MondoSonoro Junio 2020

BUNBURY, NOSTALGIA.EN.LOS.AUTOBUSES, PERFUME GENIUS, EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN, HNOS MUNOZ, PANTOCRATOR, LAURA MARLING
VETUSTA MORLA, C. TANGANA, RECYCLED J., THE PRETTY RECKLESS, PROTOMARTYR, MELENAS, THUNDERCAT, NIÑOS MUTANTES
Nº 284 Junio 2020 www.mondosonoro.com
The 1975
Tocar el cielo

5/Mondo
freako
FOTO: JOSE GIRL
Bunbury
Lo posible
El acomodo no va con Bunbury. te enriquece como autor y hace más serían discos más contemporáneos y
Y eso hace que la indiferencia interesante el viaje a aquellos que les alejados de la raíz y la tradición. Me
gusta o aprecian tu visión. Por supuesto,
en todo hay excepciones y seguro que fue un disco de versiones lati-
dejo fuera Licenciado Cantinas (11)
del público tampoco. Es
difícil permanecer impasible que se nos ocurren nombres a los noamericanas, bastante sui generis
ante sus discos, porque el
que les ha pasado justo lo contrario. y El libro de la mutaciones (15) que
zaragozano siempre se la
Artistas que por moverse demasiado fue un unplugged muy poco acústico
han despistado al público. Y otros que y que enlaza con mis últimos discos.
juega. Es imprevisible, y eso
repitiéndose eternamente cada vez les Me parece que, desde que comienzas
lo hace único. Ahora publica va mejor”. A él, desde luego, mal no le una nueva aventura hasta que das por
Posible (Warner, 20)
va. Su público parece haber entendido terminada una etapa, se necesita un
a la perfección las reglas del juego, tiempo razonable”.
ENRIQUE BUNBURY consistentes en construir una carrera MUCHOS SE HAN APRESURADO A
SIEMPRE HA ACTUA- con discos que encajan entre ellos, LIGAR este último trabajo, por su fondo
electrónico a aquel Radical sonora
DO como si el riesgo como un rompecabezas de incierto
fuera algo tan ligado final. “Sí, claro. Pequeño (99), Flamingos
(02) y El viaje a ninguna parte (04) en su momento. “No fue un disco que
(1997), mucho más valorado ahora que
a él como sus propias
canciones. Y eso es algo serían mis discos con la mirada puesta
fuera muy bien recibido, pero con el
de lo que no está exento su nuevo
disco, Posible, aunque el aragonés lo
ve desde otro prisma. “Últimamente
en el Mediterráneo y la raíz de la
música latinoamericana. El tiempo de
las cerezas (06), Hellville de Luxe (08)
tiempo ha ganado adeptos y he leído
bastantes artículos reivindicándolo,
tanto en España como en América. Yo
pienso justo lo contrario. Lo arriesgado,
pienso, es no moverte de la bal-
discos más cercanos a la Americana y nos uno de otro. Tienen sus conexio-
y Las consecuencias (10) serían los veo (a Radical… y a Posible) muy 3leja-
dosa. Creo que evolucionar y buscar la frontera de Estados Unidos. Y Palosanto
(13), Expectativas (17) y Posible claras. Además, aunque entiendo que
nes, pero también diferencias muy
nuevos contextos para expresarte,
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro junio 2020 #3
“Repetir fórmulas es,
probablemente, cavar
tu propia tumba”

MONDO
FREAKO
EN CONCIERTO
l Barcelona 4 septiembre, Poble Espanyol
l Zaragoza 11 septiembre, Recinto Expo
l Málaga 18 septiembre, Auditorio Municipal
Cortijo de Torres
l Valencia 25 septiembre, Plaza de Toros
l Madrid 2 octubre, WiZink Center
EL APUNTE
Político y social,
pero menos
BUNBURY HA CARACTERIZADO sus últimos discos
por mensajes directos hacia los que nos
gobiernan y hacia todo lo que pasaba, y no le
gustaba, a nuestro alrededor. En este Posible
sigue subyaciendo esa forma de hacer las cosas
–“hay quien prefiere continuar dormido”,
le oímos cantar–, pero estos mensajes aparecen
más con cuentagotas. ¿Se ha cansado el
artista de utilizar esa ironía para postularse
sobre temas muy complicados? Él mismo nos
aclara que no, que solo es cuestión de hacia
dónde le han llevado, esta vez, las canciones.
“Es cierto que en mis dos anteriores discos
de estudio (Palosanto y Expectativas) quise
reflejar un momento social que me parecía
interesante. Un prisma con muchas caras que
merecía atención. Este disco no tiene esa
mirada hacia lo que ocurre aquí o allá. Pero
es inevitable que alguna frase se te cuele”.
—E.I.
3desde algunos ámbitos se pueda considerar
Posible como un disco que gira hacia la electrónica,
yo no puedo estar más en desacuerdo.
Si le preguntas a cualquiera que esté metido
dentro de ese mundo, rechazará la consideración.
Posible es un disco de canciones, que
tiene sintetizadores y utiliza el ordenador y
el estudio de grabación como herramienta de
producción, pero ni utiliza las estructuras ni
las harmonías, ni los ritmos de la música electrónica”.
Y hasta la producción nos vamos ¿es
esa la principal novedad de estas canciones?
Porque quizá con una producción más clásica
hubieran encajado bien en otro disco. “Totalmente
de acuerdo. Podría haber arreglado las
canciones para que funcionaran en un disco
de mi etapa más americana o en la más latina”.
Entonces, quizá ese trabajo con sintetizadores
y más electrónico es la única manera de evolucionar
el rock. Raro ¿no? “Las opciones que
te ofrecen los avances tecnológicos están ahí a
tu disposición. Puedes usarlos o no. Se puede
ser un gran artista utilizando instrumentos
del siglo pasado o del medievo, sin problema.
Pero, The Beatles utilizaron la tecnología que
tenían a su disposición y la aprovecharon.
Hendrix se volvió loco cuando descubrió el
panning estéreo en Electric Ladyland o cuando
se compró un wah-wah. Y cuando aparece el
melotron o el Moog o el theremin... Tantos artistas
se volcaron a ver qué podían hacer con
ellos. Las opciones ahora son casi infinitas.
Yo estoy muy a favor de los Plug-ins y sé cómo
manejar un sistema analógico y combinarlo
con el digital. No hay reglas. Todo vale y todo
es posible. Así es el siglo XXI. Existen tantas
opciones coexistiendo a día de hoy que generalizar
se ha vuelto ridículo”.
—EDUARDO IZQUIERDO
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: JOSE GIRL
LA MÍA
Si hay que luchar,
se lucha
Casi sin que nos diésemos cuenta
se nos ha complicado la vida lo
indecible. Sí, a nosotros, la gente
que mes a mes hace esta publicación
que estás leyendo, pero también a
mucha, muchísima otra gente que trabaja
en miles de propuestas de lo más diverso.
El golpe ha sido duro e inesperado. Nadie
lo vio venir, nadie ha podido esquivarlo
demasiado en el mundo de la música. Ni de
la cultura, ni de muchos otros campos que
han quedado muy tocados y que solamente
tienen una salida: trabajar duro y confiar
en la faena bien hecha. En eso estamos. Es
lo que estamos haciendo nosotros, y lo que
están haciendo profesionales de diversos
sectores. Por eso, aunque lloré la desaparición
de Rockdelux, todo un referente en
el mundo de las publicaciones musicales
de este país y una de las revistas con las
que crecí, no voy a regodearme en la complicada
situación actual. Y no lo haré por
varios motivos. En primer lugar porque soy
mucho más optimista de lo que mis gustos
musicales reflejan. En segundo porque
confío en que estamos todos juntos en
esto de achicar el agua que se nos ha ido
colando en las embarcaciones que dirigimos.
En tercero, porque estoy convencido
de que hacemos las cosas bien. Y que las
seguiremos haciendo. Y cuando cometamos
errores, aprenderemos de ellos como hemos
aprendido hasta el momento.
¿A qué me refiero cuando hablo de hacer
las cosas bien? Pues a que Mondo Sonoro
va sumando lectores, siempre hacia arriba.
Las visitas a nuestra web se incrementan
mes a mes, también la incidencia en redes
sociales gracias a nuestra gran actividad,
la repercusión de nuestros contenidos,
etcétera. También han aumentado de forma
exponencial las impresiones de nuestra
publicación en difusión digital y el número
de lecturas. En evidente que los ingresos
que nos genera el papel son importantes,
importantísimos, pero Mondo Sonoro lleva
años pensando tanto en digital como en
físico (iniciamos la singladura de nuestra
web en 1998, que se dice pronto). Así que
sabemos que vamos por buen camino. A eso
le podemos sumar que el rango de edad de
nuestros lectores y lectoras continúa ampliándose,
y no solamente por arriba, sino
también por abajo (más de un cuarenta por
ciento de nuestros lectores se sitúa en la
franja entre 18 y 34 años, mientras que la
cifra de menores de 18 va incrementándose
paso a paso, siguiendo la máxima aquella
de sin prisa pero sin pausa). Hay muchas
formas de hacer bien las cosas. Y nadie ha
tenido nunca la exclusiva en eso. Lo dicho:
No somos los únicos afectados y si hay que
luchar, se lucha. Como todo hija e hijo de
vecino, como con total seguridad un gran
porcentaje de las personas que estén leyendo
ahora mismo este breve texto.
—JOAN S. LUNA
#4 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

nostalgia.en.los.
autobuses
La irrealidad
de un encierro
¿Estamos ante el primer
trabajo discográfico en
España que es directamente
fruto del confinamiento, para
bien o para mal? nostalgia.
en.los.autobuses es el nuevo
alias creativo que ha elegido
David Ruiz (La Maravillosa
Orquesta del Alcohol, es decir,
La M.O.D.A.) para presentar su
primer proyecto en solitario.
Se trata de 2.0.2.0., un EP de
cinco canciones, producido por
Raül Refree, que ni siquiera él
mismo tenía previsto.
trarnos al cien por cien”, comenta David
Ruiz. “Eso nos pilló de pleno currando.
Tuvimos que pararlo todo de golpe y
fue un palo, como para todo el mundo.
Y un bajón. Yo nunca había pensado
hacer nada en solitario, aunque siempre
había fantaseado con ello. Pero a las dos
semanas, supongo que por una cuestión
de que es lo que me sale y lo que me
pide el cuerpo, y por desahogarme, hice
un tema que me moló. Me empecé a
motivar un poco y luego hice otro, y se
"Siempre había
fantaseado con hacer
algo en solitario"
EL CONFINAMIENTO lo cambió
todo. Obligados a encerrarse
cada uno – como todos nosotros–
en su domicilio. Y de esa
extraña sensación de aislamiento físico,
a veces angustioso y a veces claustrofóbico,
siempre necesitado de localizar algún
atisbo de esperanza en el futuro, nacieron
estas cinco canciones, masterizadas
por Alex Psaroudakis desde su estudio
en Nueva York y con diseño a cargo del
iraní Maziyar Pahlevan. Cada uno de
sus cinco cortes ha visto la luz en plataformas
digitales de forma individual,
durante cada lunes del mes mayo. Nos lo
cuentan en esta entrevista a dos bandas.
“LLEVÁBAMOS TIEMPO currando en
el disco de La M.O.D.A., casi desde otoño
de 2018, pero de forma muy tranquila, y
este año, después de hacer el WiZink en
noviembre, que es cuando terminamos
la gira, nos habíamos tomado un respiro
de los escenarios para poder cenlo
mandé a Raül instintivamente. A él
le gustó”. Y ahí surgió el proyecto nostalgia.en.los.autobuses.
La premisa era
que todo se hiciera bajo la libertad más
absoluta. Sin ningún prejuicio ni idea
preconcebida. El plan era que no debía
haber plan. Pero sí hubo un nombre
que cambió el chip. “Raül me mandó
Animals, un tema de Oneohtrix Point
Never, y flipé, nunca había escuchado
nada parecido”. El encierro doméstico
hizo el resto. “Nos dimos cuenta de que
podía ser interesante ceñirlo al momento
que estamos viviendo, algo nacido del
confinamiento y de las herramientas y
las posibilidades que nos permite, y al
final hemos sacado algo positivo de la
putada que es esta pandemia”. Raül Refree
afirma, por su parte, que “lo que no
tenía ningún sentido era pensar en estas
canciones como algo más hi fi, dada
la situación, y eso para mí marcaba el
camino, y era importante que se notara”.
Sobre el influjo de Oneohtrix Point
Never, pensó que era importante por ser
“alguien que trabaja desde la soledad de
uno mismo, como la mayoría de músicos
de la electrónica, con el sampleo y el
ordenador, pero al mismo tiempo en su
caso con canciones muy bonitas que no
tienen miedo a añadir efectos en la voz,
o de pitchearlos, y no por eso dejan de
ser canciones muy emocionantes”.
EL RESULTADO tenía que preservar,
por fuerza, el sentimiento de los días de
confinamiento desde una perspectiva
poco complaciente, lejos de casi toda la
R
MONDO
FREAKO
música que se ha proyectado estos días a
través de los medios, basada en refritos
y versiones. “Las canciones de David tal
y como él las concibió ya me gustaban,
pero no quería que se quedaran en el
punto folk de una guitarra y una voz, y
me parecía que esta valentía de trabajar
con timbres agresivos y al mismo tiempo
asfixiantes era una manera de recomponer
la realidad en que nos encontrábamos”,
argumenta Raül.
EL TRABAJO, lógicamente llevado
a cabo a distancia, sin intermediación
de ningún estudio común, ha supuesto
una válvula de escape para ambos, una
forma de dar con un material creativo
que difícilmente hubiera brotado en
una situación de relativa normalidad.
Pese a ello, David intentó que “no fuese
una cosa conceptual de la pandemia
ni hacer referencias directas, porque
no me salen y no me molan, y pese a
que el confinamiento ha marcado la
línea ideológica del EP, eso creo que no
se refleja en el contenido”. Al mismo
tiempo, para Raül fue una forma de dar
carpetazo a “un reset que a mí me ha
funcionado, por encontrarle la parte positiva,
porque durante los primeros días
de confinamiento sentía que necesitaba
parar y desconectarme, y estar varios
días sin hacer música, sin pensar en ella
y sin siquiera escucharla”.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
Más en www.mondosonoro.com
RAÜL REFREE FOTO: CÉSAR SEGARRA
DAVID RUIZ FOTO: RODRIGO MENA Y JULIA JAUME
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #5

Palmar de Troya
Rock palmariano
Acaban de publicar el EP Palmar
de Troya (Linier Discos, 20),
un trabajo en el que podemos
encontrar el espíritu de bandas
como Fugazi, Milemarker o Hot
Snakes. Pero al margen de esos
nombres, lo que se esconde en
Palmar de Troya es una solidez
arrolladora.
LEER LA HOJA de servicio de los
miembros de la banda granadina
Palmar de Troya es un gustazo para
los amantes del underground nacional.
Desde el core de 8th Of September
hasta posicionamientos más ambientales,
pero igual de rebeldes de bandas como Red
Passenger o Alondra Galopa. “Nos pusimos
en funcionamiento en abril de 2019. Llevábamos
mucho tiempo queriendo hacer algo
juntos, pero las distancias y las responsabilidades
nos impedían hacerlo de una forma
que tuviera continuidad”.
Ahora, con su epé homónimo de debut
promueven dosis de desencanto con paradas
en el post-hardcore y post-punk de los
noventa. “Bueno, es la escena en la que nos
hemos movido siempre y no por comodidad,
sino porque es donde nos identificamos
más y encontramos más gente que entiende
la música cómo la entendemos nosotros.
Más que un tema de estilo, es de actitud
con respecto a determinadas maneras de
funcionar cómo banda. Si nos da el punto
de hacer un disco con una zambomba y un
fagot, lo vamos a hacer, no tenemos ningún
tipo de prejuicios ni hay una necesidad de
sonar a nada en concreto”. Y es que sobran
etiquetas al escuchar una propuesta que
abarca tanto tendencias nihilistas como
hedonistas e incluso revolucionarias. Tres
posturas que, en estos días complicados,
pasan por la cabeza de cualquiera a todas
horas. “El futuro estaba robado ya de antes
de la pandemia. Ahora estamos en un punto
de inflexión social del que podremos salir
reinventando muchos espacios o todo lo
contrario, con más control y menos opciones
de las que ya teníamos. Imagino que va
a depender de la respuesta de la gente a las
propuestas o decisiones que tomen los que
llevan el control”. —ROJAS ARQUELLADAS
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
“
Song For Our Daughter (Chrysalis/[PIAS],
20) es el séptimo álbum de la británica
Laura Marling. Una colección de canciones
sencillas con las que ha vuelto a su versión
más concisa. Un trabajo confesamente
exento de cualquier atisbo de modernidad,
remotamente inspirado en el libro Carta a
mi hija (08), de Maya Angelou.
“Me hubiera gustado
tener más seguridad
en mí misma”
Laura Marling
Carta nunca enviada
SONG FOR OUR DAUGHTER estaba previsto
para este verano, pero Laura Marling decidió
adelantar varios meses su publicación
como una forma de poner su granito de arena
en algo que miles de personas necesitaban durante
los meses de abril y mayo en sus casas: entretenimiento.
Nos lo cuenta por teléfono desde su casa
al norte de Londres, en la recta final de un confinamiento
que nos describe como algo que comenzó
“como un largo Boxing Day” y ha terminado siendo
más como “como una película de ciencia ficción”, a
medida que fueron pasando los días.
LA HECHURA CONFESIONAL siempre ha estado
ahí, presente –con más o menos subterfugios – en las
viñetas de folk delicado de la británica, pero en esta
ocasión Laura Marling se muestra especialmente orgullosa
de la naturalidad con la que ha cuajado una
fórmula apenas sostenida por voz, guitarra acústica,
piano y algunos arreglos de cuerda a cargo de Bob
Moose (alguien que ha trabajado con Paul Simon,
Bon Iver o Jose González). “Los sonidos empleados
responden a la necesidad que sentía de ser yo misma,
de no intentar aparentar ser más inteligente de
la cuenta”, argumenta, y aunque reconoce que “algunos
elementos no son muy espontáneos, porque los
coros están muy trabajados y las cuerdas son bastante
intrincadas”, lo fundamental es que lo considera
“el más natural” de sus álbumes. La coartada literaria
ha sido sumergirse, aunque “no en todas las canciones
del álbum”, claro, en la escritura a una hija que aún no
tiene, y que al final ella misma considera “como una
versión más joven de mí misma, más que una apelación
a una generación futura”.
DE HECHO, la conversación deriva a la visión que
Marling tiene, desde la perspectiva de sus treinta años
ya cumplidos, de aquella adolescente insegura que fue.
“Me hubiera gustado tener más seguridad en mí misma,
o más confianza a la hora de manejarme con seguridad
por la vida hasta ahora”, confiesa en uno de los muchos
arranques de sinceridad de la entrevista. ¿Se siente más
segura o más madura ahora? Pues no exactamente,
nos dice riendo: “Cuando era más joven me sentía una
persona muy madura, pero ahora me siento tremendamente
inmadura, y supongo que es una de esas grandes
ironías. Creo que utilicé esa sensación de madurez
como una forma de protegerme cuando era más joven
porque no encajaba en ningún lado, era un bicho raro”.
Vaya, que esa aparente madurez no era más que una
forma de enmascarar su propia inseguridad.
PESE A TRABAJAR esta vez con Ethan Johns como
productor, Marling reconoce que quien más hizo nunca
para que su música no se acomodase fue Blake Mills
(“me hizo cuestionarme hasta qué punto era perezosa”)
y asume la sombra de Paul McCartney en Blow By Blow
y For You (“le he descubierto tarde y me da mucha vergüenza
no haberlo hecho antes, sobre todo al de Jenny
Wren y su Chaos And Creation In The Backyard, de
2005) y la de Leonard Cohen en Alexandra. “Me encanta
la forma en la que escribe sobre las mujeres, aunque
sea controvertida”, esgrime. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
#6 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ROSTER
Son de lo más que hay
ahora mismo en la escena
subterránea barcelonesa. Alma
pop, posado punk rock garajero
y una verborrea que supura
un humor caústico como cura
para el mal de amor. Acaban
de publicar su segundo EP, La
masacre de putis (Helsinki,
20) y han fichado por el roster
Jägermusic. Un consejo, no te
puto pilles de ellos, te harán
disfrutar.
BARCELONA, NADA MEJOR que
hacer el primer día de la fase
1 que reunir a los miembros
Pantocrator. Bueno a casi todas
ellas y ellos, porque para la entrevista
se presentan la cantante y bajista Marta
Delmont (seguramente su nombre
os resultará familiar por su carrera
en solitario como cantautora), el guitarrista
Robert Busquets y el batería
Xiri Romaní. La teclista Marina Correa
aún debe estar confinada. "Estamos
bastante bien, algunos mejor que otros,
pero bastante bien", responde Xiri al
preguntarles por las secuelas de estos
dos meses encerrados. "Yo, personalmente,
lo he pasado muy bien. Han sido
dos meses divertidos. Creativamente,
hemos hecho bastante menos de lo que
podríamos haber hecho. Pero tampoco
es que nos sintamos excesivamente
culpables por ello". Delmont coincide
con él. Dice que todo el mundo está
igual y que a la hora de ponerse a escribir
nuevos temas, a Pantocrator el
enclaustramiento por pandemia les ha
ido como a la inmensa mayoría de grupos
y artistas. O eso imagina. "Algo nos
ha salido. Tenemos algunas ideas. Pero
vaya, tampoco ha sido una época de una
productividad extrema". No sé por qué,
pero me los imagino más fácilmente
gastando las horas en el Tinder buscando
matchs que componiendo. De la vida
normal, Xiri confiesa haber encontrado
a faltar los bares. Delmont también, los
bares y en su caso también los conciertos.
De hecho, ellos mismos tenían una
gira bastante completa por el país que
han tenido que cancelar. "Por primera
vez en la historia del grupo teníamos
bastantes bolos cerrados y se han ido
todos a la mierda".
LES PREGUNTO POR CÓMO empezó
todo y es Marta Delmont la que se convierte
en la voz narradora de la historia.
Explica que Pantocrator nació en una
época en la que Marina y ella estaban
emocionalmente destruidas, hasta que
llegó el día en el que se dijeron que
tenían que hacer algo con sus vidas.
"Algo que no fuera estar todo el día en
la terraza de un bar tomando carajillos".
“Teníamos bastantes
bolos cerrados y se han
ido todos a la mierda”
Lo primero que hicieron fue convertirse
en Youtubers. La experiencia duró
veinticuatro horas. "Obviamente fue un
desastre. Bueno, más que un desastre
de inmediato nos dimos cuenta de que
eso no era lo nuestro. Así que, aunque
Marina nunca antes había tocado, dijimos
de montar un grupo". Poco después
se unieron a la aventura Robert,
para el que Pantocrator también era su
primer grupo, y Xiri, músico con militancia
pretérita en bandas como Mine!
y presente compartido en grupos como
Alavedra. "Recuerdo perfectamente la
primera vez que escuché a Camellos.
Flipé", rememora Delmont. "Me dije
que quería hacer algo así. Nunca me
había atrevido a hacer canciones en
castellano por el rollo de sentirme
expuesta". Con Camellos, asegura, se
dio cuenta de que podía hacer letras en
castellano y encima molar. "Yo ampliaría
la lista de influencias a todo grupo
de pop rock español que tenga gracia
escribiendo sus letras", apunta Xiri, "ya
sean Los Punsetes o Carolina Durante".
Y sí, Pantocrator suenan a eso, a banda
de punk y rock garajero con sensibilidad
para las melodías ultratradictivas
y letras repletas de imágenes cómicas
de un costumbrismo cínico brutal. "Las
letras son cosa de Marina y mía y salen
de la vida misma. Sí que es cierto que
últimamente también les pedimos información
sobre sus vidas a Robert y a
Xiri, porque los dos están pasando por
una etapa bastante emocionante y apasionante.
Pantocrator es nuestra válvula
de escape a ser yonkis del amor".
DESCUBRIMOS A PANTOCRATOR
con Villacapullos (The Yellow Gate, 19),
EP que ya nos hizo arquear las cejas
de sorpresa gratificante y excitación.
"Marina estaba en esta época de drama
intentando llenar su vacío emocional",
revela Delmont. "Cada vez que vivía
FOTO: CRUELAUDIA
Pantocrator
Yonkis
del amor
uno de sus dramitas, cuando me lo
explicaba, remataba la historia con un
'otro día más en Villacapullos'. De ahí
salió el título del EP y el concepto, una
colección de temas inspiradas en los
capullos, obviamente". Ahora no solo
repiten sino que mejoran la jugada con
La masacre de putis, nuevo EP (para el
Record Store Day se publicará un vinilo
con los dos EP's, uno por cara) que esconde
entre sus surcos No te puto pilles,
hit instantáneo que cuando estoy redactando
esta entrevista ya suma 137.249
reproducciones en Spotify. Y sumando.
"¿En serio?", deja ir Xiri en un tono mezcla
de sorpresa y orgullo bien llevado.
"Este sería el resumen: ¿en serio? No sé,
no lo entendemos".
MARTA DELMONT EXPLICA que
siempre que escriben una canción
nueva les tiene que molar mucho a los
cuatro, si no la abandonan. "Pero vaya,
no tenemos demasiado buen ojo para
seleccionar los singles. Ninguno de nosotros
hubiera elegido No te puto pilles
y mira. Es un tema que nos gusta, pero
viviendo el proceso de creación desde
dentro tenemos otra visión y hay temas
que nos molan más". ¿Y de quién se han
putopillado últimamente los Pantocrator?
"Marina tiene un novio de Internet,
solo diremos esto", confiesa entre risas
Marta Delmont. Xiri, por su parte, admite
que "durante la cuarentena han pasado
muchos cosas. Todo hemos vivido
de una forma mucho más intensa. Han
aflorado muchos secretos. Ha habido
muchos cambios". —ORIOL RODRÍGUEZ
R
Más en www.mondosonoro.com
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #7

