MondoSonoro Junio 2020

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BUNBURY, NOSTALGIA.EN.LOS.AUTOBUSES, PERFUME GENIUS, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, HNOS MUNOZ, PANTOCRATOR, LAURA MARLING

VETUSTA MORLA, C. TANGANA, RECYCLED J., THE PRETTY RECKLESS, PROTOMARTYR, MELENAS, THUNDERCAT, NIÑOS MUTANTES

Nº 284 Junio 2020 www.mondosonoro.com

The 1975

Tocar el cielo


5/Mondo

freako

FOTO: JOSE GIRL

Bunbury

Lo posible

El acomodo no va con Bunbury. te enriquece como autor y hace más serían discos más contemporáneos y

Y eso hace que la indiferencia interesante el viaje a aquellos que les alejados de la raíz y la tradición. Me

gusta o aprecian tu visión. Por supuesto,

en todo hay excepciones y seguro que fue un disco de versiones lati-

dejo fuera Licenciado Cantinas (11)

del público tampoco. Es

difícil permanecer impasible que se nos ocurren nombres a los noamericanas, bastante sui generis

ante sus discos, porque el

que les ha pasado justo lo contrario. y El libro de la mutaciones (15) que

zaragozano siempre se la

Artistas que por moverse demasiado fue un unplugged muy poco acústico

han despistado al público. Y otros que y que enlaza con mis últimos discos.

juega. Es imprevisible, y eso

repitiéndose eternamente cada vez les Me parece que, desde que comienzas

lo hace único. Ahora publica va mejor”. A él, desde luego, mal no le una nueva aventura hasta que das por

Posible (Warner, 20)

va. Su público parece haber entendido terminada una etapa, se necesita un

a la perfección las reglas del juego, tiempo razonable”.

ENRIQUE BUNBURY consistentes en construir una carrera MUCHOS SE HAN APRESURADO A

SIEMPRE HA ACTUA- con discos que encajan entre ellos, LIGAR este último trabajo, por su fondo

electrónico a aquel Radical sonora

DO como si el riesgo como un rompecabezas de incierto

fuera algo tan ligado final. “Sí, claro. Pequeño (99), Flamingos

(02) y El viaje a ninguna parte (04) en su momento. “No fue un disco que

(1997), mucho más valorado ahora que

a él como sus propias

canciones. Y eso es algo serían mis discos con la mirada puesta

fuera muy bien recibido, pero con el

de lo que no está exento su nuevo

disco, Posible, aunque el aragonés lo

ve desde otro prisma. “Últimamente

en el Mediterráneo y la raíz de la

música latinoamericana. El tiempo de

las cerezas (06), Hellville de Luxe (08)

tiempo ha ganado adeptos y he leído

bastantes artículos reivindicándolo,

tanto en España como en América. Yo

pienso justo lo contrario. Lo arriesgado,

pienso, es no moverte de la bal-

discos más cercanos a la Americana y nos uno de otro. Tienen sus conexio-

y Las consecuencias (10) serían los veo (a Radical… y a Posible) muy 3leja-

dosa. Creo que evolucionar y buscar la frontera de Estados Unidos. Y Palosanto

(13), Expectativas (17) y Posible claras. Además, aunque entiendo que

nes, pero también diferencias muy

nuevos contextos para expresarte,

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro junio 2020 #3

“Repetir fórmulas es,

probablemente, cavar

tu propia tumba”


MONDO

FREAKO

EN CONCIERTO

l Barcelona 4 septiembre, Poble Espanyol

l Zaragoza 11 septiembre, Recinto Expo

l Málaga 18 septiembre, Auditorio Municipal

Cortijo de Torres

l Valencia 25 septiembre, Plaza de Toros

l Madrid 2 octubre, WiZink Center

EL APUNTE

Político y social,

pero menos

BUNBURY HA CARACTERIZADO sus últimos discos

por mensajes directos hacia los que nos

gobiernan y hacia todo lo que pasaba, y no le

gustaba, a nuestro alrededor. En este Posible

sigue subyaciendo esa forma de hacer las cosas

–“hay quien prefiere continuar dormido”,

le oímos cantar–, pero estos mensajes aparecen

más con cuentagotas. ¿Se ha cansado el

artista de utilizar esa ironía para postularse

sobre temas muy complicados? Él mismo nos

aclara que no, que solo es cuestión de hacia

dónde le han llevado, esta vez, las canciones.

“Es cierto que en mis dos anteriores discos

de estudio (Palosanto y Expectativas) quise

reflejar un momento social que me parecía

interesante. Un prisma con muchas caras que

merecía atención. Este disco no tiene esa

mirada hacia lo que ocurre aquí o allá. Pero

es inevitable que alguna frase se te cuele”.

—E.I.

3desde algunos ámbitos se pueda considerar

Posible como un disco que gira hacia la electrónica,

yo no puedo estar más en desacuerdo.

Si le preguntas a cualquiera que esté metido

dentro de ese mundo, rechazará la consideración.

Posible es un disco de canciones, que

tiene sintetizadores y utiliza el ordenador y

el estudio de grabación como herramienta de

producción, pero ni utiliza las estructuras ni

las harmonías, ni los ritmos de la música electrónica”.

Y hasta la producción nos vamos ¿es

esa la principal novedad de estas canciones?

Porque quizá con una producción más clásica

hubieran encajado bien en otro disco. “Totalmente

de acuerdo. Podría haber arreglado las

canciones para que funcionaran en un disco

de mi etapa más americana o en la más latina”.

Entonces, quizá ese trabajo con sintetizadores

y más electrónico es la única manera de evolucionar

el rock. Raro ¿no? “Las opciones que

te ofrecen los avances tecnológicos están ahí a

tu disposición. Puedes usarlos o no. Se puede

ser un gran artista utilizando instrumentos

del siglo pasado o del medievo, sin problema.

Pero, The Beatles utilizaron la tecnología que

tenían a su disposición y la aprovecharon.

Hendrix se volvió loco cuando descubrió el

panning estéreo en Electric Ladyland o cuando

se compró un wah-wah. Y cuando aparece el

melotron o el Moog o el theremin... Tantos artistas

se volcaron a ver qué podían hacer con

ellos. Las opciones ahora son casi infinitas.

Yo estoy muy a favor de los Plug-ins y sé cómo

manejar un sistema analógico y combinarlo

con el digital. No hay reglas. Todo vale y todo

es posible. Así es el siglo XXI. Existen tantas

opciones coexistiendo a día de hoy que generalizar

se ha vuelto ridículo”.

—EDUARDO IZQUIERDO

R

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FOTO: JOSE GIRL

LA MÍA

Si hay que luchar,

se lucha

Casi sin que nos diésemos cuenta

se nos ha complicado la vida lo

indecible. Sí, a nosotros, la gente

que mes a mes hace esta publicación

que estás leyendo, pero también a

mucha, muchísima otra gente que trabaja

en miles de propuestas de lo más diverso.

El golpe ha sido duro e inesperado. Nadie

lo vio venir, nadie ha podido esquivarlo

demasiado en el mundo de la música. Ni de

la cultura, ni de muchos otros campos que

han quedado muy tocados y que solamente

tienen una salida: trabajar duro y confiar

en la faena bien hecha. En eso estamos. Es

lo que estamos haciendo nosotros, y lo que

están haciendo profesionales de diversos

sectores. Por eso, aunque lloré la desaparición

de Rockdelux, todo un referente en

el mundo de las publicaciones musicales

de este país y una de las revistas con las

que crecí, no voy a regodearme en la complicada

situación actual. Y no lo haré por

varios motivos. En primer lugar porque soy

mucho más optimista de lo que mis gustos

musicales reflejan. En segundo porque

confío en que estamos todos juntos en

esto de achicar el agua que se nos ha ido

colando en las embarcaciones que dirigimos.

En tercero, porque estoy convencido

de que hacemos las cosas bien. Y que las

seguiremos haciendo. Y cuando cometamos

errores, aprenderemos de ellos como hemos

aprendido hasta el momento.

¿A qué me refiero cuando hablo de hacer

las cosas bien? Pues a que Mondo Sonoro

va sumando lectores, siempre hacia arriba.

Las visitas a nuestra web se incrementan

mes a mes, también la incidencia en redes

sociales gracias a nuestra gran actividad,

la repercusión de nuestros contenidos,

etcétera. También han aumentado de forma

exponencial las impresiones de nuestra

publicación en difusión digital y el número

de lecturas. En evidente que los ingresos

que nos genera el papel son importantes,

importantísimos, pero Mondo Sonoro lleva

años pensando tanto en digital como en

físico (iniciamos la singladura de nuestra

web en 1998, que se dice pronto). Así que

sabemos que vamos por buen camino. A eso

le podemos sumar que el rango de edad de

nuestros lectores y lectoras continúa ampliándose,

y no solamente por arriba, sino

también por abajo (más de un cuarenta por

ciento de nuestros lectores se sitúa en la

franja entre 18 y 34 años, mientras que la

cifra de menores de 18 va incrementándose

paso a paso, siguiendo la máxima aquella

de sin prisa pero sin pausa). Hay muchas

formas de hacer bien las cosas. Y nadie ha

tenido nunca la exclusiva en eso. Lo dicho:

No somos los únicos afectados y si hay que

luchar, se lucha. Como todo hija e hijo de

vecino, como con total seguridad un gran

porcentaje de las personas que estén leyendo

ahora mismo este breve texto.

—JOAN S. LUNA

#4 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


nostalgia.en.los.

autobuses

La irrealidad

de un encierro

¿Estamos ante el primer

trabajo discográfico en

España que es directamente

fruto del confinamiento, para

bien o para mal? nostalgia.

en.los.autobuses es el nuevo

alias creativo que ha elegido

David Ruiz (La Maravillosa

Orquesta del Alcohol, es decir,

La M.O.D.A.) para presentar su

primer proyecto en solitario.

Se trata de 2.0.2.0., un EP de

cinco canciones, producido por

Raül Refree, que ni siquiera él

mismo tenía previsto.

trarnos al cien por cien”, comenta David

Ruiz. “Eso nos pilló de pleno currando.

Tuvimos que pararlo todo de golpe y

fue un palo, como para todo el mundo.

Y un bajón. Yo nunca había pensado

hacer nada en solitario, aunque siempre

había fantaseado con ello. Pero a las dos

semanas, supongo que por una cuestión

de que es lo que me sale y lo que me

pide el cuerpo, y por desahogarme, hice

un tema que me moló. Me empecé a

motivar un poco y luego hice otro, y se

"Siempre había

fantaseado con hacer

algo en solitario"

EL CONFINAMIENTO lo cambió

todo. Obligados a encerrarse

cada uno – como todos nosotros–

en su domicilio. Y de esa

extraña sensación de aislamiento físico,

a veces angustioso y a veces claustrofóbico,

siempre necesitado de localizar algún

atisbo de esperanza en el futuro, nacieron

estas cinco canciones, masterizadas

por Alex Psaroudakis desde su estudio

en Nueva York y con diseño a cargo del

iraní Maziyar Pahlevan. Cada uno de

sus cinco cortes ha visto la luz en plataformas

digitales de forma individual,

durante cada lunes del mes mayo. Nos lo

cuentan en esta entrevista a dos bandas.

“LLEVÁBAMOS TIEMPO currando en

el disco de La M.O.D.A., casi desde otoño

de 2018, pero de forma muy tranquila, y

este año, después de hacer el WiZink en

noviembre, que es cuando terminamos

la gira, nos habíamos tomado un respiro

de los escenarios para poder cenlo

mandé a Raül instintivamente. A él

le gustó”. Y ahí surgió el proyecto nostalgia.en.los.autobuses.

La premisa era

que todo se hiciera bajo la libertad más

absoluta. Sin ningún prejuicio ni idea

preconcebida. El plan era que no debía

haber plan. Pero sí hubo un nombre

que cambió el chip. “Raül me mandó

Animals, un tema de Oneohtrix Point

Never, y flipé, nunca había escuchado

nada parecido”. El encierro doméstico

hizo el resto. “Nos dimos cuenta de que

podía ser interesante ceñirlo al momento

que estamos viviendo, algo nacido del

confinamiento y de las herramientas y

las posibilidades que nos permite, y al

final hemos sacado algo positivo de la

putada que es esta pandemia”. Raül Refree

afirma, por su parte, que “lo que no

tenía ningún sentido era pensar en estas

canciones como algo más hi fi, dada

la situación, y eso para mí marcaba el

camino, y era importante que se notara”.

Sobre el influjo de Oneohtrix Point

Never, pensó que era importante por ser

“alguien que trabaja desde la soledad de

uno mismo, como la mayoría de músicos

de la electrónica, con el sampleo y el

ordenador, pero al mismo tiempo en su

caso con canciones muy bonitas que no

tienen miedo a añadir efectos en la voz,

o de pitchearlos, y no por eso dejan de

ser canciones muy emocionantes”.

EL RESULTADO tenía que preservar,

por fuerza, el sentimiento de los días de

confinamiento desde una perspectiva

poco complaciente, lejos de casi toda la

R

MONDO

FREAKO

música que se ha proyectado estos días a

través de los medios, basada en refritos

y versiones. “Las canciones de David tal

y como él las concibió ya me gustaban,

pero no quería que se quedaran en el

punto folk de una guitarra y una voz, y

me parecía que esta valentía de trabajar

con timbres agresivos y al mismo tiempo

asfixiantes era una manera de recomponer

la realidad en que nos encontrábamos”,

argumenta Raül.

EL TRABAJO, lógicamente llevado

a cabo a distancia, sin intermediación

de ningún estudio común, ha supuesto

una válvula de escape para ambos, una

forma de dar con un material creativo

que difícilmente hubiera brotado en

una situación de relativa normalidad.

Pese a ello, David intentó que “no fuese

una cosa conceptual de la pandemia

ni hacer referencias directas, porque

no me salen y no me molan, y pese a

que el confinamiento ha marcado la

línea ideológica del EP, eso creo que no

se refleja en el contenido”. Al mismo

tiempo, para Raül fue una forma de dar

carpetazo a “un reset que a mí me ha

funcionado, por encontrarle la parte positiva,

porque durante los primeros días

de confinamiento sentía que necesitaba

parar y desconectarme, y estar varios

días sin hacer música, sin pensar en ella

y sin siquiera escucharla”.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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RAÜL REFREE FOTO: CÉSAR SEGARRA

DAVID RUIZ FOTO: RODRIGO MENA Y JULIA JAUME

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junio 2020 #5


Palmar de Troya

Rock palmariano

Acaban de publicar el EP Palmar

de Troya (Linier Discos, 20),

un trabajo en el que podemos

encontrar el espíritu de bandas

como Fugazi, Milemarker o Hot

Snakes. Pero al margen de esos

nombres, lo que se esconde en

Palmar de Troya es una solidez

arrolladora.

LEER LA HOJA de servicio de los

miembros de la banda granadina

Palmar de Troya es un gustazo para

los amantes del underground nacional.

Desde el core de 8th Of September

hasta posicionamientos más ambientales,

pero igual de rebeldes de bandas como Red

Passenger o Alondra Galopa. “Nos pusimos

en funcionamiento en abril de 2019. Llevábamos

mucho tiempo queriendo hacer algo

juntos, pero las distancias y las responsabilidades

nos impedían hacerlo de una forma

que tuviera continuidad”.

Ahora, con su epé homónimo de debut

promueven dosis de desencanto con paradas

en el post-hardcore y post-punk de los

noventa. “Bueno, es la escena en la que nos

hemos movido siempre y no por comodidad,

sino porque es donde nos identificamos

más y encontramos más gente que entiende

la música cómo la entendemos nosotros.

Más que un tema de estilo, es de actitud

con respecto a determinadas maneras de

funcionar cómo banda. Si nos da el punto

de hacer un disco con una zambomba y un

fagot, lo vamos a hacer, no tenemos ningún

tipo de prejuicios ni hay una necesidad de

sonar a nada en concreto”. Y es que sobran

etiquetas al escuchar una propuesta que

abarca tanto tendencias nihilistas como

hedonistas e incluso revolucionarias. Tres

posturas que, en estos días complicados,

pasan por la cabeza de cualquiera a todas

horas. “El futuro estaba robado ya de antes

de la pandemia. Ahora estamos en un punto

de inflexión social del que podremos salir

reinventando muchos espacios o todo lo

contrario, con más control y menos opciones

de las que ya teníamos. Imagino que va

a depender de la respuesta de la gente a las

propuestas o decisiones que tomen los que

llevan el control”. —ROJAS ARQUELLADAS

R

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FOTO: ARCHIVO


Song For Our Daughter (Chrysalis/[PIAS],

20) es el séptimo álbum de la británica

Laura Marling. Una colección de canciones

sencillas con las que ha vuelto a su versión

más concisa. Un trabajo confesamente

exento de cualquier atisbo de modernidad,

remotamente inspirado en el libro Carta a

mi hija (08), de Maya Angelou.

“Me hubiera gustado

tener más seguridad

en mí misma”

Laura Marling

Carta nunca enviada

SONG FOR OUR DAUGHTER estaba previsto

para este verano, pero Laura Marling decidió

adelantar varios meses su publicación

como una forma de poner su granito de arena

en algo que miles de personas necesitaban durante

los meses de abril y mayo en sus casas: entretenimiento.

Nos lo cuenta por teléfono desde su casa

al norte de Londres, en la recta final de un confinamiento

que nos describe como algo que comenzó

“como un largo Boxing Day” y ha terminado siendo

más como “como una película de ciencia ficción”, a

medida que fueron pasando los días.

LA HECHURA CONFESIONAL siempre ha estado

ahí, presente –con más o menos subterfugios – en las

viñetas de folk delicado de la británica, pero en esta

ocasión Laura Marling se muestra especialmente orgullosa

de la naturalidad con la que ha cuajado una

fórmula apenas sostenida por voz, guitarra acústica,

piano y algunos arreglos de cuerda a cargo de Bob

Moose (alguien que ha trabajado con Paul Simon,

Bon Iver o Jose González). “Los sonidos empleados

responden a la necesidad que sentía de ser yo misma,

de no intentar aparentar ser más inteligente de

la cuenta”, argumenta, y aunque reconoce que “algunos

elementos no son muy espontáneos, porque los

coros están muy trabajados y las cuerdas son bastante

intrincadas”, lo fundamental es que lo considera

“el más natural” de sus álbumes. La coartada literaria

ha sido sumergirse, aunque “no en todas las canciones

del álbum”, claro, en la escritura a una hija que aún no

tiene, y que al final ella misma considera “como una

versión más joven de mí misma, más que una apelación

a una generación futura”.

DE HECHO, la conversación deriva a la visión que

Marling tiene, desde la perspectiva de sus treinta años

ya cumplidos, de aquella adolescente insegura que fue.

“Me hubiera gustado tener más seguridad en mí misma,

o más confianza a la hora de manejarme con seguridad

por la vida hasta ahora”, confiesa en uno de los muchos

arranques de sinceridad de la entrevista. ¿Se siente más

segura o más madura ahora? Pues no exactamente,

nos dice riendo: “Cuando era más joven me sentía una

persona muy madura, pero ahora me siento tremendamente

inmadura, y supongo que es una de esas grandes

ironías. Creo que utilicé esa sensación de madurez

como una forma de protegerme cuando era más joven

porque no encajaba en ningún lado, era un bicho raro”.

Vaya, que esa aparente madurez no era más que una

forma de enmascarar su propia inseguridad.

PESE A TRABAJAR esta vez con Ethan Johns como

productor, Marling reconoce que quien más hizo nunca

para que su música no se acomodase fue Blake Mills

(“me hizo cuestionarme hasta qué punto era perezosa”)

y asume la sombra de Paul McCartney en Blow By Blow

y For You (“le he descubierto tarde y me da mucha vergüenza

no haberlo hecho antes, sobre todo al de Jenny

Wren y su Chaos And Creation In The Backyard, de

2005) y la de Leonard Cohen en Alexandra. “Me encanta

la forma en la que escribe sobre las mujeres, aunque

sea controvertida”, esgrime. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R

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FOTO: ARCHIVO

#6 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


ROSTER

Son de lo más que hay

ahora mismo en la escena

subterránea barcelonesa. Alma

pop, posado punk rock garajero

y una verborrea que supura

un humor caústico como cura

para el mal de amor. Acaban

de publicar su segundo EP, La

masacre de putis (Helsinki,

20) y han fichado por el roster

Jägermusic. Un consejo, no te

puto pilles de ellos, te harán

disfrutar.

BARCELONA, NADA MEJOR que

hacer el primer día de la fase

1 que reunir a los miembros

Pantocrator. Bueno a casi todas

ellas y ellos, porque para la entrevista

se presentan la cantante y bajista Marta

Delmont (seguramente su nombre

os resultará familiar por su carrera

en solitario como cantautora), el guitarrista

Robert Busquets y el batería

Xiri Romaní. La teclista Marina Correa

aún debe estar confinada. "Estamos

bastante bien, algunos mejor que otros,

pero bastante bien", responde Xiri al

preguntarles por las secuelas de estos

dos meses encerrados. "Yo, personalmente,

lo he pasado muy bien. Han sido

dos meses divertidos. Creativamente,

hemos hecho bastante menos de lo que

podríamos haber hecho. Pero tampoco

es que nos sintamos excesivamente

culpables por ello". Delmont coincide

con él. Dice que todo el mundo está

igual y que a la hora de ponerse a escribir

nuevos temas, a Pantocrator el

enclaustramiento por pandemia les ha

ido como a la inmensa mayoría de grupos

y artistas. O eso imagina. "Algo nos

ha salido. Tenemos algunas ideas. Pero

vaya, tampoco ha sido una época de una

productividad extrema". No sé por qué,

pero me los imagino más fácilmente

gastando las horas en el Tinder buscando

matchs que componiendo. De la vida

normal, Xiri confiesa haber encontrado

a faltar los bares. Delmont también, los

bares y en su caso también los conciertos.

De hecho, ellos mismos tenían una

gira bastante completa por el país que

han tenido que cancelar. "Por primera

vez en la historia del grupo teníamos

bastantes bolos cerrados y se han ido

todos a la mierda".

LES PREGUNTO POR CÓMO empezó

todo y es Marta Delmont la que se convierte

en la voz narradora de la historia.

Explica que Pantocrator nació en una

época en la que Marina y ella estaban

emocionalmente destruidas, hasta que

llegó el día en el que se dijeron que

tenían que hacer algo con sus vidas.

"Algo que no fuera estar todo el día en

la terraza de un bar tomando carajillos".

“Teníamos bastantes

bolos cerrados y se han

ido todos a la mierda”

Lo primero que hicieron fue convertirse

en Youtubers. La experiencia duró

veinticuatro horas. "Obviamente fue un

desastre. Bueno, más que un desastre

de inmediato nos dimos cuenta de que

eso no era lo nuestro. Así que, aunque

Marina nunca antes había tocado, dijimos

de montar un grupo". Poco después

se unieron a la aventura Robert,

para el que Pantocrator también era su

primer grupo, y Xiri, músico con militancia

pretérita en bandas como Mine!

y presente compartido en grupos como

Alavedra. "Recuerdo perfectamente la

primera vez que escuché a Camellos.

Flipé", rememora Delmont. "Me dije

que quería hacer algo así. Nunca me

había atrevido a hacer canciones en

castellano por el rollo de sentirme

expuesta". Con Camellos, asegura, se

dio cuenta de que podía hacer letras en

castellano y encima molar. "Yo ampliaría

la lista de influencias a todo grupo

de pop rock español que tenga gracia

escribiendo sus letras", apunta Xiri, "ya

sean Los Punsetes o Carolina Durante".

