounds.net. 

Es ist eine große Energie spürbar, 

die die Macher antreibt, vergleichbar 

vielleicht der Energie, die sie bei 

den Begegnungen ihrer Donau-Reise 

empfunden haben. „Wir haben 

gemerkt“, sagt Bastian Kaletta, 

„daß Musik eine Lebensenergie 

freisetzt bei Menschen, die selbst 

nichts haben, aber Musik machen. 

Obwohl sie da kein Geld verdienen, 

aber trotzdem glücklich sind 

dadurch. Und ich glaub diese Botschaft, 

die haben wir ganz stark 

mitbekommen.“ < 

Klaus Peter Karger 

www.as-perspective.de 

20 21


Müll im Garten Eden 

Beginn: 20:15 Uhr, Kurzspielfilm in VL 

Kurzfilm in Donaueschingen H2OCHSCHWARZWALD, siehe Seite 11 

Die Liebenden vom 

Hotel Osmann – Kurzspielfilm 

Deutschland 2001 | Dauer 14 Min., dt./türk. OF m. dt. UT 

Regie Idil Üner | Kamera Bernd Meiners | Musik Levent Yüksel | Darsteller 

Idil Üner, Fatih Akin, Gürsel Erdogan | Verleih Kurzfilmverlein Hamburg 

Ahmet und Ili lieben sich und Istanbul. Sie wollen die Nacht mit Blick auf 

den wunderschönen Bospurus verbringen. Mit einer List erhalten sie ein 

Zimmer ohne den notwendigen „Ehepass“ zu zeigen. < 

Dokumentarfilm 


Buch und Regie 

Fatih Akin 

Kamera 

Bünyamin Seyrekbasan, Hervé Dieu 

Schnitt 

Andrew Bird 

Musik 

Alexander Hacke 

Produktion 

Corazón International/NDR/ 

Dorje Film 

Laufzeit 

98 Minuten 

Verleih 

Pandora Film 

Müll im 

Garten Eden 

Çamburnu ist ein kleines Bergdorf 

im Nordosten der Türkei, die Heimat 

des bekannten Filmregisseurs 

Fatih Akin. Seit Generationen leben 

die Bewohner vom Teeanbau, von 

der Fischerei und im Einklang mit 

der Natur. „Für mich ist Çamburnu 

so etwas wie der Garten Eden“, 

sagt Fatih Akin in dem Buch „Im 

Clinch“, „die hohe Luftfeuchtigkeit, 

der stetige Nebel, der sich in 

den Teehängen abregnet, hat die 

Vegetation zu einem ewig grünen 

Garten wachsen lassen.“ 

Doch die Idylle ist gefährdet, als die 

Regierung den Beschluss fasst, 

direkt oberhalb des Dorfes in einer 

stillgelegten Kupfermine eine Mülldeponie 

zu bauen. Trotz der Proteste 

des Bürgermeisters und der 

Dorfbewohner entsteht eine Anlage, 

die wichtige Sicherheits- und 

Baustandards nicht erfüllt und fortan 

durch Unfälle und Havarien 

kontinuierlich die Umwelt verschmutzt. 

Die Luft ist verpestet, das 

Grundwasser verseucht, in der alljährlichen 

Regenzeit spült das Wasser 

den Müll die Abhänge herunter, 

Vogelschwärme und streunende 

Hunde belagern das Dorf. Den Teebauern 

im Dorf ist die Lebensgrundlage 

genommen. 

Über einen Zeitraum von mehr als 

sechs Jahren haben Fatih Akin und 

der von ihm mit einer Videokamera 

ausgestattete Dorffotograf den 

Kampf des kleinen Dorfes gegen die 

mächtigen Institutionen dokumentiert, 

und auch die unweigerlichen 

Katastrophen, die das ehemalige 

Paradies immer wieder heimsuchen. 

Zu den Protagonisten des Films 

gehört unter anderem der Bürgermeister 

von Çamburnu, der zwar 

Mitglied der Regierungspartei AKP 

ist, sich aber gegen den Beschluß 

der Zentralregierung zum Bau der 

Mülldeponie wehrt und deshalb 

wegen „Behinderung von Staatsinteressen“ 

angeklagt wird. Oder die 

verstorbene Teebäuerin, eine der 

aktivsten Widerstandskämpferinnen, 

sie mobilisierte die anderen 

Frauen des Dorfes und organisierte 

Demonstrationen. Und auch Ismet 

Bodur. Die Mülldeponie wurde nur 

50 Meter von seinem Haus entfernt 

gebaut. Obwohl der Gestank unerträglich 

ist, bleibt Bodur. Er kümmert 

sich weiterhin um seinen Garten, 

sammelt allmorgendlich den 

Müll auf und fischt die Plastiktüten 

aus den Bäumen, die der Wind 

herübergeweht hat. Die Pflanzen 

seines Gartens sind durch das verseuchte 

Grundwasser gefährdet. 

Fatih Akin („Gegen die Wand“, 

„Crossing the Bridge“, „Soul Kitchen“) 

versteht seinen Film als Beispiel 

für Zivilcourage. Er wolle 

auch zeigen, sagt er, „wieviel 

Demokratie in der Türkei existiert“. 

„Die Hoffnung stirbt 

zuletzt. Heutzutage können sich 

Bürger durch Facebook und Twitter 

viel besser vernetzen und effektiver 

wehren.“ Die Deponie soll angeblich 

in zwei, drei Jahren geschlossen 

werden. Auf den Müll wird dann 

Erdreich geschüttet, darunter soll 

der Müll verrotten – wie das auch 

bei uns mit den früheren Müllkippen 

gemacht wurde. Dabei entstehen 

Gase und Sickerwässer. Gleichzeitig 

wird in der Gegend nach 

einem neuen Standort für eine ähnliche 

Deponie gesucht. Eine tragbare 

Alternative, sagt Akin, wäre 

allein eine Müllverbrennungsanlage 

nach internationalen Standards. < 


Quellen 

Verleihinformationen, 

sowie Behrens/Töteberg, 

„Fatih Akin – Im Clinch“ 

22 

23

VS-Villingen Mittwoch 23.10.2013 | nur in guckloch VS-Villingen 

Filmreihe Theaterträume (1) Sein oder Nichtsein 


USA, 1942 

Regie 

Ernst Lubitsch 

Buch 

Melchior Lengyel und Edwin Justus 

Mayer nach dem Bühnenstück 

»Noch ist Polen nicht verloren« von 

Melchior Lengyel 

Sein oder Nichtsein 

Kamera 

Rudolph Maté 

Musik 

Werner R. Heymann 

Produktionsdesign 

Vincent Korda 

Darsteller 

Carole Lombard, Jack Benny, 

Stanley Ridges 

Produktion 

Ernst Lubitsch (United Artists) 

Laufzeit 

99 Minuten 

S/W, Format: 1 : 1,37 

FSK: ab 12 

„Heil Hamlet“ 

Im Sommer 1939 probt ein Warschauer 

Theater ein antifaschistisches 

Zeitstück, in dem auch die 

wesentlichen Nazi-Größen auftreten. 

Natürlich ist auch Hitler dabei, 

dessen Darsteller sich bei den Proben 

den Kalauer nicht verkneifen 

kann, auf jede Begrüßung mit „Ich 

heil mich selber“ zu antworten, bis 

der Regisseur einschreitet und das 

Ensemble diskutiert, wie der „Führer“ 

wohl antworten müsse. Ebenfalls 

„Heil Hitler“ könne er ja 

schlecht erwidern. 

Diese kurze Szene macht bereits 

deutlich wie „Sein oder Nichtsein“ 

funktioniert. Lubitsch macht nicht 

einfach nur eine Witzfigur aus Hitler, 

er karikiert das ganze System 

zuerst als Zerrbild, indem er es auf 

eine Theaterbühne verlegt. Auf 

diese Weise macht er das System 

deutlich als ein despotisches Räderwerk 

aus nicht hinterfragten Ideologien 

und Mechanismen, die aber 

dann, bei näherer Betrachtung als 

das erscheinen, was sie sind: ebenso 

hohl wie die Kalauer der polnischen 

Schauspieler. Wenn er dann, im 

weiteren Verlauf dieser extrem ver- 

schachtelten Verwechselungskomödie 

die originalen Nazis durch die 

polnischen Schauspieler in Wehrmachtsuniformen 

ersetzt, funktioniert 

das deswegen so gut, weil 

Original und Zerrbild wirklich 

nicht mehr zu unterscheiden sind. 

Weder für den Zuschauer noch für 

die Nazis im Film. 

Und dass selbst die Kalauer in diesem 

Film von allererster Qualität sind, 

beweist die Tatsache, dass der Film 

auch 70 Jahre nach seiner Entstehung 

noch immer unglaublich lustig ist. 

Er hat eben den „Lubitsch-Touch“. 

Mit dem deutschen Überfall auf 

Polen wird das Stück nur wenige 

Tage vor der Premiere abgesetzt 

und durch den unverfänglicheren 

„Hamlet“ ersetzt. Jetzt macht 

Lubitsch aus der Eifersuchtssequenz 

zwischen Hamlet-Darsteller 

Josef Tura, seiner Frau Maria 

(Ophelia) und einem jungen polnischen 

Offizier im Publikum eine 

der großartigsten Persiflagen auf 

den legendären Sein-oder-Nichtsein-Monolog, 

sondern zieht 

daraus auch den Impuls für die 

eigentliche Handlung des Films, die 

3 Jahre später einsetzt. Durch das 

kleine Eifersuchtsdrama kommt es 

1942 zur Enttarnung eines deutschen 

Spions in London, der sich 

jedoch schon auf dem Weg nach 

Warschau befindet, um dort die 

polnische Untergrundbewegung zu 

enttarnen. Jetzt bleibt Josef Tura 

nur eins – er muss nicht nur seiner 

Frau die ebenfalls erst durch diesen 

Vorfall entdeckte angebliche Affaire 

nachsehen, er muss auch mit ihr 

zusammen, dem jungen Offizier 

und dem Rest der Truppe den deutschen 

Spion aufhalten. Beim Eindringen 

ins Warschauer Gestapo- 

Hauptquartier erweisen sich die 

alten Uniformen aus dem abgesetzten 

Stück als überaus nützlich und 

bald weiß niemand mehr wer wer 

ist. Selbst der ewige Nebendarsteller 

bekommt endlich Gelegenheit 

seinen Shylock-Monolog, den er 

niemals auf der Bühne sprechen 

durfte, vor einer Nazi-Größe einzusetzen, 

als die Lage kritisch wird. 