MONDO
FREAKO
FOTO: ARCHIVO
Einstürzende
Neubauten
Berlineses
Einstürzende Neubauten están
de vuelta con Alles In
Allem (Potomak/Gran Sol, 20),
ejercicio de lirismo marca
de la casa alterado por los
acostumbrados ejercicios de
brutalidad industrial y todo
un acontecimiento, teniendo
en cuenta lo esporádico de
su producción en los últimos
años. Un risueño Blixa
Bargeld responde desde su
confinamiento doméstico.
EN LA MALETA
Helena Hauff
Helena Hauff siempre
apuesta por la fuerza y por
la intensidad. Lo hace en
cada una de sus sesiones y
lo ha hecho en Kern Vol. 5
(Tresor, 20), la sesión que
ha grabado para el mítico
templo y sello alemán.
"Hemos perdido muchísimo dinero
como consecuencia de ello"
A
PESAR DE QUE POCAS bandas
han representado mejor
el contraste entre romanticismo
y cierto carácter marcial
asociado al pueblo germano, Blixa
Bargeld siempre ha renunciado a
identificarse como alemán y berlinés.
CUÁLES FUERON las razones
principales que te llevaron a
mezclar discos?
Estaba fascinada por la cultura
Dj desde que era muy jovencita. Cerca
de jugar a basket, siempre pensé que
era lo más cool del mundo. Cuando era
teenager empecé a ir muchísimo a los
clubes y me enamoré de la música electrónica.
Prácticamente toda la gente que
conocí durante aquellos años pinchaba
solamente en vinilo, así que yo también
quise aprender a pinchar discos hasta
el punto de que me obsesioné casi de
inmediato con los platos y los vinilos.
—¿Qué sesiones te gustaban cuando
empezaste a escuchar música electrónica?
Escuchaba constantemente Intergalactic
FM y Deep Mix Moscow.
—¿Cómo llevas estar confinada en
casa, siendo alguien que vive de pinchar
en directo para la gente?
Tengo que decir que es algo realmente
extraño. Por unos meses quizás esté
bien, pero espero que esto no se alargue
mucho. Me gusta girar y estar con la
gente, y pinchar frente al público. Esa
es mi vida. Ahora lo que hago es dedicar
tiempo a trabajar en el estudio y a cocinar
un montón. Ahora podemos salir y
los parques están abierto, así que voy a
empezar a escalar con un amigo. Hay un
muro aquí cerca y eso, por lo menos, me
ayudará a estar un poco en forma.
Europeísta convencido, el líder de los
Neubauten y también quien articula
el discurso lírico de la formación –el
aspecto musical es cosa de Alexander
Hacke, N.U. Unruh, Jochen Arbeit y
Rudolf Moser– se descuelga ahora
con un disco que refleja su visión de la
—¿Tienes alguna anécdota que recuerdes
de tus giras?
Tengo un montón de buenos recuerdos.
Sesiones al atardecer o a la luz de la
luna, festivales en castillos medievales,
en playas, en barcos, en terrazas,
incluso en desiertos. Son buenos recuerdos.
Pero también ha habido algún
viaje de locos. Una vez cancelaron
mis vuelos y tuve que ir en taxi desde
Bristol a Lyon. Fueron catorce horas de
coche y el taxista me dejó en la puerta
de la sala exactamente diez minutos
antes de empezar la sesión. Otra vez tardé
veintiséis horas en ir de Barcelona
a Hamburgo. Se suponía que tenía que
ir a Rusia, pero de nuevo cancelaron
los vuelos. Había tenido un accidente
y no podía llevar zapatos, así que viajé
veintiséis horas descalza y tuve que
dormir en la calle en Bruselas durante
el trayecto.
—¿Cuáles son tus DJ favoritos y por
qué motivos?
DJ Stingray, porque es una verdadera
leyenda y sigue inspirado. Umwelt, que
es una máquina. Pearson Sound, porque
adoro sus selecciones y su habilidad
para mezclar con destreza distintos
géneros. Steffi, porque puede llevarte
a través de un gran viaje y tiene una
técnica increíble. Pero, una vez más, hay
demasiada gente a la que adoro y no
sabría por dónde empezar la lista.
—RAÚL LINARES
ciudad que le vio nacer. O no, porque
tal y como nos tiene acostumbrados,
en las palabras de Bargeld siempre
hay lugar para el requiebro inesperado.
“Hay canciones que en apariencia
pueden hacer referencia a Berlín, pero
que en realidad provienen de otro
sitio. Por ejemplo Tempelhof, que no
se refiere a esa zona de la ciudad, sino
que es la evolución del nombre que
inicialmente tenía ese tema, Pantheon,
en referencia al Panteón de Agripa en
Roma. En realidad la única referencia
real a Berlín en el disco es Grazer
Damm. Es el nombre de la calle en la
que crecí, y la canción se convierte en
una suerte de historia autobiográfica
vinculada a esa calle. Pero el disco
carece de concepto narrativo. Cuando
le expliqué esto a Hendrik Otremba, el
escritor que firma la nota de prensa,
montó toda una teoría enfrentando
esa idea a la imagen de Berlín como
ciudad que carece de centro”. Y ahora,
consecuencia de ello, el decimocuarto
álbum de la formación en cuarenta
años de actividad, está pasando por
esa suerte de singular retrato del Berlín
prepandemia...
UNA PANDEMIA, dichosa crisis del
Coronavirus, que ha hecho saltar por
los aires la Fase IV del singular proyecto
de crowdfunding en el que Neubauten
llevan inmersos desde 2003.
“El momento culminante de la Fase IV
era una serie de actividades que iban
a tener lugar en Berlín en abril: un
concierto en el Konzerthaus, un viaje
en bus por Berlín conmigo ejerciendo
#8 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de guía, y una escucha del disco en los
estudios en los que se ha registrado
el disco. Quinientos supporters de
diferentes partes del mundo iban a
venir a Berlín a formar parte de esos
eventos, y todo eso ha tenido que ser
cancelado. Hemos perdido muchísimo
dinero como consecuencia de ello.
Ayer tuvimos una videoconferencia
hablando de cómo y qué tipo de tecnología
vamos a utilizar para seguir
trabajando juntos. No sé qué es lo que
va a salir de todo eso, pero supongo
que nos adentramos en una suerte de
frontera entre la Fase IV y la V en que
íbamos a girar por Europa y América.
Aún estamos decidiendo lo que vamos
a hacer”. —LUIS J. MENÉNDEZ
R
Más en www.mondosonoro.com
Alles In Allem
Potomak/Gran Sol
TAN.
CERCA
RRYa es oficial. El Tomavistas
Ciudad abre fuego para su temporada
2020-2021 con la actuación
de Austra el 5 de diciembre
en la sala Cool. La artista canadiense
presentará HiRUDiN
(Domino/Music As Usual, 20) en
el ciclo madrileño, aunque también
pasará por Barcelona para
ofrecer un concierto dentro del
Festival Mil·lenni. Será el 4 de
diciembre en La [2] de Apolo. Las
entradas para ambos conciertos
ya están disponibles.
RREl Cruïlla XXS, organizado
por los responsables del Cruïlla
Festival, llenará la ciudad de
Barcelona de actividades diversas.
Lo hará desde el 1 hasta el
31 de julio, con protagonistas de
lo más diverso y en escenarios
también diversos. De momento
se han confirmado artistas como
Rayden, Iseo, Kaydy Cain, Muchachito,
Delafé, Rufus T. Firefly,
Ms Nina y un largo etcétera.
Las entradas están disponibles
desde el 28 de mayo.
RREl Low Festival de Benidorm
no se celebrará en 2020, pero ya
ha confirmado fechas para el
próximo año. Será los días 30 de
julio a 1 de agosto. El día 25 de
junio se anunciarán los primeros
nombres confirmados.
RREl festival Animal Sound,
que se iba a celebrar los días 19
y 20 de junio en Murcia, anuncia
que se aplaza a después del verano.
Ahora anuncia sus nuevas
fechas, que serán los días 30 y 31
de octubre.
RRYa sabemos que la edición
número veintisiete del festival
Sónar Barcelona se celebrará
los días 17, 18 y 19 de junio de
2021. Y que incluirá la novena
de Sónar+D, pero hoy sabemos
otra cosas importante: el primer
gran espectáculo que se sumará
al evento. Será el espectáculo
inmersivo de los británicos The
Chemical Brothers en colaboración
con el artista visual Adam
Smith.
RREl festival SonRías Baixas
(Bueu, Pontevedra) se ve obligado
a aplazar su celebración
al verano del año que viene. Se
celebrará los días 5 a 7 de agosto
de 2021 y el primer artistas
confirmado es el rapero aragonés
Kase.O.
—MS
Protomartyr
Mulas de carga
Los de Detroit tienen continuación para el celebrado Relatives In
Descent. Ultimate Success Today (Domino/Music As Usual, 20)
insiste en su visión oscura, pero acentúa la carga de humor negro.
UN CAMPECHANO Joe Casey
(voz y letras), uno de los
frontmen más singulares que
han salido en mucho tiempo,
se atrinchera en un sarcasmo realista
y duro –el mismo que imprime a sus
magníficas letras–, no exento de humanidad,
para capear el temporal que nos
ha caído encima. “Como grupo tenemos
el feeling de seguir adelante porque
todavía nos entusiasma componer cosas
nuevas. Greg (Ahee, guitarra y teclados)
dijo que deberíamos meter saxos,
instrumentos de jazz de fondo. Parecía
imposible que funcionara, pero confié
en él”. Enlazándolo con los hallazgos
de bandas como The Pop Group, Casey
profundiza en la manida etiqueta “postpunk”.
“No es sonar como una copia
de una copia de Joy Division. Muchas
bandas de colegas se quedan estancadas
en eso. Para mí, post-punk debería
significar 'experimentación' por encima
de todo. Me alegro de que hayamos
podido meter estos elementos, porque
en el fondo seguimos siendo chicos del
Medio Oeste. ¿Meter un saxo de jazz?
Eso es demasiado pretencioso (risas)”.
El cuarteto ha recuperado el sentido de
emergencia brutal de su reeditado disco
de debut, lo que ha permitido a Casey reflexionar
sobre el paso del tiempo. “Pero
espero que no sea un disco de demasiado
bajón. Hay optimismo y humor. Está
escondido, pero está ahí”. Ese humor
desesperado, visible en el hilarante
vídeo de Processed By The Boys, aflora
desde la salvaje metáfora de la portada,
una mula de carga, y el título. “Acababa
de leer un libro sobre la historia de las
“Post-punk no es sonar
como una copia de una
copia de Joy Division”
mulas en el ejército norteamericano. Me
pareció un animal fascinante. Se las cría
para el trabajo, como bestias de carga.
Me pareció muy adecuado a lo que está
pasando y cómo me sentía”.
EL VOCALISTA PROFUNDIZA en
ciertos hallazgos melódicos ya explorados
en su anterior trabajo. “Ahora que
hemos empezado a tocar en lugares que
tienen buenos sistemas de sonido, la
gente quiere oírme. No puedo limitarme
a un farfulleo de borracho”. Similar
reto se ponen los músicos, que aportan
novedades rítmicas. “El objetivo principal
es no acabar encasillado”. Eso sí,
Protomartyr no son de esos grupos que
un día deciden pasarse a los sintetizadores.
“Creo que es muy fácil caer en la
trampa, especialmente en el estudio,
de decir: 'Vamos a hacer el disco entero
con teclados'. Es muy divertido, pero
pierdes la esencia. Siempre he oído que
no debes cambiar más del veinte por
ciento con cada disco, y es lo que nos
pasa. Siempre acabamos sonando a
nosotros, lo cual es bueno”. La impredecible
crisis sanitaria global supone
un golpe duro para un grupo que, como
casi todos hoy, depende del directo y
de vender camisetas. “El año pasado no
giramos gran cosa, así que nos tuvimos
que apretar el cinturón. Y esperábamos
ganar dinero este año. Pero hay que
ser realistas respecto al hecho de que,
cuando volvamos lentamente a la normalidad,
lo último que se van a permitir
son las aglomeraciones”. —JC PEÑA
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: DANIEL TOPETE
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #9

amb
desme
“Yo solo quiero estar con gente
que creen que van a ser los
mejores del mundo y que van a
cambiar la historia.”
C. T
#10 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Esta
ición
dida
angana
Convertido en uno
de los nombres más
internacionales de
nuestra escena, C.
Tangana continúa
dando golpes de timón
y sorprendiendo a
quienes pretenden
encasillarle. Un buen
ejemplo es su recién
estrenado EP, Bien
:( (Sony Music, 20),
motivo por el que
volvemos a charlar
una vez más con él.
— TEXTO Luis M.Maínez
C.
ANTÓN ÁLVAREZ ALFARO (Madrid,
1990) es C. Tangana y con
veinticinco años recién cumplidos
decidió que era el momento
de cambiar la música popular en
España y ponerla en consonancia
con el resto de Occidente, donde
los ritmos derivados del rap y el
hip-hop ya eran los dueños de todas las radiofórmulas
y los clubes. Las cosas han mutado mucho desde los
2000. La industria musical había perdido poder con
la llegada de Internet, así que la tarea era mayúscula.
Desde sus inicios ha ido dando pasos adelante, meditados
e inteligentes, hasta llegar a firmar un contrato
pionero con Sony Music y convertirse en uno de las estrellas
globales de nuestra escena musical, centenares
de millones de escuchas de sus temas en plataformas
de streaming mediante. Ahora estrena Bien :(, un epé
de cuatro temas que son tanto un repaso a su trayectoria
reciente como un nuevo intento de lograr el éxito,
experimentando con su propuesta. Lo ha conseguido
con Nunca estoy, uno de sus mayores éxitos recientes.
ESTE NUEVO TRABAJO tiene un lema, “Música
triste en español”, que es más que una coyuntura. “Si
lo piensas, hasta los grandes éxitos, menos Booty, que
es una canción de fiesta, son todos tristes: Mala Mujer
es 'soy un perro llorando por las calles, sin alma'.
Siempre he sentido que eso está en mi música desde
el principio. Y siento que 'Música triste en español' es
algo que me representa y que me va a representar”.
Tristeza y ambición. Hay hambre en C. Tangana, y una
visión de lo que quiere lograr propia de quien está empezando
y no de quien lleva más de diez años haciendo
música. “Yo solo quiero estar con gente que creen que
van a ser los mejores del mundo y que van a cambiar la
historia. Es algo que se entiende de una forma un poco
más sencilla cuando una madre te dice 'hay dos formas
de hacer las cosas, hacerlas bien o hacerlas mal…
Y para hacerlas, pues hazlas bien'. Pues eso es fliparse,
Las influencias
Tangana lleva años reivindicando tanto a los
artistas que le han marcado como a la cultura
popular española. Tanto es así que esta vez
incluso ha completado una playlist de Spotify
con todas las influencias que ha tenido. Un ejercicio de
sinceridad que para el que no todos los artistas están
preparados. “Tiene que ver con que, en este caso concreto,
hay cosas muy claras a las que rendimos homenaje.
Está Rosario, está también el funk carioca que es algo
muy poco nuestro y que usarlo es un homenaje, hay una
canción de James Blake que inspiró mucho en adelante_ruffdemo2016,
que en principio íbamos a samplearla.
También hay un par de canciones de Kanye que son muy
inspiradoras…. Rosario, por supuesto, o el Corazón partío
de Alejandro Sanz, que son homenajes directos, y al ser
un trabajo así como experimental… Porque a mí me parece
experimental, no conozco a nadie del pop que haya
hecho esto. Después de cuatro años haciendo singles y
en una tendencia concreta lanzar esto y que salga así…
Me pareció que era una forma de darle más profundidad
también al EP, que son cuatro canciones, pero a través de
ellas hay mucho que contar… Una de las cosas que se me
da bien es escribir. Fundamentalmente se me dan bien
dos cosas: escribir y producir, tener la idea de mezclar
una cosa con otra, dónde ponerla, cómo ordenarla…. Y creo
que si ves la playlist te da más sensación de trabajo. Para
mí sube el trabajo hasta el nivel que puedes pensar: '¡Qué
cabrón! mezclar esto con esto, poner esto con esto'. También
tenía ganas de este tipo de playlist y enseñarle a la
peña lo que hay detrás de estas canciones”.
Los colaboradores
Al margen de trabajar con Alizzz, convertido ya
en uno de los grandes productores de nuestro
país, resulta interesante encontrarse en este EP
con Nineteen85, presente en grandes éxitos de
Drake, y al mismo tiempo con Rusowsky, que es un artista
español todavía minoritario. Y mientras, sigue habiendo
voces de la escena urbana española pidiendo a los artistas
que están arriba que den voz a los artistas jóvenes.
“Siempre habrá gente que se queje y que te digan lo que
deberías estar haciendo. Yo te puedo asegurar que a mí
nadie me echó los cables que yo estoy echando. Cuando
yo estaba empezando mi carrera y creciendo nadie me
echó un cable como yo intento echar a la peña. Y no lo
digo del rollo 'soy supergeneroso y superbuena persona,
miradme'. Lo veo como un caso prácticamente egoísta. Si
yo quiero que lo que está aquí funcione, tengo que hacer
que funcione toda la escena. No puede hacerla funcionar
uno solo. Llevo diciendo esto mazo de tiempo, que la salud
de la escena te da salud a ti, pero una salud de la que
no te tienes que preocupar. Puedes estar seis meses, ocho
meses, en tu casa sin hacer nada, y si realmente tenemos
una música fuerte en España, una buena música joven,
si tenemos algo ahí, eso te va a dar también trabajo a ti.
Va a hacer que te enriquezcas, que tengas más influencias,
que haya cierta competitividad y que todo eso se
mantenga, que siga yendo la gente a conciertos, que siga
habiendo promotores, que siga habiendo marcas interesadas
en todo esto y, tú, mientras, puedes estar en tu
casa tranquilamente. Cuanto más cuides la escena más te
cuidas a ti. En Estados Unidos se hace así y los boricuas
lo hacen así”.
creerte que tú puedes hacer las cosas mejor que nadie
e ir con esa confianza en ese aspecto creativo”. Pero
también hay orgullo indisimulado por sus proyectos
previos. “Yo creo que un trabajo como Ídolo, si lo ves
con perspectiva, entendiendo lo que eso ha aportado
a la cultura urbana en España…. Hay que ver lo que
estaba pasando antes de Ídolo y lo que está pasando
después. Si tú lo ves, se entiende qué alegato era ese, y
tenía muchas ganas de que eso se entendiera”.
LO QUE HA PASADO DESPUÉS en España es que lo
urbano ha dejado de estar estigmatizado, y lo que ha
pasado después en su carrera es que ha recorrido el
continente americano, para nutrirse de influencias y
encontrarse con un reconocimiento artístico que, en
nuestro país, parece resistírsele. “Si tú le preguntas a
alguien de Medellín, de Puerto Rico, de Miami, México…
Todo el mundo me reconoce como alguien alternativo,
que es uno de mis grandes problemas a la hora
de crecer, y en España tienen una idea de que yo soy un
producto mainstream cualquiera, y perdóname que te
diga, pero no. No hay nadie en el mundo que me considere
así”. Con el lanzamiento de Bien:(, “El Madrileño”
vuelve a experimentar. Esta vez con sonidos cercanos
al bedroom pop, cada vez con más peso en la escena
española independiente. Pero, por lo que respecta a los
textos, el trabajo incluye una dupla que recoge las dos
visiones de una relación de pareja que se desmorona:
Nunca estoy y Guille asesino, además de un tema de
la etapa de Ídolo. Así, este epé sirve tanto para mirar
hacia atrás como hacia adelante, pero todo ello desde
una posición de honor innegable en la música actual
española. Lo que venga después, porque vendrá cosas
nuevas, será una muestra más de la ambición desmedida
–como él mismo canta en Un veneno– de un artista
que no se conforma nunca. —L.M.M.
R
Más en www.mondosonoro.com
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #11

