Flash - Fonoteca Municipal de Lisboa

NUNO SARAIVA ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7580 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
Sexta-feira
7 Janeiro 2011
www.ipsilon.pt

NUNO SARAIVA ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7580 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
Sexta-feira
7 Janeiro 2011
www.ipsilon.pt

Flash
Sumário
2011 6
Todos os nomes
do ano que agora
começa, de Steven
Spielberg aos
Von Calhau!
Ontroerend
Goed 24
O espectador
no seu labirinto
em três “rounds”
na Culturgest
Congotronics nics 26
O som do Congo compilado
por Vincent Kenis
Sergei Loznitsa 28
“Coup de foudre” com um
cineasta bielorusso
Ficha Técnica
Directora Bárbara Reis
Editor Vasco Câmara,
Inês Nadais (adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho,
Carla Noronha,
Mariana Soares
Editor de fotografia ografia
Miguel Madeira
E-mail: ipsilon@
publico.pt
Yoda e a Pantera
Cor-de-Rosa na lista
da Biblioteca do
Congresso
A Biblioteca do Congresso dos EUA
seleccionou mais 25 filmes para
serem preservados para memória
futura. Com estas novas entradas, o
número de filmes no arquivo
filmográfico da Biblioteca, que tem
como missão proteger as obras mais
A retrospectiva
Tom of Finland é
uma espécie de
“homecoming”,
mas um “homecoming”
polémico
marcantes do cinema norteamericano,
chega a 550. Do lote dos
escolhidos fazem parte, entre
outros, “O Exorcista” (1973), de
William Friedkin, “O Império
Contra Ataca” (1980), de Irvin
Kershner, “Os Homens do
Presidente” (1976), de Alan J.
Pakula, “Malcolm X” (1992), de
Spike Lee, “Febre de Sábado à
Noite” (1977), de John Badham, “O
Aeroplano” (1980), de Jim
Abrahams e David Zucker, e “A
Pantera Cor-de-Rosa” (1964), de
O
homoerotismo
de Tom of
Finland e a
arquitectura
de Alvar
Aalto: para
o seu ano
como Capital
Europeia
da Cultura,
Turku saca
dos maiores
trunfos da
Finlândia
Blake Edwards.
Os 25 filmes que agora irão ser
preservados foram seleccionados
entre 2112 obras, nomeadas pelo
público pela sua importância a nível
“cultural, histórico e estético”. É
serviço público, sublinha James H.
Billington, da Biblioteca do
Congresso: “O registo de filmes do
Congresso é uma forma de lembrar
à nação que a preservação da nossa
criatividade cinematográfica tem de
ser uma prioridade, já que metade
dos filmes produzidos até 1950 e
Tom of
Finland
de novo
em casa
“O Império
Contra-Ataca”
é um dos
próximos 25
filmes a serem
preservados
para memória
futura
Tom of Finland,
aliás
Touko Laaksonen (1920-
1991), é o rapaz da terra em
destaque no programa que
Turku, uma das
principais
cidades finlandesas, tem
na
manga para
o seu
mandato como
Capital
Europeia da Cultura,
que teve
início já
na
segunda-feira.
Natural de
Kaarina, uma
população
vizinha de
Turku, Tom of
Finland volta
agora
a casa
com uma
retrospectiva que
varre toda a
obra do
artista, desde os
esboços da
juventude até aos trabalhos
mais tardios. A exposição
será inaugurada
já no dia
16 e fica em Turku até 18 de
Dezembro, por cortesia da
Tom of Finland
Foundation, de Los
Angeles, e da associação
Homotopia, de Liverpool.
Mas há vida além de Tom
of Finland (embora este
esteja a ser, no “site” oficial
da Capital Europeia da
Cultura e na página do
evento do Facebook, o
acontecimento mais
picante da Capital):
festivais de teatro e
dança, um extenso
programa musical, e
exposições dedicadas
cerca de 90 por cento dos filmes
feitos até 1920 estão perdidos para
as gerações futuras.”
Entre os escolhidos, “O
Exorcista” foi distinguido por ser
“um dos mais influentes filmes de
terror de todos os tempos” e “O
Império Contra-ataca”, o segundo
episódio da saga “Guerra das
Estrelas” a ser lançado, por ter
ajudado a “lançar as fundações de
uma das séries mais bem-sucedidas
comercialmente na história
americana”.
ao pintor sueco Carl
Larsson (1853-1919), ao
trabalho com a madeira do
arquitecto Alvar Aalto,
outro ícone incontornável
da Finlândia que viveu em
Turku entre 1927 e 1933, e à
artista Eija-Liisa Ahtila, que
reflecte sobre a sociedade
contemporânea finlandesa
na vídeo-instalação “Where
is where?” (2008), sobre a
guerra da Argélia. Também
a relação com o espaço
báltico, e nomeadamente
com Tallin, a outra Capital
Europeia da Cultura em
2011, ocupa um lugar
central no programa de
Turku. Ambas as cidades
propõem, de resto, um
equilíbrio entre a cultura
local e eventos de
projecção internacional,
prolongando a lógica mais
recente do projecto
Capitais Europeias da
Cultura. Em Tallin, de
resto, a aposta é
decididamente nos
cidadãos locais, fazendo do
evento uma materialização
“poética e pragmática” do
espírito da cidade:
traduzindo, haverá danças
populares, eventos
desportivos, jogos
tradicionais, música
clássica, os inabaláveis
festivais da canção que são
uma espécie de último
reduto da alma estoniana, e
uma série de aventuras no
mar. Mas o principal
destaque mediático vai
para uma grande
retrospectiva de
Hieronymus Bosch, que
relacionará o génio do
pintor holandês com os
mitos do Norte da Europa.
Tiago Bartolomeu Costa
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 3

Flash
A dupla
britânica ica
andou à caça
dos anúncios
sexuais
afixados
nas cabines
telefónicas de
Londres para
montar a nova
exposição
Queens
of the Stone Age
de volta ao estúdio
Os norte americanos Queens of the
Stone Age vão entrar em estúdio
este mês para gravar o disco
sucessor de “Era Vulgaris”, de 2007.
A revelação foi feita por Dean
Fertita, multi-instrumentista que faz
parte do quinteto, à revista
“Billboard”.
O músico não adiantou a data de
lançamento do disco, que será o
sexto do grupo liderado e fundado
por Josh Homme. Na entrevista à
“Billboard”, Fertita adiantou que a
banda está “entusiasmada e
preparada” para as gravações. O
O teatro ideal
em Praga
Uma
micro-aldeia
artística vai
nascer na
Quadrienal
de Praga
Chama-se “Intersection: Intimacy &
Spectacle” e é um dos múltiplos
acontecimentos paralelos da
Quadrienal de Arquitectura de
Praga, que, de quatro em quatro
anos, reúne o melhor da cenografia,
do design e da arquitectura mundial
e que em 2011 decorre entre 16 e 26
de Junho. Mas o que este
acontecimento tem de particular é o
facto de poder concorrer, em
termos mediáticos, com a exposição
oficial, cuja representação
portuguesa está a cargo do
encenador João Brites, do Teatro O
Bando. Ao todo, são 30 caixas
negras e brancas, criadas por
provocadores como Árpád Schilling,
fundador da companhia húngara
Krétakör, Romeo Castellucci, da
Societàs Raffaello Sanzio, ou o
coreógrafo Josef Nadj, que vão
ocupar o espaço público entre o
Teatro Nacional de Praga e o antigo
teatro da companhia Lanterna
Magika, no centro da cidade.
Objectivo: questionar o público
sobre a sua relação com a
performance e os modos
contemporâneos de apresentação.
“A primeira ideia que nos surgiu foi
uma aldeia artística microscópica,
pequenos ‘teatros ideais’ e ‘galerias
ideais’, cada um oferecendo um
território interior para um
compromisso íntimo com a obra de
arte”, explica Sodja Zupanc Lotker,
curador da exposição e director
artístico da Quadrienal. As caixas
viajarão depois pela Europa: a
escala em Portugal faz-se no Festival
Escrita na Paisagem, que decorre no
Alentejo durante o Verão.
músico disse ainda que os restantes
membros da banda “já
encontraram o seu espaço para
contribuir na composição das
faixas, apesar de os Queens of the
Stone Age continuarem a ser a
banda do Josh Homme”.
Entre 1988 e 1995, Josh Homme foi
guitarrista dos icónicos Kyuss, uma
das bandas mais influentes da cena
Stoner Rock. A banda, que se
separou em 1995, reuniu-se em 2010
como o nome Kyuss Lives! mas sem
Homme, que não apoiou o regresso.
Os Queens of the Stone Age já
foram nomeados para o Grammy de
Melhor Performance Hard Rock por
quatro vezes, a ultima delas em
2008 com o single “Sick, Sick,
Sick”.
Hitchcock
passa este
Inverno
em Paris
Em Paris, o Inverno vai ser
hitchcockiano: a edição em
francês da mítica biografia
que Patrick McGilligan
lançou em 2004, “Alfred
Hitchcock: A Life in
Darkness and Light”,
transformou-se na ponta de
um icebergue que inclui
uma retrospectiva no
Instituto Lumière em Lyon,
um ciclo de projecções e de
conferências na
Cinemateca Francesa, duas
peças de teatro e 14
serões Hitchcock na
televisão. Nunca é
demasiado: Alfred
Hitchcock é um
monstro que nunca mais
acaba (e um dos
fantasmas residentes
da história do
cinema).
Em Lyon, Bertrand
Tavernier, presidente
do Instituto Lumière, e
Thierry Frémaux,
director-geral,
quiseram
aproveitar o
lançamento
da biografia,
editada em
parceria pelo
próprio instituto
e pela Actes Sud,
Sexto disco a
caminho para
a banda de
Josh Homme
para organizar uma
retrospectiva extensiva do
cineasta, do cinema mudo
aos anos americanos; além
dos filmes, haverá um fimde-semana
Hitchcock
animado por Patrick
McGilligan e por Tavernier
(4, 5 e 6 de Fevereiro) e um
estágio de análise fílmica
orientado pelo especialista
Jean Douchet (de 4 de
Janeiro a 3 de Abril). Mais
acima, em Paris, a
Cinemateca faz concorrência
à retrospectiva de Lyon com
um ciclo Hitchcock
igualmente monumental, ao
qual há que juntar as cinco
conferências às segundasfeiras
que se iniciam já dia
10 com Serge Toubiana a
tentar explicar como Hitch
se tornou o cineasta
favorito dos cineastas e
acabam a 7 de
Fevereiro com o
romancista
Tanguy
Viel a
visitar
os
comboios e as casas-fétiche
desta inesgotável
filmografia.
Como se isto não
bastasse, Hitchcock ainda
vai ao teatro (e mais do que
uma vez): a partir de dia 12,
no Lucernaire, Alain Riou e
Stéphane Boulan recriam,
num ambiente de film noir,
o mítico encontro de
Hitchcock com Truffaut;
desde ontem, no Théâtre
du Vésinet, a companhia de
Éric Métayer repõe a
comédia “Os 39 Degraus”
que fez sucesso no La
Bruyère e que,
curiosamente, também
chega a Portugal agora,
numa encenação de
Cláudio Hochmann. A
estreia é dia 20, em
Coimbra, no Teatro
Académico de Gil Vicente.
STF/ EPA PHOTO/AFP
Gilbert &
George, das cabines
telefónicas para
os museus
A dupla Gilbert & George inaugura a
14 de Janeiro, na White Cube Gallery
de Londres, a exposição “Gilbert &
George: Urethra Postcard Pictures”,
que fica até 19 de Fevereiro na
Mason’s Yard e depois será exibida
em vários museus por todo o
mundo. Entre as novidades da
exposição estão trabalhos feitos a
partir de anúncios sexuais afixados
nas cabines telefónicas londrinas
– “calling cards” que os artistas têm
coleccionado ao longo de vários
anos. Num deles, uma fotografia a
preto e branco de um tronco de um
homem, lê-se o texto: “Nasci
rapariga. Fiz operação de mudança
de sexo para homem. Mas ainda sou
½ rapariga. Atraente turco 21 anos.”
Gilbert & George pegaram nesse
cartão, repetiram-no 13 vezes e
criaram uma obra que dizem ser
uma referência a um clérigo
vitoriano desonrado como pedófilo,
explica o “The Guardian”.
Desde a exposição que fizeram na
Tate Modern, em 2007, que Gilbert
& George estão a trabalhar com
estes postais. O jornal britânico
explica que entre 1972 e 1989 os
artistas fizeram centenas de obras
em que usaram postais do tempo de
Eduardo VII (1841-1910) e da
Primeira Guerra Mundial (1914-
1918). As combinações que fizeram
destes postais serviam para os
visitantes da exposição como portas
de entrada no Reino Unido dos
tempos do império colonial. Agora,
os artistas estão a fazer retratos do
Reino Unido moderno através de
postais massificados: onde se vêem
as casas do parlamento, a Torre de
Londres, a bandeira do Reino Unido
e as tradicionais cabines
telefónicas britânicas.
Em Fevereiro,
coincindindo com a
abertura da exposição,
será lançado “Complete
Postcard Art of Gilbert
& George”, revisão, em
dois volumes editados
pela Prestel, do
trabalho da dupla
com os postais. O
livro tem design dos
artistas e introdução do
crítico Michael
Bracewell.
Retrospectivas e ciclos de conferências
em Lyon e Paris, duas peças de teatro
e 14 serões televisivos: a “saison”
Hitchcock só agora está a começar
4 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

B U L C Ã O
EXPOSIÇÃO
BRASÍLIA 50 ANOS
MEIO SÉCULO DA CAPITAL DO BRASIL
de 15.12.10 a 12.01.11
Espaço Atmosferas - Rua da Boavista, N° 67, Lisboa
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21:00 SALA SUGGIA
CONCERTO
DE ABERTURA
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2011
ERA UMA VEZ NA AMÉRICA
ORQUESTRA SINFÓNICA
DO PORTO CASA DA MÚSICA
Gerard Schwarz direcção musical
Simon Trpčeski piano
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Arthur Foote Francesca da Rimini
Sergei Rachmaninoff Concerto para piano nº 4
Aaron Jay Kernis Musica Celestis
Howard Hanson Sinfonia nº 2, Romântica
APOIO
INSTITUCIONAL
PATROCINADOR
OFICIAL
PATROCINADOR
PRINCIPAL
MECENAS ORQUESTRA SINFÓNICA
DO PORTO CASA DA MÚSICA
MECENAS CASA DA MÚSICA
APOIO INSTITUCIONAL
MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA
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cultural
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QUA 26 JAN
22:00 SALA SUGGIA | € 15
YASMIN LEVY
De disco para disco, Yasmin Levy tem aprofundado a
busca de uma linguagem própria por entre a tradição
judaico–espanhola, o flamenco e a cultura do mundo
árabe, num processo que transcende a própria
música e denuncia um desejo de reconciliação
histórica. Sentir, o álbum mais recente da cantora
e compositora nascida em Jerusalém, atesta o
progressivo amadurecimento dessa fusão, cada vez
mais o habitat natural para a sua voz versátil,
sensual e transbordante de emoção.
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Spielberg Peter Evans Von
Calhau! Mathieu Amalric
The Strokes Natalie Portman
Radiohead James Franco
Pina Bausch Umberto Eco
Jérôme Bel Houellebecq
Apichatpong Weerasethakul
Sofia Coppola Panda Bear
James Blake Trisha Brown
Cláudio da Silva Angélica
Liddell Godard Wolfgang
Rihm Jonathan Franzen JP
Simões Jason Moran Gonçalo
Pena Thomas Hampson
Simon Trpceski Eduardo
Batarda Steve Lehman

A aventura de Spielberg
no mundo de Tintin
Sabendo do que Spielberg,
realizador, e Jackson,
produtor, são capazes
quando se entregam a cem
por cento, é inevitável a
trepidação. Jorge Mourinha
“Tintin e o
Segredo do
Licorne” foi
rodado de raiz
em 3D
utilizando o
sistema de
“performance
capture” que
permitiu a
Andy Serkis
habitar o
Gollum do
“Senhor dos
Anéis” e a
Cameron
concretizar o
planeta
Pandora de
“Avatar”
JEAN PIERRE MULLER/AFP
Se há um filme que concentra em si
tudo o que de mais empolgante e de
mais assustador a Hollywood moderna
pode propor é a longamente anunciada
adaptação ao cinema das aventuras
de Tintin, que vai ver a luz do
dia em 2011. Steven Spielberg, que
sonhava levar a personagem ao cinema
há anos, juntou esforços a Peter
Jackson para “Tintin e o Segredo do
Licorne”, que amalgama elementos
de “O Segredo do Licorne”, “O Tesouro
de Rackham o Terrível” e “O Caranguejo
das Tenazes de Ouro” (a
adaptação foi escrita por Edgar Wright,
realizador de “Shaun of the Dead”
e “Scott Pilgrim contra o Mundo”,
e Steven Moffat, principal argumentista
das séries inglesas “Doctor Who”
e “Sherlock”).
Mas “Tintin e o Segredo do Licorne”
foi rodado de raiz em 3D utilizando
o sistema de “performance capture”
que permitiu a Andy Serkis habitar
o Gollum do “Senhor dos
Anéis” e a James Cameron concretizar
o planeta Pandora de
“Avatar”. Ou seja: filmar uma
referência de imagem real que
“desaparece” no resultado final,
com as personagens construídas
em animação digital por sobre a interpretação
corporal dos
actores. A rodagem da referência
ficou concluída
há mais de um ano, e todo
o tempo que medeia desde
então e até à estreia
prevista para Outubro
é dedicado
à construção
visual do
filme, que se pretende tão próximo
quanto possível da “linha clara” que
Hergé impôs nos livros. Jamie Bell
(“Billy Elliott”) deu o corpo e a voz a
Tintin, Andy Serkis ao Capitão Haddock,
Simon Pegg e Nick Frost são Dupont
e Dupond e Daniel Craig Rackham
o Terrível – mas que não se
espere reconhecer os seus rostos no
resultado final, como as primeiras
fotografias divulgadas dão a entender...
O risco de “Tintin” em “performance
capture” é triplo: primeiro, porque
Spielberg (que realiza) e Jackson (que
produz) estão à procura de um meio
termo difícil de encontrar entre o fotorealismo
e a animação numa personagem
que está literalmente gravada
na memória cultural de milhões
de leitores. Segundo, porque a personagem
não tem nos EUA a popularidade
abrangente do resto do mundo
(o resultado final é financiado a meias
pela Paramount, que ficou com os
direitos americanos, e a Sony/Columbia,
que distribui no resto do mundo).
Terceiro, porque tanto Spielberg como
Jackson saem de filmes mal recebidos
(o quarto Indiana Jones e “Visto
do Céu”) e os observadores vão
estar atentos à performance do “Licorne”
- um “tropeção” pode ser complicado.
Mas, sabendo do que ambos
são capazes quando se entregam a
cem por cento, é inevitável a trepidação.
E, caso o filme seja um êxito, há
sempre a possibilidade de se ter lançado
um novo “franchise” cinematográfico...
No interim, ambos os cineastas estão
já a avançar com outros projectos,
aproveitando a longuíssima pós-produção
de “Tintin”. Jackson começa a
filmar o “Hobbit” de Tolkien (ao que
tudo indica em Fevereiro) para dois
filmes a estrear em 2012 e 2013. Spielberg,
que prepara “Robocalypse”,
história de ficção-científica, para
2012, já está a montar “War Horse”,
adaptação de um romance de Michael
Morpurgo sobre a amizade entre
adolescente e o seu cavalo durante a
I Guerra Mundial (que já originou uma
espantosa produção teatral londrina),
com David Thewlis, Peter Mullan e
Emily Watson. “War Horse” e “Tintin
e o Segredo do Licorne” vão ser “concorrentes”
nas bilheteiras: ambos têm
estreia prevista para o final de 2011,
com “Tintin” a estrear a partir de Outubro
na Europa (27 de Outubro em
Portugal) e “War Horse” prometido
para o Natal (embora, provavelmente,
só em 2012 na Europa).
cinema
Mathieu Amalric,
a generosidade
das formas
Com “Tournée”, Mathieu
Amalric rasga uma certa
imagem de “auteur” e de
intérprete francês.
Vasco Câmara
Um pouco de “The Killing of a Chinese
Bookie”, de Cassavetes, algo de
Renoir ( Jean e Auguste), ou seja, generosidade
no olhar e nas formas,
melancolia e raiva rock’n’roll. E, apesar
disto, coisa pessoal e livre.
Com “Tournée”, quarta longa de
Mathieu Amalric, o realizador e actor
rasga uma certa imagem de “auteur”
MARIO ANZUONI /REUTERS
NUNO FERREIRA SANTOS

O ano
de James
Franco...
O talento enorme
parecia andar
ao lado de uma
grande carreira.
Mas este ano...
Chamaram-lhe “o novo James Dean”
depois de ter recriado o ícone de
Hollywood num telefilme de 2001.
Mas nem a sua presença nos “Homem-Aranha”
de Sam Raimi o salvou
de uma década em que o talento enorme
de James Franco parecia andar ao
lado de uma grande carreira. Até que
papéis secundários em “Milk”, de Gus
van Sant, e “Pineapple Express”, de
David Gordon Green, seguido de presenças
em veículos para Julia Roberts
PHIL MCCARTE/REUTERS
e Steve Carell e uma participação conceptual
na telenovela “General Hospital”,
o devolveram à primeira linha
de Hollywood. 2011 pode bem ser o
seu ano: “127 Horas”, o novo Danny
Boyle (estreia a 24 de Fevereiro), onde
é o único actor no écrã durante 90
por cento do filme, parece ter garantida
a nomeação para os Oscares. Mas
vamos também poder vê-lo a recriar
o poeta beat Allen Ginsberg em “Howl”
(em Junho), e a liderar o elenco
da “prequela” do “Planeta dos Macacos”,
“Rise of the Apes” ( Julho), e da
nova comédia de David Gordon Green,
“Real Desatino” (Abril). J. M.
James Franco
como Allen
Ginsberg em
“Howl”
MARIO ANZUONI /REUTERS
Natalie
Portman em
“O Cisne
Negro”
... e o ano de Natalie
Portman
A sua performance tempestuosa
no “Cisne Negro” de Darren
Aronofsky coloca-a à frente da
corrida para os Óscares.
Tinha apenas 13 anos quan-
do Luc Besson a revelou em
“Léon, o Profissional” - e, de
então para cá, Natalie Portman
faz questão de evitar a “maldição
da
actriz criança”, mesmo que isso
implicasse passar ao lado do estatuto
to de “vedeta” que muitos lhe
profetizavam e preferisse ser uma
actriz que (apesar da primeira trilogia
da “Guerra das Estrelas”)
prefere rodar com Milos Forman,
Amos Gitai, Wong Kar-Wai
ou
Wes Anderson. Dificilmen-
te
2011 não lhe vai trazer o reconhecimento
há muito merecido: a
sua performance tempestuosa no
“Cisne Negro” de Darren Aronofsky
(estreia 3 de Fevereiro) coloca-a à
frente da corrida para os Óscares,
dando o “pontapé de saída” para um
ano onde a vamos ver em duas comédias
(“Sexo sem Compromisso”, de
Ivan Reitman, ao lado de Ashton Kutcher,
em Fevereiro, e “Real Desatino”,
de David Gordon Green, com
James Franco e Zooey Deschanel, em
Abril) e na mais recente BD filmada
da Marvel, “Thor”, dirigida por Kenneth
Branagh (Abril). J. M.
NUNO FERREIRA SANTOS
ERIC GAILLARD/REUTERS
O realizador e
as suas
vedetas: Mimi
Le Meaux,
Kitten on the
Keys, Dirty
Martini e Julie
Atlas Muz
e de intérprete (aquilo que fez para o
cinema de Arnaud Desplechin, por
exemplo). Criando algo de mais selvagem
com a ajuda de opulentos
exemplares do “burlesque”: Mimi Le
Meaux, Kitten on the Keys, Dirty Martini
ou Julie Atlas Muz, criaturas do
revival de uma tradição do vaudeville
americano, o New Burlesque, que nada
tem a ver com o design escultural
de Dita Von Teese (nem, já agora, com
o de Christina Aguillera e de Cher).
Amalric interpreta o empresário de
um show que regressa a França com
as suas artistas, recrutadas nos EUA,
disposto a vencer em Paris. Onde nunca
chegará - “malaise” e melancolia,
figura em fuga, nunca se sabendo se
corre para um objectivo ou se foge de
si próprio. O filme é generoso e caótico,
sempre em trânsito entre o documental
(os shows, filmados em
tournée pela costa francesa) e o ficcional,
desenvolve-se através de linhas
de fuga que se desviam e ao mesmo
tempo querem regressar a uma
base - esse é o périplo do janota existencialista
Joachim
Amalric, sempre de saída e sempre
de regresso a estas meninas de carne
e de luz esplendorosamente fotografadas.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 9