Y sí, Pantocrator suenan a eso, a banda

de punk y rock garajero con sensibilidad

para las melodías ultratradictivas

y letras repletas de imágenes cómicas

de un costumbrismo cínico brutal. "Las

letras son cosa de Marina y mía y salen

de la vida misma. Sí que es cierto que

últimamente también les pedimos información

sobre sus vidas a Robert y a

Xiri, porque los dos están pasando por

una etapa bastante emocionante y apasionante.

Pantocrator es nuestra válvula

de escape a ser yonkis del amor".

DESCUBRIMOS A PANTOCRATOR

con Villacapullos (The Yellow Gate, 19),

EP que ya nos hizo arquear las cejas

de sorpresa gratificante y excitación.

"Marina estaba en esta época de drama

intentando llenar su vacío emocional",

revela Delmont. "Cada vez que vivía

FOTO: CRUELAUDIA

Pantocrator

Yonkis

del amor

uno de sus dramitas, cuando me lo

explicaba, remataba la historia con un

'otro día más en Villacapullos'. De ahí

salió el título del EP y el concepto, una

colección de temas inspiradas en los

capullos, obviamente". Ahora no solo

repiten sino que mejoran la jugada con

La masacre de putis, nuevo EP (para el

Record Store Day se publicará un vinilo

con los dos EP's, uno por cara) que esconde

entre sus surcos No te puto pilles,

hit instantáneo que cuando estoy redactando

esta entrevista ya suma 137.249

reproducciones en Spotify. Y sumando.

"¿En serio?", deja ir Xiri en un tono mezcla

de sorpresa y orgullo bien llevado.

"Este sería el resumen: ¿en serio? No sé,

no lo entendemos".

MARTA DELMONT EXPLICA que

siempre que escriben una canción

nueva les tiene que molar mucho a los

cuatro, si no la abandonan. "Pero vaya,

no tenemos demasiado buen ojo para

seleccionar los singles. Ninguno de nosotros

hubiera elegido No te puto pilles

y mira. Es un tema que nos gusta, pero

viviendo el proceso de creación desde

dentro tenemos otra visión y hay temas

que nos molan más". ¿Y de quién se han

putopillado últimamente los Pantocrator?

"Marina tiene un novio de Internet,

solo diremos esto", confiesa entre risas

Marta Delmont. Xiri, por su parte, admite

que "durante la cuarentena han pasado

muchos cosas. Todo hemos vivido

de una forma mucho más intensa. Han

aflorado muchos secretos. Ha habido

muchos cambios". —ORIOL RODRÍGUEZ

R

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junio 2020 #7


MONDO

FREAKO

FOTO: ARCHIVO

Einstürzende

Neubauten

Berlineses

Einstürzende Neubauten están

de vuelta con Alles In

Allem (Potomak/Gran Sol, 20),

ejercicio de lirismo marca

de la casa alterado por los

acostumbrados ejercicios de

brutalidad industrial y todo

un acontecimiento, teniendo

en cuenta lo esporádico de

su producción en los últimos

años. Un risueño Blixa

Bargeld responde desde su

confinamiento doméstico.

EN LA MALETA

Helena Hauff

Helena Hauff siempre

apuesta por la fuerza y por

la intensidad. Lo hace en

cada una de sus sesiones y

lo ha hecho en Kern Vol. 5

(Tresor, 20), la sesión que

ha grabado para el mítico

templo y sello alemán.

"Hemos perdido muchísimo dinero

como consecuencia de ello"

A

PESAR DE QUE POCAS bandas

han representado mejor

el contraste entre romanticismo

y cierto carácter marcial

asociado al pueblo germano, Blixa

Bargeld siempre ha renunciado a

identificarse como alemán y berlinés.

CUÁLES FUERON las razones

principales que te llevaron a

mezclar discos?

Estaba fascinada por la cultura

Dj desde que era muy jovencita. Cerca

de jugar a basket, siempre pensé que

era lo más cool del mundo. Cuando era

teenager empecé a ir muchísimo a los

clubes y me enamoré de la música electrónica.

Prácticamente toda la gente que

conocí durante aquellos años pinchaba

solamente en vinilo, así que yo también

quise aprender a pinchar discos hasta

el punto de que me obsesioné casi de

inmediato con los platos y los vinilos.

—¿Qué sesiones te gustaban cuando

empezaste a escuchar música electrónica?

Escuchaba constantemente Intergalactic

FM y Deep Mix Moscow.

—¿Cómo llevas estar confinada en

casa, siendo alguien que vive de pinchar

en directo para la gente?

Tengo que decir que es algo realmente

extraño. Por unos meses quizás esté

bien, pero espero que esto no se alargue

mucho. Me gusta girar y estar con la

gente, y pinchar frente al público. Esa

es mi vida. Ahora lo que hago es dedicar

tiempo a trabajar en el estudio y a cocinar

un montón. Ahora podemos salir y

los parques están abierto, así que voy a

empezar a escalar con un amigo. Hay un

muro aquí cerca y eso, por lo menos, me

ayudará a estar un poco en forma.

Europeísta convencido, el líder de los

Neubauten y también quien articula

el discurso lírico de la formación –el

aspecto musical es cosa de Alexander

Hacke, N.U. Unruh, Jochen Arbeit y

Rudolf Moser– se descuelga ahora

con un disco que refleja su visión de la

—¿Tienes alguna anécdota que recuerdes

de tus giras?

Tengo un montón de buenos recuerdos.

Sesiones al atardecer o a la luz de la

luna, festivales en castillos medievales,

en playas, en barcos, en terrazas,

incluso en desiertos. Son buenos recuerdos.

Pero también ha habido algún

viaje de locos. Una vez cancelaron

mis vuelos y tuve que ir en taxi desde

Bristol a Lyon. Fueron catorce horas de

coche y el taxista me dejó en la puerta

de la sala exactamente diez minutos

antes de empezar la sesión. Otra vez tardé

veintiséis horas en ir de Barcelona

a Hamburgo. Se suponía que tenía que

ir a Rusia, pero de nuevo cancelaron

los vuelos. Había tenido un accidente

y no podía llevar zapatos, así que viajé

veintiséis horas descalza y tuve que

dormir en la calle en Bruselas durante

el trayecto.

—¿Cuáles son tus DJ favoritos y por

qué motivos?

DJ Stingray, porque es una verdadera

leyenda y sigue inspirado. Umwelt, que

es una máquina. Pearson Sound, porque

adoro sus selecciones y su habilidad

para mezclar con destreza distintos

géneros. Steffi, porque puede llevarte

a través de un gran viaje y tiene una

técnica increíble. Pero, una vez más, hay

demasiada gente a la que adoro y no

sabría por dónde empezar la lista.

—RAÚL LINARES

ciudad que le vio nacer. O no, porque

tal y como nos tiene acostumbrados,

en las palabras de Bargeld siempre

hay lugar para el requiebro inesperado.

“Hay canciones que en apariencia

pueden hacer referencia a Berlín, pero

que en realidad provienen de otro

sitio. Por ejemplo Tempelhof, que no

se refiere a esa zona de la ciudad, sino

que es la evolución del nombre que

inicialmente tenía ese tema, Pantheon,

en referencia al Panteón de Agripa en

Roma. En realidad la única referencia

real a Berlín en el disco es Grazer

Damm. Es el nombre de la calle en la

que crecí, y la canción se convierte en

una suerte de historia autobiográfica

vinculada a esa calle. Pero el disco

carece de concepto narrativo. Cuando

le expliqué esto a Hendrik Otremba, el

escritor que firma la nota de prensa,

montó toda una teoría enfrentando

esa idea a la imagen de Berlín como

ciudad que carece de centro”. Y ahora,

consecuencia de ello, el decimocuarto

álbum de la formación en cuarenta

años de actividad, está pasando por

esa suerte de singular retrato del Berlín

prepandemia...

UNA PANDEMIA, dichosa crisis del

Coronavirus, que ha hecho saltar por

los aires la Fase IV del singular proyecto

de crowdfunding en el que Neubauten

llevan inmersos desde 2003.

“El momento culminante de la Fase IV

era una serie de actividades que iban

a tener lugar en Berlín en abril: un

concierto en el Konzerthaus, un viaje

en bus por Berlín conmigo ejerciendo

#8 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


de guía, y una escucha del disco en los

estudios en los que se ha registrado

el disco. Quinientos supporters de

diferentes partes del mundo iban a

venir a Berlín a formar parte de esos

eventos, y todo eso ha tenido que ser

cancelado. Hemos perdido muchísimo

dinero como consecuencia de ello.

Ayer tuvimos una videoconferencia

hablando de cómo y qué tipo de tecnología

vamos a utilizar para seguir

trabajando juntos. No sé qué es lo que

va a salir de todo eso, pero supongo

que nos adentramos en una suerte de

frontera entre la Fase IV y la V en que

íbamos a girar por Europa y América.

Aún estamos decidiendo lo que vamos

a hacer”. —LUIS J. MENÉNDEZ

R

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Alles In Allem

Potomak/Gran Sol

TAN.

CERCA

RRYa es oficial. El Tomavistas

Ciudad abre fuego para su temporada

2020-2021 con la actuación

de Austra el 5 de diciembre

en la sala Cool. La artista canadiense

presentará HiRUDiN

(Domino/Music As Usual, 20) en

el ciclo madrileño, aunque también

pasará por Barcelona para

ofrecer un concierto dentro del

Festival Mil·lenni. Será el 4 de

diciembre en La [2] de Apolo. Las

entradas para ambos conciertos

ya están disponibles.

RREl Cruïlla XXS, organizado

por los responsables del Cruïlla

Festival, llenará la ciudad de

Barcelona de actividades diversas.

Lo hará desde el 1 hasta el

31 de julio, con protagonistas de

lo más diverso y en escenarios

también diversos. De momento

se han confirmado artistas como

Rayden, Iseo, Kaydy Cain, Muchachito,

Delafé, Rufus T. Firefly,

Ms Nina y un largo etcétera.

Las entradas están disponibles

desde el 28 de mayo.

RREl Low Festival de Benidorm

no se celebrará en 2020, pero ya

ha confirmado fechas para el

próximo año. Será los días 30 de

julio a 1 de agosto. El día 25 de

junio se anunciarán los primeros

nombres confirmados.

RREl festival Animal Sound,

que se iba a celebrar los días 19

y 20 de junio en Murcia, anuncia

que se aplaza a después del verano.

Ahora anuncia sus nuevas

fechas, que serán los días 30 y 31

de octubre.

RRYa sabemos que la edición

número veintisiete del festival

Sónar Barcelona se celebrará

los días 17, 18 y 19 de junio de

2021. Y que incluirá la novena

de Sónar+D, pero hoy sabemos

otra cosas importante: el primer

gran espectáculo que se sumará

al evento. Será el espectáculo

inmersivo de los británicos The

Chemical Brothers en colaboración

con el artista visual Adam

Smith.

RREl festival SonRías Baixas

(Bueu, Pontevedra) se ve obligado

a aplazar su celebración

al verano del año que viene. Se

celebrará los días 5 a 7 de agosto

de 2021 y el primer artistas

confirmado es el rapero aragonés

Kase.O.

—MS

Protomartyr

Mulas de carga

Los de Detroit tienen continuación para el celebrado Relatives In

Descent. Ultimate Success Today (Domino/Music As Usual, 20)

insiste en su visión oscura, pero acentúa la carga de humor negro.

UN CAMPECHANO Joe Casey

(voz y letras), uno de los

frontmen más singulares que

han salido en mucho tiempo,

se atrinchera en un sarcasmo realista

y duro –el mismo que imprime a sus

magníficas letras–, no exento de humanidad,

para capear el temporal que nos

ha caído encima. “Como grupo tenemos

el feeling de seguir adelante porque

todavía nos entusiasma componer cosas

nuevas. Greg (Ahee, guitarra y teclados)

dijo que deberíamos meter saxos,

instrumentos de jazz de fondo. Parecía

imposible que funcionara, pero confié

en él”. Enlazándolo con los hallazgos

de bandas como The Pop Group, Casey

profundiza en la manida etiqueta “postpunk”.

“No es sonar como una copia

de una copia de Joy Division. Muchas

bandas de colegas se quedan estancadas

en eso. Para mí, post-punk debería

significar 'experimentación' por encima

de todo. Me alegro de que hayamos

podido meter estos elementos, porque

en el fondo seguimos siendo chicos del

Medio Oeste. ¿Meter un saxo de jazz?

Eso es demasiado pretencioso (risas)”.

El cuarteto ha recuperado el sentido de

emergencia brutal de su reeditado disco

de debut, lo que ha permitido a Casey reflexionar

sobre el paso del tiempo. “Pero

espero que no sea un disco de demasiado

bajón. Hay optimismo y humor. Está

escondido, pero está ahí”. Ese humor

desesperado, visible en el hilarante

vídeo de Processed By The Boys, aflora

desde la salvaje metáfora de la portada,

una mula de carga, y el título. “Acababa

de leer un libro sobre la historia de las

“Post-punk no es sonar

como una copia de una

copia de Joy Division”

mulas en el ejército norteamericano. Me

pareció un animal fascinante. Se las cría

para el trabajo, como bestias de carga.

Me pareció muy adecuado a lo que está

pasando y cómo me sentía”.

EL VOCALISTA PROFUNDIZA en

ciertos hallazgos melódicos ya explorados

en su anterior trabajo. “Ahora que

hemos empezado a tocar en lugares que

tienen buenos sistemas de sonido, la

gente quiere oírme. No puedo limitarme

a un farfulleo de borracho”. Similar

reto se ponen los músicos, que aportan

novedades rítmicas. “El objetivo principal

es no acabar encasillado”. Eso sí,

Protomartyr no son de esos grupos que

un día deciden pasarse a los sintetizadores.

“Creo que es muy fácil caer en la

trampa, especialmente en el estudio,

de decir: 'Vamos a hacer el disco entero

con teclados'. Es muy divertido, pero

pierdes la esencia. Siempre he oído que

no debes cambiar más del veinte por

ciento con cada disco, y es lo que nos

pasa. Siempre acabamos sonando a

nosotros, lo cual es bueno”. La impredecible

crisis sanitaria global supone

un golpe duro para un grupo que, como

casi todos hoy, depende del directo y

de vender camisetas. “El año pasado no

giramos gran cosa, así que nos tuvimos

que apretar el cinturón. Y esperábamos

ganar dinero este año. Pero hay que

ser realistas respecto al hecho de que,

cuando volvamos lentamente a la normalidad,

lo último que se van a permitir

son las aglomeraciones”. —JC PEÑA

R

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FOTO: DANIEL TOPETE

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junio 2020 #9


amb

desme

“Yo solo quiero estar con gente

que creen que van a ser los

mejores del mundo y que van a

cambiar la historia.”

C. T

#10 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Esta

ición

dida

angana

Convertido en uno

de los nombres más

internacionales de

nuestra escena, C.

Tangana continúa

dando golpes de timón

y sorprendiendo a

quienes pretenden

encasillarle. Un buen

ejemplo es su recién

estrenado EP, Bien

:( (Sony Music, 20),

motivo por el que

volvemos a charlar

una vez más con él.

— TEXTO Luis M.Maínez

C.

ANTÓN ÁLVAREZ ALFARO (Madrid,

1990) es C. Tangana y con

veinticinco años recién cumplidos

decidió que era el momento

de cambiar la música popular en

España y ponerla en consonancia

con el resto de Occidente, donde

los ritmos derivados del rap y el

hip-hop ya eran los dueños de todas las radiofórmulas

y los clubes. Las cosas han mutado mucho desde los

2000. La industria musical había perdido poder con

la llegada de Internet, así que la tarea era mayúscula.

Desde sus inicios ha ido dando pasos adelante, meditados

e inteligentes, hasta llegar a firmar un contrato

pionero con Sony Music y convertirse en uno de las estrellas

globales de nuestra escena musical, centenares

de millones de escuchas de sus temas en plataformas

de streaming mediante. Ahora estrena Bien :(, un epé

de cuatro temas que son tanto un repaso a su trayectoria

reciente como un nuevo intento de lograr el éxito,

experimentando con su propuesta. Lo ha conseguido

con Nunca estoy, uno de sus mayores éxitos recientes.

ESTE NUEVO TRABAJO tiene un lema, “Música

triste en español”, que es más que una coyuntura. “Si

lo piensas, hasta los grandes éxitos, menos Booty, que

es una canción de fiesta, son todos tristes: Mala Mujer

es 'soy un perro llorando por las calles, sin alma'.

Siempre he sentido que eso está en mi música desde

el principio. Y siento que 'Música triste en español' es

algo que me representa y que me va a representar”.

Tristeza y ambición. Hay hambre en C. Tangana, y una

visión de lo que quiere lograr propia de quien está empezando

y no de quien lleva más de diez años haciendo

música. “Yo solo quiero estar con gente que creen que

van a ser los mejores del mundo y que van a cambiar la

historia. Es algo que se entiende de una forma un poco

más sencilla cuando una madre te dice 'hay dos formas

de hacer las cosas, hacerlas bien o hacerlas mal…

Y para hacerlas, pues hazlas bien'. Pues eso es fliparse,

Las influencias

Tangana lleva años reivindicando tanto a los

artistas que le han marcado como a la cultura

popular española. Tanto es así que esta vez

incluso ha completado una playlist de Spotify

con todas las influencias que ha tenido. Un ejercicio de

sinceridad que para el que no todos los artistas están

preparados. “Tiene que ver con que, en este caso concreto,

hay cosas muy claras a las que rendimos homenaje.

Está Rosario, está también el funk carioca que es algo

muy poco nuestro y que usarlo es un homenaje, hay una

canción de James Blake que inspiró mucho en adelante_ruffdemo2016,

que en principio íbamos a samplearla.

También hay un par de canciones de Kanye que son muy

inspiradoras…. Rosario, por supuesto, o el Corazón partío

de Alejandro Sanz, que son homenajes directos, y al ser

un trabajo así como experimental… Porque a mí me parece

experimental, no conozco a nadie del pop que haya

hecho esto. Después de cuatro años haciendo singles y

en una tendencia concreta lanzar esto y que salga así…

Me pareció que era una forma de darle más profundidad

también al EP, que son cuatro canciones, pero a través de

ellas hay mucho que contar… Una de las cosas que se me

da bien es escribir. Fundamentalmente se me dan bien

dos cosas: escribir y producir, tener la idea de mezclar

una cosa con otra, dónde ponerla, cómo ordenarla…. Y creo

que si ves la playlist te da más sensación de trabajo. Para

mí sube el trabajo hasta el nivel que puedes pensar: '¡Qué

cabrón! mezclar esto con esto, poner esto con esto'. También

tenía ganas de este tipo de playlist y enseñarle a la

peña lo que hay detrás de estas canciones”.

Los colaboradores

Al margen de trabajar con Alizzz, convertido ya

en uno de los grandes productores de nuestro

país, resulta interesante encontrarse en este EP

con Nineteen85, presente en grandes éxitos de

Drake, y al mismo tiempo con Rusowsky, que es un artista

español todavía minoritario. Y mientras, sigue habiendo

voces de la escena urbana española pidiendo a los artistas

que están arriba que den voz a los artistas jóvenes.

“Siempre habrá gente que se queje y que te digan lo que

deberías estar haciendo. Yo te puedo asegurar que a mí

nadie me echó los cables que yo estoy echando. Cuando

yo estaba empezando mi carrera y creciendo nadie me

echó un cable como yo intento echar a la peña. Y no lo

digo del rollo 'soy supergeneroso y superbuena persona,

miradme'. Lo veo como un caso prácticamente egoísta. Si

yo quiero que lo que está aquí funcione, tengo que hacer

que funcione toda la escena. No puede hacerla funcionar

uno solo. Llevo diciendo esto mazo de tiempo, que la salud

de la escena te da salud a ti, pero una salud de la que

no te tienes que preocupar. Puedes estar seis meses, ocho

meses, en tu casa sin hacer nada, y si realmente tenemos

una música fuerte en España, una buena música joven,

si tenemos algo ahí, eso te va a dar también trabajo a ti.

Va a hacer que te enriquezcas, que tengas más influencias,

que haya cierta competitividad y que todo eso se

mantenga, que siga yendo la gente a conciertos, que siga

habiendo promotores, que siga habiendo marcas interesadas

en todo esto y, tú, mientras, puedes estar en tu

casa tranquilamente. Cuanto más cuides la escena más te

cuidas a ti. En Estados Unidos se hace así y los boricuas

lo hacen así”.

creerte que tú puedes hacer las cosas mejor que nadie

e ir con esa confianza en ese aspecto creativo”. Pero

también hay orgullo indisimulado por sus proyectos

previos. “Yo creo que un trabajo como Ídolo, si lo ves

con perspectiva, entendiendo lo que eso ha aportado

a la cultura urbana en España…. Hay que ver lo que

estaba pasando antes de Ídolo y lo que está pasando

después. Si tú lo ves, se entiende qué alegato era ese, y

tenía muchas ganas de que eso se entendiera”.

LO QUE HA PASADO DESPUÉS en España es que lo

urbano ha dejado de estar estigmatizado, y lo que ha

pasado después en su carrera es que ha recorrido el

continente americano, para nutrirse de influencias y

encontrarse con un reconocimiento artístico que, en

nuestro país, parece resistírsele. “Si tú le preguntas a

alguien de Medellín, de Puerto Rico, de Miami, México…

Todo el mundo me reconoce como alguien alternativo,

que es uno de mis grandes problemas a la hora

de crecer, y en España tienen una idea de que yo soy un

producto mainstream cualquiera, y perdóname que te

diga, pero no. No hay nadie en el mundo que me considere

así”. Con el lanzamiento de Bien:(, “El Madrileño”

vuelve a experimentar. Esta vez con sonidos cercanos

al bedroom pop, cada vez con más peso en la escena

española independiente. Pero, por lo que respecta a los

textos, el trabajo incluye una dupla que recoge las dos

visiones de una relación de pareja que se desmorona:

Nunca estoy y Guille asesino, además de un tema de

la etapa de Ídolo. Así, este epé sirve tanto para mirar

hacia atrás como hacia adelante, pero todo ello desde

una posición de honor innegable en la música actual

española. Lo que venga después, porque vendrá cosas

nuevas, será una muestra más de la ambición desmedida

–como él mismo canta en Un veneno– de un artista

que no se conforma nunca. —L.M.M.

R

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junio 2020 #11


Mostaza Gálvez

La pareja perfecta

Guille Mostaza (ex Ellos) y Frank

Gálvez (ex Gasca) vuelven a unir

fuerzas para publicar Desventura

(Subterfuge, 20), un trabajo de

electro-pop pegadizo, con el que

demuestran que el proyecto está

definitivamente engrasado.

A

GUILLE MOSTAZA siempre se le

recordará por haber sido parte

esencial de Ellos, mientras que a

Frank Gálvez le sucede un poco lo

mismo con Gasca. Así que era lógico que

de la sinergia de ambos surgiesen las peculiaridades

de Mostaza Gálvez. “Hay un

poco de ambos grupos en este disco. En el

anterior traté de que no se notara tanto,

pero es evidente que venimos de donde

venimos, así que caretas fuera. De Ellos

tiene algunos toques en la producción,

muchos giros melódicos en la composición

y armonías comunes. De Gasca tiene

el toque sobrio y ese puntito oscuro, que

es la parte que trae Frank. Yo tiendo a ser

más luminoso, así que nos complementamos

muy bien”. La dupla compositiva

presenta ahora Desventura, su segundo

disco y un trabajo bastante más asentado

y ambicioso de lo que fue su debut. “Cuando

empezamos a hacer este disco íbamos

por el mismo camino que con el anterior,

pero acomodarse es muy de vagos y no

hay nada peor que un vago. Empezamos

de nuevo con un planteamiento más rico

y arriesgado, por eso las canciones están

llenas de detalles y es todo mucho más

minucioso, además de que los sintetizadores

están muchísimo más presentes”.