Mostaza Gálvez
La pareja perfecta
Guille Mostaza (ex Ellos) y Frank
Gálvez (ex Gasca) vuelven a unir
fuerzas para publicar Desventura
(Subterfuge, 20), un trabajo de
electro-pop pegadizo, con el que
demuestran que el proyecto está
definitivamente engrasado.
A
GUILLE MOSTAZA siempre se le
recordará por haber sido parte
esencial de Ellos, mientras que a
Frank Gálvez le sucede un poco lo
mismo con Gasca. Así que era lógico que
de la sinergia de ambos surgiesen las peculiaridades
de Mostaza Gálvez. “Hay un
poco de ambos grupos en este disco. En el
anterior traté de que no se notara tanto,
pero es evidente que venimos de donde
venimos, así que caretas fuera. De Ellos
tiene algunos toques en la producción,
muchos giros melódicos en la composición
y armonías comunes. De Gasca tiene
el toque sobrio y ese puntito oscuro, que
es la parte que trae Frank. Yo tiendo a ser
más luminoso, así que nos complementamos
muy bien”. La dupla compositiva
presenta ahora Desventura, su segundo
disco y un trabajo bastante más asentado
y ambicioso de lo que fue su debut. “Cuando
empezamos a hacer este disco íbamos
por el mismo camino que con el anterior,
pero acomodarse es muy de vagos y no
hay nada peor que un vago. Empezamos
de nuevo con un planteamiento más rico
y arriesgado, por eso las canciones están
llenas de detalles y es todo mucho más
minucioso, además de que los sintetizadores
están muchísimo más presentes”.
El resultado ha resultado ser un disco de
electro-pop vistoso y pegadizo, de esos
difícilmente cuestionables dentro de sus
coordenadas. “Es un conjunto de canciones
a las que hemos decidido dotar de
estos vestidos y trajes. Lo que sí queríamos
es que esas ropas fueran elegantes y
estuviesen limpias. Los discos son como
los embarazos, van creciendo sin que lo
veas claro y no sabes qué aspecto tendrá
hasta que lo tienes en las manos”.
—RAÚL JULIÁN
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
“
Taylor Momsen y su banda nos han
alegrado este confinamiento. Acaban
de publicar nuevo single, Death By
Rock'n'Roll (Century Media, 20), anticipo
del que será su cuarto larga duración.
THE PRETTY RECKLESS lo tenían todo a punto.
Pero, como a tantos otros, la pandemia
del Covid-19 les ha cambiado los planes. Son
noticia por la publicación del single Death
By Rock'n'Roll, anticipo del que será su cuarto disco
y, al mismo tiempo, su debut con Century Media. De
momento, lo han atrasado a la espera de ver cómo
se desarrollan los acontecimientos. Taylor Momsen,
la mediática (Gossip Girl), pero accesible vocalista,
nos cuenta sus sensaciones en estos complejos momentos.
“Es todo muy extraño y al mismo tiempo es
fascinante ver el cambio de vida que estamos experimentando.
Como estoy alejada de la gente, estoy
aprovechando para escuchar muchos discos. Nunca
tengo ocasión de escuchar tanta música, así que
me he volcado en eso… Casi ni veo películas. Y estar
en casa sola no es algo tan diferente para mí. Estoy
acostumbrada”. Lo peor es que The Pretty Reckless
tenían planes de abrir para Foo Fighters este próximo
verano. “Es una pena, pero por otro lado me
siento afortunada de tener eso en el horizonte. Doy
gracias todos los días por poder vivir la vida que
estoy viviendo, por mucho que ahora estemos condicionados
por este virus y por las circunstancias”.
A pesar de todo, también hay buenas noticias. Entre
ellas la publicación de este nuevo single, Death By
Rock'n'Roll. “La canción habla sobre el rock, sobre la
libertad que todos debemos tener para elegir nuestro
propio camino. Podrás escuchar todo tipo de
opiniones y consejos, pero para nosotros solamente
hay esta opción, el rock'n'roll. Esa es la mentalidad
que tengo desde que era una niña. No me he subido
ahora al carro porque sea lo que toca”. En la canción
“Es fascinante ver el
cambio de vida que
estamos experimentando”
The Pretty Reckless
Viviendo en rock'n'roll
hay ciertas similitudes con I Love Rock'n'Roll de Joan
Jett, por ejemplo en su vocación de himno. Aunque en
2014 conoció a Jett, me comenta telefónicamente que
“Me halaga que digas eso, te lo aseguro, pero no puedo
decir que Joan Jett haya sido una influencia para la
banda”. De todos modos, uno de los detalles más importantes
es que se trata de un adelanto de un disco sin
fecha de publicación, pero que tienen ya acabado. “Es
un disco audaz, intrépido y que estará en la onda de este
single. Es el disco que nos apetecía hacer ahora mismo”.
Y esa onda exuda rock'n'roll. A eso hay que sumarle
que sus portadas suelen ser indicativas de lo que después
nos encontraremos en sus discos. Con el single
no hay dudas: el cuero, una motocicleta y esa actitud.
“El concepto nos remite, como dices, a una imagen: el
rock'n'roll clásico, con sus guiños. Hemos tomado una
postura muy definida y creo que el mensaje de esta
canción ya lo dice todo. Pero... ¡Te estoy dando muchas
pistas! (risas)”.
CAMBIANDO DE TERCIO, le pregunto por Soundgarden.
The Pretty Reckless fueron teloneros de la banda
la noche antes de la muerte de Chris Cornell. “Soundgarden
es una de mis bandas favoritas de siempre. La
verdad es que estábamos disfrutando mucho en esa
gira. Además era una gran oportunidad para nosotros.
Cuando me enteré de la noticia me fui a casa. Deje de
hacer cosas, de escribir... Me sentí muy triste y deprimida.
Fue muy duro”. Para terminar, charlamos sobre
su participación en el festival virtual Fearless At Home,
en el que han participado artistas como Underoath, Ice
Nine Kills, August Burns Red, Oceans Ate Alaska y muchos
otros. “Fue un honor que contasen conmigo. Fue
algo raro porque no lo había hecho antes, ya sabes, todo
eso de colocar la cámara en el lugar correcto, chequear
el sonido... suerte que la gente es comprensiva y todo el
mundo entiende que ahora no puede ser todo tan perfecto.
Esa fue mi pequeña contribución en este momento
tan extraño”. —TONI CASTARNADO
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
#12 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Recycled J
Elijo la
metamorfosis
Si Recycled J fuese un
superhéroe, sin duda sería de
los que pueden convertirse
en cualquier persona u objeto.
El madrileño regresa con
Superpoderes (Universal, 20),
un EP con el que confirma su
gran habilidad para adaptarse
a diferentes estilos musicales y
salir siempre victorioso.
CADA VEZ, CADA DISCO, resulta
más difícil catalogar a Recycled
J. Igual te rapea sobre
un beat al más puro boom bap
que se introduce en ritmos de reggaetón
o trap o, como este nuevo EP,
se atreve con nuevas metodologías.
“Tras sacar City Pop, y la dirección
que quise tomar desde Bambino, mi
intención era reinventar a mi manera
el sonido pop español de los ochenta
y los noventa. De hecho este EP se
empezó a gestar a principios de 2019,
mientras salía City Pop. En aquel entonces
yo tenía un estudio con Selecta
en Carabanchel. Estábamos trabajando
en paralelo en nuestros proyectos
en solitario, composiciones para otros
artistas y surgió la idea de hacer un EP
conjunto. Ambos nos sentimos cómodos
experimentando y probando nuevas
fórmulas y sonidos”. Pero la ambición
de Recycled siempre le hace dar
un paso más. Y para cada una de las
cuatro canciones de este EP ha elegido
un sonido y una personalidad diferente,
demostrando su extraordinaria
versatilidad. Así, analizando canción
a canción, “Culpable tiene un sonido
que me recuerda al de una banda de
funk. Es la canción que más rapeo
tiene y narra la situación en la que
en una relación de pareja uno de los
dos miembros se siente juzgado por
el otro constantemente. Éste primero
asume que es culpable de lo que se le
acusa. Pero no solo de lo malo, sino
también de lo bueno, como es amar
a la otra persona”, cuenta el propio
Recycled. Mientras que Superpoderes
“es el main track, que da nombre al
trabajo y del que parte todo. Yo quería
hacer una canción electro-pop con
toques de Daft Punk y Selecta estaba
en su salsa. A la hora de escribirla me
fijé en la fórmula que utilizaba Mecano,
a los cuales respeto y admiro.
Bajo mi punto de vista es una canción
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
“Me fijé en la fórmula
que utilizaba
Mecano, a los cuales
respeto y admiro”
retrofuturista con toques psicodélicos
y mucha fuerza”. Por su parte Un
extraño es “una extraña canción de
reggaetón. Le escribí con Cruz Cafuné
para que fuese un featuring pero finalmente
me la quedé para este proyecto.
Queríamos juntar dos mundos, el de
la electrónica y el de reggaetón, haciendo
una canción con un mensaje y
un sonido triste y ambiental, pero que
te incitase a bailar y sonase actual. De
ahí que hayamos mezclado ese sonido
más bailable con elementos como el
vocoder y los sintetizadores puros de
la electrónica. La canción habla del
momento en el que ha terminado una
relación y ves a la otra persona como
un extraño, prácticamente un desconocido,
y olvidas tanto lo malo como
lo bueno. Quisimos hacer un estribillo
sin elementos prácticamente, con llu-
via y sonidos ambientales para reflejar
ese vacío”. Y para finalizar, en Boomerang,
canción que cierra el lanzamiento,
el beat “surgió como una composición
para un tercero en un principio.
Cuando la fuimos desarrollando me
di cuenta de que podía lucirme en
algo que nunca había hecho. Es una
canción que quizás tiene más toques
de balada pop-rock. La manera y la
forma en que está escrita me recuerda
a como se hacía hace años. La canción
habla de una relación del pasado, que
tras haber terminado, vuelve con más
fuerza, como un boomerang”.
CUATRO CANCIONES con sonidos
distintos. Aunque, si nos fijamos en
las palabras de Jorge, mantienen algo
en común: una clara inclinación hacia
la melancolía. “Porque he estado
EL APUNTE
“CITY POP SIN DUDA fue un currazo. Es
un disco del que estoy muy orgulloso
tanto a nivel musical como estético.
Conseguimos aunar el sonido urbano y
la mezcolanza de estilos que queríamos
mostrar al público”. No es para menos, ya
que con la salida de este álbum, tras el EP
con Hijos de La Ruina, cambió la carrera
de Recycled J, aupándole a lo más alto
de la música urbana nacional. Y ya que
hablamos de Natos y Waor, ¿podremos ver
pronto algo nuevo juntos? “Tenemos algo
entre manos, pero no es un trabajo como
observando que, por regla general, las
canciones que están funcionado tienen
un toque triste en el que la sociedad
actual se está viendo reflejada”, asegura.
Pero él no tiene miedo a arriesgarse. En
realidad nunca lo tuvo. Desde que pasó
de ser Cool a Recycled J su misión en la
música es romper moldes y esquemas.
“Sé que es un buen trabajo, pero también
sé que es una de las propuestas
más arriesgadas, musicalmente hablando,
que he hecho en mi carrera. Quien
sepa apreciar el proyecto sé que lo valorará
en la forma en que lo se merece; y
el que no, lo tendrá que escuchar unas
cuantas veces y dejar de lloriquear”.
—ALFONSO GIL ROYO
Más en www.mondosonoro.com
Tras la estela de City Pop
R
MONDO
FREAKO
tal. Preguntadle a ellos”, responde con
intriga Jorge. Por el momento disfrutaremos
de Superpoderes, publicado además
en plena época de la crisis del Coronavirus.
“Una situación que me ha hecho
darme cuenta de lo volátil y cambiante
que es todo. Hay que adaptarse a los nuevos
tiempos que corren. Hemos vuelto a
una época en la que prima la música y no
tanto a la imagen. En lo creativo, me está
afectando a la hora de escribir y componer,
ya que necesito nuevos estímulos,
vivir cosas para poder contarlas”.—A.G.R.
junio 2020 #13
FOTO: ARCHIVO

WALA.
WALA.
“Jacoby
Shaddix de Papa
Roach me dijo que mi
historia le había inspirado.
En 2005 yo fui de los primeros,
pero ahora hay muchos músicos
que hablan de Dios. Estoy encantado
porque no quiero ser el
llanero solitario (risas)”
Brian 'Head' Welch de
Korn, en Rockzone
“Hace
poco George y
yo estuvimos con él en
el estudio. El simple hecho
de estar allí y preguntarle
cosas ya fue genial. Hablamos
sobre la posibilidad de que
co-produzca nuestro siguiente
disco. Brian Eno es un jodido
genio”
Matt Healy de The 1975,
“En
en Pitchfork
música, hay
el mito de que ser
auténtico y genuino tiene
que suponer ser confesional,
y creemos que lo que Sparks
hacemos en cien por cien auténtico
y genuino, con letras
que son casi pequeñas novelas”
Russell Mael de
Sparks, en NME
“LO
DE IZAL ERA UNA
ASIGNATURA PENDIENTE
EN NUESTRA OFICINA: COGER
A UN GRUPO DE CERO Y LLEVARLO
A LO MÁS ALTO EN UN TIEMPO
RÉCORD. NUNCA LO HABÍAMOS
SENTIDO Y HAN SIDO UNOS AÑOS
MAGNÍFICOS. HE DISFRUTADO
MUCHÍSIMO CON ELLOS”
Manuel Notario de Hook,
en Muzikalia
Everything Is Recorded
El día después
Friday Forever (XL/Popstock!, 20),
segundo trabajo del alias artístico de
Richard Russell, es una deslumbrante
enciclopedia musical con la que el
fundador de XL Recordings explora el
espíritu de la fiesta del viernes… Y la
inevitable resaca.
RESULTA SURREALISTA HABLAR de
raves en plena deprimente crisis global
del COVID-19, pero la vida sigue.
Un didáctico y muy centrado Russell
nos adelanta también cosas de su inminente
libro Great Liberation Through Hearing, “un
libro sobre las posibilidades de la música y la
libertad que te puede dar”. Pero naturalmente,
es su disco el principal objeto de la conversación.
“La idea estaba ya en tres canciones en
las que estaba trabajando. Empezaron a tratar
de un modo natural de la noche y la mañana
después. Francis Ford Coppola dijo que si
quieres contar una historia, necesitas saber
cuál va a ser el final”. Un disco de dos mitades
casi opuestas, del júbilo a la melancolía, que
reflejan “la dualidad de la experiencia. Cuando
empecé a hacer raves, de joven, siempre hice
singles, nunca un álbum entero. Y este disco
trata realmente de salir de fiesta, sobre esa
experiencia. En aquel momento nunca habría
hecho un disco sobre el día después, pero según
pasa el tiempo, eres más consciente de que
siempre que hay una subida, viene después
una bajada. Y está bien que sea así”.
RUSSELL, QUE DESTACA, por encima de
todo, la gran influencia del hip-hop de la vieja
escuela (es decir, de los ochenta) en todo lo que
hace, define su trabajo como “un disco multicultural.
Inglaterra es multicultural y Londres
lo es particularmente. Es un aspecto muy
importante”. Un álbum en el que la espontaneidad
y la energía de cada colaborador (Maria
Somerville, FLOHIO, Berwyn, Infinite Cole…)
está por encima de virguerías de producción.
“En todas las formas de entretenimiento se
tiende a pulir demasiado las cosas, para hacerlas
comerciales. Eso no es lo que me atrae.
Lo que me interesa es la honestidad y la verdad.
Una autenticidad que no sea perfecta. La
perfección es inalcanzable, así que si intentas
presentar algo de manera “perfecta”, no será
auténtico”. Una filosofía que aplica a rajatabla
en su faceta como productor. “Habrá gente a la
que no le guste lo que haces y está bien, porque
no tienes control sobre lo que vayan a pensar.
Ni un solo artista tiene control sobre eso. Sólo
puedes controlar el proceso y estar abierto
mientras dure”.
EN SU OPINIÓN, su singular proyecto “es
como hacer películas y que yo las dirija. Trabajo
con un montón de intérpretes, pero hay
un guion, lo escribimos juntos y yo lanzo conceptos,
sonidos y visiones. Es una manera de
involucrarme con diferentes artistas”.
EL BRITÁNICO, que espera encontrar una
fórmula para llevar al directo este nuevo trabajo,
como ya hizo con el anterior, cree que “la
evolución de la tecnología para grabar es emocionante,
porque todas las viejas técnicas están
disponibles”. Y asegura no dedicarle tiempo
a pensar en la evolución de la industria. “El
streaming es pura inmediatez, pero al mismo
tiempo desconcierta al consumidor. Todos los
formatos tienen su lado positivo y negativo”.
—JC PEÑA
R
Más en www.mondosonoro.com
“Lo que me interesa es la
honestidad y la verdad,
no la perfección”
“Me
encanta
Damon Albarn y he
colaborado con él en
varios proyectos. Soy un
gran fan de Gorillaz sobre
todo por Jamie Hewlett. Es
mi dibujante de cómics
favorito”
Peter Hook, en
Consequence Of
Sound
FOTO: ANNA POLLACK
#14 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EL DISCO.
RECUPERADO.
Far
Water & Solutions
Immortal Records, 1997
FUERON ALGO ASÍ COMO el eslabón perdido entre
la era post-Nirvana y los años del nu metal, con un
pie en el emo y el otro en el post-hardcore. Tal vez
por ello gustaban a todo el mundo y al mismo tiempo
nunca acabaron de encajar en ninguna parte. Eso
y que, a diferencia de bandas con un talento mucho
menor pero capaces de encapsular sus escasa
genialidad en una sola canción, eso que los guiris
llaman one hit wonders, a Far les faltó el temazo.
Estuvieron a punto. Lo rozaron con Bury White,
Really Here, Water & Solutions y, muy especialmente,
con Mother Mary, pero se quedaron a las puertas de
componer esos tres minutos y medio que te permiten
alcanzar la gloria. Posteridad que, como suele
pasar, sí que alcanzarían posteriores copiones.
FAR SE FORMARON en Sacramento a inicios de la
década de los noventa. La banda la conformaban el
cantante y guitarrista y principal impulsor creativo
Jonah Matranga, el guitarrista Shaun Lopez, el
bajista John Gutenberger y el batería Chris Robyn.
Tras dos primeros largos, Listening Game (Rusty
Nail Records, 92) y Quick (Our Own Rercords, 94),
ficharon por Immortal Records, subsello de Sony.
Su primera referencia para la multinacional fue el
muy prometedor Tin Cans With Strings (96).
YA EN 1997, contrataron los servicios de Dave
Sardy para su nuevo trabajo. Sardy era un joven y
prometedor productor cuyos mayores logros eran
haberse hecho cargo de la arquitectura sonora de
Undisputed Attitude (96) de Slayer y Aftertaste
(97) de Helmet. Él fue el responsable de encontrar
el equilibrio perfecto entre la pulsión melódica
de Jonah Matranga y los riffs afilados de Shaun
Lopez. Water & Solutions es justamente eso, la
mixtura perfecta entre Mineral y los ya mentados
Helmet, entre sus adorados Weezer y Deftones, banda
a la que les unía una relación casi de hermanos.
Un disco pluscuamperfecto que lo tenía todo para
triunfar en aquellos años de benevolencia con el
rock alternativo pero que acabó convirtiéndose en
una semidesconocida referencia de culto. Un objeto
de adoración de discípulos aventajados como
Thursday, Thrice o Biffy Clyro.
FAR SE SEPARARON en 1999 para volverse a reunir
diez años más tarde, retorno certificado con el
álbum At Night We Live (Vagrant Records, 10). Desde
entonces no se ha vuelto a saber nada de ellos.
Entre medio Jonah Matranga comandó más aventuras
de culto como Onelinedrawning, New End
Original o Gratitude y Shaun Lopez emprendería
una interesante trayectoria como productor, trabajando,
entre otros, con sus colegas de Deftones,
para los que modeló el sonido de su quinto disco
Saturday Night Wrist (06). —ORIOL RODRÍGUEZ
“
Acaban de publicar proverbial disco.
Ventanas (Ernie, 20) es una ruptura
con el clásico sonido mutante en el que
el guitarreo y los riffs dejan paso al
sintetizador y la música de tintes latinos.
Un regalo pluscuamperfecto, impecable
y que deberían presentar en vivo tan
pronto como la situación lo permita.
Niños Mutantes
Ventanas en tiempo
de balcones
“Nos interesa mucho
más el crecimiento
y el trabajo en equipo
que todo lo demás”
SI ALGO NOS DEJA CLARO Ventanas es que
una ruptura total con el clásico sonido mutante.
Una obra que suena tan ajena a Niños
Mutantes, pero al mismo tiempo tan personal,
que no deja de sorprendernos día a día. Salió en
los prolegómenos del Coronavirus, pero su rugido
mayestático aún colea. Mientras la gente aplaudía
en los balcones, ellos nos hablaban de Ventanas.
Justo cuando estábamos dando palmas, ellos aclamaban
ese lugar de la casa mucho más minúsculo y
coqueto que el balcón, pero capaz de dejar entrar la
luz y el aire necesarios. Dice Juan Alberto Martínez,
líder de la banda, que en tiempos materialistas la
mejor declaración de amor es decirle a alguien que
le das todo lo que tienes. Suena rotundo, como cada
uno de los temas del disco y, aunque es evidente
que existe ese giro en su sonido habitual del que
hablábamos unas líneas más arriba, si lo escuchas
descubrirás recovecos mutantes en cada rima. “Nos
interesa mucho más el crecimiento y el trabajo en
equipo que todo lo demás”. Y se refiere al giro hacia
la electrónica en ciertos pasajes, descubriéndonos
algunos detalles. “Hay distintas tendencias y sensibilidades
musicales que nos interesan. Por ejemplo el
tema por la electrónica no es algo nuevo para nosotros,
siempre nos hemos visto muy influenciados
por el synth-pop de los ochenta. Mis primeros discos
fueron el primero de The Communards y Actually
de Pet Shop Boys. Mi padre me regaló una minicadena
y venían estos dos como regalo”. Tanto es así que
nos podemos encontrar con la genial Una noche, con
un sonido muy New Order. “Bueno, nuestra referencia
máxima son Metronomy. Su disco The English Riviera
de 2011 nos marcó profundamente. Puedo decir que
se ha convertido en una de mis obras preferidas y, sin
lugar a dudas, en cada una de las canciones de Ventanas
hay guiños y toques de esa obra”. Lo curioso es
que combinan su efervescencia con influencias latinas.
“Sí, hay muchas. Aunque me gustan mucho Chabuca
Granda, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra, tal vez de
ellos haya ciertas estructuras en las letras y luego están
las bases y los sonidos más latinos en el trasfondo del
álbum”.
EN VENTANAS TAMBIÉN HAY INVITADOS. Noni
López y Javier Doria de Lori Meyers han metido mano a
Las Estrellas. “Noni tiene una colección de sintetizadores
que lo flipas. Sin exagerarte, unos treinta o cuarenta
o cosa así. Me invitó a su casa el año pasado y cuando
vi lo que tenía allí dije: 'Bueno, bueno, este es el tío que
necesitamos para las canciones que queremos'. Y ahí
fue cuando surgió todo esto”. También deambula por el
disco Christina Rosenvinge, que se implicó al máximo
en la producción de varios temas. “Pues mira ha sido
una experiencia artística y personal de lo más bonito de
todo el disco. Entramos en contacto con ella de forma
casual. Vino a presentar su libro, Debut, a Granada y
estuvimos con ella. Nos reímos mucho. Nos pareció que,
siendo fan de ella y teniéndola como un mito musical
patrio, era muy accesible y una persona genial. Entonces
nos fuimos a comer y ciertamente tuvimos una conversación
superdivertida. Y al hilo de la misma le pedimos
recomendación sobre productores pues estábamos
pertrechando este álbum. Entonces nos dijo que a ella
no le importaría hacerlo. Se lo pedimos y le encantó.
Luego tuvimos un encuentro previo en Madrid. Y todo
ha sido de puta madre. Una experiencia inolvidable”.
—OZANTOÑO TORRES
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #15