„Sein oder Nichtsein“ ist nicht so 

poetisch und melodramatisch wie 

„Der große Diktator“ von Chaplin, 

mit dem er immer wieder verglichen 

wird, allein schon wegen 

Thema und Entstehungszeit. „Sein 

oder Nichtsein“ ist schnell, spritzig, 

bösartig sarkastisch und manchmal 

24 25

Filmreihe Theaterträume (1) Sein oder Nichtsein Neustadt Do 24.10.13 | Donau Mo 28.10.13 | Villingen Mi 30.10.13 

auch grobschlächtig albern. Aber 

das macht den Film umso wirkungsvoller. 

Den er besitzt auch 

eine ordentlich Portion jenes jiddischen 

Humors, der selbst der drohenden 

Katastrophe noch einen 

doppelbödigen Witz abringt. 

Und dass der Film mit seinem Witz 

die Mentalität der deutschen Nazis 

so präzise und punktgenau trifft, 

liegt sicher daran dass nicht nur 

Ernst Lubitsch in Berlin aufgewachsen 

war, sondern auch ein großer 

Teil seines Teams aus deutschen 

oder deutsch-sprachigen Emigranten 

bestand. Melchior Lengyel, 

Autor der Vorlage wuchs im damaligen 

Östereich-Ungarn auf und 

arbeitete in den 20er Jahren als 

Auslandskorrespondent in der 

Schweiz und England bevor er 

1935 Lubitsch in die USA folgte. 

Rudolph Maté gilt als einer der 

wichtigsten Kameraleute des vergangen 

Jahrhunderts. Geboren in 

Krakau, studierte er in Budapest 

und fotografierte Filme wie Dreyers 

„Passion der Jeanne d'Arc“ oder 

Fritz Langs „Lilliom“, bevor in den 

30er Jahren in die USA emigrierte. 

Dort arbeitete er zuletzt mit Orson 

Welles. Vincent Korda, der das 

Design von „Sein oder Nichtsein“ 

gestaltete, war ein Bruder des legendären 

Produzenten Alexander 

Korda („Der dritte Mann“) und 

verantwortlich für die Sets von Filmen 

wie Der Dieb von Bagdad 

oder Der längste Tag. Dies um nur 

einige der weiteren illusteren Mitwirkenden 

an diesem Film zu nennen. 

Seine deutsche Erstaufführung 

erlebte Sein oder Nichtsein erst 

1960, fünfzehn Jahre nach Kriegsende. 

Lubitschs Ohrfeige schmerzte 

offensichtlich immer noch. Sein 

„Heil Hamlet“ hatte es in sich und 

solche Kalauer konnte mancher im 

Nachkriegs-Deutschland immer 

noch schlecht aushalten ohne die 

bittere Wahrheit dahinter zu ertragen. 

The Lubitsch-Touch 

Ernst Lubitsch begann seine Karriere 

als Schauspieler am „Deutschen 

Theater“ in Berlin als Schüler von 

Max Reinhard. Schon bald trat er 

auch in Filmen auf (nachgewiesen 

zum ersten Mal 1912) und übernahm 

auch schon bald (1914) die 

Regie von Slapstick-Komödien für 

die deutsche Bioskop-Film AG. 

Doch sein wahrer Aufstieg begann 

mit seiner Emigration nach Hollywood 

im Jahre 1922. Spätestens 

mit dem Tonfilm war Lubitsch als 

Hollywoods bester Komödien- 

Regisseur bekannt, der „Lubitsch- 

Touch“, sein Talent für leichte und 

doch tiefgründige Komödien wurde 

zum geflügelten Wort und sogar in 

zeitgenössischen Schlagern besungen. 

1936 erreichte er die Position als 

Produktionschef der Paramount, 

nur um kurze Zeit später zum Konkurrenten 

MGM zu wechseln, da er 

dort die Möglichkeit hatte, mit 

Greta Garbo zu arbeiten. 

1947 starb er in Hollywood im 

Alter von nur 55 Jahren an den Folgen 

zweier Herzinfarkte. Im Büro 

von Billy Wilder hing angeblich 

jahrelang ein Schild mit den Worten 

„How would Lubitsch have done 

it?“. Lubitschs The shop around 

the corner (Rendevouz nach Ladenschluss, 

1940), neben Sein oder 

Nichtsein, sein vielleicht bester 

Film wurde 1998 als Remake mit 

Tom Hanks und Meg Ryan unter 

dem Titel e-m@il für Dich nochmals 

ein großer Kassenerfolg. 

Der „Lubitsch-Touch“ wirkte noch 

immer. < 

Richard Hehn 

Beginn: 20:15 Uhr, Kurzspielfilm in VL und Donaueschingen 

Bernie's Magic Moment 

– Five Easy Pizzas – Kurzspielfilm 

Australien 1994 | 6:00 Min., OF m. dt. UT | ohne Altersbeschränkung 

Regie Mark Hanlin | Kamera Manoy Walker | Musik Philip Judd | VDarsteller 

Chris Hamwood, Rhys Muldoon | Verleih Kurzfilmagentur Hamburg 

Jeder Mensch möchte wenigstens einmal in seinem Leben ein Held sein. 

Bernie, ein eifriger Football Fan, ist auf dem besten Wege einer zu werden, 

als er bemerkt, dass er ein Footballspiel beeinflussen kann, während er sein 

Hemd bügelt. < 

Le grand soir 

– Der Tag wird kommen 

Frankreich, Belgien; 2012 

Regie und Buch 

Gustave de Kervern & 

Benoît Delépine 

Darsteller 

Benoît Poelvoorde, Albert Dupontel 

Produktion 

Jean-Pierre Guérin 

Filmlänge 

92 Minuten, Farbe, Format 1 : 2,35 

FSK 

ab 12 

Festivals un Preise 

Cannes 2012 

Großer Preis der Jury 

(Un certain Regard) 

Nachdem sie vor 3 Jahren Gerard 

Depardieu in „Mammuth“ auf eine 

Reise quer durch Frankreich schickten, 

kommt das französische Regie- 

Duo Gustave de Kervern & Benoît 

Delépine jetzt mit einem Road- 

Movie der anderen Art zurück, 

auch wenn sie ihr Thema ein weiteres 

Mal unter den Außenseitern 

am Rande der französischen Gesellschaft 

finden. Das Terrain durch 

welches die Reise diesmal geht, ist 

das weitläufige Areal eines französchen 

Gewerbegebietes. Hier sind 

die Distanzen riesig – vor allem 

wenn man zu Fuß unterwegs ist, so 

wie der alternde Punk NOT. Eine 

26 27

Le Grand Soir – Der Tag wird kommen 

urbanistische Vor-Hölle, in der die 

die Parkplätze mehr Platz einzunehmen 

scheinen als manche Kleinstadt. 

Eine Stadt die ganz offensichtlich 

weniger für Menschen 

gemacht ist (die hier ja auch nicht 

leben sollen, sondern nur einkaufen 

oder arbeiten) als für Autofahrer. 

Nicht mal Trottoirs gibt es hier 

neben den Straßen. Wozu auch, 

hier geht niemand zu Fuß. Und in 

der Tat scheint NOT wirklich der 

einzige lebende Mensch hier zu 

sein, der aus einer anderen Zeit und 

Welt in dieses Universum gefallen ist. 

Benoît Poelvoorde als alternder 

Punk ist grandios. Der Tag bricht 

an und NOT erwacht in irgendeinem 

Straßengraben. Mit einem 

Rest Dosenbier, der vom Vorabend 

übrig geblieben ist, festigt er den 

Iro, pfeift nach seinem Hund und 

macht sich an sein Tagwerk. „Le 

Grand Soir“ bedient sämtliche Klischees 

über Punks und Gewerbegebiete, 

aber gerade das macht den 

Film zu einem der lustigsten diesen 

Sommers. Wenn NOT der klassischen 

Punk-Beschäftigung des 

„Hassse-Mal-Ne-Mark-Schnorrens“ 

nachgeht, sind alleine schon 

seine Variationen dieses Klassikers 

eine kabarettreife Lachnummer. So 

mäandert NOT durch dieses Universum 

in dem er, der Außenseiter 

bei seinen Begegnungen immer 

mehr als der eigentlich Normale 

erscheint. Letztes Fossil einer anderen 

Zeit, als eine Stadt auch noch 

wie eine Stadt aussah, in der Menschen 

lebten, die sich noch etwas zu 

sagen hatten. Die ausgedünnte 

Landschaft des Gewerbegebietes, in 

dem auch die Architektur dem 

Auge keinen Halt mehr bietet, darf 

Probleme kann man nie mit derselben Denkweise lösen, 

durch die sie entstanden sind. (A.Einstein) 

Rechtsanwälte 

Schmidt & Kollegen 


Christine Hattler 

Königstraße 9 

D-78628 Rottweil 

info@ra-rottweil.de 

www.ra-rottweil.de 

Telefon 0741 - 4 40 18 

Fax 0741 - 4 31 63 

Öffnungszeiten: Montag bis Freitag 8 -12 und 14 -17 Uhr 

Weitere Termine nach Vereinbarung 

Le Grand Soir – Der Tag wird kommen 

hier durchaus auch als Metapher 

auf eine Gesellschaft gelten, die 

ebenfalls jeden Zusammenhalt ihrer 

Individuen verloren hat. 

NOT besucht seinen Bruder Jean- 

Pierre an seinem Arbeitsplatz, 

einem Bettengeschäft, und auch 

dieser Ort erscheint uns auf eine 

seltsam beklemmende Art bekannt: 

eine ebenerdige Verkaufsfläche von 

der gefühlten Größe mehrerer Fußballfelder 

– menschenleer. Nichts 

als Betten....bis zum Horizont. 

Jean-Pierre, der bürgerliche Familienvater 

verliert seinen Job, weil es 

ihm nicht gelingen will, genügend 

Betten zu verkaufen und ist dem 

Selbstmord nahe. Als er sich in 

einem Supermarkt mit Benzin übergießt 

und anzünden will, scheint 

niemand davon Notiz zu nehmen. 

