La Toscana Nuova novembre 2019

La Toscana nuova - Anno 2 - Numero 10 - Novembre 2019 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 6072 del 12-01-2018 - Iscriz. Roc. 30907. Euro 2. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/FI/0074

presenta
LA NOSTRA
PROPOSTA DI
NOVEMBRE
Per il mese di Novembre FirenzeArt Gallery vi presenta Dino Migliorini.
Migliorini nasce a San Donato in Collina, nel comune di Rignano sull’Arno
(FI). Si sposta a Firenze per seguire gli studi pittorici e artistici, qui frequenta
i pittori Ardengo Soffici, Ottone Rosai e Baccio Maria Bacci.
Nella sua carriera artistica, grazie al riconoscimento delle sue doti, viene
invitato a Villa Demidoff da Maria Pia di Savoia, per cui realizza un ritratto
che cattura l’attenzione dei critici dell’epoca. L’anno successivo ritrae Papa
Giovanni XXIII.
Gli scorci cittadini sono un tema ricorrente e caro all’artista. Nelle sue
opere pittoriche, riesce a rappresentare il vissuto delle mura, quasi con
uno stato di malinconia. Riesce a controllare la materia tramite il cosciente
uso dei colori luminosi e il cromatismo, che danno alle sue opere una
personalissima interpretazione della vita.
Dino Migliorini
Scorcio cittadino,
olio su tavola
75 x 100 cm
FirenzeArt Gallery | Piazza Taddeo Gaddi 2/r, 50142 Firenze | Tel 055.224028 | www.firenzeart.it | info@firenzeart.it

Sommario novembre 2019
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Le due personali del pittore Nico Paladini a Firenze
Il Cantico dei Cantini nell'interpretazione di Elio De Luca
Drammi esistenziali e tarocchi nel libro di Tiziana De Felice
Claudio Cavalieri: 50 anni d’arte dialogando con la natura
La 12^ edizione del Menotti Art Festival a Spoleto
A Spoleto, la collettiva dell’associazione Arte per l’Arte
Nove artisti mugellani protagonisti a Spoleto
Arte del vino: sua maestà lo Champagne
Orfeo in Fonte Santa, la nuova raccolta poetica di Roberto Mosi
Chaos e kosmos nelle città impossibili del fotografo Giacomo Costa
Robert Frank, maestro e innovatore del reportage fotografico
A La Loggia di Firenze, le opere del maestro Onofrio Pepe
L’avvocato risponde: il brevetto per invenzione
Il Rosario, origine e significato di un simbolo cristiano
Storia delle religioni: la cristianità in India
Vietnam del nord: un angolo del mondo tutto da scoprire
Luciano Manara e Maila Stolfi insieme per una mostra a Prato
La personale di Lorella Pubblici all’Hotel Medici di Firenze
La tutela del territorio nel simposio 2020 di Life Beyond Tourism
China 2000 e Life Beyond Tourism a Shanghai per l’Italian Week
Dimensione salute: stress emotivo e attività sportiva
Psicologia oggi: ossessioni, compulsioni e manie
L’inaugurazione dell’atelier dedicato ad Andrea Stella
Il Giardino volante nel cuore della città di Pistoia
Don Massimiliano Gabbricci, cappellano e tifoso della Viola
L’infinito nelle opere dell’israeliana Michal Ashkenasi a Montecatini
Alessia Baragli, pittrice e incisore tra figure e natura
Pittura “oltre il vero” con Annamaria Maremmi al Gruppo Donatello
D.H.Lawrence in Toscana per narrare l’amore sensuale
B&B Road Trip: visita all’Acquario di Genova
Colori squillanti e dinamismo nelle opere di Mauro Maris
Il raduno del Club Ferraristi Sieci
Anna Bubba a Palazzo del Pegaso per festeggiare 50 anni di pittura
Il bello naturale nei dipinti e nelle pirografie di Manuela Morandini
La XXII edizione di Elba Drink
I PAT del Monte Amiata, eccellenze alimentari da tutelare
Come le fragole a primavera, guida “sentimentale” della cucina italiana
La foto del mese
La Toscana nuova - Anno 2 - Numero 10 - Novembre 2019 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 6072 del 12-01-2018 - Iscriz. Roc. 30907. Euro 2. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/FI/0074
In copertina:
Nico Paladini, Dal Trittico Le Erinni -
Aletto, olio su tela, cm 70x150
Periodico di attualità, arte e cultura
La Nuova Toscana Edizioni
di Fabrizio Borghini
Viale F. Redi 75 - 50144 Firenze
Tel. 333 3196324
lanuovatoscanaedizioni@gmail.com
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Anno 2 - Numero 10
Novembre 2019
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Salvatore Blasco
Margherita Blonska Ciardi
Lorenzo Borghini
Doretta Boretti
Claudio Caioli
Jacopo Chiostri
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Massimo De Francesco
Patrice De La Perriere
Roberta Fiorini
Serena Gelli
Eugenio Giani
Lodovico Gierut
Stefano Grifoni
Johnson Koovakunnel
Stefania Macrì
Elisabetta Mereu
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Emanuela Muriana
Anita Norcini Tosi
Lucia Petraroli
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Elisabetta Mereu
Roberto Mosi
Massimo Pagliazzi
Elena Maria Petrini
Marco Quinti
Silvano Silvia
Claudio Villa
Franco Giomini, Lucia, foto digitale
+39 366 1310846
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PH BEATA MAHR
L'OMAGGIO AL GENIO DI LEONARDO DA VINCI
DELL'ATELIER GIULIACARLA CECCHI
Giovedì 24 ottobre alle ore 17:30 presso l'Educandato della
Santissima Annunziata al Piazzale del Poggio Imperiale, Pola
Cecchi ha presentato una performance di moda, danza, musica e
canto, ispirata dal genio di Leonardo da Vinci .
L’esibizione si è sviluppata in quattro tempi, dettati dalle arie per
arpa di autori famosi, suonati dalla bravissima Floriandre Dezaire,
con gli aforismi di Leonardo da Vinci trasferiti in musica dalla
sedicenne mezza soprano Beatrice Nicastro.
Si sono esibite le ballerine Laura Massetti, Matilde di Ciolo e Alice
Catapano, mentre la ventenne Julia Ciardi ha interpretato la donna
vetruviana, indossando i mantelli pensati dalla mente di Pola e
realizzati in collaborazione con Luigi e Matteo delle Arti Orafe.
Atelier GIULIACARLA CECCHI
Via Jacopo da Diacceto, 14, 50123 Firenze FI
polacecchi@gmail.com

Anteprima
Mostre
Nico Paladini
Doppia sede espositiva per la personale dell’artista
toscano a Firenze
Il prossimo 22 novembre si apre Effetti collaterali nelle sale del
Palazzo del Pegaso e alla Fornaciai Art Gallery
di Patrice De La Perriere
Ti amo da morire, tecnica mista e olio su carta, cm 116x129
ta al sociale, è già da tempo una sorta
di testimonianza storica degli eventi
e delle trasformazioni antropologiche
di questo passaggio di millennio. Con
un linguaggio pittorico complesso, l’artista
toscano affronta argomenti legati
all'ambiente, alle migrazioni, all'inquinamento
e agli eventi che hanno segnato
il nostro tempo come il caso Moro,
fino a proporre diversi lavori sul tema
della violenza contro le donne. Questa
scelta di usare la tela come se fosse una
pagina di cronaca appartiene a Paladini
fin dal suo schieramento tra i fondatori
del movimento artistico chiamato Metropolismo,
da cui ha tratto le ragioni
per continuare ad ampliare la propria visione
della pittura e del mondo. Il critico
d’arte Achille Bonito Oliva, il più impor-
di Romano Petrucci
Prima del grande evento allo
Spazio Flaminio, le nostre dissertazioni
si sono svolte attorno
ad un’opera che era ed è la sintesi
estrema delle sue e delle mie convinzioni:
Una storia per Alice, olio su tela
esposto in tutte le mostre istituzionali
del Metropolismo in Italia e all’estero
ed ovviamente mai a disposizione per
la vendita. Io sostenevo che era un
capolavoro ma che non era comportamentale,
sembrava piuttosto uno
sguardo severo al fastidioso evento
della comunicazione pubblicitaria
che a quei tempi sembrava già eccessiva.
E lui (Nico Paladini, ndr.) invece:
«Per farti contento ho dipinto il massimo
del comportamentale. A noi tutti
a volte capita di non capire bene se
la realtà è quella dentro o quella fuori
Il prossimo 22 novembre
verrà inaugurata a Firenze,
nelle sale del Palazzo
del Pegaso (via Cavour 4) sede
del Consiglio regionale della
Toscana e negli spazi della
Fornaciai Art Gallery (via Borgo
San Jacopo, 53/r), la personale
di Nico Paladini intitolata Effetti
collaterali. In mostra una
serie di lavori in parte già presentati
a luglio a Villa Shiff nel
Comune di Montignoso e che
a dicembre si sposteranno da
Firenze a Vinci per una personale
che chiuderà le celebrazioni
per il cinquecentesimo della
morte di Leonardo. La pittura
di Paladini, intensamente lega-
dal televisore». Ancora non so bene chi
di noi due avesse ragione, però se dovessimo
raccontare ai nipoti com’erano
le nostre giornate, basterebbe fargli
vedere questo quadro. Quest’opera fra
l’altro è anche legata ad un curioso episodio.
La sera di un giorno espositivo
della mostra allo Spazio Flaminio,
nel 1993, mentre insieme
al personale del Comune
di Roma avevamo già chiuso
il cancello esterno e stavamo
per andare via, un ripetuto segnale
di clacson richiamò la
nostra attenzione. Da un’auto
scese un signore che di corsa
venne verso di noi e dicendo
che era arrivato in quel momento
da Milano per vedere
un quadro esposto e ripartire
subito dopo. Mi ha dato il biglietto da
visita di una famosa agenzia pubblicitaria.
Voleva vedere Una storia per
Alice, un’opera che sicuramente è il
quadro più importante per rappresentare
lo spazio di tempo a cavallo
tra i due millenni.
Una storia per Alice, olio su tela, cm 160x200
6
NICO PALADINI

tante sostenitore del movimento, all'apertura
della mostra Metropolismo alle
Scuderie di Palazzo Ruspoli a Roma, afferma:
«L’arte dell'ultimo decennio ha
compreso che non basta opporre pateticamente
un’immagine critica della realtà
quanto piuttosto confrontarsi con
le modificazioni antropologiche inevitabilmente
in atto. In questo momento
di grande crisi è importante che l'arte
esprima contenuti e non sia solo un
gioco di forme, ma un’analisi della realtà,
e qui ci sono gli strumenti adatti
e una consapevolezza che oggi dà una
forza morale alle opere». E ancora, nel
catalogo della stessa mostra a Firenze,
Bonito Oliva scrive:«Questa è una vera
e propria pittura urbana dove confluisce
non solo l'artificio ma anche tutta
la circostante naturalezza. Oggi la megalopoli
è lo spazio dove si concentra
il frutto della telematica, del movimento,
delle nuove tecnologie, dell'omologazione
di comportamenti. Per questo
in Paladini e nel Metropolismo ritroviamo
cronaca e storia, natura e cultura».
Nico Paladini con il critico d'arte
Achille Bonito Oliva
Dal Trittico Le Erinni (Tisifone), olio su tela, cm 80x150
Personaggio singolare, Nico
Paladini (Empoli, 1949),
è dotato di un’energia che
riesce a trasferire dalla sua inarrestabile
attività di esploratore, alpinista,
speleologo e viaggiatore a
quella di pittore. Si diploma all'Istituto
d'Arte di Siena e frequenta l'Accademia
a Firenze, dove ha come
maestri Virgilio Carmignani e Loris
Fucini. A spingerlo ad intraprendere
la pittura come professione sarà
l'incontro con Antonio Russo, titolare
della famosa galleria La Barcaccia
di Roma dove Paladini espone
per la prima volta nel 1987. A questo
importante inizio seguono numerose
esposizioni personali e un
lavoro di ricerca che confluirà nella
fondazione del movimento pittorico
del Metropolismo. Nel giugno del
1993, il movimento viene presentato
ufficialmente a Roma in una grande
esposizione allo Spazio Flaminio da
Omar Calabrese e Alberto Abruzzese.
Seguono due mostre a Fiumicino
e a Siracusa presentate da Vittorio
Sgarbi, fino all’esposizione all'Istituto
di Cultura di Madrid nel 1995 in
cui Achille Bonito Oliva storicizzerà
il Metropolismo. Alla fine degli anni
Novanta, le mostre sono intervallate
da alcuni viaggi umanitari nelle zone
di guerra della Bosnia, esperienza
raccontata in alcune sue pagine vincitrici
del premio letterario il Fiorino;
altre fonti di ispirazione saranno alcuni
viaggi fatti nel Sahara libico nei
primi anni Duemila. Seguono mostre
personali e del Metropolismo
in Portogallo, Spagna, Francia, Belgio,
Lussemburgo, Svizzera, Olanda,
Germania e Italia.
NICO PALADINI 7

Ritratti
d’artista
Elio De Luca
Spiritualità e sensualità dell’amore nel ciclo di
opere ispirate al Cantico dei Cantici
di Barbara Santoro
Il Cantico dei Cantici è il più grande
testo d'amore di tutti i tempi,
sia dell'amore carnale fra un uomo
e una donna, sia dell'amore del popolo
ebraico per il suo Dio. Un poemetto
di sole 1250 parole considerato il
canto sublime dell’amore e della vita.
Ispirandosi a questo capolavoro universale,
Elio De Luca, artista sensibile
e di grande cultura, ha realizzato un ciclo
di opere presentato nella mostra intitolata
Amore, Cantico dei Cantici che
dopo due tappe, una in Toscana (Lucca
Center of Contemporary Art) e l’altra
in Ligura (Albenga nelle sedi di Palazzo
Oddo e della Torre Viscontea), verrà
prossimamente riproposta in altre sedi.
Attribuito al re Salomone, celebre per la
saggezza, i canti e gli amori, il Cantico
dei Cantici fu composto un secolo dopo
la nascita di Cristo. «Il mondo intero
non vale il giorno in cui è stato dato ad
Israele il Cantico dei Cantici, perché tutte
le scritture sono Sante ma il Cantico
dei Cantici è il Santo dei Santi, cioè Santissimo».
Questa era la considerazione
presso gli ebrei, secondo la folgorante
riflessione del rabbino Rabbi Aqibà.
In questo inno meraviglioso l'uomo e la
donna trovano tutta l'intensità della relazione
amorosa attraverso lo spirito ed
il corpo, donandosi l’uno all’altra in un
amore totale. La donna è quasi più protagonista
dell'uomo e il suo volto è il segno
vivo e autentico di un dialogo, di un
incontro, di una comunione di vita, pensiero
e cuore. Difficile per un artista tradurre
in pittura questi sentimenti senza
smarrirne il senso e cedere agli aspetti
carnali. Elio De Luca ci riesce, senza
mai allontanarsi dal piano spirituale,
anche nei passaggi più tortuosi. Le sue
figure dagli occhi allungati che qualcuno
ha definito “teatro muto”, dominano
la scena e coinvolgono l’osservatore
così nell’intimo che è impossibile non
Non scuotete dal sonno l'Amata, olio e foglia oro su tela, cm 150x150
Tu mi hai rapito il cuore, olio e foglia oro su tela, cm 150x150
8
ELIO DE LUCA

Dimmi dove vai a pascolare il gregge, olio e foglia oro su tela, cm 150x150
sentir nascere dentro una
grande e sincera emozione.
Le tele, per la maggior
parte quadrate (150x150
cm), sono dipinte ad olio
con foglia d’oro per mettere
in risalto la regalità dei
personaggi raffigurati. Da
questo iconico fondale
dorato emergono tracce di
colori: rosso vivido, rosa
impalpabile, nero sfumato,
verde smaltato per la
tunica maschile e arancio
corposo per il manto femminile.
Arabeschi e mattoni
dorati e sfrangiati fanno
da fondo alla scena. Non si
può non provare ammirazione
per un artista che ha
avuto il coraggio di affrontare
un argomento delicato
come l’idillio amoroso
e l’ebbrezza dei sensi. La
mostra è documentata da
un catalogo edito da Polistampa,
con testi critici di
Maurizio Vanni e don Giuseppe
Billi e la riproduzione
all’interno del Cantico
dei Cantici.
Il mio diletto ha messo la mano nello spiraglio e un fremito mi ha sconvolta,
olio e foglia oro su tela, cm 150x150
Mettimi come sigillo sul tuo cuore, perchè forte come la morte è l'amore, olio e
foglia oro su tela, cm 150x150
ELIO DE LUCA 9

I libri del
Mese
Tiziana De Felice: drammi di donne e
uomini in una mano di tarocchi
di Umberto Sereni
“La mano di tarocchi che non sai
mai giocare” cantava Guccini ne
la Canzone dei dodici mesi, e invece
in questo caso la mano è giocata molto
bene, almeno narrativamente parlando.
Ma entriamo subito nel vivo. Il
mazzo di carte che Tiziana De Felice dispiega
davanti al lettore dà spazio ai
personaggi più disparati: uomini in cerca
delle proprie origini, vecchie emarginate
considerate “streghe”, ragazzi
che si risvegliano dopo notti a base di
droghe; ma anche sensitivi che affrontano
il campo di concentramento, “scemi
del villaggio” che si sacrificano per
salvare il villaggio, e soprattutto donne.
Giovani, adulte o vecchie che siano,
le donne raccontate in Raccontarocchi
(Edizioni del Boccale) si trovano
sempre ad affrontare sfide o situazioni
critiche: non è un caso, quindi, che i
racconti dalla struttura più fiabesca siano
quelli che hanno come protagonista
un’eroina (ma chiariamo che si tratta
di fiabe per adulti, le cui complicazioni
sono quelle del mondo adulto). Quali
sono le situazioni in cui vengono a trovarsi
le protagoniste di queste storie?
Un tratto che accomuna le varie vicende
sembra essere quello dell’oppressione,
unito all’incomunicabilità resa
tangibile dalla scelta della prima persona,
fattore che permette al personaggio
di accaparrarsi tutta l’attenzione, come
se finalmente si trovasse ad avere l’occhio
di bue puntato addosso. È il caso
della ragazzina abusata ne La poltrona,
o della suora resa mostruosa dalla
chirurgia estetica ne Lo specchio, o
ancora della donna sfigurata dall’acido
di Destini comuni. Com’è possibile
notare da questa breve carrellata, il
corpo è elemento imprescindibile di un
epos femminile smanioso di confessarsi:
sfregiato, manomesso dalla chirurgia,
violato, costretto a prostituirsi in
Compleanno, incapace di procreare in
Prestito, il corpo è
il diaframma che
separa l’animo sofferente
privato dalla
sfera pubblica, è
un significante cui
corrisponde un significato
mal compreso
dagli altri, e
quindi bisognoso
di essere espresso
nella forma letteraria.
Altrove la
De Felice sceglie di
usare la terza persona,
smorzando
così i toni intimisti
(e direi persino
teatrali, quasi da
monologo) sostituendoli
con quella
che abbiamo chiamato
“struttura fiabesca”.
Sì, perché
racconti come Revenge
– cui non a
caso corrisponde
la carta della forza
– e Concentramento
sono vere e proprie
fiabe dolorose. Nel primo, l’eroina
si trova ostaggio di un marito violento,
a causa del quale ha rinunciato ai propri
sogni di carriera. Sarà un vecchio
amico, incontrato fortuitamente al supermercato,
ad aiutarla a uscire dalla
brutta situazione. Quest’ultimo, pur incarnando
la classica funzione proppiana
dell’aiutante, non rappresenta una
figura totalmente cristallina: l’interesse
sessuale che traspare dal personaggio
manifesta un’umanità sempre pronta a
cercare un tornaconto, o comunque una
qualche forma di appagamento personale.
Difatti, se le eroine della De Felice
riescono a superare l’ostacolo è in virtù
della loro forza interiore, unita a un intervento
esterno che crea la situazione
favorevole. Nei diversi microcosmi che
compongono la raccolta, le figure maschili
possono essere aiutanti, indifferenti,
più spesso ostacoli da abbattere o
incubi a occhi aperti da cui risvegliarsi
una volta per tutte. Infatti, se il “giovane
uomo” viene ritratto nella sua ingenua
tendenza autodistruttiva (come
nello scenario napoletano di Una notte
da sballo) e forse assolto proprio in
virtù di una malizia non ancora affinata,
impossibili da assolvere sembrano invece
la maggior parte dei maschi adulti,
specie se coniugati, il cui gretto sessismo
si esprime su una vasta scala cromatica:
dalla piccineria del marito che
10
TIZIANA DE FELICE

