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DANIELA PRONESTÌ 

Artisti 

dal Mondo 

a Firenze per

DANIELA PRONESTÌ 

Artisti 

dal Mondo 

a Firenze per 

QUANDO 

L’ARTE UNISCE 

I POPOLI 

10-25 SETTEMBRE 2015 

Viale Guidoni 103 - Firenze

COLLANA 

Artisti in Toscana 

19 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Coordinamento editoriale 

LUCIA RAVEGGI 

Con il patrocinio di 

AAD 

Accademia delle Arti del Disegno 

Promosso da 

Con il contributo di 

Organizzato da 

Il volume è realizzato da 

Iª edizione settembre 2015 

ISBN 978-88-6039-357-9 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it 

Finito di stampare nel mese di settembre 2015 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

www.novaartigrafiche.it 

In copertina: 

Abbracciando Firenze (foto Maria Grazia Dainelli)

ARTISTI DAL MONDO A FIRENZE PER TOSCANA EXPO 2015 

Questa mostra nasce con l’intento di 

creare un’occasione d’incontro tra 

artisti italiani e stranieri in una città di risonanza 

internazionale come Firenze. Un 

obiettivo che l’Associazione Toscana Cultura 

e la Fondazione Romualdo Del Bianco 

hanno raggiunto riunendo in un grande 

evento espositivo oltre centotrenta artisti 

provenienti da diversi paesi del mondo, 

tra cui Perù, Messico, Brasile, Argentina, 

Russia, Iran, Marocco, Giappone, Polonia, 

Grecia, Repubblica Ceca, Israele, Albania, 

Moldavia, Francia, Slovacchia, Bosnia 

Erzegovina, Inghilterra, Malta, Spagna e 

Croazia. Una mostra di ampio respiro in 

cui i generi della tradizione (pittura, 

scultura, incisione, grafica, fotografia) 

convivono con i linguaggi artistici più recenti 

(arte digitale, installazione, assemblage) 

nel segno del dialogo tra i popoli. 

Le pagine di questo volume, che documenta 

le opere esposte corredandole con 

i profili biografici e critici degli artisti, offrono 

lo spunto per una riflessione sul plurilinguismo 

dell’arte contemporanea, da 

tempo orientata verso la dissoluzione delle 

norme e dei vincoli formali per farsi interprete 

di una società sempre più multietnica 

ed esposta al cambiamento. La 

risposta dell’arte al senso d’instabilità che 

attraversa la nostra epoca è stata, infatti, 

l’introduzione di pratiche e materiali che 

guardano con interesse ad altre sfere della 

conoscenza e in particolare alle nuove 

tecnologie. Questa tendenza ad ampliare i 

confini dell’esperienza creativa ha fatto sì 

che l’arte diventasse, oggi più che mai, il 

regno del molteplice, in cui i codici espressivi 

del presente hanno lo stesso diritto di 

cittadinanza dei linguaggi artistici tradizionali. 

Mentre nell’era del “villaggio globale” 

l’azzeramento, spesso virtuale, delle 

distanze ideologiche e culturali rischia di 

tradursi in un bieco conformismo, in ambito 

artistico, invece, permane il bisogno di 

valorizzare le differenze, promuovendo lo 

scambio critico di idee e contenuti che interpretano 

i principi etici ed estetici del 

nostro tempo. Ecco perchè nelle opere in 

mostra all’ICLAB per l’evento Quando l’arte 

unisce i popoli è possibile riconoscere le 

specificità artistiche delle nazioni rappresentate 

e al contempo verificare come, al 

di là dell’appartenenza ad uno stile o ad 

un’identità culturale, vi sia la necessità di 

trovare un terreno comune su cui incontrarsi 

per definire nuovi modelli di collaborazione 

e dialogo tra le culture. Una chiave 

di lettura che spiega l’inserimento di questa 

iniziativa nel calendario degli eventi 

patrocinati dalla Regione Toscana per 

Expo 2015, a cui l’esposizione fiorentina si 

ricollega nel segno dell’interculturalità e 

della salvaguardia del patrimonio di conoscenze 

e di saperi che rischiano di essere 

cancellati dai processi di globalizzazione. 

Un progetto reso ancora più ambizioso 

dalla scelta di ambientarlo a Firenze, città 

simbolo di un periodo artistico e culturale, 

il Rinascimento, che ha influenzato l’evoluzione 

del pensiero occidentale, consegnandoci 

un’eredità unica al mondo. 

Daniela Pronestì 

3

ARTISTI DAL MONDO A FIRENZE PER TOSCANA EXPO 2015


YELITZA ALTAMIRANO VALLE 

Nata in Perù, ha compiuto gli 

studi artistici presso l’Accademia 

di Belle Arti di Lima e 

nel 1986 è venuta in Italia, a Firenze, 

dopo aver vinto una borsa di studio. 

Qui ha perfezionato gli studi di pittura, 

disegno, grafica e restauro e ha 

acquisito il metodo della decorazione 

su porcellana e alabastro. Premiata 

più volte in Perù, Svizzera e Italia 

(Premio “Il Fiorino”, Firenze, 1995; 

Premio di pittura murale, Roma), ha 

esposto le sue opere in numerose 

mostre biennali e internazionali. Lavora 

da anni allo sviluppo delle potenzialità: 

il suo scopo è recuperare 

le antiche tradizioni peruviane e trasmetterle 

ai giovani e giovanissimi 

mediante corsi e laboratori d’arte. 

Nel 2001 ha fondato l’Associazione 

ONLUS - AYNI, laboratorio per l’interculturalità, 

la guarigione e l’autoguarigione 

che negli ultimi anni ha 

offerto il suo sostegno ai bambini del 

Centro Rural de Formacion en Alternancia 

Waynakunaq Riqcharinan 

Wasi a Cuzco, in Perù. Nel 2001 a Torino 

e nel 2009 a Biella è stata nominata 

“Donna della Pace”. Le sue opere 

Madonna della Nuvola e Cristo dei 

Miracoli sono state esposte per quindici 

anni nella Chiesa dell’Assunta di 

Settignano, mentre la Madonna degli 

Emigranti si trova a Roma nella Chiesa 

di Santa Lucia, dove è esposta per 

Pujay pachamama, 2010, olio, cm. 50x70 

la festività della Santa. Nel 1997 ha dipinto un murales 

nel chiostro della Chiesa di San Marco a Firenze; 

altri tre murales si trovano invece in provincia 

di Roma (Peschiera a San Paolo) e a Rieti. Nel 

2010 ha esposto al Museo Navale di Pegli (Genova), 

nel 2011 a Pescia (Palazzo del Podestà, Gipsoteca), 

Varallo (Biblioteca Civica e Palazzo d’Adda), 

Firenze (Palazzo Bastogi) e nel 2014 a 

Lanciano (Palazzo degli Studi). 

Via Pandolfini, 1 A/R (studio) - 50122 Firenze - Tel. 055 2344448 - Cell. 339 1903981 

yelitza.altamirano@yahoo.es - aynicolibri@alice.it - www.ayni.it - www.yelitza.it 

5


EUGENIA MARGHERITA ARCURI 

Temporale estivo, 2015, olio e collage, cm. 40x70 

Nata a Crotone nel 1955, risiede da 

molti anni a Firenze dove ho studiato 

alla Facoltà di Architettura. Coltiva 

da sempre la passione per l’arte e ha frequentato 

corsi di pittura figurativa, tecniche 

moderne e disegno dal vero. Dipinge soprattutto 

ad olio, spaziando dall’astratto al 

figurativo, spesso con interventi di collage. 

Ha esposto in varie mostre collettive in Toscana. 

e.m.arcuri@hotmail.it 

6

PIERO ARDENGHI 


Eva, acrilico su tela, cm. 50x40 

Nasce a Montalcino (SI) nel 1943. 

Dopo la breve frequentazione della 

Scuola di Arti e Mestieri di Siena, inizia 

a lavorare nella bottega dei fratelli Martinelli, 

ebanisti, specializzati per lavori di 

intaglio ed intarsio del legno. Nel 1964 si 

trasferisce a Montecatini Terme, dove lavora 

come progettista arredatore presso un 

grosso mobilificio. Durante gli anni di residenza 

nella città termale conosce il pittore 

Pietro Annigoni. Il maestro aveva da poco 

iniziato i lavori agli affreschi (raffiguranti 

soggetti sacri) nel Santuario della Madonna 

del Buon Consiglio a Ponte Buggianese e 

volle coinvolgerlo nella realizzazione della 

grande opera. Questa “frequentazione” 

sarà fondamentale nella sua formazione artistica 

e personale. In quel periodo aderisce 

ed inizia ad esporre i suoi lavori di pittura in 

mostre collettive organizzate dal gruppo 

artistico pistoiese Arti al Buio. Nel 1971 si 

trasferisce a Grosseto. Collabora per alcuni 

anni con due gallerie italiane, partecipa a 

concorsi d’arte e importanti mostre collettive, 

organizza e cura con successo mostre 

personali in luoghi pubblici e privati nel territorio 

nazionale. Nell’anno 2003 con una 

mostra a Stresa aderisce al movimento Il 

Ricambio Generazionale dopo il Novecento. 

Nel 2008 una sua opera è stata acquisita 

dal Sharjah Art Museum nell’Emirato 

UAE (Arabia Saudita); sue opere sono inoltre 

presenti in musei nazionali e collezioni 

private. Fonda a Grosseto, insieme a quattro 

amici artisti, l’Associazione Culturale 

EVENTI, che, dall’anno 2000, si muove sul 

territorio nazionale per la promozione e la 

diffusione dell’arte contemporanea. 

Studio: Via Australia, 40 - Grosseto - Tel. 0564 456416 – Cell. 339 8163661 - info@pieroardenghi.it 

www.pieroardenghi.it - www.pieroardenghi.altervista.org - Facebook: ardenghipiero@gmail.com 

7


LIBUSE BABAKOVA 

Artista di origine cecoslovacca, 

da oltre trent’anni vive e lavora 

in Italia. Ha seguito studi di 

indirizzo umanistico e musicale, laureandosi 

in storia e musicologia all’Università 

Purkyne di Brno, sua città 

natale. Nel corso degli anni la sua attenzione 

si è spostata sulle arti visive, 

in particolare sulla pittura figurativa 

con tecnica ad olio e ad acrilico; si è 

dedicata inoltre alla pittura su vetro. 

Il trasferimento in Italia ha influito sul 

suo percorso artistico, segnando il 

passaggio dal figurativo all’astratto. 

Pur avendo come riferimento la tradizione 

dell’Espressionismo astratto 

americano, Libuse Babakova mette a 

punto elaborazioni cromatiche e 

configurazioni geometrico - spaziali 

che rifuggono da ogni classificazione 

per farsi segno di un percorso autonomo 

e originale. Nel 2014 è entrata 

a far parte dell’Antica Compagnia del 

Paiolo e del Circolo Artisti Casa di 

Dante e nello stesso anno le è stato 

assegnato il Fiorino d’Argento in occasione 

del XXXII Premio Firenze. 

186 Silenzi in Diesis, 2015, acrilico su tela, cm. 50x50 

matici alla redazione del segno alla sua iterazione: 

i tempi di realizzazione del quadro consentono a 

Libuse di rallentare la corsa dei pensieri, di non 

perdersi nel trasporto emozionale, mantenendo 

sempre un equilibrio di visione e un ordine compositivo 

che conferiscono armonia all’insieme. 

Un’armonia che nasce dalla dissonanza, dal canto 

e dal controcanto dei colori, che, incontrandosi 

sulla tela, generano percorsi labirintici e arcane 

simmetrie. Vibrante, sottile, inestricabile: la trama 

di linee che occupa lo spazio del dipinto ha il valore 

di una confessione, di un’autobiografia, in cui 

la singolarità dell’esserci, qui ed ora, emerge nella 

sua inconfutabile verità. 


(…) Nei suoi lavori non troveremo l’attitudine 

cupa, aggressiva, caotica di 

molti pittori gestuali, quanto, invece, 

il bisogno di sciogliere il groviglio dei 

sentimenti e riunirli in un codice visivo 

che diventa una crittografia dell’anima. 

Dalla stesura degli strati crowww.libusebabakova.com 

libuse.babakova@gmail.com 

8

MARIA GRAZIA BAMBI 


Nasce a Firenze, dove vive e 

realizza con grande passione 

le sue opere di tecnica mista 

su cartoncino. 

Evidenzia registri espressivi che hanno 

nella liberazione del fantastico il 

loro denominatore comune. Significativa 

è l’alternanza tra il codice geometrico 

arricchto da fluttuazioni organo-biologiche 

ed i suggerimenti 

alla figurazione dai toni esistenziali. Il 

tutto coronato da una tecnica mista 

preziosa e di sensibile applicazione, 

dai cromatismi suadenti. 

Silvia Ranzi 

Rosso è l’amore che 

per te io provai 

e con te un quadrifoglio io trovai. 

La fortuna mi sorrise quando 

a te io mi legai...! 

Maria Grazia Bambi 

La fortuna sta sul rosso, 2005, tecnica mista, cm. 40x61 

Cell. 339 3969803 

bambi.mariagrazia@gmail.com 

9


CRISTINA BAZOLLI 

Nata in provincia di Mantova nel 

1957, ha iniziato a dipingere 

giovanissima sotto la guida di 

Lanfranco Frigeri, un maestro del 

surrealismo italiano. Dopo gli studi 

classici, si è laureata in Filosofia e ha 

iniziato l’attività di insegnante. Nel 

2000 si è trasferita a Firenze, dove 

ha continuato la sua ricerca artistica, 

apprendendo l’arte della doratura, 

della miniatura e le tecniche pittoriche 

del Quattrocento toscano, a cui 

si ispira nelle sue opere, caratterizzate 

dalla commistione tra filosofia, letteratura, 

musica e pittura. Ha esposto 

in personali e collettive a Firenze, 

Roma, Milano, Ferrara, Reggio Emilia, 

Brescia. 

I dipinti di Cristina Bazolli hanno bisogno 

di tempo. Tempo per leggerli, per 

assimilarli e farli propri. Sembrano 

portatori di una storia profonda come 

se venissero da lontano. È la storia di 

tutti noi, quella che ha definito ciò 

che siamo, reinterpretata e portata 

nella vita reale. Così il pensiero di filosofi 

e letterati si fa materia e colore, 

acquisisce un volto e uno sguardo 

nuovi. Lo sfondo scuro non inghiottisce 

i soggetti ma li illumina. I corpi e 

gli sguardi ci restituiscono la dimensione 

dei sogni. Cristina Bazolli, che 

affonda le sue radici in un surrealismo 

Take care of the world, 2015, olio su tela, cm. 50x70 

sperimentato da giovanissima, approda a uno stile 

che fa del connubio tra realtà e immaginazione, 

tra concretezza e sogno la chiave di lettura di una 

pittura che - al di là dei canoni tradizionali - non 

intende solo rappresentare una situazione ma cogliere 

e trasmettere una sensazione e un insieme 

complesso di concetti. 

Laura Bonaiuti 

Cell. 328 4918218 - www.facebook.com/cristinabazolliart 

www.equilibriarte.org/profile/cristinabazolli 

10

DANIELA BENCIVENNI 


Risorse, 2015, olio su tela, cm. 50x60 

Pittrice fiorentina, s’interessa da 

sempre alla pittura, che ha appreso 

frequentando i corsi di Nazareno Malinconi. 

Ricercatrice etnobotanica, predilige 

soggetti che richiamano la natura, in particolare 

il paesaggio e le piante. Il paesaggio 

è inteso come una finestra che si affaccia su 

un punto di vista interiore: ognuno di noi ha 

un paesaggio interiore che vive e si trasforma 

e che è a sua volta influenzato dal paesaggio 

esterno, inteso come ambiente di 

vita. Intensa l’attività espositiva degli ultimi 

anni, che l’ha vista presente in diverse manifestazioni 

collettive e mostre personali tra 

Firenze, Pontassieve, Montespertoli, Viareggio 

e Parigi (Premio Le Marais, 2013). 

Sue opere si trovano in collezioni private 

americane. Nel 2013 è stata inserita nel volume 

Donne dell’Arte in Toscana (Masso delle 

Fate Edizioni), sulla rivista Effetto Arte di 

Palermo e nel DIAC (Dizionario d’Arte Contemporanea) 

di Bologna. 

Trovare l’armonia nel rispecchiarsi dei 

molteplici paesaggi interni ed esterni è in un 

certo senso lo scopo della mia ricerca. 

Daniela Bencivenni 

La realtà della sua opera ha un suggestivo 

potere evocativo che viene trasmesso dalla 

chiara narrazione figurativa del paesaggio. 

L’ordine e i colori tenui dell’immagine infondono 

serenità all’osservatore, che viene 

proiettato in un paesaggio caldo e accogliente. 

La capacità artistica e comunicativa 

di Daniela Bencivenni, viene fuori dalla 

realtà espressiva e dalla consistenza del 

paesaggio. 

Simona Giurintano 

Via di Monteloro, 30b - 50065 Pontassieve (FI) 

Cell. 349 0756279 - dbencivenni@yahoo.it 

11


FOSCO BERTANI 

Nato ad Asola (MN) nel 195I, 

ha compiuto gli studi classici 

a Monza e ha frequentato 

la Facoltà di Lettere e Filosofia 

a Milano fino alla scelta, nel 1973, 

di iscriversi all’Accademia di Brera 

e poi a quella di Firenze, dove 

si diploma, nel 1978, con una tesi 

sul Beato Angelico. Nel 1989 esegue 

un grande dipinto murale nella 

chiesa di Sant’Alberto Magno a 

Roma. Nel 1996 torna in Brianza e 

da allora insegna discipline pittoriche 

stabilmente al liceo artistico 

statale “Fausto Melotti” di Cantù. 

Alterna la pittura di paesaggio al 

ritratto. Ha tenuto mostre personali 

in diverse città italiane (Seregno, 

Asola, Lissone, Lavarone, Giussano, 

Mantova, Gazoldo degli Ippoliti, 

Monza, Lecco, Bresso, Milano, 

Bologna, Desio, Carrara, Volongo, 

Carpenedolo). Abita a Seveso (Mi). 

Hanno scritto di lui: Renzo Margonari, 

Cecilia De Carli, Giorgio Mascherpa, 

Giuseppe Frangi, Paolo 

Biscottini, Camillo Ravasi, Mario 

Cancelli, Renato Farina, Domenico 

Montalto, Carmine Benincasa, Gian 

Marco Walch, Rodolfo Balzarotti, 

Raffaele De Grada, Mariano Apa e 

Carlo Franza. 

La pittura di Fosco Bertani, intellettuale 

e artista tremendamente 

vero, vive oggi una comunione universale, 

palese, una vicenda irrimediabilmente 

individua che ne sostanzia 

l’espressione sua pittorica, 

carica di sensibilità e di slancio sco- 

Coloretta vista dal monte, 2012, olio su tavola, cm. 30x40 

pertamente romantico, e sta a indicare la posizione 

di chi determina la spiccata originalità delle immagini 

che puntuali di accostamenti con altri rimandi 

per affinità capta anche tensioni e valori umani e 

storici. Bertani che è ormai nella sua fase più matura, 

ci regala una pittura che è ricerca strutturale, ove la 

serrata prospettiva inquieta è costruita da tacche di 

colore puro, e la riflessione sulla realtà del dipingere 

tenta soluzioni che ricordano per il vitalismo il miglior 

novecento e le plaghe di colore che trapassano 

la materia definiscono una superficie tra luce e 

ombra. Esercitazioni e lavori compiuti “à la maniere 

de” Chighine, Morlotti, De Stael, con tele di straordinaria 

struggente intensità, ossificate nel senso di 

aver dato conto a una alata spiritualità francescana 

propria del paesaggio rappresentato, sia nel taglio 

e nelle leggi sue interne che nello spazio dilatato 

dal colore. Fosco Bertani rimane, per l’importanza 

cruciale di questo suo momento espositivo, un protagonista 

lombardo di sorprendente e innovativo 

stupore, per il grado di tensione delle immagini, per 

il ritmo interno di dolce eco naturale, e ancora per 

la spiccata meditazione del visibile che vive di smagato 

senso di lontananza negli orizzonti dipinti, per 

farsi anche malinconia e ricordo. 

Carlo Franza 

Facebook: Fosco Bertani oppure la pittura di Fosco Bertani 

Pagina wordpress: L’arte di Fosco Bertani - foscobertani@gmail.com 

12

MAURIZIO BIAGI 


Affresco, 2015, cm. 35x45 

Nato a Greve in Chianti, inizia a dipingere 

negli anni Settanta e nel 1975 

partecipa al 2° Premio Nazionale di 

Pittura Scultura Grafica il Cenacolo (Pittori 

italiani in Toscana). Negli anni Ottanta frequenta 

il pittore Gianfranco Mello, i cui insegnamenti 

tecnici e filosofici avranno un 

ruolo centrale nella sua formazione artistica. 

Nel 1990 partecipa, con Enzo Faraoni, 

Giuseppe Gavazzi, Renzo Grazzini, Silvio 

Loffredo, Andrea Martinelli e Franco Messina, 

alla mostra di affreschi su cotto presso 

la Sala d’Armi Buondelmonti di Impruneta. 

Nello stesso anno prende parte alla 17° Rassegna 

Sestese di Pittori-Grafici-Scultori, 

con illustri artisti toscani come Luca Alinari, 

Vinicio Berti, Gualtiero Nativi, Antonio Possenti, 

Sergio Scatizzi, Rolando Sforzi e Nino 

Tirinnanzi. In questi anni il linguaggio è 

quello della pittura en plein air su tele di 

grandi dimensioni, da cui s’intuisce un innato 

senso del colore che spesso sconfina 

nell’informale. Sempre alla ricerca di nuovi 

orizzonti creativi, Maurizio Biagi ha rinunciato, 

già da qualche tempo, a qualsiasi forma 

di rappresentazione della realtà per avvalersi 

della sola forza espressiva del colore. 

Un percorso che comprende anche l’antica 

e difficile tecnica dell’affresco piegata 

dall’artista alle leggi dell’astrattismo. 

mauriziobiagi2009@libero.it 

13


SIMONE BILIOTTI 

Scultore fiorentino, si è formato 

a Pietrasanta sotto la guida di 

artisti di livello internazionale. 

Scolpisce marmi pregiati e rari tra cui 

il portoro, il cristallino onice bianco 

del Messico, il nero del Belgio, lo statuario 

bianco latte, il bardiglio nuvolato, 

l’extra noir Saint Laurent. Il suo 

stile raffinato ed elegante è il frutto di 

una ricerca poetica dell’armonia. Fa 

parte del Gruppo Donatello e del Circolo 

degli Artisti Casa di Dante di Firenze. 

Tra le opere di recente realizzazione, 

si segnala la scultura intitolata 

Ermafrodito, realizzata in marmo 

bianco statuario proveniente dalla 

famosa cava Michelangelo. Attualmente 

è impegnato nella realizzazione 

di una scultura monumentale che 

sarà collocata all’entrata della Grotta 

del Vento in Garfagnana. Lo scorso 

giugno, nel Salone dei Cinquecento 

in Palazzo Vecchio a Firenze, è stato 

insignito del “Collare Laurenziano”, 

conferitogli dall’Accademia Internazionale 

Medicea. 

La verticalità della scultura “L’ermafrodito”, 

come pure la sua struttura 

curvilinea pacata e fluida, rivelano 

l’intenzione bivalente dell’opera, che 

congiunge nella sua forma segni sessuali 

opposti portandoli ad una integrazione 

fra loro. Tale connubio è 

sottolineato anche dall’uso del marmo 

statuario nella tonalità biancolatte 

della superficie: il bianco simbolicamente 

rimanda a sentimenti di 

purezza e speranza, ma è anche la 

combinazione di tutti i colori dello 

spettro luminoso, raggiungendo così 

una sorta di totalità. In tal modo, 

Ermafrodito, marmo bianco statuario dalla cava Michelangelo, 2015 

questa scultura di Simone Biliotti, stilizzata ed 

astrattiva, costituisce idealmente e formalmente 

un’unione e una fusione fra diversi: nasce, di conseguenza, 

una nuova identità che qui si afferma 

come esistente. 

Federico Napoli 

Via dei Della Robbia 52 - Firenze 

Cell. 329 6026092 - scultoretoscana@gmail.com 

14

LISA BRACCI 


New Liberty, olio e foglia d’oro su tela, cm. 50x70 

Nata a Firenze nel 1969, ha conseguito 

il diploma come Disegnatrice Stilista 

di Moda. 

Alla continua ricerca della bellezza attraverso 

le forme e i colori… 

Lisa Bracci 

Cell. 339 4814378 

lisa.bracci@alice.it 

15


CECILIA BROGI 

Crepuscolo, 2015, trittico, rete metallica, legno (radici e rami), pelle, componenti in alluminio e rame, specchi, materiale 

in plastica, cm. 150x100 

Artista fiorentina, dal 2008 si dedica 

alla creazione di sculture e installazioni. 

Tra le mostre recenti si ricordano: 

2009, Firenze, installazione Solido in 

luce 1, 2 e 3, Eretikart (Sala Barnabiti), Ars 

Mediana (Sala delle Leopoldine), Sentieri 

delle Stelle (Antella); 2010, Firenze, installazione 

Moltitudini 1 (Festival della Creatività) 

e Il sonno della prigioniera (Libreria Libri 

Liberi); 2011, Firenze, installazione 

Moltitudini 2, Convegno Nosotras (Salone 

dei Duecento, Palazzo Vecchio); 2013, Volterra, 

installazione Moltitudini 2, Volterra in 

cornice (Logge di Palazzo Pretorio); 2013, 

Firenze (Antella), installazione Di letto 

orizzonte; 2015, Firenze, installazione Natura 

nel sogno, mostra “Nello spazio e nel 

tempo d’un sogno” (Simultanea Spazi d’Arte). 

Nel 2015 ha vinto il concorso internazionale 

Art Contest con l’installazione “Nuvola 

di Farfalle” presso Roccatederighi in 

provincia di Grosseto. 

Via Z. Orlandini, 5 - 50134 Firenze 

Cell. 338 4769417 - ceciliabrogi@libero.it 

16

ROBERTA BUTTINI 


Ènata in Lunigiana (Toscana, Italia), 

luogo di molteplici reperti preistorici 

in pietra creati in un lungo 

periodo di tempo, dal III millennio prima 

di Cristo al VI secolo a.C. Probabilmente 

questa origine ha influenzato in qualche 

modo il suo interesse per l’antropologia 

e per le attività umane arcaiche. Molti gli 

eventi espositivi che la riguardano. Tra i 

più recenti si ricordano: 2013, MU.MA 

Genova, Musée des Civilisations de Cote 

d’Ivoire – Abidjan; 2014, Firenze, Palazzo 

Medici Riccardi (percorso museale) e 

Ambasciata della R.A. d’Egitto a Roma, 

mostra personale, Roberta Buttini. Artista 

Sapiens et Habilis. Segni e Simboli, a 

cura di Giorgio di Genova; Generazione 

anni 40, Officina d’arte e tessuti, Festival 

dei 2 Mondi, Spoleto, 41° Premio Sulmona, 

La Iglesias de Los Angeles, Museo 

Parco di Portofino, El Milagro, Argentina; 

2015, Praestigium Italia - Contemporary 

Artists from Italy, Fondazione Benetton, 

Imago Mundi Palazzo Bomben Treviso, 

inserimento nella collezione del Museo 

Diocesano di Sulmona, Pinacoteca d’Arte 

Moderna Le Porte - Napoli, Praestigium 

II - Contemporary Artists from Italy 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo 

- Torino, Centro d’Arte San Vidal - Venezia, 

Imago Mundi, Luciano Benetton Collection, 

Fondazione Cini - Venezia, 42° 

Premio Sulmona 2015, Quando l’arte 

unisce i popoli - Artisti da tutto il mondo 

a Firenze per Expo 2015, Firenze, ICLAB. 

Negli anni Sessanta, il suo lavoro si esprime 

attraverso il linguaggio tradizionale 

della pittura. A cominciare dai primi 

anni Settanta, la sua arte si fa più concettuale, 

avvalendosi di oggetti, manufatti, 

Ricerca del centro cosmico, pigmenti, olio su tela, legno, sabbia, 

cm. 64x60 

fotografie e molteplici materiali per avventurarsi 

nella sperimentazione polimaterica e 

nell’assemblaggio “artigianale” di reperti. Nel 

corso degli anni Settanta, la scoperta di uno 

straordinario frammento litico risveglia in lei 

l’interesse per l’antropologia: pur non rinnegando 

il suo trascorso in campo concettuale, la 

sua arte sembra farsi più vicina e più partecipe 

alle vicende umane legate alla materia e alle 

occorrenze primarie della specie: nascono alfabeti 

arcaici, armi primordiali, manufatti etnologici. 

Con il nuovo millennio il suo interesse 

si estende a prospettive storiche e culturali di 

grande ampiezza, dove si confrontano forme 

di comunicazione contemporanea con stilemi 

della protostoria. Prodotti della tecnologia industriale 

vengono combinati con reperti naturali 

e artigianato primordiale. Hanno scritto di 

lei: Franco Solmi, Mario Cagetti, Felice Ballero, 

Germano Beringheli, Franco Sborgi, Claudio 

Bertieri, Riccardo Boggi, Giorgio Di Genova. 

Cell. 335 6467599 

buttiniroberta@libero.it - www.robertabuttini.com 

17


EMMA CAMPANALE 

Ivan, olio su tela di juta, cm. 50x70 

Nata a Bari nel 1973, dal 1994 vive e 

lavora a Firenze, dove si è diplomata 

con il massimo dei voti all’Accademia 

delle Belle Arti (sezione scenografia) e 

dove attualmente insegna discipline geometriche, 

architettura e scenotecnica. Nel 

2003 si è classificata seconda al concorso 

per aiuto scenografo del Teatro Comunale 

di Firenze. Ha seguito il corso di fotografia 

Still life del CFP della Provincia di Firenze e 

il corso di tecniche multimediali dell’Agenzia 

formativa Giovani Valdarno. Tra le collaborazioni 

artistiche si ricorda quella con la 

compagnia di Virgilio Sieni. Ha lavorato 

come progettista e decoratrice presso Villa 

la Borghetta di Figline Valdarno e ha realizzato 

le decorazioni murali della struttura 

ricettiva fiorentina Le stanze di Caterina su 

progetto dell’interior design Pietro del Vaglio. 

Numerosi anche gli interventi come 

restauratrice di affreschi e soffitti lignei. Nel 

2014 ha realizzato il trompe l’oeil intitolato 

La colazione per la Foresteria Valdese di 

Vallecrosia. Dal 2004 collabora con la ditta 

Benedetti Mobili di Reggello come decoratrice, 

maturando una solida esperienza 

nell’ambito decorativo con l’uso di varie 

tecniche pittoriche, progettazione e realizzazione 

di trompe l’oeil, dorature ed esecuzioni 

a mano libera. 

www.emmacampanale.it 

18

FRANCO CAPPELLINI 


Franco Cappellini, conosciuto e apprezzato 

scultore è nato a Vicchio 

del Mugello, vive ed opera a Scandicci. 

È presente con le sue opere a Firenze, 

a Scandicci ed a Sesto Fiorentino. 

Le sue sculture, che impreziosiscono 

luoghi ed enti pubblici e sedi di associazioni, 

sono visitabili dal pubblico interessato 

e sono collocate in permanenza a 

Firenze presso il Caffè Storico Giubbe 

Rosse, alla sede della CNA e nello Spazio 

Eventi del Bocciodromo di Scandicci, 

presso il Centro Oncologico Fiorentino 

di Sesto Fiorentino, all’Ospedale Torregalli 

di Firenze ed altre ancora. 

Fa parte del Consiglio Direttivo del Centro 

d’Arte Modigliani e partecipa alle iniziative 

artistiche organizzate e coordinate 

da Riccardo Ghiribelli alle Giubbe 

Rosse. 

Dal 2004 è spesso invitato a mostre e 

rassegne ed ha tenuto la sua personale 

“Lithos” nel giugno 2014 a Firenze a Villa 

Bandini nel Quartiere 3. In mostra erano 

esposte molte sue sculture, tutte in pietra 

grigia forte, con al centro della sala la 

grande scultura in ferro forgiato e saldato 

“Il dragone domato”, alta due metri. 

Lo stile istintivo, gestuale, concettuale e 

visionario di Franco Cappellini richiama 

il Primitivismo francese e la scultura africana, 

anche se l’artista si dichiara scultore 

di getto e senza maestri. Possiamo 

considerare la sua opera come un ulteriore 

sviluppo della ricerca dell’avanguardia 

artistica del secondo decennio 

del Novecento. 

Caterina Trombetti 

Il supplizio, pietra arenaria, cm. 25x25x60 

Cell. 377 5060896 

19


DELIA CASADEI 

Vibrazioni, 2013, fotografia digitale, cm. 50x50 

Nasce nel 1984 a Cremona. Dopo la 

maturità artistica studia Architettura 

presso l’Università degli studi di 

Parma con una tesi in restauro premiata nel 

2014 con una Medaglia di Merito del Presidente 

della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano 

durante la manifestazione “Youth 

and Heritage Festival” a Firenze. Nel 2010 si 

trasferisce in Inghilterra dove consegue un 

Master in Advanced Architecture Design 

presso la Facoltà di Architettura dell’Università 

di Oxford. Il suo lavoro spazia tra 

fotografia, installazioni, performance e video. 

Molte delle sue opere trattano la percezione 

dello spazio, l’illusione, la memoria. 

Attualmente vive e lavora ad Oxford. 

La tecnica surrealista chiamata “Scrittura 

Automatica” e l’osservazione di cerchi provocati 

dal lancio di un sasso nell’acqua hanno 

ispirato l’approccio per la realizzazione 

dell’opera. Elementi invisibili nell’aria, in altre 

parole vibrazioni sono stati catturati e 

fissati con l’immagine fotografica come se 

fossero una coreografia aerea. “Vibrazioni” 

è pertanto uno studio surreale di gesti inconsci 

emersi da un’esecuzione musicale 

utilizzando il violino. L’opera fa parte di un 

progetto surreale chiamato “Et In Arcadia 

Ego”: azioni e oggetti di vita quotidiana, il 

teatro, la danza e la musica sono stati usati 

per sperimentare il concetto di tempo. 

casadeli@libero.it 

https://www.works.io/delia-casadei 

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CARMINE CASERTANO (MORIGORE) 

Tra noi una rosa, 2003, olio su tela, cm. 40x50 

Pittore ed attore, nasce a Campobasso 

nel 1948 e dal 1996 vive a Monte San 

Savino (AR). Morigore, ha iniziato ad 

esprimere la sua passione per la pittura nel 

2000, dipingendo quadri di paesaggio e 

prendendo parte a diverse mostre. Tra queste 

si segnalano: Kunstart, Bolzano (2009), 

Galerìa Gaudì, Madrid (2009), Biennale Internazionale, 

Chianciano (2011), Biannuale 

d’Arte, Palazzo del Bargello, Gubbio (2014), 

International Prix THE PANTOKRATOR, 

Corfù, Grecia (2015), Gran Premio, Città di 

Abu Dhabi (2015) con conseguimento 

dell’Oscar degli Emirati Arabi. 

Morigore, rende omaggio alla nobile arte 

della pantomima e si ispira a Pierrot, l’irresistibile 

clown innamorato e malinconico. 

L’artista, interprete sensibile e raffinato, riesce 

ad immortalare due volti dalla rara intensità 

espressiva; gli sguardi carichi d’emozione 

conducono lontano, i visi accostati, 

si sfiorano con tenerezza in un istante di 

affettuosa intimità. 

(Artitalia Edizioni) 

Cell. 329 4916988 - www.morigore.com 

Twitter: Morigore Artist - Facebook: Morigore Pittura Musica 

21


ANNA CECCHETTI 

Pittrice e scultrice, le sue opere 

sono in esposizione permanente 

a Firenze presso 

l’Ospedale Piero Palagi (36 grandi 

ritratti di artisti e poeti fiorentini, 2 

pannelli dal titolo Inno alla Vita ciascuno 

di mt. 6x1,50, della stessa 

serie 15 quadri nel Reparto di Dermatologia 

e la scultura in marmo 

statuario alta 150 centimetri dal titolo 

Cipresso umano collocata nel 

giardino del quarto piano) e l’Ospedale 

Meyer di Careggi (3 grandi 

dipinti di mt. 1x1,50 della serie Lascia 

la porta spalancata alla vita). 

Sue opere sono esposte nel Museo 

di Varsavia ed in collezioni private 

e pubbliche: Regione Toscana, Provincia 

Firenze, Comune Fiesole, 

Comune Orosei, Comune Rieti, Telesiamuseum 

Reggio Calabria, Museo 

Gino Bartali, Convento S. Marco, 

Villa Caruso Lastra a Signa, 

Sede Provinciale Coni-Firenze, 

Caffè Letterario Le Giubbe Rosse. 

Nel 2014 ha festeggiato il Cinquantennale 

Artistico con una mostra 

personale a Forte dei Marmi (Museo 

Guidi e Hotel Logos) e un’antologica 

a Firenze in Palazzo Medici 

Riccardi. Nel 2015 ha esposto in 

personale al Lu.C.C.A (Lucca Center 

of Contemporary Art). 

Con le sculture Anna Cecchetti ci 

offre un significativo saggio della 

propria intensa ricerca di emozioni. 

Emerge, dal confronto con la sua 

produzione pittorica, il nesso tra 

l’indagine sulla qualità della materia 

e il riconoscimento del ruolo del 

Abbraccio, 2015, marmo bianco statuario, cm. 25x30x15 

“fare” che permette di comprendere la coerenza e la 

sostanziale unitarietà dell’opera. Le sculture in marmo, 

al di là delle dimensioni, hanno una monumentalità 

che viene confermata dal piccolo formato ove 

la sintesi della figura, grazie ad un forte e costruttivo 

disegno, si inserisce in un impianto cromatico in grado 

di acquisire una delicatissima e densa qualità materica. 

Così l’impostazione compositiva nell’opera di 

Anna Cecchetti riesce a dare la misura di ritmi di una 

valenza sostanzialmente musicale, ulteriore testimonianza 

della radice classica e quindi profondamente 

fiorentina e colta del proprio vitalismo. 

Ugo Barlozzetti 

Studio: Via Kyoto, 39/41 - Firenze 

anna.cecchetti44@gmail.com - anna.cecchetti.xoom.it 

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ALESSIO CELLERINI 


Nato a Firenze nel 1966, frequenta 

l’Istituto d’Arte Porta 

Romana dove consegue nel 

1985 il diploma di Maestro d’Arte con 

specializzazione in arte della grafica e 

della fotografia. 

Nel 1987 inizia a lavorare presso la ditta 

fiorentina di vetrate artistiche Mellini 

dove apprende i segreti e le tecniche 

di questa antica forma d’arte. Qui 

viene a contatto con importanti artisti 

tra i quali Giovanni Hajnal e Gaetano 

Valerio, dai quali assorbe gli insegnamenti 

che gli serviranno per 

maturare uno stile proprio e originale, 

specialmente nell’accostamento dei 

colori. Nel 1997 collabora con i Padri 

Salesiani in Perù alla creazione di una 

scuola di vetrate artistiche . 

Dopo questa eccezionale esperienza 

fonda con un collega Vitrum Arte 

avendo finalmente modo di esprimere 

liberamente la sua professionalità 

e le sue doti artistiche. 

Data l’innata propensione all’espressione 

pittorica e al disegno Alessio 

Cellerini ha da sempre associato alla 

sua professione artistica di vetratista 

la pittura, come espressione di stati 

d’animo. 

Ha quindi sempre realizzato nel corso 

degli anni dipinti per lo più introspettivi 

con pennellate e accostamenti di 

colori legati a sensazioni interiori del 

momento. 

Alessio Cellerini non ha mai esposto 

la sua opera pittorica prima d’ora perchè 

considerata intima e liberatoria 

prima che apprezzabile dall’esterno. 

Contrasto, 2014, acrilico su tavola, cm. 160x100 

Cell. 338 6077686 - alecellerini@gmail.com 

alessio@vitrumarte.it 

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ROBERTO CELLI 

Nato a Molino del Piano (Firenze) 

nel 1965, si dedica 

da tempo alla fotografia, 

lavorando su tematiche e progetti 

che indagano la figura umana e il 

paesaggio naturale con impaginazioni 

visive che rifuggono dal consueto 

per puntare l’attenzione sul 

gioco di riflessi e di sovrapposizioni, 

sulla relazione tra il corpo e 

lo spazio, il tempo e la memoria. 

Di recente ha esteso la sua ricerca 

all’astrattismo fotografico, estraendo 

dalla realtà soltanto i dettagli 

che gli consentono di creare 

suggestive composizioni lineari, 

geometriche e cromatiche. L’applicazione, 

anche questa recente, 

di corde, smalti, specchi e altri oggetti 

all’immagine, è il segno di 

una contaminazione linguistica 

che supera le tradizionali categorie 

fotografiche per aprirsi ad una 

dimensione artistica più elaborata 

e complessa. Dal 2007 ad oggi ha 

esposto in numerose mostre personali 

e collettive. Tra queste si ricordano: 

2010, personale Incontro, 

Circolo Fotografico Fotoclub, 

Firenze; 2011, personale Ricordi e 

Visioni, Biblioteca Comunale Pontassieve 

(FI); 2011, collettiva ArtExpò011, 

Sale Ex Granai, Fortezza 

Orsini, Pitigliano (GR); 2012, collettiva 

Identità Sospese, Simultanea 

Spazi d’Arte, Firenze; 2013, 

personale Confini, Pontassieve 

(FI) e Caffè Storico Letterario 

Giubbe Rosse, Firenze; 2013, personale 

Quando le Arti si Toccano, 

Bianca, 2015, fotografia digitale, stampa su carta, cm. 20x20 

con Massimo Cantini, Galleria Europa, Lido di Camaiore 

(LU) e di nuovo nel 2014 lo stesso progetto 

all’Associazione Culturale Una Mela per Eva; 2013, 

collettiva C’era una volta, mostra itinerante tra Firenze 

(Simultanea Spazi d’Arte), Pontremoli (Stanze del 

Teatro della Rosa) e Pergine (Spazio EventArt); 2013, 

collettiva Volterra in cornice, Logge di Palazzo Pretorio 

(Volterra) e Prato Natale in Arte, Centro Studi Arti 

Visive Spazio Polivalente; 2014, collettiva Unexpected 

Windows, Simultanea Spazi d’Arte, Firenze e 

nella stessa sede la collettiva Nello spazio e nel tempo 

d’un sogno (2015); 2015, collettiva Galleria Spazioporpora, 

Milano. Nel 2011 ha ricevuto il Primo Premio 

Fiorino d’Oro al XXIX Premio Firenze, con l’opera 

“Abbandono” e nel 2012 il Comune di Pontassieve gli 

ha consegnato un attestato “per l’impegno profuso 

nel promuovere e valorizzare l’Arte nel Comune di 

Pontassieve”. Il suo lavoro è recensito nel volume Artisti 

in Toscana 2013 (Masso delle Fate). 

Cell. 331 6760325 

rc.photo@libero.it - www.robertocelli.it 

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MAYA CETKOVIC 


Nata a Belgrado, vive a Firenze dal 

1989 ed è ormai cittadina italiana. 

Laureata in Pittura all’Accademia 

di Belgrado, fa parte, insieme ad altri artisti, 

del gruppo fiorentino KPK - Cantiere 

Post Kontemporaneo. Ha esposto in 

personale e in collettiva in Italia e all’estero. 

Wassily Kandinsky sosteneva che in pittura 

l’armonia cromatica è data dalla capacità 

di stabilire “un efficace contatto 

con l’anima”, intendendo il colore come 

uno strumento che, svincolato dalla funzione 

iconica, si configura come equivalente 

visivo di una profonda necessità 

interiore. Nei dipinti di Maya Cetkovic il 

colore non può dirsi del tutto sottratto ai 

criteri della verosimiglianza e della figuratività, 

anche se l’uso che l’artista ne fa 

sembra volto a svelarne più la forza simbolica 

che l’attinenza naturalistica, soprattutto 

nella definizione degli sfondi, 

sempre carichi di una vitalità cromatica 

che, mentre nega la profondità, agisce 

sul sentimento e sull’interiorità. La tendenza 

ad inserire la figura entro un campo 

di forze creato quasi unicamente dalle 

combinazioni e dai contrasti di toni, 

sembra confermare una concezione del 

colore lontana dal voler restituire la “fisicità” 

del dato oggettivo, quanto le tensioni 

spirituali che intimamente lo muovono. 

Un passaggio, potremmo dire, 

dall’esteriorità all’interiorità, dal corpo 

alle energie spirituali che lo abitano e 

che prendono forma nelle accentuazioni 

cromatiche della superficie come nelle 

pieghe sottili della pelle, organo di sen- 

Orchidea, 2014, olio su tela, cm. 140x120 

so e filtro tra l’uomo e la realtà. Una ricerca 

pittorica che si nutre, come svelano anche 

molti titoli dei suoi dipinti, di un misticismo inteso 

come esperienza che guida l’individuo a 

confrontarsi con una realtà assoluta, imperscrutabile, 

altra da sé, alla quale si giunge non 

per le vie della conoscenza logica ma seguendo 

i percorsi liberi dell’intuizione e della percezione, 

quelli che invitano a scoprire nelle 

manifestazioni visibili della materia le proiezioni 

invisibili dello spirito. Ecco, allora, che la 

marcata corporeità delle sue figure altro non è 

che un segmento di materia vivente che interroga 

il mistero, un medium attraverso cui lo 

spessore del vissuto si dissolve in limpida vibrazione 

dell’anima. 


Cell. 338 4723616 

cetkovic.maya@libero.it - www.mayacetkovic.com 

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PIERO CIARAMELLI 

Pittore e scultore, la sua esperienza 

artistica è iniziata nel 1972 dopo il 

diploma alla scuola del nudo del 

GADA. Molti i riconoscimenti nazionali e 

internazionali alternati a mostre e rassegne. 

Da circa vent’anni si occupa anche 

di scultura, lavorando con materiali tradizionali 

(gesso, terracotta) ed extrartistici 

quali polistirolo, carta e persino 

cioccolata. Tra le opere in terracotta invetriata 

si segnalano una Sant’Anna collocata 

a Lastra a Signa (Lungarno Buozzi), 

una Deposizione nella Chiesa di 

Castiglione della Pescaia, il tabernacolo 

Madonna dell’abbraccio anche questo a 

Lastra a Signa e l’altorilievo San Martino 

nella parrocchia di Vergaio. Una sua 

scultura in cioccolata - Amore e Pische 

- è stata esposta a Prato alcuni anni fa, 

mentre tra le realizzazioni in polistirolo 

spicca una mucca di 3 metri esposta per 

un anno intero difronte ad una nota macelleria 

di Panzano. Alcune sue opere - 

Bambina al bagno e Pietà - sono entrate 

a far parte di una collezione americana. 

Colpisce enormemente la libertà che ha 

questo pittore scultore, libertà dalle 

mode e libertà che un artista ha e su cui 

si ripete e si riposa. In Ciaramelli c’è una 

libertà che è curiosità, apertura sul 

mondo e sulla realtà: pochi, almeno di 

quelli più vicini a noi, possiedono il 

grande dono della libertà. Un’altra caratteristica 

è la staordinaria ricchezza di 

forme e di colori, una ricchezza mai ripetitiva, 

che investe l’opera e la trasferisce 

in chi la guarda. Ecco quindi, libertà, 

allegria e ricchezza, direi un tipo di 

equilibrata armonia che sono assolutamente 

toscani. Una nota relativa ai nudi 

Ilaria nel secchio, 2012, terracotta, cm. 35x70 

femminili che sono se voi li osservate con attenzione, 

poco simili al trovarobato del nudismo 

artistico di oggi, sono dei nudi e delle figure 

di una modernità nervosa ed elegante, 

sono dolcemente muscolari. Voglio dire: la figura 

è un’espressione dove più inciampano gli 

artisti nei momenti difficili, i nudi e le figure di 

Ciaramelli sono quasi sempre straordinariamente 

vittoriosi. Concludo dicendo che avrei 

voluto vedere qui delle altre sculture di questo 

maestro perché gli accenni che ci ha regalato, 

sono di straordinario incanto e quindi credo 

che dobbiamo assolutamente celebrare col 

caldo dell’ammirazione l’opera del maestro 

Ciaramelli, un artista fuori dalle righe ! 

Pierfrancesco Listri 

Studio: Via Arione, 5 - Lastra a Signa - Cell. 335 6640509 - Tel. e fax 055 8723764 

pieroscultore@gmail.com - www.pscultorepierociaramelli.it - Fb. Piero Ciaramelli 

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SILVANA CIPRIANI 


Composizione, 2015, olio su tela, cm. 50x70 

Da Firenze, dove è nata, si trasferisce 

a Sesto Fiorentino nel 1970. Autodidatta, 

dipinge dagli anni Ottanta e 

scrive poesie per passione. Ha partecipato 

a varie mostre collettive e realizzato esposizioni 

personali, ottenendo riconoscimenti 

sia in pittura che in poesia. In seguito si è 

aggiunto un nuovo interesse che ha portato 

alla realizzazione del libro “Per Grazia Ricevuta” 

sul Santuario della Madonna dei Fossi, 

ricerca storica su di una robbiana datata 

1510-20. La pubblicazione è stata presentata 

nel 2012 presso la Pieve di San Bartolomeo 

a Pomino - Rufina (ed. Servizio Editoriale 

Fiesolano). 

Le nature morte di Silvana Cipriani, che rappresentano 

la fetta maggiore della sua produzione 

artistica, sono molto più che un 

soggetto da ritrarre; frutto di pensieri e 

sentimenti a sottolineare taluni stati d’animo, 

questi quadri divengono veicolo di riflessioni 

attraverso un mezzo pittorico di 

indubbia validità operativa, oltre che suggestiva. 

La personalità creativa dell’autrice 

si manifesta così allo spettatore mediante 

taluni espedienti di carattere formale e 

compositivo che “narrano”, col pennello, il 

vissuto, ma anche il vivente: i soggetti, l’impaginazione, 

la luce, le cromie mostrano 

una disinvolta attestazione della realtà circostante 

con la quale costruire un armonico 

dialogo fra forme e contenuti. Tutto ciò 

trova conferma e quasi si intensifica quando 

Silvana si accosta ad altri soggetti da 

rappresentare, come paesaggi, figure, animali, 

oppure all’uso diverso del mezzo 

espressivo (lapis, matite a cera o matite acquerellabili) 

che si fa meno rigoroso, rispetto 

all’olio, e permette di allargare talune 

opportunità che danno risultati di ampio 

respiro. Per Silvana il quadro (come anche 

la poesia, ché ne è autrice feconda) è un 

microcosmo di emozioni, ma soprattutto il 

“gioco” di un significativo impegno di realizzazione, 

un mezzo per affinare tecniche 

visive, forme e contenuti, in modo da trasformare 

la costante ricerca di nuove 

espressioni in un modo fertile di fare arte. 

Lucia Bruni 

tratto da: Silvana Cipriani e 

le serene armonie della forma 

Tel. 055 4215719 

silvana.cipriani@gmail.com 

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CARLO CIUCCHI in arte PICCHIO 

Da sole a sole, olio su tela, cm. 30x50 

Ènato nel 1955 a Dicomano (Firenze), 

paese nel quale ancora oggi vive e 

lavora. Si è diplomato presso la Scuola 

Statale d’Arte di Porta Romana a Firenze 

nella sezione di Decorazione Pittorica. In 

seguito ha frequentato gli studi dei maestri 

Silvestro Pistolesi e Alfio Rapisardi, da 

quest’ultimo ha appreso anche l’arte della 

scultura. Positivi giudizi e preziosi consigli li 

ha avuti dal maestro Pietro Annigoni il quale 

lo ha sempre incitato a dipingere dal 

vero. Il vero nutre, il vero è una fonte continua 

di ispirazione: queste le parole con cui 

il maestro Pietro Annigoni ha incoraggiato 

Picchio perchè intraprendesse la difficile 

quanto appassionante pittura dal vero. Da 

anni si dedica alla pittura murale anche su 

grandi dimensioni con tecnica ad affresco e 

tempera. Dal 1972 ad oggi ha esposto in 

personale e in collettiva sia in Italia che 

all’estero. I suoi quadri si trovano in importanti 

collezioni private in Germania, Argentina 

e negli Stati Uniti. Hanno parlato di lui, 

oltre ad importanti testate giornalistiche: 

Osman De Scolari, Silvio Loffredo, Giuliano 

Romoli, Dino Migliorini, Domenico Viggiano, 

Delmo Veronese, Dino Pasquali, Piero 

Poggiali, Gastone Breddo, Antonio Berti, 

Tommaso Paloscia, Stefano Benedetti, Daniela 

Pronestì. 

Tel. 055 8385060 - Cell. 338 5253569 

carlociucchi@tiscali.it - web.tiscali.it/carlociucchi 

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DOMENICO CONFORTE 


L’arrampicatore, 1995, tecnica mista su tavola, cm. 107x102 

Residente a San Miniato, nel 1967 consegue 

il diploma di Maestro d’Arte, 

con specializzazione in Ceramica, 

all’Istituto d’Arte di Salerno e dal 1970 studia 

all’Accademia di Belle Arti a Firenze, 

dove frequenta il corso di pittura di Afro 

Basaldella e di Vinicio Berti e il corso di incisione 

di Domenico Viggiano; inoltre, fa 

esperienze di Estetica Sperimentale con 

Carmelo Genovese. Si diploma nel 1974 con 

una tesi su Paul Klee, ottenendo il massimo 

dei voti. L’anno successivo inizia ad insegnare 

e a dipingere. Nel 2014 a San Miniato 

la prima mostra antologica Radici e Germogli, 

a cura di Andrea Mancini, che illustra il 

suo percorso artistico dagli anni Settanta al 

2014. Nel 2015 partecipa a diversi eventi 

espositivi, nell’ambito di EXPO 2015, ideati 

e diretti dal critico d’arte Giammarco Puntelli, 

con la partecipazione di Giulia Sillato: 

“Spiritualità d’oggi lungo le vie francescane” 

- Gualdo Tadino, Gubbio e Assisi - e La 

Biennale d’Arte Contemporanea in Veneto 

- Villa Badoer, Fratta Polesine (RO) - dove 

è presente con una personale. A giugno 

dello stesso anno prende parte all’Official 

Event L’Arte e il Tempo, ideato da Giulia Sillato 

e diretto da Giulia Sillato e da Giammarco 

Puntelli, che si tiene a Milano, Palazzo 

dei Giureconsulti. 

Via Ribaldinga, 11 - 56028 San Miniato (PI) - Cell. 339 64 70 712 

domenico.conforte@gmail.com - www.domenicoconforte.it - Facebook: Domenico Conforte 

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DOMENICO CONFORTE 

La caratteristica che ho amato da subito in 

Domenico Conforte è la capacità di dare 

rappresentazione ad alcune visioni filosofiche 

di Baruch Spinoza, di creare nella natura 

quel qualcosa di magico, di sacro, di vivo, 

che noi tutti non dovremmo mai dimenticare; 

quindi la capacità di fare incontrare la 

vita vera, l’essenza della vita della natura. 

Conforte trae dalla sua passione e dal religioso 

rispetto per la natura quei temi che 

rappresentano lo spirito e la vita in una figurazione 

filosofica unica. I suoi colori nascono 

dal ritratto di un paesaggio, di cui si 

vuole mettere in primo piano la vita e la forza 

generatrice, creando, con la forza del segno 

e del colore un mondo parallelo. 

Giammarco Puntelli 

Domenico Conforte è un uomo della natura, 

poeta e cantore dell’incrocio misterioso 

che unisce uomo, animale, pianta, che la 

maggior parte di noi ha irrimediabilmente 

perduto (…) l’artista ha questo compito che 

lo fa assomigliare ad un sacerdote della divinità, 

ad una sorta di sciamano, quello di 

interpretare il mistero della natura, di svelarlo 

o di nasconderlo dentro altri misteri. 

Andrea Mancini 

Martirio, 2014, tecnica mista su tavola, cm. 135x65 

30

CRISTIANA CRAVANZOLA 


Nata ad Alba (CN) nel 1970, si diploma 

in Scultura all’Accademia 

di Belle Arti di Carrara nel 

1992. Espone dagli anni Ottanta, sia in 

personale che in collettiva. Tra le mostre 

principali si ricordano le personali: 

1996, enoteca regionale, Castello di 

Mango d’Alba (CN); 1997, enoteca regionale, 

Castello di Barolo (CN); 1998, 

enoteca pubblica della Lunigiana e Liguria, 

Palazzo del Municipio, Castelnuovo 

Magra (SP);1998, allestimento 

del ristorante Ottone I°, 

Sarzana (SP); 2000, allestimento del 

ristorante Ca’ del Lupo, Montelupo Albere 

(CN); 2001, atelier Elisabetta Garinei, 

Forte dei Marmi (LU); 2003, personale 

La scultura gioiello, laboratorio 

orafo di Marco Balderi, Pietrasanta 

(LU); 2004, Concavo&Convesso, Centro 

Culturale, Luigi Russo, Sala delle 

Grasce, Pietrasanta (LU); 2006, Chiostro 

di San Francesco a Pietrasanta, 

con il patrocinio dell’assessorato alla 

Cultura del Comune di Pietrasanta e 

con il contributo della Provincia di 

Lucca e della Regione Toscana; 2006, 

Forme nella scultura, B&B la Madernassa, 

Guarene (CN); 2007, Materia e 

anima, Galleria ArsMundi, Monforte 

(CN). La partecipazione ai simposi di 

scultura le ha permesso di cimentarsi 

nella lavorazione di diversi materiali: 

1991, trachite rosa, Quartu Sant’Elena, 

Cagliari (CA); 1992, marmo, Ingolstad 

Italian food, 2015, marmo, cm. 30x25xh7 

(Germania); 1997, ghiaccio, Pila (AO); 2005, valorizzazione 

delle pietre tradizionali di Verbano- 

Cusio-Ossola (VB); 2013, arte di sabbia, Marina di 

Pietrasanta (LU). Ha preso parte, inoltre, al simposio 

Empreinte, le carrefour de la craie (Epernè, 

Francia, 1994) e Sculpur99 (Os, Norvegia, 1999). 

Le sue opere fanno parte delle collezioni: Fondazione 

Antonio Fineschi, Prato; Commercial Center, 

Os, Norvegia; Galleria d’arte La Torre della filanda. 

Attualmente vive e lavora tra Carrara e 

Pietrasanta. 

Via Dante Alighieri, 180 - 55040 Levigliani (LU) - Tel. 0584 778306 - Cell. 347 6073084 

www.cristianacravanzola.it - krikra@email.it - Facebook: Cristiana Cravanzola 

31


ANGELA CRUCITTI 

Torri, 2015, tecnica mista su tela, cm. 70x50 

Artista riconosciuta a livello internazionale, 

coltiva la passione per la 

pittura fin dalla giovane età. In seguito 

ha frequentato per tre anni a Torino i 

corsi tenuti dalla pittrice Lella Burzio. Ha 

incominciato ad esporre negli anni Novanta 

e, nel corso della sua carriera, ha ottenuto 

diversi riconoscimenti e premi. Pittrice 

astratta, moderna interprete delle torri di 

San Gimignano, di cattedrali, borghi toscani 

e del paesaggio toscano (terra di Siena), 

negli anni ha sviluppato anche una tematica 

legata al cosmo. Le sue opere sono presenti 

in raccolte pubbliche e private in Italia 

e all’estero, in numerosi cataloghi nazionali 

tra cui Mondadori, Catalogo dell’Arte Moderna 

Italiana, Arte Oggi. Nel suo curriculum 

diverse mostre collettive e personali 

(Siena, Roma, Venezia, Firenze), e alcune 

fiere ed esposizioni in Italia (Padova, Torino, 

Viterbo, Reggio Emilia) e all’estero Austria 

(Salisburgo e Innsbruk) Belgio (Lineart, 

Gent), Cina (Pechino, Shangai), Usa 

(Art Miami, Artexpo N.Y), Corea (Seoul), 

Reus e Barcellona (Spagna), Russia (Mosca), 

Dubai (Emirati Arabi). 

Via dell’Albero, 8 - 50123 Firenze 

angelacrucitti@gmail.com - www.angelacrucitti.com 

32

PAOLA CURRADI 


Tra le spighe di grano, 2015, light painting, cm. 50x26 

Nata a Firenze, quattro anni fa ha iniziato 

a fotografare con una Nikon 

D80, superando la sua ostilità al digitale. 

Da qui il passaggio alla Nikon D800, 

che ha segnato l’inizio di una nuova fase 

della sua ricerca fotografica, ora concentrata 

sul genere still life. Immortalare i doni 

della natura significa per lei celebrare la 

bellezza del Creato. Fa parte dello storico 

club fotografico fiorentino Il Cupolone. 

Mi sono chiesta più volte perché abbia sentito 

la necessità di cominciare a conoscere 

la fotografia e la sua arte e perché il bisogno 

di fotografare mi accompagni sempre. 

Forse perché ho paura delle cose che finiscono, 

dei momenti belli che passano, così, 

solo guardando una foto scattata un po’ di 

tempo prima, riviviamo i momenti belli vissuti 

e li riportiamo ad oggi; guardando un 

bel fiore possiamo riuscire a percepire il suo 

profumo e quella sensazione che ci ha portato 

a fotografarlo. Possiamo rivivere oggi 

un momento, un sentimento, una gioia, un 

qualcosa di bello che in realtà non c’è e 

possiamo riportare alla memoria ciò che la 

memoria stessa ha dimenticato. Con la fotografia 

tutto diventa eterno e non conosce 

la parola...fine. Forse è questa una delle ragioni 

che mi spingono a fotografare: cercare 

di rendere eterna la nostra storia. 

Paola Curradi 

paola.curradi@gmail.com 

fb: Paola Curradi 

33


PAOLA CURRADI 

Quando la Natura ci regala l’Abbondanza, 2015, light painting, cm. 50x56 

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PAOLA CURRADI 

Rosso scarlatto, 2015, light painting, cm. 50x32 

35


ROBERTO D’ANGELO 

Nuvole toscane 1, 2013, foto digitale, stampa su forex, cm. 50x70 

Fiorentino di nascita, risiede a Fiesole. 

La passione per la fotografia lo accompagna 

da sempre, prima per ragioni 

lavorative, come giornalista e reporter, 

poi per una scelta artistica derivata 

dalla contemplazione delle tante sfaccettature 

del bello naturale. Le nuvole e l’acqua 

restano le privilegiate. Nel 2010 ha esposto 

a Fiesole, nella Sala del Basolato, con la prima 

mostra personale sulle nuvole dal titolo 

Cieli nostrani – scatti da Fiesole e dintorni. 

Nello stesso anno ha presentato, insieme 

ad Egisto Nino Ceccatelli, nella Sala Banti di 

Montemurlo la mostra Dal mare al cielo; nel 

marzo 2012 ancora Nuvole all’Hotel Etruria 

di Milano Marittima; nel marzo 2013 a Fiesole, 

nella Sala del Basolato, ha partecipato 

alla mostra Quattro Fiesolani dietro l’obiettivo. 

Nel settembre 2014 è stato ospite 

presso il Lyceum Club Internazionale di Firenze 

con la mostra Con la testa fra le nuvole. 

Nel 2015, presso la Biblioteca di Fiesole, 

ha esposto foto dedicate ai felini con il titolo 

Gatti Magici, ottenendo dall’Accademia 

dei Gatti Magici il Premio Bastet. In occasione 

del Premio Mino da Fiesole 2015 è 

stato segnalato per la foto I colori della Natura. 

Tante anche le partecipazioni a collettive 

organizzate dall’Associazione Artisti 

Fiesolani, dal Centro Sperimentale di Fotografia 

di Prato, dall’ANLA (Comitato Regionale 

Toscana) ed altri enti e associazioni. 

Cell. 338 1609484 

lisca1@tin.it 

36


ROBERTO D’ANGELO 

Nuvole toscane 2, 2014, foto digitale, stampa su forex, cm. 50x70 

37


ADRIANA D’ARGENIO 

Nata a Benevento vive da molti 

anni a Firenze. Laureata in Lingue 

e Letteratura Straniera ha 

lavorato come insegnante e addetta 

alla biblioteca. Ha sempre avuto la 

passione per l’arte. Dal 1995 si è appassionata 

prima all’arte sacra realizzando 

numerose icone ed in seguito 

alla scultura e alla ceramica. In occasione 

del Giubileo 2000 è stata ricevuta 

dal Santo Padre Giovanni Paolo 

II, al quale ha donato una sua opera. 

Nel 2010, nella Chiesa di Sant’Ambrogio 

a Firenze, è stata affissa la nuova 

Via Crucis ad opera della Associazione 

Tabula Picta di cui fa parte con il 

contributo di tre stazioni. Da ottobre 

2013 nell’Oratorio Don Bosco della 

chiesa Sacra Famiglia a Firenze è presente 

una grande tela Don Bosco tra 

noi e nella stessa chiesa una grande 

tavola La Pentecoste. Dal giugno 2015 

è presente nella Chiesa di San Firenze 

con il dipinto San Filippo Neri a Firenze. 

Sue opere si trovano in altre chiese 

fiorentine oltre che in collezioni italiane 

ed estere. 

Verso la luce, tempera grassa su compensato gessato, cm. 80x50 

adrianadargenio.jimdo.com - adrianadargenio@gmail.com 

Profilo FB: Adriana D’Argenio 

38

ZITA REGINA DA SILVA 


Lot e le sue figlie nella città di Zoar, 2015, puntasecca su plexiglass, cm. 38x28 

Nasce a Rio de Janiero. Dal 1989 al 

1992 vive in Germania, dove conosce 

e si avvicina alla tecnica dell’incisione. 

Arriva poi a Firenze e, dal 2005, inizia a 

frequentare la scuola internazionale di arti 

grafiche Il Bisonte sotto la guida di esperti 

maestri incisori. Ha partecipato a diversi 

eventi culturali, mostre collettive e concorsi. 

Attualmente vive e lavora a Firenze. 

Cell. 340 3693606 

zitareginadasilva@gmail.com 

39


GRAZIA DANTI 

Oblio, 2005, olio su faesite e tela, cm. 80x100 

Ènata a Firenze, dove vive e lavora. 

Sensibile all’arte fin dall’infanzia, è 

cresciuta in una famiglia che ha assecondato 

le sue inclinazioni artistiche. La 

prima mostra risale al 2003 presso il Ristorante 

Marianna di Campi Bisenzio, un debutto 

fortunato che l’ha convinta a proseguire 

il suo percorso creativo. Da quel 

momento in poi non si è più fermata, e negli 

anni ha preso parte a numerose mostre collettive 

non solo in Toscana, ma in diverse 

città italiane (Reggio Emilia, Venezia, Padova, 

Udine, Palermo, Pordenone, Cortina) e 

all’estero (Londra, Principato di Monaco, 

Toledo, Parigi). Tra gli appuntamenti espositivi 

di maggior rilievo, si ricorda la partecipazione 

all’Open Art Code, evento tenutosi 

nel 2010 al Grand Palais di Parigi e nel 2011 

nel Gran Salone Grimaldi a Monaco alla presenza 

della Principessa Carolina di Hannover. 

Articoli che la riguardano sono pubblicati 

su quotidiani, riviste di settore e 

cataloghi d’arte. Di lei hanno scritto, tra gli 

altri, Tommaso Paloscia, Paolo Levi e Pier 

Francesco Listri. 

Quando si osserva questo dipinto si percepisce 

il respiro di questo volto che esce da 

un mare blu. Come quando un uomo risale 

dal profondo oceano della vita ed uscendo 

a pieni polmoni cattura ogni frammento di 

respiro. La calla simboleggia la rinascita di 

una nuova vita, di nuovo cammino e di una 

rinascita. 

Paolo Levi 

Cell. 335 5494148 - graziadanti@yahoo.it 

info@graziadanti.com - www.graziadanti.com 

40

FABIO DEIANA 


Vox clamantis in deserto, 2015, gesso, cm. 80x23 (fronte) 

(retro) 

Nato a Firenze nel 1993, il suo percorso 

di studi artistici è iniziato all’Istituto 

d’Arte di Porta Romana per poi 

proseguire con la frequentazione della Sacred 

Art School di Firenze, dove si specializza 

in scultura. 

Via Malavolta, 22 - Firenze 

Tel. 055 2320634 - Cell. 349 3731912 - deianax3@yahoo.it 

41


BRUNO DEL SOLDATO 

Conctat, 2015, tecnica mista, cm. 70x50 

Nato a Livorno nel 1954, si forma inizialmente 

alla scuola labronica per 

poi frequentare lo studio di Masaniello 

Luschi e di altri importanti pittori toscani, 

i cui insegnamenti non gli hanno impedito 

di cercare un linguaggio del tutto 

personale e un modo autonomo di esprimere 

la propria creatività. 

Studio: Via Traversa Livornese - Ponsacco (PI) - Cell. 335 6603867 - delsoldatobruno@yahoo.it 

www.linkedin.com delsoldatobruno - www.twitter.com delsoldatobruno 

42


BRUNO DEL SOLDATO 

Espansioni cromatiche, 2015, tecnica mista, cm. 70x50 

Chi osserva i quadri di Bruno Del Soldato è 

parte attiva ed integrante dell’opera stessa, 

ne viene coinvolto grazie alla miscela coloristica 

e alla forza delle trame, entra nel sogno 

di un altro uomo e lo fa suo, ogni giorno 

osservandoli scoprirete sempre cose 

nuove. Per questo le sue opere sembrano 

appartenere a chiunque la guardi e trascina 

dentro il suo vortice chiunque sia sensibile 

al coinvolgimento passionale proprio solo 

dell’arte. 

S. Amodei 

43


XHOVALIN DELIA 

Pittore, scrittore, regista (1959), 

dopo gli studi all’Accademia di 

Belle Arti di Tirana, inizia a lavorare 

con successo nella produzione 

cinematografica. La caduta del muro 

di Berlino segna l’inizio di una nuova 

fase della sua vita che lo porta a viaggiare 

per conoscere il mondo. È in 

questo viaggio che “scopre” Firenze, 

città che lo affascina e in cui decide di 

fermarsi stabilmente e di dedicarsi a 

tempo pieno alla pittura, alla scultura 

e al cinema. La sua creatività, orientata 

verso il postmodernismo, non conosce 

vincoli: lo appasiona il tema 

della diversità culturale e al contempo 

i valori universali dell’essere umano. 

Valori che trasmette attraverso la 

pittura, l’installazione, il video, la performance, 

le opere filmiche e la letteratura. 

Ordine, relazione, armonia: 

sono questi i motivi centrali della sua 

ricerca artistica. Numerose le mostre 

realizzate in Italia e all’estero. Nel 

2013 ha vinto il primo premio della 

giuria alla Biennale Internazionale di 

Arte contemporanea di Firenze con 

l’opera multimediale Big Bang. 

È molto vasta e sorprendente la fantasia 

artistica di Xhovalin Delia che 

spazia, libera e moderna, dalla pittura 

di figure ai paesaggi, alle installazioni, 

film animati, ai video, alle performan- 

My Florence, 2015, installazione, cm. 50x50x250 

ce, alla pubblicistica e letteratura. Nelle sue opere 

si vedono le colline toscane, i profili di Firenze, 

dai colori vividi e accesi (…) si vedono immagini 

problematiche e visionarie, astratte dalla realtà 

stessa più che dalla forma, meditabonde, stagliate 

su sfondi vertiginosi e inquietanti. Colpiscono 

poi le sue tele dipinte a quadrati, a rettangoli, a 

figure geometriche costruite con tocchi di colore 

sfumati ed evanescenti, che circondano figure 

più grandi, a loro volta riempite da altri rettangoli 

e quadrati che fanno intravedere figurazioni ulteriori, 

con un assemblaggio apparentemente 

confuso ma interiormente finalizzato e preciso, 

che chiede risposte e invita a profonde riflessioni. 

La sua arte poi esce dal quadro, dalla tela, migra 

sui ferri, sugli acciai, sui legni, sugli oggetti delle 

sue complesse installazioni, nei video, nelle immagini 

in movimento, a costruire un mondo inatteso, 

prodigo di proposte e di suggestioni . 

Dino Savelli 

Via dei Leoni, 18/R - 50122 Florence - Italy - Tel. 055 6120468 - Tel. 347 7701238 

xhdelia@yahoo.com - www.xhovalindelia.it 

44

GRAZIA DI NAPOLI 


Sogno di primavera, 2010, olio su tela, cm. 40x60 

Pittrice residente ad Empoli, ha iniziato 

a dipingere in età matura, spaziando 

dal paesaggio alla natura morta e 

dedicando particolare attenzione alla figura 

femminile. Soggetto, quest’ultimo, che le ha 

permesso di ottenere ampi consensi di pubblico 

e di critica. Nei suoi dipinti è il colore a 

reggere gli equilibri compositivi ed espressivi 

dell’immagine, comunicando all’osservatore 

l’essenza del tema rappresentato. Ha 

esposto in personale e in collettiva sul territorio 

nazionale ed è stata premiata in diversi 

concorsi. Il suo lavoro è recensito in numerosi 

cataloghi e pubblicazioni di settore. 

Una delle sue opere si trova nella Chiesa di 

Santa Liberata a Cerreto Guidi. 

Cell. 338 3417784 - http://graziadinapoli.jimdo.com/ 

grazia.dinapoli@alice.it - FB: Grazia Di Napoli 

45


GLAUCO DI SACCO 

Laghetto svizzero, 1999, tecnica mista, colori fotografici dati a mano su tela serigrafata, cm. 70x100 

Nato a Viareggio (LU) dove risiede, è 

diplomato all’Accademia di Brera 

con Domenico Purificato. Raffinato 

ricercatore visivo, usa e sperimenta sempre 

nuove soluzioni di tecnica e colore, facendo 

ricorso alle macchine tecnologiche per fini 

creativi. Al suo attivo una lunga e importante 

carriera espositiva, che l’ha visto presente 

in diverse città italiane (Milano, Bari, Ferrara, 

Firenze, Roma, Pisa, Bologna, Livorno, 

Viareggio, Prato) e straniere (Berlino, New 

York, Lagos). Tra le mostre più recenti si ricordano: 

2002, personale, Visionen- 

Deutschlands, Bad - Kissigen, Germania; 

2003, collettiva, L’Età delle Illusioni Mancate, 

Palazzo Mediceo, Seravezza; 2007, 

collettiva, Contemporaneo versiliese, Villa 

Paolina, Viareggio; 2008/2009, collettiva, 

Astrattismo a Viareggio dal dopoguerra ad 

oggi nel panorama dell’arte italiana, Musei 

Civici di Villa Paolina Bonaparte, Viareggio. 

Suoi elaborati fanno parte delle raccolte del 

Museo dell’Informazione - Centro Internazionale 

Copy Art - di Senigallia, di Blocco 

per Artisti (rassegna internazionale itinerante) 

e Omaggio degli artisti contemporanei 

a Giovanni Boccaccio del Comune di 

Certaldo. Sul suo lavoro Bruno Larini ha impostato 

la tesi di laurea all’Accademia di 

Belle Arti di Carrara. 

glaucodisacco@alice.it 

46



Ciò che vediamo di Glauco Di Sacco è 

uno schema progettuale suscettibile di 

vari, probabilmente infiniti, sviluppi. E’ 

infatti evidente che i segni non sono simboli 

astratti, ma concreti percorsi di pensiero. 

Se questo è vero, ne consegue che 

ogni strumento utile alla composizione 

di un elaborato estetico non è certamente 

strumento sussidiario alla creazione di 

una determinata tipologia artistica. (…) Il 

sistema formale strutturato che compone 

le opere del Di Sacco, artista toscano 

ormai inserito negli ambienti culturali del 

Nord, è fondamentalmente un insieme di 

segni e di gesti che contiene ogni possibilità 

di discorso. La microforma che 

emerge dalle manipolazioni estetiche 

dell’autore costituisce un tessuto naturalistico 

“artificiale” in una esperienza visiva 

che trae spunto dall’infinitamente 

piccolo: scientifico come il vetrino di un 

microscopio e ludico come l’oculare di 

un caleidoscopio. I segni a carattere biomorfico 

non sono in contrasto poiché 

nella semantica dell’arte moderna accanto 

ai moduli di carattere geometrico 

che visualizzano le strutture razionali del 

pensiero, si pongono gli elementi rappresentativi 

della vita intorno a noi. (…) 

In questa prospettiva di arte e di scienza 

correlate nella creazione, i “paesaggi” 

del Di Sacco si pongono come opere 

aperte a modellarne altre, espandendosi 

senza un preciso limite, nel concetto 

Fine millennio 3, anni Novanta, tecnica mista, colori fotografici 

dati a mano su tela serigrafata, cm. 60x80 

provvisorio dell’attuale estetica. (…) Il compito 

di artisti come Di Sacco è proprio quello di accelerare 

l’immagine del mondo con la virtualità 

che lo strumento usato impone, raggiungendo 

tensioni ulteriori, varianti illimitate di un 

referente in natura, in uno sviluppo dinamico 

illimitato. 

Franca Calzavacca 

47



Fine millennio 1, anni Novanta, tecnica mista, colori fotografici dati a mano su tela serigrafata, 

cm. 110x78 

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CHRIS EBEJER 


Winter Drops, 2014, ceramica bianca con cornice di legno 

Nato a Malta nel 1979, si è formato 

ammirando, fin da giovanissimo, le 

bellezze artistiche del luogo in cui 

vive e i grandi maestri dell’arte europa. 

Laureato in produzione e regia alla New 

York Film Academy e diplomato in Interior 

Design, porta avanti la sua ricerca artistica 

ponendosi come obiettivo il recupero della 

classicità e dei valori artistici su cui si fonda 

la civiltà occidentale. Il suo bronzo Primavera 

meccanica è stato inserito nel più 

grande parco d’arte al mondo che si trova 

in Cina. Nel 2010 ha realizzato un Cristo Re 

d’argento per festeggiare la visita di Papa 

Benedetto XVI all’isola di Malta. Attualmente 

è impegnato in diversi progetti. Ha esposto 

in personale e in collettiva. Le sue sculture 

si trovano in collezioni pubbliche e 

private. Lavora tra Malta e Pietrasanta (LU). 

00356 79046540 

www.chrisebejer.com - ebejerchris@yahoo.com 

49


MARINA FABIANI 

In piazza, 2009, olio su carta, cm. 70x50 

Nata a Greve in Chianti nel 1960, si 

dedica alla fotografia e alla pittura 

per assecondare un’innata e profonda 

esigenza espressiva. Laureata al DAMS 

(Discipline delle Arti, Musica e Spettacolo), 

ha esposto in collettiva e ha partecipato a 

diversi premi, riscuotendo ampi consensi di 

pubblico e di critica 

Via dei Melograni, 2 - Firenze 

Cell. 333 4666841 - marina.fabiani@tin.it 

50

TIZIANA FACCENDI 


Versilia, 2015, resine bicomponenti, garze e inerti su vetro, cm. 60x50 

Nata a Signa (FI), dove vive e lavora, si 

esprime con tecniche grafiche e pittoriche 

su carta, tela, legno, ceramica. 

Pittura su muro. Da quindici anni trova la 

massima soddisfazione esprimendosi su vetro 

utilizzando resine bicomponenti, talvolta 

integrando materiali di recupero o che 

appartengono alla sua storia personale. 

“Dopo la perdita di coloro che hanno fatto 

parte della mia storia personale è nata l’esigenza 

di utilizzare frammenti e materiali 

che sono il segno tangibile di storie che mi 

appartengono. 

In particolare il rapporto con le garze, ricordo 

indelebile di mio padre, afferma l’esistenza 

della materia come impronta del dolore 

che affianca l’uomo nella sua esistenza.” 

Ha esposto in varie mostre personali e collettive 

e partecipato a concorsi. 

Ha realizzato la copertina e le illustrazioni 

del libro “Storia di Juan” di Candida Vig edizioni 

Polistampa. 

Alcune sue opere sono presenti in ambienti 

pubblici e privati. 

Nuovo spazio espositivo permanente visitabile 

per appuntamento, tel. 338 5430830 

Cell. 338 5430830 - tizianafaccendi@gmail.com 

Tiziana Faccendi per Vetreria Picchioni - www.vetreriapicchioni.it 

51


MARA FAGGIOLI 

Nata a Firenze, vive ed opera a 

Scandicci (FI). Personalità eclettica, 

si dedica non solo alla pittura 

e alla scultura ma anche alla poesia. 

Alcune sue opere si trovano in collezioni 

private in Italia, Germania e Canada ed 

in permanenza presso i Comuni di Firenze, 

Montelupo Fiorentino, Castel San 

Niccolò, Greve in Chianti, Colonna 

(Roma) e presso la Basilica Superiore di 

San Francesco ad Assisi. Premiata con il 

Fiorino d’Oro per la poesia nel 2004 e 

con il Fiorino d’Argento per la scultura 

nel 2007, ha ricevuto inoltre i premi 

Donna Città di Scandicci (2011) e Toscana 

Cultura Donna (2015). 

L’universo espressivo di Mara è un grande 

abbraccio al mondo. La sua sensibilità 

narrativa, in qualunque disciplina si 

realizzi - pittura, scultura, poesia - fa da 

perno all’uso della metafora, la quale diviene 

mezzo e fine al tempo stesso, segno 

e simbolo dell’atto creativo, spazio 

affabulatorio dell’io, esplicita materia di 

composizione. Il tratto deciso e raffinato 

in pittura asseconda la morbidezza 

nella linea dei soggetti, costruisce la dinamica 

delle forme, stende colori vivi, 

quasi invitandoci a un dialogo ideale. 

Ciò che colpisce di più in tutta l’arte di 

Mara, oltre all’abilità nell’uso del mezzo 

pittorico, è la serenità che si coglie nei 

suoi lavori e con la quale riesce a far da 

tramite fra i soggetti raffigurati e lo 

spettatore. (…) La medesima solarità si 

trova anche nella scultura, dove accanto 

alla delicata abilità nel dare corpo alle 

forme dei soggetti (non dimentichiamo 

che la terracotta, da lei prediletta, è 

“materia viva”) troviamo la disinvolta 

armonia del messaggio a cui si dà vita 

Uno sguardo al futuro, 2015, olio su tela, cm. 50x70 

come se camminasse da sé. Se poi entriamo 

nella poesia di Mara il pensiero si dilata, i confini 

si allargano creando un respiro ancora più 

ampio. Qui troviamo Mara nel pieno della propria 

efficacia rappresentativa. C’è dentro la 

donna con la sua forza interiore che si manifesta 

attraverso i tanti ruoli che il mondo le chiede 

di ricoprire; nelle infinite metafore c’è tenerezza, 

determinazione, sogni, rivelazioni e 

soprattutto amore, aspetti che compaiono 

anche nella pittura: toni delicati, volontà tenaci, 

qualche volo di fantasia (pensiamo alla Deledda 

de “La madre” o alla Banti di “Artemisia”) 

che si uniscono alla scelta consapevole di 

essere se stesse, sempre. 

Lucia Bruni 

Abit. e studio: Largo dei Mille, 6 - 50018 Scandicci (FI) - Cell. 339 3594145 - marafaggioli@hotmail.it 

Esposizione permanente: Studio Sbraci – Piazza Marconi, 8 – 50018 Scandicci (FI) 

52

CRISTINA FALCINI 


Ènata a Prato nel 1964. Fondamentale 

per la sua formazione è stato 

l’incontro nel 1985 con Pier Luigi 

Boldrini che la introduce alla pittura dal 

vero. Dopo la prima personale a Prato nel 

1987, inizia un’intensa attività espositiva 

(Scarperia, Rufina, Agliana, Faenza, Bologna, 

Fiesole, Cerreto Guidi), prendendo 

parte a numerose mostre collettive ed 

estemporanee. Il vivace cromatismo, la 

rappresentazione dello spazio e la profondità 

prospettica sono note caratteristiche 

del suo registro pittorico. 

Da alcuni suoi dipinti specialmente di 

grande respiro noto doti non comuni 

che lasciano intravedere possibilità di 

ottimi risultati. Desidererei che il pubblico 

che avrà il piacere di visitare la sua 

mostra notasse quelle doti di sincerità, 

di purezza, di voglia di fare che contraddistinguono 

la sua pittura. 

La vita scorre, 2015, olio su tela, cm. 60x80 

Giulio da Vicchio 

Cristina Falcini è una pittrice paesaggista 

che gioca con gli effetti del sole e 

delle ombre, cercando di rimanere fedele 

alla realtà vissuta e prestando attenzione 

ai dettagli per aumentare così la 

qualità delle sue tematiche. La maggior 

parte dei suoi paesaggi descrive la Toscana 

contadina, campestre naturale e 

rurale caratterizzandosi per l’essenzialità 

e gradualità dei colori del cielo, la mite 

variabilità dei toni verdastri, la sottile 

espressività delle ombre causate dall’incidenza 

del sole, l’atmosfera coinvol- 

gente di tradizioni del suo popolo senza che 

nessun elemento prevalga su gli altri. La sua 

visione della Toscana parte da piccole colline, 

inizi di sentieri situati ad altura media per rappresentare 

vasti panorami di paesini e zone 

agricole, piccoli boschi e qualche paesaggio 

innevato. L’interesse per il dettaglio espresso 

dall’artista non svanisce nelle zone più isolate 

del dipinto ma continua mantenendo la sua 

importanza con dovute differenze tra posizionamento 

di elementi e distanza tra essi conferendo 

ai dipinti un volo nello spazio. 

Studio e abitazione: via F. Margheri, 3 - Scarperia (FI) 

Cell. 380 5323791 - cristinafalcini@alice.it 

53


GIANCARLO FERRUGGIA 

Nato a Firenze, fin da ragazzo si è 

dedicato alla pittura. Frequenta 

l’Istituto d’Arte e inizia a dipingere 

negli anni Sessanta con Gianfranco 

Mello, affermato pittore, suo amico e 

maestro. Con lui nel 1970 espone alla 

Galleria Alinari, dove vende il suo primo 

quadro al famoso pianista Wilhelm 

Kempft. Oltre a Firenze, di cui coglie 

scorci suggestivi, la sua opera si ispira 

alle eroine della letteratura francese e 

inglese ridisegnando figure della mitologia 

classica e icone dell’immaginario 

collettivo contemporaneo. Ha partecipato 

a numerose rassegne d’arte in Italia 

e all’estero (Pantin-Parigi; Aulnay 

Sous Bois; Mosca, Kitzbuel). Tra le personali 

recenti si ricordano: 2003, Hotel 

Pitti Palace (Firenze); 2005, Museo Diocesano 

di Santo Stefano al Ponte Vecchio 

(Firenze); 2006, Villa Bandini.(Firenze); 

2009, Luoghi e Volti della 

memoria, Giubbe Rosse (Firenze). Invitato 

al Convegno internazionale «Libri 

illustrati, libri d’artista, Graphic novel», 

nel 2010 ha esposto a Roma opere tratte 

dai capolavori della letteratura francese 

e inglese. Le sue opere si trovano 

in collezioni private in Italia e all’estero. 

Fa parte del direttivo del Centro d’Arte 

Modigliani di Scandicci. È inserito nel 

volume “Pittori in Toscana”. 

Emma Bovary (La mansarda), 2013, affresco su tavola, 

cm. 100x45 

Studio: Via C. Banti, 15 - 50018 Scandicci - Cell. 339 3617193 

giancarlo.ferruggia@alice .it - www.ferruggia.net 

54

VALTER FIGONI 


Processo inverso, 2014, olio su tela, cm. 40x50 

Nato a Siena nel 1955, fin da ragazzo 

ha manifestato una forte propensione 

per il disegno, che lo ha spinto ad 

iscriversi alla scuola d’arte per ceramica di 

Sesto Fiorentino, dove vive e lavora. Dal 

1992 ha cominciato a dipingere ad olio, trovando 

nella pittura nuovi stimoli di ricerca 

ed espressione. Pittore della realtà, concentra 

la sua attenzione in special modo sulla 

figura umana e sulla natura morta. Dal 2004 

si dedica anche al trompe - l’oeil, tecnica 

pittorica che lo affascina e gli permette di 

esprimere la sua creatività e sensibilità, 

sempre alla ricerca della trasparenza del 

vetro e dell’acqua, dei chiaroscuri nelle pieghe 

dei panneggi, del realismo degli oggetti 

e del corpo umano. Ha partecipato a diverse 

collettive di pittura e di grafica, 

ottenendo larghi consensi di critica. Tra le 

personali si ricordano: 1996, Fiesole, Centro 

Giovani; 2011, Sesto Fiorentino, Circolo 

ACLI; 2013, Poggibonsi, nell’ambito del 

concorso Via Maestra incontra l’arte; 2013, 

Piancastagnaio (SI), Rocca Aldobrandesca. 

Via F. De Sanctis, 9 - 50019 Sesto Fiorentino (FI) 

Tel. 334 7187481 - valterfigo@hotmail.it 

55


VALTER FIGONI 

Il linguaggio pittorico di Valter Figoni è 

sicuramente un classico figurativo e suoi 

temi sono i più vari, ma è indubbia la predilezione 

per la natura morta anche se 

non trascura la figura o il paesaggio. Lo 

sostiene il bisogno, la necessità di rappresentare 

il mondo che lo circonda in 

ogni suo aspetto e, infatti, troviamo fiori, 

foglie, animali con particolare propensione 

per i piccoli rettili: il geco, la lucertola, 

la tartaruga e il serpente ricorrono 

spessissimo nei suoi quadri. Anche scorci 

d’interni appartengono alla sua opera 

siano essi librerie o scaffali ricolmi di oggetti 

di uso comune, quasi a ‘raccontare’ 

la quotidianità di una vita semplice che 

ci assomiglia e in cui ci riconosciamo. Un 

altro elemento che ricorre nei suoi dipinti 

è l’acqua, può essere un vivace torrentello, 

un laghetto, un fiume o anche un 

semplice rubinetto aperto da cui sembra 

uscire la vitalità della sua passione; si potrebbe 

dire che l’acqua sia una metafora 

dell’impulso creativo che lo spinge ad 

esprimere sentimenti ed emozioni. Un 

discorso a parte va fatto per quanto riguarda 

il trompe - l’oeil, un tipo di pittura 

a cui Valter si dedica da dieci anni a questa 

parte. (…) Una disciplina pittorica che 

gli ha procurato e gli procura tuttora 

tante soddisfazioni e consensi. 

Raccolto, 2012, olio su compensato, cm. 40x70 

Alessandra Bruscagli 

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ANDRZEJ-ANDREW FOGTT 


Head, 2014, olio su tela, cm. 40x50 

Nato nel 1950, ha studiato pittura e 

materie artistiche all’Accademia di 

Belle Arti di Poznan, dove si è laureato 

nel 1974. Nel 1984 ha rappresentato la 

Polonia alla 41° Biennale di Venezia. L’essenza 

del suo linguaggio artistico consiste nel 

volere conoscere a fondo la struttura naturale. 

I suoi lavori fanno parte di numerose 

collezioni private in Polonia e all’estero. 

Tel. +48 501092984 - Tel. +48 22 3500081 

andrzejfogtt13@gmail.com - www.fogtt.com.pl 

57


ARIANNA FUSINI 

Original Sin Expo 2015 - Il peccato originale Expo 2015, cm. 50x70 

“L’arte e’ uno stato d’animo” 

Nata a Firenze nel 1976, vive a Signa. 

Formatasi nel rispetto dei canoni 

accademici e della storia dell’arte 

del passato, in particolare di quella fiorentina, 

arricchisce le sue capacità creative con 

il diploma in Grafica Pubblicitaria, che le 

permette di avvicinarsi al design e al mondo 

del digitale. Inizialmente la pittura era 

per lei l’espressione di un percorso interiore 

e solitario. Con il tempo, invece, ha sentito 

l’esigenza di aprirsi al giudizio del pubblico 

mostrando i suoi lavori. È iniziata così un’intensa 

attività espositiva che l’ha vista prendere 

parte a diverse mostre collettive tra 

Firenze e provincia (Casa di Giotto, Giubbe 

Rosse, Operarte, Associazione Enrico Caruso, 

Galleria Cimabue). Passa con grande 

destrezza dalla pittura ad olio o acrilico alla 

doratura, dalla grafica alla fotografia, dal 

mosaico alla ceramica. Usa i colori primari 

mantenendoli accesi e puri oppure abbina 

la pittura ad olio alla doratura a foglia oro, 

distinguendosi per uno stile molto originale. 

I soggetti dei suoi quadri nascono dal 

sogno, come afferma lei stessa: «Sogno i 

miei dipinti e dipingo sognando». Le immagini 

di Firenze diventano perciò visioni oniriche 

proiettate in paesaggi surreali, lontani, 

spesso desertici e oltre confine. Le scene 

nei suoi dipinti sembrano perdersi in una 

dimensione fuori dal tempo, come sospese 

tra il sogno e la realtà. 

Cell. +39 347 9794017 - arianna.fusini@alice.it 

ariannafusini.jimdo.com - facebook: arianna fusini 

58


BIANCA MARIA GADDINI PAGLIAI 

Così eravamo, 1985, collage su tela, dipinto a china, cm. 55x61 

Nasce a Roma in una famiglia di artisti 

e creativi, amanti dell’arte in tutte le 

sue forme, dal canto alla musica, 

dalla poesia alla pittura e dove vive sino al 

1960, anno in cui si trasferisce a Firenze insieme 

al marito dal quale si separa nel 1975. 

E’ da questa data che incomincia la sua attività 

artistica, che si estende ai vari settori 

dalla pittura vera e propria, all’arte applicata, 

alla creazione di gioielli e oggetti esclusivi 

insieme alla figlia Donatella. Partecipa 

ad oltre cinquanta collettive in Toscana e 

nel resto d’Italia ed espone in numerose 

personali a Firenze. Ovunque riscuote notevoli 

successi vendendo tutte le opere 

esposte, che si trovano presso privati sia in 

Italia che all’estero. Degna di nota è l’invenzione 

della tecnica da lei definita “china 

oliata“, che le ha permesso di realizzare 

grandi paraventi, pannelli e ritratti di grande 

fascino. Da metà degli anni Ottanta, per 

motivi familiari, dirada la sua attività espositiva. 

Continua però a scrivere poesie, partecipando 

a vari concorsi letterari, con allettanti 

proposte per la pubblicazione di un 

libro. 

Abitazione e studio: Via dei Frullani, 8 - 50135 Firenze (FI) 

Cell. 339 5766894 

59


GANDOLFA GENNARO 

Rapsodia mediterranea, 2012, foto digitale, stampa su tela, cm. 30x40 

Nasce e cresce in Sicilia, si laurea a 

Trento e subito dopo si trasferisce a 

Firenze per lavoro: un percorso di 

vita che ha profondamente segnato il suo 

modo di rapportarsi con la realtà circostante. 

Arriva tardi la passione per la pittura, 

frequentando un liceo artistico serale e tanti 

corsi monografici che fanno da volano 

alle decine e decine di mostre realizzate in 

Toscana, in Sicilia e all’estero. Ama definirsi 

sociologa - pittrice: quasi un vezzo per non 

utilizzare le solite denominazioni e uno stimolo 

per scrivere ed abbinare ai colori parole 

che possano aiutare a capire, frammenti 

di sensazioni che per qualche attimo 

possono far riflettere sull’umana esistenza, 

sul nostro modo di stare insieme, sul nostro 

stesso comunicare, spesso senza mai comprendere 

completamente i troppi stimoli e 

le troppe informazioni che ci circondano. 

Fluisce, ondeggia la gestaltica potenza 

dell’atto pittorico di Gandolfa: danza! 

Ugo Fortini 

Gandolfa artista siciliana che vive e lavora a 

Firenze, mette in mostra la forza della sua 

creatività, sempre alla ricerca di qualcosa 

d’altro e di diverso, di qualcosa in grado di 

abbattere le barriere delle linee e del colore 

e di mostrare ciò che si nasconde nell’invisibile 

del visibile: la terra, il fuoco, la donna, la 

poesia. 

Archivio di Milano 

Cell. 347 7040930 - gandy.genn@libero.it 

www.gandolfa.it - Facebook: Gandolfa Gennaro 

60

LEDA GIANNONI 


Camargue, 2015, olio su grassello, cm. 50x70 

Nata a Montecatini Terme, fin da piccola 

vive a Firenze. Da sempre il suo 

amore per l’arte l’ha spinta a dipingere 

e la sua dedizione, nel tempo, si è tradotta 

in un vero e proprio impegno. Ha frequentato 

la scuola di disegno e pittura di 

Tiziano Bonanni e la bottega d’arte di Amalia 

Ciardi Dupré per la scultura. Si è soffermata 

sullo studio dell’arte plastica con dipinti 

su legno dorato e ha proseguito con 

una ricca produzione di tecniche miste e oli 

su tela. È inoltre specializzata nel ritratto di 

personaggi famosi. Ha esposto in Italia e 

all’estero e partecipato a diversi premi internazionali. 

Tra i principali eventi espositivi 

si ricordano le personali: 2006, Convitto 

della Calza; 2008, San Giovanni Battista, 

Volti e immagini toscane; 2009, Grand Hotel 

e Galleria Mentana; 2010, Officina Profumo 

Farmaceutica di S. Maria Novella. Nel 

2011 è a Venezia per il premio Biennale Gondola 

d’oro e nel 2012 a Roma alla Galleria Il 

collezionista. A Verona è presente nel 2012 

con L’arte è amore all’Itaca Gallery, e nello 

stesso anno è a Parigi per il premio internazionale 

Le Louvre e a Bruges per la mostra 

collettiva Città di Bruges. Sempre nel 2012 

alla Galleria Frosecchi di Firenze ha presentato 

le opere dedicate alla danza con la personale 

Arte ispira arte, concepite come un 

omaggio alla grande etoile Carla Fracci. Le 

sue opere sono presenti in fondazioni pubbliche 

e private in Italia e all’estero. Ha donato 

il dipinto “Giovanni Paolo II” al Museo 

Civico Giuseppe Sciortino di Monreale. 

La pittura di Leda Giannoni ha l’intonazione 

di un diaro intimo, in cui le immagini della 

memoria si mescolano ai colori vivaci del 

presente. Artista dotata di rara sensibilità, 

vera e propria esploratrice delle pieghe più 

intime dell’animo umano, Leda unisce alla 

forza costruttiva del disegno, e quindi alla 

definizione plastica dei corpi, il senso della 

luce che percorre le superfici facendole vibrare 

e imprimendo loro vitalità organica. Il 

suo sguardo indagatore e selettivo raramente 

si lascia distrarre dalla multiforme varietà 

del reale, ma preferisce soffermarsi sul 

racconto di ciò che più ama e conosce: i volti 

delle persone care, le scene di vita familiare, 

la poesia degli oggetti che abitano il quotidiano, 

l’incanto di un paesaggio osservato 

dalla finestra e riprodotto sulla tela quale 

emblema di pura bellezza. 


Via Giusti, 12 - 50121 Firenze - Tel. 055 245297 

Cell. 333 7343038 - ledagiannoni@communicart.it 

61


ANNA PAOLA GOROZPE PEREZ PRIA 

Resurrezione, 2014, acrilico su tela, cm. 80x100 

Giovane artista messicana (Città del 

Messico, 1978), lascia il suo paese 

dopo essersi diplomata in Disegno 

Museografico e poi laureata in Pittura, Scultura 

e Incisione alla Escuela Nacional de 

Bellas Artes. Vive a Firenze, dove si è specializzata 

in Incisione alla scuola Il Bisonte. 

Ha partecipato a numerose mostre e concorsi 

in Italia e all’estero tra cui ricordiamo 

le più recenti, tra 2013 e 2014, a Tokyo presso 

la Harayuku Gallery, il premio Le Marais 

vinto a Parigi alla Galleria Thouillier, Il Segno 

in Palazzo della Racchetta a Ferrara, il 

Festival del Surrealismo a Cadaques (Spagna), 

la Prima Biennale della Creatività in 

Italia (Palaexpo di Verona, presentazione di 

Vittorio Sgarbi) e la personale a Padova 

presso Arte Paolo Maffei. Di recente ha 

esposto a Barcellona e nuovamente a Parigi 

(Carousel du Louvre). Nel 2014 ha scritto e 

illustrato il racconto per l’infanzia La Piuma, 

la Stella, la Rossa (Masso delle Fate Edizioni), 

presentato alle Giubbe Rosse di Firenze 

in occasione della mostra Una fiaba dipinta, 

dipinti di fiaba. 

Piazza Indipendenza, 1 - Firenze - annapaolagorozpe@icloud.it - annapaolagorozpe@gmail.com 

www.joyfulfairytale.com - Facebook: Anna Paola Gorozpe 

62

ERMIR GREZDA 


Nato in Albania nel 1949, si è 

diplomato in Scultura all’Accademia 

di Belle Arti (1972) 

di Tirana e ha lavorato, per oltre 

vent’anni, alla National Art Gallery 

della stessa città. Nel 1992 ha iniziato 

la carriera come insegnante di Scultura 

in un liceo e ha aperto un atelier 

di scultura. La sua carriera artistica è 

iniziata molto presto, quando, ancora 

giovanissimo, primeggiava nei 

concorsi d’arte rivolti ai suoi coetanei. 

Ha esposto in mostre personali e 

collettive sia in Albania che all’estero 

(Italia, Danimarca). L’armonia plastica, 

la silhouette elegante, la naturalezza 

che caratterizzano la sua scultura 

esprimono una straordinaria 

pienezza di sentimenti. Grezda trasferisce 

nella scultura le emozioni 

della vita, la bellezza e una sensibilità 

sempre al servizio della sensazione 

estetica. Il passato e il presente 

dell’arte convivono nelle sue opere, 

unendo ai valori plastici della materia 

la forza espressiva della forma. Ogni 

sua emozione, così come ogni sua 

passione, si trasformano in materia 

vivente attraverso la scultura. 

Sig. Ferdinando Marinelli, 2014, ceramica, cm. 35x27x29 

ermir.grezda@gmail.com 

FB: Ermir Grezda 

63


ERMIR GREZDA 

Child, 2005, ceramic, cm. 32x21x26 

64

SERGIO GRILLI 


Affermato pittore, è nato nel 

1951 a Cortona (AR). Da 

sempre appassionato di 

pittura ha partecipato a diverse 

mostre personali e collettive ottenendo 

lusinghieri consensi dalla 

critica più qualificata, dalla stampa 

nazionale e dal pubblico estimatore. 

Ha conseguito importanti e significativi 

riconoscimenti a carattere 

nazionale ed internazionale; nel 

1995 gli è stato conferito l’ambito 

premio Biennale di Venezia 1995 

che la commissione incaricata ha 

così motivato: “Luminose nature 

morte e sensuali figure femminili si 

alternano nella tematica, colori caldi, 

disegno netto e preciso nella linea 

caratterizzano la pittura di Sergio 

Grilli nella sua particolare 

personalità artistica”. 

Le sue opere sono custodite in collezioni 

pubbliche e private in Italia 

e all’estero. Fra i più importanti riconoscimenti 

c’è quello ottenuto 

dal Comune di Salsomaggiore Terme, 

il Secondo Premio della stampa 

maiuscola a Napoli, medaglia 

d’argento Rosas (Spagna). Premio 

Biennale di Venezia 1995, quattro 

volte 1° Premio Valdichiana, Premio 

della Critica 2001 al Centro Arte 

Bologna e il Calice d’Oro 2007 alla 

Galleria Centro Storico di Firenze. 

Dal novembre 2011 un’opera dell’artista 

si trova al Museo d’Arte Moderna 

“Giuseppe Sciortino” di 

Monreale (PA). Critici più famosi 

Natura morta, 2014, olio su tela, cm. 50x40 

che si sono interessati alla sua arte: Leo Pipparelli, Nicola 

Caldarone, Carlo Bagni, Lorenzo Righi, Sandra Lucarelli, 

Wiliam Raimondi, Lena Filippetti, Dino Marasà, 

Sandro Serradifalco, Paolo Levi, Salvatore Russo. 

Sergio Grilli presenta eleganti nature morte, dove gli 

elementi vengono posti seguendo canoni simmetrici, 

in un’architettura compositiva sorretta da grande 

equilibrio e coinvolgente liricità. Grilli lavora con precisione 

cura del dettaglio, mostrando una solida abilità 

tecnica espressa nella capacità di riprodurre gli elementi 

con un realismo corposo e tattile. Sono frutti che 

appaiono pronti per essere carezzati nella concretezza 

della loro sostanza, su cui un ruolo importante è giocato 

dalla luce, che illumina la composizione in un alternarsi 

di situazioni chiaroscurali, creando una palpabile 

definizione dei volumi. Queste opere attraggono l’osservatore 

in un’atmosfera sospesa e silenziosa, dove la 

meticolosa cura del dettaglio determina una piacevole 

e coinvolgente fruizione dell’ordito pittorico; ma soprattutto 

evocano la quieta intimità di un vissuto rasserenante 

e privo di lacerazioni. 

Paolo Levi 

Via 1° Maggio, 58 - 52040 Terontola (AR) - Tel. 0575 67558 - Cell. 335 7189345 

sergio.grilli@libero.it - www.sergiogrilli.it 

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ANTONIO GUARNIERI 

Nasce nel 1955 a 

Mendoza (Argentina), 

dove si laurea 

all’Università di Belle 

Arti dell’Universidad Nacional 

de Cuyo. Trasferitosi 

in Italia nel 1984, approfondisce 

gli studi 

all’Accademia e all’Università 

Internazionale 

dell’Arte di Firenze. In passato 

si è dedicato all’insegnamento 

delle tecniche 

artistiche, della moda e 

della storia dell’arte, e ha 

inoltre lavorato nella progettazione 

e organizzazione di allestimenti 

teatrali (Iscritto all’Albo Nazionale Scenografi) 

ed eventi espositivi (Pitti Uomo Italia, 

Arazzi a Pitti Filati). Alcune sue opere si trovano 

nelle collezioni del Museo degli Argenti 

di Palazzo Pitti e del Museo della Ceramica 

di Montelupo. A Firenze ha esposto 

a Palazzo Rucellai (1992), alla Stazione Leopolda 

(1995), al Museo della Specola (2010), 

alla Ken’s Art Gallery (1989 - 2000) e alla 

Galleria Present Art (2011). Ha esposto inoltre 

a Milano (Binario Zero, 2000), Cortona 

(Castello del Girifalco, 2005), Prato (Palazzo 

Banci Buonamici, 2005), Massa Marittima 

(Museo Arte Sacra, 2006), Barcellona 

(Galleria Theseo, 1999 e Magdalena Baxeras 

Galeria d’Art, 2003). Dal 2004 continua 

la sua attività tra Sicilia e Toscana. 

Quando ho visto il Cristo che avevi impastato, 

e scrivo “impastato” perché a me risuona 

cosi il verbo dopo una non tanto lontana 

lettura delle Rovine Circolari de 

Borges, credo che sia il primo verbo che mi 

è venuto in mente, quando sentì l’impatto 

del tuo Cristo. La bocca dolente, aperta e 

Crocifisso, allumino patinato, 2015,figura cm 

23x100x116cm, croce cm 45x140x245 (2) 

viva scarnificata nel dolore. 

Non c’è gemito: c’è 

solo sete. Una ardente 

sete che arriva da una solitudine 

cruenta. È un Cristo 

senza sussiego, senza 

Padre e (spero che il tuo 

cattolicesimo genuino ed 

elegante me lo scusi) 

senza Spirito Santo. Dal 

corpo del Cristo ascende 

una sensualità carnale, 

una sensualità greca, 

svelta, dove le mani si 

sono sprofondate fuse 

nel desiderio. (…) È un 

Cristo impastato da un uomo del secolo. 

Un figlio della ragione. Un figlio della divinità 

trasferitasi ad un altro cielo. Al cielo 

del quotidiano, di colui che deve guadagnarsi 

il pane, essere un artista, camminare 

per Firenze, che non riesce ad avere l’abbraccio 

fondamentale, le spalle o le mani 

che camminano per il sentiero misconosciuto 

della Vita. Un Cristo che sta eretto 

malgrado lo strappo, eretto e forse non lo 

sa che è un uomo che è stato gettato senza 

pietà nella meschinità degli dei. (…) 

Amico mio, la disperazione forse non ci abbandonerà 

mai, ma il tuo talento è vita. Il 

tuo talento è respiro sopra le tue ginocchia, 

respira e scorre nelle caverne del dolore 

(da lì emerge il Cristo, quasi ululando), 

del tuo talento di figlio degli dei, del Magnifico. 

Dalla grotta petrea e segreta che è 

come una sorgente che respira verso le 

stelle o verso la lurida cisterna. Mai si sa… 

però è latente di una vita sacra: lei ci aspetta 

perché tu sei lì. 

Maria Inés Troilo 

Da una lettera della scrittrice argentina 

all’artista Antonio Guarnieri 

www.antonioguarnieri.eu 

66

ANDREINA GUERRIERI 


Guizzi di luce, 2015, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce a Montaione (FI) nel 1951. Vive 

tra Firenze e la campagna toscana, 

dove trova l’ispirazione migliore per 

la sua pittura. Ha iniziato il suo lavoro negli 

anni Novanta seguendo stimoli ed itinerari 

diversi. I suoi temi ricorrenti sono l’inconscio 

ed i percorsi onirici che esprime con 

olio, acrilici, tecniche miste. Il suo operare è 

teso a mutare l’intuizione in forme, colori, 

forza materica che, senza perdere l’essenzialità 

e l’armonia, raccontino se stessi. 

Espone in permanenza presso la Galleria 

Rosso Cinabro di Roma. 

Andreina Guerrieri con ondose pennellate 

alla rigida superficie che divengono l’elemento 

personalizza vasti spazi di colore. 

L’artista detiene l’abilità di esaltare la resa 

finale con il solo elemento evocativo del 

colore, affidando alla fisicità ostentata del 

colore il compito di esprimere se stesso. A 

volte creazioni monocromatiche, altre volte 

bande di toni affiancate hanno la mirabile 

capacità di trattenere impressioni fugaci 

e labili sensazioni. Gesti delicati come carezze, 

raramente infuriati, comunicano il 

moto dell’esistenza di ognuno, il ritmo alterno 

dal passato al presente, dai ricordi 

agli attimi attuali, dal desiderio al rimpianto. 

La superficie finale è un luogo deputato 

alla riflessione, all’evasione, alle emozioni. 

Colori tenui, delicati, rendono raffinate le 

inquadrature finali, come in una continua 

danza su di un fondo di velluto che registra 

ogni gesto, che si lascia accarezzare e motivare. 

Una leggiadria incomparabile si palese 

all’osservatore, lontana dalla monotonia 

romantica, intrisa di soavità, riflessione, 

leggerezza a cui ogni opera contemporanea 

dovrebbe ambire e che le opere in questione, 

al contrario, detengono quale priorità 

basilare, divenendo piccole grandi 

geniali creazioni. 

Anna Soricaro 

Via Vico, 6 - 50136 Firenze - Cell. 347 3206198 

andreina@arteitalianacontemporanea.com - www.arteitalianacontemporanea.com 

67


FRANCESCA GUETTA 

Nata a Firenze, dove vive e lavora, 

ha iniziato a studiare tecniche 

pittoriche al C.U.E.A. di Firenze. 

Negli anni successivi ha frequentato la 

scuola della pittrice Sole Costa ed ha approfondito 

la sua formazione artistica 

sotto la guida dei pittori Aida Teran e 

Giuseppe Ciccia. Ha partecipato a numerose 

rassegne artistiche e concorsi sia in 

Italia che all’estero ricevendo diversi premi 

e riconoscimenti. I suoi dipinti si trovano 

in collezioni pubbliche e private. Il 

suo lavoro è recensito in numerosi cataloghi 

e libri d’arte. 

Francesca Guetta è un’artista complessa, 

che sarebbe riduttivo definire semplicemente 

“pittrice”. Soprattutto le sue 

opere su cartone telato montato su tavola, 

infatti, presentano un’articolata 

stratificazione e giustapposizione di 

materiali - anche tridimensionali - a tal 

punto che possiamo parlare di vere e 

proprie “pittosculture”. Nei suoi quadri 

è evidente il richiamo - per cromie e gestualità 

del segno - a certa Pop Art, segnatamente 

italiana (…) e a quella che fu 

definita la risposta europea all’arte popolare 

americana, vale a dire al Nouveau 

Réalisme nato sotto l’egida di Pierre Restany 

e, in particolare, a quello interpretato 

da Arman con le sue ‘accumulazioni’. 

Vi sono, però, delle sostanziali 

differenze, che conducono l’arte della 

Guetta ad un’assoluta originalità. Come 

si sa, il movimento nato in Francia negli 

Anni Sessanta riprendeva il concetto del 

ready-made dadaista, cioè quello di un 

oggetto di uso quotidiano e prefabbricato, 

isolato dal suo contesto funzionale 

Note di caffè, 2015, polimaterico su cartone telato montato su 

tavola, cm. 70x50 

ed elevato da un artista ad opera d’arte solo 

tramite la nuova contestualizzazione. (…) 

Francesca Guetta impiega solamente alcuni 

determinati oggetti strettamente connessi al 

tema che vuole svolgere e mai vere e proprie 

‘accumulazioni’ quasi indifferenziate. La sua 

opera - altamente concettuale e sempre legata, 

in questa serie di realizzazioni, a temi di 

valenza sociale ed universale - è un vero e 

proprio percorso di autocoscienza culturale 

che l’artista segue e possiede un filo conduttore 

tramite il quale l’autrice vuole farci riflettere 

su realtà profonde (...). 

Giampaolo Trotta 

Via Antonio Canova 78 - 50142 Firenze - Cell. 339 7705116 - f.guetta@alice.it 

L’artista è presente su Youtube - Altri link: c/o www.artexpo-gallery.it/premioespressionecreativa 

c/o www.liberartesesto.net/spaziowebsoci 

68

NICOLE GUILLON 


Audessus des nuages, fotografia digitale 

Nicole Giullon nasce in Francia, passa 

la sua infanzia in Africa, dove è profondamente 

segnata dai colori e 

dalle forme essenziali dei paesaggi che la 

circondano. 

Si laurea in letteratura comparata a Parigi. 

Vive in diversi paesi d’Europa finché non 

approda in Italia con la sua famiglia. 

Inizia la sua attività artistica in Toscana frequentando 

l’atelier artistico d’Impruneta e 

seguendo corsi presso la Scuola Internazionale 

d’Arte Grafica Il Bisonte di Firenze. Dal 

1989 espone in numerose collettive e personali 

in Toscana, in Francia, in diversi paesi 

d’Europa ed in Giappone, con opere di pittura 

e di incisione, ottenendo vari riconoscimenti 

tra i quali il Fiorino d’argento. 

Da qualche anno, la sua passione per i viaggi 

a piedi, particolarmente in Asia e Africa, 

le ha permesso di scoprire nella fotografia 

una forma d’espressione che completa il 

suo linguaggio pittorico astratto. 

Dalle terre visitate riporta elementi minerali 

ma soprattutto emozioni da trasferire sulla 

tela o sul legno: “Dipingo e fotografo per 

non parlare”; spesso lascia le sue opere 

senza titoli, con l’intenzione di offrire all’osservatore 

la libertà delle proprie sensazioni, 

convinta che l’artista altro non è che l’interprete 

di una coscienza universale. 

Cell. +39 338 2811430 - poggiougolino@gmail.com 

www.nicoleguillon.com 

69


NICOLE GUILLON 

Brazil, 2010, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

“...Sullo schermo quadrato si aprono squarci 

di colore, mescolato a sabbia, a brandelli 

di stoffa, alla poltiglia di conchiglie, e guscio 

d’uova e rena: si condensano delle 

forme che sembrano scolpite, asperità, rughe 

da accarezzare colla mano. Si aprono 

varchi improvvisi, ferite sensuali e inopportune....” 

G. Uzzani 

“...Possiamo certamente definire le opere di 

Nicole Guillon secondo la modalità della 

pittura e della fotografia, ma le sue tele cosi 

materiche. racchiudono un presagio di 

scultura, i suoi scatti declinano le immagini 

quasi in forma di incisione grafica”. 

S. Sassi 

70

GERDA HEGEDUS 


Quando il cielo abbraccia la terra, olio su tavola, cm. 60x45 

Espone dal 1974 in Europa, USA, Canada, 

Brasile, Marocco. Espone in permanenza 

dal 1984 fino al termine dell’attività alla 

Galleria Katia Granoff di Parigi. 

Membro dell’Accademia Europea delle Arti 

della Fondazione Taylor, Membro della Società 

degli Artisti Indipendenti, Grand Palais 

di Parigi, Membro d’onore dell’Accademia 

Gentilizia delle Arti e delle Lettere Il 

Marzocco di Firenze. 

Gerda Hegedus è luce, è spazio toscano, è 

libertà pittorica, dato che in lei soggiorna 

una tale carica poetica accostabile alle parole 

nerudiane dedicate a Capri, là dove si 

legge di “Un lampo rosso e giallo / sotto la 

luce tersa / giaceva sonnolento / aspettando 

/ di scatenare la sua forza”. 

Ludovico Gierut 

Giornalista e critico d’arte 

Vostra luce evoca le Lorrain Eturner. Vostri 

personaggi sono viventi. Lei fa della vera 

grandissima pittura. 

Herve Bazin 

Scrittore 

Riconoscimenti vari 

1987 - Primo Premio di pittura (Associazione 

Artistica e Culturale di Parigi) 

1996 - Nomina a professore Accademico 

ordinario (Accademia del Verbano - Italia) 

1999 - Croce d’onore delle arti e della scienza 

conferita a nome del Presidente della 

Repubblica d’Austria 

Pubblicazioni 

Chi è Chi 

Ufficiale dell’arte 

Tel. (Toscana) +39 0578 31324 

Tel. (Marrakech) +212 06 72 73 49 67 

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KIYOKO HIRAI 

Speranza in Arma Bianca, bronzo, alabastro e cristallo 

di rocca, fusione unica a cera persa, interamente 

cesellata e patinata a mano, cm 25.5x73x18 

Ènata a Osaka, in Giappone. Si è formata 

all’Accademia di Belle Arti di 

Firenze, dove ha studiato pittura ad 

olio, acquaforte e litografia. Ha vinto numerosi 

premi, tra i quali si ricordano: il primo 

Premio nella sezione giovanile (2004) e il 

primo Premio Grafica (2008) al Concorso 

Nazionale di Pittura - Città di Lastra, il secondo 

Premio per Classic Painging al Concorso 

Internazionale di Mosca, The 4th International 

Exhibition & Competition of 

Contemporary Arts - Russian Art Week 

(2008), il Premio per la scultura nell’ambito 

del Concorso “Premio di Tutte le Arti” (Salone 

dei Cinquecento, Palazzo Vecchio, Firenze) 

organizzato dalla Fondazione Elisabetta 

e Mariachiara Casini Onlus nel 2014. 

Cell. 347 7631496 - hirai.k@alice.it 

Youtube: www.youtube.com/user/gabbrielli01 - www.kiyokohirai.com 

72

ZAHRA IMANZADEH 


Beauty of Persia, olio su legno, cm. 90x90 

Nata nel 1990 ad Urmia (Iran), dopo il 

diploma in arti grafiche, si è trasferita 

a Firenze per studiare all’Accademia 

di Belle Arti. Nel 2015 si è classificata 

prima in un concorso con sede al Museo 

Bardini e nel 2009 ha vinto il primo premio 

per la grafica a Teheran. Ha esposto in collettiva 

sia a Firenze (2015, Start Point e Palagi 

sotto le stelle) che nel suo paese d’origine. 

La sua prima mostra personale si è 

tenuta nel 2010 a Teheran presso la Kafi 

Gallery. 

Cell. 392 4493301 

zahraimanzadeh.artwork@gmail.com 

73


FURIO INNOCENTI 

Filari a mare, 2012, olio su tavola, cm. 85x120 

Nasce nel 1956 nel piccolo paese di Scopeti 

in provincia di Firenze. A quattro 

anni, dopo aver visto in funzione il Mattatoio 

di Rufina, con la complicità del fratello 

Alessio, disegna, a tutta parete, una mucca con 

il carbone nella cucina; arricchisce la scena con 

succo di pomodoro, per simulare il sangue della 

morte del bovino e, per completare l’opera, 

lancia verso il soffitto tutti i pomodori della dispensa, 

simboleggiando con gli schizzi il gocciolio 

del sangue. A sette anni realizza sculture 

di barche con scorze di pino, levigate in modo 

del tutto naturale, dotandole con filo forte o 

spago e vele di tela bianche, oggetti che poi 

vende a parenti ed amici. A dodici anni dovendo 

eseguire a scuola un disegno a tema libero, 

materializza su un cartone rettangolare una 

composizione ottenuta con viti, bulloni, rondelle, 

ingranaggi e tanto colore. Una specie di 

città metallica sospesa nel vuoto. Tanto fu 

enorme la gioia per quella realizzazione quanto 

fu drammatica la puntuale ammonizione ottenuta 

dall’insegnante, che a voce alterata ripeteva 

… è malafede … è pura mala fede … 

facendo riferimenti a poeti maledetti come 

Baudelaire, Mallarmé. L’esercitazione libera 

successiva fu una piccola scultura in creta di 

una monaca (velo nero e stola bianca) che trovò 

la piena approvazione della professoressa 

sia probabilmente per la scelta del soggetto sia 

per la sua esecuzione. A trentatrè anni, durante 

una vacanza invernale sulle Alpi, per varie circostanze, 

si ritrova solo e sperduto a 2.450 metri 

in mezzo alla neve ghiacciata: solo per la 

caparbietà e una buona dose di fortuna sopravvive 

al freddo glaciale della notte ed ai mille 

pericoli della montagna, avvistando al fine 

piccole luci di un paese in fondo ad una vallata. 

Questo episodio stimola l’artista, facendo finalmente 

esplodere la vena pittorica, che dipinge 

il suo primo quadro “La notte più lunga”, nel 

quale la montagna è stilizzata nel volto di una 

mamma bianca, mentre le luci rassicuranti del 

paese diventano stelle enormi a simboleggiarne 

la salvezza. Inizia così il suo percorso pittorico, 

esprimendo con i colori i suoi sogni, le sue 

emozioni, i suoi desideri più profondi. 

La pittura di Innocenti è legata al suo nome, è 

furiosa: infatti usa spesso colori squillantemente 

parlanti come i rossi clamorosi o i blu e 

i gialli sonori. E’ un artista sensibile e raffinato 

che spesso conduce lo spettatore ai confini 

della realtà con una profonda immaginazione, 

rappresentando scottanti temi di attualità che 

scuotono le coscienze e di cui l’artista cerca di 

cogliere i diversi aspetti psicologici, restituendoci 

la forza e la potenza di quei momenti o di 

quelle emozioni. Spesso protagonista delle 

sue opere è la natura, raffigurata sempre con 

profondo affetto e grande compenetrazione 

ora con una pittura sciolta e leggera ora con 

pennellate dense e materiche, con uno stile 

che mai passa inosservato e che comunque 

suscita sempre emozioni e sensazioni. Un artista, 

dunque, in continua e costante evoluzione, 

sempre nuovo ma sempre fedele a se stesso. 

Nicoletta Masetti 

Cell. +39 345 0828913 

info@furioarte.com - www.furioarte.com 

74

FREDERIK IVANAJ 


Composizione, acrilico su tela, cm. 100x80 

Nato a Lezhe (Albania) nel 1960, si 

forma al Liceo Artistico di Tirana e 

poi all’Accademia di Belle Arti della 

stessa città. Già da studente s’interessa ad 

altri linguaggi artistici lavorando come scenografo 

per i teatri nazionali albanesi e poi 

come fotografo, cameramen e direttore 

della fotografia per il Kinostudio (cinema 

nazionale albanese) con la realizzazione di 

cortometraggi e lungometraggi. Come pittore 

ha participato a varie esposizioni nazionali 

ed internazionali. Tra le più recenti: 

2012, presente su invito al Centenario 

dell’Indipendenza d’Albania, Museo della 

Civiltà Romana, Roma; 2013, Palagio di Parte 

Guelfa, Firenze; 2014 e 2015, Palazzo Medici 

Riccardi, Firenze. 

After Art Gallery - Piazza Santa Elisabetta 6 - Firenze 

www.ivanaj.com 

75


DEIVIS KUQO 

Lake Ohrid, 2013, olio su tela, cm. 80x60 

Nato a Pogradec (1992) in Albania, 

dove dopo gli studi liceali, si è laureato 

all’Università delle Arti di Tirana. 

Ha esposto in collettiva a Tirana (2010, National 

Museum Historic e National Gallery of 

Art) e nella cattedrale di Korca (2008) e in 

personale (2012/2013) nella sede dell’Università 

Americana in Albania. È coordinatore 

dell’Association Panalbanian Artist Figurative 

con sede a Tirana. 

Rr. Kavaja, H.Hidri /1001 Tirana (Albania) 

Tel. 069 87 28 782 - deviskuqo@gmail.com 

76


DEIVIS KUQO 

Trade of Korca, 2014, olio su tela, cm. 110x90 

77


SUSI LA ROSA 

Dammi un bacittu cu sa buccuzza i rosa, 2015, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Di origine siciliana, è a Milazzo che 

forma la sua anima artistica conseguendo 

il diploma di Maestro d’Arte. 

Arricchisce la sua esperienza collaborando 

con la compagnia teatrale Il Kersoneso d’Oro, 

allestendone le scenografie. Nel 1999 

partecipa al progetto per il calendario della 

Lega Italiana per la Lotta Contro i Tumori. A 

Firenze approfondisce i suoi studi presso 

l’Accademia delle Belle Arti. Fonda con Orlando 

Poggi il laboratorio artistico L’Oche, 

mettendo in pratica la sua esperienza con 

creazioni e realizzazioni d’oggetti d’arredo 

con tecniche di riutilizzo e restauro di mobili 

e complementi. Esposizioni personali e 

collettive in varie città italiane tra cui Torino, 

Venezia e Firenze. Nelle sue opere restituisce 

alla propria terra di Sicilia la storia, 

l’energia, le emozioni; omaggiandola. Così 

come l’immagine impressiona la retina; l’anima 

ne incamera il ricordo; la tela ne diffonde 

il sapore di quel mare da cui tanto ha 

preso e a cui altrettanto ridà indietro. Intinge 

di passione il suo percorso materico 

frutto della propria esperienza che, generosa, 

non tiene per sé, ma condivide inebriandoci 

i sensi. 

Cell. 339 7696613 - larosasusi@gmail.com 

www.susilarosa.it 

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PIERINA LAGANÀ in arte PIERGEMMA 

Nata in Belgio, si trasferisce, ancora 

giovanissima, a Reggio Calabria, 

dove tuttora vive e lavora. Laureata 

in Lingue e Letterature Straniere all’Università 

di Messina, lavora presso la Commissione 

Tributaria Provinciale di Reggio Calabria. 

E’ attraverso la scrittura che manifesta dapprima 

le tante sfaccettature della sua interiorità: 

il passaggio dal foglio bianco alla 

tela è stato per lei consequenziale, come 

avviene per qualsiasi evento naturale. Musica 

della poesia nella scrittura magica della 

Pittura è il titolo di una delle sue prime personali 

di pittura, a cui sono seguite diverse 

altre esposizioni: Reggio Calabria. Sognare 

per realizzare…il sogno, Palazzo della Provincia 

di Reggio Calabria, 2009; I Frutti del 

deserto, Sala d’Arte “Le Muse”, Reggio Calabria, 

2010; L’Oca ritrovata, Galleria d’Arte 

Arena, Reggio Calabria, 2011; Il Bottegaio 

dell’Amore, Caffè Storico Letterario Giubbe 

Rosse, Firenze, 2011. Artista eclettica, spazia 

dalla scrittura (poesia, prosa, fiabe, dialoghi 

teatrali) alla pittura su tela, tessuti e 

maschere dai colori gioiosi. 

Le sue opere sono visibili sulla home page 

del sito del Caffè Letterario Giubbe Rosse 

di Firenze: http://www.atout.it/ 

Piergemma elabora una formula espressiva 

che intende azzerare ogni distinzione tra 

generi artistici per unire parole, immagini e 

musica in un unico atto comunicativo. Perché 

è all’uomo come integrità di ragione 

che intende parlare, alla sua mente incredula, 

al suo cuore sopito. 


Eva c’est moi!, 2014, acrilico su tela, cm. 60x40 

Pierina Laganà è una pittrice in cui la forza 

del colore, l’efficacia del segno, la semplicità 

del tratto, come pure la stessa semplicità, 

ci attraggono…il colore è il suo connotato, 

è la sua forza. 

Maria Teresa Prestigiacomo 

Nella sua pittura...un’altalena tra colori dai 

toni solari che si fondono in forme astratte, 

altre volte si condensano in figure in cui…un 

alternarsi continuo, i colori delle sue tele, un 

viaggio incessante tra due “mari” in cui, 

quello sottostante è vasto come un oceano. 

Helios Magazine, 2015 

Via Carrera II, 21 - Reggio Calabria - Cell. 329 7439881 

piergemma@libero.it - Sito web: piergemma.altervista.org 

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GIANCARLO LANDI 

Nato a Firenze nel 1937, nutre la 

passione per il disegno fin 

dalla più tenera età quando, al 

termine della seconda guerra mondiale, 

disegnava lo scenario che allora 

gli si presentava agli occhi e cioè: 

aerei, carri armati e case distrutte. 

Cominciò a dipingere solo a quindici 

anni e il suo primo lavoro a olio fu un 

ritratto che fece, a memoria, a una 

sua compagna di scuola verso la 

quale nutriva un innamoramento giovanile 

mai dichiarato all’interessata. 

Timido e schivo, non ha mai voluto 

partecipare ad alcun premio di pittura, 

neppure il più modesto, quello che 

fa conoscere un pittore nel rione 

dove abita o nella città dove lavora. 

Eppure, vedendo i suoi lavori, era necessario 

che a un certo momento la 

sua solitudine fosse violata e potesse 

affacciarsi al balcone pubblico per 

farsi vedere e conoscere e, cosa importante, 

entrare nelle collezioni. Nei 

primi anni Cinquanta, pur frequentando 

le scuole superiori, sentì il bisogno 

d’iscriversi alla Scuola Libera 

del Nudo presso l’Accademia delle 

Belle Arti di Firenze, allora diretta dal 

pittore Emanuele Cavalli, che Landi 

frequentò assiduamente nella sessione 

pomeridiana. In seguito seguì anche 

gli insegnamenti di Nerina Simi 

nel suo studio Internazionale di Disegno 

in via Tripoli a Firenze, dove transitavano 

molti allievi di Annigoni. Infatti, 

osservando i lavori di Landi, non 

possiamo non accorgerci che sono 

frutto di studio e di un consolidato 

mestiere oltre che di una costante 

applicazione. 

Landi non appartiene a correnti e 

Nonna Augusta, 2015, tempera all’uovo su tavola, cm. 40x30 

non si lascia lusingare a inseguire mode: è una 

persona seria che dipinge come sa quello che si 

sente di fare. 

Il cosa non conta: possono essere disegni, ceramiche, 

teste di burattini, vignette per il Vernacoliere 

o ideogrammi cinesi. Ma anche giochi per bimbi, 

strumenti musicali, una testina abbozzata su una 

scatola di Minerva, il particolare di un occhio. L’importante 

è creare, ma soprattutto, la libertà di appagare 

se stessi se ne esiste il desiderio. Perché 

fare arte o il fatto poetico di trasformare un sasso 

in un freno per poi farlo ritornare un semplice sasso, 

è la capacità di dare a dipinti e disegni l’élan 

vitale che permette loro di camminare per i sentieri 

del mondo. Lui si dichiara artigiano perchè 

ama cercare, sempre partendo dalla necessità di 

Via Pistoiese, 130/I - 50010 S. Donnino (FI) 

Tel. 055 8997719 - Cell. 339 1919226 - info@giancarlolandi.com 

80


GIANCARLO LANDI 

Al Pacino in The Humbling, carboncino, cm. 60x50 

un contatto diretto, il contatto con la materia; 

ha bisogno di assorbirne l’intima essenza 

ed è così per ogni materiale che utilizza: 

deve entrare a far parte del suo cosmo personale 

prima di finire sulla tela o come tela. 

Artigiano, ma in realtà, quando s’interpretano 

i sogni della propria anima, stai già percorrendo, 

nel bene o nel male, la strada 

dell’arte e la differenza fra le due terminologie 

diventa la lama sottile di un rasoio. Che 

può anche tagliare. Voglia di andare a cercare 

se stesso in mondi diversi (la sua seconda 

patria è la Cina dove è stato moltissime 

volte fin dal 1978), voglia di lavorare 

per gli altri (uomo che per circa vent’anni ha 

lasciato la pittura per dedicarsi al sociale), 

ma anche voglia di raccontarsi e di riappropriarsi 

di un passato che tende a disintegrarsi 

in un lento oblio. Lo ha fatto riprendendo 

in mano, da qualche anno, quelle 

matite e quei colori che aveva amato da 

giovanissimo e tornando addirittura a frequentare 

l’Accademia d’Arte. Volendo, potrebbe 

tornare alla ribalta, ma lui non lo ritiene 

necessario. Per lui, quello che conta è 

fare, con amore, qualcosa che lo appaghi e 

lo diverta. Se poi resterà nella memoria della 

gente, ma anche solo in quella dei figli e 

dei nipoti, il risultato sarà già raggiunto. 

Alberto Gavazzeni 

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MAURIZIO LAURENTI 

Eclissi, 2014, tecnica mista su tela, cm. 120x100 

Nato a Grosseto nel 1961, da molti anni 

risiede ad Arezzo. Ha partecipato a 

collettive in Italia e all’estero e ha 

presentato il suo lavoro in due mostre personali. 

Appassionato di disegno fin da bambino, 

dopo un periodo di pausa, ha ritrovato 

questa passione al rientro da un viaggio in 

Islanda. Il bisogno di fermare sul foglio le 

bellezze naturalistiche di questa terra agli 

estremi confini d’Europa, gli ha fatto riscoprire 

il disegno e quindi anche la pittura 

come un modo per conservare il ricordo dei 

luoghi visitati. La sua pittura, spesso definita 

realismo magico, spazia dalla metafisica 

al surrealismo, con spunti di astrattismo. 

Fondamentali per la sua formazione artistica 

sono stati gli insegnamenti di Franco 

Rossi e Max Ciccone, a cui deve gli strumenti 

espressivi e tecnici che, dopo oltre quindici 

anni di studio, lo hanno reso capace di 

trasferire sulla tela le proprie immagini interiori. 

Di grande importanza anche l’incontro 

con Michele Loffredo, critico e storico 

dell’arte che lo ha seguito nel suo percorso, 

fino a diventare, come lui stesso afferma, “il 

timoniere della sua barca visionaria”. 

www.laurentimaurizio.com 

info@mauriziolaurenti.com 

82

SUSAN LEYLAND 


In accord, 2015, semi-refrattario, cm. 28x27x27 

Il suo lavoro artistico è determinato da un 

perfetto bilanciamento che va dalla forma 

simbolica alla manifesta espressione 

delle emozioni. Leyland assembla purezza, 

semplicità e genialità in forma geometrica 

e con questi elementi configura sobrie forme 

che evocano cavalli di originale e sorprendente 

bellezza. 

Tamsin Pickeral 

leyland@equinesculptures.com - www.equinesculptures.com 

FB: Susan Leyland - Horse Block Sculpture 

83


LUIGI LIOTTA 

Luigi Liotta: 

l’Arte della Fotografia 

Fotografo free lance, inizia 

la carriera come ritrattista 

dedicandosi in particolare 

al volto femminile. La brillantezza 

dello sguardo, il 

fascino del sorriso, specchio 

della personalità e dell’ 

anima del soggetto, catturano 

la sua attenzione; le 

foto diventano delle vere 

opere d’arte. Conosciuto e 

stimato professionista dell’ 

immagine, partecipa a prestigiose 

mostre e concorsi 

sia in Italia che all’estero, 

ottenendo ampi consensi e 

premi. Intorno agli anni Ottanta, 

un amico e cliente gli 

chiede di creare il logo ed il servizio fotografico 

per pubblicizzare l’apertura di un prestigioso 

centro estetico in Versilia; così emerge la sua 

abilità nel settore. Da quel momento Liotta ha 

dedicato la carriera a servizi fotografici pubblicitari, 

spaziando nei diversi ambiti, dalla moda 

al cinema, ecc., con grande competenza e soddisfazione, 

che lo hanno visto affermarsi in svariati 

concorsi, ricevendo premi a Firenze, Pisa, 

Roma, Amalfi, Capri, Parigi ed altri. Agli inizi 

degli anni Novanta, ormai introdotto nell’ambiente 

della moda, apre una scuola per fotomodelle 

ed indossatrici, organizzando anche sfilate 

e concorsi di bellezza, fra cui, per svariate 

volte, anche le selezioni per Miss Italia delle 

quali è molto orgoglioso. Successivamente, in 

considerazione della notevole professionalità 

acquisita nell’ambito dell’iconografia, insieme 

ad un amico apre una scuola di fotografia e video. 

La frequentazione del mondo dell’arte e 

spettacolo lo stimola ad organizzare serate anche 

per beneficenza con la partecipazione di 

importanti vedette della canzone e dell’arte. 

Senza titolo, fotografia digitale, stampa fotografica, 

cm. 50x70 

Introdotto nel mondo dello 

spettacolo sarà impegnato 

come Direttore di Scena in 

un dramma di Samuel Beckett 

al Piccolo Eliseo di 

Roma: un lavoro molto interessante 

ma impegnativo 

in quanto per un intero 

anno è costretto a spostarsi 

tra Firenze e Roma. Ormai, 

da una quindicina di anni, la 

carriera di fotografo free 

lance lo conduce a seguire 

serate, manifestazioni di 

moda, prime cinematografiche 

e teatrali nelle varie 

città d’Italia, trattenendo 

con “eccellenti scatti” attimi 

particolari ed interessanti 

che vengono pubblicati 

in molte riviste patinate 

e settimanali ed acquisendo un grandissimo 

archivio di foto di famosi personaggi contemporanei. 

Negli ultimi anni, con la sparizione della 

pellicola fotografica, si è dovuto convertire 

alla foto digitale, che ha cambiato il modo di 

fotografare e stampare foto. Liotta afferma che 

il bello del “digitale” è che si può vedere subito 

l’immagine ripresa ed elaborarla a proprio gusto 

al computer. A tal proposito ha messo a 

punto alcune tecniche ed elaborazioni, fra cui 

quella presentata in questa pagina. Con queste 

sue personali tecniche, sta preparando un libro 

fotografico. Luigi Liotta mostra ed incontra chi 

è interessato alle sue opere, nel suo studio fotografico 

di Sesto Fiorentino. 

Alessandra Coliva 

Liotta esegue provini fotografici ad aspiranti 

fotomodelle e indossatrici ed ha una lunghissima 

esperienza nelle riprese fotografiche di 

matrimoni. 

Cell. 338.8888762 - luigielle@alice.it 

Facebook Luigi Liotta 

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ANNA LOBOVIKOV-KATZ 


Hot day in Haifa - the Carmelite Monastery, acquerello su carta, cm. 23x29 

Si è formata all’Accademia di Belle Arti 

di San Pietroburgo e lavora come architetto 

ad Haifa, in Israele. Tra le tecniche 

più utilizzate, l’acquerello, la tempera, 

i pastelli e la gouache, di cui si serve per ritrarre 

soprattutto il paesaggio naturale. Ha 

esposto in Israele, USA, Italia e Francia. Si 

segnalano tra le mostre più recenti: 2014, 

Premio Internazionale Marche d’Acqua, 

Biennale di acquerello di Fabriano; 2015, 

mostra personale, Italia e San Pietroburgo, 

organizzata dall’Ambasciata Italiana, dall’Istituto 

di Cultura Italiana e dall’Accademia 

di Design, Haifa. Nel 2014 ha vinto il primo 

premio nell’ambito di un concorso internazionale 

di architettura organizzato dall’Unione 

Europea e dallo Stato di Israele. 

lokatz@netvision.net.il - http://anna-lobovikovkatz.artistwebsites.com 

FB: Anna Lobovikov Katz 

85


SILVIA LOEW 

Nasce a San Paolo in Brasile. 

Frequenta la scuola superiore 

di disegno industriale a Monaco 

di Baviera e i corsi di arte del Museo 

di Arte Moderna di San Paolo, 

che segnano l’inizio della sua carriera 

come scultrice. Si avvicina alla ceramica 

nello studio di Mestre Lelè, 

maestro nell’arte del tornio, e approfondisce 

la conoscenza di questa forma 

d’arte con l’antica tecnica giapponese 

del raku. Nel 1990 si 

trasferisce a Genova, dove, oltre alla 

ceramica, si dedica a scolpire il marmo, 

grazie anche agli insegnamenti 

di Lorenzo Graventa, da cui apprende 

la lavorazione del gesso e la fusione 

a cera persa. La sua produzione 

artistica spazia dalla ceramica alla 

scultura in marmo e in bronzo. Ha 

esposto in numerose città italiane 

(Milano, Genova, Torino, Roma) e 

all’estero sia in personale che in collettiva. 

Lavora tra Carrara e il suo studio 

di Pietrasanta. 

L’intento dell’artista è quello di dare 

all’opera, attraverso l’atto della bella 

pulitura e nitore, quella giusta luce 

che ne esalta il gesto e le rifiniture, e 

mette in evidenza gli anfratti più intimi 

della materia. La modellazione 

plastica rispecchia specularmente 

l’evoluzione della coscienza artistica, 

nell’essere e nell’esserci, attraverso 

l’esperienza dello scavo. Ad esprime- 

Il poso dell’uccello, 2014, marmo bianco di Carrara, marmo nero 

belga, cm. 30x50x13 (fronte) 

re le pieghe più profonde dell’anima dello scultore 

in simbiosi diretta con l’opera. I rapporti tra 

superfici piatte e curve, i cambiamenti d’asse, il 

sintetismo solubilizzante l’incontro onirico con la 

mente inconscia, nell’unità di rapporto tra superfici 

piene e vuote, in un susseguirsi di letturescandaglio 

del cuore e dell’anima-attraverso uno 

stilema plastico che riflette la propria avventura 

di uomo e di artista. 

Alfredo Pasolini 

Studio: Via Garibaldi, 28 - 55045 Pietrasanta (LU) - Via Montani, 24 - 16148 Genova 

Cell. +39 335 6234544 - www.sylvialoew.com - sylloew@tin.it 

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ANGELA LUCARINI 


Artista fiorentina, nelle sue tele riproduce 

i paesaggi toscani a lei 

tanto cari. È al colore che affida 

l’espressione dei suoi stati d’animo e delle 

sensazioni che nascono dall’incontro 

con la natura. Negli anni ha sperimentato 

tecniche diverse, tra cui il finto affresco 

su tela. Nell’armonia della danza classica 

ha spesso trovato lo spunto ispirativo 

per molti suoi lavori. Allieva di noti pittori 

fiorentini, è socia del Gadarte e dell’Anla. 

Presente in numerose mostre collettive, 

a Firenze ha esposto, tra l’altro, al 

Convitto della Calza, al Palagio di Parte 

Guelfa, a Villa Vogel e Villa Pozzolini. 

Sempre a Firenze ha presentato i suoi lavori 

alla Galleria Mentana in una collettiva 

organizzata dall’Anla e ha preso parte 

alle iniziative promosse da Toscana Cultura. 

Al 2007 risalgono invece due importanti 

personali nella Saletta Machiavelli 

di Montespertoli e a Villa Vogel. 

Angela Lucarini si è molto impegnata 

studiando varie discipline: olio su tela, 

preparazioni per affreschi e tecniche miste. 

Le sue opere hanno raggiunto livelli 

notevoli di consensi di critica e di pubblico, 

in numerose ed importanti rassegne. 

La sua sensibilità capta la natura nei suoi 

colori nel gioco delle ombre, dei riflessi, 

delle luci, in altre tematiche movimenti 

della danza dove esprime tutta la sua intensa 

creatività. Si evidenzia una pacata 

serenità improntata da un’arte che esce 

spontanea dal suo io interiore, nella ricerca 

attenta dei valori plastici e colori- 

Cascata, 2006, olio su tela, cm. 60x80 

stici. Un’armoniosa sensibilità che sfugge le 

implicazioni psicologiche e permetta di dipingere 

una romantica panoramica composita 

una riproduzione fedele del Duomo di Firenze. 

Una ricerca poetica continua, legata sempre 

all’ispirazione. Momento illuminante con forti 

emozioni alla ricerca continua del “bello” in 

tutte le sue espressioni per ritrovare nelle figurazioni 

gli elementi di una forte ed istintiva 

personalità artistica. 

Lucia Mongardi 

I suoi lavori sono su: www.art.e-zine.it - www.Babelarte.it 

www.trovoarte.com - www.a-lucarini.blogspot.com 

87


SUSAN LUPPINO 

Nasce a New York nel 1945. La sua 

formazione artistica inizia giovanissima, 

a sedici anni, nella città di 

Lima, dove frequenta l’Art Center. E’ in 

Perù che per la prima volta ha la possibilità 

di vivere una cultura diversa da quella americana. 

A cavallo tra il 1964 e il 1965 è a Firenze 

per il Junior Year Abroad: è in questo 

periodo che segue il corso di scultura 

dell’Accademia delle Belle Arti. Nel 1966 

consegue il Bachelor of Art con indirizzo 

scultura all’American University di Washington 

e nella stessa città riceve l’incarico 

di insegnamento alla Alice Deal Junior 

High School. Nel 1969 lascia l’insegnamento 

e si trasferisce a Firenze. Nel 1972 rientra 

negli Stati Uniti ed espone le sue opere a 

Washington alla Watergate Gallery fino al 

1975. Dal 1973 al 1975 si trasferisce col marito 

e le due figlie in Calabria, dove esegue 

anche alcuni ritratti. Nel 1975 rientra a Firenze 

alternando al soggiorno fiorentino 

viaggi in Italia, Stati Uniti ed altri paesi. Con 

l’opera Double Dutch (il primo lavoro in 

bronzo, venduto alla poetessa Nikki Giovanni) 

le viene dedicata la copertina del 

volume commemorativo del venticinquesimo 

anniversario dell’attività del James 

Weldon Johnson Housing Development di 

New York. Nel 1977 tiene la sua prima mostra 

personale alla Galleria Davanzati di Firenze. 

L’anno seguente sottoscrive un contratto 

con la Zenith Gallery di Washington. 

Dal 1977 le sue opere vengono esposte in 

molti paesi e diventano proprietà di moltissimi 

collezionisti privati e di istituzioni pubbliche. 

Nel 1986 a Palmi, in provincia di 

Waiting, 1998, bronzo, h. cm. 43,5 

Reggio Calabria, viene inaugurato il monumento 

a San Francesco posto in una piazza 

dominante lo Stretto di Messina. Il tema 

principale delle sue opere è la figura umana 

nelle sue molteplici espressioni. Di lei hanno 

scritto: Pietro Aloise, Dario Bellezza, 

Giuseppe Blefari, Giancarlo Brilli, Antonio 

Carannante, Franco di Carlo, Marco Fagioli, 

Marzia Galardini, Nikki Giovanni, Dante 

Maffia, Lara Maffia, Carlo Mannocci, Gennaro 

Mercogliano, Carmelo Mezzasalma, Eugenio 

Nastasi, Gabriella Nocentini, Gaetana 

Pace, Dino Pasquali, Gino Rago, Gianpaolo 

Rugarli, Giuseppe Saffioti, Paolo Sfogli, 

Pino Trebisacce. 

Località San Michele - 50064 Incisa Valdarno (FI) - Tel. 055 8330133 - Cell. 340 3767469 

susan.loeb.luppino@gmail.com - www.susanluppino.com 

88

RICCARDO MACINAI 


Nato a Firenze, si occupa di 

fotografia e pittura fin dai 

primi anni Ottanta. Il ritratto 

è il genere che più lo appassiona, 

tanto da averlo approfondito e 

declinato in vari modi. I suoi lavori 

nascono sempre da uno scatto fotografico 

che può rimanere tale 

oppure intraprendere un percorso 

più complesso che, attraverso la 

pittura e la manipolazione digitale, 

porta alla realizzazione di opere 

con caratteristiche del tutto peculiari. 

Ha esposto a Firenze 

(Palazzo Giugni, Reali Poste della 

Galleria degli Uffizi, Museo 

Archeologico, Villa Pozzolini, Ex 

Chiesa San Carlo dei Barnabiti, 

Fortezza da Basso, Studio Rosai, 

Simultanea Spazi d’Arte, Hotel 

Cellai), Prato e Lucca sia in personale 

che in collettiva, ed è inserito 

nelle pubblicazioni Art in Italy n° 

35 (2012, Adriano Parise Editore) 

e BAU Contenitore di Cultura 

Contemporanea (10° edizione 

2013). Nel 2015 è stato premiato 

nell’ambito del 49° Premio Nazionale 

di Pittura Città di Lastra per 

l’opera Notturno n° 23. 

Notturno n¯ 21 (no 13), 2013, olio su tela, cm. 50x50 

Una luce notturna illumina le figure femminili di Riccardo 

Macinai, proiettandole in una dimensione diafana, 

impalpabile, dalla temporalità indistinta. I loro 

volti sono scenari di una sfida che si spinge oltre la 

tradizionale categoria del ritratto per catturare l’essenza 

di un’espressione, la qualità espressiva di un 

dettaglio fisionomico. Un atteggiamento analitico 

che esalta la capacità metaforica del volto umano, 

mutandolo in un segmento narrativo a metà tra rappresentazione 

e rispecchiamento, riflesso identitario 

e percorso di autoconoscenza. 


Cell. 347 9363795 - riccardomacinai@gmail.com 

www.premioceleste.it/riccardo.macinai - Fb: EXIT 

89


BEATA MAKOWSKA 

Uniti da una linea, 2012, inchiostro, cm. 31x37 

Laureata in Architettura al Politecnico 

di Cracovia (Polonia), dal 1989 lavora 

presso il dipartimento di Disegno, Pittura 

e Scultura della stessa università. Nel 

2003 ha conseguito un dottorato in ambito 

scientifico. Ha collaborato alla realizzazione 

di diversi progetti di architettura e d interior 

design. La sua produzione artistica 

comprende disegno, pittura e fotografia. 

Ha esposto in tre mostre personali a Cracovia, 

quaranta collettive (XIX, XX, XXI e XXII 

Esposizione Internazionale Associazione 

Architetti Artisti, Verona, Catania e Venezia; 

76º e 78º Salon Ligne et Couleur, Parigi; 

24ª and 25ª Annual Exhibition of The Scottish 

Society of Architect Artists, Ayr e Glasgow) 

ed è stata premiata in diversi concorsi. 

Ha pubblicato due monografie e 

settantadue articoli in riviste scientifiche e 

atti di convegni. 

bemako@wp.pl 

90

SLOBODANKA MALOVIC 


Nata ad Han Pijesak in Bosnia Erzegovina 

nel 1963, si è trasferita in 

Italia per lavoro. Pur non avendo 

compiuto studi artistici, ha sempre nutrito 

una profonda passione per la pittura e 

per tutto ciò che richiede creatività manuale. 

Ha iniziato a dipingere quasi per 

gioco, cimentandosi nella riproduzione 

di un quadro famoso: da allora di tele e 

colori ne ha consumate molte. La sua pittura 

spazia dalla copia d’autore alla rappresentazione 

di soggetti di sua invenzione. 

Ha esposto soprattutto in Toscana 

e nella sua terra d’origine. Alcune sue 

opere si trovano in collezioni private. 

Come ho detto in precedenza il mio approccio 

alla pittura è stato puramente 

casuale. Poi, come di solito succede, ti 

innamori di quest’arte che vorresti abbracciare 

in ogni sua parte e dunque anche 

l’espressione risente di questa condizione 

d’animo. Infatti, la mia prima 

parte di attività è stata quella della copia 

di quadri famosi (Dama con ermellino, 

Madonna della Seggiola, Arcimboldo, 

etc). In seguito ho sviluppato una poetica 

pittorica sempre rivolta al “classico” 

nei suoi vari soggetti (paesaggi, ritratti, 

nature morte, etc.), cercando di dare 

un’interpretazione attinente alla realtà 

per tradurre sulla tela quello che l’occhio 

vede realmente e non quello che la mente 

può elaborare con fantasia e con ragionamenti 

talvolta contorti o che voglio 

portare al di fuori di questo mio 

modo di vedere. La mia è una costante 

Madonna del Ciclista, 2011, olio su tela 

ricerca del “bello”, della precisione e del particolare 

che possano dare a chi vede l’opera una 

lettura del mio stato d’animo, del mio sentimento, 

dell’amore per tutto quanto è positivo 

e generoso verso gli altri; insomma un canone 

che potremmo definire “classico” in senso originale 

del termine. La tecnica che prediligo è 

l’olio su tela, anche se di recente ho iniziato ad 

usare colori acrilici su vari materiali. 

Slobodanka Malovic 

Via della Vetreria, 59 - Figline Valdarno (FI) 

Tel. 055 952387 - Cell. 347 3469352 - slobodanka.malovic@gmail.com 

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LUCIANO MANARA 

Ciao...Via col vento, 2015, polimaterico su alluminio, cm. 220x170 

Fiorino d’oro nel 1998, ha esposto in 

Italia (Firenze, Fiesole, Milano, Bologna, 

Verona, Faenza) e all’estero (Dubai, 

Ucraina, Los Angeles), riscuotendo 

sempre ampi consensi. Nel mese di giugno 

2015 è stato insignito del Collare Laurenziano 

assegnatogli dall’Accademia Internazionale 

Medicea durante la cerimonia tenutasi 

a Firenze in Palazzo Vecchio nel monumentale 

Salone dei Cinquecento. 

C’era una volta, e c’è sempre in Toscana, terra 

magica di poeti e personaggi, un paesino 

piccino picciò, dove un’azienda industriale 

progettò e pensò dei piccoli motorini. Erano 

gli anni Settanta/Ottanta, frenetici, allegri, 

fatti di battaglie con le cerbottane, di rincorse 

con la bicicletta, album con le figurine dei 

calciatori e giochi con i tappini intorno ai 

monumenti che severamente ti scrutavano 

con l’aria impietrita, pensando di essere statue 

importanti, mentre quelle antiche benevolmente 

accettavano i giochi, avendo dalla 

loro l’esperienza dell’eta... Quei tempi correvano 

ma con sufficiente lentezza, e si godeva 

dei minuti... Or bene, in quella cittadina 

chiamata Pontedera avvenne un miracolo: 

dal pensiero di un ingegnere nacque un 

motorino tipo bicicletta di nome Ciao…Geniale 

il nome e geniale il manufatto! Ebbe un 

tale successo che quella località passò alla 

ribalta in tutta Europa portando benessere 

e profitto alle famiglie del luogo, che presto 

si trasformò in un importante centro produttivo. 

Da questo prodotto dell’industria 

ha avuto origine la mia idea di realizzare 

un’opera che esprima in arte la forza innovativa 

di questa invenzione e la capacità tutta 

italiana di creare opportunità, gusto, stile, 

senso delle cose e manodopera…Il tutto in 

un’installazione che le racchiuda. Io non mi 

sento così capace, ma ci provo e penso di 

esserci riuscito. Le mani nello sfondo rappresentano 

il Talento creativo italiano, il motorino 

smontato e colorato la nostra Fantasia, 

il motore è il Cuore del movimento e, 

trattandosi del cuore, non può che essere 

del colore dell’oro… 

Luciano Manara 

Manara Design: Via di Novoli, 62/G - 50127 Firenze 

Tel. +39 055 435003 - info@manaradesign.it - www.manaradesign.it 

92

WILMA MANGANI 


Nata a Castiglion Fiorentino (AR) è 

sempre rimasta legata alla sua Toscana 

trasferendosi a Firenze dove 

ha frequentato il liceo artistico. Nel 1954 

ha iniziato una brillante e prestigiosa attività 

espositiva che l’ha vista primeggiare 

accanto a nomi eccellenti come Giorgio De 

Chirico, Burri al Palazzo dei Priori a Perugia, 

al Palazzo Signorelli di Cortona vicino 

a Gino Severini nel 1957 e a Prato all’Aci nel 

1972. Ha diretto per più di dieci anni la Galleria 

Arteuropa, avendo cosi l’occasione di 

conoscere personalmente i massimi esponenti 

della pittura contemporanea ed 

esporre ogni anno con un’importante personale. 

Nel 1973 stipula un contratto in 

esclusiva con la galleria fiorentina Pallavicini 

che nel 1974 organizza una mostra 

personale di grande rilievo, seguita da altre 

esposizioni sia personali che collettive. 

Nel 1984 inizia un periodo di riflessione e 

di ricerca materica e cromatica molto intimistico 

e solitario, pur continuando ad 

esporre in importanti collettive su invito 

vilma.mangani@gmail.com 

93


WILMA MANGANI 

dove ha potuto dimostrare la sua espressività 

libera nel gesto e nell’uso del colore, 

frutto di una straordinaria energia vitale 

che riflette un intenso dialogo con la natura 

e un universo interiore ricco e profondo. 

Il percorso professionale e creativo di Wilma 

Mangani si snoda attraverso molteplici 

esperienze dense di appassionato lavoro 

di ricerca pittorica e tecnica, di proficui incontri 

con i maggiori maestri dell’arte contemporanea 

e di innumerevoli attestati di 

apprezzamento. 

Gabriella Gentilini 

94

LUIGI MARCHETTINI 


Senza titolo, 2010, legno, h cm. 44 

Nato a Castiglion del Lago (PG) nel 

1934, da molti anni risiede a Prato. 

Già da ragazzo si cimentava nella lavorazione 

di materiali tradizionalmente 

scultorei, come la pietra, il marmo, il legno e 

il cotto. Avvicinatosi alla scultura per diletto, 

ha poi approfondito la conoscenza di 

questo linguaggio artistico studiando i 

grandi esempi della scultura antica. Dall’originale 

forma della pietra, del legno o del 

cotto, Marchettini decide il risultato della 

scultura; ne derivano forme inaspettate, 

dense di un proprio significato. 

“I volti accarezzati di Luigi Marchettini” 

Più che decisamente incise sembrano “accarezzate” 

le sculture in legno, cotto, marmo 

e pietra di Luigi Marchettini. E’ la prima 

impressione che ti danno. Ordinatamente 

allineate su un tavolo, tutte rigorosamente 

figure e volti, ora attonite, ora sorprese. 

Non c’è in esse un grido di protesta qualsiasi 

bensì un senso di distensione quasi l’artista 

vi trasmettesse il suo modo di essere, 

la propria interiorità. 

Marchettini, classe 1934, aveva cominciato 

a lavorare con pezzi di mattone gettati via, 

con il desiderio di dare loro una forma che 

Cell. 338 4195118 

luigi.marchettini@libero.it 

95


LUIGI MARCHETTINI 

Senza titolo, 2012, legno, h cm. 29 

soddisfacesse la sua voglia creativa che era 

latente e che ora è esplosa in manufatti realizzati 

con vari materiali (marmo, cotto, pietra 

e legno appunto). Manufatti in mostra 

nelle sale del Dopolavoro Ferroviario di 

Prato, dopo essere state oggetto di attenzioni 

a Firenze presso Villa Vogel, a Grosseto 

presso il Bagno Moreno, a Scandicci 

presso la Scuola Nazionale cani-guida per 

ciechi, ecc... 

Marchettini, dunque, profeta in patria con 

una mostra con la quale si è presentato ufficialmente 

alla sua città. Con un panorama 

di lavori alcuni dei quali ci rimandano a visioni 

modiglianesche o africane, ma che comunque 

vibrano di una contenuta espressività 

che poi va a esemplificarsi negli 

sguardi, negli atteggiamenti quasi di sorpresa 

dei suoi personaggi che riflettono un 

modo sereno di concepire la vita, che poi 

deve essere quello dell’artista. 

E in questa operazione Marchettini ci mette 

tutta la sua attenzione per cui le opere si 

presentano anche nella loro autenticità ben 

levigate nei contorni dai quali “escono” i 

volti, i lineamenti e le posture del personaggio 

e le sue pulsioni emotive. 

Punto di arrivo? Se glielo chiedi risponde in 

modo vago. Ma chi può mettere un freno 

alla creatività? E lui continua a levigare e 

scolpire per soddisfare la sua passione della 

vita. 

Franco Riccomini 

96

ARNALDO MARINI 


De reditu (Il ritorno), 2011, olio su cartone telato, cm. 24x30 

Nell’autunno del 417 d.c. Claudio Rutilio 

Namaziano intraprende un lungo 

viaggio di ritorno, da Roma alla sua 

terra di Gallia, ora devastata dalle grandi invasioni 

barbariche: paese che aveva lasciato 

in tenera età per stabilirsi infine a Roma 

dove, al termine di una brillante carriera, ne 

era divenuto prefetto. Il viaggio, prende le 

mosse nel più cupo periodo in cui la grande 

civiltà di Roma è sconvolta ogni dove da incursioni 

e devastazioni di popoli ostili che 

lasciano al loro passaggio morte e rovine. 

Del viaggio namaziano ci lascia memoria in 

un poemetto, “de reditu suo”, diario in versi 

pervenutoci incompleto e pur tuttavia vivo 

e lucido. Si svolge per mare, per evitare i 

rischi di un percorso via terra; dal Portus di 

Roma, lungo la costa tirrenica a piccole 

tappe, toccando isole e promontori, paludi 

e spiagge, ville e villaggi, fino a perdersi oltre 

Pisa e la foce dell’Arno, verso la terra 

gallica che il diario, interrompendosi, non ci 

descriverà. E dal diario affiorano da un lontano 

passato intensi tratti di paesaggi e di 

incontri, di immagini e di riflessioni solcate 

da una sottile profonda tristezza e rimpianto 

per tutto ciò che era e per ciò che di esso 

rimane e viene man mano lasciato alle spalle: 

tracce di una memoria lucida e appassionata, 

rassegnata agli eventi che prevalgono 

e segnano inderogabilmente il destino. Ho 

colto un senso di assoluta attualità del per- 

Via del Pellegrino, 30 - 50139 Firenze 

arnaldo.marini@gmail.com 

97


ARNALDO MARINI 

Oppida posse mori (Le città possono morire), 2013, olio su tela, cm. 35x50 

corso poetico di namaziano: credo che nella 

memoria di ognuno ci sia una veduta, una 

storia, un’immagine, impressione, sensazione, 

un paesaggio che, pur lasciato alle spalle, 

pervicacemente sopravvive nel silenzio 

in un angolo nascosto e, latente, si riaccende 

poi in taluni momenti con forme, luci, 

colori vivi o sbiaditi ma sempre inconfondibili. 

Ho proposto qualcuna di queste immagini 

nelle loro forme essenziali, per come il 

ricordo ora lucido, ora tenue, ora sensibile 

le ha conservate. 

Arnaldo Marini 

I brani trascritti sottotitolo e la traduzione sono tratti da: 

Rutilio Namaziano “Il ritorno”, 

a cura di Alessandro Fo - Einaudi 1992 

Arnaldo Marini è nato a Firenze nel 1952: 

qui vive e lavora. Si è laureto in Architettura 

presso l’ateneo fiorentino. 

Ha esposto in mostre collettive e personali: 

l’ultima presso La Bottega del Presepe, 

atelier d’arte in Firenze, con la personale 

“Prospectus erat”. 

Le sue opere figurano in diverse collezioni 

private. Lavora con tecniche grafiche, olio 

su tela, tempera su parete. 

98

STEFANO MARRUCCI 


Sulla tomba della Madre, olio su tela, cm. 50x50 

Nato ad Arezzo nel 1943, vive ed opera 

a Limite sull’Arno (FI). Ha iniziato 

l’attività pittorica seguendo la corrente 

surrealista per poi approdare, negli 

anni Settanta, ad una forma di realismo 

prossima al movimento fotorealista americano. 

I soggetti dei suoi dipinti non seguono 

un clichè, ma sono colti laddove cade lo 

sguardo e “bloccati” dalla macchina fotografica 

dell’artista. La foto, “filtrata” dal pittore 

e trasferita sul supporto, si avvicina in 

maniera millimetrica al dato reale, mettendone 

in luce gli aspetti che sfuggono all’occhio 

umano. La sua prima mostra personale 

si è tenuta alla Galleria Inquadrature di Firenze 

nel 1969. Ha preso parte alla X Quadriennale 

di Roma “La Nuova Generazione” 

(1975). Ha tenuto mostre personali e collettive, 

ricevendo premi e riconoscimenti, tra 

cui: Medaglia d’Oro del Comune di Firenze 

per dieci disegni sulla Divina Commedia, 

1965; 1° classificato 4MACCP “Citta di Pitigliano” 

(GR), 2011; 1° classificato “Fiorino 

d’Oro”, sezione pittura, XXX Premio Firenze, 

2012; 3° classificato ex-aequo, XXXII 

Premio Firenze, 2014. 

P.zza VIII Marzo 1944, 5 - 50050 Limite sull’Arno (FI) 

Tel. 0571 57061 - Cell. 331 8942166 - stefano.marrucci@libero.it 

99


GABRIELLA MARTINO 

Gabriella Martino, vive e lavora a Firenze. 

La sua tesi di laurea in Critica 

Letteraria, conseguita all’Università 

di Firenze con la votazione di 110 e lode, ha 

riscosso notevoli consensi. Professore, 

scrittrice, pittrice, poeta, saggista, giornalista, 

è pluriaccademica e Cavaliere dell’Arte. 

Ha collaborato ad iniziative editoriali e culturali; 

è tra i Soci Fondatori e membro attivo 

del Gruppo di servizio per la Letteratura 

Giovanile e socia di diversi sodalizi, circoli 

artistici e culturali. Pittrice affermata, le sue 

opere sono presenti in raccolte pubbliche e 

private in Italia e all’estero. Ha conseguito 

numerosi primi premi sia per la pittura che 

per la prosa e la poesia, ultimo in ordine di 

tempo il Premio Lorenzo il Magnifico con 

un dipinto olio su tela esposto su invito e 

selezionato alla Biennale Internazionale 

dell’Arte Contemporanea alla Fortezza da 

Basso di Firenze. L’artista è presente in numerosi 

cataloghi nazionali e internazionali, 

tra cui: CAM; Arte Mondadori; Arte+Sur ’98; 

New Art 2000, guida al Collezionismo; Accadde 

in Toscana 3; Arte Padova 2002; Antologia 

ANPAI; Annuario Toscano dell’Arte 

2002; Dizionario Enciclopedico Internazionale 

d’Arte Contemporanea 2000-2001; 

Annuario d’Arte Moderna “Artisti Contemporanei”; 

International Artexpo New York 

2002; Accolta di Eletti dell’Accademia Tiberina; 

Biennale a confronto, Venezia 2011. 

Su You Tube è presente con un omaggio a 

lei dedicato da titolo Viaggio tra le opere di 

Gabriella Martino. Hanno scritto di lei numerose 

riviste d’arte e quotidiani. 

La Martino sembra porsi, proprio sul discrimine 

tra formale e informale, dentro processi 

di trasfigurazione, di metamorfosi, di 

“transmorfosi” anche senza recedere all’oggetto 

esplicito, all’icona (...) o all’esigenza di 

Cortine di guerra, s.d., polimaterico su cartone, 

cm. 44x60 

“comporre” pannelli polimaterici. Si tratta di 

contagi e di contaminazioni che intendono 

esaltare la vita come costante laboratorio, 

crogiolo in cui le diversità si fondono, si 

amalgamano, piano piano si confondono in 

diversità e in novità d’essere, di pensiero, di 

voce, di colore, di materia, d’emozione (…) 

l’artista non ha slittamenti nel surreale o abbandoni 

onirici, guarda direttamente dentro 

di sé, con rotonda coscienza, piena consapevolezza, 

con la mentalità del viaggio di 

scoperta, con la prensilità dell’osservatore 

clinico, esercitato e paziente, che insegue la 

‘fioritura del sé’, scandaglia il sapere, conducendo 

“incerti passi in ogni dove” per 

dare senso all’esistenza come “frutto maturo/raggiunto/al 

termine/di estenuanti/lunghi 

viaggi per città/continenti…/Nella mia 

domus/dialogo con geometrie/essenziali di 

spazio/scansioni cromatiche/di quadri. 

Giorgio Segato 

V.le della Toscana 17 - 50127 Firenze 

Tel. 055 4222807 - gabimar@alice.it 

100

VITTORIA MARZIARI 


Nata a Monte San Savino (Arezzo), si 

diploma a Siena all’Istituto d’Arte. 

Insegnante di disegno e storia 

dell’arte si dedica anche all’arte pittorica, 

scultorea e ceramica. Negli anni Ottanta si 

afferma come uno dei rakuisti più originali 

del Paese. 

Affronta poi le fusioni in bronzo dove l’eleganza 

e la leggerezza vengono esaltate in 

forme lineari e astratte che tendono verso 

l’alto, a cercare spiragli di luce sensibile nello 

spazio che sente ed esplora come sorgente 

inesauribile di espressione, ricerca ed 

elevazione. Ha esposto in musei, ambasciate, 

consolati, istituti italiani di cultura negli 

Stati Uniti e in quasi tutte le capitali europee, 

compresa Tallin, nel 2011, allora capitale 

europea della cultura, dove l’artista ha 

rappresentato l’Italia con una sua personale 

nella sede dell’Unione Europea. 

La sua scultura è stata definita filosofica. 

Tra le opere pubbliche: il Masgalano 2000 

per il Palio Straordinario di Siena, l’Ambone 

per la chiesa di Sant’Andrea (Siena), il Crocifisso 

per la chiesa di San Marco (Arezzo), 

la pittura del Drappellone per il Palio di 

Massa Marittima. Le sue sculture sono presenti 

in Città del Vaticano, al museo della 

Volkswagen a Wolfsburg, alla Fondazione 

Monumental di Bruxelles, al Palazzo del Festival 

Internazionale del Cinema di Hong 

Kong, a Paso de los Libres in Argentina. 

Legami spezzati, bronzo, h. cm. 20 

Fra i vari riconoscimenti e i premi vinti, questi 

alcuni: 

Premio Extempore 2001 Pirano (Slovenia) 

Premio Arte Koksijde 2005 (Belgio) 

Premio Italia 2006 Firenze 

Premio Spoleto Festivalarte 2013 Perugia 

Premio d’arte Internazionale Soares 2013 

Milano 

Premio Toscana Arte 2013 Firenze 

Realizzazione del Masgalano 2015. 

Via San Pietro, 24 - Siena - Tel. 0577 271363 - Cell. 348 3627855 

info@vittoriamarziari.it - www.vittoriamarziari.it 

101


NEDA MATHIS 

Armonie, olio su tela, cm. 70x100 

Nasce a Figline Val d’Arno nel 1938. 

Seguendo le sue inclinazioni pittoriche, 

studia prima a Firenze, poi a 

Varese e a Como, dove vive e lavora. La sua 

pittura è il risultato di un delicato e paziente 

processo di velature ad olio. I paesaggi e i 

fiori sono al centro di un recente ciclo pittorico, 

reso con tecniche a spatola e trasparenze, 

sempre alla ricerca di scorci rubati 

alla selvatica grandezza della campagna, 

dei laghi e dei giardini del varesotto, che lei 

racconta con armonia silenziosa fatta di 

luci ed ombre. Il suo stile pittorico è stato 

definito la rappresentazione dell’apparenza, 

attivata dal sentimento della bellezza. 

Numerose le mostre personali e collettive a 

cui ha preso parte con il circolo culturale di 

Varese. 

Tel. 0332 870792 - Cell. 340 6613794 

nada.mathis@hotmail.com 

102


FRANCESCO MEDORI (LA PICCOLA BOTTEGA ONIRICA) 

La crisi non limita la creatività, né le 

idee, né la possibilità di farle circolare. 

Sono state unite due visioni, una naïf 

e l’altra tendente a mostrare le contraddizioni 

prodotte dalla società post-industriale. 

L’intuizione di Francesco Medori ha 

come principale obiettivo la promozione e 

divulgazione di una nuova filosofia d’arredamento 

che possa puntare non solo sulla 

messa in ripristino di oggetti consumati 

dall’usura del tempo, ma anche quella di 

permettere a questi una seconda chance, 

più vitale ed esteticamente valida così da 

poter produrre in chi li osserva la piacevole 

sensazione di un oggetto unico, pensato, 

elaborato e realizzato in maniera esclusiva, 

un vero upcycling. Artista critico e “silenzioso”, 

realizza le proprie opere preoccupandosi 

di imprimere su di esse nuovi significati, 

ricercando con la materia un rapporto 

autentico e scevro da contaminazioni che 

ne possano ridurre l’originalità. La sua è 

un’analisi che si traduce nel rapporto dinamico 

tra il riutilizzo di materiali di scarto e la 

loro trasformazione in organismi plastici. 

Whell, 2014, assemblaggio, cm. 25x57x121 

Corso Giuseppe Mazzini, 22 - Bagnoregio (VT) - Cell. 339 7993279 

france.medori@libero.it - FB: lapiccolabottegaonirica 

103


ANNA MERCATI 

All’ombra della magnolia (particolare), 2008, acquaforte su zinco, cm. 33,5x22 

Nata a Città di Castello (PG), dopo gli 

studi classici si è laureata in Matematica 

presso l’Università di Firenze. 

Per diversi anni ha frequentato la Scuola 

Libera del Nudo e l’atelier dello scultore 

Bruno Bartoccini. Il forte spirito di ricerca 

l’ha portata, tra le altre esperienze, verso lo 

studio dell’incisione e in particolare dell’acquaforte. 

Ha al suo attivo numerose mostre 

personali e rassegne d’arte in Italia e all’estero, 

tra cui: MSC Gallery, Texas University 

e Visual Art B. C. State University, U.S.A; Salon 

d’Automne, Grand Palais, Parigi; Artiste 

Fiorentine a Filadelfia; Sette anni di acquisti 

e doni, Gabinetto Disegni e Stampe, Biblioteca 

Nazionale Centrale, Firenze; 3° Internazionale 

Mini Print Lahiti, Finlandia. È inserita 

nel libro Scultori in Toscana 2015 (Masso 

delle Fate Edizioni). 

Via Giovanni Sercambi, 53 - 50133 Firenze 

Tel. 055 5001103 - annamercati@gmail.com 

104


ANNA MERCATI 

Samuel, 2014, terracotta, h cm. 25x24x15 

Anna Mercati è artista del silenzio. Il mezzo 

scelto, per esprimere il mondo metafisico, 

che fa parte integrante della sua personalità, 

è l’incisione. Le sue nature morte sono 

semplici bottiglie, melograni, foglie di tiglio, 

vasi con fiori bianchi. Apparentemente 

è un semplice repertorio, ma ci si trova dinnanzi 

a una sapienza dello strumento 

dell’acquaforte, il quale ben si sposa con la 

poeticità dei soggetti arcani, melanconici. 

Paolo Levi 

105


MASSIMO MEUCCI 

In viaggio 2, 2013, tecnica mista, cm. 105x190 

Nasce a Campi Bisenzio (FI) nel 1948. 

È tra i ventuno artisti che nel 1995 a 

Piacenza hanno fondato il movimento 

del Transvisionismo, di cui redige, 

insieme agli altri, il manifesto. Coniuga l’interesse 

per la pittura a quello per la musica. 

Inizia la sua attività artistica con opere figurative, 

per poi indirizzarsi verso una pittura 

di carattere astratto che gli permette di trasformare 

il colore in energia e ritmo. 

Studio: Via Buozzi, 152 - Campi Bisenzio (FI) 

Tel. 055 8990357 - Cell. 366 4331001 - www.massimomeucci.it 

106


MASSIMO MEUCCI 

In viaggio, 2012, tecnica mista, cm. 130x175 

107


ELENA MIGLIORINI 

Paesaggio lacustre, 2015, acquerello, cm. 60x42 

Ènata a Lastra a Signa (FI) nel 1950. 

Dopo essersi dedicata per molti anni 

al disegno, sua prima grande passione, 

studia altre tecniche, tra cui l’acquerello, 

sotto la guida di Fiorella Macchioni. Ha 

esposto in collettiva sia in Toscana che in 

altre regioni italiane. Tra le più recenti si ricordano: 

2014, L’Arno e la sua città, Arte in 

San Frediano, Rassegna d’arte contemporanea, 

Circolo Rondinella del Torrino, Firenze; 

2014, Donne nell’universo, Prato, Centro 

Arti Visive e nella stessa sede Pinocchio vestito 

con i tessuti di Prato; ARTPRIZE 2014, 

Biennale di Pittura e Scultura, Novara, selezionata 

tra i finalisti; 2015, Artisti in Simultanea, 

Simultanea Spazi d’Arte, Firenze; 2015, 

I colori della donna, Galleria Art Center Florence, 

Firenze; MaremmArteExpò2015, invitata 

alla mostra internazionale d’Arte Contemporanea 

a Sorano (GR) per una mostra 

personale. Di recente si è classificata quarta 

al II Concorso Nazionale di Pittura “Premio 

SilVer 2015 - Omaggio a Corto Maltese” 

(Empoli). 

Via Rosolino Pilo, 9A - Scandicci (FI) 

Cell. 333 2391473 - elenamiglio@hotmail.it 

108

ALESSANDRA MILESI 


Pensieri, 2014, acrilico su carta, cm. 20x15 

Nata nel 1984 a Portoferraio (Isola 

d’Elba), dal 2003 vive a Siena. Già 

da piccola manifesta le sue tendenze 

artistiche disegnando a matita un intenso 

ritratto del padre. Dopo aver praticato la 

pittura ad olio e l’acquerello ha scelto l’acrilico 

come tecnica per trasformare le proprie 

emozioni in forma e colore. La sua attività 

espositiva è iniziata di recente: due 

collettive a Firenze nel 2015 (Circolo la Rondinella 

del Torrino e Auditorium al Duomo), 

una collettiva a Lastra a Signa e la partecipazione 

ad alcuni concorsi. 

Strada dell’Ascarello, 3 - 53100 Siena - Cell. 345 6117840 

alessandra_milesi@yahoo.it - ladybirdcreations.wordpress.com 

109


MANUELA MOGLIO 

Brezza dorata, 2011, olio su cartone, cm. 60x37 

Attratta dal disegno e dalla pittura fin 

dalla tenera età, ha valorizzato e affinato 

le sue capacità artistiche nel 

corso degli anni. La pittura ad olio è la tecnica 

che più la emoziona: stendere le pennellate 

ad olio é come creare, a piccoli tocchi, 

il proprio capolavoro “modellandolo” 

così come si fa con una scultura. I giochi di 

colore, le sfumature, i passaggi di luce e le 

zone di ombra catturano ogni piccolo particolare 

creando una malia che incanta gli 

occhi ed emoziona l’anima. Contemplare la 

natura le regala intensi momenti di pace e 

di ristoro: ama gli animali, il mare e fare lunghe 

passeggiate che le offrono spunti interessanti 

per i suoi quadri. Riprodurre sulla 

tela le gradazioni di colore che la natura 

crea e sapientemente mescola in maniera 

unica, è una sfida affascinante che più volte 

si è trovata ad affrontare. Il suo motto preferito 

é: “Ben venga l’arte nelle sue svariate 

forme a riscattarci dagli affanni della quotidiana 

vita”. Ha dipinto anche su vetro con 

colori idonei e finto piombo. 

Cell. 333 4266137 

manuelaemail@alice.it 

110

STEFANO MOSTI 


Patchwork informaleastratto n 5, 2015, acrilico su tela, cm. 50x60 

Nato a Firenze nel 1966, si diploma al 

Liceo Classico Michelangelo e si laurea 

in Scienze Biologiche. È autore 

di numerose pubblicazioni a carattere 

scientifico. La passione per l’arte contemporanea 

lo ha spinto ad avvicinarsi alla pittura 

nel 2012. Ha esposto soprattutto a Firenze 

sia in collettiva che in personale. Il 

suo stile, astratto - informale, si fonda sulla 

combinazione di segmenti pittorici diversi 

l’uno dall’altro, che convivono sulla tela 

dando vita a quelli che egli stesso ha definito 

patchworks. Il risultato è una struttura 

compositiva che scompagina le abitudini 

percettive dell’osservatore per stimolare in 

maniera profonda la sua sensibilità. L’applicazione 

di oggetti di plastica sulla tela dipinta 

s’inserisce, invece, nell’ottica di un 

recupero finalizzato a decontestualizzare e 

ricontestualizzare l’oggetto, ponendolo in 

stretto rapporto con l’impianto narrativo 

del quadro. Per quanto si muova sui binari 

di una costante sperimentazione, Mosti non 

rinuncia all’uso dei mezzi pittorici tradizionali, 

che cerca di integrare con nuovi materiali 

e strumenti. 


Via Vannucci, 4 - 50134 Firenze (FI) 

Tel. 055 489800 - Cell. 338 1533956 - stefanomosti@yahoo.it 

111


TOMMASO MUSARRA 

Nato a San Salvatore di Fitalia (ME), 

ha frequentato la Scuola d’Arte per 

la ceramica di Santo Stefano di Camastra 

e l’Istituto d’Arte di Caltagirone. 

Vive e opera a Castiglion Fiorentino (AR). 

Molte sue opere si trovano sia in Italia che 

all’estero oltre ad essere state più volte 

pubblicate su annuari, cataloghi e riviste 

d’arte contemporanea. Dal 2011 le opere di 

Musarra sono esposte in permanenza nel 

suo Centro Espositivo Magazzin’Art a Castiglion 

Fiorentino. 

L’Arte di Tommaso Musarra è complessa e 

matura, plasmata nel disegno e nella scultura. 

Esprime una realtà che va oltre l’apparenza 

fenomenica e ottica delle cose, trascendendo 

in atmosfere più magiche e 

incantate, quasi enigmatiche dal tono leggermente 

surrealista. Musarra si distacca 

totalmente dall’estetica del figurativo e si 

avvicina alla morale e ai valori umani che rispetta 

e sente soprattutto nella scultura. 

S’ispira anche al suo inconscio ritenuto il 

grado più vero e profondo della realtà. Dinanzi 

alla sua produzione ricca e variegata 

di ceramiche e bronzi assistiamo ad un assemblaggio 

di forme, linee sinuose e morbide 

che si uniscono e si confondono tra loro 

per creare l’unicità dell’opera e del valore 

come emozione e sentimento individuale. 

La ricerca di una suggestione magica attraverso 

le stesse forme è la risultante della 

loro consistenza nello spazio armonica e 

romantica. Nell’opera di Tommaso prevale 

un senso semplice e bello, di umano derivato 

da quell’aggregazione di individui, di nuclei 

familiari, scolpiti nella ceramica e nel 

bronzo. 

Isabella Convertino 

Naufraghi, 2009, bronzo, cera persa, h. cm. 50x18x18 

112

JACOPO NOCENTINI 


Passato, presente e futuro di me stesso, acquerello, cm. 10x11 

Ènato nel 1988. Diplomato all’Istituto 

d’Arte di Firenze nella sezione Arti 

Grafiche (2007) e alla Scuola Internazionale 

di Comics (2010), si avvicina alla 

pittura frequentando lo studio del maestro 

e amico Carlo Ciucchi (Picchio). Iscritto 

all’associazione Dalle Terre di Giotto e 

dell’Angelico, ha esposto in varie collettive, 

tra cui l’ultima edizione della mostra Pontevecchio 

a Dicomano, che l’ha visto riscuotere 

diversi consensi. Presentato da Carlo 

Ciucchi, è diventato “Paiolante” nell’Antica 

Compagnia del Paiolo di Firenze. È stato 

anche inserito nel libro Artisti della Valdisieve 

e del Valdarno Superiore (Masso delle 

Fate Edizioni). 

Via Montebello, 14 - 50060 Londa (FI) 

Cell. 340 0709987 - jacopo.nocentini@alice.it 

113


OBIETTIVOFOTOGRAFIA.IT 

Angoli di storia di obiettivofotografia.it 

Obiettivofotografia.it è un sito fotografico 

nato nel 2011 che raccoglie 

70 autori e 9627 fotografie. In 

quest’occasione presentiamo tre dei nostri 

autori: Claudio Tamburini, che ha realizzato 

la scalinata dell’Ospedale San Giovanni di 

Dio a Firenze, Stefano Sansavini, con la sua 

foto raffigurante il Bargello, e Roberto Petri, 

con la Biblioteca Nazionale Fiorentina. 

Questi scatti fanno parte della mostra fotografica 

intitolata “Angoli di Storia”, che racchiude 

scatti fotografici dove siano accaduti 

particolari eventi storici, aneddoti e 

curiosità nelle nostre città italiane. 

Chi fosse interessato a diventare un autore 

di Obiettivofotografia può contattare: 

info@obiettivofotografia.it 

www.obiettivofotografia.it 

info@obiettivofotografia.it 

114

MARGHERITA OGGIANA 


Nei porti dell’anima 

Nei porti dell’anima 

approdano barche 

colme di sentimenti. 

Vascelli ormeggiano 

carichi di fantasmi 

orrendi, malefici. 

Negli approdi la lotta 

è continua, la luce 

e l’ombra si alternano. 

E l’anima, confusa, 

si perde o sublima. 

Gavino Oggiana 

Nei porti dell’anima, dedicato a mio padre, 2014, olio su tela, cm. 60x90 

Abitazione e studio: via Filippo Pacini, 37 - Pistoia - marghe.oggiana@gmail.com 

Cell. 347 2963091 - www.gadarte.it - Facebook: Margherita Oggiana 

115


NIKOLA OJDANIC 

Escape, 2015, acrilico, tecnica mista, cm. 50x70 

Nato a Belgrado (1973), dove si è laureato 

in Arti Applicate, è pittore, illustratore 

e designer freelance. Le sue 

illustrazioni sono state pubblicate sul noto 

quotidiano serbo Politika e su altre riviste 

(1995 - 1997 e 2008 - 2010). La pittura è la 

sua principale area di interesse: olio su tela, 

acrilico, tecnica mista ed elaborazioni digitali. 

Tra i soggetti più ricorrenti, la figura 

umana lo affascina particolarmente, sia da 

un punto di vista formale che espressivo. È 

attraverso l’identità dell’individuo che l’artista 

serbo cerca di raccontare il disagio esistenziale 

della società attuale. Altri soggetti 

che ritornano nei suoi dipinti sono i cani, i 

cavalli e la città come luogo del disagio e 

delle tensioni che attraversano il nostro 

tempo. Vive e lavora a Belgrado. Ha esposto 

sia in Serbia che all’estero. 

Krunska, 8/2 - 11000 Belgrade (Serbia) - triptih@eunet.rs - http://www.nikolaojdanic.eu.pn/ 

https://www.facebook.com/nikolaojd - https://www.pinterest.com/triptih/ 

116

DARIA ORLANDINI 


Nutriamo il pianeta con amore II, 2013, fotografia digitale, cm. 40x26,5 

Nata a Firenze nel 1973 da padre italiano 

e madre croata, dopo gli studi 

scientifici si è laureata in Medicina e 

Chirurgia, specializzata in Pediatria e attualmente 

lavora come Dirigente Medico 

presso il Nuovo Ospedale del Mugello. L’approccio 

alla fotografia è recente, casuale e 

fortuito; come casuale e fortuito è stato l’incontro 

con l’ambiente teatrale fiorentino, 

nel quale si scopre affascinata dall’osservare 

attraverso per osservare il dentro e l’oltre. 

Autodidatta, tutt’altro che professionista 

della tecnica, alla perfezione della foto 

preferisce la soggettività emotiva ritratta, 

da trasmettere in chi guarda. Per questo 

sceglie prevalentemente il bianco e nero 

per le sue foto perché, come dice Ted Grant, 

“Fare foto a colori significa fotografare gli 

abiti, farle in bianco e nero significa fotografare 

l’anima”. Ha ricevuto numerose segnalazioni 

su siti fotografici e in gruppi interazionali 

di fotografia artistica. Dal marzo 

2014 invitata dall’associazione culturale 

Gruppo Donatello di Firenze, uno dei più 

vecchi sodalizi artistici fiorentini, inizia a 

partecipare a numerose iniziative, sia collettive 

sia personali, del gruppo stesso. Dal 

2015 è socio effettivo del Gruppo Donatello. 

Cell. 345 9071943 - dariaorlandini@virgilio.it 

Pagina Fb: Daria Orlandini 

117


DARIA ORLANDINI 

Nutriamo il pianeta con amore I, 2014, fotografia digitale, cm. 40x26,5 

Le atmosfere delle foto di Daria sono assai 

coinvolgenti; colpisce la capacità dell’artista 

nel cogliere le persone ritratte in posture 

ed espressioni a cui è impossibile porsi 

con indifferenza, ma che al contrario “tirano 

dentro” alla fotografia. Questo a tal punto 

che anche le foto in cui non compaiono 

persone, la presenza umana viene ugualmente 

percepita. 

Roberto Della Lena 

Daria Orlandini affida la sua visione della 

fotografia ad un pensiero di Daniel Pennac: 

Ho fatto delle foto. Ho fotografato invece di 

parlare. Ho fotografato per non dimenticare. 

Per non smettere di guardare... 

118

ANDREA ORTUÑO 


Nato a Firenze nel 1963, si è diplomato 

nel 1998 all’Accademia 

di Belle Arti di Firenze in 

discipline pittoriche. Dopo il diploma 

si trasferisce a Barcellona per confrontarsi 

con un panorama artistico 

internazionale e proseguire la sua 

esperienza nella pittura astratta. Nel 

1993 rientra in Italia e si riavvicina alla 

pittura figurativa. Lavora ad opere di 

grandi dimensioni il cui soggetto 

principale è la figura umana rappresentata 

attraverso il nudo di schiena. 

Anche nel soggetto delle nature morte 

trasporta il senso di sospesa incertezza 

che anima i nudi: inizia il ciclo 

dei Quartetti, composizioni di mele o 

limoni non più pensate come natura 

morta, ma come forma e colore che 

trascendono dall’immagine reale. 

Passa lunghi anni, come dirà il critico 

Mario Bucci, a creare il suo stile prima 

di sottoporsi al giudizio del pubblico. 

Nel 1995 espone alla Galleria Cimabue 

e, nello stesso anno, apre una 

scuola di pittura nel suo studio. Nel 

1998 pubblica il catalogo Opere recensito 

da Bucci e inizia a collaborare 

con la Galleria Arte Mia di Roberto 

Masi a Firenze. Nello stesso anno partecipa 

a numerose esposizioni, tra cui 

l’Expo di Roma del 1998, e, a partire 

dal 2000, presenta i suoi lavori all’estero: 

Art Expo International, San 

Francisco U.S.A (2000); Art Expo International, 

New York (2001); Art Basel, 

Miami, Florida, U.S.A (2002). Nel 

2004 fonda la scuola di pittura Studio 

San Lorenzo e nel 2007 espone al Pa- 

Autoritratto, 2014, spatola, olio su tela, cm. 45x60 

lagio di Parte Guelfa con il patrocinio del Comune 

di Firenze. Dal 2013 si dedica nuovamente al ritrattato, 

concepito sempre meno come strumento 

di rappresentazione del soggetto, ma come 

mezzo per sondare l’animo umano. Nasce cosi la 

serie intitolata Le Anime del Mondo, che raccoglie 

i ritratti di persone incontrate nel suo studio o nel 

corso dei suoi viaggi. Nel 2014 inaugura l’esposizione 

personale di ritratti Le Anime del Mondo 

alla galleria del Gruppo Donatello a Firenze. Nel 

2015 è stato selezionato a partecipare con due 

ritratti alla Biennale di Roma. 

Studio: Via Panicale, 9 int. 142 - 50123 Firenze - Cell. 339 3972201 - andrea.ortuno@gmail.com 

www.andrea-ortuno.com - www.premioceleste.it/artista-ita/idu:74351/ 

119


ELENI OUREILIDOU 

Mapping the ridge, 2014, tecnica mista, cm. 50x50 

È 

nata ad Alexandroupolis (Grecia) nel 

1988. Laureata in Architettura all’Università 

Aristotele di Salonicco con 

lode e pubblicazione della tesi, attualmente 

si sta specializzando in Architettura del 

Paesaggio. Collabora con l’università con 

l’incarico di assistente e lavora come libera 

professionista. Ha esposto in Grecia, Germania 

e Ungheria. Relatrice in diversi convegni 

internazionali (Russia, Germania, 

Norvegia, Svezia), è impegnata al momento 

nel progetto Città come risorsa, finalizzato 

ad introdurre il concetto di orti comunitari 

a Salonicco. 

Ap. Pavlou, 26 - 54634 Salonicco (Grecia) 

Tel. 0030 697 80 70 472 - eloureil@gmail.com 

120


MARIA ANTONIETTA PACIFICO 

Il seminatore, olio su tela, cm. 50x50 

Vive a Larciano (PT). Diplomata all’Istituto 

Professionale Matteo Civitali 

di Lucca in Storia dell’Arte e del Costume, 

lavora nel settore della moda. La sua 

attività artistica è iniziata dopo aver frequentato 

il corso di pittura ad olio del maestro 

Antonio Biancalani. 

Abitazione e studio: via Gramsci, 1194 - Larciano (PT) 

Cell. 328 7692706 

121


SONIA PALADINI 

Sconfitta, acrilico su tavola, cm. 65x50 

Nata a Firenze nel 1971, coltiva la passione 

per la pittura sin dall’infanzia. 

Ha frequentato la Scuola Leonardo 

dove ha sperimentato l’acquerello e l’incisione, 

trovando nella materialità del colore 

ad olio la tecnica che più di altre le consente 

di esprimere liberamente le sue emozioni. 

Il modo istintivo e liberatorio con cui dipinge 

la distingue in maniera evidente dagli 

altri artisti. Non esistono disegni preparatori, 

non esistono progetti, tutto è segnato 

dallo stato d’animo, la fantasia dell ‘artista e 

soprattutto dall’inconscio. Al suo attivo ha 

quattro mostre personali nella città di Prato 

e diverse collettive sul territorio toscano. 

Nel 2015 ha esposto alle Giubbe Rosse 

di Firenze con la personale dal titolo “Percorsi”. 

soniapaladini24@gmail.com 

122

ALAN PASCUZZI 


Borsista Fulbright a Firenze, ha 

conseguito il dottorato all’università 

di Washington a St. Louis 

(Missouri, USA) con specializazzione in 

arte greca e romana e in arte rinascimentale. 

A Firenze ha lavorato come docente 

di Belle Arti e Storia dell’Arte rinascimentale. 

Le sue opere - dipinti, 

affreschi, sculture - sono inserite in diverse 

collezioni permanenti in Italia e 

all’estero. Profondo conoscitore del Rinascimento 

fiorentino, è stato intervistato 

a questo riguardo dalla BBC, Sky e 

dalla locale Toscana TV. 

Male figure, bronzo con base di marmo verde, h. cm. 35 

Cell. 347 8319324 

www.alanpascuzzi.com 

123


STEFANIA PELLEGRINI 

Pittrice aretina, espone dagli 

anni Ottanta su tutto il territorio 

nazionale. Tra le mostre 

personali si segnalano: 1995, Auditorium 

Comunale, Montevarchi; 2007, 

Atelier Canard, Bucine; 2008, L’anima 

delle donne, La Bartolea, Montevarchi. 

Numerose anche le mostre 

collettive, che l’hanno vista presente 

sia in Toscana (Certaldo, Laterina, 

Montevarchi, Vallombrosa, Firenze, 

Loro Ciuffenna) che all’estero (Germania). 

Recensita nella rivista Praxis 

(1994), ha preso parte alla realizzazione 

del calendario dell’AVIS di Terranuova 

Bracciolini e ha ideato la copertina 

del periodico La finestra 

(1999). 

È bellissimo per me pensare che tutti 

noi proviamo delle emozioni. Sono le 

emozioni che ti fanno sentire vivo nel 

rapporto con gli altri e con le cose. 

Sono le emozioni che mi permettono 

di giocare liberamente con i colori e 

con le forme. Sono le emozioni che 

mi permettono di dipingere figure 

trasparenti più dell’animo che del 

corpo. Sono le emozioni che mi fanno 

“pensare ad un uovo”, come ad una 

forma semplice ed affascinante, da 

inserire in un dipinto e farla diventare 

protagonista assoluta di un pensiero. 

Stefania Pellegrini 

L’uomo e la storia, olio su tela, cm. 100x140 

La realtà e i paesaggi sono quelli della mente, la 

quale, sospesa in tutto o in parte la legge della 

logica, pensa per immagini, in assenza o nella rarefazione 

dell’atmosfera, cosicchè figure, motivi e 

cromie si affermano in termini di purezza magica 

e suggestiva. 

Franco Ruinetti 

Studio: Via Leccino, 13 - 52020 Mercatale Valdarno (AR) 

Cell. 338 8782540 - stefania.pellegrini3@tin.it 

124


PI-KÀ IL TESSUTO RINATO 

Il nome Pi-Kà nasce dalle prime due 

lettere dei cognomi di Michela e Mariarita 

la cui amicizia risale a molti 

anni fa: conoscenza per vicinanza di 

luogo, di comuni affetti familiari e frequentazioni 

amicali ma, soprattutto, solida 

comunione di interessi e di specifiche 

competenze tecniche di restauro 

acquisite in ambito professionale. E’ iniziato 

così un sodalizio artistico che si 

concretizza nell’elaborazione di opere 

dove la ricerca espressiva trova nei tessuti 

antichi e moderni, oltreché nella 

carta, il legno, e i materiali sintetici, i 

mezzi di realizzazione più eloquenti. 

Dai bauli, dalle scatole conservate in 

casa emergono avanzi, scarti di tele, 

vecchie tappezzerie, preziosi frammenti 

di capi d’abbigliamento o di arredo, 

trine: ciò che era condannato ad essere 

dimenticato, se non addirittura buttato 

via, acquista un significato diverso e 

una vita nuova; si usa e si recupera quello 

che già c’è, seguendone ed interpretandone 

il carattere fortemente pittorico 

e materico. I tessuti vengono 

incollati, ritagliati, intrecciati, “plasmati” 

rivelando potenzialità sconosciute e imprevedibili: 

per ogni soggetto le amiche 

discutono insieme, insieme scelgono i 

tessuti, dai tessuti traggono ispirazione, 

sia per il fondo che per le forme che ne 

emergeranno, in un continuo confronto 

di idee e creatività. Anche le sagome, 

precisamente ritagliate ed assemblate, 

quasi ad imitare l’antica tecnica del 

commesso in pietra dura, si fondono 

con i tessuti modellati nella ricerca di 

Bonsai, 2015, collage, cm. 100x145 

una nuova tridimensionalità. Dunque il gioco è 

iniziato ed il gioco va avanti secondo una matrice 

sperimentale che, in continuo divenire, 

privilegia il carattere pittorico e la raffinata 

esecuzione manuale alla solidità e alla funzionalità. 

Il preponderante aspetto decorativo 

che ne emerge sottolinea, orgogliosamente, il 

suo voler essere in opposizione agli imperanti 

trend minimalisti o iper-tecnologici che hanno 

caratterizzato le esperienze creative di questi 

ultimi anni. 

iltessutorinato@gmail.com 

www.iltessutorinato.it 

125


GIANNA PINOTTI 

Nasce a Mantova nel 1963. È artista 

e critico, discende da una importante 

bottega di scultura attiva 

per due secoli. Pittrice per vocazione, 

dopo la laurea in Storia dell’Arte e gli studi 

musicali, esordisce come astrattista 

tenendo alcune personali a Parigi tra 

1993 e 1998. Seguono le antologiche: 

Trionfo di fortuna, Galleria le Due Spine, 

Rovereto 1999; Invito a Palazzo, Palazzo 

Strozzi, Mantova 2006; Le città cadute, 

Museo Virgiliano, Pietole 2012; Le guardiane 

dell’infinito, Galleria della Fondazione 

Bam, Mantova Festivaletteratura 

2012. Ha esposto in una cinquantina di 

mostre in Italia e all’estero a fianco dei 

più rappresentativi autori del panorama 

artistico contemporaneo. Da vent’anni 

studia le opere di Michelangelo, sul quale 

ha pubblicato importanti novità; ricordiamo 

in particolare i volumi: Michelangelo 

ritrovato. Il Cupido dormiente con 

serpi di Mantova: un percorso tra iconologia 

e storia (Mantova, 2005) e Michelangelo 

e l’Amore tra letteratura e Bibbia 

(Firenze, 2014). Tra i suoi studi critici in 

campo letterario, vanno ricordati quelli 

sul poeta Piero Bigongiari. Nel 2015 ha 

ricevuto il prestigioso Collare Laurenziano 

per la pittura dall’Accademia Internazionale 

Medicea durante la cerimonia del 

Premio Europeo Lorenzo il Magnifico tenutasi 

in Palazzo Vecchio a Firenze. 

Gianna Pinotti fra poesia e pittura è riuscita 

a creare un’osmosi navigando nei 

mari dell’astrazione col sussidio fondamentale 

del colore steso per motivi filiformi 

che si snodano in senso ondulatorio 

andandosi poi a ricomporre in 

figurazioni oniriche pervase da abbaglianti 

fonti di luce. Segno e parola si 

I Dieci Comandamenti (dittico), 2013, acrilico e resina su 

pannelli di pioppo, cm. 125x80 

confondono in mondi “altri”, dai quali forse 

proveniamo e verso i quali sicuramente aspiriamo 

di approdare. Sono mondi eterei che attraggono 

la nostra spiritualità anche se l’autrice 

ci ricorda che rimaniamo saldamente 

ancorati alla quotidianità; e lo fa mirabilmente 

ritornando all’astrazione verso una figurazione 

geometrica, dall’irrazionale alla quintessenza 

della razionalità. Le sue figure vagano in spazi 

informali come navicelle spaziali alla ricerca 

della verità assoluta, degli enigmi esistenziali 

che attraversano ogni essere umano ma la cui 

meta finale è il rientro alla base. 

Fabrizio Borghini 

Cell. 347 2367011 

giannapinotti@libero.it 

126

ORLANDO POGGI 


Nasce a Catanzaro nel 1966 da 

padre forlivese e madre fiorentina. 

Coltiva la passione 

del disegno e della fotografia tramandatagli 

dal padre. Negli anni Novanta, 

insieme ad un amico fotografo, 

inizia un percorso che lo porta a 

cimentarsi sul bianco e nero e la fotografia 

di studio. Dopo aver lavorato 

per due riviste milanesi, fonda, di comune 

accordo con due amici e colleghi 

di lavoro, l’Harmonizer Studio 

che si occupa prevalentemente di 

pubblicità. La fotografia, specie 

quella che ha per soggetto la figura 

umana, gli serve come spunto per i 

suoi disegni. Ritraendo e stilizzando 

il corpo umano, Poggi si propone di 

fermare sul supporto l’interiorità 

dell’individuo. Dopo un periodo d’inattività, 

riprende a dipingere nel laboratorio 

artistico da lui ideato in 

collaborazione con Susi La Rosa: insieme 

si occupano dell’arte del riciclo, 

della pittura su tela e della lavorazione 

del legno. Recuperati alcuni 

suoi vecchi disegni, li rielabora su 

tela con nuove tecniche per partecipare 

ad una mostra collettiva di pittori 

a Venezia. Nel 2014 realizza la 

sua prima mostra personale, esponendo 

cinque dipinti su tela aventi 

come telaio dei pancali di legno recuperati 

e verniciati. Attualmente è 

impegnato sul fronte della sperimentazione 

tecnica e della caratterizzazione 

stilistica e formale del suo registro 

pittorico. 

Black Spring, 2015, tecnica mista su tela, cm. 90x140 

Dalla fotografia al disegno dal disegno alla pittura 

su tela, le mie immagini stilizzano la figura femminile 

rendendo il corpo energico seppur sensuale. 

Non esistono temi fissi: i miei soggetti nascono 

spontaneamente sulla tela senza un progetto 

preordinato, rendendomi ogni volta spettatore e 

protagonista dell’atto creativo. 

Orlando Poggi 

Via San Bonaventura, 24/e - 50145 Firenze 

Cell. 366 2777475 - orlandopoggi@gmail.com 

127


ALESSANDRO POGGIANTI 

Don Chisciotte, 2009, tempera su tela, cm. 90x90 

La sua pittura viene da lontano. Ha 

sempre seguito le sue idee attingendole 

dalla vita di tutti i giorni. Ama 

definirsi “operaio pittore” per non abusare 

del termine artista, da molti utilizzato senza 

criterio e misura. I veri artisti, a suo giudizio, 

si contano sulle dita di una mano… La sua 

ambizione è fare della pittura lo specchio 

dei problemi che affliggono l’uomo del nostro 

tempo. L’arte può migliorare la società 

offrendo speranze e alternative, ed è questo 

che Alessandro Poggianti si propone di 

fare. 

Via Volterrana Nord, 217 - 50025 Montagnana Val di Pesa (FI) 

Tel. 0571 671314 - busdroghe@gmail.com 

128

ANGELA POGGIONI 


Artista visiva e fotografa, vive tra 

Firenze e New York. Laureata in 

Filosofia all’Universitá di Firenze, 

si è trasferita a New York dove ha studiato 

fotografia all’International Center of 

Photography e belle arti all’Art League 

di New York. Ha esposto in importanti 

mostre negli Stati Uniti grazie alla selezione 

di rinomati curatori, tra i quali Clara 

Bell del Guggenheim Museum, Andrea 

Feldman del Museum of Modern 

Art, Joseph Jacobs del Newark Museum 

e Ealan Wingate della Gagosian Gallery 

di New York. Le sue mostre, in particolare 

a New York e in New Jersey, includono: 

The Trenton City Museum, The 

Graphic Eye Gallery, The National Academy 

Museum, The Heckcshcer Museum 

of Art e The National Arts Club. Hanno 

parlato di lei: The New York Times, American 

Photographer, Port Washington 

News, The Philadelphia Inquirer e America 

Oggi. Vincitrice del primo premio 

The Audubon Artists Gold Medal of Honor 

per la categoria pittura ad olio, è 

presente in numerosi cataloghi e pubblicazioni 

d’arte. 

Il lavoro Dog on Stilts (1) é parte di una 

serie chiamata Dogs on Paper, di cui la 

carta stessa ne é l’essenza. Il mio amore 

per la carta é cresciuto con me sin da 

bambina, passando molto tempo al laboratorio 

di mio padre, uno dei migliori 

rilegatori di Firenze. Per anni ho portato 

via dalle mie visite un’eclettica varietá di 

carta: pesante, leggera, lucida, opaca, 

sbiadita, operata. Molti anni dopo, per 

Dogs on Paper, ho collezionato specifi- 

Dog on Stilts (1), 2008, inchiostro e carta velina su carta, 

cm. 46x30 

che tonalitá di carta velina, carta orientale e 

carta fatta a mano. Qualche volta ho iniziato il 

lavoro disegnando il mio soggetto ma per lo 

piú ho lasciato che l’inchiostro si spargesse direttamente 

sulla carta. Diversi tipi di carta velina 

erano poi tagliati e applicati in strati sottili 

usando la trasparenza e opacitá a mio vantaggio 

allo scopo di raggiungere il risultato desiderato. 

Ma i lavori, evolvendo spesso in maniera 

imprevedibile, hanno portato di frequente 

ad inaspettate sorprese. 

Angela Poggioni 

poggioni.angela@gmail.com 

www.angelapoggioni.com 

129


DIANA POLO 

Nasce in Sardegna ma è in Toscana 

che l’amore per l’arte cresce e si 

sviluppa in molteplici forme e 

ispirazioni. Ha frequentato corsi di incisione 

presso la Scuola di Arti Grafiche Il 

Bisonte di Firenze e, successivamente, 

corsi di modellato al Liceo Artistico di 

Firenze e di acquerello alla Scuola Martineau. 

Molte delle sue opere, alcune delle 

quali in collezioni pubbliche e private, 

sono state recensite da riviste di settore, 

come Pegaso e La Toscana. Numerose le 

mostre realizzate negli anni. Tra queste, 

si segnalano: 2001, personale di scultura, 

Limonaia, Villa Vogel, Firenze; 2002, 

personale, Galleria Gadarte, Firenze; 

2003, collettiva di arte grafica, Palagio 

di Parte Guelfa, Firenze; 2005, personale, 

Torre Strozzi, Perugia; 2008, semipersonale, 

Palazzo Thum, Trento; 2009, 

personale, Palazzo Ghibellini, Empoli; 

2009, sala mostre, Marina di Grosseto; 

2009, personale, Caffè Storico Letterario 

Giubbe Rosse, Firenze; 2010, personale 

Circolo Culturale Casa di Giotto, 

Vicchio; 2010, collettiva Omaggio alla 

poetessa Alda Merini, Basilica Sant’Alessandro, 

Fiesole; 2010, personale, Galleria 

Arte Dove, Firenze; 2013, personale, Circolo 

Culturale Casa di Dante, Firenze; 

2013, personale, Scuderie delle Cascine, 

Firenze; 2013, collettiva, Gallery Gwerk, 

Libera, 2015, argilla bianca, cm. 52 x57 

Pálffyho Palace, Bratislava (Slovacchia); 2014, 

personale, Galleria d’Arte IAC, Impruneta (FI); 

2014, personale, Circolo Culturale Casa di 

Giotto, Vicchio; 2015, personale, Galleria di 

Arte Moderna J. Cavedoni, Sassuolo. 

polo.diana@yahoo.it 

www.dianapolo.it 

130

VINCENZA PONETI 


I miei alchechengi, 2014, incisione all’acquaforte, cm. 29x26 

Nata a Tavarnelle Val di Pesa (FI), ha 

frequentato la Scuola Libera del 

Nudo all’Accademia di Belle Arti di 

Firenze e la Scuola Internazionale d’Arte 

Grafica Il Bisonte. È presente nel Repertorio 

degli Incisori Italiani del Gabinetto Stampe 

Antiche e Moderne del Comune di Bagnacavallo 

(RA). Ha esposto in Italia e all’estero. 

Tra le mostre principali si ricordano: 

2007, Premio Grafica Santa Croce; 2010, 

Chaumont Haute, Marne (Francia); 2010 e 

2013, Triennale Européenne de l’Estampe 

Contemporaine, Toulouse (Francia); VI 

Biennale di Grafica, Campobasso, 2010. Nel 

2011 è stata allestita una sua mostra personale 

nelle sale del Museo di Storia Naturale 

di Firenze La Specola e nel 2014, sempre a 

Firenze, ha esposto nella sede del Gruppo 

Donatello. 

Via di San Giusto, 3 - Scandicci (FI) 

Cell. 348 0795399 - poneti.vi@gmail.com 

131


GHENADIE POPIC 

Chiesa di Ognissanti, foto digitale, stampa su carta fotografica, cm. 37x33 

Artista moldavo (1982), si è trasferito 

a Firenze nel 2006, dove ha frequentato 

l’Accademia di Belle Arti conseguendo 

il Master in Arti Visive (2005-2006) 

e la laurea al corso biennale di Arti Visive e 

Nuovi Linguaggi Espressivi (2012 - 2014). 

La sua formazione artistica è iniziata in Moldavia 

(Liceo di Arti Visive Igor Vieru dal 

1994 al 1998 e Collegio di Arti Visive A. Plamadeala 

dal 1998 al 2001) ed è proseguita a 

Bucarest all’Università Nazionale d’Arte, 

dove ha conseguito la laurea in Arti Figurative 

e Decorative nel 2005. Tra il 2007 e il 

2008 ha lavorato come assistente tecnico 

alla didattica presso la L.A.B.A (Libera Accademia 

di Belle Arti) di Firenze. Ha esposto 

in numerose collettive; tra queste si ricordano: 

2014, Galleria Mentana, Firenze; 

2014, Il 4°Puzzle Art Expo, Firenze; 2007, 

05 Associazione culturale, Santa Croce 

sull’Arno; 2006, Clessidra, Firenze; 2006, 

L.A.B.A, Firenze; 2005, Mostra internazionale 

di arti visive, Cecina (LI); 2005, Università 

Nazionale d’Arte, Bucarest (Romania); 

2001, collettiva a Chisinau (Repubblica 

Moldava). Nel 2014 ha esposto in personale 

alla Galleria Mentana di Firenze con la mostra 

dal titolo Firenze, luogo contemporaneo. 

Vincitore del concorso Premio Arti Visive 

- Galleria Mentana Firenze (I° Edizione, 

2015) per la sezione Fotografia, ha seguito 

diversi workshop (Palazzo Strozzi, Firenze; 

SINCRESIS, Associazione culturale per le 

arti contemporanee, Empoli) e documentato 

con i propri scatti numerose iniziative 

artistiche e culturali. Nel 2014 ha realizzato 

il progetto grafico della Collana Connessioni 

(Pisa University Press) e del libro Quaderni. 

Di prossima pubblicazione il libro fotografico 

Firenze nascosta. 

ghenadie.popic@yahoo.it 

www.ghenadiepopic.com 

132


GHENADIE POPIC 

Loggia dei Lanzi, foto digitale, stampa su carta fotografica, cm. 37x24 

Chiunque abbia visitato Firenze nel pieno di 

una luce meridiana, proverà una strana sensazione 

sfogliando le pagine di questo libro 

fotografico. Riconoscerà le piazze, i monumenti 

e i gioielli d’arte che hanno reso Firenze 

famosa nel mondo, ma avrà anche l’impressione 

di vedere scorrere sotto i propri 

occhi le immagini di una città familiare ed 

estranea al medesimo tempo. Una città lontana 

dallo splendore della Firenze diurna, 

percorsa da un silenzio irreale che la rende 

muta ed immobile come in un quadro metafisico. 

E’ l’altro volto di Firenze. Un volto che 

di giorno si nasconde alla curiosità morbosa 

dei turisti, allo sguardo distratto delle tante 

persone che percorrono le strade del centro 

cittadino senza curarsi della bellezza che li 

circonda. Un volto che attende la notte per 

mostrarsi, quando la presenza dell’uomo si 

dirada, il frastuono del vivere quotidiano si 

spegne e la città si offre, misteriosa e bellissima, 

ai pochi che, per caso o per curiosità, 

hanno l’occasione di ammirarla. Ghenadie 

Popic è andato in cerca della Firenze notturna 

lungo le vie più battute dai turisti e in 

alcuni angoli nascosti. Il risultato è un racconto 

sospeso tra realtà e sogno: la città 

protagonista delle sue fotografie è uno spazio 

senza tempo, un luogo che di giorno non 

esiste. I pochi passanti lungo le vie sono l’unico 

segnale di vita e di movimento in uno 

scenario che sembra irreale quando inquadra 

una piazza vuota, un vicolo deserto o 

qualunque altro angolo della città in cui 

l’uomo è assente. 


133


SIMONETTA PRINCIVALLE 

Veronese di nascita e pisana di 

adozione, unisce a una salda 

formazione teorica (è laureata 

in Filosofia con specializzazione in 

Estetica e Filosofia dell’arte) una lunga 

pratica della scena culturale italiana 

e internazionale. Talento versatile, 

da vent’anni si dedica con assiduità 

alle arti figurative, utilizzando tecniche 

che spaziano dalla pittura su tela 

alla lavorazione della carta e della 

cartapesta, fino all’utilizzo di materiali 

misti. Nei suoi lavori, densi di colore 

e materia, privilegia le soluzioni 

ibride, assecondando un’istintiva 

tendenza alla conquista della terza 

dimensione. Le sue opere sono state 

esposte in decine di mostre, sia personali 

che collettive, in Italia e all’estero. 

Ha collaborato con Nicola Pasqualicchio, 

tenendo seminari di 

Estetica all’Accademia di Belle Arti di 

Verona. Dalla sua passione per la 

scrittura, costantemente coltivata 

parallelamente all’attività artistica, 

nasce una ricca produzione in versi, 

che ha preso corpo per la prima volta 

nel 2012 con la raccolta Poesie. 

Un’astrazione immaginifica, alle soglie 

del fiabesco. È questa la peculiarità 

di un’artista raffinata che ben conosce 

l’arte del colore. In questo 

contesto poetico fuori dal tempo e 

dalla storia tutto è realizzato grazie 

alla bellezza del tessuto pittorico. 

Stefania Bison 

L’attesa, 2015, cartapesta, corda e acrilico, cm. 60x80 

Simonetta Princivalle ci regala una boccata d’aria 

fresca con quest’opera colorata e ridente fatta di 

geometrie e colori stilizzati, a ricordare lo stile del 

coloratissimo Keith Hering. Una composizione 

dal sapore pop, la cui personalità risalta anche 

per la stesura del colore, così corposo e materico, 

quasi fino a far sembrare il dipinto, un esperimento 

creativo a metà tra la pittura e il modellato. Nel 

complesso un’opera particolarmente equilibrata 

la cui cadenza visiva crea una musicalità pittorica 

di grande pregio. 

Sandro Serradifalco 

simonettaprinci@libero.it 

www.princivallesimonetta.it 

134

MILAN RAŠLA 


We are here only to visit 11, (Recyklus 2), 1969 e 2015, mixed media, cm. 81x133 

Nasce a Bratislava nel 1946. Pittore e 

designer di opere d’arte murali (vetrate, 

arazzi, mosaici), occasionalmente 

si è cimentato anche nell’illustrazione 

e nella serigrafia. Ha frequentanto la 

scuola di arti applicate e l’Accademia di 

Belle Arti di Bratislava. Dal 1969 ad oggi ha 

esposto in collettiva in Algeria, Austria, 

Belgio, Bulgaria, Repubblica Ceca, Francia, 

Finlandia, Germania, Ungheria, Iraq, Italia, 

Polonia e Russia. Le mostre personali, invece, 

sono ben ventotto, tra Budapest, Dillingen, 

Kitchener, Parigi, Praga e Toronto. Nel 

periodo compreso tra il 1988 e il 1993, come 

membro dell’associazione Blue Pears, ha 

preso parte a dieci mostre collettive in Slovacchia, 

Austria e Jugoslavia. Per quasi 

vent’anni (1972-1989) è stato docente di 

Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bratislava, 

per poi passare al dipartimento di 

Scenografia dell’Accademia di Arti Performative, 

sempre a Bratislava, di cui è stato 

anche rettore dal 2011 al 2015. 

Ľadová 17 811 05 Bratislava - Slovakia - Tel. 00421 910 784532 

rasla@vsmu.sk - www.milanrasla.info - http://www.galeriastatua.sk/rasla_2015/ 

135


PAOLO REMONDINI 

Senza titolo, acrilico su tela, cm. 40x40 

Pittore, architetto e designer, è nato 

a Massa Lombarda, dove vive e lavora. 

Si è diplomato al liceo artistico di 

Ravenna e quindi si è laureato in Architettura 

all’Università di Firenze. Ha esposto in diverse 

occasioni riscuotendo sempre ampi 

consensi. 

Oggetti d’uso quotidiano o semplici suppellettili, 

che evocano posture umane, qui 

diventano protagonisti della pittura e sembrano 

volersi far ritrarre dentro una natura 

silente, affiorando quali presenze allusive o 

profili di luce dall’aspetto monocromo e vibrante. 

Come silhouette allineate in ampie 

campiture di cromie a tinta unita (rosse, 

blu, viola, gialle, verdi, nere), questi vasi, 

brocche, bottiglie o bicchieri espongono le 

loro forme con pulsante vitalità, simili ad 

apparizioni metafisiche che recitano su un 

palcoscenico improvvisato. Appaiono anche 

con vita autonoma, queste sagome 

astratte, iscritte in figure geometriche di 

puro colore e rese da Paolo Remondini simili 

a soggetti concettuali che, stagliandosi 

su sfondi magicamente sospesi, nell’attestare 

la propria identità, raccontano il silenzio 

degli esseri umani. 

Paolo Levi 

Via Costituzione, 36 - 48024 Massa Lombarda (RA) 

Tel. 0545 81006 - paolo_r@libero.it - www.paoloremondini.com 

136

MAURO RIGACCI 


Pittore e scultore, nasce nel 1947 a 

Firenze, dove, dopo gli studi, inizia 

la sua attività artistica. In pittura 

(anni Sessanta - Settanta) è orientato 

inizialmente verso l’astrazione. Agli inizi 

degli anni Settanta, dopo essersi interessato 

al fenomeno dello sviluppo tecnologico 

in ambito del lavoro, realizza le opere 

grafiche Job killer con tecniche di 

stampa computerizzata. Alla fine del decennio 

passa alla figurazione con l’aggiunta 

in ogni quadro di un simbolo elettronico: 

il suo interesse converge, in 

questa fase, sul contrasto tra l’immagine 

poetica (molte figure di bambini) e la razionalità 

estrema dell’elemento elettronico-informatico 

dipinto e a volte inserito 

materialmente nel quadro. Anche 

nelle sculture di questo periodo sono 

presenti componenti elettronici attivi 

che determinano effetti ottici in relazione 

ai materiali usati (ferro, pietra). Negli 

anni Ottanta si dedica all’attività di ritrattista 

eseguendo numerosi ritratti di 

personaggi italiani e stranieri. Nel 1988 

un suo pannello-scultura intitolato Play 

sculpture - ferro, rame, stagno e componenti 

elettronici attivi - è presentato a 

Pitti Uomo (Jeans Creatore di Forme e 

Colore, Palazzina presidenziale, Firenze), 

come opera interattiva. Nel 1996 realizza 

una serie di sculture in cristallo e ferro 

ottenute con particolari tecniche di fusione 

e negli anni 2000 si dedica al ciclo 

Kitsch-collection con tecniche di stampa 

digitale su tela. Al 2009 risalgono gli oli 

su tela con inserimento di superfici trat- 

Double face, 1998, ferro, mt. 2 

tate come un finto affresco e al 2011 i quadri 

informali Good coming out of not good con 

malta per affresco e fiori plastificati. Il ferro, 

l’alluminio e la pietra sono i materiali che predilige 

per le sue realizzazioni scultoree. La sua 

attività espositiva, iniziata nel 1962, non si è 

mai fermata, e sono molti i premi ricevuti nel 

corso degli anni. Attualmente vive e lavora a 

Firenze. 

Via Ramazzini, 25 - 50135 Firenze 

mrigac@tin.it - www.rigacci.it 

137


GUALTIERO RISITO 

Migranti, 2013, olio su tela, cm. 80x80 

Nato a Firenze nel 1947, vive e lavora a 

Sesto Fiorentino. Autodidatta, negli 

anni Ottanta ha sentito la necessità 

di approfondire le basi tecniche ed artistiche 

del disegno e del colore frequentando 

l’Istituto Raimondo Riachi di Firenze e la 

scuola di nudo dal vero. Tra i principali 

eventi espositivi si segnalano: 1990, Arte 

Sacra al Borro (Arezzo), ospite del Duca 

Amedeo d’Aosta; 1995, personale alla Pinacoteca 

d’Arte Moderna di Piacenza; 1997, 

personale Sesto a modo mio, 48 ritratti di 

personaggi sestesi al Tondo, Sesto Fiorentino; 

1999, personale a Villa Montalvo, Campi 

Bisenzio; 2001, personale La mia Genesi, 

Convitto della Calza, Firenze e con la stessa 

mostra tra il 2002 e il 2003 al Convento della 

Beata Bettina (Campi Bisenzio) e nella 

Cappella Corsini all’interno del complesso 

di Santo Spirito (Firenze); 2004, personale 

Donna: l’arte disegnata, Caffè Serafini, Firenze; 

2006, personale Rivelazioni: Apocalisse 

2000, Galleria La Soffitta, Sesto Fiorentino; 

2010, personale Così mi azzardo, 

Centro Espositivo Antonio Berti, Sesto Fiorentino; 

2012, personale L’uomo della Mancha, 

Casa di Dante, Firenze; 2013, personale 

Don Chisciotte, Centro Espositivo Antonio 

Berti (Sesto Fiorentino) e con la stessa mostra 

nel 2014 presso la chiesa Sant’Agostino 

(Cortona). Numerose le sedi che ospitano i 

suoi lavori. Tra queste si ricordano: Sala 

conferenze, Comando Regionale dell’Arma 

dei Carabinieri, Firenze; Villa Gisella, Firenze; 

tabernacolo di San Piero a Ponti; fonte 

battesimale, chiesa di Santo Stefano, Campi 

Bisenzio; convento delle Suore Carmelitane, 

Campi Bisenzio; uffici del Polo Scientifico, 

Sesto Fiorentino; Museo del Ciclismo 

della Madonna del Ghisallo, Magreglio (CO). 

Hanno scritto di lui: Dino Pasquali, Alessandra 

Bruscagli, Vania Partilora, Pier Francesco 

Listri, Mauro Batisti, Sandra Nistri, Arnaldo 

Nesti, Salvatore Cipolla, Mario Cenni, 

Luigi Bicchi, Mario Mugnai, Anita Valentini, 

Daniela Pronestì. 

Cell. 328 3508504 

g.risito@email.it 

138

WALTER ROMANI 


Bianco e Nero, 2011, collage di cartoncini, cm. 90x150 

Nasce nel 1950 ai margini della Diaccia 

Botrona (GR). Nel 1970 si trasferisce 

a Firenze, dove s’iscrive alla 

Facoltà di Lettere e Filosofia. Nel 1977, quasi 

conclusi gli studi, abbandona l’università 

e la “testa” per passare alle…mani. Il suo interesse 

artistico lo spinge, infatti, a creare 

manualmente pezzi con vari materiali, ma si 

concentra soprattutto sui gioielli che saranno 

i primi abbozzi del lavoro futuro. Dalla 

metà degli anni Novanta inizia un percorso 

parallelo al gioiello che lo porta a scoprire 

la poetica del riciclo. È così che scopre la 

materia cartone e ben presto “l’astrappismo” 

prende il sopravvento e nascono lavori 

dove il martirio della superficie e lo 

strappo evidenziano una similitudine con la 

struttura umana. Lo strappare…anche al 

macero dà infine quel senso civico, sempre 

perseguito nella vita. Dalla fine degli anni 

Novanta ad oggi, ha esposto sia in personale 

che in collettiva. 

Via Fiesolana, 32 - Firenze - Cell. 339 3732957 

romaniwalter@gmail.com - www.walterromani.com 

139


WALTER ROMANI 

Il tarlo del cartone, 2011, cartone strappato, cm. 148x128 

Walter Romani. Artista poliedrico, artigiano 

provetto, geniale inventore di forme; insomma 

mirabilis artifex. Si pone su quella linea 

per cui ogni oggetto può servire all’elaborazione 

artistica, anche quelli considerati umili, 

di scarto, dei rifiuti. Particolarmente significativi 

i suoi cartoni. L’artista interviene su 

di essi, lacerandoli e ricomponendoli, scavando 

nel materiale finché la forma ottenuta 

lo convince, per scoprire i nuovi effetti 

che scaturiscono da questa operazione. Tra 

pittura e scultura, poiché le articolazioni 

delle superfici si estendono verso le tre dimensioni 

e i particolari effetti della luce fanno 

risaltare il gesto del fare artistico…Una 

trascinante sintesi di fantasia e ironia. Materiali 

nobili e umili si combinano genialmente 

in forme inconsuete e colme di vitale provocazione. 

Mirabilis artifex, appunto. 

Ilario Luperini 

(In occasione della mostra Dibattito sul contemporaneo 

al Centro per l’arte Otello Cirri, Pontedera, 2015) 

140

ISABELLA ROMBOLÀ 


Madre e figlia, 2015, acrilico su tela, cm. 69x89 

Nata in Calabria, è cresciuta a Montevarchi, 

dove vive e lavora. Ha frequentato 

l’Istituto d’Arte di Arezzo, 

l’Accademia di Belle Arti di Firenze e ha insegnato 

materie artistiche nella scuola media. 

Ha esposto diverse volte nell’ambito 

delle iniziative organizzate dall’associazione 

artistico culturale Montevarchi Arte, di 

cui è socia, e di recente ha preso parte al 

ciclo di mostre collettive promosse da Toscana 

Cultura presso l’Auditorium al Duomo 

di Firenze. La sua pittura è figurativa e 

l’uso delle tecniche è vario: colori acrilici, 

pastelli cretosi, sanguigna, carboncino e 

acquerello. I soggetti dei suoi dipinti abbracciano 

i tre generi tradizionali del realismo 

pittorico: natura morta, paesaggio e 

figura umana, con particolare attenzione al 

mondo femminile. 

Via Fonte moschetta, 50 - Montevarchi (AR) 

Tel. 055 982979 - Cell. 333 8362303 - isabella@tavellaantonio.191.it 

141


SILVIA RONSISVALLE 

Utopia, acrilico su legno, cm. 53x32 

Nata a Firenze nel 1964, dopo aver 

studiato pittura e grafica a Palazzo 

Spinelli, ha cominciato a seguire la 

via della pittura e dell’illustrazione editoriale 

orientandosi verso un mondo onirico e 

fantastico. Iscritta all’associazione Gadarte 

di Firenze e Il Quadrato di Viareggio, ha 

esposto in personale e in collettiva in Italia 

e in Francia. Ed è proprio nelle regioni francesi, 

in particolare nella Bretagna, che ha 

scoperto l’antica cultura celtica, da cui ha 

tratto ispirazione per il suo immaginario 

fantastico. All’attività espositiva in ambito 

pittorico affianca da sempre il lavoro di illustratrice 

editoriale, che l’ha vista realizzare, 

tra l’altro, le illustrazioni per un libro dell’Opera 

di Santa Croce a Firenze. Tra le mostre 

più recenti si segnala la collettiva Onirica 

tra sogno e realtà organizzata a Firenze dal 

Gadarte nel giugno 2015. 

Via Chinigiano, 8 - 50025 Montespertoli (FI) 

Cell. 3463189425 - FB: Silvia Ronsisvalle e Akashala galleria dei sogni 

142

MARIO RUSSO 


Senza tregua, 2011, olio su tela, cm. 50x70 

Nasce a Cavallino (LE); ha studiato e 

si è diplomato al Liceo Artistico di 

Lecce, poi a Firenze ha frequentato 

la Facoltà di Architettura e all’età di vent’anni 

è ha iniziato ad esporre. Molte le mostre 

realizzate in diverse gallerie fiorentine, nella 

natia Puglia (Lecce) e in altre città italiane 

ed estere. Tra le principali si segnalano l’esposizione 

alla Galleria La Pergola di Firenze, 

documentata da un’intervista di Toscana 

Tv, e la collettiva alla Galleria Margutta di 

Roma che metteva a confronto diversi generi 

di pittura. Il primo importante riconoscimento 

gli è stato assegnato dalla Galleria 

Maccagni di Lecce nel 1995 che gli ha attribuito 

il Premio Barocco. Fa parte del circolo 

dei pittori di Impruneta. Artista alternativo, 

per niente incline alle convenzioni, ha sempre 

preferito esporre in luoghi dove fosse 

possibile confrontarsi con altri pittori e scultori 

underground. Pittore di professione, è 

intestatario di una licenza rilasciata dal Comune 

di Firenze e lavora al piazzale degli 

Uffizi, dove è conosciuto ed apprezzato da 

clienti locali e stranieri. Da menzionare, infine, 

i suoi lavori all’estero, in particolare negli 

Stati Uniti e in Russia, dove ha realizzato 

murales per alcuni ristoranti italiani, come 

quello a Miami nel quartiere denominato 

Little Italy. Altri suoi murales si trovano in 

Germania e a Firenze. 

Pittore di grande potenza espressiva, Mario 

Russo oggi è impegnato in un percorso - iniziato 

da un quinquennio - che lo ha visto 

rompere con la precedente produzione, assimilabile 

al neoimpressionismo. Le sue 

opere più recenti esplorano la forma e sembrano 

orientate sempre più ad una sua 

scomposizione; è un processo di maturazione 

che l’artista racconta avere avuto inizio 

con la lettura dei testi del movimento futurista 

e cubista, prima ancora che dalla visione 

delle opere degli artisti di quei periodi storici. 

Noi aspettiamo le sue prossime opere 

che, siamo pronti a scommettere, porteranno 

delle nuove sorprese e degli inusuali centri 

di gravità. 

Cell. 348 3847929 

mario.russo048@gmail.com 

143


MARIA LUISA SALVINI 

Senza titolo, 2014, tempera su tela, cm. 50x70 

Nata a Torino, insegnante di Scuola 

Media, vive e lavora a Firenze. Dimostrando 

una notevole disposizione 

al disegno si è impegnata, all’inizio, in questa 

arte rendendosi perfetta nel disegno di 

medaglioni, stemmi e festoni ornamentali. 

Ben presto però il suo fare artistico ha intrapreso 

un diverso orientamento, per esprimere 

un’inquietudine interiore. Nella sua 

opera sono ben visibili gli echi di un’amorosa 

consuetudine con Klimt. Nessuna ora del 

giorno o della notte può programmare l’istante 

di grazia per far vibrare nella sfaccettatura 

della gioia o dell’angoscia, del sogno 

o della realtà, una particolare sensazione. 

Ha partecipato a numerose mostre, anche 

personali, in Italia e all’estero. Interessanti le 

critiche di Iolanda Milani Lelli, Carmine Martinelli 

e Pierfrancesco Listri. 

Cell. 338 1005459 

marialuisabertolotto@libero.it 

144

LIALA SIGALA 


Nata a Darfo Boario Terme (Bs), 

vive e lavora dal 1992 a Pistoia. 

La predisposizione per il disegno 

emerge fin da bambina e la spinge 

ad approfondirne lo studio. Ha seguito 

corsi di disegno di nudo a 

Pistoia. Ha frequentato la scuola di 

pittura e scultura diretta dallo scultore 

Bruno Benelli, da cui ha appreso le 

tecniche di lavorazione della creta e 

del cemento. Attualmente frequenta 

la scuola di ceramica dell’Associazione 

culturale Della Robbia di Pistoia 

diretta dallo scultore Nevio Di Marco. 

Il suo repertorio tematico e formale 

spazia dal figurativo al paesaggio, 

dalla tecnica ad olio alla spatola, fino 

alle tecniche miste con gesso e sabbia. 

I suoi intensi cromatismi, particolarmente 

apprezzati dalla critica, evidenziano 

un grande senso del colore, 

mentre la figura umana, resa sia pittoricamente 

che con la scultura, rivela 

un attento studio del soggetto e una 

profonda conoscenza dell’anatomia. 

Ha esposto in personale e in collettiva 

sul territorio toscano (Pistoia, Firenze, 

Lucca, Montecatini, Certaldo, Castiglioncello) 

e in diverse città italiane 

(Roma, Bergamo, Perugia). Tra le mostre 

più recenti si ricordano: 2014, collettiva 

Fiorgen Arte, Palazzo Guinigi, 

Lucca; collettiva Mosaico di pace, 

Polo museale Rocca Flea, Gualdo Tadino 

(PG) e Aeroporto San Francesco 

d’Assisi, Perugia; Festival dell’Amicizia 

Italo-Giapponese, Gubbio; 2015, 

collettiva Pinacoteca d’Arte Moderna 

Le Porte, Napoli. Nel 2014 si è inoltre 

classificata terza al concorso di scultura 

di Larciano (PT). 

In cerca di un posto migliore, tecnica mista su tela, cm. 82x102 

Nelle opere di Liala si evidenziano alcuni segni 

caratteriali che dimostrano quanto siano importanti 

per lei le figure umane e quante situazioni 

della vita possono influenzarla nella sua arte 

esprimendosi con un importante rapporto cromatico 

molto apprezzato dalla critica e dal pubblico. 

Lucia Mongardi 

Le posizioni che i corpi assumono l’uno rispetto 

agli altri o rispetto allo spazio circostante, parlano 

per i personaggi stessi, i volti, infatti, generalmente 

sono stilizzati. Analoghe caratteristiche si riscontrano 

nella pittura dell’artista. I soggetti rappresentati 

sono, inizialmente, paesaggi e figure 

Cell. 349 1331104 - liala.sigala@gmail.com 

Facebook liala sigala 

145


LIALA SIGALA 

Incontri imprevisti, tecnica mista su tavola, cm. 88x108 

umane, spesso nudi. Frequentemente i corpi 

si collocano di spalle rispetto al fruitore. 

Emblematica in questo senso l’opera Futuro 

(2007) in cui le due figure di spalle si perdono 

in uno stilizzato paesaggio. Un’altra caratteristica 

dell’arte di Liala è l’inserimento 

di materiale sulla tela; spesso l’artista infatti 

crea spessori mediante l’utilizzo di stoffa, 

spago o gesso per ottenere un’interazione 

tra colore, materiale e supporto. Attraverso 

questo espediente, Liala si esprime con una 

nuova corposità e crea spessori vibranti sul 

piano, ovviando a problemi prospettici mediante 

la realizzazione sul piano della terza 

dimensione stessa. 

Elisa Berti 

La profonda sensibilità di Liala Sigala si 

esprime nella forma e nei colori con una 

forza ed una vivacità che esplora linguaggi 

artistici diversi ma allo stesso tempo assimilati 

da una tematica di fondo che rende 

omaggio alla donna ed alla sua simbiosi 

con la natura. 

Ambra Grieco 

L’artista si distingue per un terreno di precipitazione 

materica e di ricomposizione visiva 

e anche tattile, di frammenti di esperienze 

e di memorie in continua fermentazione, 

tenuto insieme da uno straordinario gusto 

compositivo, diretto e una narrativa di 

grande seduzione. 

Nella Gelfi 

146

EMANUELA SIMONCINI 


Il corpo è un regalo, l’anima è la conquista 

della propria lingua interiore, è reale, e l’artista 

la incontra in quanto le è necessaria; percorre 

la strada dell’interno e riscopre in lei l’età 

di quando era bambina. Lo sguardo di un bambino, 

infatti, lascia trasparire l’anima “senza dispersione”, 

è la verità. Non ha nome, ma noi 

siamo fatti di questa bianca fiamma di luce, che 

irradia e magnetizza, respirando nel silenzio di 

parole incomprensibili che si schiudono e parlano. 

L’artista tesse col ricamo un abito di luce e si 

risveglia in una mongolfiera, in viaggio nel proprio 

corpo e riscopre l’opposto del vuoto che la 

fa vibrare di parole. Il rumore del suo linguaggio 

è lo sbattere delle ali che guida verso la direzione. 

L’artista ha aperto l’anima sua come un libro 

e legge il suo ego, le sue idee, che la nutrono di 

saggezza “bagnata di polvere” che le fa perdere 

l’orientamento. Nelle sue opere c’è la morte 

stessa, il trapasso che corrisponde a ”21 grammi”, 

che è “il peso dell’anima” secondo Wikipedia. 

È una morte in cui risuona la sinfonia della 

vita che non è mai urlo quanto piuttosto linguaggio 

indecifrabile. Nelle sue opere l’Anima è 

benessere vicino, diventa corpo, amore, cera di 

candela, vela della nave, immutabile specchio 

che tranquillizza anche il senso della morte. 

“Possa la mia anima rifiorire innamorata, per 

tutta l’esistenza” (Rudolf Steiner). La speranza 

canta la sua melodia, un linguaggio di piacere e 

di bellezza che a tratti si colora dell’affanno del 

dolore della morte. I sensi sono la cura del dolore 

dell’Anima, che non guarisce: è amara. La 

meraviglia dell’Anima detta e suona un linguaggio 

interiore di piacere, per comunicare col suo 

vero nemico: la vita. Davanti al sole si mette a 

nudo il suo lamento, perché non può permettersi 

di perdere tempo, davanti al rumore della 

pioggia, piange di morte, mettendosi a dieta. 

“Le lacrime sono il sangue dell’Anima” secondo 

Sant’Agostino, ecco che sulle sue opere compaiono 

gemme di vetro, che sembrano lacrimare. 

L’anima, 2014, Ready-made poetico, ricamo a mano, 

assemblaggi, cm. 70x50 

L’opera è corredata dai seguenti versi poetici: 

Teatrino e rubinetto aeperto a inondare di chicchi musici, 

cyan il tuo costato. 

Aggetto di veste rosa a posar sul lendo pariar del canto 

gisufro. 

Glutei travelli tettili sui bottoni dell’apertura al Mondo 

Superiore. 

Idea di cancrena e di cicatrice, che ricerca 

la pace, la felicità, che si lascia trattenere 

dalle briglie della libertà. Come diceva 

Platone, “La musica è per l’Anima, 

quello che la ginnastica è per il corpo”, e, 

come sosteneva William Shakespeare, 

“L’amore non guarda con gli occhi, ma 

con l’Anima”. Il fuoco radiante dell’energia 

dell’interno riduce in cenere le sue 

paure, ed è un offrire. L’Artista è se stessa, 

cioè resta fedele a se stessa, s’incontra 

ridendo in tutt’uno col guscio, e trova 

il suono della pace e della tranquillità in 

una immobile danza allo specchio. 

Via Abetine, 24 - 50060 Borselli Pelago (FI) 

Cell. 338 611200 - emanuelasimoncini@hotmail.it 

147


LUCA SIRI 

Luca Siri (Genova 1978) vive e lavora 

a Borgo Virgilio (MN). Artista 

poliedrico, pittore, scultore e musicista, 

esprime, attraverso i canali dell’esoterismo, 

un personale stile neoiconico 

non privo di una discorsiva intima incentrata 

sulla riadesione alla Natura da parte 

dell’uomo. Ha esposto in una trentina 

di mostre in Italia e all’estero (Genova, 

Savona, Mantova, Milano, Firenze, Padova, 

Torino, Berlino, Praga) e ha pubblicato 

testi di teoria estetica, tra cui ricordiamo 

Visionarkia (2007), in occasione 

della mostra Espressione d’artista alla 

Pinnakunst Galerie di Berlino, e Biofilia e 

Biofollia (2014), in occasione dell’ultima 

importante personale di scultura allestita 

a Mantova nel 2014 e ispirata all’Elogio 

della Follia di Erasmo da Rotterdam. 

Ha ricevuto premi nazionali e internazionali 

per la pittura e la grafica. Nel 2015 è 

stato insignito del Collare Laurenziano 

per la scultura dall’Accademia Internazionale 

Medicea durante la cerimonia 

del Premio Lorenzo il Magnifico svoltasi 

nel Salone dei Cinquecento in Palazzo 

Vecchio a Firenze. Sue opere si trovano 

in collezioni pubbliche e private italiane 

e straniere. 

I lavori di Luca Siri stanno a dire con ostinazione: 

l’arte si fa strada nel Corpo, poiché 

genera copie della nostra carnalità, 

seminando di immagini pesanti la traiettoria 

dell’esistenza. 

Giovanni Pasetti, 

settembre 2012 

Lo stile di Luca Siri, come già ad un primo 

sguardo l’occhio può immediatamente 

cogliere, non disdegna lo stile 

movimentato e le volute voluttuose del 

Summoning the light, 2014-2015, marmo di Carrara, 

cm. h 44x22x28 

Barocco, l’accentuazione manieristica della 

corporeità e un’incisiva fisiognomica dei volti 

– quei capelli indomabili, quegli occhi enormi, 

quegli zigomi pronunciati, quelle labbra turgide, 

quelle narici dilatate – tipica di certo realismo 

popolare. 

Andrea Pinotti 

ottobre 2014 

In scultura Luca Siri utilizza la terracotta e il 

marmo di Carrara per realizzare opere carnali 

che partendo dal corpo umano aspirano a trasmigrare 

dalla carnalità alla spiritualità. 

Fabrizio Borghini 

marzo 2015 

info@lucasiri.it - www.lucasiri.it 

Cell. 340 8010755 

148

MILVIO SODI 


Nato a Pisa nel 1938, risiede a 

Firenze dove è attivo in pittura 

dal 1967. Sul suo lavoro 

sono stati pubblicati: nel 1997, a cura 

di Roberta Fiorini, per i tipi de Il Candelaio 

Edizioni (Firenze), la monografia 

Percezioni con la presentazione 

di Giorgio Segato; nel 2005, per 

Arianna Sartori Editore (Mantova), il 

volume Trenta opere su carta con la 

presentazione di Giuseppe Catania; 

nel 2008, per le Edizioni Polistampa 

(Firenze), il volume Parole e disegni a 

china 1985/1987 con l’introduzione 

di Erika Bresci e la presentazione di 

Federico Napoli; nel 2013, il catalogo 

Paesaggi interiori, pubblicato a seguito 

dell’assegnazione del Premio 

Castello - X edizione con l’introduzione 

di Learco Zanardi e uno scritto 

di Antonio Natali. Oltre che in raccolte 

private, suoi lavori figurano in collezioni 

pubbliche fra cui: Museo di 

Altomonte; Museo Epicentro; Museo 

Rodolfo Valentino (Castellaneta); 

Museo d’Arte Contemporanea (Malta); 

Museo dell’Emigrazione Italiana 

(Brasile); Museo Civico (Caldarola); 

Comune di Abetone; Comune di Cavarzere; 

Casa di Boccaccio e Assessorato 

alla Cultura (Certaldo); Quartiere 

2 (Firenze); Assessorato alla 

Cultura (Prato); Assessorato Cultura 

e paese di Lizzano Pistoiese (dipinti 

murali); Comune di Tione, Assessorato 

alla Cultura; Centro Culturale Il 

Portone (Pisa); Casa di Conversazione 

(Lanciano); Azienda Sanitaria Fi- 

Percezioni, olio su tela, cm 80x60, 2015 

renze (Ospedali Santa Maria Annunziata e San 

Giovanni di Dio); Civica Galleria d’Arte Contemporanea 

(Civitella in Val di Chiana); Circolo Culturale 

Castello (Cerlongo di Goito); Fondazione 

Logudoro Meilogu a Banari. Tra le attività più recenti, 

le due mostre personali dal titolo La realtà 

immaginata (2010, Galleria La Soffitta, Sesto Fiorentino) 

con presentazione di Giovanna Lazzi e 

Domenico Viggiano e nel 2011 al Gran Caffè con 

introduzione di Alessandra Bruscagli; nel 2013 le 

personali Paesaggi interiori a Villa Magnaguti di 

Cerlongo di Goito e a Firenze presso il Convento 

di Santa Maria all’Incontro. Sedici suoi dipinti 

sono esposti in permanenza a Firenze presso lo 

spazio Chiarantini 2, in via Buonvicini 15. 

Via G. B. Vico 23 - 50136 Firenze 

Cell. 338 9779048 - www.milviosodi.it 

149


MASSIMO SONNINI 

Nascondiglio, 2009, olio su tela, cm. 60x60 

Artista senese, negli ultimi vent’anni 

ha tenuto oltre centoventi mostre 

fra personali e collettive. Ha esposto 

sia in Toscana (Siena, Firenze, Arezzo, 

Cortona, Grosseto, Volterra, San Gimignano, 

Pienza, Montepulciano, Montevarchi, 

Torrita, Venturina, Piancastagnaio, Poggibonsi, 

Chianciano, Fiesole) che in altre città 

italiane (Milano, Roma, Venezia, Torino, Perugia, 

Bologna, Rimini, Padova, Cosenza, 

Catanzaro) e all’estero (Parigi, Nizza, Monaco, 

Kuwait, New Yor, Barcellona, San Pietroburgo). 

Nel 2015 ha inoltre partecipato 

alla manifestazione Spoleto Arte. Il suo lavoro 

è stato recensito da giornali e riviste di 

settore come Arte Cultura, Disegnare e Dipingere, 

Arte & Carte, Varia, Segni d’Arte, 

Catalogo Mondadori. 

Nell’alveo intrigante e fascinoso della fantasia, 

la pittura di Massimo Sonnini incontra 

repentine sollecitazioni: suggestivi, i colori 

costruiscono trame che accendono di stupore 

luoghi nei quali trovare riparo dal grigiore 

quotidiano. Quanto alimenta, alla radice, 

una narrativa in cui non è difficile 

indovinare taluni rimandi autobiografici, è la 

memoria e la riflessione di un autore capace 

di spingersi oltre la dimensione del tempo, 

nelle pieghe ombrose ed enigmatiche di 

un’esistenza virtuale. È in questo irreale 

contesto, dove antichi riti tornano a consumarsi 

con lentezza olimpica, che Sonnini 

elabora una architettura figurativa colma di 

inattesi protagonisti girovaganti per mondi 

eterei, sempre e comunque sospesi sull’orlo 

del precipizio. Il volto surreale di una natura 

trasfigurata con curiose sembianze antropomorfe 

incornicia storie che nascono e si 

esauriscono entro le evanescenti proporzioni 

del dipinto: tutto, come in una sorta di 

incantesimo, pare fossilizzato nell’universo 

dell’impossibile; eppure resistono indizi, sia 

pure dissimulati, che riguardano da vicino 

sonnimax@gmail.com 

www.massimosonnini.com 

150


MASSIMO SONNINI 

tanto noi quanto l’autore di queste 

immaginarie composizioni, allusioni 

che riecheggiano fatti di vita comune, 

sogni e incubi di più d’una generazione. 

(…) Con cristallina originalità, 

Sonnini riesce a infondere questo e 

molto altro. Ispirato e vivace, risulta 

figura da seguire in un versante surreale, 

che rimane, almeno in ambito 

nostrano, tra i più interessanti degli 

ultimi decenni. 

Giovanni Faccenda 

Il viaggio, 2014, acrilico su tela, cm. 50x70 

Per Sonnini la visione non è pura registrazione 

meccanica dell’ambiente 

circostante, ma una scelta che privilegia 

i particolari che rivestono un significato 

importante o che lo incuriosiscono. 

Il pittore senese assimila ciò 

che ha di fronte per poi restituirlo e 

trasporlo a una realtà rappresentativa, 

frutto della sua interpretazione, 

indipendentemente dalla somiglianza 

con l’immagine originale. Illimitate 

sorgenti fornite dalla natura (o 

dall’uomo), avvenimenti casuali, un 

segno deciso e un buon gusto cromatico: 

sono questi gli ingredienti 

che compongono le sue visioni e che 

si concretizzano, in modo progressivo, 

nell’assoluta trasformazione dei 

riferimenti oggettivi, che vengono 

usati, stravolti o solamente decontestualizzati. 

Opere permeate di un’atmosfera 

sognante e inquietante, 

composizioni dalla prospettiva irrazionale 

e dai colori irreali, che mancano 

di un’unica sorgente di luce. Le 

ombre si allungano decise diventando 

talvolta volumi più marcati di quelli dai quali 

dovrebbero avere origine. Frutta, alcune bottiglie, 

un gruppo di case e una barca, oggetti che 

apparentemente non hanno nessuna relazione tra 

di loro, disposti in uno spazio fantastico ed enigmatico. 

(…) Ne risulta una realtà nuova e fantastica 

che costituisce una perfetta simbiosi tra una 

rappresentazione inadeguata e un potente simbolismo 

poetico, che permette all’uomo - pittore 

di ri-creare un proprio mondo e un proprio senso 

dell’infinito quale segno di originale e prismatico 

enigma da svelare. 

Maurizio Vanni 

151


KATARZYNA-CATHERINE SZYDLOWSKA 

Melanconia, 2015, olio su tela, cm. 40x50 

Nata nel 1969, si è formata all’Accademia 

Europea di Belle Arti di Varsavia, 

concludendo i suoi studi nel 

1997. La figura femminile è per lei fonte di 

continua ispirazione. Ha esposto sia in Polonia 

che all’estero. 

Tel. +48 695669770 - kasiaszydlowska@yahoo.com 

www.katarzynaszydlowska.pl 

152

MARIO TESTA 


Marilyn forever, litografia da tecnica mista, cm. 50x70 

Nato a San Cosma e Damiano (Latina), 

ha trascorso l’infanzia in Umbria 

e risiede a Roma. Poeta, pittore, 

cantante, ha pubblicato due volumi di poesie 

e si è affermato in prestigiosi concorsi 

letterari. Pluriaccademico d’onore di sodalizi 

nazionali ed internazionali, è collaboratore 

della RAI; ha interpretato e scritto diversi 

programmi radiofonici (Ribalta Aperta, 

Pantofole Rosa, Mongolfiera Blu, Pazzo 

Poeta, Astri e Disastri, Tutti a Bordo). Come 

cantautore ha partecipato alla trasmissione 

televisiva Scala Reale (terzo classificato) ed 

è stato a lungo “campione” della trasmissione 

Settevoci condotta da Pippo Baudo. 

Come pittore ha realizzato la busta Prime 

Die (posta aerea del Vaticano) commemorativa 

dei 500 anni di Michelangelo, il manifesto 

della Regione Lazio per Italia ’90 

(campionati mondiali di calcio) e per il Parco 

Regionale dei Castelli Romani. 

Tel. 06 3234255 - Cell. 333 9739839 

mario.testa@live.it - www.mariotesta.it 

153


LUCIANO TIGANI 

La natura si fa bella, olio su tela, cm. 60x80 

Nasce a Polistena (RC) nel 1966, dove 

tuttora vive ed opera. Sente sin da 

bambino nascere in sé l’ispirazione 

artistica e col passare degli anni, decide di 

fissare sulla tela bianca forme e colori che 

ritraggono la sua amata terra: la Calabria. 

Senza nessun maestro s’impegna a scoprire 

varie tecniche di pittura che vanno dal 

pastello alla china e all’acquarello, per poi 

arrivare alla pittura ad olio. Dopo essersi 

dedicato alla pittura di paesaggio tradizionale 

per diversi anni, decide di rinnovare la 

sua ricerca con un connubio di natura e fantasia. 

Uno stile che propone una sintesi tra 

realtà e sogno, rappresentazione oggettiva 

e visione surreale. Il suo scopo è riuscire a 

trasmettere le stesse emozioni che prova 

dipingendo, continuando così ad appoggiare 

il pennello sulle tele con grande passione 

ed immensa dolcezza. Hanno scritto 

di lui: Paolo Levi, Giorgia Cassini, Miriam 

Zerbi, Vito Cracas e il noto pittore Silvio 

Loffredo. Il suo lavoro è stato recensito su: 

La Stampa, America oggi, Arte, Italia Arte, 

Dimore Storiche Italiane, CAM Mondadori. 

Luciano Tigani esprime un concetto innovativo 

nel panorama artistico contemporaneo 

senza perdere di vista la storia del figurativo 

e la sua tradizione. La sua pittura è un canto 

spiegato di colore, di luce calda e solare che 

accarezza e intride le forme, dove l’accuratezza 

e la precisione descrittiva si compiace 

nell’esplorazione della varietà prospettico– 

luminosa, ma senza disperdersi né trascurare 

l’effetto complessivo della raffigurazione. 

Sono opere di grande misura e notevole 

compostezza con caratterizzazioni riconoscibili 

nella determinazione del luogo geograficamente 

definito, dove la componente 

realistica è ravvivata da efficaci tocchi luministici. 

Opere dove è evidente ed indiscutibile 

il fascino di una vocazione autentica, la 

capacità di esprimere col colore un’emozione 

pura. 

Giorgia Cassini 

Via Torino, 6 - 89024 Polistena (RC) - Tel. +39 0966 931216 +39 0966 932866 

Cell. +39 338 3606510 - artelucianotigani@gmail.com - www.lucianotigani.net 

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ADRIANO VELDORALE 


Nasce a Pistoia nel 1976. Artista 

autodidatta, all’età di venti 

anni comincia a costruire la 

sua espressione artistica: una continua 

ricerca stilistica, che sperimenta 

l’accostamento cromatico e semantico 

di materiali diversi come marmo, 

acciaio, legno, terracotta, resina, etc. 

Come scultore, ha iniziato a promuovere 

la sua arte nel 2011, con esposizioni 

personali e collettive nel territorio 

pistoiese. Alla fine del 2012 

partecipa al progetto Artistar, che lo 

porta in mostra al N.O.A. di Milano. 

Nel 2013 l’opera Niqab viene selezionata 

per partecipare alla rassegna di 

arte contemporanea Femminile plurale, 

tenutasi nel Castello della Contessa 

Adelaide, Susa (TO): l’opera è 

inserita nella sezione La riservatezza 

che si deve al dolore, mostra nella 

mostra dedicata alle donne che subiscono 

violenza. 

Nel 2014 è selezionato per partecipare 

a BeneBiennale, la prima biennale 

di Arte contemporanea di Benevento, 

dove riceve la menzione speciale 

della critica e il premio della stampa; 

lo stesso anno vince il Premio Art 

Abitart, partecipando al quinto step 

espositivo tenutosi presso l’Abitart 

Hotel di Roma. Sempre nel 2014 vince 

il Fiorino d’Argento nella sezione 

Scultura del Premio Firenze 2014, 

avendo così l’onore di poter esporre 

l’opera Intoccabile nel Salone dei 

Cinquecento di Palazzo Vecchio a Firenze. 

Coesistenza, 2001, marmo di Carrara, ulivo, acciaio, cm. 35x30x37 

In quella che si può definire una ricerca psico-antropologica, 

Veldorale si spinge nell’interiorità 

dell’uomo, estrapolando dalla materia le emozioni, 

le pulsioni e le paure dell’animo, che, per essere 

seriamente “ascoltate” e conosciute, richiedono 

silenzio, solitudine, pazienza, umiltà. Condizioni 

che una sintomatica coincidenza vuole siano richieste 

anche dall’arte della scultura, da cui emerge 

l’umiltà con la quale l’artista si avvicina alla materia, 

ne studia la duttilità, ne asseconda 

l’andamento, fino a imporle la sua volontà, ovvero 

quella forma compiuta che, sorretta dall’estetica, 

esprime pensieri e concetti. 

Niccolò Lucarelli 

adriano.veldorale@libero.it 

www.adrianoveldorale.com - fb: Adriano Veldorale Sculture 

155


MANUELA VERI 

Olivo ciliegio, 2014, bronzo con base di travertino opalino, tecnica cera persa, h. cm. 38 

Architetto paesaggista, sta completando 

l’Accademia delle Belle Arti 

di Firenze. L’osservazione è un meccanismo 

utilizzato per cogliere le differenze. 

Sempre attenta a ciò che la circonda, ai 

cambiamenti in corso tra la natura e le sue 

forme, l’urbano e le sue relazioni. In questa 

fase l’arte figurativa viene utilizzata per la 

natura e l’astrattismo per la città. È certamente 

una frase banale scrivere che il mondo 

è unico ma gli ambienti sono diversi. 

Eppure l’elemento in comune, nello specifico 

l’essere umano, riesce a rendere sempre 

più piatto l’urbano. L’olivo, un albero ricco 

di significati che ci ha accompagnato nella 

storia del paese in cui viviamo, esprime carattere, 

presenza, forza, capacità di adattamento, 

vita propria, per questo è degno di 

essere rappresentato e ricordato. 

Via del Paretaio, 47 - 50065 Sieci - Pontassieve (FI) 

Cell. 338 2083722 - yma_nu@tiscali.it 

156

FABIO VETTORI 


Ènato nel 1943 a Firenze, dove 

vive e lavora. Ha al suo attivo 

numerose mostre personali ed 

ha partecipato a diversi concorsi nazionali 

ed internazionali. Tra i premi 

ricevuti si ricordano: il primo premio 

Fior di Loto (1980), il secondo premio 

Brunellesco (1981), il primo premio 

Mostra Sociale (Fiesole, 1981) e il premio 

Fiorino d’Oro. Nel campo della 

scultura ha ottentuo con la sua personale 

tecnica denominata “scultura - 

mosaico” ottimi giudizi di critica e di 

pubblico. L’ultima mostra personale 

risale alla fine degli anni Ottanta nella 

sede del Gruppo Donatello. In 

quest’occasione Tommaso Paloscia 

visitò la mostra e la recensì sul quotidiano 

La Nazione con un articolo dal 

titolo Una pagina nell’Arte di Vettori. 

Hanno scritto di lui: Giuse Benignetti, 

Tommaso Paloscia, Paolo A. Di Martino, 

Daniela Pronestì. 

Fabio Vettori indirizza la sua verve 

creativa su più sentieri tematici, avendo 

come imprescindibile riferimento i 

criteri di una tecnica ormai consolidata: 

la scultura - mosaico. (…) Una tecnica 

che riscopre una manualità antica 

per farsi veicolo di una sensibilità 

moderna e di una capacità immaginativa 

che sorprende per il modo in cui 

disciplina il passaggio dall’idea alla 

forma senza l’ausilio di un modello 

preparatorio. Il risultato finale ricorda 

Niña, 1992, bozzetto in vetroresina 

visamente la fusione in bronzo, mentre in realtà il 

procedimento consiste in una lavorazione diretta 

dei metalli, soprattutto rame e ottone, che vengono 

prima modellati, frammento dopo frammento, 

e poi saldati in un corpo unico. L’assenza di un 

tracciato progettuale denota una conoscenza 

profonda, quasi aprioristica delle proprietà interne 

di una forma - sia essa umana o animale - e 

delle relazioni strutturali su cui si fonda. 


Cell. 340 2333651 - theartist@vettoriart.com 

www.vettoriart.com 

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MARIA RITA VITA 

Nasce a Massa (MS) nel 1966. Autodidatta, 

coltiva sin da bambina la passione 

per l’arte, con una spiccata 

inclinazione per la pittura. Vive tra le Alpi 

Apuane e la Riviera Versiliese, terra colma 

di contrasti e di forte sentire. Nella fierezza 

di tali origini, si nutre dei colori accesi, passionali 

e luminosi del territorio natio che 

costituiscono l’alfabeto della sua ricca tavolozza. 

Frequenterà per volontà paterna 

studi tecnici; una scelta accettata, ma mai 

condivisa che la porterà a lavorare nel mondo 

del commercio. Tuttavia, l’amore per la 

pittura e per il colore continua ad ardere 

sotto la cenere, inducendola a non abbandonare 

il sogno di poter fare dell’arte il centro 

della sua vita. Le sue letture preferite 

sono rivolte alla lezione dei grandi maestri 

del Rinascimento, del Barocco e dell’Espressionismo 

astratto americano, da cui 

apprende le leggi della prospettiva, l’interpretazione 

spaziale, la ricchezza del segno, 

la sontuosità cromatica, la ricerca introspettiva 

e la gestualità istintiva. La sua ricerca 

si fonda su esplorazioni linguistiche 

di natura emozionale con indagini sulla fenomenologia 

del colore e investigazioni su 

percezioni interiori che traduce in elementi 

astratti con vaghi riferimenti al dato reale. 

Sarà una forte intima emozione sentimentale 

a far decidere l’artista di stravolgere la 

sua vita in campo lavorativo e dedicarsi 

completamente alla pittura: «La mia Vita è 

la mia Arte e la mia Arte è la mia Vita». Proficua 

la sua attività espositiva, indirizzata 

prevalentemente verso esposizioni personali. 

Nel 2012 il suo dipinto Fiori nel Gorgo 

diventa l’immagine di copertina del romanzo 

Omicidio dell’Anima di G. Perazzini (Ediz. 

Il Ciliegio). Nel 2014 viene selezionata presso 

il Museo Pier Maria Rossi in Berceto (PR) 

a partecipare alla X Biennale d’Arte a Roma. 

Esplosione di luce, 2015, olio su tela, cm. 100x70 

Contestualmente inaugura il proprio atelier 

nel centro storico di Massa, dove espone in 

permanenza, e nell’autunno 2015 lancia la 

collezione di accessori donna VITA - Arte 

da indossare. Sempre nel 2015 è a Firenze 

con la sua personale I fili del tempo presso 

gli spazi dello Storico Gruppo Donatello 

concatalogo Edizione Museo Ugo Guidi di 

Forte dei Marmi censito presso la Biblioteca 

Nazionale di Stato. Espone presso Palazzo 

Mandralisca a Cefalù nella Mostra “All’Ignoto 

Marinaio - Omaggio ai dipinti di 

Antonello da Messina attraverso” e all’evento 

di gemellaggio d’Arte Pietrasanta-Cefalù 

ideato e curato dal noto storico e Critico 

d’Arte Lodovico Gierut. Sue opere si trovano 

in collezioni private e pubbliche. 

Cell. 333 8217316 - info@mariaritavita.com - www.mariaritavita.com 

Show room - Gallery: Galleria MRV-VIta - Via Guglielmi, 4 - Centro Storico - Massa (MS) 

158

PARASKEVÌ ZERVA 


Scultrice e poetessa greca, risiede 

a Firenze dal 1997. Formatasi 

in Grecia, dove ha frequentato 

un corso di pittura a olio, si è poi 

trasferita in Italia, a Firenze, dove ha 

frequentato un corso di disegno 

presso l’Istituto Internazionale di Pittura 

e Disegno di Tiziano Bonanni e i 

corsi del laboratorio di scultura Ellittica 

a Calenzano. Attualmente frequenta 

il laboratorio di disegno del 

nudo presso lo studio di pittura e disegno 

di Charles Cecil. Dal 2013 studia 

incisione alla Fondazione il Bisonte 

e dal 2006 si dedica alla 

scultura sotto la guida di Amalia 

Ciardi Duprè, nel cui studio - galleria 

ha presentato, nel 2013, la prima personale 

dal titolo ΑΓΑΠΩ (AMO), 

Dall’Alfa all’Omega. Nello stesso 

anno ha esposto al Castello dell’Acciaiolo 

di Scandicci con la personale 

La sacra danza dell’essere, e nel 2014 

nella sede del Gruppo Donatello con 

la personale La Kore e l’Anima. Tra le 

altre mostre si ricordano quelle realizzate 

a Firenze (Chiesa della Santissima 

Annunziata, Palagio di Parte 

Guelfa, Oratorio dei Salesiani, Limonaia 

di Villa Vogel) e in altre località 

della Toscana (Oratorio di Calenzano 

alto, San Niccolò in Casentino, Palazzo 

Malaspina a San Donato in Poggio). 

È presente nei volumi Donne 

dell’Arte In Toscana (Masso delle 

Fate Edizioni) 2013 e 2014. 

Le creazioni di Zerva interpretano il 

concetto di femminilità come espressione 

di una forza generativa, di un 

impulso alla vita da cui ogni cosa 

trae origine. È anche per questo che 

Fiducia, 2003, bronzo, cm. 30x10 

difficilmente riconosceremo nei loro volti i tratti 

propri di una donna, quanto piuttosto i lineamenti, 

sempre gentili e delicati, di una fisionomia androgina 

che va interpretata come un’esemplificazione 

dell’unità dell’essere. Con le sue opere, l’artista 

greca ci ricorda che c’è un codice dell’anima che 

non conosce differenze di genere o di appartenenza 

perchè risponde ad un insopprimibile bisogno 

di bellezza intesa non in senso estetico ma 

come pienezza del vivere. Allo stesso modo, c’è 

un codice del corpo che occorre conoscere e rispettare 

affinchè sia tempio del nostro spirito ed 

elemento che ci fa essere parte di un tutto, di un 

solo grande respiro universale. 


Cell. +39 338 1880326 

zervaparaskevi@gmail.com 

159

U 

na mostra di ampio respiro in cui i generi 

della tradizione (pittura, scultura, incisione, 

grafica, fotografia) convivono con i linguaggi 

artistici più recenti (arte digitale, installazione, 

assemblage) nel segno del dialogo tra i 

popoli. Le pagine di questo volume, che documenta 

le opere esposte corredandole con i profili 

biografici e critici degli artisti, offrono lo 

spunto per una riflessione sul plurilinguismo 

dell’arte contemporanea, da tempo orientata 

verso la dissoluzione delle norme e dei vincoli 

formali per farsi interprete di una società sempre 

più multietnica ed esposta al cambiamento. 

ISBN 978-88-6039-357-9 

E 15,00 (IVA inclusa)

Libro Expo (3).pdf

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