MondoSonoro Marzo 2020

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LA ZOWI, REAL EL CANARIO, LOLA MARSH, MANOLO KABEZABOLO, CIUDAD JARA, THE MISSION, NEW MODEL ARMY
Nº 281 Marzo 2020 www.mondosonoro.com
Erik Urano
Fallo en el sistema
FOTO: Juan Carlos Quindos

C
M
Y
CM
MY
CY
CMY
K

5/Mondo
freako
FOTO: IVORY XX
Triángulo
De Amor
Han aparcado lo explícito, gueo en el cuero cabelludo. Fuzz, noise das ruidistas. Aunque los tiros en el pie
también lo cínico. Y la
y despiste. Su quinta entrega larga es –en cada álbum prueban nuevas formas
la más descaradamente abierta, la más de componer y tocar– surten efecto. Los
versión de frente pura de
pop en su recepción. Empiece como sintetizadores y platillos trabajan para
los gallegos, gusta el doble. empiece (Ruptura, el primer adelanto, la emoción. Las baterías se escuchan
Cortes como Fukushima o
tira hacia lo Big Black). “Es lo que hacemos
con todos los discos. Así la gente licia y con Carlos Hernández (con ellos
amplias. Pese a haber grabado en Ga-
Bizarro
Cura mi corazón justifican
conoce más canciones que el single. de forma intermitente desde su debut),
su enésima reinvención pop.
Estamos en una época en que el peso suman nuevas calidades. Parte de culpa
Triángulo de Amor Bizarro de las bandas son dos o tres canciones de ese cambio la tiene la producción.
(Mushroom Pillow, 20) muestra y nosotros somos un grupo de disco. Han confeccionado el álbum a pedazos.
a una banda inagotable. Ahora, Queríamos que la gente escuchase lo Nada de levantar las canciones desde
más experimental al principio”, dicta melodía/base. “El proceso normal sería
además, con más trazas de
Rodrigo Caamaño. De fondo, Rafael llegar al local y construir el tema, y en
corazoncito.
Mallo y Zippo secundan las palabras cambio aquí incluso hemos partido solo
ASMR
del guitarrista. El audio del móvil cruje de ritmos. Lo hemos hecho más por
El pasado no fue mejor,
pero el presente, a Pero, amabilísimos, se hacen entender. callado de los tres (sólo falta a la charla
más que el sonido de su primera demo. bloques”, dice Mallo. Y Zippo, el más
veces, asusta: ¿De verdad “El rollo industrial siempre estuvo en Isabel Cea, pese a que su voz se escucha
los hay que se duermen nuestro ADN. Lo que pasa es que ahora vital en el largo), añade: “Hemos usado
escuchando ruiditos de afinamos más”, apuntan al unísono. Y más sintetizadores de lo habitual. Y
cepillos frotándose contra
micrófonos? Triángulo de Amor Bipre,
Neubauten o Big Black están en la Protools te permiten darle la vuelta a
ríen. “Las referencias son las de siem-
samplers. Hoy día, programas como el
zarro son una banda puente. No se han historia del grupo, desde las maquetas. la composición. No empezar por una
bizarro
soterrado en referencias de su juventud, ¿Y no se filtran cosas de ahora? “Puede rueda, por una voz, sino ir con una caja
pero tampoco han sucumbido a las ser que bandas actuales nos lleven a de ritmos y venga. Pero lo difícil es no
últimas tendencias de Youtube; ASMR lugares que pasaron por nuestras cabezas.
Pero no nos vemos haciendo reg-
“Salve discordia (16) es nuestro
abusar de esas posibilidades digitales”.
3
(Respuesta sensorial meridiana autónoma),
sí, pero a su manera. Los gallegos gaeton o trap, no”. Triángulo de Amor disco de rock and roll clásico. Este, en
han cocinado un disco para el hormi- Bizarro se mantienen en sus coordena-
cambio, es un disco de pop. Pero cuanmondosonoro.com
— @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro marzo 2020 #5
“Estamos en una época en que
el peso de las bandas son dos
o tres canciones y nosotros
somos un grupo de disco”

MONDO
FREAKO
3do estaban marcadas las dos o tres canciones
pop, con el resto nos fuimos por los cerros de
Úbeda. Teníamos un disco escrito, paralelo, una
especie de hard rock futurista, llevado al extremo,
y quedó en el aire. Y eso de repente lo pudimos
llevar a otro lado; había ciertas melodías
y material vario que aprovechamos para tener
puntos de partida diferentes en este”, comentan.
Los temas pop a los que hacen referencia
son los centrales del disco: Fukushima o ASMR
para ti, dos de los más inspirados de su carrera.
Y de los más accesibles. Si el EP Gatopardo (18)
supuso un momento de transición, después de
probarse en vías más directas y explícitas, muy
políticas, ahora se han entregado a su propia
concepción de la melancolía. Los Triángulo con
más corazoncito. “Diría que este disco es algo
más emocional-optimista, aunque son palabras
que odio... Nunca antes hicimos cosas así. Nos
abandonamos a la melancolía otoñal. Nos planteamos
hacer cosas sin tanto cinismo, que es un
motor maravilloso para componer, pero esta
vez queríamos algo a corazón abierto. Después
del EP, tocaba algo con la frente limpia, de sensaciones
más puras”, destaca Caamaño.
Dicha melancolía en los textos y la
instrumentación, muros de guitarras en convivencia
con espaciosos teclados, llevan a una
sensación de distopía, de sentimientos liofilizados.
“Somos capaces de amar debajo de la
armadura”, ríen. El disco también afianza los
mensajes tema a tema, en vez de un popurrí de
frases crípticas en un mismo corte. “Antes había
elementos que se contraponían en cada tema
e igual en este disco sí que van más canción a
canción”, secundan. Hacer el disco a pedazos les
supondrá también nuevos retos en directo. “De
todo tipo además”, asalta Mallo. “Cuando grabas
en concierto
l Santigo de Compostela 1 abril , Melona Fest.
l Córdoba 17 abril , Sala Hangar
l Murcia 1-3 mayo , WARM Up Estrella Levante
l Alicante 29-30 mayo , Spring Festival
l Bilbao 9-11 julio, BBK Live
l Benicàssim 16-19 julio, FIB
CRiTICANDO
r
Triángulo de
Amor Bizarro
Mushroom Pillow
Pop 8/10
Triángulo de Amor Bizarro han jugado,
una vez más, al despiste. Ruptura, la canción
de ecos Big Black que abre el disco, primer
adelanto del mismo, no tiene continuidad en
el largo. Su quinta referencia es tal vez la más
pop: abierta de miras, pero con pinceladas de
lo de siempre, inclusive esa –definen– “turra”
tan suya. Hay todo lo que se podía esperar:
distorsión y muchísima reverb, pero se explora
una corriente semi-nueva, la melancolía sin
máscaras. Los Triángulo de corazón blandito,
blandito. La vía más ruidosa, herencia de sus
primeros años, pero todavía presente en Salve
Discordia (16), pierde vigor a medida que
avanza el álbum. De hecho, las canciones más
poperas –y las más inspiradas– están en el
alma de Triángulo de Amor Bizarro: Fukushima
o ASMR para ti. Pero, ¿cómo han pasado del
explícito y crudo Gatopardo (18) a esta banda
sonora futurista? Los gallegos son de pinchar
el balón después de cada partido. Aunque todo
se haga sin salir de Galicia, con su archiconocido
Carlos Hernández, nada suena a lo mismo.
Triángulo llevan practicando la ruptura desde
que el mundo es mundo.—y.s.i.
no te preocupas por eso, pero ya estamos con la
organización de toda la parte técnica. Y...”, ríe.
Triángulo de Amor Bizarro siguen viviendo del
desafío. En una década, han pasado de la media
hora de trituradora a los matices. Ahora prometen
más bloques y texturas. Ruido y mimos
en el mismo espectáculo. Lo que sería un masaje
auditivo para los gallegos. —yeray s. iborra
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FOTO: IVORY XX
LA MÍA
En un suspiro
Se escuchan ya las primeras voces
que apuntan que la música urbana
está agotándose, o mejor dicho su
creatividad. Algunos son aficionados,
otros periodistas, otros incluso músicos
como Dellafuente. En el documental Dellafuente.
Mil futuros, el andaluz comenta
cosas como “Ahora hay 200.000 artistas
haciendo lo mismo, que han cogido el mismo
camino. No lo critico, me parece de puta
madre, pero al final somos uno más dentro
de este sonido, que creo que está sobreexplotado
[...] ¿Qué hago: darle a la gente lo que
quiere o tirar para otro lado?”. Dellafuente
parece tenerlo claro y ya ha dado pistas de
que su camino de aquí en adelante será otro.
Da lo mismo que todavía haya gente subiéndose
al tren, lo importante es que quienes
fueron realmente pioneros en estas tierras
llevan tiempo apeándose en una estación
distinta. Quienes no estuvieron ahí al principio
pensarán que todo ha ocurrido en un par
de años, a la velocidad de la luz. Y en realidad
han sido, permítanme que lo subraye, unos
cinco años entre la efervescencia inicial y el
momento actual en el que las cosas ya no son
lo que fueron. En un suspiro se ha pasado de
la espontaneidad a la mediocridad, ambas
indiscriminadas. Quienes le tenían ganas al
asunto dirán que ha sido una moda efímera
y sin poso. Se equivocarán relativamente. En
primer lugar porque, en esto de la música, las
modas y los revulsivos en ocasiones vienen
a ser lo mismo. En segundo, porque ahí quedarán
algunos nombres para quien quiera
disfrutarlos. Pero en lo que más se equivocarán
será en atribuirle esa fugacidad a un
movimiento por el simple hecho de que no
conectasen con él. Y créanme, esta columna
no habla de defender el trap o el rollo urbano
nacional, sino que trata sobre la fugacidad
de los movimientos que consiguen excitarnos
durante una temporada. Para tomar conciencia
de ello, es tan sencillo como echarle
un repaso a todas las revueltas musicales
que se nos ocurran –más allá de genéricos
como “rock”, “pop”, “soul”, “heavy metal” y
demás etiquetas de influencia mucho más
general– y redondear de forma aproximada
su duración en el tiempo. Vamos con algunos
ejemplos de lo más variopinto. Nirvana se
mantuvieron en la cima del grunge entre 1991
y 1994, con la muerte de Kurt Cobain, mientras
que Jimi Hendrix ardió fugaz entre 1966
y 1970. Algo más se extendió el momento de
gloria de Amy Winehouse, que tomó desde la
aparición de Back To Black en 2006 hasta
su fallecimiento en 2011. O podríamos hablar
del boom de algunos géneros. El big beat
copó los charts entre 1997 y 2001, con The
Prodigy, Fatboy Slim o The Chemical Brothers
siendo el centro del universo. El eurodance
se extendió por el mundo entre 1992 y 1996
aproximadamente, dejándonos por el camino
hits como Saturday Night o The Rhythm Of
The Night. Los new romantics estuvieron
arriba entre 1979 y 1984. Y podríamos seguir
añadiendo géneros fugaces hasta la extenuación.
Visto y no visto, oigan. —joan s. luna
#6 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO
FREAKO
Caribou
Buenas
Intenciones
Dan Snaith es un tipo tranquilo,
amable, atento y educado.
Resulta imposible sentarse
a charlar con él y no sentir
automáticamente una cercanía
y una simpatía enormes al
escucharle hablar de forma
apasionada, siempre con una
sonrisa gigante en el rostro,
acerca de su nuevo trabajo
Suddenly (City Slang/Music As
Usual, 20).
“Siempre hay una
intención positiva
detrás de todo lo
que hago”
sale de forma natural intentar ser feliz
y hacer felices a los demás, y ese es un
elemento que no puedo desligar de mi
música. Es lo que me gustaría transmitir,
esa sensación de sentirte abrazado,
lograr que la música sea un espacio de
consuelo y apoyo, en lo personal y como
respuesta a estos tiempos de desorientación
política que estamos viviendo. El
Brexit, Trump, el movimiento Metoo,
la crisis climática... Lo personal se
convierte en lo político, y una posible
respuesta sería hacer un disco enfadado
y lleno de furia, pero siempre llego a
la conclusión de que la música puede
servir de diferente forma a un montón
de propósitos y a lo mejor no es necesario
que cada voz diga lo mismo y de la
misma manera, hay muchas formas de
apoyar una causa”.
Pasa el tiempo y Caribou no sólo
no defrauda, sino que va creciendo de
forma exponencial con cada nuevo paso
en una carrera impecable que lo ha ido
convirtiendo poco a poco en un compositor
enorme, dotado de una sensibilidad
y un manejo del sonido totalmente
únicos. Celebremos una madurez tan
bien llevada, y aplaudamos la valía de
un artista que ha sabido construir una
carrera impecable llevando la normalidad,
la humildad y las buenas intenciones
por bandera. —ricky lavado
r
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: THOMAS NEUKUM
Es un placer enfrentarse
a un disco como Suddenly, una
obra en la que una de las mentes
más brillantes e interesantes del
terreno del pop electrónico y la música
de club de los últimos veinte años baja
revoluciones para ofrecernos una colección
redonda de canciones en la que
la calma y la profundidad emocional se
sitúan en primer plano. “Han pasado un
montón de cosas en mi vida personal
en estos últimos años, y muchas de esas
cosas están reflejadas en las letras del
disco. Por un lado, nació nuestra segunda
hija. Por otro lado han ocurrido
cosas relativas a sobrellevar la pérdida
de seres queridos, las pérdidas dentro
de la familia. Mi vida se ha equilibrado
entre la música y el resto de cosas que
ocurren a mi alrededor, y eso es parte
del motivo por el que he tardado tanto
en hacer un disco nuevo. También me
pasa que cuando me siento a componer
hoy en día, miro atrás y no quiero
repetir nada de lo que ya he hecho. Si
no publicara discos, seguiría haciendo
música todo el tiempo, es algo que no
puedo desconectar y me encanta que
así sea, pero a la hora de publicar un
disco, necesito sentir que vale la pena
y necesito saber que aporta algo nuevo
a la conversación entre mi música y
el mundo. Ahí puedo llegar a ser muy
duro conmigo mismo”.
Da la sensación de que, con
Suddenly, esa exigencia ha llevado al
canadiense a alejarse un poco de la
parte más electrónica de Caribou o de
sus trabajos como Daphni. “La música
de club tiene mucho potencial; toda
esa parte hipnótica, las repeticiones y
los loops, las posibilidades infinitas de
manipulación del sonido... pero hay un
montón de lugares a los que no puedes
acceder desde ese género, y cuando empecé
a preparar este disco lo único que
tenía claro era que quería llegar a esos
lugares, y me dí cuenta de lo mucho que
añoraba y necesitaba volver a componer
y escribir canciones”.
Esa necesidad expresiva da
como resultado un trabajo atravesado
por reflexiones profundas y hasta dolorosas
acerca de la muerte, la madurez,
el paso del tiempo y la familia... y a la
vez todo suena cálido, orgánico y luminoso.
“Supongo que la música que
haces es un reflejo de lo que eres como
persona, y creo que en mi música siempre
está presente de alguna manera la
alegría, o como mínimo siempre hay
una intención positiva detrás de todo lo
que hago. Soy una persona positiva, me
EL APUNTE
Antes de Suddenly: en el estudio
Tras inaugurar los dosmiles con una
serie de trabajos con el alias de Manitoba,
en 2005 Dan Snaith lanza The
Milk Of Human Kindness, el primer
disco de Caribou propiamente dicho,
una colección de composiciones a medio
camino entre la folktrónica y una
suerte de psicodelia luminosa que, con
resultados irregulares pero plagado de
pequeñas joyas, sentó las bases para el
aclamado Andorra, publicado en 2007
y ganador del Polaris Music Prize en
2008. Andorra muestra el potencial de
Slaigh como compositor de canciones
redondas de pop pasadas por el filtro de
la indietrónica, aparte de su ya sobradamente
demostrado talento como pro-
ductor y manipulador del sonido. Con
la llegada del laureado Swim en 2010,
el canadiense da un giro de tuerca a su
sonido y se aleja del pop orgánico para
centrarse en la vertiente más sintética
y bailable de su música, regalando un
disco enorme en el que manda la música
de club y la electrónica. La querencia
de Slaigh por la pista de baile, reflejada
en su alter ego Daphni, culminará en
2014 con la publicación de Our Love,
continuación natural del camino iniciado
con Swim y auténtico caleidoscopio
sonoro en el que el abanico de influencias
de la música de Caribou se abre
para ofrecer el disco más bailable de su
trayectoria. R.L.—r.l.
#8 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO
FREAKO
FOTO: ARCHIVO
Biznaga
Rabia contra
la máquina
Biznaga vuelven a la
palestra con Gran Pantalla
(Slovenly Recordings, 20), un
tercer álbum que nace con
la intención de retratar la
dictadura tecnológica en la
que vivimos. Para hacerlo no
solo gritan más fuerte, sino
también mejor.
EN LA MALETA
Martin Solveig
Es uno de los adalides de la
electrónica festiva, amable
y bailable, que, además,
ha sabido felizmente
sobrevivir a la EDM. Y
es también un tipo con
un olfato especial para
encontrar sinergias que
lo aupen en lo más alto del
escalafón de la electrónica
mainstream. Como con este
nuevo Juliet & Romeo
(Positiva/EMI, 19).
“Ha sido como algo liberador,
para sacar mierda”
Pese a que Biznaga hace
tiempo que superaron lo de
grupo emergente, sus canciones
siguen sonando frescas,
enervadas y frenéticas. Así lo demuestra
su tercer trabajo, Gran Pantalla, un
disco en el que también encontramos
Para empezar me gustaría saber
cómo surge esta colaboración
con el rapero canadiense Roy
Woods.
Te cuento la historia: tuve esa canción
“Juliet & Romeo” en mi ordenador durante
casi un año, y no sabía qué hacer con
ella. Faltaba un elemento y yo no podía
averiguar cuál era, aunque me gustó la
canción, pensé que estaba incompleta
y no quise lanzarla. El azar me llevó a
Roy Woods e inmediatamente hizo que
cobrase sentido. Pensé que su voz encajaría
perfectamente con la canción. No
tuvimos oportunidad de encontrarnos
en el estudio mientras grabó la canción
en Canadá. Pero todo salió genial y sin
problemas. La actuación vocal de Roy en
el tema está más allá de lo que yo podría
haber imaginado. Justo después, Roy y su
equipo viajaron hasta París para rodar el
videoclip. Es un tipo tan relajado y sencillo
que hizo del trabajar con él algo muy
agradable y, a decir verdad, no podría ni
soñar con una mejor colaboración.
—¿Con qué otros artistas –del perfil
de Roy Woods y similares– te gustaría
trabajar?
Hay toneladas de artistas que escucho
o con los que me gustaría colaborar,
tengo que decirlo siempre depende de la
canción, luego decides quién tiene más
probabilidades de encajar. Por el momento
realmente tengo mucha admiración
por Dua Lipa o Raye, son increíbles.
una intención de evolución por parte
de la banda. “Entramos al estudio con
ganas de retorcer el planteamiento que
habíamos hecho previamente a la hora
de hacer canciones. No hay nada más
aburrido que repetir siempre lo mismo”,
comenta Jorge, letrista del grupo.
—¿Qué tal te ha ido este verano pasado
en tu residencia mensual en Pacha
Ibiza?
Como DJ, Ibiza es una especie de pasaje
obligatorio, pero cuando descubrí la isla
realmente me enamoré de ella. Ibiza es
tan pequeña y, sin embargo, tiene una
diversidad tan amplia: sus paisajes, naturaleza,
ambiente, gente, energía ... y no
se trata solo de verano, fiestas y locura.
Realmente hay algo mágico en Ibiza, incluso
cuando no es temporada alta, estar
allí es un momento único e intemporal.
—¿Es tu lugar favorito de nuestro país?
Sabemos que también viajas a menudo
a Barcelona…
Aunque Ibiza es definitivamente mi lugar
favorito para alojarse, debo decir que
España en general es tan hermosa y especial
para mí que no sabría elegir. Siempre
me ha encantado la cultura, la comida, el
estilo de vida, la gente, etcétera. No voy
tanto como quisiera, pero he pasado hace
poco un fin de semana en Barcelona con
mis seres queridos.
—Para terminar Martin, ¿qué tal ves la
escena francesa electrónica? ¿Quién te
parece fundamental?
Es una pregunta difícil... Pero si tengo
que elegir uno te diré Laurent Garnier.
Siempre he admirado mucho su carrera,
música, su pasión y comprensión de toda
la escena electrónica y siempre se las
arregla para mantenerse en la cima del
juego. —fernando fuentes
El principal resultado de esa intención
de cambio lo encontramos en las letras.
Por primera vez, las canciones tienen en
común un tema central, en este caso la
tecnología y cómo está condicionando
nuestro día a día. “La obsesión que tenía
por este tema no me bastaba con solo
una o dos canciones como había hecho
en los anteriores discos. Hoy en día, la
experiencia vital de cada uno la percibimos
a través de una pantalla, desgraciadamente”.
Milky, batería del grupo,
va incluso un paso más allá. “Todo esto
derivará en un problema de salud pública”.
No obstante, más que pretender
hacer un retrato pesimista de la realidad,
“para nosotros ha sido más como
algo liberador, para sacar mierda”, confiesa
Pablo (guitarra). Y es que pese a su
visión hastía hacía la tecnología, tienen
claro que como banda “si no estás en
redes, no existes. Y nosotros tenemos
que tragar con este asunto”. Parte de
culpa de esta obligada presencia digital
la tienen los algoritmos, elementos que
han cambiado totalmente la forma de
consumir cultura. “Los descubrimientos
semanales, los vídeos sugeridos, las
listas… Todo ello condiciona tus futuros
gustos. Parece que estamos perdiendo
nuestra capacidad de búsqueda, de
discriminar y de tener sentido crítico”,
apuntan. “De hecho, uno de los temas
fuertes del disco es cómo consumimos
sentido, lo que tomamos por sentido
común o realidad, todo viene a través de
lo que proyecta la pantalla”.
Por su parte, el sonido del álbum
también ha estado marcado por la
#10 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