spera di riattizzare le
proprie voglie sessuali
(Il barbone), a quello
che resta sdegnato
dal desiderio di laurearsi
della moglie (siamo
negli anni Settanta
di Perché sei donna),
passando per le anime
nere, nerissime dei
vecchi pervertiti incestuosi
(La poltrona,
cui avevamo già accennato),
degli sfregiatori
(Destini comuni),
dei brutalizzatori (Revenge),
degli arroganti
miopi nei confronti
dell’ecosistema (il sindaco
di Lulla, racconto
in cui è il peccato di hybris
a condannare definitivamente
l’umanità).
I princìpi del maschile
e del femminile restano
insolubili, o meglio,
vanno in emulsione: si disperdono l’uno
nell’altro restando tuttavia loro stessi,
incapaci di trasformarsi in quella terza
cosa data dall’autentica unione amorosa.
Per la precisione, è il principio del
femminile che disperde i suoi frammenti
nell’oceano del maschile, soffrendo la
pena di una separazione da se stesso,
di una lacerante asimmetria che non
può esimersi dal chiedere completezza,
e quindi comprensione, gratificazione,
calore… Per tanto, mantenendo
costante questa tensione polare, l’autrice
trasforma il maschile e il femminile
in incarnazioni di due tendenze attualissime:
il maschio imprigiona e tortura,
quindi consuma con spregiudicato cinismo
quel che ha tra le mani, che si tratti
di corpo o anima; la femmina (quando
ci riesce) fugge e si reinventa, e sembra
quindi destinata alla rinascita, a quella
circolarità che è stata teorizzata anche
in economia, ma che accomuna i nostri
sistemi produttivi coi cicli cosmici.
Una lettura in filigrana di questi racconti
non può che confermare l’aspettativa
di un “futuro al femminile” per il
mondo, dove l’aggettivo non deve riferirsi
unicamente al dimorfismo anatomico,
bensì estendersi a una modalità
Un particolare dell'immagine di copertina opera di Tiziana De Felice
del sentire, da poco risvegliata ma sempre
più vigile e prolifica – soprattutto tra
i più giovani. Ciò detto, bisogna soffermarsi
anche sulle figure maschili positive.
Si tratta quasi sempre di emarginati,
sbandati, voci fuori dal coro. Il protagonista
de La partita, ad esempio, è quello
che nell’immaginario collettivo chiameremmo
“scemo del villaggio”, il quale,
tuttavia rivela uno slancio altruistico
profondissimo, al punto da sacrificarsi
per salvare la collettività. Lo stesso Guminac,
il ragazzo rom che viene deportato
in Concentramento, ha come primo
pensiero l’incolumità della madre e della
sorella. Come non empatizzare col
povero innocente condannato all’ergastolo
in Ferragosto? Non si esauriscono
certo qui i personaggi maschili “positivi”
di Raccontarocchi, ma lasciamo al
lettore il piacere di scoprirli da solo addentrandosi
tra le pagine di questo libro
dalla struttura assai particolare, dove a
ogni storia corrisponde una carta dei
tarocchi, suggerendo quindi una sotterranea
affinità tra la simbologia della
carta e il personaggio (e quindi offrendo
un ulteriore spunto di meditazione).
Il libro è arricchito dalle illustrazioni
dell’autrice.
Tiziana De Felice
In genere è occupata a fare l’anestesista,
dopo si è laureata in
Storia. Nei ritagli recita, dipinge
e altre amenità. Nei ritagli dei ritagli,
scrive in prosa e in poesia. Ha vinto
premi, fra cui, la menzione speciale
al Premio nazionale Inail nel 2002
e il Premio Pavese nel 2009. Da alcuni
anni, partecipa alle raccolte del
gruppo QWERTY, ma anche ad altre.
Ha pubblicato una monografia di pittura
nel 2009 (Petrarte Edizioni), Ci
ho messo la faccia nel 2016 e Raccontarocchi
nel 2019 che ha anche
illustrato con le 22 immagini degli
Arcani Maggiori (Erasmo Edizioni).
TIZIANA DE FELICE
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Ritratti
d’artista
Claudio Cavalieri
Cinquant’anni di attività artistica ispirati alla natura e alla
forma simbolica dell’albero
Alle sculture e alle installazioni di grande formato si uniscono
le recenti scatole “magiche” con all’interno boschi in miniatura
di Roberta Fiorini
Tre cime, 2019
Storia, 2019
Solitario, 2019
Nel suo lungo percorso espressivo,
da sempre incline alla
sintesi e all'astrazione, permane
quale imprescindibile referente il
suo legame con la natura, nella scelta
dei materiali, il legno e il sughero, nella
cromatica, più spesso registrata su
giallo, verde, e poi blu, e nelle tematiche,
soprattutto nella figura simbolica
ed emblematica dell'albero, che diviene
inesauribile sorgente d'ispirazione;
infatti l'artista ne indaga le possibilità
di scomposizione, e poi ricomposizione,
di forme. Così le recentissime creazioni
di piccolo formato, come scatole
magiche, si aprono ad accogliere frammenti
di memoria naturalistica fin quasi
a comporre un ideale bosco fantastico.
La coerenza della sua ricerca gli fa recuperare,
in un ininterrotto fil rouge, una
delle sue prime “prove” tridimensionali,
che dalla mini-opera lo ha portato nel
tempo ad evolvere il vero e proprio concetto
di scultura e di installazione - e
che adesso si rinnova in questa attuale
esperienza di miniaturizzazione: esperienza
che mentre riduce drasticamente
lo spazio fisico dell'opera non ne sacrifica
la suggestione narrativa ed anzi,
nel conservare l'accento inconfondibile
della sua poetica, ermetica ma mai
criptica, raggiunge un esito di ulteriore
e nuovo impreziosimento.
Dal 6 al 21 novembre il nuovo ciclo di
opere in miniatura è in mostra allo Spazio
Foyer di Trento nell’antologica intitolata
Dialogo con la natura.
Claudio Cavalieri con il critico d'arte Roberta Fiorini
Pittore e scultore, Claudio Cavalieri
è nato a Trento dove vive
e lavora. Diplomato in Arte
applicata a Trento, ha insegnato Educazione
Artistica per trentacinque anni.
Ha iniziato ad esporre nel 1970.
Dal 1986 ad oggi, ha preso parte ad
oltre trecentocinquanta mostre collettive
e personali in Italia e all'estero
(Germania, Brasile, Romania, Austria,
Bulgaria, Polonia, Ungheria, Svezia).
In Toscana ha esposto tra l’altro
a Firenze (galleria Il Candelaio,
Galleria Mentana, Simultanea Spazi
d’Arte, Parterre, ex convento del Carmine,
galleria Il moro, Gadarte), Certaldo,
Piombino, San Gimignano e
Pontassieve. Negli anni 1989/1991,
le sue opere sfociano in una marcata
tridimensionalità e nascono altorilievi,
sculture, totem ed installazioni.
Dal 2002/03 vi è la presenza stabile
di decorazioni realizzate con vecchi
rulli da imbianchino degli anni 50
ed anche i colori dalle tonalità pastello
ricordano quegli anni. Dal 2002 fa
parte delle commissioni Pat per le
opere d'arte da collocare negli edifici
pubblici. E' un animatore culturale
e ha svolto il ruolo di coordinatore
in molte mostre ed eventi dal 1988/89,
avendo fatto parte di diverse associazioni
artistico - culturali trentine. Dal
2011 è iscritto all’associazione fiorentina
Simultanea Spazi d’Arte con cui
ha collaborato come curatore di mostre
scambio. E’ stato coordinatore artistico
dell'Expo SconfinArt a Trento
Fiere nel 2003. Dal 2011 al 2014 ha
organizzato la settimana del Contemporaneo
AMACI a Trento, Rovereto e
Pergine. Dallo scorso ottobre conduce
la trasmissione Incontro con gli artisti
trentini su Radio Music Trento che
andrà avanti fino a giugno 2020 per un
totale di 35 interviste.
www.claudiocavalieri.com
claudiotn50@gmail.com
12
CLAUDIO CAVALIERI

Eventi in
Italia
A Spoleto, il Menotti Art Festival “vola”
tra arte, musica e letteratura
di Paola Biadetti
Si sono concluse lo scorso 31 ottobre
le mostre di arte contemporanea
inserite nel contesto
del Menotti Art Festival che si è chiuso
a Spoleto il 30 settembre con l'intervento
del musicista Giovanni Allevi. Alla
mostra sulla Pop art americana (Teatro
sociale di Amelia) si sono affiancate la
mostra del Premio Spoleto Art Festival
(Hotel Clitunno), le personali di Giuliano
Rossi (Hotel Panciolle), Lorenzo Ludi
(Casa Menotti) e Rossana Angelini
(Caffè degli Artisti) e l’esposizione intitolata
Bassorilievi del XX secolo a cura
dell'Associazione Montemarte (Orafi di
Spoleto e vetrine di Corso Mazzini). Le
grandi novità di questa edizione sono
state la produzione dell’opera musicale
The Telephone di Giancarlo Menotti a
cura di Tania di Giorgio e il Premio Letteratura
che ha avuto uno straordinario
successo ed è stato definito “Il Campiello
della letteratura italiana” (ospite
d'onore e premiato alla carriera Michele
Cucuzza). La cerimonia di premiazione
si è svolta presso il Salone Nobile del
Palazzo Leti Sansi alla presenza dei presidenti
delle commissioni Angelo Sagnelli
(direttore artistico), Francesco
Petrillo (commissione Diritto Politico e
Letteratura) e con il patrocinio straordinario
dell'Associazione Internazionale
Critici Letterari − Ong dell'Unesco − presieduta
da Neria De Giovanni di Parigi;
di seguito l'elenco dei premiati: Sandrino
Aquilani, Sergio Bartalucci, Sivo Biagio,
Patrizia Caldonazzo, Ketty Caraffa,
Paolo Coen, Mauro Cosmai, Michele
Cucuzza, Carmelita D'Onofrio, Massimo
De Santis, Rosario Di Murro, Giulia
Fera, Antonio Valerio Fontana, Gabrio
Forti, Massimo Fragola, Paola Calligani,
Antonio Lera, Maurizio Maglio, Anna
Manna, Patrizio Emilio Marcos, Franca
Maroni, Gianni Mauro, Giovanni Mercadante,
Raffaele Messina, Mario Micozzi,
Pierangela Micozzi, Massimo Perrino,
Giuseppe Petrarca, Anna
Maria Petrova, Franco
Antonio Pinardi,
Simona Pino D'Astore,
Nicola Rivelli, Cosmo
Giacomo Sallustio
Salvemini, Laura Spagnolo,
Francesco Testa,
Paolo Vanacore, Sonia
Zhang, Zhan Zhang, Enzo
Mauri, Franco Leone,
Valentina Della Corte.
I letterati sono stati
omaggiati con opere
d'arte di Marco Gallotta,
Paola Biadetti, Silvio
Craia, Rossana Angelini
e riconoscimenti dati
da Antonio Lera, presidente
dei Caffè Letterari
d'Italia e d'Europa,
dalla Fondazione Marco
Tullio Cicerone rappresentata
da Giuseppina
Iannotta, dal centro
studi SNARP rappresentato
dal presidente
Francesco Petrino
e dalla Fondazione
TAU rappresentata
dal presidente Umberto
Giammaria.
Nel corso della manifestazione
si sono
esibiti gli artisti Tania
Di Giorgio e Alessandro
Calonaci. Grande
soddisfazione è
stata espressa dal
presidente della manifestazione
Luca Filipponi,
che ha dato
appuntamento all’edizione
del 2020, e
dal direttore della comunicazione
Paola
Biadetti.
Luca Filipponi, presidente della manifestazione, e Paola
Biadetti, direttore della comunicazione
MENOTTI ART FESTIVAL
13

Mostre in
Italia
Menotti Art Festival
L’associazione toscana Arte per l’Arte a Spoleto per quattro
giorni all’insegna della cultura
di Claudio Caioli / foto Claudio Caioli ed Elisabetta Mereu
Quest’anno lo Spoleto
Art Festival è diventato
Menotti Art Festival per
onorare il grande compositore
e librettista spoletino
d'adozione Giancarlo Menotti,
fondatore nel 1958 del Festival
dei due Mondi. Grazie all'impegno
e alla competenza del
professor Luca Filipponi, presidente
del festival, quest'anno
sono stati allestiti 110 spazi
espositivi con oltre 3.000 artisti
internazionali. Al gruppo
toscano Arte per l'Arte è stata
assegnata la suggestiva location
dello storico Palazzo Dragoni,
situato a poche centinaia
di metri da piazza del Duomo,
salotto buono della bellissima
cittadina umbra. Sono stati 25
Palazzo Dragoni a Spoleto dove è stata allestita la mostra dell'associazione Arte per l'Arte
Al centro, il curatore della mostra Claudio Caioli con la giornalista Elisabetta Mereu (a destra) e alcuni degli
artisti toscani coinvolti nell'iniziativa
gli artisti, principalmente toscani,
ma anche laziali ed emiliani,
che hanno aderito all'iniziativa
di Arte per l'Arte con due opere
ciascuno. La mostra è stata
inaugurata il 27 settembre e
si è conclusa il 30 dello stesso
mese; ad ogni artista la direzione
del festival ha consegnato un
elegante catalogo della manifestazione.
Ospite d'onore l'attore
e regista fiorentino Alessandro
Calonaci, che ha aperto ufficialmente
il festival con Spoleto
non è un safari di Giancarlo Menotti
e successivamente con la
compagnia Mald'Estro ha portato
in scena la commedia, rivisitata
dallo stesso attore, Pluto di
Aristofane.
14
MENOTTI ART FESTIVAL

MENOTTI ART FESTIVAL
L’esposizione di pittura, scultura e fotografia si è svolta dal 26
al 30 settembre 2019 nella prestigiosa sede di Palazzo Dragoni
a Spoleto. La mostra è stata curata da Claudio Caioli.
Hanno esposto gli artisti:
Bruno Anzilotti
Lidia Atzori
Nikla Biagioli
Claudio Bernardeschi
Davide Berti
Alice Cappellari
Loretta Casalvalli
Anne & Mario Daniele
Cosetta Dipietrantonio
Grazia Di Napoli
Chiara Di Placido
Rosalba Ferilli
Patrizia Gabellini
Maria Galano
Federica Garzella
Fabrizio Maiorelli
Marta Manetti
Antonella Marchesoni
Michela Masini
Elena Migliorini
Stefano Parrini
Lucia Pecchia
Simone Rocchi
Leopoldo Terreni
Angela Viti

Mostre in
Italia
Nove artisti mugellani protagonisti a Spoleto
Testi e foto di Elisabetta Mereu
Metà dei pittori e scultori toscani
che a fine settembre
hanno esposto le proprie
opere in Palazzo Dragoni per il Menotti
Art Festival proveniva dal Mugello,
zona celebre anche per aver dato i
natali ad alcuni fra i più grandi della
storia dell’arte. In queste pagine riportiamo
le loro impressioni ed emozioni
nel far parte della schiera di partecipanti
all’evento, grazie all’organizzazione
di Claudio Caioli (alla sua 4^
esperienza al Festival artistico di Spoleto
ndr.) e al gruppo Arte per l’Arte.
Fabrizio Maiorelli
Nikla Biagioli e le due opere in Digital art
Per le strade di Spoleto ha incontrato
altri artisti fra i pochi
in Italia esponenti come
lei della Digital Art, tecnica pittorica
con il computer cui la poliedrica artista,
barberinese di adozione, è approdata
14 anni fa. «Le sensazioni
che ho vissuto sono state veramente
favolose: empatia con gli altri artisti,
organizzazione curata nei minimi
particolari, elegante set dove le opere
spiccavano nelle loro peculiarità. La
nostra presenza è stata poi esaltata
dalle interviste di Fabrizio Borghini,
sempre presente agli eventi artistici
più importanti in Italia».
«Spoleto è bellissima, avvolta nel
silenzio, è un luogo ideale per
esporre. E’ tutta colori pastello che
spiccano fra i vicoli, lungo le numerose
scalinate e i tanti scorci suggestivi
che mi sono divertita anche a
fotografare. Per una pittrice ed illustratrice
di storie per bambini come
me è stato davvero affascinante accordare
i colori vivaci e caleidoscopici
dei miei quadri a quelli di un luogo
così armonioso».
S’intitola Naufragio una delle 2
sculture in cuoio con cui Stefano
Parrini, maestro artigiano
di Vicchio dalla lunga carriera
internazionale, ha ricordato la tragedia
delle centinaia di migranti morti
davanti alle coste di Lampedusa.
«Le creazioni artistiche possono comunicare
in modo più efficace ed
incisivo di migliaia di parole e sono
orgoglioso di aver portato il mio
messaggio e aver rappresentato il
Mugello in un contesto così prestigioso
come quello di Spoleto».
Stefano Parrini con le opere in cuoio esposte
a Spoleto Naufragio e Pollution
Marta Manetti illustra la sua opera Il Gioco dell'oca
Le sue sculture non sono
certo passate inosservate
alla mostra in Palazzo Dragoni.
Oltre ad un’imponente testa
di ariete in pietra serena, ha esposto
2 sculture lignee rappresentanti
la parte maschile e femminile
ingigantite. «Anche se so di aver
suscitato clamore e critiche questa
mostra di Spoleto, per un autodidatta
come me, è stato un altro
bellissimo risultato professionale
e un’esperienza importante perché
mi sono potuto confrontare con
tanti altri scultori».
«L'esperienza di Spoleto è stata
molto entusiasmante non
solo perché si è svolta nella cittadina
umbra dove l'arte si respira
ovunque, persino nelle vetrine delle
botteghe e nelle aiuole fiorite, ma
anche per il contesto storico in cui
Caioli ha riunito - con ineccepibile e
scrupolosa organizzazione - 25 artisti
toscani ben assortiti e di buon
livello qualitativo. Altro plauso va
alla massiccia presenza di mugellani
della quale non posso che essere
onorata, visti i bei lavori esposti, a
conferma dell’importante tradizione
artistica e culturale del nostro
territorio».
Loretta Casalvalli davanti ai suoi quadri
16
NOVE ARTISTI MUGELLANI