Nur NOT bemerkt ihn und rettet 

ihn. Er führt ihn in die Grundlagen 

des Daseins als Punk ein, indem er 

ihm erstmal einen ordentlichen 

Haarschnitt verpasst (Iro) und ihn 

mit dem Grundnahrungsmittel 

Dosenbier wiederbelebt. Gemeinsam 

werden sie nun zum Duo NOT 

& DEAD und ziehen aus, den 

Traum von einem Punkkonzert im 

Einkaufszentrum in die Tat umzusetzen. 

< 

Richard Hehn 

28 29

Donaueschingen Mittwoch 06.11. 2013 | nur im guckloch CINEMA 

Herr Felde und der Wert der Dinge | Donaueschingen im CINEMA 

In Kooperation mit der 

Kolpingfamilie Donaueschingen 

Zusätzlich der Film: 200 Jahre 

Adolf Kolping, Dauer 12:22 min. 



Konzept, Schnitt, Regie 


Produzent 

Karger Film Kultur und Video 

Bild 


Originalton, Assistenz 

Jürgen Haller 

Musik 

Tilman Sillescu, Reinhold Pöhnl 

Mitwirkende 

Wilhelm Felde, Carina Limberger, 

Uschi Turgut, Ali Gümüscay, 

Wilhelm Pendzialek u.a. 

Verleih 

Karger Film Kultur und Video 

Dauer 

55 Minuten 

High Definition Video, 

1:1,77, Dolby Digital 

gefördert durch die Medienund 

Filmgesellschaft (MFG) 

Baden-Württemberg 

Herr Felde 

und der Wert 

der Dinge 

Er hätte gern Elektrotechnik studiert 

und zweifellos das Zeug dazu 

gehabt. Aber seine Lebensdaten 

passten nicht in die politischen 

Verhältnisse, in die er 1964 hineingeboren 

wurde. Wilhelm Felde 

stammt aus Kirgisien, hat deutsche 

Vorfahren und arbeitet seit seiner 

Auswanderung nach Deutschland 

als selbständiger Schuhmacher in 

Villlingen-Schwenningen. 

Der Dokumentarfilm Herr Felde 

und der Wert der Dinge handelt 

vom Arbeitsalltag eines Aussiedlers, 

der sich mit seinem Schicksal 

arrangiert und einen passenden 

Platz im Leben gefunden hat. Das 

klingt weder spektakulär noch 

spannend, ist es aber. Denn Herr 

Felde ist nicht nur ein begnadeter 

Handwerker, sondern erscheint 

auch als wundersamer Lehrmeister 

für Demut, Dankbarkeit und 

Zufriedenheit. Er hat Achtung 

vor den Dingen und vor den Menschen, 

denen sie gehören – das ist 

sein Geheimnis. 

Der Film konzentriert sich ganz 

auf die kleine Werkstatt des Herrn 

Felde. Die Augen wandern über 

eine endlos scheinende Reihe an 

Schuhen, im Hintergrund hängen 

unzählige Schlüssel, denn zum Reparatur- 

gehört auch ein Schlüsseldienst. 

Die Bilder entfalten in ihrer 

Schlichtheit eine eigentümliche 

Poesie. Abgewetzte Männerschuhe, 

zierliche Damenstiefeletten, 

niedliche Kinderschuhe, derbe 

Sandalen, modische Pumps stehen 

friedlich nebeneinander und 

harren der Reparatur. Sage mir, 

welche Schuhe du trägst, und ich 

sage dir, welcher Mensch du bist: 

Endlich gleitet die Kamera zu dem 

Mann, der es weiß und die Schuhe 

auch ohne Nummern den Trägern 

zuordnen kann, wie er später mit 

seinem ansteckend herzlichen Lächeln 

versichert. 

Klaus-Peter Karger verzichtet 

weitgehend auf erklärenden Off- 

Kommentar, sondern konzentriert 

sich auf die Rolle des Beobachters 

mit Blick für’s Detail und einem 

Gefühl für verblüffende Perspektiven 

und Ausschnitte. Die säuberliche 

Symmetrie der Garnrollen auf 

der nostalgischen Nähmaschine 

ist so faszinierend wie das fleißige 

Surren der Nadel oder die vermeintliche 

Anarchie der Schuhe 

im Regal. 

Mancher Blick macht schmunzeln, 

etwa auf die bestrumpften 

Beine eines Kunden, der auf die 

Genesung seiner Schuhe wartet. 

Ein älterer Türke hat diverse anspruchsvolle 

Anliegen. Schuhe 

müssen geweitet und mit neuem 

Futter versehen werden, die Mütze 

ist schadhaft und braucht eine 

neue Naht. Während Herr Felde 

arbeitet, plaudert und scherzt er 

mit der Kundschaft. Er erkundigt 

sich nach dem Befinden, richtet 

Grüße an die Ehefrau aus, tröstet 

und berät. Sprachlich passt 

er sich dem Gegenüber an und 

springt mühelos vom artikellosen 

Ausländer-Deutsch in korrektes 

Hochdeutsch oder in Mundart. 

„Quanta costa?“ erkundigt sich 

ein Kunde nach dem Preis für neue 

Löcher im Gürtel. „Nix“, antwortet 

Herr Felde vergnügt. „Der 

Herr mög’s vergelten...“ „Danke 

sehr, das ist mehr wert als alles 

Geld.“ 

Der emsige Titelheld arbeitet stets 

parallel an mehreren Aufträgen. 

Während die geklebten Sohlen 

trocknen, holt er mit der Glühzange 

Schrauben-Nägel aus einem 

Absatz, fräst einen Schlüssel, 

färbt ein Stück Leder, fädelt flugs 

Garn ein. Mit wenigen Stichen ist 

die Handtasche einer Dame wieder 

heil, „macht eins fünfzig“, 

30 31

Herr Felde und der Wert der Dinge | Donaueschingen im CINEMA 

dankbar zählt sie das Geld in die 

schwielige Hand des Handwerkers. 

Es macht Spaß, ihm bei der 

Arbeit zuzuschauen, er erledigt alles 

schnell und geschmeidig, fischt 

zielsicher aus dem malerischen 

Durcheinander von Schuhen, Material 

und Werkzeug das Gesuchte 

heraus, verliert nie den Überblick. 

Nach der Ausreise vor gut 20 Jahren 

wurde er in Deutschland mit 

dem Gegenteil konfrontiert. Er 

lernte Überfluss und Geringschätzung 

kennen – und die Bedürftigkeit 

von Menschen, denen Dinge 

auch jenseits ihres materiellen 

Wertes lieb und teuer sind. Der 

Film beschreibt eine Insel inmitten 

unserer Wegwerfgesellschaft und 

verbeugt sich vor einem Mann, 

der seine Größe im Kleinen entfaltet. 

Und der sein Glück auf dem 

aufbaut, was ist und nicht auf 

dem, was sein könnte. 

„Traurig sein, bringt nichts“, sagt 

Herr Felde. „Ich habe alles, was 

ich brauche. Ich muss keine Sterne 

vom Himmel holen.“ < 

Christina Nack 

www.herr-felde-film.de 

www.kargerkultur.de 

COACHING + TEAMENTWICKLUNG 

FAMILIENTHERAPIE 

KATHRIN SCHEUBLE-RUDOLPH 

Villingen l Telefon 0 77 21 / 2 30 40 l www.scheuble-rudolph.de 

VS-Villingen Mittwoch 06.11.2013 | nur in guckloch VS-Villingen 

Just the Wind – Csak a szél 


Ungarn, 2012 

Buch und Regie 

Benedek (Bence) Fliegauf 

Kamera 

Zoltán Lovasi 

Darsteller 

Katalin Toldi, Gyöngyi Lendvai, 

Lajos Sárkány 

Laufzeit 

86 Minuten, Farbe, 

Format 1 : 1,85 

FSK 

ab 12 

Festivals und Preise 

Berlinale 2012 

Silberner Bär, Friedensfilmpreis, 

Amnesty International Filmpreis 

Academy Awards (Oscars) 2013 

Nominierung als bester 

fremdsprachiger Film 

2008 und 2009 kam es in Ungarn 

zu einer Anschlagserie auf Roma: 

16 Häuser wurden mit Molotowcocktails 

angegriffen, 63 Schüsse 

wurden abgefeuert, 55 Menschen 

wurden attackiert, 5 Personen wurden 

verletzt und 6 Personen starben. 

Vor diesem Hintergrund entfaltet 

sich Bence Fliegaufs Drama „Just 

the Wind“. Der Film beobachtet 

einen Tag lang das Leben einer 

Roma-Familie. Vor Tagesanbruch 

beginnt der Film in fast vollständiger 

Dunkelheit. Erst langsam 

werden die Gestalten sichtbar, die 

hier ihren Tag beginnen: Die Mutter, 

Marie, ihre beiden Kinder Anna 

und Rio sowie der Großvater. Der 

Vater, so erfahren wir später, lebt 

bereits in Kanada. Sobald er genug 

Geld zusammen hat, will er die 

Familie zu sich holen – weg aus der 

Gefahr. Denn die Gefahr ist hier 

allgegenwärtig: einige Tage zuvor 

wurde in einem der Nachbarhäuser 

eine Familie ermordet. 

Aber nicht nur die Gefahr und die 

Angst sind allgegenwärtig, ebenso 

allgegenwärtig sind die zahlreichen 

32 33

Just the Wind 

Just the Wind 

kleinen und großen Rassismen und 

Diskriminierungen, die allen Mitgliedern 

der Familie immer wieder 

begegnen. Der Bus, der erst vorbeifährt 

und dann 10 Meter weiter 

anhält. Der Hausmeister, der Maria 

die in einem von zwei Jobs als Putzfrau 

arbeitet, mit den Worten „Es 

riecht nach Aas“ begrüßt und einen 

Ventilator neben sie stellt. Die beiden 

Polizisten die sich gelangweilt 

am Tatort umsehen und sich dabei 

darüber unterhalten, dass es noch 

andere Familien gibt, die man besser 

umgebracht hätte, während der 

10jahrige Rio sie belauscht. All dies 

scheinen die Familienmitglieder 

gewohnt stoisch zu ertragen. Das 

sie ein Leben im Ausnahmezustand 

leben, erkennen wir nur an kleinen 

Details, die der Film ebenso stoisch 

beobachtet: Anna, die beobachtet 

wie eine Schülerin in der Turnhalle 

vergewaltigt wird und schweigt. 

