Homosexual's Film Quarterly - Sissy

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Von oben: „Volver“ (2006), „Schlechte Erziehung – La mala educatión“ (2004), „Alles über
meine Mutter“ („Todo sobre mi madre“, 1999), Pedro Almodóvar bei den Dreharbeiten zu
„Zerrissene Umarmungen“
entzwei ist, wankt sie orientierungslos durch einen aus den Flugblättern
eines Demonstrationszuges gebildeten papierenen Schneesturm:
Ihr süßlicher Lebensentwurf ist zerrissen. Nach einem gescheiterten
Selbstmordversuch kehrt Leo in ihr Heimatdorf zur Mutter zurück.
Eine Rückkehr zu ihren natürlichen Wurzeln? Wird sie von nun an
ein „authentisches“, von jeder Fiktionalität gereinigtes Leben führen?
Nein, denn an dieser Stelle füllt Almodóvar die Leinwand ganz
mit einem wunderbaren Bild aus: Eine textile Struktur, eine Textur,
eigentlich die Spitzenklöpplerei der sich dabei Geschichten erzählenden
Nachbarinnen, doch im übertragenen Sinne Text. Leo schreibt
an einem neuen Lebensentwurf, und sie wird fortan andere, bessere
Bücher schreiben. Ihre bisherige Arbeit übernimmt ein kleiner, etwas
dicklicher heterosexueller Mann, Ángel (Juan Echanove), der schon
immer Kitschromanautorin werden wollte und auch gerne Leos Liebhaber
wäre. Doch am Ende des Films macht, wie Christoph Haas in
seinem lesenswerten Buch „Almodóvar. Kino der Leidenschaften“
treffend feststellt, ein „Hinweis auf George Cukors letzten Film Die
wilden Reichen (Rich and Famous, 1981) klar: Er ist fortan Leos ‚beste
Freundin.‘“
Wenngleich die Filme Almodóvars nur selten explizit schwule
Liebesbeziehungen thematisieren, so dürfen sie doch insofern das
Prädikat „schwul“ für sich beanspruchen, als sie – ganz im Sinne der
„Queer Theory“ – eine spielerische Zersetzung und Reformulierung
traditioneller Geschlechter- und Lebensentwürfe betreiben. Dass
dieses – oberflächlich besehen zuweilen recht unschwule – „Kino der
Möglichkeiten“ vor allem auch ein schwules Publikum anspricht, verwundert
wenig, da dieses permanent zur Suche nach Alternativen zu
den gesellschaftlich immer noch vorherrschenden heterosexuellen
Mustern gezwungen ist. Ein Zwang, der andererseits aber auch eine
Chance und eine Freiheit bedeuten kann.
Zerrissene Umarmungen bleibt den Prinzipien von Almodóvars
„Kino der Möglichkeiten“ treu, ja lässt sie vielleicht noch deutlicher,
raffinierter und eleganter zum Zuge kommen. Im strahlenden
Zentrum des Films steht Almodóvars neue Muse und Leading Lady
Penélope Cruz, die Lena verkörpert, eine Schauspielerin, die auch
in ihrem Privatleben mehrere unterschiedliche Rollen – aufopferungsvolle
Tochter, verschlagene Femme fatale und hingebungsvolle
Geliebte – zu spielen hat und dabei in die unterschiedlichsten und
aufregendsten Kostümierungen schlüpft. Lena ist die Hauptdarstellerin
in Mateo Blancos (Lluis Homar) neuester Komödie „Frauen und
Koffer“, die origineller Weise stark an Almodóvars Frauen am Rande
des Nervenzusammenbruchs erinnert. Doch der Dreh entwickelt sich
zu einem wahren Horrortrip. Denn Regisseur und Darstellerin verlieben
sich sofort unsterblich ineinander, werden jedoch pausenlos von
Lenas älterem und extrem eifersüchtiger Lebensgefährten Ernesto
Martell (José Luis Gómez) observiert. Der mächtige Finanztycoon
und Produzent des Films hat nämlich seinen verkappt schwulen Sohn
(Rubén Ochandiano), der ebenfalls ein Auge auf Mateo geworfen hat,
mit einer Making-Of-Dokumentation der Dreharbeiten beauftragt –
in Wahrheit ein Überwachungsvideo. Zu allem Überfluss blickt auch
noch Mateos Produktionsleiterin Judit (Blanca Portillo) mit Argwohn
auf die neue Verbindung ihres Ex-Geliebten. Unweigerlich läuft die
explosive emotionale Gemengelage auf eine schreckliche künstlerische
und menschliche Katastrophe hinaus, die Tod und Verderben
mit sich bringt und deren Sprengkraft selbst 14 Jahre später noch
ihre Wirkung zeigt. Zerrissene Umarmungen ist nämlich auf mehreren
Zeitebenen angesiedelt und knüpft mit seiner kunstvoll verschlungenen
Erzählstruktur an die formale Virtuosität von La mala
Educación – Schlechte Erziehung an. Abgesehen davon treibt dieser
Film das hintergründige Vexierspiel mit Realität und Fiktion auf die
Spitze, zitiert ebenso dreist wie lustvoll bekannte Highlights aus der
Kinogeschichte sowie aus Almodóvars eigenem Werk und wimmelt
dementsprechend von Spiegelungen, Verzerrungen und Verdopplungen.
Das muss man gesehen haben. s
MFA
rADIAnT bAby
von jan künemund
Am 23. juli kommt der Dokumentarfilm „Keith Haring“ von Christina Clausen ins Kino. Er feiert das
kurze und wilde Leben eines Künstlers, der den Pop geliebt hat und von diesem zurückgeliebt wurde.
s Keith Haring (1958–1990) war ein großer Verunreiniger
von Kategorien. Seine Kunst machte die Vorstellungen
von High Art auf der einen und Street Culture auf der
anderen Seite gleichermaßen fraglich.
Aber das war nur einer der vielen Verwirrungen, die
Haring mit seiner Pop-Ikonen-Produktion stiftete. Der
Zusammenhang zwischen Kunst und Kommerz beispielsweise
wurde auf der Ladentheke seiner verschiedenen
Pop Shops und in Deals mit Absolut Vodka und
Swatch verhandelt. Der demokratische Slogan „Kunst
für Jeden“ stammte von einem bestens in den internationalen
Kunstmarkt integrierten Kreativen, um den sich
der Museumszirkus zwischen documenta und Whitney
Biennial rissen. Die Verankerung Harings in der schwulen
Subkultur New Yorks der 1980er Jahre stand einer
massenhaften Verbreitung, ja geradezu Ikonisierung
seiner Werkmotive auf Postern, T-Shirts, Stoffbeuteln
keinesfalls im Weg. Keith Haring hat Warhol und Disney
auf eine Stufe gestellt, hat die Kunstwelt mit
Graffiti, Hip Hop und Skateboarding bekannt
gemacht und die lebensfrohesten, buntesten
Bilder über den Tod gemalt. Er hat Populärkultur
aufgegriffen und sie selbst wieder mit
neuen Motiven versorgt, fast so, als sei er nur
das Medium der durch ihn hindurch laufenden
Bilder, die Menschen tagtäglich als Zeichen
der Lust, Erregung, Angst und Schönheit produzieren.
Doch auch dieses Medium hat eine Biografie.
Ein Jahr vor seinem Tod bat Keith Haring
den bekannten Kulturjournalisten und Biografen
John Gruen darum, sie aufzuschreiben
(„Keith Haring: Die autorisierte Biographie“).
In langen Interviews wurde der bis dahin
30-jährige Lebenslauf rekonstruiert, die Tonbänder
davon existieren noch. Haring erzählt
von seiner Kindheit in Pennsylvania, seinen
Anfängen als Werbegrafik-Student, seiner
autodidaktischen Weiterbildung. Dann, 1978:
New York. Der Kunst-Underground, New
Wave und die schwule Subkultur. Performances
im öffentlichen Raum, Zusammenarbeit
mit anderen Künstlern. Der Erfolg. Die HIV-
Diagnose kam 1988. Zwei Jahre später wird er
daran sterben.
Die dänische, in Italien lebende Dokumentarfilmerin
Christina Clausen hat diese Tonbänder
in ihrem Portrait über Keith Haring
verwendet. Über dem aufbereiteten Material
aus den Archiven und Museen liegt die Stimme des
Künstlers. Aber Clausen hat noch weitere O-Töne im
Gepäck, eine Phalanx aus Wegbegleitern und Freunden,
die Harings Werk aus ihrer Perspektive verfolgt haben
oder sogar Teil davon geworden sind, wie Grace Jones, die
sich für ein Musikvideo von Haring hat anmalen lassen.
Auch Andy Warhol taucht auf, Madonna, Bill T. Jones,
Fab 5 Freddy, David LaChapelle, Kenny Scharf, Junior
Vasquez, Yoko Ono – ein Chor von Menschen, ohne die
das New York der 1980er heute kein Begriff mehr wäre.
Nicht weniger als The Universe of Keith Haring (so der
Originaltitel des Dokumentarfilms) soll mit diesem Film
abgebildet und gefeiert werden. Ein komplexes Gebilde
aus Trends, Stilen, prominenten und ganz normalen
Menschen, aus Straße und White Cube, aus Krankheit
und Lebensfreude, aus Naivität und Kalkül. Die Kunst der
Verführung war Keith Harings großes Spiel. Die meisten
sind ihm erlegen. s
Keith Haring
von Christina Clausen
FR/IT 2008, 90 Min, dt. Voiceover
MFA, www.mfa-film.de
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Im Kino
Ab 23. Juli
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