El resultado ha resultado ser un disco de

electro-pop vistoso y pegadizo, de esos

difícilmente cuestionables dentro de sus

coordenadas. “Es un conjunto de canciones

a las que hemos decidido dotar de

estos vestidos y trajes. Lo que sí queríamos

es que esas ropas fueran elegantes y

estuviesen limpias. Los discos son como

los embarazos, van creciendo sin que lo

veas claro y no sabes qué aspecto tendrá

hasta que lo tienes en las manos”.

—RAÚL JULIÁN

R

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FOTO: ARCHIVO


Taylor Momsen y su banda nos han

alegrado este confinamiento. Acaban

de publicar nuevo single, Death By

Rock'n'Roll (Century Media, 20), anticipo

del que será su cuarto larga duración.

THE PRETTY RECKLESS lo tenían todo a punto.

Pero, como a tantos otros, la pandemia

del Covid-19 les ha cambiado los planes. Son

noticia por la publicación del single Death

By Rock'n'Roll, anticipo del que será su cuarto disco

y, al mismo tiempo, su debut con Century Media. De

momento, lo han atrasado a la espera de ver cómo

se desarrollan los acontecimientos. Taylor Momsen,

la mediática (Gossip Girl), pero accesible vocalista,

nos cuenta sus sensaciones en estos complejos momentos.

“Es todo muy extraño y al mismo tiempo es

fascinante ver el cambio de vida que estamos experimentando.

Como estoy alejada de la gente, estoy

aprovechando para escuchar muchos discos. Nunca

tengo ocasión de escuchar tanta música, así que

me he volcado en eso… Casi ni veo películas. Y estar

en casa sola no es algo tan diferente para mí. Estoy

acostumbrada”. Lo peor es que The Pretty Reckless

tenían planes de abrir para Foo Fighters este próximo

verano. “Es una pena, pero por otro lado me

siento afortunada de tener eso en el horizonte. Doy

gracias todos los días por poder vivir la vida que

estoy viviendo, por mucho que ahora estemos condicionados

por este virus y por las circunstancias”.

A pesar de todo, también hay buenas noticias. Entre

ellas la publicación de este nuevo single, Death By

Rock'n'Roll. “La canción habla sobre el rock, sobre la

libertad que todos debemos tener para elegir nuestro

propio camino. Podrás escuchar todo tipo de

opiniones y consejos, pero para nosotros solamente

hay esta opción, el rock'n'roll. Esa es la mentalidad

que tengo desde que era una niña. No me he subido

ahora al carro porque sea lo que toca”. En la canción

“Es fascinante ver el

cambio de vida que

estamos experimentando”

The Pretty Reckless

Viviendo en rock'n'roll

hay ciertas similitudes con I Love Rock'n'Roll de Joan

Jett, por ejemplo en su vocación de himno. Aunque en

2014 conoció a Jett, me comenta telefónicamente que

“Me halaga que digas eso, te lo aseguro, pero no puedo

decir que Joan Jett haya sido una influencia para la

banda”. De todos modos, uno de los detalles más importantes

es que se trata de un adelanto de un disco sin

fecha de publicación, pero que tienen ya acabado. “Es

un disco audaz, intrépido y que estará en la onda de este

single. Es el disco que nos apetecía hacer ahora mismo”.

Y esa onda exuda rock'n'roll. A eso hay que sumarle

que sus portadas suelen ser indicativas de lo que después

nos encontraremos en sus discos. Con el single

no hay dudas: el cuero, una motocicleta y esa actitud.

“El concepto nos remite, como dices, a una imagen: el

rock'n'roll clásico, con sus guiños. Hemos tomado una

postura muy definida y creo que el mensaje de esta

canción ya lo dice todo. Pero... ¡Te estoy dando muchas

pistas! (risas)”.

CAMBIANDO DE TERCIO, le pregunto por Soundgarden.

The Pretty Reckless fueron teloneros de la banda

la noche antes de la muerte de Chris Cornell. “Soundgarden

es una de mis bandas favoritas de siempre. La

verdad es que estábamos disfrutando mucho en esa

gira. Además era una gran oportunidad para nosotros.

Cuando me enteré de la noticia me fui a casa. Deje de

hacer cosas, de escribir... Me sentí muy triste y deprimida.

Fue muy duro”. Para terminar, charlamos sobre

su participación en el festival virtual Fearless At Home,

en el que han participado artistas como Underoath, Ice

Nine Kills, August Burns Red, Oceans Ate Alaska y muchos

otros. “Fue un honor que contasen conmigo. Fue

algo raro porque no lo había hecho antes, ya sabes, todo

eso de colocar la cámara en el lugar correcto, chequear

el sonido... suerte que la gente es comprensiva y todo el

mundo entiende que ahora no puede ser todo tan perfecto.

Esa fue mi pequeña contribución en este momento

tan extraño”. —TONI CASTARNADO

R

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FOTO: ARCHIVO

#12 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Recycled J

Elijo la

metamorfosis

Si Recycled J fuese un

superhéroe, sin duda sería de

los que pueden convertirse

en cualquier persona u objeto.

El madrileño regresa con

Superpoderes (Universal, 20),

un EP con el que confirma su

gran habilidad para adaptarse

a diferentes estilos musicales y

salir siempre victorioso.

CADA VEZ, CADA DISCO, resulta

más difícil catalogar a Recycled

J. Igual te rapea sobre

un beat al más puro boom bap

que se introduce en ritmos de reggaetón

o trap o, como este nuevo EP,

se atreve con nuevas metodologías.

“Tras sacar City Pop, y la dirección

que quise tomar desde Bambino, mi

intención era reinventar a mi manera

el sonido pop español de los ochenta

y los noventa. De hecho este EP se

empezó a gestar a principios de 2019,

mientras salía City Pop. En aquel entonces

yo tenía un estudio con Selecta

en Carabanchel. Estábamos trabajando

en paralelo en nuestros proyectos

en solitario, composiciones para otros

artistas y surgió la idea de hacer un EP

conjunto. Ambos nos sentimos cómodos

experimentando y probando nuevas

fórmulas y sonidos”. Pero la ambición

de Recycled siempre le hace dar

un paso más. Y para cada una de las

cuatro canciones de este EP ha elegido

un sonido y una personalidad diferente,

demostrando su extraordinaria

versatilidad. Así, analizando canción

a canción, “Culpable tiene un sonido

que me recuerda al de una banda de

funk. Es la canción que más rapeo

tiene y narra la situación en la que

en una relación de pareja uno de los

dos miembros se siente juzgado por

el otro constantemente. Éste primero

asume que es culpable de lo que se le

acusa. Pero no solo de lo malo, sino

también de lo bueno, como es amar

a la otra persona”, cuenta el propio

Recycled. Mientras que Superpoderes

“es el main track, que da nombre al

trabajo y del que parte todo. Yo quería

hacer una canción electro-pop con

toques de Daft Punk y Selecta estaba

en su salsa. A la hora de escribirla me

fijé en la fórmula que utilizaba Mecano,

a los cuales respeto y admiro.

Bajo mi punto de vista es una canción

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“Me fijé en la fórmula

que utilizaba

Mecano, a los cuales

respeto y admiro”

retrofuturista con toques psicodélicos

y mucha fuerza”. Por su parte Un

extraño es “una extraña canción de

reggaetón. Le escribí con Cruz Cafuné

para que fuese un featuring pero finalmente

me la quedé para este proyecto.

Queríamos juntar dos mundos, el de

la electrónica y el de reggaetón, haciendo

una canción con un mensaje y

un sonido triste y ambiental, pero que

te incitase a bailar y sonase actual. De

ahí que hayamos mezclado ese sonido

más bailable con elementos como el

vocoder y los sintetizadores puros de

la electrónica. La canción habla del

momento en el que ha terminado una

relación y ves a la otra persona como

un extraño, prácticamente un desconocido,

y olvidas tanto lo malo como

lo bueno. Quisimos hacer un estribillo

sin elementos prácticamente, con llu-

via y sonidos ambientales para reflejar

ese vacío”. Y para finalizar, en Boomerang,

canción que cierra el lanzamiento,

el beat “surgió como una composición

para un tercero en un principio.

Cuando la fuimos desarrollando me

di cuenta de que podía lucirme en

algo que nunca había hecho. Es una

canción que quizás tiene más toques

de balada pop-rock. La manera y la

forma en que está escrita me recuerda

a como se hacía hace años. La canción

habla de una relación del pasado, que

tras haber terminado, vuelve con más

fuerza, como un boomerang”.

CUATRO CANCIONES con sonidos

distintos. Aunque, si nos fijamos en

las palabras de Jorge, mantienen algo

en común: una clara inclinación hacia

la melancolía. “Porque he estado

EL APUNTE

“CITY POP SIN DUDA fue un currazo. Es

un disco del que estoy muy orgulloso

tanto a nivel musical como estético.

Conseguimos aunar el sonido urbano y

la mezcolanza de estilos que queríamos

mostrar al público”. No es para menos, ya

que con la salida de este álbum, tras el EP

con Hijos de La Ruina, cambió la carrera

de Recycled J, aupándole a lo más alto

de la música urbana nacional. Y ya que

hablamos de Natos y Waor, ¿podremos ver

pronto algo nuevo juntos? “Tenemos algo

entre manos, pero no es un trabajo como

observando que, por regla general, las

canciones que están funcionado tienen

un toque triste en el que la sociedad

actual se está viendo reflejada”, asegura.

Pero él no tiene miedo a arriesgarse. En

realidad nunca lo tuvo. Desde que pasó

de ser Cool a Recycled J su misión en la

música es romper moldes y esquemas.

“Sé que es un buen trabajo, pero también

sé que es una de las propuestas

más arriesgadas, musicalmente hablando,

que he hecho en mi carrera. Quien

sepa apreciar el proyecto sé que lo valorará

en la forma en que lo se merece; y

el que no, lo tendrá que escuchar unas

cuantas veces y dejar de lloriquear”.

—ALFONSO GIL ROYO

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Tras la estela de City Pop

R

MONDO

FREAKO

tal. Preguntadle a ellos”, responde con

intriga Jorge. Por el momento disfrutaremos

de Superpoderes, publicado además

en plena época de la crisis del Coronavirus.

“Una situación que me ha hecho

darme cuenta de lo volátil y cambiante

que es todo. Hay que adaptarse a los nuevos

tiempos que corren. Hemos vuelto a

una época en la que prima la música y no

tanto a la imagen. En lo creativo, me está

afectando a la hora de escribir y componer,

ya que necesito nuevos estímulos,

vivir cosas para poder contarlas”.—A.G.R.

junio 2020 #13

FOTO: ARCHIVO


WALA.

WALA.

“Jacoby

Shaddix de Papa

Roach me dijo que mi

historia le había inspirado.

En 2005 yo fui de los primeros,

pero ahora hay muchos músicos

que hablan de Dios. Estoy encantado

porque no quiero ser el

llanero solitario (risas)”

Brian 'Head' Welch de

Korn, en Rockzone

“Hace

poco George y

yo estuvimos con él en

el estudio. El simple hecho

de estar allí y preguntarle

cosas ya fue genial. Hablamos

sobre la posibilidad de que

co-produzca nuestro siguiente

disco. Brian Eno es un jodido

genio”

Matt Healy de The 1975,

“En

en Pitchfork

música, hay

el mito de que ser

auténtico y genuino tiene

que suponer ser confesional,

y creemos que lo que Sparks

hacemos en cien por cien auténtico

y genuino, con letras

que son casi pequeñas novelas”

Russell Mael de

Sparks, en NME

“LO

DE IZAL ERA UNA

ASIGNATURA PENDIENTE

EN NUESTRA OFICINA: COGER

A UN GRUPO DE CERO Y LLEVARLO

A LO MÁS ALTO EN UN TIEMPO

RÉCORD. NUNCA LO HABÍAMOS

SENTIDO Y HAN SIDO UNOS AÑOS

MAGNÍFICOS. HE DISFRUTADO

MUCHÍSIMO CON ELLOS”

Manuel Notario de Hook,

en Muzikalia

Everything Is Recorded

El día después

Friday Forever (XL/Popstock!, 20),

segundo trabajo del alias artístico de

Richard Russell, es una deslumbrante

enciclopedia musical con la que el

fundador de XL Recordings explora el

espíritu de la fiesta del viernes… Y la

inevitable resaca.

RESULTA SURREALISTA HABLAR de

raves en plena deprimente crisis global

del COVID-19, pero la vida sigue.

Un didáctico y muy centrado Russell

nos adelanta también cosas de su inminente

libro Great Liberation Through Hearing, “un

libro sobre las posibilidades de la música y la

libertad que te puede dar”. Pero naturalmente,

es su disco el principal objeto de la conversación.

“La idea estaba ya en tres canciones en

las que estaba trabajando. Empezaron a tratar

de un modo natural de la noche y la mañana

después. Francis Ford Coppola dijo que si

quieres contar una historia, necesitas saber

cuál va a ser el final”. Un disco de dos mitades

casi opuestas, del júbilo a la melancolía, que

reflejan “la dualidad de la experiencia. Cuando

empecé a hacer raves, de joven, siempre hice

singles, nunca un álbum entero. Y este disco

trata realmente de salir de fiesta, sobre esa

experiencia. En aquel momento nunca habría

hecho un disco sobre el día después, pero según

pasa el tiempo, eres más consciente de que

siempre que hay una subida, viene después

una bajada. Y está bien que sea así”.

RUSSELL, QUE DESTACA, por encima de

todo, la gran influencia del hip-hop de la vieja

escuela (es decir, de los ochenta) en todo lo que

hace, define su trabajo como “un disco multicultural.

Inglaterra es multicultural y Londres

lo es particularmente. Es un aspecto muy

importante”. Un álbum en el que la espontaneidad

y la energía de cada colaborador (Maria

Somerville, FLOHIO, Berwyn, Infinite Cole…)

está por encima de virguerías de producción.

“En todas las formas de entretenimiento se

tiende a pulir demasiado las cosas, para hacerlas

comerciales. Eso no es lo que me atrae.

Lo que me interesa es la honestidad y la verdad.

Una autenticidad que no sea perfecta. La

perfección es inalcanzable, así que si intentas

presentar algo de manera “perfecta”, no será

auténtico”. Una filosofía que aplica a rajatabla

en su faceta como productor. “Habrá gente a la

que no le guste lo que haces y está bien, porque

no tienes control sobre lo que vayan a pensar.

Ni un solo artista tiene control sobre eso. Sólo

puedes controlar el proceso y estar abierto

mientras dure”.

EN SU OPINIÓN, su singular proyecto “es

como hacer películas y que yo las dirija. Trabajo

con un montón de intérpretes, pero hay

un guion, lo escribimos juntos y yo lanzo conceptos,

sonidos y visiones. Es una manera de

involucrarme con diferentes artistas”.

EL BRITÁNICO, que espera encontrar una

fórmula para llevar al directo este nuevo trabajo,

como ya hizo con el anterior, cree que “la

evolución de la tecnología para grabar es emocionante,

porque todas las viejas técnicas están

disponibles”. Y asegura no dedicarle tiempo

a pensar en la evolución de la industria. “El

streaming es pura inmediatez, pero al mismo

tiempo desconcierta al consumidor. Todos los

formatos tienen su lado positivo y negativo”.

—JC PEÑA

R

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“Lo que me interesa es la

honestidad y la verdad,

no la perfección”

“Me

encanta

Damon Albarn y he

colaborado con él en

varios proyectos. Soy un

gran fan de Gorillaz sobre

todo por Jamie Hewlett. Es

mi dibujante de cómics

favorito”

Peter Hook, en

Consequence Of

Sound

FOTO: ANNA POLLACK

#14 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


EL DISCO.

RECUPERADO.

Far

Water & Solutions

Immortal Records, 1997

FUERON ALGO ASÍ COMO el eslabón perdido entre

la era post-Nirvana y los años del nu metal, con un

pie en el emo y el otro en el post-hardcore. Tal vez

por ello gustaban a todo el mundo y al mismo tiempo

nunca acabaron de encajar en ninguna parte. Eso

y que, a diferencia de bandas con un talento mucho

menor pero capaces de encapsular sus escasa

genialidad en una sola canción, eso que los guiris

llaman one hit wonders, a Far les faltó el temazo.

Estuvieron a punto. Lo rozaron con Bury White,

Really Here, Water & Solutions y, muy especialmente,

con Mother Mary, pero se quedaron a las puertas de

componer esos tres minutos y medio que te permiten

alcanzar la gloria. Posteridad que, como suele

pasar, sí que alcanzarían posteriores copiones.

FAR SE FORMARON en Sacramento a inicios de la

década de los noventa. La banda la conformaban el

cantante y guitarrista y principal impulsor creativo

Jonah Matranga, el guitarrista Shaun Lopez, el

bajista John Gutenberger y el batería Chris Robyn.

Tras dos primeros largos, Listening Game (Rusty

Nail Records, 92) y Quick (Our Own Rercords, 94),

ficharon por Immortal Records, subsello de Sony.

Su primera referencia para la multinacional fue el

muy prometedor Tin Cans With Strings (96).

YA EN 1997, contrataron los servicios de Dave

Sardy para su nuevo trabajo. Sardy era un joven y

prometedor productor cuyos mayores logros eran

haberse hecho cargo de la arquitectura sonora de

Undisputed Attitude (96) de Slayer y Aftertaste

(97) de Helmet. Él fue el responsable de encontrar

el equilibrio perfecto entre la pulsión melódica

de Jonah Matranga y los riffs afilados de Shaun

Lopez. Water & Solutions es justamente eso, la

mixtura perfecta entre Mineral y los ya mentados

Helmet, entre sus adorados Weezer y Deftones, banda

a la que les unía una relación casi de hermanos.

Un disco pluscuamperfecto que lo tenía todo para

triunfar en aquellos años de benevolencia con el

rock alternativo pero que acabó convirtiéndose en

una semidesconocida referencia de culto. Un objeto

de adoración de discípulos aventajados como

Thursday, Thrice o Biffy Clyro.

FAR SE SEPARARON en 1999 para volverse a reunir

diez años más tarde, retorno certificado con el

álbum At Night We Live (Vagrant Records, 10). Desde

entonces no se ha vuelto a saber nada de ellos.

Entre medio Jonah Matranga comandó más aventuras

de culto como Onelinedrawning, New End

Original o Gratitude y Shaun Lopez emprendería

una interesante trayectoria como productor, trabajando,

entre otros, con sus colegas de Deftones,

para los que modeló el sonido de su quinto disco

Saturday Night Wrist (06). —ORIOL RODRÍGUEZ


Acaban de publicar proverbial disco.

Ventanas (Ernie, 20) es una ruptura

con el clásico sonido mutante en el que

el guitarreo y los riffs dejan paso al

sintetizador y la música de tintes latinos.

Un regalo pluscuamperfecto, impecable

y que deberían presentar en vivo tan

pronto como la situación lo permita.

Niños Mutantes

Ventanas en tiempo

de balcones

“Nos interesa mucho

más el crecimiento

y el trabajo en equipo

que todo lo demás”

SI ALGO NOS DEJA CLARO Ventanas es que

una ruptura total con el clásico sonido mutante.

Una obra que suena tan ajena a Niños

Mutantes, pero al mismo tiempo tan personal,

que no deja de sorprendernos día a día. Salió en

los prolegómenos del Coronavirus, pero su rugido

mayestático aún colea. Mientras la gente aplaudía

en los balcones, ellos nos hablaban de Ventanas.

Justo cuando estábamos dando palmas, ellos aclamaban

ese lugar de la casa mucho más minúsculo y

coqueto que el balcón, pero capaz de dejar entrar la

luz y el aire necesarios. Dice Juan Alberto Martínez,

líder de la banda, que en tiempos materialistas la

mejor declaración de amor es decirle a alguien que

le das todo lo que tienes. Suena rotundo, como cada

uno de los temas del disco y, aunque es evidente

que existe ese giro en su sonido habitual del que

hablábamos unas líneas más arriba, si lo escuchas

descubrirás recovecos mutantes en cada rima. “Nos

interesa mucho más el crecimiento y el trabajo en

equipo que todo lo demás”. Y se refiere al giro hacia

la electrónica en ciertos pasajes, descubriéndonos

algunos detalles. “Hay distintas tendencias y sensibilidades

musicales que nos interesan. Por ejemplo el

tema por la electrónica no es algo nuevo para nosotros,

siempre nos hemos visto muy influenciados

por el synth-pop de los ochenta. Mis primeros discos

fueron el primero de The Communards y Actually

de Pet Shop Boys. Mi padre me regaló una minicadena

y venían estos dos como regalo”. Tanto es así que

nos podemos encontrar con la genial Una noche, con

un sonido muy New Order. “Bueno, nuestra referencia

máxima son Metronomy. Su disco The English Riviera

de 2011 nos marcó profundamente. Puedo decir que

se ha convertido en una de mis obras preferidas y, sin

lugar a dudas, en cada una de las canciones de Ventanas

hay guiños y toques de esa obra”. Lo curioso es

que combinan su efervescencia con influencias latinas.

“Sí, hay muchas. Aunque me gustan mucho Chabuca

Granda, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra, tal vez de

ellos haya ciertas estructuras en las letras y luego están

las bases y los sonidos más latinos en el trasfondo del

álbum”.

EN VENTANAS TAMBIÉN HAY INVITADOS. Noni

López y Javier Doria de Lori Meyers han metido mano a

Las Estrellas. “Noni tiene una colección de sintetizadores

que lo flipas. Sin exagerarte, unos treinta o cuarenta

o cosa así. Me invitó a su casa el año pasado y cuando

vi lo que tenía allí dije: 'Bueno, bueno, este es el tío que

necesitamos para las canciones que queremos'. Y ahí

fue cuando surgió todo esto”. También deambula por el

disco Christina Rosenvinge, que se implicó al máximo

en la producción de varios temas. “Pues mira ha sido

una experiencia artística y personal de lo más bonito de

todo el disco. Entramos en contacto con ella de forma

casual. Vino a presentar su libro, Debut, a Granada y

estuvimos con ella. Nos reímos mucho. Nos pareció que,

siendo fan de ella y teniéndola como un mito musical

patrio, era muy accesible y una persona genial. Entonces

nos fuimos a comer y ciertamente tuvimos una conversación

superdivertida. Y al hilo de la misma le pedimos

recomendación sobre productores pues estábamos

pertrechando este álbum. Entonces nos dijo que a ella

no le importaría hacerlo. Se lo pedimos y le encantó.

Luego tuvimos un encuentro previo en Madrid. Y todo

ha sido de puta madre. Una experiencia inolvidable”.

—OZANTOÑO TORRES

R

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junio 2020 #15


MONDO

FREAKO

Joan Garriga pensaba que La

Troba Kung-Fú ya había dado

todo de sí y decidió montar

un proyecto nuevo como Joan

Garriga i El Mariatxi Galàctic.

Un cambio de nombre que no

debería suponer un problema,

porque el músico catalán se ha

ganado a pulso el respeto para

poder hacer lo que le venga en

gana. Y si lo acompaña con un

disco tan maravillosamente

certero como El ball i el

plany (Fina Estampa, 20)

mucho mejor.

CUESTA CREER que hayan

pasado siete años desde Santalegria,

el último disco de La

Troba Kung-Fú. Y en parte es

así porque Joan Garriga no ha estado

lo que se dice quieto en todo este tiempo.