Rio, der statt zur Schule zu gehen, 

im Wald eine bunkerartige Notunterkunft 

für seine Familie baut. 

Anna, die die kleine Tochter einer 

Nachbarsfamilie aus dem verwahrlosten 

Haus ihrer betrunkenen 

Mutter holt und mit ihr am See 

baden geht: „Just the wind“ spart 

auch die Probleme in der Roma- 

Gesellschaft nicht aus. 

Doch was „Just the Wind“ so einzigartig 

macht, ist die Kraft seiner 

Bilder. Die Kamera von Zoltán 

Lovasi bleibt immer ganz dicht an 

den Figuren, nie gibt es Totalen 

oder Einstellungen, die dem 

Zuschauer einen Überblick verschaffen 

könnten. So bleibt die 

Angst, die den Protagonisten bei 

jedem Schritt buchstäblich im 

Nacken sitzt, permanent spürbar. 

Die Tonmischung von Tamás Beke 

lässt jedes Geräusch, jeden Schritt 

und jedes Knacken eines Astes 

überdeutlich werden. Ist es wirklich 

nur der Wind den man da hört, wie 

Maria ihren Kindern versichert als 

die Familie am Ende des Tages wieder 

im Dunkel einschläft. All dies 

macht den Film in seiner Intensität 

beklemmend bis an die Grenze des 

Erträglichen. 

Der 1974 geborene Benedek 

(Bence) Fliegauf sorgte schon 2003 

mit seinem Spielfilmdebut „Rengeteg“ 

(Wildniss) für Aufsehen auf 

der Berlinale. Bereits hier würde 

deutlich dass ein junger Regisseur 

auf dem Weg war eine völlig neue 

Bildsprache zu entwickeln. Damals 

noch gleichermaßen verstörend und 

faszinierend. Der Wolfgang- 

Staudte-Preis war nur der erste von 

vielen Preisen, die Fliegauf seither 

auf internationalen Festivals mit 

fast jedem seiner Filme einsammelte. 

Mittlerweile gilt er in Ablösung 

des alternden Bela Tarr als das neue 

Aushängeschild des ungarischen 

Autorenfilms. 

Nach dem etwas missglückten englischsprachigen 

Öko-science-fiction 

„Womb“ ist Fliegauf jetzt mit „Just 

the wind“ sein bislang bester Film 

gelungen. Sein inzwischen perfektionierter 

Stil und das Thema des 

Films bilden hier eine perfekte Synthese. 

Im August diesen Jahres wurden in 

Budapest endlich 4 Rechtsradikale 

für die Mordserie 2008/09 zu 

lebenslangen Haftstrafen verurteilt, 

doch die täglichen Schikanen gegen 

die Roma in Ungarn gehen weiter. 

Fast zeitgleich mit dem Urteil in 

Budapest lies der Bürgermeister 

einer ungarischen Kleinstadt das 

Wasser in einer Roma-Siedlung 

abstellen, um „Wasserverschwendung 

und Wasserdiebstahl“ vorzubeugen1. 

„Faschismus bedeutet 

also nicht, dass der Staat Lager 

errichtet, es bedeutet, dass er den 

Roma das Recht nimmt, Rechte zu 

haben und sie dem Mob überlässt“2. 

Zur Premiere von „Just the Wind“ 

auf der Berlinale 2012 ließ die 

ungarische Botschaft mehrseitige 

Flugblätter mit Warnhinweisen verteilen, 

bei dem Film handele es sich 

um reine Fiktion. Es ist einfach, die 

Schuld für dieses Klima auf die in 

Ungarn regierende rechte Jobik- 

Partei zu schieben, die unter Ministerpräsident 

Victor Orban einen 

Kahlschlag ohnegleichen in der 

ungarischen Kulturszene anrichtete. 

Auch Benedek Fliegauf konstatierte 

in einem Interview: „Es gibt keinen 

politischen Film in Ungarn mehr, 

kein sozial engagiertes Kino.“3 

Gewiss es ist einiges faul im Staate 

Ungarn. 

Manchmal jedoch scheint es, als 

wäre Ungarn sehr nahe: In Duisburg 

verteidigte ein Stadtdirektor 

Ausschreitungen vor einem von 

Roma bewohnten Wohnblock4.< 

Richard Hehn 

Quellen: 

1 „Rechte bekommen lebenslänglich“ 

- taz vom 6.8.2013 

2 „Und am Abend bist du tot“ - Die Zeit 

vom 18.7.2013 

3 „Warten auf die Barbaren“ - Tagesspiegel 

vom 18.7.2013 

4 „Wir sind völlig überfordert“ - taz 

vom 29.08.2013 

34 

35


De Rouille et d'Os – Der Geschmack von Rost und Knochen 


C4 – Kurzspielfilm 

Deutschland 2001 | Dauer 4 Min. OF m. dt. UT 

Regie Claus Drexel | Kamera Axel Cosnefroy | Musik Arnaud de Buchy | 

Darsteller Philippe Herisson, Géraldine de Buchy, Odéon | Verleih Kurzfilmverlein 

Hamburg 

An einem romantischen Strand versucht ein junger Mann, den richtigen 

Zeitpunkt für die Liebeserklärung an eine Freundin zu erwischen. Sie ist 

jedoch völlig in ihr Buch vertieft. < 

Drama 

Frankreich, 

Belgien 2012 

Drehbuch 

Thomas Bidegain 

und Jacques Audiard 

Nach dem Buch „Rust and Bone“ 

von Craig Davidson 

Regie 

Jacques Audiard 

Darsteller 

Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, 

Corinne Masiero, Armand Verdure, 

Céline Sallette, Bouli Lanners 

Schnitt 

Juliette Welfling 

Originalmusik 

Alexandre Desplat 

Produktion 

Jacques Audiard, Martine Cassinelli, 

Pascal Caucheteux 

Filmlänge 

122 Minuten 

Preise 

César: Bestes adaptiertes Drehbuch, 

bester Nachwuchsdarsteller (Matthias 

Schoenaerts), beste Filmmusik 

und bester Schnitt 

OV mit deutschen Untertiteln 

In Zusammenarbeit mit der VHS 

FSK 12 

De Rouille 

et d'Os 

– Der Geschmack 

von Rost und Knochen 

Alles beginnt im Norden von Frankreich. 

Plötzlich findet sich Ali 

(Matthias Schoenaerts) mit einem 

fünf Jahre alten Kind in seiner 

Obhut wieder. Sam ist sein Sohn, 

doch er kennt ihn kaum. Mittellos 

und ohne Freunde sucht Ali 

Zuflucht bei seiner Schwester Anna 

(Corinne Masiero) an der Côte 

d’Azur. Sie bringt die beiden in 

ihrer Garage unter und nimmt das 

Kind unter ihre Fittiche, während 

Ali für eine Sicherheitsfirma arbeitet. 

Bei einer Schlägerei in einem 

Nachtclub trifft Ali das erste Mal 

auf Stéphanie (Marion Cotillard), 

die im Marineland Schwertwale 

trainiert. 

Als eine ihrer Shows in einer Tragödie 

endet, bringt sie ein nächtlicher 

Anruf erneut zusammen. Als Ali sie 

wieder sieht, hat die vorher selbstbewusste 

Frau alle Illusionen verloren. 

Ali beginnt ihr einfach zu helfen, 

ohne Mitgefühl oder Mitleid. 

Und beide finden dadurch zurück 

ins Leben ... 

Gleichzeitig kraftvoll und sensibel 

erzählt „Der Geschmack von Rost 

und Knochen“, der 2012 in Cannes 

begeisterte Kritiken erhielt, von den 

Extremen der menschlichen Existenz. 

Bereits mit seinem vielbeachteten 

Film „Ein Prophet“ (2009) 

profilierte sich Regisseur Jacques 

Audiard als Spezialist für eine 

besondere Art von Antihelden. In 

großartigen Bildern schildert sein 

neuer Film eine Liebesgeschichte 

voller Licht und Schatten, Rückschlägen 

und Chancen. Zwei vom 

Leben schwer verletzte Menschen 

bilden eine Schicksalsgemeinschaft 

und bewegen sich langsam aus ihrer 

Isolation: In den präzisen Charakterporträts 

glänzen Oscar-Preisträgerin 

Marion Cotillard („La Vie En 

Rose“, „The Dark Knight Rises“) 

und Matthias Schoenaerts („Bullhead“). 

Ihr nüchternes und doch 

emotional überzeugendes Spiel 

macht den Film zu einer außergewöhnlichen 

Studie über Vertrauen 

und Notwendigkeit, Verbindungen 

aufzunehmen – zueinander, aber 

vor allem auch zu sich selbst. < 

Zusammengestellt von Dörthe 

Rothenhäusler 

Quellen 

Offizielle Webseite, Wikipedia 

36 37


Filmreihe Theaterträume (2): Ihr werdet euch noch wundern 

38 

Vous n'avez encore rien vu 

– Ihr werdet euch voch wundern 

Frankreich, 2012 

Regie 

Alain Resnais 

Buch 

Alain Resnais & Laurent Herbiet 

nach Bühnenstücken 

von Jean Anouilh 

Kamera 

Eric Gautier 

Schnitt: Hervé de Luze 

Musik 

Mark Snow 

Darsteller 

Mathieu Amalric, Pierre Arditi, 

Sabine Azéma, Anne Consigny, 

Michel Piccoli 

Produktion 

Jean-Louis Livi (F Comme Film) 

Filmlänge 

115 Minuten, Farbe, Format 1 : 2,35 

FSK 

ohne Altersbbeschränkung 

Allein schon die Exposition: Da sitzen 

13 hochkarätige französische 

Schauspieler und Schauspielerinnen 

in einem Privat-Kino und spielen – 

sich selbst. Ein (fiktiver) verstorbener 

Theaterautor und Regisseur 

hat sie posthum in sein Landhaus 

eingeladen, wo sie auf die Testamentseröffnung 

warten. Doch 

zuvor wendet sich der Verstorbene 

mit einer Videobotschaft an seine 

Gäste: Die versammelten Mimen 

sollen sich ein Video von den Proben 

einer jungen Theatertruppe 

ansehen, die gerade das Erfolgsstück 

des verstorbenen Autors einstudiert. 