MONDO
FREAKO
Joan Garriga pensaba que La
Troba Kung-Fú ya había dado
todo de sí y decidió montar
un proyecto nuevo como Joan
Garriga i El Mariatxi Galàctic.
Un cambio de nombre que no
debería suponer un problema,
porque el músico catalán se ha
ganado a pulso el respeto para
poder hacer lo que le venga en
gana. Y si lo acompaña con un
disco tan maravillosamente
certero como El ball i el
plany (Fina Estampa, 20)
mucho mejor.
CUESTA CREER que hayan
pasado siete años desde Santalegria,
el último disco de La
Troba Kung-Fú. Y en parte es
así porque Joan Garriga no ha estado
lo que se dice quieto en todo este tiempo.
Sin parar de tocar, ya fuera en un
espectáculo circense o en sus largas
incursiones en el mundo de teatro, su
espíritu ácrata y libre le sigue guiando
para hacer lo que le pide el cuerpo en
cada momento. Sin ir más lejos, hace
unos meses se sacó de la manga un Ep
de cuatro temas (Nocturns de vetlla i
revetlla) que, como siempre, dejó una
profunda huella en los pocos que se
acercaron hasta él. Una edición que
el propio Garriga tilda, con esa sorna
que le es tan propia, de “clandestina”
y que le ha llevado a recuperar esos
mismos cuatro temas para darles una
pequeña vuelta, y presentarlos de
nuevo en sociedad, acompañados por
ocho dianas más y hasta completar
este El ball i el plany (“El baile y el
llanto”) que, ahora sí, debería ser presentado
a bombo y platillo. Doce composiciones
que muestran a Garriga en
plena forma en su uso de la rumba, el
ballenato, la cumbia, el corrido e incluso
el blues (Aixó és tot), género que
no puede faltar si hablamos de “plany”
(llanto). Y es que el disco cobra sentido
desde el propio título, en el que
mezcla dos conceptos que no son tan
antagónicos como a priori puede parecer.
“Tendemos a esconder el dolor
y eso para mí es algo muy negativo y la
música no deja de ser gimnasia para
nuestra mente, al igual que el baile es
una gimnasia para nuestro cuerpo”.
EL DEL MONTSENY me contesta vía
Skype desde su casa en pleno confinamiento.
Es una hora de conversación
en la que me explica detalles del disco,
de cómo se fraguó, de los compinches
que integran El Mariatxi Galàcti, que
no son otros que un viejo compañero
de batallas como Marià Roch (bajo), el
fogonero de la caldera rítmica, Rambo
(batería), y el estratosférico guitarrista
Madjid Fahem (Manu Chao, La Ventu-
CRITICANDO
Joan Garriga i El
Mariatxi Galàctic
El ball i el plany
Fina Estampa
MESTIZAJE 9/10
¡EY! LEVANTA LA MANO, apaga la pantallita
de los huevos y ven a bailar porque
el buen tiempo ya está aquí y hay que
ahogar las putas penas. Así de rotundo
empieza el disco de Joan Garriga. Con
toda una declaración de principios
desde el corazón del Montseny. Allí
donde la filosofía del mundo rural más
genuino, el que sabe vivir feliz con cuatro
perras, se junta con esa exaltación
diaria que nos recuerda que estamos
vivos, que la vida es un ciclo y que hay
que sacarle todo el puto juego porque
no sabemos dónde va ese alma cuando
todo se deshace. Así de simple, así de
complicado. Porque el 'padrino' del
mestizaje catalán, el único e inimitable
Joan Garriga, lo tiene claro. El baile y el
llanto van de la mano. Porque solo en la
verbena, en la exaltación del solsticio,
encuentra el ser humano esa conexión
kármica con el universo. Olvida tus clases
de yoga, meditación y terapias varias.
Una cerveza bien cariñosa, buena
compañía y a bailar. No hay más secreto.
Lo demás son paparruchas. —D.D.
“La verdad es que no
me siento padrino de
nada ni de nadie”
Joan Garriga
A las penas,
puñalás
ra). Aunque también le pregunto por
su importancia dentro del mestizaje
catalán. Movimiento del que podríamos
considerar que, al igual que James
Brown lo es del soul, Joan Garriga
es su padrino. “Pues la verdad es que
no me siento padrino de nada ni de
nadie. Y tampoco estoy seguro de que
todos esos grupos que me nombras
se parezcan demasiado a lo que hacemos
nosotros. Es posible que, por eso,
les vaya a todos tan bien (risas). Sí es
verdad que tengo un público que me
sigue desde hace muchos años y me
siento muy querido. Y también es verdad
que tengo canciones que se han
escuchado bastante, y sí que ves que
hay gente que te respeta. Pero creo
que las nuevas generaciones no saben
demasiado quién soy ni qué he hecho”.
¡Alto! Ahí tengo que discrepar. Todos
esos jóvenes que bailan y disfrutan
en verano de grupos como Txarango,
Els Catarres o Doctor Prats, deberían
saber qué ha hecho Joan Garriga y
conocer su legado. El impulso que él
le ha dado a la música de verbena es,
a todas luces, incuestionable. Sobre
todo por haberle aplicado ese sello
distintivo propio, de autor. Algo que
vuelve a demostrar con creces en este
El ball i el plany, que ahora presenta
en condiciones claramente adversas.
“El disco sale ahora porque se acaba
de fabricar. Había la opción de esperar
al otoño, cuando ya se puedan hacer
conciertos para presentarlo, pero he
decidido sacarlo ahora porque no lo
podía tener más tiempo en un cajón.
Me quería quitar un peso de encima
explicándolo, porque la verdad es
que quiero hacer ya otras canciones y
estoy metido en otras cosas”. Que no
pare la “loco-motora”. —DON DISTURBIOS
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #17

LOS
DISCOS
DE MI
VIDA
Lauren Mayberry (Chvrches)
Al supervisor musical de la popular serie de Netflix Élite
le molan Chvrches, tanto que coló su tema Forever en un
par de capítulos. En época de Coronavirus, los escoceses
han grabado una nueva versión, rebautizada Forever
(Separated But Together), para sus nuevos fans.
The Mamas & The Papas
If You Can Believe Your
Eyes And Ears (1966)
Mis padres tenían
muy buen gusto musical
y muchos de sus
discos han acabado
teniendo bastante
influencia en mí, como
éste. Esa combinación
de luminosidad y melancolía
es lo que he
intentado conseguir
desde el principio con
Chvrches.
Spice Girls
Spice
(1996)
Creo que el primer disco
que me compré fue Spice, el
debut de las Spice Girls. Y
con este alguno de Boyzone.
Eran mis dos artistas favoritos
en mis años de instituto.
Recuerdo que me pasaba
el día haciendo listas con
mis temas favoritos de las
Spice Girls. Era algo absurdo
pero que hacía constantemente.
Cada día (ríe).
The Cure
Disintegration
(1989)
Cuando hablamos
de discos que nos
parecen sublimes,
siempre acaban apareciendo
Violator
de Depeche Mode y
Disintegration. Para
mí The Cure son el
máximo ejemplo de
cómo triunfar sin
renunciar a ser tú
mismo.
Hamilton Leithauser
Vidas cruzadas
Hamilton Leithauser se dio a conocer como cantante de The
Walkmen, pero el músico afincado en Nueva York ha publicado
dos discos en solitario a tener muy en cuenta. En The Loves Of
Your Life (Glassnote/Popstock!, 20), se destapa además como
perfeccionista artesano de gemas pop con aliento soul.
THE LOVES OF YOUR LIFE explora
una polifonía de personas
reales. Un encantador disco de
pop de autor, compuesto, tocado
y grabado en su estudio, con el apoyo
de su familia. No ha le ha resultado fácil
llegar hasta aquí al vocalista de The
Walkmen. “Tenía un montón de temas
que me gustaban mucho, pero cuando
llegó el momento de ponerles voz me
di cuenta de que tenía problemas para
cantar. Probé distintas voces y letras,
pero no sabía qué cantar. Fue un momento
raro. Así que lo dejé durante un
tiempo, aunque seguí trabajando en la
música”. Dos encuentros fortuitos con
extraños y un amigo le despejarían el
camino: un tipo que parecía dedicarse a
coger el ferry cada día para pasar el día
fuera de casa; una mujer polaca con el
pelo teñido de rosa que le contó su dramática
vida en un banco junto al mar; y,
finalmente, un viejo conocido al que no
veía desde hacía una década. “Tuve esta
sensación extraña de recordar los viejos
tiempos… y se me ocurrió que sería muy
divertido –y peligroso– hacer una canción
sobre alguien a quien conocí. Luego
pensé que daría bastante grima, pero al
final decidí que podría hacerlo. Ahí es
donde todo encajó, y dije: quiero escribir
sobre personas, pero no sólo extraños”.
COMO SU DISCO PRUEBA, Leithauser
volvió a disfrutar vocalmente. “Una
vez supe lo que estaba haciendo, fui
realmente capaz de ser constructivo e
ir progresando, probar cosas distintas.
Y sí, acabó convirtiéndose en un disco
en el que las voces son fundamentales”.
Ese protagonismo vocal puede que
tenga que ver con los artistas clásicos
de soul que Hamilton escuchaba en su
momento. “No sé si llega a notarse, pero
estaba oyendo mucho a Marvin Gaye,
Otis Redding, Aretha Franklin, discos
de Stax… No sé si eso llega a salir. Quizá
sí, quizá no. Lo que me encanta de esta
gente es su personalidad”. Calidez, sí,
pero también regusto amargo. “Nadie
quiere saber de los éxitos constantes de
algún crío malcriado de no sé dónde. No
estoy muy interesado en meterme en
terrenos demasiado oscuros, quizá en el
próximo disco me apetezca, pero al final
estás hablando de gente con problemas,
penurias y dificultades en sus vidas. Eso
es lo que hace interesantes a las personas,
y de lo que quiero cantar”.
EL ARTISTA PREFIERE la flexibilidad
que le da su estudio doméstico, aunque
“a veces puedes llegar a tener demasiado
control sobre las cosas, y que todo
acabe siendo demasiado rígido. Te tienes
que controlar sin perder cierta espontaneidad.
Me llevó años llegar a ese
punto”. Leithauser también se toma con
filosofía la compleja situación sanitaria,
que probablemente le obligue a retrasar
la gira europea. “Es uno de esos discos
que tiene muchas historias a descubrir.
Espero que tenga la longevidad suficiente
para mantener el interés de la gente
hasta que volvamos al directo en un par
de meses”. —JC PEÑA
R
Más en www.mondosonoro.com
PJ Harvey Stories
From The City, Stories
From The Sea (2000)
Luna
Postscripts
(2019)
Idles Brutalism (2017)
Joy As An Act Of Resistance
(2018)
Todos los discos de
PJ Harvey son imprescindibles.
He elegido
este, básicamente,
porque es mi favorito
de ella. Hubo quien lo
criticó afirmando que
es un disco demasiado
pop. A mí no me lo
parece. Y qué coño, PJ
Harvey puede hacer lo
que le dé la gana.
Hay una banda americana
que se llama Luna que... No
sé si podríamos decir que
me he obsesionado con
ellos, pero... Son ya casi
unos clásicos del indie
rock, aunque no les tenía
muy controlados. El año pasado
publicaron este disco,
que me parece sublime. Se
ha convertido en un disco
muy especial para mí.
Estoy escuchando
mucho a Idles durante
el confinamiento.
Lo suyo es bastante
diferente a lo que hacemos
nosotros, pero
me flipan sus dos discos.
Estando de gira
no puedo centrarme
a descubrir nuevos
grupos y nueva música.
Ahora sí. —MS
“ Te tienes que controlar sin
perder cierta espontaneidad”
FOTO: ARCHIVO
#18 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Hnos. Munoz
Los New Romantics
“Intentamos aportar
nuestra visión al
mainstream”
FOTO: ARCHIVO
No es sencillo encontrar
espacio en un país con
tendencia a la polarización.
También en la música, envuelta
en una absurda guerra civil
entre defensores y detractores
de la etiqueta urban, poco
menos que un “conmigo o
contra mí”. En ese contexto el
debut largo de Hnos Munoz,
Nuevo romance (Club Ruido,
20), tiende puentes, no cava
trincheras.
FUE UN FLECHAZO. Desde
el día en que trasteando por
Bandcamp me crucé con su
primera colección de canciones
allá por abril de 2017, he seguido
con fervor cada nuevo paso de Hnos
Munoz: sus sucesivos singles y EP's,
la inicialmente tímida y cada vez más
consolidada propuesta en directo,
sus coqueteos con sellos, managers
y festivales... No en vano dos de esos
lanzamientos fueron señalados por
la Edición Madrid de esta publicación
como el primer y segundo mejor lanzamiento
autoeditado del año en 2017
y 2018. A partir del reconocimiento
de mi pasión por el proyecto de estos
dos malagueños asentados en Madrid
que ni son hermanos ni se apellidan
Munoz, me resulta sorprendente que,
aún practicando una exquisita combinación
de ambient pop, ritmos latinos
y dejes sureños que nada a favor de
corriente, su prestigio y también su
número de seguidores no sea mucho
mayor. Supongo que ese detalle puede
interpretarse como la demostración de
su singularidad... “La estrategia está en
decidir cuánto apuestas por lo seguro
y cuánto a arriesgar con algo nuevo.
Nosotros intentamos aportar nuestra
visión al mainstream (entre otras cosas)
y creemos que se percibe de manera
evidente en nuestras producciones.
Por supuesto, la personalidad de una
banda no determina automáticamente
su éxito. Tenemos la suerte de tener
apoyo de un grupo de gente bastante
heterogéneo, pero esa misma tierra de
nadie en la que nos movemos puede
causar recelo. Los prejuicios y las etiquetas
cierran muchas oportunidades
tanto a artistas como a oyentes”. O tal
vez todo tiene sentido y el proyecto de
Álex y Nacho estaba predestinado a no
terminar de despegar del todo hasta
la publicación de este primer largo,
Nuevo romance, que es, tal y como
ellos mismos sentencian, puro Hnos
Munoz... pero mejor. “Algo que superas
con el tiempo es la impaciencia
por sacar a la luz tus trabajos. Al final
la diferencia entre un single, un EP o
un álbum es el énfasis que dedicas a
la idea que quieres mostrar. Nosotros
teníamos ganas de hacer algo de forma
pausada poniendo en práctica lo que
habíamos aprendido con estos primeros
proyectos. Es una forma bastante
robusta de conocernos. Los diez temas
de Nuevo romance son nuestros mejores
diez temas y tiene la extensión que
nos permite desarrollar de la manera
más profunda, cómoda y accesible la
idea que queremos mostrar”.
ES LLAMATIVA TAMBIÉN la evolución
que ha tenido la imagen de Hnos
Munoz a lo largo de estos tres años:
desde el anonimato inicial y una fuerte
identidad gráfica en portadas y clips,
hasta esta “nueva normalidad” en la
que la pareja abandona la penumbra
para ponerse frente al objetivo. “Desde
el principio pusimos en común nuestra
EL APUNTE
Nuevo régimen
UN REPASO A LA RELACIÓN de Hnos Munoz
con las discográficas y su apuesta (o la
falta de ella) por los formatos físicos, habla
tanto del proyecto como de la manera
en que una nueva generación de músicos
se relaciona con la industria musical.
Arrancaron poniendo sus canciones en
Bandcamp y autoeditándose en un formato
tan singular como la cassette. Aún
hoy, y a falta de lo que ocurra con Nuevo
romance, esa es la única grabación en
formato físico del dúo. En vez de apostar
por ese formato, el vinilo o el CD para
celebrar su primer álbum, Hnos Munoz
han fabricado y distribuido un número
limitado de colgantes con el título del
mismo en un ejemplo palpable de cómo
el merchandising ha venido a ocupar
el espacio antes destinado al disco
material. Igualmente su vinculación
con discográficas consolidadas ha sido
fugaz: tras un corto periodo de tiempo de
la mano Altafonte, han terminado bajo el
ala de Club Ruido, un management más
que un sello al uso que comparten con
artistas también noveles como Laskaar,
PBSR o Fru Katinka. —L.J.M.
fascinación por proyectos que funcionaban
con un pie en la sombra. De
Dean Blunt a MF Doom, Burial, Captain
Murphy... Toda esa gente que nos flipaba,
pero cuyas caras no veías en los
videoclips. Siempre nos ha gustado la
idea de transmitir con la música por
sí sola, pero una vez armas las piezas
puede parecer una locura dar la espalda
a lo estético, más aún hoy día. En nuestro
caso se ha convertido en un complemento”.
Las circunstancias actuales
impiden concretar fechas de presentación,
pero el contexto lejos de frenarles
les invita a pensar en otras vías de consolidar
su relación con el público que
les va a conocer con Nuevo romance.
“Habrá que plantearse nuevas formas
que no estén necesariamente ligadas a
la interacción con una pantalla. Resulta
interesante imaginar encuentros entre
artista y público en espacios no convencionales”.
—LUIS J. MENÉNDEZ
R
Más en www.mondosonoro.com
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #19

m
“Hemos
tratado
de volver
a nuestro
ADN, a los
sonidos que
hicieron que
quisiéramos
montar una
banda”
MATT HEALY PODRÍA ACABAR siendo
el Bono de la generación millennial,
pero de momento es lo suficientemente
inteligente como para esquivar esa
tentación. Es un firme defensor del feminismo,
de los derechos de la comunidad
LGTBI y de la defensa del medio
ambiente (de hecho, el primer corte de
su nuevo álbum, otra vez homónimo, ahorma un monólogo de Greta
Thunberg), pero también lo es de una visión del pop que no entiende
de celdillas genéricas ni puede debe ser sometida aquellos viejos
paradigmas que hacían de un álbum una obra conceptual perfectamente
secuenciada. De hecho, puede que no haya otra banda de su
hornada capaz de tender tantos puentes entre públicos de distintas
generaciones. No al menos a su nivel de popularidad. Healy es consciente
de que Internet y las redes sociales rompieron las reglas del
juego en el que todos nos movemos desde hace más de una década.
Y aunque en Notes On A Conditional Form, su cuarto álbum, amplíe
aún más el foco y se valga de la influencia de la tradición de la música
urbana de baile del Reino Unido (la sombra de The Streets o Burial) o
incluso del hardcore norteamericano, quiere dejar muy claro –y hace
muy bien– que él no es un portavoz generacional. Tan solo un músico
que se plantea preguntas muy necesarias, muchas de ellas sin respuesta.
El de Manchester, líder del cuarteto que completan el batería
George Daniel, el guitarrista Adam Hann y el bajista Ross McDonald,
nos lo cuenta desde su retiro a las afueras de Oxford, muy cerca del
estudio en el que han registrado sus dos últimos elepés.
ESTE ÁLBUM TIENE VEINTIDÓS CANCIONES. Junto con las quince
del anterior, A Brief Inquiry Into Online Relationships (Dirty Hit/
Universal, 18), suman treinta y siete canciones en menos de dos
años. “La forma de concebirlas es muy fluida, puede llegar de algo
que escuchas decir a alguien, de la música que escucha otra gente
o de una conversación, y una vez empiezas a trabajar en la canción,
no es que trabajemos sobre ella desde las nueve hasta las cinco,
pero sí de las doce a las doce”, afirma sobre un periodo especialmente
fértil, con canciones compuestas en varias tacadas a lo largo
de un año entero de gira, el 2019. Varias de ellas fueron avanzadas
unas semanas antes. Entre ellas, esa People que es lo más hardcore
que han hecho nunca. “Crecí escuchando hardcore, punk y emo,
eso está en nuestro ADN y es el tipo de música que solíamos hacer
antes de ser The 1975, cuando éramos una banda mucho más dura”,
confiesa acerca de una canción compuesta “en el bus, de gira por
Alabama, cuando se había aprobado allí una ley que penalizaba el
aborto, algo que nos cabreó bastante, y nos pilló en un momento en
el que estábamos un poco bebidos, así que nos salió algo bastante
agresivo”, concluye.
ESTE DISCO EXHIBE UN CONTRASTE más acentuado entre las
canciones más agresivas y las más calmadas, aunque el británico no
piensa que sea algo intencionado, si acaso algo más enfocado. “Creo
que transmite emociones muy concisas, pero no por el hecho de
intentar sonar más íntimo o más explosivo, sino porque más conciso
emocionalmente, en cada una de las canciones”, explica. Y en esa
concisión puede haber jugado un papel determinante la vuelta a esas
músicas que a todos nos marcaron cuando éramos adolescentes,
cuando las letras se nos grababan a fuego para siempre en la sesera,
y que The 1975 reconocen que son lo que más les ha influido. “Hemos
tratado de volver a nuestro ADN, a los sonidos que hicieron que
quisiéramos montar una banda, por eso el cincuenta por ciento está
#20 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA
Utopía
illennial
The 1975
The 1975 es uno de esos grupos que ha ido subiendo paso a paso
internacionalmente. Ahora, tras varios retrasos, publican el
que seguramente sea su mejor disco hasta la fecha, Notes On A
Conditional Form (Dirty Heat/Universal, 20), cuarta obra que amplía
su abanico musical a través de nada menos que veintidós canciones.
— TEXTO Carlos Pérez de Ziriza
concebido en torno a la música de baile y a la cultura
nocturna del Reino Unido, y el otro cincuenta
estaría dedicado a evocar la música del medio oeste
norteamericano con la que también crecimos,
sobre todo el emocore”, dice. Es el primer manojo
de influjos el que más ha pesado, desde luego,
porque “cosas como el primer disco de Burial o el
Original Pirate Material (02) de The Streets, que
escuchábamos en emisoras de madrugada cuando
éramos adolescentes”, les han marcado hasta el
punto de “querer cerrar ese círculo”.
NOTES ON A CONDITIONAL FORM se presenta,
así, como un álbum sobre crecer en el Reino
Unido de los últimos tiempos, pero (dado que
fue compuesto, en gran medida, de gira por todo
el mundo) también se empapa de una vocación
global. “Para mí sí que suena al Reino Unido, pero
también va sobre el mundo, porque las letras son
muy específicas, pero en un sentido que puede
ser universal”, esgrime, afinando su argumento
con la idea de que “es como un álbum hecho en
Heathrow, o en algún lugar entre el aeropuerto de
Heathrow y el JFK de Nueva York”.
HAY QUIEN DICE QUE LOS DISCOS de The 1975
funcionan como las playlists modernas, y esa es la
razón de que, a su vez, suenen contemporáneos,
algo en lo que Healy coincide, aunque no crea sea
“un proceso consciente”, según el cual traten de
EL APUNTE
Motivos para un álbum
largamente diferido
NOTES ON A CONDITIONAL FORM llega tras acumular dos
retrasos: iba a publicarse en mayo de 2019, luego se anunció
para el verano, más tarde quedó postergado a enero
de 2020, y finalmente apareció (y demos gracias a que el
Coronavirus no lo retrasó por cuarta vez) en mayo de este
año. ¿Por qué? “Básicamente, yo nunca dije que fuera a
salir en una fecha concreta”, argumenta un Matt Healy que
nos explica que “lo que ocurrió es que, en el momento de
dar entrevistas, comencé a hablar de que podría salir en
seis meses, luego en un año, y después de cuatro o cinco
entrevistas la gente empezó a sacar sus conclusiones”. Lo
hicieron estando de gira, una justificación más. “Lo último
que haría es precipitarme, porque eso podría dar lugar a
un disco de mierda”. —C.P.Z.
“funcionar estilísticamente como un servicio de
streaming”. Digamos que tiene mucho que ver con
un sesgo generacional más que otra cosa. “Crecí
en un mundo en el que Internet ya había empezado
a romper todas las reglas, y honestamente,
tengo un problema con la idea de autenticidad.
Ahora mismo si estás en una banda, y te preocupa
ceñirte a la idea de ser una banda de rock, de
punk o de lo que sea, y quieres vestir y sonar como
una banda punk, y hacer este tipo de música que
ya existía hace muchos años, creo que es directamente
postureo. Es como si hicieses cosplay.
Es como querer vestir como un personaje de videojuego.
No es real”, asevera.
EL CUARTETO DE MANCHESTER ni intenta
sonar aventurado o ecléctico por capricho (“solo
queremos no aburrirnos”), ni trata de dar lecciones
a nadie con los posicionamientos vertidos en
sus canciones. “La forma en la que nos comunicamos
a través de las redes sociales y por Internet
también ha cambiado la forma en la que nos
comunicamos con los demás, y eso se presta a que
nos hagamos muchas preguntas, pero yo no soy
un político. Mi trabajo no es construir una utopía,
en todo caso señalizar su camino, pero no construirla”,
concluye. —C.P.Z.
R
Más en www.mondosonoro.com
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #21