Sin parar de tocar, ya fuera en un

espectáculo circense o en sus largas

incursiones en el mundo de teatro, su

espíritu ácrata y libre le sigue guiando

para hacer lo que le pide el cuerpo en

cada momento. Sin ir más lejos, hace

unos meses se sacó de la manga un Ep

de cuatro temas (Nocturns de vetlla i

revetlla) que, como siempre, dejó una

profunda huella en los pocos que se

acercaron hasta él. Una edición que

el propio Garriga tilda, con esa sorna

que le es tan propia, de “clandestina”

y que le ha llevado a recuperar esos

mismos cuatro temas para darles una

pequeña vuelta, y presentarlos de

nuevo en sociedad, acompañados por

ocho dianas más y hasta completar

este El ball i el plany (“El baile y el

llanto”) que, ahora sí, debería ser presentado

a bombo y platillo. Doce composiciones

que muestran a Garriga en

plena forma en su uso de la rumba, el

ballenato, la cumbia, el corrido e incluso

el blues (Aixó és tot), género que

no puede faltar si hablamos de “plany”

(llanto). Y es que el disco cobra sentido

desde el propio título, en el que

mezcla dos conceptos que no son tan

antagónicos como a priori puede parecer.

“Tendemos a esconder el dolor

y eso para mí es algo muy negativo y la

música no deja de ser gimnasia para

nuestra mente, al igual que el baile es

una gimnasia para nuestro cuerpo”.

EL DEL MONTSENY me contesta vía

Skype desde su casa en pleno confinamiento.

Es una hora de conversación

en la que me explica detalles del disco,

de cómo se fraguó, de los compinches

que integran El Mariatxi Galàcti, que

no son otros que un viejo compañero

de batallas como Marià Roch (bajo), el

fogonero de la caldera rítmica, Rambo

(batería), y el estratosférico guitarrista

Madjid Fahem (Manu Chao, La Ventu-

CRITICANDO

Joan Garriga i El

Mariatxi Galàctic

El ball i el plany

Fina Estampa

MESTIZAJE 9/10

¡EY! LEVANTA LA MANO, apaga la pantallita

de los huevos y ven a bailar porque

el buen tiempo ya está aquí y hay que

ahogar las putas penas. Así de rotundo

empieza el disco de Joan Garriga. Con

toda una declaración de principios

desde el corazón del Montseny. Allí

donde la filosofía del mundo rural más

genuino, el que sabe vivir feliz con cuatro

perras, se junta con esa exaltación

diaria que nos recuerda que estamos

vivos, que la vida es un ciclo y que hay

que sacarle todo el puto juego porque

no sabemos dónde va ese alma cuando

todo se deshace. Así de simple, así de

complicado. Porque el 'padrino' del

mestizaje catalán, el único e inimitable

Joan Garriga, lo tiene claro. El baile y el

llanto van de la mano. Porque solo en la

verbena, en la exaltación del solsticio,

encuentra el ser humano esa conexión

kármica con el universo. Olvida tus clases

de yoga, meditación y terapias varias.

Una cerveza bien cariñosa, buena

compañía y a bailar. No hay más secreto.

Lo demás son paparruchas. —D.D.

“La verdad es que no

me siento padrino de

nada ni de nadie”

Joan Garriga

A las penas,

puñalás

ra). Aunque también le pregunto por

su importancia dentro del mestizaje

catalán. Movimiento del que podríamos

considerar que, al igual que James

Brown lo es del soul, Joan Garriga

es su padrino. “Pues la verdad es que

no me siento padrino de nada ni de

nadie. Y tampoco estoy seguro de que

todos esos grupos que me nombras

se parezcan demasiado a lo que hacemos

nosotros. Es posible que, por eso,

les vaya a todos tan bien (risas). Sí es

verdad que tengo un público que me

sigue desde hace muchos años y me

siento muy querido. Y también es verdad

que tengo canciones que se han

escuchado bastante, y sí que ves que

hay gente que te respeta. Pero creo

que las nuevas generaciones no saben

demasiado quién soy ni qué he hecho”.

¡Alto! Ahí tengo que discrepar. Todos

esos jóvenes que bailan y disfrutan

en verano de grupos como Txarango,

Els Catarres o Doctor Prats, deberían

saber qué ha hecho Joan Garriga y

conocer su legado. El impulso que él

le ha dado a la música de verbena es,

a todas luces, incuestionable. Sobre

todo por haberle aplicado ese sello

distintivo propio, de autor. Algo que

vuelve a demostrar con creces en este

El ball i el plany, que ahora presenta

en condiciones claramente adversas.

“El disco sale ahora porque se acaba

de fabricar. Había la opción de esperar

al otoño, cuando ya se puedan hacer

conciertos para presentarlo, pero he

decidido sacarlo ahora porque no lo

podía tener más tiempo en un cajón.

Me quería quitar un peso de encima

explicándolo, porque la verdad es

que quiero hacer ya otras canciones y

estoy metido en otras cosas”. Que no

pare la “loco-motora”. —DON DISTURBIOS

R

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junio 2020 #17


LOS

DISCOS

DE MI

VIDA

Lauren Mayberry (Chvrches)

Al supervisor musical de la popular serie de Netflix Élite

le molan Chvrches, tanto que coló su tema Forever en un

par de capítulos. En época de Coronavirus, los escoceses

han grabado una nueva versión, rebautizada Forever

(Separated But Together), para sus nuevos fans.

The Mamas & The Papas

If You Can Believe Your

Eyes And Ears (1966)

Mis padres tenían

muy buen gusto musical

y muchos de sus

discos han acabado

teniendo bastante

influencia en mí, como

éste. Esa combinación

de luminosidad y melancolía

es lo que he

intentado conseguir

desde el principio con

Chvrches.

Spice Girls

Spice

(1996)

Creo que el primer disco

que me compré fue Spice, el

debut de las Spice Girls. Y

con este alguno de Boyzone.

Eran mis dos artistas favoritos

en mis años de instituto.

Recuerdo que me pasaba

el día haciendo listas con

mis temas favoritos de las

Spice Girls. Era algo absurdo

pero que hacía constantemente.

Cada día (ríe).

The Cure

Disintegration

(1989)

Cuando hablamos

de discos que nos

parecen sublimes,

siempre acaban apareciendo

Violator

de Depeche Mode y

Disintegration. Para

mí The Cure son el

máximo ejemplo de

cómo triunfar sin

renunciar a ser tú

mismo.

Hamilton Leithauser

Vidas cruzadas

Hamilton Leithauser se dio a conocer como cantante de The

Walkmen, pero el músico afincado en Nueva York ha publicado

dos discos en solitario a tener muy en cuenta. En The Loves Of

Your Life (Glassnote/Popstock!, 20), se destapa además como

perfeccionista artesano de gemas pop con aliento soul.

THE LOVES OF YOUR LIFE explora

una polifonía de personas

reales. Un encantador disco de

pop de autor, compuesto, tocado

y grabado en su estudio, con el apoyo

de su familia. No ha le ha resultado fácil

llegar hasta aquí al vocalista de The

Walkmen. “Tenía un montón de temas

que me gustaban mucho, pero cuando

llegó el momento de ponerles voz me

di cuenta de que tenía problemas para

cantar. Probé distintas voces y letras,

pero no sabía qué cantar. Fue un momento

raro. Así que lo dejé durante un

tiempo, aunque seguí trabajando en la

música”. Dos encuentros fortuitos con

extraños y un amigo le despejarían el

camino: un tipo que parecía dedicarse a

coger el ferry cada día para pasar el día

fuera de casa; una mujer polaca con el

pelo teñido de rosa que le contó su dramática

vida en un banco junto al mar; y,

finalmente, un viejo conocido al que no

veía desde hacía una década. “Tuve esta

sensación extraña de recordar los viejos

tiempos… y se me ocurrió que sería muy

divertido –y peligroso– hacer una canción

sobre alguien a quien conocí. Luego

pensé que daría bastante grima, pero al

final decidí que podría hacerlo. Ahí es

donde todo encajó, y dije: quiero escribir

sobre personas, pero no sólo extraños”.

COMO SU DISCO PRUEBA, Leithauser

volvió a disfrutar vocalmente. “Una

vez supe lo que estaba haciendo, fui

realmente capaz de ser constructivo e

ir progresando, probar cosas distintas.

Y sí, acabó convirtiéndose en un disco

en el que las voces son fundamentales”.

Ese protagonismo vocal puede que

tenga que ver con los artistas clásicos

de soul que Hamilton escuchaba en su

momento. “No sé si llega a notarse, pero

estaba oyendo mucho a Marvin Gaye,

Otis Redding, Aretha Franklin, discos

de Stax… No sé si eso llega a salir. Quizá

sí, quizá no. Lo que me encanta de esta

gente es su personalidad”. Calidez, sí,

pero también regusto amargo. “Nadie

quiere saber de los éxitos constantes de

algún crío malcriado de no sé dónde. No

estoy muy interesado en meterme en

terrenos demasiado oscuros, quizá en el

próximo disco me apetezca, pero al final

estás hablando de gente con problemas,

penurias y dificultades en sus vidas. Eso

es lo que hace interesantes a las personas,

y de lo que quiero cantar”.

EL ARTISTA PREFIERE la flexibilidad

que le da su estudio doméstico, aunque

“a veces puedes llegar a tener demasiado

control sobre las cosas, y que todo

acabe siendo demasiado rígido. Te tienes

que controlar sin perder cierta espontaneidad.

Me llevó años llegar a ese

punto”. Leithauser también se toma con

filosofía la compleja situación sanitaria,

que probablemente le obligue a retrasar

la gira europea. “Es uno de esos discos

que tiene muchas historias a descubrir.

Espero que tenga la longevidad suficiente

para mantener el interés de la gente

hasta que volvamos al directo en un par

de meses”. —JC PEÑA

R

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PJ Harvey Stories

From The City, Stories

From The Sea (2000)

Luna

Postscripts

(2019)

Idles Brutalism (2017)

Joy As An Act Of Resistance

(2018)

Todos los discos de

PJ Harvey son imprescindibles.

He elegido

este, básicamente,

porque es mi favorito

de ella. Hubo quien lo

criticó afirmando que

es un disco demasiado

pop. A mí no me lo

parece. Y qué coño, PJ

Harvey puede hacer lo

que le dé la gana.

Hay una banda americana

que se llama Luna que... No

sé si podríamos decir que

me he obsesionado con

ellos, pero... Son ya casi

unos clásicos del indie

rock, aunque no les tenía

muy controlados. El año pasado

publicaron este disco,

que me parece sublime. Se

ha convertido en un disco

muy especial para mí.

Estoy escuchando

mucho a Idles durante

el confinamiento.

Lo suyo es bastante

diferente a lo que hacemos

nosotros, pero

me flipan sus dos discos.

Estando de gira

no puedo centrarme

a descubrir nuevos

grupos y nueva música.

Ahora sí. —MS

“ Te tienes que controlar sin

perder cierta espontaneidad”

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#18 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Hnos. Munoz

Los New Romantics

“Intentamos aportar

nuestra visión al

mainstream”

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No es sencillo encontrar

espacio en un país con

tendencia a la polarización.

También en la música, envuelta

en una absurda guerra civil

entre defensores y detractores

de la etiqueta urban, poco

menos que un “conmigo o

contra mí”. En ese contexto el

debut largo de Hnos Munoz,

Nuevo romance (Club Ruido,

20), tiende puentes, no cava

trincheras.

FUE UN FLECHAZO. Desde

el día en que trasteando por

Bandcamp me crucé con su

primera colección de canciones

allá por abril de 2017, he seguido

con fervor cada nuevo paso de Hnos

Munoz: sus sucesivos singles y EP's,

la inicialmente tímida y cada vez más

consolidada propuesta en directo,

sus coqueteos con sellos, managers

y festivales... No en vano dos de esos

lanzamientos fueron señalados por

la Edición Madrid de esta publicación

como el primer y segundo mejor lanzamiento

autoeditado del año en 2017

y 2018. A partir del reconocimiento

de mi pasión por el proyecto de estos

dos malagueños asentados en Madrid

que ni son hermanos ni se apellidan

Munoz, me resulta sorprendente que,

aún practicando una exquisita combinación

de ambient pop, ritmos latinos

y dejes sureños que nada a favor de

corriente, su prestigio y también su

número de seguidores no sea mucho

mayor. Supongo que ese detalle puede

interpretarse como la demostración de

su singularidad... “La estrategia está en

decidir cuánto apuestas por lo seguro

y cuánto a arriesgar con algo nuevo.

Nosotros intentamos aportar nuestra

visión al mainstream (entre otras cosas)

y creemos que se percibe de manera

evidente en nuestras producciones.

Por supuesto, la personalidad de una

banda no determina automáticamente

su éxito. Tenemos la suerte de tener

apoyo de un grupo de gente bastante

heterogéneo, pero esa misma tierra de

nadie en la que nos movemos puede

causar recelo. Los prejuicios y las etiquetas

cierran muchas oportunidades

tanto a artistas como a oyentes”. O tal

vez todo tiene sentido y el proyecto de

Álex y Nacho estaba predestinado a no

terminar de despegar del todo hasta

la publicación de este primer largo,

Nuevo romance, que es, tal y como

ellos mismos sentencian, puro Hnos

Munoz... pero mejor. “Algo que superas

con el tiempo es la impaciencia

por sacar a la luz tus trabajos. Al final

la diferencia entre un single, un EP o

un álbum es el énfasis que dedicas a

la idea que quieres mostrar. Nosotros

teníamos ganas de hacer algo de forma

pausada poniendo en práctica lo que

habíamos aprendido con estos primeros

proyectos. Es una forma bastante

robusta de conocernos. Los diez temas

de Nuevo romance son nuestros mejores

diez temas y tiene la extensión que

nos permite desarrollar de la manera

más profunda, cómoda y accesible la

idea que queremos mostrar”.

ES LLAMATIVA TAMBIÉN la evolución

que ha tenido la imagen de Hnos

Munoz a lo largo de estos tres años:

desde el anonimato inicial y una fuerte

identidad gráfica en portadas y clips,

hasta esta “nueva normalidad” en la

que la pareja abandona la penumbra

para ponerse frente al objetivo. “Desde

el principio pusimos en común nuestra

EL APUNTE

Nuevo régimen

UN REPASO A LA RELACIÓN de Hnos Munoz

con las discográficas y su apuesta (o la

falta de ella) por los formatos físicos, habla

tanto del proyecto como de la manera

en que una nueva generación de músicos

se relaciona con la industria musical.

Arrancaron poniendo sus canciones en

Bandcamp y autoeditándose en un formato

tan singular como la cassette. Aún

hoy, y a falta de lo que ocurra con Nuevo

romance, esa es la única grabación en

formato físico del dúo. En vez de apostar

por ese formato, el vinilo o el CD para

celebrar su primer álbum, Hnos Munoz

han fabricado y distribuido un número

limitado de colgantes con el título del

mismo en un ejemplo palpable de cómo

el merchandising ha venido a ocupar

el espacio antes destinado al disco

material. Igualmente su vinculación

con discográficas consolidadas ha sido

fugaz: tras un corto periodo de tiempo de

la mano Altafonte, han terminado bajo el

ala de Club Ruido, un management más

que un sello al uso que comparten con

artistas también noveles como Laskaar,

PBSR o Fru Katinka. —L.J.M.

fascinación por proyectos que funcionaban

con un pie en la sombra. De

Dean Blunt a MF Doom, Burial, Captain

Murphy... Toda esa gente que nos flipaba,

pero cuyas caras no veías en los

videoclips. Siempre nos ha gustado la

idea de transmitir con la música por

sí sola, pero una vez armas las piezas

puede parecer una locura dar la espalda

a lo estético, más aún hoy día. En nuestro

caso se ha convertido en un complemento”.

Las circunstancias actuales

impiden concretar fechas de presentación,

pero el contexto lejos de frenarles

les invita a pensar en otras vías de consolidar

su relación con el público que

les va a conocer con Nuevo romance.

“Habrá que plantearse nuevas formas

que no estén necesariamente ligadas a

la interacción con una pantalla. Resulta

interesante imaginar encuentros entre

artista y público en espacios no convencionales”.

—LUIS J. MENÉNDEZ

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junio 2020 #19


m

“Hemos

tratado

de volver

a nuestro

ADN, a los

sonidos que

hicieron que

quisiéramos

montar una

banda”

MATT HEALY PODRÍA ACABAR siendo

el Bono de la generación millennial,

pero de momento es lo suficientemente

inteligente como para esquivar esa

tentación. Es un firme defensor del feminismo,

de los derechos de la comunidad

LGTBI y de la defensa del medio

ambiente (de hecho, el primer corte de

su nuevo álbum, otra vez homónimo, ahorma un monólogo de Greta

Thunberg), pero también lo es de una visión del pop que no entiende

de celdillas genéricas ni puede debe ser sometida aquellos viejos

paradigmas que hacían de un álbum una obra conceptual perfectamente

secuenciada. De hecho, puede que no haya otra banda de su

hornada capaz de tender tantos puentes entre públicos de distintas

generaciones. No al menos a su nivel de popularidad. Healy es consciente

de que Internet y las redes sociales rompieron las reglas del

juego en el que todos nos movemos desde hace más de una década.

Y aunque en Notes On A Conditional Form, su cuarto álbum, amplíe

aún más el foco y se valga de la influencia de la tradición de la música

urbana de baile del Reino Unido (la sombra de The Streets o Burial) o

incluso del hardcore norteamericano, quiere dejar muy claro –y hace

muy bien– que él no es un portavoz generacional. Tan solo un músico

que se plantea preguntas muy necesarias, muchas de ellas sin respuesta.

El de Manchester, líder del cuarteto que completan el batería

George Daniel, el guitarrista Adam Hann y el bajista Ross McDonald,

nos lo cuenta desde su retiro a las afueras de Oxford, muy cerca del

estudio en el que han registrado sus dos últimos elepés.

ESTE ÁLBUM TIENE VEINTIDÓS CANCIONES. Junto con las quince

del anterior, A Brief Inquiry Into Online Relationships (Dirty Hit/

Universal, 18), suman treinta y siete canciones en menos de dos

años. “La forma de concebirlas es muy fluida, puede llegar de algo

que escuchas decir a alguien, de la música que escucha otra gente

o de una conversación, y una vez empiezas a trabajar en la canción,

no es que trabajemos sobre ella desde las nueve hasta las cinco,

pero sí de las doce a las doce”, afirma sobre un periodo especialmente

fértil, con canciones compuestas en varias tacadas a lo largo

de un año entero de gira, el 2019. Varias de ellas fueron avanzadas

unas semanas antes. Entre ellas, esa People que es lo más hardcore

que han hecho nunca. “Crecí escuchando hardcore, punk y emo,

eso está en nuestro ADN y es el tipo de música que solíamos hacer

antes de ser The 1975, cuando éramos una banda mucho más dura”,

confiesa acerca de una canción compuesta “en el bus, de gira por

Alabama, cuando se había aprobado allí una ley que penalizaba el

aborto, algo que nos cabreó bastante, y nos pilló en un momento en

el que estábamos un poco bebidos, así que nos salió algo bastante

agresivo”, concluye.

ESTE DISCO EXHIBE UN CONTRASTE más acentuado entre las

canciones más agresivas y las más calmadas, aunque el británico no

piensa que sea algo intencionado, si acaso algo más enfocado. “Creo

que transmite emociones muy concisas, pero no por el hecho de

intentar sonar más íntimo o más explosivo, sino porque más conciso

emocionalmente, en cada una de las canciones”, explica. Y en esa

concisión puede haber jugado un papel determinante la vuelta a esas

músicas que a todos nos marcaron cuando éramos adolescentes,

cuando las letras se nos grababan a fuego para siempre en la sesera,

y que The 1975 reconocen que son lo que más les ha influido. “Hemos

tratado de volver a nuestro ADN, a los sonidos que hicieron que

quisiéramos montar una banda, por eso el cincuenta por ciento está

#20 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


EN PORTADA

Utopía

illennial

The 1975

The 1975 es uno de esos grupos que ha ido subiendo paso a paso

internacionalmente. Ahora, tras varios retrasos, publican el

que seguramente sea su mejor disco hasta la fecha, Notes On A

Conditional Form (Dirty Heat/Universal, 20), cuarta obra que amplía

su abanico musical a través de nada menos que veintidós canciones.

— TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

concebido en torno a la música de baile y a la cultura

nocturna del Reino Unido, y el otro cincuenta

estaría dedicado a evocar la música del medio oeste

norteamericano con la que también crecimos,

sobre todo el emocore”, dice. Es el primer manojo

de influjos el que más ha pesado, desde luego,

porque “cosas como el primer disco de Burial o el

Original Pirate Material (02) de The Streets, que

escuchábamos en emisoras de madrugada cuando

éramos adolescentes”, les han marcado hasta el

punto de “querer cerrar ese círculo”.

NOTES ON A CONDITIONAL FORM se presenta,

así, como un álbum sobre crecer en el Reino

Unido de los últimos tiempos, pero (dado que

fue compuesto, en gran medida, de gira por todo

el mundo) también se empapa de una vocación

global. “Para mí sí que suena al Reino Unido, pero

también va sobre el mundo, porque las letras son

muy específicas, pero en un sentido que puede

ser universal”, esgrime, afinando su argumento

con la idea de que “es como un álbum hecho en

Heathrow, o en algún lugar entre el aeropuerto de

Heathrow y el JFK de Nueva York”.

HAY QUIEN DICE QUE LOS DISCOS de The 1975

funcionan como las playlists modernas, y esa es la

razón de que, a su vez, suenen contemporáneos,

algo en lo que Healy coincide, aunque no crea sea

“un proceso consciente”, según el cual traten de

EL APUNTE

Motivos para un álbum

largamente diferido

NOTES ON A CONDITIONAL FORM llega tras acumular dos

retrasos: iba a publicarse en mayo de 2019, luego se anunció

para el verano, más tarde quedó postergado a enero

de 2020, y finalmente apareció (y demos gracias a que el

Coronavirus no lo retrasó por cuarta vez) en mayo de este

año. ¿Por qué? “Básicamente, yo nunca dije que fuera a

salir en una fecha concreta”, argumenta un Matt Healy que

nos explica que “lo que ocurrió es que, en el momento de

dar entrevistas, comencé a hablar de que podría salir en

seis meses, luego en un año, y después de cuatro o cinco

entrevistas la gente empezó a sacar sus conclusiones”. Lo

hicieron estando de gira, una justificación más. “Lo último

que haría es precipitarme, porque eso podría dar lugar a

un disco de mierda”. —C.P.Z.

“funcionar estilísticamente como un servicio de

streaming”. Digamos que tiene mucho que ver con

un sesgo generacional más que otra cosa. “Crecí

en un mundo en el que Internet ya había empezado

a romper todas las reglas, y honestamente,

tengo un problema con la idea de autenticidad.

Ahora mismo si estás en una banda, y te preocupa

ceñirte a la idea de ser una banda de rock, de

punk o de lo que sea, y quieres vestir y sonar como

una banda punk, y hacer este tipo de música que

ya existía hace muchos años, creo que es directamente

postureo. Es como si hicieses cosplay.

Es como querer vestir como un personaje de videojuego.

No es real”, asevera.

EL CUARTETO DE MANCHESTER ni intenta

sonar aventurado o ecléctico por capricho (“solo

queremos no aburrirnos”), ni trata de dar lecciones

a nadie con los posicionamientos vertidos en

sus canciones. “La forma en la que nos comunicamos

a través de las redes sociales y por Internet

también ha cambiado la forma en la que nos

comunicamos con los demás, y eso se presta a que

nos hagamos muchas preguntas, pero yo no soy

un político. Mi trabajo no es construir una utopía,

en todo caso señalizar su camino, pero no construirla”,

concluye. —C.P.Z.