TAN.
CERCA
intención de cambio y evolución. “Ha
sido un año largo de debates. Antes de
comenzar a grabar, a Raúl Pérez de La
Mina le pasamos dos referencias: Los
demenciales chicos acelerados (87) de
Eskorbuto, y Chairs Missing (78), el
segundo álbum de Wire. Pero luego a
lo largo del año fueron saliendo más”,
cuenta Jorge. Una vez en el estudio, la
libertad creativa se apoderó del grupo.
“A diferencia de los otros trabajos,
en este proceso de grabación hemos
estado probando juguetitos, aparatos,…
Estuvimos más abiertos a lo que
pudiera pasar y se han metido nuevas
movidas”, afirma Pablo. Todo ello con
el fin de encontrar una sonoridad que
transmitiera un “ambiente desolado,
frío e impersonal”, que va acorde con la
temática de Gran Pantalla. Lo que no
ha sufrido cambio alguno en este trabajo
es su colaboración con Slovenly Records.
Su fichaje por el sello americano
a raíz de su anterior disco les ha dado
la oportunidad de cruzar el charco, una
experiencia que definen como “brutal.
Al final somos cuatro colegas y tocar
era casi lo de menos”. Aquellos viajes no
solo les han marcado como grupo, sino
que también les han dado la oportunidad
de conocer lugares como Austin o
México, país que recuerdan especialmente
“porque allí, si hay algo que le
gusta a la gente, van a muerte con ello.
Viven la música apasionadamente. Aquí
en cambio quizás seamos más fríos.
Estamos más pendientes del postureo”.
—guillermo chaparro terleira
r
Más en www.mondosonoro.com
en concierto
l Oviedo 3 abril, La Salvaje
l Logroño 4 abril, Biribay
l Vilanova i La Geltrú 18 abril, Medusa Fest
l Sevilla 24 abril, La Calle
SON Estrella Galicia
l Málaga 25 abril, Al-Andalus Festival
l Mallorca 14 mayo, Mallorca Live
l Barcelona 15 mayo, Sala Upload
l Madrid 21-23 mayo Tomavistas
l A Coruña 5 junio, Sala Playa Club
l Vigo 6 junio, Radar Estudios
l Vilanova i La Geltrú 2 julio,
Vida Festival
l Mucientes 4 julio, Astromona Fest
RREl Warm Up Festival, que se
celebrará en la ciudad de Murcia
durante los días 1 y 2 de mayo,
completa su cartel con dos nuevos
fichajes británicos de popularidad.
Se trata de Django Django y
de Miles Kane, artista en solitario
y compañero de Alex Turner en
The Last Shadow Puppets. Con
ellos se completa una parrilla
en la que podrás encontrar a
artistas como Kraftwerk (con su
espectáculo 3D), Hot Chip, Modeselektor,
Digitalism, Mando Diao,
Triángulo de Amor Bizarro, Cala
Vento, Georgia, Johnny Marr, Leon
Benavente, Dorian, Viva Suecia y
un largo etcétera.
RROtro evento que completa
cartel es el Vida Festival, que
se celebra en julio –del 2 al 4 en
Vilanova i la Geltrú- y que para
esta edición contará con nombres
como los de Nils Frahm, Manel,
Maria José Llergo, Belle & Sebastian,
Devendra Banhart, Destroyer,
Manel, Tversky, Angel Olsen,
!!!, Black Pumas, Parcels, Soccer
Mommy, Núria Graham, Chaqueta
de Chándal, Meritxell Neddermann
y muchos más.
RREl Low Festival continúa sumando
novedades para su edición
de este verano (recuerda, entre
el 31 de julio y el 2 de agosto en
Benidorm). Si hace unas semanas
confirmaba la presencia de Amaia,
Viva Suecia y Sidonie, en su última
tanda de confirmaciones se
han dado a conocer hasta diez
nombres. Estos son Metronomy,
King Gizzard And The Lizard Wizard,
!!!, El Columpio Asesino, Ojete
Calor, Belako, Las Chillers, Biffanah,
Marcelo Criminal y Ugatz. Así,
los principales cabezas de cartel
serán Metronomy, Two Door Cinema
Club y Primal Scream.
RREl festival de música electrónica
Paraíso anuncia nuevos artistas
para su cartel. Estos ya suman
un total de treinta y tres nombres
a la programación de su tercera
edición, a celebrar los días 12 y 13
de junio en Madrid, concretamente
en la Universidad Complutense
de Madrid. Las nuevas confirmaciones
las encabezan Kaytranada,
Kruder & Dorfmeister, Låpsley,
Apparat, 070 Shake, Dj Koze, Akkan,
Baiuca, Denis Sulta, Chico Blanco y
Princess Nokia, entre otros. Todos
ellos se suman a artistas ya confirmados
previamente del calibre
de FKA Twigs, Jon Hopkins, Mura
Masa o Roman Flügel. —MS
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marzo 2020 #11

Georgia
Quiero
que bailes
Seeking Thrills (Domino/
Music As Usual, 20) es el
segundo trabajo completo
de Georgia. Quien fuera ex
batería de Kate Tempest, se
saca de la manga un puñado
de canciones capaces tanto
de sonar en la radiofórmula
durante la próxima década
como en el cuarto oscuro de tu
antro favorito.
Ser hija de uno de los Leftfield,
Neil Barnes, uno de los
nombres clave asociados a la
escena electrónica londinense de
los noventa, y crecer rodeada de techno,
fiestas underground y despiporre, seguro,
pasa factura. En el caso de Georgia
Barnes, curiosamente, descubrir desde
muy temprano la experiencia catártica
de la pista de baile, para bien. Seeking
Thrills es de hecho toda celebración del
clubbing y el desfogo músical. “¡Puedo
decir que me he criado en raves! He
crecido entre cajas de ritmos y sintetizadores
en el estudio de mi padre. Cuando
antes de componer este disco me puse
a indagar en el house de Chicago o en
el sonido de Detroit todo me resultaba
muy familiar. Bajos gordos, bombos
punzantes… ¡Era el sonido de mi infancia!”,
explica entre risas en un hotel del
centro de Madrid, ciudad en la que la
noche de esta entrevista tiene previsto
marcarse un featuring con los mismísimos
Hot Chip.
El segundo trabajo de la londinense
es, además, uno de esos álbumes
que va liberándose de todo prejuicio
a medida que avanzan los tracks, en
el que no cuesta hallar los ecos a proyectos
como los de Robyn, Fever Ray
o M.I.A. pero donde los géneros se diluyen
dando paso a un cajón de sastre
donde todo, o casi todo, vale. “Billie
Eilish es probablemente la voz que mejor
representa hacia adónde se dirige la
música hoy en día. Las etiquetas ya no
son como antes, es lo mismo que ocurre
en la moda. ¿Es Billie una rockstar, una
rapera, una popstar? Yo diría que todo
a la vez”.
EL APUNTE
Para comprender la amalgama de estilos
que atraviesa su álbum Seeking
Thrills (ha llegado a definir su música
–algo exageradamente– como “soul hip
hop punk”), basta con hacer un repaso
al universo sonoro al que ha estado
vinculada en los últimos años esta ex
jugadora de fútbol y fan acérrima del
post-punk y Missy Elliott. Más allá de
que le cambiara los pañales uno de los
componentes de Leftfield, padres de
estilos como el house progresivo o incluso
el breakbeat, Barnes fue también
baterista en la gira del productor de
soul y post-dubstep Kwes, y de la reina
“¿Es Billie Eilish una rockstar,
una rapera, una popstar?
Yo diría que todo a la vez”
La thermomix de Georgia
del nuevo spoken word Kate Tempest,
a quien la artista describe como una
hermana. Pero por si esto sonara a poco
para alguien que ha nacido en los años
noventa, cabe añadir un puñado de
featurings en estos años con nombres
como el dúo de electro soul Honne y
Mura Masa (en la funkera Live like We’re
Dancing), o la nueva diva del glitch
hop Shygirl. Un bagaje marcado por el
baile de géneros que ha dado lugar a
dos álbumes en los que la artista deja
entrever, en plena era del post-mainstream,
su personal batalla contra las
etiquetas. —d.m.
Coproducido junto a Mark
Ralph –“lo propuse a mi sello porque
yo era muy fan de sus trabajos para
Years & Years, AlunaGeorge y Daniel
Avery”–, este eclecticismo es también
fruto de un interés en la historia de la
música más reciente que ha llevado a
su artífice en los últimos años a sumergirse
en lecturas y otras indagaciones.
“He estado leyendo mucho sobre cómo
la música ha ido viajando de un continente
a otro recuperando diferentes
culturas. Me interesa, sobre todo,
momentos en la historia como cuando,
por ejemplo, Kraftwerk viajaron a
Chicago a finales de los años setenta y
como consecuencia, Jeff Mills o Juan
Atkins, que por entonces eran solo unos
chavales, inventaron el techno. O como
más tarde, el techno viajó a Alemania,
y surgió allí la cultura rave. O cuando el
pop inglés aterrizó en Chicago, donde se
mezcló con el disco y derivó en la música
house. Me di cuenta de que todas
estas músicas desembocaron en lo que
hoy conocemos como pop mainstream.
¿Qué hace Dua Lipa si no disco house?
Entender los orígenes del pop hace que
me sienta aún más cerca de otros estilos
como el techno”.
Es en esa confluencia de estilos
–del “house de Chicago al synth pop de
los ochenta o el industrial europeo”–,
pero sobre todo en la pista de baile
donde Georgia siente que más tiene
que decir. Sin ir más lejos, su single
About Work The Dancefloor lo escribió
después de pasarse un fin de semana en
Berlín yendo de un club a otro. “Para mí
bailar significa todo. En la pista puedes
ser quien quieras, hacer lo que te dé
la gana, ser libre y expresarte como te
apetezca. Además, hay una especie de
complicidad colectiva que te permite
fluir de otra manera y escapar de los
pensamientos tediosos. Si has tenido
una semana de mierda, es el sitio perfecto
para olvidarte de todo y liberarte
por unas horas”. Mellow, corte que
firma junto a Shygirl y uno de los más
experimentales del álbum surgió, sin
embargo, en un contexto muy distinto,
marcado por un periodo autoimpuesto
de absoluta sobriedad. “Acababa de
dejar de beber hacía poco y me estaba
subiendo por las paredes. Creo que
el tema refleja esa desesperación que
sentía por salir de casa, por beber, por
pasármelo bien… Tiene algo de ese
lado oscuro”. Pero ojo, no significa con
esto que Georgia reniegue hoy de esos
templos que la han visto crecer. “Nos
pasamos la vida corriendo, trabajando…
Creo que es sumamente importante
conservar estos espacios para el baile”.
Ante esas palabras solamente podemos
decir: Amén. —daniel mesa
r
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#12 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

C
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ROSTER
“
FOTO: JAKE MICHAELS
Vera Fauna
FOTO: ARCHIVO
Real Estate Pop art
El esplendoroso The Main Thing (Domino/
Music As Usual, 20) consolida al quinteto de
Nueva Jersey en la liga de las bandas más
elegantes del panorama norteamericano.
En su visita promocional al sello en Madrid,
el compositor y vocalista Martin Courtney
y el bajista Alex Bleeker (bajo) se muestran
encantadores, pese a la apretadísima agenda
a la que deben hacer frente. Su quinto álbum les entusiasma
tanto como si fuera el primero. Martin explica
que “hay una canción titulada así que, de alguna
forma, concentra todo el enfoque del disco. El grupo
llevaba activo mucho tiempo, diez años, nuestras vidas
han cambiado muchísimo, y queríamos asegurarnos
de que hacíamos este disco por las razones adecuadas:
empujándonos a hacer algo que mereciera la pena”.
Alex complementa sus argumentos: “Lo que descubrimos
mientras lo hacíamos, “lo principal” para
nosotros es, esencialmente, no ser autocomplacientes.
No hacer las cosas simplemente porque estás metido
en un patrón, lo cual le puede suceder a un grupo que
lleva tanto tiempo como el nuestro. ¿Qué sentido tiene
hacer un quinto disco si no va a poner encima de la
mesa algo nuevo, interesante o especial?”.
Este enfoque ha ralentizado su salida.
“La idea era sacar otro disco muy seguido al anterior,
pero nos hemos tomado mucho más tiempo que con
los anteriores, fue parte del proceso. Queríamos continuar
trabajando, pero al querer hacer algo bueno,
exigente y diferente, incluso aunque no fuera tan distinto
a lo que habíamos hecho hasta ahora, estuvimos
muy encima de ello. Es un disco más reflexivo”, explica
el bajista. El responsable, en gran medida, de esa sana
introspección, ha sido el ingeniero y productor Kevin
McMahon (Titus Andronicus, Pile, Fat White Family),
con el que volvían a colaborar. “Ahora, haciendo las
entrevistas y pensando sobre el disco, soy consciente
de la importancia que tiene que se involucrara, al
recordar cómo nos preguntó a cada uno por qué hacíamos
lo que hacíamos con nuestro instrumento. Al
final, su discurso era: ‘Mira, realmente no me importa
la respuesta, mientras la tengas. Si la tienes, sé que has
pensado en ello. Y si no lo has pensado, quiero que lo
hagas’”, añade.
Lo cierto es que Real Estate son de esos grupos
raros que combinan luminosidad melódica con
audacias experimentales. Un equilibrio que, según
dicen, es “inconsciente”, aunque referentes exquisitos
como Stereolab o Yo La Tengo pueden acotar sus intenciones.
Para Martin, “compongo lo que me suena
bien, y a menudo eso es algo intangible. Quizá me limito
a procesar influencias y regurgitarlas, pero estilísticamente
disfruto mucho escribiendo canciones pop.
Obviamente, no somos un grupo pop al uso, pero no
nos da vergüenza admitir que hacemos canciones pop
y singles a menudo. Somos un grupo melódico: me
gustan las melodías y las cosas bonitas, pero también
esperamos que cierta profundidad y elementos experimentales
emerjan de todo el proceso de trabajar las
canciones como grupo”. Siempre, con la nitidez cristalina
como seña de identidad. “Nos hemos ido metiendo
más y más en un sonido más limpio que creo que es el
que mejor le va a lo que hacemos. Y queremos ver lo
lejos que podemos ir con él”, afirma. “Hay algo en los
discos muy bien producidos que te hace sentir bien
físicamente. Tiene un valor que va más allá de lo que
te guste la melodía”, sentencia Alex, valorando en este
sentido el auge del vinilo. —jc peña
r
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“¿Qué sentido tiene hacer
un quinto disco si no trae
algo nuevo o especial?”
A pesar de su creciente éxito, Vera
Fauna lo tienen claro: “somos
cuatro notas que nos juntamos
para echar unas risas y de repente
nos hemos visto con un proyecto
muy serio...”. Lo dejan claro en su
reciente debut largo, De dudas y
flores (Purple Moon Records, 20).
El cuarteto sevillano formado por Kike
Suárez, Javi Blanco, Jaime Sobrino y
Juanlu Romero está encantado con
el programa Jägermusic. “Nos empezaron
a seguir la pista en el Monkey Week
del año pasado. Nosotros también habíamos
hablado con Lolo alguna vez, y por fin contactaron
con nosotros”, dicen. “Y cuando
nos dijeron el nombre de las demás bandas
que estaban en el roster, se nos iluminaron
los ojos”. Pero Vera Fauna pronto será –si no
lo es ya– una banda para que se le iluminen
los ojos a otros. Han publicado hace poco
su debut largo, De dudas y flores (20). “Es lo
que une el disco, nuestra propia biografía:
vivimos muchos momentos bonitos, pero
también, por nuestra edad y nuestra época,
tenemos mucha precariedad y muchas dudas
internas”. Cobre, por ejemplo, trata de la
explotación laboral y de “cómo al volverte
adulto hay un contrato que tú no has firmado
nunca, que es que tienes que incorporarte
al sistema productivo. Y sin incorporarte
no puedes... no puedes vivir, básicamente”.
Entre esas dudas internas está también la
inquietud por sus raíces, por cómo se ven
afectadas en el sistema actual y por cómo
se ven desde fuera. Así, Candelaria parece
seguir un hilo clásico con una historia de
amor que se ve torcida, pero con un matiz...
no cantan a una persona, sino a Sevilla. “Es
una relación que ha sido muy bonita y que se
está terminando”, me explica Kike acerca de
este tema sobre la gentrificación. Tampoco
se olvidan de la consideración de “hortera”
y “cateto” que se tiene del folclore andaluz, y
de la que su versión de Colorada ha sido un
ejemplo involuntario: es común ver a fans
que desprecian la original de Papa Levante
fliparlo con esta cover, dándole cierto sentido
paródico. —pablo tocino
EN CONCIERTO Barcelona (6 marzo, Punto G
Festival), Vic (7 marzo, Jazz Cava; Aniversario
FET), Sevilla (13 marzo, Sala X), Cádiz (14 marzo,
Sala Soho), Madrid (20 marzo, La Boite), Granada
(24 marzo, Boogaclub), Valencia (5 mayo, La 3)
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marzo 2020 #15

MONDO
FREAKO
FOTO: ARCHIVO
King Krule
Pánico
a una vida
estable
Con una hija a punto de
cumplir un año, King Krule
estrena Man Alive! (XL/
Popstock!, 20), su nuevo disco
y un retrato del interludio y
del cambio, del enfrentarse a
la paternidad y a una nueva
forma de ver las cosas. Nos
sentamos con Archy Marshall
para charlar sobre su propia
transición.
Qué pasa cuando todo
cambia? ¿Cuando las prioridades
se dan la vuelta y nos
enfrentamos a cosas con las
que no contábamos? Hay que preguntárselo
a Archy Marshall, que regresa
a su alter ego King Krule, confiesa
desde lo alto de la colina. Contemplando
el aire fresco que da un buen viraje
de coordenadas, de contexto. Saliendo
a grabar por primera vez fuera de
Londres, lejos de su zona de confort.
Enfrentándose a la paternidad y a
la amenaza de una vida estable. Él y
Charlotte Patmore están a punto de
celebrar el primer año de Marina, la
hija que tienen juntos y que llegó en
plena finalización de Man Alive!, y obviamente
es una circunstancia ineludible
a la hora de entender esta nueva
etapa para Marshall. “La mayoría de
lo que hay escrito en él es un discurso
conmigo mismo sobre ese momento,
justo antes de que ella naciera, y cómo
iba a enfrentarlo yo. Posiblemente sea
de eso de lo que va este disco para mí”.
Obligado por la vida a pasar
más tiempo en Stockport junto a
Charlotte, encontró un universo nuevo
de posibilidades abierto ante sus ojos.
“Alejarme de mis lugares habituales
ha sido fundamental –reconoce–. Hay
mucho suicidio en Nunhead… Mucha
gente joven que ha muerto durante
estos años por culpa de los medicamentos,
de la exclusión… Te hace ver
la vida de una manera muy cruda”. Ya
fuera de allí, consiguió reducir el consumo
de alcohol y marihuana y aprender
a verlo todo con un renovado optimismo.
“Recuerdo pasar un día entero
paseando por los acueductos de Stockport,
recorriendo los canales… Y creo,
no sé, que desde que estuve allí algo
ha cambiado en mi forma de interpretar
el mundo que veo. Desde joven,
incluso habiendo estado de gira por
todo el mundo, siempre he tratado de
evitar obtener inspiración del paisaje”.
Pero ahora King Krule está abierto a
la esperanza que da el plain-air y se
embelesa ante los colosos industriales
de las highlands del Gran Mánchester.
“Siento que ahora, con los años,
con las experiencias, he aprendido a
apreciar otras cosas y a ponerlas en la
balanza: la desesperación, la tristeza,
los momentos difíciles, etcétera, pero
también la belleza, el amor, los finales
felices. Veo belleza en cualquier cosa,
he aprendido a valorar el día a día…
He encontrado muchísimo amor en el
mundo últimamente”.
“Tuve mucho tiempo para estar
dentro de mi propia cabeza, aprendí a
ver las cosas con mayor claridad. The
OOZ (17) fue fruto de un proceso mucho
más subconsciente y este ha venido
de un momento de mayor consciencia”,
confiesa, mostrando cómo
de aquellos pozos enfangados emerge
un artista en calma con su monólogo
interior, con una visión renovada y
cada vez más seguro de la música que
quiere y necesita hacer y de por qué
CRITICANDO
Man Alive!
XL/Popstock!
POP 9/10
Esquivo y escurridizo, Archy Marshall
se ha ido formando entre raperos y
dealers, poetas malditos y personajes
derrotados en los suburbios londinenses
de Peckham, al sur de la metrópolis.
Respirando el hedor de una sociedad estancada
y una juventud sin horizontes y
tratando de narrarlo de forma naturalista,
sin miedo a los detalles crudos, mientras
iba configurando un sonido que
cristalizó en The OOZ: una pantanosa
mezcla de las bases hip-hop y el indierock
que puso banda sonora a su adolescencia
con la electrónica que inundaba
la escena underground, el post-punk
que resucitaba en Peckham y el jazz.
"Veo belleza en
cualquier cosa,
he aprendido a valorar
el día a día"
motivos quiere y necesita hacerla.
Seguro de la belleza que esconde un
mundo hostil y de que merece la pena
no perder la esperanza. Seguro de que
“veinticuatro horas pueden cambiarlo
todo”. —diego rubio
r
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Atrapado en la ciudad, como le reconocemos
en el primer tramo de Man Alive!:
iracundo en Supermarché, terrorífico en
Comet Face o en Stoned Again, perdido
entre soledad y otros vicios. Pero todo
cambia cuando se entera de que va a ser
padre, empieza a pasar más tiempo con
su mujer en el Gran Manchester y se abre
a la tranquilidad, al plain-air, a los monolitos
industriales. Si antes podríamos
identificar su música y su lírica con un
Francis Bacon, de espacios angustiosos
y cerrados, psicopatías urbanas y bruma
de suburbio, ahora deja entrar a William
Turner, el paisaje desdibujado por la
niebla. Empieza a reparar en detalles, en
el lado bueno de las cosas, e incinera al
viejo Archy como en el vídeo de (Don’t Let
The Dragon) Draag On. Hay que quemar
para volver a construir, y por eso Man
Alive! suena como un ritual de preparación
para el cambio, testigo y testimonio
de él, como exponen bien Energy Fleets o
Theme For The Cross. —d.r.
#16 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Todo tu música en la red