Anschließend sollen sie, 

die schon alle in unterschiedlichen 

Inszenierungen mit diesem Stück 

auf der Bühne standen, entscheiden, 

ob die junge Truppe das Recht 

zur öffentlichen Aufführung des 

Textes erhält. 

Das Stück ist echt - „Euridice“ von 

Jean Anouilh, eines der meistgespielten 

französischen Stücke des 

20. Jahrhunderts. Sein Autor im 

Film ist fiktiv: Antoine d'Anthac, 

hier dargestellt von Denis Podalydès, 

einem Theaterschauspieler. Das 

Probenvideo ist echt: Alain Resnais 

verwendete Aufnahmen einer aktuellen 

Inszenierung der „Euridice“. 

Die Schauspieler sind ebenfalls 

echt, sie alle treten mit ihren tatsächlichen 

Namen im Film auf und 

sie alle arbeiteten bereits früher mit 

dem Regisseur (also Resnais) 

zusammen. Die meisten von ihnen 

standen auch schon in Stücken von 

jean Anouilh auf der Bühne, manche 

sogar in „Euridice“. So finden 

sich in der (fiktiven) Exposition 

zwei Euridices und zwei Orphées 

im Publikum. Ganz schön verschachtelt 

also: Ein (Spiel-)Film in 

dem Schauspieler ohne Rollen das 

Video einer echten Theaterprobe 

ansehen. Was wie die Versuchsanordnung 

für ein filmtheoretisches 

Experiment wirkt, enpuppt sich 

jedoch bald als ein äußerst unterhaltsames 

Capricio über die Möglichkeiten 

des Theaters und des 

Kinos sowie ihre gegenseitige 

Beeinflussung. Man könnte auch 

sagen: Die Fortsetzung des Kinos 

mit den Mitteln der Performance 

Art. 

Bereits im ersten Akt beginnen die 

Schauspieler damit, in das Video 

einzugreifen, sie kommentieren und 

beginnen einzelne Textpassagen 

mitzusprechen. Bis zum dritten Akt 

werden sie das Stück vollständig 

übernommen haben. Doch während 

ihr Spiel immer bühnenhaft 

bleibt, wird der Bühnenraum des 

Landhauses immer filmischer. Alain 

Resnais setzt älteste und modernste 

Filmtricks ein um mit dem Raum 

ein ähnliches Verwirrspiel zu treiben 

wie mit den Charakteren, ihren 

Darstellern und dem Text. 

Einer der wesentlichen Unterschiede 

zwischen der literarischen 

und der filmischen Erzählung 

besteht darin, dass die filmische 

Erzählung keinen Autor kennt. In 

der literarischen Erzählung ist der 

Autor präsent, er kann seine 

Geschichte beispielsweise in der 

ersten oder in der dritten Person 

erzählen. Doch selbst wenn er die 

vermeintlich objektive Form der 

dritten Person wählt, bleibt er dem 

Leser immer bewusst. Er kann 

Handlungselemente negieren oder 

sogar lügen. Das technische Auge 

der Filmkamera vermittelt den Eindruck 

einer objektiven Wiedergabe, 

in der es keinen Erzähler mehr gibt. 

Im Kino sehen wir den Dingen zu, 

wie sie passieren. Dies verbindet 

das Kino mit der Performance Art, 

denn hier sehen wir den Geschehnissen 

ebenfalls zu, wie sie passieren. 

Im Theater hingegen erleben 

wir Schauspieler, die uns etwas vorspielen. 

Auf ähnliche Weise wie uns 

der literarische Erzähler seine 

Geschichte präsentiert. 

Kann man diese Regeln außer Kraft 

setzen? Natürlich kann man es und 

man sollte es sogar, denn in der 

Kunst ist alles erlaubt. Die Kunst 

besteht darin, auf diese Weise auch 

ein Werk zu schaffen, das 'funktioniert'. 

Anderenfalls bliebe es Experimentalfilm, 

Experimentaltheater, 

etc., welches durch die Negation 

der für das jeweilige Genre geltenden 

Regeln nur offenlegt, wie 

39

Ihr werdet euch noch wundern Filmreinhe (2) Theaterträume 

Neustadt Do 21.11.13 | Donau Mo 25.11.13 | Villingen Mi 27.11.13 

und warum diese funktionieren. 

„Ihr werdet euch noch wundern“ 

ist aber kein Experimentalfilm, sondern 

ein äußerst unterhaltsames 

und abwechslungsreiches Spiel mit 

den Möglichkeiten, eine Geschichte 

zu erzählen. 

„You ain't heard nothing yet“ ist 

einer der legendären Sätze der Filmgeschichte. 

Al Jolson sprach ihn 

1927 in „The Jazz Singer“ aus, dem 

ersten Tonfilm überhaupt. Und 

auch wenn mit diesem Satz nicht 

gemeint war, dass man in den bisherigen 

Filmen eben tatsächlich 

nichts gehört hatte (er bezog sich 

allein auf die Handlung des Films), 

wurde er zum Schlüsselsatz einer 

neuen Ära des Kinos. Alain Resnais 

war damals gerade 5 Jahre alt. 

Mittlerweile gehört er zu den Leitfossilien 

des internationalen Kinos. 

Jetzt, im Alter von 90 Jahren 

braucht er weder sich noch irgendjemand 

anderes etwas zu beweisen. 

Jetzt, wo das Kino gerade wieder 

drastische Veränderungen erlebt 

(anlog zu digital, 2D zu 3D), kann 

er es sich augenzwinkernd erlauben, 

mit „Vous n'avez encore rien 

vu“ (Sie haben bis jetzt noch gar 

nichts gesehen - so die Übersetzung 

des Originaltitels) einen einerseits 

wunderbar altmodischen Film, aber 

andererseits auch höchst avantgardistischen 

Film zu präsentieren. Es 

bleibt zu hoffen, dass es nicht sein 

letzter sein wird. Aber es heißt, er 

arbeite schon am nächsten. < 

Richard Hehn 

Beginn: 20:15 Uhr, Kurzspielfilm in VL und Donaueschingen 

Gefahr im Wald – Kurzspielfilm 

Deutschland 1998 | 2'45 Min. | ohne Altersbeschränkung 

Regie Robert Gernhardt, Jürgen Prediger, R. Skibowski | Kamera Claus 

Oppermann | Musik Wulf Schnaase | Darsteller Jürgen Prediger | Sprecher 

Imanuel Humm | Verleih Kurzfilmagentur Hamburg 

In einem hochdramatischen take-one setzt sich der Film mit den Unzulänglichkeiten 

des Alltags und insbesondere mit einer immer unterschätzten 

Gefahrenquelle in heimischen Wäldern auseinander. < 

Fuck for forest 

….. wünscht gute Unterhaltung! 

40 

Erlesenes rund um den Tee – 

Feine Schokoladen – Geschenke 

Wir freuen uns über Ihren Besuch 

in der Gerberstraße 50, VS-Villingen 

Telefon: 07721 206 28 27 

www.teema-vs.de 

Deutschland, Polen 2012 

Regie, Buch, Kamera 

Michal Marczak 

Filmlänge 

85 Minuten 

Verleih 

Neue Visionen 

Farbe 

FSK 

ab 16 Jahren 

empfohlen ab 18 Jahren 

Sprache 

deutsch 

Nacktheit zum Zwecke der Provokation 

funktioniert noch immer, 

dass beweisen schon allein die Auftritte 

der Organisation „Femen“. 

So umstritten sie sind, so sorgen sie 

doch dafür, dass über ein Thema 

berichtet wird. Mit genau diesem 

Mittel, allerdings noch weitergehender, 

arbeiten die Umweltschützer 

der norwegischen Organisation 

Fuck for Forest: Hier gibt es gegen 

Bezahlung pronographisches Material, 

und wer sich das ansehen 

möchte oder darüber berichten 

muß dafür bezahlen. Jegliche Skrupel 

mögen sich verbieten, das Geld 

kommt schließlich einer guten 

Sache zugute, nämlich dem 

Umweltschutz. 

41

Fuck for Forest 


Dass allerdings die Rettung der 

Welt durch Sex vielleicht nicht ganz 

so einfach ist, zeigt der Dokumentarfilm 

von Michal Marczak, der 

die immerhin schon seit 10 Jahren 

bestehende Gruppierung in ihrer 

Wahlheimat Berlin beobachtet hat. 

Man ist unwahrscheinlich unangepasst 

(das wird zumindest suggeriert) 

und ein bisschen erinnert das 

Ganze an die Kommunarden der 

60er Jahre – nur das es hier um Sex 

für Geld geht. 

Als die radikalen Umweltschützer 

nach Brasilien aufbrechen, um Indigenen 

für 30.000,00 Euro, das sie 

durch Spenden gesammelt haben, 

Land abzukaufen, müssen sie allerdings 

erkennen dass sie die Rechnung 

ohne die Betroffenen gemacht 

haben: Das Angebot wird von der 

Dorfbevölkerung abgelehnt, und 

zwar rabiat. Die Idealisten sind entsetzt, 

sie stoßen an nicht für möglich 

gehaltene Grenzen. Freilich 

mangelt es den Aktivisten nicht am 

Glauben für ihre Sache, wohl aber 

an Professionalität. 

Letztlich freilich bleibt vieles im 

Dunkeln, und die schrill inszenierte 

Freizügigkeit entpuppt sich vor 

allem als naive Traumtänzerei. Und 

es bleibt festzustellen, dass auch der 

Filmemacher und die Gruppierung 

sich nicht so ganz verstanden 

haben, dass lässt jedenfalls ein Blick 

auf die Website vermuten. Dort 

steht: „FFF ist eine Gruppe idealistischer 

Expressionisten; Michal 

Marczak ist ein Geld und Ruhm 

liebender Filmemacher.“ 

Der Film zeigt grandios das Scheitern 

einer nicht zu Ende gedachten 

Idee – ob man freilich ganz so ausführlich 

die Geldbeschaffung zeigen 

musste sei dahingestellt, so fehlt 

offensichtlich die Zeit für Reflexion… 

< 


Quellen: 

Verleihinfo 

Zeit-online vom 13.06.2013, 

Kaspar Heinrich 

Belgien/Niederlande 2012 

Regie 

Felix van Groeningen 

Buch 

Carl Joos & Felix van Groeningen 

nach dem Theaterstück „The Broken 

Circle Breakdown Featuring the 

Cover-Ups of Alabama von Johan 

Heldenbergh und Mieke Dobbels 

Verleih 

Pandora 

Darsteller 

Veerle Baetens, Johan Heldenbergh, 

Nell Cattrysse u.v.a. 