R

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junio 2020 #21


MONDO

FREAKO

Melenas

Afianzando

raíces

Cuando se le pregunta a este

cuarteto de Pamplona sobre sus

orígenes siempre encontramos

una referencia a la Calle San

Francisco, donde el Bar Nébula se

ha convertido en centro neurálgico

de tantas bandas que hoy pueblan

el panorama nacional. Días raros

(Snap! Clap! Club, 20), su segundo

álbum, no solo puede ahondar en

esos orígenes sino que puede situar

al aprendiz a la altura del maestro.

“Solo buscábamos ponerle

palabras a las cosas que

queríamos hacer”

FOTO: DANI CANTÓ

RRY ya que estamos con los británicos

IDLES, este pasado mes estrenaron Mr.

Motivator, primer single de adelanto del

que será su tercer larga duración, que

verá la luz en algún momento por determinar

de este año. El grupo montó una

falsa sesión de aerobic a cargo de Dev,

su bajista, para trolear a sus fans con el

estreno de la canción.

batería Steve “Thee Slayer Hippy” Handford,

quien formó parte de la banda de

hardcore punk Poison Idea; del bluesman

Lucky Peterson y sobre todo de Ernesto

González, elemento imprescindible de la

escena independiente española al haber

formado parte del FIB, de Intromúsica y

de bandas como The Pribata Idaho y Grupo

Salvaje.

TAN.LEJOS

RRDesgraciadamente, han sido muchos

los artistas que nos han abandonado

durante las últimas semanas. Entre ellos

lamentamos la muerte de Jimmy Cobb,

batería que participó en el histórico

Kind Of Blue de Miles Davis; del también

RRBjörk es una de las apariciones estelares

de Kick i, el nuevo trabajo de la

venezolana Arca, junto a Rosalía, Shygirl

y Sophie. Pero lo que no sabíamos es que

su aportación será cantando un poema de

Antonio Machado, Anoche cuando dormía.

Thundercat

Magia negra

Stephen Bruner, Thundercat, ha

mamado la música desde que era un

crío. Hijo de músicos (su padre tocó

con Diana Ross o Gladys Kinght, su

hermano lo hizo para Kenny Garrett

o Stanley Clarke), fue bajista de

Suicidal Tendencies, ha colaborado

en discos totémicos de Erykah Badu,

Snoop Dogg, Pharrell Williams o

Kendrick Lamar, y ha tenido tiempo

de edificar una pujante carrera en

solitario que alcanza ahora su cuarto

capítulo largo con It Is What It Is

(Brainfeeder/[PIAS], 20).

IT IS WHAT IT IS es una nueva

ambrosía de sonoridades que se

mueven entre el soul cósmico,

el soft rock, el r’n’b o el jazz de

fusión, con colaboraciones de Steve

Arrington (The Internet), Childish

Gambino, Steve Lacy, Lil B o Ty Dolla.

Quizá por eso, porque vive y respira

música por los cuatro costados, Bruner

no siente necesidad alguna de

explayarse más de lo estrictamente

necesario en las entrevistas. Es un tipo

afable, pero más bien parco en palabras.

Nos atiende al teléfono desde su

casa en California, recién estrenado el

confinamiento domiciliario en todo el

estado, unas horas después extendido

al resto de los Estados Unidos.

ES EL SUYO UN ÁLBUM brillante,

que vuelve a contar con la esencial

aportación de Steven Ellison, o sea

Flying Lotus, como coproductor. Una

especie de alma gemela en lo musical.

"Kendrick Lamar moldeó

mi forma de ver las cosas"

#22 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


RRSecretly Canadian ha anunciado

que publicará Eight Gates,

disco inédito firmado por

el desaparecido Jason Molina

(Songs:Ohia, Magnolia Electric

Co.). Molina murió en 2013 a causa

de un fallo multiorgánico fruto

de sus años de alcoholismo.

“Llevamos muchos años trabajando

juntos, pensando siempre creativamente,

elucubrando con ideas acerca

de cuál va a ser nuestro siguiente

paso. Y además es una de mis personas

favoritas en este planeta”, recalca

sobre su papel. Si ya su anterior álbum,

Drunk (17), vino marcado por

la muerte de su amigo Austin Peralta,

músico de jazz, este también nace a

consecuencia del impacto que tuvo en

Thundercat la muerte del rapero Mac

Miller, también buen amigo suyo, a

finales de 2018. “Su muerte jugó un rol

fundamental en el desarrollo de este

álbum, desgraciadamente”, explica,

pero es algo que asume con naturalidad

y sin demasiado dramatismo,

porque “es la forma en la que la vida

se mueve, no podemos disociarla de la

muerte”, añade.

ESA MISMA NATURALIDAD es la

que aplica a una forma de integrar

SI UNO SE ACERCA a No puedo

pensar, el segundo adelanto

conocido de Días raros, puede

creer que anda escuchando

el single de una banda con una larga

trayectoria. Esa habilidad de Melenas

para facturar canciones repletas de

melancolía con espíritu liberador es

difícil de asimilar en una formación

que, prácticamente, está dando sus

primeros pasos en esto de la música.

Un futuro prometedor del que ellas

todavía no quieren escuchar hablar.

“Vivimos esto con sorpresa. No creemos

que hayamos llegado más lejos

que bandas como Exnovios, Kokoshca…

Quizás nosotras hemos tenido la

posibilidad de tocar más fuera, pero

no tenemos el público de estas bandas

que son una referencia para nosotras.

Solo es que todo ha sido más exprés

en nuestro caso”. Un viaje a toda velocidad

que les ha servido para seguir

creciendo profesionalmente y que, en

este segundo trabajo, ha contado con

la participación activa de las cuatro integrantes.

“Oihana (voz) siempre trae

la idea principal, pero en este disco

hemos participado todas en las letras.

Puede que no lo parezca, pero somos

bastante mayores e intensas, aunque

siempre intentamos que las canciones

sirvan para darle la vuelta a la bajona.

En el primer disco fuimos improvisando

un poco, pero con este álbum

sabíamos cómo queríamos sonar. Solo

buscábamos ponerle palabras a las

cosas que queríamos hacer”.

PARA DARLE FORMA a Días raros

el grupo ha contado con la dirección

de Karlos Osinaga, pero en él ha colaborado

también amigos como Guillermo

F. Mutiloa (Wilhelm) en los teclados,

Tamu (Exnovios) o Jaime Cristóbal

(Souvenir). “Nos hemos dado un

espacio para que en el estudio pasasen

cosas. Nos importa mucho la visión

de quienes han colaborado, además

de que coincidimos en muchas ideas

y entienden nuestros planteamientos.

Con este trabajo creemos haber logrado

una mayor amplitud estilística y

sonidos, todos ellos procedentes del

gran árbol genealógico de la música

negra –soul, funk, jazz o r’n’b–, sin que

se pueda decir que ninguno de ellos

prevalezca por encima de los demás,

algo aplicable a Chance The Rapper,

Kamashi Washington y otros artistas

negros de su generación. “El entorno

que nos rodea a todos es muy abierto,

y al mismo tiempo intentamos nutrir

nuestra música de muchas cosas diferentes,

porque la música de la que nos

rodeamos siempre está cambiando,

siempre hay cosas nuevas, y por eso

nos movemos en múltiples direcciones

y resulta tan difícil encasillarnos”,

esgrime. En ese crecimiento artístico

tan integrador jugaron un papel esencial

sus múltiples trabajos para otros

músicos, en los que si alguno se lleva

la palma fue Kendrick Lamar, para

quien trabajó en To Pimp A Butterfly

(15). “Kendrick moldeó mi forma de

nos hemos salido un poco de nuestro

esquema”. Sobre este futuro incierto

de la cultura en vivo, un único miedo.

“Melenas se mueve por la ilusión. La

mejor recompensa al esfuerzo son los

directos y esperamos que vuelvan lo

antes posible”. —ALBERTO BONILLA

R

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RRAl margen de la polémica que se

extendió durante varios días en redes

sociales sobre el tipo de mujer que

refleja en sus letras, Lana Del Rey ha

anunciado dos discos para los próximos

meses. Behind The Iron Gates.

Insights From An Institution y Violet

Bent Backwards Over The Grass

On The Way serán discos en los que

recitará poesías con base musical de

Jack Antonoff. El primero verá la luz

el 5 de septiembre.

RRLol Tolhurst (ex batería de

The Cure) y Budgie (ex Siouxsie

And The Banshees y The

Creatures) unen fuerzas en una nueva

banda que responde al nombre de

LXB. Contarán con invitados como

Kim Gordon, Bobby Gillespie

(Primal Scream) o Mark Bowen

(IDLES). —MS

ver las cosas, entre la experiencia de

aprendizaje y la inspiración, y como

artista me animó a querer hacer más

cosas y a hacerlas mejor”.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R

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Días raros

Snap! Clap! Club,

It Is What It Is

Brainfeeder/[PIAS]

Chico Blanco

El amor es una droga

Pablo Cobo, es decir Chico

Blanco, tiene mucho que

contar tanto musical como

personalmente. Tras Life After

House (19), publica Gominola

(Autoeditado/Altafonte, 20), un

paso adelante en una carrera a

tener muy presente.

EL CAMINO MUSICAL de

Pablo Cobo comienza con

doce años, cuando empezó

a buscar en Google cómo

hacer bases, y, aunque en el instituto

pensase en hacer Física, las artes seguían

tirando (“recuerdo que de muy

chico quería ser director de cine”).

Finalmente decidió meterse a Técnico

de Sonido y, mientras, se fue haciendo

hueco en la escena urbana de Granada,

para centrarse luego en lo que

más le flipaba: la electrónica. Tras

Life After House, contacta con él Kigo

–manager también de C. Tangana–, y

su crecimiento se hace cada vez más

bestia: un año después tenemos la

continuación de ese EP, Gominola. La

producción –cita como influencias a

Kanye, Yung Lean o el rollo high energy

de los ochenta– es uno de los aspectos

que más llama la atención del EP, y

el mérito es todo suyo: salvo una colaboración

con AN17INO6, el resto es

todo él, con la mezcla de Antonio Narváez

y, eso sí, el apoyo incondicional

de 8kitoo. “De manera formal podría

decirte que es mi DJ, pero es básicamente

mi hermano. Es la persona a la

que le enseño primero las canciones,

me enseña un montón de música... Le

pido su opinión para todo”. Esa transparencia

también está cuando tratamos

El cole no es para siempre, una de

sus canciones que más ha dado que

hablar. “Cuando algo es real, te llega.

Yo quería expresar lo que le diría a

mi yo de ese momento”. Debatimos

entonces sobre la visibilidad de los

artistas LGBT. “Me toca la polla que se

juegue con esas cosas para vender en

los medios. Titulares como ‘el nuevo

artista LGBT’, que parece que reduces

el arte a si esa persona lo es, o coger a

tíos que ni siquiera lo son y poner ‘las

nuevas masculinidades’ como si estuviese

de moda serlo-pero-no-serlo”.

—PABLO TOCINO

R

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FOTO: ARCHIVO

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junio 2020 #23


iLe

Aquelarre

Desde que inició su carrera en

solitario tras su tiempo con

Calle 13, la puertorriqueña iLe

se ha convertido en una de las

artistas imprescindibles de la

escena latinoamericana gracias

a dos discos tan exitosos como

iLevitable y Almadura, pero no

tiene pensado bajar el ritmo.

ME HA ENCANTADO el ambiente

de brujería que se desarrolla

en el videoclip. Y está claro

que las brujas siempre han

representado el concepto de la mujer empoderada.

¿Qué crees que la humanidad

debería haber aprendido de las brujas?

Quizá a prestarle atención a ciertas cosas

que a veces damos por sentado, como la

intuición y como darle una mirada a otras

cosas que son importantes también sobre

nosotros mismos. Nos hemos dado cuenta

de eso con el tiempo, por lo menos eso quiero

pensar, así que debemos confiar más en

nuestro instinto femenino, pero también

humano, diría yo. Es cuestión de atenderlo

un poquito mejor.

—¿La historia que se cuenta en el clip ha

sido idea tuya o dejaste las cosas en manos

del equipo?

La idea del video ha surgido como todas las

ideas que hago junto al equipo creativo, que

es mi hermana Milena, mi hermano Gabriel,

Ismael Cancel (el productor del tema) y yo.

Como hay mucha confianza entre nosotros,

nos decimos lo que pensamos y ese debate

nos lleva siempre hacia algún lugar.

—¿Qué te ha gustado especialmente de

trabajar con Natalia Lafourcade?

Trabajar este tema con Natalia fue, de verdad,

una experiencia muy bonita. Logramos

conocernos un poquito mejor y creo que

conseguimos sentirnos muy cómodas en el

proceso, muy tranquilas. Se logró porque

siempre hubo muy buena comunicación

entre las dos con respecto a la canción y al

proceso de grabación también. Siempre

estuvo todo bastante claro y creo que eso

ayudó a que todo fluyera mucho mejor.

Eso ocurrió tanto en la grabación del tema

como en la filmación del video. Nos sentimos

bien y cómodas dentro de espacios

que, a veces, pueden ser extraños o rígidos.

—MARCOS ARENAS

R

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FOTO: ARCHIVO


RomeroMartín son Álvaro Romero en la

voz y Toni Martín en la producción, y

hemos querido hablar con el primero por

teléfono sobre el lanzamiento de su debut,

Manifiesto (Ground Control/The Orchard,

20), en plena crisis del coronavirus.

NO ME HA AFECTADO DEMASIADO a nivel

de curro porque trabajo mucho online

con Toni, pero sí es una putada el tema

conciertos. Y nos ha pillado en medio de la

presentación del disco, toda la promo, pues imagínate...

Ha pasado todo desapercibido”. Han surgido

estos días iniciativas de conciertos online, pero Álvaro

no es muy fan de ese concepto. “Es como muy

frío, y yo estoy acostumbrado al flamenco, a sentir el

calor del público”.

Y ES QUE ÁLVARO ROMERO lleva en el flamenco

desde hace quince años, cuando se apuntó a una

escuela de cante con Esperanza Fernández. Durante

ese tiempo se planteó sacar temas como solista,

pero: “no lo hice porque sacar un disco de flamenco

tradicional es súper difícil, tienes que estar muy

concentrado... Y a mí estar en los tablaos me cansaba

mucho como para luego llegar a casa y ponerme

a trabajar en un disco así”. En cambio, cuando empezó

a trabajar con Toni Martín, poco a poco se fueron

decidiendo a grabar un disco, animados por la

aceptación que tenía lo que iban haciendo. Aunque

la producción la lleva más Martín, ambos se aportan

ideas. “Yo tengo en la cabeza cantes tradicionales

que dibujo y los veo claros. Le hago un pequeño

RomeroMartín

Hijos de un

dios distinto

boceto con una caja de ritmos y filtros a Toni, luego él

me va mandando cosas y vamos probando”.

MANIFIESTO SE CENTRA en la diversidad sexual,

compuesto en su mayoría por extractos de poetas homosexuales.

A excepción de Zambra, que es del propio

Álvaro, las demás canciones son de distintos autores,

destacando el histórico Pedro Lemebel. “De él he aprendido

que, a nivel político, la homosexualidad no va ni

con derechas ni con izquierdas”. Para Romero, tampoco

el flamenco. “Entiendo que la gente lo ligue al franquismo,

porque se apoderó de él y de otros símbolos españoles,

pero es un arte que no va con ninguna ideología”,

me explica. “No estoy a favor de los toros, pero lo que

hizo Estrella Morente en Operación Triunfo, usar el flamenco

para algo reivindicativo, a mí eso me pone. Cada

uno que lo haga para algo de derechas, de izquierdas, es

respetable. A mí me interesa más el arte para preguntarte

cosas, usarlo para cuestionarte cosas”.

¿Y QUÉ OCURRIRÁ tras Manifiesto? Romero nos

cuenta que ahora le pillamos trabajando en poemas de

Ioshua. “Era un poeta argentino que murió de VIH y del

que me consiguieron las obras completas”. Pero también

con letras tradicionales de flamenco que le encajan

para su proyecto. “Me molaría seguir con Toni, pero

también meter algún instrumento, y llevar un directo

más completo a nivel musical, armónico. Y aparte estoy

trabajando mucho con Cristina Hall, más de performances”.

—PABLO TOCINO

R

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“La homosexualidad no

va ni con derechas ni

con izquierdas”

FOTO: ARCHIVO

#24 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


MONDO

FREAKO

No Shape (Matador Records,

17) consolidó a Perfume Genius

como uno de los artistas de

referencia de la actualidad.

Su continuación nos llega

en pleno confinamiento bajo

el título de Set My Heart On

Fire (Matador/Popstock!, 20),

un cuarto disco que vuelve a

destacar por su honestidad

emocional y la tendencia

del artista americano a

evolucionar y buscar nuevos

caminos.

MIKE HADREAS, el hombre

tras el alias de Perfume

Genius, jamás imaginó

que su nuevo disco saldría

en plena pandemia. No obstante, el artista

americano nunca tuvo intención

de cambiar de planes. “Ninguno de

nosotros hemos tenido que lidiar con

algo así, pero la situación es tan incontrolable

que tampoco podemos saber

cuándo va a mejorar y cuándo va a

ser un mejor momento para lanzar

el disco”, comenta. Tal y como estaba

planeado, el 15 de mayo vio la luz Set

My Heart On Fire, un disco en el que

vuelve a abrirse emocionalmente,

pero, a diferencia de sus discos previos,

desde un punto de partida distinto.

“En esta ocasión no comencé con el

disco a raíz de una preocupación. Más

bien, fue que, por primera vez, empecé

a sentirme más liberado, y esto era

una sensación nueva para mí. Gran

parte del álbum trata sobre sentirme

más conectado con el mundo que me

rodea y conmigo mismo”. Después de

cinco discos caracterizados por una

fuerte carga sentimental autobiográfica,

uno puede pensar que vomitar

emociones sobre el papel puede resultar

fácil, pero Hadreas no lo ve así.

“La verdad es que pienso mucho en

ello. Para mí es difícil abrirse emocionalmente.

Pero creo que depende de

la historia de cada persona”, apunta

el músico americano. Lo que parece

que no le cuesta es abandonar la zona

de confort cada vez que se mete en

el estudio. A través de las diferentes

canciones que conforman Set My

Heart On Fire nos topamos con diferentes

géneros. “No me siento cómodo

haciendo siempre lo mismo. Cada día,

de un minuto a otro, me siento diferente.

También siento que la música

que escucho cambia, lo que me motiva

a hacer cosas diferentes”, explica. No

obstante, el disco en su conjunto está

CRITICANDO

DESDE SU DEBUT CON Learning (Matador,

10) y pasando por Put Your Back N 2 It

(Matador, 12), Too Bright (Matador, 14) y

No Shape (Matador, 17), Mike Hadreas ha

mantenido siempre intacta la base de su

identidad, pero aprovechando cada entrega

para asumir retos inéditos y sumar

tonalidades a la paleta. Un proceso que

continúa en el quinto álbum de Perfume

Genius, con el autor mostrándose más

arriesgado y sofisticado que nunca. El

de Iowa parece retroalimentarse a sí

mismo, aprendiendo de trabajos previos

y afrontando una vuelta de tuerca adicional

con la que conformar el presente

lanzamiento. Un disco imponente en

cuanto a sensaciones se refiere, pero

también logrando la exquisitez de todos

y cada uno de aquellos sonidos dispuestos

en la entrega. El músico templa

y somete a puro antojo esa teatralidad

implícita a su obra, propiciando así una

ligado bajo un mismo espíritu y es que

“al tocar todos juntos en la misma habitación,

creamos una atmósfera que

unifica a las canciones e incluso a los

músicos, aunque vayan en direcciones

diferentes”.

UNA VEZ MÁS, Blake Mills se puso a

los mandos de la producción, decisión

que Hadreas tuvo clara desde el principio.

“Volví a contar con Blake simplemente

porque me encanta como

persona y me encanta su forma de

entender la música”. Pero Mills no ha

sido la única colaboración de altura

durante el desarrollo del disco. Leyendas

como Jim Keltner, Pino Palladino

y Matt Chamberlin han formado parte

de la grabación. “Para que te hagas

una idea, mi primer disco lo grabé yo

mismo en una habitación, y en ningún

momento podía haber imaginado

que acabaría grabando un álbum con

artistas tan maravillosos como ellos”,

confiesa. Una evolución que también

se ha visto reflejada en sus directos.

“Quiero hacer una gira con una

producción con la que sea capaz de

transmitir el mundo que tengo en mi

cabeza”, cuenta aun sabiendo que, por

el momento, toca “esperar hasta que

finalmente pueda presentarlo”.

—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

R

Set My

Heart

On Fire

Matador/

Popstock!

POP 9/10

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serie de escenas coherentes pero bien

diferenciadas entre sí, en lo que resulta

ser un amplio abanico de recursos.

Mike Hadreas vuelve a abrirse en canal

para exteriorizar sentimientos y presentarlos

en forma de canciones bellas

y en ocasiones tensas, pero siempre

elegantes y elaboradas, que terminan

por descansar en el propio sentir del

oyente. La profundidad poética de su

lírica se mantiene constante, en unas

coordenadas donde nostalgia, belleza,

tristeza y un halo de esperanza se entremezclan

repetida e irremediablemente.

Ya sea a través de arreglos orquestales o

tradicionales, pedales o sintetizadores,

el vocalista materializa su objetivo

principal, que no es otro que el de empacar

emociones en espacios concretos de

cinco minutos. El barroquismo compositivo

de Handreas empieza a alcanzar

cotas extraordinarias de desborde imaginativo

y ejecutivo. Y aunque juegue en

la misma liga que Anohni, Rufus Wainwright,

Peter Broderick, Owen Pallett o

John Grant, la forma en la que canaliza

su dramatismo comienza a consolidarse

como algo único y excepcionalmente

valioso. —RAÚL JULIÁN

"No me siento cómodo

haciendo siempre

lo mismo"

Perfume

Genius

Todo

fuego

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junio 2020 #25


Vetusta

Morla

Vetusta

dentro de

Vetusta

Después de convertirse en

la banda más importante del

país en base a una actividad

creativa prácticamente

ininterrumpida entre

conciertos y diferentes

proyectos, Vetusta Morla

afrontan en su nuevo disco

una maniobra hasta hora

inédita dentro de su catálogo.

Los madrileños publican MSDL.

Canciones dentro de canciones

(Pequeño Salto Mortal, 20),

una relectura completa de su

anterior disco Mismo sitio,

distinto lugar (Pequeño Salto

Mortal, 17).

— TEXTO Raúl Julián

SI DE ALGO NO PUEDE ACUSARSE a Vetusta Morla es de conformistas. El

grupo de Tres Cantos ha evitado siempre cualquier tipo de estancamiento y,

precisamente esa hiperactividad artística, deriva ahora en MSDL. Canciones

dentro de canciones. Un disco en el que reinterpretan las diez canciones

incluidas en su anterior entrega, decisión que el vocalista de la formación,

Juan Pedro Martí “Pucho”, explica al otro lado del teléfono. “Siempre habíamos

jugado con las canciones, pero nunca habíamos grabado un disco

reinterpretándolas, sacándoles una nueva vida. La idea viene de 2018, cuando

tocamos para doscientas personas en Los Veranos de la Villa. Entonces decidimos hacer una

revisitación del disco, salió de puta madre y pensamos que todo ese trabajo no podía quedarse

en un único día”. El resultado es un disco más melódico, con menos instrumentación, menos

electricidad y menos adornos en comparación con su predecesor. En definitiva, un trabajo más

orgánico y quizás también más real. “En el disco matriz había muchas capas, se había jugado

con las estructuras, etcétera. Y queríamos volver a nuestro origen. La idea era hacerlo en una

sola toma los seis a la vez, algo que no tuviésemos que regrabar luego. También había intención

de llevar algunas canciones a lugares que de primeras no te esperas”. Aunque sea una

relectura del anterior trabajo del sexteto, MSDL. Canciones dentro de canciones se anuncia

como el quinto álbum de estudio de Vetusta Morla, y es el propio entrevistado quien defiende

la identidad de la criatura y su peso específico. “Si atendemos al concepto de ‘disco-de-estudio’

lo es, porque se han grabado en estudio las diez canciones de arriba a abajo y de manera completamente

distinta. No es cuestión de hacer comparativas. Hay versiones en las que me gusta

mucho cómo quedan los arreglos nuevos y otras canciones que tenían mucha fuerza en el original

y me lo sigue pareciendo”.

#26 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


““En España

los cambios

cuestan

mucho y

toda esa

independencia

surgida en los

noventa tardó

en arraigar

aquí”

EL APUNTE

Mismo sitio, distinto

lugar, el origen

AUNQUE AHORA SE ASUMA como un éxito incontestable,

lo cierto es que el cuarto álbum de

Vetusta Morla fue un paso arriesgado y valiente

por parte del grupo. “Íbamos un poco a eso. Llevábamos

tres discos con el mismo productor y

éramos conscientes de que, aunque a nivel compositivo

se había evolucionado, a nivel sonoro

nos faltaba dar ese paso”. El disco presentaba

un cambio de sonido con respecto a entregas

previas, y se sostenía sobre letras más ásperas

y críticas con el entorno sociopolítico. “Teníamos

un poco ese come-come de si nos habríamos

pasado o nos habríamos quedado cortos, porque

eso nunca se sabe hasta que lo lanzas. Y luego

el público y el tiempo dirán”. La jugada salió

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francamente bien, con una gran acogida tanto

de público como de crítica y, a día de hoy, Mismo

sitio, distinto lugar se impone como la entrega

más ambiciosa y seguramente inspirada del

combo. “Creo que es el que más me gusta. No porque

sea el último ¿eh?, porque ya hay otro nuevo

de estudio (risas), pero creo que a mí también es

el que más me gusta”. —R.J.

LA HISTORIA DE VETUSTA MORLA es bien conocida: alcanzaron

el éxito después de diez años trabajando salas y garitos

pequeños, haciendo gala de una fe ciega en sus posibilidades.

La situación del combo ha cambiado mucho desde entonces,

pero hay algo que permanece inmutable. “Ese compromiso

con el trabajo no ha flojeado en todos estos años. Incluso diría

que ha crecido hasta niveles un poco enfermizos (risas).

Somos muy pesados, pero es lo que nos ha funcionado. Pero,

ojo, que una vez que ha funcionado hay que mantenerlo. Y en

ese sentido no me voy a quitar la medalla, porque eso sí que

es importante: una vez que lo has conseguido, cuenta el no

dormirse, el no quedarse en el mismo sitio y seguir buscando

nuevas maneras de hacer cosas interesantes”. Ese éxito tardío

creció luego de manera imparable y exponencial, y dejó

como consecuencia el encumbramiento popular de un grupo

que partía de la escena independiente. Un hito que abrió la

puerta a muchos otros grupos y terminó por definir una parte

importante de la actual escena musical del país. “No nos sentimos

abanderados de nada, pero hemos pertenecido a una

generación abierta por muchas bandas. No creo que seamos

punta de lanza, sino que se ha creado una escena cúmulo de

muchas cosas, una época y un sentir general en torno a esa

música española no tan masiva o comercial. En España los

cambios cuestan mucho y toda esa independencia surgida en

los noventa o dosmiles tardó mucho en arraigar aquí, un poco

porque somos muy nuestros”. Para terminar resulta inevitable

preguntarle acerca de esas canciones del todo inéditas de

Vetusta Morla que sus seguidores tendrán que continuar esperando.

“Pues… No estamos trabajando en nada. Después de esta

gira que se ha interrumpido íbamos a tener una desconexión

con todo. Entonces creo que esperaremos un tiempo todavía.

Antes cumpliremos

con esos compromisos

que teníamos y

después ya veremos

qué será lo próximo”.

—R.J.

R

Más en www.mondosonoro.com

junio 2020 #27

EN CONCIERTO

l Valencia 2 y 3 septiembre, Plaza de Toros

l Sevilla 5, 6 y 7 septiembre, Cartuja

l Zaragoza 11 septiembre, Vive Latino

l Madrid 12 septiembre, Dcode Festival

l Pamplona 26 septiembre


¡Ya en la calle

y en la web!

Consigue el tuyo en

apmusicales.com


29/Mondo

VINILOS

M Ward

Migration

Stories

ANTI

St Woods

Bones

ONErpm

The 1975 pegan el estirón

The 1975

Notes On A Conditional

Form

Dirty Heat/Universal

8

POP / Suele decirse que quien mucho abarca,

poco aprieta. Y aunque en el caso de The 1975

cunde la tentación de aplicarles la máxima,

por aquello de sus treinta y siete canciones

publicadas en apenas año y medio (las veintidós

de este disco y las quince de A Brief

Inquiry Into Online Relationships, de finales

de 2018, que es como su alma gemela), no

tiene tampoco mucho sentido pensar en esos

términos cuando hablamos de una banda que

ya hace algún tiempo desechó el concepto de

álbum que manejamos casi todos los que ya

lucimos (en el mejor de los casos) alguna cana.

Matt Healy sigue entendiendo sus álbumes

como colecciones de instantáneas cazadas al

vuelo, cúmulos de cortes que, por su naturaleza

fragmentaria y casi esquizofrénica, se

parecen mucho a una lista de reproducción

cualquiera. Escuchando sus elepés, es fácil

transitar de la fascinación al arqueo de cejas,

de la rendición ante la temeraria pero desarmante

bisoñez con la que encaran algunos

estupendos ejercicios de estilo hasta el escepticismo

que despiertan sus momentos con mayor

dosis de almíbar mainstream, pero es aquí

donde más se inclina la balanza hacia la primera

aceptación de las cosas. Al fin y al cabo,

qué puñetas, su pop millennial, que no discrimina

crominancias, también merece aspirar

a tener su Exile On Main Street o su London

Calling. O al menos, su Being There. Notes

On A Conditional Form es ese álbum. Doble,

caleidoscópico, ecléctico, aparentemente

veleta. El retraso ha valido la pena. Un trabajo

que transita de un extremo de su discurso al

opuesto, sin más preocupación que plasmar

la foto fija de una banda que se pasó todo 2019

subida en una montaña rusa, en medio de una

gira que la llevó por varios continentes, y que

generó ese caldo de cultivo para gestar música

que puede radiografiar lo que es ser joven

en el Reino Unido hoy en día, pero también

lo que es moverse entre Heathrow y el JFK de

Nueva York, con posteriores escalas en México,

Abu Dabi o Yakarta. ¿Quién podría afearles

el resultado? La cosa bascula entre el monólogo

conservacionista de Greta Thunberg en

The 1975 o el hardcore desmelenado de People

hasta las leves infecciones de 2-step y dubstep

que enlucen Yeah I Know, I Think There’s

Something You Shold Know, Shiny Collarbone o

Having No Head (ojo, que The Streets y Burial

son las dos influencias asumidas), pasando

por el folk acústico de Jesus Christ 2005 God

Bless America con Phoebe Bridgers, baladones

como Then Because She Goes o Playing On My

Mind, los coros gospel de Nothing Revealed/

Everything Denied, el pop policromado y contagioso

de If You’re Too Shy (Let Me Know) o

esa delicia r’n’b que es Tonight (I Wish I Was

Your Boy). Es su disco más equilibrado hasta

la fecha. El más convincente. El que mejor se

digiere de principio a fin. El mejor, sin más

rodeos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

FOLK / Importa poco dilucidar

si cada nueva entrega

9

de M Ward está más cerca del pop,

del folk, del soul o del rythmn

and blues, porque su música es

un género en sí mismo. Lo que no

está de más es resaltar que nos

encontramos muy posiblemente

ante la mejor colección de canciones

de Matthew Ward desde los

tiempos de Hold Time (09), y eso

es mucho decir. Dice el californiano

que se ha inspirado en este

periodo de migraciones forzosas,

ambientándolo en un futuro

próximo menos traumático que el

que viven hoy en día quienes se

ven obligados a un penoso éxodo,

exprimiendo al límite un wishful

thinking que puede confundir

deseo con realidad. Pero a uno le

da por pensar que si se hubiera

puesto a recitarnos su lista de la

compra, el resultado hubiera sido

igual de brillante y conmovedor.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

The Architect

Une plage

sur la lune

X-Ray

Production

TRIP HOP / Suenan los primeros

compases de Une

8

plage sur la lune, el primer

álbum del productor francés The

Architect, y vienen a la cabeza

imágenes de sótanos oscuros

llenos de discos a descubrir, de

tardes aromatizadas con índica y

términos ya en desuso como los de

digger, beatmaker o turntablism.

Este disco es una oda a Dj Shadow,

Cut Chemist, The Herbalisher y

mil nombres más que nos hicieron

disfrutar de lo lindo décadas

atrás, pero con la nostalgia justa

y necesaria, ya que también es

capaz de aplicar nuevos sonidos y

estilos, como en el cachondo Boogie

Dola con Troy Berkley y el gran

Killa P de invitados. El gran Nightmares

On Wax viene a la mente al

escuchar Peanut, y tenemos que

esperar a Baile del sol para descubrir

su toque propio, combinando

afrobeat con hip hop y toque

latino. —RAÚL LINARES

INDIE FOLK / El esperado

7

debut de St Woods es un

disco interesante al que todavía

le falta definición, demasiado

deudor de su gran influencia, Bon

Iver, como para tener un sonido

propio. Las canciones en las que

más se sale de su sombra, como

Wasted Love, nos descubren a

alguien en busca de esa identidad.

Se notan otras influencias

como Sufjan Stevens o James

Blake, pero no se consigue distinguir

a qué suena realmente

St Woods. Algo que se nota con el

final, una orgía de autotune y de

admiración a Bon Iver llamada

Bones (Psalm). Es una especie de

homenaje/exorcismo, de intentar

liberarse de su alargada sombra

con una canción totalmente referencial.

Cerrar el disco de esta

manera le obliga a cambiar de dirección

en su siguiente entrega,

un disco que parece que ya está

haciéndose. —SERGIO ARIZA

The Weeknd

After Hours

Republic/

Universal

POP

7

/ En After Hours encontramos

algunas de sus

mejores virtudes: un sobrado

dominio vocal y una producción

musical impresionante en la que

Abel Tesfaye se ha implicado de

lleno. Sin embargo, a pesar de que

ninguno de sus catorce temas

baja el listón, tampoco encontramos

ningún clásico instantáneo,

a diferencia de lo que venía acostumbrando

a hacer hasta la fecha.

También falta, por momentos, esa

capacidad de hacer canciones

que transmitan sentimiento y

pongan las emociones a flor de

piel. Pierde fuerza el delivery del

canadiense respecto a trabajos

anteriores como Starboy. La dupla

Hardest To Love y Scared To

Live sí da la talla, igual que Save

Your Tears, pero hay motivos para

pedirle más a un The Weeknd

que ha querido basarse en los

sonidos y el espíritu de los años

ochenta. —LUIS M. MAÍNEZ

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2020 #29


MONDOVINILOS

The Hinds sin miedo al qué dirán

Hinds

The Prettiest

Curse

Lucky Number

POP / Hinds han pasado de tirarse a la

piscina a quedarse a vivir en ella. Tras un

debut en 2016 que les supuso giras internacionales,

inéditas para una formación lo-fi

española, y no poco hooliganismo en contra,

y después de un segundo disco que afianzó

su fórmula y dejó en sancedes muchas críticas

sobre ellas (¿en plena era trap se las

acusaba de tocar o cantar mal?), el cuarteto

ha vuelto más cómodo que nunca. La tercera

no es la de la vencida, es la de la autoconfianza.

Curadas de espanto, en The Prettiest

Curse, la banda se permite usar recursos sin

el miedo al qué dirán: secuencias en castellano,

como en la power pop Boy, coqueteos

con nueva instrumentación (Riding Solo) o

probaturas en un rock muteado y baladista

(This Moment Forever). La experiencia no ha

abigarrado la estructura de unos temas que

siguen siendo directos y accesibles. Pero

el mayor tiempo de producción –han sido

8

meses de parón– sí les ha permitido coquetear

con sonidos de los que han florecido melodías

renovadas. Los riffs agudos, los diálogos entre

Carlotta Cosials y Ana Perrote a la voz, santo

y seña del combo, se mantienen, pero ya no

hay miedo a incursionar en el pop de carcasa

ochentera. Good Bad Times es un adelanto rotundo,

vestido a la perfección y, como el resto,

en coproducción con Jennifer Decilveo (Beth

Ditto o The Strokes). Más allá de sus devenires

sobre el amor y otros debates generacionales,

el disco suma sorna contra los haters en Just

Like Kids (Miau). Y es que Hinds siempre han

tenido que dar explicaciones de más. Pero

cada paso discográfico las ha consolidado

como una de las bandas que mejor se codean

con las melodías, sobre todo con aquellas que

parecen espontáneas. Tal vez les toque seguir

justificándose a ojos de algunos, pero es que

acabar con el patriarcado por ellas solas es

algo que, desgraciadamente, escapa a su dominio.

—YERAY S. IBORRA

Lucinda

Williams

Good Souls

Better Angels

Highway 20

AMERICANA / Lucinda Williams

es una supervivien-

8

te y demuestra estar muy viva, a

sus sesenta y siete años recién

cumplidos se acaba de sacar de la

manga su disco más crudo y visceral.

Sería fácil decir que la creadora

de Car Wheels On A Gravel Road

es una pitonisa y que las malas

noticias de las que está lleno este

Good Souls Better Angels son una

premonición de la pandemia que

asola medio mundo, pero no, las

malas noticias ya estaban allí,

sentadas en el puto sillón con más

poder de la Tierra, en el despacho

oval de la Casa Blanca. La edad parece

no haber atemperado nada su

rabia, es más parece que ahora le

duele más. Lucinda está furiosa y

ha hecho un disco furioso, su voz

rasposa escupe verdades sobre un

fondo musical de pantanoso blues

rock, pasado por la distorsión de

un Neil Young cabalgando a sus

fieles Crazy Horse. Es un disco

que supura tensión y agresividad,

un chute de adrenalina de una

veterana que nos entrega su mejor

obra desde World Without Tears.

—SERGIO ARIZA

Mostaza

Gálvez

Desventura

Subterfuge

Red Axes

Red Axes

Dark Entries

Brian Fallon

Local Honey

Lesser Known

Lin Cortés

Gitanerías

BMG

O.B.F. Sound

System

Signz

Dubquake

Records

POP / Hace tres años que

7

Guille Mostaza (ex Ellos)

unía fuerzas con Frank Gálvez

(Ex Gasca) para publicar el debut

del nuevo proyecto de ambos.

Ahora Mostaza Gálvez presentan

una continuación bastante más

engrasada y cómplice, en una

sinergia que tiene como principal

consecuencia un álbum

vistoso y de mayor sentido conjunto.

Inicialmente el aspecto de

Desventura recuerda sobre todo a

Ellos, y por tanto induce a pensar

que el peso ejecutivo de Mostaza

se impone como prioritario.

Sin embargo, esos detalles de lo

más aparentes que aparecen en

sucesivas escuchas y apuntalan

el producto, bien podrían llevar

la firma de Gálvez. Las propias

canciones –un total de diez– se

ven así convenientemente enriquecidas

con las peculiaridades

creativas y aportaciones vocales

de ambos autores. Un disco de

electro-pop cumplidor y efectivo,

ataviado en base a una serie de

estribillos que confirman a sus

creadores como especialmente

duchos en ese arte. —RAÚL JULIÁN

9

ELECTRÓNICA/ Hace tiempo

ROCK / En el pasado líder

FLAMENCO / Tras despachar

el año pasado el

7

6

que, desde Tel Aviv, Red

de The Gaslight Anthem,

Axes están quemando las pistas

de baile de todo el planeta, a base

de eclecticismo musical. Ahora,

en su décimo aniversario, han

grabado su tercer álbum homónimo

en el sello Dark Entries, dándole

una vuelta de tuerca más

a su sonido y añadiendo beats

de electrónica de los noventa,

con algunos tintes de EBM, como

en They Game, Break The Limit y

Shelera, hasta llegar explosionar

con Stick & Stones en una sudorosa

rave pre-Coronavirus. Comprobamos

que siguen sellando su

pasaporte para viajar entre melodías

del mundo: de los ritmos

africanos de Udibaby a las delicias

asiáticas de Arpman y Hold.

El espíritu cien por cien Red Axes

abocado al baile sale nuevamente

a la luz en Zeze y Watching You,

pero también encontramos pasajes

más orgánicos como Brotherhood

(Of The Misunderstanding),

tema oscuro de dark wave. Uno de

los proyectos más en forma de la

música electrónica actual.

—ALBERT CARRERAS

Brian Fallon se lanzó en solitario

con el brillante Painkillers

(16). El cantautor se alejaba de

las formas más efervescentes

del rock, para adentrarse en el

mundo del country y el sonido

americana sumando a su lista

de referentes e influencias

nombres como Steve Earle, Ryan

Adams, Jesse Malin... Con estas

coordenadas sonoras volvió

a perfilar su segundo largo,

Sleepwalkers (18) y ahora Brian

Fallon retorna con su tercera

entrega sin banda: Local Honey.

Modelado con la ayuda de

Peter Katis, productor con una

nómina de clientes en la que

figura gente como The National,

Interpol o The Get Up Kids, el de

Nueva Jersey firma ocho piezas

donde vuelve a reivindicarse

como un trovador de corazón

roto, forajido en eterno proceso

de redención, con una sensibilidad

especial para firmar

sobrecogedoras progresiones

de acordes.

—ORIOL RODRÍGUEZ

álbum de duetos que supuso

Indomable, Lin Cortés regresa en

formato epé. Considerado uno de

los actuales exponentes del nuevo

flamenco (en lo que él definió

en 2015 con su ópera prima como

Gipsy Evolution), reivindica un

regreso a sus raíces desde el

propio título del trabajo, Gitanerías.

Un sonido acústico, donde

la voz del cantante cordobés

se acompaña principalmente

de guitarra flamenca, palmeos,

cajón y coros femeninos. Abre

Amar, basado en el tema Amar por

amar de su buena amiga La Susi.

La rumba más fresca y canalla

inunda Novia moderna, el tema

más bailable y pegadizo del disco.

Sus delirios amorosos siguen

desarrollándose en Una locura.

El jardín de la memoria supuso

el primer single, corte lento,

poético y melancólico. Despide

la breve La belleza de la muerte,

donde Cortés le pone música a

algunos versos seleccionados

del poeta libanés Yibrán Jalil

Yibrán. —JESÚS CASAÑAS

REGGAE / O.B.F. es uno de los

8

nombres más valorados y

respetados de la escena Sound

System europea gracias, además

de a sus imponentes directos, a

trabajos como este. Signz es el

segundo álbum de la formación

de origen francés y una obra

en la que sacan a relucir ese

arsenal musical que pasa por el

dancehall, el dub, el new roots y,

en términos generales, todas las

posibilidades que le ofrece la

producción digital al reggae. Una

explosión musical desarrollada

en veintidós canciones en las que,

entre algunos de los cantantes

más importantes a nivel europeo,

encontramos las voces de Sr. Wilson,

quien colabora en tres cortes,

y de Belén Natalí. Y aunque en un

principio una veintena de canciones

puedan parecer demasiadas,

uno se queda con ganas de más. La

meticulosidad de las producciones

da como resultado un sonido

potente y explosivo, muy cuidado,

con el que ya han conquistado

decenas de escenarios llevando el

concepto de urban reggae un paso

más. —ALFONSO GIL ROYO

#30 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Paradise

Lost

Obsidian

Nuclear Blast

Records

Charli XCX

how I’m

feeling now

Atlantic/

Warner

Ratpenat

50% Glam 50%

Clavegueram

Rock De Kasba

Nereida Fau

A

Autoeditado/

La Cúpula

Romeromartín

Manifiesto

Ground Control

METAL

7

/ Los amantes del

gothic doom están de enhorabuena.

Si en marzo veía la

luz lo nuevo de My Dying Bride,

ahora es el turno de los autores

de Shades Of God. Aunque quien

conozca mínimamente la trayectoria

de los de Halifax, así como el

genio del dúo Nick Holmes-Greg

Mackintosh, motor creativo de

la formación, sabrá que esta no

es una banda autocomplaciente

o que se sienta cómoda con las

etiquetas. Quizás por ello han

decidido condensar la mayoría

de los registros explorados desde

In Requiem (07), con un claro

repunte del componente gótico

de su ADN. Buena prueba de ello es

Ghosts, potencial rompepistas de

clubes góticos, o Hope Dies Young,

ambas deudoras de sus adorados

Sisters Of Mercy. Por su parte,

Ravenghast compensa la balanza

hacia terrenos doom, así como Fall

From Grace, con un ritmo pesado

marca de la casa, voces cavernosas

y un desenlace más melódico.

Un álbum extraño pero fascinante

que mantiene el aura de una banda

clásica. —DAVID SABATÉ

POP / A Charli XCX, la cuarentena

le pilló en su casa

8

de Los Ángeles, lugar donde

la artista tiene instalado un

pequeño estudio de grabación

casero. Allí decidió gestar un

nuevo disco, dándose treinta y

ocho días de preparación. Como

resultado, how i’m feeling now

no puede ser más marca de la

casa. Con sus aliados A. G. Cook

y BJ Burton como productores,

han surgido canciones enérgicas

que hablan de sentimientos

universales como la ira, la frustración,

la tristeza, la rabia, la

excitación o el amor, potenciados

todos ellos por la situación

que estamos viviendo. Acercándose

al pop pero siempre desde

una perspectiva DIY, futurista e

industrial que hace que cruce la

línea con el PC Music constantemente.

Un diario abierto sobre

lo que ha pasado por la cabeza

de Charli durante las primeras

semanas de confinamiento. No

pretende ser perfecto ni limpio

ni agradable, porque eso lo

arruinaría todo.

—ÁLVARO TEJADA

7 PUNK ROCK / Entre el punk

más rockero y el rock más

macarra se mueven Ratpenat. Estos

cuatro murciélagos de la Ciudad

Condal se aliaron en 2017 con

el objetivo de rockear sin limitarse

a ningún estilo determinado.

Tras debutar con 100% Indecent

vuelven a la carga con esta secuela

amparada por Rock De Kasba.

Once nuevos temas entre el punk

rock y el rock&roll con toques de

garaje, rap, metal o hardcore para

los que han contado con un buen

puñado de colaboraciones. Morfi

Grei (La Banda Trapera Del Río) se

apuntó al primer single, Barcelona

ha mort, una suerte de secuela

de su Ciutat podrida. Soto Sargantana

(Pirat’s Sound Sistema) hace

lo propio en Demà pots ser tu,

cuyo estribillo pegadizo le hacía

un claro candidato a ser el segundo

adelanto. Su gusto por la serie

B se desata en Terror, pizza i r’n’r

con la voz de Dani Moreno, alma

mater de Motorzombis. La lista de

invitados la cierra Àlex Vendrell,

el cantante de Inadaptats y Eina,

en la acelerada Mori el mal govern.

—JESÚS CASAÑAS

POP / El potente segundo

7

disco de Nereida Fau, A, es

una carta brillante en defensa de

la igualdad de género y una de

las caras más personales de la artista.

La lírica, poética y cálida,

que se adentra en los problemas

que ha ocasionado históricamente

el patriarcado para las

mujeres. La artista apela al que

ha sido el caso más mediático

sobre una violación en nuestro

país –el de La Manada– en Yo sí te

creo. En Mientras sigas, condensa

la idea de miedo a la violencia

de género y la necesidad de un

progreso feminista. Poesía contundente

para el cambio. Pop de

corte independiente con algunas

dosis experimentales que

se revuelcan en el rock, como en

Hombres raros, en la que la voz

de la artista se distorsiona y se

mezcla entre ritmos contundentes

de guitarra y batería. Cinco

años de espera desde El regreso,

su primer disco en solitario, A es

una abertura en canal realmente

intensa y la constatación de una

definición como solista excepcional.

—KAREN MONTERO

8

FLAMENCO ELECTRÓNICO

/ Un indispensable Manifiesto

de electrónica jonda

en ocho pasos. La tradición del

cante más puro, rezumando dolor,

rabia y redención, se funde y

bambolea como la mimbre, manteniéndose

firme bajo una rave

de poesía queer, combativa y

liberadora. Alegato a la libertad

sexual y creativa, fusionando

flamenco (Álvaro Romero) y

electrónica (Toni Martín) con

textos extraídos de escritores

homosexuales y el manifiesto

Hablo por mi diferencia de Pedro

Lemebel como bandera. De los

ecos de “compases y silencios”

morentianos y los versos con sed

de vida de Braulio Ortiz Poole en

la Saeta del pirómano inicial,

a una Mariana que rezuma espiritualidad

y bola de espejos,

pasando por la cicatrizante

herida que se abre por Granaína

(de la herida), el Que sí, que no de

Remedios Amaya, un Tango (de

la coca) con aromas cabareteros,

o esa batalla vencida del cuerpo

y el espíritu en Nací como quise

yo. —DAVID PÉREZ

La variedad de Car Seat Headrest

Car Seat

Headrest

Make A Door

Less Open

Matador/Popstock!

POP / Car Seat Headrest no es un grupo

cualquiera o al uso, y hasta el propio Will

Toledo (principal artífice principal de

asunto) es capaz de crearse un alter ego

–Trait– para asumir nuevas perspectivas

creativas que ahora plantea. Potenciado

por sus peculiaridades, el anuncio del

primer disco con temas nuevos del grupo

en cuatro años –desde que viese la luz

Teens Of Denial (Matador, 16)– sólo podía

entenderse como una gran noticia. Lejos

de decepcionar, el nuevo trabajo del combo

norteamericano cumple las expectativas

tras revelarse como un disco inspirado,

arriesgado, jugoso y, sobre todo, mutante

a lo largo de diez temas. En este caso

la cooperación alcanza al colectivo 1 Trait

Danger, y la referencia presenta orgullosa

un indie-pop que se permite algo de pose

arty, mientras coquetea indistintamente

con la electrónica o apura algún que otro

ramalazo punk. El resultado de tan afilada

mixtura es un trabajo lleno de aristas que

vira en diferentes direcciones, poniendo

de manifiesto su poder hipnótico con

8

cada giro, así como la inmediata convicción

del contenido. Car Seat Headrest juegan en

una liga similar a la de nombres imprescindibles

como Spoon o Dr. Dog, para luego

fijarse en otros artistas hasta alcanzar

excelentes resultados. Weightlifters se sitúa

a medio camino entre Peter Gabriel y David

Byrne, mientras que Can’t Cool Me Down y

Martin rememoran a los mejores Clap Your

Hands Say Yeah, y There Must Be More Than

Blood recuerda a Beck. El nivel se mantiene

en el single Hollywood o la acústica What’s

With You Lately, antes de que el cuarteto

tienda hacia Hot Chip en la final Famous.

Make A Door Less Open es, en definitiva, un

disco de notable alto por su jugosidad, variedad

y efectividad, así como su fuerza lírica,

protagonizado por canciones de sonido

contemporáneo, pero que también bebe sin

disimulo del pasado y grupos como Talking

Heads, Television o Devo.

—RAÚL JULIÁN

Clem Snide

Forever Just

Beyond

Ramseur

Records

AMERICANA / Hay discos

8

que pese a tener todo

en su contra acaban viendo la

luz, e incluso lo hacen bajo una

imprevista brillantez. Las desgracias

sufridas últimamente

por Eef Barzelay, guía exclusivo

de este proyecto, lejos de hundirle

definitivamente se han

tornado en caldo de cultivo para

la publicación, tras un lustro

de silencio, de su nuevo trabajo.

Para tal fin ha resultado indispensable

la colaboración, artística

y emocional, de uno de los

hermanos Avett, concretamente

Scott, con quien ha elaborado

un exquisito paisaje de cálido

e íntimo sonido de raíces. Un

tejido en el que se vislumbran

nombres como Jeff Tweedy, M.

Ward o Ron Sexsmith a la hora

de encarar un repertorio donde

se alterna elegancia, excelsa

sobriedad o un pellizco country,

representaciones de esa valiosa

fórmula que permite transformar

el desencanto en belleza.

—KEPA ARBIZU

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2020 #31


MONDOVINILOS

FOTO: NOEMÍ ELÍAS

Rojuu

OOO

Ceuve

TRAP / Rojuu presenta

7

OOO, su nuevo álbum, en

el que se percibe una evolución

musical que le ha llevado a

apostar por sonidos diferentes

en algunos de los temas, más

alejados del sad/emo trap de

sus inicios y más cercanos a lo

casi psicodélico de Sticky M.A.

OOO es un trabajo que supone

un salto de calidad en la carrera

del jovencísimo músico catalán

que, antes de cumplir la mayoría

de edad, se confirma como una

de las promesas más interesantes

del género. El disco, con dos

vertientes (una más continuista

con sus trabajos anteriores y

otra más innovadora), contiene

canciones de nivel como 6to

sentido, Como murió algo tan

mágico o 4everyoung, donde

colabora con Carzé o Clutichill

para no romper con la tradición.

Si Rojuu sigue por el camino

que marca este trabajo es casi

seguro que llegará a hacer

trabajos sobresalientes en un

futuro, que no pequen de los pequeños

defectos (muy pasables)

de este. —LUIS M. MAÍNEZ

Daniel

Romano

Visions Of

The Higher

Dream

You’ve

Changed

Records

9 AMERICANA / El canadiense

ya no es que salga a disco

al año, es que a veces, como es el

caso, sale a dos o incluso tres. Es

más, en quince días de ha sacado

de la manga un jugoso directo

titulado Okay Wow (espléndido a

todas luces) y estas diez canciones

que nos ocupan. Un resumen

perfecto de lo que hoy en día es

Daniel Romano: un completísimo

e inclasificable músico que está

ofreciendo un catálogo discográfico

al público que quizá sea

difícil valorar ahora, pero que

con el tiempo debería ser visto

como algo muy grande, al alcance

de muy pocos. Un geniecillo

imprevisible que es capaz de

cambiar de tempo un tema tres

veces de manera brusca, girar

de lo acústico a lo eléctrico en

escasos segundos, picotear de la

psicodelia e incluso guiñarle el

ojo al pop barroco sin que nada

suene extraño ni fuera de lugar.

Porque al final, cuando te enfrentas

a un disco de Daniel Romano

sabes que cualquier cosa puede

pasar y que siempre será algo

bueno. —EDUARDO IZQUIERDO

Sorry

925

Domino/

Music As Usual

Fleur East

Fearless

Platinium

East

The New Raemon y el recto

caminar

The New Raemon

Coplas del andar

torcido

BMG

POP / Hay que tener una pericia muy

madurada para cantar sobre la vida y la

muerte como cara y cruz indisociables de

una misma realidad y no caer en lo pretencioso.

Ramón Rodríguez lo consigue

en un buen puñado de canciones de este

disco, que logra algo que parecía difícil

de barruntar hace un par de años: llevar

la expresividad del sensacional Una

canción de cuna entre tempestades (18)

un poco más allá, hasta atisbar una cota

de refinamiento que apenas tiene parangón

en nuestra escena. Es este un disco

sensible y rotundamente honesto, propio

de alguien que rebasa con creces los cuarenta

tacos. Un trabajo que oxigena, nutre,

espolea la reflexión y modela un ideario

8

en el que la poética de lo cotidiano y una

forma de manejar cierta trascendencia sin

despeñarse por la sima de la pedantería

acaban dándose la mano de forma ejemplar.

De nuevo con la complicidad de Raúl

Pérez en su estudio de La Mina, Javi Vega

(Maga), Salvador Horta y Ricky Lavado a

la base rítmica, los arreglos de cuerda de

Antonio Fernández Escobar y los pespuntes

electrónicos a cargo de David Cordero,

The New Raemon profundiza en una sonoridad

con más profundidad de campo que

nunca, realzada por los coros ingrávidos

que aporta Anni B Sweet en tres de sus

composiciones. Una colección que dispensa

cortes tan fabulosos como El árbol de la

vida, Pronto todo será sombra, la moruna

Días de rachas grises, En un zarzal, En la

feria de atracciones, Ruido de explosiones

o La última palabra, con la que el de

Cabrils araña esa quimera que él mismo

describe (en La mano en el fuego) como

atrapar la belleza de la ambivalencia.

Soberbio.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

ROCK / Con tan lacónico

7

nombre se presenta en

sociedad la penúltima y joven

promesa salida de la fecunda

cantera londinense. El filtro de

calidad del sello Domino avala a

un dúo de amigos del instituto,

chica y chico (Asha Lorenz y

Louis O’Bryen) que beben de fuentes

como el garage elegante, el

post-punk, el indie de los noventa

y la psicodelia perversa. Su debut

largo, que se materializa tras

varias prometedoras maquetas

y mixtapes, oscila de los buenos

estribillos pop como el de Right

Around The Clock, More o Starstruck

–esta con su riff glam asilvestrado

a lo Queens Of The Stone

Age– a las melodías siniestras de

In Unison o Rosie, que navegan

con toques de psicodelia de mal

viaje. Esa idea de fluctuar “del

cielo al infierno” –así lo definen

ellos– la llevan a la práctica con

la colaboración del productor James

Dring (Gorillaz, Nilüfer Yanya),

con el que han grabado trece

cortes que, pese a algún altibajo

lógico, les muestran maduros y

coherentes. —JC PEÑA

POP / No todos los que

7

se presentan a un talent

show consiguen alcanzar el éxito

como Fleur East, quien cinco

años después de lanzar su álbum

debut, presenta su segundo

proyecto Fearless intentando

superar el listón que alcanzó

con Sax. Fearless es un álbum

que mezcla distintos géneros

musicales, pero East consigue

mantenerse fiel a su esencia y

a sus directrices pop, hip hop o

R&B (lo que la permite navegar

de Cardi B o Azealia Banks hasta

Alicia Keys o Rihanna). Además,

podemos vislumbrar elementos

latinos y africanos. East sabía

que no era fácil superarse, pero

ha hecho todo lo posible. Size es

el tema que se acerca más a lo que

la artista hizo con su hit de 2015.

Es animado, ligero, pero debemos

llegar hasta el final para presenciar

el maravilloso Absence

Speaks Louder Than Words, un

tema blues, R&B, con elementos

soul, con una producción más

sutil y curada. Con él nos muestra

su virtuosismo vocal, su estilo y

su elegancia. —NÚRIA CARDÚS

#32 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Mark

Lanegan

Straight

Songs Of

Sorrow

Heavenly

Records/[PIAS]

9

ROCK / Aunque hay quien

no lo vea así, aprecio a los

músicos que experimentan cosas

nuevas. No hay nada más aburrido

que escuchar el mismo disco.

De hecho, creo que para volver

en condiciones óptimas a tus

raíces tienes que atravesar ese

periodo de ensayo y error en el

que busques llevar tu música a

otros terrenos. Hace poco leía un

artículo en que se llegaba a esta

conclusión: Neil Young ha acabado

siendo quien es ahora por

esos tres discos fuera de su onda

que grabó en los ochenta, a pesar

de lo poco valorados que están

por público y crítica. A Mark Lanegan

su comunión con la electrónica

le ha permitido agarrar

una luz nueva. Precisamente, en

este álbum casa esa faceta con la

de toda la vida, esas canciones

tan tristes y tan profundas que

siempre le han caracterizado.

Lanegan ha grabado un disco en

que están todos los elementos

que han regido su vida artística,

siendo su obra más ecléctica y la

más completa al mismo tiempo.

—TONI CASTARNADO

El debut en solitario de Jehnny Beth

Jehnny Beth

To Love is To Live

Caroline/

Music As Usual

9

POST-PUNK / La artista de origen francés

podría haber tirado por el camino fácil.

Nadie se lo habría reprochado. Su abrumadora

presencia escénica, junto a sus

sobresalientes facultades vocales y el

espléndido trabajo de sus compañeras de

Savages, convirtieron al grupo británico en

uno de los más justamente respetados de

la era reciente. Pese a ello, Beth sentía que

la rutina estaba a la vuelta de la esquina,

de modo que ha preferido empezar casi de

cero con su primer trabajo en solitario. El

resultado de su inquietud está a la altura

de unas expectativas acumuladas –el magnífico

Adore Life de Savages data de 2016–,

pero Beth se aleja lo que puede, y hace bien,

del sonido de su grupo. El resultado es un

disco valiente y dislocado, que tiene en

la honestidad brutal y los extremos, entre

el grito desafiante y la vulnerabilidad,

su mayor baza. Los ropajes instrumentales

contemporáneos y el punto justo de

experimentación funcionan. Atrás quedan

las comparaciones con Siouxsie y los mimetismos

hacia cierto post-punk vintage (cuya

filosofía sigue presente): en To Love Is To Live

hay una apuesta firme por aventurarse en

arenas movedizas. Apoyada por su cómplice y

compañero sentimental Johnny Hostile (con

quien ya tuvo, años atrás, la aventura musical

John & Jehn), productores de pedigrí como

Flood (Depeche Mode, PJ Harvey) y el NIN

MONDOVINILOS

Atticus Ross, y apariciones estelares como

las del actor Cillian Murphy y Joe Talbot de

Idles, Beth explora terrenos sintéticos, cuasi

industriales y atmosféricos, mientras su voz

se convierte en el instrumento principal. Una

voz con una amplitud de registros prodigiosa,

capaz de pasar del desafío macarra sin

restricciones de la musculosa I’m The Man

a la sensualidad descarnada de Flower y su

poderoso estribillo o la dulzura romántica de

The French Countryside. —JC PEÑA

Fake Names

Fake Names

Epitaph/

[PIAS]

Lu Rois

Microcosmos

Bankrobber

Sparta

Trust

The River

Dine Alone

Moby

All Visible

Objects

Mute/[PIAS]

Silvia

Pérez Cruz

& Marco

Mezquida

MA. Live In

Tokyo

Universal

PUNK / ¿Es Fake Names una

7

banda necesaria en este

momento? Disculpad el monotema,

pero un disco así de enérgico

y fresco podría desentonar con

el ánimo en el que el mundo

anda metido. Sí, este disco y esta

banda son muy necesarios a día

de hoy. Fake Names es un nuevo

súper grupo formado por Brian

Baker (Bad Religion, Minor Threat,

etcétera), Dennis Lyxzén (Refused,

The (International) Noise

Conspiracy), Johnny Temple (Girls

Against Boys) y Michael Hampton

(Embrace). Su recién nacido disco

de debut es el resultado de un

trabajo que comenzó en 2016. Y

sólo ocupará veintisiete minutos

de tu vida disfrutarlo al completo,

multiplicado por la cantidad de

veces que quieras repetir su escucha

en caso de que te entregues a

una dosis de power-pop, hardcore

punk y guiños new wave, moderada

con llamativa precisión. Aquí

encontraremos ecos de todos los

grupos principales de los integrantes

de la banda, donde todas

esas sonoridades logran convivir

perfectamente. —ADRIANO MAZZEO

POP

8

/ En un live de Instagram,

cerquita y sin artificio,

y con su hijo revoloteando

por la casa. Así estrenó Lu Rois

su nuevo disco. Y la coyuntural

puesta de largo no pudo venirle

mejor. Microcosmos es cálido

pero enérgico, perfecto para

mimarlo a piano y voz. Además,

trata sobre la maternidad y la experiencia

de tener un pequeño en

casa. Un hecho que, a la vista está,

afecta incluso a la elaboración de

un concierto. La complejidad de

la maternidad es el punto fuerte

de Microcosmos: amor e ilusión,

pero también soledad y extrañeza.

Todas esas vivencias están

recogidas en el tercer disco de la

catalana, cuya última referencia,

Clarobscur (17), era más folk. Lu

Rois da un paso adelante en la

producción, más atmosférica. La

suma a una voz llena de matices

(aniñada pero potente), un piano

en tromba que sería del gusto de

la última María Coma y unas melodías

cristalinas. Así, las sensaciones

llegan. L’univers als teus

ulls es un buenísimo ejemplo.

—YERAY S. IBORRA

8

ROCK / Se hizo esperar y

ELECTRÓNICA / Moby fue

CANCIÓN / Hay algo en

6

8

mucho este Trust The River,

paradigma de modernidad

Silvia Pérez Cruz que

el primer trabajo de Sparta en

catorce años. Siento debilidad

por esta banda de El Paso, como

por tantas otras formaciones

injustamente infravaloradas. Merece

la pena recordar que esta

banda se gestó en el 2001 cuando

At The Drive-In cesaron su actividad

por primera vez en el 2001.

Después de tres discos de posthardcore

y dolorosos cambios

en la formación, Trust The River

tiene un corte mucho más clásico.

Se intuye la influencia de Sleepercar,

el proyecto personal de

su cantante y guitarra Jim Ward,

en la inicial Class Blue, el dueto

de Spirit Away, el precioso piano

de la balada Dead End Signs y,

sobre todo, Believe, la cosa más

‘radio friendly’ de toda su carrera.

Solo el nervio de Cat Scream

nos devuelve a los Sparta de los

primeros dos mil. ¿Qué podíamos

esperar después de tanto tiempo?

Trust The River es una fotografía

actual del superviviente Ward,

mucho más relajado y espiritual.

—LUIS BENAVIDES

electrónica en los noventa, pero

los últimos discos de Richard

Melville Hall han quedado en

mixturas algo desordenadas

que, de algún modo, son el propio

reflejo abreviado de su carrera.

All Visible Objects no es una

excepción, e incluye piezas de diferentes

pelajes que tienen como

consecuencia una referencia algo

irregular tanto en formas como

en consecuencias. A favor puntúa

que Moby ha evitado venderse

a moda alguna, y que todavía

alberga destellos de inspiración

que concreta en las piezas más

brillantes del lote. En contra, que

luce algo estancado y en ocasiones

perece recrearse en exceso

en lo que algún día fue. Aquí hay

bastante más de lo primero que

de lo segundo, con varios cortes

capaces de devolver la fe en el

autor al tiempo de remitir a aciertos

del curriculum pasado. Y es

que sólo por el placer de localizar

esas gemas que salpican cada una

de sus entregas, el asunto termina

por merecer la pena.—RAÚL JULIÁN

aplaudo y envidio: su libertad

para decidir y tomar los caminos

que más le apetecen. Después de

Vestida de nit ya dejó claras sus

intenciones, deseaba asumir más

riesgos. Lo cual, y siendo ella,

no es tema menor, pues nunca se

caracterizó por ir a únicamente

hasta cotas sencillas. Se involucró

en Grito Pelao, actuó con

Toquinho y Javier Colina, y a todo

esto, su aventura japonesa junto a

otro que no tiene techo, un Marco

Mezquida que se mete en el bolsillo

a todo el mundo, gracias a una

clase y delicadeza que no pasan

desapercibidas. En octubre de

2019, tras dos años de compartir

escenarios, juntos tomaron un

vuelo en dirección a Tokio para

registrar un directo en el Blue

Note de la ciudad. Aquí no hay

truco. Ella a la voz y la guitarra,

él acompañando al piano. ¿Y el

repertorio? Un puzle que tiene de

todo, desde referencias hermosas

y cálidas a las islas, hasta guiños

al pop aunque llevados al terreno

del jazz. —TONI CASTARNADO

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junio 2020 #33


MONDOVINILOS

Moses Sumney: sin reglas

Moses Sumney

græ

Jagjaguwar/Popstock!

POP / Para Moses Sumney, no hay más reglas

que las que él mismo se quiera imponer. Es

decir, ninguna. Si alguien tenía alguna duda

sobre la conveniencia de añadir su nombre

a la pasarela de grandes talentos de ese pop

polimorfo que desenmaraña la complejidad

de nuestro presente (Anohni, Perfume Genius,

Solange), quedará más que solventada

con este colosal segundo álbum. La mitad de

su contenido fue ya desvelado digitalmente

en marzo, pero es ahora cuando sus veinte

canciones cobran formato físico como una

ambiciosa declaración de intenciones que

empequeñece –por contraste– un trabajo tan

notable como Aromanticism (17), y que explora

a fondo la idea de la alteridad y cuestiona

los planteamientos binarios en esta sociedad

del like y el unlike para poner en solfa

los estereotipos de género (ya sea sexual o

9

estilístico), de raza o de cualquier cosa que

se le ponga por delante a este talento omnívoro,

artista total, portentoso vocalista

de falsete que desafía cualquier capa de la

atmósfera y compositor de instinto superlativo

para rodearse de un all star de músicos

que dan a su discurso justo lo que necesita

en cada momento: el bajo de Thundercat, el

saxo de Shabaka Hutchings, los vientos de

Adult Jazz, los arreglos de cuerda de Bob

Moose, la voz de la gran Jill Scott, el piano

ocasional de Esbjörn Svensson, la rúbrica

compartida de James Blake y ahora, por si

fuera poco, la coproducción de Daniel Lopatin

(Oneohtrix Point Never) en un equipo

en el que también figuran Matt Otto y John

Congleton. Sin definirse como soul, ni como

jazz, ni como r’n’b, ni como folk ni como art

rock, o definiéndose implícitamente como

todo eso (y algo más) al mismo tiempo, el

californiano de origen ghanés entrega un

álbum desbordante, que funde lo cerebral

con lo carnal, se presta a innumerables y

múltiples escuchas y logra plasmar la deslumbrante

belleza de lo indefinible.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

FOTO: ARCHIVO

Daniel

Avery y

Alessandro

Cortini

Illusion Of

Time

[PIAS]

EXPERIEMENTAL

7

/ Unidos

por una recíproca admiración,

Daniel Avery y el teclista

de Nine Inch Nails, Alessandro

Cortini, han decidido gestar un

álbum definido por el devenir

conceptual, la divagación sonora

y una producción que oscila

entre lo onírico y lo ferruginoso.

Ambos artistas habían puesto

en común sus perspectivas años

atrás en la gira que mantuvo

ocupada a la banda de Trent Reznor

durante varios meses. Avery,

telonero del proyecto estadounidense,

empatizó a la perfección

con un Cortini dispuesto a crear,

y el resultado de sus planteamientos

ha tomado forma bajo el

nombre de Illusion Of Time. Este

extraño e intimista decálogo

sonoro nos adentra en un pasillo

abovedado en el que los juegos

de texturas y las intensidades

de sonido juegan un papel prioritario.

—FERNANDO O. PAÍNO

Amnesia

Scanner

Tearless

PAN

8

EXPERIMENTAL / La propuesta

creativa del dúo

Amnesia Scanner no ha parado

de evolucionar durante estos

cuatro años de existencia. Una

carrera breve pero exitosa, que

empezó muy fuerte con un gran

EP en el sello Young Turks y ha

seguido progresando, ahora

bajo el paraguas del sello PAN,

hogar de otras lumbreras del género

como Errorsmith, Beatrice

Dillon o M.E.S.H. En este Tearless

muestran su visión de la actualidad

procesada a través de la

música con un trabajo influenciado

por toda la situación que

se estaba viviendo en nuestra

sociedad pre-coronavirus. Todos

esos sentimientos de confusión,

soledad e impotencia se ven reflejados

en los diez temas de los

que se compone el álbum, con

colaboraciones de la cantante

peruana Lalita en dos temas (AS

Tearless y AS Aca) que parecen

un cruce entre M.I.A y Ministry,

un toque metalero/experimental

que repiten en un AS Flat con la

banda de metalcore Code Orange

de invitados. —RAÚL LINARES

Jorra i

Gomorra

Vellut i

purpurina

Bubota

POP / Quién, por el título,

7

se espere un disco de

glam, va mal encaminado. Pero

quién literalmente busqué ‘terciopelo

y purpurina’ en el álbum,

los encontrará porque la comodidad

y el brillo son importantes

en las diez canciones publicadas

por el grupo de Manacor. En su

segundo largo exploran lo que

ya habían empezado a investigar

en su epé anterior, las texturas

electrónicas. Sintetizadores y

cajas de ritmos llevan nuevos

tintes a los temas, acercándoles

a un sonido más metafísico pero

sin perder la iconoclastia rock

de sus amados Quimi Portet o

Guided By Voices. Este disco es

la última confirmación del genio

de Jorra Santiago. Sin pausa pero

sin prisa, nos demuestra que le

queda música y palabra para rato

y que, aunque su universo de procrastinación

tropical esté bien

claro, hay facetas líricas con las

que justo ahora se pone a jugar.

Vellut i purpurina gira en torno

a la admiración de cosas resplandecientes,

corriendo el riesgo de

convertirse en una.

—MARCEL PUJOLS

#34 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


Oranssi

Pazuzu

Mestarin

kynsi

Nuclear Blast

Jason Isbell

And The 400

Unit

Reunions

Southeastern

Records

METAL / A un disco de

AMERICANA / No es tarea

8 7

Oranssi Pazuzu se acude

sencilla someter la identidad

de uno mismo a una continua

buscando algo muy concreto y

que pocas, poquísimas bandas autoevaluación, ni en el plano

pueden ofrecer: un magma sonoro humano ni en el artístico. Por eso

denso, oscuro, hipnótico y extrañamente

pegajoso cuya origina-

música de Jason Isbell, contraria

hay que reconocer el mérito de la

lidad representa un necesario siempre a rehuir los conflictos

soplo de aire fresco para el black morales, y que en este nuevo disco

metal. Mestarin kynsi es una obra decide enfrentarse con los diversos

fantasma que han jalonado

completísima por aglutinar en

una misma obra sus diferentes su vida. Introspección a la que

registros: desde la experimentación

de Kuulen ääniä maan alta minación por superar, apoyado en

acompañará además de una deter-

al blast-beat cósmico de Taivaan una vistosa y copiosa producción,

portti, donde bajo y batería –elementos

claves en el sonido de la en el que figura ya como auténtico

los límites de un rock americano

banda– alargan la tensión hasta experto. Las declamaciones envueltas

en un halo confesional –a

el límite repitiendo una y otra

vez la misma figura, hasta llegar lo Michael Kiwanuka– de What’ve

a la contención de Tyhjyyden I Done To Help, el delicioso aroma

sakramentti, el corte más psicodélico

del álbum. Oikeamielisten sicle o la esplendorosa balada

campestre contenido en Dream-

sali podría formar parte de ese country que es Letting You Go,

soberbio Värähtelijä (16) y, aún sin subliman un repertorio que sin

llegar a su nivel, Oranssi Pazuzu embargo se descontrola algo en

demuestran con su nuevo trabajo sus envites más eléctricos. Un

porqué son una de las bandas más leve contratiempo consecuencia

interesantes del actual panorama sin duda de la nunca reprobable

del metal extremo.

decisión de priorizar la pasión y

—TOMEU CANYELLES

el riesgo.—KEPA ARBIZU

FOTO: PABLO ALZAGA

MONDOVINILOS

Chencho

Fernández

Baladas

de plata

Warner

ROCK / Baladas de plata en

8

vena nos trae Chencho Fernández

como adictivo y morfínico

antídoto para huir de lo banal y

degustar lo efímero, reapareciendo

triunfal y decadente (como

los grandes) entre la niebla que

separa la madrugada beatnik de

Nueva York del alba sevillano

aferrado a la penúltima copa de

una velada interminable. Con la

sombra del Nick Cave más crooner,

la sensualidad de Gainsbourg y el

Lou Reed más chulesco, Chencho

encadena cimas compositivas en

las que late resplandeciente (con

una preciosista orquestación de

altos vuelos), la fragilidad del

amor y sus infinitas espinas. Del

rock con tintes stonianos de La

fosa de Las Marianas a la cabaretera

En boga, con coros y vientos

al más puro Transformer (72),

pasando por el mambo de azufre

de Salvador en la plaza del pan,

irresistible en el corazón y esa

belleza dolorosa que se desborda

en Como se odian los amantes

y funde amaneceres, a ritmo de

ranchera, en la majestuosa Noche

americana. —DAVID PÉREZ

Testura

Testura

Forbidden

Colours

ELECTRÓNICA / Ander

7

Mujika ha mantenido

una actividad incansable en

el mundillo musical desde la

separación de Napoka Iria, pero

hasta ahora se ha dado siempre

en forma de colaboración y apoyo

a otros artistas. Su parte más

creativa y personal ha permanecido

oculta en todo este tiempo,

acumulada en pequeños esbozos,

ideas inacabadas y apuntes

prometedores que, por fin, ha

decidido pulir y redondear y dar

a conocer. Un ejercicio íntimo y

tan solo compartido con Felix

y Johannes Buff para que mezclen

y añadan sutiles capas de

sonido con extrema delicadeza y

elegancia, que se ve aumentado

y enriquecido en su traslación

al directo, por la proyección de

coloristas transparencias de

Maialen Belaustegi. Pero Testura

es, ante todo, un lienzo sobre el

que emergen nuevas, etéreas e

irrepetibles formas en cada escucha

y visualización, del que este

delicioso vinilo es tan solo una

bella y muy prometedora primera

muestra. —ANTTON ITURBE

Viva Belgrado: la democracia

del grito

Viva Belgrado

Bellavista

Aloud Music

9

ROCK /Decir que Viva Belgrado han cambiado

puede resultar una obviedad, sin

embargo el miedo al cambio era un factor

común de muchos de sus seguidores mientras

que los cordobeses nos avanzaban

un corte como Más triste que que Shinji

Ikari. Y es que resultaba un adelanto

perturbador para los amantes de la cara

más screamo o punk de la banda. Ahora,

con todo el material disponible, podemos

decir que el cambio no ha sido tan drástico

pero al mismo tiempo que Bellavista

no es un trabajo continuista con respecto

a Flores, carne (14) y Ulises (16). Estamos

ante un disco mucho más accesible pero

igualmente hiriente. Un larga duración

no pensado para nadie y hecho para todos

los que deseen algo más que un simple hit

festivalero. Bellavista es una referencia

con un mensaje intergeneracional prácticamente

inexistente en el panorama musical

nacional. Al escuchar el tridente inicial

conformado por Una soga, Bellavista

y Cerecita Blues apreciamos que Cándido

Gálvez es un portavoz de sentimientos

en los que todo el mundo tiene derecho a

verse reflejado. El grito es solo un recurso,

uno más de su paleta de posibilidades. Lo

que no ha cambiado es un discurso que va

desde el desamor al nihilismo en un par

de fraseos. Reiteramos, el grito es solo un

recurso de rabia y tensión. La sensación

y el sentimiento van a seguir ahí incluso

con el sustento de una guitarra flamenca

o unas pocas de palmas, Un collar, o en

ritmos urbanos cercanos a un elegante

pop urbano salpicado de trap. Todo cuadrado

en texturas musicales de unos músicos

que se conocen bien y saben que son

capaces de fabricar el paisaje sonoro que

se propongan. ¿Candidatos a honores en

2020? Sin duda, ya que tras los pasos de

Standstill, son la cruz de guía de mucha

gente que no ve la luz más allá de su local

de ensayo. Uno de los referentes actuales

de una música que golpea y emociona a

partes iguales. Ellos son la democracia

del grito. —ROJAS ARQUELLADAS

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junio 2020 #35


36/Mondo

Media

“Sigo con la sensación

de que moriré muy pronto,

así que o escribía Baricentro

ahora o no lo haría nunca”

LIBROS

Notas a

Apocalypse

Now

Eleanor

Coppola

Barlin

LIBROS

Hernán Migoya Memorias en el

FOTO: ARCHIVO

Tras todo gran hombre hay una

gran mujer, dice la máxima

aquella. Eleanor Coppola es esa

mujer, cineasta y escritora, de

la que nadie habla cuando se

echa mano de la épica del rodaje

de Apocalypse Now. Pero leer

su sincero diario sobre los tres

asfixiantes años de rodaje, son

todo un reconocimiento de la

dureza de convivir con Francis

Ford Coppola aquellos días.

—JAVIER CASTILLO

Escritor y músico, el valenciano

Mr. Perfumme nunca ha sido un

autor corriente. Lleva varios

títulos dejándolo claro, pero si

pensábamos que Saber matar

era la máxima demostración, nos

equivocábamos. Transirak es

una locura descontrolada. Solo

que una locura trenzada a la perfección

dentro de su aparente caos

y con una galería de personajes

surrealistas con mucha miga. Un

placer distinto. —JOAN S. LUNA

9

Transirak

Mr. Perfumme

Niños Gratis*

8

paraíso de la compra

Nombre destacado del

cómic estatal, el guionista

y escritor Hernán Migoya,

voluntariamente exiliado

desde hace años en Perú, se

adentra una vez más en el

mundo de la literatura con

Baricentro (Reservoir Books,

20). Relato autobiográfico

en una de las novelas más

sinceras y emotivas de la

temporada en nuestro país.

Debe ser una soberana putada

publicar una novela tan genial

como Baricentro y que

llegue un virus, nos encierre

a todos en casa y joda el plan promocional.

Hernan Migoya lo ve de otra

manera. Para este guionista de cómics

nacido en Ponferrada y crecido en

Barberà del Vallès, ciudad dormitorio

del extrarradio barcelonés, el bajón

vino durante el proceso de creación

de la obra, cuando pasó por fases de

entusiasmo combinadas con otras de

depresión profunda en las que creyó

firmemente que a nadie le iba a interesar

lo que estaba escribiendo. La recompensa

de un escritor es terminar

su novela y la guinda, publicarla, sostiene.

“Lo demás no me importa, de

verdad. Baricentro existe, es lo único

importante. Casi todos los libros que

adoro no están nunca en boca de nadie,

así que no me afecta. Baricentro

llegará a quien deba llegar”.

Hernán Migoya vive opcionalmente

exiliado en Lima desde hace años.

Cuando se le pregunta por su expatriación

voluntaria, responde que son

diversos los motivos que le llevaron

a Perú. “Descubrí un país más joven,

menos crispado y más ilusionado

que el nuestro. No tener que padecer

rencillas de identidad en tu entorno

ni discusiones políticas por cualquier

tema supone un alivio indescriptible

para el espíritu. Y, no menos importante,

está la cuestión estética: siempre

he encontrado muy bellos a los

andinos. Me encanta pasear y estar

rodeado de personas hermosas y todas

morenas… Excepto los pijos, que

son rubios y feos”. Más allá del atractivo

de los peruanos, puede que hayan

sido los casi diez mil kilómetros que

separan Lima de Barcelona lo que le

ha permitido dar vida a una novela

tan personal como Baricentro. O no,

contrarresta él. Tal vez si se hubiera

quedado de hijo divorciado cuidando

a sus padres, también se hubiera visto

escribiendo en un rincón de su cuarto

de siempre. “Pero vivir en Lima sí me

ha proporcionado un mirador privilegiado,

como dicen las agencias turísticas,

y un filtro más antropológico.

Te das cuenta de lo poco importantes

que somos en cualquier parte del

mundo”.

Todos los héroes de Hernán Migoya

murieron hacia los cuarenta años.

Freddie Mercury, D.H. Lawrence...

Robert E. Howard incluso antes, a los

treinta. Por eso el guionista y escritor

siempre pensó que moriría a los

cuarenta y seis años. “Ahora tengo

cuarenta y ocho y no entiendo por

qué sigo vivo. No tengo hijos ni voy a

tenerlos, ya no sirve de nada que yo

esté aquí. Para mí es como un tiempo

regalado, de más. Pero sigo con la

sensación de que moriré muy pronto,

así que o escribía Baricentro ahora

o no lo haría nunca”. La génesis de la

novela se encuentra en la anécdota

que conforma el prólogo. Aquella

visita al centro comercial Baricentro

en la que su hermano y él acompañaron

a sus padres enfermos despertó

en ellos la sensación de que volvían a

ser la familia ilusionada, eterna y feliz

que cuarenta años antes acudía de

compras a ese mismo lugar. “Yo estoy

acostumbrado a basar mis novelas en

sucesos fantásticos, de imaginación

pura, y no concebía que algo así pudiera

interesar a nadie. Pero me di cuenta

de que podía servir para exhumar mis

fantasmas personales y, de paso, darles

una tunda”. —ORIOL RODRÍGUEZ

R

Más en www.mondosonoro.co

Baricentro

Hernán Migoya

Reservoir Books

#36 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro


CÓMICS

Depresión

o victoria.

Crónica

de una

batalla

Meritxell

Duran

Reservoir

Gráfica

7

LIBROS

Marc Ros

Bailar con el lector

“Escribir es como una

droga; te lleva del cielo

al infierno en un clic”

MONDO

MEDIA

Normalización de una enfermedad

tan seria como la depresión

en formato gráfico a través de

afectados en primera persona,

testimonios, doctores y terapeutas.

Construida con todas esas

voces y la de la propia Meritxell

Duran, estamos ante una biografía

coral que ahonda en los entresijos

mentales y físicos de un

modo amable y universal, entrando

en la terrible oscuridad y saliendo

–no siempre– para atisbar

la luz a ratos. —OCTAVIO BOTANA

¿Has visto alguna vez a personajes

de una gran novela cobrar

vida? ¿Has llorado y reído con

ellos? ¿Les has llegado a querer

y odiar y/o compadecer como

si formasen parte de tu propia

familia? Tu vida no es como la

esperabas, eso ya lo sabemos.

Pero Essex County tampoco, y

es importante que lo entiendas,

porque nada es normal dado que

antes nunca lo fue. Bravísimo.

—OCTAVIO BOTANA

Essex

County

Jeff Lemire

Astiberri

9

Squeak

The Mouse

(Integral)

Massimo

Mattioli

Fulgencio

Pimentel

Massimo Mattioli (1943-2019) ofrece

en Squeak The Mouse su Apocalipsis

slapstick. Respetando las

formas de los cartoons clásicos

crea una cacería underground de

gato-y-ratón disparatadamente

gore y con episodios de contundente

porno. Todo sin diálogos,

con colores pop y una página de

doce viñetas fijas. Ejemplo claro

de que el cómic es uno de los

medios más adecuados para la

comedia. —OCTAVIO BEARES

9

Quiero empezar este texto

puntualizando una cosa. Aquí

y ahora estamos hablando

con Marc Ros, un escritor que,

casualmente, también es el

cantante y compositor de

Sidonie y no al revés. Sigue

la flecha. Se hace saber que el

artista ha debutado con una

novela que se titula

El regreso de Abba (Suma de

Letras, 20).

EL REGRESO DE ABBA es una

obra que poco corresponde a lo

que cabría esperar de una opera

prima. Al contrario, me atrevería

decir que su estilo combina un

perfecto pulso entre la pasión y la madurez,

entre el fetichismo y la introspección.

Trazado con un oficio propio

de los escritores más experimentados.

Y, aunque el resultado sea impecable

y contagioso para el lector, no ha sido

una tarea nada fácil para el artista.

“Escribir es como una droga; te lleva

del cielo al infierno en un clic, pero yo

tengo que confesar que he estado más

instalado en el infierno. Empezó cuando

ya llevaba cincuenta páginas escritas

y me vi en un punto de no retorno.

Ya había desarrollado una relación con

los personajes. Los quería, formaban

parte de mí, los veía por casa, hablaba

con ellos y en ese momento fui incapaz

de abandonarlos. Además, tengo la

sensación de que la literatura me ha

salvado muchas veces la vida, o vamos

a decir que me la ha mejorado. Así que

esta es mi manera de devolver el favor

a todos aquellos escritores que alguna

vez me han ayudado”. De la trama se

desprende un halo de malditismo que

se puede oler y que también ha estado

presente en la vida de Marc. ¿Es posible

ser artista y feliz? “No. Como decía Virgina

Wolf: ‘vivir o crear’. Ahora pienso

que no tenemos que estar tan al límite,

pero sí que las grandes obras se hacen

desde el conflicto y esto desgasta mucho.

Esto no significa que tengas que

ser Kurt [Cobain] y quitarte la vida al

día siguiente, pero el conflicto tiene que

estar”. En esa distancia que existe entre

el arquetipo y el personaje, encontramos

a Marc, escondido entre muros,

disimulando ante cualquier atisbo de

correspondencia. Sea como sea, uno

de los méritos de este libro es que los

protagonistas se hacen tan vivos, que

parecen más reales que algunos ami-

gos. Y, como Pinocchio, casi toman vida

al margen de las palabras impresas.

“Hugo y Domènech tienen más cosas

de personas ajenas, pero en cambio

para Abba no he tenido que ir más lejos

de mi casa. No me ha hecho falta documentarme

demasiado, porque parece

que ya estaba muy hecha. Pero al mismo

tiempo es la que dejo más al aire.

Me apetecía que permaneciese abierta

de alguna manera”.

EN LA NOVELA LAS PALABRAS se

dividen entre la acción y la reflexión.

Marc baila con el lector, con unas frases

que incendian esa luna que ilumina

el alma de cada noche. “En la mayoría

de páginas soy yo, con mis referencias y

mis modelos en el cogote. Pero con mi

propia voz, que surge del error y de mi

incapacidad para copiar a mis héroes

literarios”. Inmiscuirse en la piel de

Abba, cantante de un grupo pop, mujer

y protagonista, ha sido un proceso

natural para Marc. “Al principio pensé

que seria difícil, luego empecé a pensar

en autores que se habían puesto en

la piel de una mujer y me dejé llevar.

Liberé mi parte más femenina. Nunca

me he sentido claramente hetero y el

hecho de que mi condición sexual divague,

ha sido para mí de gran ayuda”.

Hay un momento de cierto erotismo en

el libro… “Claro yo no tengo ni idea de

cuál es la sensación de ponerse un dedo

entre los muslos y tocar un clítoris,

pero he visto hacerlo y he intentado

imaginármelo y creo que al final he

conseguido describirlo y comunicarlo”.

—ANDREU CUNILL

R

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El regreso de Abba

Marc Ros

Suma de Letras

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Bohannon

Origen: Newman, Georgia (Estados Unidos), 1964-1990 - Fallecido en 2020

FUE UNO DE TANTOS actores secundarios

del estallido disco,

aunque es de ley recordar que

su música iba mucho más allá,

tanto como precursor del género como

también –faceta esta menos conocida–

como ingrediente fundamental en

las bacanales rítmicas que, desde las

discotecas de Chicago, removieron las

aguas de la pila bautismal del house

a mitad de los ochenta. No lo tuvo fácil

para hacerse un hueco preeminente:

sus primeros álbumes vieron la luz en

un periodo copado por obras maestras

de la música negra (Marvin Gaye, Curtis

Mayfield, Stevie Wonder), en el primer

tramo de los setenta, y la propuesta

de Hamilton Bohannon tenía además

siempre un componente de raíz muy

marcado, más propenso a la agitación

febril –irresistible, eso sí– que al estribillo

memorable. Algo perfectamente

lógico, teniendo en cuenta que se había

curtido como batería desde 1964 en

la banda de directo de Stevie Wonder,

cuando este aún era Little Stevie y apenas

contaba trece años. Era previsible,

pues, que el ritmo sería el condimento

esencial de su discurso: repleto de

funk, groove y una sensualidad cruda

y frondosa, sin amaneramiento alguno,

sin la sofisticación mullida del disco

lounge pregonado por Barry White o

Isaac Hayes. Credenciales, por cierto,

que también le garantizarían mayor

repercusión en Reino Unido –donde

siempre cotizó al alza la negritud sin

conservantes ni colorantes– que en su

propio país.

NACIDO EN GEORGIA, el joven Bohannon

(siempre tuvo a bien primar su

apellido por aquello de honrar a su familia)

se mudó a Detroit a mediados de

los sesenta para hacerse un hueco en

la Motown como instrumentista al servicio

de Marvin Gaye, Smokey Robinson,

The Four Tops o The Temptations.

Cuando Berry Gordy decidió trasladar

la discográfica a Los Angeles, en 1972,

él decide quedarse en Detroit, monta

su propia banda, The Fabulous Counts

(en la que militan Dennis Coffey y Ray

Parker Jr) y es cuando emprende una

carrera en solitario cuyos estupendos

seis primeros álbumes edita el sello

Dakar. Destacan entre ellos Stop & Go

(Dakar, 72), Keep On Dancin’ (Dakar,

73), con delicias downtempo como

Have A Good Day –que prueban que su

versatilidad va más allá del remolino

rítmico– o Bohannon (Daker, 75), en la

que destaca la definitoria Bohannon’s

Beat (Part 1), uno de tantos temas que

facturaría con su nombre como seña

distintiva, junto a baladones en medio

IMPRESCINDIBLE

The Collection

(Spektrum, 04)

DADO QUE LO MEJOR que hizo Bohannon

se reparte en cerca de una

decena de álbumes durante los

años setenta, entre los cuales es

complicado señalar alguno como

su indiscutible obra maestra, lo

mejor es adentrarse en su obra

con The Collection (Spektrum, 04),

recopilación de catorce de sus

mejores petardazos. Todos juntos

forman una secuencia imbatible.

de tanto stomper como Gentle Breeze o

Think Of Me.

CUANDO EL FENÓMENO disco corre

como la pólvora por todo el planeta,

sus discos cobran algo más de visibilidad.

Es lo que ocurre con Dance

Your Ass Off (76), Gittin’ Off (76) y,

sobre todo, con Summertime Groove

(78), ya editado en Mercury. De este

último se extrajo la contagiosa Let’s

Start The Dance, una canción que, junto

a Coming On Strong (78), su dueto

con Caroline Crawford, acabarían

convirtiéndose unos años más tarde

casi en himnos en clubes de Chicago

como el Warehouse o el Music Box, en

los que Frankie Knuckles y Ron Hardy

–respectivamente– las pinchaban de

forma habitual. De esta forma, al igual

que ocurriría con otras canciones de

versos libres de la disco music, como

I Need You (80) de Sylvester e incluso

High Energy (1984) de Evelyn Thomas,

la música de Bohannon formó parte de

la simiente del house.

SU DISCOGRAFÍA se fue diluyendo

hasta su último trabajo, el flojo Here

Comes Bohannon (89). Pero para entonces

ya era carne de sampler: Public

Enemy, Ultramagnetic MC’s, Jay-Z, Mary

J Blige, Pete Rock, Jungle Brothers, Mr.

Oizo o Justin Timberlake parchearían

su música con fragmentos de sus canciones,

mientras él ya vivía retirado

de los focos, viviendo de sus derechos

de autor y convertido en un ferviente

devoto cristiano, al igual que Donna

Summer. Tan solo el éxito del Get Get

Down de Paul Johnson, en 1999, que plagiaba

de forma muy poco disimulada el

patrón de su Me & The Gang, de 1978 (y

que le valió a Johnson una demanda),

hizo que recuperase un nicho en la

actualidad diaria. Hasta su muerte, en

abril de 2020. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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#38 junio 2020

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