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“
FOTO: TED BOIS
Destroyer
"Ahora todo está
relacionado con la
música más popular
y comercial””
Más íntimo y personal
Dan Bejar está presentando su disco
número trece bajo el nombre de Destroyer,
Have We Met (Dead Oceans/Popstock!, 20),
un disco que comenzó intentando sonar
a la primera década del siglo XXI y que ha
acabado siendo el más parecido, en sonido,
a su obra más aclamada, Kaputt (11).
Have We Met es un disco que vuelve a
mirar a la nueva ola y el synth pop como
referentes, algo totalmente natural para
Bejar, como bien explica. “Cuando comenzamos
a hacer este disco nos dimos cuenta de que
no iba a ser un disco minimalista de trip hop. Y es
que en nuestro ADN, y también por la edad que tenemos,
siempre acabamos volviendo a ese sonido de
los ochenta de una manera muy natural”. Aunque
posiblemente nos encontremos con el disco más íntimo
y personal de su carrera, con su característica
voz nasal en primer plano, una voz que Bejar grabó
“a altas horas de la madrugada en mi salón o en mi
cocina. Son primeras tomas con muy poca calidad,
pero le dan un aura personal”.
Pero, a pesar de todo, el disco tiene un segundo
protagonista en el guitarrista Nic Bragg, un
hombre que ha tocado en siete discos de Destroyer
y que aquí coge el papel solista que tenía el saxofón
en Kaputt. Bejar le reconoce el papel en el disco.
“Comenzó a generar ideas melódicas con rapidez,
así que le pasé las demos y comenzó a añadir cosas
por todos los sitios”. Una de las canciones en las que
brilla Bragg es la titular, una extraña mezcla instrumental
de una pieza ambient y una canción de Ry
Cooder para banda sonora. Bejar dice que la incluyó
porque “estaba un poco nervioso sobre la calidad
digital del mismo, que me estuviera quedando un
disco claustrofóbico y opresivo, así que me parecía
bonito que hacia el final del disco hubiera este pequeño
espacio en el que se pudiera respirar”.
Le pregunto por si su cese de implicación
en The New Pornographers es definitivo o temporal
y, aunque no cierra definitivamente la puerta,
su respuesta no da muchas esperanzas a los que le
quieran escuchar de nuevo con los de Carl Newman.
“Puede que algún día escriba una canción y piense
que tiene que ser una canción rock y que necesita
tres armonías vocales, pero (…) dudo que me salgan
canciones apropiadas para ellos”. Y es que Bejar
es plenamente consciente de su edad y de que las
canciones ya no surgen con la misma facilidad, pero
eso no quita para que no deje de arriesgarse. “Según
me voy haciendo viejo y me acerco a los cincuenta,
creo que puedo empezar a tomar malas decisiones,
de la misma manera que un cincuentón”. Esa misma
sensación de hacerse mayor le llega cuando ve como
el canon crítico ha cambiado y “ahora todo está relacionado
con la música más popular y comercial”.
Algo que, en su opinión, hace que sea “más fácil que
nunca hacer y escuchar música, pero, a la vez, haya
perdido mucho valor”. Una época en la que duda
que una propuesta como la suya hubiera podido
sobrevivir tantos años estando tan alejada del gusto
popular. —sergio ariza
r
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marzo 2020 #19

Demoscópica
Mondo Sonoro
Fiel a su cita desde 1999, el año en el que se celebró su primera
edición, la Fiesta Demoscópica tendrá lugar el jueves 26 de
este mes de marzo en la sala Joy Eslava a partir de las 19:00
horas. En esta ocasión la Fiesta Demoscópica llega de la mano
de ONErpm, en una alianza que resulta natural y hasta lógica:
si las Demoscópicas llevan años rastreando el talento entre
los grupos emergentes, ONErpm hace otro tanto ofreciéndoles
soluciones para el desarrollo de su carrera en la música
alrededor del mundo. Además, la cadena gastronómica Domino’s
Pizza también se une a la fiesta en calidad de patrocinadores
del evento para saciar el hambre de concierto de los asistentes.
EGOSEX FOTO: ISAAC VASQUEZ
CAROLINA DURANTE FOTO: SERGIO ALBERT
LISASINSON FOTO: VICTORIA HERRANZ
Y
como también viene siendo
tradición ya, la banda que ha
firmado el mejor disco del pasado
año estará tocando en la
Fiesta, haciendo un simbólico relevo
entre un grupo ya consagrado a pesar
de su juventud, como es el caso de
Carolina Durante, y los cuatro artistas
noveles que se subirán en esta ocasión
al escenario de la Joy Eslava. El disco
homónimo con el que Carolina Durante
debutaron el pasado 2019 fue señalado
por Mondo Sonoro como el mejor de la
temporada por su valor generacional,
una colección de canciones con maneras
de himnos y revoltoso espíritu
punk-pop. En el año en el que los madrileños
se preparan para dar el salto
al WiZink Center que les confirmará
como una de las bandas de más éxito
en nuestro país, Diego, Martín, Juan y
Mario harán una excepción a su retiro
en directo en Madrid para ofrecer un
concierto vibrante en Joy Eslava, una
sala con capacidad para 900 personas,
lo que a estas alturas casi podría con-
siderarse como un espacio “íntimo”
para una banda de la magnitud de Carolina.
Pero tan importante como la presencia
de Carolina es la de los otros
cuatro artistas invitados: Laura Lamontagne
(Lugo), Mori (Ceuta/Madrid),
Egosex (Barcelona) y Lisasinson (Valencia).
En poco tiempo Laura Lamontagne
se ha hecho un hueco entre la nueva
ola de artistas gallegos que fusionan
la música tradicional de su región con
los ritmos y sonidos electrónicos más
contemporáneos. La colaboración en el
último disco de El Hijo (Abel Hernández)
también ha servido para que su
nombre se haga cada vez más popular
entre los buscadores de joven talento.
Con muy pocos conciertos a sus espaldas
y sólo tres temas publicados hasta
la fecha, Mori se ha convertido en un
fenómeno en el mundillo alternativo
madrileño. Define su música como bedroom
pop, o lo que es lo mismo, un pop
fabricado con las herramientas que le
ofrece su ordenador y altas dosis de
emotividad. Todo lo contrario que los
barceloneses Egosex, la formación que
componen Wekaforé Jibril, Hugo Bonet
y Lluís Campos y que practica una suerte
de disco-house-soul expansivo que
ellos han bautizado como trance jungle
blues. Lisasinson por otra parte, con un
par de singles publicados ya en Elefant
Records, recogen el testigo de Cariño,
que actuaron el pasado año, como representantes
del mejor pop de guitarras.
MORI FOTO: ARCHIVO
La entrada es libre descargando la
invitación en DICE, la app de eventos
de música, aunque te recomendamos
llegar pronto porque el acceso será
libre hasta que se complete el aforo
(algo que ha sucedido en todas las
Fiestas Demoscópicas pasadas). ¡Os
esperamos allí! —MS
r
Más en www.mondosonoro.com
LAURA LAMONTAGNE FOTO: A. PALLON
Consulta los ganadores del sorteo de una entrada doble + viaje + hotel
para ver a Vetusta Morla el próximo 16 de marzo en el Royal Albert Hall de Londres
Toda la info en la web y redes de Mondo Sonoro
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marzo 2020 #21

El gran h
Erik Urano
Erik Urano/Flat Erik es, sin lugar a dudas, uno de los raperos más
particulares y avanzados de nuestro país. Lleva años demostrándolo,
pero sus dos últimos movimientos –el epé Balaclava (18) y
Neovalladolor (Sonido Muchacho, 20)– suponen un paso adelante
abrumador para el rap facturado aquí. Con la vista puesta en el Reino
Unido, la electrónica, la ciencia ficción y, al mismo tiempo, en la realidad
social que le envuelve, el vallisoletano charla con nosotros para
descubrirnos las claves de su universo distópico y sci-fi.
—texto Joan S. Luna
—fotografía Juan Carlos Quindos
"Cualquier
distopía de
ciencia ficción,
pese a que no
tenga implícita
un panfleto
ideológico
reivindicativo,
hace una crítica
de las cosas que
están mal en el
presente"
Llamo a Erik sobre las seis de
la tarde. Ha salido del trabajo y espera
mi llamada en un bar del centro
de Valladolid. El murmullo de las
charlas que le rodean no impide que
su voz suena calmada y que converse
con suma educación. Suena extraño
tratándose de un rapero, pero
es que Erik Urano, o Flat Erik si lo preferimos, no es un
músico corriente que encaje en los tópicos. No lo ha hecho
desde que formase parte años atrás del colectivo Urano
Players junto a luminarias como Zar1, Miguel Grimaldo,
Edu Omega, akaQvmore y Dj Porre. Pero escuchando
las canciones de discos posteriores como Energía libre
(11), Cosmonáutica (14) o el que publica ya mismo, Neovalladolor,
uno se lo imagina sumergido en una burbuja
fuera del espacio y del tiempo, en un universo de ciencia
ficción apocalíptica y distópica que quizás tenga más que
ver con su ciudad natal de lo que imaginamos. Una ciudad
en la que los hombres luchan por su dignidad. Un presente
asfixiante, un futuro extenuante. La de, cuentan, uno de
los focos principales de la España más conservadora y la
de un escenario distópico que haría las delicias de Philip
K. Dick, Katsuhiro Otomo o Andrei Tarkovski vía Stanislaw
Lem o los hermanos Strugatski. “Creo que tiene ya
más de cliché que se ha perpetuado que otra cosa, de algo
que se va arrastrando. No creo que tampoco tenga una
base más sólida que otras ciudades en cuanto a derechas”.
Y prosigue. “Lo que pueda tener de asfixiante Valladolid
no es tanto por lo ideológico, sino en otros planos. Aquí
el trabajo suele orientarse hacia grandes fábricas como
Michelin, Fasa Renault y cosas así. Y a día de hoy, pues no
deja de ser hostil en distintos aspectos, desde el clima a
que la gente es un poco más fría o distante que en otros
lugares”. De esa frialdad, de esa hostilidad, es de las que
Urano extrae la materia prima para estructurar el discurso
lírico de su propuesta. Una propuesta de transfondo
distópico en el que su amor por el grime, el rap avanzado,
la electrónica, la ciencia-ficción crean un entramado complejo
y abstracto que ha acabado caracterizando los movimientos
de Urano durante los últimos cinco años. Un pulso entre el hoy y el
mañana. “Cualquier distopía de ciencia ficción, pese a que no tenga
implícita un panfleto ideológico reivindicativo, por el mero hecho de
plasmar el futuro de esa manera, hace una crítica de las cosas que
están mal en el presente. Hablas de un futuro en el que se lleva al extremo
lo que está mal de lo que estás viviendo. Te sitúas en un futuro
cercano que te sirve para proyectar tu contexto y ahí es cuando surge
un sentido reivindicativo. Al final muestras toda esa movida no
amable u hostil de Valladolid”. El fondo, en este caso, importa, pero
sobre todo es la forma lo que ha caracterizado el devenir artístico
de Urano hasta convertirlo en un artista incomparable. Un rapero
de mensaje críptico y complejo que requiere escuchas –eso ténganlo
claro–, pero cuyo disfrute crece conforme desciframos claves y nos
empapamos de referencias. “Tiene que ver con mi propia inquietud
creativa. Incluso a la hora de escuchar, leer o disfrutar de cosas, me
gusta que haya cosas que desencriptar. Al final no dejamos de hacer
lo que nos gusta escuchar o ver. A mí siempre me ha gustado ese
concepto de que las cosas no se destapen a la primera escucha. Al
final lo que quiero decir es que no me gusta la policía y lo digo de
forma enrevesada porque es como me expreso creativamente. Yo lo
veo así, aunque algunas veces me paso (risas). Pero esa es la gracia. A
la gente a la que le gusta lo que hago es porque en el fondo es lo que
busca, que no sea directo y evidente”.
Esa forma de escribir permite a Urano imaginarse un Valladolid
–en este caso Neovalladolor– inspirado directamente en el Neo-
Tokio del referencial manga y anime Akira, de Katsuhiro Otomo.
“‘Valladolor’ es un concepto que hace mucho tiempo que uso, y este
disco además de ser una especie de oda a mi ciudad, lo veo como un
desbloqueo en el género, como un pasito más allá en lo que es mi
carrera. Y además es una referencia directa a otra de mis influencias,
que es Akira y la idea de Neo-Tokio. Desde que vi la película de pequeño,
siempre me llamó la atención. Una explosión, la tercera guerra
mundial y un agujero que queda, sobre esas cenizas, y que es sobre
el que se levanta Neo-Tokio de nuevo. Yo he querido metaforizar con
eso usando el concepto que ya usaba, pero meter ahí esa explosión
y esa destrucción que me ayuda a regenerar todo de nuevo y crear
Neovalladolor”.
#22 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ermano
Con tanto hablar del universo especulativo de
Urano, se me está pasando hablar de la parte musical
de un disco, Neovalladolor, que explora selvas de lo más
distinto. Si ahora, quienes le hemos seguido, ya teníamos
claro que Urano era el hombre del grime en España, ahora
desarrolla todavía más su personaje de Flat Erik y se saca
de la manga un álbum en el que no solamente hay grime
y rap británico, sino también drum’n’bass, footwork o
incluso reggaeton. “Al final lo que estoy es tocando la polla
siempre (risas). Para mí es la inquietud. El disco tiene una
base de grime sólida, o mejor dicho del sonido británico,
pero lo que me ha pasado es lo mismo que cuando empecé
a meter grime porque me había cansado un poco
de los ritmos más estándar del rap. Ahora he sentido la
necesidad de meterme en otras cosas. Neovalladolor me lo
imaginaba como la banda sonora de mi ciudad del futuro,
que suena así. Lo veo como un compendio de las corrientes
electrónicas que más me molan en el momento actual,
pero que conectan con el universo rap”. Pues confirmo
que esa es la sensación que el disco provoca. Sirvan como
ejemplos para marcar ciertos puntos de anclaje Neo Vdo
(con Lost Twin y $kyhook), Penfield (con Lost Twin y sampleado
de D Double E), Molecular (con Merca Bae), Drones
(con Zar1 y Niño de Elche), 2984 (con BSN Posse) y Logout
(con Jayeem y sampleado de Faithless). Vamos, que a Erik
Urano le encaja más el Sónar que compartir cartel con según
qué artistas de rap. “Totalmente. A mí me costó tiempo
darme cuenta, pero es así (risas). Yo arrastraba a cierto
público muy rap, pero luego me dí cuenta de que mucha
gente que venía a verme buscaba a Erik Urano. Daba igual
que hiciera un tema a noventa bpm’s o usase una base de
drum’n’bass, porque los que me seguían buscaban esa
identidad concreta”. —j.s.l.
EL APUNTE
Matar al padre
Erik Urano nunca ha sido de esos raperos españoles obsesionados por
matar al padre. Si uno rebusca en su discografía encontrará sampleados
de 7N7C o colaboraciones de gente como Juan Solo. “Hay gente que más
que sentir la necesidad de matar al padre, siente la necesidad de reforzar su
discurso transgresor matando al padre. Cuando en realidad es algo de lo que
no hay necesidad, sobre todo cuando ha habido gente como Sólo Los Solo. Esa
gente ya estaba en el 2020. Lo único que puedo hacer yo es estarles agradecido
por haberme metido una hostia en la cabeza en la que me llevaban al 2030. Tú
te escuchas el Quimera (01) hoy en día y suena actual y vanguardista. Si tú te
alimentas de eso, está claro que también vas a salir avanzado (risas)”. ¿Solamente
ellos? “Influencias muy fuertes, junto a Juan Solo, te diría a Chinatown,
con su rollo más de rap al uso, de decir las cosas de forma más tosca y muy del
norte. Y otra muy fuerte es Tone. Sobre todo el Algunos cortes (92). Ese disco
me voló la cabeza muchísimo. Esa forma de descomponer la realidad en movidas
así científicas conceptuales. Y claro, internacional yo estaba con El-P o
movidas raras de Def Jux, de rap americano, cuando escuché el primer disco de
Dizzee Rascal. El tema I Love You me descubrió otra movida”. —j.s.l.
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marzo 2020 #23

MONDO
FREAKO
La Zowi
Sobran las
explicaciones
“He subido en la
clase social, aunque
me de asco hablar
de clases sociales”
FOTO: ARCHIVO
Tenemos memoria de pescado. De
pescado enganchado a Instagram.
Por ello, La Zowi ha hecho de
su segunda mixtape, Élite (La
Vendición, 20) un dietario de
su ascenso en el ‘trap game’. Un
camino lleno de reggaeton de
bajos gordos, electrónica oscura y
asfixiante que puede virar hacia
otras latitudes en breve.
en concierto
l Granada 6 marzo, El Tren
l Barcelona 27 marzo, Apolo
l Valencia 3 abril, La 3
l Bilbao 24 abril, Fever
TAN.LEJOS
RRAndrew Weatherall, una de las figuras
clave para entender la música británica
de las últimas cuatro décadas, nos dejó el
17 de febrero a causa de una embolia pulmonar
a la edad de cincuenta y seis años.
Weatherall militó en The Sabres Of Paradise
y Two Lone Swordsmen, además de ser
el responsable del influyente Screamadelica
(91) de Primal Scream y productor
o remezclador de artistas como One Dove,
Happy Mondays, Saint Etienne, The Orb, My
Bloody Valentine y muchos más.
RRLa verdad es que este mes de febrero ha
sido fatal para quienes adoramos la música
alternativa. Y es que, a principios de
mes, también nos dejó Andy Gill, guitarrista
y fundador de Gang Of Four, uno de los
nombres imprescindibles del post-punk y
un músico que ha influido a prácticamente
todas las generaciones posteriores. Gill
murió de neumonía a la edad de sesenta
y cuatro años. También produjo a grupos
como Killing Joke, Therapy?, Red Hot Chili
Peppers, The Jesus Lizard o Polysics.
RRY en tercer lugar tenemos que lamentar
la muerte, con cuarenta años, de Jacob
Thiele, quien fuera teclista de The Faint
y de Depressed Buttons. Thiele fue parte
indispensable del sonido de The Faint
desde que entró a formar parte con el disco
Real El Canario
¡Viva la vida!
¡Viva la música!
Real El Canario es conocido
por unas divertidas sesiones
en las que el funk, la salsa y
la electrónica ponen a miles
de personas a bailar. Y ahora
regresa discográficamente con
La magia del Mencey (Beat Dis,
20), un álbum donde plasma todo
su amor por la música
En el estado actual de
la industria musical, yo no
entiendo nada. Creo que la
música de momento no tiene
un gran futuro, dado que el marketing
le ha comido totalmente el terreno al
arte. Para que el futuro de la música
sea próspero esa situación tendría que
volcarse. Tiene que haber un balance
sano entre estas dos cosas. Ahora
mismo es marketing noventa y cinco
por ciento y música cinco por ciento.
Eso no está bien”. Y desde luego no
es producente para Real El Canario,
uno de esos músicos que disfrutan
creando y escuchando música, huyendo
de tendencias, modas y números.
Una posición ante el arte que vemos
reflejada en su nuevo disco La magia
de Mencey. “Debo confesar que soy un
ermitaño, no escucho nunca música
actual y eso me permite crear desde
un punto de partida diferente. Tengo
mi cueva con más de treinta mil vi-
“Este álbum no suena a
nada que se haya hecho”
#26 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