Panorama Publikumspreis Berlinale 

2012 & Preis „Label Europa Cinemas“ 

ebenda 

Filmlänge 

110 Minuten, Farbe 

FSK ab 12 Jahren 

OmU 

The Broken 

Circle 

Elise, Inhaberin eines kleinen Tattoo-Studios 

und Didier, ein auf dem 

Lande lebender Musiker, der in 

einer Bluegrass-Band spielt, verlieben 

sich heftig ineinander und werden 

ein Paar. Begeistert schließt sich 

die junge Frau der Band als Sängerin 

an. Als sie schwanger wird, baut 

Didier das Bauernhaus familiengerecht 

um, sie verleben glückliche 

Jahre – bis bei ihrer Tochter Maybelle 

mit 6 Jahren Leukämie diagnostiziert 

wird. 

Die Beziehung beginnt zu zerbrechen. 

Während Elise Maybelle tröstenden 

Jenseitsglauben vermittelt, 

hadert Didier mit dem Schicksal 

und macht alles und jeden verantwortlich. 

Als die unausweichliche 

Tragödie den Beiden widerfährt, 

steht ihre Liebe auf dem Spiel. 

Es ist keine komplizierte Geschichte, 

aber sie nimmt einen mit und 

hinterläßt bleibende Bilder. Der 

Film gewann auf der Berlinale 2012 

42 43

The Broken Circle Donaueschingen Mo 09.12.2013 | VS- Villingen Mi 11.12.2013 

Beginn: 20:15 Uhr in Donaueschingen und VS-Villingen 

Five Minutes Love Stroy – Kurzfilm 

Deutschland 2011 | Dauer 6'51 Minuten | Regie Robert Jenne | Darsteller 

Gloria Endres de Oliveira, Jakob Plutte | Verleih interfilm Berlin 

Emma sitzt in einem Café und versteckt einen flüchtigen Taschendieb vor 

der Polizei, indem sie ihn in einen fiktiven Beziehungsstreit verstrickt. Als 

eine alte Dame den jungen Mann als den Dieb ihrer Tasche identifiziert 

wird die junge, zerbrechliche Beziehung getestet. < 

in der Sektion Panorama den Publikumspreis, 

trotz des eher düsteren 

Themas. Denn: der Film fasziniert. 

Der Hauptdarsteller & Co-Autor 

Johan Heldenbergh hat die 

Bestandteile aus Liebe, Tod, Tattoos, 

Bluegrass-Musik, Irrsinn und 

Religion genial miteinander verschweißt. 

Bluegrass – Songs sind der perfekte 

Soundtrack für die Ballade von der 

Tätowiererin Elise und dem Banjospieler 

Didier, der auf einem 

maroden Bauernhof lebt. Weil die 

von den Waden bis zum Dekolleté 

mit Totenköpfen, Worten und allem 

anderen möglichen und unmöglichen 

geschmückte Elise keinen 

Bluegrass kennt, muß Didier sie erst 

einmal in diese Musikwelt einführen. 

Fast logischerweise erhält das 

Kind der beiden den Namen von 

Johnny Cashs Schwiegermutter 

Maybelle Carter, die einst ein Bluegrass-Star 

war. 

Der Film startet nicht nur mit 

Didiers Band und dem Titelsong, 

sondern sofort mit einem Wechselbad, 

denn der Klassiker „Will the 

Circle Be Unbroken“ ist eben nicht 

nur eine nette Mitklatschnummer, 

sondern eigentlich ein Beerdigungslied. 

Und so geht es auch viel um 

Tod, Glaube, Hoffnung – und wie 

man Trauer verarbeitet. 

Es geht also um einen Inhalt, den 

keiner sehen will. Aber: Es ist die 

Montage, die Aufhebung der Chronologie, 

die diesen Film zu einem 

großen, speziellen Erlebnis macht. 

Unberechenbar prallen Gegenwart/ 

Unglück und Vergangenheit / Glück 

permanent gegeneinander, und vielleicht 

mit einer Botschaft: Musik ist 

das, was uns in größter Not am 

Leben hält, sonst nichts. 

Und dann ist da noch von den beiden 

Protagonisten zu berichten. Es 

ist wirklich nicht übertrieben, wenn 

gesagt wird, dass beide, sowohl 

Johan Heldenbergh als Didier als 

auch Veerle Baetens als Elise hohe 

Schauspielkunst abliefern. Selbst 

Nell Cattrysse als Maybelle darf 

nicht vergessen werden. Eine 

Liebes- und Todestragödie von der 

besten Sorte. 

Vom Regisseur Felix van Groeningen 

haben wir im guckloch zuletzt 

dessen vorletzten Film „Die Beschissenheit 

der Dinge“ gezeigt. < 


Quellen: 

Verleihinfo 

Vision Kino 

Die Zeit vom 18.04.2013, 

Franz Dobler 

Un Amore 

– Eine Liebe fürs Leben 

Drama 

Argentinien 2011 

Drehbuch 

Paula Hernández, Leonel 

D’Agostino 

Regie 

Paula Hernández 

Darsteller 

Agustín Pardella, Alan Daicz, Denise 

Groesman, Diego peretti, Elena 

Roger, Luis Ziembrowski 

Produktion 

Veronica Cura, Alex Zito 

Verleih 

Kairos 

Filmlänge 

99 Minuten 

Farbe 

OV mit deutschen Untertiteln 

In Zusammenarbeit mit der VHS 

„Melancholie, Glück und die Sehnsucht 

nach der unbeschwerten 

Leichtigkeit vergangener Tage 

machen den Film von Paula 

Hernández so berührend. Er ist 

nicht nur eine Bestandsaufnahme 

der Protagonisten, was sie in ihrem 

Leben gut oder weniger gut 

gemacht haben, sondern thematisiert 

auch die Suche nach der großen 

Liebe des Lebens. Und am Ende 

steht die Frage, ob die Liebe auf 

den ersten Blick auch dreißig Jahre 

überdauern kann, um dann wieder 

wie eine Bombe einzuschlagen.“ 

(Kino.de) 

Argentinien Siebzigerjahre: Zu dritt 

sitzt man vorn in der Fahrerkabine 

eines Pick-ups. Am Steuer Lalo 

(Agustín Pardella), ein Schönling 

mit schwarzer Lockenmähne, 

neben ihm Bruno (Alan Daicz), sein 

weniger attraktiver bester Freund, 

und an der Beifahrertür Lisa 

(Denise Groesman), die hübsche 

Rothaarige, die erst vor kurzer Zeit 

44 45

Un Amore – Eine Liebe fürs Leben Un Amore – Eine Liebe fürs Leben 

in das idyllisch an einem Fluss gelegene 

Dorf Victoria gekommen ist 

und mit ihrer frechen und direkten 

Art das Leben der Teenager gehörig 

durcheinandergewirbelt hat. Lisa 

kann beiden, dem draufgängerischen 

Lalo wie dem schüchternen 

Bruno, etwas abgewinnen, und 

natürlich wird sie auch von beiden 

begehrt. Doch die tieferen Blicke 

werden sich von den gegenüberliegenden 

Seiten des Autos zugeworfen 

– während Bruno in der Mitte 

sitzt und nicht so recht weiß, wie er 

von dort aus in das Flirtspiel einsteigen 

kann. 

Der Großteil von „ Un Amor para 

toda la vida – Eine Liebe für’s 

Leben“ – dem dritten Langfilm 

von Paula Hernández (Im Regen 

des Südens, Lluvia 2008), wird 

schließlich nicht in diesem Dorf in 

den 1970er Jahren spielen, sondern 

in der großstädtischen Gegenwart. 

Und doch sind Szenen wie die eingangs 

geschilderte keine einfachen 

Rückblenden, die uns Hintergrundinformationen 

liefern, sie bilden 

eher eine zweite Ebene, auf die 

Hernández immer wieder wechselt, 

während sie von einem schmerzhaften 

Wiedersehen dieser drei Teenager 

dreißig Jahre später erzählt: 

Lisa (Elena Roger) lebt mittlerweile 

in Caracas, das zur Zeit der Militärdiktatur 

von ihrer politisch 

aktiven Familie gewählte Exil, bei 

einem Besuch in Buenos Aires sucht 

sie den in die Hauptstadt gezogenen 

Bruno auf, der mittlerweile verheiratet 

und Vater ist. Lalo (Luis 

Ziembrowski) wohnt dagegen noch 

immer in Victoria, ohne die lockige 

Haarpracht und mit einem Sohn 

aus einer gescheiterten Beziehung, 

für den er liebevoll sorgt. Als er 

Lisas Stimme auf seinem Anrufbeantworter 

hört, dauert es ein paar 

Tage, bis er zurückruft. 

Diese Zeit nutzt Hernández, um 

den jugendlichen Sommer nach und 

nach in die Gegenwart zu holen, ins 

Bewusstsein ihrer Figuren und 

damit auf die Leinwand. Zwar irritiert 

ihr Ansatz zunächst, im ersten 

Teil des Films vergangene und 

gegenwärtige Handlung gleichberechtigt 

gegenüberzustellen, weil 

wir uns doch an einer der beiden 

Ebenen festklammern wollen, um 

von einem sicheren Boden aus die 

Reise in eine andere Zeit zu unternehmen. 

Doch schon bald sind wir 

Hernández’ leiser und stimmiger 

Inszenierung erlegen – und lassen 

uns auch nicht von den nicht in 

allen drei Fällen stimmigen Schauspieler-Paarungen 

stören, mit denen 

die Figuren verkörpert werden. 

Dass die Zeitsprünge alles ignorieren, 

was zwischen den beiden 

gezeigten Lebensphasen stattgefunden 

hat, ist stimmig, denn auch für 

Bruno und Lalo ruft Lisas plötzliches 

Auftauchen eher abrupte 

Erinnerungen an einen ganz 

bestimmten Moment ihrer Jugend 

hervor, als gleich eine ganze Refle- 

xion über die verpassten Chancen 

der Jugend in Gang zu setzen. 

