Ballett Intern 2/2008 - Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik

BALLETT INTERN 

Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V. – Heft 82/31. Jg. – Nr. 2/April 2008 – ISSN 1864-1172

Studierende der Ballettschule des HAMBURG BALLETT tanzen »Yondering« 

2 Ballett Intern 2/2008

Für das Ballett geboren 

John Neumeier erhält den 

Deutschen Jubiläums-Tanzpreis 2008 

Von Manfred Krause 

Der Verein zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland musste 

den Superstar nicht erst suchen. Er hat ihn längst gefunden: John 

Neumeier, seit Jahrzehnten leuchtender Stern am internationalen 

Choreographen-Himmel. Bereits 1988 zeichnete der Deutsche 

Berufsverband für Tanzpädagogik den langjährigen Intendanten 

und Chefchoreographen des Hamburg Ballett für seine vielfältigen 

Verdienste mit dem Deutschen Tanzpreis aus. 

Die traditionsreiche Ehrung, die 1983 mit Tatjana Gsovsky 

und Gret Palucca begann und so illustre Namen wie Marcia 

Haydée, Konstanze Vernon, Hans van Manen, Maurice Béjart, 

Pina Bausch und Hans-Werner Henze vereint, fand jetzt in der 

restlos ausverkauften Ballett-Gala im Essener Aalto-Theater einen 

neuen Höhepunkt. Wieder gilt in diesem Jahr die Aufmerksamkeit 

John Neumeier, der die Jubiläums-Auszeichnung für sein Lebenswerk 

erhielt. Nicht weniger als 137 Choreographien künden 

von einem rastlosen Schaffen, das auf weltweite Bewunderung 

stößt. Fast ein halbes Jahrhundert bewegt sich John Neumeier 

auf einer ununterbrochenen Erfolgsschiene. 

Elf Choreographien des Meisters reihten sich zu einer schillernden 

Perlenschnur, die alle Facetten seiner tänzerischen Schöpferkraft 

umfasst. Gleich zu Beginn brillierte die Ballettschule des 

Hamburg Ballett, die Neumeier vor 30 Jahren ins Leben rief 

und die er seither leitet, mit »Yondering«, einem Kaleidoskop der 

Lebensfreunde. Neumeier kehrt mit diesem mehrteiligen Ballett 

zu seinen Wurzeln zurück, taucht ein in die amerikanische Pionierzeit 

und macht den Aufbruch in das unbekannte Abenteuer 

auf überwiegend heitere Weise transparent. Sprudelnder Humor 

und witzig sportive Pointen wechseln mit elegischen Momenten 

voller Raffinement. Der hohe Leistungsstand des Nachwuchses, 

der seit nunmehr 30 Jahren in Neumeiers Schule gesteigert wird, 

peilt Weltniveau an. 

Nach diesem Ausflug in das Land der Liebe, der vielschichtigen 

menschlichen Beziehungen, öffnet sich an diesem festlichen 

Abend noch zehn Mal der Vorhang für Pas de deux’ der Spitzenklasse. 

Neumeiers weit gefächerte künstlerische Bandbreite passierte 

da Revue. Auf kesser Sohle, in Frack und mit Zylinder kam 

»Shall we dance?« mit Silvia Azzoni und Alexandre Riabko vom 

Hamburg Ballett daher. Als Kontrapunkt zu dieser effektvollen 

Eleganz war in »1963: Yesterday« zur rhythmisch suggestiven 

Musik der Beatles eher die Anverwandlung klassischer Muster 

zu erkennen. Die Solisten des Königlich Dänischen Balletts Kopenhagen 

Silja Schandorff und Sebastian Kloborg zeigten eine 

spielerische Collage der Gegensätze. 

»Die Kameliendame« gab sich mit dem Pas de deux aus dem 

2. und 3. Akt gleich zweimal die Ehre. 1978 von Neumeier 

für Marcia Haydée geschaffen und mit ihr auch verfilmt, gehört 

dieses ergreifende Handlungsballett zu den Juwelen in der reichen 

Kollektion. Mit schicksalsergebener Noblesse schlägt das 

Solistenpaar des Stuttgarter Balletts (Sue Jin Kang und Marijn 

Rademaker) anrührende Töne voller Zärtlichkeiten und Innigkeit 

an. Noch intensiver verstehen es Lucia Lacarra vom Bayerischen 

Staatsballett und Roberto Bolle von der Mailänder Scala die 

gleichen Partien zu gestalten, in den heftigen Gefühlsschwankungen 

zwischen Euphorie und Resignation. 

Wie weit Neumeier den choreographischen Bogen zu spannen 

weiß, bezeugen die poesievolle »Möwe«, die mit Valeria 

Mukhanova und Dmitry Khamzin vom Stanislavsky Ballett aus Mos- 

oben: Sue Jin Kang und 

Marijn Rademaker in 

»Die Kameliendame« 

links: Silja Schandorff 

und Sebastian Kloborg 

in »1963: Yesterday« 

Ballett Intern 2/2008 3

kau auf die Aalto-Bühne flatterte, die geschmeidig raumgreifende 

»A Cinderella Story« vom Bayerischen Staatsballett, mit Ivy Amista 

und Lukáš Slavický ideal besetzt, sowie die umjubelte »Sylvia«, 

ein Powerpaket von verblüffendem Temperament, getanzt von 

Laëtitia Pujol und Manuel Legris vom Ballett der Pariser Oper. 

Auf den Grund des Meeres, wo man die Wellenbewegungen 

zu spüren scheint und die Verschlingungen der Körper fast 

in Zeitlupe erstarren, führt »Die kleine Meerjungfrau«, ein märchenhafter 

Gegenpol zum »Opus 100 – for Maurice«, das sich 

augenzwinkernd geheimnisvoll und mystisch präsentiert. 

Schluss mit lustig war zwischenzeitlich aber endgültig mit 

»Endstation Sehnsucht«. Beängstigende Formen der Gewalt 

nimmt die handfeste Auseinandersetzung zwischen Stanley und 

Blanche an. Katja Wünsche und Jason Reilly vom Stuttgarter Ballett, 

beide Träger des Deutschen Tanzpreises »ZUKUNFT« der 

Vorjahre, bieten ein artifizielles Psychogramm im Geschlechterkampf. 

Wenn die laszive Blondine und der Macho im roten Satin 

wie aus dem Bilderbuch auf offener Szene zusammentreffen, 

kommt jede Hilfe zu spät. Diese enorme Körperbeherrschung 

schwingt sich zu zirzensischen Dimensionen auf. 

Von Bewunderung für den ungeheuer schöpferischen Künstler 

strotzten auch die Lobreden der Gala. Auf die frühe Karriere des 

Wunderkindes, das von der »guten Fee« Marcia Haydée an die 

Hand genommen wurde und in Frankfurt zum jüngsten Ballettchef 

Deutschlands avancierte, ging Ulrich Roehm, Vorsitzender 

der beiden veranstaltenden Vereine, mit zufriedenem Schmunzeln 

ein. Innerhalb kürzester Zeit habe er aus Hamburg ein Ballettzentrum 

ersten Ranges gemacht. Er zitierte Maurice Béjart, 

wonach Neumeier ein zeitloses Kind und ein weiser Mann sei, 

ein Zauberer. John sei nicht von dieser Welt. 

Die große Marcia Haydée, seit ewigen Zeiten Weggefährtin 

des Preisträgers, verschmähte bei ihrer Laudatio das Rednerpult. 

Leger setzte sie sich einfach auf die Bühnenrampe und ließ ihre 

legendären Beine baumeln. So war sie ihm in der ersten Reihe, 

mehr oder weniger eingerahmt von den Preisträgern früherer Jahre 

Reid Anderson, Philippe Braunschweig, Birgit Keil und Horst 

Koegler, besonders nahe. »Du bist einfach ein Genie. Alles, was 

Du machst, ist genial. Du bist einer der bedeutendsten Choreographen 

aller Zeiten. Du bist ein Phänomen!«, rief sie ihm zu. 

Und dann geriet sie weiter ins Schwärmen. Über den »tollen 

Tänzer«, der in Stuttgart mit »höchster Konzentration und Intensität« 

beim Training gewesen sei. Sie erinnerte an die gemeinsame 

Arbeit mit Maurice Béjart bei Ionescos »Die Stühle«, die bei 

Neumeiers erster Preisverleihung im Grillo-Theater von beiden 

getanzt wurden. Nach den Worten »Du sollst nie aufhören. Ich 

danke dir. Du bist mein Freund«, fielen sich beide minutenlang in 

die Arme. Das tief bewegte Publikum, darunter die Ballettchefs 

Ivan Liška (München), Birgit Keil (Karlsruhe), Heinz Spoerli (Zürich), 

Xin Peng Wang (Dortmund), Bernd Schindowski (Gelsenkirchen), 

Martin Puttke (Essen) und sein designierter Nachfolger 

Ben van Gauwenberg, reagierte mit Standing Ovation. 

In seiner Dankesrede gestand der gebürtige Amerikaner John 

Neumeier, dass er eigentlich nur durch Zufall in Deutschland geblieben 

sein. Denn er liebäugelte mit dem New York City Ballet, 

aber sein Brief an George Balanchine blieb unbeantwortet ... 

Offenbar hat er es nicht bereut und ist stolz darauf, dass er als 

inzwischen deutscher Staatsbürger jüngst an der Hamburg-Wahl 

teilnehmen konnte. 

Unter großem Beifall stellte der Präsident des Deutschen Bundestages 

Norbert Lammert fest, der Deutsche Tanzpreis sei die 

schönste und würdigste Kulturpreis-Verleihung in Deutschland. 

Und das sage er nicht nur im Ruhrgebiet. Als Schirmherr des 

Vereins zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland bedauere er, 

Dmitry Khamzin in »Die Möwe« 

4 

Ivy Amista und Luka´s Slyavický 

in »A Cinderella Story« 

Ballett Intern 2/2008

dass die Tanzsparte oft im Windschatten großer kultureller Ereignisse 

stehe. Deshalb sei die Preisverleihung in einer etablierten 

Gala so wichtig. Niemand habe daran einen größeren Anteil 

als Ulrich Roehm. Ohne ihn gäbe es dieses grandiose Ereignis 

nicht. In seiner launigen Begrüßung wünschte Lammert dem 

Tanzpreis für die nächsten 25 Jahre nur das Beste und versprach, 

künftig den Tanz mit keiner Rede mehr aufzuhalten und die Tanzkunst 

nur von seinem Sessel aus zu genießen. 

Noch kürzer fasste sich Essens Oberbürgermeister Wolfgang 

Reiniger als Schirmherr der Verleihung des Deutschen Jubiläums- 

Tanzpreises 2008. Er versicherte der »illustren Gästeschar«: 

»Zum unverwechselbaren Profil der Kulturhauptstadt Ruhr.2010 

gehört die Tanzstadt Essen!« ■ 

ganz oben: Laëtitia Pujol und Manuel Legris in »Slyvia« 

oben: Silvia Azzoni und Carsten Jung in »Die kleine Meerjungfrau« 

oben rechts: Katja Wünsche und Jason Reilly in »Endstation Sehnsucht« 

Mitte rechts: Lucia Lacarra und Roberto Bolle in »Die Kameliendame« 

unten rechts: Alexandre Riabko und Peter Dingle in »OPUS 100 – for Maurice« 


Begrüßung: 

Dr. Wolfgang Reiniger 

Oberbürgermeister der Stadt Essen 

und Schirmherr der Preisverleihung 

Einen schönen guten Abend, meine sehr verehrten Damen und 

Herren. 

Einmal wieder ein großer, ein ganz großer Abend hier in 

unserem wunderbaren Haus. Ich glaube die Voraussetzungen 

dafür sind gegeben: ein großartiges Programm, ein Programm 

zugleich mit einer sehr komprimierten Möglichkeit, sich in das 

Werk von John Neumeier hineinzufinden. Großartige Künstler 

hier auf der Bühne, Tänzerinnen und Tänzer, eine illustre Gästeschar 

– bei den Namen, die Ulrich Roehm vorgetragen hat. Also, 

ich glaube, es ist nicht zu vermessen zu sagen, heute Abend ist 

gewissermaßen der Olymp der Tanzkunst hier in Essen, hier im 

Aalto-Theater versammelt. 

Ich freue mich sehr, dass an der Spitze gewissermaßen der 

Gästeschar Sie, Herr Bundestagspräsident Dr. Lammert, wieder 

dabei sind, wieder in Essen sind. Die Bandbreite Ihrer Präsenz 

in der Stadt – Fastenpredigt gestern, Tanzpreis-Verleihung heute 

– ist gewaltig. Aber wir wissen es sehr zu schätzen, dass Sie der 

Region, unserer gemeinsamen Region, Ihrer Region immer wieder 

Aufmerksamkeit schenken. Ich glaube, das ist auch ein sehr 

wichtiges Signal. Wir sind stolz darauf, dass unser Bundestagspräsident 

hier aus unserer Region, aus dem Ruhrgebiet stammt. 

Ein großer Abend ganz zweifellos, die Verleihung des Deutschen 

Jubiläums-Tanzpreises an jemanden, der ganz offenkundig 

dafür prädestiniert ist. Verehrter Herr Neumeier, auch von mir 

herzliche Gratulation zu dieser Preisverleihung. Wir freuen uns 

und wir sind zugleich geehrt, dass wir Ihnen heute diesen Preis 

verleihen dürfen. 

Meine Damen und Herren, Ulrich Roehm hat vielen gedankt, 

zurecht: Ohne Freunde, ohne Unterstützer, ohne Förderer wären 

auch solche großartigen Ereignisse nicht möglich. Ich bin sicher, 

ich spreche auch für Sie alle, wenn ich nun ihm danke, wenn 

ich Ulrich Roehm danke. Für seine Unermüdlichkeit, für seine 

Tatkraft, mit der er das seit – inzwischen kann man ja nun sagen 

– Jahrzehnte vorbereitet und immer wieder zum Erfolg führt. Und 

ich füge hinzu, auch zugleich ein Wort des Dankes an Ihre verehrte 

Gattin. An Sie beide ein herzliches Dankeschön. 

Meine Damen und Herren, zum unverwechselbaren Profil der 

Kulturhauptstadt 2010 gehört ganz zweifellos die »Tanzstadt 

Essen«. Ich bin sicher, dieser heutige Abend unterstreicht das 

einmal mehr. Darüber freuen wir uns und darauf sind wir stolz. Ihnen 

allen heute einen wunderschönen Abend hier Aalto-Theater! 

Vielen Dank! ■ 

Begrüßung: 

Ulrich Roehm 

Vorsitzender des Vereins zur Förderung der 

Tanzkunst in Deutschland und des Deutschen 

Berufsverbandes für Tanzpädagogik 

Liebe Mitglieder unseres Deutschen Berufsverbandes 

für Tanzpädagogik sowie 

des Vereins zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland, 

verehrtes Publikum, 

ein sehr, sehr herzliches Willkommen zu diesem festlichen Ereignis 

des 25-jährigen Bestehens des »Deutschen Tanzpreises«, 

das wir mit der Verleihung eines sehr außergewöhnlichen »Jubiläums-Tanzpreises« 

an eine ebenfalls außergewöhnliche Persönlichkeit 

unserer Tanzkunst heute in diesem schönen Aalto Theater 

feiern können. 

Darf ich sagen, dass Sie einer ebenfalls sehr außergewöhnlichen 

Gala beiwohnen: Star-Solisten acht großer Ballett-Compagnien 

und Studenten der Ballettschule des Hamburg Ballett 

sind heute hier zusammengekommen und tanzen für unseren 

Preisträger und uns Ausschnitte, Highlights aus elf verschiedenen 

Choreographien aus dem Gesamtwerk von 137 Kreationen 

unseres Preisträgers. 

Das umfassende, breit gefächerte Spektrum seiner Werke 

können wir mit diesen Darbietungen verständlicherweise nur 

andeuten. Durch eine recht unglückliche Verknüpfung widriger 

Umstände musste Toronto seine Teilnahme bedauerlicherweise 

absagen – so wird »Yondering« allein von Hamburg getanzt! 

»Yondering« nannte John Neumeier dieses zauberhaft-tänzerische 

Werk, geschaffen für den jugendlichen Nachwuchs der 

National Ballet School of Canada und seiner Hamburger Schule, 

dem Sie soeben begeisterten Applaus spendeten. »Yondering« 

– »to yonder«, diese alte Bezeichnung aus der amerikanischen 

Pionierzeit meint das, was hinter der bereits erschlossenen 

Grenze liegt, außerhalb des Bekannten, einen Aufbruch aus dem 

»Settlement« – vielleicht könnte man es auf heute übertragen als 


Aufbruch aus dem Establishment in das unbekannte Abenteuer. 

Welch’ zart andeutende, auch humorvoll sich annähernde 

erste Zuneigung – Liebe in den Duetten »Jeannie with the lightbrown 

hair« und »Molly, do you love me?«: Erstes »out-yondern« 

jugendlicher menschlicher Beziehungen in das noch unbekannte 

Abenteuer der Liebe! 

Verständlicherweise hatte ich in der letzten Zeit Gelegenheit, 

John Neumeier bei verschiedenen Anlässen, wie der Verleihung 

des Nijinsky Award in Monte Carlo, des Herbert von Karajan- 

Musikpreises in Baden-Baden sowie als Präsidenten der Jury 

des Prix de Lausanne 2008, des von Philippe Braunschweig, 

unserem Tanzpreisträger 1997, gegründeten internationalen 

Jugend-Tanz-Wettbewerbs, vielleicht etwas mehr kennen zu lernen. 