MONDO
FREAKO
Melenas
Afianzando
raíces
Cuando se le pregunta a este
cuarteto de Pamplona sobre sus
orígenes siempre encontramos
una referencia a la Calle San
Francisco, donde el Bar Nébula se
ha convertido en centro neurálgico
de tantas bandas que hoy pueblan
el panorama nacional. Días raros
(Snap! Clap! Club, 20), su segundo
álbum, no solo puede ahondar en
esos orígenes sino que puede situar
al aprendiz a la altura del maestro.
“Solo buscábamos ponerle
palabras a las cosas que
queríamos hacer”
FOTO: DANI CANTÓ
RRY ya que estamos con los británicos
IDLES, este pasado mes estrenaron Mr.
Motivator, primer single de adelanto del
que será su tercer larga duración, que
verá la luz en algún momento por determinar
de este año. El grupo montó una
falsa sesión de aerobic a cargo de Dev,
su bajista, para trolear a sus fans con el
estreno de la canción.
batería Steve “Thee Slayer Hippy” Handford,
quien formó parte de la banda de
hardcore punk Poison Idea; del bluesman
Lucky Peterson y sobre todo de Ernesto
González, elemento imprescindible de la
escena independiente española al haber
formado parte del FIB, de Intromúsica y
de bandas como The Pribata Idaho y Grupo
Salvaje.
TAN.LEJOS
RRDesgraciadamente, han sido muchos
los artistas que nos han abandonado
durante las últimas semanas. Entre ellos
lamentamos la muerte de Jimmy Cobb,
batería que participó en el histórico
Kind Of Blue de Miles Davis; del también
RRBjörk es una de las apariciones estelares
de Kick i, el nuevo trabajo de la
venezolana Arca, junto a Rosalía, Shygirl
y Sophie. Pero lo que no sabíamos es que
su aportación será cantando un poema de
Antonio Machado, Anoche cuando dormía.
Thundercat
Magia negra
Stephen Bruner, Thundercat, ha
mamado la música desde que era un
crío. Hijo de músicos (su padre tocó
con Diana Ross o Gladys Kinght, su
hermano lo hizo para Kenny Garrett
o Stanley Clarke), fue bajista de
Suicidal Tendencies, ha colaborado
en discos totémicos de Erykah Badu,
Snoop Dogg, Pharrell Williams o
Kendrick Lamar, y ha tenido tiempo
de edificar una pujante carrera en
solitario que alcanza ahora su cuarto
capítulo largo con It Is What It Is
(Brainfeeder/[PIAS], 20).
IT IS WHAT IT IS es una nueva
ambrosía de sonoridades que se
mueven entre el soul cósmico,
el soft rock, el r’n’b o el jazz de
fusión, con colaboraciones de Steve
Arrington (The Internet), Childish
Gambino, Steve Lacy, Lil B o Ty Dolla.
Quizá por eso, porque vive y respira
música por los cuatro costados, Bruner
no siente necesidad alguna de
explayarse más de lo estrictamente
necesario en las entrevistas. Es un tipo
afable, pero más bien parco en palabras.
Nos atiende al teléfono desde su
casa en California, recién estrenado el
confinamiento domiciliario en todo el
estado, unas horas después extendido
al resto de los Estados Unidos.
ES EL SUYO UN ÁLBUM brillante,
que vuelve a contar con la esencial
aportación de Steven Ellison, o sea
Flying Lotus, como coproductor. Una
especie de alma gemela en lo musical.
"Kendrick Lamar moldeó
mi forma de ver las cosas"
#22 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

RRSecretly Canadian ha anunciado
que publicará Eight Gates,
disco inédito firmado por
el desaparecido Jason Molina
(Songs:Ohia, Magnolia Electric
Co.). Molina murió en 2013 a causa
de un fallo multiorgánico fruto
de sus años de alcoholismo.
“Llevamos muchos años trabajando
juntos, pensando siempre creativamente,
elucubrando con ideas acerca
de cuál va a ser nuestro siguiente
paso. Y además es una de mis personas
favoritas en este planeta”, recalca
sobre su papel. Si ya su anterior álbum,
Drunk (17), vino marcado por
la muerte de su amigo Austin Peralta,
músico de jazz, este también nace a
consecuencia del impacto que tuvo en
Thundercat la muerte del rapero Mac
Miller, también buen amigo suyo, a
finales de 2018. “Su muerte jugó un rol
fundamental en el desarrollo de este
álbum, desgraciadamente”, explica,
pero es algo que asume con naturalidad
y sin demasiado dramatismo,
porque “es la forma en la que la vida
se mueve, no podemos disociarla de la
muerte”, añade.
ESA MISMA NATURALIDAD es la
que aplica a una forma de integrar
SI UNO SE ACERCA a No puedo
pensar, el segundo adelanto
conocido de Días raros, puede
creer que anda escuchando
el single de una banda con una larga
trayectoria. Esa habilidad de Melenas
para facturar canciones repletas de
melancolía con espíritu liberador es
difícil de asimilar en una formación
que, prácticamente, está dando sus
primeros pasos en esto de la música.
Un futuro prometedor del que ellas
todavía no quieren escuchar hablar.
“Vivimos esto con sorpresa. No creemos
que hayamos llegado más lejos
que bandas como Exnovios, Kokoshca…
Quizás nosotras hemos tenido la
posibilidad de tocar más fuera, pero
no tenemos el público de estas bandas
que son una referencia para nosotras.
Solo es que todo ha sido más exprés
en nuestro caso”. Un viaje a toda velocidad
que les ha servido para seguir
creciendo profesionalmente y que, en
este segundo trabajo, ha contado con
la participación activa de las cuatro integrantes.
“Oihana (voz) siempre trae
la idea principal, pero en este disco
hemos participado todas en las letras.
Puede que no lo parezca, pero somos
bastante mayores e intensas, aunque
siempre intentamos que las canciones
sirvan para darle la vuelta a la bajona.
En el primer disco fuimos improvisando
un poco, pero con este álbum
sabíamos cómo queríamos sonar. Solo
buscábamos ponerle palabras a las
cosas que queríamos hacer”.
PARA DARLE FORMA a Días raros
el grupo ha contado con la dirección
de Karlos Osinaga, pero en él ha colaborado
también amigos como Guillermo
F. Mutiloa (Wilhelm) en los teclados,
Tamu (Exnovios) o Jaime Cristóbal
(Souvenir). “Nos hemos dado un
espacio para que en el estudio pasasen
cosas. Nos importa mucho la visión
de quienes han colaborado, además
de que coincidimos en muchas ideas
y entienden nuestros planteamientos.
Con este trabajo creemos haber logrado
una mayor amplitud estilística y
sonidos, todos ellos procedentes del
gran árbol genealógico de la música
negra –soul, funk, jazz o r’n’b–, sin que
se pueda decir que ninguno de ellos
prevalezca por encima de los demás,
algo aplicable a Chance The Rapper,
Kamashi Washington y otros artistas
negros de su generación. “El entorno
que nos rodea a todos es muy abierto,
y al mismo tiempo intentamos nutrir
nuestra música de muchas cosas diferentes,
porque la música de la que nos
rodeamos siempre está cambiando,
siempre hay cosas nuevas, y por eso
nos movemos en múltiples direcciones
y resulta tan difícil encasillarnos”,
esgrime. En ese crecimiento artístico
tan integrador jugaron un papel esencial
sus múltiples trabajos para otros
músicos, en los que si alguno se lleva
la palma fue Kendrick Lamar, para
quien trabajó en To Pimp A Butterfly
(15). “Kendrick moldeó mi forma de
nos hemos salido un poco de nuestro
esquema”. Sobre este futuro incierto
de la cultura en vivo, un único miedo.
“Melenas se mueve por la ilusión. La
mejor recompensa al esfuerzo son los
directos y esperamos que vuelvan lo
antes posible”. —ALBERTO BONILLA
R
Más en www.mondosonoro.com
RRAl margen de la polémica que se
extendió durante varios días en redes
sociales sobre el tipo de mujer que
refleja en sus letras, Lana Del Rey ha
anunciado dos discos para los próximos
meses. Behind The Iron Gates.
Insights From An Institution y Violet
Bent Backwards Over The Grass
On The Way serán discos en los que
recitará poesías con base musical de
Jack Antonoff. El primero verá la luz
el 5 de septiembre.
RRLol Tolhurst (ex batería de
The Cure) y Budgie (ex Siouxsie
And The Banshees y The
Creatures) unen fuerzas en una nueva
banda que responde al nombre de
LXB. Contarán con invitados como
Kim Gordon, Bobby Gillespie
(Primal Scream) o Mark Bowen
(IDLES). —MS
ver las cosas, entre la experiencia de
aprendizaje y la inspiración, y como
artista me animó a querer hacer más
cosas y a hacerlas mejor”.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
R
Más en www.mondosonoro.com
Días raros
Snap! Clap! Club,
It Is What It Is
Brainfeeder/[PIAS]
Chico Blanco
El amor es una droga
Pablo Cobo, es decir Chico
Blanco, tiene mucho que
contar tanto musical como
personalmente. Tras Life After
House (19), publica Gominola
(Autoeditado/Altafonte, 20), un
paso adelante en una carrera a
tener muy presente.
EL CAMINO MUSICAL de
Pablo Cobo comienza con
doce años, cuando empezó
a buscar en Google cómo
hacer bases, y, aunque en el instituto
pensase en hacer Física, las artes seguían
tirando (“recuerdo que de muy
chico quería ser director de cine”).
Finalmente decidió meterse a Técnico
de Sonido y, mientras, se fue haciendo
hueco en la escena urbana de Granada,
para centrarse luego en lo que
más le flipaba: la electrónica. Tras
Life After House, contacta con él Kigo
–manager también de C. Tangana–, y
su crecimiento se hace cada vez más
bestia: un año después tenemos la
continuación de ese EP, Gominola. La
producción –cita como influencias a
Kanye, Yung Lean o el rollo high energy
de los ochenta– es uno de los aspectos
que más llama la atención del EP, y
el mérito es todo suyo: salvo una colaboración
con AN17INO6, el resto es
todo él, con la mezcla de Antonio Narváez
y, eso sí, el apoyo incondicional
de 8kitoo. “De manera formal podría
decirte que es mi DJ, pero es básicamente
mi hermano. Es la persona a la
que le enseño primero las canciones,
me enseña un montón de música... Le
pido su opinión para todo”. Esa transparencia
también está cuando tratamos
El cole no es para siempre, una de
sus canciones que más ha dado que
hablar. “Cuando algo es real, te llega.
Yo quería expresar lo que le diría a
mi yo de ese momento”. Debatimos
entonces sobre la visibilidad de los
artistas LGBT. “Me toca la polla que se
juegue con esas cosas para vender en
los medios. Titulares como ‘el nuevo
artista LGBT’, que parece que reduces
el arte a si esa persona lo es, o coger a
tíos que ni siquiera lo son y poner ‘las
nuevas masculinidades’ como si estuviese
de moda serlo-pero-no-serlo”.
—PABLO TOCINO
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #23

iLe
Aquelarre
Desde que inició su carrera en
solitario tras su tiempo con
Calle 13, la puertorriqueña iLe
se ha convertido en una de las
artistas imprescindibles de la
escena latinoamericana gracias
a dos discos tan exitosos como
iLevitable y Almadura, pero no
tiene pensado bajar el ritmo.
ME HA ENCANTADO el ambiente
de brujería que se desarrolla
en el videoclip. Y está claro
que las brujas siempre han
representado el concepto de la mujer empoderada.
¿Qué crees que la humanidad
debería haber aprendido de las brujas?
Quizá a prestarle atención a ciertas cosas
que a veces damos por sentado, como la
intuición y como darle una mirada a otras
cosas que son importantes también sobre
nosotros mismos. Nos hemos dado cuenta
de eso con el tiempo, por lo menos eso quiero
pensar, así que debemos confiar más en
nuestro instinto femenino, pero también
humano, diría yo. Es cuestión de atenderlo
un poquito mejor.
—¿La historia que se cuenta en el clip ha
sido idea tuya o dejaste las cosas en manos
del equipo?
La idea del video ha surgido como todas las
ideas que hago junto al equipo creativo, que
es mi hermana Milena, mi hermano Gabriel,
Ismael Cancel (el productor del tema) y yo.
Como hay mucha confianza entre nosotros,
nos decimos lo que pensamos y ese debate
nos lleva siempre hacia algún lugar.
—¿Qué te ha gustado especialmente de
trabajar con Natalia Lafourcade?
Trabajar este tema con Natalia fue, de verdad,
una experiencia muy bonita. Logramos
conocernos un poquito mejor y creo que
conseguimos sentirnos muy cómodas en el
proceso, muy tranquilas. Se logró porque
siempre hubo muy buena comunicación
entre las dos con respecto a la canción y al
proceso de grabación también. Siempre
estuvo todo bastante claro y creo que eso
ayudó a que todo fluyera mucho mejor.
Eso ocurrió tanto en la grabación del tema
como en la filmación del video. Nos sentimos
bien y cómodas dentro de espacios
que, a veces, pueden ser extraños o rígidos.
—MARCOS ARENAS
R
Más en www.mondosonoro.com
FOTO: ARCHIVO
“
RomeroMartín son Álvaro Romero en la
voz y Toni Martín en la producción, y
hemos querido hablar con el primero por
teléfono sobre el lanzamiento de su debut,
Manifiesto (Ground Control/The Orchard,
20), en plena crisis del coronavirus.
NO ME HA AFECTADO DEMASIADO a nivel
de curro porque trabajo mucho online
con Toni, pero sí es una putada el tema
conciertos. Y nos ha pillado en medio de la
presentación del disco, toda la promo, pues imagínate...
Ha pasado todo desapercibido”. Han surgido
estos días iniciativas de conciertos online, pero Álvaro
no es muy fan de ese concepto. “Es como muy
frío, y yo estoy acostumbrado al flamenco, a sentir el
calor del público”.
Y ES QUE ÁLVARO ROMERO lleva en el flamenco
desde hace quince años, cuando se apuntó a una
escuela de cante con Esperanza Fernández. Durante
ese tiempo se planteó sacar temas como solista,
pero: “no lo hice porque sacar un disco de flamenco
tradicional es súper difícil, tienes que estar muy
concentrado... Y a mí estar en los tablaos me cansaba
mucho como para luego llegar a casa y ponerme
a trabajar en un disco así”. En cambio, cuando empezó
a trabajar con Toni Martín, poco a poco se fueron
decidiendo a grabar un disco, animados por la
aceptación que tenía lo que iban haciendo. Aunque
la producción la lleva más Martín, ambos se aportan
ideas. “Yo tengo en la cabeza cantes tradicionales
que dibujo y los veo claros. Le hago un pequeño
RomeroMartín
Hijos de un
dios distinto
boceto con una caja de ritmos y filtros a Toni, luego él
me va mandando cosas y vamos probando”.
MANIFIESTO SE CENTRA en la diversidad sexual,
compuesto en su mayoría por extractos de poetas homosexuales.
A excepción de Zambra, que es del propio
Álvaro, las demás canciones son de distintos autores,
destacando el histórico Pedro Lemebel. “De él he aprendido
que, a nivel político, la homosexualidad no va ni
con derechas ni con izquierdas”. Para Romero, tampoco
el flamenco. “Entiendo que la gente lo ligue al franquismo,
porque se apoderó de él y de otros símbolos españoles,
pero es un arte que no va con ninguna ideología”,
me explica. “No estoy a favor de los toros, pero lo que
hizo Estrella Morente en Operación Triunfo, usar el flamenco
para algo reivindicativo, a mí eso me pone. Cada
uno que lo haga para algo de derechas, de izquierdas, es
respetable. A mí me interesa más el arte para preguntarte
cosas, usarlo para cuestionarte cosas”.
¿Y QUÉ OCURRIRÁ tras Manifiesto? Romero nos
cuenta que ahora le pillamos trabajando en poemas de
Ioshua. “Era un poeta argentino que murió de VIH y del
que me consiguieron las obras completas”. Pero también
con letras tradicionales de flamenco que le encajan
para su proyecto. “Me molaría seguir con Toni, pero
también meter algún instrumento, y llevar un directo
más completo a nivel musical, armónico. Y aparte estoy
trabajando mucho con Cristina Hall, más de performances”.
—PABLO TOCINO
R
Más en www.mondosonoro.com
“La homosexualidad no
va ni con derechas ni
con izquierdas”
FOTO: ARCHIVO
#24 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO
FREAKO
No Shape (Matador Records,
17) consolidó a Perfume Genius
como uno de los artistas de
referencia de la actualidad.
Su continuación nos llega
en pleno confinamiento bajo
el título de Set My Heart On
Fire (Matador/Popstock!, 20),
un cuarto disco que vuelve a
destacar por su honestidad
emocional y la tendencia
del artista americano a
evolucionar y buscar nuevos
caminos.
MIKE HADREAS, el hombre
tras el alias de Perfume
Genius, jamás imaginó
que su nuevo disco saldría
en plena pandemia. No obstante, el artista
americano nunca tuvo intención
de cambiar de planes. “Ninguno de
nosotros hemos tenido que lidiar con
algo así, pero la situación es tan incontrolable
que tampoco podemos saber
cuándo va a mejorar y cuándo va a
ser un mejor momento para lanzar
el disco”, comenta. Tal y como estaba
planeado, el 15 de mayo vio la luz Set
My Heart On Fire, un disco en el que
vuelve a abrirse emocionalmente,
pero, a diferencia de sus discos previos,
desde un punto de partida distinto.
“En esta ocasión no comencé con el
disco a raíz de una preocupación. Más
bien, fue que, por primera vez, empecé
a sentirme más liberado, y esto era
una sensación nueva para mí. Gran
parte del álbum trata sobre sentirme
más conectado con el mundo que me
rodea y conmigo mismo”. Después de
cinco discos caracterizados por una
fuerte carga sentimental autobiográfica,
uno puede pensar que vomitar
emociones sobre el papel puede resultar
fácil, pero Hadreas no lo ve así.
“La verdad es que pienso mucho en
ello. Para mí es difícil abrirse emocionalmente.
Pero creo que depende de
la historia de cada persona”, apunta
el músico americano. Lo que parece
que no le cuesta es abandonar la zona
de confort cada vez que se mete en
el estudio. A través de las diferentes
canciones que conforman Set My
Heart On Fire nos topamos con diferentes
géneros. “No me siento cómodo
haciendo siempre lo mismo. Cada día,
de un minuto a otro, me siento diferente.
También siento que la música
que escucho cambia, lo que me motiva
a hacer cosas diferentes”, explica. No
obstante, el disco en su conjunto está
CRITICANDO
DESDE SU DEBUT CON Learning (Matador,
10) y pasando por Put Your Back N 2 It
(Matador, 12), Too Bright (Matador, 14) y
No Shape (Matador, 17), Mike Hadreas ha
mantenido siempre intacta la base de su
identidad, pero aprovechando cada entrega
para asumir retos inéditos y sumar
tonalidades a la paleta. Un proceso que
continúa en el quinto álbum de Perfume
Genius, con el autor mostrándose más
arriesgado y sofisticado que nunca. El
de Iowa parece retroalimentarse a sí
mismo, aprendiendo de trabajos previos
y afrontando una vuelta de tuerca adicional
con la que conformar el presente
lanzamiento. Un disco imponente en
cuanto a sensaciones se refiere, pero
también logrando la exquisitez de todos
y cada uno de aquellos sonidos dispuestos
en la entrega. El músico templa
y somete a puro antojo esa teatralidad
implícita a su obra, propiciando así una
ligado bajo un mismo espíritu y es que
“al tocar todos juntos en la misma habitación,
creamos una atmósfera que
unifica a las canciones e incluso a los
músicos, aunque vayan en direcciones
diferentes”.
UNA VEZ MÁS, Blake Mills se puso a
los mandos de la producción, decisión
que Hadreas tuvo clara desde el principio.
“Volví a contar con Blake simplemente
porque me encanta como
persona y me encanta su forma de
entender la música”. Pero Mills no ha
sido la única colaboración de altura
durante el desarrollo del disco. Leyendas
como Jim Keltner, Pino Palladino
y Matt Chamberlin han formado parte
de la grabación. “Para que te hagas
una idea, mi primer disco lo grabé yo
mismo en una habitación, y en ningún
momento podía haber imaginado
que acabaría grabando un álbum con
artistas tan maravillosos como ellos”,
confiesa. Una evolución que también
se ha visto reflejada en sus directos.
“Quiero hacer una gira con una
producción con la que sea capaz de
transmitir el mundo que tengo en mi
cabeza”, cuenta aun sabiendo que, por
el momento, toca “esperar hasta que
finalmente pueda presentarlo”.
—GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA
R
Set My
Heart
On Fire
Matador/
Popstock!
POP 9/10
Más en www.mondosonoro.com
serie de escenas coherentes pero bien
diferenciadas entre sí, en lo que resulta
ser un amplio abanico de recursos.
Mike Hadreas vuelve a abrirse en canal
para exteriorizar sentimientos y presentarlos
en forma de canciones bellas
y en ocasiones tensas, pero siempre
elegantes y elaboradas, que terminan
por descansar en el propio sentir del
oyente. La profundidad poética de su
lírica se mantiene constante, en unas
coordenadas donde nostalgia, belleza,
tristeza y un halo de esperanza se entremezclan
repetida e irremediablemente.
Ya sea a través de arreglos orquestales o
tradicionales, pedales o sintetizadores,
el vocalista materializa su objetivo
principal, que no es otro que el de empacar
emociones en espacios concretos de
cinco minutos. El barroquismo compositivo
de Handreas empieza a alcanzar
cotas extraordinarias de desborde imaginativo
y ejecutivo. Y aunque juegue en
la misma liga que Anohni, Rufus Wainwright,
Peter Broderick, Owen Pallett o
John Grant, la forma en la que canaliza
su dramatismo comienza a consolidarse
como algo único y excepcionalmente
valioso. —RAÚL JULIÁN
"No me siento cómodo
haciendo siempre
lo mismo"
Perfume
Genius
Todo
fuego
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #25

Vetusta
Morla
Vetusta
dentro de
Vetusta
Después de convertirse en
la banda más importante del
país en base a una actividad
creativa prácticamente
ininterrumpida entre
conciertos y diferentes
proyectos, Vetusta Morla
afrontan en su nuevo disco
una maniobra hasta hora
inédita dentro de su catálogo.
Los madrileños publican MSDL.
Canciones dentro de canciones
(Pequeño Salto Mortal, 20),
una relectura completa de su
anterior disco Mismo sitio,
distinto lugar (Pequeño Salto
Mortal, 17).
— TEXTO Raúl Julián
SI DE ALGO NO PUEDE ACUSARSE a Vetusta Morla es de conformistas. El
grupo de Tres Cantos ha evitado siempre cualquier tipo de estancamiento y,
precisamente esa hiperactividad artística, deriva ahora en MSDL. Canciones
dentro de canciones. Un disco en el que reinterpretan las diez canciones
incluidas en su anterior entrega, decisión que el vocalista de la formación,
Juan Pedro Martí “Pucho”, explica al otro lado del teléfono. “Siempre habíamos
jugado con las canciones, pero nunca habíamos grabado un disco
reinterpretándolas, sacándoles una nueva vida. La idea viene de 2018, cuando
tocamos para doscientas personas en Los Veranos de la Villa. Entonces decidimos hacer una
revisitación del disco, salió de puta madre y pensamos que todo ese trabajo no podía quedarse
en un único día”. El resultado es un disco más melódico, con menos instrumentación, menos
electricidad y menos adornos en comparación con su predecesor. En definitiva, un trabajo más
orgánico y quizás también más real. “En el disco matriz había muchas capas, se había jugado
con las estructuras, etcétera. Y queríamos volver a nuestro origen. La idea era hacerlo en una
sola toma los seis a la vez, algo que no tuviésemos que regrabar luego. También había intención
de llevar algunas canciones a lugares que de primeras no te esperas”. Aunque sea una
relectura del anterior trabajo del sexteto, MSDL. Canciones dentro de canciones se anuncia
como el quinto álbum de estudio de Vetusta Morla, y es el propio entrevistado quien defiende
la identidad de la criatura y su peso específico. “Si atendemos al concepto de ‘disco-de-estudio’
lo es, porque se han grabado en estudio las diez canciones de arriba a abajo y de manera completamente
distinta. No es cuestión de hacer comparativas. Hay versiones en las que me gusta
mucho cómo quedan los arreglos nuevos y otras canciones que tenían mucha fuerza en el original
y me lo sigue pareciendo”.
#26 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