Simone Rocchi con i propri dipinti a Palazzo Dragoni
Un passaggio veloce
per vedere
la mostra spoletina,
apprezzarne l’allestimento
e l’organizzazione,
conoscere qualche altro
artista toscano di ottimo
livello e poi di nuovo rientro
alla base per il pittore
e scultore, impegnato in altre 2
mostre in Mugello. «Ho visto un bel
fermento artistico in cui mi sono in
qualche modo riconosciuto perché
anch’io ho una continua voglia di
sperimentare nuove strade creative
e mi auguro di poter essere presente
anche il prossimo anno con altre
proposte artistiche».
«Il Menotti Art Festival è stata una
meravigliosa occasione nella
Alice Cappellari
quale mostrare i miei dipinti ad un pubblico
davvero vasto. Spoleto ha dato il
meglio di sé con questa manifestazio-
ne, riempiendo le strade
e le piazze di musica
e arte. Ho anche molto
apprezzato che ci
fossero tanti visitatori
stranieri, ma sopratutto
famiglie con bambini
piccoli a vedere le varie
esposizioni ed allesti-
menti artistici. E questo fa ben sperare
per la formazione culturale delle
nuove generazioni».
Un visitatore ammira gli acquerelli di Alice Cappellari
«Le mie opere portano un messaggio
di forte ispirazione spirituale
ed esoterica, come necessità
di esprimere una realtà interiore che
preme sempre più per rivolgersi all'esterno
convinta che, per migliorare il
mondo, dobbiamo prima trasformare
noi stessi. Essere stata apprezzata
a Spoleto, insieme agli artisti del Mugello,
è stato quindi un onore e una
gioia, per me che da poco mi affaccio
alla realtà artistica». Maria Galano Le opere di Maria Galano in mostra
Bruno Anzilotti
Alla vigilia dell’evento era sicuramente
il più emozionato in
quanto alla sua 2^ esposizione,
dopo la collettiva a Barberino di Mugello
dove è nato artisticamente.
Il suo mentore è stata la
pittrice Nikla Biagioli che lo
ha instradato nell’arte pittorica.
«Di questa opportunità
- ha detto - mi ha particolarmente
colpito il fatto che si
sia instaurato un incontro
empatico fra artisti, non solo
formale ma sincero, con
scambio di esperienze specifiche
sull’attività artistica di ognuno.
Un’emozione positiva che mi invoglierà
a coltivare con maggior passione
questo hobby».
La signora Francesca, moglie di Bruno Anzilotti, posa davanti ai
quadri del marito
NOVE ARTISTI MUGELLANI
17

Arte del
Vino
A cura di
Paolo Bini
Sua maestà lo Champagne
Testo e foto di Paolo Bini
Il fruscio dell’eleganza, lo splendore
della festa, il gusto vivace e cremoso
del saper vivere: liberare un
grande Champagne è inebriarsi di valori
attraverso le percezioni sensoriali.
Simbolo massimo di uno status,
di edonistico benessere psicofisico
ancor prima di quello economico,
“sa majesté” vive tutt’oggi un
periodo di assoluto successo ravvivando
perennemente un’incontestabile
imperiosa qualità. Rifuggiamo da
ogni slancio campanilistico e povero
eno-sovranismo popolare: la leggenda
di Dom Pierre Pérignon vive ancora
briosa ed entusiasmante come
bollicine appena versate nel calice.
L’Italia può vantare numerosi spumanti
di altissimo pregio e sopraffini
ma lo Champagne è un universo
a sé, inarrivabile per definizione. Da
qualche anno Modena Champagne
Experience è il simposio dei cultori
del metodo Champenoise, un appuntamento
annuale con seminari,
assaggi e la partecipazione di oltre
cento maisons provenienti, chiaramente
e rigorosamente, dal nord-est
della Francia. Montagne de Reims,
Côte des Blancs, Vallée de la Marne e
Côte des Bar nella regione Champagne-Ardenne
sono le sole quattro aree
in cui è possibile produrre Champagne,
luoghi dove la combinazione di clima,
suolo, sottosuolo e mano dell’uomo si
sublima nel concetto di terroir incomparabile.
Anche a Modena queste zone
sono state ben distribuite e distinte, per
una degustazione più consapevole, a rimarcarne
le singole peculiarità e tutto
il lavoro che porta le migliori uve Pinot
noir, Meunier e Chardonnay a diventare
prima vino e poi, dopo la rifermentazione
in bottiglia con riposo sui lieviti,
l’esclusivo prodotto dalla spuma più famosa
al mondo.
Vi abbiamo intenzionalmente selezionato
gli Champagne dal miglior rapporto
qualità-stile-prezzo, piccoli pregiati
pensieri per abbinamenti a tutto pasto
o per brindare ai vostri momenti indimenticabili:
la nobile eleganza del Blanc
de Blancs Dosage 0 di Encry, l’incalzante
rosa disinvoltura del Mosaique rosé
di Jacquart, la raffinata complessità del
brut Palmes d’or 2006 di Nicolas Feuillatte,
il vigore signorile del Blanc de Noirs
millésimé 2012 Pannier.
«Le champagne aide à l’émerveillement»:
l’anticonformista e passionale
scrittrice George Sand non aveva dubbi
oltre un secolo fa; oggi, come allora,
continuiamo ad esserne convinti
totalmente.
Champagne Encry - Veuve Blanche Estelle Champagne Jacquart Champagne Nicolas Feuillatte Champagne Pannier
18
CHAMPAGNE

I libri del
mese
Orfeo in Fonte Santa
L’incontro tra mito, storia e poesia nell'ultima
pubblicazione di Roberto Mosi
di Sonia Salsi
Rosa canina (Autunno): una foto di Roberto Mosi pubblicata nel libro
Orfeo in Fonte Santa: poemetto,
stanze per la celebrazione
del Mito che si fa Storia, della
Storia che diventa Mito, della circolarità
dell'acqua della fonte in cui tutto scorre
e tutto ritorna; per la celebrazione della
poesia. Una “narrazione”, questa di
Roberto Mosi, che segue una cronologia
distesa nel Tempo, ma al di fuori del
tempo: alla fonte sostarono popoli antichi,
per mercatura e per transumanza,
genti del nostro tempo che fuggivano
dal vortice della guerra o che hanno
portato la morte: “Incredibile la morte/
fra i castagni, in file parallele”. Dalla
fonte passa gente dell'oggi, gente inconsapevole
che non si sofferma, come
era invece costume dei Pastori Antellesi:
sostavano “le allegre brigate” alla
Fonte dei Baci, la fonte dai tanti nomi,
testimoni della sua presenza in un luogo,
in uno spazio della Toscana, che si
fa luogo del mito: Fonte Santa è a Delfi,
è l'omphalos della poesia, è il luogo di
Orfeo. Da Orfeo muove la musica della
parola, da Orfeo muove, storicamente,
il melodramma con l'Euridice di Caccini,
con l'Orfeo di Monteverdi e di Gluck;
musiche che ci sembra di ascoltare, in
sottotraccia, nei versi di Michelangelo
Buonarroti il Giovane, nei versi di Roberto
Mosi.
Fonte Santa, luogo della sacralità,
dell'incontro fra l'umano e il divino, fra
il passato e il presente: “Offrirò il suono
dei ricordi per il canto dell'esistenza”.
Esistenza-assenza che si trasforma
in tante realtà storicamente individuabili,
ma increspata nel tempo sospeso del
mito: “Una bandiera rossa David nascose/
fra i muri del rifugio/ a Fonte Santa.
Rossa sventola/ dalla finestra della
casa/ per la libertà ritrovata”. Nascondimento
e rinascita: epica che si
fa mito, la Brigata di David che
ci riporta alle brigate dei Pastori
Antellesi, in una sorta di atemporale
sincretismo.
Le immagini fotografiche coronano
le parole della poesia, mostrano
i luoghi, le atmosfere che
essa celebra. Tra contrasti cromatici
e nuances appaiono due
figure: Orfeo e la Fonte, novella
Flora, s’incontrano, nell'incontro
fra tecnologia contemporanea
e simboli senza tempo. Il
bosco di Fonte Santa li avvolge;
in lontananza “le geometrie magiche
della Cupola”, pernio perfetto
de “l’anello delle colline”.
“La fonte non sa di contemplare/
sé stessa e il riflesso di un
dio”. Il poeta è il riflesso di un
dio, come Ovidio, come Rilke,
poeti cantori di Orfeo. Le sue
parole non sono altisonanti, scorrono
pianamente, in fluido ritmo, in spontanea
e coltivata musicalità, aulica e quotidiana
insieme. Poesia consapevole di
sé; altamente intellettuale, non intellettualistica,
non ostentatrice di cultura,
ma scaturita da una sapienza che trova
nell'antico le chiavi di interpretazione
della contemporaneità. Parole dell’oggi
irrompono ogni tanto (bombe, aerei,
moto...) e subito entrano in un ritmo
atemporale: i “gruppi sgranati sul sentiero”
riuniti per una gara sportiva a
Fonte Santa hanno “in bocca il sapore
della rosa canina”, come i mercanti e i
pellegrini etruschi. Come noi lettori.
Riuniti insieme all'autore, in una recente
iniziativa, da lui promossa presso il
Circolo Culturale Antella, abbiamo “incontrato”,
in condivisa armonia, Orfeo
e David, “partigiano in Fonte Santa”, dedicatario
del poemetto, legato da affetto
e parentela a Roberto Mosi. Fu David
a nascondere la bandiera rossa nel rifugio
partigiano di Fonte Santa; la sua
storia di antifascista, rievocata dalla figlia
Giovanna, le sue vicende, trasposte
in una dimensione mitica, sono diventate
humus di ispirazione poetica per Mosi.
L'autore stesso, insieme a Daniele
Torrini, ne ha letto un florilegio, mentre
il pittore Enrico Guerrini ne traduceva in
immagini le parole. Lo studioso Massimo
Casprini ha dato spessore storico ai
Pastori Antellesi evocati nel primo sonetto,
che hanno veramente vissuto nel
territorio, testimoni del passaggio tra
Manierismo e Barocco. Il Mito, la Storia,
il tempo si sono uniti nel Tempo della
poesia di Roberto Mosi.
ORFEO IN FONTE SANTA
19

Obbiettivo
Fotografia
A cura di
Maria Grazia Dainelli
Giacomo Costa
Chaos e kosmos, decadenza e rinascita nelle
città impossibili del celebre fotografo fiorentino
Quella del fotografo toscano
Giacomo Costa è una visione
emozionale del mondo e non
documentaristica. Le sue foto-
grafie sorprendono per l’immediatezza
comunicativa che è tale nonostante non
siano vere e proprie “rappresentazioni”
ma trasposizioni visionarie del realea.
Si tratta, infatti, di fotomontaggi da cui
scaturiscono inquadrature surreali e fiabesche,
scenari urbani inventati dall’artista
utilizzando sofisticate tecniche
digitali 3D. La città diviene così metafora
dell’umana condizione esistenziale,
mentre il tempo è la variabile che determina
il movimento, la trasformazione e
il cambiamento. Davanti alle sue opere,
lo spettatore tende inizialmente a contestualizzare
le immagini, salvo poi farsi
catturare e spesso anche turbare dall’irrealtà
talvolta inquietante di queste “città
impossibili”. Lucio Dalla, tra i suoi
collezionisti, definiva le opere di Costa
di Maria Grazia Dainelli / foto Giacomo Costa
Plant 2
espressione di un “surrealismo plausibile”,
dove la straordinaria fantasia
e capacità visionaria dell’autore simula
scenari paradossali ma che in futuro
potrebbero diventare possibili nella realtà
a causa della scelleratezza umana.
Atto 4
Aqua 3
Nato a Firenze nel 1970, fin da
piccolo Giacomo Costa mostra
scarso interesse per lo
studio dedicandosi all’attività di motociclista
e poi di alpinista. E’ proprio in
montagna che inizia a coltivare il suo
interesse per la fotografia. Nel 1994
incontra la critica Maria Luisa Frisa
che lo introduce nel mondo dell’arte.
Arrivano i primi risultati con mostre
in gallerie di Arezzo, Milano, Londra,
New Orleans e New York. Dal 1999
inizia a prestare un particolare interesse
ai software di elaborazione digitale
che approfondirà progressivamente
con le tecniche 3D. Nel 2006 viene invitato
alla Biennale veneziana di Architettura
e al Centre Pompidou di Parigi;
nel 2009 partecipa alla Biennale di Venezia.
Ha pubblicato un libro antologico
The Chonicle of Time 1996/2008
con l’introduzione di Norman Foster,
dove raccoglie il frutto della ricerca di
dodici anni durante i quali ha esplorato
la città in maniera metaforica ed
onirica. Sue opere sono esposte in
permanenza nei musei di arte contemporanea
a New Orleans, Huston ,
al museo Pecci di Prato e al Centre
Pompidou.
www.giacomocosta.com
20
GIACOMO COSTA

A cura di
Nicola Crisci
Spunti di critica
Fotografica
Robert Frank
Deceduto in Canada lo scorso settembre all’età di 94 anni, è
stato maestro ed innovatore del reportage fotografico
E’ deceduto lo scorso 10 settembre
all’età di 94 anni nella sua casa sull'isola
del Capo Bretone, nella provincia della
Nuova Scozia, in Canada, dove si era
ritirato a vivere da un decennio. L'an-
nuncio della scomparsa è stato
pubblicato sul New York Times
e in seguito confermato dalla
sua galleria newyorkese. Nato
in una famiglia tedesca di origini
ebraiche il 9 novembre del
1924 a Zurigo, al termine della
scuola secondaria Robert
Louis Frank decide di fare della
fotografia la sua professione. Il
suo stile era diretto, puro, tecnicamente
impeccabile. Tra i
suoi reportage più famosi vi è
senz’altro quello sul viaggio on
the road negli Stati Uniti, a bordo
di una vecchia auto, un vero
e proprio rottame, tra il 1955 e
il 1956. Pubblicate nel libro fotografico
The Americans, queste
immagini hanno cambiato
il modo d’intendere il reportage,
confermando la forza innovativa
e la genialità di Robert
Frank. E’ un racconto asciutto
e privo di retorica dell’America
di Nicola Crisci/ foto Robert Frank
Il fotografo e regista svizzero naturalizzato
statunitense Robert Frank
è stato uno dei maestri della fotografia
del Novecento, tra i più noti ed
apprezzati nel genere del reportage.
Route to Del Rio (Texas, 1955)
anni Cinquanta, di cui il grande fotografo
cattura i particolari più banali, le occasioni
più insignificanti (un corteo, un
rodeo di Detroit, un funerale), i volti della
gente comune (un ispanico davanti a
un jukebox, un bambino sulla spiaggia
che legge il Daily News, i passeggeri distratti
di un tram, la ragazza nera che
serve da bere al bancone del bar). Di
sfuggita, storte, sfocate, estemporanee:
immagini che narrano gli americani di
ogni classe sociale, colore e orientamento
politico. Scatti di sessant’anni fa
ma modernissimi e universali.
Parade (New Jersey, 1955)
Coffee shop, railway station
ROBERT FRANK 21

Firenze
Mostre
Onofrio Pepe
Lo scultore del mito trasforma La Loggia del Piazzale
Michelangelo in un Olimpo contemporaneo
Un percorso tra bronzi, dipinti e terrecotte in cui rivivono divinità
ed eroi del mondo classico
di Barbara Santoro
Stupenda la mostra Onofrio
Pepe a La Loggia: un
panorama aperto verso le
stelle, inaugurata da poco al ristorante
La Loggia sul piazzale
Michelangelo a Firenze. Un
evento espositivo con più di 50
opere, fra sculture e dipinti che
occupano tutti gli spazi del magnifico
locale acquisito recentemente
dalla famiglia Caprarella.
Lo studio Atelier 16 rosso ha allestito
con grande gusto le sale
di quest’ambiente che secondo
l'idea di Giuseppe Poggi doveva
essere un museo dove raccogliere
le opere di Michelangelo.
Tommaso Sacchi, assessore alla
Cultura del Comune di Firenze,
afferma a questo proposito: «Da
queste finestre si vede un panorama
unico che permette una relazione vicina
e allo stesso tempo astratta con la città.
Il Poggi venne chiamato per creare una
città europea. Molti sono gli artisti stranieri
che vengono ad esporre a Firenze
e sembra incredibile che ciò che volevano
le istituzioni nella seconda metà
In questa e nelle altre foto, alcuni scorci della mostra (ph. courtesy La Nazione, Rossorubino e Infirenzenews)
dell’800, corrisponda alle linee programmatiche
delle istituzioni di oggi,
cioè portare Firenze in Europa». Ma chi
è Onofrio Pepe? Nato a Nocera Inferiore,
l’artista è diventato fiorentino d'adozione
e d’elezione, da quando nel 1969
ha deciso di trasferirsi nel capoluogo
toscano. Ha aperto il suo studio in San
Frediano, una bottega affascinante dove
ancora si respira la tradizione dei grandi
maestri fiorentini. Tra “mythos e logos”,
come più volte è stato detto, Pepe
riesce a sollevare l'uomo dalle passioni
terrene, dalle fatiche del quotidiano,
dal dolore universale che non risparmia
nessuno, fondendo il linguaggio pagano
con quello cristiano. Definito “alchimista
della materia”, ha messo a punto
Barbara Santoro con il maestro
Onofrio Pepe
22
ONOFRIO PEPE

una tecnica che gli permette di lavorare
la terracotta rendendola simile al bronzo
e ancora più scintillante con l'aggiunta
dell'oro e del colore. Si potrebbe quasi
dire che a differenza di Michelangelo,
eccelso nell’arte del levare, Onofrio
aggiunge argilla fino ad arrivare ad un
volume che lo soddisfa nella forma. La
mostra alla Loggia riunisce tutta la sua
grande arte, bronzi, terracotte e dipinti.
Pegaso, Giuditta, Leda, Europa, Icaro,
Apollo e tanti altri eroi passeggiano con
noi, ci sorridono, ci fanno compagnia,
occhieggiano fra gli archi e le colonne,
mentre ci spostiamo nelle varie sale. Ci
osservano muti ma sono così ben interpretati
che ci verrebbe voglia di rivolgere
loro delle domande. Ebbri di tanta
bellezza, sembra quasi di partecipare ad
un festino degli dei. Ci riportano sulla
terra le parole del curatore Dominique
Charles Fuchs che spiega con garbo il
percorso della mostra. Non ci resta che
ringraziare la famiglia Caprarella che
ha trasformato il famoso bar-ristorante
La Loggia nella sede dell’associazione
culturale Caprarè, grazie alla quale lo
storico locale fiorentino è ritornato agli
antichi splendori.
Per informazioni:
+ 39 055 2342832
www.caprare.it
info@caprare.it
Orari della mostra:
lunedì/domenica ore 12:00/ 23:00
Una delle opere esposte
ONOFRIO PEPE
23

GALLERIA D’ARTE MENTANA FIRENZE
La donna orientale
Personale dell’artista cinese Mei Lu
Un momento dell'inaugurazione: al centro, l'artista con la
curatrice Emma (a sinistra), la giornalista Daniela Pronestì,
la direttrice artistica della galleria Giovanna Laura Adreani
e la sua assistente
A destra Mei Lu con la curatrice della mostra Emma Wang
Una panoramica della mostra
Lo scorso luglio la Galleria d’Arte
Mentana ha ospitato la mostra
dell’artista cinese Mei Lu intitolata La
donna orientale. Pittrice e illustratrice,
Mei Lu ha presentato un ciclo di opere
che raccontano usi, abitudini e stile di
vita delle donne cinesi all’inizio del
secolo scorso, offrendo così uno
spaccato su di un modello femminile
ormai in gran parte superato dalle
conquiste dell’emancipazione. Il progetto
trae ispirazione dalle illustrazioni
realizzate dall’artista per il libro
biografico sulla nota scrittrice cinese
Zhang Ailing vissuta nel Novecento.
Obiettivo di Mei Lu è riflettere sui
cambiamenti a cui il ruolo della donna
è andato incontro nel corso di oltre un
secolo, rinunciando alla consueta
immagine di “angelo del focolare
domestico” per ritagliarsi uno spazio
nella società e nel mondo del lavoro.
Le sue donne vogliono esssere simbolo
di una vita tranquilla, agiata,
priva di clamori, capace di dare valore
al tempo e alle piccole cose, senza
perdersi, come oggi purtroppo
accade, dietro i ritmi frenetici del
vivere contemporaneo. Oltre che a
Firenze, le opere sono state presentate
anche a Perugia, Roma ed Assisi,
con grande riscontro e apprezzamento
da parte del pubblico.
Giovanna Laura Adreani
Art Director
335 1207156
Una delle opere esposte