Heute vor gerade vier Wochen beim Prix de Lausanne kam 

mir der Gedanke: »Yondering« ist der »Schicksals-Stern« über 

John Neumeiers Lebensweg! »Out yonder« mit gerade 21 Jahren 

aus seiner Heimat Milwaukee in das unbekannte Abenteuer der 

Welt-Metropole London, wo ihm seine »Fee« Marcia Haydée 

begegnet, ihn »an die Hand nimmt« in das weitere grenz-überschreitende 

Abenteuer ins Noch-Nachkriegs-Deutschland des 

Jahres 1963, in die gerade aufblühende Ballett-Welt John Crankos 

in Stuttgart. Darin sehe ich ein lebensbestimmendes Schicksal, 

so etwas kann kein Zufall sein, lieber John Neumeier! Mit 

jugendlichem Elan »yondered« er dort weiter als Tänzer, doch 

auch bereits als Bühnenbildner und Kostümbildner verschiedener 

Cranko-Ballette, auch schon als Choreograph: Die Noverre-Gesellschaft, 

die in diesem Jahr ihr 50. Bestehen begehen kann, mit 

ihrem Initiator Fritz Höver – unserem Tanzpreisträger des Jahres 

2000 – ermöglicht ihm die ersten choreographischen Arbeiten, 

»Haiku«, uraufgeführt 1966, bezeichnet John Neumeier als seine 

erste wirkliche Choreographie: »Im Grunde ist ›Haiku‹ doch 

mein erstes Stück, obwohl ich schon vorher choreographiert 

habe. Es ist der Schlüssel für mein ganzes Werk« sagt er 1988. 

1969 folgt der nächste Schritt seines »Yonderings«: Mit nur 27 

Jahren wird er in Frankfurt der jüngste Ballettchef Deutschlands, 

und 1973 wagt er im Alter von 31 Jahren den Sprung als Ballettdirektor 

an die Hamburgische Staatsoper, die nun seine Heimat, 

sein »Settlement« wird. 

Darf ich hier August Everding zitieren: »Ich wurde zum Opernintendanten 

von Hamburg berufen und suchte einen Ballettdirektor. 

In Frankfurt sah ich Ballette von John Neumeier und wusste, 

dass er mein Partner werden musste. Ich sah einen großen 

Choreographen am Werk, einen dramaturgischen Geschichtenerzähler, 

einen Ästheten und einen Genauigkeitsfanatiker, einen 

philosophischen Kopf, dem das Theatralische nicht abging. Wir 

wurden Partner, waren es gern. Er ist ein dunkles Sonntagskind 

und hat mich Ballett neu sehen gelehrt.« 

Und Hartmut Regitz sagte schon vor 20 Jahren in der Zeitschrift 

»Bühnenkunst«: »Wenn man bedenkt, wie viele Jahre John 

Cranko in Stuttgart noch benötigt hat, dort so etwas wie ein 

lokales Ballettbewusstsein zu schaffen, nimmt es einen Wunder, 

warum John Neumeier dazu (…) in Hamburg nicht einmal eine 

Spielzeit gebraucht hat, (…) es ist ihm innerhalb kürzester Frist gelungen, 

aus der Hansestadt ein weithin beachtetes Ballettzentrum 

zu machen. Intelligenz, Sensibilität, Einfallskraft und ein Wissen 

um Dinge, die am Theater möglich sind, haben Neumeier zu 

einem der erfolgreichsten Ballettdirektoren der Bundesrepublik 

werden lassen, der oft unter schmerzlichem Verzicht auf die Erfüllung 

einer eigenen Tänzerkarriere bemüht war, seinem Ensemble 

die denkbar besten und fruchtbarsten Aufgaben zu bieten.« 

In Hamburg scheint auch jede neue Choreographie, jede 

neue Aufgabe weiterhin unter dem »Lebens-Stern« des »out-yon- 

dern« zu stehen. Aus der vorhandenen Compagnie formte er zu 

Beginn als erstes, wenn auch unter gewerkschaftlichem Protest, 

»sein« Ensemble. Nach nur fünf Jahren, 1978, wagte er einen 

weiteren Schritt ins unbekannte Neuland mit der Gründung 

einer, »seiner« Schule – und nach langen Verhandlungen segnete 

1985 der Hamburger Senat die Pläne für das großartige »Ballettzentrum 

Hamburg – John Neumeier« ab, das 1989 bezogen 

werden kann.1996 folgt mit der Ballett-Intendanz die autonome 

Verantwortung für »sein« Hamburg Ballett. Doch damit nicht 

genug, neben den umfassenden Aufgaben als Ballettintendant, 

Choreograph, Schulleiter und zeitweise auch noch Tänzer seiner 

großen Werke »yondered« er in den Aufbau seines Tanzarchivs, 

seiner Tanzbibliothek, seines Tanzmuseums, seiner Stiftung – eine 

Aktivität reicht der nächsten die Hand – John Neumeier »yondered« 

auch heute noch! 

Lassen Sie mich hier Neumeiers großen Freund, Maurice Béjart, 

dem wir 1994 den Deutschen Tanzpreis verliehen, zitieren 

aus seiner Laudatio für John Neumeier 1988: »(...) ich frage 

mich: Wer ist John Neumeier? Und ich denke, ich habe es nun 

entdeckt – John Neumeier ist ›E.T.‹, gekleidet wie ein zauberhafter 

Prinz! … Und John kommt aus dem Weltraum, denn er ist 

zeitlos. Wenn ich mit John arbeite, kommt es mir manchmal vor, 

als arbeite ich mit einem Kind von acht Jahren – dann schaue 

ich ihn an und mir ist plötzlich, als sähe ich einen uralten, weisen 

Mann mit einem Wissen um Vergangenheit und Zukunft. … Er 

ist eine Art Zauberer. Und das ist der Grund, warum ich denke: 

John ist nicht von dieser Erde!« 

Und John Neumeier selbst: »Wenn man zurückschaut, kann 

man natürlich immer sagen: Das sind meine Werke! Anders gesagt: 

Je mehr man Erfahrung hat, desto weniger neu erscheint 

einem manches. Andere Dinge werden einem wichtiger. Deshalb 

glaube ich auch, dass ich immer noch ›unterwegs‹ bin.« 

Begegnen sich hier Goethe und Neumeier im philosophischen 

»yondering« – im »Unterwegs-Sein«? In den Schlussworten 

des »Faust« sagt Goethe: »Wer immer strebend sich bemüht, den 

können wir erlösen …!« Und Neumeier zu seinem »Weihnachtsoratorium« 

im Dezember 2007: »Es geht um Hoffnung, nicht 

um die ›fertige‹ Erlösung. Die Erlösung ist nicht vollendet, sie ist 

immer zu erarbeiten«. Und ich ergänze, wer immer strebend sich 

bemüht! »Das Menschliche steht im Zentrum meines Schaffens.« 

2002, zu den Festlichkeiten zu John Neumeiers 60. Geburtstag, 

wurde von der Ballettschule des Hamburg Ballett ein Defilée 

organisiert, bei dem 127 Studenten je eine Fahne trugen 

mit dem Namen einer seiner Choreographien: Die Jahre seiner 

choreographischen Kreativität für den tänzerischen Nachwuchs 

in seiner Schule und der National Ballet School of Canada, 

Toronto, für seine Compagnie, für deutsche und internationale 

Ballett-Ensembles weltweit in München, Stuttgart, St. Petersburg 

– am Marijnsky-Theater war er 2001 nach einhundert Jahren mit 

der Choreographie »Sounds of Empty Pages« der erste aus dem 

Westen eingeladene Choreograph – Moskau, Paris, Mailand, 

London bis New York, Toronto, Tokio u.v.a.m. zogen »bildlich« 

am Gratulanten vorüber. Hier entstand die Idee, dass eine solche, 

weltweit wohl einmalige Kreativität auf dem Gebiet des künstlerischen 

Bühnentanzes sowie der Pädagogik einer besonderen 

Anerkennung und Ehrung bedürfe. Heute, nach nun 35 Jahren 

Ballettdirektor und Intendant des Hamburg Ballett, zeigt das 

Werkverzeichnis 137 Choreographien, mit einer künstlerischen 

Bandbreite von »Bernstein Dances«, »On the Town«, »West Side 

Story« auf der Musical Basis über einen genialen »Peer Gynt«, 

Tennessee Williams’ »Endstation Sehnsucht«, von Shakespeare 

inspirierten Interpretationen wie »Ein Sommernachtstraum«, »Ro- 


meo und Julia«, »Hamlet«, »Wie es euch gefällt«, »Othello«, das 

vorgestern in Hamburg seine Wiederaufnahme hatte, einer »Kameliendame«, 

»Parzival«, »Nijinsky«, »Tod in Venedig«, »Opus 

100 – for Maurice«, eine Hommage an Maurice Béjart usw., 

usw. bis zu den letzten, höchst akklamierten Höhepunkten »Die 

kleine Meerjungfrau« und »Weihnachtsoratorium«. 

So führt John Neumeiers »Yondering« in diesem Jahr 2008 

einen »Sternen-Ring« von Jubiläen dieses Jahrzehnte währenden 

Wirkens für den künstlerischen Bühnentanz zusammen: 1963 – 

vor 45 Jahren führte ihn sein Weg nach Stuttgart; 1973 – vor 

35 Jahren führte ihn sein Weg nach Hamburg; 1978 – vor 30 

Jahren gründete er seine Schule; 1988 – vor 20 Jahren verlieh 

der Deutsche Berufsverband für Tanzpädagogik den Deutschen 

Tanzpreis an John Neumeier. 

Doch auch die Initiatoren des Deutschen Tanzpreises sind 

nicht unwesentlich dem »Yondering« verfallen! War schon die 

Gründung des Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik 

im Jahre 1975 – vor nun 33 Jahren – ein gewagter Sprung ins 

Ungewisse, so gilt dies ebenfalls für unsere Zeitschrift »Ballett 

Intern«, die 1977 erstmalig erschien und nun ihr 30-jähriges 

Erscheinen feiern konnte! Und in ganz besonderem Maße gilt 

dies für die Initiative der Verleihung eines Deutschen Tanzpreises! 

Als der damalige Vorstand sich zu diesem Wagnis, zu diesem 

»Yondering« entschloss, sahen wir doch eher beim »Aufbruch ins 

Ungewisse« die Rocky Mountains als zu überwindende Aufgabe 

vor uns als ein »Gelobtes Land, in dem Milch und Honig« fließen. 

Dass wir nun nicht in den den Rockies vorgelagerten »Badlands« 

strandeten, sondern 25 Jahre realisieren konnten – auch 

und nur durch die Hilfe unermüdlicher Sponsoren und Freunde 

der Tanzkunst – dass dieser Deutsche Tanzpreis zu der wohl 

prestige-trächtigsten Ehrung auf dem Gebiet des künstlerischen 

Bühnentanzes sich entwickeln konnte – das hatten wir damals 

ebenso wenig zu denken, zu hoffen gewagt wie John Neumeier 

seinen Weg vor 45 Jahren auf dem »out-yondern« nach Stuttgart, 

vor 35 Jahren nach Hamburg vorher sehen konnte! 

25 Jahre Deutscher Tanzpreis ist sicher für uns und für die 

Tanzwelt ein besonderes, bemerkenswertes Jubiläum, 

Das in der Ballettgeschichte nach allgemeinem internationalen 

Urteil wohl einmalige Lebenswerk John Neumeiers mit diesem 

Jubiläums-Tanzpreis zu würdigen, ist eine logische Entscheidung 

– hier führen die oben vielfach erwähnten »Yondering«-Wege 

folgerichtig heute zusammen. 

Der »Deutsche Tanzpreis 1988« an den jungen »Yonderer« 

John Neumeier galt dem Mut und der Leistung der jungen Jahre 

– der einmalige DEUTSCHE JUBILÄUMS-TANZPREIS 2008 anlässlich 

von 25 Jahren »Deutscher Tanzpreis« dem unermüdlich 

kreativen »Yonderer«, sagen wir es italienisch – PER UNA VITA 

PER LA DANZA! August Everding bezeichnete John Neumeier 

als Sonntagskind – gratulieren Sie mit mir John Neumeier herzlich 

zum Geburtstag am vergangenen Sonntag, dem 24. Februar 

2008, und besonders zum DEUTSCHEN JUBILÄUMS- 

TANZPREIS 2008. 

Verehrtes Publikum, gestatten Sie mir, dass ich mich wiederhole, 

wenn ich auch in diesem Jahr sage, in der deutschen Welt 

des Tanzes geht kaum ein Weg an Stuttgart vorbei – unseren 

Preisträger wie auch unsere heutige Laudatorin verdanken wir 

John Cranko: Begrüßen Sie mit mir die langjährige Ballerina und 

Direktorin des Stuttgarter Balletts, Marcia Haydée. 

Sehr dankbar war ich vor Jahren, dass sich Herr Dr. Lammert, 

unser jahrzehntelanger Freund des Tanzes und des Deutschen 

Tanzpreises, bereit erklärte zu der Schirmherrschaft über unseren 

Träger-Verein zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland. Und 

ebenso dankbar bin ich, dass er heute zu unserem 25. Jubiläum 

einige Worte zu uns sprechen wird: Darf ich sehr herzlich den 

Präsidenten des Deutschen Bundestages, Herrn Dr. Norbert Lammert, 

begrüßen! 

Desgleichen freue ich mich sehr, dass unser Oberbürgermeister 

Herr Dr. Wolfgang Reiniger auch in diesem Jahr die Schirmherrschaft 

über diesen festlichen Abend des Tanzes übernommen 

hat! Vielen Dank Ihnen, Herr Dr. Reiniger, für lange Jahre der 

freundschaftlichen Unterstützung! 

Als Vertreterin der Stadt Hamburg begrüße ich die Kultursenatorin 

Frau Prof. Dr. Karin von Welck, mit Herrn Prof. Dr. Oliver 

Scheytt den Kulturdezernenten unserer Stadt und Präsidenten der 

Kulturpolitischen Gesellschaft, zusammen mit seiner Vizepräsidentin 

und unserer Laudatorin des Deutschen Tanzpreises »ZU- 

KUNFT« 2007, Frau Dr. Iris-Jana Magdowski, desgleichen den 

Staatssekretär Kultur NRW, Herrn Hans-Heinrich Grosse-Brockhoff. 

Weitere uns liebe Gäste möchte ich erwähnen: Prof. Dr. 

Max Fuchs, Präsident des Deutschen Kulturrats; Klaus Geitel, 

unseren Doyen der deutschen Ballett- und Musik-Kritik; Barbara 

Gessler, Vertreterin der Europäischen Kommission; Ilka Schmalbauch, 

Vertreterin des Deutschen Bühnenvereins. 

Und von der Kulturpolitik wieder zu unserem Tanz: Frank 

Andersen, Direktor des Royal Danish Ballet; Sylviane Bayard, 

ehemalige Ballettdirektorin der Deutschen Oper Berlin; Oleksi 

Bessmertni, Direktor des Tanzolymp Berlin; Dinna Björn, Direktorin 

des Finnischen Nationalballetts Helsinki; John Bliekendaal, 

Tanzakademie Arnheim; Ben van Cauwenbergh, designierter 

Ballettdirektor Essen; Irina Chermonurova, Direktorin des Stanislavsky-Balletts 

Moskau; Charles Gebhard, Präsident des Prix 

de Lausanne; Dieter Gräfe, Weggefährte von John Cranko und 

unserem Preisträger; Prof. Lutz Förster, Leiter des Studiengangs 

Tanz an der Folkwang-Hochschule; Irène Heinen, Direktorin des 

Ballett-Festivals Luxembourg; Vladimir Klos, einer der Hauptdarsteller 

im Film »Die Kameliendame«, den Sie morgen in der Lichtburg 

erleben können! 

Minghui Kong, Repäsentantin des China Shanghai International 

Arts Festivals; Marianne Kruuse, langjährige Bühnenpartnerin 

unseres Preisträgers und Leiterin der Ballettschule des Hamburg 

Ballett; Daniela Kurz, Ballettdirektorin Nürnberg; Doris Laine, 

ehemalige Ballettdirektorin der Komischen Oper Berlin, heute 

Helsinki; Ivan Liška, Ballettdirektor des Bayerischen Staatsballetts 

und neben Marcia Haydée Hauptdarsteller im Film »Die Kameliendame«; 

Stefan Lux, u.a. Choreograph des Balletts »Dornrös- 


chen«, das Sie gestern auf dieser Bühne hätten 

erleben können; Günter Pick, ehemaliger Ballettdirektor 

verschiedener Bühnen Deutschlands und 

ehemaliger Leiter der Zentralen Bühnen-, Fernseh- 

und Filmvermittlung; Bernd Schindowski, Ballettintendant 

Gelsenkirchen; Raimondo Rebeck, Solist 

und Ballettmeister des aalto-ballett-theater-essen; 

Colleen Scott, eine der Hauptdarstellerinnen im 

Film »Die Kameliendame«; Heinz Spoerli, Ballettdirektor 

des Züricher Balletts; Mavis Staines, Direktorin 

der National Ballet School of Canada, Toronto; 

Jan Stripling, ehemaliger Solist des Stuttgarter 

Balletts; Dr. Christiane Theobald, Stellvertretende 

Intendantin des Staatsballetts Berlin; Xin Peng 

Wang, Ballettdirektor Dortmund; Uschi Ziegler, 

Schulleiterin der Ballettschule des Hamburg Ballett 

und Ehrenpreisträgerin 2007. 

Sehr verehrtes Publikum, alle diese erwähnten 

Persönlichkeiten des Tanzes und der Kulturpolitik 

sind, sagen wir als Geschenk, zu Ehren unseres 

Preisträgers heute hier anwesend, und ich hoffe, 

dass Sie mit mir einig sein können, dass dieses 

»Geschenk« ihm auch präsentiert werden sollte, 

denn auch dafür ist dieser heutige Abend nun einmal 

konzipiert! 

Danken Sie mit mir unseren großzügigen Sponsoren, 

die es wiederum möglich machten, dass 

diese außergewöhnliche Festveranstaltung des 

Tanzes – wie viele sagen, zumindest wohl europaweit 

einmalig – in unserer Stadt nun zum 25. Male 

realisiert werden konnte! Diesen großen, herzlichen 

Dank, auch in Ihrer aller Namen, verehrtes 

Publikum, möchte ich vermitteln an: Frau Anneliese 

Brost; Frau Marianne Kaimer; Herrn Hans Martz 

und der Sparkasse Essen; Herrn Wulf Mämpel und 

dem Freundeskreis Theater & Philharmonie; der Alfred 

und Cläre Pott-Stiftung; dem Fonds Darstellende 

Künste und Herrn Jürgen Flügge, dem Vorsitzenden 

und Herrn Günter Jeschonnek, Geschäftsführer 

sowie der Stadt Essen. Und sollten auch Sie uns 

unterstützen wollen, so werden Sie Mitglied unseres 

Vereins zur Förderung der Tanzkunst. 

Auch Dank allen guten Geistern dieses Hauses 

vor und hinter der Bühne, insbesondere dem 

Geschäftsführer Otmar Herren und dem Direktor 

des aalto-ballett-theater, Prof. Martin Puttke, sowie 

dem Technischen Direktor Daniel Kaiser für die angenehme, 

reibungslose Zusammenarbeit bei der 

Realisation dieses Abends. 

Wie immer, verehrtes, geduldiges Publikum – 

last, but not at all least – zum traditionellen Abschluss 

begrüßen Sie mit mir die anwesenden 

Preisträger vergangener Jahre, die heute John 

Neumeier die Ehre geben: Als erstes unsere drei 

Preisträger »ZUKUNFT« des Jahres 2006 vom 

Stuttgarter Ballett: Katja Wünsche und Jason Reilly, 

die Ihnen heute erneut ihr Können auf dieser Bühne 

beweisen werden mit ihrem Beitrag aus dem Ballett 

»Endstation Sehnsucht«, sowie Christian Spuck, 

sodann Reid Anderson, Philippe Braunschweig, 

Marcia Haydée, Hans Herdlein, Birgit Keil und 

Horst Koegler. ■ 

Dr. Norbert Lammert 

Präsident des Deutschen Bundestages und Schirmherr des 

Vereins zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland e.V. 

Herr Oberbürgermeister, lieber Ulrich Roehm, verehrter Preisträger, meine Damen 

und Herren, 

Begrüßungen, Grußworte, auch Festansprachen, sind gewiss nicht die 

Hauptsache bei einer Tanzgala – aber manchmal sind sie unvermeidlich. Und 

es ist so ein Abend: Der Deutsche Tanzpreis wird 25. Ein kleines, aber stolzes 

Jubiläum, dass über die Verleihung des Jubiläumspreises hinaus eine eigene 

Würdigung verdient. Seit nun immerhin einem Vierteljahrhundert werden einmal 

im Jahr herausragende Tänzerinnen und Tänzer, Choreographen und Komponisten, 

Tanzpädagogen und Wissenschaftler, Autoren und Förderer des Tanzes 

aus dem Inland oder dem Ausland ausgezeichnet und damit gleichzeitig eine 

größere Öffentlichkeit auf eine Sparte der darstellenden Kunst aufmerksam gemacht, 

die nach wie vor oft im Windschatten anderer großer Kulturereignisse 

steht. Der Deutsche Tanzpreis ist insoweit für den deutschen Tanz noch wichtiger 

als für die Preisträger. Sie brauchen ihn in der Regel nicht. Der Tanz braucht 

ihn. Um so erfreulicher, dass sich dieser Preis längst als die bedeutendste Auszeichnung 

der deutschen Tanzszene etabliert hat. Und die jährliche Gala-Veranstaltung 

längst zum großen Familientreffen aller Tanzfreunde, -könner und 

-kenner geworden ist. 

Begonnen hat das alles vor 25 Jahren sehr bescheiden – mit viel Elan und 

wenig Glanz: Begrüßungsreden – Laudatio – Urkunde; ohne Musik, ohne Tanz. 

Daraus ist inzwischen eine glanzvolle Veranstaltung geworden. Für mich persönlich 

ist die Tanzpreis-Verleihung im Aalto-Theater seit Jahren die schönste, 

dem Anlass angemessenste, würdigste Kulturpreis-Verleihung in Deutschland. 

Ich habe das übrigens auch außerhalb Essens vor der Jubiläumsveranstaltung 

so vorgetragen, so dass niemand Sorge haben muss, dass sei so eine dieser 

berühmten, dem Anlass geschuldeten Bemerkungen. 

Die Stadt Essen und das Ruhrgebiet dürfen durchaus stolz darauf sein. Sie 

nehmen mit dieser Veranstaltung seit vielen Jahren gewissermaßen das Niveau 

vorweg und setzen einen Standard, der einer europäischen Kulturhauptstadt 

würdig ist. Niemand hat daran einen größeren persönlichen Anteil als Ulrich 

Roehm. Als Initiator, Moderator, Promotor, Impressario – ohne ihn und seinen 

Verein zur Förderung der Tanzkunst in Deutschland und den Berufsverband für 

Tanzpädagogik gäbe es dieses grandiose Tanzereignis nicht. Dafür möchte ich 

ihm und seinen Mitstreiterinnen und Mitstreitern nicht nur als Schirmherr dieses 

Vereins, sondern als selbsternannter Sprecher dieses Auditoriums in Ihrer aller 

Namen gewissermaßen herzlich danken und gratulieren. Verbunden selbstverständlich 

mit allen guten Wünschen für die nächsten Jahre. Meine heimliche 

Hoffnung ist, dass ich Ihnen in 25 Jahren zum 50. Jubiläum an gleicher Stelle 

gratulieren kann. Und Ihnen allen verspreche ich feierlich, bis dahin werde 

ich ohne zwingenden Grund nie wieder eine Tanzgala mit einem Grußwort 

aufhalten. Sondern ich werde mich, wie Sie still und andächtig und glücklich 

auf meinen Sessel setzen und vollendete Tanzkunst genießen. In diesem Sinne 

wünsche ich Ihnen, uns allen weiterhin einen inspirierenden, motivierenden und 

denkwürdigen Abend. ■ 


Laudatio: Marcia Haydée 

Mein lieber John, 

Du bist einfach ein Genie. Warum ein Genie? Weil alles, 

was du machst, ist genial. Hättest Du es gewollt, nur ein Tänzer 

zu werden, wärest Du heute einer von den Top-Tänzern. Als 

Choreograph bist Du einer der bedeutendsten Choreographen 

aller Zeiten; als Direktor – genau das Gleiche. Wolltest Du heute 

aufhören mit dem Ballett, könntest Du morgen anfangen, ein 

Filmdirektor zu sein, und Du wärest bestimmt in einer Reihe mit 

Fellini, Pasolini und Spielberg. Du machst Dein eigenes Bühnenbild, 

Deine Kostüme, Deine Beleuchtung. Soviel ich weiß, hast 

Du aber noch nie Deine eigene Musik komponiert. Aber ich 

glaube, dass das vielleicht auch noch kommt. Mein lieber John, 

Du bist ein Phänomen. 

Mein Verhältnis mit John hat angefangen, als John Cranko 

eines Tages zu Ray Barra und mir sagte: Das Royal Ballet 

hat angerufen und die sagen, es gibt einen ganz begabten 

jungen Tänzer, der wäre perfekt für das Stuttgarter Ballett. Und 

John sagte: »Ok, Du und Ray, Ihr habt eine Vorstellung in London, 

geht in die Schule und schaut euch diesen jungen Tänzer 

an.« So sind wir dahin gegangen. Wir saßen oben im Balkon 

in diesem Ballettsaal und einer von den Lehrern hat zu uns gesagt: 

»Das ist der neue Mann.« Und ich habe ganz schnell geguckt: 

Ist er groß, klein, dünn, dick, lange Beine, kurze Beine, 

lange Arme, kurze Arme, langer Hals oder kein Hals, schön 

oder hässlich? Bei Dir John, war das alles perfekt. Aber, es ist 

nicht so einfach, weil manchmal sehen sie perfekt aus, dann 

machen sie eine Bewegung und es ist eine totale Katastrophe. 

Aber das war nicht der Fall bei Dir, John: Du warst ein toller 

Tänzer. 

Aber was mich schon damals am meisten beeindruckt hat 

an Dir, das war Deine Kapazität zur Konzentration und Deine 

Intensität. Alle anderen Tänzer haben auf die Lehrer geschaut, 

der Lehrer hat einen Schritt vorgegeben, die haben das gelernt, 

die haben das gemacht und dann haben sie losgelassen. Nicht 

bei Dir! Es sah so aus, als hättest Du irgendwo bei Dir einen 

Knopf gedrückt, und Deine Konzentration ging so lang, wie Du 

wolltest. Du hast nicht einen Moment bei diesem Training losgelassen. 

Damals wurde mir klar: Du bist für das Ballett geboren. 

Du wolltest nichts anderes machen. Das hast Du nicht für eine 

Karriere gemacht, das war Dein Leben. Und das Royal Ballet 

hatte recht: Du warst der Richtige für Stuttgart. Du bist nach Stuttgart 

gekommen und warst bei Cranko immer der Schnellste, der 

gelernt hat, was John choreographierte, und Du hast immer noch 

etwas dazu gemacht. 

Ich könnte so viele Sachen aus dieser Zeit erzählen, aber ich 

habe mir nur zwei herausgenommen. Zum ersten: Als ich zum 

ersten Mal mit Dir als Paris getanzt habe – in Romeo und Julia. 

Ich weiß nicht, ob die Pas de deux’ gut gelungen sind oder 

nicht, wie es war. Aber ich weiß, ich hatte Paris bei mir. Du hast 

nicht Paris gespielt, Du warst Paris – genau wie es Cranko wollte 

und Shakespeare. Das war Deine Kraft und es ist heute noch 

Deine Kraft als Choreograph. Und John hat für Dich Hortensio 

in »Der Widerspenstigen Zähmung« gemacht. Alle Tänzer wollen 

schöne Füße haben. Und so hat Cranko dieses ganze Solo 

für seine Füße gemacht. Neumeier hat verstanden, was Cranko 

wollte, und hat das genommen und noch mehr gemacht. Das 

war total verrückt, was John als Hortensio auf der Bühne geleistet 

hat. Es gab bis heute schon viele Hortensios, aber so wie Du 

bist, so gab es noch keinen. Das war schon einmalig. 

Dann hast Du schon angefangen zu choreographieren: »Haiku«! 

»Haiku« war für mich ein ganz kleines Ballett, aber es war 

schon abendfüllend. Du hast eine Geschichte erzählt. Und am 

Ende dachten alle: »Ok, da ist ein Choreograph!« Und dann 

kam der Moment, an dem Du Stuttgart verlässt und nach Frankfurt 

gingst. In Frankfurt hast du ganz schnell das Publikum gepackt, 

hast eine Compagnie gemacht und dann Ballett nach Ballett gemacht. 

Aber dann war Frankfurt, glaube ich, zu klein für Dich. 

Dann kam Hamburg: Es ist phänomenal, was Du da in Hamburg 

kreiert hast. Dein Zentrum, die Compagnie, das Repertoire: 

Du bist der König von Hamburg. Ich denke, eigentlich sollte 

Hamburg »Neumeierburg« heißen, weil, wenn man als Tänzer 

in Dein Zentrum kommt, spürt man Neumeier in jeder Ecke. Deine 

Kraft, Deine Energie – und das wird immer da bleiben. 

Ich habe Dich immer geliebt und bewundert, als Direktor und 

Choreograph. Aber ich habe es wirklich nie gedacht, dass ich 

eines Tages mit Dir arbeiten würde. Ich wusste, dass ich war 

Crankos Tänzerin, aber ich hätte es nie gedacht, dass ich auch 

Deine Tänzerin war. Und eines Tages rufst Du mich in Stuttgart 

an und sagst: »Marcia, ich gehe nach New York, zum American 

Ballet Theatre und mache dort ›Hamlet‹ mit Baryschnikow, Erik 

Bruhn und ich wollen Dich haben.« Für mich war das ein Schock. 

Ich hatte so was wirklich nicht erwartet. Aber ich bin sofort nach 

New York gegangen. Und die Zeit in New York war einmalig 

für mich. Für Dich war das nicht so gut, weil die haben dieser 

Compagnie und John nicht genug Zeit gegeben. Er hatte für Baryschnikow 

fünfzehn Minuten Zeit, dann fünfzehn Minuten für Erik 

Bruhn am Abend. Die haben sich nicht getroffen, weil Sie in 

anderen Balletten arbeiteten. Aber ich war da für Neumeier. So 

habe ich mit John probiert – von morgens bis abends – ich und 

Erik Bruhn. Ich glaube, ich habe nie so viel probiert und Du hast 

den Pas de deux hier geändert und nochmal gewechselt und die 

Soli auch. Und wir waren perfekt, aber wirklich perfekt. Und da 

habe ich Dich wirklich kennen gelernt, als Menschen, als Choreographen. 

Und am Ende habe ich zu Dir gesagt: »Komm’ nach 

Stuttgart! Ich gebe Dir so viel Zeit, wie Du willst, mach’ Deinen 

›Hamlet‹, wie Du willst.« Und das hast Du gemacht. Dein »Hamlet« 

wurde einmalig. Und schon in New York hatte ich zu John 

gesagt: »John, bitte, ich weiß, Du hast eine Compagnie und sehr 

viel zu tun, aber komm‘ nach Stuttgart und mach’ Dein abendfüllendes 

Ballett für uns.« Cranko ist weg. Das war ein riesiges 

Loch, wir brauchten etwas. Und John hat mir versprochen: »Ok! 

Ich komme.« Und sofort hat er angefangen, Ideen zu entwickeln. 


Er hat gesagt: »Machen wir Kleopatra.« Mir war es egal, was 

er macht, wenn er nur ein abendfüllendes Ballett macht. Denn 

das Wichtige ist, dass er nach Stuttgart kommt und für unsere 

Compagnie ein abendfüllendes Ballett macht. Und das war nach 

einer Probe zu »Hamlet«. Wir sind in ein türkisches Restaurant 

gegangen. Ich saß vor Dir und war an diesem Tag so müde, ich 

hatte keine Schminke, ich war einfach fertig. Und plötzlich sehe 

ich in seine Augen. Die bleiben ganz still und gucken mich an. 

So habe ich mich auch nicht bewegt und nur geguckt. Da sagt 

er: »Kameliendame! Machen wir Kameliendame!« Ich glaube, 

in diesem Moment hatte er schon die tote Marguerite vor sich 

gesehen. Und dann begann das Stuttgarter Fieber mit der »Kameliendame«. 

Das hatte die ganze Stadt, das Theater, die Compagnie: 

Wir waren »Kameliendame« und wir wollten nur noch 

»Kameliendame«. Alle haben auf diese Premiere gewartet. Und 

es war wirklich eine Explosion, diese »Kameliendame«. 

Ich erinnere mich an alles, an jedes Wort, das Du zu mir 

gesagt hast – vom Anfang der »Kameliendame« bis zum Ende. 

Bei Dir sind nicht die großen Schritte das Wichtigste, aber das, 

was dazwischen passiert, alle Details. »Kameliendame« – ich erinnere 

mich – das war Detail nach Detail, Detail nach Detail bis 

zum Ende. Einmal, im ersten Pas de deux, ging ich zum Spiegel 

und Du hast eine Stunde lang mit mir probiert. Du wolltest, dass 

das Publikum versteht, dass in diesem Moment, in dem sie sich 

in dem Spiegel sieht, sieht sie ihre Krankheit, sieht das Ende. 

Und war nur eine Armbewegung, nur eine Hand. Aber das war 

nicht so einfach. Eine Stunde hat es gedauert, bis Du gefunden 

hattest, welche Bewegung die Hand machen muss bis zum Gesicht. 

Und so war die ganze »Kameliendame«. 

»Die Kameliendame« ist in meine Haut eingeprägt. Nachher 

hast Du mich mit nach Hamburg genommen, und ich habe mit 

Deiner Compagnie getanzt. Danach kam der Film. Und in diesem 

Film ist es faszinierend zu sehen, wie John morgens kam 

und schon ganz genau wusste: Licht hier und da, da und da. Er 

hat keine Zeit verloren, überhaupt keine Zeit verloren. Ich werde 

nun eine Sache erzählen, da habe ich Dich nie um die Erlaubnis 

gebeten, aber ich erzähle das sowieso: Sie wissen, dass 

ich aus Brasilien komme. In Brasilien beschäftigt man sich mit 

Astrologie, mit allem Möglichen, mit dem Mond, wo der Mond 

ist, wo Jupiter ist und so. Als dann John den schwarzen Pas de 

deux machen wollte – und ich weiß, für ihn war der schwarze 

Pas de deux ganz schwierig – habe ich in meinen Büchern nachgesehen, 

das wird an einem Montag probiert, Montag und die 

Stunde. Dann habe ich meine Astrologin in Brasilien angerufen: 

»Sag’ mir, wie stehen die Planeten da am Montag?« Und sie 

hat gesagt: »Hm, bis 16 Uhr ist ganz schwierig, nach 16 Uhr 

alles ok.« Da habe ich gedacht, was mache ich nun? Dann 

habe ich John angerufen und gesagt: »John, vielleicht denkst Du, 

ich bin verrückt, aber ich muss es Dir sagen.« Dann habe ich 

es ihm gesagt und er sagte nur: »Hm, ok.« Am nächsten Tag, 

morgens – bestimmt erinnert er sich daran – wollen wir mit dem 

schwarzen Pas de deux anfangen. John kommt – ganz langsam 

– und er guckt und sagt: »Nein! Licht ist alles falsch. Wir müssen 

alles wechseln.« Das ganze Team hat ihn angesehen, weil die 

es gewöhnt waren, dass er ganz genau weiß, was er macht. 

Und dann haben sie gewechselt. »Nein, nein. Ich bin noch nicht 

zufrieden. Ich glaube, da …« Das ging so weiter bis halb drei 

nachmittags. Um halb drei hat er dann gesagt: »Ok, wir machen 

alles wie es war am Anfang!« Und genau um 16 Uhr hat er mit 

dem schwarzen Pas de deux angefangen. 

Ein weiterer Grund ist, John, dass ich Dir so dankbar bin, 

dass wir auch mit »Kameliendame« einen Film gemacht haben. 

Mein Solo hast Du mit mir an einem Nachmittag geprobt. Und 

Du hast gesagt: »Noch einmal, noch einmal, und noch einmal, 

und noch einmal.« Meine Füße waren schon keine Füße mehr, 

aber ich habe es gemacht – bis er zufrieden war. Dann kam er 

zu mir und hat zu mir gesagt: »Marcia, dieser Film bleibt ewig. 

Das bedeutet, dass Tänzer, die Dich nie gesehen haben, werden 

Dich eines Tages sehen. Und ich will Dich so perfekt wie 

möglich.« 

Das vergesse ich nicht, denn Du warst so streng mit mir in 

dem Film. Du hast wirklich auf alles aufgepasst. Und wenn Du 

nicht zufrieden warst: nochmal und nochmal und nochmal. Und 

deswegen bin ich Dir von ganzem Herzen dankbar. 

Nach der »Kameliendame« kam das andere Meisterwerk 

»Endstation Sehnsucht«. Und »Endstation Sehnsucht – ich weiß 

nicht, ob ich Dir das schon einmal gesagt habe: Als Marcia, 

als Frau, als Mensch gibt es ein ›Vor-Endstation‹ und ein ›Nach- 

Endstation‹. Die Arbeit mit Dir in »Endstation Sehnsucht« war 

so intensiv, so intensiv. Als Du mir sagtest, dass Du »Endstation 

Sehnsucht« machen möchtest, habe ich gedacht: Wie macht der 

das? Denn ich kannte das Spiel, das Theater-Stück, den Film mit 

Vivian Leigh. Aber alles wurde gesprochen. Alles findet in dem 

Kopf dieser Frau statt. So, wie zeigst Du es dem Publikum, was 

ist in Deinem Kopf? Und ich hätte diese Blanche nicht geschafft 

ohne Dich. Ohne Dich – und das meine ich wirklich so – Du hast 


stundenlang mit mir über jedes Detail gesprochen und das sechs 

Wochen lang. Und es wurde noch ein Meisterwerk. 

Dann kam »Medea«. Bei »Medea« hast Du meine ganze brasilianische 

Energie genommen und in diese Medea getan. So, 

was Du für mich gemacht hast, in meiner Karriere, da kann ich 

Dir dafür nur dankbar sein. 

Dann kam – ich denke, das war einer der größten Momente 

in unserem Leben – das war Béjart. Es war zu der Zeit, als ich 

viel mit Maurice Béjart zusammengearbeitet habe in der Compagnie 

du XXe Siècle. Eines Tages sagte Béjart zu mir: »Marcia, 

ich will für Dich noch mal ›Die Stühle‹ machen.« »Die Stühle« 

war ein Ballett, das er für sich und eine brasilianische Tänzerin, 

Laura Proença, kreiert hatte. Und er sagte: »Ich will Dich haben. 

Aber das Problem ist, wer macht es mit Dir?« Denn er war nicht 

mehr in der Lage zu tanzen. Ich kannte »Die Stühle« nicht, und 

so habe ich Maurice gefragt: »Ja, was brauchst Du?« »Ganz 

einfach, ich brauche jemanden, der so verrückt ist wie ich; der 

alles machen kann, der ein Tänzer ist, aber nicht nur ein Tänzer, 

der auch sprechen kann.« Da habe ich ihm gesagt: »John Neumeier.« 

Und er sieht mich an und sagt: »DER Neumeier? DER 

von Hamburg? Der große Choreograph? – Nein, er wird nie 

Zeit haben für mich.« Ich habe gesagt: »Ruf’ ihn an!« Er hat ihn 

angerufen und John hat sofort »Ja!« gesagt. Bei der ersten Probe, 

als ich im Ballettsaal saß, waren diese zwei großen Phänomene 

da: Béjart und Neumeier. Aber bei Neumeier habe ich nicht 

mehr den Direktor und den Choreographen gesehen. Da stand 

nur dieser junge Tänzer wie damals beim Royal Ballet. Der stand 

vor Béjart und hat nur darauf gewartet, dass Béjart sagt: »Hier, 

so fangen wir an.« 

Diese Arbeit mit Dir und mit Béjart war so etwas, was uns 

drei zusammen gebracht hat und auch uns beide. Weil es kann 

sein, dass ich Dich Jahre nicht sehe, aber, wenn ich Dich dann 

sehe, ist es, als wenn kein Tag vergangen wäre. Darum bin ich 

heute hier. 

John, Danke, dass Du existierst. Danke für alles, was Du für 

das Ballett gemacht hast und noch machen wirst. Danke für alles, 

was Du für mich gemacht hast. Und nicht vergessen: Zwei 

Phänomene sind schon weg: Cranko und Béjart – Du bist da! Du 

musst weiter machen! Und ich bin sicher, Béjart und Cranko, die 

sind mit Dir – immer, wenn Du es willst. Du solltest nie aufhören, 

weil Phänomene gibt es nicht so viele in unserem Leben. Und Du 

bist einer der letzten. 

Am meisten danke ich Dir, dass Du mein Freund bist. ■ 

Dank des Preisträgers 

John Neumeier 

Danke, Marcia für Deine schönen bewegenden Worte... 

Dank Ihnen, Herr Roehm, und allen, die sich entschieden haben, 

mir diese renommierte Auszeichnung zu verleihen. 

Als ich durch Ulrich Roehm zuerst davon hörte, dass ich zum 

zweiten Mal den Deutschen Tanzpreis erhalten sollte, war ich 

natürlich glücklich – aber, ehrlich gesagt, fühlte ich mich auch etwas 

unbequem – zweimal diesen tollen Preis zu erhalten, schien 

mir etwas habgierig zu sein und nicht sehr bescheiden. 

Herr Roehm erzählte mir, es sei nicht nur der »normale« gleiche 

Preis, sondern ein »Jubiläums-Tanzpreis«, den ich erhalten 

sollte – d.h. dieses ist ein ganz besonderes Jahr: Der Deutsche 

Tanzpreis wird zum 25. Mal vergeben. 

Und für mich persönlich, so erinnerte er, sammelten sich auch 

einige Jubiläen an: Schon immer schlecht in Mathematik, musste 

ich noch einmal zurück denken, denn viele der Daten waren 

mir nicht bewusst. Vor allem musste ich mit Erstaunen feststellen, 

dass es tatsächlich schon fast 45 Jahre sind, dass ich in Deutsch- 

land lebe und arbeite. Übrigens 46 Jahre, seit ich meine Heimat 

Amerika verlassen und am 28. Juli 1962 meiner Mutter beim 

Abschied versprochen habe, spätestens bis Weihnachten nach 

Milwaukee zurückzukehren! 

Beinahe 40 Jahre bin ich Ballettdirektor – am 1.12.1969 

fing ich in Frankfurt an. Es sind 35 Spielzeiten in Hamburg – 

inzwischen als Intendant und Geschäftsführer. Die Ballettschule 

feiert ihr 30-jähriges Jubiläum, und es ist 20 Jahre her, dass ich 

1988 das erste Mal den Deutschen Tanzpreis erhalten habe. 

Normalerweise bedeuten mir »Meilensteine« wie Geburtstage 

nicht viel. Zeitspannen habe ich eher gemessen oder mir 

gemerkt, in Daten von Premieren, d.h. »Geburtstage« von Kreationen, 

oder den Beginn einer lang geplanten, erhofften Tournee 

mit der eigenen Compagnie. Aber Jubiläen – besonders wenn 

sie sich so häufen – und die übrigens umso schneller kommen 

je älter man wird – verleiten dazu, zurück zu blicken, nachzudenken, 

Bilanz zu ziehen. 

Der Deutsche Tanzpreis – warum befinde ich mich heute überhaupt 

in Deutschland? Geboren und aufgewachsen bin ich in 

Amerika, ohne jemals daran zu denken, meine Heimat zu verlassen. 


Ist es wirklich Zufall oder Fügung, dass ich schon einige Jahre, 

bevor ich zum ersten Mal nach Europa kam, zutiefst beeindruckt 

gewesen bin von dem Ballett »Antigone« – ausgerechnet 

von John Cranko – das ich während einer Tournee des Londoner 

Royal Ballet in Chicago sah. Zufall oder Fügung, dass ich nicht 

in die Ballettschule des Königlich-Dänischen Balletts aufgenommen 

werden konnte, dafür aber an die Royal Ballettschule in 

London, als ich ein letztes Studienjahr in Europa verbringen wollte 

– nicht zuletzt um europäische Kultur – vor allem die Malerei 

der italienischen Renaissance – näher kennen zu lernen. 

Zufall? Dass, obwohl die Pädagogin Vera Volkova in Kopenhagen, 

bei der ich das große Glück gehabt habe, in meiner 

Ferienzeit Privatunterricht zu erhalten, mich John Cranko bei seinem 

Besuch am Königlichen Theater vorgestellt hat, obwohl sie, 

Volkova, fest überzeugt war, dass ich zu George Balanchine 

nach New York zurückkehren müsste. 

War es wirklich der größte Zufall, dass Marcia Haydée und 

Ray Barra mich bei einem Mazurkaschritt im Frühling 1962 gesehen 

und mir danach eine Position in John Crankos neu begonnenem, 

aufregendem Stuttgarter Ballett angeboten haben? 

Und war es dann der letzte Zufall, dass Dame Ninette de Valois, 

damals Direktorin des Royal Ballet, die mich George Balan- 

chine persönlich empfohlen hatte, mir von seiner Reaktion zwei 

Monate zu spät berichtete und ich inzwischen meinen ersten 

Vertrag mit Stuttgart schon unterschrieben hatte? Es war entschieden! 

Ich ging nach Stuttgart, in eine Stadt, deren Namen ich 

noch nie zuvor gehört hatte. Wenn es denn wirklich Zufall war, 

habe ich mich dagegen gewehrt – denn im April 1963 schrieb 

ich an George Balanchine: 

»Lieber Mr. Balanchine, Sie kennen mich nicht, aber als Madame 

Ninette de Valois im vergangenen Frühling mit dem Royal 

Ballet in New York war, hat sie mich Ihnen empfohlen. Ich bin 

amerikanischer Staatsbürger, 20 Jahre alt, und war Schüler der 

Royal Ballet School London mit einem einjährigen Stipendium. 

Als Amerikaner kann ich nicht in England arbeiten, und Madame 

de Valois hat sich freundlicherweise angeboten, mit Ihnen 

über meine Zukunft zu sprechen. Erst jetzt habe ich erfahren, 

dass Sie doch bereit waren, mich anzusehen und mich danach 

evtl. in Ihre Schule oder Compagnie aufzunehmen. Ich bin sehr 

glücklich und dankbar für Ihr Angebot! 

Leider wartete Madame de Valois fast zwei Monate nach 

ihrer Rückkehr aus Amerika, um mir Ihr freundliches Angebot 

mitzuteilen. Inzwischen habe ich eine Position in John Crankos 

Stuttgarter Ballett angenommen, da ich ohne Geld nicht länger 

hätte studieren können. 

Aber mein Vertrag läuft nur bis zum 1. Juli 1964, und ich 

hoffe sehnlichst, dass, wenn ich nach New York zurückkehre, Ihr 

Angebot noch besteht. 

Mit Respekt und Dank, Ihr JN« 

Ich habe natürlich nie von George Balanchine gehört, und eine 

der wenigen Verletzungen meiner Tänzerkarriere hat mich daran 

gehindert, mich nach der ersten Stuttgarter Saison beim New 

York City Ballet vorzustellen und Balanchine an sein Angebot zu 

erinnern. Zufall? 

Die erste Zeit in Stuttgart war aufregend. Ich versuchte schnell 

Deutsch zu lernen – und versuche es immer noch – obwohl ich 

John Crankos Vorschlag, meinen Vornamen »John« in »Hans« umzuändern, 

um ganz deutsch zu scheinen, nach reiflicher Überlegung 

(Gott sei Dank!) abgelehnt habe! 

Die kreative und praktische handwerkliche Arbeit mit John 

Cranko war lehrreich. Schon in Amerika hatte ich angefangen 

zu choreographieren – ja, so lange ich denken kann, beinhaltete 

Tanz für mich in erster Linie Kreativität. Aber die Menschen, 

mit denen ich zusammenarbeiten konnte, inspirierten mich erneut 

zu meiner wirklichen Berufung, Choreograph zu sein: Marcia, 

Crankos wirkliche Muse, vor allem, aber auch die Tänzer, die 

an meine eigene schöpferische Vision geglaubt und mit mir daran 

gearbeitet haben: zuerst Marianne Kruuse, Truman Finney, 

Max Midinet, und später wurde einer meiner »Entdecker«, der 

Stuttgarter Star-Tänzer Ray Barra, als Ballettmeister unendlich 

wichtig für mich, als ich viel früher, als es jeder erwartet hätte, 

Direktor meines eigenen Ensembles in Frankfurt wurde. 

Zufall wurde zur Aufgabe, Aufgabe zu freudiger Herausforderung, 

als ich von Intendant Ulrich Erfurt berufen wurde, eine 

Compagnie von 28 Tänzern für die Oper in Frankfurt im Dezember 

1969 zu übernehmen. Die Zufälle, die in meiner Entwicklung 

als Künstler in dieser sehr kreativen Frankfurter Zeit eine 

wichtige Rolle gespielt haben, sind zu viele, um sie alle hier 

aufzuzählen. 

Man denke nur an das aus Vorstellungsnot erfundene, von 

mir als Sujet und Musik zuerst gehasste »Nussknacker«-Ballett – 

inzwischen meine Huldigung an das Klassische Ballett und ein 

Blick in meine Autobiographie – das mehrere hundert Vorstellungen 

in verschiedenen Compagnien und in aller Welt erlebt hat. 

Durch den Zufall »Stuttgart« begegnete ich Jürgen Rose, der zum 


Freund und als Kostüm- und Bühnenbildner zentraler Partner bei 

vielen Kreationen wurde. 

Ich wusste nicht, wer August Everding war, als eine liebe 

Opernsekretärin (ich hatte damals keine eigene!) mir von seinem 

Wunsch, mich kennen zu lernen berichtete. Ich war sehr streng, 

absolut und jung-mutig konsequent in meinen Bedingungen über 

die Möglichkeit, meine geliebte erste Compagnie in Hamburg 

weiter zu entwickeln. Ich war aber letztendlich überzeugt, dass 

meine Vision von einem humanen Ballett-Theater, in dem – ob traditionelles 

Handlungsballett oder Neuschöpfung – der Mensch 

im Mittelpunkt steht, größeren Raum braucht. »Schwanensee« 

wäre in Frankfurt unmöglich zu verwirklichen gewesen. 

Ich wollte ein »Dornröschen« auf der Bühne sehen, dem ich 

trotz Virtuosität glauben könnte. Figuren der Weltliteratur wollte 

ich durch Bewegung dreidimensional gestalten, wollte neue Formen 

für einen Ballettabend finden, ein intelligentes, ein emotional 

sensibles Ensemble schaffen, erziehen und entwickeln. 

Menschen waren – und sind Gott sei Dank immer noch – mein 

geliebtes »Arbeitsmaterial«. Ich fürchte, einige, die mir in Erinnerung 

kommen, zu nennen, aus Angst, andere zu vergessen und 

zu verletzen. Denn ich glaubte und glaube immer noch an das, 

was man Ensemble nennt: eine Gruppe von unterschiedlichen, 

individuellen, starken Persönlichkeiten, die mit Kraft, Können und 

Demut für das eine arbeiten: für die Kreation – das Ballett – das 

daraus entstehende Werk ist das Wichtigste. 

Trotzdem, einige meiner wichtigsten Arbeiten wären nicht 

ohne die schon erwähnte Marianne Kruuse, ohne Persephone 

Samaropoulo, Beatrice Cordua, François Klaus, Kevin Haigen, 

Egon Madsen, Gigi Hyatt, Violette Verdy, Ivan Liška, Gamal 

Gouda, Natalia Makarova oder Marcia Haydée, entstanden 

– ja, die Liste könnte noch viel länger sein. 

Interessanterweise habe ich damals niemals daran gedacht, 

eine »deutsche« Compagnie aufzubauen. Ich bin und bleibe 

Amerikaner und der Anfang unseres heutigen Programms mit 

»Yondering« zu der bewegenden volkstümlichen Musik von Stephen 

Foster, oder George Gershwins »I got rhythm variations«, 

zeugen – glaube ich – von meiner wahren Herkunft. 

Es war in Tokio, beim ersten Gastspiel des HAMBURG BAL- 

LETT im Jahre 1986, als ich nach der Premiere eine Rede halten 

musste und dafür zwischen den Flaggen Deutschlands und 

Japans stand – die Flaggen, die ich auf einmal erkannt habe 

als die der zwei »Erzfeinde« meiner Kindheit! Ich war auf einmal 

tief bewegt, als Amerikaner dieses internationale, deutsche 

Ensemble präsentieren zu dürfen als Botschafter für Versöhnung 

und Frieden. Auf einmal bemerkte ich, wie weit ein Zufall – oder 

mehrere Zufälle – mich gebracht hatten. Und mich hoffentlich 

heute noch weiter bringen. 

Wenn man vom Zufall spricht – war es wirklich Zufall, dass 

1975 wir beide, der berühmte französische Choreograph Maurice 

Béjart und ich, sich entschieden hatten, die »Dritte Sinfonie 

von Gustav Mahler« zu choreographieren, und wie wunderbar, 

dass ich durch diesen Zufall die Möglichkeit erhielt, ein großes 

Vorbild und eine große Inspiration für mich, Maurice, kennen 

zu lernen, als ich sein Ballet du XXe Siècle zu unseren Ersten 

Hamburger Ballett-Tagen als Alternative zu meinem ersten sinfonischen 

Werk eingeladen habe. Es war aber sicherlich kein 

Zufall, wie unsere Freundschaft wuchs und über die Jahre immer 

tiefer wurde – und Krönung dieser Freundschaft war seine fantastische 

und tief bewegende Kreation »Die Stühle« für Marcia 

Haydée und mich. Bei der Tanzpreis-Verleihung vor 20 Jahren 

war ich stolz und glücklich, dass Maurice Béjart die Laudatio 

für mich gehalten hat. Und ist es Fügung, dass Marcia Haydée, 

meine »Semiramis«, Partnerin in »Die Stühle«, heute die Laudatio 

gehalten hat? Den Verlust dieses Freundes und großen Künstlers 

betrauere ich sehr – sicher wie wir alle – und der letzte Beitrag 

des heutigen Programms ist bewusst und mit Liebe Maurice gewidmet. 

Ja, Jubiläen verleiten dazu, nachzudenken. Nach 70 Premieren, 

Tourneen in mehr als 100 Gastspielorten in 28 Ländern, 

in denen das HAMBURG BALLETT nahezu 800 Vorstellungen 

getanzt hat, mehr als 175 Ballett-Werkstätten, nachdem eine 

Schule gegründet, ein einmaliges Ballettzentrum errichtet, eine 

wissenschaftliche Ballettstiftung ins Leben gerufen wurden, während 

»mein« HAMBURG BALLETT von September 1973 bis heute 

etwa 3600 Vorstellungen getanzt hat, ist die Reise noch nicht zu 

Ende. Inzwischen besitze ich auch die deutsche Staatsbürger- 

schaft, (und freute mich, am letzten Sonntag zum ersten Mal an 

einer Wahl in meiner Wahlheimat Hamburg teilzunehmen!) 

Manchmal, wenn man von Zufall spricht, scheint es etwas 

von »Glücksspiel« zu haben, oberflächlich zu sein. In meinem 

Fall – wenn es wirklich Zufall wäre – war es glücklicherweise 

ernsthaft: Meine zufällige Zeit, mein zufälliger Aufenthalt in 

Deutschland bedeutet die Realisierung einer ernsten Berufung, 

die durch Akzeptanz, Verständnis, Aufgabe, Inspiration, Kritik, 

Enttäuschung, Freude, Herausforderung und Verantwortung und 

immer wieder Neugier zum wirklichen Inhalt meines aus polnisch-deutscher 

Herkunft stammenden amerikanisch-deutschen 

(or whatever) Lebens zu sein. 

Ich bin tief bewegt und stolz, diesen Deutschen Jubiläums- 

Tanzpreis entgegenzunehmen. 

Danke. ■ 


NRZ vom 3.3.2008 

Der Deutsche Jubiläums-Tanzpreis 2008 

im Spiegel der Presse 

www.tanznetz.de 


Jedes Jahr ist die Verleihung des Deutschen Tanzpreises in Essen nicht nur ein herausragendes Kultur- 

Die Hamburger Kultursenatorin Prof. Dr. Karin von Welck 

beglückwünscht John Neumeier 

Prof. Lutz Förster (links), Leiter des Studiengangs Tanz an der Folkwang-Hochschule, und 

Prof. Dr. Oliver Scheytt, Geschäftsführer der Kulturhauptstadt Ruhr.2001 GmbH 

Elke Holle-Riemenschneider, ehemalige Solistin des Stuttgarter Balletts, mit ihrem Gatten 

Heinrich und John Neumeier 

Xin Peng Wang (links, Ballettdirektor Dortmund), Traudl Kuppe-Loew im Gespräch mit 

Frank-Manuel Peter (Deutsches Tanzarchiv Köln) 

Ivan Liška, Ballettdirektor des Bayerischen Staatsballetts, 

und Bernd Schindowski, Ballettintendant Gelsenkirchen 

Christine und Siegfried Maruhn im Gespräch mit Wulf 

Mämpel (Mitte), drei langjährige Freunde und Unterstützer 

des Deutschen Tanzpreises 


ereignis, sondern auch ein Familientreffen für die Freunde und Förderer des Balletts in Deutschland. 

Tanzpreisträger Horst Koegler mit Roland Gawlik 

(Ballettdirektor Friedrichstadtpalast Berlin) 

Frank Andersen, Direktor des Royal Danish Ballet, und Heinz Spoerli, Ballettdirektor 

des Züricher Balletts 

Roberto Bolle im Gespräche mit dem Träger des Deutschen Jubiläums-Tanzpreises 

John Neumeier 

Die Tanzpreisträger Hans Herdlein (vorne) und Philippe Braunschweig im 

Gespräch mit Rainer Woihsyk (Noverre Gesellschaft Stuttgart) 

John Neumeier, Ulrich Roehm und Uschi Ziegler, Schulleiterin der Ballettschule 

des Hamburg Ballett und Trägerin des Ehrenpreises des DBfT 2007, 

im Gespräch mit Studierenden der Hamburger Schule 

Die langjährige Primaballerina des Stuttgarter Balletts und Tanzpreisträgerin 

1998, Birgit Keil, mit Bundestagspräsident Dr. Norbert Lammert 


18 

WAZ vom 3.3.2008 

WAZ vom 3.3.2008

»Man muss auf der Bühne 

etwas zu sagen haben!« 

Dietmar Seyffert über seinen Weg zum 

Tänzer, Choreographen und Pädagogen 

Das Gespräch führte Volkmar Draeger 

Volkmar Draeger: Wenn Sie am 7. April Ihren 65. Geburtstag 

feiern, liegen 48 Jahre Berufsleben für den Tanz hinter Ihnen. 

Woran denken Sie besonders gern? 

Dietmar Seyffert: An den Spaß beim Choreographieren und 

auf meinen privaten Segeltörns. Auf See fühlt man sich ganz 

klein gegenüber der Natur, schraubt sich auf ein reales Maß 

zurück. Das gibt Kraft und Ausgeglichenheit. Gern denke ich 

auch an die Gespräche mit Palucca. Worauf ich stolz bin: Zwei 

Kinder groß gezogen zu haben. 

Was waren prägende Erlebnisse? 

In der Ausbildung die unglaublich guten Improvisationsstunden 

bei Palucca. Später als Tänzer habe ich mich nie so recht 

wohl gefühlt, vielleicht als Romeo in Grita Krätkes Fernseh-Tanzpoem 

»Romeo, Julia und die Finsternis« oder als Halbstarker in 

dem erfolgreichen DEFA-Musikfilm »Hochzeitsnacht im Regen«. 

Das morgendliche Training empfand ich immer als Strafe, erst 

gegen Ende der Stunde fand man seine Bestätigung. 

Gab es dennoch auch wichtige Erfahrungen? 

An der Berliner Staatsoper in »Spartacus« getanzt zu haben 

oder den Hilarion unter unserer damaligen Ballettchefin Lilo Gruber. 

Sie ließ uns viel gestalterische Freiheit, das gefiel mir – und 

ihr im Ergebnis dann auch. Ziemlich früh habe ich erkannt, dass 

Talent nur zu maximal 15 Prozent und allenfalls für die ersten 

drei Jahre den Erfolg ausmacht. Dann zählen nur noch physische 

Arbeit und Willenskraft. Dass man heute auf der Bühne so viele 

gute Techniker, aber so selten Persönlichkeiten sieht, bedaure 

ich. 

Wie kamen Sie zur Choreographie? 

Vielleicht sollte ich erst erzählen, wie ich zum Tanz kam: Als 

Sudeten-deutsches Flüchtlingskind verschlug es mich mit der Familie 

nach Limbach bei Chemnitz. Vater als Ex-NSDAP-Funktionär 

kam ins Umerziehungslager und floh in die Westsektoren, 

Mutter schälte bei den Russen Kartoffeln und fand für mich eine 

Uhrmacherlehre. Eine Lehrerin empfahl allerdings die Palucca- 

Schule, weil man dort nichts bezahlen musste. Allein, in Turnhose 

und barfuß, kam ich mit 13 zur Eignungsprüfung nach Dresden, 

fiel, da ohne jede Vorbildung, in Klassisch glatt durch. Tanze, 

was du willst, ermunterte mich Palucca beim Modern-Test. Ich 

kann gar nicht tanzen, das will ich ja hier erst lernen, lautete 

meine Antwort. Dann beweg’ dich einfach! So nahm ich eine 

Ballettstange, drosch drauflos und behauptete, das sei Bauernkrieg, 

weil wir den gerade in der Schule behandelt hatten. 

Da ist was dran, war Paluccas Urteil, und gegen alle anderen 

Pädagogen behielt sie mich für ein Probejahr. Und weil ich im 

zweiten Ausbildungsjahr noch immer kein Ballett gesehen hatte, 

schickte sie mich zur »Strafe« in jede Ballettvorstellung der Oper, 

damals gerade die Schilling-Ära, natürlich Stehplatz. Auf drei 

Seiten musste ich über die Aufführung dann berichten. Das gute 

Essen, die Mädchen und der Unterricht bei Palucca gefielen 

mir sehr, und auch in Klassisch strengte ich mich bald mehr an. 

Wenn Gäste in die Schule kamen, also ziemlich oft, ließ mich 

Palucca aus dem Theorieunterricht holen, damit ich mit den anderen, 

manchmal sogar mit ihr allein vorimprovisierte. Für meine 

Bewegungsfantasie bekam ich als Student immer wieder Lob. 

Zu meinem 50. Geburtstag schenkte sie mir Faksimiles ihrer Tagebuchnotizen 

über mich. Was ich bei ihr auch lernte: Beim 

Choreographieren zuerst die Schlussidee zu entwickeln und zu 

stellen, damit man das Ziel kennt, auf das man konsequent hin 

arbeiten muss. Die Palucca-Schule: Meine schönste Zeit. 

Zur Choreographie kam ich eher über Widerstände. Mit 21, 

als Tänzer in der Berliner Staatsoper, entwarf ich für eine Gruppe 

Gleichgesinnter kleine Stücke. Lilo Gruber fand das unmöglich, 

verbot einzelne Tänze, ließ uns sonst gewähren. Für eine der 

ersten Choreographien gewann ich den Nachwuchspreis beim 

DDR-Ballettwettbewerb, damals noch in der Berliner Volksbühne, 

später dann dreimal hintereinander den 1. Preis, bis ich von der 

Teilnahme ausgeschlossen wurde. 

Auch privat war ich auf Widerstand abonniert, beispielsweise 

gegen den abgehauenen Vater. Mit 14 trat ich der FDJ bei, 

1966 drehte das DDR-Fernsehen mit Dietmar Seyffert in der Hauptrolle den 

Film »Prometheus« (Foto: Privatarchiv Dietmar Seyffert) 

mit 18 freiwillig der SED – das gesamte Ensemble hielt mich für 

bekloppt. Ich glaubte, etwas verändern zu können. Erste Zweifel 

fingen 1973 an, als ich nicht aus der Kirche austreten wollte. 

Ich war damals fast fanatisch gläubig, wurde dann ein ebenso 

überzeugter Kommunist. Nach dem Einmarsch der russischen 

Truppen in Prag schrieb ich einen Protestbrief, ab 1983 wurde 

ich quasi zur persona non grata. Man beließ mich dennoch in 

allen Funktionen, darunter Vorsitzender der Sektion Tanz im Theaterverband 

der DDR, Präsident Tanz im Internationalen Theaterinstitut 

der UNESCO. 

Sie galten immer als eine Art junger Wilder. Ich erinnere mich 

an erregte Debatten über Ihren Dreiteiler »Der neue Don Quixote« 

1987 in Leipzig... 

Ich wollte die Welt zeigen, wie sie ist. In der erwähnten Inszenierung 

gab es Frauen an Fleischhaken, wie bei der Fleischbeschau, 

auch schon einen Schauspieler. Sechs Pauker des 

Gewandhauses spielten. Der Intendant verbot das Stück, das 


Ensemble verfasste einen Solidaritätsbrief. Erst das Argument, es 

gehe nicht um die DDR, sondern um Kapitalismuskritik, machte 

insgesamt vier Aufführungen möglich. Auch das Recht, »Le Sacre 

du Printemps« zu inszenieren, presste ich dem Intendanten ab. 

Elf Jahre war ich Choreograph in Leipzig, acht davon parallel 

an der Staatsoper Unter den Linden, bis ich körperlich, psychisch 

und kreativ total erschöpft war. Für Berlin choreographierte ich 

auch »Die Glocke«: Russland war darin die durchsichtige Mutterglocke, 

unter der es brodelt und die auseinander bricht. Ich wollte 

zeigen, wie Menschen an ihrer Revolution verbrennen. Empörte 

Leserbriefe im »Neuen Deutschland« erzwangen eine Absetzung 

des Stücks, wiewohl ich im Osten überwiegend Verrisse erntete, 

während ich im Westen gelobt wurde. So kam es zu meiner 

internationalen Karriere, die mich bis heute in 35 Länder führte, 

auch nach Neu-Delhi, Kalkutta, zum Taj-Mahal-Festival in Agra, 

nach Kairo, wo meine Viereinhalb-Stunden-Show »1000 Jahre 

Kairo« sechs Jahre ausverkauft lief. Mit 27 hatte man mich auf 

zwei Jahre nach Ägypten delegiert, dort lernte ich auch Arabisch 

und beschäftigte mich mit dem Koran. Für Mexiko City entstanden 

zum Cervantes-Festival ein neuer »Sacre« und ein Stück über 

1992: »Kleistiana« – ein Tanztheater in drei Akten, Choreographie Dietmar 

Seyffert, stehend im Hintergrund Gregor Seyffert, Deutscher Tanzpreis 

2003 (Foto: Annette Höfer) 

indianische Historie, beides lief live im Fernsehen. So ab 1985 

merkte ich, dass der Kommunismus eine glänzende, aber nicht 

durchsetzbare Idee war. Heute gefällt mir der Buddhismus am 

besten, das göttliche Moment in sich zu finden. Für die Bühne 

gilt: Man muss etwas zu sagen haben! 

Gerade für Ihre modernen Beiträge gewannen Sie bei großen 

Ballettwettbewerben viele Preise. Kam so die spektakuläre Zusammenarbeit 

mit Ihrem Sohn Gregor zustande? 

Was er an der Komischen Oper zu tanzen hatte, reichte nicht 

für eine internationale Karriere. Ich wollte ihn fördern, auch durch 

Sprechunterricht. »Back Home« als Kriegsheimkehrerdrama hieß 

einer der ersten Wettbewerbserfolge. »Clown Gottes«, das Solo 

um Nijinsky, mit dem er noch heute weltweit tourt, schenkte ich 

ihm zum Geburtstag, Uraufführung im Berliner Hebbel-Theater. 

Als das Stück ins Repertoire der Komischen Oper überging, entstand 

als zweiter Teil »Wölfe«, eine Zeitkritik. Ich bin stolz darauf, 

dass Gregor heute selbst choreographiert und so vielseitig ist. 

Weshalb sieht man von Ihnen kein Stück mehr auf deutschen 

Bühnen? 

Noch nach der Wende habe ich viel in Deutschland gearbeitet. 

Vor neun Jahren erlitt ich an der Deutschen Oper Berlin 

meinen größten Misserfolg. Möglicherweise war das Stück nicht 

gut, obgleich es bei der Uraufführung in San Francisco als bestes 

Antikriegsstück seit »Der Grüne Tisch« gefeiert worden war. 

In Berlin drosch die Kritik erbarmungslos auf mich ein, wollte 

wohl den Ost-Dino mal so richtig abwatschen. Ich verstand die 

Welt nicht mehr und arbeite seither nicht mehr in Deutschland. 

Vielleicht eine Überreaktion. 

Was war der Anlass, das in Europa einzigartige Choreographie-Studium 

in Berlin einzurichten? 

Es gab für die vielen Ensembles der DDR zu wenige Choreographen 

und auch keine Valuta, um Ausländer einzukaufen. 

Mein Vorschlag, einen Diplom-Studiengang 

für die eigenen Ressourcen einzurichten, 

stieß beim Kulturministerium auf offene Ohren. 

Man berief mich zum Professor und gab 

mir, neben meiner Tätigkeit an der Leipziger 

Oper, ein Jahr Zeit, die Lehrpläne auszuarbeiten. 

Ich selbst hatte ja ein vierjähriges 

Choreographie- und Psychologiestudium in 

Leipzig und eine zweijährige Aspirantur im 

damaligen Leningrad absolviert. Gewünscht 

war die Anbindung des Studiums an die Berliner 

Ballettschule. Mir schien aber die Schauspielschule 

der richtige Platz, weil dort die 

Studenten mit angehenden Schauspielern, 

Regisseuren, Dramaturgen in Berührung kommen. 

Unsere Studenten bekamen Unterricht 

in Regie und Szenenstudium, im Gegenzug 

vermittelten wir den Schauspiel- und Regiestudenten 

etwa Raumlehre, Umgang mit Gestik 

und theatraler Zeit. 

Was wurde in Ihrem Studiengang noch gelehrt? 

Insgesamt gab es über vier Jahre verteilt 27 Fächer, vom täglichen 

Training über Raum- und Bewegungslehre, Bewegungskomposition, 

Inszenierungsmethodik und choreographischen 

Einzelunterricht bis zu Anatomie, Biorhythmik, Sprecherziehung, 

Bühnenbild/Kostüm, Lichtdesign. Eine breit gefächerte Ausbildung, 

die auf alle Einsatzgebiete vorbereiten sollte, ob Theater, 

freie Szene, Show, Zirkus oder Eisrevue. Das Handwerk ist überall 

das gleiche. Schließlich hat auch Balanchine für Elefanten 

und Spoerli für Reitpferde in der Manege choreographiert. Viele 

Eiskunstlaufpaare der DDR errangen mit Choreographien von mir 

Weltmeistertitel, und mir hat dieser Ausgleich Spaß gemacht. Von 

den 15 Bewerbern für den ersten Studiengang, der nur jedes 

zweite Jahr immatrikulierte, habe ich damals fünf genommen. In 

den vergangenen zwei Jahrzehnten haben rund 50 Absolventen 

unsere Schule verlassen, viele besetzen Chefpositionen in Theatern, 

wie der hochbegabte Mario Schröder in Kiel, andere arbeiten 

in der freien Szene, wie Christoph Winkler oder Sven Sören 

Beyer, oder im eigenen Cabaret wie Sylvia Schmidt. Von den 40 

Prozent Ausländern arbeiten heute viele in ihren Heimatländern. 


Als Bilanz gefragt: Ist Choreographie lehrbar? 

Als Handwerk ja, und durch methodisches Herangehen kann man 

vorhandene Kreativität schulen und erweitern. Talent selbst hat man 

oder eben nicht. Frühzeitig habe ich übrigens erkannt, dass Lehre und 

Forschung eng zusammengehören. So entstanden im Lauf der Zeit 71 

Lehrbriefe zur Choreographie – die Quintessenz meiner langjährigen 

Erfahrung. Konflikt und Harmonie, Synchronismus und Asynchronismus, 

Raumlehre als dynamischer Prozess, wie stellt man Allegorien dar, wie 

übersetzt man Bewegung aus dem Alltag künstlerisch in den theatralen 

Alltag, so lauten einige der darin behandelten Themen. 

Mit Selbstauslöser fotografiert: Dietmar Seyffert beim 

Einhandsegeln auf seiner Jacht »Palucca« auf dem Weg 

nach Norwegen. Gret Palucca (Trägerin des Deutschen 

Tanzpreises 1993) hatte die Yacht selbst getauft. 

Vor anderthalb Jahren 

wurde der letzte 

Studiengang immatrikuliert. 

Deren jüngste 

choreographische 

Präsentation war von 

erschreckend niedrigem 

Niveau. Haben 

sich die Ausbildungsziele 

geändert? 

Lange und rechtzeitig 

habe ich mich um 

einen Nachfolger bemüht. 

Derzeit bin ich 

nur noch Vorsitzender 

der Prüfungskommission 

und Mentor, falls 

Studenten mich darum 

bitten. Ingo Reulecke, 

auch er unser Absolvent, 

hat als neuer Leiter 

des Studiengangs 

eine andere Auffassung 

davon, was ein 

Künstler heute können soll. Es scheint mir daher nicht nur logisch, dass 

mit meinem Ausscheiden der von mir begründete Studiengang ausläuft. 

Vielmehr bin ich froh, mit dem in der Nachfolge geplanten Master-Studiengang 

nichts mehr zu tun zu haben und keinerlei Verantwortung dafür 

zu tragen. Während überall in der Gesellschaft die Bedeutung von Choreographie 

wächst, ob im Management über Gestensprache, im Sport, 

bei der Selbstinszenierung in der Politik, verengt – soweit ich das überblicke 

– jenes Master-Studium den Begriff Choreographie eklatant, statt 

ihn zu erweitern. Ob dieser neue Studiengang meine Lehrbriefe möchte, 

befindet sich noch in Klärung. Angebote aus Russland und England sind 

da schon konkreter. 

Zieht sich Dietmar Seyffert nun resigniert aufs Altenteil zurück? 

Überhaupt nicht. Im April choreographiere ich am Nationaltheater 

Prag, arbeite als Juror in Perm, gebe zuvor ein choreographisches Seminar 

an der GITIS in Moskau; ähnliche Seminare folgen 2009 in San 

Antonio in den USA, 2010 im kanadischen Victoria, wo ich gleichzeitig 

mit Studenten Brechts »Die Rundköpfe und die Spitzköpfe« inszeniere. 

Im Oktober erscheint in Russland mein Lehrbuch über Tanzpädagogik, 

Interesse an einer englischen Ausgabe liegt vor; gegenwärtig schreibe 

ich gemeinsam mit Enno Markwart an einem Band über Fantasie und 

Kreativität in der Bewegungsfindung. Im November beginne ich eine 

Tanztheaterproduktion vom »Kaukasischen Kreidekreis« in der kambodschanischen 

Hauptstadt Phnom Penh, ab 2009 gibt es Angebote aus 

Russland, der Ukraine, den USA und aus Chile. Bis dahin aber sollte 

ich mit meiner Segeljacht mindestens zweieinhalb Monate pro Jahr die 

Meere durchpflügen. ■ 

»Faust«, der Zweite 

Verleihung des Deutschen 

Theaterpreises 

Von Vesna Mlakar 

Das spontane Eingeständnis von Regisseurin Doris Dörrie, 

sie habe sich bereits in den ersten Minuten dieser 

Veranstaltung am 23. November 2007 im Prinzregententheater 

besser amüsiert als bei jeder Filmpreisverleihung, 

war ein großartiges, allgemein nachvollziehbares 

Kompliment. Das famose Moderatorenduo Peter 

Jordan und Bernd Moss – beide junge »alte« Schauspielerhasen 

am Hamburger Thalia Theater und den 

Münchner Kammerspielen – sorgten für den witzig-reibungslosen 

Ablauf des offiziellen Teils, wobei sie sich 

augenzwinkernd immer wieder die verbalen Bälle zuwarfen, 

um stets in die Klage darüber auszubrechen, 

nicht selbst Preisträger zu sein. Allein bei der Sparte 

Tanz gestanden sie ein, dieser so schwer fassbaren 

Kunst nicht mächtig zu sein. 

Die Idee einer Gesamtschau aller Bühnenkünste 

beim erst zum zweiten Mal vergebenen Deutschen 

Theaterpreis »Faust« ist lobenswert: In zehn Kategorien 

waren 24 Regisseure, Sänger, Schauspieler, 

Tänzer, Choreographen und Ausstatter nominiert. Auf 

kurze Ansprachen der Laudatoren folgte das Oscarähnliche 

Öffnen der versiegelten Umschläge mit den 

Gewinnernamen. Als die Kategorie »Beste Choreographie« 

an der Reihe war, erinnerte der ehemalige 

Präsident der Stiftung Weimarer Klassik und Tanzenthusiast 

Bernd Kauffmann an den unlängst verstorbenen 

Meisterchoreographen Maurice Béjart und überreichte 

den »Faust« in dessen Metier (vor den Kollegen 

Marguerite Donlon und Marco Goecke) an Stephan 

Thoss vom Städtischen Theater Chemnitz für »Giselle 

M.«. Obwohl dieser sich entschuldigte, das Sprechen 

sei nicht sein Gebiet, weshalb er wohl choreographiere, 

bedankte er sich mit wohlgesetzten Worten 

bei all jenen, die ihn zum »Denken in Bewegung« 

gebracht haben. 

Die beste darstellerische Leistung im Tanzbereich 

wurde vom operationsgeschwächten Primoballerino 

Vladimir Malakhov, Ballettdirektor in Berlin, in warmen 

englischen Worten gewürdigt: Nicht Tigran Mikayelyan 

vom Bayerischen Staatsballett oder Edvin Revazov 

vom Hamburg Ballett, sondern Katja Wünsche vom 

Stuttgarter Ballett erhielt den »Faust« für die weibliche 

Hauptrolle in Maurizio Bigonzettis »I Fratelli«. 

Nimmt man noch das etwas befremdliche Kreischen 

der als Sängerin sich langbeinig neben ihrem 

Musikpartner Roland Jaeger im Rampenlicht wiegenden 

Schauspielerin Johanna Wokalek und das extrem 

eindrucksvolle Tanzsolo »Äffi« (Marco Goecke) des 

Stuttgarter Solisten und letztjährigen »Faust«-Preisträgers 

Marijn Rademaker hinzu, handelte es sich um einen 

insgesamt sehr bunten, nichtsdestoweniger höchst 

informativen und zugleich niveauvoll-unterhaltsamen 

Abend. Ohne Berührungsängste zwischen Künstlern 

und »Fußvolk« ging die Feier noch die halbe Nacht in 

den Foyers und im Lokal des Theaters munter weiter.■ 


Die Metamorphosen 

des Prix de Lausanne 

Der 36. Prix de Lausanne macht 

zukunftweisende Schritte 

Von Sylvia Garcia 

Der Prix de Lausanne hört nicht auf sich zu 

verwandeln. Er ist der alte in Bezug auf seine 

Ziele, dennoch sichtbar erneuert, wo es 

um Vorbereitungen und Abläufe geht. Vor 

allem hat man die Türen weit geöffnet für 

ein interessiertes Publikum, das vom Balkon 

des Théâtre de Beaulieu aus sämtliche Prüfungen 

verfolgen konnte. Eine Brücke zu 

schlagen zwischen klassischem Ballett und 

moderner Tanztechnik und Vorurteile abzubauen, 

ist ein Anliegen von Samuel Würsten, 

Mitglied des künstlerischen Komitees, 

der seit 1997 Unterricht für Modernen Tanz 

am Prix de Lausanne erteilt. Es ist ihm besonderes 

wichtig, dass für Tänzerinnen und 

Tänzer, die hier erstmals mit Modernem 

Tanz konfrontiert werden, diese Erfahrung 

positiv ist. Der Prix hat sich in den über dreieinhalb 

Jahrzehnten seines Bestehens immer 

mit dem Tanz zusammen weiterentwickelt. Ein bedeutender 

Schritt für den Wettbewerb ist es, dass die modernen Choreographien, 

die zum Pflichtpensum gehören, gleichwertig zu den 

klassischen Komponenten beurteilt werden. 

In den vergangenen Jahren war die fernöstliche Dominanz 

enorm. Japan, China und Korea stellten mehr als die Hälfte der 

Teilnehmer. In diesem Jahr waren die 22 Nationalitäten bunt gemischt. 

Spanien, Norwegen, Schweden, Ungarn, Großbritannien, 

Brasilien, USA, Australien, Philippinen, Japan, Korea und 

die Schweiz waren im Finale vertreten. 52 Mädchen und 22 

Jungen waren anhand von DVD Aufzeichnungen nach Lausanne 

eingeladen worden, darunter erstaunliche Talente aus Brasilien. 

Erstmals hat man altersmäßig unterschieden zwischen den 15- 

bis 16- und den 17- bis 18-Jährigen. Ein kluger Beschluss, da 

sich in diesen Jahren eine Reife in der Entwicklung entscheidend 

manifestiert. Für die Juroren war es eine Ausdauerleistung, alle 

74 Teilnehmer in ihrer klassischen und modernen Variation zu 

beurteilen. Die modernen Variationen stammten aus Balletten 

von Jurypräsident John Neumeier. Er macht übrigens keinen Hehl 

daraus, dass er Wettbewerbe eigentlich schrecklich findet: »Es 

gibt junge Tänzer, die mehr Zeit brauchen für ihre Entwicklung, 

deswegen sind sie nicht schlechter. Der ›Prix‹ ist ein wichtiges 

Schaufenster, denn hier geht es darum, Potenzial zu erkennen 

und zu fördern. Erst die Technik gibt die Freiheit, Emotionen darzustellen.« 

Einen beschränkten Einblick in die Bandbreite des 

Schaffens von John Neumeier erhielt man in den verschiedenen 

modernen Variationen, die einstudiert wurden. Beeindruckend 

wie beklemmend das Kranke, Manische in »Nijinsky« zu Musik 

von Schostakowitsch. Hinreißend die Musikalität, Eleganz und 

Beschwingtheit, die einige der jungen Tänzerinnen in der Bach- 

Suite II zeigten. War es früher oft die Diskrepanz in der Qualität 

dieser modernen Variationen, die für ein Weiterkommen entscheidend 

sein konnte, so war mit dieser Entscheidung für eine 

choreographische Handschrift ein mögliches Hindernis aus dem 

PRIX 

DE LAUSANNE 

Weg geräumt. Eine überaus sympathische Dienstleistung bieten 

die dem »Prix« verbundenen Schulen, deren Vertreter sich zu informativen 

Gesprächen zur Verfügung halten. Wohl bestückt mit 

Unterlagen und Broschüren über die professionelle Ausbildung, 

die Möglichkeiten an allgemeinbildenden Schulen, Unterbringung, 

Stipendien – das Angebot wurde reichlich genutzt. 

Das jährliche Budget des Prix beträgt mittlerweile 2 Mio. 

Schweizerfranken, (1,4 Mio. Euro.) Ein Betrag, der durch die 

Stadt Lausanne, den Kanton Waadt, Firmen, Banken, aber auch 

private Mäzene erbracht wird. 10.000 Euro, 

(16.000 Sfr) erhalten die Preisträger zusätzlich 

zum Studienplatz an einer Schule nach 

Wahl oder eine Spielzeit in einer Compagnie, 

die auf ein Jahr begrenzt ist. Die Kanadierin 

Mavis Staines hat dem Wettbewerb als 

künstlerische Leiterin während der vergangenen 

sieben Jahren wichtige Impulse gegeben. 

Sie wird abgelöst von Wim Broeckx, 1980 

selbst Preisträger in Lausanne, öfters bereits 

Jurymitglied, seit 2002 Direktor für Tanz am 

Konservatorium in Den Haag. Zwei Persönlichkeiten, 

die im vergangenen Jahr verstarben, 

wurden gebührend gewürdigt: Elvire 

Kremis-Braunschweig, 1973 Mitbegründerin 

des Prix de Lausanne. Ihr Leben und künstlerischer 

Werdegang wurde in einem berüh- 

renden Porträt gezeichnet. Und Maurice Béjart, 

ihm widmete John Neumeier sein »OPUS 

100 – for Maurice« vor gut zehn Jahren zum 70. Geburtstag, 

zur Musik von Simon & Garfunkel, getanzt von Ivan Urban und 

Yohan Stegli, Solisten des Hamburg Ballett. Wie ein Versprechen 

an die Zukunft erlebte man die Aufführung von »Yondering«, 

einer Choreographie zu Songs des amerikanischen Komponisten 

Stephen Foster, die Neumeier für die National Ballet 

School of Canada geschaffen hatte. Hier wurde das Stück von 

über 40 Studenten der Ballettschulen von Toronto, Hamburg und 

Paris getanzt. Ein begeisterndes Miteinander, voll beglückender 

Heiterkeit, wo Bewegung zum Ausdruck von Zukunftsglaube 

wird. »Yondering« bedeutet eine Grenze überschreiten, hin zum 

Abenteuer. 

21 Finalisten (zehn Mädchen und elf Jungen) haben sich 

im großen Finale der Jury und einem großen Publikum im ausverkauften 

Haus gestellt. Dabei erstaunt immer wieder, zu welcher 

Hochform die jungen Tänzerinnen und Tänzer in dieser 

fordernden Situation auflaufen. Sieben ertanzten sich einen der 

begehrten Preise. Erstaunlich der Spanier Aleix Martinez, der 

Jüngste unter allen, 15-jährig, der die technischen Schwierigkeiten 

seiner Bournonville-Variation mit stupender spielerischer Leichtigkeit 

gestaltete und für »Spring and Fall« (auch von Neumeier) 

gleich noch die Auszeichnung für die beste moderne Variation 

in Empfang nehmen durfte. Lili Felméri aus Ungarn bezauberte 

durch die Eleganz ihrer Gesten, ihre Musikalität und ihren subtilen 

Gestaltungswillen. Dylan Tedaldi, ein Amerikaner, erstaunte 

durch die Reife, mit der er sich in »Nijinsky«, den schon Gebrochenen, 

hineinzufühlen schien. Die weiteren Preisträger: Kyle 

Davis, USA, Irlan Silva und Marcella de Paiva, beide Brasilien, 

Akane Takada, Japan, holte nicht nur ein Schulstipendium, sondern 

auch den Publikumspreis. Schließlich wurde wieder einmal 

ein Preis für die »beste Schweizer Kandidatin« verliehen, die das 

Finale erreicht hatte. Aus der Talentschmiede der Tanzakademie 

Zürich stammt die junge Türkin, Gozde Ozgur, die eine fabelhafte 

Kitri (Don Quichote) auf die Bühne zauberte. ■ 


Erfolgreich und konkurrenzlos 

bestehen seit 30 Jahren meine beiden Ballettschulen in NRW. 

Nur 20 km voneinander entfernt, mit großem Einzugsgebiet 

und immer noch ausbaufähig, verfügen sie über 100 m2 Säle 

und einen großen Kostümfundus. Aus privaten Gründen muss 

ich die Schulen verkaufen, stehe aber für eine Einarbeitungszeit 

zur Verfügung. 

Angebote unter Chiffre Nr. 01-2-2008 an den Deutschen Berufsverband 

für Tanzpädagogik e.V., Hollestr. 1, 45127 Essen 

Stadt Sankt Augustin 

58.000 Einwohner 

sucht für die Musikschule der Stadt Sankt Augustin 

zum 1. August 2008 

eine Fachbereichsleiterin/einen Fachbereichsleiter 

für den Fachbereich Ballett 

in Vollzeit (derzeit 30 Unterrichtseinheiten à 45 Minuten). 

Die Stelle ist bewertet nach Entgeltgruppe 9 Tarifvertrag für den 

öffentlichen Dienst (TVöD). 

Der vollständige Ausschreibungstext ist auf der Internetseite der 

Stadt Sankt Augustin www.sankt-augustin.de veröffentlicht. 

Weitere Auskunft erteilt Frau Oberdörfer, Tel.: 02241/243-216. 

Fachliche Fragen beantwortet Herr Schulte, Tel.: 02241/243-343. 

Interessierte richten Ihre Bewerbung bitte mit den üblichen Unterlagen 

bis 15.4.2008 (Eingang) an den Bürgermeister, Fachbereich 

Zentrale Dienste, 53754 Sankt Augustin. 

Eine gemeinsame Initiative 

Südtiroler Kulturinstitut 

Stiftung Stadttheater Bozen 

Bozen tanzt! 

Bolzano, 

la città che 

danza! 

Mehr Infos unter: 

Tel. +39 0471 313 800, www.tanzbozen.it 

Foto: Lea Fischer 

Herzlichen Glückwunsch 

John Neumeier! 

Die Ballettfreunde Hamburg e.V. gratulieren John Neumeier 

sehr herzlich zum Deutschen Jubiläums-Tanzpreis 2008. 

www.ballettfreundehamburg.de 

09.- 31. JULI LUGLIO 

Afro Brasil, Samba: Ivan Vasconcellos (BR), Ballett: 

Gillian Anthony (GB), Karen Henry (USA), Elaine Holland 

(GB), Hilary Neethling (GB), Bollywood, Afro Contemporary: 

Stephen Bongarçon (F), Contemporary 

Modern: Natalia Viñas Roig (E), Contemporary Technique, 

Creative Work: Britta Pudelko (D), Flamenco: 

Belén Cabanes (E), Juan Carlos Lérida Bermejo (E), 

Brigitta Luisa Merki (CH), Hip Hop: Patrick Grigo (D), 

Nina Kripas (A), Fabrizio Lolli (I), Hip Hop, Funky: Andy 

Lemond (CAN), Jazz: Anne-Marie Porras (F), Gianluca 

Girolami (I), Jazz Funk Fusion, Salsa Funk: Alex Kordek 

(GB), Musical: Carol Alston (USA), Latin Jazz, Lyrical 

Jazz: Rosy Néri-Calheiros (BR), Modern: Nancy 

Lushington (USA), Orientalischer Tanz: Amoura (USA), 

Pilates, Gyrokinesis: Apollonia Holzer (A), Stepptanz: 

Diana Richardson (IRL) 

Kreativer Kindertanz: Ulla Wenzel (D), 

B-Boying/Break Dance: Patrick Grigo (D), 

Jazz: Carole Alston (USA), Gianluca Girolami (I), Rosy 

Néri-Calheiros (BR), Video Clip Dance: Alex Kordek (GB), 

Rhythm4dance, Body Percussion: Gilson de Assis (BR) 

Intensiv-Workshops: 28.-31. Juli 2008 

Contemporary Dance: Henry Oguike (GB) 

Tanzpädagogik: Ulla Wenzel (D) Programmänderungen vorbehalten 

2008 

24. Internationales Tanz- und Kursfestival 


20 Jahre Fonds 

Darstellende Künste 

FONDS DARSTELLENDE KÜNSTE e.V. 

Der 1985 auf Initiative des Deutschen Kulturrates gegründete Fonds 

Darstellende Künste begeht in diesem Jahr sein 20-jähriges Förderjubiläum. 

In der Tanzstadt Essen nahm der Fonds seinen ersten 

Sitz, bevor er Ende 2000 nach Bonn umzog. Eines der zentralen 

Förderziele des Fonds ist es, einen substanziellen Beitrag zur Weiterentwicklung 

einer vielgestaltigen Theater- und Tanzlandschaft in 

Deutschland zu leisten. Auch deshalb wurde der in Essen verliehene 

Deutsche Tanzpreis seit 1989 inzwischen zum achten Mal durch 

den Fonds gefördert. 

Ulrich Roehm, Spiritus Rector des Deutschen Tanzpreises, wie 

auch Hans Herdlein, Präsident der Genossenschaft Deutscher Bühnenangehöriger, 

der 2005 den Tanzpreis verliehen bekam, gehörten 

zu den Mitbegründern des Fonds und wurden nach jahrelanger 

Vorstandstätigkeit zu Ehrenmitgliedern ernannt. Die Karlsruher Ballettdirektorin 

Birgit Keil, 1998 ebenfalls mit dem Deutschen Tanzpreis 

geehrt, ist Kuratoriumsmitglied des Fonds. Und die beiden Träger 

des Deutschen Tanzpreises (2007) Susanne Linke und (2003) Gregor 

Seyffert gehören zu den vom Fonds geförderten Künstlerinnen 

und Künstlern. 

Der Fonds Darstellende Künste hat sich als einzige Förderinstitution 

in Deutschland zum Ziel gesetzt, qualitativ anspruchsvolle 

Projekte aller Arbeitsfelder und Sparten der darstellenden Künste, 

die sich insbesondere mit gesellschaftlich relevanten Themen auseinandersetzen 

und aufgrund ihrer Modellhaftigkeit oder spezifi schen 

Ästhetik exemplarisch für das Freie Theater und den Tanz sind, bundesweit 

zu fördern. 

Seit 1988 stellte der Bund dem Fonds anfangs über das Bundesinnenministerium, 

danach über die Kulturstiftung der Länder und seit 

2005 allein durch die Kulturstiftung des Bundes insgesamt 8 Millionen 

zur Verfügung. Somit konnten durch die Komplementärförderung 

des Fonds in über 300 Städten und Gemeinden 2.033 Projekte 

realisiert werden. 

Das Freie Theater in Deutschland hat in den letzten Jahren mit allen 

seinen Sparten eine enorme Vielfalt an künstlerischen Handschriften, 

experimentellen und innovativen Ansätzen sowie international 

erfolgreichen Produktionen hervorgebracht. Dies gilt insbesondere 

für den zeitgenössischen Tanz mit seinem grenzenlosen Feld performativer 

Konzepte. Den zeitgenössischen Tanz zeichnet die Suche 

nach innovativen Impulsen und neuen ästhetischen Ansätzen sowie 

fl exiblen Produktionsstrukturen und Präsentations- und Vermarktungsformen 

aus. Diese produktive Unruhe wirkt auch in die Stadt- und 

Staatstheater und seine Ballettensembles hinein und löst zunehmend 

eine größere Resonanz für den Tanz – gerade bei den jüngeren 

Zuschauern – aus. 

Die Tanzszene in Deutschland ist auch internationaler geworden: 

Die freien Compagnien und ihre Projekte sind international besetzt, 

werden teilweise international koproduziert, touren in internationalen 

Netzwerken und Choreographen und Tänzer aus aller Welt 

arbeiten in Deutschland. Die freie Tanzszene in Deutschland leistet 

somit nicht nur einen unschätzbaren Beitrag für den kulturellen Austausch 

und die Integration, sie gehört auch zu den wichtigen Kulturbotschaftern 

Deutschlands. 

Die Tanzplattform Deutschland 2008, das bedeutendste deutsche 

Forum für zeitgenössischen Tanz, verzeichnet in ihrem Katalog 

rund 1.000 Namen von professionellen Choreographen und 

Compagnien, die das breite Spektrum des freien zeitgenössischen 

Tanzes repräsentieren. In Deutschland werden insgesamt ca. 3.800 

Tanzschaffende gezählt. Auch die ständig wachsende Zahl von Projektanträgen 

an den Fonds Darstellende Künste (insgesamt jährlich 

700, davon zwischen 150 und 180 aus dem Tanzbereich) macht 

deutlich, wie schnell sich die freie Tanzszene entwickelt und sich der 

Begriff »Tanz« radikal erweitert hat. 

Die Projektanträge beim Fonds beschreiben Tanztheater, multimediale 

Tanzinstallationen, theatrale Tanzperformances im öffentlichen 

Raum, Tanzprojekte kultureller und ästhetischer Bildung für Kinder 

und Jugendliche, Projekte zwischen älteren und jungen Tänzern, 

Koproduktionen zwischen zeitgenössischem Tanz und Ballett, Tanz 

in Schulen mit Kindern und Jugendlichen, HipHop-Produktionen bis 

hin zu künstlerischen Lectureperformances und Forschungsprojekten, 

Tanzfi lmproduktionen, Fachbüchern und Studien. 

Aktuell fördert der Fonds die Modellstudie »Transition – für eine 

Karriere danach« (Diese wurde am 6. März 2008 in Berlin in 

Anwesenheit von Dr. Norbert Lammert, Präsident des Deutschen 

Bundestages, und Gitta Connemann, ehemalige Vorsitzende der 

E nquête-Kommission »Kultur in Deutschland« vorgestellt.), für die von 

der Enquête-Kommission »Kultur in Deutschland« empfohlene Einrichtung 

einer Stiftung in Deutschland, die wie in westeuropäischen 

Ländern Tänzerinnen und Tänzern den Übergang in andere Berufe 

erleichtern soll, sobald sie aus gesundheitlichen Gründen ihren Tänzerberuf 

nicht mehr ausüben können. 

Neben dem auf fünf Jahre angelegten wichtigen Großprojekt 

»Tanzplan Deutschland« der Kulturstiftung des Bundes, mit einem Volumen 

von 12,5 Millionen Euro, muten die Fördermöglichkeiten des 

Fonds Darstellende Künste mit jährlich einer Million Euro (davon ca. 

40 freie zeitgenössische Tanzprojekte pro Jahr) eher bescheiden an. 

Aber trotzdem kann der Fonds für sich in Anspruch nehmen, bundesweit 

die quantitativ größte Anzahl von freien Tanzproduktionen 

komplementär zu fördern und damit nachhaltig zur Weiterentwicklung 

des Tanzes und der Aufhebung der Trennung von Ballett und 

zeitgenössischem Tanz in Deutschland beizutragen. 

V. 

V 

Jürgen Flügge Günter Jeschonnek 

Vorsitzender des Fonds Geschäftsführer des Fonds 


Verwertungs- 

gesellschaften in 

der Bewährung 

Der Deutsche Kulturrat greift mit seinem 

Dossier in eine laufende Debatte ein 

Von Volkmar Draeger 

Die Verwertungsgesellschaften (VG) sind national wie international 

in die öffentliche Debatte geraten. Sie arbeiten ineffizient 

und zu wenig transparent, monieren die Einen. Als unzeitgemäß 

in der Internet-Ära diskreditieren sie die Anderen. Hinzu treten 

Probleme des europäischen Einigungsprozesses. Zwar wurde 

2001 die »Richtlinie zur Harmonisierung bestimmter Aspekte des 

Urheberrechts und der verwandten Schutzrechte« europaweit 

verabschiedet. Aufgeteilt in verschiedene »Körbe« hat sie auch 

der Deutsche Bundestag diskutiert und über das »Zweite Gesetz 

zur Regelung des Urheberrechts in der Informationsgesellschaft« 

2007 zu nationalem Recht gemacht. Doch die Rechte der VG in 

den einzelnen EU-Ländern sind unterschiedlich geregelt und bisher 

nicht normiert. Nun sorgt eine Empfehlung der EU-Kommission 

zu Online-Musikdiensten mit der Maßgabe nach mehr Wettbewerb 

zwischen den VG querbeet für Unbill und Ablehnung. 

Der Deutsche Kulturrat hat dazu das Dossier »Verwertungsgesellschaften« 

erarbeitet. Auf 32 Seiten von Zeitungsformat informiert 

es in 24 umfangreichen Beiträgen grundlegend über die Arbeit 

von GEMA, GVL, VG BILD-KUNST und VG WORT. Befürworter 

wie Kritiker, Wissenschaftler wie Politiker kommen zu Wort. Welche 

Bedeutung den VG zukommt, erhellt auch ein historischer 

Rückblick, wie ihn das Dossier voranstellt. 

Schuld ist Beaumarchais. Ehe er Ruhm als Komödiendichter 

errang, der immerhin Rossinis »Barbier von Sevilla« und Mozarts 

»Hochzeit des Figaro« inspirierte, hatte der Pariser Uhrmacherssohn 

die Unruh als Hemmungsrad für Taschenuhren entdeckt 

und sie gegen den geistigen Diebstahl durch den königlichen 

Uhrmacher ehrengerichtlich verteidigt. Das hat ihn für weitere 

Ungerechtigkeiten sensibilisiert, etwa dass damalige Theaterdirektoren 

ihren Textautoren die Zahlungen gern schuldig blieben. 

Gemeinsam mit Kollegen rief er daher 1777 mit dem »Bureau de 

Législation Dramatique« die welterste Urheberrechtsgesellschaft 

ins Leben. Stellten die USA 1788 geistiges Eigentum per Verfassung 

unter Schutz, so erließ Frankreich 1791 das erste Urheberrechtsgesetz. 

Noch im selben Jahr erweiterte Beaumarchais 

seine Gründung zum »Bureau de Perception des droits d’auteurs 

et compositeurs«, das nun auch den Komponisten von Bühnenmusiken, 

noch nicht aber von Konzerten, Gebühren erstritt. Aus 

dem Zusammenschluss mit einer Konkurrenzeinrichtung entstand 

1829 die bis heute bestehende »Société des Auteurs et Compositeurs 

Dramatiques«. Waren jetzt zwar französische Autoren 

geschützt, musste beispielsweise Carl Maria von Weber hilflos 

zusehen, wie sein »Freischütz« in Paris plagiiert erklang – und 

die Tantiemen an den Bearbeiter flossen. Mit dem »Gesetz zum 

Schutz des Eigentums an Werken der Wissenschaft und Kunst« 

schuf Preußen 1837 das damals modernste Urheberrecht, das 

1841 auch auf den Deutschen Bund, 1871 aufs frisch gegründete 

Deutsche Reich überging. Ebenfalls 1871 formierte sich, 

ähnlich der französischen »Société«, die »Deutsche Genossenschaft 

dramatischer Autoren und Komponisten«. Per Gesetz geschützt 

waren indes nur die ungedruckten Werke; für gedruckte 

Partituren lagen sowohl die Urheber- wie auch die Verwertungsrechte 

in der Regel beim Verleger – ein einträgliches Geschäft. 

Ein wichtiger Schritt zum wechselseitigen Schutz ausländischer 

Künstler war 1886 die Berner Konvention: Sie regelte das internationale 

Recht zwischen den neun Beitrittsländern und schützte Urheber 

nach den jeweiligen nationalen Gesetzen. Maßgeblichen 

Anteil daran hatte der französische Romancier Victor Hugo. Als 

1901 das »Gesetz, betreffend das Urheberrecht an Werken der 

Literatur und der Tonkunst« Schriftstellern und Komponisten die ausschließlichen 

Aufführungsrechte ihrer Werke sicherte, konnte auch 

in Deutschland, analog zu inzwischen bewährten ausländischen 

Modellen, eine Anstalt für musikalische Aufführungsrechte gegründet 

werden. Wie die 1851 zu Paris formierte Urzelle, verstand 

sich die 1903 gebildete, von Richard Strauss mitinitiierte »Genossenschaft 

Deutscher Tonsetzer« als Solidargemeinschaft, die an 

den Einnahmen von Aufführungen partizipierte und sie nach einem 

fixen Schlüssel unter ihren Mitgliedern aufteilte. Komponisten und 

Verleger von Unterhaltungsmusik gründeten aus dem Gefühl der 

Benachteiligung als reine Tantiemenanstalt 1915 die »Gesellschaft 

zur Verwertung musikalischer Aufführungsrechte«. Aus dem 

Zwangsverein beider Einrichtungen zu Nazi-Zeiten formierte sich 

1947 in ihrer heutigen Form die GEMA als »Gesellschaft für musikalische 

Aufführungs- und mechanische Vervielfältigungsrechte«. 

Das 1965 erlassene Urheberrechtsgesetz sicherte die Vergütung 

für eine Werknutzung und verpflichtete die VG im Sinn der Vorkämpfer 

zu einer Abgabe für kulturelle und soziale Belange. Heute 

vertritt die GEMA innerhalb Deutschlands das gesamte Weltrepertoire 

an urheberrechtlich geschützter Musik und gehört mit 

den knapp 900 Millionen Euro, die ihre über 60.000 Mitglieder 

jährlich einspielen, weltweit zu den führenden VG. Einrichtungen 

für andere Künstlergruppen folgten ihr. So gründete sich 1959 die 

»Gesellschaft zur Verwertung von Leistungsschutzrechten« (GVL) als 

Organisation ausübender Künstler, die mittlerweile auch Zweitverwertungsrechte 

etwa von Tonträger- und Filmherstellern sowie Videoproduzenten 

wahrnimmt. Fast 120.000 Ausübende und über 

6000 Tonträgerhersteller bescherten der GVL 2006 Einnahmen 

von mehr als 160 Millionen Euro. Gleichfalls aus Vorgängergruppierungen 

formierte sich 1958 für Vertreter der schreibenden Zunft 

und ihre Publikationsarten die VG WORT, der mehr als 340.000 

Autoren und Übersetzer sowie über 8000 Verlage 2006 ein Jahresvolumen 

von 86 Millionen Euro eintrugen. Jüngste Gründung 

ist 1968 die VG BILD-KUNST als Heimat für Bildschaffende vom 

Grafiker bis zum Filmarchitekten; ihre rund 39.000 Mitglieder 

erwirtschafteten 2006 gut 43 Mio. Euro. 

Dennoch sind die VG keine gewinnorientierten Unternehmen, 

sondern nach wie vor Selbsthilfeorganisationen von Urhebern 

und Rechteinhabern. Treuhänderisch verwalten sie kollektiv deren 

Rechte, die individuell kaum übersehbar und folglich einklagbar 

wären, und teilen die Hauptsumme der Erlöse, abzüglich der 

Verwaltungskosten, unter den Mitgliedern und Wahrnehmungsberechtigten 

auf. Nach welchem Modus das geschieht, folgt internen 

Statuten. Dass ein bestimmter Prozentsatz für soziale und 

kulturelle Zwecke auszugeben ist, legt das Urheberrechtswahrnehmungsgesetz 

fest, das gleichsam die Aufsichtspflicht über die 

konkurrenzlosen, mithin monopolisierten VG regelt: intern durch 

gewählte Gremien, staatlich durch ein Referat beim Deutschen 

Patent- und Markenamt. Per Gesetz müssen die VG sowohl mit 

jedem einen Wahrnehmungsvertrag abschließen, der das möchte, 

als auch jedem die Nutzung der von ihnen vertretenen Werke 

gestatten, der darum nachsucht. Über Gegenseitigkeitsabkommen 

kooperieren die VG der einzelnen Länder miteinander und 

sichern so die internationale Abgeltung von Ansprüchen. 


Was auf den ersten Blick perfekt klingt, erweist seine Tücken 

im Detail. Kritiker halten den VG vor, ihre nach einem bestimmten 

Punktesystem operierenden Verteilungspläne seien kaum durchschaubar, 

zumal die VG zwischen verschiedenen Formen von 

Mitgliedschaften unterscheiden, die bei der Zuteilung auch unterschiedlich 

bewertet werden. Und dass jenes Referat der staatlichen 

Kontrollbehörde hoffnungslos unterbesetzt ist, gilt als offenes 

Geheimnis. Nun macht auch eine fatale Empfehlung der EU-Kommission 

zu Online-Musikdiensten Front gegen die bisherige Arbeits- 

und Existenzweise der VG. Sie fordert mehr Wettbewerb 

zwischen den internationalen Gesellschaften unter der unausgesprochenen 

Preisgabe ihrer Vorzüge. Dies liefe in erster Linie auf 

eine Konkurrenz der VG um die attraktivsten, zahlungskräftigsten 

Nutzer hinaus. Niedrige Nutzergebühren und entsprechende 

Preisnachlässe könnten jedoch nur die größten VG bieten. Die 

kleineren Gesellschaften würden diesem Kommerzdruck nicht 

standhalten, und für die Urheber würde er in jedem Fall wegen 

der geringeren Einnahmen der VG auch geringere Ausschüttungen 

bedeuten. Diese Einnahmen sind aber für viele Künstler ein 

unverzichtbarer Unterhaltszuschuss. Hinzu kommt, dass ein derartiges 

Konkurrenzdenken das Solidarprinzip der VG aushebeln 

würde. Bislang nivellieren sich die Ausschüttungen insofern, als 

die Großverdiener meist aus dem Popbereich solidarisch auf 

einen Teil ihrer Erlöse zugunsten der weniger »einspielstarken« 

Kollegen etwa der zeitgenössischen Genres verzichten. Einige 

würden durch das Konkurrenzsystem mehr einnehmen, die Masse 

wahrscheinlich erheblich weniger. Dass die Kultur an Vielfalt 

verliert, wenn sich nur noch die gut verkäuflichen Bereiche behaupten, 

zuvörderst da angloamerikanischer Pop und die großen 

Namen in der Bildenden Kunst, liegt auf der Hand. Nicht länger 

zu halten wären auch all die Sozialleistungen der VG zur Unterstützung 

junger, mittelloser oder alter Künstler. 

Kritiker sehen das anders. Mit sophistischer Juristerei verteidigt 

in dem Dossier ein Medienrechtler Brüssels Empfehlungen: Jeder 

Urheber möchte marktgerecht vergütet werden; Urheberrecht sei 

also Wirtschaftsrecht, »kulturelle Parfümierung« habe darin nichts 

verloren. In dieselbe Kerbe hauen die Vertreter der von Raubkopien 

gebeutelten Industrie. Sie polemisieren gegen die von 

den VG erhobenen Pauschalabgaben etwa bei Geräten und 

Leerträgern und verweisen auf die Selbstheilungskräfte des digitalen 

Zeitalters: Kostenpflichtige, passwortgeschützte Datenbanken, 

Archive und Online-Publikationen würden ihren Anbietern 

individuelle Vergütung einbringen – die VG als Mittler zwischen 

Urheber und Nutzer hätten somit ausgedient. Die Wahrheit liegt, 

vertraut man auch dem parteiübergreifenden Politikertenor im 

Dossier, wohl eher in der Mitte. Eigenverantwortliche Lizenzvergabe 

und Rechteverwaltung via Internet wird allenfalls finanzstarken 

Großunternehmen möglich sein, weniger dem einzelnen 

Urheber. Vielmehr, so sind sich die VG-Vertreter einig, gehe es 

um eine sinnvolle Ergänzung von kollektiver Rechteverwertung 

seitens der VG und individueller Lizenzvergabe. Der Forderung 

durch neue digitale Medien werden sich die VG indes ebenso 

stellen müssen wie dem öffentlichen Wunsch nach einem transparenteren 

Ausschüttungsmodus. ■ 

Das Dossier ist erhältlich über: 

Deutscher Kulturrat, Chausseestraße 103, 10115 Berlin 

online kostenlos unter: 

www.kulturrat.de/dossiers/verwertungsgesellschaften.pdf 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Mit dem Thema »Verwertungsgesellschaften« wird sich BALLETT 

INTERN in den folgenden Ausgaben weiter beschäftigen. 

Für all’ jene Menschen, die John Neumeiers Spendenaufruf gefolgt 

waren, öffnete der Hamburger Ballettintendant und Chefchoreograph 

am 10. Februar 2008 erstmals die Türen zu seinem 

Privathaus in Hamburg Eppendorf, das auch seine berühmte 

Sammlung zur Ballettgeschichte beherbergt. Das Besondere: 

Zum ersten Mal waren einige Zeichnungen und Gemälde von 

Waslaw Nijinsky zu sehen, dem von Neumeier so sehr verehrten 

Künstler, der 1950 in geistiger Umnachtung starb. Dank des 

großen Engagements ist es John Neumeier gelungen, sämtliche 

(!) 72 Werke zu kaufen – nur bezahlt sind sie noch nicht ganz. 

Rund ein Drittel des gesamten Kaufpreises von 1 Million Dollar 

muss noch aufgebracht werden, und das wird – laut Neumeier – 

in Spendeneingängen zwischen drei und mehreren tausend Euro 

zusammen getragen. Jenseits vieler kleiner und größerer privater 

Spenden der Mitglieder hat nun der Verein der Ballettfreunde 

Hamburg e. V. anlässlich der Verleihung des Jubiläums-Tanzpreises 

2008 an John Neumeier, den Betrag von 3.000 Euro 

gespendet, um sicherzustellen, dass diese einmalige Sammlung 

auch in Zukunft in Hamburg bleiben und einer interessierten Öffentlichkeit 

zugänglich gemacht werden kann. 

»Movimentos« heißen die Festwochen der Autostadt in Wolfsburg, 

die in diesem Jahr vom 12. April bis 25. Mai 2008 stattfinden. 

Die sechste Ausgabe des mittlerweile etablierten Festivals 

steht unter dem Motto »Vertrauen«, neben dem »Béjart Ballet Lausanne« 

ist u.a. auch »The Göteborg Ballet« sowie die »Compagnie 

Marie Chouinard« aus Montreal zu Gast. Die Workshops 

sind zum Treffpunkt tanzwilliger Kinder und Jugendlicher geworden: 

In Zusammenarbeit mit dem Tanzenden Theater Wolfsburg 

wird an jedem Freitag während der Festivalzeit unterrichtet, das 

Angebot reicht von Ballett und Kreativem Kindertanz über Musik- 

TanzTheater und Video Dance bis zu Zeitgenössischem Tanz und 

Tänzerischer Entspannung. Infos zum gesamten Festival unter Tel. 

0800 288 678 238 und www.movimentos.de 

Umsatzstarke Ballettschule 

mit ca. 320 Schülern aus persönlichen Gründen im Raum 

Niedersachsen zu verkaufen, Einarbeitung möglich. Angebote 

unter Chiffre 02-2-2008 an den Deutschen Berufsverband für 

Tanzpädagogik e.V., 45127 Essen, Hollestraße 1 

Nutzen Sie die Dollarschwäche! 

Traumhafte 

Ferienhäuser 

auf Hawaii! (unter Deutscher Leitung!) 

www.peles-pleasure.com Tel.: 04182 / 4526 


Liebe Leser, liebe Freunde, 

25 JAHRE DEUTSCHER TANZPREIS 

lassen Sie mich noch einmal Goethe zitieren: »... Und jedermann 

erwartet sich ein Fest!« Und es wurde ein Fest, ein außergewöhnliches 

Fest des Tanzes zur Ehrung einer ebenfalls außergewöhnlichen 

Persönlichkeit unserer Tanzkunst! Wortgetreu fi nden Sie die 

Dokumentation dieses festlichen Ereignisses in dieser Ausgabe 

unserer Zeitschrift BALLETT INTERN – ja, auch die liebenswürdige 

Laudatio Marcia Haydées konnte durch eine gute Tonaufzeichnung 

wortgetreu wiedergegeben werden. Doch es wurde nicht 

nur gesprochen, der überwiegende Teil der 4½-stündigen Gala 

war dem Tanz, den großartigen Tänzern der zahlreichen Neumeier-Choreographien 

gewidmet – und davon können wir Ihnen 

bedauerlicherweise nur einen kleinen Eindruck mit viel zu wenigen 

Abbildungen vermitteln. Mit dieser relativ umfangreichen Dokumentation 

wird dieses Vierteljahrhundert-Ereignis auch tanzhistorisch 

seinen Platz in den diversen Archiven des Tanzes fi nden! 

Doch auch die aktuelle Situation der Tanz unterrichtenden 

Schulen, deren zum Teil noch nicht bewussten Problemen in 

Sachen Künstler-Sozial-Versicherung/KSK, der Berufsgenossenschaft/BG, 

der GEMA, der Umsatzsteuer-Befreiung widmet sich 

der Deutsche Berufsverband für Tanzpädagogik zur Zeit intensiv. 

Einen ersten Hinweis fi nden Sie auf den Seiten 25 und 26 

dieser Ausgabe in Bezug auf die uns alle tangierenden »Verwertungs-Gesellschaften« 

in dem Bericht von Volkmar Draeger. 

In den nächsten Ausgaben werden wir uns weiterhin ausführlich 

diesen Themen widmen. Den anwesenden Mitgliedern des DBfT 

wurden sie zu einem großen Teil bereits auf der 33. Mitgliederversammlung 

in Essen referiert bzw. fi nden im Protokoll dieser 

Versammlung ihren Niederschlag. Und allen Nicht-Mitgliedern 

seien sie eine Information, eine Warnung darüber, was in nächster 

Zukunft auf die unterrichtende Tanz-Szene zukommen wird. 

Es grüßt Sie, Ihr Ulrich Roehm 

BALLETT INTERN ISSN 1864–1172 

ist die Mitgliederzeitschrift des Deutschen Berufsverbandes für Tanzpädagogik e. V. 

(DBfT) und liegt der Zeitschrift »tanzjournal« fünf Mal (Februar, April, Juni, August und 

Dezember) als Supplement bei. Beide Zeitschriften gehen den Mitgliedern des Verbandes 

kostenlos zu. Nichtmitglieder können BALLETT INTERN abonnieren: Deutschland 

€ 7,50, europäisches Ausland € 12,00 (jeweils inkl. Porto/Versand) je Ausgabe. 

Redaktion dieser Ausgabe: Ulrich Roehm (verantwortl.), Dagmar Fischer (dagmar. 

fi scher@ballett-intern.de), Frank Münschke dwb 

Autoren dieser Ausgabe: Volkmar Draeger (Berlin), Sylvia Garcia (Zürich), Günter 

Jeschonnek (Berlin), Marcia Haydée (Santiago de Chile / Stuttgart), Manfred Krause 

(Essen), Dr. Norbert Lammert (Berlin), Prof. John Neumeier (Hamburg), Dr. Wolfgang 

Reiniger (Essen), Ulrich Roehm (Essen), Vesna Mlakar (München) 

Alle Fotos von der Verleihung des Deutschen Jubiläums-Tanzpreises: Ursula Kaufmann 

(Essen). 

Namentlich gekennzeichnete Artikel geben nicht unbedingt die Meinung der Redaktion 

oder des Herausgebers wieder. Der Nachdruck, auch auszugsweise, ist ohne 

ausdrückliche Genehmigung der Redaktion nicht gestattet. Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und für Terminangaben wird keine Gewähr übernommen. Die Redaktion 

behält sich das Recht vor, Leserbriefe zu kürzen. Manuskripte gehen in das Eigentum 

der Redaktion über. 

Umschlag vorne: John Neumeier und die Tänzerinnen und Tänzer der Tanzpreis-Gala 

beim Abschluss-Applaus: (von links) Valerya Mukhanova, Dmitry Khamzin, Laëtitia Pujol, 

Manuel Legris, Ulrich Roehm, Lucia Lacarra, Roberto Bolle, John Neumeier, Alexandre 

Riabko, Peter Dingle, Silvia Azzoni, Carsten Jung, Katja Wünsche, Jason Reilly. 

Umschlag hinten: (oben) Marcia Haydée und Ivan Liška im Film »Die Kameliendame« 

– (unten) Vladimir Klos, Marcia Haydée, Ivan Liška, Colleen Scott, Marianne Menze 

und Ulrich Roehm nach der Wiederaufführungsgala vor der Essener Lichtburg. 


Heft 2/2008 

Deutscher Jubiläums-Tanzpreis 2008: 

John Neumeier 

Für das Ballett geboren 

Von Manfred Krause . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 2 

Begrüßung 

Von Dr. Wolfgang Reiniger . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6 

Begrüßungsrede 

Von Ulrich Roehm . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6 

Grußwort 

Von Dr. Norbert Lammert . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9 

Laudatio 

Von Marcia Haydée . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 

Dankesrede des Preisträgers 

Von John Neumeier . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 

Der Deutsche Jubiläums-Tanzpreis im Spiegel der Presse . . 15 

»Man muss auf der Bühne etwas zu sagen haben!« 

Interview mit Dietmar Seyffert 

Von Volkmar Draeger . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19 

»Faust«, der Zweite 

Von Vesna Mlakar . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 

Die Metamorphosen des Prix de Lausanne 

Von Sylvia Garcia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22 

20 Jahre Fonds Darstellende Künste 

Von Günter Jeschonnek . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 24 

Verwertungsgesellschaften in der Bewährung 

Von Volkmar Draeger . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25 

Kurz und bündig . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26 

Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V., (DBfT) 

Hollestraße 1, D–45127 Essen 

Tel.: +49(0)201 – 228883 Fax: +49(0)201 – 226444 

Internet: www.dbft.de – www.ballett-intern.de 

Bankverbindung: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V., 

Nationalbank Essen, Konto-Nr. 111627, 

BLZ 360 200 30 – BIC: NBAGDE3E 

IBAN DE 95 3602 0030 0000 1116 27 – 

Druck: Jütte-Messedruck Leipzig GmbH 

Ostwaldstraße 4 – 04329 Leipzig 

Gestaltung: Ulrich Roehm, Frank Münschke dwb 

Realisation: Klartext Medienwerkstatt GmbH 

45327 Essen, 

Bullmannaue 11 

www.klartext-medienwerkstatt.de 

+49(0)201 – 9222 535 

(Frank Münschke) 

Anzeigen und Beilagen: Gültige Preisliste: 1/05 

Nächste Ausgabe: 

Heft 3/2008 erscheint Anfang Juni 2008 

Redaktionsschluss: 8. Mai 2008 

Anzeigenschluss: 15. Mai 2008 

Annahmeschluss Beilagen: 20. Mai 2008 


Herausgeber: Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik e. V. – Heft 82/31. Jg. – Nr. 2/April 2008 – ISSN 1864-1172 


Essen 

»Die Kameliendame« 

Choreographie: John Neumeier 

Musik: Frédéric Chopin 

Marguerite Gautier Marcia Haydée 

Armand Duval Ivan Liška 

Monsieur Duval François Klaus 

Prudence Duvernoy Colleen Scott 

Gaston Rieux Vladimir Klos 

Manon Lescaut Lynne Charles 

Des Grieux Jeffrey Kirk 

Olympia Gigi Hyatt 

Nanina Beatrice Cordua 

u.a. 

Foto: Holger Badekow 

Foto: Armin Thimer

Ballett Intern 2/2008 - Deutscher Berufsverband für Tanzpädagogik

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?