““En España
los cambios
cuestan
mucho y
toda esa
independencia
surgida en los
noventa tardó
en arraigar
aquí”
EL APUNTE
Mismo sitio, distinto
lugar, el origen
AUNQUE AHORA SE ASUMA como un éxito incontestable,
lo cierto es que el cuarto álbum de
Vetusta Morla fue un paso arriesgado y valiente
por parte del grupo. “Íbamos un poco a eso. Llevábamos
tres discos con el mismo productor y
éramos conscientes de que, aunque a nivel compositivo
se había evolucionado, a nivel sonoro
nos faltaba dar ese paso”. El disco presentaba
un cambio de sonido con respecto a entregas
previas, y se sostenía sobre letras más ásperas
y críticas con el entorno sociopolítico. “Teníamos
un poco ese come-come de si nos habríamos
pasado o nos habríamos quedado cortos, porque
eso nunca se sabe hasta que lo lanzas. Y luego
el público y el tiempo dirán”. La jugada salió
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
francamente bien, con una gran acogida tanto
de público como de crítica y, a día de hoy, Mismo
sitio, distinto lugar se impone como la entrega
más ambiciosa y seguramente inspirada del
combo. “Creo que es el que más me gusta. No porque
sea el último ¿eh?, porque ya hay otro nuevo
de estudio (risas), pero creo que a mí también es
el que más me gusta”. —R.J.
LA HISTORIA DE VETUSTA MORLA es bien conocida: alcanzaron
el éxito después de diez años trabajando salas y garitos
pequeños, haciendo gala de una fe ciega en sus posibilidades.
La situación del combo ha cambiado mucho desde entonces,
pero hay algo que permanece inmutable. “Ese compromiso
con el trabajo no ha flojeado en todos estos años. Incluso diría
que ha crecido hasta niveles un poco enfermizos (risas).
Somos muy pesados, pero es lo que nos ha funcionado. Pero,
ojo, que una vez que ha funcionado hay que mantenerlo. Y en
ese sentido no me voy a quitar la medalla, porque eso sí que
es importante: una vez que lo has conseguido, cuenta el no
dormirse, el no quedarse en el mismo sitio y seguir buscando
nuevas maneras de hacer cosas interesantes”. Ese éxito tardío
creció luego de manera imparable y exponencial, y dejó
como consecuencia el encumbramiento popular de un grupo
que partía de la escena independiente. Un hito que abrió la
puerta a muchos otros grupos y terminó por definir una parte
importante de la actual escena musical del país. “No nos sentimos
abanderados de nada, pero hemos pertenecido a una
generación abierta por muchas bandas. No creo que seamos
punta de lanza, sino que se ha creado una escena cúmulo de
muchas cosas, una época y un sentir general en torno a esa
música española no tan masiva o comercial. En España los
cambios cuestan mucho y toda esa independencia surgida en
los noventa o dosmiles tardó mucho en arraigar aquí, un poco
porque somos muy nuestros”. Para terminar resulta inevitable
preguntarle acerca de esas canciones del todo inéditas de
Vetusta Morla que sus seguidores tendrán que continuar esperando.
“Pues… No estamos trabajando en nada. Después de esta
gira que se ha interrumpido íbamos a tener una desconexión
con todo. Entonces creo que esperaremos un tiempo todavía.
Antes cumpliremos
con esos compromisos
que teníamos y
después ya veremos
qué será lo próximo”.
—R.J.
R
Más en www.mondosonoro.com
junio 2020 #27
EN CONCIERTO
l Valencia 2 y 3 septiembre, Plaza de Toros
l Sevilla 5, 6 y 7 septiembre, Cartuja
l Zaragoza 11 septiembre, Vive Latino
l Madrid 12 septiembre, Dcode Festival
l Pamplona 26 septiembre

¡Ya en la calle
y en la web!
Consigue el tuyo en
apmusicales.com

29/Mondo
VINILOS
M Ward
Migration
Stories
ANTI
St Woods
Bones
ONErpm
The 1975 pegan el estirón
The 1975
Notes On A Conditional
Form
Dirty Heat/Universal
8
POP / Suele decirse que quien mucho abarca,
poco aprieta. Y aunque en el caso de The 1975
cunde la tentación de aplicarles la máxima,
por aquello de sus treinta y siete canciones
publicadas en apenas año y medio (las veintidós
de este disco y las quince de A Brief
Inquiry Into Online Relationships, de finales
de 2018, que es como su alma gemela), no
tiene tampoco mucho sentido pensar en esos
términos cuando hablamos de una banda que
ya hace algún tiempo desechó el concepto de
álbum que manejamos casi todos los que ya
lucimos (en el mejor de los casos) alguna cana.
Matt Healy sigue entendiendo sus álbumes
como colecciones de instantáneas cazadas al
vuelo, cúmulos de cortes que, por su naturaleza
fragmentaria y casi esquizofrénica, se
parecen mucho a una lista de reproducción
cualquiera. Escuchando sus elepés, es fácil
transitar de la fascinación al arqueo de cejas,
de la rendición ante la temeraria pero desarmante
bisoñez con la que encaran algunos
estupendos ejercicios de estilo hasta el escepticismo
que despiertan sus momentos con mayor
dosis de almíbar mainstream, pero es aquí
donde más se inclina la balanza hacia la primera
aceptación de las cosas. Al fin y al cabo,
qué puñetas, su pop millennial, que no discrimina
crominancias, también merece aspirar
a tener su Exile On Main Street o su London
Calling. O al menos, su Being There. Notes
On A Conditional Form es ese álbum. Doble,
caleidoscópico, ecléctico, aparentemente
veleta. El retraso ha valido la pena. Un trabajo
que transita de un extremo de su discurso al
opuesto, sin más preocupación que plasmar
la foto fija de una banda que se pasó todo 2019
subida en una montaña rusa, en medio de una
gira que la llevó por varios continentes, y que
generó ese caldo de cultivo para gestar música
que puede radiografiar lo que es ser joven
en el Reino Unido hoy en día, pero también
lo que es moverse entre Heathrow y el JFK de
Nueva York, con posteriores escalas en México,
Abu Dabi o Yakarta. ¿Quién podría afearles
el resultado? La cosa bascula entre el monólogo
conservacionista de Greta Thunberg en
The 1975 o el hardcore desmelenado de People
hasta las leves infecciones de 2-step y dubstep
que enlucen Yeah I Know, I Think There’s
Something You Shold Know, Shiny Collarbone o
Having No Head (ojo, que The Streets y Burial
son las dos influencias asumidas), pasando
por el folk acústico de Jesus Christ 2005 God
Bless America con Phoebe Bridgers, baladones
como Then Because She Goes o Playing On My
Mind, los coros gospel de Nothing Revealed/
Everything Denied, el pop policromado y contagioso
de If You’re Too Shy (Let Me Know) o
esa delicia r’n’b que es Tonight (I Wish I Was
Your Boy). Es su disco más equilibrado hasta
la fecha. El más convincente. El que mejor se
digiere de principio a fin. El mejor, sin más
rodeos. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
FOLK / Importa poco dilucidar
si cada nueva entrega
9
de M Ward está más cerca del pop,
del folk, del soul o del rythmn
and blues, porque su música es
un género en sí mismo. Lo que no
está de más es resaltar que nos
encontramos muy posiblemente
ante la mejor colección de canciones
de Matthew Ward desde los
tiempos de Hold Time (09), y eso
es mucho decir. Dice el californiano
que se ha inspirado en este
periodo de migraciones forzosas,
ambientándolo en un futuro
próximo menos traumático que el
que viven hoy en día quienes se
ven obligados a un penoso éxodo,
exprimiendo al límite un wishful
thinking que puede confundir
deseo con realidad. Pero a uno le
da por pensar que si se hubiera
puesto a recitarnos su lista de la
compra, el resultado hubiera sido
igual de brillante y conmovedor.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
The Architect
Une plage
sur la lune
X-Ray
Production
TRIP HOP / Suenan los primeros
compases de Une
8
plage sur la lune, el primer
álbum del productor francés The
Architect, y vienen a la cabeza
imágenes de sótanos oscuros
llenos de discos a descubrir, de
tardes aromatizadas con índica y
términos ya en desuso como los de
digger, beatmaker o turntablism.
Este disco es una oda a Dj Shadow,
Cut Chemist, The Herbalisher y
mil nombres más que nos hicieron
disfrutar de lo lindo décadas
atrás, pero con la nostalgia justa
y necesaria, ya que también es
capaz de aplicar nuevos sonidos y
estilos, como en el cachondo Boogie
Dola con Troy Berkley y el gran
Killa P de invitados. El gran Nightmares
On Wax viene a la mente al
escuchar Peanut, y tenemos que
esperar a Baile del sol para descubrir
su toque propio, combinando
afrobeat con hip hop y toque
latino. —RAÚL LINARES
INDIE FOLK / El esperado
7
debut de St Woods es un
disco interesante al que todavía
le falta definición, demasiado
deudor de su gran influencia, Bon
Iver, como para tener un sonido
propio. Las canciones en las que
más se sale de su sombra, como
Wasted Love, nos descubren a
alguien en busca de esa identidad.
Se notan otras influencias
como Sufjan Stevens o James
Blake, pero no se consigue distinguir
a qué suena realmente
St Woods. Algo que se nota con el
final, una orgía de autotune y de
admiración a Bon Iver llamada
Bones (Psalm). Es una especie de
homenaje/exorcismo, de intentar
liberarse de su alargada sombra
con una canción totalmente referencial.
Cerrar el disco de esta
manera le obliga a cambiar de dirección
en su siguiente entrega,
un disco que parece que ya está
haciéndose. —SERGIO ARIZA
The Weeknd
After Hours
Republic/
Universal
POP
7
/ En After Hours encontramos
algunas de sus
mejores virtudes: un sobrado
dominio vocal y una producción
musical impresionante en la que
Abel Tesfaye se ha implicado de
lleno. Sin embargo, a pesar de que
ninguno de sus catorce temas
baja el listón, tampoco encontramos
ningún clásico instantáneo,
a diferencia de lo que venía acostumbrando
a hacer hasta la fecha.
También falta, por momentos, esa
capacidad de hacer canciones
que transmitan sentimiento y
pongan las emociones a flor de
piel. Pierde fuerza el delivery del
canadiense respecto a trabajos
anteriores como Starboy. La dupla
Hardest To Love y Scared To
Live sí da la talla, igual que Save
Your Tears, pero hay motivos para
pedirle más a un The Weeknd
que ha querido basarse en los
sonidos y el espíritu de los años
ochenta. —LUIS M. MAÍNEZ
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #29

MONDOVINILOS
The Hinds sin miedo al qué dirán
Hinds
The Prettiest
Curse
Lucky Number
POP / Hinds han pasado de tirarse a la
piscina a quedarse a vivir en ella. Tras un
debut en 2016 que les supuso giras internacionales,
inéditas para una formación lo-fi
española, y no poco hooliganismo en contra,
y después de un segundo disco que afianzó
su fórmula y dejó en sancedes muchas críticas
sobre ellas (¿en plena era trap se las
acusaba de tocar o cantar mal?), el cuarteto
ha vuelto más cómodo que nunca. La tercera
no es la de la vencida, es la de la autoconfianza.
Curadas de espanto, en The Prettiest
Curse, la banda se permite usar recursos sin
el miedo al qué dirán: secuencias en castellano,
como en la power pop Boy, coqueteos
con nueva instrumentación (Riding Solo) o
probaturas en un rock muteado y baladista
(This Moment Forever). La experiencia no ha
abigarrado la estructura de unos temas que
siguen siendo directos y accesibles. Pero
el mayor tiempo de producción –han sido
8
meses de parón– sí les ha permitido coquetear
con sonidos de los que han florecido melodías
renovadas. Los riffs agudos, los diálogos entre
Carlotta Cosials y Ana Perrote a la voz, santo
y seña del combo, se mantienen, pero ya no
hay miedo a incursionar en el pop de carcasa
ochentera. Good Bad Times es un adelanto rotundo,
vestido a la perfección y, como el resto,
en coproducción con Jennifer Decilveo (Beth
Ditto o The Strokes). Más allá de sus devenires
sobre el amor y otros debates generacionales,
el disco suma sorna contra los haters en Just
Like Kids (Miau). Y es que Hinds siempre han
tenido que dar explicaciones de más. Pero
cada paso discográfico las ha consolidado
como una de las bandas que mejor se codean
con las melodías, sobre todo con aquellas que
parecen espontáneas. Tal vez les toque seguir
justificándose a ojos de algunos, pero es que
acabar con el patriarcado por ellas solas es
algo que, desgraciadamente, escapa a su dominio.
—YERAY S. IBORRA
Lucinda
Williams
Good Souls
Better Angels
Highway 20
AMERICANA / Lucinda Williams
es una supervivien-
8
te y demuestra estar muy viva, a
sus sesenta y siete años recién
cumplidos se acaba de sacar de la
manga su disco más crudo y visceral.
Sería fácil decir que la creadora
de Car Wheels On A Gravel Road
es una pitonisa y que las malas
noticias de las que está lleno este
Good Souls Better Angels son una
premonición de la pandemia que
asola medio mundo, pero no, las
malas noticias ya estaban allí,
sentadas en el puto sillón con más
poder de la Tierra, en el despacho
oval de la Casa Blanca. La edad parece
no haber atemperado nada su
rabia, es más parece que ahora le
duele más. Lucinda está furiosa y
ha hecho un disco furioso, su voz
rasposa escupe verdades sobre un
fondo musical de pantanoso blues
rock, pasado por la distorsión de
un Neil Young cabalgando a sus
fieles Crazy Horse. Es un disco
que supura tensión y agresividad,
un chute de adrenalina de una
veterana que nos entrega su mejor
obra desde World Without Tears.
—SERGIO ARIZA
Mostaza
Gálvez
Desventura
Subterfuge
Red Axes
Red Axes
Dark Entries
Brian Fallon
Local Honey
Lesser Known
Lin Cortés
Gitanerías
BMG
O.B.F. Sound
System
Signz
Dubquake
Records
POP / Hace tres años que
7
Guille Mostaza (ex Ellos)
unía fuerzas con Frank Gálvez
(Ex Gasca) para publicar el debut
del nuevo proyecto de ambos.
Ahora Mostaza Gálvez presentan
una continuación bastante más
engrasada y cómplice, en una
sinergia que tiene como principal
consecuencia un álbum
vistoso y de mayor sentido conjunto.
Inicialmente el aspecto de
Desventura recuerda sobre todo a
Ellos, y por tanto induce a pensar
que el peso ejecutivo de Mostaza
se impone como prioritario.
Sin embargo, esos detalles de lo
más aparentes que aparecen en
sucesivas escuchas y apuntalan
el producto, bien podrían llevar
la firma de Gálvez. Las propias
canciones –un total de diez– se
ven así convenientemente enriquecidas
con las peculiaridades
creativas y aportaciones vocales
de ambos autores. Un disco de
electro-pop cumplidor y efectivo,
ataviado en base a una serie de
estribillos que confirman a sus
creadores como especialmente
duchos en ese arte. —RAÚL JULIÁN
9
ELECTRÓNICA/ Hace tiempo
ROCK / En el pasado líder
FLAMENCO / Tras despachar
el año pasado el
7
6
que, desde Tel Aviv, Red
de The Gaslight Anthem,
Axes están quemando las pistas
de baile de todo el planeta, a base
de eclecticismo musical. Ahora,
en su décimo aniversario, han
grabado su tercer álbum homónimo
en el sello Dark Entries, dándole
una vuelta de tuerca más
a su sonido y añadiendo beats
de electrónica de los noventa,
con algunos tintes de EBM, como
en They Game, Break The Limit y
Shelera, hasta llegar explosionar
con Stick & Stones en una sudorosa
rave pre-Coronavirus. Comprobamos
que siguen sellando su
pasaporte para viajar entre melodías
del mundo: de los ritmos
africanos de Udibaby a las delicias
asiáticas de Arpman y Hold.
El espíritu cien por cien Red Axes
abocado al baile sale nuevamente
a la luz en Zeze y Watching You,
pero también encontramos pasajes
más orgánicos como Brotherhood
(Of The Misunderstanding),
tema oscuro de dark wave. Uno de
los proyectos más en forma de la
música electrónica actual.
—ALBERT CARRERAS
Brian Fallon se lanzó en solitario
con el brillante Painkillers
(16). El cantautor se alejaba de
las formas más efervescentes
del rock, para adentrarse en el
mundo del country y el sonido
americana sumando a su lista
de referentes e influencias
nombres como Steve Earle, Ryan
Adams, Jesse Malin... Con estas
coordenadas sonoras volvió
a perfilar su segundo largo,
Sleepwalkers (18) y ahora Brian
Fallon retorna con su tercera
entrega sin banda: Local Honey.
Modelado con la ayuda de
Peter Katis, productor con una
nómina de clientes en la que
figura gente como The National,
Interpol o The Get Up Kids, el de
Nueva Jersey firma ocho piezas
donde vuelve a reivindicarse
como un trovador de corazón
roto, forajido en eterno proceso
de redención, con una sensibilidad
especial para firmar
sobrecogedoras progresiones
de acordes.
—ORIOL RODRÍGUEZ
álbum de duetos que supuso
Indomable, Lin Cortés regresa en
formato epé. Considerado uno de
los actuales exponentes del nuevo
flamenco (en lo que él definió
en 2015 con su ópera prima como
Gipsy Evolution), reivindica un
regreso a sus raíces desde el
propio título del trabajo, Gitanerías.
Un sonido acústico, donde
la voz del cantante cordobés
se acompaña principalmente
de guitarra flamenca, palmeos,
cajón y coros femeninos. Abre
Amar, basado en el tema Amar por
amar de su buena amiga La Susi.
La rumba más fresca y canalla
inunda Novia moderna, el tema
más bailable y pegadizo del disco.
Sus delirios amorosos siguen
desarrollándose en Una locura.
El jardín de la memoria supuso
el primer single, corte lento,
poético y melancólico. Despide
la breve La belleza de la muerte,
donde Cortés le pone música a
algunos versos seleccionados
del poeta libanés Yibrán Jalil
Yibrán. —JESÚS CASAÑAS
REGGAE / O.B.F. es uno de los
8
nombres más valorados y
respetados de la escena Sound
System europea gracias, además
de a sus imponentes directos, a
trabajos como este. Signz es el
segundo álbum de la formación
de origen francés y una obra
en la que sacan a relucir ese
arsenal musical que pasa por el
dancehall, el dub, el new roots y,
en términos generales, todas las
posibilidades que le ofrece la
producción digital al reggae. Una
explosión musical desarrollada
en veintidós canciones en las que,
entre algunos de los cantantes
más importantes a nivel europeo,
encontramos las voces de Sr. Wilson,
quien colabora en tres cortes,
y de Belén Natalí. Y aunque en un
principio una veintena de canciones
puedan parecer demasiadas,
uno se queda con ganas de más. La
meticulosidad de las producciones
da como resultado un sonido
potente y explosivo, muy cuidado,
con el que ya han conquistado
decenas de escenarios llevando el
concepto de urban reggae un paso
más. —ALFONSO GIL ROYO
#30 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Paradise
Lost
Obsidian
Nuclear Blast
Records
Charli XCX
how I’m
feeling now
Atlantic/
Warner
Ratpenat
50% Glam 50%
Clavegueram
Rock De Kasba
Nereida Fau
A
Autoeditado/
La Cúpula
Romeromartín
Manifiesto
Ground Control
METAL
7
/ Los amantes del
gothic doom están de enhorabuena.
Si en marzo veía la
luz lo nuevo de My Dying Bride,
ahora es el turno de los autores
de Shades Of God. Aunque quien
conozca mínimamente la trayectoria
de los de Halifax, así como el
genio del dúo Nick Holmes-Greg
Mackintosh, motor creativo de
la formación, sabrá que esta no
es una banda autocomplaciente
o que se sienta cómoda con las
etiquetas. Quizás por ello han
decidido condensar la mayoría
de los registros explorados desde
In Requiem (07), con un claro
repunte del componente gótico
de su ADN. Buena prueba de ello es
Ghosts, potencial rompepistas de
clubes góticos, o Hope Dies Young,
ambas deudoras de sus adorados
Sisters Of Mercy. Por su parte,
Ravenghast compensa la balanza
hacia terrenos doom, así como Fall
From Grace, con un ritmo pesado
marca de la casa, voces cavernosas
y un desenlace más melódico.
Un álbum extraño pero fascinante
que mantiene el aura de una banda
clásica. —DAVID SABATÉ
POP / A Charli XCX, la cuarentena
le pilló en su casa
8
de Los Ángeles, lugar donde
la artista tiene instalado un
pequeño estudio de grabación
casero. Allí decidió gestar un
nuevo disco, dándose treinta y
ocho días de preparación. Como
resultado, how i’m feeling now
no puede ser más marca de la
casa. Con sus aliados A. G. Cook
y BJ Burton como productores,
han surgido canciones enérgicas
que hablan de sentimientos
universales como la ira, la frustración,
la tristeza, la rabia, la
excitación o el amor, potenciados
todos ellos por la situación
que estamos viviendo. Acercándose
al pop pero siempre desde
una perspectiva DIY, futurista e
industrial que hace que cruce la
línea con el PC Music constantemente.
Un diario abierto sobre
lo que ha pasado por la cabeza
de Charli durante las primeras
semanas de confinamiento. No
pretende ser perfecto ni limpio
ni agradable, porque eso lo
arruinaría todo.
—ÁLVARO TEJADA
7 PUNK ROCK / Entre el punk
más rockero y el rock más
macarra se mueven Ratpenat. Estos
cuatro murciélagos de la Ciudad
Condal se aliaron en 2017 con
el objetivo de rockear sin limitarse
a ningún estilo determinado.
Tras debutar con 100% Indecent
vuelven a la carga con esta secuela
amparada por Rock De Kasba.
Once nuevos temas entre el punk
rock y el rock&roll con toques de
garaje, rap, metal o hardcore para
los que han contado con un buen
puñado de colaboraciones. Morfi
Grei (La Banda Trapera Del Río) se
apuntó al primer single, Barcelona
ha mort, una suerte de secuela
de su Ciutat podrida. Soto Sargantana
(Pirat’s Sound Sistema) hace
lo propio en Demà pots ser tu,
cuyo estribillo pegadizo le hacía
un claro candidato a ser el segundo
adelanto. Su gusto por la serie
B se desata en Terror, pizza i r’n’r
con la voz de Dani Moreno, alma
mater de Motorzombis. La lista de
invitados la cierra Àlex Vendrell,
el cantante de Inadaptats y Eina,
en la acelerada Mori el mal govern.
—JESÚS CASAÑAS
POP / El potente segundo
7
disco de Nereida Fau, A, es
una carta brillante en defensa de
la igualdad de género y una de
las caras más personales de la artista.
La lírica, poética y cálida,
que se adentra en los problemas
que ha ocasionado históricamente
el patriarcado para las
mujeres. La artista apela al que
ha sido el caso más mediático
sobre una violación en nuestro
país –el de La Manada– en Yo sí te
creo. En Mientras sigas, condensa
la idea de miedo a la violencia
de género y la necesidad de un
progreso feminista. Poesía contundente
para el cambio. Pop de
corte independiente con algunas
dosis experimentales que
se revuelcan en el rock, como en
Hombres raros, en la que la voz
de la artista se distorsiona y se
mezcla entre ritmos contundentes
de guitarra y batería. Cinco
años de espera desde El regreso,
su primer disco en solitario, A es
una abertura en canal realmente
intensa y la constatación de una
definición como solista excepcional.
—KAREN MONTERO
8
FLAMENCO ELECTRÓNICO
/ Un indispensable Manifiesto
de electrónica jonda
en ocho pasos. La tradición del
cante más puro, rezumando dolor,
rabia y redención, se funde y
bambolea como la mimbre, manteniéndose
firme bajo una rave
de poesía queer, combativa y
liberadora. Alegato a la libertad
sexual y creativa, fusionando
flamenco (Álvaro Romero) y
electrónica (Toni Martín) con
textos extraídos de escritores
homosexuales y el manifiesto
Hablo por mi diferencia de Pedro
Lemebel como bandera. De los
ecos de “compases y silencios”
morentianos y los versos con sed
de vida de Braulio Ortiz Poole en
la Saeta del pirómano inicial,
a una Mariana que rezuma espiritualidad
y bola de espejos,
pasando por la cicatrizante
herida que se abre por Granaína
(de la herida), el Que sí, que no de
Remedios Amaya, un Tango (de
la coca) con aromas cabareteros,
o esa batalla vencida del cuerpo
y el espíritu en Nací como quise
yo. —DAVID PÉREZ
La variedad de Car Seat Headrest
Car Seat
Headrest
Make A Door
Less Open
Matador/Popstock!
POP / Car Seat Headrest no es un grupo
cualquiera o al uso, y hasta el propio Will
Toledo (principal artífice principal de
asunto) es capaz de crearse un alter ego
–Trait– para asumir nuevas perspectivas
creativas que ahora plantea. Potenciado
por sus peculiaridades, el anuncio del
primer disco con temas nuevos del grupo
en cuatro años –desde que viese la luz
Teens Of Denial (Matador, 16)– sólo podía
entenderse como una gran noticia. Lejos
de decepcionar, el nuevo trabajo del combo
norteamericano cumple las expectativas
tras revelarse como un disco inspirado,
arriesgado, jugoso y, sobre todo, mutante
a lo largo de diez temas. En este caso
la cooperación alcanza al colectivo 1 Trait
Danger, y la referencia presenta orgullosa
un indie-pop que se permite algo de pose
arty, mientras coquetea indistintamente
con la electrónica o apura algún que otro
ramalazo punk. El resultado de tan afilada
mixtura es un trabajo lleno de aristas que
vira en diferentes direcciones, poniendo
de manifiesto su poder hipnótico con
8
cada giro, así como la inmediata convicción
del contenido. Car Seat Headrest juegan en
una liga similar a la de nombres imprescindibles
como Spoon o Dr. Dog, para luego
fijarse en otros artistas hasta alcanzar
excelentes resultados. Weightlifters se sitúa
a medio camino entre Peter Gabriel y David
Byrne, mientras que Can’t Cool Me Down y
Martin rememoran a los mejores Clap Your
Hands Say Yeah, y There Must Be More Than
Blood recuerda a Beck. El nivel se mantiene
en el single Hollywood o la acústica What’s
With You Lately, antes de que el cuarteto
tienda hacia Hot Chip en la final Famous.
Make A Door Less Open es, en definitiva, un
disco de notable alto por su jugosidad, variedad
y efectividad, así como su fuerza lírica,
protagonizado por canciones de sonido
contemporáneo, pero que también bebe sin
disimulo del pasado y grupos como Talking
Heads, Television o Devo.
—RAÚL JULIÁN
Clem Snide
Forever Just
Beyond
Ramseur
Records
AMERICANA / Hay discos
8
que pese a tener todo
en su contra acaban viendo la
luz, e incluso lo hacen bajo una
imprevista brillantez. Las desgracias
sufridas últimamente
por Eef Barzelay, guía exclusivo
de este proyecto, lejos de hundirle
definitivamente se han
tornado en caldo de cultivo para
la publicación, tras un lustro
de silencio, de su nuevo trabajo.
Para tal fin ha resultado indispensable
la colaboración, artística
y emocional, de uno de los
hermanos Avett, concretamente
Scott, con quien ha elaborado
un exquisito paisaje de cálido
e íntimo sonido de raíces. Un
tejido en el que se vislumbran
nombres como Jeff Tweedy, M.
Ward o Ron Sexsmith a la hora
de encarar un repertorio donde
se alterna elegancia, excelsa
sobriedad o un pellizco country,
representaciones de esa valiosa
fórmula que permite transformar
el desencanto en belleza.
—KEPA ARBIZU
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #31