GALLERIA D’ARTE MENTANA FIRENZE
Presenta
Percorsi di individuazione
Rassegna di arti visive
Opening
16 novembre 2019 ore 18.00
Camilla Vavik Pedersen,
Spaces between now and then,
acrilico e olio su tela
Carmen Cecilia Rusu, Uccello in volo,
acrilico con resina su tela
Audrey Traini, Pinocchio,
olio su tavola
Gianni Mucè, Libera!,
olio su tavola
Abbey Ryan, Still life with three pears and
crystal goblet, olio su tela
Luigi De Giovanni,
Fioritura, olio su tela
La mostra resterà aperta al pubblico fino al 4 dicembre
Orari
11:00 - 13:00 / 16:30 - 19:00
Domenica e Lunedì mattina chiuso
GALLERIA D’ARTE MENTANA
Via della Mosca 5r - 50122 (FI)
+39.055.211984 - www.galleriamentana.it
galleriamentana@galleriamentana.it

L’avvocato
Risponde
Il brevetto per invenzione e l’esclusiva
riconosciuta all’inventore
di Lorenzo Borghini
Dalla radio al telefono, dal motore
a scoppio alla moka, dalla
pila elettrica al pianoforte, dalla
vespa all’elicottero, dai jeans ai microchip:
sono molte le invenzioni che
hanno rivoluzionato la vita dell’uomo e
cambiato la storia. Ma al di là delle invenzioni
più famose ed illustri in realtà
il nostro mondo è letteralmente costellato
di una miriade di invenzioni, molte
delle quali brevettate. I brevetti per
invenzione industriali rappresentano lo
strumento giuridico attraverso il quale
l’ideatore di un’invenzione, più o meno
importante che sia, può ottenere il riconoscimento
di una esclusiva assoluta
nel relativo sfruttamento economico.
Ne parliamo con uno dei più autorevoli
esperti italiani in diritto industriale:
Aldo Fittante, titolare dello studio legale
omonimo con sede a Firenze e varie
partnerships nel mondo, docente in Diritto
della Proprietà Industriale presso
l’Ateneo fiorentino ed autore di molte
pubblicazioni dedicate alla materia, tra
le quali la più recente è la monografia
Brand, Industrial Design e Made in Italy:
la tutela giuridica edita da Giuffrè Editore
e alla sua 2^ edizione nel 2017.
In estrema sintesi, cos’è un brevetto
e quando un’invenzione è brevettabile?
Un brevetto è un titolo legale, concesso
dallo Stato, che conferisce al suo titolare
un monopolio consistente nel diritto
esclusivo di realizzare, di fare realizzare
da altri, di usare e di offrire in commercio
un’invenzione. Secondo una
risalente ma molto nota sentenza della
Cassazione (la n.1454/72) in tema di
brevettabilità: «L'invenzione industriale
si concreta nella soluzione di un problema
tecnico non ancora risolto, atto ad
avere concrete realizzazioni nel campo
industriale e tale da apportare un progresso
rispetto alla tecnica ed alle cognizioni
preesistenti».
E quali sono i requisiti affinchè l’inventore
possa effettivamente ottenere
il brevetto e utilizzare l’invenzione
in totale esclusiva?
I presupposti perché un trovato possa
essere protetto dal diritto esclusivo di
privativa conferito dal brevetto sono essenzialmente
quattro: anzitutto deve essere
nuovo, nel senso che il trovato non
Il Museo della Radio a Torino, esempio di un'invenzione che ha cambiato la storia (ph. courtesy air-radiorama)
26
BREVETTO PER INVENZIONE

Il primo modello di Vespa costruita su larga scala dalla Piaggio, progettata
da Corradino D’Ascanio e presentata nel 1948 (ph. courtesy
vespaspazio.com)
deve già essere presente nella tecnica
nota. Secondo requisito è l’attività inventiva,
nel senso che quanto s’intende
brevettare deve essere il risultato di uno
sforzo inventivo e non della mera applicazione
di misure ovvie alla normale
portata del tecnico esperto del ramo.
L’invenzione inoltre per essere brevettabile
deve essere suscettibile di applicazione
industriale, cioè deve essere atta
ad essere prodotta in forma industriale
e in modo ripetitivo. Infine per essere
brevettabile il trovato deve essere lecito,
requisito ovvio direi nella misura in
cui il trovato non deve offendere consolidati
principi morali né essere in violazione
di norme di legge.
Nell’immaginario collettivo, l’invenzione
viene associata sempre all’idea
di un prodotto con certe caratteristiche
tecniche o un macchinario, ma è
possibile brevettare anche altro?
Certamente sì. Un brevetto può riguardare
un’entità fisica, quale un dispositivo
o un prodotto, come
siamo abituati ad immaginare
un’invenzione,
ma anche un’attività,
quale un procedimento
o un processo industriale
i quali pertanto
sono anch’essi giuridicamente
invenzioni
potenzialmente brevettabili.
Ed esistono dei limiti
alla possibilità di brevettare?
Sì, non tutto è brevettabile in effetti. La
legge esclude in particolare la brevettabilità
delle scoperte (in sé considerate),
teorie scientifiche e metodi matematici,
i piani, i principi ed i metodi per attività
intellettuali, per gioco e per attività
commerciali, i programmi per elaboratori
(software, tutelati dal diritto d’autore),
le presentazioni di informazioni (ad
esempio il contenuto di un libro, mentre
la sua “forma” è tutelata dal diritto d'autore),
i metodi per il trattamento chirurgico
o terapeutico del corpo umano o
animale ed i metodi di diagnosi applicati
al corpo umano o animale (ma sono
astrattamente brevettabili i prodotti,
le sostanze e le miscele di sostanze per
l’attuazione di tali metodi), le invenzioni
la cui pubblicazione o la cui attuazione
sarebbero contrarie all'ordine pubblico
o al buon costume, le razze animali ed
i procedimenti essenzialmente biologici
per l'ottenimento delle stesse.
Ma l’inventore che abbia brevettato,
ha il monopolio perpetuo nell’utilizzo
dell’invenzione, ha cioè un’esclusiva
valida per sempre?
Certamente no. Il brevetto conferisce
al titolare un’esclusiva limitata
nel tempo ed in particolare della durata
massima di 20 anni, non rinnovabili.
Successivamente il contenuto
dell'innovazione oggetto del brevetto
diventa patrimonio della collettività,
liberamente utilizzabile da chiunque e
diventa così a sua volta possibile punto
di partenza per lo sviluppo di ulteriori
innovazioni. Si può dire che
questo meccanismo – giuridicamente
si parla di caduta in pubblico dominio
dell’innovazione oggetto di un diritto
di brevetto per invenzione – è fondamentale
per il progresso stesso della
nostra civiltà.
In altre parole, il brevetto incoraggia
l’innovazione e – contrariamente
a quanto potremmo essere portati
a pensare – non costituisce ostacolo
al progresso. E’ così?
Dal mio punto di vista certamente sì. E’
vero infatti che il brevetto per un certo
numero di anni – 20 in particolare, come
detto – impedisce che la scoperta
sia disponibile a tutti, ma tale prerogativa
viene riconosciuta unicamente come
remunerazione degli investimenti
in ricerca fatti dall’inventore e come
incentivo allo sforzo inventivo. Nella
pratica i brevetti si sono dimostrati
come un efficace ed ineguagliabile
strumento per incoraggiare l’innovazione,
come anche per salvaguardare
gli investimenti fatti dall'industria in ricerca,
non dobbiamo dimenticarcelo.
Aldo
Fittante
Avvocato in Firenze e Bruxelles, docente in Diritto della Proprietà Industriale
e ricercatore Università degli Studi di Firenze, già consulente
della “Commissione Parlamentare di Inchiesta sui Fenomeni della Contraffazione
e della Pirateria in Campo Commerciale” della Camera dei Deputati.
www.studiolegalefittante.it
BREVETTO PER INVENZIONE
27

Storia delle
Religioni
A cura di
Stefano Marucci
Origine e significato del Rosario, antico
simbolo della preghiera cristiana
di Valter Quagliarotti
2^ ed ultima parte
Questa devozione fu resa popolare
da San Domenico, fondatore
nel 1215 dell'Ordine dei
Frati Predicatori, il quale nel
1214 ricevette il primo Rosario dalla
Vergine Maria come strumento per l'aiuto
dei cristiani contro le eresie. E' nel
XIII secolo che si svilupparono i “misteri”
del Rosario: numerosi teologi avevano
già da tempo considerato che i 150
Salmi erano velate profezie sulla vita di
Gesù. Verso la metà del XIV secolo, un
monaco della certosa di Colonia, Enrico
Eger di Kalkar (1408), suddivise il salterio
delle 150 Ave Maria in 15 decadi,
precedute ognuna da un Pater Noster.
Metodo questo che ben presto si diffuse
in tutta Europa. Sempre nella certosa
di Trèves, all'inizio del 1400, Domenico
Hélian di Prussia (1384-1460) sviluppa
un Rosario in cui fa seguire il nome di
Gesù da 50 “clausole” che ripercorrono
tutta la vita di Gesù, ciascuna delle quali
era chiusa dall'Ave Maria. Il Gloria Patri
che, per noi, chiude ogni decina, era
invece la conclusione di tutto il Rosario
certosino. Nel 1470, il beato Alano de la
Roche (della Rupe), il cui metodo consisteva
nella recita di 150 Ave Maria, divi-
se in gruppi di 10 intercalati da un Pater
Noster. Ad ogni Ave Maria egli aggiunge
un pensiero sui principali misteri della
fede, che commenta con una breve predica.
Il beato Alano ebbe un solo grande
merito, cioè ridurre a 15 i misteri, ma
anche suddividere ognuna delle tre corone
in 5 misteri, proprio per onorare le
cinque piaghe di Cristo. A lui va anche il
merito di aver fondato confraternite del
Santo Rosario. La prima “Confraternita
del salterio di Gesù e Maria” fu da lui
fondata nel 1470 a Douai (Francia). Nello
statuto scritto dallo stesso Alano si
precisava che i confratelli s’impegnano
a recitare l'intero salterio di Maria tutti i
giorni; sono tenuti altresì a confessarsi
e a comunicarsi al momento dell'iscrizione
e si obbligano a confessarsi almeno
altre tre volte all'anno nelle feste di
Pentecoste, di San Domenico e di Natale,
oltre ovviamente che a Pasqua. Dopo
la sua morte (1475), la prima “Confraternita
del Rosario della beatissima
Vergine” che ottenne l'approvazione
pontificia, fu fondata a Colonia (Germania)
dai Domenicani nel 1476. Nel 1481
venne fondata una confraternita del Rosario
anche a Firenze e nel 1480 a Venezia.
Oltre alla
suddetta confraternita,
i Domenicani
fondarono,
con padre Timoteo
de Ricci,
anche la “Confraternita
del Rosario
perpetuo”,
chiamata anche
“Ora di Guardia”,
che s’impegnava
ad occupare tutte
le ore del giorno
e della notte,
di tutti i giorni
dell'anno, con
Il Santuario della Madonna del Rosario a Pompei (ph. courtesy Finestre sull'arte)
www.paolopenko.it
info@paolopenko.com
+ 39 055. 2052577
la recita del Rosario. Occorre precisare
che l'uso del termine mistero risale al
domenicano Alberto da Castello (1522),
che lo utilizza nel suo volume Il Rosario
della gloriosissima Vergine Maria,
stampato a Venezia nel 1521. San Pio V,
domenicano, fu il primo “papa del Rosario”
che nel 1569, con la bolla Consueverunt
Romani Pontifices, codificò
quella forma di recitazione del Rosario
che è giunta fino a noi, mentre nel
1572 con la bolla Salvatoris Domini istituì
la celebrazione liturgica di Nostra Signora
della Vittoria. L'anno successivo
papa Gregorio XIII con la bolla Monet
Apostolus del 1573 istituisce la festa
solenne del Rosario. Venendo ai nostri
giorni, papa Leone XIII, con le sue
12 encicliche sul Rosario, può essere
ricordato come il “secondo papa del
Rosario”. Benedetto XV (1854-1922),
che fu papa durante la drammatica prima
guerra mondiale, esortò i fedeli alla
recita della preghiera mariana e al suo
culto. Pio XII (1876-1958), nella Lettera
del 1946 all'arcivescovo di Manila, affermò
che il Rosario della Vergine Maria
può essere considerato sintesi e “compendio
di tutto quanto il Vangelo”. Paolo
VI (1897-1978), nell'Enciclica Christi
Matri del 1966, invitò la comunità cattolica
a recitare il Rosario per ottenere,
mediante l'intercessione della Vergine,
il dono della pace. Infine il beato Giovanni
Paolo II (1920-2005) ha voluto
fin dall'inizio del suo lungo pontificato,
esprimere il suo profondo legame con
la Madonna, dedicando a lei il suo motto
Totus Tuus, Maria.
28
SIGNIFICATO DEL ROSARIO

Storia delle
Religioni
La cristianità in India
di don Johnson Koovakunnel
Un'icona raffigurante San Tommaso apostolo, considerato il tramite per la diffusione della religione
cristiana in India
Nei miei racconti precedenti ho
voluto meglio comprendere la
mia identità di indiano e come
si riesce ad attuare la fede cristiana in
una terra chiamata “la terra dei contrasti”,
terra molto lontana dall’idea di una
realtà uniforme. “Unità nella diversità”
è stato lo slogan degli indiani durante
e dopo l’indipendenza dagli inglesi. Una
grande varietà di aree geografiche, razze,
lingue e culture insieme formano i
differenti modelli della famiglia che sono
stati tramandati alle generazioni future.
Sebbene uno oggi possa dirsi cristiano,
musulmano, buddhista e giain, tuttavia
è consapevole che la propria “religiosità”
deriva da un comune passato indù.
Lo scopo fondamentale di scrivere spiegando
tutte le religioni in India è mettere
in evidenza la nascita, la crescita e
la vita della fede cristiana che troviamo
nei tre riti (siro-malabarese, latino
e siro-malankarese) in Kerala. Secondo
la tradizione, la Chiesa orientale in India
fu fondata dall'apostolo Tommaso,
che raggiunse l'India del sud nella prima
metà del I secolo. Gli antichi scritti,
come Acta Thomae (II secolo), La dottrina
degli apostoli (III secolo) e Passio
Thomae (IV secolo), riferiscono la missione
e la morte dell'apostolo Tommaso
in India. La Chiesa indiana, originata dal
ministero evangelizzatore dell'apostolo,
pur mantenendo la sua autonomia e la
sua particolare organizzazione amministrativa,
nel corso del tempo allacciava
uno stretto legame con il patriarca delle
Chiese sorelle dell'impero persiano
per ragioni canoniche e pratiche. Quando
i portoghesi arrivarono all'inizio del
XVI secolo, la Chiesa dei cristiani di San
Tommaso esisteva come una chiesa
metropolitana autonoma, capeggiata da
un metropolita di tutta l'India, nominato
dal patriarca caldeo e governata da
un arcidiacono di tutta l'India (un alto
prelato), scelto tra il clero indigeno. In
India la famiglia cristiana vive in mezzo
ad altre religioni. Questo conferma
la necessità di un'adeguata educazione
religiosa in Kerala. E’ solo riconoscendo
il valore della vera formazione della
fede, che la persona può rispondere
alla sua chiamata per la vita cristiana.
Questa formazione deve avvenire all'interno
di tutto il contesto religioso, solo
così i valori che si trovano nelle diverse
religioni potranno contribuire a formare
un’educazione religiosa completa.
La Chiesa dei Cristiani di San Tommaso,
come chiesa individuale della comunione
cattolica, ha la responsabilità di
conservare, vivere e trasmettere il patrimonio
apostolico che abbiamo ricevuto
dall’apostolo Tommaso. Le sfide principali
della chiesa per l'avvenire sono:
portare a compimento la riforma liturgica
ottemperando ai principi stabiliti dal
concilio Vaticano II, dal susseguente
magistero ufficiale e dal codice orientale;
ottenere il riconoscimento della suprema
autorità della chiesa come una
chiesa patriarcale; ripristinare la giurisdizione
in tutta l'India ingiustamente
soppressa all'inizio del XVII secolo; riacquisire
l'originale identità indiana e
orientale pesantemente offuscata dal
colonialismo occidentale.
CRISTIANITÀ IN INDIA 29

The Authentic Tuscan Natural and Organic Gift Ideas
Lasciati ispirare dalla
Guida ai Regali
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Vietnam del nord
Viaggi culturali con
Mugel Travel
Un angolo del mondo tutto da scoprire, tra paesaggi
incontaminati, villaggi sull’acqua e variopinti mercati contadini
Testo e foto di Maria Grazia Dainelli
Visitare paesi esotici significa
spesso scoprire
paesaggi dove
uomo e natura convivono ancora
in armonia. Accade così
in Vietnam, dove i paesaggi
montani sono grandiosi, con
cime ricoperte da foreste e risaie
terrazzate che scendono
dalle Alpi Tonchinesi fino a valle
e ai paesaggi abitati da tribù
appartenenti a numerose etnie.
Ci sono giorni in cui dalle
magiche geometrie delle risaie
si diffonde l’insistente vociare
delle contadine Thai impegnate
nella mietitura. La città caotica
di Hanoi, nota per la sua architettura
secolare e per una ricca
cultura con influenze asiatiche,
cinesi e francesi, è una tappa
obbligata. Tra le mète imperdibili, i villaggi
che dominano la baia di Halong:
qui le abitazioni dei pescatori galleggiano
sull’acqua sostenute da tralicci di legno
poggianti su bidoni blu. Visitare il
Vitnam permette di scoprire l’ospitalità
e la gentilezza di un popolo che ha
vissuto un ventunesimo secolo turbolento;
un viaggio sensoriale tra colori,
suoni, odori e sapori che difficilmente
si dimenticano. Anche i mercati meritano
una visita; sono luoghi di raduno
di comunità tribali, gremiti di merci di
ogni genere e di gente che indossa i coloratissimi
abiti tradizionali Insomma,
un vero paradiso per i fotografi.
Nonostante i sapori e gli ingredienti
tipicamente orientali,
la cucina vietnamita si distingue
per un gusto più raffinato
e leggero rispetto ad esempio
alla cucina cinese. Colori, sapori
e storia di un paese tutto
da scoprire.
Per il programma completo e
i dettagli sul viaggio visitare il
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VIETNAM DEL NORD
31

Ritratti
d'artista
Luciano Manara e Maila Stolfi
Due artisti controcorrente insieme al Palazzo
Datini di Prato per una mostra in cui dialogano
design e pittura
di Jacopo Chiostri / foto courtesy degli artisti
Una delle lampade create
dal designer fiorentino
Luciano Manara
Manara dice di sentirsi affine
al movimento Dada, e questo
lo possiamo capire, possiamo
laddove i Dada affermavano di
non essere portatori di nuove verità, rifuggivano
dalle teorie estetiche e dalle
accademie e manifestavano ostilità alle
convenzioni di cui era intrisa la società
dell’epoca. Poi però altre cose non tornano.
Non per quel Luciano Manara che
non fa del "caso" la regola del proprio
lavoro di artista, il quale, al contrario,
è meditato e vissuto; che non si rifugia
nel "nihil" del tutto va distrutto e niente
deve sopravvivere, ma, e anche qui al
contrario, progetta opere il cui connotato
distintivo sono valori profondamente
etici richiamati per costruire e non per
annientare. Certo non manca in Manara
una forte dose d’ironia e un intento
dissacratorio, ma, attenzione, a differenza
di altri ‘provocatori’ che puntano
sull’impatto irriverente del medium
- in un processo
di cui non si vede
la coda e che, a
furia di atteggiarsi
a censore illuminato
dei luoghi
comuni, ha generato
una stucchevole
retorica
dell’antiretorica
- le realizzazioni
di Manara hanno
solo connotati e
intenzioni positive;
e poi la provocazione
non
può essere fine a
se stessa: se disgiunta
da proporsi
come occasione e stimolo per
una riflessione non ha niente di artistico.
Ogni singola parte delle opere di sua
creazione, sia essa alabastro o ottone,
cartapesta o cristalli Swarovsky, aggettiva
il suo sentire di persona che s’indigna
davanti alle storture dell’epoca che
viviamo, e fa riflettere e ammonisce sulla
preziosità del dono della vita. Maila
Stolfi non pretende di farsi capire, e non
è questo un fatto di anticonformismo,
è la sua natura, la stessa che l’ha fatta
alfine uscire da sodalizi importanti dei
quali ha fatto parte per un periodo; e anche
qui non per snobismo ma perché lei
preferisce ‘ballare da sola’. In Maila, ed
è suo tratto caratterizzante, è fortemente
presente l’amore e l’attrazione per il
passato, in particolare per le sue radici,
rappresentate idealmente da quegli oggetti
che raccoglieva nei luoghi dell’infanzia,
nei boschi, nelle case non più
abitate. Oggetti abbandonati, consunti
dal tempo, ma ricchi di messaggi per
chi ha capacità di decrittare. E’ in questi
‘feticci’ che la sua pittura si nutre di
quel tratto intimistico che ne è l’anima.
Il suo stile si è mantenuto incontaminato
nel tempo, e al continuum tecnico
si accompagna una ricerca del linguaggio
(che spieghi al meglio il suo pensiero)
che non percorre
la, magari suggestiva
ma il più delle volte
avventata quando
non contraddittoria,
strada della sperimentazione,
ma è ricca di
un’unità coerente, modernamente
classica,
che pone i suoi motivi
in una zona intermedia
Un dipinto di Maila Stolfi
fra reale e ideale, conferendo alle opere
lo stilema di una necessità interiore di
struttura e di intonazione. E il percorso,
intanto, prosegue. E coniuga il passato
col presente tramite il collante indistruttibile
del prodotto artistico; così Maila ci
offre ancora ricordi e suggestioni, come
nel sorprendente riferimento a Topolino
gaucho (The Gallopin' Gaucho),
un film del 1928 diretto da Walt Disney,
di una sua opera recente.
La mostra, intitolata Luciano Manara
/ Maila Stolfi a Palazzo Datini, è stata
inaugurata il 12 ottobre alla presenza
del presidente del Consiglio regionale
della Toscana Eugenio Giani e del giornalista
Jacopo Chiostri. L’esposizione si
è protratta fino al 26 ottobre.
L’inaugurazione della mostra: al centro, il presidente del Consiglio regionale
della Toscana Eugenio Giani, il designer Luciano Manara (a destra),
la pittrice Maila Stolfi e alla sua destra il giornalista Jacopo Chiostri
32
LUCIANO MANARA E MAILA STOLFI

Firenze
Mostre
Lorella Pubblici
Protagonista di una personale all'Hotel Medici di Firenze
in collaborazione con Roberto Stellato
di Samanta Monco
Naturalmente
predisposta
al disegno,
che ha praticato fina da
bambina, Lorella Pubblici
ha approfondito gli
studi pittorici in età matura
grazie alla frequentazione
di scuole d’arte
private. Espone ininterrottamente
dal 2003: da
allora i suoi dipinti hanno
partecipato a eventi
collettivi, mostre personali
e concorsi d’arte.
Dedicandosi ad una trasposizione
della realtà
meticolosa ma selettiva,
riesce a infondere
nei suoi dipinti un’idea
di bellezza pacata e
emozionante. Nella predilezione
per la figura
umana l’artista rivolge
un’attenzione particolare
ai volti, dove la resa
espressiva raggiungere
grande intensità. Per
questo si è confermata
particolarmente incline
al genere del ritratto.
Di grande pregio le rese
realistiche ottenute con
l’amatissimo pastello
dal quale si è pian piano
affrancata per dedicarsi
sempre di più alla pittura
a olio, con la quale
ha raggiunto un’ulteriore
maturazione del linguaggio
pittorico e una
maggiore personalizzazione
stilistica.
www.lorellapubblici.it
lorellarte@gmail.com
Da giovane, olio su tela, cm 70x90
Libellula, olio su tela, cm 100x80
Schiava, olio su tela, cm 80x60
LORELLA PUBBLICI
33

I N TER NAZ IONALI
Centro studi e incontri
Internazionali
Life Beyond Tourism per la salvaguardia dei
territori verso il Simposio di marzo 2020
Il Premio Go Slow - Co.Mo.Do. e il concorso Heritage for Planet Earth
di Stefania Macrì
Novembre si apre con due
estensioni di scadenze che
rappresentano un’opportunità
per coloro che vogliono avvicinarsi
al mondo e ai princìpi etici di
Life Beyond Tourism. Si parte con la
scadenza di presentazione di un elaborato
per il Simposio Internazionale
Building Peace through Heritage
- a world forum to change through
dialogue (Firenze, 13-14-15 Marzo
2020) che è stata spostata al 10 di-
cembre rispondendo a varie richieste di
posticipo che il Movimento Life Beyond
Tourism Travel to Dialogue ha ricevuto.
Gli argomenti che i candidati si trovano
ad affrontare nel proporre il loro estratto
dovranno seguire le tematiche:
• Siti patrimonio per il dialogo
• Viaggio per il Dialogo
• Patrimonio per il pianeta Terra - Design
sostenibile: città, architettura, tecnologia
• Utilizzo e manutenzione del patrimonio
materiale e immateriale
• Espressione culturale dei luoghi
• Educazione e consapevolezza
Per conoscere la Call for Abstract
completa, scoprire di più sulle parole
chiave e conoscere tutte le opportunità
a disposizione basta andare
sul sito dell’evento: https://www.lifebeyondtourism.org/events/world-forum-to-change-through-dialogue/
Call for Abstract del Simposio internazionale estesa al 10 dicembre 2019
dal 15 giugno 2019 al 31 gennaio 2020
La seconda estensione riguarda
il concorso internazionale fotografico
Heritage for Planet
Earth, prevista inizialmente per il 30
novembre. Tale scadenza è stata prorogata
al 31 gennaio 2020. Il concorso
vuole diffondere la consapevolezza,
soprattutto nei confronti delle generazioni
più giovani, della fragilità del patrimonio,
sia esso culturale che naturale
strettamente connessa con l’ambiente
del pianeta Terra, il suo equilibrio e i
cambiamenti climatici. In questo contesto
si inserisce il viaggio culturale
che vuole essere un mezzo per costruire
momenti di incontro, comunicazione
e dialogo tra culture al fine di
diffondere la conoscenza e il rispetto
delle diversità culturali nel rispetto per
la salute del pianeta.
Per partecipare: h4pe.lifebeyondtourism.org.
CSII
CENTRO STUDI E INCONTRI
Scadenza del concorso Heritage for Planet Earth estesa al 31 gennaio 2020
34
CENTRO STUDI E INCONTRI INTERNAZIONALI

Il Movimento Life Beyond Tourism
Travel to Dialogue partecipa al
Premio Go Slow - Co.Mo.Do. riservato
ai progetti di mobilità dolce e
sostenibile che le pubbliche amministrazioni
mettono in atto nei territori
di competenza che si svolge a Roma
il prossimo 15 novembre. Nell’ambito
del premio si aggiungono alcune menzioni
speciali tra le quali si inserisce
il Premio Internazionale Life Beyond
Tourism Travel to Dialogue. Il Movimento
Life Beyond Tourism Travel to
Dialogue forte del suo impegno per
la salvaguardia e la tutela del patrimonio,
materiale e immateriale, tangibile
e intangibile, ha selezionato,
quale vincitore del premio, l’itinerario
Iter Vitis - Les Chemins de la Vigne
che unisce il Portogallo all’Azerbaijan,
passando per altri paesi come Bulgaria,
Croazia, Francia, Georgia, Grecia,
Israele, Italia, Macedonia, Malta, Moldavia,
Montenegro, Romania, Russia,
Serbia, Slovenia, Spagna e Ungheria.
La scelta dell'itinerario premiato
è stata fatta in condivisione dei valori
identificati dal Consiglio d'Europa:«La
vinificazione è da sempre un simbolo
dell’identità europea. Le conoscenze
tecniche, indispensabili per la produzione,
hanno contribuito moltissimo
nei secoli alla costruzione della cittadinanza
europea, che accomuna regioni
e popolazioni, e delle identità nazionali.
Molti paesi dell’area mediterranea
condividono un comune denominatore:
il loro paesaggio culturale. Uno
degli obiettivi principali dell’itinerario
è la salvaguardia della biodiversità vi-
invito alla consegna del premio
MENZIONE SPECIALE
M O V I M E N T O
LIFE BEYOND TOURISM-
TRAVEL TO DIALOGUE
15 novembre 2019
ore 12.00
p r e s s o l a s e d e E N I T V i a M a r g h e r a , 2 R o m a
VIENI A CONOSCERCI SU
WWW.LIFEBEYONDTOURISM.ORG
Premio Go Slow – Co.Mo.Do. del 15 novembre 2019
nicola, promuovendo
la sua unicità nel
mondo globalizzato».
Questa stretta
correlazione tra la tutela
dei territori coinvolti,
la biodiversità e
la promozione di un
viaggio più consapevole
basato sulla
possibilità di instaurare
un dialogo tra
viaggiatori e residenti,
fanno di Iter Vitis
l’itinerario ideale
da promuovere a livello
internazionale
grazie alla rete della
Fondazione Romualdo
Del Bianco
e del Movimento Life
Beyond Tourism Travel
to Dialogue che
conta oltre 500 istituzioni
in 111 paesi
nei 5 continenti. Assieme
alla menzione
verrà consegnato
all’itinerario l’invito
a partecipare gratuitamente alla sezione
showcase dell’evento internazionale
Building Peace through Heritage World
Forum to Change through Dialogue
del prossimo marzo 2020, per poter
presentare, anche in forma di piccola
mostra, l’itinerario, le sue tappe e tutti
coloro che ne sono coinvolti esaltando
le espressioni culturali che sono parte
nevralgica del cammino medesimo.
Questi progetti si inseriscono nell’ambito
del Viaggio dei Valori che Life
Beyond Tourism si impegna a portare
avanti quotidianamente. Realizzare un
viaggio seguendo i princìpi di dialogo
tra culture, salvaguardia del pianeta
Terra e rispetto reciproco è la sfida
di questo secolo che tutti gli individui
sono chiamati a fronteggiare. Essere
parte del cambiamento è il mezzo per
lasciare un’impronta indelebile alle future
generazioni.
Il Centro Studi e Incontri Internazionali
Con il proprio Istituto Internazionale Life Beyond Tourism e la Life Beyond
Tourism Edizioni con sede in Palazzo Coppini a Firenze promuove e organizza
attività didattica e formativa, servizi e appuntamenti per l’internazionalizzazione
delle aziende e gestione di eventi internazionali.
Per info:
055-284722
company@lifebeyondtourism.org
www.lifebeyondtourism.org
CENTRO STUDI E INCONTRI INTERNAZIONALI
35

Eccellenze toscane
in Cina
A cura di
Michele Taccetti
China 2000 e Life Beyond Tourism partner
dell’evento Shanghai Italian Week
di Michele Taccetti / foto courtesy China 2000
Ancora protagonista
China 2000 srl in Cina
ed ancora con il
Movimento Life Beyond Tourism
– Travel To Dialogue. Le
due organizzazioni hanno infatti
sponsorizzato l’evento Italian
Week svoltosi dal 18 al 20 ottobre
scorso presso il famoso
centro commerciale The Hub
Honqiao Tian Di di Shanghai.
Situato nell’area vicina all’aeroporto
e alla stazione dell’alta
velocità di Honqiao e famosa
per essere l’area residenziale
per stranieri più famosa a
Shanghai, The Hub copre un’area
di 380.000 metri quadri ed
è lo shopping mall progettato
come nuovo ed unico centro
lifestyle nella parte occidentale
di Shanghai. Comprende un
centro commerciale, il quartiere
commerciale di Xintiandi,
un’area uffici, un centro per le mostre
e un hotel. Vanta oltre 80 ristoranti provenienti
da ogni parte del mondo, circa
10.000 metri quadrati di area dedicati ai
bambini ed alle loro famiglie, un cinema
Imax e persino una prima sala per
il check-in in aeroporto. Con i suoi servizi
estesi e completi e le attività a tema
innovative, The Hub offre ai suoi visitatori
un'esperienza esclusiva di cibo,
shopping, relax e divertimento. L’Italian
Week si è svolta nel terzo week-end
di ottobre ed ha coinvolto artisti e produttori
del made in Italy di qualità ottenendo
un grande successo di presenze.
The Hub, che ha una media di presenze
giornaliera di oltre 100.000 visitatori,
è una vetrina importante per le aziende
interessate ad una presenza stabile e
commerciale in Cina. Questo evento è il
frutto della collaborazione nata fra The
Hub, China 2000 srl ed il Movimento Life
Beyond Tourism -Travel To Dialogue e
si fonda sulla relazione di oltre vent’anni
intrattenuta da China 2000 ed i suoi
In questa e nelle altre foto alcune immagini della manifestazione Italian Week a Shanghai
partners. La sede di China 2000 srl a
Shanghai è proprio nell’area centrale di
Xin Tian Di dove ha sede il gruppo e dove
è nato il primo centro commerciale,
poi replicato a Honqiao e nelle città
di Ruihong, Wuhan, Chongqing e Lingnan.
L’obiettivo dell’Italian Week è stato
quello di promuovere all’interno di
un’area commerciale la cultura italiana
ben rappresentata dalle aziende, organizzazioni
e artisti membri del Movimento
Life Beyond Tourism - Travel To
Dialogue, così da dimostrare come la
cultura sia un elemento necessario per
creare dialogo anche per la crescita e
lo sviluppo di opportunità commerciali
all’estero. Ed è per questo che lo shopping
mall cinese ha chiesto il coinvolgimento
dei partners italiani: China 2000
srl, come presenza commerciale stabile
e costante in Cina che da oltre vent’anni
promuove le piccole e medi imprese
italiane ed il Movimento Life Beyond
Tourism – Travel To Dialogue come rete
mondiale che attraverso la sua mission,
ovvero la promozione del dialogo
fra culture, stimola i propri membri (individui,
organizzazioni e aziende) a creare
sinergie fra loro sotto il “cappello”
del brand Life Beyond Tourism che garantisce,
tutela e promuove le espressioni
culturali dei territori. La stretta
collaborazione fra il Movimento Life
Beyond Tourism - Travel To Dialogue e
China 2000, che da due anni persegue
la finalità di creare un ponte culturale e
commerciale fra Italia e Cina, registra
ad oggi notevoli successi di partecipazione
e visibilità per le aziende e le organizzazioni
coinvolte portando risultati
concreti in termini di consolidamento di
rapporti istituzionali e commerciali. In
poco meno di due anni sono state organizzati
eventi in Cina e a Firenze di un
certo interesse con partecipazione numerosa
di aziende, organizzazioni e individui
dei due paesi. Fra queste: due
mostre artistiche, una a Firenze e l’altra
a Shanghai, tre fiere in Cina, un B2B
con aziende cinesi a Firenze, due sim-
36
CHINA 2000

posi medici sui trapianti uno a Firenze
l’altro a Suzhou e la firma di due memorandum
di intesa con gruppi culturali e
governativi cinesi, oltre alla adesione di
una importante associazione governativa
cinese come membro supporter del
Movimento Life Beyond Tourism – Travel
To Dialogue. Il prossimo anno vedrà
l’inizio dell’attività di campus per
giovani studenti cinesi e la rinnovata
presenza del paese Cina al 22° forum
della Fondazione Romualdo Del Bianco
del marzo 2020 dopo la presenza del
SCPC di Pechino del marzo scorso. La
Cina rappresenta un mercato che sta
assumendo sempre più un’importanza
strategica per le realtà commerciali
italiane che però lo devono affrontare
proponendo in modo visibile, costante
e concreto un’aggregazione di prodotti
e servizi insieme alla storia e la cultura
dei territori di provenienza riunendo tutte
le espressioni culturali che ne fanno
parte e lo rendono unico. Questa azione
promozionale continuativa deve avvenire
secondo una logica di programmazione
a medio-lungo termine. Gli eventi
rappresentano un’azione di consolidamento,
visibilità e credibilità che producono
certamente risultati commerciali,
anche se talvolta lo sforzo sembra non
essere sufficiente in un mercato così
vasto e pieno di competitors. Tuttavia la
presenza e la continuità di queste azioni
promozionali sono importanti e lasciano
il segno attirando l’interesse e la
curiosità degli operatori di settore, ma
soprattutto dei consumatori cinesi. Un
proverbio cinese recita:«La goccia d’acqua
del fiume non si chiede quanto sia
utile la sua esistenza. Essa è il fiume».
Michele
Taccetti
Laureato in Scienze Politiche con una tesi sugli scambi economici Italia/
Cina ed erede della propria famiglia operante con il grande paese asiatico
fin dal 1946, assiste da oltre vent’anni le aziende italiane interessate
ad aprire il mercato cinese in vari settori merceologici e, in particolare, alla
promozione del Made in Toscana in Cina. Svolge attività di formazione in materia
di marketing ed internazionalizzazione ed è consulente per il Ministero dello
Sviluppo Economico.
Per info:
michele.taccetti@china2000.it
China 2000 srl
@Michele Taccetti
taccetti_dr_michele
Michele Taccetti
CHINA 2000
37

Dimensione
Salute
A cura di
Stefano Grifoni
Stress emotivo e attività sportiva:
un connubio talvolta letale
di Stefano Grifoni
L’esercizio fisico intenso dopo
una lite con il partner può
triplicare il rischio di un attacco
di cuore. Studi scientifici hanno dimostrato
il legame tra mente e corpo
e hanno documentato il maggior rischio
d’infarto di cuore in presenza di
un turbamento emotivo associato allo
sforzo fisico. Infatti, di circa 13.000
pazienti infartuati con un’età media di
58 anni sono stati intervistati chiedendo
a ciascuno di loro cosa fosse successo
prima dell’attacco di cuore. I
risultati hanno dimostrato che il 15 %
era impegnato in un’attività fisica intensa
e un ulteriore 15 % risultava sconvolto
mentalmente per forti emozioni.
Stimoli estremi sia emotivi che fisici
ph.courtesy stock.adobe.com
hanno effetti simili sul corpo. Infatti,
aumentano la pressione sanguigna
e la frequenza cardiaca, modificano il
flusso di sangue attraverso i vasi del
cuore e riducono l’apporto di ossigeno.
Solo l’attività fisica regolare fa
bene alla salute; si sconsiglia di fare
sport quando si è molto arrabbiati o
dopo una lite con il partner.
Lo sport e gli ormoni della felicità
di Daniela Pronestì
Pur essendo noti da tempo
gli effetti benefici dell’attività
sportiva sull’umore,
gli scienziati continuano a cercarne
conferme. E’ il caso di una recente
ricerca dell’Università di Cambridge
che ha dimostrato, servendosi di un
campione di oltre 10.000 persone,
il legame esistente tra attività fisica
e felicità individuale. In particolare,
dallo studio è emerso che se nell’ultimo
quarto d’ora l’individuo era
stato attivo fisicamente, il suo livello di
felicità era più alto. Questo accade perchè
lo sport aiuta la produzione di endorfine,
le molecole del “buonumore”,
e di serotonina, un ormone neurotrasmettitore
che migliora lo stato di serenità.
L’attività fisica, inoltre, abbassa il
livello di cortisolo nel sangue, l’ormone
coinvolto negli stati di stress e nella depressione.
Molti studi epidemiologici
hanno dimostrato che le persone sedentarie
sono più esposte ai disturbi
di ansia e alla depressione, proprio
perchè l’assenza di attività fisica favorisce
livelli più elevati di cortisolo
nel sangue, una minore produzione
di endorfine e di serotonina. Per
trarre questi benifici dal movimento
fisico non bisogna essere degli
atleti; basta preferire la bicletta alla
macchina per spostarsi in città o
camminare con una certa regolarità
per garantirsi la propria quotidiana
dose di felicità.
Stefano
Grifoni
Nato a Firenze nel 1954, Stefano Grifoni è direttore del reparto di Medicina e Chirurgia di Urgenza del Pronto
Soccorso dell’Ospedale di Careggi e sempre presso la stessa struttura è direttore del Centro di Riferimento Regionale
Toscano per la Diagnosi e la Terapia d’Urgenza della Malattia Tromboembolica Venosa. Ha condotto numerosi
studi nel campo della medicina interna, della cardiologia, della malattie del SNC e delle malattie respiratorie e
nell’ambito della medicina di urgenza. Membro del consiglio Nazionale della Società Italiana di Medicina di Emergenza-Urgenza,
è vice presidente dell’associazione per il soccorso di bambini con malattie oncologiche cerebrali Tutti per
Guglielmo e membro tecnico dell’associazione Amici del Pronto Soccorso con sede a Firenze. Ha pubblicato oltre 160
articoli su riviste nazionali e internazionali nel settore della medicina interna e della medicina di urgenza e numerosi testi
scientifici sullo stesso argomento. Da molti anni collabora con RAI TRE Regione Toscana nell’ambito di programmi
di medicina, con il quotidiano La Nazione e da tre anni tiene una trasmissione radiofonica quotidiana sulla salute.
38
STRESS EMOTIVO

A cura di
Emanuela Muriana
Psicologia
oggi
Ossessioni, compulsioni e manie
Come liberarsene con la Terapia Breve Strategica
di Emanuela Muriana
In latino obsidere vuol dire assediare.
Essere ossessionati vuol dire
essere assediati dai propri pensieri.
Le ossessioni si possono suddividere
in due grandi categorie: la prima riguarda
i pensieri puliti e perfetti (l’ossessione
per l’ordine, la pulizia, la simmetria,
la perfezione; la paura dello sporco, la
paura di dimenticare, la paura di diventare
matto); la seconda comprende le
ossessioni tabù o cattivi pensieri che
hanno un contenuto talvolta destabilizzante
per chi le pensa: la paura di ferire
o uccidere involontariamente qualcuno
o persone care, le fobie infanticide
delle neomamme, la paura di suicidarsi
lanciandosi involontariamente dalla
finestra, il dubbio di aver investito con
l’auto pedoni o animali, pensieri o immagini
blasfeme contro la religione e
conseguente paura della punizione divina,
paura di aver cambiato orientamento
sessuale, di essere pedofilo, pensieri
e immagini di violenza sessuale. Sono
tutti pensieri e immagini che rappresentano
l’opposto di ciò che siamo o che
desideriamo, opposti ai nostri principi
etici e morali. Come si reagisce a queste
paure brutte e cattive? La reazione
più comune è l’evitamento, si cerca di
stare lontani dalle potenziali “armi” evitando
così la possibile
“tentazione”.
Altre volte vengono
messi in atto pensieri
o comportamenti
rituali, ad esempio
ricontrollare ripetutamente
per rassicurarsi.
Infine, quando
la vergogna non è
più un deterrente, si
chiede aiuto confidandosi
alla ricerca
della rassicurazione
che mai saremmo in
grado di fare ciò che
pensiamo. Tutto ciò, però, non scalfisce
minimamente l’ossessione che rimane
inalterata. Come guarire dalle
ossessioni? La Psicoterapia Breve Strategica
è una psicoterapia all’avanguardia
ed elettiva dal punto di vista teorico
e applicativo, il trattamento di elezione
per il Disturbo Ossessivo - Compulsivo.
Obiettivo della psicoterapia è interrompere
i pensieri insostenibili generatori
di allarme e disorientamento, relegando
il trattamento farmacologico a situazioni
estreme. Al Centro di Terapia Strategica
studiamo questo disturbo ed il
suo trattamento da più di quindici anni.
Nel corso di questa lunga esperienza,
abbiamo curato con successo oltre
duemila pazienti che presentavano persistenti
e complicate ossessioni. I lavori
del Centro di Terapia Strategica (Nardone
& Watzlawick, 1990; Nardone &
Portelli, 2013, A. Bartoletti 2019) hanno
sottolineato l’efficacia della Psicoterapia
Breve Strategica - 89% dei casi
- nel costruire, in tempi brevi, cambiamenti
strutturali nel disturbo, permettendo
un miglioramento sintomatico
che, stabilizzato come da protocollo,
apre la pista ad una definitiva libertà dai
sintomi.
Emanuela
Muriana
Emanuela Muriana vive e lavora prevalentemente a Firenze. E’ responsabile
dello Studio di Psicoterapia Breve Strategica di Firenze, dove svolge
attività clinica e di consulenza. Specializzata al Centro di Terapia Strategica
di Arezzo diretto da Giorgio Nardone e al Mental Reasearch Institute di
Palo Alto CA (USA) con Paul Watzlawick. Ricercatore e Professore della Scuola
di Specializzazione quadriennale in Psicoterapia Breve Strategica (MIUR) dal
1994, insegna da anni ai master clinici in Italia e all’estero. E’ stata professore
alla Facoltà di Medicina e Chirurgia, Università degli Studi di Siena (2007-2012)
e Firenze (2004-20015). Ha pubblicato tre libri e numerosi articoli consultabili
sul sito www.terapiastrategica.fi.it
Studio di Terapia Breve Strategica
Viale Mazzini 16, Firenze
+ 39 055-242642 - 574344
Fax 055-580280
emanuela.muriana@virgilio.it
TERAPIA BREVE STRATEGICA
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Eventi in
Toscana
Andrea Stella
A pochi mesi dalla scomparsa, è stato inaugurato a Bagno a
Ripoli un atelier a lui dedicato
Una raccolta di opere, strumenti da lavoro ed oggetti per rendere
omaggio all’artista venuto dalle stelle
di Barbara Santoro / foto Marco Quinti
Ho conosciuto Andrea Stella
qualche anno fa a Lucca e
varie volte sono andata a scovarlo
nel suo “nido d'arte” fra i campi
e i vigneti dei nobili Frescobaldi, a
pochi passi dal Castello di Nipozzano.
Quest'uomo dalla chioma fluente nera
e con due occhi scuri da dio greco mi
ha sempre accolta con un grande sorriso,
anche quando stava lavorando nel
suo studio e doveva interrompere di dipingere.
Una grande stanza preceduta
da pochi scalini, un mondo ancestrale
che ti avviluppava e affascinava con
le miriadi di colori. Oggi Andrea non è
più con noi, ma l'adorata moglie Fulvia
e la cara figlia Selena, aiutata dal marito
Luca, hanno in poco tempo ricreato
uno studio- atelier dove ogni oggetto
parla di lui. In un angolo, la sua amatissima
chitarra poggiata su un divanetto
con i cuscini da lui dipinti, un'altra
in terra fuoriesce dalla custodia, mentre
In questa e nelle altre foto alcuni scorci dell'atelier
Al centro Barbara Santoro con Fulvia Giannotti (a destra), moglie di Andrea Stella, e l'artista Elio
De Luca con la moglie
uno strumento greco, il “bouzouki”,
si fa ammirare più in
là. Un tavolo in mezzo alla sala
divide l'ambiente e sopra un
piccolo scrittoio si trovano un
libro e una penna per far fissare
agli ospiti le proprie emozioni
o per lasciare anche soltanto
una firma. Su un altro tavolo
sono esposte bottiglie di vino
con l'etichetta disegnata da
lui; un divano e qualche sedia
riempiono l’ambiente e poi,
sparse qua e là, le sagome dei
suoi Sognanti creati per la mostra
alla Certosa del Galluzzo
e poi esposte nella Sala d’arme
di Palazzo Vecchio. Creature
misteriose seminascoste da
una maschera: forse Muse, figure
mitologiche, presenze ancestrali
o forse meglio si tratta
dei “miti” di cui si parla nel famoso
discorso della montagna: ”Beati i
miti di cuore perché erediteranno la terra”.
Non certo “miti” nel senso di deboli
e paurosi, ma di persone che hanno
fatto della loro mitezza una forza. Figure
scintillanti con i corpi in vetroresina
verniciati di nero o di blu che ti accompagnano
verso nuovi orizzonti, come
guide spirituali che ti conducono verso
quel luogo primordiale insito nell'essere
umano. Le vesti cangianti, abilmente
modellate con cotone grezzo e rese
sfolgoranti dall’uso della foglia d’oro e
da strati di vernici, danno a queste presenze
un aspetto sacrale. La luce gioca
sulla superficie materica creando ba-
40
ANDREA STELLA

gliori e riflessi, tanto che nessuno dei
Sognanti è uguale all'altro. Alle pareti,
grandi “teleri” dove Alì Babà ti osserva
e due minute figure dorate ti prendono
per mano per guidarti nella magica atmosfera
dei racconti epici, delle saghe
e dei romanzi persiani. Mazzi di fiori
sfaccettati le cui corolle riflesse creano
bagliori; cuspidi di cattedrali bizantine o
casette che sembrano uscite dalla Lega
anseatica, mentre barchette leggere
sembrano evadere dalla tela con le loro
luminescenze e sfaccettature. Grandi
navi solcano mari spumeggianti e materici
costruiti con un azzurro così particolare
che non potrei né saprei definire
.I grandi oli plasmati solo con esili asticelle
che dilatano lo spazio sempre in
divenire, ti conducono in un mondo fatato.
Dalla sala si accede sul retro, dove
sono conservati materiali di ogni tipo
e su un grande pannello sono disposte
tante piccole foto di Andrea che ne ripercorrono
la vita e i tanti successi. Di
recente questo luogo è stato arricchito
anche da un ritrattino che l’abile pittrice
Grazia Tomberli ha eseguito in omaggio
a Stella. Insomma, ci sono tutti gli
ingredienti per “la curiosità dei forestieri”,
come avrebbe detto l’Elettrice
Palatina; basta solo andare a scoprirli
in via Roma 535 ad Osteria Nuova, nel
Comune di Bagno a Ripoli.
ANDREA STELLA 41

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realizzata con componenti Green, Vegan e Biologici
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inoltre
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A cura di
Laura Belli
Speciale
Pistoia
Il Giardino volante di Pistoia
Un tempo orto monastico, è oggi un esempio di recupero e
valorizzazione del patrimonio verde della città
di Laura Belli / foto courtesy Fondazione CRPT
Un giorno per bene è il titolo di
due giornate che a settembre
il Touring Club ha dedicato a
26 città su tutto il territorio nazionale
per far conoscere, in modo corretto
e informato, i loro beni culturali da
riscoprire, tutelare e valorizzare. Pistoia
ha aderito all’iniziativa proponendo
all’attenzione della comunità cittadina
e nazionale un tema originale che
la caratterizza: gli orti monastici. Risulta
da un censimento del 1733 che Pistoia
era una cittadina di 8690 abitanti,
dei quali 420 erano sacerdoti e chierici,
452 monache, 107 oblate e 137
monaci, per un totale di 1116 religiosi.
Si può quindi facilmente capire come
la città fosse ricca di monasteri e
orti monastici ed è proprio su questi
vasti terreni, tuttora esistenti dietro alle
alte mura all’interno dell’ultima delle
sue tre cinte murarie, che Pistoia ha
voluto attrarre l’attenzione dei cittadini
guidandoli all’interno di chiostri e terreni
normalmente di difficile accesso.
Ampi spazi verdi degni di essere conosciuti
per essere non solo ammirati
ma anche protetti come una ricchezza
urbanistica veramente unica da custodire
e restaurare per offrire nuove opportunità
di fruizione. Sono stati scelti
cinque luoghi: l’orto conventuale con il
chiostro di San Domenico, il chiostro
della chiesa di San Francesco e la piazza
antistante che un tempo era terreno
del convento, l’ex orto conventuale di
Santa Maria del Carmine, l’ex convento
agostiniano di San Lorenzo con il suo
chiostro e i grandi spazi sul retro della
chiesa e il grande orto monastico di
San Bartolomeo. C’è stata un’alta partecipazione
e prezioso è stato l’aiuto
dell’associazione di volontariato culturale
Pistoia città di tutti che, con il Touring
e altre associazioni di volontariato
culturale e ambientale, ha reso possibile
questo originale evento. I pistoiesi
hanno potuto così riflettere sullo stretto
legame che esiste fra gli orti monastici
e lo sviluppo, a partire dalla metà
dell’800, della fiorente industria vivaistica
per cui Pistoia è conosciuta nel
mondo. Questo verde patrimonio non
è ancora adeguatamente valorizzato ma
un interessante esperimento di riconversione
a giardino pubblico dedicato ai
bambini si è avuto nel 2015 con l’orto
della chiesa di Santa Maria del Carmine.
Nel 1803 il convento dei Carmelitani,
così come molti altri conventi, era stato
soppresso in virtù degli editti napoleonici
e da allora era stato adibito a usi ci-
vili e lo spazio verde venduto a privati
che lo trasformarono in vivaio. Cessata
l’attività del vivaio, parte del terreno
rimase incolta e parte fu data come
spazio all’aperto a un asilo comunale
che nel frattempo era stato costruito.
Questa parte è stata riqualificata sotto
la guida della storica dell’arte Stefania
Gori e su progetto degli architetti Lapo
Ruffini e Angela Magnolfi ed è nato un
nuovo giardino ribattezzato Giardino
volante rimasto in dotazione all’asilo
e aperto al pubblico nelle ore in cui la
scuola è chiusa. Tutto il patrimonio arboreo
è stato riqualificato e sono state
inserite strutture-gioco di notevole
pregio progettate da designer come
Luigi Mainolfi, sua è la collina - scivolo,
mentre all’Atelier Mendini si deve la
Pagoda. Gianni Ruffi, scultore e poeta
visivo, è l’ideatore di Pistoia a Dondolo,
del Tappeto volante e delle Altalene
a forma di lettere che compongono
la parola “arte”. E’ un parco giochi ma
al tempo stesso un esempio di vera e
propria arte ambientale alla cui manutenzione,
insieme al Comune di Pistoia,
partecipano la Cassa di Risparmio e
la Giorgio Tesi Group.
www.ilgiardinovolante.it
In primo piano, il Tappeto volante di Gianni Ruffi e sullo sfondo la
collina - scivolo di Luigi Mainolfi
Uno scorcio del giardino con la Pagoda dell'Atelier Mendini
GIARDINO VOLANTE
43

Il super tifoso
Viola
A cura di
Lucia Petraroli
Don Massimiliano Gabbricci
E’ il cappellano della Fiorentina e della Nazionale
italiana, grande tifoso della Viola e amante dello sport
In questa intervista racconta il suo rapporto con la squadra
gigliata e la passione per il calcio coltivata fin da bambino
di Lucia Petraroli
Cappellano della Fiorentina e della
Nazionale italiana, don Massimiliano
Gabbricci è soprattutto
un tifoso viola. Da bambino in Curva
a tifare per la sua squadra, oggi guida
spirituale dei giocatori gigliati. È stato
uno dei protagonisti della presentazione
di Rocco Commisso al Franchi, benedicendo
la nuova era in salsa americana.
In questa intervista, il Domma − così è
affettuosamente soprannominato il sacerdote
− racconta il suo legame con la
squadra, tra vittorie storiche e campane
suonate al ricordo di una persona speciale
come Davide Astori.
Innanzi tutto, parliamo di don Massimiliano
Gabbricci, cappellano della
Fiorentina dal 2006 ma anche della
Nazionale italiana. Cosa significa per
lei ricoprire questo ruolo?
E’ iniziato tutto nel 2006 con la Fiorentina
di Corvino e Prandelli. E’ una soddisfazione
per me essere in primis il
cappellano della Fiorentina ma anche
Con Cesare Prandelli al Centro Tecnico di Coverciano nel 2014 (ph.
Claudio Villa - Getty Images Europe)
Don Massimiliano Gabbricci (ph. courtesy Violanews)
della Nazionale. Amo lo sport a 360°,
soprattutto il calcio a cui ho iniziato a
giocare quand’ero ancora un bambino.
Tifoso viola: quando è iniziata la sua
passione?
Tifoso in Curva Fiesole
fin da bambino. E’ stata
mia madre, convinta
tifosa della Fiorentina,
a trasmettermi questa
passione che mi accompagna
da sempre.
La partita indimenticabile
e quella più
brutta?
Quella indimenticabile
è stata sicuramente
la partita del 4-2 con Pepito Rossi. Ricordo
che feci suonare anche le campane.
La più brutta è stata invece la partita
persa contro la Juve per 5 a 0 con l’espulsione
di Cerci.
Il miglior giocatore di sempre?
Secondo me, il miglior giocatore della
storia viola è stato Roberto Baggio, anche
se non si possono dimenticare nomi
come Batistuta e Antognoni, grandi
sia a livello calcistico che umano. Tuttavia,
dopo Maradona, il migliore di tutti
in assoluto, per me viene Roberto.
Lei era presente al Franchi il giorno in
cui il nuovo presidente ha incontrato
i tifosi. Che sensazioni ha provato?
Ho provato una sensazione incredibi-
44
DON MASSIMILIANO GABBRICCI

le, soprattutto quando Commisso
mi ha chiesto di benedire il campo
davanti a 8 mila tifosi. E io l’ho
fatto con gioia sia come cappellano
che come tifoso.
Secondo lei, questa Fiorentina
potrà ambire di nuovo a palcoscenici
importanti?
Mentre benedice il campo (ph. courtesy Cultura Trentino)
Sono molto legato ai Della Valle
da una fraterna amicizia, ma con
loro eravamo ormai arrivati ad
un punto di non ritorno. La nuova
proprietà ha esordito con uno
spirito diverso. Certo, dovremo
valutare i fatti, ma questo inizio
è davvero molto positivo e Firenze
se lo merita. La scorsa annata
è stata terribile, abbiamo iniziato
con un po' di preoccupazione.
Oggi, invece, Montella, da ottimo professionista
qual è, sembra aver trovato
la marcia giusta. Abbiamo Ribery, risorsa
importante e vero leader, e ragazzi
di grande prospettiva come Castrovilli
e Chiesa, giocatore affermato a livello
mondiale. Tenteremo di arrivare in Europa
e sono convinto che fra qualche
anno riusciremo ad essere tra le big del
campionato.
Che rapporto ha con i giocatori della
Viola?
Ho un rapporto molto bello con tutti,
cattolici e non, come Jovetic e Frey. E in
Nazionale ho buoni rapporti anche con
gli juventini (ride). Ho un bel legame
con tanti che ho avuto il piacere di sposare
o ai quali ho battezzato i figli come
Dainelli e Aquilani. A Davide Astori, persona
davvero straordinaria, mi univa un
profondo affetto, e nell’attuale Fiorentina
conosco bene Badelj e Chiesa. Dico
sempre a questi ragazzi che sono fortunati
e che una loro parola positiva può
aiutare tanto le nuove generazioni.
Le è mai capitato che un allenatore o
un giocatore le chiedesse una benedizione?
E’ successo, qualche benedizione particolare
ad una persona, in momenti specifici
di un percorso umano e spirituale.
Ma non posso dire di più.
Con Antognoni per la Junior Team Cup a Montughi (ph. Roberto Germogli)
DON MASSIMILIANO GABBRICCI
45

Ritratti
d’artista
Michal Ashkenasi
L’infinito nelle opere dell’artista israeliana in mostra
alla Galleria Flori di Montecatini Terme per la rassegna
Contemporary Art Meeting
di Margherita Blonska Ciardi
La terza edizione della rassegna
Contemporary Art Meeting alla
Galleria Flori di Montecatini Terme
ha visto esposte le opere dell’artista
israeliana Michal Ashkenasi che hanno
riscosso grande successo di pubblico.
Si tratta di un ciclo che affronta il tema
dell’infinito avvalendosi del concetto di
arte frattale. Ogni quadro di Ashkenasi,
ricollegandosi al processo di creazione
dell'universo secondo un preciso ordine
geometrico e matematico, abbraccia
sia la scienza con la suddivisione omotetica
che il linguaggio proprio dell’arte
visiva. I temi dell'infinito e della quarta
dimensione spazio - temporale ricorrono
spesso nell'opera di Escher, l'artista
preferito di Michal Ashkenasi che ne ripercorre
il pensiero servendosi però
di nuove tecniche digitali dai lei stessa
elaborate e definite “multi fusion”.
Quest’ultime consistono in una rielaborazione
al computer delle fotografie
con cui l’artista immortala
i propri quadri e che poi
combina e sovrappone digitalmente.
Fra le opere in
mostra si segnalano soprattutto
due grandi tele: la prima,
intitolata Red Garden,
è caratterizzata da intense
sfumature rosso arancio e
ampie modulazioni floreali
che catturano lo sguardo
in un vortice colorato; la seconda,
Infinity, sbalordisce
con la sua spirale senza fine
che ricorda un bassorilievo
lapideo o il frammento
decorativo della facciata di
una cattedrale. In mostra
anche una serie dedicata alla
leggenda di Sherazade, la
principessa che riuscì a salvarsi
da morte certa raccontando
allo scià di Persia
Infinity, computer art
Sherazade, computer art
Blue, computer art
46
MICHAL ASHKENASI

le novelle note con il titolo Le mille e
una notte. La leggenda è raffigurata
cromaticamente con diverse sfumature
del colore arancione, in parallelo
alle quali si sviluppano sinusoidali geometrie
ornamentali. Possiamo intuire
l'infinito dei fondali marini nell'opera
Blue. L'ultimo lavoro della serie si ispira
ai campi di girasoli e cattura lo sguardo
dell' osservatore dirigendolo verso il
punto di fuga centrale che porta all'infinito.
Il messaggio di Michal Ashkenasi,
trasmesso attraverso la bellezza delle
sue opere, è molto forte e convalida
artisticamente la teoria di micro e macrocosmo
e della relatività di Einstein.
I suoi quadri dimostrano, con piacevoli
cromie e orditure omotetiche, che niente
ha inizio né fine, ma fa parte di una
continuità eterna dove il creato compie
le sue meraviglie.
Dopo la mostra a Montecatini Terme,
l'artista israeliana proseguirà il suo tour
espositivo prima a Milano, nella primavera
del 2020, e successivamente a Venezia
nella rassegna AqvArt.
Campo infinito, computer art
Red garden, computer art
MICHAL ASHKENASI 47

Ornella gioielli
Piazza Ginori 8, Sesto Fiorentino (FI)
+ 39 055 4480339
leggieri.poccianti@gmail.com

Alessia Baragli
di Serena Gelli
Ritratti
d’artista
Dalle figure d’ispirazione classica alla natura: questi
i temi dell’artista certaldese, ugualmente impegnata
nella pittura e nell’incisione
Alessia Baragli
Armonia, colore, leggerezza e
solarità: questo traspare dai dipinti
di Alessia Baragli, giovane
artista certaldese il cui innato talento
per la pittura ha iniziato a manifestarsi
fin dall’infanzia. Nel 1994, si diploma
all’Istituto d’arte Duccio di Buoninsegna
a Siena. Nel 1997 partecipa a una
collettiva di pittura a Castel del Piano.
Nel 2002 vince il prestigioso Premio Firenze
e l’anno successivo si diploma
all’Accademia delle Belle Arti di Firenze
con una tesi su Giovanni Boldini. Nel
2007, presso la stessa accademia, consegue
la specializzazione in Arti visive
e Discipline dello spettacolo con una
tesi su Giovanni Barbisan, famoso incisore
veneto, e nel 2008 ottiene la qualifica
di incisore e stampatore presso la
Fondazione internazionale d’Arte grafica
Il Bisonte di Firenze. Nel 2003, due
mostre a Firenze: Ritratti alla galleria Il
Candelaio e Dal reale all’irreale al Caffè
Petrarca. Nel 2007 è nuovamente alla
galleria il Candelaio con un ciclo di opere
dal titolo Percorsi paralleli. Nel 2012
è al Castello Pasquini di Castiglioncello
per una mostra e laboratorio artistico
rivolto ai bambini. «E’ stata una bella
esperienza lavorare con i bambini − racconta
Alessia −, insegnando loro quanto
sia importante esprimere le proprie
emozioni attraverso la creatività. Quando
sono arrabbiata − prosegue − riesco
a dipingere più velocemente e con
maggiore ispirazione. Spesso mentre
dipingo ascolto musica perché mi aiuta
a concentrarmi. L’arte mi dona gioia e
mi arricchisce interiormente nonostante
sia difficile poter trasformare questa
passione in un lavoro di cui vivere. Restano
i sentimenti e le emozioni che cerco
di trascrivere sulla tela e sul foglio».
alessia.baragli@gmail.com
Angelo musicante, olio su tela, cm 60x70
Pineta di Baratti, calcografia
ALESSIA BARAGLI
49

Firenze
Mostrte
Annamaria Maremmi
Dal 9 al 21 novembre al Gruppo Donatello con la
mostra Oltre il vero
Un atto di fede nell'arte e nella bellezza per superare
ogni barriera e celebrare la vita, l'amicizia e il dialogo
di Lodovico Gierut / foto Stefano Lepore
Ho scritto più volte a proposito
della versatilità espressiva di
Annamaria Maremmi; lo faccio
più che volentieri anche in questa
occasione ammirando una nuova serie
di opere – tutte su tela – primariamente
legate all'esaltazione della bellezza della
Donna. La bellezza di ogni dipinto,
tuttavia, pur di forte impatto estetico,
non è legata alla cosiddetta suggestione/sensazione,
ma si precisa in un’autentica
conquista portata in essere con
una meditata ed equilibrata scelta creativa.
Il linguaggio dell'autrice trasforma,
passo dopo passo, le attuali idee
in forme ben disciplinate da una concretezza
d'accenti connessa a leggere
e interpretare i vari accadimenti. Se
da un lato le variazioni cromatiche, il
ritmo delle pennellate, cioè a dire tutti
gli elementi tecnici e grammaticali del
suo linguaggio convergono in una visione
ottimamente fusa, dall'altro le immagini
concluse, o meglio, conclusive,
svelano in pieno una realtà nella quale
sa calarsi molto bene grazie a quello
che definisco: “il sentimento del vivere”.
Ecco che balzano agli occhi lavori
quali Amicizia, Riflessione, Vanità, Sintesi,
Intimamente e via dicendo, che alludono
a più comportamenti in cui la
sua libertà s'esprime, senza dispersioni
e orpelli, diventando persino positivamente
atemporale e ordinando le idee
in quell'autonomo modo che tanti di noi
ben conoscono e apprezzano.
www.annamariamaremmi.eu
Note in blu, olio su tela, cm 80x60
Abbandono, olio su tela, cm 70x50 Misteri, olio su tela, cm 70x50 Rimpianti, olio su tela, cm 70x50
50
ANNAMARIA MAREMMI

A cura di
Massimo De Francesco
Letterati stranieri in
Toscana
David Herbert Lawrence
Tra i più grandi innovatori della letteratura anglosassone,
narrò l’amore sensuale nel capolavoro L’amante di Lady
Chatterley scritto e pubblicato in Toscana
di Massimo De Francesco
È
ormai noto il ruolo di forza ispiratrice
che Firenze e la Toscana
rivestono da secoli, offrendo
spunti a poeti, artisti, scrittori e registi
cinematografici. Siamo alla fine dell’Ottocento
e il Grand Tour è un fenomeno
culturale ormai passato di moda,
anche se i letterati stranieri sono ancora
affascinati dalla Toscana. E’ il caso
dello scrittore e poeta britannico David
Herbert Lawrence nato a Eastwood,
nel Nottinghamshire, l’11 settembre
del 1885, da padre minatore pressoché
analfabeta e da madre istruita. Ottenuta
una borsa di studio alla Nottingham
High School, che frequenta dal 1898 al
1901, abbandona la scuola per ragioni
economiche che lo costringono a lavorare.
Il primo episodio di polmonite,
incipit di un calvario clinico che lo accompagnerà
sino alla morte, lo spinge
ad abbandonare il lavoro e a riprendere
gli studi formandosi come insegnante.
E’ grazie all’insistenza di Jessie Chambers,
suo primo amore, che Lawrence
inizia a scrivere nel 1905 e, dopo
due anni all’University College di Nottingham,
pubblica il suo primo romanzo,
Il pavone bianco. Nel 1908, alcune
sue poesie vengono sottoposte da Jessie
Chambers all’attenzione di Ford
Madox Hueffer, influente editore della
English Review che, riconoscendone
il talento, inizia a pubblicare i suoi
scritti. Seguono quindi romanzi come
Il Peccatore (1912) e Figli e Amanti
(1913) terminato in Italia. Colpito da
un secondo attacco di polmonite, si ritira
dall’insegnamento, e, innamoratosi
di Frieda Von Richthofen, aristocratica
tedesca, lascia l’allora fidanzata Louise
Burrows e parte per il continente con
la nuova compagna. Soggiornano prima
a Metz e poi proseguono verso l’Italia,
dove a Fiascherino, nei pressi di
La Spezia, inizia a scrivere uno dei suoi
David Herbert Lawrence
capolavori più controversi: L’Arcobaleno
(1915). Rientrati in Inghilterra nel
1914 per legittimare la loro relazione,
iniziano subito dopo a viaggiare intorno
al mondo. Dal 1922 al 1924 la coppia
vive in Sri Lanka, Australia, Nuovo
Messico (Stati Uniti) e Messico per
poi rientrare in Europa nel 1925, dove
Lawrence e Frieda risiedono a Villa l’Arcipresso,
nota oggi come Villa Mirenda,
a San Polo a Mosciano, vicino Scandicci.
E’ qui che l’autore scrive il suo capolavoro,
L’amante di Lady Chatterley,
di cui riuscirà a pubblicare mille copie
nel 1928 a Firenze grazie al libraio Giuseppe
“Pino” Orioli e a distribuirlo lui
stesso privatamente. Il romanzo, considerato
allora un oltraggio al pudore,
non fu ammesso in Gran Bretagna fino
al 1960 quando una sentenza liberò
l’opera dalla censura. Lawrence si trasferisce
a Bandol, sulla costa francese,
dove resta dall’ottobre del 1929 al febbraio
del 1930, spostandosi a Vence,
dove viene curato per la sua ormai cronica
tubercolosi. Muore il 2 marzo dello
stesso anno, assistito fino alla fine dalla
moglie Frieda e dall’amico, lo scrittore
inglese Haldous Huxley. Nel 1935, le
sue spoglie vengono riesumate e cremate,
per poi essere trasportate a Taos,
in Nuovo Messico.
DAVID HERBERT LAWRENCE 51

B&B Hotels
Italia
Ottava tappa del B&B Hotels Road Trip:
visita all’Acquario di Genova, tra i più
grandi e spettacolari d’Europa
di Francesca Vivaldi
«
Q
uando il pinguino maschio
s’innamora setaccia tutta la
spiaggia per cercare il giusto
sasso da regalare alla sua
sposa». Una delle curiosità più romantiche
che io abbia mai sentito. E’ da poco
passato il compleanno del mio fratellino,
occasione in cui decisi di fargli una sorpresa
portandolo a vedere l’Acquario di
Genova. Un mondo magico, incantato,
quasi surreale anche per me. Un pomeriggio
passato a tu per tu con i pinguini.
Esseri buffi, con una camminata quasi
dondolante, che non pensavo potessero
avere una sensibilità così unica. Ero
più incantata io da tutto ciò che mi circondava
che quel nanerottolo di mio fratello.
Dopo quest’esperienza all’insegna
delle curiosità e del contatto con la natura
che mi ha portata a scoprire un mondo
nuovo, ci siamo recati al B&B Hotel
Genova per trascorrere la notte. Un’accoglienza
straordinaria, fatta di sorrisi e
disponibilità. E come abbiamo passato la
serata? Ovviamente guardando un documentario
su Netflix, grazie alle Smart TV
presenti in camera. Il giorno successivo,
dopo la super colazione firmata B&B Hotels,
ci siamo rimessi in viaggio. Quale
sarà la prossima avventura?
Foto courtesy Viaggiamo.it
52
ACQUARIO DI GENOVA

B&B Hotels
D
estinazioni, design, prezzo.
B&B Hotels unisce il calore e
l’attenzione di una gestione di
tipo familiare all’offerta tipica di una
grande catena d’alberghi. Un’ospitalità
di qualità a prezzi contenuti e competitivi,
senza fronzoli ma con una forte
attenzione ai servizi. 39 hotel in Italia.
Camere dal design moderno e funzionale
con bagno spazioso e soffione XL,
Wi-Fi in fibra fino a 200Mega, Smart TV
43”con canali Sky e satellitari di sport,
cinema e informazione gratuiti e Chromecast
integrata per condividere in
streaming contenuti audio e video proprio
come a casa. Vivi l’Italia come mai
avevi fatto prima. E’ questo il momento
di viaggiare.
hotelbb.com
ACQUARIO DI GENOVA
53

Ritratti
d'artista
Mauro Mari Maris
Colori squillanti e dinamismo di segni per catturare
l’essenza del mondo oltre il visibile
di Jacopo Chiostri
A
chi è capitato di visitare una delle
tante esposizioni delle opere
di Mauro Mari - conosciuto
nell’ambiente artistico col nome di Maris
- di primo acchitto sarà sembrato
di vedere il mondo dall’alto di un aereo,
questo perché, sia pure nella loro
enorme frammentazione segnigrafica e
cromatica, le sue opere hanno una sorprendente
uniformità compositiva per
cui occorre “avvicinarsi alla terra” per
riconoscere i paesaggi e le figure che
Maris rappresenta con quei suoi segni
Studio oscuro (2019), smalto, cm 70x90
Padule (2019), smalto, cm 50x70
densi di tinta, con le
sue composizioni apparentemente
distratte
e con luce che tutto
avvolge, modellata dai
contrasti. Non ci sono
figure, ruscelli, boschi
nei lavori di Maris?
Beh, questo è quanto in
verità appare; poi però
a guardar bene, con i
suoi pennelli lui riproduce
sulla tela il mondo
intero, ci siamo tutti,
ciascuno di noi è stato rappresentto,
con le nostre emozioni, i dubbi, l’eterno
progredire di coloro che sanno farsi homo
viator, uomo in cammino. Ci sono
le nostre città, le campagne, gli animali
del creato, i boschi illustrati con una
lingua per la quale non occorre traduttore
giacché, a dispetto, del suo essere
insolita, informale, ci appare subito
familiare. Ci si perde nei suoi lavori.
Ciascuno diverso dall’altro, chiaramente
lavori informali, fatti con smalti, fatti
di colori squillanti con composizioni
apparentemente, lo dicevamo prima,
distratte, mentre, ad un’osservazione
compiuta appaiono chiaramete meditate,
molto poco istintive; composizioni
che chiedono all’osservatore di partecipare,
perché la visione non è agevolata,
Paesaggio toscano, smalto, cm 50x70
anzi, e qui sta la forza di queste opere,
la cui lettura è possibile, a patto però di
andare ‘oltre’. Lo stile di Maris è moderno,
lo hanno paragonato a Pollock, ma
il suo vero maestro, fonte di ispirazione
è stato Mario Schifano, maestro per
molti anni, ma soprattutto amico. Nel
1972, aprì la galleria d’arte San Frediano
presto diventata, all’epoca, un punto
di riferimento per la pittura Toscana
degli anni Settanta e Ottanta, in quel periodo
le sue opere raggiunsero valori
di mercato consistenti e venne allora
il momento di trasferirsi a Firenze, città
simbolo dell’arte e punto di riferimento
internazionale della cultura di quel periodo.
Tra il 1975 e il 1985, i suoi quadri
sono stati esposti nelle gallerie di tutto
il mondo ricevendo importanti riconoscimenti.
Tra la fine degli anni
Ottanta a metà degli anni Novanta,
ha condotto programmi di arte
per emittenti televisive toscane
e nazionali. Con l’arrivo del nuovo
Millennio, ha ricominciato a dipingere
con maggiore frequenza e un
suo nuovo stile ha preso forma,
accostandosi al dripping di Pollock;
uno stile fuori dal comune,
riconoscibile ed unico.
www.mauromaris.com
mauromaris@yahoo.it
54
MAURO MARI MARIS

Eventi in
Toscana
Concluso l’ultimo raduno in Toscana il Club
Ferraristi Sieci scalda già i motori per il 2020
di Elisabetta Mereu / foto Elisabetta Mereu e Massimo Pagliazzi
Sarà il potente rombo del motore,
sarà quell’accelerata che in
una frazione di secondo ti inchioda
al sedile, saranno gli sguardi di chi
lungo la strada si ferma per ammirare
l’auto italiana più famosa nel mondo
ma “salire su una Ferrari è sempre
un’emozione”. Uso le parole del pilota
della Rossa, Charles Leclerc dopo il primo
giorno di test a Maranello, per commentare
la mia esperienza su una 360
Modena del 1999, guidata dal proprietario
Claudio Vaglica. L’occasione è stata
il raduno organizzato domenica 29 settembre
dai Ferraristi Toscani Club Sieci
per la giornata conclusiva del 44° Bac-
Enio Turrini, presidente del Club Ferraristi Toscani Sieci
e la pittrice Silvia Serafini
L'autrice dell'articolo pronta a salire a
bordo di una Ferrari 360 Modena
co Artigiano alla Villa
Poggio Reale di Rufina,
alla quale 32 proprietari
di auto con il Cavallino
Rampante in bellavista e
una ventina d’epoca di
vari modelli, sono arrivati
dopo un bel giro
collinare, partendo
dalla Piazza del Comune
di Pontassieve fino a
Stia, al Museo della La-
na. Dopo aver ammirato l’antica filiera
di lavorazione della tipica stoffa arricciata
del Casentino, siamo ripartiti alla
volta di Londa, dove ci aspettava un veloce
aperitivo prima di scendere
lungo i tornanti della
Val di Sieve. A fine mattinata,
il serpentone multicolore
di auto rombanti ha fatto
il suo ingresso lungo il viale
alberato della suggestiva Villa
di Poggio Reale, accolto da
una moltitudine di persone di
ogni età, entusiaste di vedere
da vicino e fotografare questi
Le Ferrari schierate a Villa Poggio Reale (ph. Massimo Pagliazzi)
affascinanti veicoli. Al termine
del pranzo conviviale tutti
i partecipanti hanno ricevuto un francobollo
celebrativo di questa 19^ partecipazione
all’evento e l’omaggio di una
fiaschetta di vino Chianti Rufina con l’etichetta
del Club Sieci. «E’ stato molto
impegnativo - ha detto a fine manifestazione
Enio Turrini, presidente multitasking,
da 2 anni alla guida del Club
Ferraristi Toscani Sieci, nato 35 anni fa
- anche perché venivamo da mesi di raduni
fatti una settimana di seguito all’altra,
in varie zone della Toscana, ma dato
il gradimento e la grande partecipazione
del pubblico siamo rimasti molto contenti.
Perciò da queste pagine vorrei
ringraziare le istituzioni dei Comuni che
ci hanno ospitato, in particolare il sindaco
di Rufina, Vito Maida, l’assessore
allo Sviluppo Stefania De Luise e per la
sua presenza al raduno Massimo Ruffilli,
presidente ACI auto storiche. E naturalmente
la pittrice Silvia Serafini che
con i suoi quadri ha rappresentato alcuni
modelli di storiche Ferrari e alla fine
della mostra ci ha donato una delle opere
esposte in villa. Ora - ha proseguito
Turrini - siamo impegnati nell’allestimento
della nuova sede del Club dove
ci trasferiremo nei primi mesi del prossimo
anno per ospitare al meglio anche
i nuovi tesserati che aumentano ogni
mese di più. E nel frattempo stiamo anche
organizzando l’ultimo importante
appuntamento dell’anno per i nostri
180 soci del Club: il pranzo di fine stagione
motoristica - il 24 di questo mese
al Tuttobene di Campi Bisenzio - al quale
partecipano sempre importanti ospiti
del mondo automobilistico sportivo».
Per info e tesseramenti:
www.ferraristiclubsieci.it
info@ferraristiclubsieci.it
+39 348/3324759
Ferraristi Toscani Club Sieci
CLUB FERRARISTI SIECI
55

Firenze
Mostre
Anna Bubba
Si è da poco conclusa a Palazzo del Pegaso, sede del Consiglio
regionale della Toscana, la mostra per il cinquantennale della pittrice
Fiori, figure e paesaggi ricostruiscono le tappe di un percorso da sempre
incentrato su armonia della linea e vivacità del colore
di Eugenio Giani / foto Maria Grazia Dainelli e courtesy dell'artista
Testo tratto dal catalogo della mostra Anna Bubba, cinquant'anni d'arte 1969 - 2019
La mostra dell'artista che ospitiamo
nelle prestigiose sale monumentali
del palazzo del Pegaso,
sede del Consiglio regionale della Toscana,
ha un valore tutto particolare e
lo si coglie subito dal titolo dell'esposizione:
Anna Bubba, cinquant'anni d'arte
1969-2019. Si tratta, quindi di rendere
un tributo ad una pittrice conosciuta
ed apprezzata che, calabrese di nascita,
ha trovato in Toscana la sua casa, personale
e artistica. Anna Bubba è prima
di tutto una donna di grande umanità e
sensibilità, virtù che lei riesce a trasformare
in modo autentico e brillante nelle
sue opere. In questi cinquant'anni d'intensa
produzione Anna Bubba è sempre
riuscita a mantenere la sua forza
espressiva attraverso una ricerca costante,
soprattutto del colore, del quale
è certamente diventata maestra indiscussa.
Nei dipinti trasmette emozioni
pure, profondità e leggerezza al tempo
stesso. Con questa mostra Anna Bubba
ci permette di entrare nel suo mondo
sospeso, nei paesaggi naturali, nei
ritratti o nelle composizioni floreali senza
dimenticare un omaggio alla nostra
amata Firenze. E' perciò un grandissimo
piacere essere protagonisti di questo
evento per una pittrice che, con la
sua arte, ha offerto un contributo originale
alla cultura Toscana.
Contatti:
+ 39 371 1852136
Il taglio del nastro: al centro l’artista con il presidente del Consiglio regionale
Eugenio Giani e il sindaco di Campi Bisenzio Emiliano Fossi
Panorama toscano, olio su tela, cm 40x60
Il presidente Giani consegna all'artista la targa per il cinquantennale alla
presenza del sindaco Fossi
La cattedrale di Santa Severina in Piazza Vittorio Emanuele III, olio su tela, cm 50x70
56
ANNA BUBBA

di Salvatore Blasco
Anna Bubba e di origine calabrese
e toscana di adozione.
Ha iniziato la sua lunga e luminosa
carriera nel 1969 a Torino.
Da molti anni e una pittrice affermata
per lunga esperienza di arte sui vari
itinerari pittorici affrontati nel corso
della sua vita. Maestra nel colore sa
armonizzare in forme poetiche, tanto
e palpitante il connubio tra realta
e immaginazione sempre in felice integrazione
tra afflati di spiritualita e
in continua ricerca di nuove vie pittoriche,
le piu consone nel tempo alla
sua personalita e all’evolversi della
sua cultura artistica. Ormai da molti
anni e sulla breccia dell’Olimpo pittorico,
molteplici consensi ovunque
conseguiti e premi di cui è stata insignita
sia in Italia che all'estero.
Palazzo Vecchio e Piazza della Signoria, olio su
tela, cm 50x70
di Anita Norcini Tosi
Carissima Anna,con immensa
gioia ho visto i tuoi quadri
esposti. Complimenti per
il tuo percorso artistico, così articolato
e denso di significato poetico.
Firenze espressa attraverso la Cupola
è simbolo davvero di armonia cosmica.
I fiori e la natura sono un inno
alla Natura.
Santa Maria del Fiore, olio su tela, cm 40x40
Con l'attore e regista Gaetano Gennai (a sinistra) e Paolo Becattini, Capo di Gabinetto
del Consiglio regionale della Toscana
La presentazione della mostra: Anna Bubba con il giornalista Fabrizio
Borghini e il critico d’arte Silvia Ranzi
Di nuovo con Gaetano Gennai
Armonia di fiori, olio su tela, cm 60x80
Madonna col Bambino, olio su tela, cm
25x35 (collezione privata, Francia)
ANNA BUBBA
57

Francesca, grafite, cm 150x60
Rinascere (alla sorgente), grafite, cm 126x86 Campeggio Le Marze, penna, cm 30x50 Il volo, matite e tecnica mista, cm 95x65
Nato a Firenze nel 1956, Marcello Del Soldato ha frequentato, negli anni Settanta, l’Accademia
di Belle Arti dove si è diplomato in Pittura. Tra le principali mostre si ricordano:
Centro d’arte Bardi 21, Firenze; associazione Alkaest, Trestina di Città Di Castello.
Concorso Immagina, mostra mercato di arte contemporanea a Reggio Emilia, 2002;
Galleria Comunale di Arte Moderna e Contemporanea, Piombino, 2003; mostra collettiva,
Pienza; Iclab, Firenze; Galleria Eventi, Grosseto. Ha ricevuto il primo premio al
Circolo Arci di Carmignano. Ha esposto inoltre a Firenzuola d’Arda e a Piacenza.
marcellodelsoldato@gmail.com
+ 39 3518098927

Ritratti
d’artista
Manuela Morandini
Dipinti e pirografie per rappresentare la
bellezza del paesaggio
di Doretta Boretti
Preparare un articolo su Manuela
Morandini è un’impresa “epica”
perché, pittrice schiva com’è,
non ama i virtuosismi letterari, quindi
cercherò di essere più chiara possibile
nello scrivere di lei a coloro che
non conoscono ancora questa straordinaria
artista toscana. Forse è proprio la
riservatezza e quella poca propensione
al protagonismo a renderla una creatura
semplice e soprattutto molto schietta.
La curiosità e la capacità di stupirsi,
anche delle piccole cose, hanno accompagnato
sempre il suo percorso evolutivo.
L’esigenza di sperimentare nuove
tecniche e nuovi materiali, il suo amore
per i colori, il mettersi costantemente
alla prova per raggiungere ambìti traguardi
e il legame profondo che ha con
il territorio ci fanno capire come le immagini
delle bellissime colline toscane,
nel susseguirsi delle stagioni, raccontino
quanto questi paesaggi siano stati
per lei forieri di grandi insegnamenti.
Soprattutto il paesaggio chiantigiano, di
cui Manuela sa catturare bellezza cromatica
e armonia delle forme. Il suo
percorso artistico si dipana in un arco di
circa 30 anni di studi, ricerche e intensa
produzione. Bellissimo l’atelier, nel cuore
del paesino di Panzano (il suo luogo
Vinarello, acquerello su carta, cm 70x50
D'inverno nel Chianti, olio su tela di cotone, cm 70x50
Portovenere, pirografia, cm 42x25,5
di origine e di vita),
dove si può apprezzare
un laboratorio
colmo di pennelli
disposti su ampi
tavoli, attrezzi vari
e una vasta esposizione
di opere. Ma
entrare nel laboratorio
di un’artista è
un po’ come entrare
nella sua anima
quindi è corretto
entrarvi con religioso
silenzio... Tutto è
permeato da odori
intensi che ti riconducono
ad antiche
botteghe di un tempo
lontano e scopri
paesaggi, nature
“silenti”, volti che
hanno sposato il legno
da lei inciso col
pirografo, seguendo
le nervature che
il legno stesso le ha
suggerito. Poi alzi
gli occhi e vedi quadri dipinti su materiali
vari, le cui pennellate, i cui colori
così ben definiti richiamano alla memoria
alcune opere di Van Gogh. Così
tornano alla mente le lettere del grande
artista al fratello Theo, una in particolare
nella quale scrive:
«Faccio sempre ciò che
non so fare per imparare
come va fatto». Questo
è proprio il percorso
artistico della Morandini
che, grazie a quel suo
“fare”, alla sua tenacia,
al costante desiderio di
ricercare nuove tecniche,
sperimentare nuovi
strumenti, conoscere e
capire, è diventata un’artista
apprezzata e stimata
dalla critica.
MANUELA MORANDINI
59

Arte e
gusto
A cura di
Elena Maria Petrini
La XXII edizione di Elba Drink
Concorso internazionale organizzato da ABI Professional, AIBES
e FIB per premiare i migliori professionisti del bartender
di Elena Maria Petrini / foto courtesy Elba Drink
Anche quest’anno, nell’incantevole
cornice dell’Isola d’Elba, si
è svolta la XXII edizione di Elba
Drink 2019, una gara internazionale
di cocktail che vede sfidarsi i migliori
bartender iscritti alle associazioni di categoria
come ABI Professional, AIBES e
FIB. Anche quest’anno la manifestazione
si è svolta all’Hotel Hermitage, il più
prestigioso hotel a cinque stelle dell’isola
di proprietà di Massimo e Raffaella
De Ferrari, situato nell’incantevole
Golfo della Biodola, a 7 km da Portoferraio.
Il concorso si è tenuto nei primi
giorni del mese di ottobre nelle strutture
del resort. Gli sfidanti sono stati
50, tra barmen e barladies, di cui 10
stranieri, che hanno presentano la ricetta
di un fancy cocktail poco alcolico
- massimo 12° - , in nome del “bere
responsabile”, così come promosso dal
comitato Elba Drink costituito dall’ingegnere
Massimo De Ferrari, presidente,
Severino Paolo Baldini, vicepresidente,
Marco Giovarruscio e da Bernardo Ferro
che hanno fatto raggiungere a questo
evento un livello internazionale per
sensibilizzare i giovani all'uso moderato
Il primo classificato Fabio Vitelli (al centro) con il cerimoniere di ABI Professional Marco Giovarruscio (a destra)
e il segretario del concorso Bernardo Ferro
Il cocktail vincitore
dell'alcol. Il concorso ha visto
la presenza di due giurie: una
tecnica, che esamina i corretti
criteri di composizione del
cocktail, composta da Andrea
Francardi, Silvano Evangelista,
Filippo Ottanelli e Matteo
Stafforini; l’altra di degustazione,
che analizza aspetto,
profumo, gusto e decorazione
delle varie ricette, guidata
da Severino Paolo Baldini, insieme
a Simona Sabbioni, Liliana
Colle e Gaetano Filice. La
manifestazione è stata presentata
dal cerimoniere ABI Professional
Marco Giovarruscio,
insieme a Valeria Altobelli e
Roberta Beta, che hanno diretto
abilmente l’avvicendarsi
dei concorrenti ai tavoli di
preparazione e le presentazioni
dei cocktail. Ospiti d’onore
Nicola Pietrangeli, tra i più
grandi tennisti italiani, Alessandra
Sensini, vice presidente
del Coni e campionessa olimpica di
windsurf, Stefano Makula, 28 volte primatista
mondiale di apnea in varie specialità,
e Francesco Gambella, campione
di canoa e kayak. La serata si è conclusa
con lo spettacolare show di flair
bartender del campione del mondo in
carica Dusan Janjatovic, a cui è seguita
la musica della dj Miriam Fecchi
della radio RTL 102.5. Il primo
premio è andato a Fabio Vitelli, secondo
barman dell’Hotel Hermitage
e responsabile del sunset bar, con il
cocktail Sunset; il secondo premio è
andato alla barlady Marina Milan, che
gestisce il Cocktail Bar di Pinerolo,
con il cocktail Tu chiamale se vuoi...
emozioni; il terzo posto è andato ad
Ezio Falconi, barman freelance e autore
di molte pubblicazioni sulla storia
del cocktail.
60
ELBA DRINK

Arte e
gusto
I PAT di Abbadia San Salvatore
Un convegno per tutelare e valorizzare le eccellenze
alimentari del Monte Amiata
Testo e foto di Elena Maria Petrini
Il 13 ottobre scorso presso il Teatro
Servadio di Abbadia San Salvatore
si è svolto un convegno organizzato
dall’Associazione Pera Picciola
e patrocinato dal Comune per promuovere
i prodotti agroalimentari tradizionali
come la pera picciola, la ricciolina
e l’agresto, tipici e ben radicati nella
tradizione gastronomica e culturale di
questo territorio amiatino, con l’obiettivo
di farli iscrivere nell’elenco regionale
dei Prodotti Tradizionali Toscani. I
relatori erano tutti esperti del settore:
Cristina Pizzetti, responsabile CIA Toscana,
ha introdotto il percorso per l’iscrizione
della ricciolina nell’elenco
regionale ma anche la mappatura dei
prodotti agroalimentari tradizionali, ricordandoci
che nel 2019 i PAT (Prodotti
Alimentari Tipici) in Italia sono 5.128
e la Toscana è la regione che ne detiene
di più, a conferma delle potenzialità
e varietà produttive del nostro territorio;
Annalisa Romani, docente del Polo
scientifico e tecnologico dell’Università
di Firenze, ha parlato, invece, delle
nuove opportunità di utilizzo della pera
picciola in campo alimentare e cosmetico,
ma anche nel settore della
nutraceurica; Roberto Scalacci, direttore
Agricoltura e Sviluppo Rurale della
Regione Toscana, ha relazionato sulle
opportunità di valorizzazione delle produzioni
agroalimentari tradizionali e sui
PAT toscani; Daniele Vergari, agronomo
e storico, ha trasmesso la storia e le
particolarità delle produzioni alimentari
della Toscana meridionale; Annita Toffanin,
docente del Dipartimento Scienze
Agrarie, Alimentari e Agro-ambientali
dell'Università di Pisa, ha parlato della
valorizzazione di un agresto del Monte
Amiata ottenuto da uve ed erbe aromatiche
dell’area amiatina raccontandolo
così: «L’agresto è un condimento antico
ottenuto dal succo di uva acerba con
aggiunta di frutti, mosti, aceto e spezie.
Si produce in estate con l’uva immatura
frutto dei diradamenti che si eseguono
nelle vigne toscane o con uve ordinarie
raccolte prima della maturazione, a coltivazione
biologica o biodinamica, per
garantire l’assenza di residui di fitofarmaci.
L’agresto è compreso tra i PAT
della Regione Toscana. E’ da tempo
oggetto di sperimentazioni in collaborazione
tra il professor Giancarlo Scalabrelli
dell’Università di Pisa e l'azienda
Lombardi e Visconti di Abbadia San
Salvatore, vincitrice del bando regionale
e capofila del progetto Agreno (con
10 partner tra cui Università, Cnr-IBBA,
CIA) che si propone di valorizzare l'agresto
dell'Amiata, definendone alcune
ricette di riferimento che ne esaltino
le caratteristiche organolettiche e salutistiche,
selezionando e utilizzando uve
ed erbe locali, standardizzando e migliorando
l'intero processo produttivo,
dalla raccolta al prodotto finale, con l'obiettivo
di caratterizzarlo in relazione ad
aspetti organolettici, nutraceutici e funzionali,
sviluppando anche applicazioni
alternative del prodotto finito, quali
l'impiego in cosmesi».
I relatori del convegno: da sinistra, Aurelio Visconti, Cristina Pizzetti, Annalisa Romani, Roberto Scalaci, Annita Toffanin e Daniele Vergari
PAT DI ABBADIA SAN SALVATORE
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Arte e
gusto
A cura di
Elena Maria Petrini
Come le fragole a primavera
Un libro con diversi autori per raccontare storia e tradizione
della cucina italiana
Testo e foto di Elena Maria Petrini
L’Accademia degli Impaginati si
compone di persone che amano
la lettura e la scrittura; non
amano la burocrazia, per questo non
hanno un elenco e neanche loro sanno
precisamente quanti siano a farne parte.
I loro incontri si chiamano “quattrochiacchiere”
e non hanno mai un ordine
del giorno o un relatore. Se l’Accademia
avesse delle porte, sarebbero girevoli e
senza controllo degli accessi, ma non
le ha perché se fosse un luogo, sarebbe
aperto a tutti. Ne fanno parte Rossana
Franceschina, Roberto Giorgietti,
Liliana Bruchi, Rosanna Azzini, Andrea
Falcioni, Emma Fortini, Anna Maria
Garbari, Barbara Gavagna, Natalia Lastrucci,
Eleonora Merchiori, Massimo
Materassi, Laura Michelotti e Chiara
Miryam Novelli, che con la casa editrice
Jolly Roger hanno pubblicato uno straordinario
libro intitolato Come le fragole
a primavera. Non è un semplice
ricettario perchè ogni ricetta ha qualcosa
da dire. Gli autori hanno raccontato
i propri ricordi d’infanzia, parlando di
madri, suocere, nonne e zie protagoniste
delle storie, oltre ai ricordi di terre
diverse, miseria e fame, scene di vita,
viaggi, aneddoti, tutto raccontato con
vivacità. In questo libro gli autori si sono
immersi nei loro ricordi legati alla
cucina, attraverso i quali hanno recuperato
suggestioni legate all’infanzia, alla
giovinezza, ai rapporti familiari, unendo
spesso agli episodi autobiografici
aspetti riconducibili all’economia, alla
storia e alla società di un periodo più o
meno lontano nel tempo. Tutto questo è
stato possibile grazie alla casa editrice
toscana Jolly Roger con la quale si può
pubblicare gratuitamente, come ci spiega
il fondatore Fabio Gimignani: «Ho
voluto mettere a disposizione la mia
professionalità proveniente da strutture
editoriali che hanno costruito una
realtà pionieristica nel mondo della carta
stampata. Ho deciso di impiegare la
mia esperienza per
fornire un servizio
tangibile a coloro
i quali desiderino
fare uscire il proprio
libro dal cassetto
e misurarsi
col giudizio del
pubblico. Il giocoso
richiamo al vessillo,
Jolly Roger,
appunto, tende a
sottolineare come
da una spontanea
unione di
passioni condivise
possono nascere
nuovi “fratelli
della costa” pronti
a solcare i mari
dell’editoria e con
il vento in poppa».
Roberto Giorgetti (a sinistra) e Rosanna Franceschina, due degli autori del libro, con l'editore Fabio Gimignani
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COME LE FRAGOLE A PRIMAVERA

GRAN CAFFÈ SAN MARCO
Un locale nuovo e poliedrico, con orari
che coprono tutto l’arco della giornata.
Perfetto sia per un pranzo di lavoro che
per una cena romantica o per qualche
ricorrenza importante
Piazza San Marco 11/R - 50121 Firenze
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www.grancaffesanmarco.it

Una banca coi piedi
per terra, la tua.
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