JEAN-PAUL PELISSIER/REUTERS
“The Tree of
Life” move-se
num registo
“fantástico” e
os
protagonistas
são Brad Pitt e
Sean Penn
No cinema americano não há outro
“bissexto” como ele: Terrence Malick,
que em 38 anos estreou quatro longas-metragens.
Mas que quatro longas-metragens:
“Badlands” e “Days
of Heaven”, nos anos 70, ainda cheias
de “febre no sangue”, e vinte anos
depois, “The Thin Red Line” e “The
New World”, um par de “épicos” contemplativos
e interiores. Não se erra
por se prever que a estreia de “The
Tree of Life”, a sua quinta longa-metragem
(seis anos depois de “New
World”), agendada para Maio de 2011
nos EUA, motivará algumas parangonas.
Ainda ninguém sabe o que o filme
é, e se alguém sabe mantém-se
calado – o que se vai ouvindo e lendo
são as pequenas coisas de que o
“hype” precisa para se alimentar: que
é “radical”, que “não se parece com
nada”. Em todo o caso será conveniente,
como dizia o velho slogan,
esperar o inesperado. Aparentemente,
“The Tree of Life” move-se num
registo “fantástico” (um “Tio Boonmee”
americano?...), e os protagonistas
masculinos são Brad Pitt e Sean
Penn. L.M.O.
Terrence Malick: esperar
o inesperado
O que se vai lendo são as pequenas coisas de que
o “hype” precisa para se alimentar: que “The Tree
of Life” é “radical”, que “não se parece com nada”.
Apichatpong Weerasethakul:
decorem todas as sílabas
É um nome na ponta da língua de muita gente,
e o passo que faltava dar para consagrar essa
familiaridade aconteceu em Cannes de 2010, com
a Palma a “Uncle Boonmee Who Can Recall his
Past Lives”. Luís Miguel Oliveira
Ao lado de
artigos
extasiados
outros
queixam-se de
o filme ser
“muito
parado”.
Não houve outro remédio que não
decorar todas as sílabas que compõem
o nome deste cineasta tailandês. Hoje,
nove anos depois de “Blissfully Yours”,
sete anos depois de “Tropical Malady”,
Apichatpong Weerasethakul é um
nome na ponta da língua de muita
gente, e o passo que faltava dar para
consagrar a sua familiaridade aconteceu
em Cannes de 2010, quando “Uncle
Boonmee Who Can Recall his Past
Lives” conquistou a Palma de Ouro.
Circularam SMS a dizer que se tratava
do “maior filme da história”, escreveram-se
artigos extasiados, e agora, no
final de 2010, “Uncle Boonmee” encabeçou
um sem-número de listas de
“melhores do ano”. O acréscimo de
exposição que a Palma trouxe também
ofereceu a Apichatpong, até então
quase um exclusivo dos nichos
cinéfilos “hardcore”, as primeiras bastonadas
públicas: ao lado dos artigos
extasiados encontram-se outros que
se queixam de o filme ser “muito parado”.
Com polémicas destas ou não,
é seguro que também em Portugal será
nome muito dito em 2011: “Uncle
Boonmee...” tem estreia nacional marcada
para os próximos meses.
Edgar Ramírez
ao espelho
A estratégia de Carlos como estratégia
de sensualidade, a História inscrita no corpo
do terrorista. Assayas encontrou um actor
para esse narcisismo que se consome.
Vasco Câmara
De um Ramírez, Ilich Ramí-
rez Sánchez, venezuelano,
a outro, Edgar Ramírez, ve-
nezuelano: “Porque é que te
prestas a [servir de veículo] a uma
obra de propaganda contra-revolu-
cionária difamando o mais conhecido
dos Ramírez? Mantenho-me firme,
intransigente em
relação aos princí-
pios transmitidos pelo meu pai, recusando
vender-me ao império decadente.
Edgar, não deixes que a glória
efémera, a soldo de Hollywood, te dê
a volta à cabeça. A fama mediática é
passageira. Ela não pode substituir o
respeito, a honra, a realidade. Viva a
nossa Venezuela bolivariana! Viva a
nossa Terra santa da Palestina! Deus
é o maior. Carlos, Poissy, 14 de Maio
de 2010”.
Foi no jornal francês “Figaro” que
o primeiro Ramírez – nome de guerra
“Carlos, o Chacal”, terrorista, a cumprir
pena perpétua em estabelecimento
de alta segurança –, invocando
um antepassado comum de há 500
anos, “um conquistador”, publicou
uma carta ao outro Ramírez, o actor
que o interpreta em “Carlos”, filme
de Olivier Assayas.
Edgar
Ramírez como
Carlos, o
Chacal

JEAN-PAUL PELISSIER/REUTERS
Jean-Luc Godard “lives”
Um dos ícones vivos da outrora
chamada arte cinematográfica: a
estreia de “Film Socialisme” será um
dos pontos altos do ano.
“Exit Through
the Gift Shop”
O retrato do
vazio da fama
que La
Coppola
propõe em
“Somewhere”
é autobiográfico
ou
satírico?
JEAN-PAUL PELISSIER/REUTERS
Banksy, o grande
manipulador
Um filme que cai em
pleno debate do que é e
pode ser hoje o cinema.
Acabou de se tornar octogenário (em
Dezembro), sobreviveu a duas biografias
(uma do americano Richard
Brody, crítico da “New Yorker”, outra
do francês Antoine de Baecque),
e uma estapafúrdia campanha (suscitada
pelo livro de Brody) que pretendia
fazer dele um perigoso antisemita.
Também sobreviveu a um
muito publicitado “Óscar especial”
e, tudo indica, à agressividade (nalguns
casos inimaginável) com que a
crítica mais generalista recebeu
“Film Socialisme”. Longe vão os
tempos em que a estreia de um filme
de Godard fazia parar as máquinas
– mas, c’os diabos, trata-se de um
dos dois ou três ícones vivos da outrora
chamada arte cinematográfica,
e a estreia em Portugal será um dos
pontos altos do ano. Majestoso e labiríntico,
encantador e exasperante
– é tudo menos uma abstracção: viaja
pelo Mediterrâneo, “mar fundador”,
e fala de nós, europeus, no
ponto da história em que estamos,
prevendo o momento em que se ia
conseguir convencer os gregos de
que são eles quem está em dívida
para com a Europa. L.M.O.
Lugares-comuns: “uma imagem vale
mais do que mil palavras”, “um velling é uma questão de moral”, “a
tra-
câmara nunca mente”. A era do “falso
documentário” como laboratório
formal e criativo do cinema moderno
tem desvalorizado ou revalorizado
esses lugares-comuns, de “O Projecto
Blair Witch” a “I’m Not Here”. Mas
quando o “falso documentário” é um
“documentário verdadeiro”, como
“Exit Through the Gift Shop”, que
pega em imagens reais mas nos
leva a perguntar a qualquer momento
o que é verdade e o que
é mentira? O filme do provocaem
Abril) é um exercício de manipulação
de materiais e da própria
forma do documentário que toma
dor Banksy (nas nossas salas
como tema a manipulação, mas também
o modo como um ponto o de vista
ou um olhar muda as coordenadas de
compreensão e recepção de qualquer
objecto. Se quisermos, um cumentário sobre si mesmo – e um
meta-do-
filme que cai em pleno debate do que
é e pode ser hoje o cinema. J. M.
ALESSANDRO BIANCHI/REUTERS
Sofia
ou o
regresso
da filha
pródiga
Sofia já perdeu
o prazo de
validade ou
acaba de se
reinventar?
“Somewhere”
promete ser um
dos assuntos da
temporada.
É o seu cinema, ou é só o seu apelido?
Sempre que Sofia Coppola reaparece,
os holofotes assestam-se nela. Depois
da controvérsia “Marie Antoinette”,
“Somewhere” tem polarizado a
crítica e o público desde a estreia
em Setembro no Festival de Veneza,
onde ganhou o Leão de Ouro por
entre acusações de compadrio (Quentin
Tarantino, presidente do júri, foi
seu namorado) e aclamações de genialidade.
O retrato do vazio da fama
que La Coppola propõe em “Somewhere”
é autobiográfico ou satírico?
Um retorno ao estado de graça de
“Lost in Translation” ou a sua confirmação
como fraude empolada? Sofia
já perdeu o prazo de validade ou acaba
de se reinventar? “Somewhere”
promete ser um dos assuntos de conversa
da temporada. Respostas, ou
debates, quando por cá estrear (17 de
Fevereiro). J. M.
Cinco horas e meia para televisão
reduzidas a duas horas e meia para
cinema, versão anunciada entre nós
para Fevereiro - é verdade que algo
se perde... –, “Carlos” é várias coisas:
um “puzzle” ou miniatura que desenha
as movimentações e figuras do
terrorismo das décadas de 70 e 80 do
século XX; uma tragédia sobre a pureza
revolucionária que é devorada;
um retrato da ambição em movimento,
retrato em aberto, esse, de um
sedutor nato que gostava de armas e
de mulheres. A estratégia de Carlos
como estratégia de sensualidade, a
História no corpo do terrorista. Assayas
encontra uma figura para esse
narcisismo que se consome: o plano
de Ramírez nu, despudoradamente
embeiçado por si próprio, momento
que se repete, ao som de “Dreams
never end”, dos New Order, quando
Carlos é já corpo inchado pelo excesso
e pelo ego, mas ainda capaz de um
último “hurrah” ao espelho. No centro
das atenções, Edgar Ramírez, 33
anos, actor secundário em “Che”, de
Soderbergh, ou em “The Borne Ultimatum”,
tem agora o seu momento.
Frente ao espelho.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 11

O que fazer
com este disco?
Quando finalmente
aparecer, o oitavo disco
dos Radiohead será
inevitavelmente o assunto
do momento: desde “In
Rainbows” que eles sabem
como fazer as coisas em
estilo. João Bonifácio
Parece certo
que os
Radiohead só
editarão o
novo álbum
quando
souberem
como editá-lo:
a experiência
“In Rainbows”
terá uma
sequela
Tudo o que os Radiohead fazem é notícia
e não apenas pela avidez dos
media – é que os fãs seguem-lhes o
rasto até ao mais ínfimo passo. Mas
da última vez que os Radiohead foram
capa de jornais, bem, parecia que o
mundo tinha acabado. Bastou lançarem
disco novo, “In Rainbows”, de
uma forma que nada tinha de original
no underground mas que nunca fora
vista na alta indústria: cada ouvinte
pagava o que achava correcto pela
edição em mp3 e se quisesse até podia
conseguir o disco, no formato digital,
de graça. Falou-se em fim da industria,
mas o que ficou claro é que o
modelo só é válido para quem tiver,
no universo pop, um grupo de fiéis
vastíssimo – o que é o caso. Este pormenor
de como editar um disco tem
mais relevância do que parece dentro
da banda de Thom Yorke. Desde a saída
de “In Rainbows” e respectiva
digressão, os membros do quinteto já
fizeram todo o tipo de declarações:
Thom Yorke disse que os Radiohead
enquanto grupo que edita discos tinham
acabado e que se iam dedicar
a fazer canções que colocariam na
net; Ed O’Brien, guitarrista, afirmou
que a banda não lançaria nenhum
disco enquanto não soubesse o modelo
de edição a usar. Por tudo isto e
mais alguma coisinha, o oitavo disco
de originais dos Radiohead, que de
acordo com Phil Selway, baterista, é
“a melhor coisa” que alguma vez fizeram,
é dos discos mais ansiados do
ano. Se sair este ano. Porque primeiro,
em Fevereiro do ano passado, um
colaborador do “L.A. Times” colocou
no seu blogue um “post” em que dava
conta de uma festa oferecida pelos
Radiohead na casa do habitual produtor
Nigel Godrich – supostamente
para comemorar o fim das gravações
do novo disco. O “post” foi imediatamente
apagado. Depois, em Julho, Ed
O’Brien dizia que o disco estaria resolvido
numa “questão de semanas”.
Em Novembro, Johny Greenwood dizia
que finalmente o álbum estava
acabado e tinha dez faixas, talvez um
pouco mais, e que não só estaria prestes
a sair como seria seguido de uma
digressão mundial, o que supostamente
ia contra os desejos de Thom
Yorke, para quem ter de dar 200 concertos
num ano é uma espécie de tortura.
Mas uns dias depois o guitarrista
veio a público explicar que o tinham
citado mal e que “o único
plano” dos Radiohead era “não ter
qualquer plano até o disco estar acabado”.
Pelo meio ainda houve faixas
falsas do disco a passarem para a imprensa.
O que podemos retirar de tudo isto?
É certo, por múltiplas declarações dos
rapazes, que eles têm consciência de
ser impossível voltar a ter êxito com
um truque igual ao usado em “In
Rainbows”. Também parece pouco
provável que os Radiohead se transformem
numa banda que só muito
ocasionalmente lance um par de canções
na net. Mas que tipo de som sairá
dali é impossível dizer. A única
coisa certa é que O’Brien estava a falar
a sério quando disse que não haveria
novo disco enquanto a banda
não soubesse como editá-lo. Resta
saber se será mais falado pelo simples
facto de ser parido ou pela qualidade
da música.
música
Peter Evans,
trompete, século XXI
Pelo que Evans fez em 2010,
não podemos perdê-lo de
vista em 2011.
Outro dos registos que se repetiu e
multiplicou nas listas dos melhores
do ano foi “Scenes in the House of Music”,
gravação ao vivo na Casa da Música
em que o celebrado trio de Evan
Parker, Barry Guy e Paul Lytton surge
acompanhado de um quarto músico,
o jovem trompetista Peter Evans. Ponto
comum nos comentários ao disco
é o espanto perante a forma absolutamente
natural como Evans se integrou
no xadrez complexo e exigente
formado por três dos mais importantes
veteranos da improvisação europeia.
Com lugar cativo nos Mostly
Other People Do The Killing, a nova
banda coqueluche do action jazz, e
um outro registo, “Live in Lisbon”, a
marcar o ano discográfico que passou,
Peter Evans é outro dos nomes a seguir
com atenção em 2011. R.A.
MIGUEL MANSO
Agora é
que vamos
mesmo
ouvir
“Tomboy”
Há dois anos
que andamos
a ouvir falar do
novo álbum de
Panda Bear. Agora
é a sério: será,
corações ao alto,
um acontecimento
de 2011.
“Person Pitch” foi um álbum milagroso.
Noah Lennox (Panda Bear) criou
uma sinfonia digital onde as harmonias
vocais guiavam a viagem por um
disco que, em pleno século XXI, ofereceu
uma nova leitura do ambicioso
plano de Brian Wilson na década de
60: criar uma elegia adolescente a
deus. Talvez seja o peso desse antecessor
que recai agora sobre o mais
destacado dos Animal Collective. Porque
“Tomboy”, o álbum que editará
este ano, já no final de 2009 foi anunciado
como um dos mais aguardados
de 2010. Inicialmente descrito como
“negro” e menos “baseado em samples”,
foi sendo antecipado nos últimos
12 meses em vários singles de
numeração limitadíssima.
Ouvimos agora um Panda Bear
mais físico na cadência rítmica e menos
contemplativo. Ouvimos pedaços
de dub e drone de origem incerta, a
guitarra a surgir como presença assídua
e a voz ainda como centro de onde
emana toda a música.
Em 2011 é certo que conheceremos
finalmente “Tomboy”: “Está quase,
quase perto da mistura final”, anun-
ciou há uns dias ao “Wall Street Jour-
nal”. “Passei os últimos três anos
nele. Demorou-me uma eternida-
de”. Quando sair, será um aconteci-
mento. E até
poderá ter companhia:
Lennox vai para os EUA trabalhar
no novo
álbum dos Animal Collective.
Mário Lopes
Adeus, Lisboa: Panda Bear
a caminho dos EUA
12 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

O mais português
dos artistas
portugueses
JP Simões tem um disco
novo, outro pronto a sair
e anda num entra-e-sai de
palcos, sozinho ou com os
Belle Chase Hotel.
“Onde Mora o
Mundo” é o
contributo de
JP Simões
para 2011
JP Simões é um bocado como o tio
preferido da família: não vai aos almoços
de Domingo durante meio ano,
e um dia, sem aviso, lá aparece para
alegria da miudagem, cheio de histórias
para contar. Agora volta com o
primeiro disco “a sério” desde “1970”,
obra-prima de análise geracional e
social estruturada em samba-canção.
Como não podia deixar de ser, Simões
não facilita a vida aos fãs e o disco,
“Onde Mora o Mundo”, não será um
Jason Moran em potência
Para muitos, o pianista concretizou em “Ten”,
disco de 2010, todo o seu potencial da sua
extraordinária exuberância instrumental.
Nós preferimos pensar que isso vai
acontecer em 2011. Rodrigo Amado
Jason Moran
é inquestionavelmente
o mais
exuberante
músico jazz
do momento
JOAQUIM MENDES
A aventura d’Os
Golpes continua
Enquanto o single “Vá lá
senhora” toca em bom ritmo
em rádios, aparelhagens e
i-Pods país fora, Os Golpes
preparam-se para 2011
Em 2000, nas “liner notes” de “Facing
Left”, o seu segundo registo como
líder, Jason Moran queixava-se
que “na casa do jazz, o velho testamento
tende a eclipsar o que é novo”,
referindo-se ao enorme poder da facção
mais conservadora do jazz, nessa
altura encabeçada por Wynton Marsalis.
Na verdade, músicos como Moran
têm sido determinantes para passar
a mensagem de que é necessário
um equilíbrio permanente entre o
legado da tradição e as novas ideias
musicais.
2010 foi um ano de consagração
para Jason Moran. Embora não tivéssemos
encontrado em “Ten”, o seu
mais recente disco, a vitalidade criativa
e sobretudo a consistência que
lhe garantiram um lugar em grande
parte das listas dos melhores do ano,
é certo que ali há suficientes sinais de
arrojo estético e personalidade instrumental
para que lhe seja atribuído
o título do mais exuberante e talentoso
músico de jazz do momento. É,
para nós, a grande figura do jazz a
seguir em 2011.
Possuindo um estilo absolutamente
contemporâneo, que recolhe impulsos
das mais diversas áreas, do
hip-hop ao blues, da pop à clássica
contemporânea, Moran destila todas
essas influências numa música acessível
e elegante como poucas, essencialmente
pós-bop, com um toque
MIGUEL MADEIRA
“Cruz Vermelha Sobre Fundo Branco”,
o álbum de estreia, foi um manifesto
de intenções que traduziu em
disco o desejo de reinventar uma tradição
pop para Portugal, com inspiração
iconográfica nos Heróis do Mar
e musicalmente consciente da história
rock das últimas três décadas. Foi
mais, claro: uma inatacável colecção
de canções em que o romantismo, a
nostalgia e o sonho das letras nos
eram oferecidos em embalagem pop
certeira e entusiasmante.
Manifesto lançado, os Golpes deitaram
mãos à sua concretização. 2010
foi o ano em que a editora a que pertencem,
a Amor Fúria, co-fundada
pelo vocalista Manuel Fúria, se solidificou
com nomes como Feromona,
Verão Azul ou Capitães de Areia. Foi
também o ano em que os Golpes editaram
o curta duração de edição limitada
“G”, de onde foi extraído “Vá
lá Senhora”, single com a participação
de Rui Pregal da Cunha que lhes
vem garantindo crescente protagonismo.
inspirado de um jazz mais vanguardista.
É precisamente este equilíbrio,
uma espécie de santo graal que muitos
músicos perseguem, aliado a uma
técnica pianística fora do vulgar, que
o tornou um dos mais influentes e
transversais músicos em actividade,
deixando no ar as maiores expectativas
para o futuro.
Com apenas 35 anos e uma aprendizagem
que teve como heróis e mentores
Jaki Byard e Andrew Hill, Moran
construiu um percurso brilhante cuja
solidez é bem visível na série de nove
discos que gravou, desde 1999, para
a Blue Note (feito raro nos dias que
correm), e mais particularmente no
trio que mantém desde 2000 com o
contrabaixista Tarus Mateen e o baterista
Nasheet Waits - The Bandwagon
- precisamente o mesmo de
“Ten”. Quando gravou em 2001 o superior
“Black Stars”, registo em que
o trio partilha o estúdio com o lendário
saxofonista Sam Rivers, dificilmente
se poderia imaginar o consenso que
rodeia hoje a sua música. A verdade
é que Moran não realizou, desde aí,
um disco com a urgência e a absoluta
EP, digressão
nacional e o
segundo
álbum: eis o
2011 d’Os
Golpes
prolongamento de “1970”. É, sim, um
retorno às parcerias, que com ele costumam
ser proveitosas. Neste caso, o
companheiro de armas foi o guitarrista
Afonso Pais. “Acho que quem
nos apresentou foi o Sérgio Costa”,
explica o compositor, “porque sabia
que apesar de o Afonso vir do jazz
temos imensos gostos em comum”.
Entenda-se: a bossa, particularmente
“Jobim e Edu Lobo, que aliás já gravou
com o Afonso”. Segundo Simões,
Alexandre “andava com vontade de
fazer canções”, pelo que fizeram um
simples acordo: “Ele compunha e eu
escrevia. Mas acabou por ser um disco
de parceria: eu compus um tema,
ele fez um instrumental, eu dei umas
ideias nuns arranjos”. A assegurar a
secção rítmica estão dois monstrinhos
da música portuguesa, Alexandre Frazão
e Carlos Barreto. “É engraçado
porque com eles as coisas nunca são
fixas”, reflecte Simões. “Um samba
nunca é um samba, um rock nunca é
um rock, criam ritmos muito deles”,
o que, aventa, acaba por ser uma boa
definição para o disco: “Não tem muito
de brasileiro, tirando uma marcha
que eu compus”.
Com o seu habitual optimismo, Simões
prenuncia já um grande êxito
comercial (como aliás acontece com
todos os seus discos): “O disco é de
tal modo um híbrido de tantas coisas
que eu temo que vá passar ao lado
das pessoas”. Por via das dúvidas, já
tem outro pronto, que quer lançar
este ano – como de costume, as probabilidades
de isto acontecer são ínfimas
e o mais certo é só surgir no ano
que vem. Funcionará como sequela
de “1970” e inclui temas que vêm da
abortada “Ópera do Falhado” que,
criminosamente, continua por editar.
Pelo meio ainda haverá “cinco ou seis
concertos” dos Belle Chase Hotel, que
resolveram inaugurar um novo tipo
de nostalgia: “o auto-revivalismo”.
Hoje Simões actua na Galeria Zé dos
Bois, mas não se esperem canções de
“Onde Mora o Mundo”. Em compensação,
esperem canções do próximo
disco, o que ainda está na gaveta.
Confusos? É o mais português dos
artistas portugueses. J.B.
criatividade de “Black Stars”, concentrando-se
antes numa maturação artística
de conceitos musicais e da sua
própria linguagem como pianista. Se
os seus registos mais recentes revelam
uma produção que oculta parte da
sua extraordinária exuberância instrumental,
já ao vivo, nos seus próprios
projectos, integrado no trio de
Paul Motian ou no quarteto do saxofonista
Charles Lloyd, a experiência
de observar Moran em acção é inesquecível.
Em palco, possui um magnetismo
musical difícil de descrever.
Mesmo ao lado de um gigante como
Charles Lloyd, quando Moran se coloca
em destaque, toda a atenção se
foca no seu piano.
Moran, que irá ocupar este ano um
cargo no prestigiado New England
Conservatory, um dos mais importantes
centros mundiais para o estudo
desta música, tornou-se um “caso”
do jazz actual, esperando-se a qualquer
momento uma concretização em
disco ao nível de todo este potencial.
Para muitos isso aconteceu em “Ten”.
Nós preferimos pensar que isso está
ainda por acontecer.
No primeiro trimestre de 2011, “G”
será editado em loja, acrescido de
duas canções, e está prevista uma
digressão “no maior número possível
de salas e terras” do país. Mais próximo
do final do ano, chegará o segundo
longa-duração em que a banda
começa a trabalhar neste momento.
Continua a aventura. M.L.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 13

PJ Harvey
que se cuide
com Anna
Calvi
Um disco e tanto,
já no dia 24.
SIMON FOWLER
Uma presença
em palco
insinuante,
um disco que
tem tudo para
dar certo
Tem uma presença em palco insinuante.
Pratica rock, mas esquelético,
sem banhas. Podia ser PJ Harvey. Mas
é Anna Calvi, inglesa, há muitos meses
identificada como um dos nomes que
poderá dar que falar em 2011. Até agora
tem sido em palco que tem exposto
argumentos. Mas no próximo dia
24 será editado na Europa o seu álbum
de estreia. Já o ouvimos. Não irá
revolucionar nada, mas tem tudo para
dar certo: uma voz apaixonada, um
som nocturno eléctrico, um rock carnal.
Depois de a ver pela primeira vez,
Brian Eno disse que não sentia um
choque assim desde Patti Smith. Exagero?
Talvez sim, talvez não. V.B.
O novo disco é
uma ruptura
com as
versões
anteriores de
Destroyer
Mudar é
possível com
Destroyer
“Kaputt”
é o disco-surpresa
de Dan Bejar.
O americano Dan Bejar, ou seja Destroyer,
não é um ilustre desconhecido.
Quer dizer, é e não é. Não é porque
já leva mais de meia dúzia de álbuns
editados. Mas acaba por sê-lo,
porque apenas nos círculos mais afectos
ao rock alternativo lhe têm dado
a atenção devida. Seja por essa ou por
outra razão, a verdade é que decidiu
mudar. “Kaputt”, o seu novo álbum,
a editar a 25 de Janeiro, é surpreendente.
Em 2009 ele já tinha avisado,
com o lançamento do single “Bay of
pigs”, magnífica canção de nove minutos,
incluída no álbum, que dava
conta de uma sonoridade pop electrónica
ambiental, capaz de agradar
aos admiradores de Pet Shop Boys,
New Order ou Prefab Sprout. “Kaputt”,
o novo álbum, é isso: poemas
existencialistas que se dissolvem numa
manta de elementos pop, alguns
electrónicos, outros eléctricos, expondo
uma música sonhadora e transcendente.
V.B.
O pianista
do momento
O virtuoso Simon
Trpceski no Porto.
O macedónio Simon Trpceski foi um
dos artistas galardoados em Dezembro
com um Diapason d’Or pela gravação
dos Concertos para Piano nºs
2 e 3, de Rachmaninov, com a Royal
Liverpool Philharmonic Orchestra.
Tendo em conta a vastíssima discografia
destas obras, é um feito marcante
impor uma nova leitura, na qual
o pianista procurou desviar-se do sentimentalismo
evasivo e centrar-se no
texto musical e nas indicações do
Um dos
mais entu
siasmantes
intérpretes na
nova geração,
Trpceski vai
passar duas
vezes pela
Casa da
Música
em 2011
compositor. Uma técnica extraordinária
aliada a uma aguda inteligência
musical e a um conhecimento profundo
das obras faz de Trpceski um dos
mais entusiasmantes intérpretes da
nova geração. Os seus discos têm recebido
vários prémios (com destaque
para os CD a solo na EMI) e promete
continuar a dar que falar em 2011, ano
em que voltará a correr o mundo com
os mais virtuosísticos concertos do
repertório (incluindo a série de Concertos
de Rachmaninov, Liszt e Tchaikovsky)
e prestigiadas orquestras. No
próximo dia 14 toca o Concerto nº4,
de Rachmaninov, com a Sinfónica do
Porto na Casa da Música, aonde regressa
a 27 de Novembro para um
recital a solo que presta homenagem
a Liszt, no bicentenário do seu nascimento.
C.F.
O futurismo
abstracto de Steve
Lehman
Para percebermos para onde
vai o jazz, temos de olhar
para este saxofonista.
O saxofonista Steve Lehman é um dos
nomes que tem vindo a definir um
mapa para o futuro do jazz. São muitos
os que vêem no jovem músico uma
espécie de messias do jazz moderno.
Nomeado “rising star”, quatro anos
consecutivos, pela revista “Down Beat”,
Lehman deu um enorme salto na
sua música e na sua carreira a com a
edição de “Travail, Transformation
and Flow”, aclamado de imediato iato co-
mo um dos melhores de 2009. quieto e em permanente evolução,
editou em 2010 “Dual Identity”, ty”, coliderado
com Rudresh Mahanthappa,
e novamente conquistou o aplauso
unânime da crítica internacional, integrando
a nossa escolha para a os melhores
do ano. Virtuoso, futurista urista e
genuíno inovador, Lehman é um dos
faróis para o jazz em 2011. R.A.
Irre-
Há quem veja
em Lehman
uma espécie
de messias do
jazz moderno
14 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

Rye Rye,
uma
granada que
nunca mais
explode
A protegida
de M.I.A. é um
prodígio. Falta o
primeiro álbum
para dizermos se
é tudo o que nos
tinham prometido.
O disco de estreia da rapper Rye Rye
não é um dos mais aguardados de 2011
– é um dos mais aguardados de 2010.
Porque há mais de um ano que a menina
anda a adiar o debute, um debute
rodeado de expectativas mesmo
antes de se ouvir um pedaço de música
que fosse por uma simples razão:
Rye Rue foi a primeira aposta de M.I.A.
na sua editora N.E.E.T. recordings, e
é a protegida de M.I.A., que não se
cansa de elogiar o talento da sua descoberta.
E, diga-se, do pouco que há
para ouvir, M.I.A. não está a mentir-
nos. Por exemplo, o single “Bang”, em
que M.I.A. faz coros é uma maravilha
– de brutalidade, de suor, de vertigem.
Toda a canção se sustenta num
beat tremendo, complexo, mas tão
eficaz que o corpo responde de diato. Depois o beat é desmontado e
ime-
Rye Rye aguenta quase sozinha a canção.
“Sunshine”, o novo single, mantém
a fasquia bem alta (e
mantém M.I.A.), mas muda
de coordenadas – e dános
a conhecer uma rapper
menos áspera e capaz
de ser doce. Se estiver
tudo a este nível terá valido
a pena a espera. J.B.
Rye Rye
O alemão
caleidoscópico
Wolfgang Rihm
é o comporitor
residente da
Casa da Música.
Cristina
Fernandes
Num total de
11 concertos,
peças de Rihm
irão fazer
parte dos
programas da
Orquestra
Sinfónica do
Porto, do
Remix
Ensemble, do
Coro Casa da
Música e de
agrupamentos
convidados
como o
Quarteto
Arditti
Ainda vamos querer
saber dos Strokes?
O último álbum foi há muito e 2001, o ano de “Is This
It?”, há mais ainda. Este ano, os Strokes regressam e
a questão a que terão de responder é muito simples:
ainda vamos querer saber? Está tudo nas mãos deles
(e no álbum que acabaram em Dezembro). Mário Lopes
Admitamos: aguardar ansiosamente
pelo regresso dos Strokes, quatro
anos depois de “Last Impressions On
Earth” e com o grande impacto de “Is
This It?” lá longe em 2001, parecerá
anacrónico. Não tanto quanto, hipótese
académica, anunciar que 2011
poderá ser o ano de Chris de Burgh,
mas o leitor percebe a ideia.
Algures em blogue americano, escrevia-se
recentemente que, das reuniões
de gabarito do ano passado, a
dos Strokes foi a mais discreta. A afirmação
levantava uma questão: mas os
Strokes acabaram? Não se limitavam,
como qualquer banda que origina algo
que a ultrapassa, a viver felizes longe
uns dos outros e a espalhar fel pela imprensa
enquanto anunciavam um álbum
a solo ou um projecto paralelo?
Oficialmente, a banda de Julian Ca-
Muitas
reviravoltas
depois, os
Strokes ainda
andam aí: em
Março
veremos em
que estado
sablancas e Albert Hammond Jr não
acabou, mas o próximo álbum, cujo
parto tormentoso parece aproximarse
finalmente do fim, pode ser, paradoxalmente,
a morte da banda. Ou o
contrário. Pode salvá-la e devolver-lhe
alguma da relevância perdida ao longo
da década passada. Não parece
haver meio-termo – continuar em formato
low-profile, a exemplo de companheiros
de geração como os Interpol
ou os Rapture, terá a dignidade
do operariado bom trabalhador, mas
não servirá para manter a aura de
aristocracia rock’n’roll (o que, para
os Strokes, será uma outra forma de
morte). Espera-nos portanto um regresso
com uma carga dramática, no
mínimo, interessante. Aguardemo-lo,
tacteando a escuridão.
Por ora, nada sabemos do álbum,
a não ser que sai em Março. Mas conhecemos
o processo que conduziu
até ele. Envolve lutas de egos, frustrações,
despedimento de produtores,
ironia bem doseada e, para toque moderno
num clássico quadro
rock’n’roll, revelações via twitter ou
Facebook. E um Julian Casablancas
que, em 2009, quando promovia o
lançamento do seu álbum a solo,
“Phrazes Of The Young”, explicava
ao “Guardian” o que mudara na “química”
da banda: “Em breve todas as
preocupações serão conseguir algo
óptimo, mas, neste preciso momento,
o que interessa é que todos estejam
felizes. Se conseguirmos isso, o resto
encaixará no lugar devido”. Seis meses
depois, em Janeiro, adiantava um
pouco mais. “Dividíamos o dinheiro,
mas não dividíamos o trabalho. Era
muito, muito difícil” – como se depreende,
o vocalista trabalhava, os restantes
acompanhavam. No novo álbum,
tudo mudará: “Penso que estamos
a cumprir aquilo que dizíamos
ser: um verdadeiro conjunto que trabalha
em todos os aspectos”. Em Janeiro
de 2010, estavam portanto felizes.
Casablancas ouviria os restantes,
os restantes contribuiriam com mais
ideias, Casablancas trabalharia menos
e receberia o mesmo. Tudo perfeito
no mundo dos Strokes.
Pondo de lado os vários projectos
paralelos (os Little Joy do baterista Fabrizio
Moretti, a carreira a solo de Casablancas
e Albert Hammond Jr., os
Nickel Eye do baixista Nikolai Fraiture),
juntaram-se em Março ao produtor
Joe Chicarelli, que trabalhara no
UNIVERSAL EDITION/ERIC MARINITSCH
“A minha música é sempre diferente
daquilo que as pessoas pensam que
é”, disse Wolfgang Rihm em Março
do ano passado ao “Guardian” por
ocasião de um fim-de-semana consagrado
à sua música pela Orquestra
Sinfónica da BBC. Rótulos como “representante
do movimento da Nova
Simplicidade”, “neoromantismo” e
“neoexpressionismo” têm sido várias
vezes aplicados à sua obra, mas resultam
extremamente redutores, pois a
sua vasta produção (mais de 400 peças)
percorre inúmeros caminhos. É
uma obra caleidoscópica, por vezes
com grandes contrastes, e portanto
sempre susceptível de surpresas.
A música de Rihm tem sido objecto
de ciclos e retrospectivas em vários
festivais e salas de concerto internacionais,
e em 2010 o compositor viu
a sua ópera “Dionysos” estreada no
Festival de Salzburgo. Em 2011 o público
português terá a oportunidade
de acompanhar de perto uma parte
substancial da sua obra, já que Rihm
será o compositor em residência na
Casa da Música.
Num total de 11 concertos, peças de
Rihm irão fazer parte dos programas
da Orquestra Sinfónica do Porto, do
Remix Ensemble, do Coro Casa da Música
e de agrupamentos convidados
como o Quarteto Arditti. No dia 25 de
Outubro será estreada uma obra encomendada
pela Casa da Música e, já
no próximo dia 18, o Remix toca “Jagden
und Formen”, uma tarantela dançante
e motórica que integra as pesquisas
do compositor sobre a ideia da
forma musical e lhe valeu o prémio da
Royal Philharmonic Society em 2001.
Dois dias depois, o Quareto Arditti toca
os Quartetos nºs 3 e 5; a 22, o agrupamento
junta-se à Sinfónica do Porto
para interpretar o “Concerto Dithyrambe”.
Destacam-se também os
“Quatro Poemas de Rilke” na voz de
Christoph Prégardien (22 de Outubro)
e obras como “Homenagem a Max Beckmann”
e “Der Maler träumt”.
Nascido em 1952 em Karlsruhe,
Rihm começou a compor aos 11 anos.
A sua família não tinha tradições musicais
e os seus interesses iniciais foram
o desenho, a pintura e a escrita
literária, mas assim que começou a
tocar flauta de bisel, órgão e piano
rapidamente passou também a compor
pequenas peças. Prosseguiu a sua
formação com Stockhausen, Klaus
Huber e Hans Heinrich Eggebrecht,
tendo frequentado os Cursos de Darmstadt
nos ano 70. Nessa ocasião Stockhausen
(que nunca discutia a música
dos alunos, apenas a sua) envioulhe
uma nota com estas únicas
palavras: “Caro Wolfgang Rihm, por
favor escute apenas a sua voz interior.
Com os melhores cumprimentos, Karlheinz
Stockhausen.” Rihm manteve
o recado muitos anos na sua secretária;
foi decisivo para a sua liberdade
criativa, que passa pela assimilação
descomplexada da herança do passado
ou pelo uso de outras artes, da literatura
e da filosofia como inspiração.
Numa entrevista publicada no
site do Ensemble Sospeso, o compositor
reconhece que aprende muito
com os não-músicos. “Sou um apaixonado
pelas artes plásticas e é libertador
falar com pintores sobre os segredos
que rodeiam o nascimento das
suas obras de arte e sobre o processo
de criação em geral.”
A música de Webern, Morton Feldman
e Stockhausen marcou bastante
as suas primeiras obras e posteriormente
foi decisivo o contacto com
Wilhelm Killmayer, Helmut Lachenmann
e Luigi Nono. A ópera de câmara
“Jakob Lenz” (1978), baseada na
novela de Büchner, converteu-se na
peça de teatro musical contemporâneo
mais interpretada na Alemanha
e em 1983 surgiu “Die Hamletmaschine”,
em colaboração com o dramaturgo
Heiner Müller. A lista é necessariamente
muito incompleta: Rihm
é compositor compulsivo, deixando
o ouvinte num labirinto de escolhas.
Em 2011 a Casa da Música indica-nos
o caminho. C.F.
passado com Frank Zappa, My Morning
Jacket ou White Stripes. No Verão,
deram alguns concertos, actuando no
festival Lollapalooza ou na Metropolitan
Opera, em Nova Iorque, no 25º
aniversário da linha de moda Tommy
Hilfiger. Entre um e outro, Casablancas
saía das sessões de gravação para confessar
à “Spin” que “uma banda é uma
grande forma de destruir uma amizade”.
Afinal, não estava tudo perfeito
no mundo dos Strokes, mas os objectivos
mantinham-se intactos. Casablancas
novamente: “Atingimos o topo
do ‘underground’, mas nunca ficámos
tão grandes como os Green Day, os
Creed ou qualquer uma das bandas a
quem se supunha tomarmos o lugar
em 2001. Portanto, na minha cabeça,
está aí o passo a dar”.
“Flash-forward” para Novembro.
Afinal, Joe Chicarella não será creditado
no novo álbum. Albert Hammond
Jr informa que a banda pôs de parte há
alguns meses o material gravado com
o produtor. O disco será produzido
pela banda, terá dez canções e Albert
está “para lá de deliciado”: “Confio que
ficarão tão entusiasmados quanto eu”.
Dezembro. Julian Casablancas anuncia
no seu twitter: “Não sairá nos próximos
meses – misturar, etc, mas ficou
finalmente pronto ontem!”. Nikolai
Fraiture confirma, também no twitter:
“Ei, e esta? Está a acontecer. São grandes
notícias, pessoal!”.
O futuro dos Strokes segue em Março
– pode ser até que já esteja definido
quando chegarem ao Super Bock
Super Rock, no Meco, onde serão os
cabeças de cartaz de 16 de Julho.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 15

A Nova Iorque
elegante dos Cults
Como a maior parte dos projectos que
dão que falar na actualidade, os Cults
surgiram do dia para a noite, em Abril
do ano passado, no espaço virtual,
com três magníficas canções (“Go outside”,
“Most wanted” e “The curse”,
a que se seguiria, meses mais tarde,
“Oh my god”) e de imediato deram
nas vistas.
São de Nova Iorque, são dois, Brian
Oblivion (guitarra, teclas) e Madeline
Follin (voz, baixo) e têm ambos 21
anos. Até Abril do ano passado, nem
página no MySpace tinham, mas rapidamente
saltaram de boca em boca.
Não custa perceber porquê, ouvindoos.
Possuem aquela dose de familiaridade
(uma vivacidade pop controlada,
muito anos 60, uma voz feminina
doce, um envolvimento electrónico
melancólico) e de estranheza, temperada
com muita elegância, que costuma
conquistar. Esta semana ficou a
saber-se que assinaram pela editora
Columbia, para a edição do álbum de
estreia, em Maio. Não custa nada perceber
que iremos ouvir falar muito
deles nessa altura. V.B.
A sujidade
de Brooklyn já era.
Os Cults
apareceram
do dia para a
noite no
espaço
virtual, mas já
assinaram
pela Columbia
O regresso dos
barbudos
O segundo dos Fleet Foxes
deve chegar na Primavera.
Folk “freak” à vista.
Foram o sucesso mais improvável de
2008. Uma trupe de barbudos saídos
de uma floresta habitada por folkrockers
de 1970, a insuflar nova vida
ao legado dos Crosby, Stills & Nash. A
verdade porém, é que as canções de
“Fleet Foxes” tinham essa qualidade
indefinível que as tornava graciosas e
empolgantes por si, não pela linhagem
distinta que as originara.
Há cerca de um ano, o vocalista e
principal compositor, Robin Pecknold,
dizia entre digressões que achava
inconcebível estar dois anos sem
compor. Depois disso, andou em digressões
(por duas vezes) com Joanna
Newsom e lá foi apresentando
algumas novas canções, sem
especificar se seriam ou
não do novo álbum
dos Fleet Foxes. Em
Outubro, um post
no Facebook da
banda informava
que o disco estava
pronto e que faltaria
misturá-lo e
masterizá-lo. Semanas
depois, um “mea
culpa”: “Acho que falei
cedo de mais”. O álbum
estava quase pronto,
é certo, mas ainda necessitava
de algumas sessões no estúdio.
Especula-se agora que sairá na Primavera.
Poderá ter como título “Deepwater
Horizon”, o que até se adequa
bem ao imaginário Fleet Foxes,
ou, informa a Wikipedia, seguindo o
twitter da banda, “Slaughternalia”, o
que, mais do que uma hipótese de
título, nos parece uma boa piada de
“freakzinhos” do rock. M.L.
James Blake,
fenómeno de
culto à vista
“Deepwater
Horizon” ou
“Slaughternalia”:
o título
do novo dos
Fleet Foxes
ainda está em
construção
O barítono
americano
interpreta
Mahler como
ninguém
Odisseia
mahleriana
Thomas Hampson
traz o seu
compositor de
eleição a Lisboa.
Uma visita ao site de Thomas Hampson
ou à sua página no Facebook
coloca-nos de imediato em contacto
com um artista dinâmico que é também
um homem do seu tempo e tira
partido das novas tecnologias para
interagir com a sociedade e divulgar
os seus projectos. Estes não se limitam
à interpretação musical, mas
passam também por conferências,
masterclasses, concertos pedagógicos
e pelas actividades da Hampsong
Fundation, dedicada à promoção
da música na América.
Tendo em conta a sua extraordinária
estatura artística, Hampson
seria sempre uma figura a seguir
com atenção, mas sucede que 2011 é
também o ano do centenário da te de Mahler, compositor que o barítono
americano interpreta como
ninguém. Ao longo deste ano, irá
prosseguir a sua “Odisseia Mahleriana”,
que inclui 50 concer-
mortos
e recitais, bem como sessões
em que discute com o
público a sua visão das obras.
Em Lisboa será possível ouvir
Hampson na Gulbenkian (16 e
17 de Abril) com a Orquestra de
Câmara da Europa. C.F.
Há muitos regressos confirmados que
suscitam natural curiosidade (Lykke
Li, PJ Harvey, The Strokes, Kanye West
& Jay-Z, Villalobos, Aphex twin, Buraka
Som Sistema, Panda Bear ou Portishead)
e algumas estreias em formato
álbum, para além daquelas referidas
nestas páginas, que irão dar que
falar sem grande risco (Theophilus
London, Jamie Woon, Rainbow Arabia,
Yuck, Jai Paul, Wu Lyf, Julianna
Barwick ou Memoryhouse), mas nenhum
nome reúne o consenso de James
Blake, inglês, 22 anos, com álbum
de estreia homónimo previsto para 7
de Fevereiro.
Contra ele, a expectativa excessiva
que existe em seu torno, pelo facto de
ter lançado em 2010 três magníficos
EP (“The bells sketch”, “CMYK” e “Klavierwerke”).
Dificilmente o seu álbum
cairá nas boas graças do grande público,
mas possui todas as características
para se transformar num caso
singular de culto. Inclui uma canção
já conhecida (“Limit to your love”, um
original de Feist) e dez temas originais,
sendo composto, produzido e gravado
inteiramente pelo próprio. Há canções
próximas das convenções pop, baladas
para piano e ruídos electrónicos
e outras de arquitectura sónica bem
mais indefinível.
Como acontece com uma série de
outros jovens músicos e produtores
que se revelaram em 2010 (Balam
Acab, Forest Swords, How To Dress
Well, Mount Kimbie ou Jamie Woon),
existe um disco que parece ter sido
fulcral no seu desenvolvimento. Falamos
do álbum homónimo de estreia
do inglês Burial, lançado há cinco
anos, disco de sombras electrónicas,
que acabou por ser filiado na corrente
dubstep, mas que já prenunciava
um outro universo.
Pusha T
quer ser um
clássico
Pharrell e Kanye
West por trás do
disco de estreia.
As coisas no mundo dos Clipse, quando
mudam, mudam radicalmente. Em
2006 foram parar ao topo do mundo
graças a “Hell Halth No Fury”, tremendo
disco com produção de Pharrell
Williams. Mas no início do ano
passado, ainda sem disco novo e com
as coisas encalhadas, o céu caiu-lhes
um pouco em cima da cabeça quando
o seu manager de sempre foi condenado
a meros 32 de prisão por tráfico
de droga. Talvez tenha sido esse o clique
de que eles precisavam. Pelo menos
Pusha T, o mais duro do duo –
Malice é o mais melódico. T tem disco
de estreia a solo prestes a lançar no
ano que vem e não brinca em serviço:
a produzir as canções estão Bangladesh,
Pharrell e Kanye West. Aliás,
participou em “Runaway”, a principal
faixa do mais recente disco de West,
o que lhe trouxe uma exposição mediática
que garante que o seu disco a
solo não vai ser esquecido. Num ano
que também terá direito a novo disco
de Lupe Fiasco e à
muito aguardada es-
treia de Jay Electroni-
ca, há muita gente a
pôr as fichas todas em
Pusha T – quanto
mais não seja, ele
próprio, que
garante que
cada faixa é
um clássico.
J.B.
Octa Push garante
que cada faixa do álbum
é um clássico
Tão longe e tão perto
de James Blake
Depois de três magníficos EP
em 2010, o álbum de estreia será
uma confirmação. Vítor Belanciano
DARIO ACOSTA
A diferença, uma enorme disparidade
apesar de tudo, é que James
Blake canta de forma vulnerável e revela
uma enorme capacidade para
compor ambientes melódicos. Em todas
as suas canções existe qualquer
coisa de precário, um mundo mutante
em composição, que rumina consigo
próprio, acolhendo qualquer
coisa de longínquo e etéreo, com ligeiras
reverberações electrónicas e
sons de piano.
A diferença é que o lugar pós-industrial
que Burial erguia era negro e sombrio,
destituído de calor. Em James
Blake o dia a seguir ao juízo final é
errante também, mas mais imersivo
e emotivo. Os temas são também menos
abstractos do ponto de vista sónico,
circulando elementos digitais mínimos
à volta da sua voz quase sempre
lânguida.
Nas últimas semanas soube-se que
começou a actuar ao vivo, na companhia
de dois músicos, existindo inúmeros
registos na Internet dessas prestações.
Esse será provavelmente o seu
próximo desafio. Procurar formas de,
em palco, expor uma música tão preciosa
e singular como aquela que tem
vindo a criar no seu estúdio caseiro.
16 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

À DESCOBERTA DO
MEDITERRÂNEO
ROSSINI | SAINT-SAËNS | SAYGUN
Terça-feira, 11 de Janeiro de 2011, 21h00
Grande Auditório do CCB
Orquestra Metropolitana de Lisboa
António Rosado piano Işın Metin direcção musical
REMIX ENSEMBLE
18 JAN 19:30
SALA SUGGIA
WOLFGANG RIHM
JAGDEN UND FORMEN
PARA GRANDE ENSEMBLE
PETER RUNDEL direcção musical
18:00, CIBERMÚSICA
PALESTRA PRÉ-CONCERTO POR PAULO
DE ASSIS
As últimas décadas trouxeram ao
alemão Wolfgang Rihm, Compositor
e m Res i dên ci a n a Ca s a da M ús i ca e m
2011, os mais prestigiados prémios
atribuídos no âmbito das artes e
da música. Entre 1995 e 2002, Rihm
escreveu obras que giram à volta
da mesma pesquisa sobre a ideia
de forma musical. A este conjunto
pertence Jagden und Formen, uma
tarantela dançante e motórica. Escutaremos,
em estreia nacional, a
nova versão de 2008.
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DUPLO PARA ESTE CONCERTO. OFERTA LIMITADA AOS PRIMEIROS 10 LEITORES.

O maravilhoso
mundo
de Trisha Brown
Uma das pioneiras da
dança contemporânea
traz 13 peças a Serralves:
é todo um programa de
resgate de uma história em
contínua construção.
Tiago Bartolomeu Costa
O programa
Trisha Brown
em Serralves
celebra 40
anos de
trabalho
contínuo
sobre a dança
“Floor of the
Forest”, obra
seminal de
1970, é uma
das 13 peças
que vêm ao
Porto
Em Serralves, Trisha Brown é a cabeça
de cartaz do programa “Improvisações
/ Colaborações”. A coreógrafa
norte-americana abre, de 18 de Abril
a 1 de Maio, um conjunto de manifestações
que se prolongam em Maio e
Junho, em torno não apenas da dança
enquanto prática, mas enquanto reflexão
sobre os modelos de organização
social. A oportunidade é rara e
inscreve, pertinentemente, o Serviço
de Artes Performativas do Museu de
Serralves no circuito de programação
internacional menos preocupado com
a novidade e mais consciente da memória
enquanto matéria ra do presente.
regenerado-
O programa Trisha Brown inclui a
apresentação de 13 peças, cobrindo
um período que vai de 1968 a 1974,
Entre esses “Early Works”, estão três
– “Sticks” (1973), “Spanish Dance”
(1973), “Figure Eight” (1974) – que já
foram apresentadas as em 2008, quando
Serralves, no âmbito da exposição
de Robert Rauschenberg “Em viagem
70-76”, mostrou trabalhos da coreógrafa,
que durante anos trabalhou
com o pintor.
São 40 anos de dança que aqui se
celebram, mas é também a singularidade
de um olhar onde a dança foi
sempre um ponto o de partida para
uma investigação acerca dos
modos de construção do
movimento na sua relação
com o corpo do intérprete
e o olhar do espectador.
“Trisha é o acordar da feição”, disse uma das bailarinas
da sua companhia,
referindo-se ao modo intuitivo,
e não estratégico, como Brown
desenvolve o seu trabalho.
per-
A coreógrafa norte-americana,
nascida em 1936, é pioneira,
com um conjunto nto de
outros nomes como
Yvonne Rainer, Deborah
Hay ou Steve
Paxton, de uma dança que só é contemporânea
porque se inscreve num
presente que é o somatório de experiências
e projecções. Como o seu
movimento. “O movimento browniano
não é linear. É um encontro de
rupturas, por vezes mesmo uma colagem
belicista em que os elementos
se afrontam”, escreveu Jean-Marc
Adolphe na revista “Mouvement”.
Foram artistas, explica o programa,
que, “cruzando a arte e a vida quotidiana
e definindo os primórdios daquilo
que mais tarde se viria a chamar
a pós-modernidade”, deram novo
sentido à ideia de contemporaneidade.
“A sua obra nunca se resumiria a
uma técnica ou a um vocabulário. A
sua dança, de uma musicalidade louca,
é um fluir insaciável de caminhos
suspensos, de quedas inesperadas,
de balanços enganadores, de golpes
esquivados”, continua Adolphe.
Brown é autora de um movimento
que inscrevia o corpo em contínuo
equilíbrio com o espaço e o tempo de
produção – são famosas as suas expe-
riências nos telhados de Nova Iorque,
na floresta ou, se no palco,
alterando a escala de valores
entre público e
intérprete. “Interessame
muito o paradoxo
de uma acção que
trabalha na busca de
um encontro com
uma outra”, diz. O
que vamos ver em Serralves
é exactamente
isso: um ponto de partida.
ISABEL WINARSCH
LOURDES DELGADO
teatro/dança
Eternamente
Pina
Duas peças
em estreia em
Portugal, numa
cidade, o Porto,
que nunca viu
Pina Bausch
quando ela ainda
estava viva.
A
companhia
de Pina
Baush traz
“Bamboo
Blues” e
“Sweet
Mambo”
ao S. João
No ano em que se estreia “Tanz”, o
filme, em 3D, que Wim Wenders preparava
sobre a coreógrafa quando ela
morreu (antestreia mundial dia 24 de
Fevereiro no Festival de Cinema de
Berlim, distribuição para Portugal ainda
sem data prevista), Pina Bausch – na
verdade o seu trabalho - apresenta-se
pela primeira vez no Porto. Em Maio,
“Bamboo Blues” (6 e 7), que fez em
2007 inspirada na Índia, em mais uma
das suas peças sobre regiões, e “Sweet
Mambo” (11 a 13), criação estreada em
2008 que pouco circula, chegam ao
Teatro Nacional S. João, integrando o
programa transdisciplinar “Odisseia”.
As duas resgatam a obra de Bausch do
pessimismo em que vinham caindo,
explorando a diversidade cromática,
sensitiva e simbólica do movimento e,
muito em particular, dos corpos que,
conhecendo tão bem as estruturas
bauschianas, se reinventam dentro da
própria fórmula. São, por isso mesmo,
peças atípicas. Primeiro porque se
afastam, determinantemente (e determinadamente)
de uma narrativa figurativa
e encadeada. Em segundo lugar
porque exploram ecos de outras peças,
numa reestruturação de códigos
identificáveis. Por fim, porque fixam
estratégias de conceptualização do
movimento, definindo e limitando o
seu alcance, mais apostado em servir
a coreografia do que em exercer impacto
fora dela. T.B.C.
GONÇALO SANTOS
18 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

FERAN MC ROPE
A dança segundo
Jérôme Bel
Ele já não acredita na
dança, mas o que faz é um
refinamento da própria
disciplina.
Imenso actor, vai ter um início de 2011
em grande. Nada que nos espante,
na verdade: no ano passado, já vimos
do que ele é capaz.
Ele foi o rosto atordoado que poderia
ser o de qualquer um de nós em “Filme
do Desassossego”, de João Botelho
(que retoma a partir de amanhã a sua
digressão nacional), e o corpo em
queda de “A Morte do Caixeiro Viajante”,
peça que marcou o regresso
do Teatro Experimental do Porto ao
primeiro plano do teatro nacional (e
que dias 19 e 20 de Fevereiro chega
ao São Luiz, em Lisboa). 2010 teve
Cláudio da Silva por todo o lado, como
se estivéssemos perante alguém
que não conhecíamos, ele que já cá
anda há pelo menos 15 anos e tem um
dos mais dinâmicos percursos das
artes performativas nacionais: do teatro
à dança, de Jorge Silva Melo a Ana
Borralho & João Galante, de Miguel
Loureiro a João Fiadeiro.
2011 vai ser o ano da confirmação
do seu nome como um dos mais seguros
valores do teatro português da
última década. Ele, que diz não pensar
em carreira, que diz que quando lhe
custar muito vai fazer outras coisas,
que diz precisar de outras leituras pa-
Jérôme Bel, o
“enfantterrible”
da
dança contemporânea,
está
de volta com
“Cédric
Andrieux”
O rosto múltiplo
de Cláudio da Silva
Em 2011,
Cláudio da
Silva vai
continuar à
procura
Chamamonos,
todos,
Angélica
Liddell?
O teatro-catástrofe
a uma só voz
da encenadora
espanhola vem a
Lisboa assombrar
as nossas utopias.
No último
ano, Liddell
tornou-se
figura
obrigatória
do teatro
europeu
Há alguns Verões que a temos visto a
ocupar diferentes espaços de Montemor-o-Velho,
a convite do Citemor,
PEDRO ELIAS
rata (7 Fevereiro a 24 Maio), reforçando
o carácter inquiridor de um objecto
marcante. Mas o Jérôme Bel coreógrafo
também estará por cá, com
“Cédric Andrieux” (26 Março, no Teatro
Viriato, em Viseu; 30 e 31 Março,
no Teatro Maria Matos, em Lisboa; 3
Abril, em Serralves, no Porto), peça
de joalharia e o melhor “espectáculo
de intérprete” desde que Bel inventou
o conceito com “Veronique Doisneau”.
O ex-bailarino da companhia de
Merce Cunningham dá-nos um retrato
emotivo das relações dependentes
entre o amor e a dança, entre a noção
de casa-palco e casa-país, e, sobretudo
uma reflexão profundíssima sobre
a diferença que existe entre homens
e mulheres na dança contemporânea,
área em que sempre se defendeu uma
igualdade de géneros. T.B.C.
ra poder chegar às escolhas que faz –
ainda agora acabou Lord Byron e um
texto sobre a segregação racial. Ele,
que vai dizendo que sim ao que vai
aparecendo. Por isso, a partir de dia
20, e por dez dias, protagoniza “O
Homem-elefante”, encenação de Sandra
Faleiro que vai ser reposta no Teatro
Carlos Alberto, no Porto. Três dias
depois, estreia, em Vila Nova de Gaia,
a encenação de um clássico inusitado:
“Felizmente há luar”, de Luís de Sttau
Monteiro, peça-farol de um teatro que
a censura salazarista proibiu.
“Um actor é uma pessoa curiosa”,
reconhece. Cláudio da Silva diz que o
seu dia-a-dia lhe vai alimentando os
processos e que recolhe material de
todos os lados, muitas vezes sem
consciência. “A lógica é maior do que
isto tudo”, não é a ela que obedece,
garante: “As coisas são muito mais
abertas. Eu antes de ser actor sou uma
pessoa”. Sublinha a independência
da escolha e o trabalho de experimentação
que resulta da permanente troca
de papéis, ou da sua acumulação.
“Vou fazendo um percurso, seja ele
qual for. Amanhã posso deixar de ser
actor. Isso não significa que o meu
percurso como ser humano deixe ser
de importante. Estou num processo
de aprendizagem. E isso é o mais importante.”
T.B.C
No Museu Berardo, Jérôme Bel, que
cada vez mais acredita menos em peças,
transforma-se em videasta. Uma
das suas principais peças, “The show
must go on” (2001), vista há uns anos
no Porto, é apresentada em vídeo no
âmbito da exposição “Observadores
- Revelações, Trânsitos e Distâncias”,
comissariada por Ana Rito e Hugo Baque
a foi buscar a Espanha e a tem,
desde então, protegido. A ela cujo
discurso feminista radicalizado separa
águas e extrema posições. A ela que
se expõe, e ao seu corpo, que ela violenta
e manipula como se não lhe
pertencesse e carregasse, em si, todos
os pecados do mundo. Por ser mulher,
por ser política, por ser artista.
“La casa de la fuerza” (Culturgest, 11
e 12 Fevereiro) reorganiza o seu material
de trabalho e força uma nova
ordem para compreender a origem
do mal. A peça vem coroada de um
entusiasmo que só os franceses sabem
coser, como se a validação surgisse
apenas e só depois de os artistas passarem
pelo olímpico Festival
d’Avignon. Escreveu o “Libération”
que é “como uma cerimónia aos mortos,
um ritual cuidadosamente orquestrado
para arcar com a infelicidade
do mundo, um modo de reabrir
as feridas antes de eventualmente
voltar a fechá-las.” Já não falamos apenas
do modo unívoco como Liddell
pensa o mal e eleva a um outro nível
o teatro-catástrofe, individualizando
e pagando por isso; estamos num outro
patamar: o da expiação colectiva.
T.B.C.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 19

O Philip
Roth inglês
O prémio Man
Booker 2010 sobre
o que é ser judeu.
“Já devia estar à espera disto. A sua
vida tinha sido uma sucessão de infelicidades,
umas a seguir às outras. De
forma que já devia estar a contar com
esta.” É este o registo de “A Questão
Finkler”, de Howard Jacobson, o romance
vencedor do Man Booker Prize
2010 que será publicado pela Porto
Editora.
A personagem Julian Treslove tem
quase 50 anos e está em crise de identidade.
Quando uma mulher lhe chama
Judeu – ele não é judeu – começa
a viver obcecado com o judaísmo apesar
de não ter uma opinião concreta
sobre a circuncisão, o conflito entre
Israel e a Palestina, ou os monumentos
ao Holocausto – na verdade, sobre
todo e qualquer aspecto da cultura
judaica dos nossos dias. Howard Jacobson,
escritor britânico de origem
judaica, é considerado “o Philip Roth
inglês”, ,por causa dos seus romances
centrarem-se nas relações e
nos comportamentos da sociedade
judaica britânica.
Ele, de forma irónica e
polémica, prefere que
lhe chamem “o Jane
Austen judeu”. I.C.
Howard
Jacobson,
escritor
britânico de
origem
judaica, é
considerado
“o Philip Roth
inglês”
O escritor
na
berlinda
“Liberdade” foi o livro
do ano 2010 nos EUA.
Jonathan Franzen o
escritor da década. Isabel
Coutinho
LUKE MACGREGOR/REUTERS
À terceira foi de vez. O escritor Michel
Houellebecq recebeu o Prémio Goncourt,
no dia 8 de Novembro de 2010,
pelo romance “La Carte et le territoire”.
Venceu à primeira volta com sete
votos contra dois. O livro, ainda sem
título em português, vai ser editado
pela Objectiva.
O escritor já tinha sido finalista deste
prémio, em 1988, com “As Partículas
Elementares” (editado em Portugal
pela Temas e Debates), e em 2005
com “A Possibilidade de uma Ilha”
(Dom Quixote). Talvez este seja, de
todos os seus livros, o mais fácil de ler
– diz ele. Mas é também o mais complicado
em termos de estrutura.
Há cinco anos que o autor francês
contemporâneo mais conhecido e
vendido no mundo não publicava um
romance. Frédéric Beigbeder, seu
amigo de longa data, escreveu no “Le
Fígaro” que “La Carte et le territoire”
é um livro sobre “o desaparecimento
da arte e a transformação da França
em objecto de museu” para o turismo
mundial.
É também uma obra sobre a solidão
e a velhice. Nela, Houellebecq leva
mais longe a sua paródia: o escritor e
o seu cão, personagens do romance,
são violentamente assassinados. Mas
antes disso, Jed Martin, a personagem
principal, um fotógrafo, vai à Irlanda
pedir ao famoso escritor que escreva
um texto para o catálogo de uma das
suas exposições. Ao longo de todo o
livro surgem personagens com nomes
de pessoas que existem na realidade.
Logo no primeiro capítulo encontramos
Jeff Koons e Damien Hirst, artistas
plásticos. A revista “Les Inrockuptibles”
escreveu que as personagens
masculinas – o fotógrafo, o pai arquitecto
e o escritor famoso – são todas
Houellebecq, que neste livro faz o seu
melhor auto-retrato.
Livro lançado, Houellebecq foi acusado
de plágio por ter usado citações
da wikipédia e de “sites” oficiais da
net que depois modificou numa técnica
que se aproxima do patchwork.
O PDF do livro foi disponibilizado na
Internet com a mensagem: “ La carte
et le territoire’ é uma obra de Michel
Houellebecq sob licença da Creative
Commons”.
O mais famoso escritor francês contemporâneo,
que era o inimigo público
que passou a ser amado pelos média,
afirmou que talvez este fosse o
seu último livro. Mas como não controla
nada agora já não sabe se isso
será verdade. I.C.
Finalmente, o Goncourt
2010 foi o ano em que Michel
Houellebecq passou de inimigo
público a escritor adorado.
O mais
famoso
escritor
francês
contemporâneo
afirmou que
talvez este
fosse o seu
último livro
Aconteceu o improvável. No dia 6 de
Dezembro de 2010, o escritor norteamericano
de que mais se falou o ano
passado, Jonathan Franzen, sentou-se
em frente à apresentadora mais famosa
da América: Oprah Winfrey. Os
dois tiveram uma desavença há anos,
era o momento de fazerem as pazes.
O desentendimento aconteceu quando
Oprah escolheu “Correcções”, em
2001, para o Clube do Livro do seu
programa. Em vez de se mostrar satisfeito
por ter sido escolhido, Franzen
disse que temia que os leitores
masculinos se afastassem do romance.
Comportou-se como um snobe.
Oprah não gostou das considerações,
desconvidou-o e Franzen não chegou
a ir ao programa. Nessa altura aprendeu
uma lição: tem que se ter respeito
pela TV e pelo seu poder.
Nove anos depois, Oprah voltou a
escolher um romance de Franzen para
o seu Clube do Livro mas pediu-lhe
permissão. Ele ficou feliz. E ela anunciou
o livro como “uma obra-prima que
abrange três décadas”, “uma saga familiar
épica” que tem de tudo: sexo e
amor, rock and roll, enfim, tudo aquilo
que se quer num livro, disse. O romance
chama-se “Freedom” e vai ser
publicado pela Dom Quixote, em Fevereiro,
com o título “Liberdade”.
Conta-nos a história da família Berglunds
e ao longo do livro tudo se
desmorona ou tudo se compõe. Walter
Berglund é um pai em crise de
meia-idade, um advogado defensor
do meio ambiente que faz algumas
escolhas erradas. Patty é a sua mulher
e parece perfeita à volta dos filhos,
Jessica e Joey. Nos tempos de faculdade,
Patty era basquetebolista e apaixonada
pelo músico Richard Katz,
companheiro de quarto de Walter. Foi
a partir dela que Franzen começou a
construir o romance e os leitores vão
seguindo a sua vida através dos anos
Bush até ao início da governação de
Barack Obama. “‘Liberdade’ descreve
e disseca os fracassos e hipocrisias de
uma vulgar família da classe média
do Midwest denunciando através dela
as tentações e os pesadelos conse-
PIERRE VERDY
O regresso de Lídia
Jorge
Um romance sobre o êxito e
a perda. E a fama.
“Combateremos a Sombra”, o último
romance de Lídia Jorge, foi publicado
em 2007. Quatro anos depois, em Mar-
livros
DANIEL ROCHA
20 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

ço, a escritora lança “A noite das mulheres
cantoras” na Dom Quixote.“É
um romance passado nos anos 80 do
século XX, com um tema de inesperada
audácia: a idolatria e a construção
do êxito. Trata-se de um livro que se
constrói em torno da questão da fama”,
conta a sua editora Cecília Andrade. É
um romance sobre “o êxito e a perda,
sobre um equívoco e a passagem do
tempo. Um monólogo, uma escrita na
primeira pessoa, a reconstrução de
uma memória e de um
segredo”, acrescenta, explicando
que o livro, tal
como acontece na obra
da autora, é sobre uma
questão social, sobre a força
do grupo e a aniquilação
do indivíduo perante o
colectivo. “A pergunta que
fica é: Quantas vítimas deixamos
pelo caminho para perseguir
um objectivo?” I.C.
PEDRO CUNHA
“O Cemitério
de Praga”
sairá em
Março
JOHN MACDOUGALL/AFP
Eco, 30 anos depois
de “O Nome da Rosa”
A história do século XIX passa
por aqui.
Umberto Eco chega este ano a
Portugal em dose dupla. O seu
novo romance “O Cemitério de
Praga” sairá na Gradiva em Março
e surge trinta anos depois do
best-seller “O Nome da Rosa”.
Através da personagem Simonini,
um falsificador de documentos
que vive em Paris, em
1897, se dedica também
à venda
de hóstias
sagra-
das para missas satânicas, o escritor
italiano revê toda a história do século
XIX. Simonini, a personagem mais
cínica e
antipática de toda a história
da literatura que odeia judeus e mu-
lheres, é inventado mas tudo o resto
aconteceu, pelo romance passam personagens
históricas como Dreyfuss,
Freud e
Garibaldi. Em Itália o roman-
ce vendeu 650 mil exemplares num
mês. Lá para o final do ano, sairá na
Dom Quixote não ficção o primeiro
volume dos quatro que constituem a
“História da Idade Média” de Umber-
to Eco. I.C.
DANIEL ROCHA
Os inéditos de José Saramago
“Clarabóia” e inédito inacabado.
2011 voltará a ser ano José Saramago.
O manuscrito inacabado em que o
escritor estava a trabalhar quando
morreu o ano passado, “Alabardas,
alabardas, espingardas, espingardas”,
será publicado este ano pela Companhia
das Letras no Brasil e há também
a possibilidade do inédito sair em Portugal
na Caminho, segundo o editor
Zeferino Coelho. A editora portuguesa
publicará “Clarabóia”, o romance
que Saramago terminou no dia 5 de
Janeiro de 1953, assinado com o pseudónimo
Honorato, mas nunca foi publicado
tendo ficado perdido nos arquivos
da antiga Editorial Notícias. É
a história de um edifício com seis inquilinos.
Saramago dizia que o livro
era ingénuo mas não estava mal construído.
I.C.
Jonathan
Franzen
tornou-se
o tipo de
escritor que
não queria
ser: os fãs
aproximamse
não para
terem o seu
livro assinado
mas para que
ele autografe
a “Time” que
lhe dedicou
uma capa
FERNANDO BAPTISTA / FRANKFURTER BUCHMESSE
quentes do excesso de liberdade da
sociedade americana contemporânea”,
explica a editora da Dom Quixote,
Cecília Andrade.
O livro teve toda a atenção que poderia
ter. Há uma década que a “Time”
não colocava a fotografia de um
escritor norte-americano na capa (a
última vez tinha acontecido em 2000,
com Stephen King) e lá estava a cara
de Franzen ao lado da frase: “Great
American Novelist”. Para ajudar à festa,
Barack Obama levou “Liberdade”
para ler nas férias.
Depois do estrondoso sucesso de
“Correcções”, Franzen ficou bloqueado.
Só conseguiu voltar a escrever
depois do suicídio do escritor David
Foster Wallace, um dos seus melhores
amigos, em 2008.
Elizabeth Wurtzel ( autora de “Nação
Prozac”) tem uma teoria sobre
isto. Quando Wallace se suicidou foi
considerado o maior escritor da sua
geração. Isso, contou ela à revista
“GQ”, terá abalado Franzen. “Ele não
pode suportar a ideia de Wallace ser
o melhor escritor de sua geração, por
isso escreveu um novo livro. Agora
dizem a mesma coisa dele”.
Franzen não lê o que escrevem sobre
ele. “Aprendi a minha lição depois
de passar noventa minutos infrutíferos
a pesquisar-me no Google em
2001. Acho que a ideia ‘Franzen é um
elitista mimado’ é falsa, apesar de ter
na sua essência algo de verdadeiro.
Tenho uma vida privilegiada. Acredito
que alguns livros são melhores do
que outros. Acho que a popularidade
não indica magnitude. Nesse aspecto,
suponho que sou elitista. Mas penso
que o termo ‘elitista’ é uma antítese
do que eu tentava fazer como escritor:
chegar à maior audiência possível.
Trabalhei tanto – e de uma maneira
consciente – para não excluir pessoas”,
disse também à “GC”.
O absurdo é que Jonathan Franzen
se tornou num tipo de escritor que
não queria ser. Tem fãs que se aproximam
dele e não querem ter o seu
livro assinado: pedem-lhe autógrafos
na capa da revista “Time”.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 21

expos
Margarida
Mendes
reabre
a barbearia
Depois de Pablo
León la Barra ou
Karen di Franco,
esperam-se outras
epifanias a partir
de Fevereiro.
É um dos regressos mais aguardados. ados.
A jovem comissária, que durante um
ano agitou o panorama nacional da
arte contemporânea, está de volta,
ao que tudo indica, a partir de
Fevereiro. E de novo com o seu
The Barber Shop, junto ao Marquês
de Pombal, no numero cinco
da Rua Rosa Araújo. Ou seja,
esperam-se mais momentos intensos
de discussão e conhecimento,
como os que, em 2010,
trouxeram a Lisboa Pablo León
la Barra ou Karen di Franco. Numa
só noite ou num só dia, num
antiga barbearia. J.M.
22 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon
A comissária
está de volta
RAQUEL ESPERANÇA
O mundo de Gonçalo
Pena está a chegar
O ano da pintura transbordante de Gonçalo
Pena. Encontro imediato com um universo até
aqui quase secreto. José Marmeleira
Pintura
excessiva,
cheia,
colorida,
untuosa,
redonda. Onde
as
personagens,
as figuras,
posam
“orgulhosas”,
necessárias
LUÍS RAMOS
Um vislumbre sobre o que 2011 vai
destapando e eis que a pintura e o desenho
se revolvem em várias exposições.
Não se trata de um regresso.
Antes de um acordar, que permitirá
testemunhar a vitalidade dos meios
ao dispor das duas linguagens. Comece-se
pela pintura de Cabrita Reis, a
partir de 4 de Julho, na primeira grande
retrospectiva do artista em Lisboa,
organizada pelo Museu Colecção Berardo
(a versão lisboeta de “One after
another: a few silent steps” apresentada
em Hamburgo, Nîmes e Lovaina
e em cujo catálogo será possível ler o
contributo do António Lobo Antunes).
E o desenho na exposição que desvenda,
em Outubro, o trabalho de José
Loureiro com a disciplina, na Culturgest
de Lisboa. Encontros parecidos
Eduardo Batarda
“watching us” em Serralves
Um dos mais sólidos corpos
de trabalho da arte contemporânea
portuguesa em revisão.
Autor de uma das exposições do ano
para o Ípsilon, distinguido há pouco
tempo com o Grande Prémio EDP,
Eduardo Batarda dispensa apresentações,
revisões ou consagrações. Mas
como é (sempre) bom voltar a ver (ou
ver pela primeira vez) a sua obra solitária,
irónica, desnorteante, bela. Política
e anti-política. É assim, com todo
estes adjectivos, que ela estará à nossa
espera no Museu de Serralves, em
Outubro. Com o comissariado de João
Fernandes e do próprio Eduardo Batarda.
Com ou sem crise. J.M.
Os Von
Calhau!
(Marta e
Alves) são o
ovni da arte
contemporânea
portuguesa
FRED LOBO
DANIEL ROCHA
estão guardados para duas exposições
que resgatam Nikias Skapinakis e Luísa
Correia Pereira: o primeiro será
objecto de uma mostra também no
Berardo; a segunda, falecida em 2009,
poderá ser justamente relembrada,
através de um conjunto de desenhos
inéditos, na Culturgest do Porto, entre
Maio e Julho.
Mas apetece dizer que este será o
ano da pintura. Acrescentamos: da
pintura de Gonçalo Pena. Da sua pintura
excessiva, cheia, colorida, untuosa,
redonda. Onde as personagens,
as figuras, posam “orgulhosas”, necessárias.
Onde os planos compõem
narrativas, histórias. Onde a tela respiga
vorazmente imaginários (republicano,
contemporâneo, pictórico,
surrealista), para os devolver ao es-
Batarda: uma
obra solitária,
irónica,
desnorteante
pectador. Pintura a óleo, plena de iconografias,
símbolos, arquétipos, mitos
e História. Construída sob o farto
aconchego da pintura dos séculos
XVIII e XIX (de toda a pintura!), mas
também com o traço docemente musculado
da ilustração e de outras artes
visuais. Uma obra pictórica que é uma
enorme janela para um mundo.
Algumas notas biográficas: formado
em Pintura, Gonçalo Pena deixou em
2005 a Escola Superior de Arte e Desenho
das Caldas da Rainha, onde
ensinava, para se dedicar à carreira
artística, iniciando a partir daí um percurso
que se tornou num dos mais
“misteriosos” da arte contemporânea
portuguesa. Nos anos 90 fez ilustração
para jornais e revistas portuguesas (da
“Ler” ao “Independente”, passando
pelo “Público” e a “Egoísta”) e expôs
na Galeria Graça Brandão (em Lisboa
e no Porto), tendo em 2007 realizado
a sua primeira individual na Galeria
Fucares, em Madrid. Acrescentam-se
várias colectivas e recentemente um
momento alto: a individual “Musée
de l’Armée: Le Retour des Botées”,
ainda patente na Galeria Municipal de
Torres Vedras (até 12 de Janeiro). Onde
explora o imaginário napoleónico e a
iconografia associada, com derivas
temáticas pelos conceitos de herói, o
liberalismo, a sexualidade. Sem se restringir
à pintura: inclui também fotografias,
colagens, jogos.
E agora a razão pela qual Pena marcará
2011. Porque em Junho inaugura
na Galeria Zé dos Bois em Lisboa uma
exposição de trabalhos novos e antigos,
em co-autoria com Natxo Checa.
Desenvolve a abordagem apresentada
em Torres Vedras: às telas juntam-se
outras coisas. “Objects trouvés”, artefactos
romanos, animais vivos, pinturas
de outros pintores, documentos,
imagens. Um arquivo onde cabem referências
à ideia de ruína, ao tropicalismo.
Um arquivo imenso nascido
com e da pintura. O mundo de Gonçalo
Pena. Está a chegar.
O ovni Von
Calhau!
Um disco, uma
exposição
e uma digressão
europeia: eles
podem partir tudo
em 2011.
Performance, som, música, arte, concertos,
exposições e workshops. Filmes
de 16mm, psicadelismo, transe.
Os Von Calhau! (Marta e Alves) são o
ovni – sem exagero – da arte contemporânea
portuguesa. São o duo “party-crasher”
da 10ª edição do Prémio
União Latina – foram seleccionados
com os “favoritos” Pedro Barateiro,
Renato Ferrão,
Mauro Cerqueira.
E 2011 pode ser o
ano deles. Vão ter
um disco (“Quadrologia
Pentacónica”),
uma exposição
(Cascais) e
uma digressão por
várias cidades europeias.
J.M.

estrutura financiada por
SÃO
LUIZ
JAN ~11
silva!designers
SESSÃO COM INTERPRETACÃO EM
LÍNGUA GESTUAL PORTUGUESA:
16 JAN, 17H30
WWW.TEATROSAOLUIZ.PT
M/12
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6ª EDIÇAO BES REVELAÇAO
SÃO LUIZ TEATRO MUNICIPAL
RUA ANTÓNIO MARIA CARDOSO, 38; 1200-027 LISBOA
GERAL@TEATROSAOLUIZ.PT; TEL: 213 257 640
BILHETEIRA DAS 13H00 ÀS 20H00
TEL: 213 257 650 / BILHETEIRA@TEATROSAOLUIZ.PT
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desenhos de João Jacinto
curadoria: Paulo Pires do Vale
O BANCO ESPÍRITO SANTO E A FUNDAÇAO DE SERRALVES
APRESENTAM CARLOS AZEREDO MESQUITA, EDUARDO GUERRA,
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6ª EDIÇAO DO BES REVELAÇAO. VENHA CONHECER OS SEUS
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Exposição: 5 de Dezembro de 2010 até 26 de Fevereiro de 2011
Horário: de quarta-feira a sábado, das 15h00 às 20h00
Ciclo de conversas «Auto-retrato e Identidade»
(na literatura, na filosofia e na arte):
João Barrento – «Do Eu ao Há: Pessoa, Celan, Llansol»
22 de Janeiro (sábado) às 17h00
Maria João Branco – «Imagens monológicas. A pele e a voz»
29 de Janeiro (sábado) às 17h00
Bruno Marchand – «Auto-retrato, Auto-representação e Identidade»
5 de Fevereiro (sábado) às 17h00
«Relatório Confidencial», Orson Welles (1955) – projecção do filme
com introdução de João Jacinto e Paulo Pires do Vale
26 de Fevereiro (sábado) às 17h00
APOIO
CONFEDERAÇÃO
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Edifício Soeiro Pereira Gomes (antigo Edifício da Bolsa Nova de Lisboa)
Rua Soeiro Pereira Gomes, Lte 1- 6.ºD, 1600-196 Lisboa
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A minha peça de te
é melhor do qu
“Internal”: cinco performers
para cinco espectadores
VIRGINIE SCHREYEN
Em “The Smile Off Your Face”,
o espectador não sabe
de que terra é
A partir de amanhã, os Ontroerend Goed fazem teatro de um para um na Culturgest. “Personal T
Your Face” e “A Game of You”, é uma tareia em três “rounds” que deixa o espectador KO: perdido, m
Alexander Devriendt morre de vontade
de contar o que de facto se passa
em cada uma das três peças da “Personal
Trilogy” que os Ontroerend
Goed apresentam, a partir de amanhã,
na Culturgest, em Lisboa (ou
então morre de vontade de acabar
rapidamente a conversa, porque isto
que acabámos de interromper é a sua
festa de aniversário), mas isso seria
estragar tudo. “Internal” (2007), “The
Smile Off Your Face” (2003) e “A Game
of You” (2010) são o tipo de teatro
a que se sobrevive para não contar,
porque o contrário seria a morte não
do artista, mas do espectáculo e até
do espectador, que sai de cada um
destes três “rounds” KO depois de
uma luta extenuante contra aquilo
que nem nos seus sonhos mais indecifráveis
imaginaria encontrar pela
frente: a sua própria imagem, projectada
num espelho assustadoramente
esclarecedor (e entretanto, como Devriendt
morre de vontade de contar
tudo mas não conta nada, aqui estamos
nós a escrever um texto sobre
não sabemos exactamente o quê:
“Força!”, diz ele, antes de ir outra vez
fazer 34 anos).
Parece sinistro, isto de o teatro poder
tornar-se tão pessoal que sabe
mais sobre nós do que nós sobre ele,
“As pessoas sabem
os limites que
separam a ficção
da realidade.
Mas claro que um em
cada mil espectadores
passa os limites, e
quando isso acontece
temos de mudar o
espectáculo todo”
Alexander Devriendt
mas para muitas das centenas de pessoas
que já passaram por estes umpara-um
dos Ontroerend Goed (na
Bélgica, onde as três peças se estrearam,
ou em Edimburgo, onde os dois
primeiros capítulos da trilogia fizeram
história, talvez com H grande) não foi
sinistro, foi uma epifania. “As pessoas
aprenderam coisas sobre si próprias
de que nem suspeitavam: muita gente
veio agradecer-nos por lhe termos
mostrado isto ou aquilo. É claro que
isso pode acontecer em qualquer espectáculo;
a diferença é que aqui o
que fazemos é verdadeiramente personalizado,
e isso pode mudar o mundo.
Não acredito em revoluções colectivas,
mas acredito em revoluções
individuais, e ao longo desta trilogia
vi-as a acontecer. Até comigo: aconteceram-me
coisas com alguns espectadores
que nunca me tinham acontecido
na vida, e isso é muito poderoso”,
explica o actor e encenador do
grupo. Houve alturas em que teve medo
disso: “Na noite em que estreámos
‘Internal’, houve uma rapariga que
acabou com o namorado no fim da
peça. Veio ter comigo e eu, angustiadíssimo:
‘Não é isto, eu não quero
fazer peças que façam acontecer coisas
dessas’. Ela garantiu-me que não
foi a peça: podia ter sido um livro, um
filme, um passeio no parque. Para
mim isso foi o mais extraordinário:
perceber quão profundamente os espectadores
conhecem os mecanismos
do teatro. As pessoas sabem os limites
que separam a ficção da realidade.
Mas claro que um em cada mil espectadores
passa os limites, e quando
isso acontece temos de mudar o espectáculo
todo”.
Não será tão grave como ter de mudar
a vida toda, o que como vimos às
vezes também acontece, mas diz muito
sobre o papel que sucessivas vagas
de espectadores tiveram na construção
destes espectáculos. “No fundo”,
sublinha Devriendt, “esta trilogia é
uma investigação do espectador, uma
espécie de ‘quem és tu?’. Ficámos tão
fascinados pelo contacto um-a-um
que nos deixámos levar. Mas só ao fim
de sete anos é que percebemos que
os três espectáculos podiam funcionar
como uma trilogia”. Funcionam.
E onde os Ontroerend Goed descobriram
o sentido do teatro houve
quem descobrisse o sentido da vida.
Os limites do controlo
“Smile Off Your Face” (dias 11, 12 e 13),
a primeira pedra deste empreendimento,
começou por ser um exercício
formal de inversão das regras de comportamento
numa sala de espectáculos,
o tipo de sítio onde em princípio
o espectador nunca está sozinho e é
obrigado a permanecer sentado no
seu lugar, a não ser para bater palmas
no fim. “Quisemos que o espectador
estivesse sozinho, numa cadeira que
se mexe, vendado e impedido de bater
palmas”, esclarece Devriendt, e
mais não diz. O que acontece a seguir
(descobrir os segredos dos Ontroerend
Goed pode ser um trabalho sujo,
mas tivemos de o fazer) é um assalto
de 20 minutos - um assalto que
a crítica britânica descreveu como
próximo da epifania, coisa capaz de
mover montanhas, ou pelo menos
gente empedernida por décadas de
teatro que não quer saber dos espectadores
para nada. Desde a estreia,
em Gent, a companhia teve todo o
tipo de reacções, algumas “extremas”,
e foi preciso readaptar constantemente
a peça. Mas os Ontroerend
Goed aprenderam a confiar nos
espectadores, e os espectadores
aprenderam a confiar neles: “Devo
admitir que vendar e amarrar pessoas,
a seguir pô-las numa cadeira de
rodas e arranjar maneira de mesmo
assim elas se sentirem confortáveis é
um feito. Mas quando isso acontece
as pessoas estão dispostas a deixar-se
24 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

eatro
e a tua
“A Game of You”: aquilo que vemos
ao espelho é o nosso avatar
VIRGINIE SCHREYEN
ELIES VAN RENTERGHEM
l Trilogy”, compacto que reúne “Internal”, “The Smile Off
, mas às vezes reencontrado, no seu labirinto. Inês Nadais
ir seja para onde for”, diz Devriendt.
“Internal” (amanhã e depois), a
peça que veio a seguir, continua a
poder ir parar a lugares imprevisíveis:
ao contrário de “The Smile Off
Your Face”, praticamente não há
guião, e os actores constroem o espectáculo
à medida que entram no
labirinto do seu espectador (à entrada,
cada um dos cinco actores escolhe
o seu “acompanhante”, que depois
leva para um privado: “Internal”
está entre o “speed-dating” e a
terapia de grupo). O céu só não é o
limite porque os Ontroerend Goed
não estão dispostos a tudo (e sobretudo
não estão dispostos a ultrapassar
os limites de cada espectador),
mas esta é a peça depois da qual,
algures num quarto belga, não ficou
pedra sobre pedra. Eis portanto a
razão pela qual Alexander Devriendt
não nos conta tudo o que sabe:
“Os espectadores sabem que o que
acontece nas nossas peças fica nas
nossas peças. Isso é determinante.
Mas há histórias, pá, tivemos pessoas
a fazerem as coisas mais estranhas...
O que é incrível é que as pessoas sejam
cúmplices deste mistério: nós
nunca pedimos segredo aos espectadores,
mas eles não dizem a ninguém
o que se passa aqui dentro. É lindo. É
“O que acontece
nas nossas peças fica
nas nossas peças (...).
O que é incrível
é que (...) nós nunca
pedimos segredo aos
espectadores, mas
eles não dizem a
ninguém o que se
passa aqui dentro.
É lindo. É como
se a peça fosse só
nossa e delas”
Alexander Devriendt
como se a peça fosse só nossa e delas”.
Continua a parecer assustador: um
buraco negro, de onde pelos vistos se
sai melhor mas sabemos lá a que preço.
Mas é tão assustador para nós como
para eles: “Aqui os actores não são
servos do texto, como costuma acontecer
no teatro, mas são servos do
público. Pode parecer que estamos
sempre em controlo, mas dependemos
completamente do espectador.
Estamos lá para ele. Ele pode continuar
a viver a sua vida dentro das
nossas peças, nós é que não. Mesmo
que ele venha e não faça nada, nós
temos qualquer coisa para lhe mostrar”,
continua.
Também é esse o jogo em “A Game
of You” (dias 15 e 16), em que os Ontroerend
Goed criam um avatar para
cada espectador. Parece uma oferta
generosa - e é. “Quando estávamos a
fazer a peça na Bélgica, houve um dia
em que uma crítica flamenga apareceu
para ver e nos atirou com um ‘Então,
é esta a peça em que vou ficar a
saber tudo sobre mim?’. Ficámos em
pânico. Mas acho que sim, que ela ficou
a saber uma ou outra coisa sobre
ela”, conclui Devriendt.
Venha daí a nossa peça de teatro:
também queremos ter qualquer coisa
que não seja de mais ninguém.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 25

“No Ocidente
podemos mudar
de identidade a toda
a hora. Podemos
tocar reggae num dia
e música indiana
no dia seguinte.
No Congo, a tua
identidade é o padrão
rítmico específico que
tocas no chocalho,
uma dança específica,
e é complicado
perceber uma cultura
em que não estamos
ligados a algo”
Vincent Kenis
Há mais de dez anos que Vincent Kenis
desembarcava regularmente no
Aeroporto Internacional de N’Djili em
Kinshasa. Nas mãos, carregava a bagagem
para uma estada de duração
incerta; no estômago amarrotado, a
ansiedade electrizante de poder finalmente
descobrir o rasto de um grupo
chamado Konono Nº1, desaparecido
de circulação há 20 anos. Mas a esperança
começava a ruir. De cada vez,
os resultados das suas investigações
eram-lhe sempre lembrados num familiar
número redondo (que parecia
piscar a um ritmo desmaiado na sua
despedida de N’Djili): zero. Numa nova
investida, Vincent deixou-se conduzir
pela mão da filha de Dr. Nico –
um dos grandes heróis da guitarra no
Congo, sendo o outro Franco – a todos
os sítios que, na cabeça dela, poderiam
sugerir quaisquer pistas. Uma
vez mais, zero. Até que o acaso tratou
de produzir os resultados que o planeamento
falhara. Ao passearem calmamente
por uma dessas grandes
avenidas da capital da República Democrática
do Congo, a janela aberta
de uma qualquer associação deixou
escapar para a rua o som dos Konono
e a imagem de gente a dançar uma
música perdida no tempo como se
fosse o sucesso do momento. Vincent
tinha descoberto uma espécie de clube
de fãs do grupo e jogou a sua cartada
desesperada.
O contacto ali estabelecido assegurou-lhe
que conseguiria chegar à fala
com os Konono. Vincent esperou um
telefonema durante o resto da sua
estada em Kinshasa, mas foi só depois
do regresso a Bruxelas que soube que
pouco depois de ter apanhado o avião
de volta o grupo voltara a juntar-se.
E que, afinal, nunca tinham parado
de tocar, simplesmente tinham sido
escorraçados para a teia de uma periferia
pantanosa e insondável, onde
viviam muitos dos praticantes originais
do som tradi-moderne de que os
Konono eram o diamante mais visível.
Diz Vincent que se tratou de uma manobra
do autoritarismo de Mobutu,
presidente entre 1965 e 1997, derrubado
apenas pela morte, invenção de
um cancro na próstata. Quando em
71 Mobutu iniciou a sua Campanha
pela Autenticidade, recusando todas
as referências exteriores e promovendo
a supremacia cultural africana,
obrigando todos os congoleses a substituírem
os nomes europeus por nomes
africanos, fazendo do Congo um
outro país chamado Zaire, defendeu
o aparecimento e a sobrevivência de
grupos como os Konono Nº1 e os Kasai
Allstars. “Diziam às pessoas para
não ouvirem música estrangeira, para
que ficassem mais próximas da sua
cultura”, lembra Kenis. “O que parece
uma excelente ideia para um país
muito musical e tão grande quanto
um continente”.
Em 1974, quando se deu o lendário
combate de boxe entre George Foreman
e Muhammad Ali em Kinshasa,
o tradi-moderne era um movimento
imenso na capital, com grupos a povoarem
cada esquina, como prostitutas
numa cidade europeia. Foi esse
cenário que o músico sul-africano Hugh
Masekela encontrou quando se
deslocou para testemunhar o gancho
de direita com que Ali deitou Foreman
ao tapete. O KO que devolveu Ali
ao trono mundial, ao derrotar um adversário
mais novo, teria um correspondente
inverso na música congolesa.
Mobutu deixou de ver nestes
grupos de expressão mais tribal um
meio para chegar às massas, e o Estado
fechou a torneira, escorraçando-os
para fora do centro, abrindo caminho
para a juventude de grupos trans-étnicos,
para a rumba, para o jazz africano,
“mais fáceis de usar como meio
político, porque se dirigiam ao país
como um todo”. Estes géneros seriam
depois engolidos pela proliferação de
música religiosa inspirada pelo gospel
americano que tomou conta das ruas
Kasai Allstars
e Konono
Nº1 elevam a
música tribal
congolesa a
fenómeno da
world music
até hoje e que a juventude se habituou
a encarar como a face da modernidade
congolesa. Daí que a sonoridade
tradi-moderne dos Congotronics, se
mostrada agora aos locais, é descartada
com uma sentença: “Ah, isto é
música dos anos 70”. É música demasiado
associada ao passado, a Mobutu
e à propaganda para que possa gozar
do mesmo sucesso com que chega ao
exterior.
Quando Vincent voltou ao Congo
em 2002 para gravar os Konono Nº1,
estava prestes a dar origem a um dos
mais marcantes fenómenos na world
music: a série Congotronics. O “tronics”,
entenda-se, não é tanto alusivo
à electrónica quanto à electricidade,
uma vez que a força propulsora desta
música é o som dos três likembés passados
por amplificadores que, por sua
vez, medeiam servem de canais de
distribuição de energia para os corpos
de quem ouve. Segundo se conta,
Mingiedi, o fundador do grupo, terse-á
interessado pela electrificação
dos instrumentos para que a música
não morresse sob o tráfego incessante
de Kinshasa. E, portanto, quando
Kenis se encontrou com o grupo em
2002, deu de caras com a mesma música
por que se tinha apaixonado 20
anos antes ao ouvir os Konono num
programa da rádio France Culture,
miraculosamente abrigada de qualquer
tentação modernizadora. Afinal,
conta o homem que produziu a série
Congotronics, Mingiedi pretendia
apenas “reproduzir a música tradicional
que o seu pai tocara enquanto
músico na corte do rei da sua tribo, a
200 quilómetros de Kinshasa”.
Problema quase filosófico
A relação de Vincent Kenis com a música
congolesa começou no final dos
Electricidade a céu
A série Congotronics, sinónimo de electrificação de instrumentos precários para se
sobreporem ao tráfego de Kinshasa, é-nos explicada pelo seu produtor Vincent Kenis,
numa altura em que duas compilações revisitam a matéria dada. Gonçalo Frota
26 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

O TNSJ É MEMBRO DA
MECENAS TNSJ
anos 70, quando se envolveu na cena
musical cubana em Bruxelas. Dada a
escassez de instrumentistas cubanos,
os congoleses da ex-colónia belga
eram convocados para levar ao palco
a sua experiência com rumbas e ritmos
latinos. “Eles eram falsos cubanos,
tal como eu, e quando nos conhecemos
mostraram-me a música
deles. Mas a cena da Congotronics é
muito diferente da rumba”, realça
Kenis. Depois da epifania ao ouvir a
France Culture servida pelo radialista
Bernardo Preton, o mesmo foi ainda
responsável pela edição, anos mais
tarde, em 1987, da compilação “Zaire:
Musiques Urbaines a Kinshasa”. “Gostei
muito de ele ter lançado a música
no formato de cassete e não de LP. A
razão era que a maioria das canções
era demasiado longa para caber num
lado de LP e ele não quis cortar”. Pouco
depois, seria Vincent a lançar a sua
primeira lança em África: a produção
aberto
de “Toleki Bango”, dos Classic Swede
Swede, editado em 1994 e que o próprio
considera uma espécie de “Congotronics
nº0”.
A existência de um único estúdio
em Kinshasa, pago a peso de ouro e
sem capacidade para gravar 12 músicos
em simultâneo, e a necessidade
de gravar com um baixíssimo orçamento
levaram a que Vincent optasse
por efectuar as gravações para os quatro
volumes da série Congotronics –
dois álbuns dos Konono Nº1, um dos
Kasai Allstars e uma compilação com
mais uns quantos nomes menos conhecidos
– ao ar livre. Além disso, a
estranheza da situação artificial do
estúdio para músicos habituados a
tocar a céu aberto não prometia os
melhores resultados. “Penso que é
melhor eles tocarem num sítio que
conhecem, em que dominam a acústica
e se sentem mais confortáveis. E
os instrumentos de percussão soam
sempre melhor ao ar livre”. Com os
Staff Benda Bilili – grupo que gravita
em torno dos Congotronics mas que
não integra oficialmente a série –, as
gravações foram no jardim zoológico
da cidade, sítio onde ensaiavam, tirando
proveito da autorização especial
conseguida pelo baixista, ex-militar
que tratava dos cavalos do Presidente
e os levava para ali a pastar.
Actualmente a preparar um encontro
em palco entre os músicos congoleses
e os ocidentais da música indie
ocidental que os homenageiam no
disco “Tradi-Mods vs. Rockers”, Vincent
Kenis tem “um problema quase
filosófico” relativamente à ideia: “No
Ocidente vivemos num mundo de informação,
em que podemos mudar
de identidade a toda a hora. Podemos
tocar reggae num dia e música indiana
no dia seguinte. Identificamo-nos
cada vez menos com um certo tipo
de música. Enquanto no Congo, nas
cidades, a tua identidade é a tua música,
a tua identidade é o padrão rítmico
específico que tocas no chocalho,
uma dança específica, e é complicado
para eles perceber uma
cultura em que não estamos ligados
a algo. Por isso, a música deles com
outras pessoas à partida é impossível.
A música está ligada tão intimamente
à identidade que querem estimar este
vínculo, não querem desbaratá-lo.
Quando tens 50, 60 ou 70 anos e nunca
tentaste fazer algo diferente, não
sentes essa necessidade e não queres
fazer figura de tolo. Muitos deles, os
Konono em particular, têm tocado em
todos os grandes festivais, gravaram
com a Björk e com o Herbie Hancock,
mas continuam a tocar o mesmo estilo
que tocavam antes e não querem
mudá-lo. E por que haviam de querer?”.
Até porque o objectivo, repetese,
é apenas o de imitar as cornetas
de marfim que tocavam para o rei de
uma tribo de que continuamos a não
saber o nome.
Ver crítica de discos págs. 38 e segs
www.casadamusica.com | www.casadamusica.tv
T 220 120 220
criação
TEATRO MERIDIONAL
encenação
MIGUEL SEABRA
saxofone alto · trompete · saxofone tenor
trombone · tuba · vibrafone · contrabaixo
bateria
APOIO
INSTITUCIONAL
PATROCINADOR OFICIAL
PAÍS TEMA
PATROCINADOR PRINCIPAL
PAÍS TEMA
Teatro
Nacional
São João
assistência artística
Jean Paul Bucchieri
dramaturgia
Francisco Luís Parreira
espaço cénico
e figurinos
Marta Carreiras
desenho de luz
Miguel Seabra
música original
e sonoplastia
José Mário Branco
coordenação geral
Natália Luiza
13-23
Jan
2011
interpretação
Carla Galvão
Cláudia Andrade
David Pereira Bastos
Emanuel Arada
Filipe Costa
Inês Lua
Inês Mariana Moitas
João Melo
Miguel Damião
Rui M. Silva
Susana Madeira
co-produção
TNDM II
Teatro Meridional
qua-sáb 21:30
dom 16:00
dur. aprox. 1:30
M/12 anos
www.tnsj.pt
LINHA VERDE 800-10-8675
MECENAS CICLO JAZZ MECENAS CASA DA MÚSICA APOIO INSTITUCIONAL MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA
fotografia Susana Paiva, design Margarida Kol, adaptação Joana Monteiro
Vincent Kenis
SEJA UM DOS PRIMEIROS A APRESENTAR HOJE ESTE JORNAL COMPLETO NA CASA DA MÚSICA E GANHE UM CONVITE
DUPLO PARA ESTE CONCERTO. OFERTA LIMITADA AOS PRIMEIROS 10 LEITORES.
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 27

Rússia, estrada p
Nos filmes do bielorusso Sergei Loznitsa, a Rússia confronta-se com os fantasmas da sua história. A
abanão. Retrospectiva integral na Culturgest, em Lisboa, a partir de quinta-feira, com a presença d
“Revue” e
“Blockade”: a
propaganda
comunista e o
cerco a
Leninegrado
em imagens
de arquivo
Não é uma estrada, é uma direcção...
e em direcção a sítio nenhum.
Tal como o camionista de “My Joy”,
o espectador está metido nisto: num
mundo impregnado do terror das fábulas,
de que ele não conhece regras,
onde a brutalidade é ancestral, como
a noite, como a neve. Onde não existe
passado nem presente, porque o
passado sempre ali esteve, a ser reiterado
no presente, como uma face
demoníaca que a espaços rasga uma
construção, uma ficção: URSS.
O camionista que tomou a direcção
errada perde a memória, violentado,
condenado a errar pelas profundezas
de uma estrutura mental. O espectador
também é traumatizado, obrigado
a progredir de abanão em abanão
“A Rússia é um grande
país com uma
história trágica. Isso
deve-se ao facto
de as pessoas não
reflectirem sobre
o seu passado e não
aprenderem com
a experiência
passada”
– um deles porque às tantas “My Joy”
dá uma cambalhota da actualidade
para a II Guerra Mundial e ninguém
esperaria isso (e mesmo agora que já
se sabe, a sacudidela continua a ser
assinalável).
É essa a experiência com os filmes
do bielorrusso Sergei Loznitsa – um
sentimento de deslocação física, somos
atirados para um “road movie”
imprevisível –, como se testemunhará
entre os dias 13 e 16, no Pequeno Auditório
da Culturgest, em Lisboa, na
retrospectiva integral dedicada ao cineasta
(organização da Associação
Zero em Comportamento).
Abre, dia 13, às 21h30, com “My
Joy” (“Minha Alegria”, título que uma
semana depois chega às salas). Rodado
na Ucrânia (por contingências de
produção), marca a passagem do documentarista
para a ficção, um filme
que sedimentou histórias que Loznitsa
foi coleccionando desde 1997,
quando começou a documentar um
país profundo de neve – daquelas histórias,
de folclore popular sombrio,
que alguém, sem razão aparente e
aproximando-se não se sabe de onde,
conta, antes de desaparecer na escuridão
também para um não se sabe
onde.
E para quem não sabe o que se passa
realmente em “Minha Alegria”...
A Rússia é um grande país com uma
história trágica. Isso deve-se ao facto
de as pessoas não reflectirem sobre
28 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

“The Train
Stop”:
“documentário”
ou
experiência
sensorial?
o seu passado e não aprenderem com
a experiência passada. Assim o país
vive num círculo vicioso, assombrado
pelos mesmos demónios. A história
de violência repete-se uma e outra vez
e nunca aprendemos as lições. Até
aprendermos a enfrentar o nosso
passado, a reconhecê-lo e a analisálo,
os problemas na Rússia vão continuar.
Quando mostro o filme em
várias partes da Rússia, dou-me conta
de que muitos espectadores se sentem
chocados apenas porque ignoram
a História do país. Mesmo se
está historicamente documentado
que milhões de soldados soviéticos se
renderam aos alemães durante os
primeiros meses da [II] guerra e uma
parte da população civil da URSS
ansiava pela mudança de regime,
porque acreditava que os alemães
seriam um mal menor face aos comunistas,
quando o meu filme evoca
isso, as pessoas perturbam-se. Durante
décadas foram alimentadas
por histórias de propaganda. E no
entanto, como cineasta, não estou
em posição de dar lições a ninguém
ou de redimir. O meu papel é perguntar.
Algumas delas perguntas incómodas,
acho...
Quando Loznitsa nos fala da passividade,
de uma recusa de reflexão,
vemos um colapso e impõem-se-nos
as imagens de “The Train Stop”
(2000, sexta-feira 14, 18h30). Diz-se
que é um “documentário”. Nós perguntamos
se não é mais uma experiência
sensorial: o som – sempre trabalhado,
construído e espesso nos
filmes de Loznitsa – da respiração de
russos a dormir enquanto o comboio
não passa na estação.
No Verão de 1999, o realizador e o
seu “cameraman” viajavam de Moscovo
para São Petersburgo quando o
comboio parou de repente no que parecia
ser o fim do mundo. O próximo
só passaria na manhã seguinte, o realizador
e o operador tiveram de passar
a noite na estação, minúscula...
Um caminho estreito levava, por entre
neve espessa, para uma pequena
sala de espera. Entrámos dentro de
um pequeno edifício decrépito e fiquei
espantado por ver a sala cheia
de pessoas a dormir, à espera de um
comboio que ninguém sabia quando
iria chegar... Foi esta experiência que
me levou a ‘The Train Stop’. E assim,
durante mais ou menos um ano, eu
e o meu operador de câmara fizemos
viagens até essa estação e filmámos.
Filmámos com uma lente que deu
uma característica especial à imagem:
focada no centro e cheia de névoa
nas margens. E sim, para responder
à sua pergunta: ‘The Train Stop’
é tanto um documentário como uma
“Os dois géneros,
ficção
e documentário,
apresentam valores
‘realistas’:
documentam
primeiro que tudo
a percepção que
o artista tem
do mundo e reflectem
o seu ponto de vista”
experiência sensorial. E quanto ao
som, também é ‘documental’ e também
é ‘fabricado’. Nunca se podem
separar esses dois aspectos
Isto serve para defender também
que se “My Joy” é “a primeira ficção”,
como é anunciada, de um documentarista
de 46 anos, para o espectador
essa mudança nada muda. Os documentários
deste engenheiro e matemático
de formação (entre 1987 e 1991
esteve envolvido no desenvolvimento
de sistemas de inteligência artificial;
a partir do final dos anos 90, dá-se a
passagem para o cinema; em 2001
emigra com a família para a Alemanha,
país que tem estado envolvido
na produção da sua obra) já se testemunhavam
como visões que o artista
impunha à “realidade”. Falar em “realidade”,
ou na documentação da
realidade, é por isso tão nebuloso como
a imagem de “The Train Stop”.
Os dois géneros, a ficção e o documentário,
apresentam valores ‘realistas’:
no sentido de que documentam
primeiro que tudo a percepção
que o artista tem do mundo e reflectem
o seu ponto de vista. O que é a
‘realidade’? Qualquer obra de arte,
seja um ‘documentário’ ou uma ‘ficção’,
é uma manifestação das visões
e das ideias de um artista, apenas
apresentam o seu ponto de vista. O
que vemos no ecrã são sombras. Como
pinceladas numa tela ou letras
numa página, as imagens de um filme
apenas podem ser olhadas como
‘documentos’ de um processo criativo.
Documentam a visão de um autor
e reflectem as suas ideias.
Para a prova estão aí dois “documentos”
espantosos, feitos com base
em material de arquivo, a que Loznitsa
acrescentou som: “Blockade”
(2005, sábado, 15, 18h30) e “Revue”
(2008, domingo, 16, 18h30). O primeiro,
parte de impressionantes imagens
da vida e dos gestos de sobrevivência
na Leninegrado cercada pelas tropas
alemãs – o cerco começou em 1941,
durou 872 dias, até Janeiro de 1944.
O trabalho de reconstituição sonora
– Loznitsa e o “sound designer” Vladimir
Golovnitsky acrescentaram o
som dos passos na neve, de vozes na
multidão, de edifícios a arder, de eléctricos
a circular nas ruas destruídas
– é tanto um esforço no sentido de
aprofundar o “realismo”, a “autenticidade”
– e o realizador diz-nos que
sobreviventes do cerco se espantaram
por se “lembrarem” do que ouviram
no filme – como uma operação de reconstituição
digna de um épico (de
ficção?) sobre uma odisseia humana.
O “realismo” da coisa enfrenta sempre
a sensação de espectros que existe
nos filmes de Loznitsa: vemos gente
morta.
“Revue” é uma montagem de material
de propaganda, do heroísmo
fabricado nas aldeias, nos movimentos
juvenis, na educação das crianças,
nas fábricas, no planeamento económico...
Como uma pastoral, uma utopia,
arrancada às dificuldades, está
hoje ensopada em descrença, como
um sonho que correu mal, e, simultaneamente,
em nostalgia: intrometese
na montagem o olhar de Loznitsa,
que se lembra das imagens que viu
em criança.
Ver toda a obra do cineasta, aliás,
perdida
. A brutalidade é ancestral. E o espectador experimenta o
do cineasta. Com quem falámos Vasco Câmara
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 29

“Artel” e “My
Joy”, que no
dia 20 chega
ao circuito
comercial
é estar no centro de um – traumático,
começámos por dizer – processo
de revelação: como se os filmes mostrassem,
finalmente, o que estava por
trás de uma fabricação, a URSS, e aquilo
que irrompeu com o colapso da
fabricação. Veja-se – sinta-se – a espessura
do trabalho e do esforço humano
em “Factory” (2004, sábado, 15,
18h30) e “Artel” (2006, sábado, 15,
21h30), e como essa espessura, tão
humana, tão dramática, tão cruel e
tão irredutível se opõe ao heroísmo
de papelão dos filmes de propaganda.
“My Joy”, finalmente, filme que começa
com um cadáver a ser sepultado
no cimento, beneficiou talvez da liberdade
da ficção para se poder entregar
de forma selvagem à desagregação.
“Estou sempre
a ver filmes, às vezes
vários filmes por dia.
Não se pode viver sem
filmes e sem livros...”
Cresci na URSS e essas imagens de
propaganda são-me familiares, pertencem
à minha infância. Na verdade,
quando descobri essas imagens
no arquivo de cinema documental
de S. Petersburgo, senti-me nostálgico...
Lembrou-me a minha infância.
Claro, tive que me livrar dessa emoção
e abeirar-me do material como
se fosse outro qualquer, do ponto de
vista do seu significado e do objectivo
que serviria no meu filme. Mas nho que qualquer pessoa que cresceu
naquela parte do mundo e que esteve
supo-
submetida a este tipo de lavagem ao
cérebro desde tenra idade e
que sobreviveu a isso tornouse
imune a qualquer tipo de
propaganda. E torna-se também
muito sensível a esse tipo de
questão. Torna-se muito fácil brir onde está a propaganda e
desco-
descodificá-la.
E David Lynch? Sente-se
próximo? É que “My Joy”
podia chamar-se também “Lost
Highway”.
Dou muito valor aos filmes de David
Lynch. Aliás, há vários cineastas cujo
trabalho me toca em termos artísticos
e intelectuais: Bresson, Dovjenko,
Dreyer, Buñuel – para nomear al-
guns. Estou sempre a ver filmes, às
vezes vários filmes por
dia. Não se pode viver
sem filmes e sem livros...
Loznitsa
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30 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

Colum
McCann
O grande mundo
de Nova Iorque
continua a girar
no livro que ganhou
o National Book
Award em 2009.
Pág. 32
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 31

Livros
Colum
McCann parte
de uma manhã
de Agosto
de 1974 para
compor uma
narrativa que
é Nova Iorque
em todos os
seus estados:
passado,
presente e
futuro
Ficção
Na cidade
onde se
desafia o céu
O grande mundo de Nova
Iorque é uma epopeia
neste livro com que Colum
McCann ganhou o National
Book Award em 2009.
Rui Lagartinho
Deixa o Grande Mundo Girar
Colum McCann
(Trad. Helena Lopes)
Civilização Editora
mmmmm
O National Book
Award de 2009 é
um retrato épico e
intimista de Nova
Iorque. Das suas
contradições e
dos genes que a
fazem girar.
Para quem
goste muito de
Nova Iorque, este é um livro
indispensável. “Deixa o Grande
Mundo Girar” faz um balanço de
algum passado com os olhos sempre
no futuro: para o bem e para o mal.
Funciona como um marco no meio
do caminho. É tão útil como um
bastão nas mãos de um peregrino.
“Nunca me tinha ocorrido antes,
mas tudo em Nova Iorque está
construído sobre outra coisa, nada
existe totalmente por si só,
cada coisa é tão
estranha como
a anterior e
relacionada
com ela”
(p. 380).
Nova
Iorque
é,
Encontros
A obra de Agustina
Bessa-Luís vai estar
em cima da mesa no
Centro Cultural Calouste
Gulbenkian e na Sorbonne
Nouvelle, em Paris, nos
próximos dias 20, 21 e 22.
nestas 430 páginas, metáfora do
mundo.
Colum McCann (Dublin, 1965)
explica que este livro nasceu quando
lhe veio parar às mãos uma
fotografia tirada a 7 de Agosto de
1974. Nela vêem-se as duas torres do
World Trade Center acabadas de
construir. A ligá-las um enorme cabo
de aço, que visto cá de baixo tem a
espessura de um cabelo. Em cima
dele, em equilíbrio precário mas
determinado a não cair, aquele que
por causa desta caminhada se
tornaria uma lenda do
funambulismo, Philippe Petit. Do
lado esquerdo, a sair de campo, um
avião que parece estar ali a mais e
que de facto só não está porque
projecta em nós uma sombra num
futuro com 27 anos.
“Deixa o Grande Mundo Girar” é
um retrato de Nova Iorque naquela
manhã de Agosto de 1974. Conta as
vidas dos muitos que levantaram a
cabeça do chão e viram, atónitos,
um ponto negro em evolução lá no
alto que depressa descobriram não
ser um pássaro, e muito menos o
Super-Homem.
Nesse Verão, cá em baixo, a
Guerra do Vietname estava mais do
que perdida, Richard Nixon estava a
ponto de se demitir da Presidência
dos Estados Unidos da América por
causa do escândalo Watergate, o
Bronx e o Harlem estavam
dominados pela violência, pela
prostituição e pela droga. Times
Square, mais ou menos como se vê
no filme “Taxi Driver” de Martin
Scorsese, era um parque de
diversões da indústria do sexo, os
negros ainda eram olhados com
desconfiança quando tentavam
apanhar um táxi. As correntes de
vanguarda artística
na literatura, nas
artes plásticas e na música atolavam-
se em novos ácidos fatais. Havia uma
crise petrolífera mundial. Nova
Iorque tinha tudo para paralisar e no
entanto nunca deixou de girar.
Este romance explica o milagre e é
credível porque nele cabem todas as
cidades, que acabam por ser só uma
à medida que Colum McCann as liga:
padres irlandeses que tentam salvar
a alma das prostitutas dos bairros
perigosos, judeus ricos e poderosos
da Park Avenue que partilham com
as mães dos bairros mais populares
as fotografias dos filhos soldados
mortos no Vietname numa
miscigenação solidária.
Dividido em quatro capítulos a
que o autor chamou livros, a
estrutura constrói-se que as histórias se
cruzam. Depois
em mosaico até
há fragmentos de efeito coral, como
quando uma longa sequência de
prostitutas se apresenta numa longa
ladainha, e alguns
mini-contos sobre
o quotidiano e a observação da vida
numa prisão: “O compartimento do
chuveiro é o melhor lugar. Um
elefante podia ficar suspenso dos
tubos” (p. 267). Colum McCann
volta a um
estilo que já tinha
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
experimentado em “Deste Lado da
Luz” (Difel, 2001), um romance
sobre os homens-toupeira que
construíram o metro de Nova
Iorque.
No “Quarto Livro” de “Deixa o
Grande Mundo Girar”, o último,
damos um salto no tempo até 2006.
Em 30 páginas, as vidas que se
contaram arrumam-se no percurso
de uma personagem surpresa. Essa
condensação deixa-nos mais
tranquilos. Na ficção é sempre fácil
moldar a matéria dos sonhos
fazendo-os deslizar para baixo de
uma nova realidade: aqui a guerra
do Iraque, o furacão Katrina.
O mundo aturdido parece que
continua a querer girar.
Ironia
“highbrow”
Divertido, irónico,
mordaz, neurótico, culto,
discretamente amargo. Tudo
em doses homeopáticas.
Eduardo Pitta
O Acompanhante
Jonathan Ames
(Trad. André Chêdas)
Contraponto
mmmnn
Três investigadoras da
Universidade de Paris 3
(Catherine Dumas, Agnès
Levécot e Ilda Mendes dos
Santos) e uma professora
catedrática da Faculdade
de Letras da Universidade
Entre nós,
Jonathan Ames
(Nova Iorque,
1964) é
praticamente
desconhecido.
Autor de “Bored
to Death”,
popular série de
televisão feita a
partir de um dos seus contos,
publicou romances, ensaios, uma
antologia de memórias transexuais
(“Sexual Metamorphosis”, 2005) e
até uma autobiografia gráfica, sobre
a dependência do álcool, ilustrada
por Dean Haspie. Longe de reunir
consenso, tem sido elogiado e
execrado com igual fervor desde que
publicou “I Pass Like Night” (1989).
Mesmo em Manhattan, attan, esta
mistura de Iggy Pop com
P. G. Wodehouse soa
desconcertante.
Decerto não por
acaso, define-se a si
mesmo como
“probably the
gayest straight
writer in America”.
Podemos agora a
ler a tradução que
André Chêdas fez de
“O Acompanhante”,
romance sobre as
relações de Henry
Harrison,
dramaturgo
do Porto, Fátima Marinho,
propõem, a partir do
slogan “Audaces et
Défigurations”, uma
leitura plural dos textos
da escritora portuguesa.
falhado que vive de acompanhar
mulheres da alta sociedade de Nova
Iorque, e Louis Ives, docente de um
colégio privado de Princeton que
perde o emprego no dia em que é
apanhado a vestir o sutiã de uma
colega na sala dos professores. Fica
por esclarecer se a punição é devida
ao arremedo de travestismo ou à
erecção de Louis: “A protuberância
conseguiu a proeza de confirmar a
culpa dos meus actos, de forma mais
contundente do que o próprio olhar,
já de si claramente sexual...” Por
momentos, julgamos estar a ler
Augusten Burroughs. Com o fluir da
intriga, a ilusão desfaz-se. Burroughs
é literal, lá onde Ames prolonga a
“respiração” da narrativa clássica.
“O Acompanhante” são duas vidas
cruzadas: a de Henry, vergado ao
peso das idiossincrasias; e a de
Louis, em trânsito entre os dois
lados de um espelho. Concluído em
1996, o livro andou em bolandas
durante dois anos, de editor em
editor, tendo, ao cabo de 20
rejeições, sido publicado em 1998
pela Scribner. Shari Springer
Berman adaptou-o ao cinema, com
Kevin Kline (Henry) e Paul Dano
(Louis) nos protagonistas. Tarefa
inglória, na medida em que a
estrutura semântica resiste à
transposição de suporte. Se, por um
lado, o cortejo de reflexões autodepreciativas
do narrador potencia
o “overacting”, a trama dos envios
(de Freud a Scott Fitzgerald, sem
esquecer Bertie Wooster) apenas é
perceptível na escrita precisa de
Ames.
A história mistura elementos
autobiográficos, deixando adivinhar
o futuro interesse de Ames pela
problemática transexual: “Ao ver-me
vestido de mulher em toda a minha
fealdade, tinha aprendido a apreciar
e valorizar a beleza destas raparigas
e o trabalho a que as obrigava. Só os
homens poderiam ter uma presença
de espírito tão obstinadamente
direccionada para se quererem fazer
passar por mulheres.”
Por razões difíceis de explicar, não
é comum associar Ames aos grandes
nomes da
tradição
literária
judaica, como
Ames,
“o escritor
heterossexual
mais gay da
América”,
chega
finalmente a
Portugal com
“O Acompanhante”
TRAVIS ROOZÉE
32 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

Asimov, Bellow, Roth e outros.
Porém, poucos livros como este
descrevem com tanta subtileza o
carácter escorregadio e as
ambiguidades dessa tradição.
Profundamente americano (no
sentido em que identificamos Jerry
Seinfeld como arquétipo), Ames
calibra o discurso com secura e
sabedoria: “Voltei à fotografia dele
na bicicleta. Era perfeito. [...] Tentei
olhar com profundidade para os
belos olhos do rapaz da fotografia. A
nossa idade não devia ser tão
diferente quanto isso. Queria avisálo
do que aí vinha e comecei a
chorar. Chorava porque aquele
rapaz não fazia ideia daquilo em que
se ia tornar, que cinquenta anos
mais tarde estaria a dormir num
decrépito sofá no meio de um
quarto pouco menos que imundo.
Chorei pelo que acontecera à vida
daquele jovem e chorei porque o
velho em que esse jovem se tornou
me tinha abandonado.”
Ames é divertido sem ser pateta,
irónico, mordaz, discretamente
amargo, neurótico, culto mas não
pedante. Parece contraditório, mas
consegue ser tudo isto ao mesmo
tempo. A dosagem homeopática
ajuda. Como alguém disse, o
“entertainer” nato.
Biografia
Em defesa
do legado de
Egas Moniz
O inventor da “lobotomia”
reabilitado, numa biografia
que explora a fascinante
personalidade do único
Prémio Nobel português até
Saramago.
José Manuel Fernandes
Egas Moniz – Uma Biografia
João Lobo Antunes
Gradiva
mmmmn
Há décadas que
paira uma sombra
sobre a obra do
único Prémio
Nobel português
numa área
científica: a má
fama da
“lobotomia”. Com
esta biografia,
João Lobo Antunes, 66 anos, um dos
mais conhecidos neurocirurgiões
portugueses, trata não só de resgatar
a sua reputação como de devolver a
Egas Moniz um lugar que por vezes
lhe é negado, o de cientista de
Egas Moniz
aventurouse
tarde na
investigação
científica,
mas não
descurou
nenhum
esforço para
obter o Nobel
excelência. “O lugar na História que
Egas Moniz procurou com tanta
persistência e perícia é seu de pleno
direito”, argumenta Lobo Antunes.
Isto apesar de Moniz ter seguido um
percurso bastante heterodoxo, pelo
menos se o julgarmos pelos critérios
actuais ou se o virmos à luz da
imagem moderna de um cientista.
Quem era realmente Egas Moniz?
Talvez esta seja uma das melhores
sínteses: “Político desiludido, clínico
carismático, burguês rico,
humanista amador, no fundo,
cientista improvável”. Mais do que
improvável: tardio. Quando iniciou
as investigações que levariam ao
desenvolvimento da angiografia
cerebral, já tinha mais de 50 anos;
quando propôs a leucotomia préfrontal,
já tinha dobrado a fronteira
dos 60 anos. Até então praticamente
não produzira nada a nível
científico.
Quase nada na carreira inicial de
Egas Moniz parecia dirigi-lo para os
feitos científicos da sua vida tardia.
Nascido em 1874 numa família
abastada de Avanca (Estarreja,
distrito de Aveiro), beneficia do
apoio de um tio abade para seguir os
estudos, primeiro no Colégio de S.
Fiel, dos jesuítas, conhecido pelo
rigor e pela qualidade, depois na
Universidade de Coimbra. Quase
sempre bom aluno, ingressa na
carreira académica ao mesmo
tempo que inicia a prática clínica e
se começa a dedicar à política,
sendo eleito para o Parlamento nas
listas do Partido Progressista de José
Luciano de Castro, ainda no tempo
da Monarquia. Orador contundente,
tornar-se-ia um republicano
moderado que, após o 5 de Outubro,
alinharia com os que se opunham ao
radicalismo de Afonso Costa. Viria
assim a ser um dos mais importantes
colaboradores de Sidónio Pais, em
cujo consulado chegou a ser
ministro dos Negócios Estrangeiros,
tendo sido o primeiro chefe da
delegação portuguesa à Conferência
de Versalhes. O assassinato do
Presidente-Rei acabaria contudo por
precipitar o seu afastamento da
política activa, primeiro desiludido
DAVID CLIFFORD/ ARQUIVO
com a violência que marcou os anos
finais da I República, depois triste
pela falta de liberdade durante o
Estado Novo (apesar de muito amigo
do Presidente Carmona, detestava
Salazar).
O fim da aventura política
permitiu-lhe dedicar mais tempo ao
consultório (muito procurado e
fonte de avultados proventos, que
lhe permitiram reunir uma pequena
fortuna) e à Universidade. Aí, com a
colaboração de um finalista de
Medicina e futuro cirurgião, 29 anos
mais novo, Pedro Almeida Lima,
começa a tentar visualizar os vasos
cerebrais. Nessa altura já Egas Moniz
contava 51 anos, idade pouco
habitual para se lançar a uma
investigação com esta ambição –
basta recordar que os cientistas que
ganharam o Nobel desenvolveram os
seus trabalhos mais importantes
com uma idade média de 36 anos,
como recorda Lobo Antunes. Mesmo
assim, começando por realizar
testes em cães e, depois, em
doentes, Egas e os seus
colaboradores desenvolveram a
angiografia que, escreve Lobo
Antunes, “se manteve viva durante
décadas como técnica de
diagnóstico quase exclusiva das
lesões tumorais, vasculares e
traumáticas do sistema nervoso”.
Gradualmente substituída para
alguns diagnósticos pela tomografia
axial e pela ressonância magnética
(duas técnicas que justificaram a
atribuição do Nobel aos seus
criadores), a angiografia
“desempenha hoje um papel
indispensável e previsivelmente
perene como técnica de intervenção
terapêutica, a única aplicação que
Egas não terá previsto, que permite,
por exemplo, tratar um aneurisma
intracraniano sem cirurgia”.
A angiografia teve uma rápida
expansão na Europa, ao contrário da
leucotomia pré-frontal, que seria
pouco praticada no Velho
Continente (à excepção do Reino
Unido), mas que se tornaria uma
terapia muito popular nos Estados
Unidos. A intuição que esteve por
trás do desenvolvimento desta
intervenção foi a de que
“desligando” alguns circuitos
neuronais era possível tratar certos
tipos de doenças neurológicas. Com
Egas Moniz, a técnica seguida – a que
chamou “psicocirurgia” e que ele
mesmo considerara “ousada” ou
mesmo “temerária” – consistia em
cortar os feixes nervosos que
ligavam os dois lóbulos frontais do
cérebro. As primeiras cirurgias
apontaram para resultados
positivos, pelo que a técnica foi
rapidamente adoptada em países
onde o número de doentes
psiquiátricos era muito elevado.
Nessa época, é importante recordar,
não estavam ainda disponíveis
outras terapias menos invasivas ou
reversíveis, pelo que acabaram por
ocorrer muitas intervenções sem um
diagnóstico correcto ou mesmo
motivadas por intenções menos
nobres, abrindo campo a uma
controvérsia que ainda hoje
perdura.
João Lobo Antunes faz a defesa da
intuição e do trabalho de Egas Moniz
seguindo duas linhas de
argumentação. A primeira é a da
correcção dessa sua intuição. O
neurocirurgião nota que assistimos
hoje a uma recuperação da
psicocirurgia, sendo que “à ablação
de áreas de extensão variável e
limites imprecisos sucedeu a
inibição reversível de circuitos
restritos através da estimulação
cerebral profunda, que tem como
consequência o silenciamento
temporário dos neurónios e dos
circuitos que integram”. Ou seja,
passou o tempo da leucotomia,
chegou um tempo em que “não há
dúvida que a intuição de Egas e o
seu destemor abriram um caminho
sem retorno na cirurgia funcional do
sistema nervoso”.
Em segundo lugar, João Lobo
Antunes defende que não se pode
avaliar Egas pelos critérios da ética
médica contemporânea, que não
existiam no tempo em que
trabalhou, um tempo em que os
primeiros neurocirurgiões
portugueses registavam taxas de
mortalidade de 50 por cento.EG
Isto leva a que o autor considere
que a história que se propôs contar
“demonstra sem rebuço a
modernidade do pensamento de
Egas, entendida aquela num sentido
não infalivelmente positivo”. O que
significa que esta biografia, sem ser
hagiográfica, é a biografia de alguém
que, sentindo-se de alguma forma
ENCENAÇÃO e REALIZAÇÃO VÍDEO
JOÃO LOURENÇO
MÚSICA
MAZGANI
CENÁRIO
ANTÓNIO CASIMIRO
JOÃO LOURENÇO
BERTOLT BRECHT
ESTRUTURA PATROCINADA PELO
APOIO
QUARTA A SÁBADO 21H30
herdeiro de uma escola médica de
que Egas Moniz foi mestre, não
omite o seu fascínio por um
personagem que, não duvidemos,
era mesmo fascinante. Nesta obra
revela-se sobretudo o seu percurso
médico e científico, se bem que
Lobo Antunes dê também atenção à
sua carreira política e, mais
marginalmente, à sua vida
mundana. É-nos reconstituído, com
detalhe, todo o processo que leva às
suas descobertas científicas, mas, se
ficamos a saber que viveu na
moradia onde hoje está instalada a
Nunciatura Apostólica e que
utilizava um faqueiro que pertencera
ao Marquês de Pombal, não ficamos
a saber por que razão utilizava
capachinho, um pormenor que só
nos é revelado quando nos
aproximamos do leito de morte do
nosso prémio Nobel. Mais: se
também nos são recordados muitos
artigos que escreveu sobre pintura
(era um apaixonado da pintura
naturalista portuguesa), não
chegamos a perceber os motivos das
suas inimizades, ou mesmo guerras
com outros vultos da medicina
portuguesa, como Francisco Gentil
ou Pulido Valente, seus eternos
críticos.
Em contrapartida, é notável a
forma como nos descreve os seus
esforços para conseguir o Nobel,
mostrando como também nesta
frente nada pode ser descurado e
não contam as falsas modéstias.
Como escreve João Lobo Antunes,
Egas acreditava “na superioridade
das vontades”, sendo que, no seu
caso, “quis tudo e quase sempre o
conseguiu”. O que não é pouco, se é
que não é tudo.
FIGURINOS
BERNARDO MONTEIRO
COREOGRAFIA
CLÁUDIA NÓVOA
SUPERVISÃO AUDIOVISUAL
AURÉLIO VASQUES
LUZ
MELIM TEIXEIRA
[ m/12 ]
DOMINGO-MATINÉE 16H00
VERSÃO JOÃO LOURENÇO | VERA SAN PAYO DE LEMOS
DRAMATURGIA VERA SAN PAYO DE LEMOS
COM
ANTÓNIO PEDRO LIMA | CÁTIA RIBEIRO
CARLOS MALVAREZ | CRISTÓVÃO CAMPOS
FRANCISCO PESTANA | JOÃO FERNANDEZ
LUIS BARROS | MAFALDA LENCASTRE
MAFALDA LUÍS DE CASTRO | MARTA DIAS
MIGUEL GUILHERME | MIGUEL TAPADAS
PATRÍCIA ANDRÉ | RUI MORISSON
SARA CIPRIANO | SÉRGIO PRAIA
SOFIA DE PORTUGAL
VASCO SOUSA
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 33

Cinema
Retrospectiva Sergei
Loznitsa Lisboa Culturgest
quinta, 13
My Joy
Às 21h30
sexta, 14
Today We Are Going to Build a
House, Life, Autumn
Às 18h30
The Train Stop
Às 21h30: Settlement
sábado, 15,
Portrait e Landscape
Às 16h
Factory e Blockade
Às 18h30
Artel e Northern Light
Às 21h30
domingo, 16
Revue
Às 18h30
Sexta,
14 Janeiro,
ALAIN
RESNAIS
por mais 1,95€.
34 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon
“Que Mais Quero Eu”:
uma curiosa tensão
dramática, feita
de pequenas explosões
de sentimento
Estreiam
Crónica de
um amor
Uma curiosa tensão
dramática, feita de pequenas
explosões de sentimentos
feridos e de frustrações
contidas. Mário Jorge
Torres
Que Mais Quero Eu
Cosa Voglio di Più
De Silvio Soldini,
com Alba Rohrwacher, Pierfrancesco
Favino, Giuseppe Battiston, Teresa
Saponangelo, Gisella Burinato. M/12
MMMnn
Lisboa: Medeia King: Sala 2: 5ª Domingo 3ª 4ª
14h15, 16h45, 19h15, 21h45 6ª Sábado 2ª 14h15,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15; Medeia
Monumental: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 14h, 16h30, 19h, 21h30, 24h;
Apesar de o cinema italiano
atravessar um enorme crise, muito
longe de antigos esplendores, vão
chegando interessantes tentativas de
renovar um olhar esgotado, quantas
vezes contaminado pelo
decorativismo das séries televisivas
de prestígio. “Que Mais Quero Eu”
possui, pelo menos, um ponto de
vista e constrói com razoável perícia
uma narrativa bem encadeada, com
reminiscências das crónicas do
quotidiano de um certo neorealismo
tardio, um uso da câmara
que lembra algumas das estratégias
de Nanni Moretti e, sobretudo, um
olhar actuante sobre a Itália de
Berlusconi, sobre a crise, sobre o
poder do dinheiro, omnipresente de
forma subliminar nas relações entre
as personagens.
Dir-se-á que não há muito de
original nesta história de adultério
entre as classes médias citadinas,
com almoços de família, encontros
furtivos em motéis ou fugas
escapistas para um Norte de África
estereotipado. E, no entanto, Sílvio
Soldini, conhecido pelo seu “Pão e
Túlipas” (2000), mas com obra
importante no do documentário,
consegue uma curiosa tensão
dramática, feita de pequenas
explosões de sentimentos feridos e
de frustrações contidas, com uma
atenção redobrada ao real cinzento
do século XXI.
Começando pelo nascimento do
filho da irmã da protagonista e
acabando em suspensão numa espécie
de morte da esperança, o filme
percorre uma galeria de personagens
aprisionadas num mundo sem
perspectivas de sobrevivência e
acomodado aos instintos familiares:
uma jovem contabilista casada com
um marido “bricoleur” e sem chama,
Anna (Alba Rohrbacher, que víramos
em “Eu Sou o Amor”), apaixona-se por
um homem também casado,
Domenico (um carismático
Pierfrancesco Favrino), e vive uma
história de amor clandestina, que
esbarra na impossibilidade de superar
as convenções e de competir com os
filhos dele. Tudo decorre num mundo
sem grandezas em que a mera
hipótese do amor louco aparece
reduzida ao anedótico das mensagens
por telemóvel ou dos encontros
ocasionais. É fundamental a sequência
em que Anna aparece na bancada da
piscina para observar de longe a
família que impede a realização dos
seus (muito estranhos e mal
delimitados) sonhos amorosos,
porque reflecte a estratégia de “Que
Mais Quero Eu”: mostrar sem tomar
partido, apresentar o desejo sem
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
juízos de valor, nem perturbações
metafísicas.
Em resumo, um pequeno filme
simpático em que parece não se
passar nada a não ser a projecção
mísera das frustrações
contemporâneas. Que mais
queremos nós?
Atracção
fatal de luxo
O potencial para o filme
marcar um regresso de
Egoyan à melhor forma
estava lá todo. Mas... Jorge
Mourinha
O Preço da Traição
Chloe
De Atom Egoyan,
com Julianne Moore, Liam Neeson,
Amanda Seyfried, Max Thieriot. M/12
MMnnn
Lisboa: Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 1: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h30, 18h30,
21h50, 00h15; Medeia Saldanha Residence: Sala 6: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h, 18h, 20h, 22h,
00h30; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 13: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h25, 16h55, 19h20, 21h45, 00h10
Domingo 11h30, 14h25, 16h55, 19h20, 21h45,
00h10; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h50, 18h10, 21h20,
00h10; ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h20, 18h, 21h20, 23h50; ZON
Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h15, 15h45, 18h25, 21h10, 23h45; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 12h50, 15h20, 17h50, 21h, 23h30;
Porto: Arrábida 20: Sala 13: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h20, 16h50, 19h20, 22h05, 00h40 3ª
4ª 16h50, 19h20, 22h05, 00h40; ZON Lusomundo
Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h, 16h20, 19h20, 21h50, 00h20; ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h10, 18h50, 21h40, 24h;
Atom Egoyan a dirigir uma “remake”
produzida por Ivan Reitman (ele dos
“O Preço da Traição”:
Julianne Moore vale
o preço do bilhete
“Caça-Fantasmas”)? O estimável
autor canadiano de “Exotica” e “O
Futuro Radioso” arriscou aqui,
assumidamente, um filme de
encomenda, “remake” americana do
filme francês de Anne Fontaine,
“Nathalie...”, sobre uma esposa –
uma Julianne Moore absolutamente
soberba – que contrata uma
prostituta de luxo para testar a
fidelidade do marido. E, durante a
primeira hora, Egoyan e Moore
constroem, com infinita elegância e
delicadeza, uma teia equívoca de
ambiguidades e sugestões que
funciona, ao mesmo tempo, como
manual básico de manipulação e
metáfora da arte de contar histórias.
Moore é magistral na modulação
infinitesimal das emoções
conturbadas que o papel lhe pede;
Egoyan guia-a com precisão e justeza
sem nunca perder de vista as
necessidades da narrativa. Eis senão
quando, à entrada do “terceiro acto”,
“O Preço da Traição” descamba para
uma espécie de “Atracção Fatal” de
luxo, guinada que parece ser uma
“traição” não só ao próprio filme
como à inteligência do seu realizador
e à entrega dos seus actores — o
potencial para o filme marcar um
regresso de Egoyan à melhor forma
depois de algumas obras menos
felizes estava lá todo.
Há muito tempo que não víamos
Julianne Moore com papel tão forte
para ferrar o dente – e, mesmo que o
filme não cumpra a promessa
daquela primeira hora, é tão raro
podermos ver uma actriz tão
entrosada com a sua personagem que
não nos devemos dar ao luxo de o
ignorar quando aparece. E só ela vale
o preço do bilhete. J. M.
O estilo
dos outros
Podia ser um espumante
mas não passa de uma
zurrapa. Luís Miguel
Oliveira

As estrelas do público
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
Burlesque mnnnn nnnnn mnnnn A
Cela 211 nnnnn mmnnn mmmnn mmnnn
Katalin Varga mmmnn mmnnn nnnnn nnnnn
O Mágico mmmmm nnnnn mmmmn nnnnn
Mammuth mmmnn nnnnn mmmnn mnnnn
O Preço da Traição mmnnn nnnnn nnnnn nnnnn
Que mais quero eu nnnnn nnnnn mmmnn nnnnn
O Turista mmnnn mnnnn nnnnn nnnnn
Skyline mmnnn nnnnn nnnnn nnnnn
Tulpan mmmnn mmmmn nnnnn nnnnn
O Turista
The Tourist
De Florian Henckel von
Donnersmarck,
com Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul
Bettany, Timothy Dalton, Steven
Berkoff, Rufus Sewell, Christian de
Sica. M/12
Mnnnn
Lisboa: Atlântida-Cine: Sala 1: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h30, 21h30; Castello Lopes -
Cascais Villa: Sala 4: 5ª 2ª 3ª 4ª 16h, 18h50, 21h50
6ª 16h, 18h50, 21h50, 00h20 Sábado 13h30, 16h,
18h50, 21h50, 00h20 Domingo 13h30, 16h, 18h50,
21h50; Castello Lopes - Londres: Sala 1: 5ª Domingo
2ª 3ª 4ª 14h, 16h30, 19h, 21h30 6ª Sábado 14h,
16h30, 19h, 21h30, 24h; Castello Lopes - Loures
Shopping: Sala 6: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h20, 16h, 18h50, 21h40, 00h10; CinemaCity
Alegro Alfragide: Sala 5: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 21h55, 23h55; CinemaCity Alegro
Alfragide: Cinemax: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h30, 15h30,
17h30, 19h30, 21h30, 23h30 Sábado Domingo 11h30,
13h30, 15h30, 17h30, 19h30, 21h30,
23h30; CinemaCity Beloura Shopping: Cinemax: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 15h30, 17h30,
19h30, 21h30, 23h30; CinemaCity Campo Pequeno
Praça de Touros: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 21h30, 23h40; CinemaCity Campo
Pequeno Praça de Touros: Sala 2: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
13h40, 15h50, 17h50, 19h50, 21h50, 24h Sábado
Domingo 11h40, 13h40, 15h50, 17h50, 19h50, 21h50,
24h; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 3: 5ª 2ª 3ª
4ª 13h40, 15h40, 17h40, 19h40, 21h40 6ª 13h40,
15h40, 17h40, 19h40, 21h40, 23h50 Sábado 11h35,
13h40, 15h40, 17h40, 19h40, 21h40, 23h50 Domingo
11h35, 13h40, 15h40, 17h40, 19h40, 21h40; Medeia
Fonte Nova: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 14h30, 17h, 19h30, 22h; Medeia
Monumental: Sala 4 - Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h30, 17h40, 19h50,
22h, 00h30; UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 9:
5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h40, 19h05, 21h55,
00h20 Domingo 11h30, 14h15, 16h40, 19h05, 21h55,
00h20; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 10: 5ª Domingo
2ª 3ª 4ª 13h45, 16h10, 19h, 21h35 6ª Sábado 13h45,
16h10, 19h, 21h35, 00h15; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h35,
16h, 18h30, 21h30, 24h; ZON Lusomundo Amoreiras:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h20,
18h50, 21h40, 00h20; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 15h40, 18h20, 21h10, 23h50; ZON Lusomundo
Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h05,
15h35 18h10, 21h15, 23h45; ZON Lusomundo Dolce
Vita Miraflores: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h30,
18h30, 21h30 6ª Sábado 15h30, 18h30, 21h30,
00h30; ZON Lusomundo Odivelas Parque: 5ª 2ª 3ª
4ª 15h30, 18h20, 21h20 6ª 15h30, 18h20, 21h20, 24h
Sábado 13h, 15h30, 18h20, 21h20, 24h Domingo 13h,
15h30, 18h20, 21h20; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10,
15h40, 18h20, 21h20, 24h; ZON Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30,
16h, 18h30, 21h, 23h30; ZON Lusomundo Vasco da
Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10,
15h40, 18h20, 21h30, 00h20; Castello Lopes - C. C.
Jumbo: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h20, 21h30 6ª
15h20, 18h20, 21h30, 24h Sábado 13h30, 15h20,
18h20, 21h30, 24h Domingo 13h30, 15h20, 18h20,
21h30; Castello Lopes - Fórum Barreiro: Sala 1: 5ª
2ª 3ª 4ª 15h40, 18h40, 21h30 6ª 15h40, 18h40,
21h30, 24h Sábado 13h10, 15h40, 18h40, 21h30, 24h
Domingo 13h10, 15h40, 18h40, 21h30; Castello Lopes
- Rio Sul Shopping: Sala 2: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h40,
18h10, 21h30, 23h40 Sábado Domingo 13h, 15h40,
18h10, 21h30, 23h40; ZON Lusomundo Almada
Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h,
15h30, 18h, 21h30, 24h; ZON Lusomundo Fórum
Montijo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20,
16h, 18h35, 21h30, 00h10; Zon Lusomundo Freeport:
5ª 2ª 3ª 4ª 16h10, 18h45, 21h30 6ª 16h10, 18h45,
21h30, 00h10 Sábado 13h30, 16h10, 18h45, 21h30,
00h10 Domingo 13h30, 16h10, 18h45, 21h30;
Porto: Arrábida 20: Sala 16: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 14h05, 16h35, 19h10, 21h45, 00h25 3ª 4ª 16h35,
19h10, 21h45, 00h25; Vivacine - Maia: Sala 3: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h50, 18h20,
21h20, 23h50; ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h, 18h50,
21h30, 00h05; ZON Lusomundo Ferrara Plaza: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h, 21h30 6ª Sábado
15h30, 18h, 21h30, 24h; ZON Lusomundo
GaiaShopping: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h25, 16h,
18h35, 21h20 6ª Sábado 13h25, 16h, 18h35, 21h20,
00h15; ZON Lusomundo MaiaShopping: 5ª Domingo
2ª 3ª 4ª 13h10, 15h40, 18h20, 21h20 6ª Sábado 13h10,
15h40, 18h20, 21h20, 24h; ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 15h50, 18h30, 21h30, 00h20; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 16h, 19h, 21h50, 00h40; ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 15h40, 18h30, 21h30, 00h20; Castello Lopes - 8ª
Avenida: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 17h30, 19h40,
21h50 6ª 15h20, 17h30, 19h40, 21h50, 00h05 Sábado
13h10, 15h20, 17h30, 19h40, 21h50, 00h05 Domingo
13h10, 15h20, 17h30, 19h40, 21h50; ZON Lusomundo
Fórum Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h10,
18h50, 21h30 6ª Sábado 13h30, 16h10, 18h50, 21h30,
00h10; ZON Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h25, 19h10, 21h55, 00h40;
O alemão Florian Henckel von
Donnersmark foi o autor de um
estimável filme, “As Vidas dos
Outros”, visão pacificada, se não
redentora pelo menos compassiva, do
quotidiano na extinta RDA, com
ênfase no que desse quotidiano era
marcado pela conspícua acção da
STASI. Se bem se recordam – e foi um
filme muito visto, Óscar para filme em
língua estrangeira e tudo – havia um
agente secreto que aprendia que “o
mediador entre o cérebro e as mãos
deve ser o coração”, como se diz no
“Metropolis” de Lang (nos filmes, os
alemães têm esta estranha tendência
para proporem a via sentimental
como resolução de conflitos).
Estimável, dissemos, porque bem ou
mal, era um filme que tinha uma
“raison d’être” para além das
consagradas causas da “arte” ou do
“comércio”: queria dizer qualquer
coisa que parecia minimamente
necessário dizer, e dizia-a.
“O Turista” é exactamente o
contrário: não tem nada para dizer, e
não diz nada. O enraizamento de “As
Vidas dos Outros” é substituído pelo
superficial charme de uma
“produção internacional”, com
vedetas de calibre mundial –
Angelina Jolie, Johnny Depp, e
Veneza – e uma história que podia
ser contada mais ou menos da
mesma maneira por um tarefeiro
hollywoodiano anódino (que é aquilo
que von Donnersmark se candidata a
ser). Podia ser um espumante – como
Cary Grant, Grace Kelly e a Riviera
no “To Catch a Thief” de Hitchcock
- mas não passa de uma zurrapa. A
intriga mistura elementos de
histórias de gangsters com atmosfera
de filme de espionagem “high tech”,
e duas personagens (as de Jolie e
Depp) que deviam ter uma
identidade incerta – mas não há
personagens, de facto, que resistam
à quantidade de mudanças
“ontológicas” a que o argumento as
submete, pelo menos da maneira
desajeitada (ou, liminarmente,
desonesta) com que o filme as
cumpre. Von Donnersmark filma
como se estivesse a trabalhar para
uma revista de “glamour” como
aquelas que se folheiam nos aviões.
Mas se há “estilo” é sempre o estilo
dos outros – Jolie, o guarda-roupa, o
Hotel Danieli, Tudo muito bonito,
com certeza; mas o filme não tem
uma única ideia sobre o que fazer
com esse estilo, nem como olhar
para ele ou como torná-lo seu
enquanto despacha a fórmula que
tem para despachar. Sai-se a trautear
o senhor Jarvis Cocker: “’cause
everybody hates a tourist…”.
Continuam
Tulpan
De Sergei Dvortsevoy,
com Askhat Kuchinchirekov, Samal
Eslyamova, Ondas Besikbasov,
Tolepbergen Baisakalov. M/12
MMMnn
Lisboa: Medeia King: Sala 1: 5ª Domingo 3ª 4ª
13h30, 15h30, 17h30, 19h30, 21h30 6ª Sábado 2ª
13h30, 15h30, 17h30, 19h30, 21h30, 24h;
Asa acaba de regressar da tropa e
bem tenta convencer os pais de
Tulpan, a única rapariga solteira da
região, a darem-lhe a sua mão para
ele poder começar família e vida. Mas
a rapariga não gosta das orelhas dele
e a mãe também não está pelos
ajustes. Contado desta maneira,
“Tulpan” é uma comédia romântica
sobre um rapaz que procura o seu
lugar no mundo – só que ambientada
nas estepes do Cazaquistão, com
Sergei Dvortsevoy, documentarista
em estreia na ficção, a encerrar nessa
comédia um confronto surdo entre
tradição e progresso, entre perpetuar
um modo de vida e construir um
novo. O resultado é um filme cuja
vibração do real (muito evidente, por
exemplo, na espantosa cena do
porto), integrada com elegância mas
não sem ingenuidade numa ficção
assumidamente sonhadora, revela
uma enorme inteligência formal e
criativa a trabalhar. J. M.
Burlesque
De Steven Antin,
com Cher, Christina Aguilera, Eric
Dane, Cam Gigandet, Julianne Hough,
Alan Cumming, Peter Gallagher,
Kristen Bell, Stanley Tucci. M/12
a
Lisboa: CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 7: 5ª 6ª 2ª
3ª 4ª 13h55, 16h10, 18h30, 21h45, 24h Sábado Domingo
11h40, 13h55, 16h10, 18h30, 21h45, 24h; CinemaCity
Beloura Shopping: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 17h35,
19h45, 22h05, 00h10 Sábado Domingo 19h45, 22h05,
00h10; CinemaCity Campo Pequeno Praça de
Touros: Sala 8: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h55, 16h15, 18h35, 21h20, 00h05; CinemaCity Classic
Alvalade: Sala 4: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h10,
21h30 6ª Sábado 13h50, 16h10, 21h30, 24h; Medeia
Saldanha Residence: Sala 8: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h10, 16h40, 19h10, 21h40, 00h10; UCI
Cinemas - El Corte Inglés: Sala 6: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 14h10, 16h45, 19h10, 21h45, 00h10 Domingo 11h30,
14h10, 16h45, 19h10, 21h45, 00h10; ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30,
16h10, 18h50, 21h30, 00h10; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 15h50, 18h30, 21h20, 24h; ZON Lusomundo
Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15,
16h, 18h40, 21h35, 00h25; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h25, 16h,
18h40, 21h30, 00h15; ZON Lusomundo Torres Vedras:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h30, 18h,
21h15, 23h50; Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 4:
5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h40, 21h20, 23h50 Sábado
Domingo 12h40, 15h20, 18h40, 21h20, 23h50; Castello
Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 5: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 15h20,
18h40, 21h20, 23h50 Sábado Domingo 12h40, 15h20,
18h40, 21h20, 23h50; ZON Lusomundo Almada Fórum:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h45, 18h35,
21h15, 23h55; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h45, 18h35, 21h20,
24h;
Porto: Arrábida 20: Sala 10: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 13h55, 16h30, 19h10, 21h50, 00h25 3ª 4ª 16h30,
19h10, 21h50, 00h25; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h40, 15h30, 18h30, 21h20, 00h10; ZON Lusomundo
Fórum Aveiro: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h25,
21h 6ª Sábado 14h30, 17h25, 21h, 23h55;
Falar, a propósito de “Burlesque”, do
musical clássico é um automatismo de
ocasião. Quer dizer: em “Chicago”, de
Rob Marshall, ainda se avistava o
género num horizonte longínquo (mas
já era, sobretudo, miragem) - por
exemplo naquela forma de escravizar
os actores a uma tradição de pau para
toda a obra (Renée Zellweger,
Catherine Zeta-Jones e Richard Gere).
Havia, pelo menos, uma memória. Em
“Burlesque” a haver memória ela é a
de números musicais em cerimónias
televisivas. Ali - onde Alan Cumming
faz a enésima versão de Joel Grey no
“Cabaret” e onde Cher se afirma como
a melhor “drag queen” de si própria -
desaguam motivos e figuras sem
passado nem filiação, reproduções de
originais de que se perdeu a memória.
Vasco Câmara
Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 35

Concertos
Nurse With Wound: música sombria e perturbadora
Pop
Arriscar,
criar
Os históricos Nurse With
Wound amanhã no Maria
Matos. Mário Lopes
Nurse With Wound & Blind Cave
Salamander
Lisboa. Teatro Municipal Maria Matos - Sala
Principal. Av. Frei Miguel Contreiras, 52. Amanhã,
às 22h. Tel.: 218438801. 6€ a 15€.
O sentido de risco é basilar aos Nurse
With Wound. Fundados pelo inglês
Steven Stapleton no final da década
de 70, inicialmente tomados como
parte da então emergente música
industrial (a classificação ficou,
Stapleton aproveitou as poucas
oportunidades em que fala ao mundo
para se afastar dela), passariam as
décadas seguintes a criar música
absolutamente livre: livre na
composição, improvisada; livre na
instrumentação, com instrumentos
convencionais deslocados do seu
ambiente natural, a conviver com
objectos do quotidiano; livre nas
fontes em que bebe inspiração, tendo
o kraut de Cluster, Amon Düul ou
Faust como referência primordial,
lado a lado com o surrealismo e os
dadaístas, com mecânicas free-jazz,
música noise e concreta.
Os Nurse With Wound são música
sombria e perturbadora. São música
ambiente que nunca pretende
oferecer simplesmente serenidade ao
ouvinte. Atingiram um dos seus
maiores momentos, no que diz
respeito à concretização de uma
visão artística, em “Soliloquy For
Lillith”, triplo álbum editado em
1988, criado por Stapleton e Diana
Rogerson pela sobreposição de
camadas sonoras em loop: vários
pedais ofereciam uma vasta gama de
ondas eléctricas que o duo
manipulou e organizou livremente
através de movimentos corporais,
utilizando o método e o princípio
aplicados ao theremin.
Apesar de ser um criador que
defende o isolamento, sem
interferências de qualquer espécie,
como força motriz da sua obra,
Steven Stapleton, que vive desde
La Shica noTheatro Circo de Braga
meados da década passada numa
quinta na Irlanda, tem entre a sua
extensa discografia (são dezenas e
dezenas de edições) variadíssimas
colaborações: com o melhor amigo
David Tibet, com os Stereolab, Jim
O’Rourke ou os Faust. É
precisamente aqui que regressamos
ao início do texto, ao risco. Porque os
Nurse With Wound não vêm sozinhos
ao Maria Matos.
Amanhã, subirão a palco com os
Blind Cave Salamander, duo formado
por Fabrizio Modonese Palumbo e
Paul Beauchamp. Objectivo: com
Steve Stapleton (guitarra), Colin
Potter (electrónica) e Julia Kent
(violoncelo), com a guitarra de
Fabrizio Modonese e a electrónica de
Paul Beauchamp, dar corpo
instrumental à música de “Soliloquy
For Lilith”. Arriscar: Stapleton não
sabe fazer de outra forma.
Clássica
O desafio
de Mário
Laginha
Ao lado da Orquestra
Sinfónica do Porto, o
pianista interpreta no Porto
e em Lisboa o Concerto que
escreveu em 2009. Cristina
Fernandes
Mário Laginha e Orquestra
Sinfónica do Porto Casa da
Música
Direcção Musical d Christoph Konig.
Porto. Casa da Música - Sala Suggia. Pç. Mouzinho
de Albuquerque. Hoje, às 21h. Tel.: 220120220.
Lisboa. CCB - Grande Auditório. Pç. Império.
Amanhã, às 21h. Tel.: 213612400. 5€ a 25€.
Obras de Dohnányi, nyi, Laginha e
Strauss.
Agenda
Sexta 7
JP Simões & Convidados
Lisboa. Galeria Zé dos Bois. R. da Barroca, 59, às
23h. Tel.: 213430205. 10€.
Ver texto na pág. 12.
André Fernandes Quarteto &
Bernardo Sassetti
Braga. Espaço Cultural Pedro Remy. R. Dom
Gualdim Pais, 36, às 22h. Tel.: 253610300.
Da Casa dos Mortos
Direcção Musical de Esa Pekka-
Salonen. Encenação de Kristiina
Helin. Coro e Orquestra Gulbenkian.
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian
- Grande Auditório. Av. de Berna, 45A, às 19h. Tel.:
217823700. 15€ a 35€.
Mês Janácek.
Strauss Festival Orchestra e
Strauss Ballet Ensemble
Porto. Coliseu. R. Passos Manuel, 137, às 21h30. Tel.:
223394947. 15€ a 45€.
Elena Rojas e Wei-Hsien Lien
Monte Estoril. Museu da Música Portuguesa - Casa
Verdades de Faria. Av. Sabóia, 1146 - B., às 18h30.
Tel.: 214815901. Entrada gratuita.
9 Years of Sonic Culture
Com Wolfgang Voigt + Jorg Burger,
Magda, Expander, Manu, André,
Dexter.
Lisboa. Lux Frágil. Av. Infante D. Henrique -
Armazém A, às 23h. Tel.: 218820890. Consumo
mínimo.
Paula Sousa Quinteto
Lisboa. Onda Jazz. Arco de Jesus, 7, às 22h30. Tel.:
919184867. 8€.
Sábado 8
Kátia Kabanová
Lisboa. Teatro Nacional de São Carlos. Lg. S.
Carlos, 17. 2ª, 3ª, 4ª, 6ª e Sáb. às 20h. Dom. às 16h.
Tel.: 213253045. 30€ a 75€.
Mês Janácek.
9 Years of Sonic Culture
Com Wolfgang Voigt + Jorg Burger,
Expander.
Laginha na interpretação do Concerto
para Piano e Orquestra que o pianista
e compositor escreveu em 2009, após
vários anos de hesitação. O facto de
ser um género musical com um
grande peso da história e uma galeria
de obras magníficas intimidava-o, mas
a paixão pelo desafio foi mais forte.
Laginha é um dos grandes nomes do
jazz, mas a sua sensibilidade foi
formada também pela música
clássica e por muitas outras
músicas, as quais
convoca
sempre que tem
necessidade. Um dos
exemplos evidentes, com
excelentes resultados, é o
seu Chopin revisitado por
arranjos jazzísticos,
Hoje no Porto (às 21h, na Casa
da Música) e amanhã em
Lisboa (à mesma hora, no
Centro Cultural de
Belém), a
Orquestra
projecto gravado
recentemente
em disco.
No texto que
escreveu sobre
o seu
Sinfónica do
Porto vai
Laginha é um dos grandes
nomes do jazz, mas a sua
Concerto
para Piano,
partilhar o palco
sensibilidade foi formada
Laginha
com Mário também pela música clássica
recorda que
Esa Pekka-Salonen dirige
na Casa da Música e na Gulbenkian
Porto. Gare Clube. Rua da Madeira, 182, às 0h. Tel.:
912564343.
Domingo 9
Orquestra Barroca Casa da
Música
Porto. Casa da Música - Sala Suggia. Pç. Mouzinho
de Albuquerque, às 18h. Tel.: 220120220. 11€.
Obras de Händel, Marcello, Corelli,
Telemann e Vivaldi.
Terça 11
Philharmonia Orchestra
Direcção Musical de Esa-Pekka
Salonen. Com Leila Josefowicz
(violino).
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian -
Grande Auditório. Av. Berna, 45A, às 21h. Tel.:
217823700. 25€ a 65€.
António Rosado e Orquestra
Metropolitana de Lisboa
Direcção Musical de Isin Metin.
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Grande
Auditório. Pç. Império, às 21h. Tel.: 213612400. 5€ a
20€.
À Descoberta do Mediterrâneo -
obras de Rossini, Saint-Saëns e
Saygun.
Luís Figueiredo Trio
Porto. Casa da Música - Sala 2. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 19h30. Tel.: 220120220. 7,5€.
Ciclo Jazz Galp.
Quinta 13
Philharmonia Orchestra e Coro
Gulbenkian
Direcção Musical de Esa-Pekka
Salonen. Com Attila Fekete (tenor),
Michele Kalmandi (baixo).
Lisboa. Coliseu dos Recreios. R. Portas St. Antão,
96, às 21h. Tel.: 213240580. 20€ a 65€.
Ciclo Grandes Orquestras. Obras de
Bartók e Stravinsky.
La Shica
Braga. Theatro Circo - Sala Principal. Av.
Liberdade, 697, às 21h30. Tel.: 253203800. 12€.
MUSA - Ciclo no Feminino.
“a linguagem do jazz se desenvolveu
afastando-se do universo clássico” e
que “a forma como se tocam os
instrumentos, o som que se tira deles
e as próprias formações” conferiram
“uma identidade muito própria ao
jazz”. Por essa razão, poderia
“parecer um contrasenso tentar
reaproximar aquilo que
naturalmente se separou”, só que a
postura de Laginha é outra: a de
assumir a contaminação das músicas
e dos estilos que o atraem. “Aquilo
que eu pretendi fazer foi
simplesmente tentar perceber o que
posso utilizar, como devo utilizar e
quando utilizar essas características.
É um terreno difícil, mas o desafio é
demasiado atraente.”
O programa, dirigido por
Christoph Konig, inclui ainda a
“Rapsódia Americana”, de Ernst von
Dohnányi, compositor húngaro que
se mudou para os Estados Unidos
após a Segunda Guerra Mundial — o
país-tema da nova temporada da
Casa da Música são os EUA — e o
poema sinfónico de Richard Strauss
“Uma Vida de Herói.”
36 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

19:30 SALA 2
—
PORTRAIT
WOLFGANG
RIHM II
www.casadamusica.com | www.casadamusica.tv | T 220 120 220
Wolfgang Rihm
Quartetos nº 3
e nº 5
Olga Neuwirth
In the realms
of the unreal
(estreia portuguesa;
encomenda da Cité de
la Musique, Casa da
Música, MaerzMusik/
Berliner Fetspiele e
ORF/musikprotokoll)
MECENAS CASA DA MÚSICA
APOIO INSTITUCIONAL
MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA
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Ípsilon • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • 37

Discos
Clássica
O inesgotável
fascínio de
Pergolesi
A veterana Bernarda Fink e a
jovem Anna Prohaska numa
interpretação de grande
nobreza expressiva do mais
célebre “Stabat Mater” da
história da música. Cristina
Fernandes
Giovanni Battista Pergolesi
Stabat Mater
Anna Prohaska, Bernarda Fink
Akademie für Alte Musik Berlin
Harmonia Mundi
mmmmn
Bernarda Fink associou-se a uma cantora de uma
geração mais jovem, a soprano Anna Prohaska
A discografia do
“Stabat Mater”, de
Giovanni Battista
Pergolesi (1710-
1736), é imensa,
mas esta obra
lendária terminada poucos dias antes
da morte do compositor não cessa de
fascinar os intérpretes. O carácter
teatral da música (que no Barroco era
comum também a muitas obras do
repertório sacro, à própria liturgia e
às artes visuais), o seu intenso
“pathos” expressivo e a sua
inspiração melódica permanecem até
hoje como um grande atractivo. Com
um brilhante percurso ligado à
música barroca e ao mundo do Lied,
é natural que a meio-soprano
argentina Bernarda Fink também
quisesse incluir esta obra-prima entre
os seus registos discográficos. No ano
em que passam três séculos do
nascimento de Pergolesi,
associou-se s a uma
cantora a
de uma
geração mais jovem
(a soprano Anna
Prohaska) e à
Akademie für Alte
Musik Berlin numa
interpretação
envolvente vente de grande
nobreza
expressiva,
que evita
os exageros
operáticos dos
intérpretes
menos
familiarizados
com as
práticas
de
execução
históricas
e
também
os
contrastes
demasiado
abruptos
de algumas orquestras barrocas
italianas. O timbre dourado e os
graves redondos de Bernarda Fink,
que nos oferece uma leitura de
intensa profundidade dramática,
contrastam com a clareza cintilante
da voz de Anna Prohaska (cujo
timbre se torna por vezes um pouco
estridente nos climaxes), mas as
duas cantoras conseguem em geral
uma boa sintonia nos duetos do
“Stabat Mater” e na “Salve Regina”
em Dó menor. As obras vocais são
intercaladas por peças instrumentais
que prolongam a atmosfera
pungente do programa,
nomeadamente a sombria Sinfonia
Rv. 169 “Al Sancto Sepolcro”, de
Vivaldi, e o Concerto a 4 “Il Pianto
d’Arianna”, de Locatelli. Nesta
última obra, a Akademie für Alte
Musik exibe o seu habitual rigor
técnico e sonoridade polida, mas
poderia ter ido mais longe na
liberdade “declamatória” e na
fluência rítmica, tendo em conta que
se trata de uma evocação
instrumental de um “Lamento”,
peça de origem vocal, neste caso
associada ao famoso episódio de
Ariana abandonada pelo seu amante
Teseu na ilha de Naxos.
Pop
Até desaparecer
completamente
Syd Barrett
An Introduction to Syd Barrett
Harvest; distri. EMI Music
mmmmn
Ouvir de rajada
estes três
curtíssimos anos
(de 1967 a 1970) não
é um ponto de
partido, não é “uma
introdução”, como anuncia o título.
Syd Barrett, fundador e primeiro
líder dos Pink Floyd, surge primeiro
como talento pop fascinante, ante, capaz
de canalizar o ambiente libertário
da swinging London para a um
imaginário único, de uma
luminosidade sonhadora a que
a produção inventiva reflecte
como poucas outras bandas
antes ou depois dela.
Barrett, habilíssimo com as
palavras, fez do psicadelismo ismo
recreio infantil, com a
inocência da infância eivada
de perversidade adulta
(conferir “Arnold Layne”, o
primeiro single), fez dele
viagem tripada entre uma
Inglaterra de contos
fantásticos e o espaço lá
em cima, por descobrir.
Fez isso, como nenhum
outro, rápido como
nenhum outro. E,
tragicamente,
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
misteriosamente, desapareceu pouco
depois (afogado em LSD, o que, diz
uma das teorias – há muitas teorias
sobre Syd Barrett -, terá provocado o
seu colapso mental).
Em “An Introduction to Syd
Barrett”, colectânea supervisionada
por David Gilmour, o amigo de
infância que o substituiu nos Pink
Floyd, em 1968, e a primeira a juntar
o trabalho do Barrett com os Floyd e
a obra a solo, não é apenas uma
colecção de música admirável, da
melhor que o século XX pop
produziu. É também a história da
desintegração de um artista e dos
seus últimos momentos de lucidez
antes da queda no abismo.
A efervescência que empregara
nos Pink Floyd, aqui representados
por singles como “Arnold Layne” ou
“See Emily Play” e por canções como
“Chapter 24” ou “Matilda mother”
(esta em versão alternativa, anterior à
que seria incluída em “Pipper At The
Gates of Dawn”, o álbum de estreia),
desvanece-se no preciso momento
em que passamos de “Bike”,
psicadelismo em versão music-hall e
a última canção de “Pipper”, para
“Terrapin”, a primeira do primeiro
álbum a solo de Barrett, editado em
1969. A música despe-se a voz e
guitarra, a voz torna-se grave, quase
perturbadora, e Barrett passa a
habitar um espaço só seu. Não há
“swinging London”, não existe nada
mais que um homem, incrivelmente
talentoso, refugiado em si mesmo, às
voltas consigo mesmo. Mas, e isto é
importante, alguém consciente do
processo que atravessava – a
“loucura”, arma fetiche para a
valorização dos seus álbuns a solo,
não é evidente nas canções que
deixou. O que se ouve aqui é uma
instabilidade emocional que o leva da
resignação - “cause we’re the fishes
and all we do, is move about is all we
do”, em “Terrapin” – à euforia
romântica de “Love you”. Que o leva
à desistência nessa negríssima
“Dominoes”, ao toque de Midas
rock’n’roll, novamente, na
excentricidade de “Gigolo
aunt”, à tão neurótica
quanto contagiante
“Octupus”, u ao humor
de
“Bob Dylan blues”,
sátira e homenagem a
um
dos músicos que
mais admirava,
revelada pela
primeira r vez numa
colectânea
anterior,
editada em
2001.
Com a
ajuda de
Syd Barrett: como foi
possível tanto em tão
pouco tempo – e
depois desaparecer
completamente?
David
Gilmour,
Rick
Wright e
alguns Soft
Machine,
Syd Barrett
ressurgiu
em 1969 com “The Madcap Laughs”:
o título, naturalmente, é todo um
programa. No ano seguinte, lançou
“Barrett”, o segundo e último álbum
a solo (os dois, bem como “Opel”,
criado a partir das sobras das sessões
de ambos, foram reeditados em
paralelo à compilação).
Em três anos, Barrett passara de
estrela da contracultura britânica, a
mais cintilante, a mais promissora, a
trovador em queda, mistério
insondável que nunca conseguiremos
desvendar. A sua obra expõe todo
esse percurso com uma nudez ímpar
e com uma perturbadora
clarividência do ocaso que se
aproximava.
“An Introduction” apresenta cinco
das suas dezoito canções em novas
misturas, um baixo regravado por
Gilmour, com a discrição que se
impunha., para “Here I go”, e dá-nos
a possibilidade de aceder, através do
site sydbarrett.com, ao inédito
“Rhamadan” (mera curiosidade, uma
jam de vinte minutos da primeira fase
dos Pink Floyd).
“An Introduction” não nos revela
nada que não soubéssemos. Prolonga
o fascínio e a admiração provocada
por esta impressionante explosão
criativa. E deixa-nos, ainda, com uma
sensação de angústia: como foi
possível tanto em tão pouco tempo –
e depois desaparecer
completamente? M.L.
Vários
Tradi-Mods vs.
Rockers
Crammed; distri.
Megamúsica
mmmmn
Vários
Congotronics: Box
Set
Crammed; distri.
Megamúsica
mmmmm
Lamelas metálicas fixadas sobre uma
caixa de ressonância, às quais se
aplicam pick-ups de fabrico caseiro
que imitam a captação de uma
guitarra eléctrica. Likembés de uma
fragilidade tremenda, tratados como
se fossem as clássicas Les Paul.
Electricidade lançara para a mesma
rua que permite a sobrevivência da
música não a matar com carros em
aceleração. Este é o grande segredo
dos grupos que compõem a série
Congotronics, o movimento tradimoderne
dado a conhecer ao mundo
com o álbum igualmente baptizado
como “Congotronics” e gravado
pelos Konono Nº1 em 2002. O
impacto deste disco – e dos três que
ampliaram a série – junto do público
e dos músicos europeus e norteamericanos
foi de tal ordem que
Björk e Herbie Hancock não
resistiram a chamar os Konono para
embelezarem os seus discos.
38 • Sexta-feira 7 Janeiro 2011 • Ípsilon

Congotronics: se pensarmos que em tempos recentes se tornou
especialmente bem visto resgatar e citar influências africanas num
contexto rock
Mas foi tal o fluxo contínuo de
entusiasmo por parte de músicos
vários que continuava a chegar ao
quartel-general da Crammed Discs
em Bruxelas, que convenceu o seu
director, Marc Hollander, a arriscar
um convite: desafiar uma série de
nomes conotados com música mais
alternativa, do rock dito indie a gente
filiada na electrónica de ponta, ou até
a folks de origem distinta, a pegar no
imponente legado que a série
constitui já e reinventá-lo sem
respeitar quaisquer regras. Ou seja:
era permitido remisturar (opção que,
felizmente, não foi a privilegiada),
compor novos temas inspirados pelos
Congotronics, erguer canções de raiz
com recurso a frases musicais tiradas
dos originais, todas as variáveis
possíveis desde que o mote fosse
dado pela música congolesa em
questão.
Se pensarmos que em tempos
recentes se tornou especialmente
bem visto resgatar e citar influências
africanas num contexto rock –
independentemente dos resultados
especialmente vibrantes de gente
como Vampire Weekend ou Yeasayer
e afins –, “Tradi-Mods vs. Rockers”
parece abrir uma curiosa caixa de
Pandora, em que ao invés de soltar
todos os males do mundo promete
soltar a influência africana por todo o
mundo criativo ocidental. Claro que
antes de toda esta gente já Damon
Albarn fora aprender a tocar guitarra
no Mali e o deixara bem carimbado
no disco “Think Tank” e no material
dos Gorillaz – além do óbvio “Mali
Music” –, mas a verdade é que ouvir
esta compilação dupla, que apenas
sofre do defeito de chamar
demasiados nomes ligados
umbilicalmente à Crammed, é uma
belíssima janela aberta para um
futuro que apetece adoptar.
Animal Collective e Andrew Bird
eram daqueles casos em que
facilmente os víamos a pousar as
bagagens musicais no terreno
africano e os resultados são
excelentes confirmações dessa
suspeita. Mas há por aqui maravilhas
imprevisíveis como a canção que
Juana Molina constrói por cima dos
Kasai Allstars ou o “aplique Kronos
Quartet” dado pelo experimentalista
Jherek Bischoff aos Konono Nº1. E se
há quem construa, há igualmente
quem desconstrua, com notável
mestria, as coordenadas iniciais: as
viagens musicais de Micachu & the
Shapes e Oneida por terras do Congo
são disso prodigioso exemplo. E
assim por diante, com um par de
abordagens mais indiferentes, este
“Tradi-Mods vs. Rockers” assume-se
quase sempre como um olhar curioso
e esforçado por pedir uma inspiração
emprestada e devolvê-la não
melhorada mas devidamente
transformada.
Claro que passar daqui para os
discos originais da série Congotronics
– acrescido de “Très Très Fort” dos
Staff Benda Bilili, de um single de
encontro entre os Kasai e os Akron/
Family e de uma pen com todos os
discos em mp3 mais uma dezena de
vídeos – é concorrência desleal. A
caixa de cinco LP e single em vinil
com que a Crammed celebra a sua
série é uma edição de luxo a todos os
níveis. Mas, antes de mais, ao nível da
música. Cada um dos volumes é um
portento sonoro e um mergulho
fundo em Kinshasa, através de
músicas circulares, em jeito de rituais
hipnóticos com danças sensuais a
levantar pé em terra batida, um
convite a abandonarmo-nos num
transe melodicamente riquíssimo e
ritmicamente desconcertante. Da
totalidade, destaca-se naturalmente o
“Congotronics” original pela sua
reverberação urgente, ainda que os
retratos mais amplos dados pelos
Kasai Allstars (colectivo formado por
membros de vários outros grupos) e a
compilação “Congotronics 2” não lhe
fiquem muito atrás. Os Staff Benda
Bilili, habitualmente fora destas
contas, ganham aqui um natural
contexto que faz todo o sentido –
sendo igualmente uma banda de rua
de Kinshasa, desconsiderada na sua
terra e que vive também da passagem
de instrumentos precários pela
electricidade.
São, em boa verdade, cinco obrasprimas.
E juntá-las numa só edição é
coisa que mexe com os nervos de tão
imediatamente o vício se impõe.
Prepare-se para comprar agulhas
novas (para o gira-discos,
obviamente). Gonçalo Frota
MECENAS
CASA
DA
MÚSICA
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