MONDOVINILOS
FOTO: NOEMÍ ELÍAS
Rojuu
OOO
Ceuve
TRAP / Rojuu presenta
7
OOO, su nuevo álbum, en
el que se percibe una evolución
musical que le ha llevado a
apostar por sonidos diferentes
en algunos de los temas, más
alejados del sad/emo trap de
sus inicios y más cercanos a lo
casi psicodélico de Sticky M.A.
OOO es un trabajo que supone
un salto de calidad en la carrera
del jovencísimo músico catalán
que, antes de cumplir la mayoría
de edad, se confirma como una
de las promesas más interesantes
del género. El disco, con dos
vertientes (una más continuista
con sus trabajos anteriores y
otra más innovadora), contiene
canciones de nivel como 6to
sentido, Como murió algo tan
mágico o 4everyoung, donde
colabora con Carzé o Clutichill
para no romper con la tradición.
Si Rojuu sigue por el camino
que marca este trabajo es casi
seguro que llegará a hacer
trabajos sobresalientes en un
futuro, que no pequen de los pequeños
defectos (muy pasables)
de este. —LUIS M. MAÍNEZ
Daniel
Romano
Visions Of
The Higher
Dream
You’ve
Changed
Records
9 AMERICANA / El canadiense
ya no es que salga a disco
al año, es que a veces, como es el
caso, sale a dos o incluso tres. Es
más, en quince días de ha sacado
de la manga un jugoso directo
titulado Okay Wow (espléndido a
todas luces) y estas diez canciones
que nos ocupan. Un resumen
perfecto de lo que hoy en día es
Daniel Romano: un completísimo
e inclasificable músico que está
ofreciendo un catálogo discográfico
al público que quizá sea
difícil valorar ahora, pero que
con el tiempo debería ser visto
como algo muy grande, al alcance
de muy pocos. Un geniecillo
imprevisible que es capaz de
cambiar de tempo un tema tres
veces de manera brusca, girar
de lo acústico a lo eléctrico en
escasos segundos, picotear de la
psicodelia e incluso guiñarle el
ojo al pop barroco sin que nada
suene extraño ni fuera de lugar.
Porque al final, cuando te enfrentas
a un disco de Daniel Romano
sabes que cualquier cosa puede
pasar y que siempre será algo
bueno. —EDUARDO IZQUIERDO
Sorry
925
Domino/
Music As Usual
Fleur East
Fearless
Platinium
East
The New Raemon y el recto
caminar
The New Raemon
Coplas del andar
torcido
BMG
POP / Hay que tener una pericia muy
madurada para cantar sobre la vida y la
muerte como cara y cruz indisociables de
una misma realidad y no caer en lo pretencioso.
Ramón Rodríguez lo consigue
en un buen puñado de canciones de este
disco, que logra algo que parecía difícil
de barruntar hace un par de años: llevar
la expresividad del sensacional Una
canción de cuna entre tempestades (18)
un poco más allá, hasta atisbar una cota
de refinamiento que apenas tiene parangón
en nuestra escena. Es este un disco
sensible y rotundamente honesto, propio
de alguien que rebasa con creces los cuarenta
tacos. Un trabajo que oxigena, nutre,
espolea la reflexión y modela un ideario
8
en el que la poética de lo cotidiano y una
forma de manejar cierta trascendencia sin
despeñarse por la sima de la pedantería
acaban dándose la mano de forma ejemplar.
De nuevo con la complicidad de Raúl
Pérez en su estudio de La Mina, Javi Vega
(Maga), Salvador Horta y Ricky Lavado a
la base rítmica, los arreglos de cuerda de
Antonio Fernández Escobar y los pespuntes
electrónicos a cargo de David Cordero,
The New Raemon profundiza en una sonoridad
con más profundidad de campo que
nunca, realzada por los coros ingrávidos
que aporta Anni B Sweet en tres de sus
composiciones. Una colección que dispensa
cortes tan fabulosos como El árbol de la
vida, Pronto todo será sombra, la moruna
Días de rachas grises, En un zarzal, En la
feria de atracciones, Ruido de explosiones
o La última palabra, con la que el de
Cabrils araña esa quimera que él mismo
describe (en La mano en el fuego) como
atrapar la belleza de la ambivalencia.
Soberbio.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
ROCK / Con tan lacónico
7
nombre se presenta en
sociedad la penúltima y joven
promesa salida de la fecunda
cantera londinense. El filtro de
calidad del sello Domino avala a
un dúo de amigos del instituto,
chica y chico (Asha Lorenz y
Louis O’Bryen) que beben de fuentes
como el garage elegante, el
post-punk, el indie de los noventa
y la psicodelia perversa. Su debut
largo, que se materializa tras
varias prometedoras maquetas
y mixtapes, oscila de los buenos
estribillos pop como el de Right
Around The Clock, More o Starstruck
–esta con su riff glam asilvestrado
a lo Queens Of The Stone
Age– a las melodías siniestras de
In Unison o Rosie, que navegan
con toques de psicodelia de mal
viaje. Esa idea de fluctuar “del
cielo al infierno” –así lo definen
ellos– la llevan a la práctica con
la colaboración del productor James
Dring (Gorillaz, Nilüfer Yanya),
con el que han grabado trece
cortes que, pese a algún altibajo
lógico, les muestran maduros y
coherentes. —JC PEÑA
POP / No todos los que
7
se presentan a un talent
show consiguen alcanzar el éxito
como Fleur East, quien cinco
años después de lanzar su álbum
debut, presenta su segundo
proyecto Fearless intentando
superar el listón que alcanzó
con Sax. Fearless es un álbum
que mezcla distintos géneros
musicales, pero East consigue
mantenerse fiel a su esencia y
a sus directrices pop, hip hop o
R&B (lo que la permite navegar
de Cardi B o Azealia Banks hasta
Alicia Keys o Rihanna). Además,
podemos vislumbrar elementos
latinos y africanos. East sabía
que no era fácil superarse, pero
ha hecho todo lo posible. Size es
el tema que se acerca más a lo que
la artista hizo con su hit de 2015.
Es animado, ligero, pero debemos
llegar hasta el final para presenciar
el maravilloso Absence
Speaks Louder Than Words, un
tema blues, R&B, con elementos
soul, con una producción más
sutil y curada. Con él nos muestra
su virtuosismo vocal, su estilo y
su elegancia. —NÚRIA CARDÚS
#32 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Mark
Lanegan
Straight
Songs Of
Sorrow
Heavenly
Records/[PIAS]
9
ROCK / Aunque hay quien
no lo vea así, aprecio a los
músicos que experimentan cosas
nuevas. No hay nada más aburrido
que escuchar el mismo disco.
De hecho, creo que para volver
en condiciones óptimas a tus
raíces tienes que atravesar ese
periodo de ensayo y error en el
que busques llevar tu música a
otros terrenos. Hace poco leía un
artículo en que se llegaba a esta
conclusión: Neil Young ha acabado
siendo quien es ahora por
esos tres discos fuera de su onda
que grabó en los ochenta, a pesar
de lo poco valorados que están
por público y crítica. A Mark Lanegan
su comunión con la electrónica
le ha permitido agarrar
una luz nueva. Precisamente, en
este álbum casa esa faceta con la
de toda la vida, esas canciones
tan tristes y tan profundas que
siempre le han caracterizado.
Lanegan ha grabado un disco en
que están todos los elementos
que han regido su vida artística,
siendo su obra más ecléctica y la
más completa al mismo tiempo.
—TONI CASTARNADO
El debut en solitario de Jehnny Beth
Jehnny Beth
To Love is To Live
Caroline/
Music As Usual
9
POST-PUNK / La artista de origen francés
podría haber tirado por el camino fácil.
Nadie se lo habría reprochado. Su abrumadora
presencia escénica, junto a sus
sobresalientes facultades vocales y el
espléndido trabajo de sus compañeras de
Savages, convirtieron al grupo británico en
uno de los más justamente respetados de
la era reciente. Pese a ello, Beth sentía que
la rutina estaba a la vuelta de la esquina,
de modo que ha preferido empezar casi de
cero con su primer trabajo en solitario. El
resultado de su inquietud está a la altura
de unas expectativas acumuladas –el magnífico
Adore Life de Savages data de 2016–,
pero Beth se aleja lo que puede, y hace bien,
del sonido de su grupo. El resultado es un
disco valiente y dislocado, que tiene en
la honestidad brutal y los extremos, entre
el grito desafiante y la vulnerabilidad,
su mayor baza. Los ropajes instrumentales
contemporáneos y el punto justo de
experimentación funcionan. Atrás quedan
las comparaciones con Siouxsie y los mimetismos
hacia cierto post-punk vintage (cuya
filosofía sigue presente): en To Love Is To Live
hay una apuesta firme por aventurarse en
arenas movedizas. Apoyada por su cómplice y
compañero sentimental Johnny Hostile (con
quien ya tuvo, años atrás, la aventura musical
John & Jehn), productores de pedigrí como
Flood (Depeche Mode, PJ Harvey) y el NIN
MONDOVINILOS
Atticus Ross, y apariciones estelares como
las del actor Cillian Murphy y Joe Talbot de
Idles, Beth explora terrenos sintéticos, cuasi
industriales y atmosféricos, mientras su voz
se convierte en el instrumento principal. Una
voz con una amplitud de registros prodigiosa,
capaz de pasar del desafío macarra sin
restricciones de la musculosa I’m The Man
a la sensualidad descarnada de Flower y su
poderoso estribillo o la dulzura romántica de
The French Countryside. —JC PEÑA
Fake Names
Fake Names
Epitaph/
[PIAS]
Lu Rois
Microcosmos
Bankrobber
Sparta
Trust
The River
Dine Alone
Moby
All Visible
Objects
Mute/[PIAS]
Silvia
Pérez Cruz
& Marco
Mezquida
MA. Live In
Tokyo
Universal
PUNK / ¿Es Fake Names una
7
banda necesaria en este
momento? Disculpad el monotema,
pero un disco así de enérgico
y fresco podría desentonar con
el ánimo en el que el mundo
anda metido. Sí, este disco y esta
banda son muy necesarios a día
de hoy. Fake Names es un nuevo
súper grupo formado por Brian
Baker (Bad Religion, Minor Threat,
etcétera), Dennis Lyxzén (Refused,
The (International) Noise
Conspiracy), Johnny Temple (Girls
Against Boys) y Michael Hampton
(Embrace). Su recién nacido disco
de debut es el resultado de un
trabajo que comenzó en 2016. Y
sólo ocupará veintisiete minutos
de tu vida disfrutarlo al completo,
multiplicado por la cantidad de
veces que quieras repetir su escucha
en caso de que te entregues a
una dosis de power-pop, hardcore
punk y guiños new wave, moderada
con llamativa precisión. Aquí
encontraremos ecos de todos los
grupos principales de los integrantes
de la banda, donde todas
esas sonoridades logran convivir
perfectamente. —ADRIANO MAZZEO
POP
8
/ En un live de Instagram,
cerquita y sin artificio,
y con su hijo revoloteando
por la casa. Así estrenó Lu Rois
su nuevo disco. Y la coyuntural
puesta de largo no pudo venirle
mejor. Microcosmos es cálido
pero enérgico, perfecto para
mimarlo a piano y voz. Además,
trata sobre la maternidad y la experiencia
de tener un pequeño en
casa. Un hecho que, a la vista está,
afecta incluso a la elaboración de
un concierto. La complejidad de
la maternidad es el punto fuerte
de Microcosmos: amor e ilusión,
pero también soledad y extrañeza.
Todas esas vivencias están
recogidas en el tercer disco de la
catalana, cuya última referencia,
Clarobscur (17), era más folk. Lu
Rois da un paso adelante en la
producción, más atmosférica. La
suma a una voz llena de matices
(aniñada pero potente), un piano
en tromba que sería del gusto de
la última María Coma y unas melodías
cristalinas. Así, las sensaciones
llegan. L’univers als teus
ulls es un buenísimo ejemplo.
—YERAY S. IBORRA
8
ROCK / Se hizo esperar y
ELECTRÓNICA / Moby fue
CANCIÓN / Hay algo en
6
8
mucho este Trust The River,
paradigma de modernidad
Silvia Pérez Cruz que
el primer trabajo de Sparta en
catorce años. Siento debilidad
por esta banda de El Paso, como
por tantas otras formaciones
injustamente infravaloradas. Merece
la pena recordar que esta
banda se gestó en el 2001 cuando
At The Drive-In cesaron su actividad
por primera vez en el 2001.
Después de tres discos de posthardcore
y dolorosos cambios
en la formación, Trust The River
tiene un corte mucho más clásico.
Se intuye la influencia de Sleepercar,
el proyecto personal de
su cantante y guitarra Jim Ward,
en la inicial Class Blue, el dueto
de Spirit Away, el precioso piano
de la balada Dead End Signs y,
sobre todo, Believe, la cosa más
‘radio friendly’ de toda su carrera.
Solo el nervio de Cat Scream
nos devuelve a los Sparta de los
primeros dos mil. ¿Qué podíamos
esperar después de tanto tiempo?
Trust The River es una fotografía
actual del superviviente Ward,
mucho más relajado y espiritual.
—LUIS BENAVIDES
electrónica en los noventa, pero
los últimos discos de Richard
Melville Hall han quedado en
mixturas algo desordenadas
que, de algún modo, son el propio
reflejo abreviado de su carrera.
All Visible Objects no es una
excepción, e incluye piezas de diferentes
pelajes que tienen como
consecuencia una referencia algo
irregular tanto en formas como
en consecuencias. A favor puntúa
que Moby ha evitado venderse
a moda alguna, y que todavía
alberga destellos de inspiración
que concreta en las piezas más
brillantes del lote. En contra, que
luce algo estancado y en ocasiones
perece recrearse en exceso
en lo que algún día fue. Aquí hay
bastante más de lo primero que
de lo segundo, con varios cortes
capaces de devolver la fe en el
autor al tiempo de remitir a aciertos
del curriculum pasado. Y es
que sólo por el placer de localizar
esas gemas que salpican cada una
de sus entregas, el asunto termina
por merecer la pena.—RAÚL JULIÁN
aplaudo y envidio: su libertad
para decidir y tomar los caminos
que más le apetecen. Después de
Vestida de nit ya dejó claras sus
intenciones, deseaba asumir más
riesgos. Lo cual, y siendo ella,
no es tema menor, pues nunca se
caracterizó por ir a únicamente
hasta cotas sencillas. Se involucró
en Grito Pelao, actuó con
Toquinho y Javier Colina, y a todo
esto, su aventura japonesa junto a
otro que no tiene techo, un Marco
Mezquida que se mete en el bolsillo
a todo el mundo, gracias a una
clase y delicadeza que no pasan
desapercibidas. En octubre de
2019, tras dos años de compartir
escenarios, juntos tomaron un
vuelo en dirección a Tokio para
registrar un directo en el Blue
Note de la ciudad. Aquí no hay
truco. Ella a la voz y la guitarra,
él acompañando al piano. ¿Y el
repertorio? Un puzle que tiene de
todo, desde referencias hermosas
y cálidas a las islas, hasta guiños
al pop aunque llevados al terreno
del jazz. —TONI CASTARNADO
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #33

MONDOVINILOS
Moses Sumney: sin reglas
Moses Sumney
græ
Jagjaguwar/Popstock!
POP / Para Moses Sumney, no hay más reglas
que las que él mismo se quiera imponer. Es
decir, ninguna. Si alguien tenía alguna duda
sobre la conveniencia de añadir su nombre
a la pasarela de grandes talentos de ese pop
polimorfo que desenmaraña la complejidad
de nuestro presente (Anohni, Perfume Genius,
Solange), quedará más que solventada
con este colosal segundo álbum. La mitad de
su contenido fue ya desvelado digitalmente
en marzo, pero es ahora cuando sus veinte
canciones cobran formato físico como una
ambiciosa declaración de intenciones que
empequeñece –por contraste– un trabajo tan
notable como Aromanticism (17), y que explora
a fondo la idea de la alteridad y cuestiona
los planteamientos binarios en esta sociedad
del like y el unlike para poner en solfa
los estereotipos de género (ya sea sexual o
9
estilístico), de raza o de cualquier cosa que
se le ponga por delante a este talento omnívoro,
artista total, portentoso vocalista
de falsete que desafía cualquier capa de la
atmósfera y compositor de instinto superlativo
para rodearse de un all star de músicos
que dan a su discurso justo lo que necesita
en cada momento: el bajo de Thundercat, el
saxo de Shabaka Hutchings, los vientos de
Adult Jazz, los arreglos de cuerda de Bob
Moose, la voz de la gran Jill Scott, el piano
ocasional de Esbjörn Svensson, la rúbrica
compartida de James Blake y ahora, por si
fuera poco, la coproducción de Daniel Lopatin
(Oneohtrix Point Never) en un equipo
en el que también figuran Matt Otto y John
Congleton. Sin definirse como soul, ni como
jazz, ni como r’n’b, ni como folk ni como art
rock, o definiéndose implícitamente como
todo eso (y algo más) al mismo tiempo, el
californiano de origen ghanés entrega un
álbum desbordante, que funde lo cerebral
con lo carnal, se presta a innumerables y
múltiples escuchas y logra plasmar la deslumbrante
belleza de lo indefinible.
—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
FOTO: ARCHIVO
Daniel
Avery y
Alessandro
Cortini
Illusion Of
Time
[PIAS]
EXPERIEMENTAL
7
/ Unidos
por una recíproca admiración,
Daniel Avery y el teclista
de Nine Inch Nails, Alessandro
Cortini, han decidido gestar un
álbum definido por el devenir
conceptual, la divagación sonora
y una producción que oscila
entre lo onírico y lo ferruginoso.
Ambos artistas habían puesto
en común sus perspectivas años
atrás en la gira que mantuvo
ocupada a la banda de Trent Reznor
durante varios meses. Avery,
telonero del proyecto estadounidense,
empatizó a la perfección
con un Cortini dispuesto a crear,
y el resultado de sus planteamientos
ha tomado forma bajo el
nombre de Illusion Of Time. Este
extraño e intimista decálogo
sonoro nos adentra en un pasillo
abovedado en el que los juegos
de texturas y las intensidades
de sonido juegan un papel prioritario.
—FERNANDO O. PAÍNO
Amnesia
Scanner
Tearless
PAN
8
EXPERIMENTAL / La propuesta
creativa del dúo
Amnesia Scanner no ha parado
de evolucionar durante estos
cuatro años de existencia. Una
carrera breve pero exitosa, que
empezó muy fuerte con un gran
EP en el sello Young Turks y ha
seguido progresando, ahora
bajo el paraguas del sello PAN,
hogar de otras lumbreras del género
como Errorsmith, Beatrice
Dillon o M.E.S.H. En este Tearless
muestran su visión de la actualidad
procesada a través de la
música con un trabajo influenciado
por toda la situación que
se estaba viviendo en nuestra
sociedad pre-coronavirus. Todos
esos sentimientos de confusión,
soledad e impotencia se ven reflejados
en los diez temas de los
que se compone el álbum, con
colaboraciones de la cantante
peruana Lalita en dos temas (AS
Tearless y AS Aca) que parecen
un cruce entre M.I.A y Ministry,
un toque metalero/experimental
que repiten en un AS Flat con la
banda de metalcore Code Orange
de invitados. —RAÚL LINARES
Jorra i
Gomorra
Vellut i
purpurina
Bubota
POP / Quién, por el título,
7
se espere un disco de
glam, va mal encaminado. Pero
quién literalmente busqué ‘terciopelo
y purpurina’ en el álbum,
los encontrará porque la comodidad
y el brillo son importantes
en las diez canciones publicadas
por el grupo de Manacor. En su
segundo largo exploran lo que
ya habían empezado a investigar
en su epé anterior, las texturas
electrónicas. Sintetizadores y
cajas de ritmos llevan nuevos
tintes a los temas, acercándoles
a un sonido más metafísico pero
sin perder la iconoclastia rock
de sus amados Quimi Portet o
Guided By Voices. Este disco es
la última confirmación del genio
de Jorra Santiago. Sin pausa pero
sin prisa, nos demuestra que le
queda música y palabra para rato
y que, aunque su universo de procrastinación
tropical esté bien
claro, hay facetas líricas con las
que justo ahora se pone a jugar.
Vellut i purpurina gira en torno
a la admiración de cosas resplandecientes,
corriendo el riesgo de
convertirse en una.
—MARCEL PUJOLS
#34 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Oranssi
Pazuzu
Mestarin
kynsi
Nuclear Blast
Jason Isbell
And The 400
Unit
Reunions
Southeastern
Records
METAL / A un disco de
AMERICANA / No es tarea
8 7
Oranssi Pazuzu se acude
sencilla someter la identidad
de uno mismo a una continua
buscando algo muy concreto y
que pocas, poquísimas bandas autoevaluación, ni en el plano
pueden ofrecer: un magma sonoro humano ni en el artístico. Por eso
denso, oscuro, hipnótico y extrañamente
pegajoso cuya origina-
música de Jason Isbell, contraria
hay que reconocer el mérito de la
lidad representa un necesario siempre a rehuir los conflictos
soplo de aire fresco para el black morales, y que en este nuevo disco
metal. Mestarin kynsi es una obra decide enfrentarse con los diversos
fantasma que han jalonado
completísima por aglutinar en
una misma obra sus diferentes su vida. Introspección a la que
registros: desde la experimentación
de Kuulen ääniä maan alta minación por superar, apoyado en
acompañará además de una deter-
al blast-beat cósmico de Taivaan una vistosa y copiosa producción,
portti, donde bajo y batería –elementos
claves en el sonido de la en el que figura ya como auténtico
los límites de un rock americano
banda– alargan la tensión hasta experto. Las declamaciones envueltas
en un halo confesional –a
el límite repitiendo una y otra
vez la misma figura, hasta llegar lo Michael Kiwanuka– de What’ve
a la contención de Tyhjyyden I Done To Help, el delicioso aroma
sakramentti, el corte más psicodélico
del álbum. Oikeamielisten sicle o la esplendorosa balada
campestre contenido en Dream-
sali podría formar parte de ese country que es Letting You Go,
soberbio Värähtelijä (16) y, aún sin subliman un repertorio que sin
llegar a su nivel, Oranssi Pazuzu embargo se descontrola algo en
demuestran con su nuevo trabajo sus envites más eléctricos. Un
porqué son una de las bandas más leve contratiempo consecuencia
interesantes del actual panorama sin duda de la nunca reprobable
del metal extremo.
decisión de priorizar la pasión y
—TOMEU CANYELLES
el riesgo.—KEPA ARBIZU
FOTO: PABLO ALZAGA
MONDOVINILOS
Chencho
Fernández
Baladas
de plata
Warner
ROCK / Baladas de plata en
8
vena nos trae Chencho Fernández
como adictivo y morfínico
antídoto para huir de lo banal y
degustar lo efímero, reapareciendo
triunfal y decadente (como
los grandes) entre la niebla que
separa la madrugada beatnik de
Nueva York del alba sevillano
aferrado a la penúltima copa de
una velada interminable. Con la
sombra del Nick Cave más crooner,
la sensualidad de Gainsbourg y el
Lou Reed más chulesco, Chencho
encadena cimas compositivas en
las que late resplandeciente (con
una preciosista orquestación de
altos vuelos), la fragilidad del
amor y sus infinitas espinas. Del
rock con tintes stonianos de La
fosa de Las Marianas a la cabaretera
En boga, con coros y vientos
al más puro Transformer (72),
pasando por el mambo de azufre
de Salvador en la plaza del pan,
irresistible en el corazón y esa
belleza dolorosa que se desborda
en Como se odian los amantes
y funde amaneceres, a ritmo de
ranchera, en la majestuosa Noche
americana. —DAVID PÉREZ
Testura
Testura
Forbidden
Colours
ELECTRÓNICA / Ander
7
Mujika ha mantenido
una actividad incansable en
el mundillo musical desde la
separación de Napoka Iria, pero
hasta ahora se ha dado siempre
en forma de colaboración y apoyo
a otros artistas. Su parte más
creativa y personal ha permanecido
oculta en todo este tiempo,
acumulada en pequeños esbozos,
ideas inacabadas y apuntes
prometedores que, por fin, ha
decidido pulir y redondear y dar
a conocer. Un ejercicio íntimo y
tan solo compartido con Felix
y Johannes Buff para que mezclen
y añadan sutiles capas de
sonido con extrema delicadeza y
elegancia, que se ve aumentado
y enriquecido en su traslación
al directo, por la proyección de
coloristas transparencias de
Maialen Belaustegi. Pero Testura
es, ante todo, un lienzo sobre el
que emergen nuevas, etéreas e
irrepetibles formas en cada escucha
y visualización, del que este
delicioso vinilo es tan solo una
bella y muy prometedora primera
muestra. —ANTTON ITURBE
Viva Belgrado: la democracia
del grito
Viva Belgrado
Bellavista
Aloud Music
9
ROCK /Decir que Viva Belgrado han cambiado
puede resultar una obviedad, sin
embargo el miedo al cambio era un factor
común de muchos de sus seguidores mientras
que los cordobeses nos avanzaban
un corte como Más triste que que Shinji
Ikari. Y es que resultaba un adelanto
perturbador para los amantes de la cara
más screamo o punk de la banda. Ahora,
con todo el material disponible, podemos
decir que el cambio no ha sido tan drástico
pero al mismo tiempo que Bellavista
no es un trabajo continuista con respecto
a Flores, carne (14) y Ulises (16). Estamos
ante un disco mucho más accesible pero
igualmente hiriente. Un larga duración
no pensado para nadie y hecho para todos
los que deseen algo más que un simple hit
festivalero. Bellavista es una referencia
con un mensaje intergeneracional prácticamente
inexistente en el panorama musical
nacional. Al escuchar el tridente inicial
conformado por Una soga, Bellavista
y Cerecita Blues apreciamos que Cándido
Gálvez es un portavoz de sentimientos
en los que todo el mundo tiene derecho a
verse reflejado. El grito es solo un recurso,
uno más de su paleta de posibilidades. Lo
que no ha cambiado es un discurso que va
desde el desamor al nihilismo en un par
de fraseos. Reiteramos, el grito es solo un
recurso de rabia y tensión. La sensación
y el sentimiento van a seguir ahí incluso
con el sustento de una guitarra flamenca
o unas pocas de palmas, Un collar, o en
ritmos urbanos cercanos a un elegante
pop urbano salpicado de trap. Todo cuadrado
en texturas musicales de unos músicos
que se conocen bien y saben que son
capaces de fabricar el paisaje sonoro que
se propongan. ¿Candidatos a honores en
2020? Sin duda, ya que tras los pasos de
Standstill, son la cruz de guía de mucha
gente que no ve la luz más allá de su local
de ensayo. Uno de los referentes actuales
de una música que golpea y emociona a
partes iguales. Ellos son la democracia
del grito. —ROJAS ARQUELLADAS
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro
junio 2020 #35