La Wikipedia trap todavía
va en pijama. Es fácil olvidar
de dónde vienen algunos de los
artistas más radiados en los
últimos años en la escena. Tanto es así
que La Zowi ha hecho de su segunda
mixtape medicina contra la amnesia.
Élite reivindica su camino en el mundo
de la música, pasado a lenguaje trap (de
fulana a boss), pero reflejo al fin y al cabo
de un ascenso meteórico en el trap game.
Una carrera de poco menos de un lustro
llena de reggaeton de bajos gordos, electrónica
oscura y asfixiante y postulados
feministas muy propios. La Zowi ha
tenido que dar explicaciones de más a
lo largo de su fulgurante trayectoria. Tal
vez por ello ha hecho de su nueva referencia
un compendio de todo lo que es.
Pese a quien le pese. De algo habrá servido:
mucho más suave fue su último paso
por La resistencia de David Broncano.
“Muchas veces me siento un icono del
feminismo en España, muy sinceramente.
El concepto de feminismo impuesto…
Queremos realidad. Que entren ganas
de cambiar las vidas. Y cuantas más
nilos y mis arreglos en el disco están
influenciados por las grandes épocas
de la música, desde Rubén Blades
o Ismael Rivera hasta Ray Charles,
Prince, o Muddy Waters”, reconoce
el tinerfeño, un productor que mantiene
unas pautas muy marcadas a la
hora de crear música. “Mi forma de
producir viene de esa mentalidad de
DJ de hip hop, de buscar las partes
de las canciones que te hacen sentir
de una manera especial, de sacarle el
jugo a todos los estilos musicales. Mi
forma de producir es hacer un collage
musical”.
Pero para quien no conozca
a Real El Canario, estamos ante uno
de los Dj’s más respetados no sólo de
la escena canaria y la española, sino
a nivel europeo. Tras haberse curtido
durante quince años en Ámsterdam,
pinchar en festivales como Paradiso
o Tomorrowland y haber compartido
cartel con Jay-Z, Busta Rhymes, Dj
raras sean las cosas…. Alguien de barrio,
sino ni te entiende. Esa madre de barrio
igual tiene alma de ratchet y le gusta ir
con escote. Si el modelo feminista no la
representa no le van a entrar ganas de
cambiar su vida”, comenta sosegada Zoe
Jeanneau al otro lado del teléfono.
Élite vuelve a tener ecos de
empoderamiento femenino poco teórico
pero valioso (bien, depende a quién se le
pregunte). Textos en cascada, speed word
de altísima verosimilitud. La Zowi es ágil
con la pluma, de cuna. Ella sigue destacando
que los versos salen sin mucho
miramiento. Más tiempo le cuesta todo
lo que se mueve alrededor de la música.
La artista afincada en Madrid está full
time –al fin– en esto del trap. Ama de
casa (18) fue un bombazo que le permitió
girar. Su mundo ha cambiado en poco
tiempo, pero dice tener un seguro ante
las idas de olla: seguir trabajando con los
suyos. “He notado que hace cuatro años
sacaba un tema y me tiraba seis meses
con él. La escena no estaba tan creada.
Me he caracterizado por hacer poco
material, pero contundente. Sacaba un
Blank-Wave Arcade (1999), además de
ser uno de los músicos que más show
ofrecía sobre el escenario en los directos
del grupo. Su trabajo puede encontrarse
también en los álbumes Dance
Macabre (01), Wet From Birth (04),
Fascination (08) y Doom Abuse (14).
Premier o Jazzy Jeff, regresa con el
trabajo más ambicioso de su carrera.
“Yo soy productor musical, he hecho
desde electrónica para escenarios de
diez mil personas hasta un álbum de
disco-funk en diferentes momentos de
mi vida. En este disco he encontrado
mi madurez musical, no hago música
por hacer música, sino para expresar
fielmente quien soy. La diferencia es
que este álbum no suena a nada que se
haya hecho, tiene una identidad sonora,
y eso es algo de lo que me siento especialmente
orgulloso”. Una identidad
que se sustenta sobre ritmos de funky
y rap acompañados de pinceladas de
salsa y percusión, todo ello aderezado
por su carácter canario. “Al ser de
allí todo tiene un swing africano con
toques latinos”. Sin olvidar un mensaje
dotado de una intensa crítica con un
guión autobiográfico, en el que trata de
“reflejar los tiempos que corren. Creo
que eso es importante, ser honesto con
tema y hacía ruido porque sí, pero ahora
tengo que currar más. Un día te das
cuenta de que no sirve sólo hacer lo que
a una le apetezca cuando le apetezca”.
Reconoce que hay algo de esa
paradoja del hip hop, hablar de calle y
precariedad cuando la cotidianeidad ya
no es tan cruda, que sí le chirría. Pese a
que el disco sigue bebiendo de sus habituales,
en los colaboradores (Zora Jones
o Mark Luva) y en los beats (trap crudo
y percutido, reggaeton desdibujado),
puede que su mensaje y sonido se abran
para reflejar mejor su nueva realidad.
“Estoy cada vez menos en el trap. Voy
ganando dinero, me he hecho mi familia,
mi vida. Y cada vez tengo más medios;
he subido en la clase social, aunque
me de asco hablar de clases sociales,
pero lamentablemente las hay. Hay una
parte de mí que tiene ganas de hacer
cosas diferentes, abrirme a cosas que no
sean el trap, el vacileo, porque me voy a
quedar sin recursos”. —yeray s. iborra
r
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RRAporia es el título del nuevo disco
que publicará Sufjan Stevens junto a
su padrastro, Lowell Brams. Verá la luz
el 27 de marzo de la mano de Asthmatic
Kitty y Popstock! En este trabajo colaboran
también músicos como Thomas
Bartlett (Doveman), D.M. Stith, Nick Berry
(Dots Will Echo), John Ringhofer (Halfhanded
Cloud), James McAlister, Steve
Moore (Sunn O)))), Yuuki Matthews (The
Shins) o Cat Martino.
RRPearl Jam han estrenado ya dos
temas (Dance Of The Clairvoyants y
Superblood Wolfmoon) del que será su
próximo álbum. Gigaton verá la luz el
día 27 de marzo y es muy posible que,
antes de que llegue ese día, el grupo de
Seattle haya presentado más canciones
(o fragmentos de ellas) que también
aparecerán en el disco. —MS
el bolígrafo. A veces es para levantarte
el espíritu, otras para estar contigo en
la tristeza. Y también intento escribir
siendo atemporal. Escribo siempre
pensando en si cuando tenga sesenta
tacos me sentiré cómodo cantando lo
que estoy escribiendo ahora”. Eso sí,
transmitiéndonos siempre su alegría
por vivir y por bailar. —alfonso gil royo
r
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La magia
del Mencey
Beat Dis, 20
Colectivo Da Silva
Cruce de Caminos
Producido por Banin,
Vacaciones (Subterfuge,
19), el esperado primer
álbum de los granadinos, es
un compendio de viñetas
chispeantes e inteligentes.
Se presentan como colectivo
en tiempos de
influencers. Pero las fotos
de estos siete veinteañeros
de Granada son las más molonas.
Sus vídeos, los más currados. Sus
lanzamientos en formato físico, los
más originales. Y su puesta de largo
–hipnótica, efervescente– bien vale
pagar por verlos. Todo lo que hacen,
todo lo que tocan, se convierte en
una pequeña genialidad, en la viñeta
perfecta. Lo demostraron a lo largo
de 2019 con los singles de Marisol,
Marina d’Or y su reinvención del
Baby Come ‘n’ Get It (Nena, ven a
por eso) de La Zowi, todos incluidos
en Vacaciones, el primer álbum de
Colectivo Da Silva. El nocturno vaho
psicodélico de sus inicios ha ido
derivando en un pop de colorines y
canícula, con discurso y punch estético.
Los Colectivo tiran de ironía e
imagen para sacudir la caspa de la
superficie y dejar que el sol ilumine
a la generación millennial. Además,
son la punta de lanza de una nueva
corriente indie granadina, reconocible
por sus guitarras acuosas, tan
deudoras de Mac DeMarco como
hermanadas con Puma Blue, en la
que se dan la mano con proyectos
como Papaya Club, Agáchate Maldito
o Radio Palmer. “La manera de
gestionar nuestra relación ha consistido
en buscar la utilidad de cada
uno. Cada cual ha ido encontrando
su función durante estos dos años.
Hemos llegado a un punto en el que
todos somos superútiles, como un
animal de siete patas que cogearía si
le quitas alguna”, explica el cantante
Carlos Caraballo. “El cambio que ha
sufrido Colectivo Da Silva se debe
a la necesidad de darle un sentido
más conceptual, para acercarlo
más al pop cantado en castellano,
sin irnos tanto por las ramas de la
psicodelia, que nos sigue gustando”.
—eduardo tébar
r
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marzo 2020 #27

MONDO
FREAKO
r
AgeNda.
marzo
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Manolo Kabezabolo
Logroño (15 febrero, Concept) L’Hospitalet (21 febrero, Espai
Zowie) Donosti (6 marzo, Doka) Madrid (13 marzo, Independance)
Bilbo (28 marzo, Mythos) Tàrrega (4 abril, Adictes
Fest) Murcia (10 abril, GarajeBeatClub) Córdoba (11 abril,
Ambigú Axerquía)
Hace ya mucho tiempo que Manolo Kabezabolo
abandonó su faceta de cantautor
punk para dejarse arropar por una banda.
Con Los Ke No Dan Pie Kon Bolo publica
Tanto tonto monta tanto (Rock
de Kasba, 20), séptimo álbum oficial del
carismático zaragozano.
Tanto tonto monta tanto incluye
diez temas en los que vuelve a arremeter
contra los políticos sin dejar de lado
sus rocambolescas historias ni las reflexiones
sobre toda una vida al pie del cañón. Se
atreve hasta con el rap y con su primer videoclip.
Tanto tonto monta tanto, un título muy directo,
pero ¿contra quién arremete? (Manolo) “Contra
todo el que está en el poder y contra todo el que
lo busca”. ¿Podemos entender entonces que Es el
sistema, el primer single, es el que mejor definiría
el disco? (Manolo) “Es un tema muy directo,
breve y conciso, además de un guitarreo muy
punk rock, quizá el más pegadizo musicalmente”.
(Jaume Esteve, batería) “Al ser el único tema del
disco en el que empieza Manolo solo con su voz
y su guitarra, también era una buena opción
presentarlo como single, ya que este iba a ser al
mismo tiempo su primer videoclip en toda su
carrera. Y es un tema muy Manolo tanto en el
inicio como cuando entra toda la banda”. Son ya
diez años respaldado por los zaragozanos Los Ke
No Dan Pie Kon Bolo, algo que, se intuye, debe
influir a la hora de grabar y tocar. (Manolo) “La
verdad es que con Los Ke No Dan Pie Kon Bolo
es una relación que va más allá de la música. Nos
conocemos hace ya decenas de años y hay un
vínculo muy entrañable”. El pasado 20 de diciembre
se cumplieron treinta años del primer concierto
de Manolo Kabezabolo con entrada. Fue
en el Bar Pyramis de Zaragoza. ¿Qué es lo que su
protagonista recuerda a estas alturas de carrera?
(Manolo) “Me acuerdo bastante bien. Fue muy
importante reunir a tantos amigos que pagaran
algo por verme. Sonó de puta pena, pusimos una
pastilla de guitarra eléctrica para guitarra española
y el ampli llevó un ajetreo en el traslado que
distorsionaba demasiado y mal. A 100 pesetas la
entrada, salieron 15.000 pesetas. No llegó nada
a casa a la mañana siguiente”. Según su ficha de
la Wikipedia, Manolo Kabezabolo abrazó la fe
budista en 2010 y se fue a vivir a Japón en 2017.
¿Qué hay de cierto en todo esto?(Manolo) “Pues
me temo que nada. No sé quién lo escribió, pero
imaginación no le falta… Solo falta que lo escribiera
yo y no lo recuerde, que no lo descarto con
seguridad (risas)”. —jesús casañas
Lola Marsh
“Es un disco ideal para tumbarte en la
cama, cerrar los ojos e imaginarte cosas”
Madrid (25 marzo, Café Berlín; Ciclo Voces Femeninas SON Estrella Galicia)
Barcelona (26 marzo, Razzmatazz 3)
El dúo israelí Lola Marsh acaba de
publicar su segundo larga duración
Someday Tomorrow Maybe
(Anova Music, 20), un paso más en
su ascendente carrera.
La prueba es sencilla: dices
el nombre de la banda y casi
nadie reacciona. En cambio,
pinchas Wishing Girl y la reacción
es inmediata. La música en publicidad
mueve montañas. La canción en
cuestión acumula diecinueve millones
de escuchas en Spotify, si bien el objetivo
del dúo Lola Marsh no es ese. Ante todo,
buscan una identidad, un sonido. “Si con
el primer disco íbamos a la búsqueda del
color adecuado, en este sabíamos desde
el principio lo que queríamos hacer.
Estábamos preparados para el reto. Creo
que es un disco ideal para tumbarte en
la cama, cerrar los ojos e imaginarte
cosas”. En Somebody Tomorrow Maybe,
Lola Marsh buscan los espacios y
el ambiente adecuado, con lo que las
canciones tienen una estrecha relación
entre sí. “Nuestra suerte es que nos tenemos
el uno al otro para consultar cosas,
para resolver dudas. Teníamos muchas
preguntas, infinidad de voces y sonidos
en nuestras cabezas. Lógicamente teníamos
presión, pero no más que con
nuestro primer disco. No somos una maquinaria
como la de The Rolling Stones,
no estamos en esa disyuntiva ni bajo esa
presión. Queríamos jugar con los ecos,
con tempos tranquilos, que la gente baile,
pero que lo haga a nuestra manera.
Una de las decisiones más importantes
fue dejar a un lado a otra gente externa a
Lola Marsh. Teníamos demasiadas y no
nos gustaba que alguien decidiera por
nosotros, que hubiera muchos ingenieros
a nuestro lado tomando decisiones.
El objetivo era sonar lo más naturales
posible y mantener la seriedad de este
proyecto desde el primer momento”.
El éxito de su primer disco les
cogió de improvisto, tanto que a día
de hoy siguen sin ser demasiado conscientes
del revuelo que han armado.
“Todavía estamos sorprendidos, cuando
visitamos Grecia o Irlanda, que ha sido
lo más reciente, ya sean sitios grandes o
pequeños, nos cuesta creer que somos
nosotros los que estamos ahí. En 2011
no nos lo hubiésemos imaginado”. De
hecho, han recuperado What I Am, una
canción de sus inicios, un homenaje a sí
mismos, algo que se puede observar en
su video-clip. “Tiene arreglos nuevos.
Con este tema también hemos abierto
nuestra mente. Es una celebración de la
vida, un regalo que nos hicimos a nosotros
mismos para que lo vean nuestros
nietos cuando ya no estemos. Lo hicimos
a través de nuestros teléfonos y captamos
cada momento”. El título del disco
esconde algún secreto y una clave; si lo
persigues puede llegar tu oportunidad.
“Es una combinación de palabras, tiene
un mensaje muy Lola Marsh: no desesperes,
espera a que pase algo grande. Es
muy romántico y tiene cierta épica”. En
su memoria guardan un momento mágico,
el concierto de 2014 en Primavera
Sound. “Ese fue nuestro primer concierto
fuera de Israel. De hecho, fue el primer
día de nuestra nueva vida. No nos
lo podíamos creer, no teníamos editada
ni una sola canción y la gente reaccionó
de manera entusiasta, conectamos enseguida.
Tenemos videos de ese día y son
increíbles”. —toni castarnado
FOTO: ARCHIVO
#28 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: BIKUS
Ciudad Jara
“La Raíz en lo artístico se convirtió
en algo esclavo”
Madrid (19 y 20 marzo, Joy Eslava) Iruña (21 marzo, IruñaRock) Murcia (27 marzo, Auditorio Murcia Parque) Barcelona
(28 marzo, Telecogresca) L’Escala (11 abril, Ítaca) Rivas (14 mayo, Revolution Rivas Fest) Valencia (6 junio, Festival
de les Arts) Toro (19 junio, Festival VinToro) Madrid (2 julio, Río Babel) Canet de Mar (4 julio, Canet Rock) El Bonillo
(10 julio, Alterna Festival) Coma-ruga (11 julio, Festiuet) Gandia (18 julio, Pirata Rock) Aranda de Duero (13 agosto,
Sonorama Ribera) Villena (13-15 agosto, Rabolagartija Festival) Almería (20 agosto, Cooltural Fest) Tavernes de la
Valldigna (21 agosto, Mediterránea Festival) Alcalá de Henares (27 agosto, Gigante Festival) Vilanova de Sau (27-30
agosto, Festival Bioritme) San Mateo (26 septiembre, Rebujas Rock) Port de Sagunt (9 diciembre, Festardor)
Pablo Sánchez, compositor y voz
principal de La Raíz, aprovecha
el parón indefinido de su banda
matriz para debutar con Ciudad
Jara. Una propuesta más íntima y
personal. Donde nace el infarto
(Propaganda Pel Fet!, 20) es su primer
disco.
Empecemos por el nombre de tu
nuevo proyecto, Ciudad Jara. ¿A
qué hace referencia?
Jara es el nombre de mi hija. Cuando
ella nació también nació este concepto
de mundo o lugar nuevo en el que me encantaría
quedarme a vivir. Es un lugar en
el que está mi familia y los amigos de toda
la vida, por eso busqué un nombre que
conjugara las dos ideas, la del lugar como
un colectivo (la ciudad) y la idea de mi hija
como eje central y originario de mi cambio
o mi deriva artística.
—Doce nuevos temas que has estado
preparando desde hace más de un año.
¿Cuánto llevaba la idea de esta aventura
en tu cabeza?
Llevaba muchísimo tiempo, pues soy
artista compositor y, como tal, me sentía
lleno de mundos internos que mostrar,
lleno de emociones y de ideas musicales
que sabía que necesitaría plasmar alguna
vez. Tenía que ser de un modo más libre y
fue cuando paró La Raíz cuando me tomé
todas estas licencias para crear de una
manera propia.
—¿Resulta liberador poder componer
y publicar este disco sin que sea bajo el
nombre de La Raíz?
Mucho. La Raíz era un grupazo, aunque
era un concepto muy concreto y al que se
debía respetar compositivamente para
que tuviera un sentido. Como compositor
yo siempre he sentido la necesidad de
respetar el estilo del grupo, el mensaje y a
un gigantesco número de gente que, como
público, se sentía identificado con esa
música de La Raíz. Lo hice durante mucho
tiempo desde el placer, pero en lo artístico
se convirtió en algo esclavo y esto derivó en
una pérdida de ilusión por mi parte y un
desgaste muy fuerte a nivel emocional.
—El primer single es La canción del pensador,
inspirada en la estatua El Pensador
del escultor francés Auguste Rodin…
Sí, está inspirada en esa figura y habla de
mis angustias personales. El silencio y la
soledad son dos palabros que viven en las
estatuas, sin embargo nadie sabe lo que
pueden albergar dentro esas “personas”.
Creo que la vida del artista también es
eso, mantenerse firme frente a la tormenta.
—Siglos de golpes se la dedicas a maestros,
cantantes, mujeres, ausentes… ¿Están
las letras inspiradas en la actualidad
social?
No están las letras de todo el disco inspiradas
en la actualidad social. Si fuera así
no tendría sentido el parón de La Raíz.
Hay muchísimo más en Donde nace el
infarto, pero sí que se deja ver en algunas
canciones esta realidad social. Siglos de
golpes está inspirada en los trabajadores y
trabajadoras de posguerra. Algunos que se
quedaron y otros que partieron forzadamente.
—jesús casañas
THE MISSION
Valencia (9 y 10 marzo, Sala Moon)
Madrid (16 y 17 marzo, Sala Mon)
Barcelona (18 y 19 marzo, Razzmatazz 2)
Después de que Wayne
Hussey nos visitase el
año pasado en solitario,
llegan nuevas fechas
esta vez con The Mission,
dentro de su The United
European Party Tour, que
incluye conciertos en varias
ciudades españolas.
Una carrera tan
apasionante y
longeva como la de
Wayne Hussey es difícil
de encontrar. Este británico
comenzó militando en Dead
Or Alive, participó en el mejor
disco de The Sisters Of Mercy
y, finalmente, creó su propia
banda, The Mission. “Supongo
que cuando eres joven tienes la
fuerza necesaria para meterte
en constantes cambios. Aunque
siempre me ha gustado
hacer cosas nuevas. De hecho, a
día de hoy continúo haciéndolas.
La diferencia entre el pasado
y ahora es que, actualmente,
cada miembro de la banda
tiene más tiempo para si mismo.
Cuando éramos jóvenes las
relaciones entre nosotros eran
más intensas, y eso puede generar
fricciones y conflictos, ya
que no te permite plantear un
cambio sopesado. A Dead Or
Alive dediqué dos años de mi
vida. Fue entonces cuando sentí
que era el momento de pasar
página. En The Sisters invertí
los siguientes dos años hasta
que pensé ‘vamos a hacer algo
diferente’. Tras ello, Craig y yo
abandonamos la banda de Andrew
Eldrich prácticamente a
la par con la intención de crear
nuestro propio grupo. Craig
quería tocar las canciones que
yo había compuesto, cosas que
no habían llegado a ver la luz
con Sisters. Nos pusimos a la
busca de un cantante, ya que la
intención original no era que
yo me ocupase de las voces.
Probamos con un par de ellos,
pero no nos convenció ninguno.
Total, que fuimos al estudio
sin vocalista, y tanto Craig
como yo probamos nuestras
voces. Llegamos a la conclusión
de que la mía podía encajar
mejor dentro del concepto que
andábamos buscando, por lo
que decidí intentarlo. Escribí
un par de letras que podían
adaptarse a los temas. Comencé
a cantarlas, y de repente
todo funcionaba”.
The Mission ha sido considerado
uno de los referentes
de la llamada cultura goth de
los años ochenta y noventa.
Mucho se ha dicho y desdicho
acerca de esta categorización,
y multitud de formaciones
que, pese a ser consideradas
pilares de esta subcultura,
han querido desvincularse
de la etiqueta por un motivo
u otro. “Aunque nuestra
música tienda directamente
y de forma natural hacia la
oscuridad, a mis letras no les
pasa lo mismo. Las canciones
de cada álbum son un testimonio
de la banda como tal, y
un poco también de cómo soy
por dentro. En The Mission
hay muchas canciones oscuras,
pero también las hay que
ensalzan la vida y la celebran,
tratando el amor y otras cosas
positivas. No todo es un lienzo
oscuro”. Y es que para artistas
como Wayne Hussey, no existe
otra manera de imaginar el
mundo que no sea en directa
vinculación con la música. Al
preguntarle cómo imagina
una vida exenta de música,
contesta: “Creo plenamente
que no merecería la pena vivirla.
La música forma parte
indisoluble de la vida. Todas
las culturas de este planeta
cultivan su propia música”.
—fernando o. paíno
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marzo 2020 #29

