Le rock progressif anglais

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Introduction La présentation des aspects essentiels du rock progressif avancée par Christophe Pirenne nous permet d’emblée de constater que ce genre ne doit pas être envisagé, comme on pourrait le croire au premier abord, comme une musique qui progresse, c’est-à-dire, d’un point de vue harmonique, qui se développe par degrés. Cette confusion vient de la traduction approximative du terme anglais « progressive rock », où le mot « progressive » signifie en réalité « progressiste ». Dès lors, le rock progressif doit plutôt être associé à une musique pratiquée par des musiciens se définissant comme partisans du « progrès », c’est-à-dire par ceux qui développent une vision artistique du rock (d’où le terme « Art Rock » qui est parfois préféré à celui de « rock progressif ») et qui se distinguent de la musique populaire traditionnelle en utilisant des techniques d’enregistrement de pointe et des instruments ou des arrangements peu répandus dans le domaine de la musique populaire. On est donc bien loin d’une musique composée à partir d’un rythme binaire fortement appuyé et destiné à la danse, propre au rock primitif. Dans le cas du rock progressif, on a plutôt à faire à une musique dite sérieuse, davantage propice à l’écoute et qui exige donc beaucoup d’attention de la part des auditeurs, ainsi qu’à des musiciens qui, en brisant les schémas traditionnels de le musique populaire, souhaitent être reconnus ou légitimés par l’art savant. Considérant l’origine terminologique du terme « rock progressif », et face à la multiplicité des sources musicales sur lesquelles s’appuient les musiciens progressifs – à la fois populaires (le blues, le rhythm’n’blues, le rock’n’roll, le jazz ou même la soul) et savantes (la musique classique, religieuse et contemporaine) –, la question de savoir si le rock progressif est une musique savante ou une musique populaire, du moins d’un point de vue strictement musical, semble se poser naturellement. Mais à une époque où il existe une indéniable imbrication entre les nouvelles technologies et les différentes mutations du langage musical (la musique populaire ayant effectivement tendance à devenir de plus en plus sophistiquée et, inversement, la musique savante s’inspirant de plus en plus de la musique populaire), il ne semble plus tout à fait pertinent de vouloir séparer à tout prix ces deux familles musicales ; d’où l’intérêt, en prenant pour objet d'étude le rock progressif, de traiter de la question des interactions entre ces deux musiques. Pour expliquer en quoi la démarche des musiciens de rock progressif se distingue de celle des artistes de musique populaire de l’époque, nous allons passer revue, l'un après l'autre, les différents paramètres musicaux nécessaires à l’étude du genre : le timbre, la forme, la métrique, l’harmonie et enfin les variations de tempo et de dynamique.
I – Le timbre Le timbre, qui désigne la couleur singulière d’un son, est l’un des paramètres musicaux préoccupant le plus les musiciens de rock progressif, ces derniers allant tous dans le sens d’un élargissement de leurs sonorités ; que ce soit par le biais de nouvelles pratiques instrumentales, l’insertion d’instruments issus de traditions musicales extérieures au rock (en particulier la musique classique) ou des expérimentations sonores avant-gardistes favorisées par la technologie. 1 ) De nouvelles pratiques instrumentales La guitare Avec l’ère du rock progressif, les guitaristes doivent désormais cohabiter avec un instrument capable de « rivaliser » avec eux, à savoir le clavier, et se voient donc souvent contraint de reléguer leur rôle mélodique au second plan. Toutefois, cela ne remet en cause ni leur esprit d’innovation, ni leur volonté de diversifier leur sonorités. En effet, la plupart des guitaristes progressifs élargissent leur palette sonore en jouant sur plusieurs guitares (à l'image de Steve Howe de Yes, qui en possède une impressionnante collection), voire sur des guitares à double manche. Mike Rutherford (Genesis), par exemple, utilise une basse-guitare douze cordes à double manche afin de pouvoir alterner des riffs de basse et de guitare. La basse-guitare douze cordes à double manche de Mike Rutherford En utilisant des cordes ou des instruments différents, les guitaristes ont ainsi la possibilité de jouer successivement des passages électriques et acoustiques au sein d’un même morceau ; une pratique – que l’on retrouve notamment sur la plage titulaire d'Aqualung de Jethro Tull, un groupe dont la musique s’abreuve à la fois aux sources du folk et du rhythm’n’blues – qui figure d’ailleurs parmi les aspects esthétiques essentiels du rock progressif. Aussi, quelques-uns des principaux guitaristes de rock progressif instaurent de nouvelles techniques instrumentales. Steve Hackett (Genesis), par exemple, est considéré comme l’un des pionniers du tapping ; une technique popularisée par la suite par le guitariste Eddie Van Halen et que l’on peut entendre dès l'album Nursery Cryme, en particulier au début de The Return of the
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