36/Mondo
Media
“Sigo con la sensación
de que moriré muy pronto,
así que o escribía Baricentro
ahora o no lo haría nunca”
LIBROS
Notas a
Apocalypse
Now
Eleanor
Coppola
Barlin
LIBROS
Hernán Migoya Memorias en el
FOTO: ARCHIVO
Tras todo gran hombre hay una
gran mujer, dice la máxima
aquella. Eleanor Coppola es esa
mujer, cineasta y escritora, de
la que nadie habla cuando se
echa mano de la épica del rodaje
de Apocalypse Now. Pero leer
su sincero diario sobre los tres
asfixiantes años de rodaje, son
todo un reconocimiento de la
dureza de convivir con Francis
Ford Coppola aquellos días.
—JAVIER CASTILLO
Escritor y músico, el valenciano
Mr. Perfumme nunca ha sido un
autor corriente. Lleva varios
títulos dejándolo claro, pero si
pensábamos que Saber matar
era la máxima demostración, nos
equivocábamos. Transirak es
una locura descontrolada. Solo
que una locura trenzada a la perfección
dentro de su aparente caos
y con una galería de personajes
surrealistas con mucha miga. Un
placer distinto. —JOAN S. LUNA
9
Transirak
Mr. Perfumme
Niños Gratis*
8
paraíso de la compra
Nombre destacado del
cómic estatal, el guionista
y escritor Hernán Migoya,
voluntariamente exiliado
desde hace años en Perú, se
adentra una vez más en el
mundo de la literatura con
Baricentro (Reservoir Books,
20). Relato autobiográfico
en una de las novelas más
sinceras y emotivas de la
temporada en nuestro país.
Debe ser una soberana putada
publicar una novela tan genial
como Baricentro y que
llegue un virus, nos encierre
a todos en casa y joda el plan promocional.
Hernan Migoya lo ve de otra
manera. Para este guionista de cómics
nacido en Ponferrada y crecido en
Barberà del Vallès, ciudad dormitorio
del extrarradio barcelonés, el bajón
vino durante el proceso de creación
de la obra, cuando pasó por fases de
entusiasmo combinadas con otras de
depresión profunda en las que creyó
firmemente que a nadie le iba a interesar
lo que estaba escribiendo. La recompensa
de un escritor es terminar
su novela y la guinda, publicarla, sostiene.
“Lo demás no me importa, de
verdad. Baricentro existe, es lo único
importante. Casi todos los libros que
adoro no están nunca en boca de nadie,
así que no me afecta. Baricentro
llegará a quien deba llegar”.
Hernán Migoya vive opcionalmente
exiliado en Lima desde hace años.
Cuando se le pregunta por su expatriación
voluntaria, responde que son
diversos los motivos que le llevaron
a Perú. “Descubrí un país más joven,
menos crispado y más ilusionado
que el nuestro. No tener que padecer
rencillas de identidad en tu entorno
ni discusiones políticas por cualquier
tema supone un alivio indescriptible
para el espíritu. Y, no menos importante,
está la cuestión estética: siempre
he encontrado muy bellos a los
andinos. Me encanta pasear y estar
rodeado de personas hermosas y todas
morenas… Excepto los pijos, que
son rubios y feos”. Más allá del atractivo
de los peruanos, puede que hayan
sido los casi diez mil kilómetros que
separan Lima de Barcelona lo que le
ha permitido dar vida a una novela
tan personal como Baricentro. O no,
contrarresta él. Tal vez si se hubiera
quedado de hijo divorciado cuidando
a sus padres, también se hubiera visto
escribiendo en un rincón de su cuarto
de siempre. “Pero vivir en Lima sí me
ha proporcionado un mirador privilegiado,
como dicen las agencias turísticas,
y un filtro más antropológico.
Te das cuenta de lo poco importantes
que somos en cualquier parte del
mundo”.
Todos los héroes de Hernán Migoya
murieron hacia los cuarenta años.
Freddie Mercury, D.H. Lawrence...
Robert E. Howard incluso antes, a los
treinta. Por eso el guionista y escritor
siempre pensó que moriría a los
cuarenta y seis años. “Ahora tengo
cuarenta y ocho y no entiendo por
qué sigo vivo. No tengo hijos ni voy a
tenerlos, ya no sirve de nada que yo
esté aquí. Para mí es como un tiempo
regalado, de más. Pero sigo con la
sensación de que moriré muy pronto,
así que o escribía Baricentro ahora
o no lo haría nunca”. La génesis de la
novela se encuentra en la anécdota
que conforma el prólogo. Aquella
visita al centro comercial Baricentro
en la que su hermano y él acompañaron
a sus padres enfermos despertó
en ellos la sensación de que volvían a
ser la familia ilusionada, eterna y feliz
que cuarenta años antes acudía de
compras a ese mismo lugar. “Yo estoy
acostumbrado a basar mis novelas en
sucesos fantásticos, de imaginación
pura, y no concebía que algo así pudiera
interesar a nadie. Pero me di cuenta
de que podía servir para exhumar mis
fantasmas personales y, de paso, darles
una tunda”. —ORIOL RODRÍGUEZ
R
Más en www.mondosonoro.co
Baricentro
Hernán Migoya
Reservoir Books
#36 junio 2020 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

CÓMICS
Depresión
o victoria.
Crónica
de una
batalla
Meritxell
Duran
Reservoir
Gráfica
7
LIBROS
Marc Ros
Bailar con el lector
“Escribir es como una
droga; te lleva del cielo
al infierno en un clic”
MONDO
MEDIA
Normalización de una enfermedad
tan seria como la depresión
en formato gráfico a través de
afectados en primera persona,
testimonios, doctores y terapeutas.
Construida con todas esas
voces y la de la propia Meritxell
Duran, estamos ante una biografía
coral que ahonda en los entresijos
mentales y físicos de un
modo amable y universal, entrando
en la terrible oscuridad y saliendo
–no siempre– para atisbar
la luz a ratos. —OCTAVIO BOTANA
¿Has visto alguna vez a personajes
de una gran novela cobrar
vida? ¿Has llorado y reído con
ellos? ¿Les has llegado a querer
y odiar y/o compadecer como
si formasen parte de tu propia
familia? Tu vida no es como la
esperabas, eso ya lo sabemos.
Pero Essex County tampoco, y
es importante que lo entiendas,
porque nada es normal dado que
antes nunca lo fue. Bravísimo.
—OCTAVIO BOTANA
Essex
County
Jeff Lemire
Astiberri
9
Squeak
The Mouse
(Integral)
Massimo
Mattioli
Fulgencio
Pimentel
Massimo Mattioli (1943-2019) ofrece
en Squeak The Mouse su Apocalipsis
slapstick. Respetando las
formas de los cartoons clásicos
crea una cacería underground de
gato-y-ratón disparatadamente
gore y con episodios de contundente
porno. Todo sin diálogos,
con colores pop y una página de
doce viñetas fijas. Ejemplo claro
de que el cómic es uno de los
medios más adecuados para la
comedia. —OCTAVIO BEARES
9
Quiero empezar este texto
puntualizando una cosa. Aquí
y ahora estamos hablando
con Marc Ros, un escritor que,
casualmente, también es el
cantante y compositor de
Sidonie y no al revés. Sigue
la flecha. Se hace saber que el
artista ha debutado con una
novela que se titula
El regreso de Abba (Suma de
Letras, 20).
EL REGRESO DE ABBA es una
obra que poco corresponde a lo
que cabría esperar de una opera
prima. Al contrario, me atrevería
decir que su estilo combina un
perfecto pulso entre la pasión y la madurez,
entre el fetichismo y la introspección.
Trazado con un oficio propio
de los escritores más experimentados.
Y, aunque el resultado sea impecable
y contagioso para el lector, no ha sido
una tarea nada fácil para el artista.
“Escribir es como una droga; te lleva
del cielo al infierno en un clic, pero yo
tengo que confesar que he estado más
instalado en el infierno. Empezó cuando
ya llevaba cincuenta páginas escritas
y me vi en un punto de no retorno.
Ya había desarrollado una relación con
los personajes. Los quería, formaban
parte de mí, los veía por casa, hablaba
con ellos y en ese momento fui incapaz
de abandonarlos. Además, tengo la
sensación de que la literatura me ha
salvado muchas veces la vida, o vamos
a decir que me la ha mejorado. Así que
esta es mi manera de devolver el favor
a todos aquellos escritores que alguna
vez me han ayudado”. De la trama se
desprende un halo de malditismo que
se puede oler y que también ha estado
presente en la vida de Marc. ¿Es posible
ser artista y feliz? “No. Como decía Virgina
Wolf: ‘vivir o crear’. Ahora pienso
que no tenemos que estar tan al límite,
pero sí que las grandes obras se hacen
desde el conflicto y esto desgasta mucho.
Esto no significa que tengas que
ser Kurt [Cobain] y quitarte la vida al
día siguiente, pero el conflicto tiene que
estar”. En esa distancia que existe entre
el arquetipo y el personaje, encontramos
a Marc, escondido entre muros,
disimulando ante cualquier atisbo de
correspondencia. Sea como sea, uno
de los méritos de este libro es que los
protagonistas se hacen tan vivos, que
parecen más reales que algunos ami-
gos. Y, como Pinocchio, casi toman vida
al margen de las palabras impresas.
“Hugo y Domènech tienen más cosas
de personas ajenas, pero en cambio
para Abba no he tenido que ir más lejos
de mi casa. No me ha hecho falta documentarme
demasiado, porque parece
que ya estaba muy hecha. Pero al mismo
tiempo es la que dejo más al aire.
Me apetecía que permaneciese abierta
de alguna manera”.
EN LA NOVELA LAS PALABRAS se
dividen entre la acción y la reflexión.
Marc baila con el lector, con unas frases
que incendian esa luna que ilumina
el alma de cada noche. “En la mayoría
de páginas soy yo, con mis referencias y
mis modelos en el cogote. Pero con mi
propia voz, que surge del error y de mi
incapacidad para copiar a mis héroes
literarios”. Inmiscuirse en la piel de
Abba, cantante de un grupo pop, mujer
y protagonista, ha sido un proceso
natural para Marc. “Al principio pensé
que seria difícil, luego empecé a pensar
en autores que se habían puesto en
la piel de una mujer y me dejé llevar.
Liberé mi parte más femenina. Nunca
me he sentido claramente hetero y el
hecho de que mi condición sexual divague,
ha sido para mí de gran ayuda”.
Hay un momento de cierto erotismo en
el libro… “Claro yo no tengo ni idea de
cuál es la sensación de ponerse un dedo
entre los muslos y tocar un clítoris,
pero he visto hacerlo y he intentado
imaginármelo y creo que al final he
conseguido describirlo y comunicarlo”.
—ANDREU CUNILL
R
Más en www.mondosonoro.com
El regreso de Abba
Marc Ros
Suma de Letras
FOTO: ARCHIVO
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro junio 2020 #37

RETROVISOR.
Edita Sister Sonic, S.L.
C/ Escalinata, 3 28013 Madrid
T. 915 400 055
C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona
T. 933 011 200
mondo@mondosonoro.com
Coordinador General
Sergi Marqués
sergio@mondosonoro.com
Coordinador Editorial
Jose Macarro
jose@mondosonoro.com
PUBLICIDAD
Director Comercial: Dani López
dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719
Coordinador Publicidad: David Morell
david@mondosonoro.com, T. 607 366 693
Publicidad Madrid: Víctor Valero
victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191
Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com
Publicidad Catalunya: David Morell
david@mondosonoro.com, T. 607 366 693
Administración y Contabilidad
Vanessa Garza
vanessa@mondosonoro.com
Bohannon
Origen: Newman, Georgia (Estados Unidos), 1964-1990 - Fallecido en 2020
FUE UNO DE TANTOS actores secundarios
del estallido disco,
aunque es de ley recordar que
su música iba mucho más allá,
tanto como precursor del género como
también –faceta esta menos conocida–
como ingrediente fundamental en
las bacanales rítmicas que, desde las
discotecas de Chicago, removieron las
aguas de la pila bautismal del house
a mitad de los ochenta. No lo tuvo fácil
para hacerse un hueco preeminente:
sus primeros álbumes vieron la luz en
un periodo copado por obras maestras
de la música negra (Marvin Gaye, Curtis
Mayfield, Stevie Wonder), en el primer
tramo de los setenta, y la propuesta
de Hamilton Bohannon tenía además
siempre un componente de raíz muy
marcado, más propenso a la agitación
febril –irresistible, eso sí– que al estribillo
memorable. Algo perfectamente
lógico, teniendo en cuenta que se había
curtido como batería desde 1964 en
la banda de directo de Stevie Wonder,
cuando este aún era Little Stevie y apenas
contaba trece años. Era previsible,
pues, que el ritmo sería el condimento
esencial de su discurso: repleto de
funk, groove y una sensualidad cruda
y frondosa, sin amaneramiento alguno,
sin la sofisticación mullida del disco
lounge pregonado por Barry White o
Isaac Hayes. Credenciales, por cierto,
que también le garantizarían mayor
repercusión en Reino Unido –donde
siempre cotizó al alza la negritud sin
conservantes ni colorantes– que en su
propio país.
NACIDO EN GEORGIA, el joven Bohannon
(siempre tuvo a bien primar su
apellido por aquello de honrar a su familia)
se mudó a Detroit a mediados de
los sesenta para hacerse un hueco en
la Motown como instrumentista al servicio
de Marvin Gaye, Smokey Robinson,
The Four Tops o The Temptations.
Cuando Berry Gordy decidió trasladar
la discográfica a Los Angeles, en 1972,
él decide quedarse en Detroit, monta
su propia banda, The Fabulous Counts
(en la que militan Dennis Coffey y Ray
Parker Jr) y es cuando emprende una
carrera en solitario cuyos estupendos
seis primeros álbumes edita el sello
Dakar. Destacan entre ellos Stop & Go
(Dakar, 72), Keep On Dancin’ (Dakar,
73), con delicias downtempo como
Have A Good Day –que prueban que su
versatilidad va más allá del remolino
rítmico– o Bohannon (Daker, 75), en la
que destaca la definitoria Bohannon’s
Beat (Part 1), uno de tantos temas que
facturaría con su nombre como seña
distintiva, junto a baladones en medio
IMPRESCINDIBLE
The Collection
(Spektrum, 04)
DADO QUE LO MEJOR que hizo Bohannon
se reparte en cerca de una
decena de álbumes durante los
años setenta, entre los cuales es
complicado señalar alguno como
su indiscutible obra maestra, lo
mejor es adentrarse en su obra
con The Collection (Spektrum, 04),
recopilación de catorce de sus
mejores petardazos. Todos juntos
forman una secuencia imbatible.
de tanto stomper como Gentle Breeze o
Think Of Me.
CUANDO EL FENÓMENO disco corre
como la pólvora por todo el planeta,
sus discos cobran algo más de visibilidad.
Es lo que ocurre con Dance
Your Ass Off (76), Gittin’ Off (76) y,
sobre todo, con Summertime Groove
(78), ya editado en Mercury. De este
último se extrajo la contagiosa Let’s
Start The Dance, una canción que, junto
a Coming On Strong (78), su dueto
con Caroline Crawford, acabarían
convirtiéndose unos años más tarde
casi en himnos en clubes de Chicago
como el Warehouse o el Music Box, en
los que Frankie Knuckles y Ron Hardy
–respectivamente– las pinchaban de
forma habitual. De esta forma, al igual
que ocurriría con otras canciones de
versos libres de la disco music, como
I Need You (80) de Sylvester e incluso
High Energy (1984) de Evelyn Thomas,
la música de Bohannon formó parte de
la simiente del house.
SU DISCOGRAFÍA se fue diluyendo
hasta su último trabajo, el flojo Here
Comes Bohannon (89). Pero para entonces
ya era carne de sampler: Public
Enemy, Ultramagnetic MC’s, Jay-Z, Mary
J Blige, Pete Rock, Jungle Brothers, Mr.
Oizo o Justin Timberlake parchearían
su música con fragmentos de sus canciones,
mientras él ya vivía retirado
de los focos, viviendo de sus derechos
de autor y convertido en un ferviente
devoto cristiano, al igual que Donna
Summer. Tan solo el éxito del Get Get
Down de Paul Johnson, en 1999, que plagiaba
de forma muy poco disimulada el
patrón de su Me & The Gang, de 1978 (y
que le valió a Johnson una demanda),
hizo que recuperase un nicho en la
actualidad diaria. Hasta su muerte, en
abril de 2020. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
REDACCIÓN
Redactor Jefe: Joan S. Luna
luna@mondosonoro.com
Madrid : Luis J. Menéndez
ljmenendez@mondosonoro.com
Catalunya: Darío García Coto
dario@mondosonoro.com
Diseño : Errea Comunicación
Depósito legal B. 11 809-2013
Impresión Rotimpres
Distribución Tengo Un Trato
www. tengountrato.com
www.mondosonoro.com
Edición Aragón
aragon@mondosonoro.com
Redacción/publicidad:
Sergio Falces, David Chapín
publiaragon@mondosonoro.com
Edición Asturias-Cantabria
Redacción /Publicidad Asturias:
Iván Marcos Tlf. 699 514 503
(asturias@mondosonoro.com)
Redacción /Publicidad Cantabria:
Roberto Silva 696 617 210
(cantabria@mondosonoro.com /
publicantabria@mondosonoro.com)
Edición Comunidad Valenciana
valencia@mondosonoro.com
Redacción /Publicidad:
Liberto Peiró Tlf. 637 447 561
Edición Euskadi/Navarra/La Rioja
zarata@mondosonoro.com Redacción /
Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639
Edición Galicia-Castilla y León
galicia@mondosonoro.com
castillayleon@mondosonoro.com
Redacción/publicidad:
Nonito Pereira Tlf. 615 914 379
Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia)
andalucia@mondosonoro.com
Redacción: Arturo García Publicidad:
Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245
COLABORADORES
Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso
Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza,
David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo
Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas,
Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio
Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos,
Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas,
Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos
Molinero, María Fuster, Marta Terrasa,
Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián,
Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio
Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado,
Yeray S. Iborra
Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset,
Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando
Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano
Regidor, Montse Galeano,
Nacho Ballesteros
f 194.000 seguidores
t 98.800 seguidores
75.900 seguidores
71.000 seguidores
x 14.800 seguidores
#38 junio 2020
mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro