El estilo barroco aristocrático - BiblioMaster.com Inglés

madre, a la que dos años después siguió Saskia poco después de nacer su hijo Tito. Por 1650, los
gustos artísticos habían cambiado, pero Rembrandt inquebrantablemente siguió los dictados de su
propio genio sin hacer concesión alguna a las modas veleidosas. La mirada penetrante en que brilla una
luz interior, penetra en las profundidades de su propio carácter y parece preguntar "¿A donde?" De esa
etapa en adelante, Rembrandt advirtió cada vez con mayor nitidez que su misión era explorar el mundo
de la imaginación y dejar a otros el de las apariencias. En consecuencia, su semblante refleja la
serenidad de un hombre que después de elegir su camino sabe que no puede dar marcha atrás. Los
problemas económicos se intensificaron al acumularse las deudas, y de 1656 a 1660 el artista estuvo en
bancarrota. Su valiosa casa con sus muebles, su colección personal de pinturas, grabados, armaduras y
material para su arte, fueron subastados para pagar a los acreedores. En este punto, la expresión
inquisitiva de los ojos luminosos comienza a dirigirse hacia adentro en una autovaloración al enjuiciar sin
concesiones y en forma implacable, su evolución moral y artística. Los últimos años fueron entristecidos
por las muertes de su fiel amiga y ama de llaves Hendrickje Stoeffeis (1662) y de su hijo Tito (1668). Sin
abandonar su actividad por un solo momento, Rembrandt en su último autorretrato nos muestra el
conocido semblante en que han dejado su huella las enfermedades y la resignación, pero aún lleno de la
honda compasión humana que marcó su vida y su arte.
Entre los polos del introspectivo Rembrandt y el ajeno Vermeer se extiende toda una gama de temas,
sujetos y estados de ánimo expresados por sus contemporáneos. En tanto Rembrandt buscaba retratar
el espíritu del hombre en todo su complejo conjunto, Frans Hals se contentó con aprehender la
individualidad humana en una efímera mirada o en un ademán casual. En sus primeras obras se
interesó más por las apariencias que por las esencias. Más tarde, bajo la influencia del enfoque
rembrandtiano de la búsqueda del alma, sus colores vividos y su toque ligero se trocaron en tonos
sombríos y temas serios. La alegría contagiosa de su Laudista alegre es típica del fresco y alborozado
periodo temprano. Con desgreñada cabellera y gorro ladeado en airoso ángulo, su personaje podría ser
un músico que entretiene en una taberna. La forma en que sostiene el vaso de burbujeante vino revela
la fuente de la luz, que baria su cara y su instrumento. En cuadros semejantes, las gentes de Haarlem,
poblado nativo de Hals, pendencieras pescaderas, parranderos funcionarios y achispados fiesteros,
viven de nuevo con toda su exuberante vitalidad y capacidad para vivir.
La Madre e hija de Pedro de Hooch es un tranquilo estudio de la vida doméstica en un pacífico hogar. A
semejanza de sus colegas, de Hooch supo que la luz era el imán que atraía la mirada, y que sus
vibraciones comunicaban a los interiores su dádiva de vida y movimiento. Empero, de Hooch maneja
una luz atemperada, acorde con la tranquilidad de su tema y sus personajes. La luz del sol penetra
desde la abierta puerta de estilo holandés, en la parte trasera y la ventana en el ángulo superior
derecho. Valiéndose de estos medios, el artista separa sin ambigüedades sus tres planos que se
escalonan sucesivamente hasta el fondo; explora el contraste de contexturas entre el suelo de azulejos,
el cristal transparente, las barnizadas superficies de madera, las telas suaves y el brillo metálico del
calentador de cobre detrás de la cabeza de la mujer sentada al igual que nos muestra las figuras de la
madre, la hija y el perro. El mundo de de Hooch es más estático que el de Rembrandt, sus figuras
menos animadas que las de Hals, y su geometría pictórica más imprevisible que la de Vermeer. Sin
embargo, cada interior suyo tiene la tranquilidad intemporal de una naturaleza muerta, en que las figuras
y los objetos se juntan en su medio doméstico holandés para integrar un conjunto coherente.
El sombrío estudio que Jacobo van Ruisdael hizo de un cementerio, pertenece a la categoría de los
paisajes de enorme significado para los holandeses que habían luchado incansablemente por su país
contra los opresores españoles. Su Muelle en Amsterdam es un paisaje realista de una cara de la
ciudad, exacto en su detalle descriptivo, en tanto que Ruisdael en el Cementerio judío, parece estar
buscando valores simbólicos más hondos. El escenario fue el cementerio judío en la Oudekerk de
Amsterdam, pero para realzar el tono y la atmósfera del cuadro, el pintor inventa muchos detalles
imaginarios pintorescos. Las ruinas abandonadas del viejo castillo y los esqueléticos troncos de los dos
árboles muertos que no estaban en el escenario real, se unen con las blancas lápidas de las tumbas
para impregnar la composición con ideas de muerte. Las inscripciones de las lápidas, de las cuales
algunas todavía existen, recuerdan al observador que la tolerancia religiosa en los Países Bajos hizo de
esa tierra el refugio de los judíos acosados por la Inquisición de España y Portugal. Ruisdael vuelca una
profundidad de sentimientos, al igual que de espacio, en este paisaje. En la caída de agua y los árboles
retorcidos que abren sus ramajes al cielo amenazante, capta algo de la sublimidad de la Naturaleza,
pasmo del hombre y ante la cual palidece su obra. Su incansable mirada, amante de lo pintoresco
anticipa en forma notable algunos aspectos del romanticismo del siglo XIX.En su Panorama de Delft, Jan
Vermeer de Delft pintó el perfil de su ciudad nativa. Desde los paseantes que están en la parte izquierda
del primer plano, el artista conduce la mirada por el canal y la hace seguir la línea de los edificios
mercantiles y casas por detrás del muro de la ciudad, a la izquierda, pasar el puente de piedra en el