Überhaupt stellt Hernández hier 

höchstens beiläufig die großen Fragen 

oder sinniert gar über die 

Flüchtigkeit des Lebens. Ihr durchaus 

gewagtes Experiment, zwei 

weit auseinander liegende Momente 

innerhalb des Lebens ihrer drei Protagonisten 

gegenüberzustellen, 

funktioniert gerade deshalb so gut, 

weil diese in der Gegenwart nicht 

nur über das gelebte Leben nachdenken, 

sondern vor allem handeln 

müssen, mit der Situation des Wiedersehens 

umgehen, miteinander 

sprechen. Ebenso wenig wie ein 

Midlife-Drama mit ein paar Rückblenden 

ist „Un Amor“ daher die 

Geschichte eines unbeschwerten 

Sommers mit einem zwischengeschnittenen 

Was-aus-ihnen-geworden-ist-Epilog. 

Wenn der Film im 

letzten Teil den Schwerpunkt doch 

klar in der Gegenwart setzt, das 

Trinken auf die gemeinsame Vergangenheit 

zu seinem schmerzlichen 

Höhepunkt macht, in dem 

die Last der dreißig vergangenen 

Jahre doch noch spürbar wird, 

dann nicht nur, weil diese Gegenwart 

zur Lebensrückschau einlädt, 

sondern vor allem, weil sie weiter 

gelebt werden muss. 

Trotz einer vorsichtig optimistischen 

Note zum Schluss hat „Un 

Amor“ einen melancholischen 

Nachklang. Denn wenn der Film 

als „Dreiecksgeschichte“ angepriesen 

wird, dann wird man doch 

schnell gewahr, dass man hier höchstens 

der Dekonstruktion einer solchen 

beiwohnt. Indem Hernández 

die Zuneigung zwischen den 

Figuren vor allem über ihre Blicke 

vermittelt, erschwert sie jede Hoffnung 

auf ein Glück zu dritt. Denn 

Blicke als intensivste Momente der 

Liebe, das bedeutet zunächst Zweisamkeit. 

Bruno hat weder als Teenager 

noch als unglücklicher Ehemann 

einen Platz zwischen diesen 

leidend-liebenden Blicken, die sich 

Lalo und Lisa zuwerfen. 

Auch wenn Hernández also auf 

Aussagen verzichtet, weil zu jeder 

Zeit klar ist, dass wir keiner Reflexion 

über die menschliche Liebe 

beiwohnen, sondern einer ganz spezifischen 

Lebenssituation, ist „Un 

Amor“ doch auch darüber hinaus 

anregend. Es scheint, als könne das 

Kino auf der Suche nach dem Glück 

zu dritt zwar Geschichten und 

Figuren finden. Aber die Herstellung 

entsprechender Bilder wird es 

womöglich immer wieder mit der 

schmerzlichen Erkenntnis zu tun 

bekommen, dass man nicht zwei 

Menschen zur selben Zeit tief in die 

Augen sehen kann. < 

Zusammengestellt von Dörthe 

Rothenhäusler 

Quellen: central-programmkino. 

de, filmstarts.de, critic.de 

46 47


Filmreihe Theaterträume (3): Cäsar muss sterben 


Ebony Society – Kurzspielfilm 

Neuseeland 2010 | Dauer 12'10 Min. OF m. dt. UT | Regie Tammy Davis 

| Kamera Rewa Harre | Darsteller James Ru, Darcy Ray Flavell, Duane 

Wichmann-Evans, Aaliya Papata | Verleih Kurzfilmverlein Hamburg 

Während einer nächtlichen Diebestour am Weihnachtsabend lernen zwei 

Jugendliche Ihre Lektion. < 

Cäsar Muss Sterben 

– Cesare Deve Morire 

Italien 2012 

Regie 

Paolo und Vittorio Taviani 

Besetzung 

Salvatore Striano, Cosimo Rega, 

Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, 

Juan Dario Bonetti, Vincenzo Gallo 

Montage 

Roberto Perpignani 

Musik 

Giuliano Taviani, Carmelo Travia 

Produzentin 

Grazia Volpi 

Filmlänge 

76 min 

Format 

Digital, Farbe und Schwarzweiss 

Verleih 

Camino Filmverleih 

Sprache 

OmU Italienisch 

FKS ab 6 

“Die Freiheit ist eine Tochter der 

Kunst“ – was aber, wenn Kunst in 

einem Gefängnis entsteht?“ 

Theater im Hochsicherheitstrakt 

des römischen Gefängnisses Rebibbia. 

Ein Anruf einer Feundin macht 

die beiden Regisseure Paolo und 

Vittorio Taviani neugierig und sie 

besuchen das für außenstehende 

ungewöhnliche Theater. Sie erleben 

dort eine Aufführung Dantes Göttlicher 

Komödie mit 20 überwiegend 

lebenslang verurteilter Gefangener. 

Die mit Intensität und überzeugend, 

von lebensgeprüften Charakteren 

vorgetragene Stück ließ in 

den beiden Regisseuren den Gedanken 

keimen, mit einem anderen 

Werk, keinem geringeren als Shakespeares 

Julius Cäsar ein neues Projekt 

zu wagen. Schnell war man 

sich mit dem Bühnenregisseur 

Fabio Cavalli einig, es sollte ein 

Film über die Entstehung des Bühnenstücks 

mit den Gefangenen, im 

Spannungsfeld der Zellen und der 

Proben werden. Die Bedrückung in 

ihrem Lebensalltag als Verurteilte 

in Kontrast zur poetischen Kraft 

der Emotionen zu setzen, die 

Shakespeares Gefühlswelt hervorruft. 

Freundschaft und Verrat, 

Mord und die Qual der Wahl, der 

Preis von Macht und Wahrheit. Für 

die Gefangenen bedeutete dies 

auch, sich sich selbst zu stellen, sich 

dem eigenen Seelenleben auszusetzen. 

Die Verwunderung über und 

der Stolz auf das Stück nehmen den 

Häftlingen nicht immer die Verbitterung 

über ihre Gefangenschaft. 

Ihre spontan aufbrechenden Konflikte 

bringen die Aufführung in 

Gefahr. Am lang ersehnten aber 

auch gefürchteten Tag der Erstaufführung 

erscheint ein neugierig, 

breitgefächertes Publikum, Gefangene, 

Schauspieler, Studenten, 

Regisseure. Julius Cäsar wird auf 

der Gefängnissbühne mit Erfolg 

wieder zum Leben erweckt . 

Lang anhaltender Applaus sind der 

Lohn! Nach der Aufführung kehren 

die Gefangenen zurück in ihre Zellen. 

Auch „Cassius“, einer der 

Hauptdarsteller und einer der 

Talentiertesten. Er sitzt schon seit 

Jahren im Gefängnis, aber in dieser 

Nacht fühlt sich die Zelle anders 

an, kälter. Er hält inne. Dann dreht 

er sich um, blickt in die Kamera 

und sagt: „Seit ich der Kunst begegnet 

bin, ist diese Zelle für mich ein 

Gefängnis geworden!“ 

Das überwiegend in Schwarz-Weiß 

gedrehte, halbdokumentarische 

Projekt, welches sich mit seinen 

Beobachtungen über ein halbes 

Jahr hinzog, wurde für die Regisseure 

zum mit vielen Preisen ausgezeichneten 

Erfolg. Im Februar 2012 

erhielten sie den Goldenen Bären, 

der Film ging für Italien als bester 

fremdsprachiger Film ins Rennen 

um einen Oscar und er wurde für 

den 25.Europäischen Filmpreis als 

Europäischer Film 2012 und in 

zwei weiteren Kategorien nominiert. 

Paolo (geb. 1931) und Vittorio 

(geb. 1929) Taviani sind Brüder, die 

für ihre Filme schon immer gemeinsam 

das Drehbuch geschrieben und 

auch Regie geführt haben. Ihr 

Schaffen begann in den frühen 60er 

Jahren mit Spiel- als auch Dokumentarfilmen. 

Bei den Internationalen Filmfestspielen 

von Cannes gewannen die 

Brüder Taviani 1977 mit Mein 

Vater, mein Herr die Goldene Palme 

und 1982 mit Die Nacht von San 

Lorenzo den Großen Preis der Jury. 

1986 erhielten sie bei den Internationalen 

Filmfestspielen Venedig 

den Goldenen Löwen als Ehrenpreis 

für ihr Lebenswerk. < 

Antonia Papagno 

Förderer 

Ministero dei Beni Culturali 

Preise 

Berlinale 2012 (Goldener Bär) 

48 49

Villingen Weihnachtswunschfim | Donnerstag 26.12.13 20:15 Uhr Villingen Weihnachtswunschfim | Donnerstag 26.12.13 20:15 Uhr 

WeihnachtswunschFilm 

Das Motto dieses Jahr: 

(Einige) Lieblingsfilme der guckloch Mitarbeiter 

PS: Hier 'nur' erst mal nur die Auswahl der Filme. 

Alles weitere im Extra-Flyer wegen Platzmangel. 

Cemal 

Gela 

Gertrud 

Irene 

Jutta 

Kilian 

Klaus Peter 

Renate 

Richie 

Ruth 

Die Strategie der Schnecke 

Die Strategie der Schnecke ................................ ❈ 

Schiffsmeldungen .............................................. ❁ 

Lost in translation .............................................. ❆ 

Die Brücken am Fluss ........................................ ❄ 

From Dust till Dawn ........................................... ❊ 

Zugvögel - Eine Reise nach Inari ....................... ❂ 

Hellzapoppin ....................................................... ❋ 

Erdbeer und Schokolade .................................... ❉ 

12 Monkeys ......................................................... ❅ 

Living in Oblivion ................................................ ❆ 

Kolumbien 1993 | Komödie | Sergio Cabrera | 109 Minuten | FSK ab 12 

Darsteller: Fausto Cabrera, Frank Ramirez, Florina Lemaitre, Victor Mallarino 

Im Vorort der kolumbianischen Hauptstadt Bogota will ein Hausbesitzer 

alle seine Mieter auf die Staße setzen. Die Bewohner: ein alter Anarchist, 

ein Rechtsanwalt ohne Zulassung, ein Priester, ein Transvestit, ein junger 

Revolutionär und eine alte Frau mit ihrem schwerkranken Mann. 

Gemeinsam verwirklichen sie eine geniale Idee, um dem Hausbesitzer eins 

auszuwischen. Eine sympathische Vision vom Triumph des Gemeinsinns 

über den Pragmatismus der Macht. < 

Schiffsmeldungen – The Shipping News 

USA 2002 | Tragikomödie/Romanze | Lasse Hallström | 111 Min. | ab 12 

Lost in Translation 

USA / Japan 2003 | Tragikomödie/Romanze | Sofia Coppola | 97 Minuten 

Darsteller: Bill Murray, Scarlett Johansson u.a. 

Ein alternder Filmstar, der für Filmaufnahmen für Whiskey-Werbung nach 

Tokio reist, und die junge Ehefrau eines flippigen Boulevard-Fotografen, 

der für eine Auftragsarbeit nach Japan geschickt wird, treffen sich zufällig 

in der Hotelbar. Schlaflos und müde vom Jetlag, verloren und sprachlos in 

der fremden Metropole, streifen sie gemeinsam uns ziellos durch das nächtliche 

Tokio. < 

Die Brücken am Fluss 

USA 1995 | Romanze | Clint Eastwood | 135 Min. | FSK ab 12 

Darsteller: Meryl Streep, Clint Eastwood, Annie Corley u.a. 

Iowa in den 60er-Jahren. Während ihre Familie verreist ist, lernt Farmersfrau 

Francesca (Meryl Streep) den durchreisenden Fotografen Robert (Eastwood) 

kennen. Die zwei verlieben sich. Nach vier wundervollen Tagen 

bittet Robert seine Geliebte, ihm zu folgen… Mit ruhiger Hand und famosem 

Jazz-Soundtrack lenkt Eastwood seine Romanze am Kitsch vorbei. 

Fazit Reife Lovestory, ergreifend gespielt. < 

From Dust till Dawn 

USA 1996 | Action/Thriller | Robert Rodriguez | 104 Minuten | FSK ab 18 

Darsteller: George Clooney, Quentin Tarantino u.a. 

Die beiden kriminellen Brüder Seth und Richard Gecko befinden sich nach 

einem blutigen Raubüberfall auf der Flucht und werden vom FBI und der 

texanischen Polizei gesucht. Sie kommen mit Hilfe einer Geiselnahme über 

die Grenze und beschließen, bis zum Morgen in der Titty Twister Bar auf 

ihre Abholung durch den Gangerboss Carlos zu warten. 

Den Geiseln versprechen sie die Freiheit, sobald Carlos sie abgeholt hat. 

Doch zu später Stunde entpuppen sich die anderen Barbesucher als blutgierige 

Kreaturen und die Fünf müssen sich als Gruppe beweisen, um diese 

Nacht zu überleben. < 

Zugvögel – Einmal nach Inari 

Deutschland 1997 | Romantik/Komödie/Drama | Peter Lichtefeld | 84 Min. 

Darsteller: Kevin Spacey, Julianne Moore, Judi Dench, Cate Blanchett, Pete Postlethwaite 

Quoyle führt ein unauffälliges, geregeltes Leben in New York, bis er eines 

Tages auf die extrovertierte Petal trifft, in die er sich unsterblich verliebt. 

Sie entpuppt sich als schlampige Ehefrau, die ihn demütigt und betrügt. Als 

sie stirbt, verfrachtet Tante Agnis ihren Neffen ans Ende der Welt, zurück 

in die alte Heimat, in einen Ort mit einer Handvoll Einwohner, um ihn in 

seinem windschiefen Elternhaus über den Klippen Neufundlands wieder 

auf den Weg zu bringen. Ein ruhiger, sorgfältig konzipierter Film mit poetischen 

und stimmungsvollen Bildern, lakonischen Humor, eigenwilligen 

Personen, witzigen Dialogen und einem beeindruckenden Neufundland mit 

viel Wind, Salz und Meer. < 

Darsteller: Joachim Krol, Peter Lohmeyer u.a. 

Der Dortmunder Bierfahrer Hannes hat ein ungewöhnliches Hobby – er 

studiert Zugfahrpläne. Deshalb möchte der verschlossene Einsiedler auch 

um jeden Preis am 1. Internationalen Wettbewerb der Kursbuchspezialisten 

im nordfinnischen Inari teilnehmen. Als man ihm jedoch für seinen Traum- 

Trip keinen Urlaub genehmigen will, geht mit dem sonst so diensteifrigen 

Hannes der Gaul durch. Kurzerhand quittiert er seinen Job, setzt seinen 

Boss mit einem Faustschlag k.o. und sich selbst in den nächsten Zug, um 

Kurs zu nehmen auf Skandinavien. Eine absolute Perle der deutschen Kinokultur, 

ein lakonisch-melancholisches Railroad-Movie. Der Weg ist das Ziel 

– aber diese Erkenntnis muß man erst lernen… 

50 51 

weiter nächste Seite > > >

Villingen Weihnachtswunschfim | Donnerstag 26.12.13 20:15 Uhr 

Hellzapoppin 

USA 1941 | Komodie | Henry C. Potter | 84 Minuten 

Darsteller: Ole Olsen, Chic Johnson, Martha Raye, Mischa Auer u.a. 

Ein Gag jagt den anderen in dieser völlig überdrehten, anarchistischen 

Komödie um eine sabotierte Broadway-Show, mit atemberaubenden Swing- 

Tanznummern, Wasserballett, Slapstick, Indianern, Chaos im Vorführraum 

und einem Blumenhändler, der verzweifelt nach einer „Mrs. Jones“ sucht. 

Ein Kultfilm zum Ablachen. 

Erdbeer und Schokolade 

Kuba 1994 | Tomás Gutiérrez/Alea Juan/Carlos Tabío | 111 Min | FSK 12 

Darsteller: Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Mirta Ibarra u.a. 

Eine brillante Komödie, eine tragikomische Politballade, ein intelligenter 

Diskurs über revolutionären Stillstand und künstlerische Freiheit und ein 

engagiertes Plädoyer für Toleranz. 

Ein kubanischer Film welcher weit über die Landesgrenze hinaus bekannt 

wurde und zwei neue Anlaufstellen für Touristen in Havanna schuf, die 

Copelia (Eistempel) und ein Paladar (Minirestaurant) welcher früher auch 

schon schön aber nicht international bekannt war. < 

12 Monkeys 

USA 1995 | Terry Gilliam | 129 Minuten 

Darsteller: Bruce Willis, Brad Pitt, Madeleine Stowe u.v.a. 

Eine Zeitreise-Fantasie, die zu einem Möbius-Band der eigenen Erinnerung 

wird. Aus der Vorlage eines französischen Experimental-Kurzfilms der 60er 

Jahre machte der ehemalige Monty-Python-Komiker Terry Gilliam einen 

Öko-Thriller und gleichzeitig den wahrscheinlich intelligentesten Action- 

Film der 90er Jahre. < 

Living in Oblivion 

USA 1995 | Tom Dicillo | 90 Minuten 

Darsteller: Steve Buscemi, Catherine Keener, Dermont Mulroney u. a. 

Am Set einer New Yorker Low-Low-Budget Filmproduktion führt das 

Chaos Regie, denn alles, was schief gehen kann, geht an diesem Tag auch 

schief. Gedreht als Nullbudgetfilm (die Mitwirkenden mussten fürs Mitwirken 

bezahlen) wurde der Film ein großer Erfolg in den Independentkinos. 

Turbulenz in Höchstdosis: Sentimentalität und Intrige, Romantik und 

Power, Brillanz und Schmiere. Ein Film der keine Zeit verliert, liebevoll, 

clever, saukomisch. < 

Jede Eintrittskarte (am 26.12.) und jeder eingegangene Wunschzettel (bis 

06.12.) nehmen an unserer legendären Verlosung am Ende der Vorstellung 

teil. Wünsche können im Extra-Flyer (liegt im Kino aus) angekreuzt werden 

und im Kino abgegeben oder per Post oder mail eingesendet werden. 

Mitglied werden! 

Mitgliedschaft 

im Kommunalen Kino guckloch 

Vorteile für guckloch-Fördermitglieder 

- Ihr Eintrittspreis ist um 1 Euro reduziert! 

- Sie unterstützen auf diesem Weg die Kulturarbeit in Villingen-Schwenningen! 

- Sie erhalten 4x im Jahr das Programmheft per Post zugeschickt! 

- Sie bekommen die aktuellen Programm-Informationen! 

- Sie bekommen zum Geburtstag eine Freikarte fürs Kino! 

Vorname / Familienname 

weitere 

Familienmitglieder 

1 

2 

3 

4 

Straße / Hausnummer 

PLZ / Ort 

Geburtsdatum 

Telefon / Fax 

e-mail 

Datum / Unterschrift 

Hiermit beantrage ich die passive Mitgliedschaft 

für das kommunale Kino guckloch Villingen- 

Schwenningen e.V. für nur 25,- Euro im Jahr 

Als jährlichen Mitgliedsbeitrag zahle ich (mind.) 25,- Euro 

für jede zweite und weitere Mitgliedschaft für Familienangehörige 

im gleichen Haushalt plus 15,- Euro 

Ich zahle jährlich gegen Rechnung, auf das Konto des 

Kommunalen Kino guckloch. 

Bank: Volksbank eG VS-Villingen 

BLZ: 694 900 00 / Kto.Nr: 30 60 83 05 

Ich ermächtige das Kommunale Kino guckloch widerruflich 

den Betrag zu Lasten meines Kontos einzuziehen. 

Bank / BLZ 

Kto.Nr 

Datum/Unterschrift 

bitte per Post oder Fax an: 

Kommunales Kino guckloch e.V. 

Postfach 1573 

78005 VS-Villingen 

Telefon 0 77 21 - 50 97 44 

Fax 0 77 21 - 50 97 45 

Sie haben die Möglichkeit, auch ohne 

eine Mitgliedschaft, aktuelle Infos zu 

unserem Kinoprogramm über unseren 

Newsletter per e-mail zu erhalten. 

Einfach anfordern unter: 

info@guckloch-kino.de 

Fax: 0 77 21 - 50 97 45 

52 

53

Kurzfilm - Kommunales Kino guckloch

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?