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New Model Army
“El Brexit es un pequeño sinsentido
provinciano”
Madrid (6 marzo, Shôko) Barcelona (7 marzo, Salamandra)
New Model Army es mucho más que
una insignia del after punk y del
rock oscuro de los ochenta. Hablamos
de un grupo con principios
muy definidos que no ha cesado de
hacer música desde hace cuarenta
años. La banda liderada por Justin
Sullivan visitará en marzo nuestro
país presentando su último trabajo,
From Here (earMusic 19).
New Model Army sois un inexcusable
ejemplo de integridad
y originalidad dentro del postpunk
británico. Tras más de
una veintena de discos publicados y
cuatro décadas de trayectoria musical,
¿en qué lugar se encuentra el grupo?
La verdad es que dar una visión personal
sobre nuestra propia imagen es algo que
no nos corresponde hacer a nosotros. Es
un trabajo de los críticos musicales como
tú (risas). Simplemente hacemos lo que
hacemos.
—From Here, vuestro último trabajo, es
una nueva declaración de ideales vestidos
con un sonido potente y directo.
¿Hasta qué punto NMA sigue pivotando
sobre una perspectiva política?
Es un error ver a New Model Army como
un referente de tendencias políticas.
Existimos por razones musicales. La
música posee una magia especial porque
tiene la capacidad de abstraer muchos y
diferentes niveles y aspectos de la vida.
La política es solo uno de ellos.
—¿Qué aporta From Here a vuestra
extensa discografía?
De alguna manera es la culminación de
todo lo que ha acontecido hasta 2019:
el énfasis en las secciones de ritmos, el
amor por los paisajes sonoros sombríos
y a la vez abiertos, las notas menores y a
la vez su interesante energía de conducción.
Fue escrito y grabado muy rápido, y
ese aspecto le añade un cariz de inmediatez.
Al mismo tiempo, queríamos alejarnos
de la actual y cada vez más propagada
“cultura de la polarización”, con todos
gritándose unos a otros, e idear una
imagen más grande. No hay “nosotros y
ellos” en este disco, solo “nosotros”.
—He querido descubrir en gran parte
de las letras de vuestros últimos temas
una gran preocupación sobre el panorama
británico actual y su relación
con el resto de Europa. ¿Esto es así?
¿Podrías darnos vuestra opinión al
respecto?
Nuestro anterior disco, Winter (16), fue
escrito justo antes de que tuviera lugar
el referéndum de 2016. Como ya sabíamos
lo que iba a pasar, la temática de ese
álbum estaba más involucrada en esos
asuntos. From Here está más alejado de
ello y es más amplio en lo que respecta a
su planteamiento. El Brexit es un pequeño
sinsentido provinciano que ha nacido de
muchas cosas, no solo de cuarenta años
de gobiernos conservadores (el gobierno
de Blair desafortunadamente siguió la
misma tendencia). Con el paso del tiempo,
los ricos y poderosos se han hecho aún
más ricos y poderosos, y han logrado
culpar a los inmigrantes y a los pobres
de todos los problemas que han creado.
Finalmente, terminaron acusando a la
Unión Europea, que es un objetivo fácil y
abstracto al mismo tiempo. El Brexit no es
más que un truco, y lo descubriremos en
algún momento. —fernando o. paíno
Fat Freddy’s Drop
Barcelona (Razzmatazz, 27 de marzo)
Madrid (La Riviera, 28 de marzo)
Fat Freddy’s Drop, los gurúes
del dub electrónico
tropical, jazzero e irreverente
Made In New Zealand,
vuelven a España
en el marco de su extensa
gira europea para presentar
Special Edition Part
1 (The Drop, 19).
Nos consideramos
muy afortunados de
tener a Europa como
nuestra segunda
casa. Volver es algo que siempre
esperamos; la gente, la
comida, la historia, la música
y lo más importante, nuestros
fanáticos”, cuenta Chopper
Reedz, saxofonista del septeto.
Presentarán Special Edition
Part 1, su primer disco en
cuatro años y, mientras su
segunda parte se encuentra
en ebullición ahora mismo,
Chopper explica el porqué
de los largos períodos que
separan a sus discos. “Estas
brechas están dictadas porque
somos músicos de gira.
Nos encanta tocar en vivo y
necesitamos hacerlo para
pagar las cuentas, así que las
grabaciones a menudo quedan
en segundo plano. Dicho esto,
es genial poder dedicarnos al
estudio; requiere un conjunto
diferente de habilidades y una
disciplina distinta que tocar
en vivo”. Los shows del grupo
son memorables; FFD basan
su riqueza en la habilidad de
siempre sonar sofisticados y
bailables al mismo tiempo,
cualidad derivada del origen
del grupo que no fue un trío de
guitarra, bajo y batería, sino
un DJ. Puede sonar extraño,
pero no en la Wellington de
los noventa, en la que la escena
musical era heterogénea,
con clubbers y músicos de jazz
codeándose sin complejos.
“Creo que en aquel entonces
los fanáticos de la música eran
diversos por defecto: Nueva
Zelanda parece estar sintonizada
de esa manera. Tener
una sección de ritmo orientada
al DJ nos ayudó a ofrecer
bajos y ritmos adecuados sin
importar dónde estuviéramos
o cuáles fueran las circunstancias.
Si tienes esa base sólida,
la gente bailará, y nuestra
música está cien por cien
hecha para eso”. Por aquel
entonces su disco debut, Based
On A True Story (05) –un
viaje sonoro en el que flotan
armoniosamente en una nube
electrónica, el jazz, el dub y
el reggae– de 2005, fue revolucionario
a nivel nacional,
siendo el más vendido en la
historia de su país. ¿Serán
celebridades allí? “¡Ja! ¡¿Celebridades?!
¡No! El éxito de
ese disco tomó a todos por
sorpresa, incluidos nosotros.
¡Pero fuimos muy felices con
eso! Nos dio un empujón en la
dirección correcta para poder
reinvertir en nuestra producción
y actuaciones y adoptar
un enfoque profesional para
hacer música; antes de eso
estábamos todos haciendo
malabares para llegar a fin de
mes”. —adriano dante mazzeo
FOTO: ARCHIVO
#30 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA, LA RIOJA Y NAVARRA
ASTURIAS
ACAPULCO, GIJÓN
17/04/2020 LORENA
ÁLVAREZ
LA LATA DE ZINC, OVIEDO
02/04/2020 HAKIMA FLISSI
LA SALVAJE, OVIEDO
08/03/2020 MARIA RODÉS
25/04/2020 MOURN
EUSKADI
SALA CÚPULA
TEATRO CAMPOS, BILBAO
13/03/2020 MARIA RODÉS
20/03/2020 LORENA
ÁLVAREZ
DABA DABA, SAN SEBASTIÁN
14/03/2020 MARIA RODÉS
23/05/2020 BRONQUIO
KUTXA KULTUR KLUBA,
SAN SEBASTIÁN
16/05/2020 LOS SAXOS
DEL AVERNO
CATALUÑA
FABRA I COATS, BARCELONA
27/03/2020 NANJAZZ
CONTINENTAL BAR, BARCELONA
16/05/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
ALMO2BAR, BARCELONA
27/06/2020 GAF Y LA ESTRELLA
DE LA MUERTE
GALICIA
EL NAÚTICO, SAN VICENTE
DO MAR (O Grove)
01/05/2020 LOS SAXOS
DEL AVERNO
ATURUXO, BUEU
(PONTEVEDRA)
05/04/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
KARMA, PONTEVEDRA
28/03/2020 BRONQUIO
CLAVICÉMBALO, LUGO
23/05/2020 JAVIER
ALCÁNTARA
CAFÉ AURIENSE, OURENSE
20/03/2020 MISSISSIPPI
QUEEN
& THE WET
DOGS
05/04/2020 HAKIMA FLISSI
CAFÉ DEL TEATRE, LLEIDA
08/03/2020 NANJAZZ
ARAGÓN
LA BÓVEDA DEL ALBERGUE,
ZARAGOZA
24/04/2020 JAVIER
ALCÁNTARA
02/05/2020 FINO OYONARTE
15/05/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
MARZO - JUNIO 2020
SINATRA CÓCTEL BAR, VIGO
04/04/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
CONTRABAJO, VIGO
22/05/2020 JAVIER
ALCÁNTARA
MARDI GRAS, A CORUÑA
24/04/2020 MOURN
LA RIOJA
STERO ROCK&ROLL BAR,
LOGROÑO
10/04/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
01/05/2020 FINO OYONARTE
BIRIBAY, LOGROÑO
13/03/2020 MARIA RODÉS
NAVARRA
KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA
28/03/2020 HAKIMA FLISSI
CATALUÑA, ARAGÓN Y COMUNIDAD VALENCIANA
26/06/2020 GAF Y LA ESTRELLA
DE LA MUERTE
ZETA, ZARAGOZA
01/05/2020 FRASKITO
CTO. CULT. LAS ARMAS,
ZARAGOZA
17/04/2020 MOURN
Esta información puede sufrir alguna alteración
debido a la antelación con que es elaborada.
CASTILLA LEÓN,
CASTILLA LA MANCHA
Y MADRID
CASTILLA LA MANCHA
CLANDESTINO, ALBACETE
02/05/2020 FRASKITO
PÍCARO, TOLEDO
15/05/2020 HAKIMA FLISSI
22/05/2020 ZULU ZULU
CASTILLA LEÓN
BAR SECRETOS,
MAYORGA (VALLADOLID)
02/05/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
C.T AVALON GREEN, SORIA
12/03/2020 LOS SAXOS
DEL AVERNO
30/04/2020 FRASKITO
08/05/2020 NANJAZZ
LA CUEVA DEL JAZZ,
ZAMORA
03/04/2020 LOS SAXOS
DEL AVERNO
MADRID
MAGOKORO, EL ESCORIAL
01/03/2020 JAVIER
ALCÁNTARA
CADILLAC SOLITARIO
01/05/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
CAFÉ BERLÍN
22/04/2020 NANJAZZ
EL SOL
05/03/2020 JOSÉ
DOMINGO
MOBY DICK
07/03/2020 MACHETE
EN BOCA
COMUNIDAD VALENCIANA
TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA
26/06/2020 LORENA ÁLVAREZ
WAH WAH, VALENCIA
06/03/2020 MARUJA LIMÓN
EL LOCO CLUB, VALENCIA
07/03/2020 MISSISSIPPI QUEEN
& THE WET DOGS
28/05/2020 ZULU ZULU
25/06/2020 GAF Y
LA ESTRELLA
DE LA MUERTE
SIROCO, MADRID
21/05/2020 ZULU ZULU
WURLITZER BALLROOM,
MADRID
09/04/2020 RUBIO SALAS
CORPORATION
ANDALUCÍA
ANDALUCÍA
SALA X, SEVILLA
06/03/2020 JOSÉ DOMINGO
LA CALLE, SEVILLA
21/03/2020 MARUJA LIMÓN
EL PELÍCANO, CÁDIZ
28/03/2020 FÔNAL
BOOGACLUB, GRANADA
28/05/2020 GAF Y LA ESTRELLA
DE LA MUERTE
VELVET CLUB, MÁLAGA
29/05/2020 GAF Y LA ESTRELLA
DE LA MUERTE
MURCIA
LA YESERÍA, MURCIA
26/04/2020 FRASKITO
MONDOSONORO_Mar-Jun20_234x144,5mm.indd 1 19/2/20 14:14

PARCELS·CUT COPY·DESTROYER·MANEL
SOCCER MOMMY·CUPIDO·JUNGLE DJ SET ·THE NEW RAEMON & PAULA BONET
LADILLA RUSA·MOURN·MAZONI·BIZNAGA·EGYPTIAN BLUE·FLAMINGODS
BAYWAVES·SINEAD O’BRIEN·SÚPER GEGANT·VERA FAUNA
02.07
04.07
(Chk Chk Chk)
BELLE & SEBASTIAN·DEVENDRA BANHART·!!!
CATE LE BON·BAXTER DURY·DAN DEACON·MARIA JOSÉ LLERGO
SEN SENRA·SPORTS TEAM·FRENCH 79·ENRIC MONTEFUSCO
EVE OWEN·CAMELLOS·ZULU ZULU·BRONQUIO
LA TRINIDAD·HICKEYS·MARETA BUFONA·MYÕBOKU·JORDI SERRADELL
NILS FRAHM·ANGEL OLSEN·BLACK PUMAS
DAMIEN JURADO·NICK MURPHY DJ SET·FRANC MOODY·FERRAN PALAU·NÚRIA GRAHAM
TVERSKY·LJUBLIANA & THE SEAWOLF·PACOSAN
MELENAS·CHAQUETA DE CHÁNDAL·MERITXELL NEDDERMANN·PAULA VALLS·HIJOS DEL TRUENO
CANDELEROS·TARTA RELENA·COR BLANC·PAT T SMITH·MASONIERÍA·MACHINDA D J
VILANOVA I LA GELTRÚ
VIDAFESTIVAL.COM
#PEØPLEVSUN1TS
Patrocinador
Principal:
Patrocinadors
Oficials:
Col·laboradors oficials:
Mitjans oficials:
Suport Institucional:
PRÓXIMAS GIRAS 2020
ABRIL
ZONA GANJAH
#zglabusquedatour
VIE 17 Bikini, BARCELONA
DOM 19 Casa Planas, PALMA DE MALLORCA
JUE 23 Las Dalias, IBIZA
VIE 24 Sala 0, MADRID
SAB 25 Sala X, SEVILLA
DOM 26 Booga Club, GRANADA
ABRIL / MAYO
ERUCA SATIVA
#seremosprimavera
MIE 29 Casa Planas, PALMA DE MALLORCA
JUE 30 a DOM 3 Varios lugares, IBIZA
MIE 06 La Nau, BARCELONA
JUE 07 Peter Rock, VALENCIA
VIE 08 Sala Stereo, ALICANTE
SAB 09 Cochera Cabaret, MALAGA
MAR 12 Caracol, MADRID
JULIO
SKAY
#enelcorazondellaberinto
SAB 25 Sala Apolo, BARCELONA
MAR 28 Sala But, MADRID
JUE 30 COSQUÍN ROCK ESPAÑA
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33/Mondo
VINILOS
Sunday
Service
Choir/
Kanye West
Jesus Is Born
INC
Polock
Romance
Faster Love
Parker y la música de baile
Tame Impala
The Slow Rush
Caroline /Music As Usual
POP / Cinco años han pasado ya desde que
Kevin Parker sorprendiera al mundo con su
predecesor Currents (15), un disco que, si
bien nos dejó un tanto aturdidos a los que
esperábamos encontrar el vellocino de oro
del rock psicodélico, ha terminado por situarse
como uno de los trabajos más importantes
de la década que acabamos de dejar atrás.
Visto en retrospectiva, parece mentira que
en algún momento llegásemos a considerar a
Parker como la gran esperanza de la música
de guitarras. Claramente sus planes iban en
otra dirección. Adorado por gigantes como
Kanye West, Lady Gaga, Rihanna, Travis Scott
o Kali Uchis, se ha convertido en algo parecido
al “productor de moda”; el hombre con el
que todo el mundo quiere colaborar, llámese
Alex Turner o Dua Lipa. Las expectativas
estaban pues muy altas y la primera pregunta
que surge tras escuchar este The Slow Rush
es clara: “¿ha merecido la pena la espera?”.
La respuesta es rotundamente afirmativa.
En estos cincuenta y siete nuevos minutos
los horizontes se expanden en todas las direcciones
posibles. El disco se abre con un
golpe electrónico magistral: One More Year,
una cacofonía de baterías sincopadas con un
tono confesional de incitación al viaje, físico
8
y mental. Continua con Instant Destiny, una
densa espiral de sintetizadores que funciona
como un bucle en el que sumergirnos antes
del primer gran single del disco: Borderline,
temazo que llevamos escuchando desde el
pasado verano (aquí acortado) y que muestra
claramente la intencionalidad última de Parker:
acercarse a la música de baile en todas
sus acepciones. Así, nos ofrece cortes como
Posthumous Forgiveness, que transita por si
sola todo el camino que recorrieron Yes entre
1968 y 1981; Breather Deeper, con su beat discotequero;
Tomorrow’s Dust, el tema en que
más se acerca a las cadencias de sus primeros
trabajos; On Track, la más sosegada del lote;
Lost In Yesterday, otro de los momentos álgidos;
It’s True, que se adentra en el terreno del
boogie espacial; It Might Be Time parece una
mutación carnosa del soft-rock setentero con
un teclado que bebe directamente de Supertramp.
Por su parte, la brevísima “Glimmer” es
prácticamente house de Chicago en la senda
de Larry Heard o Frankie Knuckles mientras
One More Hour cierra el disco como un auténtico
baladón; rock clásico entendido de la forma
más épica y progresiva posible, violines
incluidos. Con estas doce nuevas canciones
Parker vuelve a redefinir los márgenes del
sonido psicodélico, explotando aún más su
gusto por las melodías pop. A lo largo de todo
el disco resuenan ecos familiares de artistas
realmente masivos (Pink Floyd, Fleetwood
Mac), pero lo hacen ocultos bajo una serie de
texturas y ritmos profundamente contemporáneos
que escapan a la lógica del revivalismo
inocuo. —tomás crespo
GÓSPEL / El Sunday Service
Choir, el coro que
8
acompaña a Kanye West en sus
revolucionarios Sunday Service,
ha completado el trabajo que empezó
con Jesus Is King en este
Jesus Is Born (19). Esta segunda
muestra de actualización de la
tradición musical gospel, se centra
en la parte vocal y deja a un
lado el hip-hop. Count Your Blessings
o Sweet Grace son muestras
del repertorio tradicional
gospel, mientras que las versiones
de Ultralight Beam o Father
Stretch (My Hands), evidencian
la influencia de Kanye West en
el proyecto y la del gospel en
los últimos trabajos de West. No
sabemos cuánto durará su giro
cristiano –el de Bob Dylan duró
tres álbumes–, pero, de momento,
ha conseguido dos larga duración
de una gran factura, que
suenan maravillosamente bien.
—luis m. maínez
Wire
Mind Hive
Pinkflag
Records
ROCK / A la hora de evaluar
el nuevo álbum de
8
iconos post-punk como Wire, lo
primero que me viene a la mente
es el razonamiento empleado
por Alexis Petridis, periodista
de The Guardian, en su crítica
de Mind Hive: si en vez de Wire,
este fuera el primer disco de
una nueva formación neo postpunk,
estaríamos hablando de
hype incontestable. Pero claro,
tras más de cuatro décadas de
trayectoria, la banda liderada
por Colin Newman no deja de ser
contemplada como la típica que
tira de fondo de armario para
recuperar la llama de antaño. Dichas
palabras se derrumban por
sí solas cuando la savia nueva
es mucho más que un espejismo.
Hitos como Oklahoma u Off The
Beach demuestran que son un
grupo que ha sabido reciclar su
pasado en refrescante presente.
—marcos gendre
POP / Las diez canciones
7
del cuarto álbum de los
valencianos invitan a romper
una buena lanza en su favor: han
crecido hasta rebasar la siempre
peliaguda barrera de los treinta,
se han pasado al castellano, se
han autoeditado y cada vez se
parecen menos a nadie más que
a ellos mismos. Lejos quedan
ya los tiempos en que parecían
una franquicia hispana de The
Strokes –primero– o de Phoenix
–un poco después–, lejos queda
también su paso por Mushroom
Pillow o por Sony. Aquí ya no hay
coartadas, solo ellos mismos en
un puñado de composiciones que
desvelan textos desenfadados y
sin pretensiones, y melodías de
pop sintético estupendamente
producidas (de nuevo con Fernando
Boix a los controles), sostenidas
sobre sintetizadores livianos,
que se adhieren a la sesera.
—carlos pérez de ziriza
Dan Deacon
Mystic
Familiar
Domino/
Music As
Usual
ELECTRÓNICA
8
/ El sexto
trabajo del geniecillo del
pop electrónico con sede en Baltimore
despliega todas las armas
sonoras que le han puesto en
primera fila: un caleidoscópico
viaje de alucinaciones psicodélicas.
Compuesto en los huecos
que le han dejado los constantes
encargos de bandas sonoras y
con un ojo puesto en el libro de
estilo de Brian Eno y otro en el
de Animal Collective, la música
de Deacon no puede ni quiere
liberarse de su habitual cualidad
cinemática, muy presente a lo largo
de todo el viaje, pero se hace
deliberadamente más emocional.
Sat By A Tree suena como si The
Flaming Lips se hubieran hecho
un lifting para rejuvenecer veinticinco
años. Las cuatro partes de
Arp funcionan de principio a fin,
mientras que Fell Into The Ocean
y My Friend recuperan al Deacon
más juguetón y pop. —jc peña
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
marzo 2020 #33

MONDOVINILOS
Drive-By
Truckers
The Unraveling
ATO
Más Pablo que Und Destruktion
Pablo Und
Destruktion
Futuros Valores
Humo, 2020
8
POP ROCK / Pablo García Díaz es un artista
de voluntad inquebrantable. La honestidad
está soldada a su piel. Desde su debut
como Pablo Und Destruktion con Animal
con parachoques (12) el asturiano ha
ido entregando una serie de episodios
discográficos a cual más catártico que,
al tiempo que agrandaban su reputación
de trovador ingobernable, constituían
una antología del constreñimiento que se
acercaba inevitablemente hacia el abismo.
Hasta ahora. Tras el Apocalipsis que
supuso su anterior trabajo, Predación
(17), Pablo ha decidido tomar distancia y
ponerle freno a su particular escalada de
violencia. Futuros valores supone una
purificación, artística y espiritual, de
toda esa furia de la que hacía gala.
Estamos ante un álbum minimalista que
prescinde de cualquier artificio o efecto
de sonido para centrarse en lo sustancial:
las letras y los acordes que constituyen las
canciones. Pablo vuelve, por así decirlo, a
su faceta más cantautoril. El disco se abre
con El cortejo, una sencilla canción de amor
que es como una invocación para el ser
querido. Gijón, el primer adelanto, es quizás
la más discursiva del lote, con sus referencias
explícitas al puerto y a un personaje
tan fascinante como fue Rambal, cupletista
asesinado en 1976 (“mucho más que un
marica, un héroe nacional”). En Credo paisano
deja algunas píldoras que son claves
para entender el nuevo rumbo que Pablo ha
decidido emprender. Una vuelta a las esencias
en la que profundiza en Problemas.
Gracias es una reflexión sobre la compleja
relación público-artista, que Pablo identifica
como algo vampírico, mientras que en
Viva la gente rompe una lanza a favor de la
colectividad. En definitiva, un trabajo más
“Pablo” que “Und Destruktion” en el que el
asturiano se reencuentra consigo mismo y
reivindica una serie valores que parecen
encaminar su propuesta hacia un nuevo
lugar, quizás más apacible, pero no por ello
menos belicoso. —tomás crespo
8
AMERICANA / No existe banda
alguna que posea una
trayectoria inmune a turbulencias.
Las sufridas por esta formación
de Athens –especialmente
tras la marcha de uno de sus
pilares, Jason Isbell– son de sobra
conocidas, igual que sus repercusiones
en una hasta entonces
impoluta obra. Fue con American
Band (16), trabajo predecesor al
actual, cuando recuperaron unos
galones que estas nuevas composiciones
no solo conservan, sino
que lo hacen arriesgando, dando
una vuelta de tuerca a su característico
sonido sureño. Un ejercicio
cargado de rabia e indignación
contra la actual situación política
que fluye incorporando heterodoxa
instrumentación (Rosemary
With A Bible And A Gun), deconstruyendo
la tradición “bluesera”
(Babies In Cages) o emergiendo
entre majestuoso rock (Grievance
Merchants). Drive-By Truckers consolidan
así un reinado cimentado
por un talento musical lanzado
a desenmascarar las pesadillas
ocultas entre las barras y estrellas.
—kepa arbizu
Lee Ranaldo
& Raül
Refree
Names Of
North End
Women
Mute/PIAS
Mura Masa
R.Y.C
Polydor/
Universal
Gyoza
Early Bird
Bandicoot/
Navalla Discos
Bombay
Bicycle
Club
Everything
Else Has
Gone Wrong
Caroline/
Island/M.A.U.
Shopping
All Or Nothing
Fat Cat
POP EXPERIMENTAL / Con
7
nombre tan misterioso
como su portada llega el primer
álbum conjunto entre el
reputado músico neoyorquino
y el músico y productor barcelonés.
La grabación de Acoustic
Dust (15) y después el notable
Electric Trim (17), coproducido
con Refree, cimentaron una
amistad que se plasma ahora
en un trabajo colaborativo
en el que ambos se alejan del
formato del grupo de rock. De
hecho, Ranaldo ha cometido la
herejía de prescindir en gran
parte de la guitarra que viene
caracterizando su sonido desde
los tiempos gloriosos de Sonic
Youth. En Alice, Etc. se plantan
las semillas de un disco de
texturas acústicas y reflexivas,
entre la luminosidad melódica y
los ambientes fantasmales: marimbas,
electrónica minimalista,
samplers, violines, patrones
hipnóticos (la huella de Steve
Reich es alargada), y la voz de
Ranaldo, más protagonista que
nunca, con generosos pasajes de
spoken word. —jc peña
7
POP / El joven y talentoso
ROCK / Gyoza son unos
POP / Tras un parón de más
8
7
Mura Masa vuelve a ofrecer
músicos inquietos como
de un lustro, el cuarteto
un trabajo que sorprende
por su originalidad respecto a
su premiado primer álbum. En
R.Y.C encontramos dos mitades:
la primera, inspirada, obviamente,
por el punk rock de los
primerísimos años del presente
siglo y filtrada hasta hacerla
autentica y divertida en vez
de prescindible; en la segunda
(desde In My Mind) volvemos
a encontrar un Mura Masa que
esta vez mira a la electrónica lofi
como quien mira una fiesta en
la que ya ha estado. R.Y.C parece
un disco homenaje a la música
de moda hace quince años que
suena tan bien como podías
esperar. Las colaboraciones
están escogidas –en su línea– a
la perfección: Clairo, Georgia,
slowthai,… complementos que
se unen con éxito a la línea que
marca Mura Masa. Deal Wiv It,
In My Mind o Raw Youth College
serán sus mayores éxitos, pero
–aunque está lejos de ser perfecto–
todo el álbum es interesantísimo.
—luis m. maínez
pocos y en su segundo largo le
dan una vuelta de tuerca y media
a su rock alternativo. La etiqueta
experimental seguramente le
viene algo grande a Early Bird,
pero aquí encontramos un total
de nueve cortes valientes, aventureros,
con incontables influencias,
novedosos tintes electrónicos
y un buen puñado de
giros sorprendentes. Guitarras
estratosféricas sobre una base
instrumental digna de los mejores
Helmet (In My Room), unos
patrones jazz (Requiem For A Lie),
aires a western crepuscular(Roy
Goode), sintetizadores marcianos
(Glitch), una progresión de
acordes muy emotiva (Burden)…
Escuchas el disco y te los puedes
imaginar gozando en el estudio,
probando todos los cacharros
posibles, todo aquello que se les
pasaba por la cabeza. Sin duda,
un disco sin límites, abismal por
momentos, quizá menos directo
y más sinuoso, pero que supera
sus propias ambiciones.
—luis benavides
británico ha recuperado fuerzas
para reaparecer con el que parece,
a todas luces, su disco más sólido,
ambicioso y adulto. La producción
de John Congleton le viene
como anillo al dedo a una formación
que recupera y potencia
los ingredientes básicos de una
banda de rock (o pop). Apostando
algo menos por la electrónica
y la world music (aunque sigue
presente en cortes como I Worry
Bout You, Do You Feel Loved) y más
por un desprejuiciado abanico
de influencias acertadas que van
del kraut a la psicodelia o el pop
en estado puro, Jack Steadman
y compañía se hacen fuertes en
una sobresaliente primera mitad
del disco, con canciones estupendas
como Is It Real, Everything
Else Has Gone Wrong, I Can Hardly
Speak o la emocionante Eat,
Sleep, Wake (Nothing But You), de
lo mejor que han hecho. La segunda
mitad se me hace algo menos
inspirada, pero sin que desaparezca
la sensación de gran paso
adelante. —jc peña
POST PUNK / Emparentados
7
con formaciones clásicas
como Wire y contemporáneas
como Bodega, pero más pulidos
que sus colegas de Brooklyn, en
su tercer álbum el trío radicado
entre Glasgow y Los Angeles
también tiene ahora el dance
punk neoyorquino entre ceja
y ceja. Esto tiene sus peligros:
aunque About You se queda por
momentos melódicamente cerca
de propuestas demasiado exprimidas
y comerciales al albur
de Gossip, acaba convenciendo
con su acertado desarrollo
instrumental y vocal. En Lies se
visten con ropajes electrónicos
sin problema, y en Body Clock
se meten de lleno en la pista de
baile. Al final, el hándicap de
grupos como Shopping, capaces
de crear hits de andar por casa
como Follow Me, No Apologies,
Expert Advice, Trust In Us o For
Your Pleasure, que completan
discos tan entretenidos como
éste, es el creciente overbooking
de bandas que apuestan por una
propuesta de reciclaje digno
similar. —jc peña
#34 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Nada Surf
Never Not
Together
City Slang/
Ernie Records
Algora
Un extraño
entre las
rosas
El Genio
Equivocado
Pinpilinpussies
Fuerza 3
Aloud
INDIE ROCK
7
/ Nada Surf
nunca han sido el grupo
que iba a salvar el rock. Pero el
mundo sería un lugar bastante
más inhóspito sin ellos. Los que
busquen experimentos con gaseosa
se han equivocado de banda:
Matthew Caws, Daniel Lorca
e Ira Elliot –con la participación
ocasional del brillante guitarrista
de Guided By Voices Doug
Gillard y el teclista Louie Lima,
que tiene más presencia en las
texturas– han ido destilando desde
hace años un sonido elegante
y atemporal que sacrifica aristas
y estridencias en pos de la calidez
melódica. Y ahí siguen, con la
vocación de hacer del mundo un
lugar más habitable. Poco queda
de los críos indies que estaban
detrás de Popular, aunque el
grupo se permite aquí el guiño de
recuperar el spoken word haciendo
referencia al ruido de las redes
sociales, con la energética y
estupenda Something I Should Do.
Aunque a nivel melódico estamos
en terreno de sobra conocido, la
inspiración compositiva no les
ha abandonado. —jc peña
POP ELECTRÓNICO / A diferencia
de la soledad desde
8
el punto de vista amoroso tratada
en Folclore del rascacielos
(17), aquí Algora quiere centrarse
en la soledad de la gran ciudad
actual, la soledad del sistema
consumista. El tono político es
palpable en temas como la preciosa
Elaid y Tiberiu, la generacional
Reflexiones de una vieja lavadora
o, especialmente, El último
hombre en Europa. Como cualquier
soledad y cualquier vacío,
intentamos llenarlo con drogas
de todos los tipos, y con patrones
de consumo en general, ya sea
consumo de objetos, de cuerpos o
de validación, como podemos ver
en las estupendas Fotos en los
gimnasios y Dondiego. Todo este
concepto está además revestido
de un cambio en su sonido: Algora
confiesa haberse quitado cualquier
complejo musical al respecto,
y se abre aquí por completo
a la electrónica con ecos a New
Order o Pet Shop Boys. En definitiva,
Víctor Algora nos entrega el
que probablemente sea su mejor
trabajo. —pablo tocino
7 ROCK / Un año después
de la publicación de su
presentación con 80/B, Pinpilinpussies
lanzan su estupenda
puesta de largo. Perder el tiempo
no entra en el vocabulario de este
dúo afincado en Barcelona. No han
parado de tocar en todo tipo de escenarios
y su propuesta entre el
indie rock y punk garajero ha cogido
peso. Grabado en el estudio
sevillano La Mina con Raúl Pérez
(Biznaga, Pony Bravo), el presente
Fuerza 3 es menos lo-fi y más variado
que el EP. Sacan partido del
constante intercambio de roles
e instrumentos de Ane y Raquel.
Comparten referentes e inquietudes
(también gomina, como indica
el título del disco) pero su manera
de cantar y atacar los instrumentos
es diferente. Ellas encarnan
las dos caras de la misma moneda.
Gregory Peck, Noventas y Balada
#2 representarían su vertiente
más melódica; mientras A.M.O. y
Fiera sacan su lado más punk y
salvaje. ¿Lo mejor? Fuerza 3 no
culmina nada. Este disco es solo
una etapa más en una carrera que
promete mucho. —luis benavides
top 10.
DD LJM DC JSL Med
1 Flat Erik
(Erik Urano) 8 9 9 9 8,75
Neovallado
2 Caribou 8 8 9 8 8,25
Suddenly
3 Tame Impala 7 8 8 7 7,5
The Slow Rush
4 Triangulo
De Amor Bizarro 7 8 7 8 7,5
Triángulo
De Amor Bizarro
5 Cruz Cafuné 7 7 8 7 7,25
Moonlight922
5 King Krule 6 7 7 8 7
Man Alive!
6 US Girls 6 7 6 6 6,25
Heavy Light
7 Mura Masa 6 7 6 6 6,25
R.Y.C
9 Green Day 7 6 4 6 5,75
Father Of All
Motherfuckers
10 La Roux 5 5 5 4 4,75
Supervision
Don Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)
Caribou: apuesta segura
Holy Fuck
Deleter
Holy Ef Music
Caribou
Suddenly
City Slang/
Music As Usual
ELECTRÓNICA / Pasa el tiempo y Caribou no
defrauda. Seis años después del enorme Our
Love (15), Dan Snaith regresa en 2020 con
Suddenly, un trabajo lleno de calidez y luz
que nos muestra a una de las figuras fundamentales
en el terreno del pop electrónico y
la música de club de los últimos veinte años
en un estado de forma envidiable. Suddenly
muestra la cara más sensible e intimista de
Caribou; todo el disco está atravesado por
una sensación de emotividad crepuscular,
de calma casera, de alejamiento de la parte
más nocturna y bailable del universo de Dan
Snaith (la que explora y firma como Daphni)
y el resultado seguramente sea el trabajo
más accesible, completo y bonito que nos
ha regalado hasta la fecha el canadiense.
Paternidad, muerte, familia, amor: Suddenly
habla de la vida en movimiento, básicamente,
y la sensación que provoca su escucha es
la de cercanía con un buen tipo que quiere
compartir esas experiencias universales
relacionadas con la madurez y el obligado
paso del tiempo hablándote de tú a tú, desde
la sencillez y con la intención de que, al
8
terminar el disco, tengas una sonrisa en la
cara y te sientas un poquito mejor persona.
Para ello, Caribou amplia la paleta de sonidos
y estilos a los que nos tiene acostumbrados, se
aleja un poco de los loops y transita del soul
luminoso y elegante de Home al minimalismo
más sensible y orgánico de la preciosa Sister.
Por el camino, hay acercamientos al hip hop y
al R&B de regusto comercial en New Jade, preciosismo
directamente pop en You And I, y las
obligadas visitas a la pista de baile de Lime,
Never Come Back o Ravi: que no teman los fans,
Caribou sigue disfrutando de la música de
club, y sigue haciendo magia cuando se sumerge
en ella, si bien es cierto que el baile no es
el elemento central de este disco. Suddenly
supone un viaje calmado, reflexivo incluso, en
el que la inmediatez y nocturnidad de anteriores
trabajos queda un poco de lado para mostrar
a un compositor en estado de gracia, capaz
de mantener el equilibrio entre mil estilos
diferentes de forma magistral, reinventándose
en cada canción y sonando siempre a Caribou.
—ricky lavado
ELECTRÓNICA / La banda
8
de Toronto nos vuelve a
demostrar su gran capacidad
para facturar canciones de lo
más arrojadizas, dejándonos ante
otro trabajo donde la catarata
de texturas sintéticas apunta
en múltiples direcciones de una
forma muy acertada. Con las dosis
de agresividad precisas que marcan
la pauta a la hora de otorgar
un carácter díscolo al trabajo, esta
nueva entrega de Holy Fuck combina
de buena forma momentos
crispados con otros que sirven
como perfecta transición hasta
alcanzar un clímax ruidoso que
bien podría ser el hilo conductor
de toda su carrera. La sensación de
que en esta ocasión han apostado
de lleno por la música de club en
detrimento de explorar su cara
más relacionada con el math rock
es algo que perdura a lo largo de
la referencia, encontrándonos con
un nuevo uso de sus guitarras
como algo mucho más complementario
y puntual que en anteriores
ocasiones. —noé r. rivas
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
marzo 2020 #35

MONDOVINILOS
A Girl
Called Eddy
Been Around
Elefant
Real Estate
The Main
Thing
Domino
POP / Erin Moran vuelve
8
dieciséis años después de
su álbum de debut con una continuación
que es otra absoluta delicia,
como si el tiempo no hubiera
pasado desde aquellas canciones
que le produjo Richard Hawley.
Empezar a sonar el tema titular y
apreciar su habilidad para exhalar
canciones elegantes, medios
tiempos de soft rock que transpiran
templanza y savoir faire, es
todo uno: aquí lo hace con espléndidos
arreglos de viento que le
imprimen un toque muy soulful,
al igual que en esa Come To The
Palisades! que es soul pop de
cinco estrellas. Pero igual da que
empiece un tema como si fuera
Josh Rouse para desembocar en
un estribillo que es puro Steely
Dan (Jody), que rinda un homenaje
confeso a Chrissie Hynde y sus
Pretenders en Someone’s Gonna
Break Your Heart, que incorpore
unas cuerdas imponentes en ese
precioso recuerdo a su padre que
es Lucky Jack (20-1). Es como si nos
enfrentáramos a la Carole King o
la Karen Carpenter del siglo XXI.
—carlos pérez de ziriza
8 POP / De la explosión del
nuevo pop de guitarras que
vivimos a finales de la primera
década del 2000, quedan algunos
supervivientes con carreras interesantes.
Ahora bien, ninguno se
acerca a la excelencia de Real Estate.
La banda de Nueva Jersey, que
debutó en 2009, fue la que menos
ruido mediático generó en su momento.
Es más, su popularidad y
prestigio se han consolidado gracias
a la revolución tranquila que
proponen y que ha ido creciendo a
lo largo de los últimos diez años.
The Main Thing, quinto disco de
estudio de Real Estate, es un paso
más hacia la pureza cristalina del
sonido que parece buscar el grupo
liderado por Martin Courtney.
Un camino a la depuración que se
inició en su anterior y fantástica
obra, In Mind, y que ahora brilla
más que nunca en temas bellísimos
e hipnóticos como You, Silent
World o Shallow Sun. También
presenta nuevas derivas sonoras,
como ese guiño al pop etéreo de
Air que es Friday o la elegancia
casi white soul de Paper Cup.
—xavi sánchez pons
El retorno de El Columpio
Asesino
Nathaniel
Rateliff
And It’s Still
Alright
Stax/
Music As Usual
Cruz
Cafuné
Moonlight922
MÉCÈN Entertainment
El Columpio Asesino
Ataque Celeste
Oso Polita
ROCK/ Seis años después, la idea del fin de
algo que recorría Ballenas Muertas en
San Sebastián (14) permanece en Ataque
Celeste, aunque ahora el tono sea otro, con
una perspectiva más personal que social.
Tanto que, incluso teniendo entre manos
este sexto disco de la banda navarra, por
momentos uno llega a pensar si lo de desaparecer,
como cantaba Cristina Martínez
con Nacho Vegas en La última atrocidad,
es siempre una opción. “Ya no queda oro en
toda la montaña, no encuentras las palabras,
empieza a amanecer…”, cantan en Tu
último relato, acercándose al precipicio en
una historia de agotamiento que musicalmente
quizá sea lo más pop que han firmado
en sus veinte años de trayectoria. Esa
línea, perturbadora y accesible a la vez, se
mantiene a lo largo de un álbum más breve
aún que los anteriores, confirmando lo que
apuntaba su primer adelanto, Huir, con un
infeccioso toque funk. En conjunto, Ataque
Celeste no tiene la cuchilla afilada, ni
8
tampoco el peligro de los temas más hirientes
del Columpio, pero la amenaza continúa
latente. Baste como ejemplo el estribillo de
la muy bailable Preparada, corte con más
matices de los que un apresurado contacto
pueda revelar, ganando a cada escucha y
subrayando el protagonismo vocal de Cristina
Martínez, en tanto que Albaro Arizaleta
únicamente asume el mando en un par de
canciones. Una de ellas es Lechuzas, cuters
y somníferos, la más cortante del disco,
recuperando ese ambiente insano tan propio
de los autores de Diamantes (11). Atrás
quedan también las imágenes crípticas de
antaño, sustituidas ahora por textos como
los de Sirenas de mediodía, que abundan
no tanto en el nihilismo como en una sensación
de vacío. La imagen es igualmente
desoladora en Mi general, mientras que
Siempre estás tú devuelve el álbum a esa
idea primera de ruptura y huida, y una
frialdad electrónica que crece de forma
constante (un poco a la manera de La Bien
Querida más oscura de temas como Crepúsculo),
antes de desembocar en la instrumental
Ataque celeste, epílogo de un regreso
que despacha la celebración más rápido de
la cuenta, a juego con un tiempo en el que
odios y pasiones se queman a diario con
acelerante. —enrique peñas
FOLK / Nathaniel Rateliff
7
decide adentrarse en su
bosque interior y se separa
momentáneamente de The Night
Sweats, de su sangre bluesera y
de su alma negra. Vuelve a aquella
encrucijada donde mudó la
piel de serpiente, se calzó las botas
tejanas y se fundió con las noches
sudorosas y, echando la vista
atrás, se desnuda y reemprende
la vereda folk de sus inicios en
busca de redención y retales de fe
perdida. Las diez baladas de And
It’s Still Alright (tercer largo en
solitario) están empapadas por
el dolor y el inabarcable vacío de
la perdida: el desmoronamiento
de su matrimonio y divorcio, y la
muerte de su amigo y colaborador
Richard Swift. Pero, aunque cada
uno de los surcos del álbum son
irremediables heridas abiertas,
la emocionante voz de Nathaniel,
desde la inicial calma de What A
Drag” que desemboca en la titular
y joya de la corona And It’s Still
Alright, filtra un hilo de luz y
esperanza que, poco a poco, deshiela
la pena y nos da cobijo tras
la tormenta. —david pérez
RAP / “La gente mira a la
8
luna, de normal, desde que
el mundo es mundo”. Cruz Cafuné
volvió a hacerlo de nuevo cuando
regresó a su isla, Tenerife, y algo
en aquella luna hizo efecto en
él. Año y medio después entrega
Moonlight922, una mixtape cuyo
título da la clave para descifrarla:
la luna es importante, pero
lo es aún más lo que ilumina. La
isla es aquí protagonista antes
que marco, y los prefijos de Tenerife
y Las Palmas aparecen
de tanto en tanto marcando a
fuego el pasado, el presente y
el futuro. La ambición y el peso
del carácter narrativo de su primer
disco, Maracucho bueno
muere chiquito (18), se aligeran
en Moonlight922, y es lo mejor
que le podría haber pasado: las
producciones de la mixtape (hermanas
de las del Bruno (19) de
Choclock) respiran y dejan el
espacio necesario para que el
canario desborde y se confirme,
a nivel de fraseo, manejo de códigos,
lírica, versatilidad y storytelling,
como uno de los mejores de
su generación. —darío g. coto
#36 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

PABLO LESUIT
NUEVO DISCO BELORIZONTE
YA EN PLATAFORMAS DIGITALES
CONCIERTO PRESENTACIÓN
6 DE MARZO SALA EL SOL MADRID

Isobel
Campbell
There Is
No Other…
Cooking Vinyl/
Popstock!
7
POP / Tras catorce años sin
recibir un disco firmado en
exclusiva por Isobel Campbell,
se impone tirar de tópico para
afirmar que la espera ha merecido
la pena. El regreso de la escocesa
se concreta en un álbum sedoso,
elegante y acogedor que alumbra
no pocas gemas. La ex Belle &
Sebastian completa un elepé de
gran coherencia donde no caben
estridencias ni otros componentes
que desentonen. Un álbum
ambicioso en la estructura de las
canciones, que evita quedarse
en la superficie para añadir detalles
enriquecedores y siempre
colocados con buen gusto tras
respetar la humanidad de las
propias composiciones. Isobel
Campbell protagoniza un retorno
tremendamente firme, y se muestra
decidida en su intención de
volar de nuevo en solitario. Y la
decisión trae consigo una de esas
obras cuya aparente delicadeza
contrasta con la solidez de la selección,
poseedora además de esa
calidez tan propicia para superar
los últimos ramalazos del invierno.
—raúl julián
Green Day cambian de registro
Green Day
Father Of All
Motherfuckers
Warner Music
ROCK / Si nos acercamos al decimotercer
álbum de Green Day con prejuicios y, sobre
todo, con cierta nostalgia de las dos
épocas doradas de los de Oakland –Dookie
(94) y American Idiot (04), por marcar sus
momentos cumbre– nos estaremos perdiendo
un buen álbum, en el que el trío ha
pasado completamente de entrar en terminología
política para despachar un disco,
el más corto de su carrera, lleno de canciones
frescas y disfrutables. Haciendo un
repaso en sus apenas veintiséis minutos
de duración por los diferentes corrientes
musicales (en el disco hay ecos Motown,
sixties, rock’n’roll, glam, garage o indie
rock) y producido por Butch Walker (Taylor
Swift, Weezer), el comienzo del álbum con
Billie Joe Armstrong cantando en falsete
en Father Of All Motherfuckers no es más
que una declaración de intenciones sobre
lo que viene después: una banda que, tras
7
más de dos décadas largas de carrera, disfruta
componiendo canciones sin pretensiones
y como ellos mismos dicen “not giving a
fuck”. Como nota negativa, esta apertura a
diferentes registros y sonidos ha disipado
parte de su característico sello como banda,
siendo en no pocas ocasiones difícil reconocer
que se trata de un tema de los californianos,
al escucharles sonar como lo harían The
Black Keys, The Hives, Queens Of The Stone
Age o Jack White, en detrimento de su estilo
MONDOVINILOS
personal. Llegados a este punto, para los
nostálgicos solo existe una solución: aceptar
esta nueva etapa de la banda y disfrutar de
sus nuevas facetas o, por el contrario, perderse
unas canciones en las que el trío ha demostrado
que conserva su inquietud creativa.
Y si este argumento sigue sin resultar convincente,
tampoco se va a acabar el mundo…
Nimrod (97)o Insomniac (95) estarán esperando
en la estantería deseosos de recuperar
su protagonismo. —sofía cuevas gonzález
Nicolas
Godin
Concrete
And Glass
Because Music/Music
As
Usual
Los Valientes
De aquí al
cielo
Long Live
Records
Ciudad Jara
Donde nace
el infarto
Propaganda
Pel Fet!
Ballena
Odisea
Ballena
Subterfuge
La Roux
Supervision
Supercolour/
Believe
POP ELECTRÓNICO / Con Air
6
en barbecho desde hace
ocho años, el anuncio de la publicación
de nuevo disco firmado
por el cincuenta por ciento del
grupo generaba ilusión entre los
seguidores de la formación. El segundo
álbum en solitario de Nicolas
Godin lleva la indudable impronta
del grupo francés, y viene
protagonizado por pop electrónico
y ligero, pero en la práctica
también escasamente trascendental.
Pasajes ambientales convenientemente
completados con
sintetizadores, vocoder y otros
adornos que dejan un compendio
de agradable música de fondo,
pero que en realidad tampoco
cuenta con mucho más donde
rascar. Música de ascensor, podría
decirse, sofisticada y de lujo, pero
para ascensor al fin y al cabo, a
pesar de colaboraciones variopintas
como las de Kadhja Bonet,
Alexis Taylor (Hot Chip) o Cola
Boyy. Una secuencia que acompaña
al oyente sin incomodarle, pero
que tampoco muestra cualidades
capaces de generar emociones de
intensidad. —raúl julián
ROCK
8
/ Una banda que se
llame Los Valientes debe
tener un motivo para tal autoproclamación.
Estamos hablando de
un cuarteto manresano de garaje
que presenta su debut en largo
después de un EP sacado en 2017.
El nombre es importante porque
describe a unas personas que
deciden optar por el rock sucio y
rápido en pleno 2020. Cuatro amigos
de adolescencia en los pogos,
enamorados de bandas cercanas
como Mujeres, Aliment o Univers.
Es lógico, pues, que su debut sea
tan acelerado y urgente como el
trote enfermizo de un caballo cafetero.
La intensidad de las once
pistas cede en pocos momentos.
La primera mitad, hasta Frizzante,
es un chorro de adrenalina garajera
con pocos matices y donde
las tres influencias comentadas
resuenan por todo. La segunda es
más abierta y estimulante, con
ecos al surf, al post-punk crudo y
con teclados flotantes y mágicos.
Lo de Los Valientes es una experiencia
estética por el rock juvenil
angustioso y despreocupado.
—marcel pujols
8
MESTIZAJE / Aprovechando
POP / Tras debutar con
POP / Tras un notable Trouble
In Paradise (14), el ter-
7
5
el parón indefinido de La
Navarone (17), los malagueños
Raíz, Pablo Sánchez ha dado rienda
suelta a una idea que llevaba
tiempo rondando su cabeza: su
primer disco en solitario. Bajo el
nombre de Ciudad Jara (dedicado
a su hija, el cantante y compositor
publica una ópera prima en la
que explora su universo personal,
en el que resuenan ecos de rock,
funk, pop o hip hop. Una propuesta
íntima y melódica, plagada
de poesía y folclore, hilada de
la mano de su amigo de la infancia,
Tato James, junto a Santos &
Fluren y con un buen número de
colaboradores (La Vela Puerca,
Rozalén, Facu Díaz). Tras la apertura
con la breve y ancestral Donde
nace el infarto, el ritmo se acelera
en los estribillos pegadizos y
distorsionados de El último pasillo.
Bailé da protagonismo a las personas
invisibilizadas, La canción
del pensador muestra una faceta
acústica y hogareña... Y así hasta
una docena de temas plagados
de un lirismo cuidado, que va de
la crítica social a sus reflexiones
más íntimas. —jesús casañas
Ballena contratacan con
Odisea Ballena, once canciones
crujientes y eléctricas con vida
propia, de texturas elegantes y
afiladas que esquivan la senda
del indie más trillado. Ecos de pop
pretérito, rebosante de armonías
y raíces sureñas, con cierto punch
de power pop en vena y rabia
contenida, cargada de una energía
positiva creciente que termina
por ganar siempre la partida. De la
contagiosa luminosidad que crece
en Veritá, a la brisa redentora de
coros sesenteros en El conjunto,
pasando por la cadencia adictiva
y melancólica de Niágara o la tormenta
rítmica en Torre de control.
Sin olvidar esa montaña rusa de la
que no querrás bajarte, La fiesta
de Iniesta, donde, entre latidos de
bajo, remolinos de riffs y explosiones
sónicas, rezuma el aroma de
los The Cure más resplandecientes,
con Miguel Rueda al frente
como una suerte de Robert Smith
andaluz, dejándose las cuerdas
vocales bajo una lluvia de confeti.
—david pérez
cer álbum de la estrella se reduce
a reflejar el estancamiento de la
artista en un electro-pop monótono
y poco innovador. Una nueva
era con un cero en creatividad y
energía; que se queda muy lejos
de la gran evolución del género
en los últimos años. Un paso atrás
para Elly Jackson en muchos sentidos
que, apoyada en la filosofía
del DIY, ha tomado las riendas
de su carrera encargándose por
sí sola de la composición y grabación
del disco desde su casa
en Brixton. Y es que únicamente
recurre al apoyo externo de Dan
Carey (Kate Tempest, Sophie Hunger)
para compartir junto a él una
producción pobre cargada de ritmos
tropicales cutres (Everything
I Live For), teclados que suenan
a clases de iniciación y el abuso
de sintetizadores ochenteros. Un
proyecto muerto, aburrido, que no
termina de arrancar y que genera
de forma constante en el oyente
la sensación de querer algo más
que nunca llega.
—álex jerez
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
marzo 2020 #39

MONDOVINILOS
Fuel Fandango: deriva hacia la percusión
Fuel Fandango
Origen
Warner Music
Spain
FUSIÓN / Aurora fue un punto de inflexión
para Fuel Fandango. En ese tercer disco la
electrónica tenía un peso mucho mayor
dentro de un sonido de fusión que, como
decía hace poco al presentar su entrevista,
cada vez se ha ido ampliando más hasta el
punto de que resulta imposible describir
el cóctel sin dejarte algo. El año pasado
cumplían una década agitando este mismo
cóctel, y nada más comenzar 2020 tenemos
material nuevo: este Origen cuyo título
podría ser un guiño a una nueva etapa
tras esos diez años pero que, según me
contaron, es más una referencia directa al
origen de la propia humanidad en África,
algo que han querido que se note tanto en
letras como en el propio sonido. Y la verdad
es que tiene todo el sentido del mundo,
puesto que en Origen tenemos un protagonismo
de los ritmos percutivos, como
pudimos ver en los primeros avances que
8
conocimos del disco (Despertaré, Huracán de
flores, Mi danza), y en más temas como El bosque,
que por momentos podría ser funk carioca
del mejor Pabllo Vittar. Por supuesto, el
flamenco no pierde peso, con colaboraciones
que son buen ejemplo de ello –Dani de Morón,
Rycardo Moreno y, ojo, ¡Vicente Amigo!–, como
tampoco lo pierde su talento para crear belleza
en sus letras con imágenes de la naturaleza
y estribillos enérgicos (Contra la pared).
Algunas de las mejores canciones de toda su
discografía se encuentran en este trabajo: la
tan sensual como inspiradora Por la vereda,
la ácida La grieta y, por supuesto, esa joya
que es Silencio, con un final casi trance que
alterna con una grabación antigua de flamenco.
Origen es a la vez continuista y rompedor
con respecto a la carrera de Nita y Ale, y un
regalo para todos los que les han seguido a lo
largo de estos años. El “que empiece la parranda”
de su primer tema no podría ser más
acertado. —pablo tocino
Squarepusher
Be Up A Hello
Warp/Music
As Usual
8
ELECTRÓNICA / Veintiséis
años se cumplen de la
irrupción de Tom Jenkinson en
la escena electrónica exigente.
Como si quisiera celebrarlo, el
británico reaparece tras cinco
años de silencio con un álbum
que retoma los ingredientes más
extremos de la escena rave de
Essex. Jenkinson nos propone
un viaje de contrastes en el que
melodías luminosas se codean
con momentos de turbia ansiedad
futurista. Lo hace recurriendo a
la combinación de equipo analógico
y digital, con esos ritmos
poliédricos aparentemente
cáoticos y los bajos mutantes
marca de la casa. La apuesta experimental
se redobla en cortes
como Speedcrank y la irresistible
pero inquietante Vortrack. Detroit
People Mover lleva a terrenos
atmosféricos, mientras que en
Terminal Slam y Mekrev Bass se
interna en intrincados páramos
industriales de house dislocado.
Es esa acusada tensión entre luz
y densidad el mayor valor de un
álbum con el que Jenkinson se
vacía. —jc peña
The Big
Moon
Walking
Like We Do
Fiction/
Music As Usual
Mac Miller
Circles
Warner
b1n0
b1n0
Foehn Records
Dub FX
Roots
Convoy Music
Group
Cerrone
DNA
Malligator/
Music As
Usual
POP / The Big Moon levantaron
un considerable revue-
6
lo hace algo menos de tres años
con su debut, cosechando entonces
multitud de críticas positivas.
Lo cierto es que aquel estreno
no carecía de atractivos, al venir
marcado por un indie-pop que
entraba muy bien. Pero también
puede que las alabanzas fueran
algo excesivas, imponiéndose la
presente referencia como paso
clave a la hora de concretar estatus.
Finalmente el resultado no
es concluyente después de que el
grupo británico entregue una continuación
lógica aunque algo más
sofisticada y con mayor presencia
de sintetizadores. Once temas que,
por lo demás, hacen hincapié en
coordenadas similares a las ya conocidas,
dejando algunas gemas y
acercamientos al synth-pop. Todas
ellas se presentan con un sonido
logrado y derivan en canciones
bonitas (algunas poderosas) y de
agradable degustación, pero que
no despejan todas las posibles
dudas acerca de su relevancia real
más allá del aquí y ahora.
—raúl julián
8
RAP / El fallecimiento del
POP ELECTRÓNICO / Aunque
ELECTRÓNICA / El sexto
7
7
joven rapero cortó la clara
el primer tema del disco de
disco de la figura mundial
línea ascendente en la que se
encontraba, como ha demostrado
esta obra póstuma. Circles es el
disco destinado a acompañar a
Swimming (18), su quinto y probablemente
mejor álbum. El denominador
común de ambos está en
el gran esfuerzo de aceptación de
si mismo y como habla sin tapujos
de sus adicciones, la ruptura
con Ariana Grande o su ansiedad y
salud mental, siempre respirando
optimismo en toda esta tristeza.
En el anterior álbum Miller rapeaba
desenfadado y seguro sobre
melodías de jazz o funk, con temas
más sensuales compaginados
con otros más groovy y pegadizos,
y es que Miller todavía tenía
dudas y paranoias por resolver.
Circles mantiene esa línea, pero
es mucho más íntimo y cercano,
con un sonido lo-fi más presente
y que le da más homogeneidad.
Mac ha aclarado más sus pensamientos,
y nos transmite mucha
paz y calma en doce canciones
producidas desde el mismísimo
cielo. —ignasi estivill
debut del dúo residente en Barcelona
formado por Emili Bosch
y Malcus Codolà nos recuerde a
los patrones musicales de James
Blake, el debut de b1n0 es un paseo
iluminado por un camino que
recorre la senda del soul electrónico,
sintetizadores vetustos,
R&B de vanguardia y mutaciones
varias de la música urbana. No
hablamos de sonidos importados
de Estados Unidos reubicados en
el imaginario musical desde hace
apenas un lustro, sino de una obra
que busca y rebusca en sonidos
nuevos y antiguos, sobre todo en
los dos temas en los que colabora
Adriano Galante de Seward, que
parecen inspirados por Jamie Lidell
y Cristian Vogel. En realidad,
b1n0 es un disco mucho más pop
que vanguardista donde destacan
las dos piezas en las que participa
Núria Graham, pero en el que el
verdadero descubrimiento son los
tres temas más oscuros en los que
participa Phoac (Pau Vehí, hasta
ahora cincuenta por ciento de
North State). —manu gonzález
del “busking” (arte musical callejero),
el australiano DUB FX, llega
en compañía de un cómic digital
que acompaña a cada una de las
canciones. Una buena idea tratándose
de una música que necesita
del soporte visual para terminar
de ser efectiva. Esto no significa
que las nueve canciones que componen
Roots queden en deuda:
aquí aparece en varias ocasiones
el clásico sabor a reggae de (nueva)
raíz al que Benjamin Stanford
nos tiene acostumbrados, pero
complementado con algunos
aires que oxigenan con precisión.
Tal es el caso de Spark, una electro-salsa
en la que se debate entre
un crooner de acento exótico y un
“toaster” en toda regla jugando
al latin jazz. Hay espacio para las
melodías con gancho pop en Pull
Up. Rising Up es otro punto alto
de Roots: con sus contorneos de
percusiones tropicales. El dúo de
dubs nocturnos Shotgun y Blessings
que cierran el disco deja a
uno con ganas de más.
—adriano mazzeo
ELECTRÓNICA / Marc Cerrone,
uno de los nombres
8
claves de la edad dorada de la
disco music europea, lanza un
trabajo plenamente instrumental,
algo que nunca antes había
hecho. Cerrone ha engendrado
este nuevo elepé encerrado en
las pistas de baile, ejerciendo
de DJ, mientras revisaba en
directo sus grandes clásicos de
siempre para un público más
que agradecido. Este ejercicio
le ha llevado a crear un álbum
único que actúa de forma prontuaria
a la vez que innovadora.
DNA se muestra fresco y rejuvenecido,
heredando la genética
de discos que le encumbraron a
la fama, como Supernature (77),
pero aportando matices muy
pulidos emparentados con el
house discotequero en los que
las conocidas percusiones de
este maestro se muestran más
vivas que nunca. Y es que Cerrone
no piensa cejar en el empeño
de crear obras sofisticadas en
las que lo retro y lo futurista se
dan la mano.
—fernando o. paíno
#40 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

P.A.W.N.
Gang
Oli d’uliba
Picap
Halsey
Manic
Capitol
Records
MONDOVINILOS
TRAP / La P.A.W.N. Gang ha
POP / Hablar sobre ansiedad,
depresión u otras
7 6
vuelto exigiendo respeto,
sacando seguramente el mejor enfermedades mentales es una
disco de trap en catalán hasta el práctica común dentro del pop.
momento. Han combinado canciones
con su esencia más agresiva sea el late motiv de un álbum
Sin embargo, que la bipolaridad
y contundente con otras más
entero es algo que hasta ahora no
poperas y agradables, y lo más se había visto del todo. Y ahí es
importante: no supone un batiburrillo
de canciones, mantiene como responsable, con Manic
cuando Halsey entra en escena
una coherencia y una atmósfera bajo el brazo. Según ha declarado,
común. A la excelente producción el disco fue escrito en una etapa
del gran Marvin Cruz se les suman
los divertidos y adictivos pretendía ser “un disco escrito
de manía. No obstante, lo que
versos del colectivo, sin hacerse por alguien que está enfadado”,
repetitivos y dejando también terminó siendo un libro abierto
lugar a la nostalgia e incluso a la plagado de sentimiento con el
religión. Escapan de su lenguaje que la cantante ha conseguido
habitual cuando lo consideran aceptar esa parte de sí misma.
necesario, pero sueltan perlitas Con él, parece que Halsey ha
que te hacer volver a años atrás. conseguido dar un paso más en
Resumiendo, Oli d’uliba es una madurez e identidad. Es un disco
buena obra a añadir a la escena confesional, pero a la vez conceptual,
que ha sido grabado en su
urbana catalana y que confirma
que P.A.W.N. Gang no son un grupo propia casa y que, a pesar de ser
circunstancial. Al margen de
irregular, nos deja con la tranquilidad
de saber que detrás del
haber sido pioneros del trap a
nivel nacional, son también una personaje, hay una persona que
mancha de aceite que los haters se acepta y que no deja que una
no van a poder diluir.
enfermedad mental sea lo único
—ignasi estivill
que la defina. —álvaro tejada
Ben Watt
Storm
Damage
Caroline/
Music As Usual
Ala.Ni
Acca
Oceanic
Global
POP / Ben Watt remonta
7
ligeramente el vuelo tras
un trabajo tan continuista y algo
amodorrante como fue Fever
Dream (16), y lo hace cambiando
de modus operandi: las canciones
nacen del piano tras unas cuantas
tentativas frustradas a la
guitarra, lo que explica que esta
vez no figure Bernard Butler como
lugarteniente de peso y los temas
se sostengan sobre formato de
trío casi jazz, con sintetizadores,
samplers y ritmos que combinan
lo orgánico con lo electrónico
esponjando el sonido, haciéndolo
más fresco. Prevalece, en todo
caso, la visión –de inspiración
variable– de un músico que
proyecta una obra acorde con su
edad y con su propia posición
en la industria, tomando cierta
distancia con la nostalgia en la
preciosa Irene y relativizando la
festivalocracia imperante en una
Festival Song que retoma la temática
que apuntó Edwyn Collins
hace más de veinte años en The
Campaign For Real Rock, pero con
un enfoque mucho menos agrio.
—carlos pérez de ziriza
POP / No hay muchos
8
ejemplos como el suyo.
Que partiendo de unas reglas
con corte clásico; el universo
de Broadway, el jazz, la música
clásica, se adapte tan bien a lo
nuevo, a lo que suena en 2020.
Desde luego, no lo hace sólo
como vía de escape, cansada de
que la pongan en el saco roto de
las torturadas cantantes de jazz
de los años cincuenta. A Ala.ni
lo que le importa es sentirse
libre e improvisar, en tonos claros
y oscuros, con más ritmo y
con menos, utilizando sistemas
novedosos de grabación o bien
componiendo a capela como
punto de partida para cada canción.
Tras su debut en largo con
You & I (No Format/Naïve, 2016),
en Acca hay reggae, el sonido de
las brass bands, canción francesa
y, hasta invita a Iggy Pop
y a Lakeith Stanfield a cantar
con ella. De momento, viste otro
traje (el blanco con fondo amarillo
es ideal) para este Acca con
el objetivo cumplido: a partir
de ahora la miraremos con otros
ojos. —toni castarnado
El loco mundo de Grimes
Grimes
Miss Anthropocene
4AD
POP / Se ha criticado a Grimes por su postura
excesivamente cínica en entrevistas
recientes, apuntando también a su situación
personal con Elon Musk y a una posible
deriva anarco-capitalista de la autora
de REALiTi. Ella es consciente de esta
repercusión, pero defiende que está todo
dentro de una performance; una que, admite,
se planteó si sería conveniente hacer.
Pero, una vez decidido que sí, Grimes tiró
de perdidos al río sacando la peor parte
de sí misma la excusa de un personaje,
como hiciera Reznor en The Downward
Spiral (94), unade sus mayores inspiraciones
para este disco, según comentó.
Incluso nombrando una canción (Darkseid)
con el alias que usa en los videojuegos
online, “donde me escapo para matar
gente”. Lo primero que uno concluye tras
escuchar Miss Anthropocene es que se
8
nota que cierra una etapa –es su último
álbum en 4AD– porque es lo opuesto a
un disco continuista (lo segundo es que
Grimes está como una cabra y nos encanta,
pero eso no es ninguna novedad). Sí, es
cierto que se acerca más a la Grimes de
Visions (12) que a la de Art Angels (15): la
única que encajaría ahí es You’ll Miss Me...
y, si me apuráis, la magnética Darkseid
(donde por momentos Claire parece una
Sevdaliza puesta de eme), por colaborar
de nuevo con Aristophanes. Pero tampoco
es un Visions 2.0, porque Grimes se abre
a territorios nuevos: abraza los sonidos
metal (no tanto como el single-ahorabonus-track
We Appreciate Power, pero se
nota), combina la oscuridad con el pop
más limpio (Violence), mezcla el extrañísimo
concepto del álbum con una –estupenda–
canción cursi en IDORU, llega a hacer
“una versión cyberpunk de una película
de Bollywood” (4 AM) y hasta se marca dos
baladas en las que no la hubiésemos imaginado
(New Gods y, especialmente, Delete
Forever). Que su comportamiento errático
no os ciegue: Miss Anthropocene es otro
discazo de Grimes. —pablo tocino
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marzo 2020 #41

C
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43/Mondo
Media
CÓMICS
Esta vez y en la onda de sus trabajos
más recientes, Peter Bagge
nos describe la vida de una mujer
cuya obra influyó en la corriente
más libertaria del feminismo,
Rose Wilder Lane. Y como ocurría
en sus biografías de Margaret
Sanger (La mujer rebelde) y Zora
Neale Hurston (Fire!!), el sentido
del humor y lo alocado de la
narración resta algo de poso al
contenido ideológico del cómic.
—ernesto bruno
Credo
Peter Bagge
La Cúpula
Premio a la Mejor Obra de Angoulême
en 2018, La saga de Grimr son
doscientas emocionantes páginas
planificadas con total libertad,
protagonizadas por un huérfano
que debe enfrentarse a un mundo
hostil en la Islandia del siglo
XVIII. El francés Jérémie Moreau
firma un cómic capaz de provocarnos
rabia, desencanto y llanto al
ser espectadores de la accidentada
vida del incomprendido Grimr.
—joan s. luna
7
La saga
de Grimr
Jérémie
Moreau
Norma
Cómics
9
CINE
Éric Toledano
Más allá del autismo“Hay una
Éric Toledano forma junto a
Olivier Nakache una de las
parejas más exitosas del
cine francés con cintas como
Intocable (11) o C’est la vie!
Especiales (17), protagonizada
por Vincent Cassel y Reda
Kateb, toma como referencia
la experiencia de dos ONG que
se ocupan de casos extremos
de autismo y de jóvenes
marginales.
Especiales es una cinta
distinta en la carrera de los
directores. A los temas habituales
–la amistad y la relación
con personas de distinta condición– se
añade un compromiso social que lo
acerca al cine de denuncia, pero sin
abandonar el humor. “Hay una herencia
del cine social en Francia y lo
que nosotros hemos hecho es añadirle
humor, siempre. Es una manera propia
de traducir las cosas”, afirma Toledano.
Las dos asociaciones del filme, inspiradas
en las reales Le Silence Des Justes y
Le Relais Île-de-France, trabajan y cooperan
al margen de la oficialidad, una
dedicada a casos extremos de autismo
y la otra, a la reinserción de jóvenes
marginales. La cinta evidencia la incapacidad
del Estado para dar soluciones
que se tienen que acabar encontrando
por cauces heterodoxos. La inmersión
de los directores recuerda al cine de
denuncia de Bertrand Tavernier, aunque
Toledano cita como referencias
“Claude Sautet para el realismo, Yves
Robert para las películas grupales y
Claude Lelouch”.
Aquello que hace de Especiales
la más personal de la filmografía
de los directores es la experiencia familiar
de Toledano, que tiene un primo
autista. “He crecido conociendo esta
diferencia que tiene un gran impacto
en una familia; es como un seísmo. Es
una enfermedad que no tiene cura.
Esto ha tenido gran influencia sobre
mí”, confiesa. En realidad el autismo es
el punto de partida que les sirve a los cineastas
para hablar de más cosas. “He
tenido ganas de hablar de este tema
ahora que nos comunicamos exageradamente
con los teléfonos, con el email
y las redes sociales. En este momento
de hipertrofia de la comunicación es
interesante fijarse otras formas de
comunicarse que no son tan verbales
pero que existen y que provocan otras
sensaciones en los seres humanos”. Así,
la película habla también de la comunicación
entre distintas religiones, especialmente
judíos y musulmanes -cada
una de las asociaciones está dirigida
por miembros de estas comunidadeshabitualmente
enfrentados.
Es por esta diversidad de temas
que el título español del filme,
traducción del internacional en inglés
The Specials alejada del original francés
Hors normes (fuera de las normas),
no le satisface. “A veces estar fuera
de la norma es más normal. Para mí
herencia del
cine social en Francia”
los personajes que se ocupan de estos
chicos autistas son más normales que
los que no se ocupan de ellos. Y en cambio
están fuera de la norma, fuera de la
legalidad. El título Especiales no dice
todo esto, simplemente otras cosas”,
argumenta. Especiales es la séptima
película del binomio Toledano-Nakache,
iniciado en 2003 y parece trabajar
en perfecta armonía. “Hay como una
mano invisible que se ocupa de todo. A
veces pasa él en primer lugar, a veces
yo. Los actores ni notan la diferencia.
Es un proceso en el que trabajamos
juntos y decidimos juntos. Luego no
importa realmente quien hable”, cuenta.
¿Se podría pensar en un futuro con
carreras separadas? “Espero que no. Yo
lo compararía con una banda de música.
Uno toca un instrumento, el otro
canta. El grupo se podría separar pero
no sé si seríamos tan interesantes. A veces
los músicos quieren hacer carrera
en solitario y no va tan bien y la gente
quiere que la banda se vuelva a reunir”,
zanja. —j. picatoste verdejo
r
Más en www.mondosonoro.comx
Especiales
Éric Toledano,
Olivier Nakache
2019
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro marzo 2020 #43

44/Mondo
Conexiones
Motorola Razr
Motorola
Ruta Firestone Firestone
La marca de neumáticos Firestone apuesta un año más por la música.
Este marzo vuelve la Ruta Firestone, una iniciativa para apoyar
la música de carretera. La cuarta edición de esta ruta arranca el 19
de marzo en Murcia con Sinsinati y terminará el 3 de diciembre en
Madrid con Hombres G en mítica sala La Riviera. Los cinco artistas
que conforman el cartel de esta edición son Hombres G, Zahara,
Sinsinati, Fredi Leis y You Can’t Win, Carlie Brown. La Ruta Firestone
contará este año con un concierto en Portugal y cuatro en
España con paradas en Murcia, Sevilla, Burgos y Madrid. Las entradas
para todos los conciertos de esta gira están ya disponibles en
la web: www.rutafirestone.es
El pasado mes de febrero
Motorola celebró la llegada
del Razr a España. Este
móvil, que forma parte de
la cultura pop, es el primer
smartphone en formato
concha que incorpora una
pantalla flexible e interactiva.
Este lanzamiento histórico
para la marca contó
con una fiesta a la altura
en la que la música corrió a
cargo de la artista Bad Gyal.
El nuevo Razr está disponible
en tiendas Orange, Movistar
y El Corte Inglés.
Gures Is On Tour Gures
Gures, el aguardiente de uva y café, vuelve a la carga con una programación
musical que representa el espíritu underground de la
marca. Gures Is On Tour es la apuesta por la música y la cultura
que lleva a los escenarios de las salas más emblemáticas de la capital
la música y la cultura alternativa. Después de su edición de
2019 en la que contaron con conciertos de Camellos, Holy Bouncer
o Mejillones Tigre entre muchos otros, esta nueva edición vuelve
con artistas como Algiers, Biznaga, Apartamentos Acapulco o
Lime Cordile. Además, en cada concierto podrás disfrutar de una
consumición de Gures. Podrás encontrar más información sobre el
ciclo y las entradas para los primeros conciertos confirmados en su
web: www.gures.gal/tours
Spannabis Barcelona Spannabis
Como en las dieciséis ediciones anteriores de Spannabis, la música
tendrá un papel protagonista en la feria del cáñamo, que tendrá
lugar el 13, 14 y 15 de marzo en la Fira de Cornellà. Además de reunir
a más de 300 empresas y marcas del sector, tanto nacionales como
extranjeras, también contará con actuaciones de artistas en su
mayoría de la cultura sound system catalana y estatal. En el cartel
encontramos nombres como Barbass Sound, Hidro, Sharin Shank
o Purple Rockets. Spannabis Barcelona 2020 también acogerá la
VII edición de las World Cannabis Conferences, un espacio para
reflexionar sobre la actualidad internacional del cáñamo, y la
Spannabis Champios Cup. Las entradas de día y los abonos tres
días están ya disponibles en su web: spannabis.com/barcelona
Wegow México
Wegow
Wegow es la plataforma
española para descubrir
conciertos y comprar entradas
ha publicado sus
datos más representativos
de 2019. El pasado año tuvo
más de 28,3 millones de
usuarios únicos, 38 millones
de visitas y más de
dos millones de usuarios
registrados. Además, a
finales de año la empresa
abrió oficinas en Ciudad
de México para expandir
su influencia a países
latinoamericanos.
We Are Roster Roster Movistar
Roster Movistar nació como el proyecto cultural de Movistar con
el objetivo de elevar el talento musical y potenciar el desarrollo
de bandas y artistas del panorama nacional. Cumpliendo con este
objetivo el proyecto ha presentado We Are Roster, un nuevo evento
con vocación académica que contará con las ponencias de bandas
y artistas como Mavica, Doble Pletina, Cor Blanc o Soledad Velez
entre otros. El evento cuenta con dos ediciones, una se celebrará el
28 de febrero en Abaixadors10 en Barcelona y otra el 25 de abril en
La Fábrica de Hielo de Valencia. Las invitaciones para estos eventos
se pueden conseguir online de manera gratuita en la web de Roster
Movistar: roster.movistar.es/agenda
#44 marzo 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

LAS PAREDES
NO TIENEN
OÍDOS
Sorpréndenos con tu música
y súbete al escenario
Graba un álbum
Conquista el escenario del NOS Alive en Portugal
Inscribe a tu banda en edplivebands.edp.com antes del 10 de abril.
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EDP, la energía oficial de la música.

Edita Sister Sonic, S.L.
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Coordinador Editorial
Jose Macarro
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RETROVISOR.
Stereolab
Londres, Reino Unido. 1990-2009
A la hora de echar la vista atrás hacia
los noventa, una de las formaciones
que nunca se pierde en el olvido es
Stereolab.
La trilogía imaginaria
Mars Audiac Quintet (94), Emperor
Tomato Ketchup (96) y
Dots And Loops (97) revelan la
ansiedad de un grupo por abducir rincones
perdidos de la memorabilia pop, donde el
espíritu de Klaus Schulze puede convivir
con las chansonnières francesas de los
años sesenta y el drone espacial se enreda
con ritmos africanos. Los vasos comunicantes
entre dimensiones desconectadas son
el motor de las obsesiones musicales de un
grupo que, más allá de sus álbumes, funcionaba
bajo mentalidad de publicación dance.
No en vano, a lo largo de su edad dorada
editaron un sinfín de singles, splits con
otros grupos y epés repartidos entre toda
Dueños de un estilo único y
heterodoxo, que va del krautrock
al pop marxista, a lo largo de su
década prodigiosa, sembraron la
cosecha british de suficientes razones para
coronarlos como los reyes de una camada de
grupos que vinieron a ser el segundo advenimiento
post-punk del siglo XX. Ya fueran
Bark Psychosis, Disco Inferno, Laika o Pram,
cualquiera de estas formaciones fortificó
un código experimental de músicas que
parecían haber nacido como la némesis de
las corrientes revivalistas del britpop en
aquellos años.
Si Blur o Oasis tenían a The Kinks y
grupos como Madness como máxima inspiración,
Stereolab y el resto de artificieros
de la nostalgia contaban con un rango de
acción que condensaba del Miles Davis experimental
a Can. No es ninguna casualidad
que un grupo indie pop fuera la semilla de
lo que luego sería Moonshake, de nombre
inspirado en la mítica canción de los bávaros.
Lo mismo sucedió con Stereolab, cuyos
orígenes enraízan en McCarthy, formación
indie pop en la que Tim Gane y Laetitia
Sadier se conocieron. Del espíritu crítico y
anti-thatcherista de su discurso musical,
se apropiaron en himnos de subsuelo como
Ping Pong, una de sus invenciones más
reveladoras.
Stereolab enfocaron el distopismo
ballardiano del post-punk desde el optimismo
sci-fi de serie B. No hay más que recordar
sus indumentarias trekkies en el vídeo de
la citada Ping Pong, pero también el tono
neutro y acaramelado de Sadier a la hora de
cantar sobre momentos oscuros de la historia.
Todo su sonido e imagen se fraguaba
desde la colisión de conceptos antitéticos.
El resultado fue algo tan original como
ajeno a lo que se estilaba en aquellos años
de resaca post-Stone Roses. —marcos gendre
clase de sellos discográficos. Por supuesto,
uno de estos fue Too Pure, la casa por antonomasia
del lado oscuro del pop británico.
A través de esta u otra barricada discográfica,
Stereolab fueron abriendo agujeros temporales
hacia los años cincuenta y sesenta.
Su idea del futuro desde la búsqueda de los
pasados perdidos no difería de los cómics
de Bryan Talbot sobre Lukas Arkwright o
Wendy Carlos y sus reinterpretaciones con
sintetizadores de música clásica. No es
ninguna casualidad que la obra más conocida
de esta última sirviera de título para los
tres volúmenes de Switched On: la serie de
recopilatorios compuestos de rarezas, singles
y epés. —m.g.
IMPRESCINDIBLE
Emperor
Tomato
Ketchup
(Duophonic,
1996)
Detonar la bomba de la creatividad,
nada más empezar, con
un artilugio como Metronomic
Underground ya hace que una
obra traspase los límites temporales
de golpe y porrazo. Del
funk cubista al pop achampañado,
pasando por la pulsión motorik,
en este trabajo conviven
muchas de las cabezas estilísticas
de esta Hidra sónica, para
la cual Tim Gane se inspiró
en el concepto big band. “Yo
estaba con la idea del swing, en
el sentido de una big band. La
primera pista, Metronomic Underground,
originalmente constaba
de alrededor de siete riffs
que quería cerrar como una big
band. También estaba obsesionado
con los riffs y los ritmos
de Sun Ra, Don Cherry y la
Plastic Ono Band de Fly”, llegó a
comentar Gane. Desde esta base,
Emperor Tomato Ketchup es
contextualizado dentro de un
Frankenstein musical inoculado
de sobredosis retrofuturista
y algunas de las canciones más
subyugantes de todo su repertorio,
como esa despampanante
explosión pop titulada como
Cybele’s Reverie. Sin duda, una
trabajo que, al igual que los de
Björk o Aphex Twin, corroboran
la existencia de (muy) vida
inteligente en el planeta pop de
los noventa. —m.g.
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#46 febrero 2020
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